Revista Kuadro No. 34

CARTA DEL EDITOR En medio de un año que parece sacado del guión de una película apocalíptica de mucho presupuesto, este 2020 nos ha sorprendido, revolcado, enseñado, maltratado, encerrado, pausado y revolcado una vez más.

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero.

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Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 34 ‘YOAKE: EL ETERNO AMANECER MUSICAL’ MAYO-JUNIO 2020

Sin duda, son tiempos difíciles en todo el globo, llenos de incertidumbre, estrés y encierro, pero afortunadamente, siempre tendremos buenos aliados que nos hacen sobrellevar esta situación, como el dios Internet con sus múltiples maldiciones y bondades, el ejercicio, las artes y claro, la bendita y siempre necesaria música.

En el ADN de Revista Kuadro siempre hemos tenido la voluntad de querer sumar en adversidades como esta y hemos procurado cooperar desde nuestra trinchera y en lo que somos especialistas en hacer: enriquecer y divulgar la cultura musical en nuestros lectores y seguidores.

Nuestra edición #34 está más que lista. En medio de un parón y una pandemia mundial, así como de la pausa de la industria musical, fue como se gestó este número que lleva por nombre: “YOAKE: El eterno amanecer musical”.

Desde nuestra portada, seguro que tendrán una idea de qué va, así que solo daré algunos detalles de esta súper edición oriental. En febrero de este año, antes de que el covid-19 nos metiera a casa, el equipo editorial de Kuadro en junta, proponía sobre la mesa un número en donde pudiéramos enforcarnos en todo el aporte musical del oriente, desde las ediciones de discos, el fenómeno del K-pop, los conciertos con hologramas, el anime, hasta un repaso por esos nombres hoy grandes de la industria como los Kikagaku Moyo o el genio Damo Suzuki. Imposible resistirnos a decir que no. El resto, ustedes ya lo saben, así que un momento donde a ratos se agrede a la cultura asiática, nosotros venimos a contarles sobre las bondades que nos ha dejado.

Toda una obra de arte esta edición que están por comenzar en leer.

No todo queda en los sonidos del otro lado del globo, para equilibrar, tienen que checar nuestras entrevistas con los chicos de Black Pumas y Little Dragon, así comos El Columpio Asesino y Buscabulla. En los sonidos de casa, el genio de Wet Baes es parte de nuestra edición, así como el fenómeno que gusta a chicos y grandes llamado 31 Minutos.

Hoy, que parece abrumarnos nuestra biblioteca musical, venimos a aportarles nuevos sonidos en nuestras secciones de casa como Puerta De Entrada, Kuadro Escucha, Kuadro Beat y otras más que los invitamos a echar vistazo.

Edición que llega, no sin antes agradecer el trabajo y talento de todo el equipo de diseño, redacción, prensa, P&R y editores, quienes conforman Revista Kuadro. Así como a nuestros aliados, partners, sellos, agencias y disqueras, quienes siguen creyendo y sumando en este proyecto. Por último y no menos importante, agradecimiento a toda nuestra comunidad por seguir con nosotros en todo este tiempo, es para ustedes, ¡bienvenidos a nuestro #34!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECCIÓN GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN JEFA DE INFORMACIÓN MA. JOSÉ SÁNCHEZ EDITORES WEB ALDO FRANCO DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS ARTE & DISEÑO IVANA CASTRO FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ DORA MÉNDEZ RELACIONES PÚBLICAS CARLOS SAÍN JOSÉ CURDA

MARIANA HERNÁNDEZ MA. JOSÉ SÁNCHEZ ALDO FRANCO CARLOS VALLE MARIANA VELASCO ERIC DEL REY YAFNA GONZÁLEZ DIEGO VENEGAS MARTÍN VARGAS JOSÉ CURDA JAY ROS VERÓNICA DE LA MORA MONSERRATH PÉREZ ARTURO J. FLORES BRENDA VALDERRABANO

FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ALEJANDRO SERVÍN RODRIGO GUERRERO QIQE ÁVILA JAVIER SOTO

DISEÑO THE JAVISCEFFECT ROBERT “ZEPOL”

E N T R E V I STA S 04/ B u s c a b u l l a 06/ W e t B a e s 08/ 3 1 M i n u t o s 10/ E l C o l u m p i o A s e s i n o 12/ B l a c k P u m a s 14/ L i t t l e D r a g o n

DOSSIER 16/ YOAKE ‘El eterno amanecer musical’ 18/ Música derribando murallas 20/ Todos se saben el opening de un anime 22/ Escéptico occidente del holográfico oriente 24/ Ediciones orientales; el tesoro de los coleccionistas 26/ La pandemia musical 28/ Capitalismo musical. Más allá del oriente comercial 30/ K-POP el virus que sí nos llegó desde Asia

SECCIONES 32/ Kuadro Live 34/ Kuadro Escucha 35/ Puerta De Entrada: Sweet Spots 36/ Kapturados 40/ Kuadro De Honor 42/ La Kolumna 44/ Kuadro Beat 46/ Reseñas De Discos

Su Nuevo Disco Nació De La Mezcla Entre La Tradición, Lo Contemporáneo Y La Añoranza Del Hogar

Su camino por la escena independiente empezó cuando la industria comenzó a ser favorable para el artista independiente y permitió que los proyectos lanzaran su propia música a través de redes sociales y la difusión de este material permitió que todo llegara a diferentes partes del mundo.

Recuerdan con mucho cariño su primer EP, aunque al principio no le tenían expectativas: “Fue un EP de exploración, en esa época íbamos a tener a nuestra hija, el día que recibimos los masters

yo estaba a punto de parir. Siempre vemos que entre nuestra carrera y nuestra hija hay cosas de por medio, significa el nacimiento de nuestra carrera, literalmente, fue el primer empuje”, comentó Raquel.

Su segundo EP nació de una idea que romantizaron a partir de “nuyorican”, una palabra que se refiere a los puertorriqueños que emigraron a NYC y viven la mezcla cultural de ambos lugares, esta riqueza de influencias los inspiraron a crear un sonido nuevo y evolucionar.

“El trabajo en pareja no es la cosa más fácil del mundo”, comentó Luis. Se ven como si tuvieran un negocio familiar, una panadería, en la que cada uno hace su esfuerzo, hacen el pan, lo tratan de mover y sostener con el arte que crean. Tratan de tener un equilibrio de roles, pero siempre hay tensión, mayormente cuando hay muchas cosas que hacer, además afirman que, quien diga lo contrario, está mintiendo.

“Tener una banda en pareja es mucho más que eso, las giras, los ensayos, tomar decisiones difíciles. Vivir de esto es difícil y sostener una familia, pero lo trascendental es que estamos conscientes de que sabemos que es difícil, al final lo que importa es tener los pies en la tierra y seguir adelante sin perder la meta”, explica Raquel.

México también es inspiración para el dúo, “Nos gusta venir y ver que hay mucho espacio para los músicos, tantos

-“EN MÉXICO HAY MÁS ESPERANZA, ES LA METRÓPOLI DE LA MÚSICA INDEPENDIENTE”-

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El dúo puertorriqueño Buscabulla, compuesto por Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle, vivió en Nueva York diez años. Allá se formó esta propuesta que mezcla de sonidos de la movida influenciada por la música caribeña que surgió a principios de 2010. En 2018 volvieron a Puerto Rico para grabar su primer disco empapado con sentimientos de esperanza por su lugar de origen.

por Mariana Hernández / fotos cortesía

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festivales y encanto por la música independiente. Es como la potencia musical del mundo, un trampolín de aquí para Hollywood, digamos, porque en Puerto Rico no hay mucha oportunidad, siempre pensamos que tendríamos que irnos para poder hacerlo, en México hay más esperanza, es la metrópoli de la música independiente”.

Su manera de percibir a los mexicanos es muy halagadora, opinan que en nosotros existe una forma especial de sentir la música y de conectar con ella intensa y espiritualmente, a su vez admiran nuestro goce y se percatan de la energía que se desborda de una audiencia a otra que puede ser también una onda cultural y de pasión, “México es la meca del mundo latino”, mencionó Luis.

“Vámono” es un videoclip en el cual Buscabulla representa su regreso a Puerto Rico después de haber vivido diez años en Nueva York y se desprende

de Regresa, su nuevo disco. Además el audiovisual está inspirado en las fiestas de su natal Puerto Rico, celebraciones milenarias de las cuales se enamoraron y que han evolucionado, al respecto explicaron: “‘Vámono’ habla sobre la llegada triunfal de poder regresar a casa, pero también volver con la intención de mejorar un país ya que Puerto Rico está hundido en una crisis económica, pasó por un devastador huracán y recientemente, un terremoto, entonces, este single tiene esa energía y percusiones con tambores de marcha que hablan de volver a casa.

Además el festival de las máscaras de Altillo nos fascinó por las carrozas y las indumentarias. Luis y yo pensamos en recrear el festival y hablar del mensaje, retomar la cultura y lo contemporáneo”.

El dueto se identifica con la palabra experimento, ya que se consideran innovadores, les gustaría ser reconocidos

como artistas que están haciendo una amalgama de algo para crear una cosa nueva que posee un valor cultural.

“Manejamos el concepto de la elegancia con la modernidad”, comentó Luis, y, efectivamente, coincidimos en que son una una combinación de folclor y lo contemporáneo entre dos mundos opuestos.

Regresa verá la luz muy pronto y estará disponible tanto en las plataformas digitales como en vinilo con copias limitadas. Con esta nueva producción, opinan que lograron lo que deseaban hasta donde sus capacidades los dejaron, con todo el sudor y amor que pudieron, ahora le toca al público dar su opinión.

Con Su Nuevo Material Andrés Jaime Busca Romper El Paradigma De Wet Baes

RK: Oye, estás a punto de tener a mucha gente aquí escuchando tu música contigo, ¿qué opinas de este fenómeno detrás de la escucha colectiva?

Wet Baes (WB): Fíjate que he me ha llamado la atención últimamente que de cinco años para acá, muchos discos que he descubierto y así, las mejores experiencias que he tenido escuchándolos han sido compartidas.

Es muy chido ver las reacciones que pasan alrededor de la música, sobre

todo cuando es tu música y sentir cómo la gente reacciona, me late.

RK: Y justo vivimos una época de grandes cambios en cómo se distribuye y consume la música, cómo fue que decidiste realizar esta especie de narrativa espacial en tu música que me atrevería a decir inició en aquel Ceremonia en 2018 …

WB: Todo fue ligado por una serie de ideas que quise abarcar alrededor de los conceptos con los que estaba en ese momento, sobre todo en 2018 fue un año bien loco, fue un momento bien místico. No sé si esto es cosa mía, pero creo todos pasamos por un despertar místico, pero todos pasamos por un momento así, en la que una serie de situaciones me orillaron a estar muy cerca del estudio, del aprendizaje, tenía mucho que no aprendía nuevas cosas.

Fue una etapa en la que me abrí a cosas muy cañonas, entre ellas me llegó toda la onda del espacio, siempre he sido alguien que ha tenido esto muy

presente, estas cuestiones donde hay algo más grande que nosotros. Tampoco es que quiera ser astrofísico pero me trajo mucha energía y muchas ideas.

RK: ¿Qué fue lo que pasó después con ese despertar cósmico?

WB: Después de ese Ceremonia, me vine aquí. Tenía ganas de poner mi estudio, una zona de trabajo, necesitaba ver esto como un trabajo. Entonces mi compa que vivía antes aquí, me enseñó

-“QUERÍA QUE SONARA LA VIBE DE WET BAES PASADA PERO CON UN CORTE DE CABELLO NUEVO”-

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Platiqué con Andrés Jaimes a.k.a Wet Baes, antes de que comenzara una listening party de la primera parte de su más reciente material Cosmovidencias.

Cuando llegamos al lugar donde está ubicado su estudio, nos recibió una vecina que señaló el lugar “donde dan guitarrazos”. Aun con los invitados a punto de llegar, Andrés platicó largo y tendido sobre los experimentos detrás de este material y la dirección que le quiere dar a su carrera más allá de Wet Baes.

por Ma. José Sánchez / fotos Alejandro Servín

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cosas clave para empezar -a producir-.

Después inicié una etapa donde comencé a experimentar, el estudio tuvo diferentes ciclos y comencé a afinar todos los detalles de Cosmovidencias aquí.

RK: ¿Qué faceta tuya descubriste dentro de este proceso?

WB: Pues en esta época que vivimos en lo que todo cambia y evoluciona, me enfoqué en mi faceta de productor más que en la parte del artista. Aprendí que esta faceta me importa todavía más porque la música avanza muy rápido y es muy exigente, además también estamos llegando a un lugar donde las cosas que se puedan inventar se están acabando, y en cierta parte eso es un beneficio para artistas como yo cuya música tiene esa fuerte reminiscencia a música del pasado que aún tiene eco hoy en día, sin embargo nos estamos quedando como en un tope que en la parte de producción puede darle el verdadero giro con la versatilidad.

RK: ¿Cómo describirías el trabajo que

hiciste en este material?

WB: Como productor quise experimentar con Cosmovidencias, yo no me quería quedar en que Wet Baes solo suena ochentas o setentas, ni siquiera quería caer en la onda de que todavía algunas personas me califican como electrónica. Quería que sonara la vibe de Wet Baes pasada pero con un corte de cabello nuevo, también quise experimentar mi faceta como psicodélica clásica.

RK: ¿En este momento qué significa Wet Baes para ti?

WB: En este momento para mí Wet Baes es como un proyecto más de Andrés Jaime y a Andrés Jaime lo estoy viendo más como un productor porque siento a Wet Baes más como un personaje mío.

Pero realmente ahorita me he dado cuenta de que quería poner un estudio.

Mi visión es crecer a un productor que de cierta forma a través de la experimentación pueda encontrar

herramientas para poder navegar por todos lados y poder entender y cuajar que todos los géneros son interesantes. Vivimos una época en la que podemos entender y aceptar todo tipo de mezcolanzas y ver qué sale, tal vez sin ojos tan puritanos y justo con la producción de Cosmovidencias quise quitarme el estigma de que Wet Baes es un algo y con el que quiero probar que no solamente soy “esto”.

RK: Si tuvieras la capacidad de viajar a algún punto de tu vida, ¿qué consejo te darías?

WB: Maybe, sería...a hace dos años (risas), cuando empecé esto. No me diría “¡La estás cagando!” Solo me diría: “dátelo pero relájate”, no te dejes calentar la cabeza más de lo que deberías.

El Proyecto Chileno Logró Derribar Muchos Clichés De Los Programas Para Niños

Con formato de noticiero, Peirano y Díaz crearon un programa que no solo acaparó la atención del público infantil sino que también capturó la de jóvenes y adultos gracias a su gran carga satírica y del absurdo, capaz de motivar la reflexión a través de sus personajes con personalidades con claroscuros que jamás pretendieron aleccionar.

Con situaciones como una pelea de libros, el río de la caca, un calcetín que defiende los derechos de los niños y un encuentro con Dios, lograron en cuatro temporadas, llenar un hueco en los contenidos infantiles latinoamericanos, que si bien comenzó en Chile, en nuestro país han tenido una aceptación descomunal, gracias a personajes como Juanín Juan Harry, Juan Carlos Bodoque y Tulio Triviño, este último con una cuenta de twitter muy activa en la que siempre pelea con Drake Bell por el cariño de los mexicanos.

Por eso platicamos con Álvaro Díaz, creador y alma detrás del reportero más carismático de la televisión: Juan Carlos Bodoque, quien nos contó sobre esta nueva etapa del proyecto que inició desde aquella vez que tocaron en Lollapalloza Chile.

Además del contenido, la parte musical ha sido fundamental en su crecimiento ya que con sus propias composiciones, exploraron una opción que nunca imaginaron podría sacarlos de la televisión para llevarlos a escenarios tan importantes como Viña del Mar o el Vive Latino, festival en el que tuvieron dos fechas con una aceptación impresionante del público mexicano.

-CON UNA PELEA

“Al principio pensamos que era una bobada pero no estábamos conscientes al inicio, al menos yo. No estábamos conscientes de poder realizar un show

DE LIBROS Y UN ENCUENTRO CON DIOS, LOGRARON LLENAR UN HUECO EN LOS CONTENIDOS INFANTILES-

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En México, la historia de la televisión es basta, sin embargo en temas culturales y educativos, se ha quedado algo corta.

Pocos canales han tenido la capacidad de crear contenido educativo propio y muy pocos han logrado enganchar al público infantil que, aunque parezca tarea sencilla, crear contenido para niños es complicado porque nunca debe ser aburrido y es premisa que a los niños y niñas se les debe tratar y comunicar sin condescendencia. Lo anterior no fue tomado tan a la ligera por Pedro Peirano y Álvaro Díaz, ya que ellos tomaron esa clave para crear uno de los programas infantiles más exitosos de los últimos tiempos: 31 minutos.

por Ma. José Sánchez / fotos cortesía

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de este tamaño, lo increíble fue que en el escenario nadie del equipo se quedó quieto, absolutamente nadie.

He tenido descubrimientos sobre estar en un escenario que me han hecho sentir muy feliz. Con este show que presentaremos en el Vive Latino nos sentimos muy emocionados porque será uno que se acerque más a la esencia de 31 minutos.”

Efectivamente, 31 minutos en el Vive Latino tuvo dos presentaciones, una en cada día del festival, ambas lucieron totalmente abarrotadas a pesar de que el COVID-19 estaba en puerta, nadie se quiso perder a Tulio y compañía. Tal es su influencia en México que varios artistas de la escena realizaron un disco homenaje por allá de 2009, entre los participantes se encontraron Ximena Sariñana, Belanova y Natalia Lafourcade.

“Nunca imaginamos tener un disco homenaje, de hecho nunca imaginamos muchas cosas tan especiales que

vinieron con 31 minutos, estamos muy agradecidos, más que por el disco, por muchas cosas más porque además tocar en México es una de las cosas más impresionantes.”

Este 2020, el noticiero más veraz y educativio de la televisión cumple 18 años, pocos proyectos han logrado trascender la barrera del tiempo como ellos, ante esto la pregunta obligada era ¿Cómo mantener ávido al niño interior de todos los miembros del equipo? Al respecto Álvaro Díaz comentó: “Entre nuestras canciones existe una que se llama “La regla primordial” hay algo de esto en ella, sobre lo que buscamos como equipo:ser originales en el trabajo creativo, de buscar siempre lo nuevo, ser perseverantes, activos y sanos. Queremos que esto no se sienta como un trabajo más, es la razón que nos mantiene vivos creativamente.”

Si bien por ahora no planean realizar más programas, 31 minutos no ha parado en llevar su show alrededor del mundo -incluso antes del COVID, había muchas fechas confirmadas para México -, además han contribuido con algunas causas sociales a través de sus personajes.

Después de casi 20 años, el legado de 31 minutos se ha consolidado y marcado, sin duda, las infancias de varias generaciones, les ha enseñado que la televisión es muy fome, sin embargo, a través de ella lograron mostrar mundos muy complejos que estaban en la imaginación pero sobretodo a ser felices y creer en el amor.

Nota: EDUCATIVIO ESTÁ BIEN, ES INTENCIONAL.

El Columpio Asesino Optó Por Navegar A Contracorriente De La Perfección En La Vida, Esa Premisa No Aplica Para Su Música

No es que al grupo le aborrezca esa emoción por sí misma, sino la forma en que se le impone a la sociedad. Sé feliz.

Sé productivo. Tú puedes. “Y cuando te enfrentas al cielo azul, a veces de repente puedes notar que te pesa demasiado y realmente te neutraliza”, dice Cristina.

Revista Kuadro: El mensaje de cumplir tus sueños es también una imposición...

Cristina: Perfectamente la esencia de los queríamos decir. En este disco hablamos de la imposición de la felicidad obligada, de que parece que tenemos que ser siempre perfectos, maravillosos, estar contentos, que nos vaya todo bien.

El disco básicamente se basa en eso y en una lucha también personal entre tus dos partes: tu cisne blanco y tu cisne negro que están en continua lucha y en continua búsqueda del equilibrio.

Para la cantante, esa ideología ha sido tan depravadamente construida que uno mismo se ha vuelto partícipe sin más: “Se nos exige un aprovechamiento del tiempo tan brutal, productividad.

Incluso el jefe ya eres tú misma, te lo meten dentro y quién mejor para exigir más que uno mismo, entonces nos parece como perverso”, dice la también guitarrista.

A pesar de la crudeza de temas como “Huir”, “Preparada” y “Sirenas de Medio Día”, Cristina no es absolutista: “Bueno,

es un poco la búsqueda del equilibrio, por supuesto. Es como no puede ser todo blanco y no pude ser todo negro.

Las cosas son. Tienen grises, miles de matices y un poco la vida es la búsqueda de esos equilibrios”, suaviza.

Contrario al mensaje que transcurre por toda la obra, la última y homónima canción da un giro solamente acompañada por una famosa frase del

- “LA NECESIDAD DE QUE LOS DÍAS SEAN PERFECTOS, QUE SEAN MARAVILLOSOS, QUE MIRES AL CIELO AZUL. ESA FELICIDAD OBLIGADA REALMENTE TE APLASTA”-

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Es como oír a Mark Renton de Trainspotting enunciar su icónico Choose Life. Así se siente escuchar a Cristina Martínez cuando explica de qué va el reciente álbum de El Columpio Asesino. “Ataque Celeste viene un poco ante esa extraña necesidad de que el cielo siempre sea azul”, resume convencida la española. Pasaron seis años sin un nuevo disco del quinteto y quizás ese fue el tiempo que les tomó concretar la idea de arremeter contra lo que pocos se atreverían: la felicidad.

por Aldo Franco / fotos cortesía

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ex presidente estadounidense Barack Obama. Un “Yes, we can” totalmente distorsionado se percibe durante el tema instrumental, como una crítica a la perversión de lo que en su momento fue un slogan de fuerza social y ahora es una autoimposición.

segundo álbum (De mi sangre a tus cuchillas, 2006), la duración de los mismos ha reducido constantemente.

RK: ¿Componen menos o son más selectivos?

Es “un tema potente, inspirado en La Guerra de los Mundos, en aquel maravilloso programa de radio. ¿Recuerdas la banda sonora? Bueno está un poco inspirado en aquello.

Consideramos que empezar con ‘Huir’ y acabar con ‘Ataque Celeste’ nos cerraba el círculo y realmente te permitía transitar por todo el disco y acabar en la mayor denuncia hacia todo lo que está hablando el disco”, explica.

C: Hay mucho compuesto. Hemos trabajado muchísimo. Teníamos más temas pero consideramos que en realidad lo que nos interesa es que eso temas tengan algo en común, que cuenten una historia o que te lleven por un camino. Somos muy exquisitos y no nos conformamos con hacer algo que suene bien, realmente queremos dar un paso más. Esa siempre ha sido la marca de la casa y yo creo que en este disco incluso más.

Aunque El Columpio Asesino optó por navegar a contracorriente de la perfección en la vida, esa premisa no aplica para su música. Quienes hayan seguido los pasos del grupo debieron haberse percatado que desde su

Esa exquisitez se aprecia en la calidad sonora de la obra producida por Daniel Ulecia, bajista de la banda, quien consiguió dar a los temas un estilo de new wave más concreto y golpeador o quizás un post-punk no tan sucio.

Si bien el grupo se congratula del éxito que les mereció Diamantes (2011), sus integrantes rechazan tajantemente repetir la fórmula: “Habría sido fácil colgarse por cualquier lado, eso lo sabemos y lo tenemos clarísimo, pero no es el espíritu de nuestra banda.

Nosotros podíamos haber cogido ‘Toro’ y haber dicho ‘Venga, vamos a buscar una música con esta línea’. En ese sentido somos muy inconformistas y lo que pretendemos a nivel artístico es mostrar algo que no esté hecho, buscar caminos que no estén ni siquiera trazados”, finaliza la cantante de El Columpio Asesino, esa banda que ha dibujado un camino de bastos logros, incluso mientras atenta contra la propia felicidad.

Rompieron la escena con un gran debut y obtuvieron el día oficial de Black Pumas en Austin, TX

La presente entrevista tuvo que ser lamentablemente por vía telefónica; y este fue uno de los primeros efectos que tuvo el coronavirus en México cuando todavía parecía un problema distante. Sin embargo, contamos con la participación de Eric Burton y Adrián Quesada del otro lado del altavoz.

Este último, a veces, hizo gala de su español para hablar del pasado, del presente del y futuro; además de otras cosas para que todo mundo pueda adentrarse mejor en esta banda.

Revista Kuadro: Hola, ¿cómo están?

Black Puma: Bien, considerando todo lo que está pasando con el coronavirus.

Estamos en cuarentena, estamos tensos pero también todos se han puesto en un estado de analisis personal; donde podemos reflexionar en lo que está pasando y en lo que vamos a hacer. Al no tener una mejor situación podemos, por lo menos trabajar en un nuevo disco.

RK. Qué bueno, a propósito de la cancelación de su show en el Vive Latino; es algo triste la situación, pues venían arrasando con su debut y con un LP recién salido...

BP: Ha su sido un viaje loco porque tenemos tres años haciendo música juntos pero dos como una banda real.

Todo ha sucedido muy rápido y no habíamos tenido tiempo de procesarlo hasta ahora con todo el tiempo muerto disponible. Una de las cosas que descubrimos fue la gran cantidad de fans que tenemos en México; desde hace unos meses toda la gente en Instagram y Facebook comentó que les

hubiera gustado ir al show. Esto nos ha dado tiempo de ver eso y obviamente de apreciarlo.

RK: Entonces, ¿cómo van en su cuarentena trabajando en música nueva?

BP: Estamos trabajando en varias ideas que teníamos para tratar de desarrollarlas. Con lo que está pasando

-“LA SITUACIÓN EN EL MUNDO NOS HA SERVIDO PARA TRABAJAR DE MANERA INDIVIDUAL NUESTRAS IDEAS PARA EL NUEVO ÁLBUM”-

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Uno de los actos que todos esperaban con ansias en el Vive Latino era Black Puma, pero con el covid-19, como tantas cosas, su presentación tuvo que ser cancelada. Este proyecto radicado en Austin, Texas, ha venido a dar una frescura a la escena, a los charts y a los escenarios. Con su funk psicodélico le dan un toque al Siglo XXI para sonar actualizado.

por Carlos Valle / fotos cortesía

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ahora, lo estamos analizando en varios niveles. No sólo con la industria de la música; es muy extraño lo que está pasando.

una vez por semana, aún no éramos una banda, simplemente hacíamos algunas canciones. Y de repente era final del año y ya teníamos 10 canciones.

Estábamos listos para un gira sin descanso pero la situación en el mundo nos ha servido para trabajar de manera individual nuestras ideas para el nuevo álbum. Ya tenemos varias en las que estamos trabajando.

Cuando empezamos, la visión era tener unos shows para nuestros amigos y ver lo que pasaba. Tuvimos una residencia en un club de dos o tres meses. De repente, teníamos una manager muy apasionada que de verdad se preocupó por nuestras carreras. Entonces de pronto tuvimos un álbum, una gira y todo ha cambiado.

Una de las cosas en las que trabajamos es un álbum en español; por lo menos unos remixes en español. Es algo que desde el principio queríamos pero ahora creo que sí tendremos la oportunidad de hacerlo.

RK: Un poco de historia, sobre todo para esos que apenas los están descubriendo, ¿cómo se dio su colaboración para llegar a donde está?

BP: En 2017 un amigo en común nos presentó y empezamos a hacer algunas canciones. Nos juntamos en el estudio

RK: ¿Cómo es tener su propio día proclamado por la ciudad de Austin? ¿Qué vamos a poder tener el 7 de mayo, el día de Black Pumas?

BP: Es increíble por las dos razones por las cuales pasó. Nunca nadie vendió tantos shows en el Stubbs de Austin, eso es algo increíble. Amo las calles de Austin, ser como un héroe local de un lugar significa mucho.

RK: ¿Cómo fue su proceso para componer canciones en su disco debut?

BP: Yo había escrito algunas instrumentales y luego Eric escribió algo encima de eso. Eric es un prolífico escritor. En ese punto empezamos a ser una banda ya con una dirección forma y sonido y fue así como poco a poco tuvimos un álbum. Cada quien iba puliendo lo que el otro terminaba de hacer, bastante diferente a este tiempo que tenemos ahora.

Nota del editor: Por desgracia al cierre de la edición el concierto mencionado por la banda, 7 de mayo, ya había sido cancelado como medida de prevención ante el covid-19. Esto, aparentemente, no cambió en la decisión del gobierno de la Ciudad de Austin, Texas, de proclamar dicha fecha como el Día de Black Pumas.

Hasta el cierre de esta edición no había ninguna actualización en la página oficial del gobierno de esta ciudad sobre un acto o ceremonia al respecto.

El Nuevo Material De La Banda Refleja La Verdadera Evolución De Su Esencia

Quizá sea la voz de Yukimi Nagano el toque mágico y lo más reconocible de Little Dragon, pues la hemos escuchado en colaboración con bandas como Gorillaz. Su tono es tan apacible y melódico que es un complemento perfecto para cualquier canción que le pongan enfrente.

Mientras que, en medio de esta crisis por la pandemia de coronavirus, muchos artistas decidieron posponer

sus lanzamientos, Nagano y compañía vieron una muy buena oportunidad para brindar alivio a todos los fans que se encuentran confinados en casa: “Se sintió bien hacer algo positivo en esta época que es especialmente retadora en muchas formas, así que quisimos compartir amor con toda la gente que estaba lista para bailar en casa.

Estamos juntos en todo esto”.

New Me, Same Us fue hecho en el mismo estudio que la banda ha estado usando por años en su natal Gothenburg. Está inspirado en todo tipo de sentimientos, por lo que la cantante lo describe como un disco muy existencial y personal generalmente hablando, pues lo escribieron los cuatro juntos: “Refleja muchos sentimientos que esta época está sacando en nosotros. Habla de la aceptación de la muerte y nuestra fragilidad como humanos. Claro que también hay canciones para bailar y escapar de todo”.

Este enfoque humano se puede apreciar incluso en la portada, cuyo diseño estuvo a cargo del artista Johannes Nyholm (quien dirigió el video de “Twice”) y elaborado por Wendy Arnevill, dos buenos amigos de Yukimi. En él, representan el universo visto desde afuera en el que están pasando todo tipo de cosas, y que si le haces zoom, puedes ir a parar a cualquier escenario o situación al azar.

-“NOS GUSTA EXPERIMENTAR Y NO HACER LO MISMO, ES POR ESO QUE NUNCA SABEMOS QUÉ HAREMOS DESPUÉS”-

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Pocos conocen el potencial de Little Dragon como banda de electrónica/ dance, pero si te adentras en su música, encuentras todo un mundo de sonidos para bailar y relajarse, mismo que ha construido por más de 20 años. Este cuarteto sueco se mantiene vigente desde su primer álbum homónimo lanzado en 2007, y este año nos sorprendieron con su sexto LP llamado New Me, Same us, que justo refleja la evolución que han tenido pero sin perder su esencia.

por Mariana Velasco / fotos cortesía

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“Nos gusta experimentar y no hacer lo mismo, es por eso que nunca sabemos qué haremos después, y aunque esta vez usamos muchos instrumentos acústicos que no habíamos usado desde nuestros inicios, se sintió como algo nuevo”, asegura Nagano. En su LP anterior, Season High, se aventuraron a trabajar por primera vez con un productor de fuera y a pesar de que les dio muchas ideas, decidieron regresar a su privacidad y hacer todo por sí mismos. “Amamos el mindset que le pusimos a esta producción, pues de verdad nos sentamos a debatir hacia dónde debía ir, además de que queríamos que todo el tracklist fuera como un mismo viaje”.

“Are You Feeling Sad?” es una canción que se repite, pues hay una versión normal y otra con la voz de la colombiana Kali Uchis, quien colaboró también agregando un verso 100% de su autoría. Es un track que invita a no preocuparse y saber que todo estará bien, y Kali congenió perfecto

con la vibra hablando del sentimiento de estar agradecido por los recuerdos que se tienen con alguien que ya no está pero sin perder conciencia de que la vida sigue a pesar de ese dolor. Al respecto de este featuring, Yukimi nos dijo: “Nos gusta mucho su estilo, ella escuchó la canción y le gustó, quiso escribir sobre ella, así que accedimos, le puso un verso que creemos que la elevó mucho. Kali entendió muy bien el mensaje y las letras que escribió quedaron perfectas, añadieron algo significativo al coro”.

Se pensaría que al estar en una banda por más de 20 años, muchas cosas cambian, pero la verdad es que para la frontwoman sólo han evolucionado ciertas reglas personales y creativas, y muchos prejuicios sobre la música que hacen dejaron de importarle: “Eventualmente he hecho cosas que antes no pensaba, creativamente hablando. Al principio no me gustaban las asociaciones que hacía la gente sobre nuestro género pero ahora ya no

nos importa, solo queremos hacer lo que amamos, ese es el punto de todo”.

Respecto a sus shows en vivo, tuvieron que re agendar algunos conciertos en Suecia y todo su tour por Estados Unidos, pero se mantienen positivos y aseguran que cuando puedan volver a tocar en vivo, esperemos mucho baile y magia para pasarla bien. “Con este álbum sólo queremos sentir que es algo importante para nosotros y que junte a la gente, justo ahora en un nivel más estrecho, que todos estemos en el mismo bote aunque cada quien esté en su casa o apartamento”, finalizó Yukimi.

Por Carlos Valle / Arte TheJavisCEffect

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Todo el arte que existe lleva un paralelismo con lo que sucede en su lugar de origen, por lo que siempre es posible rastrear y comparar todas las corrientes, todos los estilos y todo lo que pasa con el arte relacionado con la historia de la humanidad.

No es gran ciencia darse cuenta que los grandes booms artísticos vienen de la mano de eventos que marcaron a la sociedad. Un ejemplo muy claro es la España de Franco, un régimen fascista -con todas las vertientes y posibilidades que se pueden agregar según el académico que se le preguntecon las libertades personales coartadas. Una época donde tener una opinión propia era casi imposible y que la única manera de estar “bien” era alinearse al régimen -para ver esto en detalle hay que analizar a Salvador Dalí y al Barcelona FCde lo contrario la ibas a pasar muy mal, por decir lo menos.

Basta ver que la liberación de la sociedad a la muerte de Franco fue elegir un rey: El liberalismo más sui generis. Lo que sí era muy liberal era la Movida Madrileña, el movimiento de contracultura que nos dio grupos que de otra manera hubiera sido inconcebible su aparición en la escena.

Ese movimiento influenciado por el post punk y el new wave en inglés, que marcó a toda una generación de españoles que hace 10 años hubiera sido imposible de que ocurriera. Grupos como Mecano, que acabó siendo estandarte -aunque debatible si son parte real o no de la Movida- de la transición española.

A lo mejor un caso muy parecido en Rusia con T.A.T.U., que fue la culminación de la disolución de la U.R.S.S.... porque nadie se imagina “All the Things She Said” sin la Perestroika.

Estos son dos ejemplos para tratar de poner en contexto lo que pasó en Asia. En pleno 2020, hay un fenómeno con el K-Pop y el J-Pop, pero es un proceso que tomó 70 años para llegar al estado de la escena musical, incluso para entender figuras como Babymetal Hay que entender que la cultura oriental es por mucho más hermética a diferencia de la occidental, porque al hablar sobre la apertura que ha tenido al mundo, es necesario mencionar que ni siquiera llega a los 100 años cuando se trata de culturas milenarias. Y eso pensando solamente en Japón, China y Corea del Sur. Hong Kong tiene un asterisco por todo el tiempo que estuvo bajo la administración inglesa.

Si pensamos en el sudeste asiático, con la excepción de Bollywood, todavía se perciben atrasos importantes en estos temas, que se desencadenan en otros más importantes de los que no estamos hablando ahorita. Eran sitios que en los 1800 se seguía hablando de dinastías y no de Revolución Industrial.

Como siempre, el catalizador de este cambio fueron la guerra y los Estados Unidos de América, rarísimo. Tenemos primero el caso más obvio, el de Japón con la Segunda Guerra Mundial. Ya todos sabemos cómo terminó eso, pero pasó algo que no contemplamos, sobre todo porque el país nipón se llevó la peor parte de todo el conflicto.

Los norteamericanos no invadieron como lo hicieron en Normandía o en Corea, pero hubo algo que se quedó, algo que escandalizaba todos los lugares a los que llegaba. Llegó el jazz, ese género que sí es de propiedad gringa. Obviamente no era bien recibido al principio, no porque escandalizó a la juventud, sino porque era el himno del enemigo.

-“LA MÚSICA NO SOLO HA CAMINADO AL LADO DE GRANDES EPISODIOS HISTÓRICOS, SINO QUE HA SIDO LA INCITADORA DE LOS MISMOS.”Pero algo se quedó en ellos, en esa cultura tan propia, que le da tanta importancia al orden de cómo se deben hacer las cosas. Estaban enamorados del caos y de la improvisación que le da alma al jazz y lo fueron adaptando a sus propios sonidos mientras incorporaban otros elementos como el Big Band.

Por eso no es de extrañar que el otro sonido que les llegó de esa manera fuera en los 80 -coincidentemente con la Movida Madrileña- fue el del heavy metal, en particular el progresivo, género que al día de hoy tiene de esas bandas de culto como X Japan, que allá es enorme pero aquí continúan en el “underground”.

En este periodo también tenemos que darle su mención a Damo Suzuki, que desde los 70 ya estaba en Alemania haciendo rock experimental, tal vez sin sonidos orientales que lo distinguieran, quitándose exactamente esa etiqueta de “artista oriental” para ser el del Krautrock.

Fue uno de los provocadores que le siguieron en Asia, cuya población de más de cuatro millones de personas volteaba a todo lo que estaba pasando. Todo esto mientras salían del yugo de dictadores, sin embargo es la primera vez que el mundo se está conectando con la música como catalizador. Ya será de otro artículo analizar cómo llegamos de Can a Babymetal y BTS.

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Cierto es que se reconoce dentro de la cultura popular que la música de un opening de anime usualmente tiene ciertas características que encajan dentro del J-Rock, incluso dentro del metal. Pero eso se debe a que los animes más populares son del género shōnen (estilo dirigido a adolescentes hombres), los cuales usualmente son de peleas y acción. Entonces su música será de esas características.

La música en un opening es tan variada como sus temáticas; habrá música más rápida, guitarrosa para las series de acción pura (Saint Seiya, Full Metal Alchemist) y habrá música romántica para series más enfocadas en temáticas mágicas o amorosas (Card Captor Sakura, Sailor Moon).

-“LOS OPENINGS SE

VUELVEN UNA PIEZA EN SÍ MISMA: PUEDEN LLEGAR A SER INCLUSO MEJORES QUE EL ANIME”Es importante también notar que la música se puede usar para el efecto contrario. Se puede musicalizar el opening de un anime en extremo violento y gore con un aria de una ópera (Elfen Lied). Lo que sí se puede generalizar es que un opening buscará ser épico, grandilocuente y capaz de permanecer en tu memoria para siempre.

Varios openings ya se encuentran en el material genético de varias generaciones de mexicanos, incluso me atrevería a decir que muchas de esas canciones tienen repercusiones a nivel mundial.

Es interesante observar cómo es que el anime y la cultura japonesa en general se vuelve influencia de lo que acontece en la música a nivel mundial y responde a una cuestión cíclica; muchas expresiones artísticas japonesas son respuesta directa de lo que sucede en occidente. El ejemplo que salta a la mente en este momento es la colaboración en diversas ocasiones del artista visual japonés Takashi Murakami y el rapero estadounidense Kanye West. Así el círculo se cierra al darnos cuenta que la respuesta de lo que alguna vez fue influencia en oriente se vuelve ahora influencia para occidente. ¡Qué ironía!

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Desde hace más de 40 años la televisión infantil mexicana se ha visto sutilmente invadida por productos provenientes de la tierra del sol naciente. La transmisión como experimento de Astroboy a mitad de la década de los 70 y su éxito, abrió la puerta a animaciones niponas como Meteoro o Mazinger Z. Desde entonces la dosis de animes se ha mantenido constante en la juventud mexicana. Hay quienes quedan atrapados y se adentran mucho más en ese mundo; esto ha propiciado la proliferación de convenciones y eventos en torno a la cultura de Japón. En general la influencia de oriente ha dejado su semilla en todos los que fuimos niños desde esa década de 1970 hasta la actualidad. ¿Qué es lo primero que te atrapa en un anime?

Hay varios elementos que pueden ser los que te llamen la atención. Podrá ser el diseño de los personajes, la historia, alguna escena que viste por ahí o incluso que alguien te la haya recomendado. Pero en definitiva lo que captura tu atención es que cuando la pongas, el opening te atrape y te amarre a tu asiento por los siguientes 24 minutos y lo haga de nuevo cada vez que veas un nuevo capítulo.

La importancia de la introducción de la serie es tan vital para el anime que tiene la capacidad de adherirte a su historia y, finalmente, te conviertas en un fiel seguidor. Los openings se vuelven una pieza en sí misma: pueden llegar a ser incluso mejores que el anime como producto general. ¿No crees que un intro sea tan trascendental? Hagamos un experimento: En alguna reunión de amigos, si volvemos a tenerlas, comienza a cantar “El amor siempre va sin razón…”

(Ranma ½) o “Shala, head shala…” (Dragon Ball Z). Verás cómo todos comienzan a cantar al unísono. Esto se puede sustituir con el anime de tu elección, según la edad promedio de los asistentes de dicha reunión; incluso podría ser: “Tengo que ser siempre el mejor…” (Pokémon). Un opening normalmente es en extremo pegajoso y se incrusta en lo más profundo de nuestra mente, hayas visto dicha serie o no.

Es necesario destacar que una parte fundamental de cualquier producción audiovisual es la música, no podríamos pensar la escena de la muerte de la protagonista en Psicosis (de Alfred Hitchcock) sin esos violines tan memorables. La música es tan incisiva en nuestra memoria que cada que vemos una aleta de tiburón nos viene a la mente una tonada con un chelo.

De igual forma, la construcción de un opening para un anime echa mano de la música de forma muy acertada. Las piezas musicales que se usan para un anime responden directamente a diversos factores. Desde la historia de la serie, al género y tono que tenga la producción, hasta el contexto histórico, pues no es lo mismo Dragon Ball (1986) o One Punch-Man (2015).

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022 Por Aldo Franco/ Arte TheJavisCEffect

Hologramas. Música Real De Artistas Irreales

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¿Recuerdan la emoción al ver las presentaciones virtuales de Gorillaz en premios como los Brit, MTV EMAs o los Grammy? En aquellos momentos poco sabíamos que Damon Albarn y Jamie Hewlett estaban lejos de presentar algo único y nos dejamos llevar por la propuesta-apuesta.

Sin embargo, fue en 2004 cuando los pioneros del fenómeno de artistas ficticios hicieron su aparición en el mundo. Así es, dieciséis años han pasado desde que la firma Zero-G liberó los vocaloid Lola y León, software de síntesis de voces desarrollados durante los años previos por Yamaha, que permitirían a los usuarios crear canciones y que además añadían un elemento central que significó el éxito del producto: personajes.

Los dos cantantes no tuvieron gran fama, pero al tratarse de tecnología y arte era cuestión de tiempo para que comenzará el fenómeno. Tres años después, la compañía Crypton Future Media reveló la que ha sido la artista más famosa (no sabemos si la más talentosa) del mundo vocaloid: Miku Hatsune. Esta joven-holograma de eternos 16 años, coletas azules y falda corta al estilo lolita, literalmente le ha dado la vuelta al mundo y ha logrado llenar recintos para deleitar a sus millones de fanáticos con su talento vocal, cuyo origen de la misma es la actriz de voz, Saki Fujita.

A tal dimensión llegó la popularidad de Hatsune que no solo ha hecho giras mundiales para satisfacer a sus fans más clavados, sino que poco a poco ha entrado en el mundo comercial-musical de occidente con presentaciones como telonera de Lady Gaga en Estados Unidos y en Late Show with David Letterman. Por cierto, en sus escalas a México interactuó en español con su público y en 2013, durante la Expo TNT 25, se aventó un cover de “La Bikina” con todo y mariachi.

El hecho de que esta joven sea una artista “construida” puede alejar a puristas musicales, sin embargo, la verdad es que el software y el fenómeno como tal dan cuenta del potencial de la humanidad, siempre presente detrás de estos proyectos, y no solo eso, incluso la música de sus conciertos es interpretada en vivo por una banda arriba del escenario.

Si bien ella es la vocaloid que más repercusión ha tenido a nivel mundial, en Japón es común asistir a conciertos de otros artistas como Kagamine Rin y Len o Megurine Luka, y en realidad hay decenas de cantantes como ellos que se han ido correlacionando para llevar el mundo musical a otros ámbitos, como el de las relaciones de amistad o amorosas.

Para quienes piensen que esto ya es un tanto exagerado, les recordamos que los alabados Gorillaz tienen historias

“más allá” de la música, como la de sus exintegrantes virtuales, uno de ellos Ace, líder de la Banda Gangrena en Las Chicas Superpoderosas, quien entró a sustituir temporalmente en el bajo a Murdoc, personaje que por crímenes aún desconocidos cumplió una breve condena en prisión. ¡Un verdadero manjar la inclusión de la música como recurso transmedia!

Hablando de transmedia, les invitamos a ver el capítulo “Rachel, Jack and Ashley Too” de la quinta temporada de Black Mirror, en el que a una artista pop llamada Ashley O, interpretada por Miley Cyrus, la orillan a llevar su experiencia más allá del mundo musical con un personaje-muñeca de ella misma e incluso más adelante el holograma de la cantante será la principal apuesta. La historia es más bien una crítica a lo plástica que se ha vuelto la industria musical, pero también sirve para darse cuenta de que todavía vemos este tipo de fenómenos como algo futurista cuando en realidad es algo que lleva años en la escena y que probablemente conoceremos cada vez más.

-“EL FENÓMENO DE LOS

ARTISTAS VIRTUALES ES MÁS GRANDE DE LO QUE PENSAMOS Y SEGUIRÁ CRECIENDO NOS SUBAMOS O NO AL TREN HOLOGRÁFICO”La idea, o mejor dicho, el hecho de artistas virtuales puede ser aún reacio para oriente, en donde el mercado de este tipo de cantantes ha pegado más por los hologramas representativos que han “revivido” a personajes como Michael Jackson, Tupac y Frank Zappa, entre otros. Pero no hay comparación: mientras estos últimos ofrecen un producto probado y en el nombre de alguien más, artistas como Miku Hatsune y demás son per se y su apuesta son ellos mismos.

Quizá es momento de darse un clavado por este tipo de propuestas, en una de esas podrías encontrar a tu nueva banda favorita. La oferta no se limita al habla japonesa, de hecho, existen vocaloid en español como Bruno & Clara y Maika, y si lo tuyo de plano no es el J o K-Pop, estos softwares se han abierto a un mundo de géneros como el pop, el rock y hasta el metal.

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los datos del artista en japonés, la fecha de publicación, el precio en yenes, fotografías inéditas del artista, así como una hoja de letras en inglés y una en español.

Uno de los grupos musicales cuya discografía incluye ediciones asiáticas es The Beatles. En 1964, Toshiba Musical Industries bajo el sello Odeon Records lanzó un EP, un LP y un gran número de singles en los que destacan Beatles!, Beatles No.2, Please Please Me, From me to you, Do You Want to Know a Secret, entre otros.

En 2004, fue lanzada “The Japan Box”, una caja que contenía cinco álbumes lanzados por los Beatles únicamente para el mercado nipón durante 1964 y 1965. Meet the Beatles!, The Beatles’ Second Album, A Hard Day’s Night, The Beatles No. 5. y ¡HELP! es la colección discográfica en formato Mini LP que se encontraba dentro de la caja.

-“LAS VERSIONES

JAPONESAS DE ÁLBUMES SE CONVIRTIERON EN UNA VERDADERA BÚSQUEDA DEL TESORO, EN ESPECIAL PARA QUIENES NO FUERON DIRIGIDAS”En el mismo año, también salió a la venta otra colección de 16 CD japoneses de edición limitada de todos los álbumes cuyo formato es SHM-CD, cada uno de ellos cubierto por fundas de mini LP . Esta famosa colección incluía carteles, fundas, etiquetas y folletos idénticos a la colección de vinilos de Reino Unido lanzado en los 60.

Colecciones asiáticas como la de los Beatles, actualmente pueden llegar a costar millones, sí, millones de dólares que muchas personas que están dispuestas a pagarlo y lo hacen.

Si bien para muchos la música no es un objeto, para otros más consumir la música de forma fetichista, por llamarlo de alguna forma, permite transformar la experiencia musical hacia un plano tangible.

Así que si de verdad te consideras un melómano y deseas convertirte en un coleccionista de ediciones de discos orientales deberías viajar a Japón o conseguirlos de forma online ya que no solo te llevarás a casa un disco con una calidad de ¿Te animas?

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En la actualidad, los discos en formato físico se han convertido en algo especial únicamente para coleccionistas.

Por muy triste que parezca para todos los amantes del bello arte de coleccionar estos objetos, la música en formato digital llegó para quedarse. Una prueba de ello es el gran número de personas que diariamente escuchan música a través de las plataformas de streaming.

Sin embargo, aún existen no solo personas, sino países que le sigue rindiendo culto la música como objeto, llámense los CD o vinilos, como es el caso de Japón. ¿Por qué? Después del Reino Unido, Japón es uno de los países asiáticos que se ha posicionado como uno de los mayores consumidores de música en el mundo. Su gran afición a este arte y el amor por los discos, los llevaron a inventar las famosas ediciones de discos orientales, materiales discográficos que únicamente se pueden conseguir directamente en aquellas tierras o invirtiendo fuertemente a través de Internet.

Desde hace muchos años, las versiones orientales son uno de los tesoros más preciados para los coleccionistas de discos. Esto se debe a diversos factores, el principal es la avanzada tecnología que se utilizaba en ese tiempo en las fábricas de vinilos, así como la precisión y exactitud con la que eran fabricados. Otra de las características que hacen especial a una edición asiática es que cada disco y cada vinilo fue y es elaborado con materiales de la más alta calidad.

En el caso de los CD uno de los materiales más utilizados es conocido como Platinum SHM, un disco compacto que utiliza el platino en lugar del aluminio para formar el revestimiento reflectante, cuya tecnología permite que la lectura del láser sea mejor, lo cual resulta en una mejor calidad sonora de la masterización y con ello, un mejor sonido.

Otras razones que le dan fama a la ediciones asiáticas son las reediciones exclusivas de los discos y la versión mini LP del vinilo del artista. También existen otro tipo de colecciones discográficas como las famosas Promo Box, en las cuales los artistas promocionan su discografía en una caja con material inédito.

Sin embargo, como todo objeto apreciado en este mundo, las ediciones de discos orientales ya cuentan con falsificadores que están en busca del melómano más desesperado y despistado, por lo que hay que tener cuidado antes de meter nuestra tarjeta a la primera publicación que veas en Ebay.

Para que una edición asiática sea auténtica, debe poseer los siguientes elementos: el sello discográfico del país oriental, la leyenda “Made in Japan”, el OBI que se define como la tira vertical que distingue el origen de su fabricación en Japón,

025 Por Yafna Gonzรกlez/ Arte TheJavisCEffect

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Por Aldo Franco/ Arte TheJavisCEffect

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¿Qué has hecho durante el confinamiento por la pandemia de coronavirus? La enfermedad ha puesto de cabeza no solo los sistemas de salud y económicos del mundo, sino que las afectaciones han sido más palpables para las personas comunes. No poder salir de tu casa por más de una semana seguramente se volvió una agonía para todos aquellos que gustan de fiestear con sus amigos, ir a conciertos o un karaoke. Es más, aunque lo tuyo no sea andar de aquí para allá, es muy probable que el simple hecho de no poder ir a tu escuela o trabajo te haya cambiado considerablemente la rutina. Para nuestra suerte, existe la música.

Esa arte que se produce por miles y que ahora está al alcance de una descarga seguramente ha sido tu acompañante durante estos largos períodos de aislamiento y no solo como distractor, sino como una especie de terapia para enfrentar el estrés que genera la cuarentena. El catálogo es amplio: hay quienes descargan los nuevos materiales de J Balvin o Nine Inch Nails y con ellos han sobrevivido; otros más clavados buscan en lo recóndito de Spotify y los más retorcidos se dan una vuelta por Bandcamp o se unen a grupos de música en Facebook. Esta última, una de las actividades más altamente recomendable para melómanos que quieran encontrar el post-punk ruso más under o conocer la escena musical independiente de Sheffield, Inglaterra. Las posibilidades son casi infinitas.

Si por ahora ya no quieres más cambios en tu vida, aparte de los que te ha impuesto la cuarentena, quizás es momento de recordar a tus viejas bandas. Sacar tus CD’s o viniles y esperar que su reproductor aún funcione y en caso de que no, ojear sus booklets, leer las letras, revivir esa música que años atrás compraste y volver a apreciar el formato físico que has abandonado.

Ese mismo formato que se ha ido difuminando de las revistas musicales, pero que aún conservas unos cuantos ejemplares. Echarle un ojo al #02 de Revista Kuadro y leer sobre qué inspiró a Torreblanca para crear Bella Época. Un dato inútil, pero que recuerda tiempos como los del título.

Cuando aún creías que el Vive Latino era el último festival que verías este año, ¡boom! Un sinfín de conciertos comienzan a aparecer vía streaming. Otra vez, la tecnología ha cambiado la industria musical, pero también ha puesto en jaque aquello que dábamos por hecho: debido a la gran cantidad de gente que se mudó de un momento a otro al medio digital, ya sea para ocio o trabajo, la red probó que no es viable para su uso masivo.

Primero a petición de la Unión Europea y después como una iniciativa al prever un colapso de sus plataformas, empresas como Facebook y YouTube decidieron bajar la

calidad de sus videos, lo cual nuevamente pone en duda si realmente el mundo vive y puede vivir en la era digital.

Además, esta contingencia sanitaria reveló otra cara de la industria que se desconocía o se quería desconocer. Tras la la lluvia de críticas por la realización del Vive Latino, muchas figuras salieron en defensa del evento, una de ellas Zette (Abominables/Kill The TV): “Para muchos de ustedes será diversión, y pudieron decidir no ir. Muchos otros trabajamos en la industria del entretenimiento. Que se llevara a cabo el festival es igual de vital para los que trabajamos en esto, como lo es para ti el seguir recibiendo tu sueldo”, dijo la baterista en una publicación de Facebook.

- COMO SI DE UN VIRUS SE

TRATARA, LA MÚSICA ESTÁ PRESENTE EN CADA HOGAR EN CONFINAMIENTO. COMO SI DE UN VIRUS SE TRATARA, LA INDUSTRIA MUSICAL MUTA-

Aún permanece aquella idea de que los artistas viven entre millones de dólares, mientras que para la mayoría su trabajo eventual en el escenario significa días, semanas o meses de sobrevivencia. O qué decir de fotógrafas musicales como Toni François, quien ante la masiva ola de cancelaciones de conciertos, y por ende de su fuente de trabajo, optó por vender sus obras a través de internet.

Quizás este período de encierro sea de estimulación musical y en unos meses habrá decenas de discos nuevos, quizás tú aproveches este tiempo para por fin aprender a tocar ese instrumento que siempre quisiste y te excusabas con falta de tiempo. A lo mejor encuentras nueva o vieja música en tus peores días de confinamiento. Puede ser que a partir de los festivales online surja un nuevo mercado que los promotores no dejarán pasar. En realidad esto apenas inicia y las posibilidades aumentan cada día.

Lo único seguro es que la música estará para ti en estos momentos difíciles, como lo estará en lo mejores, y que llegará a cualquier lado, porque de todas, esta es la pandemia de la que nadie escapa.

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hasta la experimentación femenina en Ooioo, sin olvidar claro a dos de sus más grandes exponentes: Yellow Magic Orchestra, pioneros de la música electrónica, casi a la altura de Kraftwerk, y los Yoshida Brothers máximos exponentes de la música japonesa contemporánea.

De regreso a India, su caso es paradigmático. Aunque fue la joya de la corona inglesa, ha logrado, como pocas culturas, resistir la influencia extranjera, al grado que a la fecha no ha conocido una liberalización de sus costumbres.

Pese a la colonización, el rock n roll es solo una especie más en la vastísima gama de sonidos tradicionales. Irónico, porque el rock amó a la India desde el principio. Y si no, ahí está el caso de Ravi Shankar, que amplió los límites de la tradición musical y que acercó, junto con The Beatles, los dos mundos musicales. El también padre de Norah Jones es una institución que, además de enseñarle a tocar el sitar a George Harrison, tocó con Philip Glass además de múltiples colaboraciones más y llevó a John Coltrane a bautizar a su hijo Ravi.

-LA MÚSICA DE ORIENTE: O ABANDONA SUS RAÍCES O CONTINÚA EN LAS SOMBRAS DE LA INDUSTRIA MUSICALSin embargo, pese a la gran estela de Shankar, pocos son los músicos que han logrado destacar fuera de la India.

Y esto se debe a que su población permanece aferrada a instituciones milenarias; el alcohol es tabú y muchas mujeres casan por matrimonios arreglados. Y si no hay sexo y no hay drogas…pues menos rock. Eso no impide mencionar algunos ejemplos de bandas que han sabido mezclar las dos tradiciones como Indus Creed, Motherjane, Pentagram, Parikrama, Dhruvaa, o Indian Ocean.

La pregunta queda en el aire y es una difícil de contestar: ¿Es el capitalismo un factor positivo para la creación musical o este pone en riesgo los sonidos locales, llevándolo todo a variaciones de jpop, cpop, etcétera.? En tiempos donde no parece haber más opciones, lo regional aparece como una alternativa a la integración musical.

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Oriente y Occidente, espíritu y materia, luz y oscuridad; el sol sale por un extremo y se esconde por el otro. Una geografía imaginaria que los divide y que cada día se vuelve más difusa sin perder por ello su capacidad de atracción sobre los otros. Y es que Oriente tiene algo que atrae, que seduce, relacionado con una puerta a otra realidad que ni el LSD ni Flying Lotus producen; lo mismo que cautivó a Van Gogh, Marco Polo, Allen Ginsberg, Herman Hesse, y que hoy atrae los tentáculos del capitalismo.

Primero fue India, colonizada por el Reino Unido desde mediados del siglo XIX; le siguió Japón, que aún paga su derrota en la 2a Guerra Mundial con el capitalismo. Hoy, Corea del Sur y especialmente China son los grandes mercados que busca “integrar” el sistema neoliberal. Lo que reveló en el “Gangman style” del surcoreano PSY —el video más visto del 2012— era que los ojos de Occidente estaban ya puestos en su siguiente interés. La victoria de Parásitos en los Óscar, el crecimiento exponencial de Tik Tok, y la expansión mundial del Covid-19 demuestran que vivimos en una época de síntesis y de acercamiento entre este y oeste.

En la música, el k-pop arrasa no solamente en Asia, también en Latinoamérica y Europa. Grupos como BTS, Black Pink o Monsta X son parte de la “ola coreana” que ha sabido adoptar los modelos exitosos del j-pop de finales de siglo XX e inicios del XXI. La fórmula, lejos de agotarse, sigue expandiéndose y su siguiente variación es el c-pop con bandas chinas como NEX7, TFBoys y ACrush. El problema de este género es que está elaborado principalmente para el consumo de masas y no representa lo que un país puede aportar al mundo en términos musicales. Alejados de esta escena, hay bandas que, sin tantos reflectores, apuestan por otros caminos. Tal es el caso de Beenzino, talentoso rapero y productor, Hyukoh, incluido en el lineup de Coachella en 2019, o Jay Park en la línea del R&B y el hip-hop para Corea del Sur; o Elephant Gym de Taiwán o Higher Brothers, un grupo del sureste de China, por mencionar algunos.

Aunque la penetración del capitalismo en Japón ha sido muy intensa, la variedad de artistas es mucho más rica. Antes del siglo XX, la influencia china en la cultura japonesa era prácticamente total. Pero, después de Hiroshima y Nagasaki, todo cambió. Todos los géneros de occidente conviven allá y encuentran sus respectivas variaciones: el ska en Tokyo Ska Paradise Orchestra, el rock de estadio en XJapan (según Gene Simmons, “la banda de Rock’n’roll más grande del mundo”), el post-rock en Mono, la psicodelia sesentera de Kikagaku Moyo, la electrónica de Daisuke Tanabe, y

Rap, Psicodelia, R&B, Tradicional, Experimental. Oriente No Solo Es K-Pop

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Por Diego Venegas/ Arte TheJavisCEffect

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Por Martín Vargas /

Arte TheJavisCEffect

Baile, Música Y Experimentación, El K-Pop Es Una Fórmula Exitosa Para Estos Tiempos

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A manera de introducción Estimadx lector, lectora; con el título que acaba de leer no tengo ninguna pretensión más que evitar la xenofobia que la reciente crisis por el coronavirus ha provocado en el mundo.

Si bien los primeros casos se iniciaron en China, esto no debe ser aliciente para rechazar lo proveniente de aquel país, ni de la región circundante.

Recuerda que una de las mejores cosas que ha creado la humanidad es la música. Que se convierte en una ventana para entender una manera de ver al mundo desde otra perspectiva y eso es lo que nos congrega para hablar de Oriente en este número.

K-pop: la ola no llega igual a todas partes Entender al K-pop como un fenómeno ya es algo añejo; desde hace tiempo dejó esa categoría para convertirse en un producto perfectamente competitivo para el mercado.

Logró trascender los límites de lo económico para hacer comunidades de fans alrededor del mundo. La influencia cultural anglosajona del siglo pasado preparó a los seguidores musicales para aceptar cualquier lengua que no fuera la propia para cantar una canción; de un proyecto musical que tampoco viene de su propio país.

Corea del Sur, a diferencia de otros países asiáticos que sí tienen fronteras abiertas al mundo y exportan su cultura, logró sustituir a Estados Unidos en la creación de influencias musicales; por lo menos en lo que al pop para generaciones jóvenes se refiere. Pero la música no vino sola: fue parte de una estrategia más grande. Esto es conocido como Hallyu.

De acuerdo con Raquel Simón Eiras en su trabajo final de grado para la Universidad Autónoma de Barcelona publicado en 2015, Repercusiones sociales de género de la Ola Coreana (Hallyu), “La traducción literal [...] es “Ola Coreana” y hace referencia a la popularidad, a nivel internacional, de los diferentes productos surgidos de la cultura coreana. Esta producción cultural comercializada engloba las siguientes categorías; cine, kdramas o series de televisión coreanas, K-pop o música pop coreana, gastronomía, moda y estética”.

Este modelo no es para nada nuevo: para no irnos muy lejos recordemos cómo se comercializaba la música en México entre los 70 y 80. Las estrellas musicales no solo cantaban, también actuaban en películas o telenovelas, aparecían en programas de televisión de variedades, eran la portada de revistas juveniles; toda una maquinaria para comercializar.

Permítanme hacer esta, aparentemente, burda comparación; pues al parecer este periodo en la generación mediática de historias sea una de las razones por las que el K-pop es tan exitoso en este lado del mundo. Una de las

especulaciones viene del éxito de los k-dramas y su semejanza con las telenovelas; género nada extraño para Latinoamérica, sobre todo para México.

De acuerdo con el doctor JungBong Choi en su artículo Transmisión de lealtad y ‘alistamiento’ social del K-pop en Latinoamérica, “A diferencia de los espectáculos de los Estados Unidos, Los dramas coreanos solían tener una buena ‘química’ ética y estética con las telenovelas. [...] El creciente interés en los dramas coreanos está relacionado, al parecer, con la inclinación cultural hacia el ‘otro similar’. Todo sobre Eva y Wish Upon A Star fueron los primeros dramas de éxito de Corea del Sur en México”.

-ESTADOS UNIDOS YA NO ERA EL ÚNICO QUE PODÍA OFRECER REFERENTES CULTURALES DE ESTE LADO DEL MUNDOSin embargo, otra razón del porqué se aceptó tan bien lo proveniente del país asiático, es la facilidad con la que se le vincula con lo japonés. Choi recopila algunos estudios de casos donde fanáticos de animaciones japonesas dieron, eventualmente, con algún contenido del Hallyu; entre ellos el K-pop. Ahora bien, ¿qué puede ofrecer el K-pop por sí mismo?

La respuesta, de acuerdo con seguidores del género en otros lados del mundo, es el baile y la experimentación.

“Gana, no importa lo que pase” Esta es una de las líneas que pertenece a “ON”, canción lanzada por una de los grupos Idol más famosos actualmente: BTS. Espacio falta para describir la fórmula que integra a una de éstas agrupaciones: siglas en el nombre, letras en coreano e inglés, videos musicales sorprendentes, por ejemplo. Me centraré, en cambio, en mencionar tres los aspectos que han llamado mi atención.

La apropiación de las coreografías al pie de la letra que ha congregado a los fans del K-pop alrededor del mundo es algo inusual, no digamos en la música; sino en el pop. Esto se combina con lo dicho por la periodista Tamar Herman para la docuserie En pocas palabras de Netflix. “La canción puede ir de una parte kitsch y rosa a un solo musical hardcore en un instante”.

foto Javier Soto

foto Rodrigo Guerrero

POR JOSÉ CURDA La vida está hecha de recuerdos y el presente se vuelve pasado en cuestión de segundos. Disfrutar del encantador sol, el helado río y expandir la perspectiva auditiva entre Sister Nancy, GoldLink y Channel Tres que enmarcan el paisaje con su piel oscura y sus voces resonantes.

Bahidorá 2020 es el recuerdo más vívido de los festivales mexicanos. En él, la música, los trajes de baño y gafas de sol se vuelven todo lo indispensable e incluso comer pasa a segundo término cuando eres alimento del gozo.

La música es celebrada en su forma más natural, no importa si es hip hop o cumbia, todos bailan y gozan por igual a Babymoutha o Teto Preto, Sotomayor o Combo Chimbita, Masters At Work o Ali Gua Gua. La diversidad aquí es amiga, es el motor de vida que incita a experimentar con todos los sentidos.

Todo es un Carpe Diem, mientras Erykah Badu con su neo soul luminoso logra convertir el presente en una constante pregunta: ¿estoy viviendo realmente esto? Boquiabiertos todos asienten y transforman el presente en eternidad.

DOWN IN MÉXICO: AL RITMO DEL MAR POR ALDO FRANCO Primer festival de 2020 y qué mejor que tres días de música bajo un radiante sol y sobre la arena de Puerto Escondido, Oaxaca. Un primer fin de semana del año de épica fiesta amenizada por los beats de Breakbot, Irfane, Trip Tease, Poolside, Quantic, entre otros que, al calor de la tarde, el frescor de la noche e incluso el ligero frío de la madrugada, pusieron a bailar a cientos de personas en traje de baño en el paraíso de Playa Bacocho.

La primera jornada ocurrió con bastante calma y no fue hasta el sábado que el Club de Playa Villa Sol lució lleno, pero a partir de esa tarde sabatina, la fiesta no paró, literalmente, hasta los primeros minutos del lunes. Aunque la poolparty mantuvo el ritmo todo el tiempo, lo magnífico ocurrió en el escenario principal: una pirámide rústica donde los actos live de Crazy P, Franc Moody, Orlando Julius e Ibrahim Ferrer Jr, hicieron que la gente entrara en un fiesta sin control. Es, sin duda, un festival que necesitaremos al acabar este ajetreado año.

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BAHIDORÁ 2020: EL CARPE DIEM

foto Qiqe Ávila

foto Rodrigo Guerrero

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NRMAL 2020, DISFRUTAR AUNQUE NO HAYA HEADLINER POR: DIEGO VENEGAS Aunque su cartel no era precisamente el mejor, tener a Flying Lotus era más que suficiente; o por lo menos lo era hasta que el headliner canceló su presentación horas antes. Esto presagió un absoluto desastre. No llegó. A veces, los que salvan el día son los nombres pequeños. Primero Fumata, Jackie Mendoza y Belafonte Sensacional pusieron el talento mexicano en alto, seguidos de Mateo Kingman con su electrónica selvática.

Wand llevó al Festival Nrmal a otros decibeles con sus guitarras psicodélicas, jammeos largos e intensidad pura, que no bajó con Bea1991 y su ¿qué? Locura experimental inclasificable, de la que pasamos a The Sea And Cake; que nos transportó directo al rock de los 90. Byetone y Bush Tetras encendieron la noche con techno y punk refrescante. Apareció Juana Molina con su música excepcional que espejea el Kid A de Radiohead.

Una presentación digna de cualquier festival top, que demostró que lo importante, muchas veces, no son ni los rostros ni las etiquetas, sino esas vibraciones que nos instan a seguir caminando pese a todo.

VIVE LATINO: MÚSICA ENTRE CUBREBOCAS Y GEL ANTIBACTERIAL El festival más importante de América Latina llegó a una edición más, con todo y la situación del Covid, aunque en ese entonces la situación todavía no se ponía tan complicada como ahora.

Con todo y todo el buen espíritu siguió reinando y alrededor de 40 mil personas se dieron cita en el Foro Sol para darle vida.

El primer día disfrutamos de Say Ocean, Rubytates, Reyno, Vicentico, Little Jesus, Chetes, Silverio y quienes le pusieron la cereza al pastel fueron The Rasmus y Guns and Roses, estos últimos tuvieron los honores de cerrar la primera jornada.

Para el segundo round, Salón Victoria, Silvana Estrada, Madame Récamier, Flor Amargo, Ed Maverick, Bábasonicos y DLD hicieron lo suyo, pero los más esperado de quizá el festival entero fue la presentación Unppluged de Zoé, la cual llenó de alegría muchos corazones.

Así el Vive Latino, lo vivimos y se fue tan rápido como un suspiro, que ahora recordamos desde nuestros hogares.

Como diría un buen amigo de Revista Kuadro, Eduardo del Olmo; “Básicamente el Vive Latino fue cenarte esa mega hamburguesa con malteada t orden de papas antes de empezar la dieta al otro día”.

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LA “TONTA MELODÍA” DE PALMERA BEACH

POR: MARTÍN VARGAS

POR: YAFNA GONZÁLEZ El nuevo dueto de dream pop oriundo de la Ciudad de México y conformado por los hermanos Cristhian (voz, guitarra, bajo, teclados) y Yorchi Córdoba (coros y batería), llegó para hacernos bailar y cantar. Al ritmo de sonidos frescos, melodías pegajosas y letras románticas que llevan al escucha a vivir una historia de amor y por supuesto, también de desamor.

Comenzaron con covers de sus bandas favoritas y en 2019, lanzaron su primer sencillo “Tonta Melodía”, una canción totalmente alegre y colorida que le dice adiós a un amor. Recientemente, lanzaron su segundo sencillo; “Días de Verano”; ambas canciones producidas por Pipe Ceballos. El tercer sencillo saldrá en las próximas semanas y formará parte de su primer disco.

La banda en su corta trayectoria comienza a cautivar con su línea musical y te recomendamos que estés al pendiente de su lanzamiento.

No confundir, por favor, con la cantante de versiones de temas populares en YouTube.

Las ganas de mandar todo a la mierda, el permitir sentirse mal y admitir que no todo está bien, pero también la aceptación femenina de una misma en un mundo que nunca ha estado dispuesto a ver las mujeres en este halo de melancolía y rudeza. Esos son los elementos principales en las canciones de esta compositora australiana.

Empezó con su carrera en 2015; desde entonces nos ha presentado singles, un EP y su primer álbum Not all good or bad en 2020.

Ampliamente recomendable “Drown it out” para llenarse de energía, “Thank you and sorry” para extrañar y “Say You Weren’t Mine” para el ayer que, creímos, eran buenos tiempos.

PARQUE DE COMETAS:

CONFIDENCE MAN:

UN PALPITAR CON SONIDOS CALIFORNIANOS

SINTETIZADORES ENVUELTOS DE DIVERSIÓN

POR: VERÓNICA DE LA MORA Con ritmos que conjugan la energía del surf-rock, el dream pop y un post-punk con luz, Parque de Cometas llega este 2020 con su álbum debut Paseo, la carta de presentación que muestra la capacidad del grupo para amplificar un sonido experimental.

Este sonido fácilmente puede llevar a quien le escucha por atmósferas y paisajes que remiten a su natal Tijuana.

El grupo conformado por: Andrés Corella, Melissa Lunar, Rodolfo Hernández, Mitzi Licona, Isaac Conde y Emiliano Ruíz comenzaron a lanzar música en 2018 con dos sencillos en un EP. Para febrero de este año el grupo lanzó su primer material de larga duración.

Canciones como “Réplica” y “Niño Anatómico”, muestran una propuesta mexicana con sabor a California.

POR: MONSERRATH PÉREZ Ondas sonoras de dance pop se mezclan para crear la música de Confidence Man; conjunto conformado por Janet Planet, Sugar Bones, Clarence McGuffie y Reggie Goodchild. Ellos son cuatro australianos que crean ritmos con significados divertidos.

El grupo debutó en 2018 con su álbum Confident Music for Confident People, producción que describe el ambiente que se vive en la fiestas y las vicisitudes de las relaciones sentimentales.

Rolas como “Catch My Breath” y “Better Sit Down Boy” son las más destacables.

Janet y Sugar se caracterizan por bailar coreografías bizarras mientras interpretan sus canciones, en ese sentido, asistir a un concierto de Confidence Man es una experiencia inolvidable.

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MADDY JANE, NO DEL TODO BUENA NI MALA

por Dora Méndez y Eric Del Rey / foto cortesía

En esta edición de Puerta de Entrada te traemos una propuesta directo de Argentina para México, se trata de Sweet Spots.

Está conformada por, Will Kas en la voz y guitarra, Guller Ulloa en los sintes, Sergio Rodríguez en la batería y Josh Lambert en el bajo. La idea de la banda nació en Argentina, junto con Will Kas y él mismo nos cuenta cómo fue que todo comenzó.

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“Nace en Pinamar, Argentina. Ante simplemente las ganas de crear.

Siempre fui alguien muy activo en la vida, y cuando encontré la música me di cuenta que además de escucharla. ¡Quería hacerla!

A los 16 años grabé mis primeras canciones, y en el 2017 a mis 18 años salió el primer material de la banda. Grabado por mí y mi buen amigo Rodrigo Pereyra acompañándome en las baterías”.

Sweet Spots es producto de la inspiración de Will Kas, quien nos platicó cómo es que surgen las ideas para hacer música.

“TODO inspira la creación. Puede ser algo súper fuerte que pasó en tu vida, hasta el ruido de tu cafetera cuando ya está terminando de hacer las últimas gotas. Uno nunca sabe de donde puede salir una idea. Y sinceramente... los músicos no somos tan “inteligentes”. Normalmente todo está ahí, frente a nuestras narices. Nosotros sólo nos encargamos de darle forma y llevarlo a sus oídos”.

La banda ha pasado por varias etapas y aunque el camino ha sido complicado, Will nos relató esta travesía.

“El camino de la banda ha sido difícil, sobre todo para mí, ya que soy el único integrante que está desde que empezó esto.

Pinamar (Argentina) es hermoso pero es muy pequeño y “chato”. ¡Me fui a vivir a otro país para poder darle vida a esta banda... así que imaginen que hubo algún momento… ¡complicado! Pero sinceramente, todo vale la pena y hoy esas complicaciones son solo memorias que veo con una sonrisa. ¡Luego de conocer a las hermosas personas que hoy le dan vida a esta banda (Guller Ulloa en los sintes, Sergio Rodríguez en la batería y Josh Lambert en el bajo) todo pasó a ser “color de rosas” (Ríe)!

Pero… ¿Qué ha sido lo más difícil a lo que se ha enfrentado Sweet Spots?

“Lo más difícil creo que fue lo que debería haber sido lo más fácil... armar la banda! (Ríe). El primer EP y luego el primer LP los grabé solo en Pinamar. ¡Creyendo que al llegar a México todo iba a ser sencillo, que la gente se iba a matar por tocar en la banda! Pero claro, eso fue sólo el sueño de un nene de 18 años... cuando llegué al país me encontré con demasiada gente, demasiadas bandas, y lo que uno atraviesa en su interior al dejar todo atrás y empezar de 0 en otro lugar. Ese 2018 fue un año duro. Lleno de soledad y con ciertas “frustraciones” musicales. Pero bueno, un año después todo se iluminó y aparecieron las personas mas increíbles que podrían imaginar para por fin empezar a crear entre todos”. ¿Por qué consideras que la gente debería escucharlos?

“Tengo dos razones, la primera: nosotros nos divertimos muchísimo al hacerlo, ¡así que seguro ustedes pasen un buen rato escuchándonos! La energía se transmite diría algún hippie...

Y la segunda: ¡Porque es cuarentena y tienen demasiado tiempo libre! 30 minutos con nuestra música mientras ordenas, o haces ejercicio te puede hacer descubrir tu posible futura banda favorita (Ríe)!

Estos músicos nos tienen preparadas más sorpresas, así que nos les puedes perder la pista.

“Ahora nos encontramos terminando nuestro próximo material.

Van a ser 3 canciones en español, grabadas en su mayor parte en mi casa. Algo un poco más directo, íntimo y más experimental. Y bueno, respecto a los shows... ¡habrá muchos cuando se pueda!

Búscalos como Sweet Spots en todas las redes sociales y en la plataforma streaming de tu preferencia.

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BLACK VEIL BRIDES POR BRENDA ARRIAGA

CHAN EL TRES POR RODRIG O GUERRERO

MADAME RECAMIER POR ALEJAN DRO SERVÍ N

DEEP PURPLE POR RODRIG O GUERRERO

FUMATA POR RODRIG O GUERRERO

INCITE POR RODRIG O GUERRERO

POWER WOLF POR RODRIG O GUERRERO

VIVE L ATINO POR ALEJANDRO SERVÍN

/por Carlos Valle

BLACK SABBATH ¡ 5 0 A Ñ O S D E L M E TA L , 5 0 A Ñ O S D E B L A C K S A B B AT H !

El metal cumplió este año cinco décadas y de la misma forma, Black Sabbath de Black Sabbath llegó al medio siglo y el Heavy Metal con él. Tal vez había algunos tracks de los Beatles, Queen, The Kinks o The Who que desde los 60 se podían considerar pioneras del género pero oficialmente llegó con Ozzy, Tony, Geezer y Bill.

El tono del demonio, canciones de amor hacia Satán, de sonidos densos con esa voz maliciosa que te obligaba a mover la cabeza con frenesí, como poseídos y sin saber por qué. Black Sabbath es uno de esos discos que te atrapan de principio a fin, envuelto por esa aura que el álbum transmite.

Por su parte, Bill Ward vino a darle el complemento con su propio sabor. Esos tarolazos que hipnotizaban y que son fundamentales para obtener ese sonido oscuro que a la fecha sigue influenciando a generaciones completas. Lástima que al día de hoy sea más recordado como el chivo expiatorio de Sharon.

El padre del tritono del diablo solo tuvo que perder algunas partes de sus dedos para hacer esa magia. La manera en que esos riffs de Iommi te golpean, es algo que sigue sin réplica. No fue el primer guitar god, fue el primer guitar devil.

No era diabólico como Robert Johnson, era diabólico por lo que provocaba al momento de escucharlo. Jethro Tull nunca iba a poder con él.

Por el último, el príncipe de las tinieblas: Ozzy Osbourne. Qué mejor presentación en sociedad que este disco. Este bien pudo pudo ser el único, “el debut y despedida” de Ozzy y compañía, y aún así estaría en el panteón del rock/metal como uno de los más influyentes. Afortunadamente fue sólo el inicio de lo que podría hacer... como comer murciélagos y descubrir guitarristas.

Y como si fuera un mantra satánico, el mejor track debut en este álbum, Black Sabbath, es sin duda “Black Sabbath”, una de las canciones más icónicas de Black Sabbath.

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La presentación de los cuatro jinetes del apocalipsis, empezando por uno de los genios sin rostro. Geezer Butler no solo era el bajista, también se convirtió a lo largo de los años en pieza central en las composiciones de la banda. Además patentó ese sonido especial, ese que te retumba por dentro y va más allá de otorgarle a la melodía la base rítmica, para entender, solo basta con escuchar el solo de “N.I.B.”, con aquello, Butler se inmortalizó en la historia de la música.

/por Arturo J. Flores

Mi primo, con el que compartí mis primeros años de formación musical, me etiquetó en ese reto de Facebook en el que publicas la portada de “20 discos que hayan influido en tu vida”. Sin explicación, añaden las instrucciones.

La vida es una sucesión de olvidos. Cada día, olvidamos algo –vaya ironía– nuevo. No habría cabeza en la que, como un disco duro infinito, pudiera almacenar cada momento sin que este desapareciera. Hasta por salud, física y mental, existe el bendito olvido. Nuestro cerebro es al mismo tiempo una bolsa para guardar información que a la vez, se llena de agujeros.

Olvidamos nombres, caras, direcciones, números de teléfono, fórmulas matemáticas, reglas ortográficas, ingredientes de recetas, una contraseña, tareas escolares y pendientes de la oficina.

Pero volvamos al reto. Para los melómanos, gran parte de nuestros recuerdos están ligados a una canción, un disco o un artista. O, dicho también de otra forma, los gustos musicales suelen anclarse a una memoria en particular.

Por eso nos acordamos del aroma de la persona que nos gustaba hace 20 años, la sazón de los frijoles de nuestra abuela, nuestro primer viaje solos, detalles de la biografía de nuestra banda favorita o lo que sentimos cuando el amor de nuestra vida nos rompió el corazón.

Así sucede en un macabro episodio de La dimensión desconocida, en el que un sujeto, desesperado por ganar dinero, vende sus recuerdos a una empresa que se dedica a introducirlos en los cerebros de otras personas, que pagan por ellos; y, después, vacío de memorias, compra todo los que están a la mano, transformándose en un receptáculo de experiencias ajenas.

De ahí que algunas personas, a medida que crecen, pierden el hábito de escuchar música nueva y se refugian con más frecuencia en aquellos discos o canciones que los hicieron vibrar durante su juventud. De acuerdo con un estudio en el que Deezer encuestó a más de 5,000 personas de varias nacionalidades, se determinó el interés por descubrir música nueva comienza a decrecer alrededor de los 27 años.

La edad a la que se mueren las estrellas de rock, curiosamente.

Para muchas personas, la llegada de la edad adulta representa también el momento de dejar de generar recuerdos emocionantes y emocionales. Resulta mucho más divertido pensar que una canción nos transporta al momento en el que nos enamoramos (en mi caso, me sucede con Don’t look back in anger, de Oasis), que pensar en alguna que sonó incesantemente mientras dejábamos ir nuestra existencia en una oficina.

Pero, además, la cantidad desbordante de música a la que accedemos es directamente proporcional a la facilidad con la que podemos olvidarla. Es tan vasta, que no hay forma de que se guarde en la cabeza.

Durante los días de cuarentena, curé –para decirlo de manera arrogante– una playlist en Spotify solo con canciones que vieron la luz durante las semanas de confinamiento.

Hasta el momento de escribir estas líneas, llevaba 47 tracks. Pero he de ser sincero: de memoria no me acuerdo de cómo se llama casi ninguna de las canciones o qué nuevo artista las interpretaba. A excepción de las que pertenecían a Gorillaz, The Strokes, Local H o Chvrches, porque son exponentes con los que me relacionado durante más tiempo.

Pero en el caso de otros como Cup o Why Bonnie, a quienes descubrí por obra y gracia del algoritmo, tengo que volver a la playlist para recordar cómo se llaman sus respectivas canciones, “Hideaway” y “Bury me”.

Es muy probable que dentro de unos años me sigan gustando, pero difícilmente recordaré el momento exacto de la cuarentena en que las escuché por primera vez.

Porque no tendrán la misma carga emocional que una vieja canción que me transporta a mi primera borrachera o la vez que lloré la muerte de una mascota.

De ahí que hasta el día 3 del reto de Facebook impuesto por mi primo, haya puesto solamente imágenes de discos de antaño, como Confesiones a Manuela, de Los Lagartos (que recuerdo perfecto cantando en la Caribe anaranjada de mi amigo Alberto, en la prepa) o el Images and words, de Dream Theather, que me voló las entrañas cuando Jorge, mi primo, lo puso por primera vez en el estéreo de su habitación en unas vacaciones de verano.

Pero para ejercitar el recuerdo y no únicamente el olvido, hoy prometo colocar en el reto la cubierta de un disco actual, de 2020, para que, dentro de unos años, si sobrevivo, me acuerde de estos días de cuarentena. Sentado en la computadora y descubriendo las que podrían ser las canciones del fin del mundo.

Sé que te parecerá impresionante leerlo, pero, Latinoamérica no es sólo reggaetón, en México hay más géneros además de la música banda y Corea no es únicamente K-pop; aunque no me parecería raro que cuando alguien te menciona música coreana, lo primero que te viene a la mente es BTS, Super Junior, Girls’ Generation o, con algo de suerte, Tokimonsta, quien de coreana solo tiene la ascendencia.

No es extraño que en un país, algún artista o estilo musical específico se vuelva el género insignia de dicha región y entierre por completo a otros músicos, aún cuando estos tengan una consolidada cantidad de seguidores. Sobretodo si dicho género prácticamente se ha convertido en una industria que mueve tanto dinero a nivel global como el EDM. Algo que no es de extrañarse ya que el K-pop no deja de ser una evolución de géneros electrónicos como el dubstep, big room, bass, trap, entre otros, condimentada con la esencia de las boy bands de los 90.

Sintetizadores super comprimidos, mucha energía y una sobrecarga de coreografías han caracterizado a la música coreana en la última década, una clase de mezcla entre Vengaboys, Swedish House Mafia y los Backstreet Boys que, por supuesto, es del agrado de millones y del total desagrado de aquellos introvertidos que gustan de la tranquilidad de estar encerrados en sus cuartos como si el mundo se estuviera acabando. Ah, cierto, sí se está acabando.

Si el sentimiento apocalíptico que inunda el 2020 definitivamente ha terminado contigo y todas tus esperanzas, la alegría del K-pop sólo te parecerá una taladrante combinación de sonidos en el cerebro. Por ello, es momento de que voltees al lado relajado de Corea, con canciones y ritmos que no trataran de emocionarte, sino de encajar con tu mood nostálgico.

Para iniciar tu viaje, visita en tu plataforma de streaming favorita la relajante música de la DJ y productora Park Hye Jin, quien pareciera estar recuperando el estilo house de Frankie Knuckles y Mr Fingers en algunos de sus tracks, como “I Don’t Care”, “ABC” y “Ahead of Time”.

Que tu siguiente parada sea por el sonido deep house, synth pop y experimental de Yaeji, a quien quizá ya has visto cantando con Charlie XCX o haciendo un DJ set en Boiler Room. Ahora dale una mirada a su canciones y videos originales, como “Waking Up Down” (como todos últimamente) o “Drink I’m Sippin On”.

Si eres de los afortunados que abarrotó su casa de cervezas y no de papel higiénico, ve abriendo unas para re visitar el “DJ-Kicks” de Peggy Gou, un álbum abarrotado de sonidos a la Aphex Twin, Kode9, Andrew Weatherall y varios más que quiza te levanten un poco el ánimo. Sólo no olvides reproducir la versión “DJ Mix” cuando busques el disco en Spotify.

Como a estas alturas ya querrás iniciar tu propia estación de YouTube de música para estudiar veinticuatro horas al día, regálale algunas reproducciones al álbum debut de Dosii, con temas ligeramente aderezados de downtempo y vaporwave como “Lovememore” y “Goyeol”.

Apaga la luz y prende un neon para el EP, The Other Score Vol.1 de SoyoungLim, cuatro tracks de atmósfera ambiental e industrial para acostarse e ir a dormir sin importar la hora, porque da igual el día y la hora, eso es muy 2019. Ahora date cuenta que tu sueño no llegó muy lejos con la ansiedad que refleja el estilo trip hop de tracks como “Chaturanga”, “Insomnia” y “Vestige” del proyecto Brilliant Blue.

Habiendo pasado por todos estos tracks y artistas en tu servicio de streaming favorito, el algoritmo debería hacer su trabajo y comenzar a ofrecerte de forma automática una nueva perspectiva de Corea, porque, como notarás, no todo es K-pop. La fuerte explosión a nivel global que ciertos ritmos y estilos llegan a tener en determinados países debería servir para darle un empuje a todos esos pequeños artistas independientes, pero no lo hace.

Si después de todo este viaje quieres levantar el ánimo con una historia de superación bastante interesante, vuelve tu mirada a Tokimonsta quien, como lo mencioné anteriormente, de coreana sólo tiene su ascendencia. Ella narra la impresionante recuperación que tuvo al perder la capacidad de crear música por una enfermedad, en el último episodio de la primera temporada de la docuserie de Netflix, “En Pocas Palabras”. Si sientes que tu vida apesta, imagina no poder entender y crear lo único para lo que eres bueno, lo que más amas en la vida. Después de ver esa historia, tu vida apestará un poco menos.

GRIMES

CARIBOU

J Balvin es un hombre muy ocupado. Desde el 2016 ha lanzado cuatro trabajos de estudio; Colores es el más reciente. Perfecto para perrear en la pandemia, dirían algunos. Para seguir —junto con Bad Bunny— como uno de los artistas más influyentes en lo que va del siglo, nos guste o no.

Grimes nos muestra un lado más oscuro y fuera de este mundo, enfocado al medio ambiente y la extinción a través de su quinto álbum de estudio, Miss Anthropocene. A través de cada una de sus canciones conceptuales Grimes se identifica como una diosa antropomórfica del cambio climático.

Aunque a muchos no les gustó el regreso de Caribou, en algo si hay unanimidad: suena diferente. Si Swim y Our Love tienen algo en común es que son discos llenos de hype, perfectos para bailar en pareja (o solos) en noches frías y melancólicas. Suddenly, en cambio, aunque igual de nostálgico, pierde en fuerza con respecto a los beats lo que, por supuesto, no es del agrado para los que llevan el rave en la sangre. Eso sí, la falta de baile, lo compensa en escucha. Como si se tratara de un material de Thom Yorke, la electrónica es solo un pretexto para mezclar elementos de soul, trip hop, pop, y muchos otros géneros.

“Home” y “Never Come Back” son canciones que demuestran que Dan Snaith ha aprendido a expresar sus emociones de maneras menos minimalistas, con más palabras e instrumentos, para dejar atrás los profundos loops de “Can’t do without you” del Our Love.

MISS ANTHROPOCENE Por: Brenda Valderrábano

Sobre todo porque parece que los reggaetoneros sufren del mismo problema que los trapperos. Lo suyo son los sencillos. Desde las colaboraciones puede dominar al mundo. Pero ya cuando se trata de que tomen esa batuta a través de 10 tracks ellos solos, no es lo mismo.

Aunque sí tenemos que reconocer algo: el nivel de producción está en otro nivel. En eso el trabajo es impecable; de esas cosas que se tienen que reconocer. También es de admirar el intento de hacer una coherencia en todo el álbum con un tema.

Tal vez no llega a calificar como un trabajo conceptual pero está consciente de la situación.

Esta es una de las razones por las cuales está a la cabeza de este movimiento, donde va a seguir porque los featuring y las colaboraciones no se ve que terminen pronto.

Desde la primera canción “So Heavy I Fell Through” ya sabemos que se va a tratar de toda una experiencia auditiva. Muchas veces se pone más oscuro y eléctrico como “Darkseid” y “My Name is Dark”, tal como su nombre lo indica, pero también tiene dosis mucho más calmadas, terrestres e incluso un poco country tal como “Delete Forever”.

Todas sus canciones refuerzan la potencia e innovación de esta peculiar artista a través de sonidos dispuestos en varias capas que le dan una gran profundidad al mensaje que quiere transmitir. Los momentos más altos del disco están en “Violence” canción que personifica la relación entre humanos y el cambio climático; “We Appreciate Power” junto a Hana, una colaboración asombrosa.

SUDDENLY Por: Diego Venegas

Aunque más recursos no siempre se traduce en menos cuerpo, en este caso, sí: más emoción, más profundidad, pero menos baile.

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J BALVIN

COLORES Por: Carlos Valle

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TAME IMPALA

MAC MILLER

THE STROKES

No está mal, si consideramos que, definitivamente, el camino de la psicodelia y el Innerspeaker nunca más regresará. El cuarto álbum de estudio reafirma que el interés de Kevin Parker es el pop, uno experimental y profundo pero POP al fin. Al igual que su antecesor, la obra aborda el tema del tiempo, el infinito, el cambio.

Por sus sonidos suaves, las melodías bailables, los interludios, una continuidad inmediata. Todo suena tan similar, pero... algo falta. A su apertura y cierre, “One More Day” y “One More Hour” les falta esa potencia de “Let it happen” y “New Person, Same Old Mistakes”. Carece también de una rola de estadio con ese punch de “The Less I Know The Better”. Solo “Posthumous Forgiveness” y “Breathe Deeper” nos recuerda que, alguna vez, Tame Impala fue sinónimo de locura, de exploración, de psicodelia.

Primer álbum póstumo y sexto en la discografía del músico fallecido en 2018. Una obra ejemplo de cómo realizar un trabajo de esta índole sin caer en la rapiña ni convertir al artista solamente en la pieza de una mercancía. El productor Jon Brion -con quien Mac trabajaba el disco- declaró que para finalizar la obra se basó precisamente en lo que compartió con Miller, quien probablemente estaría complacido con el resultado.

El último disco de The Strokes no es para ti si buscas el sonido garage punk del Is This It, tampoco si buscas el hilo negro de la música.

Es más un trabajo que abre el camino hacia nuevos horizontes -¿o le pone fin a todo?- y nos recuerda que ya no son aquellos morros de 20 años -ni tú tampoco-.

THE SLOW RUSH Por: DiegoVenegas

CIRCLES Por: Aldo Franco

Pese a todo, el pasado no importa. The Slow Rush es una cátedra de pop contemporáneo lleno de texturas, ritmos, y atmósferas que reitera la necesidad de soltar, de avanzar hacia el futuro; de entender que las arenas del tiempo corren para todos, con prisa lenta.

“Circles” abre el disco con un tono suave. La resignada voz de Mac Miller fue inteligentemente acompañada con un vibráfono y tenues platillos que convierten a la pieza en una verdadera fuente de emociones. En un nivel ligeramente más alto se mueve “Everybody”, su piano y dóciles letras.

En “Complicated” y “Blue World” se percibe más el estilo primario de Miller, un rapeo más movido y marcado, al igual que en “Good News”, una crítica-reproche contra la idealización de las buenas ideas que domina el mundo, el mismo mundo don Mac se sentía triste.

THE NEW ABNORMA Por: Ma. José Sánchez

En el álbum existen canciones como “Bad Decisions” y “Eternal Summer” cuya melodía nos recuerda a éxitos ochenteros choteados, pero también nos encontramos con “Ode to The Mets”, “At The Door” y “The Adults Are Talking”, en las que la banda suena casi tan genuina y natural como en sus primeros años pero cargados de la experiencia y la vida que ha pasado sobre ellos. Podría afirmar que ambas canciones son el alma de este material, eso y la portada que es Bird On Money de Basquiat.

Más allá de todo fanatismo, The New Abnormal no muestra nada nuevo bajo el sol, más bien muestra que es tiempo de dejar atrás los tiempos del Is This It, porque no es justo exigir más de lo mismo veinte años después.

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