Rivierart_N31_02_2019 by Rivierart

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

BIENTÔT À MONTREUX !

SALLE DES REMPARTS - LA TOUR-DE-PEILZ

VEAU N O U AC L E T SPEC

EN ITÉ USIV

COMPLET

E XC L

MESSMER

PASCAL OBISPO

HUGUES AUFRAY

ME 6 FÉV. 2019 À 20H

MA 5 MARS 2019 À 20H

DI 10 MARS 2019 À 17H

HYPERSENSORIEL

VISITEUR D’UN SOIR

VEAU N O U AC L E T SPEC

TION CRÉA

LES SECRETS DU

PETIT PRINCE VE 15 MARS 2019 À 20H

L’ESSENTIEL

DI 7 AVR. 2019 À 18H

I MUVRINI

DI 24 MARS 2019 À 18H

VE 5 AVR. 2019 À 20H

CHAMPIONNAT EUROPÉEN

DIR. DOMINIQUE TILLE

SONDHEIM

BANDE-SON

MUSIQUES DE FILMS FANTASY

TION CRÉA

BRASS BAND

BEETHOVEN

9E SYMPHONIE

SOIRÉE DE GALA

POUR ORCHESTRE, CHŒURS ET SOLISTES

SA 27 AVR. 2019 À 20H30

DI 5 MAI 2019 À 19H

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SOMMAIRE INHALT CONTENTS

MUSéES 08 - 11 12 - 14 15 16 - 19 20 - 24 25 - 29 30 - 31 32 - 33 34 - 37 38 - 39 40 - 41 42 - 43 44 - 45 46 - 47 48 - 49

Musée Ariana Fondation Beyeler Musée Jenisch Musée de l’Elysée Kunsthaus Zürich Maison d’Ailleurs Collection de l’Art brut Château de Prangins Kunstmuseum Bern CACY Haus Konstruktiv Zürich Migrosmuseum für Gegenwartskunst Musée d’art et d’histoire Genève Musées - Vaud, Neuchâtel Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Si, comme le préambule de la Constitution fédérale de la Confédération suisse le stipule, « la force de la communauté se mesure au bienêtre du plus faible de ses membres », la force, le bien-être et même la grandeur d’un pays ne peuvent-elles pas également se mesurer à l’aune de l’importance, de la place et du rayonnement qu’un pays est en mesure d’accorder à l’art et à la culture? Ainsi, le florilège de l’offre culturelle et artistique suisse proposé par nos musées, nos théâtres, nos festivals, nos associations, pour ne citer qu’eux… ne prouve-t-il pas que notre pays se porte bien au milieu des bouleversements de toutes sortes qui agitent l’Europe actuellement? Quel heureux pays que la Suisse qui peut s’offrir le luxe de promouvoir et de soutenir l’art et la culture. Soyons-en reconnaissants et profitons-en!

Wenn, laut der Präambel der Bundesverfassung der Schweizerischen Eidgenossenschaft, „die Stärke des Volkes sich am Wohl der Schwachen misst“, können sich dann die Stärke, das Wohl und sogar die Grösse eines Landes nicht ebenfalls an der Bedeutung, am Platz und an der Ausstrahlung, die ein Land der Kunst und Kultur verleihen, messen lassen? Beweist somit die Vielfalt der Schweizer künstlerischen und kulturellen Angebote unserer Museen, Theater, Festivals, Vereine, um nur dieses zu nennen, nicht, dass es unserem Land inmitten der aktuellen Umbrüche, die Europa aufrühren, wohl ergeht? Welch ein glückliches Land die Schweiz ist, die sich den Luxus leisten kann, die Kunst und die Kultur zu fördern und zu unterstützen. Seien wir daher dankbar und genießen es!

If, as the preamble of the Federal Constitution of the Swiss Confederation states, “the strength of a people is measured by the well-being of its weakest members”, couldn’t also the strength, the well-being and even the grandeur of a country be measured according to the importance, place and influence that a country is able to devote to art and culture? Surely then, doesn’t the diverse array of Swiss cultural and artistic offerings put on display by our museums, our theatres, our festivals, and our associations just to name only a few… prove that our country is doing well in the midst of upheavals of all kinds currently agitating Europe? What a happy country Switzerland is, being able to afford the luxury of promoting and supporting art and culture. Let’s be grateful and enjoy it!

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CHÂTEAU DE CHILLON ™

V E Y TA U X

M O N T R E U X

L’EAU À LA

CHE BOU EXPOS ITION du 14.09.2018 au 28.04.2019

BOIR E ET M A NG AU MO ER YEN ÂGE

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L’invitée de Rivierart Sandra Genier Présidente de l’Association Maison Visinand Präsidentin der Association Maison Visinand President of the Association Maison Visinand

En juin 1968, les Communes de Veytaux et Montreux déposaient leurs préavis respectifs en vue d’acquérir la Maison Visinand, propriété de Mme Nelly Visinand. L’acquisition de cette demeure constituait alors le premier pas de l’association du même nom, créée une année plus tôt, dont le but était de mettre à disposition de la population de la région des locaux destinés à « des activités culturelles et de loisirs ». Cinquante ans plus tard, la Maison Visinand, construite en 1592, classée monument historique, se veut un espace pluriculturel, un lieu de découvertes, de créations, de rencontres et de partage. En mai prochain, dans le cadre de notre jubilé, nous vous présenterons 50 ans d’histoire, au travers 50 œuvres de 50 artistes de notre région et d’ailleurs. L’année 2019 sera en outre marquée par un rapprochement de notre Association et de la Fondation du TMR afin que vive ce lieu emblématique de la Vieille Ville de Montreux, au travers de multiples activités culturelles et artistiques pour les 7 à 77 ans.

Im Juni 1968 reichten die Gemeinden Veytaux und Montreux ihre Ankündigung ein, das Maison Visinand von Frau Nelly Visinand zu erstehen. Der Erwerb dieses Hauses bildete den ersten Schritt des ein Jahr zuvor gegründeten gleichnamigen Vereins, dessen Hauptziel darin bestand, der Bevölkerung Räumlichkeiten für „Kultur- und Freizeitaktivitäten“ zur Verfügung zu stellen. Ein halbes Jahrhundert später strebt das denkmalgeschützte Maison Visinand, das 1592 erbaut wurde, danach, ein multikultureller Raum, ein Ort der Entdeckung, der Kreation, der Begegnung und des Austauschs zu sein. Im kommenden Mai werden wir Ihnen, im Rahmen unseres Jubiläums, 50 Jahre Geschichte anhand von 50 Werken 50 regionaler und nationaler Künstler präsentieren. Das Jahr 2019 wird ausserdem durch eine Annäherung unseres Vereins und der Stiftung TMR geprägt, so dass dieser symbolträchtige Ort in der Altstadt von Montreux durch vielfältige kulturelle und künstlerische Aktivitäten für alle zwischen 7 bis 77 mit Leben erfüllt bleibt.

Sandra Genier

In June 1968, the Communes of Veytaux and Montreux each filed respective notices for acquiring Maison Visinand, the property of a Mrs. Nelly Visinand. The acquisition of this house was to be the first step by the association of the same name created a year earlier for the purpose of making available to the local public spaces for cultural and leisure activities. Fifty years later, the Maison Visinand built in 1592 and heritage classified has become a multicultural space, a place of discovery, creativity, and a location in which people can come together and share. Next May, as part of our jubilee, we will be presenting you with 50 years of history through 50 works by 50 artists, both from our region and further abroad. 2019 will further be marked by the collaboration between our association and the TMR Foundation in order to bring to life the emblematic Old Town of Montreux, featuring multiple cultural and artistic activities suitable for everyone from 7 to 77. Sandra Genier

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MUSée ariana Gustave Revilliod (1817 - 1890) un homme ouvert au monde jusqu’au 2 juin 2019 Come on baby, light my fire jusqu’au 10 mars 2019 genève - SWITZERLAND Collectionneur avisé, voyageur infatigable, homme de lettres et philanthrope éclairé, le Genevois Gustave Revilliod, né dans la cité de Calvin en 1817 et décédé au Caire en 1890, est un homme qui sort de l’ordinaire.

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Gustave Revilliod wurde 1817 in Genf geboren und starb 1890 in Kairo. Der versierte Sammler, unermüdliche Reisende, Literat und aufgeklärte Philanthrop war eine ganz und gar herausragende Persönlichkeit.

An astute collector, tireless traveller, man of letters and enlightened philanthropist, Gustave Revilliod, born in Geneva in 1817 and who died in Cairo in 1890, was an extraordinary man. Modèle de jonque d’apparat, Chine, 19e siècle, Ivoire, L. 60 cm, Collection Musée d’ethnographie, Genève, legs Gustave Revilliod, © Nicolas Lieber

Jacques-Elysée Goss (1839-1921), Musée Ariana. Grand escalier, coupe transversale, 30 juillet 1885. Encre de Chine et aquarelle, 59 × 59 cm. Archives de la Ville de Genève, © Jean-Marc Cherix, Musée Ariana, Genève

L’oeuvre majeure de sa vie est assurément le Musée Ariana, qu’il construit pour abriter ses collections, mais surtout pour permettre à chacun de s’en délecter. Il baptise l’édice « Ariana », en hommage à sa mère bien-aimée, Ariane. Peintures et sculptures, horlogerie, bijoux, armes, médailles, mobilier, céramique, verre, vitraux, curiosités ramenées de son voyage autour du monde, sans oublier une imposante bibliothèque: la collection de plus de 30’000 pièces est impressionnante.

Sein eigentliches Lebenswerk ist zweifelsohne das Musée Ariana. Er liess es erbauen, um seine Sammlungen darin unterzubringen, vor allem aber um sie der Allgemeinheit zugänglich zu machen und damit die Menschen zu erfreuen. Den Namen Ariana trägt das Museum im Gedenken an Revilliods geliebte Mutter Ariane. Malereien und Skulpturen, Uhren, Schmuck, Waen, Medaillen, Möbelstücke, Keramik, Glas, Glasmalereien, aus Reisen rund um die Welt mitgebrachte Kuriositäten und nicht zuletzt eine imposante Bibliothek.

His life’s great work is undoubtedly the Musée Ariana, which he constructed to house his collections, but above all so that everyone could enjoy them. He named the building “Ariana” as a tribute to his beloved mother, Ariane. With its paintings and sculptures, clocks and watches, jewellery, weapons, medals, furniture, ceramics, glass, stained glass, curiosities brought back from his round-the-world journey, and not forgetting an imposing library, the collection of over 30,000 items is an impressive one. rivierart

Musée Ariana, «salle des faïences», fin du 19e siècle, Photographe inconnu, Collection Centre d’iconographie de la Bibliothèque de Genève, © Centre d’iconographie de la Bibliothèque de Genève

Réunie par Gustave Revilliod, assisté de son fidèle intendant et ami Godefroy Sidler, cette collection parcourt les époques, les continents et les techniques. Le Musée - ouvert au public dès 1884 - et ses collections font l’admiration sans borne de ses contemporains. Par un projet ambitieux, et grâce à de nombreuses collaborations, le Musée Ariana, aujourd’hui Musée suisse de la céramique et du verre, rend hommage à ce formidable héritage. L’exposition évoque le musée du 19e siècle en rassemblant d’étonnantes oeuvres aujourd’hui réparties dans les musées et bibliothèques publics genevois. Un événement à ne manquer sous aucun prétexte!

Die mehr als 30‘000 Objekte, die Gustave Revilliod mit der Unterstützung seines treuen Verwalters und Freundes Godefroy Sidler zusammentrug, bilden eine überaus eindrückliche Sammlung, die sämtliche Epochen, Kontinente und Techniken berücksichtigt, und sie riefen bei der Museumseröffnung 1884 Begeisterung und Bewunderung hervor. Mit seinem ambitionierten Projekt, an dem zahlreiche Beteiligte gemeinsam arbeiteten, will das Ariana - das heutige Schweizer Museum für Keramik und Glas - dieses wertvolle Kulturerbe gebührend würdigen. Die Ausstellung ist eine Zeitreise zurück ins Museum des 19. Jahrhunderts. Sie bringt ausnahmsweise erstaunliche Werke aus verschiedenen städtischen Museen und Bibliotheken zusammen und ist somit eine Gelegenheit, die sich so schnell nicht mehr bieten wird!

Assembled by Gustave Revilliod, assisted by his faithful steward and friend Godefroy Sidler, this collection spans periods, continents and techniques. The Museum - opened to the public in 1884 - and its collections was a source of boundless admiration for his contemporaries. In an ambitious project, and assisted by numerous partnerships, the Musée Ariana, now the Swiss Museum of Ceramics and Glass, is paying tribute to this great legacy. The exhibition evokes the 19th century museum by bringing together astonishing works now divided between several museums and public libraries of Geneva. An event absolutely not to be missed!

Musée ariana Gustave Revilliod (1817 - 1890) un homme ouvert au monde - jusqu’au 2 juin 2019 Gustave Revilliod (1817 - 1890) ein weltoffener mann - bis zum 2. juni 2019 Gustave Revilliod (1817 - 1890) a man open to the world - until june 2nd, 2019 Come on baby, light my fire. - du 2 novembre 2018 au 10 mars 2019 Come on baby, light my fire - vom 2. november 2018 bis zum 10. märz 2019 Come on baby, light my fire - from november 2nd, 2018 until march 10th,2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

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Come on baby, light my fire Double regard sur la collection de céramique contemporaine du Musée Ariana Le Musée Ariana a donné carte blanche à deux connaisseurs chevronnés et collectionneurs avisés de la céramique d’artistes, Roswitha Schild, historienne de l’art, et Hanspeter Dähler, galeriste. Ils proposent une exposition mettant en scène des oeuvres issues des collections contemporaines du musée. Cette présentation entre en dialogue avec l’exposition «Gustave Revilliod (1817-1890), un homme ouvert au monde». Pour faire écho à l’esprit du fondateur du musée, le choix des oeuvres s’est porté sur les donations faites au fil du temps par des collectionneuses et collectionneurs, mécènes généreux, artistes ou encore institutions. Outre leurs affinités personnelles, les curateurs ont eu à coeur d’illustrer la diversité et l’étendue de la création contemporaine, tant sur le plan formel que technique. Ils ont porté leurs choix aussi bien sur la sculpture que sur le récipient céramique, privilégiant des concepts artistiques clairs et un haut niveau qualitatif, dans l’espoir et le but d’instiller aux visiteuses et visiteurs de l’exposition une flamme passionnée pour le cosmos céramique. Gageons que ce dialogue esthétique entre les oeuvres ouvre des perspectives inattendues.

Come on baby, light my fire Doppelte Sicht auf die Sammlung der zeitgenössischen keramischen kunst des Museums Ariana Das Musée Ariana hat die beiden langjährigen Kenner und Sammler keramischer Kunst, Roswitha Schild, Kunsthistorikerin, und Hanspeter Dähler, Galerist, beauftragt, begleitend zur umfangreichen Ausstellung „Gustave Revilliod (1817-1890), ein weltoffener Mann“ eine Ausstellung mit Werken der zeitgenössischen Keramik aus der Sammlung des Museums zu kuratieren. Im Sinne des Museumsgründers haben sie sich bei der Auswahl der Werke auf Schenkungen von leidenschaftlichen Sammlerinnen und Sammlern, grosszügigen Mäzeninnen und Mäzenen, Künstlerinnen und Künstlern sowie Institutionen beschränkt. Persönliche Vorlieben spielten dabei ebenso eine Rolle wie der Wunsch, die Vielfalt und die Bandbreite formaler wie technischer Möglichkeiten abzubilden. Ihr Hauptaugenmerk galt sowohl bei den skulpturalen wie bei den gefässartigen Werken der künstlerischen Aussage und der Qualität, mit der Hoffnung und dem Ziel, bei den Besucherinnen und Besuchern das Feuer für den keramischen Kosmos zu entfachen. Letztlich mögen die ausgestellten Werke in ästhetische Dialoge treten und so unerwartete Perspektiven eröffnen.

Come on baby, light my fire a joint perspective on the musée ariana’s contemporary ceramics collection The Musée Ariana is giving carte blanche to two informed connoisseurs and discerning collectors of artists‘ ceramics, Roswitha Schild, art historian, and Hanspeter Dähler, gallerist. They propose an exhibition featuring works from the museum’s contemporary collections. This presentation will dialogue with the exhibition “Gustave Revilliod (1817-1890), A Man Open to the World”. To echo the spirit of the museum’s founder, the selection of exhibits favours donations made over time by collectors, generous patrons, artists and institutions. In addition to their individual preferences, the curators were committed to illustrating the diversity and scope of contemporary creation in terms of both technique and form. They have chosen sculptural works as well as ceramic vessels, singling out clear artistic concepts and outstanding quality, in the hope and aim of igniting a passion for the world of ceramics among visitors to the exhibition. This aesthetic dialogue between the works certainly cannot fail to open up unexpected perspectives. Tomoko Nishimura (Japon, 1963), Melody in Spring, 1995, Porcelaine modelée, émaux polychromes, or et argent, perles de verre, L. 25,5 cm, Collection Musée Ariana, Genève - Don de l’artiste, 1995 - Photo Bettina Jacot-Descombes

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Fondation beyeler Le jeune Picasso Périodes bleue et rose du 3 février au 26 mai 2019 RIehen - Basel - SWITZERLAND Dans ce qui sera à ce jour sa plus prestigieuse exposition, la Fondation Beyeler se consacre au jeune Pablo Picasso et à ses peintures et sculptures des périodes dites bleue et rose de 1901 à 1906. Ce sera la toute première fois en Europe que sera donné à voir un éventail d’une telle densité et d’une telle qualité des chefs-d’oeuvre de cette période importante, tous des jalons marquants de la trajectoire de Picasso en marche vers son statut d’artiste le plus célèbre du 20e siècle. Les oeuvres de cette période sont parmi les plus belles et les plus émouvantes de l’art moderne et font partie des oeuvres d’art les plus précieuses et inestimables. Il est fort probable qu’elles ne seront plus amenées à se retrouver ainsi réunies en un lieu unique. Agé d’à peine 20 ans, Picasso (1881 - 1973) entre en quête de nouveaux thèmes picturaux et formes d’expression, qu’il mène dans la foulée à leur plein accomplissement. Les styles et les univers picturaux se succèdent à un rythme effréné - une « révolution » artistique chasse l’autre. L’exposition se concentre sur les périodes bleue et rose et donc sur six années de création du jeune Picasso, qui joueront un rôle central pour son oeuvre. Elle ouvre par ailleurs la perspective à la naissance historique du cubisme vers 1907, qui émerge des phases de création précédentes. L’exposition opère ainsi la jonction avec la collection de la Fondation Beyeler, dont l’oeuvre la plus ancienne de Picasso, une étude importante pour les Demoiselles d’Avignon, date précisément de cette année. L’exposition, articulée de manière chronologique, présente les débuts de la trajectoire de Picasso en prenant pour point de référence l’image humaine. Reprenant encore et encore son élan, l’artiste qui vit alors entre Paris et Barcelone gravite autour de la figure humaine. Dans la phase qui débute en 1901, dominée par la couleur bleu, il porte son regard sur la misère et les abîmes psychiques des personnes en marge de la société. Vers 1905, dorénavant établi à Paris, sa période dite rose élève au rang de digne motif pictural les espoirs et les désirs des artistes de cirque - jongleurs, acrobates et arlequins.

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In ihrer bis dato hochkarätigsten Ausstellung widmet sich die Fondation Beyeler den Gemälden und Skulpturen des frühen Pablo Picasso aus der sogenannten Blauen und Rosa Periode von 1901 bis 1906. Erstmals in Europa überhaupt werden die Meisterwerke dieser bedeutenden Phase, allesamt Meilensteine auf Picassos Weg zum berühmtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, in dieser Dichte und Qualität gemeinsam präsentiert. Die Bilder dieser Schaffenszeit zählen zu den schönsten und emotionalsten der Moderne und zu den kostbarsten Kunstwerken überhaupt und werden voraussichtlich in dieser Fülle nicht mehr gemeinsam, an einem Ort versammelt, zu sehen sein. Im Alter von gerade einmal 20 Jahren begibt sich das aufstrebende Künstlergenie Picasso (1881– 1973) auf die Suche nach neuen Bildthemen und Ausdrucksformen, die er auch gleich zur Vollendung führt. In rascher Folge wechseln die Stile und Bildwelten - eine künstlerische „Revolution“ löst die andere ab. Die Ausstellung richtet den Fokus auf die Blaue und Rosa Periode und damit auf sechs Schaffensjahre im Leben des jungen Picasso, die als zentral für sein gesamtes OEuvre gelten können. Zudem eröffnet sie die Perspektive auf die epochale Entstehung des Kubismus um 1907, der sich aus dem vorangegangenen Schaffen entwickelt. Damit schliesst die Ausstellung an die eigene Sammlung der Fondation Beyeler an, deren frühestes Picasso-Werk, eine bedeutende Studie zu den Demoiselles d’Avignon, in eben diesem Jahr entsteht. Picassos früher Werdegang wird in der chronologisch konzipierten Ausstellung exemplarisch am Bild des Menschen vor Augen geführt. In immer wieder neuen Anläufen umkreist der zwischen Paris und Barcelona pendelnde Künstler die menschliche Figur. In der von der Farbe Blau dominierten Phase ab 1901 blickt er auf die Misere und die seelischen Abgründe der Menschen am Rande der Gesellschaft, um dann um 1905, nun in Paris etabliert, in der sogenannten Rosa Periode den Hoffnungen und Sehnsüchten der Zirkusleute, Gaukler, Akrobaten und Harlekine - Bildwürdigkeit zu verleihen.

This exhibition, the most ambitious ever staged by the Fondation Beyeler, is devoted to the paintings and sculptures of the young Pablo Picasso from the so-called Blue and Rose periods, between 1901 and 1906. For the first time in Europe, the masterpieces of these crucial years, every one of them a milestone on Picasso’s path to preeminence as the twentieth century’s most famous artist, are presented together, in a concentration and quality that are unparalleled. Picasso’s pictures from this phase of creative ferment are some of the finest and most emotionally compelling examples of modern painting, and are counted among the most valuable and sought-after works in the entire history of art. It is unlikely that they will be seen again in such a selection in a single place. At the age of just twenty, the rising genius Picasso (1881 - 1973) embarked on a quest for new themes and forms of expression, which he immediately refined to a pitch of perfection. One artistic revolution followed another, in a rapid succession of changing styles and visual worlds. The focus of the exhibition is on the Blue and Rose periods, and thus on the six years in the life of the young Picasso that can be considered central to his entire oeuvre, paving the way for the epochal emergence of Cubism, which developed from Picasso’s previous work, in 1907. Here, the exhibition converges with the Fondation Beyeler’s permanent collection, whose earliest picture by Picasso is a study, dating from this pivotal year, for the Demoiselles d’Avignon. In the chronologically structured exhibition, Picasso’s early painting career is explored through examples of his treatment of human subjects. Journeying back and forth between Paris and Barcelona, he addressed the human figure in a series of different approaches. In the phase dominated by the color blue, from 1901, he observed the material deprivation and the psychological suffering of people on the margins of society, before turning - in 1905, when he had settled in Paris - to the themes of the Rose period, conferring the dignity of art on the hopes and yearnings of circus performers: jugglers, acrobats and harlequins.

En quête d’une nouvelle authenticité artistique, vers le milieu de l’année 1906 Picasso passe plusieurs semaines dans le village de Gósol dans les Pyrénées espagnoles, où il crée de nombreux tableaux et sculptures qui unissent des idéaux corporels classiques et archaïques. La déformation et le morcellement toujours plus poussés de la figure, tels qu’ils apparaissent dans les représentations «primitivistes» en particulier de nus féminins créés à son retour à Paris, annoncent finalement le langage pictural cubiste, qui se déploie à partir de 1907. Dans les oeuvres bouleversantes et envoûtantes des périodes bleue et rose réalisées en Espagne et en France, le jeune peintre émergent qu’est alors Picasso crée des oeuvres d’une signification universelle. Des thèmes existentiels et universels tels la vie, l’amour, la sexualité, le destin et la mort s’incarnent dans des jeunes femmes et des jeunes hommes d’une beauté délicate comme dans des enfants et des vieillards marqués par la vie qui portent en eux des sensations telles le bonheur et la joie mais aussi la solitude et la mélancolie. Cette exposition d’envergure présente environ 80 tableaux et sculptures, parmi les chefs-d’oeuvre les plus célèbres au monde et pour la plupart rarement prêtés, en provenance de musées majeurs en Europe, aux EtatsUnis, au Canada, en Russie, en Chine et au Japon.

Auf der Suche nach einer neuen künstlerischen Authentizität verbringt Picasso gegen Mitte des Jahres 1906 mehrere Wochen im spanischen Pyrenäendorf Gósol, wo zahlreiche Gemälde und Skulpturen entstehen, die klassische und archaische Körperideale vereinen. In der fortschreitenden Deformierung und Zergliederung der Figur, wie sie in den danach wieder in Paris geschaffenen, „primitivistischen“ Darstellungen vor allem des weiblichen Akts anschaulich werden, kündigt sich schliesslich die kubistische Bildsprache an, die ab 1907 zur Entfaltung gelangt. In den berührenden und zauberhaften Werken der Blauen und Rosa Periode, die in Spanien und Frankreich entstehen, gestaltet Picasso als junger, aufstrebender Künstler Werke von allgemeingültiger Aussagekraft. Existenzielle und universelle Themen wie Leben, Liebe, Sexualität, Schicksal und Tod finden ihre Verkörperungen in zartschönen, jungen Frauen und Männern ebenso wie in Kindern und vom Leben gezeichneten Greisen, die Empfindungen wie Glück und Freude, aber auch Einsamkeit und Melancholie in sich tragen. In der umfassenden Ausstellung zu sehen sind rund 80 meist nur sehr selten ausgeliehene Gemälde und Skulpturen aus renommierten Museen in Europa, den USA, Kanada, Russland, China und Japan, die zu den berühmtesten Meisterwerken weltweit zählen.

In his search for a new artistic authenticity, Picasso stayed for several weeks in mid-1906 in the village of Gósol, in the Spanish Pyrenees, and created a profusion of paintings and sculptures uniting classical and archaic ideals of the body. Finally, the increasing deformation and fragmentation of the figure, apparent in the “primitivist” pictures, especially of the female nude, which were painted subsequently in Paris, heralds the emergence of the new pictorial language of Cubism. The poignant and magical works of the Blue and Rose periods, painted in Spain and France, have a universal appeal and validity. Existential themes - life, love, sexuality, fate and death - find embodiment in the delicate beauty of young female and male figures, and in depictions of children and of old people scarred by life, whose emotions comprise happiness and joy, but also loneliness and melancholy. Photo de gauche - Pablo Picasso, Acrobate et jeune arlequin, 1905, Gouache auf Karton, 105 x 76 cm, Privatsammlung, © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zürich Photo de droite - Pablo Picasso, Famille de saltimbanques avec un singe, 1905, Gouache, Aquarell und Tusche auf Karton, 104 x 75 cm, Göteborg Konstmuseum, Ankauf, 1922, © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zürich, Foto: © Göteborg Konstmuseum

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Les prêts ont été accordés par des musées de renom tels le Musée national Picasso de Paris, le Metropolitan Museum of Art de New York, la Tate de Londres, la National Gallery de Washington, D. C., le Musée des beaux-arts Pouchkine de Moscou, le National Museum of Art d’Osaka, le Centre Pompidou et le Musée de l’Orangerie à Paris, le Museu Picasso à Barcelone, le Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, la Art Gallery of Ontario de Toronto et beaucoup d’autres. De nombreuses autres oeuvres proviennent d’importantes collections privées et sont pour certaines d’entre elles à nouveau présentées au public pour la première fois depuis des décennies. Fruit de nombreuses années de préparation, il s’agit à ce jour du projet d’exposition le plus complexe et le plus coûteux de l’histoire de la Fondation Beyeler. L’exposition figurera très certainement parmi les événements culturels majeurs de l’année 2019 en Europe. Les oeuvres attendues sont toutes des pièces maîtresses et vedettes des collections de leurs musées d’origine. L’exposition est réalisée en coopération avec le Musée national Picasso et le Musée d’Orsay à Paris, où elle fera une première étape sous forme légèrement modifiée. L’exposition à la Fondation Beyeler est placée sous le commissariat de Dr. Raphaël Bouvier, commissaire d’exposition à la Fondation Beyeler.

Die Leihgaben kommen aus namhaften Museen wie dem Musée national Picasso, Paris, dem Metropolitan Museum of Art, New York, der Tate, London, der National Gallery in Washington, D. C., dem Moskauer Pushkin State Museum of Fine Arts, dem National Museum of Art in Osaka, dem Centre Pompidou und dem Musée de l’Orangerie in Paris, dem Museu Picasso in Barcelona, dem Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, der Art Gallery of Ontario in Toronto und vielen anderen. Zahlreiche weitere Werke stammen aus bedeutenden Privatsammlungen und können teilweise erstmals seit vielen Jahrzehnten wieder in der Öffentlichkeit präsentiert werden. Das Ausstellungsprojekt, das mit seiner mehrjährigen Vorbereitungszeit das bisher aufwendigste und kostspieligste in der Geschichte der Fondation Beyeler ist, wird zweifellos einer der kulturellen Höhepunkte des Jahres 2019 in Europa sein. Die zu erwartenden Exponate sind allesamt absolute Publikumsmagneten in ihren Heimatmuseen. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Musée national Picasso und dem Musée d’Orsay in Paris, wo sie in modifizierter Form als Erstes Station macht. Die Ausstellung in der Fondation Beyeler wird von Dr. Raphaël Bouvier, Kurator an der Fondation Beyeler, kuratiert.

Photo de droite - Pablo Picasso, Autoportrait, 1901, Öl auf Leinwand, 81 x 60 cm, Musée national Picasso-Paris, © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zürich, Foto: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Mathieu Rabeau Photo de gauche - Pablo Picasso, Femme en chemise (Madeleine), 1904–1905, Öl auf Leinwand, 72,7 x 60 cm, London, Tate, Hinterlassen C. Frank Stoop, 1933, © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zürich, Foto: © Tate, London 2018

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The comprehensive exhibition includes some eighty paintings and sculptures loaned by renowned museums in Europe, the USA, Canada, Russia, China and Japan, such as the Musée national Picasso, Paris; the Metropolitan Museum of Art, New York; the Tate Gallery, London; the National Gallery, Washington, D. C.; the Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow; the National Museum of Art, Osaka; the Centre Pompidou and the Musée de l’Orangerie, Paris; the Museu Picasso, Barcelona; the Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; and the Art Gallery of Ontario, Toronto. These masterpieces are supplemented by further outstanding works from private collections, some of which will be presented in public for the first time in many decades. In terms of organizational effort and cost, this is the highest-caliber exhibition project in the history of the Fondation Beyeler. Years of preparation have been devoted to the presentation, which is certain to be one of Europe’s cultural highlights in 2019. The works on display are all major attractions in the museums from which they have been assembled. The exhibition is being staged in cooperation with the Musée national Picasso-Paris and the Musée d’Orsay, where it will be shown in a modified form before traveling to Basel. The exhibition at the Fondation Beyeler is curated by Dr. Raphaël Bouvier, Curator at the Foundation.

Musée jenisch Dessin politique, dessin poétique jusqu’au 24 février 2019 Vevey- SWITZERLAND « À première vue, dessin politique et dessin poétique - ici limité à l’art du paysage - semblent deux langages inconciliables. Or, à les confronter, des correspondances insoupçonnées se font jour: de féroces satiristes ne se privent pas de dessiner amoureusement la nature, tandis que de doux paysagistes s’en prennent avec virulence à l’ordre établi. Il ne s’agit toutefois pas de forcer des rapprochements, certains artistes ne font strictement que des dessins politiques, d’autres ne font que des paysages. En réunissant dessins politiques et paysages poétiques, la part d’inattendu et de surprise a fini par orienter notre sélection, comme s’il appartenait aux seules oeuvres de dialoguer entre elles. Des fils invisibles se tissent et se défont: Siné interpelle Goya, Jean-Baptiste Camille Corot provoque Mix & Remix, Tomi Ungerer répond à Alberto Giacometti, Ferdinand Hodler s’adresse à Paul Klee, Martial Leiter se confie à Käthe Kollwitz. Le langage du dessin n’a pas de limite. » Frédéric Pajak

„Auf den ersten Blick scheinen politische Zeichnung und poetische Zeichnung, die sich hier auf die Landschaftskunst beschränkt, zwei unvereinbare Sprachen zu sein. Wenn man sie konfrontiert, zeigen sich unvermutete Annäherungen. So lassen es sich bissige Satiriker nicht nehmen, die Natur respektvoll zu zeichnen, während sanfte Landschaftskünstler die bestehende Ordnung schonungslos angreifen. Man darf diese Annäherungen nicht überbetonen: Manche Künstler schaffen ausschliesslich politische Zeichnungen, andere ausnahmslos Landschaften. Durch die Gegenüberstellung politischer Zeichnungen und poetischer Landschaften bestimmt am Ende der Anteil an Überraschung und Unerwartetem die Ausstellung, als käme es allein den Werken zu, Dialoge zu führen. Unsichtbare Bande bilden und lösen sich wieder auf: Goya wendet sich an Siné, Tomi Ungerer antwortet Camille Corot, Alberto Giacometti redet mit Otto Dix, Paul Klee vertraut sich Martial Leiter an. Die Sprache der Zeichnung kennt keine Grenzen.“ Frédéric Pajak

“At first glance the differences between the political drawing and the poetic (for our purposes, the landscape) might seem irreconcilable. Yet bringing them face to face throws up some unexpected similarities. When they turn their attention to nature, even the most acerbic satirists treat their subject with respect, while the mildestmannered landscape artist can rail against the established order. Nevertheless, our aim is not to fi nd parallels where there are none: some artists only produce political drawings, others devote themselves entirely to landscapes. In this encounter between political drawings and poetic landscapes, it is the unforeseen and surprising that gives the exhibition its direction, as if the works themselves were creating their own dialogue. Invisible threads are woven and unravelled, as Goya addresses Siné, Tomi Ungerer responds to Camille Corot, Alberto Giacometti strikes up conversation with Otto Dix and Paul Klee confides in Martial Leiter. As we discover, the language of drawing knows no bounds.” Frédéric Pajak

Félix Vallotton (1865-1925), La Jungfrau, 1892, Xylographie sur papier vélin, ivoire, 252 x 327 mm, Cabinet d’arts graphiques des Musées d’art et d’histoire, Genève, Don Lucien Archinard, © Musées d’art et d’histoire, Ville de Genève, Cabinet d’arts graphiques

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musée de l’elysée Martine Franck Vasantha Yogananthan. A Myth of Two Souls du 20 février au 5 mai 2019 lausanne - SWITZERLAND Souhaitant mettre en lumière l’oeuvre pionnière des femmes photographes au cours du XXe siècle, le Musée de l’Elysée présente une importante rétrospective consacrée à Martine Franck (1938-2012). Conçue par la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris, et coproduite avec le Musée de l’Elysée, cette exposition, unique par son ampleur, est constituée de près de 140 photographies, dont certaines inédites, en grande partie sélectionnées par la photographe de son vivant.

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Aus dem Wunsch heraus, die Pionierleistung von Frauen in der Fotografie des 20. Jahrhunderts stärker ins Licht zu rücken, zeigt das Museum einen grossangelegten Rückblick auf das Werk von Martine Franck. Die von der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris konzipierte, in Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée erarbeitete und bisher umfassendste Schau besteht aus nahezu 140 Fotografien, die zum Teil noch nie öffentlich gezeigt und in ihrer Mehrheit von der Fotografin selbst ausgewählt wurden.

Wishing to showcase the pioneering work of female photographers in the 20th century, the Musée de l’Elysée is presenting a major retrospective dedicated to Martine Franck (1938-2012). Conceived by the Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris and co-produced with the Musée de l’Elysée, this exhibition, exceptional in its scope, gathers almost 140 photographs, some of which have never been shown before and many of them chosen by the photographer herself.

Au-delà de ce regard inédit d’une photographe sur l’ensemble de son oeuvre, ce projet d’exposition et d’édition est fondé sur une étude approfondie des archives de Martine Franck, ce qui la démarque des rétrospectives précédentes. Figure essentielle de l’art photographique du XXe siècle, membre de l’agence VU en 1970, cofondatrice de l’agence Viva en 1972 et membre de la coopérative Magnum à partir de 1983, journaliste, reporter et portraitiste, Martine Franck vient à la photographie à travers une démarche personnelle liée en grande partie à ses voyages en Asie et en Europe. Lorsqu’elle décide de se consacrer à la carrière de photographe, elle choisit un domaine d’activité comprenant encore peu de femmes. Elle réussit pourtant à trouver sa place en s’attachant à des sujets peu abordés par ses confrères, comme le monde du travail, les femmes, la vieillesse, la solidarité et l’humanitaire. Durant près d’une cinquantaine d’années, indépendamment de tout courant esthétique, elle a ainsi construit une oeuvre personnelle en grande partie consacrée à la condition humaine à travers le monde. En programmant cette exposition, le Musée de l’Elysée offre au public la possibilité de redécouvrir une oeuvre majeure qui, au-delà de la diversité des sujets, porte un regard intense et singulier sur notre époque. Ausstellung und Publikation vermitteln nicht nur eine noch unbekannte Perspektive einer Fotografin auf ihr Lebenswerk, sie basieren zudem - im Unterschied zu vorausgegangenen Retrospektiven - auf ausführlichen Recherchen in Martine Francks Archiv. Als eine der Protagonistinnen der Fotokunst des 20. Jahrhunderts, die 1970 Mitglied der Agentur Vu, 1972 Mitbegründerin der Agentur Viva und ab 1983 Mitglied der Arbeitsgemeinschaft Magnum war, kam die Journalistin, Reporterin und Porträtistin aus einer persönlichen Praxis heraus, hauptsächlich auf ihren Reisen durch Asien und Europa, zur Fotografie. Mit der Entscheidung für eine berufliche Laufbahn als Fotografin wählte sie ein Betätigungsfeld, auf dem noch kaum Frauen zu finden waren. Dennoch gelang es ihr, sich eine Stellung zu sichern, indem sie sich von ihren Kollegen kaum beachteten Themen zuwandte, wie etwa die Arbeitswelt, Frauen, das Alter, Solidarität und Entwicklungshilfe. Fast 50 Jahre lang schuf sie so, unabhängig von jeder ästhetischen Strömung, ein persönliches Werk, dessen Schwerpunkt die Existenzbedingungen der Menschen rund um den Erdball bilden. Mit der Aufnahme dieser Ausstellung ins Programm eröffnet das Musée de l’Elysée den Besuchern die Chance, ein zentrales Werk neu zu entdecken, in dem sich nicht nur ein breites Themenspektrum, sondern auch ein eindringlicher, aussergewöhnlicher Blick auf unsere Epoche spiegeln. In addition to the photographer’s unique perspective of her entire body of work, this exhibition and publication project is based on an in-depth study of the Martine Franck archives, distinguishing it from previous retrospectives. Martine Franck was a key figure of 20th century photographic art, a member of Agence VU in 1970, the co-founder of Agence Viva in 1972 and a member of the Magnum cooperative from 1983 as well as being a journalist, reporter and portrait artist. She came to photography via a personal approach linked in no small part to her travels in Asia and Europe. When she decided to devote herself to a career in photography, she chose a field that included very few women at the time. Nevertheless, she managed to carve out a place for herself by concentrating on subjects rarely addressed by her male colleagues such as the work environment, women, old age, solidarity and humanitarian issues. For almost fifty years, independently of any aesthetic trends, she thus built up a personal body of work that was largely dedicated to the human condition throughout the world. By programming this exhibition, the Musée de l’Elysée will give the public the opportunity to rediscover a major body of work that, in addition to the diversity of its themes, offers an intense and unique perspective of our times. Photo page de gauche - Martine Franck, Piscine conçue par Alain Capeillères, Le Brusc, été 1976 © Martine Franck / Magnum Photos - Page de droite - photo du haut - Martine Franck, Tory Island, Comté de Donegal, Irlande, 1995 © Martine Franck / Magnum Photos - Page de droite - photo du bas - Vasantha Yogananthan, The Evening Before, Janakpur, Nepal, 2016 © Vasantha Yogananthan rivierart

Vasantha Yogananthan. A Myth of Two Souls Soucieux de soutenir et de promouvoir la création contemporaine, le Musée de l’Elysée présente la première exposition institutionnelle du projet A Myth of Two Souls de Vasantha Yogananthan. Né en 1985, photographe autodidacte d’origine franco-tamoule, Yogananthan appartient à une génération qui aime brouiller les lignes entre fiction et réalité. Cette série est inspirée par le Râmâyana, oeuvre fondamentale de la mythologie hindoue, écrite en sanskrit entre le IIIe siècle avant J.-C. et le IIIe siècle de notre ère. Sans cesse réactualisé, le Râmâyana se présente ainsi au lecteur occidental comme une invitation à appréhender l’Inde au-delà de l’exotisme. Depuis presque quatre ans, Vasantha Yogananthan se rend régulièrement en Inde et au Sri Lanka pour compléter son projet, dont la plus grande partie des sept chapitres qui le composent seront pour la première fois exposés ensemble.

Vasantha Yogananthan. A Myth of Two Souls In dem Bestreben, zeitgenössisches Kunstschaffen zu unterstützen und an die Öffentlichkeit zu tragen, zeigt das Musée de l’Elysée die erste institutionelle Ausstellung des Projekts A Myth of Two Souls von Vasantha Yogananthan. Der 1985 geborene Yogananthan, fotografischer Autodidakt französisch-tamilischer Herkunft, gehört einer Generation an, die mit Vorliebe die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verwischt. Die Serie ist vom Ramajana inspiriert, einem Urtext der hinduistischen Mythologie, der zwischen dem dritten Jahrhundert vor Christus und dem dritten Jahrhundert unserer Zeitrechnung in Sanskrit verfasst wurde. Das immer wieder aktualisierte Ramajana stellt für den westlichen Leser eine Aufforderung dar, sich fernab aller Exotik mit Indien zu befassen. Seit fast vier Jahren reist Vasantha Yogananthan regelmässig nach Indien und Sri Lanka, um weiter an seinem Projekt zu arbeiten, dessen sieben Kapiteln hier nun erstmals gemeinsam ausgestellt werden.

Vasantha Yogananthan, Cricket Match, Chitrakoot, Madhya Pradesh, India, 2013 © Vasantha Yogananthan

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Vasantha Yogananthan. A Myth of Two Souls With the aim of supporting and promoting contemporary institutional creation, the Musée de l’Elysée is presenting the first exhibition of Vasantha Yogananthan’s project A Myth of Two Souls. Born in 1985, a self-taught photographer of French-Tamil origin, Yogananthan belongs to a generation that likes to blur the lines between fiction and reality. This series was inspired by the Ramayana, a fundamental epic poem from Hindu mythology written in Sanskrit somewhere between the 3rd century BCE and the 3rd century CE. Constantly updated, the Ramayana can be seen by Western readers as an invitation to understand India beyond mere exoticism. For almost four years, Vasantha Yogananthan made regular trips to India and Sri Lanka to complete his project, the seven chapters of which will be exhibited together for the first time. A specific area for each chapter will be set up on the lower level of the Musée de l’Elysée, creating a particular atmosphere specific to each of the stylistics called upon by the artist to develop his story in seven stages.

Un espace spécifique à chaque section sera aménagé à l’étage inférieur du Musée, créant ainsi une atmosphère particulière et propre à chacune des stylistiques convoquées par l’artiste pour développer son histoire en sept étapes. Si les premières salles - et de fait, chapitres - seront de facture relativement traditionnelle en présentant au mur des tirages encadrés, les suivantes permettront une mise en avant de systèmes de monstration alternatifs, comme la projection, le papier peint ou l’installation. L’artiste développe en effet des traitements esthétiques différents et explore ou revisite des techniques ancestrales. C’est le cas notamment de la section inaugurale de A Myth of Two Souls, constitué de photographies noir/blanc, réalisées à la chambre, puis colorisées à la main par un peintre indien comme cela se faisait traditionnellement au XIXe siècle, avant l’apparition de la pellicule couleur. Vasantha Yogananthan se réapproprie cette technique tout en la modernisant, réalisant ses photographies hors studio, avec des passants devenus acteurs. Le champ du portrait domestique est ainsi étendu à l’ensemble de la société - sans distinction de classes - et à l’ensemble du territoire, des métropoles à la campagne profonde. Les sept chapitres exposés - Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue - offriront aux visiteurs une déambulation à la fois temporelle et géographique, tout en leur faisant découvrir des techniques photographiques peu répandues et une scénographie originale. L’exposition comprends des oeuvres photographiques, des tirages repeints ainsi qu’une installation vidéo multi channel. Für jedes Kapitel wird im Untergeschoss des Museums ein eigener Raum mit einer besonderen Atmosphäre eingerichtet, entsprechend der gezielt eingesetzten stilistischen Besonderheiten, durch die der Künstler seine Geschichte in sieben Abschnitten gliedert. Während die ersten Räume (sprich Kapitel) mit gerahmten Abzügen an der Wand relativ traditionell gehalten sind, eröffnen die darauffolgenden Räume alternative Zeigesysteme, mit Projektionen, Bildtapeten oder Installationen. Der Künstler behandelt jedes Kapitel des Ramajana anders und erprobt bzw. aktualisiert traditionelle Fototechniken. Dies gilt vor allem für die ersten Kapitel mit ihren Schwarz-Weiss-Fotografien, die mit einer Plattenkamera aufgenommen und dann von einem indischen Maler handkoloriert wurden, wie es vor dem Aufkommen des Farbfilms im 19. Jahrhundert traditionell üblich war. Vasantha Yogananthan übernimmt dieses Verfahren und überträgt es ins Heute, indem er seine Fotografien ausserhalb des Ateliers, mit Passanten als Akteuren, aufnimmt. Der Bereich des häuslichen Porträts wird dabei - ohne Klassenunterschiede - auf die gesamte Gesellschaft und das ganze Land übertragen, von den Grossstädten bis in die entlegensten Landstriche. Die sieben hier vorgestellten Kapitel - Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue - führen die Besucher auf einem Spaziergang durch Epochen und Schauplätze und machen sie zugleich mit seltenen Fototechniken vertraut. Die Ausstellung umfasst Fotoarbeiten, neu gemalte Drucke und eine mehrkanalige Videoinstallation. While the first few rooms - and indeed, chapters - will be relatively traditionally laid out, exhibiting framed prints on the wall, the following rooms will make it possible to showcase alternative systems of exhibiting, such as screening, paperhanging and installation. The artist develops different processes according to the chapters of the Ramayana and explores or takes a fresh look at ancestral techniques. This is particularly true of the earlier chapters, made up of black and white photographs taken with a view camera and then coloured by hand by an Indian painter in keeping with the 19th century tradition before the advent of colour film. Vasantha Yogananthan reclaims this technique while at the same time modernising it, taking his photographs outside the studio and using passersby as actors. The field of domestic portraits is thus expanded to cover society as a whole - with no class distinction - as well as the entire land, from huge cities to the depths of the countryside. The seven chapters exhibited - Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue - will offer visitors the chance to wander through both time and geography whilst introducing them to rarely used photographic techniques and an original scenography. The exhibition includes photographic works, repainted prints and a multi-channel video installation. rivierart

kunsthaus zurich «Fly me to the Moon. 50e anniversaire du premier pas sur la lune»! Du 5 avril au 30 juin 2019 zurich - SWITZERLAND Du 5 avril au 30 juin 2019 le Kunsthaus Zürich se consacrera à un événement extraordinaire: le premier pas de l’homme sur la lune. L’exposition parcourra l’histoire du regard posé par les artistes sur notre satellite. Partant du romantisme, elle se concentrera surtout sur l’art contemporain. Dès le hall d’entrée, les visiteurs seront accueillis par une fusée en peluche de Sylvie Fleury.

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Vom 5. April bis zum 30. Juni 2019 widmet sich das Kunsthaus Zürich einem weltbewegenden Ereignis - der Mondlandung. Die Ausstellung ist ein Streifzug durch die Geschichte künstlerischer Auseinandersetzung mit dem Mond. Ausgehend von der Romantik liegt ihr Schwerpunkt in der Kunst der Gegenwart. Ein Kunstwerk empfängt die Besucherinnen und Besucher bereits in der Eingangshalle die flauschige Rakete ist ein Objekt von Sylvie Fleury.

From April 5th to June 30th, 2019 the Kunsthaus Zürich turns the spotlight on an event that changed the world: the first Moon landing. This exhibition is a journey through the history of artists’ engagement with the Moon, from the Romantic era to the present day. The first artwork awaits visitors already in the entrance hall, in the form of a furry rocket by Sylvie Fleury.

photo page de gauche - Vladimir Dubossarsky & Alexander Vinogradov, Earth Wins!, 2004, Huile sur toile, 295 x 390 cm, Collection of Ekaterina and Vladimir Semenikhin, © Vladimir Dubossarsky & Alexander Vinogradov - photo page de droite - Vladimir Dubossarsky & Alexander, Vinogradov, Cosmonaute n°1, 2006, Huile sur toile, 195 x 195 cm, Courtesy Vladimir Dobrovolsky, © Vladimir Dubossarsky and Estate of Alexander Vinogradov

Cette oeuvre créée en 1997 signale d’emblée que l’exposition soumet les célébrations du 50e anniversaire du premier pas sur la lune à un questionnement à la fois humoristique et critique. Au travers des 200 pièces exposées, le Kunsthaus abordera des thèmes comme la topographie, le clair de lune, l’ombre lunaire, les dispositifs médiatiques pendant et au-delà de la guerre froide et l’apesanteur. LA TERRE VUE DEPUIS LA LUNE – VOYAGE DANS L’INCONNU Le premier pas de l’homme sur la lune, le 20 juillet 1969, a été un événement au retentissement mondial. Pour la première fois, on voyait des photos de la Terre!

Das 1997 geschaffene Werk deutet an, dass die Ausstellung die Jubelfeiern zum 50. Jahrestag der Mondlandung mit Humor und durchaus kritisch hinterfragt. Anhand von 200 Exponaten besetzt das Kunsthaus Themen wie Topografie, Mondlicht und -schatten, mediale Inszenierungen und Schwerelosigkeit. BLICK VOM MOND – REISE INS UNGEWISSE Die Mondlandung am 20. Juli 1969 war ein weltweit beachtetes Ereignis. Zum ersten Mal gab es Bilder von der Erde!

Created in 1997, it offers the first hint that this show, marking 50 years since the first Moon landing, tackles its subject with both humour and an acutely critical eye. The 200 objects on display at the Kunsthaus explore themes as diverse as topography, moonlit night and the Moon’s shadow, the Moon as mass media phenomenon during the Cold War and beyond, and zero gravity. THE VIEW FROM THE MOON – A JOURNEY INTO THE UNKNOWN The Moon landing on 20 July 1969 gripped audiences around the world and delivered the first-ever images of the Earth from space. rivierart

Pris d’euphorie, certains artistes ont créé des images héroïques, qui traduisent une foi dans le progrès et la technique de leur époque. D’autres y ont vu une menace pour l’humanité. Il faut dire qu’à 384’000 km de distance, la Planète bleue paraît soudain bien petite et vulnérable - contrairement à l’égo surdimensionné de ses habitants. La commissaire Cathérine Hug a soigneusement mis en scène cette tension. Le visiteur découvrira des cartes du ciel, des tableaux d’inspiration romantique, la propagande des systèmes politiques opposés par la guerre froide, des photographies objectives et des scènes tirées de films de fiction. Il traversera des installations et découvrira la diversité des perceptions artistiques de la lune par rapport à notre planète. À travers leurs oeuvres, de nombreux artistes tendent un miroir aux citoyens de la Terre. De nouveaux travaux de Liam Gillick, Nives Widauer et Anna Meschiari seront visibles, Lena Lapschina agrandira quant à elle une oeuvre existante. Des curiosités comme le minuscule «Musée de la lune» (1969) de Forrest Myers, qui comporte des contributions d’Andy Warhol, Claes Oldenburg, David Novros, Robert Rauschenberg et John Chamberlain, ou le piano à queue automatique de Katie Paterson, voisineront avec des raretés.

Einige der ausstellenden Künstler waren euphorisiert. Sie produzierten heldenhafte Darstellungen und repräsentieren die Technik- und Fortschrittsgläubigkeit ihrer Zeit. Andere sahen die Menschheit bedroht. Aus 384’000 km Entfernung wirkt der Blaue Planet verletzlich und klein - ganz im Gegensatz zu den grossen Egos seiner Bewohner. Kuratorin Cathérine Hug hat diese Spannung geschickt inszeniert. Der Betrachter trifft auf Himmelskarten, auf romantisierende Gemälde, auf Propaganda konkurrierender politischer Systeme während des Kalten Krieges, sachliche Fotografien und fiktionale Filmszenen. Er durchwandert Installationen und lernt assoziativ die Vielfalt künstlerischer Auseinandersetzungen mit dem Mond im Verhältnis zu unserer Erde kennen. Nicht wenige Künstlerinnen und Künstler halten mit ihren Werken dem Erdenbürger einen Spiegel vor. Neue Arbeiten sind von Liam Gillick, Nives Widauer und Anna Meschiari zu sehen, Lena Lapschina erweitert ein bestehendes Werk. Skurriles - wie das winzige „Mondmuseum“ (1969) von Forrest Myers mit Werken von Andy Warhol, Claes Oldenburg, David Novros, Robert Rauschenberg und John Chamberlain, oder der selbstspielende Flügel von Katie Paterson trifft auf Rares.

Some of the artists in our exhibition were euphoric, and responded by producing heroic images that symbolized the faith in technology and progress prevalent at the time. Others identified a threat to humanity. Seen from a distance of 384,000 km the Blue Planet appears small and vulnerable - in stark contrast to the opportunistic egos of its inhabitants. Curator Cathérine Hug has conceived an exhibition that skilfully explores these tensions. Visitors will encounter star charts, romanticized paintings, the propaganda of rival political systems during the Cold War, documentary photographs and fictional film clips. They will make their way through installations in an associative learning experience that explores the many ways in which artists have engaged with the Moon and its relationship to our Earth. A number of them hold up a mirror to the denizens of the Earth. There are new pieces by Liam Gillick, Nives Widauer and Anna Meschiari and additions to existing work by Lena Lapschina. Quirky objects - such as the tiny “Moon Museum” (1969) by Forrest Myers featuring contributions by Andy Warhol, Claes Oldenburg, David Novros, Robert Rauschenberg and John Chamberlain, and Katie Paterson’s automated grand piano - meet rare items.

photo de gauche - Amalia Pica, Moon Golem, 2009 (détail), Photographie de la NASA avec verre, gravé, éclairage par spot, miroir et socle, Courtesy l’artiste et Zabludowicz, Collection, © Amalia Pica - photo de droite Constantin Tsiolkovski, Inside a rocket by the end of the explosion, (Phenomenon of zero gravity), Dessin tiré du manuscrit «Album of Cosmic Journeys», 21.2.1933, Crayon sur papier, 31,3 x 22,3 cm, Archives de l’Académie des sciences de Russie, Moscou

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lPar exemple, la liste reproduite dans «Moon Golem» (2009) d’Amalia Pica, oeuvre sur laquelle figurent les noms d’astronautes et de cosmonautes décédés, a réellement été déposée sur la lune, et elle s’y trouve encore. DE DAHL À WARHOL ET FLEURY EN PASSANT PAR MUNCH L’audioguide de l’exposition a été conçu par Liam Gillick - plus connu comme peintre, sculpteur et artiste conceptuel. Il guidera le visiteur à travers les thématiques proposées par le Kunsthaus: «Héros et antihéros», «Clair de lune», «Mise en scène de l’astronautique», jusqu’à «Battage médiatique», le buzz créé autour du petit pas de Neil Armstrong lorsqu’il devint un grand pas pour l’humanité, mais qui avait aussi été incité en Union soviétique avec le choc Spoutnik et Youri Gagarine. En chemin, nous croiserons Füssli, Munch ou von Werefkin, grands maîtres de l’art qui ne pouvaient que rêver de conquête de l’espace, ainsi que des témoins directs comme le promeneur de l’espace Alexeï Leonov, dont le regard subjectif est confronté à une vue documentaire des choses.

Zum Beispiel, die im Werk „Moon Golem“ (2009) von Amalia Pica wiedergegebene Tafel mit den Namen verstorbener Astronauten und Kosmonauten ist tatsächlich auf dem Mond abgesetzt worden und bis heute dort. VON DAHL ÜBER MUNCH BIS WARHOL UND FLEURY Liam Gillick - der normalerweise als Maler, Bildhauer und Konzeptkünstler für Furore sorgt - hat für die Besucherinnen und Besucher der Ausstellung den Audioguide verfasst. Dieser führt durch die vom Kunsthaus gesetzten Themen: „Helden und Antihelden“, „Mondlicht“, „Inszenierung der Raumfahrt“ bis hin zu „Medialer Hype“, dem Buzz jener Tage, als der kleine Schritt des Neil Armstrong zu einem grossen Sprung für die Menschheit wurde, aber bereits mit dem Sputnik-Schock und Juri Gagarin in der Sowjetunion begann. Auf dem Weg begegnen wir Füssli, Munch oder von Werefkin, Meisterinnen und Meistern, die von der Eroberung des Weltraums nur träumen konnten, sowie Zeitzeugen wie dem Weltraumspaziergänger Alexei Leonow, dessen subjektive Sicht einer dokumentarischen gegenübersteht.

Such as for example the plaque containing the names of deceased astronauts and cosmonauts reproduced in Amalia Pica’s “Moon Golem” (2009), which was actually placed on the Moon and remains there to this day. FROM DAHL AND MUNCH TO WARHOL AND FLEURY Liam Gillick - who normally gets attention rather with his paintings, sculptures and conceptual works - has created the audioguide for visitors to help them navigate through the various themes: from celebrated and fallen heroes, moonlight and the staging of space travel to media hype - the buzz that greeted Neil Armstrong’s one small step as it morphed into a giant leap for mankind but actually began in the Soviet Union, with the shock launch of Sputnik and Yuri Gagarin’s first trip into space. Along the way visitors encounter Fuseli, Munch and Werefkin - consummate artists who could only dream of the conquest of space - and eyewitnesses such as space walker Alexey Leonov, whose subjective view is juxtaposed with a documentary perspective. rivierart

Yinka Shonibare, lauréat du prix Turner, engage avec un recul de quelques décennies une nouvelle réflexion sur les attractions et répulsions entre les mondes, en interrogeant sur le mode de l’ironie les visées hégémoniques des blancs américains sur la lune et en faisant des parallèles avec la colonisation à travers des afronautes en combinaisons wax. Quant à Darren Almond, lui aussi lauréat du prix Turner, représenté dans cette exposition par trois cycles d’oeuvres, il explore l’importance de la lune pour l’humanité depuis l’âge de pierre. UNE PREMIÈRE: LA CONVERSATION DE DEUX ASTRONAUTES Cet anniversaire sera l’occasion de conjuguer recherche, technique et culture. Le Kunsthaus pourra ainsi réunir à Zurich des prêts venus du monde entier - dont certains documents inédits à ce jour - comme l’enregistrement de deux astronautes s’entretenant dans l’espace sur la Planète bleue réinvesti par Sonia Leimer, ou les photographies de la Terre prises par l’ astronaute William Anders qui pourrait s’afficher comme artiste. Parmi les principaux prêteurs figurent les Archives de l’Académie des sciences de Russie, la galerie Tretiakov de Moscou, la Berlinische Galerie, le Max Ernst Museum de Brühl, la Tate, l’UBS Art Collection, la Zabludowicz Collection de Londres ainsi que des particuliers. Cette exposition est le fruit d’une coopération avec le DLR, Centre allemand pour l’aéronautique et l’astronautique. Elle est soutenue par Swiss Re - Partenaire pour l’art contemporain, ainsi que de la Fondation Truus et Gerrit van Rimsdijk et de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture. Après Zurich, «Fly me to the Moon» sera présentée au Museum der Moderne de Salzbourg.

Turner-Preisträger Yinka Shonibare reflektiert mit einigen Jahrzehnten Abstand zu dieser Zeitenwende die Anziehungs- und Abstossungskraft zwischen den Welten neu, indem er das Thema weisser Hegemonialbestrebungen auf dem Mond und Parallelen zur Kolonisierung mittels in Waxprints gekleideten Afronauten ironisch hinterfragt. Ein weiterer Turner-Preisträger, Darren Almond, ist mit drei Werkzyklen prominent vertreten und geht der Bedeutung des Mondes für die Menschheit bis zurück in die Steinzeit nach. ERSTMALS ZU HÖREN: GESPRÄCH ZWEIER ASTRONAUTEN Forschung, Technik und Kultur spannen anlässlich dieses Jubiläums zusammen. Und so gelingt es dem Kunsthaus, Leihgaben aus aller Welt nach Zürich zu holen - darunter bisher unveröffentlichte Beiträge - wie Sonia Leimers künstlerische Verwertung des aufgezeichneten Gesprächs zweier Raumfahrer, die sich im All über den Blauen Planeten unterhalten. Oder die Fotografien von der Erde, erstellt vom Astronauten William Anders, der sich seitdem als Künstler verstehen könnte. Zu den bedeutenden Leihgebern gehören The Archive of the Russian Academy of Sciences (ARAS), die Moskauer Tretyakov-Galerie, die Berlinische Galerie, das Max Ernst Museum Brühl, die Tate, die UBS Art Collection, die Zabludowicz Collection in London, und private Leihgeber. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Deutschen Luftund Raumfahrtzentrum. Sie wird unterstützt von Swiss Re - Partner für zeitgenössische Kunst. Weitere Gönner sind die Truus und Gerrit van Rimsdijk Stiftung und Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung. Nach Zürich wird „Fly me to the Moon“ im Museum der Moderne in Salzburg gezeigt.

From a distance of several decades, Turner Prize winner Yinka Shonibare revisits the forces of attraction and repulsion at work between different worlds, ironically interrogating the white quest for lunar hegemony and parallels with colonization through his Afronauts clad in wax-printed fabric. Another Turner Prize recipient, Darren Almond, is prominently represented by three cycles of works in which he examines the significance of the Moon for humanity right back to the Stone Age. AN AUDIO FIRST: A DIALOGUE BETWEEN ASTRONAUTS Research, technology and culture come together for this anniversary presentation, bringing loans to the Kunsthaus Zürich from all over the world. They include previously unshown items such as the artistic reutilization by Sonia Leimer of the recording of two Russian cosmonauts discussing the Blue Planet from their remote viewpoint and photographs of the Earth taken by the astronaut William Anders who could have since reinvented himself as an artist but didn’t. Lenders include major institutions such as the Archive of the Russian Academy of Sciences (ARAS), the Tretyakov Gallery in Moscow, the Berlinische Galerie, the Max Ernst Museum Brühl, Tate, the UBS Art Collection, the Zabludowicz Collection in London, and private collectors. The exhibition is a collaboration with the German Aerospace Center. It is supported by Swiss Re - Partner for contemporary art, by the Truus and Gerrit van Rimsdijk Foundation and the Swiss Arts Council Pro Helvetia. After Zurich, “Fly me to the Moon” will be shown at the Museum der Moderne in Salzburg.

LES ARTISTES DE L’EXPOSITION - KÜNSTLER IN DER AUSSTELLUNG - ARTISTS IN THE EXHIBITION Darren Almond, Paweł Althamer, Kader Attia, Knud Andreassen Baade, John Baldessari, Peder Balke, Hans Baluschek, Rosa Barba, Guido Baselgia, Alan Bean, Nuotama Frances Bodomo, R. Buckminster Fuller, René Burri, Coop Himmelb(l)au, Johan Christian Dahl, Niki de Saint Phalle, Robert Delaunay, Sǿren Engsted, Brian Eno, Max Ernst, Nir Evron, Camille Flammarion, Sylvie Fleury, Lucio Fontana, Johann Heinrich Füssli, Galileo Galilei, Liam Gillick, Douglas Gordon, Romeo Grünfelder, Ingo Günther, Michael Günzburger, Richard Hamilton, Hannah Höch, William Karel, Philipp Keel, Albert von Keller, Yves Klein, Kiki Kogelnik, David Lamelas, Fritz Lang, Lena Lapschina, Sonia Leimer, Alexei Leonow, Zilla Leutenegger, René Magritte, Hiroyuki Masuyama, Georges Méliès, Pierre Mennel, Anna Meschiari, Cristina de Middel, Jyoti Mistry, Gianni Motti, Edvard Munch, Forrest Myers, Friedrich Nerly, Katie Paterson, Amalia Pica, Robert Rauschenberg, Hans Reichel, Thomas Riess, Pipilotti Rist, Ugo Rondinone, John Russell, Michael Sailstorfer, Peter Schamoni, Giovanni Segantini, Yinka Shonibare MBE, Roman Signer, Andrej Sokolov, Nedko Solakov, Pamela Phatsimo Sunstrum, Konstantin Ziolkowsky, Oliver van den Berg, Stan VanDerBeek, Vladimir Dubossarsky & Alexander Vinogradov, Andy Warhol, Marianne von Werefkin, Nives Widauer und andere.

kunsthaus zurich Oskar kokoschka. une rétrospective - jusqu’au 10 mars 2019 Oskar kokoschka. eine retrospektive - bis zum 10. märz 2019 Oskar kokoschka. a retrospective - until march 10th, 2019 Fly me to the Moon. 50e anniversaire du premier pas sur la lune! - du 5 avril au 30 juin 2019 Fly me to the Moon. 50 Jahre Mondlandung - vom 5. april bis zum 30. juni 2019 Fly me to the Moon. The Moon Landing: 50 Years On - from april 5th until june 30th, 2019 plus d’informations - weitere informationen - more information

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maison d’ailleurs L’expo dont vous êtes le héros jusqu’au 27 octobre 2019 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Jusqu’au 27 octobre 2019 la maison d’ailleurs présente « L’expo dont vous êtes le héros », une exposition de grande envergure qui réfléchit à la question du jeu - de société, de figurines, de rôle, vidéo, en réalité virtuelle - et aux livresjeux, tout en proposant aux visiteurs du musée de jouer avec l’exposition, grâce à un scénario interactif à fins multiples sur tablette numérique. L’idée centrale du projet est de montrer que le jeu articule des éléments - espace, règles - que l’on retrouve dans la vie réelle, de telle sorte que le jeu peut être considéré comme une métaphore de l’existence humaine.

Bis zum 27. Oktober 2019 präsentiert das Maison d‘ailleurs „Die Ausstellung mit Dir in der Hauptrolle“, eine breit angelegte Ausstellung, die das Thema des Spiels aufgreift - in der Form von Gesellschafts-, Figuren-, Rollen-, Video- und VR-Spielen sowie Spielbüchern. Gleichzeitig fordert sie die Besuchenden auch dazu auf, mit der Ausstellung zu spielen - mit einem interaktiven Rundgang auf einem Tablet, der je nach Variante unterschiedlich ausgeht. Das Projekt soll vor allem zeigen, dass beim Spielen viele Elemente vorkommen Räume, Felder, Regeln - die auch im realen Leben ihre Bedeutung haben, und dass das Spiel entsprechend als eine Metapher der menschlichen Existenz begriffen werden kann.

Until October 27th 2019 tha Maison d’Ailleurs presents “The Expo Where You Are the Hero”, a major exhibition that explores the question of the game - board games, figurines, role playing, video and virtual reality games - as well as gamebooks, while offering the museum visitors the possibility to actively participate in the exhibition, using an interactive multi-purpose scenario on a digital tablet. The central idea of the project is to show that the game revolves around elements - space, rules - that can be found in real life, so that the game can be considered as a metaphor for human existence.

photo de gauche - Hodas, Pac Man, Filip Hodas, 2017 - photo de droite - Hodas, Mario Super Mushrooms, Filip Hodas, 2017

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Le jeu a été disqualifié et placé du côté du divertissement depuis l’Antiquité: enfantin, doté de peu de consistance, il semblait une activité peu digne d’être étudiée; et, par extension, n’était pas accepté comme une dimension essentielle de l’existence humaine. Il faut attendre le XVIIIe siècle pour voir Friedrich von Schiller redonner ses lettres de noblesse philosophiques au jeu: « L’homme ne joue que là où dans la pleine acceptation de ce mot il est homme, et il n’est tout à fait homme que là où il joue ». Aujourd’hui, et après plus d’un siècle d’analyses, le jeu revient sur le devant de la scène et se voit considéré comme un miroir - une métaphore - de l’existence. Autrement dit, et contrairement à la vie, quand on joue, on agit sans que cette action n’ait de conséquences, sans qu’elle soit irréversible. Le jeu s’oppose donc au sérieux de la vie, dans le sens où le sérieux, c’est « ne pas pouvoir rejouer nos échecs, ne pas pouvoir renaître tout de nouveau » (Stéphane Chauvier, Qu’est-ce qu’un jeu ?, 2007). Par le biais des oeuvres artistiques de Filip Hodas (CZ), de la création numérique du studio Digital Kingdom (CH), des jeux vidéo suisses créés par les collectifs Blindflug, Team KwaKwa, Wuthrer, Okomotive et Hidden Fields, de l’Escape Room imaginée par la Maison d’Ailleurs et du patrimoine ludique du musée, « L’expo dont vous êtes le héros » a pour objectif de réfléchir à la question du jeu - sous ses différentes formes, tout en proposant aux publics du musée de jouer avec l’exposition grâce au scénario digital interactif La Maison aux 100 portes: le musée d’où on ne peut s’échapper, développé spécialement sur tablettes tactiles.

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Seit der Antike wurde das Spiel disqualifiziert und zur Unterhaltung gezählt: Als kindliches Treiben von geringer Tragweite erschien es weder als würdiges Studienobjekt noch als eine wesentliche Dimension der menschlichen Existenz. Erst im 18. Jahrhundert würdigte Friedrich Schiller wieder die philosophische Dimension des Spiels: „Der Mensch spielt nur, wo er in voller Bedeutung des Wortes Mensch ist, und er ist nur da ganz Mensch, wo er spielt“. Heute, nach 100 Jahren Forschung, wird das Spiel wieder geschätzt und lässt sich als ein Spiegel - als Metapher gar - der Existenz auffassen. Anders ausgedrückt: Wer spielt, handelt im Gegensatz zum richtigen Leben ohne Konsequenzen; ohne die Unumkehrbarkeit von Taten. Das Spiel widersetzt sich dem Ernst des Lebens, weil dieser zur Folge hat, „dass wir Niederlagen nicht mehrfach durchspielen können; dass wir nicht einfach neu geboren werden“ (Stéphane Chauvier, Qu’est-ce qu’un jeu ?, 2007). Anhand der Kunstwerke von Filip Hodas (CZ), den Digitalschöpfungen des Studios Digital Kingdom (CH), den Schweizer Games der Kollektive Künstler Blindflug, Team KwaKwa, Wuthrer, Okomotive und Hidden Fields, dem vom Maison d’Ailleurs konzipierten Escape Room sowie dem Fundus des Museums stellt „Die Ausstellung mit Dir in der Hauptrolle“ wichtige Fragen zum Thema des Spiels - in all seinen Erscheinungsformen - und fordert das Publikum gleichzeitig auch zum Spielen mit der Ausstellung auf, dank einem interaktiven digitalen Rundgang namens Das Haus der 100 Türen: Das Museum, aus dem es kein Entkommen gibt, der spezifisch für Touchscreen-Tablets entwickelt wurde.

Since Antiquity, the game has been disqualified and discredited when it comes to recreation: childish, with little consistency, it was considered to be an activity unworthy to be studied and, by extension, was not accepted as an essential dimension of human existence. It wasn’t until the eighteenth century that Friedrich von Schiller reestablished the game’s philosophical prestige and nobility: “Man only plays when in the full meaning of the word he is a man, and he is only completely a man when he plays”. Today, and after more than a century of analysis, the game has once again returned to the forefront and is viewed as a mirror - a metaphor - of existence. In other words, and contrary to real life, when we play we can act without this action having consequences, without it being irreversible. The game is therefore opposed to the seriousness of life, in the sense that seriousness is “not being able to replay our failures, not being able to be reborn anew” (Stéphane Chauvier, Qu’est-ce qu’un jeu?, 2007). Through the artistic works of Filip Hodas (CZ), the digital creation of the studio Digital Kingdom (CH), Swiss video games created by the Blindflug, Team KwaKwa, Wuthrer, Okomotive and Hidden Fields collectives, the Escape Room imagined by the Maison d’Ailleurs and items from the museum’s own collection, the aim of the “The Expo Where You Are the Hero” is to reflect upon the game - in its different forms - while allowing visitors to the museum to participate in the exhibition through the interactive digital scenario The House With a 100 Doors: The Museum From Which One Cannot Escape, specially developed for touch tablets.

photo page de gauche - Team KwakKwa, Helvetii 1 page de droite, photo du haut - Team KwakKwa, Helvetii 2 page de droite, photo du bas - Hidden Fields, Mundaun 2

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page de gauche, photo du haut - Okomotive, FARLoneSails 1 page de gauche, phoot du bas - Okomotive, FARLoneSails 2 page de droite - Okomotive, FARLoneSails 3

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Pour découvrir « L’expo dont vous êtes le héros », la Maison d’Ailleurs met à disposition des outils de médiation aussi instructifs qu’amusants, à commencer par la visite interactive, développée grâce à l’application Geologix. Tablette en main, les visiteurs vivent l’aventure de leur choix: la Maison d’Ailleurs devient un plateau de jeu géant dans lequel les visiteurs choisissent leur chemin en évoluant dans les levels du musée-jeu. Casse-têtes, jeux de combinaisons, messages à déchiffrer permettront à ceux qui relèveront le défi de s’échapper de La Maison aux 100 portes! Cette visite interactive se décline pour les 8 à 14 ans et pour les 14 à 104 ans! Elle est disponible en trois langues et peut être téléchargée gratuitement ou découverte sur les tablettes mises à disposition au musée. Quant au Petit guide de l’expo pour les familles de super-héros, il est réalisé avec la Fondation Jeunesse et Familles et propose un éclairage singulier sur les enjeux du jeu dans les relations interfamiliales; doublé d’un carnet d’activité pour les 4 à 8 ans, il complétera la visite des plus jeunes visiteurs.

Zum Entdecken der „Ausstellung mit Dir in der Hauptrolle“ hält das Maison d’Ailleurs ein paar lehrreiche und vergnügliche Mediations-Tools bereit - insbesondere einen mit der GeologixApp entwickelten interaktiven Rundgang. Mit dem Tablet in der Hand starten die Besucher ins Abenteuer: Das Maison d’Ailleurs wird zum riesigen Spielfeld, durch das die Besucher ihren Weg finden, indem sie das Museums-Spiel von Level zu Level meistern. Nur wer Knacknüsse und Kombinationsrätsel löst und Botschaften dechiffriert, kann das Das Haus der 100 Türen verlassen! Der Rundgang wird für zwei Altersklassen angeboten: 8 - 14 Jahre und 14 - 104 Jahre. Er ist in drei Sprachen erhältlich (inkl. deutsch) und lässt sich gratis herunterladen, oder er läuft auf Tablets, die das Museum zur Verfügung stellt. Zudem wurde mit der Fondation Jeunesse et Familles ein französischsprachiger Petit guide de l’expo pour les familles de super-héros gestaltet, der das Spiel im familiären Kontext erörtert; sowie ein AktivitätenHeftchen für 4-8-jährige Kinder, damit sich auch die jüngsten Besucher nicht langweilen.

To discover “The Expo Where You Are the Hero”, the Maison d’Ailleurs provides mediation tools, both instructive and entertaining, starting with the interactive tour developed through the application Geologix. Tablet in hand, visitors will go on the adventure of their choice: the Maison d’Ailleurs becomes a giant game board where visitors decide the route to follow by evolving in the levels of the game-museum. Puzzles, combination games, messages to decipher, will allow those who take up the challenge to escape from The House With a 100 Doors! This interactive tour is available for 8 to 14 year olds and for 14 to 104 year olds! Available in three languages, it can be downloaded free of charge or discovered on the tablets provided by the museum. As for the Petit guide de l’expo pour les familles de super-héros it was produced in collaboration with the Fondation Jeunesse & Familles and offers a unique insight into the subject of games in interfamily relationships; it comes with an activity book for 4 to 8 years old for the enjoyment of very young visitors.

Maison d’ailleurs L’expo dont vous êtes le héros - jusqu’au 27 octobre 2019 Die Ausstellung mit Dir in der Hauptrolle - bis zum 27. oktober 2019 The Expo Where You Are the Hero - until october 27th, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Collection de l’art brut Art brut du Japon, un autre regard jusqu’au 28 avril 2019 lausanne - SWITZERLAND Art brut du Japon, un autre regard L’exposition Art Brut du Japon, un autre regard propose des oeuvres de vingt-quatre créateurs contemporains, présentées pour la toute première fois dans une institution muséale en Europe. Au Japon, l’Art Brut a généralement été associé à des travaux d’auteurs autodidactes en situation de handicap. Or, la maladie, mentale ou physique, n’est pas un critère pertinent pour définir ce concept théorisé par Jean Dubuffet en 1945, et qui repose sur des caractéristiques sociales et esthétiques. Bien que parmi les productions qu’il a collectionnées et qui sont conservées aujourd’hui à la Collection de l’Art Brut, certaines ont pour auteurs des personnes internées, beaucoup d’autres ont été réalisées par des auteurs n’ayant jamais fréquenté d’institutions psychiatriques. Edward M. Gómez, commissaire de l’exposition Art Brut du Japon, un autre regard, a parcouru le Japon afin de sélectionner des oeuvres provenant de contextes très divers. Il a ainsi réuni aussi bien des productions issues d’ateliers d’expression rattachés à des institutions, que des ensembles provenant de galeries, ou encore des oeuvres de créateurs travaillant chez eux, de manière autonome. Ces dessins, peintures, photographies, sculptures et créations textiles émanent de nombreuses régions du Japon. Leurs auteurs sont jeunes ou âgés, vivent tantôt dans des mégapoles ou des zones rurales, mais ont tous en commun le fait de créer en marge de la société et de la culture nippone dominante. Ancien chef dans un restaurant de nouilles soba, Itsuo Kobayashi (1962) documente chacun de ses repas dans des dessins précis à l’encre colorée, qu’il accompagne de textes descriptifs. Yasuyuki Ueno (1973) cultive son sens du beau et du raffinement dans des compositions détaillées représentant des mannequins de mode et leurs accessoires. Les formes arrondies de Momoka Imura (1995) sont réalisées avec des tissus recouverts de boutons en plastique.

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ART BRUT AUS JAPAN, EIN ANDERER BLICK Die Ausstellung Art Brut aus Japan, ein anderer Blick zeigt Werke von 24 heutigen Kunstschaffenden, die zum ersten Mal in einem europäischen Museum zu sehen sind. In Japan werden Arbeiten autodidaktischer Künstler, die unter einer Behinderung leiden, im Allgemeinen als Art Brut bezeichnet. Eine geistige oder physische Krankheit ist allerdings nicht ein stichhaltiges Kriterium zur Definition des Begriffs, den Jean Dubuffet 1945 entwickelt hat und der auf sozialen und ästhetischen Kennzeichen beruht. Auch wenn sich unter den von ihm gesammelten Arbeiten, die heute in der Collection de l’Art Brut aufbewahrt werden, einige Werke internierter Personen befinden, wurden viele andere von Personen geschaffen, die sich nie in psychiatrischen Kliniken aufhielten. Edward M. Gómez, der Kurator der Ausstellung Art Brut aus Japan, ein anderer Blick, reiste durch Japan, um Werke auszuwählen, die aus unterschiedlichsten Kontexten stammen. So vereinte er Arbeiten aus Ausdrucksateliers, die einer Institution angegliedert sind, Werkgruppen aus Galerien und Objekte von Künstlern, die selbstständig für sich schaffen. Diese Zeichnungen, Gemälde, Fotografien, Skulpturen und Textilarbeiten stammen aus zahlreichen japanischen Regionen. Ihre Urheber mögen jung oder alt sein und in Grossstädten oder auf dem Land leben, ihnen allen gemeinsam ist das Faktum, dass sie am Rand der Gesellschaft und der vorherrschenden japanischen Kultur schöpferisch tätig sind. Itsuo Kobayashi (1962), ehemaliger Chef eines Sobanudel-Restaurants, dokumentiert alle seine Gerichte in präzisen Zeichnungen, die er mit farbiger Tinte ausführt und durch beschreibende Texte ergänzt. Yasuyuki Ueno (1973) kultiviert seinen Sinn für Schönheit und Raffinement in detaillierten Kompositionen, die Modemodels und ihre Accessoires darstellen. Für ihre abgerundeten Formen verwendet Momoka Imura (1995) Stoffe, die sie mit Plastikknöpfen bedeckt.

ART BRUT FROM JAPAN, ANOTHER LOOK Art Brut from Japan, Another Look features works by twenty-four Art Brut creators who are working in Japan today. It comes as a follow-up to Art Brut from Japan, the first-ever exhibition of this kind of art outside Japan, which was presented at the Collection de l’Art Brut in 2008. Since then, the impact and influence of that groundbreaking exhibition have been considerable, and Art Brut from Japan has been shown at art centers, museums, galleries, and art fairs in Europe and North America, as well as in notable exhibitions within Japan. As the phenomenon of Art Brut has become better known within Japan, the works of local creators have gained media attention there, but misunderstandings about the history and nature of this kind of art also have emerged among the general public. At the same time, because very little market infrastructure exists in Japan for the sale and distribution of works made by Japanese creators of Art Brut, direct access to this kind of art has been limited. Art lovers outside Japan have found it difficult to acquire their works. Making such remarkable creations enticingly available again, the exhibition Art Brut from Japan, Another Look showcases a wide variety of works in different media by Japanese creators, including paintings, drawings, ceramic sculptures, mixed-media assemblages, and more. These artworks will be shown in a European museum for the very first time. As this new exhibition demonstrates, genuine Art Brut from Japan is being produced today by a wide range of individuals, young and old, urban and rural. What their creations have in common is that they are all produced on the margins of mainstream society and culture, even if they sometimes reflect subjects or influences from popular culture and the mainstream. Curated by Edward M. Gómez, a specialist in Japanese art and culture, and the senior editor of Raw Vision, the international magazine about Art Brut and Outsider Art, Art Brut from Japan, Another Look brings our understanding of contemporary Japanese creators in this field up to date.

Itsuo Kobayashi, sans titre, entre 1982 et 1989, encre et collage sur papier, 28 x 44 (ouvert) photo: Claudine Garcia, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne. Collection Eternod Mermod, Lausanne

Les sculptures abstraites de Ryuji Nomoto (1971) sont créées à l’aide de colle blanche à laquelle l’auteur ajoute de la couleur, et qui évoquent des morceaux de terre excavés. Fumiko Okura (1984), pour citer un dernier exemple, découpe des photographies de visages tirées de magazines et de journaux et, après les avoir rehaussées au feutre noir, les assemble à l’aide d’adhésif transparent afin de créer des compositions sculpturales. Ce nouvel éclairage sur l’Art Brut au Japon permet de découvrir le foisonnement et la richesse des créations autodidactes dans cette région du monde; il élargit aussi notre vision de cette culture à travers des oeuvres à la fois raffinées, drôles, puissantes, inventives et dissidentes.

Ryuji Nomoto (1971) schafft seine abstrakten Skulpturen aus weissem Klebstoff, den er mit Farbe ergänzt, so dass sie an ausgegrabene Erdstücke erinnern. Abschliessend sei Fumiko Okura (1984) erwähnt, der aus Zeitschriften und Zeitungen Fotos von Gesichtern ausschneidet, die er mit schwarzem Filzstift höht und mit Klebeband zu skulpturartigen Kompositionen zusammenfügt. Die neue Schau über die japanische Art Brut zeugt von der Fülle und dem Reichtum der autodidaktischen Arbeiten in diesem Teil der Welt; zudem erweitert sie unsere Kenntnisse über dortige Kultur anhand von Werken, die raffiniert, lustig, aussagestark, erfinderisch und dissident zugleich sind.

As Gómez observes in the exhibition’s bilingual, French and English catalog, this revealing exhibition “draws upon a deeper understanding of the particular social and historical conditions, and of the critical context [...] in which Japanese Art Brut creators have produced their works.” This exhibition, he notes, has emerged out of all-new, independent relationships developed by the Collection de l’Art Brut with institutions, artists, collectors, and other sources both within and outside Japan. As Sarah Lombardi, the museum’s director, also points out in the catalog, Art Brut from Japan, Another Look “broadens our vision of Japan’s culture by introducing us to works that are at once sophisticated, amusing, powerful, inventive, and dissident.”

Collection de l’art brut Art brut du Japon, un autre regard - jusqu’au 28 avril 2019 ART BRUT AUS JAPAN, EIN ANDERER BLICK - bis zum 28. april 2019 ART BRUT FROM JAPAN, ANOTHER LOOK - until april 28th, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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château de prangins Swiss Press Photo 18 jusqu’au 3 mars 2019 prangins - SWITZERLAND Le Musée national suisse - Château de Prangins présente les meilleures photographies de presse suisses de l’année 2017 dans le cadre de la 27e édition de l’exposition « Swiss Press Photo ». Très attendu par le public, ce rendez-vous annuel prouve une fois encore qu’en plus de leur dimension informative, les images de presse détiennent le pouvoir de montrer un petit supplément d’âme. Regroupés en six catégories, Actualité, Vie Quotidienne, Reportages Suisses, Portrait, Sports et Étranger, « Swiss Press Photo » retrace les événements marquants ou simplement anecdotiques de l’année écoulée. Guillaume Perret, 44 ans, se voit attribué le titre de « Photographe de l’année 2017 » et remporte la catégorie « Portrait » avec sa série intitulée « Daniela - la traversée du cancer » montrant une femme de 67 ans souffrant d’un cancer du sein. De façon extrêmement sensible, le reportage documente le combat et l’espoir après une intervention chirurgicale et une chimiothérapie.

Im Rahmen der 27. Ausgabe der Ausstellung „Swiss Press Photo“ zeigt das Schweizerische Nationalmuseum - Château de Prangins die besten Schweizer Pressebilder des Jahres 2017. Der alljährlich durchgeführte und beim Publikum äusserst beliebte Wettbewerb beweist einmal mehr, dass Pressebilder nicht nur informative Zwecke erfüllen, sondern immer wieder zu bewegen vermögen. Der Wettbewerb „Swiss Press Photo“ gliedert sich in die sechs Kategorien Aktualität, Alltag, Schweizer Reportagen, Porträt, Sport und Ausland und zeigt bedeutende und manchmal auch amüsante Ereignisse aus dem vergangenen Pressejahr. Die Auszeichnung „Swiss Press Fotograf 2018“ geht dieses Jahr an den 44-jährigen Guillaume Perret mit seiner Serie über eine 67-jährige Brustkrebsbetroffene. Die feinfühlige Reportage dokumentiert das Leiden und Hoffen im Anschluss an eine Operation und Chemotherapie. Mit einem Bild aus dieser Serie ist Guillaume Perret zugleich ein Preisträger der Kategorie Aktualität.

page de gauche - photo de gauche - Reportages Suisses, © Remo Naegeli, Swiss Press Photo, 2e place, Zahnarzt auf Achse, Schweizer Illustrierte page de gauche - photo de droite - Vie Quotidienne, © Karin Hofer, Swiss Press Photo, Reinen Wein einschenken, Neue Zürcher Zeitung

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The Swiss National Museum - Château de Prangins showcases the best Swiss press photography of 2017 in the 27th Swiss Press Photo exhibition. This eagerly awaited annual spectacle proves once again that in addition to informing, press photographs can also open a window into the soul. Divided into six categories - News, Daily Life, Swiss Stories, People, Sports and World - Swiss Press Photo revisits the key events of the last year, from the momentous to the anecdotal. The 2018 “Photographer of the Year” title goes to 44-year-old Guillaume Perret, for his series entitled “Daniela - la traversée du cancer” about a 67-year-old woman suffering from breast cancer. With great sensitivity, his reportage documents her ordeal and optimism following an operation and chemotherapy. One of the images from the series also earned him first place in the “News” category.

page de droite - photo en haut à gauche - Portrait, © Pablo Nadir Yanik Gianinazzi, Swiss Press Photo, 3e place, Iftekar Hussain, Keystone et différents médias page de droite - photo en haut à droite - Actualité © Jean-Christophe Bott, Swiss Press Photo, 2e place 18 Juin vote sur Moutier Keystone et différents medias page de droite - photo en bas à gauche - Sports, © Simon Tanner, Swiss Press Photo, Fussball, Neue Zürcher Zeitung page de droite - photo en bas à droite - Photographe Swiss Press de l’année 2018, © Guillaume Perret, Swiss Press Photo, Daniela – la traversée du cancer, Lundi 13, HNE Magazine

Tout aussi poignant, le travail de Niels Ackermann est primé dans les catégories Reportages Suisses et Etranger. Sa vision documentaire a fait l’objet d’un ouvrage, L’Ange Blanc, sorti en 2016. Depuis, il continue d’explorer le monde, comme dans la série Donbass qui dévoile des parois trouées par les balles de tireurs dans des villages de l’est de l’Ukraine. Notons que les deux photographes, ainsi que Dom Smaz, seront présents lors de la Journée spéciale Photos de presse dimanche 3 février 2019. L’exposition dévoile le décor des événements majeurs ayant ponctué l’actualité, tout en donnant un éclairage sur des scènes moins connues, comme les derniers préparatifs du couple Berset avant le dîner de gala donné en l’honneur du président chinois Xi Jinping. Dans la pure tradition, « Swiss Press Photo 18 » raconte de nombreuses histoires. Parfois en une seule photo, d’autres fois avec des séries. Se plonger avec passion dans ces univers visuels bien particuliers représente une délectation qu’amateurs et professionnels de la photographie ne manqueraient pour rien au monde.

Die ebenfalls sehr eindrückliche Arbeit von Niels Ackermann wurde in den Kategorien Schweizer Reportagen und Ausland ausgezeichnet. Sein dokumentarisches Schaffen kennt man bereits aus der 2016 erschienenen Publikation „L’Ange Blanc“ (Der weisse Engel). Seither ergründet er weiterhin verschiedene Weltgegenden, etwa mit der Serie Donbass, für die er durch Einschusslöcher hindurch Szenerien aus Dörfern in der östlichen Ukraine fotografierte. Die zwei Fotografen sind übrigens zusammen mit Dom Smaz am Thementag Pressefotos vom Sonntag, 3. Februar 2019, zugegen. Die Ausstellung beleuchtet sowohl den Glanz als auch die Schattenseiten der meistbesprochenen Ereignisse, gewährt aber auch Einblick in weniger beachtete Momente wie zum Beispiel die letzten Vorbereitungen des Ehepaars Berset vor dem Galadinner zu Ehren des chinesischen Präsidenten Xi Jinping. Seiner langjährigen Tradition getreu erzählt „Swiss Press Photo 18“ unzählige Geschichten - ob in Einzelaufnahmen oder ganzen Reportagen. Das Eintauchen in diese Bildwelten beglückt Amateuren wie Profifotografen gleichermassen und steht deshalb als Pflichtveranstaltung in so mancher Agenda.

Equally poignant is the work of Niels Ackermann, winner in the “Swiss Stories” and “World” categories. His documentary vision forms the subject of the book “L’Ange Blanc” (The White Angel), which was published in 2016. Since then he has continued to explore the world - for example in the Donbass series, comprising photographs of bullet holes in villages of eastern Ukraine taken in November 2017. Both photographers, along with Dom Smaz, will be attending the special press photo day on Sunday 3 February 2019. Wide-ranging in scope, the exhibition focuses on both the key current events and the stories behind them, turning the spotlight on less familiar scenes such as Alain Berset and his wife making their final preparations for a gala dinner in honour of Chinese President Xi Jinping. Maintaining its familiar tradition, “Swiss Press Photo 18” has many tales to tell - sometimes through a single photo, sometimes a series. This is an unmissable opportunity for photographers both amateur and professional to explore the unique visual worlds of the winning practitioners.

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kunstmuseum Bern The Quiet Eye Felicitas Vogler et Ben Nicholson jusqu’au 24 février 2019 You Never Know the Whole Story. Art vidéo & Nouveaux médias de la collection du Kunstmuseum Bern jusqu’au 31 mars 2019 Soi-même en image. Cinq siècles d’autoportraits de la collection d’arts graphiques du 9 mars au 2 juin 2019 bern - SWITZERLAND The Quiet Eye: Felicitas Vogler et Ben Nicholson The Quiet Eye montre pour la première fois une sélection des photographies en couleur de Felicitas Vogler (1922 - 2006) et des peintures et dessins de Ben Nicholson (1894 -1982) légués par Felicitas Vogler au Kunstmuseum Bern. Sans être à proprement parler issues d’une collaboration artistique, leurs oeuvres présentent une certaine parenté. Oscillant entre figuration et abstraction, elles produisent une densité d’atmosphère qui irradie les compositions et les nuances de tons. Les paysages y sont autant d’espaces de résonance des sensibilités individuelles. C’est un monde où les choses sont en lien entre elles et avec le spectateur. Un «monde lumineux», comme le dit le titre d’un album de Vogler - son titre anglais, the quiet eye, tout aussi poétique, a donné son titre à l’exposition.

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The Quiet Eye: Felicitas Vogler und Ben Nicholson The Quiet Eye zeigt erstmals ausgewählte Farbfotografien von Felicitas Vogler (1922 - 2006) sowie Gemälde und Zeichnungen von Ben Nicholson (1894 - 1982), die Felicitas Vogler dem Kunstmuseum Bern vermachte. Ohne das Ergebnis einer künstlerischen Zusammenarbeit im engeren Sinne zu sein, scheinen die Werke verwandt. Sie erzeugen, zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion changierend, in der Fläche und in Nuancen eine atmosphärische Dichte. Die Landschaften werden zum Resonanzraum der eigenen Befindlichkeit. Es ist eine Welt, in der die Dinge miteinander und mit den Betrachtenden verbunden sind. Eine „lichte Welt“, wie Vogler ihren Bildband nannte - sein ebenso poetischer englischer Titel „the quiet eye“ wurde für diese Ausstellung übernommen.

The Quiet Eye: Felicitas Vogler and Ben Nicholson The Quiet Eye is a selection of colour photographs by Felicitas Vogler (1922 - 2006), which are showing for the first time, as well as paintings and drawings by Ben Nicholson (1894 - 1982). The artworks in the exhibition seem somehow interrelated without being the result of any artistic collaboration in the strict sense. They generate a two-dimensional and nuanced atmospheric density that oscillates between representation and abstraction. The landscapes become spaces that echo moods and own states of mind. They are part of a world of interwoven things that interconnect with beholders too. This is a “world of light”, as suggested in the German title of Vogler‘s illustrated volume lichte Welt. The equally poetic title of the English edition, the quiet eye, was chosen for the title of the exhibition.

EXPOSITION - The Quiet Eye: Felicitas Vogler et Ben Nicholson - Ben Nicholson, November 1959 (Paros, 2 circles), Öl und Bleistift auf Pavatex auf Pavatex, 40 x 47,4 cm, Kunstmuseum

Bern, Legat Felicitas Vogler, St-Légier

You Never Know the Whole Story. Art vidéo & Nouveaux médias de la collection du Kunstmuseum Bern Cette exposition du Kunstmuseum Bern se veut un aperçu subjectif des tendances artistiques majeures de la nouvelle ère médiatique. You Never Know the Whole Story est le titre d’une imposante installation vidéo créée en 2000 par l’artiste Ute Friederike Jürss et c’est la devise de cette exposition de la collection - ne juge pas lorsque tu ne connais pas toute l’histoire. Car l’art contemporain fait couramment l’objet de représentations hâtives qui méconnaissent ou n’ont aucune idée des circonstances de sa production. Il existe pourtant des artistes qui traitent du moi et sondent l’inconnu au moyen du cinéma, de la vidéo ou de la photographie, tout en distillant, non sans arrière-pensée, des fausses pistes.

You Never Know the Whole Story. Videokunst & New Media aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern Wichtige Tendenzen in der Kunst der letzten dreissig Jahre - vom Einfluss des Filmischen auf alle Medien sowie der Durchsetzung der Fotografie als Kunst. Der Titel der Ausstellung geht auf den Werktitel der dreiteiligen monumentalen Videoinstallation der deutschen Künstlerin Ute Friederike Jürss aus dem Jahr 2000 zurück und ist das Motto der Sammlungspräsentation - urteile nicht, wenn du nicht die ganze Geschichte kennst. Denn von der Gegenwartskunst wird sich gerne vorschnell ein Bild gemacht, ohne die genauen Begleitumstände zu kennen oder wissen zu können. Doch gibt es Künstlerinnen und Künstler, die gerade das selbst zum Thema küren und mit Film, Video oder Fotografien das Unbekannte ausloten sowie mit Hintersinn falsche Fährten legen.

You Never Know the Whole Story. Video Art and New Media from the Kunstmuseum Bern Collection Key art trends over the last three decades - of the impact of the cinematic on all media and the emergence of photography as an art form. The English idiom “never judge someone, because you’ll never know the whole story” warns us against judging people untowardly. It is likewise the case with contemporary art - we do not yet know the full story because the categories of evaluating it are in a constant state of flux. Nevertheless, the collection gathers together the key art trends over the last thirty years, such as the impact of film on all media as well as the emergence and consolidation of photography as an artistic medium.

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Au XXe siècle, les nouvelles technologies furent accueillies par l’art avec une joie ludique non dissimulée. Non seulement, ces nouveaux moyens de représentation permirent à des genres anciens, tels l’autoportrait ou le paysage, de retrouver leur actualité, mais ils favorisèrent par exemple l’intégration de la narration filmique à d’autres médiums. Les oeuvres exposées, créées de 1970 à nos jours, célèbrent la photographie et le cinéma dans toutes leurs dimensions. En même temps, les artistes mettent à profit les «nouveaux» médias pour se livrer à un examen critique de nos habitudes et conventions visuelles et perceptives - faisant de l’exposition une réjouissante déambulation dans l’histoire occidentale des médias et des mentalités des quarante dernières années. Cette exposition se veut un aperçu subjectif des tendances artistiques majeures de la nouvelle ère médiatique. Les oeuvres présentées sont issues des collections confiées à la collection du Kunstmuseum Bern par la Fondation GegenwART, la Fondation de la Kunsthalle de Berne, la Fondation bernoise pour la photographie, le film et la vidéo et la collection Kunst Heute.

Im 20. Jahrhundert wurden neue Technologien mit grosser Spielfreude in der Kunst aufgenommen. Nicht nur gewannen alte Themen wie Selbstporträts oder Landschaftsdarstellungen mit den neuen Darstellungsmitteln an Aktualität, sondern fand beispielsweise auch das filmische Erzählen Eingang in andere Medien. In den ausgewählten Werken, die zwischen 1970 und heute entstanden sind, zelebrieren Künstlerinnen und Künstler Fotografie und Film in all ihren Facetten. Gleichzeitig hinterfragen sie anhand der „neuen“ Medien unsere Sehgewohnheiten und Wahrnehmungskonventionen - so wird die Ausstellung zum lustvollen Streifzug durch die westliche Medien- und Mentalitätsgeschichte der letzten vierzig Jahre. Mit dieser Ausstellung gibt das Kunstmuseum Bern einen subjektiven Einblick in die wichtigsten künstlerischen Tendenzen seit Beginn des neuen Medienzeitalters. Zu sehen sind Arbeiten aus dem Fundus der Stiftung GegenwART, der Stiftung Kunsthalle Bern, der Bernischen Stiftung für Foto, Film und Video sowie der Sammlung Kunst Heute, die in der Sammlung des Kunstmuseum Bern vereint sind.

In the selection of works, which were produced between 1970 and the present, artists celebrate photography and film in their entire multifaceted spectrum of expression, collecting found footage, reinterpreting film history, touching on the sociological conditions of the film industry and acknowledging the power of landscape in monumental panoramas. They cite urban imagery as digital figural patterns, pay tribute to famous architectural icons, and search for the abstract in the concrete as much as for the poetic in banality. The works are from the holdings of Stiftung GegenwART, Stiftung Kunsthalle Bern, Bernische Stiftung für Foto, Film und Video and Sammlung Kunst Heute.

EXPOSITION - YOU NEVER KNOW THE WHOLE STORY. VIDEOKUNST & NEW MEDIA AUS DER SAMMLUNG DES KUNSTMUSEUM BERN Photo page de gauche - Knut Åsdam, Tripoli, 2010, HD Video-Projektion, Farbe, Ton stereo, 24 Min. (Ausschnitt), Kunstmuseum Bern, Stiftung Kunsthalle Bern, Geschenk des Künstlers

EXPOSITION - YOU NEVER KNOW THE WHOLE STORY. VIDEOKUNST & NEW MEDIA AUS DER SAMMLUNG DES KUNSTMUSEUM BERN - Artistes exposés - Ausgestellte Werke von - The exhibition features works by:

Judith Albert, Max Almy, Hanspeter Ammann, Knut Asdam, Klaus vom Bruch, Balthasar Burkhard, Dimitri Devyatkin, Herbert Distel, Anne Katrine Dolven, Chris Evans, Peter Fischli / David Weiss, Kit Fitzgerald, Herbert Fritsch, Michael von Graffenried, Luzia Hürzeler, Friederike Ute Jürss, Jutta Koether, Jochen Kuhn, Muriel Kunz, Maria Lassnig, Les Levine, Mark Lewis, Carlo Lischetti, MadeIn Company, Cory McCorkle, Gérald Minkoff, Tatsuyo Miyajima, Irene Muñoz, Muriel Olesen, Uriel Orlow, Mai-Thu Perret, Elodie Pong, René Pulfer, Markus Raetz, Pamela Rosenkranz, Christoph Rütimann, Sean Scully, Francisco Sierra, Tom Skapoda, Edin Velez, Christian Vetter, Bill Viola, Anna Winteler, Camillo Yañez.

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EXPOSITION - ICH IM BILD. SELBSTBILDNISSE DER GRAPHISCHEN SAMMLUNG AUS FÜNF JAHRHUNDERTEN Photo page de droite - Maria Lassnig, Metamorphes Selbstportrait, 1959, Aquarell auf Papier, 43,8 x 60 cm, Kunstmuseum Bern, Geschenk der Maria Lassnig Stiftung

Soi-même en image. Cinq siècles d’autoportraits de la collection d’arts graphiques Que vois-je quand je regarde dans le miroir ? Que montre mon visage dans son image ? Questionnement de soi, affirmation de soi, marketing de soi. La physionomie de l’autoportrait s’est amplement diversifiée depuis que les artistes se sont pris pour sujet de représentation - l’empreinte de main d’une peinture pariétale préhistorique n’était-elle pas déjà un autoportrait ? Les autoportraits sélectionnés pour cette exposition illustrent la diversité du genre, ils montrent l’intimité du dessin et les possibilités de reproduction multiple, le monde de l’image conquérante dans la gravure et la photographie. Sont exposées des oeuvres de Rembrandt, Anton Graff, Karl Stauffer-Bern, Adolf Wölfli, Meret Oppenheim, Maria Lassnig, Manon et Luc Tuymans, ainsi que des autoportraits singuliers d’artistes peu connus ou tombés dans l’oubli.

Ich im Bild. Selbstbildnisse der Graphischen Sammlung aus fünf Jahrhunderten Was sehe ich, wenn ich in den Spiegel sehe? Was zeigt mein Gesicht in meinem Bild? Selbstbefragung, Selbstbehauptung, Selbstmarketing. Die Möglichkeiten des Selbstbildnisses sind facettenreich, seit KünstlerInnen sich zur Darstellung brachten, und ist nicht bereits der Handabdruck einer prähistorischen Höhlenmalerei ein Selbstporträt? Die ausgewählten Selbstbildnisse zeigen ein breites Spektrum, die Intimität der Zeichnung ebenso wie die Möglichkeiten des vervielfachten, die Welt erobernden Bildes in Druckgrafik und Fotografie. Zu sehen sind Werke von Rembrandt, Anton Graff, Karl Stauffer-Bern, Adolf Wölfli, Meret Oppenheim, Maria Lassnig, Manon und Luc Tuymans sowie besondere Selbstporträts kaum bekannter oder in Vergessenheit geratener Künstler.

Me in Pictures. Five Centuries of Self-Portraits from the Collection of Prints and Drawings What do I see when I look in the mirror? What does my face reveal in my painting of it? Selfquestioning, self-affirmation, self marketing. Ever since artists first began portraying themselves, self-portraits have opened up multifaceted possibilities. And was not the imprint of a hand in prehistoric cave painting ultimately a self-portrait? The portraits chosen for the exhibition reveal a broad spectrum, ranging from the intimacy of drawings to the endless images of reproduction that have conquered the world through prints and photography. The works in the exhibition are by artists such as Rembrandt, Anton Graff, Karl Stauffer-Bern, Adolf Wölfli, Meret Oppenheim, Maria Lassnig, Manon and Luc Tuymans - as well as outstanding self-portraits by relatively obscure or forgotten artists. rivierart

cacy Plattform#19 du 2 au 31 mars 2019 yverdon-les-bains - SWITZERLAND PLATTFORM #19 Pour la treizième fois en mars 2019, l’exposition « Plattform » donnera un aperçu de la production artistique suisse la plus récente et présentera au CACY une sélection d’artistes sortis des écoles suisses à l’été 2018. En effet, depuis sa dixième édition, « Plattform » est devenue itinérante et, chaque année, se présente dans une Kunsthalle différente. Floyd Grimm, Ohne Titel, Fineliner auf Papier, 594 x 420mm, 2016

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PLATTFORM #19 Im März 2019 wird die Ausstellung « Plattform » zum dreizehnten Mal einen Überblick der jüngsten Schweizer Kunstproduktion geben und im CACY eine Auswahl von Künstlern, die im Sommer 2018 an Schweizer Schulen absolviert worden, präsentieren. Seit ihrer zehnten Ausgabe ist „Plattform“ zu einer Wanderaustellung geworden und präsentiert sich jedes Jahr in einer anderen Kunsthalle.

PLATTFORM #19 For the thirteenth time, in March 2019, the exhibition «Plattform» will present an overview of the most recent swiss artistic creations and will show, at the CACY, a selection of works by artists graduating from swiss schools in the summer of 2018. Since its tenth edition, «Plattform» has become itinerant, presenting every year at a different art gallery. Helvetia Art Prize.

Photo de gauche - Caroline Schattling Villeval, Lectures variables d’une seule et même réalité, 2018, Installation, Dimensions variables, Assemblage d’objets, scultpures,projection Photo de droite - Lorenza Longhi Untitled (Wall), 2017 (pag. 7, 8), Part of the ongoing series Days Are Evil Or Sweets, 2016, Silk-screen on fabric mounted on wood panel, frame, 43 x 30 cm

Pour la première fois en Suisse romande, « Plattform » confirme son soutien à la jeune création du pays au début de sa carrière. Le commissariat est assuré pour cette édition par un collectif composé de Paolo Baggi, Roxane Bovet, Linda Lämmle, Céline Matter, Deborah Müller, Camilla Paolino. L’exposition se déroule en partenariat avec le prix d’art Helvetia.

Zum ersten Mal in der Westschweiz bestätigt „Plattform“ ihre Unterstützung für die junge Schöpfung des Landes zu Beginn ihrer Karriere. Die Kuratorenschaft wird für diese Ausgabe von einem Kollektiv gesichert, das sich aus Paolo Baggi, Roxane Bovet, Linda Lämmle, Céline Matter, Deborah Müller und Camilla Paolino zusammensetzt. Die Ausstellung findet in Partnerschaft mit dem Kunstpreis Helvetia statt.

In the French-speaking part of Switzerland for the first time, «Plattform» confirms its support for our country’s young creatives at the beginning of their careers. For this edition, the curatorship is assured by a collective composed of Paolo Baggi, Roxane Bovet, Linda Lämmle, Céline Matter, Deborah Müller, and Camilla Paolino. This exhibition is in partnership with the Helvetia Art Prize.

cacy ECHO – RENATE BUSER - jusqu’au 3 février 2019 ECHO – RENATE BUSER - bis zum 3. februar 2019 ECHO – RENATE BUSER - until february 3rd, 2019 PLATTFORM#19 - du 2 au 31 mars 2019 PLATTFORM#19 - vom 2. bis zum 31. märz 2019 PLATTFORM#19 - from march 2nd until march 31st, 2019 LA FABRIQUE DE FANZINES - du 16 au 27 avril 2019 - tous les jours de 10h30 à 16h30 LA FABRIQUE DE FANZINES - vom 16. bis zum 27. april 2019 - jeden tag von 10h30 bis 16h30 LA FABRIQUE DE FANZINES - from april 16th until april 27th, 2019 - every day from 10:30 a.m. to 4:30 p.m. cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.centre-art-yverdon.ch

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haus konstruktiv zurich Konkrete Gegenwart du 7 février au 5 mai 2019 zurich - SWITZERLAND Comment l’art contemporain traite-t-il de l’art constructiviste, concret et conceptuel du XXe siècle? Comment se positionne-t-il face à leurs visions, réalisations et parfois même leurs projets plus ou moins utopiques. Utilise-t-il simplement leurs répertoires de formes et de couleurs ou s’intéresset-il également aux concepts qui les sous-tendent? En partant de la question de savoir dans quelle mesure la production artistique actuelle fait référence à notre héritage artistique, le Musée Haus Konstruktiv présente une grande exposition collective à valeur de manifeste.

Wie geht die Gegenwartskunst mit der konstruktiven, konkreten und konzeptuellen Kunst des 20. Jahrhunderts um? Wie steht sie zu deren Ideen und Errungenschaften, wie zu ihren teils utopischen Projekten? Bedient sie sich lediglich ihres Form- und Farbrepertoires oder greift sie auch auf die dahintersteckenden Konzepte zurück? Ausgehend von der Frage, inwiefern die gegenwärtige Kunstproduktion an unser kunsthistorisches Erbe andockt, präsentiert das Museum Haus Konstruktiv eine gross angelegte Gruppenausstellung mit Statement-Charakter.

How does contemporary art handle the constructivist, concrete and conceptual art of the 20th century? What is its stance on that art’s ideas, accomplishments and sometimes utopian projects? Does it merely use its repertoire of forms and colors, or does it also access the concepts behind them? Taking the question of the extent to which contemporary art production latches onto our art-historical heritage as a starting point, Museum Haus Konstruktiv presents a large-scale group exhibition that has the nature of a statement.

Michael Riedel, Besuchte und nicht besuchte Ausstellungen (Einladungen 2005–2016), 2016. Courtesy der Künstler und Gabriele Senn Galerie, Wien

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Chris Cornish, there is mystery everywhere, 2015. Courtesy der Künstler

Intitulée « Présent concret » - car maintenant est toujours un peu hier et demain - l’exposition qui s’étend sur les quatre étages du musée présente les œuvres de plus de 30 artistes de Suisse et d’ailleurs. Conçue comme un parcours incluant, combinant et prolongeant les fils de l’histoire de l’art, l’exposition Konkrete Gegenwart se veut un instantané de la création constructive-concrète et conceptuelle dont l’actualité s’affirme aujourd’hui de façon extrêmement multiforme et vivante. Avec les oeuvres de: Sâadane Afif, Otto Berchem, Otto Berchem & Amalia Pica, Andrew Bick, Vanessa Billy, Stefan Burger, Valentin Carron, Chris Cornish, Jose Dávila, Philippe Decrauzat, Svenja Deininger, Lara Favaretto, Fernanda Gomes, Clare Goodwin, Diango Hernández, Herbert Hinteregger, Wyatt Kahn, Jan Kiefer, Alicja Kwade, Haroon Mirza, Timo Nasseri, Michael Riedel, Walid Raad, Bernd Ribbeck, Karin Schwarzbek, Daniel Steegmann Mangrané, David Renggli, Martin Soto Climent, Esther Stocker, Katja Strunz, SUPERFLEX, Sofie Thorsen, Thomas Vinson, Werner von Mutzenbecher

Unter dem Titel Konkrete Gegenwart - Jetzt ist immer auch ein bisschen gestern und morgen werden auf allen vier Geschossen im Museum Haus Konstruktiv Werke von über 30 Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland präsentiert. Als Parcours angelegt, auf dem Fäden aus der Kunstgeschichte aufgegriffen, verknüpft und weitergesponnen werden, versteht sich Konkrete Gegenwart als Momentaufnahme des konstruktiv-konkreten und konzeptuellen Schaffens, dessen Aktualität sich heute äusserst facettenreich und lebendig behauptet. Mit Werken von: Sâadane Afif, Otto Berchem, Otto Berchem & Amalia Pica, Andrew Bick, Vanessa Billy, Stefan Burger, Valentin Carron, Chris Cornish, Jose Dávila, Philippe Decrauzat, Svenja Deininger, Lara Favaretto, Fernanda Gomes, Clare Goodwin, Diango Hernández, Herbert Hinteregger, Wyatt Kahn, Jan Kiefer, Alicja Kwade, Haroon Mirza, Timo Nasseri, Michael Riedel, Walid Raad, Bernd Ribbeck, Karin Schwarzbek, Daniel Steegmann Mangrané, David Renggli, Martin Soto Climent, Esther Stocker, Katja Strunz, SUPERFLEX, Sofie Thorsen, Thomas Vinson, Werner von Mutzenbecher

Under the title Concrete Contemporary - Now is always also a little of yesterday and tomorrow on all four floors of Museum Haus Konstruktiv, works by over 30 artists from Switzerland and abroad are on display. Set out as a route, on which threads from art history are incorporated, combined and extended, Concrete Contemporary is to be seen as a snapshot of constructivist-concrete and conceptual work with a currency that is asserting itself today in an extremely multifaceted and lively way. With works by: Sâadane Afif, Otto Berchem, Otto Berchem & Amalia Pica, Andrew Bick, Vanessa Billy, Stefan Burger, Valentin Carron, Chris Cornish, Jose Dávila, Philippe Decrauzat, Svenja Deininger, Lara Favaretto, Fernanda Gomes, Clare Goodwin, Diango Hernández, Herbert Hinteregger, Wyatt Kahn, Jan Kiefer, Alicja Kwade, Haroon Mirza, Timo Nasseri, Michael Riedel, Walid Raad, Bernd Ribbeck, Karin Schwarzbek, Daniel Steegmann Mangrané, David Renggli, Martin Soto Climent, Esther Stocker, Katja Strunz, SUPERFLEX, Sofie Thorsen, Thomas Vinson, Werner von Mutzenbecher rivierart

migrosmuseum für gegenwartskunst Producing Futures du 16 février au 12 mai 2019 zurich - SWITZERLAND Au travers de l’exposition collective Producing Futures - An Exhibition on Post-Cyber-Feminisms, le Migros Museum für Gegenwartskunst s’intéresse aux causes défendues par les féministes de l’ère post-internet. De nos jours, nos vies virtuelles et réelles sont étroitement imbriquées. Pourtant, contrairement aux proclamations des cyberféministes des années 1990, si le cyberespace s’est imposé comme un lieu de libération et d’autonomisation, il a également servi à renforcer les hiérarchies et les structures de pouvoir existantes. En utilisant une nouvelle œuvre du collectif d’artistes VNS Matrix, qui a marqué de son empreinte la notion de « cyber-féminisme », l’exposition part des revendications et visions historiques du cyberféminisme, les compare avec la situation actuelle et cherche à déterminer si les idées peuvent encore être productives.

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Mit der Gruppenausstellung Producing Futures An Exhibition on Post-Cyber-Feminisms widmet sich das Migros Museum für Gegenwartskunst den feministischen Anliegen der Post-Internet-Ära. Heute sind das virtuelle und das reale Leben beinahe untrennbar miteinander verbunden. Anders als von den Cyber-Feministinnen in den 1990er Jahren proklamiert, hat sich der Cyberspace jedoch nicht nur als Ort der Befreiung und Ermächtigung etabliert, sondern im gleichen Zuge auch bestehende Hierarchien und Machtstrukturen verstärkt. Mit einer Arbeit des Künstlerkollektivs VNS Matrix, welches den Begriff „Cyber-Feminismus“ prägte, nimmt die Ausstellung die historischen Ansprüche und Visionen des Cyber-Feminismus als Ausgangspunkt, um sie mit der aktuellen Situation in Beziehung zu setzen und zu fragen, ob die Ideen nach wie vor produktiv sein können.

In the group show Producing Futures - An Exhibition on Post-Cyber-Feminisms, the Migros Museum für Gegenwartskunst surveys the causes championed by feminists in the post-internet era. Our virtual and real lives are almost inextricably interwoven today. Yet contrary to the heady proclamations of the cyberfeminists of the 1990s, cyberspace has not evolved into a realm of unclouded liberation and self-empowerment; it has also served to reinforce existing hierarchies and power structures. Opening with a new work by the artists’ collective VNS Matrix, which coined the term cyberfeminism, the presentation revisits the movement’s historic aspirations and visions, contrasts them with the contemporary situation, and inquires into ways in which its ideas may still be productive. MM_Producing Futures_Maggic, Mary Maggic, Housewives Making Drugs, 2017, video still. Courtesy the artist

TSANG101210_2, Wu Tsang, A Day in the Life of Bliss, 2014. Sammlung Migros Museum für Gegenwartskunst, photo: Stefan Altenburger Photography Zurich

L’exposition aborde ainsi de manière critique différentes approches féministes qui mettent en lumière la tension qui existe entre le corps et la technologie ainsi que les normes discriminantes en matière de genre. Les artistes présentés reflètent et transposent l’offre proposée par différentes plateformes en ligne afin de brouiller davantage encore la frontière entre le virtuel et le réel, le on-line et le off-line ainsi qu’entre les genres. De nombreuses œuvres tentent ainsi une approche holistique s’appuyant entre autres sur les sciences médicales et occultes en vue de susciter un débat plus approfondi et d’esquisser un avenir qui en vaille la peine, caractérisé par l’émancipation, l’égalité des genres et l’équité sociale. Organisée par Heike Munder, directrice du Migros Museum für Gegenwartskunst, l’exposition présente les œuvres de Cao Fei, Cécile B. Evans, Lynn Hershman Leeson, Juliana Huxtable, Guan Xiao, Mary Maggic, Shana Moulton, Tabita Rezaire, Gavin Rayna Russom, Frances Stark, Wu Tsang, Anna Uddenberg, VNS Matrix und Anicka Yi. Begleitend zur Ausstellung erscheint im Frühjahr 2019 eine Publikation mit Texten von Joanna Walsh, Yvonne Volkart, Paul B. Preciado, Heike Munder und Elsa Himmer.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht so die Auseinandersetzung mit verschiedenen feministischen Ansätzen, die sich auf die Spannung zwischen Körper und Technik und diskriminierenden Geschlechternormen konzentrieren. Die Künstler in der Ausstellung reflektieren und verfremden das Angebot verschiedenster Online-Plattformen, um so die Grenzen zwischen virtuell und real, online und offline sowie zwischen den Geschlechtern weiter zu verwischen. Viele der Arbeiten verfolgen dabei einen ganzheitlichen Ansatz, der unter anderem die (Medizin-)Wissenschaft und das Okkulte in die Diskussion miteinbezieht, um eine lebenswerte Zukunft zu entwerfen, die durch Emanzipation, Geschlechtergerechtigkeit und sozialer Gleichheit charakterisiert ist. Die von Heike Munder (Leiterin Migros Museum für Gegenwartskunst) kuratierte Ausstellung zeigt Werke von Cao Fei, Cécile B. Evans, Lynn Hershman Leeson, Juliana Huxtable, Guan Xiao, Mary Maggic, Shana Moulton, Tabita Rezaire, Gavin Rayna Russom, Frances Stark, Wu Tsang, Anna Uddenberg, VNS Matrix und Anicka Yi. Begleitend zur Ausstellung erscheint im Frühjahr 2019 eine Publikation mit Texten von Joanna Walsh, Yvonne Volkart, Paul B. Preciado, Heike Munder und Elsa Himmer.

The exhibition undertakes a critical engagement with different feminist approaches that put the spotlight on the tension between body and technology and on discriminatory gender norms. The contributing artists reflect on and defamiliarize the offerings of various online platforms in order to further blur the boundaries between virtual and real, online and offline, and the genders. Many of the works pursue a holistic view, drawing on (medical) science, the occult, and other fields to stimulate a more comprehensive discussion and generate ideas for a livable future of emancipation, gender justice, and social equality. Curated by Heike Munder (director, Migros Museum für Gegenwartskunst), the exhibition will include works by Cao Fei, Cécile B. Evans, Lynn Hershman Leeson, Juliana Huxtable, Guan Xiao, Mary Maggic, Shana Moulton, Tabita Rezaire, Gavin Rayna Russom, Frances Stark, Wu Tsang, Anna Uddenberg, VNS Matrix, and Anicka Yi. An accompanying publication with essays by Joanna Walsh, Yvonne Volkart, Paul B. Preciado, Heike Munder, and Elsa Himmer will be released in the spring of 2019.

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MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE Hodler: influences et postérité jusqu’au 3 mars 2019 genève - SWITZERLAND HODLER: INFLUENCES ET POSTÉRITÉ Depuis le début de cette année de commémoration, la vie et l’oeuvre de Ferdinand Hodler font l’objet d’importantes expositions et publications. L’heure est venue de dévoiler au public des aspects plus secrets de sa production. Une présentation de certains de ses carnets ainsi qu’une exposition-dossier, centrée sur l’étude scientifique et la conservation de ses oeuvres, prennent place aujourd’hui dans le parcours beaux-arts du Musée d’art et d’histoire. Mais Hodler s’installe aussi dans la salle des Armures pour faire écho à la figure traditionnelle du guerrier suisse. HODLER ET LE GUERRIER SUISSE: DE LA FIGURE HISTORIQUE À L’ICÔNE PATRIOTIQUE La salle des Armures accueille une présentation originale mettant en scène la figure traditionnelle du guerrier suisse, dont le peintre a renouvelé la vision pour créer, non sans polémiques, des images vouées à s’imposer comme de véritables icônes nationales.

HODLER: EINFLÜSSE UND NACHLEBEN Seit Beginn dieses Gedenkjahrs sind das Leben und das Werk von Ferdinand Hodler Gegenstand wichtiger Ausstellungen und Publikationen. Der Zeitpunkt ist gekommen, um dem Publikum verborgenere Aspekte seines Schaffens zu enthüllen. Die Präsentation einiger seiner Notiz- und Zeichenhefte sowie eine Studienausstellung über die wissenschaftliche Untersuchung und die Konservierung seiner Werke sind ab heute Teil des Kunst-Parcours des Musée d’art et d’histoire. Im Zusammenhang mit der traditionellen Figur des helvetischen Kriegers ist Hodler jedoch auch im Waffensaal vertreten. HODLER UND DER SCHWEIZER KRIEGER: VON DER HISTORISCHEN FIGUR ZUR PATRIOTISCHEN IKONE Im Waffensaal setzt eine originelle Präsentation die traditionelle Figur des Schweizer Kriegers in Szene, deren Darstellung der Maler erneuert hatte, um - nicht ohne Anfeindungen - Bilder zu schaffen, die sich als echte nationale Ikonen durchsetzen sollten.

HODLER: INFLUENCES AND POSTERITY Since the start of this anniversary year, Ferdinand Hodler’s life and work have been the subject of major exhibitions and publications. It’s now time to reveal some more secret aspects of his artistic production. A selection of his notebooks and a thematic display based on the scientific study and conservation of his works are now on show in the Fine Arts galleries of the Museum of Art and History. Hodler’s work is also to be found in the museum’s Gallery of Arms and Armour, echoing the traditional figure of the Swiss warrior. HODLER AND THE SWISS WARRIOR: FROM HISTORICAL FIGURE TO PATRIOTIC ICON A choice of Hodler’s canvases are displayed in the Gallery of Arms and Armour, all featuring the traditional figure of the Swiss warrior. Hodler’s new approach to this theme produced images that were to become national icons, though not without arousing some controversy.

Photo de gauche - Hallebarde, Lamprecht Koller, Würenlos (Argovie), entre 1663 et 1681, Acier, bois, 201,4 cm, © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo: Flora Bevilacqua Photo du miieu - Dague suisse et fourreau, Suisse, vers 1560-1570, Acier, bois, laiton doré, cuir, 38,4 x 9,40 cm, © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo : Flora Bevilacqua Photo de droite - Hache d’armes, Suisse (?), vers 1475-1480, Acier, laiton, bois, 173,5 cm, © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo : Flora Bevilacqua

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Photo de gauche - Ferdinand Hodler (1853-1918), Dietegen couvrant la retraite de Marignan, 1906-1907 Huile sur toile, 195,5 x 175 cm, Inv. 1939-31 © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo: Maurice Aeschimann Photo de droite - 1. Ferdinand Hodler (1853-1918), Guerrier à la hallebarde, 1895, Huile sur toile, 326 x 106,7 cm, Inv. 1939-30, © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo : Flora Bevilacqua

En regard de celles-ci, des armes illustrent l’équipement du combattant confédéré au temps des guerres de Bourgogne et d’Italie. Ce dialogue permet d’évoquer le processus créatif de l’artiste et de replacer son oeuvre historique dans le contexte d’une époque en quête de symboles identitaires. En témoignent les fameuses représentations des batailles de Morat et de Marignan destinées au Musée national suisse, pour lesquelles le MAH conserve de nombreux travaux préparatoires.

Ihnen sind Waffen gegenübergestellt, welche die Ausrüstung der eidgenössischen Kriegsknechte zur Zeit der Burgunder- und Italienkriege illustrieren. Dank dieses Dialogs lässt sich der Schaffensprozess des Künstlers nachvollziehen und sein historisches Werk in den Kontext einer Zeit einbetten, die auf der Suche nach identitätsstiftenden Symbolen war. Davon zeugen die berühmten Darstellungen der Schlachten von Murten und Marignano im Schweizerischen Landesmuseum in Zürich, für die das MAH zahlreiche Vorarbeiten besitzt.

Interacting with these portraits is a display of weapons that shows the equipment carried by a confederate soldier at the time of the Burgundian and Italian Wars. The dialogue between these weapons and Hodler’s paintings evokes the artist’s creative process and places his historical pieces in the context of an era in search of symbols of identity. This is reflected in the famous representations of the Battles of Morat and of Marignan painted for the Swiss National Museum, of which the MAH possesses many preparatory works.

MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE Hodler: influences et postérité - jusqu’au 3 mars 2019 HODLER: EINFLÜSSE UND NACHLEBEN - bis zum 3. märz 2019 HODLER: INFLUENCES AND POSTERITY - until march 3rd, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.org reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés.

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 22 994 88 90 info.prangins@museenational.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

LA VILLA ROMAINE DE PULLY Av. Samson-Reymondin 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04 musees@pully.ch www.villaromainedepully.ch de mai à sept. le dimanche de 14h à 18h

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

CARREFOUR DES ARTISTES LE LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THE MEETING POINT FOR ARTISTS

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 27 février - mars - avril 2018 - CHF 10.-

N 26 novembre - décembre - janvier 2017-2018 - CHF 10.-

RIVIERART

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

RIVIERART

la revue suisse des amateurs d’art et de culture r a rt rriivviieerraarrtt rivier a rt

-4

numéros

- cHF 40.-

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier. rivierart

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h. Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40. 2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés. 3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE MUS ÉE GUTENBERG Au Château - 1684 Mézières tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 Tél Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 - CH-4125 RiehenBündner / Basel Kunstmuseum Chur www.museegutenberg.ch www.museepapierpeint.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi de 18h; Tel : 081 257 28 70 info@bkm.gr.ch jeudi de 11h à 20h, dimanche de 11h 10h àà 17h www.fondationbeyeler.ch de13h30 à 17h00 ; novembre mars : samedi 26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche dede10h Tous les jours 10hàà 17h 18h, le mercredi de 10 www.buendner-kunstmuseum.ch KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 13h30 à 17h00. MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et au dimanche de 10h à 17h, jeudi Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 du mardi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés. MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE de 10h à 20h Tel. +41 (0)32 967 60 77 info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le FRIwww.museegutenberg.ch ART jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; Petites-Rames tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 22, CH - 1701 Fribourg 26 décembre de à 20h, dimanche de 10h à 17h Téljeudi : 026Bern 32311h 23 51 Helvetiaplatz 5, CH - 3005 MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77info@fri-art.ch 11 www.fri-art.ch Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch mercredi vendredi de 12h à 18h ; samedi Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10hau à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Stiftung Lokremise St.Gallen museehn@fr.ch 6 - 2400 Lewww.fr.ch/mhn Marie-Anne-Calame Locle entre les exposijeudi de 18h à 20h. (fermé ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch tions temporaires) 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier. 26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h.

FRIBOuRg

NEuCHÂTEL

BÂLE

ST. GALL

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40. 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

BERNE

FRIBOuRg

Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

GRISONS

FRIBOuRg

de l’éditeur. Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur. Offre valable

oires :

1517

onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

ZURICH

1517

DE-FONDS de-Fonds

BERNE BERNE

Date et signature obligatoires : Date

Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés. 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

7/10/2016 6:32:14 PM

rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

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