Revista The 13th Numero 67

AÑO: 7 | NÚMERO 67

THE 13th UN A REV I S TA I M A GI N A RI A

MARTY WILLSON-PIPER HELIGOLAND - NICK HUDSON TWIN TRIBES - JULIAN SHAH-TAYLER CHARLIE NIELAND - PARA LIA VISIÓN DE LA MÚSICA - MOTORAMA - PINHDAR BEACH VACATION - HUMAN IMPACT - SPYMON SPINE AQUELLA TAPA - DE TIEMPO Y LETRA - INDIE SOUNDSCAPES EXPEDIENTES DD - ESPACIO BOOMBOX

STAFF

Marzo 2021 DIRECCIÓN GENERAL

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión Ariel Tenorio REALIZACIÓN Y DISEÑO

Benjamín York

Diego Centurión.

Cynthia Rascovsky

PORTADA

Dora Angélica Roldan

Diego Centurión

Fernando Rivera Rodríguez

Diego Centurión

Flavio Gabriel Aza Franco Doglioli Gustavo Rojas Fernández Rubén Torres Jefe de Departamento de Literatura:

Pepe Navarro

Franco Doglioli.

Jefe de Departamento de Música: Diego Centurión

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Agradecimiento especiales a whitelight-whiteheat.com/ y a Mike Dimitriou.

Los fotógrafos mencionados en cada entrevista.

CONTACTOS issuu.com/revistath13th

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Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

NÚMERO 67 AÑO 2021 cambiamos de año y luego de unos meses de descanso regresamos con un nuevo número de la Revista The 13th.

Un año 2021 soñado por muchos directores de cine en varias películas... nos preguntamos... ¿cuán lejos estamos del 2021 en el que transcurre Mad Max (1979) de George Miller?

Esa es una respuesta que tendremos que examinar nuestro comportamiento como seres humanos, y cómo nos relacionamos con el prójimo... seremos salvajes o dominados como en el 2021 planteaado por " El planeta de los simios: Confrontación (Dir. Matt Reeves, 2014)".

Por nuestra parte seguimos apostando a la música que nos define como seres sensibles.

Comenzamos un año más en el año en que cumpliremos 8 años como proyecto llamado The 13th.

Bienvenidos al número 67 de la Revista The 13th...

Pasen y lean.

ÍNDICE ENTREVISTAS

SECCIONES AQUELLA TAPA RADIOHEAD

PARA LIA

JULIAN SHAH-TAYLER

08 09

MOTORAMA

18 26

PINHDAR EXPEDIENTES DD

TWIN TRIBES

DISCOS

42

INDIE SOUNDSCAPES BLUE CANOPY

VISIÓN DE LA MÚSICA

50 51

54

PATO RAMALLO SAICO

73 76 HUMAN IMPACT

CYNTHIA RASCOVKY FRANCO DOGLIOLI

CHARLIE NIELAND

72

78 DE TIEMPO Y LETRA

NICK HUDSON

60

64 ESPACIO BOMBOOX

HELIGOLAND

32

36

BEACH VACATION MARTY WILLSON-PIPER

14

86

90

92 96

102 108

PSYMON SPINE

114

Pueden presenciarlo en: www.youtube.com/c/NoMeEscuchoRecords

[ Por Ariel Tenorio. ]

AQUELLA TAPA

¿Que será aquello que nos atrae tanto de un objeto, como para querer poseerlo?, en muchos casos se habla de la estética, tan estudiada por estos días, se dice que un objeto posee una estética propia que lo define y diferencia de otros y que muchas veces se lo separa del arte propiamente dicho, y que tiene que ver más con otras cosas como la sociología, la Psicología, la historia etc.

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Una tierra desolada, fría, helada, desértica y arrasada por la mano del hombre.

Una imagen del futuro cercano para nada prometedor, eso es Kid A o por lo menos a simple vista desde su portada. La imagen que más me impacto desde que lo tuve en mis manos fue la ilustración a doble página en el medio del librito, la única imagen del libro en la que aparecen personas, en ella se puede ver lo que parece ser una familia, de espaldas contemplando una pared de hielo gigante, un enorme tempano celeste, como alguien que observa una pintura en un museo que no logra comprender del todo, pero que si está allí seguramente debe tener algo importante para transmitirnos. Y quizás sea lo que resuma el concepto general del disco, esto es lo que obtendremos si seguimos haciendo nada: La Nada… un páramo helado.

El arte de tapa, donde a simple vista se destaca una paleta de colores baja, y un predominio de las formas abstractas, está Influenciado por la guerra de Kosovo en 1999. Creado por Thom Yorke con el seudónimo Tchok y su amigo el artista plástico Stanley Donwood, el imaginario apocalíptico descrito por Thom se aleja del arte de OK Computer inspirado en Rauschenberg. En esta oportunidad Donwood creo para Kid A grandes pinturas al óleo, contrariamente a lo realizado para OK Computer, que había trabajado en formatos virtuales, dijo que el mouse lo estaba volviendo loco y decidió enloquecer a lo grande.

La transición de un pequeño monitor de computador a un lienzo gigante es una buena metáfora del nuevo alcance amplificado de Kid A. Mientras las letras y el arte de OK Computer mostraba una sociedad hipercapitalista luchando contra sus contradicciones internas y su bancarrota moral, Kid A se expande de tal manera que su alcance va más allá de las soleadas veredas de los suburbios hacia los oscuros paisajes de un futuro apocalíptico. Lo que se ve es terrorífico: paramos yermos, campos de batalla vacíos, ciudades en llamas, terrenos congelados, sangre por todos lados. Es la proyección de un mundo que ha sido menospreciado, diezmado y luego abandonado. Son las consecuencias del descontrol del capitalismo consumista. Son nuestros edificios en llamas nuestro mundo cubierto de hielo. La línea narrativa mas contundente que atraviesa todo este panorama desolador aparece en la edición especial de Kid A, en el evocan el apocalipsis a través del formato típico de un libro infantil. La edición especial articula las mismas ideas, pero siguiendo el objetivo propio de un libro para niños: educar a través de la historia.

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A nadie le gusta la nada De verdad desearía con todo mi corazón Que no existiera Pero con desearlo no es suficiente Vivimos en el mundo real donde La nada existe No podemos simplemente des-inventarla La nada no es comprensible Ni vos ni yo guardamos alguna esperanza De poder entender lo que es Y lo que hace Es difícil saber si la nada Es realmente nada Por lo tanto, es difícil saber si una política De no hacer nada es exitosa La nada Por efectiva que nos haya parecido Hasta el día de hoy difícilmente pueda Seguir siéndolo indefiniblemente Si yo tuviera que elegir Entre la continua posibilidad de Que nada suceda Y no hacer nada No dudaría en elegir la segunda O la primera.

Sin dudas el disco que acaba de cumplir sus primeros 20 años de vida, represento un cambio rotundo en la música de Radiohead, sobre todo al abandonar la guitarra eléctrica como principal recurso sonoro, la utilización de la electrónica, los efectos sonoros recargados en las voces, etc. Pero también la manera en que vieron el futuro, cambiando la forma de relacionarse con sus fans y la industria discográfica, fueron dando pistas en su página oficial, a manera de diario y no dudaron en compartir el disco para descarga gratuita antes de que llegue a las disquerías, realizaron una gira por Europa sin sponsors, los cortos promocionales totalmente alejados de la idea de video clip.

Un disco que es mucho más que eso, un experimento sonoro/visual, un ejercicio artístico/conceptual, un llamado de atención al mercado musical, que fue maltratado por la prensa al momento de su aparición, y poco comprendido por muchos de sus seguidores, pero que, a fuerza de tiempo y comprensión se ganó un lugar entre los mejores de todos los tiempos.

Existen múltiples miradas sobre lo que representa kid A para la cultura popular, y las influencias que recibieron ellos más allá de lo musical, desde la importancia del libro No logo de Naomi Klein, las protestas antiglobalización de Davos del 2000, la crítica al mercado de alimentos genéticamente manipulados, la escritura dadaísta. Muchas de estas miradas pueden leerse en el maravilloso libro escrito por Marvin Lyn, que edito el año pasado Dobra Robota/Walden en nuestro país, donde analiza cada aspecto del disco, desde la influencia política y social, hasta la artística. Con referencias a entrevistas y escritos de la época, y de donde extraje información para esta nota.

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[ Reseña de “Motorama - Before the Road (2021)” por Rubén Torres. ]

LA ANTICIPACIÓN DEL TIEMPO

Motorama - Before The Road Label: I'm Home Records Fecha de Lanzamiento: 29 de Enero de 2021

Motorama jamás defrauda y nunca habrá un disco por compromiso y en ese rumbo viaja el nuevo giratorio de la banda de Rostov-del-Don, una ciudad rusa de apenas un millón de habitantes en la que, como la mayoría de las ciudades pequeñas, la industria musical brilla por su ausencia.

A esta altura entiendo que Vlad Parshin, el cantante de la banda y sus amigos nos están mostrando un lugar sonoro único y complejo de lograr, siendo parte del revivalismo del increíble género post-punk especialmente partiendo del viejo continente y unos de los más celebrados exponentes de este periodo es MOTORAMA. En este año sumamente difícil ellos vienen y nos dejan su nueva creación rebalsada de sapiencia musical por donde quieran entrar.

BEFORE THE ROAD, antes del camino, Motorama está siempre anticipándose a su tiempo...

Un álbum impecable desde el primer sonido. No podrán decir que escribimos esta cosa que a veces pretende ser una reseña la haríamos sin escuchar el disco, porque lo estamos escuchando y acaba de salir hace dos tres horas de este lado del planeta y estan sonando como solo suenan ellos, frescos, relajados dominando todo el panorama como en CALENDAR (2012) álbum que nos hizo decir que en el indie internacional no había banda que mereciera más notoriedad por un disco bien hecho y certificado o como ALPS (2010). La primera publicación del quinteto ruso.

The tower abre el disco, nos muestra todo lo que vendrá a través de guitarras que crean atmósferas hipnóticas de las cuales es casi imposible querer salir.

Teclados y sintetizadores con arreglos simples y efectivos. Le siguen Pole Star. Azure Height. Voyage. Sailor Song. Up. Little Mystery.

El disco es para escucharlo todo de punta, y si es posible tres veces para macerar la idea del sonido con cada corte de excelentes melodías cristalinas, nostálgicas, evocadoras, dinámicas y al mismo tiempo contundentes.

Hay personas que escriben en la cuenta de YouTube de la banda "este disco es un solcito en medio fe tanto frio y oscuridad" y pensamos cerrar con eso, que en el re armado de un sonido anterior esta Motorama, mostrándonos su lado más amable y sin fisuras.

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El Programa de la Revista The 13th

www.facebook.com/tranmisionesoceanicas/ www.instagram.com/transmisionesoceanicas/

Transmisiones Oceánicas se transmite:

Todos los Lunes y Viernes a las 21 hs. por IndieGo Radio www.indiego.com.ar

Sábados a las 12 hs. por RadioRueda www.radiorueda.weebly.com/

Domingos a las 13 hs. por MutanteRadio. https://www.mutanteradio.com/

[ Entrevista a Rene y Cindy Methner de Para Lia por Diego Centurión.

Fotografías: Rene Methner, Vivien Sorge y Christiane Schleifenbaum ]

PARA LIA: "CUANTO MÁS OSCURA ES LA SOMBRA,

"

MÁS BRILLANTE ES LA LUZ

El segundo disco de Para Lia, “Gone With The Flow”, ha sido editado digitalmente en octubre de la pandemia 2020. Pero en febrero se produjo el lanzamiento en vinilo y CD de este trabajo, por este motivo, aprovechamos para comunicarnos con ellos, pero también con la posibilidad de poder para hablarles sobre una muestra de arte con el artista Louis Renzoni, un espectáculo interactivo con canciones de este álbum, online que puedes ver en: https://www.sophisticatedape.com/gone-with-the-flow-exhibition

Hola Rene y Cindy!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Para empezar y poniéndonos en el contexto de este 2021, ¿Cómo se encuentran atravesando esta pandemia interminable?

Hola Diego, hola chicos, es un placer volver a aparecer en tu excelente revista. Suponemos que hacemos lo que todos hacemos ahora mismo: perdemos la vida normal, tratamos de mantenernos en un estado de ánimo positivo y tratamos de superar este período lo mejor que podemos.

Lia con la interacción contrastante de la melancólica voz masculina más profunda y la hermosa voz femenina con el toque de "hada".

El nombre de este proyecto tiene que ver con Grecia, cuéntenos ¿por qué deciden elegir este nombre para este proyecto? “Παραλία” significa costa o playa en griego, y ahí fue donde nos hemos dado este nombre. Ambos amamos Grecia, tenemos amigos allí y a menudo estamos allí, por lo que existe una gran relación. Grecia también es una gran inspiración. Ahora en los tiempos actuales lo echamos mucho de menos para ir allí.

“Soap Bubble Dreams” (2019) es su primer álbum, cuéntenos sobre este álbum.

Soap Bubble Dreams fue un álbum con una atmósfera en general más oscura y una buena dosis de onda oscura mezclada con riffs de guitarra con reminiscencias del indie y rock alternativo de los 90, enmarcado por la canción principal y el algo gruñido 'Who Gets Fooled Again', que apunta líricamente a las tendencias populistas globales. Musicalmente algunos fanzines lo compararon con bandas como Echo & the Bunnymen, The Cure, Editors.

¿Cómo y cuándo nace Para Lia? Para Lia comenzó a principios de 2018 en el momento en que nos dimos cuenta de que no solo somos armoniosos como amantes sino también en la música con el dúo de nuestras voces. A partir de ese momento nació la composición de Para

Para aquellos lectores que aún no conocen a Para Lia, ¿cómo explicarían su música?

Una revista musical escribió recientemente que Para Lia suena de la mejor manera anticuada con muchas influencias del indie rock de los 90, y eso es correcto. En algún lugar entre el post punk, el rock alternativo y el dark wave, nos sentimos en casa.

El año pasado sale el segundo álbum “Gone With The Flow”, cuéntenos ¿qué diferencias encuentran entre el primer álbum y este segundo álbum?

La idea de “Gone With The Flow” nació

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del hecho de que el artista neoyorquino Louis Renzoni escuchó nuestra música de “Soap Bubble Dreams” y se enamoró de ella, nos escribió un mensaje y así nos pusimos en contacto, y viceversa nos enamoramos de su arte y su forma de pintar. Su credo "cuanto más oscura es la sombra, más brillante es la luz" se adapta muy bien a la composición y el sonido de Para Lia. Y entonces la colaboración fue algo natural. Los temas principales explorados en este álbum son la musa y la lucha continua con esa relación, explorada en medio de capas de sonido y arreglos que oscilan continuamente de la luz a la oscuridad. La idea de la colaboración también debe ser escuchada en la propia música, porque invitamos a músicos invitados que se hicieron amigos durante los últimos años (de EE. UU., Reino Unido y Canadá) y se unieron a nosotros en algunas pistas del álbum.

Pensando en la música… ¿cómo es la metodología de trabajo para escribir las canciones?

La composición es parte de René: “Es bastante simple. Cuando una idea, puede ser un riff de guitarra o una línea de gancho o una parte vocal, me viene a la cabeza, trato de grabarla lo antes posible. Luego empiezo a resolverlo y añado los instrumentos que ya suenan en mi cabeza. Las voces de Cindy y mía generalmente se encuentran entre los últimos pasos para grabar, antes de que pueda comenzar el proceso de mezcla”.

shop.php?pg=2&qb=11803) y puedes pedir CD y vinilos también en nuestra cuenta de banda en Bandcamp https://paralia.bandcamp.com/album/ gone-with-the-flow Estuve visitando la exposición online que han compartido con Louis Renzoni. ¿Cuéntenos esta experiencia distinta para una banda? ¿Este proyecto se ha pospuesto por la pandemia?

La idea original era mostrar la profunda conexión entre la música y el arte virtual en una exposición real al mismo tiempo en Berlín y Nueva York. Pero en un estado inicial de preparación, Covid se estrelló y decidimos colocarlo como una exhibición en línea. En sophisticatedape.com, la exposición encontró un hogar virtual en 3D: los chicos son increíbles en lo que están haciendo. Recibimos muchos comentarios positivos, por lo que creemos que fue la decisión correcta.

Es difícil pensar en un futuro que se pueda planificar. ¿Tienen algún plan para Para Lia en este 2021?

Después de terminar el proyecto “Gone With The Flow”, se siente bien simplemente respirar hondo sin buscar inmediatamente el próximo proyecto. Estamos trabajando en nuevas canciones como siempre lo hacemos, pero sin tener una línea de tiempo fija o saber en qué se convertirá: ¿un álbum, un EP o solo uno u otro single? Pero una cosa es segura: estamos deseando tener una buena improvisación con guitarras acústicas en nuesAcaban de lanzar la versión física de tro bar de playa favorito en Grecia, donde este trabajo, cuéntenos los forma- el propietario es un músico de Atenas y tos y dónde se pueden encontrar para donde se sirve un cóctel con el nombre adquirirlo.

Para Lia. Puedes conseguir el álbum en vinilo en la tienda online del elegante sello indepen- Muchas bandas han probado algunos diente con sede en Hamburgo Sounds Of espectáculos con poca audiencia, lo Subterrania. que tiene sus pros y sus contras. Hoy (https://soundsofsubterrania.com/shop/ las redes sociales se han consolidado

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como un lugar para mostrar su actividad. ¿Cómo has estado usando las redes sociales?

Shauna (Shameless Promotion PR) es increíble en lo que hace. Actualmente le dije que su profesión principal debe ser "hada": es una profesora total, está mejor conectada y tiene sentido para el uso de las redes sociales. Lo cual es muy importante para los músicos: correr la voz y ayudar a los artistas a difundir su música en el mundo y entre los oyentes. Para Lia también maneja cuentas de redes sociales y lo usamos para compartir fotos, historias, reseñas y cosas como esta. Lo que también hicimos fue crear tres videos para pistas de GWTF. Ya puedes ver dos de ellos en nuestro canal de YouTube Para Lia, y el tercero de nuestra canción "Children With The Flood" se lanzó el 3 de marzo en YouTube. ¿Haces actuaciones "en directo" onli-

ne? ¿Si es así, dónde?

No, Para Lia nunca fue un proyecto en vivo o una banda en el sentido clásico de la palabra. Invertimos toda nuestra energía y toneladas de tiempo en lo de GWTF, porque como músicos independientes lo hacíamos solos con amigos de nuestro lado, y no había espacio para preparar material en vivo. Pero tenemos esta idea en mente. Y oye, si quieres vernos actuar, ¡mira y escucha nuestros videos musicales en YouTube!

Y para cerrar y agradeciéndole a ustedes y a Shauna la posibilidad de que estemos realizando esta entrevista.

Tienen este espacio para decir lo que ustedes quieran a nuestros lectores. ¡Mucho amor para todos los que lean esto, manténgase positivos y que todos estén seguros! ¡Y si quieres, ponte un poco de Para Lia en tus oídos con un volumen alto!

Gracias Chicos por el tiempo que nos han brindado.

Muchas gracias por tu interés, muy apreciado. El placer es nuestro. ¡Todo lo mejor para ti y tu excelente revista!

Saludos, René y Cindy.

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[ Entrevista a Julian Shah-Tayler por Diego Centurión.

Fotografías: Brian Ziff ]

JULIAN SHAH TAYLER: "THE TORMENT SUITE" RETRATA LOS ÚLTIMOS 20 MESES DE DULCE TORMENTO

Hace unos meses que en el radar de las redes sociales viene apareciendo el nombre de Julian Shah Tayler o cómo se autodefine el proyecto que lleva adelante The Singularity. Un hombre que hace una música elegante y exquisita en el camino de grandes como David Bowie o Peter Murphy, por nombrar sólo dos rtistas que me gustan mucho.

Pero gracias a Shauna Mclarnon (a quién agradezco por la posibilidad que nos acerca para realizar esta entrevista), pude conocer mucho más de este artista. Así que acomódense en sus asientos, escuchen su nuevo EP “The Torment Suite” en: https://thesingularitymusic.bandcamp.com/album/the-torment-suite

Hola Julian, Gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Para empezar cuéntanos ¿cómo y cuándo nace este proyecto The Singularity?

El proyecto ahora lleva mi nombre: Julian Shah-Tayler. Nació en los dormitorios de los colegios-internados, cuando comencé a escribir canciones para sonar como The Cure y Prince, que eran mis grandes amores musicales.

Tuve que expresarme musicalmente, ya que mi abuela me formó y me enseñó la escuela clásica y luego la escuela Durham Cathedral Choir. La música comenzó a fluir por mis venas como un torrente. Las letras son mi gran deseo de comunicar aquello que no puedo expresar con palabras perfectas en la vida real.

solista es “Coito Ergo Sum” (2010), cuéntanos ¿cuánto crees o sientes tú que has crecido como escritor desde esa época hasta hoy?

Twins fue el primer álbum que produje, toqué y escribí por completo sin otros músicos. Como compositor me he mantenido bastante similar, aunque mis habilidades líricas se han vuelto más expresivas y creo que mi producción ha mejorado...

Tus trabajos siempre han mantenido un fino encause pop, pero has coqueteado con todo tipo de géneros, dark, disco, funk, más gótico… ¿qué artistas te han influenciado?

Amo a Bowie, Prince, The Cure, Radiohead y Depeche Mode, y mi novia me ha presentado recientemente Hay toda una historia antes de Battletapes que son increíbles. este proyecto, una historia que involucra mucho arte, cuéntanos He visto varios videos en los brevemente tus anteriores trabajos que cubres a diferentes artistas. a The Singularity.

Cuéntanos, ¿es pura diversión Estuve en muchas bandas entre mi o lo tomas como una forma de composición inicial y ahora: Magic investigación sobre la forma de House en Londres, Drinkme, Whitey, componer que tienen otros artistas?

Kerli, Adamandevil, Piel y muchos, Porque creo que al involucrarse en la muchos más. composición de otra persona hay que aprender a escuchar y comprender su Observando tu discografía, si no idea. estoy en un error, tu primer trabajo Siempre he versionado a muchos

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otros artistas. Solía tocar en York donde fui a la universidad, así que aprendí literalmente cientos de canciones. Te enseña trucos ingeniosos para escribir canciones cuando aprendes a Beatles / Bowie, que luego aspiras a emular en tu propio trabajo.

Volviendo a la actualidad y a tu nuevo EP "The Torment Suite".

Tienes canciones nuevas y también has retomado canciones viejas.

Cuéntanos un poco sobre la idea de este EP. Quería ilustrar el sentimiento de los últimos 20 meses, que han sido un dulce tormento. Todos están separados de sus seres queridos. He estado en una relación a distancia que se ha vuelto muy difícil por la situación actual, así que aprendes a colaborar a través de internet, zoom, FaceTime etc. así que “colaboré” a distancia. (David J estaba

en mi estudio con su máscara)

dinero, pero el hambre es voraz. Ha sido difícil sobrevivir económicamente, He visto que sueles utilizar las pero sin música no puedo funcionar. redes sociales a menudo para hacer streaming, ¿cómo piensas Y hablando de lo que viene, ¿qué cada presentación? ¿Y crees que planes tienes? el streaming es una de las nuevas Tengo un espectáculo planeado con herramientas que llegó para mi novia Eva Strangelove que involucra quedarse? burlesque y rock and roll como una Facebook live es algo que hago especie de espectáculo narrativo. Uno mucho. Es omnipresente ahora. puede compararlo con la ópera rock / A falta de espectáculos reales en ballet tal vez... mire este espacio. vivo, estamos trabajando con lo que podemos. Tenía un estudio que solía Y para terminar y agradeciéndote configurar con un proyector y pistas el tiempo que nos has brindado, de acompañamiento, pero ahora estoy diles a nuestros lectores ¿por qué más en los programas acústicos. Se deberían y dónde escuchar a The trata solo de recordar / aprender Singularity? originales y portadas.

Puede descargar desde https://thesingularitymusic.

Y hablando del 2020 y este 2021. bandcamp.com ¿Cuánto cambió tu mirada sobre O escuchar en: el mundo de la música con la Spotify pandemia?

Era obvio que la música es tan ¡Gracias Julian! importante para tanta gente. No hay Eres bienvenido.

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[ Reseña de “PINHDAR – Parallel” por Diego Centurión. ]

TRIP HOP SUGERENTE E HIPNÓTICO

PINHDAR – Parallel Label: Fruits de Mer Records Fecha de Lanzamiento: 26 Marzo 2021

Segundo álbum de este dúo italiano conformado por Cecilia Miradoli y Max Tarenzi. Su álbum debut llamado como la banda “Pinhdar” salió en el 2019.

"Parallel" como se deduce matemáticamente que se habla de líneas o rectas que se mantienen siempre a la misma distancia una de la otra. Ahora bien, buscando justamente un paralelismo entre el álbum y está definición, podemos decir que las ocho canciones que componen este segundo álbum, tienen vida propia e indistintamente, una canción puede convivir solitariamente de las otras.

Aunque si conceptualizamos el mundo de la geometría, podemos agruparlas en el título de "líneas paralelas". Bueno no es el caso de "Parallel", en este álbum el hilo conductor lo encontramos en el sonido profundo, intimista y sugerente de las ocho canciones. Gran parte de este sonido se refleja en la producción de Howie B , conocido por sus trabajos con Björk, Tricky, entre otros, es decir alguien que sabe de estos sonidos.

Howie dijo: "Trabajar con PINHDAR durante los últimos meses ha sido un placer sonoro.

Trabajar de forma remota en este proyecto fue un gran desafío tanto para mí como para la banda. Esta lejanía le ha dado un color extra a este álbum. Uno que está brillando".

Acerca de este disco Pinhdar dice: “Consideramos este disco como nuestra creación artística más auténtica y dolorosa. Sus palabras y atmósferas nacieron para salvarnos de los hechos dramáticos, incluidos los individuales, que enfrentamos durante un 2020 surrealista. Cuando lo terminamos, con una fuerte sensación de claustrofobia aún sobre nosotros, decidimos volar, lejos de todo, y luego poner nuestra música en manos de uno de nuestros productores favoritos. Entonces, intentamos contactar a Howie B y no esperábamos una respuesta, pero la respuesta fue rápida y entusiasta. Al final, Howie B no solo mezcló las canciones sino que incluso contribuyó a la producción del disco con sus manipulaciones sonoras y su inmensa vibra.”

El arte de tapa pertenece a la artista visual Elisabetta Cardella.

“La confusión que sentimos durante los meses de encierro, mientras grababa las pistas, nos empujó a buscar refugio en una realidad paralela que sin embargo resultó ajena. Esta realidad paralela se representa en la portada del disco como una casa, un ambiente tranquilizador, pero asentado sobre el agua, un elemento

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que aparece por el contrario extraño e inestable. Paralelamente, una especie de viaje onírico a través de la ansiedad existencial provocada por las condiciones sociales y ambientales actuales, peligrosas para la humanidad y para el planeta en general, es una invitación a buscar caminos alternativos por recorrer”.

Las canciones de este segundo álbum de Pinhdar, nos trae a diferencia de su homónimo del 2019, un submundo de imágenes y climas hipnóticos, bajo una exquisita musicalización minuciosa y elegante creada por Maxx, para que la voz de Cecilia pueda flotar y esconderse sobre esas estructuras sonoras, haciendo que la interpretación vocal de Miradoli sea una delicia y mucho más disfrutable.

Las canciones nos van llevando lentamente a un terreno en el que el dúo quiere llevarnos, a un paisaje sereno, intrigante y para descubrir a este dúo que nos envuelve con su trip hop sugerente.

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[ Por Pepe Navarro. ]

EXPEDIENTES DD

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Mezcla de crónica urbana y música desordenada, sin edición.

Usando la visión de manera periférica, sin querer, se encuentran mundos próximos.

Todo, obviamente, sujeto a disponibilidad.

O hasta que las existencias se agoten.

HORIZONTAL EN ESTE REFUGIO Y es así como vas aprendiendo a dejar todo de lado. Aprender a alejarte de todo y de todos.

Claro, siempre hay una trampa.

La equivalencia de palabras, de sensaciones.

De como algo mal escrito puede ser considerado genial y viceversa. De cómo una caricia puede ser un golpe, y de cómo una sonrisa puede encerrar la más grande tristeza.

Un testamento, una carta de despedida que nadie encuentra, un orden en las cosas que no se llega a descifrar.

Alguna vez leí en algún lugar que no hay cosa más triste que una cama vacía.

Apostamos a lo que pensamos, saciamos nuestras necesidades de creer en el azar y nada es así. ¿Qué se puede hacer al respecto? ¿Estamos haciendo lo correcto? ¿Alguien saldrá lastimado?

Hago una historia extraordinaria de tintes heroicos en base a una pequeña anécdota para imaginarme en un plano diferente, en una situación extrema.

Pasan unos niños a mi lado y me observan con extrañeza.

Recuerdo hace muchos años, a muchísimos kilómetros de aquí, observar yo a gente que en esos tiempos tenía la edad que tengo yo hoy, o quizás menos. Los observaba con curiosidad y pensaba en la enorme cantidad de experiencia y escenas vividas, acumuladas como un currículum brillante e impoluto.

Luego pasan los años y te das cuenta que todo es realmente de un color deslucido y frío, con algunos tintes de brillo: Una pared pintada por varias personas, con diferente criterio, con diferente mirada. Y que alguien va exhibiendo como propia, por ahí. No espera nada. No busca reconocimiento. Solo es así.

Tengo los sentidos agudizados por la realidad. Es un ejercicio relativamente fácil que aprendí a la fuerza, casi de manera violenta. Tengo marcas enormes en mi psiquis debido a eso.

Pero aún la máquina funciona, duele y rechina a veces. ¿A qué iba esto?

Ah sí. Mi epílogo personal está cerca.

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[ Entrevista a Luis Navarro y Joel Niño, Jr. de Twin Tribes por Diego Centurión ]

TWIN TRIBES: FUE UN AÑO DIFÍCIL PARA TODOS

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Estamos ante una de las revelaciones de estos últimos años en el coldwave, Twin Tribes. Este dúo de Brownsville, Texas, lanzará el 9 de abril "Altars", un álbum de remixes realizados por grandes artistas del género. Es como una bendición realizada por bandas que iluminan el firmamento del post-punk y el coldwave actual. Nos comunicamos con Luis Navarro y Joel Niño, Jr. y esto nos contaron.

Hola Chicos, quiero agradecerles la oportunidad que nos dan de realizar esta entrevista y no puedo dejar de pasar por alto la facilitación de este contacto a Christian Bankes de Fade In PR, a quien agradezco profundamente.

Para empezar, cuéntenos ¿de dónde son sus raíces?, más allá de que viven en Brownsville, porque hablan muy bien el español.

Luis: ¡Gracias! Yo soy originario de Matamoros, Tamaulipas pero me mudé a Brownsville con mi familia a temprana edad.

Joel: Mi mamá es de México creció en Río Bravo, Tamaulipas. Se vino a los Estados Unidos a temprana edad donde conoció a mi padre. De hecho mi primer idioma fue español y según mi mamá aprendí inglés a través de “Sesame Street”. ¿Cómo nace el nombre de la banda?

El nombre de la banda surge a través de un juego de palabras. Estuvimos jugando con palabras durante un mes hasta que salió una opción con la palabra “Tribes” y de ahí eventualmente nació “Twin Tribes”, lo que nos gustó de inmediato. No necesariamente tiene

un significado especial, solo fue algo que nos gustó cuando lo escuchamos y ahora se ha convertido en nuestra identidad.

Bueno sé que todo empezó en el 2017, como un proyecto personal de Luis y luego se une Joel, cuando sólo existía un demo de la canción “Shadows”. La pregunta es ¿Cómo creen ustedes que se dio esa conexión tan rápido entre ustedes, ya que unos meses después estaban grabando el primer álbum?

Luis: Yo creo que una vez que escuchamos los demos juntos, estábamos en sync, en el mismo canal. Logramos escribir unas siete canciones en un periodo de 3 - 4 meses y fue lo que terminó siendo el álbum “Shadows”.

He escuchado que el primer álbum “Shadows” fue un álbum que, en cierta forma, lo han registrado para ustedes. Después todo explotó y se hicieron conocidos, seguramente tuvieron otra perspectiva de su posición como banda dentro de la escena. La pregunta es ¿se sorprendieron con el impacto que tuvieron en tan poco tiempo? De hecho, acá en el sur del continente

son muy conocidos.

Luis: Si, definitivamente no teníamos eso en mente cuando estábamos en el estudio. El plan originalmente era solo hacer un casete para nosotros y ya. Jamás pensamos que iba a ser aceptado de esta manera y realmente es algo muy genial que la gente se haya podido identificar con el disco.

Joel:Todoloquerealmentequeríamos hacer era poder tener algo físico que tuviera esta colección de canciones. No esperábamos mucho pero si sentimos cuando estábamos en el estudio que las canciones eran mágicas. Bailábamos durante playbacks y junto con nuestro productor Allen Michael realmente disfrutamos los momentos creando “Shadows”. Estamos agradecidos con todos los que nos han apoyado desde el principio. No estaríamos aquí si no

creyeran en nuestra música.

He escuchado una anécdota de algo que les sucedió en su primera visita a New York, al The Red Party. ¿Pueden contarles a nuestros lectores esa experiencia?

Joel: Si, ese no fue uno de nuestros mejores momentos. Honestamente, creo que fue el punto más bajo que recuerdo haber tenido como parte de Twin Tribes hasta el momento. Volamos a Nueva York desde Texas y habíamos dejado nuestra pequeña caja fuerte en una de las maletas en medio de unas playeras. Tomen en cuenta esta era nuestra primera vez volando para un show y no teníamos una idea en el arte de viajar. Desafortunadamente tuvimos fe en la seguridad de nuestras maletas pasando por chequeos de seguridad. Cuando llegamos al

lugar donde íbamos a dormir abrí nuestras maletas para asegurarnos que la mercancía estaba bien ya que traíamos casetes. Lo que encontré fue la caja fuerte abierta y todo el dinero que habíamos ahorrado para nuestros viajes y de nuestras ventas de merch se había ido. Salvo un dólar lo cual fue realmente una escupida en la cara de parte de nuestro ladrón. Un momento traumatizante.

Luis: Si, fue algo terrible lo que nos pasó. Cuando Joel me dijo lo que pasó fue un golpe muy fuerte.

Pero supe que teníamos que actuar rápido ya que no podíamos cambiar lo que pasó. Inicie un “Go Fund Me” explicando lo que nos pasó. Y en una hora habíamos reunido ya la mitad de nuestra meta. Fue algo realmente sorprendente. Afortunadamente para nosotros logramos recuperar el dinero perdido gracias a nuestros fans. Y a cada persona que donó les dimos agradecimiento en nuestro álbum “Ceremony” ya que ellos lo hicieron posible. Fue un sentimiento muy bonito poder ver tanta gente donar dinero porque creen en ti. Seguimos muy agradecidos.

Cuéntenos la experiencia de haber grabado un “Part Time Punks Session” en el 2018.

Luis: Grabar la sesión de “Part Time Punks” del 2018 fue increíble. Nos tocó grabarla con Bee Hussey en Los Ángeles. Nos tomó unas cuantas horas grabar las canciones. Después Bee hizo la mezcla y fue lanzada en cassette como “Part Time Punks Sessions” y disponible en streaming. Estamos muy agradecidos con Michael Stock por invitarnos a grabar una sesión con tanto nombre como Part Time Punks.

En el 2019 editan su segundo disco, “Ceremony” un álbum mucho más completo desde el sonido y la producción, más allá del lógico crecimiento como banda, ¿Cómo sienten ustedes que ha crecido la banda entre el primer disco y el segundo?

Luis: Creo que sí se puede ver el crecimiento como banda comparando los dos discos. Ceremony sónicamente es un disco más complejo que Shadows.

Shadows en sí, era una búsqueda y en Ceremony logramos encontrar el sonido que estábamos buscando. Un disco también más personal e íntimo.

Joel: En cuestiones de escribir las canciones si hubo una evolución real.

Teníamos una clara idea de cómo queríamos escucharnos. Así como cuando estábamos escribiendo las canciones para Shadows, la conexión que tenía con Luis se hizo más fuerte.

En mi mente, confiábamos en nosotros para tomar las mejores decisiones artísticamente para las canciones.

Ustedes han realizado remixes a Clan of Xymox, Astari Nite y Geometric Vision, al menos las que yo conozco. ¿Cómo trabajan este tipo de remixes para otros músicos?

Luis: Si, así es, son los únicos que hemos hecho que ya están disponibles y vendrán más en el futuro. Usualmente nos contactan con la propuesta y si hay disponibilidad lo hacemos. Es divertido poder dejar el toque de Twin Tribes en la música de nuestros amigos.

Joel: Es un proceso. Empezamos escuchando el track original, y después empezamos a desmantelar y reconstruir. Luis realmente es el factor determinante en cuanto a remixes. Se ha convertido en un mago con nuestro

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software de grabación y siento que vino la idea. en lo que vamos avanzando vamos Joel: Inicialmente empezó con NITE aprendiendo mucho más. y Matte Blvck contactandonos para ver 2020 fue un año sorpresivo, si podían hacer un remix de una de que detuvo el mundo. Ustedes nuestras canciones. Pensamos que aprovecharon para lanzar algún sería una buena idea y cuando nos los material en vivo como “Live At entregaron todo fue desarrollándose Fascination Street” y saltar algunos desde ahí. Contactamos a otros singles adelantos el nuevo trabajo, artistas y teníamos muchos tracks del cual hablaremos después. que escoger. Realmente tratamos Cuéntenos ¿tienen material en vivo este disco con respeto y el amor que merece al igual que a los artistas para liberar en algún momento?

Luis: Sí, de hecho lanzamos Live At que escogieron ser parte de él. Ellos Fascination Street la cual fue grabada sobrepasaron límites para transformar en Nashville, TN en nuestra última gira. las canciones y hacerlas suyas.

Cuando escuchamos la grabación Estamos muy emocionados de que ya supimos que teníamos que lanzarlo lo escuchen. en cassette para darle la esencia que Una vez que obtuvieron las queríamos. Nos encantó. versiones terminadas, ¿Cuál fue su Joel: Aun tenemos material en vivo reacción? de una segunda sesión de PTP que Luis: Mi reacción fue un tremendo hicimos.Nohemostenidolaoportunidad gusto. El disco de principio a fin es de lanzarla pero posiblemente en el un LP propio, no es simplemente un disco de remixes. Cada artista hizo futuro esperamos que sí. un excelente trabajo transformando y Están por lanzar un disco de alterando las canciones a sus estilos remixes, “Altars”, programado para y nos alegra mucho que hayan hecho el 3 de abril, que será distribuido por este disco posible.

Negative Gain (Norteamérica), Manic Depression Records (Francia), y Joel:Asombro. Cada artista hizo los Young & Cold Records (Alemania). remixes como si fueran canciones Un álbum de remixes entre los que de ellos y en su propio estilo. se encuentran nuevas miradas realizadas por She Past Away, Han realizado shows con She Bootblacks, Ash Code, Wingtips, Past Away, Clan of Xymox, y otras Creux Lies, Geometric Vision, entre bandas más de la escena. ¿Qué show recuerdan con mucha alegría? otros.

Cuéntenos ¿cómo se gestó esta Luis: Creo que cada show es idea y cómo fue el contacto con las especial. Desde tocar en una cochera llena de gente a tocar un show en un bandas?

Luis: Para ser honesto no teníamos auditorio lleno. Pero uno de mis shows pensado lanzar un disco de remixes favoritos fue un festival en Tampa hasta que varios artistas/amigos llamado Absolution fest. Me trae nos pidieron hacer un remix. Luego mucha alegría porque compartimos escuchamos los primeros tres y se nos escenario con muy buenos amigos

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que frecuentamos en shows todo ese Actualmente hay un auge del coldwave y post-punk que viene año. Fue muy especial. creciendo en estos últimos años, Joel: ¡Es un momento agridulce, con y este pandémico 2020, fue un mucho miedo y alegría! Recuerdo un año muy difícil, sé que ustedes espectáculo con entradas agotadas suspendieron un tour en el 2020, y cuando abrimos para She Past Away en este 2021 ¿Cómo lo planean?

San Diego. Salí al escenario agachando Luis: Fue un año difícil para todos. mi cabeza, tomé mi lugar y esperé a Por el momento tenemos agendada que Luis subiera al escenario. Una vez una gira en Estados Unidos en que tocaron las primeras notas de la septiembre si es que todo está bien primera canción, miré hacia la multitud para ese entonces pero seguiremos y vi un mar de caras hasta donde pude monitoreando la situación para ver ver. Esta era la multitud más grande qué es lo que pasara. para la que habíamos tocado hasta este momento, y mis rodillas simplemente ¿Dónde pueden encontrar su se bloquearon. Me quedé paralizado música? e instantáneamente supe que esto era Joel: Pueden encontrar toda pánico escénico. Afortunadamente, nuestra música en plataformas de después de la primera canción distribución digital como Spotify, desapareció y realmente pude disfrutar iTunes, YouTube Music, así como de uno de mis momentos favoritos de en nuestro Bandcamp. En cuanto a los medios físicos y otras nuestra carrera hasta ahora. mercancías, pueden encontrarlo en Entre muchas de las influencias TwinTribes.bigcartel.com, así como he escuchado que han mencionado en nuestro proveedor exclusivo de a Soda Stereo, ¿qué bandas merchandising para América Latina, El Chulito Merch fuera de México. latinoamericanas les gustan?

Luis: Sí, de hecho Soda Stereo es de mis bandas favoritas. Una gran Y para terminar esta entrevista influencia para mí creciendo hasta agradeciéndoles el tiempo que nos ahora. Aparte de Soda me gusta han dedicado. mucho el rock en español en general. Tienen este espacio para lo que Caifanes, Héroes Del Silencio, La ustedes quieran decirles a nuestros Unión, Los Prisioneros, Alaska, lectores.

Miguel Mateos solo para mencionar Joel: Gracias a todos los fans que están leyendo esto y que han a algunos. estado con nosotros desde el Joel: Iré reciente aquí: Hoffen principio, y a los nuevos fans que y Equinoxious de México, puedan estar escuchando sobre Autonomistas de Argentina, y nosotros por primera vez a través aunque no necesariamente de de su publicación. Le estamos muy América Latina, Luz Futuro y VVV agradecidos por su tiempo, ¡gracias!

[Trippin’you] de España. ¡Gracias Luis y Joel!

[ Por Fernando Rivera Rodríguez ]

INDIE SOUNDSCAPES HOY: BLUE CANOPY

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Un nuevo y brillante tema Indie lleno de entusiasmo y nostalgia.

Reseña de “Blue Canopy: Motovun"

¡Hola mis queridos amigos!

En primer lugar espero que todos se encuentren muy bien de salud y muy protegidos contra esta pandemia que nos afecta a todos de forma diferente como nunca antes. Desafortunadamente, en mi experiencia, conozco a muchos amigos que han contraído el virus y la mayoría de ellos se encuentran bien pero otros no. En mi caso, y gracias a Dios, no he estado infectado y tampoco mi familia. Felizmente ha llegado la vacuna y debemos ser muy optimistas y pacientes.

Estuve muy ocupado este año viendo muchas cosas pero necesitaba regresar rápidamente para escribir un nuevo artículo incluyendo Música nueva y fresca del 2021 para nuestro mayor agrado. Se necesita mucho tiempo y dedicación en buscar, encontrar y compartir una canción nueva para satisfacer nuestros sentidos y gustos con las mejores atmósferas, armonías y melodías posibles.

Muchas veces puede ser muy difícil encontrar una sorprendente y única canción porque muchas bandas pueden sonar muy parecidas y aburridas sin pasión, emoción y honestidad. Pero de otro lado, felizmente podemos encontrar increíbles y talentosos Músicos de cualquier parte del mundo cultivando diferentes estilos y sorprendiéndonos de la mejor manera cumpliendo todas nuestras expectativas.

Finalmente, después de una intensa exploración y escuchando mucha Música nueva, me topé con una verdadera joya llamada "Motovun" la cual me emocionó tanto debido a la increíble mezcla de estilos y detalles. Es gratificante cuando escucho una melodía contemporánea y no la puedo clasificar en un par de estilos solamente. De esta forma, y escuchándola más y más, fue sorprendente descubrir, poco a poco, muchos más estilos, melodías y sonidos.

"Motovun" (2021 - GRIND SELECT), es el más reciente single de la innovadora y talentosa banda BLUE CANOPY y el tema es un viaje fantástico y nostálgico recreando sobresalientes texturas y detalladas atmósferas. BLUE CANOPY es el proyecto en solitario del Multi-instrumentista ALEX SCHIFF proviniendo de Portland - Oregon, EEUU. y el tema "Motovun" (un pueblo ubicado en Croacia) está incluido en su flamante segundo EP. ALEX SCHIFF empezó como tecladista de la banda MODERN RIVALS compartiendo escenario con bandas como RA RA RIOT, THE BLUE KEYS and STARS. "Mild Anxiety" (2020 - GRIND SELECT), el debut EP de BLUE CANOPY,

demostró sus habilidades para componer una variedad de grandes canciones con un estilo Jangle, Indie y Twee-Pop y algunos toques Psicodélicos como "Keys To The Garden", "656", "St. Albans" y "Always".

Ahora BLUE CANOPY lanzará su último y segundo EP titulado "Sleep While You Can" (2021 - GRIND SELECT) que está en forma de pre-order (en reserva) y estará disponible a partir del 5 de Marzo del 2021. Este próximo EP es la evolución del primero con un carácter más maduro e introspectivo ofreciendo increíbles y coloridos paisajes sonoros y alegres atmósferas.

El primer single de este extraordinario EP titula "Motovun" y es simplemente una maravillosa y hermosa obra de arte que nos transportará a un mundo de fantasía y felicidad. Es muy complejo describirlo porque tiene muchos estilos. Mi primera impresión fue sentir una gran influencia de la mítica banda THE FIELD MICE, TREMBLING BLUE STARS y THE RADIO DEPT. (Bandas que Alex no conocía, como el mismo me contó, y esto sucede con auténticos artistas).

Cuando empecé a escucharlo más me dí cuenta que tiene una amplia paleta de estilos e influencias con el sello único y original de ALEX SCHIFF, más conocido como BLUE CANOPY. Estas influencias fueron tan grandes y llegaron muy lejos encontrando estilos muy diversos como Synth-Pop, Indietrónica, Música Ambient y Experimental, Psicodelia, Dream-Pop, Shoegaze, Jangle-Pop, etc. presentando su Música a un nuevo y magnífico Mundo musical... ¡muy emocionante! También percibo a muchas artistas como SLOWDIVE, M83, APPARAT, THE OCEAN BLUE, FUTURE ISLANDS, ULRICH SCHNAUSS, THE ESSEX GREEN, MOTORAMA, BROWN RECLUSE, muchas bandas de los sellos SARAH RECORDS y ELEFANT RECORDS, etc., etc... puedo continuar, pero sería imposible terminar.

Escuchemos esta deliciosa canción y esperemos que puedan sentir mucho placer y pura nostalgia. También, este excelente tema cautivará sus corazones con bastante optimismo y entusiasmo. Muchas gracias por leer y escuchar y nuevamente cuídense mucho mis amigos...

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[ Por Gustavo Rojas Fernández ]

VISIÓN DE LA MÚSICA CONVERSACIONES CON EL PASADO PARTE 1 [Los Pillos / Adrián Yanzón]

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Impostergable comprender, aceptar, que al no existir humano perfecto, es imposible atestiguar obra artística perfecta. Perfección corresponde a un grado espiritual mayor.

El colosal tiempo enseña obras perpetuables, el deteriodo inminente de otras, sello de desintegración. Rememoramos la sentencia indiscutible de Niezstche: "La vida sin música seria un error", error es también adherir a esferas fabricadas por la rapacidad del sistema, matriz infecta; destruye libertades creativas en pos del sucio negocio discográfico.

Impiadoso sistema, aplastando, deborando aquello que inerme lo combate, totalitarismo esclavizante, falso benefactor del "buen gusto".

Abriendo sus fauces, engulle a quienes pregonaban no claudicar. Iluso vislumbre de escapar a la opresiva manipulación mercantilista, regodeándose en el lodo de lo pseudo-artístico.

Os mutantes, asociación musical psicodélica de finales de los ´60, compuesta por la adorable Rita Lee en su etapa lisérgica, banda admirada por Kurt Cobain (nirvana).

Cobain envía una misiva a uno de sus integrantes advirtiendo: "No te dejes comer por el sistema", cuya tajante respuesta fue: "Kurt, a mi el sistema ya me tragó y ya me escupió".

En la cumbre musical, escombros minados de cebos dispuestos para la emboscada.

Sellando el pacto firmado en sangre nueva, artistas seducidos por la usurería, encapsulada marquesina de confort. La efímera obra se diluye en un parpadeo.

El artista ya no es más él, autómata del sicilio y la sombra; será denigrado, consumido en la primera alborada. Arrojado al espejismo ataviado, sin discenir que el alimento expresivo, no debe ser masticado por el indeseable ladrón, negador de su delito, consumado es.

Vender al diablo el alma, sencillo y redituable será, sin afrontar el arduo camino, saltando etapas hacia la satisfacción individual, coartando desiciones espontáneas, hijas de la originalidad clásica.

Vivir de lo que a uno no le gusta, significa servir a quien no le gustas. Ante tan desalentador panorama, sembrar en tierra infértil es desafiar normas despreciables, dislumbrando su misión y flagrante inercia. Violar el compromiso con el ideal puro y sin mácula. ¿Qué refugio sondear en áreas confiscadas?

Crear entonces un espacio paralelo, un oásis alternativo para converger entre rechazados y parias, mártires insurrectos; resistiendo al molde y las etiquetas.

Sellos independientes venden dignidad, músicos callejeros manipulan su libertad. El hartazgo es su cenit, rendición.

Todo es parte del sistema, el anti-sistema es otra cara del mismo espejo deformante.

Sombra aterrada de endemoniados ojos, víspera del ocaso.

En ésta pálida atmósfera surge entre lo muerto: Los pillos, híbrido under de búsqueda radical sin conseciones, lírica potente, sonido cortante en la sien

nerviosa del holocausto interior.

Desafiante imagen en gris.

Reunidos todos los condimentos de la adolescencia frustrada, rebelde, sanguínea, inquietante, subersiva.

Proliferan inocencias perdidas de jóvenes sin voz, pillos como portavoces subterráneos del mas allá.

Se divisa el reflejo de un néctar poco apreciado en su novedad: el post punk, siniestro emblema del caos.

Toman irreverentes el sombrío legado de Joy division, la mortuoria impronta del cadáver de su mentor: Ian curtis, muerto a los 23 años por ahorcamiento.

Agitados rituales por antros de envolvente bruma, culminando en el mítico y consagratorio estadio de obras sanitaras, teloneando a una oscura y emblemática agrupación inglesa.

ParaKultural, el CBGB del sub-desarrollo, cueva de raros e indeseables.

El Louvre punk de los emergentes.

Incontrolable agitación de jóvenes vomitando en el banquete freak.

Un único disco para esculpir en árboles aterrados un nombre indeleble.

Enigma ante la desaparición en el amazonas del baterista y su amada, nunca hallados se acrecienta el misterio, souvenir de desgracias encadenadas, ruptura entre sus egocéntricos tripulantes, ya a la deriva.

Grabaciónes inéditas, escasos documentos visuales, culto prefigurado como testamento.

Pillos jugó al límite con lo irracional, su desencanto fue real, a la vez que estudiado con muecas ante un tétrico espejo secreto.

Fijando límites en el abismo, quien coquetea con la muerte y no se mata, solo provoca, el verdadero suicidio es ya no estar aquí.

Viajar lejos para regresar.

La vida de los pillos fue brillante, tal vez por el corto período que transitó.

Difusores elementales del hambre juvenil en épocas desenfrenadas.

Ignotos aún para nuevas generaciones recicladas o inmersas en propuestas que no comulgan con el decadente horizonte entre sueños.

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www.mutanteradio.com

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[ Reseña de Beach Vacation – I Fell Apart (2020) por Rubén Torres ]

HORIZONTE LUNAR

Beach Vacation – I Fell Apart Label: Z Tapes Fecha de Lanzamiento: 13 de Noviembre de 2020 Para mí que saben cómo hacer un gran disco con sonidos adolecentes, aunque no son nuevos, si es verdad que es su primer álbum, no así sus primeras grabaciones que se convirtieron en singles. Tuvieron una pausa entre 2013/2018 y de ahí no pararon hasta este afortunado disco debut.

Ellos son de Seattle se llaman “Beach Vacation” y suenan súper refrescantes, en un género que poco hemos sabido en estos últimos tiempos. Música nostálgica de los 80tas, un dream también noventoso, con muchas canciones románticas y súper efectivas dentro del excelente pop.

Una mirada profunda sobre la la melodía y una voz introspectiva nos llevan de paseo por la historia también reciente de la música del sello captured tracks; Wild Nothing. Zacary Cole Smith (DIIV) Beach Fossils. O Alvvays...

Una propuesta sonora bien construida y con canciones pegadizas.

El dúo compuesto por Tabor Rupp y John Deavila tuvo su momento en 2013 cuando editaron una serie de singles que llamaron la atención del mundo musical americano.

En 2018 retomaron con mucha fuerza y creatividad. En el 2020 dieron a conocer I FEEL APART. Delicado álbum que muestra una línea muy delgada entre el dream-pop y el shoegaze, donde demuestran con maestría en su disco debut como deben mezclarse los géneros y sonidos.

Sintetizadores y guitarras que brillan, delicadas líneas vocales que dan ganas de ponerlo una y otra vez...

Canciones; “Break the ice” abre el disco, maravillosa.

“Our nigth is falling”, es una extraordinaria conjunción entre DIIV y CRAFT SPELLS. “Mustang”. “Unfaze”. “Don't stay away”.

Gran disco, que descubrimos hace poco...

Y una hermosa banda que le deseamos una larga vida, así podremos disfrutar de otra hermosa banda para un extraordinario género, el de la experimentación.

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[ Entrevista a Marty Willson-Piper por Diego Centurión.

Fotografías: Olivia Willson-Piper. ]

MARTY WILLSON-PIPER : COMPRA UN SISTEMA ESTÉREO DECENTE

Sus pergaminos mencionan a The Church, All About Eve, Noctorum, su carrera solista y su sitio web https://martywillson-piper.com/ en donde realiza una tarea faraónica de investigación sobre música en https://www.indeepmusicarchive.net/ Hace tiempo que no hablamos con Marty y sabemos que su proyecto con Niko Röhlcke, MOAT, tiene disco nuevo, “Poison Stream” editado el 12 de febrero por Schoolkids Records.

Aprovechamos este nuevo lanzamiento para ponernos al día con artista que difícilmente lo encontremos sin un nuevo proyecto en su mente.

¡Hola Marty!

Gracias por aceptar realizar esta entrevista.

Antes de empezar quiero agradecer a Olivia por la información recibida y por aceptar ella también gestionar este contacto.

Para empezar, no puedo dejar de preguntar por este virus que ha cambiado al planeta en este 2020 y aún continúa dándonos batalla. ¿Cómo ha afectado el Covid en tu vida?

Nos mantuvo a Olivia ya mí en un solo lugar durante 9 meses, lo cual es inusual y desconcertante. Pero nos permitió trabajar en el estudio con mi colaborador del proyecto Noctorum, Dare Mason, y terminar diferentes proyectos que nos llegaron a través de mi aventura en la composición de canciones y orientación de la guitarra.

Eres una persona que está siempre recorriendo el mundo. ¿Dónde te encuentras viviendo actualmente?

Recientemente me mudé a Portugal con mi esposa Olivia y vivimos en Oporto.

Danos una introducción sobre Moat para aquellos lectores que no

estén familiarizados con el proyecto.

Cuéntanos, ¿cómo nació este proyecto junto con Niko Röhlcke allá por 2012? Y dinos si hubo una dirección musical específica al comienzo de Moat.

MOAT fue un proyecto que fue imaginado por un amigo en común de Niko y el mío. Sigge Krantz es productor / ingeniero, ingeniero en vivo y bajista. Se le metió la idea en la cabeza de que Niko y yo trabajaríamos bien juntos, tenía razón. Niko proviene de una banda llamada Weeping Willows que tiene mucho éxito en Suecia, pero es un multiinstrumentista y también trabaja en muchas bandas sonoras, pero no canta ni escribe palabras. En realidad, no había una dirección, era simplemente entrar en una habitación y ver qué pasaba, aunque inmediatamente comenzamos a escribir piezas musicales extrañas.

La mayoría de las canciones se basaron en los estados de ánimo de la banda sonora de Niko, con nosotros trabajando juntos en la música donde necesitábamos expandir la idea, algunas las escribimos juntos y dos de ellas vinieron principalmente de mí con Niko agregando su sabor.

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En el 2013 lanzan su homónimo primer álbum. Cuéntanos ¿qué recuerdas de esa grabación?

Fue grabado en el campo sueco y teníamos bastantes piezas cuando estuvimos listos para grabar.

Grabamos algunos con batería, otros con acústica y otros con teclas para conseguir la forma básica de la cinta y luego rellenamos los huecos hasta que sonaban bien, supongo que es una forma bastante normal de hacer

las cosas. Pero teníamos overdubs de guitarra, overdubs de metales y cuerdas para agregar más tarde, luego voces. Recuerdo que hicimos las voces bastante rápido.

Este 2020 fue un año con poca actividad en cuanto a shows con gente, pero fue muy propicio para las grabaciones a distancia. ¿Poison Stream” es un disco realizado en la pandemia?

No, fue prepandémico. ¿Qué diferencias y similitudes encuentras entre “Moat” y “Poison Stream”?

Bueno, Niko y yo somos lo mismo pero con algunos colaboradores diferentes, y después de que hayas hecho un álbum, tienes una mejor idea del latido del corazón de tu segundo álbum y creo que prestamos un poco más de atención a los detalles y obtuvimos lo mejor de la canciones, se pensó un poco más en ello.

Ahora voy a apelar a tu mirada como músico con varias décadas de trayectoria y, aprovechando tu crítica mirada de conocedor musical, ¿Cómo ves la música hoy en este nuevo milenio? ¿Qué le encuentras de bueno y de malo a la forma en que se distribuye la música hoy en día? ¿Distribuido o hecho? ¿Si te refieres a la transmisión? Bueno, ¡el álbum

se llama Poison Stream! Eso dice algo en sí mismo, el streaming es un arma de doble filo. Para mí, como coleccionista de discos, me encanta la posibilidad de escuchar tanta música en línea y el hecho de que los sellos pequeños publiquen pequeñas tiradas de discos difíciles de encontrar en vinilo es maravilloso. El hecho de que pueda escuchar tantos géneros es maravilloso. El problema es que el streaming ha dificultado mucho la venta de discos físicos, solo los fans incondicionales los compran y si estás en una banda pequeña o mediana tus ventas son muy pequeñas. Pero luego, en el pasado, un contrato discográfico con una corporación no significaba que tuvieras una gran parte de un disco de todos modos, ya que ellos pagarían todos los costos para hacerlo y solía haber algo llamado presupuesto, un presupuesto de sello importante .

Hoy en día ya tienes que ser grande para conseguir un gran presupuesto o fabulosamente joven con éxitos

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en tus ojos y en los de la compañía discográfica. Hoy en día, la mayoría de los músicos son una industria artesanal que intenta recuperar sus costos con un grupo de seguidores en un planeta pequeño, los músicos de gran éxito son de Marte o ¿es al revés?

que eres un músico que siempre tiene un nuevo proyecto gestándose dentro de tu mente. ¿Ya estás pensando en el siguiente paso que darás?

Tengo muchos proyectos todo el tiempo, colaboraciones a través de mis sesiones de Songwriting & Guitar Guidance (www. songwritingandguitarguidance.com), así como proyectos con artistas más conocidos de los que te darás cuenta a medida que salgan a finales de este año y el próximo. .

Pensando en estos días en los que todo se vive a gran velocidad y, aunque os preguntaré sobre esto en otra pregunta, han sacado un disco con 10 canciones, ¿ha quedado alguna canción fuera de “Poison Stream”?

En realidad, se grabaron dos Para finalizar y agradeciéndote la canciones de este álbum Judgement posibilidad de esta entrevista.

Day y Helpless You para el primer Cierra entrevista con lo que tú álbum, pero no nos dimos cuenta y quieras decirles a nuestros lectores. ya teníamos 10 canciones de todos Compra un sistema estéreo decente. modos. Fueron demasiado buenos para dejar el segundo récord. Por ¡Gracias Marty! supuesto, algunas canciones fueron Gracias Diego escritas que no funcionaron por varias razones, algunas no funcionaron, otras MARTY WILLSON-PIPER no encajaron, otras no se terminaron. www.martywillson-piper.com www.noctorum.band En la introducción mencionaba www.indeepmusicarchive.net

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[ Por Flavio Gabriel Aza. ]

ESPACIO

Pato Ramallo

Se estrenó “Desde cada motor”, el primer videoclip

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En plena temporada estival nos llega desde Mar del Plata lo nuevo de Pato Ramallo, músico multiinstrumentista y compositor.

En este videoclip, en donde frenesí de la ciudad es protagonista, podemos escuchar a una de las piezas de su álbum debut “Mientras que sea así”, lanzado en el 2019. Un tema de rock con tintes electrónicos y un beat ideal para no detenerse durante sus casi dos minutos y medio de duración.

Este trabajo audiovisual fue dirigido por Majo Freire y Andrés Pintos, de Mandy Audiovisuales y ya está disponible de forma gratuita en Youtube. Asimismo, dentro del canal del artista, pueden verse presentaciones en vivo que dan una fiel muestra del sonido de este músico versátil, polifacético e inquieto.

De esta manera, Pato Ramallo empieza a sentar las bases de lo que será este año. Un tiempo desafiante para toda la escena cultural, por cierto. Pato va a atravesar distancias de manera física y digital, para presentar su repertorio mientras trabaja en su próximo álbum de estudio.

Escuchá “Mientras que sea así” en todas las tiendas digitales y no olvides seguir a Pato en sus redes sociales para enterarte de las novedades y próximas presentaciones.

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SAL: LANZAMIENTO SAICO 2021

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Saico es el pseudónimo con el que hace más de una década Marcelo Horacio Araujo desarrolla su eclecticismo en canciones. La música de Saico y la Orden del Tornillo le da una vuelta de tuerca a la euforia del pop, a la afilada actitud del punk, al frenesí del rock. Se desprende de su obra una estela de melodías, sensaciones divergentes, colaboraciones, tornillos y otras hierbas, que nos remontan directamente a sus raíces. Saico sabe ser el mejor alumno y al momento siguiente, el iconoclasta más díscolo de la sala.

Saico y la Orden del Tornillo, Esta verdadera nave nodriza reúne a músicos que pasaron por algunas de las más reconocidas agrupaciones del circuito pop under en Argentina: Avant Press, Grand Prix, Bulnes, Martes Menta, Bare, Bristol, Brixton y Loch Ness, entre otras.

En 2021 Saico presenta su flamante sencillo, "Sal". Esta placa separada en dos lados no solamente expresa una manera de producir a la música, sino también de apreciarla y saborearla. El lado A no nos hace esperar para el plato fuerte: "La Embosca" es vibrante e invita a abandonar el letargo, quitarnos las telarañas de encima y rendirnos al ritmo arrollador de la banda."My Belfast" termina de sazonar a la perfección un banquete que en seis minutos satisface a todos los gustos. Un mood más relajado, para descubrir con los ojos cerrados y el resto de los sentidos bien afinados.

Este lanzamiento cuenta con las brillantes participaciones de Myriam belfer, Pablo Fermín y Fran Marafioti. Fue grabado, mezclado y producido por Saico y Fran Marafioti. Toda la letra y música es de Marcelo Horacio Araujo. Arte del simple Hernán Bermúdez Los otros títulos que completan la discografía de Saico y la Orden del Tornillo son: Viaje al centro de un mundo imperfecto (2014), Mata al hombre, deja vivir al niño eterno (2016), Puentes electrificando mensajes (2018), 50 veces en el mismo día (2020) y 10 años de éxitos en menos de una hora (2020), todos editados por Harrison Records Muy pronto más cerca tuyo.

[ Entrevista a Karen Vogt y Steve Wheeler de Heligoland por Diego Centurión. ]

HELIGOLAND: EL DISCO MÁS IMPORTANTE QUE HA HECHO LA BANDA

Después de cuatro años de silencio Heligoland regresa con un nuevo álbum llamado “This Quiet Fire”, una vez más con la participación del gurú de la guitarra dream pop Robin Guthrie. Un álbum que sacude el polvo de estos años de silencio y utiliza esas motas de polvo para cubrir espacios brumosos deleitantes con tonalidades otoñales. Un bello álbum y nos comunicamos con Karen su vocalista para que nos cuente sobre este nuevo trabajo.

En marzo del 2018 le hemos realizado una entrevista con motivo de su álbum anterior “Coriallo”, pueden leerla en el siguiente link: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_44/30

En primer lugar, quiero agradecerte la posibilidad de realizar esta entrevista.

A Karen la hemos tenido como solista en nuestro NMER Festival, por lo cual sigo agradecido. En segundo lugar, quiero agradecerles por este nuevo trabajo, el cual no dejo de escucharlo a diario.

Hemos hablado de “Coriallo” en el 2018. ¿Qué ha pasado en Heligoland desde aquella ve y este 2021?

Karen: Gracias por las amables palabras. ¡Estamos felices de volver a conversar contigo y emocionados de saber que estás disfrutando de "This Quiet Fire"!

Desde la última vez que estuvimos en contacto, terminar este nuevo álbum ha sido nuestro principal objetivo.

Después de lanzar “Coriallo”, el tercero de una serie de EP, nos sentimos listos para hacer otro álbum. Hacer esos EP fue una experiencia maravillosa y estoy feliz de haber emprendido ese viaje, pero fue genial volver a escribir un montón de canciones para un álbum. Nos tomó bastante tiempo terminar el nuevo disco, pero estamos muy contentos con el resultado.

Mientras trabajábamos en “This Quiet Fire” también estaba haciendo mucha otra música: colaboraciones, apariciones vocales invitadas, trabajo de producción y varios proyectos en

solitario. Pero Heligoland siempre es mi prioridad. ¿Cuándo deciden empezar a escribir este nuevo álbum y cómo fue el proceso?

Karen: El proceso de escritura inicial no fue muy diferente a la forma de trabajar en la que caímos cuando hicimos esos tres EP. Lo más importante era salir de París al campo y encontrar un lugar donde pudiéramos pasar el tiempo explorando nuevas ideas y escribiendo canciones. Hicimos una serie de sesiones de escritura como esta, acumulando gradualmente una colección de ideas para canciones.

Lo que fue diferente esta vez fue que tenía mi propia configuración de grabación, por lo que podía trabajar en las ideas vocales aproximadas de las sesiones de escritura y refinar todo en mi propio tiempo. La otra diferencia con el álbum y los EP anteriores fue que Robin estuvo más involucrado en las etapas iniciales de "This Quiet Fire", ofreciendo comentarios y sugerencias sobre las canciones a medida que se desarrollaban. Debido a que tenía el tiempo y el equipo para trabajar en las voces por separado, pude hacer mucho al principio del proceso. Como resultado, a veces estaba un par de pasos por delante de todos los demás, lo que me dio un ángulo diferente sobre

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el material y pude comenzar a ver que se formaban algunos patrones entre las canciones. Esto resultó realmente útil a la hora de escribir la letra. De todos los discos que hemos hecho hasta ahora, este es el que más tiempo he pasado trabajando en la voz y la letra.

Steve: Una cosa que agregaría a la descripción de Karen es que no todo el material se terminó antes del proceso de grabación. Escribió tres de las canciones de “This Quiet Fire” a mitad del proceso cuando quedó claro que necesitábamos algunas pistas más para el álbum. “Palomino”, la primera canción que sacamos del álbum, fue una de ellas. Grabar las partes de bajo para el álbum fue muy divertido. Pasé bastante tiempo yendo y viniendo con Robin en todas las partes, intercambiando ideas y discutiendo cómo debería encajar todo. Se me ocurrió el bajo para un par de canciones en el estudio, lo que me llevó a resultados bastante diferentes a los que suelo escribir cuando trabajo en casa.

El álbum encierra una lágrima envuelta en seda, es decir, un año 2020 difícil y un resultado brillante. Siento que han logrado una amalgama fantástica entre el dream pop y tiempos extraños para la humanidad, con canciones introspectivas y con una dulzura esperanzadora. ¿Qué han querido transmitir con estas sensaciones?

Karen: Me hace muy feliz escuchar que la gente ha encontrado el álbum reconfortante o tranquilizador de alguna manera. Cuando una canción, o cualquier otro tipo de arte, resuena contigo a nivel personal, es un sentimiento hermoso. Espero que los oyentespuedanencontraralgúnsentido de conexión o aceptación entre estas canciones. Nunca es fácil describir tu

propia música, pero siempre sentimos que estamos en algún lugar al margen del dreampop. No es realmente un género fácil de definir y no estoy seguro de que tengamos mucho en común musicalmente con algunos de los otros artistas que la gente menciona a menudo. Mi enfoque principal al escribir canciones es usar esos tres o cuatro minutos para expresar un estado de ánimo y encontrar alguna manera de conectarme con el oyente, incluso si es solo una línea o unas pocas palabras que van al meollo de las cosas. Intento encontrar palabras y melodías que dejen espacio para que el oyente las asocie con sus propios sentimientos y significados. Todas estas canciones fueron escritas antes de la pandemia, por lo que quizás haya una extraña sensación de sincronización aquí.

Siempre hemos intentado hacer el tipo de música que lleva al oyente a otro lugar durante un rato. Cualquier sentido de escapismo o trascendencia, por breve que sea, probablemente nunca haya sido más importante para muchas personas que durante el último año. Si hubiéramos podido brindar a cualquiera de nuestros oyentes un pequeño grado de consuelo, o incluso un breve respiro de todo lo que ha estado sucediendo en el mundo, sería maravilloso.

“Un pequeño café en una de las cavernosas terminales del aeropuerto Charles de Gaulle en París fue el lugar poco probable para el primer encuentro de la banda con el productor Robin Guthrie (Cocteau Twins / Violet Indiana)”. Ésta frase se encuentra en su disco del 2010, “All Your Ships Are White”. Cuéntenos ¿qué recuerdan de ese encuentro y cuánto creció esta colaboración sensorial y musical con él hasta el día de hoy?

Karen: Lo que más recuerdo de ese

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primer encuentro fue lo cálido y genuino que era Robin. También teníamos la conexión de ser de otro lugar y habernos mudado a Francia. Inmediatamente hubo mucho de qué hablar. Fue un encuentro emocionante, pero, al mismo tiempo, también me sentí bastante relajado. No fue en absoluto intimidante, ni nada de eso. En retrospectiva, esta fue una buena indicación de cómo trabajaríamos juntos. Es muy importante tener el tipo de energía adecuado entre todos los involucrados, por lo que todos nos sentimos cómodos discutiendo las canciones y Robin también puede ser honesto con sus propias impresiones

e ideas. Cuando miro hacia atrás en esa primera reunión, es una sensación agradable porque fue el comienzo de algo realmente maravilloso.

Steve: ¡Recuerdo haber sido extremadamente paranoico por llegar a tiempo a esa reunión! Si mal no recuerdo, habíamos hablado por teléfono tal vez una o dos veces sobre la producción de un álbum para nosotros, pero no habíamos acordado nada y no habíamos tenido la oportunidad de reunirnos en persona y discutir el proyecto en detalle. Robin tenía unas horas de sobra en el aeropuerto Charles de Gaulle antes de tomar un vuelo a Sudamérica para algunos conciertos, así que quedamos con él allí. Inicialmente, se sentía como un

lugar un poco extraño para reunirnos para hablar sobre la grabación de un disco, pero rápidamente tranquilizó a todos y tuvimos una gran conversación.

Desde entonces, hemos realizado varios registros juntos y el proceso ha sido ligeramente diferente cada vez.

Cuando hicimos “All Your Ships Are White” armamos las pistas básicas en un estudio de grabación en París y luego hicimos las voces y las mezclas con Robin en su estudio. Para los EP que siguieron, grabamos muchas de las diferentes partes nosotros mismos en los lugares donde escribimos las canciones y luego él grabó las voces y mezcló las canciones en su estudio. "This Quiet Fire" se grabó principalmente en casa, incluidas las voces. Grabamos partes de algunas

pistas con Robin, pero el tiempo en el estudio lo pasamos, en su mayor parte, ensamblando y mezclando las canciones.

Hay una canción de Karen, “We're Floating” que tu voz fue registrada por Robin. En ella hay una forma distinta de registro, cosa que hemos oído en tu álbum “I Just Want to Feel” y que también se escucha mucho en el nuevo álbum de Heligoland. ¿Cuánto te ha ayudado esta colaboración para liberar tu musicalidad vocal?

Karen: En los últimos años he logrado gradualmente llegar al punto en el que me siento segura grabando mi propia voz. Me tomó bastante tiempo descubrir cómo obtener un resultado con el que estaba contento. Robin fue un gran apoyo durante este proceso, ayudándome a comenzar con una configuración de grabación simple y mostrándome que podía aprender a hacer esto por mí mismo. Las voces de "We’re Floating" se grabaron un poco antes, en un momento entre el período en el que grabé todas mis voces con Robin en su estudio y cuando estaba en funcionamiento con mi propia configuración. Todavía me estoy poniendo al día con gran parte del material que he grabado en los últimos años. Una vez que descubrí cómo grabar mi propia voz y los conceptos básicos de la mezcla, mi creatividad se aceleró y grabé muchísimo material diferente. Hay varios proyectos en los que estoy trabajando para terminar y publicar.

Mi primer EP en solitario, "I Just Want to Feel", es un poco atípico en este proceso porque no canté en él.

Esta fue una decisión consciente. Para ese lanzamiento, quería centrar toda mi atención en la escritura, la mezcla y la producción. También aprendí

mucho trabajando con Robin sobre estos otros aspectos del proceso de grabación. Ahora me siento cómodo sumergiéndome, comenzando, e incluso si cometo algunos errores en el camino, también aprendo de eso. Robin no es en absoluto estirado ni valioso con el equipo o el equipo de grabación, y siempre está más interesado en sacar el máximo provecho de lo que tenga a mano. He tratado de adoptar ese mismo enfoque y solo me enfoco en las herramientas que tengo disponibles. Dado lo indeciso que estaba para empezar a grabarme, estaba muy orgulloso de haber podido grabar todas mis propias voces para "This Quiet Fire". Grabar todo por mí mismo me ahorró mucho tiempo en el estudio y también significó que podía pasar tanto tiempo como quisiera explorando diferentes ideas. Es muy importante tener personas en tu vida que te animen a aprender cosas nuevas y a creer en ti.

En cuanto a las letras, cuéntanos el proceso de escrituras de ellas ¿Tienes un método de trabajo o este cambia según cada canción y según cada sensación que quieren transmitir en conjunto con la musicalidad?

Karen: Cuando comienzo a trabajar en una nueva canción, las melodías vocales siempre son lo primero.

Las palabras nunca son el punto de partida. En esos momentos en los que escucho una canción por primera vez, empiezo a escuchar ideas vocales. A medida que las melodías se asientan en mi mente, las palabras comienzan a llegar a mí. A veces, las primeras letras surgen completamente formadas, otras veces son solo un boceto. En algunos casos, puedo sentirme atraído por una palabra en particular que intuitivamente se siente bien para la canción. Esa palabra podría llevarme a

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alguna parte, o podría convertirse en un punto de partida para ir por otro camino por completo. Intento confiar en mi propia intuición y estar abierto a diferentes posibilidades. En el pasado, a menudo me gustaba sentarme afuera en un café con un lápiz y papel escuchando una canción en los audífonos y tratando de averiguar cuáles debían ser las palabras. No pude hacer eso durante la pandemia, así que intenté encontrar otras formas de crear el espacio adecuado donde realmente pueda sumergirme en una canción y tratar de entender lo que me está diciendo.

Hablar de las canciones en sí, es una tarea muy difícil, aunque encantadora, pero ¿cómo resumirían en pocas palabras las primeras sensaciones al escuchar lo que habían compuesto, el resultado final, con la mezcla de Robin?

Karen: Estar en la habitación cuando Robin está trabajando en una mezcla es siempre una experiencia muy especial porque escuchas la canción cobrar vida y todas las partes comienzan a brillar y brillar. Cuando se termina una nueva mezcla, a menudo siento que escucho la canción como un todo por primera vez, en lugar de una colección de partes separadas. Es una perspectiva muy diferente. Durante el proceso de escritura, siempre estoy totalmente enfocado en tratar de hacer bien todas las partes individuales y pensar en todas las opciones paso a paso involucradas en ese proceso. Cuando se mezcla una canción, siento que finalmente puedo dar un paso atrás y ver el panorama general.

Para terminar, agradeciéndoles este espacio que nos han brindado. A nuestros lectores les recomiendo Heligoland y su nuevo álbum “This Quiet Fire”, que sin lugar a dudas se convertirá en uno de mis discos de dream pop favoritos de este 2021.

Les dejo este espacio para que ustedes digan las últimas palabras para cerrar esta entrevista…

Karen: Solo me gustaría agradecerle por invitarnos a participar en esta entrevista. Estamos muy contentos de volver a hablar contigo y agradecemos tu apoyo a lo largo de los años. También quiero agradecer a todas las personas que nos han contactado en Bandcamp y a través de las redes sociales sobre el nuevo álbum. Siempre es maravilloso escuchar a un oyente que la música los conmovió de alguna manera, sintieron algún tipo de conexión con el disco o que una canción en particular resonó con ellos. Se sienten como conexiones realmente importantes para hacer. Asegúrate de que los artistas sepan que si te conectas con su música, siempre es encantador recibir mensajes como ese.

Steve: Me gustaría agradecer a todos los que han apoyado nuestra música a lo largo de los años y continúan apoyándonos con el lanzamiento de este nuevo álbum. "This Quiet Fire" es un disco muy personal y significativo para los dos.

De alguna manera, se siente como quizás el disco más importante que ha hecho la banda. Nos ha emocionado saber de la gente que este disco les ha tocado también. Gracias.

Gracias Karen and Steve!

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[ Reseña de "Human Impact - EP01" por Benjamín York. ]

EL NOCKOUT LLEGA EN EL SEGUNDO ASALTO

Human Impact - EP01 Label: Ipecac Recordings Fecha de Lanzamiento: 12 de Marzo de 2021

Situémonos.

Ringside.

Enfrentamos un nuevo trabajo de Human Impact. El primer round pasó con el homónimo álbum debut del año pasado, que fue un ataque a los flancos de nuestro cuerpo, dejándonos casi sin aire.

Segundo round. EP01. ¿Caeremos rendidos ante esta nueva combinación de golpes?

Después de su último viaje homónimo del año pasado, la energía no merma y la súper banda nos trae un nuevo grupo de canciones bajo el nombre de EP01.

Lanzado bajo el sello de Mike Patton, Ipecac Recordings.

La banda está encabezada por el líder de Unsane, Chris Spencer, Jim Coleman de Cop Shoot Cop, Chris Pravdica de Swans y Phil Puleo de Cop Shoot Cop y Swan.

Ok, la banda puede ser la perfecta banda de sonido para los días que vivimos, en donde la alienación y la incomodidad de un enemigo invisible hace que todo el tiempo estemos en jaque y veamos como nuestro oponente va mutando antes que lleguemos a encontrarle una cura. Human Impact es desesperación, es confrontación, es alienación, es es un control enfermizo que nos demuestra su opresión en cada canción. Si su homónimo debut había sido un choque frontal contra una locomotora que arrastraba todo a su paso, éste EP01, es la continuación de ese salvajismo inherente en cada uno de los integrantes del grupo, observen de qué bandas provienen y las respuestas están clavadas en el esqueleto de Human Impact. Éste EP01 no son canciones nuevas, pero si son canciones que no están en su debut, una colección de Singles, lados B o tomas descartadas del homónimo debut.

EP01 es una reafirmación de su sólido sonido explosivo y tenso, incómodo, sin tapujos ni respeto.

Si el debut no te noqueó, este EP te dejará fuera de combate y, desde la lona, verás cómo todos tus sentidos quedarán inhabilitados hasta que te despierten.

Knockout en el round 2.

DE TIEMPO Y LETRA Porque el tiempo como noción se sostiene en el lenguaje y a su vez, escribir requiere de tiempo. Y lo escrito sobre él y cada tiempo en donde se ha escrito, han ido confeccionando una tercera esencia indisoluble, sostenida acaso, en la incertidumbre aristotélica del ahora y/o en el espanto borgeano; ese espanto que nos une y no por amor.

Caos, orden; orden, caos: destino cíclico infinito. Y cuando digo infinito no digo eterno, porque lo eterno niega al tiempo. Niega paradójicamente aquel estado que permite desarrollar tal concepto. Y entre el “todo fluye” de Heráclito y el “todo permanece” de Parménides, seguimos los escritores, interpretando, imaginando, construyendo mundos para aplacar la incertidumbre.

Escribo desde los 10 años; a razón de aquel primer libro leído a esa edad: “Robinson Crusoe”, regalo de mi abuela paterna. A ella, maestra rural, le debo mi pasión por la escritura y por la literatura.

Escribo porque leo. Leo porque escribo. Vocación y responsabilidad. Como bien dijo Carlos Fuentes: "Tienes que amar la lectura para poder ser un buen escritor, porque escribir no empieza contigo". Ni termina.

Y frente al sarcasmo de las livianas tendencias de moda en cuanto a expresión artística, como muchos, me fui transformando en poeta estepario. Aquellos míticos cafés literarios como el Café Louvre en Praga o el Tortoni de Buenos Aires han convertido a Kafka y a Borges en estatuas o fotos para turistas. Y los antros literarios actuales, en mi opinión, pueden solo ser definidos como oasis para todo osado. Porque eso es lo que hoy uno aplaude en esos sitios: osadía; pero pocas veces, talento.

No obstante, la buena escritura sigue presente, inmortal, hallando nuevas formas y vías de expresión. Quebrando, cada tanto, con noveles relámpagos y truenos, el sopor de los cielos vigentes. Pero esas grandes tempestades requieren de un proceso de gestación.

Requieren de tiempo. "No se es escritor por haber elegido decir ciertas cosas, sino por la forma en que se digan.” Jean Paul Sartre.

Por ello y antes ustedes, desde este pequeño gran rincón virtual, asumo el compromiso de proteger y promover la más desgarradora, y no por ello menos bella, forma de expresión humana: la escritura.

Compartiendo textos de autores consagrados y también emergentes que al ser leídos hagan siempre honor a la siguiente proclama: “El tiempo es letra. Y la letra es tiempo”.

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Comenzamos el 2021 con un nuevo número de RevistaThe13Th, en esta oportunidad con una segunda entrega de poemas de la escritora y poeta Cynthia Rascovsky oriunda de Buenos Aires. El título de los mismos: “Indomable” y “No distingo”.

A continuación, un ensayo breve y un poema de mi autoría.

En este ensayo integro conceptos del psicoanálisis y el budismo, mencionando a filósofos y a autores consagrados, para analizar una frase de moda: “Sé la mejor versión de ti mismo”, proveniente del mundo del Coaching (además de escritor y poeta soy psicólogo y Coach). Yo espero, sinceramente, no llegar a esa mejor versión. Así como un poeta puede seguir corrigiendo un poema eternamente, así el ser humano puede seguir evolucionando hasta el día en que parte.

Así como el poeta elige soltar el poema en cierto punto, así el ser humano elige hasta que versión de sí mismo quiere llegar y en cual le apetece descansar.

Pero eso ya es otra historia.

Y cierro con un nuevo poema expiatorio, desde las entrañas, con el siguiente nombre: “La Omisión”.

Espero que el material que les traigo para inaugurar el año sea de vuestro agrado.

CYNTHIA RASCOVKY

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SOBRE LA AUTORA: Cynthia Rascovky escritora, poeta, nació un 18 de julio de 1974, vive actualmente en su amado barrio La Paternal, Buenos Aires, Argentina.

Publicó parte de su producción en gráficos de habla hispana y a través de distintos sitios de la web.

Su primer libro “Seduce-me” fue publicado en diciembre 2011, ed. El Mono Armado.

Su segundo libro “BIPOLAR Las bocas del diablo”. ed. El Mono Armado 2015.

Es copartícipe de numerosas antologías poéticas nacionales e internacionales.

Premios: Mención de Honor concurso literario Guka narrativa y poesía 2012.

Premio Bienal de ASOLAPO Argentina y XXVII Encuentro internacional de Escritores y Artistas “Alfonsina Storni - Salvador Dalí” por su trayectoria en el arte y la cultura nacional e internacional.

Septiembre 2013. ¿Qué significa escribir para ti?

Escribir para mí es una forma de vida, es un don que nos regalan al nacer.

Poeta se nace no se hace.

Vivimos con el suspiro y la palabra a flor de piel y con la libertad a pleno vuelo.

Mail: lorecinthia@hotmail.com

INDOMABLE Indomable, palabra ineludible como puñado de ojos como resplandor de lenguas como caballo salvaje.

Indomable, arrebato de venas como carne asada como soberbia de músculos como voraz equilibrista.

Indomable, hombre que cruje mis piernas como blanco cortejo como hambrientas caricias como macho bravío.

Indomable, duelo de azotes como gala de dientes como infierno de dedos como corsario que vive todas mis muertes.

NO DISTINGO No distingo las bocas y sus manos en mi cintura son destellos dibujando mi espalda en un recorrido de lenguas en un recorrido punzante marcando lujuria.

No distingo sus manos en el abierto de mis piernas o las clavelinas danzando entre ellas mientras se pierden entre los besos penetrantes.

No distingo nombres en el movimiento de la cama en el baile de los cuerpos enlazados en las sábanas.

No distingo el espejo y me pierdo en este espiral de brazos en este concierto de gemidos.

No distingo el sonido de los gemidos en este lírico juego de seducción.

No distingo cuántas bocas tiene la fantasía en este insomnio que me desvela.

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Ensayo breve.

Por todos los sitios y más en el mundo del Coaching, leo y escucho la expresión: “sé la mejor versión de ti mismo”. ¿Y qué sucede cuando llegas a esa mejor versión? ¿Ya no hay nada más allá? ¿Eres un caso cerrado? ¿Ya puedes colgar los guantes? ¿Cómo sabes además que has llegado a ese punto que ni los profetas universales o los genios en las artes o en las ciencias han siquiera pretendido alcanzar? ¿La búsqueda de esa mejor versión no se contradice acaso, con la idea del ser humano en constante cambio y evolución? ¿Si lográsemos alcanzar ese estado ideal, tendríamos entonces que “retirarnos” de nuestro existir, convertidos en algo estático que ha dejado de crecer porque se ha encontrado con su límite?

Tal vez, esta cuestión de la “mejor versión” ha sido recogida de un clásico del género epistolar “Cartas a un joven poeta” de Rainer Maria Rilke. De ser así, se trata de una interpretación liviana de uno de los tantos consejos esenciales que el consagrado escritor le da a aquel joven en relación a su vocación literaria.

También dicha expresión pudo haber sido tomada de la idea del súper hombre nietzscheano. Quien así lo afirme, me hará dudar acerca de

su conocimiento sobre la obra del último gran filósofo del siglo XIX y hasta la actualidad.

Mientras escribo, pienso en como, los presocráticos Heráclito y Parménides, se divertirían con este dilema prêt-à-porter...

“Sé la mejor versión que tú quieras ser” es una frase, desde mi punto de vista, más lógica. En sintonía con la esencia del Coaching.

Porque somos un “siendo”, una experiencia de avance continua, que en algunos casos será de crecimiento, hasta llegar a donde uno así lo decida.

Por ejemplo, un concepto psicoanalítico que desmonta la idea de “mejor versión” es la de “deseo y demanda”. Siempre vamos a querer más, no podemos dejar de desear. Nos pasamos la vida buscando reproducir aquel momento en donde experimentamos placer por primera vez, sin éxito. Pero en ese vacío, justamente, radica aquello que nos impulsa a seguir y a desarrollarnos.

Esa mejor versión, tal y como es promocionada usualmente, en mi caso, llegará cuando alcance mi Nirvana. Ya sea, desde la definición de Bárbara Low, incorporada después por Freud para “designar la tendencia del aparato psíquico a reducir a cero o, por lo menos, a disminuir lo más posible en sí mismo toda cantidad de excitación de origen externo o interno”. O desde la etimología de la palabra “Nirvana”, que significa: apagado.

“Gautama, el Buda, enseñaba la doctrina de la Rueda de los Deseos, a la que estamos sujetos, y nos aconsejaba liberarnos de todos los deseos para así, ya sin pasiones, hundirnos en la Nada, a la que llamaba Nirvana”. "Poemas y canciones" (1968), Bertolt Brecht.

Nirvana es dejar de ser, reteniendo el aliento, alejándonos de todo, tan inertes como la roca, hasta volver a respirar, según expresa el budismo. Esto suena mejor. Porque respirar es movimiento. Aquello que nos pone en marcha hacia nuestra próxima (pero no última) mejor versión. Aquello que nos mantiene vivos.

Bibliografía consultada: • Low. B (2007) Psycho-analysis: A Brief Account of the Freudian Theory -Edición 2. Editor: Allen & Unwin, 1920 - Universidad de California.

• Sitio web: https://sites.google.com/site/bertoltbrechtpoemasycanciones/

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FRANCO DOGLIOLI

LA OMISIÓN De un párvulo azul, tus ojos. Escondidos —aún a tus veinte— bajo la mesa de los inalcanzables dulces.

Así́ llegaba mi primera vez con tu primer plano.

Me conociste recluta de aquel absurdo mercenario, disuelto ya en la boira de mis pasos malos.

Me conociste dormido siendo nexo y ofrenda. Un cuerpo, apenas.

Accediste, nos compartimos.

Tu miedo de afán cubierto adherido a mi pecho frente al ímpetu del predador.

Para cerrar la escena con tres predecibles ensayos de muerte.

Te vi sano e indefenso y en ese verte me vi yo.

Esa contienda significó perder para dejar de estar perdidos.

Huimos, naciendo así nuestra amistad de posguerra.

Amistad o amor, según cual corriente.

Fuimos la nieve sobre los abetos.

Fuimos la sangre por el nervio.

Pero cierta ebria borrasca —una noche al confesarme— nos distanció.

Y del silencio, al adiós.

Nadie acepta todo.

Ayer, sin recordar cuantos amaneceres ha vivido mi balcón, te reconocí́ tras la mascarilla, saliendo de un café́.

Nada en ti había cambiado salvo lo azul: como zafiros ahora, bien trabajados.

Mi segunda vez, con tu primer plano.

De inmediato llegó mi saludo y por tu halo de inmediato fui apartado.

Como quien evita al mendigo o al rayo.

Tu espalda en nada fue un punto al final de la calle.

Y nunca sabré si tu rechazo fue por elección o por la amnesia lógica de la evolución.

Nuevo estado de alarma, comentan...

Debí gritar ¡perdón!

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[ Entrevista a Nick Hudson por Diego Centurión. ]

NICK HUDSON: EL CORAZÓN HUMANO ES ATRAÍDO POR EL AMOR

Tenemos la oportunidad de poder hacerle unas preguntas a Nick Hudson, quien además de ser el vocalista de la banda The Academy Of Sun, está próximo a lanzar un álbum solista, "Font Of Human Fractures" a lanzarse a fines de Abril. Pero antes estará presente en el NMER Festival, así tenemos varias preguntas para hacerle.

Pero para empezar me gustaría agradecer a Shameless Promotion por el contacto y agradecerte a ti por el tiempo que dedicas a respondernos.

En el 2020 hemos hablado con Nick acerca del último álbum de The Academy Of Sun que pueden leerla en el siguiente link: https://issuu.com/revistathe13th/docs/the13th_n_62/18

Hola Nick!

La primera pregunta tiene que ver con estos tiempos raros que estamos viviendo, ¿Cómo convives con esta pandemia?

En este punto, con toda honestidad, realmente está empezando a arrastrar, para todos nosotros, estoy seguro, por lo que es realmente una apreciación diaria de las alegrías en tiempo presente que me mantienen atravesando cada día. Estoy agradecido de tener proyectos creativos con los que mantenerme concentrado y para mis amigos, seres queridos y mi comunidad de amigos artistas de todo el mundo. Tengo una entidad mágica viviendo conmigo en este momento que definitivamente está suavizando las terminaciones nerviosas expuestas de una manera por la que estoy exquisitamente agradecido.

Eso y beber, cocinar y leer las memorias de Herzog.

He investigado un poco sobre tu carrera solista y es tan amplia y está dispersa entre bandcamp y Spotify que es difícil armar un orden cronológico, ¿Puedes darnos un repaso breve sobre tus trabajos y aquellos que más han significado para ti?

Mi primer álbum en solitario propiamente

dicho fue TERRitORies of disSENT en 2009, que Julian Cope, en una crítica profanamente entusiasta, describió como "muy jodidamente hermoso". Luego publiqué otros cuatro en rápida sucesión, el mejor ejecutado de los cuales creo que es Letters To The Dead (2012), rozando el neoclásico, que también era un cortometraje (y mi único vinilo hasta ahora hasta la inminente Font Of Human Fractures). Entre los discos en solitario, también he escrito y grabado cientos de canciones que permanecen inéditas o dispersas en una serie de lanzamientos digitales al estilo de "Basement Tape".

Particularmente he quedado fascinado con el álbum "Night Sweats And Fever Dreams" del 2020 que has realizado junto a Oli Spleen. Cuéntanos de qué trata este álbum.

Ah, Oli es un querido amigo. Y no le importará que le diga que hace veinte años estuvo muy cerca de morir de SIDA. Afortunadamente para todos nosotros, su diagnóstico cayó en la cúspide de un punto de inflexión en términos de medicación y, por lo tanto, todavía está con nosotros hoy. Me pidió que compusiera, arreglara y coproduciera la música de Night

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Sweats And Fever Dreams y la asociación Acabas de lanzar el single "Surkov's de escritura se ha convertido en una de Dream", que es un adelanto de tu nuevo las colaboraciones creativas más alegres y álbum. ¿Cómo te sientes en estos tiempos liberadoras de mi vida. Oli es una joya rara. cercanos a un nuevo lanzamiento?

Nuestro objetivo es hacer más discos juntos.

Durante mucho tiempo había fetichizado la noción de cambiar el tono del instrumento 2020 fue un año de Lockdown. Pero más robusto. Un órgano de iglesia está has aprovechado para lanzar material integrado arquitectónicamente, por lo que acumulado de tus archivos. En medio de hacer maleable algo tan anclado en la solidez todos estos lanzamientos has lanzado un tenía un encanto irresistible para mí. Lo disco con Academy of Sun, del cual ya hicimos, creando un instrumento MIDI a partir hemos hablado en otra entrevista. Dime de los pedales de bajo del órgano. Lo escribí, ¿cuánto material guardado tienes aún que grabé y mezclé en casa durante un período no ha salido a la luz? de insomnio de 24 horas de intensa obsesión.

Suficiente para llenar tres monstruos, el Las letras están compuestas de fragmentos pozo de Sarlacc, la Fosa de las Marianas poéticos acumulados que tal vez ni siquiera (que por cierto sería mi nombre de drag), el tengan nada que ver con Vladislav Surkov, sumidero de Yamal y La Sorbona. de la misma manera que negó la autoría de su propia novela. El video fue filmado en Sigo encontrando trufas que olvidé que Bulgaria. Pasé un mes allí escribiendo mi había buscado. Por ejemplo, hay alrededor novela y realicé un trascendente road trip con de seis pistas que grabamos para The Quiet amigos a través de montañas y monumentos.

Earth que aún no han visto el mundo.

Definitivamente estoy canalizando a Andrzej

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Żuławski aquí.

con una resina más fuerte y significativa.

No podría estar más emocionado cuando escucho de personas con quienes el trabajo resuena profundamente. Como un samizdat, una facción secreta de gente extraña y maravillosa. Me gustaría tomar una copa con cada uno de ellos.

Tu música es muy ecléctica y muy exquisita. Pero escribes canciones tan diferentes para cada uno de tus proyectos. ¿Piensas las canciones específicamente para cada proyecto?

Sí, escribo específicamente para cada proyecto. Algunas canciones son Cuéntanos ¿qué sentimientos te definitivamente para la banda, algunas genera el nuevo álbum "Font Of Human obviamente en solitario, y otras son menos Fractures"? fáciles de albergar.

Catalina de Siena dijo una vez que "el corazón humano es atraído por el amor". ¿Cómo se siente que está cerca de lanzar Esto, por supuesto, se presta a muchas su álbum? ¿Ha sido un desafío hacer lecturas. correr la voz sobre esta nueva música en En cuanto a los sentimientos que me genera solitario (o tu último álbum de TAOS para el disco, a nivel emocional encarna un autoel caso? escrutinio catártico y brutal. A nivel musical, Terminé el disco hace un año. La música se es uno de los pocos de mis discos que puedo mueve muy lentamente. Estoy emocionado soportar escuchar para disfrutarlo. Entonces de liberarlo. eso es algo.

Cuando haces arte que no puede evitar la insistencia de su convicción, pero va Finalizamos esta entrevista, contra la corriente y el espíritu de la época, agradeciéndote el tiempo que nos has siempre es un desafío que se conecte con dedicado. grandes grupos de personas. En cambio, ¡Gracias Nick! se forjan comunidades más pequeñas y ¡Gracias Diego!

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[ Entrevista a Charlie Nieland por Diego Centurión.

Fotografías: Nancy Nieland y Jason Geering ]

CHARLIE NIELAND: “DIVISIONS” ES UN DOCUMENTO DE ESTA ÉPOCA EXTRAÑA.

Conocí a Charlie Nieland con su proyecto Lusterlit, ahora es tiempo de su etapa solista, aunque yo no sabía que había empezado en el 2013 con el disco “Under Dark”. Su nuevo álbum, “Divisions”, lanzado el 5 de marzo nos trae un grupo de 13 canciones en donde podemos ver el trabajo más fino y logrado de toda su carrera. Pop elegante y una producción impecable.

Gracias a Shameless Promotion PR tenemos la oportunidad de hacerle unas preguntas a Charlie y éste es el resultado.

Hola Charlie, gracias por aceptar contestar estas preguntas.

Para empezar me gustaría saber ¿cómo te afectó este cierre de emergencia por el Covid?

Cuando la primera ola llegó aquí a la ciudad de Nueva York hace un año, me estaba refugiando de manera segura con personas que amaba. Pero todos estábamos atrapados en el horror surrealista de tanto sufrimiento.

Luego vino la marea creciente de protestas de Black Lives Matter que marchaban por el Puente de Brooklyn todas las noches. Todo en el contexto de que el presidente anterior lanzó un ataque a la democracia y estropeó cruelmente la respuesta a la pandemia. La impotencia disparó mis ganas de grabar este álbum. Era la única forma en que podía responder.

Tu primer álbum como solista es “Under Dark” en el 2013. ¿Cuéntanos cómo fue ese primer trabajo bajo tu propio nombre?

Estuve en una banda llamada Her Vanished Grace con mi ex esposa Nancy Nieland durante un par de décadas. Hicimos 16 álbumes de post-punk y dream pop entre 1991 y 2012. No me di cuenta en ese momento, pero en 2013 la banda había terminado.

Como reemplazo de algunos conciertos que habíamos cancelado, hice varios conjuntos de música improvisada en solitario usando pedales de bucle y una variedad de instrumentos, incluida guitarra, sintetizador de guitarra, lap steel, trompeta y radio de

transistores. Edité los ensayos de estos programas en una colección y la llamé Under Dark. Todas las piezas fueron espontáneas y tienen una sensación cinematográfica e impredeciblemente extraña. Me gustaría volver a hacer eso. Se necesita mucha práctica.

Mucho ha pasado desde ese primer álbum hasta tu reciente trabajo “Divisions”. ¿Cuéntanos cómo crees que creció tu forma de trabajar y de componer?

En 2013, comencé a participar en una serie de presentaciones aquí en Brooklyn llamada Bushwick Book Club. Cada mes, se selecciona un libro y un grupo rotativo de artistas escriben canciones en respuesta y las presentan todas en un espectáculo. En ese momento, estaba trabajando lentamente en un EP acústico etéreo llamado Ice Age y estaba buscando otro enfoque para escribir.

Me involucré más y finalmente produje un EP de canciones para la fundadora de la BBC, Susan Hwang, y un álbum de mis propias canciones sobre libros llamado Hopeful Monsters. Me pareció liberador permitir que surgieran estilos de música que se adaptaran a las canciones en lugar de concentrarme en escribir sobre un género. Desde 2016.

Coproduzco Bushwick Book Club con Susan y también tenemos una banda llamada Lusterlit. Hemos realizado eventos desde Londres hasta Nueva Orleans y Los Ángeles.

Así que escribo canciones nuevas todos los meses y he aprendido a confiar en mi proceso.

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Siempre surge algo real, incluso si al principio suena mal. He aflojado mi agarre y me siento más creativo.

sugieran un trasfondo o una idea que se correlaciona con lo que estoy pensando y sintiendo en ese momento. A medida que crecía mi reacción a la deshumanización Estamosenunmomentodeincertidumbre que estaba ocurriendo en el mundo, estas y creo que la mejor manera de sobrellevar canciones comenzaron a parecerme un grupo es seguir adelante como lo has hecho con cohesionado. El proceso de producción fue un tu nuevo trabajo. Cuéntanos ¿cómo fue desafío interesante. Inicialmente, las había grabar en una situación tan extraña? interpretado todas en un ambiente sencillo Pude probar cosas nuevas. Uno de los para Bushwick Book Club, pero cuando bateristas del álbum, Brian Geltner, grabó sus comencé a desarrollar los arreglos tuve que pistas en casa y me envió los archivos. Era descubrir cuál era la mejor manera de extraer inusual para mí no estar en la habitación con la mayor sensación y color de cada idea. Por quien esté trabajando, pero desarrollamos un ejemplo, la canción principal, inspirada en The método agradable para que él compartiera Hidden Life of Trees de Peter Wohlleben, fue las primeras tomas y yo diera algunas notas compuesta con una guitarra lap steel como antes de que terminara de grabar. Pude acompañamiento. Se hizo obvio después grabar a Billy Loose, el ex baterista de Her de que lo trackeé, que el sonido denso de Vanished Grace que tocó en la otra mitad la guitarra steel era demasiado para toda la del álbum, en mi estudio después de que canción. “Twisting on the brink of what’s to las cosas comenzaron a abrirse un poco happen.” Ese sentimiento de anticipación me en septiembre. Ambos nos hacemos las llevó a soltar el acero de toda la primera mitad y pruebas de COVID justo antes y usamos construirlo lentamente con un piano eléctrico, nuestras máscaras. Preparé pistas para los sintetizadores que pulsan silenciosamente, dos bateristas, primero, en mi apartamento, una guitarra eléctrica atmosférica y mucho con guitarras, voces y batería programada. espacio sobre el ritmo de batería tribal de Las voces no estaban destinadas a ser Brian. Cuando todas las guitarras y teclados tomas finales, pero las usé de todos modos de retroalimentación llegan al final, se hace porque tenían una buena energía que sabía añicos. La forma en que reconstruí la canción que tendría dificultades para recuperar en el Divisions se convirtió en una plantilla para el estudio, incluso si pudiera usar un micrófono método de producción del resto de las pistas. mejor allí. Así que dejé que las limitaciones de la extraña situación dieran forma al ¿Cuéntame si hay un concepto detrás de proceso de grabación y creo que eso le dio “Divisions”? una especie de urgencia. Es un documento Si bien las canciones vienen desde de esta época extraña. diferentes ángulos, siento que este álbum trata de explorar la dualidad de nuestra ¿Cuánto tiempo vienes trabajando con naturaleza incluso cuando en realidad somos “Divisions”, desde el momento en que solo una ola de energía. A medida que nos pensaste en un álbum? sumergimos tanto en nuestros silos que Canciones de los dos últimos años nos sentimos justificados en demonizar a componen el material que se convirtió en cualquiera que pensamos que se opone Divisions. Algunas se escribieron en 2018, a nosotros, todavía estamos hechos de la pero la mayoría de ellas se escribieron en misma materia. El polvo de las estrellas.

2019 y 2020. Si bien escribo en respuesta a Desde las semillas de la primera pista en el los libros, las canciones siempre se sostienen hormigón de Brooklyn hasta el asesinato de por sí mismas. A menudo dejo que los libros la última pista y los sonidos de las trompetas,

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tenemos que abrazarlo todo incluso mientras luchamos por la humanidad.

espectáculos en vivo durante al menos un tiempo más. Así que haré algunos programas transmitidos en vivo cada semana mientras Te suelen comparar vocalmente con experimento con la presentación. Tal vez Michael Stipe de REM. ¿Te gustan las mezclando sonidos electrónicos y acústicos, comparaciones o te fastidian? y jugando con las imágenes a veces. También Oh, los encuentro maravillosos. Todo el planeo hacer algunos videos musicales más. mundo escucha algo diferente. Me encanta Con suerte, puedo llamar la atención sobre alentar eso negándome a permanecer dentro más canciones de esa manera. de las barreras del género. Me encanta encontrar nuevas combinaciones de estilos. ¿Cómo ha sido promocionar este nuevo Definitivamente no estaba pensando en álbum y los singles avanzados?

Michael Stipe cuando canté Tightrope. Ni Conozco a Shauna McLarnon desde que siquiera diré a quién pensé que estaba nos cruzamos promocionando nuestras canalizando, pero después de leer esa bandas hace diez años. Ella siempre fue reacción, puedo escuchar lo que quieren la mejor y realmente ha perfeccionado sus decir. Sin embargo, realmente viaja a otro habilidades a lo largo de los años cuando lugar al final de la canción. formó Shameless Promotion PR. Así que ha sido un placer trabajar con ella en esto.

Sé que estás muy activo con los videos. Lo habría arrojado por encima de la pared ¿Tienes pensado alguna forma de y habría intentado de alguna manera que la presentación del nuevo álbum? gente escuchara. Ella me ayudó a ver que ser Todavía estamos en esta zona libre de paciente y revelar lentamente el material iba

a obtener un resultado mucho mejor. Y lo más gratificante son las maravillosas conexiones que estoy haciendo a lo largo del camino, conociendo a tantas personas increíbles que se toman el tiempo para seleccionar todos estos programas de radio y sitios de música diversos y cohesionados. ¡Mira, hoy también puedo hablar contigo Diego!

Pensando en este 2021, ¿Qué tienes planeado para tu carrera solista o cuál será tu próximo paso?

Seguiré escribiendo, tocando y grabando y encontraré una nueva forma de afrontar el momento.

Agradeciéndote el tiempo que nos has dedicado en responder estas preguntas y

para cerrar esta entrevista.

Diles a nuestros lectores ¿por qué deberían escuchar tu nuevo álbum “Divisions”? y diles ¿dónde pueden encontrar tu música?

Creo que estas canciones tienen un poco del sonido de las ruedas girando. El sonido de la tierra y el cielo. El sonido de una historia que se cuenta y se desglosa solo para volver a contarla con un nuevo vocabulario. Yo era solo el medio. Todos pueden comprar el álbum en Bandcamp o transmitirlo en Apple Music, Spotify, Amazon o en muchos otros lugares. ¡¡¡Gracias Charlie!!! ¡Gracias Diego!

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[ Reseña de “Psymon Spine - Charismatic Megafauna (2021)” por Rubén Torres. ]

DELICADA DELICIA DE LA MODERNIDAD: LA BIOLOGÍA MUSICAL DE SPIMON

Psymon Spine - Charismatic Megafauna Label: Northern Spy Fecha de Lanzamiento: 19 de Febrero de 2021

Psymon Spine es una fusión de ritmos profundos de música dance y pop perfecto psicodélico, o sea una delicada delicia. La música del grupo de Brooklyn resume con precisión melódica este atractivo y sofisticado segundo disco de la banda.

Charismatic Megafauna fue lanzado el 19 de febrero de este 2021 a través de Northern spy Records.

Los orígenes de la banda se remontan a los miembros principales Noah Prebish y Peter Spears. "Queríamos hacer algo experimental, pero también accesible y satisfactorio".

Las Influencias que nombran van desde Talking Head a Os Mutantes junto a la escena dance de Nueva York.

Spymon Spine se convirtió en una de las figuras de la escena de baile de Brooklyn a través del inmersivo arte y las fiestas de la serie Secret Friend.

Prebish además lleva adelante una banda de dream-pop; Barrie que el año pasado exploto con su disco debut; happy to be here, lo que lo llevo a conocer a la cantante y multistrumentista Sabine Holler que finalmente se unió a Psymon Spine y después ambos se separaron de BARRIE. Charismatic Megafauna toma el nombre de un término biológico.

La temática del disco reflexiona sobre los cambios que los miembros de Psymon han experimentado en sus vidas en los últimos años.

Psymon Spine es una exploración a sonidos electrónicos con rupturas rítmicas de cortes precisos y una construcción ascendente del techno.

Hermoso disco experimental y bailable, con mucho de rock, por el optimismo y su catarsis emocional, Megafauna es un viaje embriagador a través del pop bailador, sofisticado un limbo provocativo y alucinante, lleno de música; psicodélica, electrónica y dance.

Canciones: Jumprope. Solution. Channels. Real Thing. Confusion. Unwound.

http://madwaspradio.com/

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http://www.6towns.co.uk/ https://dimitriberzerk.bandcamp.com/releases

The13th

U N A R E V I S TA I M A G I N A R I A