Revista The 13th Numero 66

AÑO: 7 | NÚMERO 66

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

SIMON RAYMONDE - THE WAKE - SEASURFER EEP - TOPOGRAPHIES - BEAUTY IN CHAOS HELL BOULEVARD - KNIGHTRESS - DELAHAUS ROBIN GUTHRIE HAROLD BUDD - THE CULT OF FREE LOVE MANZA - THE BLUE HOUR - THE SEA AT MIDNIGHT URAL MOUNTAINS - WRY AQUELLA TAPA - DE TIEMPO Y LETRA - INDIE SOUNDSCAPES EXPEDIENTES DD - ESPACIO BOOMBOX - CINCO PREGUNTAS

STAFF

Diciembre 2020 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Ariel Tenorio REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Diego Centurión.

Cynthia Rascovsky

PORTADA

Dora Angélica Roldan

Diego Centurión

Fernando Rivera Rodríguez

Diego Centurión

Flavio Gabriel Aza Franco Doglioli Rubén Torres Pepe Navarro Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Agradecimiento especiales a whitelight-whiteheat.com/ y a Mike Dimitriou.

Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

NÚMERO 66 ADIÓS 2020 Llegó diciembre y con él el fin de este año 2020, que nos sorprendió y cambió nuestras formas de convivencia entre los seres humanos. Hubo un cambio radical en la manera de comunicarnos, tantos artistas con su público, como la utilización de la tecnología como medio de acercamiento para nuetra vida cotidiana. De más estaría hablar de esto.

Lo cierto que se va un año que nos ha acostumbrado a otro ritmo de vida, con lo bueno y lo malo, pero acá estamos a semanas de su final y del comienzo de un 2021 que nos trae incertidumbre y poco planeamiento de un futuro muy lejano.

Nosotros hemos trabajado mucho para poder ofrecerles este último número del año, hemos estado algunos meses sin lanzar, pero para este número hemos tirado todo lo que nos reservamos en estos meses, hemos armado un número más largo de lo habitual y hemos recogido en estos meses varias entrevistas destacadas.

Y como la música fue nustro salvataje en este año tan difícil, creemos que no podíamos terminarlo sin un número que valga la pena...

Bienvenidos al número 66 de la Revista The 13th...

Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES AQUELLA TAPA THE JESUS & MARY CHAIN CAMOUFLAGE

EEP SIMON RAYMONDE

BEAUTY IN CHAOS

38 52

EXPEDIENTES DD

INDIE SOUNDSCAPES

DYLAN LANA MARCELO CATALDO

DE TIEMPO Y LETRA DORA ANGÉLICA ROLDAN FRANCO DOGLIOLI

KNIGHTRESSM1 DELAHAUS THE WAKE

63 68

87 90

92

102

104 108 112 MANZA / MARIANO ESAIN

118 128 140 150

URAL MOUNTAINS

ROBIN GUTHRIE HAROLD BUDD

CINCO PREGUNTAS

76

86

THE CULT OF FREE LOVE

CYNTHIA RASCOVKY

SEASURFER

62 THE SEA AT MIDNIGHT

ESPACIO BOMBOOX

16 34

46

78

94

THE BLUE HOUR WRY

GRIMES

TOPOGRAPHIES

06 07 13

20

JULIPER SKY

HELL BOULEVARD

DISCOS

158

114 138 156

Pueden revivirlo en: www.youtube.com/c/NoMeEscuchoRecords

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

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1992 fue un año de grandes lanzamientos para el rock, algunos de los discos que más me gustan fueron editados ese año. En aquel momento la banda escocesa The Jesus and Mary Chain lanzaba su cuarta placa de estudio titulada “Honey´s Dead” de entrada nos hablan de la muerte una idea permanente en la obra de los hermanos Reid, en este caso la muerte de una etapa, algunos dicen que querían decir lo diferente que era ahora la propuesta musical de la banda y desde el sonido lo dejan en claro, por un lado se alejan del estilo americano de “Automatic” su disco anterior y el sonido más acústico de “Darklands” su segundo disco, también abandonan las cajas de ritmo electrónicas y vuelven a la batería, en este caso el encargado de ejecutarlas es Steve Monti quien formo parte de la banda Curve. Otro hecho que marca un cambio es la partida de Douglas Hart el bajista que los acompaño desde el principio. El titulo hace referencia a la diferencia con su hit “Just Like Honey” De su emblemático primer álbum “Psychocandy” para muchos uno de los mejores discos de mediados de los 80. Donde despliegan un arsenal de ruido que funciona como un envoltorio de melodías dulces y totalmente pop de las voces.

El disco esta producido por Alan Moulder pionero en el sonido indie de los 80 y 90, supo trabajar con innumerables bandas, siempre logrando un sonido profundo y contundente. En este caso, el foco está puesto en el ritmo, con bases bailables y juguetonas, en ocasiones aumentadas por el apoyo de programaciones que logran un ambiente perfecto para intervenciones guitarrísticas de William Reid, que hace y deshace marañas de ruido cargadas de efectos a piachere. Jim Reid está a cargo de las voces en 6 temas y William en los otros 6. Sobresalen algunos temas como “Sugar Ray” o “Far gone and out” con unos hermosos arpegios y una base rítmica que nos hace mover al son del he, he, he del coro o “Cathfire” donde una combinación perfecta entre wah y tremolo cargados de distorsiones nos sumerge en una tormenta eléctrica dulce y psicótica. En “Almost Gold” “Sundown” y “Tenage Lust” nos relajan un momento al más estilo balada Jesus, igual que en “Good for my soul” donde nos arrullan al ritmo de unos shakers incesantes. En el clímax del viaje llega “Rollercoaster” donde muestran su costado más progresivo, con partes bien diferenciadas entre sí, sobre todo a nivel sonoro, varios cambios de ritmo que se basan en una batería con un tacho bien robusto y sólido que junto a las estridencias de las guitarras forman una pared de sonido demoledora. Pero sin dudas el tema que abre el disco es la joya “Reverence” con la sugerente frase “Quiero morir como Jesucristo, quiero morir como John F. Kennedy” nos dejan en claro algo: Ok te vamos a hacer bailar, pero recordá que la vida es una mierda y vas a morir de todas formas. Negados a abandonar ese costado oscuro y malicioso que los hizo famosos. Y así caemos rendidos al ritmo, con la premisa de la muerte siempre sobrevolando las cabezas de los Hermanos Reid que cierran con “Frecuency” una especie de epígrafe de Reverence, como para redondear la idea de querer morir, por si no quedo claro.

Es la primera vez que no aparecen ellos en la portada de un álbum, anteriormente siempre habían utilizado fotogramas de algún videoclip, tal vez consciente o inconscientemente, ahora buscaban remarcar el cierre de una etapa, también en la imagen. Es posible que, a primera vista, la imagen borrosa de la joven nos remita a la estatua de la libertad, sobre todo por esa corona sobre su cabeza, una paleta de color limitada, un amarillento beige, un poco dorada que recuerda tanto al oro como a la arena (El oro y el barro). Una forma abierta sin líneas de contorno, Figura y fondo se funden uno al otro, en una especie de espectro, lo que parece haber sido una joven, con un aura luminosa que rodea la imagen, crea un halo de misterio, como si saliera del centro de una niebla, como si volviera del más allá. Y quizás en este constante juego de opuestos, que tanto les gusta jugar a los Hermanos Reid, nos Digan que además de estar muerta aquella chica de miel, puede estar resucitando permanentemente.

Durante mucho tiempo pensé que era una imagen originada digitalmente, pero hace unos años investigando llegue a su origen. Se trata de una fotografía modificada de la pintura “Ofelia” (primera versión) (c 1851-1853), óleo sobre tabla, 68,6 × 123,8 cm, Manchester

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Art Gallery, Inglaterra. Del pintor Ingles Arthur Hughes 1832/1915. Su pintura se encuadra dentro del movimiento Prerrafaelistas, aunque nunca haya integrado ese movimiento se lo relaciona por las temáticas de sus pinturas siempre ligadas a la literatura, la poesía y el simbolismo romántico. La pintura muestra a Ofelia sentada bajo un sauce, juntando flores y yuyos, junto al arroyo en el que pronto se ahogará, habiendo sido conducida a la locura por el asesinato de su padre, por Hamlet y su rechazo a su amor. Para asegurarse de que el espectador no tenga dudas sobre el momento que nos muestra, Hughes inscribió las líneas relevantes de Hamlet Acto 4 Escena 7 alrededor de su pintura. Aunque cumple los criterios de una pintura narrativa, con su referencia avanzada en la corriente, no transmite ningún sentido del inminente desenlace trágico, basándose en el conocimiento del propio espectador de la obra original. Fue John Millais quien pintó la resolución de la historia casi exactamente al mismo tiempo, en su Ofelia (1851-2), que muestra el cuerpo ahogado de Ofelia flotando en el rio, dura como una estatua, con las manos en alto, luego de soltar las flores que rodean el vestido inmaculado. Una expresión un tanto orgásmica en el rostro, la boca entreabierta deja ver sus dientes como perlas blancas y el brillo de sus ojos verdes que parecen haber visto el cielo por última vez.

Lo que me llama la atención es ¿Porque no usaron la imagen de Millais, si es que Honey ya está muerta? Que mejor que mostrarla en ese estado, flotando boca arriba con su rigor mortis intacto ¿O acaso Honey no esta tan muerta como parece o como nos quieren hacer creer? Tal vez esté más viva que nunca. Quizás ese histeriqueo enfermizo y constante de los hermanitos macana, quede manifiesto en esta portada y constituya la esencia misma de la banda. Si, odiamos el rock, pero al mismo tiempo lo amamos, en definitiva, tratamos de cambiar un poco en cada disco, pero seguimos siendo lo mismo de siempre, un dúo dinámico/ sónico repitiendo la única fórmula que poseemos: Melodía + Ruido + Oscuridad = JAMC.

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA II

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

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Lo primero que recuerdo del trio alemán Camouflage es haber visto el video de “The Great Commandment” de su primer disco, seguro lo vi en algún programa de televisión abierta, como Música total o Rock and Pepsi, me impacto, pensé que se trataba de una banda sonora de alguna película por cómo se desarrolla la trama. Unos niños enfrentan a un robot supremo en un ambiente post apocalíptico todo en un tono sepia que da la impresión de película antigua. Nunca había escuchado un disco entero hasta el 2011 cuando me topé con una copia en vinilo de su segundo trabajo “Method of Silence” en una tienda de usados del barrio de Flores en Ciudad autónoma de Bs.As. Es cierto que había visto su portada varias veces, me parecía de un hermoso diseño. Pero siempre tuve un preconcepto sobre la banda, ya que en muchas notas de la prensa musical se la mencionaba despectivamente como una banda de un hit.

La copia se encontraba en perfecto estado, tapa y disco, y a un valor muy bajo $300 así que no lo dude y lo compre, de última tendría un disco con una bella portada y dos buenos hits. Debo decir que a la primera escucha me encantó y me sorprendió, sin dudas existe un paralelo sonoro con Depeche Mode, muy marcado en el trabajo de los arreglos vocales, sobre todo en “Anyone” y en el mega hitero “Love is a shield” en este tema todo está bien, desde la relajante melodía del oboe que recorre todo la canción tejiendo diferentes armonías, las cuerdas, el juego de las voces, las programaciones que se combinan a la perfección con percusiones reales que sobresalen en el final por medio de unas tablas. Pero además me atrapo la bellísima pieza instrumental “Your skinhead is the dream” con aires orientales.

Mientras escuchaba “on island” creí escuchar unas voces en español, primero pensé que se trataba de algún niño en la puerta de casa, ya que muchas veces escucho ruidos de afuera mientras escucho discos, pero enseguida note que era dentro de la música, me acerque y pude entender algunas frases sueltas, un buen recurso más allá de los arreglos orquestales que están muy presentes en todo el disco, como en el tema que le sigue “Feeling down” con aires arabescos. En “Les Rues” utilizan sonidos de vidrios rotos y un bello arreglo de cuerdas, combinado con una voz que relata algo en francés, la pieza más experimental del disco que cierra con un pequeño epilogo instrumental de 36 segundos “Rue de Moorslede” No hay dudas que no se trata solo de una banda de un hit, o al menos no en este disco, producido por Dan Laskman en sunsound Studio Bruselas.

Yendo al arte de tapa, es un estilo de dibujo que particularmente me gusta mucho, muy suelto, con manchas de tinta china, consigue mostrar movimiento en el vuelo del ave. El artista encargado del arte es Klaus Paul y ya que no encontré mucho material sobre el o la obra en sí voy a relacionarlo con algunos artistas que admiro y a los cuales me recuerda.

El estilo se asemeja bastante al del famoso dibujante de The Wall de Pink Floyd, Gerald Scarfe o a la obra del ilustrador Ralph Steadman por sus dibujos para los textos de Hunter S. Tomphson alias Gonzo. Ya que estoy les recomiendo el documental “For no one” dedicado al trabajo de Ralph conducido por Johnny Deep quien interpretó a Tomphson en “Pánico y locura en las vegas” Pero también me recuerda a la obra de un artista argentino, maestro de la ilustración en tinta china Luis Scaffatti, quien realizó unas hermosas ilustraciones de La Metamorfosis de Kafka, “Drácula” de Bram Stooker o “El gato Negro” de Edgard Alan Poe. Pero el libro que más me gusta y más me recuerda a esta portada de disco es uno llamado “Dragon” donde de manera magistral el dibujante se entrega al juego de la línea y la mancha a través de unos arremolinados vuelos imaginarios, como el vuelo mental que propone este maravilloso disco de Camouflage.

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[ Reseña de "The Blue Hour - Four Walls (2020) " por Benjamín York. ]

LA BELLEZA DEL ENCIERRO

The Blue Hour - Four Walls Label: Piksie Nest Fecha de Lanzamiento: 27 de Julio de 2020

A fines del 2019 no nos imaginábamos lo que nos deparaba el 2020, y lo difícil que sería la situación de las nuevas modificaciones que deberíamos afrontar y reacomodar en nuestras propias vidas y en nuestras propias costumbres. Esto es lo que, como a todo el mundo, le sucedió a este dúo de Seattle, Washington.

Como ellos mismos afirman este trabajo se empezó a gestar en el 2019 y el Covid-19 atravesó el proceso y lo modificó.

Pero “no hay mal que por bien no venga” dice el refrán y en este caso el encierro ha creado una álbum de seis bellas canciones, que nos hacen sentir un deseo de libertad mental, sobre todo en el contraste oscuro de la instrumentación creada por Brian y la versatilidad luminosa de Marselle, mientras que los sonidos logrados por Brian son oscuros y por momentos claustrofóbicos, que reflejan el estado de cuarentena obligada, la voz de Marselle nos da esa elevación, por momentos fantasmal, de alivio al encierro y una esperanza, una sensación de ver luz al final del túnel.

Pero no obstante hay un invitado de lujo en el álbum que le aporte elegancia y buen gusto en los arreglos, algo que The Blue Hour trae consigo como una marca tatuada en la piel, el invitado es Mark Gemini Thwaite (The Mission – Peter Murphy – Gary Numan).

“El mundo era un lugar muy diferente cuando comenzamos a trabajar en las pistas que compondrían "Four Walls" a fines de 2019.

En ese entonces, Marselle y yo estábamos enfocados en crear un sonido cinematográfico-noir, canciones que eran más anhelantes y etéreas, con instrumentación brillante y abierta. Pero luego el mundo cambió y todos nos encerramos. Como muchos de nosotros, nuestra visión se volvió más limitada y ansiosa, más cuestionadora que enfocada. Luego, mientras todos nos estábamos adaptando a la vida encerrados, el mundo fue incendiado por actos de injusticia increíble e intolerable… una y otra vez. Nuestro enfoque pasó de la ansiedad a la ira para resolverlo. Las canciones, tal como se escribieron originalmente, parecían estar en desacuerdo con los tiempos, así que regresamos al estudio.” ¡Fascinante la belleza del encierro!

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El Programa de la Revista The 13th

www.facebook.com/tranmisionesoceanicas/ www.instagram.com/transmisionesoceanicas/

Transmisiones Oceรกnicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sรกbados a las 12 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista a Rosie Varela, Sebastiรกn Estrada y Serge Carrasco de EEP por Diego Centuriรณn ]

TODO ESTE DISCO ES UNA BENDICIร N

En el marco del programa Transmisiones Oceánicas que se emite todos los lunes a las 21 hs por www.indiego.com.ar tuve la oportunidad de realizarle una entrevista a una banda de El Paso, llamada EEP. Y esto es lo que nos contaron…

Casi por casualidad nace una banda que recientemente ha llegado a su primer trabajo. El gen de toda esta travesía natural partió de un regalo, desde ese obsequio todo se fue construyendo con suma naturalidad y casi sin pensarlo, Rosie Varela se vio a la cabeza de un nuevo proyecto con una banda íntegra. Hoy EEP acaba de lanzar “Death of a Very Good Machine”, un trabajo impensado un par de años antes.

Rosie: El nombre de la banda... estuvimos en el estudio Brainville donde grabamos con Ross Ingram, y él es nuestro productor. Un día él ya se iba a su casa y empezó a oír una canción que se llama "Easy L.A." del grupo Folk Implosion, y ahí empezó a decir "Easy"... "El Paso"... y luego le gustó el sonido de EEP, y él siempre es muy bueno para poner los nombres de los grupos, el compone los nombres de los grupos que hemos hecho. Y EEP se le hizo algo curioso, algo diferente, cortito, así quedó.

Seb: El nombre del grupo tiene un significado diferente para todos los miembros Para empezar me gustaría que se pre- del conjunto, para mí, me da la idea de senten en el orden que aparecen en la que hacemos mucho ruido, pero la palahistoria de EEP y nos cuenten de se bra EEP, es un sonido tan chico. ocupan dentro de la banda.

Rosie: Yo soy Rosie Varela, canto, toco Entonces no son iniciales de algo, sino la guitarra y compongo canciones para la que es una expresión… banda EEP. Rosie: Si es como una expresión, para mí Seb: Hola, soy Sebastián Estrada, yo es como una expresión de sonido, como toco bajo y también un poco de teclados cuando estamos sorprendidos. en el grupo.

Seb: creo que le da espacio para que Sergio: Hola, soy Sergio Carrasco, toco cualquier persona que escuche la música la guitarra, canto y escribo letras para la pueda encontrar su propia definición de banda. qué significa el nombre.

Sergio: En inglés es "Easy El Paso", Bueno para empezar con esta entrevis- pero en español se traduce como "Todo ta cuéntenos ¿qué significa el nombre Tranquilo e El Paso". de la banda?

Sergio: Esta respuesta es mejor para La historia de cómo nace la banda es Rosie, ya que ella creó la banda y vino muy linda. Cuéntenos esa historia. con el nombre.

Seb: Yo creo que Rosie va a tener la inforHola chicos. Antes de empezar con la entrevista, me gustaría agradecerles por la predisposición para realizar esta charla conmigo.

Rosie: Gracias Diego. Estamos listos y gracias por la oportunidad de esta entrevista y su tiempo también.

Seb: Gracias Diego por tenernos aquí para esta entrevista y también agradecemos su tiempo.

Sergio: Aquí en El Paso seguimos en la pandemia. Te agradecemos esta oportunidad de poder hablar con todos tus lectores. Gracias.

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mación y la historia más completa, pero para mí, yo había conocido a Ross y a Rosie, Sergio y Lawrence en El Paso tocando música varios años. Y nos gustaba juntarnos para tocar shows juntos o conciertos, y un día Rosie me invitó a tocar en este grupo y Sí! fue una formación muy suave, muy tranquila, con mucho amor y celebrando un espacio para hacer música como amigos.

Sergio: Rosie escribió la primera canción "Hogar" y llamó a Ross para grabar el demo y después de eso invitó a todos músicos locales diferentes para incorporar más ideas a la canción y luego nos invitó a grabar más canciones y así se empezó a desarrollar este proyecto.

Rosie: ¡Sí! La historia es muy bonita y muy orgánica. Todo pasó muy orgánicamente. Le escribí una canción a mi esposo y la hice en estilo shoegaze porque nos encanta ese tipo de música. Se lo presenté a Ross Ingram, ahí en el estudio Brainville y le gustó. Empezamos a ser los planes para grabarla, le preguntamos a Sebastián si nos podría ayudar con el bajo, entonces pasamos un tiempo grabándola. Y después hicimos otra canción, porque yo tenía varias, y luego otra canción más. Al final dije voy a preguntarle a Sergio a ver si él quiere ayudarnos con esto, y le pregunté y dijo que sí. Y él vino y trabajó en otras dos canciones, en todas las cinco canciones que teníamos en ese tiempo. Luego nuestro amigo Lawrence Brown, vino un día a tocar en una de las canciones, pero nos cayó tan bien, y se escuchó tan bien las partes de la batería que él hizo, que también le preguntamos quieres estar en esta banda y dijo que sí.

Luego empezamos a escribir juntos las canciones en el estudio. Fue un proceso muy lento, muy despacio. Pero cada vez que nos juntábamos, que era un día al mes o dos días al mes, era con gusto y la pasábamos tan bien... tiempos muy creativos. Experimentando, así se formó

el disco, de una forma muy despacio, con mucha intención y muy buenos tiempos.

Digamos que empezó como una canción solitaria y terminó formándose una banda en el estudio. Y me dicen que se conocían de antes. Cuéntenos ¿de dónde se conocen y qué bandas tenían antes, si las tenían?

Rosie: Pues en El Paso hay varios lugares donde hacemos shows, y uno de esos es en la casa de un amigo de nosotros, y Sergio y un amigo tenían conciertos uno o dos veces al mes ahí en la casa, shows muy íntimos. Y yo conocí a Sergio así, conocía a Ross, también tiene su propia música, y luego Sebastián tenía una banda.

Y nos veíamos en diferentes lugares para diferentes shows, para tocar.

Seb: La cosa es muy extraña. Yo he conocido a Lawrence desde ¿en la primaria o secundaria?, andábamos juntos en un equipo de natación en el verano, y luego saliendo de la Prepa... yo fui a ver tocar a un grupo en El Paso y me hice amigo con el cantante Nathan, y el guitarrista y él era Ross Ingram, otro miembro del grupo... y es extraño ya que a esas personas ya las conozco hace más de 10 años. Pero no nos juntamos a hacer música hasta que yo salí del colegio, yo me reconecté con Lawrence en el colegio y tocamos en unos grupos de la Universidad y después yo quise empezar a grabar y conseguí el estudio de Ross y empecé como pasante y al final nos hicimos muy buenos amigos y socios del estudio. Y Rosie era una clienta de nosotros y nos gustó tanto trabajar juntos que así empezamos la situación. Yo y Sergio nos conocimos tocando música cuando yo ya estaba saliendo de la Universidad, viéndolo en su grupo, siempre me gustó su música y me dio tanto gusto saber que íbamos a estar haciendo música juntos en EEP. Sergio: Yo conocí a Rosie en un show que hizo en su patio trasero y ahí cono-

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cí a Sebastián, pero también lo conocía de antes, él estaba tocando música solista y yo también me estaba presentando como solista, todavía tengo un proyecto de una banda. Sebastián tenía grupos antes y nos topábamos en diferentes conciertos, en diferentes locales y también conocía que Ross se presentaba como solista, él tambien tenía otros grupos y se dedicaba a grabar música en el estudio que tenemos, en Nuevo México que se llama Brainville. Y sabía que él grababa muchas bandas que me interesaba y me gusta, y no más Rosie me invitó a grabar esas canciones con ella, ahí conocí a Lawrence, que es un baterista fenomenal y toca en otros grupos de Jazz.

Por lo que nos cuentan, en la escena de El Paso, se conocen todos… cuéntenos ¿cómo es esa escena?

Rosie: Bueno antes de esta pandemia, la escena de música de El Paso era algo

muy bonito, casual, casi todos se conocen y hay ciertos clubs donde se pueden presentar las diferentes bandas de diferentes tipos de música, se oye mucho rock aquí, indie, metal, es muy popular aquí también, jazz también... cualquier día previo a la pandemia, se podía encontrar varios lugares para ir a escuchar música cada noche de la semana. Hay muchos músicos aquí en El Paso que tocaban en más de un grupo, entonces ya nos conocemos muy bien y nos ayudamos mucho, uno a otro. A mí me ha gustado tener shows en mi casa, un año hice un show afuera, en un ranchito que tiene mi prima y fue un día completo de música y fue tan bonito todo, y lo que me gustó es que todos nos organizamos para ayudar a otro, y eso me cae muy bien.

Seb: Sí, yo creo que es algo dela ciudad de El Paso. Aunque sea una ciudad ya un poco más grande todavía se siente como un pueblo en ese sentido, de que todos

nos conocemos o conoces un primo que conoce al primo de tu amigo o crees que has conocido a alguien nuevo en tu vida y resulta que tus papás conocen a los suyos o fueron a la escuela juntos en Juárez, la ciudad en la frontera de México. Sí, es una comunidad un poco chica en ese sentido y nos apoyamos mucho, porque somos vecinos, somos amigos.

Sergio: Aquí en El Paso la escena local es muy pequeña. Muchos músicos conocen a muchos músicos y no tenemos muchas bandas nuevas, pero cuando sale una nueva, uno se interesa para ver qué cosas nuevas van a traer a la escena. Yo también abrí un espacio en donde le doy la oportunidad a varias bandas de todo EEUU, Canadá o México a presentar su música, y ahí he conocido a varios músicos que vinieron a presentar sus proyectos.

Seb: Yo creo que otra cosa que nos ayuda, es que grupos que viene de gira, que viene de California a Austin, durante la temporada del Festival, siempre están pasando por aquí, igual que grupos de Texas yendo a California también pasan por aquí, y eso nos da una oportunidad para a los locales de estar tocando con grupos ya más grandes y estar haciendo crecer un poco más esta comunidad.

Lo interesante que les pasó es que en medio de cuarentena pudieron lanzar su disco, tal vez no han podido respaldarlo en vivo, pero este tiempo les ha servido para tener el tiempo para que el material pueda difundirse mucho más... y hacer conexiones... cosa que en una situación más normal hubiese sido más difícil.

Rosie: Toda experiencia con el disco de muchas maneras fue algo muy mágico.

Nos llevó 15 meses en grabar todo, fue un disco hecho muy despacio, pero se me hizo casi milagroso. Ross y yo acabamos el proceso de mezcla del disco, yo creo que fue cinco días antes de que empezara la cuarentena, y se nos hizo tan curioso haber terminado todo antes. Tuvimos el tiempo de hacer el masterizado, de poder pensar cómo hacer la promoción del disco... lo pensamos mucho y fue casi milagroso también que varias personas en la escena del Shoegaze nos apoyaran mucho, nos ayudaron mucho, mucha gente nos dio consejos en cómo empezar este proceso de promover el disco, y mi esposo empezó a hacer esos trabajos, él hace más de un año que empezó a ayudarnos con eso y en estos 15 meses hemos grabado videos con el proceso del grabar el disco, hemos conocido a mucha gen-

te en esta escena del Shoegaze y todo se hizo muy naturalmente, muy orgánico.

Ya cuando iba a salir el disco ya teníamos mucho apoyo y ya habíamos hecho muchas cosas para promoverlo. Y hemos aprendido mucho cómo conectarnos con nuestra comunidad y mucha gente que ha apoyado al disco ya son nuestros amigos.

Ya tenemos nuestra familia y me ha gustado mucho este proceso. Es una bendición. Todo este disco para mí es una bendición, una sorpresa... muy bonito.

Seb: Yo creo que fue una bendición escondida, nos dio la posibilidad de mostrar nuestra música a una comunidad más internacional, y encontramos una comunidad grande, pero como El Paso, mucha gente se conoce, es una comunidad muy entregada, yo estoy fascinado y me da tanto ánimo oír, que gente del país o de varias parte del mundo, nos quieren oír.

Sergio: Creo que sí es una bendición, como dijo Sebastián, porque nos obligó a usar nuestros fondos para difundir nuestra música a audiencias nacionales e in-

ternacionales, como ustedes, en vez de usar esos fondos que íbamos a usar para el Tour que pensábamos hacer en Texas y tal vez difundirlo a audiencias más pequeñas. Pero todavía me da pena que no podamos tocar en vivo pero un día... sí lo haremos.

Cuéntenos sobre el álbum y la historia que hay detrás del nombre, y de paso los felicito por este hermoso disco.

Rosie: Gracias Diego, por estas bonitas palabras. El título del disco es "La Muerte de una buena máquina" y eso es porque yo grabo los demos de las canciones en una máquina que se usa con un IPad, y es una máquina en donde uno puede grabar con dos micrófonos o dos instrumentos, es una interfase. Y un día empecé a hacer mi trabajo y no sé qué pasó, empezó a echar humo, empezó a hacer un ruidazo, mucho ruido, y yo pensaba "ya se va a morir esta cosa"... pero, al mismo tiempo, ese sonido que hizo, era muy rítmico, y dije voy a grabarlo, para empezar una

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canción con ese sonido... e hice eso... y con eso empezamos esa canción que se llama "Death of a Very Good Machine", con ese ruido de la máquina que se estaba muriendo, pero no se murió, lo bueno es que la abrí y vi lo que estaba pasando y pude hacer la conexión de un alambre.

Entonces todavía sigue viva la máquina muy buena... (Risas) Y hablando del disco en sí, que me parece que aparte de ser un hermoso disco, tiene una intensidad calma, como que el shoegaze y el dreampop está muy bien mezclado... ¿Cómo fue el proceso de creación de estas canciones, de estas ocho canciones, si ya las formaron como banda o Rosie las llevó y luego las fueron trabajando entre todos o juntos las crearon en el estudio?

Rosie: El proceso fue combinación de esas dos maneras, las primeras cinco canciones yo las traje al estudio y Ross me ayudó con los arreglos e hicimos una mezcla pero muy básica, incompleto. Y con eso, yo les envié a las diferentes personas de la banda, esos demos, y luego cuando nos juntábamos en el estudio venían y hacían sus partes, sobre lo que ya teníamos hecho, esto fue en las primeras cinco canciones. Lo que nos gustó mucho fue que cuando tuvimos más tiempo empezamos a juntarnos para escribir en el estudio. Alguien traía una parte de una canción nueva o una parte de una guitarra, una idea, y lo bonito fue que vimos que juntos pudimos trabajar muy bien. Cuando ya teníamos la idea, a veces Sergio y yo empezábamos con la letra, con una melodía básica y luego Ross y Sebastián empezaban con las ideas para las partes de la guitarra y bajo, y luego Lawrence también, él ponía su parte de la batería. Pero fue como muy mágico. Todos dejamos que todos exploren sus ideas, no hubo ningún momento en que alguien diga "no, no, no, no podemos

hacer esto"... Todo fue posible y lo bueno fue que grabábamos cualquier idea que teníamos y luego después en la mezcla teníamos muchas opciones para poder mezclar la canción final, con una variedad y personalidad de cada uno de nosotros.

Seb: Honestamente yo creo que fue un poco de los tres. Muchas de las veces Rosie tenía una idea y nos presentaba esa idea, luego la forma que estuvimos escribiendo fue muy orgánica, nos enseñó las partes o lo que ella iba a estar tocando, y nos dio nuestro espacio para crear lo que queríamos agregarle a su música, así hicimos su música, nuestra música, y nuestra música se volvió su música. Yo creo que hay una canción que la empezamos a escribir todos juntos en el estudio, fue un poco mágico, empezamos a trabajar sabiendo que nos quedaba poco tiempo.

Nos dimos suficiente espacio para experimentar y poner todas las capas de sonido que tenemos en el disco.

Sergio: Fue un poco de ambos. Rosie tenía seis canciones escritas, pero nos dio libertad creativa total para escribir nuestras partes y grabar lo que queríamos. Las otras dos canciones "Canal" y "Breathless" fueron escritas en un día por todos, llegamos al estudio por la mañana, empezamos el día escribiendo la canción, la letra, y al final del día teníamos todo grabado.

El gen del disco fue la canción "Hogar", que fue el primer single adelanto del disco, ¿Cuál fue la última canción que registraron, que escribieron? y ¿ya hay cosas nuevas?

Seb: Rosie tiene la mejor respuesta para esto, pero creo con todos los músicos siempre hay material nuevo que están escribiendo.

Rosie: La última canción que grabamos fue "Breathless", era sólo una parte de guitarra que traje, pero terminamos juntos esta canción, encima de lo que había

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Con distanciamiento social registrando nuevo material.

traído y Sergio le escribió toda la letra, y él grabó sus voces. Y era muy diferente del resto de las canciones, porque yo canté muy poco en esta, y me gustó porque para mí Sergio tiene la voz de un ángel y la usó muy bien en esa canción. Es una de mis favoritas. Y es una canción muy calma pero con mucho sentido de espacio y de emoción, y me dio mucho gusto que la hayamos escrito todos juntos.

Ya en estas semanas con Ross empezamos a trabajar en doce demos que traje para que él oyera. Cuando hago esto estoy muy consciente que mis doce canciones, tal vez podamos sacar tres o cuatro, que nos pidan que deben estar juntas.

Entonces ya empezamos a adivinar cuáles serán las primeras canciones del siguiente disco. Empezaremos a partir de ahí, yo estoy lista y creo que los muchachos también.

Sergio: Por ahora nuestra intención aho-

ra es crear un nuevo disco, en donde nos dará la oportunidad de que cada miembro creemos nuestra propia canción e incorporarla en el álbum, aparte de eso pues cada miembro seguirá trabajando en sus diferentes proyectos y pues también tocar cuando acabe la pandemia.

No podemos dejar pasar por alto que han editado el disco pero en una versión instrumental, que es algo que se está usando mucho, ¿Cómo se les ocurrió esta idea de editar el álbum en versión instrumental?

Seb: Por lo menos para mí la intención de oír el disco instrumentalmente es para enfocarte un poco más en los detalles del diseño del sonido y los sonidos divertidos que queríamos hacer en el estudio. Y nos da una forma de oírlo un poco más pasivamente mientras estás cocinando o hablando con tus amigos, o teniéndolo como

ambiente.

Sergio: Pues la intención del disco instrumental fue para usar esa música para darle la oportunidad a los directores o productores de la Televisión o films, para usar esta música de fondo en las escenas y darnos más oportunidad como banda a ser escuchados.

Rosie: Eso fue un gran consejo de nuestro productor Ross Ingram, él cuando estábamos en el proceso siempre me decía, "Rosie no se te olvide, vamos a hacer un master que va a ser todo instrumental" y teníamos varias razones para hacer eso, una era que ciertas canciones tenían un sonido algo cinemático, y especialmente cuando escuchas ciertas canciones sin las voces, se escuchan muy cinemáticas.

Entonces empezamos a decir es posible y estamos empezando con la aventura de tratar de ofrecer esas canciones instrumentales, a diferentes bibliotecas de música que usan para la televisión y para películas. Entonces fue algo que pensábamos y nomás para tratar de tener esas canciones así. Lo interesante fue que em-

pecé a hacer videos para las diferentes canciones del disco e intenté hacer uno para las canciones instrumentales. Y eso fue muy interesante, porque fue interesante la experiencia de hacer un video cinemático. Cuando no hay palabras uno puede tomar diferentes ideas, porque no hay palabras para dar la idea de la historia. Me ha gustado eso, se los aconsejo a otras bandas, que hagan masters de las partes instrumentales, es algo que ayuda mucho.

Cuéntenos ¿quién realiza los videos?

Sergio: La verdad es que la que se encarga de todas las visuales, los videos es Rosie, entonces le dejo la respuesta a ella.

Rosie: Pues Diego, voy a decir algo (risas). Cuando uno es joven a veces estudia algo y tal vez no sabe cuándo lo va a usar y ese fue mi caso, yo fui al colegio a estudiar Dirección, edición y producción de cine. Y no lo sé, lo hice y trabajé en esa industria por un tiempo muy corto y con este proyecto me dije: "Tengo tiempo,

aquí estoy encerrada en casa" y empecé a hacerlo y lo interesante es que, como no puedo salir, como no nos podemos juntar a hacer estos videos, lo que hice es comprar licencia para muchos diferentes clips de videos de diferentes temas, de diferente lugares, de diferentes cosas. Y he pasado mi tiempo poniéndolos de forma que puedan apoyar las canciones. Y eso me ha gustado mucho. Pero eso sí es cierto, porque cuando fui a estudiar eso yo tenía 29 años, y ahora tengo 53 años. Y apenas lo estoy usando (Risas) pero me dio mucha felicidad hacerlos, era algo que quería darle a todos los que nos apoyan, como un gracias y darle algo bonito.

Seb: Rosie ha diseñado los videos, creo que hay un video que hizo en colaboración con un compañero de ella de la época de la escuela de arte visual y de película, me imagino que estos son los detalles correctos.

Rosie: Sí, Sebastián me hizo recordar algo. El video para "Death of a Very Good Machine" fue animado por un compañero mío, un animador que se llama Taylor Mahony y él hizo ese video hace 15 años y vi ese video en el 2005, y ya en el 2020

me acordé de ese video, lo encontré y le pregunté, "¿Sabes qué Taylor, podríamos usar ese video para una de las canciones?" y eso le encantó. Y esto también fue un caso, en que algo viejo se hizo nuevo otras vez (Risas).

Bueno cuénteme la sensación que tuvieron de tener el trabajo terminado, cuando pudieron escuchar el trabajo finalizado, masterizado y acabado, ¿Cuál fue su reacción cuando vieron todo es trabajo que habían hecho experimentando, grabando capas y escuchar las mezclas, que suele ser un momento muy agotador?

Rosie: Como yo estuve ahí sentada enseguida de Ross y estábamos el mix final de la última canción, la acabamos y en el estudio siempre hacemos esto, como dijo anteriormente Sebastián, él y Ross son dueños del estudio, y pusieron luces, en el Live Room, que cambian de colores y siempre cuando acabamos con una canción bajamos las luces y sólo dejamos las del "Live Room", y ponemos la mezcla. Y escuché esa última canción.... (Entre lágrimas) y sentí un gran alivio... todavía

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siento un gran sentido de agradecimiento, de felicidad, muy emocionada....

Seb: Bueno, teníamos un poco una tradición, cuando mezclábamos algo y queríamos oír, nos sentábamos en el estudio y apagábamos todas las luces, así, como enfocándonos más en la música, y esos instantes de escuchar la música fueron un poco mágicos. Y cuando recibí los másters del disco, traté de hacer eso en casa, me puse mis audífonos y apagué las luces, cerré mis ojos y acepté toda la música y todo el amor que estuvo en el disco con mis compañeros, ya mi hermana y mis hermanos, fue un momento de celebración.

Sergio: Me dio mucha emoción oírla completa y todo bien hecho, de un nivel muy profesional. No podía creer que éramos nosotros y que ya estaba todo terminado, porque nos tomamos nuestro tiempo, como dijo Rosie, nos tomó como 15 meses y después de todo, no podía creer que éramos nosotros, pero después de todo

valió la pena. Todo lo que vivimos estaba ahí en ese disco y estuve muy agradecido a Rosie por darme la oportunidad de contribuir al proyecto, y a todos por poner gran parte en el disco. Nada más tenerlo en mis manos ya el disco y ver los videos, me da mucha felicidad.

Rosie: Disculpas por emocionarme... pero cuando uno acaba con algo, que dura más de 15 meses trabajando en ello, se siente un alivio, se siente uno tan agradecido. Yo estoy tan agradecida con mis hermanos de banda... (Entre lágrimas)... fue un sueño realizado, fue toda una vida.... fue algo grande, especialmente la primera vez que uno hace algo así.

La emoción de Rosie es entendible porque es la emoción que se siente en el disco, y ¿debe ser muy fuerte no? como todo se dio de una manera tan mágica que escuchar el resultado final, de poco tiempo en realidad de trabajo, si uno se pone a pensar que la

banda se formó en el estudio, y luego escuchar el disco, es un trabajo magnífico y entiendo la emoción de Rosie, pero yo más que felicitarlos y disfrutar de su música en este momento mucho más no puedo decir.

Para ir terminando con la entrevista me gustaría por el tiempo que me han brindado y después le dejo el último espacio para que nos digan lo que quieran, tal vez algo que yo no he preguntado y que quieran decir.

Rosie: Gracias Diego por darnos esta oportunidad de hablar con vos y pasar este tiempo recordando el proceso de hacer el disco, y si no hay escuchado el disco pueden hacerlo en bandcamp, también nos pueden encontrar en Facebook, en Twitter e Instagram como @eppshoegaze también. Y estamos muy agradecidos a todos los que nos han apoyado y vamos a seguir, vamos a seguir haciendo estos discos y aprendiendo más, y compartir con ustedes nuestras vidas en la música. Gracias.

Seb: Muchas Gracias por tu tiempo Diego. Ojalá que todos estén bien y saludables y que estén con sus familias. Vamos a sobrevivir a esta pandemia, hay que vivenciar con mucho amor.

Sergio: Queremos agradecerte por el espacio que nos diste y por hacer llegar nuestra música tan lejos.

Toda esta conversación pueden escucharla en: https://www.mixcloud.com/INDIE_GO_RADIO/transmisiones-oceanicas26-10/

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[ WRY - Noites Infinitas. ]

INFINITAS SONORIDADES

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WRY - Noites Infinitas Label: Overseas Artists Recordings (OAR) Fecha de Lanzamiento: 30 de octubre de 2020

Noites Infinitas es el nombre del nuevo álbum de WRY que cuenta con diez temas, en portugués e inglés, y llega a plataformas digitales en todo el mundo el 30 de octubre de 2020. Es el primero de OAR (Boogarins, Particle Kid) y el sexto de estudio de la banda.

La inspiración para este trabajo provino de los desafíos que enfrenta una ciudad ultraconservadora como Sorocaba. Las canciones exploran temas de ansiedad, desesperación y caminos poco convencionales hacia la esperanza mientras se vive en el mundo dividido de hoy.

Las canciones, todas nuevas, fueron compuestas a partir de 2017, con algunas cosas que vinieron un poco antes. Todo el material fue ensayado en el propio estudio de la banda, Deaf Haus, que fue donde en 2019 lo arreglaron y grabaron. Como el espacio pertenece a la banda, no hubo ninguna presión y el grupo pudo terminar el trabajo dividido en varios períodos durante el año. La producción está firmada por el vocalista y guitarrista Mario Bross. La mezcla y masterización fueron realizadas por João Antunes entre enero y marzo de 2020.

Pasado Además de Sorocaba, la banda ha vivido en Londres donde tocaron con The Subways, The Cribs, ASH y The Joy Formidable. También trabajó con Tim Wheeler (Ash) y Gordon Raphael (The Strokes). En Brasil, tocaron con varias bandas importantes como Make Up, Superchunk, Ira!, Inocentes, Man or Astroman, Jota Quest y Júpiter Maçã. Fueron cabezas de cartel del Festival Goiânia Noise y del Auditorio do Ibirapuera (SPFW).

En 2015, después de regresar al servicio activo después de cuatro años de descanso, hicieron decenas de espectáculos en Brasil. Actuaron en tres escenarios del Primavera Sound español, uno de los mayores festivales europeos, realizaron una mini gira por Portugal y regresaron a Liverpool y Londres con un espectáculo como cabeza de cartel para 200 personas en el prestigioso pub The Lexington. De regreso a Brasil, la banda actuó en el festival Día da Música y en la Virada Cultural de São Paulo.

Fueron la principal atracción en el escenario de Spotify en el Festival Bananada en 2017.

WRY es Mario Bross (voz, guitarra y sintetizador), Luciano Marcello (guitarra y voz), William Leonotti (bajo y voz) e Ítalo Ribeiro (batería y voz)

Discografía: Álbumes Noites Infinitas (2020) She Science (2009) National Indie Hits (2008) Flames in the Head (2005) Heart-Experience (2000) Direct (1998) Eps Deeper in a Dream (2014) Whales and Sharks (2007) Come and Fall (2004) Singles Under your Skin (2018) She's Falling (2017) Life is Like a Dream (2017) Sister/Different from me (2007) Compilações Whales, Sharks and Dreams (2015) Overseas Artists Recordings (OAR) https://www.overseasartistsrecordings.com/ Links: Spotify: https://bit.ly/WRYonSpotify Deezer: https://bit.ly/WRYonDeezer Tidal: https://bit.ly/WRYonTidal Youtube: https://www.youtube.com/c/WRYMUSIC/ Bandcamp: https://mondowry.bandcamp.com/ Twitter: https://twitter.com/wry Instagram: https://www.instagram.com/wrymusic/ Facebook: https://www.facebook.com/WRYMUSIC Site: https://www.wrymusic.online Loja:https://www.wrymusic.net

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[ Entrevista a Simon Raymonde por Diego Centuriรณn. ]

SIMON RAYMONDE: TODAVร A SUENA FRESCO

Una vez más tenemos la posibilidad de hablar con Simon Raymonde, quien aparte de llevar adelante el sello Bella Union y de tener varios proyectos musicales muy interesantes, de los cuales hablaremos en esta entrevista. Pero sin lugar a dudas el gran psado de Simon es lo que llevará la mayoría de las preguntas, los 30 años del sexto álbum de Cocteau Twins.

Link a las anteriores entrevistas: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_numero_9_/29 https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_42

Hacer música es una de las formas más maravillosas de ser creativo y dentro de ella una miríada de formas de darte opciones; para distraerse de sus problemas, pero irónicamente también A TRAVÉS de su música, arroje luz sobre esos temas también.

Puede usarlo en parte como terapia, en parte como confesionario o puede usarlo como una herramienta para esconderse detrás de cualquier cosa con la que no quisiera tener que lidiar.

Creo que en este álbum, todas estas cosas sucedieron, espontáneamente y simplemente como mecanismos de afrontamiento. Cuando escribes y grabas música improvisada, viene de lo más profundo, del alma, del corazón, Es cierto que “Heaven Or Las de las tripas, tiene menos de tu cerebro Vegas” fue el álbum muy luminoso analítico y más de tu cerebro intuitivo. pero a la vez personalmente la banda estaba pasando por momentos Es increíble que después de haber muy diferentes, el nacimiento de pasado 30 años “Heaven or Las Lucy Belle (hija de Liz y Robin), Vegas” siga sonando tan actual, y Robin pasando por su calvario con el revival del dreampop desde ya de adicciones y a ti te golpeó el hace varios años, el sonido de este fallecimiento de tu padre. ¿Cómo disco es tan emulado por muchas fue trabajar mentalmente en ese bandas. ¿Tú cómo piensas que el ambiente tan difícil y cómo fue tiempo ha tratado al álbum? escribir las canciones del álbum?

Siempre quisimos hacer álbumes Gracias Simon por aceptar realizar esta entrevista.

La mitad de las preguntas estarán relacionadas con los 30 años de “Heaven Or Las Vegas”.

Paraempezarmegustaríapreguntarte ¿qué es lo que te pasa por la mente cuando lees 30 años de “Heaven Or Las Vegas”?

Pienso en mi papá, en mi boda, en el nacimiento de mi primer hijo, en todos los problemas con las drogas, y luego pienso en todos los momentos increíbles que pasamos en el estudio y la química que habíamos estado desarrollando ahora estaba dando frutos.

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que “sonaran” atemporales, de modo que si se escuchaban en el futuro, nunca se pudiera saber cuándo o dónde se hicieron. Hablamos mucho de eso y, por supuesto, trabajar con cajas de ritmos y tecnología de los 80 EN los 80 algunos de nuestros discos se sienten anticuados por los sonidos de las máquinas. Una vez que llegas a Heaven Or Las Vegas, y en 1990, ambas tecnologías habían avanzado lo

suficienteynuestrashabilidadeshabían crecido donde sabíamos mejor lo que estábamos haciendo. Escuchándolo ahora, creo que en su mayor parte deberíamos estar orgullosos de lo que logramos. Amo el álbum y siempre me ha encantado. ¡Todavía suena fresco y eso no es algo que se pueda decir de muchos discos de la época!

Hoy a “Heaven Or Las Vegas” se

lo puede analizar desde lo temporal (el cambio de década) pero también desde lo estrictamente sonoro, pero a mí me gusta que tú me puedas contar lo que significa en toda tu carrera este disco.

Si crees que has hecho el álbum perfecto, ¿por qué seguirías haciendo música? No fue perfecto y nuestra ambición después de su lanzamiento no era "¿cómo diablos podemos seguir ESO?" en lo más mínimo, nos permitió algo de espacio y tiempo para tratar de resolver el "elefante en la habitación", que fue una tarea tan probada como cualquier otra que encontráramos en la banda.

Podemos pensar en el disco más exitoso de 4AD, de hecho Ivo WattsRussell lo ha expresado en alguna entrevista, pero musicalmente para Cocteau Twins ¿fue un álbum perfecto, como lo percibimos nosotros los escuchas? ¿O crees que podría haber sido mejor?

Todo siempre puede ser mejor. Nunca sientes que has terminado. La mayoría de nosotros podría seguir mezclando un álbum durante muchos más años de los que lo hacemos, pero cuando estás en una banda con compromisos y responsabilidades, es como un organismo que deja de respirar y necesitas alimentarte con conciertos y videos y estar vivo y compartiendo eso.

Si te sientas en el estudio buscando siempre la perfección, puede ser increíblemente divertido (¡realmente lo es!) ¡Probablemente estés haciendo (los mismos) cambios que hiciste hace un año! Déjate llevar y acepta que la perfección es inalcanzable. ¡Pasa al siguiente!

que te viene a la mente?

Respondí un poco a esta antes.Apesar de todas las historias aparentemente interminables de tristeza y tragedia, el proceso de grabación fue alegre y enormemente divertido, y supongo que se sintió como si estuviéramos al borde de un precipicio pero sin miedo a caer o fallar.

He leído que para el Coachella 2006 estuvieron a punto de regresar y sé que has dicho y a nosotros también, que nunca volverá Cocteau Twins, pero cuéntanos acerca de aquel casi retorno.

Todos nos reunimos para discutirlo, nuestra primera reunión desde 1997 y se sintió bien durante un tiempo que la comunicación estaba mejorando un poco, pero después de la reunión sucedieron algunas cosas a medida que nos acercábamos a hacer ensayos juntos e inevitablemente se acordó que estábamos juntos, no vamos a poder cumplir con nuestras obligaciones y mejor renunciemos ahora antes de que terminemos una semana de gira y lo cancelemos todo. No podíamos hacerle eso a nuestros fans ni a nosotros mismos. Pareció sorprendentemente posible por un breve momento, pero en retrospectiva nunca iba a suceder.

Se va a editar una remasterizada del “Heaven Or Las Vegas” en estos días. Cuéntanos sobre esto.

Creo que eso pasó hace un tiempo.

Si no, ¡no lo sé!

Se viene “In Quiet Moments”, el segundo álbum de Lost Horizons.

En marzo he estado en Buenos Aires con Richie Thomas, y aquí lo ha atrapado la pandemia y en ese Al mencionar “Heaven or Las momento tú estabas mezclando Vegas”, ¿Cuáles son los recuerdos el álbum. ¿Ahora en qué parte del

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proceso está? ¿La pandemia ha retrasado los tiempos del álbum? ¡No, usé la pandemia para terminar y mezclar el álbum en casa! Saldrá en febrero de 2021.

Según los adelantos, “Cordelia” y “I Woke Up With An Open Heart” ¿se espera un álbum con sonoridades más amplias?

Posiblemente sí, creo que es un sonido más profundo y conmovedor, pero también con un toque más duro a veces. ¡Es bastante triste porque no puedo NO escribir música triste!

y para cerrar este círculo, que en cierta forma nace en “Heaven Or Las Vegas”, ¿es una manera de rendirle un homenaje? ¡Sí, Mucho! el sello me permite cierto margen para ser tan autocomplaciente como quiera, pero este era un proyecto que el mundo necesitaba escuchar, fue un marcador importante para mí decir, este hombre no era solo uno.

-es un gran compositor, era un adicto al trabajo con más de 3000 créditos a su nombre. ¡El trabajo que creó me mantendrá ocupado por el resto de mi vida!

Simon, esperamos Para terminar y agradeciéndote Gracias el tiempo que me has brindado, la ansiosos tu nuevas músicas y última pregunta tiene que ver con esperemos hablar cuando el álbum Bella Union. Te has dado el gusto esté publicado. de publicar material de tu padre, ¡Gracias a ti!

Igor Raymonde

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[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

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Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición.

Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos.

Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad.

O hasta que las existencias se agoten.

HORIZONTAL EN ESTE REFUGIO Horizontal en este refugio, el tiempo pasa lentamente. Atrás quedan premisas aplicadas estrictamente para acortar ideas o sentimientos. La historia puede cambiar.

Años atrás, tomé una decisión drástica: No sonreír. Obvio, técnicamente es imposible realizar semejante tarea, pues de alguna manera u otra es un movimiento casi involuntario.

Queda en algún lugar una caja entera de fotografías en color y algunas en blanco y negro que sirven como prueba. Las fotografías como postales de momentos. Cada una con una historia diferente, con un trasfondo particular, personal.

Era extraño pues recuerdo algunos momentos de suma felicidad, pero como en esas tristes anécdotas que a veces son risibles, faltaba algo. Es como los festejos anticipados cuando se está en plena competencia. No estaba la sonrisa.

Deliberadamente estaba excluida. Se tornó una característica especial de mi persona.

Y así, la broma macabra se extendió por años. Se apropió de mis neuronas y me fue imposible regresar a un punto inicial.

A esa génesis de sentimientos y actitudes. El personaje que había creado en base a una desilusión personal, había crecido tanto, que opacaba todas las otras aristas que me habían sido donadas por mutación genética o impuestas por códigos sociales o morales.

En este mundo aparte, excluido de toda influencia, los espectáculos pasaron incesantemente por mis ojos.

Expropiaciones amorosas, triangulaciones morales que tenían como objeto confundir a las supuestas víctimas que terminaban siendo victimarios. Vi actos de rebeldía extrema, amores legendarios que se transformaban en odios viscerales, amistades caer de bruces ante embates climáticos, y hasta intentos frustrados de pasar a la posteridad en una especie de sacrificio que más tenía que ver con una borrachera espectacular que con otra cosa más profunda.

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Escribí capítulos enteros de muertes espantosas, sufrimiento y redención. Las hojas en las que escribí detalladamente esas historias, se tornaron amarillas con los años y languidecieron hasta el punto de volverse casi ilegibles. También escribí como según mi visión, debería el mundo pagarme la deuda moral por haber nacido sin pedirlo. Caí muchas veces en trampas dialécticas y sociales que yo mismo me tendí, en un afán extraño por validarme.

Vi engaños, traiciones, suspiros, sonrisas falsas, promesas que sabía de antemano que no se iban a cumplir, palmadas en espaldas con manos que ocultaban puñales, y sacrificios en nombre de la nada misma.

También fui testigo y cronista de amor, pasión y lujuria de gente que estaba al lado mío. Y sus secuelas, dolorosas, difíciles de comprender. Vi gente perderse en un huracán de sonidos y luces. Gente perdiéndose para encontrarse. Y sonreír para no llorar.

Toqué con las narices la realidad brutal cuando todo se termina, y no queda más nada que decir, ocultar o mostrar.

Dije adiós a muchas almas y espíritus en diferentes estados.

Y di la bienvenida a señales fugaces de júbilo y excitación.

Todo eso está atesorado en esa caja en algún lugar, en forma de fotografías.

Y hoy, bajo esta vía láctea brillante, oigo una voz al lado mío que me emociona.

Y sonrío. Esta vez, para siempre.

[ Entrevista a Michael Ciravolo de Beauty In Chaos por Diego Centurión.

Fotografías: Anabel DFlux. ]

BEAUTY IN CHAOS TRAE EL RUIDO CON EL LP 'OUT OF CHAOS COMES'

Nuevamente nos comunicamos con Michael para conocer los detalles de sus últimos lanzamientos, por un lado, como partícipe del TOS2020 y su nuevo trabajo de remixes con Beauty In Chaos, “Out of Chaos Comes”.

Es un placer ponernos al día de lo que está haciendo Ciravolo y compañía…

Links a las anteriores entrevistas: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_50 https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_63

¡Hola Michael!

Volvemos a comunicarnos contigo ya que Beauty In Chaos no para de producir cosas, y nos hace muy felices tener material nuevo para aprovechar para hablar contigo.

Muchas gracias, ya que usted y la Revista The 13th siempre han apoyado mucho a Beauty In Chaos, lo cual es algo maravilloso que no doy por sentado.

En estos tiempos no podemos dejar de preguntar cómo estás con esta locura que está viviendo el mundo en este 2020.

"Locura"esunabuenaformadedecirlo.

Tan malos como son el Covid-19 y los bloqueos, con personas que no solo pierden sus trabajos, sino que algunas personas han perdido la vida... Tenía la esperanza de que la gente hubiera encontrado un lado positivo. Y lo que quiero decir es más tiempo en familia y más tiempo para vivir una vida, incluso si es diferente. La agitación política ha dividido a mi país, lo cual es realmente difícil de observar. En cuanto a mí, personalmente, valoro el tiempo extra con mi esposa e hijas, además de continuar publicando música y videos de BEAUTY IN CHAOS.

Antes de entrar en el nuevo trabajo "Out of Chaos Comes...", me gustaría preguntarle sobre ReMission International, en la que sé que estuviste muy involucrado.

Cuéntanos, ¿cómo surgió la idea de ese trabajo con Wayne y cómo surgió la selección de los músicos participantes?

Primero, es realmente surrealista estar involucrado no solo con una de mis canciones favoritas de Mission, sino también con este increíble grupo de artistas, muchas de las cuales son bandas que forman una gran parte de mi colección de discos. En cuanto a cómo surgió, me acerqué a Wayne sobre la idea de volver a grabar "Storm" de BIC. Pensé que la letra de Ashton "siempre hay una luz" pintaba una imagen positiva en una época oscura. También le habían dicho que "Tower Of Strength" estaba comenzando a ser utilizado como una especie de mitin / himno por el NHS del Reino Unido. También discutimos algunas otras ideas de canciones, una de las cuales era "Heroes" de Bowie, ya que Wayne estaba realmente preocupado por nuestra idea de hacer algo para la caridad como "egoísta".

Tenía otros amigos que le decían que "Tower" sería perfecto, y yo también.

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o mediados de los 90... y tuvieras una canción con miembros de Bauhaus, The Mission, Depeche Mode. Ultravox, GLJ, Siouxie And The Banshees, The Cult, The Cure, NIN, Gary Numan, Slowdive y más... y con la MTV original, creo que esta pista habría sido enorme. ¡Una especie de curita "gótica / post-punk"!

Sin embargo, creo que ha recaudado ingresos muy necesarios para algunas grandes organizaciones benéficas... todas seleccionadas por los artistas involucrados. Me siento honrado y ¿Y cómo han resultado las ventas bendecido de ser una pequeña parte de esto. También insto a la gente a que del single "TOS 2020"?

En el mundo actual, creo que lo ha aún lo apoye, ya que este virus está hecho bastante bien. Con el streaming, lejos de terminar. etc... hoy, lamentablemente creo que es más difícil conseguir que la gente El Covid no nos da tregua y con el compre música física. Y este proyecto invierno ha vuelto nuevamente. ¿Se se hizo por todas las razones correctas. te ha ocurrido hacer algo similar?

Si esto hubiera sido a finales de los 80 Honestamente, no creo que tenga Finalmente, lo convencimos de que usara la canción. Ambos buscamos en nuestros pequeños libros negros para artistas... él es más grande que el mío. Me las arreglé para entregar a Kevin Haskins (Bauhaus) y Michael Aston (Gene Loves Jezebel). Cuando Wayne convenció a Jay Aston para que se uniera, logramos un milagro, ¡ya que es la primera vez que estos dos gemelos separados han estado juntos en una grabación desde 1987!

un impacto similar al que hicimos con Cuando lanzaron el álbum "The Storm Before The Calm", ¿ya tenían ReMission International. un álbum de remixes en mente?

Y para terminar con "TOS 2020". Básicamente sí. Realmente disfruté ¿Cómo fue el trabajo de ensamble no solo el resultado, sino también el proceso de creación detrás de "Beauty de todos los participantes?

Wayne grabó su voz guía, su parte Re-Envisioned", así que pensé por qué de guitarra de 12 cuerdas junto con un no hacerlo de nuevo. bucle de batería básico y se lo envió a todos los que insinuaron que les ¿Cuánto tiempo te llevó pensar en gustaría participar. Todos grabaron sus las personas que podían remixar y partes por su cuenta SIN escuchar lo cuánto tardaron en entregar? que hicieron los demás. Wayne luego Para mí, había tantos remixes revisó minuciosamente todas las pistas, geniales y diversos en "Beauty Reque voy a estimar que estaba cerca de Envisioned", que primero me acerqué 100 para extraer las mejores partes y a esos artistas. Tim Palmer y MGT hacerlas encajar aproximadamente. El fueron probablemente los primeros asombroso Tim Palmer luego tomó la correos electrónicos, luego bajé mi antorcha y la pulió hasta convertirla en "lista". Tengo la suerte de poder llamar amigos a muchas personas muy una obra maestra que es hoy. talentosas. No fue un proceso muy largo Ahora comencemos con el pensar en quién... pero lleva tiempo excelente trabajo de remixes que ha incorporar las mezclas. Con Covid, lanzado, "Out of Chaos Comes..." creo que hay más personas en casa

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y, honestamente, "buscan cosas que hacer". Dos amigos maravillosos, pero por lo general muy ocupados... Tyler Bates y Roger O’Donnell de The Cure, en tiempos normales probablemente no hubieran tenido tiempo para hacer un remix. Hay varios "colaboradores" nuevos también en "Out Of Chaos Comes..." Bentley Jones, Luxury Noise, DJ Mac Stewart, Phoenix Supernova y Nick Perez de Holy Wars, que en mi opinión entregaron remixes de clase mundial. Un complemento de undécima hora a la versión digital fue de Julian Shah-Tayler. No lo conocía personalmente, pero había leído y escuchado algunos remixes que hizo para algunos amigos en común. Le envié un mensaje en Instagram y me olvidé de él. Unas semanas más tarde respondió y entregó uno de mis remixes favoritos; una hermosa versión de "The Delicate Balance Of All Things’".

Habéis superado la capacidad de asombro del "Beauty ReEnvisioned", creo que las versiones de este disco son más extremas, más variadas. ¿Qué piensas?

Con mi experiencia de compilar 'Beauty Re-Envisioned' detrás de mí, realmente presioné el punto en este para 'desmantelar' la versión original aún más. Al sumergirse en muchos de estos remixes, encontrará pocas o ninguna de las pistas originales de la canción utilizadas en el remix.

Realmente disfruto eso. Para mí, algunos de mis momentos favoritos en 'Beauty Re-Envisioned' es donde hicimos la 'regrabación' completa de las canciones como con “The Long Goodbye (Au Revior)”, “I Will Follow Your (Cotton Socks Mix)” y, por supuesto, la impresionante versión acústica de 'Storm'. Estoy emocionado de tener dos de esos momentos en

"Out Of Chaos Comes" con la versión acústica de Ashton de "The Outside" y un salto de regreso a nuestro disco debut con la nueva versión de Johnny Indovina de "Memory Of Love".

Esta selección de músicos es realmente asombrosa, pero antes de empezar a hablar de ellos. ¿Has invitado a alguien y no pudo estar presente?

Hay artistas a los que les he pedido que coescriban con eso, por una razón u otra no pude hacerlo, pero afortunadamenteenestediscoderemix, la mayoría de los artistas que invité dijeron que sí. Solo un artista no pudo.

Realmente esperaba tener a Seibold (quien coescribió y cantó 'Almost Pure') ya que me encantan sus remixes de Hate Dept. pero desafortunadamente su estudio fue desmantelado cuando estaba mudando su residencia a otro estado.

Lalistaesperfecta,TimPalmer,John Fryer, Tyler Bates, Roger O'Donnell, Bentley Jones, Paul Wiley, Cinthya Hussey, Simon Hinkler, Richard Fortus, Nick Johnston, entre otros, y el reconocido Wayne Hussey, Mark Gemini Thwaite, Ashton Nyte.

Cuéntanos, ¿cómo fue el momento de escuchar sus reinterpretaciones de tus canciones?

Sinceramente,¡escomoabrirunregalo la mañana de Navidad! La mayoría de las veces no tengo idea de qué esperar cuando recibo la mezcla final en mi bandeja de entrada. Siempre es una grata sorpresa. Uno en particular que me dejó completamente anonadado fue cuando Wayne me envió su mezcla aproximada de nuestra nueva versión de "The Delicate Balance Of All Things". Michael Rozon y yo tuvimos la idea de una versión "simplificada",

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básicamente reemplazando la música alrededor de la voz original de Wayne.

Había escuchado la versión de su esposa Cinthya de "Every Day is Like Sunday" de Smith y pensé que tenía una hermosa voz. Le sugerí que le diera algunas armonías, pero cuando recuperé su idea… ¡GUAU, ella había cantado la voz principal y mucho más! ¡Al menos ahora mismo, esta es mi pista favorita del álbum!

Cuéntanos sobre los formatos en los que se lanzará "Out Of Chaos Comes..."

Soy muy afortunado de que el pequeño pero poderoso sello 33.3 Music Collective continúe ofreciendo nuestros lanzamientos en formato físico… ¡Vinilos y CDs! En el mundo actual de la transmisión digital, esto lamentablemente se está volviendo muy raro y, sinceramente, si las personas no apoyan la compra de estos productos para cualquier artista que disfruten, pronto solo serán digitales.

Ese será un día trágico, en mi opinión.

Este año has elegido dos fechas importantes para tus lanzamientos. ¿Estrategia o azar?

Habíamos planeado que "The Storm Before The Calm" saliera a principios de febrero, pero tuvimos un colapso masivo de la computadora ProTools cuando comenzamos a mezclar, lo que nos obligó a retrasar el lanzamiento unas 6 semanas. Elegí el 22 de marzo como el primer día en el que pensé que podríamos terminar la mezcla. Cuando publiqué esa fecha, nuestra publicista, Shauna, dijo: "¡Oh, genial... ese es el Día Mundial del Gótico!" Cuando llegó el momento de 'Out Of Chaos Comes', pensé que sería genial y un poco gracioso duplicar el dark wave, así que pensé... ¡qué es mejor que Halloween!

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La última pregunta tiene que ver con el futuro. ¿Estás trabajando o tienes algo nuevo en mente?

Veo estos discos de remezclas como una especie de "descanso" para mí, ya que entrego las llaves a otros artistas... pero en realidad hay mucho que hacer al respecto. Dicho esto, tengo un plan para lo que es nuestro "qué sigue". A finales de este mes, regresaré a nuestro estudio para comenzar a formular canciones a partir de ideas que he estado dando vueltas en la guitarra.

Puedo decir que el próximo disco contará con todas voces femeninas.

Creo que todas las damas talentosas que ya son parte de nuestra familia BIC regresarán, y también he iniciado conversaciones con varias otras que están emocionadas de ser parte de BIC. Tengo muchas ganas de que esto finalmente crezca. Además, todavía habrá dos, si no más, videos de "Out Of Chaos Comes...".

Para finalizar esta entrevista y agradecerle esta nueva posibilidad de poder hacerle preguntas, y agradecer a Shauna y Shameless Promotion por ofrecernos siempre grandes artistas como usted.

GRACIAS ¿Quieres decirles algo a nuestros lectores?

BEAUTY IN CHAOS es verdaderamente una familia. Todos estosartistasincreíblementetalentosos dedican su tiempo y talento a esto, SIN expectativa de ganancias financieras.

Arte por hacer arte que en sí mismo es una belleza. Les pido sinceramente a todos que por favor echen un vistazo al cuerpo de trabajo de cada uno de estos artistas individuales. ¡Te prometo que no serás decepcionado!

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[ Por Fernando Rivera Rodríguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: JULIPER SKY

Shoegaze épico y triunfante desde Manchester, UK. Reseña de “Juliper Sky - Infinite Jets"

Es genial saber que el Revival del Shoegaze de hoy nos siga sorprendiendo con su expansión por todo el mundo como nunca antes lo habíamos visto gracias al nacimiento de nuevos y fascinantes artistas solistas y bandas. Ellos están manteniendo la verdadera esencia y el alma de este maravilloso estilo pero haciéndolo muy contemporáneo y fresco a través de su visión y gusto particular brillando con luz e identidad propia.

Profundizando aún más, los nuevos artistas han sido muy inteligentes para capturar la verdadera emoción y pasión que el Shoegaze genera. Para hacer que esto suceda ellos lo están fusionando y mezclando incorporando muchos géneros y estilos como la Psicodelia, Ambient, Dream-Pop, Synth-Pop, Krautrock, Post-Rock y cualquier otro que haya sido una gran influencia en ellos. ¡¡¡Esto es realmente asombroso porque las posibilidades son infinitas!!!

Una de estas bandas que está muy comprometida con el Revival del Shoegaze y lo toma como una gran influencia en su Música es JULIPER SKY ofreciendo himnos inmersivos, viajeros, memorables y muy bien elaborados. Ellos se han convertido en uno de los mejores y prometedores actos de esta década con muchas críticas positivas conquistando miles de fans en un corto período de tiempo gracias a sus geniales singles. Todo esto muestra un increíble futuro Musical para ellos.

Viniendo de la ciudad de Manchester, Reino Unido, JULIPER SKY es un quinteto conformado por JAMIE LAMBERT (voz, guitarra), DAN PARKER (guitarra), LIAM GRINDELL (guitarra, sintetizadores), ROGER DAMEN (bajo) y finalmente BEN PURSUEHOUSE en la batería. Puedo definir su Música como una brillante mezcla de muchos estilos como el Shoegaze, Dream-Pop, Psicodelia, Música Neo-Progresiva, Indie-Rock, Música Alternativa de los 90, Experimental, Música Ambient, etc. con su punto de vista único.

JULIPER SKY ha comenzado muy temprano, en Julio del 2019, ganando mucha atención con "Heaven", su excelente single debut seguido de muchos otros grandes singles como "Magnetise", "Waves" y "Reflections Of The Winter Sun". Todos ellos aparecieron en su primer EP titulado "Visions Of A New Age" (2020). Su siguiente increíble aventura fue el lanzamiento de "Infinite Jets" (2020), una de las canciones que más me gusta de toda su discografía la cual describiré más tarde.

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Recientemente han lanzado un par de nuevas canciones manteniendo su hermoso e innovador estilo fusionado con la increíble voz de JAMIE LAMBERT, el frontman, dando sentido a los paisajes sonoros, melodías y letras. "Afterglow" y "Into The Outer Light" son estas canciones que permiten su permanencia en el campo Musical. Es importante decir que ellos son muy prolíficos creando Música sin parar hasta el día de hoy.

Aunque todas sus canciones son verdaderas joyas, la que más destaca en su carrera y mi favorita es la notable e inolvidable melodía "Infinite Jets", mi mejor opción para ser parte de este artículo. Esta canción define claramente el signo de nuestros tiempos en donde podemos sentir el Revival del Shoegaze en toda su gloria viajando a través de épicas y triunfantes atmósferas llenas de esperanza, fe, nostalgia, alegría y felicidad.

"Infinite Jets" comienza con relucientes guitarras para explotar con intensos tambores y sintetizadores y luego podemos sentir la voz soñadora y alentadora de Jamie. Después de esto, las voces se mezclan con todos los instrumentos creando un aura alucinante. En medio de la canción podemos disfrutar de una Psicodélica y épica vibra con mucho Shoegaze recordándome los mejores momentos de PINKSHINYULTRABLAST y AIRIEL. Definitivamente una obra maestra y una gran aspirante a ser la mejor canción Shoegaze del año... ¡¡¡simplemente magnífica!!!

Sin duda "Infinite Jets" (2020) de JULIPER SKY llamará su atención con sus encantadores y fantásticos sonidos y detalles. Este tema tendrá un lugar en sus corazones y mentes para siempre así como toda su impresionante Música. ¡¡¡Muchas gracias mis amigos y cuídense mucho!!!

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El Mejor Álbum Del Año 2020 GRIMES: "Miss Anthropocene" (2020 - 4AD RECORDS), Por Fernando Rivera Rodríguez.

Luego de los mundialmente aclamados álbumes "Visions" (2012) y "Art Angels" (2015) para el legendario sello 4AD RECORDS la super artista Canadiense CLAIRE BOUCHER, mejor conocida como GRIMES, continúa explorando nuevas y arriesgadas ideas en "Miss Anthropocene" (2020), su quinto álbum y regreso triunfal. Ahora los sonidos son más pulidos y refinados, como nunca antes, en esta gran aventura y la última para el sello 4AD que podría ser parte de una interesante trilogía.

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Si "Visions" demostró cuán lejos llegó después de "Geidi Primes" (2010) y "Halfaxa" (2011), sus primeros esfuerzos Experimentales bajo el sello ARBUTUS RECORDS, el álbum debut para un gran sello significó una gran evolución en su carrera. Este increible álbum la puso en la mira como una gran y talentosa compositora de melodías Pop mezcladas con Ambient, Krautrock, Electrónica, Vanguardia, etc.

Como resultado, ahora el álbum "Visions" está considerado una nueva obra maestra y uno de los mejores álbumes de la última década según las favorables reseñas de revistas especializadas y una gran base de fans. Fue su álbum debut para 4AD RECORDS cumpliendo todas las expectativas del sello Musical.

También tiene más mérito porque GRIMES lo concibió como un álbum DIY (hazlo por ti mismo) involucrándose en todo el proceso... ¡¡¡increíble!!!

El siguiente paso fue el caleidoscópico, colaborativo y más accesible "Art Angels" (2015). Otro álbum glorioso demostrando su habilidad para crear Pop inteligente y canciones bailables sin caer en el facilismo del mainstream. Es realmente una fantástica aventura en donde todas las canciones son verdaderas ganadoras con su propio estilo que solo GRIMES puede ofrecer. También fue un disco DIY (hazlo por ti mismo) con una notable producción haciéndola mucho más conocida como una exitosa artista.

Finalmente, después de una larga espera de cinco años y muchas expectativas, GRIMES nos sorprende una vez más con el lanzamiento de un álbum totalmente diferente y triunfante ingeniosamente titulado "Miss Anthropocene" (2020), un juego de palabras usando "Antropoceno" y "Misántropo" sobre el cambio climático y creado por ella misma nuevamente!!!. Escuchando y descubriendo casi todos los detalles de sonido y canciones de este magnífico disco puedo decir que hemos ingresado a un nuevo, ambicioso y más grande territorio que sus predecesores.

"Miss Anthropocene" (2020 - 4AD RECORDS) es un álbum más oscuro, Industrial y Experimental pero manteniendo la esencia original de GRIMES. Es tan agradable y lleno de inquietantes y Etéreas atmósferas que mantendrán satisfechos a antiguos y nuevos fans con una gran cantidad de detalles y efectos Musicales. Prepárense para escuchar muchas veces la nueva y deliciosa propuesta de GRIMES y su don de crear una auténtica obra maestra y el ¡¡¡MEJOR ÁLBUM DE ESTE AÑO!!!

Ahora es el momento de describir las diez alucinantes canciones incluidas en este LP: LADO A: 1. El álbum abre extraordinariamente con el brillante y sensacional tema "So Heavy I Fell Through The Earth ", uno de los mejores intros que he escuchado en mucho tiempo y una de las mejores canciones que GRIMES ha grabado.

Este es un intenso mantra Musical de sonidos hermosos, hipnóticos y relajantes que le dá mucho sentido al estilo Etéreo y Ambient. Nos lleva a un gran nivel de paz rodeado de angelicales voces y bajos profundos... ¡¡¡pura felicidad y perfección!!!.

2. "Darkside" (con PAN): continuamos navegando más profundo para apreciar una melodia más mística, sombría y oscura llena de antiguos cantos tribales tan bellamente elaborados. Esta es la segunda colaboración con la excelente rapera China PAN (anteriormente llamada ARISTOPHANES en el single "Scream" del álbum "Art Angels" de GRIMES). El rap en Mandarín de PAN mezclado con la voz de GRIMES convierten a la canción en una poderosa, cohesiva y pista de otro mundo... ¡¡¡simplemente impresionante!!!.

3. Fue un poco difícil elegir solo una canción para ser parte de este artículo porque todas son realmente sobresalientes por su cuenta. Después de esto escogí el increíble tema "Delete Forever", el quinto y último single de "Miss Anthropocene" que revela un giro sónico totalmente nuevo y una de las mejores composiciones que GRIMES ha lanzado en toda su carrera. Esta canción es una de mis favoritas porque es intensamente emocional y apasionada con un gran sentido del Arte y creatividad.

GRIMES demuestra que es una talentosa compositora usando una guitarra acústica, un banjo y pocos efectos para resaltar su asombrosa voz en todo su esplendor sin la reverberación y el estilo Etéreo. Nunca hemos escuchado una cancion de esta forma y significa un nuevo cambio en su estilo con influencias del Britpop y la Música de los 60s como la cantante Estadounidense PATSY CLINE con un toque contemporáneo... ¡¡¡ una melodía magistral !!!.

4. "Violence" (con i_o) es otro de los magníficos singles del álbum. Muy pegadizo e inmersivo con una gran dosis de Electro-Pop y Música Dance regresando a la fase "Art Angels" pero más sofisticada. Me recuerda al encantador single "Reality", pero va más allá con un toque más oscuro y Etéreo. Ella colabora junto al DJ americano i_o con muy buenos resultados...el video es maravilloso también y GRIMES, de alguna manera, anticipó la pandemia usando mascarillas en la coreografía... ¡¡¡una vez más un triunfo Musical !!!.

5. Terminamos el LADO A con "4ÆM", una fabulosa pista dividida en muchas partes. La ópera intro evoca cantos tribales e hindúes en donde GRIMES brilla con

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su maravillosa voz. Luego se convierte en un rápido y poderoso tema Electrónico y futurista para alcanzar un nivel más alto introduciendo coros influenciados por la Música de Bollywood. Es una explosión o estallido multicolor dando paso a una gran fiesta de atmósferas maravillosas... ¡¡¡bienvenidos a bailar esta excepcional canción!!!.

LADO B: 6. Empecemos a escuchar el LADO B con el alucinante número "New Gods" que debería haber sido un nuevo single. Una balada totalmente diferente a "Delete Forever" mostrando la voz soprano y limpia de GRIMES en una dimensión nueva y mucho más Etérea. Tan hermosa, reflexiva y melancólica como un lamento influenciado por una mezcla de Música de Cámara Vanguardista y sonidos espaciales que despiertan nuestros sentidos y nuestras almas... ¡¡¡definitivamente una obra maestra!!!.

7. En "My Name Is Dark" GRIMES ofrece una nueva dirección Musical y muchas sorpresas. Este es un gran himno Noise-Rock, Post-Punk e Industrial incorporando fantasmales riffs de guitarra y muchos gritos por capas. Sentimos que estamos en un mundo Post-Apocalíptico rodeado de melodías sombrías y oscuras con influencias de sus primeros discos y de la icónica banda CRANES iluminado con un aura Pop... ¡¡¡ impresionante y surrealista !!!.

8. Seguimos en este maravilloso viaje "Miss Anthropocene" con "Don´t Miss Me When I´m Not Around". Este tema es GRIMES en su forma Pop más pura y la canción más pegadiza de todo el álbum con divertidos y agradables ritmos.

Me recuerda a la era "Art Angels" con sonidos más accesibles y para ser más específico el estilo del EP "Phone Sex" (2012 - 4AD RECORDS) de BLOOD DIAMONDS en colaboración con GRIMES... ¡¡¡un tema súper fantástico y muy apto para tocarlo en las radios!!!.

9. "Before The Fever" es simplemente monumental y alucinante. Sigue el mismo camino de "New Gods" pero alcanzando niveles estratosféricos de paz y relajación en un estado Alien, Space-Rock y Experimental. Actúa también como un preludio de la última canción o puede ser un interludio de todo el disco.

GRIMES canta "este es el sonido del fin del mundo" y encaja perfectamente con el mundo en el que vivimos hoy... ¡¡¡tan hermosa y contemporánea!!!.

10. El tema que pone fin a este espectacular álbum es la mágica, alegre y radiante "IDORU". El título puede significar muchas cosas como un término Japonés, una novela de ciencia-ficción o simplemente "Te Adoro". Aqui podemos encontrar emocionantes atmósferas de esperanza y optimismo con un estilo Neo-Psicodélico y ritmos pulsantes. Es como una canción de cuna y tiene reminiscencias del single "Butterfly" incluído en el álbum "Art Angels" pero en un contexto totalmente nuevo e introspectivo... ¡¡¡tan brillantemente auténtica!!!.

Muy feliz y agradecido de compartir con todos ustedes mis pensamientos y opiniones sobre este nuevo e increíble álbum de GRIMES, el cual considero como el mejor disco del año por su genialidad en cada una de las canciones que lo componen.

Espero que mis amigos y todas las personas relacionadas con la maravillosa Escena Indie puedan amarlo y disfrutarlo tanto como yo. ¡¡¡Cuídense mucho todos y gracias de nuevo por escuchar y leer!!!... ...

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[ Reseña de "The Sea At Midnight - The Sea At Midnight” por Benjamín York ]

UN VIAJE AL MAR A MEDIANOCHE

The Sea At Midnight - The Sea At Midnight Label: The Sea At Midnight self-release Fecha de Lanzamiento: 06 de Noviembre de 2020 Hace unos meses que estamos detrás de este proyecto que esconde a su único miembro, Vince Grant. En nuestras redes siempre nos hemos hecho eco de sus singles adelantos de este trabajo. Hemos entrevistado a Vince y ahora llega la hora de su álbum debut.

Oriundo de Chicago, Vince ha creado este hermoso híbrido de Post Punk y Darkwave y hoy nos trae su primer trabajo. Después de los singles “Afterglow” y “We Share The Same Stars” y unos videos lanzados por YouTube. Ahora tenemos este homónimo primer trabajo de ocho canciones. Este álbum se grabó en Los Ángeles, donde Grant reside actualmente. Producido y mezclado por Chris King of Cold Duchas y con Brandon Pierce de Glaare contribuyendo con la batería. Vince Grant fue de un lado a otro entre Nueva York y Los Ángeles durante varios años, tocando y cantando en numerosas bandas, trabajando en varios trabajos y lidiando con la adicción a las drogas y alcoholismo. Finalmente se decidió por la vida en Los Ángeles después de recuperarse y hacer un serio intento de lidiando con su depresión de por vida.

“Musicalmente las canciones surgen de mi amor por la música de los primeros pioneros del postpunk, aunque me acerqué a cada canción individualmente para permitirle expresarse a su manera para llegar a, a falta de un término mejor, una especie de sonido The Sea At Midnight.

Líricamente las canciones son profundamente personales muchas veces que gira en torno a los temas y mis experiencias de lidiar con la adicción al alcohol y las drogas y sobrellevar la depresión." explica Vince.

“Se suponía que este lanzamiento nunca sucedería. Pensé que mis días tocando en bandas y la grabación había terminado. Si no fuera por el destino, este disco nunca se habría hecho. Yo no tenía intenciones de grabar nunca más. Supongo que hay un fuerte elemento de tristeza en mis canciones, pero también siento que contienen un rayo de esperanza."

Finalmente hablar de The Sea At Midnight, tanto cómo álbum y como banda, es hablar de un proyecto que tiene un sentido de oscuridad y a la vez una fuerza vibrante y que ingresa perfecto en la gama de la nueva camada de esas bandas que mezclan texturas y géneros que tienen su orígenes en más de dos décadas atrás. ¡Fascinante!

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[ Entrevista a Matteo VDiva Fabbiani de Hell Boulevard por Diego Centurión Fotografías: Chiara Cerami _ VDPictures. ]

HELL BOULLEVARD: ALLANA EL CAMINO HACIA EL PLACER OSCURO EN EL LP 'NOT SORRY'

Hell Boulevard regresan con un nuevo trabajo, la banda de Goth´n´Roll, sonido caracterizado por esa mezcla que realizan bandas como The 69 Eyes, Lord of the Lost o los Type O Negative.

En septiembre han lanzado su nuevo y tercer álbum “Not Sorry”, la banda de suiza formada en el 2014, por el vocalista Matteo VDiva Fabbiani, Von Marengo (guitarras y voces), Jan Hangman en batería y Raul Sanchez en bajo. Y en su nuevo álbum redefinen el sonido que fue creciendo en sus anteriores trabajos logrando que “Not Sorry” sea su mejor trabajo.

Tenemos la posibilidad de hablar con ellos y de conocerlos y, por ende, presentárselos a ustedes en esta entrevista.

Hola Gracias por aceptar contestar esta preguntas.

Sinceramente no conocía a la banda y me he llevado una grata sorpresa con “Not Sorry” y tenía ganas de tenerlos presentes en las páginas de nuestra revista.

Muchas gracias Diego por tomarse el tiempo de entrevistarnos, me alegro de que finalmente nos encontraras.

Para empezar esta entrevista vamos al principio, seis años no es tanto tiempo, pero si pensamos en la pandemia y en lo activo que han estado en estos años, podemos decir que hace una vida desde ese 2014 inicial. Cuéntenos ¿qué tan lejos sienten ese comienzo y qué recuerdan de esos primeros días?

De hecho, casi se siente como una vida diferente, especialmente considerando la situación como es hoy. En cuanto a la música, hemos recorrido un largo camino, la mitad de la formación es diferente de la primera desde hace unos años y nuestro sonido ha evolucionado bastante desde nuestro primer "Hangover from Hell".

Hoy estamos en un momento de poca actividad de conciertos, pero

ustedes son una banda que suelen realizar muchos shows, cuéntenos ¿cómo se sobrelleva esta nueva realidad? ¿Utilizan las redes sociales para tener contacto con sus fans?

Hacer frente es un poco exagerado, digamos que tuvimos que aprender a vivir con eso y aceptarlo, después de que la salud sea lo primero, tanto para nosotros como para nuestros fanáticos, pero estamos ansiosos por reanudar la gira tan pronto como sea seguro nuevamente. No nos gusta mucho la transmisión de conciertos, ya que realmente se siente como una especie de opción de "solo juegos previos", un poco como probar algo increíble pero no poder verlo todo...

Sin embargo, creemos que Todos necesitan entretenimiento ahora más que nunca, por lo que recientemente comenzamos a transmitir en Twitch y lo convertimos en una cita regular dos veces por semana (todos los miércoles y sábados). La banda completa está presente y básicamente hacemos lo que nos apetece, sin reglas ni planificación: a veces hacemos música juntos, otras veces simplemente charlamos o jugamos. Estas citas de transmisión tienen múltiples propósitos: nos ayudan a mantener una conexión constante

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con nuestra base de fans mientras has redescubierto en los trabajos brindan algún tipo de entretenimiento anteriores? muy necesario, por lo que es una Después de terminar de trabajar en un álbum, paso a mi fase de situación en la que todos ganan. desintoxicación en la que no lo En estos meses pandémicos uno escucho durante meses y, en general, trata de pensar muchas cosas, cuando finalmente vuelvo a él, casi me desde un futuro, hasta revisar el sorprende lo bien que suena. A veces, pasado ¿has pensado en algo del eso también sucede cuando escucho pasado de la banda que no quisieras nuestros discos pasados después de años, lo que, para ser honesto, no volver a repetir?

Honestamente, nunca he sido una sucede con demasiada frecuencia, ya persona del pasado, solo pienso en que no soy una persona del pasado. el presente y el futuro. Ahora que Pero cuando lo hago, redescubro realmente no vale la pena pensar algunas cosas de las que estoy muy en el presente, me estoy enfocando orgulloso... pueden ser canciones principalmente en el futuro tanto para específicas, solo partes o arreglos o mí como para la banda. Tengo grandes incluso meros sonidos. Después de planes para Hell Boulevard, ya estamos todo, ese es el objetivo principal para escribiendo música nueva, así que mí: hacer música de la que pueda estar estaremos absolutamente listos orgulloso incluso después de años y cuando todo esto finalmente termine. debo decir que siento que estoy en el camino correcto con Hell Boulevard... ¿Tú eres de escuchar los trabajos todavía no sé adónde me llevará este anteriores? Y si lo haces ¿Qué viaje, pero es un viaje increíblemente

bueno. ¿Qué diferencias encuentran entre “Not Sorry” con los anteriores trabajos "Inferno" (2016) y "In Black We Trust" (2018)?

Mhh, sinceramente veo una evolución constante: definitivamente sigue siendo el mismo deporte, pero estamos creciendo en términos de liga.

Todavía estamos haciendo la música que siempre quisimos hacer, pero profundizamos un poco más con cada nuevo disco: ya sea que eso signifique agregar más capas en términos de composición o abordar diferentes temas con las letras. Pero al final el alma sigue siendo la misma, queremos que Hell Boulevard sea una banda que se sienta bien con la cantidad justa de seriedad y que aún conserve su actitud de rock'n'roll.

He leído en una entrevista que hablaban de sus influencias, mencionaban a Michael Jackson,

HIM, las bandas sonoras de John Williams y los Beach Boys, por lo que me lleva a preguntar… ¿Tú eres de mirar y redescubrir música del pasado o te fijas mucho en la actualidad?

Ambas cosas realmente, mi enfoque cambia mucho, pero debo decir que no hay mucho que me parezca interesante en 2020, solía seguir la escena del rap / hip hop porque era súper vibrante e interesante (también en términos de videografía), luego la escena mainstream cambió más hacia la música trap y me temo que no entiendo el pulso. Es por eso que actualmente estoy redescubriendo principalmente cosas del pasado, pero estoy seguro de que algún día de estos me llamará la atención algo nuevo, no quiero terminar siendo uno de estos músicos permanentemente nostálgicos y me encanta descubrir y enamorarme de cosas nuevas y música.

El

trabajo

de

los

videos

es

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excelente, pero estoy enterado de VDPICTURES, ¿esta fue una de las puertas que les abrió las posibilidades de conocer a otras bandas y crecer como banda?

Tanto VDPICTURES como Hell Boulevard datan de 2014, se ejecutan en su mayoría en pistas paralelas que de alguna manera se entrelazan.

Ha habido momentos en los que la compañía llevó a la gente a la banda y viceversa, por lo que estos dos lados de mi vida están separados pero muy conectados. Todavía hay muchas personas que me conocen como camarógrafo y no saben acerca de Hell Boulevard y hay otros que conocen a vDiva y a la banda, pero no tienen ni idea de que me gano la vida haciendo videos musicales.

Considerándolo todo, tengo suerte de poder hacer y / o trabajar con música el 100% de mi tiempo, mi trabajo es mi pasión y mi pasión es mi trabajo.

Estamos en un punto extraño de la pandemia, cuando en Europa se pensaba que todo había mejorado, nuevamente nos empezamos a enterar de que las medidas restrictivas regresan. Esto podría volver a cambiar las piezas del juego en el que nos encontramos, ya han retrasado el lanzamiento de “Not Sorry”, han pospuesto la gira de apoyo al álbum para el 2021. ¿Están preparados como banda para grabar un nuevo álbum en esta situación?

Actualmente estamos ingresando al bloqueo 2.0 y, sinceramente, no fue inesperado. Es lamentable, pero estamos dispuestos a hacer cualquier sacrificio que sea necesario para asegurarnos de que las cosas vuelvan a la normalidad lo antes posible. Sí, el lanzamiento de "Not Sorry" se pospuso, nuestra gira se pospuso para

enero de 2021 y lo más probable es que se posponga una vez más dada la situación actual... entonces, ¿qué queda por hacer? La nueva música está. Ya comenzamos a trabajar en eso, también tengo muchas ideas nuevas, así que definitivamente estamos más que listos para encerrarnos en el estudio si es necesario y trabajar en un nuevo capítulo, por ahora solo tenemos que esperar y ver qué sucede, pero definitivamente estamos bien preparados.

Hoy pensar en nuevos planes se vuelve un tanto incierto, pero si uno no tiene planes cercanos, todo se vuelve una pesadilla. ¿Qué han planeado con la banda para estos meses del 2020?

Es seguro decir que no tendremos muchas posibilidades de hacer nada de lo que planeamos en el mundo real, ¡pero aún no nos vamos a rendir en 2020! Seguiremos promocionando el nuevo álbum lanzando otro single y video antes del fin del año y esperamos un crecimiento constante de nuestros seguidores a través de nuestra música y las transmisiones, por lo que estaremos muy activos y presentes on-line hasta que se nos permita para volver al camino al que pertenecemos.

Agradeciéndote la posibilidad de hacerte estas preguntas te pido que le digas lo que tú quieras a nuestros lectores.

Quiero que todos sean cuidadosos y estén seguros para que todos podamos volver a un estilo de vida normal y reanudar nuestras vidas ... ¡y de gira! ¡Nos vemos en el camino!

Gracias.

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[ Por Flavio Gabriel Aza. ]

ESPACIO

Dylan Lana

Dylan Lana presenta “Dos Metros” su tercer álbum

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Dylan Lana es un cantante y compositor cordobés que durante 2019 y 2020 se reunió con diferentes músicos para darle forma al nuevo lanzamiento “Dos Metros”, pronto a estrenarse en el mes de noviembre.

En cuanto a la historia reciente del artista, podemos observar dos discos (editados en CD y vinilo) y un EP. Cada una de estas piezas resulta fundamental a la hora de apreciar la identidad musical de este prometedor cantautor.

La emoción proveniente del anuncio de su nuevo disco llega expresada en distintas latitudes, ya que Dylan Lana ha recorrido los escenarios de lugares como Buenos Aires, Santa Fe, Córdoba, San Luis, San Juan, Mendoza, La Pampa, Rio Negro y Neuquén. Saliendo del ámbito doméstico, podemos mencionar sus dos giras Europas por Alemania, Austria, Holanda, Republica Checa y España.

Desde Boombox hemos tenido la posibilidad de escuchar algunas canciones que formarán parte de este trabajo discográfico. Se trata de “Manejando por Pellegrini”, “Yo Nací para No Creer” y “El último sol de invierno”. En cada una de ellas se pueden identificar claras influencias del punk rock, el rock alternativo e incluso destellos de ambientes propios del Brit Pop. Piezas que más que prometer, cumplen su cometido y nos dejan tatuadas sus melodías en la retina de la memoria por un largo rato.

Sin lugar a ninguna duda, “Dos Metros” marcará un nuevo momento musical para el artista, que afianza su estilo propio en cada pieza. El lanzamiento estará disponible desde el 11 de Noviembre en todas las tiendas digitales, ¡a no perdérselo!

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MARCELO CATALDO Y SU ACERCAMIENTO DIGITAL A LA CANCIÓN

Lluvia, cassettes que se derriten y paisajes urbanos: algunos de los ingredientes de este sabroso lanzamiento.

Marcelo Cataldo, artista oriundo de La Plata, dio vuelta la página para brindarnos un novedoso trabajo en el que su identidad sonora está más cercana a la canción, aunque con raíz en el retrowave y estilos electrónicos afines. Sin alejarse del sonido que lo caracteriza, esta nueva oferta nos propone canciones altamente bailables, beats hipnóticos, capas de sonidos digitales muy bien trabajadas y un aspecto lírico remarcable.

Claro que la carrera de Cataldo no comienza con este álbum. En sus más de diez años de trayectoria, se destaca por ser cofundador del estudio DecimuLabs, con el que el autor ha realizado obras entre las que se destacan los soundtracks de La Frecuencia Kirlian (serie de Netflix), Turn Right (videojuego) e Historia de Lo Oculto (Film de Cristian Ponce).

El productor platense no se detiene y a una semana del lanzamiento de su álbum “Estados”, estrena el videoclip del corte de difusión de esta placa, “Nostalgia”. Dentro de la producción audiovisual, podemos apreciar paisajes y situaciones que evocan el estado anímico que detona esta composición.

“Hay un lugar que solo está en mis sueños, nada más está ahí pero ya no es lo que era ni será. Si alguna vez pudiera ahí volver, a mirar la evocación, inundaría mis ojos con nostalgia” dice la primera estrofa de

esta canción atinada y certera que pretende exteriorizar la subjetividad del autor. El ambiente sonoro es el adecuado para expresar un sentimiento tan puntual y el hecho de ser el track que cierra “Estados” lo hace el anzuelo ideal para llevarnos a repetir el disco entero.

En cuanto a la reciente placa de estudio, “Estados” transcurre en seis composiciones vibrantes, llenas de emoción y subjetividad, cada una de estas partes puestas quirúrgicamente en su sitio para dar una sensación de continuidad muy lograda. Fue editado por el estudio DecimuLabs, con el que Marcelo Cataldo trabaja la música de varios proyectos, entre ellos la serie de Netflix “La Frencuencia Kirlian”. La parte estética fue trabajada por Hernán Bengoa y significa un importante soporte visual que termina de construir el sentido de “Estados”.

En el año que los cuerpos se alejaron (necesariamente), tenemos que volver a encontrarnos con el baile y nuestra existencia física, y la música siempre es una gran compañera. Si tenemos que imaginar y plantear nuevas pistas de baile, ¿por qué no entregarles esa tarea a nuevos sonidos? Ahí es, probablemente, donde entra el prometido registro de estudio y en donde radica su importancia.

“Estados” se encuentra en todas las plataformas de streaming y solamente podemos cruzar los dedos y esperar que la coyuntura nos permita apreciar algún live set de este prometedor y prolífico artista. www.marcelocataldo.com https://www.youtube.com/channel/UCJ2rvp4QGJe2-WtanZgX8Aw?view_as=subscriber www.instagram.com/marcelo.cataldo

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[ Reseña de "The Cult of Free Love – Visions" por Benjamín York. ]

VISIONES DE UN FUTURO DEL AMOR LIBRE

The Cult of Free Love – Visions Label: Northern Star Records Fecha de Lanzamiento: 09 de Octubre de 2020

Es verdad que hace varios años que la nueva psicodelia se ha mezclado con el krautrock, esto no cabe duda, y pocas bandas han sabido mantener esa llama colorida de la psicodelia. Éste es uno de esos casos.

The Cult of Free Love es un colectivo internacional. "Visions" es el seguiente paso después de su álbum debut "Love Revolution" (2016) y de sus dos EPs lanzados a finales del año pasado a través de Magic Love Records (Reino Unido) y 1Q84Tapes (Italia).

Los miembros de la banda se han asociado durante mucho tiempo con Northern Star y "Visions" los ve regresar a casa con el sello recientemente resucitado.

A través de 8 canciones TCOFL nos va sumergiendo en su mundo de vibrantes beats con sonidos en donde la psicodelia nos va inundando de imágenes irreales como bailables.

Mezclando la electrónica con sonidos psicodélicos hindúes, como cítara fusionados con guitarras. Fascinante.

Un viaje sin lugar a dudas atrapante, vibrante y espiritual…

The Cult of Free Love nos da Visiones de un Futuro del amor Libre.

[ Entrevista a Gray Tolhurst de Topographies por Diego Centuriรณn. ]

TOPOGRAPHIES: ESCRIBIENDO SU PROPIA HISTORIA

En el plano de las nuevas bandas que introducen sonidos que mezclan el post punk con el dream pop y el coldwave con el darkwave en estos últimos años, hace tiempo que vengo siguiendo a Topographies. Si bien la banda promete su álbum debut “Ideal Forms”, para este 5 de diciembre, ya tiene en su haber unos singles y EPs. Tuvimos la suerte de comunicarnos con Gary Tolhurst y le pudimos realizar estas preguntas…

Hola Gary, gracias por aceptar responder estas preguntas.

Y para empezar no puedo dejar de pensar en tus padres. Y si bien, me surgen muchas preguntas al respecto trataré de hacer sólo unas pocas porque me interesa Topographies y su actualidad.

Antes que nada me gustaría que nos cuentes como están ustedes, como banda, viviendo esta locura llamada Covid 19.

Estamos lidiando con Covid-19 lo mejor que podemos con las narrativas conflictivas que ocurren en los EE. UU. Vivimos en San Francisco que cerró temprano y completamente y hemos tenido la suerte de tener tasas más bajas de casos y muertes.

Dicho esto, ha cambiado mucho. Nuestra gira de primavera de este año se canceló y no hemos podido tocar como banda desde marzo. Al principio de la cuarentena, hicimos un EP llamado Not My Loneliness, But Ours de forma remota enviando archivos de un lado a otro y grabando partes en nuestros dormitorios y estudios caseros. El EP en sí mismo fue una meditación sobre la soledad colectiva de la humanidad, cómo quizás nuestra principal característica unificadora es esta soledad esencial del ser. Quizás, esta soledad se reveló más crudamente por la pandemia y el consiguiente aislamiento que muchos experimentaron.

Sabemos que durante tu adolescencia has escapado a la sombra de tus padres.

He leído esto y que has evitado a The

Cure. Pero no puedo dejar de pensar en Lol, tu padre, y lo que me gustaría saber es si ¿has leído “Cured” y si reconoces en los capítulos a tu padre?

Sí, evité la influencia de The Cure lo mejor que pude antes en mi vida. Eso no quiere decir que no estuviera al tanto de la banda o de la influencia que tenían en los demás.

Crecí con muchas de las historias de "Cured" como historias familiares y leí el libro varias veces, desde su incubación. Estudié poesía y escritura en la universidad y edité revistas literarias, por lo que mi padre me pidió que hiciera un pase inicial de su manuscrito de “Cured”. Mi padre es un hombre muy abierto y transparente. No se reveló nada en el libro que él no me hubiera dicho ya, aunque quizás algunas emociones se revelaron con más profundidad.

Estuve con ambos en Buenos Aires en la gira del libro, y he compartido unos minutos a solas con ambos en el hotel y hemos hablado de Topographies, Cindy se había sorprendido que conozca a la banda. ¿Qué relación puedes encontrar en tu manera de componer que veas en lo que has visto en ellos? Sobre todo pienso en Levinhurst.

Mmm, esa es una pregunta difícil. Creo que he tenido que aprender a escribir canciones y componer más o menos por mi cuenta, pero crecí con un amor por las nuevas herramientas y la utilización de la tecnología. Soy más anticuario que

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mi padre, que siempre está buscando el sintetizador o software más nuevo. Creo que puede ser una cuestión generacional.

Veo mucho valor en herramientas que son antiguas e idiosincrásicas, incluso difíciles o defectuosas. Me enseñó la inspiración que puede aportar una nueva fuente de sonido, pero también me enseñó a profundizar seriamente para aprender a utilizar cada herramienta. Creo que escribir canciones es más intuitivo y probablemente, como escribir en general, es difícil de enseñar.

Es indudable que el sonido de Topographies sea relacionado con The Cure, yo diría que desde los EPs “Difference & Repetition” y “Not My Loneliness, But Ours” se puede sentir sonidos de “Faith” y hasta incluso encuentro sonidos del proyecto Presence de tu padre.

Obviamente el sonido fluye naturalmente y siento esa conexión sonora con tu papá. ¿Tú piensas lo mismo?

Sí, creo que algunos de los sonidos y estados de ánimo están inspirados en mi escucha bastante tardía de los primeros cuatro álbumes de The Cure. Los escuché después de que comenzamos con Topographies a principios de 2018. Antes de eso, solo había escuchado lo que se escuchaba en la radio.

Aún no he escuchado a Presence. Me inspiró mucho la crudeza y la frialdad de Faith y la estructura de canciones como "All Cats Are Grey", donde no hay estribillos ni estrofas, solo un movimiento lineal hacia adelante.

Más allá de la herencia recibida, Topographies logra una identidad propia. ¿Tú piensas que has encontrado el camino a seguir con la banda?

Creo que hemos establecido una especie de rumbo hacia adelante. Creo que tal vez haya una comprensión coloquial de que las bandas salen completamente formadas, pero hay muchas cosas que tienen que suceder para "llegar" a una estética coherente.

Definitivamente comenzamos entendiendo

que estábamos inspirados por el post-punk, coldwave, shoegaze, etc., pero incluso dentro de esos géneros bastante limitados hay alrededor de un millón de direcciones en las que podrías ir. Creo que tocando y probando diferentes sonidos hemos llegado con “Ideal Form” a algo que fusiona nuestras influencias y nuestras experiencias en un sonido que es “nuestro”.

Hablando de Topographies. Cuéntanos ¿cómo nace este proyecto?

Topographies se inició a finales de 2017 en San Francisco. Conocí a Jeremie Ruest a través de una banda en la que ambos estábamos tocando. Me pidieron que sustituyera en el bajo a un amigo que no podía hacer una gira corta y fuimos al Treefort Music Festival en Boise, Idaho. Tocamos nuestro show y comenzamos a comparar listas de las bandas que queríamos ver. Jeremie y yo teníamos prácticamente la misma lista, así que pasamos el festival juntos. Realmente amaba su forma de tocar la guitarra e hicimos planes para hacer algo de música cuando regresáramos. Dijimos, "hagamos una banda de guitarra con ruido ambiental" pero, por supuesto, después de unos 20 minutos me preguntó si tenía alguna canción. Le mostré una demo de "Pink Thoughts" y nos fuimos.

Reclutamos a Justin y a nuestra ex baterista Lauren y comenzamos a ensayar y planificar las grabaciones. Nuestro primer show fue una noche tributo a My Bloody Valentine en Los Ángeles en el Echoplex y fue simplemente un espectáculo mejor de lo que realmente había tocado. Sabía que iba a funcionar.

Volviendo a estos dos EPs de este año, el sonido de Topographies se ha vuelto mucho más emotivo y más etéreo. ¿Este año de cuarentena sirvió para escribir mucho material?

La cuarentena inicialmente generó algún material porque estaba desempleado y lo veía como una especie de ¡"residencia del artista"! Mientras continuaba, las emociones

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comenzaron a secarse. Ahora voy hacia adentro tratando de imaginar un mundo pospandémico, cómo se sentiría. Miro hacia lo que significa estar juntos, ser una comunidad.

He terminado con la soledad como tema por ahora. Supongo que la cuarentena provocó una buena cantidad de introspección y creo que ese ha sido el trabajo más valioso. Las canciones provienen de la experiencia del mundo dividido a través del prisma del yo.

el verano de 2019 y grabamos en noviembre de 2019 terminando el álbum justo cuando comenzó la cuarentena. Después de nuestra gira de 2019, nuestra baterista Lauren Grubb se fue para mudarse a Nueva York y debatimos en buscar un nuevo baterista, pero ninguno de los que audicionamos se sintió correcto, así que decidimos movernos en una dirección diferente con más cajas de ritmos y sintetizadores. ¡Fue una especie de curso intensivo de producción electrónica Se viene el primer álbum “Ideal Forms”. escribir estas canciones! Los juntamos pieza Cuéntanos sobre el proceso de escritura por pieza en el estudio de nuestra casa, en mi de las canciones. casa en ese momento, que era un colectivo Escribimos “Ideal Form” pre-pandemia en de artistas de 24 miembros ubicado en un

antiguo convento. ¡Así que tal vez estén un poco imbuidos de ese tipo de ambiente católico y sombrío! Creo que las canciones estaban mucho más desarrolladas cuando llegamos al estudio que nuestras otras grabaciones, lo cual fue útil. Simplemente asumimos el desafío de hacer un disco y lo seguimos. Creo que las canciones trazan gran parte del proceso de crecimiento que sentí en 2019 y que continuó en 2020. Un intento de alcanzar una vida significativa. Nacen de una incertidumbre, un cuestionamiento de si existe una forma ideal de vivir la vida. Trabajar con Funeral Party es genial, queríamos trabajar con ellos desde casi el principio de la banda.

Los pedidos anticipados son geniales, Brian Cole (de Funeral Party) realmente se apresura y promueve sus lanzamientos. Estamos muy emocionados.

tan dispar geográficamente que ya era una especie de comunidad remota.

Para ir terminando esta entrevista y a la espera del álbum en diciembre, han liberado dos canciones como adelanto, “Rose of Sharon” y “See You As You Fall”, cuéntanos acerca de estas canciones y si pronto escucharemos otras canciones más antes de la salida de “Ideal Forms”.

Sí, tenemos un single más justo antes del lanzamiento del disco el 4 de diciembre. ¡Lo mantendré en secreto por ahora! “Rose of Sharon” fue escrita en último lugar. Tenemos esta tendencia a cambiar una canción en el último minuto para cualquier proyecto de grabación que hacemos. La "rosa de Sharon" es una flor bíblica, una flor que florece en el desierto. La frase acaba de aparecer en mi cabeza, tuve que investigarla para ver qué ¿Cómo fue la grabación? Y el Covid ¿ha significaba. Escribo letras intuitivamente con atrasado algún proceso del álbum? fragmentos que recopilo a lo largo del tiempo La grabación fue genial, trabajamos con en cuadernos. Para mí, la imagen de la rosa Chris King (de la banda Cold Showers de de Sharon es una imagen de bondad que Los Ángeles) y el proceso fue muy fluido y aparece en un tiempo o lugar de bancarrota creativo. Es un gran ingeniero / productor y ética. De vivir, a pesar. muy intuitivo y dedicado. Hasta ahora, Covid “See You As You Fall” fue escrito por nuestro no ha causado ninguna interrupción en el guitarrista Jeremie Ruest y sonaba como, en álbum, además, por supuesto, no podemos palabras de nuestro inimitable jefe de sello hacer una gira para apoyarlo, pero por Brian Cole, un “bop”. La letra reflexiona sobre desgracia. la dificultad de conocer al otro mientras se está en un proceso continuo de convertirse La banda es nueva, ¿Cómo es para una en uno mismo. Quizás sea una extensión de banda nueva trabajar en esta pandemia? los pensamientos de nuestro EP. ¿Se trabaja mucho en lograr enviar el Espero que estas canciones tengan material a distintos medios? ¿Este tiempo sentido en el contexto del LP completo. de encierro les ayudó en cierta forma a Estoy realmente comprometido con la idea trabajar más en hacerse prensa? del álbum como una forma completa. Pero Creo que hemos mejorado en el uso de los sonidos / temas contenidos en estas dos Internet para promocionar nuestra música, pistas, de anhelo espiritual y crecimiento, especialmente sin programas. ¡Todavía están presentes en todo “Ideal Form”. Espero tengo una comprensión tangencial de que el álbum funcione como música / arte Instagram, jaja! Pero nos ha permitido ha funcionado para mí, no como un escape acceder a una comunidad mundial de bandas sino como una base más en el mundo, y fans interesados en el tipo de música que una coloración de lo mundano que ilumina hacemos, lo cual ha sido increíble. Todo es verdades ocultas.

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Ahora así, agradeciéndote el tiempo que ha utilizado en responder estas preguntas y a la espera del álbum, en el que seguramente volveremos a comunicarnos contigo, tú cierras la entrevista diciéndoles algo a nuestros lectores.

Gracias a todos los que han escuchado o escucharán nuestra música, su compromiso con ella la hace realidad y espero que proporcione algo de alegría o belleza a su mundo.

Puedes reservar el disco de Funeral Party aquí: https://www.thefuneralparty.com/new-products/topographies-ideal-form-lp ¡Gracias Gray!

Gracias.

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DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor.

Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre.

Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura.

Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina.

Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento.

No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación.

Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre.

Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura.

Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

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Llega un nuevo número de RevistaThe13Th, engalanado por el mágico talento de dos grandes damas de la poesía: Cynthia Rascovsky galardonada escritora y poeta, oriunda de Buenos Aires, quien nos trae dos intensos poemas “Entrégate” y “Esa”.

Nuevamente, Dora Angélica Roldan, poeta y guionista puntana, con otro dos bellos poemas, el primero, “Controversia” presentado en el Centro de Escritores Coreanos en Argentina y el segundo, "Aquella Noche", inédito.

Y para cerrar un poema inédito, de mi autoría titulado “Segundo acto”.

CYNTHIA RASCOVKY

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SOBRE LA AUTORA: Escritora, poeta, nació un 18 de julio de 1974, vive actualmente en su amado barrio La Paternal, Buenos Aires, Argentina.

Publicó parte de su producción en gráficos de habla hispana y a través de distintos sitios de la web.

Su primer libro Seduce-me fue publicado en diciembre 2011, ed. El Mono Armado.

Su segundo libro “BIPOLAR”, Las bocas del diablo. ed. El Mono Armado 2015.

Es copartícipe de numerosas antologías poéticas nacionales e internacionales.

Premios: Mención de Honor concurso literario Guka narrativa y poesía 2012.

Premio Bienal de ASOLAPO Argentina y XXVII Encuentro internacional de Escritores y Artistas Alfonsina Storni Salvador Dalí, por su trayectoria en el arte y la cultura nacional e internacional. Septiembre 2013.

Mail: lorecinthia@hotmail.com

¿Qué es para vos escribir?

Escribir para mí es una forma de vida, es un don que nos regalan al nacer.

Poeta se nace no se hace.

Vivimos con el suspiro y la palabra a flor de piel y con la libertad a pleno vuelo.

ENTRÉGATE Entrega tu recitado a mis rimas devora los gemidos surgidos en mis vocablos y ciñe cada punto poro de mi deseo.

Consume tus pupilas en la esencia de mi verbo en la magia seducción de mi apetencia.

Fluye en cada caricia, coma que circules.

Seamos eclipse en la voz rebeldes impulsivos en el encanto de la palabra.

Abraza la escritura naciente es el cuerpo espacio de mis labios es la savia orgásmica de tus ojos.

Termina en el escote de mis letras es la mayúscula imperiosa de la expresión en el exaltado sangría del poema.

ESA Esa mujer rota carcomida por el abandono con los ojos hundidos con su cuerpo mutilado es la única sobreviviente de este cuarto que habito.

Esa flor disecada perdida en sus colores y con olor a desdicha es la única que permaneció en el desfile de moscas y hormigas en este cuarto que habito.

Esa mujer aferrada a sus manos anclada a la luna y dispuesta a resucitarse es la única que soy en este cuarto que habito.

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DORA ANGÉLICA ROLDAN

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SOBRE LA AUTORA: Nació en La Toma San Luis.

Se radicó en Buenos Aires 1969, formándose y consolidándose en varias disciplinas artísticas.

Dibujo, pintura, modelado, escultura, teatro e incursiona en la escritura a través de la poesía, dramaturgia, prosa, y guion.

Estudia con Ricardo Monti, Eduardo Leiva Muller, Jorge Goldemberg, Ernestina Gruzman, Simon Feldman, guión cinematográfico.

Dibujo y escultura con Gustavo Rubistein entre otros.

Puesta en escena y actuación con el Maestro Miguel Gerberoff.

CONTROVERSIA Clamas de rodilla a la tierra, cielo, sol.

Estás dormido, o despierto en vigilia o entre sueños.

Entorno al tiempo escalas en escarpada agonía, Inventos de un Universo, carentes de acechanzas.

A cielo abierto buscas, no agraviar los arcos de las rosas en flor.

Asciende un grito ahogado de la espera en hastío como una Epifanía a la hora de la llama en los siete candelabros.

AQUELLA NOCHE Sopló el viento del sur volvió al norte y sopló alguien partió entre las aspas del Molino.

Lo supo el trino de muecas en los picos árboles de frio invierno plaza con bruma ajeno olvido.

Alas sin vuelo Colores sin rostros Sentimiento oculto en el silencio.

Lo sublime se perdió en el espejo ciego de la noche.

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FRANCO DOGLIOLI

SEGUNDO ACTO Soy la falta

al vacío.

ante la oferta.

Soy el grito Soy la rémora

bajo la toalla.

frente a la opción.

Soy la bombilla Soy el deseo

sin cambiar.

en el congelador.

Soy lo escindido Soy el acumulador

al devolver la llave.

de pasado.

Soy el desvelo Soy el aferrado a

al recordar la distancia.

su filosofía.

Soy el impostor Soy lo disociado

ante los aplausos.

ante la tragedia.

Soy la novela Soy el dolor cuando

aún no escrita.

no me ven.

Soy el amor Soy la furia sellada

cuando ya no queda.

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[ Reseña de “manza - #01” por Diego Centurión. ]

HOTELES INTIMISTAS

manza / Mariano Esain - #01 Label: Fuego Amigo Discos Fecha de Lanzamiento: 04 de Diciembre de 2020

Mariano Esain es un músico que tiene una carrera muy interesante, pero siempre ligado al nombre de una banda, ya sea, Martes Menta, Menos que Cero, Valle de Muñecas o FlopaManzaMinimal, ahora comienza su trabajo individualmente bajo el nombre de “manza”. Ya tuvimos el primer single llamado “#00” hace muy poco y ahora nos trae el segundo single, “#01”.

“Hoteles en Silencio” es la canción que abre con una carga de intimidad que casi nos obliga, sin proponérselo, pensarnos delante de algún hotel vacío en un amanecer con un pálido sol, luego de una noche de tormenta.

“Si Pudiera” es una canción del disco “Menos que Cero” (1997). Reinterpretada de manera casi vacía si pensamos en la versión original, la canción adopta otra atmósfera, menos pop y sónica que la original. Esta versión de manza, tiene un tono apacible y con una bruma de ensoñación que la vuelve tan liviana como sutil, incorporando una brisa de sonoridades mágicas que la eleva hacia una celestialidad imposible de resistir. Majestuosa reinterpretación.

Este single de dos canciones intimistas, pequeñas, tímidas, pero que al avanzar van abriendo Universos internos que se encuentran ocultos en una voz casi susurrada y sonoridades que van creciendo en capas, superponiéndose una con otra y aportando su luminosidad borrosa como luciérnagas ciegas en una danza de claridad intimista.

En este nuevo proyecto conviven texturas complejas y melodías simples.

Superponiendo ruidos y sonidos que están siempre al borde de quebrarse o desafinarse o degradarse, Manza crea paisajes sonoros, collages que pueden formar piezas abstractas, o ser base de canciones con armonías sencillas y letras que abordan la fragilidad de las relaciones humanas. manza logra en estas dos canciones reconstruirse, creando un Hotel Intimista al cuál te invita y te abre las puertas para mostrase mucho más intimista y luminoso.

[ Entrevista a Dirk Knight de Seasurfer por Diego Centuriรณn. ]

SEASURFER: DEBES INTENTAR ROMPER CON LO QUE DICEN QUE DEBES HACER.

Hay ciertas bandas que despiertan una fascinación en el escucha de un determinado estilo de música, ya sea por su historia o por su calidad compositiva. Seasurfer pertenece a este último grupo de bandas. En nuestras redes hemos estado muy atentos a lo que sucedía en el seno de la banda, las nuevas actualizaciones o los nuevos lanzamientos.

Y nuestro primer contacto con la persona que se encuentra detrás de este proyecto, Dirk Knight fue hace dos años cuando lanzaron el EP “Vampires”. Hoy nos traen su tercer álbum “Zombies”, que no es un álbum común sino que nos trae un doble álbum, algo muy raro para estos tiempos, el primer disco llamado “Zombies” con 16 canciones y otro disco llamado “The Dreampop Days (feat. Elena Alice Fossi)” con 8 cancones más.

Una rareza para estos tiempos, pero que clarifica el caudal sonoro que Dirk tiene en su cabeza y que logra transformarlo en canciones.

Link a entrevista anterior: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_49

Hola Dirk!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Cerramos el año, este extraño 2020, y que tantos motivos de reflexiones nos ha dejado. Si bien el futuro es una incógnita, cuando nos enteramos de la salida de este nuevo álbum, queríamos que estén presentes en este último número del 2020.

Cuéntanos ¿cómo has atravesado este 2020?, un año de encierro y por lo visto muy productivo para ti, en cuanto a lo musical.

En primer lugar, muchas gracias por tratar tan profundamente con nosotros, que también es bastante raro en estos días. Incluso los textos más largos son definitivamente un riesgo hoy...

Trabajé en este álbum durante más de dos años y reuní muchas, muchas ideas. Dos años es mucho tiempo y muchas cosas se juntan. Presté cada vez menos atención a lo que la gente está haciendo hoy y a lo que otros están haciendo, tampoco escuché mucha

otra música durante este tiempo. Era como pintar un cuadro grande, con deformaciones, sobrepinturas y luego finalmente unir todo en una obra completa. Y para mí fue realmente genial que se pudieran unir enfoques musicales muy diferentes en un gran todo.

En última instancia, debes intentar romper con lo que otros están haciendo o con lo que otros dicen que debes hacer. Eso también se aplica a la duración de un álbum, jaja.

En la actualidad, ya existen demasiadas estandarizaciones y sincronizaciones.

Podemos hablar de dos partes muy distintas entre un disco y el otro. Además de la notoria diferencia entre Apolonia y Elena Alice Fossi. El sonido de cada álbum es diferente. Cuéntanos cómo surgió la idea global de "Zombies" como dos álbumes. ¿El plan de doble disco nació como una idea antes o durante la grabación?

Las canciones con Elena Alice como cantante se hicieron antes que las canciones

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con mi cantante habitual. Un muy buen amigo es un gran fanático de la cámara Kirlian y seguía pidiéndome que hiciera algo con Elena. Eso funcionó rápidamente.

Las mezclas finales para el álbum Zombies vinieron después de eso, y estuvieron listas en la primavera de este año. La vida interior del alma era completamente diferente... y luego la música también suena diferente.

ladrillos, justo al lado de mi casa. Con una cama en ella. A veces vivía en el estudio y solo hacía música.

Aunque hemos tenido avances de ambos álbumes en 2019 y en 2020. ¿Cómo fue el trabajo de grabar ambos álbumes? ¿Lo hiciste por separado o lo hiciste al mismo tiempo?

Sí. Casi se puede decir, el álbum con Elena Cuéntanos sobre la grabación de es anterior a Covid-19, se llama "los días del “Zombies”, ¿la has grabado tú mismo dreampop". El álbum Zombies es la versión o has tenido invitados en el proceso de más oscura y se terminó en primavera. Se grabación? juntaron muchas cosas... más reflexión, más Por primera vez grabé y mezclé todo yo solo. Trump, una pandemia global... y luego, por Y a veces incluso cantado, aunque en realidad supuesto, la crisis climática bastante olvidada. no puedo hacer eso. Esas fueron en realidad Tengo una hija de 15 años y regularmente me solo ideas de demostración para el cantante. pregunto qué futuro le damos. No es fácil de Eso ciertamente aseguró que pudiera tratar... probablemente puedas escuchar la hundirme mucho más profundamente. Tengo oscuridad latente en las canciones. un pequeño estudio en un antiguo edificio de

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El fin de año, diciembre, es una época del año en la que no se suelen realizar muchos lanzamientos. Pienso un poco en todo este lanzamiento, la duración, dos álbumes, lanzados en el mes de diciembre, lo siento como algo provocador, como sacudir esa idea tonta de que hay momentos para lanzar trabajos. ¿Has pensado en esto como una forma de transgredir lo establecido durante décadas?

Honestamente, no lo he pensado estratégicamente. El álbum acaba de salir este año, es un álbum del año 2020 y conserva nuestro sentimiento de este año.

Simplemente se sintió bien hacerlo de esa manera. ¿Cuánto tiempo llevas trabajando en este "Zombies"?

Creo que más de dos años. Hubo algunas interrupciones, dejamos nuestro antiguo sello estadounidense Saint Marie y tuvimos que buscar uno nuevo. Los ex-compañeros músicos se han ido. Y luego la búsqueda del sonido de todo un álbum. Eso no es fácil. Hay días malos en los que piensas que nunca lo terminarás todo. Los músicos no son máquinas.

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Supongo que el nombre tiene algo que ver con el estado de las personas en pandemia, ¿o es solo por la canción?

Sí. Como dije antes, muchas cosas se juntaron en primavera. Y además, volví a ver todas las temporadas de Games of Thrones durante los descansos, con la gran batalla final. Con todo, nos sentimos, de alguna manera, irreales y, de hecho, un poco como zombis controlados externamente. Tu propio universo en estos tiempos es especial, lo sé. En las canciones a menudo escuchas sobre morir y los muertos... jaja. ¿Qué encuentras diferente sobre "Zombies" de todo lo anterior de Seasurfer?

Creo que el nuevo álbum es más oscuro y experimental. Mucho más electrónico también.

He estado escuchando material electrónico como Crystal Castles o ese tipo witch house de Salem durante años. Pero también vengo del mundo de la guitarra. Todas estas son cosas que fluyen subconscientemente. Entonces haz lo que eres.

Pensando en este 2020, ¿qué te parece positivo, además del disco?

Vivo en Alemania en un mundo privilegiado. Vivo en un país democrático con seguridad social para todos. Creo que eso es positivo y un ejemplo de que vivir juntos puede funcionar.

Y le devolvió cierta humildad. Confirmación de que el consumo masivo no lo es todo. Podría dejarme caer mucho más profundamente en la música. Sin embargo, saber sobre las muchas personas a las que les está yendo mal deja un gusto amargo. Y luego también está la noción de que si le preguntamos al mundo, nos vería a los humanos como su mayor enemigo y destructor.

Y ya a las puertas del 2021... los planes siguen siendo difíciles... pero ¿estás planeando algo para los primeros meses del próximo año?

No puedo decir mucho sobre el futuro. Hay demasiado abierto. Por supuesto que nos gustaría volver a tocar en vivo el año que viene, asistir conciertos, viajar y reencontrarnos con todos los amigos. Pero también espero que no solo volvamos a pensar en nuestra propia satisfacción, sino que desarrollemos un sentimiento por el futuro y una mayor armonía con la tierra. Sueno un poco como un hippie, lo sé...

Si tuvieras que definir este 2020, ¿cómo lo harías?

Insano. Oscuro. Triste. Intensivo. Contraataque.

Para cerrar esta entrevista y agradecerle la posibilidad de realizarla, y desearle a Seasurfer un exitoso 2021. ¿Qué quieres decirles a nuestros lectores que aún no conocen Seasurfer y que están con un disco doble, para que se animen a escucharlo y disfrutarlo?

No importa de qué música o arte se trate, tómese un poco más de tiempo y no haga clic y listo.

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http://madwaspradio.com/

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http://www.6towns.co.uk/ https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

[ Entrevista a Emily Palen por Mike Dimitriou.

Fotografías: Nick Bellarosa, Alex Shonkoff y Shena van Spronsen ]

EMILY PALEN (TAMBIÉN CONOCIDA COMO KNIGHTRESSM1)

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Agradecimiento especiales a whitelight-whiteheat.com/ y a Mike Dimitriou por permitirnos utilizar esta entrevista.

¡Hola Emily! Anteriormente, el 25 de septiembre, vimos el lanzamiento del álbum debut "Dreams and Devastation" de KnightressM1. La banda está formada por ti, Rob Ahlers (50FOOTWAVE, Kristin Hersh) y Uriah Duffy (Whitesnake). ¿Cuál es la historia detrás de todo este equipo y cómo fue tu camino para crear este álbum? ¡Hola Mike! Muchas gracias por darme la oportunidad de hacer esta entrevista con ustedes y también por su increíble apoyo para el lanzamiento de "Dreams and Devastation".

Comencé KnightressM1 en 2011 como una forma de replantear mi propia carrera y, esencialmente, poner mi voz y mi violín al frente y al centro. He sido acompañante de muchas bandas a lo largo de los años y llegó el momento de formar mi propio proyecto, de crear mi propio sonido. Empecé a tocar con Rob Ahlers bastante pronto con KM1, un baterista increíble que conocí cuando ambos tocamos con Bonfire Madigan. Él realmente entendió lo que estaba buscando, así que comenzamos a tocar y explorar el sonido de la banda. Tocamos con algunos bajistas a lo largo de los años y cuando estábamos listos para ir al estudio y grabar el álbum, contratamos a Uriah Duffy para que viniera y nos dejara las pistas. Una vez que estuvimos ensayados y preparados, nos dirigimos al Studio 606 y grabaron sus pistas en cinta en unos pocos días. Ambos son músicos increíbles y aportaron una base esencial irremplazable a este álbum. Luego trabajé con el ingeniero y coproductor del álbum,

John ‘Lou’ Lousteau para superponer todas las pistas de violín, teclas y voces. Trabajar con Lou fue un completo privilegio. Me ayudó a llevar este álbum a una forma mucho más allá de lo que podría haber imaginado y por eso estoy muy agradecido. Es un maestro detrás del tablero y en el estudio.

Mi visión para este álbum era un concepto de despertar, hacer cuentas, llegar a… Lo diseñé para que fuera multidimensional tanto en conciencia como en sonido. Las canciones son declaraciones sobre mi propio crecimiento personal a través del dolor, el trauma y la curación, pero además sobre los humanos colectivamente como especie, nuestra necesidad de entrar en nuestro poder para sobrevivir en este momento y evolucionar más allá de él. Estamos dentro del ojo de la aguja ahora mismo, ¿elegiremos liberarnos o pediremos nuestro propio cautiverio? Esa es la pregunta. Ese es el material emocional con el que trabajé para este álbum. Para mantener la potencia de mi visión, tuve cuidado de mantener cada paso en integridad desde con quién trabajé en el estudio hasta quién hizo el arte y quién hizo relaciones públicas.

En cada paso del camino aprendí algo, gané amigos y colegas y, finalmente, pude crear un álbum, arte y videos que superaron con creces lo que soñaba.

Primero, nos presentaron el video oficial de "Polarity Integrate", luego vino el video de "Lock & Key". Aquí también tenemos una nueva e increíble para "Butterfly". Me

gustaría preguntar sobre los mensajes de estas canciones y sobre esa nota especial al final del video "Butterfly"...

“Polarity Integrate” es una canción sobre privilegios. Lo escribí como una forma de confrontar esta horrenda idea de que si luchas en la vida, algo anda mal contigo.

He experimentado muchos, muchos años de dificultades financieras, luchas emocionales, relaciones abusivas, terapia, curación, confrontar mi propia oscuridad y también hablar con franqueza y honestidad sobre la oscuridad en este mundo. Algunas personas que provienen de una educación más privilegiada claramente no han experimentado suficientes dificultades para humillarlos y ser compasivos y se inclinan más hacia el juicio. Esto realmente me afecta no solo personalmente en lo que respecta a mí mismo, sino también culturalmente.

Nuestro sistema es esencialmente una cultura abusiva y explotadora en la que los humanos son consumidos, manipulados, gastados y reprimidos y luego avergonzados si hablamos al respecto. Es simplemente implacable. Realmente tuve que romper muchos mitos dentro de mí para ver que solo porque atraviesas dificultades en cualquier forma, no es un reflejo de tu valía. Tampoco es algo que hayas manifestado o creado, traído sobre ti mismo. Esta es una línea de pensamiento tan tóxica y una en la que creí durante muchos años. Escribí Polarity como una forma de decirle a la mierda ese mensaje y a cualquiera que tenga dificultades para presenciar el dolor que inflige este mundo.

Otra forma de enmarcarlo es vivir como un integrador de polaridad. Aquel que experimenta mucha oscuridad para curarlo y devolver la experiencia a la neutralidad, para encontrar otra salida, para desmantelar la ilusión.

“Lock and Key” es otra canción sobre cómo liberarse de la opresión sistémica.

“Silencio ahora niño, no hay otra manera”.

Nos adormecemos con el mensaje de que no tenemos más remedio que aceptar una vida

insatisfactoria. Una existencia de sueños rotos y lucha. Esa vida simplemente no es justa y no hay nada que puedas hacer al respecto. Podemos hacer algo al respecto.

Podemos crear un mundo en el que se cuide a todos y se satisfagan sus necesidades.

Comida, agua potable, refugio, amabilidad y respeto. La capacidad de vivir en tu propósito, de hacer lo que más te apasiona. Piense en cuán poderosas y pacíficas podrían ser nuestras comunidades, podría ser el mundo.

Pero realmente tenemos que enfrentar el estado en el que nos encontramos y el nivel de corrupción en el que estamos operando.

No hay otra forma de liberarnos de la tiranía que ponernos de pie y hablar en voz alta.

"Encontré mi cerradura y llave y no salgo en silencio". No ocultes la verdad. La nota al final de Lock and Key que dedica ese video a las sobrevivientes de violencia doméstica es una parte muy importante de todo este viaje. Durante el tiempo que grabé este álbum, estuve en una relación muy abusiva y en realidad fue la grabación del álbum lo que me dio la fuerza y el fuego para salir de la relación. Cuando estaba en el estudio grabando, estaba lejos de eso, en Los Ángeles, solo en mi música por completo y luego volvía a casa con este desastre absoluto de situación. Fue brutal y letal. Pude experimentar de primera mano a través de esa relación lo extremadamente difícil que es escapar de la violencia doméstica y lo fácil que es malinterpretar esa situación. Muy a menudo la gente siempre responde con la perspectiva típica de culpar a la víctima. ¿Por qué no te fuiste, por qué estabas con él en primer lugar, no pudiste verlo venir? No. Esto no le está dando justicia a la situación. El tipo de personalidad que abusa es muy astuto. Es una manipulación premeditada que fue tan engañosa que me dejó alucinado. Estaba tan exhausto, traumatizado y profundamente triste. Dejar cada gramo de fuerza que tenía y fue lo más difícil que tuve que hacer. Al final quedó claro que si me quedaba con esta persona, perdería mi vida por él y no valía

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la pena. Este álbum me ha salvado la vida de una manera muy real, me dio algo por lo que vivir y algo por lo que luchar. Estoy muy agradecido ahora de tener paz mental y saber que no le debo nada a nadie. Quiero usar mi experiencia para ayudar a aquellos que todavía están atrapados en esta situación o que se están recuperando de ella. Es un problema generalizado y muy grave en todo el mundo y debemos prestarle atención.

Ocurre a puerta cerrada y la gente pierde la vida todo el tiempo. Es algo terrible por lo que pasar y si puedo ayudar a una persona a liberarse o darle esperanza a una persona, valdrá la pena para mí.

“Butterfly” es una canción sobre mí teniendo en cuenta mi propio poder y ya no oculto quién soy. Muchas veces, todos tratamos con personas que quieren quitarnos. Usa nuestra luz y nuestra magia y déjanos por muertos.

Para detener esto en mi vida, primero tenía que ver que tenía algo especial, tal vez, solo posiblemente, que era digno, y que la gente

me encontraba útil para sentirse mejor. Sin embargo, no dieron nada a cambio. Vampiros de energía, narcisistas, como quieras llamarlos. Abusadores, ¿qué tienen ustedes?

Cuando vi que tenía valor, poder, luz, entonces tuve que ver que algunas personas a mi alrededor no se preocupaban por mi mejor interés. El siguiente paso fue creer en mi capacidad para sostenerme por mí mismo, liberarme de ese dolor y reconocer por qué siento que estoy en este planeta junto con millones de otras almas brillantes y brillantes.

Mariposas, venid a restaurar este mundo.

Quizás somos brillantes para iluminar la oscuridad, para recordarnos que no estamos solos, que la chispa en nuestro pecho es por una razón. Que lo que imaginamos que puede ser posible no está tan lejos después de todo.

Por mucho que estas canciones fueron escritas para lidiar con el dolor emocional, al final se trata de entrar en el nuestro, curarnos y liberarnos de él. Cada canción era una forma

de cambiar algo que necesitaba cambiar.

Alquimia.

siempre para servir a la música, no solo para destellar la técnica. Me encanta poder crear con este instrumento, el violín, que es mi Has sido violinista desde los cuatro primer idioma. Poder encarnar eso de una años, increíble en realidad. Leí que eres un manera emocionalmente tan real para mí, virtuoso de formación clásica, que domina hacer algo nuevo. Eso es lo que me inspira. el violín, el piano, el canto y la composición. Aunque siempre he estado enamorado de ¿Cómo empezaste inicialmente con la la música, desde el principio. No puedo vivir música y cuál es la fuerza privada y la sin él, no hay nada más que quiera hacer. inspiración que te impulsa y guía en esta No quiero vivir una vida si es sin música. Es asombrosa exploración de la música? mi razón. Fue, desde muy joven, una forma Crecí en un hogar musical. Mi madre es de compartir quién era sin palabras. Para violonchelista, así que en el útero estaba ser honesto en mi expresión sin tener que sintiendo las vibraciones de eso. Mi hermana ponerlo en palabras. Es un poder, una forma es violinista y mi madre enseñaba música de lidiar con los momentos más difíciles de la en la casa. Todos los días escuchaba esta vida y una forma de compartir el amor que va increíble literatura sobre violines y me más allá de las palabras. Es la única forma enamoré de ella. Mi madre tenía un violín en que he podido poner la conciencia en algo diminuto en este armario de su dormitorio experiencial en este mundo. y yo seguía sacándolo rogándole que me enseñara. Finalmente, cuando cumplí 4 años, Supongo que el nombre KnightressM1 ella dijo, está bien, puedes jugar ahora que quizás se refiere a un "código" o una tienes la edad suficiente. Entonces comencé "misión". ¿Puedes contarnos cómo este viaje. Seguía bastante los pasos de mi decidiste el nombre de tu banda? hermana y, cuando terminé los dos años de ¡Sí, el nombre! Este fue un gran viaje para la escuela de música en la universidad, me aterrizar con este nombre. Estaba tratando sentí realmente atraído por venir a California. de encontrar nombres que de alguna manera Rompí mi camino clásico y comencé a explorar comunicaran algo sobre la esencia de la luz, el rock y el metal. Siempre me ha gustado la el poder… la transmutación. Todos habían música pesada y tengo esta intensidad dentro tomado los nombres en los que estaba de la que tengo que expresar. Ahora estar al pensando y también eran un poco obvios. frente de mi propia banda es muy liberador. Entonces me vino este nombre. No sé de Es pura libertad creativa y, en realidad, dónde vino, pero me sorprendió. Caballero… es algo que me abruma a veces. Tengo la Caballero femenino… M1 es su código capacidad de ser exactamente quien quiero galáctico. M ~ de Em, mi apodo. 1 para la ser musicalmente. ¿Voy a hacer eso? ¿Seré unidad. A lo largo de los años, la gente lo tan valiente? Así que siempre busco empujar ha pronunciado mal, lo ha confundido con mis propios límites y ahora eso realmente se el óxido nitroso, ha dicho que es demasiado dirige hacia una dirección más pesada pero complicado o que tengo que hacerlo más fácil más expandida que fusiona este impulso de entender para la gente, pero... ¿Sabes para empujar mi propia expresión y también cuántas bandas de metal tienen nombres para permitir que exista toda la variación, que nadie puede leer? ¿O cuántos nombres no para empujarla solo a una esquina de bandas no tienen ningún sentido? sino para permitir que toda la música que Podemos seguir y seguir. KnightressM1 es creo esté ahí de forma orgánica. También un personaje, ella es mi avatar, hay una razón tengo una base firme en las tradiciones de para cada parte de ese nombre. Tienes toda armonía clásica y la variación rítmica, pero la razón, es un código y si escuchara la galería

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de cacahuetes y la simplificara, perdería su poder. Este es su nombre. No hay otro.

calidad de tu carácter es más importante que tu riqueza y poder. Si operas por engaño, codicia, crueldad, estás sin poder en este También encontré esta nota especial mundo. La bondad y la compasión son tuya en el LP "Dreams and Devastation": principios rectores. Todos son atendidos, sus "Este álbum está dedicado a la humanidad necesidades básicas satisfechas, así como la cambiando el guión de siglos de oportunidad de vivir en su pasión y propósito. sufrimiento innecesario y construyendo Ahora vivimos en un mundo muy engañoso. un mundo que se ocupa de muchos en No tenemos idea del nivel de engaño que lugar de pocos". ¿Cuál es el mundo ideal hay, es obsceno. Estamos vislumbrando que imaginas? ahora la depravación de la élite, pero aun Sí, esto es poner la visión de este álbum y así, creo que solo estamos rascando la su intención en una declaración tan sucinta superficie. El mundo que podríamos tener si como puedo manejar. Creo que estamos en tenemos el coraje de reclamarlo es uno de un momento en el que se están revelando verdadera libertad, ecuanimidad, respeto y las ilusiones de este mundo. Estamos viendo dignidad humana. Este es el mínimo de lo quién dirige el espectáculo detrás de escena. que merecemos.

La gente se está dando cuenta de las manos ocultas que mueven todas las piezas de El álbum se balancea entre todos los ajedrez y ya no lo vamos a tolerar. Como letreros y anuncios de heavy metal especie, nos damos cuenta de que no solo alternativo y todo el idioma gótico, y tenemos la capacidad de crear un mundo también tiene ritmos en rock and roll puros. bondadoso y justo, sino que es nuestro deber Si te pidiera que nos dieras tu álbum más ahora. Hemos vivido lo suficiente sirviendo inspirador de todos los tiempos, ¿cuáles a los caprichos de estos falsos maestros. elegirías y por qué? ¿La élite de este mundo que gana dinero a Los 5 mejores álbumes inspiradores... esto costa de sus trabajadores ahora diciéndonos es difícil... adónde podemos ir y qué podemos hacer?

"Architects - All Our Gods Have ¿No permitir un salario digno, manipular Abandoned Us”: Este álbum cambió mi vida cada elección, mentir a todo el mundo sobre por completo. Los arquitectos como banda estas tragedias que nos suceden por medios son absolutamente inspiradores no solo en supuestamente misteriosos y naturales? lo que logran musicalmente, sino en lo que No. Este sufrimiento es creado por ellos han perseverado y con los principios a los para mantenernos atemorizados, fácilmente que se alinean. Tengo el mayor respeto por manipulables. No somos tan débiles y ellos como banda y destruyen absolutamente estúpidos para permitir este sufrimiento todos los shows que hacen. No puedes ser innecesario por más tiempo. Somos más más pesado que ellos. de nosotros que ellos y todo lo que tenemos "BMTH - amo": Este álbum fue uno de mis que hacer es dejar de jugar su juego. Ni favoritos inesperados. Me encanta cómo esta siquiera necesitamos luchar contra ellos. No banda se permite evolucionar más allá de son un oponente digno. Una vez que nos todos los límites, incluso arriesgando su base damos cuenta de nuestro verdadero poder de fans para ser fiel al momento. Encuentro como seres humanos anclados en formas este álbum como una obra de arte sonora. Es naturales y honestas, simplemente creamos un álbum experiencial muy personal para mí, un mundo construido sobre la verdad. Todo la música perfecta en el momento perfecto. lo que necesitamos está aquí. Todo será "Queens of the Stone Age - Like revelado.

Clockwork": Este álbum es la profundidad Este mundo ideal es uno en el que la de QOTSA emocionalmente. Realmente

sentí que empujaban los límites del tiempo, el espacio, el dolor, el vacío. Me encantó y tiene algunos momentos existenciales. Como álbum completo, también se mantiene fiel a su emotiva declaración de tiempo de manera hermosa.

"Tool - Opiate": Escuché este álbum obsesivamente cuando era joven. Expresó perfectamente cómo me sentía. Fue la primera vez que escuché ese nivel de emoción visceral en la música y establecí el listón de lo auténtica que podría ser la música a partir de ese momento para mí. Muéstrame cómo te sientes realmente, hazme sentir algo. Eso es lo que hace ese álbum cada vez. Nada menos.

"Massive Attack / Mad Professor - No Protection": este álbum es pura profundidad. Un momento en el tiempo y también un álbum atemporal por excelencia. ... y su top 5 actual en casa o en la carretera.

Top 5 ahora: Architects: Holy Hell Architects: Lost Forever / Lost Together Architects: ANIMALS (de: For Those Who Wish To Exist: se publicará en febrero de 2021) Gojira: Another World (otro single de, con suerte, lo que será un álbum lanzado pronto) BMTH: Post Human: Survival Horror.

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¿Cuál fue su primer álbum de improvisación para violín solo, "Glass ~ Live at Grace Cathedral" en 2012?

Glass fue un álbum de improvisación que grabé dentro de Grace Cathedral en San Francisco. Estuve haciendo principalmente una actuación de violín de improvisación durante este tiempo, en el centro de SF y conocí a Gregory James, quien produjo este álbum en su sello Valence Records.

Cookie Marenco de Blue Coast Records que tiene una tremenda carrera trabajando con grabaciones de alta fidelidad diseñó el álbum. Tuvieron la idea de ponerme en Grace Cathedral para grabar este álbum increíblemente de alta fidelidad usando el equipo que hizo Gus Skinas, que se adentra en aspectos técnicos mucho más allá de mi capacidad de comprensión. Básicamente, es un audio de mayor calidad que el analógico, pero es digital. Grace Cathedral también tiene un retardo natural de 7 segundos, por lo que la acústica es simplemente impresionante.

Alquilamos la catedral por dos días y mejoré por horas y horas los dos días. Luego elegimos las mejores partes e hicimos el disco. Cada canción se improvisa completamente en el lugar, sin cortes, tal como se tocó, sin ediciones, excepto por dónde comienza y dónde termina. Hicimos un segundo disco de la misma forma llamado Creation. Estamos planeando un tercer disco de improvisación con suerte este año y estoy planeando hacer un álbum de remezclas que incluya algunas pistas de Glass y Creation.

intensidad y la oscuridad realmente me habla. Siento que esta banda realmente podría brillar allí. Sin embargo, en realidad se trata de ser ágil en este momento con el panorama global. Mi objetivo es seguir escribiendo, seguir haciendo videos, seguir evolucionando y llevar a esta banda a un nuevo nivel musicalmente con el próximo álbum.

Si le dijera que la Tierra es plana y que el Covid-19 no existe realmente, ¿qué tipo de médico me recomendaría que visite?

No te enviaría a un médico en absoluto y esta es una gran pregunta. Cuando la gente comience a desconectarse de la matriz, si lo desea, puede proponer algunas teorías bastante interesantes sobre la verdadera naturaleza de nuestra realidad. Animaría a todos a que siempre hagan preguntas, a que siempre piensen por sí mismos, a que nunca permitan que nadie los avergüence por la obediencia. Necesitamos hacer algunas preguntas difíciles en este momento sobre lo que realmente está sucediendo y eso requiere valentía, una mirada matizada a nuestra realidad y altos niveles de discernimiento.

Sigue buscando la verdad. No dejes que nadie te detenga.

Emily Palen, Gracias por esta entrevista, ¡las últimas palabras son para ti!

Gracias por la oportunidad de hablar sobre el álbum y por sus preguntas bien pensadas.

La música es un camino muy interesante en este momento dada la situación en la que ¿Algún otro plan con KM1 (futuro nos encontramos. La música siempre ha cercano, largo plazo)? sido lo que la gente llama un negocio difícil Sí, mis planes para KM1 son volver al y ahora no podemos tocar en espectáculos, estudio para grabar el próximo álbum tan hacer giras o incluso viajar. Aunque todavía pronto como podamos. Las canciones están podemos conectarnos a través de la música. escritas y no puedo esperar para volver allí y Todavía podemos crear. Todavía podemos grabarlas. Tenía la esperanza de hacer una ser increíblemente poderosos dentro de gira por Europa y estoy buscando mudarme a nuestras propias vidas y allanaremos un París para sumergirme en la escena musical camino a seguir en el que, creo, se valorará europea. Su profundo amor por el metal y la música auténtica y real que no esté el gótico y la falta de timidez en torno a la alimentada por grandes cantidades de dinero

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y narcisismo insípido. Los humanos anhelan algo real en este momento. Este momento es una gran oportunidad para conectarse con eso. ¿Para qué sirve la música sino para cambiar el mundo?

[ Reseña de Ural Mountains - Synthetic Lights” por Benjamín York. ]

LUCIENDO ESTRELLAS

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Ural Mountains - Synthetic Lights Label: Chavalote Records Fecha de Lanzamiento: 04 de Diciembre de 2020

Pocos saben que Ural Mountains es el proyecto en el que se oculta Cyril Degilles, un francés que hace más de una década que está en Buenos Aires haciendo música. El misticismo que esconde (y que ni siquiera pudo romper en su presentación en el Festival NMER en donde se lo pudo ver aunque no se le ha visto en primer plano) sigue dando sus frutos dentro de la independencia y la autogestión. Palabras muy de moda por estos años y muchas veces no llevada con hidalguía como lo hace durante muchísimos años Ural Mountains.

Su trabajo es tan prolífico como atrapante. Acaba de lanzar su tercer álbum llamado “Synthetic Lights” que viene luego de su "Blurry Pictures" de 2018. En él nos encontramos con un trabajo que marca un punto más alto en la calidad de las composiciones y de la producción.

Además de los dos singles "Lack of Slackers" y "Kamikaze" que son dos gemas del indie con altas dosis de dreampop, pero nos encontramos con dulces y ensoñadoras canciones como las canciones que las llamo espaciales, “Outspace” y “Homesick Astronaut”, mis favoritas, pero también ese vertiginosidad característica de Ural Mountains la encontramos en canciones como “Normandy”, “Are You Running Out”, “Synthetic Lights” o “Sunrise”. Manteniendo la atención del escucha casi hipnóticamente, y sumergiéndolo en los mundos que se esconden dentro de la cabeza de su único miembro. Mundos que lucen estrellas en el disfraz que adopta en este tercer álbum.

Magnífico.

[ Entrevista a Rocío Martín y Javier Matínez de Delahaus por Rubén Torres ]

DELAHAUS - LA NUEVA CASA DEL POP MADRILEÑO

Delahaus; la banda conformada por el binomio Madrileñomalagueño Javi Delahaus y Rocío Martin. En 2015 su primer Ep; Delahaus. Un acercamiento a su pop resplandeciente, con melodías súper pegadizas, voces que nos llenan de sonidos envolventes y sutiles sintetizadores y guitarras poderosas...

Nos llamó la atención uno de sus últimos cortes de difusión, “EXTRAÑOS”. Y por eso lo buscamos para charlar, después entramos a su corta pero fructífera edición de música como; Junio. De 2019 que fue grabado y producido por ALEX OLMEDO, Líder de LA NARANJA CHINA. De esto y de otras cosas charlamos con el dúo que tan amablemente aceptaron nuestra propuesta. Y no sólo nos regalaron palabras si no su música. Amigos les dejamos esta hermosa entrevista con la banda Española: DELAHAUS. https://www.delahaus.com/

Muchas Gracias por esta ahí, por la predisposición a la charla.

Primero estaría bueno que se presenten, que digan dónde están y comenzamos con las preguntas...

Javier: Bueno somos Rocío y Javier, Delahaus, un dúo de Madrid España, que llevamos juntos desde el 2015 publicando nuestras canciones...

Rocío: Tú eres de Madrid y yo soy de Málaga....

Javier: Sí, Rocío es de Málaga, es verdad, pero vive en Madrid... y desde hace 15 años.

Somos un grupo de indie pop y bueno hemos sacado ya algún EP y singles sueltos, se pueden escuchar en Spotify, en YouTube y en otras plataformas... La verdad es que estamos bastante contentos con las canciones que hemos sacado este año, como están yendo "Extraños" y "Cinemascope". "Extraños" es una canción que escribimos después de pasar el coronavirus, primero lo pasó Rocío, que lo pasó bastante mal a tema pulmonar y eso, y luego lo pasé yo, que la verdad es que lo pasé bastante más leve. Y después escribimos la canción y la grabamos con Alex olmedo,

que es un productor y músico español que tenía un grupo que se llamaba La Naranja China y que la verdad es que nos ha ayudado mucho a alcanzar el sonido que queríamos para las canciones y la instrumentación que queríamos. ¿Algo que añadir?

Rocío: No, todo bien...

Por otro lado tengo que hacer una salvedad, antes de meterme precisamente en Delahaus, que venimos escuchando en este último tiempo bastante seguido, que ya lo hemos presentado en algunas emisoras de radio, como Radio Futura e Indie Go Radio, que se llama Barrio Chino.

En realidad decía que tenía que hacer referencia anterior a Delahaus, que cada uno de ustedes tuvieron sus proyectos, si bien Rocío es el primer proyecto que tiene dentro de la música, ella seguramente hablará un poco lo que viene haciendo últimamente en el arte, también la pregunta va para Javier que tiene que ver con el recorrido under que tiene que es también vasto, en un programa que teníamos antes que se llamaba Zona de Influencia,

nuestra productora, maría de los Ángeles nos había hablado de "La Loca María" y a mí se me había pasado por alto esa banda y después ahora al descubrir o re descubrir a Delahaus, volvimos a escuchar y ahí sí le prestamos atención a nuestra productora, así que haremos una salvedad, hay que prestarle atención a nuestros productores, jajajaja.... Y cuéntenos eso, hágannos un repaso a toda su anterioridad... Javier tiene un repaso más extenso que Rocío pero bueno queremos escuchar las historias antes de llegar a Delahaus.

Rocío: Pues Sí, Javi tiene un recorrido más largo que yo, también es más viejo que yo...

Javi: Sí eso es verdad... y lo voy a seguir siendo...

Rocío: Pero es verdad que a nivel musical toda la vida me ha gustado la música, tocar el piano, cantar... y si bien mi primer proyecto ha sido delahaus, pero es verdad es que como siempre me ha gustado la música, pues he estado en contacto con músicos, he ido a conciertos, y hace tres años tuve la oportunidad de cantar en un concierto, en el teatro Lara de aquí de Madrid, con un un cantante que se llama Ricardo Vicente, que es el componente de otro grupo que se llamaba La Costa Brava, que no sé si los conoceréis por allí, me imagino que sí, porque se mueve bastante por Latinoamérica. Y esa fue la primera vez que canté delante de gente. Y luego ya, delahaus con Javi, que es mi primer proyecto personal.

Javi: Y la verdad es que tengo que decirte que me ha hecho bastante ilusión que hables de La Loca María desde allí, o desde allá como decís vosotros, porque la verdad es que ya han pasado bastantes años desde que dejamos el grupo en 2005 o 2006. La verdad es que tuvimos unos años bastantes intensos, y lo disfrutamos un montón. Tuvimos ahí tocando un poco con las puntas de los dedos el dedicarnos a la música y bueno, durante dos años lo hice por completo, pero luego las cosas no salieron como queríamos, llevábamos desde el año 1991 intentándolo,

empezamos en el 91 y en el 2001 sacamos el primer disco, luego en 2003 lo reeditamos y en 2005 sacamos el siguiente, que fue el último. La verdad es que sonámos bastante en la radio y bueno, lo tuvimos bastante cerquita y quizás el cansancio de tantos años nos llevó a no seguir adelante cuando en realidad deberíamos haberlo hecho. Pero buen, posteriormente en paralelo, al final de La Loca María, toqué con un grupo que se llama Turistas Espaciales, que pueden escuchar el disco en Spotify, y hay un video que está bastante chulo en youtube. También he estado en otros proyectos como Vergara con gente de Circodelia, que también podéis escucharlo en Spotify, que es un grupo que está muy bien. Tuvimos de manager a Alejo Stivel, que es el cantante de Tequila, el grupo Hispano-Argentino que está Ariel Rot. Pues hacíamos una música muy influenciada por la música, desde Moris, Tequila, aunque en Argentina no eran tan conocidos, Los Rodriguez ya después y Fito Paez y gente así. Buenos entonces tenemos esa conexión que te contaba con Argentina en cierto modo, y en delahaus siguen estando las influencias muy importantes como Gustavo Cerati, Virus o Soda Stereo o Charly García. Pero bueno eso si quieres lo comentamos en otro momento.

Estuvimos escuchando mucha de la música que nombrás, porque en realidad hacemos un reinvestigación para, no sólo redescubrir al artista, sino para saber en qué proceso está. Y se metían precisamente con as influencias, las influencias argentinas, obviamente, vos nombrabas a Moris, hace unos segundos, y evidentemente en España Mauricio Birabent, que es precisamente como se llama, debe haber hecho mella, porque obviamente llegó en los 70's y después vino toda la camada que con Calamaro y con otros, y hasta el mismísimo Andy Chango, que seguramente por allá debe estar haciendo sus líos. Pero referencias

e influencias de otros lugares, de otros países, incluso españolas... nosotros aquí en la ciudad de La Plata, en donde precisamente estamos, hay una cantidad de sellos discográficos independientes increíbles, autogestionados por supuesto, porque en el último tiempo la música ha crecido de esa manera y tal vez sean un montón de preguntas juntas... pero primero, se me pasa por la cabeza algunas bandas como Columpio Asesino, Northwest, que son de Barcelona, tal vez lo conozcas a Ignacio Simón... las influencias que en este momento se le viene para este proyecto precisamente, para de delahaus, tal vez llegue de la música under, tal vez de otro lado, tal vez sea el crecimiento personal de ustedes.... hay un montón de preguntas que ustedes elegirán cuál responder...

Javi: Realmente a Northwest no los conocemos, de Barcelona conocemos a Sidonie, Love of Lesbian, grupos así que nos encantan o Dorian, por ejemplo. Pero bueno mira los vamos a escuchar. Y gracias por descubrirnoslo... y Columpio Asesino, si los conocemos, quizás por mi parte la influencia de música española ha ido más por el lado del pop y por Los Secretos y Nacha Pop, de hecho Antonio Vega colaboró con La Loca María, en una canción que se llama "Mil Razones", que podéis escuchar solo en un video que hay en YouTube, porque realmente no sabemos quien editorial tiene el catálogo de La Loca María y no está en Spotify y en ningún sitio, no sabemos. He intentado averiguarlo, pero la verdad es que no lo sé. Antonio Vega la verdad es que siempre ha sido una influencia, al final creo que es lo que tú dices... que delahaus más de ser un grupo muy influido al llevar tantos años componiendo, creo que la música delahaus es el resultado de un proceso de muchos años de componer, yo creo que La Loca María era un grupo donde el pop rock era como más básico, rockandroll a tope, luego ya con Basonautas y las experiencias

posteriores la música fue madurando, creo que delahaus no se fija tanto en influencias y si en canciones que cuentan lo que queremos contar y ya está. Muchas veces lo hablamos y decimos no sé si esto le gustará a la gente pero es lo que queremos publicar. Tampoco es que hagamos nada distinto, es pop al final basado mucho en las melodías, para mí es muy importante el tema de los riffs, de que las melodías se queden en la cabeza, que quizás eso sea una influencia de Charly, que tiene esas melodías que se meten en la cabeza y no se te va.... y Rocío también tiene sus influencias que te va a contar ella...

Rocío: A mí la música española, obviamente, me encanta, quizás esté más al tanto de la música actual, no tan antigua como Javi, que dice Nacha Pop y tal, que también me gusta... pero sí que oigo música indie española, también mucha música catalana, como Ferran Palau, que es un cantautor que canta en catalán, pero es genial... a mí me encanta y lo recomiendo, con un disco que se llama "Univers" y yo creo que la música es enriquecedora al margen del idioma y también me encanta la música francesa, el rollo electrónico, desde Daft Punk, que es quizás más antiguo a lo más actual que podría ser L'Impératrice, que es un grupo francés. Y creo que también esa tendencia electrónica, ya meter sintetizadores y un tipo de música ya un poco más experimental nos ha llevado a componer quizá la canción de "Extraños" o las últimas canciones que tienen un estilo un poco más moderno, la última de "Cinemascope".

Javi: Por Cierto es que Andy Chango sigue por aquí, por Madrid, yo creo. Le perdí la pista en el segundo disco que sacó aquí en España pero sí sé que ha actuado en los últimos años que estuvo actuando por locales y la verdad es que compone canciones increíbles, y así está el mundo bastante under.

Sí, nos dio directo al corazón la banda L'impératrice, la banda francesa, me encanta, hay una canción que nosotros

escuchamos muy seguido que se llama "Vanille Fraise". Hay otras bandas Parcels es una tremenda banda, que están haciendo algo de música parecida a Daft Punk. Me quedó sonando eso de La Loca María, que no quiero volver a eso, pero sí quiero volver a esta cosa que vos dijiste, que nos quedó así en la punta de los dedos y a veces el éxito se mide por eso, porque recién estábamos hablando del under y quién valida la música y de qué forma hoy se produce la música, hay mucho más alcance, la tecnología nos llegó a todos

y por supuesto, también a los artistas que hacen que la tecnología les ayude a la composición, pero también les ayuda a esto, hoy tenemos un contacto, nosotros desde Argentina, de la Ciudad de La Plata y ustedes desde Madrid. ¿Ustedes creen que el Mundo en ese sentido, para los artistas ha mejorado, para difusión, para la aceptación de la música? Que antes las discográficas apuntaban con el dedo, con alguna cosa oculta o secreta, para tratar de ganar mucho más dinero en las discográficas ya impuestas, obviamente

de aquellas que son súper chicas. Ya lo veíamos con Sam Phillips y Elvis en los comienzos y lo que fue después... ¿Ustedes creen que el mundo está mucho mejor en ese sentido, que la gente tiene más posibilidades de poder acercarse a su música ya sin una discográfica de por medio? y con respecto a eso, ¿Ustedes cómo se llevan con el under, con la música que están haciendo, ustedes ven que hay mucha más presencia de gente joven, creen que está funcionando mucho mejor la industria musical tal cual está hoy en

día?

Rocío: Sí, bueno lo francés me encanta, menos ellos jajajaja.... que es una broma... pero que Parcels sí son franceses, y me flipan también la estética que tienen, aparte de la música. Y luego también no sé si conocerás a Clara Luciani, que es una chica también francesa que además está revolucionando el panorama de la musical francés y luego también Juliette Armanet, Angell, que si te gusta la música francesa te las recomiendo.

Javi: Y hablando del tema de que estemos haciendo esta entrevista, la verdad eso es

algo que se ha ganado, cuando hablábamos de La Loca María, cuando estábamos terminando con la banda era cuando la gente estaba empezando a usar internet, myspace y cosas así. Nosotros no nos llegamos a promocionar nada a través de internet, prácticamente nada. O sea, si hubiésemos tenido las opciones de ahora, habríamos llegado a muchísima más gente seguro en todas partes. Creo que vivimos el final de la época de las promociones antiguas, de discográfica y road manager llevándote por todos los sitios haciéndote promoción.

Ahora tienes muchas más opciones gracias a Spotify, nosotros cundo miramos donde se escuchan las canciones y vemos que se han escuchado en México, Argentina, Perú, Bolivia, Chile... la verdad es que alucinamos, de saber que esas partes del mundo te están escuchando nos hace muchísima ilusión.

Creo que en ese aspecto Sí, se ha ganado, que un grupo como nosotros, autoproducido y autoeditado, pueda sonar en muchísimas partes del mundo, eso es increíble. Pero por otro lado nadie puede negar que ahora mismo vivir de la música es complicadísimo, incluso para los grupos que tiene cierto éxito. Se ve ahora mismo con el tema de la pandemia, en cuanto a los grupos que no pueden tocar, no tiene prácticamente de qué vivir, porque ya no hay royalties por los discos, spotify te da 2 duros y los discos no se venden... entonces es complicado. De donde se estaba sacando el dinero era de los conciertos y del merchandising y ahora los conciertos no existen, entonces para una banda pequeña como nosotros no afecta tanto porque no estamos viviendo de ello, y tenemos nuestros trabajo, que por otro lado, pues bueno, hace que no te puedas concentrar en componer y hacer música y grabarla y todo eso, pero si te da esa tranquilidad de decir "mira viene la crisis, estoy trabajando de diseñados de UX Experiencia Usuario, o en un unicommerce como Rocío, de joyas... y dices bueno, pues "en esto parece que de momento no está mal la cosa" y te da esa tranquilidad,

cosa que si estuviéramos viviendo de la música estaríamos bastante, bastante más preocupados... que no quita que nos encantaría vivir de la música, que eso yo creo que cuando te gusta la música es lo que te emociona, subirte a un escenario y ver a la gente desde arriba. Yo muchas veces le comento a Rocío, que si hay algo que todavía me produce cierta sensación rara es ir a los conciertos y verlo desde abajo, sobre todo de grupos con los que has compartido cartel o gente has ido en giras o lo que sea. Y eso a mí todavía me cuesta un poco, incluso escuchar en la radio, a alguna canción nueva de, por ejemplo, Leiva, que con ellos coincidimos mucho con Pereza y cuando lo escucho se pone una cosilla como en plan... "Ay, él se está dedicando a esto y yo estoy aquí haciendo aplicaciones móviles"... bueno en fin, ese es un poco el panorama.

Nombrabas a Leiva, justo hace algunos días anduvimos descubriendo algunas canciones, si es el mismo Leiva que nosotros decimos, excelente canción la de "Cuarenta en Cuarentena". Y hablando precisamente de la música y de lo que ustedes hacen, ahora sí no metemos con delahaus y vamos por los Eps que tienen, "Junio" que si no tengo mal entendido es precisamente el mes que se conocieron, por lo que pude leer. Además hay otro EP y tienen muchísimos singles, no sé si la "Inercia Natural" que grabaron con Diego Nikaenen, tienen algún un disco, no sé si "Seres Mágicos" pasa como un EP. hagan un pequeño repaso con lo que han editado, ya sé que en el comienzo hablaron, pero un repaso cronológico para llegar a "Extraños" que está producido por Alex Olmedo y además "Cinemascope" que hicieron en este 2020. Y después cuéntenos las repercusiones que tuvieron de propios y de extraños, porque los propios son los que nos quieren y tienen tendencia a alabarnos, porque estamos cercanos a su corazón, pero los extraños

son los que verdaderamente nos hacen ver en qué lugar estamos. también con la prensa y con la gente que obviamente los escuchó.

Javi: Al primer EP que lo grabamos en el 2015 con Pablo Parser, que es el guitarrista de Circodelia, el grupo del que hablábamos antes, es un productor musical extraordinario, que se dedica mucho al tema de publicidad, series de televisión...

Rocío: Trabaja para Netflix...

Javi: Sí, está haciendo ahora la segunda temporada de "El Vecino", una serie de Netflix.

Y bueno la verdad es que nuestro primer EP

("delahaus") con "Estrellas muertas" como el más single de las tres canciones. Luego decidimos que en vez de sacar un EP, porque hablar de él podíamos hablar unas semanas, pero luego era hablar de lo mismo, entonces decidimos que íbamos a ir sacando canción a canción...

Rocío: sacar más singles...

Javi: Sí, ir sacando canciones según las fuésemos teniendo para ir dándole vida al proyecto y eso es lo que hicimos con "Inercia natural" y con "Arcoiris Lunar" pero luego vimos que mucha gente a nivel periodístico le daba más repercusión a un EP que a

canciones sueltas, entonces sacamos "Junio" con las canciones que has dicho... la verdad es que "Seres Mágicos" funcionó muy bien, el que mejor había funcionado hasta que llegó "Extraños", a nuestro nivel claro, no estamos hablando a nivel de Leiva, que sí, era del mismo Leiva que hablabas... y entonces en este caso sí, decidimos, estábamos preparando canciones para otro EP, de hecho "Cinemascope" era una canción que teníamos antes que "Extraños", pero surgió esa y decidimos sacarla en ese momento porque era su momento, era una canción que había nacido justo antes del verano, porque hablaba de eso, a ver si salíamos en verano y podíamos recuperar la vida normal, quizás un poco inconscientes de cómo era todo esto en realidad, que el verano iba a ser sólo un pequeño impás...

Rocío: un espejismo...

Javi: sí, un espejismo... y luego Cinemascope, aprovechamos que nos contactamos con Alex Olmedo para sacar "Extraños" para darle una canción más, esta estaba prácticamente terminada y "Cinemascope" era una maqueta de las que preparamos luego grabarlo más enserio, y cómo estábamos con todo el tema del confinamiento, él re grabó bastantes cosas, pero hay cosas que se mantuvieron de la maqueta, sobre todo temas de sintes y las voces por supuesto. La verdad, la ventaja de hacer EPs o discos es que no tienes que centrarte en que sea un súper single, sino en grabar cosas que te apetecen grabar, ¿no?

Ah perdona, Rubén, es que te hemos saltado una buena chapa pero no te hemos te hemos hablado de las repercusiones, en los medios, con "Extraños" la verdad es que hemos tenido bastante apoyo, nos han dado bastante cancha, por así decirlo, bastantes medios y lo que hablábamos antes, quizás no los medios mayoritarios pero sí medio del indie, de los grupos más emergentes, hay distintos blogs y radios que le han dado bastante promoción.

Gracias Chicos.

[ Entrevista a Troy Payne de The Wake por Diego Centurión.

Fotografías: BlayloxArts ]

THE WAKE: LOS PIONEROS POST-PUNK VUELVEN A EMERGER DESPUÉS DE UN HIATUS LARGO

Sí, The Wake, aquella banda de la segunda generación del Gothic Rock, los creadores de "Harlot", "Locomotive Age", "Christine" "Control", entre muchas joyas del Gothic Rock de los 90’s… están de vuelta.

Acaban de lanzar su nuevo álbum llamado “Perfumes & Fripperies” y en estos meses de locura, se convierte en una gran noticia para los amantes del Gothic Rock clásico.

Tenemos la posibilidad de hablar con Troy Payne y hacerle estas preguntas…

Hola Troy gracias por permitirnos hacerte estas preguntas…

Para empezar y ponernos en la actualidad mundial, ¿Cómo están viviendo esta locura llamada Covid-19?

Hola, me alegra tener la oportunidad de hablar contigo y tus lectores.

Sí, COVID-19 ha puesto el mundo patas arriba y al revés. Vivimos el día a día y tratamos de mantener la esperanza y ser realistas sobre los desafíos que aún tenemos por delante. Al igual que con muchos músicos, la pandemia nos ha impedido trabajar y sigue impidiéndonos trabajar. No podemos ensayar, no podemos hacer una gira. Afortunadamente, habíamos terminado de mezclar “Perfumes & Fripperies” justo antes de que comenzaran los cierres, por lo que 2020 no fue una pérdida completa.

Por supuesto, es difícil quejarse de no poder ensayar o hacer una gira cuando tantos han perdido tanto. Nos hemos visto muy afectados aquí en los EEUU. Con más de 9,5 millones de infectados y 234.000 muertos al momento de escribir este artículo. Solo podemos esperar días mejores por delante.

Abarcar la historia de la banda en pocas preguntas es una tarea difícil, pero podemos intentar un repaso sobre esos años en donde todo fluía de forma natural y muchas bandas nacían en el seno de la escena Gothic Rock. ¿Qué recuerdas de esos 80’s y 90’s en la escena del gothic rock?

Realmente no había una escena de rock

gótico aquí en Columbus, Ohio, EEUU., en los años 80. No era un género popular aquí.

The Wake era la única banda de la zona que tocaba música que se podía considerar gótica.

Esta tendencia continuó hasta principios de los noventa. Poco tiempo después de eso, había un solo club gótico en la ciudad que albergaría bandas góticas y DJ, pero solo duró unos años y para entonces habíamos dejado de tocar en vivo en Columbus; nuestro último espectáculo se presentó aquí en 1991.

En otros lugares, por supuesto, la escena estaba viva y próspera. Viajamos a otras ciudades importantes a menudo para tocar en clubes llenos de gente durante varios años. Chicago, Nueva York, Los Ángeles y la Ciudad de México tenían escenas góticas particularmente vibrantes en este momento.

La escena fue impulsada en gran parte por la afluencia de nueva música y bandas de la era de la "Segunda Ola". Muchas de esas bandas (incluida The Wake) encontraron un hogar en Cleopatra Records. Firmar con un sello discográfico significaba algo en ese entonces. Le dio legitimidad a las bandas, la música y la escena en su conjunto. Hoy en día, las etiquetas son menos importantes debido a la facilidad y el bajo costo de la grabación digital y la capacidad de auto distribuirse y promocionarse a través de Internet.

Pensando en esos años donde no había las posibilidades de internet que hay hoy, y hablar de supuestos sería inútil, pero ¿crees que la banda hubiera tenido mucha más difusión?

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¿Habría tenido la banda más exposición mundial en los primeros días si Internet hubiera existido como lo hace hoy? Si, sin duda. Sin embargo, es difícil adivinar cómo habría afectado la trayectoria de nuestra carrera. Como la mayoría de las cosas, Internet es bueno y malo. Permite que la música de una banda poco conocida se comparta en todo el mundo en un instante, lo que puede ser algo maravilloso. Pero esa misma capacidad también crea tal exceso de contenido que funciona para devaluar la música en su conjunto.

Hoy la escena Gothic Rock clásica ha tenido una nueva oleada de bandas que comulgan con el sonido de esa segunda ola de los años 80’s o 90’s, ¿Cómo ves la escena de hoy?

Puede parecer extraño, pero en lo que respecta a la música nueva, escucho principalmente a lo que considero bandas "góticas adyacentes", así como cosas completamente fuera de género en estos días. Tengo una amplia variedad de gustos musicales, pero casi todo tiene un tema oscuro o un borde. Starbenders y Bones UK son dos de mis bandas “nuevas” favoritas actuales.

En los primeros años de la década pasada han tenido algo de actividad con los Singles, “Emily Closer” y “Rusted”, que ambos se encuentran en este nuevo trabajo, pero luego no hubo nada más. ¿Qué ha sucedido que no han grabado nada hasta este 2020?

"Emily Closer" se lanzó en 2010 y "Rusted" se lanzó en 2014. Sin embargo, las versiones incluidas en el nuevo disco son diferentes de los sencillos. Ciertamente hubo brechas en nuestra producción durante los seis años entre los sencillos y el álbum. Encontramos muchos obstáculos en el camino, pero escribimos mucho material (vale un álbum adicional). Con esa reserva de canciones, es de esperar que el intervalo entre “Perfumes & Fripperies” y el próximo álbum sea mucho más corto.

Y desde el año pasado reeditan sus dos álbumes anteriores y prometen el nuevo álbum, “Perfumes and Fripperies”, ¿qué fue lo que hizo que volvieran a grabar un álbum?

Sí, tanto Masked como Nine Ways han sido reeditados a través de Cleopatra Records.

Vinilo y CD para ambos, que también fue divertido y novedoso.

Como dije antes, habíamos querido hacer un nuevo álbum durante mucho tiempo; las cosas finalmente se juntaron en cuanto a horarios y finanzas que lo hicieron posible.

También estaba la motivación de terminar el disco y lanzarlo antes de las fechas de nuestra gira europea. Esto fue para evitar la sensación de ser una “gira de nostalgia”: habría nuevas canciones para tocar y emocionarse.

Escuchando el nuevo álbum, vuelven a las fuentes el Gothic Rock clásico con mucha más crudeza del post punk. ¿Qué piensas del sonido del nuevo álbum?

He escuchado el sonido descrito de varias formas diferentes ahora desde el lanzamiento. Puedo decirte eso desde mi perspectiva, simplemente suena como The Wake. Tocamos, y este es el sonido que sale.

Creo que ahora tenemos una mejor idea de cómo conseguir lo que queremos en cuanto al sonido, y somos un poco mejores haciendo lo que hacemos como escritores, músicos e ingenieros de sonido independientes.

Entonces, tal vez, ojalá esto se refleje en nuestro trabajo.

Matt Hagburg, nuestro ingeniero de mezcla en VMS y Emily Lazar, ingeniera de masterización en The Lodge NYC, sin duda, también contribuyeron al sonido general y la calidad de este disco.

Para hablar de la vuelta a las raíces tienen como invitado a David “Wolfie” de Red lorry Yellow Lorry y por lo que he leído “Everything” había sido descartada y luego retomada. ¿Qué fue lo que vieron en la canción para que “Wolfie” participara?

Sí, "Everything" comenzó como una canción

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completamente diferente. Tenía potencial, pero parecía que no podíamos avanzar hasta que Rich ideó una nueva línea de guitarra que envió la canción en una nueva dirección.

Con la nueva parte de guitarra sonando algo que recuerda a los Lorries, y Rich siendo un gran fan, tuvo la idea de pedirle a Wolfie que agregara otra capa de guitarra a la pista. El resultado es lo que tenemos hoy. Sus partes de guitarra se complementan entre sí de una manera maravillosa.

Y es una canción muy personal que habla

de tu padre, he leído que como una carta catártica. También he leído que cuando escuchaste lo instrumental, la canción cerró. En estos tiempos de pandemia ¿cobró otra intensidad esta canción?

He descrito la letra como una especie de carta catártica a mi padre que murió hace algún tiempo. Además, como una forma de decir y preguntar cosas que viven en el corazón pero que nunca se dijeron o preguntaron en voz alta. Sí, cuando escuché el instrumental de "Everything" después de que Rich y Wolfie habían grabado sus nuevas partes, supe

exactamente lo que quería hacer por mi parte.

En cuanto a la última parte de su pregunta, no estoy seguro, pero puedo imaginar cómo podría ser definitivamente.

He leído que han grabado el álbum en varios estudios y en distintas circunstancias.

Cuéntanos ¿Cómo fue el proceso de grabación?

La mayoría de los instrumentos y todas las voces se grabaron en nuestros estudios caseros.

La batería se grabó en tres estudios diferentes. Por lo general, Rich o yo grabamos una versión demo de una canción que luego se enviaba al resto de la banda o los músicos. Cada uno de ellos grabó sus partes crudas y me devolvieron esas pistas donde ensamblé y produje una mezcla aproximada. Luego envié las mezclas en bruto y todos los tallos a Matt en VMS. Matt elaboraba una mezcla aproximada propia, luego Rich y yo íbamos a la sesión de mezcla final en cada pista. Este fue el proceso para todas las canciones con la excepción de "Rusted (Hz Healer Mix feat. Caroline Blind)", donde soy responsable de la mezcla final.

El resultado es algo que los amantes de gothic rock y post punk de la vieja escuela no deben dejar pasar por alto, “Perfumes & Fripperies” es un viaje oscuro y profundo, en donde los años muestran lo que mejor saben hacer, demostrar su hidalguía como una de las bandas legendarias de años gloriosos de la escena oscura.

Gracias.

Para terminar y agradeciéndote el tiempo que me has dedicado, ¿qué mensaje te gustaría dejarles a nuestros lectores?

La respuesta al disco ha sido sobresaliente. Gracias a todos por eso. No podemos esperar a hacer otro.

Espero que podamos rockear en vivo juntos algún día. Si no, estamos contigo en los auriculares.

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[ Reseña de Robin Guthrie & Harold Budd - Another Flower (2020) por Benjamín York. ]

LA ÚLTIMA CONEXIÓN CIELO TIERRA

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Robin Guthrie & Harold Budd - Another Flower Label: Darla Records Fecha de Lanzamiento: 04 de Diciembre de 2020

Si bien no es un trabajo nuevo, ya que fue grabado durante un verano lluvioso en Bretaña 2013, según reza en el bandcamp de Robin. Tampoco es un trabajo póstumo, ya que fue grabado antes de la partida de Harold. Pero de ninguna manera es una despedida.

Es una nueva flor en el Universo Guthrie-Budd.

En un año en donde todos tratamos de escapar a la modorra cotidiana del encierro y respirar algo de vertiginosidad que nos despabile un poco. Me encuentro ante un disco que me da todo lo contrario y me clama el alma. Porque este álbum es un bálsamo y un adiós de Harold acompañado con el gran Robin Guthrie, guitarras, pianos, sensibilidades en torno a paisajes borrosos pero majestuosos que le imponen un ambiente de despedida tan bello como melancólico.

Nueve tracks que desparraman una calma que seguramente es la que misma que acompañó esta grabación hace 7 años, la última colaboración. Aunque esto lo podemos decir ahora que sabemos que Budd se nos fue.

Ambos músicos se conocen muy bien desde aquella colaboración "The Moon And The Melodies" de 1986 entre Cocteau Twins y Harold Budd, y después repitieron en "Music From The Film Mysterious Skin" (2005), "Before The Day Breaks" y "After The Night Falls (2007), "Winter Garden" (2011), "Bordeaux" (2012) y "White Bird In A Blizzard" (2014).

Este nuevo regalo es la última conexión entre el Cielo y la Tierra, no se la pierdan.

CINCO PREGUNTAS

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ÍNDICE PAUL MALONE (CANDY OPERA) 160 DAVEY WOODWARD 162 ETHAN GOLD 164 LOUD APARTMENT 166 NERO KANE 168 OF1000FACES 172 OUTWAVE 174 PHILIP PARFITT 178 THE PERSIAN LEAPS 180 THE ROOGS 184 THRILLSVILLE 186

PAUL MALONE (CANDY OPERA)

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Queríamos demostrar que todavía éramos relevantes hoy. No queríamos ser simplemente una banda que vendiera su catálogo anterior. Creemos que siempre debemos mirar hacia adelante y no hacia atrás ... y en cuanto a cualquier mensaje para el mundo, esa es una pregunta demasiado grande para que cualquiera la responda. Solo queremos hacer música que nos guste.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Para nosotros, no ha detenido ningún flujo de creatividad. Obviamente tocar en vivo ha sido un problema y seguimos siendo positivos de que las cosas cambiarán. Ser creativo siempre ha estado en el corazón de lo que hacemos, ya sea juntos o separados, siempre trataremos de encontrar una salida. ¡Supongo que tendremos que volver a aprender nuestros instrumentos, sin haber tocado un acorde con ira durante un tiempo!

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Tocar en vivo siempre fue algo que valoramos y extrañamos. Recién estábamos comenzando de nuevo cuando pasó toda esta mierda. Volver a estar juntos como banda y vernos a nivel personal y creativo es algo que esperamos... simplemente el puro placer de tocar frente a una multitud y compartir nuestro nuevo material con ellos.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Esperamos que nuestras ideas para este álbum resulten bien y que alcance su potencial de éxito. Ahora que nuestro mojo ha terminado, también estamos deseando escribir más música nueva y explorar otras vías en nuestra dirección.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Mac DeMarco, DMA's, Jalen N’Gon, Davey Woodward & The Winter Orphans, The Wolfhounds, The Room in The Wood, Philip Parfitt, Easy, Paul Den Heyer.

DAVEY WOODWARD

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Solo quería hacer un álbum que pudiera involucrar al oyente a un nivel emocional. Incluso a nivel personal. No hay mensajes conscientes para el oyente, pero el álbum se llama "Love and Optimism".

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Me dediqué a escribir historias. Eduqué en casa a mi hijo menor. Hicimos muchos dibujos y le dijimos a su mamá que estábamos haciendo matemáticas.

Limpié mi bicicleta. ¡Espero que en algún momento estas experiencias se conviertan en canciones!

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Extraño la alegría de tocar música con amigos. Ser capaz de hacer eso de nuevo será genial. Un concierto aún mejor.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Dios, soy malo planeando. Nuevo single del álbum, toca algunos conciertos, ensaya y graba nuevas canciones. Llegue a una audiencia más amplia.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Black Country New Roads Squid Norma Tanega (viejo pero merece una nueva audiencia) Vintage Crop Jane Weaver

ETHAN GOLD

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Mi álbum de varias partes "Earth City" saldrá en primavera. Se trata de la vida de las ciudades y de nuestra desconexión entre nosotros y del mundo natural.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Era muy resistente a la transmisión en vivo, pero salté a ella con ambos pies (descalzos)... O con los pies en calcetines. De alguna manera me acostumbré a esta forma extraña, casual e íntima de hacer shows. Dejé que fueran básicamente 100% a pedido, así que pude aprender muchas cosas oscuras de mi catálogo. A veces también hago partituras de películas, por lo que fue un desafío recuperar todo tipo de trabajos antiguos para reproducir lo que mis oyentes querían cada semana.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Me encantó la vida de los clubes y espero que todo vuelva. Las esperanzas y los sueños de todos chocan entre sí noche tras noche. El caos es realmente hermoso, en retrospectiva.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

El lanzamiento del álbum "Earth City" y muchos videos.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) The Size Queens. Me. John Grant. My Bus. Miranda Lee Richards. Algunos de estos son más emergentes que otros.

NEVARIS A.C. (LOUD APARTMENT)

Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

System Breakdown se escribió en respuesta a lo que vimos que sucedía a nuestro alrededor. Los sistemas básicos se desmoronan. Tránsito. Cuidado de la salud. Alojamiento. Y la administración actual (pronto desaparecida) proporcionó esta pesadilla diaria de ignorancia y odio que no podía procesar sin ponerle música.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Ha sido muy productivo en términos de escritura. El verano nos dio un respiro en el que nos sentimos seguros de volver al estudio, pero en este momento la pandemia realmente nos está frenando. Las actividades en solitario (escribir y practicar) han sido muy productivas. Estoy escuchando y practicando mucho y ha sido bueno en ese sentido. Tratando de tener paciencia para volver al estudio.

Es posible trabajar con máscaras y cosas por el estilo, pero vamos a esperar un rato. Estoy feliz de haber podido terminar de grabar System Breakdown durante el verano.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Recuerdo el último concierto en interiores que toqué antes de que se apoderara de la pandemia, que fue en un club abarrotado en West Village. Era algo muy peligroso de hacer en retrospectiva, pero ninguno de nosotros se dio cuenta todavía. Espero poder hacer esas cosas sin miedo. También me he vuelto más consciente del tiempo durante la pandemia porque viajo mucho menos. Creo que seré más consciente de no perder el tiempo en el futuro.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Planeo volver al estudio con los mismos músicos de la falla del sistema y trabajar en más música. Fue un placer trabajar con este grupo particular de músicos. Tan pronto como sea seguro. También espero volver a jugar frente a los humanos en algún momento.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Garrison Hawk Maya Azucena Ugly Braine Angel Ruben Rodriguez Abrazos Orchestra The Fates Matt Dickey Soul Inscribed Imany Mladao

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NERO KANE

Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Mi nuevo álbum "Tales of Faith and Launacy", lanzado a finales de octubre, es una historia visionaria con sabor cinematográfico, un viaje atemporal en el paisaje desértico estadounidense, concebido en una visión personal de fe entre la espiritualidad y la pasión, que fluye en cada canción y se desarrolla con los distintos protagonistas. Podría verse como una especie de álbum conceptual sobre la vida y la muerte, la oscuridad y la luz, la fe y la búsqueda desesperada del amor en un mundo que está condenado y abandonado. Estos son los temas de mi composición. El álbum fue aclamado como una nueva obra maestra del folk psicodélico, definición que no es mi decisión decir si es verdad, pero que me dio mucha satisfacción. Además, está logrando muchas críticas sorprendentes tanto en Italia (figura entre los mejores lanzamientos italianos de 2020) como en el extranjero. El álbum fue lanzado con tres sellos y tres soportes físicos, Nasoni Records (vinilo, Alemania), BloodRock Records (CD, Italia), Anacortes Records (cinta de cassette, Italia), y fue producido y grabado en Italia por Matt Bordin, quien colaboró con muchos artistas italianos e internacionales, con el violín invitado de Nicola Manzan (Bologna Violenta) y la colaboración de mi compañera Samantha Stella (voz, piano eléctrico / órgano). Este es mi segundo álbum como Nero Kane después del lanzamiento en 2018, mi álbum debut “Love In A Dying World” producido y grabado en Los Ángeles por Joe Cardamone, ex de la banda The Icarus Line, quien ahora colabora con Mark Lanegan.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Sinceramente, para mí ha sido un año productivo. Me he concentrado en el lanzamiento del álbum y, antes del bloqueo mundial, en mi primera gira por el Reino Unido en febrero pasado. Durante el encierro, simplemente seguí con mi rutina y continué trabajando en mi música y escribiendo cosas nuevas. También trabajé con Samantha (quien, desde 2017, me sigue en los shows en vivo como cantante y pianista / órgano, cantó y escribió tres letras del nuevo álbum y es la directora de todos mis videos), en el cortometraje a lanzar la pista principal "Lord Won't Come". Toqué mucho mi guitarra y trabajé en mi tipo de sonido probando nuevos efectos y en el nuevo set en vivo que espero tocar pronto en 2021. Obviamente, también ha sido un año difícil por muchas razones. En cuanto a la música, en primer lugar por la cancelación general y el aplazamiento de conciertos y giras.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Libertad. Como persona y como artista, que para mí es lo mismo. La libertad de vivir tu vida, de manera plena y completa, sin miedos ni restricciones, para tener la posibilidad de seguir tus aspiraciones. De cualquier tipo que sean.

Tengo muchas ganas de recuperarlo porque sin libertad no somos nada.

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En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Como dije antes, volver a tocar mi música frente a personas reales y en un escenario adecuado. No me gusta la nueva transmisión que podría ser buena para una película, pero no tanto para la música en vivo. Planeo volver al estudio y grabar un nuevo álbum y, con suerte, seguir impulsando mi mundo creativo lo más lejos que pueda. Por último, pero no menos importante, quizás empiece a tocar el piano.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) En el panorama italiano he descubierto recientemente a estas dos artistas emergentes, Julinko y Annie Barbazza, dos interesantes voces femeninas y compositoras. Entre los artistas internacionales me gustaría recomendar a estos músicos (no sé si todavía se pueden considerar como emergentes): Jaye Jayle, Holy Motors y Lingua Ignota.

Gracias por tu tiempo y felices fiestas a ti...

Gracias por tu interés en mi música, felices fiestas y dedos cruzados para este 2021.

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MATT WALKER (OF1000FACES)

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Mi último lanzamiento es The Infinity Line, que es el segundo acto de lo que llamo la Trilogía Monomyyth. Es un álbum instrumental que abarca música clásica contemporánea ambiental, electroacústica y minimalista. Establece un estado de ánimo contemplativo, pero no está tan estancado como la mayoría de la música ambiental. Como un disco escuchado de arriba a abajo, se reproduce como una banda sonora, donde cada pieza es en gran medida su propia escena.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Ha sido un momento muy productivo para mí. Y he empezado a aprender más sobre la síntesis analógica, lo que inevitablemente conduce a la creación de nueva música.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Sin duda eso sería hacer giras y tocar en vivo. ¡Pero también extraño mucho ir a mi biblioteca pública!

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

En febrero lanzaré el acto final de la trilogía Monomyyth, Nadir. Después de eso, me enfocaré en terminar y lanzar un álbum art-pop bastante ambicioso que cuenta con un elenco increíble de cantantes invitados.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Marika Hackman Anna Calvi Matthew Dear Son Lux Zola Blood Young Fathers Moses Sumney Big Black Delta Friko Chris Zabriskie

OUTWAVE

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

“The Storm” se lanzó oficialmente en septiembre de 2020, tanto en formato digital como en CD. El álbum sigue la historia de un niño que, a través de una serie de vicisitudes asociadas metafóricamente con fenómenos naturales y escenarios pintorescos, experimentará un cambio profundo. Cada canción habla de diferentes momentos emocionales que enfrenta el protagonista: paso a paso a través de la imprevisibilidad de la vida. La Tormenta como caos, como un torbellino de emociones violentas, es definitivamente el punto focal. Un fenómeno que, en la vida real, sacude el curso normal de los acontecimientos.

El protagonista, luego de enfrentarse al enredo, se libera de las cadenas que lo ataban y corre hacia un nuevo comienzo.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Afortunadamente logramos seguir tocando y produciendo nueva música, adaptándonos a la situación. Para nosotros, los músicos, era importante practicar con nuestros instrumentos musicales y no desanimarnos por la pandemia.

Gracias también a nuestro sello discográfico (Seahorse recording) hicimos también nuestro primer concierto de streaming.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Como banda, estamos ansiosos por volver a experimentar las mismas emociones que solíamos sentir antes de la pandemia. Especialmente echamos de menos la calidez del público que se sintió durante los conciertos. ¡Queremos volver a verlos cara a cara y divertirnos juntos! Nos encanta ver a la gente bailar, volverse loca y crear una conexión profunda con sus emociones, sin miedo a estar demasiado cerca.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

En primer lugar, nos gustaría promocionar nuestro nuevo álbum y tocarlo en vivo. Desafortunadamente, la epidemia de Covid-19 representa un obstáculo real para nosotros y para todo el mundo del espectáculo en este momento, ¡pero estamos seguros de que volveremos pronto! Vamos a realizar un nuevo video musical y lanzar un EP, ya que estamos trabajando en algunas canciones nuevas.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) PERPETUAL FATE (Melodic Metal) FRANK - Mattia Orlandini (Pop) E-KREEP (Electronic) SPARKLY PLANES (Hard and Pop Rock) THE WANKRESS (Post Rock)

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PHILIP PARFITT

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Es (el álbum) sobre personas, relaciones, descubrir quiénes somos lo que estamos haciendo aquí, en una ola de conciencia que navega a través de la oscuridad... en busca de significado y un poco de amor.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Siempre estoy escribiendo, grabando, pintando, siendo creativo en general, etc. ... probablemente hice más este año en términos de terminar el trabajo porque tuve mucho tiempo para concentrarme ... aunque todavía hay mucho por hacer ... feliz así.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Moverme un poco más para ver a todos mis amigos en los países que amo y descubrir nuevos Artistas con los que colaborar. Artistas de todas partes es lo que más amo y extraño... mi familia, mi gente algunos que no he visto en 10 meses que viven en otras partes de Europa En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Bueno, el seguimiento de 'Mental Home Recordings' está en marcha y tengo varios otros proyectos de arte en marcha también... Actualmente estoy trabajando en una colaboración con una encantadora artista conceptual japonesa que combina mi poesía y música con sus pinturas. En 3 libros y una exposición... esperamos terminar eso para el otoño del próximo año... así que sí, si yo / nosotros podemos terminar esas cosas será genial... mi equipo habitual de músicos muy talentosos también estará ocupado... es suficiente.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) No hago listas, pero una cosa que recomendaría es que la gente busque por sí misma, encuentre lo que ama y apoye a esos artistas de cualquier forma que pueda. El arte y la cultura se han visto muy afectados en el último año... otras cosas que damos por sentadas tan fácilmente... pero ¿intenta si puedes imaginar un mundo sin música? ¡¡El latido de nuestra existencia!!

DREW FORSBERG (THE PERSIAN LEAPS)

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Lanzamos un EP de 7 canciones llamado Smiling Lessons EP este otoño. Es nuestro octavo lanzamiento en general. El título del EP proviene de una broma con mi esposa; Soy tan malo para sonreír cuando se me ordena para las fotos que necesito "lecciones de sonrisas". Pero la frase ha llegado a significar más para mí. Si se supone que la gente debe sonreír ante la adversidad, entonces todas las dificultades que la vida nos presenta son lecciones de sonrisas. Se podría decir que 2020, con su pandemia global, injusticia racial y avispones asesinos, ha sido una lección de sonrisas masiva e interminable. No sé qué el power pop cargado de distorsiones sea una solución a ninguno de esos problemas, pero honestamente, ¿puede doler?

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Hasta ahora, este año ha sido tan productivo como cualquier otro en términos de escribir nuevas canciones. Tiendo a no escribir canciones obviamente de actualidad, así que no escucharé baladas sobre cómo somos más fuertes juntos, incluso cuando estamos separados. El mayor desafío hasta ahora ha sido que debido a Covid y algunos amigos con factores de riesgo más altos, no puedo trabajar con mis colaboradores habituales. El EP de este otoño se terminó en gran parte en marzo, por lo que no se vio muy afectado. Pero para el próximo lote de canciones que lanzaré en 2021, tendré que cambiar un poco mi proceso, grabar en un nuevo estudio, trabajar con gente nueva, etc. Es perturbador, pero hasta ahora va bien y es una experiencia positiva.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Nos retiramos como banda en vivo en 2017 después de tocar en demasiados shows en Twin Cities durante los últimos 5 años. Durante ese período, salí a ver toneladas de música en vivo incluso cuando The Persian Leaps no estaba sonando. Me excedí por completo, hasta el punto de que apenas he visto un programa al año desde entonces. Me encantaba ver música en vivo, pero tenía que tomarme un descanso. Una vez que Covid esté detrás de nosotros, me gustaría volver y ver más música en vivo. El desafío, por supuesto, es que muchos de nuestros lugares locales se encuentran en serios problemas financieros en este momento. Eso es cierto en todas partes, estoy seguro, pero en las Ciudades Gemelas, algunas de ellas resultaron dañadas o completamente destruidas por incendios provocados por saqueadores y vándalos después del asesinato de George Floyd por la policía de Minneapolis. Nuestro último video musical de "Your Loss" muestra muchos de esos lugares, o sus ruinas carbonizadas.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Espero que nuestro próximo lote de canciones esté bien servido por los cambios en el proceso y la colaboración forzados por Covid que mencioné anteriormente. Hemos lanzado un EP o LP todos los años desde 2013. Tengo la intención de seguir haciéndolo mientras tenga buen material. Sería abrumador tener que posponer el EP que ya comencé a publicar en 2021. Hasta ahora, las cosas van bien, a pesar de las circunstancias inusuales, así que tengo la esperanza de que todo salga bien, a pesar de un año lleno de "Smiling Lessons".

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Lost Ships (https://lostships.bandcamp.com/) Deleter (https://deleter.bandcamp.com/) Ahem (https://helloahem.bandcamp.com/) Big Bliss (https://bigblissesr.bandcamp.com/) Herzog (https://herzog-cleveland.bandcamp.com/)

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STEVE AND COURTNEY (THE ROOGS)

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Queríamos crear un grupo de canciones que se centraran en la experiencia humana individual, en lugar del mundo político ruidoso y abarcador en el que nos encontramos actualmente. Con tanta intrusión de los medios, se vuelve difícil permanecer enfocado en las cosas que son importantes y no distraerse con las malas noticias y la confusión que está fuera del control de la persona individual. Creemos que es importante hablar con otras personas de su nivel y de la manera más honesta posible. Nuestras similitudes superan con creces nuestras diferencias.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Trabajamos muy activamente en nueva música, y ya tenemos más canciones nuevas que el valor de un álbum, que estamos en varias etapas de producción... porsupuesto,algunasdeestasserándescartadasyprobablementereemplazadas por canciones aún no escritas.

Steve está trabajando para mejorar algunas habilidades de software desatendidas (Reason, Bitwig, Izotope, etc.) y dedicar más tiempo a la guitarra.

Courtney continúa trabajando en voz, letras, guitarra y flauta, pero también se enfoca en teclados.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Echamos de menos ver música en vivo: grandes bandas en grandes escenarios y pequeñas bandas en lugares más pequeños.

Estábamos muy decepcionados de perdernos Underworld y Rammstein cuando sus shows fueron cancelados debido a COVID. Tenemos muchas ganas de volver a ver música en vivo.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

El plan es lanzar un nuevo disco a mediados de 2021, y quizás un par de sencillos también, y quizás una o dos versiones de canciones. Incluso podríamos buscar tocar en vivo, ¡algo que nos emociona y nos aterroriza!

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Tombstones In Their Eyes The Sea At Midnight Modem The Band Ghum Black Needle Noise Scenic

RANI SHARONE (THRILLSVILLE)

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que querías compartir con el mundo a través de esta música.

Mi último lanzamiento, Say Goodbye to the Light (ep), presenta cinco canciones que me brindaron una distracción bienvenida y una salida creativa durante este momento desafiante. Sumergirme en la producción de música siempre ha sido un escape de la realidad y espero que otros también puedan sacar algo de mis canciones.

Muchos artistas han descubierto que 2020 es productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido?

Comencé el año con un video de mi canción “So Close” y un optimismo que rápidamente se descarriló, pero me llevó a interesantes elecciones artísticas.

Lancé una canción y un video para mi canción "Lockdown" inspirado por la inquietud implacable de estar atrapado en cuarentena, lo que me ayudó a ventilar mis sentimientos y estoy seguro de que muchos otros están experimentando.

Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe.

Tocando en vivo. Estaba empezando a reservar espectáculos y a enviarme a giras justo cuando llegó la pandemia, así que fue un gran fastidio. Estoy especialmente ansioso por actuar una vez que las cosas vuelvan a funcionar.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021?

Lanzando más música / videos y actuando.

Recomiéndenos entre 5 y 15 artistas emergentes que creas que nuestros lectores deberían explorar durante las vacaciones. (una lista simple servirá) Stolen Babies Precious Child Vowws Free Salamander Exhibit Ridiculon

The13th

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