Revista Kuadro No. 33

F OTO S D E J AV I E R S OTO

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Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 33 ‘DEATH BUSINESS: LA VERDADERA HERENCIA MUSICAL’ FEBRERO-MARZO2020

¡Por fin llegó a nosotros el 2020! En apenas dos meses, nos ha sacudido bastante este año que pondrá fin a una década, entre rifas de aviones, virus con nombres de bebidas espirituosas y claro, una ola inmensa de anuncios de conciertos y festivales que inundarán nuestro país. Nada mal para este arranque.

Y claro, en Revista Kuadro no podríamos quedarnos atrás, así que para nuestra primera edición de este año, traemos en portada a una de las bandas mexas que a partir de su fusión de ritmos latinos y con un buen background en la escena independiente, hoy en día se posiciona como una de las propuestas latinas que acapara los reflectores nacionales e internacionales.

Los hermanos Sotomayor se encuentran rompiéndola en grande, con una nueva producción bajo el brazo titulada Orígenes; Paulina y Raúl nos contaron todos los detalles de este material, en el que arriesgaron y experimentaron más que sus anteriores trabajos. ¡Imperdible esta charla!

Nuestro dossier de este número viene a meter polémica, demandas de herencias y calculando fortunas. Muchos discos, giras y mitos, son solo algo del legado que dejan nuestros ídolos de los escenarios, pero ¿cómo se mide de verdad éste? ¿por regalías? ¿homenajes? ¿muertes trágicas? ¡Tranquilos! que nuestras finas plumas de casa, los llevarán al veredicto final en: Death Business: la verdadera herencia musical.

Para seguir con la difusión de propuestas y sonidos latinos, encontrarán en nuestras páginas también entrevistas con Bandalos Chinos, Surfistas del Sistema, Los Mesoneros, quienes cuentan con una fan base muy fuerte en nuestro país, además de las propuestas de casa como lo son Jet Nebula y El Muchacho de los Ojos Tristes, y como un gran plus, un íntimo acercamiento con los chicos de DIIV. Reviews de discos, un repaso por los más recientes gigs y festivales que nos han hecho vibrar, además de recomendaciones, sonidos de varias partes del globo y por supuesto, nuestras secciones de casa, que edición tras edición, se comprometen a traer una probadita de mejor que suena en la escena nacional e internacional. ¡Gracias a todos los que hacen posible el #33! A todo el team kuadro: redacción, foto, arte, diseño, prensa, pr y editores; así como a nuestros partners y aliados que confían, motivan y siguen creyendo en este proyecto, pero más que nada, a ti querido lector, seguidor, que por varios años nos vienes acompañando. ¡Bienvenidos a una nueva edición!

Javier Jarquín

REDACCIÓN DIRECCIÓN GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN JEFA DE INFORMACIÓN MA. JOSÉ SÁNCHEZ EDITORES WEB ALDO FRANCO DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS ARTE & DISEÑO IVANA CASTRO FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ DORA MÉNDEZ RELACIONES PÚBLICAS CARLOS SAÍN JOSÉ CURDA

MA. JOSÉ SÁNCHEZ DIEGO GARCÍA ARTURO FLORES JAY ROS MARIANA VELASCO MARIANA HERNÁNDEZ ALEJANDRO SERVÍN DORA MÉNDEZ CARLOS VALLE ALDO FRANCO MARTÍN VARGAS QIQE ÁVILA EDWIN LÓPEZ VÍCTOR HERNÁNDEZ BENJAMÍN DÍAZ ADONIS ESPINOSA BRENDA VALDERRABANO ERIC DEL REY

FOTOGRAFÍA JAVIER SOTO ALEJANDRO SERVÍN RODRIGO GUERRERO EDWIN LÓPEZ QIQE ÁVILA DIEGO GARCÍA CHRISTOPHER GONZÁLEZ RODRIGO DÍAZ

DISEÑO THE JAVISCEFFECT ROBERT “ZEPOL”

E N T R E V I STA S

04/ Jet Nebula 06/ D I I V 08/ Bandalos Chinos 10/ Surfistas del Sistema 12/ Los Mesoneros 14/ El Muchacho de los Ojos Tristes 16/ Sotomayor

DOSSIER

22/ Longevidad, decadencia y fanatismo 24/ La música sí tiene edad 26/ Ya siéntense señorxs (o evolucionen) 28/ Los aplausos no pagan las cuentan 30/ Tributo, homenaje y covers musicales 32/ El legado no se crea ni se destruye, solo a veces estorba 34/ Kuadro Live 38/ Kuadro Escucha 39/ Puerta De Entrada: Point Decster 40/ Kapturados 44/ Kuadro De Honor 45/ La Kolumna 46/ Kuadro Beat 48/ Reseñas De Discos

La Agrupación Está A La Altura Del Rock Psicodélico, Que Antepone La Expresión A La Forma, El Instrumento A La Estructura

Todo empezó cuando Dai (el baterista) conoció a Mike, el guitarrista, en un sitio ideal para conocer que un músico conozca a otro músico, el G. Martell.

Cuando dos sueños se unen, es cuestión de tiempo para que lo demás se empape de ensueño, y así pasó.

Después aparecieron Vlati (bajista), y Alexai (sintetista), los dos ausentes de la tarde. Finalmente, llegó Edgar

(el segundo sintetista) redondeando esa fresca agrupación mexicana que promete darle un poco de color al inmenso, pero a veces opaco, horizonte musical mexicano.

Durante el trayecto por la colonia Roma, llegamos a la fachada de una casa en la calle de Frontera, donde Dai (quien no es el líder pero parece uno) termina de contarme la historia: “Una vez armada la banda empezamos a improvisar. Aunque cada uno traía su sonido, a todos nos encantaba la psicodelia, así que adaptamos la esencia de todos en ese concepto llamado Jet Nebula”. ¿Pero cómo surgió el nombre de la banda? Mike Puga (el de la idea) es ahora el que responde: “Nos pusimos a buscar nombres, y justo en un día encontré el de la nebulosa mariposa que en inglés es Twin Jet Nebula y que tenía ondita. Y, además, como nos encantan las texturas del space rock lo tomamos y le recortamos a Jet Nebula”.

Con un EP homónimo de cinco canciones que salió a la luz en 2019, Jet Nebula apunta a lo alto. En diciembre, fueron parte del Festival Transferencia (Volumen 1) al lado de bandas como Mystic Braves, Vaya Futuro y Era de Aquario. Y ahora, este año la agrupación viene con todo para estar, como mínimo, en un festival como Hipnosis.

Con canciones como “Stoner Dembow”, (de casi diez minutos en la que la banda se pierde en un viaje sensorial e

-“NO QUEREMOS QUE NOS IDENTIFIQUEN COMO ROCK PSICODÉLICO PORQUE NUESTRAS ÚLTIMAS ROLAS YA NO SON TAN ROCK. ES PSICODELIA Y YA”-

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Algo más casual o cotidiano pero sin dejar de lado la psicodelia. Así son los chicos de Jet Nebula, y así también fue la entrevista que tuvimos con tres de los cinco integrantes.

Ellos son Mike Puga, Dai y Edgar, a quienes nos encontramos fuera de La Roma Records. En vez de sentarnos afuera de la tienda de discos, ellos prefieren caminar y platicar como si estuviéramos en una charla entre amigos. Así, mientras caminamos en busca de un lugar para las fotos de rutina, los chicos me cuentan sobre el origen de la banda.

por Diego García / fotos Rodrigo Guerrero

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hipnótico) la agrupación parece estar a la altura de esa nueva escena creciente del rock psicodélico, que antepone la expresión a la forma, el instrumento a la estructura.

“Al principio si queríamos un vocalista” me dice Edgar (quien confiesa que fue corrido por Dai para después ser traído de vuelta). “Incluso fueron dos a probarse pero ninguno nos convenció.

Fue entonces que decidimos rellenar esos huecos con más texturas”. Un gran acierto, porque es gracias a ese rock instrumental que la Jet Nebula ha logrado colocarse entre nombres como Tajak, Sei Still o El Shirota, proyectos que se han atrevido a cruzar el portal de “lo convencional” en el rock, siguiendo la estela dejada por una banda de culto como Austin TV. Ya entrados en confianza, les preguntó sobre sus anhelos y sus sueños como banda. Dai es el primero que responde: “Quiero que todos escuchen nuestra

música, que es como la alfombra mágica que nos va a llevar a todo el mundo”.

muy ‘tripiosa’”, finaliza Dai, siempre enérgico y desenfadado.

Edgar responde después y agrega que: “Para mí, lo importante es crear un concepto que también involucre lo visual. No queremos que nos identifiquen como rock psicodélico porque nuestras últimas rolas ya no son tan rock. Es psicodelia y ya.”

Respuestas distintas a una misma pregunta; diferentes colores a una misma composición; historias y gustos en un mismo lienzo. Una mezcla de caminos en donde cada uno compone desde sus propias referencias. Mike, por ejemplo, desde su admiración por David Gilmour, profeta más grande, y el rock progresivo de bandas como King Crimson y Rush; Edgar desde su preferencia por grupos más electrónicos como Chemical Brothers o Disclosure; y Dai desde su propia lista de nombres que incluye desde Nate Smith, Hiatus o Tame Impala hasta la onda trazada del hip hop.

¡Psicodelia y ya! Sí… a todo esto. ¿Qué es la psicodelia para cada uno?

“Es la libre experimentación”, me responde Mike Puga sin pensarlo mucho.

“Es tener la libertad de experimentar géneros, de meter riffs que no van con el género”, agrega Edgar.

“Es romper barreras de género y una manera de enfocarnos en la música donde cada uno le mete su propia sazón diferente creando una fusión

Eso es la psicodelia, y, así son los chicos de Jet Nebula. ¡Psicodelia, y ya!

La Banda Ha Regresado Con Un Sonido Que Si Bien Sigue La Oscuridad De Sus Anteriores, Intenta Conectar Desde Una Nueva Experiencia.

Revista Kuadro (RK): Si algo caracteriza la música de DIIV es que ha sido capaz de combinar las atmósferas del shoegaze con la catarsis del grunge. ¿Cuál es la relación entre la música que haces con Kurt Cobain?

ZCS: Vaya, Kurt es uno de los músicos más famosos e importantes de todos los tiempos, no hay nadie como él. Hemos crecido, y hubo un tiempo donde era todo lo que escuchábamos, pero ahora que nos hemos separado mucho de ese sonido no deja de ser una referencia necesaria para entender el nuestro.

RK: ¿Qué opinan de ser llamados una banda de shoegaze?, ¿se identifican con esa etiqueta?

ZCS: No del todo. Tampoco tenemos tema en que nos llamen así, aunque, en realidad, lo que a nosotros nos interesa son las texturas y pues esas vienen de todos lados. Nuestras influencias son variadas, aunque, eso sí, escuchamos particularmente música con guitarras.

Obvio oímos mucho shoegaze, pero en realidad oímos de todo.

Aunque en sus primer disco, Oshin (2012), se notaba claramente la influencia de Nirvana y My bloody Valentine, en Is the is are (2016) la banda se acercó a un sonido mucho más personal e intenso, capaz de reflejar la lucha personal de Cole Smith, que como es bien sabido, sufrió mucho con adicciones personales y hasta con una relación un tanto tóxica con Sky Ferreira. Ahora, en Deceiver (2019), la banda ha regresado con un sonido que si bien sigue la oscuridad de sus anteriores, intenta conectar desde una nueva experiencia (y una nueva formación de la banda, ya sin el bajista Ruben Perez).

RK: Antes que nada, cuéntanos, ¿cómo fue lo de Ruben Perez (separado por comentarios sexistas y racistas en un post online) y cómo fue incorporar a alguien nuevo a la banda?

ZCS: Me gustaría no seguir hablando del tema, fue muy sonado lo que pasó con Ruben. Simplemente decidimos que era lo mejor para la banda. Caulfield se ha adaptado muy bien a la banda, comprende nuestro concepto y ha venido a aportar nuevas cosas a nuestro sonido.

-“PARA DECEIVER UTILICÉ ESAS EXPERIENCIAS QUE ME HICIERON ABRIRME Y SER HONESTO CON LO QUE SENTÍA, Y POR ESO SIENTO QUE ES UN DISCO HONESTO”-

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“Creo que todos los que tocamos la guitarra estamos influenciados por Nirvana de alguna forma.” Quién dice eso es Zachary Cole Smith (ZCS), cantante, compositor guitarrista y líder de la banda DIIV. ¿Quién más como Cole Smith para hablar sobre Kurt?

por Diego García / fotos cortesía de la banda

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RK: Ahora sí ¿cómo te sientes con el nuevo disco?

ZCS: Estamos muy orgullosos del resultado. Hemos trabajado muy fuerte en este material, tuvimos una idea muy clara desde el principio y lo que hemos logrado nos hace en verdad muy felices.

La idea era no repetir la fórmula de los dos primeros álbumes y creo que lo hemos conseguido.

RK: Cuéntanos un poco más sobre el nombre del disco.

ZCS: Nombrar algo es difícil. Queríamos algo que diplomáticamente podamos usar y que atravesara todo el álbum.

La idea de un deceiver, es la de alguien que miente, y que puede llegar a ser cualquiera, puedo ser yo, puede ser la víctima, puede ser cualquiera que se haya sentido engañado. Aplica también para el sentimiento de decepción presente en las canciones. Vaya, al final toca el tema de la gente en el poder que engaña era algo de lo que queríamos

hablar, que es la enfermedad, la tristeza, y las experiencias políticas internacionales alimentando el ciclo de la adicción de millones de nosotros.

RK: Pasando a temas más personales, ¿cómo influye tu vida personal en la composición y en la música?

ZCS: La rehabilitación me ayudó. Al salir tuve esa fuerza para escribir y revivir el proyecto de la mano de estos hermanos que siempre me han estado apoyando.

Para Deceiver utilicé esas experiencias que me hicieron abrirme y ser honesto con lo que sentía, y por eso siento que es un disco honesto.

Deciever es así una exploración profunda del dolor que hay debajo de las adicciones. Y eso, bonito o grotesco, es una experiencia estética real, capaz de llegar a la médula.

RK: ¿Y cómo decidiste dedicarte a la música?

ZCS: Ser músico es algo que siempre soñé. Me gustaba mucho escuchar discos en mi casa y tuve la fortuna de tener roomies que eran músicos.

Finalmente empecé a hacer música por mi cuenta, hasta que el camino me llevó a donde estoy ahora. Esa es mi historia.

Después de esa pregunta nos despedimos, y me queda la sensación de que acabo de hablar con alguien cercano a Kurt Cobain, bueno al menos en cuanto a las heridas y carne abierta.

Al final, los paralelismos entre ellos abundan: una banda con un sonido muy intenso, las guitarras frenéticas, las letras enigmáticas, las adicciones, las relaciones tormentosas. Sólo que Cole, al parecer ha superado el tormento de esa mítica edad de los 27; hoy tiene 31.

El Trabajar Con Adanowsky Hizo Que Esta Producción Tuviera Cierta Influencia Mexicana, Así Como También Del Rock Nacional Argentino Y Ritmos De Los Años 70

Fue en 2018 que lanzaron su primer LP titulado Bach y apenas en octubre de 2019 agotaron su primer Lunario, razones que fueron un pretexto perfecto para platicar con este sexteto originario de Argentina y nos contara todo acerca de este exitoso disco y su dinámica como banda. “Tener seis cabezas pensando es bastante productivo, pues hay muchas maneras de ver las cosas y respetamos todas las opiniones. Somos un buen equipo y trabajar juntos es una ventaja para crecer como banda”, dice Tommy, el guitarrista.

El arte de la portada de Bach fue creado por el artista Alberto Cabrera y podría representar la “casa china” donde la banda está metida y cómo fueron desarrollaron este proyecto, aunque Chapi, el tecladista, asegura que en sí, no es más que una idea estética de colores y formas.

El proceso de composición de este álbum tomó lugar en una pequeña casa en la sierra de Córdoba: “no fue algo que pensáramos, sino que estando ahí teníamos dos shows en dos ciudades diferentes y para no volver a Buenos Aires nos quedamos ahí y resultó ser algo muy nutritivo”, dice Goyo, el vocalista. Hecho esto, recurrieron al productor mexicano Adan Jodorowsky, quien les pidió llevar todas las canciones en guitarra: “el propósito de eso fue enfocarse en la música y que cada canción se sostuviera así misma sin ningún ‘maquillaje’, entonces todo resultó muy espontáneo porque no hubo tiempo de pensarlo dos veces y es un reflejo de lo que éramos en ese

momento”, asegura Iñaki, el segundo guitarrista. El trabajar con Adanowsky hizo que esta producción tuviera cierta influencia mexicana, así como también del rock nacional argentino y ritmos de los años 70.

“Vámonos De Viaje” es la canción que abre Bach y una de las más populares por su ritmo bailable, y también fue

-BACH ES UN ANTES

Y DESPUÉS EN LA CARRERA DE LA BANDA, PUES HABLA DE TODOS LOS CAMBIOS QUE TUVIERON QUE HACER EN SUS VIDAS PARA PODER GIRAR EL MUNDO-

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En los últimos años, México ha sido una parada obligada para muchísimas bandas sudamericanas que están haciendo un rock/pop fresco, contagioso y bailable del que al parecer los mexicanos son muy fans. Bandalos Chinos son de los más afortunados, pues aquí han logrado ganarse un público bastante grande y fiel empezando desde lo básico, y ahora tienen una relación muy cercana con nuestro país.

por Mariana Velasco / fotos Javier Soto

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un punto de partida para los chicos, líricamente hablando, pues Goyo asegura: “creo que fue un desafío porque es una de las letras que encaramos como un trabajo colectivo viendo de qué queríamos hablar. Es una voz poética que nos representa a todos”.

Un elemento que jugó un papel importante en este disco fue el saxofón, pues la banda estuvo experimentando con él antes de siquiera terminar la composición y lo usaban en sus shows.

“Quisimos llamar a un saxofonista llamado Andy Roman, él es como un personaje sacado de los 80, de la escuela de funk, así que de ahí viene el tinte ochentero de la música. Él grabó todo en cuatro horas”, dice Iñaki. “Super V” es el primer track del álbum con una línea de saxofón y fue un importante punto de partida para ellos, pues se dieron cuenta de que ya habían pasado a una nueva fase donde las decisiones eran completamente suyas.

“Demasiado” y “Tu Órbita” son dos

de sus videos oficiales más vistos en YouTube y ambas resultaron en algo que Bandalos no había hecho hasta ahora: baladas de amor. Mientras que la segunda habla de la simple idea de cuando se tiene una conexión inusual y hermosa con otra persona, acerca de “Demasiado” Tommy asegura: “en la letra nos concentramos en todo el año previo a grabar este disco, que fue un año que nos cambió la vida porque empezamos a girar y estar lejos de nuestras personas amadas y muchas de las relaciones que teníamos se vieron afectadas. Es una canción muy introspectiva”.

En resumen, Bach es un antes y después en la carrera de Goyo y compañía, pues habla de todos los cambios que tuvieron que hacer en sus vidas para poder girar el mundo y cómo la amistad y el compañerismo los ha ayudado a superar todo eso y enfocarse en la música, además de que también los ha hecho mejores artistas. Chapi dice: “sin darnos cuenta terminó siendo una foto de nuestras emociones al momento de

entrar al estudio. No buscamos agradar, sino sentirnos orgullosos de lo que hacemos y lograr algo trascendente.

Mientras tanto Bach ya nos ha llevado muy lejos y estamos muy contentos”, a la par que Iñaki concluyó: “en general hemos sentido un recibimiento muy cálido y estamos muy agradecidos, es muy loco llegar a un lugar que ni siquiera pensabas conocer y llenarlo de gente que canta todas tus canciones y conecta contigo”.

“Nuestro Camino Por La Escena Independiente Ha Sido Largo Y Duro, Pero Hermoso, Creo Que Son Tres Palabras Que Lo Definirían Bien”

Su sonido es un rock pop, sin embargo, no lo clasifican en un género ya que el secreto de su vigencia se debe a la evolución sin seguir una línea, mencionan que varían el “tiro” dependiendo su ánimo y lo que estén escuchando, así es como van saliendo canciones nuevas.

“Para escribir las letras nos inspiramos en una situación que nos pasó, pero en general tratamos de que fluya e ir por el lado del amor. En este último disco SOS, vemos que la lírica tiene un paralelismo con una historia de amor que cada canción va describiendo diferentes momentos. Realmente sale inconsciente,

lo que tratamos es, más allá de que nos guste a nosotros, que la gente se sienta identificada, porque notamos que cuando vos sientes una conexión con la letra es porque te toca un lado personal”.

Entre sus influencias figura Michael Jackson, así como Soda Stereo, Depeche Mode y Zoé; sin embargo con los ritmos que definieron SOS dieron un vuelco, llevaron sus canciones a un lado más fanguero y bailable. The Beatles es otra de las bandas que los inspira y que siempre han sido un ejemplo principal, opinan que “son los reyes de las canciones”, un referente máximo.

“Nuestro camino por la escena independiente ha sido largo y duro, pero hermoso, creo que son tres palabras que lo definirían bien. Es una elección ser músico”.

Su primer disco homónimo fue el principio de todo, de concretar algo con esta primera obra y aprender, durante ese primer disco eran más

inexpertos y fue difícil lograr algo que les gustara al cien, pero fue un primer paso hacie el aprendizaje.

“Como banda somos tres personalidades que se consolidan en una y esa cuarta persona que se genera con nosotros va evolucionando en cada disco, mostramos lo que somos porque también vamos cambiando, hacemos un disco y después lo escuchamos,

- “COMO ARTISTAS UNA DE LAS TAREAS ES EVOLUCIONAR LO QUE UNO VA HACIENDO”-

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Surfistas del Sistema es una banda argentina que vino a radicar a la Ciudad de México para desarrollar aquí su proyecto ya que se sienten acogidos por tierras mexas y con muchas ganas de seguir aquí en la metrópoli de la música independiente, es por eso que ahora presentan su tercer disco SOS.

por Mariana Hernández / fotos Javier Soto

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analizamos qué hay qué cambiar, como artistas una de las tareas es evolucionar lo que uno va haciendo”.

Sin embargo con Modo Despegar de 2015 fue muy premonitorio, “le nombramos Despegar y nos llevó a diez países de Latinoamérica, nos trajo a México hace cinco años, nos estableció acá y fue como empezar a despegar, nos abrió muchos panoramas a nivel del público, conocimos mucha gente y nos llevó a lugares que creíamos que nunca íbamos a visitar, fue sacar el modo avión de Surfistas Del Sistema”, comenta Rama.

SOS es su más reciente álbum, un disco que compusieron en México y grabaron en Costa Rica con Mario Miranda de Patterns, banda que les encantó y los alentó a hacer el disco con él, asimismo, les ayudó a complementar las canciones para esta nueva etapa que estaban buscando y por suerte, ellos consideran que tiene una repercusión súper chida.

Los chicos vinieron a la CDMX por decisión, originalmente venían por tres meses de gira, pero estando acá se dieron ciertas situaciones e invitaciones de personas con las que están muy agradecidos por abrirles las puertas: “Sin duda alguna, México es un país muy lindo, también nos permitió de alguna forma empezar a sembrar y a profesionalizar la banda, creo que antes no lo estábamos logrando y acá sí, además de hacerlo super nutritivo, es algo que a la banda y a nosotros nos ha hecho muy bien, porque nos hemos quedado, creo que son la sumatoria de muchas personas, muchas oportunidades y mucha música que conocemos que nos acompaña”, menciona Fran.

La música mexa para ellos es increíble, por la existencia de una gran variedad de bandas y de público, ya que consideran que con frecuencia pasa que en países se introduce un género musical y todas las bandas hacen lo mismo y la gente necesita consumir eso, con la diferencia

de que les late que en México existe un espectro mucho más amplio y diverso y se escucha desde el punk hasta el super mega pop y todos tienen un público.

A principios de 2020 grabarán su cuarto disco, de vuelta con Mario, contentos por seguir activos, “creo que aprendimos en este tiempo que las cosas llevan tiempo y en esto de la profesionalización de Surfistas del sistema aprendimos a tomar las cosas con el tiempo de vida para no llegar siempre a las apuradas es algo que hicimos con este disco y nos dio muy buenos resultados y queremos repetir la fórmula”, comenta Cisco.

“Creemos Que México Es La Capital Cultural De Latinoamérica“

En el 2011 publicaron su primer disco, Indeleble Indeleble,, álbum que contó con la producción a cargo reconocido productor Héctor Castillo quien ha trabajado con artistas de la talla de Gustavo Cerati.

Cerati. Indeleble tuvo una gran sinergia que le valió a Los Mesoneros cuatro nominaciones a los Latin Grammy en categorías fundamentales como “Mejor artista nuevo”, “Mejor disco de rock” y “Mejor canción rock” y ¿”Mejor diseño de empaque?”.

Para 2016, la banda se instaló en en México con algunas dificultades, sin

embargo lograron publicar al año siguiente Caiga la Noche con gran éxito, mismo que les dio la posibilidad de representar a Venezuela en el Festival LAMC de Nueva York y a finales del 2019 publicaron Pangea su primer disco grabado fuera de casa.

Pangea fue el antigua supercontinente que existió entre el final de la era Paleozoica y comienzos de la Mesozoica esto es entre 335 millones de años 175 millones de años antes de nuestra época, en ella convergieron todos los continentes actuales.

Y precisamente, Pangea no es una simple explicación del origen sino la analogía de una separación, una que se da por fuerzas más grandes que uno mismo, una separación que desafía el complejo de omnipotencia humana: una separación inevitable e incontrolable que también define la línea disco y se plasma en la canción homónima del mismo, al respecto la banda menciona:

“Habla de la separación y sus distintas etapas que terminan con cierta esperanza y superación. Es un concepto de superaciones en distintos sentidos como personales, profesionales para buscar nuevos caminos, yo creo creo que el concepto es más grande que estos sucesos de separación pero creo que todo está dentro de la misma bolsa. Es el disco del cual estamos más orgullosos”

-“HAY ALGO BONITO EN EL ARTE, PORQUE NO NECESARIAMENTE TIENES QUE NARRAR LOS DETALLES DE ALGO PARA TRANSMITIR UNA EMOCIÓN O UN MENSAJE.”-

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Corría el año 2009 en caracas Venezuela, Los Mesoneros debutaron con su primer sencillo “No Puede Ser” con él tuvieron gran aceptación del público y fue eso mismo lo que les ayudó para darse a conocer a nivel nacional. Para el 2010 lanzaron su primer EP homónimo que logró consolidar al proyecto como pieza clave de una nueva y emergente generación en la música alternativa de su país.

texto y fotos por Alejandro Servín

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RK: ¿Héctor trabajó de nuevo con ustedes para este nuevo álbum?

LM: Sí, en la dirección pero a distancia.

Justo por las redes sociales, solo le mandábamos videos preguntando mira que te parece esto o aquello. Así era la manera en que nos comunicamos con él.

En este material, el crecimiento de Los Mesoneros es evidente, suenan a una nueva andanza, una quizá más sistemática que explora y llega a nuevos caminos que los aventura a probar otros, como experimentar con su sonido al integrar ritmos latinos a su base esencial de rock.

A través de ocho canciones, Pangea explora de forma lineal un historia de separación contada con orden, al respecto la banda señaló: “Teníamos dos canciones que ya estaban impresas en su posición, “Pangea” y “Últimas palabras” que es la última del disco. Tomamos en cuenta las

últimas canciones de nuestros discos pasados y con base en eso fuimos creando la historia real de Pangea Pangea.. Esta historia refleja las distintas etapas de ese personaje, por ejemplo, la segunda canción se llama “Te lo advertí” y es muy fuerte ya que habla de esa negación tras una separación y tú crees que esto no está pasando pero claro, con esperanza de que algún día regrese; queríamos hacer un balance en nuestras canciones nuevas y que la experiencia fuera diferente al escucharlo, queríamos hacer un equilibrio entres las canciones nuevas y las publicadas meses atrás.”

RK: ¿Qué fue lo que les llevó a escribir RK: de esta manera tan íntima? ¿Es una historoa basada en hechos reales?

LM: Por ejemplo “Pangea” fue bastante difícil hacer la letra por lo íntimo que era esta canción, sin embargo nos dimos cuenta de que todos pasamos Pangea, todos nos separamos por fuerzas mayores. Hay algo bonito en el arte que creo es lo que tiene esa canción, que

no necesariamente tienes que narrar los detalles de algo para transmitir una emoción o un mensaje y eso es lo bonito de esta canción, es muy amplia y la gente la puede asociar totalmente a su situación personal y sí transmite esa emoción sin necesariamente decir cada detalle, es muy moldeable a la situación de cada quien.

RK: Por último,¿qué papel ha jugado México en el despegue de su carrera?

LM: Con México estamos bastante agradecidos por cómo nos han recibido y creemos que México es la capital cultural de Latinoamérica y una de las razones por la cual decidimos vivir acá, estamos aquí para crear y creo que eso le da una buena cara a Venezuela en México.

“Más Que Llegar A Más Personas, Lo Que Queremos Es Que A Quien Le Llegue Le Sirva Nuestra Música Y El Mensaje Sea Claro.”

La banda cuenta con un EP titulado Volumen 1 y desde hace algunos meses nos han regalado varias canciones que conforman su segundo EP, Volumen 2, además que pronto comenzarán a planear lo que será su primer álbum de larga duración. Así que platicamos con Abel Bucio (voz), Eric del Rey (Guitarra), Wa Guerrero (Bajo) y Juan Maldonado (Batería) y esto fue lo que nos compartieron.

En un inicio, Abel tenía unas cuantas canciones compuestas y le pidió ayuda a sus amigos Eric, Juan y Wa para darle vida

a la música, lo que dio como resultado a El Muchacho, así como lo conocemos.

“Las canciones del primer EP existían desde antes de ser una banda, por esa razón ya estaban grabadas, fue así que se las mostré y eventualmente sucedió; ese camino nos ha hecho conocernos como músicos y generar una dinámica”, nos compartió Abel, por lo que ahora este segundo EP es un trabajo en conjunto, pero siempre respetando esencia con la que nació la agrupación, siguiendo esa línea pero aportando muchas más cosas.

“El segundo EP es un trabajo como banda en el que todos estamos componiendo”, comentó Abel. Directa e indirectamente, Eric, Wa y Juan le han regalado un poco de su esencia personal a este proyecto.

“Eran canciones que quería sacar y el proyecto realmente existió y cobró sentido cuando todos nos juntamos, el proyecto realmente lo hicieron ellos,

todos hicimos la construcción de esto para que funcionara como tal”, nos dijo el vocalista, mientras Eric agregó: “De alguna u otra forma, el hecho de que Abel nos haya llamado por nuestras características o diferentes estilos fue lo que construyó esto que está sucediendo ahora, con el estilo que tiene cada uno y eso fue lo que realmente hizo el sonido del muchacho”.

-“EL PROYECTO

REALMENTE EXISTIÓ Y COBRÓ SENTIDO CUANDO TODOS NOS JUNTAMOS, TODOS HICIMOS LA CONSTRUCCIÓN DE ESTO PARA QUE FUNCIONARA”-

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El Muchacho de los Ojos Tristes nos remite en automático a la famosa y bella canción de Jeanette, la cantante que se hiciera famosa en la década de los 80, pues era una de las voces más dulces de la época, pero ahora este también es el nombre de una banda mexicana que en los últimos años ha hecho mucho ruido en la escena nacional gracias a su concepto, que nos regala una forma diferente ver las cosas, con música directa del corazón.

por Dora Méndez / fotos Alejandro Servín

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“Más allá de meditar que es lo que le hace falta al muchacho es decir ‘yo hago esto’ y embona con lo que hace cada uno”, destacó Eric y en el mismo tono Juan agregó “No nos despegamos mucho a la idea de Abel porque estaba bien construida, al menos yo en lo personal me apegué a lo que Abel tenía en su mente y ya en esta etapa de la banda sí ya empecé a proponer más cosas”.

“Respetamos lo que ya estaba construido, en el primer EP, yo personalmente me apegué a eso, pero obviamente conforme a lo que ha pasado el tiempo, en vivo le agrego detalles a las rolas y ya en el segundo EP cada uno contribuyó”, dijo Wa. Hasta ahora, de este segundo EP nos han compartido canciones como “Tengo que saber”, “Cien años”, “Ofrenda”, “¿Qué pasaría?” y “Quiera Dios”, ésta última en colaboración con Andrea Franz.

El Muchacho de los Ojos Tristes tiene un estilo propio, que más que hablar del aspecto musical, es algo que los identifica con sólo escuchar una canción. “Nosotros más allá de que tratemos de perfeccionar las cosas, creo que más bien fotografiamos lo que así suena y tratamos de mantener un estándar de calidad y así como como lo grabamos y si la próxima canción suena más chida es porque lo estamos haciendo mejor, en muchos aspectos, no sólo en cómo lo tocamos sino en lo que proponemos, en lo que tratamos de decir que el mensaje sea claro y efectivo a quienes les llega y les gusta”, nos dijo Eric.

En primera instancia, la intención de El Muchacho no es atraer público con el propósito comercial, sino hacer que su música llegue al corazón de las personas, pues lo demás vendrá como fruto de un trabajo bien hecho y con pasión.

“Más que llegar a más personas, lo que queremos es que a quien le llegue le

sirva nuestra música y el mensaje sea claro”, agregó Eric.

“Si logras afectar de una manera positiva a alguien, esa vibra va a ir creciendo”, nos dijo Abel.

Por lo pronto ya queremos saber qué nuevas sorpresas nos tiene preparada esta banda y estamos seguros que será muy positivas para este 2020. Si aún no los conoces y ya te dieron ganas de escuchar más sobre la propuesta que nos tienen, no dudes en buscarlos en Spotify y en todas las redes sociales, los encuentras como El Muchacho de los Ojos Tristes, en YouTube te salen abajito de Jeanette, no hay pierde.

por Ma. Jos fotos de Ja

sĂŠ SĂĄnchez avier Soto

El Tercer Disco De La Banda Representa Nueva Energía Enfrentarse a los ritmos puertorriqueños fue un reto “más técnico que romántico”, menciona Raúl, mientras me explica cómo es que retomaron algunos ritmos rituales de la religión Yoruba, en la que la precisión es fundamental. Paulina por su parte, trabajó con la voz para darle intenciones diferentes.

En 2018 llegó Conquistador, su segundo trabajo de estudio, mismo que llevó al sonido de Sotomayor un paso más arriba y lo llenó de una fuerte presencia de ritmos afrocaribeños. Además con este álbum le dieron la vuelta al mundo ya que visitaron ciudades en España, Alemania, Francia, EEUU, entre otras.

Todo esto ocurrió en tan solo cinco años, ahora con su el estreno de su tercer disco, ¿cómo se ve su carrera en perspectiva?

“Creo que en los anteriores discos la voz era un poco más plana y de cierta manera un poquito más segura también. Siento que ahora me enfrenté a intentar, no rapear exactamente, pero intentar hablar y hacer que las oraciones quedarán como si estuviera hablando. También tener la parte melódica hace a la lírica más interesante. La verdad es que me gustó bastante cómo fue quedando, siento que el coucheo de Visitante fue muy bueno, aunque no fue tan distinto de cómo la veníamos utilizando anteriormente.”

“Para nosotros ha sido muy bonito la forma en que se ha dado todo desde un inicio. Desde 2015 que lanzamos el primer disco, todo fue súper rápido la forma de crecer y creo que también era un buen momento para la música en México y para la música independiente también. Ahora hemos justo visto cómo ha crecido la competencia musical y hay un montón de nuevos proyectos y están pasando muchísimas de cosas acá, y pues ahora para nosotros es un nuevo reto sacar nueva música y también haber hecho este disco con Visitante de Calle 13. La verdad es que para nosotros fue un paso súper grande para poder hacer cosas nuevas y también tener a una persona que sabe perfectamente cómo funciona el mundo de la música”, señala Paulina.

Orígenes es el tercer disco de Sotomayor, sin duda marca una nueva etapa para ellos en cuanto a procesos y nuevas formas de trabajar. Así como la dirección de Eduardo Cabra aka Visitante, que logró complementar la evolución y esencia que este álbum requería.

“El respeta mucho lo que hacemos nosotros, pero desde el primer disco estábamos con exploración de la música afrolatina, las percusiones y de repente todo esto explotó con esta idea de la música caribeña, de lo que él como puertorriqueño podía aportar al proyecto y más por su carrera musical. Estas rolas no suenan a Calle 13 pero tienen música puertorriqueña tradicional muy presente con tintes por todos lados. Los tres discos suenan muy diferentes, pero en este la percusión se llevó a un nivel mucho más profundo.”

Todo proceso creativo implica crecimiento y aprendizaje. Para Sotomayor realizar Orígenes fue enfrentarse a nuevos terrenos y formas de trabajar las canciones muy distintas a las que habían seguido con sus discos anteriores.

“Hacer este disco fue súper difícil justo cuando hablas de crecimiento, después del segundo disco, el proyecto empezó a crecer y cuando empiezas a involucrarte en el mainstream, se pone muy complicado.

De repente teníamos a disqueras majors interesadas y era de “vamos a grabar este disco con el productor más importante de Latinoamérica y vamos a hacerlo en otro país” y todo se empieza a salir de control.

Nunca nos habíamos enfrentado a hacer un álbum con alguien que no está en el mismo lugar en el que estás tú, de pronto tener un archivo o hacer una modificación se complicaba un montón, pero al final el re-

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Hace unos años Sotomayor apareció en la escena nacional, cuando esta última necesitaba más que nunca una bocanada de aire fresco y los horizontes del consumo musical comenzaban abrir sus límites hacia géneros que ya estaban ahí susceptibles al cambio y a la experimentación. Fue así que en 2015 el dueto lanzó su primer material, Salvaje que definió por mucho lo característico de su estilo y apuesta creativa.

a En Sus Canciones Y Gran Paso En Su Carrera sultado fue bueno porque el disco cuenta una historia que es importante para nosotros transmitir, una historia musical que hace sentido cuando escuchas todos los tracks.”

Hoy en día, la música latina ha tenido un boom gracias al reguetón, sin embargo como todo en la vida, tiene dos lados.

El positivo, es que ha permitido que el mainstream voltee a ver lo hecho de este lado del mundo y el negativo, es que de cierta forma, ha limitado a otras propuestas con otros ritmos latinos “que no son reguetón”, al respecto señalaron:

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-“CREEMOS QUE EL FUTURO ES LA MÚSICA AFRICANA Y NO EL REGUETÓN”-

Raúl: “De repente el reguetón se apoderó del mundo y a veces todo el mundo entiende como música latina al reguetón.

Entonces cuando sacas un álbum de música latina pues en automático estás compitiendo contra Bad Bunny, entonces que la gente voltee a escuchar tu disco se vuelve complicado. La música no es una competencia pero a veces compites por un stream, por un review o por un lo que sea y es complicado cuando los ojos del mundo está solamente en eso.”

Paulina: “Y creo que también la gente espera como escuchar reguetón, pero el ecosistema de Sotomayor vive en otro tipo de ritmos latinos con los que nos sentimos más cómodos, que te alejan un poquito de ese mundo pero no necesariamente te sacan.”

Orígenes es un disco que debe escucharse de principio a fin para entender la magia que yace en él, una vibra que invita al goce y unas ganas desmedidas de escucharlo en vivo porque en cierta forma este tercer álbum fue pensado para funcionar en vivo.

“Si tuviera que definirlo sería: energético. Siento que desde el punto de vista de producción todo el tiempo en este discos estuvimos buscando hacer música más energética porque sabemos que es lo que nos funciona en el escenario y pues ahora queríamos hacer canciones mucho más alegres. El primer disco tiene una parte bastante importante como de down tempo que se siente como chill. Es un disco que podrías poner en una cena y va funcionar. En este queríamos alejarnos de eso y hacer algo más cargado de percusión y también alejarnos de esa idea de que Sotomayor hace cumbia, porque nosotros creemos que el futuro es la música africana y no el reguetón.”, explica Raúl.

“El

futuro

es

el

afropop.”

completa,

Paulina.

A

veces hablar sobre “lo latino” llega a caer en clichés, incluso algunos muy blanqueados para la aceptación y consumo del mainstream, sin embargo, como todo en la vida, existe el lado de la moneda donde hablar de “lo latino”, implica conversar sobre una identidad forjada a través de las tradiciones que se resignifican y dialogan constantemente entre sí.

Si bien Latinoamérica es unidad e identidad, en ella convergen a la par, una gran diversidad de cosmovisiones que cuentan diferentes orígenes y se manifiestan a través de diversas formas de cultura, espiritualidad, arte, tradición y música, esta última de las más valiosas y universales ya que es un reflejo vivo que expresa y explora lo más profundo de los sentimientos humanos.

La música latina es como un gran árbol, uno cuyas raíces conectan el folclor propio de los pueblos originarios con lo heredado del mestizaje y al mismo tiempo se enriquecen al proponer nuevas formas encaminadas hacia la contemporaneidad.

Este ente ha dado frutos en los últimos años que han alcanzado las dulces mieles del mainstream a nivel mundial con el reguetón, sin embargo aunque a veces no resulte evidente, el universo musical latino se expande más allá de la resignificación del dembow.

Actualmente existen un sinfín de propuestas a lo largo y ancho de Latinoamérica que experimentan y proponen a partir del diálogo entre lo latino, el folclor y la modernidad para trasladarlo a la pista de baile. Dentro de este ecosistema se encuentra F5, agrupación uruguaya que explora con el ritmo tradicional de su tierra, el candombe, con el objetivo de actualizarlo y llevarlo más allá de sus fronteras geográficas, como menciona Lechuga Zafiro integrante de F5, DJ y productor: “Me importaba generar y tocar música que tuviera identidad propia que no fuera importada de otro lado, en esta investigación fue que nos encontramos

intentando actualizar, evolucionar y llevar el candombe más allá, y yo, haciendo una electrónica con una identidad propia y más genuina.”

En este proceso de evolucionar la música también encontramos a Quixosis, el proyecto de Daniel Lofredo Rota, productor ecuatoriano que se ha dedicado a explorar la memoria sonora de su país para experimentar con la tradición andina y latinoamericana a través de un proceso de interacción.

“Entendí que hay una compatibilidad esencial entre la música tradicional en toda latinoamérica y lo que ahora se hace con la música electrónica, estamos creando sentimientos de comunidad, creando ideas, en especial yo con el sanjuanito, un género de catarsis social que en algún punto comparte esta esencia con la música electrónica. También me di cuenta de que somos muy inconscientes de toda nuestra propia historia musical en latinoamérica y ese proceso de concientizar es muy rico y al integrar el sanjuanito con géneros más bailables, estás ligando el pasado, el presente y el futuro de una manera muy especial, puede sonar muy hippie pero rompes la manera en que vemos el tiempo porque la música tradicional ha sobrevivido y ha transmutado a través de él.”

Ambas propuestas son parte de un nuevo proyecto que apuesta por llevar este diálogo de folclor y electrónica a la pista de baile llamado Onda Mundial, una plataforma que, además de impulsar a los nuevos talentos latinos, busca abrirle espacio a la pluralidad de sonidos al formar una comunidad alrededor del dancefloor para conectar ritmos de distintas latitudes así como a los artistas detrás de esta movida de música electrónica latinoamericana.

Hoy más que nunca, Latinoamérica vibra en el dancefloor y baila al son que le toquen: cumbia, el sanjuanito, candombe, tribal, kuduro, salsa o reguetón. Bienvenidos sean a la fiesta todos los ritmos nacidos en la mal llamada “tierra colonizada” que su momento llegó.

“EXISTEN UN SINFÍN DE PROPUESTAS QUE EXPERIMENTAN A PARTIR DEL DIÁLOGO ENTRE EL FOLCLOR Y LA MODERNIDAD PARA TRASLADARLO A LA PISTA DE BAILE.”

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“Raza, esto es para tí”, pero me cobras en dos mil pesos el boleto. Todo para la raza. Un encuentro que pasó de ser un evento enorme con ese reencuentro en el Vive Latino, con la alineación clásica, donde estaban todos los que tenían que estar. Con una gira única para conmemorar.

Ahora, otra gira y más preguntas de “¿Otra vez?”. Por lo que es muy importante aclarar el punto, todo mundo tiene derecho a ganarse la vida como se le dé la gana pero desde una perspectiva más romántica, de cómo te va a recordar la historia. Del legado que vas a dejar, algo que indudablemente no le da de comer a nadie, a pesar de que es a lo que todos aspiran. Todo mundo empezó con eso, lo que iban a dejar.

También hace que surja otra pregunta: ¿Qué tanto es culpa de aquellos que siguen comprando boletos, esos que siguen siendo la razón de que sigan maltratando sus cuerpos? Porque el que piense que es fácil dar un show de más de dos horas, que es lo esperarías de alguien con ese tamaño, no es sencillo.

Un baterista puede quemar hasta 600 calorías por hora.

-“POR

LO QUE ES MUY IMPORTANTE ACLARAR EL PUNTO, TODO MUNDO TIENE DERECHO A GANARSE LA VIDA COMO SE LE DÉ LA GANA.”Lo peor es que después nos quejamos que los shows no estaban a la altura. De que no es lo que esperabas de la banda.

El cinismo. Que no quiere decir que dejes de escuchar a Black Sabbath o a los Rolling Stones o Caifanes, pero a lo mejor ya lo podemos reservar para otra experiencia, más privada, dándole prioridad a la sonoridad con un buen par de audífonos y dejando intacto el legado de las bandas.

Además podría ser la manera que los nuevos talentos tengan sus shows, llenos de energía, de esos que te llenan la pupila. De esos que te hacen sentir el porqué vas a un show de rock en primer lugar.

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El término rockstar se ha ampliado en los últimos 20 años y dejó de ser usado únicamente para las estrellas de rock y fue pasando al hip hop o a los deportes. Se convirtió en status, algo parecido a lo que sucedió con la palabra diva. Porque nadie va a negar que Biggie Smalls o Eric Cantona no son unos rockstar. La atención, el estilo de vida, lo inalcanzable.

Todo mundo quería ser Michael Jordan por más de una razón.

Pero los atletas y los rockstar tienen una diferencia fundamental, si bien ambos tienen todo, solo los deportistas tienen fecha de expiración en sus carreras. Nadie pagaría dos mil euros por ver jugar hoy a Cantona o estaría emocionado por ver jugar a Dan Marino en la élite -están los juegos de leyenda, pero esa es otra historia-. Sin embargo, tenemos bandas que están haciendo gira para festejar sus 30,40 o hasta 50 años de carrera.

Esa es la pregunta central. ¿Deberían estar haciendo eso?

Los deportes al igual que las giras parecen ser un negocio de jóvenes. Por supuesto está esa parte de que la experiencia es fundamental para ambas. Cuauhtémoc Blanco disfrutó un par de temporadas decentes cuando sus piernas ya no le daban por todo lo que era como futbolista más allá del físico. También su carrera en la política es punto y aparte.

Mick Jagger aún parece que lo da todo en las fechas que ofrecen los Rolling Stones, aunque no por eso imagines que el tiempo no le pasa factura a los inmortales. En su último tour No Filter fueron 46 fechas de septiembre de 2017 a octubre de 2019, mientras que en Voodoo Lounge fue de agosto del 94 a agosto de 95 y fueron 129 fechas. Una diferencia enorme.

Obviamente es por dinero, en el último tour ingresaron casi quinientos millones de dólares. Una diferencia enorme es que esos pocos shows, aún valen la pena, porque tenemos otras bandas que obviamente también lo hacen por dinero como Sharon Osbourne, que diga, Black Sabbath, otra banda hasta arriba en el panteón, no del metal o del rock, sino de la música porque sus últimos show han sido, pues, malos. Ya nada más arrastran su legado, como tristemente le ha pasado a los padres del Heavy Metal. Dos visitas “recientes” a la Ciudad de México. La primera que dejó a todos maravillados, con esos dedos de madera de Iommi y esos riffs pesados, Geezer viendo como él solo inventó todo un género y Ozzy siendo Ozzy en su máxima expresión.

La última fue con un Tony Iommi recién salido de pelear con quimioterapias, un Butler que parecía pelear con la artritis y a un Ozzy que se esforzaba pero no podía dar más. Una banda estática tocando canciones grabadas en la memoria de todos. Clufetos se tuvo que aventar un solo de 20 minutos para que todos los demás descansaran y no es que sea malo, pero nadie lo va a confundir nunca con Bonzo.

023 por Carlos Valle / Ilustraciรณn TheJavisCEffect

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por Aldo Franco / Ilustraciรณn TheJavisCEffect

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El término “vejez” puede tener significados diversos.

Esto depende la cultura de cada país, de la época o del contexto en cuestión; en algunas regiones puede ser visto como plenitud y sabiduría, mientras que en otras como decadencia y decrepitud. Es decir: lo social y cultural aportan características para la construcción del concepto de la vejez y éste no sólo se basa en aspectos físico-biológicos.

En nuestro caso, la figura del viejo como un ser sabio, protector y guiador se ha ido difuminando en la cultura occidental (en la cual nunca fue tan fuerte como en las orientales) en estas últimas décadas.

“No envejezcas porque envejecer es un pecado. Serás criticada, denigrada y definitivamente no serás tocada en la radio” Esto fue una parte del discurso de Madonna durante los Billboard Women in Music 2016. Y aunque sus palabras iban dirigidas en mayor parte a su experiencia como mujer en la escena, ella también criticó a la industria musical por su tendencia a la discriminación por edad.

Meses antes, el diario británico Daily Mail citó en una de sus notas a un trabajador de la BBC 1. La fuente había dicho que la estación no emitiría al aire el nuevo sencillo de la cantante, debido a que ya era “irrelevante y vieja”.

Es paradójico que a pesar de las luchas y logros contra la censura —y su condición de mujer en una industria machista—, todo ese esfuerzo por abrir brechas a nuevas generaciones; y todo esos años de éxitos hayan puesto nuevamente a la cantante en un escenario de hostilidad. La discriminación vuelve a hacer de las suyas por no encajar en el estándar de lo vendible.

Si bien Madonna consiguió un espaldarazo de otros medios y de sus fans, al final el tema estaba allí. ¿Cuántos no hemos menospreciado el arte de aquellos que fueron íconos sólo porque ya no son jóvenes?

Seamos honestos: como si se tratara de una plantilla, cada vez que Paul McCartney estrena música nueva los primeros comentarios son como: “ya que deje de dar pena”. Cada vez que The Cure anuncia gira llegan cosas como “¡Esas señoras qué!”; y no se diga de The Rolling Stones, a quienes acusan de sólo “robar aire”.

En un principio pueden parecer simples chistes pero hay un trasfondo que necesita ser abordado: ¿por qué discriminamos a los músicos de edades avanzadas?

Argumentos como que ya no suenan como antes o ya no cantan igual son inválidos por donde los mires. Es pueril pensar que tras décadas de crear, evolucionar y revolucionar la música, los artistas tendrán el mismo interés por hacer lo que ya hicieron.

Resulta interesante reflexionar sobre cómo creemos que la innovación sólo puede venir de las generaciones más jóvenes y no de las que tienen la experiencia suficiente para no ser presas de la moda; de quienes ya no tienen nada que demostrar sino sólo mostrar su arte.

Además —lo peor de todo— es que somos hipócritas: podemos tirarle a un artista viejo, pero cuando éste muere entonces pasa a ser una “leyenda irremplazable”. Ustedes recordarán que en los años antes de fallecer, José José era para muchas personas no más que un viejo borracho, a quien por cierto, criticaron por su presentación en el Teatro Metropólitan en 2014. Sin embargo, tras la muerte de El Príncipe, éste se convirtió en un héroe nacional y de la nada todos se lamentaban el no verlo en vivo nunca. En fin.

-“LA FIGURA DEL VIEJO COMO UN SER SABIO, PROTECTOR Y GUIADOR SE HA IDO DIFUMINANDO EN LA CULTURA OCCIDENTAL”Lo más divertido de esto viene cuando los puristas de diferentes generaciones se encuentran en la encrucijada de una colaboración transgeneracional. Aquí las canciones que nos han dado la ya mencionada Madonna con Maluma o McCartney con Kanye West. Ojalá la banda se relajara con todos estos tipos de trabajo y fueran un exitazo como si de Los Ángeles Azules o Juan Gabriel se tratara.

Pero los puristas discriminan por edad en ambos sentidos, tanto aquellos que lo hacen contra la gente adulta, como quienes arremeten contra las nuevas generaciones.

Sin otorgarles el título de mejores artistas, cantantes como Ed Maverick o Billie Eilish no son odiados por muchos debido a su música, sino a cuestiones de edad. La gente no puede soportar que alguien menor tenga éxito, que haga las cosas les salgan bien y que le vaya mejor, pero ese será tema para otro momento. Por ahora debemos, insisto, reflexionar en quiénes somos para decirle a alguien que toda su vida la ha dedicado a la música: “ya no puedes hacerlo más”. ¿Aceptarías dejar lo que te apasiona, lo que sea que hagas, sólo porque ya no encaja en el estándar? Por eso decimos que la música sí tiene edad, para resaltar a aquellos quienes la hacen sin importar sus años.

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por recordar que por no olvidar. En otras palabras: el mundo gira, gira y no deja de girar, what comes around goes around. Y esto no quiere decir que uno deba dejar de ir a los conciertos de Caifanes o vender su boleto de Billy Joel. Sólo se trata de reconocer que el mundo musical, que la industria y el imaginario artístico están llenos de posibilidades, de géneros y estilos.

Sólo miremos las listas de lo mejor de la segunda década de este siglo XXI. Ahí, en los antiguos altares que servían para los rockstars (en su mayoría, hombres blancos) hoy se rinde culto a los nuevos íconos que, irónica(o estratégica)mente, nacen de las minorías tradicionalmente marginadas como lxs negrxs, lxs latinxs o las mujeres. Artistas como Rihanna, Beyoncé, Lana del Rey, Billie Eilish, Grimes, Solange, FKA twigs, SZA, o Karol G, por mencionar algunas, han venido a revolucionar la industria y desplazar la configuración musical. Lo que antes era hecho por un grupo de hombres (para hombres) hoy puede crearse desde la subjetividad de una mujer. Si a ellas les sumamos artistas como Kendrick Lamar, Kanye West, Frank Ocean, Drake, Blood Orange, Tyler The Creator, etcétera, que han logrado masificar la “música de negros” al crear sonidos únicos, el panorama se complejiza aún más.

-“PERO EL MUNDO SÍ QUE CAMBIA Y ENTONCES LAS CHICAS YA NO QUIEREN COCINARTE; SER GAY YA NO ES UN DEFECTO Y EL REGGAETÓN HA CONQUISTADO AL MUNDO”Por supuesto que hay espacio para el rock (que no morirá pronto, se los aseguro) con nombres como Foals, Arcade Fire, IDLES, Metronomy, Tame Impala, DIIV..., pero éstos ya no son los principales. Además, ¿cómo entender la música actual sin Bad Bunny o J balvin, dos de los artistas más escuchados no sólo de Spotify, sino de la historia? ¿Y cómo no mencionar la electrónica que es como el hielo de las fiestas porque se mezcla con todo?

Así que, a todxs ellxs que no están listxs para entender que en los gustos se rompen géneros, ¡ya siéntense! Quédense viendo cómo los jóvenes perrean y se divierten de lindo en la fiesta, bailando reggaetón. Así, que bitch, don’t kill my vibe.

Por favor.

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A Santiago García Venegas.

Hace poco, en un viaje familiar en carretera, comenzó una pequeña discusión incómoda. Esta vez no fue culpa de Layún, sino de Kendrick Lammar y una canción suya.

Bueno, no fue cualquier canción, sino el rolón, “Bitch, don’t kill my vibe” del épico good kid, m.A.A.d city. Tampoco fue una discusión, sino una serie de comentarios que trataban de menospreciar al hip hop. Que si la ausencia de guitarras, que si el exceso de groserías, que si no se entiende lo que dice, que cómo puede ser eso música. Cuando se trata de señalar la otredad, nunca faltan dedos ni adjetivos. Que si el rap, que si el pop, que si el reggaetón. Es como querer explicarle feminismo al Bronco o al tío que comparte chistes sobre senos.

El chiste es que no hay forma de mantener a todos felices. Reconozcámoslo: es más fácil quedarse en el pasado que abrirse a lo nuevo. Eso requiere movimiento, apertura, ojos y oídos abiertos, bien abiertos. Suele pasar. Es la regla casi natural de la vida capitalista. Un día eres joven y revolucionario, te educas en el rock, te dejas la mota y pruebas la mata, y al otro ya “creciste”. Un día te das cuenta de que tus amistades, tus prejuicios y tus problemas no resueltos te han vacunado contra el mundo.

No. No has cambiado mucho pero el mundo sí que cambia y entonces las chicas ya no quieren cocinarte; ser gay ya no es un defecto y el reggaetón ha conquistado al mundo.

Antes, cuando la música empezaba a convertirse en una industria, se habló de una sonda en el espacio que llevaba el Dark side of the moon como una prueba de nuestra existencia terrícola. Las cosas eran un poco más fáciles.

Millones de jóvenes hipnotizados por la psicodelia y las drogas hubieran aceptado la representación espacial de la humanidad en manos de Pink Floyd. De eso ha pasado ya medio siglo. Hoy las cosas son más complejas, y aunque Pink Floyd no dejará de ser PINK FLOYD, Mozart MOZART, y 31 Minutos 31 MINUTOS, ¿cuántxs jóvenes, llamémosles millenials y sobre todo centennials de hoy, conocen lo que es el rock más allá de los Arctic, los Strokes, o Tame Impala?

Es más, conozco muchos jóvenes que jamás han escuchado el Dark side of the moon completo. Y no, no es triste ver cómo el legado es hecho añicos por las nuevas generaciones. Porque el legado es como la Historia. Nos hacen creer que sólo le pertenece a unos pocos pero, en realidad, nos pertenece a todxs lxs que lo construimos con nuestras pequeñas historias.

En la música pasa lo mismo. Los gustos se rompen en géneros y la memoria, que es selectiva, es más una lucha

027 por Diego García / Ilustración TheJavisCEffect

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por Carlos Valle / Ilustraciรณn TheJavisCEffect

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El amor al arte, una frase que incluso los que no se dedican a eso la han pronunciado como una manera de saca a relucir ese romanticismo que todo mundo le impone. Vivir del aplauso no es lo mismo que vivir de comida. Es una realidad que muchos tratan de hacer eso para dedicarse a ellos.

Que ya todos lo puedan lograr es una cuestión muy diferente. Hay varias maneras para lograrlo, como los contratos por las disqueras, donde te encadenan por varios millones para hacer varios discos, esperando ganancias para el artista y la disquera. Aunque este ha salido más de una vez contraproducente, véase Virgin y George Michael.

Los tours son otra manera de lograr esto, vendiendo todas las arenas que sean posibles con todo lo que desencadena en ventas. No por nada las bandas que llenan estadios son las que se pueden dar más lujos, tiene sus propios aviones o pueden dedicarse ya a hacer nada después de ingresar millones.

La mercancía, que tiene el lugar más bajo de estas que llevamos y nunca ha causado problemas en las bandas a diferencia de la última: las regalías. Miles, Cientos o hasta millones de dólares es lo que ya se involucra aquí. Desde Queen hasta Luis Miguel, de Led Zeppelin al Tri, han tenido un problema con esto.

Hay unos que saltan más, como el caso de José José.

La muerte de El Príncipe le dió la vuelta al mundo, porque tenía esa voz que hacía que Frank Sinatra se preguntará a qué hora iba a respirar. Todo ese talento venía con un precio, uno que ganaba con su prodigio y otro que él pagaba todos los días.

Las regalías al momento de escribir y subir esto van a seguir en litigio. Todavía más tiempo del que va a pasar cuando esto quede listo. Porque las regalías van a seguir siendo tema. Se va a seguir poniendo al príncipe cada vez que sude una cubita de Bacardi y se cante “El Triste”, como si de verdad alguien pudiera.

Con todo lo que conlleva, no sólo es el dinero que te dan porque ponen tu música, no es nada más lo que Drake se lleva por se el artista más tocado en Spotify, es también de poder. De quien hace las cosas. Los créditos de una canción te dejan muy en claro cómo funciona una banda.

Como The Police, donde te das cuenta quién es el líder de la banda, porque todos los créditos, salvo algunos, tienen un nombre además de Sting. Son de las cosas que provocaron que se sintieran como empleados en lugar de miembros de la banda... también con el hecho de que Sting los trataba como empleados.

Son cosas que luego las bandas jóvenes también tienden a pasar por alto -entre los otros diez mil temas legales- de que va a pasar a su futuro, con todo eso. Porque no sólo es la implicación del cobro. También es el valor artístico, algo que no puedes cuantificar pero todos entienden.

Como la pareja más famosa de la música Lennon/ McCartney que ha ocupado todos los lugares del Billboard, ha ganado todos los premios y han escuchado sus canciones desde Alaska hasta las islas más pérdidas del Pacífico. Pero aún así hay veces que no es suficiente, por cómo están los créditos.

“Yesterday” es bien sabido por todos, incluso John lo aceptó en grabaciones que él no tuvo prácticamente nada que ver en esa canción. Paul habló con Yoko, para que solo en esa canción, estuviera McCartney/Lennon. No está de más poner cual fue la respuesta de Yoko Ono. No hay que ser experto en historia de los Beatles para saber la respuesta.

Por eso hay muchos artistas que se dan el lujo de aventarse esa discografía cuando hacen en un show solitario.

Como Javier Blake de División Minúscula que en solitario se avienta más de un hit de su banda. Un fenómeno que está lejos de desaparecer. Antes de que salga algún chiste de Bunbury, aquí no aplica.

-SIEMPRE

ES FÁCIL ECHARLE LA CULPA A LAS SARITAS Y A LAS YOKOS, PERO LAS BANDAS DEBEN PREGUNTARSE CÓMO VAN A PRESERVAR EL ARTE PARA LA POSTERIDAD.En Héroes del Silencio todos tenían el mismo crédito, las canciones salen que son compuestas por P. Andreu/J. Cardiel/J. Valdivia/E. Bunbury para sorpresa de todos, el crédito siempre fue de la banda, nunca de Enrique. Incluso en “Héroe de Leyenda” el único que no tiene crédito en esa canción es Bunbury.

Siempre es fácil echarle la culpa a las Saritas y a las Yokos, pero la verdad es que las bandas también tienen que preocuparse por las cuestiones legales, no solo por el arte. Es importante saber cómo van a preservar el arte para la posteridad y cómo van a hacer una carrera de ello. Los aplausos no pagan las cuentas.

Probablemente lo haría todo otra vez si supiera que igual va a valer más de 500 millones solo por su catálogo, no es tan dificil volver a tomar la decisión. En cambio si José José tuviera la misma opción, probablemente él cambiaría más de una cosa.

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Pero más allá de los números, la música responde a tantas otras funciones sociales como se haya planteado el autor y tantas como las instituciones pertinentes se lo permitan. Me explico: ¿tendría la misma fuerza leer la letra de “Here Today” en el libro de Paul McCartney, Blackbird Singing. Lyrics and poems 1965-1999 (publicado en 2001) que escucharla como canción? En formato escrito, se le da entender al lector que es una obra dedicada a John Lennon. Pero al escucharla, esta canción transmite de otra manera la añoranza por la pérdida de un amigo.

Quizá esto no fue trascendente cuando se lanzó en 1982, dos años después de la muerte de Lennon, pero sí cuando McCartney hizo esta canción parte de su repertorio en sus giras mundiales a partir de 2010 y la introducía como “esta canción es para mi amigo John”. Y todavía hay más: ¡cuánta fue la emoción de que cantara “Something” como la versión en ukulele que interpretó en el concierto para George Harrison en 2003!

-“YESTERDAY” DEJÓ DE TENER EL RÉCORD GUINNESS DE LA CANCIÓN CON MÁS COVERS.Entonces, la música también nos ayuda a recordar y a reconocer. “[...] (la música) adquiere también funciones ideológicas que pueden desencadenar [...] (el) fortalecimiento de procesos étnicos, identitarios [...]”, escribe García Méndez.

Parece que la necesidad de homenajear encuentra uno de sus mejores soportes en la música. Es re-interpretar y no reinterpretar: volver a hacer; y (¿por qué no?) volver a ser.

No es un eterno retorno como el que augura Nietzsche o un estancamiento del que acusan los puristas (“ya no se hacen las cosas como antes”). Es una expresión tan humana como respirar.

Ante todo, vale la pena recordar, aunque en otro contexto, las palabras en Mateo 7:20, pues nos referimos a grandes y trascendentes creadores musicales; y no a falsos profetas.

“Por sus obras los conoceréis”.

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Una noche, mientras esperaba a que el metro llegara al andén, me percaté de algo inusual, aunque previsible.

Un cartel anunciaba una presentación más de las bandas tributo más famosas. Sí, Grupo Morsa volvía a presentarse en el mismo escenario de siempre. ¿Por qué una banda que retoma algo que no es reciente (no se me ofendan, yo soy fiel creyente de que The Beatles son eternos) y no ofrece una propuesta original, es exitosa?

Mi escueta reflexión se interrumpió cuando en mis audífonos sonó “Una mañana”, versión que Café Tacvba hiciera del tema popularizado por nuestro ya eterno “Príncipe de la canción”, José José. Entonces exploté: ¿por qué nos atrae irremediablemente la idea de homenajes musicales? ¿Es esta una suerte de apropiación antes que una muestra real de reconocimiento? ¿Acaso ‘Caféta’ hizo un acto más legítimo que Morsa porque a quien hace homenaje es mexicano y no inglés? ¿No es igual de válido llamar homenaje a mi desafinada interpretación de cualquier canción que me haga llegar el aleatorio?

Las respuestas no son sencillas. Es raro que a la música se le considere como algo alejado del entretenimiento o esparcimiento. Aunque haya un halo de estética (históricamente se le ha considerado una actividad artística), la música también “es un elemento social y cultural tan importante como la economía, la política o la religión”, como escribe el antropólogo José Andrés García Méndez en la introducción para la revista Cuicuilco (volumen 23, número 66, mayo-agosto 2016).

“Debemos tener en claro que la producción y reproducción musical se vinculan con múltiples factores: prestigio, obtención de dinero, fines religiosos, recreación individual, etcétera”, reflexiona García Méndez. Los homenajes musicales, entonces, son tan importantes y aceptados como la creación original. El valor agregado quizá recaiga en la apropiación. Ver una banda tributo y su entrega casi por completo a un proyecto ya hecho tiene la tarea de evocar a la simulación: “tal vez así era ver a The Beatles sobre un escenario”.

Otra cosa son los covers: idealmente es el nuevo intérprete quien aporta algo a la canción ya grabada. Una muestra, por más, de humildad: ¿hay algo mejor que escuchar a alguien que admiramos mientras rinde reconocimiento a alguien que admira? Es en las versiones donde un homenaje puede dejar de serlo pero todo recae en cómo se comercializa; sin embargo, si se trata de una canción famosa, es inevitable pensar en una referencia a algo ya hecho. Desde 2017, la página oficial de los Récords Mundiales Guinness reconoce a “Summertime”, canción estándar en el jazz y composición de George Gershwim como la canción con más versiones, con un total de 67,591 grabaciones hasta el momento.

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por Ma. José Sánchez/ Ilustración TheJavisCEffect

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Creo que algo muy natural de la esencia humana es la competitividad. Competimos a diario por sobrevivir, destacar, figurar, marcar la diferencia, dejar un legado. Estamos -sí, acéptalo, estamos- obsesionados con darle un sentido a la vida, esperamos que nuestro breve paso sobre la Tierra tenga un significado, un historia más allá de la propia existencia.

En el caso de la música, la competencia por dejar un legado MÁS valioso que… no es distinta. Recordemos al joven John Lennon cuando declaró a los Beatles como más grandes que Jesús. Cuánta soberbia y verdad había en esas palabras porque hasta ahora no hay nadie que haya podido desbancarlos como la banda más influyente de la música y cultura popular contemporánea.

Podrán existir muchos detractores de la agrupación británica, los argumentos sobre la poca complejidad de las letras o la composición abundan, sin embargo ellos lograron algo muy crucial a la hora de formar un legado: la universalidad. Les recuerdo que “Across The Universe” fue la primera canción transmitida por la NASA al espacio.

En el 2008 la melodía de Lennon/McCartney viajó hacia Polaris, una estrella ubicada a 431 años luz de la Tierra. ¿Se dan cuenta? ¡Una canción de los Beatles es la carta de presentación de la humanidad!

La onda expansiva de este legado continuará por muchas generaciones más ya que su larguísima discografía se convirtió en referencia obligada para todo músico nacido después de los 60 aunado a la facilidad que su obra tiene para conectar con las personas a pesar de la barrera del lenguaje.

Con esto no quiero decir que un legado sea más valioso o útil cuando se forja única exclusivamente bajo las luces y reflectores de lo preconcebido como éxito, sino que es capaz de crecer y forjarse en las cosas más nimias y azarosas. Por eso es que me gustaría traer el caso de Daniel Johnston a colación, un genio loco y gentil que dejó su corazón y mente plasmados en cintas que él mismo grabó en casa e ilustró durante muchos años. Quizá de una forma rústica y menos ostentosa, pero Johnston logró entender al DIY como la forma más pura de expresión y dentro del underground logró trascender e influenciar a muchísimos músicos, entre los más destacados: Kurt Cobain.

Es complicado hablar de legados en la música, ya que la historia detrás de cada uno puede caer en la típica romantización del sueño americano -y capitalista- en el que “puedes hacer todo lo que te propongas si te esfuerzas por ello”. Una idea tan frágil y plástica pero tan vendida en el mundo contemporáneo que de ella depende la estabilidad mental de muchos.

Resulta quizá un mal obsesivo para muchos proyectos nuevos en la escena, el tratar de trascender y encontrarse musicalmente dentro de la presión por sonar mejor que o

igual que quien viene detrás de él. Incluso, podríamos decir que es un vicio para la creatividad tratar de encontrar el hilo negro de la vida porque todo ya está hecho, dicho, pensado y escrito.

A veces resulta desalentador enfrentarse a la idea de que no hay nada nuevo en el horizonte de la humanidad, sin embargo lo que se contrapone a esa aseveración es que existe la reinvención y las nuevas formas de hacer las cosas. Por ejemplo: ¿Crees que Tony Iommi creó el sonido trece con Black Sabbath? Pues no, oficialmente lo hizo un investigador y compositor mexicano llamado Julián Carrillo, sin embargo Iommi fue el músico que le otorgó un sonido característico al heavy metal, más por azar que por conocer la teoría de los microtonos.

-“ES

COMPLICADO HABLAR DE LEGADOS EN LA MÚSICA, YA QUE LA HISTORIA DETRÁS PUEDE CAER EN LA TÍPICA ROMANTIZACIÓN DEL SUEÑO AMERICANO”“Dejar un legado” está sobrevalorado, la búsqueda eterna de la fórmula “del éxito” no garantiza, ni significa que lo que le heredes a la humanidad sea algo “valioso”, “digno” o “mejor que todo lo que se ha escuchado o visto”, es por eso que se ha convertido en el infierno creativo para muchos artistas y proyectos que sin más, se quedan estancados en su one hit wonder o en la imposibilidad de crear algo honesto, con la empatía suficiente para conectar con el público y trascender.

Tal vez sea muy romántico o idealista de mi parte afirmar que lo realmente importante a la hora de crear es pensar por qué y para qué lo haces, sin un objetivo claro lo que hagas -sea lo que sea- no llegará muy lejos. A menos que quieras ser el próximo Freddie Mercury o Michael Jackson ahí sí necesitarás dejar algo de ayuda para dejar algo digno para que tus herederos exploten como tu imagen o intimidad para que puedan hacerla un documental o algo peor: una biopic.

foto Ma. José Sánchez

foto WRodrigo Guerrero

HIPNOSIS 2019: PARA GUERREROS A PRUEBA DE LODO

POR ALDO FRANCO

POR DIEGO GARCÍA

El Corona Capital cumplió 10 años en su edición 2019, con lo que se consolidó como el festival de música internacional más importante de México. Con una década de existencia, era imposible que no repitiera artistas en lu lineup, como fue el caso de Franz Ferdinand, Travis o The Strokes. Estos últimos altamente esperados por todos los mexicanos, aunque su show no fue nada revelador para quienes ya los habían podido ver en vivo.

El Festival Hipnosis, sin duda es solo para guerreros, para auténticos espíritus melómanos dispuestos a aguantarlo todo, la lluvia, el frío, el lodo.

Sin embargo, esta fiesta musical también logró traer a grandes agrupaciones que nunca se habían presentado en el país como The Raconteurs, y mejor aún, apostó por una de las artistas más jóvenes y sobresalientes de los últimos años: Billie Eilish.

Al #CC no se le ven intenciones de volver a incluir talento nacional o incluso latinoamericano en sus carteles, los cuales se parecen cada vez más a la agenda marcada por otros festivales de talla internacional. Hasta el momento esto les ha funcionado más que bien, pero ya empiezan a resaltar el dobleteo de bandas entre sus ediciones.

Lejos de los festivales de la CDMX, las Caballerizas en Huixquilucan fue la sede de su tercera edición, que presentó un cartel de altura, francamente envidiable. Variada propuesta que incluyó desde el rock psicodélico de los talentos mexas Sei Still y Tajak, el punk gótico de The Darts, el pop psicotrópico de The Holydrug Couple, el suave trip hop de Crumb hasta los actos estelares de la noche.

Kikaguku Moyo presentó su rock japonés progresivo de altura mientras que Uncle Acid And The Deadbeats su poderoso Stoner rock. Mild High Club hizo lo propio con su pop woozy lleno de colores. Los más esperados, sin duda, fueron The Claypool Lennon Delirium y la (casi) primera presentación de Stereolab en México.La banda de culto Fu Manchu fue la encargada de cerrar este festival que, sin duda, va corriendo a convertirse en uno de los mejores de México.

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CC’19: UNA DÉCADA DE EXCELENTES ARTISTAS

foto Rodrigo Guerrero

foto Qiqe Ávilla

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COORDENADA: UNIENDO SONIDOS UN FIN DE SEMANA

KNOTFEST UNA EDICIÓN EN LLAMAS

POR QIQE ÁVILA

POR CARLOS VALLE

Como parte de la ruta de festivales en México, Coordenada fue muy importante ya que en esta edición trajo para nuestro deleite artistas de talla internacional como Vampire Weekend, The Drums, Kakkmaddafakka, The National, LP, por mencionar algunos. De igual manera contó con la presencia de talento hispanoparlante como Café Tacvba, Bengala, Babasónicos, y Alemán que inyectaron emociones en un público que no paró de cantar y bailar con sus bandas favoritas. Mucha gente fue convocada en el escenario de stand up para reírse un rato entre actos desquitando así al cien por ciento su boleto.

El Knotfest’19 -el festival que llegó para pedir disculpas por el ForceFest’18- se quedó sin sus HL. Behemot cerró el escenario principal del festival que se hizo en el Deportivo Oceanía.

Primera vez que este espacio deportivo era usado como recinto de espectáculos.

Más allá de ser otro festival, Coordenada este año se convirtió en un fin de semana que será recordado por la increíble participación de Billy Idol, pues en su audiencia había diferentes generaciones cantando a todo pulmón cada una de sus canciones compartiendo euforia y nostalgia siendo así uno de los actos más memorables del año y que sin duda son parte necesaria para que un festival siga posicionándose como una parada obligada cada año.

Pero tuvo algunos puntos altos como Papa Roach, que siempre cumplen con la banda mexicana. También Carcass o Suicidal Tendencies que siempre son garantía, además de tener ya su poder de convocatoria de fijo. Otros que casi o nunca se aparecen como Godsmack o Bullet for My Valentine que también jalaron bastante público por lo mismo. Coreando todas las canciones, de esas que se tenían guardadas por la ausencia, a diferencia de los arriba con la normalidad.

Un experimento fallido que va a resurgir con el HH’20 -el tercer festival con el mismo boleto para algunos- donde el lugar no parece ser el adecuado, para la movilidad y la seguridad de los asistentes, aunque daba mucho para un buen audio por la distancia entre escenarios.

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foto cortesía Chino Lemus

foto Diego García

RITMOS Y SIN ETIQUETAS POR EDWIN LÓPEZ

Durante 2019, se llevaron a cabo cientos de conciertos y festivales a lo largo de la República Mexicana, y Catrina fue uno de aquellos que lograron atraer miradas y conquistar el corazón de sus asistentes.

Desde temprano, miles de fans se fue dando cita para ver a sus bandas favoritas. No importó el nombre de la banda estuviera en letras pequeñas o grandes, pues Catrina demostró que la música es para disfrutarse y no para etiquetarla, puesto que en sus múltiples escenarios se presentaron artistas como: La Casa Azul, Karol G, Hombres G, Flaming Lips y hasta Los Acosta, Una de las presentaciones más esperadas fue Mac DeMarco, quien de principio a fin logró conquistar a todo su público, esos seguidores fieles que viajaron desde otros estados para poder disfrutar de este show increíble.

Con papelitos de colores, globos volando sobre el público, visuales increíbles, arcoíris, ponys y Wayne Coyne caminando sobre sus fans, fueron unas de las tantas sorpresas con las que The Flaming Lips maravilló a sus seguidores.

MARTES DE AMOR CON THE CURE POR RODRIGO GUERRERO Seis años tuvimos que esperar para el gran regreso de The Cure, una alineación que ha marcado tendencia dentro de los sonidos del post punk, rock gótico y alternativo que, además de contar con una carrera de un poquito más de 40 años y ser una banda que ha inspirado a un sinfín de agrupaciones, este grupo aún se mantiene activo en el mundo de la música.

La banda se presentó en el Foro Sol con un setlist de aproximadamente tres horas, que pudo complacer hasta el gusto más exigente, ya que todos los elementos cubrieron las expectativas, desde una iluminación bastante buena, la curaduría de las canciones y una perfecta ejecución musical de parte de Robert Smith y compañía.

No faltaron temas como los clásicos “Plainsong”, “Pictures of You”, “Friday I’m in love” y “Killing an Arab”.

Sin duda un gran regreso de parte de The Cure a México, ya que el show no careció de nada y dejó un excelente gusto al oído de todas las personas que asistieron al Foro Sol.

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FESTIVAL CATRINA ENTRE

foto Javier Soto

foto Christopher González

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30 AÑOS DE CAFÉ TACVBA EN EL FORO SOL

¡HOLA RADIO BOSQUE 2019!

NO TE APAGUES NUNCA

POR VÍCTOR HERNÁNDEZ

POR BENJAMÍN DÍAZ

¡Una de las bandas más representativas de nuestro país estuvo de cumpleaños en el Foro Sol! Es fácil decir que 30 años de Café Tacvba, pero la banda ha sabido mantenerse en la cima con su talento y lo que logra en vivo. Fueron interpretados temas como “Cero y Uno”, “Trópico de Cáncer” y ”Volver a Comenzar”, temazo que con un juego de luces sobre el escenario motivó a todos a cantar a todo pulmón. No faltaron “Las Flores”, “La Chica Banda” que nos dejaron roncos. Después de un descanso vinieron las más icónicas: “María”, “Eres”, “Quiero Ver” y “El baile y el salón”.

Nada mejor que recibir la última parte del año y equinoccio otoñal con la recta final de festivales. Con esto se dio el nacimiento de uno nuevo y fuera de CDMX: Radiobosque. El alumbramiento de este festival trajo consigo a Underworld, Hot Chip, The Blaze, DJ Windows 98, Rhye y WhoMadeWho, por mencionar a algunos.

Los invitados de honor fueron Los Tres y para el cierre de la noche hicieron algo diferente: interpretaron “Ingrato”, una versión feminista de su popular canción, ejecutada ahora con Andrea Echeverri de Aterciopelados.

Uno de los más grandes conciertos de Cafeta, llenar un lugar tan importante en nuestro país no lo hace cualquiera y mantenerse por más 30 años habla de su talento y constancia.

A pesar de la lluvia, el lodo y el frío que se da en la zona boscosa de Tepotzotlán, Estado de México, a unas cuantas horas de la Ciudad, se logró tener una primera edición victoriosa. La bandera de la satisfacción se izó en lo más alto con un cielo despejado y lleno de estrellas, pues este festival lo dio todo para que los asistentes pudieran brincar, bailar y olvidarse de lo más estresante de la semana.

Estas iniciativas son las que valen contemplar para futuras ediciones y que no mueran las ganas de salirse de lo usual. Vale la pena para aventurarse a nuevas cosas y, sobre todo, salir de los venues que ya son conocidos acá en la capital por albergar festivales masivos.

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EL DORADO PSICODELIA ENTRE LA ARENA POR VÍCTOR HERNÁNDEZ

POR ALEJANDRO SERVÍN

Era 2016 cuando Sticky Fingers anunció una pausa sin tiempo definido y después de la batalla a las adicciones y la salud mental de Dylan Frost, el vocalista. Ahora están de regreso con su nuevo álbum Yours to Keep. Fundada en el 2008 en Sydney, Australia, comenzaron con reggae fusión y al paso del tiempo su transición sonora se fue pegando más al indie rock. Es por eso que su cuarto álbum de estudio, publicado en febrero del 2019, tiene algo especial y no sólo lo en lo musical.

Esta banda es una de esas que te encuentras divagando en YouTube, mientras se reproduce aleatoriamente.

Sticky Fingers es un crisol de reggae, psicodelia, pop y bourbon en un trance oscilante e hipnótico.

LUZ Y FUERZA DEL CENTRO TRAÍDOS DEL MÁS ALLÁ POR ADONIS ESPINOSA

Iniciada en la Ciudad de México en 2016, este dúo de músicos (Tito y Pepe) empezó a trabajar tras bambalinas en un estudio. Buscaban su estilo musical y el resultado de su trabajo fue el primer sencillo “Ritmo Fantasmal”.

Entonces era febrero de 2019 y la canción se inspiró en bandas como Royal Blood, Highly Suspect y Monolordv.

Luz y Fuerza del Centro nos presenta una combinación de rock, groove y flow.

Una propuesta musical novedosa que hará traer de vuelta a los muertos. Este no es el único sencillo que lanzaron pues también tienen muchísimo material trabajado como “Sólo esta vez”, “Dame Luz”, “El Fin del Poder”, y otros temas más.

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ZAPOTECNO

LA VIDA, EL RITMO Y LA SABROSURA DEL SUR POR MARTÍN VARGAS

Ecos y ritmos eléctricos.

Cumbia y reggaetón. Sueltos y disueltos como la arena en las olas de una playa oaxaqueña: un escenario virtual para que estos ritmos se congreguen.

Quizá Valgur ya nos había enseñado que esto es posible, pero Zapotecno aporta comicidad en los eternos juegos de palabras y la temática que abordan en sus canciones.

Liderado por Carlos Sosa, en 2019 vio materializada su propuesta en cinco sencillos, entre ellos “Caminando pa’l norte”. Su primer álbum Teotitlán del Vaile, junta rolas donde una cumbia versa sobre el asalto en un viaje entre Juchitán y Teotitlán.

Zapotecno nos habla de la cotidianidad de una zona de la que no se habla tanto en la música: el sur del país.

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El Dorado es un proyecto originario de la Ciudad de México. Es una banda con guitarras psicodélicas y sintetizadores análogos que traen una increíble propuesta con su primer EP, Te Quedaste en la Arena, con la producción de Carlos Medina (Little Jesus) y Mario Bringas (The Plastics Revolution).

Esta banda integrada por Alejandro Sánchez, Ethan Sánchez, Carlos Trevilla, Alejandro Castañón y Fernando Cervantes presenta sus primeras seis canciones que son una joya. “El Regreso” y “Tokyo” resultan de las mejores propuestas. La segunda ya tiene video oficial, ambas nos presumen una distorsión penetrante. “Mentiras” y “Mi Niña de Oro” tan experimentales como con letras pegajosas.

STICKY FINGERS UN CRISOL DE RITMOS

por Dora Méndez / foto Alejandro Servín

En esta ocasión te traemos una nueva recomendación para que vayas conociendo una de las propuestas que este 2020 estarán haciendo ruido.

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Point Decster es una banda originaria de la Ciudad de México que se caracteriza por su sonido indie rock con toques de noise. El nombre de la banda se originó a partir de la palabra poindexter, la cual hace referencia a una persona nerd que actúa así a pesar de no ser inteligente.

Quizá esta es la característica con la cual se identifican John (Guitarra y voz), Coque (Batería), Ancia (Guitarra) y Diego (Bajo), quienes conforman la agrupación, ya que desde hace un par de años, los músicos se han dado a notar dentro de la escena independiente, y tienen uno que otro festival en su lista de shows, incluso fueron invitados al Force Fest del 2019, pero por las circunstancias que la mayoría conocemos, ellos mismos decidieron dejar pasar la oportunidad de este festival, pues no era el momento adecuado. Así que empezaron otra vez la cuenta regresiva para una nueva oportunidad. Y quizá en un futuro podremos verlos en un festival de la magnitud del Force Fest, uno con mejor logística.

Point Decster nos regala un sonido muy intenso; cuentan con un EP que salió en el 2017 y unos cuantos sencillos, de hecho, el año pasado nos lanzaron un sencillo titulado “Sunblast” que se desprende de su segundo maxisingle “Sunblast / Soft, Blurred Lines”.

Para esto tuvieron la oportunidad de trabajar de la mano de Will Reveur, con el que experimentaron para contar una súper historia y dejarnos un mensaje para reflexionar. En el video podemos ver a unos niños que juegan fútbol en la calle que se apasionan tanto que comprenden que tanto en la vida como en el juego, hay veces en las que se gana y en las que se pierde.

Actualmente estos chicos la están rompiendo, pues han compartido escenario con varias bandas que igual han ido creciendo y han pisado escenarios icónicos para la música alternativa como el Foro Alicia o el ya desaparecido Caradura. Además de que ya tienen algunas fechas programadas, también se encuentran preparando música nueva para sorprender este año.

Point Decster es de esas bandas que puedes escuchar en cualquier momento de tu día No les pierdas la pista, así que te recomendamos buscarlos en todas las redes sociales y por supuesto en las plataformas digitales como Spotify para que te des la oportunidad de conocer y disfrutar de su sonido de aquí para adelante.

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TH E STROKES - CORONA CAPITAL POR QIQE ÁVI L A

MON L AFERTE POR EDWIN LÓPEZ

H ELLO SEAHORSE POR EDWIN LÓPEZ

TH E NATIONAL - COORDENADA POR QIQE ÁVIL A

BI LLI E EI LISH - CORONA CAPITAL POR RODRIG O GUERRERO

KIKAGAKU MOYO - H IPNÓSIS POR MA . JOSÉ SÁNCH EZ

ELSA Y ELMAR POR RODRIG O DÍAZ

CAIFANES POR ALEJANDRO SERVÍN

/por Carlos Valle

THE WALL

LA MISERIA DE LA HUMANIDAD ES ETERNA The Wall es la obra cumbre de los trabajos conceptuales —con todo y que es debatible si es o no el mejor trabajo de Pink Floyd—. Pero toda la pomposidad y la majestuosidad que un álbum puede tener, ni siquiera podía ser contenida en un disco. Un álbum doble, un soundtrack. Una obra.

Todo lo que Roger Waters había sentido, con todo lo que pasaba en el mundo y con la banda. Siempre fueron una banda social —no en el sentido del reggae o el hip hop— siempre tuvieron una lectura más compleja de la sociedad. Todo el Animals es la prueba de ellos.

También el Dark Side of The Moon era una lectura particular de la humanidad, aún aplicable para los tiempos contemporáneos. Todo el Wish You Were Here era cuando introspectivos puede ser alguien y honesto. Toda la situación de Syd Barret no era sencilla.

Porque el trabajo conceptual no se queda en las letras o en la música, muy pocos álbumes pueden trasladar a la pantalla grande. Menos álbumes pueden trasladarse también al teatro.

Obviamente con la ironía que conlleva todo la utilidad que sale de esto.

También nos ha dado una de las mejores giras. Cuando Waters se embarca con su versión simi de Pink Floyd —porque igual sirve... pero no es lo mismo—, esta gira en particular es la que siempre se lleva las palmas, sin importar tu album favorito.

Justo el presentarlo en vivo es la mejor manera de ejemplificar todo lo que significa este álbum, no solo a nivel musical, sino a nivel personal para la banda. En 1982, cuando terminó el tour, fue lo último de la banda. Richard Wright fue el único que se fue a su casa con dinero... porque lo corrieron. Por eso no tuvo pérdidas.

31 fechas, 3 países, 4 venues. Promediando más de 100 mil personas por show y acabaron en números rojos. Ese era el nivel de producción que tenían, todo por representar fielmente la visión del disco —o de Rogers—.

Por otro lado, en 2010-13 Waters se embarcó por tres años, para tocar 219 fechas —nada mal para un señor de 66 años—. Con una recaudación de más de 400 millones de dólares.

Es bien importante aclarar que “Money” no viene en este disco, al hablar de esto.

El disco que rompió a Pink Floyd, las drogas pareciera que no eran más que el ego. El último disco —ya sabemos que ambas partes siguieron, pero ese legado aquí terminó—. que dejó su marca en la historia. Algo que muy pocas bandas tienen.

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The Wall llegó a culminar todo eso. Incluso con la película que parece que no pueden existir sin la música y viceversa. Son parte de un todo que está cumpliendo 40 años y al igual que su discografía anterior, sigue vigente como el día que salió.

/por Arturo J. Flores

L

eí en un viejo ejemplar de la revista Popular una de las últimas entrevistas que otorgó Kurt Cobain. Entre otras cosas, se quejaba de la actitud de los fans. No entendía por qué les importaba tanto su firma. Estamos hablando de los 90. Faltaban algunos años para que la necesidad de tomarse una selfie reemplazara al viejo hábito de coleccionar autógrafos. El cantante de Nirvana le confesó al reportero que preferiría que alguno de esos chicos que se acercaban a él para pedirle que hiciera un garabato en la tapa de su copia de Nevermind, mejor se pusiera a charlar sobre música. Era una de las razones por las que Cobain era un tipo renuente a interactuar con las personas que consumían su música.

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En el estricto sentido de la palabra, desde un punto de vista mercantil si ustedes quieren, los fans son los jefes de los músicos. Son quienes con cada play en una lista de reproducción, cuando compran merchandise oficial o boletos para conciertos, posibilitan que la creadora o creador en cuestión no tenga que conseguir un trabajo de oficina para llevarse comida a la boca.

Detrás de cada bañera rellenada con champaña, tenis customizados o dientes con aplicaciones bling bling con las que los músicos desfilan en una alfombra roja, hubo un fan que invirtió pocas o muchas monedas.

Por eso me enoja tanto que existan casos de traición. Sí. Cuando los músicos olvidan que cada una de esas personas que han cooperado para encumbrarlos, merecen respeto. En muchos casos, deberían ser ellos, los que suben el escenario, quienes deberían pedirle a sus fans que se tomaran una fotografía con ellos y que les concedieran unos minutos para platicar.

Me contó una amiga, bajista de un par de bandas metaleras, que una de las decepciones más profundas que ha experimentado provino del cantante de su banda favorita. A ella le dicen Lakorn, porque desde muy chica profesó una devoción cuasi religiosa por la agrupación de Jonathan Davis. Pero fue él quien ordenó al personal de seguridad del hotel donde se hospedó durante alguna de sus visitas a México, que escoltaran a Lakorn (nunca se cambió el sobrenombre porque sería tan complicado como removerse un tatuaje) hasta la calle, cuando ella había logrado colarse para conocerlos. Se había acercado a Davis con timidez para pedirle una firma. Sin gritos desaforados ni actitudes fuera de lugar.

“Ese día me rompieron mi corazoncito. Entendí que los músicos son seres humanos que pueden tener un mal día, pero también me prometí que aunque yo tenga tres fans, los voy a tratar bien siempre”, me dijo.

Años atrás salí con una chica que era fan de Mägo de Oz. Sucedió que una vez un amigo publirrelacionista me permitió que ella me acompañara a una conferencia de prensa con los españoles. Al final, muchos se acercaron a los músicos para que les firmaran discos y camisetas. A mi entonces date le faltaba solo la rúbrica del baterista, que había salido apresurado del salón del hotel.

Cuando ya íbamos de salida, por casualidad vimos a Txus, el aludido, hablando por teléfono en el lobby. Insté a mi amiga a que se acercara a saludarlo. Ella lo hizo con absoluto respeto, pero el músico interrumpió su llamada para gritarle, de una forma muy grosera, que no lo estuviera molestando. Entiendo que su llamada quizá fuera muy importante, pero eso no justificaba que actuara como un patán. Bien pudo conducirse a ella con respeto. Me consta lo que ella había gastado desde que iba en la secundaria, en discos y ediciones especiales de un músico con vasta experiencia, pero sin tacto para tratar con sus fans.

Caso contrario el de Ronnie James Dio. Mi amigo el Chico Migraña cuenta en el libro que escribimos al alimón, Tormenta de Sangre, la vez que el cantante, auténtica leyenda del heavy, lo regañó porque cuando Migraña trabajaba en Ocesa, había corrido, por instrucciones de su jefa, a los reporteros que al final de un encuentro le pidieron fotografías y autógrafos.

“Nos debemos a ellos. Gracias a ellos estamos de gira, tenemos trabajo y podemos vivir de la música”, le dijo Dio a mi amigo. “Si quieren una fotografía o una firma, debemos dárselas”.

Luego de su actuación en el Corona Capital, se hizo viral el video de Billie Eilish deteniendo su camioneta y permitiendo que una de sus fans se acercara para darle un abrazo. La niña no se tomó una fotografía, aunque el momento quedó inmortalizado por su papá. Pocas semanas después de lo sucedido, a la intérprete de Bad Guy, Billboard la distinguió como Mujer del Año.

Es muy posible que no conozca al fallecido Dio, como también se sabe ignora quién es Van Halen. Poco importa. Porque ambos están en el mismo canal.

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La Música Electrónica, Es Una De Esas Industrias Donde Mientras Más Viejo Te Haces, Más Valorado Eres Y, Aparentemente, Más Creativo Te Vuelves En mayo del 2017, a sus 48 años, el DJ y productor británico, Sasha, presentó Refracted, un espectáculo en vivo donde interpretó versiones orquestales de sus temas más icónicos, creados a lo largo de más de 25 años de carrera. Un show tan impresionante para sus fans que hasta la fecha siguen comentando y escuchando, gracias a su posterior edición en Blu-ray.

De forma similar, a sus 45 años, Pepe Mogt colaboraba con Cirque du Soleil para producir la música del espectáculo Luzia, al lado de Ramón Amezcua, con quien conforma el dúo Bostich + Fussible de Nortec Collective. Más allá de ser un gran logro en sus carreras, fue todo un reconocimiento a su trabajo como compositores y, prácticamente, creadores de un género musical.

Ejemplos similares sobran en la escena electrónica. Mientras millones de personas alrededor del mundo morirían por jubilarse a esa edad (e irónicamente jamás podrán hacerlo en la economía global actual), superar los 40 años de edad pareciera ser apenas el inicio de un prometedor futuro para quienes han logrado consumar el sueño de vivir de “presionar un botón”. Y es que, pese a la gran cantidad de burlas que los DJs y productores reciben porque “ese no es un trabajo, es un hobby”, vivir de la música electrónica es posiblemente lo más parecido a vacaciones pagadas o una jubilación temprana.

No es que Sasha o Bostich + Fussible se hayan sentado a ver maratones de Netflix y Amazon Prime todo un año (como tú, sí tú) y su música haya sido creada mágicamente por un algoritmo, no me refiero a eso. Claro que se esforzaron en crear el producto final que presentaron en Refracted y Luzia, pero son proyectos que, mayormente, estaban diseñando por gusto. Principalmente Sasha, quien no tenía la presión de un sello discográfico o un contrato para hacer esto, fue simple placer, inspirado por un concierto de Nils Frahm.

La música, en especial la electrónica, es una de esas industrias donde mientras más viejo te haces, más valorado eres y, aparentemente, más creativo te vuelves. La experiencia sí rinde frutos aquí, no como en tu oficina, dónde pasar diez horas diarias sentado sólo te provocará hemorroides.

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-SUPERAR LOS 40 AÑOS DE EDAD PARECIERA EL INICIO DE UN PROMETEDOR FUTURO PARA QUIENES HAN LOGRADO CONSUMAR EL SUEÑO DE VIVIR DE “PRESIONAR UN BOTÓN”.-

Por supuesto que a este nivel no llegas de la noche a la mañana.

Cualquier DJ y productor que actualmente supere los 40 años seguro comenzó a los 15 o 20 y ya llevan más de dos décadas tocando en clubes y festivales de todo el mundo. Fue un camino duro y lleno de noches sin dormir (literalmente) para llegar a la cima, pero nunca olvides que es un camino más placentero que pasar 3, 5 o 10 años encerrado en una oficina siguiendo órdenes, sólo para ver cómo contratan a nuevos jefes o directivos en lugar de ascenderte de puesto y, como cereza en el pastel, te ponen a ti a enseñarle a dichos nuevos miembros cómo hacer su trabajo.

Pero todos estos placeres se dan sólo mientras conserves tu cordura y tu alma. Nunca olvidemos el caso de Tim Bergling, uno de los muchos músicos aplastados bajo la presión de enormes sellos discográficos que lo obligaron a convertir su pasión en rutina y su trabajo en esclavitud. Y es que ser DJ también se puede volver una profesión altamente depresiva, como puedes verlo en documentales como Avicii: True Stories de Netflix o Insta DJ: Social Media and the New Age Dancefloor de Pioneer DJ. Afortunadamente, son más las historias de edad-éxito en la escena electrónica. Para muestra tenemos

a Raja Ram, DJ que a sus 77 años continúa derrotando demonios con ayuda de su flauta psicodélica en los shows en vivo de Shpongle, banda en la que comparte créditos con Simon Posford y una serie de músicos y vocalistas que cuentan con todo el potencial de ser headliners de festivales como Tomorrowland o EDC y hasta de un Corona Capital (OCESA, escúchame por favor).

Y aún más destacable el trabajo de Karl Hyde y Rick Smith, dúo mejor conocido como Underworld, creadores del mítico himno “Born Slippy (Nuxx)”, quienes a sus 55 y 53 años, respectivamente, musicalizaron la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012, donde presentaron, el que yo considero, uno de los 10 mejores tracks de música electrónica de toda la historia o, por lo menos, el mejor de esta década: “And I Will Kiss”, una composición de 17 minutos que demuestra el gran potencial de aquellos “chavorrucos” que se ganan la vida “presionando play”.

Sin duda, ser DJ o productor de electrónica es, en la mayoría de los casos, un trabajo del cual no querrás jubilarte, aunque tengas la posibilidad de hacerlo, mientras lo hagas por placer y en tus propios términos.

FOALS

La apuesta valió la pena. Yannis y compañía se arriesgaron cuando anunciaron el lanzamiento de dos álbumes este año, pero este seguimiento es una prueba indiscutible de su grandeza. La impetuosa autoproducción de la banda explota su sonido hasta que se pierde toda definición. La parte 2, prometió la banda, sería aún más pesada, pero en su mayoría continúa con la fórmula del álbum Foals ahora estándar, dividiendo su lista de canciones en Aggressive, Funky y Somber. No es un complemento de su predecesor, sino una simple colección de canciones de Foals.

No sólo es una conclusión bien lograda de su proyecto más aventurero y magistral hasta la fecha. Part 2 también es una banda de sangre pura de un álbum discográfico y completamente completo por derecho propio, un testimonio de todo lo que los potros son capaces de hacer: en sonido, alcance y grandeza. A pesar de todas sus posturas sobre hacer un disco que “realmente resonó con la hora actual”, están más en casa en el programa anticuado.

FKA TWIGS

WILCO

Por Brenda Valderrában

Por Víctor Hernández

THE MAGDALENE EXPERIENCE Después de LP1, FKA twigs regresa con su segundo y mejor álbum hasta el momento, MAGDALENE. Difícil de catalogar, se mueve entre estilos y sonidos. Inspirado en María Magdalena, nos envuelve en nueve canciones únicas como “Thousand eyes” que comienza siendo una polifonía típica de iglesia católica al introducir de una forma muy bella al resto del disco.

La historia continúa hasta llegar a un poco de R&B en “holy terrain” junto al rapero Future.

“Mary Magdalene” rasca una vez más la esencia del disco y la historia de esta mujer que caminó lado a lado de Jesús.

El disco no pierde terreno y se vuelve un placer escucharlo hasta “cellophane”, su última canción. Nos demuestra por qué FKA Twigs se está posicionando como una de las favoritas de los próximos años.

Hay nombres tan perfectos que merecen ser el título de la nota. The MAGDALENE Experience agrega tres cortos videos extras y pequeños visuales para cada canción. Puedes sumergirte a esta experiencia desde tu teléfono dese cualquier plataforma digital.

ODE TO JOY

Wilco nos ha sorprendido con su último lanzamiento Ode to Joy. Para unos es un material que raya en la simpleza, para otros es una obra que necesita contemplación para encontrar su belleza.

Es cierto que al principio con “Bright Leaves” y “Before Us” pareciera, incluso, que tenemos un álbum solista. Sólo podemos escuchar la voz, batería y algunos rayos de guitarras. Pronto encontramos distorsión con “Quiet Amplifier”, “Everyone Hides” y “We Were Lucky”. Juntas nos hacen sentir progresión, ecos, teclados, guitarras y sintetizadores que resaltan el amor, la frialdad, el optimismo.

A veces inclinándose al ámbito personal y otras a lo político. Y no podemos dejar de hablar de dos canciones que bien podrían pertenecer a discos atrás: “Love is Everywhere” y “Hold Me Anyway”.

Es momento de que nos des tu veredicto. No esperes que sea un material parecido a los inicios de la banda: esto es algo nuevo, fresco. Al final, después de 25 años, sólo te queda experimentar y los expertos que hace Wilco.

/Issue No. 33 ‘Death Business: la verdadera herencia musical’

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EVERYTHING NOT SAVED WILL BE LOST PART 2 Por Benjamín Díaz

MICHAEL KIWANUKA KIWANUKA

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NICK CAVE AND THE BAD SEEDS

DJ SHADOW

Por María José Sánchez

DJ Shadow presenta Our Pathetic Age, su sexto álbum. Material bastante complejo en presentación doble; la primera es una colección ‘instrumental’ de piezas que fácilmente podrían musicalizar una película o un videojuego retro futurista (piénsese Terminator o Final Fantasy).

Tiene momentos bastante memorables que saltan al oído: desde la pegajosa “Juggernaut”, la festiva “Rosie” o la emotiva “If I Died Today”.

La segunda mitad consta de colaboraciones con raperos (aunque por ahí alguien se escapa de esa etiqueta), el hip hop es un conector y es característica esa rima rápida sobre beats de batería ‘scratcheados’. Nombres que van desde Nas, De La Soul, hasta Fantastic Negrito o incluso Paul Banks. Los temas tratados gravitan en una nebulosa de dolor, crítica social, redes sociales y sonidos de un futuro dominado por el ‘Gran Hermano’.

Our pathetic age resulta una excelente continuación a The Mountain Will Fall (2016) pues mantiene ese mismo hip hop y música post apocalíptica.

Ghosteen

Po Diego García Sencillamente este es uno de los mejores discos del 2019. Kiwanuka es la compilación de 14 canciones de un poeta que le habla al mundo desde la búsqueda de su propia verdad. Bajo la producción de un monstruo de la música como Danger Mouse, el disco es un viaje por la historia de la música que, aunque evoca a los setentas y ochentas no pierde una esencia contemporánea.

A la grave voz de Michael Kiwanuka, que le canta a la trascendencia, al tiempo (que sí sana) y al amor (que sí es la respuesta), la acompañan grandes arreglos instrumentales.

Estás intervenciones incluyen tambores, guitarras eléctricas, sintetizadores psicodélicos, violines, pianos, coros de soul y gospel.

En conjunto, todo suena a una oda casi profética, casi religiosa. Una obra que es necesario escuchar sin interrupciones, con audífonos en un sitio tranquilo quizás obscuro.

El tercer larga duración del compositor indie Michael Kiwanuka es un lugar bello de lagunas profundas. Un lugar que vale la pena visitar más de una vez en la vida.

Nick Cave se ha consagrado como un músico que cuenta historias a través de sus canciones, imaginarios que proyectan realidades y sensaciones propias del ser humano y, a pesar de rondar el tema de la muerte en varias de sus composiciones anteriores, nunca lo había hecho de la forma en que lo hizo en Ghosteen.

Este es un álbum de duelo, en él podemos escuchar de forma vívida la lucha por recuperar la fe y la promesa de volverse a encontrar a través de la voz de Cave, pianos suaves y pausados junto a coros y sintentizadores que envuelven la atmósfera del disco en melancolía.

Dividido en dos partes, las canciones hijos y las canciones padres, forman un diálogo entre sentimientos que giran alrededor de la idea la vida después de la muerte anclados en un mundo lleno de elementos fantásticos y reales que confortan y confrontan, ante la pérdida de un hijo, de un ser amado: This world is beautiful, held within its stars, I keep it in my heart.

OUR PATHETIC AGE Por Eric del Rey

/Issue No. 33 ‘Death Business: la verdadera herencia musical’