Top 10 by Top Properties

contenido Editorial

p. 24

Colaboradores

Hector García 22 El mejor Sommelieur de Santo Domingo

ADN

Un acceso personal a creadores de diferentes areas: Laura Amelia Guzman y Israel Cárdenas, Tania Marmolejo, Monica Cook, Jim Avignon, Maestro Toribio, Francelina Perdomo y Ezel.

Avantgarde 48 Una curaduría de objetos y marcas de diseño usando el criterio del biomimicry.

p. 32

p. 46

17 p. 56

Moda 56 Por Fernando y Víctor

El ojo del amo

Seleccion de nuestros favoritos del XXIII Concurso de Arte Eduardo León Jimenes

Teatro Guloya

Un grupo de teatro con un lenguaje propio

Caperusita Rosa

Tecnología y diseño en la decoración

Eventos

p. 68

p. 88

editorial

TOP 10 E

sta décima edición tiene el peso de un aniversario. Cuenta con personajes, trabajos y obras que nos orgullece que nos hayan dado la importancia. Jim Avignon, reconocido artista berlinés residente en Brooklyn nos preparó un trabajo original para la portada, mientras recorría Alemania en tour con su banda Neoangin. Luego de una amplia victoria de la cultura contemporánea en el Concurso XX León, traemos nuestra curaduría de las obras que nos mostraron un rompimiento y un crecimiento de sus artistas. Para moda, traemos una campaña tabú de Fernando & Victor. Luego de Dominicana Moda, quisimos preparar un recorrido fotográfico con fotos de Karla Canela sobre el mundo detrás de las cámaras, que es donde ocurre la moda. Tania Marmolejos desde Nueva York nos da una visión personal de su trabajo explosivo y sexual. Ezel, Dj, compositor y productor se sentó con nosotros a hablar de espiritualidad, música y su carrera. Francisco Nader, organizador y director de la Feria Internacional de Arte, FIART, se sentó con nosotros días después de finalizarse el evento, para comentar

Imagen de portada/Obra original para la revista TOP: “A question of honor”/Jim Avignon

Dirección/ Alexander Lois sobre sus orígenes, conceptos de trabajo y planes. Héctor García, ganador del título el Mejor Sommelieur de Santo Domingo y el tercer mejor del mundo, se sentó con nosotros a hablar sobre su oficio, enología y sobre el prestigioso certamen. Pero más que nada, esta décima edición marca un cambio radical para la revista y su estructura. Los esfuerzos logrados han permitido un aceleramiento de las actividades culturales, los personajes con deseo de ser relevante cada vez más se paran en la palestra y dan su propuesta. Esto nos ha permite entrar al 2011 con los pies en el asfalto, buscando las historias y pudiendo usar lo inmediato de lo digital, creciendo nuestro blog hasta algo que puede estar de tu lado, día a día, en las búsqueda de belleza, criterio y entretenimiento. www. Top.com.do será una referencia obligatoria para lo que necesites ir, saber y comprar. Para todos los días invertir en ideas para cobrar en manifestaciones honestas de la cultura contemporánea.

Dirección administrativa/ Samuel G. Conde Dirección creativa/ Mario de Ferrari Dirección de arte/ Marcos Cabrera Díaz Edición/Redacción Sugel Gamal Michelén Producción y coordinación/ Racel Molinari Asistente de Producción/ Josip Valerio Fotografía/ Ana Conde Venta y relaciones públicas/ Racel Molinari//Alexander Lois Corrección de estilo/ Priscilla Matos

Impreso en Egraf Top Properties no se hace responsable por las opiniones emitidas por los colaboradores de esta revista.

Alexander Lois

Top Cultura Contemporánea es una propiedad intelectual de Top Properties, S.A. Calle Segunda #2 Arroyo Hondo Viejo, Santo Domingo, República Dominicana.

809 566 5622 RNC 1-30-47760-4

colaboradores

JIM AVIGNON, FERNANDO & VICTOR, CHUCHI GARCIA, KARLA CANELA, KOCO TORIBIO, JAVIER MONTERO, ABELARDO LLERANDI Agradecimientos//El Catador/ Ana Conde/Fernando y Victor/ La Parcelita/Familia Toribio/Lyle O’Reitzel/Centro León/ Adelma Vargas/ Buró fur form/ Constantin Wortmann/SDGO/Natalia

Ortega/Guerilla Store/ Posh and Design/Helen Bordas/ KC de Bruijin/Asier Zabalo/Stua/Patrick Nadeau/Vij5/Christopher Stanek/ Joseph Walsh Studio/Melissa Mejía/Máximo Del Castillo

HECTOR GARCIA Texto // Fotografía / Top

El mejor Sommelier de Santo Domingo

ara ser seleccionado para el concurso de Mejor Sommelieur Del Mundo, se hizo un concurso en el 2009 para seleccionar el Mejor Sommelieur De República Dominicana en el que Hector García fue ganador. Se hicieron pruebas en dos fases: Pruebas de descorche, de espumoso, de maridaje y examen teórico. Todo en un día. Al día siguiente, se hizo la selección de los cinco mejores que se iban a debatir las posiciones en el Hotel Hilton. En esa fase se atiende una mesa como si estuvieran en un restaurante con cuatro huéspedes cotizados y con aval para hacer las evaluaciones. Se hizo una cata sensorial, una corrección de una carta de vino y corrección de un menú, todo frente al público. La noche anterior, en el Palacio de Bellas Artes prepararon una cena con la presencia de los 16 mejores sommelieurs del mundo que visitaban para el evento. Cada uno de ellos ganó en su país de sede el título de ‘mejor sommelieur’. A todos les asignaron platos para buscarle un acompañe y hablar de las característica del vino, del plato y del maridaje. Una noche magistral donde la calidad y la refinación estuvieron en la boca de todos. Para la evaluación de mejor Sommelieur Del Mundo se seleccionaron ocho productos para hacer la cata sensorial frente al público y una corrección de un menú de maridaje frente a cuatro huéspedes internacionales. Aquí solo llegaron tres sommelieurs: la República Checa, el representante de la Unión Europea y Héctor, para Republica Dominicana. En tarima estuvieron los tres y

tenían que hablar sobre los productos. Características, origen, año, cosecha y uva, en caso que fuera un vino. Les fueron presentados tres vinos y cinco productos diferentes entre licores y espumosos. Lucas Giardini, el que se erigió como ganador, ya había sido ganador del título de mejor sommelieur de Italia y mejor sommelieur de Europa, representando 20 países. Dominicana ganó segundo lugar. El tercer lugar fué al representante de la República Checa. Como todos los sommeliers que he tenido el placer de conocer, Héctor García tiene ese porte erguido, del que disfruta su trabajo y está orgulloso del. El oficio de sommelieur viene de la funciones del copero del rey, que como consejero y catador probaba todo antes de servir a la mesa real. La figura del sommelieur, por otro lado, está ligada a la del mayordomo, que extrae su dignidad de la calidad de vida que facilita a los que sirve. Héctor nos dice que lo primero que le fascinó de la enología es que es una profesión donde se necesita mucha cultura para interactuar con las personas que quiere ayudar en un momento particular. Cultura general, mucho conocimiento de vinos, y no solo de vinos sino sobre comida y líquidos en general (cervezas, destilados, puros) ; todo lo referente a una cena en un restaurant o en un hotel. Conocimiento sobre las particularidades culturales del comercio y consumo de vino. Como que en España, en Ribera del Duero no beben vinos de Rioja. O en la costa de Loire, que los pescadores de ostras, fabrican un vino casero a base de uvas Sauvignon blanc enbotellado con sus propias levaduras para

crear un maridaje de los ingredientes con la vista al mar. Información sobre los pasos de producción y conocimiento del terreno y costumbre de las regiones del vino. Héctor llegó al Catador hace 3 años a trabajar como auxiliar de ventas en la tienda. Le apasionó el ambiente y buscó la forma de conseguir un curso de 8 meses, un diplomado de Sommelieurs, avalado por la Asociación de Sommelieurs italianos y la asociación mundial. Thomas Sartori fue su mentor, hasta que descubrió que era su pasión. Antes de eso, estudiaba ingeniería electromecánica en la UASD. “Lo que mas me apasiona es la interacción con la persona y la satisfacción cuando yo veo que la persona yo le recomiendo un producto que vuelve y me dice ‘Que bueno estaba, enséñame otro’. Ganarse la confianza” Por supuesto, hay clientes difíciles, tercos que no aceptan las sugerencias y por lo tanto, la sabiduría que el sommelieur pudiera aportarles “pero igual disfruto cada servicio al máximo, mas que nada porque es mi pasión y lo que quiero hacer” nos dice como conclusión. El placer de las buenas comidas y los buenos vinos a los que ha tenido acceso. Los vinos más caros del mundo maridado con la cocina de chefs exquisitos. Interactuar con los clientes, descorchar y hasta sentarse con ellos a compartir una copa de vino. Su meta es volver al mundial, pero aun quedando en segunda posición hay ofertas que le han hecho fuera del país, para grandes posibilidades.

Monica Cook M

ónica es una artista residente en Bedford, Brooklyn que siempre se ha manejado con misterio sobre su persona, negándose a publicar fotografías de su cara, de forma que el sujeto de su obra nunca sea delatado. Nació y estudio en Savannah, Georgia donde hizo sus primeros estudios de arte en la Universidad de Arte y Diseño. Su estilo y su forma se combinan creando un efecto surreal anatómico donde el cuerpo y las cosas se transforman en sujeto y mensaje. Del 22 al 24 de Octubre se presentó simultáneamente en los Guggenheim del mundo, el Youtube Play Biennal donde su corto ‘Deuce’ fue seleccionado entre otros 24 videos. La obra Monica Cook ha sido curada para una amplia lista de libros, siendo tratada con el respeto de una de las grandes pintoras americanas de ésta época. Con su representación local, la galería Marcia Wood, ha presentado cuatro exhibiciones en solitario, así como exhibiciones grupales que han viajado por Nueva York, Canadá y Europa. A pesar de su costumbre hermética, Mónica accedió a darnos la entrevista, proveyéndonos una vision personal de su trabajo y su proceso:

Que te inspira de la forma femenina? Me inspira la forma humana en general. He pintado primariamente mujeres (a mi misma y mis amigas) por comodidad y conveniencia. A veces solo necesito usar una figura como un envase para transmitir una idea, tengo un cuerpo regular, indefinido, que puede calladamente actuar esa parte. Hay pros y contras de usarme como modelo, pero casi siempre los pro ganan; siendo que siempre estoy disponible y dispuesta para las fotos y trabajar sola me da más libertad para improvisar.

Texto / Top

A quienes mencionaría como influencia actual en tu estilo? Mis influencias más grandes han sido Jan Svankmajer, Frances Bacon, Otto Dix, Henry Darger, Hans Bellmer, Jenny Saville, Daniel Gordon, Dana Schultz, Summer Wheat, Allison Schulnik, Natalie Djurberg, David Altmejd, Berlinde de Bruyckere, Folkert de Jong, Huma Bhabha....

Hay un ángulo siniestro en tu acercamiento a la forma, por qué? Estamos guiados por nuestros intereses, generalmente los míos me hacen sentir Una vez que la pintura está terminada, cual incómoda. Al amplificar su absurdo soy caes la impresión deseada en ti y los que la paz de hacer algo más digerible. Es imporobservan? tante para mi hacerme reír en el estudio, el Mi última muestra (Seeded and Soiled, humor trae vida al proceso y al trabajo. Marcia Wood Gallery) trataba sobre la indulgencia desenfrenada, la curiosidad Cual considerarías el rol del artista en la y el deseo, moviéndose entre atracción y cultura contemporánea? repulsión, humor y gravedad. Hice un acer- Un artista debe tener la fe y la determinacamiento casi infantil a las cosas que me ción de sacar de las raíces de su ser lo que inquietaban, inocentemente interactuando tienen que ver. con ellas hasta que se volvieron familiares. Los cuadros ofrecen un descubrimiento Qué es lo que más disfrutas de pintar? voyeur de esa curiosa inconformidad. Cómo sabes cuando parar? Lo que más disfruto son esos momentos Cómo comenzaste a pintar? En qué estas trabajando? pasajeros cuando todo se alinea y me siento Como todos los niños me gustaba dibujar, Por los pasados meses me tomé un break de simultáneamente, conectada y desconectada construir cosas, esculpir y pintar. Desde en- pintar para explorar la escultura y la anima- con el trabajo. tonces estaba enamorada de los detalles del ción. Esto ha sido un tiempo bien emocioPuede ser difícil saber cuando parar. cuerpo y de la piel, secretamente pintando nante para mi, me siento como un científico Generalmente, sólo tengo que forzarme a en mis muñecas cabello, lunares, pezones, loco en un campo de batalla, ensamblando no trabajar de más o a sólo seguir adelante uñas, etc. En el bachillerato redescubrí el partes del cuerpo y experimentando con y cambiar. amor por crear en clases de cerámica, lo que nuevos materiales y pócimas. Cual es tu ambiente ideal para trabajar? me llevó a la escultura y luego a la pintura. Un estado mental temerario y apasionado.

BIBLIOGRAFÍA Lisa Kurzner, «Images of Beauty and Repulsion», Atlanta Journal and Constitution, January 6, 2008 Carey Lovelace, «Girls, Girls, Girls», Art in America, June/July 2007 Michiko Rico Nose, «New York Artist Backstage», Tokyo, 2006 New American Paintings,Number 58, 2005 Allison Hersh, «Cook›s Creative Migration continues», Savannah Morning News, July 27, 2005 Catherine Fox, “A look within reveals truths about us all”, The Atlanta JournalConstitution August 29 2004 “Laid Bare on Canvas”, Jezebel Magazine, September, 2004 Felicia Feaster, “Women Behaving Boldly”, Creative Loafing, Atlanta, GA, 8/19/2004 “Pour L’ Amour”, Elle, Le Point, Paris-Match, Le Figaro, Le Journal du Dimanche, 2003

Sprouting Potatoes 2009//oil on canvas//48” x 48”

Salvo//2009//ink on frosted mylar//19” x 24”

Succi//2009 oil on canvas//48” x 48”

uando nos encontramos con Tania en Chelsea afuera de una exhibición, la energía de su crew rápidamente contagió al de nosotros. Tania es dominicana pero de madre noruega, lo que le da una pose alta, elegante y al mismo tiempo, la energía tropical y caribeña, que igual se percibe en su obra como en su forma de hablar. Su trabajo parte de una exploración bien personal de la interacción del mundo interno femenino con el mundo externo. En su trabajo, lo femenino encuentra un campo de libre fantasía y manifestación junto con la técnica que se mezcla con el lenguaje. En su exploración ha investigado ampliamente desde la manga japonesa hasta la litografía y el arte narrativo medieval creando un trabajo explosivo, capaz de aguantar una infinidad de ‘segundas miradas’, siendo a la vez expresivo y decorativo. Tania reside y trabaja en New York y ahora, como parte del universo de Lyle O’Reitzel, entra al dialogo del high art contemporáneo latinoamericano. Cuéntanos de tus primeras experiencias con la ilustración a nivel profesional? Primera experiencia profesional fue diseñando personajes para animaciones en Nueva York. Entre los clientes estaban Nickelodeon, PBS Children’s TV, MTV, Hyperion/Disney Books, Scholastic, entre otros. El director del estudio de animación Data Motion Arts me contrató antes de graduarme de Parsons, y sólo trabajé con personajes y fondos de animación. Salté todo el proceso tedioso de animar. Diseñe algunas animaciones completas también, y gané par de premios CINE (para el estudio). Logré diseñar los personajes para una serie de TV para el canal

Tania Marmolejo

Texto/Top//Fotografia/Tania Marmolejo

“Mi carrera ha sido llena de sorpresas, no deja de sorprenderme. He sido diseñadora, animadora, directora de arte, pintora...sin orden lógico. Siempre creativa. Todo es valido” Oxygen, pero desafortunadamente ya había crisis en los estudios y las productoras y tuvimos que cerrar. Aaarg! La crisis!! De ahí continúe ilustrando para revistas de moda y textiles -en especial para niños-. Mientras tanto siempre pintaba ya que era la manera de sacar MIS ideas, mis sentimientos etc., y logre exponer en algunas colectivas en Nueva York, en especial como colaboración con ONG’s que tenían que ver con causas pro-mujer. No me puedo quejar, lo que quería hacer, lo hacía. ¿Qué materiales usas y por qué? Para los trabajos pequeños me gusta la acuarela, porque permite soltura y que ocurran «accidentes». Me gusta seguir el camino trazado por una gota o un error en el dibujo...un error siempre se convierte en otra cosa. En las pinturas me gusta el óleo, por la misma razón, pero también porque permite pintar con un sentido visceral, no controlado por la razón si no por el placer del trazo. No es lo mismo trazar con un pincel untado de acrílico que con uno untado de óleo. Fluye más...es más orgánico. Cuando pinto necesito que sea completamente visceral, desde el inicio (la idea) al fin. El óleo también me permite pensar mientras pinto, disfrutar del proceso y no reaccionar demasiado rápido «antes de que seque». Es otro proceso, otra manera de pensar...un placer un poco hedonístico quizás...pero así soy con todo.

¿Qué colores te gustan? Me gustan los naranjas, rojos y violetas en especial, quizás por mi lado caribeñodominicano. Es pura pasión para mi. Calor, pasión, vergüenza, pudor...Pero tengo un lado escandinavo (influencia de mi madre sueca) que necesita controlar, y ahí entran los grises y azules-verdosos para calmar la situación (risas). Cuando viví en Noruega me influenciaron mucho esos colores, y al principio los usaba mucho en serigrafías y grabados. Pero al estudiar en Altos De Chavón luego, todo lo que me rodeaba era anaranjado. Saturado. Domino mis sentidos y no he vuelto atrás después de eso. Me gusta sentir que una pintura «arde». Qué temas te intrigan y sientes que has tratado durante tu carrera? La pasión...(el deseo de ocultarla), la inocencia, el punto exactamente medio entre la inocencia y el «descubrimiento»...los sentimientos muy femeninos (cuales serán?!)...he pintado mucho el punto de vista personal como mujer- o fémina, y me sigue intrigando... La curiosidad. El lado oscuro del cerebro... ¿Qué dirías que tienen en común todas tus obras? Soltura. Imaginación algo descontrolada. Mucho humor oscuro...cínico, especialmente en mis dibujitos o «doodles». Un poco de inocencia también, y una buena dosis de sensualidad...pero tímida.

En tu proceso de investigación, cual fue el momento que sentiste que sabias claro qué querías representar? En mis pinturas supe que quería representar mi punto de vista extremadamente personal desde que comencé a pintar, aunque mucha de la claridad vino después de ciertas experiencias personales. Supe que había una diferencia entre mi arte comercial y mis pinturas porque eran desvergonzadamente personales desde un punto de vista femenino y humorístico. Yo misma me sorprendo al ver lo que sale de mi cabeza. No se de donde viene a veces...(risas). Al pintar no pienso que ‹esta es una obra que quiero vender›, si no que ‹esta es una obra que necesito expresar›. Ahí separo toda razón y sin excusas pinto o dibujo lo que sale. Lo bueno es que parece que le gusta a otras personas, se identifican. Qué otros medios te gustaría probar? Me gustaría volver al grabado, para ver el trazo más accidental que produce, y a la escultura para ver mis creaciones en tres dimensiones. Y también a la animación; pero esta vez de mis pinturas. Qué planes tienes para el futuro? Dedicarme al arte personal. Pintar más y experimentar con las técnicas mencionadas. Sentir que me he lanzado a un proyecto personal y honesto y ver donde me lleva. Sentir que he logrado infiltrarme en el selectivo mundo del arte. Colaborar con otras personas creativas con proyectos que inspiran. Escribir un libro. No rendirme.

Tania Marmolejo//NewRealizations//Oleo sobre canvas//48’x48’//2010

Tania Marmolejo//Toxic Longings//Oleo sobre canvas y marcador//30”x50’jpg//2010

Tania Marmolejo//Wonderwomans Unraveling//Tinta sobre papel//42â&#x20AC;?x42â&#x20AC;?//2011

Tania Marmolejo//Self Portrait as a Hawk//tinta sobre papel//40â&#x20AC;?x40â&#x20AC;?//2010

Jim Avignon E

n algún punto el Lincoln Tunnel se convierte en otro estado. Atrás se quedan carreteras con malls, parqueos, fábricas y rieles de tren. El sueño americano se parece a New Jersey, y que bueno que queda atrás. Port Authority es llegar por la retaguardia; emerger hacia puentes que salvan los viejos ríos de carros y nos deja en el mismo corazón de Nueva York. Un olor a mantequilla y canela nos recibe, después un olor a mocato y sudor guardado que decora todo el sistema de transporte público. Casi la única huella del paso de cien años de clase media. Con una expectativa cinematográfica el centro de la ciudad espera en forma de taxis amarillos afuera de las puertas. Decidimos por las escaleras que bajaban al Subway. De la 14 podíamos coger el L train directo a Brooklyn. Con Jim me pude juntar el penúltimo día del viaje, luego de que tratáramos de coordinarnos entre horarios, subways y calles de Brooklyn por toda la semana. Eran las doce y un área que apenas cinco años atrás era el callejón de atrás de Nueva York, hoy zumbaba de “hipsters” en plena noche del sábado. Jim es un tipo normal que no sobresale físicamente por ningún manierismo. Tiene una manera lenta y baja de hablar con un fuerte acento alemán. En su carrera tiene tantos elementos creativos que sería imposible clasificarlo ni siquiera como artista plástico. Jim es un Creador. De los artistas que si les quitan el pincel de la mano, no se ven desnudos. Su primer proyecto fue una exhibición impromptu en la que

Texto/Sugel G Michelen//Fotografia/Jim Avignon

pintó entero un pequeño techno bar en las afueras de Munich y luego vendió todo. En el momento tenía 21. Su filosofía desde entonces ha sido clara “prefiero pintar mil cuadros por un euro, que un cuadro por mil”. Ha demostrado su apego a esa filosofía en todo lo que ha hecho. En el 1995 hizo una exhibición llamada “Get Rich With Art”donde el público se podía llevar cualquiera de las 800 obras en exhibición. En ‘Documenta de 1992’ en Kassel, hizo una llamada “Destroy Art Galleries” en la que todos los días hacía un cuadro nuevo para luego quemarlo por la tarde. Su discurso profundamente anti-capitalista se ve representado en el acto de quitarle el valor a la obra, sacándola así del mercado elitista, el mercado de semidioses en el que galeristas y egos se hacen millonarios. Cada año produce un evento colaborativo llamado “who’s afraid of capitalism”. Cada dos años publica una revista llamada “attack delay” con temas como “you can always want what you get”. Haciendo a lo largo de su carrera cientos de exhibiciones (en algunas, pintando los cuadros algunas horas antes de la exhibición), curando festivales, publicando libros, haciendo música y demás. Le llaman neo-pop. Arte para y sobre la gente normal. Las críticas y los elogios han llegado de todos lados. Luego de trabajar en Europa y levantar una carrera allá, en la que documentales han sido hecho sobre él en canales de todo el continente y BBC y miles de sus cuadros decoran las casas de todo el mundo; su fama fue creciendo. Y por eso decidió

mudarse a Williamburg, Brooklyn, donde puede ser un nadie creador, como le gusta. En Febrero 10, 2005, el gobierno del estado de Nueva York en la figura de Bloomberg comenzó a invertir en el área empobrecida -hogar de latinos, negros, emigrantes de Europa oriental y asiáticos- en lo que se llamó The Bushwick Iniatitive. Esto redujo notablemente el tráfico de drogas, la inseguridad en las calles y permitió que artistas, estudiantes y bohemios se decidieran cruzar el río en busca de mejores precios inmobiliarios y huir de la bulla del downtown. Cuando lo conocimos en el 2008 estaba curando Brooklyn Bailout Burlesque en Factory Fresh, en Bushwick, evento en el que conoció al inglés Jon Burgerman, que también comenzaba a viajar a trabajar en Brooklyn. Ese momento fue muy importante en la carrera de los dos artistas. Jon, mucho más joven, había sido grandemente influenciado por el estilo de Jim al principio de su carrera. El obscuro libro “Busy” el cual editó con un DJ llamado Dag en el 2001, había llegado a manos de Jon, sin siquiera sospechar que años más tarde estaría colaborando. Jim y Jon ahora tienen una pequeña banda llamada “Anxieteam”, haciendo art shows en Brooklyn, Inglaterra y Alemania y donde sea que reciban una invitación. Hace poco me dijeron que van a grabar con una disquera grande en Londres. La música ha sido algo paralelo en la vida de éste creador. Desde el 1997, Jim ha trabajado en un one-man band show llamado Neoangin, donde compone y canta canciones techno bizarras y cómicas a las

que acompaña con un show de visuales, máscaras, y danza. Ha lanzado ya 9 discos la mayoría editados por él mismo, pintando los flyers, portadas y escenarios para cada uno de los cientos de show que ha hecho. Sus temas rondan los mismos de sus obras: la vida plástica que propone el capitalismo tratada con humor con títulos como “Melancholy pays my rent” y “little class girl”. Si algo ha caracterizado a Jim Avignon es el deseo constante de crear, usando las limitaciones de dinero como recursos creativos. Como hablamos por largo rato, el artista que apunta hacia la fama como meta de su carrera, va a tener que vender su alma al diablo a cada paso, sometiéndose a las condiciones bizarras de un mercado copado de nombres, donde se exaltan más los compradores que el arte. Esta es la razón por la que el creador nunca puede parar de crear.

Jim Avignon//The night is still young//160 x 2 metros//acrĂlico sobre papel

Jim Avignon//People in the subway//90 x 120 metros//acrĂlico sobre papel

Ezel Texto/Top//Fotografia/Nijshme Mascaró

zel trae a la música electrónica una calidad espiritual, la cadencia de las tamboras, creando un encuentro de las diferentes manifestaciones de la africanidad americana. Tanto en sus set o sus remix va llevando un ritmo y un espíritu alegre que le ha ganado fama internacional a sus presentaciones. Ezel fue descubierto por el productor Osunlade en el 2008, con el cual comparte muchas cosas como la celebración del espíritu negro en fusión con la música electrónica y las creencias de la religión Yoruba, de la que extraen los conceptos de balance con la naturaleza y consigo mismos. Basado en el principio de que para alcanzar la felicidad hay que ser parte y fluir dentro de las reglas naturales, la música de ellos apela algo más que las emociones o la mente, y busca comunicarse con el cuerpo espiritual. Ezel comenzó tocando el piano y componiendo como parte del Santo Domingo Funk Crew y Calor Urbano, viajando junto a éstos últimos por los escenarios de Estados Unidos y Latinoamérica junto a Juan Luis Guerra, para luego ganarse el

público local bajo el nombre de Babyfunk, ya entrando en el campo de lo electrónico. House influenciado por soul y funk. Ahora bajo su nombre, Ezel, se permite explorar sus experimentos en la variedad de ritmos con la que siente una atadura ancestral. Con su primera producción discográfica “Secreto”, lanzado en Septiembre, 2010, siente que pudo expresar su identidad musical con mucha libertad, bajo la guía musical y espiritual del sacerdote Osunlade y Carlos Mena. “Mi disco es el reflejo fiel de quien soy en la cual apoyo mi balance y armonía para seguir avanzando hacia adelante” Nos dijo “Es una alquimia sónica que abarca varios generos tales como el House, el R&B, ritmos etnicos como el afrocubano y la samba que se entremezclan con colaboraciones vocales de artistas del soul y jazz que he tenido la dicha de conocer mediante mi travesía en distintos paises”. En su podcast, que ha tenido gran seguimiento online, ha podido mostrar de manera gratuita los géneros musicales con los que se ha involucrado y los artistas que han sido una influencia en su estilo. Nunca

faltan los tracks old school de Prince, Miles Davis, James Brown, Parliament Funkadelic, George Duke y otros. Siempre buscando las canciones con riqueza de espíritu, producto de alguien apasionado con su música en su momento cultural. Poco a poco, con un trabajo constante, su obra ha ido acaparando la atención de un mercado tan curioso y fluido como es el de la música electronica mundial. Sus remix le han ganado el respeto como uno de las nuevas figuras emergentes del underground, como fue el caso de “In My Life” con las vocales de Tamara Wellons, que alcanzó el nivel de #1 en los circuitos house de todo el mundo. Durante el 2009, hizo una primera aparición en los escenarios importantes de Boston, Miami, Chicago, Houston y en Nueva York, donde hizo residencia y pudo colaborar con grandes artistas que había admirado y contactado desde lejos por tantos años. De esas presentaciones, dejó un sabor en la escena, coronándose como un must para seguir y esperar grandes cosas.

Laura Amelia e Israel E

l buen cine va a ser siempre ese ‘otro’ cine. Que intenta decir, probar algo, a lo más mostrar algo; retratar una realidad. La vocación de ese cine es casi siempre filosófica, analítica, casi literaria. “Jean Gentil” es justamente así. Muestra de una manera sensible y para nada obvia la historia de un haitiano educado y sus tribulaciones en territorio dominicano. A Jean lo pudimos conocer en la muestra de la película en Novocentro, y su historia personal se mezcla hasta perderse en la historia de la película. Tanto en esta como en su anterior, ‘Cochochi’, Israel y Laura Amelia empujan las fronteras del documental, hasta crear una visión personal de la realidad objetiva y deja que el expectador discierna con libertad. Israel, mexicano, y Laura, dominicana, se conocieron en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba, en el 2004. Por separado se habían destacado y logrado trabajar con buenos directores en proyectos interesantes, así como presentado cortos y documentales en festivales, con prometedor éxito. Luego de eso, mientras trabajaban y estudiaban en México, se fueron acercando a las comunidades de la Tarahumara. Estas comunidades nativas mejicanas, 400 años después, todavía sufren el proceso de conquista, forzados a homogeneizarse y marginados del Estado. Dominando la poderosa Sierra Tarahumara , esta población lucha por mantener su cultura y su pueblo. Con la sensiblidad que los caracteriza Israel y Laura vistaron la locación por más de

un año. Vivieron sus costumbres, se relacionaron con los habitantes del pueblo hasta entender sus tradiciones y psicología. Una de las cosas que más les llamó la atención hasta el punto de convertirse en sujeto y personaje de la producción, fue el tiempo. “Allá el tiempo pasa de otra manera” nos dice Laura Amelia. “tu puedes ver a un niño apacentar las vacas por horas, sentado como un lagartico sobre una roca, sin moverse ni decir nada”. En la película, dos niños de la comunidad pierden un caballo y la cámara parece seguirlos por la naturaleza virgen y agreste, mientras en sus breves diálogos nos muestran sus posiciones culturales específicas dentro de la comunidad. La trama, que comienza con la graduación de la primaria, va mostrando la vida de todo un pueblo; sus costumbres, marginaciones y percepciones desde los ojos y las vidas de los niños. “Cochochi” fue un trabajo lento y esforzado, que pasó en su mayoría cuando la cámara estaba apagada, donde el tiempo tambien fue protagonista del proceso de producción. Es una película vigente en el tiempo por su valor antropológico, acentuado por ser hablada en su totalidad en la lengua Raramurí. Entre Agosto y Septiembre del 2006, filmaron la película y ésta tuvo una excelente acogida por la crítica y por el público desde su primera exhibición en el Festival de Venecia en el 2007. fue principal ganadora en el XXVI Festival de Gramado, lo más alto de Brazil, como película extranjera, así como “mejor filme” del jurado en el XXV Festival de Cine de Miami y el Premio

Texto/Top//Fotografia/Ana Conde

Diesel Discovery Award del Festival Internacional de Cine de Toronto. Pasando por multitud de festivales y muestras, ganando excelente crítica internacional. Con un poco de mala suerte, cuando la iban a presentar en México se volvió popular el miedo al virus A1H1 y mientras ellos visitaban las estaciones de radio para promover la película, las autoridades inducían a la población a mantenerse alejada de lugares concurridos y cerrados. Lo triste es, el drama del ‘otro’ cine, es su escasa producción financiera. Las películas que conviene distribuir son otras con más explosiones, americanismos y entretenimiento. El éxito indiscutible de éste proyecto, no se puede medir en monedas. Canana Films, productora de ambas películas, fue fundada por Pablo Cruz y sus productores ejecutivos son los ya consagrados Gael Garcia Bernal y Diego Luna. El propósito de su creación es empujar el cine latinoamericano y a los creadores que presenten una visión poética y objetiva de la realidad de los pueblos de nuestro hemisferio. Mientras “Cochochi” se insertó y trajo un nuevo aire a la gran industria de cine mexicana, “Jean Gentil” es pionera del cine dominicano, rompiendo barreras y haciendo historia con cada detalle de la producción. Luego de pasarse un año ‘festivaleando’, en Febrero, 2008 comienzan a trazar los planos para “Jean Gentil”. Desde el 2005, Laura había conocido a Jean como profesor de francés y siempre hablaba sobre él como portador de una realidad que la intrigaba.

Cuando surgió el momento de un nuevo proyecto, les atrajo acercarse a esa vida, basados en las largas horas de historias lentas y horribles que les iba contando Jean Genty sobre las vidas de los emigrantes más odiados de un país de emigrantes. El tiempo de preparación, producción y filmación de la película, necesitó otro proceso y otro acercamiento, con miles de horas de grabación y un estudio delicado de las locaciones y los personajes. La película tiene una progresión de la ciudad al campo, que muestra la marginación cultural en el contexto de una naturaleza rica, llena y hermosa. El personaje busca entre sus capacidades y posibilidades ni siquiera redención, apenas supervivencia. Con un final seco, abrupto y doloroso la cámara termina mostrando una visión aérea de Puerto Príncipe antes del terremoto, poniendo al espectador en una posición omnisciente desalentadora. “Jean” ganó mención Especial del Jurado en la Mostra de Venecia 2010 y ahora comienza el proceso de recorrer las rutas de la industrial internacional que hacen panteón de ese ‘otro’ cine. Nos cuenta la prensa que con cada presentación en la Muestra, ha tenido una recepción calurosa y llena de ovaciones. En su primera presentación en Santo Domingo, las lágrimas así como los comentarios caritativos agridulce no hicieron falta. La película se estrenó el 10 de marzo 2011, para la cartelera dominicana.

abiendo ejercido derecho comercial y contencioso tanto en el Estado de Nueva York como en Santo Domingo, Francelina es una joven abogada que puede servir de puente entre los dos mercados. Su firma ha ido creando la plataforma para ofrecer a artistas y pequeñas empresas asistencia legal para introducirse en el mercado y hacer negocios, proveyendo la seguridad que ofrece el tener una firma de abogados en ambos escenarios: Republica Dominicana y Estados Unidos. Desde pequeña, influenciada por sus padres y hermanos, siempre quiso involucrarse en el mundo del arte y también, ser abogada. Graduada de Unibe en Santo Domingo, Cornell University Law School y especializada en Derecho Comparado en La Sorbonne Paris I, Francelina ha estado ejerciendo derecho comercial en Nueva York desde el 2002 y fue visualizando la oportunidad de introducirse en el campo legal que regular aspectos creativos y artisticos. Su hermano, actualmente vicepresidente de Sony ATV, US/Latin America ha sido otro factor que ha incidido en su decisión de ofrecer servicios legales en el área del arte y entretenimiento. La ley es el marco de movimiento que da el sistema. El artista que desea crecer hacía otro mercado debe hacer fundamento en tierra firme. Con la industria en cambio acelerado debido al reto de la Internet y la tecnologia en general, los artistas cada vez tienen menos seguridades para proteger sus talentos.

Francelina Perdomo

Texto/Top//Fotografia/Tracy Toler

“Embajadora legal del arte” El propósito de su firma, Perdomo, Klukosky & Associates es llevar de la mano a la compañía o al artista start-up y ayudarlos a “armar el muñeco” en sus aspectos legales. Los temas de propiedad intelectual, derechos de autor, registro de marcas, reconocer y aprovechar los nichos de mercado y saber donde el agua esta para navegar. Por su experiencia en Nueva York, la firma trae a la mesa asesoría y contactos para dar a conocer al cliente en el mercado. En su portafolio cuenta no sólo con artistas, sino también con compañías que representan artistas. De forma que en el mismo medio de todo, Francelina, queda como embajadora legal del arte. Su firma maneja negociación de contratos y acuerdos en los campos legales de los negocios, arte y entretenimiento. Asisten a sus clientes con contratos de licencias, representación de artistas -“artist management”-, producción, distribución, difusión, patrocinio, grabación, entre otros. Por el rápido avance de la tecnología, un abogado que ofrezca servicios en el área de negocios, arte y entretenimiento, debe también manejar aspectos contenciosos para así proteger y servir a sus clientes de manera mas efectiva. Perdomo, Klukosky & Associates no solo representa a sus clientes en transacciones, sino que también ofrece protección de sus derechos por medio del litigio, si así resulta necesario. Su preparación en el derecho corporativo en Cornell y luego su especialización en derecho comparado en la Sorbonne, y una amplia experiencia en litigios le dan una

mano particularmente buena. Destacándose esto desde temprano al tomar la representación de decenas de casos relativos a la caída del vuelo 587 de American Airlines en el 2001, logrando acuerdos millonarios como indemnización. Francelina nos comenta que actualmente nuestro país se encuentra en un proceso de actualización en el área del arte y entretenimiento con la Ley de Cine -“Ley Orgánica de Incentivo y Organización de la Industria Cinematográfica en la República Dominicana”-. Esta nueva ley ofrecerá grandes cambios en el marco legal y ofrecerá oportunidades para propulsar la industria nacional de cine. Perdomo, Klukosky & Associates maneja contratos para TV y cine tales como la adquisición de material literario, contratos de co-producción, acuerdos, lanzamientos, ofertas de colocación privadas, financiamiento y tantos otros temas relacionados. En vista de que la referida ley de Cine utilizara la plataforma internacional para las transacciones del septimo arte, require por ende, accesoria legal especializada. “Con un cuidadoso marco legal, se le puede dar a todos una mejor posición en la naciente industria y asegurar que al lidiar con clientes y corporaciones extranjeras, tanto en

Republica Dominicana como en Estados Unidos, todos tengan las mismas ventajas ante la ley.” Francelina se adhiere a las opiniones de muchos que consideran que la Ley de Cine devengara facilidad para accesar artistas internacionales, mejores condiciones de pago para el personal tecnico, artistico y sobretodo incentivos para la inversion en nuevos proyectos. Francelina tiene un trato amable, humilde y alegre. Le apasionan las posibilidades que le ofrece su profesión y sobretodo porque la ha colocado en la posición de poder ser un punto de conexión entre dos ciudades y culturas que ama.

Maestro Toribio E

l Maestro es un artista campesino que fuimos a conocer a Jimao, días antes de su exhibición de pintura y música en el Centro de la Cultura de Santiago. La carretera a San José de las Matas es de las más hermosas que he recorrido en la isla. La naturaleza virgen, agreste, muestra una biodiversidad particular, tropical seca, de hojas verdes de tonos claros y arbustos tupidos. Por la altura, árboles pequeños, pero antiguos y fuertes. Al Maestro lo conocimos por su obra, primero, su obra en sus hijos. Nenito y Vladi, músicos multifacéticos, durante la exhibición lo acompañaron con tambora y guitarra, mientras sus hijos más pequeños tocaban la trompeta y cantaban. Ariel, el más grande de los pequeños usaba su voz de niño con intensidad y presencia, mientras recitaban las letras silvestres de su padre. “El árbol con todas sus raíces” lo describió. El Maestro fundó la parcelita como parte de un programa de la ONU para trabajar con los carpinteros del área, que son la economía local, y mejorar el producto. Al mismo tiempo, ha creado un espacio donde educar a los niños de la comunidad. “Yo hago esto para que lo niños amen lo que están haciendo.” nos dijo sobre su trabajo allí “Porque parece que la verdadera pobreza es la distracción, la gente anda pensando que las cosas le van a venir de fuera y las cosas le vienen de adentro. La pobreza es la incapacidad de reconocer tu propia riqueza. Eso es ignorancia. La Educación, entonces, se vuelve enseñar a adaptarse a ese mundo ignorante”.

Iluminado por la naturaleza de la que se rodea y de los libros que lo han nutrido, el Maestro tiene una manera calmada de hablar, en aforismos que van surgiendo en su hablar cotidiano como análisis, casi proverbios que hacen fácil ser fiel a su entrevista “Cada cosa que tu superes diariamente, te deja una línea luminosa que le ilumine el camino a los que vienen atrás, los que pasen por ahí” nos dijo “Por eso yo no cito a nadie, por que esa experiencia ta muy lejos de la mía”. A su manera, con las semillitas que ha ido plantando en sus hijos y estudiantes el Maestro propone un mundo nuevo, feliz. “Que to’ el vivo sea amigo, que tu pueda coger de allá para acá sin nada, y aquí tu jaye, y te vayas de aquí para allá, igual. Es un sueño” se reclinó y junto las manos “pero tiene que pasar; eso es Dios”. Él enseña esto a sus hijos a través de la música “Dios es como una ecuación que para entenderla, más que por la lógica, se llega por la sensibilidad del corazón”. Las cosas que él ha aprendido en su proceso le permiten dar conclusiones extremadamente simples y ciertas “Tu recurso es el milagro de vivir, de tu nacer, de estar aquí, ya tu tienes los medios necesarios para tu desarrollarte y que tu participación multiplique un bien que le llegue a los demás. Eso es lo que me mantiene a mi como Maestro tranquilo”. El amor que rodea su hogar, es la fuerza motriz de su pintura. Su obra es algo que nos encogió y obsesionó por semanas luego de verlo exhibido en el XI Bazart de Narbón en el Centro Alemán a mediados de

Texto/Top//Fotografia/Abelardo Llerande

Septiembre. Surrealismo constumbrista con un uso magistral del espectro entero de la luz y del color, y un manejo del óleo, hasta lograr texturas y profundidades difíciles de encontrar en los contemporáneos y en los artistas de escuela. “Eso es tiempo” nos dijo con pasión cuando nos vio sentir el canvas pesado con mucho trabajo debajo “eso es óleo, el óleo necesita proceso de tiempo. Se trabaja y se trabaja”. “Eso es una vaina sólida –líquida y gaseosa-” dice con una sonrisa sabia. Pero nos advierte “Yo no sé hacer una obra de arte, una obra de arte no la puede hacer nadie; el arte acontece” dice con intensidad, explicando mucho de su filosofía “si tu estas despierto y procesando la realidad y trabajando mucho, entonces, te puede tocar a ti”. Por que así es el Maestro, como sus cuadros, sencillo, coloquial, lleno de vida. “La felicidad es una decisión que uno mismo toma de interpretar la realidad a tiempo” nos decía al tiempo que jugaba con uno de sus hijos “Nunca va a ser el resultado de nuestro esfuerzo, sino el resultado de nuestra intención. El resultado nosotros no lo manejamos, no es de nuestra incumbencia, pero si la intención de hacerlo bien” “Yo no tengo ambición, yo creo que tengo lo necesario para vivir tranquilo y espero con la exposición comprar un terrenito que tengo visto y crear una finquita sostenible, para hacer las cosas de las que tanto hablamos, todo el mundo tiene que ser autosostenible, yo sólo soy El Aprendiz de Jardinero, tu ve?”Eso es un tema que es motivo en su dialogo y el nombre de su Exhibición.

Para él ha sido un sinónimo de libertad. Jugamos en “la parcelita”, nos bañamos en el río que pasa cerca y comimos bueno. El miércoles, nos encontramos otra vez en Santiago para la exhibición. Para lo que tenían meses ensayando era una presentación de música y canto, junto a sus hijos que fue sorprendente. Refrescante, nuevo, música a otro ritmo que no es de la ciudad. El público comió de su mano. El auditorio del Centro estaba lleno y de entre las risas y los silencios respetuosos la gente gritaba cosas como “eres un maestro de luz!” a lo que todos asentían. Luego, fuimos pasando al salón donde los cuadros mostraban el mundo vistos desde sus ojos, con la música todavía vibrando en la lengua. Su símbolo de la isla con el árbol naciendo de las casitas de campo es su aporte original al arte dominicano. No hay mejor forma de decir todo esto y convertirlo en parábola que como lo dijo él al final hablando de si mismo “hay gente que nace con la sensibilidad que no se doma tan fácil y siempre vive cuestionando las cosas y mantiene su libertad”.

Ricardo Toribio//Verano//47â&#x20AC;?x67â&#x20AC;?//pintura al oleo sobre tela//2010

Ricardo Toribio//La isla encantada//47”x67”//oleo sobre tela//2010

AVANTGARDE

Dise単o en todo

49 Joseph Walsh Studio x Canopy Bed josephwalshstudio.com

La idea detrás de este diseño era la de crear la sensación de protección y abrazo, manipulando y reconstruyendo las capas finas de Madera en forma libre. El trabajo esculptórico queda como un monumento a la colaboración entre hombre y material. Joseph Walsh, usó olive ash y ocre, maderas preciosas para crear una terminación delicada y Hermosa.

Eclipse x Stua stua.com

Inspirado en las formas orgánicas de la naturaleza, Eclipse está compuesto de 4 mesas de tamaños, alturas y ángulos diferentes entre sí de forma que crea opciones fluidas para su uso y disposición. Intenta ser una versión contemporánea de las antiguas ‘nesting tables’. Disponibles en su página web.

Maison Vague x Patrick Nadeau patricknadeau.com

La “wave house” es parte de un proyecto de casas económicas de 136 mts2 que están siendo construidas en Reims, Francia. La casa está cubierta con tierra y plantas, aislando su estructura de madera, creando una atmósfera fresca y amplia dentro de la casa, con una estética relajada y verde.

PUMA bikes x Biomega puma.com

PUMA y el equipo de diseño de Biomega han colaborado para producir la próxima generación de bicicletas Urbanas. Para esta colección, los diseñadores trabajaron en estilos prácticos Europeos y tecnologías que chocan con el relajado estilo Urbano Americano. Con una familia de cinco miembros: Disko, Pico, Navys Man, Navys Lady y Funk, las PUMA Bikes redefinen y revitalizan el paseo de la ciudad con un poco de radicalismo y mucho sentido común. Se pliegan, se llevan, viajan.

Mieke Meijer para Vij5 vij5.com

Una reversión del proceso; del papel a la madera. Cada día millones de periódicos son desechados y ésta es una interesante manera de aprovechar ese sobrante. Las líneas de las filas de periódicos amontonados recrean la estética de los anillos de edad de los árboles y pueden ser cortados, lijados y tratados como madera en general.

Branca x Marco Sousa Santos branca-lisboa.com

Marco es portugués y sus piezas buscan lo innovador, con materiales ligeros y sostenibles. Branca tiene la forma de un caracol y ergonómico hecho para ser rellenado con tus propios cojines. Hecho en Plywood.

MOVE Outdoor Kitchen x Christophe Stanek movekitchen.com

Esta cocina modular es una reinterpretación del clásico BBQ de terraza, agregando una gran cantidad de funciones, convirtiéndola en un concepto innovador. Hecho a la orden en su taller en la Riviera Francesa, Stanek usa técnicas de construcción de barcos para crear una pieza resistente al agua, fuerte, ligera y fácil de utiizar.

MyDNA x Joel Escalona joelescalona.com

Este diseñador mexicano presenta una teoría sobre las cosas que tenemos y cómo nos definen. Este librero en forma de doble hélice tiene una estetica sofisticada y estilizada que complementa cualquier espacio de lectura.

Armor Jewelry x Sandee Shin armorjewelry.com

Armor es un arsenal de orfebrería de alta moda que se mueve entre minimalismo no pretencioso y conceptualización de punta creando un estudio de rompimiento sobre la moda. Creado por la artista basada en Nueva York Sandee Shin, Armor mezcla las formas y texturas suaves, con cadenas y piezas agresivas que elevan el collar a pieza principal de cualquier atuendo.

Alchemia Mysteria SS11 x The Non the-non.com

Esta marca de diseño masculina dirigida por Tony Spackman tiene un acercamiento conceptual e intenso a la moda de hombre. Sus creaciones incluyen una larga exploración de la forma, los volúmenes y los materiales, acompañadas de sesiones fotográficas y marcos conceptuales impecables.

53 Posh&Design qma.com.qa

Inspirado en algunas flores del desierto, el museo sigue la visi贸n de su Alteza el Emir de Qatar, quien orden贸 este proyecto como una manera de unificar y presentar la riqueza y variedad del arte isl谩mico, as铆 como educar a las nuevas generaciones.

Tea light holder en pewter.

Wall Play en ceramica diferentes colores disponibles.

Muse Candle de Jonathan Adler, vela en soya con envase de porcelana.

Guerrilla Store

guerrillastore.tumblr.com

Una tienda “guerrilla”, es un espacio temporal de exhibición y venta de objetos de producción limitada. El proyecto Guerrilla Store Santo Domingo inició en el año 2009 presentando a una colectiva de artistas y diseñadores locales con una propuesta estética y funcional, ofreciendo diseño contemporáneo concebido y producido en la República Dominicana.

Cerámica tejida: Natalia Ortega Gamez: barro rojo y nylon tejido

Carterita de bolitas: Natalia Franch: tela sintética

Plato serigrafiado: Javier Reyes: platos reciclados y serigrafia

Tabla de skate: Maurice Sanchez: madera tallada y pintura

Vestido en lino: Trapitos de Sofia: lino y algodón

55 City Kids x SDGO sdgo.com.do

SDGO es una marca de moda creada por Nicole Jimenez y Sugel Gamal Michelén con el fin de crear vestimenta pensada para las necesidades naturales de los individuos en las ciudades latinoamericanas. Su segunda colección “City Kids” se inspiró en las necesidades y hábitos de un fin de semana fuera de la ciudad y fue presentada durante Dominicana Moda 10 con muy buena respuesta. Las piezas tratan materiales orgánicos, frescos y sostenibles. Lino y algodón crudo, usando colores de la naturaleza y texturas de Latinoamérica. Para esta segunda colección contaron con la colaboración de Maru Morango, carteras Ruda, Solstice & zephyrus y Laura Tosato.

moda

....ME QUEDÉ CON TODO Fotografía / FERNANDO & VICTOR // www.fernandoyvictor.com

Fotografía/Estilismo//Fernando Santos /Víctor Nicolás Producción//Yazmín Yeara Makeup//Conani Peinado/ Nina Vargas Modelo//Rubby/Luis Menieur Models Asist. Fotográfico//Guillermo Tabar Ropa//Oriett Domenech Lentes//Mercura NYC for Oriett Domenech

OTRAS QUINIENTAS Texto/Sugel G. Michel茅n//Ilustraci贸n/Koco Toribio

l publicista tuvo la idea perfecta cuando se estaba bañando. El copy exacto, la tipografía, los colores; como se podía graficar y todo. El juego de palabras cubría todas las bases del brief y era chistoso - o él pensaba que era chistoso -. Sintió un alivio de baja frecuencia casi subconsciente. Cada campaña que le tiraban era un reto al que siempre se sentía de menos desde la universidad. De alguna forma, en cuatro años y pico que tenía graduado, mas dos que había sido pasante siempre parecía resolver. De los cientos de ideas que tenia para cada campaña, alrededor de ocho eran tomadas en serio en el brainstorming y a veces, entre las tres ganadoras estaba la del. De ahí a que se convirtiera en una propuesta como tal y que el cliente las llegara a ver y aun más las aprobara; bueno, esa eran otras quinientas. Pero, dia a dia, la satisfacción inmediata compensaba las ganas de relevancia por la que se había puesto la piel de publicista en un principio. Se puso sus skinny jeans negros, sus converse y su camisa de cuadros verdes. Le gustaba ya verse como lo que siempre había querido ser. Su carro económico rojo apenas pudo llegar a la oficina y por hoy tener algo de propósito, había llegado temprano. Anotó la idea en un post it como había aprendido en Design Thinking y esperó que todos llegaran para decirla en el momento preciso. De tanta acariciarla, la idea ya estaba pulida y se sentía sólida y suave. Su oficina era pequeña, blanco neón, pero muy limpia. Prendió su inmensa

Mac, espero los ruidos, notificaciones y novedades comunes y empezó el dia. Quería algo alegre de su Itunes y puso The Whitest Boy Alive. Abrió Photoshop. Abrió Ilustrator. Abrió Firefox, para abrir su Gmail y su Facebook. Antes, abrió el email de la compañía en una ciega obediencia a ojos desaprobadores invisibles. Entre sus bookmarks abrió cualquiera de referencias de publicidad. Hoy se sentía del nivel de cualquiera de ellos, por que hoy, tenia una idea perfecta. Sus email eran irrelevantes pero le requerían algo de atencion. Alguien de otra dupla le había mandado la referencia del ganador de un concurso al que todos habían participado varios meses atrás. Cuando digo todos, me refiero a todos los publicistas de todo el mundo. El arte era simple, cortante y limpio. ‹Claro› pensó, como confirmando una sospecha resentida. En ese breve panteón online, todos querían ser admirados aunque sea una sola vez. Pero que fuera una buena única vez. León de Oro o algo así. Era raro, pero parecía que esa genialidad que parecía pan de cada dia en otras mentes, en su ambiente eran las propuestas ‹arriesgadas› que todos habían aprendido a oponerse. No iban a esforzarse otra y otra vez en algo que no llegaría a ningún lado. Los que querían satisfacer al cliente, imitaban la publicidad hecha aquí desde los ochenta; los que querían ganar premios imitaban la publicidad que ganaba premios fuera. La agencia terminaba siendo mas como el departamento de marketing outsourced, el

publico de la marca nunca iba a entender y ah, por favor, el logo más grande. Fue saludando uno por uno a sus compañeros. Todos tenían endurecida la cara con la que llegaban a clase de matemáticas en el bachillerato. De obligación necesario. De ‹para que todos sepan›. Con cada uno tenía ensayado alguno saludo cómico y privado. Una variación de su nombre, un apodo que les recordara que se conocían en sus vidas fuera de la publicitaria. Todos iban preparando sus computadoras con su ritual único que les confirmaba su autoestima. Las publicitarias son un extraño conjunto de seres idénticos en el deseo de ser diferentes. Cuando el Director termino sus rituales virtuales en una oficina de vidrio a cincuenta metros de ahí, cogio su café de camino (como un magnate de wall street) e hizo la dulce pregunta: ‹Tienen ya lo de la campaña de Z...?›. Todos pusieron sus chats en brb, incómodos de romper la ilusión de que el dia no comenzaba, cogieron sus notepads y se sentaron en la mesa color madera del centro. Escrita con letras infantiles y en el papel, la idea volvía a ser frágil. Esperó su turno. Cada uno de los publicistas recombinaba los clichés y torcía las palabras de plástico inoxidable, buscando la meta comercial del brief. El Director consideraba honestamente hasta la idea mas estúpida. Esa era casi siempre la piedra con el diamante adentro. Las ráfagas de creatividad era enfrentada con un maduro escudo de cinismo, curiosidad infantil y experiencia. Poder pensar rápidamente como todo tipo de personas

reaccionarían ante tal o cual imagen. Validar su primera impresión al oír una palabra con un signo de interrogación al lado de la propuesta. Todo pre-artista sentado ahí, temblaba ante la expectativa de que su idea, su individualidad, se convirtiera en una manifestación palpable en las hojas de un medio. Cada uno se veía forzado a actuar como si Z.... fuera la mejor marca de ropas del mundo. Cuando llego su turno de tener toda la atención, el publicista se sintió desnudo. Tartamudeó y puso una cara de ‹esto se me acaba de ocurrir›. Y dijo la idea. El director la oyó completa con el ceño fruncido. Su inmutabilidad era una aprobación por el intento. La próxima propuesta vino de inmediato y tuvo el mismo solemne escenario. Los lentecitos del de al lado habían procesado las mismas referencias, aunque había preferido partir de una buena imagen, para luego pensar que letras la explicaban. Las vueltas por la mesa se fueron acelerando como una ruleta de casino. los minutos de fama saltaban de reloj. El proceso de brainstorm que promete ser el mas democrático y tener tiempo indefini-

do, en total, es agridulce. De alguna forma u otra hay abogados ideológicos, callados, parados contra las paredes. El del Cliente, el de Las Costumbres, el de Las Referencias, el de los demás directores y el del cool y temido dueño. El tiempo, administrado como quien apacienta ovejas, lo determina la agenda del Director. ‹Bueno, resumiendo’ dijo alzando su notepad que tenia derecho a ser más grande. Tenía el top ten de las ideas más relevantes. Fue declamando cada una, oyéndolas como por primera vez. Se detuvo en la del publicista y la dejó flotar por unos segundos. Todos cogian clase de curaduría. Le pareció que su idea con la imagen del de los lentecitos iba perfecto. Una de las palabras le pareció que daba una idea confusa sobre Z.... También validó con fuerza la propuesta de las publicistas que sabían apostar por el caballo en esteroides. Decir en menos palabras el mandato del brief, poner la foto obvia y el buen logo jugoso en el medio. Al Director le gustaba la sonrisa de sus padrastros con chequera. Todos fueron dispersados por su sonrisa final de charlista motivacional.

El publicista se quedó un segundo extra sentado en la silla negra. Su idea había llegado a oídos importantes y había sido aprobada. No le gustaba la imagen que le habían impuesto pero sabia adaptarse. Presentaron una vez más la propuesta y con palmadas en la espalda, volvieron a sus posiciones donde les esperaba otra idea, simple, desnuda, en bruto, para ser convertida en campaña. Un tiempo después, diecisiete campañas después para ser exactos, andando con su novia vería la valla en mismo medio de la Churchill. Habían cambiado la tipografía, el fondo y habían dejado la foto de prueba. Tuvo una semi sonrisa semi satisfecha: algo del estaba a la vista de todos en Santo Domingo. - egh, mira esa - dijo su novia con cara de asco señalando el póster. Como buena novia de publicista también había aprendido a ver los anuncios. No se ofendió. Sabia lo que ella quería decir.

EL OJO DEL AMO

XXIII Concurso de Arte Eduardo Le贸n Jimenes

La cรกpsula //Barro refractario de Bonao/arena/yogurt/mantequilla/helechos y musgos naturales//180 x 86 cm

Hulda Guzmán//Someone are born to sweet delight//2010//Acrílica sobre tela. //148.8 x 199.3 cm

Hulda Guzmán//Sin título. 2010 //Acrílica sobre tela.//165.2 x 347 cm

Gerard Philippe Ellis.//Back yard (Tarde de desastres)//2010//AcrĂlica y lĂĄpices sobre tela//199 x 293.3 x 4.7 cm

Raquel Paiewonsky//Para vínculos involuntarios//2010//Fotografía sobre papel//122 x 81.3 cm

Gustavo PeĂąa//Hasta la victoria siempre.//2010//Ă&#x201C;leo sobre tela. //121 x 128 cm

Gustavo Peña//Lithuanian waters//2010//Óleo sobre tela//119.7 x 274.6 cm

FIART Texto / Top // Fotografía / Cortesia Galeria Nader

el 10 al 14 de noviembre se celebró la Primera Feria de Arte en Santo Domingo FIARTE. Organizado y producido por Francisco Nader, dueño de Galería Francisco Nader de arte Latinoamericano. La feria contó con la participación de 27 galerías de diferentes lugares del mundo y con la presencia de trabajos de maestros dominicanos y latinoamericanos así como artistas jóvenes, que fueron los más solicitados. Dentro del marco del éxito de la feria, conversamos con Francisco Nader sobre su trabajo, la feria y el mercado del arte.

galería de arte, paralelo a la medicina. En los años subsiguientes, del 90 hasta el 2010 nosotros en veinte años tenemos ya una galería en Miami y hemos estado trabajando siempre con artistas internacionales en ferias y exposiciones internacionales. Hemos estado trabajando bastante, participando en los últimos veinte años en más de 60 ferias internacionales aparte de las exhibiciones individuales, aparte de las invitaciones que nos hacen a nivel mundial a llevar a un artista determinado. La última fue los 6 meses que duró la exposición mundial en Shanghai 2010, que fue la feria mundial de comercio.

Como comienza Galería Nader? La primera galería se abrió en el 58’ en Haití. En el 70’ se realizó en Santo Domingo una feria artesanal donde se invitaron a todos los países de América Latina (donde es el Guacal hoy en día), y la artesanía y la pintura haitiana tuvieron mucho énfasis y éxito, algo que mis padres no se esperaban. Entonces, mis padres ayudaban a mi tío, que vive en Haití todavía, con el negocio de ahí surgió la idea de tener una galería Nader aquí. Los primeros 6 años fueron exclusivamente obras haitianas y después de ahí, comenzó mi papá a trabajar con los artistas nacionales, de los cuales muchos hoy son bien conocidos a nivel nacional e internacional. Son maestros que están dando paso a la nueva generación. Desde entonces hemos estado trabajando. Se integraron primero mis hermanos y yo de último, estaba estudiando medicina y después que vine también monté una

¿Como nace Fiart? Fiart surge de una idea desde hace años que veníamos programando. Por qué si otras ciudades con menos capacidad que Republica Dominicana tienen su feria de arte, por qué Santo Domingo que es una ciudad de 500 años y tiene una vastísima cultura colonial y una belleza incuestionable no hace su feria de arte. Pero no teníamos el espacio, no era el momento para hacer una feria de arte. Comenzamos el año pasado, se hizo una este año, que tuvo muchísimo éxito en Sans Souci en la terminal Don Diego. No nos podemos quejar con la cantidad de público que fue a la misma. Fue un éxito rotundo en cuanto a calidad y asistencia. Ya estamos comenzando a trabajar en la próxima. Esta la cerramos hace 3 días y ya estamos trabajando.

¿Qué pudo observar del mercado del arte durante Fiart? El comprador se esta poniendo muy exigente. En un minuto se puede conectar a la Internet y buscar cuánto vale el artista y en cuánto está ‘rankeado’. Y tiene toda la razón. El mercado a nivel mundial del arte, aunque está un poco baja la venta, está muy sobrevaluado y mucha gente se está aguantando con eso. El artista dominicano tiene un problema; tiene un precio aquí y uno internacional. Tu no puedes tener dos precios. Al mismo precio que vendas aquí, tienes que vender en el mercado internacional. Obvio que se le aumenta un precio módico por el costo de exhibirlo y sacarlo del país. Si es un ranking de 500 a 1000 dólares más, lo pagan, pero más de ahí, no. No van invertir dinero en una cosa que no lo vale. ¿Qué planes tiene para la galería? Yo he cometido el error de trabajar con más de 100 artistas. El año que viene voy a trabajar con muy pocos artistas. Me voy a enfocar en 10 o 15 artistas como mucho, darle un buen apoyo financiero, un buen apoyo promocional. La galería va a tener otro matiz y otro rumbo, tenemos que cambiar, hay que dinamizar la corriente. Queremos expandirnos hacia otros mercados, estuve hace poco en Dubai haciendo un estudio de mercado. Creo que es factible expandir el arte no sólo local, sino internacional joven hacia Asia y el Medio Oriente. Ya dimos el primer paso, el segundo y el tercero y vamos a seguir, hasta que Dios quiera.

TEATRO GULOYA Texto / Chuchi Garcia // Fotografía / Cortesia Teatro Guloya

La historia de Viena y Claudio

n alguna calle de los prados, hace unos 20 años, una pareja de señores decide alquilar un pequeño cuartito de su casa a dos jóvenes universitarios, nómadas y excéntricos, que han decidido casarse, y para el colmo dedicarse a ser teatreros. En su nuevo nicho de amor, los dos personajes, a quienes llamaremos Viena y Claudio, porque son los nombres con los que se presentan ante el mundo “real” decidieron conjugar otras pasiones a parte de la música de José José y los cantos de Neruda. Viena, fanática de la danza y Claudio, del teatro, se inspiran en la técnica del grupo de teatro cocolo danzante los guloyas de San Pedro de Macorís, para concebir su propio

grupo teatral, con una identidad propia que expresara su ritmo sobre el arte. En la azotea de la casa, comienzan a entrenar sus cuerpos para encontrar un lenguaje escénico que les permita relacionarse con su publico. En ese mismo espacio, arropados por el sol y las estrellas, montaron su primera obra “ Cuentos en familia”, que un año más tarde, en el ‘92, presentarían en Casa de Teatro.

Claudio debía de continuar sus estudios de actuación y dirección teatral en Cuba y Viena le siguió como oyente de las clases. Cuando ya el establecido artista se gradúo en el ‘95, volvieron ambos al país para continuar con su sueño común y estrenar obras como Ausentes, Frankenstein, David y Goliat, Nadie está solo, Flor de mayo, Platero y yo, Bochinche, Naturaleza Muerta, Otelo… Sniff, entre otros espectáculos que componen el comienzo de su recorrido artístico. Al fin en el 2006 abren la primera sede de Guloya en Gazcue, lo que significa que hasta esta fecha nuestros queridos nómadas

brujulearon mucho por ahí, prostituyéndose artísticamente en cualquier esquina que encontraban, en una ciudad donde el teatro aun es un gesto incomprendido. Su primera sede era tan chiquita como la habitación donde pasaron sus primeros años juntos, o la sala de su ya propio hogar, en la que también llegaron a presentar funciones abiertas al público. Para el 2008, habían encontrado un espacio mágico, amplio y pintado de azul ( el color preferido de Claudio) donde montar y desarrollar sus obras, así como esparcir sus risas, técnicas y locuras a otras generaciones que como yo, necesitaban

encontrar una libertad para su interior. Estrenaron “Juaja”, “Mujer al cuadrado”, “Nuestra señora de las nubes”, y “El 28”, participaron en un sin numero de festivales internacionales , y han sido reconocidos por varias de sus obras. En el momento, Claudio Rivera y Viena Gonzáles siguen manteniendo vivo su repertorio, y aseguran que seguirán haciendo teatro porque tienen unos demonios dentro de si que tienen que sacar, también porque les da placer ser servidores culturales de su país.

Mientras nuestros personajes se van a dormir junto a sus dos multifacéticos hijos (Si, genes idénticos) cantan la oración “Somos teatreros, y le debemos felicidad al mundo”.

GRAFICA INDEPENDIENTE DOMINICANA Texto / Top // Fotografía / Melissa Mejía/Máximo del Castillo

a primera exhibición Documental que reúne los últimos 10 años de la Gráfica Independiente en Santo Domingo. Curada y coordinada por Ángel Rosario, Rossy Ramos y Maurice Sánchez, abrió el 20 de Enero de 2011 en el Centro Cultural de España en Santo Domingo (CCESD). Si pudiéramos desglosarlo por términos, es, primero, una exhibición Documental ya que reúne los trabajos de un grupo de jóvenes que, con motivos propios y sin fines comerciales, empezaron a crear piezas movidos por las cosas que pasaban en el momento. El contexto social, político y económico del momento. Es Gráfica Porque

son todas piezas gráficas. Independiente por que fueron hechas por incentivo propio. Y Dominicana, no por ser hecha en la isla, sino por tratar temas relevantes en la cultura que era – y es - contemporánea. Los temas de la política dominicana, vida social, cultura popular, iconografía dominicana, etcetera. Entendiendo que el registro es algo que falta mucho en nuestra cultura. El registro de nuestros procesos culturales. No hay dónde podemos ir a averiguar sobre el afichismo de los 70’s, mucho menos el de los 80’s. Conocer la historia y el desarrollo de la publicidad hecha a nivel local, que ha visto los trabajos de grandes artistas.

Gráfica Independiente Dominicana incluyó trabajos que fueron realizados en medios tan diversos como afiches, revistas, stickers, panfletos, camisetas, videos, e instalaciones. Más que un estudio comprehensivo es una muestra, una selección de los trabajos más representativos. Lo más interesante del efecto documental es poder ver cómo se desarrollaron los estilos de los artistas involucrados y cómo se relacionan con el de los otros que estaban trabajando paralelo. Y no sólo un registro de los trabajos, sino de los eventos que produjeron éstos artistas y los resultados. Los que habitaron el espacio provisto por el CCESD, fueron a su vez, parte de la muestra.

Fue integrada por Ana Díaz (Ana Banana), Alejandro Capellán, Christian Pimentel, Colectivo 7 (Brigitte Fondeur y Katy Capriles), Eduardo Suárez (DCO), Engel Leonardo, Héctor Rodríguez, José Cruz (Surfito), La Vaina (Ivory Núñez, Engel Leonardo, Fernando Soriano, Eddy Núñez, David Pérez “Karma Davis”, William Ramírez, Andrew Ramírez, Rossy Díaz, Virginia Perdomo y Farah Paredes Viera), Maurice Sánchez, Modafoca (Ian Víctor y Jorge González), Quisqueya Park (Osmany Rodríguez y Jeannette Prats), Olga Valdez, Omar Carrera Knebel, La Sedería (Omar Carrera Knebel, Chago García, Luis Valverde, Melissa Mejía y Dalton Galta), Tingola

(Mario Delgado, Luicho Delgado y Carlos V. Manzueta Valencia). Durante el tiempo que duró la exhibición, se realizaron una serie de actividades paralelas, que ilustraron, reunieron y expusieron mucho de los elementos e inquietudes que han representado esos últimos diez años.

LA ERA DEL DISEÑADOR ENERO 27 Este panel dirigido por Sara Hermann y Faustino Pérez, trato el tema de los precursores de la gráfica sin fines comerciales que trabajaron en la época de los 80s y principios de los 90s en Santo Domingo.

EL MUSEO SE TIRA A LA CALLE FEBRERO 12. Fue una reinterpretación de un evento realizado en el 2003 bajo el nombre ‘El Museo se tira a la calle’, en el cual se invitó a varios artistas a intervenir algunos productos o espacios de un lugar común en la cultura popular Dominicana como lo es el Colmado.

PUBLICACIONES INDEPENDIENTES MARZO 3 Eddy Núñez y Engel Leonardo de la revista La Vaina, y Paolat de la Cruz y Zoilo Pimentel de la revista Lengua, trataron el tema de la situación de las publicaciones independientes en Santo Domingo en los últimos diez años, tomando como punto de partida sus propias experiencias dentro del mundo editorial.

CAPERUCITA ROSA Texto // Fotografía / Top

xtender la vida útil de una flor como decoración abre una amplia gama de posibilidades. La conclusión de que las flores se pudren (pero no las cosas que representan) crean un bizarro problema de logística decorativa. Caperucita Rosa tiene una solución interesante; una rosa que dura hasta un año con apariencia fresca y color. usando un proceso químico que involucra agua y glicerina en un momento exacto del crecimiento de la rosa, la congela en su momento de mayor esplendor. A esto se agrega la posibilidad de teñirla de cualquier tono de la paleta pantone, creando una herramienta decorativa con grandes posibilidades artísticas, turísticas, corporativas y demás. A 10 dólares la flor por un año, contamos con un ahorro a la larga de quienes tengan o quieran tener decoración floral todo el año o por largos períodos de tiempo. Mientras más valor le asignemos a una flor, más tiempo querremos que dure y este es el servicio que provee esta tienda. 100% naturales y sin necesitar más cuidado que evitar lugares demasiado calurosos, la pieza aguanta muchas ideas creativas. Marcelle Namnum, propietaria y creyente, entiende que es un paso adelante en el mercado de flores en específico y para la industria en la República en general. Para esta navidad, la pieza de diseño es una corola de rosa dentro de un bola de navidad. Añadir desafío a la gravedad y al efecto del tiempo al diseño floral y con más de 100 colores, permite expresar todo tipo de cosas.

La tienda se encuentra en la Gustavo MejĂa Ricart Esq. Ortega y Gasset en la Plaza Xintesees. Tel: 809 227 1389

música

MASRHÓN Texto/Top//Fotografía/Javier Montero

asrhón es un proyecto de trip hop dominicano creado en el 2004, como un acercamiento tecnológico a la música que estaban haciendo. Aliosha Michelén, J1 martínez, Adolfo Guerrero, Gnómico y Marino Peña, Max Familia, Edgar Molina y Angie Sun, con la participación de Luinis Quezada, y José Alejandro Bordas tenían años creando y experimentando con música, juntos y por separado, y al ir definiendo un estilo conjunto lanzaron el primer sencillo “920” que fue #1 en los conteos locales. Sus temas van de lo social, lo latinoamericano y lo existencial, con humor, crudeza y elegancia. La banda comenzó a hacer shows en vivo donde pudieron palpar la reacción

del público y viendo el entusiasmo los creadores lanzaron su album debut “Mucho Nada” que se lanzó al mercado el Abril 2005. La propuesta tuvo buena aceptación entre la comunidad del hip hop y la electrónica. El trip hop, nacido en Bristol, se describe como música electrónica downtempo mezclado con hip hop y rap. Justamente en Inglaterra tuvieron una buena aceptación y su canción “Sobremesa” fue firmada para ser parte del videojuego de Fifa World Cup Germany 2006. En el 2006, la banda sacó un EP de cuatro canciones llamado “Reinvent” donde exploran su creatividad musical desde varios ángulos.

El 16 de octubre, la banda se reunió después de varios años de trabajos separados y rompió el Maunaloa con su música avant garde en un concierto llamado “Tenía que ser”. La banda se prepara para un tercer lanzamiento, luego de un proceso de crecimiento e investigación, que promete ser un nuevo paso para la música local.

www.masrhon.com

Eventos

GALERIA LYLE O’REITZEL PRESENTA “LABERINTOS” DE LUIS CRUZ AZACETA

Inaugurada praralela a la 1ra Trienal Internacional del Caribe, “Laberintos” del artista cubano provocó una excelente recepción entre los espectadores, al reaccionar ante el lenguaje picotrico, colorido y violento del pintor.

CAHOBAZUL EN ENCUENTRO ARTESANAL “Re-activo” se llamó el show donde los muchachos de Cahobazul volvieron a los escenarios con su rock clásico y sus temas endémicos de Santo Domingo. Encuentro Artesanal fue el escenario donde ellos recorrieron loss éxitos de sus inicios así como piezas nuevas, donde mostraron su crecimiento y proceso de desarrollo.

UN TECHO POR MI PAIS Los Jóvenes de Un Techo Para Mi País, organizaron el 23 y 24 de Octubre, una construcción en la localidad de Moscú en el sector de Villa Progreso, San Cristóbal en la que participaron personalidades de los diferentes sectores de la sociedad y trabajaron juntos durante un fin de semana. En el mes de diciembre se fabricarán 32 viviendas en Neiba por estudiantes voluntarios.

MASTERS SURF REUNION Con unas condiciones climáticas perfectas y oleaje que osciló entre los 2 y 5 pies, la segunda edición del “Masters Surf Reunión”, que reunió en playa Encuentro a cientos de surfistas mayores de 35 años, se desarrolló con éxito el fin de semana del 25 al 28 de noviembre del 2010. En esta edición se registraron 140 participantes, entre los 35 y 60 años de edad, compitiendo en las categorías “Master”, “Gran Master”, “Kahuna”, “Gran Kahuna”, “Legend”, “Come Back” y “Body Board”, “Stand Up Paddle”, “Longboard” y “Padre-Hijo”, esta última una de las más novedosas y competitivas de la jornada.

6to. ANIVERSARIO LA VISUAL SONORA El sábado, 11 de diciembre a las 8:30pm, en el Encuentro Artesanal la Visual Sonora celebró su sexto aniversario, con un elenco de amigos roqueros que hicieron una divertida velada. Contó con Pavel Núñez, Auro & Clemt, Los Violetas, Martesovenus, TTMartinez, La Orbita de Galileo, Avin Martinez,Taba & Friends...

Featuring: Gnómico Meka, Joel Berrido, Tony Almont, Peter Nova, Robín Mayo, Hedrich Báez, Bambandaniron, Junior Necro Edgar Molina,Edwin Sanchez, Marino Peña y Juango Davalos.

LYLE O’REITZEL EN SUPERHEROES AT CASA MARIA “Superheroes” fue una colectiva que incluyó once artistas, la mayoría de los cuales están representados por galerías internacionales. La exhibicion se realizó en Casita Maria Center for Arts and Education, un sitio innovador en su concepto educador, y fue curado por Wirth Art Advisory. Melisa Mejía, Gerald Ellis y Tania Marmolejos, representados por Lyle O’ Reitzel, presentaron su propuesta de Superheroes para esta época. Otros de los participantes fueron Sener Ozmen representado en Turquía por Outlet Gallery, Adam Parker, Smith, Ruth Ava Lyons, James Seward, D*Face, Phillip Simpson, el duo Batman & Batman, y Valerie Hird, cortesía de Nohra Haime Gallery. Estuvo abierto de Enero 21 a Marzo 2.

EXCURSION AL MONTE EVEREST ES VESTIDA POR HELLY HANSEN El grupo de escaladores que a partir del 27 de marzo de 2011 intentarán conquistar el Monte Everest para la República Dominicana está conformado por: Iván Gómez, Karim Mella y Federico Jovine. Helly Hansen República Dominicana ha decidido facilitar toda la indumentaria necesaria para que el éxito de este proyecto sea una realidad. Helly Hansen es una marca nórdica, líder global en indumentaria para resistir los más severos elementos en la tierra.