Revista Kuadro No. 31

REVISTA KUADRO NO. 31 “Fans: el CEO del éxito” JULIO-AGOSTO 2019

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Ir a un concierto, enfiestar y cantar a todo pulmón con tus bros, comprar merch, discos, quedarse sin transporte de regreso a casa y vagar en la ciudad sin dinero; son algunas de las locuras básicas que todos los que nos consideremos fan de alguna banda o artista, hemos hecho. Los más pros se van al aeropuerto a esperarlos, acampan días antes del evento y los nivel leyenda, hasta orden de restricción tienen.

Fuera de estos clichés hollywoodenses o básicos, la verdad es que este personaje a veces puede ser incómodo para los ídolos del escenario, o personal de seguridad, productores, disqueras y demás, sin embargo es el elemento principal de esto llamado: industria musical.

Son ellos quienes definen, dictan y mandan. Hoy en día, con el poder de las redes sociales y una industria cambiante, su sentir y voz tiene mayor alcance y poder, por lo que siempre resulta importante estar atentos a ellos; así que esta edición que llega a sus manos -o dispositivos-, está dedicada a ellos -ustedes- y lo hemos denominado como: “Fan Destacado: el CEO del éxito”.

Dentro de nuestra páginas los llevaremos por un camino detallado sobre todo el peso, aporte e importancia que tienen los fans dentro de este ‘gremio’ y el por qué se han convertido en el agente de cambio de la industria.

Nuestra plumas finas y selectas los van a consentir, ustedes déjense llevar.

Sería imposible no compartirles nuestra emoción de tener en portada a Two Door Cinema Club, el trío irlandés que se encuentra irradiando felicidad por la salida de su cuarto álbum (False Alarm) y del cual nos contaron todos los detalles, así como el momento en el que parecía estar tambaleante la continuidad del proyecto. Una charla que es todo un hit y aseguramos amarán.

En esta edición 31, podrán leer entrevistas con los chicos de FIDLAR, The Drums así como con Belafonte Sensacional, Esteman, Cuco y más proyectos que seguro están sonando en sus playlist.

Nuestras secciones de casa los esperan con más propuestas, reviews de discos, un recuento por lo acontecido en la agenda de los últimos meses y nuestras plumas invitadas que le dan ese aderezo especial.

Misión cumplida una vez más, el crédito entero es de todo el equipo que conforma este proyecto: redacción, fotógrafos, arte, prensa, editores, RP’s. Gracias a todos los que siempre nos dan una mano, a los que continúan arriesgándose con nosotros y a ustedes, que llevan ocho años leyéndonos y apoyándonos. ¡Disfruten de #TDCCEnRK!

Javier Jarquín

REDACCIÓN DIRECCIÓN GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN EDITORES WEB MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ ALDO FRANCO DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS DIRECCIÓN DE ARTE IVANA CASTRO DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RELACIONES PÚBLICAS CARLOS SAÍN

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FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ALEJANDRO SERVÍN QIQE ÁVILA CARLOS SAÍN RODRIGO DÍAZ CHRISTOPHER GONZÁLEZ

DISEÑO THE JAVISCEFFECT ROBERT “ZEPOL” ADONIS ESPINOSA

DOSSIER

E N T R E V I STA S

Cuco Posee La Sensibilidad De Entender Dos Formas De Ver El Mundo por Ma. José Sánchez / fotos cortesía

Omar Banos, mejor conocido como Cuco, es parte de ese dawinismo social.

Hijo de padres mexicanos, se ha formado entre el american way of life y la tradición familiar. Esta particularidad es la que ha dotado al joven músico de una sensibilidad que solo un chicano puede tener y es entender dos formas de ver el mundo al mismo tiempo.

Tras varios EP’s y una vasta lista de colaboraciones en las que destacan Clairo, Dillon Francis y Girl Ultra, Cuco está listo para lanzar su primer álbum Para mí.

“Pues ya llevo mucho tiempo trabajando en él y lo he hecho bien, yo nunca he trabajado con una disquera, pero por suerte han sido muy buena gente, son como familia y me han ayudado a perfeccionar el proyecto.”

Desde el año pasado sonaron varias de sus canciones, entre ellas “Hydrocodone”, un sencillo que se acompañó con un video dedicado a la memoria del pasado y el futuro. En él, se pueden observar imágenes que hacen referencia al accidente de auto que sufrió, a la mexicanidad incrustada en la memoria genética, la muerte y los perritos callejeros que acompañan cualquier escena del México surreal.

“Mucho tiene que ver nuestra directora, Jazmín, ella fue con nosotros ahí a la ciudad y todo lo que hubo alrededor. Yo siento que es algo muy atípico, captura más allá de lo evidente, logró filmar y ejecutar muy bien incluso aspectos que no conocía. La pasé muy bien.”

Dentro de los pequeños guiños en el video de “Hydrocodone” hay un retrato de Alexandria Ocasio-Cortez, una activista, congresista y pieza fundamental en la lucha contra el racismo y el cambio climático en EEUU. Un gran ejemplo de que los chicanos dejaron de ser lo que eran hace 20 años y cómo se han involucrado más en mejorar la vida pública y política en EEUU.

-“CREO QUE ES IMPORTANTE REPRESENTAR, REPRESENTAR LO QUE SOY, LO QUE SOMOS”-

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Ser chicano no es nada fácil, imaginen nacer con una herencia cultural tan enorme como la mexicana y al mismo tiempo desenvolverte en la multiculturalidad que implica vivir en EEUU. No es sencillo que ambas partes convivan en armonía, sin embargo los miles de mexicanos que migraron por la búsqueda del “sueño americano”, lo han logrado y como designio darwiniano, se han adaptado.

“Oye cariño, solo pienso en ti, when I wake up in the morning until I go back to sleep”. Mezclar el español con el inglés es la forma más natural en la que Cuco pude expresarse y justo esta mezcla es lo que ha caracterizado su música: la fluidez, no solo de idioma, sino de ritmos, sentimientos y memorias que evocan.

No obstante, ser chicano no solo implica mezcla y crecimiento cultural, no. También implica vicios heredados,

entre ellos el machismo. Al escribir sus canciones, Cuco habla de sentimientos, de amor, de it’s ok to cry. De una forma implícita, rompe con el paradigma de la masculinidad tóxica y machista que acompaña la mexicanidad que heredó.

“Pues yo creo que para mí romper con ello fue algo más natural. Estoy contra todo tipo de machismo, afortunadamente yo encontré una forma de expresarme y esa fue la música en la cual pude encontrarme a mí mismo.

Igual fui a terapia y todo eso pero antes todo lo sacaba con la música.”

Con apenas 21 años, este joven multi instrumentista y productor, logró sacar adelante su bedroom project al mundo, sin embargo toda travesía de vida implica una lección aprendida que nos hace crecer, repensar o continuar el rumbo, al respecto Cuco menciona.

“Más que nada aprendí a enfocarme a mí mismo y cómo cuidarme a mí mismo.

Nunca me había puesto atención, ahora veo cómo me puedo cuidar a mí. He tomado mucha responsabilidad sobre mí, he ido a terapia al gimnasio y todo eso. Yo soy de esas personas toma rápidamente malos hábitos, soy una persona que experimenta mucho pero ya debo aprender a relajarme y cuidarme más.”

Por último, Cuco nos dejó algunas ideas que rondan en su cabeza cuando escucha estas palabras en español, “Del español me gusta, que me puedo comunicar, incluso tiene una parte muy romántica, creo que una de mis palabras favoritas es cariño”, señala.

Familia: importante Chicano: yo Resistencia: mi generación Amor: difícil de encontrar Tristeza: fácil de encontrar entrevista internacional

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“Ser chicano se ha hecho más fácil con los años, porque somos más aceptados pero igual vivimos una situación muy racista, sin embargo se trabaja duro sobre eso. Y aunque no esté en el tema político, creo que es importante representar, representar lo que soy, lo que somos. Y es muy bonito ver cómo todos nos apoyamos y ver el impacto que podemos crear, más que nada en los jóvenes que venimos de las mismas raíces y poder crear algo en lo que quepamos todos.”

“La Negación De Etiquetas Y Esa Búsqueda De Identidad Puede Encontrarse En Una Palabra Que Es NEL”

por Ma. José Sánchez / fotos cortesía

“Lo más satisfactorio es que gracias a las personas que han estado dentro del grupo y se han ido, es que hemos aprendido de ellos…o de elles. Retratan una etapa creativa de todos nosotros.

Cada persona que ha estado aquí nos ha dejado una forma de ver la música y es parte de nuestro crecimiento. Se acaban de integrar dos músicos más que es Carlos Bergen y Pablo, de ellos estamos aprendiendo y también ellos están dejándose contagiar de lo que nosotros traemos ya como grupo. Eso es crecimiento, evolución, madurar.

No somos un grupo que está estático,

somos un grupo que está siempre buscando, no solo sonidos, sino nuevas exploraciones. A veces es doloroso pero también satisfactorio.” menciona Israel, vía telefónica.

trabajamos para ella, qué le hace falta, que le quitamos, que le sobra, cómo le resonamos, sabiendo eso se eliminan egos, es como un trabajo muy humilde de todos para que esa canción suceda.”

“La música es de quien la trabaja”, diría Zapata si es que fuera músico. Bajo este lema que me acabo de inventar, el trabajo colectivo y creativo en Belafonte Sensacional funciona en aras de la música por la música y para la música.

Así es que se ha logrado unificar y direccionar todo lo que vive en los diferentes imaginarios de la banda hacia nuevos horizontes y resultados.

Este año, Belafonte estrenó Soy Piedra, un discote al que le llovieron buenas críticas desde los primeros días. En este material escuchamos un sonido pulido, maduro, unificado y honesto en cuanto a concepto y creación.

“Lo que siempre hemos dicho en el grupo es que nosotros trabajamos por la canción o para la canción no trabajamos para o por alguien de nosotros. No estamos pensando en “aquí tiene que lucir el mejor bajo” o aquí tiene que ser una guitarra súper virtuosa o aquí yo soy el importante, sino todo lo contrario. Aquí el jefe es la canción

-“SER PIEDRA, ES TRANSFORMACIÓN, SER PIEDRA ES RESISTIR Y TAMBIÉN ES OBSESIÓN”-

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Por allá de 2009, Israel Ramírez comenzó con este proyecto que, como el Belafonte de Steve Zissou, se lanzó al mar con una tripulación reclutada para cumplir una misión: hacer música.

Durante una década este Belafonte se ha mantenido a flote y ha escrito su nombre en la historia musical mexicana con Gazapo, Le Petit Riot y su más reciente material Soy Piedra.

La herencia de los rupestres y de la onda está presente en todas sus letras, un ejemplo claro es “Epic Aris”, un gran homenaje a Pasto Verde de Parménides

García Saldaña. Sin embargo, no solo heredó las ideas y las formas sino la resistencia y el sentido de comunidad que los ha mantenido presentes en aquel imaginario abstracto que la prensa llama: “la escena”. “¿Somos resistencia? Claro, porque ya dijimos que somos piedra y dentro de los significados de la palabra piedra también está la resistencia. Lo somos porque no nos podemos desligar de una ideología, de una ética creativa, una estética. Sobre todo ahorita, si tuviera que decir qué somos en este momento histórico, somos NEL. En la CDMX están sucediendo cosas que tienen que ver con una negación de clases. Es lo que te decía, realmente no soy rupestre, no soy infrarrealista, ni soy beatnik. Esa negación de clase, esa negación de etiquetas y esa búsqueda de identidad puede encontrarse en una palabra que es NEL y que no solo habla de Belafonte, sino de otros grupos como Teresa Cienfuegos y las Cobras, por ejemplo.”

Belafonte, debería ser considerada la banda favorita por excelencia de los chilangos –y los que no, también- ya que han construido un imaginario donde cabe la crudeza, la camaradería, el existencialismo y el amor que nacen de los sonidos citadinos en los que conviven con naturalidad las notas de John Coltrane, “La cumbia de Satanás” o una rola de Polo Pepo. Así que mientras los Belafonte sigan en piedra, acá seguiremos siendo #NEL.

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“Cada disco, cada canción es el resultado de una obsesión mía por algo. Llevo años obsesionado con la palabra piedra, por todo lo que significa, acarrea muchísimas cosas, tanto en el imaginario colectivo como en el lado cultural, religioso, poético. La palabra piedra se me hace muy hermosa, y justo trataba de ver qué tenían en común estas canciones que estábamos haciendo, yo me preguntaba ¿Qué tienen en común? Y de repente me di cuenta de que tenían en común una palabra clave: transformación, entonces me puse a pensar en algo que pudiera expresar eso, una palabra que pudiera expresar eso y de repente uní cabos así de: “¡Aaah, pus claro! Mi obsesión con la piedra” y la piedra también es transformación, es movimiento, ahí fue cuando cuajó todo, cobró sentido.”

Estar En Una Banda Con Alguien Que Conoces Desde Hace Muchísimos Años No Significa Que Va A Ser Lo Ideal

por Mariana Velasco / fotos cortesía Nicholas Moore

que desde ese álbum ya era la única mente detrás de la música de The Drums.

Pero, el estar en una banda con alguien que conoces desde hace muchísimos años no significa que va a ser lo ideal o que siempre se entenderán y estarán de acuerdo en lo que quieren hacer. Poco a poco los integrantes fueron dejando la alineación hasta dejar a Jonathan solo poco antes de la salida de su cuarto LP Abysmal Thoughts (2017), y él decidió seguir con el proyecto a su entera manera. Y de cualquier forma, él declaró

Brutalism, su quinta producción, es lo que Pierce siempre quiso hacer: 100% pop, que también es lo más honesto y personal que ha hecho, luego de pasar por cosas como el divorcio, depresión y hasta el hartazgo de sí mismo. Sin embargo, esta vez ya no quiso hacerlo solo, pues decidió reunir personas de su confianza para que lo ayudaran en el proceso de grabación: “Trabajé con amigos diferentes en varios lugares.

“Abysmal Thoughts fue el primer paso para probarme ante todos porque lo hice con muy poca ayuda, quería que los fans de la banda vieran realmente que fue mi idea todo el concepto de The Drums desde el inicio. Ahora es un poco patético pensarlo así, pero sin duda aprendí mucho de ese proceso y me ayudó a sanar, pues pasar tanto tiempo solo te obliga a analizarte y a enfrentar dificultades internas”.

Nunca había sido tan colaborativo en toda mi vida, me sentí exótico, nuevo y menos pesado. Por fin usé ingenieros profesionales e hice demos, esos fueron los cambios más grandes. Por lo general me cuesta mucho trabajo escribir canciones porque no tuve preparación musical formal, pero la gente con la que trabajé me ayudó a materializar todo lo que había en mi cabeza, a darle la textura adecuada y hacerlo sonar profesional.”

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The Drums nació como una banda supuestamente pop desde su formación en 2008 y, con cinco álbumes de estudio a la fecha, son de los más exitosos dentro del surf rock y pop.

Jonathan Pierce y Jacob Graham se conocieron desde que eran niños y crecieron juntos con un enorme interés en la música que los hizo formar su primera banda The Goat Explosion y posteriormente otras agrupaciones, pero el camino los llevó finalmente a The Drums, donde más tarde incluyeron a Adam Kessler y Connor Hanwick.

“Ya no me obsesioné con el control esta vez. Quiero mantenerme joven por siempre (risas), y para hacer eso tuve que ser curioso y abierto, y por esa razón el álbum es tan dinámico y vívido.

Es experimental, pero enfocado.”

Antes del cuarto LP, Pierce no se sentía en total libertad de escribir sobre sus sentimientos o ciertos temas. Brutalism fue la oportunidad perfecta para hablar de las cosas por las que estaba pasando en ese preciso instante, como un rompimiento amoroso: “Fue difícil, tuve que dejar a alguien que representaba mucho para mí y en quien invertí demasiado. Esta persona era hermosa, pero escondía un lado muy oscuro. Dejé a alguien que era tóxico, pero no al cien,

es muy doloroso decir adiós a quien tiene más belleza que otra cosa.” Y de hecho, en la portada vemos a Jonny oliendo la camisa de un amante del pasado que nos dijo extrañaba mucho: “Refleja al álbum en sí: fuerte, sensible, lleno de pasión y deseo pero también solitario.”

Si haces un álbum tan personal, tan sentimental, no sólo es un gozo cantarlo en vivo, sino ver a los fans disfrutándolo.

Pierce asegura que no podría estar más feliz de ver que todo lo que puso en ese trabajo está siendo reconocido por la gente y que es hermoso verlos cantar las letras mientras una que otra lágrima resbala por sus rostros.

No sabemos exactamente qué opinarán los fieles seguidores de The Drums desde que ya solo queda Jonathan en la banda. Seguramente sufrieron con la salida de cada integrante en su tiempo, como cualquier fan normal, pues el cambio da miedo, y no hay ningún

ser humano que no le aterre si quiera un poco el cambio, aunque tal vez la excepción sea el mismo Jonny. Jamás tuvo miedo de seguir sus ideales, ni de hablar de todo lo que le provoca tristeza y dolor, sino que es la muestra de que los ciclos nuevos pueden ser grandiosos. ¿Alguna vez considerarías integrar a alguien más a la banda?

“Ya sabes, nunca digas nunca, pero me gustan las cosas como son ahora. Se siente genial hacer exactamente lo que quiero.”

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Este álbum continuó donde Abysmal Thoughts terminó. Jonny comenzó a ir a terapia, a enfrentar sus propios demonios y también a hacer lo que quería, algo mucho más pop y menos “indie shmindie”, como él lo describe.

La Ciudad De México, Una Meca Cultural, Pero También Un Lugar Para Amar En Libertad

Dentro de su gusto por los medios audiovisuales y el performance fue que creó a Esteman, un personaje. Este nombre quiere decir algo así como “este wey”, por lo tanto, hay muchos “manes” dentro de él.

Asimismo, también él es una mezcla de artes y manifestaciones creativas de diferentes géneros y personalidades. Romántico, sarcástico y melancólico, hasta que se convirtió en su proyecto de vida.

“Hoy en día podría decir que ese alter ego llamado Esteman que antes era una excusa para pararme a cantar en los escenarios cada vez está más relacionado con Esteban”.

Lo que a Esteman le impulsa hacer música es el gusto por expresarse, fluir y liberarse. Recuerda con amor cuando de pequeño se paraba a cantar frente al espejo y se disfrazaba para dar vida a diferentes personajes. Él nunca fue el niño al que le gustaba jugar a la guerra, con carros o hacer lo que otros hacían. Vivía en su mundo creativo y particular: “todo viene desde ahí. Ese impulso por decir cosas a través de este medio que luego se convirtió para mí en una herramienta y un arma para poder dejar mensajes”, afirma Esteman.

Sobre Amor Libre “Creo que este disco es lo que he venido escribiendo desde siempre silenciosamente hasta que, por fin se dio.

Es tal vez el álbum en el que muestro quién es Esteban más allá de Esteman, un disco muy personal, pero al final es un álbum de amor para todo el mundo… habla de amarse desde lo propio para luego amar a quien sea. Creo que es importante dejarlo claro para nuevas generaciones”.

Amor Libre es descrito como un desamor bailable por los ritmos caribeños. Un disco que incitan al baile.

“Las letras hablan del caos en el amor y cosas que no se dan: la realidad que vivimos muchos y yo, como hombre gay, muestro cómo mi realidad es la misma para cualquier persona.”

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Esteman es un alter ego que Esteban Mateus Williamson creó. Desde la infancia hace música y teatro musical, mezcla de diferentes manifestaciones artísticas como el teatro, el baile y el canto. También escribe canciones, aunque no es un músico de academia tradicional, sino todo lo contrario; estudió arte en la Universidad de los Ángeles en Colombia.

por Mariana Hernández / fotos Alejandro Servín

Esteman le ha dado a Esteban muchas experiencias increíbles y sobre todo tomar riesgos en la vida, no seguir una vida convencional y romper esquemas.

Conectarse con la gente a través de un arte tan increíble como lo es la música.

Para el músico, la escena mexicana es increíble y está en constante crecimiento por artistas mexicanos y extranjeros. “Para mí, desde que empecé a hacer música,

grandes artistas e influencias mías son mexicanos. Siempre vi en ellos algo que llamó mi atención: cómo escriben canciones o la conexión con el público”, señala.

RK: ¿Cómo percibes al público mexicano? ”Creo que es el público mexicano el que me llevó a escribir este disco (Amor Libre), entender qué era eso que me gustaba tanto de lo que soy como artista y persona.

Uno a veces encuentra en otros lugares algo que lo pueda a uno hacer despertar y eso me pasó en México.

El show que tuvimos en El Plaza, lo describo como el mejor. No por el sold out, sino por ese momento en que estaba viviendo en mi carrera con los artistas que invité, con la energía del lugar. Nada podía salir mal. ”Siento que la capital de México es la capital cultural de Latinoamérica. Siento que es una especie de New York en Latinoamérica. Reúne a gente de todas partes, es muy grande, una gran metrópolis.

”Hay un movimiento cultural impresionante, a mí me gusta eso. Me gustan las ciudades grandes, me gusta el caos, los lugares donde hay diversidad. Un caos hermoso, una ‘caótica belleza’. Esa parte me encanta.

Bogotá es así también pero pequeño; son ciudades que no puedes descifrar tan rápido. Cada vez encuentras algo nuevo”.

En un futuro no tan lejano, Esteman desea hacer escenarios más grandes, con un público que cada vez más entre a ser parte de su familia. También quiere convertirse en padre pero dentro de algunos años, quiere construir una familia y romper la idea de que un hombre gay no lo puede hacer.

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RK: ¿Cómo ama libremente Esteban?

“Creo que sigo aprendiendo. Hoy en día estoy amando libremente a alguien, estoy con alguien feliz aquí en México. Mucho de este proceso se dio gracias a venirme a vivir para acá. Esto me dio la posibilidad de salir de mi zona de confort en Colombia, mirarme desde lejos, no perder mi esencia como colombiano. Llegar aquí y darme cuenta que eso es lo que tenía que hacer, todo eso se resume en este proceso que he vivido; cambiar de casa, tener una nueva forma de vivir. Eso tiene que ver mucho con cómo amo libremente. Ahorita estoy enamorado”.

Cada Uno De Sus Discos Tiene Una Marca Muy Personal Porque No Está Buscando Hacer Algo Diferente Sino Especial

Para adentrarnos un poco más, empezaremos desde el nombre, This is How You Smile, nació el año pasado, cuando Roberto pulía y terminaba el disco, y una de sus amigas, que es escritora, lo invitó a tocar en el MoMA para amenizar un evento de poetas y escritores, donde tuvo la oportunidad de escuchar a una escritora que leyó un poema llamado “Girl”, que es una lista de indicaciones que una madre hace a su hija para

vivir, e incluso existir, como mujer negra en la sociedad. Cuando Lange la escuchó por primera vez, le afectó de distintas maneras, una de ellas fue saber que la mujer había migrado de Antigua a Estados Unidos, y aunque no pudo terminar de entender todo lo que nos sucede como mujeres, seguía escuchando atentamente para intentar captarlo.

Este tema le encantó, y se dio cuenta que fue un hilo conductor para acomodar y arreglar sus canciones, y le ayudó a entender qué es lo que quería decir en cada una de ellas.

Fue ahí cuando ella mencionó algo muy importante como parte de la lista: “This is how you smile at people you like, and this is how you smile at people you don’t like”. Esa simple oración se le quedó fuertemente marcada al músico, y es que, tal como nos menciona él, “la sonrisa es algo bien sutil que se puede usar como mecanismo de defensa o como algo que compartes con alguien a quien amas o te gusta; tiene el poder de decir muchísimas cosas y aun así pensamos que si alguien sonríe, es simplemente porque está feliz”.

-“LA SONRISA TIENE EL PODER DE DECIR MUCHÍSIMAS COSAS Y AUN ASÍ PENSAMOS QUE SI ALGUIEN SONRÍE, ES SIMPLEMENTE PORQUE ESTÁ FELIZ”-

La portada del disco, por otro lado, es una vieja foto del baúl de los recuerdos, en la que sale Roberto con su hermano

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Con un nuevo álbum bajo el brazo, una sonrisa en el rostro y una energía más que increíble, Roberto Carlos Lange, mejor conocido con Helado Negro, regresa a los escenarios de México para acercarnos This is How You Smile, su sexto y más reciente disco, que no sabíamos que nos hacía falta hasta que llegó a nuestras vidas. Es difícil explicar la sensación que te deja este proyecto después de escucharlo una, dos o varias veces, y tal vez para explicarlo mejor, se debe de tener más contexto.

por Brenda Valderrábano / fotos Alejandro Servín

La estética del álbum incluye recuerdos de la rutina durante la concepción del mismo. Todos los días se levantaba a las siete de la mañana, junto con su pareja, para ir a caminar una hora por el parque antes de dirigirse al estudio. Ahí tenía la oportunidad de grabar distintos sonidos con su celular, para después juntarlos como piezas de un collage y utilizarlos dentro de su música: “Es parte de un proceso, no sé cómo los integro a la música, pero me gusta saber que están ahí aunque no se escuchan; me gusta, y es algo para mí, son pequeños secretos”.

Cada uno de sus discos tiene una marca muy personal y llevan una línea similar

porque no está buscando hacer algo diferente en cada uno, sólo hacerlos especiales pero que la gente lo escuche y sepa que es Helado Negro. Cuando graba o escribe sus canciones, muchas veces ni él mismo sabe qué dice, y eso le gusta, ya que después de uno o dos años puede escuchar nuevamente su trabajo y descubre exactamente lo que quería decir y todo el sentido de la canción cambia.

Al haber nacido en Estados Unidos, y venir de padres inmigrantes, gran parte de su música está afectada por esto, e incluso lo podemos ver en varias de sus canciones donde, sin problemas, pasa del inglés al español. Roberto considera que de no tener estos antecedentes, muy probablemente no estaría haciendo música.

“Creo que siempre me ha gustado la música y quería hacer algo creativo.

Cuando era pequeño, hacía grabaciones en mi casa con dos casettes y así fue

hasta que más grande empecé a estudiar cosas como instalación de sonido y arte experimental con sonidos. Ahí vi la conexión de lo que me gustaba hacer y lo que hacía la gente en un plano más académico. Yo no estudié música tradicionalmente, pero tenía algo, nací con las ideas para hacer música, sólo busqué el formato para hacerlo.”

Helado Negro se ha ido formando con los años, por sus vivencias, las personas que conoce y los sonidos que ha escuchado, y eso hace que cada disco que saca sea una experiencia única tanto para él, como para nosotros, y por eso también le gusta viajar y dar conciertos y sonreír con emoción, calma y felicidad.

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en alguno de sus cumpleaños, y aunque podría parecer nostálgica, no es así. Él piensa la música con otro vocabulario de la misma forma que ve esta foto, en la que ve los colores y la sensación al recordar la experiencia de ese momento, el estar con vida, con el sol afuera y el aire acondicionado adentro.

En 2020 Un Posible Tour De Aniversario Del Álbum

Indigo, su más reciente material discográfico, resulta un trabajo con fuertes influencias de los años 80. Trata muchos temas de la vida personal de Jack, quien regresó a México a presentarlo en su primer show en solitario (que por cierto fue sold out), luego de un exitoso Corona Capital en 2015.

Hacer Gemini fue un verdadero reto para él, pues fue la primera vez que hizo un disco totalmente por su cuenta y trabajó en la mezcla final; todo mientras aún estaba en la universidad. A pesar de que toca la guitarra, bajo, teclados y hace la programación de batería, siempre prefirió confiarle los instrumentos de los que nunca ha tenido mucha idea a otros músicos experimentados.

“Hay ciertas cosas que no puedo tocar.

Un día intenté tocar el saxofón y sonó como a un animal muriendo”.

“Pasar de hacer música en mi laptop a un estudio de verdad cambió mi manera de hacer discos, más no mi proceso creativo. La única diferencia es que ahora hay más presupuesto, pero sigo haciendo mis demos como siempre: los termino en mi casa y luego hacemos la instrumentación. El estudio me hizo mejorar la manera de hacer ciertas cosas y me ayudó a colaborar con más gente que me diera ideas y opiniones”, dice Jack.

Para Indigo, Tatum tuvo que compartir con otro artista un pequeño pero poderoso estudio en Los Ángeles, donde tenía su horario establecido de trabajo.

Su mayor apoyo fue un amigo que tiene mucha experiencia en mezcla, a quien invitaba de vez en cuando a escuchar sus ideas para que lo retroalimentara, y

-“ME ATRAE MUCHO EL CONTRASTE, ME GUSTA TENER LO FELIZ CON LO TRISTE Y CON LO ATERRADOR AL MISMO TIEMPO”-

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En el universo de Jack Tatum, la banda Wild Nothing es el proyecto con el que finalmente consolidó todas sus ideas musicales. Después de haber estado en un par de agrupaciones, dicho proyecto significa la total libertad creativa y de producción. Tatum grabó su primer álbum, Gemini, por sí solo en su laptop y terminó por ser uno de los mejores discos del 2010. A pesar de tener un sello personal muy particular en cada canción, de ahí en adelante hubo una evolución notable en cada álbum. No es sorpresa que cada pieza provoque algo onírico en quien las escuche.

por Mariana Velasco / fotos Alejandro Servín

Una de las cosas más notables desde la primera canción son los ritmos disco: “Los 80 es una década muy importante para mí en la música, muchos artistas de esos años me influyen todavía. Creo que hay algo en esa década que hacía la música especial, desde la producción y cómo se hacía todo en ese tiempo”, asegura Jack.

Pero más allá de eso (que es algo con lo que el músico ya había trabajado), en Indigo también está un poco de lo más diferente que ha hecho hasta ahora. Encontramos dos contrastes muy interesantes: hay canciones muy bailables como “Partners In Motion” o muy rockeras como “The Closest Thing To Living”, que están bien definidas desde el principio, pero luego están tracks como “Canyon On Fire” y “Flawed

Translation” que tienen un inicio un tanto aterrador e inesperadamente se vuelven alegres y movidas.

Respecto a esto, Jack dijo: “Concuerdo en gran parte. Esas canciones resaltan de las demás, y es que me gusta la idea de tomar ese concepto de hacer canciones catchy pero que luego cambian a algo misterioso. Me atrae mucho el contraste, me gusta tener lo feliz con lo triste y con lo aterrador al mismo tiempo.”

Otra explicación muy clara a esa variedad sonora es el concepto general del disco. Las letras hablan de los cambios que ha pasado Tatum en los últimos años en su vida, principalmente en lo emocional. Él define a Indigo como un disco que viene de un estado feliz: “Muchos artistas dicen que si no hay drama en tu vida ¿cómo puedes escribir música? Pero yo exploré precisamente ese lado positivo, además de que también se trata de analizar realidades

porque no todo en una relación es fácil.

Soy una persona feliz pero mi música es nostálgica porque se trata sobre el paso del tiempo y los recuerdos.”

“En el futuro quiero expandir mis horizontes creativos a partir de colaborar con más gente, cambiar un poco mi forma de trabajar. Al hacer todo por mi cuenta puedo caer en ciertos patrones repetitivos por comodidad y trabajar con otros artistas rompería esos patrones.

Tengo un EP ya hecho que aún no sé cuándo saldrá, pero será este año. En 2020 será el décimo aniversario de Gemini, así que podría hacer algo; tal vez un tour de aniversario”, finalizó Jack.

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que finalmente lo ayudó a convertir los demos en el maravilloso producto final que escuchamos en este material de larga duración.

En 2020 Un Posible Tour De Aniversario Del Álbum

texto y fotos por Brenda Arriaga

Aunque la evolución es necesaria, no siempre voluntaria, a veces sólo te debes dejar llevar por la inspiración y sigues el camino que ésta indica. En el caso de FIDLAR, así fue: entraron al estudio sin expectativas fijas y cuando salieron obtuvieron estos 13 tracks que, estamos seguros, quedarán en la mente de la gente por un buen rato.

A pesar de que FIDLAR ha trabajado para conseguir ese sonido tan auténtico y totalmente reconocible, esta vez nos dejaron algo sorprendidos.

Con ayuda de nuevos instrumentos, riffs más rítmicos y voces más suaves, demostraron que ellos también cambian, pero ¿el cambio fue del gusto de sus fans?

Tal vez no se propusieron nada en particular, pero estos músicos aseguran que se pueden notar las influencias de los Beastie Boys y algunos toques de pop, género que a Zack Carper (voz) lo tiene fascinado recientemente. De las 13 canciones que conforman este disco, dicen no tener una favorita..

“Han habido reacciones positivas y negativas. Mucha gente se rehúsa a que nuestro sonido cambie pero era momento de evolucionar y toda esta evolución se ha dado de forma natural”.

“Es como a tus hijos, los queremos a todos por igual. Todos tienen algo maravilloso y esepcial, sería difícil decidirnos por uno en especial”.

Y sí, con estos acentos que canciones como “Can’t You See” y “By Myself” nos

dan, se nota que tuvieron algún factor determinante en esta transición: su productor, Ricky Reed. “Él nos animó mucho a esto. Nos ponía cuernos y pianos en el estudio y nos retaba a probar nuevos sonidos. No es necesario sólo tocar un tipo de instrumento todo el tiempo si estás en una banda de punk.”

-“ME ATRAE MUCHO EL CONTRASTE, ME GUSTA TENER LO FELIZ CON LO TRISTE Y CON LO ATERRADOR AL MISMO TIEMPO”-

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¿Recuerdan que en algún momento esta publicación les comentó que había una banda californiana que estaba trayendo el punk rock de regreso?

Pues sí, los invocamos a nuestro país y, en su visita pasada, pudimos platicar con ellos sobre su más reciente disco, Almost Free, y todo lo que involucró en su carrera a 10 años de su formación.

hace FIDLAR para dejar marca en sus seguidores sobre estos problemas?

Probablemente el bajo siempre será necesario pero definitivamente la música de esta banda va más allá de un instrumento. En un artículo que leímos hace un tiempo les llamaban un “joyful chaos”, o sea un “caos feliz”, lo cual tiene bastante sentido para nosotros. ¿Qué les parece término a ellos?

“Lo que nosotros podemos hacer es hablar de ello, mucho o poco, y tratar de no evitar ciertos temas. Eso es súper importante pero además siempre será también tener un escape a todo lo que pasa en el mundo, darse un break y eso son nuestros shows.”

“Nos gusta. Sí, definitivamente lo somos. Somos este tipo de música donde la letra puede ser muy cruda pero te la pasas bien. La gente se ve feliz de salir herida de nuestros shows, así que ese término suena perfecto”.

Y los conciertos son para eso, para dejar caer tus límites (y un poco tu sentido de la seguridad) y olvidarte de lo que pasa allá afuera. Hay un mundo muy loco y difícil que a veces nos nubla un poco el panorama, incluyendo el musical. ¿Qué

De lo poco que seguimos conservando de tiempos pasados en la música son los shows, sin embargo, las formas en las que la gente consume las creaciones de otros ya son muy diferentes y variadas.

Muchos dicen que algunos géneros se están extinguiendo o mutando a cosas no muy agraciadas. Pero los nativos de California no están de acuerdo.

“Nos extraña que digan que el rock está muerto porque nunca se ha ido, sólo está llegando de diferentes maneras, en diferentes cantidades. El rock también

ha evolucionado, no todo van a seguir siendo los 70 u 80 pero eso es bueno.

Todo va cambiando y es tonto pensar que ya casi es 2020 y que este género no cambie.” ¿Qué mejor prueba tenemos de este argumento que ellos mismos? En épocas donde ya todos nos rendimos ante los chicos “rudos” del reggaetón y las princesas rubias del pop, FIDLAR nos sigue trayendo música dura de roer pero a la vez empática y atrayente.

Dejémonos arrasar por este caos proveniente de playas californianas y tratemos de mantenerlo vivo por mucho tiempo más.

entrevista internacional

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“A veces te aburres de solo tocar el bajo (risas).”

texto y fotos por Brenda Arriaga

[...] todos necesitamos un poco de optimismo en nuest Hace tres años nuestro país vio brillar por última vez a estos irlandeses. Tras un largo tour y muchas horas en el estudio, están de regreso , pero con una vibra distinta, la cual no veíamos venir. Definitivamente Gameshow, su material pasado, dejó la huella que querían y ahora vienen por más.

“Para mí, Gameshow fue hace una eternidad. Puede ser porque nosotros estábamos personalmente, socialmente y mentalmente en otro punto cuando lo hicimos. No sabíamos si la banda iba a seguir, estábamos muy presionados. Ahora ya nos caemos bien de nuevo ” – Alex.

“Lo que solemos hacer en cada disco es tratar de capturar algo nuevo, emocionante e interesante. Nunca vamos a sentirnos contentos con un disco hasta que tenga ese feeling, tenemos que sentir que no lo hemos hecho antes.” - Alex Y vaya que False Alarm nos da eso. Muchos conocemos su música y sabemos cómo suenan, pero a pesar de esto, los nuevos tracks tienen elementos muy peculiares que los hacen frescos e innovadores. ¿Qué cambió? Trimble (voz) nos lo cuenta:

Hemos ganado una gran libertad en ese aspecto, ya hasta somos parte de nuestra compañía discográfica y estamos co-dirigiendo todo, claramente tenemos más facilidades ahora.”

Una banda con voluntad propia siempre tomará caminos en los que crea y eso sin duda deja resultados genuinos y valiosos; en el caso de Alex, Kevin y Sam los ha hecho viajar por el mundo entero, sin importar qué tan lejana o desconocida sea la región a la que se dirigen.

“Canciones como ‘Satellite’ o ‘Dirty Air’, fue donde empecé a cantar diferente y pueden ser los mayores cambios. La voz es lo primero que notas cuando escuchas un álbum y muchos lo ven como algo arriesgado, pero a nosotros nos emocionó mucho. Jugamos con esta idea de crear personajes diferentes para cada canción; escribir canciones donde no eres tú mismo es algo liberador. Realmente todo el disco evoca a ser libre y optimista, sin preocupaciones.”

“Crecimos en Irlanda y siempre nos sentimos algo desconectados de la escena musical británica. Siempre quisimos ir a todos lados, no solo Europa y Estados Unidos, queríamos ir a México, Brasil, Colombia… Nuestro primer disco lo firmamos en Francia y nos la vivíamos ahí, entonces nunca hizo sentido el solo enfocarnos en países que hablaran inglés.” – Alex.

Además de crear personajes para sus temas, algunas melodías suenan distinto y conocemos la opinión de muchas disqueras cuando sus pequeños retoños empiezan a irse por caminos desconocidos; puede no tener un final feliz. Alex asegura que no es su caso, pues nos reveló un secreto muy bien guardado:

“Es muy loca la forma en la que nos reciben aquí (México). Algunas bandas americanas nos dicen que no vengamos a México por la inseguridad o cosas por el estilo. Nosotros crecimos en Belfast y las bandas no querían

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Todos nos sentimos aliviados ante esta declaración, ya que cada disco que TDCC nos ha brindado, ha dejado marca en los corazones de fans y escuchas esporádicos, por lo que sería una pena que esto dejara de suceder. A pesar de que son una banda que siempre se mantiene apegada a su esencia, esta vez probaron que aún pueden sorprendernos.

“Cuando entramos al estudio ya sabemos qué vamos a hacer, casi siempre hacemos los demos individualmente y los compartimos con la banda un par de meses antes de hacer el disco. El problema pudo ser un poco el convencer a las personas a nuestro alrededor que lo que hacíamos estaba bien porque, a fin de cuentas, estábamos cambiando muchas cosas. Afortunadamente, conocemos a todas esas personas de tiempo atrás, son buenos amigos, tuvimos intensas conversaciones, pero todas con mucho respeto de por medio.

central

tras vidas, más aún si ésta va sin preocupaciones.

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-“NO SABÍAMOS SI LA BANDA IBA A SEGUIR, ESTÁBAMOS MUY PRESIONADOS. AHORA YA NOS CAEMOS BIEN DE NUEVO”ir a tocar por la violencia que había allá, por lo que nosotros nos perdimos esas oportunidades y nunca ha sido la forma en la que queremos trabajar nuestro proyecto. Hay una conexión especial con México, de hecho.

Realmente no lo entendemos del todo, pero sucede algo en los países latinos que nos quieren mucho.” – Sam. “Aquí los chicos se la quieren pasar bien, en Reino Unido hay más agresión, más furia.

Aquí brincan y se divierten, nosotros somos felices con eso.” – Kevin.

Y nosotros también, no por nada nos emocionamos ante la noticia de su próximo show en el Corona Capital, festival que ha ganado fama no solo por sus headliners, si no por ser ejemplo de apertura.

Al hablar de diversidad en la música siempre pensamos en los géneros y artistas que pueden no gustarnos mucho, pero que siguen triunfando por doquier, pues bien, los chicos se TDCC creen que muchos de estos proyectos no nos están nutriendo como deberían.

“Ahora lo superficial tiene mucha más importancia y no lo que realmente está debajo. Lo podría comparar con comer comida rápida versus comer algo que es realmente bueno para ti; la comida rápida sabe bien y te da ese punch, pero también necesitas la parte nutritiva que da la música, la cual te puede ayudar mucho emocional y espiritualmente hablando. Si de verdad pones atención a lo que muchos músicos están diciendo, puede cambiar tu vida.” - Alex Así como las redes nos pueden llegar a asustar un poco dado su poder de influencia en las personas, también lo hacen algunos personajes del medio, quienes parecen no conocer el verdadero impacto que pueden tener en las mentes de quienes los siguen; para Kevin y Alex es vital dirigir los mensajes por un camino prudente.

“Hay personas que son influencia real en millones y no siento que sea correcto esperar que alguien hable sobre lo que tú quieres escuchar, los artistas tienen que hablar de lo que sea verdadero para ellos.” – Kevin.

“No debería de haber ninguna obligación a hacerlo, sin embargo, si al artista le nace, puede compartirlo a través de su música. Nosotros tratamos de incorporar mensajes así en nuestra música, pero siempre hay dos lados: el arte y el entretenimiento. Tal vez lleguemos a la gente por el lado aparentemente superficial, pero si escarbas un poco más al fondo hay cosas debajo. El resto está ahí si lo quieres. ” - Alex Sin duda muchos esperamos encontrar estos mensajes ocultos, pero si algo nos dejan claro, es que no todo se debe tomar con seriedad, la música tiene muchos propósitos y no debes sentirte mal si la canción que te gusta en el momento no te hace pensar, sino solo sentir. Al fin de cuentas, como dice TDCC: “todos necesitamos un poco de optimismo en nuestras vidas, más aún si esta va sin preocupaciones”.

022 por José Curda / Ilustración TheJavisCEffect

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“El hombre siempre inacabado, sólo se completa cuando sale de sí y se inventa… Sólo seremos nosotros mismos si somos capaces de ser otro, pues nuestra vida es nuestra y de otros “.

Octavio Paz

La creatividad surge muchas veces de una necesidad, ya sea biológica o espiritual, y es una forma de conexión entre el interior y el exterior. Las inspiraciones surgen de todos lados, caricias visuales, flores táctiles, sonidos y en el paladar, sólo se necesita ser perceptivo con los cinco sentidos.

Cuando hablamos de música es inevitable hablar de inspiración; se encuentra implícita en la misma palabra. Pero la mayoría de las veces olvidamos que el artista inspira a quien le escucha. La mayoría de los seguidores toman esencia de sus músicos favoritos y recrean nuevas visiones, es decir, el crear de la obra. ÉL ES EL ÚNICO QUE SE OYE “El hombre está habitado por silencio y vacío. ¿Cómo saciar esta hambre, cómo acallar este silencio y poblar su vacío”.

La mayoría de las veces, la música nos ayuda a no sentirnos solos. En muchas situaciones, las personas se abstraen por alguna situación: una ruptura, una pérdida y un dueño lo que hace sentir a la persona sola y única por sentir lo que siente.

De pronto cuando alguien escucha en la radio, internet o televisión una letra, una emoción en notas que lo hacen sentir acompañado y lo cobije en ese sentimiento que hasta ese momento creía sólo existía en él, encuentra que la otredad que existe alguien más qué sintió lo mismo y recrea a través de una melodía.

Esto ocurre muchas veces en lo que llamamos reinterpretaciones, en la mayoría de las veces, los llamados covers que los fans hacen de sus artistas favoritos, retoman sus letras y las cargan con una manera distinta de expresarse.

También suele ocurrir que un artista ya es fan de una banda y este reinterpreta una de sus melodías famosas, como sucedió con la canción “Hurt” original de NIN y que me interpretó Johnny Cash antes de fallecer.

CARENCIA Y BÚSQUEDA “La otredad empuja a los seres humanos a buscar el complemento del que fueron”.

Existe una leyenda que menciona que los seres humanos fueron creados con dos cabezas, cuatro brazos y cuatro piernas; en un afán de dioses, Zeus mandó rayos para separar estos seres, desde entonces cada mitad busca su complemento.

Muchas veces los fanáticos en esta imagen de soledad buscan una contraparte que los unifique. Encuentran en el artista dicha pieza faltante, esa pieza que busca completar, a su manera, la obra inconclusa. Es decir encuentran en el arte, aquello que hace falta de su expresión.

En ocasiones los seguidores también reinterpretan a sus artistas predilectos, más allá de los covers, crean audiovisuales, universos no oficiales, a través de imágenes o la recreación

de discursos que completen en cierta forma la percepción del fanático. Este tipo de, llamémosle “apropiaciones no oficiales”, navegan por YouTube, un espacio en el que existe y no, el ingenio, la creatividad y la poesía dibujada en la visión de un espectador que se vuelve creador.

EL OTRO QUE NO QUEREMOS SER “El otro es aquello que nunca fuimos, no somos no seremos. Incluso podría decirse que el otro es el que no queremos ser “.

Dentro de la otredad podemos encontrar las seguidores creadores que a través de imágenes, videos, memes y más expresiones web, se burlan o ponen en jaque al artista a través de lo que no les gusta. Los creadores encuentran lo que les disgusta para crear una sátira de quienes no son y no se identifican.

Este tipo de creaciones comúnmente se encuentra en redes sociales y viajan a través de memes y burlas de aspectos sociales actuales.

-LA MÚSICA ENCUENTRA LA CREATIVIDAD A TRAVÉS DEL OTRO… ES AMOR QUE SE HEREDA A OTRO AMANTEEL EXTRAÑO DE FRENTE “Verde frente al extraño y a partir de que me descubro“.

Es bien sabido que en la web existen muchas historias imágenes que los fanáticos toman de un aspecto o de una canción para crear historias, surgen de los fanfiction, las llamadas songfiction.

Las songfiction, son recreaciones de algunas escenas de acuerdo a algunas estrofas de canción. Es la creación de historias retomadas de letras de canciones en su totalidad o en fragmentos.

Muy a pesar de que la imagen preconcebida del fan es ser un adorador intenso 24/7, todo fanático y seguidor se encuentra a sí mismo en el arte y hablando específicamente de la música, en ella hallan un complemento, emociones o su espíritu plasmado.

La música encuentra la creatividad a través del otro, crea reacciones que se convierten en acciones que a su vez se transforman en reacciones para otros. Emociones que se encuentran para darse a alguien más, es amor que se hereda a otro amante.

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/ Issue No. 31 Fans: el CEO del éxito /

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/ Issue No. 31 Fans: el CEO del éxito /

El festival de Indio, CA es uno de los más codiciados internacionalmente, TODOS, absolutamente TODOS hemos querido estar presentes en una edición, no solo por la música, aceptémoslo, sino por la exclusividad y el estatus que ofrece asistir a un evento de este tipo, en el que te puedes encontrar a un ángel de Victoria’s Secret, Kim Kardashian -o cualquier famoso que se te ocurra-.

Sin embargo, este año el cartel fue criticado debido a la “falta de curaduría” -groundbreaking- e interconexión entre sus elementos, muchos dijeron que el cartel parecía sacado tal cual de las listas de popularidad en Spotify o iTunes, que los organizadores no hicieron bien su tarea al realizar tan descarado copy/paste. Sin embargo, con todos ellos debo diferir, ya que Coachella hizo mejor que nadie su tarea: armar el cartel de ensueño para una generación que ya no escucha discos completos.

-¿CÓMO SERÍA EL CARTEL DE ENSUEÑO PARA UNA GENERACIÓN QUE YA NO ESCUCHA DISCOS COMPLETOS?Y vamos, hay que ser realistas, en los festivales somos nómadas más que fans. Sujetos libres que escuchan lo que quieren, mientras quieren. Habrá quien me refute pero si cuantificamos la cantidad de fans from hell que mueren por escuchar a una sola banda vs. los que van a escuchar la canción más famosa, estos últimos arrasan con los primeros sin chistar.

El punto al que me dirijo se encuentra donde desaparece el halo de romanticismo detrás de la industria musical, porque habrá que aceptar que la música cambió y cómo nos relacionamos con ella también. La música se ha adaptado a los tiempos de la inmediatez y accesibilidad. La gente se engancha o conecta con menor intensidad, incluso a nivel personal. ¿Será que la figura del fan from hell llegó a su fin?

Aceptar que “the times they’re a-changing”, como cantaba Bob Dylan, es aceptar que nuestra relación con la música no es estática y cómo la apreciamos y comprendemos tampoco.

Puede que la falta de apego de las nuevas generaciones sea el primer signo de la evolución hacia algo mejor, ¿o no?

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Hace unos días mi sobrino 10 años menor que yo, ponía música en el auto. Canciones y artistas que ya no conozco porque tengo veintitantos, sin embargo entre todas las canciones, salió algo de Billie Eilish –sí, “Bad Guy”, algo que sí conozco, yei-. Justo en ese momento sentí una tremenda necesidad de sacar mi sabelotodo interior para hablar del disco y antes de que saliera alguna palabra de mi boca, mi sobrino cortó de tajo mi argumento con un “sht, yo no escucho discos completos, solo me gustan las canciones, ¿quién escucha discos completos ahora?”. Con el corazón roto y una lagrimita en el ojo murmuré: “yo”.

Esta anécdota me lleva a pensar en el papel que tienen los fans hoy en día, no solo hay que pensarlos como el cliché de personas obsesivas que harían todo por su artista favorito, como gastar 10 mil pesos en un boleto, comprar la merch oficial o el plato desechable donde dejaron alguna nota.

Hay que pensarlos más como un focus group, sacarlos del romanticismo aspiracional e inspirador para verlos más como números -$$$-, estadísticas y tendencias. Verlos bajo el velo del capitalismo salvaje, aquel capaz de venderte el amor de tu mamá y tus lágrimas en forma de refresco.

Pensar fríamente, te hará entender el papel que juegan cuando cuestionas de dónde viene lo que llega a tus oídos.

Hoy en día, todo funciona con algoritmos. Facebook sabe lo que buscaste hace cinco minutos, si por alguna razón googleas “me quiero morir”, los algoritmos de búsqueda no tardarán en colocar en tu feed un anuncio no tan random de cualquier funeraria. Pensar en casualidades y hechos fortuitos del destino, cada vez es más difícil cuando la mayor parte de nuestra existencia se determina a través de códigos binarios.

En fin, no me quiero poner muy tecnológica, o muy Matrix Reloaded. Solo quiero dimensionar el cómo ahora estamos conectados y cómo nuestros gustos y pasiones son más fáciles de estudiar y cuantificar por aquellos que no solo nos venden música sino aspiraciones, metas, sueños.

Un lifestyle a veces tan banal como la felicidad de la gente blanca –no offense--. ¿Cómo es que entra aquí el papel del fan? Fácil. Una vez cuantificables las preferencias y las tendencias viene la hora de hacer dinero, ¿cómo? Conciertos, monetización, viralidad de contenidos y algo mucho más importante: FESTIVALES. Los festivales, hoy por hoy, son la forma más real de hacer redituable la música. El hype mediático creado alrededor de este tipo de eventos, aunado a la “experiencia” que ofrecen o estatus que otorga a quienes asisten a un evento “único”, son los ganchos más poderosos –y más explotados- para garantizar el éxito, prueba uno: Coachella.

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“Los Beatles son más populares que Jesús” fue una frase que John Lennon pronunció durante una entrevista en 1966 y que causó malestar no sólo entre los religiosos más acérrimos, sino entre sus propios seguidores creyentes. Tras la afirmación del compositor inglés, la música de la banda fue censurada en numerosas estaciones radiofónicas alrededor del mundo. Miles de personas boicotearon a la agrupación e incluso quemaron sus álbumes en público en un acto de protesta y rechazo a las declaraciones.

Lejos de que la frase fuera verdadera o no, hubiera sido pronunciada con buena o mala intención, lo cierto que es que Lennon golpeó un sector que es, o debería ser, intocable en la carrera de cualquier músico: sus fans. Afortunadamente el cuarteto de Liverpool sobrevivió (¡y vaya que lo hizo!) a la mala racha que atravesaron en ese año. Sin embargo, los tiempos han cambiado: hoy día, ya no existen bandas tan grandes como aquellas. Quizá es por eso que los artistas actuales se echan la soga al cuello al meterse con sus propios seguidores. Bueno, no siempre.

LOS OLVIDADOS Juan Cirerol. El cantautor de Baja California fue el artista revelación en 2010 para muchos de los medios musicales del país y pasó de ser un cantante local de Mexicali a conseguir fama por todo México La Ciudad de México no fue la excepción y dicho lugar fungió como uno de sus pilares en cuanto a seguidores. Ya fuera en pequeños bares, en el Lunario o en el Vive Latino, sus fans capitalinos siempre abarrotaron los conciertos del cachanilla.

Aunque en varias ocasiones ya había arremetido contra sus fans a través de las redes sociales, fue un tuit del 20 de septiembre de 2017 el que marcó una caída en su carrera: “Debería darme tristeza el sismo del DF pero no”, escribió un día después del terremoto que azotó a la Ciudad de México, el cual dejó un saldo que lamentar.

Como era de esperarse, no sólo los capitalinos se lanzaron contra Juan, sino también habitantes de todo el país y, más importante, sus propios fans. Desde ese entonces, Juan Cirerol la ha pasado muy mal y su carrera se ha limitado prácticamente a tocar mediante transmisiones en vivo que a veces no superan ni el millar de espectadores. “Si me voy al Distrito Federal, ahí también me sigues soledad…”.

Pastilla. La agrupación de rock apenas si sobrevivía gracias a la nostalgia de sus seguidores. Pero su vocalista, Víctor Monroy, vino a ponerlos listos para el crematorio. “No vuelvo a tocar o visitar México; ojalá se mueran todos en un temblor” y “Mexicanos, basura humana. Fuck all beaners” fueron algunas de la peores líneas que escribió en su carrera el triste compositor.

Días después, el vocalista se disculpó en un carta, en la cual pidió ser recordado por su música y no por un “desafortunado y desagradable comentario”. Como sea, cualquiera de esas dos opciones sería mejor que el olvido en

el que ha caído la agrupación. “Te lo dije, te lo dije, ya no puedes regresar…”

CASTIGO PASAJERO José Madero. Poco tiempo después de que Pxndx se separó, su vocalista lanzó Carmesí, su primer álbum solista.

Para ello ofreció una firma de autógrafos para sus fans. Sin embargo, el lanzamiento se vio opacado porque durante la convivencia, Pepe agarró una servilleta para limpiarse los besos que sus seguidoras le daban en la mejilla cada que pasaban a que les rayaran sus discos.

Lejos de lo que hubiera hecho cualquiera, nada justifica la cara de odio y fastidio que traía en el evento. Por otra parte, parece que los ofendidos fueron todo menos sus fans, porque actualmente José Madero goza de muy buena salud en la industria musical. “Me quieres desviar pero sigo derecho, la gente que ocupo la tengo conmigo…”

Maluma. Uno de los artistas latinos más famosos actualmente se las vio mal en 2018. La razón fue un video que circuló en redes sociales en el cual imitaba y se burlaba de los y las seguidoras que perseguían su automóvil en busca de una foto con el cantante.

Las críticas y los comentarios le llovieron como nunca; en sus redes sociales no se cansaron de reprocharle que gracias a sus seguidores el artista llegó hasta dónde está.

Tiempo después, Maluma hizo una convivencia con sus fans para demostrarles cuánto los aprecia. Sí, adivinaron; todos cayeron y el colombiano no hace otra cosa más que seguir consolidando su fama. “Si conmigo te quedas, o con otro tú te vas, no me importa un carajo, porque sé que volverás…”

- LAS REDES SOCIALES SON UN CAMPO DONDE TAMBIÉN DEBEN TENER CUIDADOBONUS POST MORTEM Tras diez años de la muerte de Michael Jackson, el director de televisión, Dan Reed, realizó un documental con testimonios de supuestos abusos sexuales cometidos por “El Rey del Pop” contra menores. Luego de su estreno, varias estaciones alrededor del mundo decidieron vetar la música de la estrella de sus programaciones.

Aunado a esto, muchos de sus fans se mostraron decepcionados con Jackson y no son pocos los que han rechazado seguir siendo seguidores de una de las más grandes estrellas de todos los tiempos.

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/ Issue No. 31 Fans: el CEO del éxito /

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/ Issue No. 31 Fans: el CEO del éxito /

EL RECONOCIMIENTO DE TU ÍDOLO El ser reconocido por tu ídolo es un gran logro y un sueño cumplido. Sin embargo, no es el objetivo principal que tiene un fan; más bien que la persona que tanto admiras siga creciendo, su música se difunda y alcance un gran éxito.

Todo este fanatismo y estas acciones se hacen directo desde el corazón, se hace desinteresadamente.

Otro punto que creo que es importante tocar y resaltar, es que nunca de los nuncas, un fan puede ser amigo de su ídolo. No es como que sea algo prohibido, pero para que todo tenga coherencia, debe existir una barrera y no confundir los roles que tiene cada uno. No digo que no sea posible, pero la imagen del ídolo es algo que está más arriba que la admiración que le tienes a un amigo.

-PROMOTORES, AGENCIAS DE RELACIONES PÚBLICAS Y RECOMENDACIONES DE OTRAS BANDAS, LOS DIFUSORES PARA ESTOS PROYECTOS-

LAS DECEPCIONES Alguna vez, mi ídolo (del que no revelaré identidad) dijo que él prefería nunca conocer a sus ídolos para no decepcionarse.

Recuerdo que cuando yo lo conocí, ya iba predispuesta a que me rompiera el corazón: pasó todo lo contrario. Ha sido una de las mejores experiencias de mi vida.

Sé que hay días en las que uno mismo se puede decepcionar de su ídolo, pero el final el amor que le tienes a su trabajo y talento es mucho más grande.

Pero… ¿un fan puede decepcionar a su ídolo? Si me hubieran hecho esta pregunta hace un par de meses, hubiera respondido que no. Sin embargo, hace unas semanas viví una experiencia que me dejó pensando y me hizo creer que yo misma había decepcionado a uno de mis ídolos. ¿La razón?

Yo concluí que había sido, porque él no había sentido que yo le di el suficiente apoyo a su proyecto. Sigo sin conocer la razón real de este asunto y sin dar más detalles, espero que se resuelva pronto.

Ya para terminar estos puntos del ser fan, puedo decir que un artista llega tan lejos como el fan quiere. Su música sigue con vida gracias a sus fans y ese amor desinteresado que ellos brindan es el más puro que jamás podrán encontrar.

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El fan, y la forma de serlo, es algo en plena evolución. Se trata de una actividad que va en crecimiento, de la mano del artista; independientemente del éxito que éste pueda tener.

Siempre habrá por ahí algún fan que siga sus pasos, que se sienta identificado con su música.

CAMINO DEL FAN La figura más cercana de un fan from hell que podemos tener quizá es la de nuestros papás. Especialmente si hablamos de mamá en su papel de fan de una boyband. Es raro verla comprar todos los discos y yendo a ver a su banda favorita en concierto.

El camino comienza con un gusto que crece cada vez más, hasta que nada es suficiente a pesar de tener todos los discos, vas a las firmas, conciertos, adquieres mercancía oficial, etcétera.

El siguiente nivel se desbloquea cuando llega la inconformidad de ver a tu artista favorito en concierto una sola vez o uando un disco no tiene valor si no está autografiado. Llegar a un concierto, 12 horas antes de que comienza, es algo normal (para un fan from hell). ¿SOMOS ODIOSOS? Hay quienes consideran un poco odiosa y hasta un poco intensa esta figura, pero creo que un fan from hell, puede serlo o no según su comportamiento. Desde mi experiencia, he visto a fans que llegan a ver a su ídolo por primera vez, los abrazan, los besan, lloran, y llegan a una intensidad que puede llegar a ser incómoda. En cambio he visto a fans, que se pueden considerar from hell, llegar con su ídolo, hablar tranquilamente, pedir un autógrafo, y todo normal. Incluso hasta ellos mismos agradecen todo ese cariño que sus fans les brindan.

TAN CANSADO COMO SER MÚSICO Puedo decir que he hecho cosas que algunos seguidores de la música pensarán “qué flojera”, sin embargo para los fans de este nivel (por decirlo de alguna forma), llega a ser una experiencia única.

Debo de confesar que ser fan puede ser igual de cansado que ser músico; los viajes en carretera, dormir en centrales de autobuses y aeropuertos; incluidas las develadas. Pero nada se compara con la satisfacción de llegar al show y ver a tu ídolo o, si corres con mucha suerte, saludarlo y compartir una plática. He visto a artistas dar las gracias en pleno shows a sus fans que viajan desde hasta otros lugares sólo para verlos.

En las filas para conciertos o firmas de autógrafos, te encuentras a fans de todo tipo: como la chica que está emocionada y tiembla de los nervios por ya ver a su ídolo.

Hay otros fans que sienten envidia de otros por el simple hecho de ser reconocidos por el artista. Y por supuesto, está el fan estrella que llega desde horas antes para ser el primero y se queda hasta el final para ser el último.

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Cientos de historias entre fans y artistas han y seguirán dando la nota. Amoríos, peleas, canciones, rupturas, demandas, etc. De todo un poco nos deja este vínculo que a veces es todo un caso digno de documentar y llevar a un talk show.

Estas anécdotas hacen que vivamos como espectadores de una manera más pasional a nuestros ídolos y las historias alrededor de los que se convierten a futuro en charlas de sobremesa, libros en incluso, casos de éxito.

Aunque en la mayor parte de esta edición le hemos dado voz a los fans, es momento de pasar el micrófono a los artistas y que ellos sean quienes nos cuenten algunos de los episodios que han tenido con sus seguidores, y la huella que dejaron en ellos.

Así que, acompáñenos a iniciar este recorrido…

JULIA DE RUFUS T. FIREFLY Tuve un encuentro en Mallorca, un chico se acercó y me dijo: “Tía, gracias a su música he superado una cosa muy chunga en mi vida y a raíz de eso he dejado las drogas. Con algo que se supone que es muy psicodélico he conseguido sentir lo que sentía cuando consumía ácidos y distintos estupefacientes. He decidido dejar eso y seguir adelante”.

SEXY ZEBRAS En la pasada gira en España, en la ciudad de Vigo, una chica muy simpática subió al escenario antes de tocar “Quiero follar contigo” y le pidió a su novio matrimonio. Fue un momento muy emotivo y bonito, la chica le echó muchos huevos y a pesar de que se moría de la vergüenza consiguió sacar que su novio del público y todo el mundo que estaba en la sala se volvió loco. Se bajaron del escenario y “Quiero follar contigo” nunca ha sonado mejor. Este verano se celebra la boda y han prometido que va a sonar Sexy Zebras en su baile nupcial.

PAZ COURT En general, todas las cosas que vienen de los fans es siempre gratificante y no dejan de impresionarme, porque de pronto me doy cuenta que a través de la música, uno puede tomar un protagonismo en la vida de las personas y muchas veces me escribe gente agradeciéndome por mi música y que los han acompañado en diferentes etapas de sus vidas y eso creo que es lo máximo que le puede pasar a uno como músico. El hecho de que uno entregue una canción que pudo haber sido creada desde la intimidad de tu casa, algo que es muy propio, pero cuando uno entrega esa canción a otros, es algo muy lindo.

LUCÍA TACCHETTI Siempre los fans son al día de hoy los que me mantienen en curso con la música, porqué cuando empecé a mostrar mis canciones empezaron a pasar cosas como muy extrañas, recibía mensajes de personas que me decían que habían tenido un mal día, escuchaban mis canciones y les cambiaba

el ánimo, desde ese entonces me quedé pensando: ‘vaya, aquí pasa algo’, a partir de ahí me lo tomé tan bien, con responsabilidad y me encanta ese vínculo con la gente. Me encanta que la música, mi música, toque fibras sensibles de la gente y les cambie el estado de ánimo o que simplemente la dediquen. Pero algo loco que me pasó, fue algo que una chica me dijo: “Entre todo, libérate del miedo y verás que ya nada es para siempre, sólo déjate llevar”.

MARCELA VIEJO Mi experiencia con un fan no quiero decir que haya sido mala, más que mala fue chistosa: fue inesperada.

Una vez que un niño, un chico adolescente, con bastante apariencia andrógina se subió al escenario en Guadalajara y me dio un beso con lengua… no le hice nada, me agarró de buenas (risas).

- “A TRAVÉS DE LA MÚSICA, UNO PUEDE TOMAR UN PROTAGONISMO EN LA VIDA DE LAS PERSONAS”PAZ COURT PARKER (EX CALONCHO-SIDDHARTHA) Me tocó trabajar de staff de Ximena Sariñana y Alex Ferreira era su guitarrista y él me invitó a tocar con a unos shows a su país (República Dominicana) y gracias a eso terminé tocando con Ximena Sariñana y también con Natalia Lafourcade y en uno de los encores le confesé a Natalia lo fan que siempre fui de ella y solo me dijo: “¡Que bonito Parker! ¡Dame un abrazo!”

LOS DANIELS Una niña que estaba enamorada de Isma, se aventó a la van y le decía: “llévame contigo, tú y yo, esta noche” y fue como muy raro, porque iba con el novio y a Isma solo le dio miedo.

En otra a un chavo lo apuñalaron en los empujones y estaba más preocupado por su playera , por que gritaba: “Ya arruinaron mi playera de Los Daniels” y pues nos espantamos porque íbamos saliendo y estaba la ambulancia. Terminamos regalándole otra playera de Los Daniels (risas). Si nos estás leyendo un saludo amigo.

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/ Issue No. 31 Fans: el CEO del éxito /

foto cortesía

foto cortesía Entre gelattos, chela y calorcito humano, comenzó la residencia de Phoenix en la CDMX. Cuando llegó el momento de ver a la banda en el escenario, todo El Plaza retumbó y no en sentido metafórico, el piso vibraba y las voces no permitían escuchar nada más. El show inició con toda la energía posible, en eso no hubo reparos; “J-Boy” fue la encargada de abrir la pista de baile.

Toda mágica, etérea, brincona e inalcanzable es como puedo describir la esencia de Florence Welch en compañía de su máquina imparable. Ocho músicos y una voz potente inundaron el Palacio de los Deportes para que Florence + the Machine regresara después de siete años de ausencia en nuestro país.

Todos los asistentes estallaron en euforia, baile por aquí, gritos por allá y sudor en todas partes. La energía no bajó, al menos no iba a pasar cuando “Lasso”, “Entertainment” y “Lisztomania” se dejaron venir como puñetazo en la cara.

POR BENJAMÍN DÍAZ

Hacia la recta final, Thomas Mars comenzaba a acercarse al público, en “Rome”, el vocalista se aventó la canción -casi, digo casi porque no pasó la valla de seguridad- entre la gente que no dejaba de alzar sus manos para poder tocarlo.

Siete años pasaron, México es un país nuevo y dos discos más se sumaron a su carrera y el cuarto en ella. High As Hope fue el seleccionado para que esta nueva bruja cósmica -la original siempre será Janis Joplin- presentara viejas y nuevas canciones a sus más fieles fans que brincaron y corearon cada una de ellas. Alegre, sorprendida y enamorada de su público, Florence derrochó pasión, energía y brincos que sólo hacían que uno se quedara anonadado y poseído por su entrega en el escenario.

“Ti Amo di più” cerró la velada pero no con un toque nostálgico o triste, clásico de las despedidas, sino que concluyó como debía hacerlo una noche tan enérgica como esta: con un crowd surfing del vocalista.

Un concierto que duró poco más de hora y media y que quedará marcado para la eternidad, o al menos hasta que se decida a regresar una vez más a México, un país que ha sabido adornar y abrazar su música imparable.

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POR MA. JOSÉ SÁNCHEZ

FLORENCE + THE MACHINE, LA BRUJA BLANCA HELADA

TI AMO, PHOENIX

foto Edwin López

foto Eric del Rey

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LA FORMIDABLE NOCHE DE THE JOY FORMIDABLE

MAGIA Y EMOCIÓN CON SAN CISCO

POR ERIC DEL REY

POR BRENDA VALDERRÁBANO

The Joy Formidable dio un concierto el pasado 15 de mayo en la Ciudad de México. Desde el primer segundo que pisaron el escenario demostraron que los años no son en vano y que pueden presentar un excelente show con canciones ejecutadas con precisión quirúrgica, con energía desbordada y el corazón en las guitarras.

Después de cambiar el recinto días antes de su concierto, San Cisco regresó a la capital del país con un concierto que, aparte de volarte la cabeza, te hacía bailar y cantar al ritmo de las mejores canciones de la banda a través de los años. Rolas como “Beach”, “Magic”, “Awkward” y “Run”, que fueron increíblemente coreadas, estuvieron acompañadas de los buenos ánimos de la agrupación, los bailes de Jordi, quien portaba una playera que decía Mexico City, y la emoción de cada uno de los integrantes al ver cómo el público se sabía todas las letras o gritaban repetidamente “¡San Cisco!”, acompañado de muchos aplausos.

“A Heavy Abacus”, “Austere” y “Cradle” fueron las gemas de la noche; el público saltó los hits del grupo y coreó cada una de sus letras. Al regresar en el ya tradicional encore, Ritzy contó que un fan les había hecho una petición temprano ese mismo día y no la iban a pasar por alto: “The Last Drop” fue la canción especial tocada en una versión acústica en el centro del foro; con un par de guitarras acústicas y un cajón peruano, presentaron esta vieja favorita que llevaban tiempo sin tocar.

Los galeses se despidieron con “Whirring” y el público enloqueció al escuchar el mayor éxito de la banda, quienes prometieron regresar pronto, pues aseguraron que se la habían pasado muy bien.

Ya para el encore, Jordi salió cargando una guitarra para tocar una nueva canción, parte del nuevo álbum, y para finalizar, una de las favoritas: “Fred Astaire”. Sin duda, fue una noche llena de magia, bailes, gritos y sonrisas que nos ponen a pensar en sus próximos proyectos y a esperar su regreso al país.

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foto Emilio Sandoval

foto Qiqe Ávila

CORONA CAPITAL GDL: TOMA ESO CDMX

POR BENJAMÍN DÍAZ

POR DIEGO VENEGAS

Se sabía que iba a ser uno de los shows más emblemáticos en lo que iba del primer semestre del 2019. White Lies se entregó a manos llenas a sus fans que se dieron cita en El Plaza en uno de los mejores conciertos que hemos podido presenciar de esta agrupación londinense.

El nombre lo dice todo: Corona Capital Guadalajara. La segunda ciudad más importante necesitaba un festival de ese tamaño. ¡Y qué tamaño! Kimbra, Honne y Boy Pablo sentaron las bases de una jornada en donde ni el excesivo calor ni la tierra lograron arruinar la experiencia.

Five fue el disco que hizo posible su regreso a la CDMX, para darnos una ligera probada de lo que este trío está logrando en esta gira que se extiende a lo largo del mundo.

Clásicos y canciones nuevas fueron las elegidas para que, en más de una hora y media, un Plaza sold out brincara y se llenara de sudor en sus frentes. “Time to Give”, “Is My love Enough”, “Jo?”, “Big TV”, “Death”, “Tokyo” y “Bigger than Us” fueron unas de las tantas canciones que se destrozaron en este recinto y que todos sabemos, son un deleite audiovisual. ¿No han podido ver a esta gran banda en vivo? Pues qué esperan, siempre regresan, con años de espera, pero creo que eso es lo verdadero auténtico: poder añorar a una banda con toda la euforia que sólo nosotros podemos tener.

Vinieron White Lies con su rock de estadio, Rhye y su erotismo sublime, y Goo Goo Dolls, con ese himno universal de radio: “Iris”.

OMD fue el regreso a las bases; todo lo que hoy suena a electropop se lo debemos a ellos. Luego, los grandes: el espectacular retorno de YYY’s, una banda necesaria para entender el rock de nuestro tiempo. Fue un momento de éxtasis, éxtasis puro.

Phoenix puso a bailar hasta al más reacio, con un pop lleno de luces de colores y energía. The Chemical Brothers demostró que ellos son la experiencia audiovisual de la electrónica; imperdibles.

Para cerrar, Tame Impala, una de las bandas más grandes del momento, que destacó por su fantástica ingeniería de sonido y sus videos lisérgicos. ¡Simplemente ilusorios! ¿Podemos pedir algo más?

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WHITE LIES EN EL PLAZA: NUNCA ES SUFICIENTE

foto Rodrigo Guerrero

foto cortesía

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CHROMEO: ENTRE LUCES Y BAILE

DOMINATION: SORPRESA A LA PRIMERA

POR MARIANA MENDOZA

POR CARLOS VALLE

El pasado 13 de mayo, Chromeo ofrecióz un concierto en la CDMX, en el que Dave 1 y P-Thugg hicieron vibrar un Plaza Condesa lleno de gente emocionada por ver el show de esta banda. El dúo entró entre gritos y aplausos de la gente que coreaba “Chromeo, oh”, para empezar con “Come Alive” y dar paso a “Don’t Sleep”.

Le siguieron “Bonafied Lovin’” y “Somethingood”.

Se presentó un nuevo festival para la baraja de México, aunque aún se encuentra lejos de los charts. Los shows en vivo siguen más fuertes que nunca, por lo que era turno que Domination apareciera en las curvas del Autódromo. Sí, era el CC de los headbangers.

La noche avanzaba, y con excelentes fondos en la pantalla gigante, Dave 1 agradecía, en un buen español, el apoyo de sus fans. Luego interpretaron “Juice”, “Night by Night” y “Tenderoni”, en este punto la gente no paraba de cantar y bailar.

“Count Me On”, “Needy Girl” y “Bad Decision” se sumaron al repertorio Chromeo, quienes hicieron vibrar al público en todo momento y recibieron infinidad de aplausos. De las canciones más memorables fueron “Jealous (I Ain’t With It)” y “Must’ve Been”, que contaron con unos visuales sin igual y luces espectaculares. La noche ya iba a terminar cuando, luego de “Room Service”, Chromeo se despidió de su público, no sin el encore: “One Track Mind” y “Sexy Socialite”.

Un cartel campechano para todos los gustos. Con los pesos pesados de antaño que iban a cerrar como Kiss y Alice Cooper.

Otros imperdibles como Slash, Dream Theater y su nuevo disco, o Apocalyptica, que traía todo el set de Metallica. Bandas más generacionales como Limp Bizkit, Ratt o The Black Dahlia Murder.

Todo el trve en Meshuggah y Lamb of God estuvo presente, para también darle espacio a nuevos proyectos como Alien Weaponry, además del talento mexicano que ya se ganó su lugar, como Black Overdrive o Here Comes the Kraken.

Algo que al final se agradeció fue la logística; no era un exceso ir de escenario a escenario, ni se encimaba el sonido de uno y otro, todo bajo un clima benigno que amenazaba con arruinarlo todo. El Domination 2020 es algo que ya esperamos con ganas.

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DANIEL, ME ESTÁS MATANDO

DESIERTO DRIVE: POR SU PROPIO CAMINO

DEE C’RELL REINVENTANDO EL JAZZ

LOS MARTY ESTÁN DE REGRESO

POR VÍCTOR HERNÁNDEZ

POR BRENDA VALDERRÁBANO

POR MAXIMILIANO BLANCO

Si alguna vez te preguntaste ¿qué pasó con Pxndx? Han regresado pero sin su vocalista. Con un nuevo nombre y un nuevo sonido, Arturo Arredondo (guitarra y voz principal), Ricky Treviño (bajo) y Kross Vázquez (batería) vuelven con un nuevo proyecto: Desierto Drive.

Hay música que puedo escuchar una y otra vez y nunca cansarme de ella, y eso es lo que me pasa con el músico inglés Dee C’rell.

Los Marty son una banda de indie rock/pop originaria de Coacalco, Estado de México. Su nombre hace referencia al personaje de la trilogía Volver al Futuro. Se forma en el 2007 por Oswaldo Tovar, Rodrigo Román, Guillermo Díaz y Bogard Gutiérrez.

El año pasado lanzaron su primer disco Suspiros y está lleno de letras románticas. Estos temas remontan a una época mexicana del pasado y en formato de vinil; música principalmente influenciada por grupos antaños como Los Panchos y José José,

La banda lanzó su primer disco, Mexican Dream, que incluye 14 rolas originales. Este título hace referencia a la ironía de la gente “que va a buscar el american dream y terminan teniendo el mexican dream”, en palabras de Arturo.Este material fue producido por Arturo y Adrián “Rojo” Treviño, al igual que los discos más exitosos de Pxndx.

Por otro lado las serpientes de la portada representan una nueva piel: un renacimiento. Desierto Drive ya tiene un estilo e identidad propia. Sin embargo, el querer meter sonidos nuevos, como de surf y bolero, hacen que estos se tambaleen, tal como pasa en “Político” y “Qué Fortuna”.

Junto a sus habilidades musicales han participado en sus proyectos varios artistas como Richelle Claiboirne y Karen Gibson.

Contiene colaboraciones con otros músicos que están sobresaliendo en la escena indie, como Silvana Estrada, El David Aguilar y Alex Ferreira.

Pese a los pronósticos, esta es una propuesta que está rompiendo esquemas y ha logrado generar un alto número de seguidores. Esto se constata en los miles de escuchas de sus rolas en las plataformas digitales a tan solo un año de que la agrupación surgiera. Su objetivo era claro: de hacer música para divertirse y traer a la actualidad un género que ya es poco escuchado hoy.

En general ellos suenan como profesionales y un poco más pesados por la voz más grave de Arturo. Esto es lo que pensamos, ¿tú qué opinas?

Su estilo se mueve entre varios géneros pero se especializa en la mezcla de jazz electroacústico contemporáneo.

Entre sus canciones más conocidas se encuentran “Together”, “The Ballad of Love” y “Berlin” que se encuentran entre sus 18 EP’s y LP’s, sin contar singles y remixes o todos los proyectos en los que ha participado.

Sin duda Dee C’rell no sólo es un gran músico, sino que también un creador nato que une la poesía, jazz y electrónica de una manera tan sutil y bien hecha; cada instrumento o sonido que escuchamos pertenece a ese lugar y es la suavidad, muchas veces sensualidad, de la música, la que te lleva a sentirte de la misma manera.

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Un año después lanzan su primer álbum Historia de un Cowboy, del cual destacaron tres sencillos: “Italia”, “Sabes” y “Miente”, con los que en aquellos días lograron sonar en distintas estaciones de radio e incluso en canales de televisión musicales.

Ya en el 2009 logran tocar en grandes festivales como Vive Latino (también en 2016), Snikers Urbania, Música para los Dioses y Hola Pelona. En 2011 se lanzan nuevamente al estudio para grabar Plexo Solar, su segundo álbum que como era de esperarse, dio mucho de que hablar; el sencillo “Las Calles de Hoy” fue muy sonado.

Una banda que dejó los escenarios en 2014 y después de tres años volvieron con el sencillo “Estoy Aquí”, para recordarle a sus fans que, en efecto, están de regreso.

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POR MARIANA HERNÁNDEZ ¿Recuerdas las canciones de tríos que escucha tu abuelita? Añádele sintetizadores y demás mezclas contemporáneas. ¿Qué tienes?

La propuesta de Daniel, me estás matando. El dúo toca este género que no pertenece a una época y lo han bautizado como boleroglam.

por Dora Méndez / foto cortesía

En esta edición de Puerta de Entrada, te traemos a una banda nueva que está haciendo ruido en la zona sur de nuestro país, se trata de Deyabú, una banda originaria del centro de Oaxaca.

La banda de rock pop está integrada por Joaquín Leyva (Bajo), Ángel Pérez (Guitarra, Voz y Piano), Alex Ramírez (Baterista), Fernando Bello (Guitarra y voz) y Christian Andrés (Teclados y sintetizadores)

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Platicamos con los músicos y nos compartieron cómo fue que se formó la agrupación, en qué se inspiran para crear y hacia dónde se dirigen en este camino musical.

Nos platicaron cómo se originó el nombre de la banda, siendo esta la representación de su más grande sueño: hacer música.

“Deyabú, proviene de un sueño que tuvo Joaquín uno de nuestros integrantes antes de tener a la banda consolidada, él, soñó al grupo completo cuando aún no lo estábamos y el día que se consolidó, resultó ser de la misma manera”, nos contó Fernando.

Como la mayoría de las bandas, la idea se gestó como un sueño de escuela y ellos mismos nos cuentan.

“Fernando y Joaquín fueron quienes iniciaron con la idea de tener una banda, ellos se conocieron desde la preparatoria, yo los conocí cuando eran un dueto, pero querían hacer crecer el proyecto. Me los presentó un primo que conocía sus gustos musicales y sabía que coincidiríamos en gustos. Después en el primer día de escuela yo conocí a Alejandro nuestro baterista y al final un par de años después conocimos a Christian que fue el último integrante de la banda”, nos platicó Ángel.

“Nuestro primer disco tiene como influencias parte de Caifanes, Los Bunkers, Zoé, DLD, así como grandes figuras del rock clásico, como The Beatles, incluso Queen, las cuales son bandas que han marcado nuestra trayectoria musical”, agregó Ángel.

Aunque ya han compartido escenario con grandes exponentes de la escena nacional, ellos esperan salir de su natal estado y llevar su música a todos los oídos posibles.

“Desde que iniciamos con Deyabú, hemos tenido la intención de alcanzar, grandes escenarios, grandes retos y sueños, tenemos ganas de seguir trabajando duro para poder conseguirlo y alcanzar un reconocimiento importante dentro de la escena Nacional”, nos dijo Christian.

“Nos encantaría compartir escenario en el Vive Latino, en el festival Pal Norte, Teatro Metropólitan, tocar en el Auditorio Nacional y fuera del país como Viña del Mar, en el festival de Coachella, entre muchos otros”, agregó Fernando.

La banda cuenta con una producción, titulada Rayo de Sol que fue lanzada en el 2016; actualmente se preparan para lanzar su segundo álbum.

Por lo pronto la banda sigue preparando su segundo álbum de estudio y aunque siguen pensando en el nombre, las canciones ya están casi listas, pero mientras tanto te invitamos a escuchar su primer álbum Rayo de Sol.

“Para crear nuestra música nos basamos en sonidos más clásicos con guitarras eléctricas y armonías vocales”, nos contó Alex.

Puedes encontrar la música de Deyabú en todas las plataformas digitales y te aseguramos que por ahí encontrarás algo que te gustará.

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THE MAINE POR BRENDA ARRIAGA

WOLFMOTH ER POR QIQE ÁVIL A

LOS AUTÉNTICOS DECADENTES POR QIQE ÁVI L A

EM PRESS OF POR RODRIG O DÍAZ

CH RISTINA ROSENVINGE POR CARLOS SAÍN

AN DRÓMEDA POR CH RISTOPH ER G ONZÁLEZ

DISI DENTE POR ALEJAN DRO SERVÍ N

DRAGONFORCE POR CARLOS SAÍN

/por Carlos Valle

N I N E

I N C H

N A I L S

El cuarto lanzamiento oficial de NIN cumple 20 años, y al darle un repaso en pleno 2019 sigue siendo todo un viaje especial. No era sencillo hacer algo después de The Downward Spiral y salir adelante y menos con la ambición de un disco doble. Pero si algo tiene Trent Reznor, es que nunca se ha apegado a ningún canon de lo que sea.

En The Fragile existe menos poder en los sencillos que en los trabajos pasados, porque es para verse como un todo, para experimentar más con esas esa atmósferas que para Reznor serían el pan de cada día. Con una producción que aún en los estándares contemporáneos, sigue siendo inmaculada.

Para rematar esta alineación, también en la cabina estuvo Bob Ezrin; quien ha colaborado con Lou Reed, Kiss, Pish y Phil Collins entre la lista de personas con las que ha trabajado, siendo la joya de su corona Pink Floyd, con los que fungió como co-productor de The Wall, el -probablemente- disco doble más famosos de la historia.

Toda la experiencia hace que varias personas lo tengan como el trabajo epítome de Trent, ya que en él se conjuga ese proceso artesanal al crear esas letras y desgarrarse por dentro para cantar. Como la canción que le da nombre al disco. Toda una experiencia para el escucha.

The Fragile fue el trabajo que consagró a Reznor como artista, porque creó un disco conceptual en otro sentido de la palabra, ya que no es un conjunto de canciones que hablan de lo mismo o tienen una temática, sino por toda la experiencia del disco, ese, a mi parecer, es el sentido más amplio de un álbum conceptual.

Todo lo anterior sirve para entender por qué dio ese brinco a With Teeth, al intentar construir mundos completos en sus discos. Sin duda algo al alcance de poquísimas personas, porque poder manejar ese sonido industrial, melódico, melancólico, pesado, fino en un solo disco es algo que marcó su carrera porque dejó de ser solo un rockstar enojado con la vida.

Parece ser un cliché, pero por algo lo son. Con el periodo más destructivo de su vida, el más oscuro y con su trabajo anterior, debió suceder lo peor... pero le dio vuelta a eso y lo logró plasmar en su disco. Para la época fue un punto de inflexión de muchos y se quedó grabado en los oídos de todos.

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En él trabajó con Clint Mansell - ya colaboraba con compositores de score antes de Atticus Ross y Danny Lohner- uno de los fieles escuderos de la banda en esas épocas y Charlie Clouser -que además de NIN, tiene varios álbumes junto a Marilyn Manson y Rob Zombie...además de diversos scores de películas-.

/por Jay Ros

“Si

quieres apoyar a tu artista local, deja toda la noche corriendo en repetición uno de sus álbumes en Spotify, así colaboras un poco con él”. Lo anterior es uno de los muchos malos consejos que actualmente vagan en redes sociales, ya que si tomamos en cuenta que Spotify paga aproximadamente $0.0007 céntimos de dólar por reproducción, posiblemente vas a gastar más en tu cuenta eléctrica de lo que dicho artista va a recibir en un mes.

Cada vez se notan más las intenciones de la gente por apoyar a los productores y los DJ nacionales, a los que van comenzando, a los que aún no encabezan festivales; sin embargo, la apatía del público siempre termina ganando. La gente difícilmente compra un CD hoy en día, en servicios de streaming escuchan dos o tres canciones de un disco para después cambiar de artista y las ganas de ir a pequeñas fiestas locales son casi inexistentes, sobre todo cuando tienen nuevas temporadas de Dark y Stranger Things a unos clicks de distancia.

No todo está perdido. Resulta que aun desde la comodidad de tu ordenador puedes apoyar de una u otra forma a un artista nacional o local que esté cautivando tu oído, a través del crowdfunding. Si ya planeabas pagar electricidad en dejar toda la noche tu computadora prendida corriendo Spotify, mejor deposita ese dinero en un proyecto de Kickstarter.

Henry Saiz, DJ y productor español, logró producir y publicar su álbum, Human, junto a un video para cada canción del disco, gracias a la ayuda de sus fans. Un producto de tan alta calidad como el que cualquier artista firmado por un sello millonario pudo haber producido.

Si tu artista favorito no ha planeado aún ningún proyecto de esta magnitud, pídele que abra un Patreon, donde mensualmente sus seguidores le puedan depositar algunos pesos a cambio de material exclusivo, como videos desde su estudio, demos de canciones, entre otras cosas. ¿Quieres aumentar su visibilidad en redes sociales? Únete a su grupo oficial de fans en Facebook y, si aún no existe, inicialo tú. Actualmente, la red social de Mark Zuckerberg da mucho mejor alcance a los grupos que a las páginas de artistas o de medios. Si perteneces a un grupo de Facebook es mucho más probable que veas las publicaciones que se hacen en él, que las hechas desde páginas oficiales.

Síguelo en todas sus redes sociales. Tristemente, muchos festivales y promotores continúan contratando artistas dependiendo de la cantidad de followers que tengan en sus principales redes. No olvides compartir y comentar sus publicaciones, un simple like ya no sirve de mucho con los nuevos algoritmos de Facebook e Instagram.

Y no está de sobra que de vez en cuando, más o menos cada que termines la temporada de una serie, te levantes del sillón y pagues ese cover de $100 pesos para apoyar a ese artista que tanto dices amar. Si los promotores ven que un evento no se llena, es poco probable que vuelvan a llevar al artista a una de sus fiestas.

Si nunca quieres salir porque estás más solo que la señora de los gatos, aquí es donde toman más fuerza los grupos de Facebook. La gente en estos foros ama al mismo artista que tú y por lo general utiliza estos espacios para quedar de verse con otras personas que también van a ir a un evento determinado.

Los grupos de Facebook de DJ como Hernán Cattaneo o Sasha & John Digweed están repletos de gente que se reúne por ciudades para ir juntos a apoyar el evento, mandan a hacer playeras o compran las oficiales, suben videos y fotos para que las vean los miembros del grupo de otras ciudades. Se convierten en los community managers y en la publicidad del propio artista.

Y si en verdad te gusta mucho ese artista, déjaselo saber escribiendo comentarios y reseñas en donde sea

que publique su música. Te habrás dado cuenta que en sitios como Rotten Tomatoes destruyen películas que la gente ama. Las críticas de estos sitios pueden provocar que una cinta no dure en cartelera, pero si la gente sigue yendo al cine y comentando su gusto por ella, esta durará varias semanas en exhibición.

Haz lo mismo con tus artistas favoritos. Que sepan que disfrutas de su música y que al mismo tiempo ayude para que futuros promotores y busca talentos, vean que hay buenas reseñas de sus tracks cuando visiten sus redes sociales.

Si vas a dejar tu computadora prendida toda la noche, gastando electricidad, que no sea con Spotify, mejor déjala minando Bitcoins. Te serán más útiles para apoyar a tu artista que generarle $0.0007 centavos de dólar por reproducción. Bromeo, tu computadora es muy lenta para minar Bitcoins.

/por Arturo J. Flores

L A H A

M Ú S I C A

E N

V I V O

C O S T A D O

U N

R I Ñ Ó N

SIEMPRE

S

i no lo fueran, ¿de verdad habría empresarios interesados en llevarlos a cabo? ¿Las marcas de alcohol y audio se pelearían por patrocinarlos, porque los escenarios llevarán su nombre y se vendiera únicamente merchandising oficial? ¿Figurarían de otro modo artistas como U2, Coldplay, Ed Sheeran, Bruno Mars y Katy Perry, sólo por mencionar a los primeros cinco de la lista de Forbes, entre los músicos mejor pagados de 2018? ¿Tendrían ellos, sus hijos y varias generaciones de su dependencia la vida resuelta, si los conciertos no ofrecerían jugosos dividendos?

Hace poco tuve una pirotécnica discusión con una colega acerca de ello. Comenzó porque se refirió a la preventa que ya casi cualquier festival realiza, como una “estrategia perversa” de venta. Para empezar, el capitalismo mismo es perverso.

Pero es el sistema en el que nos tocó vivir y difícilmente lo vamos a cambiar. Por otro lado, aunque nos duela, hay que reconocer que la música en vivo, específicamente cuando se trata del Corona Capital, el Ceremonia, el Domination o cualquier festival que quieran, no es un artículo de primera necesidad.

Lo siento mucho. Escuchar bandas internacionales es un lujo, aunque el corazón hippie, chairo, de algunos melómanos no lo quieran ver así.

Pero lo ha sido siempre. Pueden preguntarle a quienes han estado antes que ustedes. Claro que hoy parece que es más costoso asistir a un festival, porque estos se han llenado de actividades, beneficios, áreas especiales, VIP’s y experiencias que representan mayor comodidad y menos sufrimiento para quienes pueden pagarlas.

No puedo que esté bien o mal. Solo estoy convencido que así funciona el mundo y los festivales no son sino un espejo de esa realidad. Hasta en Disneyland existe un fast pass para quienes no quieran formarse. El mundo capitalista siempre ha sido voraz, y si la música en vivo se perfiló como un producto aspiracional de gran consumo, sobre todo en tiempos en el que las grabaciones dejaron de serlo, ¿qué de extraño tiene que las corporaciones quieran comerse el pastel? ¿Cuándo han dejado de salivar cuando huelen el dinero? Es decir, no son las preventas con tarjeta bancaria las perversas, perverso es el sistema económico en su totalidad.

Y aunque nos duela, siendo partícipes del frenesí consumista que encierra asistir a los festivales, fomentamos su existencia.

Somos cómplices, pues.

Pearl Jam ya intentó, en el pasado, declarar la guerra a Ticketmaster, y fracasó estrepitosamente. ¿Por qué habrían de bajar los precios si hay gente que los paga? Mientras el sold out adorne los carteles (en algunos casos, en otros países, antes incluso de revelarse el elenco que integrará un festival), los costos continuarán elevándose.

De acuerdo con una nota publicada por Milenio el año pasado, el Auditorio Nacional logró una posición como el foro que más facturó en 2017 alrededor del mundo, con 1 millón 466 mil 180 boletos. Mucho más que los venues estadounidenses y europeos.

En el mismo artículo, se valúa a la industria de conciertos en México en 386 millones de dólares, según la consultora PwC. ¿Cómo no será “perversa” la estrategias si somos tan rentables? ¿Y la crisis, apá?

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Argumentaba mi colega que entonces, adónde quedaba relegada la pasión por la música.

Le respondí que la música nunca sido lo más importante en los festivales masivos. Se asegura que las bandas que integran un inventario atraigan a un público determinado, en edad y poder adquisitivo, para que las marcas que invierten dinero en activaciones y venta de producto continúen haciéndolo en las ediciones venideras.

Hasta el más entusiasta, exigente e independiente de los promotores anhela que su festival sea un buen negocio.

No tiene nada de malo. Genera fuentes de trabajo y paga nómina y nomina. ¿A poco el stage manager, el ingeniero de sonido y el grupo headliner aceptarían por respuesta un “pues no me salió el numerito, no podré pagarte, pero puedes estar satisfecho: lo hicimos por la música y por la gente que verdaderamente la ama”?

La mayoría de las veces los músicos internacionales ya cobraron íntegros sus honorarios cuando el festival aún ni se realiza. Todos quisiéramos que se nos pagará por nuestro trabajo de manera justa y oportuna, independientemente de las pasiones que genere.

Pero insisto, la mercadotecnia solo se ha adaptado a los tiempos. Si antes había que formarse, acampar prácticamente a las afueras de un vetusto Mix-Up, para obtener una localidad, hoy hay que poseer determinada tarjeta de crédito y ser muy veloz a la hora de teclear en la computadora.

Pero siempre, desde que se vende un boleto, la música en vivo ha costado un riñón.

THE NATIONAL

SPIRIT

I AM EASY TO FIND

KING GIZZARD & THE LIZZARD WIZZARD

Por Ma. José Sánchez

Por Qiqe Ávila

FISHING FOR FISHIES

Siempre cae bien un EP entre disco y disco y los tiempos estresantes de las giras.

Mike Milosh lo sabe bien y por eso este año nació . Armado con un pequeño piano de juguete, Milosh creó ocho canciones en las que este instrumento es protagonista.

A veces susurros y otras tantas con su característico timbre de voz, Milosh se adentra en la introspección, la calma y los deseos que estructural y armónicamente, a veces remontan a canciones de sus trabajos anteriores como “Woman”.

El minimalismo y el distintivo juego de armonías que caracteriza la música de Rhye se encuentra presente en todas las canciones con el objetivo de invocar el sonido del piano y dirigirlo hacia un espacio íntimo, tibio y hetéreo. no será un EP que marque un hito en la obra de Rhye pero cada canción que lo compone es un cobijo para el alma en distintas situaciones, desde “Needed”, hasta “Awake”, pasando por “Patience”, está última en colaboración con el compositor islandés Ólafur Arnalds, quien logra mezclar perfectamente su estilo con la voz de Milosh.

Este nuevo material, la banda originaria de Cincinnati, captura de diferentes formas lo caótico. Sobre todo cuando se trata de mezlcar la dosis necesaria de referencias para reflexionar y analizar las sensaciones a las que nos enfrentamos, mismas que con sutileza y quietud integran la cotidianidad que percibimos.

Por todo lo que llega a nuestros sentidos con apariencia algo ridícula existe algo que nos lleva a comulgar en más de una ocasión con esta y sus diferentes formas de expresión.

Los elementos musicales son similares aunque con diversos complementos y acentos en su ensamble. Por una parte están los ingredientes característicos de la banda y por otra se incluyen con elegancia las voces femeninas que acompañan y protagonizan en más de una ocasión las melodías.

Particularmente, I Am Easy To Find tenía una expectativa muy alta, sin embargo solo queda amarlo o dejarlo en el olvido. Todas sus cualidades positivas en cuanto a lírica y concepto son proporcionales a la carencia de explosión instrumental de la que sabemos sí son capaces.

Por Qiqe Ávila

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De ningún modo podemos evitar sentirnos en otra época cuando Stu Mackenzie y compañía toman sus instrumentos para grabar un nuevo disco en sus acostumbrados desbordes de creatividad; aunque sí esperábamos algo nuevo y diferente no contábamos con que este material se desenvolvería de una forma un tanto radical al trabajo que ya conocíamos, haciendo de esta entrega un paréntesis interesante en su trayectoria.

Claro que no todo es velocidad y a partir de este punto la estructura básica de Rythm & Blues se vuelve la columna vertebral de esta breve fase que no olvida su origen en el Distortion + Sustainer que los ha caracterizado desde que la escena los vio nacer.

Aunque el sonido es más amigable, orgánico y fácil de digerir se vuelve complicado engancharse al instante con alguna pieza en particular, pero no podemos omitir el reconocimiento a su exitosa intervención con sintetizadores en “Cyboogie”, ya que es un terreno que pocos logran conquistar y aún más por la valentía de apostarle como primer sencillo.

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RHYE

LIZZO 049

CUZ I LOVE YOU Por Ma. José Sánchez Lizzo no es ninguna improvisada en la música, su carrera e inquietud musical la han llevado a ser parte de distintos grupos como The Chalice, Grrrl Prty y Absynthe. Desde 2013, inició su carrera en solitario y lanzó su debut Lizzobangers, después le seguieron Big Grrrl Small World en 2015 y Cuz I Love You, su tercer disco estrenado este año con el que logró despuntar su carrera más allá de lo imaginado. ¿En qué se diferencia Cuz I Love You de sus trabajos anteriores? Sencillo, todo el disco está lleno de potentes mensajes y arreglos que empoderan y conectan a distintos niveles que van desde el body positive hasta la sexualidad, raza y amor propio.

El álbum contiene muchos puntos fuertes como “Juice”, “Jerome”, y “Tempo”, esta última en colaboración con la leyenda del hip hop femenino Missy Elliot. Ya hablando de colaboraciones, vas a encontrar también una de Gucci Mane. Desde la portada hasta el último segundo, Cuz I Love You es un disfrute que reconfigura las formas de ver, sentir y pensar dentro de un mundo tóxicamente eurocentrista.

BILLIE ELLISH

WHERE DO WE GO WHEN WE FALL ASLEEP Por Saraí Arteaga Desde Don’t Smile At Me, Billie Eilish prometía traer a la música pop un sonido innovador y definitivamente no defraudó con el álbum debut que cuestiona: “¿A dónde vamos cuando dormimos?”.

Con tan sólo 17 años, Eilish escribió, produjo y grabó estas 14 canciones inspiradas en su mayoría en pesadillas que ha tenido a lo largo de su vida, con la única ayuda de su hermano mayor, Finneas y un estudio instalado en su casa.

Desde los cuatro sencillos se podía visualizar la personalidad de todo el álbum. “When The Party Is Over” y “Wish You Were Gay” son canciones lentas y hasta cierto punto dulces; mientras que “Bury A Friend” y “You Should See Me In A Crow” son tracks mucho más agresivos.

Todos los elementos utilizados en Where Do We Go When We Fall Asleep son realmente acertados; va del pop a la electrónica de canción en canción, tiene la dosis de agresividad perfecta con referencias a The Office.

Durante todo el álbum, Billie muestra el perfecto dominio de su voz, por lo que promete ser el siguiente modelo a seguir de la música pop contemporánea.

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RODRIGO Y GABRIELA METTAVOLUTION Por Carlos Valle Rodrigo y Gabriela siempre son garantía de calidad. Tal vez son eso a lo que todos deberíamos aspirar a ser. Cada disco nuevo tienen una evolución muy notoria y con este álbum llamado Mettavolution se nota más -y un poco que son fans de Santana-.

Pasaron de ser una banda de covers hasta ser “su propio artista”, de saltar a la fama con versiones de Metallica a hacer Rock/Metal instrumental sus propias obras, en las que pueden desplegar todo lo que hacen con la guitarra.

Todas esas capas que yuxtaponen haciendo también de la guitarra una caja de ritmos para luego ni saber de dónde salen esas percusiones. Sin mencionar que siempre desbordan energía en cada track; dejarse la piel en el arte cobra mucho sentido aquí.

Para no olvidar sus orígenes, hicieron un cover de “Echos” de Pink Floyd, uno de los íconos de la banda y del rock. Una canción que intenta seguir fielmente a la original para que sepas de cual se trata, para que sea reconocible, y que al final termina con la impresión de su sello.