The13th numero 11

STAFF Idea y Realización Emiliano Herrera Diego Centurión Ligia Berg

Redactores Departamento de Música Diego Centurión Emiliano Herrera Gabriel Muscio Alejandro Cenizacromada Erick R. Vieyra marcelo Simonetti Daire Alujas Maxx Wilda Rodrigo Debernardis Departamento de Cine Nicolás Ponisio José Luis Lemos Gustavo M. García Departamento de Literatura Pablo Ravale Departamento artes visuales ligia berg

Dirección General Diego centurión

Dirección de Arte y Diseño: Ligia Berg

maquetación: Emiliano Herrera

Corrector pablo ravale

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SEPTIEMBRE 2014 Buenos Aires, Argentina

Editorial 11

En las puertas de algo grande…

Número once de The 13th.

Las ilusiones siguen creciendo, así como también lo hace el Staff. La hermandad de The 13th sigue aumentando adeptos.

Un número cargado de Notas, Entrevistas, reseñas de tres conciertos del “South America Tour” de The Mission, y de Spiritualized en Buenos Aires.

Pero tenemos nuevo integrantes en el Staff, desde Chile Daire Alujas, Juan Navarro y tenemos como invitado a Marcelo Simonetti.

Podemos darnos el lujo de tener entrevistas a Nick Marsh (Flesh For Lulu), Martin Glover (Youth) de Killing Joke, Epic 45, Cosaquitos en Globo, Mick Kelly (baterista de The Mission), y los que nos visitarán Alcest.

También una entrevista al pintor Tadeo Phillips.

Esta vez nos traemos unos Dossiers sobre Muslimgauze, la segunda parte de “Movimientos Musicales”, análisis de la obra de Leonard Cohen, Jeff Buckley. Un homenaje al recientemente desaparecido Hans Ruedi Giger.

Y como siempre hay Cine, Literatura, Noticias, Pura Melomanía.

Un nuevo número muy cargado de información, datos jugosos, recuerdos y anécdotas y, sobre todo, de mucha dedicación. Un número del cual nos sentimos orgullosos y nos queda esa sensación de que estamos en las puertas de algo grande.

The 13th Revista.

SUMARIO Año 2· Número 11 · Octubre 2014

Revista

Leonard Cohen - New Skin for the Old Ceremony (1974)

Editorial

P.3

jeff buckley - un fantasma escurridizo p.5 Por diego centurión

por Gustavo Rojas Fernández

Soda Stereo -Soda Stereo (1984) por Gaby Muscio

Oasis - Definitely Maybe (1994) por Maxx Wilda

nick marsh - era hora de hacer justicia p.12

The Jesus and Mary Chain - Stoned & Dethroned (1994)

Cosaquitos en globo - un clima...

p15

The Cult – Dreamtime (1984)

H.R. Giger - el genio artístico

P.19

Cranes – Loved (1994)

entrevista por rodrigo debernardis Entrevista por Diego Centurión por nicolás ponisio

Movimientos Musicales (Segunda Parte) p.33 por Erick R. Vieyra

Alcest – El país lejano

p.37

por Diego Centurión

Martin Glover - El genio oculto

p.40

Entrevista por Diego Centurión

Leonard Cohen - El judío errante

p.43

por Gustavo Rojas Fernández

Muslimgauze o la insurgencia sónica

p.54

Por alejandro cenizacromada

palabras en la arena

p.46

fernando Pessoa - siguiendo los pasos... p.48

por Diego Centurión

por Rodrigo Debernardis por Daire Arujas

rescate cinéfilo The Thing (1984)

p.95

por Nicolás Ponisio

Grand Piano (2013) por Gustavo García

I Dream of Wires - Hardcore Edition (2013) por Nicolás Dinapoli Fariña

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (2014) por Nicolás Ponisio

EN CONCIERTO The Mission en Chile

P.103

Por Daire Arujas. Fotografías Lissette Ruiz Aravena

The Mission en Uruguay Por Martin Simonetti

the mission en Argentina

por Diego ravale

The Mission at war with the Gods

p.50

por marcelo simonetti

Por Rodrigo Debernardis. Fotografías Danna Podstudensek

Mike Kelly: “nunca reemplazaré a Mick Brown” Entrevista por Diego Centurión

Spiritualized en Argentina

espíritu e imagen

p.58

Por Diego Centurión

el jardín de las delicias

P.116

por Gustavo Rojas Fernández

noticias

P.128

por Pablo Ravale

si el lenguaje es otra piel....

p.130

entrevista a tadeo Phillips entrevista por ligia berg

pura melomanía

Peter Hammill - In Camera (1974)

p.68

The Dillinger Escape Plan - Miss Machine (2004) epic45 - Against the Pull of Autumn (2004) (Entrevista a Ben Holton) por Diego Centurión

Lou Reed - Sally Can’t Dance (1974) por Erick R. Vieyra

Killing Joke - Pandemonium (1994)

(Entrevista a Martin Glover) por Diego Centurión

Discos, EPs Singles, Varios Artistas, En Vivo, Reediciones Por Diego Centurión, Marianarchy, Rodrigo Debernardis, rick R. Vieyra, Alejandro Cenizacromada

por diego centurión

Jeff Buckley – Un fantasma escurridizo Por Diego Centurión

Que piensen lo que quieran, pero no pretendía ahogarme.

Tenía intención de nadar hasta hundirme –pero no es lo mismo.

Joseph Conrad (1857-1924) ¿Qué tienen en común“Teardrops” de Massive Attack; “Rilkean Heart” de Cocteau Twins; “Memphis Skyline” de Rufus Wainwright; “Wave Goodbye” de Chris Cornell y “Memphis” de PJ Harvey? Tal vez tengamos que pensar demasiado, pero la respuesta es bien sencilla, todas están dedicadas a Jeff Buckley.

A la hora de pensar en escribir este artículo pensé mucho desde qué punto de vista lo iba a realizar. Con motivo de cumplirse veinte años del lanzamiento de su disco debut y único oficial, “Grace”, pensé en la posibilidad

de escribir sobre su vida, pero no tratar de ser un Wikipedia de datos, sino de ver al artista.

Desmenuzar el disco sería también parcializar la mirada de un músico que alcanzó el rango de genio. Pero hablaré también del álbum y me detendré en cada track… que, a diferencia de muchos adelantados a su época, disfrutó del reconocimiento en vida. ¿Otro suicida? ¿Quedan dudas acerca de su partida? Todo parece indicar que sí. ¿Importa la manera de la trágica desaparición? Mucho no agrega a la pérdida de un artista que estaba creciendo, pero para comentarlo en pocas palabras, Jeff estaba a punto de grabar su segundo álbum, en Memphis, “My Sweetheart The Drunk”. El 29 de mayo de 1997, acompañado por un rodie Keith Foti, recorrieron toda la ciudad caminando y escuchando canciones en un grabador doble THE 13TH. 5

casetera, pero se perdieron y llamaron al manager Gene Bowen, para que los ayude, pero no lo encontraron, ya que estaba en el aeropuerto esperando al resto de la banda.

Entonces decidieron caminar por la orilla del río Wolf. En un momento Foti tomó la guitarra y se puso a tocar perdiendo la atención en Buckley, quien con el aparato en mano se acercó al agua, lo dejó en la orilla y, en un acto inexplicable, se metió en el agua cantando “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, totalmente vestido y con las botas puestas. Keith se levantó para correr el grabador del borde del agua y nunca más vio a Jeff. El cuerpo fue encontrado cinco días después y fue reconocido por el piercing en su ombligo.

Ahora ¿por qué la importancia de este artista? ¿Por qué tanto reconocimiento? Porque era único y poseía una Luna propia. Brillaba, Jeff brillaba…

Jeffrey Scott Buckley fue lo que se puede llamar “un diamante en bruto”, si consideramos que las cualidades innatas como genio las tenía, aunque no pudo llegar a brillar como un diamante, debido a su pronta desaparición.

Lo que nos cegó de la posibilidad de tener un maravilloso artista, si bien su legado lo mostró en el camino correcto, no pudo desplegar toda su genialidad en varios álbumes.

Más allá de ser el hijo de Tim Buckley (quien también terminó su vida trágicamente), poco contacto tuvo con Tim, a los ocho años, su madre lo llevó a un concierto de su padre, ése fue el único momento y nunca más quiso saber nada más de él. Paradójicamente o no, su debut en un escenario fue junto al guitarrista Gary Lucas, el 26 de abril de 1991, en un tributo a su padre Tim Buckley llamado “Greetings From Tim Buckley”. Jeff dijo: “Esto no es un trampolín, esto es algo muy personal”. En ese evento cantó varias canciones de su padre, pero hubo dos que 6 .THE 13TH

llamaron la atención, una, que enmudeció a los asistentes fue la versión a capella de “Once I Was” y también una muy especial, “I Never Asked To Be Your Mountain”, y en una entrevista posterior dijo sobre esta canción, “Soy mencionado en la canción, al igual que su novia (mi mamá)… Yo lo admiraba y lo odiaba así que eso canté.”

“Y me cuentas de mi hijo, envuelto en dolor y cuentos amargos, pidiendo sólo una sonrisa, ¡Oh!, nunca me pidió que fuera su montaña, nunca me pidió volar, y a través de su ojo viene su amor, Y le dices que no llore.”… “Ella dice: “tu padre sinvergüenza vuela, con una bailarina llamada Reina, y con sus tarjetas robadas juega, y se ríe, pero nunca gana “ Más tarde ante la pregunta sobre este concierto, Jeff dijo que era como una manera de mostrarle sus respetos a su padre ya que no lo invitaron a su funeral.

En una entrevista leí que Jeff de chico era apasionado por la música, (su madre pianista y chelista. Y su padrastro lo introdujo en la escucha de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Pink Floyd, entre otras grandes bandas) y dijo que su primer juguete real era cantar junto a su madre: “Siempre canté. Mi madre y yo siempre escuchábamos la radio mientras conducía para llevarme a la escuela. Venía ‘Summer Breeze’, y ella cantaba una segunda armonía, y yo cantaba una tercera armonía.

La música era como mi primer juguete real.

Yo era hijo único durante un tiempo, y yo estaba solo la mayor parte del tiempo - y me gustaba. Todavía me gusta estar solo.”

Hablar de su música es algo que se vuelve más difícil que con otros artistas, ya que hay tan poco material que pudo grabar, algunos singles y Eps y un solo álbum,“Grace”, y los demos del segundo, aunque fue lanzado cuando Jeff ya no estaba, bajo el nombre de “Sketches for My

Sweetheart the Drunk”, por eso la utilización de la palabra “Bocetos” (Sketches). También hay algunas colaboraciones que quedaron registradas y algunos conciertos. Pero esta escasa producción nos alcanza para entender y apreciar el núcleo de su arte. Su debut “Grace”, se editó el 23 de agosto de 1994, fue la única grabación oficial de Jeff, y tal vez la única pensada y pergeñada por el propio Buckley, todo el resto del material existente es música rescatada luego de su muerte, y por supuesto los bootlegs.

La versatilidad de la música de Jeff no radica tanto en los arreglos instrumentales, o en su trabajo de edición y mezcla de sus publicaciones, sino que lo más hermoso de su ángel se encuentra en la armoniosa calidad como guitarrista y como vocalista. Si pueden escuchar el disco “Live At Sin-é”, podremos oír y disfrutar de la “esencia Buckley” (sólo su guitarra y su voz). Pero también podemos escuchar su furia en otras grabaciones en vivo con su banda, por momentos rozando el grunge más rockero, si se quiere a lo Soundgarden, como en la canción “Eternal Life” de su

disco “Grace”. Pero en otros momentos nos sorprende con un bello y delicado jazz, como en “Lilac Wine” o un poco más ambiental o soundscape en “Chocolate”, unido a “Mojo Pin”, que se encuentra en el bootleg “Jeff Buckley – Live Aus Dem Sudbahhnhof ” (lo pueden buscar en You Tube).

Sin lugar a dudas una de las colaboraciones que queda en mi memoria es “All Flowers In Time Bend Towards The Sun” con Elizabeth Fraser, una acústica y bella canción, con el sello de ambos, que se encuentra en un disco de rarezas “Rarities from NYC”. El rumor de su romance siempre estuvo latente, dicen que durante las grabaciones de “Four CalendarCafé”, Fraser estaba muy enamorada de Jeff (él también parecía estarlo) y la admiración mutua era tal que parece que se transformó en amor. Pero nunca quedó confirmado.

Pero cuando se le preguntó a Fraser sobre la canción, ella dijo: “¿Por qué la gente tiene que saberlo todo? Te digo que fue hermoso. Pero no está culminada, ¿lo ves?, no quiero que se escuche... tal vez no siempre piense esto.”

Luego ante la partida de Jeff dijo: “Yo deseaba THE 13TH. 7

que fuese más que un amigo. Su carrera lo era todo para él, me hubiese gustado ser más compresiva – feliz con un tipo de relación diferente. Perdí algo allí, y fue culpa mía.”

Y luego de esa fatídica noticia no dejó de sentirse culpable, por no haber estado junto a él, como ella dice: “Necesito perdonarme a mí misma”.

Cuando Elizabeth grabó el último disco de la banda Cocteau Twins “Milk and Kisses”, en el libro interno se pueden ver varias anotaciones, como letras de canciones, o textos, hay uno que dice: “Leche y besos para el primer hombre / mi antiguo hombre. / Amor y una rosa de mil pliegues para Buckley / mi amigo de corazón rilkiano”.

Pero también Fraser es la misma que canta “Teardrops” de Massive Attack. Al respecto ella comentó que estaba en el estudio, el 29 de mayo, cuando recibió la noticia de la muerte de Jeff. “Eso fue muy raro... Yo había conseguido las letras y estaba pensando en él.

Esta canción es acerca de él. De todos modos, es como se siente esto para mí.”

Como mencioné al principio de este artículo, la canción de Cocteau Twins “Rilkean Heart”, dedicada a Jeff por Elizabeth, lleva un tributo además al poeta austríaco Rainer Maria Rilke (1875–1926), a quien Jeff admiraba.

De todas formas en la letra se puede percibir la imagen de Buckley: “Estás perdido y no sabes qué hacer, pero no todo es tuyo. Esa es tu realidad hoy. Y ahora todo está bien”.

Jeff supo ganarse una reputación como vocalista, acompañado sólo con su guitarra, además de demostrar su virtuosismo, tanto en la calidad de su ejecución como en el buen gusto, sino también como vocalista, una sola persona puede crear esa magia con la guitarra y la voz como, por ejemplo, en el cover de Leonard Cohen “Hallelujah” (que se encuentra en Grace). Pero Buckley 8 .THE 13TH

fue descubierto en el Sin-e Bar, en donde (sólo con su guitarra) realizaba maravillosas versiones de sus canciones (algunas saldrían en Grace) y versiones de otros artistas como “Strange Fruit” de Billie Holliday, en donde parece mezclar partes de “Little Wings” de Jimi Hendrix. O la maravillosa versión de “Calling You” de la película “Bagdad Café”.

Pero Jeff ha realizado muchos y variados covers, en soledad o con su banda, como por ejemplo “I Know it’s Over” y “The Boy With a Thorn in His Side” de The Smiths, o “Killing Time” de The Creatures, “Drink’s Song” y “Farewell Angelina” y otros más de Bob Dylan, también de The Velvet Underground, Nina Simone, Van Morrison, Elton John, y muchos más. Pero más allá de las versiones, hay algo que me llama la atención de Jeff Buckley, que lo diferencia de otros artistas, y esta diferencia radica en que Mr. Buckley solitariamente o con la banda de apoyo logra emocionar. Y las versiones de las canciones, según la clase de presentación que realice (sólo o con banda), no se alteran mucho, mantienen la esencia pura y cristalina de las composiciones. Y esto es una opinión personal, prefiero a Jeff en solitario, más que con la banda. Lo maravilloso de su voz es que en el mismo fraseo vocal, sin dejar de respirar, pasa de un grito a un susurro, como lo hace en “Mojo Pin” (la versión en vivo en Jeff Buckley – Live Aus Dem Sudbahhnhof ).

Pero desmenucemos un poco al álbum “Grace”, sin entrar en muchos detalles históricos, gracias a sus presentaciones en el café Sin-e Bar, como dije en el párrafo anterior, Columbia Records le ofrece un contrato y después del EP en vivo en ese café, le llega la hora de su debut. Y opta por diez canciones que lo identifican como artista, resumiendo toda su carrera hasta el momento en ese disco.

Andy Wallace, el productor, comentaba sobre las sesiones de “Grace”, que todo fue confuso debido a la eterna indecisión de Jeff, que con la pureza de un niño seguía mirando curioso debajo de cada piedra, jugando con cada posibilidad sin dejar nada por probar. En el estudio, había armado, tres sets, uno para toda la banda junto a Buckley, otro acústico, y otro para Jeff sólo. Permitiendo a Jeff pasarse de un set a otro probando improvisando canciones, versiones y arreglos, haciendo que las grabaciones perecían nunca acabar.

Primero elije para abrir el disco con una canción llamada “Mojo Pin”, una canción escrita por Jeff y su compañero de ruta Gary Lucas, quién a esta altura ya no estaba junto a Buckley, pero él llamó para que participara.

Una canción que se compuso bajo el nombre de “And You Will”, pero que luego adoptó el nombre definitivo. Según Jeff, la canción habla acerca de un sueño con una mujer de negra. La letra habla de una adicción, en una

entrevista de enero de 1995, dice: “A veces, si sientes que necesitas a alguien… el Universo te dice que tienes que tenerla, entonces empiezas a ver todas las noches sus programas favoritos de televisión, empiezas a comprarle las cosas que ella necesita, empiezas a beber sus bebidas, empiezas a fumar sus malos cigarrillos, comienzas a recoger los matices de su voz, empiezas a dormir en su caja fuerte de manera peligrosa… esto es “Mojo Pin”.

La versión del disco tiene una introducción en la que la voz de Jeff, según él, simulando a Nusrat Fateh Ali Khan, comienza con un hilo de voz agudo fabuloso, se percibe mucho más en las versiones en vivo que contiene una introducción llamada “Chocolate”.

En “Mojo Pin” la voz de Buckley utiliza un abanico de matices extraordinarios, sin dejar de tener el color su ídolo Robert Plant, podemos ver una versatilidad asombrosa, en donde su voz para por varias fases, dulzura THE 13TH. 9

aguda (a lo Marc Bolan), el susurro íntimo, una aguda y calma y al entrar la banda no pierde la belleza, pero la coloratura va variando y se desarma en largos falsetes exquisitos, luego la zeppeliana voz comienza a aparecer y se convierte en un grito que se va ahogando y se endulza en un largo y sin respiro sonido ambiental.

El primer simple del disco fue a canción que le da nombre al álbum, “Grace”. Otra canción del dúo Buckley – Lucas. Llamada en sus comienzos “Rise Up To Be”, inicialmente la canción era mucho más rápida (pueden escuchar una versión en el disco “Songs to No One 1991-1992”). La versión de álbum, al ser más lenta, logra una melancólica profundidad, en donde la voz de Jeff se desplaza con gran virtuosismo. Y transmite esa sensación de despedida de la que habla la letra. Un oculto y perceptible sentimiento de partida se puede sentir con el ritmo de la batería y, en el puente hacia lo que va a hacer el tramo final de la canción, en donde la lejanía de la amada se va haciendo más presente. Y la intensidad sonora va incrementando con los agudos de la voz de Jeff, hasta que llega el final y sólo queda un hilo de su voz.

“Last Goodbye”, segundo single del álbum. Se puede escuchar en algunos registros previos la canción bajo el nombre de “Unforgiven” (la cual se puede escuchar en el álbum “Live at Sin-é (Lagacy Edition)”. Es una bella canción con arreglos de cuerdas exquisitos. La banda acompaña de manera magistral a la siempre maravillosa voz de Buckley. Con su sonido de guitarra y su comienzo con slide, la canción se abre con un sonido fuerte pero no agresivo, más bien dulce, pero que va cambiando a medida que la canción lo pida. La calidad de la mezcla de Andy Wallace hace que todo suene en la medida justa, un excelente trabajo de mezcla.

“Lilac Wine”. El primer cover que aparece 10.THE 13TH

en el álbum. Esta canción fue escrita en el año 1950, por un compositor llamado James Shelton. Esta versión de Jeff está inspirada por la que ha grabado Nina Simone en 1966 en el disco “Wild Is The Wind”. La versión de Jeff es tan profunda como la versión con piano de Nina. Buckley crea un ambiente casi religioso con su guitarra y su voz, luego aparece de manera sutil la banda, haciendo que la canción se torne entre góspel y un lento jazz, la batería con escobillas es la gran clave de la melancolía de la canción.

“So Real” fue el tercer simple extraído del álbum. Co escrita con el guitarrista de la banda que acompañó, Michael Tighe. La canción suplantó a “Forget Her”, que fue excluida del álbum original y recién fue agregada en la versión “Legacy Edition” del 2004. Sobre la canción Jeff dijo: “Me encanta “So Real” porque es el cuarteto real que se ve en la foto del álbum. Y eso es lo que producimos en vivo en todo momento, la voz fue la primera toma, todo de primera toma. Eran las tres de la mañana.”

“Hallelujah”. Otra versión, tal vez una de las más aclamadas y más bellas de la canción que aparece originalmente en el álbum de 1984, “Various Positions” de Leonard Cohen. La versión de Jeff está basada en la versión de John Cale que aparece en el Tributo “I’m Your Fan” de 1991. La calidez de la versión de Jeff es asombrosa, el tilde de dulzura casi religiosa hace que la canción brille y se mantenga en una mezcla de solemnidad y dulzura.

“Lover,You Should’ve Come Over”, escrita por Jeff luego de la ruptura con su novia Rebecca Moore. La canción comienza con el sonido de un acordeón (aunque es un teclado) y dispara un hermoso ritmo de vals, muy acústico y brillante. Sobre esa corriente se desliza la dulce voz de Jeff y aparecen unas notas de guitarra eléctrica que adornan el camino, por donde la melodía va desmenuzando sensaciones de

tristeza. La canción va creciendo a medida que avanza, haciendo que la instrumentación incremente su potencia, sin perder la belleza de la canción.

“Corpus Christi Carol”, otra versión.

La canción original data de la época del Renacimiento, pero la versión que realiza Buckley es una adaptación realizada por Benjamin Britten en 1933. La sonoridad es eclesiástica, pura y etérea. Maravillosa interpretación.

“Eternal Life”. Tal vez la canción más fuerte del álbum. Con mucha distorsión, y golpes de potencia de toda la banda. En esta canción se siente el sonido grunge deseos años, tal vez con un poco más de rock a lo Led Zeppelin.

Sobre la canción Jeff dijo: “Es una canción sobre… es una canción enojada. La vida es demasiado corta y complicada, y hay gente que detrás de sus máscaras tratan de arruinar las vidas de otras personas. Me inspiré en la ira por el hombre que disparó a Martin Luther King, la Segunda Guerra Mundial, la masacre en Guyana y los asesinatos de Charles Manson.”. Más allá de lo que a Buckley lo inspiró, la canción tiene una potencia que desborda adrenalina a lo largo de todo el track. Y nos sirve para llegar al último paso un poco alterado, y con mucha energía.

“Dream Brothers”, la última canción del álbum, compuesta por Buckley, el bajista Mick Grøndahl y el baterista Matt Johnson.

Con un comienzo con grandes dotes de un etéreo dream pop. La canción está inspirada en Chris Down de Fishbone. Ya que, como hizo el padre de Jeff, Chris abandonó a su mujer embarazada. “No seas como el que me hizo tan viejo, No seas como el que se fue detrás de su nombre, Porque ellos están esperando por ti, como yo esperé por la mía.

Y nadie vino nunca.”

“Es una canción acerca de un amigo mío, que ha llevado una vida bastante

excesiva... Él está en problemas. Esta canción es para él. Sé lo autodestructiva que puede provocar, y he tratado de advertirle. Pero soy un gran hipócrita, porque cuando yo lo llamé y le conté acerca de la canción que había escrito, esa misma noche tomé una sobredosis de hash y desperté al día siguiente sintiéndome terrible. Es muy difícil no ceder a los sentimientos negativos. La vida es un caos total.”

La voz de Jeff de ingresa con una instrumentación con un ambientación que me recuerda a algún sueño oriental. Es como un remanso luego de la electricidad de “Eternal Life”. Un adiós mágico, con una porción de fuerza que se va apagando cuando se acerca el final. Y la voz se vuelve mucho más etérea en el final. ¡¡¡Simplemente Maravilloso!!!

Como siempre sucede, una vez fallecido se empezó a buscar en sus letras una serie de presagios, que supuestamente denotaba su trágico final: “La vida eterna me pisa los talones. Tengo mi ataúd reluciente preparado.

Tan solo falta un último clavo” (Eternal Life).

“No tengo miedo de marchar. Pero resulta tan lento. Y me recuerda el dolor, que tal vez dejé atrás.” (Grace). Pero más allá de estas búsquedas después de su partida, Jeff Buckley podría haber llegado muy lejos, y hacer que su leyenda creciera, pero lo haya decidido o no, se nos fue demasiado temprano y su genio no pudo desarrollarse a plena, aunque nos dejó una gran cantidad de maravillosas canciones desperdigadas en varios bootlegs.

Al final, y tomando una frase de Bono sobre Jeff:

“Jeff Buckley era una gota pura en el océano de ruido…”

THE 13TH. 11

Nick Marsh - Era hora de hacer justicia y romper con todo

Entrevista por Rodrigo Debernardis

Nick Marsh es el lider de la legendaria banda de rock alternativo Flesh For Lulu, quienes tuvieron su apogeo hacia finales de los 80’s con discos como “Long Live The New Flesh” y “Plastic Fantastic”. Luego de un tiempo de inactividad, hoy la banda se ha re-armado y planea editar nuevo material y salir de gira.

A pesar de estar atravesando un momento complicado por problemas de salud, Nick ha accedido muy amablemente a una entrevista con The 13th. Así fue nuestra charla: ¿Cómo fue el proceso de la vuelta de Flesh For Lulu? ¿Fue una necesidad personal o algo 12 .THE 13Th

que se dio naturalmente entre tú y los otros miembros?

Lo que ocurrió fueron una serie de casualidades, fuerzas confluyendo para que ocurriera una especie de “accidente feliz”. Yo estaba haciendo algunos shows en pequeños pubs de Londres, presentando temas de mi disco solista. Son shows bastante íntimos, poco ruidosos, lo cual es genial, pero la gente seguía pidiéndome que tocara canciones de Flesh For Lulu. Entonces Bish (el baterista) me sugirió unirse al final de un set para hacer algunos temas y así lo hizo. ¡¡Esa noche volamos el techo del pub solamente con una

guitarra y una batería!!

Quedé tan emocionado por esa energía lograda que inmediatamente hice algunos llamados y armé la banda. Era como que había olvidado todo aquel costado de mi vida… ¿Por qué Rocco Barker (guitarrista original y co-fundador de FFL) no formó parte de este nuevo proyecto?

Bueno, Rocco tiene hoy su negocio de anteojos vintage en Portobello Road (Londres) y eso le insume la mayor parte de su tiempo, lo cual creo que es un estilo de vida que encaja bien en algunas personas que llegan a cierta edad…jajaja…Lo cierto es que nuestro nuevo guitarrista Will Crewdson (Rachel Stamp, Adam And The Ants, Sigue Sigue Sputnik) ha tomado nuestro sonido y lo ha llevado a un nuevo nivel de gran intensidad y ataque.

Fluye nueva sangre… ¿Crees que esta versión “recargada” de la banda captura el sonido y el espíritu de Flesh For Lulu?

Sí, me encanta la manera en la que el experimento funcionó. Varias veces he tenido que escuchar las grabaciones originales y no todas, pero muchas han sufrido la producción del “sonido ‘80s” y siento que eso no hacía justicia con el crudo y poderoso sonido en vivo de FFL. Sonamos siempre tan prolijos en las grabaciones que entonces yeah!!... ¡¡Era hora de hacer justicia y romper con todo!! ¿Están trabajando en un nuevo disco? ¿Tour?

Antes de enfermarme, comenzamos a grabar para un EP algunas nuevas canciones que veníamos tocando en vivo en los shows junto a los Goo Goo Dolls en noviembre pasado.

En abril de este año me diagnosticaron cáncer en la boca y en el cuello y el 1º de mayo fui operado. Desde ese momento he estado bajo tratamiento de quimio/radioterapia, lo cual me ha dejado no muy bien por ahora, así que los planes de gira han tenido que ser pospuestos hasta Octubre o Noviembre. ¡No puedo espera a terminar las nuevas canciones y sacarlas a la calle!

Para mucha gente sería buenísimo poder verlos en vivo aquí en Sudamérica. ¿Hay alguna chance de que vengan?

Nos encantaría ir a tocar a Sudamérica.

Hemos estado muchas veces cerca de ir allí en el pasado, pero siempre por alguna estúpida razón no lo hemos hecho, así que ahora que sé que podríamos ir estoy muy excitado.

Hacia finales de la década del 80, muchas bandas con una gran propuesta musical (Flesh For Lulu, Gene Loves Jezebel, The Mission, The Psychedelic Furs…y muchas otras) no llegaron a dar el gran salto. Quizás sea difícil de explicar, pero ¿alguna vez te has preguntado por qué pasó esto?

Bueno, yo digo que mientras dejes algunos buenos discos por allí, eso es mejor que vender un millón de discos de mierda, dejando de lado el tema del dinero, por supuesto. Uno lo sigue haciendo sin tener en cuenta dar ese “gran salto”. Ese es el verdadero rock n’ roll y THE 13TH. 13

así debe ser tocado

mi búsqueda del “acorde mágico”

¿Cuál es tu visión del escenario actual del rock?

En general ¿No crees que hoy en el negocio de la música se le da más preponderancia al envase que al contenido?

Como te imaginarás, debido a mis asuntos de salud, toda mi visión acerca de las cosas hoy está un poco “deformada”. Veo al mundo como una gran rueda en la que todos giramos, regidos por una cultura popular dictada por algunos ambiciosos parásitos sin alma y una legión de zombies que los sigue ciegamente por ese camino descerebrado y sin sentido; del mismo modo era cuando yo era joven y probablemente así será siempre. Necesitamos eso para poder rebelarnos. Lo mundano, los aburridos y monótonos programas de radio y TV bombardeándonos siempre con la misma basura. Mientras nos demos cuenta de ello, sabremos que no hemos sido capturados y absorbidos por la masa.

Editaste tu disco solista, algo con lo que todo músico sueña (“A Universe Between Us”, una obra intimista, de grandes canciones) ¿Quedaste feliz con el resultado? ¿Fue lo suficientemente “liberador” para ti?

“Universe” es mi búsqueda de ese “acorde mágico”, supongo. Ese disco me llevó tan lejos como podía llegar, después de todo lo que significaba para mí estar en una banda y tener que escribir desde el riff hasta todo lo demás en una canción. Con este disco quise crear climas sonoros en los cuales habitaran mis letras y no un “ambiente de líricas” en el cual los músicos pudieran expresarse ellos mismos. De todos modos, nunca sería un solista únicamente ya que necesito todo esa locura de estar en una banda, esa cosa de “todos nosotros contra esa mierda/mentira del hombre” (y las buenas fiestas, claro). Por otro lado, mi compañera (y esposa) Katharine Blake (Mediaebal Beabes, Miranda Sex Garden, y productora de “Universe”) y yo estamos trabajando en un nuevo disco de nuestra banda “From The Deep”, el cual espero terminar pronto y presentar en el 2015, cuando con suerte esté plenamente recuperado de este nuevo giro que ha tomado la historia de mi vida.

¿Qué bandas destacarías hoy?

Es siempre un viaje escuchar algo nuevo o algo nuevo “viejo”. Por estos días estoy mucho más abierto a nuevas cosas, oídos hambrientos alerta…

Tú tienes una activa participación en las redes sociales ¿Qué piensas de la interacción entre los artistas y la web? ¿Crees que esta es una herramienta útil?

Bueno, desde mi punto de vista, es una manera de difundir mi música y ponerla al alcance de los demás a través de este medio. La industria musical ha cambiado tanto desde el inicio de mi carrera…todavía no tengo la menor idea de dónde está mi dinero! La web ha sido una herramienta útil para conectarme con gente genial que le importa lo que hago y me ha ayudado a concretarlo y a otros a descubrirlo.

Todo esto ha llegado a mi vida en el medio de

¿Qué puedes contarnos acerca de este nuevo disco solista?

Este nuevo trabajo va aún más profundo dentro de la cinematografía, de caminos de otros mundos, de junglas exóticas y mentes perversas. Cuanto menos pienso en los resultados comerciales, más creativo y libre me siento. Lo mismo me sucede con Flesh For Lulu. ¡¡A quién le importa!! ¡¡Hagámoslo!! ¡Gracias Nick por tomarte el tiempo para respondernos estas preguntas!

Cosaquitos en globo - Un clima de celebración Entrevista `por diego centurión

Ya los hemos nombrado en el número anterior, cuando reseñamos el concierto de De/Vision.

Con su flamante tercer trabajo se subieron al escenario del The Roxy como acto de apertura para los alemanes. La banda formada por Maru Pardo Saguier en voz, Sebastián Cordovés en sintes y programaciones y Diego López en guitarra, hoy, un tiempo después de esa noche que escuché por primera vez a Cosaquitos en Globo, se presentan en Revista The 13th, para que nos cuenten sobre la banda, su pasado, presente y futuro. ¿Cómo nace este raro nombre?

Maru: El nombre surge de una equivocación: Sebastián me mostró al tapa de un demo suyo en el que había unas válvulas (lámparas) muy photoshopeadas y yo creí ver a pequeños cosacos viajando en globo aerostático. De ahí surgió la frase: “¡Uh! ¡Cosaquitos en Globo!” y con el tiempo, cuando le estábamos buscando nombre al proyecto nos acordamos de esa

anécdota y decidimos usar esa frase porque, además de resultarnos simpática, nos remitía a una forma diferente de ver las cosas. Así que nos cerró en varios aspectos.

Desde su formación, a mediados del 2004, hasta hoy ¿Qué ha cambiado en la banda?

Maru: ¡Uff ! Muchas cosas… Desde la manera de componer hasta la forma en que nos presentamos en vivo y la formación estable de la banda. En nuestros comienzos componíamos de manera separada. Sebastián me mostraba alguna muestra de algo que tenía pensado y yo luego volvía con una melodía y una letra y había un “ida y vuelta” permanente.

Posteriormente, comenzamos a trabajar de manera más orgánica y fluida juntos, en simultáneo, lo cual -a mi criterio- es la mejor manera y creo que es donde encontramos el pulso justo (y es más divertido).

Durante mucho tiempo fuimos un dúo, también. Si bien en el proyecto había THE 13TH. 15

participación de un guitarrista, el puesto quedó vacante porque se fue a vivir al exterior, pero en 2010 sentimos que la colaboración con un guitarrista se iba haciendo indispensable para el formato que estaba tomando la banda, por lo que se incorporó primero Pablo Lewin y actualmente Diego López. ¿Cómo fueron sus primeros años hasta llegar a lanzar el EP Fantasy del 2007?

Maru: Fantasy es el primer corte extraído de nuestro primer disco (Cosaquitos en Globo).

El single fue editado por un sello argentino con presencia Europea, “Dirty Noise”. Fue muy lindo editarlo porque para nosotros fue el tema que definió la dirección de Cosaquitos en cuanto a estilo (electro/electro-pop). Cuando compusimos ese tema fue como hallar un terreno común con el que nos sentíamos muy a gusto. Y es preciso señalar que casi queda fuera del disco porque no terminábamos de darle forma. A decir verdad, yo me resistía a hacerle una letra porque no encontraba una melodía que me convenciera, hasta que se dio en un segundo, pero para ese segundo tuve que transpirar mucho (jaja).

Y en seguida sale el primer álbum homónimo. ¿Fue parecido a llegar a ser mayores de edad?

Maru: Bueno, en realidad primero estuvo listo el disco, editado en forma independiente en Argentina (en 2005). Para fin de ese año Alerta Discos (el sello de Zeta Bosio) editó dos canciones de ese primer disco en un compilado (uno de los cuales era Fantasy); luego salió la edición en CD en México y recién tuvo salida formal en Argentina en 2007 a través de “Eternal Sunday”. Fue más como sentir un puntapié inicial, sentir que teníamos mucho trabajo por delante. En ese primer disco se ve que hay mucho ensayo y error, una búsqueda genuina por encontrar 16 .THE 13Th

un lugar común para los dos. A partir del hallazgo y lo que sentimos con Fantasy fue que empezamos a maquinar lo que sería nuestro segundo álbum, Moving Under. Con Moving Under sí sentimos algo parecido a llegar a la mayoría de edad.

Sebastián he leído que tú fabricas tus propios sintes ¿Cuéntanos sobre esta particularidad?

Sebastián: A mí siempre me interesó la electrónica (de hecho estudié electrónica en el secundario y dejé inconclusa la carrera de ingeniería) así que, cuando vislumbré la posibilidad de hacer algo que emitiera sonido no lo dudé y en 1999 me compré un kit para armar un sintetizador PAiA Fatman el cual, si bien logré hacerlo funcionar, siempre tuvo algunos problemas que nunca pude resolver, lo cual me desalentó un poco. Luego de la devaluación del 2001 me encontré en la situación de no poder comprarme los sintetizadores que tenía ganas de usar (más que nada, sintetizadores analógicos), decidí volver a la carga y empezar a armar algo nuevamente. Empecé por un MIDIbox SID (un sintetizador hecho con el chip de sonido de las computadoras Commodore 64) y después de unos pocos experimentos más (todos exitosos esta vez) comencé el mayor proyecto de todos: mi Sintetizador Modular, el cual ha ido creciendo durante los últimos 8 años y que consta de una combinación de módulos que son clones de sintetizadores clásicos (Moog, Arp, Roland, etc.), módulos poco comunes diseñados por gente de distintas partes del planeta y módulos diseñados por mí, que se adaptan al tipo de sonido o función especifica que busco para la música que hacemos. Paralelamente también construí varias máquinas de ritmo (clones de la 808 y 909 de Roland) y modifiqué extensivamente otras máquinas de ritmo que adquirí durante este último tiempo, para lograr el sonido

de batería electrónica que me gusta. En “Asimétricos” hice uso intensivo de todo lo que construí o modifiqué, al punto de que menos del 30% de los sonidos están hechos con sintetizadores de origen comercial.

Diego tus guitarras tiene algo de música disco y, hasta si nos ponemos a ver en profundidad, hay riffs del soul. ¿Hay algo de esto en tus gustos personales?

Diego: Sí, lo hay. De chico escuchaba sólo Michael Jackson, y cada tanto le robaba algún vinilo de Aretha Franklin o The Supremes a mi padre. Luego, en general me gusta prestar atención al bajo y a las guitarras disco.

Maru. Encontré en tu performance en vivo, algo de Siouxsie y Blondie. ¿Te lo habían dicho y que piensas al respecto?

Maru: hace muchos años, con otra banda que tenía (curiosamente mucho más pop que Cosaquitos) me hicieron notar algo relacionado con Siouxie y justamente ayer (¡!) muy para mi sorpresa, alguien hizo una comparación similar con respecto a Blondie.

Eso me lo esperaba menos.Me encanta Siouxie, pero no soy fan de toda su discografía. Amo su voz y su presencia, la admiro mucho, pero nunca busqué un parecido, aunque supongo que no puedo evitar que se cuelen algunas de mis influencias. Con Blondie es más rara la comparación porque no soy seguidora de la banda. Hay varios temas que me gustan (los que me gustan, me encantan), pero es como una ‘influencia’ mucho más lejana. No me resultan muy simpáticas las comparaciones en general pero, en ambos casos, me honra.

Son mujeres talentosas, fuertes y con mucha onda. ¿Quiénes los inspiran? O ¿Qué los inspira?

Maru: la vida. Para mí escribir y cantar son mis formas de relacionarme con el mundo y

de comprenderlo. Socialmente soy bastante compleja, no se me da fácil hablar, pero cuando canto es todo bastante claro para mí; fluye naturalmente, sin pensar.

Sebastián: A mí me inspira mucho la música misma, ya sea escuchar un disco que me gusta mucho, o ver un artista en vivo que me emocione, todo eso me motiva a querer hacer música.

Diego: El buen ánimo me inspira mucho más ahora, antes componía más desde el bajón.

Cuando tengo la guitarra colgada lo que me activa sin dudas es un buen ritmo de batería.

En el 2009 editan su segundo trabajo, “Moving Under”. ¿Lo editaron por un sello colombiano?

Maru: Sí, lo editamos a través de Black Leather Records, un sello colombiano que edita exclusivamente electro. Con ellos también editamos el single de ‘Out of Presence’ (corte de Moving Under) e hicimos algunas colaboraciones como remixers para otros de sus lanzamientos.

En el 2011 editan el EP “Voy a buscarte” y salen de gira por Europa, ¿Cómo fue esta experiencia?

Maru: ¡Fue genial! En Argentina el electro no es un estilo muy difundido, por lo que siempre (y aún ahora) es difícil hacerse un lugar, pero en Europa -sobre todo en Alemania- no tuvimos que explicarnos.

Tuvimos la sensación de haber llegado a casa.

Fuimos super bien recibidos por el público y celebraban también mucho los temas en castellano. La experiencia en general fue muy grata, y también pudimos corroborar que la calidad de nuestra propuesta está al nivel de lo que sucede allá. Eso nos dio mucha satisfacción.

Este año editan “4SIM3TRICOS”. Con THE 13TH. 17

varios invitados. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

Maru: Fue muy arduo. Un proceso de casi dos años desde la primera composición hasta ver el disco en la calle. Para este disco fue extraño porque ya teníamos un disco con el que estábamos muy contentos, entonces teníamos el desafío personal de superarlo, o al menos igualarlo. “Asimétricos” es un disco en el que la composición se dio de una manera muy fluida y llegó en un momento particular de la banda en que estamos muy a gusto y seguros de nuestro camino, entonces el planteo principal fue disfrutarlo sin la presión de tener que demostrar nada a nadie.

Y eso hicimos. Los músicos que participan en el disco son amigos que hemos hecho en la música durante estos años -a los que admiramos muchísimo- y fue muy grato que todos aceptaran. Ellos son: Naila Borensztein (No lo Soporto), Dana Bell (UtUtUt), Bruno de Vincenti, Carlos Shaw y Ernesto Romeo (Klauss). Hay como un clima general de celebración de muchas cosas en Asimétricos. ¿Cómo fue tocar con De/Vision?

Maru: Fue muy lindo. Cuando nos lo propusieron estábamos en un momento de mucho trabajo preparando lo que sería la presentación del nuevo disco, veníamos de tocar en Uruguay, donde nos habíamos enfermado Sebastián y yo ¡Pero no pudimos decir que no!

Tocar como soporte de una banda con tanta trayectoria y en un lugar como el Roxy era demasiado tentador. Además, tuvimos la oportunidad de conocer a Steffen y a Thomas, muy buena onda ambos.

Qué piensan de la propagación de la música por Internet, es decir, yo pasé por la época del casete y el cd, y esto de internet, es como que cambió las reglas del juego. ¿Piensan que 18 .THE 13Th

cambió la manera de escuchar un disco?

Maru: si cambió la forma de escuchar música.

Hoy en día la estrella es el single, pero de todas maneras hay cierto grupo de gente que sigue disfrutando el desarrollo de un disco. A mí particularmente me gusta más esa opción.

Si me gusta un tema que escucho, en seguida busco el disco de donde se extrajo el single.

Me interesa escuchar todo el recorrido, el contexto...

Diego: El hecho de poder bajar un disco inmediatamente te brinda al toque lo que quieres que es justamente conocer ese disco, o esa banda si no la habías escuchado nunca.

También por otro lado se pierde un poco la dedicación al saltar de un artista a otro tan fácilmente. Definitivamente cambió la manera de escuchar un disco, desde el orden de sus canciones hasta la plataforma donde se lo hace. ¿Qué planes tienen para lo que queda del año?

Maru: seguir tocando mucho este disco, ojalá poder salir un poco de Buenos Aires y prepararnos para una nueva incursión europea en 2015.

Para terminar les pido una canción por disco, yo elijo: “Fuego y Savia”, “Out of Presence” y “Domino”. ¿Ustedes?

Maru: Fantasy/My Own Steps/Lost in This World Sebastian: Fantasy/Rejected/Intermitencia Mas allá del gusto de cada canción, los invito a descubrir a Cosaquitos en Globo, yendo a sus presentaciones, y tratando de conseguir sus álbumes, les aseguro que vale la pena. http://www.cosaquitosenglobo.com.ar/ https://www.facebook.com/cosaquitos h t t p s : / / p l a y. s p o t i f y. c o m / a r t i s t / 3Ppe0SyQXF8z46utuKhwy9

Pesadillas y alucinaciones: el genio artístico de H.R. Giger por nicolás ponisio

“Que no está muerto lo que yace eternamente, y con los eones extraños incluso la muerte puede morir.”

H.P. Lovecraft El pasado 12 de mayo, redes sociales, foros de cine y distintas columnas de medios culturales se unieron en llanto y sorpresa. El artista suizo H.R. Giger fallecía, días después de haber sufrido una fuerte caída por las escaleras de su hogar. El mundo perdía un poco de su magia, por suerte el mundo del arte hace que ésta continúe viviendo a través de sus obras siempre que recurramos a ellas.

Si bien al artista gráfico y escultor se lo reconoce principalmente por ser “el padre de Alien”, supo labrar su carrera en diferentes medios e incluso en proyectos quizás no tan buenos. Pese a ello, cualquiera fuera el trabajo, la participación de Giger nunca pasó

desapercibida. Su estilo estaría presente provocando una vez más la fascinación terrorífica ante el ojo expectante. La oscuridad embargaría cada uno de sus diseños claramente influenciados por ramas artísticas como el expresionismo y el surrealismo, y lo haría aún más luego del suicidio de su primera esposa en 1975. A partir de entonces, sufre un quiebre que lo lleva al punto álgido de su esplendor artístico; a continuación, no una, sino todas las puertas, de ahora en más estarían abiertas para él. Al igual que en sus trabajos, en este caso el ambiente de pesadilla expande su mente para alcanzar el éxito y el goce por lo bello.

El arte gráfico fue el puntapié inicial para llegar, sin proponérselo, al mundo del cine.

La influencia Lovecraftiana y el fetichismo sexual, con técnicas de aerografía de por medio (técnica de pintura similar al uso THE 13TH. 19

de spray), hicieron implosión volviendo corpóreo los terrores inconcebibles que Lovecraft transmitía en sus narraciones. No es por nada que tiempo después, en el 77, sus creaciones fueron recopiladas en un gran volumen titulado Necronomicón, el libro de magia ritual mencionado en muchos de los relatos del escritor norteamericano. Ese arte pesadillesco funciona como punto de partida para la mezcla de elementos que lo dotan de ambigüedad. Formas fálicas, expresiones y cuerpos femeninos; lo robótico y lo orgánico.

Todos elementos que unen lo existente con lo inexistente. De esa combinación de cuerpos humanos con artefactos tecnológicos y máquinas, nace lo que Giger mismo denominaba como biomecanoide. Siendo Li II la figura más representativa de su carrera gráfica perteneciente a la biomecánica (Todd McFarlane, creador del comic Spawn, trabajaría codo a codo con Giger para la fabricación del modelo en juguete de Li II).

Con las formas corporales y la construcción de escenarios óseos moviliza a quien esté frente a su arte. Despierta sensaciones de angustia y disfrute como quien despierta de una pesadilla y respira aliviado de saber que nada fue real. La obra, como si se tratase de las mismas criaturas humanoides o de esos escenarios que representan organismos vivos, vive y respira gracias a la sensibilidad y apreciación de quien la observa. Si algo le faltaba para vivir aún más, eso mismo lo conseguiría a través de las imágenes en movimiento que el cine le proveyó.

Se puede decir que el artista suizo tuvo dos inicios en el mundo del cine. El primero gracias a la recomendación de otro de los artistas que influenció su trabajo: Salvador Dalí. El famoso surrealista fue convocado para actuar en la versión cinematográfica de Dune que sería llevada a cabo por Alejandro Jodorowsky, director de El topo (1970) y La

montaña sagrada (1973). En el documental Jodorowsky’s Dune (Frank Pavich, 2013), el director chileno explica su visión del cine, viéndolo como más que una industria de entretenimiento, como un arte que funciona en búsqueda de expandir la mente. Con su film quería darle al público que consumía LSD la misma sensación alucinante sin necesidad de depender de la droga. El documental narra el arduo proceso de más de dos años de preparación del film que involucraba a gente como Dalí, Orson Welles, Dan O’Bannon (creador de la historia original de Alien) y el mismo Giger. Dalí, quien entre sus exigencias pedía tener una jirafa en escena, un helicóptero y cobrar cien mil dólares por hora (el acuerdo llegó a cien mil por minuto en pantalla), fue quien acercó los dibujos de Giger a Jodorowsky. Él se puso rápidamente en contacto con él para que realizara el diseño de los villanos góticos del film. El proyecto años después quedó truncado frente a la negación de varios estudios para financiarlo.

Una década más tarde, el proyecto es llevado a cabo por David Lynch, sin embargo el fracaso fue tal que el film corrió una suerte peor que el trabajo nonato de Jodorowsky. No obstante, los diseños realizados por Giger vieron la luz gracias al libro de producción del director.

Gracias a esos diseños y al conocer en el proyecto a O’Bannon, el artista tendría una nueva oportunidad en el cine que prometía el éxito para todos los involucrados.

Obviamente, un ser extraterrestre no se gesta de la misma manera que un ser humano.

Los padres de la bestia no serían dos sino tres. Con la inclusión del cineasta británico Ridley Scott no faltaba nada más. Los tres juntos daban a luz al xenomorfo más famoso del séptimo arte: Alien (1979). El trabajo de diseño del film también fue acompañado por el del italiano diseñador de efectos especiales Carlo Rambaldi, quien trabajó

Alien 1979

Alien 2 - 1986

Alien 3 - 1992

en otros clásicos como Profondo Rosso (Dario Argento, 1975) y E.T. the ExtraTerrestial (Steven Spielberg, 1982). Si bien el trabajo de Rambaldi es excelente, éste no puede evitar ser opacado por el de su colega suizo, quien destaca más su presencia en cámara. Sus creaciones no solo cobran vida, también ayudan a crear la oscura y densa atmósfera del film, cubriéndolo todo para que el público, más allá de conocer el espacio que lo rodea, tema en cada momento con lo que puede encontrarse. Esto es logrado tanto desde la presencia activa de la criatura, la cual se mueve en busca de sus presas; como del orgánico ambiente escénico de la nave espacial abandonada: un lugar físico que exterioriza la locura de una mente que no puede calificarse como humana; una oscuridad exquisita e irreal de una mente que proviene de otro planeta.

La búsqueda de Jodorowsky en el cine encontró quien la lleve a cabo. Giger supo

equilibrar el entretenimiento y expandir la mirada y mente del público. El LSD que supone Alien para el cine sin lugar a dudas es el mejor viaje y el más atemorizante a la vez. El encanto ambiguo de Giger, una vez más se hace presente. Así pues, con el suceso de Alien, el suizo comenzó a estar en boca de todos y a dejar su marca personal en cuanto lugar pudiera. Fue el realizador del afiche de Future-Kill (Ronald W. Moore, 1985) y el diseñador de criaturas y escenarios en Poltergeist II: The Other Side (Brian Gibson, 1986), Species (Roger Donaldson, 1995) y Prometheus (Ridley Scott, 2012), volviendo a la familia de Alien. También diseñó el modelo de bati-móvil para el film Batman Forever ( Joel Schumacher, 1995) que por suerte fue rechazado por el estudio; logrando que su nombre no quedara involucrado en un producto que se volvería por un buen tiempo en el hazmerreír de la industria (dos años después ese lugar lo ocuparía su secuela

giger trabajando THE 13TH. 23

Batman & Robin).

Pero su talento no se vería encerrado solamente en el mundo del cine. Su arte realizó un extenso camino, pasando por la creación de la Cloudbusting Machine del videoclip de Kate Bush, portadas de discos como KooKoo de Debbie Harry, donde se aprecian sus diseños en el rostro de la cantante, y Frankenchrist de Dead Kennedys (portada que sería censurada por los elemento fálicos que incluía la obra titulada Penis Landscape). Incluso realizó un soporte de micrófono para la banda Korn, a pedido de su cantante. El mismo contiene su característica rareza, uniendo lo robótico y lo sexual. A ello se puede sumar la vasta cantidad de creaciones, desde bocetos hasta pinturas, esculturas y diseños de interiores.

No cabe duda alguna que Giger supo variar en diferentes medios, siempre conservando su atractivo y aterrador estilo que se puede apreciar en diversos aspectos y lugares (incluyendo el museo H.R. Giger en Suiza, el cual posee sus obras y su colección personal de arte). Las obras de un artista que vale la pena seguir de cerca por más atemorizante que parezca. Cual científico loco, el público debe revivirlo a través de su arte y gritar con la pasión que genera: “It’s alive, it’s alive!!!”.

Pasado, presente y 33 años de ciencia ficción de por medio Los ojos del gato (unas extensas palabras sobre Alien) Hablar de Alien (Ridley Scott, 1979) significa hablar de crecimiento, de transformación, de una evolución que comenzó a madurar a partir del estreno de 2001: Odisea del espacio. El serio tratamiento estético y narrativo que tenía la historia del astronauta Dave, Hal 9000 y cía. sin lugar a dudas sentaron las bases evolutivas de un género antes no tomado tan en serio. El film de 1968 no solo hizo historia 24 .THE 13Th

por cuenta propia sino que abrió las puertas para que otros hicieran lo mismo, como es el caso de Star Wars (George Lucas, 1977) y Alien, el film que concierne a esta nota.

Si bien 2001 rescataba a la ciencia ficción también pecaba por momentos de poseer una pretención que, en ciertos aspectos, podía terminar agotando al espectador. Si se puede decir que el que esté libre de pecados tire la primera piedra, entonces Ridley Scott con Alien puede tirar un aluvión de ellas. Se supo aprovechar el momento justo de renovada vitalidad del género para convertir al film en un producto netamente comercial, a la vez que se dejaba a la vista las marcas de una obra de autor. Allí, la ciencia ficción recibiría a otro compañero de género. El terror, también tantas veces bastardeado por el público y la crítica, encontraría su esplendor dentro de los pasillos de la nave espacial Nostromo, tratado con respeto y devoción. ¿Es Alien un mero entretenimiento comercial? De seguro que sí, pero es tal la dedicación artística puesta en él, que logra resaltar en cada aspecto, sea éste visible o no. Historia, actuación, decorados y efectos especiales tratados por igual.

Sí, de seguro quien lee aguarda el momento de abordar el tema criatura espacial. Pues deberá esperar un poco más, ya que no se puede hablar del xenomorfo sin mencionar antes la construcción de uno de los escenarios más importantes y por consiguiente hablar del genio artístico de H.R. Giger. La habitación del Space Jokey (el misterioso y gigante esqueleto que hayan los exploradores espaciales) asombra no tanto por lo extraño de ese cadáver humanoide sino por la dimensión del lugar y la composición de su arte. Una cámara con paredes esqueléticas que, sumado al suspenso y al tono oscuro de la misma, parece hacer respirar esos singulares recovecos. Una

giger trabajando en el molde de alien pulsión que da la sensación de encontrarse dentro de una estructura orgánica. El trabajo de Giger siempre se destacó por dotar a sus creaciones de aspectos vivos, terroríficos y sexuales. Aspectos que lo envuelven todo en un clima atrapante, que desorbita la mirada y la asusta a la vez. Desde el encuentro de Kane ( John Hurt) con el huevo y su parásito interior (otro escenario oscuro ambientado por el tono azul de la luz láser que el mismo Scott pidió prestada a los miembros de The Who que preparaban la puesta en escena de su show en un estudio contiguo al set de filmación), pasando por la larva fálica que atraviesa su pecho y finalmente la aterradora forma final del ser alienígena. Una evolución por etapas que funciona como metáfora de la transformación que vivía el propio género.

La criatura termina por poseer la apariencia entre un droide y un reptil. Al menos cuanto se puede ver de él. Porque allí reside otra de

las destacadas resoluciones a la hora de seguir apostando por un ambiente atemorizante y por sobre todo exitoso. Si bien siempre se sintió temor por lo desconocido, en este caso será también hacia aquello que no se puede ver. El extraterrestre aparecerá pocas veces en pantalla, logrando que sea aún más intensa la odisea de los protagonistas y más efectivo el susto cuando la criatura aparezca.

Scott y su equipo entienden que es preferible un monstruo que se vea escasamente y cause terror a uno que se lo vea constantemente, haciendo visible lo artificial del mismo. Es así que, al enfrentarse Brett (Harry Dean Stanton) al ser espacial, se ve poco o nada de lo que sucede. La cámara se centra en la mirada temerosa de Jonesy, el gato de la tripulación. El grito y el entorno sucio y oscuro basta para mantener al público en vilo.

Los ojos expectantes quedan desorbitados como al estar frente al decorado y los diseños de Giger. Es en ese momento aterrador que THE 13TH. 25

Dise帽o del batim贸vil de Giger rechazado por Warner

El batim贸vil aceptado por Warner

MUSEO GIGER

Portada de Frankenchrist de Dead Kennedys hecha por Giger

Cloudbusting, Kate Bush

Kookoo, disco solista de Debbie Harry.

THE 13TH. 29

Micr贸fono de Giger dise帽ado para John Davis de Korn

LI II 30 .THE 13Th

Juguete de McFarlane basado en Li II

Prometheus

THE 13TH. 31

todo el público pasa a ser Jonesy y lo será por el resto del film.

Aceptando el hoy, sin olvidar el ayer (unas breves palabras sobre Prometheus) Después de treinta años alejado del género, Ridley Scott regresó a la ciencia ficción y no solo eso. Volvió al universo Alien. Muchos de los fans temían (entre quienes me incluyo).

Los fans estaban equivocados (entre quienes me sigo incluyendo).

Prometheus seduce con encanto, no con uno de los mayores, pero en canto al fin y al cabo (lo cual hoy en día no es poco). Logra lo que hacía tiempo no generaba una película de ciencia ficción: deslumbrar muchísimo y no solo visualmente (increíbles escenarios naturales y una gran puesta en escena que conserva los diseños de Giger, quien también supervisó todo el trabajo del film) sino también con los planteamientos filosóficos/ religiosos que formula, más no responde. Ya casi nadie remueve las aguas con preguntas como de dónde venimos y cuál es nuestro accionar. Al menos no a través de la ciencia ficción. El film plantea eso. Una teoría sobre el origen de la vida y el deseo humano de siempre ir en pos del conocimiento absoluto hasta llegar al nivel de los dioses.

Prometheus es una suerte de repaso de sus anteriores trabajos en el género. Tiene no solo una cadena de adn con Alien sino también, salvando las diferencias y distancias, con Blade Runner (1982). La idea de ir a conocer a los creadores de la vida humana, la búsqueda de la longevidad y un androide (Michael Fassbender en un tremendo trabajo actoral que fascina a través del habla. El mejor y quizás el único actor de todo el film, ya que el fuerte 32 .THE 13Th

del mismo no es precisamente la actuación) que siente curiosidad por los humanos, por la vida per se y que hasta quizás podría tener sentimientos, acercan al film a ser parte de los recurrentes planteamientos de Scott en la ciencia ficción. Si bien el film no da casi ninguna respuesta (sobre todo porque está planeada para convertirse en una saga y eso es una de las cosas que Hollywood no puede evitar), tampoco busca hacerlo. Todo pasa por vivir la experiencia y creer en ella. Allí es donde el film más logra acercarse al original.

Toda la estructura del relato y la forma en que se dan los acontecimientos remiten a ella pero carece del clima oscuro y aterrador de la primera. Deja un lado el horror para dar lugar a la aventura y sus interrogantes.

Aún así funciona y tiene varios momentos y aspectos que incomodarán y mantendrán al público expectante al borde del asiento (especialmente al público femenino en una escena en particular).

Hacia el final del film hay una pequeña tomada de pelo a los fans de Alien y eso le juega un gran punto en contra. Quizás su mayor error sea no poder despegarse de la obra de 1979, lo cual hace que, en comparación, Prometheus salga perdiendo. Pero si, dentro de lo que se puede, se logra separarlo del original, todo el viaje termina valiendo la pena. Se extraña a Ripley pero, después de más de treinta años, Ridley Scott supo regresar al género que mejor le queda... y no hay nada mejor que celebrarlo.

Movimientos Musicales (Segunda Parte) Radicalismo del Sonido. La Línea de Contacto del Romanticismo Moderno y lo Anticivilizatorio.

Por: Erick R. Vieyra

Se presenta un ensayo en torno al papel del Romanticismo, entendido en su sentido original, es decir, lo anticivilizatorio (la barbarie), y algunas propuestas artísticas delimitadas a lo que genéricamente se le ha llamado música moderna (e incluso, postmoderna). Para ello se hace una somera revisión del Romanticismo Europeo, su matriz crítica hacia el racionalismo, el positivismo y posturas que pugnan por el “progreso optimista” como único fin de las sociedades contemporáneas. Una vez hecho ello, se arroja una propuesta para entender los sonidos que abundan en la radicalidad y el

despertar de conciencias como hijos directos del romanticismo originario.

Que les sea grato.

El camino inicia en el Renacimiento que hace presencia en el siglo XVI como respuesta a la hegemonía del eclesiástico dogma encargado de sistematizar las concepciones y creaciones humanas como productos de manufacturas divinas. El Renacimiento es expresión del clasicismo grecorromano que impulsó el resquebrajamiento de la “Edad de la Fe” y la institución política y educativa (la Iglesia), desembocando en una serie de movimientos THE 13TH. 33

teóricos y artísticos que tenían por objetivo: hacer una reconstrucción del concepto “humano”; al cual se amputó su fe, y con ello, su lugar y fin en la vida. Era el desnudo del hombre.

Los primeros teóricos encargados de ejecutar colosal empresa fueron llamados: “progresistas”. Para algunos de éstos, los más radicales, la humanidad tenía lenguaje propio no producto de los caprichos de un Dios, ya sea éste belicoso, contradictorio, vengador y depravado; ya sea bondadoso y puritano. El hombre era el único dueño de su destino, y este destino se manifestaba positivamente a través del trabajo; negativamente, por medio de la pereza. En equilibrio con este segmento progresista radical, comenzó a gestarse una emergente clase intelectual que encontraría su parámetro de identificación con una actividad estrictamente humana, la actividad científica.

Los científicos tomaron una importancia vital en la construcción del conocimiento, dieron las pautas para la reconceptualización del hombre, su vida y su medio. Éstos se realizaron por medio de una sistemática materialización del concepto“humano”y todas sus atribuciones (sentimientos, creatividad, emociones, gustos, etcétera). Ésta empresa encontró su preponderancia filosófica en el pensamiento de los empiristas ingleses. La última piedra de impulso al terreno científico y sus aplicaciones técnicas sería puesta dos siglos después, por la mano de A. Comte.

Cabe señalar que la construcción comtiana -positivismo- fue financiada por una clase social que tomaría prestado el concepto Hommo Civilicé para justificar su futura emergencia en las cotas del poder; la clase burguesa.

De esta manera, el ser humano civilizado se convierte, o idealiza ser, un organismo frio, calculador, pragmático y objetivo. El 34 .THE 13Th

Hommo Civilicé sería el nuevo paradigma vivificador de la especie humana. Las mejores sociedades, se decía entonces, eran aquellas que adoptaban los quehaceres prácticos de una sociedad civilizada, el parametrizar la vida con datos científicos, adoptar un sistema de explotación capitalista, comer con cubiertos, adoptar sistemas políticos democráticos, reprimir los sentimientos, la lujuria, el odio y perversión. No entenderlos, no convivir con ellos sino contenerlos con el único fin de “ser más civilizados cada día”.

Las sociedades civilizadas son esclavas del dato numérico, en ellas es indispensable racionalizar la experiencia humana bajo tres premisas básicas: ser pacífico, ordenado y obediente.

Como efectos colaterales; se generó un obsesivo amor al materialismo y una adherencia exhaustiva –casi fanática- a la vida. Se requiere (de una forma imperativa) despreciar todo aquello que es peligroso para la autoconservación. Todo lo que expone la vida al peligro tiene que desaparecer: las arrugas en la piel, el extrañar al ser amado, la desesperanza, la tristeza. En la concepción occidentalizada de lo que es “vivir”, la pérdida es el peor mal existente. Sintéticamente se trabajó para estimular patrones de crianza que conllevan a la masificación de gente cobarde, gente evasiva, gente que intenta escapar a toda experiencia -ya sea esta objetiva o subjetiva- que resulte desagradable.

Millones de personas tragaron la aspirina de la modernidad para olvidar que la mujer que come con cubiertos de plata es maestra en la práctica del sexo oral, que el hombre con traje sastre costoso puede ser depravado, mentiroso y llorar con unas cuantas libras de alcohol en su sangre. En las sociedades que permean ideológicamente su práctica cultural con el concepto civilización lo que se estípula moralmente maligno tiene que ser escondido

en el baúl de la intimidad, pues de no ser así se corre el “peligro” de ser clasificado como alguien negativo, alguien inhumano, alguien antisocial.

La masa esclava, los lisiados para pensar por ellos mismos, optaron por cumplir con la parametrización del Hommo Civilicé, muchos por miedo a quedarse solos, por

temor a no ser empleados, a no ser amados por alguien o simplemente por falta de coraje e inteligencia tomaron la pastilla placebo que otorga la cultura oficial. Los insurrectos también tomaron la droga esperando encontrar consuelo en sus efectos, pero lo que hallaron fue una irresponsabilidad total con la vida misma.

THE 13TH. 35

Pero los insurrectos, los rebeldes ideológicos, pertenecieron al pueblo alemán -herederos de los pueblos que hicieron pedazos al Imperio Romano en la época de las invasiones germánicas-. Ellos eran Barbaros por derecho propio y sus intelectuales clásicos y modernos nunca han querido renunciar a ello en pro de la pomposidad francesa –los franceses cortesanos son los impulsores del concepto Civilización-. La insubordinación se mostró en la pintura, en la filosofía, la pedagogía, la poesía y la música; a este gran acto de sedición intelectual se le llamó Romanticismo.

El Romanticismo,es el cuarto gran movimiento artístico-intelectual que se dio a la tarea de desenmascarar el mundo. Los Románticos pugnan por la expresión exacerbada de las emociones e instintos humanos –sean estos positivos o negativos-, la denuncia frontal hacia el pensamiento racional como limitante axiomática de la condición humana, un deteste explícito al Clasicismo (perfección expresiva del arte, del hombre, exaltación de lo bello como herencia de la época clásica Grecoromana), estableciendo como fin único de existencia: la comunión con el estado natural de la condición humana. Ludwig van Beethoven, Chopin, Schubert, Wordsworth, Nietzsche, Freud, De Lacroix, Shevchenko fueron románticos, y todos ellos grandes críticos de la sociedad “civilizada”.

Sin entrar en detalles, hay dos grandes familias antagónicas en lo que a sus premisas filosóficas respectan; la escuela racional (positivismo –clásico y lógico-, conductismo -metodológico y radical-, analistas positivos del lenguaje, la escuela de derecho fundada por Hans Kelsen, etc.), y la escuela irracional (romanticismo, psicoanálisis, fenomenología, hermeneútica, existencialismo, vitalismo, Teoría Crítica, etc.).

El poder político central, ya sea por demagogia o convencimiento cabal, históricamente 36 .THE 13Th

se ha visto identificado con los ideales de la revolución francesa y con base a dicha correspondencia se dicta la cultura oficial, la cual, aboga por la fundación, mantenimiento y reproducción de sociedades civilizadas que ideológicamente se identifiquen con la familia filosófica empírico-racionalista.

Ahora bien, por diferenciación; la escuela irracional al representar la antítesis del pensamiento racional, establece una diferencia con el Status Quo, el poder político central y sus manifestaciones, las formas oficiales de expresión artística, científica e ideológica.

El irracionalismo es contrario al Hommo Civilicé.

El nuestros días lejos se está de aquel brillo extraordinario con el que se aprecia las obras del XVI. Algunos han hablado de crisis sistemática de nuestros tiempos, otros de sociedades con artistas en extinción. Lo que resulta cierto es que se vive en una sociedad más inmediatista y el arte que en ella nace es igualmente inmediato. A pesar de ello posee una línea de conexión con sus antecedentes. El Underground es irracionalista por definición; en este terreno no se intenta reproducir los parámetros de una autoridad artística, las creaciones no tienen por fin la perfección, la belleza es lo natural, lo instintivo, lo grotesco, lo inaceptable, lo retador, lo violento, lo sexual.

Como consecuencia, el Underground es anticivilización, es barbarie; es belicoso, emocional, contradictorio, retador… es heredero del romanticismo. Cualquier debate que busque la descalificación del Underground al considerarlo incoherente con la moral social resulta estéril, pues se comienza por comparar dimensiones lógicas completamente distintas, lo cual genera un error de categorías.

Alcest – El país lejano

Por Diego Centurión

El próximo 8 de septiembre en The Roxy, en Palermo, se presentarán los franceses de Alcest por primera vez en la Argentina. Ya que no es una mega banda que los medios esperan con ansias, nosotros nos tomamos el tiempo y por elección propia queremos presentártelos.

Para hablar de Alcest, la gran mayoría de las veces se lo suele catalogar dentro del metal atmosférico, el Black Metal ambiental o el post metal. Pero con sólo escuchar cualquier disco de la banda podemos decir que es puro shoegazing con relucientes momentos de dreampop, con otros de confusión, en donde en contadas veces apela al Black Metal.

La confusión nace con el comienzo de la banda misma, allá en el 2000, cuando Stéphane Paut (Neige) formó Alcest como un proyecto de Black Metal, luego fue un trío con la llegada de Aegnor en guitarra y Argoth en bajo, grabando un demo llamado “Tristesse Hivernale” del 2001. Pero luego del lanzamiento Aegnor y Argoth abandonan

la banda y Neige queda en soledad. Por lo que el futuro de Alcest estaba en manos del fundador.

Neige tendría preparado un paso más espiritual para expresarse a través de una nueva dirección. Se encargó de crear un concepto sonoro y espiritual muy alejado del Black Metal de sus inicios y se tornó más etéreo perdiendo la agresividad y ganando en profundidad y brillantez. Este cambio se vio reflejado en el EP “Le Secret” del 2005. Pero la prensa lo siguió catalogando como Black Metal, lo cual enojaba a Neige, ya que las dos canciones del EP mezclan el Shoegaze con el dream pop, pero no se olvida del Black Metal, sobre todo en una parte de la canción “Elevation” (con lírica de Charles Baudelaire), pero esto de intercalar algo del estilo con la gran marea de guitarras distorsionadas del shoegazing y los paisajes brillosos del dreampop, volvería a suceder. Ante la mala interpretación de los paisajes creados por Neige, que no fueron entendidos, en el 2011 THE 13TH. 37

decide regrabar las dos canciones, pero esto ya lo veremos más adelante. Lo cierto es que la idea de Neige fue plasmar todo un mundo de vivencias, en lo que él llama “El país lejano”, que ocurre en lugares perdidos.

Todo este nuevo enfoque termina resultando en el espacio ideal para su primer álbum, “Souvenirs D’Un Autre Monde” del 2007. Un trabajo de 6 canciones escritas y grabadas por Neige, excepto el track quien la voz fue grabada por Audrey Sylvain, quien por esos años compartía la banda “Amesoeurs” junto a Neige. El disco derrocha shoegaze y contiene destellos de un delicado dreampop. Musicalmente lo maravillosos es la confabulación de la fuerza de las nebulosas distorsiones con la dulzura de melodías vocales a lo My Bloody Valentine, creando 38 .THE 13Th

paisajes por momentos ensoñadores y por momentos diáfanos.

En el 2009 a Neige se le une Winterhalter en batería y desde ese momento Alcest se convierte en un dúo. Ese año trabajan juntos en un Split junto a la banda de Winterhalter “Les Discrets”, “Alcest / Les Discrets”, donde aportan dos canciones. Ese mismo año el dúo regraba el EP del 2005.

En el 2010 el dúo edita el segundo álbum de Alcest, Écailles De Lune, si bien las formulas se repiten, acá hay un guiño al pasado Black Metal, que aparece en partes de la segunda canción del disco, “Écailles De Lune part 2”, aunque sólo por momentos, ya que la composición tiene un paisaje ensombrecido pero la voz es bastante agresiva y típica del Black Metal. Un álbum que con la presencia

de Winterhalter el sonido de Alcest se vuelve más profundo y por momentos delicado y delicioso. Para los conciertos de la gira, ingresan Zero en guitarra y coros, e Indria en bajo. Y salen de Gira por Europa, Estados Unidos Asia y Australia.

En los primeros meses del 2011 se edita la versión del Ep “Le Secret”, con las dos canciones del trabajo original más las nuevas versiones de esas canciones. En diciembre del 2011 editan como single de adelanto “Autre Temps” del disco que en enero de 2012 saldría “Les Voyages de l’Âme”. Un hermoso trabajo, con un sonido más cuidado y más shoegazer. Con canciones como “Nous sommes l’emeraude” con la letra extraída de escritos del poeta belga Charles Van Lerberghe, y otras como “Beings of Light”, en donde se puede escuchar un ritmo de batería acelerado como en el Black Metal, pero con voces más celestiales, pero en la siguiente canción “Faiseurs de mondes”, la voz de Neige mezcla voces del Black y celestiales.

Para terminar el año saldría el EP “BBC Live Session”, con la banda completa (con Zero e Indra), convirtiéndose en la única grabación de toda la banda en vivo. Grabado el 27 de febrero de ese año en los estudios de la BBC de Londres.

Y como viene siendo una costumbre en la banda, en diciembre del 2013 editan el single “Opale”, que es el adelanto de su último disco “Shelter”, editado en enero de este 2014.

“Shelter” (que significa algo así como “abrigo”, pero más en la concepción de protección), está inspirado en lo que Neige expresa:

“Estas canciones son acerca de la vivienda como un lugar seguro, que permite a todo el mundo para escapar de la realidad

por un instante, para reencontrarse con lo que realmente somos, en el fondo de nuestra alma. Para mí es el mar, y todas las canciones aquí fueron inspiradas por y dedicadas a él.”

Un disco, sin lugar a dudas, asombroso y perfecto de los editados por Alcest. Desde su introducción “Wings”, con esos coros etéreos (a cargo de una invitada especial Billie Lindahl, que participó en varias cacniones de Shelter), este trabajo se vuelve más cristalino.

Un álbum de ocho canciones que, cada una, tienen duraciones mucho más cortas que las que nos tenían más acostumbrados, sólo la última canción que dura un poco más de diez minutos. También participan el Slowdive Neil Halstead, cantando en la canción “Away” y parte de las cuerdas de la banda Amiina.

Un disco en donde las armonías más etéreas nos desbordan de un cálido dreampop, un ambiente más conmovedor y plácido abrasa a todo el disco. Con composiciones de guitarras más ensoñadora y delicadas, un trabajo que logra captar mucho más el verdadero sonido que Neige pretende expresar en sus letras y en sus recuerdos, dejando atrás definitivamente todo punto de conexión con el Black metal.

Y así, en medio del Tour de apoyo del álbum, Alcest se estará presentando por primera vez en América del Sur en las siguientes fechas: Septiembre 04 Teatro Rival Petrobras - Rio de Janeiro (Brasil) 06 Via Marquês - São Paulo (Brasil) 08 The Roxy Live – Buenso Aires (Argentina) 09 Blondie - Santiago (Chile)

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Martin Glover (El genio oculto)

Entrevista por Diego Centurión

Desde el primer contacto con Martin Glover entrevistarlo por el álbum “Pandemonium”, muchas preguntas vinieron a mi mente, más allá de ese álbum. Le pregunté a Youth si podía hacer otra entrevista sobre su carrera, y me respondió afirmativamente. Así que en esta primera entrevista, aprenderán acerca de su vida fuera de Killing Joke, que por cierto es muy fructífera.

mi carrera de producción, el single se editó en Island y ranqueó, no es un mal comienzo, yo tenía 16.... Luego trabajé en la realización del primer single de Killing Joke, “Turn to red” y muchos más remixes y producciones posteriores. La emoción de estar en un estudio superó el zumbido de tocar en vivo y eso es lo que finalmente me llevó a ser un escritor / productor de tiempo completo.

Primero fue el“Músico” y luego el“Productor”. ¿Cuándo se fusionaron las dos carreras artísticas?

El primer disco que hice, antes de Killing Joke fue 4 Be 2 “One of the lads”, producido por John Lydon, que se quedó dormido debajo de las escaleras después de beber demasiado, así que me quedé con el ingeniero, Mark Lusardi, para mezclarlo y hacer los dubs... esto inició

Tus primeros pasos como músico fueron las bandas “The Rage” y “4 Be 2”. ¿Qué recuerdas de esos primitivos años?

The Rage fue una gran experiencia, aunque no grabamos. Mi primer tour fue de 32 fechas teloneando a The Adverts y a The Saints, todavía tenía 15 y ¡era virgen!

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Luego de “Revelations” de Killing Joke,

The FiremanYouth abandonas la banda y nace “Brilliant”. Luego “Blue Pearl” con Durga McBroom. Cuéntanos acerca de estas bandas.

Brilliant surgió cuando Killing Joke colapsó, con Jaz dejando Islandia y luego Geordie rápidamente lo siguió. Después audicionamos un cantante de reemplazo, ¡tanto Bill

Drummond e Iggy Pop aprobaron!, después de que Geordie nos abandonó Paul y yo pensamos en continuar con un nombre nuevo y “Brilliant”, era el título de la última cara B, un tema instrumental, (Killing Joke – Empire Song, 1982) así que fuimos con eso. Poco después Paul se fue, así que continué por mi THE 13TH. 41

cuenta, me gustó la idea de dos bateristas y dos bajistas, Guy Pratt mi viejo amigo de la escuela estaba allí por unos cuantos días… terminó con Stefan Holweck de una de las leyendas del rock progresivo francés“Magma”.

Al final más de 30 miembros de Brilliant, un sistema de iluminación del trance que incluía a Ben Watkins, ( Juno Reactor) Jimmy Cauty (KLF) Stefan (Total Eclipse) y muchos otros, que luego lo redujo a tres piezas, y sacamos el disco a través de Warner.

En 1993 realizas una remezcla de “Hope of Deliverans” para Paul McCartney. Ahí nace The Fireman. ¿Cómo fue trabajar con Paul?

Paul es Paul y fue uno de los mayores privilegios para mí haber trabajando con él, que comenzó con un remix, pero a él le gustó tanto y era tan original, que decidió armar una banda, con él y yo como miembros de The Fireman… ¡Wow! ¡Todavía hoy no puedo creerlo!

Luego produces dos discos con la Filarmónica de Londres, “Us and Them: Symphonic Pink Floyd” (1995) y “Kashmir: Symphonic Led Zeppelin” (1997). Los trabajos de Jaz Coleman. ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue genial para mí y para Jaz adquirir experiencia con una orquesta. Ambos LPs anduvieron muy bien en los EE.UU. En el 2010, produces el álbum de “The Orb” y David Gilmour (Metallic Spheres). Acá vuelves a trabajar con David Gilmour (ya habías trabajado con él en “Blue Pearl”) ¿Qué recuerdas de este trabajo?

Muy relajado por un par de días, en mi estudio en el jardín, David tomó la dirección muy bien... ¿Cómo se dirige a David Gilmour...?

Es una locura, lo sé, pero hice de yo mismo y sugerí ideas. El tacto y la diplomacia como dice George Martin.

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Llegamos al 2014, produces y editas “Killing Joke In Dub”, luego has producido y tocado en el último de Peter Murphy y el último de Echo and The Bunnymen. ¿Cómo fue trabajar en estos álbumes?

Ambos fantásticas influencias para mí a través de los años, es genial adentrarse en ellos en profundidad... También escribir con tipos como ellos es como una educación y un privilegio enorme, no es fácil sin embargo…

Este año cierras un ciclo. Has trabajado con Guy Pratt en “Brilliant”, Durga McBroom en “Blue Pearl”, ahí también con David Gilmour y Richard Wright. Y en octubre se editará el nuevo disco de Pink Floyd “The Endless River”. ¿Cómo te sientes con tu trabajo en este disco?

Esto es increíble para mí, junto con McCartney, probablemente el pináculo de mi vida en la música hasta el momento, no nos olvidemos de Killing Joke, The Orb o The Verve, aunque... Puede que no sean tan icónico, pero son muy importantes y estoy orgulloso de haber trabajado con todos ellos finalmente. ¿Cuáles son tus próximos pasos? ¿Nuevo álbum de Killing Joke? Alguna vez, ¿vendrán a Sudamérica?

Estamos pensando en ir a Jamaica para terminar el disco que empezamos a finales del año pasado en Praga. Con suerte vamos a grabar las voces en Buenos Aires, lugar al que he estado esperando visitar toda mi vida (junto con Brasil)... Me encantaría actuar allí, pero aún no ha sucedido. Sigo esperando!!

Leonard Cohen - El judío errante Por Gustavo Rojas Fernández

Leonard Cohen nace en Montreal Canadá el 21 de Septiembre de 1934, dos años más tarde moriría quien fuera un poeta capital para él y que influenciaría en toda su obra literaria y musical: Federico García Lorca; años más tarde fallecería su padre, un judío conservador. Cohen se crio al principio en el seno de una familia que le brindó comodidad y seguridad, que fueron interrumpidas abruptamente con la muerte de su ya citado padre en 1944, su novela El juego favorito relata el hecho sin plasmar el sentimiento de pérdida. A partir de esa ausencia física familiar, la muerte se tornaría un tema recurrente en su obra. Cohen era un estudiante brillante que pronto se aburrió de la rutina escolar, lo que realmente lo impactó y según sus propias palabras, lo educó, fue el ver en 1945, por primera vez las imágenes de

los campos de concentración. En 1949, con quince años dio con un libro de Lorca, cuya lectura irónicamente dijo le arruinaron la vida. Declaró el entonces adolescente: “Lorca me enseñó que la poesía puede ser pura y profunda, y al mismo tiempo popular”.

Leonard comenzó a escribir en forma comprometida a partir de 1950, así lo recuerda su propio protagonista: “Mientras estaba sentado en una mesa de cartas en un porche soleado un día en que decidí dejar un trabajo. Estaba trabajando en la fundición de latón y pensé que ya no podía soportarlo más. Salí al porche soleado y comencé un poema. Tenía un maravillosos sentimiento de dominio y poder, y libertad, y THE 13TH. 43

fuerza, cuando escribía este poema.”.

Pero también lo atraían los deportes y por supuesto las mujeres. Durante muchos años tuvo una profunda admiración por Ray Charles, ello lo llevó con apenas diecisiete años a formar un conjunto country and western, llamado “The Buckskin Boys”. El conjunto solía actuar en las escuelas secundarias, los sótanos de la iglesia y los bailes, ello duró unos tres años y determinó sus dotes para la música. Sus primeros poemas ya contenían las estructuras y características básicas de la canción, como si estuviese vislumbrando su futuro como letrista. Lo que facilitó que Cohen entrara con el pie derecho en el mundo musical fue que en ese momento cuando a él le urgía empezar a componer en forma más profesional, artistas como Bob Dylan y Judy Collins y la disposición de las compañías discográficas para capitalizar el mercado inexplorado de la música folk electrónica impulsado por el rock´n roll logró dicha apertura hacia el público masivo.

Ya desde el comienzo Cohen fue bautizado por la prensa como el Dylan canadiense, mote que se fue diluyendo al ir moldeando su propio estilo. Leonard en ese entonces vivía en una pequeña habitación del tamaño de un armario, ocupada en su mayor parte por dos camas individuales y su guitarra. “Chelsea hotel nº2” grabada en “New skin for the old ceremony” (1974), narra las experiencias desgraciadas y la temprana muerte de Janis Joplin, con quien Cohen tuvo un affaire en Chelsea. Incluso encuentra un humor macabro en su éxito romántico: “Me dijiste una vez más / que preferías / a los hombres guapos, pero que / por mí harías una / excepción.”

La crítica musical fue algo despectiva

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al comienzo de su carrera, diciendo entre otras cosas sobre si música y sobre él: “bardo de cuarto de alquiler”, “música para cortarse las venas”, algunos bromearon que su música solo podía escucharse con tiempo nublado.

Rechazando tales críticas, Cohen celebró su paso a la cultura porque, dijo: “Es un asalto a la historia, y es un asalto a todas esas voces autoritarias que siempre nos han dicho lo que es bello.”

A pesar de la intensidad del proceso de composición, Leonard sigue creyendo que no existe diferencia entre un poema y una canción, declaró en 1969: “Todos mis escritos tiene guitarras detrás, incluso las novelas.”

En su primera presentación Cohen caminó nervioso hacia el escenario con un elegante traje, y con manos y piernas temblorosas comenzó “Suzanne”, pero se detuvo a mitad del primer verso, susurró al micrófono que no podía continuar y abandonó el escenario. El público pidió su vuelta, pero su pánico escénico prevaleció. Sólo apremiado por Judy Collins y en respuesta a los gritos de la audiencia regresó, se sacudió, estiró el cuerpo y enderezó los hombros, volvió a sonreír y se dirigió de nuevo al escenario.

Terminó “Suzanne” y el público enloqueció.

A finales de 1967 termina de grabar su primer álbum titulado prosaicamente Song of Leonard Cohen, su lírica explora temas personales, que por entonces incluían sus relaciones con mujeres, sobre todo con Marianne. De las diez canciones, tres hacen referencia directa a las mujeres en sus títulos, incluida “Suzanne”, “Sisters Of Mercy” nombre que tomó la banda gótica

comandada por Andrew Eldrich, y “So Long, Marianne”. Otras cuatro tienen a las mujeres como figuras centrales. Criticado por ser un músico mediocre debido a que se limitaba a sólo tres o cuatro acordes, Cohen se defiende caprichosamente diciendo: “Simplemente he decidido optar por la mayor simplicidad”.

Cohen perdió los derechos sobre “Suzanne” y nunca ha obtenido beneficios de que fuera grabada con tanta frecuencia por otros artistas. Todo el álbum está impregnado de un sentimiento de pérdida, soledad y distanciamiento, sentimientos que se potenciarán de manera más introspectiva en su siguiente álbum Song From a Room donde destacan las canciones “Bird on the Wire” e “Story of Isaac” que incluiría desde entonces como parte del repertorio en vivo.

En Agosto de 1970 actuó en la isla de Wight, compartiendo el programa con The Doors, Miles Davis y Jimi Hendrix. Recitó tres poemas e interpretó catorce canciones en un concierto al aire libre. Un periodista británico de la Melody Marker escribió al respecto: “es un viejo aburrido, que solo debe regresar a Canadá, de donde, en primer lugar, nunca tenía que haber salido”.

Su tercer álbum “Songs of Love and Hate” grabado en Nashville, amplía su sonido con acompañamiento de cuerdas y las voces de apoyo de dos vocalistas femeninas. También emplea un coro infantil en “Last Year´s Man” y “Dress Rehearsal Rag”. Lanzado en 1971, el álbum contiene dos de las canciones que identifican a Cohen “Famous Blue Raincoat” y “Joan of Arc”. Tras un álbum en vivo, una recopilación y un álbum de estudio (del que hablaré en otra sección de este número de

The 13th), aparece “Death of ladies´man” en principio libro. Las ocho canciones del álbum van de la mordaz “True Love Leaves No Traces”, a la sensacional “Don´t Go Home with Your Hard-On”, que utiliza a Bob Dylan y Allen Ginsberg como vocalistas de apoyo, ello se dio por medio de modos dictatoriales de parte del productor Phil Spector. Con el álbum “Receng Songs” de 1979 se cierra la década más inspirada de Cohen. Tras un largo receso Cohen regresa seis años más tarde con “Various Positions” que incluía la canción “Hallelujah” versionada entre otros por Jeff Buckley. Con “I´m Your Man” de 1988, se inicia una nueva etapa en su obra, ya con la voz profunda y madura y con un sonido más moderno se abocará desde entonces hasta hoy, a presentar su música con una lírica entre reflexiva y “optimista” a su manera.

“The Future” le abrió las puertas a un público joven, gracias también a exponentes más modernos que lo aclamaban y declaraban como influencia directa: Nick Cave, Pixies y Rem entre otros. Luego de discos en vivo, discos tributo y de estudio, Cohen fue siendo cada vez más conocido y premiado por su obra, tanto literaria como musical. A punto de cumplir ochenta años Cohen ya grabó un nuevo álbum y nada parece detener y hacer caducar su calidad lírica y compositiva. Una vez se le preguntó si se conocía a sí mismo y Cohen replicó – tras una pausa – que sólo le gustaba su “yo verdadero”, que siempre había tratado de descubrir.

Mediante su arte, sus viajes espirituales, sus relaciones románticas. Todo ello ha sido desde siempre el medio que Cohen ha utilizado para unir las coordenadas de su vida.

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palabras en la arena -literatura-

Siguiendo los pasos de la sombra: “Libro del desasosiego” de Fernando Pessoa Por Pablo Ravale

“El corazón, si pudiese pensar, se detendría”, esa frase sigue resonando en mi cabeza desde la minuto cero en que me adentré en este libro.

Por ahí sirva de resumen, si es que de algo sirven los resúmenes, pero lo cierto es que hoy, luego de ir y venir durante días en la relectura de aquellas páginas malditas, terminé de una vez por todas con la reseña de la obra en cuestión: Libro del desasosiego, de Fernando Pessoa. Y es que el Libro ha estado en mi cabeza y en mi espíritu por mucho tiempo.

Recuerdo que cuando originariamente me aboqué a su lectura, tuvieron que pasar casi cuatro meses hasta que pude terminarlo y, en consiguiente, desestigmatizarme de su aura. ¿A lo mejor ustedes se preguntarán por qué es que digo esto? La respuesta está en el mismo nombre del autor (Pessoa en portugués significa ‘persona’, y ‘persona’, a su vez, es una palabra que significa ‘máscara’); puesto que quien accede al universo de tan enigmático y enorme personaje, jamás vuelve a ver la vida como lo hizo hasta el momento. Leer el Libro es una experiencia compleja y dolorosa, te sume en una agonía que es constante. Más se debe ir de a poco para empaparse de esas memorias, se debe ser Fernando y nadie más 48 .THE 13Th

que él. ¿Aunque quién era, a ciencia cierta, el verdadero Pessoa? Nadie lo sabe, tan sólo nos queda su obra.

Libro del desasosiego representa su elixir en prosa. Está compuesto por casi quinientos fragmentos sueltos que el autor redactó entre 1913 y 1935, año de su muerte, y lo cierto es que lo dejó en un total desorden, con indicaciones contradictorias. El libro viene a ser una suerte de autobiografía de Bernardo Soares, uno de sus tantos e inquietantes alter-egos literarios. Empero, ¿es Soares sólo un heterónimo o acaso un “otro yo” entrando y saliendo del cuerpo de Pessoa?

Resulta difícil especificarlo. De todos modos, nos encontramos aquí con una auténtica puerta abierta al mundo de Fernando, y a su particular manera de entender la poesía y la vida.

Para poder explicarlo mejor, pondré ahora un ejemplo: un hombre se enamora de una mujer, pero en realidad se enamora de la idea que tiene de esa mujer, ya que no la conoce del todo. Cuando dicho hombre entabla un diálogo o una relación con la mujer, y pasa de estar idealizada a ser real, el amor ya no

es tan puro ni tan intenso como creía en un principio. La mujer no es perfecta, tiene defectos, y el amor se convierte en cariño u otra cosa. Por ello Bernardo Soares prefiere no amar a nadie en la vida real, sino únicamente en la imaginación; y así vivir un amor utópico que no se verá contaminado de esas dosis de realidad que nos bajan a las personas amadas del pedestal.

Este ejemplo lo extrapola a todo: Bernardo Soares no tiene ni le interesan amantes o amigos; sólo algún conocido que hace posible la publicación de su libro. Sus novias son mujeres inexistentes, sus amigos son muchos, y los visita, pero por intermedio de sus ensoñaciones o viajando con la imaginación.

Mientras tanto, el tedio y el desasosiego ocupan su vida real de ayudante de tenedor de libros. O sea, durante el día se desempeña en la labor contable, pero por la noche -y en sus ratos libres- escribe con compulsión esta suerte de manuscrito. Su prosa no es suya, afirma, sino más bien de los seres que lo habitan.

La idea de que los sentimientos son más bellos cuando se imaginan que cuando se viven, se debe a que Pessoa tenía una gran incapacidad para relacionarse con los demás. La nostalgia, el llanto, el abatimiento, la desolación, la amargura, la lobreguez, la ausencia de la calma, la imponencia, el devaneo, son algunos de los ejes sobre los que se mueve la temática del libro; amén de que todo el relato está tamizado por un manto de lluvia incesante que cae sobre el suelo de las calles de Lisboa. Cada día contado por Soares, termina siendo un día para el lector; incluso no es de extrañar que se espere a la lluvia para leer ciertos fragmentos acompañado de la misma.

Centrándome ahora en el aspecto más técnico del libro, podría comentar que su publicación fue bastante dificultosa. En

primer lugar, porque el poeta portugués se pasó más de veinte años escribiéndolo; y en segundo, porque iba dándolo a conocer muy esporádicamente a través de fragmentos en revistas literarias o de cartas enviadas a un amigo. Cuando murió, Pessoa dejó cientos de carpetas y de cuadernos sueltos que, para el editor a cargo de esos textos, la ordenación de los mismos resultó una tarea infernal. No obstante, se planteó la posibilidad de intentar una sucesión cronológica; aunque Fernando no solía ponerle fecha a las hojas.

Algunos pensaron en fijarse en el contenido; sin embargo, el estilo, el tipo de tinta, el papel utilizado, la caligrafía, eran puntos que fueron cambiando a lo largo de los años de su escritura... Por ende, se llegó a la conclusión que esa labor sólo podría arrojar resultados imperfectos, y que el propio Pessoa probablemente no hubiera pensado en un orden cronológico para su obra. Así las cosas, y tras posponerse durante años la edición del libro, se decidió organizar los textos de manera temática; es decir, sin separar los diferentes conjuntos, pero respetando los nexos que pudieran existir entre ellos.

Para ir cerrando, podría agregar que lo contenido esta obra es una fuente de sabiduría conmovedora... un verdadero microcosmos de ideas filosóficas, espirituales y literarias (así como también de observaciones sociológicas, máximas y aforismos). Leyendo las meditaciones de Soares -o Pessoa, experimentaremos en lo profundo del ser su angustia y su desapego por la vida, amén de descubrir a un alma de una lucidez impresionante; alguien capaz de adentrarse como pocos en el abismo del desamparo, la banalidad y la belleza inefable de la condición humana. Un libro imperdible, pero, por sobre todo, de consulta; de cabecera para siempre.

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The Mission at War with The Gods: Tripping The Live Fantastic

Por Marcelo Simonetti

El nivel de calidad del libro dedicado a la banda originalmente formada por Wayne Hussey, Craig Adams, Simon Hinkler y Mick Brown en Enero de 1986 es de por sí anticipado a primera vista. La primera edición limitada (1000 ejemplares numerados) es de tapa dura, y las hojas de excelente calidad.

La misma incluye 355 páginas de fotos color, algunas inéditas, de todas las épocas de la banda. Y en el medio la edición limitada tiene 8 hojas (16 páginas) de fotos color. De lujo, sin dudas.

Ahora, yendo al contenido del libro en sí, el trabajo hecho por el autor, el italiano Alex Daniele, es enciclopédico, dedicadísimo, y de ágil lectura. Resultará atractivo no sólo a los fans de la banda, sino también a todos los amantes de la música inglesa de los ochenta en general, ya que el libro está lleno de referencias a bandas de la época, y condimentado con un sinfín de entrevistas ad hoc de distintas personalidades y próceres 50 .THE 13Th

de la música de la época con los que la banda estuvo de algún modo involucrada, como Billy Duffy (The Cult), Justin Sullivan (New Model Army), Roger O’Donnell (The Cure), Julianne Reagan (All About Eve) y muchos más, mas allá de los testimonios de los propios miembros de la banda a través de los años.

La historia comienza con el final de Sisters of Mercy como una banda propiamente dicha, ya por todos conocida, y atraviesa exhaustivamente todos los períodos ascendentes y descendentes del grupo hasta la actualidad, sazonados con una enorme cantidad de fotos, muchas de ellas aportadas por el mismo Wayne Hussey de su archivo personal. La “semi-oficialidad del libro también se deja ver en que el concepto del arte de tapa está ideado por Cinthya Hussey, esposa del cantante, que también ha diseñado los artes de los últimos diez años de trabajo discográfico de la banda. Las

anécdotas son riquísimas, y la información precisa. El recuerdo de los picos mas altos de popularidad, como cuando presentaron Children en siete noches consecutivas en Marzo del 88 en el London Astoria, o las dos noches sold out en diciembre del 88 en el Wembley Arena, o la inolvidable noche en que encabezaron el Reading Festival ante decenas de miles de personas en 1989, encabezando también todos los rubros en todas las encuestas anuales de música de Gran Bretaña en los años 87/88/89, seguramente pondrá la piel de gallina a mas de un fan, y por supuesto también están plasmados los momentos más difíciles, como las problemáticas visitas a Estados Unidos durante casi toda su carrera, la partida de Simon Hinkler de la banda, la decisión de cambiar el rumbo artísitico drásticamente con el álbum Masque, la disolución de la banda en 1996, o en plena gira sudamericana en 2002 o el punto final que había puesto el propio Wayne en 2008… Tampoco falta en esta obra el origen de los “Eskimos”, la especie de barra brava que seguía a la banda a todas partes y que llegó a ser tapa de la revista más importante de la música británica por sí sola.

Cada disco de la banda está en el libro analizado por el autor y también los miembros de la banda de la época. Cada gira y cada etapa de la banda está plasmada al detalle de manera brillante hasta la última reunión del 2011 con tres de sus cuatro miembros originales. Si el libro terminara ahí, valdría la pena largamente.

Pero no termina ahí. La tarea emprendida por el amigo Alex es monumental.

Hay una segunda parte del libro donde hace un pormenorizado relato de la carrera musical de cada uno de los integrantes de todas las épocas de la banda más allá de The Mission.

Wayne en Dead Or Alive, Wayne y Craig en Sisters Of Mercy, Simon en Pulp, Mick en Red Lorry Yellow Lorry previamente a la banda, y luego la carrera solista de Wayne, de forzoso comienzo en abril de 2002 cuando Craig abandonó la banda en plena gira sudamericana pasando por sus discos solistas, las colaboraciones de Wayne con The Cure y la fugaz banda de covers armada con Martin Gore en 1991 (lo sabías?), Craig con The Cult, con The Alarm y un sinfín de bandas mas, MarkG Thwaite con Peter Murphy, Rob Holliday con Prodigy, Scott Garrett con The Cult, Simon con The Eden House, Mike con Dead Guitars y muchos mas. También el detalle de todos los músicos que compartieron escenario con la banda en algún momento, como Billy Duffy y Ian Astbury de The Cult, Julianne Reagan de All About Eve, John Paul Jones de Led Zeppelin, Mick Jones de The Clash, Monica Richards de Faith & The Muse, entre otros. También la corta vida de Metal Gurus (especie de banda paralela a The Mission a fines del 89), sus shows en vivo y sus dos eps, uno en vivo y uno en estudios). Un viaje fantástico.

Para el final, una detallada mención de su discografía y videografía completa incluídas ediciones de estudios, compilaciones, remasterizaciones y publicaciones en vivo.

Como conclusión podemos afirmar que si el agotadísimo hace más de dos décadas y oficial “Names Are For Tombstones, Baby” era un suculento pastel para los fans con la historia de la banda hasta el año 1993, éste AT WAR WITH THE GODS es un placer inimaginable para todos los que puedan hacerse con una copia, ya que bucea en las casi tres décadas de existencia del grupo desde todos los ángulos posibles.

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hidden track Madre de Wayne Hussey con una foto del pequeño Wayne, con tán sólo siete años.

El encabezado decia: Wayne Hussey: Un poco decepcionante, dice su madre Revista Blitz THE 13TH. 53

Muslimgauze o la insurgencia sónica Por Alejandro Cenizacromada

Este proyecto me produce mucha fascinación por su concepto y su impresionante como variada discografía. Bryn Jones se apasionó de manera desmedida por todo lo que tuvo que ver con el mundo del medio oriente: la invasión de la extinta Unión Soviética sobre Afganistán, el conflicto entre Irán e Iraq, la guerra del golfo, la dictadura en Libia; pero sobre todo, el conflicto en la franja de Gaza.

Al momento de su repentina muerte debido a una extraña infección sanguínea en Enero de 1999, el proyecto Muslimgauze (un juego de palabras que sugiere la expresión musulmán 54 .THE 13Th

de Gaza) llevaba editado y prensado más de 90 discos entre E.Ps, singles y álbumes (sin contar compilaciones). Aún hoy 15 años después, se sigue prensando gran cantidad de material inédito de este proyecto británico.

Muslimgauze surgió de esa segunda generación de bandas experimentales (Bourbonese Qualk, Einsturzende Neubauten, Coil, Psychic TV) a principios de los ochenta en Mánchester. Bryn Jones fue un artista prolífico, enigmático, una especie de ermitaño urbano, encerrado en ese

estudio creado en la habitación de su casa, en una ciudad donde convivió con numerosos inmigrantes árabes residentes allí. Su primer pseudónimo fue E. G Oblique graph, pero la invasión israelí en el Líbano, ver a las víctimas convertidas en victimarios y la execrable violencia en tierras palestinas lo tocó de una manera profunda cambiando el nombre de su nuevo proyecto a Muslimgauze. Muchos pensaríamos que con más de un centenar de discos dentro de su catalogo, al escucharlo nos encontraríamos con una obra más bien lineal, o por lo menos en muchos de sus pasajes; pero para nuestra sorpresa no es así. Esta sónica guerra nómada comienza en

1983 enfocándose en el uso de sintetizadores análogos, y para crear composiciones más orgánicas rechazando el uso de cajas de ritmo y prefiriendo usar percusiones étnicas reales hasta el punto de usar elementos menos ortodoxos como botes vacios u ollas de cocina.

Preponderante durante toda su carrera el uso de grabaciones tomadas de noticieros, discursos de dirigentes como Yasser Arafat, Gadaffi en Libia o Saddam Hussein en Iraq; grabaciones de cánticos beduinos, cánticos de la intifada (o rebelión palestina contra el gobierno israelí) logrando obras muy bellas que surgieron en ediciones limitadas en vinilo, hablamos copias que podrían ir de un

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tiraje de 50 a 2000 copias según el gusto del autor.

El arte de las carátulas podría generar controversia en la sociedad occidental de no ser música tan subterránea. Adornaban las portadas fotografías de encapuchados miembros radicales del islam armados con mini Uzis, poniendo su mano sobre el Corán o mujeres árabes en combate empuñando fusiles AK – 47. Títulos como “ Vote Hezbolla”, “Hammás Arc” o “ Return of Black September” (El septiembre negro fue un grupo radical que secuestró y masacró a la delegación israelí en los juegos olímpicos de Munich en 1972). Tras la primera etapa más ambiental y de cierta aura industrial, entrados los noventa Bryn Jones se empieza a centrar en el uso de percusiones autóctonas de la península árabe y la India como la darbuka y la tabla. Sería muy complicado definir la gran cantidad posterior de estilos que se desarrollaron en el proyecto; todo surgía de la improvisación grabado muchas veces en cintas DAT. Techno, Tribal, Dub, Industrial, Ambient, Ritual, Drum n’ Bass, hasta Noise, con el componente hipnótico y repetitivo siempre presente, como una especie de rito 56 .THE 13Th

de iniciación. Para los últimos años de su vida Bryn Jones se centraba en deconstruir y retorcer ritmos y cánticos étnicos añadiendo beats y loops en ocasiones violentos. Algunas veces el uso desaforado del delay muy propio del Dub en la mesa de mezclas se convierte en marca de la casa. Otro recurso son los ritmos cortados de tajo como si el corte se estropeara. Considero yo fue una manera muy propia de representar en los discos como los israelíes exterminan la cultura palestina, y los occidentales la cultura árabe en general. La revista de música independiente Rock de Lux de España en 1998 lo veía como una especie de loca experimentación que desentonaba con las danzas derviches. Personalmente creo que el proyecto Muslimgauze logró un estilo único e inconfundible.

Hoy en día muchos de estos discos están descatalogados, recientemente el sello alemán Vinyl On Demand se ha encargado de recopilar sus primeros discos hasta 1988 en formato vinilo en un estuche de lujo bajo el nombre: Muslimgauze, Chasing the shadow of Bryn Jones. Es importante mencionar que a pesar de haber estado interesado con todo lo que pasaba en el medio oriente, Bryn Jones

ni practicó el islam, ni mucho menos viajó allá, esa fue una razón que utilizaron los detractores de su obra para atacarlo.

Jones argumentaba que era un total despropósito ir a un lugar donde no se era libre. Aún así en algunas de sus grabaciones invitaba músicos árabes y en los pocos conciertos que hizo entre mediados y finales de los noventa en Europa. Dentro de su banda había miembros procedentes del medio oriente. Aunque sus temas tenían títulos que mencionaban algún evento ocurrido en el mundo árabe, toda su obra fue instrumental.

Querido u odiado es material que no puede dejarnos indiferentes al acercarnos a su historia.

Por último mencionaré algunos discos que este humilde servidor recomienda, y que de alguna manera podrían acercarnos a grosso modo a la inmensidad del proyecto Muslimgauze: Wish of the flayed (2008): “Deseo del desollado” es un disco distribuido gratuitamente por el sello Muslimtapes, conjuga muy bien la parte electrónica con los barnices sónicos del medio oriente.

Bastante contundente. Trabaja en la parte de la ingeniería de sonido Steven Wilson de Porcupine Tree.

Narcotic (1997): Bellísimo, el minimalismo hipnótico de la canción Medina Flight es cautivador, ecléctico, plagado de pasajes sonoros. Ramadán embriagador.

Flajelata (1986): De lo primero, de corte ambiental, incluso ritual. Cuenta la historia que Muslimgauze para 1986 tocó en vivo apoyado por miembros de Bourbonese Qualk; pero no se sentía cómodo en vivo; así que no volvió a hacer conciertos hasta mediados de

los noventa.

Blinded Horses (1985): De la primera época, uno de los más heterogéneos, brillo experimental sin igual.

Izlamaphobia: (1995) Disco doble que refleja esa última etapa antes de la muerte de Jones, plagado de inquietantes loops fusionados con percusión étnica Zúlm (1992): Ëtnico y profundo; toda la esencia en torno al tambor, el más representativo durante su paso por el sello australiano Extreme records.

Hand of Fatima y Fakir Sind (1999): Dos discos póstumos de corte puramente étnico y experimental deconstruyendo ritmos árabes con una fuerte pulsasión Dub, recomendados Mind tea with Gadaffi y Mumbai vibe garden.

Mención aparte el tremendo Split con el proyecto experimental francés Les joyaux de la princesse (1997) y el álbum en el que colaboró con Sonar, ex miembros de la legendaria banda belga de E.B.M The Klinik.

Aunque Bryn Jones optaba en la mayoría de los casos en remezclar sus propios temas, siempre hubo colaboraciones, el ingeniero de sonido Jhon Delf presente en decenas de sus discos, la colaboración con el inglés “The Rootsman”, Suns of Arqa, Apollon y Unitone Hi fi.

Solo me quedaría recomendar los más de 100 discos que me faltaron mencionar, no sobra decir que hay muchos discos descatalogados que se pueden conseguir de manera libre en algunos portales de internet, dejo un par de portales recomendados. Alá sabrá ser misericordioso y compasivo. http://thethingonthedoorstep.be/blog/ category/muslimgauze/ http://www.muslimgauze.org/ THE 13TH. 57

espĂ­ritu e imagen -arte visual-

tadeo Phillips

ENTREVISTA POR LIGIA BERG

Tadeo es un joven artista Argentino, su obra se desarrolla entre diferentes disciplinas como el dibujo y la pintura y sobre diversos soportes. Se puede destacar un estilo pop, de pinceladas salvajes, sus trabajos realizados con lapicera bic y su interés preferencial hacia el retrato.

Hola Tadeo! Contame un poco sobre vos actualmente y en que estás trabajando en este momento.

Actualmente estoy haciendo el arte de tapa del proximo disco del grupo Reiband y del proximo trabajo de Juan del Rio (guitarrista de Viejas Locas). Combino mis estudios con mi carrera como dibujante realizando obras y diseños por encargo y dando cursos de dibujo para niños y adolescentes.

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Decime tres palabras que te vienen a la mente cuando pensás en tus pinturas.

Densidad, Rock y frío.

Contame un poco de la relación Tadeo/ historietas.

Jaja justamente Ligia me acompaño en mis inicios con la historieta, cuando cursabamos el taller de Salvador Sanz alla por el 2009. Cuando tenia seis o siete años herede de mis tios (no se murieron (risas)) una coleccion muy grande de comics de todo tipo: un monton de revistas nacionales como Fierro y muchas internacionales como Cimoc. Antes de eso venia mirando solo comics americanos de superheroes, entonces con esas revistas entendi que se puede dibujar y pintar de muchas maneras, basicamente.

¿Cuál fue tu primer contacto con la pintura?

Creo que con la carrera de bellas artes (en Lola Mora). Pintaba muy desprolijo y con manchas. De niño nunca me atrajo la pintura tanto como el dibujo, quizas ahora me empezo a interesar más. ¿Hacés alguna otra actividad artística?

Toco la batería, sin frecuencia, sino mas bien como hobby y la historia de como empecé a tocar es muy parecida a como empecé a leer comics (también por familia, mi tía es tatuadora y baterista). ¿Qué color pensás que definiría tu trabajo?

Azul y rojo sin dudas!

Bien Lyncheano. o cuerveano jaja. jaja azul y rojo papaaaaaa lincheano de david lynch? o de valeria lynch?

Se que sos de ir a pintar en vivo en fiestas, otros no podrían hacerlo por miedo u inhibición ¿cómo fue la primera vez que hiciste esto y cómo te sentís en los eventos en los que trabajás e vivo?

Es una experiencia mucho mas social e interactiva que dibujar solo en tu casa.

Haces contactos y amigos. Por suerte siempre recibí buena onda de la gente que me he cruzado y de no haber sido así hubiese seguido adelante sin darle bola a la gilada, que es una especie humana en constante reproducción (risas). ¿Tenés algún tipo de ‘ritual’ a la hora de ponerte a trabajar?

Que buena pregunta. Me alcanza con respirar un poco, centrarme y enfocarme, pero creo que para dedicarse a algo

artístico, hay que tener un nivel de TOC un poco más alto que el resto. Todos vivimos con neurosis, pero no todos pueden canalizarlas y sublimarlas de un modo sano, como el arte justamente.

En realidad, estos “rituales” podrían ser cualquier cosa que llamemos “método”.

El método nos sirve hasta que nos pesa, como todo. ¿Cuál es tu momento favorito del día?

A media mañana, antes del mediodía, es cuando mas activo y con ganas de todo me siento. ¿Algo que te inspire?

Todo lo que de la sensación de ‘enlentecer’ el tiempo y a la vez relaje la musculatura del rostro (nunca les paso eso?) y la música en todas cualquier circunstancia: escuchando solo o en un recital multitudinario.

Algo que te desinspire?

Todo lo abudante, barato y sin identidad, básicamente.

Alguien que te inspire?

La gente perceptiva y sensible que sea capaz de mostrarte otra manera de ver las cosas. ¿Algún artista visual que te guste?

Lucian Freud ¿Banda o música favorita?

Las grandes bandas sonoras de mi vida podrian ser Gorillaz, Babasonicos, Jamiroquai y últimamente el genero Lounge.

Muchas gracias Tadeo. www.tadeophillips.carbonmade.com THE 13TH. 61

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pura melomanĂ­a

El Rostro Vestido de Oscuridad Peter Hammill – In Camera (1974) por Gustavo. R. Fernández

Se cumplen cuarenta años de la edición del cuarto disco solista de Peter Hammill, que había decidido darle un largo descanso a su mítico grupo Van Der Graaf Generator, con el cual ya tenía grabados cuatro álbumes, de los cuales su cenit era Pawn Hearts de 1971.

Hammill tiene como premisa no repetirse a sí mismo, por ende cada trabajo suyo es una pieza única, cuya riqueza lírica e interpretativa destaca por sobre el virtuosismo y el éxito comercial.

In Camera, de 1974, es un disco de corte 70 .THE 13TH

experimental, aquí Peter cumple dos roles bien definidos, despojado de artificios será entonces el comandante desquiciado anunciando los días oscuros que se avecinan en las regiones del alma y, por otro lado, un viajero errante que detalla minuciosamente el sendero que conduce a un mundo de profunda reflexión.

Cabe destacar que ese mismo año, apenas unos meses antes sale a la luz un disco que es considerado como un clásico dentro de su extensa discografía, se trata de The Silent Corner And The Empty Stage,

que contó con la colaboración en una canción del guitarrista Randy California de grupo de culto Spirit. Hammill no suele hacer concesiones, es siempre lo que él desea hacer sin prestar atención a críticas posteriores, ello se debe a que cuando entiende que maduró la idea de la obra y la puede plasmar, ya no habrá quien pueda tocarla o intentar derrumbarla.

El disco abre con un dejo de melancolía en donde somos introducidos a un reino de misterio, bruscamente en las siguientes dos canciones somos sacudidos por la alienación de sus protagonistas; ya no podremos hacer pie y tendremos que vagar a tientas en la oscuridad. La siguiente canción “Again” nos habla de aquello que alguna vez fue hermoso y al pasar los años se demacró dejándonos abandonados en una isla sin retorno, una balada sobrecogedora donde Hammill con voz herida y tétrica declara:

“Y el conocimiento que ganamos en parte siempre nos lleva más cerca del principio mismo, y de las preguntas fundamentales: ¿Cómo puedo saber que la carretera que indica al infierno no sube hasta el cielo? ¿Qué puedo decir cuando, de alguna extraña manera, yo soy mi propia dirección?”

“…Yo soy yo, así era antes de ti, pero después ya no soy el mismo, te has ido y estoy contigo: nunca ocurrirá de nuevo”.

Tuve la fortuna de ver a Peter Hammill en un escenario pequeño a unos escasos metros de distancia interpretando esta canción y puedo asegurarles que es desgarrador, porque cuando termina de hacerla queda él y uno como devastado.

Cerrando este increíble disco nos internamos en las profundidades de un abismo circular, quienes nos hablan ahora son Gog y Magog, los personajes descriptos en el Apocalipsis bíblico y que simbolizan los podres terrenales que se enfrentarán al pueblo de Dios en la última gran batalla entre bien y el mal; es una mini obra que presenta sonidos de un submundo poblado de esclavos espirituales, de condenados, en donde se sabe no hay redención posible.

Apenas recuperados del golpe nos adentramos en otra canción que se emparenta en lo musical con la primera, como cerrando un paréntesis de desilusión y asfixia. Hammill siempre nos sorprende con una canción que quedará grabará en nuestra mente, se trata esta vez de “The Comet, The Course, The Tail”, en la cual las víctimas somos todos. Peter es uno de esos escasos artistas de los cuales uno se enamora de sus letras tanto como de sus melodías, interpretación, compromiso ante la obra, la industria musical y el público. La pluma del gran iluminado nos dice aquí casi en trance:

Finalmente In Camera es un trabajo dotado de una variedad de sistemas opresivos, de paganismo lírico, de una belleza atormentada, de aflicción. Hammill no volverá a repetir una obra de estas características, pero si evocará algunas de las voces que poblaron el sendero de sombras. Hammill está más allá de toda valoración comercial, su meta siempre fue que el eje la canción sea como un viaje en el cual cada oyente fije su destino. Dentro de su obra en conjunto In camera es un disco imprescindible para entender el complejo mundo en el cual habita este multifacético artista.

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The Dillinger Escape Plan – Miss Machine (2004) Por Pablo Ravale

The Dillinger Escape Plan es una banda estadounidense de mathcore, procedente de New Jersey. Desde 1997 vienen moviéndose en la escena underground y cuentan hasta la fecha con cinco discos de estudio, amén de algunos EP’s (uno inclusive con Mike Patton a las voces).

Musicalmente son una aplanadora que saben conjugar virtuosidad con agresividad.

En sus canciones hay claras influencias 72 .THE 13TH

de heavy metal, rock progresivo, rock industrial, aunque también de la energía desbordante del hardcore y de elementos propios del jazz. El nombre de la banda (que en inglés significa “El plan de escape de Dillinger”) es un guiño a la figura de John Dillinger, un famoso atracador de bancos norteamericano de la década del 30.

Con su primer álbum, Calculating Infinity,

de 1999, lograron de hacerse un nombre dentro de la movida alternativa, pero con este, su segundo disco (y tras la salida de dos de sus miembros originales, el cantante Dimitri Manakakis y el bajista Adam Doll) se dieron a conocer en el panorama internacional. Formando entonces con Greg Pusciato en voz, Ben Weiman y Brian Benoit en guitarras, Liam Wilson en bajo y Chris Pennie en batería, Miss Machine supone una interesante evolución con respecto a su debut, no obstante siguen manteniendo esa rabia e inconformidad característica de ellos.

Esa capacidad de estar siempre reinventándose es lo que los ha llevado, por ejemplo, a ser fichados como teloneros de Tomahawk y Nine Inch Nails (tanto Patton como Reznor no les han lanzado otra cosa que loas). Pues la gran virtud de The Dillinger Escape Plan reside, no sólo la contundencia y en la técnica con la que tocan, sino también en la imprevisibilidad; en ese espíritu camaleónico y esquizofrénico con el que despiden poderosas ráfagas sónicas, pero, a la vez, dan sobradas muestras de ser instrumentistas y compositores asombrosos. Porque si hay algo que se destaca a lo largo de toda su discografía, es esa impresionante calidad artística.

Mis Machine está lleno de momentos mágicos, pero es, sin duda, la voz del por entonces recién incorporado nuevo cantante, lo que hace esta placa no deje nunca de brillar. Pusciato es una auténtica bestia, sin embargo lo que lo vuelve realmente único es el hecho de cómo maneja su inmenso caudal de voz, ya que -a diferencia de Manakakis- este consigue un dominio total de su registro para afrontar tanto las partes extremas como también las melódicas (una prueba concisa de ello

es la fenomenal “Baby’s First Coffin”).

Asimismo, se acopla a la perfección con la base rítmica y la incisiva guitarra de Ben Weiman (pilar indiscutido dentro del grupo).

Otro factor de este disco que no debe ser pasado por alto es el de su impecable y pulida producción. Miss Machine suena exquisito, refinado, sofisticado… aun así jamás pierde un solo ápice de potencia ni de frescura. Aquí los de New Jersey reparten caña a troche moche. Su dramatismo y su intensidad, encuentra su punto de apoyo en esos giros rítmicos imposibles y en su desgarradora fuerza vital. En este sentido, sumergirse en la escucha de su música es abrir la caja de pandora del mathcore (término que vendría a intentar amalgamar los significados del heavy más técnico con la aspereza y rapidez del hardcore) más caótico, visceral y surrealista del mundo.

Si bien con Miss Machine The Dillinger Escape Plan no terminó de salir del todo de las catacumbas del underground, es este larga duración el que les representó poner un pie por encima del escalón de la masividad para que públicos menos acostumbrados a sonidos tan salvajes les prestaran atención y hasta los puedan disfrutar. Simultáneamente, a la prensa especializada se le empezó a caer la baba cada vez que hablaba de sus discos (no paraban de alabarlos ni de hacer comparaciones con los ya míticos Faith No More). De cualquier forma, el principal atractivo de esta banda y de este disco, es el amplio espectro que pueden llegar a abarcar sin dejar de ser abrasivos y muy mala leche.

Canciones recomendadas: “Panasonic Youth”,“Phone Home”,“We Are The Storm”, “Setting Fire To The Sleeping Giants”, “Baby’s First Coffin” y “Unretrofied”.

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Epic 45 - Against The Pull Of Autumn (2004) Entrevista a Ben Horton de epic45 por Diego Centurión

2004, publican este trabajo, bellísimo.

Revista The 13th accedió a Ben, y él nos habla acerca de este cristalino álbum.

Hola Ben, gracias por darme la oportunidad de preguntar acerca de este álbum, que se conmemora el décimo aniversario de su lanzamiento.

Se puede decir que “Against The Pull Of Autumn“ es el segundo o tercero álbum de Epic45?

En algunos aspectos, podría ser visto como el segundo álbum, como “Reckless Engineers” fue el primer lanzamiento “oficial” del álbum. Sin embargo, si se cuentan “Secrets, Signs and Threats” como el primero (que lo era), entonces tendría “Against The Pull Of Autumn” el tercer álbum. Como usted debe saber, sin embargo, terminó siendo liberado después 74 .THE 13TH

de nuestro cuarto álbum “Slides”. Todo innecesariamente muy confuso.

Fue grabado en varias de sus casas. ¿Cómo fue trabajar de esta manera?

Con unas pocas excepciones, la mayoría de las pistas comenzaron su vida en mi grabadora de cuatro pistas, que yo había creado en mi dormitorio. Luego las transferimos a la computadora en la casa, ya sea de Oli o de Rob, y construimos capas a partir de ahí. Desde mi punto de vista, esto fue una gran manera de trabajar, ya que me sacó de la casa y en otro ambiente que puede ser una influencia positiva en el proceso de grabación. ¿Cómo y cuánto les llevó el proceso de escribir las canciones?

Todo el álbum llegó a más de dos años,

creo, pero algunas pistas se superponen con los días de “Reckless Engineers”, así que es difícil de precisar. Como ya he dicho, la mayoría de las canciones comenzaron en mi casa como asuntos bastante simples, conmigo tocando todo, luego se convirtió en un proyecto de mayor colaboración cuando fueron llevadas a cualquiera de las casas, a la de Oli o a la de Rob. En las preferencias de la discografía de la banda. ¿Dónde está “Against The Pull Of Autumn“? ¿En qué posición está “Against The Pull Of Autumn“?

Esta es una pregunta difícil, ya que es casi como poner a sus hijos en orden de preferencia (casi). Recuerdo que nosotros (Rob y yo) nos enfermamos de tod y perdimos un poco la fe en este trabajo, pero esto posiblemente fue debido al prolongado tiempo que tardó en ser editado. También, escuchar de más algo durante el proceso de grabación puede crear emociones aburridas de uno hacia un proyecto. Sin embargo, con los años, mi afición por él ha crecido y aunque parte de él aún me hacen temblar (¡no voy a decir qué partes!) Creo que es un disco fuerte y muestra una individualidad que marca la diferencia de otras obras contemporáneas. ¡Incluso si me permite decirlo!

Ahora como suelo hacer con los entrevistados, vamos a apelar a sus recuerdos, por cada track del álbum pedimos a cambio un recuerdo o una sensación. ¿Estás de acuerdo? ¡Sí!

I’m Getting Too Young For This La última canción agregada al álbum y que aún está cerca de nuestros corazones y todavía la tocamos en vivo. Muy buenos

recuerdos de la grabación con entusiasmo la parte de batería final, en la habitación de Rob y conseguir nuestro amigo, Matt Kelly, para añadir un poco de encantadora guitarra adicional. Una canción triste, pero, sin embargo, ¡todo es parte del rico tapiz de la vida!

Programmes For Schools Me hace pensar en mi dormitorio en la casa de mi madre en Wheaton Aston. Frías tardes de otoño echando un vistazo, de vez en cuando, a través de la ventana hacia los campos lejanos, tratando de conseguir ese sonido en la cinta. En el momento, creo que yo estaba tratando de capturar algo que conecta con mis recuerdos de ver los programas educativos que veíamos en la escuela o cuando están en casa con una enfermedad durante la semana escolar.

Iba a ser la canción principal de un EP, pero que nunca llegó a buen término.

You Said Nothing Otra triste, grabada por mí en cuatro pistas en la casa de mamá. Creo que no agregamos nada más, ya que funcionaba como estaba. Agregada bastante tarde al álbum, me acuerdo que una noche nos conducíamos hasta la pista de aterrizaje y al escucharla, ¡Pulgares para arriba por todas partes!, me recuerda...

Barn Diversions Esta y “Where The Holidays Went” fueron grabadas en cuatro pistas en mi casa y luego completadas en la de Rob al igual que se habían registrado Reckless Engineers. Recuerdo que Rob estaba en una pequeña habitación de su mamá en ese momento y ahí es donde grabamos su encantadora línea de graves profundos y THE 13TH. 75

muestras adicionales / ruido.

Where The Holidays Went Lo primero que me viene a la mente es que yo había perdido a mis palillos del tambor así que tuvimos que reproducirlo con ¡espaguetis secos! Una vez más, soy aficionado a éste también; Me hubiera gustado haber tocado en directo más lo que lo hicimos.

Sculpted By Winter Éste fue grabado íntegramente en la casa de Oli. Siempre sentía que había más posibilidades con éste, que supongo que es por eso que lo volvimos a grabar para Slides.

The Water Tower La torre de agua era una vieja estructura misteriosa junto al canal, un par de kilómetros de Wheaton Aston. Es un lugar que íbamos y pasar el rato de vez en cuando, subiendo por la desvencijada escalera oxidada hasta la cima y sólo sentarnos allí por un tiempo. Estoy seguro 76 .THE 13TH

de que el proceso de ampliación que era bastante peligroso, pero estábamos rebeldes. Por lo tanto, esta es una oda a ese lugar que como lo recuerdo se produjo muy rápidamente. Incluye una muestra de todo un big band, ¡así que no voy a decir quién es!

These Dead Years Una vez más, un producto de una tarde de otoño solitaria en Wheaton Aston. Beats dispararon desde un ordenador viejo de mierda directamente en cinta. Precioso sólo de clarinete de nuestro amigo Anthony Harding de July Skies. Tengo un recuerdo brumoso de Ant que se sienta en el borde de la escotilla desván en la casa de mi mamá y prácticamente soplando su clarinete directamente al oído de mi padre cuando salía de su habitación! Mucha alegría y la alegría estaba por todos lados.

Against The Pull Of Autumn Una canción de dos mitades (finales del verano, principios de otoño). Mi memoria inicial de la sección de piano de la canción

es que yo había estado jugando con la estructura de la misma en viejo piano una noche de mi madre cuando mi hermano, que había estado medio dormido en el sofá, de repente se sentó y dijo: ‘que era preciosa Ben, ¡debes registrar eso!’.

Así que lo hice. La segunda sección fue iniciada por Rob y Oli en la casa de Oli y añadí las capas de guitarra una noche muy tarde. Hasta en el techo del Oli, donde a menudo tomaríamos ‘descansos’ se podía oír el estruendo distante del tráfico de la autopista, así que decidimos incorporar eso en la pista.

En el álbum participa Anthony Harding de July Skies, ¿cómo es la relación de epic45 y July Skies?

Habíamos sido amigos desde aproximadamente ‘99 después Ant habían venido a vernos en vivo y compró nuestro primer disco. Nos sentimos una conexión instantánea en cuanto lo que estábamos tratando de lograr con nuestra música, junto con un montón de otras cosas que tenemos en común. Desde “Against The Pull Of Autumn” en adelante hemos tratado de incluir a uno entre sí en uno de los otros registros.

Where To Now, Captain?

Este fue grabado en el Wheaton Aston Sports y Social Club y se tocó un poco en la casa de Oli en una fecha posterior.

Siempre es divertido para tocar en vivo.

¿Cómo está la banda hoy en día? ¿Habrá algún nuevo trabajo?

Epic45 era siempre sobre nuestras vidas en las casas de nuestros padres, el paisaje alrededor de nuestro pueblo y de las relaciones que nos conectan a ese lugar en particular. La vida y las circunstancias han cambiado de muchas maneras en los últimos años; alejándose, tener hijos, diferentes proyectos musicales, etc por lo que parecía que tal vez todo lo que tenía que haber sido dicho se había dicho. Sin embargo, todavía siento que hay algunos asuntos pendientes que puede llevar al siguiente capítulo...

Secret Maps Of England Otra de las sesiones de la “tardes de otoño ‘. Al instante, recuerdo la grabación del chelo de mi vecino de al lado Rebecca Stubb en mi dormitorio, todos nosotros un poco torpes, bastante tímidos. Ah, la inocencia...

River Traffic La pista que nos llevó más tiempo para completar! Grabamos la canción en un estudio en Manchester, durante las horas de la noche, pero acabamos de desguazar todas las guitarras y sólo mantener la batería (una original mezcla se puede encontrar en un comunicado de cinta muy limitado, junto con el tema inédito Backwards Bostezo). Varios regrabaciones de guitarras y sintetizadores más tarde dieron lugar a lo que se escucha ahora. ¡Otro de los favoritos en vivo!

¿Escuchas el álbum entero o sólo algunas canciones?

No he escuchado en mucho tiempo, aunque la última vez que lo hice fue en mis auriculares durante una noche pasar un par de años atrás. Recuerdo que pensé que era extraño que había sido creado por un grupo de niños en sus primeros años veinte y que era una buena colección de resonancia única de las canciones, bastante separado de lo que era popular en ese momento (lo que era...).

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Lou Reed – Sally Can’t Dance Por: Erick R. Vieyra

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The Velvet Underground, el proyecto más obscuro de los 60s, fue muy diferente a sus contemporáneos hippies, lo cuáles abogaban por el amor, la paz y el sexo; del trípode hippie, Velvet Underground sólo se quedó con el sexo, lo mezcló de manera tétrica con imágenes que presentaban una iconoclasta destructividad humana idealizada con la anti permanencia a lo terreno por medio de drogas potentes, asesinatos, prostitución, robos, masoquismo, depresión, rompimientos.

Ello en conjunto con un casi innato talento artístico de todos sus integrantes. Sweet Jane, Femme Fatale, Heroin, Chelsea Girls, Venus In Furs, son parte de la selección de clásicos de Velvet Underground.

Dentro de Velvet Underground transcurrieron figuras que hoy son icónicas; Warhol, Nico, Cale, y destacando como frontman, el experimental y ácido desplegado por Lewis Allen Reed que tomaría el nombre artístico de Lou Reed, el cual se convirtió en una suerte de gurú anárquico-artista, un símbolo de la vanguardia juvenil de los años de transición 60s-70s.

Como suele ocurrir en el Rock n Roll, particularmente en aquellos que se entregan de forma casi holista a la música como un arte y no como un negocio, Velvet Underground se separó -eran demasiado salvajes para la convivenciano sin antes ganar las “credenciales” suficientes para convertirse en un grupo de culto que inspiró sus próximas décadas donde emergió el Experimental, el Punk, el Gótico, hasta el periodo Post Punk y los inicios del Rock Alternativo.

Para un amplio espectro de escuchas, los trabajos post Velvet Underground -que se lanzaron como solistas- se encontraron alejados del brillo que como grupo habían

logrado. En lo que compete a Lou Reed (para otra reseña se tratará el caso de Nico o Cale), sus primeras entregas en solitario fueron muy criticadas al ser éstas más cercanas a los sonidos abstractos, autárquicos, violatorios de la armonía que para esos días era tan solicitada en gran proporción por el auge del Rock Progresivo de Pink Floyd. Sin embargo, partiendo de una superficie distinta, Reed se encontraba realizando una actividad seminal del Noise y el Experimental, que en sí mismo nunca ha sido música de masas, pero en 1972 -año de estreno de su primer disco en solitario- la amplitud de miras del escucha promedio “no daba para mucho”. No existía la reseña histórica con la que se cuenta en nuestra actualidad.

Dos años después del disco injustamente infravalorado, se publica una de las joyas de la colección discográfica de Lou Reed: Sally Can’t Dance ‘74. Se trata de un lanzamiento con 8 temas, que en versiones posteriores fue extendido -con bonus tracks- a 10. ¿El estilo? Un Proto Punk con instinto Glam y sensibilidad de balada, de interesantes baladas. Este material, a diferencia de los anteriores, se transporta de forma más libre entre matices, es decir, mientras Berlín (1973) es un álbum netamente conceptual y Transformer (1972) un disco casi negro, Sally Can’t Dance ‘74 es un arcoíris de tonos grises, rosas, plata, amarillos, a la vez que la instrumentación es amplia al no acotarse a lo que típicamente se encuentra en la carrera de Reed (la triada instrumental del grupo rock standard: batería, bajo, guitarra), también se cuenta con cortes de sintetizadores, saxofón, piano.

El disco abre como la creación de un músico profesional. Un hombre sin ataduras.

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Killing Joke – Pandemonium (1994) Entrevista a Martin Glover por Diego Centurión

Todo se inició con esta entrevista. Lo contacté y le pregunté si yo podía hacerle unas preguntas acerca de “Pandemonium”. Él aceptó inmediatamente y tras unos problemas de tiempos, ya que se encontraba de Tour con Killing Joke.

80 .THE 13TH

Terminamos con dos entrevistas. Pero ahora… Pandemonium.

Este álbum marca tu retorno a Killing Joke. ¿Cómo sucedió esto?

Está bien documentado, primero me

reconecté con Geordie cuando me llamó para que lo ayudara a compilar la diversión de que casi compro una computadora… yo sugeri una jam y también sugirió que firmemos contrato con mi sello, para conservar las características de producción en la grabación y lo hicimos...

¿Cómo fue el proceso de escritura de las canciones? ¿La famosa “química” entre ustedes estaba intacta? Porque el cambio en las estructuras de las canciones es asombroso. Tal vez, sin tanta velocidad, pero con mucho más carga de poderío del metal industrial.

(Mientras charlamos oigo el álbum de Transmission, “Beyong Light”) Me encanta ese álbum, ¡Wow! La batería de Paul es inmensa.

Volamos a Nueva Zelanda, a pesar de que Paul se negó a venir un par de días antes, así que Jaz organizó con otros dos bateristas locales. Terminé por reemplazar la mayor parte de su contribución cuando volvimos a Londres para mezclar.... Geoff Dugmore intervino para reemplazar la batería y nos distribuyó. Ensayamos durante una semana en una habitación extraña con vistas a una especie de motor y ahí es donde la mayoría de la música fue compuesta... las letras siempre vienen mucho más adelante.

Su último álbum con Killing Joke fue en 1982, “Revelations”. ¿Cuál fue la sensación de volver a la banda?

Bueno, yo no estaba muy contento con Revelations, así que estaba determinado a realizar por lo menos un álbum en el cual yo no me tuviera que comprometer con nadisque realmente pudiera ser intransigente con nadie. ¿Qué no te gustó del sonido de “Revelations”?

Fue demasiado réquiem, como si la mezcla no fuera muy buena. Aunque trabajar con Conny fue inmenso.

El sonido de “Pandemonium” tiene mucho del rock industrial de aquellos años, pero la intensidad es simplemente fabulosa. El bajo golpea fuerte y con la distorsión logra un sonido estruendoso y potente. ¿Se dio cuenta del cambio sonoro de la banda con su ingreso?

Gracias... sí, obviamente, yo produje este álbum... aunque me gustó extremidades, yo quería disfrutar de nuestro amor al rock pesado clásico de los 70’s a la Zeppelin... mezclado con un poco de ruido de tecnología industrial.

¿Cómo fue trabajar con Greg Hunter como ingeniero? ¿Cómo le ha ayudado a obtener el sonido del álbum?

Greg y yo habíamos trabajado mucho durante los últimos 3 o 4 años, veníamos hacia el final de nuestro mandato como equipo… Greg es un genio y con el primer álbum The Orb, pero se dio cuenta de que, con Pandemonium era un riesgo traer un ingeniero de música electrónica a un proyecto de este tipo de rock, pero él estaba bien entrenado y ha funcionado muy bien… hubo algunos problemas personales que no ayudaron a resolver los problemas que estábamos encontrando.

Los álbumes de Killing Joke pueden traer algunas emociones muy reprimidas y hacer que las personas se vayan de la banda y afecte a éste y afecte a todo el equipo.

Tu trabajo de producción es notable. ¿Te THE 13TH. 81

llevó mucho tiempo conseguir el sonido que deseabas para este álbum?

Estaba lleno de problemas, pero hubo un flujo que nos llevó a través de y hacia las pirámides ¿Te tomó mucho tiempo?

Seis semanas en Nueva Zelanda, una semana en Egipto, dos semanas de mezcla en Londres. No estuvo nada mal.

Yo diría que no está mal.

Ahora como suelo hacer con los entrevistados, vamos a apelar a sus recuerdos, por cada track del álbum pedimos a cambio un recuerdo o una sensación. ¿Está de acuerdo?

Ok. “Pandemonium” La que abre el álbum. ¿Qué nos puede decir acerca de esta canción?

Introducción épica que llama a las armas, quiso invocar el desierto y los tiempos apocalípticos que vivimos… Suena como gaitas escocesas en la refriega de la batalla.

“Exorcism”, tremendo tornado sónico. ¡Sí! “Exorcism” fue algo grande, era uno de dos que grabamos en la cámara de los reyes. Era tan emotivo que Jaz se alteraba, fue un torbellino cósmico, no muy diferente a tomar fuertes DTM (auto tipo F1). Nuestro guía egipcio salió corriendo gritando. Toda una génesis dramática para este tema.

“Millennium”, para mí, el gran éxito del álbum, ayudado por las cadenas de videos MTV y Much Music.

Ok eso fue un poco difícil y en realidad 82 .THE 13TH

sólo se unieron al final con los remixes cyberpunk donde fueron aún más industrial y electro, la producción fue mucho más orgánica a los Zeppelin y me encantó, Geordie no estaba tan seguro, pero una vez que lo hice en vivo él se convenció del porqué.

“Communion” Gran track, de los que más me gustan.

Sí, temperamental y místico, a veces abrimos el set con esta canción y tenemos los zumbidos extraños por un largo rato antes de salir a escena. Geordie estaba muy comprometido en la construcción y sampleo de los zumbidos. Todavía son bastante fastidiosos!

“Black Moon”Un guiño al sonido natural de la banda. El sonido habitual de “Killing Joke”.

Es un pisotón fuerte, fue bastante sencillo para grabar… cae bien en vivo, un constante aceleración, Un trueno que no se detiene y fuego.

“Labyrinth” Gran estribillo.

Fue una buena combinación de algunos ritmos de dub pesados con una extraña secuencia de tiempo que hace que sea fácil de perder a quien se encuentre en un estado hipnótico y el ritmo más lento revela profundidades ocultas mas pesadas, gran letra.

“Jana” Gran canción. Otra canción hipnótica.

Es la canción tranquila del álbum y es un tema al que Jaz regresa muchas veces ... su alter ego, su Jano o psique más femenina se compararía como el que toca la ocarina contra el bufón negro. De hecho él sabe

tocar la ocarina muy bien....

“Whiteout”, Tóxico, una velocidad tremenda. Incapaz de permanecer sentado.

Comenzó como una frase para describir a la banda, al rojo vivo en las presentaciones, ocasionalmente esto daría lugar a un extraño fenómeno, que incluso ahora no tengo ni idea de cómo explicar. En el pico de la raqueta y el ruido cuando estábamos súper tensos e intensos, de pronto habría un estallido y luego una aguda estática y el silencio… y la velocidad disminuye, lo disfrutábamos tanto como el público que luego lo comentábamos con asombro.

“Pleasures of the Flesh”. Como caer en un agujero negro.

Un tema intenso con una gran lírica, Jaz realmente se compenetraba líricamente.

Mathematics of Chaos”” Este fue otro experimento electrónico con un final en espiral hacia el caos... estábamos realmente en la teoría del caos y el discordianismo, las matemáticas fractales y el zen... todo mezclado en el tren desbocado de una canción.

He visto filmaciones de algunos conciertos de este Tour, y algunos tenían invitados, como por ejemplo el grupo de neozelandeses que hacían el Haka, o la pareja que en un festival lanzaban fuego. ¿Esto ocurrió en todo el Tour? ¿Estas ideas eran de Jaz? Estábamos preparando espectáculos en la feria de Astoria de Londres. Yo traje a Frazier Clark que había estado a cargo de Megatripolis y Warp y la universidad múltiples donde me había sido DJ...

También Goa fue una gran influencia

entonces los fanáticos de Goa haciendo eco a finales de los años 60... Así Frasier trajo gente en zancos, decoraciones locas por todas partes, tuvimos dj hasta las 4 am que trajimos las amoladoras angulares y de que era una tradición antigua... trajimos un mago que soplaba fuego en nuestra gira como si fuera un ritual de nuestro espacio. ¿Cuánto tiempo hace que no escuchas el álbum íntegro?

Posiblemente no lo escuche de principio a fin en 20 años. No miro al pasado por lo general.

Pandemonium, ¿Qué lugar ocupa en tu vida?

Es un disco muy importante... para mí fue la solución para obtener la producción de Killing Joke y el sonido más cerca de nuestra visión personal que nunca... era nuestro disco más vendido y la reinvención nos mantuvo en movimiento a través de los años 90 hasta el año 2003, que es uno de mis favoritos personales... ambos todavía se citan como muy influyentes. ¿Podemos decir que fue un regreso soñado, debido al éxito en los rankings y entre la prensa?

Fue un trabajo muy arduo pero valió la pena.

Gracias Martin !!!!

Espero haber pedido cosas interesantes.

Si, cool!!! Preguntas que me llevarían un libro para responderlas correctamente.

Muchas Gracias Martin por responder nuestras preguntas.

THE 13TH. 83

Leonard Cohen - New Skin for the Old Ceremony (1974) Por Gustavo Rojas Fernández

Cohen es un artista persistente aunque vulnerable. En Enero de 1973 su agente había asegurado a sus seguidores que no iba a dejar la música por un monasterio budista. Cohen había querido transmitir que estaba “experimentando aburrimiento por el estado de la música”. Al año siguiente saca el álbum New skin for the old ceremony que cumple éste año su 40º 84 .THE 13TH

aniversario.

De carácter militar da como resultado canciones de obediencia y valentía, enemigos y amigos, coraje y miedo. “field comander Cohen”, resaltando la supuesta autoridad de comandante, es un ejemplo de parodia.

A los críticos les pareció éste álbum más logrado que sus predecesores porque sus canciones eran más reflexivas y estaban

mejor producidas. Resulta evidente por conseguir un sonido con mayor riqueza, con un acompañamiento musical más amplio que en las grabaciones anteriores, aunque Cohen seguía sintiendo que había mucho “dolor” en el álbum, ya que estaba “aprendiendo a cantar de nuevo”. El perdón y la reconciliación son los temas centrales, pese a que la frustración rodea cada verso, comenzando con la canción inicial “Is this What You Wanted?”. Esta canción, que trata de la constante búsqueda de unión entre lo masculino y lo femenino, se contrapone a “Chelsea Hotel nº2”, que narra la aventura de dos amantes en el cuartel central neoyorquino de la escena musical de los años 60. Tributo a Janis Joplin, recoge un importante pasaje que compartieron ambos cantantes. “Lover Lover Lover” fue escrita en Sinaí, surgió de la siguiente experiencia: Para escapar de la confusión doméstica de vivir con Suzanne Elrod, Cohen regresó a Israel en Septiembre de 1973 durante dos meses para hacer una gira por las bases militares y entretener a los soldados que participan en el conflicto mantenido con Egipto, que hizo erupción en la guerra de Yom Kippur de Octubre de ese mismo año. Le asignaron a los servicios de apoyo y cantó para las tropas de varias bases durante el período de ansiedad que precedió a la guerra. En esta canción culpa a su traición al judaísmo de ser la causa de la ruptura de su vida familiar y trata de cambiar su nombre del sacerdotal Kohen a otro menos exigente: busca- “un rostro que sea bello ésta vez; quiero un espíritu que esté en calma”. No obstante, lo que resalta el resto del álbum es que la vida sólo merece la pena si se vive con honradez. A la vuelta de ese viaje por Israel a Canadá, albergó a Bob Dylan y a su amante canadiense durante varias

semanas. “There Is a War” reitera esta opinión durante la batalla entre lo que su amante busca y lo que él sabe equivocado, ya que ella no puede soportar aquello en lo que está tratando de convertirse para ser fiel a sí mismo. “Un cantante debe morir por la mentira de su voz”, declara en “A Singer Must Die”, su esfuerzo por renunciar a la falta de honradez. “Take This Longing”, reelaboración de su canción anterior “The Bells”, expresa si profundo deseo de unir lo corporal con lo espiritual. La canción final, “Leaving Greensleeves”, trata del amor rechazado y la partida, marchándose el amante porque ya no puede sufrir más, aunque admite que mentir fue el único modo que se lo ocurrió para lograr su amor. Estaba equivocado. El resto de las canciones completa un cuadro de desánimo pero con una clara intención de cambio y de lenta esperanza. Es uno de esos discos atemporales, por la temática abordada y el aviso que debemos hacer un drástico acercamiento a lo espiritual, siempre siendo cautos en dónde o a quién acudir.

Este quinto álbum muestra a un Cohen madura poéticamente, ello se debe a su salto de la literatura a la música, en la cual se involucró desde joven, pero llegando a grabar su primer disco con más de treinta años de edad, cuando la mayoría lo hace antes de cumplir los veinte años.

Nueva piel para la ceremonia dorada es un disco que no puede faltar, no solo en las bateas personales de cualquier seguidor de su obra, sino ya de cualquier amante de la música reflexiva y siempre vigente.

Cohen declaró una vez: “mi sitio preferido del mundo es la cocina de mi casa” aun así su poesía no concibe fronteras, sus canciones nos lleva por caminos que parecen no tener fin.

THE 13TH. 85

Soda Stereo - Soda Stereo (1984) Por Gabriel Muscio

En una época donde el primer disco de una banda era el puntapié inicial para el desarrollo de una carrera artística a largo plazo, donde el éxito fugaz no era moneda corriente, Soda Stereo debuta con un disco sin prejuicios, dándole la 86 .THE 13TH

bienvenida a una nueva era de libertad comunicacional de la mano de Alfonsín y la ansiada democracia.

Slogans, marca registrada, logotipos, imagen y sonido: Diseño. Estas serian las cualidades que marcarían a fuego el

material de su primer disco, editado por la CBS el 27 de Agosto de 1984, pero por sobre todas las cosas (y pues, lo mas importante) el concepto artístico de Soda Stereo.

Atemporales y modernas las canciones nacen del talento inconmensurable del genio mentor de Gustavo Cerati y el apoyo logístico de las otras dos patas de la mesa: un Charly Alberti embelesado por las nuevas olas, dueño de una ingeniería de tambores poco habitual para la época y un Zeta Bosio como eslabón fundacional en la cadena de mandos y de graves, realzando y justificando cada golpe de bombo. La cuarta pata queda reservada para Alfredo Lois, el artífice de la marca Soda Stereo y de darle al trio un impulso de marketing (la idea de filmar el primer video clip en Argentina fue suya) digno de los actuales creativos publicitarios, meritorio si miramos en retrospectiva los años 83/84.

El larga duración abre con la fiesta simbólica y snob de Jet set, un impulso ska con vientos y timbales, dándole al trio un cierto aire Two tone (corriente inglesa de ska impulsada por bandas como Specials y Madness) continúa con lo que al momento de entrar al estudio era su última composición: Sobredosis de tv, con un beat percusivo de cencerro y claps (utilizado hasta el hartazgo por la nueva camada de bandas post punk bailables) para cerrar con Te hacen falta vitaminas un terceto de hits insuperable.

Queda nomas al descubierto en la lírica de Cerati su visión pseudo moderna sobre diversos comportamientos incipientes de la sociedad post-dictadura, siendo reconocida con el transcurso del tiempo una bajada de línea sumamente inteligente al salir del mero discurso político, tan en

boga a comienzos de la década del 80, con frases tan contundentes como EL REGIMEN SE ACABO, en la coda final del tema Dietético.

La vanguardia sonora en este primer disco también se descubre al repasar los nombres de los convidados, unos casi desconocidos Daniel Melero (autor de “la” balada del disco) y Richard Coleman participando como músicos invitados, siendo Federico Moura el productor artístico del disco.

También hay que mencionar que el nacimiento de Soda es contemporáneo con la Guerra de Malvinas, sabiendo esto queda más que claro el temor y la visión de los hechos de unos porteños alejados de dicha guerra pero conscientes de sus consecuencias en el relato de Un misil en mi placard. La canción, musicalmente hablando, mas The Police del disco y uno de los tantos singles de difusión con los que conto el material.

Soda Stereo por sobre todas las cosas fue una banda for-export y este primer disco, conjuntamente con su sucesor Nada Personal, le aseguro el éxito en países limítrofes, conquistados por la banda en una especie de Sodamania impulsada por los principales canales de difusión de cada región a visitar.

Un plástico para una banda plástica, según el prejuicio y el preconcepto de la prensa en esos años. Un grupo que a partir de este disco y a lo largo de su trayectoria marco un antes y un después en el rock de habla hispana para la voz del pueblo.

El palmares está a la vista.

THE 13Th. 87

Oasis - Definitely Maybe Por Maxx Wilda

Si alguna vez alguien escribió una guía de cómo debe ser un álbum debut, los involucrados en la concepción, confección, difusión y resultado de Definitely Maybe de Oasis allá por el año 1994, leyeron una copia y entendieron a la perfección la idea.

Me recuerdo en ese año, entrando a un ya extinto antro cool del centro de Buenos Aires y ver en una pantalla caótica de 20’’ la versión UK de “Live Forever”. Impactado por el look “neo-beatle” y mucho más por 88 .THE 13TH

esa mezcla de melodía y distorsión teñida de armonía vocal decidí que en mi próxima visita a las bateas debía obtener ese disco.

Todo eso con una canción. La solemne intro de “Rock ’N’ Roll Star” precedió a una multicapa de guitarras junto con una melodía pegadiza, contagiosa y que en su conjunto y contenido, clamaba y plasmaba lo que Oasis pretendía de su aparición en el mundo musical. En mi opinión, debería haber sigo el primer single. ¿Hubiera

sido demasiado ostentoso? Nunca lo sabremos, de todas maneras los hermanos Noel y Liam Gallagher se encargaron de demostrarlo por otros medios. Cada vez que sonaba, no importara el lugar, inmediatamente subía la mirada, hombros atrás, el paso se acomodado (casi a lo Tony Manero) sintiéndome parte de esa extraña y selecta casta a la cual todo músico quiere pertenecer; ¡eso es llegada señores!

Bajando los bpms pero no la intensidad le siguió “Shakermaker” y “Live Forever” (manteniendo la misma posición de lanzamiento como singles), atmosferas y armonías, espacios vertiginosos, el riesgo de no despegarse tanto de lo que se escuchaba por ese entonces (Blur, Suede y otros). “Up In The Sky” y “Columbia” se suman con la formula pop, sin opacar los novedosos toques de Noel. “Supersonic”, el single debut, hecho de una “colección de disparates y frases hechas en un minuto” (palabras de Noel), es sin duda el punto de partida de ese nuevo sonido que estaba faltando en el universo musical británico, donde faltaban guitarras pero no ideas y junto con “Cigarettes & Alcohol”, riff emulando a T-Rex y el groove de Chuck Berry, terminan de definir la cara musical del grupo. De los restantes temas del disco, se destaca “Slide Away”, cruda pero sentimental, tanto como la relación que le dio origen, simple, con la cuota justa de arreglos, ideal para el romance violento: whisky y luz roja, no champagne y velas.

Este disco suena ajustado, a pesar de las idas y vueltas en su confección. La eterna búsqueda de plasmar la esencia de los cuatro de Liverpool. Tomas únicas, infinitas capas de pretenciosos overdub

de guitarra (el caprichoso Noel no se conformaba con un sonido simple) que si no hubieran sido pulidas por la mano de tres productores (el primero descartado casi de inmediato), probablemente no hubieran hecho el camino para lo que vendría después y este artículo estaría siendo escrito en una dimensión paralela.

Rock ’N’ Roll y Rock, Dream Pop y Pop del bueno (afirmación hecha con un poco de pudor por lo bastardeado del término), pinceladas de psicodelia 60s (algo de baggy) y vestigios de la evolución del shoegaze (2da generación) conforman el debut al mundo de Oasis; donde Noel (sí, Noel) toma todos estos elementos para reprocesarlos en lo que sería nueva imagen del Brit-pop, ubicando a Paul Arthurs (guitarra rítmica), Paul McGuigan (bajo), Toni McCarroll (batería) en las posiciones correctas y privilegiando la todavía limpia voz de Liam buscando el color de John (sin olvidarse de su taladrante pandereta, hasta el punto de impactar literalmente en la cabeza de Noel). Esta imagen se homologa con la del arte de tapa hecho por Michael Spencer Jones repleta de simbología y referencias y hasta un Liam, presente pero desconectado de la misma, como si fuera un presagio.

Este es sin duda por donde se lo mire “el” disco de Oasis y del Brit-pop (si cabe la aclamación), simple y pegadizo, con fórmula y sin fórmula, completamente digerible y disfrutable, resistente al tiempo.

Este disco tiene mucha tela para cortar y de seguro dejo mucho fuera de esta reseña pero volviendo a donde empecé, Definitely Maybe “vive y vivirá para siempre”.

THE 13Th. 89

The Jesus and Mary Chain - Stoned & Dethroned (1994) Por Diego Centurión

Para empezar a hablar de un disco como este hay que olvidarse de lo que significó The Jesus and Mary Chain sonoramente en sus discos anteriores. Stoned & Dethroned muestra una faceta más relajada y dulce de la banda.

Luego de un 1992 agitado de conciertos, la banda ingresó en estudio en enero de 1993, para grabar un álbum acústico. Pero lo pensado se alargó, y el trabajo les llevó todo el año. Y después de su primer disco “Psychocandy”, vuelven a encerrarse con una banda, el bajista Ben Laurie y el baterista Steve Monti, ambos venían trabajando con la banda en vivo.

El álbum abre con “Dirty Water”, y ya oímos que va a pasar con el disco. Nada de distorsión furiosa y mucho de guitarra acústica, un Jim calmo e introspectivo, la 90 .THE 13TH

batería de Steve parece usar escobillas, lo cual le imprime un sonido más íntimo. Las guitarras de William y sobre todo la guitarra slide de Jim, hace que sea como una brisa suave y húmeda de verano. En el mismo espacio sónico se encuentra “Bullet Lovers”, todo muy tranquilo y reposado, como un arrullo.

Una de las canciones más dulces y rítmicas del álbum, “Sometimes Always”, un dueto de Jim con Hope Sandoval de Mazzy Star.

Esta canción fue el primer single del álbum, y se lanzó unas semanas antes que “Stoned & Dethroned” saliera, alcanzando el puesto 22 en el ranking de los singles en Inglaterra.

La elección de Hope como invitada no es tan casual, primero era la novia de William, y luego, si pensamos en la sonoridad del álbum, está más cerca de Mazzy Star que

el sonido de los propios hermanos Reid. La letra habla de un hombre que quiere volver con una mujer, y esta lo rechaza. Cada parte cantada por Jim y Hope pertenece al diálogo de cada personaje. Luego llega “Come On”, el segundo y último single del álbum, pero este no tuvo el pequeño éxito que el anterior single. Nuevamente volvemos a los lánguidos y arrastrados paisajes sonoros de canciones que nos recuerdan más a los hermanos Reid, con distorsiones (aunque menos furiosas).

“Between Us” es otra canción que tiene el mismo ambiente que “Sometimes Always”, aunque aquí no hay un dúo y está cantada por William. “Hole” es una corta canción que inunda ese hueco de oscuridad y claustrofobia que necesita todo disco de la banda. Un ritmo que parece ir cayendo en un agujero (Hole) y las lánguidas lanzas soltadas desde la guitarra distorsionada, parecen alejarse y no podemos aferrarnos a ninguna de ellas, y seguimos cayendo... Con “Never Saw It Coming”, lentamente nos levantamos de la anterior caída, y vamos en busca de un caminar más tranquilo y sutil. Otra que es cantada por William. “She” una nueva canción más amena y con un gusto por las armonías guitarrísticas, que hacen arpegios hermosos, mientras siguen la línea simple y llevadera del bajo y la batería. Una gran canción. “Wish I Could”, otra bella canción cantada por William. Con un sentimiento que mezcla la dulzura con la comodidad del set acústico e íntimo. “Save Me”, es cálida e introspectiva, y tiene una letra que habla de vivir equivocadamente y poder darse cuenta de eso. Podemos decir que el disco entero tiene ese ambiente de reflexión.

“Till It Shines”, otra canción que viene en la misma tesitura que las anteriores, tal vez esta tenga más sonoridad en el fragmento del sólo de guitarra. William en la voz. En “God Help Me”, la voz es de Shane McGowan. Con una letra casi religiosa en donde se pide ayuda a

Dios para abordar un nuevo día, tan simple como eso, pero un sentimiento tan profundo que emociona, tal vez por la voz del gran Shane, que todo lo convierte en brilloso y delicado. Una de las mejores canciones del álbum. “Girlfriend” con un aparente sonido beatle, y con una letra que cuenta como un juego se convierte en algo más, la canción suena inocente y sencilla, pero ideal para esta parte del álbum. “Everybody I Know”, otra amable canción de un disco que lo es bastante con aquellos que nunca escucharon la banda, otra reflexión sobre el pasado y el alrededor. Una acústica visión de un pasado de excesos. Esta es otra de las cantadas por William. “You’ve Been A Friend”, la misma calma de todo el álbum, a esta altura, es difícil distinguir una canción de otra, pero se puede, porque algunas son mágicas como esta. “These Days”, otra canción cantada por William. Lenta y cansina, casi inmóvil. Con una carga densa de paisajes lánguidos. Para estar desparramado en un sillón casi dormido.

“Feeling Lucky”, siguiendo en el ambiente creado por la anterior canción, William continúa en esa tesitura cansina de no apretar el acelerador o salirse de esa calma, aunque sea para el final, pero no lo hace. Un final no muy óptimo, aunque sí para este álbum.

En un disco simple, acústico e introspectivo, en donde nunca parece que va a explotar, y de hecho nunca lo hace, lo mejor del álbum es esta manera de demostrarse a sí mismo que son capaces de construir un trabajo puro y sencillo, sin apelar a las paredes de distorsiones que tanto lo caracterizan. Si no que buscan desnudarse en calmas y acústicas versiones de canciones que por su tratamiento, en varios tracks, logran momentos de dulzura y belleza. Pero al tener tantos tracks (17), el álbum Stoned & Dethroned, se vuelve un poco tedioso.

THE 13Th. 91

The Cult – Dreamtime (1984) Por Rodrigo Debernardis

Disco debut de la banda, Dreamtime, en lo que a sonido se refiere, calza perfecto en medio de lo que venía haciendo Ian Astbury con su banda anterior, Southern Death Cult, y lo que llegaría un año después con el exitosísimo Love.

Sonido entre post-punk y pre-gótico (cuánta etiqueta, ¿no?...mejor olviden lo anterior, no hay necesidad), el álbum arranca con Horse Nation, clásica melodía “culteana” y una letra relacionada con la temática aborigen de Norteamérica, tópico que ha perseguido Astbury a lo largo de toda su carrera musical.

Spiritwalker es el track n° 2 y el primer corte elegido para difusión (el segundo sería Go West, track n° 5). Las guitarras bien al frente, coloreando una sólida base, empiezan a dibujar ya la preponderancia de Billy Duffy, figura insustituible de los Cult.

83rd Dream comienza con un típico arpegio de Duffy (escuchando Black Angel o el legendario Edie sabrán de lo que hablo) pero a la mitad se transforma en un tema pop inconsistente. Sin pena ni gloria pasa 92 .THE 13TH

Butterfly (track n° 4) para dejarnos con el ya mencionado Go West, canción que arranca como una especie de cha cha cha, pero cuando, frunciendo el ceño, vamos a pasar al siguiente track, sorprende con un cambio de paso, para terminar con la banda dejando todo en el escenario (o en el estudio en este caso).

En la segunda mitad del disco diría que está lo mejor. El track n° 6, Gimmick, es una belleza. Cambiante, rica en ritmos (hay algo de flamenco por allí) deja entrever de qué se trata The Cult. El nº 7, A Flower In The Desert, es una hermosísima y mejorada reversión del tema de los “Southern”: Flowers In The Forest. Del track n° 8 lo único que se puede rescatar es que le da nombre al disco, por lo demás no aporta gran cosa.

Rider In The Snow, la anteúltima canción, parece de otro disco. Su sonido es bien distinto al resto, la mezcla adelanta cuatro o cinco años. Es una gran pista, pero no deja de ser una rareza en el contexto.

Cierra el disco Bad Medicine Waltz y ya el título avisa qué tipo de melodía encontraremos. Un prolijo vals, nada más.

Personalmente hubiera preferido que Dreamtime no fuese el disco debut de una banda de la talla de The Cult. Hubiese sido más conveniente sacarlo bajo el anterior nombre (Death Cult) y esperar un año más, para ahí sí, aparecer con ese tremendo discazo que es Love y dejar con la boca abierta al mundo. Pero bueno, no todo es perfecto, y la historia contará que el álbum debut de Ian Astbury junto a Billy Duffy fue no mucho más que un trabajo “correcto”.

Cranes – Loved (1994) - Esa Extraña Manera de Hacer Pop Por J. Daire Alujas

A partir de mediados y fines de los 80, los géneros musicales provenientes de círculos más oscuros y siniestros del underground ya contaban con suficiente historia (de por lo menos 10 años), y se ganaban el respeto de aquellos especialistas que eran autoridad en materias de rock y pop. El trabajo inicial de bandas como The Cure, Bauhaus y Joy Division ya empezaba a vislumbrarse como

clásico para una corriente que aun estaba en pleno desarrollo en Inglaterra y sentían la necesidad de oscurecer su sonido, su imagen y sus melodías para expresar un estado de ruptura con un medio que en dicha época pregonaba con su exitismo de colores y su invasión mediática a punta de nuevas tecnologías y hábitos de consumo (comienzo del apogeo de la “cultura pop”, THE 13Th. 93

propiamente tal). Lo que pasó a ser conocido como “Rock Alternativo” era toda aquella música que elaborara un discurso estético desde lo subterráneo, lo inusual, lo abstracto y lo marginal. Sin embargo, aquel respeto ganado con los años significó un proceso de acercamiento entre aquella vertiente oscura, poco conocida y extraña, y la música de corte más popular y aceptable, aquella que podía tocarse en las radios. Es así como a fines de los 80 mucha música “alternativa” procesa su propia forma de hacer pop y de acercarse a melodías y estructuras más abiertas a un público más amplio, pero sin renunciar a su sonido y su concepto. Personalmente, creo que gracias a este proceso fue posible llegar a escuchar joyas de discos de artistas tales como The Cure, Cocteau Twins, Peter Murphy, entre muchos otros. Y sin duda un gran disco, cúspide en el proceso creativo de una gran banda, fue Loved de Cranes. En él tenemos una suerte de pop (o dream pop como dirá más de alguno), secuestrado, amarrado y encerrado en el ático. Si bien el sonido de Cranes ya se destacaba fundamentalmente por la voz de Alison Shaw y su timbre tan infantil, hipnótico e inquietante, la banda en si construía una sonoridad más áspera y oscura en sus primeras producciones, tal vez más acorde al aura de misterio que ofrecía la voz se Shaw, incluso acercándose al aspecto frígido de los temas de Lisa Gerard en los primeros Dead Can Dance. Pues bien, en Loved, Cranes mantiene su sonido áspero de guitarras pero matizadas con el uso de slides y mucho control desde el vibrato, además de su interacción constante con la calidez de las guitarras acústicas; el ambience de las percusiones, siempre como si estuviesen tocadas en la más profunda de las cloacas, y la voz inalienable de Shaw; pero la construcción melódica y (hasta cierto punto) rítmica de las canciones, tienen una frescura y una cercanía 94 .THE 13TH

mucho mayor. Es un disco con el que lograron estar más “en onda” (para que se entienda).

Pero ojo, que no estamos hablando de un disco que haya sido digerible de inmediato en su época, y es ésto lo que resalta todo lo que he dicho antes, pues los elementos estéticos que definen a la banda siguen estando ahí, la oscuridad, esa cosa frígida y estremecedora, el ambiente algo terrorífico y de subterráneo urbano; pero presentados en forma de canciones más pegadizas, rítmica y estructuralmente más atractivas.

Algo a destacar por sobre todo teniendo en cuenta lo anterior, es el aspecto de la autoproducción, donde la propia banda logra dar con su clave para abrir su sonido y su música a nuevos oídos. Con Loved no estamos hablando de un disco fraguado en la mente de un productor que extrajo la médula y la esencia de la banda para convertirlo en producto. La fórmula que presenta es la que encontró y desarrolló la propia banda y con la que se consagró en la memoria de fanáticos, cultores del rock alternativo, shoegazers y melómanos. Cabe señalar que la discográfica fue el desaparecido sello independiente Dedicated, que a fines de los 80 y principios de los 90 lanzó a bandas como Chapterhouse, Spiritualized, Sapecemen 3.

Loved es uno de esos discos que ha envejecido con excelencia, dado que fue resultado de un proceso de decantamiento del underground hacia obras más abiertas, y también porque su impronta sigue marcando fuerte, tanto como influencia para otras bandas así como orientación formativa para quienes gustamos de escuchar buena música. A 20 años de su lanzamiento, suena más vigente, “ondero” y menos “alternativo” que antes.

rescate

cinĂŠfilo

En la Nieve nadie puede oírte gritar - The Thing (1982) Por Nicolás Ponisio

Desde tiempos inmemoriales se le ha temido a lo desconocido. Lo que excede al conocimiento y entendimiento humano siempre a helado la sangre de quienes se encuentran cara a cara con ello y también de quienes observan 96.THE 13TH

todo desde la comodidad de una butaca.

La misma, no tarda en contagiarse de su inquietante atmósfera. Alien (Ridley Scott, 1979) lo ponía exitosamente en práctica con ese ser del espacio exterior que apenas

se dejaba ver en pantalla, otorgando uno de los mayores suspensos y horrores del mundo cinematográfico.

Luego de atestiguar las vivencias de la tripulación de la nave Nostromo, parecía poco probable que pronto alguien volviera a atrapar de tal forma al público sabiendo sorprender con originalidad. Sin olvidar tampoco que el cine se debe centrar en sus distintos componentes artísticos y no en un mero susto que haga levantar el culo del asiento. Sin embargo, tres años después de Alien, John Carpenter daría a luz su mayor obra. Con The Thing (remake de The Thing from Another World, clásico de Christian Nyby de 1951, producido por Howard Hawks), el maestro del horror bebe mucho argumentalmente del film de Scott a la vez que crea y reinventa nuevos aspectos en un género que no siempre sería tratado con el debido respeto.

La falta de criterio que coexiste en muchos otros films brilla por su ausencia. Aquí todo se encuentra pensado con una mirada puramente artística en todas las áreas.

Lo cubre todo como la nieve que rodea a MacReady (Kurt Russell) y sus compañeros de la Antártida. Desde su comienzo con la persecución a tiros de un helicóptero a un perro, acompañada por la música de Ennio Morricone y un claro uso de la pulsión de suspense en su composición, el film mantiene una intranquilidad que no desaparecerá de él en ningún momento.

Carpenter opta por no incluir charlas banales o pequeños conflictos y situaciones que nos den un breve pantallazo sobre quiénes son estas personas y cómo se comportan (exceptuando un poco al personaje de MacReady). Gracias a ello, identificar el peligro será aún más difícil. El extraterrestre no solo cumple el rol del mencionado miedo a lo desconocido sino que, al ser una suerte de virus que invade a los

seres vivos, el terror se vuelve más palpable en una versión terrorífica del quién es quién.

El director dosifica muy bien las dosis de suspenso, terror visceral de la mano del arte del diseñador Rob Bottin (la cantidad de deformaciones, tripas y sangre la sitúan más dentro del género que a Alien) y el contexto de una época. Si se lo puede denominar de una forma, el trabajo de género en The Thing podría ser tratado como terror reflexivo. Si se logra cavar en el desierto nevado, se halla más de lo que se ve a primera vista.

El monstruo como enfermedad invasiva no es elegido azarosamente. Con la mirada apropiada se puede lograr un diálogo entre la realidad planteada por la ciencia ficción del relato y la realidad de los tiempos que corren fuera de la pantalla. La relación principal y más clara que se puede hacer con la criatura y el factor de no saber quién la lleva dentro de sí es su parentesco con el Sida, una enfermedad desconocida para entonces, que en los ochenta comenzaba a estar en boca de todos y que solo puede descubrirse por un análisis de sangre (tratamiento similar al que se someten los protagonistas).Teniendo en cuenta la visión norteamericana, la amenaza de los rojos como problema exterior y los conflictos de la era del Macarthismo como el enemigo dentro del país sin forma de identificarlo, son otros de los paralelismos que se pueden hacer con la historia del director y la de su país. John Carpenter maneja los hilos del entretenimiento y de la conciencia humana por igual sabiendo despertar más de un sentimiento a la vez y muy lejanos al sobresalto hueco al que está tan acostumbrado el género. Lejos de brindar tranquilidad hacia el final, se deja en claro que en la nieve, nadie puede oírte gritar.

Grand Piano (2013) Por Gustavo García

Tom Selznick (Elijah Wood), el pianista más talentoso de su generación, se arriesga a tocar la composición más difícil y majestuosa de su mentor…y falla.

Cinco años después de esa catastrófica y vapuleada actuación, Tom reaparece en un esperado (por todos, menos por él) concierto homenaje a su maestro, fallecido hace un año. Y en un teatro a sala llena, tendrá que lidiar con su miedo escénico y con un público expectante, a la espera de su reconsagración o de su nueva debacle.

¿Mucha presión para un artista? ¿Y si le sumamos la amenaza de un francotirador anónimo ( John Cusack) y su premisa “falla una nota y morirás”?

El director español Eugenio Mira (The Birthday) es quien está a cargo de esta coproducción española-estadounidense, un thriller cargado de artilugios que nos remiten a los pasajes más irreverentes de Brian De Palma (Scarface, The Untouchables, Carrie).

Un elegante concierto que en su repertorio tiene enigma (sin llegar a ser alto suspenso), sorpresa y una historia a la que le cuesta sostenerse en su propia realidad, pero que lo logra.

Con un Elijah Wood, a punto de mojar sus pantalones, que no puede parar de tocar 96 .THE 13TH

las teclas del piano favorito de su mentor, al ser presionado por la voz en off de un John Cusack codicioso, dispuesto a todo para lograr su objetivo.

Nuestro protagonista, tratará de encontrar calma, mientras nosotros, los espectadores, nos entretenemos con unas fascinantes puestas en escena y unas secuencias que nos hacen desear, si alguna vez tocáramos en una orquesta clásica y decidiéramos filmar un show, tenerlas en nuestro blu ray. Entre las que vale destacar un plano secuencia que finaliza con una pantalla divida “naturalmente” y un zoom dramático en el lado derecho de la pantalla. Y a la que podríamos sumar la metáfora literal de un vidrio degollando como el arco a las cuerdas de un violonchelo, en otra parte de la narración.

Un thriller con altos y bajos; buenas interpretaciones pero que cuestan generar gran empatía; una elegancia cinematográfica grata de ver, que guía con buen clima a la trama; y una musicalización perfecta cedida por Víctor Reyes y James Muñoz, que ya han participado en la composición y el diseño (respectivamente) de otras joyas sonoras del cine español.

I Dream of Wires - Hardcore Edition

Por Nicolás Dinapoli Fariña

IDOW, por su sigla en inglés, es un largometraje que “explora la historia, caída y resurgimiento de la máxima máquina musical, el Sintetizador Modular”. Cuatro horas de ruiditos y caos controlado.

Primero, vamos con la parte técnica: el estilo es claramente un clásico documental, con tomas limpias - aunque estando en HD se ve hasta la mugre en las perillas - mezclado por momentos con paisajes urbanos, que nos recuerdan que estamos hablando de tecnología. Lamentablemente no tiene subtítulos (ni siquiera en inglés) y por momentos el audio de las entrevistas suena saturado y poco claro.

Resumen: el documental está dividido en dos partes, la primera siendo la historia de los sintetizadores modulares, subdividida en 15 capítulos, desde su origen más remoto, en

forma de computadoras análogas (que es lo que son en realidad), hasta la popularización del Moog Modular, gracias a Wendy Carlos y su infame “Switched on Bach” y el Buchla serie 100 del San Francisco Tape Music Center (con el panel rojo con LSD y todo) y “Silver Apples of the Moon” de Morton Subotnick y su (causa y?) efecto en la contracultura californiana.

Un detalle novedoso para mí fue saber que la resonancia del VCF de Moog fue algo que se le ocurrió cuando el prototipo ya estaba terminado. De hecho, está anotado en la PCB, una nota del mismísimo Robert Moog que dice “resonancia variable”.

De eso, pasa a detallar la llegada al mercado de marcas y productos más accesibles, como los EMS, ARP 2600 y los Roland más tarde. A continuación, explica como “cae en desgracia” a principios de los 80. Fea esta parte.

La segunda parte, que consta de 16 THE 13Th. 97

capítulos, está planteada como la aventura del descubrimiento de los modulares, por parte de Jason Amm (Solvent; productor de este documental) y nos muestra cómo desde principios de los 90’ revive la movida de los modulares, entrevistando a usuarios como Gary Numan, Alessandro Cortini, Trent Reznor, Richard Devine, entre otros; a sus “promotores”, como Andreas Schneider (Schneidersladen, donde se puede ver un Mochika XL, de Atomosynth) y a sus fabricantes (gente que en su juventud no podía pagar uno “de verdad”), como Doepfer, MakeNoise, Intellijel, ModCan, Moon, DotCom, y un largo etcétera.

Muestra las pasiones de los usuarios de estas máquinas dando ejemplos de su uso en la

actualidad, incluso en vivo, pero centrándose en “puristas” que no quieren ver una PC ni de lejos.

Con apariciones breves e intercaladas, nos muestran además la historia de Lori Napoleon, que está construyendo su propio sinte modular basándose en un switch telefónico antiguo, como tesis de su carrera universitaria.

La banda de sonido es muy buena -de Solvent en su mayoría- con ambientaciones de muchos de los entrevistados. El audio en este caso es muy bueno.

Parece cierto -y algo paradójico- que “la máxima máquina musical” sea una computadora análoga, ¿no?

Un Documental Común Sobre Gente Común Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Florian Habicht, 2014) Por Nicolás Ponisio

Un auto venido a menos se encuentra detenido a un lado de la carretera. Su conductor se acerca con las herramientas adecuadas para cambiar una rueda pinchada. El sujeto no es otro que Jarvis Cocker, el líder vocal de Pulp, la banda de britpop compuesta por cuatro 100 .THE 13TH

hombres y una mujer que, principalmente en el transcurso de los noventa, hizo vibrar enérgicamente a miles de jóvenes en estado de ebullición sexual y musical. Pulp lograría canalizar ambas energías con tal vitalidad que hoy en día sigue corriendo tanto en las

venas de sus integrantes como de sus fans.

Como una extensión de ellos y de los años dorados, el documental Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets, dirigido por el neozelandés Florian Habicht, realiza un recorrido por el final del tour que reunió a la banda en 2012.

El último show se da lugar en Sheffield, ciudad natal de los miembros, catorce años después de su desastroso show donde fueron abucheados por el público. Quizás, al igual que le sucedía a Marty McFly al viajar a 1955, el público aún no estaba preparado para su música. A partir de ello, Jarvis y sus compañeros viajarían a Londres, el primer paso a su fama mundial que logró que incluso hoy en día, nuevas generaciones sigan bailando al son de Common People.

A diferencia del trabajo de otros documentalistas como Julien Temple, quien posee un manejo increíble del montaje, el material de archivo y las imágenes asociativas, Habitch no sorprende en ningún momento con la narración técnica. Sin embargo, las entrevistas a la banda, a los fans (sin distinciones entre jóvenes y viejos) y a los habitantes de Sheffield logran transmitir con facilidad la energía que Pulp desprende en todos ellos.

Sheffield es un personaje más entre todos los que aparecen frente a las cámaras.

Sus calles, los recuerdos que viven en sus esquinas y en las anécdotas de quien quiera ser escuchado funcionan como una suerte de tracklist. La mayoría de las canciones de la banda británica hablan de esas calles que día y noche vieron crecer a los futuros músicos, de sus años de juventud que son revividos constantemente en cada show que ofrecen.

Temas como Babies, Underwear o Disco 2000 son meras anécdotas que, aún vivas, contagian a todos a bailar con ellas. Ese es el secreto del fanatismo que despiertan. Sus

canciones hablan de la realidad de una época que todos han vivido y pueden empatizar con ella como las “personas comunes” que son.

Eludiendo el cliché del adolescente alicaído, optan por rememorar momentos y deseos llenos de alegría y disfrute.

Los excéntricos movimientos que caracterizan las performances de Jarvis son un claro ejemplo de las barreras que su música y estilo continúan traspasando. Ya entrado en edad, goza de una vitalidad que, a riesgo de perderla, no teme para nada en compartirla. Obviamente, el paso del tiempo y las preocupaciones sobre la muerte no escapan a los pensamientos de los miembros de Pulp, tal como lo demuestra la canción Help The Aged. Pese a ello, deciden continuar juntos ese camino que comenzaron luego de abandonar Shieffield en 1988, ayudándose a cambiar cuanto neumático sea necesario y sin importar qué tan mal luzca el aspecto del auto, mientras éste siga en movimiento.

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Relatos (no tan) salvajes

Por Nicolás Ponisio

Relatos salvajes de Damián Szifrón (El fondo del mar, Tiempo de Valientes), es una película que cumple su fin de entretener con éxito sin agotar al espectador (algo de lo que muchas veces peca el cine nacional) acompañada de una lectura interesante acerca de los límites del ser humano, a veces caricaturizados, de sus estereotipos y las diferencias sociales. Sin embargo, el desarrollo de algunos de los segmentos que componen al film, ciertas actuaciones secundarias forzadas y un final que convence pero sin mucha fuerza climática, son los que dejan entrever grietas que evitan que Relatos salvajes satisfaga por completo, volviéndola un tanto despareja (lo cual siempre termina ocurriendo en este tipo de films corales).

De todas formas, aquellas historias (conformadas en una serie de seis cortos) que no cumplen las expectativas, tampoco arruinan la totalidad del film que mantiene un ritmo y tratamiento narrativo que atrapa al público. El mismo vale la pena ser visto, pero sobre todo sus, personalmente, tres mejores segmentos los cuales son: Pasternak, la breve historia inicial protagonizada por Darío Grandinetti y María Marull (esposa de Szifrón), que sirve como introducción y para dejar en claro los códigos que manejará a partir de allí el director. La tercera historia titulada El más 102 .THE 13TH

fuerte, protagonizada por Leonardo Sbaraglia, marca de manera sobresaliente la lucha de clases sociales llevándola a los rincones más desatados y absurdos, haciendo q sea el mejor de los seis relatos y a la vez el más salvaje de ellos. Por último, el segmento Bombita protagonizado por Ricardo Darín, funciona como radiografía del manejo burocrático y la indignación que le hace frente como un reflejo en el cuál más de uno, o por qué no todos, se verá identificado.

El director se anima a una nueva propuesta que resulta atractiva por su manejo del entretenimiento y la lectura de contenido que se puede aplicar sobre ella. Esto hace que, además del efecto masivo que se le dio en todo medio posible, sea renovadora dentro de lo que se acostumbra ver en el cine nacional, pero perdiendo, a la vez, un poco de ese salvajismo al intentar no tomar cierto lugar con los planteos de sus relatos.

Con el fin de agradar y brindarle tranquilidad a todo espectador del film, Szifrón opta por no ocupar ninguna posición condenatoria o que apruebe ciertas reacciones de sus personajes. La película aprueba satisfactoriamente la demanda generada, sin llegar a revolucionar por completo al ojo expectante pero al menos despertando, tanto a quienes les guste como a quienes no, el contacto con su lado salvaje.

EN CONCIERTO THE MISSION X3: BLONDIE DISCOTHEQUE, SANTIIAGO DE CHILE: POR DAIRE ALUJAS / FOTOS POR LISSETTE RUIZ ARAVENA LA TRASTIENDA, MONTEVIDEO: POR MARCELO SIMONETTI TEATRO VORTERIX, BUENOS AIRES: POR RODRIGO DEBERNARDIS / FOTOS POR DANNA PODSTUDENSEK SPIRITUALIZED, TEATRO VORTERIX, BUENOS AIRES: POR DIEGO CENTURIÓN

The Mission - 15 de agosto, Blondie Discotheque, Santiago de Chile Por Daire Alujas

Esta es la cuarta vez que The Mission se presenta en Chile y la tercera en la mismísima Blondie, pues su anterior presentación en lo que fue el Anniversary Tour del 2012 los trajo al Teatro Caupolicán, aparentemente con más expectativa que éxito concreto. Aquella vez el recinto era más que adecuado para celebrar los 25 años de la banda y el retorno de Simon Hinkler en las guitarras -un lujo para los fans legendarios-, sin embargo el público no debe haber sobrepasado las 300 personas (el Caupolicán tiene capacidad para 2000), y lamentablemente el sonido y la producción estuvieron muy por debajo de las circunstancias. Hago hincapié en estos datos dado que al parecer el tema es bastante relevante cuando se trata 104.THE 13TH

de bandas que quedaron consagradas a ciertas facciones o capas culturales, donde el concepto y el status de culto adquieren mayor importancia. Pienso que ésta vez se saldó una deuda pendiente, devolviendo a la banda a su público en un entorno más familiar y con un nivel de producción más que aceptable, donde la “oferta” incluyó una excelente banda de soporte (Imaginary Noise, locales), fiesta post show y la mística propia de Blondie, que contextualizó el evento en el marco de su 21 aniversario. Bien por Blondie. Bien por The Mission. ¡Y por nosotros!

Tuve oportunidad de asistir a la prueba de sonido (sonidista amigo mediante), y de poder compartir algunas palabras y fotos con Hussey antes del show y con

Hinkler después. Destacable por sobre todo es la sencillez con que la banda asiste y desarrolla su trabajo, llegando al local bastante tranquilos y dispuestos a interactuar con el personal y con los que andábamos ahí de mirones. A pesar de lo agotados que llegaron a Chile desde Perú (el mismo día del concierto), se toman el tiempo de probar y chequear cada detalle del backline que se les proporcionó, chequear el escenario, probar secuencias, darle una pasada a las canciones principales del show, y luego firmar uno que otro autógrafo.

Tuve la posibilidad de sacarle unas notas a la guitarra Schecter 12 cuerdas de Hussey, mientras le pregunto que pasó con aquella maravilla de Gretsch de modelo bastante similar. Me cuenta que la tiene en retiro relegada al trabajo en su estudio en las afueras de Sao Paulo.

Su sonido es básicamente el resultado de su actual guitarra procesada por un viejo multiefecto de rack Roland que debe tener tantos años como la banda misma. En el caso de Hinkler, su pedalera incluye una Line6 M13 más un par de efectos Boss (de octavación) y un afinador paramétrico.

Su backline se compone de los clásicos Roland JC 120 usados por la banda desde siempre. En el caso de sus instrumentos, al parecer Hussey y Adams son los únicos que portan lo suyo en la gira (además de ciertas piezas claves de la batería por parte de Mike Kelly). Hinkler luego del show me cuenta que no puede viajar con su guitarra propia, pues con su pedalera y equipaje de vestuario ya copa lo permitido y me señala que la Gibson SG que acaba de usar en el concierto tenía una falla en una cápsula, por lo que el sustain para su sonido no era el adecuado.

Ya en su primera visita a Chile en

2000, tuve oportunidad de hablar con Craig Adams, y recuerdo en ese entonces haberle preguntado por Simon Hinkler y su salida del grupo. El tema era que Hinkler se mudó a EEUU a trabajar en una empresa de tecnología e informática.

Y efectivamente Hinkler me cuenta en la presente oportunidad que estuvo trabajando 14 años en ello, al parecer no queriendo volver jamás… Acerca de Mick Brown, baterista original del grupo, me cuenta que al parecer intentó volver a tocar en bandas y reiniciar su trayecto musical sin mucho éxito; como que la energía ya definitivamente no le dio para ello. Sin embargo Mike Kelly les transmite y proyecta una gran energía, que por lo que se ve ha sido vital en este regreso de la banda de éstos últimos dos años (¡qué manera de pegarle a la caja!)

El concierto comenzó muy cerca de las 23:00 hrs. y se mantuvo bastante apegado a lo más clásico de su discografía, con apenas unas cuatro canciones nuevas (del último disco The Brightest Light).

Vale decir, no incluyendo nada en donde no haya participado Simon Hinkler (salvo Like A Child Again, del disco Masque, que Hussey ha convertido en clásico haciendo su versión solo).

Como dije antes, mi impresión fue la de haber devuelto a esta gran banda en su cuarta visita a Chile- a su entorno ritual más natural e idóneo. El culto a The Mission en Chile, si bien es bastante pequeño y poco visible, es bastante leal y exigente en gusto. Por lo que, tanto el recinto como el público en su totalidad (unas 400 personas), sintonizaron a la perfección con una banda en muy buenas condiciones, para beber de la propia medicina de los dioses.

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The Mission - 16 de agosto, La trastienda, uruguay Por Marcelo Simonetti Tercer desafío para la banda, después de una de cal y una de arena (en Perú había 120 personas, y ni siquiera sonaban las cintas pregrabadas de los temas, y el micrófono en el escenario lanzaba descargas eléctricas a Wayne, y en Chile hicieron un sold out sin mayores problemas en la discoteca Blondie con 1500 almas delirando).

Los problemas que acusaría la banda de organización también estuvieron presentes en Montevideo. Demoras en el avión, hicieron que lleguen a Montevideo sobre la hora del show, y sólo pudieron probar sonido un cuarto de hora o algo más antes de que La Trastienda abra sus puertas. El local es similar al de Buenos Aires, con espacio para unas 800 personas, y minutos antes de las nueve de la noche está lleno tres cuartas partes del recinto.

106 .THE 13TH

¿El promedio de edad? Treinta y pico.

Remeras de la banda, y también las que acostumbramos a ver en éste tipo de shows (The Cult, The Cure, etc.). Algunos hacen gala de su goticismo, pero la mayoría es un público que pudo verlos hace ya 26 años (o no pudo, pero conocieron a la banda en ese entonces) cuando The Mission hizo su primera visita a Montevideo y ahora llevan un look informal, esperando ser testigos de la segunda visita, luego de tanto tiempo.

La banda sale al escenario apenas pasadas las 21, y arrancan con Black Cat Bone, del último disco The Brightest Light, y pegan Beyond The Pale (el favorito de todos los tiempos de Simon Hinkler e histórico abridor de shows) con el que recién el público reacciona ante el

sonoro. El trabajo de luces está bien, aunque atrás de los chicos no están las imágenes de luces que se podrán ver al día siguiente en Buenos Aires, y sólo aparece el modesto “viejo trapo” de la mujer inmortalizada en God’s Own Medicine. Más allá de eso, la banda suena ajustada, y Wayne entre tema y tema desde el principio intenta comunicarse con el público con su batería de chistes acostumbrada: “Buen vino (alzando la botella), hecho en Chile!!!”

El público, mudo.

Tampoco logra hacer reaccionar a la audiencia el comentario acerca de Luis Suarez (último ídolo del fútbol uruguayo, y también ídolo del Liverpool FC, de quien Wayne es hincha acérrimo) y su venta de los rojos de Inglaterra al Barca español.

El show irá desarrollándose tranquilamente, sin grandes sobresaltos o problemas, pero tampoco será un show memorable de la banda. Mike Kelly desde la batería a los palazos limpios sostendrá dos sobrias perfomances de Craig Adams y Simon Hinkler (quien tendrá algunos problemas de sonido en Swan Song) y los temas se irán sucediendo uno tras otro: Serpent’s Kiss, Naked and Savage, etc, hasta llegar al final del show con la mencionada Swan Song del último disco.

Para los bises, Wayne hace la clásica versión solo de Like a Child Again, y las parejitas del público vuelven a los arrumacos por segunda vez, los que habían iniciado en Butterfly on a Wheel. Al finalizar, y con el resto de los músicos en escena Craig avisa a Wayne que Mike prefiere cambiar Blood Brothers (tema que originalmente Wayne compuso para su gran amigo a mediados de los ochenta Ian Astbury y que ahora cumple una doble función: alter-ego de la banda para tocar en lugares más chicos

del Reino Unido y también denominación de los fans más acérrimos del grupo en la última década, quienes anteriormente se solían llamar Eskimos, o Missionaries) por Belief (éste cambio en la lista se sostendrá luego en el resto de la gira), ya que no se encuentra nada bien de la noche anterior.

Wayne al micrófono anunciará que seguramente Mike no se siente nada bien “por algo que comió, el pobre muchacho” en tono sarcástico aludiendo al aftershow en Santiago de Chile la noche anterior.

Entonces sale el primer Bis con Belief y el siempre demoledor Deliverance, y vuelven para el segundo Bis con Tower of Strenght que termina con Wayne revolcándose por el suelo y logrando por fin el ida y vuelta con el público que no había logrado antes.

Al salir del recinto, la gente se va satisfecha de haber presenciado un buen show, y comenta con un llamado de atención lo bien que les quedaron los cinco temas tocados del último disco al resto de la lista de temas (también es verdad que la banda elige cinco temas bien estilo “The Mission” para mechar en el show).

Los músicos también parecen satisfechos, y comentan el “comportamiento europeo” del público y haciendo bromas acerca de la marihuana y la “pasividad” de la audiencia.

De ahí la banda sale raudamente hacia el hotel, ya que en sólo tres horas sale el avión que los llevará a Buenos Aires, tierras mucho más visitadas por la banda y también por Wayne como solista. Pero esa es otra historia….

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The Mission - 17 de agosto, teatro vorterix, argentina

Para empezar, aclaro que esta reseña NO es objetiva. The Mission es, quizás, mi banda favorita, y toda opinión y/o análisis vertido por mí acerca de ellos estarán SIEMPRE teñidos por la irracionalidad de mi incondicional admiración.

Dicho esto, comencemos: Entré a Vorterix cuando sonaban los últimos 2 o 3 temas de la banda soporte (no recuerdo quiénes eran…tampoco importa demasiado, no me parecieron gran cosa).

Apenas pasadas las 21 se apagaron las luces y en medio del griterío lógico previo al comienzo de cualquier recital apareció The Mission para hacer lo que mejor saben: tocar en vivo.

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Black Cat Bone fue el track elegido para comenzar la lista, una canción que es más una intro larga que un tema en sí. Pasado el trámite, ahí sí, arrancó el show que todos fuimos a ver. El clásico Beyond The Pale, que no deja de emocionarme en vivo por ser uno de mis favoritos, seguidos por Serpent Kiss y una tremenda, sí señores, tremenda versión de Naked And Savage, con Wayne Hussey demostrando que algún tipo de pacto debe de haber hecho con el diablo, ya que cantar toda la noche con la fuerza que lo hizo, a los 56 años no debe ser gratis.

Siguieron con Sometimes the Brightest Light Comes from the Darkest Place (lo esperaba con ansias pero me desilusionó un poco, no por culpa de la banda, sino

por el casi nulo sonido que emanaba de la guitarra de Wayne, falencia que debí soportar casi toda la noche, sumadas a otras mismas sucedidas con el bajo).

Hago un paréntesis aquí para destacar algo que muchas veces pasa desapercibido en muchísimas bandas, pero que esta vez le cabe a The Mission: admiro a Simon Hinkler (guitarrista del grupo), realmente lo admiro, pero por otro lado pienso: cuánto más fácil debe ser para Simon poder crear y destacarse con su guitarra cuando a su lado tiene a un segundo guitarrista como Wayne Hussey, quien no sólo rasguea acordes de acompañamiento, sino que puntea y tira arpegios dignos de guitarrista principal, liberando así al 1er violero de gran parte del trabajo y permitiéndole surfear con el instrumento mucho más libremente.

Bien, siguiendo con el show, fue el turno de los clásicos Garden of Delight, Severina y Butterfly On A Wheel. Aprovecho la ocasión para, por este medio (el que seguramente Wayne leerá en los próximos días), pedirle al cantante que archive definitivamente esa secuencia de Butterfly, le agradezca por los servicios prestados, y la aggiorne con una nueva. Esa pista ya merece descanso.

Everything But The Squeal fue la rareza de la noche, una canción del último disco que pocos corearon, esperando, creo, que pase rápido para volver a los hits.

Así fue y aparecieron primero Like A Hurricane y una brillante versión de Wasteland, ya con Hussey definitivamente entregado a la gente y la banda sonando a pleno. Con Swan Song (bellísima, por algo es lo mejor del último disco) se despidieron por unos minutos, volviendo

para seguir un rato más.

Otra cosa con la que Hussey insiste y no transa es con tocar “su tema en solitario” de cada show. Like A Child Again (and again, and again…and again) fue corta por suerte y llegaron la impresionante Belief y el infaltable Deliverance, con la audiencia gritando el final largo rato y Wayne como director del coro.

A camarines por última vez, para volver con la canción con la que, me parece, se dieron cuenta que mejor les cierra un concierto: Tower Of Strength. La gente la canta y la disfruta muchísimo, pero la banda creo que la disfruta más (esto alguna vez me lo confesó el propio Simon Hinkler). La comunión que se logra en este momento entre The Mission y sus fans es única, y el final, con Craig Adams acoplando su bajo al límite, enredándose el cuerpo con los cables, y tirado en el suelo junto a un Wayne que seguía cantando aunque ya no hubiera pista sobre la que cantar, jurándole al público, ese público fiel que lo sigue venerando como al ícono que ya es… jurándole que él los ama, que son la mejor audiencia del mundo (sí, estaba con algunas copas de más Wayne), ese final, con la gente delirando y aplaudiendo, convirtió al show de The Mission en una experiencia digna de ser vivida por todo aquel que se precie de amante del rock.

Esto último dicho objetivamente.-

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nunca reemplazaré a Mick Brown Entrevista a Mike Kelly por Diego Centurión

Las preguntas se basan en una serie de conciertos en América del Sur. De la cual en nuestro número, revisamos tres conciertos: Chile, Uruguay y Argentina.

Pero primero quiero decirte, lo que has causado en nosotros los fans en América Latina. Creo que es la primera vez, después de Mick Brown, no ha habido un baterista que ha hecho que olvidemos a Mick en concierto. Hasta que llegaste tú.

Has llegado a todos los fans de una manera muy especial, la forma de interpretar y sentir las canciones, sé que los fans están muy contentos con usted, y usted fue uno de los comentarios agradables

Ah gracias por las amables palabras...

Nunca reemplazaré a Mick Brown, que era un baterista formidable... He tratado de tomar algo de la forma en que él tocó y he estudiado las canciones. Yo también tengo mi propio estilo y si la gente piensa que funciona con la banda, entonces estoy muy honrado. Yo no había oído mucho de las diferentes formaciones y versiones de las canciones en los últimos años, así que me basé en las grabaciones originales y traté de volver lo más parecido a ese sonido.

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¿Cómo te sientes de estar en The Mission?

The Misión es un gran grupo de amigos por lo que hay un montón de diversión, pero sin olvidar que son grandes músicos experimentados también. Es un privilegio ser parte.

No cabe duda de que con su cómplice Craig, se ven sonriendo en el escenario.

Esto no solía ser común desde la salida de Brown. Especialmente con los nuevos arreglos.

Tengo al Sr. Adams como un querido amigo... incluso le produje su disco en solitario “Demon King”, en mi estudio en Brighton, del cual estoy muy orgulloso...

Tenemos una conexión rítmica, pero también algo más profundo. ¡Nosotros también bromeamos mucho! Hemos sido llamados ¡tweedle dee y tweedle dum! (son personajes del libro de Louis Carrol Alicia en el País de las maravillas, una especie de hermanos macana, término utilizado en Inglaterra, que aparecen después en otros libros, y también en películas. La comparación en realidad no es exacta a los hermanos macana, porque en realidad tienen varias versiones, en muchos libros, e incluso como villanos de Batman. Son torpes, y se las dan de malos. A veces son más bien lúgubres) ¿Es tu primera vez en América del Sur? ¿Cómo te sentiste con este público?

He tocado un buen número de shows en América del Sur ahora... El público es tan cálido y apasionado que es muy bueno presenciarlo y tocar con la magia de la gente, ¡es muy divertido y apasionante!

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Cuéntanos lo que recuerdas de Chile.

Un buen concierto… creo que a Wayne no le gustaban las luces y dijo algo gracioso acerca de eso en el escenario.

Cuéntanos lo que recuerda de Uruguay. ¡No mucho!... (???) ¡ Ja, Ja! ¡¡¡Lo siento!!! ¡Todo entra en una mancha difusa!

Cuéntanos lo que recuerda de Argentina.

Tocamos en este recinto antes, es grande y tiene una estación de radio que funciona en la parte superior del teatro, eché un vistazo mientras Wayne hacía una entrevista. El escenario es bueno, la batería es buena, y tiene un ambiente de teatro, porque hay una gran cortina de terciopelo que está cerrada, y a medida que comenzamos a tocar se abre en la primera canción del set.

Sumado al humo de hielo seco y las luces son una gran entrada. Fue encantador ver a nuestro amigo Jimmy Rip ahí y que se acercara luego a saludar. La banda soporte eran chicos encantadores... y una amiga de un amigo de Brighton estaba allí en el show. Ella se mudó ahí recientemente. ¡Fue agradable charlar con ella en Inglés y encontrarla en Buenos Aries! Me encanta ese lugar. Estaría en la cima de mi lista de lugares a donde ir, ¡si estuviera pensando en mudarme! ¡¡¡Lugar vibrante, me encanta!!! ¡¡¡Mike, gracias por unirse a The Mission!!!

Mis mejores deseos.

Traducción Marcelo Simonetti.

Spiritualized – 24 de agosto teatro Vorterix – Buenos Aires (Argentina) Por Diego Centurión

THE 13Th.113

Domingo de misa. Luego de todo un día de lluvia y un veranito adelantado, llegó el frío nuevamente a la porteña ciudad. Antes de salir no me pude resistir a ver a mirar el set de este tour “Acoustic Mainline 2014”, que se inició en Chile, en el Teatro Municipal de Santiago.

Confieso que sabía muy bien de qué se trataba el concierto ya que soy seguidor de la banda, y sabía que, como en el 2008 en La Trastienda y en el Pepsi Music, no venían en plan eléctrico, sino acústico como ese tour del 2007 o 2010, llamado de la misma manera que este.

Llegué temprano para presenciar la banda soportes de la cual sólo sabía su nombre, “Guazuncho”, nombre que esconde a su único miembro Iñaki Zubieta, quién en soledad en el escenario, comenzó su set de cuarenta olvidables minutos, la poca gente que había primero cuando arrancó el soporte le prestó atención, pero enseguida comenzaron a sacarle la mirada por lo poco que se ofrecía desde el escenario, secuencias fuera de tiempo, la voz desafinada, probables problemas de ajuste sonoro, conspiraron contra el que eligieron como acto de apertura.

A las 21 está todo dispuesto para el set principal, se apagan las luces, se silencia la música del Dj, pero algo pasa y empieza a sonar música de nuevo.

Minutos antes de las 21.30 se apaga la música, se abre el telón y empieza los primeros acordes de “Sitting On Fire”, y de esta manera la segunda fecha del “Acoustic Mainline Tour”. Todos los músicos vestidos de negro (cuatro coristas, tres violinistas y un chelista, más Doggen en piano y órgano. Y de blanco (como siempre) Jason Pierce.

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La disposición habitual en semicírculo, enfrentados Doggen y Jason, del lado de Doggen las cuerdas y del de Jason el coro. La iluminación básica y estática, algunas luces azules y otras amarillentas, sin ningún efecto visual ni pantallas de proyecciones. Acá lo importante es la música.

El set continúa con“Lord Let It Rain On Me”, el reverendo Jason oficia con calma y magia. La cálida voz de Spaceman (como también se hace llamar) y su cadencia al tocar la guitarra acústica logra que nos olvidemos que estas canciones son eléctricas. Y esta canción acrecienta la sensación de estar presenciando algo único. Llega “True Love Will Find You in the End” un cover de Daniel Johnston y es la primera vez se escucha al público exclamar, que está hipnotizado. Luego llega la gran “Cool Waves” y la magia no parece tener fin, con el sustento sonoro de las cuerdas y el coro (que si bien no es casi góspel de otras presentaciones, es muy, muy agradable a los oídos), pero el principal apoyo consiste en el piano y el vuelo que le imprime la armónica, toda la dulzura de Doggen. Cuando termina la canción por primera vez en la noche Jason mira al público. Y como un final de un rezo comienza “Amen”. Es el turno de una de mis favoritas “Soul On Fire”, que por momentos me recuerda al pink Floyd íntimo de los años 70. Cuando termina Jason agradece al público en el primer contacto verbal con los atentos y respetuosos asistentes, (claro, ¡en Misa no se habla!). “Walking with Jesus”, la sensación de esta Hermosa canción es sentir que Jason nos lleva de la mano a las puertas del cielo. Cuando llegamos a la media hora de show y el ritmo y la cadencia del espectáculo se acelera un

poco.

“Feel So Sad”, el ambiente religioso regresa, aunque esta vez es como una confidencia melancólica. “Going Down Slow” mantiene al recinto en silencio y extasiado, en completo estado de respeto y se pueden ver caras de emoción. Pero uno de los picos de mayor belleza llega con la canción “Stop Your Crying” ¿Cómo logran transmitir tanto sentimiento de belleza y compasión? Y no bajan el clima sino que lo incrementan con la unión de “Anything More” y el clásico “Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space” con el agregado de “Can’t Help Falling In Love” de Elvis. Este tramo que no debería terminar nunca (la magia es sólo de Jason), el coro es lo que nos hace volar.“Broken Heart” un suspiro con el acompañamiento casi religioso del órgano y los violines. Luego el coro ensancha la coloratura vocal, magnificando la canción “Señor, tengo el corazón roto”, canta un melancólico Jason. Una hora de show t el sólo de armónica de Doggen me hace recordar a pasajes tristes en los primeros discos de Nick Cave. “Lord Can You Hear Me?” el ya clásico cover de Spacemen 3. Eclesiástico rezo de

jason, el coro apoya de manera sublime y los violines pulsando (de manera percusiva) sus cuerdas.

Jason dice “¡Thank You!” y se para y aplaude al público y a los músicos como despedida, pero sabemos que aún queda algo más, Ya que los músicos se quedan en el escenario mientras Que Doggen y Jason se retiran.

A esta altura (22.43hs) sé que es uno de los grandes conciertos de este año.

“Too Late” abre el encore y luego “I Think I’m in Love”, aumenta el éxtasis auditivo, mientras Doggen incluye una arreglo en órgano de los Rolling Stones, pero lo más asombroso es que el coro le responde a Jason en español. “Goodnight Goodnight“, es la canción que el reverendo Pierce elije para cerrar esta maravillosa noche. Dejándonos a todos colgados de una nube y reflexionando seriamente si la parafernalia de muchas bandas son las que salvan algunos conciertos.

Ya que en Vorterix, esta noche, sólo importó la música para que todos desnudemos el alma ante el Señor… Jason Pierce.

THE 13Th. 115

El jardĂ­n de las delicias -reseĂąas de discos actuales-

Lisa Gerrard - Twilight Kingdom Label: Gerrard Records · Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2014 por diego centurión

¿Qué no decir de Lisa Gerrard que no se haya dicho? ¿Qué describir lo que es su única e inagotable voz? Un nuevo trabajo, un enorme trabajo. Lisa sólo se apoya en algunos ambientes creados por la instrumentación de Daniel Johns, Patrick Cassidy, Astrid Williamson y letras de Russell Crowe (sí, dije bien).

Ya desde la primera canción “Blinded” todo es muy etéreo y lánguido, amplios ambientes desprovistos de percusiones o

ambientaciones más tribales. En Twilight Kingdom todo es celestial y casi religioso, pero en momentos se vuelve melancólico.

Los apoyos orquestales, sólo se utilizan para que las voces se apoyen y se expresen con mayor libertad y solvencia. Logrando por momentos dejarnos en un nirvana único y perfecto. Lisa suena gigante, su voz se desliza entre la llanura instrumental como un halcón en la altura de una cordillera, solitaria y dueña de todo el paisaje, en este caso sonoro. Cada amplitud de sus viajes vocales es un pasaje a lo más profundo de nuestra propia alma. Twilight Kingdom es un pasaje a la levedad de nuestro propio espíritu, una entrada a lo más calmo y profundo de un sueño cristalino.

Brian Setzer - Rockabilly Riot (All Original)

Label: Surfdog · Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2014 por diego centurión

El resultado es fascinante y con extraordinarias ejecuciones instrumentales, aunque no hay canciones instrumentales. La calidad a la que nos tiene acostumbrado el mítico Setzer. El nivel del disco es superlativo, y cada canción nos alienta a no quedarnos quieto. Con su, para nada gastada, impronta del juvenil rockabilly de los primeros años del Rock (ya hace más de cinco décadas), Brian recrea, como sólo él sabe, un ambiente festivo y en donde las canciones van delineando vertientes del género desde la versión más puro como en “Rockabilly Blues”, el rockabilly festivo como en el primer single “Let’s Shake”, el más psicodélico como en “Nothing Is A Sure Thing” o el country 118 .THE 13TH

beatle (si se quiere) de “The Girl With The Blues In Her Eyes”. Me imagino (y hasta casi sueño) a Brian secundando a Elvis cantando “Calamity Jane”, aunque Mr. Presley podría cantar en todas las canciones del álbum. Un álbum que nos lleva (como una enciclopedia sonora) por todas las etapas del rockabilly, desde sus comienzos como en “Blue Lights, Big City” (piénsese en las primeras grabaciones de Elvis) y un paso más adelante en el tiempo como en “Cook-A-Doodle Don’t” (ya pensando en Bill Halley). Un disco que

para los guitarristas es una clínica abierta de buen gusto y pura destreza técnica, pero también no podemos dejar de admirar la delicada técnica del trío que acompaña a Brian Setzer, Mark Winchester en Bajo; Noah Levy en batería y Kevin McKendree en piano, quienes tienen “su momentos” en algunos pasajes del disco.

Rockabilly Riot (All Original) es un excelente trabajo del siempre imprescindible Brian Setzer, a quien parece que los años lo pone más conciente de su propia estrella y nos hace disfrutar de ella.

Chrome – Feel It Like A Scientist Label: King Of Spades · Fecha de Lanzamiento: 05 de Agosto de 2014 por Erick R. Vieyra

Tras un extenso periodo de inactividad en cuanto a nuevas publicaciones respecta, y en medio de una impactante gira en Europa, Chrome regresa con un nuevo disco abrumador; Feel It Like A Scientist se lanzó a la venta el 5 de agosto y ha tenido buena acogida. ¿Qué encuentra en él? La fórmula inagotable de un punk avanzado, malicioso y negro, un carácter industrial perfilado en sus trabajos previos, principalmente en la legendaria época de Creed & Edge, inclusive algunas líneas fueron escritas por éste último antes de su desafortunada partida en 1995, todo ello llevado a una matriz contemporánea.

Bajo una necesidad de contraste; de los varios lanzamientos de grupos legendarios que han visto la luz, sólo dos me han parecido a la altura de la leyenda que en torno a ellos existe; el Viva Vigilante de Sex Gang Children (2013) y el Feel It Like A Scientist de Chrome.

Es común el escepticismo hacia las nuevas entregas de grupos que se diluyeron, un escepticismo bien justificado; por ejemplo, Wake The Dead de Specimen (2013) es decepcionante, y el Go Away White de Bauhaus (2008) es espantoso, y así una larga lista de artistas donde algunos apenas entrados los 30 comenzaron a lanzar discos vacuos que iban tras el dinero y el cumplimiento de contrato dejando sus mejores creaciones para sus primeros años, para sus años hambrientos. Esto, desde mi punto de vista, es producto de la mercadotecnia que rodeó a una gran diversidad de grupos y a la debilidad de sus integrantes que eran más imagen que artistas, desde mi parecer Joy Division, Bauhaus o Sisters Of Mercy son grupos THE 13Th. 119

sobrevaluados que hoy son famosos gracias a costosas campañas de promoción que inyectaron la “leyenda” en las masas de jóvenes que buscaban pertenencia a géneros del underground, pero que fueron grupos que no hicieron una carrera brillante y que sólo pertenecieron al rock subterráneo durante un periodo de tiempo breve. Sin embargo, aquellos que escaparon a esa entrega ciega a la mercadotecnia y a la venta masiva de sus discos, firmas de autógrafos y toda esa basura que rodea la industria musical son los que lograron trascender y ganar respeto entre la audiencia exigente, que siempre es la minoría. Chrome es parte de esas bandas con una carrera artística brillante, los trabajos solistas de Helios Creed (frontman actual de Chrome y un guitarrista de creatividad inmensa) y lo que de Chrome se hizo por parte de Damon Edge, dan fe de la grandeza

del proyecto que hoy cuenta con nuevos integrantes.

Este disco es un manejo magistral de la acidez iconoclasta que se contiene en 16 temas, es una bofetada al ridículo revival indie-pop-synth que hoy está de moda. Este disco es un manifiesto de la permanencia del Underground, siempre y cuando éste sea entendido fuera de los círculos de seudo-artistas que sirven de maquila para una industria musical corriente encargada de parametrizar a los niños que visten y dicen aquello que de ellos, “al ser tan rebeldes”, el mainstream espera escuchar.

Feel It Like A Scientist es un disco para oídos noise, pensamientos irreverentes y jugosas exigencias de calidad. Es un disco que no pide nada, sino que suma, a sus trabajos clásicos como el Red Exposure y el 3rd From The Sun.

Engineers – Always Returning

Label: Kscope · Fecha de Lanzamiento: 11 de Agosto de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Cuarto trabajo de esta gran banda de post rock, con gemas de dream pop y algo muy sutil de shoegaze. Esta vez sin Daniel land y Simon Phipps, aunque no abandonaron la banda, simplemente no participaron en este disco, algo raro pero eso han dicho cuando se les preguntó por 120 .THE 13TH

las ausencias. Diez hermosas canciones con delicadeza, excelente tratamiento de la instrumentación, tanto tecnológica como la real. Con el cuidadoso y casi angelical uso de las voces. El álbum abre con “Bless The Painter” y culmina con la que titula este trabajo, “Always Returning”. Entre los extremos del tracklist se encuentran ocho plácidos y brillantes travesías por un mundo cargado de delicados destellos de dulzura y extraordinarios paisajes ensoñadores como el instrumental “Innsbruck”, pero también el vertiginoso transitar de “Searched For Answers” o el melancólico reposo de “Smiling Back”.

“A Million Voices” es una envolvente secuencia a lo Kraftwerk que es

simplemente preciosa con el piano. Pero indudablemente las mejores canciones son “Fight Or Flight”, que tiene el sonido abrazador del dreampop más puro y embellecedor. “It Rings So True”, otro de las mejores del álbum, es un dulce paisaje acústico.

“Always Returning” es el nuevo trabajo, un encantador trabajo de esta gran banda.

También se editó una versión De Luxe con un bonus cd, con las versiones instrumentales de las canciones.

Nurse With Wound and Graham Bowers – Excitotoxicity

Label: Red Wharf · Fecha de lanzamiento: 01 de Julio de 2014 Por Alejandro Cenizacromada

El genio de Steve Stapleton encuentra una excelente vía para dar rienda suelta a sus desvaríos sónicos en el inglés Graham Bowers, un veterano artista que ha tenido un gran reconocimiento como compositor para piezas de teatro y danza con un estilo muy particular. Este álbum es la tercera colaboración en conjunto. Una

serie de trabajos destinados a explorar los alcances de la psiquis del ser humano. Las atmósferas asfixiantes se hacen presentes, algunas veces coletazos de free jazz iluminan el conjunto. Las bases rítmicas podrían tener mucho en común con Nine Inch Nails pero también pueden evocar a genios como los primeros Autechre. El disco a pesar de su composición oscura y por momentos claustrofóbica, impacta por el manejo de los usos tecnológicos.

La técnica de Graham Bowers radica en tratar instrumentos musicales tradicionales electrónicamente, brindando una sonoridad fresca y vanguardista. La magnificencia de las ruinas mentales.

Lord Of The Lost – From The Flame Into The Fire

Label: Out of Line · Fecha de Lanzamiento: 23 de Mayo de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Ya habíamos hablado de unas publicaciones de la banda de Chris Harms, Afterlife y MMXIV. Ahora es el turno del esperado sexto álbum de Lord Of The Lost, que mezcla de manera brillante sonidos de guitarra del nü-metal, y el oscurecimiento del gothicrock, por momentos del Metal sinfónico.

Con ritmos y cortes interesantes. Un THE 13Th. 121

disco de trece canciones en donde es muy difícil no dejarse llevar por la potencia de canciones como la primera “Fists Up In The Air” con un tremendo ritmo y con una gran performance vocal de Chris, que por momentos se torna épica. El andar trabado pero perfecto de “Kingdom Come”. La extraña mezcla de salsa y samba de “La Bomba” con la participación de “Fogo Do Samba” (banda de percusión alemana con ritmos brasileros, entre otros). La hermosa “Afterlife”. Imposible no mover la cabeza con “Kill It With Fire”, así como la casi militar “Six Feet Underground”.

“Go To Hell” es LA balada del álbum, simplemente por ser la que no tiene un andar frenético. Andar frenético que sí tiene la precisa “Odium”. Las secuencias

aparecen en “Bitch”, en una canción con un ritmo más sensual sin perder la potencia.

“I’ll Sleep When You’re Dead”, es un track con un ritmo más trabado pero tan preciso que el track se convierte en una de las joyas del álbum. El bajo distorsionado de “Holy F” es fantástico y la participación de Nina Jiers, que lo vuelve épico. El disco lo cierra la gran “In A Perfect World”, con un ambiente mucho más oscuro que las del resto del álbum.

Una versión De Luxe añade un cd extra bajo el nombre de From the Rain Into The Flood, un disco con diecisiete remixes, que convierte a la edición aún más atrapante y disfrutable. Redondeando un gran disco y altamente recomendable para los amantes del gothic-rock más extremo.

And One – Magnet (Naghavi Edition)

Label: Deutschmaschine Schallplatten · Fecha de lanzamiento: 08 de Agosto de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

¡And One volvió y no se guardó nada!

Esta edición de seis discos demuestra la excelencia de esta legendaria banda de Synth-Pop y EBM. Se trata de tres discos de estudio y tres en directo. Este triple trabajo en estudio está dividido por sonoridad, Magnet es el trabajo oficial, Propeller es más EBM (es un disco que nunca fue editado en el 2011) y Achtung 80! es más electro-pop ochentoso. Esta edición trae intercalados tres registros en 122 .THE 13TH

vivo del Forever Tour 2014. Y trae algo de merchandise oficial, como una remera, imanes, y otras cosas.

Magnet trae diez canciones, y se destacan “Love Needs A Saving Hand” con una guitarra fantasmal, “Love Is Always On Your Side” (la festiva), la elegante “The Other Side”, la newordezca “Everybody Lies At Night”, la soberbia “Fake Of Pleasure” y el cierre sensual con “Dead Love”. El segundo disco es el primer concierto llamado Live On Stage 1, excelente registro.

Propeller es un disco que iba a salir en el 2011 y nuca salió. Este trabajo abre con la genial “Black Generation”, luego se destacan la ‘old school EBM’ “Männermusik”, “Synchronizing Bodies”, “Nyctophiliac”, “2 Tote” y “Up & Down”.

Luego viene otro disco en directo llamado Live On Stage 2, otro tremendo

concierto.

Achtung 80! es el tercer disco de estudio y es el que utiliza más sonidos de los años ochenta. Este álbum abre con “Let’s Get Higher”, una cálida y dulce canción electro-pop, le sigue “My Angel” que me recuerda a Pet Shop Boys (al menos el comienzo). Luego se destacan “She’s Triple 6”, “Somebody’s Song” que me

recuerda a Martin Gore, “Girls On Girls”, “Love Trashing Girls” y el cierre con “Your Pet Is A Ticking Bomb!”. Luego el último disco es el tercer registro en vivo llamado Live On Stage 3. ¡Impecable!

Soberbia, ambiciosa y madura edición de And One, que nos va a tener ocupado escuchando y disfrutando esta fascinante edición por bastante tiempo.

My Autumn Empire – The Visitation

Label: Wayside And Woodland Recordings · Fecha de Lanzamiento: 14 de Abril de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Tercer trabajo de este proyecto paralelo del epic45, Ben Holton (a quién entrevistamos en este número por un disco de epic45). Diez bellísimas canciones que embrujan al oyente y lo transporta a

una delicada meseta soleada y apacible, en donde tirados sobre el césped mirando a las nubes de algodón flotar libremente por el cielo. De esta manera se podría apreciar mucho más el encanto de canciones como “When You Crash Landed”, “Where Has Everybody Gone?” (con una sonoridad más Pink Floyd), “Summer Sound”, “It’s Around”, “The People I Love” o “All In My Head”.

The Visitation es un trabajo cristalino, lleno de momentos mágicos y de sonoridad endulzadora del alma.

The Bilinda Butchers – Heaven Label: Orchid Tapes · Fecha de lanzamiento: 15 de Julio de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Segundo trabajo de la banda que tomó el nombre de la gran integrante de My Bloody Valentine y por ahí va este gran disco. El álbum abre con la ensoñadora “Ume” y un mundo de mareas celestiales se disparan desde los oídos y nos atraviesa todo el cuerpo y los sentidos. Nos sumergimos en un mundo placentero y cristalino del cual no salimos en todo el álbum, más

THE 13Th. 123

allá de los intentos de canciones como “Less Than”, “The Lovers’ Suicide”, “Edo Method” o “Heaven Holds A Place” por poner un pcoc de pop shoegaze. Pero canciones como “Old Style Amami”, “New Style Akashi”, “Golden House

2” o “Heaven” son verdaderos paisajes silvestres y relajados. Este trabajo tiene mucho de un bello dream pop, con una dulce cadencia de atardeceres plagados de luciérnagas. Un maravilloso y encantador álbum.

Interpol – El Pintor

Label: Matador Records · Fecha de Edición: 08 de Septiembre de 2014 Por Rodrigo Debernardis

Después de 4 años, Interpol vuelve con un nuevo disco, el quinto de su carrera.

El Pintor (título del álbum y anagrama del nombre de la banda) es un disco sólido, compacto, que nos retrotrae un poco a la esencia de los Interpol, aquellos que aparecieron allá en 2002 con aquel

discazo Turn On The Bright Lights.

Con reminiscencias a bandas como Joy Division o Echo & The Bunnymen, influencias que siempre estuvieron presentes en el sonido de Interpol y hoy están más pulidas por la experiencia y el camino recorrido, el disco se para como de lo mejorcito del año, con grandes canciones como “My Desire”, “Everything Is Wrong” o “Tidal Wave”.

En resumen, la banda liderada por Paul Banks (que para este disco tuvo que hacerse cargo también del bajo ante la partida de Carlos Dengler) a esta altura se nota que sabe lo que quiere, lo que es más importante, sabe cómo conseguirlo.

Ep’s - singles Lamb – Transfatty Acid Label: Strata Music Ltd · Fecha de Lanzamiento: 26 de Mayo de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Antes de la salida del nuevo trabajo de este dúo de Manchester, Backspace Unwind, se edita este EP, para aquellos que pre ordenaron del nuevo álbum. Transfatty Acid contiene tres remixes de clásicos de la banda. El primero “Transfatty Acid (Pure Filth Mix)”, mantiene la sensualidad de la canción original. “B Line (Down & Dirty Mix)”, al contrario 124 .THE 13TH

de la anterior, no posee la locura sonora del original, pero sin embargo, crea un clima totalmente diferente en este remix.

“Lullaby (Transcendent Angels)”, una

muy bella versión de la canción. Este trabajo se suma a la reedición de su primer álbum “Lamb”, sucedida en marzo de este año.

Anna Calvi – Strange Weather Label: Domino Records · Fecha de Lanzamiento: 15 de Julio de 2014 POR DIEGO CENTURIÓN

Un EP de covers, muy logradas versiones.

Apoyada por el gran David Byrne, quien se manifestó de los dos discos de Anna.

Con la batería de Matt Johnson, aquel que grabara el disco reseñado Grace de Jeff Buckley. Enigmática, sensual, disonante, siempre buscando nuevas formas, al borde de lo experimental, rompiendo

melodías simples, Anna nos trae este trabajo demostrando que su búsqueda de su sello personal sigue dando frutos. Este grupo de cinco versiones magistrales nos abre un panorama para nada cómodo al oído no habituado a sonoridades complejas, tal vez en la canción que titula este trabajo, la versión de la canción de Keren Ann, “Strange Weather”, puede ser en donde la escucha sea más amable con aquellos no acostumbrados a los sonidos más experimentales, que justamente es un dueto con Byrne. En este EP versiona a FKA Twigs, Connan Mockasin, Suicide y David Bowie, más el track ya nombrado.

Excelente EP.

Varios Artistas, En Vivo y Reediciones Muslimgauze - A putrid oasis Label: Soleilmoon Recordings · Fecha de Lanzamiento: Abril de 201 Por alejandro cenizacromada

¡Tremendo compilado!... La selección y dirección artística estuvo a cargo de Simon Crab de Bourbonese Qualk. Obviamente hablando de Bryn Jones este defensor de la causa islámica la cantidad de temas aquí son una pequeña degustación para lo inmenso de su discografía. Contiene un libro bellísimo que acompaña el disco con una introducción a su obra. La selección concretamente está centrada en THE 13Th. 125

esa etapa final de su vida, una brutal fusión de loops y ametrallantes percusiones étnicas tomadas de discos que para mí son representativos. Mis favoritas “A putrid oasis” un Dub hipnótico que de oasis pútrido no tiene nada, es más bien para mí un oasis etéreo. “How Rustem,

The Thief Moves Through Fire” del Zufiq E.P un tema con muchas texturas y dinamismo de la más Muslimgauze que he escuchado en mi vida; por último el delirante “Memsahib Of Gub And Ghee”.

Música que incita a unirnos a esa guerra santa sónica.

Mick Ness – The Joy Of Pop Label: Out Of Print Records · Fecha de lanzamiento: 14 de Agosto de 2014 Por diego centurión

Cuenta la historia que en 1981 Mick tenía un disco grabado llamado “Leave Me Your Ears”. Que sentó las bases de un underground más oscuro que el que se conocía Bueno ahora una versión remasterizada se acaba de lanzar. Y

podemos escuchar a un Ness muy influenciado por Joy Division y Pere Ubu. Por ejemplo el comienzo con “Open Rooms” tiene un aire muy marcado a la banda de Ian Curtis, el álbum trae doce canciones en donde Mick retrató su mejor versión post-punk. “Walk On Heads” es puro post-punk, con la particular voz de Mike. “Burn Me Out Again”, “Ants”, “We Are ‘In’ Moving”, y los extras “Ships Full Of Rain” y “Too Tight” son muestras del sonido de los primeros años del postpunk de los 80’s. Una gran oportunidad para descubrir a este artista.

Se editaron 300 copias de esta remasterización.

There Must Be A Hole In Your Memory A Tribute To The Sound & Adrian Borland Label: The Beautiful Music · Fecha de lanzamiento: 14 de Agosto de 2014 por diego centurión

Este trabajo es la banda sonora de un documental próximo a editarse llamado Adrian Borland - Walking In The Opposite Direction. Las versiones se ocupan de The Sound y el trabajo de Borlan en otros proyectos, como la versión de Shakespeare & The Bible de la canción “Dead Guitars” que pertenece al proyecto que tuvo con Carlo van Putten “White 126 .THE 13TH

Rose Transmission”. Pero la mayoría de las canciones pertenecen a la mítica banda de post-punk irlandés The Sound. Merecido tributo y merecido documental de una de las personas más puras y poco conocida.

Si bien las diecisiete canciones de este tributo tienen la magia y el ambiente de las creaciones de Borland, las bandas que las realizan no son conocidas y tal vez eso

haga que dichas versiones suenen frescas e interesantes, ya que no podemos abrir un prejuicio sobre el sonido de una banda ya conocida. Un tributo con excelentes versiones, un álbum ideal para ingresar en el mundo de Adrian Broland, ya que una vez que se abre ese portal difícilmente podamos cerrarla.

3.5 Decadaes - A Joy Division ItalianTribute

Label: Darkitalia · Fecha de lanzamiento: 15 de Junio de 2014 por diego centurión

Otro tributo a Joy Division, ya hemos mencionado en un número anterior sobre la edición de este tributo. Veinticinco versiones de la gran banda de Ian, Bernard, Peter y Stephen. En tantas canciones la variedad es abundante, aunque la cantidad puede jugar en contra, y este es un caso, ya que al llegar a la mitad uno tiende a saltear. Hay versiones muy lindas como por ejemplo Vanity de “24 Hours”, The Stompcrash de “Love Will Tear Us Apart”, Christine Plays Viola de “Atmosphere” (aunque también hay otra versión realizada por The Last Hour),

Der Himmel über Berlin de “Dead Souls”, Karma In Auge de “Interzone” (otra versión de la misma hay relizada por Stardom), LowFi de “Isolation”, My Terminal And The Trip de “Shadowplay”, Sinezamia de “Warsaw” o Neiv de “Decades”. Un tributo que si bien no aporta nada nuevo y logra por momentos cansar, por la interminable cantidad de tracks y que algunas canciones se repiten, siempre es bueno que se tribute a los mejores.

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noticias MUSICA Suede reedita “Dog Man Star” Celebrando los 20 años del lanzamiento de su segundo disco “Dog Man Star”, la banda acaba de anunciar la salida de una edición boxset que incluye un cd con los lados B y un DVD con imágenes inéditas y videos nunca vistos, pero además contiene una versión en cassette del álbum y un cd con audio Blu-Ray, y un libro de 48 páginas con nuevas notas de Brett Anderson y letras escritas a mano. La edición saldrá a la venta el 20 de octubre.

Nuevo libro de Ian Curtis “So This Is Permanence” es el título de este nuevo libro que recopila, en 304 páginas, escritos personales de Ian Curtis. Con letras y reproducciones de páginas inéditas de cuadernos de Ian. La hija, Deborah Curtis, escribió el prólogo. Una versión Estándar y otra Limitada se lanzará el 2 de octubre en Inglaterra.

The Breeders estrenarán canciones nuevas En una reciente entrevista, Kim Deal confirmó que en la gira de septiembre estrenarán nuevas canciones, luego agregó que los planes es registrarlas luego de tour.

Aeon Sable editará un nuevo trabajo El 17 de octubre es la fecha que Solar Lodge ha indicado para el lanzamiento del nuevo trabajo de la banda de Gothic Rock, el cuarto disco de estudio. El nuevo trabajo de la banda germana y portuguesa, lleva como título 128 .THE 13TH

“Visionaers”.

El regreso de Billy Idol Ya está la fecha del regreso del gran Billy, su fecha es el 21 de octubre, que lleva por título “Kings & Queens of the Underground”, con la pre orden del disco en iTunes, se recibe el single adelanto “Can’t break me down”. Bajo el sello Kobait, se lanzará el álbum de once canciones.

Duran Duran por David Lynch El 10 de Septiembre se estrenará en los cines de los Estados Unidos, un film llamado “Duran Duran: Unstaged”.

Que no es otra cosa que 18 canciones (entre las que están “Hungry Like the Wolf ”, “A View to Kill”, “Ordinary World” y “Rio”), con la presencia de Gerard Way de My Chemical Romance, Beth Ditto (The Gossip), Mark Ronson y Kelis. Todo bajo la particular mirada de David Lynch.

Ramones por Morrissey y Scorsese Un nuevo Grandes Éxitos de Ramones, la banda de Nueva York, está seleccionando el nuevo recopilatorio que saldrá (aún sin fecha) por los sellos Sire y Rhino. Moz nunca ocultó su fascinación por el cuarteto.

Ahora pasando al cine documental Martin Scorsese dirigirá la película de Ramones. Si bien no hay otro dato, se cree que estará lista para lanzarla en el 2016, año de los cuarenta años del lanzamiento del álbum debut.

Por otro lado se supo que hay proyectos de un libro y una obra de teatro biográfica de la banda, proyectos que no incluyen ni a Morrissey ni a Scorsese.

CINE Scorsese y Spielberg nuevamente a la TV En el mes de Octubre concluirá, tras cinco temporadas, la seríe de HBO Boardwalk Empire creada por Terence Winter y producida por Martin Scorsese. Tras su final, no significa que Scorsese se aleje de la producción televisiva. El director de Taxi Driver y Goodfellas se encuentra preparando para la misma cadena una serie basada en Shutter Island, su film de 2010. El director se reunión con el guionista Dennis Lehane, quien escribirá el pilota que será dirigido por el propio Scorsese. La serie llevará como título tentativo Ascheliffe, el nombre del hospital donde transcurre la historia.

El show hará foco en el pasado del hospital y los terribles secretos de sus fundadores, convirtiéndola en una precuela de los eventos del film protagonizado por Leonardo DiCaprio.

A la vez, Steven Spielberg también se encuentra preparando una serie basada en su film de 2002 Minority Report.

El guión, basado en un relato corto de 1956 de Philip K. Dick estará a cargo del guionista de Godzilla, Max Borenstein.

Lo nuevo de Paul Thomas Anderson Ya se puede dar un primer vistazo en internet a Inherent Vice, el nuevo film de Paul Thomas Anderson (Boogie Nights, Magnolia) protagonizado por Josh Brolin y Joaquin Phoenix, basado en la novela de Thomas Pynchon.

Los protagonistas interpretan a dos detectives que se ven involucrados en una serie de sucesos que incluyen conspiraciones, muertes falsas, traficantes de heroína y proxenetas.

Inherent Vice se estrena en cines norteamericanos el 12 de Diciembre y en los argentinos el 19 de Febrero de 2015.

Firman petitorio para reabrir la sala de Lugones En Noviembre de 2013 el ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Hernán Lombardi,informó que el Teatro San Martín finalmente comenzaría a tener las reformas de la Sala Lugones de cine, las cuales comenzarían durante Febrero de 2014 y finalizarían en Julio del mismo año. El pasado 10 de Agosto se conoció que la sala aún sigue cerrada y que las reformas ni siquiera habían comenzado.

Periodistas, críticos de cine, realizadores, productores, funcionarios públicos y demás han comenzado a juntar firmas para que las reparaciones se lleven a cabo y la Sala Lugones, importante espacio cultural que funciona desde 1967, reabra sus puertas. Todo aquel que lo desee puede sumar su firma en la siguiente página: https://www.change.org/es Betty Boop regresa a la pantalla grande El ícono de animación volverá a la pantalla grande de la mano de Animal Logic Entertainment y Syco Entertainment, los cuales desarollarán una comedia musical animada con el clásico personaje. Reina del mundo de la animación, Betty Boop es uno de los personajes más queridos dentro del género por su abierta sexualidad.

Se dio a conocer en 1930 y a partir de entonces protagonizó más de 100 films animados. Su última aparición cinematográfica fue en el clásico film noir animado de 1988, Who Framed Roger Rabbit de Robert Zemeckis.

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Si el lenguaje es otra piel…

Con mensajes de deseos… el fin de la pasión es que lo oculto se vea.

Con mensajes de tristeza, con mensajes de dolor y algunos de desconsuelo en la mañana del 4 de septiembre de este 2014, Gustavo Adrián Cerati Clark se nos fue como arena entre los dedos.

Luego de años de rezos por vos y zonas de promesas, Gustavo nos dijo “Adiós” y nos dejó “A merced”. Él fue una “Bocanada” de “Magia”, pero las “Cosas imposibles” no llegan y “Al fin sucede” lo que nadie quería. Y cantaste “Hoy ya no soy yo”, y queda tanto por decir…

Cuatro años de “Camuflaje”, “Caravanas” de plegarias para que el “Déja Vu” de verte caer, “Aquí & ahora”, no como un “Fantasma” sino como una “Especie” de “Médium”, para que todos podamos decir “Yo he visto a Cerati”, y no sea un “Crimen”. Un hombre alado extraña la Tierra…

Pero ¡“Nuestra fe” nunca “Fue”!

“Dios nos libre” de sentir esa “Fuerza Natural” a la que tanto aferramos, como un “Rapto” de “Magia” y de “Tu locura”, 130.THE 13TH

por creer que hay que cerrar los ojos para poder ver…

Yo no “Nací para esto”, y no “Amo dejarte así”, todo esto es más bien un “Desastre”. No sé qué decir con tu partida…Sólo me queda creer que toda el agua del “Río Babel” o la belleza de “La Marea de Venus”, formarán un “Lago en el Cielo” para que, al ver en la “Alborada” aquellas “Señales luminosas”, entiendas que una “Balsa” llegará con “La costura de Dios”. Y prepararás un “Té para tres”, sabiendo que no “Es sólo una ilusión” y junto al Flaco Spinetta y Federico Moura, serán parte de mi “Altar”.

La extraña sensación de no pertenecer a este mundo. Te vas de “La ciudad de la furia” y estarás a más de “Un millón de años luz” de “Casa”: Siempre tendré “tu cicatriz en mí”. Hay vacíos que no pueden llenar… Poder decir adiós es crecer… Tendremos en nuestros oídos tus “discos eternos” que nos guiarán detrás de tu “Ángel eléctrico”.

Diego Centurión