The 13th Número 28 by Revista The 13th

The13th AÑO: 3

NÚMERO 28

UNA R E VISTA IMA GINARIA

STAFF

DIRECCIÓN GENERAL Diego Centurión REALIZACIÓN Y DISEÑO

ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO

Diego Centurión sobre un diseño de

Nicolás Ponisio [ Departamento de Música ]

Julieta Curdi.

[ Departamento de Cine ] José Luis Lemos Jimena Patiño

TRADUCCIÓN

Alejandro Cenizacromada

Marcelo Simonetti

Alex Bretto

[ Departamento de Literatura ]

Rodrigo Debernardis

Ariel Soriano,

Pablo Ravale

Bernardo Jimenez Mesa

Bernardo Jimenez Mesa, César León

[ Departamento de Artes Visuales ]

Jefe de Departamento de Cine:

Diego Centurión

Diego Centurión y Sunny Pebé.

Nicolás Ponisio.

Erick R. Vieyra

Jefe de Departamento de Literatura:

Gabo Rojo

[ Fotografía ]

Pablo Ravale.

Marianarchy Deadbilly

Nazarena Talice, Lily Moonster,

Jefe de Departamento de Música:

Marcelo Simonetti

Johannes Rossini.

Diego Centurión

Max Wilda Rodrigo Debernardis

REDES SOCIALES:

Esteban Galarza

Luca Nicolás Centurión Mogilner

Ricardo Padilla (Oriani_K) J.D. Daire Alujas Damián Snitifker Darío Martinez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Melisa Gargarello. CONTACTOS issuu.com/revistath13th

Instagram:

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twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.

EDITORIAL

Julio, 2016

Número 28 y cada vez nos parece mucho el camino recorrido desde el primer número hasta hoy. Cada nueva publicación es un objetivo alcanzado y el compromiso de siente cada vez fuerte y cada vez más seguro de que vamos por el buen camino. Con muchas cosas por aprender y corregir pero las ganas de seguir creciendo número a número. Como siempre se dice, y es una frase ya agotada, pero nosotros no seríamos nada sin los lectores que, con el Boca a Boca, va en aumento. Para este nuevo número tenemos gente que colaboraba que se suman al staff, Darío Martínez y Jimena Patiño se suman al cuerpo de redactores de The 13th. Sumamos a Luca Nicolás Centurión Mogilner quien se dedicará exclusivamente a las redes sociales. Creamos el instagram de la revista, http://www.instagram.com/revistathe13th un canal más para que nos cuenten sus pareceres acerca de nuestras publicaciones. En cuanto al contenido de este número tenemos muchas entrevistas a nuevas bandas de Latinoamérica y de Europa y EEUU. Anticipamos la llegada de Kas Product con una entrevista exclusiva con Mona Soyoc, vocalista se la banda. También podrán encontrar entrevistas en exclusiva a Marc Joy de Lights That Change, a Ben Benjamin de Introflirt, al Reverendo de The Cult of Free Love, a Lee Stevens de The Swagger, y en el plano de habla hispana a Michel Leroy de Thanatoloop y Festín Sagital, a Alan Courtis, a Rafael García de Tan Frío el Verano, a Ariel Tenorio de Los Tenders. Con respecto al espacio del sexto arte (La Literatura) encontraremos una reseña de “Mandrágora” de Hans Heinz Ewers. Ahora en el séptimo arte, nuestro departamento de Cine se ha encargado de meterse con las segundas partes, y rescatando algunas de las mejores. Además de escritos sobre Prince, New York Dolls, Type O Negative y las secciones que ya son parte del cuerpo de la revista. Seguimos dando lo mejor de nosotros número a número, esperamos tener el apoyo de los lectores… REVISTA THE 13TH

ÍNDICE ESTOY CONTENTO DE QUE LA MÚSICA CIRCULE Entrevista a Alan Courtis por Bernardo Jimenez Mesa......................................................................................................06 TRES X UNO por Diego Centurión, Nicolás Ponisio, Pablo Ravale.........................................................................................................16

UN MUY, MUY REFINADO LIGHTS THAT CHANGE Entrevista a Marc Joy por Diego Centurión. Traducción: Bernardo Jimenez Mesa............................................................. 18

SOMOS PÁJAROS, POR ESO NO HABLAMOS Entrevista a Rafael García de Tan Frío el Verano por Diego Centurión................................................................................ 26

LA SACRALIZACIÓN ANIMAL Entrevista a Michel Leroy de Thanatoloop y Festín Sagital por Alejandro Cenizacromada................................................. 34

GENTE COMÚN CON CANCIONES SIMPLES Entrevista a Ariel Tenorio de Los Tenders por Ariel Soriano................................................................................................ 44

¡HASTA LA VICTORIA SIEMPRE! Entrevista a Mona Soyoc de Kas Product por Diego Centurión.......................................................................................... 48

UN ANILLO EMOCIONAL Entrevista a Ben Benjamin de Introflirt por Diego Centurión ............................................................................................ 54

NO SOMOS UNA BANDA EN EL SENTIDO TRADICIONAL Entrevista al Reverendo de The Cult of Free Love por Diego Centurión. ......................................................................... 62

LA MÚSICA ES ÚNICA, CRUDA Y NO ENCAJA EN NINGUNA CATEGORÍA Entrevista con Lee Stevens de The Swagger por Diego Centurión. ................................................................................. 66 PALABRAS EN LA ARENA FRUTO VENENOSO “Mandrágora” de Hans Heinz Ewers por Pablo Ravale................................................................ 72 CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE CONFESIÓN por Pablo Ravale........................................................................................................................................ 74

HIDDEN TRACK ...............................................................................................................................................................76 MUSIC CORNER El Lado Oscuro de Prince (1958-2016) por Alex Bretto.....................................................................................................78 EN CONCIERTO LA MÍSTICA Y EL PODER por Cesar León......................................................................................................................84 FIESTA EN EL BARRIO por Damián Snitifker. Fotografía: Melisa Gargarello..................................................................88 AHÍ ESTÁ LA MÚSICA, A UN CLICK DE DISTANCIA Por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Johannes Rossini.......92 LA LEYENDA DEL SIEMPRETERNO por Damián Snitifker. Fotografía: Melisa Gargarello.............................................96 RESCATE CINÉFILO CUANDO SER SEGUNDO NO ES TAN MALO..........................................................................................................102 AMANECE QUE NO ES POCO por José Luis Lemos..................................................................................................104 FÍLMALA DE NUEVO, SAM por José Luis Lemos........................................................................................................107 EL CENOBITA EN SU LABERINTO por José Luis Lemos.............................................................................................110 SECUELA DESENFRENADA DE AYER Y HOY por Nicolás Ponisio..............................................................................114 GRITOS ALEGRES Y HORRORIZADOS por Nicolás Ponisio........................................................................................116 EL ESCRITOR SERIAL FARGO, SEGUNDA TEMPORADA: UNA SERIE DE OTRO por Nicolás Ponisio..........................................................121 PURA MELOMANÍA DESDE LOS CONFINES DE LA EXPERIMENTACIÓN por Ricardo Padilla (OriaNi_K).................................................128 PEQUEÑA EXCENTRICIDAD por Pablo Ravale...........................................................................................................129 SOUNDTRACK IDEAL PARA DÍAS LLUVIOSOS por Diego Centurión.........................................................................130 EL ARTE SUELE SUPLIR UNA NECESIDAD AGUDA por Esteban J. Galarza...............................................................131 LET’S GO TO BED por Gabo Rojo...............................................................................................................................132 ¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

EURYTHMICS –REVENGE & SINNERS AND SAINTS por Max Wilda.........................................................................134

NEW YORK DOLLS - LA BANDA MALDITA New York Dolls por Erick R. Vieyra...................................................................................................................................136 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................142 DERECHO DE PISO

NEXUS-6 por Maxx Wilda..........................................................................................................................................146

THE NOCOVERS por Ariel Soriano............................................................................................................................148

[ Por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografía: Johannes Rossini. ]

ESTOY CONTENTO DE QUE LA MÚSICA CIRCULE

4 de Junio de 2016, In-Formed Music en Galería Nora Fish. (En el número pasado hemos reseñado esta gran puesta de obras de Alan Courtis y hacia el final hemos mencionado la salida en esta edición de una entrevista realizada ese mismo día, así que a continuación pueden leerla) Antes que nada vamos a hacer un pequeño especial con tu obra, una reseña con lo que ha sido tu historia y la reseña particular de lo que hemos visto hoy. Entonces más que nada, los créditos y todo lo que podamos sacar del programa de mano de la galería. Digo, dentro de la escena, tener créditos como los que tienes son sorprendentes, llama mucho la atención desde Latinoamérica hayas trascendido fronteras y hayas trabajado con toda la gente que se menciona. ¿Dónde te encuentras trabajando o viviendo? ¿Cómo haces para conseguir este tipo de cone-

xiones y haber tocado en tantos lugares y publicado en tantos sellos? Básicamente vivo en Buenos Aires, desde que nací, viajó bastante, tengo mi casa acá, mi familia, mis amigos, y siempre vuelvo. Siempre estoy viajando, tengo un montón de proyectos basados en muchos lugares, pero vivo acá. En Latinoamérica y otros lugares colaboré con más gente de la que está en el programa. Porque por ejemplo, esta obra la tocaron chicos de la primaria en Nueva York, entonces lo que digo es que la música tiene que estar más al servicio de lo social, no solo para una elite de músicos que tocan para una burbuja. Yo creo que la música tiene que ponerse más al servicio de lo social, por eso trabajo con personas con discapacidad y tengo bastantes proyectos en el mundo, en Noruega, Inglaterra, Bélgica, Portugal o en Francia. ¿Cómo se dio? ¿Cómo llegaste? No, no hay un plan con esto. Se va dando sólo, uno empieza con algo y eso va generando otra cosa. Lo

que tiene la música es que puede viajar, llevar la música, uno puede llevar la obra. Y hoy por hoy también lo que me pasa es que con las tecnologías, está obra se tocó en Tailandia, si alguien quiere tocar la obra, le mando la partitura, se necesitan una supervisión de la obra podemos hacer algo por Skype. Hoy las tecnologías ayudan mucho a que se pueda dispersar. Yo la verdad es que estoy contento de que la música circule, que la gente se apropie un poco de la música y de la misma manera que los músicos hoy se apropiaron de esta obra. Hablando de lo que vimos hoy ¿esta obra cuando fue escrita? La obra es del 2010, la escribí para Pauline Oliveros, que es una compositora norteamericana, ella la estrenó para un festival (Lone’s Dream Festival de Nueva York en 2010). Hice esta obra porque pensé algo que sea inclusivo, que pudiera incluir músicos y no músicos, también lo que pasa acá es que muchos de los que tocan no son músicos profesionales, bueno por ahí hay ciertos códigos que hay que respetar pero la obra está abierta a que la pueda tocar

quien quiera tocarla. A veces lo que pasa en la música contemporánea es que es una música muy cerrada, y la idea era salir de esa burbuja de elite y llegar un lugar más de interacción social. En este caso la materialidad, el hecho de ser material, sencillamente periódicos, diarios, hace no sólo que sea accesible, muy fácil de montar... Todos tienen diarios, cualquier persona tiene un diario en la casa, es sencillo y de bajo presupuesto, pero a la vez tiene esa cuestión los chicos la pueden tocar y todo esto es parte del proceso. El hecho de que sea un elemento tan común para todos hace que sea fácil de acercarse a la obra, hace que el público este pendiente de lo que se hace con algo tan cotidiano, algo que yo tengo en mi casa. Sí. La idea era de trabajar con algo súper accesible, de bajo presupuesto y de generar algunas ideas para hacer música con eso. Y la obra si te fijas tiene son tres grupos y tiene cuatro partes y cada parte se toca de una manera distinta y hay códigos de cono tocar. Y esto tiene toda una explicación. Básicamente lo

que trata la obra es generar distintas texturas para aprovechar la sonoridad de los diarios. Y funcionaban clarísimo. ¿Los músicos que interpretaron esto fueron entrenados primero? Hay un poco de todo, hay músicos que la interpretaron varias veces, y había algunos que la interpretaban por primera vez. Igual nuestra directora Alma Laprida es muy buena, así que ella trabajó mucho para que hoy esto llegue a buen puerto sonoro. Igual la obra es bastante clara en lo que propone y es muy abierta. Hay otra obra expuesta, “La guitarra sin cuerdas” cuéntanos un poco de esto. “La Guitarra sin Cuerdas” también hice un disco con esta guitarra sin cuerdas y básicamente está grabado con esta guitarra. Esto tiene una historia, es una guitarra que compré en un Ejército de Salvación en los noventa y no tenía puente, no tenía cuerdas, probé alguno pero nada funcionaba. Quedó así por muchos años y un día dije “Bueno… la voy a tocar así”, simplemente le puse un micrófono de contacto, entonces produce el acople (feedback) y en algunos casos con el cuerpo de la guitarra. Para la Galería armé esta cosa que, no sé cómo lo definiría, pero es como una pintura sonora o algo así. Y lo que tiene es el acople de la guitarra sin cuerdas y tres loops de cassettes con sonidos grabados con la guitarra sin cuerdas. ¿Cómo se dio de venir a presentar las obras acá, te invitaron ellos? Tenés que preguntarle a Ariel Authier eso, pero… si, me propusieron hacer algo y la verdad es que para mí era algo novedoso. Varias veces toqué en galerías, expuse alguna vez cuando tocaba, pero nunca había hecho una muestra con obras y trabajamos para que esto funcionara para la galería, y para mí es una enorme alegría, muy agradecido a Nora Fisch y a Ariel Authier que de quienes surgió la propuesta. Creo que también que este tipo de espacios acer-

can la obra a público que no es necesariamente de la música contemporánea… Exactamente y eso me parece que está buenísimo y me parece que hay bastante poco arte sonoro en galerías, al menos en Buenos Aires, creo que esto refresca un poco la escena, a mí me gusta y también hablábamos con los músicos que este tipo de música salga un poco del gheto y que se mezcle con otro tipo de audiencia que por ahí viene a una galería y no sabe que existe este tipo de propuestas. Y había niños entre el público. Si, y esta obra la de los diarios la tocaron en Nueva York… ¿Fue porque te lo propusieron también? Sí, en una zona de Nueva York. La tocaron y es una obra que está abierta a eso, por eso te digo que está bueno lo que pasa con los chicos… De cierta curiosidad, los niños no van a olvidar esto, le queda en la memoria como “fui a un lugar donde la gente tocaba con diarios” y se lo van a contar a sus amigos. Quería preguntarte, por último, ¿a futuro que viene? Bueno, tengo una gira en Chile y Perú. Bueno yo doy clases así que tengo esta gira en vacaciones de invierno y después vuelvo y empiezo con las clases, así que termino el año acá. Y para el año que viene tengo una gira por Europa y no sé si Asia también. Tengo varios discos nuevos, uno que está saliendo antes de fin de año en Estados Unidos, uno en Polonia… ¿Editas con diferentes sellos? Claro, la verdad es que tengo una política muy abierta en ese sentido, no tengo exclusividad con ningún sello, hacemos un disco con el sello que quiera, con algunos sellos tengo más de uno, pero en general tengo una política “por disco”, porque también me sirvió a mí para hacer contactos en otros países, por ejemplo tengo contactos en China o en Malasia, y esto me permitió ir a esos países, de ma-

nera independiente, porque no son grandes empresas pero si gente que tiene mucha pasión por la música y de alguna manera la hacen conocer en esos lugares y eso es lo principal, para que la música vaya fluyendo en los distintos lugares donde pueda llegar a la gente. Toqué varias veces en Resonance, en SXSW, pero yo no tengo una aproximación comercial a esto, simplemente lo voy haciendo, no tengo manager, armo todo yo, y tampoco vivo solamente de la música, sino también de la enseñanza y de algunas otras cosas, pero básicamente es muy difícil vivir sólo de la música.

TRES POR UNO

Type O Negative – Christian Woman MÚSICA

CINE:

[ por Diego Centurión ]

[ por Nicolás Ponisio ]

Christian Woman es tal vez uno de las grandes canciones de la banda del desaparecido Pete Steele, Type O Negative. Sonoramente contiene varios climas y estilos perfectamente unidos que todo es tan natural que nos va llevando sin darnos cuenta a distintos estados. He visto y escuchado muchas versiones en vivo de la canción y los cortes y cambios de climas se llevaban perfectamente al escenario, muestra de la gran calidad de los músicos. Toda la sexualidad de Peter, la oscuridad, esa dualidad entre lo aceptado y lo prohibido, y la profundidad vocal y compositiva está manifestada en esta canción. Como así también lo pagano y lo ambientalmente eclesiástico. Y como muchas de las canciones de la banda presenta esa línea delgada entre lo obsceno o prohibido y lo decente y permitido. Con una voz profunda y un susurro que mezcla el rezo con la súplica apoyado por un teclado típico de iglesia. De repente irrumpe la batería de manera tajante y un acople hace estallar el clima anterior. Las guitarras tajantes acompañan la grave voz y hermosa de Pete. Los coros femeninos le dan una clima de santidad (pecadora, pero santidad). Todo se lleva como una canción pop rock, un corte abrupto nos deja descansar pero volvemos al ritmo. El apoyo de los teclados le da el toque gótico a la canción. Y luego de un corte (abrupto como debe ser) un paisaje pagano y folk se hace dueño del clima, pájaros y la dulce voz de Steele teniendo todo de belleza. La batería entra pero para acompañar con un bajo distorsionado muy al fondo hermoso. Cuando entra el Bello sólo de guitarra la cosa se pone más disfrutable, pero un nuevo corte nos lleva a otro escenario, más rockero donde el teclado (clavicordio) tiene sus momento de lucidez. La voz empieza a ponerse más áspera pero sin perder la belleza y de repente todo se apaga. Empezaría Black N° 1, pero esa es otra historia.

Si la oscuridad posesa de Regan (Linda Blair) en El Exorcista en un momento dado la obligaba a masturbarse violentamente con un crucifijo, en el videoclip Christian Woman de Type O Negative lo oscuro se hace presente dejando el horror y la violencia para dar paso a lo bello y lo sensual acompañado de elementos del catolicismo. La estética, ya hoy poco sutil y algo desprolija, se encarga de complementar la letra de la canción (donde una joven mujer siente a la figura de Jesucristo en su interior colmándola de placer) con fuertes imágenes de seducción que reúnen tanto lo religioso como lo sexual. Esa pasión sexual que invade a la mujer se exterioriza más allá de su cuerpo, con llamas, cruces y un ritual iniciático que rodean a la protagonista del video y las propias imágenes. Elementos como la crucifixión, azotes y ataduras que provocan el cruel castigo sufrido por el hijo de Dios, aquí están extrapolados en pos de ser ligados al goce carnal. Todos enlazados superponiéndose a las imágenes de la banda y del cantante Peter Steele, unidos por un collage visual semioculto entre la densa niebla que los rodea. Así como el videoclip unifica elementos disímiles, también lo hace musical y estéticamente con el producto visual. El éxtasis sensorial deja paso a la calma y el contacto de los integrantes de la banda con la naturaleza. El verdor invade a las imágenes mientras que lo natural se abre paso a sentirse profundamente al igual que la relación entre la mujer y su Dios de amor. Calma y clímax se unirán copulando musicalmente en una tercera parte del video, creando una última estética personal que suma y complementa todo lo utilizado en una poderosa y provocativa oda final. Muchos suelen afirmar haber sido tocados por la luz misericordiosa del señor, en este caso todo es alcanzado por la oscuridad portentosa del hombre

de cabellos largos y oscuros que no es Jesucristo… pero se parece a él.

LITERATURA: [ por Pablo Ravale ]

Bloody Kisses, tercer disco de Type O Negative, banda de Brooklyn, una de las primeras en mezclar el doom metal con el rock gótico, es el perfil acorde de la Familia Adams, particularmente el de su mayordomo, Largo, pero también el del libinidoso por excelencia, Homero. Dentro de la Mansión Adams sí que se disfrutaría de este disco, lo pondrían a todas horas. Y en especial la canción que hoy nos ocupa: “Christian Woman”. En el sentido estrictamente lírico, esta es una canción que habla de un Cristo excitante, de uno que se baja de la cruz para hacerse con la adolescente reprimida que lo sueña musculoso, fibroso, bañado de sudor, doliente… alguien a quien rezarle con ganas, en definitiva. Como en el sexo, como en los besos, la letra de este tema es primero cantada despacio, entre susurros («Una cruz sobre la pared de su dormitorio / De la gracia, ella caerá / Una imagen que se quema en su

mente / y entre sus muslos»), pero luego sube de velocidad («Hombre de Dios que muere lleno de dolor / ¿Cuándo vendrá a ti otra vez? / Antes de él pedías por servicio o favor / en tu espalda o rodillas / No hay perdón para tus pecados / ¿Prefieres el castigo? / ¿Podrías sufrir eternamente / o internamente?»), frena de golpe, contempla a la víctima y vuelve a arrancar, despacio («Por su lujuria / ella va a arder en el infierno / Su alma hace medio bien»), aunque después rápido, más rápido («Todo a través de una masiva estimulación manual / Salvación»), y así hasta acabar («Corpus Christi / Ella necesita / Corpus Christi / Corpus Christi»), acabaaaaar («Cuerpo de Cristo / Ella necesita / Cuerpo de Cristo / Cuerpo de Cristo»), si es que alguna vez acaba, porque a veces pareciera que los músicos están practicando el Tantra para postergar el momento cúlmine: el del orgasmo («A ella le gustaría conocer a Dios / Dios de amor»), el de la entrega («Sentir a su Dios / Dentro de ella / profundo dentro de ella»), el de una melodía tocada por Largo al órgano, hasta que se nos dibuja una sonrisa perversa, una sonrisa malvada y ávida de quien está dispuesto a todo –incluso morir– con tal de saciar sus más bajos instintos («Jesucristo se parece a mí / Jesucristo…»). Clásica, metalera, erótica y oscura. Un himno en toda regla.

[ Entrevista a Marc Joy de Lights That Change por Diego Centurión Tradución: Bernardo Jimenez Mesa ]

UN MUY, MUY REFINADO LIGHTS THAT CHANGE

Hace tiempo que Revista The 13th quiere conseguir esta entrevista, desde que llegamos a ustedes (“Shauna” de por medio) con “Voices”, pero para llegar a este single han estado trabajando duro en busca de una personalidad como banda. Marc Joy ha estado lanzando material y probando estructuras sonoras y vocales, hasta hallar, en el 2015, la compañera ideal en las voces, Mandy Clare. Y en esta entrevista buscaremos indagar en las entrañas de Lights That Change. ¿Cómo nace la banda? La banda en vivo, tal y como es hoy, nació de años de desarrollo y el creciente interés, en internet, por nuestros primeros trabajos Un amigo mío John Bryan (el bajista de LTC) sugirió armar una banda para tocar en vivo. En este momento Mandy no era una miembro permanente. En un viaje a través de sus primeros lanzamientos, se nota un trabajo sonoro para establecerse como banda. ¿Esto llevó a tener varias cantantes? No, no tenía idea en qué dirección que la banda se dirigía en aquellos días. Pero ha sido un viaje

interesante. Aquellos lectores que no conocen a Lights That Change, ¿Cómo se presentarían? Para empezar Lights That Change no era “Lights That Change”, sino que usamos el nombre ”Theme" durante muchos años y muchas de las grabaciones en aquel entonces tenían etiquetas sencillas como "Tema Uno" y "Tema Dos" y era sólo un vehículo para paisajes sonoros de guitarra, lo que hoy en día la gente llamaría shoegaze o dreampop. Yo lo pensaba más como algo psicodelico, pero la mayoría de veces nos etiquetan como shoegaze / dreampop. Creo que este álbum podría cambiar eso. Sonoramente tienen influencias bien marcadas de bandas con Cocteau Twins, escuchando ahora “whispers in february” y el último single “Song To The Siren”. Hoy establecida Mandy Care en el puesto de vocalista, la banda tiene más personalidad y deja un poco de lado el influjo de Elizabeth Fraser. ¿Cómo lo ven ustedes? Sí, hemos crecido un poco, he madurado como gui-

tarrista, Mandy y John ahora tienen mucho que ver con la producción. Nos hemos encontrado moviéndonos más en una dirección más oscura, por una parte Mandy sugiere influencias como Dead Can Dance y The Sisters of Mercy; John esta añadiendo las ideas más sórdidas y yo me estoy interesando cada vez más en interactuar con todo esto, desde mi rol como guitarrista. ¿Qué otras influencias no tan audibles nos pueden mencionar? The Cure, PIL, Siouxie and the Banshees, Massive attack, The Sound (Adrian Borland). Hay una ruptura en el Mercado Musical con respecto a las grandes compañías. Internet abrió un mundo de tráfico de música impensable, unas décadas antes y la brecha entre la música ha llegado a la manera de lanzar trabajos. Cada vez cuesta atrapar más a los oyentes con álbumes de muchas canciones. Es el momento de los singles y los Eps. Pensando en su carrera, nueva, pero con varios lanzamientos. ¿Cómo ven hoy el mercado discográfico? Bueno, no es necesario pensar de manera tan local, ahora tenemos todo el planeta debido a la Internet y creo que eso es jodidamente increíble. Los grandes sellos persiguen sus colas tratando de mantener el control de todo. Creo que la piratería de la música es un problema, pero también pienso que tiene su lugar. Tenemos que encontrar una manera de crecer con ella. EPs y LPs son magníficos por muchas razones, y aunque hemos lanzado muchos sencillos el año pasado, no soy un gran fan de los singles pero necesitamos que la gente sepa que estamos todavía aquí mientras finalizamos el nuevo álbum. Pensando en el mercado discográfico y en los artistas, ¿el negocio está en los shows en vivo? Sí, por muchas razones, no sólo por la guita (£ $). La gente se da una idea de cómo suena la banda en

vivo y establecer contactos es ideal en persona, también se puede vender copias físicas de los trabajos y remeras. ¿Cómo han pasado este 2015? ¿Tuvieron buenas repercusiones con sus ediciones? Acá en nuestra Revista han estado apareciendo desde que los conocimos con “Voices”. Hemos pasado mucho tiempo para conseguir nuestro sonido en vivo incorporando nuevas tecnologías y ensayando. Muchas batallas que librar. “Voices” fue una sorpresa inesperada cuando lo liberamos, ha funcionado muy bien y continúa haciéndolo. Marc ¿Qué le aporta a tu idea de “Lights That Changes”, la inclusión de John Bryan y Mal Holmes? Como he dicho antes, fue idea de John sacar esto de su caja y llevarlo a la carretera (tour). Mal es un viejo amigo, el cual yo sabía que haría mejores programaciones de batería que las mías, tal y como lo ha hecho en los éxitos de OMD a lo largo de las décadas. Acaba de publicar un EP, "Dark Narrows" ¿son las canciones del próximo álbum? No, ninguna esas canciones de ese EP pertenecen al álbum. Eso sería un engaño si lo hiciéramos. "Voices" y "Starlight" son los únicos temas del álbum y tengo la esperanza que serán la luz para el álbum. Tienen proyectado un nuevo álbum “Bizantium”. ¿En qué estado está y cuando piensan lanzarlo? Cuenta con 11 pistas y será un gran alivio para nosotros cuando finalmente salga. ¿Qué podemos esperar de este naciente 2016 para “Lights That Change”? Un muy, muy refinado Lights That Change. Seguiremos sus pasos por las redes sociales, pero la

gente que no los conoce aún, ¿Cuáles son sus contactos? Nos pueden contactar en https://www.facebook.com/LightsThatChange/ Trataremos de responder tan pronto como nos sea posible.

LIGHTS THAT CHANCE, UN VIAJE EN BARCO. Por Darío Martínez.

Conocí a Lights That Change justo cuando consolidan la formación actual, fue con la edición de un single "Voices", mayo del 2015. Editado para “Ear to Ear records” un sello canadiense que se especializa en Dream Pop y Shoegazer, aquí tenemos la primera pista de lo que vamos a escuchar. “Voice” es una canción simplemente bella y etérea llevada por una hermosa y melodiosa voz que navega sobre guitarras cristalinas bajos profundos y una batería programada. La semilla fue plantada y está compuesta por Mandy Clare - Voz, letras. John Bryan - Bajo. Marc Joy - guitarras, composición y colaborando en la programación de las baterías Malcolm (Mal) Holmes de la conocida banda de electro pop OMD (orchestra maneuver in the dark). En 2015 llegan dos singles más “Starlight” y “Song To The Siren” esta última una canción emblemática del sello 4AD que integraba los repertorios de Dead Can Dance y Cocteau Twins. Todas estas influencias reconocidas por el responsable de la composición Marc pero a él le gusta definirse más como psicodélicos. Con todas estas pistas resta decir que el EP que nos convoca “Dark Narrows” mantiene los elementos y parámetros altos que mostraron en su single “Voice” y los muestra como una auténtica y orgullosa banda de origen Británico (de los siete temas que hablo en esta reseña dos son covers de colegas muy cercanos estética y geográficamente). La primera de las 5 canciones que le da nombre al EP se desarrolla en un tono más bailable y optimista con una rítmica que nos recuerda a The Cure. El Track dos “All That Matters” y cuatro “Driver” las guitarras traspasan esa delgada línea que hay entre el Dream Pop hacia el Shoegazer con el agregado de distorsiones y flanger en el caso de Driver. El track tres es una muy linda y respetuosa versión de “Souvenir” un tema de OMD. Para finalizar el track 5 cambia el rumbo, un viaje que hasta ahora estaba signado por la búsqueda del mejor acorde posible para ese sonido y acompañar esa melodía, un viaje que me lo imaginé en barco en “.......” así se llama el track 5 nos transporta en un mar de noise donde la voz viaja sobre guitarras frotadas y perilleo de pedales. La banda anuncia la pronta salida de un álbum que se llamará “Bizantium” con 11 temas de los cuales solo dos formarán parte de los aquí mencionados. Esperamos prestos y de muy buena gana su salida.

[ Entrevista a Rafael García de Tan Frío el Verano por Diego Centurión. Fotografías: Nazarena Talice ]

SOMOS PÁJAROS, POR ESO NO HABLAMOS

El panorama local de bandas con alto contenido de shoegaze está en alza. Muchas nuevas bandas se abrazan a mareas de guitarras distorsionadas creando una ilusión de que todo tiempo anterior sólo fue el punto de partida para lo que hoy germina. Tan frío el verano es una banda con una mixtura de integrantes argentinos y venezolanos, de hecho nunca me ha quedado claro de dónde ellos dicen pertenecer, por suerte vamos a hablar con Rafael García, quien nos despejará está y otras dudas. Hola... ¿De dónde es realmente Tan frío el verano? Hola amigo, Tan Frío el Verano es de Venezuela, se fundó el 2007 y luego de un tiempo yo me mude para acá a Buenos Aires con Diego Blanco y Carlos Sánchez, y montamos la banda desde cero pero con integrantes también venezolanos, no tenemos ningún miembro actual en la banda de Argentina. ¿Cómo y porqué el nombre de la banda? En realidad fue un juego de palabras, y en aquel momento estábamos muy influenciados por la música de Islandia que es música de un país muy frío, entonces al nosotros hacer música de ese estilo siendo

nosotros de un país tropical, nos pareció que encajaba perfectamente en el momento. Ahora mismo ya no tendría tanto sentid el nombre (risas), pero lo llevamos con orgullo. Aquel lector que está leyendo esta entrevista, ¿Cómo le presentarías a la banda? Somos un colectivo audiovisual, creo que nos caracterizamos por siempre buscar hacer cosas nuevas, podría englobar el proyecto en varios géneros, pero ahora mismo creo que estamos en IDM/Glitch/ Industrial/Ambient. ¿Cómo fue y qué recuerdas de “Invierno” (2010)? Éramos solo dos personas componiendo ese disco en el 2007, era pura guitarras y synths y muy poca electrónica, creo que en aquel momento salió música muy genuina, no esperábamos nada de nadie e hicimos lo que realmente nos salió del alma. Recuerdo muchos ensayos caseros, y muchas ganas de salir a mostrar nuestra música. Luego vino “Primavera” (2012). ¿Este fue su primer álbum?

Si, fue el primer larga duración, fue un álbum que nos llevó a lograr muchas cosas, pero si ahora mismo me tocara hacerlo de nuevo, creo que no dejaría ninguna canción de ese CD, creo que sería totalmente distinto. Estoy muy agradecido con “Primavera”, pero no es lo que yo quería. En el 2015 llega “Otoño”, este álbum le ha dado muchas satisfacciones como viajar al SXSW Festival este año. ¿Cómo fue esta experiencia y qué otras satisfacciones le ha traído “Otoño”? Otoño salió dentro de miles de problemas, es probablemente la primera vez que sentí que realmente estaba haciendo la música que siempre quise. Y gracias a esto existimos acá en Argentina, Otoño es nuestra nueva bandera, y tanto así es, que nos llevó a Austin Texas de nuevo para tocar en el SXSW por segunda vez. Tan Frío el Verano es un grupo de músicos y gente que arma las puestas en escena. Cuéntanos sobre esto. Bueno nosotros siempre creímos que usar máscaras y atuendos acorde al momento, sería realmente una experiencia que podría atrapar a la gente, no queremos que vean a la persona que está tocando,

queremos que se concentren en la experiencia, por eso usamos visuales al ritmo de la música, y por eso nunca hablamos mientras tocamos. Se supone que somos pájaros, por eso no hablamos. Cuéntanos sobre “El Soundtrack de Tus Historias Vol. 1” del 2010. ¿Habrá una segunda parte? En algún momento sacaremos la segunda parte, pero el compilado nació ya que queríamos mostrar toda la música diferente que se estaba haciendo en nuestro país. Creemos que la música distinta merece más público, y creemos que las bandas que siempre hacen la música para gustar deberían dejar de existir. Si nosotros evolucionamos, creo que todos deberían evolucionar. Nosotros siempre vamos a creer en lo distinto, y siempre vamos a estar bajo esa tendencia. Tengo entendido que están grabando nuevo álbum, ¿Cómo va el proceso y ya tienen el nombre? Si, se llama “Verano”, el resto es secreto (risas). Hablando exclusivamente de las producciones de la banda. ¿Se les acaban las estaciones anuales? Con el ultimo cd que viene se nos acaban las estaciones, ya veremos que hacer después.

29 ¿Por qué dirías que la gente debe escuchar a Tan Frío el Verano? Si la gente quiere escuchar algo distinto, y vivir una experiencia distinta creo que deberían escuchar no solo Tan Frío el Verano, creo que deberían buscar cosas nuevas, y así seguramente las propuestas como la de nosotros o la de muchos colegas que tenemos tendrán cada vez más público. Para terminar: ¿Cuáles son los siguientes planes de la banda? Terminar el próximo CD, y buscar tocar cada vez más para darnos a conocer. Gracias Rafael por el tiempo brindado.

[ Entrevista a Michel Leroy de Thanatoloop y Festín Sagital por Alejandro Cenizacromada ]

LA SACRALIZACIÓN ANIMAL

América latina es un territorio salvaje para el desarrollo de propuestas que exploran ese lado convulso, bizarro y surreal del ser humano. En algunos países la escena experimental es algo que hasta ahora está tomando forma en pequeños círculos por personas avezadas en busca de otras maneras desesperadas de expresión audiovisual. Es un honor para mí entrevistar a un personaje que comenzó su carrera a principios de los 90 y que es un referente obligado de la música experimental latinoamericana con su proyecto personal Thanatoloop, su banda Un festín sagital y su sello Templo sagital: el chileno Michel Leroy. Es bastante complicado definir el sonido de todo lo que encierra Templo Sagital porque cada entrega del sello es una caja de sorpresas, su música se mueve entre las aguas más turbulentas del Noise, Ambient, Lo Fi, Industrial, Folk, Art Rock y un larguísimo etcétera. Existe material para la venta en bandcamp y me queda difícil recomendar algo en concreto porque de verdad, TODO vale la pena. También existe material en libre descarga a través de la página Archive org que sirve de abrebocas como los compilados: No hay dioses solo Rit(m)os o No hay dioses solo (g)ritos. Ni que decir del material en físico de Templo Sagital que se puede adquirir por encargo (obras de arte por den-

tro y por fueraen formato cassette o CD). En su trayectoria Michel Leroy ha tenido colaboraciones con artistas de la talla de Eduard Ka Spel & Silverman (Legendary Pink Dots), Thisquietarmy (Canadá) y Aranos. Al final de este artículo dejaré enlaces para que conozcan ese turbulento y a la vez hermoso territorio sónico de Templo Sagital. Es un honor tenerte en nuestra revista The 13th Michel te doy un gran abrazo desde Argentina y desde mi país Colombia y cuéntanos: ¿Cuántas personas colaboran dentro del sello Templo Sagital, que tanto cuesta sostenerlo? Gracias por la consideración a mi labor. Templo Sagital en rigor está administrado por mí, y cargo con la mayor parte del trabajo, pero siempre estoy ayudado por amigos y amigas de todo el mundo. Mucha de tu obra tiene elementos de libre improvisación, como temas compuestos previamente ¿qué influencias hay en tu trabajo? Sin duda la improvisación es clave en mi música y en mi vida, antes de los 14 años tuve le suerte de ser parte del colectivo Orquesta Solar, en la comuna de Talca, algo que realmente me marcó, pues me abrí a la experiencia sónica libre de estructuras o fe-

tiches racionales, aun así, el camino de la composición creo es indispensable para lograr sonoridades y experiencias que de otra forma son inaccesibles. También esta ese punto intermedio, que es un poco lo que he trabajado ahora con Thanatoloop, a través de los efectos se genera un especie de composición espontánea, donde cierta noción armónica me sirve para armar y desarmar juegos de distintas voces, al modo de una pequeña orquesta “personal”. En el caso de la libre improvisación muchos temas funcionan como un mantra ¿Cuál es esa parte espiritual de Templo sagital? Sin duda Templo Sagital tiene una posición clara, para mí (y es algo que espero algún día se masifique), el problema central de los abusos que la humanidad lleva a cabo con lo que la rodea y con ella misma, es la desconexión con “lo sagrado”, y como de algún modo desde el catolicismo romano, hasta la emancipación de la teología del mercado, es algo que se ha perdido, y no de forma azarosa, sino porque la noción “censurada” de lo sagrado, pues este ataca el corazón mismo de la emancipación hegemónica… en términos más simples, lo sagrado es el verdadero erotismo, y eso es entrega y riesgo, es generosidad sacrificial guiada por impulsos que superan la razón o el sentido de auto-identidad, es decir, ataca el corazón mismo del capitalismo, y en general de todo vicio de acumulación de poder y seguridad, que es creo yo lo que motiva a la gran mayoría de la humanidad a pasar por sobre lo otro u otros a favor de ellos. Por eso decidimos hablar de Templo, en cuanto una vuelta al rito, a la comunión dionisiaca e irracional, a la pérdida de identidad y ego, y por eso hablamos de Sagital, pues es un templo sin religión, sin ideales, y donde todo se juega en una inmanencia viva, donde no hay esperanzas, sino acción y entrega inmediata. No quiero sonar complejo ni intelectual, pero cuesta plantear esto en palabras comunes, yo creo que no es algo tan complejo o rebuscado, sino mas bien algo censurado, de ahí que suene “raro”, como ya lo dije, es algo que espero, y trabajo para que se masifique. Thanatoloop es tu proyecto en solitario ¿existe algún tipo de temática o de sonoridad que manejes en tu proyecto que no lo hagas en otros proyectos en los

que colaboras como el colectivo Un festín sagital? Salvo un par de discos (el primero y la guerra ha terminado), Thanatoloop es mucho más improvisado y distendido que Festín Sagital, aparte que por lo general en vivo y en estudio es una labor solitaria. Algunos ven eso como un trabajo menor, es lamentable que exista ese prejuicio racionalista en contra de la música improvisada como siendo más simple o incluso floja, generalmente ese rechazo o incluso esa discriminación la recibo de músicos que trabajan con estructura y formalidad, que menosprecian el trabajo que no se rige por una predeterminación y la labor de la repetición insistente. Hablan desde la in-experiencia, todos los que trabajamos seriamente desde la improvisación, y no somos autocomplacientes sabemos que es algo intenso, que exige una concentración agotadora, y que para que resulte de manera viva necesitas mucha experiencia y dedicación… aunque por otro lado igual algunas veces la floja brutalidad puede dar frutos que van más allá del juicio que se pueda emitir acerca del esfuerzo de sus autores. En general creo que el método es algo secundario respecto “a lo que suena”. Hace unos días leí un comentario en Facebook en el que decías que muchas personas dentro del medio de la música no tomaban en serio tu proyecto Thanatoloop por ser un proyecto en solitario ¿cuál es el pero que le ponen a los proyectos en solitario en tu país? Como decía en la respuesta anterior, puntualmente es menosprecio frente a la improvisación y también a la atonalidad, o el ruido. De algún modo esta la idea fascista de que lo superior e ideal es una banda “afatada” y “limpia” tocando temas predeterminados y repetibles, y que si no es así, es una mera y poso seria “experimentación”. Con Festín hemos llegado a complejidades compositivas de niveles que se codean con la música docta (tal vez el estilo más complejo y predeterminado de todos), y desde ahí digo sin arrugarme que no es menos difícil improvisar, es un esfuerzo distinto, que suena distinto, pero no es menor, jerarquizar eso me parece un gesto fascista y discriminador, pero lamentablemente cotidiano e instaurado en el sentido común, incluso de gente que supuestamente está en contra de las jerarquías o las injusticias.

¿Cómo ha sido a través de los años las colaboraciones dentro del colectivo Un festín sagital? ¿Si no compones tú, quién más compone?, ¿hay miembros en concreto dentro de la banda, o cambian continuamente con cada entrega, pertenecen a otras bandas del sello templo sagital? Desde el primer disco solo Gonzalo Díaz y yo nos mantenemos como miembros estables, aunque la mayor parte de la responsabilidad, no solamente

creativa, recae en mí, pero aun así Festín Sagital es y será una banda, salvo un par de discos, ninguno lo he grabado solo, siempre hay por lo menos colaboradores. Actualmente la banda en vivo está conformada por Horacio Ferro (bajo, guitarra, voz y sitar), Gonzalo Díaz (percusión, guitarra y voz) y yo en varios instrumentos, pero principalmente la guitarra acústica y la voz. Horacio es parte del colectivo Cisterna Bizarra, y toca en otras bandas muy re-

comendables como Gris Castigado y Preferiría no Hacerlo, y Gonzalo Díaz tiene el grupo de improvisación Acéfalo, que es de Talca, con Gonzalo venimos tocando juntos desde la Orquesta Solar, banda a la que hacía mención en la primera respuesta de esta entrevista. Dentro de toda la variedad sonora que hay en bandas como Un festín sagital y tú proyecto Thanatoloop,

¿qué es lo que crees que falta explorar musicalmente, cuál va a ser el paso a seguir? ¡Uf! No quiero sonar narcisista, pero si hay algo que rescato de mi persona, y que no fue fácil desarrollar, es la amplitud de gustos e influencias, en ese sentido son pocas las vías sonoras que me puedan asquear, y solo estoy condicionado por la autenticidad del impulso, sea el que sea. De algún modo el nuevo disco a meses de que sea expuesto en su primera versión

digital (el cd y el vinilo tendrán distinta mezcla y colaboraciones) es una síntesis de la complejidad de antaño con el minimalismo de los últimos discos. Con Thanatoloop estoy dejando de lado la improvisación, y trabajando más en formato canción (sin coros radiales si), y creo que me gustaría marcar aun más la dicotomía armonía/ruido. Existen en la red, excelentes tomas en vivo de Un Festín sagital, como un interesante video en Stop Motion bastante bizarro de un tema llamado Orvitazargestemisch ¿hay planes de realizar más videos para U.F.S o para Thanatoloop? ¿Qué tanto es el apoyo hacia este tipo de propuestas en Chile? ¡Si! Hay plan de un corto de carácter sociopolítico musicalizado por Thanatoloop, y con Festín Sagital queremos hacer un video con NUR, con quien hemos trabajado en varias caratulas. En Chile y en el mundo el apoyo es menor pero intenso, creo que aunque suene cliché es verdad que si uno hace las cosas con amor, genera amor de vuelta, y sin duda la música que hacemos es una labor erótica e incondicionada. Yo tengo una hija de dos años y algo, entonces ya no puedo ver la música sino es desde un prisma más profesional, donde necesito retribución, desde esa perspectiva esta difícil (obviamente aun tengo trabajos aledaños para sobrevivir), pero se logra, y en relación a la realidad social de Chile me siento privilegiado del apoyo obtenido con estos más de diez años de insistencia. Tus primeros trabajos me parecen bastante interesantes, se me hacen más de la vena Post punk y Dark wave ¿has pensado explorar ese tipo de sonoridades de nuevo? “Según yo”, en la última avalancha de discos de Thanatoloop, he recuperado esa sensibilidad (o por lo menos lo he intentado), aunque desde una perspectiva más ambient o drone, de algún modo lo que he hecho en los últimos diez discos es un especie de post punk, pero carente justamente del elemento que a masificado y comercializado el estilo: el ritmo enérgico bailable… pero la sensibilidad intensa y afectiva, se mantiene, pero con un ánimo más calmado y menos “ansioso”. De todas formas, creo que mi música sin ser particularmente “alegre”, se pasea por distintos ánimos, y me veo más como un

músico claroscuro, que como un devoto de las sombras y el dolor. Desde el principio de tu obra veo una exploración obsesiva con la sexualidad, el cosmos y el caos, no es bueno hacer comparaciones pero en el buen sentido me traes a la mente artistas grandiosos como Coil ¿Qué te induce a escribir sobre este tipo de temáticas? Bueno, como te decía, un poco la jugada es abrir un espacio sagrado, pero de sacralidad animal, o derechamente recuperar la animalidad a través del rito que supera la racionalidad y el ego. En ese sentido claro, comparto con músicos como Coil, o saliéndose de Europa, con la música ritual pre-colonial de todos los rincones no occidentalizados. Es interesante plantearse así desde una región colonizada, creo que es medularmente más revolucionario que tocar un punk de letras de odiosidad cliché. Si estas contra el sistema pero no superas tu racionalidad y ego, es una crítica a medias y banal, de algún modo con Festín proponemos algo mas medular, no solo contraponerse al imperio, sino ser una vía inmanente, para tener una experiencia libre, sin necesidad de contrastarse con nada… no llamamos a la revolución, sino que somos la revolución. ¿Existe algún tipo de ideología política en Templo Sagital? Más que ideología, hablaría de una posición política, una jugada revolucionaria, a la que ya he hecho mención. Sin duda el anarquismo atraviesa a todos los miembros en términos de forma de vida, pero también como opera y lo que expresa el sello, pero no lo hace desde un acento “partidista”, ni menos antagonismo moral, que es en lo que suelen caer muchos de los auto denominados anarquistas. Tampoco estamos en un especie de post-modernismo neoliberal donde desde un acomodamiento burgués eliminamos la crítica de nuestro diario vivir. El dolor y el odio existen en nuestra labor, todos hemos sido víctimas, y hemos sido testigos de victimizaciones horrendas de manos del imperialismo capitalista, o del sin fin de formas en como el humano viola. Ese dolor y esa rabia esta en nuestra música, y en nuestras vidas, no lo evadimos, ni lo escondimos, está ahí, y todo nuestro actuar es una emancipación

de vías de escape a la no-vida, o más bien al mero sobrevivir. Aunque de algún modo lo que proponemos no parece político, pues es una vía no masificada, y que lamentablemente no se toma muy en serio, siendo que para nosotros es crucial. La economía es un resultado de la relación que tiene el humano con la muerte, y nosotros proponemos una entrega a la muerte, no en un sentido suicida, sino sagrado, es asumir el desastre de manera jovial, y desde ahí renunciar al vicio de la hiperseguridad, y de la acumulación de poder… y queremos que Festín sea el elemento sónico y visual en ritos de desaprensión, no solo material, sino afectiva… y desde ahí generar una revolución a partir de las formas de vida, y no solo de modificaciones legislativas, o cosas así. ¿Qué música que escuchabas hace años, aun sigues escuchando con la misma pasión ahora? Un compilado de Pet Shop Boys fue mi primer cassette, y aun lo tengo al lado de la radio. Mi papa es -muy- europeo, entonces en general la música que escuche cuando chico era o docta o progresiva, Pink Floyd o Mussorgsky son cosas que escuche de niño y aun me gustan.

¿Qué artistas nos recomendarías escuchar ahora? Sin sonar rebuscado, más allá de bandas conocidas que me gustan mucho, podría apañar a que se re-conozcan bandas y solistas amigos como Universo Rojo, Coleóptero, Raíz, Osorezan, O+yn, El diAblo es un magnífico, Los Pálidos, Fosa, Armando Saragoni, Gris Castigado, Acéfalo, Ihä, Philippe Petit, Preterite, ARM, Vlimmer, Sutekh Hexen, Orbit Service, Halber Vakuum, Lars Tangmark, Armchair Migraine Journey, A Full Cosmic Sound, Aranos, Common Eider King Eider, The Red Masque, La STPO, Disemballerina, etc. Ahora en términos de influencia, creo que más que toda su obra (hay canciones que me cargan), el álbum “Composiciones para Guitarra”, y específicamente la canción “El Gavilán” de Violeta Parra, marca crucialmente lo que es Festín Sagital y Thanatoloop, por lo menos en la vertiente acústica de ambas entidades. ¿Qué música que está alejada de la corriente que tú interpretas escuchas? Últimamente he estado agotado de tanta música europea o norteamericana, y en general busco varian-

tes, las milongas solitarias de la fronteras entre Chile y Argentina, las cumbias tristes salvadoreñas, la música africana low-fi popular o tribal, la música árabe o de la india en sus expresiones mas no-occidentales, etc… a pesar de que inevitablemente estoy cruzado por influencias de origen europeo y norteamericano, me siento muy conectado con el folk popular que se resiste a la colonización. Aun asi creo que en lo que hago, hay reminiscencias de la música ritual, y de algún modo de la región de la tierra de donde provenga, la solemnidad ritual tiene expresiones sonoras que se resisten a una identificación regional o racial… Gracias Michel por regalarnos algo de tu tiempo para esta entrevista y esperamos escuchar buenas nuevas con tus proyectos y con el lanzamiento en vinilo de tu nuevo material. http://thanatoloop.bandcamp.com/ http://www.unfestinsagital.com/ http://www.templosagital.com/ (Sello) Material en libre descarga https://archive.org/details/@michelzero

[ Entrevista a Ariel Tenorio de Los Tenders por Ariel Soriano ]

GENTE COMÃ&#x161;N CON CANCIONES SIMPLES

45 Estuvimos con Ariel Tenorio, el gran ilustrador que comanda Los Tenders quien nos cuenta acerca de su proyecto musical el cual comenzó como un complemento para muestras de pintura, poesía y demás de sus integrantes.

que es como nos movemos generalmente y donde escuchamos más música. Ahora estamos pensando incorporar un baterista y un bajista, para poder presentarlo en vivo, con un sonido más cercano al de la grabación.

¿Cómo decidieron sacar un disco? Pensamos en grabar un EP con las canciones que veníamos tocando hacia un tiempo. Primero grabamos “Sin pedir perdón” y “La mexicana” después como teníamos muchos temas decidimos grabar 6 más. Y sacar un disco más largo e invitar algunos amigos a participar.

¿Cómo está formada la banda? Quienes me acompañaron en la grabación fueron Hernán Tenorio en Guitarra y Silvana Reitano en voz, mi participación es en voz, guitarra rítmica y percusiones. Los amigos músicos invitados son: Norman Mac Louglin teclados, percusiones y bajo, Gabriel Boccanfuso: batería en El Eterno, Ezequiel Taborda: Armónica, Tomas Largui Giordano: Trompeta. En vivo salimos a tocar con Andrés Fuschetto en Bajo y Cristian Buera en batería, Silvana y yo.

¿De dónde provienen esas canciones? Las canciones nacieron en un formato acústico, pero en el estudio cambiaron a uno más eléctrico, en parte debido al aporte de Norman Mac Louglin que nos ayudó con las bases y a buscar un sonido para cada tema, la idea original era que los temas no suenen igual o parecidos, sino que parezca un compilado, ya que algunas canciones tenían varios años, de ahí su nombre. ¿Cuál era el concepto que manejaban de Canciones Simples para Gente Común? El disco está pensado para que se escuche caminando o viajando en algún medio de transporte público,

¿Cómo lo grabaron? Fue grabado, mezclado y masterizado en estudio Daktari, por Norman Mac Louglin, la producción artística estuvo a cargo de Los Tenders y Norman Mac Louglin, las letras y el arte de tapa: Ariel Tenorio. Música: Los Tenders. ¡Gracias Ariel, te felicito y agradezco poder escuchar estas canciones! Gracias a todos por su atención, disculpen las molestias ocasionadas y que tengan un buen retorno a sus hogares.

[ Entrevista a Mona Soyoc de Kas Product por Diego Centurión ]

¡HASTA LA VICTORIA SIEMPRE!

¿Cómo se forma la banda en 1980? Llegó en 1977 a Nancy, una ciudad de provincias del norte al este de Francia. Me encantaba cantar. Había aprendido guitarra eléctrica y teclados de manera autodidacta. Conocí a Spatsz en una "Jam Session" en 1977 en su sótano. Spatsz tenía los sintetizadores y el sonido de un amplificador grande. ¡Fue algo nuevo y fascinante para mí! Decidimos formar una banda y componer juntos. ¿Cuál fue la inspiración para formar Kas Product? Cuando escuchamos a varias bandas underground americano, inglés y alemán en una tienda de discos local llamado Punk Records. Ambos queríamos crear una música diferente y que no se escuchaba en la radio. Nos encantaron los sonidos de sintes potentes y rápidos y ritmos locos de las máquinas. Con más de treinta años de carrera. ¿Cómo ves hoy esos primeros pasos? Estábamos muy decididos. Nos decíamos, "vamos a hacer una grabación", así que grabamos unas canciones en vivo en una máquina de cinta (Revox) en la sala de un amigo. Nuestro lema fue DIY (Do It Yourself!) (Hazlo tú mismo) Fuimos a la tienda de discos local y le pregunté si le gustaría crear un sello.

También producimos nuestros primeros conciertos. Éramos independientes. Las revistas inglesas (NME - Sounds) escribieron comentarios y varios clubes de Europa comenzaron a tocar nuestras canciones. En aquellos días que el boca a boca salió bastante rápido, ¡aunque no había Internet! Han compartido el nacimiento del Cold Wave, con bandas como el Marquis de Sade, Trisomie 21, entre otros. Al menos suelen mencionarlo dentro de ese movimiento. ¿Te sientes parte de un movimiento musical en particular? Creo que no nos sentimos parte de ningún movimiento concreto; personas nos clasifican para nuestra propia sorpresa. Supongo que si alguien me preguntara qué tipo de música que hacemos me podría decir que “cold wave-postpunk” pero más tarde, en Francia, lo llamaron "Electro-Clash". Pero para un montón de bandas en esos días y para nosotros, fue un acto político hacer música, era necesario, era casi un acto de supervivencia o ¡acto anarquista! Tenemos que expresarnos y tal vez también porque la gente habla que la energía de KAS Product sigue siendo tan actual y contemporáneo. Tres álbumes en la década de los ochenta. Y enton-

ces ¿por qué no hubo un nuevo disco? Aparte de los años de inactividad. Hay un cuarto álbum que fue publicado en 1990 llamado “Black and Noir”. Tiene los 2 primeros sencillos (6 canciones), emitidos en los 80' por Punk Records más 5 nuevas canciones. La banda detuvo su actividad a finales del 80". Vivir apartados y lejos de uno no nos permite continuar componiendo a pesar de que tenemos un montón de cintas inéditas.

La reedición de nuestros álbumes y en las plataformas de Internet ha sido un éxito y nos permitieron girar profesionalmente otra vez; ¡viajamos a países que nunca pensamos que tocaría! Quién podría decir... ¿30 años después... alguien de Argentina nos entrevistaría? Hemos estrenado una nueva canción llamada "Holy Cow" en Born Bad Records en una compilación para el diseñador Agnes B Foundation.

Te han comparado a menudo con Siouxsie. ¿Cómo sientes esa comparación? He sido comparada con muchos cantantes... Creo que siempre la gente tiene que referirse a lo que saben y se sienten cómodos con eso.

¿Hay canciones nuevas? Vamos a tocar un par de nuevas canciones en el escenario y tenemos varios nuevos los tienen listo... Un nuevo álbum está en elaboración.

¿Actualmente siguen como dúo? ¿Nunca pensaron en otros integrantes? Somos dos en el escenario pero ocupamos el espacio de una banda completa... ¡tienes que venir y verlo por ti mismo! Al principio intentamos tocar con otros músicos pero se estaban dando con heroína y estaban drogados para tocar o era demasiado difícil para trabajar, así que terminamos Spatsz y yo ensayando en un apartamento: ¡el nacimiento de nuestro dúo! En el 85, para unos conciertos, tocamos con algunos músicos y también con Rowland Howard (The Birthday Party - Nick Cave). ¿Siendo dos parece más fácil, pero quién sabe... tal vez un día? Con las posibilidades de Internet, las ediciones son más accesibles. ¿En estos años no han editado nada nuevo?

¿Qué esperas del concierto en Buenos Aires? Me encanta Buenos Aires, mis padres son de Argentina. ¡Espero encender sus almas y mentes y llevarlos a un campo sin tiempo y posibilidades infinitas! ¡La música es una actitud, y pretendo compartir mis entrañas y el corazón! En las palabras de El Che... ¡Hasta la Victoria Siempre!... ¡La victoria final es el final de todas las formas de tiranía! Y ¡la música es el lenguaje universal y la energía del cambio y la libertad de expresión! ¡El futuro es ahora! Quiero agradecerte la posibilidad de realizar estas preguntas. Disfruté respondiendo a sus preguntas. ¡Gracias por darme esta oportunidad! Gratitud. Mona

[ Entrevista a Ben Benjamin de Introflirt por Diego Centurión. Traducción: Bernardo Jimenez Mesa. ]

UN ANILLO EMOCIONAL

"Shameless Promotion PR" nos trae a bandas con gran diversidad de sonidos, pero todos con una excelente calidad. Por nuestras páginas han pasado varias de sus bandas y probablemente seguirán apareciendo bandas. Ahora nos encontramos vía el ciberespacio con otra excelente banda, Introflirt. De Oakland (California), nos traen su elegante y, a veces, oscuro synth pop. Amalgamando estructuras de otras décadas con las nuevas tecnologías y un sabor que no es santo. Con su flamante segundo álbum por editarse en agosto de esta año. "Temporary Heaven" será el sucesor del que hace un año marcó el debut, "Introflirt". En su página web se clasifican como “una banda sonora para la inseguridad”. ¿Por qué? Introflirt me ayudo a encarar mi ansiedad social e influencio la elección de mis preferencias al ser yo introvertido, aceptando y sintiéndome confortable con mi propia inseguridad fue algo liberador, y anhelo poder mostrar a los demás que ser inseguro está bien. Por lo tanto tratamos de ser nosotros mismos en el escenario, en el estudio, y con la gente, en lugar de tratar de crear cierta imagen. Esperamos que eso incentive a otros a sentir de la manera que nosotros lo hacemos y sentirse bien. Cada uno es único y perfecto, pero la sociedad influencia la manera en que actuamos o socializamos. Todos queremos sentirnos bien y me he dado cuenta que si n me siento bien al estar rodeado de gente, debo dejarme ser

de esa forma (y tomar las medidas para cuidarme) y siempre será esta la mejor opción. Aún si esto no parece muy “cool” si digo cosas para hacerme encajar. No me interesa; solo me interesa ser yo mismo. ¿Cuándo nace la banda? La música de Introflirt nació una noche en la que me sentía frustrado con lo que yo pensaba entonces como mi “ineptitud social” y también por la falta de realizar algo creativo. Decidí entonces aprender a usar el secuenciador de un sintetizador que yo tuve siempre, y esto se convirtió en una canción. Continuando con este proceso nació un álbum entero, y eventualmente conocí a Vafa en el performance de un amigo mutuo. Su energía y nivel como músico era perfecto para el proyecto, así que ella empezó a acompañarme en el escenario. A Brendan lo conocimos en uno de nuestros shows, ¡su primera experiencia con Introflirt fue haciendo sonido para nosotros! ¿Dos años componiendo el primer álbum? Si, casi. Parte del proceso era sentir realmente lo que yo quería que fuese Introflirt. Me encontraba aprendiendo a cantar en ese momento, así que, una vez finalizadas las pistas, me llevo tiempo terminar las voces, porque estaba intentando cosas diferentes. ¿Qué diferencias encuentras entre "Introflirt" y "Temporary Heaven"?

El primer álbum es el sonido de Introflirt descubriéndose a sí mismo. Tiene un sonido expansivo y las letras son un balance de extrema oscuridad y una luz tan intensa que puede enceguecer. Temporary Heaven alcanza un lugar donde el sonido de introflirt está muy auto-actualizado. Los tempos son más veloces, hay mayor claridad en la composición y los arreglos tienen más cohesión.

¿En dónde crees que ha cambiado el sonido la banda, ahora que son un trío? El sonido ciertamente ha cambiado. Brendan ha sido una gran influencia en nuestro sonido, mejorando todo a nivel de producción y añadiendo un bajo más denso. Después de estar en escenario con Vafa los pulimos dos años, y al ver cómo reacciona el público a nuestro sonido en vivo, hemos en general subido los tempos (velocidad), haciendo todo más apto para las pistas de baile. Todo ocupa ahora un lugar más organizado. ¿Cómo explicas tú el término "croonwave"? Yo aprendí a cantar en bares de piano (piano bares), explorando estándars de jazz de mediados de siglo. Así que desarrolle un estilo tipo ¨crooner, solo por estar expuesto a esa música e interpretarla. Fue algo muy natural que se adaptaba fácilmente a mi voz, y aunque no fue intencional, es la técnica y l amanera que tengo de abordarlo lo que hace que tenga sentido para mí. Yo lo aplique en Introflirt para ver si funcionaba, y lo hizo. Respecto al término “croonwave”, en lugar de ponernos en un género que realmente no describe lo que hacemos, y al haber tanto énfasis en la voz al ser el instrumento principal n este proyecto, nosotros pensamos que “croonwave” lo expresaba correctamente. Su música es una mezcla de elegancia y ritmos que nunca se pierden en la oscuridad, sin caer en el cliché del ritmo típico de la danza. ¿Cómo contienes la tentación? El método de grabación dicta bastante del sonido de Introflirt. La mayoría de lo que escuchas es tocado con las manos. Algunas de las partes más veloces y complicadas son secuenciadas, pero aún esas partes

son interpretadas antes de ser convertidas en loops. Así que siempre hay un elemento humano que da como resultado nuestra manera de crear música. ¿Qué importancia tienen las redes sociales? ¿Cómo te sientes con las redes? Son muy importantes para llegar a un público potencial en todos los rincones del mundo. Crear un público tocando en recintos locales es divertido, pero toma DEMASIADO tiempo y energía. Siendo un introvertido, disfruto el poder sentarme en casa, con una taza de café interactuar con gente de todas partes, a cualquier hora del día. Sin embargo, yo me empiezo a deprimir si paso mucho tiempo en estas redes y tengo que, por lo tanto, tomar descansos para mantenerme sano. ¿Han desechado canciones del " Temporary Heaven"? Tal vez. ¿Cuáles son los próximos pasos de la banda? Estamos concentrados en promocionar “Temporary Heaven”, tocando shows interesantes localmente, y desarrollando nuestro sonido para crear una atmosfera más envolvente en todas partes. Nos encanta establecer contactos para promocionar otras bandas y mejorar en general nuestra vida cotidiana. Aprendemos todos los unos de los otros a través del trabajo que hacemos con Introflirt, y esperamos poder seguir haciéndolo. Para terminar. Dime ¿por qué la gente debería escuchar "Introflirt"? Nosotros no creemos que nadie ¨deba¨ hacer algo. Creemos, sin embargo que Introflirt ofrece algo nuevo. Una alternativa a tantos artistas que tratan de encajar en un género o complacer un público. Nosotros solo queremos complacer a gente real. Hemos escuchado de nuestros fans que Introflirt refleja las emociones de quien lo escucha, como un anillo emocional. Queremos que la gente se sienta bien con sus propias emociones y las puedan explorar. Agradezco la oportunidad de esta entrevista. ¡Gracias! Apreciamos la oportunidad de compartir

Artistas de todo el mundo reunido para una gran causa... ayudar a los necesitados. ยกTODO EL DINERO SERร DONADO A LAS ACTIVIDADES DE SOCORRO DE ECUADOR!

Disponible en: https://pateticorecordings.bandcamp.com/album/rock-back-for-ecuador Para mรกs informaciรณn: https://www.facebook.com/Rock-Back-177554638960413 https://www.facebook.com/Patetico-Recordings-219018488119479

[ Entrevista al Reverendo de The Cult of Free Love por Diego Centurión. ]

NO SOMOS UNA BANDA EN EL SENTIDO TRADICIONAL Luego de buscar información sobre esta enigmática banda,

diversas formas de la música. La definición es tan amplia que

The Cult of Free Love, y encontrar muy pocos datos que sirvan

casi se rindió sin sentido. Si ve a la psicodelia como mente ex-

para esta entrevista, vamos a explorar a tientas sobre una banda

pandiendo, conforme a mi opinión personal, creo que se podría

que mezcla el misticismo y la psicodelia, logrando que ambas

decir que son en esencia psicodélicas. No nos preocupan real-

vayan de la mano y que sean inseparables a la hora de hablar de

mente los géneros, aunque... Creo que es evidente en el álbum.

su sonido. Hemos abierto una puerta sensorial y pudimos ac-

Creemos en la libertad del alma.

ceder a un miembro de la banda, que nos abre su sensibilidad en esta entrevista.

Hoy en día, el arte psicodélico, tiene nuevos exponentes en muchas disciplinas. ¿Por qué crees tú que está creciendo esa mirada tan profunda, en esta era de la tecnología y del aislacio-

¿Cómo y cuándo nace la banda?

nismo?

Hola, soy el Reverendo. No somos una banda en el sentido

Desde los albores del tiempo, las personas han buscado su

tradicional. Ninguno de nosotros tiene que definir funciones.

manera de satisfacer sus necesidades y encontrar y expresar-

Somos un colectivo de las almas perdidas que han estado aquí

se. Estas necesidades siempre serán la raíz de lo que motiva a

por siempre desde el principio del tiempo.

las personas. Toda la tecnología y las Artes lo que va a hacer es permitirles expresarse de una manera diferente. La manera en

¿Por qué el nombre de la banda?

que las personas intentan hacer las cosas siempre será diferente

“The Cult of Free Love” es el nombre de nuestro colectivo. Es

conforme pasa el tiempo según las tendencias, la tecnología y el

quiénes somos, es donde pertenecemos y es una indicación de

mundo en general, se convierten pero la raíz de nuestras moti-

nuestras creencias y nuestra forma de vida.

vaciones siempre seguirá siendo la misma.

Ancestral, actual, profunda y mántrica, se puede catalogar su sonido. ¿Tú cómo lo describirías? Elegimos no describirlo. Nuestra música tiene tantos elementos que se combinan para crear algo nuevo. Para nosotros es un viaje y va hacia donde fluye.

Internet puede ser una herramienta útil (si se sabe usar) o peligrosa si se vive a través de ella. Para Cult of Free Love, ¿cómo es convivir con estas nuevas tecnologías? Para Cult of Free Love abrazamos el uso de la tecnología e internet. Internet no es peligroso, lo que lo hace peligroso, es la manera de personas lo usan para su propio beneficio perso-

La psicodelia es la manifestación del alma. ¿Cómo crees que es su manifestación en su música? La psicodelia es un abusado término utilizado para describir

nal. Para nosotros, internet ha sido una herramienta para difundir nuestro mensaje de amor y compartir nuestra música con el mundo.

¿Amor Libre? o ¿liberación del amor?

Cuéntenos sobre el álbum “Love Revolution”.

Ambos. Hay demasiado odio en el mundo y no hay suficiente

Es un viaje y un trayecto a través del tiempo y el amor. Hay

amor. Estamos aquí para celebrar el amor en todas sus formas.

partes que trabajan por cuenta propia pero es un trabajo que debe ser escuchado en 2 partes de principio a fin.

El enigma en los datos personales ¿es un paso a la libertad de modificar la formación de la banda? ¿O simplemente para mantener el enigma?

Lo hindú y lo electrónico suena natural en el sonido de la banda. ¿Cómo han obtenido esta amalgama de sonoridades?

Los miembros del Cult… son libres de ir y venir como les plaz-

Hay sólo una pieza de música en el álbum que incorpora hin-

ca y lo mismo pasa con la música. El hecho de que hay muy poca

dú. Hay algunas piezas electrónicas en el álbum, sin embargo

información acerca de nosotros en internet ha sido una decisión

nuestro primer single “Love Is All There Is” se compone de

consciente desde el principio. En esta época donde la gente sabe

instrumentos de cuerda. Hay una versión de esta canción en el

cada aspecto de la vida personal de todos los demás, nos parece

álbum titulado “Interpretations Of Love III” La música evolu-

refrescante que sepan muy poco de nosotros y que nos permite

ciona según la cuales miembros de Cult están colaborando y las

tener una cierta libertad, por lo que no estamos restringidos, eti-

diversas influencias al reunirlos.

quetados o juzgados en lo que pongamos en práctica. También pone la música como eje principal y significa que la música pue-

¿Cuáles son los pasos siguientes de The Cult of Free Love?

de desarrollarse de forma natural. Nosotros te estamos dejando

Actualmente estamos en proceso de grabar varias piezas de

entrar a nuestro mundo, poco a poco a través de la música. Más

música que verá la luz próximamente. También esperamos to-

se revelará cuando pase el tiempo...

car en un pueblo o ciudad cerca tuyo pronto. Si usted quiere

65 vayamos a tocar, sólo tienes que pedir en thecultoffreelove@

De lo contrario ir a:

gmail.com

www.thecultoffreelove.com http://wrongwayrecords.com

¿Dónde podemos encontrar información sobre la banda? Para obtener información sobre nosotros, en primer luga,r tienes que buscar en tí mismo.

Gracias por las respuestas.

[ Entrevista con Lee Stevens de The Swagger por Diego Centurión. ]

LA MÚSICA ES ÚNICA, CRUDA Y NO ENCAJA EN NINGUNA CATEGORÍA

67 ¿Quiénes son The Swagger y cuando se formó su banda? The Swagger somos dos hermanos, Lee Stevens (voz principal, guitarra rítmica) Paul Stevens (guitarra líder, coros) Will O'Connell (bajo) y Roger Malaquias (batería). La banda se formó en marzo de 2012. ¿Cómo describirían su música? Cruda, única y enojada. ¿Quién y qué son tus influencias como músicos? Bueno, hay muchos para elegir. Tendría que hablar de los Beatles, los Kinks, The Who, The Sex Pistols, Nirvana, Oasis la lista sigue... ¿Cómo terminan eligiendo a legendarios estudios Konk de Londres para grabar su EP? Bueno, nos encontramos con nuestro amigo/ productor Graham Bonnar (Swervedriver / The Brian Jonestown Massacre) y tuvimos una charla. Entonces decidimos que íbamos a grabar nuestro primer EP en los estudios Konk. Siendo un fan de The Kinks tenía sentido elegir este estudio. Además, está a sólo dos minutos caminando de mi casa, así que estaba muy bien... jeje ¿Cómo fue grabar con Graham Bonnar? Bueno, Graham fue muy inspirador y hemos aprendido mucho de su experiencia en el estudio. Él realmente cree en las canciones y nos ha apoyado hasta el final. ¿Quién más participó en la creación de su EP? Graham trajo al técnico de guitarra Brendan Quinn para ayudar a moldear nuestro sonido de guitarra en Konk y fue muy inspirador dentro y alrededor del estudio. En Konk tuvimos al ingeniero de sonido Josh Green, que fue de gran ayuda. El co-productor Felix Macintosh de Tigersonic Studios también ayudó a dar forma al EP y fue un gran apoyo al grabar los overdubs de guitarra y la voz. Pat Collier (The Vibrators) mezcló y masterizó el EP en los es-

tudios Perry Vale, Forest Hill, al sur de Londres. Finalmente también Neil Barrie, que realizó el arte del EP y ha hecho un trabajo muy profesional. Así que en general estamos muy contentos con el resultado del EP. Eran principalmente una «banda en vivo' antes de grabar su debut EP. ¿Diría usted que este proceso ha transformado te alguna manera o poner en una nueva trayectoria, por así decirlo? Creo que tocando en vivo la banda se ha transformado y nos ha hecho mucho más estricto en los últimos años. Nos ha dado fe en nosotros mismos, la pasión y la unidad para tener éxito y nos ha dado la energía y el sonido para hacer un decente disco/EP. ¿Han planeado el primer álbum? ¿Puedes decirnos algo sobre esto? Sí estamos de hecho, estaremos grabando el primer sencillo de nuestro álbum debut, "Sleeping With The Enemy" el 3 de septiembre de 2016, con Pat Collier's (de The Vibrators) en Perry Vale Studios, Forest Hill, South London. ¿Qué podemos esperar del segundo semestre del 2016? Tenemos la intención de grabar dos sencillos más 'Loaded Gun' y 'Want It All' y estamos planeando realizar el lanzamiento del álbum a finales del 2017/18 y un tour en el horizonte. También tenemos la intención de hacer tres videos musicales para los singles. ¿Cuáles son las cualidades en la música del Swagger que crees que hace que la gente quiera escuchar a tu banda? Bueno, las canciones son geniales ¿no es cierto? y soporta la prueba del tiempo porque la música es única, cruda y no encaja en ninguna categoría y que nos hace diferente de todas las otras bandas en la música de hoy.

PALABRAS EN LA ARENA

[ “Mandrágora” de Hans Heinz Ewers por Pablo Ravale ]

FRUTO VENENOSO De acuerdo a las leyendas de la Edad Media teutona, los ahorcados, en el momento justo de su muerte, tenían una última erección y eyaculaban (por los espasmos y contracciones del cuerpo), cayendo su “semilla” sobre la tierra en la que estaba instalado el cadalso. Como si de un acto del Maligno se tratase, allí donde la tierra recibía el semen del condenado germinaba una extraña planta, de nombre mandrágora, que al ser arrancada emitía unos ensordecedores y estremecedores chillidos. La mandrágora, cuya siniestra morfología se asemejaba a la de un hombrecillo, en la supersticiosa Europa, era muy apreciada por los hechiceros y demás amantes de las ciencias oscuras, debido a los grandes poderes que se le atribuían, tales como ser un excelente antídoto contra la desgracia, la pobreza y los conjuros. Partiendo de tal premisa, Hans Heinz Ewers, al que se le vinculaba con las corrientes ocultistas de los Rosacruces, público en 1911 la novela Mandrágora, novela que con el paso de los años paso a ser considerada como una de las obras cumbres de la literatura de terror. La historia se desarrolla en la atmósfera aristocrática de la Alemania de principios del siglo XX, donde, entre fiestas de la alta sociedad y la vida distendida, un tal profesor Ten Brinken (científico-médico que sacrifica a niños en sus experimentos) y su avispado sobrino Franz Braun, gestan un ambicioso proyecto para poner a prueba la leyenda de la mandrágora: hacen inyectar en el útero de una prostituta la simiente de un condenado a muerte. De esta fecundación nace la abominable Alraune, la mujer siniestra, quien ya desde el trabajo de parto da muestras de una naturaleza diabólica, destrozándole los

órganos a su madre y cobrándose su vida. A medida que va creciendo, Alraune, la engendrada en el vientre de aquella «mujer voluptuosa de largos cabellos rojos como la sangre y pechos blancos como la nieve», se convierte en un monstruo capaz de llevar a cabo los mayores actos de maldad, y a la vez de seducir y conquistar los corazones de aquellos que son víctimas de sus siniestros instintos. Porque, si la atracción que sienten por ella sus compañeras de colegio –las mismas que palidecen de terror ante su mera presencia– es lo que se torna en deseo sexual, en el caso de los hombres, uno a uno terminan cayendo rendidos todos ante las hábiles artes de seducción de la joven, lo que hace que Alraune los vuelva sus juguetes... juguetes que rompe y tira a la basura, luego de haberlos humillado y degradado hasta lo más bajo, claro. Nota de color aparte, es que Madrágora, como libro, posee la rara e inquietante curiosidad de ser una de las novelas preferidas de Adolf Hitler, hecho que posicionó a H.H. Ewers como el gran escritor del nazismo, al menos durante sus primeros años, ya que más tarde caería en desgracia por mano del propio Führer (debido a que el escritor rechazó a través de su obra el antisemitismo nazi, y salió del closet declarándose homosexual; lo que le valió que sus propiedades le sean confiscadas y se vete su salida del país). Las coincidencias del binomio HitlerMandrágora no acabarían, sin embargo, aquí, puesto que se cuenta que E. Hanusen, adivino personal de Hitler e integrante de su círculo de mayor confianza, en una ocasión le habría transmitido al dictador la siguiente profecía: «Si recoges una raíz de mandrá-

gora en el cementerio de tu pueblo natal, a media noche, el ultimo día de 1932, todos tus problemas se solucionarían y el 30 de enero de 1933 serás el dueño de Alemania». Casualidad o no, el 30 de enero de 1933, Hitler, efectivamente, se convertiría en Canciller. O sea que, como anécdota, no deja de ser escalofriante.

En resumidas cuentas, un libro oscuro y fascinante. Una obra que, no sólo ha enriquecido la literatura de terror, sino que además marcará a todo aquel que la lea con su desesperada carnalidad, con sus escenas tan llenas de perversión y de bizarro fetichismo. Irrepetible.

CRÃ&#x201C;NICAS DESDE MERDEVILLE

Confesión Confieso aquí pasar y corregir y borrar y volver a pasar y corregir, en un número de cuatro o cinco veces, un escrito que me tengo entre manos y sobre el que no puedo arrojar demasiados detalles, pues va y viene de mi cabeza como una lámpara de kerosene colgada de un árbol y sacudida por el viento. Cada tanto atravieso períodos de crisis en relación a la escritura. Es decir, si por mí fuera, quisiera no escribir más... Quisiera poder liberarme de esta cosa tortuosa que es bucear en el abismo de las letras y de las hojas en blanco. Aunque para ello, obvio, reconozco que debería experimentar una suerte de destierro; debería alcanzar los estratos más inanimados de mí; ser similar a las piedras, a las plantas, a los charcos de agua o, mismo, a las gotas de lluvia. Llegar a esa clase de comprensión que no puede realizarse por intermedio del intelecto; que prescinde

de las palabras y de las capacidades asociativas; que nos hace más simples y, a la vez, más desconocidos. Algo que genere una nueva lectura, un nuevo orden dentro del cual tengamos que reconstruir nuestros propios términos de la existencia, si es que aspiramos en verdad a ser criaturas trascendidas. Entre tanto, ahora, me rodea el silencio. Socavo en la sensación de estar dentro de un féretro con el cuerpo en posición horizontal. Ansío sufrir, desagotarme de dolor; chorrear litros y litros de angustia humana. De pronto es como si una mortaja oscura me cubriera y me vedara el camino hasta la vida diurna que practican los demás. Sin embargo, todavía sueño, sueño despierto… Me veo conducido por un deseo deliberado, por una niebla caliente que se me esparce por el cerebro y que me sale por los lagrimales.

HIDDEN TRACK

[ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER: EL LADO OSCURO DE PRINCE (1958-2016)

Todo artista tendría su lado oscuro…Sino, ¿cómo podría ser

playboy que atrapó a muchas de las mujeres más deseadas de

un artista? Prince Rogers Nelson partió el 21 de abril de 2016.

aquellos años: Madonna, Sheena Easton, Kim Bassinger, Car-

Sin ánimo de entender cómo es que algunos parten dejándonos

men Electra, etc, etc, etc. Multinstrumentista como pocos, fue

tanto y otros que no aportan nada siguen en pie, lo cierto es que

capaz de componer, tocar, cantar y producir discos enteros, y era

“The Artist” tuvo una producción tan copiosa como sobresalien-

sabido que contaba en su haber con una amplia bóveda llena de

te que lo convirtió en un referente ineludible de los espléndidos

canciones de su autoría que nunca habían visto la luz.

años 80, y una leyenda con posterioridad. Capítulo aparte merece su batalla con la Warner Bros, que no Entronado como el mito irreverente que indiscutiblemente

le permitía editar todo el material que él deseaba, con múltiples

fue, su música y su imagen nos remiten a la frescura de sus

consecuencias: convertir su nombre en un símbolo y mostrar-

canciones más gancheras, que muchas veces fueron portado-

se reiteradas veces con la palabra “Slave” (Esclavo) escrita en su

ras de letras fuertes, críticas y de ásperas palabras: por no decir

rostro. “Emancipation” sería el nombre que daría a esa libertad

que “the F Word” (como es conocida en otras latitudes) ha bati-

en forma de álbum triple, aunque las cadenas se romperían de-

do records de presencia en algunos de sus discos. Y aún así, un

finitivamente recién al finalizar el milenio. Evidentemente, The

artista versátil puede un buen día arrepentirse de su pasado ne-

Artist Formerly Known As Prince (TAFKAP) no era un espíri-

tamente carnal para convertirse en Testigo de Jehová, para no

tu fácil de domar.

permitirse más el uso de insultos o letras donde el lenguaje soez se asimilaba más al de un malhablado proxeneta que utiliza a las mujeres como objetos.

Tal vez el tormento más oscuro fue la conflictiva relación con Mayte García, su primer cónyuge. Fue un quiebre en su vida personal, coronada por la trágica muerte de su hijo Boy Gregory

Y es que no hay artista sin oscuridad. El psicoanálisis entien-

Nelson, condenado desde el nacimiento por una enfermedad

de que una forma de trabajar la locura en forma de psicosis, es a

degenerativa pulmonar. Los latidos del corazón de su único hijo

través del arte. Por eso tal vez muchos grandes artistas conside-

quedarían inmortalizados en álbumes posteriores. Estos even-

rados clínicamente locos, gracias a esa locura crearon y deslum-

tos desestabilizarían al gigoló de Minneapolis y muchos creen

braron. Y la locura implica oscuridad. Lo importante es como se

que esta marca sería determinante durante las siguientes dos

sobrelleva, y si es en forma de “locura linda”, enhorabuena. Así

décadas de su vida.

vivió Prince desde su nacimiento discográfico hasta mediados

Pero la genialidad nunca pudo ser sofocada. Aún quedaban

de los años 90’s su fascinante locura: una tormenta creativa sin

por nacer destacados discos como “Musicology”, “3121” o “21

precedentes, un referente para todo el sonido negro de media-

Nights”. Hasta el final siguió siendo el de siempre, a través de

dos de los 80’s, un constante homenaje a sus influencias, un

sus “HITnRUN”.

Un artista tan oscuro como negro, y tan brillante como oscuro; tan sufrido como todos y tan genial como pocos. Como un halo oscuro que irradia, su aura flotará mientras haya un mundo, a través de sus múltiples creaciones. Pero hubo una de ellas que nos recordará fiel y sencillamente quién fue: “My name is Prince and I am funky, my name is Prince: The one and only”.

EN CONCIERTO

[ Por César León ]

LA MÍSTICA Y EL PODER

Current 93 en Auditori Forum, Barcelona (España), 04 de Junio 2016

Si tuviera que escoger la música más bella que he escuchado posiblemente hablaría sin duda de la de Current 93, ese hermoso y extraño proyecto que se convirtió en institución y que lleva 34 años trenzando poesía y música de la manera más preciosista. Si la vida fuera justa, si los medios fueran mínimamente honestos Current 93 sería una de las bandas más conocidas del planeta, sus exquisita melodías no deberían ser patrimonio de unos pocos pero tal vez ese deambular por el underground, por el lado oscuro le da un mayor encanto, y somos realmente pocos los que tenemos el honor de apreciar su arte. Tuve la oportunidad de verlos este año en vivo durante el Primavera Sound de Barcelona. Los astros estaban alineados para quien hizo la selección de artistas. Los grandes carteles mostraban a Radiohead, Air, PJ Harvey, Sigur Ros, Beirut, Explosions in the Sky etc –en uno de los que creería mejores lineups de festivales que veremos por mucho tiempo, donde primó la calidad sobre la popularidad–. A David Tibet se le encargaba la curaduría del lado “cultural y no masivo” del evento. Angel Witch, Baby Dee,

Six Organs Of Admittance y por último Current 93 estarían allí mostrando su trabajo. Si el festival hubiera sido realizado 2 décadas atrás posiblemente hubiéramos visto a Sol Invictus, Death in June y los mismos Coil. Pero la prematura muerte de algunos y las diferencias musicales y espirituales no permitieron que la escuela del apocalyptic folk permaneciera unida. Reconozco haber estado nervioso y un poco frustrado previamente, esperaba un setlist que recorriera los preciosos trabajos de los 90 que son mis favoritos: Thunder perfect mind, All The Pretty Little Horses, Earth covers earth, Halo, Of Ruine.. Pero sabía de antemano que era un concierto centrado en su trabajo último: I Am the Last of All the Field That Fell: A Channel. Sabía que cientos de hermosas canciones quedarían por fuera debido al formato. Adicionalmente no escucharía la más bella guitarra de la historia: Michael Cashmore, ni los ruidos intelectuales de Steven Stapleton. Para quienes conocen Current 93 su nueva alineación y sonido está más cercano al Jazz que al Apocalyptic Folk.

Todo era novedad para mí, aunque llevo 20 años escuchándolos. Después de las bellas interpretaciones de los otros artistas participantes en la curaduría llegaba el turno de Current, el último álbum lo había escuchado ligeramente. Apareció la banda y con ella un cántico infantil que acompaña a C93 en varios de sus conciertos – el cual se va transformando en ruido ensordecedor y es el intro al recital– Entra Tibet y los temores se evaporaron, la guitarra arpegiada no estaba allí pero el virtuoso piano de cola de Reinier Van Houdt daba un nuevo matiz. Andrew Liles (Nurse with wound, Faust) se encargaba de las texturas ruidosas, las voces angelicales a cargo de Bobbie Watson, el saxofón de John Zorn, la batería –batería en Current!– y los otros músicos todos con máxima maestría y destreza. Solo faltaban Antony Hegarty y el mismísimo Nick Cave que colaboraron en este nuevo álbum del reconstruido Current. Creo que fue la primera vez que realmente entendí su nuevo sonido. Su poder estaba en el “en vivo”. Donde contrastan las dulces melodías del piano con las voces poéticas–juglarescas de Tibet y

los oscuros fondos de los otros instrumentos marcados profundamente por una percusión impetuosa. Fueron 90 minutos que parecieron 20, el escenario íntimo, colmado de seguidores y espectadores estupefactos ayudaba a la magia, quienes no conocían a esta banda no creo la hayan pasado mal; Current 93 no es para todos y sin embargo es tan universal. Cada nota tocada con precisión y ahora con un poder que desconocía pudiera brotar de Tibet y compañía, hacen de este nuevo Current algo más psicodélico y contundente. Hay reminiscencias de los arcaicos tiempos del noise, de los bellos cellos y guitarras de la etapa apocalíptica, de los versos de la etapa mística, de la etapa satánica, de la etapa intimista de Current. Este C93 es completamente nuevo pero a la vez es el mismo. La evolución no es una sucesión de cambios sino de idas y vuelta más parecida a un espiral. Y aunque ahora suena tan diferente es el mismo Current. Larga vida a C93

[ Por Damián Snitifker. Fotografía: Melisa Gargarello ]

FIESTA EN EL BARRIO

Bestia Bebe en Club Tucumán, Quilmes, Buenos Aires, 25 de Junio de 2016.

Bestia Bebe llegó nuevamente a Quilmes el pasado 25 de junio, haciendo un recorriendo por sus dos discos transmitió una energía especial a los que se agolpaban frente al escenario para tratar de achicar las dimensiones del inmenso club Tucumán.

Abrieron The Hojas Secas, una función de trasnoche, que arrancó pasadas las 00 horas. Ésta banda de la Plata viene sumergida en una vorágine de fechas muy llamativa, nos es raro entrar a la red social todas las semanas y ver un nuevo recital del grupo todas las semanas. Rompieron el hielo de manera salvaje y majestuosa con un set al palo que invitó al agite de todos los presentes. La clave, para acceder a la banda, el tema Convidé. Bestia Bebé subió a los escenarios aproximadamente a la una y media de la mañana. El show fue un repaso de sus dos discos, al escucharlos, uno se da cuenta de que ambos están llenos de hits, la gente se sabe las canciones y es raro ver quieto al pu-

blico en alguna de las canciones, cantan levantando las manos en dirección al escenario, saltan, hacen pogo. Bestia Bebé contagia mucha energía. El club Tucumán es un poco grande, pero es uno de los pocos lugares donde se puede aspirar a convocar un cierto numero de gente y contar con las condiciones adecuadas. Un lugar que no se llena fácil y donde los espacios se notan. Pero desde arriba del escenario llenaron cada espacio vacío con música y de abajo se encargaron de corresponderlos. Bestia Bebé es una banda que viene creciendo a grandes pasos. Resulta difícil no identificarse con ellos si uno nació en la década del ochenta. Con alusión a las películas que vimos durante los noventa, los videojuegos, los potreros, los amigos, sus letras parecen reflejar cada una de las charlas que los que tienen entre veinticinco y treinta y cinco años tienen cuando se juntan a tomar cerveza y hablar de los mejores tiempos, de nuestros mejores tiempos. Su sonido mezclado con sus letras son una especie de amalgama entre el flamante indie, el punk rock

de barrio y el rocanrol, letras directas y sin demasiada vuelta, que parecen contarnos una historia, sin necesidad de metáforas extrañas. Bestia Bebé es una de las bandas actuales para ir a ver sin miedo, sabiendo que va a disfrutar del show, ya sea en formato eléctrico o en alguno de los tantos acústicos que suelen ofrecer, es garantía de una buena velada. Los puntos altos de la noche: Fiesta en el barrio, Lo quiero mucho a ese muchacho, Omar, Tigre de Metal, Luchador de Boedo y Wagen del pueblo, entre otros. más cercano al Jazz que al Apocalyptic Folk.

[ Por Bernardo Jimenez Mesa. Fotografías: Johannes Rossini ]

AHÍ ESTÁ LA MÚSICA, A UN CLICK DE DISTANCIA Martes Indiegentes en Niceto Club, Buenos Aires, 28 de junio de 2016.

Otra noche del ciclo Martes Indie Gentes, y en esta oportunidad el titulo no podría ser más apto. En un gris y aburrido martes, pasado por agua, la noche brilla contradiciendo el día y una pequeña pero substanciosa reunión de luminarias del rock y folk subterráneo tiene lugar en Niceto. Con toda la producción y recursos que un lugar como Niceto puede ofrecer, no somos más de unas 30 o 40 personas, entre los cuales, se sabe, la mayoría son familiares y/o amigos de los músicos (esto se hace evidente, banda tras banda, al ver como rota el público que está al frente del escenario cantando los temas palabra por palabra), y no lo menciono como un aspecto negativo. Si bien noches tan bien logradas como esta deberían tener un público más numeroso, el esfuerzo siempre vale la pena desde que se cree un mayor público, recital tras recital, y estoy seguro que cada banda se robaron un par de seguidores, aparte de tejer vínculos entre sí (esta noche brilló por las colaboraciones y camaradería entre las bandas) y crear escena. La noche comenzó en el espacio alterno de Niceto, con Sé Pequeño, una banda que desarrolla un cálido y delicado folk-rock con claras referencias a los 60s y 70s. Letras sentidas y una instrumentación impecable, cabe resaltar la labor del guitarrista quien permaneció casi oculto, como tratando de pasar inadvertido, de no ser por sus pinceladas efectivas y muy bien logradas. Felicitaciones también por las proyecciones, que ayudaron a crear el clima perfecto, Una vez terminado el set de Sé Pequeño,

fuimos todos invitados a pasar al espacio principal de Niceto, donde empezaba Paula Maffía Orgía, una banda contundente, con una instrumentación para nada tradicional (acordeón y trompeta alternando con una formación más rock). Los colores logrados por la banda son el soporte perfecto para que su cantante y guitarrista, dueña de gran carisma y presencia escénica, desplegara toda su fuerza. Ese contraste entre lo contundente de su voz líder y una banda que lucha por contener esa fuerza, y dejarla estallar en el instante correcto, fue lo que más me atrapó de Paula Maffía Orgía. Siguiendo en orden cronológico, subió a escena Ignacia (o mejor Ig Na Cia), una banda que funcionó a la perfección compartiendo escena con las anteriores. Con un rock permeado por la electrónica (¿o electrónica permeada por rock?), todo trabaja alrededor de la voz líder, una multi - instrumentista que no tiene reparo en quedar sola en el escenario, en llamar a uno y otro invitado, o ser la locomotora que arrastra a toda la banda desde lo más pop al rock más frenético. Excelente la colaboración con el BeatBox (percusión con la voz) y el dúo con Paula Maffía. Por último, Guillermo Beresñak tomó posesión del escenario, desarrollando un rock muy bien compuesto e interpretado, donde todo giraba alrededor de las composiciones y la figura de su voz líder, quién nos compartió algunas palabras y anécdotas sobre los temas. Para este momento de la noche, debo confesar el cansancio de un martes se hacía evidente, y no pude disfrutar tanto el final de

la noche. Para días entre-semana, creo que dos o tres bandas serían suficientes. En resumen, una muy buena noche más de Martes Indie Gentes. Felicitaciones, como siempre, a este ciclo…y ya saben... ahí está la música, a un click de distancia… no dejen de escucharlos, seguro encontrarán algo que toque el corazón.

[ Por Damián Snitifker. Fotografía: Melisa Gargarello. ]

LA LEYENDA DEL SIEMPRETERNO El Siempreterno en Niceto Club, Buenos Aires, 02 de Julio de 2016.

La banda comandada por Sergio Rotman y Midnerely Acevedo volvió a los escenarios, luego del parate tras la salida de Ariel “Minimal” Sanzo. Con el fichaje de Hernan Espejo para su reemplazo, frente a un Niceto lleno, demostraron tener cuerda para rato. Cuatrocientos cuarenta años antes de cristo, Heródoto, nos contaba sobre un ave mitológica que cada quinientos años se envuelve en fuego para resurgir de sus cenizas. Conocida como Ave Fénix, es la analogía que cotidianamente se utiliza para aquellos que se caen y se levantan, para aquellos que la “pelean”, para los que siguen adelante, a pesar de que muchas veces el sentido común les diga que lo más fácil es dejar todo como está. Nosotros podríamos apropiarnos de ese mito, llenarlo de contenido propio y volverlo autóctono, como tantas fabulas y leyendas. Hablar de aquel músico que se fue en una de las grandes bandas de los noventa, en el mejor momento de ésta. Decir que puso toda su energía en otra, que se transformó en un culto, y es una de las mejores bandas de sótanos oscuros que tuvo el rock local, la cual terminó en una suerte de “Hiroshima espiritual”. Contar que años después tuvo otra formación a con su compañera y un amigo de vidas anteriores, de los lejanos y oscuros ochenta, y decir este amigo partió de entre los vivos y tuvo que traer a otro amigo de aquellas mismas épocas para poder seguir adelante. Por último podemos hablar de aquella banda, la que le da el nombre al mito, “El Siempreterno”, aquella que

puso a nuestro protagonista en el lugar donde tenia que estar, la que emergió de las cenizas, de los sótanos y con la que llenó lugares. La historia de El Siempreterno es un poco el resumen de la historia de nuestro protagonista, Sergio Rotman. La superbanda conformada por Sergio Rotman, Midnerély Acevedo (Mimi), Fernando Ricciardi, Alvaro Ruso Sánchez y Ariel “Minimal Sanzo”, mostró una excelente carta de presentación con su primer disco, aún así tuvo que abrirse paso ante una pregunta, por momentos insoportable de una parte del publico, “¿cuando se junta Cienfuegos?”. Si bien el primer disco tenia algunas canciones de Rotman que habían sonado en el último tiempo de aquella banda y habían quedado afuera de un frustrado ultimo disco de estudio, anunciado antes de la separación, el disco homónimo de El Siempreterno brillaba con luz propia, pero cierta nostalgia hacia que muchos no pudieran apreciarla por completo. Dos años después salió su segundo álbum, Hacia el mar de carbón, con un sonido un poco más oscuro, y una lista de temas que seguía alimentando la chispa del grupo, con una urgencia sin precedentes, y a solo cuatro años del debut, salía un tercero, que fue una mixtura entre sus dos antecesores y que termina por coronarlos como una gran banda en la escena de la escena, algo que los medios y el publico más masivo no habían concedido a Cienfuegos. El Siempreterno empieza a tocar en lugares colmados de gente, al fin llega el reconocimiento que a veces tarda tanto en hacerse presente. Todo parecía

ser cuesta arriba hasta que Minimal anuncia decide dedicarse de forma exclusiva a Pez y anuncian la grabación de un disco en vivo durante su despedida el 3 de Octubre del 2015. Pensamos que ese sería el final de la banda ya que el guitarrista era una parte fundamental y seria muy difícil reemplazarlo, pero el tiempo demostró que nos equivocábamos. El 22 de abril, entre los anuncios de la salida de aquel registro en vivo, 5 años en 5 segundos, se emitía un misterioso comentario en el facebook de la banda, solo siete palabras “HAY UNA BANDA QUE PARECE QUE RESUCITA...”, y un rato después un video donde se ve a Hernan Espejo (Compañero Asma, Bandera de Niebla) como el nuevo encargado de las guitarras de la banda. El pasado 2 de julio, a nueve meses de la ultima presentación en vivo, fue su bautismo de fuego. Niceto explotaba de gente, los encargados de calentar motores, al igual que la última vez, fueron una formación acústica de Gigio y los Inquilinos del tiempo. Vicentico entró temprano junto a Valeria Bertuccelli y no se movió de la baranda del vip durante todo el show, quizás una señal de que aunque Rotman no forme parte de la gira de Los Cadillacs todo está bien entre ellos. Apenas pasada las diez de la noche el Siempreterno resucitaba. Para ser sinceros, al principio, la sensación que experimentó este cronista era de que Hernan era una especie de invitado, de sesionista, las guitarras sonaban bien, pero había hasta un contraste físico enorme con Minimal, que es una especie de vikingo enfundando una guitarra. Modesto alto, de fina figura, con anteojos, no parecía llenar la esquina derecha del escenario que le había sido asignada. Pero Hernan comenzó a crecer a medida que avanzaba el show, y de a poco se fue notando su impronta en los temas, su estilo, un sonido que proviene de la mejor escena indie rock, su distorsión, sus punteos. Nos demuestra que habia sido una buena carta. Cuando terminó el recital, Hernan era gigante, Hernan tenia la misma altura que El Siempreterno, porque ya era parte de él. Fue uno de los shows más extensos de la

carrera de la banda, veintisiete canciones. Con tres discos de estudio, ya no hay covers de Cienfuegos, solo la versión infaltable de “Moonage Daydream” de David Bowie, que parece calar hondo en Rotman y su amistad con Gigio Gonzalez; “Noviembre” de Décima Victima, incluida en su segundo disco; y el cierre con una hermosa versión de “Pale Blue eyes” de Velvet Underground. Fue un show adrenalínico por momentos, cancionero por otro, también oscuro, y con una escencia punk que mecha canciones que podrían sonar en Mimi Maura, como Periplo cósmico, La vieja casa o Habiendo sido nunca nadie con la mugre y la furia de una banda de rock punk. Arrancó con Rotman en la guitarras a las que luego dejó de lado para saltar, bailar junto a Mimi, pararse sobre las vallas y agitar al publico. El Ruso Sanchez y su virtuosismo formando una increíble pared junto al eterno Fernando Ricchiardi y Hernan afirmándose con cada canción como el guitarrista que la banda necesitaba para no padecer la falta de Minimal. Mimi hermosa como siempre, la “Elvira”, reina de las tinieblas de el Siempreterno, con una voz que el tiempo no parece afectar. Quien completó la formación fue Gigio Gonzalez, que durante nueve canciones fue más que un invitado. Después de lo que vimos el sábado dos de Julio del año dos mil dieciséis de nuestra era, en Niceto, podemos decir que el ave ha resurgido, que bate sus alas más fuerte que nunca y hay Siempreterno para rato. Track List: Para siempre no es suficiente – 7/11 – Mas de lo mismo – Noviembre – Cristianos – Traición – En el mar de carbón – Full coma – Habiendo sido nunca nadie – El secadero – Bajo este sol – Rhoypnol – ¿Que día es hoy? – Noches románticas en sótanos húmedos – Nada más triste – Bebiendo ansiedad – Moonage Daydream – La vieja casa – Todas las estrellas – Esclavo – Contradios – Inyección de amor – Joven muerto en Juana Diaz – El siempreterno – Periplo cósmico – El pánico borró tu memoria – Salvavidas – Pale blue eyes.

RESCATE CINÃ&#x2030;FILO

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CUANDO SER SEGUNDO NO ES TAN MALO

Al hacerse un listado de buenas segundas partes, es casi inevitable recaer en nombrar clásicos como The Godfather: Part II (Francis Ford Coppola, 1974), Aliens (James Cameron, 1986), Back to the Future Part 2 (Robert Zemeckis, 1989), T-2 (James Cameron, 1991) o The Dark Knight (Chistopher Nolan, 2008). Pero así como las mencionadas son las secuelas más celebradas, también las hay aquellas no tan reconocidas e inclusive muchas veces olvidadas entre la basta cantidad de sagas y secuelas que colman la pantalla. Muchas veces las secuelas son vapuleadas tanto por público y crítica al mismo nivel que lo suelen ser los films de horror. Por eso, en esta ocasión decidimos celebrar aquellas buena segundas partes dentro del género de horror (y algunas rozando la comedia) que quizás no sean mejor que sus predecesoras, pero que son dignas de ser recordadas y redescubiertas. To be continued…

AMANECE QUE NO ES POCO [ Por José Luis Lemos ]

“En las secuelas hay más muertos, las escenas de muerte son mucho más elaboradas y hay mucho más gore”, nos decía el cinéfilo Randy Meeks (Jamie Kennedy) en Scream 2, minutos antes de ser asesinado de una forma no muy gore. Sin embargo, esta regla se cumple a rajatabla en Dawn of the Dead (George Romero, 1978), secuela tardía de la fundacional The Night of the Living Dead (1968). Efectivamente, aquí tenemos mucha más sangre, muertes creativas y un exhibicionismo que el género pocas veces había visto, además del plus de mostrar todo en colores, a diferencia de la primera entrega. Era el comienzo de una nueva era en el cine de terror. Los escenarios góticos, los castillos embrujados y los monstruos clásicos habían quedado sepultados bajo una pila de films protagonizados por ogros más cercanos: el ciudadano normal que un día decidía disparar a todo el mundo desde una torre y los asesinos seriales armados con motosierras. Hasta el zombie, figura del cine de terror desde los años 30, ya no era fruto de circunstancias sobrenaturales sino de algún error humano que quizás nunca lleguemos a conocer. El monstruo era uno mismo,

y los horrores de Vietnam que mostraba la televisión día a día dejaban a Drácula y compañía como sujetos simpáticos. Y es en un estudio de televisión donde, casualmente, comienza El amanecer de los muertos. Ubicada temporalmente unos pocos días después de su predecesora, el foco de discusión ya no es tanto cómo eliminar a los zombies, sino el dilema moral que se plantean los ciudadanos: ¿es correcto entregar los cuerpos de los seres queridos a los militares, como anuncian las señales de emergencia, o deberían conservarlos y darles cristiana sepultura? Mientras los medios no saben si seguir brindando información o huir ante el caos generalizado, las fuerzas policiales allanan departamentos en los suburbios buscando cuerpos que los habitantes se niegan a entregar a las autoridades. En medio de esta anarquía, un meteorólogo se apropia de un helicóptero y huye hacia un lugar más seguro en compañía de su novia y dos policías desertores. Refugiados en un centro comercial abandonado e infestado de zombies, el grupo deberá sobrevivir tanto a una horda de muertos como a una pandilla de vivos.

105 En el universo planteado por George Romero (que cuenta ya con seis entregas) está claro que los monstruos no son los cadáveres que vuelven a la vida. El zombie es, en todo caso, una excusa del director para dar su opinión sobre la sociedad norteamericana. Y es en este film donde la sátira social es más evidente: mientras que en la primera parte la decisión de tener como protagonista a un negro era provocadora, aún cuando no fuese esta la intención de Romero, en la secuela el mensaje se nos brinda en bandeja al mostrarnos zombies pululando dentro de un shopping. “¿Por qué vinieron aquí? Quizás por instinto… este fue un lugar importante en sus vidas” dice uno de los protagonistas mientras observa a un grupo de zombies de cara azulada intentando subir por una escalera mecánica. La metáfora sobre la sociedad de consumo termina opacando la figura amenazante del muerto viviente, reduciéndolo a un autómata inofensivo, un blanco humano que es constantemente humillado al punto de recibir tortazos en el rostro. Con el “monstruo” neutralizado, el terror original da paso a un thriller apocalíptico salvaje, con ritmo de comic y repleta de tiroteos y persecuciones solo matizados por secuencias dramáticas donde los

personajes reflexionan sobre su futuro, si acaso éste existe, y breves destellos de macabro humor negro. Al igual que en Aliens (James Cameron, 1986) los protagonistas ya no son incautos sin preparación alguna ante la amenaza, sino un equipo especializado y militarizado. La acción llega a su clímax en la apoteótica escena final, donde los saqueadores, comandados por Tom Savini, encargado también de los fx, se dedican a despachar zombies montados en sus motocicletas sin saber que pronto serán la cena de cientos de ellos. Y si el film de Romero está más cerca del thriller que del horror, la versión de Darío Argento (quien, además de producir el film, se encargó de realizar un montaje más breve para el mercado europeo bajo el nombre Zombie) es lisa y llanamente un film de super acción que, con banda sonora de los Goblin (colaboradores inseparables de Argento) está más cerca de SWAT que de La noche de los muertos vivientes. Luego de este splatterepic, Romero tenía intenciones de introducir a sus zombies en el cine de aventuras, planeando lo que el definía como “el indiana jones del terror”, trasladando la acción a una selva, donde un solo ser humano sería asediado por hor-

das de muertos vivientes al igual que en la novela que lo empezó todo: Soy leyenda, de Richard Matheson. La falta de presupuesto lo obligó a bajar sus pretensiones y conformarse con una base militar, único escenario de Day of the Dead (1985), tercera parte de la saga y más oscura y sangrienta que el film que lo precedía. De todos modos, Romero ya había dejado su marca: no solo estaba en el género para divertir a adolescentes, sino para reflexionar sobre el estado de las cosas…que se parece cada vez más al apocalipsis de Dawn of the Dead.

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FÍLMALA DE NUEVO, SAM [ Por José Luis Lemos ]

“Si alguno de ustedes se pregunta si Ash sería tan estúpido de volver a la misma cabaña luego de todo lo sucedido…sí, lo es.” La pregunta a la que alude Bruce Campbell, el (anti) héroe indiscutido de la trilogía de Evil Dead, es bastante razonable. Imaginen la reacción de aquellos espectadores que se enfrentaban por primera vez a Evil Dead 2: Dead by Dawn (Sam Raimi, 1987) al ver que Ash y su novia Linda regresaban a la misma cabaña donde despertaban a las fuerzas del mal. ¿Acaso Linda no había muerto decapitada? ¿Ash no había sido poseído por el demonio del bosque justo en la última toma de la primera parte? y si esto se trata de un flashback, ¿dónde está el resto de los amigos? Para responder esas preguntas también sería necesario un largo flashback, específicamente siete años atrás, cuando Sam Raimi y compañía aún estaban en medio del caótico rodaje de The Evil Dead. “La secuela debería comenzar con Ash siendo arrastrado por un portal temporal, directo a la edad media”, le decía Raimi a sus compañeros de roda-

je, quienes probablemente lo miraban incrédulos. ¿Apenas podemos sacar adelante esta película independiente de una sola locación, y este tipo ya está pensando en una secuela de época? Visionario o delirante, lo cierto es que tras el desastre comercial y crítico de Crimewave (1985), su segunda película, la idea no parecía factible. Es allí que aparece Dino de Laurentis, quien no estaba dispuesto a poner sus millones en una película de terror de época pero que, en cambio, le ofrece la dirección de Thinner, una adaptación fílmica de la novela de Stephen King. Fue precisamente el escritor de Maine, fan declarado de la primera Evil Dead, quien intercedió y logró convencer al productor italiano para que financie la dichosa secuela que, eso sí, no podía desarrollarse en su totalidad en la edad media. Dino no soltaba los billetes tan fácilmente. Razones presupuestarias también influyeron para quitar a los amigos de la primera parte en el largo flashback con el que comienza Evil Dead 2, que no pudo valerse de imágenes de archivos ya que Raimi había perdido los derechos del primer film.

Para trabajar en una nueva versión del guión, Raimi llama a su viejo amigo Scott Spiegel, junto al cual reescribe el argumento del film durante varios meses, que pudieron ser unos pocos días si no hubieran convivido en una misma casa junto a los hermanos Coen, Frances McDormand, Kathy Bates y Holly Hunter, quienes al parecer aportaban a la distracción. No era para menos. Holly Hunter, de hecho, era la primera elección de casting para el personaje de Bobby Joe, pero los productores buscaban “una chica más sexy.” Pobre Holly. Con el guión adaptado a las nuevas necesidades de Evil Dead 2 podría decirse cualquier cosa menos que es un film barato. Contando con las mismas locaciones que en la primera parte (bosque, cabaña, sótano) la historia se las ingenia para ser completamente diferente a su antecesora. Tras ese falso comienzo de remake, es a los siete minutos donde el argumento deja de ser remake y se convierte en secuela propiamente dicha, y también donde el tono del film comienza a cambiar pasando del terror al grotesco casi sin escalas. Con la premisa de hacer que “los tres chiflados se crucen con El Exorcista”, Raimi reincidía en su pasión por el slapstick, del que ya había bebido en Crimewave, pero cambiando cachetadas y tortazos por sangre y miembros amputados, sin dejar de lado una estética visual y sonora inspirada en los dibujos animados de Tex Avery. ¿Y qué decir del frenético estilo visual? Si en sus anteriores films explotaba al máximo las exóticas angulaciones de cámara y los travellings a toda velocidad, aquí llega a su punto cúlmine, donde la plasticidad de la imagen alcanza cotas de delirio difíciles de superar, haciendo uso de diferentes lentes y filtros que convierten una historia bastante simple en un espectáculo visual apabullante. Si algo queda claro, es que hay dos vedettes en la saga Evil Dead: la cámara…y

Bruce Campbell. Al hablar de la plasticidad de la imagen, es imposible ignorar la plasticidad de Bruce Campbell, quien de tímido protagonista de la primera entrega aquí pasa a ser un héroe de acción multigestual con brazo de motosierra y one-liners incluidos. Pero todo tiene un precio y nadie es héroe de la noche a la mañana, y Raimi se lo hace notar dándole a su protagonista una serie de maltratos como pocas veces se vio en la historia del cine. A lo largo de 82 minutos vemos a Ash volar por los aires, atravesar el parabrisas de su auto para luego dar de cabeza contra un árbol, caer numerosas veces por una escalera, mordido por la cabeza de su novia, torturado por su propia mano y un sinfín de sufrimientos más que no entrarían en esta página, pero que fueron necesarios para convertir a Bruce Campbell en el Buster Keaton del gore. Su influencia se nota desde el Lionel de Braindead (Peter Jackson, 1992) hasta el Shaun de Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004), y hoy en día es capaz de disputarle el trono a figuras emblemáticas del género como Jason o Freddy Krueger. Si los espectadores que asistían al estreno de Evil Dead 2 quedaban desconcertados con ese nuevo comienzo alternativo, lo más probable es que ya no se hayan extrañado tanto cuando, al inicio de Army of Darkness (no podía llamarse Evil Dead 3 por cuestiones de derechos), se nos vuelve a contar la historia de Ash yendo hacia la cabaña pero filmada nuevamente (sí, por cuestiones de derechos) y con Bridget Fonda en el papel de Linda (mucho más sexy que la anterior Linda y que, claro, Holly Hunter). Evidentemente, la falta de continuidad y lógica interna, que también afecta a Ash vs the Evil Dead, la serie basada en la trilogía, es una característica inherente a la saga. Tan inherente como los one liners de Ash, las cámaras subjetivas, los árboles vivientes y, por supuesto, el Oldsmovile Delta 88 amarillo.

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EL CENOBITA EN SU LABERINTO [ Por José Luis Lemos ]

“Esta película viola una convención básica en la construcción de historias, la cual aconseja que el espectador debe tener una vaga idea de dónde comienza la historia y hacia dónde va. Esto hace que Hellraiser 2 sea una película ideal para audiencias con poco buen gusto y un atrofiado sentido de la atención.” La crítica lapidaria de Roger Ebert, traducida en media estrella, sería muy distinta si el célebre crítico hubiese sido expuesto cual tratamiento Ludovico al resto de la saga Hellraiser. Siete películas donde el horror se va trasladando progresivamente a los rubros técnicos y artísticos. No sería descabellado que, luego de ver a cenobitas con cabeza de filmadora o un pinhead en el espacio, cada vez más extrovertido y al borde de la caricatura, Roger Ebert cambiaría de opinión y sumaría, como mínimo, media estrella más. Y es que muchas secuelas deberían juzgarse no tanto por la primera parte que la precedió, sino por aquellas que vinieron después. Pero claro, un crítico de cine no tiene acceso a una máquina del tiempo ni tampoco la voluntad de volver a calificar una película clase B que destrozó 20 años atrás. En el caso de Ebert, tampoco tiene signos vitales para

llevar a cabo tal tarea. Voy a intentar, entonces, reivindicar una película que probablemente sea una basura pero que, en comparación al resto de la saga, quizás sea una obra de arte. Hellraiser 2: Hellbound (Tony Randel, 1987), comienza de la mejor forma en que podría hacerlo una secuela: apenas unas horas después de la primera parte. Kirsty (Ashley Lawrence) , nuestra heroína de turno, yace en la camilla de un hospital psiquiátrico luego de una noche pesadillesca en la que no solo su padre fue asesinado por su madrastra, sino que además su hogar fue invadido por criaturas infernales que emergieron de un misterioso cubo. Nadie cree esta historia, obviamente, pero Kirsty no parece muy preocupada ya que tiene solo un objetivo en mente: volver a la dimensión de los cenobitas, esos demonios que ofrecen placer masoquista a cambio de un alma, y rescatar a su padre, quien al parecer está sufriendo un tormento indescriptible. Mientras tanto, Julia (Claire Higgins), la madrastra malvada, vuelve del infierno en busca de almas, valiéndose de la morbosa curiosidad del Doctor Channard (Kenneth Cranham), director del hospital y especialista en ocultismo.

111 Si la historia les resulta confusa, no se preocupen: seguramente los actores y miembros del equipo de filmación estaban tan desorientados como ustedes. En el afán de explicar todo y darle una coherencia interna que ni el propio Barker había tomado en cuenta en la primera entrega, las cosas se complican más de lo necesario. Gran parte del encanto de Hellraiser residía precisamente en ignorar por qué pasaba lo que pasaba, brindándoles un halo de misterio a los cenobitas que sumaban mucho al ambiente sórdido del film. Pero aquí los guionistas sucumbieron a la curiosidad del público adolescente que TIENE que saber quién es Pinhead y de dónde viene. Y el fan service dice presente ya desde la primera escena, donde vemos a un legionario abrir el dichoso cubo para luego transformarse en Pinhead. Las inconsistencias del argumento y su desarrollo atropellado también son consecuencia directa de la renuncia de Andrew Robinson poco antes de comenzar la filmación. Siendo un personaje central en el guión (el padre que Kirsty debe rescatar de las garras de los cenobitas), hubo que realizar modificaciones apresuradas que hicieron mella en el film, cuyo conflic-

to principal es bastante errático. Si en el primer film el desconcierto era intencional, aquí es fruto de una reescritura de emergencia. Lo que salva a Hellraiser del desastre es su fidelidad al tono lúgubre impuesto por Clive Barker en la primera parte. No hay concesiones humorísticas, ya habría tiempo para eso en las secuelas, ni tampoco autocensura, ya que los efectos especiales siguen siendo tan repulsivos como antes. Vista hoy en día, pareciera una versión sadomasoquista de Laberinto (Jim Henson, 1986), pero sin musicales y con Pinhead oficiando de Rey Jareth del infierno. Si el film falla en brindar un argumento coherente, sale victorioso en su misión de ofrecer imágenes perturbadoras y una estética de fantasía gore muy bien lograda. Las pinturas matte del laberinto, la deidad que habita en el mismo y el sinfín de horrores que ofrecen sus puertas le dan un tono Lovecraftiano que expande con éxito los tímidos pasillos del primer film. Las animaciones al estilo Ray Harryhausen que salen de las manos del doctor Channard remarcan el estilo artesanal de los efectos, propios de una época donde el CGI aún estaba en pañales.

El carácter disperso del film probablemente también sea una consecuencia de contar no con uno, ni dos, sino con cuatro (cuatro!!!) villanos. Cinco, si contamos a Leviathan. Pese a que hoy se identifica a Hellraiser con Pinhead, en las primeras dos entregas nunca se pensó en él como el antagonista principal. De hecho, Hellbound iba a ser la despedida de Pinhead de la saga, en pos de un mayor protagonismo de Julia, la madrastra malvada y libidinosa de este cuento de hadas, quien aquí tiene una apariencia que recuerda a la protagonista de Los ojos sin rostro (Georges Franju, 1960) o, más recientemente, la madre de Goodnight Mommy (Severin Fiala, 2014). Su renuncia a la saga luego de esta segunda

parte, sumado a los reclamos de los fans que pedían más cenobitas, no solo revivieron a Pinhead sino que sumaron al personaje interpretado por Doug Bradley al olimpo de monstruos clásicos, allí al lado de Leatherface y Freddy Krueger. La saga que se originó en un relato corto de Clive Barker no volvió a contar jamás con un presupuesto similar al de Hellbound, que ya de por sí era bastante acotado, y el nombre de Barker ya no aparecería más en los créditos, más que como autor de la historia original. Eso derivó en que solo la tercera parte tenga estreno en cines y el resto cayera en el infierno de las directo a video. Un infierno del que aún ni siquiera Kirsty pudo rescatarlas.

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SECUELA DESENFRENADA DE AYER Y HOY [ Por Nicolás Ponisio ]

Gremlins 2: The New Batch seguramente no sea la mejor de las secuelas, ni mucho menos logre superar a su predecesora. Pero la secuela de Joe Dante lejos está de proponerse ello. En palabras del director, nunca estuvo interesado en hacer una continuación y el que lo haya hecho se debe a la libertad que le fue dada para hacer lo que quisiera. Lo hizo, al igual que las problemáticas criaturas. Lo fuerte del film no será la historia, prácticamente no hay ninguna, sino que el plot inicial que consiste en trasladar el horror de los monstruos verdes a la gran ciudad de Nueva York en un entorno ultra moderno con la más alta tecnología, es una mera excusa para desatar el caos y el absurdo. La trama misma, a medida que avance, se irá diluyendo en gags y referencias culturales que poco tienen que ver entre sí. Alejándose totalmente del cuento de horror y fantasía que suponía la primera entrega, Gremlins 2 se asemeja más al humor absurdo de las comedias de Zucker, Abrahams y Zucker (¿Dondé está el piloto?)

parodiando todo lo que rodea al mundo atacado por esas criaturas con más ganas de divertirse que de asesinar. Y es en ese completo sin sentido que posee el film donde haya la capacidad de sorprender y entretener alcanzando puntos álgidos de comicidad. Lo imprevisible, paródico e irracional se acepta con naturalidad en un film que no se toma en serio así mismo pero que lo hace poniendo en pantalla todo lo que Dante ama del mundo cinematográfico. Y es en esa ridícula manera de expresarlo que el director, sin límite alguno, se despacha la que debe ser su obra más personal. Los gremlins le permiten recorrer un sinfín de referencias, de atreverse a unir mundos dispares y hacerlos funcionar todos juntos dentro de uno. Como si en vez de mojarlo, el film se multiplicara cada vez que alguien opta por verlo o reproducirlo. Y una vez que se está ante él, difícil es no sonreír con él y vivirlo con el disfrute de un niño y la ironía de un adulto. La misma forma con la que Dante lleva a cabo su labor en la dirección.

Así como los gremlins sufren alteraciones genéticas al exponerse a distintas fórmulas y experimentos de un laboratorio, el film se construye con distintos elementos inverosímiles, con retazos de la cultura popular que lo vuelven una suerte de criatura de Frankenstein. El prometeo moderno y cinéfilo. Los films de la Hammer se presentan como el Drácula presentador de películas de horror clase b, el científico loco interpretado por Christopher Lee o el gremlin/fantasma de la ópera. Presentes para entrecruzarse con la cinematografía moderna como puede ser un gremlin/murciélago que deja tras de sí su huella con la forma del logo del Batman de Tim Burton, una tortura dental con tintes del “is it safe?” de Marathon Man o la muerte en vivo del crítico Leonard Maltin quien comenta frente a las cámaras su (verdadero) parecer negativo sobre la primera Gremlins. Incluso las barreras del género no significan limitaciones para la obra de Dante, quien se permite re-

correr elementos de la ciencia ficción que incluye entre las nuevas especies a Brain, un gremlin con el elocuente don del habla, al viejo villano Rayita convertido en araña y hasta a un gremlin eléctrico. Pero también hay lugar para el género de acción que convierte al viejo y querido Gizmo en un héroe al mejor estilo Rambo o el western que irrumpe en pantalla una vez que las criaturas rompen la cuarta pared y se hacen con el proyector de un cine. La animación a cargo del genio Chuck Jones que Dante siempre ha mencionado como una de sus mayores influencias también tiene su protagonismo al comienzo, durante y en los créditos finales. Por último, para aprovechar todo el esplendor de las grandes producciones, el climax final introduce al film en el género musical al son de New York, New York y con una increíble puesta en escena que incluye al primer gremlin transexual. Seguramente, todo lo leído en esta nota tenga poco o nada de sentido, sobre todo para alguien que quizás desconozca esta secuela (si es que ha vivido en

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una burbuja los últimos 26 años). Pero cada elemento mencionado, cada locura por más inimaginable que pueda ser, dibujaba en mi rostro una sonrisa mientras lo hacía, al igual que ocurre cuando se está frente al film. Ya es bien sabido, y ha sido demostrado muchísimas veces, que las segundas partes pueden ser muy buenas. La diferencia marcada por Gremlins 2: The New Batch es que demuestra es que las secuelas pueden ser una locura sin sentido que no precisan de una gran historia. Solo se requiere el entendimiento justo de lo que se quiere mostrar y una mente desenfrenada, espiritualmente joven, que sepa cómo hacerlo.

GRITOS ALEGRES Y HORRORIZADOS [ Por Nicolás Ponisio ]

Pocas sagas cuentan con una buena segunda parte, mucho menos con una cuarta. Si habría que pensar en films pertenecientes a esta rareza, un ejemplo que posee esto sería la saga de Mad Max, siendo The Road Warrior (1981) y Fury Road (2015) los exitosos números pares de esa, hasta el momento, tetralogía de George Miller. Otro ejemplo que también supo ocupar su lugar de importancia en la historia del cine, de reinventarlo y hablar autoconscientemente de él fue el caso de Wes Craven con su asesino de la máscara fantasmal y cuchillo en mano en Scream. La primera parte de 1996 y la cuarta de 2010, que no solo pondría punto final a la saga slasher sino también a la filmografía de Craven, sin dudas son las más logradas de las cuatro entregas que tienen a la traumatizada Sidney Prescott (Neve Campbell) y a sus amigos escapando de los psicópatas de turno. Pero dentro de esta otra tetralogía, donde uno de sus puntos fuertes es la sátira y el estudio de las reglas del género de horror que contiene, es la transformación de las mismas respecto al material o la época en que es tratada lo que concierne a lo más interesante y entretenido de la saga. La secuela del primer film, realizada inmediatamente para estrenarse al año si-

guiente de la historia inicial debido a la repercusión y demanda que tuvo sorpresivamente esta reinvención del género, evita recaer en el descuido del material o los personajes en pos de responder a los productores fervientes de generar más dinero. Siendo entendedores del género que trabajan, Craven y el guionista Kevin Williamson mantienen los parámetros establecidos y crean nuevas reglas correspondientes a los elementos nuevos que ofrece una segunda parte, generalmente olvidada por la mayoría. Si Scream se ocupaba de ser una radiografía de los elementos clásicos del género de horror, Scream 2 lo es para lo que corresponde a las segundas partes. Allí volvemos a tener al personaje de Randy como punto mayor de unión entre ambas partes para recordar las viejas reglas y establecer las nuevas. Gran personaje, la representación del cinéfilo como parte de la ficción, que luego moriría dándonos a los fans una de las mayores pérdidas dentro del mundo ficcional del cine de horror. El film continúa con el estilo de acudir a referencias y al metalenguaje del horror clásico, como puede ser la inquietante música de Friday the 13th o la presencia en la pantalla de un televisor del Nosferatu

de Murnau acechando a su víctima, al mismo tiempo que el asesino hace lo mismo con la joven universitaria Cici (Sarah Michelle Gellar). Es allí que se vuelve argumentalmente a hablar con lo viejo y lo nuevo, ya expuesto en la primera parte con las alusiones a Halloween de John Carpenter. La diferencia es la manera de hacerlo con los elementos de la cultura popular actual (tomando como actual al año 1997). Michelle Gellar es mundialmente conocida por su rol de Buffy, la cazavampiros. Una heroína imbatible que se enfrenta a todo tipo de demonios a su paso pero que en manos de Ghostface no tiene oportunidad alguna de luchar dignamente o de llegar a sobrevivir. Algo similar le ocurriría también en el rol que tuvo en I Know What You Did Last Summer, también escrita por Williamson, como si los autores se mofaran de ella y del entretenimiento consumido en los tiempos modernos (como harían luego trece años después con el nuevo milenio y su mundo virtual). Pero el horror no se lleva todo el protagonismo, sino que la comicidad también hace de las suyas, so-

bre todo tomando para ello a la pareja más querible de esta saga, el torpe y tierno agente Dewey (David Arquette) y la incisiva e intrépida Gale Weathers (Courteney Cox). Ellos, acompañados por el hermoso leit motiv musicalizado por Marco Beltrami, se apoderan de la gracia y la ternura del film entrando en tono con los tiempos que corren. Es así como Gale se burla de su compañera la serie Friends diciendo que las fotos publicadas de ella desnuda son solamente un montaje de su cabeza en el cuerpo de Jennifer Aniston o Dewey se ve comparado con David Schimmer como el actor que lo interpreta a él en el film basado en los hechos ocurridos en la primera Scream. Y es que el metalenguaje se traslada también en forma de gag con el film dentro del film. La película Stab es utilizada en breves momentos para calcar escenas del film anterior, no en busca de asustar o intrigar como ocurría entonces, sino para reírse de la propia obra del director. Una forma de divertir al público, con cameos de Heather Graham como la primera víctima (antes inmortalizada por la presencia de Drew Barrymore) o Luke Wilson como un dolido adolescente.

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Ya no es solo cuestión de celebrar y burlarse del género sino de tomar como víctima de las carcajadas al film y su relación con su hermano mayor. Claro que no todo es motivo de humor y cuando es necesario sobresaltar al espectador y llenarlo de tensión en escenas desesperantes, tales como el escape de un patrullero de Sydney y su amiga Hallie (Elise Neal) pasando por encima del asesino en estado de inconsciencia o la persecución dentro de una laberíntica sala de sonido donde Gale observa horrorizada como su amado Dewey es acuchillado frente a ella. El balance justo entre el humor, el horror y el aná-

lisis que celebra y ataca todo ello por igual es lo que vuelve a este film, a simple vista uno más de terror, en otro volumen de la enciclopedia de Wes Craven para estudiar y apreciar en todos sus aspectos. Su búsqueda se propone hallar más que un efecto de sobresalto, que por lo general resulta ser eficiente en la reacción pero deficiente en proponer un diálogo entre cine y género, pasado y presente, film y espectador. Todo lo que esta Scream posee y sus compañeras de saga también (a excepción de la tercera), sin perder la capacidad de hacerlo seriamente con el don del humor.

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EL ESCRITOR SERIAL

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FARGO, SEGUNDA TEMPORADA: UNA SERIE DE OTRO PLANETA [ Nicolás Ponisio ]

Una de las grandes reglas del cine de Hollywood es que si se realiza la secuela de un film, ésta debe tener más producción, más acción, mayores elementos estéticos y una historia mucho más grande que la primera. ¿Qué pasa cuando eso se traslada a la televisión? Se obtiene una obra épica en todo sentido dentro de la historia de la pantalla (ya) no tan chica. Noah Hawley y compañía ya había sabido sorprender y deslumbrar gratamente al espectador cuando en 2015 tomó la gran labor de trasladar el mundo creado por los Coen en Fargo (1996). Lo que podría haber resultado como una falta de respeto al film original, terminó siendo un gran homenaje a Fargo (y a la filmografía en general de los hermanos cineastas) y a la vez apartándose lo suficiente para que el creador de la serie cree una identidad propia y juegue con ella junto al halo de inspiración de los Coen que ilumina su desarrollo.

Hawley en su segundo año, ya no a cargo de la totalidad de la escritura de los episodios, no solo cumple con todos los factores a cumplir regidos por “el reglamento de las secuelas”, sino que también no teme hacer soltar a Fargo prácticamente casi todo lazo que lo une al mundo del film homónimo. Sí, las referencias continúan allí para quienes quieran (y puedan) verlas, siendo todavía las dos grandes influencias Fargo y No Country for Old Men (2007), a las que se suman otras como Miller’s Crossing (1990) y The Man Who Wasn’t There (2001). Pero todas ellas se hayan semi ocultas en la vorágine creciente de una trama que se magnífica así misma, apostando a mas líneas narrativas, tan perfectas y distintitas entre sí que es imposible escoger una por sobre la otra, así como lo es comparar y optar injustamente por alguna de las dos temporadas. Fargo 2 se la aleja del siglo XXI y contextualiza su

historia en el año 1979. Tiempos de cambios para el pueblo estadounidense, el cual vive, como vistazos fragmentados, en cada uno de los personajes protagónicos. A grandes rasgos la historia se puede dividir en tres tramas compuestas por tres familias: Los Solverson, los Gerhardt y el matrimonio de los Blumquist. Por un lado lo tenemos a Lou Solverson (Patrick Wilson en el rol que, entrado en edad, llevó a cabo Keith Carradine en el primer año de la serie), un policía estatal que trabaja para su suegro, el Sheriff Hank Larsson (Ted Danson). A la vez, vive envuelto por los miedos del pasado, fue combatiente en Vietnam, y los miedos del futuro representados por el cáncer que combate su mujer Betsy (Cristin Milioti) y el mal salvaje en el que se ve envuelto, que acecha a esa hermosa Minnesota, nevada y sangrienta por igual. El mal que se avecina reside justamente en el hogar de los Gerhardt, la familia mafiosa de origen alemán que desata una guerra entre ellos y la mafia de Kansas City debido a una confusión, bien al estilo de los Coen. Al sufrir un derrame cerebral el líder de la familia, es la fuerte figura de su mujer Floyd (Jean Smart) quién en apariencia se hace cargo de los negocios y el bienestar de la familia, mientras que sus hijos Dodd (Jeffrey Donovan), Bear (Angus

Sampson) y Rye (Kieran Culkin) se interesan por sus propios intereses individuales. La impulsividad de Dodd lo lleva a manipular a su madre para poder hacerse cargo del liderazgo de la familia, de provocar el altercado con Kansas y de maltratar a quien pueda, sea un miembro del otro bando, sus secuaces o su hija Simone (Rachel Keller), que entra en contraposición con su espíritu libre y la añoranza de no haber vivido el movimiento hippie. Bear se encuentra más preocupado por la seguridad de su hijo Charlie (Allan Dobrescu) y por comer ya que en casi todas sus escenas se encuentra llevándose un trozo de comida a la boca. Por último, y a la vez el punto inicial de la trama y de conexión con las líneas argumentales, es Rye. El menor de los hermanos es quien se haya tapado por las sombras de sus hermanos e intenta con pocas luces hallar respeto en el mundo criminal. Lo que lo lleva a cometer un triple homicidio, a tener un encuentro cercano del primer tipo (sí, leyeron bien) y a culminar siendo estrellado contra el parabrisas de un auto. Más allá de tener una aparición breve, Rye era presentado como el nuevo Lester Nygaard, el triste y patético personaje interpretado por Martin Freeman en la primera temporada. Así y todo, el creador de la serie juega con las expectativas del público y pone fin a la vida del persona-

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je, socavando su utilidad física, más no argumental, como hiciera alguna vez Hitchcock con el personaje de Marion (Janet Leigh) en Psycho (1960). Rye desde su torpeza e inferioridad es el único conector de todas las historias, obteniendo narrativamente con su muerte el lugar de importancia que buscaba sin éxito en vida. Finalmente llegamos a los Blumquist. El matrimonio conformado por Peggy (Kirsten Dunst en su mejor performance hasta la fecha) y Ed (Jesse Plemons o Todd de Breaking Bad), la peluquera y el carnicero de la ciudad de Luverne. El sueño de Peggy es descubrirse a sí misma, de sacar todo su potencial como mujer y de poder algún día viajar a la soleada California. El de Ed es ser su propio jefe al comprar la carnicería y el formar una familia más grande con su esposa. Envueltos en una ola criminal a raíz de que es Peggy quien atropella a Rye Gerhardt, la constante de unión del matrimonio es la misma que los separa. La emoción y adrenalina que provoca este creciente caos acerca en parte a Peggy a su sueño de tener mayores emociones y un lugar realmente activo como mujer, a la vez que a Ed, quien hará todo lo posible por proteger a su mujer, lo aleja completamente del sueño americano. Separadas y diferenciadas en sus propios intere-

ses individuales, las tres familias comparten una meta en común: proteger y preservar a los suyos. Claro que los medios para lograrlo no son del todo los adecuados, como declarar una guerra, despedazar y triturar un cadáver o intervenir en un descomunal tiroteo. Siendo ésta última el punto álgido de esta segunda temporada, una de las secuencias más hermosa, violenta y desconcertante de la historia televisiva. Narrativa y visualmente. Toda familia se encuentra conformada por distintas generaciones y todas ellas, como la sangre, contienen sus propios puntos en común. Tomando ello como núcleo de Fargo, la serie se encarga de transmitirlo a través de la individualidad de los personajes. Así se obtienen las diferencias y paralelismos entre Hank y lou, donde suegro y yerno tratan de entender su lugar en un mundo de violencia compartiendo sus miradas por medio de sus vivencias bélicas. Tratando de darle sentido al mal que confrontan día a día y, a fin de cuentas, a sus vidas mismas. Al mismo tiempo, Peggy, Floyd, Betsy y Simone conforman distintas perspectivas de mujeres fuertes, su lugar a ocupar y cómo se abren camino luchando en un mundo de hombres. Peggy, a medida que lo logra, también irá perdiendo más y más su sanidad mental, la cual no justifica sus actos pero logra hacerlos entender, y

Betsy perderá sus fuerzas a medida que se somete al tratamiento de quimioterapia pero es también la fortaleza y la inteligencia que su esposo suele necesitar para mantenerse de pie. Hombres y mujeres, policías y criminales, víctimas y victimarios se alternan y se contradicen con sentimiento (y la infaltable dosis de humor negro). Incluso todo ello logra resumirse y personificarse en la mano derecha de los Gerhardt, el nativo Hanzee Dent (Zahn McClarnon), uno de los mejores personajes secundarios que se haya visto en años, quizás solo superado por Mike (Jonathan Banks) de Breaking Bad. Su persona es útil para quienes lo emplean, solo cuando es necesario. Cuando no, es olvidado e imperceptible a la vista de otros, a excepción de quienes estén interesados en denigrarlo. Lo que comienza como una violencia metódica que posee el personaje terminará desatándose en un hartazgo del sinsentido tragicómico no del mundo creado por los Coen o el de Hawley, sino del de la raza humana. A no olvidar que cada episodio de la serie inicia con unas placas que vuelven verídico lo que no lo es: “Esto es una historia real (…) Por respeto a los muertos los nombres han sido modificados, el resto se cuenta tal como ocurrió”. Esas simples palabras dotan de realismo a los hechos por más inverosímil que ésta pueda volverse. Lo caricaturesco y el caos exagerado también está acompañado por los matices humanos de los personajes y por un subtexto que también se abre paso entre la comedia, el drama y la violencia para dejar en claro que el producto no es mero entretenimiento. Todo lo contado es una imparable avalancha de problemas que, en vez de separar y diferenciar a los personajes, los une aún más demostrándoles que son lo mismo, por más que la ventisca no permita hacérselos ver. Un malestar de la sociedad que no diferencia épocas así como tampoco encuentra solución. Ni siquiera intentando crear inocentemente un nuevo lenguaje que evite prolongar tal malestar social. La serie no solo se atrevió a más con la cantidad de personajes, de hilos conductores y notables escrituras de diálogos que pusieran en boca de los personajes las distintas inquietudes a abordar, sino que supo integrarlas perfectamente en conceptos alegóricos por fuera y dentro de la trama. Las diferencias y uniones antes mencionadas se trasladan a la esté-

tica, muy distinta a la del año previo, conformando un constante montaje rítmico que no se limita a ser solo un elemento decorativo que emule a los films setentosos. La utilización del Split (o simplemente división de pantalla) elimina cualquier semejanza estética previamente ligada a Fargo, se aleja kilómetros y décadas de ella, trayendo consigo una nueva identidad tanto de pulsión narrativa y visual. La otra inclusión simbólica llega a la historia en la forma de luces que transitan la órbita terrestre. Uno podría pensar que el incluir elementos pertenecientes a la ciencia ficción desentonaría sobremanera con el resto del tono. Todo lo contrario, los platillos voladores y todas las menciones a seres del espacio exterior contextualizan tanto la obsesión por el tema y la sensación de paranoia del fin de esa década, así como también sirven para que la simbología esotérica que ya había hecho una breve aparición en la forma de una lluvia de peces en la temporada anterior. La amenaza latente, el miedo a lo desconocido, y la presencia de algo que vigila a la distancia parecen ser elementos que habitan dentro del OVNI, como si hubiera abducido un poco de todo lo que ocurre con los distintos personajes. Simbolizando la inminente llegada de lo nuevo, la extinción del pasado (sea una década que se va o una familia gángster que ya cumplió su mandato) y también la imposibilidad humana de ver más allá de sus propios problemas, dejando escapar las maravillas por descubrir. Fargo se atrevió a superarse y a reinventarse a sí misma por segunda vez, apostando aún más con la complejidad humana expresada en toda su perfección artística. Nada se encuentra presente por mero capricho o está descuidado en pos de darle un mejor tratamiento o profundidad a otro aspecto de la serie. El formato de serie antológica (autoconclusiva en cada temporada) le brinda su propia personalidad individual a grandes rasgos pero teniendo presente el pasado en pos de mejorar un futuro no muy lejano. Una maravilla que existe cercana a todos y que, de estar atentos, se puede descubrir. Hanzee Dent, completamente resignado, pronunciaba las siguientes palabras: “Estoy cansado de este mundo”. Quien les escribe solo puede asegurar con alegría que, de momento, es imposible estar cansado de este mundo. El mundo de Fargo.

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PURA MELOMANIA

Desde los confines de la experimentación Ministry – Twitch (1986) [ Ricardo Padilla (OriaNi_K) ]

¡La sensación más próxima que me provoca al oír hablar de Ministry se sintetiza en una sola palabra: Metamorfosis. Es sabido que la carrera de la banda comandada por Al Jourgensen ha sufrido transformaciones extremas y muy singulares. Su paso por la new wave y el pop sintetizado de su primer álbum 'With Sympathy' editado en 1983, el transcurrir inexorable hacia otras etapas mucho más evolutivas vinculadas al sonido industrial y su escurrimiento permanente hacia el heavy metal me hacen pensar que Jourgensen, líder onnímodo y estable de la agrupación estadounidense, sobrepasó el sentido experimental, natural e inequívoco en su búsqueda de la progresión y la evolución musical. Particularmente me resulta insatisfactorio el desarrollo que encontró al otro extremo. Sin embargo, la carrera de Ministry no ha sido un desacierto y no tendríamos todos porque estar contentos o descontentos con todas sus fases musicales. Es por ello que trataremos de rememorar sus primeros pasos o mejor dicho la subida a un segundo peldaño que significaría su ingreso hacia la electrónica más oscura, rabiosa y brutal. En 1986 nace Twitch, segunda placa de la banda que reivindicaba de cierta forma los intereses de Al Jourgensen, ya que por aquella época renegaba y despotricaba de su primer trabajo discográfico. La salida del Twitch tiró abajo los conceptos del electro dance de la época. La dureza de los sintetizadores, las voces desafiantes y la utilización de samplers ásperos y altamente rítmicos lo perfilaron como uno de los discos más innovadores y adelantados a su época. Una década después de su salida el efecto ascendente de su sonido nutrió y vigorizó el género. Bandas como Numb, Front Line Assembly, Poesie Noire y los mismísimos Nine Inch Nails absorbieron la esencia que permitió dar luz a discos notables. Quiero destacar que por aquella época la siempre atrevida búsqueda experimental de Jourgensen se tradujo en un proyecto EBM llamado Revolting

Cocks que erigió junto a los bien amados Luc Van Acker y Richard 23, integrantes de la banda belga Front 242. Su experimento tuvo larga trayectoria y sus discos son de escucha inexcusable. Sumergirse en el 'Twitch' es relativamente sencillo. Los primeros tambores secos y amenazantes de "Just Like You" invitan a la curiosidad. Sus fragmentos vocales y procesados junto a sus ritmos extenuantes conforman el industrial más audible. El mismo efecto se recibe de "We Believe" aunque resulte más fría y menos poderosa, pero más ligado al EBM. "All Day" y "The Angel" evocan al pop electrónico e invitan al baile. En temas como "Over the shoulder" y "My Possession" predominan los tambores largos. Las bases se perfilan como collages sonoros acompañados de voces susurrantes muy al estilo de los Cabaret Voltaire. "Where At You Now? / Crash And Burn / Twitch (Version II)" es una suerte de mix con una fuerte carga de violencia, voces amenazadoras y repetitivas fundidas sobre bases rítmicas industriales. Por momentos caóticas e incesantes pero particularmente placenteras. Estamos ante un gran álbum que es producto de la experimentación. Un disco poco convencional que desafió los patrones de la música electrónica. A pesar de los giros que daría la banda años después, esta producción significó mucho para los discos posteriores de la agrupación en donde los sonidos indus-

triales serían prominentes. Ya casi a finales de los ochentas la historia cambiaría, la banda sería pro-

tagonista de la escena rockera en donde los sonidos industriales serían solo accesorios.

Pequeña excentricidad R.E.M. - Lifes Rich Pageant (1986) [ Por Pablo Ravale ]

Algo así como “una vida excéntrica”. Eso es más o menos lo que significa el título del cuarto disco de R.E.M., sacado de una frase de la película La Fiesta Inolvidable de Peter Sellers. Curiosamente, y a pesar de las muchas anécdotas de la grabación, es el primero poco o nada extravagante. Al contrario, es el más directo de su carrera hasta ese momento, el que marcó el camino por donde se conseguirá el estrellato y que, además, les devolvió a los de Athens la confianza de los críticos después del confuso Fables Of The Reconstruction. Que Lifes Rich Pageant funcionará como lo hizo, que fuera una bocanada de aire fresco para R.E.M. cuando más la necesitaban, es porque muchas de las canciones del disco venían de épocas anteriores, es decir, habían sido descartadas de sus primeros álbumes (“Hyena”, “Just A Touch”, “What If We Give It Away”) y otras tantas eran elecciones de última hora, o sea, versiones o temas supuestamente de broma (como por ejemplo “Underneath The Bunker”). Otro factor determinante para que Lifes Rich Pageant sonara como suena, es que tuvo un productor –Don Gehman– que confiaba nada en el grupo (de Fables dijo que sonaba a “canto fúnebre”), por estar, justamente, hecho con trozos de otras épocas, y por, llegado el momento de entrar al estudio, no saber todavía cómo querían que suene. Esta vez no hubo ni siquiera discusiones entre el productor y la banda. Gehman les dijo que quería un sonido más despojado y que se oyese a Stipe de forma más predominante. R.E.M., que no aspiraban a convertirse en un grupo de radiofórmula, ni a ponérselo fácil al oyente, dudaron de esta idea hasta que grabaron “Fall On Me”, la primera canción para el disco. A partir de entonces, no hubo discusión: Gehman era la persona correcta.

Recién dije Stipe y creo que voy a repetir ese nombre unas cuantas veces más, porque él es quien domina con su voz todo Lifes Rich Pageant. Más allá de que la batería ahora suene más potente, de que Peter Buck ya no tenga tanta melancolía en las melodías de su guitarra, o de que el bajo de Mills vuelva a ser punzante en los cortes más directos, es Michael quien roba el protagonismo a los demás. Como fuere, monumental son los leves latigazos rockeros, y tan emotivos como siempre los medios tiempos. Stipe explora además las posibilidades de su garganta y deja la que, sin duda, es una de las mejores performances de toda su y de la carrera de R.E.M. Volviendo a “Fall On Me”, pese a lo que me hubiese gustado muchas veces cuando la descubrí, y pese a que de buenas a primeras te transmite, la misma no es una canción de amor. De hecho, es un tema político. Probablemente uno de los más explícitos de toda su discografía. Igual que “Cuyahoga”, la hermosa “The Flowers Of Guatemala” o “Hyena”. Y no es que Lifes Rich Pageant sea un disco tan politizado como Document, pero avanza ya gran parte de la ética social que guiaría al grupo a partir de entonces. En definitiva, un disco pequeño pero grande, y que demuestra que R.E.M. no iban a parar hasta hacerse masivos por méritos propios.

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Soundtrack ideal para días lluviosos Red House Painters - Songs for a Blue Guitar (1996) [ Por Diego Centurión ]

Antes de empezar a hablar de este álbum tengo que confesar mi amor por las canciones aparentemente vacías, sin arreglos ostentosos o complejos. La simpleza de un guitarra acústica y una voz muchas veces atrapan más mi atención que una composición con una orquesta detrás. Y por más que parezca superfluo me gusta ver la canción despojada de elementos de percusión y llevada simplemente con el pulso del rasgueo sobre las cuerdas. Ahora bien las raíces se este álbum de Red House Painters se encuentra arraigadas a la música country, pero en un aspecto de la guitarra acústica como base y en varias canciones una guitarra con slide dándole la calidez necesaria para la pista. Muestra de esto es la canción que abre este trabajo, “Have You Forgotten”. Mantiene en sus poco más de seis minutos de duración una intimidad fresca y calma de la melodía vocal sobre una secuencia simple de acordes y cada tanto la belleza de las apariciones de la guitarra con slide. La segunda canción es la que titula al trabajo. Y es inevitable no pensar en Fade Into You de Mazzy Star. El sonido es idéntico, sólo cambia la voz masculina, pero la canción, más allá de tener mucha similitud, es hermosa. En el tercer track, “Make Like Paper”, una guitarra sucia con una leve distorsión rompe la calma (en parte), el ritmo de una batería simple acompaña y el estribillo tiene un cierto calmo shoegaze y todo luego vuelve a reposar sobre un ritmo calmo y suave. Un track que desafía en su solo de guitarra lo armónico y se vuelve áspero, volviendo al track más disfrutable y por momentos remitiéndonos al grunge. Una extensa canción de más de diez minutos pero que te va llevando y sin darte cuenta te envuelve en su atmósfera. Llega “Priest Alley Song”. Volvemos a la canción acústica, por momentos se vuelve soundscape

de no ser por la voz tan clara que la define como más cercana a la canción de cantautor rozando al country, pero rompe una batería casi casera pero luego el ritmo nace y unas cuerdas aparecen muy por el fondo. Estoy canción tiene algo de Nirvana, de canciones más relajadas, pero tiene un cuerpo más acústico y crea un ambiente agradable y delicioso. “Trailways” continúa el ambiente intimista y delicado de lo acústicos. Mientras la canción avanza nos abraza un cálido aroma post lluvia. La voz de Mark nos va recalentando el pulso cardíaco reduciéndolo al mínimo. Casi como un mantra que nos ilumina de simpleza. “I Feel The Rain Fall” es la próxima pieza que nos disponemos a presentar. Y como sabiendo que la pereza nos puede invadir el ritmo country se hace presente para levantar los ánimos y hasta ensayar algún pasito campero. Sencillamente adorable. “Long Distance Runaround” de Jon Anderson, del disco de Yes Fragile de 1972. Y como es costumbre en los trabajos de Mark Kozelek y que serán costumbre a lo largo de su carrera, empiezan las versiones de canciones de otros artistas y bien variados. En este caso es muy difícil encontrar el parentesco con la versión original. Una delicia. “All Mixed Up” de Ric Ocasek del primer álbum homónimo de The Cars de 1978. Es otra de las versiones que trae este álbum. Otra irreconocible y particular

131 versión que dista mucho de la original. Estás versiones son simplemente para sentarse y escuchar. Y si quieren darle una escuchada rápida al original para no perder el ambiente del este álbum. “Revelation Big Sur”. Intercalamos una canción propia con todo el aire y toda la atmósfera intimista y acústica en la que se apoya gran parte del álbum. Sencillez y calidez en las guitarras acústicas y la dulce voz de Mark. “Silly Love Songs” de Paul McCartney, uno de los clásicos de Wings, del álbum "Wings over America" de 1976. Obviamente irreconocible. Esta versión tiene una carga oscura y crea una tensión incómoda.

Muy lejos de lo pop del original. Una extensa versión que nos va sumergiendo en disonancias lánguidas que ni pensamos en la versión original. Todo un trabajo de desestructuración del original para rearmar una idea nueva. El último track y número 11, "Another Song For A Blue Guitar". Para cerrar el álbum otra canción propia. Y como no podía ser de otra forma el cierre es acústico e intimista. Cerrando un álbum que escuchado en días equivocados puede resultar tedioso, pero en días necesarios puede ser una agradable compañía y sino un soundtrack ideal para días lluviosos.

El arte suele suplir una necesidad aguda Thom Yorke - The Eraser (2006) [ Por Esteban J. Galarza ]

EL 2006 fue un año que pasó como una nebulosa en la mente de muchos. Musicalmente no hubo grandes novedades y el planeta entero miraba el pantano de Irak que habían creado George W Bush y sus aliados. En época de crisis el arte suele suplir una necesidad aguda que el espíritu siente. Las carencias son de diversa índole pero podríamos abarcarla en algunos subgrupos: Sed de belleza, de amor, de justicia, de bondad; hambre de enmienda política y/o teológica. Era 2006 entonces un año que tenía muchas deudas con respecto al hombre y sus necesidades. Radiohead además hacía aguas en cuanto a voluntad de superar la hecatombe que había supuesto el lanzamiento de Kid A y Amnesiac en 2000 y 2001 respectivamente. Fruto de esa crisis del aura de la banda había sido un disco interesante pero opaco como Hail to the Thief (2003). Parecía que el compromiso político habíaempastado el engranaje y eran incapaces de volver a superarse como artistas grupales. La disolución se olía en el aire y en un mo-

mento nada propicio para que ocurriese. Entonces se rediagramó el mapa y el territorio cuando Thom Yorke se despegó de la banda y se encerró con el siempre constante y creativo productor Nigel Godrich. Expansión extraña que nada tiene que ver con la próxima búsqueda de lugares exóticos que Radiohead comenzaría a buscar para grabar el próximo In Rainbows (2007). El disco fue grabado entre 2004 y 2006 en el estudio de Radiohead en Oxford, el estudio personal de Nigel Godrich en Covent Garden y la casa de Thom Yorke. Ante el mismo paisaje la exploración es interior y éste dato no es menor. Tal vez la memoria emotiva engañe pero re-

cuerdo la expectativa y el desconcierto. La voz era la misma, las máquinas similares a las de Kid A y el compromiso político el de Hail to the Thief, y sin embargo todo había cambiado. ¿En qué consistió tal reconfiguración? Un periodista de Les Inrokuptibles tuvo la suerte de entrar al estudio en Oxford y vio un cuarto plagado de mapas de loopeos posibles, desde el piso hasta el techo inclusive. La posición de cada papel en ese microcosmos parecía caótica pero cada uno tenía una razón de ser dentro del diagrama mental de ambos creativos. Algunos serían callejones sin salida, pero otros cobrarían forma de canción.

The Eraser es un disco que podría describirse en dos movimientos que se retroalimentan mutuamente. La atmósfera cerrada y asfixiante que configuró la música por un lado, y la voluntad suprema de querer salir de todo aquello que sobreviene inevitablemente. El disco está plagado de puntos de fuga, las canciones parecen configuradas con el solo hecho de buscar una rajadura entre tanta desazón. Nueve temas en los que reconfigura la gesta inútil de Tony Blair en Irak y lo conecta con el gesto inútil del rey medieval Canute, el cual se creía tan poderoso que pensaba que podía mover a voluntad las mareas.

Let’s Go To Bed Peaches – Impeach My Bush (2006) [ Por Gabo Rojo ] Allá por 1983, a Robert Smith se le ocurrió titular a una canción “Let’s Go To Bed,” argumentando que prácticamente todos los temas de la radio se trataban sobre eso. Peaches toma este concepto y lo lleva un nivel más arriba. Despojándose de la hipocresía de las cantantes Pop tradicionales (que por un lado expresan inocencia en sus canciones y por el otro se muestran como objetos sexuales físicamente,) la Canadiense opta por componer temas altamente explícitos donde el sexo es la razón de ser del arte. Cualquier tipo de sexo: si vamos a los ejemplos de este disco, tenemos desde apologías a los tríos (“Two Guys for Every Girl”,) a himnos a la anatomía masculina (“Tent in Your Pants”) hasta invitaciones al sexo oral femenino (“Rock

de Electropop retro a Cumbia electrónica a vibrantes avalanchas

the Shocker”.)

de Rock alternativo.

¿Pero cuál es el medio utilizado para expresar este mensaje?

Ayuda el hecho de que Peaches no sólo tenga una clara visión

Se trata de una combinación entre Pop Electrónico Minima-

artística sino también el talento para llevarla a cabo. El mismo

lista y Punk Rock. Si bien original, parecería ser una fórmula

Jean Michel Jarre (quien acaba de colaborar con ella en su Elec-

bastante limitada, pero Peaches ha logrado mantenerla fresca

tronica 2) ha reconocido su talento como música electrónica, y el

a lo largo de más de 15 años de carrera y 5 discos de estudio, de

espectacular tema “Give’er” muestra que, a pesar de que por lo

los cuales Impeach my Bush es el tercero y uno de los mejores.

general prefiere rapear, su rango de voz es notable, y la energía

Empieza declarando que el sexo es mejor que la guerra (“Pre-

que puede transmitir su música es tan pasional como los actos

fiero cogerme a quien quiera que matar a quien me digan”) y

sexuales sobre los que canta. En definitiva, Impeach my Bush

procede a detallar su filosofía de vida (“Para recibir, tenés que

puede servir de excelente introducción a un artista que, en estos

dar,” como dice en “Give it”) a lo largo de 12 temas que van des-

tiempos de corrección política, es una fuerza del bien.

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Eurythmics –Revenge & Sinners and Saints

[ Por Max Wilda ]

Es un placer para mí escribir sobre una de mis bandas favoritas. Por muchas razones Eurythmics es en mi opinión una de las mejores bandas que dio el siglo pasado, no solo por la calidad musical, de personalidad y creativa de sus integrantes Annie Lennox y Dave Stewart, sino también por estar siempre en la vanguardia con temas que permanecen en nuestros subconscientes y al ser escuchados, automáticamente son reconocidos y nos transportan atemporalmente. Para este disco del 86, voy a elegir el trago Sinners and Saints (Bourbon, licor de sauco, licor Chartreuse y jugo de pomelo rosado), no solo por el primer corte del álbum sino también por lo que me genera el arte de tapa (Quién es quién, se los dejo a su critero). Preparo mi trago mientras escucho la intro de Missionary Man, sé que algo bueno está por ocurrir! Rock, golpes duros mitigados por una armónica y una armónica voz de Annie. Este es el primer paso de esta banda que se inició como un dúo pop y con el tiempo quiso despegar y demostrar. Sin dejar de lado las “maquinitas que suenan al fondo” este es un tema con un swing diferente a lo que habíamos escuchado y con el “Don´t mess with the Missionary man” parecieran advertirnos lo antedicho. Con mi ánimo en alto llega Thorn in My Side, quien me diga que este tema no ha sonado en su cabeza alguna vez, me estaría mintiendo. Up tempo pop rock, sería una buena definición, todos los elementos fueron volcados casi como el cocktail que por más extraño que parezca es muy equilibrado; sintes, vientos, guitarras, todo. When tomorrow comes, es un excelente ejemplo de que este dúo sabe cómo amalgamarse a la época, alegre, casi para bailar bajo la lluvia dando vueltas a lo novicia rebelde

(fuerte el trago). Los sintetizadores no podían faltar como protagonistas en The Last Time, pero hábilmente Dave incluye guitarras que hacen de este tema algo más allá. The Miracle of Love es una balada que me da tiempo a recargar Highball glass, casi sacada del manual, sobresale como siempre los colores de la voz de Annie, sin faltar el clásico solo rockero baladezco de guitarra de los 80s. Si diera vuelta el disco, empezaría el lado B con Let’s Go!, alegre y con otro dejo rocanrollero de armónica, un fetiche de Dave de la época. Tranquilamente podría estar dentro de los soundtracks de Ferris Bueller's Day Off estrenada el mismo año. Take Your Pain Away, un puntito bajo en el álbum prepara la entrada para A Little of You, uno de los mejores a mi gusto, hermoso tema, muy de la época, el cual los hará querer abrazar a quien esté a su lado. In this town, es un track un poco diferente, vuelve a los coros fuertes e imponentes clásicos del dúo, varios climas, digno de un lado B. Para cerrar el disco con un clásico número de temas para la época, I Remeber You, una base tipo marcha militar, otro tema extraño, posiblemente algún remanente, sin ser espectacular, situémonoslo en el año 1986 y veremos que no era algo del montón. Gratamente este disco llega a su fin, una buena combinación de la escencia de la banda con un estilo más rockero, un excelente disco para alegrar un ocaso junto a un Sinners and Saints. Salud!

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[ Por Erick R. Vieyra ]

NEW YORK DOLLS: LA BANDA MALDITA En el área de las revoluciones artísticas suele ocurrir que el

a promover la cultura plática, su fanatismo que pareciera ser

punto de arranque de cada una de ellas se presenta en obras que

fundamentalismo, su liberalismo cínico y su patente imperia-

son tan rupturistas que se transforman en materia vilipendiada

lismo y belicismo, los Estados Unidos son un país que huele a

y devaluada, es materia pasada por alto hasta que transcurridos

mierda pero que tiene una característica de la cual carecen mu-

los años y ya estabilizadas las prácticas que se revolucionaron se

chas otras naciones, ese país tiene una capacidad asombrosa

hace un trabajo de rastreo del “comienzo de todo esto”. Es en-

para adaptarse a situaciones cambiantes y ahí cambian las cosas

tonces cuando se encuentran en medio del polvo aquello que se

de manera muy rápida tanto en la ciencia como en la cultura,

olvidó durante décadas. Ese es el camino del material de culto,

de otra forma no podrían ser el país de referencia para tal de-

esa es la historia de New York Dolls y sus discos.

sarrollo científico, tecnológico y cultural, incluso su capacidad

New York Dolls eran una prometedora banda de mediados de los setentas que sirvió como referencia para todo el punk de pri-

como país es tan grande que todo el mundo huele a materia estadounidense.

mera ola tanto en los Estados Unidos como en Inglaterra. Ellos

Ahora bien, justo cuando los New York Dolls dan por finaliza-

aparecen en un momento donde el éxito como grupo necesaria-

da su carrera fugaz e intensa apareció un género que tomó casi

mente llegaba de la mano de la comercialización, esa era la úni-

todo de este disco homónimo publicado en 1973, apenas cuatro

ca forma para subsistir como banda; aún no aparecía esa escena

años antes de la explosión del Punk Rock en los Estados Uni-

subterránea que se movía por propia inercia creando fanzines,

dos e Inglaterra, este disco olvidado pasó a ser un material del

conciertos autogestionados, sellos independientes, revistas au-

culto, sus violentas letras, su carácter escandaloso en las guita-

tónomas, nuevos críticos del género rock, cuando aparecen los

rras fueron casi copiadas por el punk rock, el consumo de dro-

New York Dolls aún no había esa dinámica anticultural que im-

gas y eso tan característico de los adolescentes como es la cri-

pulsó el punk y que permitía hacerse carrera en pequeñas salas

sis existencial juvenil (de lo que se habla en Personality Crisis,

de concierto… en Estados Unidos apenas emergería el CBGB.

track que abre este disco) fue llevado a las primeras letras del

New York Dolls aparecieron antes de tiempo y en ese sentido

punk rock tanto por Ramones como por Sex Pistols (estos últi-

fueron futuristas en un momento donde sólo desarraigados les

mos con mayor genialidad y más permeados por lo intelectual

escuchaban, en un momento donde a este tipo de bandas se les

en comparación con Ramones). También la sátira de los asun-

reconocía más como Show Bands que como músicos contesta-

tos belicistas (de lo que se habla en el tercer track de este disco,

tarios, y, en buena medida, ellos se nutrían de esa necesidad de

Vietnamese Baby) fue tomado por el punk a propuesta del tra-

escándalos. Fueron la primera banda que se reconoció como

bajo de New York Dolls, ejemplo de ello es Holiday In The Sun

un grupo de drogadictos más atados a los excesos que al arte y

de Sex Pistols.

sus excesos vinieron con esa droga que vino a matar a tantos en

La revolución comenzó con las Muñecas de Nueva York, pero

el último tercio de los setentas y todos los ochentas, la heroína.

fue reconocida hasta los ochentas y más aún hasta que murió

Su disco homónimo era prometedor, incluso fue relativa-

la creatividad de la música en los noventas de la mano de ese

mente bien proyectado por los críticos, pero no existía, como ya

horripilante género llamado Rock Alternativo. En los noventas

se dijo, la masa de público necesaria para asegurar la fidelidad

también murió aquella leyenda que inspiró a tantos guitarris-

de audiencia y se convirtió en un exagerado fracaso comercial

tas del punk rock y del surf, Johnny Thunders, el guitarrista de

dando así el sello de banda maldita las muñecas de Nueva York.

New York Dolls.

Mucho se puede criticar a los estadounidenses, su tendencia

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Mexrrissey | No Manchester Label: Cooking Vinyl Fecha de Lanzamiento: 04 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Morrissey pareciera haberse tomado unas vacaciones, y tal vez haya estado en México. Y tal vez haya dejado una huella muy presente en ese país. La huella sin lugar a dudas es Mexrrissey. Pero no es simplemente un disco tributo al gran Moz, sino que acá se apropian de las canciones y las transforman en parte del repertorio, por momentos rancheras o mariachis. Elproyecto llevado adelante por el DJ y productor Camilo Lara (fundador de la música electrónica del proyecto Instituto Mexicano del sonido (M.I.S.), el director de orquesta Sergio Mendoza (Mendoza de Orkesta, Calexico), Javier De La Cueva (Fobia, Molotov, entre otras bandas) se animan a las letras en español y las versiones son muy buenas y sorprenden gratamente. Obvio que habrá puristas que no podrán creer lo que han hecho con las canciones de su ídolo, pero justamente eso es lo atractivo de No Manchester, una irreverencia amorosa a canciones clásicas de Moz como "El primero del Gang", "Cada

día es domingo", "International Playgirl", "México", "Estuvo Bien", "Entre más me ignoras, más cerca estaré", "Me choca cuando mis amigos triunfan". Y luego este trabajo tiene unas versiones en vivo de varias de las canciones grabadas en RadioLoveFest WNYC de Nueva York. Un trabajo inteligente, sincero y amoroso. Lo más maravilloso es como se adueñan de las canciones y las reinterpretan de manera exquisita.

Sweet Ermengarde | Ex Oblivione Label: Équinoxe Records Fecha de Lanzamiento: 11 de Marzo de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Esperar sorpresas y originales propuestas en el 2016 es una tarea casi imposible (pero nunca cerraremos esa puerta). Dentro la música actual nos contentamos con celebrar buenos discos y cuando logran un grado de profundidad y belleza lo destacamos. Así es el caso del nuevo trabajo de Sweet Ermergarde quienes sin innovar han lanzado un álbum excelente. Ya sé que me dirán: "Y para eso escuchó Elizium de Fields of The Nephilim", pero si es por eso no escucharíamos a muchos de los artistas que hoy escuchamos que suenan parecido a... ExOblivione tiene muchas similitudes a Elizium, eso no se discute! Pero el álbum (quitando esa gran marca FotN) es muy disfrutable, reitero para aquellos

que vean un poco más allá de la acérrima comparación. Las canciones tienen profundidad y oscuridad, gothic rock puro y con paisajes tenebrosamente atrapantes. Recomendado para amantes de obviamente Fields of The Nephilim, pero también de Merciful Nuns y hasta de The Sisters of Mercy.

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Swans | The Glowing Man Label: Young God Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Y llegó el disco menos deseado aunque esperado. El álbum que cierra (?!?) la carrera de una de las más fantásticas bandas experimentales e inquietantes como aún lo es Swans. El cierre de una experiencia que tuvo momentos gloriosos y momentos de tal confusión que agradaba al que no estaba acostumbrado a los sonidos crudos y enérgicos de la banda, ese momento en el que se acercaron al gothic Rock a finales de los ochenta. The Glowing Man es una clara muestra de la alienación pasmódica que hace que Swans sea una banda formato rock con más experimentación que cualquier otra en el mundo. Ellos se hacen dueño de la confusión y la transforma en canción, ellos se apropian de las formas del rock y del propio rock, y lo victimizan, lo torturan, lo ultrajan y lo hacen gemir de dolor. Pero mal herido y todo ese rock experimental nos conduce a estados de máxima

concentración (para no ser parte de la víctima) y sentir esa sensación de pertenecer a un mundo sin reglas y anarquía creativa como pocas veces podremos experimentar. The Glowing Man es la última puerta que Swans pretende abrirnos y dejarnos entrar... Ojalá que haya otro portal más allá de este tiempo...

Novanta | Hello We're not Enemies Label: Seashell Records Fecha de Lanzamiento: 17 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Las bandas nuevas siguen apareciendo y las sorpresas siguen llegando. Una vez más desde Milano, Italia nos llega una nueva formación con una sonoridad muy sólida y que mezcla el shoegaze, post punk. Novanta esconde al músico Manfredi Lamartina y bajo el nombre de banda Novanta tiene acuestas varios trabajos pero éste es su segundo álbum. Abre con "Sonder" que es un introducción instrumental corta y salta a "Godafoos" rítmica y dura con con toques dreampop y shoegaze, pero con una energía del post punk. "Mike" trae un aire más calmo y ensoñador. "Tell a Story" una bellísima canción dreampop con mucha luminosidad. "Akureiry" espacial y sutil instrumental, lleno de encanto y quietud. "Blue

Lagoon" trae un río sonoro que nos acuna y nos ilumina. Por momento se vuelve drone y nos mece en una cuna sónica."Melted Eyes" cierra el álbum con un comienzo calmo y austero, y se convierte en un soundscape.

Inkubus Sukkubus | Barrow Wake: Tales Of Witchcraft And Wonder Volume One Label: Resurrection Records Fecha de Lanzamiento: 20 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Este CD contiene rescata material nunca editado, nuevas canciones material y nuevas mezclas. Un compilado que reúne paisajes folk bellos que llenan de dulzura la ya rica discografía de esta gran banda. Trece tracks que para los amantes del folk y de la banda será todo una delicia. "Barrow Wake" tal vez sea el primer volumen de una iniciación a material extra que podrían llegar más adelante. A levantar

los brazos hacia el cielo y rezar una plegaria para que así sea.

Leaether Strip | Here Comes The Rain Again Label: Leæther Strip Self-Released Fecha de Lanzamiento: 22 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Single, reinterpretación, una sola canción y una versión instrumental. Leaether Strip nos tiene acostumbrado a estos singles y es algo que se repite hace ya un tiempo. Con este principio no es muy atractivo, y la verdad es que yo pensé lo mismo cuando me predisponía a escucharlo. Pero si bien la canción original de Eurythmics es excelente y se convirtió en una medida muy alta para los que quieran versionarla, Leaether Strip hizo que sin cambiarla mucho no pueda parar de reproducirla una y otra vez sin can-

sancio. Hasta la versión instrumental, que hace que el goce se prolongue otros casi seis minutos más. Una vez que termina, obvio, play again.

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Mick Harvey | Delirium Tremens Label: Mute Fecha de Lanzamiento: 24 de Junio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Desde aquel "Intoxicated Man" de 1995 o "Pink Elephants" de 1997, Mick siempre ha estado coqueteando con las composiciones de Serge Gainsbourg, Delirium Tremens es un nuevo álbum dedicado a las canciones de Sergei. ¿Qué decir al tratamiento por parte Mick a las canciones? Simplemente una joya para tardes lluviosas. La calidad en las reinterpretaciones de Harvey logra que las canciones de Gainsbourg se renueven y tengan un poco más de profundidad, tanto técnica como interpretativa, pero sin perder esa cuota de sensualidad característica del compositor francés. De estar hoy entre

nosotros, seguramente Serge, se hubiera sentido halagado por estas interpretaciones. Un álbum simplemente fino y exquisito. Como lo que siempre nos ofrece el gran Mick Harvey.

Leaether Strip | Black Leather

Label: : Leæther Strip Self-released Fecha de Lanzamiento: 01 de Julio de 2016

[ Por Diego Centurión ]

De la misma forma que hablamos de Eurythmics ahora es el turno la pionera banda belga del EBM e industrial, Klinik. Qué agregar a la canción que de por si tiene ritmo y fuerza. Simplemente bailar y bailar. Al igual que el mencionado single, acá tenemos la versión instrumental como segundo track. Y seguramente en breve tendremos otra reinterpretación de otra magnífica canción, como ya nos tiene

bien acostumbrado Leaether Strip.

Billordo | Punk de Fogón

Label: :Billordo Self-released Fecha de Lanzamiento: 01 de Julio de 2016

[ Por Damián Snitifker ]

Corría el año 2003, yo empezaba la facultad, un pibe medio alternativo con el que me juntaba me nombra por primera por primera vez a Billordo. épocas de muy poco internet, Dial-up, apenas un cassette TDK con tres canciones y posteriormente dejé de estudiar en La Plata, lo que significó no saber nada más de ese pibe, ni de Billordo. Años después la vida me vuelve a cruzar con Billordo. Precisamente trece años después, toca en Factótum, el centro cultural que tenemos con amigos artistas en Quilmes. En el tiempo que pasó me encuentro con un artista que recorrió varios formatos, hasta quedar con el que parece hecho a su medida, un acústico que el denomina anti folk, que a nosotros nos sonó a “Punk con criolla”. Un artista con diez discos, veintinueve giras por el país autogestionadas, una lucidez increíble y una urgencia por la canción, que es raro ver en estos tiempos. Tiene discos grabados con celulares, sin ningún tipo de tecnología adicional a la que posee el teléfono. En una época donde bandas gastan miles de pesos en gra-

bar su material. Billordo es una especie de Daniel Johnston criollo, y sus canciones tienen una fuerza que logra superar las limitaciones de la baja calidad del sonido de aquellos discos de bajo presupuesto. Entre mayo y Junio de 2016, vuelve a grabar en un estudio. Se instala en HG Estudio en la Matanza y vuelve a un sonido limpio y con la posibilidad de poder jugar con una mezcla. El resultado es un Ep de cuatro tracks que nos trae canciones con fuerza, hits anti folks. “Punk de fogón” es el disco numero once en la carrera del músico, con quien la escena actual no suele ser muy amable, pero eso no logra detenerlo, demuestra que su compromiso es con el publico y eso es lo que parece motivarlo a agarrar su guitarra y dispararse hacia los puntos más remotos del conurbano y el país. Punk de fogón está disponible en su bandcamp y se puede descargar de forma gratuita desde dicha plataforma, es muy recomendable que se den una vuelta http://billordo.bandcamp.com/ y aprovechen para chequear los anteriores discos.

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Tanzwut | Schreib Es Mit Blut Label: : AFM Records Fecha de Lanzamiento: 08 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

Los alemanes de Tanzwut lanzan un nuevo álbum enérgico, como ya sabemos y podemos esperar en la línea del metal industrial impuesto por sus coterráneos de Rammstein o ASP, algunas cosas de HIM o The 69 Eyes. Rock guitarrero potente, punzante y explosivo. En varios temas las gaitas le dan un aire más pagano pero la contundencia de las guitarras se llevan los laureles. Un buen álbum.

American Anymen | Selectively Stupid Label: : American Anymen Self-released Fecha de Lanzamiento: 16 de Julio de 2016 [ Por Diego Centurión ]

La banda de Nueva York edita este primer single de su futuro álbum "Start My Center". El primer tema de este simple no deja de energizarne como las primeras grabaciones de Wire, post punk crudo y rudo. Un sonido constante y los instrumentos bien al frente. "Selectively Stupid" y "Beach and The Sun" son las canciones de este single y son las que nos dan ganas de salir a la calle de una gran ciudad con la locura del tránsito y el volumen de los tracks

bien alto.

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DERECHO DE PISO

NEXUS-6

[ Por Maxx Wilda ]

Formada por el 2005, Nexus-6, con sonido electro-industrial, retoma todos los condimentos del punk, post punk y minimal wave de los 80s para una combinación poderosamente atractiva. Integrada por benway (programación, guitarra y voces) y Luz (voces y sintetizadores), esta banda de algo más de 10 años ha tenido un rodaje más que interesante, 2 videos oficiales, apariciones en compilados ("Future Clash 2" y "This is Underground" de Advanced Synergy Records-Mexico, "Cyberpunkargentina Tecno Melodias Biomecanicas" y "MGZN-E Edición Especial Argentina"), un puñado de EPs (con remixes de Cute Heels y Fetiches De Faster) y el LP "Blinded by Reflections" (2012). Presentes en varios sellos, Black Montanas es su última casa. Han recorrido la escena electro nacional en los más variados lugares, por lo que muchos de nosotros los hemos visto alguna vez.

Nexus-6 nos invita a bailar y bailar (que es en parte lo que busco) sin dejarnos olvidar de que son una banda y no música que sale de los parlantes. Basslines poderosos, bases rítmicas cuidadosamente arregladas, climas y sintetizadores con sonidos clásicos pero con una vuelta de tuerca, riff de guitarras que rompen con el esquema electro-dance clásico y finalmente las voces, perfectamente combinadas y balanceadas, dejando que Luz lidere sin que benway quede opacado tras efectos. Un cóctel del que The Hacker, Dirty Pincess o Miss Kittin podrían envidiar. Recomiendo hurgar en su música, disfrutar con un leve headbanging, descubrir a esta excelente banda y calentar motores para verlos en vivo. Los must: Party Doll, Another World y DIrty Dancefloor. https://nexus-6.bandcamp.com/

THE NOCOVERS

[ Por Ariel Soriano ]

The Nocovers es un dúo de guitarras que tocan en vivo sobre

incluidas Apple itunes, spotify, Deezer, YouTube Music, Me-

las pistas de sus propias programaciones y grabaciones. El pro-

diaNet, GreatIndieMusic y más, aunque solo en bandcamp fue

yecto nace en abril del 2014 después de una charla entre ami-

subido a modo de rareza el Lado B "There's a Hole". El mismo

gos y mientras escuchaban discos. El tinte compositivo va des-

fue grabado por The Nocovers en su estudio, y luego fue mez-

de el post-punk, Noise-pop y Darkwave de los '80 al Shoegaze y

clado y masterizado por Flavio Etcheto.

Gothic de los '90. The Nocovers son Martin Giles en guitarra, y Gabriel Boccanfuso en guitarra y voz.

Entre sus presentaciones se destacó el debut en vivo para la Psycosonic Fest (Nov 2014) junto a la legendaria banda Iguana Lovers, y la invitación de Luzparis para abrir su show en Mu-

"Consideramos nuestro arte como una mezcla de influencias

seo Mar en el escenario de Cultura B.A (Feb 2015) Actualmen-

que viajan en los sonidos de guitarras y canciones, y en las letras,

te repiten la fórmula con Flavio Etcheto con quien se encuen-

que son escritas con la sangre de nuestras experiencias."-dice

tran mezclando y masterizando su segundo simple "Far Away"

Gabriel, quien escribe en inglés.

próximo a editarse bajo el mismo formato , el cual contendrá con una versión acústica del mismo tema , y con amigos invi-

En Septiembre 2015 editan en forma virtual su primer simple "I'm My Own Now", el cual fue distribuido en 39 plataformas

tados de las bandas Altocamet, Tomates en Verano y Molinete Lumpen.

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