10 Edición Revista Avenida by Revista Avenida

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REVISTA AVENIDA DÉCIMA EDICIÓN

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DIRECTOR- EDITOR Nicolas Álvarez Espitia

DISEÑO Camilo Paris Mayans

COLABORADORES Silvie Arévalo Claudia Espitia David Valdés

W W W. R E V I S TAV E N I D A . C O M

Revista Avenida nace con el fin de exponer el talento latinoamericano y la esencia que nos diferencia y nos convierte en un continente auténtico, lleno de poder ancestral y de inspiración absoluta. Creemos que la unión y el trabajo en conjunto traen increíbles resultados y como muestra de eso hemos realizado esta décima edición, con la colaboración de un equipo de personas talentosas que hicieron esta primera edición del 2021 realidad.

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ÍNDICE

SUPER GUCCI TROUPER U N A M I R A D A A LAURA ÁÑEZ TEXTILES C H U L O C U I R I D E N T I D A D S I N E T I Q U E TA S LA CACICA M A N I F I E S T O C U A T R O L A I N M O R TA L I Z A C I Ó N D E U N E J E R C I C I O A T R AV É S D E U N U N I F O R M E DE AQUÍ SOMOS V E R A PA R A E L L A R E C O M E N D A D O S MODA A N D R É S M A R T I Y SU RECURSO INFINITO: LA MELANCOLÍA R O T O CAMILO CAÍN E S T R E L L A S HOLLMAN ROJAS E L C H I C O S I N C A B E L L O D E P A N UN DESMOTIVADOR PROFESIONAL L O S J U E G O S D E L A R E A L I D A D POR ANA MARÍA LOZANO LA RAMBLA M A U R I C I O S A L C E D O UNA MIRADA AL DESARROLLO ARQUITECTÓNICO EN LA PERIFERIA R E C O M E N D A D O S ARTE S AT C O L I B R Í EL MENSAJERO DEL POP CONSCIENTE P R E G U N T O , LUEGO EXISTO R E C O M E N D A D O S ESPECIALES R E C O M E N D A D O S ESTILO DE VIDA H O U S E O F M AT S

MODA

SUPER

GUCCI

TROUPER

Créditos Fotografía: José David Galvis @josedavidgalvis Pelo: Joa Blanco @joa.blanco Maquillaje: Sara Ramirez @sararamireza Estilismo y dirección de arte: Isaac Gallego @gingersito Marcas Botas: @isla_desierta__ Vestuario: @emsalgar lilac Vestido: @_marcosmontoya Aretes: @mimesis_mimesis Accesorios @__mal_amor__ Modelos: Manuela Sarria @manusa25 , Verónica Mesa @technicolor_v , María Antonia Chica @just.callmetony , Isaac Gallego @gingersito

Esta editorial se presenta casi como una fantasía onírica donde la magia de la noche, las luces de los bares de una ciudad olvidada y místicos personajes son retratados a través del más nítido lente. No se trata de nada más que, de los sueños brillantes, de un genio empedernido, que entre sombras de color neón y pomposos vestuarios, captura la esencia de cada uno de los seres que habita el lugar. Cada personaje varía entre un juego específico de colores y escenarios, que en si buscan construir una estética cinematográfica, como si se tratara de un viejo film olvidado por los años y consumido por el polvo.

Créditos Fotografía: José David Galvis @josedavidgalvis Pelo: Joa Blanco @joa.blanco Maquillaje: Sara Ramirez @sararamireza Estilismo y dirección de arte: Isaac Gallego @gingersito Marcas

Botas: @isla_desierta__ Vestuario: @emsalgar lilac Vestido: @_marcosmontoya Aretes: @mimesis_mimesis Accesorios @__mal_amor__ Modelos: Manuela Sarria @manusa25 , Verónica Mesa @technicolor_v , María Antonia Chica @just.callmetony , Isaac Gallego @gingersito

MODA

UNA MIRADA A

LAURA

ÁÑEZ

Fotografía: Laura Áñez @textileslauraanez

TEXTILES @TEXTILESLAURAANEZ

MODA

La inquietud por crear una marca amigable con el medio ambiente y el deseo por preservar técnicas de tejido, impulsaron a la diseñadora colombiana Laura Áñez a iniciar un proceso investigativo de fibras locales y latinoamericanas en el que con ayuda de algunas artesanas ha logrado crear piezas únicas con su marca Laura Áñez Textiles. Luego de trabajar dos años para una marca de moda de consumo rápido en Colombia, en el 2013 Laura se trasladó a Canadá para ampliar su conocimiento en creación textil en el Centro Textil Contemporáneo de Montreal buscando nuevos enfoques que hicieran crecer la idea de marca que llevaba. A diferencia de otros diseñadores Laura no tenía conocimiento del tejido de punto por referencias como abuelas o contextos marcados por este, pues fue en Montreal donde lo conoció por primera vez y se enamoró de las diferentes posibilidades que le brindaba para explorar lo que deseaba hacer.

Créditos Fotografía: Gato Acosta @ie.gato Estilismo: Alejandra Muñoz @alejandramunozg Maquillaje y pelo: George Romero @georgeromerohs Modelo: Majo Barbosa @majobarbosa

colombianas; sin embargo, después de probar algunas, no encuentro esa fibra ideal para el tipo de producto que yo quería crear y para la máquina misma. Entonces, amplío mi búsqueda de fibras a Suramérica y doy con Coproca, una corporación de campesinos bolivianos que producen una fibra maravillosa y de forma responsable, desde ese momento, la alpaca se convierte en la fibra principal con la que creo mis productos. Otro punto de partida para la creación de los productos es la inspiración en la naturaleza, sus formas, colores y texturas; con esos elementos empecé a desarrollar muestras de texturas y gráficos en las técnicas de recogido y jacquard y a materializar las primeras prendas, creadas a partir de formas rectangulares y con hilos continuos. Finalmente, en marzo del 2015 lancé los primeros productos y empecé a participar en ferias de diseño donde fui consolidando una marca que va más allá de la moda.

Aprovechando los recursos académicos y tecnológicos que le ofrecía el centro textil en Canadá la diseñadora fue iniciando un proceso constante de aprendizaje del tejido de punto, explorando las infinitas posibilidades de creación y comenzando a desarrollar una técnica que le permitía crear prendas completas sin generar residuos. Hablamos con ella acerca de su carrera, de la sostenibilidad por medio de su marca y de los diferentes impactos positivos que ha generado tanto ambiental como socialmente en su entorno.

Laura Áñez Textiles es una marca que diseña, produce y comercializa productos textiles bajo principios claros de sostenibilidad, teniendo en cuenta todo el ciclo de vida del producto y cuidando cada paso de la cadena productiva. LAT es una mezcla de artesanía, diseño, moda, nuevas tecnologías, fibras naturales, circularidad y sostenibilidad.

¿Cómo y por qué nace Laura Áñez textiles como marca?

Uno de los elementos más importantes para la creación de los productos LAT es la materia prima, trabajamos desde el hilo, que es la base para la creación de los tejidos, usamos fibras naturales de alta calidad de origen natural que son producidas responsablemente por pequeños productores en Suramérica. Para mí es importante conocer no solo la composición natural y sin mezcla de la fibra, sino también asegurar que el proceso de producción se haga

En agosto del 2014 volví a Bogotá con una máquina de tejido de punto y me fui a vivir a una casa grande al norte de Bogotá, un poco alejada del mundo, donde empecé el proceso de conceptualización y creación de marca. Parto de la técnica del tejido de punto y desde un comienzo tengo claro que quiero trabajar con fibras naturales

¿Cuáles han sido las fibras naturales latinoamericanas que has usado a lo largo de tu carrera y cómo ha sido trabajar con ellas?

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Créditos Fotografía: Lejo Ramirez @lejoramirez.ph Estilismo: Carolina Peña @carolasuite Modelo: Maria Lucia Pretelt

usando efectivamente los recursos naturales y minimizando los desechos tóxicos. La principal fibra con la que he trabajado estos años es la alpaca, una de las fibras más lujosas y finas del mundo, considerada el oro de los Andes por lo que realmente valoro cada gramo de alpaca como si fuera un tesoro. La primera vez que tuve un cono de alpaca en mi mano sentí inmediatamente la suavidad y ligereza: es una fibra con excelentes propiedades, que son reflejadas en el producto final, es muy amable para trabajar en la máquina y con los acabados finales. Además, es una fibra muy resistente que permite crear prendas muy duraderas y de cuidado fácil. Adicional a la alpaca boliviana, algunos de nuestros productos

están tejidos con seda colombiana y algodón peruano que usamos como material secundario de contraste. La primera le proporciona brillo y elegancia a las prendas y la segunda, permite que estas sean más ligeras. Ambas fibras, en combinación con la alpaca crean tejidos suaves, durables y de altísima calidad debido a las propiedades de estas fibras 100% naturales y responsables. ¿Cómo competir contra las marcas de consumo rápido de la moda? Informando al consumidor sobre los beneficios que tiene comprar responsablemente versus los perjuicios que hay detrás de una prenda de moda rápida.

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Créditos Fotografía: Gato Acosta @ie.gato Estilismo: Alejandra Muñoz @alejandramunozg Maquillaje y pelo: George Romero @georgeromerohs

Modelo: Majo Barbosa @majobarbosa

Cuando un cliente entiende que quien paga el precio por una camiseta barata es una persona al otro lado del mundo, que vive bajo condiciones infrahumanas y que además están acabando con el medio ambiente en todo el proceso del ciclo de vida del producto, se da cuenta que cada peso que gasta en una empresa de moda rápida es un voto que le da para que siga teniendo estas mismas prácticas, es cuando se da el cambio. Es el consumidor quien tiene todo el poder de transformar el consumo exigiendo a estas marcas mayor transparencia.

¿Cuál crees que es la manera para cambiar la mentalidad de consumo sostenible y ético en Latinoamérica?

Es clave poder comunicarle a tu consumidor los valores y ventajas que hay detrás del producto. De dónde vienen los materiales, cómo los crearon, su composición, quienes cosieron o tejieron tu prenda, cuántos kilómetros recorrió para tenerlo en tus manos, etc. Es un proceso lento en el que los clientes van entendiendo su rol activo como consumidores y comienzan a ser más conscientes de sus prácticas. Así se empiezan a dar cambios como comprar local o invertir en una prenda en vez de comprar muchas en una tienda de moda rápida.

Es primordial optar cada vez más por comprar local y responsablemente. La clave del consumo responsable es estar informado y tener la convicción de que cada acción que tomo, tiene un efecto en el entorno, que cada cambio pequeñito que se haga es un gran aporte, que cada vez que le cuentas a alguien de una marca o un producto nuevo estás aportando a que estas nuevas propuestas puedan seguir creciendo desde lo local, en resumen, diría que la clave está en la información y la comunicación.

Lo principal creo que es descolonizarnos de los países del norte que tanta influencia han tenido en nuestras vidas y sobretodo en las formas como consumimos. En los últimos años se han creado muchas propuestas a partir de valores sostenibles, hoy en día hay marcas creando diferentes productos de consumo con materiales locales, con mano de obra local y para un cliente local.

Fotografía: Laura Áñez @textileslauraanez

Lee partes adicionales de la entrevista en www.Revistavenida.com

O M A R M E N D O Z A R E C O M E N D A D O A R T E PA G 1 8 3

CHULO CUIR

@CHULOCUIR

I D E N T I D A D S I N E T I Q U E TA S Escrito por Silvie Arévalo @silvinha.live2602 Si hablamos de autenticidad, hablamos de CHULO CUIR. Una marca agénero 100% argentina, de accesorios y complementos hechos en cuero, que está lejos de las definiciones, etiquetas y prejuicios sobre la identidad. Sus creadores, Claudio Berardi y Carlos Chiarinoti, traen una propuesta fresca, descontracturada y llena de empoderamiento dentro del mercado del diseño independiente argentino, con la que quieren inspirar a sus seguidores a ser ellos mismos, a ser los gestores de su propia identidad fuera de los lineamientos convencionales de género de la sociedad. “Vos marcás el ritmo, nosotros te seguimos”, “vos marcás tu propio estilo”, “ser genuina/genuino te hace más auténtico” son las declaraciones de esta marca en la que el carácter humano es el principal protagonista y su estilo de vida la más auténtica inspiración. Hablamos con los creadores sobre el comienzo de esta aventura, su responsabilidad social como marca y su ADN.

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¿Cómo y cuándo nació la idea de CHULO CUIR? ¿Cuál es la historia que cuenta la marca, su esencia? La idea de CHULO CUIR empezó a gestarse hace año y medio atrás en unas vacaciones de verano frente al mar, cuando quienes conformamos el equipo de la marca -Claudio Berardi y Carlos Chiarinoti- en medio de una charla relajada y contagiados por la energía de ese inmenso paisaje, nos dimos cuenta que podíamos poner en marcha un proyecto juntos. Logramos combinar muy bien distintos aspectos de nuestra personalidad: la creatividad, el entusiasmo, el perfeccionismo y la pasión de dos mentes libres y activas. Así nació la idea de crear una marca donde todos somos protagonistas, inspirados en la libertad de expresión y sin distinción alguna.

¿Qué significa CHULO CUIR? El nombre de la marca posee fonemas 100% versátiles. Aunque el origen de la primera parte del nombre (Chulo) surge del apodo de uno de nosotros adquirido en el contexto de juego de niños y gracias a un grupo de amigos de la infancia, lo interesante es la libre interpretación de quien escucha ese nombre; muchos creen que es un adjetivo referido a: "lindo, bonito o gracioso". Por su parte la palabra "Cuir" es de origen francés, su traducción es Cuero. Acá también hay un juego de palabras de libre interpretación, ya que hay muchos que al pronunciarlo tal cual se escribe lo asocian a un término en inglés que se refiere a la libertad identitaria y la diversidad en un sentido amplio.

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Ser una marca agénero tiene una gran responsabilidad social y humana ¿cuál es el mensaje que quieren transmitir? Queremos una marca que exprese genuinamente un mensaje fuera de un pensamiento convencional. Nos encanta acercarnos a todas las personas y no ponemos el foco sólo en el tema del género, sino que también celebramos la diversidad en todos sus aspectos: origen, gustos, creencias, expresiones y atributos de la sociedad en general. ¿Cuál es la experiencia emocional que transmite un accesorio de CHULO CUIR al ser llevado como complemento en un total look? Creemos en el complemento perfecto para que nos

acompañe durante todo el día. Ese objeto que no solo es funcional sino que además por sus características de líneas simples, de morfologías minimalistas y de tonalidades neutras aportan un valor significativo a nuestro outfit. Un look urbano, un look sporty, un look sastrero o un atuendo de noche son perfectos para complementarlo con un accesorio de materialidades genuinas y con personalidad. Es ese detalle que llevas con vos que cuando llegas a un lugar o caminas por la calle hay otra persona que se detiene a observarlo. Cuéntennos cuál es el punto de partida para desarrollar una colección ¿En qué se inspiran y qué materiales usan? Observamos mucho a la gente en sus diferentes ámbitos, sus comportamientos, su manera de moverse;

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por ejemplo si una persona llega a un club para entrenar y vemos que transporta consigo una cartera más una bolsa y algún elemento extra, pensamos inmediatamente en ese complemento ideal que sea unificador y funcional, que después de su entrenamiento pueda ir a una cena cambiando su outfit pero con el mismo accesorio siguiendo su día y estando espléndida.

pensado comercializarla en otros países?

Hoy en día nuestra materia prima principal es el cuero, creemos en su durabilidad y su esencia genuina; pero también somos muy conscientes y queremos ir incorporando insumos que ayuden al medio ambiente. No pensamos en la sustentabilidad como una moda sino como un punto de partida. Tomar consciencia y poder activarlo es nuestro objetivo a corto plazo.

Una colección memorable y por qué lo fue...

¿Qué planes tiene la marca a largo plazo? ¿Tienen-

Claro que sí, creemos en un lenguaje universal y estamos seguros que nuestra propuesta va a ser bien recibida en otros países. Somos una marca nueva, tenemos una energía desbordante y nuestro eje comunicacional está basado en que cada uno pueda aportar contenido a nuestro proyecto.

La colección actual. Nació y creció en el medio de un contexto pandémico. Ninguna situación adversa fue motivo para escatimar esfuerzos y lanzar nuestra colección. Al contrario, este contexto desafiante nos ha inyectado una adrenalina que nos mantiene vivos y también hemos aprendido a detenernos un momento, observar, planificar y volver a accionar.

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¿Qué opinan del presente y futuro de la moda latinoamericana? Creemos que hay un semillero de diseñadores super creativos, las generaciones más nuevas nos inyectan una energía que nos mantiene muy activos. Tenemos en claro que retroalimentarnos entre las diferentes culturas latinoamericanas nos va a prestigiar internacionalmente. Showroom: San Telmo, Capital Federal (Buenos Aires). Agendar cita previa.

IG: @chulocuir Website: https://www.chulocuir.com/

CACICA Se dice, que cada vez que se escogía a la cacica, lla era llevada a la laguna onde los sacerdotes la vestían con joyas, ue eran arrojadas al agua omo una ofrenda para los dioses.

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Créditos: Fotógrafo: Sergio Giraldo Estilismo/ Dirección de arte: Bibiana Carrizosa Maquillaje: Sara Flórez Asistente Fotografía: Daniella Granados Modelo: Anny Blanco - Informa Models Marcas: Bintti, Osadía.

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Créditos: Fotógrafo: Sergio Giraldo Estilismo/ Dirección de arte: Bibiana Carrizosa Maquillaje: Sara Flórez Asistente Fotografía: Daniella Granados Modelo: Anny Blanco Informa Models Marcas: Bintti, Osadía.

MANIFIESTO

C U AT R O 54

L A I N M O R TA L I Z A C I Ó N D E UN EJERCICIO A TRAVÉS DE UN UNIFORME

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De izquierda a derecha: Jose Aponte, Mabel Ru, Gloria Saldarriaga, María Victoria Montoya, Daniela Uribe y Boris Nieto / Foto Andrés Oyuela

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En el año 2019 Carolina Obregón y los estudiantes de su clase de la Universidad de los Andes junto con la ONG el Transformador, se dieron a la tarea de buscar una solución para el tema de cambio de dotación del uniforme 4 de la policía, quienes anualmente desechan más de 360.000 de estos, generando una serie de temas ambientales y de cuestionamientos entorno al fin de la vida útil de los textiles. El ejercicio práctico inicio en el 2019 y desde entonces ha tenido diferentes variaciones, como primera propuesta los estudiantes de la materia de moda sostenible hicieron su percepción y presentaron sus diseños, en segunda instancia Carolina invitó a diferentes diseñadores colombianos para que guiados por su estética y mostrando el ADN que caracteriza a cada uno lograran crear nuevas piezas con este uniforme y así, generar un impacto mediático para que el mensaje llegará a más personas. La diseñadora gráfica Gloria Saldarriaga amiga de Carolina y gran referente en la moda y el arte colombiano

quedó fascinada por el ejercicio desde un inicio y decidió realizar una curaduría y una producción entorno al “Manifiesto 4” invitando a su gran amigo el reconocido fotógrafo de moda Andrés Oyuela quien al escuchar la propuesta inmediatamente dijo sí, pues su madre hizo parte de la institución de la policía y capturar con su lente la mirada de 17 diseñadores a un mismo uniforme le generaba expectativa; de hecho el manifiesto está dedicado a ella. Esta publicación en tamaño tabloide de 75 páginas cosido a mano y traducido al inglés nace en parte, del cuestionamiento de Gloria frente al abandono del impreso y la falta de documentación y memoria gráfica que existe en Colombia, pues cada vez son menos las revistas de moda, de arte y publicaciones impresas que crean esta documentación en el país. Más allá de los importantes temas que puede tocar el manifiesto como la moda circular y el desperdicio, Gloria deseaba inmortalizar este ejercicio de diseño desde una mirada entorno a la creatividad y recursividad que los diseñadores invirtieron en cada una de sus

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Créditos de fotografías Andrés Oyuela, Modelo: María Victoria Montoya

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piezas finales y la manera en la que se deconstruye algo para construir de nuevo una pieza totalmente diferente y vanguardista, con un material/uniforme que se pensaría no podría tener más vida útil. Agregando una visión sociológica a la publicación, manifiesto cuatro cuenta con la mirada de Miguel Mesa Posada, diseñador de moda y antropólogo colombiano, quien en su texto “el descosedor” hace referencia al cambio entorno a la elaboración de la moda y la tendencia de construir, poniéndolo en un contexto actual donde se busca deconstruir y cambiar la manera en la que se hacía moda y como el sistema funcionaba, pues dentro de su investigación ejemplifica esta nueva manera de hacer moda con nuevos avances como hilos que funcionan en toda máquina pero que al exponerlos a temperaturas superiores a los 140 grados Celsius se deshacen. Por su parte William Cruz Bermeo estudioso de la moda y el vestir como historia cultural participa con su texto “ Resignificar lo que nos ponemos” donde trae temas como la comercialización de ropa de segunda y

las tiendas vintage como fenómeno actual y visto desde una investigación histórica que analiza cómo ha sido la evolución, percepción y aceptación a lo largo de todos estos años, pues por más que se crea que el tema de moda sostenible es reciente, las prácticas entorno al tema se practican hace cientos de años, tal vez bajo otros nombres, pero aun asi existentes. Sin duda una publicación valiosa en contenido teórico y visual que genera una memoria gráfica entorno a un ejercicio respaldado por voces expertas en el tema de la sostenibilidad y la moda, desde María Victoria Montoya (Toya Montoya), pasando por las personas nombradas en el artículo, el estudio de diseño Tangram y los creativos diseñadores de Alado, Atelier Acevedo, Manuela Alvarez, Beatriz Camacho, Cristina Cruz Navia, Diego Guarnizo, Judy Hasbún, Laura Laurens, Johanna Ortiz, María Luisa Ortiz, Paloma y Angostura, Olga Piedrahita, Santiago Romero, Julian Ruíz, Juan David Sánchez, Kika Vargas y Hernán Zajar, quienes con creatividad nutrieron las páginas de esta publicación para la historia.

Créditos de fotografías Andrés Oyuela, Modelo: María Victoria Montoya

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Para más información, comprar y coordinar envíos del Manifiesto cuatro, contactar a Sara Bonilla al +573113729787.

DE AQUÍ

SOMOS Esta editorial está inspirada en el trabajo arduo, el talento y la pasión de nuestra gente. Para esto se toma como principal atractivo prendas y accesorios de marcas locales con el fin de reconocer el potencial de las manos colombianas como la esencia de lo que somos y de lo que creamos. De aquí somos, de una tierra llena de luz esperanzada, de lucha constante y de capacidad ilimitada.

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Créditos Fotografía: J Esteban Valencia @jvalenciaphoto Producción: J Esteban Valencia @jvalenciaphoto Maquillaje Y Peinado: Susana Ortiz @the_lenis_lab Estilismo: Sofía López @sofialopezstyling Modelo: Vanessa Pulgarin @vanepulgarin Agencia: Informa Models @informamodels Vestuario: Uv Clothes @uvclothes, Valentina Moreno @valentinamoreeno Accesorios: By Isabel Ortiz @byisabelortiz

Créditos

Fotografía: J Esteban Valencia @jvalenciaphoto Producción: J Esteban Valencia @jvalenciaphoto Maquillaje Y Peinado: Susana Ortiz @the_lenis_lab Estilismo: Sofía López @sofialopezstyling Modelo: Vanessa Pulgarin @vanepulgarin Agencia: Informa Models @informamodels Vestuario: Uv Clothes @uvclothes, Valentina Moreno @valentinamoreeno Accesorios: By Isabel Ortiz @byisabelortiz

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Créditos

MODA

VERA

PA R A E L L A @ V E R A B O G O TA

La firma colombiana de cuero Vera se ha destacado por no seguir las reglas e ir en contra de lo preestablecido, rindiendo honor a las mujeres deja su zona de experticia en ropa masculina y reinterpreta los clásicos de la marca para ellas. Cortes asimétricos, siluetas holgadas, piezas funcionales y elaboradas totalmente a mano con cuero procesado en curtido vegetal son las protagonistas de esta cápsula.

Esta colección cápsula está disponible en www.verabyvera.com y en tiendas físicas como St dom, Ba hué y The good studio.

MODA

R E C O M E N D A D Oa S Mod

MDM BAGS Maria del Mar Bautista, una colombiana apasionada por el arte, el diseño y la moda decide en el 2019 salir de su rutina para crear MDM BAGS una marca innovadora de accesorios, que rescata diferentes técnicas artesanales y tradicionales colombianas 100% hecha a mano en lana de oveja tinturadas con extractos naturales, tejidas a mano por artesanos del Cauca y manijas hechas en tagua por artesanos de Cundinamarca. Conoce su colección “Selvático” inspirada en la tradición y herencia colombiana. Bogotá, Colombia @mdm.bags

NEUTRA Desdibujando las barreras de género en el diseño de indumentaria contemporánea la marca colombiana Neutra ha logrado mediante siluetas modernas, diseño limpio y un uso del color perfecto, crear piezas con un balance ideal entre prendas deportivas y casuales que trascienden más allá de los cánones de lo femenino y lo masculino logrando transmitir una estética sofisticada y vanguardista.

Bogotá, Colombia www.neutraonline.com @neutraonline

A LOT STUDIO Con el lema “la inclusión es nuestra esencia” la casa de diseño A Lot Studio celebra artistas emergentes del mundo por medio de colaboraciones que dan como resultado prendas, accesorios y productos contemporáneos cargados de creatividad, color y calidad. Mediante una curaduría artística la marca crea colecciones cohesivas con el trabajo de cada uno de los artistas que participan en dichas propuestas; entre sus colecciones se destacan colaboraciones con las colombianas Ana Buitrago y María Montoya y con el dúo artístico de países bajos We Are Out of Office. Bogotá, Colombia www.alotstudio.com @a_lotstudio

DREME Con menos de un año de haber sido creada, la marca colombiana Dreme ha logrado plasmar el mundo de los sueños en cada una de sus piezas mezclando esta idea con materiales suaves y cómodos perfectos para usar en todo momento. “En REM, la fase del sueño que nos da la fortuna de poder soñar, encontramos, además del sueño de llevar este proyecto a cabo, riesgo, diversión y un sin fin de emociones que quisimos traer a la realidad creando un paralelo entre esta y el fascinante mundo de los sueños a través de la moda” dice su diseñador.

Bogotá, Colombia @dreme_co

*ISSUU * PÁ G I N A W E B *REDES SOCIALES

CONOCE NUESTROS

P L A N E S D E PA U TA C O N TÁ C TA N O S

C O N TA C T O @ R E V I S TAV E N I D A . C O M

ANDRÉS

MARTI @6MARTI6

Y SU RECURSO INFINITO: LA MELANCOLÍA

ARTE

Usando el arte como inspiración, el diseñador y artista colombiano Andrés Marti ha logrado descubrir diferentes facetas de sus emociones, su entorno y su vida, comenzando así, una introspección que ha quedado registrada en su obra “Otredad” y que a hoy le ha proporcionado hacer parte de diferentes muestras de coleccionistas y galerías en el mundo, además de ser un referente estético no solo con sus obras, sino con su laboratorio de imagen Comes Cake.

co-creación en una de las herramientas más fuertes y nutritivas dentro de su proceso creativo. Quisimos conocer más acerca de la serie “Otredad” y su proceso de creación, la escogencia de personajes, cómo está asociada la melancolía y los sentimientos del artista y la evolución que la obra y él han tenido a lo largo de los últimos años. ¿Cómo nace la serie Otredad?

Desde muy joven el dibujo y la pintura fueron sus grandes aliados para desarrollar un fuerte gusto por el retrato, explorando y profundizando la técnica a medida que iba adquiriendo nuevos conocimientos como la fotografía y la postproducción digital que lo llevarían a descubrir y trabajar con el auto-retrato. Con el aprendizaje de diferentes técnicas y una visión propia, decide hace diez años fundar Comes Cake un laboratorio de imagen que le ha permitido trabajar con grandes empresas como Fujifilm, Nike e Indiebo y personalidades como Aterciopelados y Esteman, llevando su trabajo a otros escenarios y convirtiendo la

Otredad nace en el 2015 después de una ruptura amorosa, en ese momento no me sentía bien conmigo mismo y todo mi proyecto personal se basaba en autorretratos, entonces decidí empezar a fotografiar a otras personas como método para hacer catarsis de lo que sentía en ese momento. Fue un año intenso en el que fotografiaba cada mes a una persona diferente, entre amigos o gente que veía en redes que pudiera trasmitir ese sentimiento que me abrumaba. Dejé que la intuición y el sentimiento hablaran foto tras foto y con el hacer, el proyecto empezó a tener un sentido.

ARTE

Al finalizar el año decidí hacer un libro que recopilaba todo ese camino, al verlo finalizado entendí que había encontrado un lugar y una narrativa con la que podía seguir creando infinitamente: la melancolía. ¿Cuál es el proceso para elegir a la persona que hará parte de la serie? El proceso desde un principio ha empezado encontrando personas que transmitan vulnerabilidad, cierta fragilidad; la mirada para mi es el centro de mis retratos, siempre estoy buscando la tristeza y el dolor que tengo idealizado. Normalmente encuentro estos personajes por Instagram, les cuento un poco del proyecto y les pregunto si quieren participar en él. Luego de que aceptan, me siento a crear una narrativa para ellos; se vuelven una musa para mi durante todo ese proceso de idear, retratar y retocar. ¿Cómo llegas a la construcción de cada uno de los universos que acompañan cada personaje? Existen diferentes recursos que uso para idear esos escenarios, como la ilustración, la moda, el cine, la pintura, el collage, el drag. Todos esos los cruzo entre si, pero la verdad cada momento del proceso creativo lo dejo ser, no me ciño a un boceto, dejo que el boceto me de una luz. Luego al estar retratando puede que todo cambie y encuentre otro camino. Al final en la post- producción empieza otra fase en la que todo puede cambiar, dejo que el proceso y la imagen me hablen y me digan que quiere ser #intuición. Lo que si nunca cambia es la motivación detrás de poder capturar ese dolor que invade la mente de estos personajes y que nos los deja ver lo bellos que son. ¿Cómo ha sido descubrir la vulnerabilidad de cada una de las personas que participan para la serie?

Muchas de las personas que retrato ya tienen una “belleza vulnerable” que logran transmitir en sus fotos. Es lo primero que me atrae de ellos. Otro caso muy recurrente es que las personas que retrato no son modelos, y con ellos empiezo un proceso de hablar y poder llegar a ese punto donde se sientan cómodos y pueden llevar su cuerpo a esa imagen que tengo de ellos en la cabeza. También hablamos de cómo manejar la mirada, de cómo mirar, como sentir el peso en el cuerpo, todo el proceso es muy guiado donde las sutileza lo es todo. ¿Cómo ha sido la búsqueda propia reflejada en los cuerpos de otros? La búsqueda sigue y el proyecto con el tiempo cada vez tiene más matices sobre mi. La última lectura a la que llegué es que los personajes de otredad muestran mi idealización sobre el ser emocional. Yo soy una persona donde prima la razón, una razón sensible, pero conectarme con mis emociones y ser vulnerable a veces sigue siendo muy difícil, entonces otra mirada del proyecto son estas personas que juegan a estar tristes y melancólicas sin saber que lo están. Al final de cuentas mis retratos son una idealización de una tristeza que no existe o que me cuesta entender. Desde tu visión ¿Cómo crees que a través de los años que llevas con Otredad, esta ha evolucionado o se ha transformado? Con el pasar de los años el proyecto ha cambiado y se ha adaptado a mis intereses del momento, viaja conmigo, tanto estética como conceptualmente. Empezó con un universo pálido y crudo y con el tiempo ha llegado a un universo colorido y contrastado. Pasar de hacer retratos para poder entender lo que sentía a poder definirlo, racionalizarlo y darle un lugar, un motivo por existir para luego negarlo.

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¿Qué es Otredad para Andrés Marti? Es todo eso que no siento y quiero sentir.

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R O T O Fotografía /Concepto: @camilocain Modelo: @sergethomass Mua: @lynasanchezan

El 2020 fue un año difícil para todos, el COVID-19 se llevó una gran cantidad de vidas y según un mensaje de la ONU, el encierro provocó una vulnerabilidad mental global sin precedentes, causando sentimientos como la angustia, el miedo, la frustración, la negación y el dolor, poniendo en mayor riesgo a individuos con problemas mentales. Recordemos que más de 300 millones de personas en el mundo sufren depresión, un trastorno que es la principal causa de discapacidad, y más de 260 millones tienen trastornos de ansiedad, estas enfermedades sumadas a todas las situaciones provocadas por el aislamiento tuvieron como consecuencia episodios de estrés extremo, violencia y en los peores casos suicidio. De este último tuve la desdicha de vivirlo muy de cerca: dos personas a quienes conocí, decidieron ponerle fin a su vida en la cuarentena, estos acontecimientos me llevaron a cuestionarme sobre muchas situaciones, ¿cómo puedo llegar a identificar esas señales silenciosas de sufrimiento en los demás? , ¿a qué clase de agujero se llega para tomar una decisión así? .... entre ideas, pensamientos y sueños, recordé una frase que escuché a un sujeto hace tiempo y nunca entendí “me siento ROTO”, dijo él, no sé con certeza por qué se me quedó tan grabada, de pronto por lo irónico e imposible de imaginar... hoy creo que esa sensación es real, no sé bien cómo describirla pero intenté retratarla.

“ A U N Q U E U N O

E S

T O D O S U N

I N F I E R N O S Y

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ESTRELLAS POR

HOLLMAN ROJAS @HALLMANROJAS

Este es el inicio de un proyecto de varias series que desarrolló el colombiano Hollman Rojas fotografías realizadas en diferentes partes del mundo, con la participación de artistas latinoamericanas y europeas. diferentes estados, diferentes sentimientos, que proyectan una energía en común.

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SERIE 1

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fotografías realizadas entre Bogotá y Dunkerque, en un proceso colaborativo y creativo, el destacado fotógrafo de moda Santiago Quiceno desde Bogotá y Hollman Rojas desde Dunkerque

realizaron un concepto fotográfico a la modelo y directora artística bogotana Anamaria Valderrama. El estilismo estuvo a cargo de la artista Maria Camila Valderrama.

Director de arte y fotógrafia : Hollman Rojas Fotografía, producción e iluminación : Santiago Quiceno Modelo : Anamaria Valderrama Estilismo : Maria camila Valderrama

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Director de arte y fotógrafia : Hollman Rojas Fotografía, producción e iluminación : Santiago Quiceno Modelo : Anamaria Valderrama Estilismo : Maria camila Valderrama

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Dirección de arte y fotógrafia : Hollman Rojas Modelo : Karen Urquijo

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SERIE 2 Las fotografías fueron realizadas desde La participación de la diseñadora Karen Aguas claras, norte de Santander, Urquijo como modelo y la dirección de arte y fotografía de Hollman Rojas. Colombia y Dunkerque, Francia.

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Dirección de arte y fotógrafia : Hollman Rojas Modelo : Karen Urquijo

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Dirección de arte y fotografía : Hollman Rojas Modelo y producción : Linda Runco

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SERIE 3 Las fotografías fueron realizadas desde con la participación de la modelo y bailaPistoia, Italia y Dunkerque Francia, rina italiana Linda Runco.

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Dirección de arte y fotografía : Hollman Rojas Modelo y producción : Linda Runco

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EL CHICO

SIN CABELLO @ E L _ C H I C O _ S I N _ C A B E L L O _ D E _ PA N

D E PA N

UN DESMOTIVADOR PROFESIONAL Llenos de melancolía, tristeza y mucha depresión algunos de los personajes de este artista colombiano se han vuelto virales y han comenzado a ocupar espacios tanto digital como físicamente en murales de la ciudad, en lugares de arte y en los ojos de todos. El chico sin cabello de pan llegó para quedarse con su propuesta rebelde, ofensiva (para algunos) pero sobretodo única, disruptiva y muy divertida. Quisimos conocer acerca de él, de su proceso creativo y de ese universo de melancolía que inspira cada una de las historias y animaciones que crea en su perfil @el_chico_sin_cabello_de_pan ¿Cómo nace el chico sin cabello de pan? Soy El Chico Sin Cabello de Pan, una caricatura de artista y desmotivador profesional, egresado de la universidad distrital, tengo 27 años y tengo un poco de miedo por la crisis que van a representar los 28, últimamente escucho mucho Tyler the creator. El Chico Sin Cabello de Pan nació hace varios años, más o menos por el 2012, todo como una cuenta alterna a mi perfil personal de instagram. Un espacio para crear cosas más rápidas y tristes, que en ese momento no me lo tome para nada en serio y orgánicamente fue creciendo y teniendo acogida por el público, al cual odio.

Este proyecto es mi forma de escaparme y resaltar la realidad al mismo tiempo, pero sobre todo es un juego de creatividad y disciplina, al menos eso me gusta pensar. ¿De dónde nace tu interés por la ilustración y el cómic? Desde los 13 años o antes cuando ví Naruto por primera vez, supe lo que quería hacer en mi vida, cuando me encuentro con el manga desde ahí me apasione por la facilidad con la que unas viñetas pueden crear toda una historia y hacer un mundo real. El cómic para mi es una salida fácil y sobre todo barata de contar algo y hacerlo interesante, con una estética adecuada, con el número correcto de cuadros y la cantidad necesaria de texto, ya se tiene un universo para explorar, personajes que se desarrollan solos y mucho que explorar en el dibujo. Entonces por eso creo que me deje llevar hacia ese mundo. Con la ilustración me pasa lo mismo, cada una es una oportunidad de hacer nuevas cosas, aunque muchas veces parezca que hago lo mismo.

¿Cómo y de dónde nace la inspiración para cada uno de tus dibujos? La inspiración viene de todo y de nada al tiempo, es difícil describir qué hace click en mi mente cuando tengo una idea, muchas veces puede ser un viaje en transmilenio,

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una conversación random con alguien o una imagen que me cruzo en internet. Si bien no hay un origen exacto, mucho de lo que hago es para hablar de cómo es mi vida en Bogotá, desde el contexto que me envuelve como ser un artista y vivir en el sur de la ciudad. Últimamente algo de tu trabajo se ha basado en la situación política y social de Colombia, ¿Cómo ha sido la reacción por parte de la gente y hasta de los mismos actores políticos frente a esto? Bueno siento que el acto mismo de mantenerse creando a pesar de las circunstancias es un acto político. Pero lo más cercano a una crítica directa ha sido una ilustración sobre el día en que Bogotá entera estalló por la injusticia. Hubo todas estas protestas frente a los CAI que me inspiraron a recopilar todo lo que estaba sucediendo en el momento, para expresarme y protestar a mi manera. Las personas se adueñaron también de esta ilustración que pudieron intervenir con GIFS, por medio de historia de instagram, cada quien

dejando su mensaje y analizando la situación de manera muy personal. Como era cuarentena siento que para muchas personas fue su manera de opinar al respecto. Como siempre hay comentarios negativos que vienen de personas que creen que a alguien le importa lo que opinan, pero realmente prefiero quedarme con lo positivo del mensaje. No he tenido una respuesta directa de actores políticos o al menos, lo único que se me ocurre es comentarios de policías y denuncias en instagram por parte de perfiles de la policía nacional. ¿Cómo logras expresarte a ti mismo mediante las emociones negativas y combinarlo con la sátira? Esto ha sido algo muy orgánico, muchas veces no me gusta pensar lo que estoy haciendo porque entonces se va a volver algo mecánico o una fórmula, considero que así es la vida misma, las situaciones pueden ser lo peor que te está pasando, pero atrás tuyo puede haber algo muy gracioso sucediendo. Me hace pensar en un día que estaba muy aburrido de la cuarentena y me

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quedé mirando por la ventana de mi cuarto, tan contemplativo y triste como siempre, en ese momento me doy cuenta que todo el tiempo hubo una pareja de ñeros besándose enfrente. Eso arruinó todo mi momento sad de la noche, pero también me hizo pensar que las cosas buenas también suceden con frecuencia. Para responder a la pregunta, me gusta dejarme llevar por mis emociones, que me dominen a la hora de crear y ellas mismas hablen, si es triste, caliente o simplemente estúpido, no me importa. Me parece sano dejar salir cualquier cosa que sienta. ¿Cómo manejas el tema de la censura y qué haces para que tu trabajo no se vea afectado? Tuve toda una época de censura en redes sociales por contenido que era “sensible” para personas claramente insensibles, que no pueden ver las creaciones como una forma de expresión y prefieren callar la opinión de alguien más, primero todo fue una batalla de ser aún más explícito en mi siguiente dibujo, pero al final creo que perdí de algún modo. Termine con una crisis creativa y un miedo irracional a perder mi perfil de instagram, pero de ahí aprendí muchas cosas. Cada vez me muevo mejor en instagram para saber hasta dónde puedo llegar, y esto hace que mi trabajo pueda

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ser más provocador, como jugando en una delgada línea de hasta dónde enseñar para dar a entender una idea. También esta censura en las redes me ha motivado a salir a las calles y pegar papeles, más agresivos, porque llegué a la conclusión que las redes no pueden determinar todo mi trabajo, y que existe toda una posibilidad de llegar al público que no alcanzo por internet. Como salida alterna encuentro twitter, si la idea lo requiere siempre puedo ser explícito en ese lugar. ¿Cómo ha sido explorar tu trabajo desde otro formato como la animación? En la animación me siento muy torpe y estresado todo el tiempo, no es algo que se me de tan fácil y tampoco es algo que quisiera hacer en la vida, pero a ratos tengo tantas ganas de que las cosas se muevan, que me doy la oportunidad de explorar. Alguna vez escuche que la animación más que una técnica era un medio y me quede pensando, que quizá no tengo que ser el más pulido o más fluido, sino que con simples cambios bruscos en un personaje puedo darle vida, quizá no es la mejor vida pero quiero me gusta refugiarme en la idea de “es mi estilo de animación” para ocultar las evidentes fallas. Lee partes adicionales de la entrevista en www.Revistavenida.com

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DIAMANTINA & LA PERLA

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ANA LOS JUEGOS DE LA REALIDAD

M A R Í A LOZANO @ H AY M U C H A S A N A S

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Nuestro camino es el resultado de una serie de decisiones, de senderos que tomamos.

Podemos seguir el camino trazado, caminado por otros tantos, sin embargo,

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es por los senderos no transitados que nos aventuramos a lo desconocido y forjamos nuestra propia realidad.

@haymuchasanas www.anamarialozano.com Conoce más de la artista en www.Revistavenida.com

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RAMBLA @ L A R A M B L A . R E U N I O N D E A R T I S TA S

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Créditos de fotografía: Mateo Soto

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La Rambla es el cauce natural que forman las aguas cuando llueve a torrentes. También es una avenida ancha y larga que se puede caminar, a veces está bordeando ríos o mares y es aquí donde se da lugar a infinitos tipos de encuentro, tales y como los que quieren lograr María Montoya, Tomas Vega, Miguel Giraldo y María Vega con su proyecto “La Rambla”, una idea que nació en mayo del 2020 cuando se les ocurrió crear una feria de arte digital que tuviera como fin apoyar el encuentro entre artistas creativos, arquitectos, gestores y emprendedores culturales, creativos y sociales; consumidores de experiencias culturales que estuvieran dispuestas a contribuir y respaldar a los artistas que se vieron afectados en medio de la contingencia causada por la pandemia. Partiendo de la unión, el actuar en colectivo y liderar alternativas que agreguen valor al sector creativo y cultural del país, la Rambla paso de lo digital a lo físico, reuniendo en total veintidós artistas y vendiendo más de 85 obras en su primera feria presencial realizada entre diciembre y enero pasado, trayendo consigo resultados excelentes y una motivación aún mayor por seguir exponiendo el talento de nuestro país. Continuando su búsqueda por la expansión y creyendo que existen diferentes maneras de apoyar y fortalecer el ecosistema artístico crean “El sistema de becas de

creación La Rambla” un programa que busca apoyar la investigación y producción artística y el desarrollo de nuevos talentos a través de la unión de diferentes sectores y fuerzas conducidos hacia un mismo fin, con la convicción de que se necesita el arte como energía vital. Su directora María Montoya nos contó acerca de este sistema de becas que busca generar un puente de conexión entre la empresa privada y los artistas “Para el 2021, tenemos la meta de becar cinco (5) artistas colombianos, que durante 3, 4 o 5 meses máximo, investiguen, conceptualicen, produzcan, exhiban y socialicen su obra y además diseñen un producto conjunto con la empresa patrocinadora de la beca correspondiente. En este sistema, se becarán propuestas desde la arquitectura, la escultura, la pintura, el grabado, el dibujo, la danza, la fotografía, el vídeo arte, el arte digital, el diseño industrial, así como expresiones artísticas innovadoras que le presenten a la sociedad un valor claro”. Las convocatorias comenzarán a partir del mes de marzo del presente año. Si estás interesado en ser parte del sistema de becas visita @larambla.reuniondeartistas o comunicate a larambla.reuniondeartistas@gmail.com

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Créditos de fotografía: Mateo Soto

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M A U RS A IL CCE DIOO @ISLAS_____MAURICIO

UNA MIRADA AL DESARROLLO ARQUITECTÓNICO EN LA PERIFERIA.

La arquitectura, el dibujo y la escultura han sido grandes puntos de partida para la carrera del artista plástico Mauricio Salcedo quien gracias a su entorno inmediato comenzó a explorar y analizar los comportamientos arquitectónicos que existen en los barrios periféricos de las ciudades latinoamericanas y en especial de Colombia.

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Investigando por medio de su trabajo cómo la arquitectura auto constructiva marca el desarrollo de una ciudad y a la vez expone el abandono gubernamental en cuanto a temas de orden y articulación urbanística, el artista colombiano logra plasmar como los contextos de violencia y desplazamiento ligados con la violencia del país tienen una fuerte incidencia en este desarrollo y la forma en la que se crean estos asentamientos en grandes ciudades. Su trabajo hace parte de grandes exposiciones de coleccionistas y de galerías en el mundo, donde ha logrado exponer parte de su proyecto escultórico en un contexto completamente ajeno al de su procedencia, mostrando el desarrollo periférico de Bogotá. Conversamos con Mauricio acerca de su proceso artístico, del acercamiento que ha tenido con este desarrollo arquitectónico y de los nuevos proyectos que vienen en solitario y junto a su colectivo Islas Gloria. ¿Cómo inicia tu carrera en el arte? Creo que como muchos otros colegas artistas, me vi involucrado en este medio sin ninguna pretensión ni fundamento que me anticipara para este escenario, que en un primer momento es bastante inhóspito.

Me vi atraído a estudiar la carrera de artes con esta idea romántica de ser un artista dedicado a un oficio y respondiendo al imaginario que se tiene del artista como un ser “elevado” que tiene la particularidad de convertir en oro lo que toca. Al ser el primer artista en mi familia nunca me vi cercano a ningún ambiente relacionado con el arte en mi niñez, mi interés por este surgió entonces del impulso constante que tenía por dibujar todo lo que estaba a mi alrededor. Eso me llevó a inclinarme por el arte en el momento en que mis padres me dieron la oportunidad de estudiar una carrera profesional. Hoy, después de casi 7 años de carrera con varios procesos que aún considero embrionarios, pienso en el imaginario que me atravesaba cuando tomé esa decisión, y me doy cuenta de lo distinto que en realidad es ejercer y entregarse a la labor del arte, Aun así, cada vez que abordo una exploración o búsqueda nueva, trato de conservar esa mirada inocente que me atravesaba cuando tomé la decisión de ser artista. ¿Cómo ha sido la exploración de diferentes técnicas como el dibujo, la escultura y el grabado dentro de tu proceso creativo? Cada medio aborda preocupaciones específicas de orden conceptual y técnico. Me gusta pensar que a

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nivel técnico existe una necesidad de entender los procesos de producción, pensando en el oficio como la entrega absoluta y desinteresada a una labor que desarrolla metodologías que se articulen con lo que se busca expresar conceptualmente. Creo que mi metodología de trabajo actual se ha visto atravesada por los procesos y la disciplina que exige el grabado. Durante el tiempo que cursé la carrera de artes, tuve una fijación muy fuerte por los procesos de producción gráfica, y gran parte de mi tiempo en la universidad lo gastaba produciendo en el taller de grabado y acompañando los procesos de algunos compañeros. Estos procesos están sujetos a la practicidad y un fuerte dominio técnico, de la mano con tiempos de producción bastante dilatados, a la vez que exige mucho control por el uso de químicos y resinas. El momento en el que abordé la escultura, esta mirada gráfica para abordar procesos estaba muy presente. Y a pesar de que ambas son prácticas que por mucho tiempo tuvieron un desarrollo paralelo, (donde se gestaban al unísono pero no encontraban un punto común de diálogo), estoy buscando hilarlos en la exploración de nuevos lenguajes.

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¿De dónde nace el interés por la arquitectura que reflejas en tu obra? Mi relación con la arquitectura auto constructiva inicia desde mi infancia, en la casa que construyó mi abuelo de la mano con mi papá, al occidente de Bogotá. El barrio fue (como la mayoría de los barrios de Bogotá) el proceso de parcelación de una de las muchas haciendas que conformaban el sector. Al ser proyectos que surgían desde el ámbito privado, terminaban siendo ajenos de los planes de desarrollo urbano, que como consecuencia crean el desorden estructural que podemos presenciar hoy en Bogotá. Aun así el occidente en ese momento se concebía como uno de los sectores de Bogotá con un desarrollo importante que buscaba generar un orden y articulación con el resto de la ciudad, y así se sucedían proyectos urbanísticos como la ciudadela Colsubsidio, y los complejos deportivos del Salitre. Por lo que su desarrollo, siendo auto constructivo, no responde a las problemáticas habitacionales que se dan en las periferias del sur o del norte, que están más ligadas a los asentamientos ilegales que se suscitan por los éxodos rurales y el desplazamiento forzado.

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¿Cómo ves los sistemas de construcción periféricos y cómo crees que tu obra señala diferentes problemáticas sociales y políticas de los barrios periféricos de las ciudades latinoamericanas y de Colombia en particular? La arquitectura auto-constructiva tiene mucha relación con los procesos de arquitectura vernácula que se han desarrollado en Latinoamérica. En el caso de Colombia, los éxodos rurales y la violencia han tenido una fuerte incidencia en su desarrollo y la forma en la que se dan sus asentamientos: la ausencia de estado en las zonas rurales del país lleva a que estos éxodos encuentren cabida en las grandes ciudades y capitales, en la búsqueda de la seguridad y oportunidades que le son negadas al campo y que ha sido una constante en los distintos gobiernos de turno, que han tenido esa mirada esquiva frente al desarrollo rural del país. Esto de la mano con la necesidad humana de pensarse desde el habitar y el ejercicio de acondicionar nuestros espacios como respuesta a una necesidad estética. Termina sucediendo entonces un lenguaje constructivo que tiene como materia prima el ladrillo y el cemento, siendo estos los materiales de la clase obrera y popular, que se usa desde las construcciones más precarias como la que se dan en las periferias, transitando en proyectos urbanísticos como el del barrio Bachué, hasta las más sofisticadas si se piensa en las obras desarrolladas por Rogelio Salmona en Bogotá. Lo que genera esto es un escenario común que da paso a un amplio desarrollo estético ligado al material, cuyo desarrollo transita a través de su evidente estratificación, por lo que es difícil pensar en la autoconstrucción como una práctica que solo concierne a los sectores marginales, pero es muy cierto que es donde mejor se entiende este fenómeno constructivo, o por lo menos es donde se hace más evidente. El artista estará presentando una nueva exposición a partir del 10 de marzo en la galería SGR. Te invitamos a seguir y conocer los procesos que el artista lleva a cabo a través de sus redes sociales @islas_____mauricio y el colectivo @islas___gloria. Lee partes adicionales de la entrevista en www.Revistavenida.com.

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RECOMENDADO S e Art

M ATA R O D R Í G U E Z El primer acercamiento que tuvo al arte el mexicano Mata Rodríguez inició a los 14 años cuando pintaba grafitis en las calles, desde entonces inició una serie de estudios en diseño y arte que fueron contribuyendo al crecimiento de su carrera profesional y enriqueciendo su proceso creativo, llevándolo a realizar su primera exposición en el 2012 en el Instituto Mexicano de Relaciones Culturales de Monterrey y en el 2013 la exposición Realismos Paralelos en la Casa de la Cultura de Monterrey, uno de los espacios más importantes para el arte emergente. México @matarodriguezz

LUIS CÁRDENAS Utilizando diferentes medios y técnicas el artista plástico Luis Cárdenas logra transmitir su mirada frente a distintos tejidos o formas emocionales que le afectan o le atañen. Su obra nace de sus emociones, de sus deseos, sus miedos y la percepción de su cuerpo puesto en contextos donde se siente vulnerable. Aunque la mayoría de sus trabajos están dirigidos hacia el entendimiento de las emociones humanas, logra mezclarlo con su pasión a los animales y a la naturaleza creando así taxonomías del miedo y las emociones. Colombia www.luhecardenas.wixsite.com/lucartbyluiscardenas @lucart_by_luiscardenas

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OMAR MENDOZA Inspirado por diversos intereses, como situaciones relacionadas a la cotidianidad, temáticas sociales, la naturaleza y sus desafíos en cuanto a la conservación de especies, el artista plástico y visual Omar Mendoza logra por medio de la pintura y el dibujo profundizar en lo figurativo y generar una reflexión entorno al comportamiento del hombre y su territorio por medio un minucioso y detallado trabajo que da muestra de la acción desmedida e irreversible que el hombre ejerce sobre la naturaleza. Colombia @omar_mendozza

DIEGO DÍAZ En la obra plástica de Diego Díaz el tiempo carece de presente. Sus papeles, telas, persianas y dibujos son postales tomadas antes del viaje. En cada pieza la luz es parasitaria de la sombra. Diego Díaz se niega al tiempo. Su técnica considera el dibujo, la pintura y la escultura de forma clásica y realista y, así mismo, la instalación y el ready made. Su obra es orgánica: desborda el soporte inicial, se entrega a la luz y explora las posibilidades infinitas del espacio. Desde hace más de una década la propuesta creativa de Diego Díaz ha contado con la dispensa de galerías y coleccionistas, y ha ido ganando presencia en la escena del arte internacional. Colombia @diegodiaz.com.co www.diegodiaz.com.co

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EL MENSAJERO DEL POP CONSCIENTE

S AT COLIBRÍ @ S AT C O L I B R I

fotos: Sergio Mantilla

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fotos: Sergio Mantilla

"Sat Colibrí" es el proyecto musical del artista Santiago Andrés Torres, cuyo propósito es llevar a través de su música mensajes que eleven la conciencia y que además inviten al baile desde el alma. Su nombre artístico está inspirado en el ancestral y mitológico símbolo del Colibrí, pájaro mensajero del sol; y en la palabra sánscrita “Sat”, que además de significar esencia inmutable, es la fuente desde donde el artista asegura que provienen todas sus ideas. Por esta razón y con el fin de que el público se enfoque más en el mensaje y obra que en su imagen o identidad personal, este artista se presenta con una máscara fractal de colibrí, que simboliza la parte espiritual, y trajes futuristas de cuero, simbolizando su contraparte humana-animal. Después del exitoso lanzamiento de su primer sencillo “The Song of Both Sides”, una canción sobre la empatía y su poder para derribar los muros que nos dividen y oponen, el mensajero del Pop Consciente presenta su segundo tema “Venice”. El segundo sencillo de su álbum “Interdimension”.

Con armonías optimistas y melancólicas a la vez, presenta un sonido orgánico con arreglos electrónicos que buscan situar al oyente en un mundo submarino y místico. Las percusiones y efectos electrónicos definen un ritmo optimista y decidido que recrea algunos de los sonidos de la noche en la que Venecia se tatuó en el alma del artista. Esta canción fue compuesta, interpretada y grabada por Sat Colibri en los estudios de 3T, en Bogotá. Fue producida y mezclada por Okraa en Londres, para ser finalmente masterizada por el ingeniero ganador de dos premios Grammy Latino y productor, Carlos Silva. “Toda la bondad que hay en ti, todo el amor que te hizo vivir, todo lo que tuvo sentido para tus creadores. ¿Dónde se nos perdió todo eso?” Más allá de la ciudad real, Sat Colibrí describe en “Venice” las sensaciones y visiones que ésta le produjo. Se enfoca en las “sombras” o “espíritus” que se expresan silenciosamente detrás de su belleza.

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Para Sat Colibrí, el espíritu capaz de dichas hazañas, que define metafóricamente como leones alados, está en todos los seres humanos. Sin embargo, por razones que la canción menciona, como la pereza y la rutina, estos hoy yacen dormidos. Pero la decisión está en nosotros. Conoce más del artista en @satcolibri o buscalo en todas las plataformas de música.

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PREGUNTO, LUEGO EXISTO @PREGUNTOLUEGOEXISTO

Por más que seamos seres sociales y sea inevitable para nosotros comunicarnos, ¿a quien no le ha generado conflicto estar en un lugar con otra persona y no saber cómo entablar una conversación o una manera útil de romper el hielo? Te sorprendería la gran cantidad de personas que suelen recurrir a buscadores con el fin de encontrar un tema para iniciar una conversación, sobretodo ahora en tiempos de pandemia donde las reuniones sociales y el verse con amigos se volvió tan imprevisto y casi exclusivo para ciertos temas, es difícil entonces encontrar novedades en el día común para contar, haciendo que una vez más los nervios se apoderen de ti y el silencio se haga presente. Sin embargo, para todo problema existe una solución y si no, se crea, así como lo hizo un grupo de jóvenes que se trazaron el reto de crear un juego que ayudará a cientos a iniciar conversaciones con preguntas como ¿Qué edad tendrías si no supieras tu edad?, ¿Cuál es título del capítulo actual de tu vida?, ¿Si supieras que tendrías el éxito garantizado qué harías?, ¿Qué momento de tu vida ha determinado quién eres hoy? y muchas otras más. Hablamos con los creadores de "Pregunto, Luego Existo" para conocer más de este juego que busca conectar a las personas y unirlas en una sola comunidad.

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“¿Qué tendrías si no s ieras tu ?” ¿De dónde nace la idea de crear un juego de cartas para iniciar conversaciones reflexivas y quienes la crean? La idea nace una noche entre siete amigos que decidieron filosofar sin haberlo planeado. Desde esa noche empezamos a sumar preguntas, tenemos ya más de mil preguntas que hemos ido recopilando y hemos curado las primeras cien, divididas en categorías para ayudar a las personas a conectar ya que hemos aprendido que una verdadera conexión nace de buenas preguntas. ¿Cuál es el fin del juego y que busca generar en los participantes? El fin del juego es que todo aquel que lo juegue se conozca mejor, facilitamos que las personas se escuchen y conecten a través de una serie de buenas preguntas.

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¿Cómo se ve reflejado cada uno de los creadores del juego en las cartas y las preguntas? Cacho es el ñoño, ha pasado dos veces por “Y Combinador” y es el que ha desarrollado el juego y la página web. Fira es una apasionada creativa, es tan intensa que le llegó a J Balvin vía su arte. Es la artista que le ha dado sensibilidad al juego. Alejandro es el activo, ha sido ex jugador de fútbol profesional del Cosmos de Nueva York. Es quien habla con los usuarios para extraer nuevos insights y mejorar la experiencia del juego. El juego funciona de manera digital por medio de una comunidad, ¿cómo ha sido el crecimiento y recibimiento por parte de ella?

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“¿Cuál es título del capítulo a ual de tu v a?”

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Lo puedes comprar en nuestra página web. Al hacerlo te estarás registrando para ser parte de nuestra comunidad. Nos reunimos a jugar semanalmente con los miembros vía hangouts y clubhouse. Nuestra primera llamada en clubhouse contó con más de 200 personas y lo que pensamos que iba a durar una hora duró 8 horas y media!!! Desde las 8pm hasta las 4:30am. Pasó de todo, muchas personas se abrieron a contar historias de sus vidas súper impactantes, desde Clementina que perdió a su hermano, Diana que sacó económicamente a su familia adelante, Jesus que comió papas por 3 meses y empezó una startup impactante. Las historias son innumerables... Lanzamos el juego oficialmente hace un mes y desde entonces hemos conectado ya a más de 500 personas online, hemos aumentado las ventas en un 200% semanalmente y somos ya un equipo de 5 personas. Contamos ya con más de 50 reviews positivos que los invitamos a ver en nuestro instagram @preguntoluegoexisto ¿Cómo les gustaría que el juego evolucionara? En el corto plazo sacaremos el juego en físico y nuevos sets de preguntas. En el largo plazo nos vemos construyendo una empresa que le brinde a las personas un espacio para crecer como seres, enfocado en la salud física y mental. Nos vemos haciendo retiros de crecimiento personal, dictando talleres de autoconocimiento, clases de inteligencia emocional y más, con la misión de conectar y escucharse a uno mismo.

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“¿Qué momento de tu v a ha d ermin o quién eres hoy?” 201

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RECOMENDADOS Especiales

LA LLORONA Está pelicula lanzada en el 2019 estuvo nominada a los premios Oscar y a los Globo de Oro representando a Guatemala por primera vez en la historia. La película toca un tema muy sensible, pues relata el genocidio cometido por el ejercito entre 1960 a 1996, cuando el gobierno militar del entonces, llevo a cabo una serie de masacres de campesinos mayas durante la guerra civil, donde se calcula que más de 200.000 personas fueron asesinadas o desaparecidas. En el largometraje el famoso mito de la llorona tiene relevancia como hilo conductor de la historia y su protagonista. Jayro Bustamante 2019 Guatemala

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Con este sexto álbum de estudio la banda colombiana muestra una vez más la exploración de sonidos que han realizado a lo largo de estos años y la transformación y evolución de los sentidos que han desarrollado presentando este trabajo que trae infusión del Soul, R&B, funk, jazz, pop y por supuesto rock.

Al universo del rap, el hip-hop, el dancehall, el trap y el reggae, llega Unicornio el quinto trabajo discográfico de Nanpa Básico con el cual muestra las diferentes facetas y lo que puede lograr en términos musicales, presentando una propuesta que fluye en géneros y es contundente en sus melodías y letras.

La colombiana nos regaló un álbum acústico que parece compactar lo que fue el año pasado para muchos: una introspección profunda entre las cenizas de nuestro pasado. “Pirómana estampa es la piel”, nos canta, y al mismo tiempo, nos abrasa por dentro con sus melodías.

Mira lo que me hiciste hacer 2021

Unicornio 2020

Templo Komodo 2021

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RECOMENDADOS

Estilo de vida DIAMANTINA & LA PERLA Creando piezas decorativas, mobiliario e iluminación únicas, Diamantina & La Perla han logrado posicionarse desde hace siete años como una de las marcas de diseño interior más importantes de Colombia. Con gran atención a los detalles, cada pieza es realizada por artesanos que buscan dar vida a elementos estéticos, y funcionales para los amantes del buen vivir. Bogotá, Colombia Medellín, Colombia www.diamantinaylaperla.co @Diamantinaylaperla

LA SOLEDAD Inspirada en el tradicional barrio bogotano, en sus flores, en la nostalgia, en la memoria olfativa y en el poder que tienen los aromas para llevarnos a un momento específico, nace “La Soledad” un emprendimiento que busca crear momentos íntimos en tus espacios por medio de velas hechas a partir de cera 100% vegetal y aceite de coco. Actualmente tienen diferentes opciones que contienen notas de Jazmín, limonaria, higos, chocolate y otros ingredientes que hacen de estas velas hechas a mano una perfecta combinación para darle a tu hogar una sensación cálida y sofisticada. Bogotá, Colombia @Lasoledaaad

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MOVEDRA Durante la cuarentena y en tiempo record María Teresa Mora motivada por crear un lugar donde sembrar sus plantas investigó y aprendió la técnica Tiffany con la cual adquirió conocimientos que la llevaron a iniciar su emprendimiento Movedra, una marca de terrarios con diseño de formas geométricas y curvas que mezcladas con los colores de las plantas crean un toque de arte perfecto para cualquier espacio. Bogotá, Colombia @Movedra

L A E M P E R AT R I Z Inspirada en la carta del tarot "La emperatriz" nace para extenderse a quienes se sientan representados con los distintos gestos que llevan los personajes. A veces graciosos, tristes o misteriosos que capturan la atención por el carácter único que evocan. La emperatriz crea piezas cerámicas hechas a mano que realzan la diversión e ingenuidad con elegancia en espacios. Bogotá, Colombia Barcelona, España @laemperatriz_ceramica

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Modelos: @delfigonzalezo @michexiong @camilacortess_ @nazarenacortes @lua.amadeo @belkysnatural @alanisborrego @mbetarb @laleandraok @devilwithlonghair. @estudiopaar Foto: @mechi_bassano, Estilismo: @soledadharo, Pelo: @jesyhairbaez, Maquillaje: @gabyipar Arte: @ojosconpatas Entrenadora: @antonelacassarotti Op. Digital: @camilodiazsalamanca Scouting: @adon_management

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HOUSE O F M AT S @ H O U S E _ O F _ M AT S

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Lucía Denevi es la mente detrás de House of Mats una marca que busca revolucionar el mundo del yoga desde su elemento base: el mat. Abogada de profesión y creativa por decisión Lucía desde Argentina desea introducir en el mundo el concepto del "fashion yoga”, buscando por medio de su marca y la imagen que proyecta una mirada novedosa, editorial y artística; considerando al mat como objeto de deseo, un ítem infaltable en tu estudio, en tu casa o en tu oficina, en fín, un objeto que te ayude a dejar las cargas, porque nunca está de más tomarse unos momentos para meditar y hacer yoga. “Hago diseños a pedido y en colaboración con artistas y marcas que admiro. La realización de cada mat es "on demand," con la intención de reducir la sobreproducción y descarte de productos: el cuidado del medio ambiente es uno de nuestros pilares.

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Bajo el concepto de crear un espacio donde acercar la práctica de yoga a todos, sin limitaciones de ningún tipo, nace su última colección, un llamado a celebrar la belleza de todos los cuerpos, sus colores, sus marcas, sus cicatrices y todo aquello que no hace más que embellecerlos. Trabajando en contra de lo homogéneo que se muestra en la publicidad de cuerpos perfectos haciendo poses imposibles, surgió la idea de decir “No” y trabajar de una manera diferente mostrando lo que realmente importa, la personalidad. “No hay cuerpos ideales para la práctica del yoga ni para la vida. No hay limitaciones más que el prejuicio.” Invitamos a dejar los prejuicios de lado, a adormecer la censura y las críticas injustificadas. Invitamos a todos a ser más amables. Hagamos un mundo más amable.

-Lucía Denevi-

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