Revista Kuadro No. 28

FOTOS POR BRENDA ARRIAGA

CARTA DEL EDITOR Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero.

Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios.

Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 28 “The Last Millennium Of Rock”.

Seguro varios de nosotros nos encontrábamos aún comiéndonos los mocos, justo cuando nos tocó ser parte de la llegada de este milenio en curso. Ese cambio en donde según las médiums y videntes predijeron que pasarían varias cosas, que iban desde el crasheo de las computadoras, hasta teorías y conspiraciones del fin del mundo.

Sin embargo, 18 años después, podemos hacer el recuento de los hechos y de lo que ha sucedido en esta “nueva era” y es que de verdad, en estas casi dos décadas que llevamos, hemos vivido de todo. Desde revoluciones tecnológicas, cambios sociales, Trump y AMLO en la presidencia y actualmente nos encontramos debatiendo lo que podría ser como la cercana extinción del rock, ¿será?... esperemos que no.

Este tema ha dado mucho de qué hablar durante los últimos años, pues el deceso de las verdaderas estrellas del rock y el gran abanico musical del que somos hoy parte, han hecho que del rock empiecen a quedar solo mitos, hits y aquellas memorias de oro.

En esta nueva edición de Revista Kuadro nos hemos adentrado a las entrañas de este tema y varias de nuestras plumas les han desmenuzado de manera perfecta lo que hemos denominado como: The Last Millennium of Rock.

Es muy probable que les haremos sacar esas memorias del baúl y esos discos de bandas que hoy en día se consagran como las herederas del rock. Algunos pudieron brillar con luz propia y seguir su camino de manera solitaria, tal es el caso de nuestro artista en portada: Albert Hammond JR. Así es, tuvimos la oportunidad de sentarnos a platicar con uno de los ídolos de esta generación millennial, guitarrista y cofundador de The Strokes, banda que tiene la etiqueta de ser considerada como de las últimas camadas en tratar de revivir este género. Sobra decir que no se deben de perder nuestra charla con el californiano, ya que nos dio detalles de su status actual, su futuro cercano y ese pasado al que tanto se encuentra atado.

Como cada edición, nuestras secciones de casa los esperan con finas recomendaciones, proyectos frescos y mucha música, que es lo más importante.

Un recuento por los recientes conciertos, así como entrevistas con la Mala Rodríguez, Hollie Cook, el rebelde del acordeón y más.

Nuestro #28 está listo para todos ustedes, así que disfruten este material que les ha preparado todo el team de Kuadro, gracias a cada uno de ellos, quienes son los encargados de darle pulso a este proyecto. ¡Bienvenidos a un viaje más… pero probablemente al último del rock!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO EDITORES WEB DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS MAJO SÁNCHEZ MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RP CARLOS SAÍN MAJO SÁNCHEZ DIRECCIÓN FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ASISTENTE DE ARTE ALEJANDRA SALCEDO CONSEJO EDITORIAL DORA MÉNDEZ MAJO SÁNCHEZ MARTÍN VARGAS

CARLOS VALLE BENJAMÍN DÍAZ MAJO SÁNCHEZ ERICK DUARTE ARTURO FLORES DIEGO VENEGAS MARTÍN VARGAS JAY ROS MARIANA VELASCO GIO ANGULO CARLOS SAIN JOSÉ CURDA MARVELY GARNICA DORA MÉNDEZ MON VELÁZQUEZ FRANCISCO ESPINOZA SARAÍ ORTEGA

FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MAJO SÁNCHEZ EDWIN LÓPEZ QUIQUE ÁVILA RODRIGO GUERRERO EMILIO SANDOVAL ALEJANDRO SERVIN XIMENA VARGAS

DISEÑO

THE JAVISCONTRERAS EFFECT SAC MEDINA DANIEL SOLÍS MARÍA ALEJANDRA SH RODRIGO BERNARDO

EN PORTADA ALBERT HAMMOND JR; FOTOGRAFÍAS POR BRENDA ARRIAGA

En Sus Propias Palabras, Logra Envolver Lo Que Han Vivido En Un Solo Canto, Un Solo Latido Y Un Solo Sonido

texto Benjamín Díaz / fotos cortesía

“Nosotros seguimos nuestro camino.

Creo que desde el primer disco, lo que nos planteamos fue crear una identidad y un sonido propio. Levantamos una bandera de la diversidad de la música y nos conectamos con nuestras raíces de la música latinoamericana; música que nos seduce. Es maravilloso encontrar en el pasado una poesía que nos inspira.

Es un camino con el que nos sentimos cómodos. Nuestra mayor fortaleza es hacer música en vivo”, comenta Catalina.

¿Ustedes alguna vez se han puesto a pensar por qué creemos que las canciones se adaptan a nuestras vidas? Más que una tendencia, lo veo como aquellas experiencias que todos experimentan, incluidos los músicos.

Más allá de lo que estamos idealizando, ellos nos ayuda a expresarnos a través de sus canciones porque son seres humanos. Como tú que lees esto, como yo que escribo y como aquellas personas que fuera o dentro de su zona de confort logran su cometido: hacer vibrar a la gente con su mensaje.

“Yo creo que es simple el reflejo de cómo amamos los seres humanos o al menos nosotros: sufrimos o nos expandimos a través del amor. Es como una constante; pues te enamoras y floreces. Te rompen el corazón y te marchitas y para volver a amar necesitas volver a florecer. Es como una metáfora de la naturaleza que definitivamente marca la evolución en la vida y se eso se expresa en nuestras canciones a través de experiencias propias.”

La vida no sabe qué siente cada persona y lo mejor que queda es envolverte en el sabor de la música. Y me permito decir: es lo mejor que puedes hacer. Cuando estos sonidos y públicos se encuentran, como México y Colombia, sólo queda saludarnos, sonreírnos, tomarnos de las manos y bailar. Bailar juntitos y como si el tono de la voz derribara esa brecha de países.

004

Mar, palmeras y una brisa tropical: esto hace y complementa la esencia de Monsieur Periné. Por fortuna, esta banda colombiana puede traer todo ese campo semántico; incluso a las calles de las ciudades a donde su música ha podido llegar. En la tarima se alcanza a ver una banda muy completa, pues más de seis artistas logran dar una rumba auténtica acompañada por pasión. En sus propias palabras, Monsieur Periné logra envolver lo que han vivido en un solo canto, un solo latido y un solo sonido:

En las canciones y composiciones de Monsieur Periné podemos encontrar un grupo mucho más maduro que se adentró por el camino difícil. Sus fans creen en ellos y llenan cada concierto que realizan. Han logrado estar entre las bandas nominadas al Grammy y al Grammy Latino. Monsieur Periné llena de esperanza y los diferentes compositores que han grabado con ellos (Rubén Albarrán, Vicentico, Leonel García, Vicente García, Yayo Gutierrez, Aterciopelados). Logran hacer que lleguen a más público, uno

joven y que siempre está en busca de nuevas opciones.

“En retrospectiva ver nuestros últimos discos es ver la relación que hemos tenido nosotros a lo largo de nuestro proyecto. De poder conocernos y haber compartido nuestras vidas. Haber creado una amistad. Es muy grato poder reconocerse en esas etapas de la vida y saber que hemos caminado juntos para construir y conectar con la gente; de ese gesto de compartir que engrandece lo humano. La verdad, en este momento, siento mucha gratitud con esa gente que ha estado con nosotros desde hace siete años; desde que compartimos el Hecho a Mano”, comenta Catalina.

Una vida feliz, sin sufrimiento es lo que todo humano quiere. Lo quiere lejos y eso no puede ser tan difícil, siempre y cuando el adiós sea definitivo y si puede ser con un canto, pues qué mejor. Cantar con todo lo que nos queda. Monsieur Periné puede ser la

vida misma plasmada en canciones, con autenticidad, con sabor y ritmo y firmamento. Con verdadero horizonte colombiano puedes mejorar tus días y si es que ya los conoces, puedes llegar lejos con ellos.

“Sí claro, de hecho siempre hemos tenido presente la esencia de lo que nosotros somos. Eso está ahí, por supuesto, con todos los cambios que implica crecer. No hemos abandonado a esas personas que se conocieron en Villa de Leiva y lo que nos mantiene conectados es la poesía”, finaliza Catalina.

entrevista nacional

005

“México es uno de los públicos más bellos que existen porque en México cantan con el alma. Cuando el mexicano canta con tus canciones es porque las siente con el alma y eso mismo te lo devuelven y aunque nosotros vivimos en Colombia, nosotros siempre estamos conectados con México. Siempre queremos devolverle con arte ese cariño y venir a acá es un sueño para cualquier artista”, menciona Santiago.

La Música De Hollie Cook Es Un Reflejo De Su Personalidad: Seductora Pero Con Un Toque De Timidez

texto y fotos por Majo Sánchez

“Fue súper loco. No podía comprender qué tan impresionante fue. Fue una gran sorpresa para mí que en una ciudad en la que nunca había estado antes, fuera tan aceptada y entendida mi música. Fue extremadamente emocional para mí, no lo puedo creer, es lo mejor que me pudo pasar.“ Una sonrisa fácil y con una empatía tremenda, Hollie Cook, relataba a detalle

las presentaciones de un par de días antes; se lograba ver a través de los lentes enormes que llevaba puestos, la emoción provocada por toda la gente que hizo inolvidable su primera visita al país.

La formación de artística de Cook es innegable, está por de más decir que su infancia estuvo marcada por la música, ya que es hija de un baterista: Paul Cook de los Sex Pistols y la cantante Jeni Cook. En el momento en que ella decidió tomar en serio su camino, ellos fueron una parte muy importante.

“Mis padres fueron gran influencia para mí, es muy cool cuando tus padres entienden lo que quieres hacer. Así que un día les dije que había decidido tomar esto seriamente.Fueron realmente comprensivos.”

Cuando Hollie Cook apareció en la escena, como solista y con su álbum debut en 2011, fue altamente comparada con Janet Kay y Phyllis Dillon, grandes cantantes del género.

Incluso fue tal el potencial de este primer disco que fue revisitado en dub por Prince Fatty al año siguiente.

Para 2014 llegó Twice, disco que la Mojo Magazine colocó en su lista de Los Mejores Álbumes de Reggae de Todos los Tiempos en la que también figuran numerosas leyendas. Ante todo este universo de cadencia, romanticismo

006

Llegué a Jalisco con el tiempo justo.

La fiesta a las faldas del volcán de Tequila ya había comenzado unas horas antes y el sol estaba en el punto más inclemente del día. Así comenzaba la primera edición de Akamba. Timber Timbre se escuchaba al fondo cuando pudimos platicar con Hollie Cook, una de las cantantes de reggae con muchas influencias tropicales y una gran pasión por este género y el rocksteady. Un par de días antes se había presentado por primera vez en la CDMX con dos presentaciones, mismas que fueron sold out y una gran sorpresa para la cantante.

de mujeres que, como ella misma, han logrado florecer como artista a través de esa energía interna. Sobre la posición de las mujeres artistas en la industria musical, menciona:

Otro hecho que ha marcado la carrera de la cantante londinense, fue ser parte de la legendaria banda de punk The Slits, quienes a través del tiempo han influenciado a un sinnúmero de bandas.

Con ellas partició en el EP Revenge of The Killer Slits, sobre esta experiencia comenta:

“Creo que están en una posición muy poderosa, creo que siempre lo han estado porque lo femenino siempre ha sido poderoso. Siempre he estado atraída a mujeres cantantes y bandas formadas por mujeres, que cada vez son más y más fuertes porque, vamos, es muy difícil ser una mujer en la industria pero también lo es en la vida.”

“Oh por dios, ¡fue el mejor momento de mi vida!, la primera vez que tuve el mejor momento de mi vida. Era muy joven tenía aproximadamente 19 años.

Nunca había estado en una banda, era mi primer tour y fue liberador para mí estar rodeada de mujeres tan fuertes.

Fue muy especial.”

Cook, es una fiel representante de lo que implica poseer el poder femenino, ya que mucha de su inspiración la ha tomado

La música de Hollie es un reflejo de su personalidad ―definida por ella misma como “seductora, en medida disparatada y con un cierto toque de timidez”―, por lo que hablar de música con ella es percibir un bello panorama sobre cómo Cook concibe a la música y descubrir cómo esto dista de ser la búsqueda del sonido perfecto, sino que se acerca a la búsqueda del soundtrack del perfect timming.

A propósito de preguntarle cuál es su álbum favorito de su propia discografía, ella respondió: “Oh no, es muy difícil. Los tres son muy importantes en diferentes tiempos de mi vida, todos son el sonido perfecto para mí y cada álbum es perfecto para mí. Siento que son como tres reflexiones en diferentes momentos de mi vida. Los amo todos.”

Faltaban pocos minutos para que iniciara la presentación de Hollie Cook y a pesar de no estar totalmente lista, ella lucía emocionada. Como una flor vibrante esperando sigilosamente explotar en medio del calor, a las faldas del volcán.

entrevista internacional

007

y sensualidad creado por Cook, le pregunté sobre su primer recuerdo musical: “creo que una de las canciones que marcó mi infancia fue ‘Good Vibrations’ de The Beach Boys.”

Decidió Apostar Por Un Género Fuera De Lugar, Y En Su Realidad Inmediata: Cumbia Colombiana, En El Norte De México por Majo Sánchez / fotos cortesía

Durante su larga carrera decidió apostar por un género totalmente ajeno, y en cierta medida, fuera de lugar en su realidad inmediata: tocar cumbia colombiana, en el norte de México durante los 80, vaya reto. A pesar de lo poco fortuito que pudo lucir este panorama, “El rebelde del acordeón” logró llevar su mezcla de ritmos tropicales a todo el mundo. Hasta ahora ha pisado varios escenarios nacionales e internacionales y ha llevado a la cumbia a lugares remotamente inimaginables como Marruecos.

“Fíjate que uno de los lugares donde toqué fue Marruecos, tienen una

cultura demasiado extraña. Yo estaba tocando y ellos así como que no, no más no. Después pregunté y me dijeron que tienen prohibido, manifestarse, efusivamente con un género musical que no es de ellos. Fue muy curioso.”

Celso ya casi cumple 40 años viviendo de la mano con la cumbia, “Me faltan dos”, aclara. Le han tocado tanto buenos como malos tiempos, desde la incredulidad que la gente tenía sobre su proyecto hasta la bellísima anécdota del músico con uno de los autores latinoamericanos más importantes del siglo pasado: Gabriel García Márquez.

Pero, en estas cuatro décadas de vivencias, ¿Se arrepentirá de algo?

“Ni en el peor momento de mi carrera, cuando una disquera me canceló porque no les quise grabar un género musical que no me llamaba nada la atención y tomé una salida muy inteligente y les dije que no.

“Me metieron a la nevera y duré ahí como cuatro años y dije ‘estos batos no

me van a doblegar caon’ ¡¿Cómo?! Pues me fui a tocar a los congalillos, esos de las muchachas bonitas por dos mil pesos toda la noche. No me arrepiento, fíjate.”

En todo este tiempo Celso Piña ha caminado con el corazón en la mano, con una fe ciega en lo que ama. Vamos, que de este privilegio no todos gozamos.

008

Platicar con Celso Piña es como escuchar a tu papá contar anécdotas de vida. Te habla con tanta familiaridad y calidez que sientes ―aunque sea por teléfono―conocerlo de muchos años. Con detalle me contó parte de las historias que construyen su vida. Una historia que comenzó en Monterrey en 1953.

“Grabé dos discos antes, después de esos discos volví al radio, volví a trabajar en lugares un poco más decentes; retomé mi carrera. ‘Orita con La Tuna tengo siete años, cuatro discos y con ellos he viajado por todo el mundo.”

La formación de Celso Piña como músico fue autodidacta, él asegura que aprendió a tocar el acordeón “con muchas ganas”.

Armado con ese instrumento, algunos discos de su colección y un tocadiscos, Celso emprendió la búsqueda del sonido que él quería tocar.

“No sé de maestros porque, en primer lugar tenía que pagarle y no tenía cómo pagarle. Yo pensaba que era muy fácil y no sabía en qué me estaba metiendo.

No sabía ni cómo ponérmelo. Empecé como en el ‘73, quería tocar música, en especial ese género. Yo tenía unas ganas tremendas de ser acordeonista más que cantante, como los de Colombia. Fui con un profesor de acordeón norteño que no conocía lo que yo quería tocar. Le llevé un disco y me dijo ‘te saco seis rolas’ y yo pensé: ‘pues a todo dar’. Unos días después me comenta ‘Oye chavo, a tu disco no le entendí ni madres, llévatelo’, y así fue como regresé bien agüitado a mi casa.”

También es una persona cálida que irradia esa pasión que lo ha convertido en un referente de la música latinoamericana a nivel mundial. No sólo por talento, sino por arriesgarse a la fusión de géneros y experimentación, “Si hubiera sido muy conservador a como yo empecé, le habría aburrido a la gente”, menciona Celso mientras explica cómo ha logrado desplazarse por el mundo y tocar los sentimientos de las personas a través de la música por la que tanto luchó: la cumbia.

A pesar del desánimo, Celso se apoyó mucho de su familia, sus papás fueron sus pilares de apoyo, hasta los críticos más acérrimos que lo impulsaron a grabar su primer disco, Si mañana.

En el presente, Celso Piña no ha cambiado mucho en personalidad, sigue siendo un perfeccionista tanto en su música como en sus presentaciones.

entrevista nacional

009

En 2001 apareció Barrio Bravo, disco con el que muchos contemporáneos de la generación millennial lo conocieron y lo re-significaron dentro de un contexto diferente. Ese disco, más que contener la legendaria “Cumbia sobre el río” logró romper dos barreras. La primera fue con los géneros, ya que logró que la cumbia, el hip hop y el rock convivieran de una forma atrevida y bailable. La segunda y la más importante: la generacional, que como él menciona le abrió las puertas para llegar a “la raza más joven”.

Cuando Iniciaron Con Este Proyecto, Salieron A Gritar Muy Rabiosos, Y Desilusionados Del Musical Business

Revista Kuadro: “Hacia la Noche” es un adelanto de su próxima producción discográfica. ¿No creen que bajaron los decibeles para este nuevo disco?

Diamante Eléctrico: Nos parece que estamos más firmes con lo que somos, en los materiales anteriores queríamos que nos escucharan. Era como el querer gritar y decir “Aquí estamos”, con el paso de estos años empezamos a crear cosas más conceptuales con una mayor

elaboración donde se va marcando la evolución que hemos tenido.

RK: Han tenido la oportunidad de trabajar con personalidades como Josh Smith, quien ha participado con Jack White y Beck. Ahora lo hacen con Gavin Lurssen ¿Esto los ha influenciado o cuál es el plus para ustedes al trabajar con ellos?

Diamante Eléctrico: Han sido gente que nos han ayudado a plasmar nuestra música como nos gusta, hemos creado cosas en análogo, algo que ya casi no se usa pero a nosotros nos gusta mucho, es esa parte de ir creando las cosas por bloques. Para este nuevo disco quisimos hacer algo diferente y desde ahí la concepción de la música fue muy distinta y las colaboraciones de los que participaron en la grabación fue especial.

RK: ¿En el futuro seguirán experimentando con su sonido o ya se quedarán con una fórmula en específico a la hora de grabar?

Diamante Eléctrico: Seguiremos de caprichosos, haciendo lo que se nos dé la gana. Vamos a experimentar también en la composición dependiendo del momento por el que estemos pasando.

Se ha convertido en una especie de identidad; por ejemplo, para este disco hay sonidos más alegres y abiertos.

Antes éramos muy introspectivos, ahora hemos evolucionado y queremos seguir haciéndolo.

RK: En poco tiempo han ganado una de las preseas más deseadas por los músicos que es el Grammy, han estado

010

Diamante Eléctrico se ha convertido en uno de los grupos insignia de la escena alternativa del rock en Colombia. Este proyecto se formó a principios de la década actual, 2012 para ser exactos, y en estos seis años ya han cosechado tres premios Latin Grammy. Asimismo han realizado presentaciones importantes como es el caso de los festivales Coachella, Estéreo Picnic, Vive Latino, Rock al Parque. Y si eso fuera poco, han sido teloneros de Foo Fighters y The Rolling Stones.

por Erick Duarte / fotos cortesía

Diamante Eléctrico: Ganar los Grammy fue un sueño hecho realidad.

Ha sido muy especial porque lo ganamos con un disco del cual no pensábamos que trascendiera: es un disco fuera de lo comercial. Pero se siente bien que lo hayamos ganado haciendo las cosas como nos gusta y no complaciendo a nadie.

El estar en los Festivales ha sido un arduo trabajo de tocar y tocar por todas partes, eso nos hizo que gente nos volteara a ver y nos invitaran a participar en algunos festivales importantes.

RK: ¿En estos momentos sienten que les hace falta lograr algo con Diamante Eléctrico?

Diamante Eléctrico: Nunca hemos estado en esto para lograr premios o

reconocimientos; es el por el amor a la música. Lo único que nos importa es que el público vaya creciendo, que nos conozcan en otras partes del mundo.

Por fortuna ahora las redes sociales y el streaming ayudan mucho.

RK: “Días raros” tiene la participación del mítico guitarrista Billy Gibbons, de ZZ Top, pero ¿qué historia hay detrás de esta colaboración?

Diamante Eléctrico: Si, es algo especial, se estaba grabando el tributo latino a Creedence Clearwater Revival y en el estudio había grandes personalidades, entre ellos Calamaro, Bunbury y Billy. Le dimos una copia del álbum B, después creo que pasó como un año, y nos mandaron decir que le había gustado nuestro trabajo. Nos quedamos con esa idea grabada. Y cuando empezamos la maqueta de “Días raros” se nos ocurrió invitar a Billy quien aceptó gustoso.

RK: ¿Qué les genera ser un referente del rock en un país donde no fácilmente se da este tipo de bandas?

Diamante Eléctrico: Ha sido algo muy rudo poder hacernos escuchar en nuestro país. Precisamente cuando iniciamos con este proyecto salimos a gritar muy rabiosos, porque en parte estábamos desilusionados del musical business. Tratábamos de hacer las cosas (según nosotros) bien y no éramos tomados en cuenta, precisamente por no ser algo comercial o lo que usualmente se escucha en Colombia. Por fortuna nos empezaron a escuchar en otros países y fue hasta entonces que en Colombia nos voltearon a ver. Aunque aún no estamos seguros si ya somos un referente dentro del rock colombiano.

entrevista internacional

011

en los mejores escenarios y festivales ¿alguna vez pensaron que lo lograrían de esta forma?

Su Espíritu Hierve Como Sangre En Caldero Y A Manos Llenas Nos Da Su Típica Frase “Yo Soy El Mundo Entero”

por Benjamín Díaz / fotos cortesía

Esa misma firmeza que se nota en su caminar, denota que es una mujer que se mantiene firme en todas aquellas decisiones que durante más de 15 años la han llevado a crear canciones. La vida la ha llevado a trabajar con mentes que le alimentan su sentir, pero como en toda vida, la única que decide qué hacer y qué rumbo llevará su destino, es ella misma.

“Hay que saber decir las cosas que quieres decir, cómo se dicen y poder expresar las cosas que tú quieres decir con tal de que el mundo te escuche. Es todo un camino que tiene piedras que les jodan, yo decido qué hacer y hasta donde.” Me dice María con su voz cálida.

Ella solo ha sabido cómo es su ritmo de trabajo, se lo deja a la sincronía y a veces peca de más. Su espíritu hierve como sangre en caldero de peltre, donde empieza una batalla que le da por volar y que a manos llenas nos da su típica frase “yo soy el mundo entero”.

Eso sí, la voz que expresa es sobre el empoderamiento, de la vida feminista y de las carencias que como mujer se tenían en el pasado.

Con cinco discos y más de 20 colaboraciones, Mala se convierte en una de las mujeres más trabajadoras y activas en la escena. Este 2018 regresa con un su disco Gitanas, el cual nos ayuda a reafirmar su estilo flamenco.

Con estas nuevas canciones se adentra a lo desconocido y le apuesta a la verdad.

“Gitanas es el tema que decidí escoger para presentar mi nuevo trabajo y me apetecía celebrarlo de esa manera porque hemos vivido muchas situaciones donde han puesto de manifiesto el casamiento de mujeres y ese título hace alusión a las primeras feministas que había en España, más

-”HAY QUE SABER DECIR LAS COSAS QUE QUIERES DECIR PARA EXPRESAR LAS COSAS QUE TÚ QUIERES CON TAL DE QUE EL MUNDO TE ESCUCHE”-

012

María Rodríguez Garrido se alimenta de su alter ego “Mala” Rodríguez para alzar la voz y armar rimas que alimentan el alma gitana. Podríamos analizar la carrera de esta española a lo largo de una entrevista, pero solo ella sabe lo que se cuece aquí; una gitana que defiende su música y su caminar.

No solo eso, sino que ha defendido los ideales de todas aquellas mujeres que en un pasado no podían defenderse, ella era y es la voz que se alimenta para frenarlos con una mano en la cara.

Ser feminista sin tocar fibras altamente sensibles es una tarea que pocas mujeres se atreven a hacer y es claro, siempre que se defiendan los ideales femeninos se adentrará a una alegata interminable en la que mucha gente, o no está empapada del tema o no sabe qué acciones tomar.

El papel actual de la mujer es ser firme y defender sus creencias.

“Me parece que las mujeres están un poco zanconas y es que está bien y todo esto va a ser un escándalo y no puede ser que te condenen más por matar un perro que por matar a una mujer, es como que nosotras tenemos

que protegernos, porque está claro que el gobierno no nos protege”, comenta María con una voz firme.

Eso y el camino que ha trazado contra marea es la mismísima actitud poderosa que demuestra cuando se sube a una tarima, ya sea en un festival o en un concierto propio. Guerrera con hambre que aclara mentes y que quiere agitar el sistema con su voz. Un camino, 15 años, muchos ideales concluidos y unos nuevos por nacer.

“Yo sigo disfrutando de emociones y diferentes sonidos, siempre me ha gustado disfrutar y compartir mis ideas de lo que me emociona y de lo que no, todo lo que digo en mi música está hecho desde mis tripas, porque eso es con lo que yo trabajo y me gusta compartir algo real, porque necesito sacar esas ideas de mi corazón.”

Pero ¿qué quiere lograr La Mala más allá de lo evidente?

“Nada, yo solo quiero caminar, no quiero lograr nada. Solo quiero caminar mi camino, hacer cosas que me hagan emocionarme y a otros, y ser feliz”.

Bruja fue su último material lanzado hace cinco años, en este inter colaboró con Ibeyi y Juan Magan. Con 15 años de carrera con “La Mala”, María sigue enamorada de lo que es y de lo que en un principio fue. “¿Qué si estaría orgullosa de La Mala de hace 15 años? ¡Nombre! pues claro sería fan, vendría a mis conciertos, compraría mis camisetas, gritaría y se tiraría de los pelos… por qué diría “esa es una reina y las reinas se reconocen entre ellas (risas).”

entrevista internacional

013

que obvio y me parece que es momento de darle el lugar que se merecen a los gitanos, porque yo entiendo que el feminismo no puede ser racista y si es racista suena a feminismo y es un punto que debe quedar claro y es cuando yo lanzo una pregunta y cuando lanzo esa pregunta te da fuerza, pero lo más bonito es que ya no estamos solas.”

PALABRAS, MÚSICA Y UN MUNDO MEJOR por Carlos Valle / foto Brenda Arriaga

El Stand Up, Un Mejor Medio Para Tratar Temas Sensibles A Diferen El Hotel Condesa parece ser el marco perfecto para recibir a alguien que se presenta como solista, con un nuevo trabajo, que se dio a conocer con una banda que marcó un parteaguas en la música contemporánea. Con un traje azul de tres piezas impecable y sin corbata. Ejemplificando a todo un rockstar, Albert Hammond Jr. nos escucha en español y nos contesta en inglés ―la primera vez que le pasa eso al servidor que escribe esto―.

Revista Kuadro: ¿Consideras importante tu trayectoria? Con todo tu trabajo como solista y con tu banda...

Albert Hammond Jr: No. Desearía que fuera más fácil, pero siempre siento que apenas acabo de empezar. Este disco apenas conecta los puntos de lo que amo de la música, todo el trabajo de volverse mejor en la música. Escribir música sigue siendo emocionante, por lo que no me siento como un campeón en la cima por hacer cuatro álbumes.

RK: Las nuevas generaciones ya te usan como influencia.

RK: Ya no eres un novato, tienes 20 años en esto. Todo el tiempo que llevas en la industria es algo difícil de lograr.

Albert Hammond Jr: ¡Lo sé! Eso es cierto, pero da más miedo el preguntarse “¿Lo puedo hacer por otros diez años?” Es parte del atractivo de cualquier trabajo, lograr, crecer y ver dónde encajas.

RK: Por eso mismo es interesante que estés con un disquera como Red Bull.

Albert Hammond Jr: Las disqueras se han combinado en una sola; ahora es una corporación enorme con el modelo de una pequeña disquera pero con el dinero de una grande. Eso me ha ayudado a llegar a más gente, me siento conectado. Gus Oberg, el productor del disco, quería que estuviera aquí porque pensó que era el futuro de las disqueras.

RK:¿Trabajar con una disquera así te ha hecho cambiar tus hábitos de cómo consumes música?

Albert Hammond Jr: Cuando compro un disco lo hago de manera

RK: ¿Cómo te sientes con tu propia música en esta nueva manera de vender música?

Albert Hammond Jr: Es muy difícil, porque crecí cuando las ventas de récords dejaban que las bandas vivieran; aunque fueras una banda chica, podrías vender 100,000 álbumes y tener una gira. Ahora los CD son para los fans, sólo venden 5,000 copias; quitando a Taylor Swift y Maroon 5 ya nadie vende CD. No se cómo se miden las ventas en stream y creo que ese es un problema generacional.

RK: ¿Qué opinas del cliché de que el rock está muerto, que está en su peor momento?

Albert Hammond Jr: Me dijeron que el rock estaba muriendo desde que empecé en 2001; incluso desde la secundaria que empecé una banda. Siempre está muriendo, parece que siempre tiene que estar así. Pero ¿por qué pasó eso? Empezó siendo underground y se hizo mainstream. Cayó y nuevamente se está haciendo real, su verdadera naturaleza siempre ha sido esa raíz underground. No tengo idea ni respuesta, sólo sé que la parte divertida es crear y hacer música. Que está bien, que está mal no lo sé. Debería dejar de tocar para saber eso.

RK: El hip hop ya pasó al rock, por lo menos en términos de ventas, con tanto tiempo en el radio es difícil de ignorar. ¿Te gusta algo en particular del hip hop?

Albert Hammond Jr: No realmente. Por ejemplo no conozco a Kendrick, me gusta lo clásico como Ice Cube con “It Was a Good Day”. Run DMC también, aunque es más ochentero. De Wu Tang Clan ni siquiera sé cómo suena y me dieron un LP de mi cumpeaños. El problema es que el hip

016

Albert Hammond Jr: Eso cambia, pero todavía no se siente real.

Un gran motivo de cuando comencé a hacer música, era querer ser como las personas que me inspiraron. El decir que tal artista o tal banda, en este caso The Strokes son una gran influencia; es difícil, difícil verte así.

física y virtual. Me gusta llevar mi música a todos lados y ―a pesar de que me gusta el concepto del CD― me gusta tenerlo virtual; lo hace más sencillo pero me llevó tiempo el entrar al stream.

central

ncia De La Música hop me aburre, el patrón es muy repetitivo. Por ejemplo, el tema que mencioné de Ice Cube tiene ese sample de los Isley Brothers y le da un factor especial. Pienso lo mismo de la música electrónica, parece que vamos en círculos, sin llegar a ningún lado.

RK: ¿Qué escuchas en tu vida diaria?

Albert Hammond Jr: Escucho mucha música, pero vaya que hay veces donde sí te cambia la vida. Depende del humor. Consumes cosas según envejezcas, siempre va cambiando. A veces no sé dónde escuchar o dónde buscar nueva música, afortunadamente he tenido la suerte de que alguien continuamente escucha y busca música y lo comparte conmigo, como una chica que me mostró a los Bad Brains, Wipers y a los Misfits, tres bandas que me marcaron a los 22 años.

RK: ¿El rock puede cambiar el mundo?

017

Albert Hammond Jr: Creo que seria mejor cambiar el mundo si aprendiéramos a comunicarnos con palabras. La música lleva lo que crees y te siguen porque creen que dices lo que ellos sienten sobre ciertas cosas; pero se me hace forzado cantar de política, prefiero poner temas universales. Bob Dylan no pudo hacerlo: seguimos teniendo los mismos problemas. Era el mejor y te hacía sentirlo y no pudo cambiar el mundo. Siento que los comediantes hacen un mejor trabajo hablando de la situación social, ellos logran tratar temas sensibles de una manera que nadie más puede lograr.

RK: Ya encontramos el clickbait: Stephen Colbert es mejor que Dylan.

Albert Hammond Jr: Jajaja, no Colbert, pero Chapelle y su nuevo stand up es grandioso tratando temas muy sensibles. Ni siquiera sé de qué manera lograría un cambio; en el mundo existimos más personas que las que lo manejan. Deberíamos unirnos todos para hacer un cambio real, 50 millones de personas hacen un cambio real.

RK: La música es un medio muy poderoso, como el choque cultural de ese concierto en la entonces URSS, donde Metallica y AC/DC lideraron esa revolución para los soviéticos.

Albert Hammond Jr: La música se siente en las entrañas: no es lenguaje, el lenguaje es limitado. Cuando sientes algo así, es inspiracional, todo un movimiento que no puedes lograr sólo con palabras. La música puede ser muy poderosa; si cierta música fuera más popular, el mundo sería un mejor lugar.

Música, Moda, Conflictos, Ideologías: Todos Son Ya Ecos

018

La cultura mexicana en los 2000 tuvo un acontecimiento muy marcado:las subculturas. Todos esos asistentes que ahora llenan los Corona Capital y los Vive Latino, los Ceremonia y hasta los Hell and Heaven es muy probable que pertenecieran a una hace algunos años. Emos, skatos, nü metaleros, punks más la subculturas de las subculturas, porque no todas fueron creadas iguales. Este fue el único periodo de tiempo donde entre los Misfits y My Chemical Romance (MCR) estaban a un eslabón de distancia, ni qué decir de Blink 182.

Sobre todo visualmente.

“I Miss You” fue el que desencadenó todo. Era 2003 y Blink hizo esa canción con trajes, todos pálidos, delineador y referencias a Jack y Sally de El Extraño Mundo de Jack. Corte al 2005 con “Helena” de MCR y el emo estaba a todo lo que daba. Flecos, delineadores muy cargados y selfies con webcam, en baja resolución con el ángulo Myspace. Por otro lado estaban los skatos, —no confundir con los skaters—. No quiere decir que no haya habido bandos cruzados, pero las subculturas tenían su representación nacional con el ska.

Panteón Rococó estaba en la cima del mundo, igual que “La Carencia”.

Flanqueados por Inspector. Esos shorts con botas y camisas sin mangas no se compraban solas.

artículo

019

Los nü metaleros vivían sus últimos momentos de gloria: fueron los primeros de caer el pedestal, pero no importó. Eran los más rudos de la cuadra porque Jonathan Davis y Fred Durst era los rockstars más hardcore. Papa Roach la banda más cool. Linkin Park los que más talento tenían. Igual que la ropa toda enorme, XXL era lo mínimo en pantalones y playeras de hip hop, con la cadena con cartera ruda. Los estoperoles eran los verdaderos protagonistas: todos los usaban sin importar si usabas las manos para ponerlas en la frente o para acomodar el fleco.

Que fue también uno de los momentos memorables del periodismo. En ese intento de contar algo que siempre han hecho mal, quisieron contar la historia de las tribus urbanas y sus conflictos con otros. Bueno, su conflicto con los emos.

Hubo un breve momento en la historia donde metaleros y punketos, skatos y punketos; realmente cualquier tribu urbana con punketos alzaron la bandera anti-emo.

La perspectiva de que los emos eran los tipos demasiado sensibles, que el mundo jamás los entendía y que era únicos de todo el resto del mundo —a pesar de que se vestían igual que todos los demás que se pensaban únicos— chocaba

por Carlos Valle / Ilustración Sac Medina

-ESAS PERSONAS QUE HOY ESTÁN ROZANDO EL TERCER PISO O YA ESTÁN BIEN INSTALADAS, PROBABLEMENTE SE RÍEN NADA MÁS DE ACORDARSE-

con la de todos los demás. La rudeza de los nü metaleros, la conciencia social de los punketos y el espíritu libre de los skatos. Reportajes en TV Azteca de esas “peleas” y es así entrecomillado, porque era puro adolescente, de esos que pensaban que Inspector, Limp Bizkit o My Chemical Romance era lo mejor que le había pasado a este planeta. Esas personas que hoy están rozando el tercer piso o ya están bien instaladas, probablemente se ríen nada más de acordarse de esa idea.

Era irse a juntar todos afuera del metro, entre lo que hoy serían la estaciones del metrobús (contrario a lo que uno pudiera pensar, sí eran varios los que se juntaban ahí) esperando que llegara la patrulla y algunos uniformados los mandaran a su casa, ya que sus respectivas mamás habrían de estar preocupadas. Ambas partes se regocijaban con esto, unos se sentían rudos y rebeldes, los otros tenían otra excusa perfecta para intentar cortarse las venas con Galletas María, con el grito de que el mundo no los entiende. Todos ganaban.

Siempre ha sido más fácil ser joven.

Incluso llegó a las noticias internacionales. En el festival Zero, un extinto festival en la curva del Autódromo, un Corona Capital antes del Corona Capital. Traían un cartel bastante interesante. El extraño reencuentro Billy Corgan/Jimmy Chamberlain que no fue precisamente Smashing Pumpkins y dos imitadores de Iha y Darcy (no criticando su talento, sino sus looks) y The Mars Volta una de las mejores bandas en vivo. Pero era un cartel ecléctico: Timo Maas, Belanova y Kinky eran otros que se sumaban sin parecerse mucho a los dos nombres más grandes. Pero el tercero era My Chemical Romance, con su maquillaje y todo la representación que una emo necesitaba. Como el decir que no eran emos.

Gerard Way justo antes de empezar el set, con su look robado de Tim Burton y un grito de “no more violence today” con el puño al aire, casi hasta se sintió un verdadero luchador social; excepto que a nadie le importó eso. Ya casi se acaban los dos miles y era muy tarde para que importara. Los recuerdos de aquella juventud hoy no son más que ecos.

Su Ubicación Geográfica Es Un Constante Puente Hacia El Mundo, La Capital Del Mundo Al Fin Y Al Cabo

020

Fin de siglo XX, inicio del nuevo milenio. Los mp3 que reemplazaron a los CD no serían más que el comienzo de una industria de masas, derivada de los grandes movimientos de los 70, 80 y 90. Kurt Cobain había muerto y, con él, el último gran ícono de la música. Quedaban pocos Pearl Jams y, en su lugar, MTV había propagado muchos Good Charlottes, Creeds y Limp Bizkits.

Entonces surgieron, como por generación espontánea, algunas bandas que vinieron a reivindicar la escena. Los nombres de éstas agrupaciones eran The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, The Rapture, The Walkmen, Jonathan Fire*Eater. ¿Qué tienen en común dichos nombres? Dos palabras: Nueva York. James Murphy encontraría justo en los clubes de la ciudad que nunca duerme el sonido perfecto para la banda más influyente de su escena: LCD Soundystem. Paul Banks encontraría en sus luces suaves y en su pornográfico metro la inspiración para Interpol.

Muchos músicos vendrían posteriormente a seguir las estelas dejadas en el camino para recordar que el rock no se crea ni se destruye.

artículo

-NO ES CASUALIDAD NI SORPRESA. NUEVA YORK SIEMPRE HA SIDO SINÓNIMO DE MÚSICA. SIEMPRE HA SIDO UN FARO QUE ATRAE A ALMAS EN BUSCA DE LIBERTAD.-

por Diego Venegas / Ilustración TheJavisCEffect

021

¿Cómo es que La Gran Manzana se convirtió en la última gran lumbrera del rock del nuevo siglo? No es casualidad ni sorpresa. Nueva York siempre ha sido sinónimo de música, de rincones oscuros llenos de humo. Siempre ha sido un faro que atrae a almas en busca de la tan anhelada libertad. Como la capital del mundo que una vez fue, la historia de dicha ciudad podría sintetizarse en un soundtrack que incluiría nombres como George Gershwin, Frank Sinatra y, recientemente, Alicia Keys con su “Empire State of Mind”.

Basta revisar un poco en la historia para entender por qué es un lugar tan propicio para la música. Su ubicación geográfica privilegiada lo convierte en puerta (y puerto) de acceso hacia América, una especie de puente cultural, político y económico entre el viejo y el nuevo mundo. Dicha ventaja propició que, a lo largo del Siglo XX, Nueva York, con su estatua de la libertad,

su Empire State, sus Torres Gemelas y el fantasma de Walt Whitman, se convirtiera en el símbolo del progreso y el arte del mundo.

Sólo hace falta imaginar la noche de inauguración en 1977 del célebre Studio 54 (54 Oeste de Manhattan), erigido en un local diseñado como teatro, para entender la magnitud cultural de esta ciudad. A dicho evento se dice que asistieron ni más ni menos que Andy Warhol, Calvin Klein, Diana Ross, Mick Jagger; Salvador Dalí, Liza Minnelli, el infame Donald Trump, Debbie Harry, Brooke Shields y una larga lista de etcéteras.

Todos excepto Woody Allen y Cher, que se quedaron afuera.

En esa misma época, el mítico club ‘Country, bluegrass and blues’ conocido como CBGB (en el 315 de Bowery del East Village), recibiría en su pequeño escenario a leyendas como Blondie, Television, The Ramones, The Stooges o Patti Smith, entre cientos de grupos. Ni qué decir del célebre y legendario Hotel Chelsea (222 Oeste de la calle 23), que recibió a celebridades de la talla de Keith Richards, Édith Piaf, Joni Mitchell, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Sid Vicious, Ryan Adams, Anthony Kiedis, Bob Marley, Jon Bon Jovi, entre muchos otros artistas y que, además, fue testigo del épico encuentro entre Janis Joplin y Leonard Cohen, mismo que engendraría una enormidad de rola como “Chelsea Hotel #2”.

Fue también en Nueva York donde uno de los acontecimientos más tristes de la historia de la música moderna sucedería. Ocurrió un 8 de diciembre de 1980, en la entrada del famoso edificio Dakota (la locación donde se filmó Rose Mary’s Baby, de Roman Polanski cuya esposa, Sharon Tate, fuera asesinada por la secta de Charles Manson) donde John Lennon vivía con su esposa, Yoko Ono. Cinco disparos de Mark David Chapman fueron suficientes para quitarle la vida al ícono de la música que regresaba de una grabación en el Record Plant Studio.

Sí. Nueva York era la ciudad del ensueño y el espectáculo.

El sitio donde todo el que quisiera hacerla, debía estar. Hoy, sin embargo, ya no importa de dónde vienes. La tecnología, las redes sociales, Spotify y Youtube, han roto la barrera de lo regional y han posibilitado lo que el mito de Kurt Cobain y el grunge profetizaron: que la música surge de cualquier lugar, de cualquier boca, de cualquier sitio.

Pero hubo una época en la que ninguna oferta de conciertos se comparaba con la del Madison Square Garden, o la del Radio City Music Hall. Una época pre-smartphones, en la que todavía importaba de donde provenías y en la que se creía que, si podías sobrevivir en una ciudad, podías sobrevivir donde fuera. Pero ahora es distinto, ¿son maravillosos los años que estamos viviendo?

022

Era el año dos mil y el tercer milenio comenzaba en sábado. El mundo despertó y no estaba sumergido en el apocalipsis cibernético que se había predicho.

Todo estaba igual salvo una cosa: el futuro ya nos había alcanzado. Tal vez la humanidad aún no tenía autos voladores, mucho menos había contactado con ovnis, sin embargo tenía algo más increíble en sus manos: el Internet, el viagra y la redención del camino que había tomado el rock.

Para ese entonces el hype mediático ya había condenado a The Strokes junto a otras bandas como Wolfmother, The Darkness y The White Stripes a ser el estandarte de una generación que esperaba con ansias la resurrección del rock. Entonces la prensa les daba primeras planas con títulos de “Salvadores del rock” y demás, pero el problema llegó cuando estos grupos terminaron siendo nada más un bello recuerdo contenido en CD y una lista de Spotify que revive con la nostalgia.

Actualmente Hammond Jr. cuenta ya con cuatro álbumes de estudio y un EP que han consolidado su proyecto más allá de The Strokes. Mientras que Casablancas ha lanzado dos discos junto a The Voidz y explorado junto a ellos su sonido más nihilista y con el que, al parecer, se ha sentido creativamente más cómodo.

Sucedió un caso similar con The White Stripes. En 2011 anunciaron su separación tras poco más de una década en la que demostraron que una guitarra, una batería y un concepto son suficientes para llevar la música hacia nuevos límites.

Razones específicas no existen, sin embargo todo parece indicar que fue por el bien la salud mental de Meg White.

Como dúo nos dejaron seis álbumes de estudio y a una de las mentes musicales más importantes e hiperactivas del siglo: Jack White, quien ya con su carrera en solitario nos ha dado a conocer todas esas inquietudes artísticas a través de sus discos. Nos ha permitido ser testigos de esa curiosidad que lo tiene en constante experimentación, incluso con sus “nuevas” bandas como The Raconteurs y The Death Weather con Alisson Mosshart, integrante de The Kills.

Sin embargo no todo es tragedia, muchos de estos personajes lograron vencer al hype, como es el caso de los Yeah Yeah Yeahs, Gorillaz, incluso The Kills, cuyos integrantes han permanecido con sus bandas a la par de sus proyectos alternos.

En el caso de los Yeah Yeah Yeahs, Karen O y Nick Zinner son los más activos. Karen O ha participado en la creación de soundtracks para películas como Where The Wild Things Are y Her ambas dirigidas por Spike Jonze. Además ha colaborado con Santigold, David Lynch y la casa japonesa de artículos de lujo Kenzo. Mientras que Nick Zinner ha llevado su faceta fotográfica alrededor del mundo.

Por último tenemos a Damon Albarn quien es uno de los músicos más prolíficos de la actualidad, ha pasado por el britpop de Blur hasta la mezcolanza de géneros y colaboraciones que es Gorillaz y bandas como The Good, The Bad & The Queen junto a Paul Simonon o Rocketjuice and The Moon junto a Flea y Tony Allen. Podríamos ir enumerando uno a uno los proyectos de Albarn, incluyendo su álbum solista Everyday Robots (2014) hasta su colaboración en el Isolation de Kali Uchis, pero sería otro artículo completo.

La vida después del hype sí existe, ya está más que demostrado. Que sea fácil salir de él depende en mayor medida del desarraigo al pasado. La vida es muy corta para esperar que todos los músicos suenen igual toda la vida.

artículo

023

El fact es que nadie ha podido salvar al rock, sin embargo a partir de esa década, surgieron personajes que lograron trascender más allá del cobijo de sus bandas para consolidarse como propuestas serias que aportaron —y aportan— algo más a la música actual. Comenzaré con The Strokes porque después de un álbum debut BESTIAL, la agrupación compuesta por Julian Casablancas, Albert Hammond Jr., Nick Valensi, Fab Moretti y Nikolai Fraiture logró que, al menos hasta 2006, fueran un referente inmediato de la música, moda y actitud rockstar.

A la par del First Impressions of Earth (2006), tercer disco de The Strokes, el guitarrista Albert Hammond Jr. lanzó en su primer trabajo en solitario, Yours to Keep, con un estilo un poco más suave y romántico pero con la esencia de la banda neoyorquina. Después de arrasar los charts con tal álbum, los integrantes de The Strokes se tomaron mucho tiempo para lanzar su próximo material. Durante ese break todos exploraron caminos en solitario, Julian Casablancas nos dio en 2009 su álbum debut Phrazes for the Young, Hammond Jr. lanzó un segundo disco, mientras que Fab Moretti tomó el camino del folk con su proyecto Little Joy.

por Majo Sánchez / Ilustración Daniel Solis

El Hype Mediático Condenó A Muchas Bandas A Ser El Estandarte De Una Generación Que Esperaba La Resurrección Del Rock

Estos Son, Probablemente, Los Últimos Rockstar

024

Tal vez para responder a la pregunta “¿Qué camino está tomando la música actualmente?” valga la pena volver la vista atrás y ver lo que ha pasado. En el nuevo milenio con tantos cambios, la música no podía quedarse ajena.

La resistencia del rock (y su variante garage) ante un movimiento de música electrónica que marcó los 90, vio su legado en géneros como el pop punk, post-punk revival y naturalmente el indie; aunque no todo se concentró aquí, como veremos más adelante.

Un movimiento musical no es nada sin sus exponentes: los que mencionaré en los siguientes párrafos son figuras esenciales para entender el panorama musical de la primera década de los 2000. Digo sin temor a equivocarme que estos serán de los últimos ídolos musicales hechos a la vieja usanza: es decir, a través de los medios de comunicación convencionales y sobre todo, con la casi necesaria etiqueta de frontman o rockstar.

Nuevas maneras de consumir y producir música están

artículo

por Martín Vargas / Ilustración María Alejandra SH

025 estableciendo distintas relaciones entre el público y el artista; ni se diga la cantidad innumerable de géneros que se acercan a otros que podrían parecerles ajenos, pero de eso podremos hablar dentro de unos años. Ahora es tiempo de un llamado a la nostalgia.

DAMON ALBARN Probablemente la mayoría hayan escuchado la voz de este músico y compositor inglés a través de su proyecto animado Gorillaz, pero hay otros que ubican a la perfección a Blur; ya sea porque “Song 2” apareció como soundtrack del videojuego FIFA 98’ o bien porque el video de “Coffee and TV” le regaló a la cultura pop la imagen de un cartón de leche azul y su pareja femenina de color rosado. Pero lo cierto es que Albarn cuenta con diversas propuestas, además de su carrera de solista, como The Good, the Bad & the Queen, donde explora más una faceta cercana al rock alternativo y letras acerca de la vida londinense y de Inglaterra en general.

En total ha grabado, participado o compuesto cerca de 40 producciones discográficas, entre álbumes de estudio, EP y conciertos, entre los que resaltan una ópera y ningún género en especial. Quizá por eso es miembro de la Excelentísima Orden del Imperio Británico.

AMY WINEHOUSE Esta británica fue muy mencionada en nuestro número anterior (Forever 27) ya que es miembro célebre del tristemente afamado Club de los 27, pero eso es parte de la leyenda que alimenta. Dos álbumes bastaron para que Winehouse se abriera paso como una figura femenina musical lejos del pop (dancepop y electropop como principales exponentes) que ya tenía a Christina Aguilera y Britney Spears o Rihanna en una lucha constante. Aunque no lejos de los escándalos y los reflectores, la ganadora de cinco Premios Grammy en 2008 tuvo una carrera tan fugaz como su vida pero un legado que difícilmente puede ser superado actualmente. ¿Por qué?

Simple: nadie en el nuevo siglo ha logrado apropiarse de una manera tan auténtica del soul, rhythm and blues, jazz; géneros más estigmatizados de lo que se cree.

OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ Una historia común: un joven que no estaba tan convencido de sus aptitudes se acerca a la música con interés. Sin una formación o enseñanza previa su intuición le lleva a ser autodidacta. Pero este chico con nacionalidad puertorriqueña y estadounidense no pretende hacer más música que la inspirada por una convulsa improvisación. Omar RodríguezLópez le dio, quizá sin querer, un segundo y visionario aire al rock progresivo en aquel país angloparlante. Ya sea con The Mars Volta, una de las mejores y más logradas bandas de culto (esto por su constante estridencia y desdén hacia la música como negocio) o bien, en su etapa con At the Drive-In y en la propuesta actual llamada Antemasque.

Cualquiera que se identifique con los acordes de la guitarra de Omar sabe de antemano los alcances de la creatividad. Este siglo lo acogió por su forma poco convencional de hacer rock: estridente y habilidoso. Sui géneris JACK WHITE Jack Anthony Gills tomó el apellido de su primera esposa Meg White y lo adoptó como seudónimo para hacer música. Ya sea como The White Stripes, The Raconteurs, la superbanda The Dead Weather (con miembros de The Kills y Queen of the Stone Age) o como solista; la temblorosa voz de Jack, su desaliñado estilo y la ejecución de los diversos instrumentos musicales que domina lo colocan como un referente innegable de este nuevo milenio.

El también actor ha participado en siete filmes, donde destaca la comedia Walk Hard (2007) donde interpreta a Elvis Presley.

En total ha grabado 14 álbumes de estudio entre todos sus proyectos y ha producido cuatro más.

El Coleccionismo, Un Triunfo Nostálgico Ante Lo Digital

026

Probablemente, todos ustedes tengan recuerdos borrosos de cuando escuchaban canciones infantiles de su niñez. Quizá recuerden que esa música la escuchaban en vinilos y casetes. Pero después, cuando empezaron a interesarse más en la música, escucharon más géneros y tuvieron a su primer artista favorito; se recuerdan reproduciendo discos ya sea en una grabadora o en sus discman. Luego, descargaron archivos mp3, tuvieron su primer reproductor portátil y hoy ya escuchan todo, o casi todo, a través de Spotify y otras plataformas similares.

Nuestra generación ha pasado por mucha evolución en cuanto a formatos se refiere. Ha sido divertido ser testigos de cómo escuchar música se vuelve cada día más fácil y accesible.

A pesar de que para el año 2000 ya existía el formato mp3 e inmediatamente en 2001 fue lanzado el iPod y la plataforma iTunes, aún era difícil que tuviéramos acceso a todo eso. A lo mucho podíamos aspirar a unos discman; fueron los años en que comenzamos a comprar CD, (y no necesariamente originales) en los que tal vez figuraba Is This It de The Strokes, A Rush Of Blood To The Head de Coldplay o el álbum debut de Gorillaz. Pero más allá de

artículo

por Mariana Velasco / Ilustración Rodrigo Bernardo

027 los discos, nuestra generación atestiguó el apogeo del mp3 y del streaming en primera fila.

El mp3 nació en 1989 como el primer archivo de audio digital listo para transferirse de usuario a usuario sin importar la distancia. El principal encargado de su desarrollo fue el ingeniero en sonido Karlheinz Brandenburg, un alemán que estudiaba un doctorado. Más o menos en 2004, nosotros ya empezábamos a escuchar música en la computadora: ya sea trasladada desde un CD o descargada de manera pirata desde una variedad de programas de transferencia de archivos, (Ares, Limewire, etcétera), aunque todos implicaban un riesgo enorme de almacenar virus. Globalmente, el primero de los servicios de este tipo fue Napster, (creado en 1999 por Shawn Fanning) cuyo mecanismo inmediatamente resultó una amenaza para la industria musical, pues permitía que cualquier persona compartiera sus archivos mp3.

La industria musical no estaba preparada para el mundo de transferencia ilegal de archivos de audio en Internet, así que las disqueras más importantes hicieron equipo para crear sus propios servicios de streaming. Las suscripciones en ese

entonces eran mucho más caras que ahora y los catálogos estaban incompletos. Había publicidad indeseada y algunas restricciones. Otro problema era que las regalías para los artistas eran muy pequeñas, por lo que dichas plataformas no tuvieron el apoyo necesario y la gente optaba por seguir descargando de forma ilegal.

En ese entonces esta generación apenas comenzó a tener celulares. Fue algo mágico ver el nacimiento y desarrollo de bandas como los Yeah Yeah Yeahs, The Killers o los Arctic Monkeys y escuchar esa música con tus amigos en la escuela.

Pronto conocimos los reproductores exclusivos de mp3 y la tienda iTunes, el primer negocio de música digital que se logró establecer de acuerdo a las reglas y con el apoyo de la industria discográfica.

Ya con todos esos preámbulos del streaming, en 2008 surgió Spotify, la plataforma más famosa y completa hoy en día. Al principio no cualquiera se podía suscribir, pues estaba limitado a acceso por invitación, luego permitieron las suscripciones pagadas y hasta 2009 lanzaron la versión gratis.

A pesar de su éxito, ha tenido muchas quejas de los artistas, pues se dice que las regalías que reciben por su música no son suficientes. A partir de Spotify, muchos más servicios de streaming han nacido: Beats Music, Google Play, Deezer y Apple Music, por mencionar los más importantes.

Hoy en día ya casi todos poseemos un smartphone, en el cual es muy fácil descargar cualquier aplicación de streaming y en cinco minutos ya estar escuchando nuestras canciones favoritas. Ya no es necesario esperar a que pongan a tu artista en la radio, ir al tianguis a comprar su disco o descargarlo de Internet. Aunque todo es más fácil ahora y pareciera que la música en formato físico está muriendo, la era del streaming le ha dado un valor especial al coleccionismo.

Nuestra generación ha visto ese desarrollo, pero también cómo los casetes y los vinilos se vuelven piezas de colección invaluables. No hay y nunca habrá nada como comprar discos, abrirlos y hojear el booklet: ahí es donde siempre se verá mejor reflejado el esfuerzo de un artista y lo que verdaderamente premiará su talento. ¿La era digital triunfó en la música?

A TR

ILUS

CI

V ÓN TH E JA

IS

CE

FF

E

EEUU

NY: THE STROKES / YEAH YEAH YEAHS

La era dorada del punk nacido el CBGB, desde The Velvet Underground, Blondie y Ramones, se resignificó con las bandas neoyorquinas del nuevo milenio, mismas que lograron capturar la esencia del punk rock para hacerlo más fashionable y consumible.

Albums: Is This it (2001) Fever To Tell (2003)

2

NY: INTERPOL

A diferencia de sus contemporáneos neoyorquinos, la banda liderada por Paul Banks declinó por un sonido más sobrio y ecléctico que en distintos momentos despuntaban en puntos climáticos llenos de riffs y ritmos salvajes.

Álbum Turn on the Bright Lights (2002)

3

DETROIT / THE WHITE STRIPES

Guitarra y batería, Jack y Meg White no innovaron la fórmula pero supieron explotarla. La constante síntesis de elementos estéticos como simbólicos aunado a los riffs trashys de la escuela de Michigan, lograron dejar una joya

para la posteridad: Album: Elephant (2003)

4

NEVADA/ THE KILLERS

La banda liderada por Brandon Flowers se formó en 2001 pero Hot Fuss fue lanzado hasta 2004, sin embargo fue hasta la llegada de Sam’s Town que lograron consolidarse como una de las bandas más influyentes del nuevo siglo.

ENGLAND

GORILLAZ Essex, Inglaterra

Albarn logró darle al mundo la primer banda 10 Damon compuesta por personajes ficticios en 2D. Música hecha

por alter egos que nos recordó en pleno 2000 que Tomorrow Comes Today.

PO

R

M

11

AJO

THE DARKNESS Londres

Un poquito de rock clásico en dosis pequeñas no le cae mal a las nuevas generaciones. Un poco de AC/DC, otro poco de Aerosmith, lograron revivir esas emociones para los neonostálgicos del nuevo milenio.

Álbum: Permission to Land (2004)

S ÁN

H

C

CT

1

EZ

12

THE LIBERTINES Londres

13

FRANZ FERDINAND

La trayectoria de The Libertines se vio marcada por los excesos de su vocalista Pete Doherty quien junto a Carl Barât lograron darle vida a Up The Bracket, un disco ruidoso y fresco que revivió las nuevas propuestas londinenses.

Con un álbum debut impresionante, Alex Kapranos y compañía lograron a través de su sonido hiperactivo y su elegante desfachatez en el escenario, aportar a la escena un elemento estético distintivo al rock de esta época: ser universal.

Álbum Debut: Franz Ferdinand (2004) 5 6 7 9 14-17

26 27 28

Menciones Especiales System Of A Down LA, Ca The Mars Volta El Paso, texas Linkin Park Agoura Hills, Ca My Chemical Romance New Jersey Austin TV CDMX Zoé CDMX Los Dynamite CDMX Enjambre CDMX Motorama Rusia Cansei de Ser Sexy Brasil Wolfmother Australia

LA TREMENDA PRESENTACIÓN DE ALT-J EN EL PEPSI CENTER

POR GIO ANGULO

POR DIEGO VENEGAS

León Larregui, Sergio Acosta, Rodrigo Guardiola, Jesús Báez, Ángel Mosqueda, reafirman que son banda referente en la escena nacional, que el camino que han tomado los ha llevado a este punto de su carrera. Para la gira de la presentación de Aztlán, su más reciente álbum, comenzaron por tierras norteamericanas y regresando a su tierra originaria, CDMX, para ofrecer de entrada, tres sold out en el Auditorio Nacional.

26 de junio. Temporada hermosa este verano. Mundial de fútbol por la mañana; Alt- J por la noche. Después de uno de los mejores actos del Corona Capital del 2017, muchos nos quedamos con ganas de ver más. Más de esas luces neón, más de esas atmósferas líricas; más y más canciones del exquisito

La nave espacial que manejaba Zoé tenía todo bien medido, luego de los nuevos temas era el turno de recordar los éxitos que los posicionaron a lo que hoy sabemos y vemos: “10am”, “Últimos días”, “Nada” y “Poli”, nos hicieron estremecer y disfrutar la parte audiovisual que acompañaba cada tema.

“Paula”, Andrómeda”, “Arrullo de estrellas”, fueron de las más coreadas por el público. “Reptilectric”, “Luna” “No Me Destruyas”, “Temor y Temblor”, “Soñé” y “Love” fueron los dignos representantes de ponerle la estocada final a la velada y hacernos pasar un viernes lleno de recuerdos.

debut An Awesome Wave.

Luego de una presentación bien lograda de Twin Shadows, el staff se puso a ajustar los últimos detalles de un escenario que ya lucía lleno de vigas y estructuras de leds verticales entre los tres espacios que ocuparían Thom Sonny Green (batería), Joe Newman (guitarra y voz principal) y Gus Unger-Hamilton (teclados y voz secundaria). La mayoría de los asistentes se sabían cada una de las líneas de por sí complicadas, densas, ambiguas y altamente referenciales de las canciones. Da gusto saber que sí hay espacio en los carteles y en los grandes venues para música tan excepcional y atípica. Después de todo, siempre hay gente abierta a lo diferente y a los sonidos propositivos.

030

AZTLÁN TRIUNFÓ EN SU PRIMERA NOCHE CON ZOÉ

¡FELICES 30, FOBIA! 031

POR CARLOS SAÍN / FOTO EDWIN LÓPEZ Noche de viernes con un vals de fondo. Así es como iniciaba el cumple de una de las bandas más importantes del rock nacional.

30 años de Fobia han pasado desde esa primera tocada donde le abrieron a Trolebús.

El festejo arrancó con “El Diablo” mientras 17 mil personas gritaban de emoción de verlos reunidos de nuevo. Leonardo De Lozanne se notaba nervioso o tal vez incrédulo de ver un Palacio de los Deportes a reventar, que coreaba cada una de las canciones que prepararon para esta noche. El Chá no dejaba de sonreír, Jay concentrado y en su papel dando lo mejor en su ejecución; Iñaki llevaba de la mano a la banda y preparaba cada introducción para sorprender al público y mientras Paco el cerebro de la banda y Leo daban todo.

Velada inolvidable con un mensaje intenso: “Pase lo que pase en México, no dejemos de ser nosotros” así finalizó el primer encore con su “Revolución Sin Manos”, para regresar de nuevo y agradecer a los presentes, recalcando que era su primera vez en el Palacio de los Deportes solos, sin dejar de sonreír.

AKAMBA: LA FRAGILIDAD DEL TIEMPO EN UN ESPACIO

POR JOSÉ CURDA / FOTO MAJO SÁNCHEZ Quién diría que junto a los agaves de Tequila, Jalisco, uno pondría en juego parte de su existencia, ciertamente frágil, ante el cielo y las nubes que danzaban al ritmo de Akamba, nombre que significa “agave” en la lengua local: el purépecha.

Todo vibraba tan natural que nadie se percató de la sintonía entre los presentes: parecíamos dunas a la intemperie del viento, nos movíamos al compás de música y su vertiginoso halo de rítmico.

Una Hollie Cook que asimilaba la flor de cactus en el desierto de Jalisco, un Timber Timbre como ilusión bebible entre la arena, Nicola Cruz tan alucinógeno como el peyote. Al atardecer ya era un ente vivo que se movía al ritmo de la guitarra de Sinkane.

Mientras que llegada la noche el festival era sensualidad que se escurría a través de la voz de Mayer Hawthorne.

Los ritmos andinos de Matanza nos sirvieron de preámbulo para bailar toda la noche al calor de los agaves, mientras la ligera brisa nocturna se sentía como caricias en la piel.

POR MARVELY GARNICA / FOTO RODRIGO GUERRERO ¡Se hizo la Machaca! El pasado sábado 23 de junio se llevó a cabo la edición 2018 del Festival Machaca, que reunió a miles de personas de diferentes estados del país en el Parque Fundadora de Monterrey, Nuevo León. La capital de la carnita asada.

Desde las 12 horas los primeros asistentes estaban, listos y con energía para recorrer los tres escenarios. Muchos esperábamos que fuera un día nublado e incluso que lloviera, sin embargo, ese sábado salió el sol en su máximo esplendor, hasta llegar a los 36°.

Marcos, sillas gigantes, letras con el nombre del festival, la rueda de la fortuna, un jenga enorme, rompecabezas, hamacas, bebederos, beer pong a escala y mucha escenografía interactiva, Durante el festival, no había tiempo de aburrirse.

Rap, ska, pop, rock, tropical, norteño, banda, reggaetón entre otros fueron los géneros que armonizaron la fiesta regia.

Hace no muchos años atrás, los distintos géneros causaban choques entre los mexicanos. Sin embargo, en este festival, fue grato ver como asistentes con todos los estilos disfrutaron.

Parece que aprendimos a aceptar todos los géneros, ser tolerantes.

LTDOMX NOS REGALÓ

BUENA MÚSICA, DIVERSIÓN Y UN GRAN AMBIENTE POR DORA MÉNDEZ / QUIQUE ÁVILA Es cada vez más común ver como la escena musical salta de la capital para poder llevarla a otras partes de la República Mexicana, tal es el caso de LTDOMX, una gran celebración llena de música y buena vibra que nació en el corazón de Guanajuato para imponerse y dar cabida a diferentes géneros.

Este año se llevó a cabo la segunda edición, la cual superó las expectativas de toda la gente, además con un line up de altura donde sobresalió la presentación de Devendra Banhart; y actividades alternas para todo tipo de gustos y personalidades.

En tres distintos escenarios, los músicos hicieron los suyo mientras que el público no sólo se limitaba a disfrutar del gran espectáculo y de todas las actividades.

Al final del día LTDOMX nos dio grandes sorpresas y momentos que es seguro que tendremos presentes. Demostrando así porque se ha convertido en unos de los mejores festivales del interior de México. Siendo una gran oportunidad para conocer una gran diversidad de música nueva, talento de casa y pasar un buen rato, ya sea solo o acompañado.

032

LO MEJOR DEL MACHACA FEST 2018

PULSO: EL FESTIVAL QUE

033

NOS RECORDÓ QUE “VIVIR ES INCREÍBLE” POR MONSERRAT VELÁZQUEZ / FOTO EMILIO SANDOVAL Como era de esperarse, la primer edición del festival Pulso GNP fue todo un éxito; con un sold out anunciado y un line up que incluía lo mejor del rock nacional como La Gusana Ciega, Zoé, Porter, División Minúscula y Café Tacvba, con sus grandes éxitos.

Pero nada superó al turno de ver a la tan esperada banda estelar por fin había llegado, con un foro lleno: los estadounidenses MGMT salieron al escenario con la ovación de sus fans que esperaban ansiosos su salida. Un show con una gran producción visual y sonora. Dieron un espectáculo de una hora donde el talento de los músicos se hizo notar y en el que éxitos como “Kids”, “Time to Pretend”, “Electric feel”, “Me and Michael” y “Little Dark Age” hicieron cantar a todos.

Así finalizó un gran día de baile, buena compañía, fiesta y excelente música. En espera de que la segunda edición del festival Pulso GNP nos vuelva a traer artistas de este nivel y nos recuerde porque amamos tanto la música.

LA FIESTA DE LNG/SHT EN EL PLAZA POR FRANCISCO ESPINOZA / FOTO RODRIGO GUERRERO La noche comenzó con el Chingadazo de Kung Fu, con su rock predeterminado que encanta a todos los presentes. Lo maravilloso de la música, es que puede llevar al público de un concierto de hip hop a corear todas las canciones de una banda de rock. La variedad de géneros encanta a cualquiera.

Ya con los ánimos encendidos y la gente que no paraba de llegar, salió a escena el par que se estaba esperando: LNG/SHT y Cat Scratch llegaban al entablado brincando y escupiendo versos.

Abriendo con “Sin Cuenta” y casi al borde de las lágrimas, lo que muchas veces se imaginó se estaba haciendo realidad, su primera noche en el Plaza Condesa, con un lleno total, así empezaba la fiesta.

Una recopilación de sus éxitos como “Francesca Carpinelli”, “Caballeros del Sábado Por La Noche”, “Wachadafunk”, “Club De Los 27”, “Llaves Teléfono y Cartera”, “Muchacha 1” y el recién estrenado “La Insoportable Levedad Del Ser”.

El cierre fue increíble, interpretando “Fe Ciega Para Sordos”, un cierre entre aplausos, cerveza, sudor y emoción por parte de los asistentes, se acabó el mejor concierto hasta ahora de LNG/SHT.

UN MÚSICO DE OTRO NIVEL: DAVID MAXIM MICIC

CLOVES, DEFINICIÓN DE TALENTO GENUINO

DAWN AVNUE, UN FUTURO PROMETEDOR EN LA MÚSICA

FIDLAR: JUVENTUD, REBELDÍA Y COSTAS CALIFORNIANAS

Por Brenda Arriaga Con guitarras poderosas, voces desgarradoras y letras divertidas pero crudas, FIDLAR se encarga, canción tras canción, de mostrar la realidad detrás de una juventud problemática.

Canciones como “West Coast” y “Why Generation” te transportan fácilmente a la costa californiana, mientras pisas la playa con tus Vans más viejos y patineta en mano.

Mientras que “Bad Habits” te invita a reflexionar sobre tus propias experiencias al mover tu cabeza de lado a lado.Todo esto la hacen la banda perfecta para el extinto Warped Tour.

Son un puñado de jóvenes que tocan punk rock para viajar lejos de sus problemas y que hacen te identifiques con alguna de sus letras. Nos encantaría nos los trajeran a México pronto y volvernos locos al escuchar “shit they recorded in their bedroom” (incluída en su segundo EP).

Por Rodrigo Guerrero Originario de Belgrado, la capital de Serbia, David Maxim Micic, realizó estudios musicales en el Berklee College of Music. Dentro de los instrumentos que maneja este genio son la guitarra y el teclado. Cabe resaltar que a pesar de tener muy corta edad, ya ha compuesto, producido y grabado más de 8 horas de música para series de televisión y comerciales; también ha sido arreglista y productor de grandes músicos de Europa Central. Es una carrera que ha comenzado desde 2011 y que se puede sintezar en siete producciones donde destaca Bilo 3.0 (2013), ECO (2015) y Vol.1 (2016).

Su último y más reciente material lleva por nombre Who Bit the Moon donde experimentarás todo tipo de emociones, no te dejes llevar por el arte que ilustra al disco.

Así que cuando puedas échale una oreja.

034

Por Saraí Arteaga Imagínense cursar la preparatoria y ya tener grabado un EP y además, haber trabajado junto a Yayo González (vocalista de Paté de Fua). Esto fue lo que les sucedió a los chicos de Dawn Avenue.

Originarios de Cuernavaca, Fernando (guitarra y voz) y Alejandro (bajo), lideran esta banda de rock pop alternativo que le da una nueva cara a la escena musical mexicana.

Demuestran que cantar en inglés no es ninguna barrera para destacar en la música nacional. Poco a poco han ido abriéndose camino en la escena.

Han sido teloneros de Jenny and The Mexicats y fueron los responsables de dar inicio de la edición pasada del Machaca Fest (en Monterrey) en el escenario Budweiser. Sus canciones más populares son “Girl” y “Gold”, ambas sencillos de su segundo y reciente material discográfico llamado Jungle.

Por Mariana Velasco Directo desde Australia, CLOVES se dio a conocer en 2016 cuando “Don’t Forget About Me” apareció en el soundtrack de la película Me Before You. Sin duda una canción que movió los sentimientos de todo el que vio la cinta por su letra romántica y ritmo extremadamente melancólico. Pero más allá de todo eso, CLOVES posee una de las voces más interesantes de los últimos años, ya que con ell puede jugar de arriba para abajo para no sonar como la típica soprano, ya que tiene un toque grave y rugoso muy interesante. Sus principales influencias son Amy Winehouse y Fiona Apple; por lo que su música tiene toques de jazz y soul, pero también de pop y rock. Actualmente se encuentra terminando su álbum debut, y aunque aún no tiene fecha de lanzamiento, promete muchísimo. Escuchen “Wasted Time”.

por Dora Méndez / foto Brenda Arriaga

035

Foe Spektor es una banda de trash rock conformada por Arlo Spektor (guitarra y voz) Bruno Volk (bajo) Eric del Rey (guitarra y teclados) Juan Maldonado (batería). Todo comenzó al otro lado del ‘charco’, específicamente en Inglaterra con una idea de Josh mejor conocido como Arlo, quien decidió arriesgarlo todo para venir a México a concretar este proyecto y materializar lo que siempre quiso hacer en un país desconocido.

“En el año 2016 vine aquí y tenía unos amigos que me invitaron a tocar con ellos, salió muy bien y luego a conocí a Rodrigo, quien fue productor de nuestro primer disco, entre platicas surgió la idea de comenzar con la grabación de algunos demos. Luego tomé la decisión de dejarlo todo en Inglaterra para venir a México para ver qué pasaba.

este proyecto. «Josh vino a México sin tener un demo grabado y sólo a la expectativa de ver qué pasaba». El resultado que obtuvieron quedó muy apegado a la idea original de Arlo, pero los músicos confiesan que en vivo cada uno aporta las emociones necesarias para que la ejecución de las canciones vaya más allá.

“Creo que a mucha le gente le llama la atención que un inglés se haya venido a vivir a México y la razón es que el pueblo de Josh, es un lugar muy bonito pero muy tranquilo. Realmente no hay una escena para tocar”.

Tratar de tener una banda en México es arriesgado, pero hay cosas que se pueden hacer. A comparación de otros países, tenemos una escena en la que están sucediendo cosas muy interesantes.

Aunque ya están preparando nuevo disco, Arlo sigue a cargo de todo, pues respetan mucho este proyecto y su sueño es por hacer algo que deje huella. «La dinámica de la banda se basa en la visión de Josh, cada uno aporta al proceso creativo de forma diferente, para nosotros está muy padre ayudar a Josh a transmitir lo que él quiere».

La banda cuenta con un disco titulado Red Scare Revival, el cual pasó por varias etapas y creció junto a la idea de

No te puedes perder la oportunidad de conocer a Foe Spektor, pues te aseguramos que te dejarán una buena impresión. No dudes en ir a tu plataforma digital favorita y buscar sus canciones.

/por Arturo J. Flores

F

Su eño de u na noche de ga ra ge Sólo que ahora, convertido en adulto, uno que a veces escribe de música, de cuando en cuando me cuestiono: ¿existirán suficientes oídos para todas esas canciones que a diario se componen, se publican y se comparten?

Hace unas semanas cerró sus puertas El Imperial. El club que significó a los millennials lo que a los cuarentones y mayores, Rockotitlán, La Diabla o Rockstock.

Según las cuentas de sus creadores, Atto Atie y Jorge González, por su escenario desfilaron cerca de más de 2,000 grupos durante una década de existencia.

Todos ellos alguna vez fueron sueño de un garage.

Sonaron desafinados. Se les rompió una cuerda, se emborracharon y vomitaron de los nervios antes de subir al escenario. Quizá algún promotor descorazonado los obligó a vender boletos para poder subir al escenario de un antro de cumbias en alguna colonia perdida de la mano de Dios. Se lastimaron las vértebras cargando un amplificador, subiéndolo por unas escaleras con el riesgo de derrumbarse. Se hicieron pendejos a la hora de ayudar al baterista a recoger sus tambores.

Seguramente alguna vez tuvieron sus diferencias. Se mandaron al diablo y pasado un tiempo, se ofrecieron disculpas y volvieran a intentar que la realidad se parezca a los sueños compartidos en las mil y una noches de garage.

Espero que cuando pase aún queden orejas dispuestas a escuchar. Manos que no titubeen en abrir la cartera para pagar un cover. Bocas que tengan la bondad de cerrarse para poner atención a lo que sucede en el escenario. Ojos que prefieran mirar en vivo a los músicos y no a través de la pantalla de un celular.

Ojalá y ahora que no hay más Imperial se abran muchos templos para recibir a todas esas bandas que se quedaron desprotegidas.

Nuestro país goza de una salud envidiable en lo que nueva música se refiere.

Apenas ayer mi novia me presentó a una banda originaria del Estado de México que me sorprendió gratamente. Murphy and the Ashes produjo, grabó y difundió su música a través de una plataforma electrónica. Algo que Migraña nunca hubiéramos pensado en nuestros devaneos más volados. Entonces había que (mal) grabar un casete con ayuda de un micrófono que padecía una sobredosis de estática. Fotocopiar un dibujo hecho en la última página de un cuaderno para asestársela como portada. Rezarle a Satán para que alguna alma distraída cayera en la tocada.

Porque de eso se tratan los sueños de una noche de garage.

040

043

ui parte de una banda independiente de rock antes de saber lo que significaba la palabra independiente. Mi primo tocaba la guitarra. A uno de sus amigos le enseñó a acariciar las cuerdas del bajo. Otro aprendió a golpear con ritmo la batería, a costa de percutir con las manos cualquier superficie que le pusiera enfrente. Quedaba la vacante de vocalista.

Yo tenía una garganta y memoria para aprenderme las letras. Aquella criatura musical sin pies ni cabeza fue bautizado atinadamente como Migraña. Fue lo único que provocamos en los desdichados que tuvieron el infortunio de vernos en vivo. Éramos más una pandilla de soñadores que ejecutantes, por más que a excepción mía, los demás sí recurrieran el camino de la música. Mi primo es un guitarrista talentoso que se volvió historiador. El bajista hoy tatúa con gran pericia. Y el baterista se recibió de Ingeniero, aunque conserva la deslumbrante Tama que se compró con sus primeros sueldos, en casa de sus padres. Impoluta, aunque la toque muy poco. Una vez lo visité y admiré aquella batería de doble bombo con la admiración de quien se presenta por primera ocasión ante un monumento histórico. En nuestros primeros ensayos, los integrantes de Migraña fantaseábamos con hacer canciones, ofrecer conciertos para centenas de personas que se descalabrarían en apoteósicos ritos de slam a los pies del escenario, llevaríamos por el mundo un inflable descomunal de Satán, igual que Los Médula en uno de los episodios de los Simpson.

Me queda claro que ese mismo sueño continúa incubando en los pechos de millones de jóvenes. La pasión por hacer música y subirse a escenario a presentarla, no pasa de moda. Todos los días hay alguien que acaricia por primera vez el mástil de una guitarra y tiene la certeza de que no podrá separarse de ella por el resto de su vida.

Pocas veces puedes marcar en la historia de la música un precedente que va a marcar todo lo que le siga. El nü metal es un género vilipendiado por todos, incluso por las mismas bandas que siguen siendo del género. Korn desde el ´94 ya tenía su primer disco, pero fue hasta el ‘98 con Follow the Leader que realmente hizo olas.

Tenían el rango más amplio musicalmente del género y la época.

Comenzando por Chester que manejaba ese rango inexplicable en términos musicales, su rango era de emociones. Escuchar desde “With You” para pasar a “In the End” para entender de todo lo que era capaz. Y hablando de esta última, es el punto culminante de la banda y esa que le dio al género el reconocimiento mundial. Fue la canción líder del Top 10 de MTV por muchas semanas y también donde resalta el trabajo de Mike Shinoda.

Desde ese flow, hasta el trabajo de producción, con más capas de sonido, que le daba ese sonido más completo y complejo. Aquí también Joe Hahn brilla, pero no es el único lugar donde brilla, los dos últimos tracks “Cure for the Itch” y “Pushing Me Away” es donde lo dejan explayarse.

Pero los otros tres siempre se han quedado fuera de los reflectores, a pesar de siempre haber cumplido, han sido la base sobre la cual los otros pueden brillar. “A Place for my Head” es el lugar donde las cuerdas brillan y los tamborazos en “Forgotten”. Además esta banda marcó otra cosa: es un género con pocos cambios de integrantes, a diferencia de otros que parecen carrusel y ya parecen bandas tributo —alza la mano si pensaste Slayer—, hace aún más trágico el perder a Chester, a ese que se ganó a pulso ser la voz de una generación, un título que pocos tienen.

040

041

Después Limp Bizkit sacaba Significant Other en el ‘99 —otro que merece un punto y aparte, uno de los discos más polarizantes de la historia—. Pero el género gana legitimidad con Linkin Park y Hybrid Theory en el 2000.

Terminaba una era y comenzaba otra de la mano de los californianos.

/por Jay Ros

042

039

Parece lejano pensar que hace varias décadas sólo se consideraba música aquella hecha con instrumentos análogos. “Mis padres, mis abuelos y mis amigos me decían que aquello era música hecha con máquinas y que, por tanto, no era música de verdad”, recuerda el DJ y productor Andrew Weatherall, en el libro Loops, Una Historia de la Música Electrónica del periodista Javier Blánquez, al mencionar canciones como “Love to Love You Baby” de Giorgo Moroder y Donna Summer.

La actualidad no difiere tanto. A muchos artistas electrónicos les parecería una locura escuchar que una máquina es mejor DJ que un ser humano; sin embargo, no parecen darse cuenta, o aceptar, que los algoritmos y la inteligencia artificial están evolucionando a pasos más grandes que la humanidad. Entre esas actividades se encuentra una relativamente “sencilla”: el disc jockey.

Un DJ tiene como función leer al público, observar cómo éste va adaptándose a los ritmos que emanan de los enormes sistemas de sonido instalados en clubes y festivales de todo el mundo. Conocer infinidad de música a la cual casi nadie tiene acceso, saber en qué momento de la noche reproducirla, cómo aumentar o bajar la intensidad de la música al pasar de las horas. Para lograr esto, analiza los BPM de la canción, el estilo, el género y hasta la energía de la misma; así idea qué canción sonará perfecta después de la que se está reproduciendo.

Si llevas varios años usando aplicaciones como Spotify o Apple Music, habrás notado que ambas realizan exactamente las funciones antes detalladas, principalmente la herramienta “Ir a Radio de la Canción” o la playlist “Discover Weekly”.

Ya en el pasado, artistas como Kraftwerk nos mostraron que el público no requiere de un ser humano en el escenario para pagar un boleto.

Cuando Kraftwerk comenzó a tener suficiente fama, sus presentaciones se realizaban con robots frente al público que simbolizaban a cada uno de los miembros de la banda.

Es un hecho, la profesión del DJ tiene los años contados. Excelente, ya era hora de que un trabajo que se ha vuelto tan excesivamente repetitivo tuviera las primeras visiones de su final. La mejor parte es que está obligando a las personas a desarrollar su creatividad. Artistas como deadmau5, Hernan Cattaneo, BT, Sasha, Bonobo, entre otros, han convertido la música que produjeron por años en espectáculos sinfónicos, probando que un DJ no es sólo un sujeto que pone play a la música de otros artistas. También, son cada vez más los artistas, como Rodríguez Jr, Kiasmos, Girorgia Angiuli o Richie Hawtin, que han dejado atrás el uso de CD y vinilos para presentarse con sintetizadores, cajas de ritmos y muchos otros instrumentos en vivo, sin perder por ello la función de un DJ: tocar música toda la noche.

Pero, ¿cuál es el futuro de los DJ que apenas van iniciando? Ya no es suficiente ser DJ y producir tu propia música. El caso de Henry Saiz o Mondragón, que recurren al crowdfunding para concretar sus proyectos puede responder nuestra pregunta. El futuro pinta interesante: tendremos más artistas innovando y creando nuevas texturas musicales, o más robots con algoritmos aún más complejos.

KANYE WEST | YE

Por Carlos Valle

GORILLAZ | THE NOW NOW

Definir la carrera de Nine Inch Nails es complicado y lo es más cuando Trent Reznor es uno de esos artistas que no se casa con nada, ni con su banda —How to Destroy Angels no cuenta—. Probablemente aquí tenga que ver la incursión de Reznor en la producción musical.

Este disco -Bad Witch- es inusualmente corto, pero sustancioso. Se siente diferente a los demás trabajos de la banda. Es algo en el cinismo de Trent que nos da esa familiaridad con el resto del catálogo. Por que tiene una transición de ese comienzo brutal y pesado, industrial pesado hasta terminar casi en ambient. Algo de drone, tétrico y sombrío. Es todo un cambio lo que hay, si se escuchan por separado “Shit Mirror” y “Over and Out” se sienten de discos diferentes, casi hasta bandas diferentes.

Después de llevar la cuenta en 32 halos, más los incontables trabajos que no caen en esta cuenta, habla de un talento diferente seguir produciendo esta clase de resultados.

Pocos se pueden congraciarse con la crítica y éxito por más de tres décadas.

Parece que Damon Albarn tenía algo que probar, raro con el curriculum que tiene. Tal vez él mismo ya es de los que piensan que su legado con Gorillaz es más importante que su legado con Blur. Porque Humanz tuvo un pecado enorme: era aburrido. No siempre mucha producción es el mejor resultado.

Ahora no es que regrese a sus raíces: nunca han tenido un sonido simple, pero le quitó bastantes capas a The Now Now para hacerlo sonar optimista, dejando ese halo sombrío que traían últimamente.

Desde los créditos que no aparecen tantos como en otras ocasiones, una vez más con Damon como la única figura que mueve la construcción melódica. Esto logra uno de los mejores discos del proyecto.

La cereza del pastel como siempre es la historia, donde los videos, las redes sociales y el disco nos dicen que Murdoc está en la cárcel de manera injusta. Para encontrar su reemplazo vemos a Ace de la Banda Gangrena de las Chicas Superpoderosas.

Casi nada. La simplicidad siempre trae consigo lo esencial y The Now Now lo demuestra.

Por Carlos Valle

Por Carlos Valle

044

Kanye Loves Kanye. Kanye West y su genialidad es directamente proporcional a lo asno que es. Cada disco que saca es prueba de ello; como Ye, uno de los discos más personales que se pueden hacer. Sobre todo en estos tiempos que la salud mental por fin está recibiendo la atención que requería.

Aunque esa bipolaridad sea autodiagnosticada, no deja de ser un reflejo de la vida de Kanye, una muy complicada (aunque casi todo lo haya provocado él). Por eso se siente tan diferente del Relapse de Eminem por ejemplo, con demonios más comunes para el escucha. También es un cambio en sonido, mucho más orgánico, a falta de una mejor palabra. Para cualquier otro productor no se entendería, pero simple no describe ese cambio en sonido de este álbum.

Hasta tiene un flow más sereno, a veces hasta raya en el spoken word, sobre todo en los tracks más personales, muy diferente al Yeezus. Aunque si tenemos algo inobjetable y que todo mundo debería apreciar: le presentó 070 Shake al mundo. Ese ojo de Kanye sigue siendo innegable.

NINE INCH NAILS | BAD WITCH

ZOÉ | AZTLÁN

Por Martín Vargas

045

Zoé es de esas bandas que sobrevivió a la década del nuevo milenio y definieron gran parte de un movimiento musical en México. Todo aquel que quisiera llamarse seguidor del indie, tendría que escuchar a esta banda; sin embargo este sonido no ha abandonado la misma fórmula.

Lo astral pasó por ser lo ancestral. Algo que quizá le sale mejor conceptualmente a Porter (aún sin Juan Son). Ahora Aztlán procura mantener en el mapa a Zoé pero sin lograr mayores aportaciones; es un mensaje que ya hemos escuchado. Tanto es así que León Laguerri como solista logró consolidar éxitos antes que volver con una marca superable al Memo Rex Commander.

Incluso digo sin temor a equivocarme que “Azul”, el tema más afamado del nuevo álbum, tuvo reconocimiento por sonar más a un tema del cantante antes que uno como banda.

“Temor y temblor” apuesta por unos sintetizadores clásicos de Zoé, pero la calidad lírica deja que desear. “No hay mal que no dure” es otro ejemplo de ello. ¿Hacia dónde se dirige Zoé?

BEACH HOUSE |7

Por Diego Venegas

El 7 de Beach House es la experiencia profunda, la espiritualidad, el estado del sueño donde uno está más en paz, más allá de la tristeza y la nostalgia.

El séptimo disco de Beach House, es la constatación de uno de los sonidos consolidados y consistentes de la actualidad.

Victoria Legrand y Alex Scally demuestran que cuando se encuentra la fórmula del culto y el éxito no hay nada que demostrar y por tanto nada que reinventar.

Así 7 es un disco más en la carrera del dúo con la calidad distintiva. Muchas dosis de melancolía cubiertas en suaves capas sintetizadas; atmósferas matizadas de rica tristeza; y, sobre todo, un excelente uso de frenos donde cualquier otra banda metería el acelerador.

El resultado son 11 canciones magnéticas y 47 minutos del más exquisito dream pop que envuelve al oyente en una delicada y etérea experiencia personal.

FLORENCE + THE MACHINE | HIGH AS HOPE Por Benjamín Díaz

Armonía, una voz titánica, desnuda y sobre todo muy color beige. Florence + the Machine regresa después de presentar hace varios años How Big, How Blue, How Beautiful, y esta vez lo hace con un nuevo LP que salió hace unas pocas semanas llamado High As Hope.

Aún existen los himnos para sacudir los vientos, pero con menos frecuencia se ciñen pero se transmiten de forma conversacional. Un par de canciones intentan ser baladas de piano antes de que los grandes coros gospel se salgan de los arreglos. La voz de Welch suena como si la destrucción cósmica estuviera en marcha debida, respectivamente, a una resaca o un enamoramiento que cambiaba ligeramente sus pies. La suya es una voz masivamente influyente.

Más orgánico y natural, esto es una Florence más desnuda. Libre de demasiadas campanas, silbidos y un sentido artificial de la escala, ella es libre de ser ella misma más que nunca. Desnuda hasta los huesos de su alma y del sentimiento, su verdad brilla, y hay una gran belleza en eso.