Revista The 13th Numero 68 by Revista The 13th

AÑO: 7 | NÚMERO 68

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

PINK TURNS BLUE - JULES MAXWELL MARCO BUTCHER - THE CITY GATES PIA FRAUS - B.DISCO - CIUDAD INDIE REM. - STILL CORNERS - BEST MOVE - DJO GLOSSER - HUAN HUAN - RUBY HAUNT AQUELLA TAPA - DE TIEMPO Y LETRA - INDIE SOUNDSCAPES DESDE LA NIIEVE - ESPACIO BOOMBOX - CINCO PREGUNTAS

STAFF

Septiembre 2021 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Ariel Tenorio REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Diego Centurión.

Darío Martínez

PORTADA

Fernando Rivera Rodríguez

Diego Centurión

Flavio Gabriel Aza

Diego Centurión

Franco Doglioli Rubén Torres Eogham Lyng Christian Vélez Stein. Jefe de Departamento de Literatura: Franco Doglioli. Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Agradecimiento especiales a Eogham Lyng y a Christian Vélez Stein. Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

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NÚMERO 68 CAMBIO Y un día decidimos regresar a la actividad con un nuevo número de la Revista The 13th. Un año 2021 que hemos discontinuado las entregas.... y nos preguntamos ¿alguién nos extrañará?... Y las preguntas sobre el silencio empezaron a llegar y acá estamos nuevamente... marcando el fin de una etapa. Pero listos para terminar este 2021 que estuvo un poco discontínuo. Ya en estos 8 años como proyecto llamado The 13th, renovamos fuerzas para estirar nuestra pequeña huella en el mundo de la independencia de la libertad de las voces que, en este ámbito de Revista The 13th, suelen aparecer. Pero todo esto que dijimos antes se contrapone con el anuncio de que éste número, será un quiebre en la historia de la Revista. No sabemos cuando habrá una nueva publicación en formato Revista, ya que estamos en el medio de un cambio a página web... Por eso este número es especial... el que viene, si lo hay... veremos en qué formato nos encontrará. Estén atentos a nuestras redes sociales... Bienvenidos al número 68 de la Revista The 13th... Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES

AQUELLA TAPA

SIOUXSIE AND THE BANSHEES

JULES MAXWELL

DJO

B.DISCO

34 44

BEST MOVE

51 REM

69 72

GJAM

STILL CORNERS

MANTENERSE EN MOVIEMIENTO

90 94 GLOSSER

CIUDAD INDIE

98 108

CINCO PREGUNTAS FLDPLN GAVIN MURPHY WE MELT CHOCOLATE SONS OF SOUTHERN ULSTER THE MYSTERY PLAN

DE TIEMPO Y LETRA FRANCO DOGLIOLI

PIA FRAUS

ESPACIO BOMBOOX FEDE ZANELLI

THE CITY GATES

INDIE SOUNDSCAPES THE CONFUSIONS

MARCO BUTCHER

DESDE LA NIEVE PISTILO RECORDS

PINK TURNS BLUE

DISCOS

118 120 124 128 132 136

Pueden encontrarlo en: https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/

https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/album/sinergia https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/album/limbo-2

https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/album/ep-59-1 https://nomeescuchorecords.bandcamp.com/album/ilimitado-split

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

Mucho antes que el bebe de Nevermind consagrara a Nirvana mundialmente y dejara estampada en nuestra memoria aquella zambullida detrás de un billete, como una de las tapas icónicas de los años 90. Un fotógrafo ingles buscaba desesperadamente una piscina perfecta para poder plasmar la idea de una joven Siouxsie Sioux, cantante y líder de una de las bandas pioneras del punk y postpunk, que supo abrirse camino a fuerza de originalidad. La idea principal de la tapa y el título del disco estaba basada en la película “The swimmer” de 1968 protagonizada por Burt Lancaster, en ella el personaje principal Neddy Merill decide saltar las vallas de las casas vecinas para nadar en sus piscinas, así pasa sus días de jardín en jardín, agotándolo física y mentalmente, de esta manera lo único que pudo hacer finalmente fue gritar. Finalmente, Paul Wakefield, el fotógrafo en cuestión, dio con el sitio perfecto para retratar el concepto de Siouxsie. Su idea era controlar la iluminación, para esto necesitaba de una pileta cubierta, se decidió por la piscina del YMCA del centro de Londres, ubico una serie de luces de 1000k y 2000k en el borde de la piscina y opto por modelos niños de una escuela. La imagen es un poco inquietante y misteriosa, recortada de manera vertical en el centro de la portada, puede verse una niña zambullida, apretando sus ojos con los brazos extendidos, en primer plano un pie de alguien que se fuga de la imagen y una figura de espalda al fondo. La línea del piso en celeste que se pierde en perspectiva hacia el fondo le da profundidad y encuadre a la escena. La contratapa es mucho más minimalista, oscura y sugerente, solo muestra unos pies, no contiene ninguna información, ni siquiera los títulos de las canciones, para eso hay que dirigirse al sobre interno del disco. El disco se grabó en una semana en los estudios Rak de Londres, se mezcló en tres semanas y se publicó el 13 de noviembre de 1978 bajo el sello Polydor, con los últimos coletazos de lo que fue la revolución punk, si bien la banda venia de aquella primera oleada de grupos, quizás muchos no sepan, pero Sid Vicious fue baterista por un corto plazo antes de pasar al bajo en los Sex Pistols. En este primer y aclamado disco de Siouxsie and the Banshees, casi no se encuentran rastros del punk mas primitivo, pero predomina la idea central de aquel movimiento, hacer las cosas a tu manera cueste lo que cueste. En este sentido podemos destacar el trabajo del sonidista y productor Steve Lilliwhite, logro un sonido amplio y atmosférico, frio y pasional al mismo tiempo, la manera de grabar la batería es uno de sus logros, grabo el bombo y redoblante, luego platillos y por último los toms que sobresalen en la mayoría de las canciones, aun hoy en día siente adelantado a su época, por mucho tiempo no pude escucharlo, pero cada vez que veía la tapa en alguna revista me encantaba, esa fotografía me atrapaba cada vez que la veía, tal vez la paleta de colores tenga algo que ver ya que el azul es mi color favorito, además la sensación de sentir el agua en el cuerpo al nadar también es una de mis preferidas. Si había escuchado varios de sus discos sobre todo “Nocturne” y “Hyaena” que posee otra tapa que me encanta y por supuesto “Superstition” mucho más accesible para las radios, como fue su hit “Kiss them for me” y por supuesto el compilado “Twince upon a time/The singles” nunca me había detenido a escuchar con detenimiento su discografía más allá de estos discos mencionados. En 2019 mi profesora de yoga me dice que tiene unos discos de vinilo que heredo

de un amigo ingles y que si los quiero me los regala, entre ellos se encontraba “The Scream” edición original inglesa en perfecto estado. Sorprendentemente suena de maravilla, casi sin nada de fritura, finalmente pude comprobar porque era tan mencionado y citado por tantos músicos que admiro, es sin dudas uno de sus mejores discos, más allá de los logros de ventas que consiguieron en los 80 y 90, este marca la importancia de la banda y sobre todo del trabajo del guitarrista, luego pasarían a tener muchísimos guitarristas pero quizás ninguno pudo conseguir ese sonido tan característico y original de su primer disco que le dio John McKay. Un sonido único, disonante, por momentos metálico, con un buen uso de los armónicos, en algunos pasajes no perece una guitarra, el meticuloso uso del flansher y el fuzz como efectos primordiales ayudan a crear ese remolino sonoro. Además, McKay toco el saxo en varios temas y fue el compositor de la mayoría de las melodías principales, grabo en el siguiente álbum “Join Hands” de 1979 llevando sus experimentos sonoros un poco más allá y luego dejo la banda. No se sabe mucho de la carrera musical de Mckay por fuera de Los Banshees, pero seguro se trata de uno de esos casos de faro, artistas que marcan un rumbo a seguir, ayudan a forjar un género y una idea que perdura más allá de su tiempo y espacio, junto a Magazine y Public Image Ltd; Siouxsie supo fundar las bases de lo que sería gran parte de la música de la década del 80, tan influyente y reversionada hasta hoy. No es casualidad que otro John, McGeoch en este caso, haya formado parte de las tres bandas en algún momento de su vida haciéndose cargo de la guitarra y el saxo, pero esa es otra historia. También hay que destacar el trabajo de la batería y el bajo, creadores de lo que sería el sonido de la base rítmica postpunk propiamente dicho, ese pulso nervioso, frio y tajante que sobresale por encima de la melodía. Y coronando todo esto, por supuesto, la voz y el histrionismo de Siouxsie que por momentos sale a la superficie y en otros se pierde a la distancia en una zambullida etérea.

[ Reseña de “Djo - Twenty twenty (2019)” por Rubén Torres. ]

AUTENTICO CORTE PSICODÉLICO EXPERIMENTAL Y ROCK INDIE

Djo - Twenty twenty Label: Djo (Self-released) Fecha de Lanzamiento: 13 de septiembre de 2019

El guitarrista de la banda de rock psicodélico POST ANIMAL Joe Keere debutó con un álbum lleno de magia de nombre, Twenty Twenty. Disco de auténtico corte psicodélico experimental y rock indie. Un paso más para este talento con su primer disco bajo el pseudónimo de; Djo. ●Joe Keery● Un fondo de color azul y tres letras es la portada del disco del actor (Stranger Things) y músico americano. Pop-rock neo psicodélico con muy buen gusto y muchísimo talento es la primera sensación al oír los doce tracks que componen el disco. El álbum abre con showtime una intro con voz enlatada y distorsionada que repite; Que comience el show. Experimentación en un primer disco con reverb y distorsión. Perlas dentro del disco; RODDY donde emplea ecualización y la nostálgica; CHATEU (Feel Alright) donde se hacen presentes líneas como; "así que retrocedo el tiempo, estoy seguro, estoy bien" Influencias de todo tipo rebosan en el álbum, a saber; Tame Impala, The Beatles, Black Keys, Joe Keery no se priva de ningún sonido reconocible, pero que empleo a su favor, como si él fuese quien inventara tal sonido, es que su música se agiganta en el estilo y la personalidad de este artista joven. El álbum fue escrito, producido y mezclado por el propio Keery. ●TWENTY TWENTY● La melancolía resuena en todo el álbum al igual que extraño porque Keery a través de su alter-ego Djo demuestra tener un verdadero talento musical pegado por una formación musical muy de los 60tas y Joe la toma como una fuente inagotable de inspiración en gran parte a música popular... Con este álbum Joe Keery sienta las bases para una gran carrera musical. Hermosas canciones donde las melodías no son predecibles ni monótonas. Extraordinario primer disco de Djo, y es evidente que tiene más para darnos...celebremos este disco como el primero de una larga lista de grandes trabajos, porque el talento está asegurado.

El Programa de la Revista The 13th

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Transmisiones Oceánicas se transmite:

Lunes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sábados a las 12 hs. por RadioRueda

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio.

www.radiorueda.weebly.com/

https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista con Jules Maxwell de Dead Can Dance por Eoghan Lyng. Fotografías: Tony Wadham y Atlantic Curve ]

JULES MAXWELL: "LA LLAMA ARDIENTE"

Tras el lanzamiento del álbum colaborativo 'Burn' de la leyenda de la música / diosa Lisa Gerrard y el compañero de banda de Dead Can Dance, Jules Maxwell, nos complace presentar explore el mundo musical de este último, como se presenta en esta entrevista entre Maxwell y el periodista musical irlandés Eoghan. Lyng, publicado con permiso de We Are Cult.

El músico nacido en Bangor, NI, cuyo trabajo se ha presentado en Londres en la Royal Opera House, el National Theatre y el Shakespeare’s Globe Theatre, llama para hablar sobre Burn, el disco de exuberante producción que completó con su compañera miembro de Dead Can Dance, Lisa Gerrard. A propósito de la forma, es un álbum difícil de encasillar, pero la música, repleta de paisajes sonoros y misterio, compensa con creces las dudas que pueda tener un lector de We Are Cult. “Es un álbum que armamos durante los últimos años, quizás los últimos cinco años. Se ha grabado en diferentes lugares. Parte de él se grabó en Francia, donde viví durante cinco años, y grabamos un coro en Bulgaria.” Parece que está describiendo una película de James Bond, pero a diferencia del enfoque de la vida y el trabajo de Roger Moore, Maxwell dice que la conveniencia era más importante que la ubicación. “Creo que lo que contribuyó no fue tanto la geografía, sino trabajar de forma independiente y rápida. Estuvimos unas horas en Australia y luego llevé sus raíces vocales a Francia. Quiero decir, la música no tiene por qué ser complicada; los registros están destinados a ser registros." A través de un collage de drones, divergencias y direcciones llega la voz aguda de Gerrard, cada nota llega al más desolado de los sentimientos. En lo que se puede comparar más fácilmente con un tapiz, la instalación que sostiene el marco es también la base que da forma al álbum como proyecto. “Fue bastante simple, de verdad”, dice Maxwell; “A pesar de que tomó cinco años. Hay una pureza en el proceso. En el pasado, he colaborado con personas en una habitación, cada uno de nosotros de pie juntos, alimentándonos unos de otros."

En cambio, Maxwell está saboreando el momento y está feliz de promocionar otro álbum que está igualmente cerca de su corazón. “Tengo un álbum que se lanzó en marzo, Nocturnes, y tengo un segundo volumen de trabajo que saldrá en otoño llamado Cycles. Estoy muy orgulloso de eso, y Dead Can Dance espera volver a actuar pronto." El álbum 'Burn' de Lisa Gerrard y Jules Maxwell ya está disponible en vinilo, CD y digitalmente. Puede solicitarse en https://orcd.co/lisajulesburn

Eoghan Lyng es un compositor de música, que ha publicado trabajos con decenas de publicaciones en varios continentes. También es autor del libro "U2: Every Album, Every Song", que ya está disponible y disponible en Sonicbond Publishing, PVP £ 14,99 (ISBN 1789520789). Puede obtener más información sobre su trabajo en https://eoghanlyngwriter.wordpress.com

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[ Entrevista con Isaac Saad de Pistilo Records por Darío Martínez. ]

PISTILO RECORDS

[ Entrevista a Isaac Saad por Darío Martínez ]

Un sello discográfico oriundo de la ciudad de mar del Plata, que comienza a gestarse en la última década del siglo pasado, allá a principio de los llamados años 90’s. Pero quien nos va a contar su historia, pasada, presente y futura, es Isaac Saad, quien se mantuvo siempre firme y le dio una continuidad necesaria al sello, junto a diferentes personas que se acercaban a colaborar, en diferentes momentos, a lo largo de sus veinte años, en los cuales, la mesa, a veces, hubo que achicarla, pero otras tantas, hubo que agrandarlas. Esta es una entrevista para tratar de entender un poco cómo se está organizando el contenido musical con la aparición de estos sellos, principalmente los últimos 20 años, donde la llegada y masificación de Internet puso en crisis a las grandes compañías, que casi, desde la misma aparición de los sellos independientes, intentaron asimilarlos. Primero lo hicieron como acto reflejo de suprimir cualquier tipo de competencia comercial. Y, en segundo lugar, se dieron cuenta que tenerlos como subsidiarias, era una forma de mantenerse actualizados. Y estos sub sellos eran un excelente campo de prueba. Así mataban dos pájaros de un tiro, se prevenían de posibles competencias y se mantenían actualizados, por medio de jóvenes entusiastas, que habían emprendida la utópica tarea de crear un sello independiente. Esto recién empieza….

DLN: Ahora vamos a escuchar a Isaac que nos va a hablar de las primeras motivaciones e influencias. Isaac: Nosotros provenimos un poco del ámbito universitario de Mar del Plata, en los 90's, cuando nos conocimos con Sergio Erdosain. Él estudiaba psicología, yo estudiaba Derecho, nos conocimos por otros universitarios en común, terminamos formando un grupo de amigos, en torno a la música, muy nutritivo, muy rico y en donde empezamos a tener nuestras primeras bandas, con él tuvimos una banda que se llamó "Verano Indio" y otra que se llamó "Dionisíacos", aquellos tiempos sónicos digamos. Nos gustaba mucho The Cure y por otro lado todo lo que pasaba en Inglaterra con la movida de Manchester, sobre todo The Charlatans, los primeros Blur, obviamente Stone Roses y todo ese movimiento influenció mucho a Dionisíacos, por ejemplo, que fue una banda que no tuvo demasiadas fechas y que pasó un poco inadvertida, pero para nosotros fue importante. Con él, en el 96, formamos la banda que dio origen al sello que fue "Piel de Polen", en donde ya se armó

algo más colectivo y, por lo tanto, terminó surgiendo este proyecto. Pistilo en principio surge cómo la posibilidad de editar nuestra propia música, con la banda Piel de Polen, con quienes ya habíamos empezado a tocar en Mar del Plata y a tener un público, y a su vez, esto fue 96 o 97, nos pasaba que ya podíamos grabar con nuestra computadora, sobre todo eso, la revolución de la PC y la posibilidad de grabar en casa. Jugar, grabar los ensayos, y retocarlos, todo eso hizo que en un momento tuviéramos material como para publicar un disco, y sabiendo que, en ese momento, no le iba a interesar a ninguna discográfica, pensamos por qué no hacerlo nosotros mismos, ya teníamos impresoras, para imprimir nuestros propios cds, que tenían una calidad bastante buena, y ya teníamos filminas que proyectábamos en los conciertos, y todo esa revolución digital nos había afectado muchísimo y nos daba la confianza de que podíamos hacer casi lo que quisiéramos. también hilando con la segunda pregunta, Suárez fue una inspiración para nosotros, porque ellos editaban también por su propio sello que era "FAN (Feliz Años Nuevo

Discos)" y también lo que sonaba parecía bastante Lo-Fi, y nos encantaba y tal vez esa fue la gran influencia para, en principio, no como algo demasiado colectivo, sino como una herramienta para la banda, para poder grabar, producir y editar nuestro propio material. Así nació un poco Pistilo, un poco con ese disco, que hoy está descatalogado, pero que fue una recopilación de demos, grabaciones en vivo y experimentos de Piel de Polen, entre 1997 y 1998, más o menos.

miembros, algunos como Erdosain y yo, estamos desde los orígenes, pero hubo varias etapas de conformaciones diferentes, hasta la actualidad. Pero un poco los orígenes están ahí, quien quiera saber un poco más, dentro de la página de Pistilo, en la parte de info, hay una sección sobre los orígenes donde ahí detallo algunas otras cosas. Contestando la pregunta, la relación con Suárez o Giradioses se dio así en esa primera etapa, como consecuencia de esa apertura que tuvo el sello, de tener algún material para intercambiar con esas bandas, conocerlos, un poco fuimos a la búsqueda de encuentro de gente que nos gustaba o que admirábamos, el primer disco de Giradioses, para nosotros fue importante, nos influenció con Piel de Polen, se notaban que había cosas que nos gustaban en común, de influencias como Slowdive, todo ese movimiento slowcore, y se dio el contacto como para hacer un intercambio que fue muy interesante que fue que ellos vinieran a tocar y que nosotros fuéramos a grabar a su estudio. Muy linda experiencia y con Suárez también, se dio de dejarle un disco de Piel de polen y que ellos se contacten y que termináramos haciendo una fecha acá también en Elvis Café, que era el lugar de ese momento en Mar del Plata, una fecha con Piel de Polen, muy recordada y muy linda. Ahí también nació una amistad con Rosario, que se continuó en el tiempo y que el sello siempre cultivó, tal es así que Rosario volvió para unas cuantas fechas a Mar del Plata traídas por el sello y yo con mi proyecto Busca Polos la acompañé durante cuatro años en mini giras consecutivas que hicimos en Mar del Plata y la zona con Rosario y Julieta Salas, así que siempre la relación se mantuvo en base a afinidades conceptuales y también a un cariño que se fue dando. Creo que es una influencia muy importante la de Rosario y la de Suárez, que marcó definitivamente al sello.

DLN: Ahora vamos a escuchar a Isaac quien nos habla entre otras cosas, cómo esos primeros pasos como músicos en sinergia con las distintas influencias, los lleva a realizar colaboraciones con bandas de la ciudad de Buenos Aires, colaboraciones que los ayudan a crecer y empezar a expandirse. El sello empieza a proyectar una fuerte y definida identidad. Isaac: Bueno otro momento tal vez ocurre cuando Piel de polen participa en la Bienal de Arte Joven en 1998, que se da en Mar del Plata, en donde conocemos a una banda que se llamaba Limón. Con integrantes de Buenos Aires que habían resultado elegidos para participar de ese Festival, pegamos mucha onda con ellos, nos hicimos muy amigos, ellos terminaron ganando la grabación de un tema acá, así que tuvieron que volver, ahí se gestó algo colectivo con ellos, la idea de hacer cosas como grupo, más allá de nuestras bandas. Tal es así que Pistilo terminó editando cerca del 99, el álbum "Entusiasmo" que dio origen al sello oficialmente, que es el primer álbum de Piel de Polen, totalmente grabado en el estudio del sello, y editado de una manera muy especial en ese momento. Poco después, editamos el disco de Explorador Azul, "Viaje a través del Sonido", con integrantes de la banda Limón. Así que, sobre todo Hernán Doño, que era el líder de Explorador Azul, fue fundamental en esa etapa de maduración del sello. Luego de eso, hubo un montón de etapas por las que atravesó el sello, como DLN: Ahora Isaac nos cuenta qué cosas entidad colectiva digamos. Variaciones de tienen en cuenta a la hora de incluir una

banda o artista al sello y de la edición en formato físico y digital. Isaac: Por parte del sello, no sé si llamarlo exigencia, pero evidentemente hay un filtro que pone el sello que es su perspectiva, en cada momento o en cada etapa o en cada una de sus líneas, tratamos de cuidar el catálogo en el sentido de una premisa que es calidad por sobre cantidad, y cuando hablamos de calidad no nos referimos a virtuosismo, ni alta definición del sonido, sino, una coherencia entre lo que se dice y lo que se hace, un grado de autenticidad y de compromiso con la originalidad, no estar a la moda o al interés material de la música, eso es lo que entendemos como contrapuesto a nuestros

valores. Entonces, sí, los que participamos de una cierta mesa de Pistilo, que siempre por etapas se da con los que más activos están, ejercemos ese lugar de estar atentos a lo que podamos apoyar y también es una cuestión mutua, que tiene que darse por el otro lado, un interés mutuo y una especie de asociación de mutuos acuerdo y mutuo beneficio. o sea que se tienen que dar muchos factores también para que una banda participe del sello, no se da todos los días ni todos los años, cuando sucede brindamos por eso y es la manera que el sello va evolucionando y se renueva. El formato físico hoy tiene sentido para nosotros, en que completa una obra de la manera que nos identifica consumirla,

de alguna manera, o interpretarla, que es con su arte impreso, con un control de calidad, sin intermediarios, entre el audio y el escucha, entonces la única manera de garantizar eso, es que nosotros lo podamos imprimir en un objeto y entregárselo a una persona, y asegurarnos que le llega el arte en forma completa. Entonces para nosotros los formatos accesibles son esos todavía, aunque ya nuestro taller gráfico está un poco desmantelado, entonces nos vemos obligados, un poco a torcer esa conducta indie, de poder hacerlo todo nosotros mismos y derivamos la fabricación de los casetes o de los CDs a un costo bastante accesible, como para que nos quede a nosotros la tranquilidad de que la obra fue bien resuelta. Así que bueno, no es una apuesta económica, es una apuesta a conservar algunas cosas que están bien, la parte de la música digital es una buena noticia y es un avance en un sentido y en otro conlleva a situaciones negativas y de no control, que no está bueno o está bueno evitarlo, en lo posible. Así que quiera tener la posibilidad de tener una edición de un artista de Pistilo lo puede conseguir, esa es nuestro servicio también, sino que función cumplimos, no? Cualquiera puede subir un disco a las plataformas, pero no cualquiera consigue lograr que muchas energías se muevan para que se imprima un disco, y eso está bueno que todavía suceda. Ahora nos habla de los distintos lugares que le fueron sirviendo como centros de operaciones, cambios de enfoque y objetivos del sello. Isaac: Un poco Pistilo fue funcionando en espacios dentro de las casas que yo fui teniendo, que fui habitando. Así que fui acarreando las cosas del sello como la computadora para grabar, los monitores, los instrumentos, los discos, las impresoras... por donde fui viviendo. En un principio en un PH donde incluso compartíamos con Erdosain, donde nació un poco todo, después en una casa más grande, pero nunca tuvo su lugar

propio hasta hace un par de años, que por fín alquilamos un espacio propio para Pistilo fuera de lo que es mi casa, que ya cuando uno forma familia es un poco incompatible con la idea de tener una sala de ensayo y grabación en la casa, entonces alquilamos y tuvimos un espacio que duró más o menos del 2017 al 2019, y después de eso Pistilo perdió lugar físico, hasta ahora que estamos construyendo nuestro propio lugar finalmente, que va a ser, si bien en mi casa, en un espacio separado, en donde finalmente Pistilo va a tener su lugar para grabar, editar y todo eso, incluso ensayar y tener algunas pequeñas sesiones audiovisuales, porque es la continuación de un espacio que teníamos, en donde hemos hecho las Sesiones de Las Palmeras, que se pueden ver en YouTube. Bueno armamos una especie de estudio escenario y multipropósito para Pistilo, ahí mismo en ese lugar, que para nosotros es muy importante. Así que es una nueva etapa que nos va a encontrar con casa propia. ¡¡¡Por Fin!!! ¿Si hubo cambios de enfoque en los 22 años del sello? La verdad no sé si hubo cambios de enfoque, en cuanto a lo que son los objetivos del sello, que siempre fue hacer mejores discos, mejor música y tener mejores posibilidades para las bandas que conformen el sello, esos objetivos siempre fueron los mismos y fuimos logrando algunos, pero también hubo subidas y bajadas en la historia del sello, hubo años más productivos, si se quiere, o más fructíferos que otros, y tal vez el secreto de permanencia del sello fue adaptarse a esos vaivenes que tiene la Argentina también y que tiene que ver tal vez con que, a veces, uno no le puede dedicar tanta energía o a veces uno no está bien para interactuar con los demás y son épocas de reclusión y bueno hubo años en donde hemos editado uno o dos discos y otros en donde hemos editado siete u ocho. Varía ahí la intensidad del sello, tampoco nos volvemos locos con la cantidad de discos o de bandas que tienen que estar activas y todo eso. Es una cosa de que cada año vemos qué cosas

se puede hacer y a veces hay que estar en estado latente y hubo épocas en donde tuve que bancar al sello prácticamente solo y se resistió de esa manera. Por suerte hoy se ha ganado una experiencia, en cuanto a que, dependemos cada vez menos de los factores externos y por ejemplo, un año como el 2020, que no pudimos hacer fechas y no pudimos hacer ciclos, el sello pudo editar cosas que tenía pendientes o en la reclusión pudimos trabajar material que teníamos que sacar y fue muy positivo por ese lado, entonces nos adaptamos a la situación que nos toque vivir y de esa manera vamos dejando una obra contemporánea a los tiempos que van transcurriendo.

que lleva un disco. En ese sentido creo que esa es nuestra característica, pero bueno, hay artistas que se graban en su casa como Nuk Ronson, que utiliza su computadora y son pocas cosas las que grabamos en Pistilo, como las voces o nos dedicamos a masterizar, podamos hacer la actividad que requiera un disco. Hubo en otros casos como en el de Las Carreteras, solamente publicarlo o hacer la edición física, son las excepciones, en general, cuando trabajamos con bandas de Mar del plata intervenimos en todos los procesos de producción de un disco. Acerca del futuro cercano del sello, realmente lo más importante para nosotros es terminar la construcción del Estudio, que va a ser una plataforma para producir más música. Así Ahora Isaac nos habla de las distintas que ese es el objetivo principal y en lo que etapas por donde pasa el proceso de se refiere a proyectos más puntualmente, te realización y edición de un disco y sobre diría que Nuk Ronson acaba de publicar su el futuro cercano de Pistilo Records. nuevo disco, que es el segundo que vamos a Isaac: Intervenimos en la producción del editar con Pistilo. Y tenemos varias cosas en material, nosotros tratamos de ayudar a los carpeta, pero ya te digo, lo más importante artistas que forman parte del sello en todo lo para nosotros es la conclusión de nuestra que podamos, y a veces se necesita grabar casa, de nuestro edificio y este año va a ser desde cero o a veces se necesita grabar una desde ahí proyectar a futuro. guitarra o grabamos baterías en otro lado, a veces todo se graba en nuestro estudio, Pueden escuchar la entrevista en: también podemos mezclar, masterizar, https://www.mixcloud.com/INDIE_GO_ imprimir y diseñar las portadas, realmente RADIO/desde-la-nieve12-04/ participamos en todas las etapas del proceso

PINK TURNS BLUE [ Entrevista a Mic Jogwer por Diego Centurión. Fotografías: D. Vorndran ]

La verdad es que será muy difícil abarcar tantos años de carrea, 36 años al menos, en una sola entrevista, pensar en este presente y fantasear con el futuro 17 de septiembre, que nos aguarda el lanzamiento de “Tainted”, su nuevo álbum. Nos comunicamos con una de esas bandas que el tiempo a su sonido no parece haberle hecho daño. De hecho si uno escucha “If Two Worlds Kiss” de 1987 (algo que recomiendo a aquellas personas que aún no lo han hecho), verán que parecería que fue grabado en este 2021. Con ustedes Pink Turns Blue, pioneros de ese sonido post punk y darkwave que hoy tanto se escucha en las bandas de estas últimas décadas. Tuvimos el placer de hablar con el cerebro de PTB Mic Jogwer.

¡Hola Mic! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Para mí es un honor y una gran responsabilidad, ya que en tantos años de trayectoria, me imagino que le habrán preguntado muchas veces lo mismo. Trataré de no caer en las preguntas obvias. Les suelen preguntar por el pasado en casi todas las entrevistas. Eso es algo que no se puede escapar a quien los entrevista, al menos por primera vez como yo. Pero mi pregunta va unida al presente. Como dije en la introducción, su primer álbum “If Two Worlds Kiss” de 1987, suena tan actual que podría haberse grabado este mismo 2021. Acá hago dos preguntas: ¿Qué similitudes encuentran en el sonido de ese 1987 y estos últimos años, en donde muchas bandas retoman este sonido de aquella década? A muchos de nosotros nos gusta la música si es un espejo de nuestra alma. En los 80 teníamos gente a la que le gustaba mucho la discoteca y tener diversión. Básicamente ignorando cosas que no querían ver. Y luego había otras personas que buscaban un sonido que se pareciera al estado de su yo interior. Muchas preguntas,

sin respuestas, cuanto más profundo excavabas, más perdido te sentías. Creo que muchos jóvenes de hoy se encuentran en la misma situación. Calentamiento global, desigualdad creciente, un futuro muy incierto. Algunos manejan esto con ignorancia, teorías de conspiración, intolerancia. Otros se sienten perdidos e inseguros. Y una canción y un sonido que se asemeja a este estado de ánimo crudo es algo con lo que muchos pueden identificarse. Se siente bien si los artistas pueden expresar nuestra búsqueda. El título del álbum parece haberse hecho realidad con este Covid-19, que hay dos mundos que se quieren besar, el que conocíamos antes del 2020 y éste nuevo que padecemos en estos casi dos años. Pero en ese disco se escucha una energía que no envejece con los años. ¿Qué sienten que conservan de ese espíritu juvenil que suele traer consigo un primer álbum? Hemos estado viajando por el mundo en los últimos años y conocimos a muchos jóvenes en nuestros shows. Tener algo en común es mucho más importante que la edad. Siempre ha sido así. Durante toda mi vida he estado triste por la ignorancia y el

descuido de muchas personas. Pero al mismo tiempo, siempre he luchado para que este mundo sea un poco mejor. Si puedo escribir y cantar una canción que me reconforte, eso transmite una comprensión general que me mantiene en movimiento. Si veo a los jóvenes haciendo lo mismo a su manera personal, ya sea artística o prácticamente, eso me inspira y me da esperanza. Pink Turns Blue siempre cubrió ambos lados: profunda tristeza, pero llena de coraje. Nunca rendirse. Como artista trato de encontrar nuevas armonías, nuevas palabras, para agregar nuevos colores y frescura a nuestro repertorio. Entonces trato de relacionarme con cosas que suceden hoy, cubrir temas que importan hoy. Pero creo que la profundidad, la tristeza y la fuerte creencia de que uno nunca debe dejar de luchar para mejorar un poco las cosas siempre ha sido parte de nuestra música.

Cuando nace la posibilidad de regresar para el WGT 2003, y a banda se reforma, ¿Cómo fueron esos primeros ensayos del, digamos, reencuentro con viejos compañeros de ruta y que sintieron al reencontrarse con los fans nuevamente? Dios mío. Han pasado muchas cosas desde entonces. Una cosa muy positiva que recuerdo es que nos dimos cuenta de lo mucho que nuestra música significaba para tanta gente. Sabes, cuando nos separamos en los 90 estábamos tan cansados de las giras, las interminables discusiones con el sello discográfico y nuestra gerencia. El negocio y el marketing estaban acabando con la razón por la que hacíamos música en primer lugar. Pero si no esperas nada, simplemente subes al escenario y tratas de hacer que las canciones sucedan, encuentras la profundidad,

la fuerza y la atemporalidad de una buena canción, todo vuelve de nuevo. Así que, en lugar de hablar, intentamos volver a hacer buena música. Y mucha gente disfrutó mucho de esto. Así que aprendimos que teníamos algo especial en nosotros y todo lo que teníamos que hacer era mantenerlo vivo. Sé auténtico, sé vos mismo, haz lo que puedas hacer mejor. Ustedes han estado tocando en vivo en el 2020, ¿sienten una renovación en sus fans? ¿Hay nuevos fans más jóvenes? Sí mucho. Para muchos artistas jóvenes somos una de las pocas leyendas vivientes que estaban haciendo discos cuando el género del post punk o el dark wave cobro vida. Además, muchos jóvenes están buscando este sonido puro y auténtico de búsqueda de alma de los años 80. Tantos jóvenes de todo el mundo nos han descubierto a través de Internet o al vernos en vivo. Parece que si eres

capaz de hacer que las canciones sucedan y poner todo en ello, a nadie le importa si tienes 50 o 25 años. Como se mencionó anteriormente, el espíritu y el entendimiento común son de mucha más importancia. Se acerca el lanzamiento del nuevo álbum “Tainted” y aún corre por mis oídos los tres singles liberados hasta este momento. Que pasan de manera muy natural por mi cabeza recordándome que las grandes canciones son simplemente momentos especiales, y esto es algo que lo he leído en varias entrevistas que han realizado. Esta idea de que las canciones tienen un sentimiento, que pertenece a un momento, como si tratasen de capturar el momento, el hoy. Y pensaba en este último año que hemos pasado y te pregunto, ¿Cuánto de la sensación de encierro a la que nos vimos obligados a realizar, para salvar nuestra propia vida, se ha reflejado en el nuevo álbum?

Supongo que la pandemia nos hizo pensar a la mayoría. En primer lugar, todos tenían que tomar la decisión de comportarse de manera responsable con las personas más vulnerables. Algunos tomaron el camino de la "selección natural", es decir, si eres mayor, tienes problemas de salud o tienes la mala suerte de no nacer rico o en un país rico: mala suerte. Pero muchos comenzaron a verse a sí mismos como parte de algo más grande, incluso global. Para mí, como músico, tuvo efectos económicos difíciles. Pero nunca tuve que temer por mi vida. Pero muchos en mi vecindario estaban en riesgo: su amigo enfermo o sus padres mayores. Al mismo tiempo, había muchos populistas a los que no les importaba. Del mismo modo que no

les importaba el calentamiento global y sus efectos catastróficos, ni el racismo ni la pobreza. Así que sí, todo cobró vida y algo de eso encontró su camino en nuestras canciones. Hace un tiempo he leído una alguna entrevista en donde decías que no hacían videos, y recuerdo que la respuesta fue algo así como… ¿en dónde lo pasarían en MTV?... hoy las posibilidades son muchas y he notado que los tres singles tienen videos. ¿En qué ha cambiado tu mirada sobre la realización de videos? ¿Tiene que ver con la posibilidad que nos brinda YouTube de tener un canal propio en donde poder subirlos? ¿O crees que se ha abierto una nueva etapa en la banda,

en la cual la imagen también puede trasmitir sensaciones? Para ser honesto, fue idea de la discográfica. Afortunadamente, estuvieron de acuerdo en que no tenemos que imitar nuestras canciones y tratar de lucir geniales. Caminar por el bosque, caminar por la playa, conducir en automóvil, todo en blanco y negro. Así que intentamos crear algunas imágenes que transmitieran el tema y el mensaje básico de la canción. Al final estamos muy contentos con los resultados. Parece que mucha gente descubre bandas en Youtube, Facebook, Instagram o Blogs. Y las imágenes facilitan un poco el primer contacto. Así que, después de todo, parece una buena idea.

¿Cómo fue el proceso de encarar el trabajo del nuevo álbum? ¿Cómo fue el proceso de escritura y grabación de este nuevo trabajo? Como siempre soy yo con una guitarra o un piano en busca de nuevas historias que parezcan tener algún sentido. Ideas que le hablan a mi corazón y a mi alma. Así que grabo muchas canciones yo solo y después de un tiempo las escucho y trabajo un poco más en las ideas que todavía me gustan hasta que estoy seguro de que estas canciones tienen derecho a ser presentadas al público. Los otros miembros de la banda prefieren esperar hasta que termine bastante con el proceso porque soy un poco difícil como persona hasta que estoy feliz con el resultado. Así que en cuanto pienso que es una “buena canción” que vale la pena terminar como banda, los demás entran y me ayudan a terminar.

Los tres singles que anteceden al álbum tienen un sonido muy cuidado y muy preciso. ¿Qué nos puedes adelantar del resto de las canciones de “Tainted”? Supongo que es muy parecido. Intentamos que cada álbum suene diferente. Esta vez realmente queríamos este enfoque en las voces, contando la historia y el resto de la banda solo apoyando musicalmente. Mucho estudio y no tanto en vivo. Probamos muchas versiones y mezclas, pero estos arreglos limpios, prolijos y simples le dieron a las voces el espacio que necesitaban para contar estas historias tan íntimas. Algunas canciones se parecen mucho a las primeras demos que hice. Descubrimos que si agregabas demasiado, el mensaje clave y la intensidad y, a veces, incluso la urgencia y la autenticidad de las canciones se perdían.

¿Cuáles fueron los temas que más te han inspirado para escribir las letras de este álbum? Como siempre, la magia y las trampas del amor. La magia y las trampas de buscar un significado. La magia y las trampas de tratar de comprender a la humanidad. O el universo, o, o. El sonido de Pink Turns Blue les ha llevado toda una vida como banda encontrarlo. Hoy hay muchas bandas que suenan muy parecidas a este sonido. ¿Ustedes ven su influencia en nuevas bandas? A nosotros nos parece al revés. Después de muchos años, ahora estamos conociendo y descubriendo bandas jóvenes que realmente nos gustan. Para mí suenan frescos, intensos y simplemente BUENOS. Es muy divertido tocar en festivales o giras y compartir escenario con tanto talento. No creo que hayamos inventado el post punk ni el dark wave. Solo fuimos parte de la primera aparición. Y después de eso, durante muchos años estuvimos solos entre muchas cosas de Goth Rock, Medieval / Symphonic Metal y Cyber / Future / Trance-Goth. Ahora estamos felices en el escenario y las listas de reproducción con personas que tienen su propia letra para la búsqueda del alma y la ambigüedad. Eso es genial. Para terminar y agradecerte por el tiempo que me has brindado en responder estas preguntas. Tienen conciertos ya para estrenar las canciones del nuevo álbum, cuéntanos las fechas y dónde pueden encontrar a Pink Turns Blue en la web. https://www.pinkturnsblue.com/live-dates. América del Sur prevista para la primavera de 2023.

[ Reseña de “Best Move – Mirror Image Twins” (2021) por Ruben Torres. ]

EL ARTE DE SORPRENDER

Best Move – Mirror Image Twins Sello: Park The Van Records Fecha de Lanzamiento: 07 Mayo 2021

Un disco lleno de sentidos cinematográficos, lo bueno del último tiempo es que aparecen músicas que juegan con el concepto "imagen" y eso los ubica en otro plano, el del viaje a través de los sonidos. Best Move de movida hace referencia a esa premisa. El grupo de rock indie con base en Sacramento California acaba de editar su primer EP de nombre: Mirror imagen twins, sería más o menos, doble imagen en el espejo. El pasado 7 de mayo descubrimos esta maravilla musical. La banda se compone por Kris Anaya. Joseph Devancens y Fernando Oliva todos ellos en 2019 formaron Best Move, los compositores pasaron gran parte de la década tocando y experimentando en otros proyectos de música. Best Move toma prestado de dos fuentes, la primera son los estilos cinematográficos en la forma de los viejos trovadores sardónicos (sarcástico) pero de nuestros tiempos, llamase; Brian Wilson. Van Dyke Parks o Harry Nilsson el nombre de la banda viene del nombre de la última canción de Nilsson... La segunda es la inspiración desde la "puntuación visual" Mucha de la música de Best Move está impulsada por bandas sonoras de películas y series de tv pasados los años 2000 con referentes como Michel Gondry, Sofía Coppola y Wes Anderson. El álbum o EP es de una sensibilidad única, con voces suavemente reflejadas, guitarras brillantes, percusiones dulces. Todos los ambientes son brumosos, melancólicos con bases de sintetizadores puestos en su justa medida. A veces tocadas por vientos de madera y finas líneas de guitarras, las canciones invaden todo lo que las rodean y eso es increíble, esa sensación de que la música sana... Canciones: Invisible sigh. Guitar Loop. Mirror Image Twins. A Phrase. Out of Touch. Ellos les dan gracias al pasado desde lo musical, mientras ese tono cálido y familiar nos resuena en todo el universo de BEST MOVE algo inconfundiblemente moderno permanece. Quizá sea simplemente los sonidos de avenidas ondulantes, dispares que finalmente se reúnen en un centro perfecto, el de la creatividad sónica de esta belleza llamada BEST MOVE.

B.DISCO: LA ERA DIGITAL [ Entrevista a B.Disco por Christian Vélez Stein ]

Las principales urbes de Holanda, conocidas por sus peculiares arquitecturas, ciclistas de traje y corbata, escudos de antaño y puentes mágicos, no están o mejor dicho nunca estuvieron tan alejadas de la música como algunos creen. Así como, de la mano del casete y el CD, pudimos llegar a bandas holandesas como Clan of Xymox o The Gathering; hoy, internet y el aislamiento pandémico nos permiten llegar a nuevos artistas, y uno de ellos es B. Disco, un músico prometedor que acaba de editar “The virtual age”, su primer disco. Su música destila texturas de avant y synth pop, donde la experimentación y la psicodelia lo acercan sutilmente a los mentores ya conocidos de estos géneros, pero B. Disco resulta salir airoso haciendo entrega de un disco elegante, dotado de identidad e ingenio.

¿Cómo y cuándo comenzaste a hacer tus primeras canciones? Recuerdo haber hecho música desde que tengo uso de razón. Vengo de una familia de músicos, pero esa no fue necesariamente la razón. La música fue algo que siempre disfruté escuchando, y pensé: yo también quiero hacer esto porque hacer música parecía lo más genial del mundo. Entonces, cuando tenía alrededor de 10 años, comencé a hacer ritmos en Garage band con loops y rapear con un amigo. Nos llamábamos BE Rappers y grabábamos nuestras voces a través del micrófono incorporado de la computadora. Escuchamos a Eminem, N.W.A, 50 cent, Snoop Dogg y cosas así, ya sabes, música que escuchamos mientras jugábamos a GTA: San Andreas y Def Jam: Fight For NY. Queríamos imitar eso, pero obviamente sonaba mal y poco auténtico. Cuando crecí, siempre me mantuve en eso, y una vez que mis gustos musicales cambiaron, también lo hizo mi propia música.

¿Qué nos podrías contar acerca de la escena musical de Ámsterdam? De hecho, soy de Groningen, una ciudad diferente de los Países Bajos. A veces menciono Ámsterdam porque no espero que la gente conozca Groningen. De hecho, Groningen tiene una escena musical muy animada. Por poner un ejemplo, cada año hay un festival llamado Eurosonic que muestra el talento musical de toda Europa. Dua Lipa actuó allí antes de ser famosa, por ejemplo. Es una ciudad genial con música genial, pero no espero que muchos no europeos la conozcan. A pesar de la pandemia ¿Pudiste presentar “The virtual age” en vivo? No, todavía no pude tocar en vivo. El caso es que creé todo yo mismo, desde la escritura hasta la mezcla. Todo. Un buen amigo mío, Averment, que también es artista, dominó la música para mí, por lo que participó en el proceso creativo. Simplemente no he descubierto todavía cómo interpretar

mi música en vivo porque parece que debería ser tocada por una banda y no solo por una persona, pero tal vez podría serlo. Es algo en lo que tengo que pensar. Soy más un artista de estudio que un intérprete en vivo. No le tengo miedo al escenario, pero no es un lugar en el que me guste estar. Una parte de mí solo quiere hacer la música y luego no tener nada que ver con ella una vez que se lance. Como ser invisible. Pero sé que no funciona

de esa manera, así que estoy tratando de seguir los pasos para promocionar mis cosas. ¿Cómo fue el proceso de realización de “The virtual age”? Me inspiré en gran medida en el movimiento pop hipnagógico de artistas como John Maus, Ariel Pink y James Ferraro. La forma en que tomaron la música de la historia del pop, y no solo de los grandes artistas, sino

también de viejos comerciales, dibujos animados, etc., y la transformaron en estos portales a estos lugares hipernostálgicos me dejó alucinado. Te recuerdan momentos que nunca existieron; vagos fragmentos de una infancia olvidada. Quería dar mi propia opinión sobre eso sin que se vuelva demasiado vaporwave. Así que simplemente tomé música que recuerdo de mi propia infancia, incluso música que no me gustaba en particular. Por extraño que parezca, quería hacer canciones que no fueran memorables, como algo que sea tanto música pop como un paisaje sonoro, como la música que escuchaste en una sala de espera de los noventa o en un ascensor. No creo que ese sea necesariamente el resultado de todas las canciones del álbum, pero definitivamente fue mi punto de partida. A partir de ese momento, solo fue cuestión de hacer música. No soy un gran músico, pero trato de tocar todos los instrumentos. Realmente dependo del proceso de grabación. Grabar y escribir van de la mano para mí. ¿Estás pensando en realizar un segundo disco? ¿En que se diferenciará del primero? Siempre estoy escribiendo música. No creo que pueda llegar a ser un artista que lanza algo cada cuatro años.

Constantemente tengo ideas flotando en mi cabeza y al menos un par de veces a la semana tomo una guitarra, un teclado, un sintetizador, cualquier cosa, y compongo una nueva idea. Un segundo álbum aún no está en camino, porque estoy trabajando en la promoción de mi álbum actual y en la producción para otras personas, pero desde que se lanzó el álbum, ya terminé alrededor de tres canciones. Me siento afortunado de no haberme quedado sin ideas... toco madera. Tengo la intención de tomar una dirección musical diferente. No quiero convertirme en ese tipo que solo hace música antigua. Espero que mi próximo álbum sea muy diferente, probablemente mucho más experimental, crudo y moderno, aunque creo que todavía me basaré en el pasado. Soy un gran fan de Bowie y siempre me ha interesado crear algo como Low o Scary Monsters y tengo curiosidad por ver qué pasaría si me acercara al sonido Krautrock con herramientas modernas. Eso es algo con lo que estoy jugando actualmente en mi cabeza. Todo lo que sé es que mi próximo proyecto será más serio. Hay una peculiaridad en The Virtual Age: realmente captura mi sentido del humor, pero definitivamente quiero dejar eso en ese álbum. Se trata de explorar diferentes sabores, estilos y permitir que mi música crezca conmigo.

Pueden ecnontrar su música en https://zorrocamarondiscos.bandcamp.com/

[ Por Fernando Rivera Rodríguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: THE CONFUSIONS

La nueva obra maestra Musical de Suecia. Reseña de “The Confusions: Black Silhouettes"

Existen muchas bandas y artistas que comenzaron sus carreras muy temprano, tal vez hace algunas décadas, y continúan sin parar para sorprendernos lanzando nuevos discos con un esquema diferente de acuerdo a las tecnologías de hoy en día dentro de la Escena Musical Indie. Es agradable ver que mantienen su estilo y esencia original para ofrecer sonidos nuevos, contemporáneos y frescos como cualquier nueva banda nacida en el 2021. La mayoría de las veces son bandas clásicas o artistas solistas muy conocidos con muchas habilidades para crear Música asombrosa y su influencia permanece intacta. Algunos de ellos son DEPECHE MODE, U2, JAMES, DURAN DURAN, PET SHOP BOYS, THE NATIONAL, WEEZER, MOUSE ON MARS, ECHO & THE BUNNYMEN, MORRISSEY, BJÖRK, BECK, etc. Por otro lado tenemos bandas que nacieron en los 80 y 90 y tomaron una pausa para regresar después de más de diez o veinte años. Estoy muy agradecido de que hace siete años pude escribir un primer artículo de la increíble banda Sueca THE CONFUSIONS en una página web Peruana llamada Subte-Rock. Esta banda es parte del primer grupo de bandas con una incesante actividad haciendo Música increíble desde 1993 hasta la fecha, casi 30 años. En ese momento hice una extensa reseña de la historia de la banda y su genial cuarto álbum "Trampoline" (2002). Ahora estoy muy orgulloso de hacer otra reseña de THE CONFUSIONS presentando su nuevo y gran álbum titulado "Black Silhouettes" (2021 MASSKPRODUKTION) celebrando su décimo lanzamiento con un LP doble con veinte nuevas canciones de más de ochenta minutos!...un gran deleite para los fans de la banda de siempre, amantes de la increíble Música Indie y para aquellos que quieran escuchar Música nueva también. THE CONFUSIONS es una banda de cuatro integrantes proveniente de la ciudad de Sundsvall, Suecia con la habilidad para componer canciones muy bien elaboradas y sobresalientes capturando una profunda sensibilidad y un gusto original como pocas bandas. Su nacimiento tuvo lugar en medio de la época Alternativa de los 90 teniendo este estilo como su influencia principal,

pero, álbum tras álbum, se fueron diferenciando de otros grupos para cultivar su propio y bien definido estilo hasta el día de hoy. Ellos mezclan de una excelente forma muchos estilos y géneros como el IndieRock, Psicodelia, Post-Punk, Krautrock, Noise-Rock, Música Folk, Space-Rock, Música Experimental, Electrónica, New-Wave, Música Alternativa de los 90s, Power-Pop, etc. Como podemos ver tenemos una variada, vasta y rica paleta de paisajes sonoros en cada álbum lanzado con un toque sofisticado y moderno. También la maravillosa voz de MIKAEL ANDERSSON-KNUT, el frontman, le da una nueva dimensión a la Música. Los miembros actuales de THE CONFUSIONS son MIKAEL ANDERSSONKNUT, en voz, guitarras y programación, ZARAH ANDERSSON-KNUT, en voz, piano, órganos y teclados, MAGNUS THORSELL, en el bajo y finalmente MATTIAS LÖFSTRÖM en batería y percusión. Quiero mencionar algunos grupos y artistas que los han influenciado: THE STONE ROSES, THE JESUS & THE MARY CHAIN, KRAFTWERK, WIRE, JOY DIVISION, DAVID BOWIE, FELT, OMD, PULP, TEENAGE FANCLUB, SUPER FURRY ANIMALS, THE WANNADIES, etc. "Being Young" (1995) fue su álbum debut con un estilo Alternativo y Power-Pop seguido por el Psicodélico "Everyone´s Invited" (1997) y el Folky "Six-O-Seven" (1998). Los dos últimos álbumes fueron producidos por PETER SVENSON de THE CARDIGANS. Una nueva aventura comenzó con "Trampoline" (2002), un excelente disco que definió su sonido innovador con mucha aceptación en Europa gracias al magnífico single "The Pilot". En el 2006 la evolución continúa con el lanzamiento del álbum "5 A.M.", un fantástico e intenso álbum con mucho Noise-Rock y experimentos. Luego “It Sure Looks Like the Confusions But It Sounds More Acoustic” (2007) mostró otro lado de la banda presentando versiones acústicas de sus trabajos anteriores. El álbum doble "The Story Behind The Story" (2008) representa la obra maestra de THE CONFUSIONS con casi 70 minutos de buena Música. Es un disco Vanguardista y Conceptual con mucha experimentación y detalles sonoros. Podemos encontrar pequeños fragmentos como conexiones entre canciones también... ¡sorprendente y excitante! En los años siguientes apareció el gran álbum "A Permanent Marker" (2010) mostrándonos una vez más el poder de su estilo con un sentimiento introspectivo y oscuro. Posteriormente lanzaron "The Confusions" (2014), su álbum homónimo en donde ofrecen un nuevo punto de vista lleno de Indie-Rock y optimistas y nostálgicas melodías que me recuerdan a los primeros discos. Es muy grato saber que, después de siete años, THE CONFUSIONS ha vuelto al Mundo Musical Indie con "Black Silouhettes" (2021 - MASSPRODUKTION), su décimo y último disco lanzado como un LP doble. Debido al formato y a las veinte canciones incluidas en este nuevo disco me recuerdan a su obra magna "The Story Behind The Story" (2008). Y así es. El nuevo álbum es un trabajo majestuoso y un glorioso regreso a sus mejores discos convirtiéndose en una nueva obra maestra. La canción principal del LP es la fabulosa "Black Silhouettes", la cual describiré más adelante. Quiero hacer un resumen general de las otras canciones que componen el álbum porque describir cada una de ellas sería demasiado largo

por ser un LP doble. La banda ha concebido el primer LP incluyendo las canciones más recientes y el segundo LP con los sencillos que compusieron entre el 2018 y el 2019 añadiendo nuevos temas. Definitivamente este doble LP es un nuevo disco en donde las canciones han sido cuidadosamente seleccionadas para crear un concepto único y un mundo propio. PRIMER LP: Juntaré temas parecidos en estilo para darles una mejor idea y así puedan tener una propia opinión ustedes mismos. "Arrow", "Close Your Eyes" and "Tangerine Sky" son encantadoras y hermosas baladas con emotivos y profundos coros que traerán mucha esperanza y alegría a los oyentes. También podemos sentir paisajes sonoros ensoñadores en un mar de dulzura... ¡melodías increíbles de seguro! La otra cara de la moneda viene con "Weight Of The World", un número IndieRock acelerado y fuerte y "Get Ready" que va en el mismo camino pero lleno de Psicodelia. Ambos temas presentan muchos riffs de guitarras agresivas y poderosas mezclados con efectos de sonidos explosivos... ¡a rockear con estas magníficas canciones! El siguiente conjunto de canciones es más atmosférico con un toque oscuro, reflexivo, nostálgico y Experimental sin dejar de lado los efectos de sintetizadores. Estas melodías son "Suburbian Ghosts","Waiting By The Window" y "Maybe You´re Just Another One Of A Kind" muy bien interpretada por ZARAH ANDERSSON-KNUT con un estilo Jazzy... ¡excelente! Ahora es el momento de describir "Black Silhouettes", la canción que da título a esta increíble obra maestra y la mejor canción del álbum. Está concebida como una tierna y hermosa balada con un sentimiento melancólico y esperanzador. Cada segundo de este explosivo tema está muy elaborado con un estilo cinemático, épico y orquestado por lo que funciona realmente bien. MIKAEL ANDERSON-KNUTT, el frontman, canta con mucha pasión y sentimiento agregando una característica adicional. El estilo de "Black Silhouettes" me recuerda la era de "The Story Behind The Story" (2008), su primera obra maestra. También tiene el espíritu de KOLBACKEN del 2012, su proyecto paralelo con influencias Post-Rock pero en un contexto y tiempo diferente rodeado de una auténtica espontaneidad. Elegí esta melodía para ser parte de este artículo porque es muy especial para mí y espero que para ustedes también. Podría ser una de los las mejores canciones de este año... ¡simplemente asombrosa!. SEGUNDO LP: El segundo álbum es diferente al primer LP con un toque más sombrío pero tan genial como el anterior. El viaje comienza con los fantásticos números Indie "Don´t You Fall In Love" y "Into The Twilight", el nuevo single. Parecen canciones descartadas del maravilloso álbum "Trampoline" (2002). "I´m Not Afraid" es una pieza Electro-Dance y pegadiza con voces distorsionadas cantadas de nuevo por Zarah... ¡impresionante!. Luego nos encontramos con dos melancólicas y delicadas canciones: "I

Wish We Could Swim Now" y "Don´t Say That True Love Waits For Everyone". Estas canciones brillan por su talento en la composición, muy bien ejecutadas! Cambiamos totalmente de dirección con "Sunday Mornings", un tema optimista para los fans del Twee-Pop y los amantes de la Música de los 60s... ¡tan encantadora! El viaje continúa con "Long Way Down", "Woke Up This Morning" y "Please Don´t Worry", tres canciones que, en orden correlativo, presentan un estado de ánimo más oscuro y Experimental. "Please Don´t Worry" es muy original porque incorpora voces robóticas como el remix de la clásica canción de NEW ORDER "Bizarre Love Triangle"... ¡increíble! La última canción titulada "Are You Breathing Under Water" ha sido elegida sabiamente como la canción de cierre de este magnífico álbum. Es un tema Folky, romántico y tierno... ¡realmente cautivador! Recomiendo bastante la nueva propuesta sónica de la banda Sueca THE CONFUSIONS, ¡una de mis bandas favoritas! Tengan el placer de disfrutar el single, el álbum y el video de "Black Silhouettes", su décimo álbum y doble LP... ¡una verdadera obra maestra! También exploren su gran discografía, no se arrepentirán. Como siempre muchas gracias por leer y escuchar mis amigos... cuídense mucho Agradecimientos especiales a mis amigos MATS HAMMERMAN, dueño del gran sello discográfico MASSPRODUKTION y a MIKAEL ANDERSSON-KNUT.

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[ Reseña de R.E.M. – Around The Sun” (2004) por Rubén Torres ]

¡SUGERENTES. CAUTIVANTES. ATMOSFÉRICOS!

REM – Around The Sun Label: Warner Bros. Records Fecha de Lanzamiento: 05 de Octubre de 2004 R.E.M "madre" del rock alternativo e independiente. Encontrarse con un disco de REM en estos tiempos es un privilegio, sobre todo si hemos escuchado solo algunas perdidas canciones sin saber de dónde partían esas melodías. De una de las bandas de más importancia en los últimos 30 años para el desarrollo de la música popular independiente, con un cantante que es y será faro de las generaciones más relevantes de la música; MICHAEL STIPE, claro que por estos lares solo se lo reconoce como "el tipo" que canta "Losing my religion" y eso es toda un desazón y a la vez, una descripción acertada sobre la mirada hacia un ARTISTA que sin dudas merece otros reconocimientos al menos saber que mucha de la música que escuchamos y consideramos independiente es gracias a "tipos" como Michael. "no puedo mirar todo el tiempo hacia atrás y recordar que tuvimos la audacia y el coraje de saltar juntos de un acantilado, el de la multinacionales, no literal, pero si figurativamente, y hoy estamos acá..." Algún día lo tendrá. En 2011 se retiraron con gloria mientras Stipe, Buck Mills jamás se han arrepentido de esa decisión, la gente siempre espera por su vuelta. Lo cierto que con AROUND THE SUN nos ofrecen un disco súper calmo, con textos hermosos, guitarras domadas y folclóricas. Melodías de una belleza única que solo Rem puede hacer. Con mucho acercamiento a discos como AUTOMATIC FOR THE PEOPLE o NEW ADVENTURES IN HI FI. La simplicidad de ser bellos en su música se da la mano con el estilo sobrio en cada canción que compone el disco. El LP fue presentado con el single más hermoso del disco; Leaving New York, con un video que nos relata la historia retomada del disco New Adventures in hi fi, con tonos melancólicos y guitarras exquisitas y un prominente piano acariciando con suavidad la lírica de desamor (siempre es más fácil dejar que ser dejado) canta Michael... ¡Ellos en este disco siguen siendo delicados, melodiosos, nostálgicos y con eso les sobra para ser la banda alternativa para siempre!

[ Entrevista a Marco Butcher por Diego Centurión. Fotografías: Allie Jade Butcher and Harry Stafford. ]

MARCO BUTCHER: TODO COMENZÓ COMO UN EXPERIMENTO

Es raro tener que hablar con músicos que grabaron un disco a la distancia, ¿es raro? No, obviamente la tecnología, la pandemia Covid, el lockdown, dio resultados muy amplios en cuanto a música se refiere. Con tiempo en sus casas, las cosas parecen que en muchos casos fluyeron de manera mágica. Harry Stafford y Marco Butcher nunca se han conocido personalmente, pero han registrado un álbum tan, tan íntimo que da la sensación que se conocen desde hace varias vidas atrás. Un disco nocturno, con altas dosis de jazz, blues y, en algunos pasajes, dark cabaret. Una mezcla que pareciera que se ha grabado bajo un mismo techo. Pero no fue así.

¡Hola Marco! Gracias por aceptar realizar esta entrevista. Como dije en la introducción es raro pensar que no se conocen personalmente y que han grabado este álbum que tiene un alma tan personal que resulta difícil creer que no lo han grabado juntos en un mismo estudio. Cuéntenos ¿cómo surge esta idea de grabar un álbum juntos? Supongo que todo empezó con Harry y yo compartiendo historias sobre música y artistas que amamos.Enalgúnmomentoquedó claro que ambos conducíamos por las mismas carreteras. Lo que primero me gustaría que nos contaran es ¿qué gustos musicales los une? Ambos crecimos durante los años 70 y 80, así que supongo que sería justo decir que la música punk tiene mucho que ver con eso, pero además de esto, estamos totalmente en delta blues, jazz, trash blues, garage rock de los 60, hip hop, música swing, música industrial!

¿Desde el principio pensaron en un disco o empezó con una canción y después otra, y terminó siendo un álbum? No, en realidad no. Todo comenzó más como un experimento, supongo, pero eso cambió muy rápido porque pudimos ver una especie de grabación tomando forma. ¿Fueron canciones compuestas sobre ideas que cada uno tenía guardada o todo nació de cero? Casi todo fue desde cero, entre nosotros, Harry y yo, solo hablábamos de ideas y nos poniámos a trabajar. ¿Cuánto tiempo les llevó el procesodeescrituraygrabación de “Bone Architecture”? Un par de meses, supongo. Pero mirando hacia atrás, se siente como si trabajáramos mucho más rápido jajajajaja ¿Ustedes son muy obsesivos con la grabación o suelen dejar que todo fluya y van sumando

instrumentación, según pida cada canción? Normalmentesoyyoquienleenvía el esqueleto de la canción a Harry, lo que significa que básicamente hago las partes instrumentales y una vez hecho esto se lo envío a Harry y él trabajará en sus partes como pianos, guitarras, voces y lo que sea que sienta que la canción necesita. Nunca me sentí obsesionado con la música, si no

es algo gratis solo puede estar muerto como forma de expresión o al menos así es como me relaciono con la música. ¿Qué pensaron cuando escucharon el álbum terminado? ¿Cuál fue la sensación que tuvieron? ¡Creo que podría decir que ambos estábamos muy contentos con los resultados! De alguna manera el

disco traduce con cierto nivel de ¿Cuáles son sus siguientes perfección las ideas y el mundo en pasos juntos y separados? el que Harry y yo vivíamos en ese Sigue trabajando en este segundo álbum con Harry y momento en nuestras cabezas. también en mi material en solitario. “There’s Someone tryin’ to get Con suerte, también haré algunas in” es el primer video, ¿habrá giras cuando las cosas vuelvan a la normalidad. otros? Sí. Hicimos cuatro videos para este primer álbum y acabamos de Para terminar y lanzar el segundo. agradeciéndoles el tiempo que me han brindado para contestar ¿“Bone Architecture” abre la estas preguntas. puerta a un segundo álbum y ¿Qué reflexión personales tal vez a llevarlo al vivo? han tenido al trabajar en este Si, de hecho ya estamos disco? trabajando en un segundo disco ¡Que la música es mucho más pero esa es otra historia jajaja elástica de lo que pensamos y Acerca de la gira, quién sabe que el factor sorpresa es el arma cómo se verán las cosas en unos principal para una buena canción meses a partir de ahora con todo a veces! esto de Covid. ¡Gracias Marco!

[ Por Flavio Gabriel Aza. ]

ESPACIO

Fede Zanelli

Las canciones rebeldes de Fede Zanelli

Según el título de la primera placa del cantautor, se suponía que estas piezas no vieran la luz. Por suerte, la desobediencia aflora y las canciones resuenan. Nunca hay que juzgar a un libro por su portada. Ni a un álbum por su título. Este último caso puede ilustrarse a la perfección con la obra que presentamos en esta oportunidad. Si nos dejáramos llevar por su título, “Canciones que no deberían salir” (casi una advertencia), nos perderíamos de uno de los lanzamientos más frescos de estos días. Es que Fede Zanelli sale a la cancha con todo lo puesto, sin maquillaje ni máscaras. Federico Zanelli es músico y productor musical oriundo del partido de San Martín, Provincia de Buenos Aires. Si bien hace tiempo que participa en la escena (teclados en “Vacasuite”, cantante y guitarrista en el dúo “Arrabiata”), hasta hace poco no existía un registro de estudio su viaje personal con nombre propio. La novedad en esta ocasión es que nos abre las puertas a su mundo con un despliegue musical íntimo, reflexivo, cotidiano y francamente, orgánico. Es que esta ópera prima tiene el sello de Fede por todos lados: canciones que con sinceridad revelan diferentes temáticas internas. Un álbum que invita a la introspección, que se desarrolla en alrededor de 16 minutos y que, al escucharse, nos acerca tanto al músico como a la persona. Estas canciones invitan a detener un poco la vorágine de cada día y experimentar una pausa sanadora. Una suerte de reseteo espiritual. Resulta imposible no interpretar a “Canciones que no deberían salir” como una manifestación de un proceso acentuado durante el transcurso del último año y medio, pero lo cierto es que cada pieza tiene distinto origen en el tiempo. Por ende, en este álbum van a poder comprobar la esencia musical de un artista que tiene una personalidad sólida desde el vamos. Desde el home studio de Fede Zanelli y directo hacia cada uno de nuestros corazones. “Canciones que no deberían salir” ya está disponible en todas las tiendas digitales y en el canal de youtube del artista y te invitamos a no dejar pasar la oportunidad de sumergirte en esta aventura.

“LA DÉCADA GRABADA” LA NUEVA AVENTURA DE GJAM & EL GRUPO ELECTRÓGENO.

Una vuelta más para el interminable ciclo de esta banda, que desempolva grabaciones de todas sus épocas y presenta su primer álbum en vivo. “Se termina la pesada espera. Y aunque queda una huella marcada, damos juntos un paso adelante. Y dejamos llevarnos por esta verdad que crece sin morir.” De esa manera cierra la pieza más larga de esta flamante placa. Canciones que supieron esperar. Que como aquellos elíxires que escasean, se añejaron y hoy se degustan en su máxima expresión. La antesala del lanzamiento que vio la luz en estas horas fue así de grandilocuente y de construcción paciente y paulatina. Si bien es cierto que en los últimos meses fueron sucediendo lanzamientos de dos simples, un videoclip y mucho contenido desde las redes sociales, la esencia prístina del álbum que hoy presentamos se remonta mucho más hacia el pasado. Forjado estoicamente y hecho a base de un criterio colectivo propio y liderado por Gonzalo Jorge Agüero Maisano (GJAM por sus iniciales) como un director de orquesta, se ha liberado el Vol 1 de “La Década Grabada”. Dice GJAM al respecto: “La idea venía de años: existían archivos y grabaciones multipistas de múltiples conciertos llevados a cabo en inmensos recintos de la Capital Federal, algunos grabados en cuatro pistas, otros hasta dieciséis. Pero el objetivo era reunir ese material y hacerlo parecer un disco en vivo.” Hubo muchos intentos previos por editar este material, pero prácticamente ninguno había prosperado. El tiempo jamás se detiene y el grupo liderado por GJAM tampoco lo hizo. Gracias a ese esfuerzo colectivo, ya podés disfrutar de esta primera entrega. Todo oyente apreciará en primera fila las variadas formaciones y canciones que formaron parte del repertorio de la banda a través los años. Sugerimos atención y paciencia, porque es inminente la salida del segundo volumen de “La Década Grabada” y promete incluir temas que serán una sorpresa hasta para lxs fanáticos más asiduos del conjunto. ¡Escuchá “La Década Grabada – Vol. 1” en todas las tiendas digitales!

[ Entrevista a Maxime y Jean-Sébast de The City Gates por Diego Centurión. Fotografía: Valerie Thibault y Laurine Haddock]

THE CITY GATES

Los he conocido gracias a sus participaciones en algunos discos tributos realizados por The blog that celebrate itself, hace unos años. Hoy el icónico blog ha dejado de funcionar pero su enorme trabajo perdura en su bandcamp. Ahí conocí a la banda que hoy tenemos la suerte de entrevistar a Maxime y Jean-Sébastien. Desde Montreal, Canadá... The City Gates.

Hola chicos, gracias por aceptar realizar esta entrevista, realmente hace tiempo que la habíamos pactado, pero esperábamos que el nuevo álbum tuviese un tiempo de lanzado, para tener una perspectiva diferente. Antes que nada, me gustaría que cada uno se presente y nos cuente ¿qué papel ocupa dentro de la banda? ¡Hola! Mi nombre es Maxime y toco la guitarra y canto. Mi nombre es Jean-Sébastien y toco el bajo. Cuéntenos ¿Cuándo nace el proyecto y cómo surge el nombre de la banda? Maxime: Este proyecto de banda comenzó alrededor de 2011, pero muchas cosas evolucionaron en la banda desde entonces, como los miembros de la banda. El nombre de la banda hace referencia a las antiguas puertas de la ciudad de Londres, Reino Unido, durante la época romana. Se llamaron The City Gates y duraron hasta el siglo XVIII. Jean-Sébastien: Me uní a la banda poco después de que saliera el álbum Collapse. Solía tocar el bajo

en una banda con François, nuestro guitarrista, en los días del grunge y siempre fuimos parte de los proyectos del otro. Me uní como tercer guitarrista / teclista, pero me hice cargo del bajo cuando su bajista original se fue. Mi estilo de tocar trajo una dimensión completamente nueva a las canciones. Ni bien nace la banda también lo hace Velouria Recordz, ¿Cuéntenos sobre este sello y cómo es manejar un propio sello? Maxime: Velouria Recordz es un sello orientado al post-punk, shoegaze, darkwave,coldwaveyotrossubgéneros de música oscura. En realidad, no es tan antiguo como la banda. François, nuestro guitarrista, y yo vinimos con la idea de crear un sello en 2018. Comenzamos a hacer compilaciones, la forma en que hacíamos compilaciones de casetes en los 90, de la música de las bandas underground de Montreal que escuchamos. Se creó el sello. También pusimos el Velouria Festival al mismo tiempo mientras que la primera edición, que tuvo lugar en los conocidos Katacombes, incluyó bandas de nuestro primer recopilatorio Northern Noise vol. I. El propósito principal del sello es dar exposición a artistas y proyectos musicales de personas que nos gustan. Hay tantas

gemas ocultas que merecen ser descubiertas. Aunque, nos gusta ser independientes en todo el proceso de creación de nuestro álbum desde cero hasta el lanzamiento. Nuestro sello también nos da la oportunidad de hacerlo, desde el punto de vista del DIY. Dirigir un pequeño sello junto con nuestros trabajos diarios, nuestra banda y nuestras familias es algo extraordinario. Pero es muy divertido, muchas reuniones de gente fantásticas y grandes descubrimientos de bandas. De los aspectos más técnicos hablaremos en otra pregunta, pero me gustaría saber ¿Qué creen que ha cambiado en ustedes como banda desde su primer álbum “Collapse” del 2013 hasta el actual álbum “Age

of Resilience”? Jean-Sébastien: Collapse se grabó en un estudio de grabación muy solicitado, Studios Piccolo. No puedo contarles mucho sobre ese tiempo porque me uní a la banda poco después. Pero, la mayor parte de mi equipo musical fue prestado y utilizado por la banda mientras grababa el álbum Collapse, ya que era amigo de ellos. En cuanto al segundo álbum "Forever Orbiter", me involucré profundamente en el proceso de escritura de la canción. Tenemos la increíble costumbre de grabar todos los ensayos de la banda, porloquecadapequeñamejorasegrabó en cinta mientras improvisábamos. Trabajamos en estos fragmentos de ideas de canciones para crear el álbum. También me hice cargo de la escritura de las letras, aportando nueva luz

a la musicalidad de la banda. También tomamos el proceso de grabación en nuestras propias manos. El estudio en casa de Francois se hizo más grande y mejor y él perfeccionó sus habilidades de grabación en Orbiter. Rápidamente descubrimos que podíamos mejorarlo, o al menos de la forma en que realmente lo queríamos, si lo hiciéramos nosotros mismos. El COVID nos empujó a terminar lo que se convirtió en “Age of Resilience”. Casi la mitad de las canciones se grabaron y terminaron poco después de

"Forever Orbiter". Pero nosotros, como banda, nos topamos con una mala racha. Muertes, divorcios, problemas personales y mentales. El proceso de escritura de canciones se estancó. Para cuando todo el mundo se encerró debido a la pandemia, todos activamos nuestros estudios caseros y la creatividad estalló de una manera maravillosa. ¡Terminamos de escribir las canciones restantes en un mes! François se hizo cargo de la silla de director musical de una manera majestuosa, demostrándonos que definitivamente era el hombre que necesitábamos para dar vida a este proyecto.

En “Age of Resilience”, el estallido creativo vino de todos, todos hemos escrito letras y las canciones fueron escritas juntas. El hecho de que todos tengamos estudios caseros también ayudó mucho. Hizo que fuera muy fácil compartir ideas y grabar pistas, y luego enviarlas al estudio de la nave nodriza que está en casa de François. Y en éste álbum trabajan junto a Icy Cold Records. Cuéntenos cómo es trabajar con otra disquera. Maxime: Icy Cold Records es un sello increíble. Nosotros y hay muchas bandas geniales en él. El apoyo de la base de fans ha sido increíble para nosotros hasta ahora. Como nuevo sello, aprendimos mucho colaborando con ellos. No puedo agradecerles lo suficiente por hacer realidad esta versión de colaboración. Fue el ajuste perfecto para nuestro estilo musical.

Supongo que el proceso de éste álbum los encontró con más experiencia. ¿Cuáles creen que son las diferencias en el proceso de escritura y grabación de éste álbum, relacionándolo con lo que Esta pregunta tiene que ver con han registrado anteriormente? Jean-Sébastien: La mayor diferencia esta realidad que enloquece a esta podría ser la cohesión del equipo. raza desde el año pasado. Ustedes

tuvieron que posponer la salida del álbum, si no he leído mal, pensaban editarlo en el otoño del 2020. ¿Cuánto cambiaron los planes que tenían? Maxime: De hecho, se suponía que íbamos a lanzar el nuevo álbum e ir a una gira por la costa oeste de América del Norte en 2020, pero tuvimos que posponer nuestros planes debido a la pandemia. Afortunadamente, tuvimos tiempo de comprar más equipo de estudio antes de que se agotara todo. Luego, decidimos grabar cada una de nuestras partes musicales en nuestro propio estudio en casa para hacer el trabajo final y pasárselo a François, quien ha sido el director de arte. Así es como finalmente hicimos el álbum. En realidad, dado que todos tenemos trabajo diario y familias, ese tipo de proceso ha sido un éxito. Y hablando del último álbum, que han editado el pasado… y no lo han podido tocar en vivo aún, ¿Cuáles son las sensaciones de, justamente, tenerlo editado y no poder presentarlo ante un público como antes? Jean-Sébastien: Es gracioso porque para la mayoría de las canciones de este álbum, ¡tenemos que descubrir cómo tocarlas en vivo! Debido a que estas canciones fueron escritas poco a poco, en tres lugares diferentes, François tuvo la tarea de tomar todas nuestras aportaciones y hacer que las canciones sucedieran. En un momento, finalmente dijo "eso es todo, ya terminé", pudimos redescubrir esta canción en la que estábamos trabajando... También nos separamos del baterista y miembro fundador Justin. La dinámica y la química se han vuelto incómodas hasta el punto en que una separación era inevitable. ¡Tuvimos la suerte de

tener un buen amigo y un baterista increíble, Bitou, que estaba más que feliz de ocupar el lugar detrás de la batería! Entonces, estamos aprendiendo a tocar nuestras nuevas canciones, con una nueva perspectiva y una nueva dinámica de banda y estamos muy contentos con los resultados hasta ahora. Estamos ansiosos por tener este nuevo material en el escenario porque somos un poco famosos por nuestros shows en vivo, muy ruidosos y parecidos a una zapada. Hace un tiempo que ya está publicado, cuéntenos ¿cómo lo recibió el público y la prensa? Jean-Sébastien: ¡Ha sido abrumador! Los críticos han sido tan buenos con este álbum que se siente increíble leer estas increíbles palabras buenas. Recibimos artículos de todos los continentes, todo el mundo parece adorar nuestro trabajo y los críticos parecen habernos descubierto finalmente. Hoy, de a poco, parecemos regresar a una normalidad. ¿Tienen planeado algo para el resto del 2021? Maxime: Con suerte, estamos planeando volver a tocar en lugares en vivo, así como en festivales digitales, lo que es algo nuevo para nosotros... Tocamos nuestro primer concierto aquí en Montreal a principios de septiembre con nuestros buenos amigos Morte Psíquica y Talleen. Si bien la capacidad del lugar era muy limitada debido a las restricciones de COVID, la noche fue simplemente increíble. Fue genial ver a nuestros fans y artistas que nos gustan de nuevo después de un año y medio de pausa. Se suponía que íbamos a tocar en nuestro segundo show de Montreal

con Actors y Palissade en septiembre también, pero el show fue pospuesto el 23 de marzo. También estamos planeando una gira por América del Norte y Europa para 2022 si la situación puede hacer que suceda. ¿Ya están escribiendo material nuevo? Jean-Sébastien: El nuevo álbum salió hace unas semanas, todavía lo estoy procesando todo... pero la llegada de nuestro nuevo baterista nos está emocionando mucho, ¡así que no puedo esperar a ver a dónde nos llevará esto musicalmente! Y para terminar cuéntenos cuáles son sus canciones favoritas de éste álbum. Y por dónde podemos seguir a The City Gates. Jean-Sébastien: ¡Mis favoritos son Pyre, Siegfried 1969 y Slush! ¡Estos 2 últimos, especialmente Slush, son una maravilla para tocar en vivo! Maxime: Lo haría por The Pyre, Le Silence y la canción final del álbum Foghorn's Cry.

[ Reseña de "Still Corners – The Last Exit" por Rubén Torres. ]

LA DELICADA BANDA A LA QUE TODOS QUIEREN HEREDAR

Still Corners – The Last Exit Label: Wrecking Light Fecha de Lanzamiento: 22 de Enero de 2021

La última sensible gema tiene nombre y es THE LAST EXIT. Del dúo formado x GREG HUGHES y TESSA MURRAY. El grupo al que todos quieren parecerse. Nos cautivaron las texturas de las canciones que escuchamos hace ya muchos años con su primer disco “Creatures of an Hour” (2011). Lleno de armonías deslumbrantes reverberaciones exuberantes y melodías vaporosas que son fugaces. Cuando Still Corners publicó “Stranger Pleasures”, inicio así una trilogía muy particular donde seguimos una breve historia a lo largo de las canciones THE TRIP y THE MESSENGE canción incluida en “SLOW AIR” (2016) y ahora con su última pieza The Last Exit y con esta canción pone punto final a la "Road Trilogy" y esto nos llenó de amor. Ellos hacen dreampop esa etiqueta que engloba sonidos crepusculares. El dreampop debe tener un número ilimitado de definiciones donde ellos son los reyes del sonido moderno, por si alguno anda perdido. The last exit es su quinto disco y representa todo un tratado de sonidos, donde la voz de Murray mece las canciones que funcionan casi como una unidad en su conjunto. Un álbum súper ambiental donde la música esta impecable, funciona perfectamente pop. Canciones; White sands. Till we meet again. La segunda parte del disco es más epic con Mystery road. En Static retoman la senda de anteriores álbumes. Y esta IT'S VOODOO con carísimos guiños a MARK KNOPFLER, un encanto de tracks, es que Greg entendió el sentido en el que debe llevar adelante cada sonido, el momento y eso le da un total sentido al disco. En The last exit lo vuelven hacer de nuevo, hacen la magia delante de nuestros ojos y como el gran Houdini jamás veremos el movimiento. Es que Still Corners edito otro disco notable. STILL CORNERS es la banda sonora ideal para perderse en uno mismo, dejarse llevar para luego dejar que ellos mismos nos muestren el camino de regreso. (Still Corners los amamos, sepan eso...)

DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor. Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre. Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura. Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina. Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento. No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación. Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre. Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura. Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

En este nuevo número traigo dos poemas, una confesión y un artículo sobre el movimiento. Un poema a lo perdido después de cierta bienvenida. Otro poema en donde me busco y apenas de una manera me encuentro. Luego una confesión sobre lo cautivo. Para cerrar hablando sobre el movimiento como cualidad esencial para sobrevivir y evolucionar en entornos cambiantes, con algunos consejos prácticos. Espero que estos textos de mi autoría sean de su agrado.

FRANCO DOGLIOLI

PRIMER AÑO Resuena para el iniciado la bienvenida. Y todo es jauría después de aquel golpe a sonrisa fría. Como ave herida su silueta, en caída. Sabor a asfixia sobre la grama prolija.

Su mejor perfil, ofrendado a la tierra. Y el otro al jadeo de la deshonra sin juicio.

Y de tal espasmo, rojo por involuntario, el reguero es ley en lo escindido de su nueva trama.

ÚNICO En textos y pinturas busco sin descanso pruebas de mis pasos. A veces un vago detalle distingo apenas: en un ahogo entre dos versos o por un destello de vitral. Pero hasta lo más digno captado hiede a vacío. Sólo cuando vienes por el insomnio de mis sábanas aparece un rasgo claro y me encuentro.

DESEO He dedicado mi vida domesticarte. Y en más de una reunión me he oído hablando de como controlarte. ¿Cuántas veces, te amordacé y maniaté para no escucharte ni dejarte salir? En pos de respetar a quienes (después lo sabrías) no te respetaban. Me convertí de a poco en un practicante de la meta inhibida. Por convención, por mandatos asumidos, elegí ser testigo silente de un universo, que noche a noche, me pedía ser protagonista. Toda una vida que no vuelve, gastada en diseñar y sostener al burgués y a su charada. Pobre actor representando su papel. Usando esas horas de privación y cada posibilidad de ser que te he quitado, como escenario. Y sigo, aunque esté cansado, porque ya no puedo soltarte. ¿Qué pasaría si lo hiciese? Siempre te he temido. ¿Cómo no temerle al rostro verdadero? ¿A aquello que libre, avanzaría con la voracidad de un océano ígneo? Hubo momentos, en los cuales, distrayéndome, espléndido, te mostraste. Pero logré devolverte a tu celda, con mucho esfuerzo, cada vez. ¿Y si alguna vez te hubiese concedido, sin más, la libertad? No quiero ni pensarlo. No estaría escribiendo esto. No estaríamos. A través de mi carne, ya nos habrías aniquilado. Al menos a esta escindida versión que hoy me permite latir en lo consensuado. Sé que el precio es caro. El precio es continuar pasando desapercibido, sin casi nunca haber sido.

MANTENERSE EN MOVIMIENTO Es una de las máximas cualidades a cultivar en tiempos de crisis. Recuerdo haber leído una frase del pintor ruso Kazimir Malévich, hablando sobre el concepto de movimiento dinámico en el arte. Ese concepto expresa que la vida es movimiento constante. Los pequeños movimientos, como una sonrisa; los grandes movimientos, como el enfrentar una pandemia; o incluso también movimientos imperceptibles al ojo humano, como nuestros pensamientos y emociones. Tal vez ya has visto la serie americana “Snowpiercer”, basada en un film homónimo de 2013. La serie presenta un distópico argumento postapocalíptico, ambientado siete años después que el mundo se ha convertido en un páramo helado. Centrándose en los únicos sobrevivientes, habitantes de un tren gigantesco, que necesita mantenerse en constante movimiento para no congelarse, dando la vuelta alrededor del globo, una y otra vez, sin parar. El tren solo se congelará si se detiene. El rol del maquinista es fundamental. No obstante, requiere de un sincronizado trabajo en conjunto. Apoyado en la confianza. El tren y sus pasajeros componen una gráfica representación de las virtudes y miserias de la naturaleza humana.

Entendamos algo, no detenerse no significa avanzar sin pensar, sin reflexionar. El maquinista, mientras el tren avanza a toda potencia, requiere de calma y quietud interior para mantener el equilibrio del sistema. Oyendo a su cuerpo, centrando su mente en el aquí y ahora. Es el encargado de moverse entre pasado y futuro, respirando en tiempo presente. Seis puntos para que el tren no se detenga: En relación a esta metáfora del tren mencionada, quiero compartir seis puntos resumidos, en base a un trabajo escrito del orador y autor Shep Hyken, que impulsan a los líderes y a sus equipos a continuar, convirtiendo a la adversidad en desafío. 1. Enfrentar la situación. Lo importante no es lo que sucede, sino como reaccionamos ante lo que sucede. Nada que agregar a esta afirmación de Epicteto. 2. Escuchar, observar, aprender y actuar. Tomar muchas notas, darle sitio a cada idea propuesta. Todo suma. Principio de no exclusión. Informarse, prepararse lo más posible, para después tomar medidas al respecto. 3. Elaborar un nuevo plan. Que se adapte a los cambios de contexto actuales, generando otros espacios, optimizando recursos e incorporando las habilidades necesarias. 4. Optimismo realista. Todo sabemos que es importante mantener una actitud positiva ante las situaciones de crisis, sobretodo con pronósticos tan inciertos como los actuales. Pero sin dejar de ser realistas. El optimismo ingenuo, en donde todo está bien, no ayuda. Las circunstancias difíciles existen. Es necesario aceptarlas, sin ceder ante ellas; para desde allí, poder pensar alternativas que generen soluciones; pero con el tren sobre los rieles. 5. Generar confianza. En uno mismo y desde allí hacia los demás. Avanzar y visualizar un futuro, sin confianza, es difícil. Es una actitud clave en el fortalecimiento de las relaciones. 6. No girar, ser flexible. Pretender seguir haciendo lo mismo en un entorno que cambia de manera constante, es complejo. Por ese motivo, resulta necesario desarrollar cierta flexibilidad que permita adaptarse ágilmente a los distintos escenarios. Y eso no significa, como estrategia, dar un giro. Cuando giras, siempre le das la espalda a algo o a alguien. En conclusión: no dejar de avanzar. Movimiento es el paso de la potencia al acto, expresa Aristóteles. Como ese tren postapocalíptico, seguir adelante. Por supuesto, con un plan y manteniendo siempre el foco. Confiando en las capacidades de cada persona involucrada y haciendo que cada visión sea el combustible necesario para alcanzar esas metas compartidas.

“Todo en el mundo es material y, de acuerdo con la ley universal, todo está en movimiento y constantemente está siendo transformado”. George Gurdjieff.

[ Reseña de “Glosser - Glosser (2021)” por Rubén Torres. ]

NO TODOS LOS RÍOS VAN AL MAR

Glosser - Glosser Label: (Glosser Self-released) Fecha de Lanzamiento: 16 de Julio de 2021 No todos los ríos van al mar, algunos desembocan en otras formaciones de agua, lagos ríos etc...Sin embargo creemos en esto porque es solo un dicho tan repetido que se hace verdad. Como que todo el dream-pop es repetido y por esa razón todo se parece, y de nuevo volvemos a caer en el apotegma falaz. Lo cierto es que si nos tomamos el tiempo para escuchar un nuevo sonido, una nueva banda lo hacemos con el prejuicio de saber por dónde viene...bien, este no es el caso. Me encontré con este EP o mejor "dicho" coincidimos, yo y mis ganas de seguir descubriendo música y ellos, con este EP increíble de solo una escucha para enamorarse de las melodías de Glosser. Cada canción parece haber sido elegida para ser parte de estas cinco gemas de la música independiente. GLOSSER pinta un retrato retrospectivo de cómo se siente estar bien parados en el presente y al mismo tiempo nos hace flotar libremente a través de sus armonías sin espacio ni dirección. Presentado en paisajes sonoros brillantes y temporales que se apoyan en gran medida en sus guitarras y sintetizadores cargados de riffs nebulosos y la voz... ¡El disco es de una ruptura expansiva y demasiado madura para este nuevo dúo que se centra aparentemente en mirar hacia atrás en los momentos difíciles del pasado para crear algo hermoso ahora! La banda está formada por Riley Fanning en voz. Corbin Sheehan guitarras y múltiples instrumentos. El encuentro de Riley y Corbin nació de la búsqueda de lo que significaba hacer música para un dúo. Sheehan buscaba expandir su banda y Riley comenzar con una. Inspirados en BEACH HOUSE, Weyes Blood y Phoebe Bridgers. Escribieron canciones juntos la primer noche de encuentro y GLOSSER se armó en los suburbios de una sala de Washington DC. Trabajaron con el productor Bartees Strange que dice respecto al proyecto: Glosser enfatiza una profundidad que no se encuentra en bandas independientes. Canciones: Lost In Your Life. La más linda canción del EP. Nothingness. She's Gone. Run From The Light. The Secret. Con este primer disco de GLOSSER les aseguro 21 minutos de viaje a lo profundo...

PIA FRAUS: ¡NUNCA DIGAS NUNCA!

[ Entrevista a Pia Fraus por Diego Centurión. ]

2001. Tallinn, Estonia. Una banda shoegaze/dream pop formada unos años antes, deciden lanzar su álbum debut. Podría ser una historia simple, si no fuese por el hecho que ese álbum cumple 20 años y la banda aún sigue regalándonos hermosas piezas sonoras. Celebrar el aniversario de un lanzamiento puede ser tan sólo un posteo en redes sociales o una remasterización del material en cuestión. Pero pocas veces pasa que, para celebrar, en este caso, sus 20 años de lanzamiento, la banda decide regrabar las canciones de dicho álbum. Pia Fraus celebra el vigésimo aniversario de su álbum debut “Wonder What It's Like” (¿Me pregunto cómo es?) del 2001. Y a esa pregunta que se planteaban en el título de ese álbum, llegará el 1º de septiembre la respuesta en el título de este nuevo lanzamiento, “Now You Know It Still Feels The Same” (Ahora lo sabes, todavía se siente igual). Hoy tenemos la oportunidad de tener nuevamente en estas páginas a los chicos de Pia Fraus para hablarnos acerca de este lanzamiento.

¡Hola Chicos! Gracias, una vez más, por aceptar realizar esta entrevista. Son una de mis bandas preferidas de este milenio y para mí es un placer poder hablar con ustedes. En la primera entrevista que les hice en el 2018, Rein nos contabas que la primera canción que grabaron para el álbum, que ahora han vuelto a grabar fue “Moon Like a Pearl”. ¿Qué diferencias encuentras entre aquella canción grabada hace 20 años y ésta nueva versión? además de la experiencia acumulada en todos estos años y lo aprendido dentro de un estudio. Rein: Todavía se siente igual :) Lo curioso de "Moon Like a Pearl" es que, cuando lo escribí, ¡realmente sentí que no podía ir mejor! Estaba seguro de que esta sería la mejor canción que jamás escribí. Por suerte, he hecho algunas más que me gustan :)

Recuerdo cuando lo tocamos por primera vez en nuestro lugar de ensayo. Fue el día antes de ir al estudio, la segunda vez en nuestras vidas. Practicamos "In Mind" porque queríamos grabar ese, pero parecía demasiado lento y tal vez no era la mejor opción para el single. Luego toqué "Moon Like a Peal" que escribí el día anterior, para la banda, ¡y decidimos grabarlo! A Joosep se le ocurrió esa pegadiza pausa de batería, ¡y eso fue todo! ¡Tengo que decir que esta canción realmente cambió nuestras vidas! ¡Incluso suena y se siente ingenua! Después de esa canción, obtuvimos mucho apoyo de la escena indie local y conocimos a personas que nos ofrecieron algo de tiempo de estudio gratis en sus estudios. ¡Hicimos amigos de por vida gracias a "Moon Like a Pearl"! No lo hemos tocado en vivo tantas veces, principalmente porque sonaba muy bien en la cinta, y no pudimos repetir eso en vivo. El mayor temor para mí personalmente

al volver a grabar todas estas canciones veintitantos años después era que pudiéramos perder el alma o el sentimiento de estas canciones. Sabía que, por accidente, escribimos canciones bastante buenas cuando empezamos, pero no estaba seguro de que pudiéramos captar esa energía y ese sentimiento en el estudio. Ahora puedo decir, todavía se siente igual :) ¡Y me hace más feliz que cualquier otra cosa en el planeta Tierra! Más allá de haber tocado en vivo muchas de estas canciones durante todos estos años. ¿Cuál fue la sensación de regrabar todo este material en un momento en que el mundo ha cambiado tanto? Joosep: Lo curioso del pasado es que permanece igual independientemente del estado actual. El mundo podría haber seguido adelante y nosotros también hemos cambiado y evolucionado en él. Pero desde que el material primitivo fue encapsulado y conservado hace 20 años, nos permite viajar

en el tiempo, regresar y observar a esta pandilla de adolescentes, alimentando su curiosidad, jugando. Pero querer revivir estos momentos no significa querer reescribir el pasado. Es solo para saber si todavía se siente igual. Lo hace… Eve: Aunque hemos tocado muchas canciones diferentes del álbum en conciertos, para mí la sensación es un poco diferente. Como no estaba en la banda en el momento en que se grabó el primer álbum, ahora tenía la posibilidad de ser parte de este proceso y realmente lo disfruté. Hay canciones inéditas en este nuevo o “viejo” trabajo, he leído que son canciones que han sido escritas en esos primeros años de la banda. Canciones como "Wonderful Nothing", "Prig", "Plastic World" o "Bla (Morning Hue)" aunque hay una versión de esta canción editada en la versión japonesa de "Nature Heart

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Software" del 2006. Si no me equivoco. Y al escuchar “Now You Know It Still Feels The Same” íntegro, puedo percibir que el tiempo no ha dañado a las canciones. ¿Cómo lo perciben ustedes? Rein: ¡Estoy feliz de que hayamos hecho estas primeras canciones! Salieron bastante bien, creo. Tuvimos una grabación en vivo en una cinta de nuestro primer concierto en la primavera de 1999. Joosep consiguió esa cinta de su antigua novia, que afortunadamente todavía la tenía. Hubo "Wonderful Nothing" y "Pring" que arreglamos un poco y grabamos la primera vez en el estudio. Bla (Morning Hue) fue la primera canción que grabamos en el estudio real en 1999. No pusimos eso en el primer álbum porque era muy diferente de las otras cosas que hicimos más tarde. Años más tarde, necesitábamos una pista extra para el lanzamiento japonés y usamos esa primera versión. "Plastic World" fue la única canción que ni siquiera teníamos un demo grabado. Pero lo tuve en mi cabeza durante todos estos años. ¡Y ahora es más relevante que nunca! Como el mundo se hunde en el plástico. La idea básica vino de una dirección diferente. Era una mezcla de la banda llamada Fantastic Plastic Machine, que fue bastante popular en la escena indie de Estonia en ese período, y Aqua "Barbie World". Tenía muchas ganas de que sonara como "The Noise Of Carpet" de Stereolab. No sé por qué no lo grabamos para el primer álbum. Estamos con un mundo aún con restricciones, shows que se anuncian y luego se cancelan. ¿Cómo vienen llevando adelante esta locura que estamos viviendo? Eve: Después de que el álbum "Empty Park" fuera lanzado en enero de 2020, tuvimos la suerte de tener algunos shows en Japón, pero luego todo se cerró poco después, por lo que no pudimos salir de gira con nuestro último álbum. Pero, por otro lado, este período de

pandemia ha dado tiempo para centrarse en la grabación de este álbum. Y aún no tenemos planes para nuevos programas, veamos cómo se desarrolla el futuro, esperamos lo mejor. El material fue regrabado durante la pandemia, en donde para mucha gente fue un período de re introspección, de reencontrarse. ¿Se puede decir que este álbum tiene mucho de reencuentro con esos adolescentes de hace 20 años? Como un volver a las raíces. Joosep: Para mí, solo retrocedía mentalmente. Debido a la situación actual, casi siempre ensayé por mi cuenta y solo trabajé con Rein y Erko en el estudio. Pero nos las arreglamos para hacer un bandcamp de banda en febrero, así que estuvo bien. Rein: Para mí, fue un viaje muy emotivo con la máquina del tiempo, ¡quizás incluso demasiado emotivo! Comencé a grabar estos demos en marzo de 2020. Después de eso, me reuní con todos los miembros por separado en el estudio y grabé sus partes. Terminamos las grabaciones y mezclas en junio de 2021, por lo que todo tardó un poco más de un año en hacerlo realidad. ¡No estoy seguro de tener la energía para hacer algo como esto nunca más! Pero veamos, “In Solarium” cumplirá veinte el próximo año :) ¡Nunca digas nunca! Entramos en la parte final del 2021. ¿Qué creen que han aprendido en lo estrictamente musical en este año y medio de Covid-19? ¿Han aprovechado el tiempo para experimentar nuevas herramientas de composición o nuevos instrumentos? Rein: Aprovechamos bastante bien ese tiempo pandémico. Escribí todas las canciones para el próximo álbum de Pia Fraus, grabé todas las demos y también hice este álbum de aniversario. No sé descansar; Siempre estoy huyendo :) Hay algunos proyectos más en los que estoy

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trabajando ahora mismo. ¡Con suerte, pronto haremos otro álbum de Imandra Lake! Pero, por supuesto, ¡no estoy contento con la situación de la pandemia! Mató todos nuestros planes y no tuvimos la oportunidad de promover los " Empty Park". ¡Esa fue la parte más triste! Invertimos tanto tiempo y energía para hacer ese álbum con John McEntire, resultó bien, pero quedó enterrado bajo el Coronavirus :( Con suerte, esta mierda desaparecerá pronto, ¡y el mundo puede volver al modo normal! ¡Comenzaré a grabar un nuevo álbum de Pia Fraus muy pronto! ¡Va a ser genial! Se viene un nuevo año y las esperanzas de esta pesadilla termine se renuevan. ¿Ya hay nuevas canciones para un nuevo trabajo? Joosep: No se acaba hasta que la gorda cante. Así que espero que suba al escenario pronto. Para finalizar y agradecerte el tiempo que nos has brindado. ¿Cales son los próximos planes para Pia Fraus? Eva: Tenemos material nuevo en el que trabajar. ¡Gracias Chicos! Rein: ¡Gracias por invitarnos, Diego! ¡Y perdón por la demora! Fue muy divertido, ¡buenas preguntas! ¡Hasta la próxima!

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[ Entrevista a Ciudad Indie por Diego Centurión. ]

CIUDAD INDIE: DIEZ AÑOS.

Diez años de un proyecto es algo que no suele suceder muy a menudo. Si nos ponemos a pensar, y lo relacionamos con la vida de una banda, es mucho tiempo, De hecho, muchas bandas no llegan a estos años. Hoy la virtualidad nos deja espacio para que se armen programas o podcast, como esos discos de músicos en distintos lados del mundo, pero llevar diez años llevando adelante un proyecto merece que sea conocido en nuestras páginas. Con ustedes Ciudad Indie, desde Mendoza. Davo Muñóz Figueroa, Emi Ramíres y Julen Giménez.

Pero vamos hacia atrás y nos remontamos al principio. ¿Cómo nace la idea de Ciudad Indie? Davo: La idea nació al tener que llenar de contenidos una radio que recién salía al aire y desde Gral Pico, La Pampa y por un lado personalmente, me ocupé de Lado B, un programa para difundir Djs alternativos y CIUDAD INDIE donde lo central era escuchar la otra música que no era masiva y tenía además una factura artística agradable a los oídos. La aparición de bandas como Foster the people, Capital Cities, Passion Pit nos fue llevando a empezar a investigar, descubrir y difundir esa música. Primero nos focalizamos en el indie pop y la indietrónica por varios años. ¿Qué recuerdas de la primera transmisión y cuándo fue? Davo: Fue un sábado de septiembre de 2011 a las 10 de la mañana porque la idea era que sonara en los comercios de la ciudad además del reproductor on line que en ese entonces no tenía la facilidad y fidelidad de hoy. y lo que más recuerdo es lo raro que era escucharme en un formato grabado con post producción de sonido y una prolijidad que , en vivo, no se logra por razones obvias, lo que hacía también que , además

de lo inconformista que soy conmigo, me encontrara frío, muy estructurado, pero todo se trataba de evolucionar. En la segunda temporada pasamos a las 17 horas pero siempre el mismo formato que luego se emitió desde una de las radios más importantes de la Costa donde hicimos hasta una versión verano llamada INDIE SUMMER. Después se emitió desde Córdoba, desde San Luis pero siempre con la idea de hacerlo global, o sea la importancia de un buen streaming era fundamental, de eso dependía que Ciudad saliera desde donde fuera pero con buena calidad de sonido y para escucharla desde un celular y un día llegamos a Mendoza. ¿Cuáles fueron los grandes cambios que ven en el programa en estos 10 años de Ciudad Indie? Davo: Todo, dentro del indie hay muchas corrientes pero lo mejor que le pudo pasar al programa fue convertirse en podcast, lo que le da el toque global y desde una radio como UTN desde Mendoza donde tenés la libertad de hacer lo que quieras. Estamos desde la cuna del manso indie, y eso ya es un montón. Me unió a Mendoza, más allá de que es una provincia a la que fui siempre cuando era niño, el amor por dos bandas, la primera que conocí Huge The Cara y ahora Kush Mama

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que tienen un integrante en común, Emi Ramirez que sin pensarlo y a raíz de que nos quedamos sin editor tomó la posta pero eso trajo además la amistad, que también se la debemos al programa. Entonces hoy Ciudad Indie es verdaderamente lo que teníamos

ganas de hacer, difundir los artistas que no son conocidos y que tienen un talento enorme, meternos en Festivales de otro indie mucho más alternativo con NMER del que siempre estamos pendientes y en especial porque, apadrinados por los Bandalos Chinos,

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podemos conversar con los artistas más nuevos y los que ya tienen un camino hecho en el indie nacional. Nos metemos también con el indie chileno, peruano y el de México que es mucho y muy bueno.

carpetas con audios playlist y el guión van a parar a las manos de Emi , que te contará que hace con eso y mi voz a las manos de Julen que también te contará que hace y cuando arma su segmento de ¿QUÉ LE HICISTE A MI CANCIÓN?. Ese mismo guión va a ¿Cuánto cambió el espíritu del programa manos de Cami que hace la gráfica artista en estos diez años? por artista porque cada uno lo merece, no Davo: El espíritu no cambió, se modificó solo el invitado o el de la entrevista central, el formato. Como productor creo tener ojo y así sean artistas que jamás se enteren de para aprovechar a dos monstruos como Emi que estarán en el programa , no importa, es Ramírez y Julen Giménez que desde hace nuestra imagen. Nico Regis recibe todas las 2 años le ponen el verdadero conocimiento gráficas y videos de promoción y su laburo sobre música, a diferencia de mí que soy un es postear jueves viernes y sábado lo que conductor con mucha música en mi vida , tendremos en el capítulo siguiente. pero no es lo mismo. Esto hizo que la calidad se modificara para bien. Emi: De mi parte: llega el programa y tengo que ordenar todo dentro de Logic (DAW con ¿Cómo es el proceso de armado de un el que armo el programa), leer rápido el programa de Ciudad Indie estando tan guión, organizar y empezar a automatizar lejos uno del otro? ¿Cómo es la mecánica volúmenes, equipararlos y que suene todo lo de trabajo? mejor posible. Davo: Yo te voy a responder por mí y luego Emi y Julen comentarán lo suyo. Lo primero Julen: En cuanto a la selecciónn de que se arma es el playlist con lo nuevo, los temas de “¿Qué le hiciste a mi canción?”, clásicos indies, y los esenciales, esos que voy pensando algún eje temático para cada son monstruos referentes de todo. Luego episodio. Lo vamos chalando con Davo y ese playlist va a las manos de Facundo definimos. Puede ser “música de cine llevada Gonet Subercaseaux que por primera vez al indie”, “Youtubers que versionan más hace radio ya que viene de las huestes de views que los originales” “Covers hechos la productora de Tinelli y datea paso a paso por” cuando pasamos versiones hechas todo lo que yo tiro al aire como contenido y por grandes como Bowie, Certati, Willy contacta a los artistas para que sean ellos Crook, Weezer quienes versionan a otras, los que presenten sus temas, luego esas “homenaje a…” cuando diferentes artistas

versionan a grandes. Cuando hay alguna noticia de actualidad, como el disco de Foo Fighters haciendo temas de Bee Gees, vamos con eso. Respecto a la grabación, recibo los audios de Davo los proceso en Logic. Escucho los pases de Davo a “¿Qué le hiciste?” para entrar y salir del bloque. Grabo lo mi locución en Logic, la proceso y le mando a Emi mi parte y la de Davo. Cuando tengo tiempo, me gusta sacar la guitarra o el bajo y hacer algún pequeño fragmento que tenga que ver con el “¿Qué le hiciste? del día.

Como dije al principio diez años es mucho tiempo. ¿Cuál o cuáles creen ustedes que fueron los momentos más difíciles que les tocó atravesar con Ciudad Indie? Davo: No hubo momentos difíciles, difícil fue el primer horario de viernes a la medianoche, escuchar y bancar hasta las 2 de la mañana en pleno invierno se hacía complicado, por más que el año pasado no se salía, igual era un esfuerzo, soy de los que les gusta escuchar lo que sale al aire así ya lo haya escuchado 20 veces.

EMI: Atravesar todos los pormenores de todo cuando el artista tiene algo para decir. la pandemia. Interna y externamente. Siento que el “encierro” y cambio de rutinas nos Julen: modificó a todos y durante el 2020 que fue 1-La primera vez que me contacté con el la parte más extrema sin show en vivos y Facebook de Ciudad Indie… todo arrancó sin poder salir, el programa nos unió de una ahí. forma virtual. 2- La entrevista que Davo hizo a Andrés Goieni, para hacernos pensar y mover la Julen: Yo entré este año. ¡Sería hermoso perspectiva desde donde vemos las cosas. hacer el programa en vivo los tres en el 3- Me gusta escuchar “El lado B” y anotar estudio! ¡Hacerlo cada uno desde un lugar en un cuadernito las bandas que pasa Emi distinto tiene su intríngulis! y después buscar más música de esas formaciones. Cada uno enumere sus cinco momentos 4-Los debates “Es o no Indie”. que más han disfrutado de Ciudad Indie. 5-Escuchar el programa y comentar con Davo: Davo y con Emi. 1-Cuando los Bándalos chinos nos dieron la primera nota por el lanzamiento de Paranoia ¿Cuánto creen ustedes que ha cambiado Pop el arte en estos diez años? 2-Cuando me enteré de que nos escuchaban Emi: El Arte siempre es uno. Lo que cambia en EE UU, Ibiza, Madrid, Barcelona , son los medios. Tanto para componer, como argentinos en Italia, ya eso te daba una para compartir. Si pienso en el 2011 no tenía pila, así fueran tres los que estuvieran en el Spotify y pirateaba mucha música. MUCHA. exterior. Buscando data de países dispares y hurgando 3-Lo que siempre es disfruto es escuchar a en el under. Hoy es muchísimo más fácil poder Emi haciendo EL LADO B DEL INDIE que es acceder a una banda de Islandia, Tucumán otro programa dentro de CIUDAD INDIE o Los Ángeles que tengan menos de 10 mil 4-Disfruto de Julen con sus conocimientos reproducciones y sin la necesidad de un y elecciones excéntricas a la hora de buscar sello discográfico. Solo porque se pusieron covers que nadie conoce. con su home studio a experimentar y deciden 6-El día que quebramos esquemas y subirlo. Está muy bueno hurgar otros medios apareció el tango electrónico con Tanghetto, como SoundCloud o Bandcamp, donde no algo que le consulté primero a Emi, porque hace falta tanta burocracia para subir las su ok para mi es algo súper importante y canciones. Solo hay que tener paciencia que luego hicimos sabiendo que estábamos para filtrar, pero se pueden llevar buenos yendo más allá del indie. momentos con bandas que no llegarían de otro manera u otro momento. EMI: 1-Los debates y “discusiones” con Davo de Julen: La manera de consumir la cultura. lo que es Indie y no. Hace poco entré a una disquería, que entre 2-Hacer El Lado B. pandemia y tal hacía mil que no lo hacía. Me 3-Volver a hacer radio después de muchos encantó revolver entre los discos, sentir el años. tacto, el olor, los colores de las tapas. Casi 4-Julen, pero más allá de sus elecciones de me pongo a llorar. Por la emoción…. ¡Y por los cover, cuando toca un pedacito de alguna los precios absurdamente caros! Jajajaja. canción. 5–Algunas entrevistas (solo algunas), sobre Lo que sé es que ustedes tratan de

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incorporar a todas las regiones posibles de la Argentina, para realizar un programa lo más federal posible. Hoy la tecnología ayuda a eso. ¿Cómo ven ustedes este momento en la radiofonía? Davo: Todo cambió y eso te obliga a cambiar o mejor dicho incorporarla, yo soy de los que escuchan radio con el celular, pero radio de verdad, no escucho podcast salvo cuando necesito escuchar CIUDAD INDIE de nuevo o por algo en especial. Pero creo que se ha descubierto algo nuevo, para bien o mal, nos dimos cuenta de que no necesitábamos del estudio para hacer radio, o que todos estuviéramos en él para hacer radio. Desde ya que no es la misma magia, en mi caso, si no está esa magia me cuesta. Como Ciudad Indie es lo que antes se llamaba enlatado, me tuve que acostumbrar a jugar a que estábamos en la radio. No obstante aún falta para que desaparezca la generación onda 40 años porque seguirá escuchando radio, porque nació con eso, lo tecnológico acompaña.

¿Qué artistas han descubierto en estos últimos años que nos quieran contar? Davo: Principalmente Tati Diaz Bonilla, un artista indie de Don Torcuato en la provincia de Bs As porque solo, desde un lugar sencillo y casi tímido hace una música espectacular. Y desde ya Huge the Cara , la primera banda indie mendocina con la que conecté y la topadora que se llama Kush Mama y a la que le auguro muchísima vida por lo talentosos que son todos. Además de eso, la producción que hace Facu investigando indie mejicano, español lo que las mismas bandas envían por DM al IG hace que el descubrimiento sea constante. Emi: Una de las cosas que más me divierte es armar el Lado B del Indie. Es un segmento que hablo un poco de lo que voy escuchando dentro del “under” y algunas otras con el mainstream, pero con cosas no populares. Lo que más estoy escuchando nuevo es Boy Pablo, Moses Sumney y Sam Wills (¿vale decir que estoy contestando mientras

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escucho algunos vivos de Joy Division y Pixies inéditos?). Julen: Diego Vimana (Argentina), Anora Kito (España), Redhands (USA). Mi hija de 14 años me ha hecho descubrir toda una generación de voces que nunca hubiera escuchado o apreciado por prejuicios míos y que me han abierto la cabeza y las orejas. Te puedo citar a Clairo, Girl in red, Cavetown… por ejemplo. Para terminar y agradeciéndoles el espacio brindado para responder estas preguntas. ¿Cómo esperan que sea el 2022 para Ciudad Indie? Davo: ¿Habrá Ciudad Indie en el 2022? Jaja yo siempre espero que sí, pero nos gustaría desde Plur Contenidos poder hacer la versión tv de CIUDAD INDIE desde Buenos Aires, idea que ya hemos registrado y que postergamos por la pandemia y un documental sobre la movida indie que desde ya necesita de la reactivación en todo sentido pero sobre todo shows que necesitamos registrar, esperemos al año que viene, ya viste lo que pasó en Marzo del 2020, todos teníamos planificado otra cosa y nadie contaba con una Pandemia. La versión radio siempre se ve sobre la marcha y agregándole algo nuevo, a mí, si algo me aburre lo dejo sino puedo encontrarle lo nuevo como ha sucedido hasta ahora, siempre hay algo distinto, cuando eso no está… se complica. No obstante soy de los que a los proyectos personales los hace con amigos porque son los que te bancan en todo, si algo cambia en los integrantes que sea para que se integre uno más, hoy me costaría hacer CIUDAD sin los que estamos al aire, eso también será definitivo. Emi: Lo mismo que dice Davo. Quizás no esté en el mismo rol, pero el segmento Lado B del Indie no me lo saca nadie. Julen: ¡Ojala que en un mismo estudio los tres! Gracias Chicos. Davo: No, gracia vo´! Pueden dejarnos las redes sociales donde pueden encontrar a Ciudad Indie. @ciudadindie en FB e IG y mixcloud.com/ciudadindie el podcast

http://madwaspradio.com/

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http://www.6towns.co.uk/ https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

CINCO PREGUNTAS

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ÍNDICE FLDPLN 120 GAVIN MURPHY 124 WE MELT CHOCOLATE 128 SONS OF SOUTHERN ULSTER 132 THE MYSTERY PLAN 136

FLDPLN INTERVIEW WITH ANDREW SAKS

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que deseas transmitir al mundo a través de esta música. Mi nuevo disco se llama Escalator y, aunque técnicamente no es un álbum conceptual, hay un elemento bastante penetrante de nostalgia, al menos desde mi perspectiva centrada en mi infancia y recuerdos de la mayoría de edad en los años 80 y principios de los 90. Una de las cosas principales que siempre trataré de transmitir con mi música personal es ese sentimiento dorado de recordar tiempos pasados, recuerdos cálidos y una fascinación por disfrutar de esos pensamientos nostálgicos de una época en la vida en la que las cosas en retrospectiva parecían más simples y sencillas, más llenas de asombro. Escalator es un disco lleno de color e infusión de dreampop que se inspiró en gran medida en mis recuerdos de la infancia y la adolescencia, pero también en la fascinación por el paso del tiempo. ¿Dónde te encuentra este lanzamiento, en términos de tu desarrollo / trayectoria general como artista, en relación con cuando comenzaste a hacer música y dónde te gustaría estar en última instancia? Comencé a hacer música cuando tenía alrededor de 11 años en la banda de la escuela cuando comencé a tocar el saxofón, que toqué en y durante la escuela secundaria. Cuando estaba en la escuela secundaria, me sedujo la guitarra por la cantidad de personas que me rodeaban comenzando a tocar y por todas las cosas increíbles del rock alternativo que sucedieron a principios de los 90. Tocar la trompa en una banda de "rock" en ese momento no se me ocurrió, ya que la mayoría de las bandas que había escuchado entonces eran como Ska o Funk, y realmente no me gustaba eso, aunque lo intenté. Mi romance con la guitarra duró años y formé la banda “shoegaze” Sway con mis amigos. Continué aprendiendo el saxo a lo largo de los años con la intención de incorporarlo de alguna manera a la música que hago, pero nunca funcionó realmente hasta que tuve más tiempo en mis manos para hacer música en solitario, lo que hace unos 5 años me llevó a empezar a experimentar. Hice el primer disco de FLDPLN (pronunciado “fieldplan”) esperando que fuera un hip-hop lo-fi de ensueño con algo de saxo, y me acobardé porque me preocupaba estar haciendo un álbum de “jazz suave”. Ya no estoy demasiado preocupado por eso y he empezado a tratar de aprovechar esas vibraciones porque están ahí en mí, pero también he estado trabajando para infundir las cosas de textura y ensueño que amo de la guitarra shoegaze, aunque ahora lo hago con saxofón y sintetizadores… Nada de guitarra. Muchos artistas han encontrado que el año pasado fue productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido? El año pasado ha sido difícil porque tenía muchos planes para salir y hacer

cosas, pero tal como han ido las cosas, he podido ser productivo de otras formas. Me ayudó a terminar este nuevo disco que ha estado en proceso desde finales de 2018, así que eso es algo. Siempre estoy pensando en formas de hacer las cosas, cómo llevarlas a cabo y qué usar. He tenido más tiempo últimamente, supongo, y estoy deseando ser lo más productivo posible y comenzar a hacer que mis ideas sean más reales. Estaba haciendo un podcast llamado Small Operations sobre los sintetizadores de Teenage Engineering y estaba muy concentrado en lo que estaban haciendo otras personas cuando la pandemia llegó a los Estados Unidos. Inspirado por los sonidos y los experimentos, pero sobre todo la productividad de algunos otros artistas encendió un fuego en mí y me impulsó a hacer mi propia música de nuevo con más convicción. Es un momento extraño, pero estoy realmente inspirado para hacer más y finalmente sacar más. Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe. Desde hace algunos años me gusta mucho hacer espectáculos callejeros en lugares aleatorios. "Busking", por así decirlo. Es un tipo de actuación muy diferente y afecta a las personas de manera diferente, especialmente si estás haciendo algo que no esperarías escuchar en la calle o en un entorno en particular. No he hecho eso en unos años porque justo cuando me estaba preparando para comenzar de nuevo (estaba en el sur de California y ahora estoy en Phoenix, Arizona), la pandemia cerró las cosas, así que realmente no puedo ir a tocar la bocina y rocíar los gérmenes a todos. Parecía algo por lo que tenía que esperar un poco más, ya veremos. Extraño tocar. En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el 2021? Bueno, aunque no parece que vaya a suceder, desafortunadamente, hubiera esperado que hubiéramos superado la pandemia de COVID-19 debido a que todos estaban tan listos para seguir adelante que todos nos vacunamos y tal. Eso no va de la manera que esperaba y, aunque la gente en los EE. UU. Parece estar avanzando, las cosas se están volviendo raras nuevamente. Me temo que no va a suceder, pero mi deseo es que más personas en los EE. UU. Hagan lo correcto, sean socialmente responsables y se cuiden unos a otros. Es muy frustrante. En cuanto a la música, planeo sacar más música para enfatizar aún más el sonido que voy a usar usando el saxofón y mis pequeños sintetizadores OP-1 y OP-Z para hacer cosas de dreampop con texturas muy ambientales. Planeo sacar un EP para seguir detrás de Escalator en el otoño. ¡Salud!

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GAVIN MURPHY

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que deseas transmitir al mundo a través de esta música. Mi último sencillo, “Alive”, trata de tratar de abrazar los aspectos positivos de la vida y reflexionar sobre recuerdos y experiencias preciados. Los viajes nostálgicos realmente ayudan a aliviar la ansiedad actual. Siento que mis canciones transmiten un mensaje real de honestidad y emoción genuina en la letra y el sonido musical. Nunca trato de seguir las tendencias y estilos musicales. Simplemente escribo canciones y canto de la manera más natural y honesta posible. Para cualquiera que ame las canciones indie pop bien elaboradas y basadas en la guitarra melódica, "toma mi mano y ven conmigo...", no te arrepentirás del viaje. ¿Dónde te encuentra este lanzamiento, en términos de tu desarrollo / trayectoria general como artista, en relación con cuando comenzaste a hacer música y dónde te gustaría estar en última instancia? Estoy muy orgulloso de cómo ha resultado el single. Puedo decir con la mano en el corazón que captura perfectamente mi ADN musical. Trabajar con el coproductor Ger McDonnell ciertamente me ha ayudado a sacar lo mejor de mi estilo y sonido. En general, produje y mezclé mi álbum debut 45 RPM (Replay Past Memories), pero creo que es importante en el futuro tener oídos frescos y trabajar con un productor que pueda mejorar las grabaciones generales de las canciones. A pesar de los inconvenientes del bloqueo, muchos artistas han encontrado que el año pasado fue productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido? Sí, fue un momento muy extraño para lanzar música, ya que no había una forma real de tocar las canciones para una audiencia en vivo. El cierre me dio tiempo para poner toda mi energía en la promoción del álbum en la radio y los medios, y me encantó recibir el Álbum de la semana en la estación de radio nacional número uno de Irlanda, RTE Radio 1. Así que, para un artista no fichado, estoy increíblemente orgulloso de los comentarios positivos y los aplausos que están recibiendo las canciones. Mis dos sencillos "The Sound of Heartbreak" y "Alive" han recibido comentarios maravillosos hasta ahora... Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe. Me encantaba poder tocar en directo con regularidad. Disfruto tocar con diferentes bandas como guitarrista y tocar mis propias canciones en vivo. Entonces, realmente nuestro gobierno debe darnos luz verde para que la música en vivo en interiores se reanude lo antes posible. Nuestra industria y nuestros medios de vida deben poder florecer nuevamente.

En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el próximo año? Actualmente estoy en el proceso de grabar mi segundo álbum y estoy muy emocionado por cómo suena. He aprendido mucho en los últimos dos años desde la perspectiva de la grabación y la producción y me siento muy inspirado en este momento. Mi objetivo final sería tocar muchos shows en vivo. Siento que las canciones realmente se traducirán muy bien a una audiencia en vivo. Si hay promotores de música... no seas tímido...

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WE MELT CHOCOLATE

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Preséntense y cuéntenos ¿de dónde son? Hola a todos, somos We Melt Chocolate. Venimos de Italia, de Florencia en Toscana. Cuéntanos sobre We Melt Chocolate. ¡Somos 5 chicos a los que les encanta tocar y tocar fuerte! Nos conocemos desde hace mucho tiempo, y en algún momento (después de colaboraciones de otras bandas) decidimos tocar juntos. Estamos enamorados del shoegaze, el dreampop, la música psicodélica y tratamos de poner en nuestras canciones nosotros mismos, nuestra vida y nuestra contaminación artística. Nos encanta la pared de sonido conjunta con una voz etérea y un ritmo de fuzz compacto. Somos parte de In a State of Flux Festival, un colectivo de músicos. Con el festival intentamos hacer girar el género italo-shoegaze y sus afines por Italia y el mundo. Abriste el Festival NMER, ¿cómo fue esa experiencia? Fue una gran experiencia, gracias por invitarnos entre otros grandes artistas. Lanzaste un EP a través de NMER: ¿qué sientes al respecto? Estamos muy felices, ojalá pudiéramos recorrer América del Sur algún día. ¿Qué sigue para We Melt Chocolate para lo que queda de 2021 y para 2021? Vamos a ir al estudio pronto para el nuevo álbum. Ojalá esté listo para la primavera. Este es nuestro plan principal, grabar y luego tocar tantos shows como sea posible. Aquellos lectores que aún no te conocen, ¿dónde pueden encontrar tu música? Puede encontrarnos en bandcamp, youtube, facebook, spotify kool thing site, soundcloud e instagram. ¡Aquí algunos de los temas! Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCihy-AycZBaT8kjD1JgTx6A Bandcamp: https://wemeltchocolate.bandcamp.com/album/we-melt-chocolate Soundcloud: https://soundcloud.com/wemeltchocolate Facebook: https://www.facebook.com/wmcfi

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SONS OF SOUTHERN ULSTER

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Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que deseas transmitir al mundo a través de esta música. Nuestro último lanzamiento, Turf Accountant Schemes EP, se compone de cuatro canciones de nuestro último álbum, Sinners and Lost Souls, remezcladas por Pete Briquette de Boomtown Rats. Habiendo crecido escuchando a los Boomtown Rats, fue un verdadero honor cuando Pete mostró interés. Nuestras canciones son, en gran medida, un producto de pasar nuestros años de formación en una parte muy rural de Irlanda, Cavan. Pete también creció en Cavan, así que supongo que pudo relacionarse con lo que estábamos haciendo. Si bien hay algunas bandas de Cavan, nunca fue conocido como un semillero de rock and roll. Cuando éramos niños, era una parte del país muy desatendida, pero mirando hacia atrás teníamos mucha libertad que los niños realmente no tienen en estos días. Por supuesto, con libertad puedes tomar muchas malas decisiones y nosotros tomamos muchas. Intentamos plasmar eso en las canciones y, a partir de la reacción hasta ahora, parece que hemos tenido algo de éxito. No estoy seguro de que tengamos un mensaje. Si lo hacemos, supongo que es para decir la verdad, no seas hipócrita y escribas sobre las cosas que sabes. Al crecer en las zonas rurales de Irlanda, siempre hubo la sensación de que las cosas iban mejor en otros lugares, ya fuera Dublín, Londres o Nueva York. Nos hicieron creer que nuestra existencia era aburrida, mundana e insignificante. He estado en todos esos lugares y ahora sé que eso es una tontería. ¿Dónde te encuentra este lanzamiento, en términos de tu desarrollo / trayectoria general como artista, en relación con cuando comenzaste a hacer música y dónde te gustaría estar en última instancia? Llegamos a la banda más tarde en la vida. Habíamos incursionado en la música en nuestra juventud, pero luego apareció la "vida real". Como resultado de esto, supongo que tenemos un lujo que muchos músicos de tiempo completo no tienen y es que no tenemos que preocuparnos demasiado de lo que la gente pueda pensar de nosotros. Escribimos las canciones para nosotros y cuando a otras personas les gustan, eso es una ventaja adicional. Cuando escribes sobre el tipo de cosas que escribimos sobre los "éxitos" nunca llegarán y estamos de acuerdo con eso. Entonces, en términos de trayectoria, no estoy seguro de que estemos en ese camino. Obviamente, cuanto más grabas, más trucos aprendes, por lo que las cosas en cuanto a producción pueden ser un poco más pulidas, pero en general no veo que nos desarrollemos mucho. Somos lo que somos. ¿En cuánto a dónde nos gustaría estar? Nuestro plan siempre fue documentar una vida vivida para que conste. Tal vez estemos creando una cápsula del tiempo para que cuando la gente escuche nuestros discos se transporte a un tiempo anterior, bueno y malo. Me encantaría pensar en el futuro que alguien nos escuchará y verá el valor de lo que hemos hecho, incluso si son solo mis propios hijos. Probablemente me quedan 20 o 30 años en esta tierra, así que llegas a un

punto en el que piensas en lo que dejarás atrás: ahorros insignificantes, una casa que costó mucho pagar, algunas baratijas. Todo es una mierda. ¿Pero algunos registros que dicen que estuve aquí? Yo existí Y lo hice con la verdad. Eso es lo que yo quiero. No es diferente al dibujo del hombre de las cavernas en las paredes. A pesar de los inconvenientes del bloqueo, muchos artistas han encontrado que el año pasado fue productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido? A pesar de las obvias dificultades que ha presentado COVID, creo que muchas personas, no solo los artistas, mirarán hacia atrás en estos tiempos y reflexionarán sobre las oportunidades perdidas para crear y simplemente pensar. Probablemente estemos en ese barco. Lanzamos nuestro último álbum en junio de 2020 y luego nos empantanamos en el terrible proceso de intentar promocionar y perdimos la oportunidad de comenzar antes con el siguiente. Durante los últimos meses, lo hemos abordado y hemos comenzado a escribir de nuevo, pero probablemente perdimos el tiempo. Espero que la gente esté documentando esta época extraña: el aburrimiento, el aislamiento, el enmascaramiento. Esto no volverá a suceder en nuestra vida. Hay una fotógrafa irlandesa, Ruth Medjper, que ha realizado un trabajo estelar en esta área que creo que será histórica y artísticamente significativa. Los miembros de Sons of Southern Ulster viven en todas partes (Australia, EE. UU., Irlanda), por lo que reunirse con poca antelación nunca ha sido una opción, por lo que probablemente estemos menos afectados que muchos. Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe. Supongo que la capacidad de viajar ha sido la mayor pérdida. Si bien no somos una banda de conciertos (ni queremos serlo), normalmente nos reunimos en Irlanda para algunos shows cada verano, por lo que nuestros planes para eso se han echado a perder. ¡¡¡Pero el mundo seguirá!!! Más importante aún, como una banda que está diseminada por todo el mundo, hemos visto morir a mucha gente durante COVID (no solo de COVID) y el funeral tiene tanta importancia en la psique irlandesa que ha sido difícil presenciar las ceremonias privadas. en línea: ver a las personas que amas llorar desde la distancia. Trae a casa lo importantes que son estos ritos de iniciación cotidianos. Al menos, COVID nos ha enseñado a no dar las cosas por sentado. Hemos organizado algunos conciertos en Irlanda para el próximo verano, así que espero que eso suceda. Tocaremos en Whelans en Dublín en julio; la última vez que jugamos hubo un espacio de apoyo hace 30 años (para los Dixon, si alguien pregunta). También estamos programados para tocar en el legendario Mike the Pies en Listowel en Kerry (mira sus brillantes camisetas en línea). En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el próximo año? Estamos trabajando en el próximo álbum, pero es posible que hagamos un EP

antes. Nuestro plan siempre fue lanzar tres álbumes y desaparecer en el éter. Con dos menos, todavía me gusta la idea, pero cada vez que hablo con David (guitarra) parece que tiene planes a más largo plazo. A nuestra edad tenemos el privilegio de que a la gente le guste lo que hacemos, así que quién sabe. Si hemos aprendido algo, es que nunca se sabe lo que nos depara el futuro. La única razón por la que hacemos esto es para liberarnos de los imbéciles corporativos y sus planes de cinco años. Si estamos todos sanos y todavía en tierra firme cuando nos encontremos para los conciertos el próximo verano, estaré agradecido.

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THE MYSTERY PLAN ENTREVISTA A JASON HERRING DE THE MYSTERY PLAN

Cuéntanos un poco sobre tu último lanzamiento y los mensajes generales que deseas transmitir al mundo a través de esta música. Nuestro nuevo disco, You Also Have Eyes, es una recopilación de canciones de nuestros últimos lanzamientos, con algunas grabaciones nuevas realizadas durante el bloqueo de Covid-19. Las nuevas canciones transmiten un sentido de esperanza y búsqueda de las cosas buenas durante este momento difícil. Y la última canción de la versión expandida en CD / Digital, "cosas raras que hacen los humanos", toca la incertidumbre de los tiempos. Es un poco triste y ansioso. ¿Dónde te encuentra este lanzamiento, en términos de tu desarrollo / trayectoria general como artista, en relación con cuando comenzaste a hacer música y dónde te gustaría estar en última instancia? Cuando comenzó Mystery Plan, era básicamente yo, junto con el productor Paul Jensen, quien escribía todo. Luego apareció Amy, y nuestro sonido y letra se volvieron un poco más dulces y profundos. Comencé a producir / escribir con algunos de los héroes de mi infancia como John Fryer e Ian Masters, lo que me hizo sacar a relucir mi juego. Trabajar con esos tipos realmente sacó a relucir cosas en mi escritura que no estaban allí antes. En estos días, nuestra banda se ha solidificado con la incorporación del bajista Otis Hughes, el baterista / percusionista Jefferson Chester y la flautista / cantante de respaldo Patty McLaughlin. Escribir juntos, en lugar de solo yo con un productor, ha cambiado un poco el sonido, a un ritmo más maduro y experimental. A pesar de los inconvenientes del bloqueo, muchos artistas han encontrado que el año pasado fue productivo en términos de crear y lanzar nueva música (o incluso aprender un nuevo instrumento, programas). ¿Cómo ha sido este año para ti en ese sentido? Nuestro último disco, Zsa Zsa, salió justo cuando golpeaba la pandemia. No poder hacer una gira debido al bloqueo fue una gran decepción. Pudimos escribir y grabar durante el encierro, aunque por separado en el estudio. Tres canciones nuevas. Realmente extrañamos salir a la carretera para apoyar nuestro nuevo lanzamiento. También usé el tiempo para crear películas / videos para muchas de nuestras canciones. Cuéntanos una cosa que realmente te encantó, como artista, sobre el período pre-Covid, y una cosa que esperas una vez que se disipe. Pre-covid pudimos actuar y hacer giras por nuestra parte del país. También pudimos grabar con todos nosotros en el estudio. Cuando Covid esté detrás de nosotros, planeo grabar mucho y actuar mucho. En cuanto a tu propia música, ¿cuáles son tus planes y esperanzas para el próximo año? Suponiendo que Covid nos respalde en 2022, planeamos hacer programas, lanzar nueva música y hacer películas / videos para acompañar esas canciones. A principios de 2022 veremos un EP de remezclas con algunos de nuestros productores favoritos como Simon Mills (Bent), Steve Cobby (Fila Brazillia) y

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Jah Freedom. Con un EP de canciones nuevas para seguir en la primavera. Gracias por esta oportunidad. Si tiene alguna otra pregunta, no dude en escribirnos.

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The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A

Revista The 13th Numero 68

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