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Articulos

La mano de María del Carmen Texto/Sugel G. Michelén// Fotografía/Ana Conde ADN Lyle O’Reitzel/Tatiana Pagés/ Ingrid Grullón/Freddy Jana// Texto/Top//Fotografía/Ana Conde Chicago Texto/Sugel G. Michelén//Reportaje/Marcos Cabrera/Alexander Lois/Sugel G. Michelén//Fotografía/Marcos Cabrera

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5. Omega se casa con mi hermana/ Hulda Guzmán

Avant Garde Texto/Top//Imágenes/Fuente externa República Dominicana: Capital Cultural Popular Colaboración de Modafoca El ojo del amo: Scouting/Alexander Lois Obras// 1. Esto no es poesía/Adela Dore 2. Golden Years niña buble para tiempos duble/Luis E. Reyes Guzmán 3. Multipolaridad/Joery Santos 4. Boca Chica Beach/José Levy

6. Concierto de Aranjuez/Gustavo Peña Nicole Jiménez en Colombiamoda Texto/Top//Fotografía/Fuente externa Moda: Apocalipchic (Texto en editorial) Sin título Texto/Melissa Vargas Funeral de Don X Texto/Sugel G. Michelén//Ilustraciones/Patricia Guerra Better Faster Stronger Texto/Top//Fotografía/Por los entrevistados Grupo Multidisciplinario Texto/Top//Imágenes/Grupo Multidisciplinario Green Power Texto/Rafael Octavio Bruno// Ilustración/Patricia Guerra Por suerte hay crisis Texto/Sugel Gamal Michelén// Ilustración/Bernardo L. Vega Coco Rosie Texto/28ºC Colectivo Sonoro// Fotografía/Coco Rosie Eventos Texto/Top//Imágenes/Fuente externa

Top 05

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contenido Editorial

Colaboradores

p. 26

La mano de María del Carmen 26 Una prueba de la cocina de la nueva generación del Vesuvio de mano de María del Carmen Bonarelli

ADN

Notables individuos locales con un gusto por lo universal, como el publicista e ilustrador Freddy Jana, el galerista contemporáneo Lyle O’Reitzel, la diseñadora y publicista Tatiana Pagés, la literata Ingrid Grullón, así como el guitarrista Anthony Ocaña; nos dan un acceso personal a sus carreras.

p. 54

Chicago

Una visita a la capital industrial de midwest norteamericano, cuna de grandes movimientos de la modernidad.

Avantgarde

Diseño en todo.

Mapa Gráfico Rep. Dom. El ojo del amo

Una selección de las mejores obras seleccionadas en la Bienal XXV

p. 72

Nicole Jiménez : Colombia Moda

La joven diseñadora Nicole Jiménez, luego de Dominicana Moda ’08, fue invitada a participar en ColombiaModa ’09 con gran atención de los medios.

Apocalipchic Sin título

p. 92

100

El Funeral de Don X

102

Better Faster Stronger

105

Diseño Industrial Hispanoamericano El brasileño Bernardo Senna, los argentinos Marcos Madia y Franco Cagnina y nuestra Natalia Ortega, diseñadores jóvenes latinoamericanos nos dan una perspectiva sobre que esta pasando con esta nueva ciencia-arte del futuro.

Grupo Multidisciplinario

114

p. 94

El trabajo de un grupo de profesionales de diferentes disciplinas, que enfrentados con la necesidad creciente del ambiente local ha dado un empuje a nuestra emergente cultura contemporánea, por medio de la coordinación de conferencias, encuentros y exposiciones.

Green Power

118

Un análisis del efecto de la tecnología del turbo en la industria del diesel Por Rafael Bruno

Por suerte hay crisis Música

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122

Una entrevista a la banda de música experimental americo-francesa CocoRosie Por 28oC.

Eventos

Directorio

126

124

p. 112

editorial

06CULTURA CONTEMPORANEA

top 06 E

s cuando los días se vuelven largos por la intensidad de la labor en mano, que el tiempo parecería pasar más rápido. Así como todo fue surgiendo hasta producir un primer producto, hoy nos vemos entregándoles nuestra edición de primer aniversario. En el tiempo que tenemos trabajando, nuestro esfuerzo hubiera sido en vano si no contáramos con el apoyo de patrocinadores y colaboradores que han seguido con nosotros hasta ahora, sosteniendo con entusiasmo nuestro proyecto, creyendo en nuestro criterio. En estos momentos, en el mundo ocurre una revolución cultural como consecuencia de la centralización de la información y los medios de producción en la Internet. Esta universalidad ha llegado a nosotros así como al resto de Latinoamérica, que por su caótica historia el siglo pasado, sus manifestaciones de identidad propia y global se han visto limitadas a sus contextos locales con excepcionales casos. Actualmente, artistas jóvenes de estas culturas emergentes están reinventado y creando nuevas manifestaciones, así como llevando a los mercados mundiales los símbolos e historias de nuestra realidad. Top intenta documentar esta revolución. De la misma manera en Santo Domingo, surge una nueva generación que traduce un lenguaje propio que nunca se ha hablado. En esta edición, para la sección ADN tenemos un elenco de grandes individuos comparten el protagonismo; Freddy Jana, ilustrador y publicista reconocido internacionalmente, Anthony Ocaña, guitarrista clásico residente en España, Tatiana Pagés, publicista estratega y artesana, Ingrid Grullón, Literata e intelectual, así como el galerista contemporáneo, Lyle O’Reitzel. Todos estos tienen en común la relación intrínseca de sus trabajos con la universalidad. Para la sección Ojo del Amo presentamos los trabajos premiados en la XXV Bienal de Artes

Visuales, presentados en el Museo de Arte Moderno, así como una crítica de la curaduría y resultado final de la misma. Luego del fructífero taller DesignThinkingRD, registramos la labor del Grupo Multidisciplinario, que aunque han comenzado sus funciones de manera reciente, han dado grandes pasos hacia traer y expandir los oficios de la cultura contemporánea, desde diferentes puntos de vista. Desde nuevos capitales del diseño latinoamericanos los argentinos Marcos Madia y Franco Cagnina, así como el brasileño Bernardo Senna, que junto a nuestra Natalia Ortega, nos dan a probar un poco de lo que está pasando en las manos de las mentes emergentes de Latinoamérica. Los colaboradores que han estado con nosotros desde un principio, Rafael Bruno, Melisa Vargas y el Colectivo Sonoro 28c, Eduardo Bergés y Anthony Guerrero, nos dan el filete con el que siempre nos han enriquecido. Las artistas Américo-francesas CocoRosie respondieron a nuestros colaboradores de música algunos breves comentarios, sobre su trabajo, estilo y planes. Arnaldo Vargas, dominicano residente en Nueva York, nos preparó una perspectiva del anunciado fin del mundo desde los ojos de la moda masculina. En el año que tenemos trabajando, los artistas que siempre hemos admirado, uno a uno han ido accediendo a trabajar con nosotros, lo cual ha sido un honor y un privilegio. Representantes de la cultura contemporánea global, desde filósofos hasta diseñadores industriales, artistas plásticos y fotógrafos de moda, han visto en la revista un medio con pasión por sus pasiones y que comparte el intento de relevancia de los que constantemente producen, pudiendo así decir que somos la primera revista de cultura contemporánea de Santo Domingo.

Alexander Lois

Obra de Portada/ Golden Years niña buble para tiempos duble/Luis E. Reyes Guzmán// Acrílico y óleo sobre tela/2009

Dirección/ Alexander Lois Dirección administrativa/ Samuel G. Conde Dirección creativa/ Mario de Ferrari Dirección de arte/ Marcos Cabrera Díaz Diseño y diagramación/ Marcos Cabrera Díaz Patricia Guerra Contenido/ Sugel Gamal Michelén Producción y coordinación/ Racel Molinari Asistente de Producción/ Josip Valerio Fotografía/ Ana Conde Venta y relaciones públicas/ Racel Molinari, Alexander Lois Corrección de estilo/ Marta Isa Impreso en Amigo del Hogar Top Properties no se hace responsable por las opiniones emitidas por los colaboradores de esta revista. Top Vida Arte Cultura es una propiedad intelectual de Top Properties, S.A.Calle Segunda #2 Arroyo Hondo Viejo, Santo Domingo, República Dominicana.

809 566 5622 RNC 1-30-47760-4

colaboradores

Rafael Bruno/LAURA RODRIGUEZ(ARUAL)/ arnaldo vargas/28°Colectivo Sonoro(Eduardo Bergés/Anthony Guerrero)/Natalia Ortega/Samuel Conde/ Hilda Gómez/Modafoca/Melisa Vargas Agradecimientos//Oscar Diaz/ Enzo Bonarelli/Mary Carmen Bonarelli/Carla Ramírez Toca/Tatiana Pagés/Ingrid Grullón/Lyle O’Reitzel/Galería Lyle O’Reitzel/ Marcos Madia/Bernardo Senna/ Franco Cagnina/Cagnina Design/ CocoRosie/Bianca Casady/Krista Schmidt/Carolyn Nicolás/Ojo por Ojo/Grupo Multidisciplinario/ Freddy Jana/Anthony Ocaña/ Antonio Ocaña/Museo de Arte Moderno/Margarita Grullón/

Nicole Jiménez/Fresh Factory/Ali Ha/Deborah Stronks/Spice PR/ Paul O’Connor/Chicago Metropolis 2020/UNstudio/Liz Euwes/ Daniel Enoksson/Daniel Enoksson Studio/Balcones del Atlántico/El Catador/Stiletto/Valiente Fernandez/Samuel Conde y Asociados/ Posh and Design/Ilumel/Siol y Siol/Datelly/Propagas/Vinícola del Norte/S. O. Producciones/ Grupo Punta Cana, Ana Conde Fotografía/Daisy Sánchez Realty/

Gold Center, Alma Motors/Puma/ Punta Goleta, Datelly/Model Realty LLC/Pizzarelli/Risk Managers/Sofisa/V Kool Dominicana/ Vinícola del Norte/Asociación Dominicana de Sommelieurs/ Banco León/Depilight/Rayo Verde/Vinos S.A./Barceló & Co./ Cervecería Nacional Dominicana/ Sotheby’s/Bright Image Lab/Vesuvio Malecón/Bona S.A/Fernando y Víctor/Dalton Gata/Anier Barros/ Jane Marie Davis/Dewars/Mijas/

Chef Carlos Martínez/Karla Rosales/Ana Thomen/Samuel Conde/ Miguel Dueñas/E. León Jiménez/ Presidente/Miller/Carne & Co./ Banco Popular/Factoría/Gastroteca/Carlos Estévez/Rosángela Acosta

LA MANO DE MARIA DEL CARMEN

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MarĂa del Carmen

uando en el malecón caminaban los hijos con sus padres, los señores se paraban a saludarse, las hijas les decían en secreto a sus madres que se le veían las enaguas, e iban todos a misa; había un restaurante “El Vesuvio”, fundado en 1954. Desde entonces ha conservado el status de corte no oficial de la sociedad dominicana. Don Annibale Bonarelli y Doña Immacolata, más que sus fundadores, fueron el motor constante y su pilar. El Vesuvio Malecón, tiene el carácter que él le imprimió: Empeño, devoción y firmeza. Después de eso, hubo: un magnicidio, un golpe de estado, una invasión militar y una revolución. Pero el restaurante siguió ahí, beneficiándose de los criterios sanitarios de los norteamericanos y haciendo de sus demandas, un standard. Después de la revolución de 1966, cerraron y renovaron todo, abriendo un nuevo restaurante de tradición. La palabra “tradición” es problemática para Don Enzo, su hijo y administrador, un problema de definición. Por un lado, tradición es lo que los jóvenes rechazan para crear nuevas cosas, pero es también los lugares alrededor de los cuales se crece y se madura. Las cosas que pasan los padres a sus hijos. Él prefiere el apellido de “familiar”, porque ahí las palabras lo benefician. Es un restaurante que ha sido parte de muchas historias familiares.

Los Bonarelli son ya cinco generaciones de trabajadores, que en su área, cada uno se ha convertido en exponente de la cultura italiana de la que son acólitos. Pizzas, restaurantes y vinos. Aunque han sido confundidos con ser una gran estructura de negocio familiar por las relaciones que comparten “nos une la sangre y no el dinero”, dice Don Enzo, y es por esta razón que han podido mantener la cohesión por tantas generaciones. El reto siempre ha sido mantenerse actualizado sin perder la familiaridad. Tener un dramatismo en la comida conservando la mística que la gente busca en ese y no en otro lugar. Desde un principio, El Vesuvio se convirtió un lugar al que se vuelve, como al hogar. Después del Teatro, los domingos con la familia, en las tardes con los amigos y socios. Se ha vuelto tan personal, que la gente habla de la marca como de una persona. Algunos de los camareros, capitanes y sommeliers, tienen más de cuarenta años siendo parte de la Casa, dando servicio no solo al cliente, sino a la persona y su familia. Tienen recuerdos para hacer un libro. El código de conducta establecido desde un principio, aunque funcionaba implícito, era rigurosamente aplicado para asegurar que todo se mantuviera engrasado en las ruedas de la convivencia.

Mary Carmen, hija de Don Enzo, asumió la cocina con una nueva misión. Desde que tuvo que elegir su carrera, se decidió por la cocina. Al principio, su abuelo se negó; era un trabajo demasiado fuerte y sacrificado para una mujer, temía; pero al ver su determinación y luego de mucho convencimiento, la puso bajo su tutela en la cocina del restaurante. La escuela familiar fue ardua y comprensiva. Su abuelo le quería mostrar el rigor necesario para sostener lo que él había edificado. Don Annibale, estaba preparándola para que ella siguiera su hegemonía en la cocina. Eso fortaleció su convicción. Al gra-

duarse, en el año 1993, y no tener opciones de estudiar Artes Culinarias en las universidades locales, se decidió por administración hotelera en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, buscando las clases de cocina. Luego, pasó a estudiar en el Culinary Institute of America en Hyde Park, Nueva York. Este reconocido instituto es poseedor de múltiples honores dentro del exigente mercado culinario que lo erige como líder en la materia. Luego de diferentes trabajos en restaurantes en Miami e Italia, así como un constante refinamiento de su educación y técnica, regresó al negocio.

Cuando llegamos al restaurante, ella era la que estaba detrás de los mandos de la cocina. Nos confesó que desde que la contactamos, su deseo fue presentarnos una propuesta propia de los platos familiares. Es tan jovial y franca, que con poca presentación y a pesar de tener un ángulo tímido, rápidamente estábamos conversando de algo tan personal como su yo. La alta cocina siempre ha sido un mundo de hombres y cuando estudiaba, por cada mujer había seis hombres. En la cocina, trabaja con treinta y seis, entre chefs, sous chefs, asistentes de cocina y demás; pero todos se

adaptaron rápidamente a ella. A pesar de que el cambio fue brusco y la silla que antes gobernaba Don Annibale, ahora la ocupa ella. Tiene la misma terquedad y criterio que él. No fue en vano lo que aprendió en la dura escuela, pues esto le permitió estar en el lugar en que hoy se encuentra, con todo un negocio por administrar. Lo primero con lo que nos quiso sorprender, fue un Antipasto De Mar, que estaba incluido en el menú, pero con su toque personal. La presentación era impecable y elegante, igual que el sabor que maridamos con un Santa Rita Reserva Sauvignon Blanc 2004. Este vino tinto, chileno de origen, es equilibrado, seco y frutal, por lo que queda bien con los mariscos y los calamares, en general. Euclides Alcántara, el sommelier de la Casa, fue quien trabajó con nosotros en la selección de los vinos, explicándonos su decisión. También nos contó de la evolución que ha visto en el comensal en los últimos años. Para el segundo plato, nos preparó una pasta con camarones, y con la intención de darle vistosidad a la presentación, nos regaló colores negros, rojos, verdes y amarillos.

27 Los gambas tenían un sabor fresco y sazón propio, que colocados sobre todo daban cierto dramatismo. El vino con que lo maridamos fue un Tinto Quintanal, Ribera del Duero, 2006. Este español compuesto de uva tempranillo que el sommelieur describió como “suave en boca”, marida por balance con los sabores de la salsa, que no eran muy intensos. Este plato, Mary Carmen, nos los trajo en un bowl en forma de cucharón de la prestigiosa marca Villeroy & Boch, de la que se siente orgullosa. Cosas como estas con un diseño genial, son los detalles que ha podido introducir en el repertorio de los que ya tienen expectativas establecidas. Al volver a trabajar en el restaurante, luego de estar en contacto con las ideas y herramientas más avanzadas de la cocina, la adaptación fue difícil. Es imposible no querer que las cosas mejoren, pero todo tiene su tiempo de evolucionar. Este segundo plato es un excelente ejemplo de las innovaciones que se pueden hacer, dentro de la estructura de un plato tradicional. Con la nueva posición de Chef Ejecutiva y su hermano Enzo al lado, tiene

la capacidad, casi la responsabilidad, de renovar lo que ya existe y que es totalmente necesario. Diferentes planes ya están en cocción, pero Don Enzo nos pidió que le permitiéramos quedarse con sus sorpresas como trucos de guerra. Como fondo de la comida, los objetos de diseño, los vinos y todos los que circulábamos por la producción, estaban los cuadros de principios del siglo pasado que trajo Don Annibale, con escenas de su Nápoles con el volcán Vesuvio de fondo. A nuestra derecha están las “damas” totémicas y hermosas de Pratts Ventós. La integración del arte con la oferta gastronómica estaba en la visión de Don Annibale desde un principio, antojándose durante una renovación del mural del maestro dominico español Pratts Ventós, que hay en el Salón de Los Vinos. El cuadro, hecho en relieve, en madera, representa una vista del Vesuvio desde una ventana. Colgando del techo se ven jamones, en el medio se observa una columna pompeyana con una voluntariosa manzana roja en el centro de todo el mural, alrededor está llena de di

ferentes iconografías solicitadas, así como típicas del artista. La decoración en cerámica bizantina que cubre toda la pared del área central, fue elaborada por las manos de todos en la familia, junto al Maestro, de niños a grandes, cuando se estaba creando. El espacio siempre ha preservado una estética correcta para satisfacer los ojos de los más exigentes, comenzando por sus dueños, administradores y familiares que comparten la pasión del abuelo con selectas colecciones de arte, como afición privada. La imagen del tercer plato, tenía la huella de Don Enzo. Cuando Mary Carmen, nos preparaba el Filete de Chillo a la plancha, tomó la sugerencia de usar el espinazo del pescado para enmarcar el platillo. Como acompañante del Chillo, un risotto de tomates secos que completaban con una inmensa variedad el sabor del ensamble. Para este plato, un Chardonnay de Napa, Robert Mondavi Private Selection 2007, hizo el maridaje. Este vino es un poco más fuerte, y esto contrasta con el romero, que tiene un sabor mas pronunciado. Fue también un Mondavi que acompañó el Postre, que llegaría poco después y nos dejaría fascinados. Una Casatta Napolitana, un clásico del Gellatto italiano, con sabores desde pistacho, fresa, crema de Chantilli y cerezas, organizado en capas de sabores y que por la simpleza de su sabor y el rigor de su preparación, es de los favoritos desde el 1955. El Riesling Californiano, como

hemos comprobado en otras ocasiones, fue una adición dulce que completó la comida, con algunas pocas cucharadas y algunos más sorbos del blanco, refrescante y bueno, como un poco de miel. Durante todo el proceso y con un trabajo de producción detrás de bastidores días antes, Carla Ramírez Toca, nos atendió con mucho interés. La Encargada de Comunicaciones que en su poco tiempo como parte de la Casa, ha absorbido tanto la pasión del restaurante como la de la nueva generación de innovar y ampliar la propuesta, es parte de los nuevos planes. Así como los clientes que vuelven como parte de sus rituales de vida al restaurante, con la satisfacción to-

dos prometimos volver, si nos preparaban los platos off-the-record que nos entregó Mary Carmen y el staff. Es esa la reacción que busca Don Enzo, así como l a nueva generación, sintiéndose lleno de gozo con el recuerdo de cuando su padre caminaba en el Mirador y todos se le acercaban con cordialidad, por la experiencia humana que su anfitrión les sigue proveyendo.

ADN

Lyle O’Reitzel tatiana pagés ingrid grullón Anthony Ocaña Freddy Jana

ALGO PERSONAL

LYLE O’REITZEL Texto/Top//Fotografía/Máximo Del Castillo

eencontrar el trabajo de José García Cordero, fue lo que catalizó el interés de Lyle O´Reitzel en el arte contemporáneo. En ese momento, no lo veía como la carrera que terminaría siendo, sino como una pasión por algo que lo cautivó. Había conocido a García Cordero trabajando en el Atelier Gazcue de su familia, donde se vendían materiales de pintura y también arte de manera informal. “Nos unieron los Beatles y los Rolling Stones” dice obviando la mejor parte de esa historia. García Cordero ya se había ido a vivir a París y estaba de paso por Santo Domingo por unos meses. Después se fue por mucho tiempo. En un viaje a París en el ´87, Lyle lo buscó en la lista telefónica y “el único nombre en español en la lista era el del”. Se juntaron y viendo su trabajo, fue que entendió que quería dar a conocer la obra de García Cordero. Así, cuando volvió le fue enseñando el arte a amigos, relacionados, coleccionistas, hasta que hizo la primera exhibición del artista, en el Atelier Gazcue. Esta exhibición fue un claro rompimiento con el arte más tradicional que predominaba en el ámbito local y causó cierto revuelo, vendiéndose todas las piezas la misma noche. Luego de ahí, el paso fue natural hasta convertirse en representante de García Cordero y galerista como tal. Desde un principio, comenzó el trabajo de relacionarse internacionalmente. Ponerse en contacto con el universo de coleccionistas y artistas latinoamericanos y del mundo, de forma que el arte local en la que él creía conviviera junto a otros artistas contempo-

ráneos latinoamericanos. Desde un principió integró al maestro haitiano Duval Carrié al espacio de la galería, a Eleomar Puentes y Gustavo Acosta, después fueron llegando Luis Cruz Azaceta y José Bedia que son maestros cubanos ya consagrados a nivel mundial. Luego, con la integración de Gerald Ellis, el primero de los artistas emergentes, le dio una frescura a la propuesta de la galería, al mismo tiempo que dio apertura para que otros artistas jóvenes se integraran. Gustavo Peña y Hulda Guzmán, cuando los descubrió en el 2008, le causaron tal impacto, que les preparó en pocos meses la exhibición “Urgente: Arte Emergente” y desde entonces, los ha mostrado por diferentes ferias en todo el mundo, consiguiéndole entrada en importantes colecciones. ¿Porque, qué tienen en común artistas tan dispares como Azaceta y Duval-Carrié con Hulda y Melissa Mejía? El criterio. “todo galerista tiene que ser su propio curador” explica, “una galería tiene que tener una propuesta, tiene que arriesgarse y tener una línea que la defina”. Lyle tiene gran admiración por los artistas con los que trabaja y lo que ha encontrado en todos es honestidad. Que son artistas sin compromiso con el mercado, que a partir de sus talentos crean lo que ellos entienden es su expresión más íntima, más original. “Yo entiendo que cuando hay un aporte real, innovador, cuando el arte es de ruptura con lo establecido o con lo que se supone que vende, entonces entra en otras fronteras” dice con quince años de experiencia y con cierta satisfac-

ción “Y ahí es que nosotros hemos llegado. Nuestros artistas no quieren ser convencionales”. Desde que entran a trabajar con Lyle, lo que éstos adquieren en común es el espacio en sí. Una sinergia mágica ocurre entre los artistas que comparten el espacio, que conociendo lo fuerte de las propuestas de las demás firmas, se ven empujados a superarse para entrar dentro del criterio cada vez más elevado de la Galería. Este constante reto entre “monstruos, montricos y aspirantes”, hace de la galería un espacio vivo del arte contemporáneo. Con esta propuesta, Lyle ha hecho un trabajo exhaustivo de presentar sus artistas a los ojos del circuito contemporáneo del arte. Anualmente, se presenta en ferias en Milán, Buenos Aires, Nueva York, México, Miami y otras capitales del arte. Y estando ahí, tomando el pulso de lo que está ocurriendo, ha comprobado que los talentos locales que representa, así como los maestros latinoamericanos, tienen mucho que aportar al discurso universal del arte, que ahora con la Internet está más disponible para todos. Lyle ha subido el nivel de arte que se demanda en el mercado local, así como ya se ha ganado la confianza de los coleccionistas en su trayectoria. Los que han creído en el arte en la que cree Lyle, en especial emergente, han visto en poco tiempo cómo sus obras adquieren valor y relevancia en el mercado. La rigurosidad de un trabajo bien hecho, de un criterio que nunca deja de nutrirse, produce resultados. Este año, fue invitado a Pulse, una exclusiva feria que al igual que Scope, es satélite del Art Basel

que se celebra en New York, Londres, Suiza, Los Ángeles, y en los últimos cinco años, en Miami. Dentro de este circuito, un comité curaturial seleccionó la propuesta de la galería con artistas como Gustavo Peña, Melissa Mejía y Gerald Ellis. “Son el tipo de satisfacciones que uno recibe cuando uno se arriesga a proponer en lo que uno cree” dice Lyle argumentando un punto del que está convencido. Su inclusión hace tres años en el Wynwood Art District en Miami, fue una manera física de capitalizar y marcar el territorio que había conquistado con relaciones. La Galería ha entrado en un nuevo nivel con un acceso a coleccionistas y curadores de arte contemporáneo mucho más demandantes. Cuando Art Basel decidió hacer sede en Miami en diciembre, hace cinco años, una revolución cultural se puso en movimiento. Lo que era llamado el antiguo Barrio Boricua en el downtown, bloques de almacenes y fábricas de zapatos, con bodegas y liquor stores, poco a poco, comenzó a ser colonizado por galerías y museos privados buscando un espacio barato y por supuesto, gravitar alrededor de esta feria. Al día de hoy, hay más de sesenta galerías de todo el mundo en lo que se llama el Wynwood Art District, y ya tienen entre sí cohesión y competencia interna, siendo un microuniverso que cada vez más entra en el mapa del high contemporary art. Cada dos sábados, ocurre el llamado Gallery Walk en el que las galerías abren sus puertas con exhibiciones nuevas y los visitantes pueden ir caminando de una galería a otra, siendo agasajados con vinos y quesos en algunas, tragos y buen arte en otros. Todo esto ha

convertido en Miami en Capital de arte latinoamericano, en el que cada vez más hay un interés y del que Lyle tiene grandes representantes. Latinoamérica, al no haber alcanzado el nivel de potencia, nunca ha tenido el spotlight y todavía tiene muchas historias que contar. “Una de las cosas que pasa, es que el ojo se va educando” nos dice explicando su arte en el arte “Uno se la pasa viendo, mi trabajo es ver, encontrar la belleza donde no la hay y es una cosa tan obvia, que ya cuando tu ves algo que es realmente bueno y original y tiene base, en un segundo te puedes dar cuenta”. “La tecnología ha permitido que pseudo artistas puedan ingresar casi por asalto al escenario contemporáneo y hay que tener mucho cuidado de no dejarse engañar, porque a veces están mezclados los que son y los que no son” dice con cierto recelo. El galerista es como un portero, que sobre su persona tiene la responsabilidad de discernir quien entra a la palestra. Pero Lyle admira al artista. Al artista honesto. “el artista es un narrador de su tiempo, un crítico de su entorno y de la misma manera documenta la época en que vive, y se hace eco a través de su discurso de lo que está pasando” dice con elocuencia. El problema es que esa universalidad del criterio que ha dado la tecnología, ha producido que los artistas (no tan honestos) se copien entre sí. Eso hace que el curador tiene que cada vez ser más enciclopédico con Google, viajar a ferias y actualizarse, para asegurarse que está frente a una manifestación original del arte. Pero eso sí, cuando alguien que ve tanto encuentra algo que todavía le sorprende, es una gran satisfacción “El arte cuando es original y realmente revoluciona una época, pues no

tiene tiempo, siempre se ve actual” dice recordando una obra maestra de Lam que vio en La Habana. El galerista del nuevo siglo no es un vendedor, ni un marchante, sino un curador apasionado y un crítico autodidacta, que pone su esfuerzo en lo que cree y discierne como lo mejor. Todo artista que aspire a algo de relevancia en Santo Domingo, pasa frente a Lyle O’Reitzel para catar su trabajo. En esos momentos, Lyle es mucho más que galerista y se erige como vox dei sobre qué puede o no coexistir en su espacio, que es epicentro del movimiento latinoamericano. Su criterio es siempre catártico y contracorriente. Desde un principio, los artistas locales que trabajaron con él como Raquel Paieowonsky, Inés Tolentino y Elvis Aviles, se caracterizaron como artistas de rompimiento. Desde esa primera exhibición de García Cordero, el cuadro “Un Perro Andaluz” habitó en un popular bar local desarmando a todo el que lo veía y cultivando una curiosidad, que haría que esos jóvenes fueran los que luego se convertirían en los coleccionistas que ahora siguen sus artistas y compran sus obras. Su antiguo local en la plaza Andalucía, por muchos años asustó y asombró a los que pasaban en sus rondas por la vida nocturna. Si algo se puede decir de Lyle, algo que se puede ver de lejos, es que se puede parar de pie donde sea que esté. Ya sea entre artistas, coleccionistas u otros galeristas. Y es porque Lyle, a su manera, ha convertido su oficio en arte.

Primera obra vendida por Lyle O’Reitzel: El perro andaluz//óleo sobre canvas//1988// José García Cordero//Colección Viriato Pernas Piantini

TATIANA PAGés Texto/Top//Fotografía/Máximo Del Castillo

atiana Pagés es una curiosa aventurera, apasionada del arte, el diseño y la publicidad; tan dominicana como universal. Recientemente, volvió al país a presentar su colección “Ethnic Vagabond” de su reconocida marca LAIO (Once In A Lifetime) en la Galería Lyle O’Reitzel. Éste, a su trabajo le ha llamado “Obras de arte que se pueden usar”. Estas piezas, compuestos de materiales multiétnicos que ha encontrado en sus viajes y mostrando un criterio maduro, presentan un acercamiento a la identidad del emigrante, que se compone de lo que encuentra en todos lados, pero creando un sólido Yo individual. Igual que Tatiana. Es una empresaria artista o una artista empresaria; no se decide. Al mismo tiempo, su visión sobre lo que ella entiende que debe ser la integración del arte, la publicidad y la cultura es fascinante. Tatiana Pagés es parte de una tradición en la publicidad y como parte de ella, tiene una pasión honesta por la capacidad que tiene de transmitir ideas y mejorar la sociedad. Durante su tiempo como profesora de Estrategia en Chavón lo hizo como un aporte a la cultura contemporánea, siendo una ferviente creyente en lo emergente y en lo local. Stephen Kaplan fue uno de los que la inspiraron y la empujó a crear su propia marca, que terminó siendo conceptualizada con ayuda de su amigo, Mario de Ferrari en LAIO. Cuando nos encontramos con ella en el espacio donde sus obras todavía estaban siendo expuestas con sólo pocas palabras nos enfrascamos en un interesante conversatorio sobre lo que estábamos observando, y la historia detrás de la mujer de negocios con una sólida visión, pero que se autodenomina una “Ethnic Vagabond”.

Explícanos lo que podemos conocer sobre ti, en esta colección de LAIO? Te voy a explicar por qué soy una “Ethnic Vagabond”. Mi papá era catalán y mi madre chilena. Nací en Chile, viví en Bolivia, en Puerto Rico; he vivido la mayor parte de mi vida en Santo Domingo, Estudié Publicidad en la Universidad de Illinois, he vivido en Barcelona y ahora vivo en Nueva York. Las mejores cosas de mi vida me han pasado aquí, pero sin embargo, siempre me quiero ir. Después de de estudiar y trabajar en Chicago, me fui para Chile, allá trabajé por tres años en Leo Burnett. Después volví a Santo Domingo. Aquí conocí a quien ahora es mi esposo, nos fuimos a Chile, allá tuve mi hija, volvimos para acá y luego, yo lo convencí para irse a New York. Este país tiene el corazón de uno amarrao’, pero el intelecto sentía que se me estaba muriendo. Yo necesito constantemente un reto. En ese ínterin de volver acá nació LAIO, Once in a Lifetime, en el 2001. Aquí yo hice el trabajo que sabía hacer que era “branding”. Yo soy una “brand strategist”. Creamos el concepto, la marca y todo, pero todavía no tenía la capacidad de hacer una colección. Le mostré mi trabajo a Sully Bonelly, y me dijo que estaba chulo, pero que le faltaba la cohesión como para hacer una marca. Y no fue hasta ahora, que estuve lista de presentar una colección como tal. Yo soy estratega y vivir en Nueva York me ayudó mucho para lograr hacer esto. Por eso, yo encontraba que mostrar mi colección en una galería y no en una tienda, era lo que yo quería hacer. Por eso creo que fue un reto para Lyle también

de hacer algo multidisciplinario y para mí de curar algo que lo fuera a sorprender a él. Aparte de esta colección, “Ethnic Vagabond”, tengo otra que es con materiales reciclados. Está hecho con los six-packs de los refrescos, que está matando las aves en las playas. La sugerencia de los ecologistas es cortarlos antes de botarlos. La colección está hecha para recordarnos que es por el cuello que están muriendo las aves (son collares) pero además están todos cortados, para concientizarnos a esto. Es una colección con otra naturaleza, pero me gustaría poder conectar esta idea con la original de “vagabundo étnico” que lo llevo muy adentro. Yo tengo una pequeña empresa de publicidad para “hispanic market”, que se llama Greencard Creatives en New York. Y estamos empezando a hacer proyectos. Teníamos un cliente que es un centro cultural nuevo, que todavía es confidencial, que quieren crear este centro cultural de arte dominicano, latinoamericano y del Caribe. En la presentación yo les decía que la oportunidad es inmensa. Aquí hay una cantidad de talento ya consagrado y también de artistas emergentes, que es impresionante. Por eso hice la labor que hice con Chavón, porque creo que ellos han tenido un impacto importantísimo aquí. Pero hay un talento innato y por eso creo importante que el mundo lo vea así. Pero es que uno siempre se queda con su cosa de aquí. Yo tengo una pequeña colección de arte contemporáneo dominicano y básicamente es de los estudiantes de Chavón. Pero yo estoy impactada, porque pensaba que sabía la cantidad de talento que hay

en este país, pero resulta que ahora conseguí la colección de E. León Jiménez, son diez tomos “Memorias de la Pintura Dominicana” donde está la historia [de los últimos años] y yo dije “no puede ser que en Santo Domingo haya todo esto”. Creo en el arte emergente y creo que el talento que hay en este país es impresionante. Creo que no se sabe afuera tanto de lo que está pasando. Desde hace un tiempo yo he ido enfocando mi vida hacia el diseño y el arte. Mi sueño es terminar haciendo estrategias (que es lo que sé y me encanta), trabajando en mis diseños, pero integrando todo eso de mi publicitaria, con diseño y arte. Tener una galería interconectada con la agencia, tener artistas contemporáneos que me puedan hacer un arte para un cliente, como un vino o que haga una intervención en una campaña, aunque estos artistas no sean directores de arte ni publicistas. Eso es lo que yo quiero hacer al final y la base que tengo es con el arte dominicano. Con los artistas que conozco. Creo que el Mercado Hispano demanda que alguien se ocupe de hablar de buen diseño y de arte contemporáneo.

INGRID GRULLón Texto/Top//Fotografía/Máximo Del Castillo

dmito, desde un principio, mi derrota al escribir sobre una literata. Es como querer seducir con rosas a una florista. Pero, no es difícil saber qué encuentra Ingrid Grullón, en los libros. “Me fascinan las palabras”, me dice con los ojos brillantes, como quien tiene una buena idea. Sus años de dedicada pasión a los libros, a sus amores platónicos con escritores que son mucho más que fantasmas, la han hecho entender al ser humano. Se considera una “observadora de la humanidad”. Con lo poco que hablamos de su vida, y lo mucho que hablamos de libros, pude entender su historia, detrás de las palabras que amaba. El balance que ha aprendido entre el mundo de lo imaginario y la realidad. Está casada con un francés, tiene dos hijos Mathieu, como un personaje de Sartre y Camille. Desde el principio sentía la necesidad de crecer. “Para escribir ficción, una mujer necesita dinero y su habitación propia” decía Viriginia Woolf a principios de siglo. Pero aún así, Ingrid, ha tenido que luchar las mismas batallas; es una humanista por pasión. No son los derechos de la mujer por ser mujer, sino por ser humano. Ha tenido que trabajar toda su vida por lo que desea. Es muy disciplinada, por respeto hacia los que la respetan. Enfatiza la necesidad de luchar, de esforzarse constantemente, como decía Picasso, de “esperar la musa trabajando”. Comenzó estudiando periodismo, universalidad y palabras, luego, se fue a Francia, y aunque vive entre nosotros, nunca se fue. Cuando habla sobre escritores franceses aún adquiere un ligero acento nasal, que

nos dice que su conciencia está en un estado bohemio, romántico y alterno. Hasta cuando dice “Fitzgerald”, lo dice en francés. “Los libros son una extensión de la memoria”, cita a Borges; pero Borges, sigue diciendo “Yo tengo ese culto del libro. Yo sigo jugando a no ser ciego, sigo llenando mi casa de libros. Pienso que el libro es una de las posibilidades de felicidad”. Ingrid, de una forma extraña personifica esta frase. “Rilke es el poeta” dice enfatizando el ‘el’ y tratando de recordar algo para ella misma. Pero al mismo tiempo, cita a Levis, Auster, Camus. A su reciente descubrimiento, Appelfield. Leer a Aharon Appelfield, le dio una confirmación de estar haciendo lo que realmente amaba. Un agradecimiento de hacer lo que hace. Al descubrir una nueva forma, un lenguaje totalmente nuevo, para ella y para el mundo. Si desde pequeña leerle las cartas a su abuela la sedujeron del poder emocional de las palabras, su disciplinada pasión por la lectura y por las personas, la han hecho una “lectora” de vocación, y esto le encanta. “A mi me pagan por leer y compartir” dice, fascinada, “que más yo puedo querer”. Compartir es enseñar. En sus años como Profesora de Literatura ha adquirido un contacto vital con la realidad, a través de sus estudiantes. Estos jóvenes, la sorprenden con preguntas y confesiones que le permiten tocar suelo, pero ya con la sabiduría que los años de palabras le dan. Y es que, aunque el tiempo pase, el único verdadero remanente, de nuestro pasado, son los libros. Que podemos volver a ellos y volver a la mente del individuo excepcional que los escribió. Que se preservan, en espe-

cial si están en la biblioteca de ella. Por eso encuentra que tienen algo que decir para todos. Que es imposible vivir bien sin entender de dónde vienen las palabras. Ingrid no puede evitar predicar a todo el que toca, no puede dejar de recomendar libros, y se ofusca de no poder citarlos de tapa a tapa, para enamorarnos de él, como ella. En sus cursos: Literatura Comparada, Literatura del Siglo XX, Literatura y Melancolía, intenta llevar a los demás lo que ha aprendido. Por eso le llama “compartir”. Dice como Yourcenar que enseñar es nutrirse. Es altamente empática, amorosa hacia todos los que ama, en especial a sus amigos. “les echo agua como a flores”, dice de unas amigas de las que me contaba. Mantiene sus amigos, porque ellos son ellos y ella es ella. A sus alumnos, les echa fertilizante cerca de las raíces, pero sin ellos sentir que los está tocando, pero para su familia (y para su amado Yves) ella creó todo un invernadero.

ANTHONY OCAÑA Texto/Top//Fotografía/Ana Conde

nthony Ocaña es un joven compositor de guitarra clásica que tenido una larga carrera, para su corta edad, dedicándose desde temprana edad a la música. Anthony es dominicano, de padres dominicanos, pero luego de estudiar en NY, en el año 2002 se fue a vivir a Madrid, consiguiendo residencia en el 2007. En España, donde la guitarra tuvo su Edad de Oro, ha ido progresivamente conquistando audiencias con su estilo suave, refinado y propio. En el 2001, grabó su primer CD “A Paso de Cebra” junto al compositor dominico-argentino Sebastian Lerner. En el 2003, abrió el concierto del músico brasileño Egberto Gismonti en el Teatro Nacional. En el 2006, lanzó “Anthony Ocaña”, una compilación de sus trabajos compuestos los últimos años. En este disco colabora con grandes artistas dominicanos y españoles. En el año 2008, Ocaña publica su álbum “Solo” y es seleccionado para participar en los Circuitos de Música Injuve. Recientemente, participó en un homenaje a Benedetti junto a artistas como Joaquín Sabina, Montxo Armendáriz y otros artistas españoles en la Casa de España en Madrid. Con motivo de su reciente presentación en Santo Domingo le hicimos algunas preguntas personales sobre su oficio, vida y carrera: Por qué la Guitarra? ¿y por qué clásica? La guitarra es un instrumento que desde niño me parecía misterioso, y me llamaba mucho la atención su sonido. Lamentablemente no era capaz de entender como funcionaba, así que hasta los 12 años no empecé a tocarla. Cuando tomé la decisión de empezar se convirtió en mi instrumento principal.

Desde muy pequeño mis padres apoyaron mi vocación por la música y se encargaron de darme una educación clásica y estudie piano, solfeo y violín. Cuando a los 12 años decidí tomar la guitarra como instrumento principal mi padre me sugirió entrar al Conservatorio Nacional de Música. Cuando fui aceptado en la universidad en New York para estudiar composición y guitarra instintivamente tomé la decisión de dedicarme a la guitarra clásica y toco la guitarra eléctrica muy pocas veces aunque aprovecho mucho los efectos que se usan en la guitarra eléctrica y los proceso a través de la guitarra clásica. ¿Como ha sido tu carrera en España? Como todo, dura en sus principios, pero mientras más pasa el tiempo más se reafirma mi nombre y mi música. Los primero años hacia conciertos delante de 3, 5, 10 personas, y en esta etapa es cuando crecí como artista en escena. Entendí que es más difícil hacer un concierto para 3 que para trescientos y si logras hacer sentir a 3 personas que están viendo un gran concierto, entonces estás listo para dar el paso a tocar delante de cientos o miles. Con los años empecé a recibir el reconocimiento de los medios de comunicación y con el tiempo logré encontrar un público que aprecia mi música y en estos momentos recibo a diario cartas y mensajes de personas de muchos países del mundo que disfrutan mi música. Tu segundo disco, “Solo”, ¿que acogida ha tenido? ¿Cuál es el próximo paso? Es un disco que ha llegado a muchas personas en distintos lugares del mundo. Este disco está creando un boca a boca de mi

nombre y de mi música. Hay muchos intérpretes de renombre que están interesados en interpretar algunas de las composiciones de este disco. Mi música ha sido definida como “muy moderna para los clásicos y muy clásica para los modernos”. El próximo paso es grabar el siguiente disco con mis más recientes composiciones donde busco sacar otros sonidos de la guitarra clásica, sonidos atípicos para este instrumento. ¿Que es lo que más te inspira a trabajar? El placer por el sonido, el placer por comunicar algo, la ilusión de convertir una idea en realidad, el estar delante de un público y transmitir todo lo que tengo adentro, el hacer y desarrollar a lo largo de mi vida mis deseos e ilusiones y el saber que mi trabajo hace que muchas personas encuentren un motivo más para estar vivos, estos y muchos otros motivos me inspiran a trabajar. Anthony se presentó en Santo Domingo, el 8 de agosto en la Sala Máximo Avilés Blonda del Palacio de Bellas Artes, con una buena asistencia del público refinado que participa en sus presentaciones.

FREDDY JANA Texto/Top//Fotografía/Ana Conde

as personas interesantes son difíciles de entrevistar por una simple razón: lo que no dicen es la clave para entender lo que dicen. Irrumpir en la oficina de Freddy Jana, fue un experimento de ver como extraía de sus palabras lo que quería saber. De cómo se había formado la mente detrás del lápiz, del ilustrador, del publicista. Sobre la pequeña mesa de reuniones donde me coloqué, miles de post-it fragmentaban alguna campaña, con palabras en inglés y español. Dibujitos en las mascotas, en las esquinas de los documentos y en el board. A pesar de visitarlo en su oficina de vidrio y metal, donde es Director Creativo, en Partners Ogilvy, Freddy transmite una paz relajada. Al rondar un poco por la agencia, mientras esperaba la hora de la reunión, vi cómo eso se transformaba en una admiración y cariño sincero entre los que trabaja. El vigilante, con quien duré un rato intercambiando historias de guerra, había guardado un artículo sobre Freddy en Clave Digital. Freddy es hijo de Freddy Jana, una gran figura, tanto en la banca nacional, como en los deportes, fue directivo de los Leones del Escogido y vicepresidente del Banco del Progreso. Bajo esta influencia, se crió en un ambiente estimulante y con acceso a la mejor educación, en su natal Santiago de los Caballeros. Al finalizar el bachillerato, vino a la Universidad Iberoamericana para estudiar Publicidad. Al terminar comenzó a recorrer el mercado publicitario local, trabajando desde un principio en Oveja Negra. Partió hacia New York, donde primero trabajó en Vidal Partnership y luego en

Saatchi Saatchi. Cuando le pregunto sobre esa experiencia, el toma aire y apasionadamente me dice “aperísimo”. La vida cosmopolita es ideal para el que busca relevancia. Salir de la subcultura publicitaria local e insertarse en esa gran maquinaria fue una experiencia de mucho crecimiento y autoanálisis. Prioridades, gustos, preferencias. Pero al mismo tiempo, aprendió que somos iguales, pero la diferencia se logra trabajando. Empeñándose en hacer las cosas bien. Recientemente, fue elegido para participar en la edición anual “200 best Illustrators Worldwide”, de la revista de criterio publicitario Luerzer’s Archive, colocándolo como el tercer ilustrador más publicado en su revista. Este premio lo sorprendió. “Yo no soy de los doscientos mejores ilustradores”, me dice “para nada”, recalca “pero es un honor”. Su relación con la ilustración ha sido intrínseca, pero informal. Siempre había sido una forma de expresión secundaria, hasta que comenzó a ser pagado por ello. La ilustración está bien ligada a su personalidad. Aceptar la ilustración como oficio, fue como aceptarse con sus limitaciones y errores; “son mis defectos que definen mi estilo” dice humilde y autocrítico, enseñándome una línea en uno de sus trabajos y convenciéndome que estaba mal hecha. Pero yo digo que la ilustración es una interpretación gráfica de su lenguaje propio que antes sentía que era insuficiente para comunicarse con los demás. Freddy Jana, es una publicitaria por sí solo. Su acercamiento a la dirección de arte, es tanto conceptual como gráfica. Una com-

binación inusual. Cuando toma la decisión de irse por una línea gráfica, ya sea tipográfica, fotográfica o ilustrada, su criterio siempre es agudo, impecable y emocional. Dicen algo. Si importar la cuenta, desde Wendy’s hasta Toyota, sus trabajos tienen un lenguaje común que es el lenguaje de Freddy; dulce, creativo, inteligente. Su acercamiento a la publicidad parecería ingenua. Para él, la publicidad es inspirar a la personas a hacer cosas, ponerles disponibles la felicidad, aunque sea pasajera. No es lo que se ha hecho con la publicidad que lo mantiene, sino lo que se puede hacer. “Mira por ejemplo, [el documental] “An Inconvenient Truth” eso fue publicidad y una de las campañas más exitosas de la historia o por ejemplo, a “Obama…” sin terminar la oración, entendiendo que no tenía que explicar cómo un buen uso de los medios logró un cambio radical en las políticas mundiales. Freddy es bilingüe casi a nivel conceptual. Aunque tiene en tierra firme muchas cosas que lo atan, ser relevante es escapar y viceversa. Su naturaleza tranquila y emocional es expresiva y latente. Es intensamente curioso, pero nunca ansioso, desesperado. Le gusta la vida rápida, para cogerla suave. Se mantiene actualizado y constantemente investigando para nutrir su criterio y madurar como ser espiritual. Si su educación y carrera hasta ahora fueron la base, sentado frente a Google con un nombre en la punta de los dedos, él construye el resto del edificio. Por eso al irrumpir en su oficina concluí que Freddy, es una persona muy “alta”.

TĂtulo/Boyfriend//Agencia/Partners ogilvy//Cliente/Brownie in a cookie//Fecha/Agosto 2009 TĂtulo/Snowmobile//Agencia/Saatchi and Saatchi NY//Cliente/Toyota//Fecha/Febrero 2009

CHIC

CAGO Reportaje/Top//Experiencia/Samuel Conde/Hilda G贸mez de Conde//Fotograf铆a/ Hilda G贸mez de Conde/Alex Otero

hicago tiene una mística particular, desde sus inicios fue: central de trenes, puerto principal de los Great Lakes y un paso directo al Río Mississippi, una de las vías fluviales más importantes de Norteamérica. Este rol de central de transportación e información, hizo que la ciudad creciera de manera exponencial. Hoy día el aeropuerto O’Hare es el segundo con más tráfico del mundo. El crecimiento de la ciudad es aún el protagonista. La arquitectura se convirtió en un arte con innovadores avances constantes, incluyendo los primeros rascacielos y el origen de múltiples escuelas de arquitectura, Avant Garde. Cualquier arquitecto que haya sido relevante tiene una esquina de esta ciudad. Recorrer Chicago es ver lo mejor de la arquitectura industrial, década por década. Frank Lloyd Wright, padre de la arquitectura moderna, dejó una huella palpable en la ciudad, así como en el Estado de Illinois, erigiendo gran parte de su obra en este territorio. En el recuerdo colectivo, todavía queda impreso el Gran Fuego de 1871, no como una desgracia, sino como un nuevo inicio que lo elevó a capital del mundo en menos de un cuarto de siglo; reconstruyéndose de manera planificada y resolviendo problemas básicos de crecimiento 22 años después.

La Exposición Universal de Chicago fue una celebración del optimismo industrial americano y causó un gran efecto en la imagen de esta ciudad frente al mundo. Alrededor de 27 millones de personas visitaron las instalaciones diseñadas por los más altos representantes de la “Escuela de Chicago”, los arquitectos Daniel Burnham y Frederick Law Olmsted. Hasta hoy es considerada la Feria más influyente de la historia; causando tal efecto en la conciencia colectiva, que luego Frank L. Baum, escritor del Mago de Oz y Walt Disney, originarios de esta ciudad, recrearon la feria, idealizándola con castillos en el Parque Disney y la Ciudad Esmeralda de la emblemática novela. Como primera pista de la genialidad que ha acompañado este crecimiento, está el Jackson Park, creado en 1869. Law Olmsted, también diseñador del Central Park de Nueva York, junto con Calvert Vaux, definieron los 45,955,800 metros cuadrados que incluían el amplio Midway Plaisance y el Washington Park. La comisión llamada South Park Comission, fue solicitada por los ciudadanos de la ciudad y fueron estos, que por recomendación y votación popular le designaron con su nombre actual, en honor al presidente Andrew Jackson, séptimo en el linaje.

En 1890, John D. Rockefeller, fundó la universidad de Chicago en el extremo sur del Midway Plaisance. Esta universidad ha tenido desde un principio la reputación de ser devota del intelectualismo y el pensamiento avanzado. En sus aulas se han graduado grandes líderes en todas las áreas, en particular: economía, periodismo, educación y ciencias. Cuenta con ganadores del premio Fulbright en diferentes disciplinas, así como 44 Rhodes Escholars (una prestigiosa beca de la universidad de Oxford). Durante la Gran Depresión, gracias a las donaciones y al apoyo de la fortuna Rockefeller, la Universidad pudo evitar colapsar y fue en ésta que se hizo la primera fisión nuclear controlada, un importante aporte al Proyecto Manhattan durante la Segunda Guerra Mundial, pocos años después. Hoy día, la universidad cuenta con más de 60 premios Nóbel en diferentes disciplinas. Ha sido esa genialidad y planificación que hacen que nuestros colaboradores la llamen “una fusión de París y Nueva York”, universalidad y urbanidad mezcladas con ambientes muy humanos. Los habitantes de Chicago, tienen un orgullo particular de su ciudad y ven en ella una gran fuente del desarrollo de todo el país. El que camina por las calles siente la influencia del “Big Business”. Su poderoso centro financiero, aunque a veces eclipsado por Wall Street, maneja más dinero que países enteros. Los rascacielos delinean el horizonte de Chicago, pero también las fábricas, el puerto, la estación de tren y la avenida Michigan. Aquí se encuentra la sede de Playboy.

Tiene calles limpias y un tráfico que funciona. Desde su fundación ha sido pionera en muchas cosas, incluyendo las tiendas por catálogo y la Deep-Dish Pizza. Luego de las migraciones afro-americanas, se volvió una capital del Blues y el Jazz y de manera más reciente, cuna del género electrónico House. La conformación racial de esta capital del Midwest, desde un principio, estuvo en su mayoría compuesta por migraciones del norte de Europa, razón por la cual esta ciudad ha luchado por la igualdad racial desde un principio. Pero es también esa identidad sólida que le da un carácter único a su arquitectura, a su conformación geográfica y por supuesto, a su cocina. El recorrido culinario de nuestros colaboradores comenzó en Tru, en el elegante restaurante Progressive French, considerado por la guía Zagat, uno de los mejores de todo Chicago. Su servicio excepcional, su gran coreografía- manejada a la perfección y su decoración minimalista, moderna; sin dejar de ser cálida, hacen una apuesta. Y por supuesto, el tipo de comida superior que encontramos en esta ciudad, junto con las artes culinarias locales, hacen de ésta la capital del paladar.

Notorio exponente del arte culinario, es el caso de Charlie Trotters, un chef autodidacta, quien descubrió su afición, cuando estudiaba Ciencias Políticas en la universidad. Luego de ahí, recorrió el mundo buscando sabores y visitando restaurantes, estudiando libros de cocina minuciosamente, hasta que en el 1987, fundó el restaurante, con su padre como socio. Desde su fundación, ha acaparado los premios más importantes del mundo culinario, siendo considerado en múltiples ocasiones, como el Mejor Restaurante de los Estados Unidos. Esto se puede apreciar, inmediatamente se entra a esa casona, adaptada para aprovechar perfectamente cada espacio, de forma que no es opresivo, ni desolado. Las revistas de criterio de enología y buen comer, lo han elogiado en múltiples ocasiones. Siendo considerado como un must por la élite de toda gran industria, incluyendo al Presidente Obama, quien fuera senador de Illinois, antes de ocupar la oficina oval. Sus predecesores, George Bush y el General Colin Powell, le dieron un reconocimiento estatal al restaurante. “Trotter is clearly doing everything he can with his formidable gifts. His is a work in progress that no lover of food can afford to miss”, dijo el catador de la revista Esquire. Los ciudadanos de Chicago son exigentes, influyentes y elegantes, y han elevado el nivel de la ciudad. En los años 20, cuando el crecimiento industrial y poblacional alcanzó un pico, esta ciudad se convirtió en sede del crimen; pero también sede de la vida nocturna autóctona y exclusiva. Larga

tradición de hoteles legendarios, restaurantes, todavía con las huellas de las celebridades históricas que los visitaron, son parte de la oferta, junto a contemporáneos acercamientos con otras expresiones. Y es justamente eso lo que tiene interesante Chicago. ¿Qué hacer después de una buena cena? Se pueden tomar unas copas en un lounge, o en la parte más alta de algún rascacielos y ver el inmenso microcosmos a nuestros pies; o se pueden dar una vuelta por el Millenium Park, en el centro mismo de la ciudad. Este parque, que antes fuera un estacionamiento vacío y líneas de tren abandonadas - después que tomara el poder el Alcalde Daley, a finales de los 90s - se convertiría en uno de los parques urbanos más premiados. En él se encuentran obras de Frank Ghery, el afamado arquitecto, con el Jay Pritzker Concert Hall, el cual usa la topografía del lugar para su ventaja acústica. Actualmente, como parte de la celebración, se erigen dos pabellones temporales diseñados por la innovadora Zaha Hadid y el UN Studio, en Amsterdam, ganadores de múltiples premios internacionales. Así como el ya icónico Cloud Gate, un diseño de la artista Anish Kapoor de 110 toneladas de acero inoxidable, forjado elípticamente, y que refleja el característico Skyline de la ciudad, así como las nubes por encima. En éste también, se encuentran esculturas abstractas del renacimiento de postguerra, americana; con piezas de Calder y otros revolucionarios de la época. Es interesante ver las manifestaciones de arte que han prosperado en Chicago y las que

63 no, comparadas con New York o California. Artes urbanas, como la del comic, la ilustración, la publicidad y la escultura han proliferado. Mientras que otros artistas plásticos, han tenido que salir de la ciudad para ser reconocidos. Hasta hace poco, el carácter industrial de la ciudad había mantenido un criterio conservador en cuanto a las artes, mientras que la cultura afroamericana, por la alta concentración sostenible que logró, ha tenido altos representantes en casi todas sus manifestaciones. El periodismo tuvo una predominancia nacional en los 30s y 40s. Hoy día, los grandes periódicos de tradición de la ciudad, cuentan entre los más leídos a nivel mundial. En los ochenta, el Museo de Arte Contemporáneo, junto al Art Institute of Chicago, trató de dar a conocer el arte contemporáneo de la ciudad, en una gran muestra colectiva llamada, “The Chicago Show”. Se suponía que se celebrara la diversidad cultural; pero resultó que la mayoría de los artistas seleccionados, eran blancos; esto causó gran indignación en la comunidad del arte y en las minorías. Los intentos por resarcirse, tristemente, empeoraron la situación. Hechos como éste, refuerzan la imagen que ha mantenido Chicago de sede del llamado “Outsider Art”, porque las artes, en un contexto industrial no parecerían tener función y, por lo tanto, apreciación. El Museo de Arte Contemporáneo ha tenido un papel protagónico en el

arte de la post guerra, siendo sede de grandes exhibiciones como la primera de Frida Kahlo en territorio americano y la primera en solitario de Jeff Koons. Dentro de su colección se encuentran miles de importantes piezas del arte moderno y contemporáneo, contando con trabajos de Andy Warhol, Duchamp, Francis Bacon, Jaar y muchos de los postmodernos. Sin embargo, es triste ver que entre tanta riqueza, exista poco arte nativo. Chicago que ha sido siempre élite, ahora se despierta a su realidad autoconsciente y en ella se empiezan a ver las manifestaciones de arte sobre las vidas y las historias de quienes la habitan. Un arte autónomo, no industrial y libre. Tantos años de creación de una de las más sólidas bases culturales por fin quiere explotar. El ciudadano siempre ha sido orgulloso y endémico, amando los símbolos de progreso y poder que ésta siempre ha exhibido. Pero las nuevas generaciones, cada vez comienzan a hablar un lenguaje propio, humano. La literatura contemporánea y otras manifestaciones están sobresaliendo. Con incentivos como la iniciativa del Millenium Park, vemos lo que es una ciudad funcional, elegante, tecnológica y humana.

AVANT GARDE

DISEﾃ前 EN TODO

Lola Glodstein

http://muitotosto.com/lola

Cerámicas con personalidad. Desde Buenos Aires, nos llega una de las expositoras más influyentes de diseño de cerámica en Latinoamérica.

Ivy Green por Bernardo Senna www.bernardosenna.com

Este gancho para pared diseñado por Maze, en Suecia, ha sido confeccionado con el objetivo de colgar: ropas, carteras o zapatos. Está hecho de cable de hierro recubierto de color verde o amarillo, que usando las formas de la naturaleza, crea una pieza amistosa y versátil para la casa.

Gabo Lora

gabolora@gmail.com

Gabo Lora hace de todo; música, enseña yoga, pero pocos saben que diseña productos a escondidas “bultos”. No cabe duda, que es todo un hombre renacentista.

Decoration vs Information www.oscar-diaz.net

El menú para la cena de gala en el Museo del Diseño en Londres, fue escrito con una técnica similar a la utilizada para escribir en pasteles, pero con plástico.

Socket Lamp

www.oscar-diaz.net

Una estructura tri dimensional donde se pueden enchufar los bombillos desde cualquier ángulo y lugar, personalizando esta importante pieza de la iluminación del hogar o de otro espacio.

Kiwa por Cho Hyung Suk www.chohyungsuk.com

Este joven diseñador koreano, presentó para su graduación de la universidad Hong-ik, el diseño Kiwa y ha impresionado a todos con esta propuesta, inspirado en las casas típicas Han-ok de su país natal.

Patrick Blanc

www.verticalgardenpatrickblanc.com

Un botanista francés que inventó el concepto de “muros vegetales”. Jardines verticales, que cubren edificios, entradas, salas y embajadas, desde Paris a Nueva Delhi.

Bettle and Flor

www.bettleandflor.com

“25% of what I make from the skulls, allows me to go to India (for now, hoping to expand) and do more projects with people here.” The goal of Beetle and Flor is to create objects that employ people in difficult financial or political situations” nada mas que decir.

Gardenwall por Gordon Tait

http://gordontait.com

Esta solución ecológica, diseñada por Gordon Tait, para dividir espacios, es fácil de ensamblar y crea la refrescante ilusión de que al otro lado, la yerba más verde, también es tuya.

Pieces por Daniel Enoksson Studio www.danielenoksson.com

Este diseño de Daniel Enoksson, fue el ganador de la selección del 2008, de la revista Wallpaper, creado con la intención de causar un contraste entre materiales y colores que le dieran carácter a cada pieza.

Rugs por Liz Eeuwes

www.lizeeuwes.co.uk/Liz/Home.html

La diseñadora londinense Liz Euwes, creó una serie de alfombras basadas en paisajes aéreos de todo el mundo, que llamaron su atención. La línea Lisse, está inspirada en campos de tulipanes y el diseño Strathmore en la campiña escosesa.

Calendar Ink

www.oscar-diaz.net

Usando la capilaridad de los fluidos, este calendario va absorbiendo la tinta, un día a la vez, hasta que llena todo el mes. Fue diseñado por Oscar Díaz.

Burham Pavillion por Zaha Hadid y UNStudio En el año 1909, el arquitecto Daniel Burnham y un grupo de dedicados líderes civiles publicaron el Plan of Chicago, un trabajo visionario que transformó esta ciudad en una capital de clase mundial. A 100 años de su publicación, el liderazgo de Chicago, junto con un grupo de organizaciones amigas, prepararon en el Millenium Park, el Centennial para celebrar 100 años de historia arquitectónica. En el centro de esta celebración se encuentran los pabellones de los reconocidos arquitectos Zaha Hadid (Londres) y Ben van Berkel de UNStudio (Ámsterdam). Los cuales celebran el compromiso continuo de la ciudad, con la innovación en urbanismo y diseño. Estarán abiertos hasta finales de octubre de 2009, cuando serán reciclados. Dentro del pabellón, las formas curvas sirven de proyector para una instalación de sonido y video, creada por el artista Thomas Gray, que de una manera impresionista representa 100 años de historia de Chicago, junto con un reto sobre los sueños de sus habitantes.

EL OJO DEL AMO

GALERIA DE COLECCIONES PRIVADAS

Esto no es poesía/Adela Dore/84”x 72”/Dibujo: lapicero, acrílico, papel sobre tela/2009

Golden Years niña buble para tiempos duble/Luis E. Reyes Guzmán/127 x 254 cms/Acrílico y óleo sobre tela/2009

Multipolaridad/Joery Santos Gómez/100”x 50”/Acrílico sobre tela/2009

Boca Chica Beach/José Levy/137 x 162.5 cms/Acrílica, cayón y pastel sobre tela/2009

Omega se casa con mi hermana/Hulda Guzmán/56”x 58”/Acrílico sobre lino/2009

Concierto de Aranjuez/Gustavo Peña/75.5”x 45.5”/óleo sobre tela/2009

NICOLE JIMéNEZ EN COLOMBIAMODA ‘09 Texto/Top//Fotografía/Fuente externa

a joven diseñadora dominicana, Nicole Jiménez, estrenó su primera colección en pasarela internacional durante la 8va. Edición de Latino América Fashion (LAF). Esta se llevó a cabo dentro del marco de Colombia Moda, en Medellín, Colombia. Nicole, inauguró la jornada dedicada a un grupo de diseñadores de varios países de Latino América, como México, Argentina, Perú y Colombia, convirtiéndose en la primera dominicana invitada a este evento por el curador de LAF, Pepe Reblet, quien estuvo en la pasada edición de Dominicana Moda en Octubre del 2008 La trayectoria de la diseñadora incluye estudios de diseño en la prestigiosa escuela Marangoni de Milán, así como pasantías durante dos veranos consecutivos en Nueva York, en la compañía Oscar de la Renta. En el mes de octubre, para Dominicana Moda 09, presentará al país su colección “Natura”, complementándola con una nueva gama de piezas, que como es su costumbre sorprenderán al público dominicano, por su creatividad, diseño y buena confección.

moda

APOCALIPCHIC

Fotografía / ARNALDO www.arnaldostudio.com

Chaqueta / G-Star Raw Mesh//Pantal贸n/Goldspun Renegade//Zapatos/ Creative Recreation Cesario Metallic Gunmetal//Modelo Canino/Pel茅

Chaqueta/Energie Avatar//Collar/ Deity Karma Stone

Peinado y Maquillaje/David Kalahiki// Modelos/Thomas Gibbons (Commence Quest) y PelĂŠ el weimaraner//Ropa y Accesorios/Probus (ProbusNYC.com)

ara quienes la Bienal de Artes Visuales de la República Dominicana sigue siendo motivo de expectativa, cada dos años deciden hacer el ejercicio crítico de recorrer los calurosos pasillos del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, con la esperanza de ser sorprendidos, conmovidos o por lo menos retados a cuestionar algún paradigma. Esta vigésimo quinta muestra, en su totalidad, se ha quedado corta. No-Leitmotif Momentos de verdadera lucidez en los que obras como el video-performance “Díptico” de Jochy Muñoz, o la pintura “Multipolaridad” de Joery Santos (ambas premiadas), validan la experiencia; no obstante, la exhibición parecía carecer de una postura curatorial clara.

En “Díptico” Muñoz nos presenta su concepto valiéndose de un manejo del espacio, los colores y la puesta en escena de una pieza que aprehende el carácter estético del video-arte; en la misma presenta dos marcos paralelos donde las acciones semi-cronometradas de dos personajes que alternan roles tienen curso en una composición visual y auditiva verdaderamente depurada y formalmente rica. En “Multipolaridad”, Santos toma posesión de la técnica y ocupa el canvas con una vitalidad inspiradora y fascinante, introduciéndonos a un universo de figuras, colores y formas que logran desligarse de las referencias típicamente asociadas con la transfiguración de las anatomías tanto humana como animal, manipulando hábilmente la abstracción de formas y tonos.

Estas obras se caracterizan por tener una autonomía que logró hacerlas emerger casi por sí solas, dentro de las expuestas. El circuito que nos plantea la muestra, nos hace preguntarnos si hay algo que no estamos entendiendo; piezas ejecutadas pobremente, de factura evidentemente inferior o enfrascadas en temáticas y lenguajes honestamente desfasados o lamentablemente pretenciosos, se nos presentan a la par (incluso premiadas) con piezas osadas, de calidad, sensiblemente compuestas que nada tienen que ver con las anteriores. En los renglones de dibujo y arte gráfica, la pieza “Esto no es poesía” de Adela Doré (mención) con sus aires secesionistas, pero de una frescura muy contemporánea. “Génesis 27”, de Carlos Frías, que maneja lápiz de color con trazos infantiles dentro de una

técnica mixta, que superpone variaciones de blancos; “Energía Humana, Fuente de Paz” de Iris V. Pérez Romero, un díptico de formica y carboncillo honesto y conmovedor; y finalmente los dos grabados de Leonardo Durán, “Ella es la que domina” I y II, conforman un cuerpo de trabajos que muestran una franca exploración de los medios y libertad expresiva. En pintura el re-encuentro con el género retrato en “Concierto de Aranjuez” de Gustavo Peña, en “Omega se casa con mi hermana” de Hulda Guzmán (premio). Las dos piezas de Víctor Tavares: “Jugando con el peligro” y “Sin senos no hay paraíso: la marchanta” y en la pieza “Golden Years, Niña Bubble. Para Tiempos Bubble” de Luis Reyes; se nos habla con sarcasmo de la representación de la figura humana en la cultura contemporánea,

en la que la celebración del materialismo y la sexualidad degenera en una paródica banalización del cuerpo, representando las aspiraciones fracasadas del sistema socio-económico que actualmente parece desmoronarse. Tristemente, las instalaciones son muy pocas y las ganadoras “Odiseo” de Miguel Ramírez y “Laberinto” de Fausto Ortiz, nuevamente nos dejan ilesos. La pieza de Limber B. Vilorio, “Anatomía del Poder” (mención) parece atrapada en una especie de limbo de criterios dentro de la exhibición; de una calidad indiscutible fue ignorada dentro de las premiaciones. Félix N. Sepúlveda Núñez, heroicamente nos recuerda con la excelente “Welcome to Paradise” (mención) que la fotografía todavía existe después del Photoshop, un género en luto en el país a raíz de su torpe inclusión en la muestra.

Curar, juzgar y ejecutar Finalmente, seguiremos esperando la Bienal con ansias, con la esperanza de que cada vez hayan menos “a pesar de”. El arte contemporáneo dominicano, sólo necesita ser valorado con los méritos técnicos y estéticos que realmente tiene, sin importar a qué generación ni de cuáles orígenes o cuáles corrientes pertenezcan sus autores. Una muestra del arte actual debe reflejar el groso de preocupaciones y ocupaciones de los artistas actuales, pues como dice Duchamp “El acto creativo toma un giro cuando el espectador experimenta el fenómeno de la transmutación: a través del cambio de materia inerte a obra de arte, una transubstanciación tiene lugar y el rol del espectador es determinar el peso del trabajo en la escala estética”. Un museo vacío y excluyente es, en el menor de los agravios, algo triste.

las nueve de la noche del martes se murió

pero al final a todos le da igual y en secreto

Don X. La noticia recorre el panorama

se alegran que el viejo atrasado y tacaño

por los canales acostumbrados cruzando

cediera su palacio. La segunda llamada que

hasta mares y llegando a las proximidades del

todos hacen es a sus asistentes para comen-

continente. El doctor a la esposa, la esposa

zar la carrera de quien pondrá el obituario

a sus hijos, sus hijos a sus esposas y sus

más grande en el periódico de mayor circu-

esposas al resto del planeta. A casi todos los

lación. Todos, esa noche, sin darse cuenta,

empresarios y socios de Don X la noticia les

se duermen un poco emocionados.

llega cuando ya están en sus noches sociales o noches solitarias de mediana edad, y morbosamente se recrean en tener algo excepcional que contar, pensar y hacer. Todos se comienzan a llamar entre sí en el teatro de la preocupación y “te llamé para que supieras”,

El próximo día, en la empresa, el café matutino sabe a muerte entretenida. La incertidumbre sobre el futuro pone rápidamente a los jefes a temblar y a los empleados a oler nuevos aires, razón por la cual, en la reunión de principio de día, el Gerente General asume un tono autoritativo y solemne al hablar sobre los eventos recientes. Todos en la directiva saben que su presencia en el funeral les pone donde la suerte los podía ver. Cientos de niños son gritados en toda la geografía urbana para que se apresuren alistándose para el colegio y miles de planchas se ponen en movimiento para cumplir con la nueva meta reciente.

Una pequeña revolución se puso en movimiento alrededor del suceso y todos fueron llegando a la funeraria según su personalidad y por aparente orden de importancia. Los que iban llegando eran mirados altaneramente por sentir que el que se atrevió a llegar más tarde se consideraba más que ellos y así comenzaba el concurso. En los funerales el tiempo es la clave: no se puede durar mucho, ya que eso es derecho exclusivo de familiares y allegados y está el peligro de parecer pretenciosos. Si se dura muy poco, se da la apariencia de insolente. Por un miedo inconciente de entrar, todos se congregan en la puerta hasta que la entrada no se pueda dilatar más. Algunos ex fumadores tiran por la borda meses de abstinencia, no sin antes explicarse frente a todo el que quiera oír.

Entonces, se hace la entrada; todos empujan

Cuando toda la pared está ocupada, se van

la puerta débilmente y se asoman adentro con

acumulando en pequeños grupos de cuatro o cin-

cierta discreción. El silencio es el protago-

co, rodeado de pequeños grupos de menos inte-

nista y a veces, el escenario, en este teatro

grantes. Todos hablan mirando alrededor, bus-

mortuorio. Las palabras en el contexto de un

cando en cual otro grupo le convendría más ser

funeral, son escuchadas sin interferencia y,

visto. Ya que están concientes de que serán

bien elegidas, pueden ser letales. Los que

vistos más en la vitrina de los espacios abi-

llegan primero, se esconden en la pequeña caf-

ertos. Aquí comienza el concurso de la asocia-

etería a usar la excusa del café y a esperar.

ción. Todos quieren ser visto con la persona

A medida que siguen llegando, se van agrupando

más relevante, pero rodeado de la menor canti-

en pequeños grupos en las esquinas y pegados a

dad de personas por miedo a parecer lambones.

las paredes, casi como reconociendo avergon-

Los que se atreven por fin a liberarse de su

zados su error de llegar temprano.

grupo y dar el salto en vacío de caminar solo

hacia otro grupo, son mirados, examinados y

de yoga, la cuñada gorda que todos miran

criticados.

como si fuera campesina, y la prima caza

Cuando ya la multitud está reunida en el

fortunas. El empresario rico, amigo de la

segundo piso, todos se sienten más cómodos

familia, siendo cortejado por su nuero am-

de poder interactuar, comprar y vender, sin

bicioso, que con la mirada fija en la meta,

moverse mucho. El murmullo ya es una pequeña

soporta una esposa acomplejada y domingos

nube sobre las cabezas de todos y tiene tono

en el country club con todo el agradable

de mujer. Todos miran alrededor asegurándose

séquito familiar. El primo que siempre tiene

que estén todos los que ellos imaginaban que

unos proyectos fabulosos, pero nunca tiene

iban a ir. Y, efectivamente, allí están to-

un saco negro, ni de su size. El tío que

dos: el hijo playboy, el hijo responsable y

habla demasiado alto, porque cree que le cae

aspirante a heredero único, la hija socialité

bien a todos.

y la que es feminista. La tía que da clases

En una multitud, a menos que no se haga una

y ser vista, por todo el que asista. Senta-

entrada triunfal, se pasa desapercibido. El

dos solos o en silencio están los familiares

que llega demasiado tarde, tiene el riesgo de

lejanos que entre sus muchas desventajas en

no ser visto lo suficiente para que valga ir.

esa reunión es que reciben muchos pésames y

Solo grupos de individuos bien selectos y con

ni un peso del testamento. Todos saludan a la

momentos de gloria bien espaciados, pueden

viuda con pena y lo disfrazan de tristeza por

causar este efecto. El político gordo y amis-

la muerte. Las mujeres que la saludan buscan

toso, rodeado de no más de cuatro militares,

en sus ojos ver que tan sincera es ella en

que entra saludando a todo el que se va me-

su dolor, los hombres; tratan de descifrar si

tiendo en su camino como si fueran íntimos,

ella sabía sobre los cuernos. Luego de salu-

es uno de ellos. También, aprovechando la el-

dar a la viuda, todos se sienten más rela-

egancia y cuidado que se demanda para la oca-

jados y saludan a los que van entrando con

sión, llegan aleteando a paso doble sobre las

una sincera satisfacción de haber salido de

cabezas de todos: el club de las divorciadas,

esa situación. Ya afuera todos se sienten más

dejando un halo de malas lenguas y libidos

cómodos y hablan un poco más alto. Ya para

altos al pasar.

cuando comienza la misa todos están más con-

Alrededor de la viuda, cerca del difunto, se congregan la tía posesiva que la ordena a llorar o a saludar a alguien, la hermana que disfruta su lugar privilegiado de poder ver

tentos y por lo tanto, con más capacidad de fingir dolor.

Todos siguen la rutina evitando las miradas

no. Poco a poco comienza la procesión donde

y tratando de pasar esa media hora sin llamar

los que tienen, o se creen, con derecho de

la atención. Poniéndose de pie y sentándose

ir al cementerio, comienzan a caminar más

según ordenes y repitiendo el palabrerío memo-

rápido en dirección hacia la salida haciendo

rizado desde la catequesis. El final de la misa

aspavientos de prisa. Todos se van yendo,

marca el momento en que el tiempo mandatario

generalmente haciendo planes de ir a comer

acaba. Nadie puede salir corriendo a menos que

juntos, cada quien sugiriendo casualmente el

tenga una excusa lista a decir varias veces

nombre de los restaurantes más caros de la

mientras cruza la multitud sobresaltada. Pero

ciudad. Al final, Don X murió a las nueve de

todos quisieran. Esta parte es la incomoda

la noche del martes, y nadie lo recordó.

separación de los que son cercanos y los que

BETTER FASTER STRONGER Texto/Top//Fotografía/Por los entrevistados

VISIONES DEL DISEño INDUSTRIAL HISPANO AMERICANO

o imaginé que pudiéramos decir esto y sé que muchos lo soñaron pero nunca lo pudieron decir; pero estamos viendo el fin del capitalismo. El capitalismo ha sido una organización social que ha dominado los últimos cien años de la historia humana occidental, en la que la sociedad se organizaba según sus medios de producción. Los ciudadanos se volvieron “consumidores” y los que controlaban los medios - corporaciones, petroleras, farmacéuticas y bancos- se volvieron más poderosos que los gobiernos civiles. En esa organización, una transferencia lógica del sistema patriarcal, las artes y las humanidades (las individualidades) eran evaluadas según su utilidad y funcionalidad para el “consumidor productivo”. “Better, Faster, Stronger”, se volvió nuestra ética de trabajo y filosofía de vida.

La reciente crisis económica, junto con la maduración y difusión de revoluciones culturales de la segunda mitad del siglo pasado, así como una generación que nació con la tecnología, han creado una nueva conciencia ecológica y social global. Los productos masivos ya no satisfacen a los “nuevos individuos” y su estilo de vida. El crecimiento del Internet, no sólo como herramienta, sino como parte integral de nuestro diario vivir, permite que los medios de producción estén unificados en la computadora personal del usuario, de forma que el individuo se vuelve el nuevo centro de gravedad de la organización social. En este orden, la funcionalidad no es el fin, es el medio. La eficiencia es un supuesto. Ya no sólo demandamos precio y calidad de los objetos de los que nos rodeamos, sino que añadan placer estético, ecología y (en cierta medida) universalidad. Es por esto, que el diseño industrial se ha vuelto una de las manifestaciones más representativas del “nuevo individuo”. El punto de reunión del arte que produjo al individuo, con la vida que él quiere vivir. La multitud de ofertas de diseñadores y estudios de diseño de todo el mundo, nos han dado una enorme cantidad de opciones. Ya no son objetos que nos definen, sino que nos complementan. Es en este auge donde nuevas capitales del diseño comienzan a surgir en lugares no típicos; Bernardo Senna, ha sido un pionero en Río de Janeiro, Franco Cagnina es un argentino que está trabajando en Kansas y Marcos Madia, es un joven diseñador industrial que estudia y trabaja en Buenos Aires. En Santo Domingo, el interés por el diseño ha crecido al ritmo que crece una identidad cultural propia, mezclándose con una antigua tradición artesanal que por varios siglos fue nuestra única manifestación relevante. Natalia Ortega, una joven diseñadora dominicana, nos da la versión local de este movimiento global.

FRANCO CAGNINA www.cagninadesign.com

ranco es un emergente diseñador industrial argentino, que luego de graduarse de la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de Córdoba (FAUDI) fue head-hunted por la reconocida empresa de diseño Winntech en Kansas, EEUU donde dirige el área de Diseño Industrial. Con esta compañía y su propia firma de diseño, CagninaDesigns, Franco ha trabajado en proyectos de pequeña y gran escala en América y el Medio Oriente, adquiriendo gran reconocimiento.

¿Trabajando con diseñadores y clientes de diferentes lugares del mundo, como describirías el mercado global de diseño? Cada país es diferente y uno debe adaptarse a la cultura en cuestión. En los últimos meses he estado trabajando intensamente con proyectos para Arabia Saudita y ha sido un desafío muy grande. No solo se trata de diseñar un producto determinado, sino de entender y adaptar las ideas a un publico distinto, con singularidades y características que deben ser respetadas; es nuestra responsabilidad como diseñador ser flexibles y dinámicos.

¿Qué está pasando en Argentina con el diseño, arte y cultura contemporánea? En Argentina el diseño industrial esta empezando a tomar fuerza y ganar popularidad. Yo considero que Argentina es un país muy rico en arte y cultura. El Argentino es muy creativo y tiene mucho ingenio (muchísimo), eso lo noto no solo en diseño, sino también en ámbitos como publicidad, diseño gráfico, etc. Me parece que Argentina tiene un enorme potencial en cuanto a diseño en general y creo que lo más importante en este momento es impulsar a jóvenes profesionales y a empresas para

hacer crecer la disciplina, lo cual se está haciendo actualmente con el programa impulsado por el gobierno llamado INNOVAR. Es fundamental poder generar nuevas oportunidades que nos permitan ingresar con fuerza al mercado mundial.

materiales, colores y texturas. Me gusta que la persona “juegue/interactúe” con mis diseños y a su vez experimente algo sin complicaciones ni dificultades. Busco trasmitir un concepto moderno pero siempre respetando la funcionalidad y ergonomía. Diseño siempre con “doble sen¿Cual es tu acercamiento al di- tido” y es eso que le da el valor seño industrial? ¿Cuál es la ex- extra a mis productos. periencia deseada en el usuario final de tus diseños? Me gustan los diseños limpios, ideas simples y puras. Soy muy clásico a la hora de jugar con

101 Para nuestra segunda edición publicamos tu diseño para el Livebox Router, cual fue el concepto detrás de este gran producto? Básicamente el concepto fue en generar un router que tenga “vida”. Siempre pienso que los productos electrónicos hoy en día son “fríos” y realizan solamente la función primaria para la que fueron diseñados. Pero por qué? Teniendo la posibilidad de darle mucho más valor agregado adhiriéndole una segunda función que lo destaque. Es así que nació Livebox router. (La primera idea fue crear un perchero con el router incorporado, pero fue cancelado por los costos de producción).

¿Que te gustaría ver en el Mercado del diseño? Me gustaría que no solo los países industrializados sino también los países en desarrollo ganen más espacio en el mercado mundial de diseño. Hay personas con mucho talento alrededor del mundo y muchas veces las dificultades contextuales limitan sus oportunidades. Creo que el diseño a nivel mundial esta siendo cada vez mas exquisito y sofisticado. Cada diseñador pone un sello diferente a sus ideas y eso hace que el mercado sea único e inagotable.

NATALIA ORTEGA www.natalista.blogspot.com

atalia Ortega es una joven diseñadora dominicana de productos o “objetos”. Comenzó sus estudios de Diseño de Interiores en La Escuela de Altos de Chavón, y luego, continuó su educación en Diseño de Productos en Parsons The New School for Design en Nueva York. Luego de varios años residiendo en París y luego en Holanda, donde tuvo la influencia de diferentes tendencias, volvió a Santo Domingo a trabajar, instalando un taller. El 18 de Junio, en la Galería MCR1 presentó su primera exposición individual “Nuevos Objetos”.

¿Por qué objetos? ¿Cuál es tu acercamiento al diseño? Objetos se me dio muy orgánico. Empecé estudiando diseño de interiores en Chavón y estando ahí vino el rector de la carrera de productos en Parsons a dar una charla, Tony Whitfield, antes de conocerlo ni siquiera sabia que había una carrera para diseñar objetos. Ahí mismo me enamore y me dije: eso es lo que voy a hacer. En interiores duraba mas tiempo seleccionando las sillas que iba a colocar en el espacio que haciendo los planos. Lo que me gusta de los objetos es la escala, la calidad táctil del asunto, la investigación de materiales y

mas que nada, el efecto que puede llegar a tener en las personas, ese amor que siente una mujer al ver unos zapatos que le gustan, un coleccionista al observar su nueva adquisición, o el frenesí de un niño frente a un juguete deseado. Algunas de las personas que me han comprado, luego vienen donde mi a decirme lo feliz que les hace tener mis piezas, me conmueve mucho ese efecto sobre las personas. El diseño es mi salida creativa, mi manera de ver el mundo, mi forma de expresarme.

¿Tu estas muy involucrada con el movimiento del arte contemporáneo en Santo Domingo, como lo describirías hasta ahora y que ves pasando en el futuro cercano? Muy activo. Me imagino que mi grupo es un 5% de los artistas dominicanos, y el otro 95% no estoy al tanto. Pero si te puedo asegurar que ese 5% es un concentrado casi esencia. Lo interesante de esta pregunta y esta conversación ya la había tenido antes, es que en este “movimiento” nos alimentamos el uno del otro creativamente. En ramas diferentes, al final si las juntas tienen preocupacio-

nes similares. Hulda y Gustavo pintan cuadros que me conmueven cada vez mas, Laura G. hace vestidos para chicas como yo, Rita Indiana y los Misterios hacen la música que me gusta, Patutus en arte contemporáneo, Laura Amelia con su cine-arte y muchos mas chicos y chicas geniales. En fin, creo que lo que esta pasando es muy interesante, un grupito encendido, muy activo y con muy buena calidad de trabajo, que saben lo que esta pasando en el mundo actual, educados y sobretodo sensibles a la época.

103 ¿Cómo ha sido tu carrera hasta ahora y qué planes tienes? Mi carrera la verdad que esta en pleno apogeo. Luego de haber durado casi 8 años estudiando y viviendo fuera, finalmente estoy adaptada a santo domingo, con mil proyectos, un grupo de artesanos, amigos, diseñadores y artistas a mi disposición y muchísimas ganas de hacer las cosas bien. Mis planes futuros son abrir un taller más céntrico y con más capacidad. Un horno más grande, colaborar con más gente, visitar Haití y buscar esos famosos artesanos haitianos, experimentar más con plantas, y vender internacionalmente, pronto mis productos estarán a la venta en lamadesigns.com, estoy comenzando a pensar juguetes hechos aquí y a ver como sale todo.

MARCOS MADIA www.coroflot.com/public/individual_profile.asp?individual_

arcos Ignacio Madia, es un up-and-coming del diseño argentino. Navegando nuestros portales encontramos su ingenioso diseño para sistemas de sonidos “Growing Up”, que exhibimos en la edición pasada, en la sección de Avant Garde. Quizás por ser un hermano latinoamericano quien lo realizó, o por la presteza con la que nos respondió, nos interesamos en hacerle algunas preguntas sobre su trabajo y el diseño en Buenos Aires. Accedió encantado.

¿Qué te interesó del diseño Industrial? Desde niño me sentí fascinado por la forma de las cosas; empecé a dibujar todo lo que tenía a mí alrededor, más tarde sentí una gran necesidad de crear nuevos objetos. Creo que en ese momento uno se transforma en diseñador.

ficie, un color o una textura pueden despertar nuestros sentidos. Eso me apasiona profundamente. Siento que existe una tendencia global hacia la aceleración de la vida. Cada día vivimos más de prisa, hacemos más cosas en menos tiempo.

¿Cuál es tu acercamiento al diseño industrial? ¿Qué buscas lograr? Creo que mi mayor acercamiento al diseño se da a través de la forma, me interesa crear objetos que provoquen atracción y sensaciones intensas. Una super-

¿Cómo es el ambiente cultural en Buenos Aires? La ciudad de Buenos Aires se destaca por sus grandes atracciones, siempre actualizada, con una gran variedad de centros culturales, museos, teatros, ciclos y festivales. Valoro mucho de la

ciudad que siempre nos brinda una diversidad de diseñadores y artistas que hacen de éste, un lugar diferente y encantador. Con respecto a las manifestaciones del mercado, se está instaurando de manera más frecuente el interés por el diseño y su reconocimiento. Los diarios locales, semanalmente dedican un suplemento relativo al diseño. También tenemos un barrio porteño, “Palermo Soho”, donde hay una gran concentración de locales de diseño industrial, indumentaria, gastronómico, entre otros. Allí, los fines de semana

se transforman en un paseo diferente, donde uno camina sobre calles típicas del barrio, contrastadas con un poco de esta corriente moderna. Es una ciudad que está en pleno crecimiento y empezando su auge en este contexto. Soy optimista, por tanto creo en el progreso y futuro reconocimiento como una de las ciudades del diseño.

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BERNARDO SENNA www.bernardosenna.com

ernardo Senna es ya un consagrado diseñador Industrial brasileiro. Su esfuerzo de relevancia comenzó desde muy temprano, creciendo como profesional en un ambiente que todavía desconocía las nuevas manifestaciones de diseño. Bernardo estudió Diseño de Productos en la Universidad Federal en su natal Rio de Janeiro, graduándose en el 1997 (UFRJ). Trabajó junto a Instituto Nacional de Tecnología, diseñando productos, muebles y vehículos. Luego de graduarse, fue parte de la primera revista online de diseño de Brazil “Novo Conceito”. Del 2004 al 2006 fue Director del CentroDesignRio donde promovió el diseño en su ciudad. En el 2007 fue seleccionado para participar en el libro “Design Brazil – Volume 2” que presenta a los diseñadores brasileños contemporáneos más relevantes. También ha sido galardonado con diferentes premios, menciones y exhibiciones en todo el mundo, llevando el diseño latinoamericano a otro nivel.

¿Por qué diseño de productos? Para mí el diseño de productos es una experiencia de toda la vida. Tengo muy buenas memorias de mi niñez, y mientras más lo pienso más me doy cuenta que desde esos momentos me involucraba con objetos, haciendo y cambiando cosas, aún cuando era muy joven. No considero el diseño como un trabajo sino más bien como una extensión de mi mismo.

Cuando terminé la universidad y estaba trabajando como aprendiz, decidí que trabajaría con muebles, con objetos simples con los que pudiera construir prototipos por mí mismo y crear algo más personal en vez de simplemente trabajar en un estudio convencional de diseño. Entonces empecé un plan con todos los pasos que necesitaba para lograr mi fin. Primero estudié diseño contemporáneo internacional, y luego proyecté Tienes una línea extensa de algunos diseños conceptuales diseños, colaboraciones, y ex- aunque prácticos que envié a posición internacional. ¿Cómo revistas en todo el mundo. Todo esto pasó alrededor del 2000, empezó todo esto?

cuando todavía no existían blogs. Después de esto empecé a contactar a productores y a tiendas para venderles mis productos. ¿Cuál es tu percepción de la cultura contemporánea en Brasil? Estamos experimentando una transformación grande en el mercado en Brasil. Tradicionalmente no había muchos grupos diferentes de personas, pero ahora vemos a más grupos integrándose al mercado. La venta de muebles, por ejemplo, se ha incrementado el doble en los últimos cinco años. Creo que la

cultura pop se ha integrado más a la corriente dominante, se ha vuelto más “mainstream”, y al mismo tiempo es más diversa, asimilando cada vez más cosas del exterior y también de lo que se considera cultura elitista. La cultura aquí es muy diversa debido al tamaño del país y la variedad de comunicaciones. En general las personas aquí, especialmente los que crean, son menos tímidos y están empezando a sentir que ellos tienen algo cultural valioso que contribuir a la sociedad.

¿Qué experiencia desearías que sientan las personas que utilizan tus diseños? Me gusta que mis diseños tengan un factor sorpresa que vaya más allá de la funcionalidad o la estética. La idea de que alguien vea un simple producto, lo reconozca, le guste, pero al mismo tiempo piense que es diferente de lo que esperaba; esto me asombra porque creo que estas experiencias hacen que las personas cuestionen otras cosas en sus vidas. Y si nadie cuestiona nada, todo se mantiene igual. Sería interesante si las personas empiezan a tener una relación diferente con los productos, más relacionado con sus necesidades, sus gustos, y su valor. Mi cepillo de dientes, por ejemplo, tiene más importancia que mi reloj. ¿Cuáles diseñadores o artistas han influenciado tu línea conceptual? Solo citando algunos, Jean Marie Massaud, Poul Kjaerholm, los hermanos Campana, y Oscar Niemeyer.

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Grupo multidisciplinario Texto/Top//Imágenes/Grupo Multidisciplinario

i en Santo Domingo algo relevante está ocurriendo de forma colectiva, en lo que respecta a cultura contemporánea, es el Grupo Multidisciplinario. Por supuesto “toda arte alguna vez fue contemporánea”, dijo alguien y en toda época ha habido artistas, diseñadores, fotógrafos y otros que han expresado sus ideas, dándonos manifestaciones sorprendentes. Pero a nivel mundial la Internet ha producido una revolución cultural global, permitiendo a millones de personas tener acceso a las ideas de otras personas, procesarlas y generar nuevas ideas, que a su vez suben al Internet. Al mismo tiempo, esto ha creado la conciencia por primera vez, de que podemos tener (aunque todavía no tenemos) una comunidad global, luchando por la satisfacción de nuestras necesidades naturales comunes. Lo que Jefferson llamó “la búsqueda de la felicidad”.

A pesar de nuestro atraso en muchas cosas, esa revolución era inevitable que nos llegara por una simple razón: Tenemos Internet y tenemos artistas. Pero ¿cómo pueden las universidades prepararnos para un futuro que no ha llegado? ¿Cómo nos enseñan a ser relevantes a nivel global, personas que nunca lo han sido? Así nace el Grupo Multidisciplinario. Un grupo de estudiantes de publicidad y diseño gráfico insatisfecho con su educación y con hambre de conocimiento, se acercaron al estudio de diseño Modafoca solicitando charlas. Jorge González e Ian Víctor, integrantes del mismo, interesados, pero sintiéndose insuficientes para tal tarea se juntaron con Ángel Rosario, Maurice Sánchez y José Francisco Martínez, diseñadores gráficos, directores de arte y publicistas amigos y fue entonces cuando nació la idea para el Encuentro Multidisciplinario, en octubre de 2008.

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El EME-01 fue el primer evento realizado por el Grupo, en el que reunieron a 25 profesionales que se han destacado en sus áreas, con el propósito de orientar y motivar a estudiantes con diferentes intereses dentro de la carrera de Comunicación. Durante tres días más de 1,200 estudiantes participaron en conversatorios, charlas, talleres y otras actividades, observando a jóvenes y virtuosos de sus oficios, mostrándoles sus procesos creativos y empujándolos a lograr lo que ellos habían conseguido hasta ahora. Por las noches diferentes actividades agruparon a los participantes, permitiéndoles compartir y socializar. Los fotógrafos Jaime Guerra y Alex Otero revisaron los portafolios de fotografías de los interesados. Los ilustradores Ana Banana y Omar García dieron una entretenida presentación de sus trabajos, los retos que han enfrentado en publicitarias y sobre la ilustración como oficio. El reconocido publicista Mario de Ferrari junto al diseñador Engel Leonard, revisaron los portafolios de los estudiantes de publicidad, aconsejándolos y guiándolos en la carrera que estaban comenzando. Maurice Sánchez

y Ángel Rosario, de Picnic, tuvieron a cargo el conversatorio sobre publicidad. Eva Hart y la pareja Sahira y Gerber tocaron el tema de Fotografía de Moda, un campo relativamente nuevo en nuestro mercado y que todavía tiene pocos representantes. Artistas de animación gráfica como el colectivo Mapo, Marcos Cabrera y Poteleche, junto a los integrantes de la productora Suiche Machete, presentaron sus trabajos y mostraron las avanzadas tecnologías que les permitía hacer su arte. Otros expositores de diferentes disciplinas desfilaron frente a los estudiantes, fascinándolos y empujándolos a dedicarse a aquellas cosas que les interesaban. Tabaré Blanchard, de la Visual Sonora, dio una controvertida presentación en la que capturó la atención de la audiencia por más de hora y media. Finalmente, cuando presentó sus cortos todos irrumpieron en aplausos. Esta asistencia masiva y la respuesta que obtuvieron, fue una clara muestra de la necesidad de actividades como esta en un mercado creciente de jóvenes que se han estado formando con la conciencia de que algo estaba pasando en el mundo; pero aquí no.

Luego de este primer exitoso encuentro, las ideas comenzaron a llegar. La diseñadora Indhira Rojas, amiga del Grupo y egresada de Chavón, preparó el taller “Diseño: Agente de Cambio” en el que participaron más de 100 profesionales y estudiantes afines a las áreas de comunicación, publicidad y mercadeo. El encuentro se enfocó en cómo usar el diseño y nuestras capacidades creativas para causas sociales. Se aplicó por primera vez el sistema Design Thinking y el efecto que provocó, sentó las bases para lo que pasaría luego. Los estudiantes de la PUCMM de Santiago, al ver los resultados del primer encuentro, solicitaron que se repitiera en su campus. El evento contó con la asistencia de 500 estudiantes de esta ciudad y fue un descubrimiento para los participantes y los integrantes del Grupo Multidisciplinario ver lo que está pasando y puede pasar en la capital del Cibao. Hubo una gran asistencia, aunque no todos estuvieron presentes en la primera entrega, el entusiasmo de los jóvenes y las facilidades que lograron con la universidad y el Centro Cultural, dejó sentadas las bases para interesantes proyectos en el futuro.

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A finales de abril de este año en la Galería MDFC se preparó la exhibición “Típico Gráfico: Gráfica Popular Dominicana”, en la que hicieron una curaduría del uso de la gráfica popular dominicana, pasión que todo el grupo comparte. Letreros de salones, barberías, bancas de apuestas, cómics de políticos, stickers de autobuses, panfletos religiosos, pósters de conciertos y una centena más de objetos que vemos a diario, que sacados de su contexto y de nuestros prejuicios, podemos apreciar como nos afecta a un nivel cultural bien básico. Dewar’s, como parte del patrocinio del encuentro EME, estuvo presente y contó con la asistencia masiva de la cultura contemporánea local, creando un ambiente festivo que continuó por varias horas. Y es así, que cuando se anuncia el Taller Design Thinking RD, dirigido por Hilary Hoeber e Hillary Carey de innovación IDEO, importantes líderes de empresas y del mercado creativo local se inscriben. Durante los dos días que duró el curso, la crema y nata de la comunidad del diseño aprendió un “proceso” para hacer más eficiente el “brainstorming” y enfocarlo en el

usuario. Muchos de los problemas que enfrenta el creativo al momento de traducir la intención del cliente, se resuelven fragmentando el proceso y admitiendo en cada etapa todo tipo de ideas, sin prejuicios, y depurando progresivamente hasta responder la “pregunta” alrededor de la cual se hace el “brainstorming”. Una pregunta directa, no bullshit, que conecte al usuario con el cliente. La idea detrás de Design Thinking es la de crear expresiones de comunicación con el individuo (tanto el cliente como el consumidor) como objetivo central. “Las Hillary” respondieron a Indhira Rojas, coordinadora del evento, encantadas de compartir sus métodos. IDEO la compañía de las que ellas forman parte, está considerada por la revista BusinessWeek, entre las 25 más innovadoras y da consultoría a las otras 24. Los asistentes al evento dieron testimonio de haber tenido una experiencia iluminadora al ser orientados sobre los beneficios que pueden sacar de los post-it como herramientas para organizar las ideas, así como admitir todo tipo de sugerencias, buscando la mejor. Al mismo tiempo, la sinergia que surgió entre los que

participaron y las expositoras, fue ejemplo de lo que se puede lograr en nuestro medio con una mentalidad individualizada y universal. Las Hillary, cansadas pero entusiastas, al final quedaron fascinadas con el movimiento contemporáneo del diseño y la publicidad en Santo Domingo. Manteniendo la convicción de que el talento que encontraron aquí sumado a la falta total de competencia, produce uno de los mercados más fértiles que han conocido para el diseño y la creatividad. Los próximos planes van por la línea que han definido hasta ahora. El programa Nuevas Voces pondrá a diseñadores y escritores jóvenes a explicar sus procesos creativos, a la vez que el EME-02 se proyecta a ser un epicentro de mucho pensamiento avanzado, con expositores de diferentes lugares de Hispanoamérica.

Green power

EL TURBO RELANZA LA INDUSTRIA AUTOMOTRIZ DIESEL Texto/Rafael Octavio Bruno//Ilustraci贸n/Patricia Guerra

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l diesel es el combustible por excelencia para mover los motores de combustión interna y el turbo es el elemento del motor que ha relanzado la industria a niveles insospechados 20 años atrás. Razones económicas, tecnológicas y ecológicas nos indican que el futuro de la industria automotriz diesel seguirá en expansión creando nuevas tecnologías y nuevos retos para los actores que trabajamos en ella. La eficiencia lograda en la funcionalidad de los nuevos motores con la reducción de tamaño y aumento de la potencia, así como el alto confort de manejar un vehículo de rápido desplazamiento ha puesto de moda a los Turbos, que se han convertido en la clave para lograr sacar al mercado un vehículo económico, potente y ecológicamente aceptable. Los requerimientos de los gobiernos en cuanto a la reducción de partículas contaminantes, amenazaron a la industria del diesel en su momento, ya que nacieron tecnologías alternativas como los vehículos híbridos y el desarrollo de la producción de biodiesel a partir de la producción agrícola de semillas oleaginosas, así como el Etanol a partir de la caña de azúcar. Pero el impacto económico adverso que a nivel mundial esto produjo, creando inflación en los precios de los alimentos, deforestación, sustitución de

suelos y reducción de la oferta alimentaria, nos hace pensar que no será factible su implementación para sustituir al diesel como suplidor de la demanda mundial. Todas las regulaciones y la presión por un medio ambiente limpio han impulsado mejoras sustanciales en la tecnología automotriz diesel, entre las que podemos mencionar: 1) La introducción del Turbo para aplicaciones en vehículos ligeros que proporciona más oxígeno en el motor y por lo tanto mejor combustión. 2) El desarrollo de los sistemas de inyección de Riel Común con Inyectores electrónicos, con los que se ha logrado aumentar la presión de pulverización del diesel de 3,000 libras a más de 20,000 libras con ciclos de inyección de hasta 8 disparos por vueltas. Estos dos puntos: más oxígeno en el motor (turbo) combinado con mayor presión y frecuencia de la inyección (riel común) han provocado un salto mayúsculo en la mejora del funcionamiento del motor, logrando también disminuir la contaminación ambiental de niveles de 180 gr/km a 120 gr/km, proyectándose un nivel de hasta 70 gr/km cuando entre al mercado de forma masiva el inyector Piezo de riel común. Alto confort, precios bajos, alta potencia, economía y aire limpio, guiarán nuestra in-

dustria por un sendero próspero y seguro en el futuro inmediato. En los motores de gasolina, los turbos también ganan terreno. Los fabricantes europeos de vehículos con motores de gasolina ven al Turbo como un aliado para ganar la batalla de limpiar el aire y reducir el efecto invernadero de los gases contaminantes, cuyo responsable principal es el CO2. El consumo de combustible camina en paralelo con el CO2 que se produce. Las estadísticas europeas mostraron un promedio de emisiones de 185 gr/km en 1995. Para el año 2003 ya se había logrado bajar a 163 gr/km y en el 2008 el promedio está por los 140 gr/km. La reducción en el consumo de combustible, así como la producción de un motor de 1400 cc con la misma potencia de uno de 2200 cc ha sido lograda gracias al turbo; pero aún quedan retos por vencer en la aplicación del turbo de nueva generación VTG en los motores de gasolina, ya que las altas temperaturas en el manifold de escape alcanzan más de 1000 grados celsius, limitando su funcionamiento, por lo que se tendría que buscar nuevas soluciones con aleaciones de metales diferentes a las de hoy para lograr la eficiencia deseada.

por suerte hay crisis Texto/Sugel G. Michelén//Ilustración/Bernardo L. Vega

or suerte para la humanidad, en los apenas doscientos años que tenemos declarándonos racionales como cultura, hemos podido registrar y analizar diferentes catástrofes en todos los niveles. Hemos tenido crisis de valores, económicas, sociales, políticas, raciales, religiosas, sexuales, filosóficas, científicas y de género. Hemos visto pueblos enteros aceptar una ideología por suficiente tiempo como para ver sus consecuencias y para poder estudiarlas de manera exhaustiva y detallada. Los errores de cosmovisión y de paradigmas que hemos cometido a través de nuestra larga historia, se han visto sometidos a la prueba del tiempo. No es la primera vez que vemos a un líder improbable elevarse a una posición mesiánica en momentos de cambios culturales. No es la primera vez que una potencia imperialista estira los hilos de sus arcos de guerra por demasiado tiempo, hasta que queda en quiebra y luto. De la misma forma que la gran depresión fue causada por el abuso del capitalismo como sistema económico a principios de siglo, nuestra depresión del nuevo siglo es causada por el abuso del capitalismo como estilo de vida. Pero la historia no sólo es cíclica en las cosas que se refieren al comportamiento humano individual, sino que también tiende a ser dialéctica en lo que se refiere a los aspectos sociales. No sería extraño que en los próximos

meses nuestras niñeras en Hollywood nos vuelvan a alimentar de películas de fantasía y de historias de superación de crisis como en el pasado. La repetición de los mismos eventos lleva a las mismas manifestaciones en contra. La crisis casi siempre resultan en una aceptación colectiva de un punto medio entre los excesos cometidos y las prevenciones tomadas anteriormente. El industrialismo desenfrenado y la sobre inflación de los mercados de valores y financieros encontraron su ruina al mismo tiempo que una conciencia colectiva ambiental surgía mucho más balanceada que las revoluciones frustradas de Greenpeace en los ochenta. Muchos grupos voluntariamente marginados de la humanidad, luego de la crisis, tienden a aceptar nuevos elementos de los paradigmas con los que antes estaban en guerra. Por eso, predigo que veremos grupos de cristianos eco friendly, musulmanes agnósticos y budistas consumistas del otro lado de esta catástrofe económica y cultural. Y como en cada época, cuando un sistema que ha dominado varias generaciones se ve retado por su auto destrucción, aquellos que han fundamentado sus convicciones en el mismo anuncian el fin del mundo. Los filósofos objetivistas proclaman el fin de la racionalidad y los antiguos moralistas llaman a una vuelta a los viejos valores. Los grandes capitales, viendo surgir una clase

media que, como colectivo, se está volviendo más poderosa que la minoría dominante, gritan “¡comunismo!” a todo pulmón. En la filosofía contemporánea, presenciamos un acercamiento al neo-darwinismo y el neo-vitalismo en el que, por fin, las concepciones existenciales positivas de Nietzsche son aceptadas por la mayoría, aun sin conocerlo. De la misma forma, la Gran Individualidad yuppie de los noventa se ve balanceada con una conciencia grupal, y apunta a alcanzar el punto de moral natural que predicaban era imposible de lograr. Las crisis suelen tener un papel purgante en la cultura, debido a que en ellas los paradigmas más débiles sucumben. Pero, al final, veremos el mundo renacer como una gran cultura global, las prevenciones que hay que tomar para que esta crisis no resurja van a crear una conciencia colectiva imparable y veremos, por fin, la absolución absoluta de los grupos tóxicos que han querido dar las respuestas equivocadas a las grandes preguntas. El futuro, que siempre ha sido borroso, ahora es más predecible y optimista que nunca. Aquellos que saben ver la luz al final del túnel, aunque se aprietan los pantalones y reducen gastos, saben que el futuro nunca podrá ser peor que la oscura historia humana de donde venimos.

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música

Coco Rosie Texto/28ºC//Fotografía/Coco Rosie

ocoRosie es una banda de música creativa formada en el 2003, compuesta por dos hermanas, Bianca y Sierra Casady. Coco y Rosie, fueron los nombres dados por sus madres cuando eran niñas. Su música ha sido clasificada como parte del movimiento “Weird America”, un subgénero del Psychedelic Folk junto a artistas como Devendra Barnhart, Animal Collective, Joana Newsom y otros. Esta se caracteriza por seguir una línea de pensamiento tridimensional, usando “Stream of Conciousness” y Libre Asociación tanto en la música como en la letra. Tienen un estilo infantil, ingenuo y delicado, donde recurren a imágenes de su niñez como parte de las religiones ancestrales nativo-americanas de su padre, así como de sus vidas entre París y Nueva York donde siempre han gravitado. Su primer disco, “La Maison de mon rêve” fue grabado en el baño de su apartamento en Monmartre, por su acústica. En la música, incluyen cosas que recuerdan como juguetes y las monedas sobre una mesa, así como sonidos que van descubriendo en su constante exploración del universo de la conciencia. Estas artistas, nunca se han detenido en un género ni una manifestación, creando piezas artesanales de diseño gráfico, así como dirección de cortos, de arte y video clips. Sierra comenzó un nuevo proyecto musical llamado “Metallic Falcons” donde Bianca es la productora. El colectivo 28ºC condujo la entrevista que éstas respondieron desde Nueva York:

¿Cómo es el proceso creativo de CocoRosie? ¿Qué aporta cada una al proceso? Nuestros dones creativos son muy diferentes, por lo que siempre hay un contraste saludable con el que trabajar. Yo [Bianca] usualmente parto de ideas poéticas- conceptuales, mientras que Sierra siempre parte de la Belleza.

David Byrne, Yoko Ono y otros, ¿estaba todo eso en planes? Nunca imaginé que fuera la música que nos pusiera aquí.

¿Qué planes tienen en el futuro? Estamos editando nuestra primera película. Además, hemos realizado muchísimos cortos sin narrativa, pero esta primavera los ¿Cuál ha sido su relación con otras mani- filmamos y esperamos poder compartirlos festaciones de arte? pronto. También, ya terminamos nuestra Nosotras hacemos nuestro propio diseño cuarta producción que esperamos lanzar el de portada y hemos realizado algunos de próximo año. nuestros videos clips. Yo he sido una artista visual desde antes de ser músico. De hecho, nos sentimos más identificadas como artistas que como músicos en general. El mundo de la música puede ser tan conservador. En el mundo del arte, nunca nos hubieran dado etiquetas como “weird” o “freak” ya que no existe tal cosa como “weird art”. Viendo su presentación con la Royal Dutch Orchestra, ¿se han inclinado sus shows hacia el lado teatral? Sí, nos hemos inclinado. Los efectos visuales y el “ambiance” han crecido dentro de nuestras presentaciones en vivo. Hemos puesto medias y ropa interior en todo el escenario y armamos una merienda durante el show. En sólo seis años las han comparado con Bjork, Roisin Murphy, Beck y han compartido espacio con artistas como Brian Eno,

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eventos

Cadaques Caribe inaugura su primera etapa El 20 de Julio, Víctor Victoria y Richard Stefan socios principales de Spencut S.A., acompañados también de los principales directivos de Cadaqués Caribe, inauguraron su primera etapa entregando apartamentos y locales comerciales a los inversionistas y nuevos propietarios, en medio de un ambiente festivo.

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Tangowhiskyman en Cinema Café Como parte de la oferta electrónica y de buena música de Onda Sonora, los miércoles, en Cinema Café tendrán la oportunidad de disfrutar las interpretaciones del artista de electro rock alternativo Tangowhiskyman, quien se presentó el pasado 19 de agosto, logrando una asistencia masiva. El evento fue patrocinado por Dewar’s White Label.

Expecies del Expacio Exterior en MDFC Galería Mónica Bernal, conocida como “Bambi”, es una artista colombiana que luego de estudiar publicidad en Bogotá y Argentina y ejercer por unos años, recientemente se ha dedicado tiempo completo a su arte, trayéndonos “Expecies del Expacio Exterior” en MDFC (Casimiro de Moya 157A Gasco). Esta exhibición estará abierta hasta el 24 de Octubre.

Ojo por Ojo lanza iniciativa en la Art Gallery Pagés La artista plástica Carolyn Nicolás y el diseñador gráfico Immer Blanco, introducen un medio alternativo de publicidad, llevando a las manos de los clientes potenciales el trabajo de 10 ilustradores locales en forma de postales.

Brooklyn Bailout Burlesque La exhibición colectiva “Brooklyn Bailout Burlesque”, realizada por siete artistas emergentes, entre los que se encontraban norteamericanos y europeos, tuvo lugar en la galería Factory Fresh; como un acercamiento a la crisis actual. Jim Avignon, artista berlinés, residente en Brooklyn, curó esta exhibición ingenua y un poco revolucionaria creando un mundo paralelo, simbólico y fantástico. Formaron parte de ésta: Jon Burgerman (Inglaterra), Jim Avignon (Alemania), Roman de Milk & Wodka (Suiza), Ema (Francia), Asuka Ohsawa (Japon), Daniel Dueck (Brooklyn) y Christine Young (Brooklyn). Esta galería dedicada al “Street Art” está localizada en Flushing Avenue y Ha sido creada como un canal para lanzar estos artistas callejeros en el mercado global del arte.

Tatiana Pagés presenta “Ethnic Vagabond” La marca de joyería artística LAIO de la artista y empresaria Tatiana Pagés, fue presentada el miércoles 2 de septiembre, mostrándonos un trabajo explorativo de la identidad del trotamundo, usando materiales diversos y particulares.

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Grupo Habitalia presenta proyecto Habitalia Parque La firma Pons Arquitecto es la encargada de este proyecto multimillonario en el Mirador Sur, el cual fue develado por sus promotores el pasado 27 de agosto. Esta torre de 32 niveles está diseñada para integrar la belleza del escenario con terminación de lujo.

El catador presenta ganador concurso “Mejor Sommelier” Con un selecto jurado internacional, en las facilidades de El Catador, se realizó el concurso al “Mejor Sommelier de la República Dominicana 2009” resultando ganador Héctor García. Este evento celebra la inclusión del país en importantes circuitos de sommeliers, abriéndoles muchas posibilidades.

“Shuffle” por Luciano Gozueta en Lyle O’Reitzel Miami Durante el “Gallery Walk” celebrado el 12 de septiembre, la galería dominicana Lyle O’Reitzel, con sede en Wynwood, presentó el trabajo del costarricense Luciano Goizueta. Colateralmente se exhibieron obras de José Bedia, Hulda Guzmán, Cruz Azaceta, Duval Carrie, García Cordero, Gerard Ellis, Jorge Pineda, Víctor Payares, Gustavo Peña y Juan Erlich.