Rivierart n19 02 2016 by Rivierart

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

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SOMMAIRE INHALT CONTENTS

EXPOSITION 10 - 11

André Raboud - sculptures

découverte 16 - 17

Rencontres & Inspiration

MUSéES

8 - 9 12 - 13 14 - 15

Vitromusée Romont Centre d’art contemporain Yverdon Musée suisse de l’appareil photographique 18 Musée de l’élysée 20 - 23 Musée Ariana 24 - 25 Musée Olympique 26 - 28 Mudac 29 Musée Jenisch 30 - 31 Musée Rath 32 - 33 Musée du papier peint 34 - 37 Kunstmuseum Bern 38 - 40 Fondation Beyeler 41 - 43 Collection de l’art brut 44 - 45 Fondation de l’Hermitage 46 - 47 Musées - Vaud 48 - 49 Musées - Bâle, Berne, Neuchâtel Fribourg, Valais, Genève

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Le vitrail est mort, vive le vitrail!

Thierry Boissel

6 dĂŠcembre 2015 - 10 avril 2016 www.vitromusee.ch

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

S’engager, entreprendre, persévérer, tenir le cap..... Les mots ne manquent pas lorsqu’il s’agit de décrire les vertus indispensables qu’il convient de placer dans la boîte à outils d’un créateur ou d’une créatrice d’entreprise! Mais les mots ne suffisent pas, il faut ensuite des actes. Il faut oser se confronter à la réalité du marché, à l’inertie des structures, à la concurrence, à l’incrédulité des uns, voire au manque d’intérêt des autres... Il faut passer par des moments de doutes, il faut accepter de trébucher, il faut s’interdire de tomber. Mais tous les efforts consentis n’ont que plus de prix lorsque commencent à se dessiner les contours de la réussite. Nul doute que l’année 2016 marquera l’inscription définitive de Rivierart dans le monde des arts et de la culture. Pour vous et par vous, fidèles lectrices et fidèles lecteurs.

Sich verpflichten, unternehmen, durchhalten, den Kurs halten... Die Worte fehlen nicht, wenn es darum geht, die unentbehrlichen Tugenden zu beschreiben, die im Werkzeugkasten eines Unternehmers oder einer Unternehmerin nötig sind! Aber Worte genügen nicht, es braucht Handlungen. Man muss es wagen, sich der Realität des Marktes, der Trägheit der Strukturen, der Konkurrenz, der Ungläubigkeit von einigen oder sogar dem Mangel an Interesse von anderen zu stellen… Man muss durch Momente der Zweifel gehen, akzeptieren zu stolpern, sich verbieten zu fallen. Aber alle Anstrengungen haben dann umso mehr Wert, wenn sich die Umrisse des Erfolges abzeichnen. Kein Zweifel, dass das Jahr 2016 den endgültigen Eintrag von Rivierart in der Welt der Kunst und der Kultur markieren wird. Für Sie und durch Sie, treue Leser und treue Leserinnen.

Commitment, entrepreneurship, perseverance, ability to stay the course…. There are innumerable words to describe the essential virtues needed in the toolbox of an entrepreneur! But words alone are not enough, action is necessary. One must dare to take on market realities, the inertia of entrenched structures, competition, the disbelief of some and even the lack of interest of others... There are always moments of doubt and stumbling may be unavoidable, but falling is never an option. But all the hard work is all the more rewarding when one’s labor begins to bear fruit. No doubt 2016 will be the making of Rivierart in the world of art and culture - thanks to you, faithful readers.

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09.10.15 18:01

L’invité de Rivierart Pierre Smets Administrateur de la Saison culturelle Administrator der Saison culturelle Administrator of the Saison culturelle

« Trouver sa juste place », voilà un défi que nous partageons tous. Il en va de même de cette Saison culturelle de Montreux. Qui suis-je làdedans? Certainement pas un élément visible, pas un directeur ni un capitaine. S’il faut être chef, ce serait alors celui des machinistes, tout en bas dans la cale là où l’on porte le charbon, où l’on se fait au feu. Stimuler, appeler à l’union des talents, faire le lien, rassembler. C’est indispensable. Dans ce monde où tout est divertissement, il faut chercher la rareté, l’inédit. Le Montreux Comedy le fait avec les galas, Tous en Chœur repose sur l’exclusivité. Nous allons avec tous les partenaires, patrons des festivals montreusiens en tête, tenter de composer des rendez-vous rassembleurs autour d’un nom phare dans le monde des arts: Montreux. Une ville tel un label de qualité. A Montreux, la culture porte l’économie et le tourisme; Claude Nobs et d’autres en ont fait la preuve. A nous tous ensemble d’être aussi créatifs qu’eux. Pierre Smets

„Seinen rechtmäßigen Platz finden“ ist eine Herausforderung, die wir alle teilen. Das gleiche gilt für diesjährige „Saison culturelle“ von Montreux. Welchen Platz nehme ich dabei ein? Sicherlich keinen sichtbaren, kein Direktor und auch kein Kapitän. Wenn man Chef sein muss, dann wäre man Chef der Maschinisten unten im Heizraum, wo Kohle getragen und Feuer gemacht wird. Anregen, zur Vereinigung der Talente aufrufen, verbinden, versammeln. Das ist unentbehrlich. In dieser Welt, in der alles Unterhaltung ist, muss man nach dem Seltenen, dem Unveröffentlichten suchen. Das Montreux Comedy erreicht dies mit den Galas, Tous en Choeur basiert auf Exklusivität. Wir werden mit allen Partnern, angefangen bei den Direktoren der Festivals von Montreux, versuchen, gemeinschaftsfördernde Veranstaltungen zusammenzustellen, die sich um einen Vorzeigenamen in der Welt der Künste drehen: Montreux. Eine Stadt als Qualitätslabel. In Montreux trägt die Kultur die Wirtschaft und den Tourismus; Claude Nobs und andere haben es bewiesen. Es hängt von uns allen zusammen ab, so kreativ zu sein wie sie.

“Finding one’s rightful place”, indeed a challenge that we all share. And this is also true within the context of the Montreux ‘Saison culturelle’. Who am I within this event? Certainly not a visible player, not a director nor a captain. If anyone deserves the title of Leader, it should be one of the machinists in the hold down below, there where we carry the coal and where the fire is stoked. Inciting the masses, calling up the talent, creating networks, gathering the people- all of this is necessary in order to secure rarity and novelty in a modern world where everything is about entertainment. The Montreux Comedy achieves this via its galas, Tous en Choeur through exclusivity. And we, along with all our partners, and especially the Directors of the various Montreux festivals, shall seek to organise events to rally the people by using an iconic name in the world of arts: Montreux. A city as much as a quality label. In Montreux, culture drives the economy and tourism; Claude Nobs and others are proof of this. It is now up to us to be as creative as them.

Pierre Smets

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Vitromusée Romont «Le vitrail est mort, vive le vitrail !» jusqu’au 10 avril 2016 ROMONT - SWITZERLAND « Si le mot vitrail définit une technique, le vitrail est mort », tels sont les propos de Thierry Boissel. Depuis 1987, cet élève de Ludwig Schaffrath explore et éprouve les nouvelles possibilités offertes par la révolution technologique dans le domaine du verre, avec une prédilection pour le verre industriel structuré à chaud. Né en 1962, l’artiste d’origine française dirige depuis 1991 l’atelier expérimental vitrail, lumière et mosaïque de l’Académie des Beaux-Arts de Munich. Par son enseignement et son travail personnel, il stimule de manière significative la réflexion contemporaine sur l’utilisation du verre artistique dans l’architecture.

«Wenn mit dem Wort Glasmalerei eine Technik gemeint ist, ist die Glasmalerei tot» so Thierry Boissel. Der 1962 geborene Schüler Ludwig Schaff raths lotet seit 1987 in seinem Werk die neuen Möglichkeiten der Glastechnologie voll aus, mit einer Vorliebe für das heissgeformte Industrieglas. Seit 1991 leitet der aus Frankreich stammende Künstler die Studien- und Experimentierwerkstatt für Glasmalerei, Licht und Mosaik an der Akademie der Bildenden Künste in München. Durch seine Lehrtätigkeit und seine eigenen Arbeiten nimmt Boissel markant Einfluss auf die zeitgenössische künstlerische Verwendung von Glas in der Architektur.

photos page de gauche - Oeuvres de Thierry Boissel au Vitromusée Romont © Thierry Boissel

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“If the words stained glass define a technique, then stained glass is dead,” such is the quote by Thierry Boissel. Nevertheless ... since 1987, this student of Ludwig Schaffrath has explored and experimented with the new possibilities emerging from technological revolutions in the field of glass, with a predilection for hot structured industrial glass. Since 1991, this artist of French origin born in 1962 has managed the experimental stained glass, mosaic and light workshop at the Academy of Fine Arts in Munich. Through his teaching and personal work, he has significantly stimulated contemporary thought on the use of artistic glass in architecture.

Thierry Boissel, Page Blanche © Thierry Boissel

En été 2015, il a relevé le défi de présenter son travail essentiellement lié à l’architecture dans un contexte muséal, au Deutsches Glasmalereimuseum Linnich. Pour son exposition temporaire d’hiver, le Vitromusée reprend et adapte ces installations dans de nouvelles constellations spatiales en dialogue avec ses salles d’exposition.

L’artiste observant son oeuvre « Raum », © Thierry Boissel

Im Sommer 2015 stellte sich Thierry Boissel der Aufgabe, im Deutschen Glasmalereimuseum Linnich seine architekturbezogenen Projekte in einem musealen Rahmen zu präsentieren. Die Ausstellung im Vitromusée zeigt die Werke und Installationen nun in einem neuen räumlichen Dialog.

In the summer of 2015, he took up the challenge of presenting his work primarily linked to architecture within a museum context at the Deutsches Glasmalereimuseum Linnich. The Vitromusée takes and adapts these installations forming new spatial constellations in dialogue with its own exhibition rooms.

Qu’elles soient ornementales ou figuratives, colorées ou monochromes, les oeuvres et compositions de l’artiste apparaissent au premier abord comme une membrane, un voile ou une frontière entre deux espaces. Elles sont, paradoxalement et avant tout, des passages vers un monde invisible et transcendant, que chaque spectateur colore de sa propre subjectivité. Le visiteur, grâce à son interaction avec ces oeuvres toujours en mutation, est amené à dépasser les perceptions purement visuelles, tactiles et esthétiques. Les jeux spatiaux et la lumière vibrante que Thierry Boissel capture, façonne et redistribue en la rendant tangible, invitent à voyager au-delà du verre. Ob ornamental oder figürlich, farbig oder monochrom – die Arbeiten des Künstlers erscheinen zunächst wie Membrane, Schleier oder Grenzen zwischen Räumen. Paradoxerweise sind sie jedoch vor allem Zugänge zu einer unsichtbaren oder transzendenten, von der Subjektivität des Betrachtenden geformten Welt. Die sich ständig verändernden Werke verlocken dazu, rein visuelle, ästhetische und haptische Wahrnehmungen zu überschreiten. Thierry Boissels Raumspiele und das oszillierende Licht, das er einfängt, bearbeitet und fassbar macht, führen zu Erfahrungen jenseits des Glases. Whether ornamental or figurative, colored or monochrome, the works and compositions of the artist at first appear as a membrane, a veil or a boundary between two spaces. They are, paradoxically and foremost, passages to an invisible and transcendent world that each spectator colors with his own subjectivity. Through interaction with these ever mutating works, the visitor is carried beyond perceptions of a purely visual, tactile and aesthetic nature. The spatial inventiveness and therefore vibrant light that Thierry Boissel captures, allows him to shape and redistribute it in a tangible manner, inviting you beyond the glass.

musée du papier peint – château de mézières / fr

chambreS d’enfantS l’univerS de la nature

26.09.15 - 29.05.16 rivierart

espace ARLAUD André Raboud - sculptures du 22 janvier au 27 mars 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Inlassablement, depuis près de cinquante ans, André Raboud poursuit sa quête au cœur de la matière. Ses œuvres ont à la fois la densité brute d’une vérité primordiale et la fluidité de l’esprit qui confère son mouvement à la pierre. Tantôt intimes et comme lovées en elles-mêmes, tantôt monumentales et dressées pour fixer l’horizon qui semble s’éloigner au fur et à mesure que l’Homme avance, parfois effilées et tendues telle cette vague qui échappe infiniment aux océans, les sculptures d’André Raboud sont toutes nées du même geste.

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Seit fast fünfzig Jahren verfolgt André Raboud unermüdlich seine Suche im Kern der Materie. Seine Werke haben sowohl die unbearbeitete Dichte einer ausschlaggebenden Wahrheit als auch die Flüssigkeit des Geistes, die dem Stein seine Bewegung verleihen. Mal intim und in sich zusammengerollt, mal monumental und aufrecht, um den Horizont aufzuzeigen, der sich zu entfernen scheint, je nachdem wie der Mensch vorwärts schreitet. Manchmal schmal und gespannt wie diese Welle, die unendlich den Ozeanen entweicht, sind André Raboud’s Skulpturen alle aus derselben Geste entstanden.

For nearly fifty years, André Raboud has tirelessly pursued his quest to the heart of matter. His works have at the same time the raw density of primordial truth and the fluidity of spirit, giving movement to stone. Sometimes intimate and coiled in on themselves, sometimes monumental and upright fixing a horizon appearing to gradually recede as Man advances, sometimes slender and taught like a wave that infinitely escapes the ocean, André Raboud’s sculptures are all born from the same movement.

Ce qui frappe d’abord chez cet artiste, c’est d’une part l’expression d’une volonté farouche d’être humain qui s’ancre dans la pierre, et c’est d’autre part l’élégance d’une pensée libérée du temps qui entre en parfaite résonance avec la matière. L’émotion que chacune de ses œuvres nous procure est faite de tout cela, et l’on ressort de cette rencontre un peu plus vivant, sans doute plus proche de soi-même. Was bei diesem Künstler zuerst auffällt, ist einerseits der Ausdruck einer wilden Entschlossenheit Mensch zu sein, die sich im Stein verwurzelt und andererseits die Eleganz eines von der Zeit befreiten Gedankens, die in perfekte Resonanz mit der Materie tritt. Die Empfindung, die jedes seiner Werke uns verschafft, ist aus all dem gemacht, und diese Begegnung macht uns lebhafter und zweifellos kommt man sich selbst näher. What is at first striking about this artist is on the one hand, the expression of the human being’s wild determination anchored in stone, and on the other the elegance of thought free from time that enters into perfect resonance with the material. The emotion that each of his works inspires in us is made up of all of this, and we emerge from our encounter with his works a little more alive and likely closer to ourselves.

Photo page de gauche - André Raboud, Le grand dialogue, Granit d’Afrique, 2010, 333 x 180 x 80 cm. © photo: Olivier Maire Photo page de droite - André Raboud, Vague dessus, Granit d’Inde, 2013, 47 x 114 x 20 cm. © photo: Olivier Maire

Exposition du 22 janvier au 27 mars 2016 à l’Espace Arlaud, Place de la Riponne 2 bis, 1005 Lausanne horaires d’ouverture - Mercredi, jeudi, vendredi de 12h00 à 18h00 et samedi, dimanche de 11h00 à 17h00 Vernissage de l’exposition - Jeudi 21 janvier 2016 18h Visites commentées par l’artiste - Samedi 30 janvier 15h - Samedi 13 février 15h - Samedi 27 février 15h - Samedi 12 mars 15h - Samedi 26 mars 15h pour plus d’informations - für weitere informationen - for more information

www.andreraboud.ch

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CENTRE D’ART CONTEMPORAIN TOTCHIC du 19 mars au 29 mai 2016 YVERDON-LES-BAINS - SWITZERLAND Première exposition d’une artiste de la région, Totchic lève le rideau sur le travail d’Elisabeth Llach. Vivant à La Russille, située à une quinzaine de kilomètres d’Yverdon-les-Bains, la plasticienne pratique aussi bien le dessin que la performance, la peinture ou l’installation pour développer un univers fortement empreint de théâtralité. Celuici trouve son inspiration dans diverses sources médiatiques – souvent des magazines féminins – ou dans l’histoire de l’art. Puisqu’il ne suffit pas de traduire des images en peinture pour les faire basculer dans un imaginaire rêvé, dérangeant, inquiétant, voire cruel, Elisabeth Llach détient le secret d’une alchimie qui opère à un autre niveau, souvent dominé par un clair-obscur où la femme règne en protagoniste principal. Annik Wetter, ça gratte 1, 2014. © Annik Wetter

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Totchic, erste Ausstellung einer lokalen Künstlerin, hebt den Vorhang für die Arbeit von Elisabeth Llach. Die bildende Künstlerin wohnt in La Russille, etwa fünfzehn Kilometer von Yverdon-les-Bains entfernt. Sie praktiziert sowohl Zeichnung als auch Performance, Malerei oder Installationen, um eine von der Bühnenwirksamkeit stark geprägte Welt zu entwickeln. Diese findet ihre Inspiration in verschiedenen medialen Quellen – häufig Frauenzeitschriften – oder in der Kunstgeschichte. Da es nicht genügt, Bilder in Malerei umzusetzen, damit sie in eine geträumte, störende, beunruhigende, sogar grausame Vorstellungswelt abgleiten, verfügt Elisabeth Llach über das Geheimnis einer Alchemie, die auf einer anderen Ebene tätig ist, oft durch ein Helldunkel dominiert, wo die Frau als Hauptprotagonistin herrscht.

The first exhibition by a local artist, Totchic unveils the works of Elisabeth Llach. Residing at La Russille, about fifteen kilometers from Yverdonles-Bains, this visual artist’s drawing is equally as good as her performance art, painting and installation work, allowing her to create a world strongly stamped in theatricality. The artist finds inspiration in various media sources - often women’s magazines – and from art history. As simple translation of an image into painting form is insufficient to transform it into a disturbing, disquieting, even cruel imagined dream world, Elisabeth Llach clearly holds the secret to an alchemy that operates on another level, often dominated by a half-light where women reign as the main protagonist. Elisabeth LLach, et jamais ne revient 5, 2012. © G. Cottenceau

Elisabeth LLach, Vagues 08, 2011. © G. Cottenceau

Un univers féminin pléthorique qui n’en dit pas moins sur l’état du monde actuel et de la situation de l’être humain. Totchic fera également une place à la jeune artiste Anne Hildbrand.

Ein überfülltes weibliches Universum, das nicht wenig über den Zustand der gegenwärtigen Welt und der Situation der Menschen aussagt. Totchic wird ebenfalls der jungen Künstlerin Anne Hildbrand einen Platz geben.

A plethoric feminine universe which says not nothing about the state of the current world and the situation of the human being. Totchic will also feature work by the young artist Anne Hildbrand.

cacy - centre d’art contemporain d’yverdon-les-bains PAS de deux – Kg. CH. - JUSQU’AU 14 février 2016 - bis zum 14. FEBRUAR 2016 -

until 14th febrUARY, 2016

TOTCHIC - DU 19 MARS AU 29 MAI 2016 - VOM 19. MäRZ BIS ZUM 29. MAI 2016 - FROM MARCH 19TH UNTIL MAY 29TH, 2016 Vernissage, LE 19 mars, dès 18H00 - Eröffnung, AM 19. MäRZ, AB 18UHR - opening - on MARCH 19th, at 6 pm cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.centre-art-yverdon.ch

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Musée suisse de l’appareil photographique Un tour du monde en Photochrome du 18 février au 28 août 2016 vevey - SWITZERLAND Dans les années 1880, Hans Jakob Schmid mettait au point un magnifique procédé d’impression couleur de la photographie, le Photochrome. A partir d’un négatif noir-blanc transféré sur autant de pierres lithographiques que l’on souhaite de couleurs dans l’image finale, on obtient une impression au rendu très subtil à une époque où la photographie couleur n’était encore qu’à ses premiers balbutiements.

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In den 1880er Jahren entwickelte Hans Jakob Schmid ein wunderbares photographisches Farbdruckverfahren: den Photochrom. Ausgehend von einem Schwarzweiss-Negativ, das entsprechend der im endgültigen Bild gewünschten Anzahl von Farben auf eine ebenso grosse Anzahl von Lithographiesteinen übertragen wird, erhält man einen Druck mit sehr feiner Wiedergabe und das zu einer Zeit als die Farbphotographie noch in den Kinderschuhen steckte.

In the 1880s, Hans Jakob Schmid perfected a magnificent photographic colour printing process, called Photochrome. Starting from a black and white negative transferred onto as many lithographic stones as colours required in the final image, a subtly nuanced print was achieved at a time when colour photography was still only in its infancy.

Hans Jakob Schmid travaillait alors auprès de l’imprimerie Orell Füssli à Zurich qui prit un brevet pour ce procédé en 1888 et créa la société Photoglob Zürich (P. Z.) chargée de la commercialisation de ces images de formats très divers, jusqu’au 40x50 cm, qui connurent immédiatement un succès qui dépassa largement nos frontières. La première Guerre mondiale et l’arrivée sur le marché des premiers procédés de photographie couleur sonnèrent le glas du Photochrome. Le musée abrite une importante collection de Photochromes: des vues de grand format parfois panoramiques, des albums et divers ensembles, images «touristiques» qui sont une véritable invitation au voyage à travers le monde à la charnière des XIXème et XXème siècles. Hans Jakob Schmid arbeitete damals bei der Druckerei Orell Füssli in Zürich, die sich dieses Verfahren 1888 patentieren liess und das Unternehmen Photoglob Zürich (P. Z.) gründete, das mit der Vermarktung dieser Bilder in ganz unterschiedlichen Formaten bis 40x50 cm beauftragt war, denen sofort weit über unsere Grenzen hinaus Erfolg beschieden war. Der Erste Weltkrieg und die Markteinführung der ersten Farbphotographieverfahren läuteten das Ende des Photochroms ein. Das Museum beherbergt eine bedeutende Photochrom Sammlung: grossformatige (bisweilen Panorama-) Ansichten, Alben und verschiedene Ensemble, „touristische“ Bilder, die am Übergang vom XIX. zum XX. Jahrhundert eine echte Einladung zum Bereisen der Welt sind. At that time, Hans Jakob Schmid worked at the Orell Füssli Printing Company in Zurich, which took out a patent for this process in 1888 and founded the company Photoglob Zürich (P.Z.), with the express purpose of marketing the images in very varied formats, up to 40x50 cm, which enjoyed an immediate success and well beyond Switzerland’s borders. The First World War and the arrival on the market of the first colour photography processes sounded the knell of Photochrome. The museum is displaying a sizeable collection of Photochromes, including large format views, sometimes panoramic, albums and various smaller collections, touristic pictures, which constituted a real invitation to travel across the world at the turn of the XIXth and XXth centuries. Photo page de gauche - Le château de Chillon au bord du Lac Léman et les Dents-du-Midi (1889-1914) Photo page de droite, en haut - Famille persane à Téhéran (1904) Photo page de droite, au milieu - Le Bateau de Marbre au Palais d’Été à Pékin (1889-1914) Photo page de droite, en bas - Cuisine de rue à Naples (1889-1914)

Musée suisse de l’appareil photographique Un tour du monde en Photochromes Du 18 février au 28 août 2016 Eine Reise um die Welt mit Photochrom 18. Februar - 28. August 2016 A tour of the world in Photochromes From February 18th to August 28th, 2016 Vernissage, le 17 février 2016 à 18h30 Eröffnung, den 17. Februar um 18:30 opening on February 17th, at 6:30 pm cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47 www.cameramuseum.ch rivierart

RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera: à des endroits connus ou des points inattendus, à travers le vignoble de Lavaux, les monts verdoyants des hauts de la destination, les quais fleuris ou les quartiers citadins, de Villeneuve à Lutry. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. A travers un extrait de leur vie, de leurs œuvres ou de leurs lettres, découvrez ce qui les a inspirés et ce qui les lie à Montreux Riviera, tout en visitant les lieux par lesquels ils sont passés. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

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Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera: zu bekannten Stellen und unerwarteten Ecken, durch das Weinbaugebiet des Lavaux und auf die grünen Hügel der Region, zu den blumengeschmückten Quais und in die städtischen Quartiere, von Villeneuve bis nach Lutry. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Indem Sie die Orte besuchen, an denen auch unsere berühmten Gäste vorbeigekommen sind, erhalten Sie einen Einblick in ihr Leben, ihre Werke und ihre Briefe und entdecken dabei, was diese Menschen inspiriert und mit Montreux Riviera verbunden hat. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera: well-known locations and unexpected sites, through the vineyards of Lavaux, the lush mountains overlooking the area, quays lined with flowers and urban districts, from Villeneuve to Lutry. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. Discover what inspired them and what connects them to Montreux Riviera by reading a passage from their life through one of their works or letters, while visiting the places that they once visited. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person. Montreux-Riviera, Photos pages de gauche et de droite, © montreuxriviera.com

Pour faciliter la localisation des bancs dédiés, l’application gratuite Rencontres & Inspiration vous guide grâce à son système de géolocalisation. De plus, près de chaque banc, elle permet d’accéder à un contenu supplémentaire pour chacun des hôtes célèbres, dont des anecdotes sur le séjour de ces personnalités à Montreux Riviera, ainsi qu’une expérience multimédia en réalité augmentée: lecture audio, interview exclusive, animation ou extrait vidéo sont à découvrir au fil du parcours.

Die kostenlose App Rencontres & Inspiration hilft Ihnen dank GPS, die entsprechenden Bänke einfacher zu finden. Auch finden Sie mit dieser App bei jeder Bank zusätzliche Inhalte zu den berühmten Gästen, etwa Anekdoten zum Aufenthalt dieser Persönlichkeiten an der Montreux Riviera, sowie ein multimediales Erlebnis in Augmented Reality: Auf dem Parcours können Sie Audiowiedergaben, exklusive Interviews, Animationen oder Videoauszüge entdecken.

To help you find the special benches, the free app, Rencontres & Inspiration, uses a geolocation system to guide you. It also gives access to additional content near to each bench about each famous visitor, including anecdotes about their stay in Montreux Riviera and an augmented reality multimedia experience. All along the route, there will be audio playback, exclusive interviews, animations or video clips to be discovered.

Photos page de droite - photos en haut - Scanner la signalétique avec son téléphone portable permet d’accéder à un contenu multimédia en réalité augmentée. Sur chaque banc est apposé un panneau signalétique, reprenant le profil de l’hôte traité, et contenant les informations sur son histoire et sur la balade dans son ensemble. Photo en bas à gauche et à droite - Une application accompagne le promeneur, le guidant et lui permettant d’accéder à un contenu multimédia. Photo QR Code - scanner ce code avec votre téléphone portable, vous permet d’accéder à l’application.

sur les pas de charles spencer chaplin Charles Spencer Chaplin, acteur, cinéaste et compositeur anglais né à Londres le 16 mars 1889 est acteur de music-hall dès l’âge de 10 ans. Il poursuit ensuite dans le cinéma et devient rapidement célèbre en créant le personnage de Charlot. En 1953 il s’installe avec sa famille au Manoir de Ban à Corsier, où il réside jusqu’à sa mort, le 25 décembre 1977. L’Hôtel de la Place dans lequel il aimait aller manger, au centre du village, cultive encore son souvenir. Sir Charles repose aujourd’hui avec son épouse Oona Chaplin au cimetière de Corsier. Son souvenir s’inscrit encore dans le paysage de la région. Une statue de Charlot, oeuvre du sculpteur britannique John Doubleday orne le Quai Perdonnet à Vevey. Des fresques monumentales à son image, conçues par l’artiste français Franck Bouroullec en 2011, recouvrent désormais les façades de deux immeubles sis à l’Avenue de Gilamont 65-67 à Vevey. Un banc lui est dédié au Parc Chaplin - Route de l’Esplanade 2, à Corsier. Et dès le printemps 2016, le Manoir de Ban abritera un musée dédié à sa mémoire: le Chaplin’s World. www.chaplinsworld.com

Charles Spencer Chaplin, Schauspieler, Filmemacher und englischer Komponist, am 16. März 1889 in London geboren, ist seit seinem 10. Lebensjahr ein Music-Hall Schauspieler. Er wechselt ins Filmtheater und wird schnell durch die Schaffung der Charlot Figur berühmt. Im Jahr 1953 zieht er mit seiner Familie im Manoir de Ban in Corsier ein, wo er bis zu seinem Tod am 25. Dezember 1977 wohnt. Das Hotel de la Place, in der Mitte des Dorfes, wo er gerne essen ging, kultiviert noch immer die Erinnerung an ihn. Sir Charles ruht heute mit seiner Frau Oona Chaplin auf dem Friedhof von Corsier. Sein Andenken prägt selbst die Landschaft der Gegend. Eine Statue von Charlie Chaplin, Werk des britischen Bildhauers John Doubleday schmückt den Quai Perdonnet in Vevey. Die 2011 entworfenen, monumentalen Fresken des französischen Künstlers Franck Bouroullec, bilden ihn ab und zieren nun die Fassaden der zwei Gebäude der Avenue de Gilamont 65-67, in Vevey. Eine Bank ist ihm im Park Chaplin, Route 2 Esplanade in Corsier, gewidmet. Und ab dem Frühjahr 2016 wird das Manoir de Ban ein Museum, das seinem Andenken gewidmet ist, beherbergen: das Chaplin’s World.

Charles Spencer Chaplin, actor, filmmaker and English composer, born in London on March 16th, 1889 performed at the Music-Hall from the age of 10. He progressed to cinema and quickly became famous by creating the character of Charlot. In 1953 he moved with his family to the Manoir de Ban in Corsier, where he lived until his death on December 25th 1977. The Hotel de la Place, situated in the center of the village where he liked to have his meals, still cultivates his memory. Sir Charles now rests with his wife Oona Chaplin in the cemetery of Corsier. His legacy however, remains part of the landscape of the region. A statue of Charlie Chaplin created by the British sculpture artist John Doubleday adorns the Quai Perdonnet in Vevey. Monumental frescoes also in his image were designed in 2011 by French artist Franck Bouroullec and cover the facades of two buildings located at 65-67 Avenue de Gilamont in Vevey. A bench is dedicated to him in the Chaplin Park - Route 2 Esplanade in Corsier, and from Spring 2016, the Manoir de Ban will house a museum dedicated to his memory: Chaplin’s World. www.rencontres-inspiration.com rivierart

MUSéE DE L’éLYSéE Anonymats d’aujourd’hui - Petite grammaire photographique de la vie urbaine du 27 janvier au 1er mai 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Quelle place la ville contemporaine donne-t-elle à l’individu? Il est d’usage de dire que les métropoles actuelles sont anonymes, brassant des masses humaines dans lesquelles le citadin se noie. L’isolement dans la masse qu’implique l’anonymat urbain n’est pourtant pas uniforme. Facteur d’exclusion, il offre également à des millions de gens la liberté de vivre en bonne harmonie les uns à côté des autres. Réalisée à partir des collections du Musée de l’Elysée, cette exposition explore quelques représentations contemporaines de l’anonymat dans la ville, et ses conséquences sur la figure humaine. Grâce à différents dispositifs formels, la photographie permet de comprendre certains aspects de cet anonymat – allant de la foule indistincte aux personnes les plus marginalisées, et des groupes uniformisés aux héros anonymes.

Welchen Platz weist die zeitgenössische Stadt dem Einzelnen zu? Es wird gern behauptet, die heutigen Metropolen seien anonym, weil durch sie hindurch Menschenmengen strömen, in denen der einzelne Bewohner der Stadt untergeht. Urbane Anonymität bringt eine Isolation in der Masse mit sich, die keinesfalls jeder gleich erlebt. Sie ist zwar ein Ausschlussfaktor, wenn die Stadt sich weigert, das – zu arme, zu andersartige – Individuum anzuerkennen, doch geniessen zugleich Millionen Menschen die Freiheit, in ihr recht harmonisch miteinander auszukommen. Die aus der Sammlung des Musée de l’Elysée schöpfende Ausstellung beleuchtet verschiedene zeitgenössische Darstellungsweisen von Anonymität in der Stadt und ihren Folgen für die Menschen.

To what extent do modern cities accommodate people as individuals? It is often said that today’s big cities are anonymous, swarming human masses in which individual citizens drown. However, the isolation within the mass of urban anonymity varies greatly. While it can be an excluding factor, it also offers millions of people the freedom to live in harmony side by side. Curated from the Musée de l’Elysée’s collections, this exhibition explores various contemporary representations of anonymity in the city and its consequences on the human figure. Thanks to various formal devices, photography allows us to understand certain aspects of this anonymity – from the indistinguishable crowd to the most marginalized people, from standardized groups to anonymous heroes.

La sérialité, le flou, le noir et blanc, la manipulation numérique ou la forme du reportage permettront ainsi à chacun d’accentuer certaines caractéristiques, donnant la tentation de proposer une petite grammaire photographique de la vie urbaine. Fotografie macht mithilfe verschiedener Gestaltungsweisen so manche Erscheinungsform dieser Anonymität anschaulich – von der unüberschaubaren Menschenmenge bis zu den Randfiguren, von uniformierten Menschengruppen bis zu namenlosen Helden. Durch serielle, unscharfe, schwarz-weisse, digital bearbeitete oder in Reportageform gehaltene Bilder gelingt es Fotografen, jeweils einzelne Merkmale herauszuarbeiten – und die Versuchung entstehen zu lassen, einen fotografischen Formenschatz des Lebens in der Stadt anzulegen. Seriality, out of focus, black and white, digital manipulation or the form of photojournalism enable each photographer to accentuate certain characteristics, making it hard to resist offering a brief photographic lexicon of city life.

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MUSÉE ARIANA Jürgen Partenheimer - Calliope du 20 novembre 2015 au 20 mars 2016 GENèVE - SWITZERLAND Figure majeure du minimalisme abstrait, l’artiste allemand de renommée internationale Jürgen Partenheimer (1947) a développé, en 20112012, à l’invitation de la Porzellanmanufaktur Nymphenburg, une série de vingt et une pièces uniques à partir de trois formes de récipients, chacune étant déclinée en sept propositions différentes. Le projet est intitulé Calliope, en référence à la muse de la poésie épique. Il est exposé pour la première fois dans son intégralité au Musée Ariana, assorti d’œuvres graphiques. Dans le courant du 20e siècle, différents mouvements artistiques venus d’Europe, des États-Unis ou du Japon visent à briser le cloisonnement traditionnel entre les arts dits majeurs et les arts appliqués. La céramique, matériau ancestral, se voit remise à l’avant de la scène, libérée de son statut réducteur de vaisselle utilitaire. Des artistes comme Pablo Picasso à Vallauris, Joan Miró à Barcelone, Lucio Fontana à Albissola et bien d’autres, assistés par des céramistes confirmés, s’emparent de l’argile avec une liberté nouvelle.

Der international bekannte deutsche Künstler Jürgen Partenheimer (*1947), ein Vertreter des abstrakten Minimalismus‘, entwickelte 2011-2012 auf Einladung der Porzellanmanufaktur Nymphenburg eine Serie von einundzwanzig signierten Unikaten, für die er drei Gefäße in je sieben unterschiedlichen Variationen ausführte. Das Projekt erhielt den Namen Kalliope, nach der Muse der epischen Dichtung. Nun ist die vollständige Edition erstmals im Musée Ariana zu sehen, ergänzt durch grafische Werke. Im Laufe des zwanzigsten Jahrhunderts haben künstlerische Bewegungen in Europa, den U.S.A. oder Japan immer wieder versucht, die traditionelle Trennung zwischen Kunst und Kunsthandwerk zu überwinden. Eine besondere Rolle spielt die seit Urzeiten verwendete Keramik, die von der Zwangsjacke ihrer Funktion als Geschirr befreit wird. Künstler wie Pablo Picasso in Vallauris, Joan Mirò in Barcelona, Lucio Fontana in Albissola und viele andere tun sich mit Keramikern zusammen und bearbeiten den Ton mit neu gewonnener Freiheit.

A key figure of Abstract Minimalism, the internationally renowned German artist Jürgen Partenheimer (b.1947), developed a series of twentyone unique pieces in 2011-2012 at the invitation of the Nymphenburg porcelain manufactory, based on three forms of Vessels, with seven different versions of each being produced. The project was named Calliope in reference to the muse of epic poetry. The complete series is presented in its entirety for the first time at the Musée Ariana, together with graphic works by the artist. During the 20th century, a number of art movements in Europe, the United States and Japan aimed to break down the traditional distinctions between the so-called major and applied arts. The ancient material of ceramics found itself in the spotlight, redeemed from its status as mere utilitarian ware. Many artists such as Pablo Picasso in Vallauris, Joan Miró in Barcelona and Lucio Fontana in Albissola, with the assistance of experienced ceramists, used clay with a newfound freedom.

Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope I, II, 2011, Porcelaine tournée, modelée, décor peint aux émaux polychromes, h. max 46 cm. Collection Porzellanmanufaktur Nymphenburg, Münich et collection privée, Münich. Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary München / Zürich

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Photo de gauche - Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope I, II, III, 2011, Porcelaine tournée, modelée, décor peint aux émaux polychromes, h. max 46 cm. Collection Porzellanmanufaktur Nymphenburg, Münich et collection privée, Münich. Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary München / Zürich Photo de droite - Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope I#3, 2011, Porcelaine tournée, décor peint aux émaux polychromes, h. 46 cm. Collection Porzellanmanufaktur Nymphenburg, Münich. Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary München/ Zürich

Dans le même temps, l’industrie vise à conjuguer fonctionnalité et esthétique, dans une recherche aussi bien formelle qu’ornementale. Dans cette optique, la plupart des manufactures de céramique mettent sur pied des studios artistiques, ou sollicitent des artistes, dans le but de revitaliser une production qui subit lourdement les mutations de l’art de la table au cours du siècle. Ces collaborations artistiques se limitent souvent au développement d’une forme nouvelle ou d’un décor posé sur un modèle existant, sans aller plus avant dans les spécificités et les potentialités du matériau ni dans le processus de fabrication. Rares sont les artistes qui prennent le temps de s’intéresser réellement à la complexité et à la richesse du médium. C’est en ce sens que le partenariat de Jürgen Partenheimer avec la Porzellanmanufaktur Nymphenburg se démarque d’une simple collaboration artistique à plus d’un titre. En 2011, lorsque qu’il débute son projet à Nymphenburg, c’est à nouveau le récipient, the Vessel en anglais ou das Gefäß en allemand, qui fonde sa recherche, reliant la création contemporaine à une forme archaïque, archétypale de l’histoire de la céramique. Partenheimer respecte par ailleurs, dans les trois formes qu’il a élaborées, les codes traditionnels des différentes parties constitutives du vase, qui font métaphoriquement référence au corps humain : talon, panse, col et lèvre. Alors que la sculpture s’emploie à retirer la matière pour dévoiler la forme, la céramique procède par adjonction de la terre humide qui se déploie progressivement autour d’un vide central, essentiel.

Gleichzeitig ist die Industrie auf der Suche nach einer neuen Verbindung von Funktion und Ästhetik, von Form und Ornament. Die meisten Keramikmanufakturen betreiben Künstlerwerkstätten oder laden Künstler als Gestalter ein, um einer Produktion neuen Schwung zu verleihen, die unter den Folgen der sich im zwanzigsten Jahrhundert wandelnden Tafelkultur leidet. Oft beschränkt sich die künstlerische Zusammenarbeit dabei auf die Entwicklung einer neuen Form oder eines Dekors für bestehende Modelle, ohne dass die Eigenheiten und das Potenzial des Werkstoffs oder des Herstellungsprozesses besondere Beachtung finden. Nur in Ausnahmefällen nehmen sich die Künstler die Zeit, sich mit der Komplexität und Vielseitigkeit des Mediums wirklich auseinanderzusetzen. Insofern geht die Partnerschaft zwischen Jürgen Partenheimer und der Porzellanmanufaktur Nymphenburg über eine einfache künstlerische Zusammenarbeit weit hinaus. Als er das Projekt 2011 in Nymphenburg in Angriff nimmt, ist es einmal mehr das Gefäß, bei dem er mit seiner Suche ansetzt. Damit leitet er zeitgenössisches Schaffen von einer archaischen, für die Geschichte der Keramik geradezu archetypischen Form her. Bei den drei Nymphenburger Gefäßen hält sich Partenheimer dabei an die überlieferten Elemente für die Form der Vase, die bildhaft auf den menschlichen Körper verweisen: Sohle, Bauch, Hals, Lippe. Wo der Bildhauer Stoff wegnimmt, um die Form der Materie zu enthüllen, baut der Keramiker die feuchte Erde nach und nach um eine leeren, essentiellen Kern herum auf.

At the same time, industry was researching ways to combine functionality and aesthetics in terms of both form and decoration. For this purpose, most ceramic factories set up art studios or called on artists to revitalize their ceramic production, adversely impacted by changes in the art of the table over the course of the century. These artistic collaborations were often limited to the development of a new shape or the decoration of an existing model, without further exploration of the specific characteristics and possibilities of the material or the manufacturing process. Very few artists took the time to develop a real interest in this rich and complex medium. In this respect, the partnership between Jürgen Partenheimer and the Nymphenburg porcelain factory differs from a simple artistic collaboration in more ways than one. In 2011, when he began his project at Nymphenburg, it was once again the vessel, le récipient in French or das Gefäß in German, which formed the basis of his research, linking contemporary creation to an archaic and archetypal ceramic form. What’s more, Partenheimer respects, in the three forms he has developed, the traditional codes of the various component parts of the vase that refer metaphorically to the human body: foot, belly, neck and lip. Whereas in sculpture, material is subtracted to reveal the shape, ceramics proceeds by the addition of damp clay, which gradually evolves around a central and essential void. rivierart

Les récipients de Partenheimer, s’ils appartiennent au champ de la sculpture abstraite, font cependant référence directe au vase, un objet utilitaire, futile et ornemental lorsqu’il trône au milieu d’un salon ou accueille des fleurs, mais également essentiel et pérenne, réceptacle de vie par l’eau qu’il retient, et de mort, lorsqu’il se mue en urne funéraire. Ce vide intérieur est fondamental, à la fois vecteur et dépositaire de sens. En baptisant sa série Kalliope, Partenheimer l’inscrit dans une dimension épique et poétique qui nourrit le vide intérieur. La pratique industrielle privilégie la technique du coulage pour la mise en forme de la production, cette dernière assurant une régularité et une précision absolues. Pour Partenheimer, la surface parfaitement lisse, déshumanisée de la porcelaine de coulage ne répond pas à ses attentes. Il privilégie le retour au tournage, qui implique un rapport direct avec la terre, une relation intime avec la main qui accompagne avec douceur et détermination la naissance de la forme.

So gehören Partenheimers Gefäße zwar zur abstrakten Skulptur, nehmen aber unmittelbar Bezug auf die Vase, ein Nutzobjekt, das belanglos und ornamental ist, wenn es im Wohnzimmer thront oder Blumen enthält, das aber auch wesentlich und unvergänglich ist, Gefäß des Lebens indem es Wasser aufnimmt, Gefäß des Todes wenn es zur Urne wird. Das leere Innere ist das Eigentliche, es gibt und trägt den Sinn. Indem er die Edition Kalliope nennt, verleiht ihr Partenheimer die epische und poetische Dimension, die das leere Innere erfüllt. Die industrielle Fertigung bevorzugt den Porzellanguss, der absolute Regelmäßigkeit und Präzision verspricht. Die so entstehende vollkommen glatte, entpersönlichte Oberfläche des Porzellans entspricht aber nicht Partenheimers Vorstellungen. Dem Gießen zieht er das Drehen vor, das einen direkten Bezug zum Stoff herstellt, mit der besonderen Nähe der Hand, die das Entstehen der Form sanft und bestimmt begleitet.

Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope III#7, 2011, Porcelaine tournée, décor peint aux émaux polychromes, h. 46 cm. Collection privée, Münich. Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary München / Zürich

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Although Partenheimer’s Vessels belong to the realm of abstract sculpture, they still refer directly to the vase, a utilitarian object that is futile and ornamental when standing in the middle of a room or holding flowers, but which is also essential and perennial, a vessel of life through the water it contains, and of death, when it becomes a funeral urn. This inner emptiness is fundamental, both a vector and a repository of meaning. In naming this series Calliope, Partenheimer gives it an epic and poetic dimension that nurtures this inner emptiness. Industrial production prefers the casting technique for shaping ceramic wares, as this guarantees total consistency and accuracy. For Partenheimer, the perfectly smooth, dehumanized surface of cast porcelain does not satisfy his requirements. He favours a return to throwing on the potter’s wheel, which implies direct contact with the clay, an intimate relationship between it and the maker’s hands that gently and with determination accompany the creation of the form.

Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope III#4, 2011, Porcelaine tournée, décor peint aux émaux polychromes, h. 46 cm. Collection Porzellanmanufaktur Nymphenburg, Münich. Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary München / Zürich

Cette surface blanche, vierge mais vibrant d’une densité bien moins anonyme que la feuille de papier, accueille un décor qui vient souligner ou se démarquer de la forme par des lignes ou champs colorés qui se déploient sur l’extérieur mais également à l’intérieur des récipients, induisant une oscillation entre bi et tridimensionnalité. C’est dans la déclinaison des trois séries de porcelaines dans l’espace que le projet révèle toute sa pertinence et s’inscrit en parfaite cohérence dans la démarche artistique de Partenheimer. Jürgen Partenheimer s’est immergé avec passion et bonheur dans le monde complexe et exigeant de la céramique. Il s’est laissé séduire par le médium, en a cherché les limites et entendu le chant.

Jürgen Partenheimer (Münich, 1947), Kalliope I, II, III, 2011, Porcelaine tournée, modelée, décor peint, aux émaux polychromes, h. max 46 cm. Collection Porzellanmanufaktur Nymphenburg, Münich, Copyright: Jürgen Partenheimer et VG Bild-Kunst, Bonn. Courtesy: Häusler Contemporary, München / Zürich

ANDRÉ RABOUD SCULPTURES

Auf dieser weißen Fläche, die jungfräulich, in ihrer vibrierenden Dichte aber weit weniger anonym ist als ein Blatt Papier, gestaltet das Dekor mit seinen Linien oder Farbflächen das Gefäß mit, indem er die Form betont oder im Gegenteil konterkariert, auf der Außenfläche, aber auch im Inneren, was ein oszillierendes Hin und Her zwischen Zwei- und Dreidimensionalität entstehen lässt. Durch die Präsentation der drei vollständigen Reihen im Raum wird die Stimmigkeit des Projektes sichtbar, und es zeigt sich, dass das Werk in vollkommenem Einklang mit dem gesamten künstlerischen Schaffen Partenheimers steht. Mit Leidenschaft und Glück hat sich Jürgen Partenheimer auf die komplexe, anspruchsvolle Welt der Keramik eingelassen. Er hat sich vom Medium verführen lassen, hat seine Grenzen ausgelotet und seinen Gesang gehört. This blank, white surface resonates with much less anonymous density than a piece of paper and acts as a support for decoration that either accentuates or distances itself from the shape, through lines or areas of colour on the outside or inside of the vessels, causing them to fluctuate between two- and three-dimensionality. It is through the arrangement of the three porcelain series in space that the project demonstrates its relevance and proves to be perfectly consistent with Partenheimer’s artistic approach. Jürgen Partenheimer has become passionately and enthusiastically involved in the complex and demanding world of ceramics. He has fallen under the spell of the medium, tested its limits and heard its call.

Espace Arlaud | Lausanne Exposition du 22 janvier au 27 mars 2016 Vernissage le 21 janvier, dès 18 heures

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MUSÉE Olympique Cap sur Rio du 10 février au 25 septembre 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Du 10 février au 25 septembre 2016, le Musée Olympique célèbre « Rio 2016 » avec un programme entièrement dédié à la culture, aux couleurs de la ville et du Brésil, hôte des Jeux. À l’occasion des Jeux de la XXXIème Olympiade, le Musée Olympique s’habille, pendant 6 mois, aux couleurs de Rio et se met à l’heure brésilienne. Expositions et animations mettent à l’honneur la diversité, l’exubérance et l’énergie de la culture brésilienne. Le programme démarre en plein carnaval de Rio et atteint son paroxysme en été, avec les deux semaines des Jeux. Cette explosion de couleurs et d’énergie déteindra sur les rendez-vous annuels du Musée. Cap sur Rio / Destination Rio, © The Olympic Museum

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Vom 10. Februar bis zum 25. September 2016 feiert das Olympische Museum „Rio 2016“ mit einem Programm, das der Kultur, den Farben der Stadt und Brasilien, dem Gastgeber der Spiele, gewidmet ist. Anlässlich der XXXI. Olympischen Spiele kleidet sich das Olympische Museum für 6 Monate in den Farben von Rio. Ausstellungen und Veranstaltungen zeigen die Vielfalt, die Ausgelassenheit und die Energie der brasilianischen Kultur. Das Programm beginnt zeitgleich mit dem Karneval in Rio und erreicht seinen Höhepunkt im Sommer, während der zwei Wochen der Spiele. Diese Energie- und Farbenexplosion wird auf die jährlichen Termine des Museums abfärben.

From February 10th to September 25th 2016, the Olympic Museum celebrates “Rio 2016” with a programme wholly dedicated to the culture and flavour of the city and of Brazil, host of the Olympic Games. To mark the Games of the XXXI Olympiad, the Olympic Museum over six months will take on the flavour of Rio and dance to a Brazilian rhythm. Exhibitions and events will showcase the diversity, exuberance and energy of Brazilian culture. The programme will kick off during the Carnival in Rio and culminate with the two weeks of Games in the summer. This explosion of colours and energy will permeate all of the Museum’s regular events,

Cap sur Rio / Destination Rio, © The Olympic Museum

Le programme du vernissage qui aura lieu le mercredi 10 février 2016 et du grand weekend d’ouverture au public le samedi 13 et le dimanche 14 février 2016 sera varié: Projections, rencontres, carnaval, artifices d’émotions avec l’école de samba L’Estação Primeira de Mangueira, sacrée Championne à 18 reprises, et qui se produit pour la toute première fois en Europe en direct du Musée Olympique! à l’extérieur, le parcours du Parc Olympique est jalonné de kiosques qui dispensent des informations sur le Brésil et les étranges petites bêtes de l’artiste Felipe Barbosa apportent une touche colorée et ludique, qui se marient avec les photos des grands athlètes brésiliens. à l’intérieur, au deuxième étage du musée, l’exposition «Tout savoir sur Rio 2016» propose une présentation de l’édition des Jeux Olympiques de Rio : l’organisation, le look des JO, les sports au programme, les athlètes et bien sûr les incontournables: le relais de la flamme, les mascottes et les médailles. Au premier étage, une deuxième exposition «Découvrir le Brésil par le corps en mouvement» propose une exploration du vocabulaire corporel propre à la culture brésilienne, à travers la musique, la danse, les fêtes populaires, les sports: une immersion totale dans le rythme et le mouvement du Brésil qui met à l’honneur l’art et la photographie contemporains.

Das Eröffnungsprogramm, das am Mittwoch dem 10. Februar stattfinden wird und das öffentliche Eröffnungswochenende am Samstag den 13. und Sonntag den 14. Februar werden vielfältig sein: Filme, Begegnungen, Karneval, Emotionskunstgriffe mit der Sambaschule Estação Primeira de Mangueira, die 18 Mal als beste Sambaschule ausgezeichnet wurde und deren allererster Auftritt in Europa live im Olympischen Museum zu sehen sein wird! Draußen auf dem Parcours des Olympischen Parks findet man Kioske, die Informationen über Brasilien geben, sowie die seltsamen kleinen Wesen des Künstlers Felipe Barbosa, die einen Hauch von Farbe und Spass bringen und Fotos von großen brasilianischen Athleten. Innen, im zweiten Stock des Museums, bietet die Ausstellung „Alles über Rio 2016“ einen Überblick über die Ausgabe der Olympischen Spiele in Rio: die Organisation, die Sportarten im Programm, die Athleten und natürlich die Unvermeidlichen: der Fackellauf, die Maskottchen und Medaillen. Im ersten Stock zeigt eine zweite Ausstellung „Durch Körperbewegungen Brasilien entdecken“, eine Erforschung der Körpersprache der brasilianischen Kultur durch Musik, Tanz, Volksfeste, Sport: ein völliges Eintauchen in den Rhythmus und die Bewegung Brasiliens, das die zeitgenössische Kunst und Fotographie präsentiert.

The program for the exhibition opening night on Wednesday February 10th and the opening weekend for the public on Saturday 13th and Sunday 14th February 2016 will be varied, including: films, meetings, carnival celebration, and plenty of spirit with the Estação Primeira de Mangueira samba school, named best samba school 18 times, whose first performance in Europe will be at the Olympic Museum! Outside, the trail in the Olympic Parc is interspersed with kiosks offering information on Brazil, and artist Felipe Barbosa’s strange little creatures provide a touch of colour and fun alongside photos of some of Brazil’s greatest athletes. Inside, on the second floor of the exhibition, “ All about Rio 2016” presents a look at the Olympic Games in Rio: the organisation, style of the Games, sports on the official programme, athletes and, of course, the essential elements: the torch relay, the mascots and the medals. On the first floor, a second exhibition “Discover Brazil through the body in motion” will explore the physical vocabulary of Brazilian culture through music, dance, popular festivals and sports: a full immersion into the rhythm and movement of Brazil, focusing on contemporary art and photography.

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mudac «Ceci n’est pas une bouteille!» jusqu’au 5 juin 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND CECI N’EST PAS UNE BOUTEILLE ! Deux musées, le mudac, musée de design et d’arts appliqués contemporains de Lausanne, et le Musée valaisan de la Vigne et du Vin à Sierre, unissent leurs collections pour livrer un regard neuf sur les contenants du vin. La bouteille de vin, dont la forme nous paraît immuable, a connu et connaît encore de nombreuses variations.

DAS IST KEINE FLASCHE! Zwei Museen, das mudac, Museum für Design und angewandte zeitgenössische Kunst in Lausanne und das Walliser Reb- und Weinmuseum in Siders vereinen ihre Sammlungen, um einen neuen Blick auf die Behältnisse von Wein zu liefern. Die Weinflasche, deren Form uns unveränderlich scheint, kannte und kennt noch zahlreiche Variationen.

Vogt & Weizenegger, Dyonisos’ Stomach, 2003, Collection du mudac, Image © Cédric Bregnard

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THIS IS NOT A BOTTLE ! Two museums, the mudac (Museum of Contemporary Design and Applied Arts) and the Valais Museum of the Vine and Wine, are bringing together their collections to cast new light on wine receptacles. The shape of a wine bottle may seem unchangeable, but there are, and always have been, many possible variations upon it.

Etienne Meneau, Strange Carafe n°6, 2011 Prêt de l’artiste, Image © Etienne Meneau Quel est le lien entre une coupe en bois et une carafe design? Que racontent les réci¬pients ancestraux et les objets de verre des collections d’art? L’exposition Ceci n’est pas une bouteille! propose la rencontre inattendue de deux mondes: l’ethnologie et la création contemporaine. Le mudac et le Musée valaisan de la Vigne et du Vin ont réuni leurs collections, enrichies d’emprunts en Europe et aux Etats-Unis, et leurs points de vue sur la bouteille. Ils mettent en scène une soixantaine de pièces, toutes d’une grande valeur patrimoniale et artistique. Ce dialogue entre objets issus de l’histoire du vin et du design interroge aussi bien les formes et les usages que les symboles.

Mariken Dumon, Wine Red Perfume – Atlas, 2011 Prêt de l’artiste, Image © Lieven Herreman Welche Verbindung gibt es zwischen einem Holzbecher und einer Design-Karaffe? Was erzählen uns die altertümlichen Behältnisse und die Glasobjekte der Kunstsammlungen? Die Ausstellung „Das ist keine Flasche!“ bietet die unerwartete Begegnung zweier Welten: Ethnologie und Gegenwartskunst. Das mudac und das Walliser Reb- und Weinmuseum haben ihre Sammlungen, die mit Leihgaben aus Europa und den USA angereichert sind, und ihr Verständnis über die Flasche vereinigt. Sie inszenieren sechzig Stücke, alle von großem kulturellem und künstlerischem Wert. Dieser Dialog zwischen Gegenständen der Geschichte des Weins und des Designs hinterfragt ebenso die Formen und die Anwendung als auch die Symbole.

What links a wooden cup and a stylish carafe? What stories could be told by antique receptacles and glass objects from various art collections? The exhibition, This Is Not a Bottle ! sets up an unexpected encounter between two worlds: those of ethnology and contemporary creativity. This project was born out of a desire shared by the two institutions. The mudac and Valais Museum of the Vine and Wine have brought together both their collections, enriched by loans from around Europe and the United States, and their perspectives on the bottle. They spotlight around sixty pieces, all of great cultural and artistic value. This dialogue between objects relating to the histories of wine and design also raises questions around forms, usages and symbols. rivierart

Les curatrices, Bettina Tschumi (ancienne conservatrice au mudac), Anne-Dominique Zufferey-Périsset, directrice du MVVV, et Mélanie Hugon Duc, anthropologue et collaboratrice scientifique au MVVV, ont créé des liens inédits entre ces différents contenants du vin. On y voit par exemple l’antique tonnelet que les paysans prenaient au champ pour se désaltérer côtoyer les récipients de voyage du designer tchèque Tadeáš Podracký. Ou encore la coupe en bois de l’accouchée en compagnie de la célèbre Strange Carafe du sculpteur verrier Etienne Meneau… une carafe évoquant un réseau veineux, qui rappelle le rôle fortifiant du vin. En paraphrasant le célèbre Ceci n’est pas une pipe du peintre Magritte (1928), les musées interpellent leurs visiteurs sur la représentation de ces objets, qui touche à nos façons de voir, de boire et de servir le vin.

Die Kuratorinnen Bettina Tschumi, ehemalige Konservatorin am mudac, Anne-Dominique ZuffereyPérisset, Direktorin des Walliser Reb- und Weinmuseums und Melanie Hugon Duke, Anthropologin und wissenschaftliche Mitarbeiterin am Walliser Reb- und Weinmuseum, haben beispiellose Verbindungen zwischen diesen verschiedenen Weinbehältnissen erstellt. Man entdeckt dort zum Beispiel ein altes Fass, aus dem die Bauern tranken, als sie auf dem Feld arbeiteten, neben den Reiseschalen des tschechischen Designer Tadeáš Podracký. Es gibt auch den hölzernen Kelch der Wöchnerin in Begleitung der berühmten „Strange Carafe“ des Glaskünstlers Etienne Meneau… eine Karaffe, die an das Venensystem und somit an die Rolle des Weins als Stärkungsmittel erinnert. In Anlehnung an das berühmte „Ceci n’est pas une pipe“ des Malers Magritte (1928) regen die Museen ihre Besucher an, sich mit der Darstellung dieser Gegenstände, die unsere Art und Weise beeinflussen, Wein zu sehen, zu trinken und zu servieren, auseinanderzusetzen.

The curators, Bettina Tschumi, former curator at the mudac, Anne-Dominique Zufferey-Périsset, director of the Valais Museum of the Vine and Wine, and Mélanie Hugon Duc, anthropologist and scientific collaborator at the Valais Museum of the Vine and Wine, have created interesting links between these varied wine receptacles. You can see, for example, ancient kegs once used by thirsty peasants in the fields rubbing shoulders with portable vessels by the Czech designer Tadeáš Podracký. Similarly a wooden birthing cup is presented alongside the famous Strange Carafe by the sculptor Etienne Meneau… This carafe evokes a network of veins, a reminder of the wine’s fortifying role. In paraphrasing the painter Magritte’s famous Ceci n’est pas une pipe, the museums are challenging their visitors to consider the way these objects, which relate to the ways we see, drink and serve wine, are represented.

Gonçalo Campos/FABRICA, Sede, 2009, Prêt de Gonçalo Campos/FABRICA, Image © Gustavo Million / FABRICA 2009

MUdac Ceci n’est pas une bouteille! - du 18 NOVEMBRE 2015 au 5 JUIN 2016 Das ist keine Flasche! - VOM 18. NOVEMBER 2015 bis zum 5. JUNI 2016 THIS IS NOT A BOTTLE ! - from 18th november, 2015 until 5th june, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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www.mudac.ch

musée jenisch David Hominal du 4 mars au 15 mai 2016 vevey - SWITZERLAND Né en 1976, David Hominal est reconnu pour sa peinture qu’il entend au sens large et fait sans cesse déborder vers d’autres médiums. Versatile, son art est le fait d’un rapport exacerbé au monde.

David Hominal (* 1976) ist für seine Malerei anerkannt, die er im weiteren Sinne versteht und ständig zu anderen Medien überströmen lässt. Seine Kunst ist vielseitig und die Tatsache einer übersteigerten Beziehung zur Welt.

David Hominal (* 1976) is known for his paintings which he creates in a broad sense ceaselessly spilling over into other mediums. Versatile, his art is the product of an exacerbated relationship with the world.

Il est un lieu d’interférences entre des images tirées de ses archives personnelles et celles proliférant dans les médias. Nourri par la danse, la musique (classique, jazz, pop, etc.), l’histoire de l’art, David Hominal s’inscrit dans une tradition interdisciplinaire qu’il galvanise au moyen de la langue, des symboles et des lieux communs de la représentation comme la nature morte. Ses estampes et multiples travaux forment la périphérie de cette orchestration du réel. Sie ist ein Ort von Interferenzen zwischen aus seinen persönlichen Archiven ausgewählten Bildern und denen, die in den Medien wuchern. Durch den Tanz, die Musik (Klassik, Jazz, Pop, usw.) und die Kunstgeschichte genährt, reiht sich David Hominal in eine interdisziplinäre Tradition ein, die er mit Sprache, Symbolen und Clichés aus Darstellungen wie dem Stillleben stimuliert. Seine Drucke und vielfältigen Arbeiten bilden die Peripherie dieser Orchestrierung der Wirklichkeit. Als Retrospektive wird diese Ausstellung versuchen zu verstehen, wie sich die Produktion dieser Ausgaben einfügt und wie sie mit dem Rest seines Oeuvres koexistiert. In his work, images from his personal archives as well as those proliferating in the media come together. Nourished by dance, music (classical, jazz, pop, etc.) and art history, David Hominal subscribes to an interdisciplinary tradition which he galvanizes by means of language, symbols and common representations such as still life. His prints and many works form the periphery of an orchestration of reality. In the form of a retrospective, this exhibition seeks to understand how the creation of these works fit into and coexists with the rest of his work. photo - David Hominal (*1976), Sans titre, 2010, Lithographie sur vélin de Zerkall , 554 x 382 mm. Musée Jenisch Vevey - Cabinet cantonal des estampes, Collection de l’État de Vaud, don de l’ÉCAL, © David Hominal - Photo Claude Bornand rivierart

musée Rath Byzance en Suisse jusqu’au 13 mars 2016 GENèVE - SWITZERLAND Les importantes collections d’objets et de manuscrits byzantins, tout comme la tradition humaniste et le rôle central accordé par la Réforme à l’étude et à la diffusion de la langue grecque, confèrent à la Suisse une place appréciable, mais trop souvent méconnue, dans les études byzantines. Avec l’exposition Byzance en Suisse, les Musées d’art et d’histoire de Genève proposent de réunir et de présenter pour la première fois le riche patrimoine byzantin conservé sur le sol helvétique, ainsi que de valoriser l’apport de notre pays dans la « redécouverte » de cette civilisation.

Die umfangreichen Sammlungen byzantinischer Objekte und Handschriften, aber auch die humanistische Tradition und die zentrale Rolle, welche die Reformation dem Studium und der Verbreitung der griechischen Sprache beimass, verschaffen der Schweiz einen beachtlichen, doch häufig verkannten Platz in den byzantinischen Studien. Mit der Ausstellung Byzanz in der Schweiz vereinen und präsentieren die Musées d’art et d’histoire von Genf zum ersten Mal das reiche byzantinische Kulturerbe, das auf Schweizer Boden bewahrt wird, um den Beitrag unseres Landes an der «Wiederentdeckung » dieser Kultur ins Licht zu rücken.

Switzerland’s important collections of Byzantine objects and manuscripts, like its humanist tradition and the central role placed by the Reformation on the study and transmission of the Greek language, have bestowed on the country an appreciable but too often unrecognized position in Byzantine studies. With the exhibition Byzantium in Switzerland, the Musées d’Art et d’Histoire of Geneva have chosen to bring together and present for the first time the rich Byzantine heritage conserved on Swiss territory, as well as highlighting the country’s contributions to the “rediscovery” of that civilization.

Cheval, Trouvé dans la région de la Mer Noire (?), Constantinople, première moitié du VIème siècle, Bronze, long. 13,3 cm, haut. 13,7 cm, © Collection George Ortiz, Suisse, photo: Yoram Lehmann, Jérusalem

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Diptyque d’Areobindus, Constantinople, 506 ap. J.-C., Ivoire, haut. 36 cm, larg. 23 cm © Collection Musée national suisse, propriété de la Bibliothèque centrale de Zurich

Le lien unissant la Suisse aux oeuvres exposées se veut ainsi le fil conducteur du parcours, que celles-ci proviennent de collections publiques ou privées, de trésors ecclésiastiques, de fouilles archéologiques, ou qu’elles témoignent de l’intérêt de personnalités suisses pour Byzance. La première section de l’exposition est consacrée au patrimoine matériel, avec un accent particulier porté sur le savoirfaire technique, alors que la seconde s’articule autour de l’héritage byzantin en Suisse, de sa préservation et de sa diffusion depuis la Renaissance jusqu’à l’époque contemporaine.

Calice à haut pied avec inscription syriaque, Antioche ou région d’Antioche, VIIIe-IXe siècle Argent, haut. 25 cm, poids 538,5 g., © Ville de Genève, Musée d’art et d’histoire, don de la Fondation Migore, legs Janet Zakos. photo: Andreas Voegelin

Die Beziehung zwischen der Schweiz und den ausgestellten Werken bildet dabei den roten Faden, sei es dass diese aus öffentlichen und privaten Sammlungen, Kirchenschätzen oder archäologischen Grabungen stammen oder dass sie vom Interesse schweizerischer Persönlichkeiten für Byzanz zeugen. Die erste Sektion ist den Kulturgütern und insbesondere ihrer Herstellung gewidmet, während die zweite das byzantinische Erbe in der Schweiz, seine Pflege und seine Verbreitung von der Renaissance bis in die Gegenwart präsentiert.

Thus the links uniting Switzerland to the chosen works constitute the common thread of the exhibit, whether coming from public or private collections, ecclesiastical treasures, archaeological digs, or else bearing witness to the interest of Swiss personalities in the world of Byzantium. The first part of the exhibition is dedicated to material artefacts, with a special emphasis on matters of technical know-how, while the second looks at the history of Switzerland’s Byzantine legacy including its preservation and dissemination from the Renaissance to modern times.

MUsée rath - programme d’activités - février-mars les MIDIS DE L’EXPO Jeudi 4 février - 12H30 - La céramique byzantine : techniques de fabrication, par Gabriella Lini - Mardi 9 février - 12H30 - La basilique Saint-Demetrius dans l’objectif de Fred Boissonnas, par Gaël Bonzon - Jeudi 11 février - 12H30 - Transmission de la littérature grecque, imitation et création littéraire, par André-Louis Rey - Jeudi 25 février - 12H30 - Un sacré réflecteur de lampe : le roi Salomon lampiste, par Matteo Campagnolo - Mardi 1er mars - 12H30 - Byzance et la Suisse. L’art byzantin dans les établissements religieux, par Mirjana Kovačević - Jeudi 3 mars - 12H30 - Histoire monétaire et histoire politique aux derniers siècles de Byzance, par Maria Campagnolo - Jeudi 10 mars - 12H30 - Gaspare et Giuseppe Fossati : les travaux de restauration de Sainte-Sophie à Constantinople (1847-1849), par Gabriella Lini. - Les midis de l’expo sont Gratuits, sans réservation, dans la limite des places disponibles, entrée de l’exposition payante

COLLOQUE - Vendredi 26 et samedi 27 février - Les métiers du luxe à Byzance. Plus d’information sur www.mah-geneve.ch ATELIER ADULTES - Samedi 6 février, de 14h à 16h30 - Initiation à l’art du décor sur céramique byzantine, Pour les adolescents et les adultes Sur inscription, CHF 25.-, entrée de l’exposition payante coNTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

www.mah-geneve.ch rivierart

Musée du papier peint «Chambres d’enfants» du 26 septembre 2015 au 29 mai 2016 mézières - SWITZERLAND L’exposition « Chambres d’enfants. L’Univers de la Nature » s’intéresse, au travers d’une sélection d’objets du musée de la Tapisserie de Rixheim allant du 18ème au 20ème siècle, à l’émergence des chambres d’enfants et à leur signification. Dans ce contexte, sont également présentées des œuvres d’artistes contemporains qui se sont inspirés du royaume de la nature ainsi que d’un contexte actuel, celui des réfugiés qui arrivent en Europe par millions avec parmi eux des enfants privés de chambre, de toit, de la sécurité d’un foyer et voués à un avenir incertain. Durant la préparation de l’exposition vers la fin de l’été, les flux migratoires se sont intensifiés jour après jour. Les artistes ont tenté autant que faire se peut de réagir à cette situation. L’exposition devant durer six mois, le désir de réaliser de nouveaux travaux en rapport avec le sujet s’est imposé et a débouché sur l’élaboration d’un deuxième volet. Ursula Palla (*1961), qui présente dans l’exposition actuellement en cours des œuvres adaptées à la situation, en planifie de nouvelles pour ce deuxième volet de l’exposition qui sera présenté du 4 mars au 29 mai 2016, à savoir deux œuvres vidéo traitant de la question de la migration, avec d’une part une mise en perspective des pays « d’accueil » et d’autre part en mettant l’accent sur la perte de mémoire des immigrés. Dans son travail vidéo « Images perdues » (2016), on peut découvrir des adolescents rassemblés en cercle et occupés à effacer des images et des textes dans des cahiers et des livres. Ursula Palla - Images perdues, 2016, Videostill

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Die Ausstellung „Chambres d’enfants. L’Univers de la Nature“ widmet sich mit einer Auswahl von Objekten des Tapetenmuseums Rixheim vom 18. bis 20. Jahrhundert der Bedeutung und Stellung der aufkommenden Kinderzimmer. In diesem Kontext finden sich ebenso Werke von zeitgenössischen Kunstschaffenden, die sich nicht nur mit dem inspirierenden Reich der Natur auseinandersetzen, sondern ebenso mit dem Umstand, dass derzeit, angesichts der Massen von Flüchtlingen, die nach Europa drängen, auch Millionen von Menschen und somit auch Kinder unterwegs sind, ohne eigenes Zimmer, ohne Dach über dem Kopf, mit ungewisser Zukunft, fern von Heimat und Geborgenheit. Während der Ausstellungsvorbereitung Ende Sommer haben sich die Umstände der Massenmigration fast täglich verschärft, die Kunstschaffenden haben, im Rahmen des Möglichen, auf die Situation reagiert. Zugleich ist der Wunsch entstanden, gerade in Betracht der über ein halbes Jahr andauernden Ausstellung, neue Arbeiten für den Themenbereich zu entwickeln, die Ausstellung mit einem Teil II zu aktualisieren. Ursula Palla (*1961), die in der jetzigen Ausstellung mit bereits bestehenden und adaptierten Arbeiten präsent ist, plant für Teil II der Ausstellung, die vom 4.3. bis 29.5.2016 zu sehen ist, zwei neue Videoarbeiten, die sich mit dem Themenbereich der Migration beschäftigen, einerseits mit Perspektive auf die „empfangenden“ Länder, andererseits mit Fokus auf den Verlust im Gedächtnis der Emigrierenden. In ihrer Videoarbeit „Images perdues“ (2016) findet sich ein Kreis versammelter Jugendliche, die damit beschäftigt sind, Bilder und Texte aus Heften und Büchern auszuradieren.

The exhibition “Chambres d’enfants. L’Univers de la Nature” which features a selection of objects from the Tapestry Museum of Rixheim dating from the 18th to the 20th Century, dedicates itself to exploring the significance and emerging role of children’s rooms. Alongside in the context of this theme are works by contemporary artists inspired not only by the realm of nature but also by the current refugee crisis in Europe. Amongst the millions of refugees, many children have been left without rooms or even shelter and experience an uncertain future away from the security of a home. Throughout the preparation of the exhibition at the end of summer mass migration intensified almost daily, leading the artists to attempt as far as possible to reflect the emerging circumstances. Given the length of the exhibition, six months, a desire emerged to create new works on the subject, resulting in the creation of a second part to the exhibition. Ursula Palla (*1961), who already exhibits adapted works reflecting recent events in the current exhibition, will present new works during the second part of the exhibition from March 4th to May 29th 2016. She has created two new video works on the topic of migration, one which focuses on the “asylum” countries and the other on the loss of memories by immigrants. In her video work “Images perdues” (2016), we see teenagers gathered in a circle busy erasing images and texts from exercise books and books.

Ursula Palla - Images perdues, 2016, Videostill

Kimsooja - Bottari Tricycle (2008), installation dans la salle des deux colombes

L’effacement de ces fragments d’images et de textes fait apparaître de nouveaux supports d’images et des surfaces de projection, qui au travers de séquences vidéos se mélangent à des champs de mémoire. Les miettes et les particules de poussière qui s’accumulent et se condensent finissent par former un brouillard dévorant tout. Parallèlement, l’équilibre fragile de l’installation de l’artiste coréenne Kimsooja (*1957) « Bottari Tricycle » (2008), actuellement exposée, se rompra également et le tricycle chargé de nombreux ballots de tissus perdra son chargement et les 21 Bottaris (ballots de tissus) tomberont à terre.

Beim Wegwischen von Bild- und Textfragmenten entstehen neue Bildträger und Projektionsflächen, die sich mit Videosequenzen zu Erinnerungsfeldern vermischen. Die Krümel und Staubpartikel häufen sich an und verdichten sich zu einem alles verschlingenden Nebel. Zugleich wird sich die bereits bestehende Installation „Bottari Tricycle“ (2008) der koreanischen Künstlerin Kimsooja (*1957) aus ihrem fragilen Gleichgewicht, beladen mit einer Vielzahl von Stoffbündeln, lösen. Das aufgebäumte Tricycle wird seine Last verloren haben und die 21 Bottaris (Stoffbündel) sind vom Träger auf den Boden gerutscht.

As these fragments of images and texts are erased, modern image and projection surfaces appear which, through video sequences, intermingle to create fields of memories. Crumbs and dust particles then accumulate and condense to form an all-consuming haze. Meanwhile, the fragile balance held in the installation work “Bottari Tricycle” (2008) by Korean artist Kimsooja (*1957) currently on exhibition, will be broken. The tricycle loaded with numerous bundles of tissue will lose its entire load when the 21 bundles fall to the ground. rivierart

Kunstmuseum Bern Chinese Whispers - Neue Kunst aus den Sigg und M+ Sigg Collections du 19 février au 19 juin 2016 Bern - SWITZERLAND Dans le cadre d’une exposition commune du Musée des Beaux-Arts de Berne et du Zentrum Paul Klee, le public pourra découvrir d’importantes pièces de la collection du Suisse Uli Sigg à Berne. Sous le titre «Chinese Whispers», près de 150 pièces récentes de la collection Sigg et M+ Sigg seront exposées du 19 février au 19 juin 2016, donnant à voir un reflet de la Chine moderne. «Chinese Whispers» (murmures chinois) propose une incursion en profondeur dans la production artistique chinoise des quinze dernières années et une découverte de ce pays à travers le regard de ses artistes, d’Ai Weiwei à Zhuang Hui. «Chinese Whispers» fait suite à «Mahjong», organisée en 2005 au Musée des Beaux-Arts de Berne, sous la direction de Bernhard Fibicher et Ai Weiwei. Première exposition à présenter toute la diversité de l’art contemporain chinois en Occident, «Mahjong» a connu un fort retentissement international.

Bedeutende Teile der Sammlung des Schweizers Uli Sigg werden in einer Gemeinschaftsausstellung des Kunstmuseum Bern und des Zentrum Paul Klee in Bern. Unter dem Titel «Chinese Whispers» zeigt die Ausstellung vom 19.02. bis 19.06.2016 rund 150 neuere Werke der Sigg und M+ Sigg Collections und ist damit ein Spiegelbild des modernen Chinas. «Chinese Whispers» (chinesisches Geflüster) bietet einen vertieften Einblick in die Kunstproduktion Chinas der letzten 15 Jahre und ermöglicht es den Besuchenden, das Land aus der Sicht von Kunstschaffenden von Ai Weiwei bis Zhuang Hui zu entdecken. Sie knüpft an die «Mahjong»Ausstellung an, die 2005 von Bernhard Fibicher und Ai Weiwei kuratiert im Kunstmuseum Bern stattfand und weltweit Beachtung fand, weil sie erstmals in grossem Umfang chinesische Gegenwartskunst im Westen zeigte.

Li Tianbing - Ensemble # 1 + 2, 2008, Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 2 Tafeln / 2 panels, 200 x 400 cm © the artist, Courtesy M+ Sigg Collection

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Significant portions of Uli Sigg’s collection will be on display in a joint exhibition by Kunstmuseum Bern and Zentrum Paul Klee in Bern. Under the titel “Chinese Whispers”, some 150 recent works from the Sigg and M+ Sigg Collections will be presented in Bern from 19 February until 19 June 2016 and thus reflect today’s China. “Chinese Whispers” provides a deeper insight into China’s art scene of the past fifteen years. The exhibition provides an opportunity to explore the vast country through the eyes of Chinese artists, from Ai Weiwei to Zhuang Hui. It follows on to ”Mahjong“, the internationally acclaimed show held at Kunstmuseum Bern in 2005. Curated by Bernhard Fibicher and Ai Weiwei, it was the hitherto most extensive exhibition of Chinese contemporary art in the west. Photo page de droite - Jing Kewen - Dream 2008, N° 1 (Nurses), 2008, Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 2-teilig / two parts, 250 x 350 cm, © the artist, Courtesy M+ Sigg Collection

Le titre « Chinese Whispers » est le nom anglais du « téléphone arabe », un jeu d’enfant qui consiste à faire circuler un message de bouche à oreille, message qui se déforme au fur et à mesure que les participants le transmettent. Cette idée de transmission, d’échange, de malentendu et de déformation est également à la base du concept de cette exposition. Les œuvres présentées mettent en évidence l’influence de l’art contemporain occidental sur la création chinoise, tout en proposant une réflexion sur les traditions et les conditions de vie dans la Chine d’aujourd’hui. L’exposition s’interroge en outre sur la perception occidentale de la Chine: premier espace culturel mondial par sa taille, en passe de devenir la plus grande puissance économique planétaire, la Chine se rapproche mais, en raison de ses différences culturelles, historiques et politiques, ne nous en est pas moins étrangère. « Chinese Whispers » montre la position des artistes chinois entre Orient et Occident, entre tradition et progrès. Avec assurance, les plasticiens chinois s’efforcent de concilier ces deux mondes et de se donner une identité propre sur le marché international de l’art. Parallèlement, les œuvres témoignent des profondes mutations que connaît la Chine en matière d’urbanisme, de gestion des ressources, d’historiographie récente, de critique du système politique, ou d’introspection émotionnelle.

Der Titel «Chinese Whispers» bezieht sich auf das Kinderspiel «Stille Post», bei dem Personen eine Nachricht weiterflüstern, die sich im Lauf der Zeit verfälscht. Diese Idee von Überlieferung, Austausch, Missverständnis und Verzerrung liegt auch der Ausstellungskonzeption zu Grunde. Einerseits wird der Einfluss der westlichen Gegenwartskunst auf das chinesische Schaffen sichtbar, andererseits werden die Auseinandersetzung mit der eigenen Tradition und den Lebensbedingungen im heutigen China reflektiert. Die Ausstellung hinterfragt zudem, welche Wahrnehmung der Westen von China hat – dem grössten Kulturraum und der zunehmend grössten globalen Wirtschaftsmacht, die zwar näher rückt, aufgrund kultureller, historischer und politischer Differenzen gleichwohl fremd bleibt. Die Ausstellung macht erlebbar, wie sich die chinesischen Künstler und Künstlerinnen eine Position zwischen Westen und Osten, Fortschritt und Tradition erarbeiten. Sie versuchen, selbstbewusst beides zu vereinen und eine eigene Identität im globalen Kunstbetrieb zu finden. Gleichzeitig kommen die Auswirkungen des drastischen Wandels in China im Stadtraum, im Umgang mit Ressourcen, in der Dokumentation der jüngsten Geschichte sowie in der Kritik des politischen Systems oder der emotionalen Innenschau zum Ausdruck.

The title of the forthcoming show, ”Chinese Whispers” refers to the popular party game in which an orally transmitted message changes as it is passed from one person to the next. Notions of tradition and transmission, distortion and miscommunication are part of the exhibition concept. On one hand it will be reflected through the influence of western contemporary art on Chinese, on the other hand through their renewed interest in their own traditions, but also their reflection of life in present-day China. Moreover, the exhibition will question western perceptions of China and the vast cultural, historical and political differences that remain despite our greater familiarity with the world’s largest cultural area and one of the biggest economic powers. The exhibitions will document the ways in which Chinese artists have carved out their positions between east and west, between tradition and progress. It will also reflect their confident attempts to bridge the gaps, and to define their own identities in a global art system. The works on display express the impact of recent sweeping changes on China’s urbanism, use of resources, criticism of the political system, and the documentation of its most recent history as well as personal introspection. rivierart

L’art contemporain chinois est un phénomène sans pareil. Contrairement à son pendant occidental, qui est le fruit de l’évolution de l’histoire de l’art, l’art en Chine a connu un bond en avant dans les années 1980, après la timide ouverture politique du pays. Très rapidement, les artistes chinois s’approprient les différents courants de l’art moderne occidental, qu’ils ont « manqués ». Les thèmes qu’ils abordent, par contre, sont authentiquement chinois et expriment souvent une réaction face aux difficultés politiques et sociales de leur époque. Mais depuis le début du XXIe siècle, une nouvelle génération, active à l’avantgarde de l’art mondial, redécouvre la très riche tradition culturelle chinoise. Journaliste économique, entrepreneur, ambassadeur de Suisse en Chine (de 1995 à 1998) et collectionneur d’art, Uli Sigg a commencé dans les années 1970 à s’intéresser à l’art contemporain chinois et en conséquence, a été le premier à collectionner systématiquement ces œuvres. De manière délibérée, le Lucernois a créé sa collection non en fonction de ses propres goûts, mais du caractère représentatif des œuvres, comme l’aurait fait une galerie nationale. C’est pourquoi la collection Sigg, qui regroupe plus de 2200 œuvres de 350 artistes, est considérée comme la plus vaste du monde. Désireux depuis toujours de rapatrier cet ensemble unique, qui retrace 40 ans d’histoire de l’art chinois, dans son pays d’origine, Uli Sigg a légué en 2012 une grande partie de sa collection au musée M+ Museum for visual culture, West Kowloon Cultural District, récemment créé à Hong Kong. Installé dans un complexe architectural conçu par le bureau d’architectes suisses Herzog & de Meuron, le M+ ouvrira ses portes en 2019 et va devenir l’un des plus grands musées au monde. La « M+ Sigg Collection » constituera le cœur de sa collection.

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Die chinesische Gegenwartskunst ist ein Phänomen ohne Parallele. Anders als die heutige westliche Kunst, die aus einer Abfolge kunstgeschichtlicher Entwicklungen entstanden ist, machte die Kunst in China nach der zaghaften politischen Öffnung in den 1980er Jahren einen Sprung. In kürzester Zeit griffen chinesische Künstler die verschiedenen modernen Kunstrichtungen des Westens auf, die sie bis anhin « verpasst » hatten. Die Inhalte waren dennoch genuin chinesisch und oft eine Reaktion auf die schwierige politische und gesellschaftliche Situation der Zeit. Seit der Jahrtausendwende ist eine neue Generation Kunstschaffender am Werk, die einerseits global tätig ist und dort an vorderster Front mitmischt sowie sich andererseits wieder vermehrt auf die eigene, sehr reiche künstlerische Tradition besinnt. Uli Sigg – Wirtschaftsjournalist, Unternehmer, Schweizer Botschafter in China (1995 bis 1998) und Kunstsammler – begann sich Ende der 1970er Jahre mit der chinesischen Gegenwartskunst zu befassen und in der Folge als Erster in systematischer Weise ihre Werke zusammenzutragen. Ganz bewusst sammelte er nicht nach seinem Geschmack, sondern in repräsentativer Weise, wie es dem Auftrag einer Nationalgalerie entspräche. Deshalb gilt seine Sammlung von mehr als 2‘200 Werken von etwa 350 Kunstschaffenden als die weltweit umfangreichste. Dieses einzigartige Konvolut, das 40 Jahre chinesische Kunstgeschichte umfasst, wollte Sigg von Beginn an in sein Ursprungsland zurückbringen. Er fand in dem in Hongkong neu gegründeten M+ Museum for visual culture im West Kowloon Cultural District, Hongkong, die ideale Stätte und vermachte der Institution 2012 einen grossen Teil seiner Sammlung. M+, vom Schweizer Architekturbüro Herzog & de Meuron entworfen, wird 2019 eröffnet und zu einem der weltweit grössten Museen zählen. Die «M+ Sigg Collection» wird den Grundstock der Museumssammlung bilden.

Contemporary Chinese art constitutes a unique phenomenon. Unlike current western art, which has evolved across a succession of artistic movements, there was a significant rise in Chinese art when greater freedoms were introduced in the 1980s. The country’s artists swiftly embraced many modern and contemporary western art movements that had ”passed them by“, creating authentically Chinese art in terms of content as many works responded to the political and social challenges of the day. Since the turn of the millennium, a younger generation of artists has emerged that is both active at the very forefront of the global art scene and deeply committed to China’s own rich artistic heritage. In the late 1970s, Uli Sigg – Swiss business journalist, entrepreneur, a former Swiss ambassador to China (1995-1998) and art collector – became interested in contemporary Chinese art, and was its first systematic collector. Rather than following his own personal taste, he deliberately built his collection in the representative manner of a national gallery of art. Boasting over 2,200 works by some 350 artists, and representing various genres across forty years of Chinese art history, Sigg’s is considered to be the world’s largest collection of contemporary Chinese art to date. Sigg has always wanted to return his unique collection to its country of origin. In 2012, having found the ideal venue in the new M+ museum for visual culture, West Kowloon Cultural District, Hong Kong, he donated a large part of his collection to what will be one of the world’s largest museums. Designed by the Swiss architecture office, Herzog & de Meuron, it is due to open in 2019. The M+ Sigg Collection will constitute the foundation of the M+ museum collection. Fang Lijun - Untitled, 2007, Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 3 panels, 360 x 750 cm, © the artist, Courtesy M+ Sigg Collection

O Zhang - Horizon, 2006, Light jet print, 21-teilig / 21 parts, je / each 103 x 85 cm, © the artist, Courtesy M+ Sigg Collection

L’exposition « Chinese Whispers » puise dans la collection M+ Sigg et dans la collection privée d’Uli Sigg, qui continue de s’agrandir. « Chinese Whispers » est le projet de coopération le plus ambitieux jamais réalisé par les deux grandes institutions culturelles bernoises, le Musée des BeauxArts de Berne et le Zentrum Paul Klee qui, depuis le milieu de l’année 2015, sont chapeautés par une même fondation. Les deux musées mettront plus de 4000 m2 d’espace d’exposition à disposition pour présenter au public suisse et européen un choix exceptionnel de 150 œuvres, dont un certain nombre d’installations spectaculaires. Une sélection d’œuvres sera ensuite exposée au MAK – Musée autrichien des Arts appliqués / de l’Art contemporain, Vienne, au début de l’année 2017. Les pièces de la collection M+ Sigg, pour leur part, prendront à terme la route de Hong Kong, où elles seront exposées en permanence à partir de 2019.

Die Ausstellung «Chinese Whispers» speist sich aus Exponaten der M+ Sigg Collection wie auch aus der Privatsammlung von Uli Sigg, welche weiterhin wächst. «Chinese Whispers» ist das bislang aufwendigste Kooperationsprojekt der beiden grossen Berner Kulturinstitutionen Kunstmuseum Bern und Zentrum Paul Klee, die seit Mitte 2015 unter einer gemeinsamen Dachstiftung operieren. Sie stellen mehr als 4‘000 m2 ihrer Ausstellungsflächen zur Verfügung, um dem Schweizer und europäischen Publikum eine spannende Auswahl von 150 Werken, darunter auch eine Anzahl spektakulärer Installationen, zu präsentieren. Danach werden ausgewählte Werke der Ausstellung im Frühjahr 2017 im MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst / Gegenwartskunst in Wien zu sehen sein, bevor die Werke der M+ Sigg Collection nach Hongkong überführt und dort ab 2019 permanent gezeigt werden.

Alongside a selection of works from Uli Sigg’s donation to M+, “Chinese Whispers“ also presents many pieces from his still increasing private Sigg Collection. “Chinese Whispers“ is the most ambitious joint project to date by Kunstmuseum Bern and Zentrum Paul Klee, which since mid2015 operate under one umbrella foundation. Two of Bern’s major cultural institutions will provide over 4,000sqm/44,000sqft of gallery space for the public display of 150 exciting works of contemporary Chinese art, including several spectacular installations. In spring 2017, ”Chinese Whispers“ will be shown in a reduced version at MAK – Austrian Museum of Applied Arts / Contemporary Art in Vienna, Austria. From 2019 onwards, the M+ Sigg Collection will be on permanent display in Hong Kong.

Les artistes -Die Künstlerinnen und Künstler - The artists Ai Weiwei, Cao Fei, Cao Kai, Charwei Tsai, Chen Ke, Chen Chieh-jen, Chen Wei, Chi Lei, Chow Chun Fai, Chu Yun, Cong Lingqi, Ding Xinhua, Duan Jianyu, Fang Lijun, Feng Mengbo, He Xiangyu, Hu Xiangqian, Jiang Zhi, Jing Kewen, Jin Jiangbo, Jun Yang, Kan Xuan, Li Dafang, Li Shan, Li Songhua, Li Songsong, Li Tianbing, Li Xi, Liang Yuanwei, Liu Ding, Liu Wei, Lu Yang, MadeIn Company / Xu Zhen, Ma Ke, Mao Tongqiang, Ming Wong, Ni Youyu, O Zhang, Pei Li, Peng Wei, Qiu Qijing, Qu Yan, Shao Fan, Shao Wenhuan, Shen Shaomin, Shen Xuezhe, Shi Guorui, Shi Jinsong, Song Dong, Song Ta, Sun Yuan / Peng Yu, Tian Wei, Tsang Kin-Wah, Wang Qingsong, Wang Wei, Wang Xingwei, Adrian Wong, Xiao Yu, Xie Qi, Xin Yunpeng, Xu Di, Xue Feng, Yan Lei, Yang Meiyan, Ye Xianyan, Zeng Han, Zhang Jianjun, Zhang Xiaodong, Zhao Bandi, Zheng Guogu, Zhuang Hui.

kunstmuseum bern - zentrum paul klee Chinese Whispers Des oeuvres récentes des collections Sigg et M+ Sigg- du 19 février au 19 juin 2016 Chinese Whispers - Neue Kunst aus den Sigg und M+ Sigg Collections - VOM 19. februar bis zum 19. JUNI 2016 Chinese Whispers Recent Art from the Sigg & M+ Sigg Collections - from 19th february until 19th june, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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FONDATION BEYELER Jean Dubuffet Métamorphoses du paysage du 31 janvier au 8 mai 2016 BASEL - SWITZERLAND La Fondation Beyeler ouvre l’année 2016 sur la première rétrospective du XXIème siècle consacrée en Suisse à l’œuvre polymorphe, pleine d’imagination et débordante de couleurs de Jean Dubuffet. L’exposition « Jean Dubuffet – Métamorphoses du paysage » se tient du 31 janvier au 8 mai 2016 et présente une centaine d’œuvres du peintre et sculpteur français, véritable maître de l’expérimentation, qui a donné de nouvelles impulsions à la scène artistique de la seconde moitié du XXème siècle.

Die Fondation Beyeler eröffnet das Jahr 2016 mit der ersten Retrospektive in der Schweiz im 21. Jahrhundert, die dem vielseitigen, fantasievollen und farbenfrohen Werk von Jean Dubuffet gewidmet ist. Die Ausstellung „Jean Dubuffet – Metamorphosen der Landschaft“ läuft vom 31. Januar bis zum 8. Mai 2016 und präsentiert über 100 Werke des französischen Malers und Bildhauers, der als Meister der Experimente in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts der Kunstszene neue Impulse verlieh.

The Fondation Beyeler will open the year 2016 with the first retrospective of Jean Dubuffet’s multifaceted, imaginative and brightly colored oeuvre to be held in Switzerland in the 21st century. The exhibition “Jean Dubuffet – Metamorphoses of Landscape”, which will run from 31 January to 8 May 2016, will feature around 100 works by the French painter and sculptor, who, as a master of experimentation, imparted new impulses to the art scene in the second half of the 20th century.

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Jean Dubuffet, Le commerce prospère, 1961, Huile sur toile, 165 x 220 cm. The Museum of Modern Art, New York, Mrs Simon Guggenheim Fund. © 2015, ProLitteris, Zurich Photo: © 2015. Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence

Parmi les travaux exposés, on pourra voir la spectaculaire œuvre d’art total Coucou Bazar, une installation spatiale avec des costumes partiellement animés. Jean Dubuffet (1901–1985) fait partie des artistes qui ont profondément marqué la seconde moitié du XXème siècle. Stimulé par les travaux d’artistes en marge du circuit culturel, Dubuffet a réussi à s’affranchir des traditions et à réinventer l’art. L’influence de Dubuffet se fait encore sentir dans l’art contemporain et le Street Art, par exemple dans les travaux de David Hockney, Jean-Michel Basquiat et Keith Haring. Dans la première grande rétrospective montée en Suisse au XXIème siècle, la Fondation Beyeler présente à travers une centaine d’œuvres la création riche en facettes et très diversifiée de Jean Dubuffet. Cette exposition prend pour point de départ sa représentation fascinante du paysage, susceptible de se transformer également en corps, en visage et en objet. Dans ses œuvres, l’artiste avide d’expériences a utilisé des techniques inédites et des matériaux nouveaux, tels que le sable, les ailes de papillons, les éponges et le mâchefer, créant ainsi un univers pictural tout à fait singulier et d’une grande originalité.

Unter den gezeigten Werken wird das spektakuläre Gesamtkunstwerk Coucou Bazar zu sehen sein, eine raumgreifende Installation mit teils animierten Kostümen. Jean Dubuffet (1901–1985) gehört zu den prägenden Künstlern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Inspiriert von den Werken künstlerischer Aussenseiter, gelang es ihm, sich von überkommenen Traditionen zu befreien und die Kunst neu zu erfinden. Dubuffets Einfluss ist in der zeitgenössischen Kunst und Street Art noch zu spüren, beispielsweise bei David Hockney, Jean-Michel Basquiat oder Keith Haring. Anhand von rund 100 Werken des überaus facettenreichen und vielschichtigen Schaffens präsentiert die Fondation Beyeler die erste grosse Retrospektive des Künstlers in der Schweiz im 21. Jahrhundert. Dabei geht die Ausstellung von Dubuffets faszinierender Deutung von Landschaft aus, die sich bei ihm auch in Körper, Gesicht und Objekt verwandeln kann. In seinem Werk experimentiert der Künstler mit neuen Techniken und Materialien wie Sand, Schmetterlingsflügeln, Schwämmen und Schlacke, um daraus ein ganz eigenes und einzigartiges Bilduniversum zu schaffen.

Jean Dubuffet (1901–1985) is one of the defiThe works on show will include the spectacular multimedia work Coucou Bazar, a spaceencompassing installation with partly animated costumes. ning artists of the second half of the 20th century. Stimulated by the work of artists on the margins of the cultural scene, Dubuffet succeeded in liberating himself from traditions and in reinventing art. Dubuffet’s influence can still be felt today in contemporary art and street art, for example in the work of David Hockney, Jean-Michel Basquiat and Keith Haring. In the first large-scale Jean Dubuffet retrospective in Switzerland this century, the Fondation Beyeler presents the artist’s richly faceted, complex and multilayered oeuvre on the basis of some 100 works. The exhibition focuses on Dubuffet’s fascinating idea of landscape, which in his hands can transform itself into a body, a face or an object. The artist experimented in his works with new techniques and materials, such as sand, butterfly wings, sponges and slag, thereby creating a wholly individual and unique visual universe. rivierart

Parallèlement à des peintures et des sculptures issues de toutes les phases de création majeures de l’artiste, cette exposition présente la spectaculaire œuvre totale de Dubuffet intitulée Coucou Bazar, associant peinture, sculpture, théâtre, danse et musique. Cette exposition montre des œuvres issues d’importants musées internationaux et de grandes collections particulières. Elle a été généreusement soutenue par la Fondation Dubuffet de Paris. Entre autres les prêteurs sont: le MoMA et le Guggenheim à New York; le Centre Pompidou, la Fondation Louis Vuitton et le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris à Paris; la National Gallery, le Hirshhorn Museum and Sculpture Gardens à Washington; le Detroit Institute of Arts; le Moderna Museet de Stockholm; le Museum Ludwig de Cologne; la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe; le Kunsthaus Zürich et bien d’autres encore.

Neben bedeutenden Gemälden und Skulpturen aus allen wichtigen Schaffensphasen des Künstlers zeigt die Ausstellung Dubuffets spektakuläres Gesamtkunstwerk Coucou Bazar, in dem Malerei, Skulptur, Theater, Tanz und Musik zusammenfinden. Die Ausstellung zeigt Leihgaben aus wichtigen internationalen Museen und bedeutenden Privatsammlungen. Sie wird von der Fondation Dubuffet in Paris grosszügig unterstützt. Leihgeber sind unter anderem das MoMA und das Guggenheim in New York; das Centre Pompidou, die Fondation Louis Vuitton und das Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris in Paris; die National Gallery und das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington; das Detroit Institute of Arts; das Moderna Museet in Stockholm; das Museum Ludwig in Köln; die Staatliche Kunsthalle Karlsruhe; das Kunsthaus Zürich und viele andere.

Alongside important paintings and sculptures from all the major phases of the artist’s oeuvre, the exhibition is also showing Dubuffet’s spectacular Coucou Bazar, a multimedia work of art combining painting, sculpture, theatre, dance and music. The exhibition will be showing works from important international museums and private collections. It is generously supported by the Fondation Dubuffet in Paris. Amongst many others, significant exhibits come from the Guggenheim in New York; the Centre Pompidou, the Fondation Louis Vuitton and the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris in Paris; the National Gallery, the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington; the Detroit Institute of Arts; the Moderna Museet in Stockholm; the Museum Ludwig in Cologne; the Staatliche Kunsthalle Karlsruhe; the Kunsthaus Zürich and many more.

FONDATION BEYELER Jean Dubuffet - Métamorphoses du paysage - du 31 janvier au 8 mai 2016 Jean Dubuffet – Metamorphosen der Landschaft - vom 31. Januar bis zum 8. Mai 2016 Jean Dubuffet – Metamorphoses of Landscape - from January 31st to May 8th, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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COLLECTION DE L’ART BRUT 2ème biennale de l’Art Brut: Architectures jusqu’au 17 avril 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Initiées en 2013, les biennales de l’Art Brut se poursuivent cette année avec l’exposition Architectures qui rassemble plus de deux cent cinquante dessins, peintures, sculptures et créations textiles. Ces travaux sont dus à cinquante et un auteurs d’Art Brut et révèlent la diversité des techniques, des matériaux, des dimensions et des langages formels utilisés. Cette deuxième édition explore le thème de l’architecture et présente une sélection d’œuvres – pour certaines jamais exposées – toutes axées sur le thème du bâti. Représentations de maisons, d’édifices ou de villes, mais aussi plans au sol, élévations de façades, vues en coupe ou en perspective se côtoient et dialoguent.

Die 2013 mit der ersten Ausgabe eröffnete Biennale der Art Brut findet dieses Jahr eine Fortsetzung mit der Ausstellung Architekturen, die mehr als 250 Zeichnungen, Gemälde, Plastiken und Textilarbeiten vereint. Die Werke aus der Hand von 51 Art-Brut-Künstlern zeugen von der Vielfalt der verwendeten Techniken, Materialien, Dimensionen und Formsprachen. Die zweite Ausgabe der Biennale ist dem Thema der Architektur gewidmet und präsentiert eine Auswahl von Werken – darunter einige noch nie ausgestellte Stücke –, die sich alle mit Bauten befassen. Darstellungen von Wohnhäusern, Gebäuden oder Städten, aber auch Grundrisse, Fassaden, Schnitte oder Perspektiven treten zueinander in Dialog.

Launched in 2013, the Art Brut Biennials continue this year with the Architectures exhibition presenting two hundred and fifty drawings, paintings, sculptures and textile creations. By fifty-one different Art Brut authors, the works on show thus testify to a very wide range of techniques, materials, dimensions and formal languages. This second edition biennial highlights architecture: it presents a range of works – some of which have never before gone on display – exclusively focused on the theme of construction. Showcased side-by-side, representations of houses, buildings and cities, together with floor plans, elevations of facades, cross-section and perspective views are invited to dialogue among themselves.

Patrick Gimel - sans titre, 1981, encre de Chine sur papier-calque, 57,8 x 47,5 cm, Photo : Morgane Augustin Lesage, Le Tombeau du Seigneur, vers 1920, huile sur pavatex, 90,5 x 64,5 cm, Détraz, AN Collection de l’Art Brut, Lausanne Photo: Claude Bornand, Lausanne, Collection de l’Art Brut, Lausanne

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Les auteurs d’Art Brut y font cependant fi des contraintes géométriques et des conventions qui ordonnent d’ordinaire la conception des dessins d’architecture. Ici, les règles de la perspective sont détournées et soumises à une interprétation toute personnelle. Lors de parcours de vie souvent troublés, les créateurs d’Art Brut se retrouvent parfois contraints dans un lieu qu’ils n’ont pas choisi. Les pensionnaires d’hôpitaux psychiatriques, les prisonniers ou les émigrés notamment peuvent percevoir leur cadre de vie comme étranger et hostile. Certains éprouvent le besoin de se réapproprier leur environnement en projetant sur le papier leur vision d’un espace architectural idéal. Chaque auteur ordonne, conçoit et illustre son propre univers fantasmé. Les architectures d’Art Brut renvoient ainsi, soit à l’expression d’une réalité revisitée, soit à la représentation d’un univers utopique. Yuji Tsuji dessine sa ville vue du ciel, avec une précision déroutante, sans toutefois y intégrer de figures humaines.

Die Art-Brut-Künstler verschmähen allerdings geometrische Vorgaben und Konventionen, die gewöhnlich die Konzeption von Architekturzeichnungen bestimmen. Hier werden die Perspektiveregeln missachtet und einer ganz persönlichen Deutung unterzogen. In ihrem häufig unruhigen Leben werden die Art-BrutKünstler manchmal an einen Ort gebracht, den sie sich nicht selber ausgesucht haben. Insbesondere Psychiatriepatienten, Häftlinge oder Emigranten können ihren Lebensrahmen als fremd und feindlich empfinden. Manche haben das Bedürfnis, sich ihre Umgebung anzueignen, indem sie ihr Bild einer idealen Architektur auf dem Papier festhalten. Jeder Künstler entwirft, schafft und illustriert seine eigene Fantasiewelt. So verweisen die Art-Brut-Architekturen auf eine neu gedeutete Realität oder eine utopische Welt. Yuji Tsuji zeichnet seine Stadt mit erstaunlicher Präzision aus der Vogelperspektive, ohne sie jedoch mit menschlichen Figuren zu füllen.

Their Art Brut authors have rejected all the geometric constraints and demands of convention ordinarily governing architectural drawings, diverting the laws of perspective in favor of their own, highly personal interpretations. In the course of their frequently troubled life paths, many a time Art Brut creators find themselves relegated to a site that is not of their choice. The likes of, for instance, psychiatric hospital patients, prison inmates and migrants may experience their living place in unfamiliar or even hostile terms. Some feel a need to reclaim their surroundings by projecting on paper their personal ideal of an architectural project, seeking to arrange, conceive and illustrate a fantasy world of their own. Each Art Brut architectural contribution thus expresses either its author’s version of reality or else his/ her manner of representing a utopian world. Yuji Tsuji draws his city as seen from the sky: the results are staggeringly precise, if devoid of any human figures.

page de gauche, photo de gauche - Gregory L. Blackstock - The Huts, 2013, mine de plomb, feutre et crayon de couleur sur cinq feuilles de papier collées ensemble, 105 x 61 cm, Photo : Charlotte Aebischer, AN Collection de l’Art Brut, Lausanne page de droite, photo de droite - Auguste Merle, Tour montée sur terrasse, 1901, mine de plomb sur papier, 33,5 x 22,5 cm, Photo : Caroline Smyrliadis, AN Collection de l’Art Brut, Lausanne

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Benjamin Bonjour - sans titre, 1982, craie grasse sur papier, 30,5 x 38,5 cm, Photo: Caroline Smyrliadis, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne

Gregory Blackstock décline forts, huttes et gratte-ciel pour compléter son encyclopédie de la création universelle; Willem van Genk réinterprète les vues et monuments des capitales qu’il a visitées lui-même ou au travers des guides touristiques qu’il collectionne.

Gregory L. Blackstock variiert Festungen, Hütten und Wolkenkratzer, um seine Enzyklopädie der universellen Schöpfung fortzusetzen; Willem van Genk unterzieht Ansichten und Bauwerke von Grossstädten, die er besucht hat oder aus von ihm gesammelten Reiseführern kennt, einer neuen Deutung.

Magali Herrera, nous transporte dans un univers fantastique tout droit sorti des romans de science-fiction qu’elle écrit secrètement dans l’Uruguay des années septante. La vision de l’architecture affirmée ici par les créateurs d’Art Brut prend dès lors une dimension nouvelle, celle d’une échappatoire à la réalité quotidienne. Magali Herrera nimmt uns mit in eine fantastische Welt, die aus den ScienceFiction-Romanen zu stammen scheint, die sie insgeheim in den 1970er-Jahren in Uruguay geschrieben hat. Bei den Art-Brut-Künstlern wird das Bild der Architektur um eine neue Dimension erweitert und zu einem Ort, an dem man der Alltagsrealität entgeht. Magali Herrera invites us to visit a fantasy world springing forth from the pages of the science fiction novels she secretly wrote in Uruguay during the 1970s. The overall vision of architecture conveyed by these Art Brut creators is thus imbued with a whole new dimension—that of escaping their daily reality.

Gregory Blackstock comes up with a whole range of forts, huts and skyscrapers to complete his encyclopedically compiled universe; Willem van Genk reinterprets his views of various capital cities that he either has visited himself or studied in the many tourist guidebooks he collects.

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ? Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle. Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui ! Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch

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FONDATION DE L’HERMITAGE Signac - Une vie au fil de l’eau du 29 janvier au 22 mai 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND C’est une collection très prestigieuse d’oeuvres de Paul Signac (1863-1935) qui sera présentée du 29 janvier au 22 mai à la Fondation de l’Hermitage: près de 140 peintures, aquarelles et dessins illustreront la carrière foisonnante du maître néoimpressionniste. Réunie par une famille passionnée par l’artiste, cette collection unique constitue l’un des plus grands ensembles d’oeuvres de Signac conservé en mains privées. Elle offre un éventail exhaustif de l’évolution artistique du peintre, depuis les premiers tableaux impressionnistes jusqu’aux dernières aquarelles de la série des Ports de France, en passant par les années héroïques du néoimpressionnisme, l’éblouissement tropézien, les images flamboyantes de Venise, de Rotterdam et de Constantinople.

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Vom 29. Januar bis 22. Mai 2016 wird in der Fondation de l’Hermitage eine prestigereiche Sammlung mit Werken von Paul Signac (1863-1935) zu sehen sein: Fast 140 Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen illustrieren das umfangreiche Schaffen eines Meisters des Neo-Impressionismus. Diese einzigartige Sammlung, die mit Passion von einer Familie zusammengetragen wurde, bildet eine der grössten Werkgruppen Signacs in privaten Händen. Sie bietet einen umfassenden Überblick über die künstlerische Entwicklung des Malers, von seinen ersten impressionistischen Gemälden bis zu den letzten Aquarellen der Serie französischer Häfen.

The Fondation de l‘Hermitage will be showing a prestigious collection of works by Paul Signac (1863-1935) from 29 January to 22 May. Almost 140 oil paintings, watercolours and drawings will illustrate the prolific career of this neo-Impressionist master. This unique collection was assembled by a family with a passion for Signac’s art and constitutes one of the largest set of his works to be held in private hands. It offers a complete panorama of Signac’s artistic development, from his early Impressionist paintings through the heroic years of neo-Impressionism, the dazzle of Saint Tropez and flamboyant portrayals of Venice, Rotterdam and Constantinople to the late watercolours of the Ports of France series.

Cette collection est également exceptionnelle par la diversité des techniques qu’elle embrasse: la fougue impressionniste des études peintes sur le motif s’y oppose aux polychromies limpides des tableaux pointillistes; le japonisme audacieux des aquarelles y contraste avec la liberté des feuilles peintes en plein air. Quant aux grands lavis préparatoires dessinés à l’encre de Chine, ils nous livrent les secrets de compositions sereines, longuement méditées à l’atelier. C’est donc une initiation aux harmonies chromatiques de Signac, doublée d’une invitation au voyage, que propose cette exposition. Au fil d’un parcours chronologique et thématique, le visiteur découvrira les multiples facettes d’un homme de convictions, épris de mer et de bateaux, mais surtout du peintre, amoureux de la couleur. Une riche section documentaire permettra de s’initier aux théories de la couleur des néoimpressionnistes, et une salle réunissant des tableaux des principaux acteurs de ce mouvement (Pissarro, Luce, Van Rysselberghe, Cross) viendra compléter la présentation.

Nicht zu vergessen die heroischen Jahre des Neo-Impressionismus, die zahlreichen in SaintTropez entstandenen Bilder und die leuchtenden Gemälde Venedigs, Rotterdams und Konstantinopels. Diese Sammlung zeichnet sich auch durch die Vielfalt der darin vertretenen Techniken aus: Dem impressionistischen Elan von nach der Natur gemalten Studien widersetzt sich die heitere Vielfarbigkeit des Divisionismus; der gewagte Japonismus der Aquarelle kontrastiert mit der Ungezwungenheit von im Freien gemalten Blättern. Die grossen Vorstudien in lavierter Tusche lüften ihrerseits die Geheimnisse lange im Atelier erarbeiteter, beschaulicher Kompositionen. Im Laufe der chronologisch und thematisch aufgebauten Präsentation offenbaren sich dem Besucher die zahlreichen Facetten eines Mannes mit festen Überzeugungen, der sich für das Meer und Boote begeisterte, vor allem aber eines Malers, dessen Passion die Farbe war. Diese Ausstellung ist zudem eine Einführung in die Farbharmonien Signacs und eine Einladung zur Reise.

The collection is also exceptional for the diversity of techniques on display, juxtaposing the Impressionist ardour of the studies from nature with the limpid polychromy of the pointillist paintings and the bold Japonism of the watercolours with the freedom of the plein air works. Meanwhile the great preparatory washes with drawings in Indian ink reveal the secrets of serene compositions that were long pondered in the studio. So as well as an introduction to Signac’s chromatic harmonies, this exhibition will also be a true voyage of discovery. Visitors will be invited on a tour arranged by chronology and theme, enabling them to discover the many facets of a man of conviction, fascinated by the sea and boats, and to experience the chromatic harmonies of this painter whose first love was colour. An extensive documentary section will provide an introduction to the colour theories of the neo-Impressionists, including a room showing paintings by the movement’s main exponents (Pissarro, Luce, Van Rysselberghe, Cross). rivierart

les Musées partenaires de Rivierart VAUD ALIMENTARIUM Musée de l’alimentation – Food Museum Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH - 1800 Vevey Tél: 021 924 41 11 / réservation - 021 924 41 41 info@alimentarium.ch www.alimentarium.ch du mardi au vendredi, de 10h à 17h ; samedi et dimanche, de 10h à 18h FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions) MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

la revue suisse des amateurs d’art et de culture rivier aart

LECARREFOUR CARREFOURDES DESARTISTES ARTISTES LE DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

RIVIERART

UR DES ARTISTES NKT DER KÜNSTLER POINT FOR ARTISTS

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 Fax : +41 (0)21 320 50 71 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

N 9 août - septembre - octobre 2013 - CHF 10.-

1 an - 4 numéros - chf 40.7/5/2013 3:10:43 PM

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rivierart 1/23/2015 11:55:57 AM

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.

BERNE

FRIBOURG

kunstMuseum bern Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

MUSÉE SUISSE DE LA MARIONNETTE Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch www.marionnette.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 2526 décembre

NEUCHÂTEL Bernisches Historisches Museum Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern Tel. +41 31 350 77 11 info@bhm.ch www.bhm.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier.

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

Naturhistorisches museum bern Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern Tel : 031 350 71 11 lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end de 10h à 17h. Fermé les jours fériés.

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch

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Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : 1 an - 4 n° pour CHF 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

MUSÉE BIBLE ET ORIENT UNIVERSITE DE FRIBOURG Av. de l’Europe 20, CH - 1700 Fribourg Tél : 026 300 73 87 info.bom@unifr.ch www.bible-orient-museum.ch expo permanente de sept. à juin le dimanche de 14h à 17h ou sur rdv. salle 4219 expo temporaire: tous les jours jusqu’à 22h dans les couloirs de l’Université

FRI ART Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les expositions temporaires)

MUSÉE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch www.museegutenberg.ch mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; jeudi de 11h à 20h, dimanche de 10h à 17h

VALAIS VITROMUSEE ROMONT – Musée Suisse du Vitrail et des arts du verre Au Château, CH – 1680 Romont Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Fax : + 41 (0)26 652 49 17 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h

Musée du Papier peint Au Château - 1684 Mézières Tél : +41 26 652 06 90 info@museepapierpeint.ch www.museepapierpeint.ch début avril - fin octobre: jeudi à dimanche de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg Tél. : 026 305 89 00 Fax : 026 305 89 30 museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn ouvert tous les jours de 14h à 18h fermeture annuelle: 1er janv. et 25 déc. Entrée libre

TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tél : 026 921 30 10 Fax : 026 921 30 09 info@tibetmuseum.ch www.tibetmuseum.ch de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h à 18h; de Novembre à Pâques du mardi au vendredi de13h à 17h; samedi et dimanche de11h à 18h - lundi fermé

Musée gruérien Rue de la Condémine 25, 1630 Bulle Tél : 026 916 10 10 info@musee-gruerien.ch www.musee-gruerien.ch octobre à mai: du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h, samedi de 10 à17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h - juin à septembre: du mardi au samedi de 10h à 17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ville-geneve.ch/ariana du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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ISSN 2235-8730

N° 19 / 2016, Février - Mars - Avril parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux © Geneviève Brunner Traductions: Florian Benedikt Arnold Escher Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass Impression: Musumeci S.p.A. Località Amérique 97, 11020 Quart / Italia Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

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Lionel Meylan SA Boutiques Place du Marché 4 1800 Vevey Rue des Deux-Marchés 34 1800 Vevey Horaires d’ouverture: Lundi au vendredi 08h30 à 12h30 14h00 à 18h30 Samedi 08h30 à 12h30 14h00 à 17h00 Tel: +41 21 925 50 50 Fax: +41 21 925 50 59 Boutique On Top of Glacier 3000 Tel: +41 24 492 24 00 Fax: +41 24 492 24 01 Horaires d’ouverture : selon Glacier 3000 info@lionel-meylan.ch www.lionel-meylan.ch Suivez-nous sur Facebook

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