The13th numero 10

STAFF Idea y Realización Emiliano Herrera Diego Centurión Ligia Berg

Redactores Departamento de Música Diego Centurión Emiliano Herrera Gabriel Muscio Alejandro Cenizacromada Erick R. Vieyra Marianarchy Maxx Wilda Rodrigo Debernardis Departamento de Cine Nicolás Ponisio José Luis Lemos Gustavo M. García Departamento de Literatura Pablo Ravale Departamento artes visuales ligia berg

Dirección General Diego centurión

Dirección de Arte y Diseño: Ligia Berg

Corrector emiliano herrera

fotografía de portada Orion jacqueline

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AGOSTO 2014 Buenos Aires, Argentina

Editorial 10 Llegamos a la decena de ediciones, algo que cuando empezamos no lo imaginábamos. Pero aquí estamos, buscando dar siempre calidad.

Ya pasó la furia del mundial de fútbol y por más que la gran mayoría de nuestro staff es argentino, tratamos de no mezclar estas cosas con nuestro arte.

El staff vuelve a crecer, al Departamento de Música, en este número, ingresan dos nuevos redactores, Maxx Wilda y Rodrigo Debernardis, ambos de Argentina. Continuamos con las sesiones fijas, aunque agregamos una nueva “En Concierto”, en donde repasamos los shows a los que hemos asistido.

En este número tenemos dos conciertos, The Jesus and Mary Chain y De/ Vision.

En el campo de las entrevistas venimos con un número con varias entrevistas repartidas en las sesiones. Jay Aston (voz de Gene Loves Jezebel y Ugly Buggs) nos dio una muy linda entrevista. También tenemos una nota acerca del shoegaze y el dreampop en Argentina, con una reunión virtual de varias bandas, Mellonta Tauta, Altocamet, Sobrenadar, Perlas tus ojos, Nubes en mi casa y Otoño. En “Pura Melomanía” tenemos las palabras de Emma Anderson y Philip King, ambos de Lush, hablándonos de “Split”. En “Espíritu e Imagen” tenemos una entrevista a Almendra Bilbao, quien nos cuenta sobre su trabajo fotográfico.

Luego tenemos un Dossier sobre la banda londinense Coil. Y una esclarecedora nota sobre “Movimientos Musicales”, en donde se muestra de otra manera el movimiento Punk.

Después del Mundial de Fútbol, al cual no haremos caso ni emitiremos ningún comentario. Regresamos con el arte a flor de piel, música, cine y Literatura.

Como siempre, trabajamos para brindarles una edición con mucho esfuerzo y tratamos de ponerles a su disposición una mirada diferente a la acostumbrada.

Esperemos que lo hayamos logrado, la última palabra la tienen ustedes, nuestros lectores.

The 13th Revista.

SUMARIO Año 2· Número 10 · AGOSTO 2014

Revista

The Cure (2004) por Diego Centurión

Editorial

P.3

Coil o la espiral infinita

p.5

Por Alejandro Cenizacromada

Sonoridades Luminosas

P. 8

Entrevista a Mellonta Tauta, Altocamet, Sobrenadar, Perlas Tus Ojos, Nubes En Mi Casa y Otoño, por Diego Centurión

Movimientos Musicales (Primera Parte) p.24 Por Erick R. Vieyra

Lo que ves es lo que Obtienes

Entrevista a Jay Aston por Diego Centurión

Palabras en la Arena

“Agua Viva” por Pablo Ravale

EN CONCIERTO

The Jesus and Mary Chain Groove De/Vision The Roxy TEXTOS DIEGO CENTURIÓN / FOTOS ORION jACQUELINE

Pura Melomanía

Nick Cave Featuring The Bad Seeds

From Her To Eternity (1984), por Erick R. Vieyra

Siouxsie and The Banshees Hyaena (1984) por Marianarchy

Ride

Carnival Of Light (1994) por Maxx Wilda

Violet Indiana

Russian Doll (2004) por Diego Centurión

De/Vision

6 Feet Underground (2004) por Diego Centurión

The Cure

Lush

Split (1994) Entrevista a Emma Anderson y Philip King, por Diego Centurión

Hidden Track

p.66

ESPÍRITU E IMAGEN

p.68

Entrevista a ALMENDRA BILBAO por ligia berg

Rescate Cinéfilo P.34

Ghostbusters y Gremlins

p.84

por Nicolás Ponisio

la habitación del pánico P.36

Por José Luis Lemos

sound of noise

Por gustavo garcía

P.41

NOTICIAS

p.96

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

p.98

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

p.80

Música por Diego Centurión Cine por Nicolás Ponisio

p.52

Discos, EPs Singles, Varios Artistas, En Vivo, Reediciones Por Diego Centurión, Marianarchy, Rodrigo Debernardis, rick R. Vieyra, Alejandro Cenizacromada

Coil o la espiral infinita

Por Alejandro Cenizacromada

Los fans de la experimentación celebramos el hecho de encontrarnos con nuevo material de Coil para este 2014. Una serie de remixes para la banda Nine Inch Nails que habían quedado olvidados en el tiempo. Pareciera que el destino hubiese conspirado para llevarse a estos dos genios a una perpetua comunión solar. En Noviembre 13 de 2004 muere John Balance luego de caer del segundo piso de su casa debido a una intoxicación etílica y debido a esto, la parte técnica del proyecto, Peter “Sleazy” (sórdido en español) Christopherson decide terminar con la entidad Coil. Seis años después, El 24 de Noviembre de 2010 y con 55 años “Sleazy” fallece de un paro cardiaco en su casa de Bangkok mientras duerme.

Coil es un nombre que parece sencillo, pero que puede significar todo o nada, ciclos que se abren, ciclos que se cierran, la serpiente

comiendo su cola, muerte y renacimiento, la omnipresencia de la espiral. “Sleazy” era diseñador gráfico y hacía parte de los pioneros del industrial Throbbing Gristle y posteriormente de Psychic TV. Geoffrey Lawrence Burton adoptó el nombre artístico de “John Balance”, era un joven inquietado por replantear la naturaleza de sus creencias, de matar y resucitar sus dioses y coincidió artísticamente con Sleazy durante su corta duración con Psychic TV a principios de los 80. Por otra parte Balance colaboraba ocasionalmente con la banda Current 93 de David Tibet en su fase más mórbida y asfixiante de la cual surgió un proyecto llamado “Sickness of snakes” junto con John Murphy (S.P.K, Death in June, Foresta di Ferro) y el satanista Boyd Rice (NON). Con el tiempo Balance siguió participando en la discografía de Current 93 en su transición folk espiritual que comenzó a finales de los 80, al igual que lo hizo con Douglas P y su THE 13TH. 5

polémico acto Death in June. “¿Has estado alguna vez libre de cosas queridas o deseadas? ¡La creencia es el deseo eterno!”

Austin Osman Spare (El libro del placer) Las primera obra de Coil se acercaba más al Industrial experimental bajo el nombre de Zos Kia; pero en ”How to Destroy angels“ (1984) uno de sus primeros EP estaban influenciados por el esoterismo y la mística sexual. La renovación de la energía sexual masculina inspirada en el iconoclasta Libro del placer de Austin Osman Spare y su magia del caos. Más adelante editaron Scatólogy (1984) que de alguna manera lograba combinar esa inquietud Post punk con el industrial experimental; ayudados por Gavin Friday (Virgin Prunes) la escatología era algo más audible que el manifiesto con el que conspiraron para destruir ángeles. Apareció un cover bastante denso y depresivo del clásico de Soft Cell, “Tainted Love”, de hecho Coil eran muy amigos de Marc Almond y parte de las ganancias fueron utilizadas para apoyar fundaciones con pacientes de VIH. De hecho el video de esta versión de “Tainted love” hace parte de la colección permanente del museo de arte moderno de Nueva York.

Es importante mencionar que al igual que Douglas P de Death In June, tanto Balance como Sleazy fueron fuertes militantes del movimiento gay y gran parte de sus inquietudes sociales, eróticas, cosmogónicas y religiosas han quedado plasmadas en su obra. La grandeza de Coil radica en llevar al extremo su búsqueda creativa a la hora de plasmarla en los sonidos, Balance investigó el efecto de las ondas eléctricas en el cerebro para así aplicarlas en la síntesis de los instrumentos electrónicos, la teoría del caos y la matemática aplicada en las frecuencias 6 .THE 13TH

sonoras, el grabar determinados temas en determinadas estaciones del año, el uso de velas o inciensos en las sesiones de grabación, el uso de setas o sustancias alucinógenas para generar estados alterados de conciencia en la creación de la música, era una invocación al ruido blanco. Mención aparte la fuerte influencia filosófica, religiosa y esotérica que exige si no se sabe inglés, el hacer lo posible por conseguir una buena traducción de sus letras, que son más que recomendadas. Una de tantas leyendas es que para grabar un tema llamado “Cold Cell”, canción que está basada en una oración que hacen los condenados en las cárceles rusas y que aparece en el disco póstumo Ape of Naples (2005) fue que Balance y “Sleazy” se metieron en tanques de agua helada, a Sleazy le pasaron un sinte y a Balance le pasaron un micro para que cantara y a un paso de la hipotermia grabaron el tema con Sleazy y sus dedos crispados y la gélida garganta de Balance.

Añadiendo más información a esta historia, Coil grabó un gran disco llamado Horse Rotorvator en 1986, el nombre estaba inspirado en una pesadilla plagada de caballos mecánicos y jinetes del apocalipsis que tuvo Sleazy. La placa abre con un tema que sintetiza la inquietud sexual del proyecto y su relación con el esoterismo, estoy hablando del tema “The Anal staircase” (escalera anal) que contiene un sampler del compositor ruso Igor Stravinsky, una canción que según en frases de la propia banda fue compleja de mezclar. Recomiendo la versión Dyonisian Remix hecha por Rico Conning (Laibach, Depeche Mode) y que apareció en formato vinilo de 12”. Otro tema insignia del Horse Rotorvator es “Ostia” una canción inspirada en el cineasta Pier Paolo Pasolini quien realizó la película “Saló” basada en el polémico libro “Las 120 jornadas de Sodoma” del Marqués

de Sade. La novela original se desarrolla en la Francia del siglo XVIII; pero Pasolini ambienta la historia de vejámenes, orgías y muerte en la Italia fascista del Ducce, Benito Mussolini. Pasolini fue expulsado del partido comunista por ser homosexual y fue asesinado en la ciudad de Ostia en 1975 en extrañas circunstancias. El sampler con sonidos de grillos en la canción fue grabado en las ruinas Mayas de Chichen Itza.

Para 1987 realizaron una banda sonora para la película de culto“Hellraiser” basada en el libro de Clive Baker; desafortunadamente los productores de la cinta tuvieron que hacer la película menos fuerte para llegar a más público, por lo que la música compuesta por Coil era ya muy bizarra para la nueva versión, así que fue descartada. Aun así la banda edito en un EP este material bajo el nombre de “The unreleased themes for Hellraiser by Coil” el mismo año.

Para 1991 aparece un disco que abre más puertas y hace que los fans más experimentales del dúo arruguen el entrecejo por un momento, con la aparición de LSD (Love secret Domain) con algunos cortes bailables cercanos para muchos al acid house; pero sin perder esa esencia inquietante y experimental de la banda. Obviamente las siglas del título hacen referencia al uso de sustancias alucinógenas en la grabación.

Recomendados los temas“Windowpane”,“The Snow” y el bossanova alienígena de “Teenage lightning”. Empiezan a colaborar en remixes para bandas como Nine Inch Nails, Scorn, Depeche Mode, Chris and Cosey e incluso los españoles de Esplendor Geométrico. Un dato importante que he olvidado mencionar es que Sleazy, como comenté al inicio de la nota fue diseñador gráfico e hizo el arte de discos clásicos del rock como “Wish you where here” y “Animals” de Pink Floyd

y la primera trilogía de álbumes de Peter Gabriel; además dirigió videos para gente tan dispar como Front 242, Paul McCartney, Diamanda Galas, Sepultura y los mismos Nine Inch Nails. Los seres que formaron Coil aparecen como una sombra que fue más allá de lo predecible y que trastocó diferentes facetas artísticas. En definitiva resulta difícil sintetizar la grandeza de una obra que merece ser repasada con lupa. La discografía de Coil es extensa y aún hay mucho material para recomendar, podría nombrar aparte de los que mencioné: The Astral Disaster (1999), Musik to play in the dark (1999), The remote viewer (2002), The Ape of Naples (2005) y la serie de álbumes en vivo Live one to four (2003) y aun así seguiríamos cortos .

Ruido negro transmutado en blanco, meditación y desesperación, un juego delirante de asimetría sónica, invocaciones a deidades paganas, claustrofobia y libertad que nos acerca a esa grandeza que parece no ser apta para todos los oídos debido a querer llevar el arte a sus últimas consecuencias. Coil como banda también manifestó trastornos de personalidad (ELpH, Black Light District).

Mención aparte que merecería otra reseña está en su valioso grupo de colaboradores a lo largo de su carrera: Danny Hide, Steve Thrower, Simon Norris, Thighpaulsandra, Drew Mc Dowall y el alcance de esta divina espiral no cesa, y parece no querer terminar…

Bendita asimetría sónica.

THE 13TH. 7

Sonoridades Luminosas

por Diego Centurión

“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando”.

Pablo Picasso (1881-1973)

Así que en las siguientes páginas podrán leer y ver las diferentes miradas y, a la vez, los puntos de conexión en sus respuestas.

Hace un tiempo, no muy lejano, estaba en mi casa escuchando a Entre Ríos, una banda argentina de dreampop electrónico (Personalmente pienso que sólo mantuvieron la magia cuando estaba Isol Misenta durante el período del 2000 al 2005, luego con el cambio de vocalista la banda perdió el rumbo. Pero también estuve escuchando a Suarez, una banda argentina más inclinada al shoegaze y el indie, que en los años noventa se hicieron conocidos durante la explosión de la música más alternativa de la Argentina.

Escuchando estas bandas fue que me pregunté si habría exponentes de estos géneros, porque parecerían no existir en la Argentina, ya que no tienen mucha difusión.

Entonces me decidí a investigar y contactar algunas bandas en las que su sonoridad se embellece con el dreampop y el shoegaze.

Preparé un cuestionario y se los envié a varios grupos y muchos de ellos respondieron muy amablemente.

A continuación las miradas de las distintas bandas desde varios lugares del país.

Cada una de sus repuestas tienen indicado a qué banda corresponde con las siguientes siglas:

Antes que haga la primera pregunta me gustaría que presenten a su banda.

(MT) Mellonta Tauta (Alt) Altocamet (PTO) Perlas tus Ojos (Sobr) Sobrenadar (NemC) Nubes en mi Casa (Ot) Otoño 8 .THE 13TH

MT: Mellonta nació en Mar del Plata hacia agosto de 1988, en un encuentro de amigos que se juntaban a zapar y allí se fue armando la base inicial. Allí conocí a Leticia, invitada por un amigo. Se apareció con un Sample Casio CZ101, poco más que un juguete, pero esencial para armar lio. En ese momento estaba Augusto Maurandi en bajo y voz (Leticia comenzó a cantar ya estando en Italia). Y poco a poco se fue armando ese collage deforme que éramos al inicio. A las semanas se suma Federico Aldaz en la batería. Debutamos en vivo en diciembre de 1988 (en la Frontera, una ex fábrica reciclada en centro de arte y vanguardia, muy loco, muy under), y hubo varios cambios de formación, pero desde un inicio hubo una fuerte impronta experimental, seducidos por el minimalismo y los ensayos ambient. Muy lejos del ambiente rockero reinante y lejos de las formulas convencionales. Esa búsqueda se complementaba con visuales (yo estudiaba Bellas Artes) y trabajo de imágenes originales que proyectábamos en nuestros conciertos.

Ya en 1989 estábamos definidos como dúo junto a Leticia Solari y fue así que armamos lo que se conoció en los discos publicados por Hyperium: el álbum “Sun Fell”, y los EPs “Fisheas” y “Ocean”, (1994/1996). Antes de eso en Italia publicamos ediciones artesanales en casetes de “Performance” (1991) música instrumental de neto corte experimental y

“Gauchos” un conglomerado de canciones, un poco inmaduras e ingenuas, pero que marcaban el trazo artístico de aquellos años fiorentinos. Eran ediciones artesanales donde cada casete tenía una tapa diferente, hecha de papel fotográfico.

En 1992 publicamos “Animals” en casetes también y donde insinuaba un poco el sonido que luego se plasmaría en Sun Fell. La banda ha tenido transformaciones a lo largo del tiempo y podríamos delinear que en la etapa anterior (1989-1999) terminamos siendo un dúo junto a Leticia Solari, con aportes muy importantes de Ricardo May, en el periodo italiano (1990/1993). En esta nueva etapa (2010 hasta ahora) toma forma claramente a partir del reencuentro con Karina Altamiranda en 2010. Eso fue clave para todo este presente sucediera. Habían pasado casi 20 años sin vernos y muchas vivencias y que gracias a Facebook fue posible. Karina había cantado y grabado 2 canciones en un demo, previo al viaje que emprendimos con Leticia Solari en 1990. En ese preciso momento éramos un proyecto aún en desarrollo, teníamos un costado experimental muy fuerte, pero había canciones dando vueltas, y Leticia aún no había comenzado a cantar. Era importante llevarnos un demo con canciones que mostrara nuestras facetas. Así fue que de esa colaboración nació esta amistad. Lo que grabó Karina fue muy bello y mostró una faceta que luego desarrollaría Leticia con su estilo. Karina era recién llegada de una ciudad vecina y tenía su banda y en esa colaboración puso mucho de su arte. Esas melodías se recuperaron (ver track “Twenty Years after”) y ya son parte de este presente de MT. Actualmente está en un proceso nuevo y es la de convertirse en banda plena con vistas a conciertos y presentaciones en vivo; se ha sumado plenamente quien fuera el baterista

original de MT, allá en su debut de 1988: Feche Aldaz. La vida nos ha vuelto a reunir y es maravilloso recuperar un amigo y un testigo de esos años. Se ha integrado a la banda y es un pilar humano muy importante en esta nueva etapa. Se ha sumado también Gabriel Boccanfuso en bajo, músico inquieto, versátil y de gran actividad en la escena musical. Su talento musical y su calidad humana nos ha permitido darle un envión importante a toda esta fase “live”.

Alt: La banda se formó en 1995 en Mar del Plata ya editamos los discos “Veladabristolcasino” (1998), “Mitad del Viento” (2008), “Dulce Calor” (2010).

Empezamos como un trío acústico formado por Adrian “Canu” Valenzuela en guitarra y voz, Guillermo Piacenza en bajo y Pedro Moscuzza en batería. Enseguida se sumaron Waldo Trubiano en secuencias y percusión y Claudio Paz como violinista invitado. En el 98 definimos una nueva formación, con la llegada de Mariana Monjeau en teclados y Rubén Kain en bajo y sintetizadores. Su primer disco “Veladabristolcasino”, fue su primer álbum producido por Altocamet y Julian Sanza. En el 2001 lanzamos el EP “Manzana de Metal” con 5 canciones. Con la producción adicional y mezcla de Gustavo Cerati, y el arte de tapa de Federico Klemm, obtuvimos una nominación en los premios Carlos Gardel como “Mejor Banda Pop”.

Luego editamos un nuevo vinilo titulado “Valeria del Mar”, por el sello neoyorkino Matterform que incluye remixes de los productores Alexi Delano y Casey Hogan.

Sumamos a la banda a Loló Gasparini en coros. En el 2003, editamos otro disco de remixes “Manzana de Metal”. En el 2006 editamos un EP instrumental “En El Parque”, producido por Altocamet, y contó con la producción adicional y mezcla de Leonardo THE 13TH. 9

Ramella. Al año siguiente lanzamos otro EP “El Parque Remixes” un disco que marcó el regreso de Canu a la banda. Fue producido por Canu y obtuvo un premio Carlos Gardel como Mejor Álbum de Remixes.

Luego de varios meses, una nueva formación que incluye a Ignacio Giobellina en guitarra eléctrica y a Loló Gasparini en coros y voces, como miembros estables. Y editamos “Mitad del Viento” en el 2008, producido y mezclado por Graham Sutton, integrante de la banda Bark Psychosis. La presentación oficial la realizamos en el Teatro Guemes de Mar del Plata, con la banda peruana Resplandor y el guitarrista escocés Robin Guthrie (ex Cocteau Twins) como invitados especiales.

“Mitad del Viento” fue galardonado con el premio Carlos Gardel como Mejor Álbum de Música Electrónica del 2008. En el 2009 lanzamos “Mitad del Viento Remixes”. En el 2010, editamos “Dulce Calor”, nuevamente con la participación de Graham Sutton como productor en la consola. Y nuestra última edición fue “Dulce Calor Remixes” del 2013.

PTO: La banda nace bajo la influencia del dream pop, Shoegaze, 4AD entre otros, es un proyecto que comenzó a gestarse a finales del año 2009 en la zona sur de Buenos Aires y que termina de consolidarse en el año 2011 con la incorporación de nuestro cuarto y último integrante, la cantante. En el año 2012/2013 nos dedicamos a componer temas de nuestra autoría y realizamos algunos shows en Buenos Aires y Capital Federal. Actualmente estamos finalizando la grabación de nuestro primer disco (en formato EP), realizado en forma totalmente independiente, que se llamará “Así de Grises”, el cual incluirá 6 temas y verá la luz este año Pueden escuchar un adelanto del mismo en nuestro bandcamp.

Los actuales integrantes: China – Voz, Billy 10.THE 13TH

– Guitarra, Elvis – Bajo y Programaciones y Sergio – Batería Sobr: Nace como proyecto de Paula García (llegada de la provincia de Chaco) se instaló en Buenos Aires por primera vez en 2006 para estudiar producción musical. Así fue que adoptó la identidad de “Sobrenadar” y fue editando trabajos, dos LPs, “Sobrenadar” (2010) y “1859” (2012) y tres EPs, “Vent Solaire” (2011), “Guam” (2011) y “Alucinari” (2013) auto editados digitalmente.

Actualmente se encuentra presentando sus trabajos acompañada por Javier Medialdea al mando de sintetizadores espaciales y vocoders marcianos.

NemC: Nubes en mi Casa es un proyecto de música Indie de Buenos Aires formado por Josefina Mac loughlin y Hernan Dadamo en 2006. Hasta la fecha han logrado editar dos álbumes, ambos a través de la disquera mexicana Molécula Records. Su segundo álbum titulado ‘Me Suelto y Vuelvo’ fue ademas editado por la disquera peruana Plastilina Records, llegando a distribuirse dicha edición a paises como Brasil, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania y Japón. En marzo 2013 fueron convocados para formar parte del festival internacional SXSW, realizado en Texas, USA y en mayo telonearon a la cantante Cat Power en el Teatro Coliseo de Buenos Aires. Actualmente la formación es Josefina Mac Loguhlin en voz y guitarra acústica, Hernan Dadamo en guitarra eléctrica y teclados, Hugo Amor en batería y percusión, Pablo Damian en bajo Ot: Es una banda oriunda de Las Heras, Mendoza. Está formada por: Carina Lourdes Staiti (voz, teclado); Máximo Mario Lorda (guitarra); Aníbal Alejandro Rivero (guitarra), Leopoldo Manuel Gigena

(batería); y Guillermo Daniel Staiti (bajo).

En 2010 llega a sus manos su primer disco, “Otoño”, editado en forma independiente, y en el 2012 un EP, también llamado “Otoño”.

Y el 27 de Mayo de este 2014 editan su disco “Diferentes” (pueden leer una reseña del disco en la sección “El Jardín de las Delicias”). ¿Qué músicos los influencian?

MT: En cuanto a detectar que música marcó mis gustos musicales más claramente fue allá por 1985. Cuando conocimos Jesus & Mary Chain, Depeche Mode y New Order, que aunque hoy dia suene raro decirlo, era un material de muy escasa circulación. Conocí la obra del sello ingles 4AD a fines de1986 fue un punto de inflexión, se abrió un nuevo mundo y ese mundo evidentemente concordaba con lo que mi mente y cuerpo ansiaba escuchar.

Algo pasaba en esos años que la vibración estética tiraba para ese lado. No fue algo impuesto por moda, no había ni canales de TV ni radios q difundiera esa música. Todo sucedía en el microcosmos de amigos de la Mar del Plata de entonces. Sin darnos cuenta fuimos adoptando ese mundo como propio.

Era un casete, un vinilo importado, el tesoro a compartir. El primer disco q escuche a fondo de Cocteau fue Victorialand, era un casete q sonaba sin parar de un lado y de otro. Era un mundo paralelo tan seductor y mágico, un embrujo placido muy difícil de salir. Pero no era solo la música, el cine también aportaba lo suyo, en esos años Wenders, Tarkovsky, Herzog, Greenaway, etc. alimentaban ese mundo interior, generando más preguntas que respuestas desde luego, abriendo la cabeza en mil direcciones. Así y todo con medios ultra limitados (éramos muy modestos) y con 17 años el desafío era intentar generar música que incitara a volar y a soñar, la referencia era inigualable e inalcanzable, pero sentía que el

camino debía transitar con esas sensaciones.

Durante los ultimos 20 años pasó de todo en la escena musical. De los 80’s fuera de 4AD, mis favoritos Talk Talk, David Sylvian & New Order. De los 90’s mis favoritos son Postishead, Massive Attack, Pulp y Air. De los 2000 me gusta mucho Moby y Royksoop, por nombrar lo más relevante. Siempre quedará el legado de Brian Eno desde lo conceptual, es enorme su legado. Las influencias igual afloran cuando menos se esperan. Aun así, a la hora de componer no suele reflejar lo que escucho como oyente o melómano, pues en casa se escucha de todo y suelo tener un costado popular muy fuerte como oyente que alterna con música de autor, más artística podríamos decir.

Alt: Mariana Monjeau: A mí personalmente desde siempre Kraftwerk, Cocteau Twins y también grupos y solistas como Laurel Halo, Julia Holter y Xeno and Oaklander.

Pedro: Son muchísimos los artistas que me gustan e influencian... Cocteau Twins, Slowdive, My Bloody Valentine, The Cure, Joy Division, Gustavo Cerati, Fricción, Resonantes, Siouxsie & The Banshees, y más nuevos DIIV, The Radio Dept, Little Dragon, Wechsel Garland, Wild Nothing, Dum Dum Girls, Tamaryn.

PTO: Realmente muchos, y son las influencias de todos nosotros, eso hace que a la hora de componer no llevemos de maravillas. Entre las influencias podemos mencionar a Brendan Perry, Cocteau Twins, Robin Guthrie, Hammock, Dead Can Dance, matices del post punk, dark, ambient, post rock, dream pop etc.

Sobr: Son muchos, todo el tiempo. Pero Air, Cocteau Twins, Charlotte Gainbourg, Daniel Melero, Juana Molina.

THE 13TH. 11

NemC: Creo que la influencia musical en nosotros va cambiando con nuestro estado de ánimo, nos gusta todo tipo de música y quizás no tenga mucha relación a veces eso que nos mueve a componer con el resultado final de lo que hacemos. En este momento estamos revistando un poco la música de Broadcast o música de películas como Ennio Morricone como para darte un ejemplo.

Ot: Nuestras influencias son muchas y muy variadas. Te cito unas cuantas (pero la lista es cuasi eterna): The Cure, Joy Division, Smashing Pumpkins, The Smiths, Morrissey, Dinosaur Jr., The Stone Roses, Echo & the Bunnymen, Pixies, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Depeche Mode, Mudhoney, Pavement, Lush, Cocteau Twins, Siouxsie & The Banshees, The Cardigans, Ramones, Yo la Tengo, Queens of the Stoneage, New Order, Los Brujos, Jesus & Mary Chain, Juana La Loca, Demonios de Tasmania, Peligrosos Gorriones, Virus, Placebo, Los Natas, Slowdive, etc etc etc etc etc…

A la hora de componer, ¿cómo lo trabajan? ¿Alguno lleva el tema y lo terminan entre todos o lo escriben entre todos?

MT: Como se trata de un regreso luego de muchos años de impasse el proceso fue diferente. Me había costado un tiempo armarme un pequeño estudio acorde a la tecnología actual. Yo tenía mucho analógico, cinta, teclados midi y todo había quedado casi obsoleto. Empecé a actualizarme, a clasificar archivos y a organizarme, y en 2008 comencé a armar material nuevo. Seguí acumulando grabaciones pero con vistos a hacer algo solista, o bien con cantantes invitados. Pero cuando me reencontré con Karina y logramos juntarnos (ella vive en Tandil y yo en Mar 12 .THE 13Th

del Plata) vimos que la música que yo tenía cobraba vida con su voz. Después de algunos encuentros le dije: “¿Por qué no nos ponemos a trabajar con la idea de hacer un disco como Mellonta Tauta?”. Si bien la música estaba hecha, fueron apareciendo arreglos nuevos y fue un proyecto muy introspectivo de composición y producción entre Karina y yo.

En cuanto a la estructura de las canciones, hubo un reajuste entre las partes instrumentales y las cantadas. Trabajamos con improvisaciones sobre lo instrumental, buscando las líneas melódicas que iban surgiendo. Fue un trabajo de costura, hilando fragmentos vocales y líricos. Una labor de bocetos, pasadas, de grabar y cortar. Fue una producción independiente, no había recursos para pretender una ‘súper producción’ pero fuimos muy exigentes. Después el baterista se sumó a partir de que terminamos de grabar el disco. Ahora en esta etapa con el álbum editado estamos buscando tocar mucho en vivo. Algo que en su momento, en los inicios de Mellonta Tauta con Leticia Solari, no hicimos mucho. Acá en Mar del Plata habíamos tocado muy poco, en Italia unas 5 veces cuando vivíamos allá. No fuimos una banda en vivo porque éramos como un dúo o un trío virtual, nunca fuimos una ‘banda’, éramos un bicho raro pero con el plus de encarar la composición más libremente. El formato de banda te puede llegar a condicionar en ese sentido. La libertad a la hora de componer y experimentar es un poco la característica de los discos de Mellonta Tauta.

Alt: Mariana: Trabajamos de diferentes maneras, a veces partimos de una idea o la canción algo armada, y en otras oportunidades surgen temas a partir de la improvisación.

PTO: Lo que se da con más frecuencia es armar una pequeña base en guitarra o bajo

y luego todos juntos, le terminamos de dar forma. Perlas tiene una química muy especial a la hora de componer, las cosas fluyen de una manera sorprendente, por ejemplo Flores Rotas (track incluido en el Mixtape de Latinoamérica Shoegaze) no nos llevó más de 6 horas terminarlo, algo increíble.

Sobr: La grabación y composición está a cargo de Paula. Se trabaja partiendo de una base o de un arpegio hecho en guitarra. Después eso va mutando hasta llegar algo que se parezca lo mejor posible a lo que uno tiene en mente.

NemC: Por lo general es Josefina quien propone las canciones y Hernán armonías y arreglos, pero lo mejor es que sea una fusión entre ambos es lo que tratamos siempre que suceda antes de entrar al estudio.

Ot: “Diferentes” (nuestro tercer trabajo, lanzado digitalmente el 27 de Mayo de este año –esperamos tener en Julio la edición física) es el primer disco que trabajamos como banda. El mecanismo que usamos tanto para “Otoño” (2010), como para “Otoño EP” (2012) era sencillo: componíamos todo entre Carina y Máximo (miembros fundadores de la banda, allá por fines del 2006) ya que éramos los únicos miembros de la banda. A raíz de la formación que tenemos desde Julio de 2012, decidimos cambiar la forma de componer: si bien la idea madre sigue surgiendo de Carina y Máximo, cada miembro le aporta lo suyo, y de esa forma cerramos los once temas que tiene hoy nuestro nuevo disco. ¿Se sienten más cerca del shoegaze o del Dreampop?

MT: En ningún lado, no sé si por suerte o desgracia no tenemos un único rotulo que nos permite ser parte de una escena

determinada. Desde un inicio, en el año 1988 hubo un fuerte deseo experimental de abordar diferentes temáticas y plasmando en músicas diversas. Como empezamos con formaciones varias sin tener una voz fija, éramos mucho más instrumentales con tanta experimentación, luego al aparecer la voz de Leticia fueron surgiendo más canciones. Si repasas el primer álbum y los Eps en los años 90’s vas a encontrar canciones con diferentes tratamientos dado que al no ser el formato banda tradicional, abordábamos cada canción con los arreglos que ésta nos sugería: desde arreglos orquestales o acústicos mínimos hasta capas de guitarras noise, pasando por texturas de samplers y paisajes sonoros.

En realidad hay un nexo y es en cuanto a las estructuras compositivas, tenemos mucho de minimalismo, aun cuando el aspecto aparente sea el de una canción. En algunos casos sí hay la clásica estructura estrofa puente estribillo, pero en muchos casos hay un par de acordes que repiten todo el tiempo y los arreglos e intensidades hacen a los cambios de climas.

Nuestro target más cómodo sería el pop alternativo, dado su término abarcativo, en eso incluye canciones dream pop, otras más shoegaze, otras más ethereal o heavenly voices, hay baladas folk con aromas de soul y blues, hay pop sicodélico y mucho tamiz de darkwave, con alta cuota de melancolía.

Una veta presente y que tal vez ampliemos próximamente es la huella pampeana, ya sea rítmicamente o armónicamente hay aires que evocan algo de nuestro folklore, en su sentir más oscuro.

Alt: Mariana: Más cerca del Dreampop a mi parecer, aunque incorporamos elementos del Shoegaze.

Pedro: Siento que estamos cercanos a ambos estilos y por momentos también tenemos influencias del synthpop, house, trip hop, y THE 13TH. 13

del dub.

PTO: Nos sentimos Perlas Tus Ojos!, quizás la crítica ya nos catalogó como “Dream Poperos”, no buscamos sonar de una forma específicamente, pero es inevitable esconder nuestras influencias a la hora de componer.

Sobr: Yo creo que del Dream pop. Sobrenadar no tiene tantas guitarras con distorsión, los sonidos son más bien “limpios” en ese sentido. Si hay mucha reverb y delays y sintetizadores.

NemC: A veces pensamos que es más dream pop pero en vivo se dan algunas situaciones de shoegaze… como no adherimos mucho a las etiquetas pensamos que solo son canciones y quien las escuche decida a que suenan.

Ot: No nos sentimos cómodos albergándonos en ningún estilo en particular. Se pueden percibir de ambos estilos influencias marcadas en nuestros discos, pero ambas nos encantan, al igual que el noise. ¿Cómo es moverse dentro de la escena local? ¿Cuáles son los pro y los contra?

MT: ¿La escena que forman los músicos o la escena que determinan los medios especializados? Si es por esto último, la verdad que siempre fuimos ignorados y subestimados. Nunca tuvimos el más mínimo reconocimiento en nuestro país. Desde luego que hay excepciones, afortunadamente. Pero aun hoy el hecho de no ser de la “capital” nos aísla inmediatamente. Ojalá algún día cambie y que la escena argentina se sustente sobre un mapa real a nivel país y no solo de capital y conurbano. Lo más llamativo es que en otras partes del mundo, nuestra música es muy bien recibida, de hecho tenemos un

lugar en la escena mundial y nuestra banda es conocida y su música apreciada. En el caso del disco nuevo tuvimos numerosas reseñas y comentarios más que positivos, ese reconocimiento eso nos ha alegrado mucho. Esto ha generado nuevos vínculos con nuevos seguidores en todo el mundo y es muy estimulante recibir muestras de afecto y percibir el feedback de nuestra música.

Alt: Mariana: La escena local en Mar del Plata es muy reducida, aun así, tocamos bastante seguido, también nos gusta tocar en Buenos Aires y compartir fechas con bandas amigas y djs.

Pedro: Lo más lindo de la escena es poder tocar con bandas amigas y recorrer todo el país, por suerte hemos tocado bastante por las provincias del interior y el público es muy receptivo con nuestra música.

PTO: Es un poco difícil cuando no hay en realidad un movimiento especifico y/o discográficas que se interesen por este estilo de música, uno tiene que auto gestionarse todo el tiempo para poder ser conocido y/ o poder llegar a mayor cantidad de gente posible. Seguiremos en la lucha.

Sobr: Es muy bueno, conocer bandas que están en la misma que vos y ayudarnos entre todos es lo mejor. También terminas haciendo muchos amigos y entendiendo ciertos códigos. Tratando de darle batalla a las empresas dueñas de los medios que imponen ciertas bandas y no dejan lugar para lo nuevo. Pero todo sirve, no creo que tenga contras para nada.

NemC: Es difícil más para nosotros que nos movemos a pulso emocional, esto significa que decidimos no tocar sino nos sentimos con ganas de hacerlo, los pro es que todavía hay

buenos lugares para hacerlo, la contra a veces son los arreglos que te proponen algunos lugares.

Ot: Es difícil, pero hay mucho movimiento independiente generando espacios y movida.

Quizás falte juntarnos un poco más entre los que preferimos “hacer” que “quejarse”.

Por nuestra parte, hace ya cinco años que venimos realizando un ciclo, llamado “Ciudad & Música para Todos”, orientado a bandas de rock (en sentido amplio). Por este ciclo han pasado más de cuarenta (40) bandas de toda la Provincia de Mendoza, así como de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, San Juan, Córdoba, La Pampa e inclusive Santiago de Chile.

Las redes sociales se han convertido en una de las herramientas fundamentales para el crecimiento de las bandas ¿cómo manejan estas posibilidades?

MT: Tratamos de aprovecharlas desde luego, más que nada en nuestro caso que contamos con seguidores desparramados por todo el mundo, así que es esencial potenciar ese canal directo mediante nuestra page de Facebook y el canal de You tube.

Alt: Pedro: Si son muy importantes ya que facilitan la difusión de la música y las actividades del grupo, nos mantiene en contacto con las personas que se encuentran lejos de nuestra ciudad o de Buenos Aires donde nos movemos más seguido por la cercanía.

PTO: Las redes sociales son para todos (y creemos en especial para los músicos independientes, ya que todo nos cuesta tanto) una herramienta fundamental para poder llegar a muchísima gente. Tratamos

de difundir todas las actividades en la que la banda se encuentre trabajando y sin esto realmente sería muy difícil poder difundir nuestra música y menos aún cruzar fronteras.

Hace unos días nos han contactado a nuestro bandcamp desde EEUU y han realizado una pequeña contribución (dólares), más allá de la ayuda económica es maravilloso que esto pueda ocurrir y estos es exclusivamente gracias a la existencia de internet.Sobr: Las usamos seriamente y tratando de aprovecharlas al máximo. Son muy importantes.

Facebook, Soundcloud, Instagram y Twitter. Estamos viviendo tiempos en que algunas personas prefieren quedarse en su casa conectados a internet que salir a la calle. Desde ahí pueden mirar fotos, vídeos en vivo y escuchar todos los discos y tal vez, no necesitan nada más, dentro de esa realidad virtual. Sin embargo es muy importante el feedback que se obtiene de los shows en vivo. Por eso nos adaptamos.

Mantenemos las redes actualizadas y los discos disponibles para escuchar online, pero también salimos a tocar todo lo que podemos.

NemC: Las manejamos personalmente como podemos, no estamos full time con eso pero nos gustaría contar con alguien para eso y para prensa, pero como dijimos anteriormente todo se hace con mucho amor más que nada.

Ot: Absolutamente todos los días Carina se encarga de mantener contacto a través de las redes sociales, actualizar la página oficial de la banda, subir fotos de los shows en vivo o de sesiones que hagamos. Tratamos de aprovechar la facilidad que tiene la gente de obtener información y día a día tratamos de sacarle más provecho (a medida que también vamos aprendiendo en el camino).

THE 13TH. 15

Hay muchos casos en Latinoamérica en donde las bandas son más conocidas en los Estados Unidos y Europa que en su propio país. ¿Ustedes cómo ven esas vías de crecimiento? ¿Han tenido algún contacto con gente de fuera del país?

MT: Nuestro debut discográfico (1994) se hizo en Europa, grabamos en Italia (allí vivíamos) y publicamos por el prestigioso sello Hyperium de Alemania. Con ellos hicimos un álbum, 2 Eps (maxi single) y numerosos compilados internacionales; el más conocido es el volumen I de Heavenly Voices, que supo agutinar en una edición especial (Box limitado) la escena mundial darkwave goth & ethereal. Desde allí todo nuestro camino en la música se desarrolló en la escena europea y desde allí a USA y demás.

Aun a pesar de regresar después de muchos años sin actividad, seguimos teniendo amigos y contactos que se han interesado en el nuevo álbum y nos han dado un apoyo importante.

Nuestro nuevo disco tiene distribución digital del sello Projekt de USA, un referente mundial de la escena y que tiene uno de los catálogos más importantes con más de 30 años de actividad independiente. En cambio el disco físico ha tenido distribución a través de diferentes sellos importantes, tanto en Alemania y Europa como en Brasil y México.

En el país lo comercializa el sello Twilight y el mismo sello se ocupa de los envíos al exterior.

Estamos invitados para participar del Wave Gothic Treffen en Leipzig, Alemania, el más importante festival de la escena oscura.

Alt: Mariana: Tuvimos la oportunidad de tocar en diferentes países de Latinoamérica en donde fuimos muy bien recibidos y la pasamos increíblemente bien. Hicimos shows en Santiago de Chile, Bogotá, Lima, México D.F y Cozumel. Tenemos mucha gente que 16 .THE 13Th

nos apoya en estos lugares, ya queremos volver y ampliar horizontes también.

PTO: Creemos que tiene que ver con que en otros países se valora y difunde más este estilo de música, pero no perdemos la esperanza que esto se pueda dar en principio en nuestro país, para luego poder llegar a otros lugares.Sobr: Se editaron Casetes en Estados Unidos, antes de editarse en Argentina. Y hay reseñas escritas en blogs de diferentes países. Tanto como Francia, UK, Japón, México, Perú y otros. Hace poco estuvimos tocando en el SXSW y nos encantaría hacer otra gira y llevar la música más allá.

NemC: Si claro de hecho nuestros discos están editados en México por Molécula Records y desde Perú con Plastilina records hemos llegado a USA Europa y Asia, es realmente muy lindo que podamos llegar tan lejos y que nos sigan invitando a tocar afuera pero es muy difícil viajar para nosotros, por otra parte también es cierto que en nuestro país todavía hay muchas personas que no conocen Nubes.

Ot: Antes de editar nuestro primer disco, nos contactó un sello de Perú. Luego de la edición de nuestros dos primeros trabajos, mantuvimos contacto con Latinoamérica Shoegaze (blog de Colombia), Senhor F (Brasil), DKFM (Radio de Fresno, California), Ola’s Kool Kitchen (Rock XS Radio – Inglaterra, que retransmite una radio de Grecia), Radio Generaciones (Chile), Catkills Records (blog de Málaga, España), “Just can’t get enough” (blog de Italia), entre otros. La reacción fuera de Argentina fue muy buena respecto de lo que Otoño viene haciendo como banda. Otoño participó en el

disco “C” del Compilado de “Latinoamérica Shoegaze” y a fines de 2013 nace la idea junto a Jairo Manzur (Latinoamérica Shoegaze) la idea de formar una unión de bandas, sellos y ciclos Latinoamérica, la cual se anunció formalmente en el mes de Enero de 2014: A.M.L.A. (Acción Musical Latino Americana) reúne a sellos de Chile, Uruguay, Perú y Buenos Aires junto a Latinoamérica Shoegaze y OTOÑO (por su ciclo “Ciudad & Música para Todos”). Otro detalle respecto a la repercusión de la banda fuera de nuestro país, nos contactamos con Bob Nastanovich (miembro de Pavement) a través de una red social luego de que un amigo nuestro en Buenos Aires le entregara un demo nuestro (durante el show que dio la mítica banda de indie rock en La Trastienda). Ante la salida del primer disco, nos mandó un cálido elogio respecto de la banda. Cuando decidimos entrar a grabar “Diferentes”, le propusimos grabar algo y aceptó (por eso participa en “Trance”). Le enviamos el track y ese mismo día reservó un estudio. Luego de grabar, la gente del estudio nos mandó el track con su participación.

Soy de pensar que los discos no se terminan, se abandonan. Y más pensando en las posibilidades de poder grabar en sus propios hogares o salas de ensayo. ¿Cómo son ustedes en el estudio, muy perfeccionistas o son más de improvisar y experimentar?

MT: Mi trabajo en el último disco fue muy interesante para mí pues pude tener control de todas las fases, a diferencia de los anteriores donde la entrada al estudio de grabación era obligatoria si se quiere obtener un sonido de calidad. El disco fue alcanzando su maduración lentamente y el punto de abandono (tomo tu concepto) fue natural, casi todo lo que tenía en mente pude plasmarlo

y las canciones que hicimos con Karina nos dejó muy satisfechos. En este presente más de banda, la idea es hacer un disco diferente a todo lo anterior en cuanto a metodología, ¡así que veremos!

Alt: Mariana: Creo que somos bastantes detallistas. Generalmente grabamos en la sala-estudio “La Casita”. En el disco próximo a salir “Más Allá” trabajamos nuevamente, como en los dos discos anteriores “Mitad Del Viento” y “Dulce Calor”, con Graham Sutton (Bark Psychosis) productor de These New Puritans entre otros, siento que logramos una armonía para plasmar el sonido que nos identifica incluyendo nuevos elementos e ideas que quizás surgen en el momento en el proceso de mezcla, también tenemos invitados de honor que admiramos como Richard Coleman, Celsa Mel Gowland, Flavio Etcheto y Dante así que los temas fueron cambiando muchísimo. A mi parecer, perfeccionamos lo más posible para estar felices con las canciones terminadas, el mastering lo hizo Tim Young en Metrópolis.

PTO: Recientemente finalizamos de grabar nuestro primer EP en forma totalmente independiente, creemos que los discos queman etapas, lo que uno termina es justamente eso, una etapa. Por el momento Perlas Tus ojos trata de no improvisar y/o experimentar demasiado en estudio, nuestra idea es sonar en vivo lo más parecido al disco de estudio, pero si en el proceso surge algo y queda bien sin que la música sufra demasiados cambios, no dudaríamos en hacerlo.

Sobr: Totalmente perfeccionista. Se trabaja sobre una canción horas, días, semanas, hasta que esté terminada. Tal vez lo de experimentar sale mucho en los ensayos, con Javier. A la hora de preparar las canciones para tocar en THE 13TH. 17

vivo tratamos de agregar muchas cosas que no están en los discos, entonces ahí si nos damos la libertad de improvisar y nos tomamos el tiempo para eso.

NemC: Creo antes del estudio se improvisa mucho para llegar a algo concreto para luego dentro del estudio ver las variantes que contiene aquella idea para pulirla, pero ese trabajo sonoro lo hacemos conjuntamente con nuestro productor Norman Mac Loughlin quien al ser hermano de Josefina se hace de manera más relajada .Ahora estamos en la etapa de demos y como vos dices abandonando nuestro disco anterior para darle vida a estas nuevas canciones.

Ot: Si bien a la hora de grabar tenemos todo perfectamente armado, y visto con el productor, no nos privamos de grabar cosas que no estaban antes. Ése es nuestro momento de experimentar (y lo hemos hecho bastante a lo largo de la trayectoria de la banda). ¿Sienten algún apoyo de la industria argentina, ya sea prensa o compañías medianas (Porque las grandes están en otra cosa)?

MT: No, para nada. Ni siquiera hay chances de acceder a difusión. No nos ayuda que no cantemos en español, no hacemos Rock Nacional y eso es lapidario.

Alt: Pedro: Trabajamos con el sello Casa del Puente Discos, que es un sello indie que nos brinda todo su apoyo, y buscamos crearnos espacios dentro de la escena nosotros mismos. De vez en cuando sale para tocar en algún festival gubernamental o gestionado por Cultura pero no mucho más que eso.

PTO: Por el momento no tuvimos la suerte de poder contactar o ser contactados por 18 .THE 13Th

alguien de la industria. Por el momento nosotros mismos somos los encargados de autogestionarnos a veces con muy buenos resultados, por eso celebramos que exista las redes sociales, blogs etc.

Sobr: Recién estamos empezando y para eso recibimos mucho apoyo de la prensa argentina. Muchos medios y periodistas escribieron reseñas de los discos sin pedir nada a cambio. Nunca tuvimos que pagar para “aparecer” en ningún lado y eso, es muy bueno. Estamos muy agradecidos porque en ese sentido, no nos podemos quejar.

NemC: Creo que el mayor apoyo lo sentimos de los blogs, páginas y radios independientes, de la gente que nos escuchó y se acerca y nos ayuda con las herramientas que tiene ya sea fotos o propuestas de videos o publicaciones, es verdad también que nunca fuimos a presentarle un disco a alguna gran compañía quien sabe quizás les termine gustando y nos acerque uno de esos famosos contratos.

Ot: En cierta medida, estamos conformes (desde nuestra independencia) del apoyo que recibimos por parte de la prensa, inclusive de los medios gráficos más importantes de la provincia. Creo que valoran el esfuerzo y la constante participación de “Otoño” en la escena local, donde no sólo gestionamos cosas para la banda, sino que siempre trata de fortalecer la escena local a través de ciclos o eventos que nucleen música, artes gráficas, fotografía, etc. ¿Cuáles son los próximos pasos de la banda?

MT: Queremos terminar algunos videos más que nos ayuden a seguir difundiendo nuestra obra. Asimismo empezaremos a bocetar y realizar los demos del material para el THE 13TH. 17

nuevo álbum, tenemos unas 30 canciones por delante para trabajar.

Una gran noticia para nosotros es que estamos re-editando el primer álbum “Sun Fell” y los EP’s “Ocean” y “Fishes” en formato digital a través del sello Projekt, eso estará disponible en iTunes y estaremos disponibles en los portales de Streaming como Spotify y otros.

Alt: Pedro: Editar el nuevo disco “Más Allá”, grabar algunos videoclips y salir a tocarlo por todo el país y algunos países de Latinoamérica, ojalá también podamos llegar a tocar en USA y España con este nuevo material. Ya hay fechas confirmadas en Montevideo, Uruguay el 9/8, en Buenos Aires el 30/8 en La Ideal, Córdoba Belle Époque el 20/9, Mundo en Villa María el 19/9 , septiembre en Chile y en octubre la presentación oficial el Mar del Plata, en el Teatro Colón el 4/10 y seguramente un teatro en Buenos Aires. En noviembre hay planes para volver a México y Perú.

PTO: En principio el lanzamiento de nuestro primer disco (EP con 6 temas) que se llamara “Así de Grises” y así poder mostrar nuestra música a todos. Ojala se pueda apreciar el laburo y amor que le ponemos a cada nota.

Estamos en tratativas para armar el video clip de dos temas del EP y serias intenciones de armar un “Sesión” en vivo con temas del disco y alguna sorpresita.

Sobr: Tenemos muchas fechas en el interior del país y también programando shows en Uruguay y Chile. Por lo pronto seguir presentando el disco y estamos armando un EP de remixes que pronto estará disponible para escuchar.

NemC: Prontamente estará saliendo un nuevo

video para cerrar nuestro segundo disco, dirigido por Mapa Arenas, del cual tenemos grandes expectativas, también estamos a un paso de entrar al estudio para grabar nuevas canciones pero todo lo hacemos tratando de que no sea una presión sino un disfrute.

Ot: Empezar a tocar por todos lados, haciendo llegar “Diferentes” a la gente que lo quiera escuchar. Gestionar, como siempre lo hemos hecho, ciclos para fomentar la escena independiente nacional e internacional (esta última a través de A.M.L.A. “Acción Musical Latino Americana”, de la cual “Otoño” forma parte desde su gestación). A su vez, tenemos varios temas nuevos que pensamos lanzar antes de fin de año en un nuevo disco. También formaremos parte del compilado homenaje a Daniel Johnston que lanzará Le Merde (una revista independiente de Mendoza), para el cual versionamos “Tell Me Now”. Asimismo, formaremos parte del primer compilado que sacará en breve A.M.L.A. El sueño sería un Festival de dreampop y Shoegaze… ¿lo creen posible en Argentina?

MT: Si, sería muy importante poder mostrar la escena en toda su extensión.

Alt: Mariana: Sería genial, me encantaría tocar junto a Luz París, Asalto al Parque Zoológico, Sobrenadar, entre otras bandas.

Pedro: ¡¡¡Seria fantástico que se haga realidad!!!

PTO: ¿Qué lindo seria, no? Es difícil pensar que en Argentina puede llevarse adelante un festival de ese estilo, pero gracias a gente como ustedes que de alguna forma u otra se interesan y tratan de fomentar a este tipo de bandas, creo que es un puntapié inicial THE 13TH. 19

para captar gente y comenzar a gestar un movimiento acorde.

Sobr: Esperemos que sí, y de realizarse, que nos inviten.

NemC: Bueno últimamente están viniendo bandas muy buenas por aquí, no sé si se pueda dar algo temático pero por el momento podemos conformarnos con que vengan sueltas.

Ot: Por supuesto. Nosotros gustosos participaríamos y daríamos una mano en lo que fuera necesario.

Como pudimos leer en las respuestas y, parafraseando a Picasso, puedo decir… las bandas existen y muy inspiradas. Nosotros los encontramos muy activos y trabajando.

Sólo es cuestión de utilizar la herramienta llamada “Redes Sociales” e investigar un poco más allá de lo que nos dicen revistas (incluso como éste) y medios de comunicación. Les puedo asegurar que las historias cercanas son asombrosas.

La música se mueve, sólo hay que agudizar el oído y el modo de búsqueda.

MELLONTA TAUTA

www.facebook.com/pages/MELLONTA-TAUTA *** daniel.lopezquiroga@gmail.com *** www.projekt.com/store/product/ARC00044/

ALTOCAMET

altocamet.com *** twitter.com/altocamet ***soundcloud.com/altocametmusic

Perlas tus Ojos

facebook.com/Perlastusojos *** perlastusojos.bandcamp.com THE 13TH. 21

sobrenadar

sobrenadar.bandcamp.com *** soundcloud.com/sobrenadar

nubes en mi casa

www.reverbnation.com/nubesenmicasa *** nubesenmicasa.bandcamp.com *** Facebook.com/nubesenmicasafp

22 .THE 13Th

oto単o

otoniomusica.com.ar *** facebook.com/otono.musica THE 13TH. 23

Movimientos Musicales

un fenómeno extinto. (Primera entrega) Por Erick R. Vieyra

A considerar.

A continuación se trata en lo general el fenómeno de los movimientos musicales, y en lo particular el movimiento Punk Rock.

El artículo ha sido realizado con intenciones formales, por lo cual, advierto, podrá resultar tedioso para una revista de la naturaleza de Revista The 13th; sin embargo se ha hecho así como producto del reconocimiento de las pocas veces en que se aborda formalmente los movimientos en el terreno del sonido, en comparación con el amplio conglomerado en que se habla de ellos sin analizar con un mínimo de escrupulosidad sus implicaciones.

Si bien este artículo no tiene un objetivo categórico (cerrar la discusión en torno a qué es un movimiento), sí ha sido planeado y escrito con mediana rigurosidad, a expensas de sembrar en él una serie de nociones que brinden lucidez al tema y nutra, en el mejor de los casos, futuras discusiones, y, en el caso estándar, otorgue herramientas e instrumental para el juicio de un lector que dimensione el papel que el sonido ha jugado en terrenos de la institucionalidad, la política, la moral, entre otros más. Por lo cual se recomienda que la lectura sea atenta y, ante todo, analítica y reflexiva.

Dada la extensión del artículo, éste es dividido en dos entregas que se presentan en dos números de Revista The13th. Esta corresponde a la primera entrega.

Como último punto por aclarar, no creí necesario referenciar durante la exposición.

Sin embargo, es inevitable señalar que en algunos extractos se hará uso de la historia, de conceptos asociados con la sociología, y 24 .THE 13Th

otros más relacionados en historia del arte.

Por lo cual, al finalizar el texto se presentan una serie de recomendaciones de libros que serán útiles para aquél que desee inmiscuirse a detalle en conceptos aquí tratados.

Que les sea grato.

Movimiento como un fenómeno creativo versus reproductivo.

En el terreno de la música se habla frecuentemente de “movimientos”; pero poco se ha abordado el carácter e implicaciones de éstos, inclusive el término es usado como cliché. A su vez, de diez años a la fecha se ha presentado el común -al menos en Méxicode denominar a los diferentes conjuntos de “movimientos” como “tribus urbanas”, lo cual es un error de base. A su vez, un “movimiento” posee componentes y formas de operar que le distinguen de los actos del “seguidor”, actualmente llamados “fans”, los cuales son contrarios al carácter que define a los movimientos.

En esta ocasión se hará un esfuerzo por no caer en simplificaciones o parafraseo respecto a lo ya conocido del Punk Rock, el cual aun encontrándose vivo como música, ha muerto como movimiento. Antes del

abordaje puntual, es necesario presentar un par de fundamentos útiles para sustentar la exposición.

El término, movimiento, es fiel al carácter operativo, puede ser homologado a un verbo, a una acción, particularmente a una acción no espontanea, sino intencionada.

Hace referencia a un “qué hacer”, al “cómo se tiene que hacer” y al “para qué hacerlo”. Su finalidad es ejercer un cambio estructural y sistemático, conceptual (en las ideas y principios) y material. A su vez, se ve nutrido por una serie de factores que confluyen en torno a dicho cambio, es decir, un movimiento no es espontaneo ni se ejerce de manera independiente a otros. Ejemplificando; el movimiento de la Beat Generation se vio influido por cambios institucionales de naturaleza política y social en el contexto de la Guerra Fría bajo los años de amenaza de la Mutual Assured Destruction; por lo cual los Beatniks no sólo tenían objetivos THE 13TH. 25

que redundaran sobre lo literario (modificar temáticas, promover métricas literarias de vanguardia, violar ordenamientos de la sintaxis -como lo hizo William S. Burroughs), sino también ejercían objetivos de carácter vivencial, es decir; influir sobre la manera de vivir en los jóvenes de la generación de los cincuenta y sesenta, así como en la venideras, ampliar la condición de experimentación de la sexualidad, suscitar la flexibilización moral y poner a juicio el valor de la vida religiosa, también ejercían un apoyo abierto a la experiencia psicodélica y al uso de drogas con un fin distinto al entretenimiento. La Beat Generación es reconocida, hoy, como una generación que explotó la creatividad literaria, una generación de nuevos intelectuales; sin embargo, yendo a mayor detalle, los Beatniks más que ser escritores eran artistas de la provocación que dirigían sus armas al marco institucional que les deparaba la sociedad donde se desarrollaron, principalmente enfocados al carácter anglosajón.

Las implicaciones que tuvo el Beat y las redes que formaron, hacía de ellos un grupo que de manera relativamente coordinada entre sí trascendió la dimensión literaria e impactó sobre una serie de prácticas ampliadas a un espectro social (principalmente el juvenil) a nivel mundial, actuando sobre la literatura a diferentes niveles (inclusive, en la actualidad algunos escritores beatniks ha recibido de manera póstuma doctorados académicos), sobre la música (The Doors y el rock psicodélico se vio influido por los beats), llegando a presentarse una trascendencia transgeneracional y transcultural. Contrario a una simplificación basada en el carácter anárquico del Beat, éste poseía objetivos muy lúcidos en torno al a qué querían hacer con su propuesta.

De todo ello desemboca en el carácter de la generación beatnik como movimiento

en el sentido que aquí se da al término. Cabe señalar que éste no es el único movimiento acontecido en la década de los sesenta, los hippies -a los cuales no se tratará aquí más que de forma tangencial- son otro ejemplo de ello.

Dicho lo anterior, desemboca una de las primeras implicaciones de diferenciación entre quienes construyen un movimiento y quienes son fans. Los primeros ejercen, ejecutan, operan sobre el movimiento; lo hacen. Los segundos -los fans-, sólo son admiradores y su finalidad es reproducir, regularmente de manera incorrecta, lo que otros han realizado. En el primero se encuentra un afán creativo, en el segundo un objetivo reproductivo normalmente relacionado con la diversión en sí misma. En líneas posteriores se retomará este apartado.

En el ejemplo propuesto se mencionó de manera somera algunos factores contextuales asociados a los beatniks, y en lo que respecta al Punk Rock de la vieja escuela (el Punk Rock Originario, también conocido como Punk Old School) también se cuenta con colindantes a él. En la siguiente sección se tratarán ellos.

Factores colindantes a la Punk Old School

Tratadas, a manera de muestra, las bases en las cuales se situará este abordaje, se procede por enumerar los factores colindantes con el Punk Rock como movimiento emergente, factores sobre los cuales éste también intentaba influir. Para ello son señaladas cuatro dimensiones que, cabe señalar, no son las únicas que se presentaron, pero sí aquellas con las cuales interactuó de manera explícita.

• Factores de orden político: Como se sabe, el Punk Rock tiene su enraizado en

el anglosajonismo, ya sea estadounidense o británico, sus las modalidades de acción política no presentan diferencias en su esencia, más sí en su estructura. Mientras en el Reino Unido se cuenta con un sistema monárquico parlamentario, en los Estados Unidos el sistema es federalista republicano.

Para los años setenta ambos sistemas presentaban una serie de factores que les resultaban críticos para ejercer una administración pública eficaz y eficiente. El sistema de administración centralista se mostraba agotado, las prácticas burocráticas eran “espesas” y la traducción que se hizo del sistema político, apoyada por analistas pro-izquierda (algunas veces

relacionados, inclusive de manera exagerada, con el marxismo), fue que el s i s t e m a político se encontraba no sólo exhausto, sino en plena decadencia y era necesario ejercer un cambio profundo de su estructura institucional, el cual -dicho sea de paso- no ocurrió. Las medidas adoptadas buscaron el mantenimiento del aparato político estructural (no renunciar a la monarquía parlamentaria o al republicanismo) redundando en la intervención de la política económica (sintéticamente, se da la adopción del neoliberalismo) por medio de la promoción de la participación de actores privados que se tradujo en un adelgazamiento del Estado, pero sin cambiar

THE 13TH. 27

éste desde su fundamento.

No está de más señalar un aspecto relevante respecto a este punto; numerosas personas - unas veces los propios músicoshan negado el interés político del Punk Rock y, algunos más fervientes, negado el carácter político del rock n’ roll en general.

Desde mi punto de vista, negar la politización contraviene uno de los caracteres sobre el cual se fundamenta el Rock en general y el Punk en particular. Si bien es cierto que ninguno de éstos se fundó con objetivo de participar activamente en la política (como podría ser fundando un partido político), si se buscaba actuar sobre la manera en que sus participantes interactuaban con la política de su entorno, ya sea criticándola, declarándose apartidistas o alzando banderas que promoviesen una manera diferente de vivir en una sociedad políticamente y jurídicamente organizada. Dicho de otra manera; el rock n’ roll pugna por una relación no necesariamente civil del humano con el Estado, lo cual es en esencia una postura política.

En líneas posteriores se abordará de nuevo este punto con el fin de, habiendo avanzado más en la exposición, precisarlo y complementarlo con el papel político del Punk Rock.

• Factores de orden económico: La economía y sus mecanismos (política monetaria, política mercantil, etc.) estructura una fuente de coordinación social relevante, y cuando se presentan problemas en ella, por derivado se presentarán problemáticas en la forma en que una sociedad interactúa en sí misma y al exterior, problemáticas que se traducen en diversas dinámicas, como lo son; una mayor actividad crítica al gobierno, una espesa tela de juicio sobre el sistema

(entendiendo por sistema: funcionamiento coordinado de sus partes), y, en general, una serie de expresiones de descontento que irán profundizándose en función de la gravidez de la problemática.

Ahora bien, en la década de los setenta el modelo económico de Estado presentaba problemáticas a lo ancho del globo. En América Latina se estaba en tiempos de dictadura, mientras que en los países plenamente sajones era común el fenómeno de las huelgas obreras, el desempleo, las manifestaciones callejeras -comúnmente llamadas: marchas- y, en general, un aumento en la criminalidad y los delitos. Ante ello, como ya se ha sugerido en líneas previas, se promovió un adelgazamiento del Estado lo cual no es otra cosa más que la transferencia de responsabilidades -que originalmente dependían del gobierno central- hacia agentes privados (comúnmente conocida como: Iniciativa Privada). Esta propuesta fue sembrada por la mano de la Dama de Hierro, Margaret Thatcher, persona vilipendiada por los seguidores del Punk Rock (ejemplo de ello es uno de los himnos de la época: “I’m In Love With Margaret Thatcher”).

De manera semejante al factor político, el Punk Rock no delineaba ninguna logística precisa de modelo económico, sin embargo sí tocaba rubros pertinentes a la manera de intercambio. Los punks consideraban que se había sobrevaluado el aspecto de intercambio económico basado en la moneda; es decir, el valor de cambio era muy alto en comparación del valor de uso, lo cual remembrando las maneras de la época: la sociedad estaba acostumbrada a comprar cosas inútiles, lo que convierte a las personas en materialistas.

De manera resumida, se puede decir que la crítica estaba dirigida al hipermaterialismo anglosajón, aspecto muy criticable si se toma a consideración que el Punk Rock,

al fin de cuentas, se vendió como cualquier otra mercancía en la firma y rompimiento de contratos (donde Sex Pistols son ejemplo claro), la venta de discos, el manejo publicitario de la imagen, etcétera. En líneas posteriores de tratará de nuevo este punto al ser no sólo interesante, sino una de las fuente de crítica y descalificación del movimiento casi desde su arranque.

• Factores de orden social: Los dos elementos hasta el momento citados (político y económico) fungen como pilares de las actividades de reacción social tan comunes en la década de los setenta. Una somera revisión sobre los documentos, hoy de acceso público, que narran los intentos de revuelta presentes durante los setenta dan testimonio de la crisis del sistema. Las redadas policiacas eran comunes, la represión dirigida a los jóvenes se concentraba en los estratos más golpeados por la crisis, que siempre son los pobres y entre ellos los más marginados donde se encuentran las personas de ascendencia afro.

Complementario a ello está el radicalismo de posturas políticas tan característico de la década tratada.

Fue en ese momento, y producto de esas circunstancias, cuando se presentan promotores del moribundo ultranacionalismo bajo el argumento de que la fuente primaria del problema estaba en el intervencionismo, los migrantes, la pérdida de identidad nacional, las tradiciones familiares y la soberanía.

Esta postura defendía ejercer el cambio del sistema fundamentándose en la defensa de las fronteras y la expulsión de los migrantes, esta postura venía de los sectores de la “derecha”, los cuales encontraron una fuente demasiado nutritiva en los sectores juveniles, inclusive -como dato complementario- ahí está el inicio del vuelco ultranacionalista del Skinhead (movimiento que originalmente

estaba fundado por negros, por migrantes jamaiquinos).

A la vez que se presentaba una dinámica derechista que llamaba a los jóvenes a comulgar con sus principios y metas, se desarrollaban propuestas de izquierda que también se fundamentaban en la radicalidad.

Es en este sentido en el cual se presenta el Punk Rock originario como una línea que extrajo una serie de simbolismos y actividades históricamente asociadas a una dimensión de izquierda donde el situacionismo tenía un lugar preponderante principalmente en el Punk británico, ejemplo más cabal de ello está en el “detournement”. Éste concepto refiere a la reconstrucción crítica de los productos del capitalismo, como lo es la música moderna (producto capitalista), de ello que encontremos diversos covers de versiones clásicas interpretadas en un estilo Punk Rock, regularmente ácido, violento, burletero, “mal hecho”. Otro ejemplo es el uso del saco sastre y la corbata en los punx británicos, un saco roído, repleto de imperdibles (seguros, clips, etc.), rayado con aerosol, entre otros aditamentos. El saco sastre está relacionado al “hombre de empresa”, que es un actor capitalista por excelencia. En líneas posteriores se ahondará en ello.

Antes de dar paso al siguiente apartado cabe hacer un paréntesis referenciando un aspecto que resulta cardinal. En uno de los documentales que abordan con mayor profundidad el Punk Rock Originario (The Filth and the Fury) es señalada la influencia de las críticas condiciones por las que pasaba la sociedad británica, condiciones políticas y económicas que impusieron en sello sobre el imaginario de los punks de King’s Road (legendario lugar cuna del punk británico), sin embargo a palabras de Howard Devoto, uno de las figuras relevantes del Punk en aquellos días (fundador de Buzzcocks, THE 13TH. 29

Magazine, Luxuria, y solista de trayectoria) la esencia de los partícipes del Punk Rock no estaba en la crisis político-económico (él es parte de los que sostienen el Punk con un carácter apolítico), sino en la desesperanza y falta de oportunidades de desarrollo que en aquellos días se presentaba a los jóvenes, lo cual generaba un sentido de alienación de los jóvenes hacia su sociedad y de franca actitud antisocial. Es decir, para Devoto ser Punk se explicaba en mayor medida desde el propio individuo.

Ahora bien, cabe señalar que Devoto, a diferencia de casi todos sus contemporáneos, era de los pocos que presentaba estudios universitarios -en la actualidad cuenta con dos títulos profesionales: historiador y psicólogo, lo cual le permitía tener una serie de opiniones con una proyección muy particular y bien fundamentada (lo cual se nota desde los proyectos musicales en los cuales participó y fue fundador). Sin embargo, la lectura que en esta exposición se hace de esa desesperanza juvenil y conducta antisocial de la cual habla Devoto se entiende como un efecto de las condiciones sociales, políticas y culturales de los setenta, y no como una causa de ellas.

Es decir, en este ensayo se sostiene que el humano es producto de sus circunstancias, lo cual incluye a los movimientos donde los humanos participan.

• Factores relacionados con la dinámica del sonido: Comenzada la década de los setenta se presenta un salto cualitativo en la producción de sonido, el cual se acentuó para finales de dicha década gracias a los avances tecnológicos, al abaratamiento de las máquinas de sintetización de espectros de energía (sintetizadores electrónicos), y al papel del do it yourself. Lo ocurrido en los setenta otorgó la confianza y el blindaje para ello. A su vez, se presenta una serie 30 .THE 13Th

de elementos que otorgan el simbolismo, ideologización y radicalización del sonido que no se había visto desde mediados de los sesenta.

Conjugando el desarrollo; para principios de la década se encontraban dictados hegemónicos en torno a cómo hacer música, así como a los parámetros artísticos en lo que al sonido compete, los cuales habían sido dictados a cargo de los exponentes del Rock Progresivo.

La gran mayoría de sus figuras públicas de la música actuaban de forma conservadora, en buena medida explicable como producto de que ellos habían recibido estudios formales en música, los cuales -hasta la fecha- no sólo instruyen la técnica del músico sino también sus idearios respecto a qué es la música artística y qué no lo es. En realidad, el Rock siempre ha coqueteado, en mayor o menor medida, con el elitismo.

Por lo tanto, exponentes como The Stooges y MC5 eran vistos como los renegados al ser contrarios a la tendencia del momento, lo cual se traducía en los escasos espacios donde podían presentarse y el reconocimiento que poseían en su momento, regularmente los espacios de conciertos eran semiprofesionales y, su público, callejero. El reconocimiento mítico y seminal de The Stooges, MC5, Dr. Feelgood y otros de corte semejante, fue posterior a sus años de actividad, esto no significa que no tuvieran presencia, simplemente eran grupos marginales a las grandes tendencias de perfección técnica y virtuosismo.

Ejemplificando para la situación norteamericana, durante el periodo original de The Stooges (1967-1974) nunca se presentaron a audiencias ultramasivas, sino en escenarios pequeños, en salas medianas o en auditorios, como el típico Grande Ballroom que lanzó la semilla para lo que serían los grupos de culto del Underground

antes de la existencia del legendario CBGB. The Stooges eran vistos como una banda callejera formada por vagos y drogadictos, inclusive algunos los consideraban criminales; cosa similar a lo ocurrido con MC5. Ambas bandas con serios problemas económicos producto de la dificultad para mantener un contrato discográfico así como por el abuso de estupefacientes y el destrozo que sus conciertos generaban. Además de las ya mencionadas, una de las agrupaciones que abrieron los setenta con una propuesta cualitativamente distinta es Patti Smith, la cual explotaba en el Rock una línea influenciada por la Beat Generation y The Doors. Una suerte de posthippie desencantada del invento burgués del “peace and love”.

Mientras ello ocurría en el sonido estadounidense, en el Reino Unido emergía el superestrellato de David Bowie y Alice Cooper, el cual no estaba tan impregnado del sentido callejero y pueril que dominaba los principios de los setenta en los Estados Unidos, pero sí tocaba extremos del sentido teatral-vivencial haciendo de la música algo más allá de un espectáculo de sonido para tocar aristas de mayor teatralidad. Por ejemplo; mientras Iggy Pop se representaba a sí mismo, Bowie representaba a un personaje imaginario.

En lo que respecta al Punk Rock, éste intentaba ser una reescritura de la historia del rock n’ roll al considerar que se había perdido la intensidad, violencia, transgresión y espontaneidad de la génesis rocanrolera, para lo cual Pink Floyd era el ejemplo por antonomasia del Rock hecho por y para farsantes. Un rock burgués (la minúscula es intencional) que no prestaba atención a las condiciones reales de vida de un joven veinteañero en paro, drogadicto, desesperanzado, sino que hablaba de grandes sistemas incomprensibles e intelectualoides

y fuentes imaginarias que existían sólo en valga la redundancia- la imaginación. Este aspecto se encontraba -y aún se encuentrarelacionado con la pérdida del Rock como instrumento de concientización, como instrumento crítico. Al ubicar al rock n’ roll dentro de una dinámica de espectáculo -como lo hacía Pink Floyd y lo siguen haciendo los contemporáneos afiliados de manera sumisa a la industria musical, que son la mayoría- se diluía cualquier intento de mensaje de activación de conciencias en la juventud, a su vez, agrupaciones que cerraban las oportunidades para que personas no profesionalizadas en la música pudieran ejercer el sonido eran agrupaciones que promovían, quizás de manera indirecta, el conglomerado de los “fans”. A continuación se ahonda un poco más en este aspecto.

Los punks encontraban que el rock presentaba un elitismo no fundamentado en las ideas o la fuerza del grupo, sino en la capacidad para acceder a las herramientas y medios necesarios para hacer rock n’ roll, capacidad explicable por el factor dinero, es decir, en la materialización (instrumentos de buena calidad, salas de ensayo que eran estudios de grabación, cotizados manager, firmas importantes en sellos musicales, etcétera.).

Pocos años previos a la aparición del Punk, The Stooges habían sido víctimas de ese elitismo materialista. Inclusive, su separación era explicable en una buena proporción por el constante cierre de puertas que sufrió el grupo.

Como se mencionó al principio de esta sección, los elementos con los cuales se relacionó el Punk Rock Originario son de la más diversa índole. Aquí se mencionaron cuatro de ellos a manera de resumir y conjugar los más explícitos, sin embargo otros papeles pueden ser abordados, como lo es el papel que THE 13TH. 31

jugó en el manejo de la imagen como moda.

Inclusive, hasta el momento hay quienes mantienen la opinión difundida por Malcolm McLaren relativa a que el Punk, y uno de sus íconos (Sex Pistols), fue un producto prefabricado sin propuesta sustancial alguna.

Tesis para la cual, aquí, no se otorga validez alguna.

A continuación, una vez mencionado el entramado, se expone la cuestión orgánica del movimiento.

El Punk Rock como movimiento

Crisis del Estado de Bienestar y tiempos convulsos para la ciudadanía; desmembramiento de los añejos usos diplomáticos en la comunicación y en las prácticas de culturización del ciudadano a píe, el enojo, y su hijo no deseado, la ira.

Carteras vacías y agencias de empleo con filas record de solicitantes, ante la sobredimensión del burocratismo viene la promoción de la propiedad privada, reducción de la condición humana al estatus de mercancía y un terreno artístico acotado y víctima de los vicios de su propia sociedad. Este era el panorama del cual el Punk Rock emergió como un fenómeno anglosajón.

El Punk Rock se alzó como movimiento como una función de quiebre a lo largo de la línea trazada desde la década de los sesenta.

Para mediados de los setenta, los que habían sido contestatarios en su juventud ya presentaban una dinámica de integración a la sociedad, lo cual les convertía en conservadores y se traducía como una suerte de domesticación que intentaba instaurarse en los nuevos jóvenes. Los hippies habían sido domesticados. Habían sido aquéllos entes juveniles que crecieron de la mano de la generación hippie y la generación del 68 32 .THE 13Th

(la cual ejerció una serie de movimientos políticos en casi todo el mundo, los cuales terminaron en la represión y el asesinato en masa por parte del Estado -caso mexicano y latino-) parte de los responsables de la configuración de las condiciones con las que se dio paso a los setenta, y en 1975 era patente una profunda crisis expresada en las dimensiones tratadas en la anterior sección.

Los jóvenes culpaban a sus padres por la condición heredada.

Ello, fue el caldo de cultivo para una serie de medidas y posturas que alentaban hacia los vértices de la opinión mesurada, hacia los radicalismos presentes en la Punk Old School la cual se construyó como movimiento como producto de: • Un quiebre generacional que no se acotó a su explosión, sino que continuó nutriendo diversas actividades a lo largo de numerosas generaciones.

• Conjugación relativamente compartida en torno a los objetivos y principios ideológicos del movimiento entre los diversos participantes de él.

• Presencia del Punk Rock Originario durante un periodo relativamente bien definido, la mayoría lo ubicamos en el periodo 1975-1978.

• No acotación del Punk Rock a un ejercicio meramente musical.

• Implicaciones del Punk Rock en rubros tales como: las actitudes de los jóvenes hacia la dinámica política de su entorno (Crass es el ejemplo por excelencia de esto); los usos que del lenguaje emergieron (vale la pena prestar atención a lo hecho por John Cooper Clarke); la penetración transcultural y transfronteriza del Punk Rock (casi en todos los países y lenguas tienen miembros entre sus filas); la revolución que presentó, inclusive, para la industria musical (se crearon innumerables

sellos especializados en el género); el papel preponderante que jugó en la dinámica de comunicación y los medios masivos de comunicación (se crearon panfletos, revistas, fanzines y secciones periodísticas concentradas en el género, algunas de ellas aún existentes); entre otras más.

• Identificación de figuras icónicas perfectamente definibles con los caracteres esenciales del movimiento, figuras que sirvieron de influencia y referentes para artistas de diversa índole.

• Dinamismo del movimiento para reconstruirse, es decir, evolucionar a partir de sus bases.

Para los no caen en el simplismo de definir el Punk Rock partiendo de la opinión personal de Malcolm McLaren concuerdan en establecer “un antes y un después” del Punk. Ahora bien, durante su periodo de presencia éste se manifestó como un movimiento que para los sectores más conservadores representaba un peligro para la civilización. Dicho argumento no es exagerado si se parte de una equilibrada definición del término “civilización” y del término “barbarie”; si se define la civilización partiendo de sus principios constitutivos, esto es caracterizando la civilización a partir de los parámetros de una sociedad que rinde tributo a la cortesía, la democracia, lo políticamente correcto, la evitación y denuncia legal de la violencia, el respeto a la vida, etcétera, el Punk Rock era más cercano de la barbarie que de lo civil. A su vez, el atractivo que éste tuvo hacia los jóvenes de los setenta -e inclusive más allá-, expresado en los miles que se declaraban partidarios del Punk Rock, son (a mi juicio) indicadores válidos para considerar que en efecto el Punk ponía en entredicho la civilización y ello en una sociedad conservadora- ya era un

peligro en sí mismo dado que las estructuras institucionales presentes en 1975 vivían su propia crisis y corrían el peligro de diluirse en su propia dinámica de decadencia.

La Punk Old School quería ser el primer escrito de una nueva tabula rasa.

Continúa en el próximo número.

Recomendaciones Biográficas - Donatella Della Porta y Mario Diani (2011). Los movimientos sociales. España: Complutense y CIS. -John Natsoulas Press (2010). The Beat Generation Galleries & Beyond. United States: John Natsoulas Press in Davis.

-Norbert Elias (1987). El proceso de la Civilización. Investigaciones sociogenéticas y psicogenéticas. Argentina: Fondo de Cultura Económica.

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Lo que ves es lo que obtienes Entrevista a jay aston por diego centurión

Hace un par de números atrás tuvimos la posibilidad de tener las palabras de un Gene Loves Jezebel, James Stevenson. Hoy tenemos la oportunidad de contar con uno de los hermanos Aston, el más involucrado con la banda. Mientras se encuentra trabajando con su nuevo proyecto “Ugly Buggs” (con otro GLJ, Peter Rizzo), se detuvo unos instantes para contestar mis preguntas.

Así que con ustedes ¡ Jay Aston! ¿Cómo fueron los días de “Slav Aryan”?

Fueron muy libres. Hice un montón de ruido con unos pedales. Flanger, Chorus, Echo y una caja de ritmos. Mi amigo Steven Davies tocaba el bajo y mi hermano gritaba en “White Walls” por encima de todo. Supongo que estábamos bastante “artísticos”. Nosotros estuvimos en el Chapter Arts Centre en Cardiff y pudimos hacer un par de recitales.

Nuestro primer concierto fue en un Pub en Porthcawl (Gales) y nos sacudimos un par de veces, pero nos alegramos de perder nuestra virginidad, por así decirlo. Nuestro segundo concierto fue “Rock Against Racism” a beneficio, con algunas bandas en Cardiff. Nos recibieron bien y como resultado llegamos a

abrir para Crass en Barry. Esto fue todo para nosotros en Gales. La siguiente parada fue Londres.

Las primeras formaciones de Gene Loves Jezebel han incluido varios músicos, Julianne Regan, Steve Goulding, hasta 1983, durante la edición de “Promise”. ¿Qué recuerdas de aquellos primeros años?

Julianne es una artista dotada naturalmente.

Le pregunté si quería unirse y vino con su bajo Hera. No era su mejor instrumento, pero ella era genial. Muy creativa. Tendría que escribir un libro para cubrir ese período, pero yo diría que no había realmente nadie que se nos parezca y crecimos rápidamente gracias a personas como John Brand (productor). ¿Cómo fue la decisión de reemplazar a Ian? ¿Fue dolorosa?

Estábamos muy preocupados por el declive de Ian. Por supuesto que fue un momento terrible y doloroso para todos nosotros.

Me sentía culpable por lo que él era en la banda. Teníamos que regresar al Reino Unido, después de un par de fechas en lo que resultaría ser un primer recorrido, muy duro, en los EE.UU. Nos sentimos muy

afortunados de tener a James Stevenson.

James es muy, muy fiable y, obviamente, un gran guitarrista y compositor. Gracias a Dios que estaba disponible. He visto a Ian un par de veces desde aquella fecha (la más reciente en abril 2013) Y él estaba de buen humor.

Estalla la banda (en el buen sentido) con “Discover” y llega consolidación con “The House of Dolls”. Vienen a Latinoamérica por primera vez, ¿qué te acuerdas de eso?

En el momento en que llegamos a América Latina, después de tanto viajar, estábamos en plena forma. Recuerdo amar esos conciertos, pero en el momento en que llegué a Buenos Aries estaba muy enfermo. Acabamos quedándonos unos días más de lo previsto con el fin de recuperarnos. Teníamos un gran equipo de asistentes, y todo fue bastante mental.

Michael abandona el grupo. ¿Cómo te sentiste con esa separación?

Me alegró ver que se iba. Tener que fingir cantar en los vídeos de Gene Loves Jezebel se había convertido en algo aburrido, sólo lo hacía por darle algo para hacer.

Y luego editar uno de los mejores álbumes de “Kiss Of Life”, ¿cómo fue el proceso de grabación, más relajado?

Hay mucho sobre las sesiones de “Kiss Of Life”en su facebook.

A continuación, otro gran álbum “Heavenly Bodies”, “VII” y “The Thornfield Sessions”. ¿Cómo fueron esos años?

“Heavenly Bodies” es nuestro mejor disco, creo. El único álbum que disfruté mucho hacerlo. “Thornfield” era también muy divertido. Un montón de vino... (Me gustaría tener más tiempo para contestar en profundidad)

“Ugly Buggs”, cómo se formó este proyecto?

Yo iba a formar una nueva banda con Peter “Bugg” Rizzo después del álbum “The House of Dolls”, disco que compuse la mayor parte y, a mi hermano, lo acredité de manera generosa. Pero terminé con menos crédito que él. Él tenía poco que ver con el álbum, además del título (se suponía que iba a ser llamado “Suspicion”) él sólo hacía mímica en los videos (Esa es mi voz) y la elección de la portada (la fotografía que nos íbamos a usar era hermosa, pero a Mike no le gustaba su nariz o algo así). Ya había tenido suficiente, Pete y yo estábamos a punto de dejar la banda cuando Mike se fue. Así que nos quedamos en Gene Loves Jezebel. Mi hermano ha destruido la reputación de Gene Loves Jezebel, así que Pete y yo formamos Ugly Buggs. Lo que ves es lo que obtienes.

Janes nos contó acerca de un nuevo álbum de Gene Loves Jezebel, ¿qué se puede decir sobre esta grabación?

Un nuevo álbum de Gene Loves Jezebel es poco probable en estos momentos.

Financieramente, es difícil para nosotros. ¿Vuelven a América Latina? ¿Tenemos que volver? ¿Con Gene Loves Jezebel? Espero que sí. Nos encanta tocar juntos y nos encanta tocar en América Latina. El público canta con nosotros con tanta pasión. Siempre hay mucha alegría allí.

Ugly Buggs lanzará nuevas canciones pronto.

Ya hemos tenido una gran reacción con “The Man That Time Forgot “ y estamos a punto de lanzar “Summertime Song” y hacer un video para él. Tenemos dos canciones más para terminar y vamos a poner a todo en un EP. ¡Ese es el plan!

Saludos, Jay THE 13TH. 35

palabras en la arena -literatura-

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En las tinieblas de la materia: “Agua viva”, de Clarice Lispector Por Pablo Ravale

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La obra de Clarice Lispector ha sido siempre una constante reflexión sobre sí misma y sobre los límites de la palabra.

Pero es en esta palabra, a la que yo me atrevería a llamarle “rigurosa”, donde ella ha intentado traducir o canalizar -mediante un enfoque abstracto, despersonalizado y casi místico- algo que es mucho más grande y trascendental que el lenguaje o el universo de los pensamientos: hablo del Misterio, de lo que carece de nombre.

Pues sí hay una cosa que la ha perseguido y obsesionado es el querer expresar en términos racionales lo que su mirada percibió más allá; lo que es capaz de fijar el instante del ya y el acto ínfimo que está en el centro de todo.

Ahora bien, aunque hablar de Clarice es hablar del lenguaje, no voy a caer en eso de hacer una autopsia hecha y derecha de su estilo y su narrativa, sino que más bien pretendo centrarme en el efecto extraño y apabullante de sus libros. Porque ya desde su primera novela, Cerca del corazón salvaje, la autora mostró una óptica distinta en relación al trabajo de sus contemporáneos latinoamericanos. Ella, en su condición de criatura y mujer inteligente, sabía captar como nadie las sensaciones más mínimas e imperceptibles, describiéndolas de una manera que pocas veces he encontrado en otros escritores.

Clarice se centraba en lo pequeño, en lo cotidiano, en lo que tranquilamente, para los demás, podría transcurrir sin ninguna necesidad de ser contado. Su introspección era total, y la llevaba a cabo a partir de la conciencia de la propia soledad; de que el tedio de la rutina o la infelicidad encontrara su envés mágico en la dimensión de los objetos inanimados

(la cocina, los muebles, las ventanas) y los animales (los caballos, las gallinas, las cucarachas); analizando con suma minuciosidad esos momentos interiores que acaban poniendo en crisis su misma subjetividad. Y este análisis, como antes había mencionado, lo encaraba desde la reflexión sobre el lenguaje. ¿Y hay influencia de otros en la obra de ella? Muchos dicen encontrar en sus letras elementos de Virginia Woolf, James Joyce, Franz Kafka y hasta Rainer Maria Rilke. No obstante, de ser así, la autora brasileña se ha nutrido más que copiarse de ellos. Escribir, para ella, era una forma de salvación y también una condena, algo peligroso; porque al hacerlo, decía, entraba en contacto con otra realidad y se volvía su vehículo. Más si nos detenemos un poco en este libro, veremos su virtud de hacer que un acontecimiento exterior trivial desencadene ideas y sensaciones desconcertantes (o sea, la conciencia desdichada aflora a través de un incidente que es anodino).

Y tras haber sido iluminada por este, vivirá con intensidad su drama existencial…

Empero, en él, el instante actúa a modo de detonante para lanzarse al descubrimiento de lo insólito. Porque, en ese sentido, Agua viva es una obra que se construye a través de un diálogo interno ininterrumpido con su propio yo. Y la forma en que desarrolla ese diálogo es esencial para plantear la problemática que va a estar presente en toda la trama del libro: la invocación de una conciencia que, como el flujo de la corriente, no se detiene y se presenta, más bien, cual cosa abstracta y amorfa que, en consiguiente, es inaprensible.

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Clarice, a su vez, se hace una pregunta que le es fundamental: ¿Cuál es el tiempo de la conciencia? La osadía de esta pregunta es relevante, sobre todo si se toma en cuenta que en ella se están poniendo en juego también conceptos filosóficos importantes, tales como mimesis (según Aristóteles, se denomina así a la imitación de la naturaleza como fin intrínseco del arte) y mythos (término utilizado en la antigua Grecia para referirse a un relato, discurso o proclamación). En tanto, la premisa tan sugerente de Agua viva no es encontrarnos con lo que reside en un espacio “efectivo”, sino, por el contrario, situarnos en el espacio de una conciencia atípica.

Todo cambio interior puede ser entendido como una acción que nos abre a un abismo donde la conciencia, al ser escudriñada, muestra su cara más honda y desconocida, en el marco del ejercicio de una introspección. Así las cosas, la conciencia encuentra su lugar en la mimesis (puesto que toda actividad consciente es una representación y una configuración del mundo que está en el plano de lo abstracto) y se expresa a través del mythos. Por esto, Clarice, a lo largo de todo el libro, tiende a una expansión no delimitada que la desdobla sobre sí misma y la deja sumida en una fragilidad propia de una gota que cae en el agua provocando ondas circulares.

A medida que el lector avanza en las páginas, comienza a experimentar esa tensión (la de ver a su conciencia replegarse sobre sí y extender toda una serie de representaciones cuya resonancia es difícil de aprehender). Sin embargo, y pese a ese estilo tan hermético y particular, 40 .THE 13Th

mientras más se profundiza en la lectura de Clarice, más se halla uno envuelto por esa prosa que sigilosamente embruja. Bajo esta lógica, podríamos afirmar que, en tanto neutral, el tiempo de la conciencia es un tiempo que está siempre en presente y no atado a una concepción cronológica normal (“Te escribo entera y siento un sabor en ser y el sabor-a-ti es abstracto como el instante...” dice).

Aunado a esta compleja relación entre tiempo, espacio y conciencia, aparece en el libro una última cuestión que no se puede dejar de señalar: el momento en que la conciencia se desborda. Ya que, si hay algo que nos permite hacer la lectura de Agua viva, es indagar en el hecho de que exista toda una gama de verdades para ser descubiertas; las cuales no se reducen únicamente al mundo tangible, y pasan por otros lugares, explorando así las múltiples variantes de la noción de “realidad”. De este modo, y visto que en la obra de Clarice la experiencia de la conciencia es tan intrincada y vasta, resultaría apropiado entonces preguntarse: ¿cuán lejos podemos llegar?

EN CONCIERTO JESUS AND MARY CHAIN: TEXTO POR DIEGO CENTURIÓN DE/VISION: TEXTO POR DIEGO CENTURIÓN / FOTOS POR ORION JACQUELINE

Iguana Lovers – The Jesus and Mary Chain 21 de mayo – Groove Palermo – Buenos Aires - por diego centurión

No podía ser una mejor noche para ver un recital de la banda que canta “Happy When It Rains”. La lluviosa y fría noche de Buenos Aires sirvió de telón para la esperada noche. Los recuerdos de la noche de julio de 1990 en el mítico Obras Sanitarias y el atardecer del Personal Fest del 2008, en el Club Ciudad Buenos Aires, se venían a la mente para aumentar la ansiedad de esta tercera visita de la banda escocesa.

Amenizaba la espera de la banda invitada el DJ Augusto Henri, quien se encargó de remover viejas melodías poco escuchadas por mí en estos últimos años.

Salieron a escena nuestros entrevistados en el número anterior, Iguana Lovers, la banda invitada, nunca mejor utilizado este mote de “invitados”.

La banda subió al escenario comandados por Ariel Soriano y entre sus filas trajeron como músico invitado a Adrián Yanzón (ex Los Pillos). Los Iguana desplegaron su set basado en canciones como “Universo”, “Colonias Espaciales”, “Surfer de Padua”, “Creí” o “Mar”. En el día que lanzaron su nuevo disco “Surfing Caos”, lo estrenaron junto a sus amigos de The Jesus and Mary Chain. El corto pero intenso concierto de los Lovers comenzó con algunos problemas de sonido (obvio, es Groove), pero a medida que avanzaron las canciones los defectos del sonido se fueron corrigiendo. Las potentes y ruidosas canciones lograron que por unos instantes me olvide que había otra banda luego de ellos. Los Iguana Lovers hicieron que, con sus acoples (principalmente de Ariel), me transportara a los comienzos de los que luego subirían al escenario. Un gran set de esta banda que viene luchando desde los noventa para ganarse un lugar de respeto en el campo nacional, porque

en el internacional ya lo consiguieron. Los Iguana Lovers se bajaron del escenario con un Groove casi lleno y bajo los aplausos generosos y motivadores de los asistentes, que valoraron su gran despliegue sónico y su trayectoria.

¿Sería cuestión de minutos para desarmar el set de los Iguana Lovers y ajustar el de The Jesus and Mary Chain? ¡NO! Los asistentes de los escoceses subían, bajaban, probaban micrófonos, guitarras, bajo. El tiempo pasaba y los asistentes seguían subiendo y bajando. La impaciencia se tornaba en incomodidad, mientras la música del DJ hacía que todo se lleve de la mejor manera. Lo bueno de este tipo de shows es que uno ve a muchos amigos que no suele ver a menudo. Pero todos estábamos en la misma… ¡Que salga la banda YA!

La banda salió. Y como es costumbre sin palabra alguna de Jim, arrancaron con “Snakedriver” y luego “Head On” y la gente estalló por primera vez en la noche.

Pero el sonido no era bueno, otra vez los problemas que acosaron a los Iguana Lovers, comenzaron a hacer mella en la banda de los hermanos Reid. Jim comenzó a hablar entre canción en canción, algo que nunca había visto, ya que si la banda de algo se podía jactar era de tener poco contacto con el público. Al grito de “Olé, Olé, Olé… Jesus, Jesus”, empezó “Far Gone and Out”, pero en el arranque Jim desentonó y detuvo la canción y volvieron a comenzar, ahora sí que la canción sonó tremenda. La banda sonó impresionante, el bajo, guitarra rítmica y batería, ajustadísimo, pero William pareció tener problemas. “Between Planets” y “Blues From A Gun”, la gente empezó a ponerle un colorido que en la guitarra de William

pareció no haber. Pero los hermanos Reid parecían no estar en su mejor noche.

“Teenage Lust”, William no pegó una nota y Jim desafinó, otro “Stop” y empezaron de nuevo, la gente ya no lo festejó tanto, el menor de los hermanos hablaba con el público pero los asistentes ya no tenían las mismas caras. La versión fue muy lenta y lo único que logró fue arruinar la canción, que sonó apagada y sin potencia.

“Sidewalking” con una desafinación más del vocalista, que cantaba en otro tono, pero en el primer estribillo se acomodó, pero la versión es tan lenta que no se podía cantar junto a Jim y no tuvo potencia. Más allá de esto, la canción sonó bien, pero sonó rara. “Cracking Up”, a esta altura la ilusión del tercer encuentro con The Jesus and Mary Chain empezó a padecerse más que disfrutarse. Pareció que los hermanos, decididamente, estaban en una noche horrible. Con “All Things Must Pass” (el cover de George Harrison) la gente empezó a levantar el show, y la banda (los Reid) empezaron a mejorar levemente.

Pero la desprolijidad de William ya era molesta. “Some Candy Talking” y “Happy When It Rains” levantaron a la gente y al show, pero en la segunda canción se vio un paraguas negro abierto en medio del público. En “Halfway To Crazy”, el show pareció ir en una pendiente hacia arriba y empezó a levantar en intensidad. “Just Like Honey” con una cantante invitada que nunca supimos quién era y como cantaba, porque nunca se la escuchó. Pero la versión fue impecable. Y bajaron del escenario. A esta altura, si bien levantaron bastante el show, no fue lo suficiente para lo que se padeció.

Llegaron los bises con “The Hardest Walk”, “Taste Of Cindy” y “Reverence” terminando de levantar en el final del 44 .THE 13Th

show, con una tremenda versión de la última canción.

Y pasó The Jesus and Mary Chain por Buenos Aires, en una fría y lluviosa noche de otoño, casi invierno, en donde los asistentes al concierto vinieron a Groove por el calor de un noise caótico y rugiente (de los legendarios hermanos Reid) y se llevaron sólo un caótico y molesto desinterés de los escoceses, sobre todo de William, que pareció no recordar ni sus propias canciones. El fundador de la banda que nunca fue un guitarrista muy dotado, pero que esta noche no estuvo ni a la altura de un principiante. Un William Reid que fue una de las principales causas para que éste concierto pueda ser catalogado como el peor del año, si bien tenemos meses por delante. Una entrada cara para un show que tuvo seguramente sus mejores momentos en el final del set, mientras que el resto fue totalmente olvidable.

Pero no puedo terminar sin pedir un gran aplauso para los Iguana Lovers y el DJ Augusto Henri, que hicieron que valiera la pena soportar el frío de este miércoles de mayo.

De/Vision en The Roxy Live

Martes 24 de Junio de 2014. 21 hs. - texto Por Diego Centurión fotos por jacquelin orion

Una fría noche de junio les tocó a los alemanes para cumplir su tercera visita a Buenos Aires, la última había sido en el 2012, justamente al lado, en Niceto Club.

Llegué temprano para ver a la banda soporte “Cosaquitos en Globo”, en la puerta, como uno más de los asistentes, se encontraba Thomas Adam, el tecladista de la banda, charlando y sacándose fotos con quién se lo propusiera. Ingresé y la banda soporte ya estaban sonando, así que me dispuse a disfrutar de la previa a De/Vision.

En un rincón, atrás mío, estaba Steffan Keth, el vocalista de la banda principal, observando el set del acto de apertura, pero varias veces fue interrumpido por algún pedido de “foto”. “Cosaquitos en Globo” desplegaron su interesante

sonido, mezcla de synth pop, electro con pinceladas de música disco sobre todo por el bajo sintetizado. Un trío formado por Maru Pardo Saguier, en voz; Sebastián Cordovés, en syntes y programaciones y Diego López, en guitarra. Un sonido prolijo, ajustado, intenso y con algunos toques más rockeros, aunque debió ser por la mezcla del momento, porque no es tan marcada la sonoridad de la guitarra, como se escuchó en este set. “Domino” y “Dominarte” fueron las canciones que más me gustaron, aunque me gustó mucho el resto de sus canciones. Bien por la elección de “Cosaquitos en Globo” como acto de apertura para De/Vision.

El Dj “Tecnoman Sf Lastrax” amenizó la espera de manera excelente la espera del plato principal, que se anunciaba a las 21, THE 13TH. 45

y como un relojito subió al escenario casi puntual, sólo unos minutos de demora.

Thomas y Markus Köstner en escena comienzan con la gran canción “The Day Before Yesterday” (del disco World Without End), como lo vienen haciendo en todo el tour de 25 years. La comunión lograda entre la tecnología del sampler y la batería, realmente potencia la energía de De/Vision. Si bien el ritmo que realizó Marküs es simple, muchas veces lo simple es contundente. A Adam se lo notó feliz con el nuevo instrumento incorporado a De/Vision, ya que en todo el show se lo vio marcando el ritmo de la batería con sus manos, como si él mismo estuviese tocándola. Y luego aparece Steffen y la gente lo ovaciona, y comenzó “Dinner Without Grace” del mismo disco. A esta altura The Roxy estaba completamente lleno. Y si bien, como suele suceder desde que la tecnología está al alcance de todos, mucha gente estática, atentos a sus propios registros de celular o cámaras digitales, pero muchos otros festejó cada clásico y los bailó. Las canciones fueron pasando de manera extraordinaria y a ellos se los vio muy contentos, obviamente, no faltaron las acotaciones mundialistas. A Thomas se lo vio disfrutar cada canción, como siempre suele hacerlo, pero esta vez se lo observó más distendido. Steffen, carismático y atento a la temperatura de la audiencia, cuando esta disminuía, él se encargaba de la arenga y el público respondía inmediatamente.

Las canciones más importantes de la discografía no tardaron en llegar y se pudo escuchar “Binary Soldier”, “Strange Affection”, “Unputdownable”, “I’m Not Dreaming Of You”, “Love Will Find A Way”, “Your Hands On My Skin”, “Try To Forget”, “I Regret”, “Miss You More” o

“Rage” y el show creció y se fue convirtiendo en muy superior al concierto dado en el 2012, tal vez la gran diferencia en esta versión fue la batería, que personalmente fue un punto altísimo en esta fría noche.

Las canciones se fueron sucediendo y hasta se dieron el lujo de hacer una canción que se encuentra en la versión “Rockets + Swords (Limited Collectior Box)”, la canción Kamikaze, cantada por Thomas el show se hacía más intenso. Y abandonaron el escenario para regresar para los bises.

Abrieron el último tramo del concierto con “mAndroid” y se desata la locura en los asistentes al concierto, Le siguió “Time To Be Alive” la gente coreó la introducción y ellos se miraban felices, como toda la noche. El final llegó con la tremenda versión de “Flavour Of The Week”, a esta altura pareció un rave. Un final fue a todo synth pop, del que mejor se puedía esperar de la banda, y la gente saltó, coreó y bailó hasta el final. El final fue realmente tremendo, muy intenso. ¡¡¡La fiesta fue total!!

De/Vision pasó por Buenos Aires por tercera vez, con la excelente introducción de Cosaquitos en Globo y el Dj“Tecnoman Sf Lastrax”, la presentación de los alemanes fue sin lugar a dudas, UNA FIESTA. Y tengo que resaltar la puntualidad de todo el evento, Sin ser un festival, la puntualidad, fue de un Festival.

DE/VISION

Cosaquitos en Globo

pura melomanĂ­a

Nick Cave Featuring The Bad Seeds - From Her To Eternity Por: Erick R. Vieyra

Esta reseña se hace con intenciones de conmemorar el lanzamiento del disco From her to eternity, lanzado el 18 de junio de 1984.

Comenzado a grabar en otoño de 1983 en The Garden Studio (emergente casa discográfica que ya había trabajado con The Passions y ganó relativo nombre gracias a sus dos volúmenes del Music Of Quality & Distinction), y terminado en la primavera del siguiente año en los legendarios Trident Studios, From Her To Eternity es el debut del proyecto semi solista que llevó a Nick Cave a la madurez artística tanto en el terreno sonoro como el lírico; a su vez, se trata un disco de transición entre lo rudimentario, lo psicótico, lo experimentalista, lo negro, y el mote elegante, intelectualoide y sensual que mostraría su cenit en el extraordinario Murder Ballads.

Lo ejercido por Nicholas Edward Cave no merma el sobresalto de The Bad Seeds, que se malentiende como el grupo de acompañamiento. Para este disco se cuenta con una alineación brillante donde casi todos los miembros son, o se convirtieron, en multi-intrumentalistas; por ejemplo, Blixa Bargeld, quien ya contaba su propia historia con Einstürzende Neubauten, Mick Harvey era uno de los cerebros que Cave trajo de The Birthday Party (su primer grupo), Barry Adamson estaba en el centro del movimiento Punk y Post Punk británico al haber trabajado con Buzzcocks y Magazine, y Hugo Race que hizo una carrera intermitente como productor y músico casi por exclusivo enfocado al manejo de la guitarra.

Bajo este quinteto (Cave, Blixa, Race, Adamson y Harvey) se escribieron las letras (con excepción de Avalanche, que es autoría de Leonard Cohen), que, dicho sea de paso, son acompañadas de una estética casi literaria tanto en su estructura como en su canto. Algunos extractos del disco poseen una exposición ritualista difícilmente comparable con otro trabajo de la época, dado que en ella venía ganando terreno las máquinas que sintetizaban y de las cuales explotaban sonidos plásticos, era el tiempo del Synth en sus diferentes ramificaciones. En ese ambiente, un disco como From Her To Eternity poseyó un carácter simbolista y reivindicativo dado que en él se trabajó con instrumentos orgánicos y electroacústicos tal cual lo hacían las figuras icónicas que Cave tanto THE 13TH. 53

admiraba: los músicos de jazz, blues y folk.

En sí, es complicado no encontrar una línea de comunicación entre este disco y el trabajo que realizaba el vanguardista Tom Waits.

A la par con lo anteriormente señalado, este disco liga aspectos conceptuales ya mostrados en The Birthday Party, la visceralidad, la apertura al error técnico como una muestra de la espontaneidad que debe poseer el Rock n’ Roll como

estilo musical de desahogo impulsivo e irracional.

En su primer lanzamiento (1984), el disco sólo integro siete tracks. Sería hasta sus reediciones que vinieron a finales de los años ochenta cuando se integraron más temas que, desde mi punto de vista, acentuaron el carácter clásico avizorado tanto por las críticas positivas como por el cobijo que sectores del Underground dieron a él.

Siouxsie And The Banshees - Hyæna Por Marianarchy

Con motivo del 30º aniversario de este trabajo, me dispongo a narrarles parte de la historia que nos situará en la atmósfera que envolvió la creación de este álbum. Luego de Pornography (editado el 03/05/82), The Cure casi se desintegra. Robert Smith junto a Steve Severin (bajista de SATB) forman la banda “psicodélica” The Glove y en agosto de 1983 editan su único álbum “Blue Sunshine”. The Cure se transforma en un dúo, formado por Smith y Lol Tolhurst, quienes editarán “Japanese Whispers” (06/12/83) una compilación 54 .THE 13Th

de canciones grabadas entre noviembre de 1982 y abril de 1983). Un mes antes de la edición de este álbum, Robert Smith participa como guitarrista de Siouxsie And The Banshees en el álbum en vivo “Nocturne” (editado el 25/11/83, grabado en vivo el 30/09/83 y el 01/10/83).

Nuestro prolífico héroe que es Robert Smith arma una nueva formación de The Cure quienes graban el album The Top (editado el 30/04/84), y, paralelamente, graba con la banda con los Banshees Hyæna (editado el 08/06/84), y luego

el álbum en vivo de The Cure, Concert (editado el 22/10/84).

Volviendo a Hyæna…

Este álbum fue interpretado por Siouxsie Sioux (voces), Steve Severin (bajo y teclados), Budgie (batería, percusión y marimba) y Robert Smith (guitarras y teclados). Producido por Mike Hedges (quien hasta ese momento había trabajado, entre otros, con The Cure, Bauhaus, Associates y The Undertones). El arte de tapa psicodélico estuvo a cargo de Maria Penn. Desmenuzando el álbum canción tras canción: Dazzle: Posee arreglos de cuerdas celestiales que nos transportan en nubes acolchadas de algodón, mientras Siouxsie nos acuna con su dulce voz. Repentinamente surge la maravillosa percusión, el sonido característico de Severin al mando del bajo, y la incomparable guitarra de Robert Smith (que nos recuerda algunos pasajes de The Glove). En Fade Out… la banda se desvanece retornan las cuerdas, la voz de Siouxsie se va esfumando… deslumbrante.

We Hunger: El retorno de la oscuridad, luego de un principio encandilante. La cadencia llega a su punto máximo “Eat me, oh, feed me” suplica la diosa oscura.

Take Me Back: Como base el teclado, para amenizar una velada nocturna con alguna bebida espirituosa, Siouxsie nos deleita con una canción digna de Nick Cave.

Belladonna: El sello inconfundible del bajo de Severin con “chorus” destella en toda la canción y Siouxsie sabe cómo explotar su voz. La canción más pop del álbum, pero no la menos hermosa.

Swimming Horses: Nuevamente los teclados (esta vez el piano) es protagonista, otra canción al estilo “Take Me Back”.

Bring Me The Head Of The Preacher Man: La oscuridad ha vuelto, matizada con sonidos españoles, y hasta podríamos decir del spaghetti western, especialmente de la mano de la guitarra (que Smith explotó en varias canciones del álbum The Top, y años después lo hará en “The Blood”). Las diferentes voces de Siouxsie destacan por sobre todo, estamos ante una de las mejores canciones del álbum.

Running Town: La guitarra de Smith hipnotiza desde el principio, Siouxsie acompaña la base contundente, la canción empieza de a poco hasta alcanzar su máximo clima al final.

Pointing Bone: Seguimos sumergidos en la oscuridad, Robert nos demuestra lo rabioso que puede ser con la guitarra, y Budgie se destaca.

Blow The House Down: Otra joya de este álbum. Los cambios de ritmo magistrales a lo “Some Velvet Mourning” crean una atmósfera única, la banda en su más alto esplendor, Robert es un Banshee más, totalmente integrado, al final descose y cose con mágicas puntadas la canción (les confieso que en esta canción siempre escuché una hiena riendo descaradamente, encarnada en la guitarra de Robert).

Dear Prudence: lamentablemente no puedo ser objetivo (y en realidad nadie lo es). La cuestión es que nunca me gustaron The Beatles, y como la música principalmente tiene que ver con el gusto. Esta es la canción que menos me gusta del álbum, incluso como cover se parece bastante al original. Pero son los Banshees...

Ride - Carnival of Light (1994)

Al aceptar el gran privilegio de participar en esta publicación elegí de la lista de discos disponibles, Carnival of Light de Ride. Fui directamente a mi colección de CDs originales y sorpresivamente encontré a sus dos predecesores.

Digo “sorpresivamente” ya que recordaba haberlo tenido en mis manos, pero también recordé que en esa época era una práctica común en mí hacer circular y/o canjear discos. ¿Cuál sería la razón? Tal vez volver a escucharlo echaría luz a esta situación.

Para hacer bien la tarea me armé de la versión digital y para hacer honor a uno de los pilares del shoegazing elegí un gris día de trayecto laboral en auto (uno de mis oasis de pensamiento e inspiración). Con los primeros segundos de “Moonlight Medicine” marcados por un crudo riff y el movimiento de mi cabeza, supe que esa atmósfera gris elegida por mí sería transformada. Buen groove dejando deslizar atmósferas características del género del cual poco a poco se iban desprendiendo. Debiendo continuar con “From Time to Time” o “Natural Grace” (riffs, piano rhodes y armonías vocales por doquier, con momentos casi bailables) los muchachos de Oxford prefirieron “1000 Miles”, que junto con “Only Now”, “Endless Road” y “Magical Spring”, reflejan la búsqueda en el cambio del estilo que los estigmatizó. No se equivocaron en la selección de los singles, “Birdman”, “How Does It Feel to Feel” y “I Don’t Know Where It Comes From”. Con el primero: cambios de clima, armonías vocales y “milhojas” 56 .THE 13Th

Por Maxx Wilda de guitarras; en el segundo: la gran batalla entre el shoegazing y una mezcla de Britpop y rock alternativo venidero, groovy pero repetitivo y por último el tercero: la fragua de esta búsqueda, alegre y digerible. Vale la pena rescatar a los bonus tracks de este disco: “Don’t Let It Die”, “Let’s Get Lost” y “At the End of the Universe”, temas bien cerrados con diferentes sabores y recursos de lo que en ese momento representaba el mundo dual de Ride. Haciendo un poco de historia, allá por 1994, los Ride catalogaron este más orgánico y transformante disco producido casi en su totalidad por John Leckie ( John Lennon, George Harrison y Paul McCarney por separado, Syd Barret, Pink Floyd, Simple Minds, Stone Roses, Elastica y Radiohead entre otros) como “Carnival of Shit” (no necesito incluir traducción) mostrando su descontento sobre el mismo. La crítica en general tampoco fue beneficiosa en aquel entonces, lo que me llevó a pensar sobre mi proceder: ¿Me habría hecho eco la misma crítica dejando ir de mis manos ese CD o solamente circuló como moneda de intercambio por algún otro espécimen de mi colección? La respuesta nunca la sabré, pero lo que sí puedo decir que el tiempo y los estilos venideros templaron mis oídos para poder disfrutarlo si es que en su momento no lo hice.

Carnival of Light no se presenta misteriosamente como el homónimo tema de los Cuatro de Liverpool que vio la luz una sola vez en 1967 en el Festival Million Volt Light and Sound Rave sino como un verdadero alegre paseo a un carnaval (no como los de Avenida de Mayo sino como su real significado indica, las “ferias de atracciones”). En este paseo pasamos por varias de las atracciones, más del estilo de la “vuelta al mundo” (presente en la gráfica de tapa) y de las Fun House que de los túneles del amor o terror.

Quedan invitados a dar un recorrido por el Carnival of Light y retomar viejas sensaciones con nuevos oídos, les aseguro encontrarán gratamente similitudes y diferencias con “viejos nuevos” conocidos del género.

Violet Indiana – Russian Doll (2004)

Por Diego Centurión

Un 8 de junio del 2004 se editaba el segundo y último disco de la banda que unió a Robin Guthrie (Ex – Cocteau Twins) y Siobhan de Maré (ex – Mono, pero la versión inglesa), “Russian Doll”. Su primer disco “Roulette” del 2001, había dejado un sabor agradable que se había endulzado con algunos Eps. La llegada de este nuevo trabajo implicó una marea de seducción para aquellos que nunca habían escuchado la banda anteriormente, y otro regalo para los que ya nos veníamos deleitando con sus primeras entregas.

Russian Doll contiene diez rayos crepusculares en forma de canción. La belleza sonora de Robin se suma y realza a la hermosa y, por momentos, aniñada voz de Siobhan. Melodías inundadas de sensualismo, crean un fantástico disco. El ambiente creado a lo largo de la placa nos sumerge en un submundo de brillantes neblinas con aroma a tierra mojada por la lluvia pasada. Por momentos se torna más melancólico y en otros la luminosidad invade el espectro sonoro, siempre manteniendo un bello manto de dulzura y calidez.

Desde la primera canción “Never Enough” los sonidos “cocteaunianos” se hacen

presentes, pero no en forma de imitación sino en forma de remembranza. “Quelque Jour”, es una cautivante y sensual canción que me hace pensar en una Francia lluviosa en la década del sesenta. “(My Baby Was A) Cheat” es un vals melancólico que nos hunde en un mar de nubes. “New Girl” una profunda aparición del arco iris sobre un cielo aún tormentoso, con un estribillo simplemente lleno de luz.

“The Visit” (una de las mejores canciones del disco), Un profundo y calmo mar nocturno con una Luna llena iluminando la superficie, eso es lo que me hace sentir la instrumentación y la voz de Siobhan, todo en un bello tiempo de vals lento. “You”, otra encantadora canción con aires de los Gemelos Cocteau, con un dulce y fabuloso bajo que marca el tiempo de la pista. Los juegos de voces de Maré son sutiles y sensuales. “Touch Me” una melodía que esconde un halo de misticismo alrededor de la instrumentación, si bien tiene algo de drone, es de un modo muy delicado y etéreo, sin llegar a ensordecer, la voz se torna sensible y contenida, pasajes de guitarras “sucias” y luego dreamy.

“Innocent” es otra pequeña y delicada canción, con más ritmo pero sin descollar, llena de sutilezas que resuenan bien en el fondo del espacio sonoro. Nuevamente la voz hace que la canción que se mantenga contenida y no pierda ese efecto dulce y delicado. “Beyond the Furr”, uno de los singles que se desrprendieron del álbum, es más dinámica y luminosa, cortando la melancolía de las anteriores canciones.

Una gran canción, ideal para un atardecer a la orilla de algún espejo de agua con nubes recortando el cielo y tiñéndose de THE 13TH. 57

violáceas sombras. “Close The World”; “Es hora de ver, eso de Tú y yo, éste es el fin de nosotros”… “Finalmente, cierra el mundo, no vuelvas a mirarme”… dice parte de la letra y ahora sabemos que fue el cierre del disco y del mundo Violet Indiana. Otra canción con aires “cocteaunianos”, algo que Robin nunca abandonará. La voz de Siobhan suena quebradiza y casi susurrada. ¡El final perfecto!

paisajes sonoros melancólicos y brillantes.

Instrumentalmente sólido y delicado, con guitarras que se suceden como corrientes marinas, en las cuales se va desmenuzando, como pétalos de una flor, las voces de Siobhan, jugando entre coros dulces, y logrando efectividad, dulzura y que no trae a la memoria a Elizabeth Fraser, aunque Robin, más de una vez, traiga a Cocteau Twins. Russian Doll es el cierre a una gran etapa en la carrera de estos dos músicos,

Un disco precioso, frágil, pero está bien que hayan dejado este legado conmovedor, llenos de luces y sombras, de sonoro como testamento.

De/Vision – 6 Feet Underground (2004) Por Diego Centurión

Un 28 de junio del 2004 se lanzaba el octavo disco de estudio de los alemanes.

Diez años después, y recientemente, hemos presenciado su concierto en The Roxy Live, festejando sus veinticinco años de carrera, con un synth-pop elegante y de alta calidad, como se puede escuchar en este gran disco.

Si bien sus discos anteriores son muy buenos, en “6 Feet Underground” obtienen una estrella propia que marca el punto 58 .THE 13Th

de partida a grandes discos que vendrían después (“Subkutan”, “Popgefahr” o “Rockets + Swords”). En este álbum la banda sube un peldaño más en su calidad.

Las composiciones se tornan más seguras y tienen un gran trabajo de producción.

El álbum abre con la excelente “I’m Not Enough”. El entramado sonoro de las secuencias creadas por Thomas Adams muestra una solvencia en el meticuloso tratado de la sonoridad que acompaña a la calidad vocal de Steffen Keth, regalando un maravilloso track. Una de las mejores canciones del disco. La próxima canción es otro extraordinario track, “I’m Not Dreaming Of You”, la belleza de la melodía vocal y la dulce y delicada instrumentación la dan un vuelo único a esta canción, simplemente encantador.

“Unputdownable” llega con una ambientación más etérea en el comienzo, pero cuando estalla es simplemente genial. El trabajo sonoro es precioso, con sonidos que se esconden detrás del plano principal. “Turn Me On” es la siguiente nota, más climática y sugestiva, en donde

se puede escuchar la ingeniería sonora detrás de la voz de Steffen, con muchos sonidos perfectamente colocados. “6 Feet Underground”, otra canción con mucho clima oscuro, denso, sutil, sensual y rítmico, que encubre una de las mejores interpretaciones vocales de Steffen y la compañía secuencial de Thomas, que es casi perfecta. “Aimee” tiene una pócima más de electro, con un ritmo perfectamente agradable, para llevarnos de manera magistral a la mitad del álbum.

Los elaborados sonidos enriquecen, de manera efectiva, a la climática voz. Con espacios de excelencia sonora, que se incrementa hacia el final de manera calma y sutil. En “Right On Time”, séptima canción del disco, es donde subimos el volumen y empezamos a bailar: synthpop puro y clásico, del mejor, rítmico, pegadizo y matemático. Sin misterios pero efectivo y necesario para esta parte del álbum. Casi instrumental a no ser por la voz sintetizada que dice: “Estoy justo a tiempo. Mi luz te guiará.

Estoy justo a tiempo. Mi amor te encontrará” “Take Me Over”, la octava estación de este viaje, muestra otro clima sombrío con la voz que irrumpe calma y perfectamente oscura, pero luego la canción se quiebra y, con un ritmo más frenético, se convierte en una de las mejores del álbum.“You Are The One”, la hipnótica novena canción, que se va tornando un viaje claustrofóbico y casi gótico, con ambientes densos. De dulce y calma melodía de voz que parece llevarnos de la mano a través de la oscuridad, con un paso lento, firme y agradable. Con “Beside You”, la décima canción, levantamos el ritmo. Cargada de secuencias impecables y la voz siempre justa y medida, se

escucha dulce y provocativa (sin llegar a alterar el clima sensual). Muy buenos arreglos instrumentales en el estribillo.

“Klangmonaut” tiene un comienzo reutilizando arquitecturas de Kraftwerk, estamos en el track once (muy cerca del final). Un instrumental con bastante de ambient, plagado de sutilezas sonoras que embellecen la canción. Es el último descanso para arribar al final del trayecto.

Y el recorrido llega a su fin, última estación del tren llamado “6 Feet Underground”, y esta última parada se llama “Take Me To Heaven”. La canción más larga del álbum y con una gran dosis de sensualidad, con un estribillo de instrumentación potente.

Hay momentos en que parece darnos un respiro, pero luego vuelve a inyectarnos esa actitud desafiante, aunque sin caer en el facilismo de la velocidad o el estruendo sonoro; al contrario, con una sonoridad recargada pero con ritmo lento y una voz que parece no inmutarse. ¡¡¡Perfecto cierre!!!

“6 Feet Underground” es un álbum maduro e inteligente, en donde las composiciones de Steffen Keth y Thomas Adams, adquieren otra dimensión, más elegante de lo que nos tenían acostumbrados, tal vez sonoramente más reflexivos en su cuidadoso y señorial synth-pop. Sin lugar a dudas este es un gran salto de calidad en su discografía.

Un disco intenso hasta en sus canciones más lentas, con mucha sapiencia en el armado del tracklist. Un trabajo que demuestra canciones maduras y más cerca de la perfección sonora, mucho más complejas en su composición.

Aquel que nunca lo escuchó no debe perdérselo.

THE CURE – THE CURE (2004)

Por Diego Centurión

Un trabajo coproducido por Robert Smith y Ross Robinson, en cual se nota la influencia del trabajo de Ross. Robinson aporta una mirada que rompe el modelo “Bloodflowers”. Un disco grababo íntegramente en vivo, lo cual logra que el sonido sea mucho más potente y crudo.

Creando una química perfecta entre los instrumentos.

“Si no te gusta el álbum The Cure, entonces no te gusta la banda”.

Robert Smith

Diez años del disco homónimo de la banda de Robert Smith. Un disco que marca un punto de quiebre en la banda.

Por motivos que trataré de desentrañar en esta reseña.

Como nos tenían acostumbrados desde “Wish” de 1992, los Cure editan nuevo LP cada cuatro años, “Wild Mood Swings” (1996), “Bloodflowers” (2000), “The Cure” (2004) y luego “4:13 Dream” (2008). Sin lugar a dudas, para mí, es el disco de Jason Cooper, que logra soltarse del todo, sin tener la “presión” post Boris Williams. En este álbum para mí, Jason se siente libre y gana en creatividad e interpretación, aunque vale aclarar que algo y bastante había demostrado en “Bloodflowers”. Pero es en éste LP, tal vez por la sonoridad más alternativa del disco, en donde Cooper se siente como “pez en el agua”.

60 .THE 13Th

Un cambio, en comparación con los discos anteriores que tenían canciones introductorias largas, en las que la voz de Robert se sumaba mucho después de haber empezado, en “Lost”, tema encargado de abir el álbum, ya ese “ritual” no se cumple. Después de un sonido de batería (como si Jason se levantara del instrumento dejando caer sus palillos).

Robert enseguida empieza cantando “No puedo encontrarme” (I Can’t find myself ), una búsqueda que parece empezar desde el nombre del álbum. “Lost” logra transmitir un ambiente angustiante en donde Robert aumenta su enojo mientras avanza la canción, y la banda casi mántricamente va repitiendo los mismos acordes y aumentando la intensidad, tornándolo confuso e hiriente. Sin perder ese instinto mántrico, le sigue “Labyrinth”, con un comienzo con aires hindú y que poco a poco se va “envenenando” con la intensidad de las guitarras, el bajo y el ritmo ritualezco de Jason. Al igual que su antecesora (Lost), Robert va aumentando la energía en su voz y la sonoridad se va volviendo angustiante y claustrofóbica.

“Before Three”, corta el clima denso del comienzo del álbum, dándole un poco más

de oxígeno al trabajo. Un track de corte más pop, pero el bajo suena increíblemente divino. El cuarto track es el hit del disco, “The End of the World”, prolija, intensa, pero sin ser muy festiva, como la mayoría de los hits de la banda, el machaque de las guitarras y el bajo cobran fuerza y potencian la canción. “Anniversary” es otra oscura canción, con un bajo distorsionado que crea una pared sónica sostenida por una secuencia de batería y el instrumento de Jason, sumado a los teclados y algunas apariciones de la guitarra de Perry. “Us or Them” ¡Mi favorita! Enérgica, agresiva, corrosiva, intensa, cruda, explosiva. Bajo y guitarras punzantes, la batería suena increíblemente perfecta, Jason se luce en los cortes que tiene la canción. Un Robert que escupe ira y bronca contra la política de confrontación de Bush (un abonado a las críticas de los artistas). “alt.end” otro corte del álbum, recuerda a “In Your House” en la intro, pero en una remozada y más enérgica versión. Guitarra con mucho wah wah y un bajo muy contundente y presente; en el estribillo la intensidad aumenta gracias a los teclados y la guitarra. “(I Don’t Know What’s Going) On)”, otra canción de corte popero. Pero lo que mencionaba antes, el haber grabado todos los instrumentos juntos, le imprime una potencia extraordinaria a las canciones simples. “Taking Off ”, otra de las festivas, y otro hit del álbum, una canción que le da mucha luz al disco. La batería de Jason suena perfecta. El piano de Roger siempre suena bello. “Never” otra canción en que Cooper nos brinda su mejor versión. Enérgica canción, dura para lo que es The Cure, pero no por eso pierde su oscura esencia, mucha de ésta aportada por el impecable bajo de Simon Gallup.

Un The Cure mucho más alternativo

que el conocido. Un Robert que canta casi enajenado, el registro de matices de Smith parece inagotable. “The Promise” la extensa canción de cierre, oscura, opresiva, las guitarras con wah wah aportan a la confusión, mientras que el bajo y la batería van conduciendo a la canción. Acá la banda recupera el concepto de track final como en “Pornography”, “Faith” o “The Top”.

Si bien en las grabaciones estuvo Porl Thompson como invitado, ha tocado en las canciones que quedaron fuera del álbum, y fueron utilizadas en los lados B “Why Can’t I Be Me?” (“Taking Off ”) y “Your God Is Fear” (“Alt.end”).

“The Cure” no es un disco más, que puede ser olvidado. Creo que fue injustamente desvalorizado y muchos de los fans le han dado la espalda al álbum. Un The Cure distinto que logra romper con el sello de su disco anterior, de Bloodflowers y que pone de manifiesto que no se dormirá en los laureles del sonido que debía seguir, con el facilismo del éxito, sino que se arriesgará siempre a algo más, tal vez algo que no sea políticamente correcto. Pero ése es el Robert Smith que me gusta, el inquieto y nada cómodo en los logros conseguidos.

THE 13TH. 61

Lush – Split (1994) Entrevista a Emma ANDERSON y Philip King por Diego Centurión

Con la llegada de junio 2014, vino el vigésimo aniversario de la edición del segundo álbum. La banda que ha logrado fusionar brillantemente, dream-pop y shoegaze; Lush y su “Split”.

Publicado el 13 de junio de 1994, esos años en que el “Mundo de la Música” se quedó deslumbrado por el Britpop y el Grunge del otro lado del Atlántico; éste álbum establece un marcado cambio en el sonido de la banda, un sonido puro y limpio, es claramente un paso adelante en la forma en que escriben sus canciones, rol que ambas compositoras, Miki Berenyi y Emma Anderson, comparten en una sola canción, “Starlust”.

Hoy tenemos las palabras de Emma Anderson y Philip King, vocalista, guitarrista y bajista Lush, que nos cuentan un poco sobre el álbum.

¿Cuánto hace que no escuchan “Split”?

Philip: No he escuchado el álbum completo, al menos no en este siglo.

Emma: Lo he escuchado recientemente.

Algunas canciones realmente me gustan, otras no tanto, pero pienso que eso es normal ¿Cómo fue trabajar este álbum en 4AD? Philip: Fue bueno, ya que nos dejaron seguir trabajando en el disco en paz.

A diferencia de cómo me imagino que hubiera sido en un sello grande. Ellos también probablemente nos hubieran caído después de ‘Split, ya que no se vendió particularmente bien.

Emma: Fue genial estar en 4AD y fueron un gran apoyo en todo momento. Mike Hedges, como productor fue idea de Ivo, y pensó que Mike nos vendría bien por su trabajo con The Banshees y The Cure.

Sin embargo, creo que al sello se le convirtió en molesto, por la cantidad de tiempo y de dinero ‘Split’ estaba tardando y costando, pero también, lo hicimos nosotros. Sí, sé que ‘Dividir’ era el álbum de Lush favorito de Ivo. No se vendió tan bien como los demás, pero ¡por suerte a Ivo no le importaba eso! Él estaba principalmente en la música. ¿Cuánta influencia tiene en el sonido del álbum, que ustedes sean los productores de su propio álbum?

Philip: Bueno, obviamente, siempre elegimos los productores que pensamos que serían comprensivos con nuestro

sonido y luego los dejamos a ellos.

Originalmente preguntamos Bob Mould pero él sólo quería hacer un EP. Se habló de John Paul Jones, para un rato y el baterista / productor Fred Maher. Entonces Mike Hedges, fue mencionado y nos gustó el hecho de que había trabajado con The Cure y Siouxsie & The Banshees.

Fue grabado en diversos Estudios de grabación. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

Philip: Bueno casi todo el registro se hizo en los estudios Rockfield en Gales - que era un estudio residencial - y las cuerdas fueron grabadas en los estudios Abbey Road. El álbum fue mezclado por el productor Mike Hedges en Francia, en su antigua mesa de mezclas de Abbey Road. Lamentablemente no estábamos contentos con la forma en que sonaba muy plano- así que conseguimos Alan Moulder para remezclar en Londres. Él salvó el día.

Emma: Sí, empezamos a Rockfield, Gales, y el grueso principal del álbum fue hecho allí. Eso estuvo bien, pero, a mí personalmente, no me gustó estar en un estudio residencial. Me gusta ir a casa después de la grabación y ¡dormir en mi propia cama! A continuación algunas se hicieron en Abbey Road, Londres y otros (principalmente las cuerdas) en un estudio en Sussex con alguien que Mike conocía.

Después de eso, fuimos al estudio de Mike en Francia para mezclarlo, pero no sonaba bien, así que tuvimos que volver y mezclarlo de nuevo con Alan Moulder en Londres.

“Split” cuenta con arreglos de cuerda realizados por Audrey Riley y Martin McCarrick, en las canciones “Light From

A Dead Star”, “Desire Lines”, “NeverNever” y “When I Die”. ¿Cómo fueron las sesiones de grabación de cuerdas? Porque el resultado es simplemente hermoso.

Philip: Yo no estaba en la grabación de cuerdas para las canciones de Abbey Road.

Emma: Mike Hedges, había trabajado mucho con cuerdas antes (la grabación de cuerdas es uno de sus puntos fuertes) y Audrey y Martin fueron sus contactos.

Sí, fue una experiencia nueva para Lush y para mí, yo estaba un poco fascinada por ella... el talento de los arreglistas llevando nuestras canciones tan lejos y el agregado de bellos arreglos por parte de ellos fue increíble. Fue bastante escalofriante ver la grabación de las cuerdas. Para los arreglistas y los instrumentistas sin embargo - ¡era sólo otro trabajo! En realidad, eso no es justo... creo que también me gustó mucho.

Todavía estoy en contacto con Audrey y Martin. Eran buenas colaboraciones y funcionó muy bien. ¿Puedes decirnos algo acerca de algunas canciones en el álbum?

Emma: No puedo recordar mucho sobre la grabación en absoluto, lo siento. (Fue hace 20 años). Lo que sí recuerdo a Dave Edmunds y Cozy Powell visitar el estudio, aunque no a nosotros, sólo al estudio). También me acuerdo de nosotros haciendo un rompecabezas Brueghel. The Stone Roses estaban también en Rockfield haciendo alguna grabación y yo fuimos a una fiesta en el estudio que estaban The Charlatans (muy cerca de la nuestra).

En cuanto a las composiciones ahí si te puedo decir de qué hablan mis canciones.

‘Lovelife’ es acerca de Londres y como me encantaba, y nunca la dejaría (que no resultó ser cierto, yo vivo en Hastings THE 13TH. 63

ahora). ‘Desire Lines’ es sobre alguien (un hombre) que me gustó. “The Invisible Man” era sobre una sensación extraña y aterradora, solía llegar a donde yo estaba en un estado media despierta y media dormida y fue como si alguien mentía encima sobre mí y no podía respirar.

Me dio mucho miedo y lo utilicé para conseguirlo muy a menudo, pero no lo hago más (gracias a Dios). “Lit Up” estaba a punto de decirle a alguien que estaba caído, para animarlo y no estar tan triste.

Las cosas van a mejorar. ‘When I Die’ era por mi padre, que murió en 1992. No puedo recordar sobre ‘Blackout’ y estaba mirando “Never- Never” y ¡no tengo ni idea! Miki escribió las otras letras.

Philip: “Light From A Dead Star” Esta es una de las raras ocasiones en que la canción comenzó a partir de un atasco en los ensayos. Miki tocaba el acorde inicial y me hizo la línea de bajo descendente. Luego se fue a casa y escribió la canción y añadió la siguiente sección. “The Invisible Man” Emma no tenía una línea de bajo para esta canción por lo que me pidió que escribiera una. ¡Chris dijo que lo hizo sonar como Theatre Of Hate! “Never-Never”, Emma me preguntó si podía escribir la línea de bajo para la secuencia final de este.

El modo musical. Las melodías fueron

64 .THE 13Th

escritas con el método tradicional de Lush - ya sea por mí o Miki en nuestros hogares y luego se presentó a la banda. Quién escribía cada canción escribiría cada parte - bajo, guitarras, coros voz principal etc etc. Nosotros no lo hicimos como ‘jam’ banda.

Recuerdo que en esos años en Argentina fue muy difícil conseguir copias originales de los discos que fueron publicados en Reino Unido y Estados Unidos, pero nos las arreglamos para conseguir casetes grabados. Y recuerdo cuando llegué a “Split”, llegué a casa, escuché de principio a fin, y me sorprendió. ¿Cómo se sienten hoy, en este 2014, el sonido del álbum?

Emma: Es curioso que la gente todavía tiene tanta estima por la grabación. En aquel entonces, yo no creía que, 20 años después, iba a suceder. Es genial, y como un testimonio de esto, son las canciones, que tienen obviamente resistencia a la prueba del tiempo. He oído que América del Sur se ha abierto realmente a las bandas que vienen a tocar. Supongo que también con Internet toda la música es mucho más fácil de acceder.

Philip: Pienso que todavía suena muy fresco y moderno.

¿Dónde se ponen “Split” en sus vidas?

Philip: De los dos álbumes que he tocado en Lush, es mi favorito.

Actualmente hay un revival del sonido que tiene “Split”. “Split” suena muy fresco, como si hubiera sido editado en este 2014. ¿Creen lo mismo?

Philip: Sí, definitivamente.

Emma: No sé realmente. Creo que el “shoegazing” (odio ese término, pero no conozco otro), en realidad, se ha mantenido a prueba del tiempo, más que nada por las bandas de Madchester o Britpop.

Creo que muchas de las bandas de hoy han sido influenciadas por el sonido que nosotros y otras bandas teníamos. Es muy halagador.

Emma: No Philip: No. No puedo dejar de escuchar lo que ha grabado Chris. Y sabemos que es lo que le ha sucedido. Un Gran golpe para Lush. ¿Cómo era Chris? ¿Ustedes lo extrañan?

Philip: Chris era encantador. Muy amable, alegre y extrovertido. Todavía no puedo creer lo que pasó. Sí, lo extrañaremos mucho.

Y para terminar. A Philip te hemos visto hace unas semanas con “The Jesus And Mary Chain”. Pero más allá de eso. ¿Cuáles son sus planes? Volverá “Lush”?

Emma: No hay planes por el momento.

Philip: ¿Quién sabe?

¿Han participado en la remasterización del álbum en el 2001?

THE 13TH. 65

hidden track

Debbie Harris junto con Andy Warhol, esta fotografĂ­a se encuentra en venta en la GalerĂ­a Hotel Morrison. (foto x Chris Stein/Morrison Hotel Gallery) 66 .THE 13Th

espĂ­ritu e imagen -arte visual-

DISFRACES: ALMENDRA BILBAO ENTREVISTA POR LIGIA BERG

En esta ocasión entrevistamos Almendra Bilbao, joven fotógrafa que nos sumerge en su mundo lúdico y a la vez misterioso.

En esta ocación presentamos junto a la entrevista su serie “Disfraces” y nos cuenta, entre otras cosas, la historia de éste trabajo. ¿Cuál fue tu primer contacto con la fotografía?

Desde chica sacaba fotos con la cámara que había en mi casa, hasta que decidí empezar a estudiar cine, pero después de un cuatrimestre me di cuenta de que lo que me gustaba era sacar fotos, así que empecé a estudiar fotografía. ¿Haces alguna otra actividad artística?

Intente hacer varias cosas, tocar algún instrumento, pintar, escribir, pero siempre lo dejo de lado. No sé si se puede tomar como una actividad artística, pero estoy organizando un ciclo, Ciclo Heisenberg, en el cual tocan 4 bandas por fecha y exponen muchos artistas, desde fotógrafos, hasta pintores, diseñadores y muchos más.

negro, muchas de las fotos que hice tienen algo oscuro y también un poco de azul, me gustan las fotos frías.

Contanos un poco sobre tu serie ‘Disfraces’ Es una serie muy importante para mí, ya que con ellas me recibí, la empecé hace 2 años más o menos, creo que desde que hice las primeras fotos, que sería la del león con los globos, algo empezó a cambiar.

Me divertí mucho al hacer estas fotos, me saque varias estructuras de encima, quería jugar y perder la seriedad que tenía en ese momento debido al trabajo tenia, en el cual todo era muy formal y aburrido.

Decime tres palabras que te vienen a la mente cuando pensás en tus fotos.

Se me vienen a la mente: jugar, divertirme y crear.

Me contaste que este trabajo estuvo influenciado por un momento de transición en tu vida ¿Nos contarías un poco sobre esto?

Sí, creo que desde que empecé a hacer esta serie me permití cambiar, intentar encontrar otra forma de vivir, no tener que trabajar encerrada en 4 paredes, haciendo trabajos de oficina que no me gustaban para nada, viajar todos los días 2 horas en colectivo y muchas cosas más que les debe pasar a más de uno, ahora trabajo con mi vieja, hacemos disfraces, quise plasmar en las fotos lo que fue el cambio.

¿Cual color pensás que definiría tu trabajo?

Mmm, aunque muchos digan que no es un color creo que me define el color

¿Cual es tu momento favorito del día?

Mi momento favorito del día para sacar fotos es el atardecer, esa hora en la que todo se vuelve super naranja, y descubrí

70 .THE 13TH

que por la ventana de mi casa entra una luz hermosa. ¿Algo que te inspire?

Me inspiro escuchando música, mirando fotos de otros fotógrafos o videos de bandas que me gustan, hablando con amigos y leyendo. ¿Alguien que te inspire?

Me gusta mucho ver que se trae de nuevo Wayne Coyne, cantante de Flaming Lips, siempre está creando algo raro e increíble, también me inspira Patti Smith, lei su biografía y me llego mucho. ¿Algún fotógrafo?

En este momento se me vienen a la cabeza las fotos de Ryan Mcginely, las de Nan Goldin y Gregory Crewdson.

¿Banda o musica favorita?

Podria nombrar muhcas bandas, como ya dije arriba me encanta escuchar Flaming Lips, también Sonic Youth, Queens of the Stone Age, y muchas mas, también me gusta muchísimo escuchar bandas del under nacional, como Surfing Maradonas, Limones Negros, Esquizofrenicos, Los Octopus, Apolo Rixi, Emma Shaka, Astrosuka y muchas más. ¿Estás trabajando en algún proyecto actualmente?

En este momento estoy muy metida en la organización del Ciclo Heisenberg, ya pasaron dos fechas y estuvo increíble, se generó lo que queríamos, que haya un ambiente de amistad y que se puedan mezclar todas las ramas artísticas.

Gracias Almen.

rescate

cinĂŠfilo

Los maravillosos 80 Por Nicolás Ponisio

30 años de Ghostbusters

Los ochenta. Época dorada para el terror y la ciencia ficción. A grandes artistas que supieron innovar y dejar su marca en el cine de género como Robert Zemeckis, Joe Dante y John Carpenter, entre otros, por entonces se sumó a esa lista el nombre de Ivan Reitman. Si bien ya había incursionado dentro de la ciencia ficción como productor en Shivers (1974) y Rabid (1977) ambas de David Cronenberg, no sería hasta Ghostbusters que tomara al género por las astas y lo sacudiera artísticamente al igual que lo hace el temblor que raja el pavimento de Nueva York en su film.

La película protagonizada por Bill Murray, Dan Aykroyd y Harold Ramis (los dos últimos también guionistas) puede ser 86 .THE 13TH

acusada de no haber sabido sobrevivir bien al paso del tiempo siendo vista desde el lado del humor. Los gags, en su mayoría, resultan ser algo naíf, inocentes y que en ocasiones dejan en suspenso un remate que nunca llega. Pero los mismos son acompañados por algunos elocuentes juegos de palabras o la inclusión de referencias con contenido adulto. La tensión sexual hace presencia en más de una ocasión (¿Se considera necrofilia si una persona recibe sexo oral de un fantasma?).

Es cierto que al lado de otros films de la época ha envejecido, Gremlins fue realizado el mismo año y apenas se le notan las arrugas. Pero es en esos puntos específicos, donde la ironía y el humor

negro irrumpen en el contenido infantil o para toda la familia, cuando Reitman logra un fuerte equilibrio. Los opuestos no sólo se atraen sino que también desbordan tal creatividad que difícilmente sea vista hoy en día. Allí es donde Ghostbusters recibe el mayor mérito, en sus diferentes variantes de originalidad. Desde la idea de una suerte de fumigadores de espectros, la comedia caricaturesca, elementos del cine de terror hasta el tratamiento de blockbuster y cine catástrofe con la construcción de maquetas y criaturas en

stop motion. Esas características poseen un fin comercial pero a la vez demuestra algo que pocas veces se ve en este tipo de producciones: amor al cine.

Las superproducciones contemporáneas no tendrán arrugas, pero sí una inmensa carga de efectos especiales que intenta llenar en vano la falta de argumento, una suerte de lifting que afea aún más al producto final.

El realismo del último Godzilla no tendrá lugar a dudas, sin embargo su carencia de ideas y sentimientos hace que, hoy más que nunca, se quiera volver a los viejos

30 años de Gremblins

Quien vivió en los ochenta y/o creció durante los noventa sin lugar a dudas debió haber sido criado, en gran parte, por el material audiovisual bajo el sello de Spielberg, la famosa Amblin

Entertainment. Producciones televisivas como Amazing Stories (1985-87) o films como Gremlins (1984) y The Goonies (Richard Donner, 1985), que podían verse infinita cantidad de veces por la pantalla THE 13Th. 87

de televisión los fines de semana, eran un poderoso material educativo para las jóvenes mentes cinéfilas. Hoy en día, al reencontrarse con ellas, son recordadas con la nostalgia de quien añora su más preciado juguete de la infancia o un lazo de amistad que con el tiempo se perdió.

Ejemplo de una época y enseñanza del entretenimiento tanto infantil como adulto, Joe Dante y sus caóticas criaturas supieron aportar una mirada nostálgica y moderna a la vez. La misma mirada con la cual, los ya crecidos fans de Gremlins, la verían décadas después.

El film de Dante presenta lo clásico y lo moderno en un único relato que mezcla su simpleza con el caos y la diversión de los tiempos que corrían. Los eventos de la trama pueden dividirse en dos fases.

La primera (donde se haya lo clásico) pertenece a la construcción de personajes y a establecer las reglas desobedecidas para mantener un Mogwai, la mascota del protagonista que todos los niños quisieran tener. Representa la simpatía, lo infantil y lo adorable. Todo condensado en una pequeña bola de pelos y ternura llamada Gizmo. En primera instancia se lo puede ver como el elemento secundario que funciona como catalizador de los problemas que sufrirá el apacible pueblo de Kingston Falls. Los hechos del film y el viaje que emprende junto a su dueño Billy (Zach Galligan, el aparente protagonista) harán que Gizmo tome las riendas del asunto; volviéndose crudamente un guerrero y el héroe de turno, incluyendo la influencia verbal de Clark Gable en To Please A Lady (Clarence Brown, 1950).

Parte de su inocencia queda atrás a raíz 88 .THE 13TH

de someterse a la aventura, de realizar el característico viaje iniciático del camino del héroe.

El clasicismo también se haya dentro de la historia de manera extradiegética por medio de películas que se encuentran viendo los personajes en diferentes momentos (El título de Gable antes mencionado es una de ellas). La primera parte de Gremlins comienza como un clásico cuento navideño. Esto está remarcado por el personaje de la madre de Billy, quien está viendo mientras cocina It’s A Wonderful Life (Frank Capra, 1946), una fantasía y drama familiar que resalta la importancia de esa época tan particular del año. El segundo film que marca un nuevo arco para la historia es el excelente clásico de ciencia ficción Invasion of the Body Snatchers (Don Siegel, 1956), donde una invasión alienígena imita los cuerpos de los habitantes de un pueblo luego de ser incubados en una suerte de vaina gigante.

De manera similar, los Mogwai pasan por una etapa de incubación que luego dará forma a las verdosas criaturas del título y que cambiará radicalmente su estilo.

En la segunda fase, lo clásico dará paso al caos y la comedia se unirá al horror.

Lo que comenzaba como una comedia familiar navideña deviene en un sin fin de gags y situaciones tanto hilarantes como de fuerte violencia gráfica. La primera aparición de los Gremlins en la cocina o el ataque a la malvada Sra. Deagle (Polly Holliday) son claros ejemplos de ello. Las travesuras de estos monstruos, siendo Dante el más travieso, toman en sus brazos a los clichés, lo naif y la censura y los arrojan por la ventana junto a la Sra.

Deagle. Debido a estos aspectos es que Gremlins recibió duras críticas y quejas debido a que era presentado en funciones aptas para todo público. Junto a Indiana Jones and the Temple of Doom (Steven Spielberg, 1984) y Ghostbusters (Ivan Reitman, 1984), Gremlins pasó a ser el principal causante de haberse creado la clasificación apta para mayores de trece años. Un punto intermedio entre el público infantil y el adolescente. Dante se divierte como si perteneciera al espectador de esa edad. Se permite jugar y reír con la crudeza necesaria y no le importa siquiera si eso lo lleva a hacer explotar por los aires la proyección del primer film animado de Disney (Snow White and the Seven Dwarfs, 1937). Con el cine, y por medio del mismo, vuelve a ordenar conceptualmente su desorden. Lo que aquí aplica en el cine, lo seguirá haciendo, llevándolo al extremo con Gremlins 2: The New Batch (1990) y luego haría lo mismo con el mundo de las compañías de juguetes en Small Soldiers (1998).

Los Mogwais que surgen de la espalda de Gizmo al ser mojado son muy diferentes a su antecesor. Frenéticos e inadaptados. Las reglas pertenecientes a Gizmo también se

aplican a ellos. No se bañan, no deben comer después de la medianoche, pero de todas formas lo hacen. Se quedan levantados en busca de diversión y no pueden tolerar la luz del día. A eso se les suma que apenas hablan (la única palabra comprensible de Rayita, el Gremlin líder, es “caca”). Serán diferentes en apariencia pero su manera de actuar revela que en verdad son los típicos adolescentes. Unos inadaptados en etapa de rebeldía que salen a tomar la ciudad y que están en contra de toda autoridad y establecimiento con el que se topen. Hace treinta años el, por entonces joven, movimiento punk (Rayita lleva una cresta en su cabeza) intenta desbarajustar el sistema. Por una increíble y larga noche, Joe Dante y sus criaturas lo lograron.

El otrora punk, hoy padre de familia y miembro estable de la sociedad, recordará sus momentos de rebeldía y desempolvará los viejos discos para escucharlos una vez más. Esa vitalidad, creída perdida, por un rato vuelve a su ser. Lo mismo sucede con el pequeño niño que creció con los monstruos sedientos de destrucción y que, hoy en día, es un adulto más que ruega volver a vivir esos recuerdos encontrando Gremlins en su televisor.

THE 13Th. 89

La habitación del pánico: the room (2003) Por José Luis Lemos

Antes que nada, una pequeña aclaración: no es lo mismo una película mala que una película muy, muy mala. Ese “muy” de más parece no hacer mucha diferencia, pero es la palabra que separa una película mala como Batman y Robin de otra muy, muy mala como Plan 9 del espacio sideral, la (no) obra maestra de Ed Wood.

The Room es una película muy, muy mala. Que es lo que hace, entonces, que un film absolutamente desastroso genere 90 .THE 13TH

un fenómeno de culto tan grande como para posibilitar el lanzamiento de un videojuego y la publicación de un libro con muy buenas críticas y una inminente adaptación a la pantalla grande a cargo de figuras hollywoodenses tan reconocibles como James Franco y Seth Rogen? ¿Que convierte a un drama muy, muy malo en una comedia excelente? El nombre detrás de la incógnita: Tommy Wiseau. Tambien conocido como el Orson Welles de las

películas malas.

De edad incierta, fortuna infinita y un aspecto que lo hace lucir como un villano de una película de acción clase B, Tommy Wiseau estrenó, allá por 2003 y en algunas pocas salas de Los Angeles, su primer y hasta ahora único largometraje, un drama con toques de comedia romántica, algo de thriller, suspenso y unas dosis de erotismo clase Z. Por que se llamó The Room, es uno de los tantos misterios detrás de esta auténtica galería de los horrores cinematográficos que espanta ya desde su cartel publicitario, un primer plano de Tommy mirando a cámara, con una expresión tan deplorable que la gente que observaba la cartelera la confundía con una película de terror. No estaban tan errados. La sensación de incomodidad que provocaba esa imagen no tarda en aparecer en The Room: tras unos títulos de crédito donde tomamos conciencia de que vamos a ser testigos de auténtico cine de autor (Tommy es director, guionista, productor y protagonista) finalmente los personajes hablan y desde ahí ya no hay vuelta atrás.

La historia es simple. Johnny (Tommy Wiseau) es feliz con su pareja, la no tan feliz Lisa ( Juliette Danielle) quien lo engaña con Mark (Greg Sestero), el mejor amigo de Johnny. Las sospechas comienzan a crecer en Johnny, quien cae progresivamente en un espiral de autocompasión y furia.

Imaginen una película hecha (y protagonizada) por un extraterrestre que intenta retratar las emociones y costumbres humanas sin haber hecho demasiado trabajo de campo y se harán una idea de el tratamiento que Tommy

le da a ese argumento tan básico. El mundo de The Room es uno en el cual las conductas sociales están trastocadas y las emociones surgen sin explicación alguna y desaparecen de la misma forma.

Así, es posible ver a una persona confesar que tiene cáncer de mama y luego seguir hablando como si hubiera estado hablando del tiempo, o al héroe de la película reírse tras oír una anécdota sobre una mujer a la que hospitalizaron luego de ser molida a golpes, o un personaje queriendo tirar a otro desde una terraza para inmediatamente después arrepentirse. La estructura dramática vuela por los aires, dinamitada por personajes que entran y salen de escena cuando tienen ganas y no por que así lo exija la historia, desafiando las leyes de tiempo y espacio e incluso tomándose el atrevimiento de irse de la película antes de tiempo siendo reemplazadas por otros personajes que cubran el mismo rol dentro de la ¿trama?. Ni siquiera el sexo se salva de esta subversión de las leyes cinematográficas y/o naturales, dando lugar a una de las escenas más incómodas (en todo sentido) e hilarantes que se hayan visto.

Obviamente, la intención de Tommy Wiseau no era retratar un universo paralelo sino un simple drama costumbrista con el que todos (especialmente los hombres) pudieran identificarse. Al parecer nadie encontró afinidad en la bondad inhumana del personaje de Johnny ni en la maldad irracional de Lisa, pero vieron en The Room (y en su director) al sucesor natural de Ed Wood. El boca a boca fue llenando las dos únicas salas donde se THE 13Th. 91

proyectaba y al poco tiempo hordas de universitarios desaforados recitaban los incoherentes diálogos a la pantalla entre otros rituales bizarros afines a las películas de culto como The Rocky Horror Picture Show. Pero Jim Sharman, director de aquel musical bizarro, tuvo siempre la intención de crear un film delirante para funciones de trasnoche. Tommy Wiseau no. Y aunque luego quiso esconder su frustración alegando que su film es, en realidad “una comedia negra”, la verdad es que su propósito fue hacer la mejor película americana desde “El ciudadano Kane” y que además compita para los Oscars. Ni más ni menos. Y ese es tan solo uno de los secretos que revela Greg Sestero en el libro que publicó recientemente sobre el rodaje de The Room y sus vivencias junto a Wiseau.

La lectura de “The Disaster Artist: My Life Inside The Room” deja a “Notas sobre el rodaje de Apocalypse Now” de Eleanor Coppola como un cuento para chicos.

No por la complejidad de la escritura, claramente, sino por su retrato, entre compasivo y burlón, de las dificultades de una filmación donde el mayor problema no eran desastres naturales sino su propio director, el indómito y misterioso Tommy Wiseau.

Si el público había convertido a The Room en una comedia, el libro la convierte en una historia de terror psicológico, en gran parte gracias a la enfermiza relación entre el actor Greg Sestero y Tommy. Por que este diario del Apocalipsis fílmico es también el registro de las frustraciones de un actor intentando independizarse y 92 .THE 13TH

llegar a Hollywood, quien acepta la ayuda de otro estudiante de teatro millonario tan solo para descender a los infiernos del cine independiente, pero con I de irracional. Como sucede en las sitcoms, la pareja protagonista son dos individuos totalmente opuestos cuyas fricciones generan momentos humorísticos.

Tambien, al igual que en el film, situaciones muy incómodas. Y es que “The Disaster Artist” podría verse como el retrato de dos personas que buscan el reconocimiento y la fama y la terminan encontrando de la forma menos esperada, pero también como los intentos de un hombre por volcar sus emociones mas intimas en una obra que luego será motivo de la burla generalizada.

Esa sensación agridulce recorre todas las páginas, y uno puede descostillarse de risa al saber que Tommy Wiseau se cree vampiro o al conocer sus poco ortodoxos métodos a la hora de dirigir, como también sentir compasión por sus desesperados (y perturbadores) intentos por llegar a ser un actor reconocido, conservar a su único amigo y sacar a flote un barco que el mismo hundió.

Seth Rogen y James Franco, dos actores con un gran sentido del absurdo (como lo demuestra Pineapple Express), vieron en The Room y en The Disaster Artist potencial suficiente para llevar a la pantalla grande esta historia de el sueño americano convertido en pesadilla. Con el protagonista de 127 horas dirigiendo y encarnando al mismisimo Wisseau y Rogen junto a su amigo inseparable Evan Goldberg como productores, parece obvio que el tono será de comedia delirante. A

Tim Burton las cosas le fueron bien con Ed Wood, mezclando humor con una innegable simpatía y comprensión hacia el director de Glen Or Glenda. Habrá que esperar para saber si The Disaster Artista,

el film de Franco, logrará superar en carcajadas a la fuente original o si termina siendo, simple y llanamente, una película mala.

Sound of Noise (2010) Por Gustavo García

Ficha Técnica: Duración: 102 min.

País: Suecia Director: Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson Guión: Jim Jarmusch, Ola Simonsson, Johannes Stjärne Nilsson

Terrorismo musical.

En 1913, el considerado primer compositor de música experimental de la historia, Luigi Russolo, escribió una carta a su amigo y compositor futurista Francesco Balilla Pratella, que se terminaría convirtiendo en el manifiesto futurista “El Arte de los Ruidos” (L’arte dei Rumori / THE 13Th. 93

The Art Of Noises). Allí, Russolo advierte que el oído humano se ha acostumbrado a una nueva paleta sonora otorgada por la convivencia con la velocidad, la energía y el ruido del paisaje urbano/industrial. Y que este acostumbramiento requiere de un nuevo acercamiento a la instrumentación y a la composición musical. Por eso, propone un número de conclusiones sobre cómo el contacto con el sonido de la infinidad de ruidos cotidianos, puede sustituir la limitada variedad de timbres que una orquesta procesa.

96 años después, encontramos en Youtube un corto sueco que hace honor a ese manifiesto.“Music For One Apartment and Six Drummers” (2001, Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson) nos regala un tour musical por las infinitas variantes sonoras de un departamento, guiado por seis músicos que, ilegalmente, componen su obra con utensilios de cocina, muebles de baño y dormitorio, y objetos de uso doméstico cuya sonoridad nos suele pasar inadvertida. Una historia que nos deja un sabor curioso, ganas de saber quiénes son estos fantásticos percusionistas y qué los impulsa a realizar ese talentoso delito.

Y según parece, los realizadores también se quedaron con ganas de contar más y en 2010 lanzaron el largometraje “Sound Of Noise”. Y hay que agradecerles, porque es aún mejor…simplemente perfecto. Un cómico thriller acompañado por siete personajes geniales que se funden en una caza de policía-ladrón sumamente original, compuesta al ritmo 94 .THE 13TH

del metrónomo: Amadeus Warnerbring, nacido en una familia de músicos clásicos y niños prodigio, en el seno de una sociedad que respira música clásica, pero que su“falta de oído musical” (citando sus palabras) lo lleva a odiar ese círculo y a convertirse en policía.

Y en la otra vereda, dos músicos que, cansados de vivir en un país cuya “aristocracia” cierra los ojos a todo aquello que no sea Chopin, Haydn y Mozart; reclutan a cuatro percusionistas para llevar a cabo su obra “Music For One City And Six Drummers”. Una jugada conceptual que supone cuatro intervenciones audioextremistas, tomadas como movimientos de guerrilla para demostrarle a ese sector sofisticado y altamente esnobista, que “todas las cosas tienen su propio sonido” y son dignas de escucharse.

Claro está que nuestro policía antimusical pondrá cuerpo y alma para atrapar a estos “terroristas musicales”, pero la trama se enriquece aún más de originalidad cuando impone un nuevo giro argumental: un descabellado toque de Midas que hace que todo aquello que usen los terroristas dejará de emitir ruido alguno para él. Un particular detalle que pondrá a Amadeus, en parte, en un papel de cómplice, al comprender que esto puede ser la clave para alcanzar el tan preciado silencio que lo esquiva constantemente.

Una idea perfectamente original, que se desarrolla sin cansar, fortalecida por una

buena direcciĂłn, buenas interpretaciones, una banda de sonido fantĂĄstica y unas

gotas subversivas que la embeben en un tono de parodia sociopolĂ­tica soberbia.

noticias MUSICA

King of Limbs (2011), todo parece indicar que tendremos nuevo álbum para 2015.

Merciful Nuns tiene fecha de lanzamiento de sus próximas producciones, fiel a su estilo con varios lanzamientos en el año, el 12 de septiembre se lanzará el álbum “Meteora VII”, pero también ese mes lanzará el EP “33 Grade”. Recordemos que este año ya han editado el EP “Exoplanet” y el single “Earth”, en febrero de este año.

Peter Murphy. Recordamos que Momer 360º, ha anunciado el cambio de fecha de la presentación del Ícono del Dark en Buenos Aires, La nueva fecha será el próximo 11 de Septiembre en Niceto Club.

Y la gira por Sudamérica queda corregida, el 10 de septiembre en el Teatro Galpón de Montevideo; la fecha de Buenos Aires; el 12 en Blondie de Santiago de Chile; el 13 en Carioca Club de San Pablo y el 14 en Clube Primeiro de Maio en Santo Andre, en Brasil; y el 16 en Mangos Discoteque de Lima, Perú.

Engineers tiene su cuarto álbum listo para salir el 11 de agosto, el nuevo trabajo se llama “Always Returning”.El 28 de este mes lanzarán el single adelanto, “Fight Or Flight”.

My Bloody Valentine regresan al estudio para registrar un EP, con canciones nuevas, entre octubre y noviembre, pero además Kevin Shields, anunció que está trabajando en la remasterización de “Isn’t Anything”, “Loveless” y todos sus EPs. Pink Floyd editará un nuevo álbum con canciones que originalmente pertenecieron a las sesiones de su último trabajo“The Division Bell”. Las canciones instrumentales ahora tendrán letra. Lo que en principio formó parte de un proyecto que se llamó “The Big Spliff ”, de música instrumental con los tres miembros de Pink Floyd (Gilmour, Mason y Wright). Ahora será parte de la discografía de la legendaria banda. Se ha dicho que su lanzamiento podría ser en Octubre.

Interpol editará su nuevo trabajo el 09 de Septiembre y se titula “El Pintor”, y ya ha anunciado una gira por EEUU. a partir de Septiembre.

Radiohead al estudio. Jonny Greenwood confirmó que en septiembre Radiohead se juntará para ensayar y componer nuevas canciones para el nuevo álbum. Si bien no hay más información acerca del sucesor de The 96.THE 13TH

Alcest en Buenos Aires. La misma productora (Momer 360º) traerá por primera vez a la banda, que recientemente ha editado su nuevo disco Seether. El dúo francés se presentará el lunes 8 de septiembre en The Roxy a las 21 hs. El 9 en Blondie en Santiago de Chile.

Y anteriormente en Brasil, el 4 en el Teatro Rival Petrobal de Río de Janeiro y el 6 en Via Marques de San Pablo.

Peter Hook. Lagente de Momer 360º acaban de confirmar la presencia del bajista en Niceto Club para el 29 de Octubre de este año.

Siendo hasta ahora el único show previsto por Hook en Sudamérica.

Dead Guitars en estudio. La banda alemana se encuentra trabajando en un nuevo trabajo en el Dead Rose Studio. Se pueden ver fotos en los facebooks de sus integrantes.

Wayne Hussey editará un nuevo disco solista en Septiembre de este año. “Songs of Candlelight & Razorblades” es el nombre.

Recordamos que The Mission estará de gira por Latinoamérica en agosto de este año.

Slowdive ya ha anunciado su tour por los Estados Unidos y Canadá durante octubre

y noviembre de este año. ¿Habrá lugar para Latinoamérica?

cual constituye el índice más alto de la región hasta la fecha.

Nick Cave tendrá un documental que plasma el día a día del australiano y su historia, su nombre es “20.000 Days on Earth” y fue dirigido por Iain Forsyth y Jane Pollard.

Su estreno está previsto para el mes de septiembre.

Hollywood: remakes, remakes, remakes.

Mario Kassar, productor de films como Rambo, Terminator 2 y Basic Instinct, se suma a las olas de remakes. La víctima nuevamente se trata de un film oriental: Audition de Takashi Miike. La adaptación del film de 1997, centrado en un viudo que organiza un falso casting para encontrar nueva novia y una pesadilla sin fin, será dirigido por Richard Gray y quizás tenga la misma (mala) suerte que Spike Jonze y su versión de Oldboy.

Otro director, de mayor renombre, también ha firmado contrato para adaptar a la pantalla grande el manga japonés Death Note. El director en cuestión es nada menos que Gus Van Sant, realizador de Milk, Good Will Hunting y Paranoid Park. Death Note, que también tuvo diferentes adaptaciones como una serie de animé, dos películas japonesas y un videojuego, se centra en un joven que encuentra una extraña libreta con la cual puede matar a quien quiera con tan solo escribir su nombre en ella y que empezará a ser perseguido por el FBI. Van Sant ya ingresó anteriormente (con malos resultados) al mundo de las remakes con la adaptación de Psycho, el clásico de Alfred Hitchcock.

CINE Promocionan Cuando tu carne grite ¡basta!

Se dieron a conocer una serie de entrevistas como promoción de Cuando tu carne grite ¡basta!, nuevo proyecto argentino de terror de la mano del director Guillermo Martínez, en este caso dentro del subgénero de violación y venganza. La protagonista es Martina, una estudiante de biología, que luego de mudarse de su pueblo natal para completar sus estudios decide emprender un viaje en busca de un raro espécimen para su investigación. Allí se topará con unos psicóticos vecinos decididos a someterla a toda clase de horrores. El film se encuentra en la etapa de post-producción.

Los videos promocionales pueden verse en Youtube con entrevistas al director y los actores principales.

Presentación del Anuario 2013 de la Industria Cinematográfica Argentina Con la presencia de referentes del mercado cinematográfico nacional, autoridades del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) se dio a conocer el Anuario 2013 de la Industria Cinematográfica y Audiovisual Argentina. Es el quinto año consecutivo que el INCAA presenta el anuario que informa sobre la actividad audiovisual de todo el país. La edición de este año supera a la de 2012 en un 50%.

Durante 2013 fueron 389 los estrenos de los cuales el 43% de la oferta representaba a las producciones argentinas, indicando que aproximadamente 7.500.000 espectadores vieron cine nacional. El 15% del total de los espectadores que asistieron a las salas de cine lo hicieron para ver películas nacionales, lo

Show Pieces, proyecto cinematográfico de Alan Moore y Mitch Jenkins El gran guionista de novelas gráficas, Alan Moore, además de sus trabajos y su espíritu revolucionario siempre fue conocido por despotricar contra Hollywood. Aún más después de ver las pobres adaptaciones de su trabajo como en From Hell y The League of Extraordinary Gentlemen. Dada su decepción, Moore ha decidido crear su propio proyecto fílmico construido a base de cortos dirigidos por el fotógrafo Mitch Jenkins. Ya se encuentra en internet el primer tráiler donde se pueden ver los segmentos Act of Faith y Jimmy’s End con un gran tono de cine negro, ocultismo y una gran influencia de David Lynch con bajo presupuesto.

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El jardĂ­n de las delicias -reseĂąas de discos actuales-

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Peter Murphy – Lion Label: Netwerk Records · Fecha de edición: 02 de Junio de 2014 Por Rodrigo Debernardis

Después de cuatro años de silencio, el príncipe de las tinieblas se mete en la selva y nos presenta a su nueva bestia musical.

Lion es el décimo trabajo solista de Peter Murphy y ya desde el arranque queda claro quién es el Rey Gótico. El primer track, “Hang Up”, también elegido como corte inicial del disco, nos sumerge en una atmósfera tan oscura como hipnótica que de a poco adquiere silueta de Industrial hasta terminar en un desgarrado fadeout de Murphy. En la segunda canción, “I Am My Own Name”, Peter muestra toda su capacidad vocal en un corte con indiscutible sonido de la época. “Low Tar Stars”, tercer track del álbum, bien podría ser un Billy Idol de los 80, con el bajo y el synth machacando desde atrás. Las máquinas se hacen presentes en el siguiente tema, “I’m On Your Side”, para luego desembocar en el que considero el mejor track del disco: “Compression”, que es una tremenda balada en que Murphy le pasa el trapo al mejor Bowie que hayamos podido conocer. Una voz de infinitos matices sostenida por melodías del mejor darkrock que se pueda conseguir en estos días, hacen de esta bellísima canción el motivo suficiente como para comprar el disco.

100 .THE 13TH

El siguiente track, “Holy Clown”, destaca el poder de la banda, que predispone al optimismo pensando en el próximo 17 de Julio (si amigos, Peter vuelve al escenario porteño el mes que viene). En el séptimo track, “The Rose”, el maestro vuelve a dar cátedra con su voz, en una pequeña sinfonía plagada de arreglos de cuerdas, metales y punteos de guitarra. La siguiente pieza, “The Ghost Of Shokan Lake”, bien podría haber sido el vals de casamiento de Tim Burton (o de Jack Skellington). Con la octava canción, “Eliza”, pareciera que Peter Murphy hubiese querido recordar los años 90, época del recordado “Cuts You Up”, con un sonido muy Sisters a lo “Vision Thing” (hasta creí escuchar atrás los coros de Patricia Morrison). En los dos últimos temas, “Loctaine” y “Lion”, el álbum baja la marcha y le da prioridad a las voces, que se destacan por sobre melodías de gran contenido sinfónico-electrónico, para cerrar un gran disco; que contó con una excelente producción de Martin Glover (bajista de los Killing Joke) y en el que Peter Murphy se planta una vez más entre las figuras centrales de la historia de la escena gótica.

Se ha lanzado también una versión De Luxe que trae como bonus disc “Selections From The Mr. Moonlight Tour - 35 Years Of Bauhaus”, que justamente se trata de una selección de canciones de Bauhaus que Peter realizó en su “The Mr. Moonlight Tour”, con el cual festejó los treinta y cinco años de Bauhaus. Fue grabado en el Henry Fonda Theatre de Los Angeles el 27 de julio del 2013.

Whispers In The Shadow - Beyond The Cycles Of Time Label: Solar Lodge · Fecha de lanzamiento: 14 de Abr 2014 Por Alejandro Cenizacromada

“Esta es la salida, este es el adiós, el último capítulo que está siendo escrito ahora.

Aquí no hay verdad, aquí no hay mentira.

Entre el caos volamos…”

The Departure Beyond The cycles Of Time es la nueva entrega de esta agrupación austriaca Whispers In The Shadow, abanderada de ese sonido clásico del rock gótico y con una producción impecable. Este disco aparece en físico bajo el sello Solar Lodge que también ha prensado material de bandas tan representativas como Merciful

Nuns y The Garden of Delights. La banda liderada por el vocalista y cantante Ashley Dayour pone sobre la mesa un gran festín que remite a lo mejor del sonido gótico con una buena cortina electrónica que intensifica ese negro brillante con fuertes destellos de azul. El bajo tiene un papel preponderante a lo largo de toda la placa, una de las cosas que yo he adorado de todo lo referente a estos géneros como el post-punk, el death-rock y rock gótico es que a diferencia de propuestas como el hard-rock, en que el bajo pareciera ser un instrumento relegado por el virtuosismo de la guitarra, aquí adquiere un papel vital en la música, Una verdadera democracia. Una comunión sónica con los demás instrumentos. Los sintetizadores se encargan de ahondar esa sensación pantanosa, en temas como “Incantation” me suenan a un cruce soberbio entre The Cure y los primeros Lycia. La carátula del disco refuerza el concepto de los ciclos del tiempo con la figura de Uroboros, o la serpiente que muerde su cola símbolo de la eterna lucha entre el bien y el mal y el inexorable paso del tiempo.

Morrissey - World Peace Is None of Your Business Label: Harvest/Capitol · Fecha de Lanzamiento: 15 Jul 2014 Por Diego Centurión

Y llegó luego de cinco años el nuevo trabajo de Moz. Después de estos años de mucha actividad, ediciones de film, singles, libro, y de su faceta como activista, llega el turno del décimo álbum de estudio, World Peace Is None of You Business, su nuevo trabajo con nuevas canciones.

Y justamente ese título lleva la canción

que abre el álbum. Que hace un tiempo pudimos ver un video en donde recitaba la letra con la compañía de su amiga Nancy Sinatra, (lo mismo hizo con “Istanbul”, “Earth Is the Loneliest Planet” en donde aparece Pamela Anderson, y “The Bullfighter Dies”). Pero más allá de todo, la presencia de Nancy Sinatra me trae a la mente a “Let Me Kiss You” en donde han cantado juntos, y “World Peace Is None of You Business” (el primer single) me hace recordar un poco a esa de “You Are The Quarry”. Aunque tal vez sin tanto amor, ya que la letra es una crítica a los políticos, aunque sin tanta poesía como esperaba de Moz. “Neal Cassidy Drops Dead”, una canción más rockera, si se quiere, pero lenta, aunque interesante. “I’m not A Man” una ensoñadora canción, muy intimista y delicada. “Istanbul” fue el segundo corte del disco, en donde la historia es la de un padre en busca de su hijo en las calles de Estambul. “Earth Is the Loneliest Planet” una acelerada bossanova, con algunos aires españoles. “Staircase At the University”,

una festiva y gran canción, que nos trae a un Morrissey en estado más puro. “The Bullfighter Dies” una canción en donde Moz se mete en el tema de los toreros y habla que el torero muere y que nadie llora, con un comienzo bien español, ya que todo sucede en España, fue el cuarto y último single extraído hasta ahora.

“Kiss Me Alot”, otra canción con algunos sonidos que recuerdan a España, dulce canción. “Smiler With Knife”, otra canción íntima y con sonoridades españolas.

“Kick The Bride Down The Aisle”, otra balada preciosa. “Mountjoy”, una acústica canción relajada en donde Moz se encarga de criticar a la raza humana, y recuerda a Brendan Behan, un militante del IRA. “Oboe Concerto” cierra el álbum y es una lenta canción en donde evoca a recuerdos de personas que han luchado por ideales.

Un trabajo en donde se lo escucha tibio y relajado, sin la fuerza de canciones como los cortes de discos anteriores, pero es un muy buen disco.

Ikon - Everyone Everything Everywhere (+ bonus disc) Label: Nile Records · Fecha de lanzamiento: junio 2014 (preventa 17/03/14) Por Marianarchy

Ikon es un “ícono” de la escena goth australiana. Desde principios de los 90 viene en marcha, al principio con una similitud notoria a Joy Division, pero luego del cambio del cantante (Chris McCarter por Michael Carrodus) la banda fue incursionando en otros sonidos que a lo largo de los años se transformaron en su sello característico. Y es así que en este nuevo trabajo encontramos el sonido Ikon, La voz concisa de Chris desgarrada, triste, insistente; guitarras acústicas coexistiendo con la electricidad de los

arpegios “góticos”, un bajo contundente, la batería precisa, los teclados como colchón de climas y algunos toques electro.

Oscuridad, palabras repetidas hasta el hartazgo (para que se cumplan los deseos), melodías abrazadoras (y “abrasadoras”),

resonancias frustrantes… así es Ikon.

Canciones admirables: “Rise And fall”, “Blood Of love”, “Misfortune”, “Stolen” y del bonus disc: “The Explorer”, “Predator” y “Desolation”.

Daniel Melero – Disco Label: Ultrapop · Fecha de Lanzamiento: Abr 2014 Por Diego Centurión

El inquieto y siempre sorprendente Melero, aquel que fue el pionero del synthpop con la banda Los Encargados, su posterior trabajo como solista. Siempre tan cambiante y adelantado, en la vanguardia del sonido experimental, pop, synth o electrónico. Un artista que nunca se sabe hacia qué dirección se dirigirá. Algún día deberíamos escribir sobre él en The 13th, ya que su obra es muy interesante.

En este 2014 nos presenta“Disco”, su nuevo álbum. Un viaje congruente con su carrera, un paso diferente, un trabajo diferente. Es una mezcla del Krautrock Kraftweriano, con pinceladas de funky, dub, disco y soul. ¿Todo esto en un solo disco? ¡Sí!, es Daniel Melero. Él se puede dar el lujo de eso y de más, y salir de esta estación en su carrera

musical con prestigio y belleza. “Vamos a un corte” es una mirada al sonido de Kraftwerk, con una dosis de elegancia que sólo Daniel le puede imprimir. Un instrumental para bailar y sentirse dentro de una pista tecnológica de baile. Un dub llamado “Bienvenidos”, “pasen y vean…” nos invita Melero a adentrarnos en un submundo en donde el bajo se siente en el pecho y nos obliga a practicar unos pasos con nuestro mejor traje. “Un servicio de excelencia… nos provoca indiferencia”. El tercer track es “El Ritmatista” una oscura y electrónica canción, con pasajes sonoros que me retrotrae a su disco “Cámara” (1991), pero con un sonido 2014. “Saber volver”, otro instrumental ideal para que figure en una pista de disco de los años 70’s ó 80’s, con Tony Manero. ¡Un funky disco exquisito! “Dudas”, funky,“cualquiera puede ser otro… no es fácil ser uno mismo”, (A quién le quepa el saco que se lo ponga). Crítica al mundo de apariencias, el que se cree raro es el más normal. “Mirá mirá”, una aparente desarticulada canción, pero que explora y recrea sonoridades utilizadas anteriormente, en este disco o en otros trabajos, un desarmar y volver a armar. Una exploración sónica. “Club de músicos”, una base entre funky y dub, con mucho groove del soul. Una mántrica y envolvente canción. “La frontera” es la mejor canción del disco. Enérgica y con

mucho estilo. Rítmica y perfecta. “Es cuestión de piel…”. “Gente segura”, una canción disco casi instrumental, guitarras y teclados que recuerdan a la de la música de los años ochenta argentinas. Pero con mucha elegancia y prestancia. Una crítica a mucha gente que se cree que sabe todo.

Y para cerrar el álbum “Fin de espacio publicitario”. Un largo acorde de teclado de cuarenta y cinco segundos, vacío, intenso y que da por culminado a “Disco”.

Daniel Melero hace de nuevo lo que

mejor sabe hacer, música, pero siempre con esa bella e inagotable cuota de genialidad. Sorprende, una vez más, con un paso hacia el lado menos predecible, menos esperado, menos cómodo. Pero de eso se trata la genialidad de este artista, moverse por caminos poco transitados y darle su propia mirada, seguramente escucharemos otros “Disco” firmado por otros artistas.

¡Excelente Daniel Melero y su “Disco”!

Tiempo y Forma - Parte de la belleza Label: Petroglyph Music / Alredy Dead · Fecha de Lanzamiento: 8 Abr 2014 Por Alejandro Cenizacromada

Proyecto argentino formado en 2007 por Emiliano Herrera. Un trabajo que gira en torno a piezas instrumentales de gran calidad, aquí el hilo conductor del viaje son las guitarras que me hacen traer a la mente los oníricos paisajes de maestros como Robin Guthrie de Cocteau Twins.

Este trabajo titulado “Parte de la belleza” le hace honor a su nombre, un vuelo reflexivo entre la niebla, la inmensidad de un mar solemne y un halo de luz proveniente de un faro brindando esperanza. Pensado inicialmente como un álbum y finalmente concebido como una compilación al ser incluidas versiones demo en el trabajo final. Los primeros cinco cortes fueron grabados por Roki Romero en Mayo de 2013; Cuenta con la colaboración de Diego Centurión (Luncil, Cenizacromada) en las mezclas y Ligia Berg en el arte de la carátula. Cuando la música tiene el poder de crear imágenes en la mente, es realmente poderosa.

A Spell Inside - Autopilot Label: Scanner · Fecha de lanzamiento: 06/06/14 Por Marianarchy

A pesar de grabar en 1995 su primera producción, A Spell Inside ya habían comenzado en 1989. Y luego de 5 años de espera este es el séptimo trabajo de la banda, el cual mantiene su sonido particular que llegaron a conquistar en “Loginside”

(2009). Todavía más elaborado que su predecesor, nos encontramos con un grupo afianzado y maduro que nos ofrece música electro, rozando el synth-pop¸ precisos, prolijos y bailables, con melodías y coros pegadizos (pero no por ello pierden la característica melancólica) al mando de la particular y a leguas reconocible voz de Michael Roeder (que ya viene destellando desde su trabajo en Behind The Scenes).

Podemos agregar que el sello distintivo de este álbum es que a excepción del track “Thorn”, está enteramente cantado en alemán. Canciones recomendadas: “Mein Weg”, “Kampfbereit”, “Zu Spat”, y “Kein Fleiss, Kein Preis” Si es tu primera incursión en esta banda no la desaproveches y si ya la conocías déjate sorprender por su encanto.

Demdike stare - Empirical Research

Label: Demdike stare · Fecha de Lanzamiento: 22 May 2014 Por Alejandro Cenizacromada

Demdike stare es un proyecto británico de sonido electrónico experimental, formado en Gran Bretaña por Miles Whittaker y Sean Canty en 2009. El nombre está inspirado en uno de los juicios de brujas más famosos que se hayan dado en el siglo XVII en Inglaterra. Demdike era el alias de Elizabeth Southern, cabecilla de las brujas de Pendle acusadas de cometer varios asesinatos y quien falleció en prisión en 1622 antes de ir a juicio.

De este “Empirical Research” se sacaron copias en edición limitada en formato casete y el trabajo consta de dos cortes que duran sobre los 25 minutos y que lo llevan a uno a un viaje por los territorios

del ambient y la experimentación que hace recordar a maestros como el francés Pierre Henry. Una orgía ocultista de texturas por momentos sedosas, por momentos espaciales y dando tiempo para incluir elementos del free jazz y el drum ‘n’ bass. Es bastante recomendable ponerle atención a la discografía del proyecto, los videos que tienen están llenos de una buena dosis de humor negro, tribalismo y excelente

sentido del absurdo, hay una fuerte influencia de películas de ciencia ficción y terror de serie B de los 60 y 70. La banda también explora elementos del techno, el dub y el sonido tribal. Si quieren dejarse infectar con una propuesta oscura, llena de sarcasmo y libre de cliches, la discografía de Demdike stare está aguardando para ustedes. ¡¡¡Tremenda investigación empírica!!!

The Cosmic Dead – The Easterfaust

Label: Sound of Cobra · Fecha de Lanzamiento: 06 Mar 2014 Por Diego Centurión.

Sexto álbum de esta banda escocesa.

The Easterfaust es un disco de dos tracks, uno de 22 y otro de 19 minutos aproximadamente. “Part I” es la primera canción del disco, un largo y atmosférico track que tiene reminiscencias al Pink Floyd de “Ummagumma”; experimental, mántrico, hipnótico, hacia los nueve minutos aproximadamente se vuelve rítmico pero no pierde esa cuota tan particular de space rock y, por momentos, stoner rock. Y unas voces comienzan a aparecer en forma ritualezca. Hacia

el final se torna caótica y apocalíptica.

Genial. El segundo track “Part II”, es la continuación de la anterior, comienza enérgicamente, retomando parte del caos del track anterior. Luego regresa a un tono más “Ummagunezco” (si se quiere), esos experimentos en donde la guitarra, bajo y batería parecen ir por distintos caminos, pero justamente ése es el punto de conjunción armónico. Obviamente, el Pink Floyd post-psicodelia, se hace presente en el sonido de The Cosmic Dead. Un muy buen disco.

The Pains of Being Pure At Heart – Days Of Abandon

Label: Yebo Music, Llc. · Fecha de Lanzamiento: 13 May 2014 Por Diego Centurión

Fresco e inocente disco. Un agradable trabajo de la banda neoyorquina, con mucho de indie y algunos pincelazos de dreamy (“Beautiful You”, “Coral And Gold”, “The Asp At My Chest”), en “Until The Sun Explodes” roza el shoegaze.

Pero es un disco en donde el indie rock (muy a los Belle & Sebastian) predomina.

Las canciones “Kelly” y “Life After Life” cuentan con la participación de Jen Gome (A Sunny Day In Glasgow). Diez canciones prolijas y efectivas que terminan por redondear un trabajo interesante que, sin descollar, desnudan una decena de lindas canciones que piden una amable nueva escucha completa.

Be My Enemy - The Enemy Within

Label: Independiente · Fecha de lanzamiento: 18 Jun 2014 Por Marianarchy

Luego de su debut en 2010 con “This Is the New Wave”, Phil Barry (ex Cubanate: banda británica representante del industrial en los 90), nos presenta la

última producción de esta banda de “un miembro”: Be My Enemy.

Teclados hipnóticos envuelven la atmósfera industrial saturada de la voz distorsionada de Phil. Guitarras filosas, “loopeadas”, retocadas, pesadas, densas y furiosas. Por momentos cyberpunk, bailable y destornillante, este álbum posee sonidos familiares y a la vez algo extraño, nuevo, atrapante. Al escuchar este trabajo estás en una fiesta rave industrial, una fiesta divertida, en un ritual tribal con la voz de Phil amenizando la velada volada.

El álbum fue producido, escrito e interpretado por Phil Barry, excepto “Kill your televisión” con Mangadrive (Bee Teknofiend). Algunos tracks destacables son: “Money Is Your God”, “We Own The Night”.

The Stompcrash – Love From Hell

Label: Swiss Dark Nights · Fecha de Lanzamiento: 20 Abr 2014 Por Diego Centurión

Otro trabajo de la banda italiana (yo conocía su primer disco Requiem Rosa).

Ellos presentan un muy prolijo disco de Gothic Rock, clásico, sin mostrar un sonido novedoso pero tampoco con un sonido vintage del género. El cuarteto muestra muy buenas canciones como “Jack”, “Duality”, “The Last Goodbye”, “Bloodnever”, “On The Seventh Floor” y “Hunger”, haciendo que la estructura de “Love From Hell” sea placentera. Un disco que no se escapa a los cánones esperados del Gothic Rock. No sorprende, pero gusta.

Astralia – Atlas

Label: Astralia Self-Released · Fecha de Lanzamiento: 13 May 2014 Por Diego Centurión

“Where The Streets Have No Name” de U2, pero se transforma en un bella canción drone. “Io”, tiene más de dreampop y se vuelve a mezclar el sonido sucio del drone. “Atlas”, la que titula el trabajo, cambia las sonoridades drone/ambient.

Las combinaciones de los estilos no varían demasiado, las canciones se mantienen en esas formas sonoras, pero la excelencia de las composiciones logran que el disco sea muy atractivo para los amantes de los paisajes lánguidos y con momentos de oscura calma.

Interesante segundo trabajo de esta banda española Astralia. Un disco que consta de ocho instrumentales con paisajes de un atmosférico dream-pop, ambient y en otros momentos drone. El comienzo con su primer single, “You Are Here”, parece

Otoño – Diferentes

Label: Otoño Self-Released · Fecha de Lanzamiento: 27 May 2014 Por Diego Centurión

Otoño acaba de lanzar su segundo álbum “Diferentes”, pueden conocer más a la banda en la entrevista “Sonoridades Luminosas”.

Un disco con un sonido que se mueves entre el indie, pinceladas de shoegaze y el dream-pop. El trabajo abre con “Final”, una curesca canción indie simple y efectiva, con el aporte en guitarra acústica

de Gabriel Guerrisi (Los Brujos) quien estuvo en la producción el disco. Luego el shoegaze se hace presente en “Auto”. El dream-pop aparece de manera brillante en la canción “Incertidumbre” (para mí la mejor del álbum). En “Trance”, como nos han contado ellos mismos, ha participado Bob Nastanovich (Ex Pavement), quien ha colaborado sin ningún problema. No puedo dejar de nombrar otra gran canción como “Soñar”, con un aire ensoñador precioso al comienzo y luego se rompe en una bella canción con dulzura y energía.

Diferentes es un trabajo en donde se muestra el avance con su antecesor debut, un álbum prolijo, cuidado, directo, inteligentemente efectivo, con muy lindas canciones. Sin lugar a dudas, un paso adelante en la producción de la banda.

Pueden descargarlo gratis en su bandcamp (la dirección la pueden hallar en la entrevista). Para más adelante prometen la producción física del álbum.

Astralia – Atlas Label: Astralia Self-Released · Fecha de Lanzamiento: 13 May 2014 Por Diego Centurión nombres. Si pensamos en SPC ECO sería su sexto álbum, pero si pensamos en B O F C sería su disco debut. Lo cierto que es un álbum precioso, con altas dosis de electro dream-pop, synth-pop, y tintes de shoegaze, con excelentes canciones como “Burn It Down”, “Push”, “Fall Apart For Love”, “Delusional Waste”, “Fuck You” y “One And Only”.Un trabajo que levanta B O F C es el proyecto de Dean García (Ex – la calidad que parecía haber perdido en su Curve) y de su hija Rose Berlin, anteriormente último trabajo “Sirens And Satellites” de 2013. conocidos como SPC ECO, de hecho no termina Doce canciones que nos trae una de las mejores de quedar bien claro cuál es el nombre de la versiones de la banda con uno de sus mejores banda, ya que lo pueden encontrar con ambos discos.

Ep’s - singles Coil / Nine Inch Nails - Recoliled Label: Cold Spring · Fecha de Lanzamiento: 24 Feb 2014 Por Alejandro Cenizacromada

Algo que me parece interesante es el hecho de que un sello eminentemente underground como los ingleses Cold Spring, enfocados en sonidos Drone, Noise, Dark, Ambient e Industrial, abanderados de las tendencias más anti comerciales sean los encargados de sacar dicho material teniendo en cuenta el status de popularidad de Nine Inch Nails, que de alguna manera ha logrado ganarse en el buen sentido un lugar en el mainstream mundial. Hay que reconocer que aparte de su increíble talento como artista y productor, Trent Reznor ha sabido manejar esa parte de la mercadotecnia con mucha inteligencia y con NIN ha

mantenido intacta esa dignidad artística en estos tiempos en que por un buen fajo de billetes, muchos cambian la filosofía y el concepto para convertirse en los artistas favoritos de las mamás. Esta selección de remixes partió de una cinta DAT que envió Reznor a Peter “Sleazy” Christopherson y Danny Hide. Estos mixes fueron descartados dentro de los maxis de Nine Inch Nails y permanecieron durante años rotando en bootlegs y en foros de amantes de la banda de Trent Reznor hasta que Cold Spring se hizo a los derechos de estos temas. Que podría yo agregar ante la indudable calidad de este material más que merecido no solo para ver desde otra perspectiva la fase herética de NIN que los elevo a artistas de culto, sino también encontrarnos con el legado inmenso de Coil. Mis favoritas, el ametrallamiento sónico de “Gave Up (Open My Eyes)”, la crepuscular versión de “Closer (Unrecalled)” y la decadencia post apocalíptica de “Eraser (Baby Alarm Remix)”.

Ghost Painted Sky - Ghost Painted Sky (EP) Label: Not on Label · Fecha de lanzamiento: 22 Abr 2014 Por Diego Centurión.

Un proyecto que esconde al músico David Strong, quien se encargó de escribir y grabar todos los instrumentos, como así también de todos los detalles (mezcla, producción, masterización y todo el arte). Tres canciones “Wounds That Never Heal”, “Separation” y “Shattersea”, cristalizan un sonido darkwave, gothic rock y por momentos etéreo. Con fuertes

influencias de Bauhaus, Joy Division y The Cure. El track uno recuerda a Bauhaus y a Essence, linda canción con un ambiente nocturno perfectamente logrado. El track dos recuerda al The Cure de Pornography,

con un clima opresivo a lo Joy Division. Y la última canción es un etéreo instrumental que sonoramente tiene algo de Cocteau Twins pero más oscuro. Un excelente EP debut de Ghost Painted Sky.

Mazzy Star – I’m Less Here (Single) Label: Rhymes of An Hour Records · Fecha de Lanzamiento: 19 Abr 2014 Por Diego Centurión.

Todavía descubriendo trabajos editados en el Record Store Day. “I’m Less Here” es un single de la banda de Hope Sandoval, lanzado en una edición limitada de 3.000

copias. Dos tracks, el primero (que le da nombre al single) es una dulce canción acústica, etérea, dulce y sensual. Sólo la guitarra acústica de David Roback y la voz de Hope Sandoval alcanzan para desnudar la belleza de la banda. “Things” el track de cierre, posee una percusión (grabada por Colm Ó Cíosóig), que apoya a la voz y a una levemente distorsionada guitarra, la canción no deja de ser simple, pequeña e intimista. Un pequeño trabajo que aporta más dulzura y quietud a la bella discografía de Mazzy Star.

Evæl – Breathe (EP) Label: Evæl Self Released · Fecha de lanzamiento: 18 Abr 2014 Por Diego Centurión.

Mágico es la palabra para catalogar este trabajo debut del inglés John D. Reedy.

Etéreo, ambiental, delicado, precioso, con mucho vuelo y simple, sin mucho trabajo de mezcla y efectos post grabación. Evæl nos regala este trabajo llamado “Breathe” como un obsequio celestial. Tan sólo en cinco canciones esta banda logra lo que a muchos les lleva un disco o más. Frescura, belleza, calidad, relax, hipnotismo, sensualidad, es lo que nos encontramos en estas bellas canciones como “Fell Guardian”, “Circle”, “Lost At Sea” o “Into The Depths”. Guitarras españolas que crean una rara mezcla junto a la sonoridad con hermosos pianos. Un producto altamente recomendable para amantes de lo etéreo, ambiental y el dream-pop.

The Jon Spencer Blues Explosion – She’s on it Jack the Ripper (Single) Label: JSBX Recordings · Fecha de Lanzamiento: 19 Abr 2014 Por Diego Centurión.

Lanzado en el tan nombrado “Record Store Day”, es un single de la canción “She’s on it Jack the Ripper”, una canción que enseguida recuerda a “No Sleep Till Brooklyn” de los Beastie Boys, pero con el ruido guitarrístico característico de Jon Spencer. El lado B “Audio Vacation”, es un track que tiene una mezcla de experimentos sonoros con sonidos que recuerdan a los años ochenta, la maestría de la banda es que a pesar de ser una canción casi indescifrable, tiene la esencia rústica y enérgica de Jon Spencer Blues Explosion.

Devo and The Flaming Lips – Gates of Steel (Single) Label: Warner Bros. Records · Fecha de Lanzamiento: 19 Abr 2014 Por Diego Centurión.

Otra edición del“Record Store Day”, como en el número anterior le comentábamos sobre el single compartido entre The Cure y Dinosaur Jr. con “Just Like Heaven”, hoy tenemos el original y el cover. “Gates of Steel” interpretada en primer lugar por la banda que la compuso Devo y luego la versión, por cierto muy buena de The Flaming Lips. Nada más, nada menos.

The Devil & The Universe – Walpern Label: aufnahme + wiedergabe Fecha de Lanzamiento: 30 Abr 2014 Por Diego Centurión.

The Devil & The Universe es un proyecto paralelo de Ashley Dayour (Whisper In The Shadows). En este EP de tres canciones de un tenebroso darkwave, en donde podemos escuchar la profundidad de ambientes oscuros y difusos, cargados de aires ritualezcos y experimentales, en donde no sabemos cuándo termina la realidad y empieza la pesadilla.

“The Great God Pan”, “Evoking Eternity (Hexenbrennen Mix)” y “Sabbath Visions”, nos acercan a lúgubres y amplios paisajes perdidos en donde se practica un aquelarre al cual, desde el comienzo de la primera canción… estamos invitados.

Warpaint – Disco/Very (EP) // Keep It Healty, Discovery (Remixes) Label: Rough Trade · Fecha de Lanzamiento: 16 Jun 2014 Por Diego Centurión.

El trabajo de los remixes no se debería catalogar como buenos o malos, ya que las miradas sobre este tipo de trabajo es muy personal. Dos trabajos en uno.

Un 2 x 1. Warpaint editó dos EPs en estos meses. El primero “Disco/Very” de cuatro canciones, la versión del disco de “Disco/Very”, luego el muy buen remix de la canción, “Biggy (Bearsen Remix)”, a continuación una versión de “Love Is To Die (Sister Bliss Dub)”, otro excelente

remix, con mucho Groove. Y por último, “Disco/Very (Moody Good Remix)”, un remix bien realizado. El EP está bien logrado y tiene distintas miradas sobre algunas canciones de la banda. Ahora el segundo EP. Tres remixes, primero “Keep It Healty (El-P Remix)” una interesante mirada y reconstrucción de la canción.

Luego “Disco/Very (Richard Norris Remix)”, una mántrica y envolvente desconstrucción de la canción, muy bien repensada, casi de lo mejor de ambas ediciones. Y nuevamente tenemos “Disco/ Very (Moody Good Remix)”, que es la que cierra el EP anterior.

Estos trabajos suelen ser pensados para otro tipo de búsquedas, a veces muy alejadas de la esencia misma de la banda, como en este caso. En fin, no son trabajos ni buenos ni malos, simplemente distintos

Gary Numan – I Am Dust (Single EP) Label: Cooking Vinyl · Fecha de Lanzamiento: 23 Jun 2014 Por Diego Centurión

Gary Numan edita este simple de la canción de su último disco “Splinter (Songs From A Broken Mind)”. Cuatro versiones de la canción “I Am Dust”. La primera es la versión que aparece en el álbum, que de más está por decir lo potente

que es. La segunda es el demo que muestra a la canción en un estado más primitivo, pero con la misma contundencia de la versión del disco oficial. La tercera es “I Am Dust (thenewno2 Remix)”, un remix más ambiental que busca un poco más de tinte espacial pero que por eso, no pierdo tanto su agresividad. La última es “I Am Dust (Roman Remains Remix)”, es una nueva remezcla que tiene un poco más de ritmo industrial, es la más rítmica pero la más floja de las versiones. Un simple con distintas observaciones de la misma canción, para disfrutar.

Pixies – Live EP Label: Musikexpress · Fecha de Lanzamiento: Junio 2014 Por Diego Centurión

Lanzado como especial de la revista alemana Musikexpress, los Pixies ya son unos abonados a “El Jardín de las Delicias”, ya que no paran de generar ediciones, y va una nueva. En este caso, siete tracks conforman este EP. Parte grabado en vivo en el tour por USA 2014. Esta

Peter Murphy – Mr. Moonlight Tour 35 Years Of Bauhaus Label: Nettwerk · Fecha de Lanzamiento: 23 Jun 2014 Por Diego Centurión

“Double Dare”, “In The Flat Field”, “A God In An Alcove”, “The Spy In The Cab” y “Stigmata Martyr”, son las tremendas versiones grabadas la noche del 27 de julio de 2013 en el Henry Fonda Theater de Los Angeles. Editado como una pequeña selección del disco extra de “Lion” en su versión De Luxe.

Aquellos que no lo han escuchado, se encontrarán con el poder de un Murphy maduro, sólido, carismático, enigmático y vocalmente impecable. Las versiones de Bauhaus suenan tremendamente frescas y potentes.

compilación estuvo a cargo de Annett Scheffel para la revista y consta de cinco canciones en vivo, “Bagboy”, “Nimrod’s Son”, “Crackity Jones”, “Money Gone To Heaven” y “Magdalena 318”. Luego trae dos tracks más que pertenecen al documental que lanzaron en donde ellos hablaban “Track By Track” “Black Francis Über Bagboy Und Magdalena 318” y “Pixies Úber Indie Cindy”. Las versiones en vivo destilan la energía de la banda en vivo, aunque también se encuentran en la edición extendida del disco “Indie Cindy”.

De todas formas, a no perdérselo.

Camera Obscura – 4AD Sessions Label: 4AD · Fecha de Lanzamiento: 19 Abr 2014 Por Diego Centurión

A decir verdad, esta banda nunca terminó de convencerme. Pero con este EP en directo de cuatro canciones me cautivó.

La simpleza y dulzura de las canciones me deslumbró. Los momentos dreamy de “Desire Lines” y “Fifth Line to the Throne”, lo mejor. Nunca escuché un concierto, tal vez sean de esas bandas que en vivo son mejores que en sus discos de estudio. El concierto fue registrado el 22 de junio del 2013 en el Tron Theatre de Glasgow.

Bello EP de Camera Obscura, una banda con larga trayectoria.

Her Name Is Calla – Live At St. Pancras Old Church Label: Her Name Is Calla Self Released · Fecha de Lanzamiento: 12 May 2014 Por Diego Centurión

Her Name Is Calla es una de esas bandas que va mutando de piel con cada nuevo trabajo, si bien su sonoridad no cambia demasiado, el tinte de sus trabajos sí.

Ahora los tenemos en su esencia más pura, en vivo y en directo, sin post producción.

Registrado el 25 de abril de 2014 en St

Pancras Old Church de Londres. El disco abre con la enigmática y explosiva “Condor And River”, de un poco más de diecisiete minutos, en donde la solemnidad aparece con las cuerdas, pero que su comienzo introspectivo se quiebra con la batería.

En “Meridian Arc” se vuelven un poco más “normales” pero rozando el sonido Nick Cave And The Bad Seeds. “Burial” es otra canción apoyada por las cuerdas que aumenta la intensidad a medida que avanza el track. “Dreamlands”, drone casi noise. “Perect Crime” por momentos me recuerda a Jeff Buckley, hermosa canción.

Y el EP cierra con “Thief ” otra bella canción. Un disco que desnuda la esencia de la banda. Excelente trabajo.

Varios Artistas, en Vivo y Reediciones

8-bit Operators - Enjoy The Science (Tribute To Depeche Mode) Label: Receptors Music · Fecha de Lanzamiento: 10 Jun 2014 · Por Diego Centurión

8-bit Operators es un colectivo proyecto electrónico creado por Jeremy Kolosine, y acompañado por muchos artistas. La particularidad de este proyecto es que realizan discos tributos a diversas bandas, en el 2009 abrieron con The Beatles, el 2012 a DEVO, en

el 2013 a Kraftwerk y ahora nos traen a Depeche Mode. Hasta ahora pareciera no ser gran cosa lo que digo, pero si escuchamos encontraremos la diferencia en que está enmarcado en el sonido “chiptune”, aquellos que se utilizaban en las primeras computadoras de los años ochenta y noventa. Un disco que recrea las versiones de la banda de Dave Gahan de manera brillante y nostálgica (por el sonido), clásicos de Depeche Mode parecen haber salido de un Atari o un Nintendo. El disco trae quince versiones de suma belleza y no faltan los emblemáticos “Enjoy The Silence”, “Policy of Truth”, “Strangelove”, “Never Let Me Down Again”, “Just Can’t Get Enough” (que es el que más nos sumerge en un videojuego) y “Behind The Wheel”, por nombrar algunos. Muy buen disco y divertido, ideal para los amantes de los sonidos de los años ochenta.

De/Vision – 25 years Best of Tour Label: Popgefahr Records · Fecha de Lanzamiento: 18 Mar 2014 · Por Diego Centurión

De/Vision está muy presente en este número, casi participando de todas las secciones de la décima ediciónde The 13th. Ahora los tenemos con un trabajo en vivo. Este concierto fue registrado en Anker Club, Leipzig, en Alemania, el 4 de octubre de 2013. Este concierto, como en toda la gira de sus 25 años, comienza con el instrumental “The Day Before Yesterday”, una canción que posee la energía del integrante nuevo en este Tour, Markus

Köstner. Luego le sigue “Dinner Without Grace”, el primer clásico de este disco.

Pero también tenemos otros como “I’m Mot Dreaming of You”, “Binary Soldier”, “Time to be alive”, “Try to Forget”, “Love will find away”, “Your hands on my skin” o “Flavour of the week”. Trece excelentes canciones que transmiten la nueva energía de la formación actual, en realidad el dúo Steffen – Thomas y el agregado de Markus. Pero sólo la batería le aporta una profundidad y potencia a las canciones que convierten al álbum en algo muy disfrutable y mágico.

El 18 de Mayo se editó una versión en DVD de este concierto bajo el mismo nombre, que se vende por internet y en sus conciertos. Esta nueva edición viene con material extra.

Cabaret Voltaire – #7885 (Electropunk To Technopop 1978 – 1985)

Label: Mute · Fecha de Lanzamiento: 23 Jun 2014 · Por Alejandro Cenizacromada H Kirk. Contiene las versiones 7” de sus temas más representativos y se muestra ese salto de lo lisérgico y futurista de su primera obra a ese sonido que coqueteó con un synth-pop maquinal; una de las cosas que me encanta de la visión de Cabaret Voltaire es que no terminaron Siempre he considerado que una compilación acaramelados como sus paisanos de The Human nunca alcanza a captar la esencia de una banda League. Tras la escucha de este compilado si el de culto, siempre hay temas que no hacen parte oyente quiere acercase de manera más profunda de lo “representativo” y que terminan siendo a la discografía de CV puede perderse en desechados por ahí, pero que dentro de un obras terrosas como “Red Mecca (1981)” o el álbum fueron parte preponderante de una obra salto synth-pop autómata de “Micro - Phonies maestra. Debo reconocer que en casos como (1984)”. Este humilde servidor recomienda esta recopilación, permite acercarnos, conocer escuchar un concierto hecho en 1982 como e incluso redescubrir palabras más palabras un alter ego de Cabaret Voltaire llamado “The menos, la influencia de un grupo dentro de Pressure Company” hecho en la universidad una escena. Para las nuevas generaciones llega de Sheffield el cual parte de las ganancias se una selección perfecta para acercarse al legado utilizaron para llevar suministros médicos a un de Cabaret Voltaire, esta banda industrial de hospital en Polonia. Una deliciosa catarsis Post Sheffield liderada por el polifacético Richard punk experimental.

Morrissey – Vauxhall And I (20th Anniversary Definitive Master) Label: Parlophone Records · Fecha de Lanzamiento: 02 Jun 2014 · Por Rodrigo Debernardis

Es bien sabido que lo que para las compañías discográficas era hace unos años una importante fuente de ingresos, esto es, la venta de copias de un disco, hoy ya no lo es. Y por tal razón es que los sellos han comenzado hace un tiempo a re-editar placas emblemáticas de diversos artistas, remasterizadas y con agregado extra para darle algún interés, como en este caso aparece, además del disco original, un segundo CD con un concierto de la época.

Dicho todo esto, arranquemos diciendo que Vauxhall And I está cumpliendo 20 años, y esa es, a pesar de lo dicho anteriormente, una excelente excusa para festejárselo. (Si quieren pueden ver en el Nº 9 la reseña que le hicimos) Producido por Steve Lillywhite (U2, Peter Gabriel), ya desde el primer track, Moz nos avisa que éste no será un disco más en la colección de sus fans. La épica nostalgia que transmite Now My Heart Is Full invita a escuchar el álbum enterito.

Y no defrauda. Más allá de que Spring Heeled Jim y Billy Bud (tracks 2 y 3 respectivamente) no bajan la intensidad, con Hold On To Your Friends (track 4) el disco vislumbra lo que serán en su mayoría canciones de marcada intención acústica y orquestal. I Am Hated For Loving, Why Don`t You Find Out For Yourself (para cantar con la guitarra en un fogón en la playa), Lifeguard Sleeping, Girl Drowning (simplemente hermosa), Used To Be A Sweet Boy (bellísimo vals “morrissiano”) muestran a un artista que ha madurado y comienza a erigirse como el crooner consolidado que es hoy. The More You Ignore Me, The Closer I Get (track 5), una perfecta gema pop, agrega al álbum el pergamino de permitirle ingresar al músico por primera vez en su historia dentro de los charts norteamericanos. El disco cierra con Speedway, y ahí sí, con la orquesta desconándonos los parlantes, con Morrissey confesándonos: “In my own strange way, I`ve always been true to you, In my own sick way, I`ve always been true to you”, ahí sí, decimos que Vauxhall And I es, definitivamente el mejor disco de toda la carrera solista de Morrissey.

Como dato administrativo debemos agregar que el CD 2 de esta edición es un correcto concierto en vivo de 1995 en el que el artista presenta casi todas las canciones del disco oficial, con el agregado de, entre otras, una de The Smiths (London) y la que luego se convertiría en parte de su repertorio habitual, Moon River.

De/Vision – UNFINISHED Tape Session Label: Popgefahr Records · Fecha de Lanzamiento: Mar 2014 · Por Diego Centurión

La banda alemana está editando todo su catálogo, desde ediciones shows en vivo como vimos antes y compilaciones, ésta es la primera que aparecerá en este número. Se trata de 19 versiones demo e instrumentales de canciones que luego pertenecieron a los discos “World

De/Vision – Instrumental Collection Label: Popgefahr Records Fecha de Lanzamiento: Mar 2014 Por Diego Centurión

Otra vez los alemanes, esta vez con otra rareza, una caja con nueve discos, en donde se encuentran versiones instrumentales de Monosex (1998), Void (2000), Two (2001), Devolution (2002), 6 feet underground (2004), Subkutan (2006), Noob (2007), Popgefahr (2009) y Rockets + Swords (2012). Una edición especial de 500 copias. ¡¡¡¡Un karaoke oficial!!!!

Without End”, “Unversed In Love”, “Live Moments We Shared” y “Void” pero también nos encontramos con canciones inéditas como: “Any Day”, “It Must Go On”, “Walküre”, “Concertina Effect”, “Pulsar 3”, “Phantom Dancer” y “A Dark Truth”. Primeras versiones de grandes canciones como “To Be With You”, “Time Stands Still “, “Soul-keeper”, “At Night”, “Blue Moon”, “Endlose Träume” o “Dinner Without Grace”, entre otros. Un disco de rarezas con primitivas versiones de lo que luego fueron canciones.

ASP – Der Komplette Schwarze Schmetterling Zyklus (I Bis V) Label: Trisol. · Fecha de Lanzamiento: 21 Feb 2014 Por Diego Centurión

Este trabajo fue lanzado originalmente en el 2011, pero ahora es reeditado para celebrar el decimoquinto aniversario de la banda. Una colección de diez discos en donde se recopila sus álbumes y algunos singles. La diferencia de esta nueva reedición es el agregado de los singles perdidos “Horror Vacui. The Eeriest Tales Of ASP (2008)”, en sus tres versiones, que no estaban en la primera edición. Además trae un libro de tapa dura de112 páginas con los gráficos de ciclo de la completo “Schmetterling” y de los singles que acompañan.

Un box de lujo para tener.