Revista The 13th N° 44 by Revista The 13th

The13th AÑO: 4 | NÚMERO 44

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

REALIZACIÓN Y DISEÑO

[ Departamento de Música ]

Diego Centurión

Alex Bretto

[ Departamento de Literatura ]

Benjamín York

Pablo Ravale

TRADUCCIÓN

Darío Martinez

Franco Doglioli

Pablo Müllner

Diego Centurión

Bernardo Jimenez Mesa

Gabo Rojo

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jairo Mansur

Diego Centurión y ARMS.

Marina Cimerilli Jefe de Departamento de Literatura:

Max Wilda

[ Fotografía ]

Pablo Müllner

Nazarena Talice

Pablo Ravale.

Lily Moonster

Jefe de Departamento de Música:

Marina Cimerilli.

Diego Centurión Jefe de Departamento de Colombia:

[ Departamento de Colombia ]

César León

Alejandro Cenizacromada Bernardo Jiménez Mesa César León Jennifer Isania Fonseca Sánchez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Los Fotógrafos que cedieron sus imágenes para ilustrar las diferentes entrevistas y notas en este número.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Marzo 2018 Antes de que cierre el mes de marzo volvemos a estar presentes con una nueva revista. En este número nos aninamos a empezar a buscar cambios en algunas diagramaciones y en incorporar una nueva sección como "El Sonido" en donde entrevistamos a un músico para que nos cuente sus secretos para obtener su sonido. En abril cumpliremos los primeros cinco años de existencia y ya nos ponemos a trabajar en algo especial... Traemos otro número para este marzo que finaliza. A todos los que se animan a apoyar y creer en esta publicación les decimos ¡Gracias!

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE

JORGE EXPLOSIÓN

NOVA FLARES

HELIGOLAND

IN CORP SANTICS

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

EL SONIDO RALF AUSSEM

EL RECOMENDADO

MUSIC CORNER

EL GRAN BÚFALO BLANCO

ATLÉTICO CHIPSET

BLURRED CITY LIGHTS

NOSTALGIST

AUTUMN

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA

PALABRAS

ARENA

? NETLABELS Plus Timbre

ENTREPISOS RADIO

110

HIDDEN TRACK

102

PURA MELOMANÍA

120

SOBRE LA PORTADA

148

EN CONCIERTO

104

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

132

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

Abrementes Fizz The Stone Roses - The Stone Roses (1989) Promediaban los 80s y en Manchester se estaba gestando una revolución musical que en apreciación personal sería la nueva psicodelia. Esto no se debía solamente al aspecto sónico, muchas de las influencias eran del psy, garage rock y mod, sino también en las liricas. Madchester, como fue denominada la movida (gracias al tema de Happy Mondays) acunó al proyecto de un personaje de apellido Brown y nombre Ian. Este proyecto fue Stone Roses y su primer disco homónimo es quien me acompañará junto a un Abrementes Fizz, de autoría propia (1 parte de vodka infusionado con jengibre, ½ parte de jugo de arándanos y completar soda, para la versión liviana, doblar la cantidad de vodka para una experiencia más interesante). La expectativa de sabor se acompaña con la intro del tema insignia de la banda I Wanna Be Adored, genera incógnita hasta escuchar la característica voz de Ian, la continuidad sonora es lo que siempre me hizo recordar a un viaje espiralado (de los que el gran ARMS puede comentar en algún otro capítulo). Casi rozando el shoegaze tiene un fuerza creciente que, situados en ese momento temporal, rompió con un esquema prediseñado de canciones de éxito. El beatlesesco She Bangs the Drums es un tema alegre como las notas de arándano de mi cocktail, dulce, pero hay que poner poco, sino empalaga… Waterfall es otro exponente del género, la composición vocal tiene ese dejo californiano, excelentemente cortado por el riff, si le sacara la posproducción, sería pure garage. Interesante intro (reversión del riff del tema anterior) para Don’t Stop, de hecho es todo el tema en reversa, pensé que el efecto del Abrementes era mayor del calculado, pero no, son ellos, así estaban. Coqueteando con el britpop llega Bye Bye Madman, fluye, bailable, para un refill necesario. Elizabeth My Dear, otra reminiscencia a las costa pacífica, casi folk, hermoso, tanto como (Song for My) Sugar Spun Sister, para bailar acompañado y no solamente por el vaso. Made of Stone, tiene todo lo que tiene que tener, el solo de guitarra incluido, reverb, phaser, empuje divino, la idea es la sensación de vuelo pero también de caer… 3er vaso… el tema desacelera, yo no. Shoot You Down, suena antiguo, demasiado, pero no lo es, tiene algo, no sé lo que es… pero es hasta actual. Se va cerrando el viaje y aparece This is the One, otro beatelesco pero con vuelta de tuerca, como si los fabfour hubieran saltado 20 años y se hubieran encontrado con la escena, también hubieran tocado I Am the Resurrection. Lo que me sorprende de este disco es que empieza de menor a mayor, nuevo a old school, pero sin perder el eje contemporáneo. Es evidente la mano de John Leckie (George Harrison, Ride, Simple Minds, New Order, The Verve, My Morning Jacket, The Fall y Radiohead entre otros) como productor; también Peter Hook metió mano en Elephant Stone, salido previamente al disco pero presente en la versión USA y no quiero dejar de mencionar este track. Lamentablemente Stone Roses no tuvo la producción que se esperaba luego de su arremetida y bien aceptada aparición, peleas internas, egos hicieron que duraran poco, tanto como sus intentos de vuelta… por ahí esa es la razón de que sean de culto, tanto como su estilo inconfundible. Este disco tiene fuerza y termina así, con fuerza. Como yo, con la mente abierta y los sentidos también, jengibre y etanol, dulce y burbujeante ¿Qué pasó con esa nueva psicodelia que pensé que se venía? Analizaré en otra ocasión los demás exponentes, pero me parece que la cosa está en que usaron las drogas equivocadas… ¡Salud!

[ Entrevista a Jorge Explosiรณn por Diego Centuriรณn ]

UN DOCTORADO EN EXPLOSIVOS

Doctor Explosión visita la Argentina en una gira que incendiará varios locales de Buenos Aires y otras provincias. A un año de cumplir treinta años de existencia la banda sigue dando batalla enarbolando la bandera del rock más enérgico que revive esos años de los 60’s, en donde el rock, buscaba romperlo todo. Doctor Explosión es un baluarte de ese rock primal, en donde la energía lo desborda todo. Y nosotros nos contactamos con él para conocer su manera de pensar e invitarlos a sus shows. Hola Jorge gracias por darnos la oportunidad de realizar esta entrevista. Para empezar empezamos por el nombre de la banda, ¿de dónde sale Doctor Explosión? El nombre sale de un episodio de Hill Street Blues, ¡el capitán Furilo!, en un episodio había un tal profesor explosión que amenazaba con explosionarse en la plena calle como reivindicación social, eso llamó mi atención poderosamente y pensé que si le ponía Doctor tenia los nombres de dos bandas que me molaban, Doctor Feelgood y Music Explosion, y además funcionaba en inglés y castellano El proyecto sale de las mentes de tres adolescéntricos enloquecidos por el Garage y el rockandroll de una ciudad de provincias del norte de España con ganas de divertirse y conocer mundo tocando rockandroll y emulando a sus ídolos The Kinks, Stones, Fleshtones, Remains, Yardbirds, Brincos.

nes como “Es El 69” o “Satán sal de mí” las haremos en esta gira. Con la formación actual de los explosión tanto la formación que me acompañará en estos conciertos procuro mantener en esencia el espíritu original de mediados de los 90’a, (si bien al principio éramos otro tipo de garaje, más purista con el rollo mod 60’s rhythm and Blues, o eso nos parecía a nosotros). Tocaremos un poco canciones de todas las épocas del grupo con cierta coherencia en el garage, el beat y el rockandroll y en el hacer un show salvaje y fiestero que incite al desenfreno y a una comunión orgiástica de despiporre colectivo

Ustedes han salido mucho antes de lo que se llama el "revival del garaje rock" con bandas como The Hives, por nombrar una banda. ¿Escuchas lo que sucede en la escena mundial? Si claro, estoy bastante al día de lo que sucede en todo el mundo y hay bandas increíUna vasta carrera los precede como ban- bles que me flipan. Paso mucho tiempo en da. Hoy a casi treinta años de su nacimien- Austin Texas y en Los Ángeles y allí me emto, ¿qué crees que ha cambiado en Doctor papo bien de todo lo bueno, bandas como Explosión desde aquellos primeros días? Triptides, Levitation Room, Frankye and the Ha cambiado todo, y a la vez nada, la esen- Witch Fingers, Jesus Sons, Hoover iii, The cia sigue intacta, pero de aquella éramos tres Schizophonics... me gustan mucho, también entusiastas inexpertos. Ahora tenemos mu- me encanta el nuevo disco que acaban de cho a la espalda y algo (poco) hemos apren- sacar mis amigos The Black Angels, también dido. En Doctor Explosión ha habido varios me encantan Boogarins, otros punks del norcambios de formación debido a avatares de te de Texas que vi actuar hace poco y me la vida, pero la formación original seguimos gustaron... Acid Carrusel, otra banda que me adelante actuando y tocando juntos como encanta de Austin....A Giant Dog, en Puerto LAS MUNJITAS DEL FUZZ, que en esencia Rico estuvimos el año pasado me fliparon Vies el espíritu doctor explosión al 100 por 100 gilantes, Reanimadores... podía estar nompero con letras escritas bajo la perspectiva brando grupos sin parar, ahora es un buen de una monja cristiana y de cómo esta ve el momento para el rockandroll. mundo de los jóvenes y el garage y se atormenta por su lado humano y sexual, cancioSiendo un fanático de los, como tú di-

ces, "viejos cacharros" en referencia a tus equipos y estudio de grabación. ¿Cómo te llevas con las nuevas tecnologías? Tanto la electrónica, si se quiere hogareña, como las nuevas tecnologías de grabación y las plataformas de Internet para lanzar material. Siempre lo digo, la tecnología al final ¡¡siempre te jode!! Odio la tecnología digital, los putos teléfonos, ordenadores y programas y toda esta puta mierda digital, pero que se le va a hacer es lo que nos ha tocado y hay que convivir con ello, pero me saca de quicio, sobre todo cuando hay webs mal diseñadas y te quieres sacar un billete de ferry y el sistema te pregunta ¿“crédito anterior”? y tú te quedas con cara de gilipollas diciendo, ¡mecaguensuputamadre! y tienes que ir a pie a la estación a sacar el billete allí. ¿¿¿¿Pero quién es el hijo de satanás que diseña esas webs???? Supongo que lo digital tiene también su lado bueno y universal, pero nos está convirtiendo a todos en gilipollas. ¿Qué bandas has producido últimamen-

te en tu estudio? Pues lo último que he hecho es The Schizophonics, una banda de San Diego tremenda, puro MC5 mezclado con Psych y Soul, ¡¡La virgen!! También he mezclado y retocado unas guitarras del nuevo single de The Abstinence. He estado haciendo un single nuevo de Bobkat 65, hice también el LP.También, que está apunto de salir, el nuevo álbum de Micky de los míticos Micky y los Tonys de los 60, hemos grabado 10 temas nuevos en mi estudio de Gijon y saldrá esta primavera verano. También Supersiders de Gijón, y he masterizado también algunos grabaciones interesantes de Los feedbacks y Sumision City Blues. Apoyándonos en "El día que David Bowie Murió" te pregunto, ¿qué bandas escuchas de otro género? Bueno como ya he contestado antes, casi todas las bandas q escucho son de lo más variopinto y de rollo así garage tampoco escucho tanto. Me flipa el country, últimamente estoy flipado con Sanford Clarck y con EL Quinto.

Bandas legendarias como TheSonics, TheShadows o lo que queda del Dr. Feelgood siguen activas... ¿Cómo ves a Doctor Explosión en el futuro? El día que no sea defendible en directo con honestidad la energía y la locura que quiero transmitir con Doctor Explosión, ese día habrá que terminar con el asunto. Nada es eterno, sólo ¡el Dracula yeye!

dos shows The Schizophonics, ahora tocaré con Tatu y Juano de The Abstinence, antes justo de salir de España actué con Kaplan al bajo de la formación del Chupa Aquí. La cosa es que ¡¡el espectáculo no pare!!

El último álbum de la banda salió en el 2010,“Hablaban con frases Hechas”. ¿Ya hay planes de un nuevo álbum? Si hay un álbum que empezamos a grabar El humor es una constante en tus letras, en 2016 y que está incompleto y quiero ter¿qué tan importante es el humor en Doc- minar en breve, también uno de Munjitas del tor Explosión? Fuzz. Me gustaría grabar algo con Tatu y JuaEl humor es todo, es la forma de desdrama- no también, le dan un rollo acojonante a las tizar y disfruta la vida, y poder reírse de todo canciones y quiero registrar eso y que quede y sobre todo de uno mismo es lo más nece- ahí en un disco. También quiero sacar una sario. colección de singles con Subterfuge Records en España, reeditando material antiguo y los Después de algunos cambios en la for- primeros EPs junto con singles nuevos, tammación, ¿hoy cómo se presenta la banda bién me gustaría publicar algo aquí en Argenen vivo? tina. Hoy en día conviven Munjitas y Doctor Explosión que son cosas similares, Munjitas es ¿Qué expectativas tienes con los shows algo muy loco ya que es monotemático con en Argentina? el tema de la religión, que allí en España es Sonar mejor que nuca, muy conjuntados y algo muy serio. Nuestra educación fue muy hacer el loco y tirarme por el suelo y subirme estricta en ese sentido y ¡ahora es mi revan- a las barras de los bares y bailar y saltar y cocha! ¡¡haha!! nocer a amigos del garage y descubrir sitios Doctor Explosión tiene varias formaciones nuevos increíbles y ver cómo vive por aquí la en activo dependiendo de la disponibilidad peña y pasarlo bien. de unos y otros y del lugar del mundo donde este. Me gusta esta nueva faceta de viajar Muchísimas gracias por ser moderno y solo y juntarme a tocar con amigos en distin- eterno... tos países, hace poco me acompañaron en Y estar pasándolo bien…

[ Entrevista con El Gran Búfalo Blanco por Pablo Müllner. Fotografías: Flor Casella, Gastón Reboreda y Sofía Ondarts ]

HACIENDO TECNOPOP CON ACTITUD CHARLES BRONSON

El Gran Búfalo Blanco es una banda de synthpop formada por Juan Pablo Di Paolo (voz), Gonzalo Formoso (bajo), Andrés González (batería), Javier Medialdea (sintetizador y coros) y Tomás Stagnaro (sintetizador y coros). Ya los teníamos de escucharlos en vivo, donde habían logrado sacarnos de la inercia del espectador y nos habían hecho mover el pie al ritmo, al “Groove” como dice su cantante Juan Pablo. Sus melodías suenan cáusticas, hipercompactas y cubiertas de neones azulados. Tal como los pasos de baile que tira Juan Pablo en el escenario, Gran Búfalo es una banda, en el mejor de los sentidos, desafectada. Se corren del formato “solemne” donde los músicos tienen que dar “una cátedra” o “convertirnos a suculto”, aunque puede que haya algún guiño a eso desde un lugar mucho menos egocéntrico, más irónico… Todo confluye como excusa para sumarnos a sus deleite del ahora y a sus movimientos robóticos y descontracturados. En esta oportunidad nos contactamos con Juan Pablo, apropósito de la edición de “Tarde” el álbum editado en Septiembre del año pasado, y en ese grado de frescura que nos transmiten nos sale solamente decir: “Che, el disco está buenísimo!”. Para dar un poco más de precisiones “Tarde” es un perfecto balance entre el detallismo del estudio y la frescura de las canciones, del formato de una banda y de la libertad para experimentar, de una sana predisposición a no ponerse “denso” y también una conciencia de un mundo bastante nefasto. Todo eso en media hora y pico de vibrante tecnopop.

Tarde, hace referencia a que es un disco que llegó “tarde”, capaz, o ¿se hizo esperar demasiado, o tiene más que ver con la hora donde empezaría a sonar la música para bailar? Es un encuentro entre las cosas que enumeras. Fue un álbum de proceso largo, con mucho movimiento en el medio. Sucedieron cosas increíbles como la noche anterior a ingresar finalmente al estudio, a Tomás (sintetizadores) lo roban en la calle, lo empujan y al caer se fractura la mano. Fueron seis meses de oscuridad. Una vez terminado ya con el arte listo surgió el nombre, casi que decantó. Me acuerdo de haberlos visto en vivo bien a fines de 2016 y alguno de los temas del disco ya estaban sonando en vivo y haciendo bailar a la audiencia. Era la primera vez que los veía e hice una reseña bastante larga, y copada desde ya, me dio la impresión que eran una banda que tenían un tiempo de tocar juntos, por lo aceitado que funcionaban como conjunto. ¿Cuándo y cómo empezaron? Esa formación que viste tenía 4 meses aproximadamente y es la actual con la que estamos

preparando las nuevas canciones. Encontramos un groove juntos que es muy hermoso. El 2017 tocamos una vez por mes y ensayamos mucho. Tal vez decir ensayamos suene a perfeccionismo pero lo que hicimos más que nada fue pasar tiempo juntos en la sala, primero conectando emociones en el living y luego adentro con los instrumentos. La dinámica fue zapar, luego interpretar las canciones del álbum. Creo que el resultado de esos encuentros es el germen de lo que viene. A partir de esa fecha me fui metiendo más y más a ver bandas de la escena electrónica local y siempre percibí algo muy en común, más allá de que ninguna suena igual a la otra: una apelación muy a disfrutar lo inmediato del momento, a dejar de lado el prejuicio y moverse el cuerpo al ritmo de, en ese sentido, el frontman siempre es como uno más, el primero que se anima y saca a bailar a la audiencia… ¿Lo sienten un poco así? La presentación en vivo tiene mucho de energía, entregarse al goce compartido. Desde luego que si sos apático o sembrás barreras entre la banda y el público, la cosa no termina de ma-

nifestarse. Creo que uno trabaja en los ensayos para poder disfrutar en los shows y si eso pasa, se transmite y vuelve con más fuerza. ¿Cómo eligieron el nombre de la banda? A mí me sonó a una banda bien hard rock, con esto del mito de la mujer “búfalo blanco” y la peli de Charles Bronson, venía de western o roadmovie. ¿Estuvo en la intención inicial desconcertar uno poco, correrse del estereotipo? Queríamos un nombre que destaque como Charles Bronson en pantalla. En lo que decía un poco al principio de que me parecen una banda que no es para nada “frívola”, pero que deciden tomarse un poco lo nefasto del mundo en joda me parece que hay unos versos que explican perfecto lo que quiero decir: “El mundo está lleno de genios, pero trabajan de lobistas” en la canción Personal. O la referencia a “los magníficos pasos que estamos tirando” en Fe, tienen bastante de esa “claridad mental” que se produce cuando uno sabe qué fumar… Podría decirse que son manifiestos políticos estéticos no panfletarios (ah re). Volvemos a Tarde, a lo denso que fue este álbum ahora imagino que el contenido pudo haber marcado los tiempos. A la vez siempre me gustaron esos discos que muestran paisajes de la época en la que se

hacen. Si bien hay tres autores en las letras, todos confluimos de algún modo en las temáticas. La épica en busca de libertad se dijo con palabras y se acompañó con música. En ese sentido pensaba en cuanto de lucidez fue adquiriendo la cultura stoner (pelis, música) a la cual re banco, por supuesto, pero que al principio se la consumía como una rareza, como un culto a lo bizarro, pero creo que con el tiempo fue decantando más de una verdad sobre su mirada de las cosas… ¿Les parecería bien si los catalogamos como una banda de synthpopstoner? Me parece MUY bien, vamos a agregarlo a nuestro catálogo de etiquetas. Hablando un poco más en serio, ¿pueden contarme algo de lo que significa trabajar en el estudio con un mito como lo es Daniel Melero? ¿En qué cambió a El Gran Búfalo Blanco la mano “mágica” de Melero? A decir verdad, él masterizó el álbum, si bien intercambió llamadas telefónicas con Javier nuestro productor, nunca estuvo con nosotros en el estudio. Recibíamos sus comentarios, sus másters y solo respondíamos con sumo agrado los resultados. Es un personaje adorable en sus desvaríos. Creo que algo de lo que más me atrajo del sonido de “Tarde” es que comprime en poco

tiempo muchísimas “épocas” de la electrónica, quiero decir que escucho por momentos ecos de Kraftwerk pero también cosas mucho de los ochenta, mucho de nuestro pop nacional y sonidos mucho más contemporáneos como Daft Punk o BasementJaxx ¿Qué escuchan fuera de lo electrónico por ejemplo? ¿Qué los influencia cómo banda? Es probable que lo que menos escuchemos sea música electrónica, la paleta musical es de lo más variada que puedas imaginar. Tuvimos una temporada (breve) en el que disfrutábamos bajándole la velocidad a ciertas canciones virándolas a un falso vaporwave. Acariciamos la cúspide de esa experiencia con la canción Aserejé. Aaaahh influencias… cuando miro la copa que sostiene el personaje en la tapa de Tarde, pienso que ese cóctel blanco en apariencia probablemente represente todo aquello por lo que somos influenciados. Por momentos existe una certeza acerca del contenido y al rato las posibilidades se multiplican.

¿Qué le depara el futuro más cercano a El Gran Búfalo Blanco (fechas en vivo, grabaciones, etc)? En este momento estamos preparando unas canciones nuevas para llevarlas al estudio en mayo. Mientras tanto, tenemos algunas fechas por delante en los próximos meses. Vamos a seguir haciendo Manantial, el ciclo que gestamos el año pasado, tal vez tocando menos pero invitando artistas que nos gustan. Están dando vuelta algunas ideas para hacer unos videos de otras canciones de Tarde y a mitad de año hacer una presentación formal del álbum (cosa que no hemos hecho aún). Algo que les gustaría agregar antes de terminar? Estamos abiertos a invitaciones para mostrar nuestra música en todos los rincones de este planeta y alrededores. Muchas Gracias, Gran Búfalo Blanco. Gracias a ustedes por la generosidad y el tiempo.

[ Entrevista a Jason Wagers de Nova Flares por Diego Centuriรณn. Photographs: Destiny Robb]

MEMORIAS Sร NICAS

Una nueva banda que nace, una nueva estrella en un firmamento infinito. Una nueva luz. Un nuevo recuerdo brillante, dejando su huella, creando una memoria de lo que fue, lo que es y lo que será… Nova Flares, un nuevo proyecto que deja una huella, que llega a nosotros justo antes de la salida de su EP debut, apenas recién nacido, con su primer single adelanto. Con ustedes Nova Flares… Hola Jason, gracias por aceptar esta entrevista. Para empezar esta entrevista me gustaría que expliques el nombre del proyecto. Bueno, para ser completamente técnico, un Nova Flare es el estallido causado por la colisión de dos estrellas después de que explotan, que se desvanece lentamente de la vista dando la percepción de una nueva estrella mucho más brillante. Una memoria visual, si quieres. Esa es la misma forma en que pensé en estos temas cuando los escribía. "Diarios de audio estéticos" o "memorias sónicas". Las canciones en este EP son completamente instrumentales y están destinadas a asumir cualquier significado que el oyente sienta al escuchar las pistas. ¿Cuándo y cómo nace Nova Flares? Junio 2017. Acabas de lanzar un single debut, “Gut Splinter”, ¿cómo ha sido recibido este single? ¡Creo que fue recibido muy bien! Todavía creo que está siendo digerido, pero los comentarios que he recibido hasta ahora han sido muy buenos. Esta canción establece el tono perfecto para este proyecto y todos los lanzamientos futuros. Es la pista por excelencia de Nova Flares. ¿Cómo nace este proyecto? Mi amigo más cercano comenzó a volver a filmar a principios de junio de 2017 y sacó a relucir que debería escribir música para los videos musicales que quería hacer. Hicimos muchas lluvias de ideas y hablamos de lo que queríamos en los videos durante algunas semanas cuando finalmente decidí comenzar a grabar la prime-

ra canción, que se derivaba de este pequeño riff el que había estado tocando durante unos días. Mientras grabé la canción, simplemente pensé en las imágenes y traté de reproducirlas. Nunca antes había grabado así. Después de grabar la primera canción, realmente me gustó, así que seguí grabando sin parar durante todo el verano hasta que escribí y grabé un álbum de canciones. Justo lo que sea que quisiera grabar ese día, lo haría. Lo curioso es que fue casi involuntario. Esta música estaba saliendo de mí casi todos los días. Los videos de los que hablamos nunca se hicieron, pero fueron la idea que inspiró la creación de estas canciones y una vez que se produjo la inspiración, a partir de ahí fue "despegue". Para aquellos que no conocen este nuevo proyecto, ¿cómo definirías la música de Nova Flares? Música shoegaze muy cinematográfica con un toque de surf y neo-psych. Todas las canciones comienzan siendo pequeñas y se desarrollan compositivamente a medida que la pista termina, haciendo que se sienta como una presión que conduce a una explosión de color. A la hora de componer para Nova Flares ¿qué te inspira? Siempre, escuchando otra música. Encontrar más bandas que me gusten y escuchar lo que otras personas están haciendo en todo el mundo me inspira a ser extrovertido y único con mis talentos. Sabemos que para mediados de año llega el álbum debut. ¿En qué proceso se encuentra hoy ese álbum? En realidad, es solo un E.P instrumental que se lanzará esta vez, pero diré que todas las pistas para el E.P están mezcladas, masterizadas y listas para salir. Tengo otras 4 o 5 canciones (no de este EP) grabadas que todavía estoy mezclando y masterizando y planeo liberarlas en el futuro. Nova Flares incluso puede encontrar un vocalista en algún momento, así que quiero guardar algo de mi material para el futuro.

¿Qué puedes contarnos de ese álbum? El EP va a establecer el tono para toda la música futura proveniente de Nova Flares. Puedo decirte que está lleno de emoción, pasión y melodías de guitarra memorables que van muy bien con la conducción en un día agradable. Esta es la música cambiante de verano en su mejor momento. ¿Cuánto tiempo hace que estás trabajando en este álbum? He estado trabajando en el EP desde que comencé a grabar en junio de 2017. ¿Qué planes hay para este año? Este año me estoy volviendo a Louisville Ky, donde colaboraré personalmente con un amigo músico / productor llamado Casey Powell. Él va a ampliar mi educación en grabación de estudio en el año y hacer algunas colaboraciones geniales conmigo. Así que voy a estar aprendiendo y creando todo el año. Después de eso, me mudaré a Austin Texas en junio de 2019.

¿Dónde podemos encontrar a Nova Flares? Primero y más importante: www.novaflares. com Bandcamp, Youtube, Vimeo, Spotify, Apple Music, iTunes, iheartradio, Deezer, Google Play y la mayoría de las otras plataformas de streaming. Agradecemos esta entrevista y tienes este espacio para que nos digas lo que tú quieras. Solo quiero agradecerles por su interés en la música y a todos los que le gusta lo que estoy haciendo. Trabajo 40 horas a la semana además de hacer esta música, así que rompo mis bolas para terminar todo. Lo amo y lo disfruto de grosero, pero quiero enfatizar que cada vez que me expresas que te gusta, literalmente me ilumino por dentro, porque este es el trabajo de mi vida, siempre. Se siente bien recibir comentarios. Entonces, si alguien quiere decirme algo, no dude en enviarme un correo electrónico a novaflaresband@ gmail.com. Gracias a ti y ¡mucha suerte!

[ Entrevista a Atlético Chipset por Benjamín York ]

SOMOS DE BUSCAR SIMPLEZA

En el universo de internet uno muchas veces se encuentra ante pequeñas gemas sonoras que aparecen como sombras fantasmagóricas y desaparecen. Uno sigue andando por las autopistas de la web y vuelven a aparecer formas que llaman la atención, luego un contacto furtivo preguntando algo al pasar, bueno no tanto y en la respuesta está “Vol. II”, y así llegué a Atlético Chipset. Buscando información sobre este cuarteto de Capital Federal me encontré con una frase de Albert Camus: "Porque, después de muchos años en que el mundo me ha permitido variadas experiencias, lo que más sé, a la larga, acerca de moral y de las obligaciones de los hombres, se lo debo al fútbol." Después de esta enigmática carta de presentación que reza tanto en su bandcamp como en su Facebook, nos contactamos con la banda para conocerlos… Para empezar, literatura, fútbol, música… no es una combinación rara acá en Argentina. Ustedes en cierta forma lo ponen en la mesa, ¿cuánto de fútbol y literatura hay en Atlético Chipset? Mirá, la frase de Camus apareció sobre la hora, al momento de sacar el primer EP. Estábamos discutiendo sobre lo que podríamos sumar a la información clásica sobre el proceso de grabación, los nombres de los temas, la duración, los intérpretes, y aparecio eso. Fue un gol de mitad de cancha porque dice algo interesante, que te saca un poco del automatismo de poner un disco, play y oír la música medio de fondo o demasiado atento... Es como una advertencia: Ojo que acá hay más de lo que te llega al oído. La banda apunta a la imaginación. Tenés que relajarte y sentir, ver qué sensaciones te aparecen. Por eso jugamos mucho con la literatura. Y por otro lado, nos encanta el fútbol (aunque sea desde lo nostálgico), porque tiene algo de inesperado y colectivo con lo que nos sentimos identificados. ¿Qué encierra el nombre de la banda, es decir, qué significa? El nombre de la banda es un juego de palabras, viene a aludir un poco a sus orígenes. Juntamos algo tecnológico y algo gimnástico a ver qué salía. Surgió Atlético Chipset, o Atlético Chise como nos dicen a veces. Devino en un club de fútbol de esos que se que

popularizan con el nombre españolizado a ultranza, del estilo de niuls, braun, river plei... Aunque a veces cuesta pronunciarlo, nos gusta que suene distinto. Y con la banda nos pasa lo mismo. ¿Cómo y cuándo nace la banda? La banda nace con otro nombre, Sportivo Drones, allá por 2014 en Casa Fauna. Juan Alberto Badaloni, Kevin Colman Bertoni y Nicolás Granados (bajista de Ayermaniana y Montaña Eléctrica) comienzan un trío pesado, con tintes psicodélicos, experimental. Desde el día uno querían agregar sintetizadores, efectos de delays y reverbs. En un cumpleaños Nico conoce a David Vinazza, y viste como es esto, entre charlas de estilos musicales y discos, le propone subirse a la nave. Desde el primer ensayo, David vino a dejar su marca en la banda con esos estruendosos sonidos que salen de su sintetizador. Al poco tiempo Kevin decide dejar la banda por cuestiones personales, lo que fue un punto de inflexión zarpado. Después de un par de semanas largas, entró a Mariano Refojos y pasamos a llamarnos Atlético Chipset. Con esta formación tocamos bastante durante los años 2015 / 2016, y grabamos Vol I. En retrospectiva, la llegada de Mariano fue clave para que podamos encontrar un estilo más propio, y determinó un gran salto de madurez a la hora de componer. Luego del lanzamiento de nuestro primer EP y tras largas conversaciones Nico se aleja de la banda para profundizar sus otros proyectos musicales. Ahí sumamos a Federico Bianchi al bajo. Fede ni siquiera pasó por el vestuario porque había sido técnico de grabación en Vol I y desde el primer minuto se había copado con la banda. Al toque ya estábamos componiendo temas nuevos. Después de grabar los temas que formarían nuestro segundo disco, la partida por cuestiones laborales de Mariano nos puso otra vez en un desafío. ¿Qué hacer, seguir adelante o abrirse? Viviendo este dilema, a principio de 2017, continuamos mezclando el EP con la intención de cerrar un ciclo mientras buscábamos nuevo baterista. En la era de Sportivo Drones compartimos sala y varias fechas con la banda Doble Gota, que tenía un batero que siempre nos llamó la atención: Alejandro Fieres. El Mono se incorporó al equipo Chipset con la idea de mover un poco el groove y así quedó sólida la formación hasta la actualidad.

Ustedes plantean sonoramente un post rock, si se quiere, con ribetes electrónicos, pero siempre juegan en un mundo de sonoridades espaciales, pienso en “Transitorio”, como ejemplo de viaje estelar… ¿cómo definirían su búsqueda sonora?... teniendo en cuenta que hay muchos lectores que aún no los conocen. Nos sacaste la ficha. A veces decimos que hacemos paisajismo sonoro. Estamos todavía buscando, nos gusta la inconformidad, ir jugando a ver que sale primero y después ir perfeccionando el sonido, pero nuestro lema viene siendo “ir a otro lado”. Nos gusta mucho contrastar los ambientes que cada parte genera. La idea principal es ir creando climas y ver a donde van a parar. Si te fijas, “Transitorio” es un continuo tránsito de una cosa a otra. Nos gustan las progresiones lentas del post-rock, y también romper un poco el molde con algún detalle electrónico como para que digas "opa, ¿que sonó ahí?" ¿Por qué una banda instrumental? En sus orígenes, probamos agregar voces a la formación, pero se nos complicó encontrar el indicado. Estuvimos dos meses rascándonos la cabeza, pero

de pronto entendimos que siendo una banda instrumental podíamos transmitir más todavía. A veces la voz se lleva un poco el protagonismo y no lo vimos como necesario. De todas formas no descartamos incluir voces en el futuro, pero nuestra intención seguramente sea sumarlas a la instrumentación, es decir usar la voz como un instrumento más para transmitir algo bien determinado. ¿Qué bandas sienten que los influencian? Mirá, los gustos e influencias que cada uno declara van a ser muy distintos, y varían bastante con el tiempo porque nos la pasamos escuchando música. Sin duda lo que uno escucha todos los días lo influencia, aunque no sea conscientemente. De pronto descubrís algo que te parte al medio y te encerras a escucharlo. La noche que le pasaron Vulfpeck a Juan cuenta que tenía una cita y la dejó plantada por quedarse hasta la madrugada mirando videos. No hubo repechaje ahí, quedó eliminado jajajaja. Después están los clásicos, bandas que no dejan de sorprendernos como Air, Radiohead, Mogwai, Sigur Ros, Tame Impala, lo mismo productores de música electrónica como Moderat o Tycho.

Hoy como banda, ¿qué los inspira a la hora de componer? No es que tengamos una inspiración puntual o recurrente. Estamos en una pretemporada constante donde conversamos mucho entre nosotros sobre temas o bandas que nos gustan, nos pasamos mucha data. Cuando vino Tycho por ejemplo fuimos todos a verlo onda barra bravas. Después es la atención por el detalle: te paso un tema, mirá lo que toca tal instrumento en tal parte, escuchá el arreglo este o aquel, calá como estos locos generan espacio... Por eso cuando nos juntamos a zapar y componer si se quiere tenemos una idea de cómo generar lo que buscamos. Que lo logremos es otra cosa. Por el sonido que tiene Atlético Chipset me parece que ustedes son una banda más de componer en zapadas… ¿Cómo es el mecanismo de trabajo, si lo hay? Si, tal cual. A veces para entrar en calor o relajar un poco nos ponemos a zapar. Mostramos al vuelo alguna idea que alguno tiene o nos vamos sumando a ver que sale. Después cuando encontramos algo que nos gusta, vamos trabajando con el sonido. Somos de buscar simpleza, tratamos de jugar con las intensidades y la dinámica lo más posible. Nos gusta pensar que queremos transmitir en cada pasaje e ir puliendo eso. ¿Sienten que en Buenos Aires la escena post rock está creciendo o va mutando de trajes con la escena neo psicodelia? Nos duele un poco porque acá casi no existe la escena post-rock (todavía). Hay si cierto resurgimiento del sonido psicodélico si se quiere de fines de los 60s, 70s. Pero a veces decir “psicodelia” es más bien un atajo para no tener que hablar tres horas sobre lo que podría definir a cada banda. Y el post-rock está ahí, a veces en la esencia de una banda, a veces como herramienta preferida, pero no tiene su lugar propio. Hace nada tocamos en el #FESTIACIDO, una fecha increíble que armaron Los Ácidos. Y si, quizá estaba la psicodelia como hilo conductor, pero si escuchás el sonido de ¡cada banda es muy distinto! Hay efectos y técnicas que pueden ser parecidas, pero la búsqueda de cada banda varía mucho. Volviendo al post-rock, la vez pasada encontramos

una banda fantástica, Acantilados, y cuando nos fijamos no tocaban hacía mil años. Lo mismo Bauer ponéle, tienen un sonido fantástico pero tocan muy poco en vivo. No sabemos bien por qué pero hay una carencia ahí. Ahora mismo hay dos o tres géneros vecinos que tienen sus fieles seguidores, algunas bandas o sellos bastante auténticos que le llegan a la gente también (como Paso Viejo y la gente del Antiego), pero el resto de la cancha está bastante embarrada. Tampoco la mecánica de los lugares para tocar ayuda mucho, y si bien hay conjuntos de muy buen nivel, no siempre se los puede apreciar demasiado porque no te van a hacer colapsar Tandil... En junio de 2016 editan su “Vol.I” y en diciembre del 2017 sale su “Vol.II”. ¿Qué diferencias encuentran entre ambos volúmenes? Vol. I, por ser justamente el primer EP, se tornó una especie de racconto de lo que habían sido los primeros años de la banda. Elegimos algunos de los temas que fuimos armando en el paso de casi 2 años como para grabar y que quede registro, no mucho más. Recién en la mezcla caímos en cuenta con más detalle en el sonido que queríamos tener. Vol. II en cambio son temas que nacieron casi te diría con la idea de grabarlos. Mientras los íbamos armando, por más de que hayamos cambiado algún que otra cosa después, ya teníamos en mente que iban a formar parte de un disco corto, con los temas más conectados entre sí, con determinadas atmósferas, momentos oscuros, otros más aireados. Les pido que nos cuenten algo sobre cada track de “Vol. II”. Para empezar, ya va siendo hora de confesarlo: los nombres se los pusimos al voleo. Un poco haciendo asociación libre, otro poco sacándonos un problema de encima ¿Cómo le ponés nombre a algo tan abstracto como la música? Aparte al no tener letras, es muy difícil traducir una sensación, todo un tema, a un par de palabras. Después, durante la mezcla y producción de Vol. II, ¡nos dimos cuenta en que todos los nombres de temas aludían de alguna forma al tiempo! Pero no fue intencional. Quedó como un motif oculto. “Después Vemos” es el tema más “alegre” del disco, lo pusimos primero para abrir con optimismo. Tiene

un movimiento y ritmo diferente a lo que veníamos haciendo. Las partes son un poco más cortas y definidas. “Intro” salió en una sesión de producción, jugando un poco. Sentíamos que hacía falta un separador, algo que sature antes de que volviera la calma con los primeros compases de “Transitorio” y produjimos eso. “Transitorio” ya te contamos, es justamente una transición continua. Es como un pasillo que conduce a otro pasillo y va cambiando la luz, la superficie de la pared, la humedad de cada habitación. Por eso le buscamos un sonido más cristalino, pensando en algo revelador al final. “El Último” y “Domingo Negro” los compusimos como un solo tema, pero nos pareció buena idea dividirlos para que quede explícito que uno podía ser una respuesta a lo que el otro generaba aunque que técnicamente tengan tanto en común, pero también podía ser un tema corto y al pie.

Para ir cerrando esta primera entrevista (ojalá de muchas más), vamos con las dos últimas preguntas… ¿Qué planes tienen para este 2018? Primero que nada salir a tocar, hacer varias presentaciones del Vol. 2, mover la pelota por las distintas escenas de Buenos Aires, pero también hacer alguna gira por Rosario y quizás Córdoba. Por otro lado ya estamos preparando temas nuevos para grabar. La idea fundamental es desligarnos un poco de todo el proceso de pre-post producción esta vez. En los anteriores EP’s estuvimos muy involucrados en todas las etapas, desde la grabación, pasando por la mezcla, la producción e incluso el arte de tapa. Ahora queremos concentrarnos un poco más en lo nuestro, dedicarnos exclusivamente a la música y profesionalizarse, que cada función del proyecto tenga su responsable ideal y que el todo sea más que la suma de las partes.

Por último, y agradeciéndoles el tiempo utilizado en responder estas preguntas, ¿dónde pueden encontrar a Atlético Chipset? Si nos quieren ver en persona, estamos el 6 de Abril tocamos con dos bandas amigas que se vienen de Rosario, Jellyhead y Jimmy Club, y las dos tienen un sonido muy particular también, bastante viajeros (por esto que hablábamos de la psicodelia). A mediados de mayo vamos a estar en una fecha especial en el emergente de almagro, no podemos decir

mucho más por ahora. Para escucharnos online pueden buscarnos en Spotify https://goo.gl/qSsJ1h Youtube https://goo.gl/BfcGb9 Facebook https://goo.gl/V6GgJ6 Instagram https://goo.gl/Uw5g2q Gracias chicos ¡Gracias a vos por la entrevista, la pasamos fantástico!

[ Entrevista a Karen Vogt y Steve Wheeler de Heligoland por Diego Centuriรณn ]

FUE UN LUGAR MUY INUSUAL Y MEMORABLE PARA HACER UN REGISTRO

31 Tal vez sea la dulzura sonora lo que me impacta de esta banda. La calidez de sus voces, la brillantez de la instrumentación, la belleza de las composiciones. Hay cosas que cuestan poner en palabras, esa sensación de cosquilleo en la boca luego saborear algo muy dulce. No sé... con ustedes Heligoland... Hola chicos, es un placer para mí hacer esta entrevista. Hay algo que me intriga y tengo ganas de que me saquen esa duda, ¿por qué el nombre de la banda? Steve: Creo que fue en algún momento a mediados de 1999 cuando decidimos el nombre. Es difícil recordar todas las ideas que tuvimos y las discusiones que tuvieron lugar. Pero, si mal no recuerdo, hubo una serie de razones por las que elegimos Heligoland. Nos gustó el hecho de que era el nombre de un lugar, pero que también era un nombre que no escuchabas con tanta frecuencia. El nombre en sí mismo no sugiere un estilo particular de música, ni es obvio dónde se puede encontrar el lugar al que pertenece. Suena como un lugar distante y lejano. La música que estábamos haciendo no se sentía estrechamente conectada con nada que hubiéramos encontrado en la escena musical local en ese momento. Se sentía algo fuera de tiempo y fuera de lugar. Por todas estas razones, el nombre parecía una buena opción para nuestra banda. Después de escuchar una y otra vez su último trabajo, "Coriallo", ¿creo que estoy con una de sus mejores obras? Karen: Sí, realmente creo que este es nuestro mejor lanzamiento hasta ahora. Todos lo sentimos muy fuertemente al respecto. He escuchado estas canciones muchas, muchas veces y cada vez que las escucho todavía se sienten realmente vivas y muy intensas. El EP pertenece a una trilogía de EPs en los que Robín Guthrie produjo. Hablamos de “Bethmale” (2012), “Sainte Anne” (2013) y “Coriallo” (2017). Pero con Robin empiezan a traba-

jar en el 2010, en "All Your Ships Are White". Si bien podemos decir que todos entran es su etapa parisina. ¿Qué es lo que diferencia a estos tres EPs del álbum del 2010? Steve: Ya habíamos creado la base para aproximadamente la mitad de las canciones en "All Your Ships Are White" mientras aún vivíamos en Australia. Después de llegar a Europa, comenzamos a escribir el resto del álbum y pasamos mucho tiempo yendo y viniendo por las canciones, refinando todas las partes y grabando muchos demos. Cuando llegó el momento de hacer el álbum, el material fue completamente preparado y ensayado. El proceso por el cual escribimos y grabamos los EP fue casi todo lo contrario. Los tres fueron escritos y grabados muy rápidamente, en el transcurso de una semana, en diferentes lugares de Francia, ninguno de los cuales eran estudios de grabación convencionales. Como resultado, los EP están más estructurados que el álbum anterior. Fue muy divertido hacer algunos registros que fueron más espontáneos y pasar el tiempo jugando con diferentes sonidos e ideas. ¿Cómo se ha realizado la grabación de estos tres EPs? Steve: Para el primer EP, "Bethmale", pasamos una semana trabajando en un pequeño pueblo llamado Engomer en el suroeste de Francia. En el centro del pueblo hay un pequeño bar, que tiene un escenario y algunos monitores. El EP fue escrito y grabado allí. Engomer está situado en las estribaciones de los Pirineos y cuando nos apetecía tomar un descanso de la grabación íbamos a dar un paseo por el campo o dar un paseo por las colinas. Para el segundo EP, "Sainte Anne", viajamos a la región Franche-Comté del este de Francia. En el pueblo de Nans-sous-Sainte-Anne hay un pequeño teatro que está disponible para grupos de teatro, actores y artistas para contratar. Una de las habitaciones tiene vistas a los campos y al río, a las granjas cercanas y, a lo lejos, al bosque. Contratamos el teatro por una semana y aquí fue donde hicimos el EP. El registro final de la serie, "Coriallo", se realizó en la ubicación más

dramática de los tres, una antigua estación de semáforos en Normandía. Aproximadamente media hora en coche al oeste de Cherbourg es una pequeña península, Pointe Jardeheu, que sobresale en el canal de Inglés. La estación de semáforo está situada casi en el extremo de la península. La sala de arriba, donde montamos nuestro estudio improvisado, tiene ventanas largas y angulosas en tres lados y se parece un poco al puente de un barco. La vista es espectacular. Fue un lugar muy inusual y memorable para hacer un registro. La unión con Robin no es sólo amistosa, sino que también es sonora. ¿Qué significa para ustedes que Guthrie esté involucrado con ustedes, siendo él un referente del sonido dream pop? Karen: Como cantante, adoro trabajar con Robin. Maneja mi voz con tanto cuidado y atención al detalle. Siempre es un momento maravilloso

cuando escucho cómo se ha mezclado y entretejido en la música. Con los años se ha convertido en un querido amigo, pero todavía me siento muy afortunado de tener la oportunidad de trabajar tan estrechamente con él y me pellizco a veces. En cuanto a las referencias y el "dream pop", veo las cosas un poco diferente. Robin hace hermosa música. Siempre nos hemos esforzado por hacer música hermosa. Parece que tenemos una visión similar y esto es realmente importante para la forma en que trabajamos juntos. Confiamos en él por completo También me parece muy inspirador que Robin nunca haya dejado de hacer música. Él siempre parece estar trabajando en algo nuevo. La gente puede estar tan preocupada con la música que ha hecho en el pasado que se pierda la música que está haciendo ahora, junto con todas las producciones, remixes, partituras y otros proyectos. Este año festejan los primeros veinte años

de existencia. ¿En qué decisiones creen que han fallado y en cuáles creen que han acertado? Karen: Sí, ¡han pasado casi veinte años! Puede ser frustrante cuando alguien descubre nuestra música y pregunta por qué no han oído hablar de nosotros antes. Encontrar maneras de llegar a las personas probablemente haya sido nuestra mayor falla. Es un problema con el que aún luchamos. En retrospectiva, creo que la decisión de ir a Europa fue muy buena. Para nosotros era importante salir de Australia y llevar nuestra música al extranjero. Decidir contactar a Robin y pedirle que produzca nuestra música fue otra buena decisión. En cuanto a los fracasos, creo que, en ocasiones, hemos confiado demasiado en algunas relaciones. También ha habido ocasiones en que hemos esperado demasiado y deberíamos esforzarnos más para que las cosas sucedan. Pero siempre hay algo que se puede aprender de cada una de estas situaciones. Todo es parte de la experiencia y el punto de estas fallas es que aprendes cómo no hacer las cosas. Steve: Lo que hemos hecho como banda siempre ha sido, más o menos, totalmente de nosotros. Nunca hemos tenido un gerente o un agente de reservas y las pocas etiquetas con las que hemos trabajado a lo largo de los años han sido pequeñas independientes. Como resultado, hemos podido desarrollar nuestro sonido y nuestra música completamente en nuestros propios términos. Pero, esto también significa que la promoción, por ejemplo, como mencionó Karen, a menudo ha sido una lucha. Lo mismo ha sucedido con los shows de giras y reservas. Mirando hacia atrás, a veces pienso que podríamos haber hecho algunos registros más o, al menos, me hubiera gustado. Pero, en general, siento que hemos hecho todo lo posible con los recursos y las oportunidades que teníamos disponibles en un momento dado. Durante un período tan largo de tiempo, siempre habrá situaciones o problemas que, con la ventaja de la retrospectiva, podríamos haber manejado de manera diferente. Cualquier decisión, buena o mala, se siente menos importante que las experiencias que hemos tenido, los

lugares en los que hemos estado y los amigos que hemos hecho en el camino. Hoy la escena del dream pop se ha multiplicado, ¿qué diferencias encuentran hoy respecto a veinte años atrás? Steve: No estoy seguro de que tuviéramos la sensación de que había una escena de dream pop a finales de los 90. El tipo de música que estábamos haciendo no parecía ser común en Australia y el mundo en general no estaba tan profundamente interconectado como lo es ahora. Hubo revistas de música, fanzines, sitios web básicos, etc., pero nada remotamente como Spotify o Bandcamp. Estoy seguro de que había muchas bandas en todo el mundo con un estilo y sonido similar, pero no fue tan fácil descubrirlas como lo es hoy. Esa es probablemente la mayor diferencia. Nunca ha sido más fácil encontrar el tipo de música que te interesa. Hace unos días estaba escuchando algunas canciones del álbum más reciente de la banda estonia Pia Fraus. Han estado haciendo música por aproximadamente la misma cantidad de tiempo que tenemos, pero no estoy seguro de cómo habría encontrado su música hace diez, quince o veinte años. También el mercado ha cambiado, el crecimiento de internet ha hecho, por ejemplo, que hoy estemos entrevistando desde Argentina. ¿Ustedes cómo viven este cambio de paradigma en la distribución de música, qué piensan al respecto? Steve: Plataformas como Bandcamp nos acercan mucho más a las personas que escuchan nuestra música. Lo mismo es cierto de las redes sociales. Estos son desarrollos positivos para una banda independiente. Pero con tanta música nueva disponible, a veces puede ser difícil no perderse entre la multitud. Encontrar maneras de conectarse con una audiencia nunca ha sido más importante. Especificando sobre los climas y atmósferas que crean con sus sonidos, más allá del dream pop característico (pensado como primer estilo musical reconocible, podría agre-

gar slowcore). Ustedes pintan paisajes impresionistas sonoros realmente perfectos, y la voz es el pincel que define el alma de la obra. Todo parece ser un trabajo meticuloso y perfectamente diagramado. ¿Cómo es el método de composición? Steve: La forma en que escribimos nuestras canciones realmente no ha cambiado tanto con los años. Nos juntamos en una habitación, comenzamos a tocar y escuchamos. La base de la mayoría de nuestras canciones proviene de zapar juntos y fusionarnos con sonidos o ideas particulares. Una vez que hemos encontrado una sección o una disposición aproximada, comenzamos a pensar en las partes individuales y pequeños detalles. Karen: A veces algunas notas sobre la guitarra, una línea de bajo o un acorde son todo lo que se necesita para establecer el ambiente y me inspiran a comenzar a cantar. Luego busco un sentimiento en la canción en la que estamos trabajando a medida que avanzamos y retrocedemos sobre las ideas. Algunas veces partes de las letras están ahí desde el principio. Cuando escuché por primera vez las ideas de la guitarra para la canción "Trust", en mi mente seguí escuchando la letra "broken heart". Era claro para mí que esta letra debía incluirse en la canción. A medida que se desarrollan las ideas de las canciones, hacemos más estrictos los arreglos y es cuando escucho la música una y otra vez para tratar de sentir lo que las letras y las voces necesitan ser. A menudo tengo la sensación de que la canción nos espera en el éter y todo lo que hacemos es darle vida. Realmente disfruto hacer música de esta manera porque siempre hay un espacio dentro de las canciones para que el oyente pueda intervenir y encontrar sus propias impresiones y significados.

Si bien ya están un paso más allá de la salida de “Coriallo”, sabemos de un nuevo álbum en proceso, pero hablaremos de esto más adelante. ¿Cómo sienten que fue recibido “Coriallo”? Steve: Hemos recibido comentarios y comentarios encantadores de nuestros oyentes y seguidores, lo que ha sido realmente inspirador para el nuevo álbum en el que estamos trabajando. Ahora hablando del futuro… ya están en proceso de un nuevo álbum. ¿Nos pueden contar algo? Karen: Estamos cada vez más cerca de terminar el álbum. Al escuchar las nuevas canciones que han estado desarrollando, siento que son más directas. Esto es intencional. También siento que los elementos más oscuros que hemos explorado en algunas de nuestras otras versiones están menos presentes, como que se ha levantado un peso o pesadez. Como resultado, el álbum se siente más liviano, suave y dulce. Y para finalizar, ¿Qué planes hay para este 2018? Karen: Por el momento estamos trabajando para terminar el nuevo álbum y tratar de correr la voz acerca de "Coriallo". Es difícil pensar en el futuro hasta que hayamos terminado el álbum. Estoy realmente ansiosa por ese momento. Nos encantaría hacer un recorrido por el nuevo álbum cuando sea lanzado. ¡Ha pasado demasiado tiempo desde la última vez que estuvimos de gira y tocando en algunos shows! Agradecemos esta posibilidad y les dejamos este último espacio para que digan lo que no han dicho y quieran agregar. Muchísimas gracias Heligoland. Steve: ¡Gracias por la entrevista!

[ Entrevista a Jarek Leskiewicz de Blurred City Lights por Darío Martínez Photographs: Patrycja Wanot and Adriana]

ESPONTÁNEO PERO INSPIRADOR

Blurred City Lights es un proyecto paralelo de los SPC ECO, Dean Garcia y Jarek Leskiewicz, pero que también tiene la participación de Rose Berlin. Este proyecto acaba de lanzar un nuevo y tremendo trabajo, Volker, todo bajo el ala de las producciones de eLab, el sello de Garcia. Un álbum apasionado y con un ritmo de electrónica oscura. Hemos obtenido una oportunidad de entrevistar a la otra cabeza del proyecto, Jarek, quien accedió a responder nuestras preguntas. Naked On My Own, Opollo, Sunset Wrecks distintos proyectos a los que podemos agregar Blurred City Lights y SPC ECO. ¿Qué nos puedes contar de los otros proyectos? Naked On My Own es mi proyecto de bricolaje más directo y orientado al rock DIY. Influenciado principalmente por mis raíces post-grunge y mi amor por el rock mid-west. También hay algunos ligeros toques de rock industrial, post-rock y shoegaze. Fue genial conseguir algunos de mis héroes y amigos para el último disco llamado Elevated. Opollo nació de mi pasión por las películas (y sus bandas sonoras), ciencia ficción y música experimental mínima. Está lleno de texturas ambientales y zumbidos drone. Al principio, lo hice como un tipo de zona de relajación nocturna. Ahora le puse más atención... para bien o para mal. Uno de mis mejores amigos musicales es Martin Anderson (de Dopedrone). En Sunset Wrecks pintamos los sonidos y arreglos juntos. Fundamentos heavies y bellas melodías inquietantes. ¿Cómo surge Blurred City Lights? y ¿cómo surge el nombre? Mientras hacía algunas texturas de guitarra para la grabación de Dark Notes de SPC ECO en 2012, el EP de Neon Glow de BCL fue la primera vez que colaboré con Dean Garcia en el ámbito de la escritura. Hicimos ese EP en una semana. Supongo que era mi polígono DG. El concepto comenzó con Dean, yo y Perry Pelonero reunidos y queriendo hacer la secuela de Dark Side Of The Moon (lo que realmente significa que a todos nos encantó ese disco y queríamos hacer una música

épica pero íntima con vibraciones existenciales, más oscuras, eso). El nombre vino de una canción que escribí y a Dean le gustó como el nombre del proyecto. Dean, Jarek y Rose están muy comprometidos en la realización tanto de SPC ECO como de Blurred City Lights. ¿Qué tienen en cuenta para seleccionar las canciones para una o la otra banda? Por lo general, funciona así: escribiré una canción o una idea de inicio. Tal vez incluso un zángano, tipo de textura de base. Si a Dean le gusta, irá un paso más allá al agregar cosas o eliminar el peso "poco atractivo". Luego vuelvo a mí para ajustes, reajustes o voces. Dean hace las mezclas finales conmigo susurrando algunas blasfemias a su oído de correo electrónico. La selección de las ideas realmente se reduce a qué proyecto estamos buscando actualmente. Si estamos preparados para escribir el registro Blurred City Lights, la mayoría de las canciones de ese intervalo de tiempo terminará en la versión BCL. Otro factor es la participación de Rose. En BCL su papel es más una entidad mágica de ayuda. Creo que nos gusta que su presencia esté menos definida que en el entorno SPC ECO. Espontáneo pero inspirador. ¿Cómo nace Volker? No hemos hecho ninguna música BCL desde el lanzamiento de Anamorphic. 4 años fueron muy rápido. Mientras tanto, ayudé con algunas canciones de SPC ECO. Hacia fines del 2017, Dean propuso que escribiéramos algunas cosas para alejar las nubes oscuras y ver si podemos obtener una cantidad de música digna de BCL. Fue un poco difícil comenzar de nuevo la máquina creativa y encontrar el terreno inspirador adecuado. Para mí, las cosas hicieron clic en 3 canciones con la creación de la pista instrumental Obstáculos. Durante ese tiempo también envié un lote de imágenes a Dean con una portada de discos en mente. Acordamos el último y eso nos inspiró a expandir una buena racha de escritura a un LP completo.

¿Nos puedes contar algo sobre cada track? Obstacles

Fue la canción donde primero me sentí como en casa con el nuevo lote de música BCL. En realidad, comenzó como una idea de Opollo, pero tan pronto como hice que el ritmo latiera y vi el potencial de verso / coro, se movió a un territorio de BCL. A Dean se le ocurrieron algunos sonidos geniales, orgánicos y de estilo vintage. Los dos intentamos hacer voces pero rechazamos las tomas. Más tarde, Dean desenterró mi toma y decidió que, de hecho, funciona bastante bien. Algunas veces necesita una perspectiva de tiempo para tales decisiones. Me gusta el hecho de que no es perfecto. No firme y constante. Se agrega al lado lírico de la canción.

Secrets

Escribí esta idea más rockera y trabajé algunas texturas vocales de Rose en el arreglo. Dean hizo lo suyo y solucionó lo que necesitaba solucionarse. Sonaba hecho a medida para su voz principal... así que Rose entró e hizo una toma de improvisación. Es lo que puedes escuchar en la mezcla final.

Night Crawlers

Dean y yo somos criaturas de la noche y la sombra. Nos encanta sumergirnos en la zona creativa por la noche muy tarddeee y explorar la oscuridad. A veces saludamos las mañanas juntas mientras trabajamos en este disco. La pista también está ligeramente inspirada en las imágenes de la película de Jake Gyllenhaal. Este y Starry Eyes son mis mezclas favoritas en el disco.

For A Day

Es una canción con la que tuve más problemas. Las voces se hicieron para una versión diferente de la canción. Más electrónica y amapola con diferentes acordes / estructura. Tomando prestado líricamente parte del sentimiento "Héroes" de Bowie, está dedicado a mi media naranja, Adriana. Dean quitó el original y sacó su estilo característico trip-hop y su ambiente más oscuro. Trabajamos en la parte "chorus" y texturas adicionales. Todavía no puedo escuchar la versión final de BCL de la canción sin compararla con la primera variación... pero depende de los oídos de los oyentes realmente. A veces, como creador, debes dejarlo ir

Don't Let Go

... o no :) Se me ocurrió una melodía instrumental de coro destinada a Rose. Dean escribió los versos exóticos y lúdicos y las voces de coro. Me gusta mucho lo que Dean trajo a la pista. Me hizo pensar en sus raíces de los 80 de una manera inspiradora. Es lo que me gusta de este proyecto. Puedes escuchar a Dean fuera de su zona de confort, no restringido por los marcos del concepto. Ecléctico pero genial. Yo siempre trato de empujarlo en esa dirección si puedo.

Is This It

Dean en la voz en este. Un poco desilusionada pero aun así romántica. Me imagino que se trata de la sensación del tiempo y las guitarras ruidosas.

Clusters

En nuestra zona Eno / Byrne. Es una pista perfecta para acompañar el arte de la portada. Un paseo lento entre los poderosos rascacielos y la niebla.

StarryEyes

Muchos amigos saltando en esa pista. La canción más positiva (sonido) en este disco. Hice las texturas de guitarra que Dean eligió y escribí un arreglo genial de batería y bajo que en retorno inspiró mis voces y sonidos adicionales.Desde la perspectiva lírica, canto esta canción para mí como una especie de canción de cuna automática.

Volker

Decidimos ir con más pistas cinematográficas en este lanzamiento y Volker es el epítome de eso. Suena como los créditos finales de una gran película. Por lo general, Dean no quiere ir al rock progresivo, pero me alegro de que viniera a hacer un viaje en este. Se me ocurrió un título y Dean lo quería por el nombre del disco. Buena elección de hecho.

Argue Till We Die

Un poco de una ocurrencia tardía y una pista semi-bonus. Es la primera pista que escribimos para este registro. El sonido está jodido y desordenado, pero así es como debería ser en el contexto del tema. A veces, la temperatura de la conversación creativa (o una relación en general) es bastante intensa. Es genial guardarlo en una pista así y reír más tarde.

¿Y tiene nuevos proyectos, además de BCL y SPC ECO? Estoy trabajando en el nuevo disco (mencionado anteriormente) de Sunset Wrecks. Estamos haciendo las mezclas finales y los ajustes.También espero algunas colaboraciones ambient / drone en el futuro. Aún no estoy seguro de cómo saldrá eso. Dean está trabajando con Preston de Bloody Knives en el nuevo registro de STFU en este momento. ¿Cuál es el próximo paso de Blurred City Lights? Depende de la inspiración y el estado de ánimo adecuado. Podría ser otros 4 años o un EP en algún momento de este año. ¡Volker podría haber sido nuestro último esfuerzo! El tiempo dirá. Y dado que estamos preguntando sobre los planes, ¿qué pasa con SPC ECO? SPC ECO comenzará a trabajar en un nuevo álbum justo después del proyecto STFU. Será genial, como siempre. Para terminar y agradeciéndote esta entrevista. ¿Qué agregarías a esta entrevista que no he preguntado? Nada. Gran conjunto de preguntas. ¡Gracias Jarek! Muchas gracias por invitarme a BCL y a mí para una sabrosa charla con Darío. ¡Saludos!

[ Entrevista a In Corp Santics por Diego Centuriรณn ]

UNA EVOLUCION SONORA MUY GRANDE

Hace tiempo que no los tenemos en una entrevista. In Corp Santics fueron de las primeras bandas que hemos entrevistado de la Neo Psicodelia. Y el momento es propicio para hablar de lo que ha dejado el 2017 y lo que vendrá en el 2018, con el lanzamiento del tercer álbum.

dio profesional y no en nuestro homestudio. Y también es la primera vez que trabajamos con un productor externo a la banda.

Si bien ya estamos en el tercer mes del año, y el 2017 parece haber quedado atrás, ¿qué tal fue el 2017 para In Corp Santics? Increíble. Muy agradecidos por todo lo viviDesde la última entrevista (allá por el do. Arrancamos el 2017 tocando en lugares 2015) muchas cosas han pasado. Hubo como Niceto Club y La Tangente. Tocamos cambios en la formación. Cuéntenos eso. en Margarita Xirgú, Jalea en San Isidro, Pura Es algo en lo que trabajamos por un tiempo Vida en La Plata. Viajamos a Chile, a Valdihasta llegar a la formación de ahora. Se su- via, a un festival llamado Fluvial. Conocimos maron Camila en sintes y voz, y Nacho en el músicos y productores de otros países, nos bajo. A Nacho lo conocemos hace años, es llevamos grandes recuerdos. Hicimos un úlun excelente baterista, un colega; tocó varias timo show acá en Capital en Niceto Club con veces con nosotros cundo el anterior bajista Boogarins de Brasil y Dz Deathrays de Ausse operó del hombro. Y Cami se sumó des- tralia. Viajamos a Córdoba, Mendoza y San de Libres Van grabando algún que otro sinte Juan en una gira con Boogarins y tocamos y hasta tocó en Chile en Festival en Órbita. con bandas como Usted Señalemelo y TeleYa eran parte de la familia y terminaron como scopios. miembros oficiales hace ya más de un año. Hoy la Neo psicodelia está establecida Pero el enfoque musical ha variado, en Argentina, ¿cómo ven la escena local desde "El Magistrado" con una psicode- en este momento? lia más floydiana, más de finales de los Está en crecimiento y debe haber grandes años 60's, por "Libres Van" con un lado bandas y músicos aun por descubrir. Es un más pop psicodélico y por lo que venimos genero que combinado con otros estilos da viendo en su nuevo single, más cercano a ese toque y particularidad tan lindo de escula psicodelia de Moon Duo, por decir una char en distintas bandas. banda. ¿Hay un cambio, una apertura sonora? Hablemos del nuevo single que abre Hay un cambio, pero siempre estuvo. El este 2018, ¿qué nos pueden decir de cómo cambio es constante, a medida que vamos sienten que fue recibido por la gente? trabajando, evolucionamos y mutamos con Creemos que fue positivo. Aun al ser difela música rente al primer single del nuevo disco, tuvimos críticas muy positivas. ¿El cambio de integrantes influyó en el cambio sonoro? Se viene el tercer álbum, ¿cuándo pienJero es el que compone y hace las prime- san editarlo? ¿Habrá un lanzamiento y ras producciones y eso sigue igual. Cami y presentación especial para este álbum? Joaco, nuestro productor, sumaron más sinEl lanzamiento es en abril/mayo. Estamos tetizadores, y Agus metido en la producción terminando con la producción y afinando los como siempre. Tratamos de que el sonido ca- últimos detalles. En mayo lo presentamos en racterístico de la banda esté siempre presen- un festival muy importante en Goiania, Brate. Lo que si cambió es la calidad de audio, sil, llamado Bananada. Y ya adelantaremos es la primera vez que grabamos en un estu- mas fechas de presentación en distintas ciu-

dades del país. ¿Qué nos pueden contar de este tercer trabajo? Es un álbum que tiene una evolución sonora muy grande a comparación de nuestros dos primeros trabajos y las composiciones son más maduras, lo grabamos en estudio El Bulo, la siesta del Fauno y Lalala. Por primera vez laburamos con Joaquín Creddedio como productor externo a la banda. ¿Qué cambió en el estudio entre la grabación de “Libres Van” y este nuevo álbum? Grabamos por primera vez en un estudio profesional altamente equipado. Es algo nuevo para nosotros ya que Libres Van y El magistrado lo compusimos produjimos y grabamos en nuestra casa, teníamos un home estudio y una sala, pero esta vez queríamos

llegar a otro nivel y creemos que la diferencia se nota ¿Qué planes hay para este 2018? Por ahora, en cuanto a shows, Brasil en mayo y acá en la Usina del Arte. En junio La Plata, Rosario, y también Mendoza, Córdoba, San Juan, y más Gracias chicos esperemos verlos pronto en vivo. Y les dejamos este último espacio para que agreguen lo que quieran. Les agradecemos por su tiempo y demás está decir que están más que invitados a cualquiera de nuestros shows y esperamos que disfruten de nuestro nuevo disco “Eres Diferente”.

[ Entrevista a Nostalgist por Pablo Müllner. Fotografías: Shane WIlliams ]

PRESENTE: NEGRO, TENSO Y DESAFECTADO

Nostalgist es una banda formada en 2012, en Seattle, que editó dos álbumes “Of Loves and days ago” (“De amores y días pasados”, 2015) y el EP “Monochromatic” de 2013. Pero esos viejos tiempos son parte del pasado… Aunque Nostalgist no ha desaparecido, nada de eso. El talentoso Asa Eisenhardt, guitarrista, cantante, más multi instrumentalista, cargó literalmente con la banda sobre sus hombros y todas las responsabilidades creativas para producir “Disaffection” (Desafección)… Un álbum que suena mucho al mundo DE 2018: negro, tenso, pero también desafectado. El disco a punto de ser editado ya puede comprarse vía el bandcamp: https://nostalgist.bandcamp.com/ En el presente de la tensa espera, nos encontramos con este verdadero “one-man band” que es Asa Eisenhardt para hablar de SU “Disaffection”. Hola, Asa, es un gusto “encontrarte”. Estuve escuchando los adelantos de Disaffection, y quedé muy impresionado, suena de veras hipnótico, tanto con respecto al trabajo experimental de sonido y textura como en cuanto a la composición de las canciones. Leí por ahí, que es la primera música que escribís del todo solo. ¿Cómo te sentiste durante ese proceso? ¡Hola, Pablo! Un gusto encontrarte también y gracias por tus palabras. Me sentí liberado y presionado al mismo tiempo, de formas muy positivas. Ésta es la primera banda que llevo al frente, y habiendo pasado por dos formaciones en su momento, quise demostrarme que podía escribir material sólido en total soledad. Anteriormente colaboraba con mis compañeros de banda hasta cierto grado, incluso cuando se tratara solo de arreglar los riffs. Fue muy diferente hacerlo solo, casi un estado meditativo, entrar en mi espacio de ensayo, 2 o 3 veces a la semana y moldear mis ideas a martillazos. Y quizá, lo que sea más importante… ¿Cómo te sentís ahora sobre el resultado final? Estoy increíblemente excitado de que el álbum

pronto esté ahí afuera en el mundo, y más aún, me siento achicado y agradecido por la respuesta positiva de mis pares, amigos y extraños. Disaffection es un título interesante, provoca el pensamiento, me terminó de cerrar cuando supe que hacía referencia a una relación disuelta. Además del significado que remite a la “falta de afectación”, puede entenderse también como “falta de afecto”. ¿Estos dos sentidos los tuviste en mente desde el principio? ¿Crees que has sido o sonado más “afectado” en el pasado? Creo que solo estaba buscando un título que arrastrara el peso correcto y capturara el tema de la “división”. Y cualquier cosa con el prefijo “dis” (“des”) tiene esa clase de pesadez, porque uno ya sabe que invierte el sentido de lo que sigue. Además los tres discos de Nostalgist tiene en título referencias al amor y las emociones, de lo que no me había percatado antes, pero me gusta. Creo haber notado una creciente “desafección” en tu trabajo como cantante, escuchándote desde el primer EP al presente. Siento que tu voz se ha refinado en gran medida, y tu forma de cantar es menos afectada. En pocas palabras, reconozco una forma de cantar más personal. ¿Estás de acuerdo? ¿Crees que pasa lo mismo con tu trabajo como guitarrista? Gracias. Siento que di algunos buenos pasos en búsqueda de mi propio estilo como cantante, o al menos tratando de ser algo más que una mala copia de Craig Lorentson de Lowlife. Para ser honesto… No creo estar en un lugar emocional más oscuro que en los discos anteriores ni nada, quizá tengo una mayor capacidad como cantante para expresar lo que quiero en una canción. En lo que respecta a la guitarra, mi trabajo se ha beneficiado sin dudas por las lecciones que tome en los últimos años, estoy bastante conforme con mi sonido, pero respecto de mi performance como cantante, creo que siempre puedo trabajar más duro. Este asunto tenía que surgir: Seattle se convirtió en un lugar totalmente distinto para el

mundo en los primeros años noventas, muy parecido a lo que fue Londres a fines de los setentas. ¿Crees es que es algo de lo que una banda de hoy se puede beneficiar o lo sentís como una carga pesada? ¿Hay algún tipo de escena musical de Seattle hoy en día? ¿Te sentís integrado? Para mí la palabra “Grunge” y la idea de asociarla a las bandas de Seattle de comienzos de los ´90s es basura. Estos tipos venían haciendo un punk sin pretensiones con influencias de bandas de metal y mezclaron esos sonidos con un resultado único… Pero “Grunge” es un término propagado por los revisionistas históricos, los tipos que hacen marketing para los grandes sellos, lo apuesto. La verdad no siento que sea una carga ni que tenga un beneficio, porque no me siento influenciado por ninguna de esas bandas. Es bastante caprichoso que la gente asuma que sí, por el hecho de que tengamos momentos suaves y momentos ruidosos que se combinan, dado que la mayoría de las bandas de rock hacen eso. Hay

todo tipo de “escenas” en Seattle, con un montón de artistas y participantes superpuestos. Me siento muy agradecido de que tanta gente de diversos entornos, géneros, medios estén tan activos creativamente, especialmente cuando gran parte de la ciudad tiende a convertirse en carísimos departamentos que son todos iguales y millones de boutiques gastronómicas. Te auto declaras un fan del “Film Noir” (el cine policial negro de los años 40s y 50s). La verdad que me gusta mucho esa estética… “Of loves and days ago” utiliza una escena de un clásico de culto con Robert Mitchum como portada, y también algunos audios entre los tracks, ¿podés contarnos cuál es la fuente de esos audios, o al menos cuál es la “razón musical” de esos fragmentos? Me gustaría mantener la fuente en secreto, pero puedo decir que es un film bastante conocido. Me encanta como un sample puedo instantáneamente poner el tono o reforzar la energía de una canción. Muchas grandes bandas punk, me-

tal o grindcore usan un trozo de intenso diálogo como intro, salida o puente en sus temas. No somos musicalmente extremos, creo que esa dinámica nos ha servido en el pasado y tengo intensión de explorarla más en el futuro. Creo que ese imaginario encaja perfecto con la música. En particular los nuevos temas Present: Tense (que podría ser un buen título para un film noir) y Smoldering Amber (personalmente uno de mis favoritos)… Es una síntesis perfecta de digamos la dureza “grunge” de las guitarras y un trabajo mucho más delicado en lo compositivo y con las letras. Me trae a la mente, el post punk más refinado, como por ejemplo, Echo and the Bunnymen… ¡Gracias! Creo que se puede decir que nuestra música es un alto contraste, tal como lo son las imágenes en el film noir o el expresionismo. ¿Pensaste en usar esas imágenes como inspiración para pequeños cortos o videos? Recuerdo que el primer Portishead ha usado el film noir con grandes resultados, pero no es un recurso que se haya explotado hasta el final. Creo que la Era Trump puede ser una nueva fuente de

inspiración para las intrigas del cine negro. Me encantaría hacer algo de ese estilo para un video, especialmente con la estética del género negro. Tiene que estar bien hecho de lo contrario quedaría demasiado amateur. Me encantan algunas cosas de Portishead, dicho sea de paso. Nostalgist nunca ha sido político respecto de sus letras, pero puedo sentir que eso cambia. Me pongo otra vez en una meta alta, y pienso que escribir letras políticas sin sonar artificioso, redundante o naiveis complicado. Sin embargo espero que mis letras puedan ser significativas para la gran mayoría. Con excepción de “Illusory” nuestra canción más vieja, no especifico el género en ninguna letra y ese es el motivo: creo que el amor romántico es el mismo más allá del género y la orientación sexual, que debería ser así de cuidado y respetado. Fuiste multi instrumentista en las grabaciones de Disaffection, acompañado por un baterista de sesión y el productor. ¿Te parecía más sencillo traducir tu visión de esa manera? ¿Crees que vas a armar de nuevo una banda o te parece que trabajar como si fuera un proyecto solista te sienta mejor?

La composición de Disaffection fue un gran desafío. Grave el bajo, sintetizadores, baterías programadas, pero… prefiero mucho mucho más trabajar en un contexto de banda. No me considero tanto un multi instrumentista, soy más bien un ex bajista que se pasó a la guitarra un par de años atrás. El disco es una misión “estilística/estética” que puedo mostrar a cualquiera y decir: “Esto es Nostalgist”. No quiero que sea mi proyecto solista. Soy el líder, pero quiero que las voces de mis compañeros brillen. Me encanta trabajar en equipo con ellos. En el presente nuestra formación es: Alex Entrekin en batería y yo mismo en voz y guitarra. Tratamos de encontrar un bajista full-time en el presente.

Por último, sobre el nombre Nostalgist… Hace poco vi un corto llamado “The Nostalgist”, que estaba muy bueno, con una estética que me recuerda mucho a la banda. Es un cuento del autor de psi fi Daniel H. Wilson. ¿Conocías el cuento o fue pura coincidencia? Solo sabía de su existencia, pero lo voy a buscar. No, tampoco la canción de Piano Magic, “Nostalgist”, tiene nada que ver con el nombre de la banda. Antes de despedirnos: ¿quedó algo importante sin mencionar? Gracias de Nuevo, por el interés, el apoyo y la entrevista. Como mencionaba, tratamos de encontrar un bajista permanente. Tenemos dos

shows de verano agendados. En cuanto a grabaciones, hay una edición de un remix en el horizonte, y también estoy interesado en hacer un disco a medias con alguna banda que tenga ideas parecidas pero sonidos diferentes. Y ya tengo ideas dando vueltas para el siguiente álbum… ¡Muchas gracias, Asa! ¡Un placer, gracias por la nota!

[ Entrevista con Autumn por Benjamín York. Fotografías: Craig VanDerSchaegen, Trina Shealy Orton y Monica Siems McKay ]

UNA GRAN VICTORIA PARA NOSOTROS

Cuando las guitarras tienen delays y el sonido de la banda se ajusta, se comprime de tal manera que la voz suene profunda y segura, siempre y cuando la persona que esté a cargo de lo vocal tenga un lindo decir y una voz característica, todo me lleva a pensar en todo el trabajo que hay detrás de cada canción. Este es el caso de Autumn, en donde la belleza de las canciones seguramente esconde mucha preparación. Acaba de lanzarse su tercer álbum, Chandelier, y nos comunicamos con ellos para hablar de su pasado, presente y futuro. Con ustedes, Julie Plante, Jeff Leyda y Neil McKay… Autumn… Hola y gracias por aceptar esta entrevista. Y para empezar con las preguntas me gustaría saber ¿cómo surge el nombre de la banda y cuándo nace Autumn? Neil: El nombre es bastante simple. Es mi temporada favorita, así que lo hicimos. La primera encarnación de Autumn comenzó en 1992, pero Jeff y yo no pudimos encontrar al cantante adecuado hasta que Julie realmente dio vida a lo que estábamos creando instrumentalmente en enero de 1994. Jeff: El otoño como una estación siempre ha representado muchas cosas diferentes: los bellos colores como último acto desafiante contra lo que viene después. Es una época de cambios, de decadencia y de reflexión y apreciación cuando los días cálidos y la luz comienzan a disminuir. Me gustaría pensar que la música que producimos puede acercarse a algunos de esos conceptos. Desafortunadamente, ¡muchas otras bandas con el mismo nombre tenían una idea similar! Creo que realmente deberíamos salir todos juntos de Gira para confundir a la gente. La banda ha nacido hace más de veinte años, y desde esa época a hoy, mucho ha cambiado en el negocio de la música. ¿Ustedes qué grandes cambios ven como positivos? Julie: Creo que los artistas tienen más poder para poner su trabajo allí de forma independiente. Los avances tecnológicos y las redes sociales

han hecho que sea mucho más fácil compartir el trabajo con un público más amplio. He leído en una entrevista que Jeff respondió: “los tres hemos tenido nuestros momentos en los que pensamos: "¡DEBO SALIR de esta banda!" ¿Siguen pensando eso? Neil: Me fui en 2008 por razones personales y no me gustó. Desde que comenzamos a crear música de nuevo, no se me cruzó por la mente ni una sola vez. ¡Están atrapados conmigo! Jeff: Todas nuestras vidas tuvieron algunas sorpresas bastante importantes entre 2008 y 2010, y probablemente la banda no haya empeorado porque ha sido una constante en nuestras vidas durante tantos años. Después de reagrupar un puñado de años más tarde, parecía obvio que esto era lo que debía ser. La vida hizo espacio para la banda nuevamente; los niños crecieron y los trabajos se convirtieron en carreras, pero nos dimos cuenta de que las canciones no paraban de llegar, así que ahora es el momento de ponerse al día y hacer que graben y publiquen. Antes de Chandelier tienen dos álbumes más. ¿Qué cambió en la manera de componer desde los primeros álbumes “The Hating Tree” (1997) y “Return to Breathe” (2001) a este nuevo álbum? Julie: Esto puede parecer sorprendente, pero realmente no siento que todo haya cambiado para nosotros en cómo trabajamos juntos. A veces entramos en un buen espacio con una idea y parece fluir sin esfuerzo, otras veces podemos encontrarnos luchando por comunicarnos efectivamente. Pero probablemente somos más pacientes, y eso facilita el proceso. Jeff: Estoy de acuerdo. Después de todos estos años, no hemos cambiado mucho con la escritura, además de tener la capacidad de grabar instantáneamente e imaginar en nuestros teléfonos en cualquier momento que ocurra. Vienen trabajando con William Faith desde los primeros años. ¿Podemos decir que es un

miembro más de la banda, aunque sea en la etapa de grabación? Neil: Llamamos a William el cuarto miembro no oficial de Autumn. Él nos conoce y conoce nuestro sonido bien. Jeff: Es una delicia trabajar con William porque tiene mucha experiencia en el negocio de la música de la que podemos aprender, pero también está perfectamente sintonizado con lo que estamos tratando de hacer, además su personalidad encaja perfectamente con la nuestra. ¿Qué no se podría amar? ¿Cuánto tiempo les tomó un pensar en este nuevo álbum? ¿Cómo los encuentra como banda? Julie: Creo que todos sabemos que si tratas de forzar el proceso creativo para seguir moviéndote, corres el riesgo de crear algo de lo que luego

te decepcionará. Este álbum llevó un tiempo por muchas razones, algunas relacionadas con estar ocupado con familia y trabajo Pero también, a veces solo necesitas poner algo en un estante por un rato y alejarte de él, vuelve a él más tarde con una nueva perspectiva. A pesar de que la banda se había roto por alrededor de 5 años, siempre sentí que no habíamos terminado de hacer música juntos. Tal vez necesitábamos ese tiempo y espacio aparte. Han lanzado The Fall como single adelanto, ¿cómo sienten que fue recibido por parte del público? Neil: Parece haber sido bien recibido. Eso nos hace felices. Jeff: Ver nuestro nombre en las listas alternativas alemanas para ese single fue una gran sorpresa y deleite para nosotros. Con suerte, el ál-

bum llevará algo de ese mismo impulso. Hablemos de Chandelier. Catorce canciones, ¿son todas escritas para este álbum? Julie: Varias de las canciones son las que comenzamos hace años pero que abandonamos en algún momento porque simplemente no parecían estar funcionando. Otros son canciones en las que hemos estado trabajando más específicamente durante los últimos años, y hacen una crónica de los eventos más recientes de mi vida. Para mí, veo que cada álbum cuenta una historia. Una vez que se hizo evidente para mí, en mi escritura qué historia tenía que contar, también me quedó claro dónde había vacíos que debían cubrirse, y esto guió la composición de las piezas más nuevas hasta cierto punto. ¿Qué nos pueden contar de las sensaciones cuando escucharon este álbum entero por primera vez? Julie: Cuando todo se completó finalmente y realmente me di cuenta de que estaba hecho, lloré. Lágrimas de alegría, alivio y celebración por todo lo que hemos pasado para que esto suceda. Hubo momentos en los que dudaba que alguna vez cruzáramos la línea de meta, así que fue una gran victoria para nosotros.

Neil: Como un papá orgulloso, aunque curioso también lo que otros pensarán de él. Jeff: el otro día me estaba riendo de esto con Julie... Una vez que escuchas las últimas piezas, piensas "¡ah, el trabajo está hecho. Ha sido un trabajo largo, pero ahora podemos relajarnos!" No, este es solo el comienzo de este viaje. Apenas hay tiempo para reflexionar sobre el trabajo terminado y todavía me doy cuenta de que no nos damos cuenta de que ahora tenemos tres álbumes, así que todavía está en ese estado surrealista para mí. Todavía no tengo mi propia copia del álbum. ¿Qué expectativas tienen para este tercer álbum? Julie: Solo quiero una oportunidad de recorrer y compartir esto con la mayor cantidad de gente posible. Neil: Al final, siempre he visto la música como medicina y espero que este álbum y nuestra música sea una buena medicina para aquellos que lo escuchan. Jeff: Sí, hacer giras, especialmente la oportu-

nidad de ir a otros países y tocar para personas para las que nunca lo hemos hecho antes es donde tengo mis esperanzas. Estuvieron tocando con Clan of Xymox y Decoded Feedback. ¿Cómo fueron esos conciertos con estas bandas? Julie: Estaba muy nerviosa conduciéndoles porque realmente ha pasado tanto tiempo desde que hemos tocado grandes shows, pero una vez que llegamos allí y comenzamos a tocar cada noche, se hizo un poco más fácil. Siempre es un

placer pasar tiempo con nuevas personas en el camino, por lo que fue una aventura extra. Jeff: Esos shows fueron increíbles. La respuesta que obtuvimos de la audiencia fue algo que valoraré durante años, y poder actuar en el mismo escenario que una banda que he amado durante décadas es humillante. ¿Qué planes hay para este 2018? Julie: Estén atentos, esperamos hacer una gira aquí y en el extranjero.

EL SONIDO Todos los músicos tienen la fantasía de saber qué efectos, qué accesorios, qué instrumentos (marcas o modelos) utilizan aquellos artistas que admiramos. Cómo conecta sus accesorios, en qué orden, para lograr esa magia que nos hace gozar de algo tan bello como el sonido de un artista. La idea de este nuevo espacio es hablar con músicos y que nos cuenten sobre sus instrumentos y sobre sus amores, recuerdos, consejos desde su experiencia, sus sueños, su camino para consolidar el sonido en algún proyecto en el que haya participado. En cierta forma llegar hasta su esencia como músico y descubrir ese Sonido que lo hace tan particular, descubrir ese secreto que hace que su sonido sea único e irrepetible.

Invitado de Hoy: Ralf Aussem (Twelve Drummers Drumming, Dead Guitars)

¿Qué significa para ti tocar la guitarra? Realmente no lo sé. Tocar la guitarra durante tanto tiempo, casi 50 años, hace que sea difícil de decir. Pero durante los últimos 15 años se siente como una adicción para mí... cuando no quieres hablar con alguien pero quieres comunicarte, es más fácil expresar tus verdaderas emociones a través de la música... bajo la ducha, con un mixtape o una guitarra en una habitación de hotel. ¿Cuándo has decidido tomar este instrumento por primera vez? Debe tener alrededor de los seis años o incluso antes. Mi padre era guitarrista (y todavía lo es). Él tenía sus ensayos con su banda en nuestra sala de estar, en la década de 1960. Así que podría recoger su guitarra en cualquier momento.

1973. Y realmente quedé impresionado. Me encantaron los efectos secundarios. Entonces debe haber sido Dave Gilmour (y Syd Barrett). Porque más tarde mis padres me dieron un casete de Floyd, “Piper en The Gates of Dawn” y esa fue (por accidente) la guitarra de Barrett en ese álbum. ¿Qué músicos fueron los referentes en esos años de iniciación en el mundo de la guitarra? Cuando comencé de niño: Gilmour, Barrett, Hendrix, Prokoviev, Beatles, Missa Luba, The Allman Brothers, Brian May, Wishbone Ash, Thin Lizzy, Moses Mo, Andy Summers…

¿Estudiaste con algún profesor o academia? Sin maestro Guitarrista autodidacta. Algunas lecciones de piano con teoría de la ar¿Qué persona o músico ha generado monía a temprana edad. Curso avanzado de en ti el deseo de ser guitarrista? ¿Qué re- música en la escuela primaria. cuerdas de ése primer deseo? Viendo con mi madre“Pink Floyd - Live In ¿Recuerdas tu primera guitarra? ¿TodaPompeii” a los 10 años en la televisión en vía conservas esa guitarra?

Comencé con Framus Stratos de mi papá de los años 60. Luego compré una réplica barata de Telecaster. Mi primera mejor guitarra a los dieciséis años: Fender Starcaster 1976. Un raro modelo semi-acústico offset. Todavía tengo esa guitarra y la uso en el escenario de vez en cuando. ¿En qué momento has sentido que habías encontrado el sonido deseado? Hm, eso realmente depende de la canción y la banda.Tengo mi gusto particular en el sonido básico de la guitarra, pero es muy complejo. Ser un músico de sesión, de gira o en producción de estudio. Con todos los efectos y amplificadores.Personalmente, realmente entiendo un sonido twangy de single coils de una Telecaster, Jaguar, Danelectro o Rickenbacker como sonido básico. Parece que me gustan los sonidos de la época en que comencé con la guitarra.Pero la señal se envía a través de muchos stompboxes (pedales de efectos). Conseguí una señal directa de am-

plificador (solo slapback echo y crunge) y una señal estéreo modificada de efectos al mismo tiempo. Así que nunca es solo, un sonido para mí y las dos pedaleras siempre están en desarrollo... ¿Cuánto tiempo te ha llevado llegar al sonido que hoy usas? Obtuve mi primer pedal (EHX small stone) en 1976. Primer amplificador más grande VOX AC30 en 1978... ¿Con qué efectos de guitarra y con qué guitarra te sientes más a gusto? Difícil de decir. Tengo muchos pedales y guitarras, pero trato de no depender solo de dispositivos especiales. A veces es solo un amplificador Marshall en volumen máximo... Antes, al principio, le pregunté sobre sus músicos referentes para ser un guitarrista. ¿Ahora tus héroes guitarrísticos siguen siendo los mismos o has cambia-

do de nombres? Por ejemplo, escucho The Fall en este momento y mucha música del mundo y no es necesario que haya un héroe de la guitarra... simplemente disfrutando de una excelente música. ¿Qué pedales usabas en Dead Guitars y ahora en tu nuevo proyecto Projekt? ¿Cómo los conectas? Señal dividida y dirigida a 3 amplificadores diferentes. 2 tableros de pedal cargados con ca 50 cajas... quiero nombrarlos a todos. Escribir un libro. Me encantan los Diamond Compressor, EHX POG2, EHX MEL9, EHX Ravish Sitar, EHX Canyon & Memory Boy, Fuzzface, Boss Fender Deluxe, DD2, DD7 & Space Echo, Jamman & Boss Looper, Strymon Bigsky, Cry baby, MXR Univibe & Blue Box y varios pedales Ibanez de los 80’s... todos los stompboxes porque ya no me gustan los racks de 19 "... ¿Cuál es la guitarra que siempre llevas

contigo? Desde algunos años prefiero una Vintage Tommy Telecaster especial de 1985 con un cuerpo de arce muy pesado modificado con 51 pastillas Nocaster y Bigs de Tremolo. Este Tele fue construido por un amigo, un luthier de guitarra alemán que falleció hace tres años... así que siempre tomo esa guitarra como primera opción. Afinación: E B E a b # e ¿Cuándo te invitan a tocar como invitado, a improvisar, qué es lo que nunca te debes olvidar (guitarra y efectos)? Solo para zapar: Telecaster, Boss Fender / Deluxe, Fuzz Face, Univibe (vs Flanger), Space Echo ¿Qué proyectos tienes para este 2018? Conciertos por supuesto, y el lanzamiento del álbum de nuestra nueva banda. ¡Gracias Ralf! Gracias por la entrevista.

EL RECOMENDADO David Byrne American Utopia

[ David Byrne - American Utopia por Darío Martínez. ]

El primer disco que decide firmar en solitario desde “Grown Backwards” (2004) y sin ninguna duda es David Byrne y se nota a cada instante de la escucha de “American Utopia”. A los 65 años hizo un disco que lo pinta de cuerpo entero, donde utiliza una enorme variedad de recursos que fue acumulando a lo largo de los años, recursos que no aparecen por separado, sino en la medida justa cuando la canción los necesita. Así por supuesto está muy presente el Funk que lo acompaña desde sus comienzos con ese bajo característico, protagonista indispensable que toca sobre bases que van desde una batería clásica de rock a una electrónica pasando por muy diversas percusiones que le hemos visto desarrollar y evolucionar al menos desde “Fear of Music” (Talking Heads 1979). La guitarra pasa de acompañamientos rítmicos a momentos furiosamente rockeros, también el disco tiene algunos arreglos orquestales principalmente al estilo que

utilizó en “Grown Backwards” (2004) pero no falta la entrada de los vientos salseros al estilo de “Naked” (Talking Heads 1988) y lo acompañará luego en su carrera solista. También está presente su aspecto experimental que se nota en el puntillismo sonoro acústico y electrónico que amalgama todo dándole unidad. Otro cosa que lo ha caracterizado a Byrne son las colaboraciones como por ejemplo en los últimos años lo hiciera con artistas tan variados como Caetano Veloso, Fat Boy Slim, St Vincet y su colaborador más frecuente a lo largo de toda su carrera Brian Eno quien firma junto a Byrne el track 9 del disco que fuera el single adelanto y de difusión “Everybody's Coming To My House”. Eno participó en la realización de las bases de todo el disco que tiene 10 track y dura 37 minutos, una duración estandard para un disco de vinilo en los 70 /80. Daniel Lopatin aparece firmando junto a Byrne los track 5 y 10. El arte de tapa es de Purvis Young y el disco

fue editado por Todomundo / Nonesuch. Un punto aparte le vamos a dedicar a las letras que fueron inspiradas en una serie de historias, noticias, ideas y otros artículos que fue recopilado durante el último año. Byrne es un observador implacable y para nada condescendiente con una gran facilidad de traducir lo que ve y lo que siente en una canción. Para el la Utopía Americana habría que cambiarla. Un tema preponderante es la resignación y la desilusión de vivir hoy en una ciudad pero siempre intenta ponerle un poco de optimismo o al menos de humor así escuchamos en el estribillo del track 1 “I Dance Like This” Bailo así / Porque se siente tan malditamente bien / Si pudiera bailar mejor / Bueno, sabes que lo haría. En el Track 2 “Gasoline And Dirty Sheets” lo hace desde los ojos de un refugiado: Política y una cara pintada / Ella dice que la libertad cuesta demasiado / Ella dice que la mente no es lugar. En el track 3 “Every Day Is A Miracle” sigue en la misma tesitura de crítica social pero a través de los ojos de un pollo y dice: Ahora el pollo se imagina un cielo / Lleno de gallos y mucho maíz / Y Dios es un gallo muy viejo / Y los huevos son como Jesús, su hijo. En el track 4 “Dog's Mind” La letra es una fuerte crítica a la dirigencia ejecutiva, judicial y periodística. El resto puede tomarse como una autocrítica en general. Somos perros en nuestro propio paraíso / En un parque temático de nuestra propiedad / Bailarines de perrito haciendo doody / Perrito soñando todo el día. En el track 5 “This Is That” canta de cómo influyen las canciones en él y en su relación con los demás y dice: Pero algo sobre la forma en que suena / Cuando la melodía termina / Y el ritmo entra Sabe dónde estoy / Y sabe dónde he estado. En el track 6 “It's Not Dark Up Here” hace mencio-

nes a cosas obvias: Solo hay una forma de leer un libro / Y solo hay una forma de ver televisión / Bueno, solo hay una forma de oler una flor / Pero hay millones de formas de ser libre. Para rematar diciendo: Debe una pregunta tener una respuesta / No puede haber otra manera. En el track 7 “Bullet” habla sobre el momento de un homicidio y de la pérdida que significa para los que quedan: La bala entró en él / Su piel se separó en dos / La piel que las mujeres habían tocado / La bala pasó a través. El track 8 “Doing The Right Thing” Habla de una persona que siempre está haciendo lo correcto para luego rematar diciendo: No estoy solo / Y todos somos iguales / Y el mundo no terminará / simplemente cambiará su nombre / Ahora dame el bate / Dame el balón / Este es mi trabajo / Vamos a involucrarnos / Dame el teléfono / Dame el signo / Dame buena suerte / Lo que es tuyo es mío. El track 9 “Everybody's Coming To My House” dice: Somos solo turistas en esta vida / Solo turistas, pero la vista es agradable / Y nunca volveremos a casa / No, nunca volveremos a casa (está bien). En el track 10 “Here” canta sobre una rítmica quebrada enumerando distintas partes del cerebro y su funcionamiento y comienza diciendo: Aquí hay una región de abundantes detalles / Aquí hay una región que rara vez se usa / Aquí hay una región que continúa viviendo / Incluso cuando se eliminan las otras secciones. Mucha personalidad y matices que van de la calma a la euforia, de la oscuridad al optimismo, siempre con mucho humor. Folk, Funk, Electrónica, Rock y una gran variedad rítmica hacen de American Utopia un gran disco que se escuche completo con mucha facilidad, nada tedioso, su corta duración invita a repetir la escucha de inmediato.

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: TAKE A LOOK AT ME NOW PHIL COLLINS EN BUENOS AIRES, 20/03/2018

“Not Dead Yet” es el nombre que Phil Collins puso a su autobiografía editada en 2016, y que da nombre a su gira iniciada en 2017 por Europa y Sudamérica. Parece así mofarse de su propia vejez y estado físico no muy óptimos, algo que viniendo de él no es extraño. Como admirador del inigualable ex baterista de Genesis, y habiendo sacado los tickets para el show con 4 meses de anticipación, esperaba ansiosamente que la condición de “vivo” del grandioso Phil no se alterara. Y llegamos así al 20 de marzo. La cita es en el Campo de Polo, y ni bien llego veo una multitud de canosos y pelados entre la asistencia, en muchos casos acompañados de sus hijos a quienes tantas veces les habrán hablado de la genialidad que es esa leyenda viviente que hoy nos deslumbrará con su presencia. Pero antes, un aperitivo a la altura de semejante acontecimiento: The Pretenders le da calor a un público expectante en una noche ya casi otoñal. Chrissie Hynde, una veterana rockera que conoce el manejo de los escenarios, toma prestado al público de Collins y le entrega lo más destacado de su repertorio. La acompañan tres músicos excelentes que dan aún más vuelo a clásicos de la talla de “Brass In My Pocket”, “Back On

The Chain Gang” o “Don’t Get Me Wrong”. Uno de ellos es el baterista, miembro fundador y compañero de ruta de Chrissie desde el inicio: Martin Chambers. También destaca el bajista Nick Wilkinson. Pero el que se roba el show y al cuál la cámara enfoca más que a la mismísima líder de la banda, es el guitarrista James Walbourne: un derroche de energía pocas veces visto. Antes del inmejorable cierre con “Middle Of The Road”, Chambers se luce con un solo de batería. Quedamos todos felices y satisfechos. Poco antes de las 22 hs hace su aparición el mito aún vivo. Vemos a Phil Collins caminar con dificultad apoyado sobre un bastón, y mientras es ovacionado, logra llegar a una silla que lo espera en el centro de la escena. Allí se acomodará para permanecer el resto de su presentación, y tras saludar a sus admiradores con su habitual gracias y burlándose de su escaso conocimiento de español, nos regala de inicio el himno “Against All Odds”. No es fácil contener las lágrimas al verlo tan condicionado físicamente mientras canta “Take a Look at me Now”: aquella imágenes de un Phil saltarín y que solía batirse a duelo de batería con Chester Thompson, son ahora solo recuerdos. Lo cuál da un toque aún más conmovedor a esta balada, además de quedar expuesta

alguna limitación vocal. Pero no solo entendemos y aceptamos, sino que apreciamos la fortaleza de seguir de gira “contra todos los obstáculos”. Vendrá luego “Another Day In Paradise”, aquel hitazo que Phil dedicó a la cruda realidad de los homeless de todo el mundo, y que adiciona emotividad a la velada. Para el tercer tema, la formación de vientos comienza a lucirse con el clásico “I Missed Again”, otra vez coreada por todos los presentes en su estribillo. Y en este trabajo de ir de apoco aumentado los BPM tema tras tema, llega “Hang In Long Enough”, aquella apertura de su álbum “…But Seriously” que noto en esta oportunidad un tanto más lenta que la versión original, tal vez para ayudar a Phil en la articulación de su canto. Llega el primer momento Genesis de la noche con “Throwing It All Away” en primer lugar, y luego “Follow You, Follow Me”, un clásico que hizo lagrimear más que nada a los cincuentones. Contribuyeron a eso las imágenes que inundaron las pantallas con los Genesis de todas las épocas, recordando a aquellas glorias que por ésta banda supieron desfilar: Peter Gabriel, Steve Hackett, Tony Banks y Mike Rutherford entre otros. Continuamos con aquel tema que tanto le gusta a Phil que es “Who Said I Would”, donde vuelven a lu-

cirse los 4 coristas que lo acompañan (2 hombres y 2 mujeres). Antes de seguir adelante, Phil presenta a toda el sobresaliente grupo de músicos que lo acompaña, donde el más aplaudido será el histórico bajista Leland Sklar, y deja para el final la presentación de su hijo de 16 años Nicholas Collins, que saluda luciendo la camiseta de la selección argentina. Tras esta introducción llena de sonrisas y complicidades, se lucirá la corista Bridgette Bryan a dúo con Phil en el ya clásico cover de Stephen Bishop “Separate Lives”. Tras aquel otro hit de “…But Seriously” que fue “Something Happened On The Way To Heaven”, llega uno de los momentos más esperados de la noche: un reflector ilumina desde abajo el rostro envejecido de Collins, dándole un toque satánico mientras entona la inmortal “In The Air Tonight”. Inmediatamente cambia la onda a algo mucho más bailable con el cover de The Supremes “You Can’t Hurry Love” y la noventera “Dance Into The Light”, a la que se pegará el mayor éxito comercial de Genesis en USA: “Invisible Touch”. No creo que Phil haya elegido en esta gira los temas más representativos de Genesis, pero que sí tuvieron alta efectividad ante el público. Y la gente salta y baila movida por la batuta de un hombre tan hábil que lo logra sentado desde su silla, que

arenga con megahits de los años ochenta como “Easy Lover” y la irresistible “Sussudio” para cerrar. Phil y su banda se retiran, pero todos sabemos que habrá algo más, aunque sea un tema más… y tal como lo previmos, vuelven todos a escena para un último regalo, la canción que cierra el disco “No Jacket Required” y que supo ser una suerte de himno que Phil compuso en homenaje a aquellos a quienes solía extrañar cada vez que salía de gira: suena “Take Me Home” y nos

emocionamos una vez más. Nunca será suficiente pero sabemos entender: son casi las 23.30 hs y no tenemos nada de que quejarnos. Phil Collins saluda por última vez en esta noche y se retira lentamente ayudado por su bastón. Gracias por tantos años de música, de sensaciones y de lindos momentos. Gracias una vez más Phil: “Not Dead Yet Live” es el nombre de tu gira, y has demostrado que no estás muerto. Difícilmente alguna vez lo estés.

[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA CAPÍTULO 13: MI MARZO BLAKEANO Cuatro eventos, cuatro formas distintas de encarar un espectáculo, cuatro formas distintas de celebrar la música y, por ende, la vida. Un buen augurio para el año.

1. Patti Smith en el CCK, 28 de febrero y 1ero de marzo

El evento del 28 había sido publicitado como “lectura de poesía”, pero fue mucho más que eso: performance acústica, lecturas varias, entrevista. De esos eventos que uno suele ver en DVD o en People and Arts, pero que rara vez tiene el lujo de formar parte de la audiencia. La noche está plagada de momentos emotivos (la lectura de la carta que Patti le escribió a Robert Mapplethorpe poco antes de su muerte, la performance de “A Hard Rain’s A-gonna Fall” de Dylan tal como en la entrega de los Premios Nobel), pero yo ya estaba lagrimeando casi desde el principio, cuando Patti contaba cómo en su niñez solía caminar por el bosque inventando melodías para los poemas de William Blake. El peso, el significado de todo, me sobrepasó. No tenemos entradas para el día siguiente pero vamos a ver el recital en la pantalla gigante montada afuera del predio. Blake es invocado nuevamente. “Nunca dejó de trabajar, hasta el día de su muerte. No tuvo dinero, no tuvo reconocimiento, pero logró la inmortalidad,” enuncia Patti antes de tocar “In My Blakean Year”, una pieza clave de su disco Trampin’ (2004), cuyo mensaje básico es que cualquier debilidad o distracción es meramente superflua si se le hace frente a la vida con el espíritu del poeta. “Un camino está pavimentado en oro / Otro es sólo un camino” Queda en claro cuál es el camino que eligió Patti, y en cuál se convierte el de sus seguidores.

2. The Killers en el Lollapalooza, 17 de marzo

Dorado es también el traje que usa Brandon Flowers para cantar “The Calling” en el encore de lo que sería el último show del Lollapalooza 2018. La canción empieza con un sermón, y Flowers la canta como un predicador poseído, no muy distinto al Mirrorball Man, personaje que interpretaba Bono allá por el Zoo TV Tour a principio de los 90s. Y es que hay mucho de U2 en los Killers: la espectacularidad escénica, la epicidad de las canciones, pero por sobre todo, la fé. La mitad de los Killers está ausente en el show, y sin embargo termina siendo el más espectacular (y extenso, pasándose de la hora y media que tenían estipulada en el cro-

nograma del festival) que hayan brindado en suelo argentino. Queda claro que la banda se mueve enteramente gracias a la fuerza de la personalidad de Brandon, el hombre que lo tiene todo: la voz, el carisma escénico, el talento compositivo, la pinta, la visión. Su banda combina el sonido de los mejores grupos británicos de los 80s (New Order, Pet Shop Boys) con el estilo de canción americano de Springsteen o Tom Petty, convirtiéndola automáticamente en una síntesis de todo lo que está bien en el mundo. El setlist es prácticamente el mismo de siempre, pero hay ocasiones en que brindarle a la gente lo que quiere, de la forma que quiere, es la fórmula de la felicidad.

3. David Byrne en el Teatro Gran Rex, 19 de marzo

Y en otras ocasiones, el artista opta por darle a la gente lo que quiere pero de una forma completamente inesperada. A principios de este año, David Byrne había anunciado que la idea de su nuevo show era que todos los músicos pudiesen moverse libremente por el escenario. La forma en que solucionó el problema de la batería, una vez expuesta, es tan sencilla como brillante: cada músico toca una parte de la batería (platillos, bombo, etc.) por separado, colgándoselas de forma que puedan moverse y seguir los ritmos del impecablemente coreografiado show. “Estoy practicando baile / Esto es lo mejor que puedo hacer,” canta Byrne en “I Dance Like This” (tema de su nuevo disco American Utopia, prominentemente representando en el setlist). Está siendo humilde: a los 65 años, su voz está impecable y sus movimientos de baile no se quedan atrás. La presentación es teatral y elaborada, pero en ningún momento alienante: los temas se tocan en sus arreglos originales, e incluso se podría afirmar que canciones como “Born Under Punches”, “Slippery People”, la emotiva “This Must Be The Place” o “The Great Curve” nunca han sonado más fieles a la época de Talking Heads. Byrne incluso imita los movimientos del clásico video de “Once in a Lifetime”, con la figura del predicador nuevamente presente. Histórico.

4. Jean Michel Jarre en el Luna Park, 22 de marzo.

Histórica también es la primera presentación en suelo latinoamericano del primer occidental que tocó en China, el músico que paralizaba ciudades con sus multitudinarios shows en los 80s. Aquí, Jarre parece estar en el living de su casa. Presenta los temas en inglés y en español, agita constantemente a la audiencia, le toma fotos, hace solos de guitarra y de teclado móvil. En definitiva, es el opuesto completo al estereotipo del músico electrónico inmerso en su laptop. Es de lo que ya no hay: un músico electrónico que toca sus instrumentos en vivo (está acompañado por un baterista y otro tecladista), con toda la emoción que eso implica. Consciente de que éste es gran parte del appeal del show, para el tema “Oxygene 8” Jarre se pone unos maravillosos “anteojos que filman” que le permiten al público ver exactamente todo lo que está haciendo con sus queridos sintetizadores. El dinamismo combinado de su personalidad y la puesta en escena es tal que la gente sigue el show con alegría a pesar de que el set está basado principalmente en el material nuevo (temas de los dos volúmenes de colaboraciones Electronica y del reciente Oxygene 3). Aun así, el predio se vuelve loco recién con el clásico “Oxygene 4” (“un manifiesto que escribí hace 40 años en contra del cambio climático” dice JMJ – cómo esto se traduce a las notas instrumentales, sólo su mente sabe) y en el segundo encore de “Chronologie 4” y “Rendez-Vous 4”, donde se lució la entrañable capacidad del público argentino de cantar temas instrumentales. Patti tocó lo que se le dio la gana: covers, algún que otro hit, album tracks. Los Killers tocaron principalmente hits, JMJ principalmente material nuevo. Byrne un balance entre todo, con el añadido extra de que todo el material sonaba realmente nuevo gracias a la forma de presentarlo. Todos los shows, sin embargo, funcionaron a la perfección gracias al magnetismo generado por el artista de visión clara, y a la inspiración que surge tras estar en su presencia. Inspiración que seguramente no difiera mucho de la que Patti encontraba en Blake: “Sacate tu estúpida capa / Abrazá a todo lo que temes / Porque la alegría conquistará a cualquier desesperación / En mi año Blakeano.”

NETLABELS EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK

SIGLO XXI. Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de distribuir y comprar música, las grandes compañías se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan a tambalear… pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio. Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes sociales para promocionarse. Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable, más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y lanzan sus productos independientemente. Si sumamos esto último la cantidad aumenta considerablemente. En el Universo de los sellos independientes, o que tratan de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos especializados en estilos particulares de música y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”. Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos, con la idea de que el interesado busque y se entere de estos sellos o netlabels.

Hoy presentamos a la Netlabel:

PLUS TIMBRE

Continuando con este segmento en donde presentamos los sellos virtuales, hoy nos aprestamos a enseñarles un sello de Atenas (Grecia) llamado Plus Timbre. Ellos se presentan con este escrito introductorio: “Plus Timbre es un Netlabel dedicado a la música experimental e improvisación, con el objetivo de fomentar y promover material en la mayor variedad posible de estilos musicales relevantes.” El sello tiene su fundación hacia el final de 2014, 16 de noviembre de 2014 para ser exactos, con la edición del álbum "Presto (dicono) giungerà la neve..." de Mauro Sambocomo primer lanzamiento. Y hasta la fecha, marzo de 2018, llevan editado 74 álbumes. Pero como hemos dicho en el número anterior, nos enfocaremos en las últimas ediciones, en este caso las de marzo de este año, que son varias. Links: plustimbre@gmail.com http://www.plustimbre.com https://www.facebook.com/plustimbre/ https://twitter.com/PlusTimbre https://www.instagram.com/plustimbre/ https://plustimbre.bandcamp.com/ http://plustimbre.blogspot.com.ar/

DariusCiuta - Grt_p Origen: Kaunas, Lituania Fecha de lanzamiento: 03 de Marzo de 2018 Darius Ciuta es un arquitecto y músico que vive y trabaja en Kaunas (Lituania). “Grt_p” es un largo track de una hora y cinco minutos grabado en Kaunas, con lo que mejor sabe hacer Darius, lo que se denomina “grabaciones de campo”. Tony Whitehead - Shoreline Origen: South Devon, Inglaterra. Fecha de lanzamiento: 03 de Marzo de 2018 Tony se especializa en las grabaciones de campo. Shoreline en un trabajo de 13 tracks que fue improvisado con materiales encontrados en la costa de Bretaña, cerca de Perros-Guirec. Continúa la fascinación de los artistas por el potencial sonoro de los pequeños objetos naturales ordinarios. Dallas Simpson- Railway Footbridge Improvisation For One Adult and Two Children Origen: Nottingham, Inglaterra Fecha de lanzamiento: 03 de Marzo de 2018 Todo su trabajo está grabado en estéreo binaural y brinda un sonido envolvente perifónico completo con auriculares de buena calidad. Este trabajo fue creado como resultado de unirse a un grupo local de caminatas, Netherfield Strollers e inspiración de un taller de improvisación ambiental que se llevó a cabo en Hull University a principios de este año. Slavek Kwi - Uchat C Origen: Irlanda Fecha de lanzamiento: 03 de Marzo de 2018 Nacido en Checoslovaquia, Slavek Kwi tiene otro proyecto llamado Artificial Memory Trace y esta trabajo está íntimamente relacionado con un álbum de ese proyecto llamado “Uchat M”, editado el mismo día por Plus Timbre. Compuesto por Slavek Kwi entre junio de 2017 y enero de 2018, Cave Studio, Irlanda. Basado en varias grabaciones de campo,enfocado principalmente en voces de animales, recolectadas alrededor del planeta Tierra,bajo el agua y en zona ultrasónica incluida. Ciuta / Kwi / Simpson / Whitehead - An Attempt For Balance Origen: Grecia Fecha de lanzamiento: 03 de Marzo de 2018 Trabajo en el que colaboran los cuatro artistas mencionados antes. Como apertura y cierre de estos seis tracks se encuentran dos obras trabajados por los cuatro en forma separadas, y luego se mezclaron los cuatro tracks enviados por Kwi, la particularidad es que ninguno ha escuchado lo que ha hecho el otro. Experimentación pura. Luego hay un track de cada artista.

PALABRAS EN LA ARENA

Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra liberadora... No, al menos para el autor. Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especialmente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la conciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos en realidad hablados?). Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de poderes establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del espacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, periódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y dejaron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino constante en esta campaña del extravío. Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espanten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alquimista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.

[ â&#x20AC;&#x153;PULP" de Charles Bukowski por Pablo Ravale ]

EN EL CULO DE UNA BOTELLA

91 Mi experiencia con Charles Bukowski ha sido muy grata. Me enorgullece decir que gracias a él he vivido momentos increíblemente intensos. En un periodo de tiempo en que no encontraba una literatura que no que me hastiara o me dejara indiferente, apareció él. Desde entonces, no nos hemos separado, y dudo que jamás lo hagamos. Debo decir que siempre me entrego a la obra de este autor, sobre todo si hablamos de su vertiente narrativa (su poesía, en general, no me atrae demasiado), con gran entusiasmo. Llevando leídas unas pocas páginas de Pulp, sin embargo, ya percibí que el libro iba a volverse uno de mis predilectos de toda su obra. ¿Por qué? Porque, use retazos autobiográficos o escriba ficción pura y dura, Bukowski es capaz de deleitarnos siempre. En primer lugar, nos entrega una media de veinte carcajadas –de las que te hacen parecer un perturbado mental si estás viajando en algún transporte público o te encontrás sentado en la mesa de algún bar– con cada libro. Su genial humor acompaña cada uno de sus textos, tiñe cada uno de sus párrafos con sus hilarantes y a veces también corrosivas sentencias (“El hombre ha nacido para morir. ¿Qué quiere decir eso? Perder el tiempo y esperar. Esperar el bus. Esperar que canten los ratones. Esperar que a las serpientes le crezcan alas. Perder el tiempo” o “No era mi día. Ni mi semana, ni mi mes, ni mi año. Ni mi vida. ¡Maldita sea!”). No obstante, hay otro elemento en el trabajo de Bukowski por el que yo me siento sumamente atraído. Además de su sentido del humor, este escritor posee una capacidad inigualable para machacarnos, para humillarnos. Cuando lo lees, casi podés sentir que te desprecia, que su ponzoñoso desdén va aflorando de cada una de sus palabras y cala en vos hasta los huesos. Su crudeza al retratarnos a nosotros, los seres humanos, es algo fantástico que, a mi forma de ver, convierte en verosímiles a todos sus personajes. Es un

misántropo, sí, y un misógino, también, y nos odia tanto como se odia a sí mismo. En los personajes de Pulp, sin embargo, no está tan a flor de piel este “realismo sucio”. Es que, siendo una novela que parodia justamente la literatura “pulp”, no hay demasiado hincapié en la profundidad psicológica de los personajes, pero, habiendo sido escrita por él, algo de ese estilo tan descarnadamente propio lo impregna todo. Publicada en 1994, Pulp fue esta su última novela. El libro, casi póstumo (murió de leucemia en marzo de ese mismo año, poco después de terminarla) refleja y reúne toda una vida marcada por la desesperación, el desengaño, el nihilismo, el alcohol, el sexo, la afición al juego, la soledad y la pobreza. El protagonista, esta vez, no es Henry Chinaski, como en muchas otras obras suyas (de hecho, Chinaski era el alter ego literario de Bukowski), sino que la trama se centra en Nick Belane, un detective privado de Los Ángeles un poco venido a menos, pero al que de repente se le acumula el trabajo: tiene que descubrir, por encargo de la Señora Muerte (sí, la Señora Muerte) si un hombre que se hace llamar Céline es realmente el famoso escritor francés; por otra parte, le encargan la búsqueda de un tal “Gorrión Rojo”, y un marido despechado cree que su mujer le engaña… Los casos comienzan a conectarse, y como es lógico, todo ello agravado por la vida que lleva Belane entre bares, hipódromos y una casa que parece un chiquero. Bukowski entreteje a placer realidad y fantasía. Lo que lo hace creíble no es la convicción con que lo cuente, sino precisamente esa aceptación apática de cualquier cosa que te pueda pasar, y que termina por provocar que ya nada te sorprenda en la vida. Belane lleva una existencia tan apagada y sórdida que sólo su trabajo parece poderlo satisfacer; ni siquiera el sexo, con el que Bukowski parece obsesionado (hay una cita maravillosa, al principio del libro, en la que dice “El sexo

es una trama, un engaño. Es para los animales”), le permite salir de esa vida anónima y sin nombre, idéntica a cualquier otra que se ahoga en el alcohol y el fracaso porque no tiene otra cosa que hacer. El estilo del autor es, conforme a lo que narra, no ya sobrio y complejo, sino simplón pero efectivo. Está escrito en primera persona, por lo que los pensamientos de Belane abundan en palabrotas, insultos y verborrea indeseable, de esa que transmite a las páginas un realismo que no se puede lograr de ninguna otra forma. Se intenta centrar en aquello relevante para la historia o aquello que ayude a configurar el personaje de Belane, auténtico centro alrededor del que discurre toda la trama. Sin embargo, a pesar de ser tan crudo y directo, Bukowski era poeta antes que novelista, lo que le permite crear algunas imágenes sucias que son puro lirismo y poesía, metáforas maravillosas a partir de los elementos más triviales de la calle. La única pista a seguir, entonces, será una librería en donde Céline se ha dejado ver últimamente y a la que Belane se acercará para escuchar cómo el autor francés se queja de Faulkner y afirma que Thomas Mann le

aburre hasta la extenuación. Todos los casos se van entrecruzando de la manera más desordenada. Y Belane sólo trata de dar con la clave que los desenmarañe de una vez todos y cada uno de ellos y sin duda ésta habrá de estar en el culo de una botella. Mientras se pasea por todos los bares de la ciudad encontrando pelea, se escapa de caseros furiosos, vecinos psicópatas o cobradores con profundas raíces literarias –dos de ellos se llaman Dante y Fante–, Belane no hace absolutamente nada. En conclusión, un libro de fácil lectura, de esos que se puede encajar entre dos lecturas más exigentes para desengrasar pero que sin embargo ofrece más de lo que aparenta. Como Belane, Pulp es una novela que engaña. Bajo su aparente género negro y sucio late una valerosa despedida del mundo de los vivos de su autor –Bukowski incluso se llega a describir dentro del ataúd a sí mismo– y una reflexión sobre la vida y la muerte que me encantaría poder explicar en estas líneas, pero que no haré porque, oh casualidad, se ha acabado la botella. A tu salud, querido viejo indecente.

FRANCO DOGLIOLI

En cumplimiento Primero fue un sonido, débil, isocrónico, como reverberación de ánima. No estaba hecho de voces. Ni de naturaleza. Pero si tal vez del eco de un crujido infraterreno. Pensé. Como si deducir fuese un recuerdo. Abrí los ojos para ver nada. Giré entonces hasta caer ¿De la cama? A suelo desconocido. No parecía mío. Por un vago registro de cierta alfombra. Esperaba eso. Pero no. Aquel suelo quemaba de frío. El sonido persistía. Ya no de tan abajo. Más cercano. Me sentí cual fiera ante una llegada. No obstante… logré incorporarme. Mis piernas hicieron un esfuerzo. Habían perdido la costumbre. Pude notar eso. ¡Y mi olor! ¡A jabón blanco! A tan limpio como neutro. Mi mente era la misma. Buen capital simbólico. De léxico abundante y aceptable. Podía asociar y hacer buen uso de la metáfora. Si bien su función y todo lo anterior a percibir el sonido se había perdido, mis recursos cognitivos seguían intactos. E iban a servir para amortiguar lo inminente. ¡Sin preámbulos el sonido me abrazó! Fue allí cuando recordé lo necesario: promesa, despedida y ritual. Logré ver, como a través de lo empañado, el surgir de aquella enorme y creciente silueta. Retrocedí sorprendido y la figura también se alejó. Era yo. Reflejado en un espejo imposible. ¿Y el sonido? Provenía de estos huesos. Reacomodándose, sin restricciones, para exhibir las mil púas de mi primera forma.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

¿JACK EL DESTRIPADOR MURIÓ EN ARGENTINA? por Pablo Ravale

Durante el siglo XIX, tras los atroces asesinatos cometido por Jack el Destripador, se levantaron grandes incógnitas por saber quién era el famoso asesino, es decir, la persona tras la leyenda. La circunstancia de que este asesino nunca fuese capturado y procesado, no supuso que durante el breve período que duró su reinado de terror, Scotland Yard dejase de investigar y de arrestar a sujetos sobre quienes recayeron sospechas de haber sido tal sanguinario ejecutor. Luego de cerrada formalmente la causa –en el año 1892– continuaron emergiendo a la luz pública nombres de individuos signados con similar suspicacia aunque, como es sabido, jamás se llegó a responsabilizar penalmente a ninguno de ellos, y el caso se mantuvo sumido en el más profundo de los misterios. Ahora bien, en la lista de sospechosos de ser el asesino, y siempre de acuerdo con las investigaciones de la época, había exactamente cinco individuos señalados por la policía. Ellos eran: 1. Montague John Druitt. Un abogado hijo de un cirujano de muy buena familia, que desapareció justo tras el crimen de Mary Kelly y cuyo cuerpo fue hallado un mes después flotando sin vida en el Támesis; al fallecimiento esa persona tenía 31 años. La sospecha hacia Montague John Druitt parte de una serie de averiguaciones realizadas años después de que el caso fuese cerrado por el jefe de policía de Scotland Yard, Sir Macnagthen. No hay evidencia sobre por qué Macnaghten lo consideró a Druitt un sospechoso serio pues el expediente del caso sigue cerrado al día de hoy y sus únicas declaraciones públicas habían sido que no sólo él sospechaba de la culpabilidad de Druitt porque era “sexualmente insano”, sino que además su propia familia creía que había sido el asesino. 2. Joseph Isenschmid. Un comerciante de piezas cárnicas. Un par de días antes de ese

arresto, dos médicos de Whitechappel lo habían denunciado a causa de sus hábitos extraños, y su propia esposa declaró en su contra alegando que Joseph Isenschmid era violento, que siempre portaba encima grandes y afilados cuchillos, aún en los momentos en que la práctica de su oficio no se lo requería, y que había amenazado con matarla. Se supo que el indagado había sido sometido ya a una prolongada internación en un hospicio debido a padecer severos trastornos psíquicos y, luego de una nueva revisión médica donde se constató su total desquicio, la justicia ordenó su encierro por causa de enajenación mental. Dado que se hallaba preso cuando acaecieron los homicidios de Liz Stride y Kate Eddowes, el 30 de septiembre de 1888, fue descartado definitivamente como posible asesino de las prostitutas. 3. Severin Klosowski. Un joven barbero polaco, de veintitres años. Residente en el este de Londres en 1888, prefería que lo conocieran por un nombre más británico. Debido a tal vanidad adoptó el de George Chapman, tomando ese apellido típicamente inglés de una de sus ocasionales concubinas. Casualmente, el mismo apellido de la segunda de las víctimas canónicas de Jack el Destripador. En el tiempo de los homicidios victorianos no se lo asoció con ellos. Años después, el polaco alcanzaría la fama que tanto ansiaba. Más se trató de una fama aciaga, porque le fue dada como asesino. Más concretamente por su condición de uxoricida (homicidio de una cónyuge por parte del marido), pues se descubrió que mediante dosis de arsénico había mandado a la tumba sucesivamente a tres esposas. En 1903 se impartió orden de captura en su contra y el mérito de concretar el arresto lo tuvo el sargento detective de la Policía Metropolitana George Albert Godley, quien en el pasado había sido uno de los más tenaces perseguidores de Jack el Destripador. El antiguo jefe de Godley, el

inspector detective Fredderick Abberline, felicitó públicamente a su ex subordinado. «Has atrapado a Jack el Destripador», parece que le dijo. Y resulta que Klosowski constituyó para el famoso detective Abberline el primordial sospechoso de haber sido el degollador de los barrios bajos londinenses. Sin embargo, al presente, la mayoría de los expertos descartan a este hombre como candidato plausible. Aunque es cierto que residió en una zona cercana a donde se consumaron los asesinatos, su instinto homicida recién se habría despertado años más tarde y, sobre todo, el modus operandi de un envenenador guarda muy remota relación con las sangrientas carnicerías perpetradas por Jack. 4. Aaron Kosminski. Un judío polaco residente en Whitechapel que sentía un odio más patológico que visceral hacia las mujeres, y que fue ingresado en un hospital psiquiátrico en marzo de 1889 por sus tendencias homicidas. El doctor Houchin, quién certificó la locura de Kosminski, describió su comportamiento: «Declaró que es dirigido y que sus movimientos son controlados por un instinto que informa su mente; dijo que conoce las actividades de toda la humanidad, y rechazó casi todos los alimentos porque su instinto le decía que no lo haga». 5. Francis Tumblety. Un curandero y pseudomédico estadounidense. Quizás el sospechoso más potable para la policía de Scotland Yard. En el año 1993 el investigador especialista en el caso de Jack el Destripador, Stewart Evans, descubrió una vieja carta redactada por el Inspector John Litlechild dirigida al dramaturgo y periodista victoriano George Sims, en la que informaba que el sospechoso preferido estaba mencionado en un expediente secreto de la Policía Metropolitana, donde se lo designaba como “Dr. T”. Sin dudas, se hacía allí referencia al aludido Francis Tumblety, al cual se lo consideraba un sujeto afectado por una grave psicopatía sexual y cuyos sentimientos hacia las mujeres eran en extremo amargos pues trasuntaban un odio patológico. En aquella carta se relataba cómo ese individuo cometió ofensas antinaturales en la vía pública, siendo arrestado in fraganti en la calle Malborough el 7 de noviembre de 1888, aunque

el reo logró salir de inmediato libre bajo fianza. El 16 de noviembre de ese mismo año fue acusado formalmente y compareció ante una corte británica. Cuatro días después se celebró una audiencia tras la cual se pospuso el proceso hasta el 10 de diciembre. Pero antes de llegar esa fecha, el encausado aprovechó su libertad condicional huyendo de Inglaterra rumbo a Francia, utilizando el falso nombre de Frank Townsend. Arribó a tierras galas el 24 de noviembre, y desde allí viajó a Nueva York, Estados Unidos. Scotland Yard envió para capturar al prófugo a uno de sus más destacados investigadores, el inspector Walter Simon Andrews. Este detective iba secundado por otros dos inspectores y gozó del apoyo logístico de la policía estadounidense. No obstante, no pudo atrapar al escurridizo Tumblety. No pudieron capturar al prófugo, y éste concluyó sus días falleciendo en Saint Louis, Missouri, en el año 1903. Sin embargo, y más allá de las distintas hipótesis elaboradas por la policía, fueron surgiendo también otros sospechosos señalados en la época por la opinión pública y/o por la prensa. Éstos eran: 1. Alberto Víctor, duque de Clarece y Avondale. Un noble que era hijo del Rey Eduardo VII y nieto de la Reina Victoria, quien se cree que pudo haber embarazado a una prostituta (ya que era asiduo visitante de los prostíbulos) y luego la mató para evitar el escándalo. El resto de las chicas habrían sido asesinadas por ser amigas o compañeras de oficio de la muchacha en cuestión. 2. William Gull. Un médico cirujano estrechamente vinculado a la realeza británica. La postulación de que el Doctor Williams Gull fuera el asesino de Whitechappel está ligada a la denominada “Teoría de la Conspiración MonárquicoMasónica”. Stephen Knight en su libro de 1976, Jack the Ripper: The Final Solution, adujo que los crímenes cometidos en el este de Londres fueron obra de un grupo de asesinos, en el cual el papel de principal ejecutor se asignó al Dr. Gull.

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A parte de estas dos posibilidades, se desprendió además una tercera, la cual apuntaba a la teoría de un lugar en el mundo como exilio del asesino: la ciudad de Buenos Aires. El responsable de esta teoría fue Leonard Warburton Matters, político del Reino Unido y editor del periódico Buenos Aires Herald. En 1926, Matters sugirió que en realidad Jack el Destripador fue un eminente doctor dedicado a investigar los efectos devastadores de la sífilis, lo cual lo habría obsesionado a tal punto que llegó a intentar eliminar todas las prostitutas de Londres. Según Matters, Jack el Destripador habría huido a la Argentina después de asesinar a su última víctima, Mary Kelly; llegando a la ciudad de Buenos Aires a fines de diciembre de 1888 o a comienzos de enero de 1889, donde permaneció hasta su muerte. Ya instalado en la Argentina, Jack continúo ejerciendo como médico hasta el año de su fallecimiento en 1926, bajo el seudónimo de Doctor Stanley. Sin embargo, el investigador también planteaba que, al menos durante un tiempo, Jack el Destripador habría ejercido el cargo de jefe de redacción de un diario porteño. Matters no lo dice claramente, pero se deduce que ese diario es el periódico Buenos Aires Herald, es decir, el mismo donde trabajaba Matters. Esta teoría fue publicada en su libro de 1929, The Mystery of Jack the Ripper, y es tal vez el primero en abordar seriamente la identidad del célebre asesino. El libro presenta algunos datos inconexos y conjeturas apoyadas en testimonios fácilmente cuestionables. No obstante, se vierten ciertos detalles macabros que nunca antes habían salido de la órbita de la policía londinense. Si bien la obra de Matters fue ferozmente desacreditada por los estudiosos de los crímenes de Jack el Destripador, hay que decir que no es el único en haber situado el domicilio del asesino en Buenos Aires. La pista argentina reaparece 1972, cuando el periodista británico Daniel Farson publica su obra Jack the Ripper, donde ofrece testimonios y documentación que podrían evidenciar que el asesino realmente vivió en Buenos Aires entre 1910 y 1920. Más aún, Jack habría sido el dueño de un pub inglés llamado Sally’s Bar, ubicado en

la calle 25 de Mayo, próxima al puerto. La misma, vale aclarar, por aquel entonces, era literalmente la Whitechappel porteña; es decir, un barrio frecuentado por marineros y prostitutas. Otros indicios de que Jack el Destripador se haya establecido en Argentina procede del escritor y profesor universitario Juan José Delaney; quien involucra al sacerdote irlandés Alfred Mac Conastair, capellán del Hospital Británico de la ciudad de Buenos Aires, en las primeros décadas del siglo pasado. En 1989, Mac Conastair le habría revelado a Delaney un secreto que guardaba de otro sacerdote de su misma congregación, quien en su lecho de muerte habría confesado ser Jack el Destripador, y que los asesinatos respondían a una venganza por la muerte de su hijo ilegítimo, fallecimiento que se debió a una enfermedad venérea contraída a través de su trato con prostitutas. El cuerpo de este presunto Jack el Destripador fue enterrado en el Cementerio del Oeste, en el barrio de la Chacarita. Finalmente la pista de Buenos Aires vuelve a reabrirse en 1976, más precisamente en un artículo de la revista Ellery Queen’s Mystery Magazine, donde el criminólogo Juan Jacobo Bajarlía formuló una de las hipótesis menos descabelladas sobre el tema: esta vez, el candidato a ser Jack el Destripador era un tal Alfonso Maroni, financista de profesión que vivió en Londres durante la masacre de Whitechappel realizando gestiones bursátiles a través de Greesham House. Si bien el financista jamás confesó públicamente los asesinatos, después de su muerte en 1929, a la edad de 75 años, su secretario privado reveló haberlo ayudado contra su voluntad a cubrir el rastro de los homicidios y diseminar cualquier tipo de prueba. Bajarlía, de este modo, finaliza su increíble repaso de los hechos apuntando lo siguiente: «Al regresar a Buenos Aires, revisando mi archivo de crímenes, tuve una evidencia sobre la cual no me atrevo a escribir todavía. Jack el Destripador, desaparecido de Londres, habría muerto en Buenos Aires, a los 75 años, en un hotel de la calle Leandro N. Alem, frente a la plaza Mazzini, hoy Roma, una mañana lluviosa de octubre de 1929».

HIDDEN TRACK

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EN CONCIERTO

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[ por Diego Centurión Fotografías: Martín DarkSoul. ]

CELEBRACIÓN BESTIARIA Chillan Las Bestias en El Imaginario Cultural Bar, CABA. Sábado 10 de Marzo

El sábado 10 de marzo se anunciaba tormentas en una ciudad de Buenos Aires que aún palpita los calores del verano. Noche rara, ambigua, con mucha humedad en el ambiente y esa carga de pesimismo que suele ser el tener que cargar elementos anti lluvia. Pero era una cita a la que ningún artilugio de magia negra podía quitarnos la posibilidad de asistir. Todos aquellos que conocen el sonido de Chillan las Bestias estaban invitados al ritual...

Desde el primer acorde la gente pareció entrar en un trance oscuro, por momentos fatídico y en otros esperanzador. El comienzo es con "Ruedan por San Telmo" y el clima de comunidad ritualesca se respira. La banda interpreta sus canciones con solvencia y sabiendo que habrá respuesta desde los iniciados. El sonido es lo bastante lúcido y correcto para que todo suene, desde la batería sin microfonear hasta el violín, todo con la tranquilidad y la serenidad de no correr contra ningún reloj para cerrar el El cambio de escenario y la no presenta- show a tiempo, los Chillan se los nota como ción de la banda invitada "Ó" (quienes quie- en casa, y si, teniendo la sala tan cerca El ran que sean) le dieron a la presentación un Imaginario se siente como su casa y eso se marco de intimidad y casi como un ritual pa- nota con la relajación de los siete músicos en gano, para pocos (no tanto) pero seguros se- el escenario. Por momentos nos introducen guidores, que se sentían como un culto a la en un estado de alienación producida por los cofradía bestiaria. arreglos estruendosos y disonantes, que es Un poco más tarde de lo anunciado, pero marca registrada de Chillan Las Bestias. En con la complicidad de los fieles, esto se pre- el ser pasaron por ambos discos y se dieparaba para una reunión esperada y celebra- ron el lujo, a modo de ofrenda para los preda por los mortales que se presentaron en el sentes, de mostrar tres canciones nuevas del lugar de los hechos, ese lugar donde las bes- tercer álbum por venir. Para cerrar no faltatias volvían a chillar. ron los clásicos "Mecha Corta" y "La Bestia". El Imaginario no podía ser mejor lugar para Para que el público asistente se deleitara con este nuevo ritual de fin de verano. Un lugar semejantes ofrendas al Dios reinante en esa que aparenta un bar con su historia escrita en noche, el Dios de las Bestias. su arquitectura, pero que en el sótano el tiemLos estados de ánimo más oscuros se hipo parece detenerse (lugar donde nos espe- cieron presentes en la noche que a pesar de raban la banda ya sobre el escenario). la densidad pre tormenta no pudo opacar un Chillan las Bestias no es una banda que gran show, para los pocos que superaron los se caracterice por su fácil asimilación sono- obstáculos del cambio de lugar a último mora, es un septeto que ahonda en lo más pro- mento y de la posibilidad constante del aguafundo del inconsciente del escucha, lleván- cero, que por cierto nunca llegó. Uno se va dolo a sus más oscuros rincones de su ser con la pregunta... Como puede ser que en Aren donde reprimimos esos deseos de des- gentina una banda como Chillan las Bestias esperación, y esos confusos pensamientos no sea exitosa, bueno el éxito también se ve que salen como trompadas arrojadas al aire en su simpleza y en su seguridad. Después sin dirección alguna pero con furia. de todo qué asegura el éxito?

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MIEN la superbanda de la Psicodelia

La nueva superbanda MIEN lanza adelantos de su primer álbum. Si hablamos de bandas como The Black Angels, The Horrors, The Earlies y Elephant Stone, el denominador común es esta nueva banda MIEN. El nuevo proyecto que une a uno de las bandas mencionadas, Alex Maas el cantante de The Black Angels, el sitarista Rishi Dhir de Elephant Stone, John-Mark Lapham el manipulador electrónico de The Earlies y Tom Furse el tecladista de The Horrors.

Bajo el sello Rocket Recordings lanzarán su homónimo álbum debut el próximo 6 de abril, y ya confirmaron su bautismo en vivo para el Levitation Festival, precisamente la fecha del 28 de abril. Los miembros están separados por la geografía y gran parte del álbum fue escrito y grabado a larga distancia, pero están unidos por un amor a la psicodelia clásica y a la vanguardia vudú en el estudio. La banda en vivo tiene un condimento que hace más especial a esta banda tan diversa, es la nueva incorporación de un integrante de lujo para su presentación, Thor Harris ex- Swans en percusión. Cuentan que el gen de la banda sucedió en el 2004 cuando Alex Maas se encontró con RishiDhir, pero con el tiempo las piezas se fueron cruzando y el proyecto nació de varias promesas entre los músicos por hacer algo juntos. Según John Mark: "era imaginar a los Black Angels como Nico en su fase industrial de los 80 mezclada con George Harrison y Conny Plank". Los adelantos del álbum han salido entre enero y febrero de este naciente 2018. Para obtener más info de la banda: https://mienband.com/ https://www.facebook.com/MMMIIIEEENNN https://mien.bandcamp.com/ https://twitter.com/mmmiiieeennn https://www.instagram.com/mmmiiieeennn/ https://open.spotify.com/artist/0fl9voNu6x7TSuYnLb1amp

Brian Eno x 3

Novedades de un grande.

1 - Brian Eno anunció la salida de un set box llamado “Music For Installations” de 9xLP o 6xCD acompañado de un libro con fotografías y un ensayo escrito por el propio artista, el conjunto de cajas ha sido diseñado por Eno y Nick Robertson. Se trata de una compilación de temas nuevos, raros y no publicados anteriormente, incluye composiciones que se presentaron como parte de las instalaciones artísticas que viene realizando desde 1986. en lugares como la Bienal de Venecia, el Palacio de Mármol en San Petersburgo, la Ópera de Sídney, el Arts Santa Mònica de Barcelona y acá en Buenos Aires en el CCK. El set se publicará el 4 de mayo a través del sello UMC. En el mismo orden de cosas, hace unos pocos días, el 21 de Febrero se inauguró una instalación en Amsterdam llamada “Bloom: Open Space” diseñada por Eno y Peter Chilvers (músico británico, diseñador de software) donde los participantes estarán rodeados de pantallas, con gafas Microsoft HoloLens que les permitirán ver la música en un entorno de realidad mixta y generan burbujas de notas musicales con los dedos "Bloom es una máquina de música sin fin, una caja de música para el siglo 21. Puedes jugarlo, y puedes verlo tocar solo". - Brian Eno.

2 - El otoño pasado, Brian Eno y Kevin Shields (My Bloody Valentine's) lanzaron un single llamado "Only Once Away My Son". Recientemente anunciaron otra canción colaborativa "The Weight of History". Ambas canciones estarán disponibles juntas como una doble A -side vinyl 12 ", saldrá en el Record Store Day 2018 (sábado, 21 de abril) a través de Opal. Y ya que nombramos a Kevin Shields les contamos que anunció la salida de dos EP “Extensos” antes de la salida de un nuevo LP de My Bloody Valentine's

3 - Eno también ha compuesto la música para el documental “Rams” dirigido por Gary Hustwit, que trata sobre la vida del diseñador industrial Dieter Rams que a sus 85 años es conocido por su teoría del diseño y sus productos de consumo con la compañía Braun.

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Nuevo single de Slow Meadow Ya hemos hablado de su álbum "Costero", ahora Matt Kidd acaba de lanzar un nuevo single, "We're Losing The Moon".

El proyecto Slow Meadow, como le comentamos hace un tiempo cuando hablamos de su último álbum "Costero" (pueden leerlo clickeando en el siguiente link ) esconde al artista Matt Kidd, ha lanzado un nuevo single "We're Losing The Moon" el pasado 16 de Marzo de 2018. "We're Losing The Moon" es una referencia al fenómeno de nuestra luna alejándose de la órbita de la Tierra a una velocidad similar a la del crecimiento de nuestras uñas. Junto con eso, la alegoría del hombre que piensa en "los cielos" como algo inamovible y permanente. Alguna vez adorados como dioses, ahora se descubre que estos cuerpos celestiales son tan transitorios como la vida misma, solo que con el tiempo las escalas son lo suficiente largas como para engañar a innumerables generaciones de personas. En esta imagen, otro recordatorio de que no vemos las cosas como son sino como nosotros somos. Esta es la breve explicación de este nuevo single de este proyecto de Matt Kidd. Un single de dos bellas canciones que continúan en la línea de su álbum "Costero", melancolía etérea de piano y cuerdas, con una dulce inclinación hacia lo clásico, pero con una atmósfera de música ambiental o soundtrack. Hay que permitirnos escuchar esto en el momento en que necesitemos tener un grado importante de paz y tranquilidad en el ambiente. Las resonancias del piano nos elevarán mientras que las cuerdas harán que nuestra mente se embellezca. Tanto "We're Losing The Moon" como "Cauda Luna" son canciones nocturnas, llena de misterio y soledad, tal vez como nosotros nos imaginamos a la misma Luna.

Theresa Wayman (Warpaint) anuncia álbum en solitario “Love Laws” Theresa Wayman, también conocida como una de las guitarristas y vocalista de Warpaint anunció un álbum en solitario que firmará con el pseudónimo de TT para el 18 de Mayo llamado “Love Laws” que será distribuido por Caroline Internacional. .

Wayman coprodujo el álbum con su hermano Ivan; Dan Carey (BatForLashes, Hot Chip) y el colaborador de BeastieBoys, Money Mark. El Arte de tapa es de DelaramPourábdi y ya se puede escuchar un adelanto del lento, electrónico y sensual “LoveLeaks” que le dejamos abajo. En el faceboock, Theesa dijo. ¡Espero que disfruten de los sonidos! Ha sido un buen viaje.... He aprendido mucho sobre mí. Supongo que ese es el punto del arte y el proceso creativo... para ver cómo nos vemos en el interior. Y para escuchar lo que tenemos que decir. ¡Paz y amor a todos ustedes! ¡¡Que todos sigamos nuestra felicidad!!

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Reflection y su "Umbra", nuevo single adelanto Hace un tiempo hemos hablado de su primer EP de adelanto llamado "Lumen", ahora es momento de hablar de su segundo single, "Umbra" que lleva como título el nombre de su próximo álbum, aún sin fecha exacta de lanzamiento, pero si a mediados de año.

Ya hemos hablado del dúo Reflection conformado por Franco Doglioli y Franco Colombo. El single "Umbra" fue lanzado el 23 de marzo último. La canción es una aplanadora electrónica que cumple con su objetivo primordial, hacernos bailar. Ahora desmenuzando un poco la canción y por lo que hemos hablado con el dúo de Francos y agradeciendo las respuestas de ambos (sobre todo del convaleciente Doglioli), nos disponemos a hablar sobre este nuevo single. Como nos habían contado en una entrevista realizada por la Revista The 13th a principio de año, la metodología de trabajo, en gran parte, nace de una letra de Doglioli y luego Colombo musicaliza el texto, para luego sentarse a pulir arreglos y modificar estructuras. Sobre "Umbra" nos cuentan en su bandcamp: "Umbra es la canción que da título a nuestro segundo álbum y resume la esencia de este próximo disco. “Umbra” significa “sombra” en latín. Es una canción dedicada a la dependencia emocional que puede generar el amor. Su melancólica letra, circula por oscuras venas sonoras que le otorgan el marco perfecto a esa luna roja y a ese cielo rojo, símbolos pasionales a quienes alguien pide protección y clemencia, mientras aguarda la llegada del ser amado, tan fundamental como el agua y el aire para sobrevivir."

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Franco Colombo nos contó: "Al crear la música para Umbra, Frank me envía una letra oscura por lo que tenía una idea de la melodía y esos tonos oscuros que queríamos lograr. Los primeros demos quizás sonaban más electro con mucha textura de pads y loops rebuscados, pero se fue acomodando al pop con las líricas de Frank. No se modificó mucho la línea principal quedando como resultado ese ambiente íntimo pero a la vez con toques épicos en sus melodías." Con co-producción de Carlos Shaw, el nuevo álbum aún es un misterio, fiel a la nueva cara que nos muestran los Reflection. Con respecto al resultado final Colombo nos comentó: "Creo que el aporte de la co producción de Carlos Shaw es fundamental para poder llegar al sonido final. Trabajamos la canción en su 80% en nuestro home studio, el resto es lo que se puede escuchar, con la potencia que tiene el estribillo y la intimidad del inicio y los cortes/breaks del tema. Siempre cuando terminamos un tema y es publicado superamos toda expectativa que teníamos y lo mejor, al público también en comparación a nuestros trabajos anteriores, creo que es crecimiento sonoro y de producción el cual nos deja más que felices." Y Doglioli nos dijo: "Llegó a satisfacer ampliamente nuestras expectativas porque el resultado final, su letra enmarcada en esos tonos sonoros oscuros nos hizo percibir que no se trataba de una canción más, sino tal vez de la síntesis de la idea de nuestro segundo álbum. De hecho terminó dándole el nombre al disco." Ahora sólo les queda escuchar y sacar sus propias conclusiones. nosotros nos imaginamos a la misma Luna.

DE CANCIÃ&#x201C;N + BANDA

[ Por Diego Centurión ]

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Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio, que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy es una página de noticias. Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio, teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda. La llamamos "De Canción + Banda". En el caso de hoy tenemos una banda buscó su identidad tomando el nombre de pila de un artista y lo unió al de una de sus canciones. Hoy tenemos un caso que distancia a ambos artistas más de veinte años. Una banda toma parte del nombre del artista y el de una canción para generar así, su identidad. Gene Vincent fue un artista consagrado en los dorados años del rock and roll. Con el clásico en su haber como “Be-Bop-A-Lula” en 1956, llegó a pensarse en él como el nuevo Elvis Presley. Apodado el “Príncipe negro” por su atuendo de cuero negro de pies a cabeza, en 1961 lanza un single que con el tiempo será la excusa para el nombre de una banda galesa. Jezabel fue la canción que ha llegado al puesto número... Muchos años después una banda liderada por dos gemelos de Gales adopta el nombre de pila del artista de los cincuenta y lo une al nombre de la canción formando Gene Loves Jezabel. Todos conocemos la vida de estos gemelos que hoy no se pueden, ni siquiera, mirar o mencionarse, a tal punto de que coexisten en la actualidad dos versiones de la banda una bajo el oficial nombre europeo de Jay Aston Gene Loves Jezebel y del otro lado del Atlántico bis encontramos con Michael Aston Gene Loves Jezebel. Así es la historia, una mantiene casi la formación original y lanza discos; el otro, sobrevive. Los Links a las bandas: Gene Vincent: https://www.facebook.com/genevincentsinger/ Gene Loves Jezebel: Jay Aston https://www.facebook.com/OfficialGeneLovesJezebel/ http://genelovesjezebel.co.uk/ Michael Aston https://www.facebook.com/GeneLovesJezebelOfficial/ http://www.genelovesjezebel.com/Welcome.html https://twitter.com/gljezebel https://www.youtube.com/user/officialgenelovesjez

PURA MELOMANIA

[ Por Alex Bretto ]

REINA MADRE MADONNA - RAY OF LIGHT (1998) [ Alex Bretto ]

Fue el séptimo álbum. Fue el menos escandaloso, aunque curiosamente, el más íntimo. Aquí es donde pareció más honesta que nunca, sin por esto insinuar que antes no lo haya sido. Nunca fue fácil la honestidad brutal de Madonna: díganselo a la Iglesia Católica, que por años fue utilizada como su punching ball favorito. O a su propio padre, a quien tantas dedicatorias buenas y malas (especialmente malas) le regaló. Pero la Reina del Pop había forjado su título no solo en base a una decena de hits que ya todo el mundo (literalmente) conocía y coreaba, sino por el uso que supo darle a su liderazgo bien ganado. Les habló desde el corazón, les habló con críticas y acusaciones, les habló sin tapujos… y por eso muchos la detestaron (pero la mayoría la idolatró). Los años 80’s le pertenecieron y como mujer, nadie pudo rivalizar con ella en el terreno de la música comercial. Ya en los 90’s el reinado pareció tambalear. Tras el disco “Erótica” y el libro “Sex”, parecía que los caprichos de Madonna habían llegado demasiado lejos. Personalmente ya estaba un poco cansado de ver sus fotos desnuda, pretendiendo provocar desde la homosexualidad o el sadomasoquismo, y supongo que no fui el único. La diva nunca fue apocada a la hora de arriesgar ni redoblar apuestas, y no reculó en ningún momento, mientras su eterna inquietud siempre la llevó a continuar explorando en distintos ámbitos. Ya en el año 1997, era una madre primeriza que pisaba los 40 años cuando decidió dar otro giro a su inagotable carrera.

Es habitual que Madonna se rodee de gente que entiende el momento musical por el que atraviesa el vanguardismo de cada época. Esta fórmula que repitió infinidad de veces, le ha permitido mantenerse vigente hasta la actualidad. En aquel momento, tras la explosión electrónica de mediados de los 90´s, Madonna testeó a tres productores bien icónicos. El primero fue Babyface, con quien ya había trabajado en “Bedtime Stories” (1994), pero fue descartado. En segundo lugar Patrick Leonard, con quien Madonna trabajó en reiteradas oportunidades desde 1985, y que en esta oportunidad volvería a desempeñarse como co-productor y co-escritor. Pero el jugador fundamental del nuevo trabajo sería William Orbit, que imprimiría al material compuesto su indubitable sello personal. El nuevo álbum “Ray of Light” fue lanzado a nivel mundial el 3 de marzo de 1998. Desde la apertura con “Drowned World / Substitute For Love” se plantea un cambio de imagen y una transformación espiritual que

propone esta nueva Madonna convertida a la Cábala, practicante de Yoga y estudiosa del hinduismo y el budismo. Como introducción: “I traded fame for love / without a second thought” son las primeras palabras de esta transportadora melodía ambient pop tan bien lograda en combinación con Orbit: algo se hunde, pero algo nuevo lo reemplaza. El segundo track “Swim” es una invitación a limpiarse de los pecados que arrastramos, y en referencia a toda la etapa early 90´s de la diva que ya hemos descripto, es netamente autobiográfica: nadar hasta el fondo del océano, descubrir nuevas orillas. Recién para el tercer track la electrónica omnipresente se tornará bailable con el tema que da nombre al disco: este techno dance acelerado con influencias del trance fue el segundo corte y arrasó las pistas de baile, mientras echaba una mirada mística al universo y reflexionaba sobre cuán pequeños somos

sánscrito. Ya para la última parte del disco, Madonna vuelve a abordar los temas más humanos y terrenales. Tiempo de develar una pieza clave: una canción icónica que fuera el principal corte y adelanto del disco, la excelente balada electrónica “Frozen”. Aquí la contracara de todo lo expuesto hasta ahora: la canción es acerca de la gente fría y carente de emociones, egoísta y sin empatía. “Frozen” fue la carta de presentación de “Ray of Light” y fue un gran éxito a nivel mundial, alabado por los críticos y los fans. El track #10 es la vibrante balada “The Power of Goodbye”, de gran belleza instrumental y con una letra estremecedora sobre ruptura, que constituyó otro de los singles del álbum. Para “To Have and Not to Hold” se destacan algunos pasajes de música latina que siempre supieron acompañar a la diva, para dar forma a una canción sobre la difi-

en comparación. Como single, fue número 1 varios países europeos y en el Dance Club chart de Billboard. Continúa el disco con “Candy Perfum Girl”, y vuelve el tinte enigmático en una seductora melodía mid-tempo, una lírica sexualmente difusa marcada por un ritmo embriagador. Cuando llegamos a “Skin” no puedo evitar preguntarme lo difícil que debe haber sido seleccionar los cortes de difusión de un disco sin desperdicios. Nuevamente se encienden las luces y arde la pista, y Madonna nos da una licencia, nos autoriza a volvernos melancólicos y recordar que somos humanos. Se permite desear nuevamente, pero a modo de excusa nos jura: “I´m not like this all the time… I need to have your protection”. Primer tema donde retorna exitosamente la dupla con Patrick Leonard, pero siempre con la impronta de Orbit que aquí colabora en la producción con Marius de Vries. La exitosa formula se repite en el siguiente track y quinto corte del disco, “Nothing Really Matters”: una canción obviamente inspirada por su primogénita Lourdes (nacida en 1996), que dio lugar a esta etapa introspectiva de la artista. Ya hacia la mitad de este viaje llega “Sky Fits Heaven”, y nos empapamos nuevamente con la temática religiosa solo que ahora focalizando en las verdades compartidas por Catolicismo, Budismo e Hinduismo, mientras no dejamos de bailar. En esta misma línea continua “Shanti Ashtangi”, íntegramente cantada en

cultad para comprender al otro en una relación de pareja y los límites generados por dicha incomprensión. Con un tema recurrente en la medida justa, pero ahora utilizando un poco de drum & bass, Madonna vuelve sobre la cuestión de maternidad en otra dedicatoria a su hija Lourdes en “Little Star”. Y ya para finalizar, una dedicatoria de la artista a su propia madre: “Mer Girl” es otra invitación a la reflexión. Siempre hay que festejar los 40 años: es esa edad donde parece que ya estás del otro lado, donde ya superaste la crisis de la edad y cuando los adolescentes comenzaron a verte como un señor/señora mayor. Para Madonna, la llegada a los 40 estuvo marcada por una serie de hitos que la llevaron a una transformación en todo sentido, principalmente espiritual. Acertadamente supo redirigir esa energía hacia su trabajo, y los planetas se alinearon a su favor. La Reina del Pop, ahora madre y más sabia, realizó una serie de composiciones sobresalientes, logró musicalmente un sonido fiel a la época y demandado por su público, contó con una producción soberbia que le permitió imprimir un toque ascético a todo el trabajo, y se sintió plenamente realizada al poder volcar en un disco todo ese acervo cultural que la circundaba. Indudablemente es por eso que “Ray Of Light” es un disco increíble, emotivo, envolvente e imperdible: es la obra maestra de Madonna, el mejor disco de su carrera.

YO SOY PLAYERO PERO NO HAY PLAYA PIXIES - SURFER ROSA (1988) [ Benjamín York ]

Estamos ante los treinta años de uno de los discos más importantes de la historia del rock. Es el álbum debut de una de las bandas menos reconocidas en sus días y que cimentó y puso las bases de gran parte de lo que se ha convertido el rock hoy. Pero tuvo que esperar que el reconocimiento llegara muchos años después, cuando Kurt Cobain expresó que su modelo sonoro para escribir "Nevermind" había sido los Pixies. Editado por el sello 4AD (casa de bandas como CocteauTwins, Dead Can Dance, Throwing Muses, entre otros) con una grabación experimental, mezcla y producción de Steve Albini (quien luego sería llamado por Nirvana para su In Utero). La banda se dispuso a grabar una de estas joyas y uno de sus mejores álbumes, delineando, sin darse cuenta, el camino a seguir por la música alternativa de ahí en más. El cuarteto formado por Frank Black, Kim Deal (Mrs. John Murphy), Joey Santiago y David Lovering ya habían grabado el demo de diecisiete canciones conocido como "The Purple Tape" (1987) y el EP debut "Come On Pilgrim" (1987), ambos con el productor Gary Smith en su estudio Fort Apache. Gary había descubierto a la banda en un recital junto a Throwing Muses, y los llevó al

estudio a registrar el demo de 17 canciones, y repartió copias a las compañías y agentes de prensa. Ahí parece Ivo Watts-Russell, dueño del sello 4AD, y los contrata y regresan a grabar el EP “Come on Pilgrim” tomando algunas canciones del demo. Ni bien terminaron de grabar el EP para 4AD, Ivo les dice ¿por qué no grabar un primer álbum? La idea era utilizar los estudios Fort Apache, con Gary Smith pero el actual mánager de la banda, Ken Goes, entró en corto circuito con Gary y la banda decidió buscar nuevo productor y nuevo estudio de grabación. 4AD contrata a Steve Albini (de la banda Big Black) y “Q Division” fue el estudio elegido. El proceso de grabación necesitó de los diez días enteros para completarse, si bien la grabación se terminó en menos tiempo, aprove-

125 charon el tiempo restante para experimentar. El disco en sí, es una trompada en la quijada a muchos “medios de prensa establecidos” que ni siquiera han reseñado el álbum en su momento, y hoy lo catalogan como obra de arte. La manera en la que Albini grabó la batería es descomunal, una batería inflada (agigantada) y hasta pareciera en un volumen superior al resto de los instrumentos, pero no es así. La grabación de álbum se basó mucho en la experimentación en el estudio, sobre todo en técnicas no convencionales de registrar las canciones, en algunos momentos se llevó el equipo necesario para grabar voces de Kim al baño del estudio, porque a Albini no le gustaba las cámaras del estudio, entonces buscaba un efecto más real. También pasó la voz de Frank por un amplificador de guitarra, o grababa conversaciones de los integrantes que luego quedarían en el álbum. Logrando un álbum único e irrepetible. Un disco que trae todos los condimentos para ser un gran disco, y que en cierta forma

es un fiel reflejo de una época en donde lo alternativo se paseaba por melodías pop con fuertes golpes de hardcore, o voces inocentes alternados con furiosos alaridos, el pop mezclado con fuertes dosis de furia y latigazos de histeria. En esos años todo valía, pero la mezcla tenía que ser ecléctica, así como bandas como Faith No More, Primus o Filter, aunque Pixies no encajaba del todo, por el simple hecho de pertenecer a una casta de bandas independientes que salía a la superficie a base del boca a boca. Pero sí logró preparar futuras generaciones de bandas que tomarán de ellos la fórmula, sin ir más lejos, Nirvana, quienes tomaron al pie de la letra la fórmula (frase tranquila - estribillo estruendoso - final tranquilo o tormentoso). Surfer Rosa es una Biblia (digo esto aprovechando el tono religioso que trataron de plasmar en la portada), un libro fundacional para futuras bandas, en el que se enseña cómo hacer que la música fluya libre. Después de todo... "Yo soy playero pero no hay playa".

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ADORA LO QUE QUEMAS - QUEMA LO QUE ADORAS Rosa Crux – Lux In Tenebris Lucet (2008) [ Alejandro Cenizacromada ]

Con el paso de los años dentro de las figuras del Rock gótico a Rosa Crux creo yo no se le ha dado el valor que verdaderamente merecen. Pienso que deberían ser tan relevantes como lo son por ejemplo Rozz Williams o Andrew Eldricht para toda esta escena. El trabajo de esta banda francesa formadaen la escuela de artes de Ruan por Olivier Tarabo y el tecladista Claude Fennyen 1984 no solo se limita a hacer música. Detrás de todo esto hay un fuerte trabajo en el área visual, en la manera como estructuran sus puestas en escena. Es como si contempláramos una versión musical y apocalíptica de Leonardo Da Vinci. De hecho la discografía de la banda es muy poca para la cantidad de años que llevan haciendo su arte. Desde 1985 tan solo han grabado tres álbumes, esto se debe a que ellos tuvieron muchas complicaciones en los estudios donde grababan porque los ingenieros de sonido no entendían el concepto de la banda. Uno desearía en su país tener la visita de una banda como Rosa Crux, tremendo ingenio y paciencia se necesita para diseñar un modelo de batería robótica controlada por computador para usarla en los conciertos.Adaptar un juego de ocho gigantescas campanas de iglesia para interpretarlas y reforzar la tétrica puesta en escena. Es bueno echar un vistazo al performance que en algunos shows abre paso a clásicos de la banda como Adorasti, en el cual una bailarina genera oscuros pads de sintes con un rústico traje lleno de sensores que se activan con el movimiento del cuerpo. También el performance de la jaula colgante en el que un hombre entra en una especie de esfera que funciona como un péndulo y golpea una inmensa lámina de metal ubicada sobre el público. Es

como poner la tecnología al servicio de un arcano ritual, como una banda sonora perfecta para ambientar la divina comedia, el paraíso perdido o los cantos de Maldoror. Pienso con todo respeto que en el mundo del gótico Rosa Crux merecen más atención que por ejemplo Sopor Aeternus, el personaje ha creado su reputación apartir de su imagen siniestra y esos sí, una fabulosa música folk medieval, más la intriga de no dar conciertos para humanos lo cual funciona muy bien como estrategia de mercadeo para vender discos. Pero es que Rosa Crux se arroja a hacer cosas impensables que trascienden no solo el mundo de la música oscura y lo más importante, dan inclusión a un público para que pueda interactuar con la banda. Creo que llevar eso al territorio del performance es muy valiente, y que cada cosa en Rosa Crux está hecha con detalle. Tal vez una razón por la cual no son tan reconocidos, a pesar de dar alucinantes shows en vivo, es la edición de copias bastante limitadas, digamos selectas de sus discos.

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EL DESENCUENTRO FINAL BAUHAUS – GO AWAY WHITE (2008) [ Diego Centurión ]

Hablar de un álbum de regreso de una banda icónica puede ser algo emocionante como algo decepcionante. Go Away White fue precedido por una gira que abarcó los años 2005 y 2006 (oficializando en mayo de ese año como soportes de Nine inch Nails) que hizo vibrar a miles de fans. Y el regalo final sería este álbum. Después de su última grabación en 1983 con Burning From The Inside el cuarteto se vería las caras nuevamente en un estudio. ¿Podría haber sido peor el resultado? ¿Podría haber sido mejor? Sí a ambas preguntas. Go Away White es un disco digno de un regreso, con algunas buenas canciones y algunas no tanto, pero con la seguridad que el espíritu no ha sido transformado en los años de silencio. Lo que recuerdo de aquellas primeras escuchas es la sensación de sentir que en las primeras canciones habían puesto, como decimos en Argentina, toda la carne al asador, todo el repertorio de sonidos característicos de Bauhaus en las primeras canciones, pero con los años y varias escuchas más, puedo decir que ese sentimiento ha cambiado y he entendido y disfrutado del resto del álbum. Si bien puedo decir que hoy pienso en un álbum dividido en dos partes, una fuerte y al frente y otra oscura y experimental. La primera parte va desde "Too

Much 21st Century" a "Endless Summer of The Damned" y la otra desde "Saved" hasta "Zikir". Buscando cubrir esas dos facetas de la banda en un solo disco, pero a diferencia de otros álbumes, las diferencias no se mezclan en la elección del orden de los tracks, sino que se acentúan. El arranque es a toda marcha y una vez que caemos en el embrujo se dan el lujo de manejar los tiempos a su antojo... Algunos sucumben al disco otros abandonan antes de tiempo, pero es lógico, el álbum es un tanto desparejo ya que la banda no estaba en su mejor momento desde el regreso, es más estaban bastante enojados (músicos vs Peter Murphy) y eso en cierta forma se nota. En una entrevista a David J. se le preguntó por la nueva ruptura y contestó:

131 "Usted tiene un tubo de ensayo, vierte un producto químico y vierte otro producto químico y algo sucede. Comienza a burbujear. Vierta otro producto químico y empiece a burbujear un poco más. Vierta un cuarto producto químico, y burbujea realmente violentamente, y luego explota. Esa es mi respuesta".

Más allá del desencuentro final Go Away White tiene grandes canciones como "Too Much21stCentury",“Adrenalin”,"International Bulletproof Talent", “Endless Summer Of The Damned” o "Black Stone Heart".

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HELICON | Helicon Label: Fuzz Club Fecha de Lanzamiento: 08 de Diciembre de 2017 [ Por Benjamín York ]

el final del debut. Y a modo de cierre nos muestran su repertorio de sonoridades, cítara, rock, experimentación, psicodelia, brillantez, magia. Helicon nos deja su debut, uno de los mejores discos de estos últimos meses.

THE

KUNDALINI GENIE Reverberation

Label: bandcamp Fecha de Lanzamiento: 23 de Diciembre de 2017 [ Por Diego Centurión ]

Este es un álbum que he venido esperándolo hace varios meses, primero lo esperaba bajo un sello y luego de idas y venidas ha salido por Fuzz Club. El debut de la banda de Glasgow (Escocia) es lo que esperaba, un gran álbum. Las coordenadas auditivas nos sitúan en un comienzo en un stoner rock psicodélico vertiginoso (Devil On Your Tongue), en el track siguiente (Valmiki) nos lleva de viaje a la psicodelia ritualesca con aires hindúes por la belleza de la citara. El tercer track (Seraph) nos introduce en espirales hipnóticos con un dejo de sabor a los sesenta. Luego (Drinking Of You) nos seduce con un apoyo de electrónica pero con empujes stoner rock. Pasamos a un track muy psicodélico (The Bold Yin), en donde el teclado y la voz nos sumergen en un universo de imágenes oníricas y somnolientas, con un final sorprendente. El sexto track (Teenage Murder) comienza con un tiempo que nos anestesia y nos pone en una alucinógena órbita de colores fundidos y borrosos. El siguiente track es anterior al final, (French As Fuck). La cítara nos ilumina de nuevo y nos introduce en un mundo que nos llevará directamente al mundo de las puertas de la percepción. Llegamos a la última travesía de este gran álbum (Ring The Albainian), y si pensaban que lo mejor ya había pasado, Helicon se reserva un ácido viaje más en

En el Universo de la Neo Psicodelia las bandas proliferan por todo el mundo y uno de sus nuevos exponentes viene de Escocia, The Kundalini Genie y su debut "Reverberation". Hay álbumes que simplemente nos ponen de buen humor, como si eso fuera poco en estos días que vivimos, y éste es uno de ellos. Aprincipios de 2017 nacía la banda The Kundalini Genie, un cuarteto de Gasglow (Escocia) formado por Robbie Wilson, Julia McTiernan, Adam White y Archie McCutcheon. Y en menos del año de vida graban este estupendo álbum debut. Once magníficos tracks que harán que tu mente se abra a sensibles sensaciones de luminosidad, en medio de canciones que, como un mantra, irán captando tus sentidos y los expandirá. Tracks como "The Soul That Makes Me Yours", "Inside, Out!", "Room One" o "Demo Number Nine" hacen del álbum una de las mejores apariciones en el Universo de la Neo Psicodelia.

"La intención del primer álbum es ser solo eso, un primer álbum, la banda intenta continuar profundizando en nuevas y más inexploradas vías de grabación y música en el futuro para que el alcance de su música siga un amplio espectro de ideas".

DANY PUNX

| Íntimos Tiempos Oscuros

gizantes años ochenta, en donde el sonido en estado de ebullición brotaba como una mancha de color donde el sol no refleja.

DREAMWEAPON | SOL Label: Fuzz Club Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018 [ Por Benjamín York ]

Label: DPX Records Fecha de Lanzamiento: Febrero de 2018 [ Por Benjamín York ]

Tercer álbum de Dany Punx. Antes había lanzado “AfterPunx” (2014) y “New Wave 2” (2016). Dany es un personaje al cual ya hemos entrevistado y ha participado en nuestro último "En La Mirada de los Otros" hablando de TheFall. Cómo nos cuenta Dany sobre este álbum: "es un homenaje una de mis primeras bandas post-punx que toque de 1984 a 1986." Con cuatro meses de grabación sale en febrero este trabajo de post punk con gusto a The Cure o JoyDivision, sonidos oscuros con bases herméticas, el bajo y las guitarras rescatan y recrean un sonido ochentoso con un oscuro enfoque anglosajón. Dany ha ejecutado todos los instrumentos excepto algunas baterías como en "Irme Lejos" y "Muchas Mentiras" grabadas por RODRIGO Scarpelli, en "Sorprenderme" y "Nunca Seremos lo Mismo" fue grabada por Sara Lu y en "Dame Todo" Cintia Dragg. El álbum tiene un sabor a esos oscuros y ener-

Parece que Fuzz Club Records está en su punto más experimental, desde Portugal,llega este álbum. Dreamweapon es una banda de Porto (Portugal) formada por André Couto (bajista de 10.000 Russos), Edgar Moreira y João Campos Costa. Su nombre viene del álbum de Spacemen3, Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music’ de 1990 y su nuevo álbum SOL trae toda la experimentación mántrica sonora que le permite los alcances de su estado de consciencia. Y digo esto porque el álbum no tiene límites, sólo fascinación auditiva y salvajismo estético deslumbrante. Sólo cuatro tracks cubren más de cuarenta minutos de incertidumbre que nos llevan hasta el borde de lo estrictamente musical, en ocasiones son momentos de tránsito para que la mente se abra y se expanda, en otros segmentos la percusión se vuelve tribal, invitándonos al ritual mental. Tal vez el álbum cierra en sus primeros tres tracks, "Mashinne", "Blauekirshe" y "Qram". Pero tiene un agregado más que tal vez rompa el clima que se mantiene en las canciones mencionadas. "Monte da Virgem" propone otro viaje muy diferente a los anteriores, en éste

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el vertiginoso repetir de la estructura inmutable del bajo y la batería es sólo alterada por las olas de feedbacks y reverberaciones de las guitarras, que, como capas de una cebolla, se van sumando para convertir al track en un entusiasmo frenético no acordé con lo anterior. Más allá de esto último, SOL se impone como un ritual que no debes dejar de realizar.

Hablando informalmente con Nicolás nos contaba: "Lanzar de a 2 o 3 canciones me da la posibilidad de ir probando distintas cosas, no como en un LP o un EP en donde en general tiendo a buscar más coherencia. Una buena respuesta puede ser: simplemente experimentación." Lo cierto es que Nax está muy activo y nos traen este nuevo single que pueden descargar desde NAX | Ahora que no Estás su bandcamp, y ya prometen nuevo single en Label: bandcamp marzo o abril, y el nuevo álbum para mediados Fecha de Lanzamiento: 25 de Febrero de 2018 de año. Y aún no hay fechas de shows en vista, pero lo que Nicolás nos aseguró es que se vienen [ Por Diego Centurión ] más canciones, y eso es lo que importa ahora. "Por ahora sólo ideas y planes de armar fechas con algunos grupos y músicos amigos que conocemos. Pero nada confirmado. Personalmente; ando un poco desestimado sobre la idea de tocar en vivo. Componer y trabajar adentro del estudio es lo que más me gusta hacer y lo que planeo seguir haciendo todo lo que pueda. En cuanto a tocar en vivo, veremos que ocurre." Resultado de esta nueva entrega es un grupo de canciones que te elevarán desde el comienzo y una vez elevado en el cielo, como una blanquecina nube, viajarás por el cielo y luego detendrás la marcha y sentirás la levedad de ser "algo que viaja lento en el espacio".

Nax, el proyecto de Nicolás Castello, ha lanzado un nuevo single en el mes de febrero, recordamos que en enero había editado otro single. Ésta vez con tres canciones, "Lo que nadie ve", "No queda nada para vos" y "Algo que viaja lento en el espacio". En la primera y en la última canción, los espacios se difuminan y los sonidos etéreos hacen que todo se vuelva lánguido y espacial, sobre todo la última canción es un respiro profundo de espacialidad lunar, como un canto del espacio exterior. La canción que está en el medio de las dos mencionadas antes tiene un neto corte shoegaze, cadencioso y enérgico, en donde nos muestra una faceta totalmente distinta a las otras canciones, ¿pero es una faceta totalmente distinta? En principio no, si bien los sonidos son más agresivos, es directa y más vertiginosa, aunque estéticamente mantiene una cordura sonora impecable.

THE OSCILLATION | U.E.F. Label: Fuzz Club Fecha de Lanzamiento: 02 de Marzo de 2018 [ Por Benjamín York ]

Unos números atrás hemos entrevistado a Demian Castellanos la persona que se escuda detrás del nombre de The Oscillation. Y siempre me ha parecido atractivo lo que edita bajo el nombre de la banda pero también lo que lanza bajo su propio nombre. Ahora ha lanzado este nuevo LP, si LP aunque tenga sólo dos tracks, "Flight Sequence" y "U.E.F". El nuevo trabajo de este proyecto de Walthamstow (Inglaterra) es tan atrapantes como fascinante, con dos tracks de más de 20 minutos de duración nos envuelve y no hace viajar a distintas velocidades, hundiéndonos en mundos de electrónica krautrock amalgamada con experimentación psicodélica y de a ratos nos interna en submundos del drone. La magistral manera en que ambos experimentos se confabulan para que el oyente quede atrapado en un espiral ascendente multicolores es simplemente cautivante. El primer track, "Flight Sequence", como su nombre lo sugiere es un viaje vertiginoso que mezcla el krautrock de los años 70's con un ritmo intrépido que nos lleva a las alturas de las nubes, por momentos perderemos la visión de lo establecido y nos encontraremos ante nuevas formas y nuevos colores. Es como estar en el Punk Floyd de Pompeii casi cincuenta años después. ¡Fantástico!. "U.E.F" es el segundo track que da nombre al álbum, con casi la misma extensión que el anterior. La fórmula se repite pero en éste podemos sentirnos una influencia del Punk Floyd más espacial, aunque la influencia podemos sentirla más en el comienzo del track. Este segundo track es mucho más tranquilo que el anterior, pero acá se aprecia una búsqueda más interna, más intimista, con profundas secuencias que crean una letanía espectral. Oscuro, a medida que avanza se transforma en un mantra sonoro que nos va introduciendo a un estado de letargo onírico. Este trabajo es una experimentación muy diferente a lo que conocemos de The Oscillation, aquello que hemos conversado con él en aquella entrevista sobre el lanzamiento de su single “Evil In The Tree” (2017). Un camino distinto pero con la misma calidad y con la misma profundidad. Un viaje hipnótico.

THE CHURCHHILLS GARDEN | Hearbeat (featured Krissy Vanderwoude)

Label: bandcamp Fecha de Lanzamiento: 01 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

La banda de Lucerno (Suiza), que se basa en Andy Jossi, regresa con otro nuevo single con una nueva colaboración de la vocalista de Whimsical!, Krissy Vanderwoude quien le aporta la dulce melodía vocal al hermoso track. Andy y Krissy se conocieron casi de casualidad hace dos años, cuando ella comentó una de sus canciones y un amigo en común sugirió que tenían que trabajar juntos. Ahora este es el séptimo track en el que colaboran. The Churchhills Garden es un proyecto en el que hay varios colaboradores de hecho en su último single de diciembre del 2017, "Forever" participa otra vocalista que suele colaborar, Hideka. "Heartbeat" es un cálido dream pop abrazador a lo Cocteau Twins, onírico y brillante. Las guitarras son la base que sirven de balsa para que la celestial voz de Krissy navegue tiernamente en el caudaloso río generado por el bajo, la batería y los teclados. La canción es una buena manera de entrever que la banda está intacta y con el sonido refinado de siempre. Un remanso celestial.

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MOBY | Everything Was Beautiful And Nothing Hurt Label: Little Idiot / Mute Fecha de Lanzamiento: 02 de Marzo de 2018 [ Por Gabo Rojo ]

éxito, necesitara un abrazo. Y tras crear una obra como ésta, ciertamente se lo merece.

DEMIAN CASTELLANOS | The Kyvu Tapes Vol.2 (1990-95) Label: bandcamp Fecha de Lanzamiento: 02 de Marzo de 2018 [ Por Benjamín York ]

“Había una oscuridad que me gustaba”, canta Moby en “The Ceremony of Innocence”. Es una línea que describe su disco a la perfección. Este álbum es una carta de amor a la tristeza. Aquí los tiempos buenos fueron efímeros y permanecen al pasado (aunque sí existieron, sí fueron posibles), lo que queda es el miedo, la inseguridad, la sensación de pérdida y fracaso. Y aun así, hay mucho de bello en esto. Hay belleza en la consistencia de la visión. Hay belleza en la forma en que esta consistencia se traduce a la música: varios elementos característicos del sonido de Moby (la voz fracturada, las cuerdas de sintetizador, los coros femeninos) aparecen encaminados con un rumbo y propósitos claros, haciendo de éste uno de los trabajos más sólidos y cohesivos de un artista que incluso en sus mejores momentos siempre suele divagar demasiado entre géneros. Hay belleza en la noción de que se le pueda poner un Groove a la tristeza (véase el single “Like a Motherless Child”). Hay belleza en la idea de que incluso aquí hay lugar para incluir algunas plegarias (“Falling Night and Rain”, “This Wild Darkness”). Y finalmente hay una belleza en los resultados que trasciende todo análisis (es difícil escuchar “The Tired and the Hurt” sin lagrimear.) El álbum ha recibido reseñas bastante positivas, pero suena como si Moby, más que un renovado

El mismo día que ha lanzado el nuevo álbum de The Oscillation, Demian Castellanos se ha puesto a desempolvar material antiguo, éste material que ha lanzado es la segunda parte de sus grabaciones caseras en la década del 90. Su anterior trabajo “Demian Castellanos The Kyvu Tapes vol.1 (1990-98)” fue editado en marzo del 2016. Ahora la segunda parte recorre otras grabaciones de la primera mitad de la década.Y si en el nuevo álbum hablamos de sonidos mántricos e hipnotizantes, en este álbum todo se magnifica y libera energía cósmica de variadas intensidades. Los ocho tracks nos llevarán por paisajes espaciales como si estuviésemos dentro de una cabina interplanetaria a kilómetros de distancia de La Tierra, surcando un espacio exterior oscuro y frío, pero de gran belleza cósmica. Grabado en una Tascam Portastudio y fue masterizado por Chris Hardman. El trabajo es altamente recomendable y es uno de esos trabajo que si lo pones en modo “repeat” pasarán las horas y no te levantarás para presionar el “stop”.

THE NOISE FIGURES | Telepath Label: Inner Ear Records Fecha de Lanzamiento: 02 de Marzo de 2018

DAVID BYRNE | American Utopia Label: Nonesuch / Todomundo Fecha de Lanzamiento: 09 de Marzo de 2018

[ Por Gabo Rojo ]

[ Por Diego Centurión ]

Tercer álbum de este dúo de Atenas (Grecia) formado por George Nikas y Stamos Bamparis. Después de su álbum homónimo del 2015 y de su segundo “Aphelion”, nos traen esta tercera descarga de psicodelia mezclada con la potencia del stoner rock. Bajo el nombre sugestivo de Telépata, nos traen un disco que según ellos está inspirado en el espiritismo y “experiencias personales”. Desde el primer track “Taste Like Time” ya nos caemos en un espiral psicodélico que recuerdan a lo mejor de los Black Angels, un riff que va empujando energía a lo largo de todo la canción, el ritmo de batería incesante nos conduce a una velocidad hipnótica. “Strange Medium Child” va por el mismo lado pero es más rápido, nos induce a un baile iniciático. Y a medida que va pasando el disco nos vamos quedando liados a un ritual sin entender cómo hemos llegado a él. Nuestro cuerpo se moverá acorde a los ritmos que Stamos decida y la guitarra de George nos disparará sus riffes intensos directo a nuestro corazón y a nuestra alma, dejándonos sedientos de más. Diez canciones que nos dejarán jadeando rodeado de figuras ruidosas.

“Aquí hay un área de gran confusión / Aquí hay un área extremadamente precisa / Aquí hay un área que necesita atención / Aquí está la conexión con el lado opuesto” canta Byrne en “Here”, la pieza central de American Utopia (y la apertura de su show homónimo). Los sentimientos que deja este disco son variopintos, su mensaje multifacético (el mismo Byrne se sintió obligado a aclarar que el título no es irónico en el ensayo que acompaña al álbum), pero hay una idea que se transmite con mucha claridad: el mundo es una locura. Es caótico, complejo y contradictorio, y Byrne expresa esto mediante constantes yuxtaposiciones. La Mona Lisa y una cucaracha. El Papa y un perro. “Todos los días son un milagro / Todos los días son una factura sin pagar” canta en el tema cuyo estribillo más recuerda a la jovialidad pachanguero-cerebral de Talking Heads. Las yuxtaposiciones no son solo líricas sino también musicales: “I Dance Like This” alterna entre estrofas de balada de piano y un frenético estribillo robótico, mientras que el estribillo del single “Everybody’sComing to myHouse” está cantado en dos tonalidades y melodías distintas. Una canción es una bella balada folclórica sobre una bala lacerando un cerebro. La crítica social abunda (lo limitado de nuestra visión en “Dog’s Mind”, nuestra obsesión con pertenecer en “Doing the

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Right Thing”), pero el tono es más descriptivo que condenatorio, aunque como dice el mismo Byrne “describir es prescibir.” “Aquí hay una región abundantemente detallada / Aquí hay una región casi en desuso / Aquí hay una región que continúa viviendo / Incluso cuando se quitan las demás.” Quizás la única utopía posible es esta: la que puede florecer aún dentro de las imperfecciones, lo que se puede salvar aún en medio el caos. Como dice la canción, “aquí.”

MINISTRY | AmeriKKKant Label: Nuclear Blast Fecha de Lanzamiento: 12 de enero de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

Lo que lo esperábamos. El tío Al y Ministry están de vuelta, tras la muerte de su guitarrista Mike Scaccia y después de publicar su disco póstumo From Beer To Eternity, en 2013, con el que anunciaba por segunda vez su retiro. De hecho, hasta creó otro interesante Frankestein de metal industrial –que, como Revolting Cocks o Lard, suena exactamente igual que su banda madre– llamado Surgical Meth Machine, con el que sacó un disco homónimo en 2015, aunque parece que donde más a gusto se encuentra es de vuelta con grupo de toda la vida… y si encima en la Casa Blanca habita un tipo llamado Donald Trump en el que pueda centrar su ira, mejor que mejor.

En AmeriKKKant nos encontramos a unos Ministry que retoman la senda oscura y climática de trabajos como Filth Pig o Dark Side of The Spoon, de manera que es un disco en el que prevalecen los temas largos, pesados y viciosamente repetitivos, como la inicial “Twilight Zone”, “Game Over” o esa joya titulada “Victims Of A Clown”, donde es imposible no acordarse de Godflesh por esa espectacular base rítmica que recrean tanto Tony Campos (Static X, Soulfly, Prong, Fear Factory) con su bajo como Joey Jordison (Slipknot, Murderdolls, Scar The Martyr) con su batería. Pero AmeriKKKant también tiene la suficiente variedad y dinamismo como para no saturar o aburrir al oyente. Así, tenemos temas como “We're Tired Of It”, una canción rápida que encajaría a la perfección en un disco como Rio Grande Blood, “Antifa”, un corte muy típico de Ministry y que seguramente funcionará a la perfección en directo, o “Wargasm”, canción que cuenta con la colaboración de Burton C. Bell (Fear Factory, Ascension Of The Watchers) en las voces y que tiene un estribillo con un aire muy KillingJoke. Este retorno no resulta ser una locura ni tampoco un fracaso, es sencillamente discreto, todavía conservando detalles de sus anteriores discos pero también rescatando esos típicos elementos industriales de sus trabajos más lejanos. Podremos reunirnos con los típicos ritmos pesados de Ministry, con las atmósferas genuinas de Jourgensen, y –cómo no– con los punteos alocados de guitarra (cortesía, esta vez, de Sin Quirin y Cesar Sotto). Parece que al final lo que necesita Al Jourgensen para estimular su creatividad es que haya otro mandatario de ultra derecha a la presidencia de los Estados Unidos, y si bien este trabajo no llega a la brillantez de su trilogía anti-Bush, sí que supone una considerable mejora sobre su anterior álbum. En definitiva, AmeriKKKant es un buen disco que será del agrado de la mayoría de los seguidores de Ministry. Metal industrial con aire combativo y propuesta anarcoapocalíptica, terreno en el que la banda se mueve como pez en el agua.

AIR FORMATION | Near Miss Label: ClubAC30 Fecha de Lanzamiento: 09 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

ata en el siguiente track "A.M.", uno de los tracks que adelantaron al álbum. "Night Chimes" sea tal vez el track más dreamy del álbum, aunque las guitarras más cristalinas de las ocho canciones también le dejen paso a los muros distorsionados que tanto saben manejar. "Cloud of Orion" es una canción que va más por el lado del post rock (a lo Alcest) y es un extenso clima cargado de pasajes lánguidos y profundos. "Hearing Echoes" cierra el álbum de manera somnolienta con esta canción que con un fondo con guitarras cargadas de pesadez shoegaze crea una pintura sonora impresionista abstracta en la cual se apoya la melodiosa voz que se suspende de esa corrosividad sonora creando un paisaje muy disfrutable. Air Formation regresó con nuevo álbum, festejemos con un nuevo "play".

FLESH EATING FOUNDATION | Fallen La banda de Crowley (Inglaterra) ha lanzado su nuevo y quinto álbum, sus anteriores: "Ends in Light" (2002), "Stay Inside/Feel Everything" (2004), "Daylight Storms" (2007) y "Nothing to Wish For (Nothing to Lose)" (2010). Pensar en ocho canciones para un álbum podría parecer que es poco, pero es una medida justa de lo que hoy puede escuchar la media de la gente a una banda, claro, a menos que sean fanáticos de dicha banda. Los tiempos hoy vuelan y Air Formation parece entenderlo ya que desde el comienzo (en sus dos primeras canciones, "Near Miss" y "Vanishing Act") tira toda su potencia y adrenalínicas canciones, sin guardarse nada, como si lo hubiesen pensado prematuramente. No sé si ha sido así, pero sus canciones en este álbum parecieran ser la última posibilidad de demostrarnos cuán estupendo puede ser el shoegaze cuando está hecho con el alma y sin buscar referencias afuera del seno de la propia banda. Escuchar "God Let Me Down" y no sentir el peso y la profundidad de esas grandiosas guitarras es no entender el género. La nebulosa sonora creada en el track "Formation 4", impregnada de esa distorsionada sensación de paisaje tormentoso, pero justo antes de la lluvia. Tormenta que se des-

(A Tribute to Mark E Smith and The Fall) Label: Somic Entrails Records Fecha de Lanzamiento: 14 de Marzo de 2018 [ Por Benjamín York ]

Y tenía que llegar un tributo a Mark E. Smith, así como lo hemos hecho nosotros en el número anterior, esperábamos algo sonoro para estos meses, y no se hizo esperar, el trío de Stafford (UK) nos regala este EP de

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tres versiones corrosivas de tres canciones ya de por sí, corrosivas de The Fall. Esta banda de industrial, electro punk, EBM extremo ha elegido las canciones: Blindness del álbum "Fall Heads Roll" (2005), Pat Trip Dispenser del álbum "The Wonderful and Frightening World of The Fall" (1984) y Birthday Song del álbum "The Marshall Suite" (1999). Canciones raras, ruidosas, post punk apocalíptico… hermosas… y las han versionado de manera excelente, potentes y rugosas versiones, en donde podemos sentir las versiones originales bien en el fondo, pero le imprimen una cuota de locura sonora y el martilleo de las secuencias unido al caos a lo Ministry, pero sin sus guitarras heavys, pero si esa oscura opresión, ese ambiente recargado de sonidos atormentadores que tan bien le quedan a las canciones de The Fall.

DESOLATE HORIZONS | Exalted Label: bandcamp Fecha de Lanzamiento: 14 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

para mirar los cielos.”Y basándome en esta breve pero concisa explicación, tenemos un nuevo álbum llamado “Exalted”, en el cual en ocho canciones nos cubren de esa magia que nos destila la Vía Láctea nocturna. Canciones que sus nombres son “Imágenes de maravillas Celestiales”, “Distorsiones en el tejido del espacio”, “Cuando la materia es infinitamente densa”, “El punto de no retorno” o “Un pasaje a otro universo”, no nos pueden llevar a otro lugar que el espacio exterior, sobre todo cuando sabemos que el álbum está dedicado a la memoria de Stephen Hawking. 48 minutos de imágenes espaciales envolventes que desnudan el no silencio de los movimientos en el espacio exterior. Un álbum que deambula en un campo magnético del sonido drone y espacial, pasando por un noise ambiental que hace viajar, y lleva un destino estelar que nunca podremos eludir, el cual después de la primera canción nos guiará a ocultos parajes celestes del frío cosmos.

SEXORES | East / West Label: buh records Fecha de Lanzamiento: 15 de Marzo de 2018 [ Por Benjamín York ]

Desolate Horizons es un proyecto de Constantine Horizon, quien se mantiene siempre activo con sus otros proyectos como “The happymask”,“Crystalline Reflections” y “Heavenly Bødies”. Desolate Horizons se autodefine como “atmosféricos sonidos de ensueño

Sexores regresa con un nuevo álbum. La banda de David Yepez y Emilia Bahamonde

edita este nuevo álbum que marca un quiebre en todo lo que conocemos como Sexores. Algunas bandas tratan correr riesgos y salir de su zona de confort, buscando esa sensación de experimentación en nuevas maneras de encarar el futuro cercano, y muchas veces torciendo o corriéndose del eje que se debería encaminar normalmente. Este es el caso de Sexores, banda que siempre está corriendo riesgos y siempre se construye de nuevo, así lo hizo cuando en su comodidad en Ecuador decidieron ir por más y se mudaron a España y cuando el camino se encaminaba por los rieles del tren de la comodidad, decidieron regresar a su país natal y barajar de nuevo. Este álbum es básicamente eso, un descarrilamiento de la vía normal de una banda que busca establecerse en los parámetros normales del éxito. Sexores en este "East/West" va por otro lado, sin perder su esencia, y fiel a su estilo va un paso más allá de lo esperado. Musicalmente es un álbum con muchísimos más luces que su anterior "Red Room", que era más oscuro. Sonoramente el álbum utiliza un abanico de posibilidades que lo acercan al dream pop electrónico de bandas como Ummagma o si se quiere SPC ECO, aunque sin esa profundidad oscura de la banda de Dean Garcia. Sorprende este cambio artístico y de enfoque en la música de Sexores, como desafiando todo lo conseguido con sus anteriores trabajos. Pero de eso se trata ser artista, estar siempre dispuesto a no repetirse y Sexores nos toma por sorpresa con este cambio sonoro inteligente, elegante y audaz. Canciones que hablan de lugares diferentes y compuestos en diferentes países y ciudades. Sexores nos invitan a un viaje electro gaze o dream pop electrónico sin perder la belleza de sus guitarras o sus etéreas pinceladas sónicas. Un cambio que suma sonoridades a la identidad de este proyecto. Un fantástico álbum de uno de los tantos proyectos interesantes dentro de la escena de Latinoamérica. Un aplauso por la nueva dirección tomada.

STONE TEMPLE PILOTS | Stone Temple Pilots Label: Atlantic Records Fecha de Lanzamiento: 16 de Marzo de 2018 [ Por Diego Centurión ]

Stone Temple Pilots es una banda con la particularidad que con sus cambios de cantante (todos ellos por fuerza mayor) se mantuvo fiel a su sonido y estructura. Escuchar este nuevo álbum llamado igual que aquel del 2010 y con un nuevo cantante, no deja de ser atractivo desde el morbo de escuchar a JeffGutt (el nuevo cantante) pero si no han escuchado los adelantos verán que desde el principio del álbum hasta el final pensaremos, Scott nunca se ha ido. Y por más que me pese pensarlo, Scott nunca más volverá, al igual que Chester. Y siempre me pasa lo mismo con STP, pienso en ese maleficio o maldición que se cierne sobre sus vocalistas y recuerdo a ese falso documental de Spinal Tap en donde los bateristas explotaban (literalmente). Esperemos que no sea la suerte de Jeff y que la banda vuelva a tener esa tranquilidad que hace años no tiene con este tema. Sonoramente esto es Stone Temple Pilots por donde se lo aborde, las magníficas guitarra y bajo de los hermanos DeLeo junto a la potencia y perfección de Eric Kretz en la batería, hace que el álbum sea una colección de canciones potentes y agradables, el soni-

[ Por Pablo Ravale ]

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do está intacto y sumémosle la sensación de que "nada ha cambiado", aunque sí lo haya hecho. Doce canciones frescas con sabor rememorativo por los buenos tiempos, aquellos en que todo era más normal y la banda se ponía a componer excelentes canciones basándose en la seguridad de lo que hacían. Un álbum que trae todo lo esperado de STP, claro con un nuevo frontman que hace que no extrañemos a los frontman anteriores. Mi voto de confianza y larga vida a STP.

CATCH THE BREEZE | Glow Label: Kundalini Records DK Fecha de Lanzamiento: 16 de Marzo de 2018

[ Por Benjamín York ]

brumoso, con aires brillantes que iluminarán el camino a través de estos nueve tracks, de una manera tan elegante y fina que era de esperar en lo que nos han adelantado desde principios de este año. Un trabajo cálido, meticulosamente efectivo y bonito. Un álbum debut en donde demuestran todo lo que prometían en sus anteriores publicaciones, esa dulce y espesa mezcla de luces y sombras, de shoegaze y dream pop, con un marcado acento post-punk de bandas como Interpol. El trío formado por Aage Hedensted Kinch, Lars Madsen y Andreas Bundgaard trae mucho más que un lindo nombre de banda y ahora podemos decir que su álbum es una de las joyas de este primer semestre del 2018.

MONSTER MAGNET | Mindfucker Label: Napalm Records Fecha de Lanzamiento: 28 de Marzo de 2018 [ Por Pablo Ravale ]

En un número pasado los hemos entrevistado y también hemos hablado de sus adelantos “Paper Lanterns” y “Fields of Sunrise”. Ahora llega el esperado álbum debut de la banda dinamarquesa, Glow, de nueve canciones. Como ellos se definen: “Glow se basa en una amplia gama de géneros, desde shoegaze, post punk hasta art rock.” Y es tan real la descripción que basta con dejarse llevar por esos tracks para encontrarse con universos de sonidos reconocibles pero con un gusto por los bellos arreglos que animan a poner resistencia a ese viaje oscuramente

Monster Magnet están de vuelta y, como ese amigo que vive en el extranjero y que ves cada dos o tres años cuando viene de visita al país, vuelven con un buen puñado de buenas historias que contar y con ganas de pegarse una buena juerga. Con once discos a sus espaldas parece mentira que David Wyndorf todavía tenga tantas ganas de seguir dando

guerra cuando pasa de los 60 años. Ya desde la propia portada del disco, donde nos encontramos al ya leyendario Dios Toro, Wyndorf y los suyos (los guitarristas Garrett Sweeney y Phil Caivano, el bajista Chris Kosnik, el baterista Bob Pantella) parecen dejar bien claro que no debemos esperar nada distinto: esto es un disco de Monster Magnet y lo que va a sonar es justo eso. Intención que queda mucho más clara al escuchar como “Rocket Freak” abre el disco con un riff sencillote pero muy efectivo, con un Dave clamando a los cuatro vientos “Oh my god, I totally suck!”. Un tema directo que en ciertos momentos tiene un aire punk que la verdad es que le sienta muy bien al sonido de la banda. Sin dejarnos respirar llega “Soul”, que ataca con un riff que es puro Monster Magnet de la época Powertrip. Con un estribillo que pide a gritos que acompañemos a Dave coreando los «All right!», y un final explosivo que en directo puede ser la bomba absoluta. El primer single y canción que da título al disco, “Mindfucker”, quizás no consiga fornicarnos la mente así de primeras, pero cuando arranca ese primer estribillo desde luego que ya quedás completamente enganchado, por lo que va a resultar imposible no unirse a la fiesta del buen Dave. En “I’m God” la banda sigue explotando a más no poder su faceta guarrota y descontrolada, con un Wyndorf gritando como un poseso, pasado totalmente de todo lo que se te pueda ocurrir. Luego de semejante jarana, llegamos al tema más largo, reposado y psicodélico del

álbum, “Drowning”, donde se agradece que levanten un poco el pie del acelerador y podamos dejarnos llevar por tan delicioso viaje espacial. La siguiente parada es una versión de un tema de Hawkwind, “Ejection”, la cual puedo decir que no desentona con el conjunto del disco, aunque tratándose de un disco de tan sólo diez temas, tal vez hubiese preferido que incluyeran más material original. “Want Some” es un tema hard-rockero de cabo a rabo, posiblemente no se convierta en un clásico de la banda, pero divierte bastante. Simple, pero efectivo. Seguimos con “Brainwashed”, una canción con aire rockabilly que podrían haber sido incluida en su trabajo más cuestionado o menos entendido, 4-Way Diablo. El disco reserva lo mejor para el final, “When the Hammer Comes Down”, track cuyo martilleante riff cae y, literalmente, nos golpea una y otra vez durante sus casi sus seis minutos de duración, con el clásico efecto de distorsión en la voz de Dave que nos recuerda una vez más al Space/Stoner-Rock que mejor sabían hacer en la época de mayor esplendor del grupo. Siendo un disco que, si bien, funciona por tener una propuesta más directa que su predecesor, Mindfucker es un álbum que, curiosamente, brilla más en sus partes lentas –o psicodélicas–. Wyndorf no se rompió mucho la cabeza a la hora de engendrar esta obra, aún así estamos ante un disco directo, divertido, fresco, tal vez algo más punk que nada de lo que hayan hecho antes, pero sin excesivas ganas de innovar ni de cambiar nada.

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SOBRE LA PORTADA DRAGON VEGETARIANO

ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri. "ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

Esta Obra es del Período Circular que se llama Dragón Vegetariano. La idea de esta obra es por los dientes, son dientes que tiene que ver con comer verduras, plantas y uno siempre piensa en el dragón con la agresión, con lo carnívoro que devora al otro... y en esta ocasión no, es como que es un dragón de paz. Tiene que ver con la reformulación de la agresión que tenemos todos adentro nuestro y transformarla y transmutarla en paz y nutrirse de esa paz desde otro lado. Tiene un figura de mandala con la cabeza en el medio y todo un cuerpo que se va enrollando alrededor de la cabeza, pero es una cabeza en donde tiene mucha preponderancia el ojo. Este ojo colorido que invita a hacer un viaje introspectivo, introducirse por este iris y poder verse uno mismo, pero desde una paz interior, desde una contemplación... porque si uno piensa en el dragón lo piensa en la acción muchas veces, y este dragón tiene más que ver con la NO acción, con la meditación, con el poder ir hacia adentro con el mundo interior. Es una figura que remite bastante a una figura psicodélica, a la imagen justamente de proyectar eso interno hacia afuera y tratar que desde ahí uno interiorice esa realidad de la imagen y que encuentre paz en la meditación sobre esta imagen.

Año: 2011 Autor: ARMS Técnica: Acrílico Tamaño: 60 cm de diámetro.

Redes Sociales del artista:

http://armspsicodelia.wix.com/arms https://www.facebook.com/arms.psicodelia/ https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia armspsicodelia@gmail.com

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