Rivierart n20 05 2016

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

Piaget Altiplano 1205P

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SOMMAIRE INHALT CONTENTS

FESTIVAL 8 - 11

Montreux Jazz Festival

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Rencontres & Inspiration

MUSéES 12 - 14 16 - 17 18 - 20 21 - 23 24 - 27 28 - 31 32 - 33 34 - 35 36 - 41 42 - 43 44 - 45

Collection de l’art brut Musée d’Ethnographie Genève Maison d’Ailleurs Musée cantonal des Beaux-Arts Mudac Musée Ariana Kunstmuseum Bern Musée d’art et d’histoire Genève Château de Prangins Musée Barbier-Mueller Musée des Beaux-arts de la Chaux- de-Fonds 46 - 47 Musées - Vaud 48 - 49 Musées - Bâle, Berne, Neuchâtel

Fribourg, Valais, Genève

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07.04. – 21.08.2016

HODLERSTRASSE 8 – 12 CH-3000 BERN 7 WWW.KUNSTMUSEUMBERN.CH DI 10H – 21H MI-SO 10H – 17H

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Dans les années 60, un jeune passionné a mobilisé toute son énergie et sa persévérance en vue d’offrir à sa région un nouveau festival digne d’elle. Ainsi est né le Montreux Jazz Festival. Par son enthousiame et sa force de persuasion, Claude Nobs a su mobiliser les énergies de toute une région.

En cette année 2016, le Festival fête ses 50 ans d’existence. Une longévité remarquable qui ne met cependant pas à l’abri des difficultés dans un monde où tout évolue si vite. Nul doute que la nouvelle équipe saura assurer la pérennité d’une institution qui a permis à Montreux de maintenir jusqu’à aujourd’hui son renom au niveau mondial.

Pour sa part, Rivierart fête plus modestement ses 5 ans d’existence. Votre magazine d’art et de culture devient lentement un des supports les plus visibles et les plus appréciés pour un large public. Contribuer au rayonnement de nos musées, aider à en faire découvrir et partager les richesses, c’est tenter dans le domaine des Arts ce que le Festival de Jazz a réussi pour Montreux.

In den 60er Jahren hat ein junger Enthusiast seine ganze Energie und Ausdauer mobilisiert, um seiner Region ein neues Festival zu bieten, das ihrer würdig ist. So wurde das Montreux Jazz Festival geboren. Durch seine Begeisterung und Überzeugungskraft ist es Claude Nobs gelungen, die Energie einer ganzen Region zu aktivieren.

Dieses Jahr feiert das Festival sein 50-jähriges Bestehen. Eine bemerkenswerte Langlebigkeit, die jedoch nicht vor den Schwierigkeiten dieser schnelllebigen Welt sicher ist. Das neue Team wird aber ohne Zweifel den Fortbestand dieser Institution sichern, die es Montreux ermöglicht hat, seinen guten Ruf bis heute weltweit zu erhalten.

Seinerseits, feiert Rivierart bescheiden seine 5-jährige Existenz. Ihr Kunst- und Kulturmagazin wird langsam zu einem der sichtbarsten und meist geschätzten Medien für ein breites Publikum. Durch die Förderung unserer Museen und den Beitrag zur Entdeckung ihrer Reichtümer will Rivierart versuchen, im Bereich der Kunst das zu vollbringen, was das Jazz Festival für Montreux erreicht hat.

In the ‘60s, a young enthusiast garnered all his energy and perseverance to bring to light a new festival, one worthy of the area, to his region.

Thus, the Montreux Jazz Festival was born. Armed with his enthusiasm and powers of persuasion, Claude Nobs managed to garner the attention of an entire region.

This year in 2016, the Festival celebrates its 50th year; a remarkable achievement in longevity but one which does not guarantee immunity from the challenges inherent in our fast changing world. No doubt the Festival’s new team will ensure the perenniality of this institution which has until now aided Montreux to maintain its place on the world stage.

For its part, this year Rivierart more modestly celebrates its 5th anniversary. Your art and culture magazine is steadily becoming one of the most visible and appreciated media platforms available to the broader public. Indeed, to contribute to the discovery of our museums and the sharing of the treasures within, is to try to do in the field of Arts what the Jazz Festival has done for Montreux.

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L’invité de Rivierart Mathieu Jaton Directeur du Montreux Jazz Festival Direktor des Montreux Jazz Festivals Director of the Montreux Jazz Festival

© 2015 FFJM - Mehdi Benkler

Le 50e Montreux Jazz Festival: un demi-siècle de musique. Des brassées de souvenirs ressurgissent. Je pense à Claude Nobs. Il évoquait déjà cette édition qu’il avait tant envie de fêter.

Aujourd’hui, au sein de l’équipe, nous avons la chance et la responsabilité de tenir entre nos mains un vinyle précieux. Montreux est un lieu d’histoires fantastiques, de convergences artistiques folles. Nous voulons célébrer cette épopée musicale bâtie sur l’audace, les impulsions et les rêves sans limites.

50 ans, c’est l’occasion de prendre acte de la force incontestable de notre histoire pour mieux la projeter dans l’avenir. Tout en s’adaptant aux évolutions radicales du marché de la musique, Montreux va continuer de faire vivre le spectacle à sa façon. C’est-à-dire en prenant soin de son savoir-faire et des valeurs qu’il a toujours estimées: la pluralité et la proximité musicale, l’obsession de la qualité et le partage autour d’instants uniques.

Avant d’embarquer vers ce nouveau chapitre, je tiens à remercier les artistes et le public. Je voudrais faire honneur à leur relation si particulière, au creux de laquelle se niche le sens fondamental de notre métier.

Eine Vielzahl von Erinnerungen tauchen wieder auf. Ich denke an Claude Nobs. Er sprach schon von dieser Ausgabe, die zu feiern er sich so sehr gefreut hat. Im Team haben wir heute die Chance und die Verantwortung, ein kostbares Vinyl in unseren Händen zu halten. Montreux ist ein Ort der fantastischen Geschichten, der verrückten künstlerischen Übereinstimmungen. Wir wollen dieses musikalische Epos feiern, das auf Kühnheit, Impulsen und grenzenlosen Träumen gebaut ist.

50 Jahre ist eine Gelegenheit, die unbestreitbare Stärke unserer Vergangenheit anzuerkennen, um sie auf die Zukunft zu übertragen. Trotz der Anpassungen an die radikalen Entwicklungen des Musikmarktes, wird Montreux die Show auf seine Art fortsetzen, indem man sich um die Expertise und Werte bemüht, die geschätzt werden: die Vielzahl und die musikalische Nähe, die Leidenschaft für Qualität und den Austausch einzigartiger Momente.

Bevor dieses neue Kapitel aufgeschlagen wird, lege ich Wert darauf, mich bei den Künstlern und dem Publikum zu bedanken. Ich möchte ihre besondere Verbindung hervorheben, in deren Inneren der Grundgedanke unseres Metiers entspringt.

The 50th Montreux Jazz Festival: half a century of music. A multitude of memories resurface. I think of Claude Nobs. He was so greatly anticipating this edition and had been looking forward to celebrating it. Today our team has not only the luck but also the responsibility of holding this precious vinyl in our hands. Montreux is a place of fantastic stories and crazy artistic convergences. We seek to celebrate this musical legacy, one built on audacity, impulse and unrestricted dreams.

Our 50th year provides a unique opportunity to acknowledge the undeniable strength of our history and to look towards growing it even more into the future. While adapting to radical changes in the music industry, Montreux will continue to put on a good show just like it has always done. That is, by cherishing the knowhow and the esteemed values of the festival: the plurality and accessibility of performances, an obsession with quality and the sharing of unique moments.

Before embarking on this new chapter, I am keen to thank the artists and the spectators. I would like to honor this relationship, which is so special and forms the hollow in which the fundamental sense of our profession nests.

Mathieu Jaton

Mathieu Jaton

Mathieu Jaton

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Montreux jazz festival 50e édition du 1er au 16 juillet 2016 montreux - SWITZERLAND Le Montreux Jazz Festival célèbre sa 50e édition cette année. Un demi-siècle de musiques vivantes, sublimées chaque été dans une petite ville extraordinaire. L’affiche 2016 réalisée par Giovanni Riva, tout comme les projets et collaborations de ce jubilé tourné vers l’avenir, sont imprégnés du ciment historique qui lie le Festival aux artistes et au public. En l’espace de 50 ans, le Montreux Jazz Festival est devenu un rendez-vous singulier dans le monde de la musique. La perspective de cette édition est d’abord l’occasion pour le Festival de raconter son histoire, d’affirmer ses valeurs et ses spécificités, afin de mieux se projeter dans l’avenir. photo page de gauche - Montreux Jazz Festival - ©2014 FFJM Arnaud Derib

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Das Montreux Jazz Festival feiert dieses Jahr sein 50. Jubiläum. Ein halbes Jahrhundert lebendiger Musik, die jeden Sommer in einer kleinen und ausserordentlichen Stadt gefeiert wird. Das von Giovanni Riva gestaltete Plakat 2016 sowie auch die Projekte und Kooperationen dieses Jubiläums sind zukunftsorientiert und geprägt von der historischen Verbindung des Festivals mit Künstlern und Publikum. Innerhalb von 50 Jahren hat sich das Montreux Jazz Festival in der Musikwelt zu einem einzigartigen Ereignis entwickelt. Im Hinblick auf diese Ausgabe hat sich das Festival dafür entschieden, die Gelegenheit zu nutzen, um seine Geschichte zu erzählen und seine Werte und Spezifitäten hervorzuheben, um voller Elan die Zukunft anzusteuern.

The Montreux Jazz Festival is celebrating its 50th edition this year. A half-century of sublime, living music in an extraordinary little city. The 2016 poster by Giovanni Riva, like the projects and collaboration for this future-oriented jubilee, is steeped in the historic bonds that tie the Festival to its artists and public. Over 50 years the Montreux Jazz Festival has become a singular rendezvous in the world of music. For this edition, the Festival intends to tell its story and affirm its values and specificities in order to better project itself into the future. photo page de droite, haut gauche - Montreux Jazz Club - ©2015 FFJM Marc Ducrest / photo page de droite, milieu gauche - Montreux Jazz Festival - ©2014 FFJM Arnaud Derib / photo page de droite, haut droite - Montreux Jazz Festival ©2015 FFJM Anne-Laure Lechat

Depuis sa création en 1967 par Claude Nobs, le Festival est rapidement devenu un réservoir de concerts fantastiques, de convergences artistiques folles, d’instants rares, d’anecdotes improbables, de culot et de paris ambitieux, d’impulsions décisives. Le Festival a accueilli dans son cadre idyllique des artistes d’envergure légendaire.

Seit das Festival 1967 von Claude Nobs ins Leben gerufen wurde, ist es in kurzer Zeit zu einem Reservoir an fantastischen Konzerten und künstlerischer Konvergenz geworden, gespickt mit seltenen und besonderen Augenblicken, erstaunlichen Anekdoten, Mut und ambitionierten Vorhaben sowie entscheidenden Impulsen. Das Festival empfängt in der idyllischen Umgebung legendäre Künstler.

From its creation in 1967 by Claude Nobs, the Festival rapidly earned a reputation for fantastic concerts, unbelievable artistic collaborations, rare moments, improbable anecdotes, audacity, ambitious projects, and impulsive decisions. The Festival has welcomed legendary artists into its idyllic embrace. photo page de droite, en bas - Montreux Jazz Festival - ©2015 FFJM Vincent Bailly

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Certains artistes, comme Prince ou Deep Purple ont contribué à écrire la légende des lieux dans leurs chansons quand d’autres, tels David Bowie, Nina Simone ou Freddie Mercury sont venus vivre dans la région ou y enregistrer des albums. Le Festival a mélangé tous les genres musicaux, découvert et porté de jeunes talents, installant durablement la ville sur la carte du monde et dans le coeur du public. Il continue aujourd’hui de poursuivre les rêves déraisonnables de feu son fondateur. Claude Nobs aura insufflé à ses équipes d’hier, d’aujourd’hui et de demain sa passion et des valeurs fondamentales: le sens de l’accueil, la proximité et la convivialité avec les artistes, l’obsession pour la qualité du son, et cette capacité à provoquer les hasards afin que la magie opère. Pour faire vivre toutes les musiques au plus grand nombre dans des conditions optimales, Montreux a toujours tenu à se renouveler tant sur ses scènes principales que sur l’ensemble de ses scènes gratuites. Depuis ses débuts, visionnaire, le Festival enregistre minutieusement tous ses concerts au moyen des meilleures technologies du moment. Cette collection d’archives audiovisuelles unique au monde rassemble plus de 5’000 heures de musique live. Elle est aujourd’hui inscrite au Registre de la «Mémoire du Monde» de l’UNESCO. Giovanni Riva & Mathieu Jaton, CEO Montreux Jazz Festival © FFJM – AnneLaureLechat

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Einige davon, wie z.B. Prince oder Deep Purple, haben legendäre Geschichten der verschiedenen Schauplätze in ihren Songs verarbeitet, während David Bowie, Nina Simone oder Freddy Mercury in der Region gelebt oder Alben aufgenommen haben. Das Festival vermischt alle Musikgattungen, hat junge Talente entdeckt und unterstützt, und möchte der Stadt somit langfristig einen Platz auf der Weltkarte und im Herzen des Publikums verschaffen. Es folgt weiterhin den unvernünftigen Träumen seines verstorbenen Gründers. Claude Nobs hat dem Team von damals, von heute und von morgen seine Leidenschaft und grundlegende Werte eingehaucht: Einen Sinn für Gastfreundschaft, die Nähe und die Geselligkeit zu und mit den Künstlern, der enorme Stellenwert guter Tonqualität und die Fähigkeit, den Zufall herauszufordern, um magische Momente zu ermöglichen. Damit ein möglichst breites Publikum unter optimalen Bedingungen ein möglichst breites musikalisches Feld entdecken und erleben kann, hat Montreux immer viel Wert darauf gelegt, sich neu zu erfinden, sowohl auf den Haupt- als auch auf den Gratisbühnen. Mit seinem schon immer visionären Charakter nimmt das Festival minutiös und mit Hilfe modernster Technologien alle seine Konzerte auf. Diese einzigartige Archivsammlung vereint mehr als 5’000 Stunden Live-Musik und ist heute Teil des Weltdokumentenerbes der UNESCO.

Some artists, like Prince and Deep Purple, contributed to penning the legend of Montreux through their songs, while others, like David Bowie, Nina Simone, and Freddie Mercury came and lived in the region, or recorded albums here. The Festival has mixed all musical genres and discovered and nurtured talented young artists, carving out a permanent mark on the world map and in the hearts of the public.

The Festival continues today to bring to life the unreasonable dreams of its founder. Claude Nobs has inspired in his teams of yesterday, today, and tomorrow his passion and fundamental values: a sense of hospitality, close, friendly ties with artists, an obsession with sound quality, and a gift for bringing about the unexpected so that magic happens. To breathe life into all kinds of music for the greatest possible number in optimal conditions, Montreux has always been committed to progress, both on the main Festival stages and at the free venues. From its inception the Festival has proven visionary by scrupulously recording every single concert using the latest technologies of the moment. This absolutely unique collection of audiovisual archives contains more than 5000 hours of live music, and has been recognized by UNESCO through inclusion in the “Memory of the World Register”.

L’AFFICHE, STRUCTURE LUMINEUSE FÉDÉRATRICE Cette année, le logo s’affiche au coeur de l’oeuvre, synthèse multicolore de toutes les affiches réalisées jusqu’à présent: le symbole de 50 ans de rencontres artistiques et de mélange des genres. Le concepteur de cette affiche, le vaudois Giovanni Riva, a en effet recomposé le logo officiel du Festival, tiré de l’affiche réalisée par Jean Tinguely en 1982. Sur un fond bleu nuit sillonné à la manière d’un vinyle, le logo est composé d’éclats des 49 affiches précédentes, disposées chronologiquement. L’affiche 2016 synthétise ainsi une autre grande histoire: celle du lien entre le Montreux Jazz Festival et les arts visuels. En effet, les affiches, tout comme les archives audiovisuelles, font partie du patrimoine du Festival. Depuis ses débuts, celui-ci confie la création de ses affiches à des artistes internationaux sur un principe de « carte blanche ». Si l’affiche honore cette spécificité montreusienne, Giovanni Riva a voulu ancrer ce symbole fort dans le sol, sur les terres du Festival, le matérialisant avec l’aide d’artisans locaux sous forme d’une installation lumineuse monumentale.

CAP SUR RIO

DAS PLAKAT, VERBINDENDE UND LEUCHTENDE STRUKTUR Auf dem Plakat ist das Logo in Form einer mehrfarbigen Sythese aller bis dato erstellten Plakate zu sehen: ein Symbol der seit 50 Jahren andauernden künstlerischen Begegnungen und der Mischung der Genres. Auf dem Plakat, erstellt vom Waadtländer Giovanni Riva, wurde das offizielle Logo des Festivals, das ursprünglich von Jean Tinguely’s Plakat-Kreation aus dem Jahr 1982 stammt, neu zusammengesetzt. Auf einem nachtblauen, vinylähnlichen Hintergrund mit Rillen befindet sich das Logo, das aus Ausschnitten der 49 vergangenen Ausgaben besteht und chronologisch angeordnet ist. Das Plakat 2016 weist so auf eine weitere grosse Geschichte hin: Auf die Verbindung zwischen dem Montreux Jazz Festival und der visuellen Kunst. Die Plakate gehören nämlich, wie auch die audiovisuellen Archive, zum Erbe des Festivals. Das Festival folgt dem Prinzip der „Carte blanche“, indem es die Gestaltung der Plakate seit seinen Anfängen Künstlern überlässt. Während diese Spezifität in der Gestaltung des Plakats berücksichtigt wird, wollte Giovanni Riva dieses starke Symbol sprichwörtlich im Boden verankern, auf dem Gelände des Festivals, was er mit Hilfe von lokalen Handwerkern in Form einer monumentalen Lichtinstallation getan hat.

THE POSTER, A LUMINOUS COMPOSITE STRUCTURE This year the logo is at the heart of the poster artwork, with a multihued synthesis of all the posters produced up until now symbolizing 50 years of artistic encounters and mixing genres. The artist behind this poster, Giovanni Riva, recomposed the official Festival logo from Jean Tinguely’s 1982 poster. On a midnight blue background grooved like a vinyl record, the logo is made up of fragments of the 49 preceding posters, laid out in chronological order. The 2016 poster thus brings together another incredible story: that of the connection between the Montreux Jazz Festival and the visual arts. The posters, like the audiovisual archives, constitute part of the Festival’s heritage. Since its creation, the Festival has given international artists “carte blanche” to create the posters. With his poster paying tribute to this Montreux tradition, Giovanni Riva wanted this symbolic artwork to be solidly rooted in the bedrock, the terroir, of the Festival, so he crafted a monumental luminous installation with help from local artisans.

UN PROGRAMME 100% BRÉSILIEN 10.02 AU 25.09.2016 olympic.org/musee

montreux jazz festival 50e édition - du 1er au 16 juillet 2016

50. Jubiläum - vom 1. bis 16. July 2016 50th edition - from the 1st to the 16th of july, 2016

Partenaire officiel du Musée Olympique :

ab

www.montreuxjazzfestival.com rivierart

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COLLECTION DE L’ART BRUT L’art brut de Jean Dubuffet, aux origines de la collection jusqu’au 28 août 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Février 2016 marque les quarante ans de la Collection de l’Art Brut; c’est une occasion de revenir sur l’origine même du concept d’Art Brut tel que l’entendait l’artiste français Jean Dubuffet, à qui l’on doit l’invention du terme, ainsi que l’existence du musée, créé le 26 février 1976, après la donation de sa collection d’Art Brut à la Ville de Lausanne.

Im Februar 2016 feiert die Collection de l’Art Brut ihr 40-Jahr-Jubiläum; eine Gelegenheit, um auf den Ursprung des Begriffs Art Brut zurückzukommen, wie ihn der französische Künstler Jean Dubuffet verstand, der diesen Ausdruck prägte und dem das Museum seine Existenz verdankt: Es wurde am 26. Februar 1976 gegründet, nachdem Dubuffet seine Art-Brut-Sammlung der Stadt Lausanne geschenkt hatte.

Jeanne Tripier, Peinture d’astral boréal, 1937. Encre sur papier, 31 × 21 cm Photo : Claudine Garcia, AN. Collection de l’Art Brut, Lausanne

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February 2016 marks the fortieth anniversary of the Collection de l’Art Brut: The occasion merits a return to the origin of the Art Brut concept, as invented by the French artist Jean Dubuffet, and a celebration of the museum’s existence, such as it was instigated by Dubuffet’s donation of his Collection to the City of Lausanne on February 26th 1976.

Joseph Degaudé-Lambert, Sans titre, XVIIIème siècle. Gouache sur papier, 29.5 x 20 cm Photo : Morgane Détraz, AN. Collection de l’Art Brut, Lausanne

Afin de célébrer cet anniversaire, le musée a choisi de réunir dans le cadre de l’exposition intitulée «L’Art Brut de Jean Dubuffet, aux origines de la collection», plus de cent cinquante pièces issues exclusivement du fonds de la Collection de l’Art Brut, et déjà sélectionnées par Dubuffet lui-même pour « L’Art Brut », l’exposition historique qui s’est tenue à la galerie René Drouin, à Paris, à l’automne 1949. Cette manifestation était la toute première organisée par l’artiste hors les murs de la Compagnie de l’Art Brut, avec pour cadre une galerie de la place Vendôme, dont les vernissages étaient très courus dans le Paris de l’après-guerre. Revenir sur cet événement majeur quelque soixante-sept ans plus tard permet d’en mesurer l’audace et toute la portée critique: désigner en 1949 comme de l’art des travaux réalisés par des autodidactes étrangers au champ culturel questionnait la notion même d’art, et ce qu’il représentait alors.

Cette exposition permet aussi au musée de rassembler des travaux collectionnés par Dubuffet entre 1945, début de l’aventure de l’Art Brut, et 1949, soit le noyau d’origine de la Collection de l’Art Brut. Des dessins et sculptures d’auteurs aujourd’hui reconnus, comme Aloïse, Adolf Wölfli, ou encore Auguste Forestier, côtoient notamment des productions d’anonymes, des travaux relevant de l’art populaire ou de l’art naïf, et même quelques dessins d’enfants, tous encore regroupés en 1949 par Jean Dubuffet sous l’appellation d’Art Brut.

Um dieses Jubiläum angemessen zu begehen, hat das Museum beschlossen, im Rahmen der Ausstellung „L’Art Brut de Jean Dubuffet, aux origines de la collection“ mehr als 150 Werke zu zeigen, die ausschliesslich aus dem Bestand der Collection de l’Art Brut stammen und bereits von Dubuffet selber für «L’Art Brut» ausgewählt worden waren, eine historische Ausstellung, die im Herbst 1949 in der Galerie René Drouin in Paris stattfand. Die Veranstaltung war die erste, die der Künstler ausserhalb der Räume der Compagnie de l’Art Brut in einer Galerie der Place Vendôme ausrichtete, deren Vernissagen sich im Paris der Nachkriegszeit grosser Beliebtheit erfreuten. Auf diesen wichtigen Anlass fast 67 Jahre später zurückzukommen, erlaubt es, dessen Kühnheit und kritische Tragweite voll zu ermessen: Im Jahr 1949 Arbeiten als Kunst zu bezeichnen, die von Autodidakten ausserhalb der üblichen Kulturszene geschaffen wurden, stellte den Begriff der Kunst und das, was er damals bedeutete, in Frage.

Zudem gibt diese Ausstellung dem Museum die Möglichkeit, Arbeiten zu vereinen, die Dubuffet zwischen 1945, dem Beginn des Art-Brut-Abenteuers, und 1949 gesammelt hat, das heisst den Urkern der Collection de l’Art Brut. Zeichnungen und Skulpturen von heute anerkannten Künstlern wie Aloïse, Adolf Wölfli oder Auguste Forestier stehen neben anonymen Produktionen, Werken der Volkskunst oder der naiven Kunst und selbst neben einigen Kinderzeichnungen, die Jean Dubuffet 1949 ebenfalls als Art Brut verstand.

In commemoration of this anniversary, the museum is mounting the exhibition “Jean Dubuffet’s Art Brut, from the Collection’s Origins”. The show is to feature over 150 pieces exclusively from the Collection de l’Art Brut holdings, and such as Jean Dubuffet himself had selected them for the historic fall 1949 exhibition held at the René Drouin Gallery in Paris. The latter exhibition was the first that the artist mounted outside the Compagnie de l’Art Brut walls: instead, he chose to show at a Vendôme Square gallery that was very popular with the post-war Parisian art fans. By reverting to this major event some 67 years later allows us to take full measure of the audacity it bespoke at the time and its tremendous critical impact. Imagine labeling as “art” in 1949, pieces made by selftaught strangers to the cultural circles of the day!

This was to question the very idea of art, and what it was seen to represent at the time. The upcoming exhibition also allows the museum to group the works that Dubuffet collected between 1945, when Art Brut was first conceived, and 1949: in other words, the pieces constituting the original core of today’s Collection de l’Art Brut. As such, drawings and sculptures by creators who today enjoy popular recognition - the likes of Aloïse, Adolf Wölfli and Auguste Forestier - sit side by side with works whose creators remain anonymous, with pieces in the vein of folk art or naive art, and even with several children’s drawings. And all of these were grouped together already in 1949, under what Jean Dubuffet chose to designate as “Art Brut.”

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Aloïse, Scène de baiser fleurie à la gouache, 1947. Mine de plomb et gouache sur papier, 120 × 75 cm. Photo : Olivier Laffely, AN. Collection de l’Art Brut, Lausanne

Le titre provocateur du catalogue édité à l’époque par René Drouin - L’art brut préféré aux arts culturels - et le texte pamphlétaire de Dubuffet qui l’accompagne, démontrent que l’Art Brut fait figure de manifeste aux yeux de l’artiste, qui cherche à remettre en question ce que l’on désigne comme étant l’art officiel: « le vrai art il est toujours là où on ne l’attend pas. Là où personne ne pense à lui ni ne prononce son nom. […] Il se promène partout, tout le monde l’a rencontré sur son chemin et le bouscule vingt fois par jour à tous les tournants de rues, mais pas un qui ait l’idée que ça pourrait être lui monsieur Art lui-même dont on dit tant de bien. Parce qu’il n’en a pas du tout l’air».

Adolf Wölfli, Saint Adolf mordu à la jambe par le serpent, 1921. Mine de plomb et crayon de couleur sur papier, 68 × 51 cm. Photo : Marie Humair, AN. Collection de l’Art Brut, Lausanne

Der provokative Titel des seinerseits von René Drouin herausgegebenen Katalogs – L’art brut préféré aux arts culturels (Rohe Kunst statt kultureller Kunst) – und Dubuffets streitlustiger Begleittext zeigen, dass die Art Brut für den Künstler eine Art Manifest war: Er suchte in Frage zu stellen, was gemeinhin als offizielle Kunst galt: «Die echte Kunst ist stets dort, wo man sie nicht erwartet.

Wo niemand an sie denkt noch ihren Namen nennt. […] Sie läuft überall herum, jeder ist ihr auf seinem Weg begegnet und rempelt sie täglich zwanzigmal an allen Strassenecken an, doch nicht einer kommt auf den Gedanken, es könne sich um Frau Kunst persönlich handeln, über die so viel Gutes berichtet wird. Weil sie gar nicht danach aussieht.»

The challenging exhibition catalogue title chosen by René Drouin at the time - L’art brut préféré aux arts culturels [Art Brut preferred to the cultural arts], together with the lampoonist catalogue text penned by Dubuffet , make it clear that in the latter’s eyes, Art Brut represents a manifesto redefining what is labeled as official art: “...real art is always just where it is not expected. Where nobody would think of it nor speak out its name. [...] It walks about everywhere; everyone has met it somewhere along the way, running into it twenty times a day at every street corner, but not a single one of them who might get the idea it could be Mr. Art himself, whom everyone speaks of in the best of terms. Because he simply doesn’t look like him.”

collection de l’art brut lausanne L’ART BRUT DE JEAN DUBUFFET, AUX ORIGINES DE LA COLLECTION - du 5 mars au 28 août 2016 L’ART BRUT DE JEAN DUBUFFET, AUX ORIGINES DE LA COLLECTION - vom 5. märz bis zum 28. august 2016 JEAN DUBUFFET’S ART BRUT, THE ORIGINS OF THE COLLECTION - from march 5st to august 28th, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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www.artbrut.ch

RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person.

sur les pas de claude nobs Passionné et visionnaire, Claude Nobs crée le Montreux Jazz Festival en 1967. Celui-ci acquiert au fil des ans une célébrité mondiale, attirant les plus grands artistes ainsi qu’un public innombrable. Ouvert à toutes les formes de Jazz, fan également de nouvelles technologies, Claude Nobs a constitué une collection unique de quelque 5’000 heures d’enregistrements audio-visuels réalisés lors des concerts du Festival. Cette collection est désormais inscrite au Registre de la Mémoire du Monde de l’UNESCO.

auf den spuren von claude nobs Leidenschaftlich und visionär gründet Claude Nobs 1967das Montreux Jazz Festival. Dieses erwirbt im Laufe der Jahre eine weltweite Berühmtheit und zieht die größten Künstler sowie ein zahlloses Publikum an. Claude Nobs, der offen für alle Formen von Jazz und gleichzeitig ein Fan neuer Technologien war, hat eine einzigartige Sammlung von rund 5.000 Stunden audiovisuelle Aufnahmen zusammengestellt, die während der Konzerte des Festivals realisiert wurden. Diese Sammlung zählt von nun an zum Weltdokumentenerbes der UNESCO.

In the footsteps of claude nobs A passionate and a visionary, Claude Nobs founded the Montreux Jazz Festival in 1967.

Over the years, the Festival has acquired worldwide celebrity attracting both the greatest of artists and an uncountable number of spectators. Open to all forms of Jazz and a fan of new technologies, Claude Nobs built up a unique collection of some 5,000 hours of audiovisual recordings during the Festival’s concerts.

This collection has now been included in the UNESCO Memory of the World Register.

photos © Grégoire Chappuis

photos représentant la silhouette de Claude Nobs sur le banc qui lui est dédié lors de son séjour temporaire au Picotin. Le banc avec la silhouette de Claude Nobs est aujourd’hui installé au Quai Ernest-Ansermet 4 à Montreux. www.rencontres-inspiration.com rivierart

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Musée d’Ethnographie Couleurs d’Amazonie Du 28 avril au 15 décembre 2016 genève - SWITZERLAND En marge de l’exposition « Amazonie. Le chamane et la pensée de la forêt », une sélection de photographies de Johnathan Watts, photographe du MEG, est présentée dans différents lieux de la ville. L’itinérance du projet, qui touche une dizaine de sites à Genève, permet d’aller à la rencontre d’un public qui n’est pas ou peu acquis aux musées. Chaque photographie porte, en bas de l’image, la photo de l’objet en entier et sa légende. Le public est donc invité à retrouver l’objet dans l’exposition du MEG. « Aller au-delà de l’objet entier, dépasser sa fonction, entrer dans sa structure », c’est ainsi que le photographe parle de son exploration de formes et de matières animales et végétales prélevées dans la foisonnante forêt amazonienne.

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In Zusammenhang mit der Ausstellung «Amazonien. Der Schamane und das Denken des Regenwaldes» werden an mehreren Orten der Stadt Aufnahmen des MEG-Fotografen Johnathan Watts zu sehen sein. Das Projekt verteilt sich auf mehrere Standorte in Genf und spricht so ein Publikum an, das kaum oder gar keine Affinitäten zu Museen hat. Jede Fotografie wird am unteren Bildrand durch eine Abbildung des vollständigen Objekts und die dazugehörige Legende ergänzt.

So wird der Betrachter dazu ermuntert, das entsprechende Exponat in der MEG-Ausstellung ausfindig zu machen. «Über das Objekt als Ganzes hinaussehen, seine Funktion ausblenden, in die Struktur eindringen», so beschreibt der Fotograf sein Ergründen tierischer und pflanzlicher Materialien und Formen, die dem üppigen Reichtum des Regenwaldes im Amazonasbecken entstammen.

Alongside the exhibition “Amazonia. The Shaman and the Mind of the Forest”, a selection of photographs by the MEG’s photographer, Johnathan Watts, will be on display in various venues in the city. The exhibition will travel to about ten sites in Geneva to reach audiences who seldom set foot in a museum. Underneath each photograph, a photo of the whole object and its label invites the public to go and find the object in the exhibition at the MEG. The photographer explains that he seeks to “go further than the whole object, to go beyond its function and enter into its very structure”. His photos explore the forms and animal and plant materials taken from the luxuriant Amazonian rainforest.

En donnant à voir l’imperceptible, jusqu’à rendre parfois le sujet énigmatique, Johnathan Watts plonge dans le détail et révèle l’âme des objets en s’approchant au plus près de leur nature. Grâce à la technique de la macrophotographie, ces images étonnantes montrent, à travers leurs objets, la relation étroite qui unit les individus à la forêt amazonienne.

Johnathan Watts zeigt mit seinen Bildern, was das menschliche Auge nicht wahrnimmt, verrätselt es, dringt ein in das ganz Kleine und enthüllt die Seele des Objekts, indem er seinem Wesen auf den Grund geht. Mit der Technik der Makrofotografie gelingt es, in umwerfenden Bildern die enge Beziehung aufzuzeigen, die die einzelnen Lebewesen mit dem Regenwald im Amazonas verbindet.

Letting us see the imperceptible, sometimes even making the subject enigmatic, Johnathan Watts penetrates the details and gets close enough to reveal the object’s soul. These astonishing macro photography shots show, through their objects, how closely these people relate to the Amazonian forest. photo page de gauche à gauche - Ornement de brassard wéréhédichinak (détail), Amazonie, Brésil, État d’Amazonas, Haut-Demini, Rio Tootobi Yanomami-Shiriana. 1960-1963. Plume, plume d’ara macao, bois, coton. H 63 cm l 27 cm. Don de l’ethnologue René Fuerst en 1963. Photo : © MEG / J. Watts photo page de gauche à droite - Diadème (détail), Amazonie, Équateur ? Omagua ?. Fin du 19e - début du 20e siècle. Plume, coton. H 44 cm l 38 cm. Don de Frédéric Dusendschön en 1960 ; ancienne collection Oscar Dusendschön, producteur de caoutchouc à Manaus, 1890-1914.

Photo : © MEG / J. Watts photo page de droite - Barrette nasale (détail). Amazonie, Brésil, Nord de l’État de Mato Grosso, Rio Juruena Erikbatsa. Années 1980. Plume, roseau, fibre végétale. L 62 cm. Acquis de Luis Fernandez en 1985. Photo : © MEG / J. Watts

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MAISON D’AILLEURS Danse avec les étoiles jusqu’au 28 août 2016 YVERDON-LES-BAINS - SWITZERLAND Longtemps considérée comme une forme artistique populaire, et fréquemment réduite à certains de ses thèmes les plus stéréotypés, la science-fiction est en passe d’être reconnue – notamment grâce aux recherches effectuées dans les Universités (UNIL, EPFL) et les Écoles d’art suisses (ECAL, ZHDK, EAA) – comme une des esthétiques centrales d’une Modernité qui se pense elle-même à travers ses productions.

En sa qualité de lieu patrimonial, la Maison d’Ailleurs se fait l’écho de cette observation et se propose, depuis plusieurs années déjà, d’explorer la profondeur artistique de ce champ de la création.

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Lange wurde Science-Fiction als Populärkunst abgehakt und auf ihre stereotypsten Themen reduziert, doch heute wird sie – auch dank der Forschungsarbeit an den Schweizer Universitäten (UNIL, EPFL) und Kunstschulen (ECAL, ZHDK, EAA) – anerkannt als zentrales ästhetisches System einer Moderne, die sich anhand ihrer eigenen Erzeugnisse versteht. Als Ort des kulturellen Erbes reagiert das Maison d’Ailleurs auf diese Feststellung und lädt bereits seit mehreren Jahren dazu ein, die künstlerische Tiefe dieses Schaffensbereichs auszuloten.

Long regarded as a popular art form, and frequently relegated to some of its most stereotyped themes, science fiction is now being recognised – due in particular to research carried out in Swiss Universities (UNIL, EPFL) and Swiss Schools of Art (ECAL, ZHDK, EAA) – as a key aesthetic of a Modernity which imagines itself through its productions. As a place of cultural heritage, the Maison d’Ailleurs has long echoed this observation and has, for several years now, explored the artistic depth of this field of creation.

photo page de gauche - XYZT, Les paysages abstraits - Paysages abstraits. © AMCB

photo page de droite, en haut - Sequenced. © apelab photo page de droite, en bas - Sequenced. © apelab

Après les super-héros, les univers mythiques de la science-fiction et les robots, l’exposition « Danse avec les étoiles » instaure, entre les oeuvres de trois groupes d’artistes (Adrien M / Claire B, Aurélien Jeanney, apelab) et une partie du fonds patrimonial de la Maison d’Ailleurs, un dialogue original autour de la question de la « Poésie de l’Ailleurs ».

Nach den Superhelden, den mythischen Universen der Science-Fiction und den Robotern, bietet die Ausstellung „Tanz mit den Sternen“ einen originellen Dialog zwischen den Werken dreier Kunstanbieter (Adrien M / Claire B, Aurélien Jeanney, apelab) und einem Teil des Fundus des Maison d’Ailleurs: Gestellt wird die Frage der „Poesie des Andersartigen“.

After the superheroes, the mythical worlds of science fiction and robots, the exhibition «Dancing with the Stars» initiates an original dialogue between the works of three groups of artists (Adrien M / Claire B, Aurélien Jeanney, apelab) and part of the Maison d’Ailleurs’ collection on the theme of «Poetry of Elsewhere».

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Pour le dire autrement, « Danse avec les étoiles » met en scène, d’une part, la manière dont certains artistes contemporains usent des nouvelles technologies (Oculus Rift, réalité augmentée, projection interactive) pour créer des expériences poétiques inédites et, d’autre part, comment les arts « classiques » sont réfléchis par et dans la science-fiction (littéraire, bédéique, cinématographique). La Maison d’Ailleurs invite par conséquent ses visiteurs à découvrir un dispositif étonnant et à vivre une expérience poétique inédite.

Anders ausgedrückt: „Tanz den Sternen“ dokumentiert einerseits, wie bestimmte zeitgenössische Kunstschaffende innovative Technologien einsetzen (Oculus Rift, Augmented Reality, interaktive Projektion) um völlig neue poetische Erfahrungen zu schaffen, und dokumentiert andererseits, wie die „klassischen“ Künste in der Science-Fiction (Literatur, Comics, Film) wiedergegeben und interpretiert werden. Somit ermöglicht es das Maison d’Ailleurs seinen Besuchern, ein erstaunliches Dispositiv zu entdecken und eine komplett neuartige poetische Erfahrung zu machen.

In other words, «Dancing with the Stars» shows firstly how some contemporary artists make use of new technologies (Oculus Rift, augmented reality, interactive projection) to create novel poetic experiences, and secondly, how «classic» arts are reflected by and in science fiction (literature, comic books, film). The Maison d’Ailleurs therefore offers its visitors the opportunity to discover an astonishing device and enjoy a unique poetic experience. photo page de gauche, en haut - XYZT, Les paysages abstraits - Collisions discrètes. Photo : Laurence Fragnol. © AMCB photo page de gauche en bas - XYZT, Les paysages abstraits - Nuées mouvantes. © AMCB

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Musée cantonal des beaux-arts Tapisseries nomades - jusqu’au 29 mai 2016 Achromes - du 17 juin au 25 septembre 2016 lausanne - SWITZERLAND Tapisseries nomades, exposition conçue par la Fondation Toms Pauli, retrace au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne l’évolution de l’art textile des années 1960 aux années 2000 - de la tapisserie classique et murale à la sculpture souple, de la décoration à l’installation. Elle présente des oeuvres provenant exclusivement de la collection 20ème siècle de la Fondation. L’accrochage est constitué d’une trentaine d’oeuvres parfois monumentales, dont de nombreuses acquisitions récentes, et montre un pan quasi inédit de la collection textile contemporaine de la Fondation, propriété de l’Etat de Vaud.

Die von der Fondation Toms Pauli für das Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne konzipierte Ausstellung Tapisseries nomades gewährt einen Überblick über die Entwicklung der Textilkunst von den 1960er- bis in die 2000er-Jahre – von den klassischen Wandteppichen zur Textilskulptur, von der Dekoration zur Installation. Die präsentierten Werke stammen ausschliesslich aus der Sammlung 20. Jahrhundert der Stiftung. Die Schau, die rund dreissig teilweise monumentale Werke, darunter zahlreiche Neuerwerbungen, umfasst, zeigt einen kaum bekannten Teil der zeitgenössischen Textilsammlung der Stiftung, die sich im Besitz des Staats Waadt befindet.

Curated by the Fondation Toms Pauli for the Musée cantonal des Beaux-Arts, Nomadic Tapestries retraces the medium’s evolution from the 1960s to the 2000s: from classical wall tapestry to textile sculpture and from decoration to installation. The exhibition is made up exclusively of works from the foundation’s 20th century collection. On display are thirty works, some very large and many recently acquired, representing an all but unknown facet of the foundation’s collection.

Machiko Agano, sans titre, 1986, organza de soie, bambou, 225 x 490 x 80 cm. Fondation Toms Pauli, Lausanne. Photo A. Chudeau, Angers

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La sélection proposée illustre les recherches des pionniers du renouveau de la tapisserie, tels Jean Lurçat, Magdalena Abakanowicz, Jagoda Buić, Olga de Amaral, Elsi Giauque ou Machiko Agano.

Ces artistes issus de pays et d’horizons divers ont exploré de nouvelles voies de création, tant au niveau des formes et des techniques que des matériaux.

Transformant la tapisserie murale traditionnelle en un art spatial et environnemental, tous ont participé à la redéfinition du médium comme moyen d’expression artistique majeur.

Die Auswahl veranschaulicht das Schaffen der Pioniere der Erneuerung der Tapisserie, darunter Jean Lurçat, Magdalena Abakanowicz, Jagoda Buić, Olga de Amaral, Elsi Giauque und Machiko Agano.

Diese Kunstschaffenden unterschiedlicher Horizonte und Herkunftsländer erforschten neue Formen, Techniken und Materialien. Indem sie den traditionellen Wandteppich in eine raumgreifende Kunst verwandelten, trugen sie zum neuen Verständnis der Textilkunst als eines der wichtigsten künstlerischen Ausdrucksmittel bei.

They illustrate the innovations of such pioneers of the tapestry revival as Jean Lurçat, Magdalena Abakanowicz, Jagoda Buić, Olga de Amaral, Elsi Giauque and Machiko Agano. From many different countries and backgrounds, these artists have explored fresh creative pathways in formal, technical and material terms. Transforming the traditional wall mural into a spatial, environmental art, they have all made their contributions to redefining the medium as a major art form.

achromes Le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne organise la première exposition muséale suisse dédiée à Piero Manzoni (1933-1963), artiste majeur de la seconde moitié du XXème siècle.

The Cantonal Museum of Fine Arts in Lausanne presents the first exhibition in a Swiss museum dedicated to Piero Manzoni (1933-1963), a major artist of the second half of the twentieth century.

Das kantonale Kunstmuseum in Lausanne organisiert die erste Schweizer Museumsausstellung, die Piero Manzoni (1933-1963), einem bedeutenden Künstler der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, gewidmet ist. photo page de gauche en haut - Pierre Daquin, Devenant, 1968, laine et fils d’or, 120 x 195 cm. Fondation Toms Pauli. Photo A. Conne, Lausanne photo page de gauche en bas - Helen Frances Gregor, Totem n°5, 1976, laine, 250 x 180 x 25 cm. Fondation Toms Pauli, Lausanne. Photo: Fibbi-Aeppli, Grandson

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Centrée sur les Achromes, ces oeuvres monochromes blanches auxquelles l’artiste italien travaille pendant les sept années de sa carrière (1957-1963), l’exposition réunira près de quatre-vingts pièces, depuis les très célèbres toiles plissées jusqu’aux dernières oeuvres en polystyrène. Malgré la brièveté de sa carrière (il meurt à l’âge de 29 ans), Manzoni a laissé un oeuvre fulgurant, qui a fortement influencé nombre d’artistes du groupe Zero, de l’Arte Povera et de l’art conceptuel. Après des études de philosophie, il s’adonne à la peinture en autodidacte.

Auf die Achromes ausgerichtet, diese weissen monochromen Werke, an denen der Künstler während sieben Jahren (1957-1963) seiner Karriere arbeitete, wird die Ausstellung fast achtzig Stücke zusammenbringen, von den berühmten plissierten Gemälden bis zu seinen letzten Werken aus Polystyrol. Trotz der Kürze seiner Karriere (er stirbt mit nur 29) hat Manzoni ein schillerndes Werk hinterlassen, das viele Künstler der Gruppe Zero, der Arte Povera und der Konzeptkunst stark beeinflusst hat.Nach dem Studium der Philosophie erlernt der Künstler autodidaktisch die Malerei.

Centered on the Achromes, a series of white monochrome works which the Italian artist worked on during the seven years of his career (1957-1963), the exhibition brings together nearly eighty of his pieces, ranging from the artist’s very famous pleated paintings to his final works in polystyrene. Despite the brevity of his career (he died at the age of 29), Manzoni left a dazzling legacy which strongly influenced many artists from the Zero group, as well as the Arte Povera and Conceptual Art movements. After studying philosophy, the artist devoted himself to the selftaught practice of painting.

Sa pratique se précise après avoir vu les monochromes bleus d’Yves Klein qui le fascinent, mais qu’il rejette aussitôt en proposant une approche plus radicale: l’absence même de couleur. Dans une volonté de remise en cause de la surface picturale et de la gestualité psychologique, qui domine dans la peinture informelle et lyrique de l’aprèsguerre, Manzoni opte pour des interventions a minima et pour des matériaux étrangers à la tradition picturale. L’artiste met l’accent sur leurs caractéristiques chromatiques, dans une approche volontairement antimétaphysique et anti-psychologique du monochrome. Il laisse agir les caractéristiques propres aux matériaux, choisis néanmoins pour leur couleur intrinsèque, proche du blanc. La surface du tableau devient une zone de potentialités infinies, comme le souligne un ensemble d’œuvres badigeonnées de chlorure de cobalt qui, en fonction de l’hygrométrie, prennent tour à tour des reflets roses ou bleutés.

Seine Praktiken konkretisierten sich, nachdem er Yves Kleins blaue Monochrome sah, die ihn faszinierten, die er aber sofort ablehnt, um eine radikalere Betrachtungsweise vorzuschlagen: die Abwesenheit von Farbe. Mit dem Ziel die Bildfläche und die psychologischen Gesten zu hinterfragen, die in der informellen und lyrischen Malerei der Nachkriegszeit dominieren, entscheidet sich Manzoni für minimale Interventionen und für Materialien, die der Tradition der Malerei fremd sind. Durch einen bewusst antimetaphysischen und antipsychologischen Ansatz des Monochroms betont der Künstler ihre chromatischen Merkmale. Er lässt die besonderen Eigenschaften von Materialien wirken, wählt sie jedoch für ihre Eigenfarbe, die dem Weiss ähnelt. Die Oberfläche des Gemäldes wird ein Bereich der unendlichen Möglichkeiten, wie es eine Reihe von mit Kobaltchlorid gebürsteten Werken zeigt, die je nach Luftfeuchtigkeit abwechselnd rosa oder bläulich schimmern.

His practice became more precise following his viewing of Yves Klein’s blue monochromes which fascinated him, but which he also rejected almost immediately, instead proposing a more radical approach: the total absence of color. Seeking to question the pictorial surface and the psychological gesturing which dominated the informal and lyrical painting of the postwar era, Manzoni opted for minimal intervention and materials foreign to the pictorial tradition. The artist emphasizes their chromatic characteristics, in an approach to the monochrome that is both deliberately anti-metaphysical and anti-psychological.

He allows the special characteristics of the materials to act, having chosen them nonetheless for their intrinsic color, close to white. The surface of the painting becomes a zone of infinite potentialities, as highlighted by an ensemble of works whitewash treated with cobalt chloride and which depending on hygrometry alternately reflect hues of pink and blue.

musée suisse de la céramique et du verre genève

PASSIONNÉMENT C É R A M I Q U E COLLECTION FRANK NIEVERGELT

DU 8 AVRIL AU 25 SEPTEMBRE 2016

Un musée Ville de Genève www.ariana-geneve.ch

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mudac Sains et saufs - surveiller et protéger au 21e siècle jusqu’au 21 août 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Consignes de sécurité, campagnes d’affichage pour conduite prudente, sas de contrôle dans les lobbies d’entreprises, tunnels de rayon-X dans les aéroports, objets de protection pour les loisirs, la société actuelle regorge d’instructions et de procédures relatives à la sécurité ou à l’anticipation des dangers.

Les assureurs, les juristes, les ingénieurs, les designers et les scientifiques consacrent une attention toute particulière à la sûreté des citoyens.

Au fil des décennies ces mesures ont permis d’éviter bien des accidents. On peut toutefois se demander si la sécurité n’est pas devenue une obsession qui nous fait parfois perdre la raison. La pléthore d’informations visant à assurer notre sécurité est telle que nous n’y prêtons presque plus attention.

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Sicherheitsanweisungen, Plakatkampagnen für sicheres Fahren, Zugangskontrollen in den Unternehmen, Röntgentunnel in Flughäfen, Schutzgegenstände für Freizeitaktivitäten, die heutige Gesellschaft ist voll von Anweisungen und Verfahren für die Sicherheit oder der Vermeidung von Gefahren. Versicherungsgesellschaften, Rechtsanwälte, Ingenieure, Designer und Wissenschaftler widmen ihre besondere Aufmerksamkeit der Sicherheit der Bürger. Im Laufe der Jahrzehnte haben diese Maßnahmen viele Unfälle verhindert. Man kann sich jedoch fragen, ob die Sicherheit manchmal nicht zu einer Obsession geworden ist, die uns verrückt macht Die Litanei an Informationen, die unsere Sicherheit gewährleisten sollen, ist so umfangreich, dass wir kaum noch darauf achten.

Safety instructions, safe driving poster campaigns, access control in company lobbies, X-ray tunnels at airports and protective gear for leisure activities are just some of contemporary society’s many rules and procedures designed to improve security or prevent dangers.

Insurers, lawyers, engineers, designers and scientists pay very careful attention to public safety. Over the decades, these measures have helped to prevent plenty of accidents.

Nonetheless, we can find ourselves wondering whether security might actually have become an obsession over which we have sometimes lost our reason. There is such a plethora of information aimed at ensuring our safety that we no longer pay any attention to it.

Dejana Kabiljo, Fences, 2014, © Kabiljo Inc., Photo: Dejana Kabiljo

Lucy +Jorge Orta, Urban Life Guard – Ambulatory Sleeping Linen, 2002. © Lucy + Jorge Orta, Photo : JJ Crance

Quelle est la pertinence de ces objets? Un bouclier contre certaines peurs, bien-fondées ou fictives? Un besoin de tout contrôler? Une exigence des utilisateurs? Un prétexte pour prendre des risques? Pourquoi consacrer une telle énergie à la sécurité de nos jours? Pourquoi certains Etats en font-ils quasiment une profession de foi politique? Désormais, l’ultra-sécurité, le refus de l’inattendu et le désir d’anticipation totale sont la norme et vont de pair avec un certain déni de la mort caractéristique de notre société.

Doch was steckt hinter der Einführung dieser Maßnahmen und Objekte? Die Abschottung gegen bestimmte begründete oder unbegründete Ängste? Der Wunsch nach lückenloser Kontrolle? Eine Erwartung der Verbraucher? Ein Vorwand für riskantes Verhalten?

Weshalb widmen wir heutzutage der Sicherheit so viel Energie? Weshalb erheben manche Staaten die Sicherheit beinahe zum politischen Bekenntnis?

But what is the point of these items? Are they a shield against fear, whether well-founded or fictional? A need for total control? Do consumers demand them? Are they a pretext for taking risks? Why do we devote so much energy to security these days? Why have certain States made them a virtual profession of political faith?

Nowadays, ultra-security, the denial of the unexpected and the desire for total foresight are the norm and go together with a certain denial of death that characterises our society. rivierart

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Mathieu Lehanneur, L’Âge du monde (Russie), 2013. © Carpenters Workshop Gallery, photo: Adrien Millot

L’exposition Sains et saufs dresse un état des lieux contemporain de ces phénomènes en réunissant travaux de design, objets de la vie courante, photographie et art contemporain. Elle aborde les thèmes de la sécurité, de la peur, de la protection et de la surveillance, quatre termes clés qui orientent la sélection d’oeuvres de l’exposition. En effet, il n’y a pas de protection sans peur; pas de désir de sécurité sans sentiment de danger; pas de surveillance sans ressenti d’insécurité; pas de volonté d’anticipation sans notion de risque. L’exposition prend ainsi pour point de départ la conviction que ces termes sont indissociables dans nos psychologies humaines et dans leur traitement par la société. Elle les traite par conséquent en parallèle. La peur – primitive, intuitive, universelle – a depuis toujours influencé le comportement humain, pour le meilleur et pour le pire. Elle a contribué à la survie de l’espèce par le développement de réflexes naturels, puis la mise au point de dispositifs de protection divers.

Elle a aussi engendré l’ostracisme, l’exclusion, la condamnation, la surprotection. Désormais, elle avance au coude à coude avec la notion de risque. L’anticipation du danger occupe une place importante dans la vie quotidienne.

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Humans since 1982, Surveillance Chandelier, 2011. © Humans since 1982, Photo : Tim Meier

Absolute Sicherheit, Vermeidung von Zufällen und der Anspruch, alles im Griff zu haben, sind mittlerweile zur Norm geworden und stehen gewissermaßen für die Leugnung des Todes, die für unsere Gesellschaft charakteristisch ist. Die Ausstellung Wohlbehütet und wohlauf versteht sich als zeitgenössische Bestandsaufnahme dieser Phänomene, indem sie Alltagsgegenstände und Werke aus Design, Fotografie und Kunst der Gegenwart in sich vereint. Vier miteinander verwandte Themen bilden den roten Faden und dienten bei der Auswahl der Exponate als Schlüsselbegriffe: Sicherheit, Angst, Schutz und Überwachung. Tatsache ist, dass es keinen Schutz ohne Angst gibt; keinen Sicherheitswunsch ohne Gefahr; keine Überwachung ohne Unsicherheitsgefühl; kein Streben nach Vermeidung ohne Kenntnis von Risiko. Dabei wird von der Überzeugung ausgegangen, dass diese Begriffe untrennbar miteinander verbunden sind, sowohl in der menschlichen Psyche als auch in ihrem Stellenwert in der Gesellschaft.

Die Ausstellung behandelt sie infolgedessen parallel. Seit jeher hat die - archaische, intuitive, kollektive - Angst das Verhalten des Menschen beeinflusst, was sich sowohl zu seinem Vorteil als auch seinem Nachteil auswirkte.

The exhibition Safe and Sound examines the current state of these phenomena, bringing together design works, everyday objects, photography and contemporary art. It touches on the interconnected subjects of safety, fear, protection and surveillance, four key terms which guided the selection of works in the exhibition.

Indeed, there is no protection without fear; no desire for safety without a sense of danger; no surveillance without a feeling of insecurity; no will of anticipation without a notion of risk. The starting point of the exhibition is the conviction that these terms are inseparable in human psychologies and in the way society treats them.

The exhibition therefore treats them in parallel.

Fear – primitive, intuitive, universal – has always influenced human behaviour, for better and for worse. It has contributed to the survival of the species as we have developed natural reflexes, and put various protective devices in place. It has also given rise to ostracisation, exclusion, condemnation and over-protection. It is now advancing side by side with the notion of risk.

Anticipating danger takes up an important place in everyday life.

La protection tend à devenir une obligation civique et la surveillance est acceptée car considérée comme bénéfique pour notre sécurité.

L’environnement urbain et la vie domestique sont quadrillés d’éléments destinés à assurer notre sûreté. Surveillance, protection, sûreté et anticipation du risque sont traitées de manière prioritaire tant sur le plan privé que par les politiques. Une rapide comparaison entre notre société surprotégée et les conditions de vie des populations défavorisées du globe fait ressortir une différence de traitement frappante, au point qu’on peut se demander si la protection est un dû ou un luxe. Les objets de l’exposition, qu’ils soient de discrets dispositifs issus de notre vie courante ou des propositions d’artistes ou de designers au point de vue affirmé, forment collectivement un panorama révélateur de ces enjeux indissociables, et de leur omniprésence dans notre quotidien.

Einerseits hat sie zum Überleben der Art beigetragen, anfangs durch die Entwicklung natürlicher Reflexe, später durch die Erfindung verschiedener Schutzvorrichtungen. Doch andererseits hat sie Ächtung, Ausgrenzung, Verurteilung und Überbehütung hervorgebracht. Heutzutage befindet sich die Angst gemeinsam mit dem Risikobegriff auf dem Vormarsch. Gefahrenvorsorge nimmt im alltäglichen Leben einen zentralen Stellenwert ein.

Das Ergreifen von Schutzmaßnahmen wird allmählich zur Bürgerpflicht, und Überwachung wird toleriert, weil sie als vorteilhaft für unsere Sicherheit betrachtet wird. Das städtische Umfeld und die häusliche Umgebung sind erfüllt von Gegenständen, die unsere Sicherheit gewährleisten sollen. Überwachung, Schutz, Sicherheit und Risikoprävention werden sowohl von Politikern als auch von Privatpersonen vorrangig behandelt. Bereits ein flüchtiger Vergleich unserer überbehüteten Gesellschaft mit den Lebensbedingungen der benachteiligten Bevölkerungen des Erdballs enthüllt eine so gewaltige Ungleichbehandlung, dass sich die Frage aufdrängt, ob Schutz ein Menschenrecht oder Luxus ist. Die Exponate bilden gemeinsam ein aufschlussreiches Panorama dieser untrennbar miteinander verbundenen Herausforderungen und ihrer Allgegenwart im täglichen Leben, unabhängig davon, ob es sich um unscheinbare Alltagsgegenstände oder um Neuschöpfungen von Künstlern und Designern mit einer klaren Botschaft handelt.

Galerie à ciel ouvert Voie-du-Chariot Lausanne

Alexia Weill

Impressions circulaires

27.05.2016 — 21.08.2016 Vernissage 27.05.2016 18h00 Scène des Télégraphes Renseignements lescubes@flon.ch

There is a tendency for protection to become a civic obligation, and surveillance is accepted because it is thought to have security benefits.

The urban environment and domestic life are chequered with features aimed at ensuring our safety. Surveillance, protection, safety and anticipating risk are given priority both on a private level and by politicians.

If we briefly compare our over-protected society with living conditions for less privileged populations around the globe, a striking difference in treatment emerges, to the point where we might start to wonder whether protection is a duty or a luxury. Whether the objects in the exhibition are inconspicuous aspects of contemporary life, or were created by artists and designers to express a particular point of view, they combine to form a revealing panorama of these inseparable issues and their everyday ubiquity.

MUdac SAINS ET SAUFS. SURVEILLER ET PROTÉGER AU 21E SIÈCLE du 23 MARS au 21 AOÛT 2016 WOHLBEHÜTET UND WOHLAUF. ÜBERWACHUNG UND SCHUTZ IM 21. JAHRHUNDERT- VOM 23. märz bis zum 21. august 2016 SAFE AND SOUND. SURVEILLANCE AND PROTECTION IN THE 21ST CENTURY - from 23th march until 21th august, 2016 cONTACT ET www.mudac.ch

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MUSÉE ARIANA Passionnément céramique Collection Frank Nievergelt du 8 avril au 25 septembre 2016 GENèVE - SWITZERLAND Depuis près d’un demi-siècle, l’historien et critique d’art Frank Nievergelt a constitué avec passion et discernement une impressionnante collection de plus de neuf cents céramiques d’artistes contemporains d’audience internationale, tant dans le domaine du contenant que de la sculpture, de l’objet de vitrine que de l’oeuvre monumentale. Après l’exposition que le Musée des arts décoratifs de Lausanne avait consacrée à la collection Nievergelt en 1978, le Musée Ariana se propose d’ouvrir largement ses espaces pour exposer les morceaux choisis de l’une des plus importantes collections privées suisses dans le domaine. À cette occasion, Frank Nievergelt fait généreusement don à notre institution d’un important corpus de près de deux cents oeuvres. Comme toute collection, la collection Nievergelt a sa propre personnalité, sa « couleur » particulière; elle est le reflet de la sensibilité, de la subjectivité de son propriétaire; elle s’inscrit également dans la durée, Il est remarquable de constater que Nievergelt s’est attaché à rencontrer la quasi-totalité des céramistes dont il a acquis des oeuvres, allant les voir travailler dans leur atelier et leur rendant visite le plus souvent possible, au cours de voyages qui l’ont amené à sillonner toute l’Europe.

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Seit fast einem halben Jahrhundert baut der Kunsthistoriker Frank Nievergelt mit Leidenschaft und sicherem Urteil eine eindrückliche Keramiksammlung auf, die mittlerweile aus über neunhundert Objekte von international bekannten zeitgenössischen Künstlern besteht und sowohl den Bereich der Gefässkeramik als auch figurative und abstrakte Keramikskulpturen oder monumentale Installationen berücksichtigt. Nach der Ausstellung, die das Musée des Arts décoratifs de Lausanne ihm 1978 widmete, bietet nun das Musée Ariana Raum für erlesene Stücke aus einer der grössten privaten Keramiksammlungen der Schweiz und darf aus diesem Anlass zudem an die zweihundert Objekte als grosszügige Schenkung entgegennehmen. Wie jede andere Sammlung besitzt die Sammlung Nievergelt ihre Eigenheiten, ihre speziellen Akzente, die sich aus dem subjektiven Empfinden ihres Besitzers ergeben. Zudem zeichnet sie die Entwicklung der Keramikkunst über einen längeren Zeitraum nach.

Auf seinen Reisen quer durch Europa hat Nievergelt fast alle Keramikerinnen und Keramiker, deren Werke er erstand, auch persönlich kennengelernt. Er legte Wert darauf, sie möglichst oft in ihrem Atelier zu besuchen, um sie bei der Arbeit zu beobachten.

For nearly half a century, the historian and art critic Frank Nievergelt has assembled with passion and discernment an impressive collection of over nine hundred ceramics by internationally renowned contemporary artists, which includes vessels, sculptures, showcase pieces as well as monumental works. Subsequent to the exhibition devoted to the Nievergelt collection at the Museum of Decorative Arts in Lausanne in 1978, the Ariana Museum will be opening up its spaces to exhibit selected items from one of Switzerland’s leading private collections in the field. For this occasion, Frank Nievergelt is very generously donating an important collection of nearly two hundred pieces to our institution. Like any other, the Nievergelt collection has its own personality, its special “colour” that mirrors its owner’s sensitivity and subjectivity; and it’s also a long-term project.

What’s remarkable is that Nievergelt has made a point of meeting almost all the ceramists whose pieces he has acquired, going to see them at work in their studio and visiting them as often as possible in the course of journeys that have taken him all over Europe.

Nanni Valentini (1932-1985) Mattoni , 1978-1979 grès, modelé, couverte / Steinzeug, geformt, Glasur / shaped stoneware, glaze four à gaz, cuisson en réduction / Gasofen, Reduktionsbrand / gas kiln, reduction fired, 1260°C L. tot. 115 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

Bon nombre de ces artistes sont devenus de fidèles amis, qui lui ont appris à affûter sa sensibilité et son regard et dont il s’est attaché à soutenir la carrière par des achats réguliers. C’est ainsi que la collection Nievergelt a pris de l’importance; elle illustre aujourd’hui de manière particulièrement brillante et pertinente la céramique d’artistes des trois dernières décennies du XXème siècle; à ce titre, elle constitue l’un des plus importants ensemble dans le domaine en Suisse et en Europe. L’ensemble témoigne de la diversité de la scène céramique durant cette période, que ce soit dans le domaine traditionnel du récipient, dans celui de la sculpture, figurative ou non, ou de l’installation. La collection comporte aussi bien des miniatures (les étonnants récipients de moins d’un centimètre de Swindell) que des pièces monumentales (comme la Pedra del si de Casanovas). Plus que la diversité des matériaux utilisés (si les terres de haute température: grès et porcelaine, sont majoritaires, la terre cuite est également documentée), c’est surtout la variété de l’expression et des univers artistiques qui frappe; en effet, Frank Nievergelt ne fait preuve d’aucun snobisme dans ses choix, valorisant tout autant les vases de ténors comme Lucie Rie et Hans Coper que la naïveté pleine de fraîcheur d’un Jakob Stucki, le kitsch frôlant la vulgarité de Stephan Hasslinger que la pureté formelle de Thomas Bohle.

Autant d’extrêmes qui se confrontent, s’opposent ou se marient, pourvu qu’ils émanent d’une personnalité affirmée et engendrent l’émotion.

Aus vielen dieser Künstler wurden Freunde. Sie halfen ihm, seinen Blick zu schärfen, und er unterstützte ihre Karriere durch regelmässige Käufe. So entstand allmählich eine Sammlung, die das künstlerische Keramikschaffen in den drei letzten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts meisterhaft und treffend illustriert.

Sie gehört zu den schweiz- und europaweit bedeutendsten Beständen in ihrer Sparte. Die Sammlung veranschaulicht die Vielschichtigkeit der damaligen Keramikszene im Bereich der traditionellen Gefässkeramik und auf dem Gebiet der figurativen und abstrakten Keramikskulpturen oder Installationen. Sie enthält sowohl Miniaturen - darunter die verblüffenden, weniger als ein Zentimeter kleinen Gefässe von Swindell – als auch Stücke monumentalen Ausmasses, beispielsweise die Pedra del si von Casanovas. Verschiedenste Materialien sind vertreten: Bei hohen Temperaturen gebrannte Objekte aus Steinzeug und Porzellan sind zwar in der Mehrheit, doch die Ausstellung dokumentiert auch Irdenware und fällt besonders durch die Vielfalt der gezeigten Ausdrucksformen und schöpferischen Welten auf. Frank Nievergelt geht bei seiner Auswahl nämlich ohne jeden Snobismus vor und berücksichtigt Vasen bekannter Künstler wie Lucie Rie und Hans Coper genauso wie die erfrischend naiven Werke von Jakob Stucki, den beinahe schon vulgären Kitsch von Stephan Hasslinger oder die formale Reinheit eines Thomas Bohle. Hier treffen Gegensätze zusammen, bekämpfen sich oder verschmelzen ineinander – wichtig ist einzig und allein, dass sie Ausdruck einer gefestigten Künstlerpersönlichkeit sind und Emotionen auslösen.

Claudi Casanovas (1956) Pedra del Si, 1999 grès modelé, sablage / Steinzeug geformt, Sandgestrahlt / shaped and sandblasted stoneware four à gaz, cuisson en oxydation / Gasofen, oxidationbrand / gas kiln, oxidation fired, 1250°C. H. 79,5 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan Uwe Löllmann (1955) Récipient / Gefäss / Vessel, 2008 grès tourné, émail naturel aux cendres / Steinzeug gedreht, natürlicher Aschenanflug / thrown stoneware, natural ash glaze four à bois, cuisson en réduction / Holzofen, Reduktionsbrand / wood kiln, reduction fired, 1280°C H. 77,2 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

Many of these artists have become good friends, helping the collector to hone his sensitivity and vision, while he, for his part, has supported their careers through regular purchases. This is how the Nievergelt collection has gained in stature. Today, it’s a brilliant and pertinent illustration of artists’ ceramics from the last three decades of the twentieth century. As such, it’s one of the largest ensembles of its kind in Switzerland and Europe. The collection reflects the diversity of the ceramics scene during this period, whether in the traditional form of the vessel, or in that of figurative or abstract sculpture or installations. Miniatures are also included (Swindell’s astonishing vessels of less than one centimetre), as well as monumental pieces (such as the Pedra del si by Casanovas). Rather than the diversity of the materials (though the high fire clays, stoneware and porcelain, predominate, earthenware is also represented), it’s the variety of expression and artistic worlds that is most striking. Indeed, there’s no snobbery in Frank Nievergelt’s choices; he rates vases by big names like Lucie Rie and Hans Coper as highly as the naive freshness of Jakob Stucki’s pieces, the kitsch bordering on vulgarity of Stephan Hasslinger’s work and the formal purity of Thomas Bohle’s ceramics. These extremes can all meet, contrast or harmonize with each other, so long as they emanate from a strong personality and inspire emotion. rivierart

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Cette parfaite indépendance dans les choix du collectionneur ne relève jamais de calculs ou autre préoccupation économique, elle est le fait d’un esthète avisé autant que passionné.

Ce qui frappe au premier chef au sein de cette diversité, c’est l’omniprésence de la matière, qui appelle irrésistiblement le toucher. Terre brute, chamottée, qui garde l’empreinte des doigts ou les sillons du tournage, ou porcelaine et grès fin, poli, à la surface aussi douce que la peau d’un enfant: c’est la matérialité primordiale et polymorphe de la céramique qui est mise en avant; elle nous ramène irrésistiblement à l’essentiel, nous conviant à un rapport intime avec la nature. En règle générale, Frank Nievergelt a été plus sensible à la vibration d’une surface mise en forme par la main de l’homme qu’à la perfection quasi immatérielle de la porcelaine coulée en moules, prisée de certains artistes contemporains. Le revêtement de la céramique, engobe, glaçure ou émail, appelé à affiner la surface, à la mettre en valeur en en modifiant la couleur ou l’aspect, a joué un rôle essentiel dans l’histoire de la céramique. L’infinie diversité de ces pellicules colorées, translucides ou onctueuses, brillantes ou mates, en aplat ou superposées, que le feu du four lie intimement et définitivement au corps de la céramique pour la sublimer, a visiblement fasciné le collectionneur.

L’adéquation entre la forme et le traitement de surface (plus rarement le décor), a constitué un critère déterminant pour jauger la réussite d’un contenant ou d’une sculpture. Nombre de maîtres en la matière, comme les Suisses Édouard Chapallaz et Philippe Lambercy, sont ainsi très largement représentés au sein de la collection Nievergelt.

Die Wahl der Objekte erfolgt nie nach ökonomischen oder sonstigen rechnerischen Erwägungen, sondern ergibt sich aus der völligen Unabhängigkeit des Ästheten, fundierten Kenners und leidenschaftlichen Sammlers. Aus dieser Vielfalt sticht zuallererst die Allgegenwärtigkeit der Materie hervor, die unweigerlich an haptische Empfindungen appelliert.

Roher oder schamottierter Ton mit Fingerabdrücken oder Rillen, die auf der Drehscheibe entstanden, oder aber feinstes Porzellan und Steinzeug, die sich wie Babyhaut anfühlen: Hier wird die ureigene, polymorphe Materialität in den Mittelpunkt gestellt, die uns unweigerlich auf das Wesentliche, auf die intime Beziehung zur Natur verweist. Die Schwingungen einer Oberfläche, die von einem Menschen geformt wurde, sprechen Frank Nievergelt grundsätzlich mehr an als die beinahe immaterielle Perfektion des in der Form gegossenen Porzellans, das von modernen Künstlern teilweise bevorzugt wird. In der Geschichte der Keramik spielte der Überzug – Engobe, Glasur oder Email -, der die Oberfläche glätten und verschönern soll, indem er deren Farbe oder Aussehen verändert, stets eine wichtige Rolle. Die endlose Vielfalt dieser farbigen, durchsichtigen oder undurchsichtigen, glänzenden oder matten Schichten, die in einem oder mehreren Arbeitsgängen aufgebracht und durch das Brennen dem Objekt einverleibt werden, um es zu sublimieren, übt auf den Sammler offensichtlich eine Faszination aus. Für ihn ist die Stimmigkeit von Form und Oberflächengestaltung (in selteneren Fällen Dekor) ein entscheidendes Kriterium dafür, ob ein Gefäss oder eine Skulptur als gelungen betrachtet werden kann. So sind denn auch Meister dieses Fachs wie die Schweizer Edouard Chapallaz und Philippe Lambercy in der Sammlung Nievergelt stark vertreten.

Sonja Duò-Meyer (1953) Récipient / Gefäss / Vessel, 2004 porcelaine chamottée, montée aux colombins / Porzellan schamottiert, frei aufgebaut / grogged porcelain, coiled. four électrique / Elektroofen / electric kiln, 1280°C H. 49,5 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

Gerald Weigel (1925) Stein 17/99, 1999 grès modelé, émail / Steinzeug, aufgebaut, Glasur / shaped stoneware, glaze four à gaz, cuisson en réduction / Gasofen, Reduktionsbrand / gas kiln, reduction fired, 1340°C L. 17,8 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

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This total freedom in the collector’s choices is never calculated or based on economic concerns; it springs from an aesthete as astute as he is passionate. The first thing that strikes us amid all this diversity is the omnipresence of matter, crying out to our sense of touch. Raw clay and grog retain the imprint of fingers or throwing ridges, while the surfaces of polished porcelain and fine stoneware are as smooth as children’s skin. It’s the primordial and polymorphous materiality of ceramics that stands out, taking us irresistibly back to basics, drawing us into an intimate relationship with nature. Frank Nievergelt is generally more sensitive to the vibrations of a surface shaped by hand than the almost immaterial perfection of cast porcelain, favoured by some contemporary artists. The coating of ceramics with slips, glazes or enamels to refine their surface and enhance them by changing their colour or appearance, has played a key role in the history of ceramics. The infinite diversity of these tinted films, which can be translucent or creamy, glossy or matt, solid colours or superimposed, and which are intimately and permanently fixed by the heat of the kiln to the ceramic body in order to beautify it, visibly fascinated the collector. The harmony between the shape and the surface treatment (or more rarely the decoration) has been a determining factor in measuring the success of a vessel or sculpture. Many of the masters in this field, like the Swiss ceramists Édouard Chapallaz and Philippe Lambercy, thus feature prominently in the Nievergelt collection.

Ewen Henderson (1934-2000) Vase, 1983 terres mélangées (grès, Bone China, porcelaine) montées en plaques, émail / verschiedene Tone (Steinzeug, Bone China, Porzellan) gebaut, Glasur / hand-built, mixed clay slabs (stoneware, bone china, porcelain), glaze four électrique / Elektroofen / electric kiln, 1260°C H. 29,1 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

La collection Nievergelt est nettement imprégnée d’une esthétique nordique, plus tournée vers l’Allemagne et l’Angleterre que vers la France. Il convient d’évoquer ici les liens qui ont lié les Allemands Ursula et Karl Scheid, Gotlind et Gerald Weigel, Margarete Schott et Beate Kuhn.

Suite à une exposition collective de tous ces artistes à Londres en 1968, ils ont pris l’appellation de « groupe de Londres ». Ces artistes ont également fréquenté Lucie Rie et Hans Coper (respectivement autrichienne et allemand ayant émigré en Angleterre durant la Guerre), qui ont joué en rôle majeur sur la céramique anglaise de cette époque, se démarquant, par leur liberté créatrice, de l’influence dominante exercée par Bernard Leach. Nievergelt a bien connu les uns et les autres, et profité de l’émulation intellectuelle qui régnait entre eux. C’est à travers eux également qu’il a fait la connaissance d’autres artistes. En règle générale, si Nievergelt achetait volontiers ses pièces directement auprès des artistes, il ne se privait pas de visiter les grandes manifestations dédiées à la céramique contemporaine, comme le Salon d’automne de Francfort ou « form » à Ludwigshafen en Allemagne, le « Concorso Internazionale della Ceramica » de Faenza ou la Triennale de la porcelaine de Nyon en Suisse.

Die Sammlung Nievergelt ist klar von einer nordischen Ästhetik geprägt und mehr nach Deutschland und England als nach Frankreich ausgerichtet. Dabei sei an die Verbundenheit zwischen den Deutschen Ursula und Karl Scheid, Gotlind und Gerald Weigel, Margarete Schott und Beate Kuhn erinnert. Nach einer kollektiven Ausstellung 1968 in London wurden diese Kunstschaffenden als „London Gruppe“ bezeichnet. Sie pflegten Beziehungen zu Lucie Rie und Hans Coper, die als Österreicherin beziehungsweise Deutscher während des Kriegs nach England ausgewandert waren und die englische Keramikszene dieser Zeit wesentlich prägten, indem sie sich durch ihre schöpferische Freiheit vom dominanten Einfluss von Bernard Leach lösten. Nievergelt war mit all diesen Künstlern gut bekannt und Zeuge der intellektuellen Emulation, die unter ihnen stattfand. Über sie lernte er zudem weitere Künstler kennen. Nievergelt erwarb seine Stücke in der Regel zwar direkt vom jeweiligen Künstler, besuchte aber auch gerne grössere Veranstaltungen, die der zeitgenössischen Keramik gewidmet sind; dazu gehören die Herbstmesse in Frankfurt am Main oder „form“ in Ludwigshafen (Deutschland), der „Concorso Internazionale della Ceramica“ im italienischen Faenza oder die „Triennale de la porcelaine“ in Nyon (Schweiz).

The collection has a distinctly Nordic aesthetic, turned more towards Germany and England than to France. It’s interesting here to mention the links between the Germans Ursula and Karl Scheid, Gotlind and Gerald Weigel, Margarete Schott and Beate Kuhn. After a group exhibition by these artists in London in 1968, they became known as the “London Group.” These artists also mixed with Lucie Rie and Hans Coper (Austrian and German respectively, who emigrated to England during the war), who played a key role in British ceramics in this period, with their creative freedom setting them apart from the dominant influence of Bernard Leach. Nievergelt knew them all well, and benefited from the intellectual emulation that existed between them. It was through them that he also met other artists. Although Nievergelt has readily bought pieces directly from artists, he has also generally taken the opportunity to visit major contemporary ceramic events, like the Autumn Salon in Frankfurt, “Form” in Ludwigshafen, Germany, the “Concorso Internazionale della Ceramica” in Faenza or the Porcelain Triennial in Nyon, Switzerland.

Gundi Dietz (1942) Femme assise / Sitzende Frau / Seated Woman, 2002 porcelaine d’Augarten moulée, modelée, or / Augarten Porzellan gegossen, modelliert, Gold / cast and shaped Augarten porcelain, gold four à gaz, cuisson en réduction / Gasofen, Reduktionsbrand / gas kiln, reduction fired, 1480°C H. 41,2 cm C 719 – Collection Frank Nievergelt. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan José Vermeersch (1922-1997) Homme assis et chien / Sitzender Mann und Hund, Seated Man with Dog, 1984-1985 terre cuite mélangée en plaques, modelée, engobe / Irdenware (Mischung) aufgebaut und geformt, Engobe / shaped mixed stoneware slabs, slip decoration four électrique / Elektroofen / electric kiln, 1050°C H. max. 85,5 cm. Collection Musée Ariana, Ville de Genève. Photo : Mauro Magliani & Barbara Piovan

L’exposition du Musée Ariana présente les oeuvres des quarante-et-un céramistes suivants - Die Ausstellung im Musée Ariana präsentiert die Werke der folgenden einundvierzig Keramikschaffenden - The exhibition at the Ariana Museum presents the works of the following forty-one ceramists : Ruth Amstutz – Gordon Baldwin – Philippe Barde – Thomas Bohle – Claudi Casanovas – Édouard Chapallaz – Hans Coper – Gundi Dietz – Carmen Dionyse – Ruth Duckworth – Sonia Duò-Meyer – Veronika EllwangerBrammann – Volker Ellwanger – Michael Flynn – Ian Godfrey – Stephan Hasslinger – Steven Heinemann – Ewen Henderson – Elisabeth Joulia – Beate Kuhn – Philippe Lambercy – Uwe Löllman – Guido Mariani – Eric James Mellon – Enric Mestre – Colin Pearson – Gustavo Pérez – Pompeo Pianezzola – Lucie Rie – Karl Scheid – Ursula Scheid – Margarete Schott – Imre Schrammel – Jakob Stucki – Geoffrey Swindell – Nanni Valentini – José Vermeersch – Gerald Weigel – Gotlind Weigel – Betty Woodman – Carlo Zauli.

musée ariana

Passionnément céramique. Collection Frank Nievergelt - du 8 avril au 25 septembre 2016.

Leidenschaft für Keramik. Sammlung Frank Nievergelt - vom 8. APRIL BIS 25. SEPTEMBER 2016 A Passion for Ceramics. The Frank Nievergelt Collection - from april 8th to september 25th, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

www.ville-geneve.ch/ariana rivierart

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Kunstmuseum Bern

Maîtres de l’art moderne. L’Art « dégénéré » du 7 avril au 21 août 2016 Bern - SWITZERLAND Comme toutes les collections publiques, le Musée des Beaux-Arts de Berne se doit d’étudier l’histoire de ses collections et d’en rendre compte publiquement. Nous souhaitons montrer dans cette exposition comment s’est constituée la collection de maîtres de l’art moderne du Musée des BeauxArts de Berne, exceptionnelle du point de vue international, et notamment montrer par quelles voies y sont entrées les œuvres que la dictature nationale-socialiste avait officiellement déclarées indésirables sur le sol du Reich allemand. Cet examen de la collection est également l’occasion d’interroger les circonstances qui ont finalement conduit à des pertes patrimoniales considérables aussi bien pour les musées allemands que pour les collectionneurs privés. Certaines des œuvres proscrites prirent le chemin du Musée des BeauxArts de Berne. L’exposition doit son titre à une vente aux enchères d’importance historique, aujourd’hui bien connue grâce à la recherche, qui se tint en juin 1939 à la galerie Fischer de Lucerne sous le titre « Peintures et sculptures de maîtres de l’art moderne provenant des musées allemands ».

Wie allen öffentlichen Sammlungen stellt sich dem Kunstmuseum Bern die Aufgabe, die Geschichte seiner eigenen Werkbestände zu erforschen und darzustellen. In dieser Ausstellung wollen wir der Öffentlichkeit zeigen, wie die international herausragende Sammlung von Werken moderner Meister im Kunstmuseum Bern zusammengesetzt ist und über welche Wege diese Werke, die durch die Diktatur der Nationalsozialisten im Deutschen Reich offiziell unerwünscht waren, ins Kunstmuseum Bern gekommen sind. Zugleich gibt diese Sammlungssichtung den Anlass, nach den Umständen zu fragen, die letztlich zu starken Kulturgutverlusten sowohl deutscher Museen als auch privater Sammler geführt haben. Einige dieser Werke haben ihren Weg auch ins Kunstmuseum Bern gefunden. Der Titel der Ausstellung ist angeregt durch eine historisch bedeutsame und gut erforschte Auktion, die im Juni 1939 in der Galerie Fischer in Luzern stattgefunden hat: „Gemälde und Plastiken moderner Meister aus deutschen Museen“.

Ernst Ludwig Kirchner - Alpsonntag. Szene am Brunnen, 1923–1925. Öl auf Leinwand, 168 x 400 cm. Kunstmuseum Bern

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As is the case with all public collections, the Museum of Fine Arts, Berne, regards the study and presentation of the history of its holdings as a vital goal. In this exhibition we seek to show the public what makes up our internationally outstanding collection of modern masters at the Museum of Fine Arts, Berne, and how their works came to be part of it as art that the Nazi dictatorship officially considered undesirable in the German Reich. At the same time, this angle on our collection provides a backdrop for asking questions about the circumstances that ultimately led to great losses regarding cultural legacy for German museums and private collectors too. Some of these works also found their way to the Museum of Fine Arts, Berne. An incentive for the choice of title for the exhibition was the historically momentous and wellresearched auction that took place in June 1939 at Fischer Gallery in Lucerne: “Gemälde und Plastiken moderner Meister aus deutschen Museen” (Paintings and sculptures of modern masters from German museums).

photo page de droite, à droite - August Macke - Gartenrestaurant, 1912. Öl auf Leinwand, 81 x 105 cm. Hermann und Margrit Rupf-Stiftung, Kunstmuseum Bern photo page de droite, à gauche - Franz Marc - Blaues Pferd II, 1911. Öl auf Leinwand, 113 x 86 cm. Kunstmuseum Bern, Stiftung Othmar Huber, Bern

Le Reich allemand avait promulgué en 1938 une « loi relative à la confiscation des productions d’art dégénéré » qui légitimait après coup la saisie d’œuvres de l’art moderne et l’expurgation des collections des musées allemands auxquelles le régime procédait déjà sans scrupule depuis 1937. Ce que le Reich allemand dénigrait et bannissait sous le terme d’« art dégénéré » était désigné et mis en vente en Suisse sous l’appellation d’« œuvres de maîtres de l’art moderne ».

Que les choses soient claires: l’art « dégénéré » n’existe pas. Cette notion relève du discours idéologique des nationaux-socialistes allemands et rien n’indique qu’elle ait été utilisée par un musée suisse qui s’est intéressé activement à l’art « contemporain » de toutes les époques depuis sa création. Cependant, elle représente pour le débat que nous souhaitons engager dans cette exposition un condensé des arguments irrationnels contre la modernité artistique. Il ne s’agit pas de souscrire à ces arguments mais de témoigner à travers cette notion de la réalité du combat en faveur des œuvres de l’art moderne classique qui comptent aujourd’hui parmi les plus grands trésors du Musée des Beaux-Arts de Berne.

kunstmuseum bern

Seit 1938 galt im Deutschen Reich ein „Gesetz über Einziehung von Erzeugnissen entarteter Kunst“, das im Nachhinein die Beschlagnahme und Entsammlung deutscher Museen von Werken moderner Meister legitimierte, die seit 1937 rücksichtslos durchgeführt wurden. Was vom Deutschen Reich als „Entartete Kunst“ diffamiert und ausgesondert wurde, wurde in der Schweiz als „Werke moderner Meister“ bezeichnet und angeboten. Um es klar zu sagen: „Entartete“ Kunst gibt es nicht. Die Bezeichnung ist ein Kampfbegriff der deutschen Nationalsozialisten und nichts legt dessen Verwendung durch ein Schweizer Museum nahe, das sich seit seinem Bestehen aktiv mit der jeweils zeitgenössischen Kunst auseinandergesetzt hat. Dennoch bringt der Begriff in der Diskussion, die wir anstossen wollen, die irrationalen Argumente gegen die künstlerische Moderne auf den Punkt. Wir machen uns diese Argumente nicht zu eigen, sondern zeigen mit ihm den Kampf um die Werke der Klassischen Moderne Moderne auf, die heute zu den grössten Schätzen des Kunstmuseums Bern gehören.

Since 1938, a law was in force in the German Reich allowing the seizure of art deemed degenerate. It retrospectively legitimated the confiscation and decimation of much of the modern masters collections in German museums, as was ruthlessly carried out from 1937 onwards. What was vilified and rejected in the German Reich as “degenerate art” was designated as “works of modern masters” in Switzerland and offered for sale. To make it clear: there is no such thing as “degenerate art.”The term was coined by the Nazis in their censorship of modernist trends in art. In citing the term in the exhibition title, the Museum of Fine Arts, Berne, is, of course, referring to its historical usage.

In the eyes of the museum there can be no question of the existence of a “degenerate art” and never was; it has always, since its very beginnings, actively engaged with contemporary art and its manifestations in the respective epochs. Although the term has this pernicious background, in the discussion we seek to initiate it sums up all the irrational arguments directed at modern art. We are not embracing this line of argumentation as our own, and instead it is our goal, through it, to illustrate the struggle for acceptance of modern art, of the works which are today among the Berne’s Museum of Fine Arts’ greatest treasures.

Maîtres de l’art moderne. L’Art « dégénéré » au Musée des Beaux-Arts de Berne - du 7 avril au 21 août 2016 Moderne Meister. «Entartete» Kunst im Kunstmuseum Bern - vom 7. APRIL BIS 21. august 2016 Modern Masters. “Degenerate” Art at the Museum of Fine Arts Berne - from april 7th to august 21th, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

www.kunstmuseumbern.ch

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MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE Peintures italiennes et espagnoles GENève - SWITZERLAND Le Musée d’art et d’histoire de Genève possède plus de 260 peintures italiennes et une dizaine de tableaux espagnols, du XIVème au XVIIIème siècle, qui constituent l’ensemble le plus important d’oeuvres de ces écoles en Suisse. Le musée propose au coeur des salles beaux-arts un nouvel accrochage de ces peintures. Une sélection qui permet de redécouvrir des oeuvres aussi remarquables que méconnues. Présenté dans quatre salles et trois cabinets, ce nouvel accrochage met en évidence la place de la peinture italienne et espagnole dans l’histoire des collections genevoises. La première salle présente quelques peintures italiennes du XIVème au XVIème siècle, en dialogue avec la production européenne. Elle est complétée, dans la deuxième salle, par un choix d’oeuvres italiennes et espagnoles de la même période, redécouvertes dans les réserves du musée.

Das Geschichts- und Kunstmuseum von Genf verfügt über mehr als 260 italienische und ein Dutzend spanische Gemälde aus dem 14. bis 18. Jahrhundert, was die wichtigste Sammlung von Werken dieser Schulen in der Schweiz bildet. Das Museum präsentiert in seinen Sälen eine neue Ausstellung dieser Bilder. Eine Auswahl, die es ermöglicht, bemerkenswerte wie verkannte Werke wiederzuentdecken. Die neu eingerichtete Dauerausstellung des MAH zeigt in vier Sälen und drei Kabinetten den Platz der italienischen und spanischen Malerei in der Geschichte der Genfer Sammlungen. Der erste Saal stellt einige italienische Gemälde des 14. bis 16. Jahrhundert im Dialog mit europäischen Produktionen vor. Der zweite Saal vervollständigt die Auswahl mit italienischen und spanischen Werken aus derselben Periode, die in den Reserven des Museums wiederentdeckt wurden.

Innocenzo Francucci, dit Innocenzo da Imola, (vers 1494 -1550). Allégorie de la Foi, entre 1520 et 1525. Fresque déposée sur toile et collée sur polyester, 105.7 x 80.6 cm. © Musée d’art et d’histoire de Genève

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The Musée d’Art et d’Histoire of Geneva has more than 260 Italian and some ten Spanish paintings from the 14th to the 18th century in its possession, making up the largest group of these schools in Switzerland. The museum presents a new hanging of these paintings in the fine arts galleries with a selection of works to be rediscovered that are as remarkable as they are little known. Displayed in four rooms and three cabinets, this new hanging underlines the importance of Italian and Spanish painting in the history of Genevan collections. The first room displays a few 14th- to 16th-century Italian paintings in juxtaposition with elements from the European production of the time. The second room completes this theme with a selection of contemporary Italian and Spanish pieces that were rediscovered in the museum’s storage rooms.

Innocenzo Francucci, dit Innocenzo da Imola, (vers 1494 -1550). Allégorie de l’Espérance, entre 1520 et 1525. Fresque déposée sur toile et collée sur polyester, 105.7 x 80.6 cm. © Musée d’art et d’histoire de Genève

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828). Le Marchand de marionnettes, vers 1793 Huile sur fer blanc, 44 x 33.5 cm. © Musées d’art et d’histoire de Genève, photo : Bettina Jacot-Descombes

L’histoire des collections est racontée dans les salles suivantes. Une salle consacrée à la donation napoléonienne permet de mesurer la part de l’Italie parmi les 21 tableaux offerts en 1804/1805 à la Ville, tandis que la salle suivante propose un choix de grands tableaux du Seicento. Deux cabinets évoquent les personnalités parallèles de Walther Fol et Gustave Revilliod, qui lèguent chacun un musée privé: l’un, le Musée Fol en 1871, l’autre, le Musée Ariana en 1890. Un dernier cabinet reflète les enrichissements du Musée d’art et d’histoire depuis 1910 grâce à des collectionneurs tels que Jacob-Adolphe Holzer, Frédéric Battelli et Ernst et Lucie Schmidheiny. Au Musée d’art et d’histoire, le corpus des peintures italiennes et espagnoles est à peu près équivalent à celui des peintures flamandes et hollandaises, et représente près du double de celui des peintures françaises produites avant 1800. Il couvre l’ensemble de la peinture italienne avec un point fort sur le XVIIème siècle, reflétant un âge d’or dans l’histoire des collections genevoises, c’est-à-dire la fin du XVIIIème et le début du XIXème siècle. Par ailleurs, en intégrant les collections Fol et Revilliod, il illustre parfaitement l’idéal encyclopédique qui caractérise la seconde moitié du XIXe siècle (l’illustration de toutes les techniques, de toutes les régions et de toutes les époques) et qui fonde l’identité du Musée d’art et d’histoire au moment de son ouverture en 1910.

Giovanni Paolo Lolmo (1550?–1593). L’Archange Gabriel, vers 1584.

Tempera et huile sur bois, 79.5 x 62 cm. © Musée d’art et d’histoire de Genève

In den folgenden Räumen wird die Geschichte der Sammlungen erzählt. Ein der napoleonischen Schenkung gewidmeter Saal ermöglicht es, den Anteil Italiens an den 21 Gemälden, die der Stadt 1804/1805 geschenkt wurden, zu messen. Während der nächste Saal eine Auswahl an großen Gemälden des Seicento bietet. Zwei Kabinette rufen parallel die Persönlichkeiten von Walther Fol und Gustave Revilliod in Erinnerung, die beide ein privates Museum hinterlassen haben: das Museum Fol in 1871 und das Ariana Museum in 1890. Ein letztes Kabinett zeigt die Bereicherungen des Museums seit 1910 dank Sammlern wie Jacob-Adolphe Holzer, Frédéric Battelli und Ernst und Lucie Schmidheiny. Im MAH entspricht die Sammlung der italienischen und spanischen Werke etwa den flämischen und holländischen Malereien und umfasst fast doppelt so viele Werke, wie die vor 1800 gefertigten französischen Gemälde. Die Sammlung deckt die Gesamtheit der italienischen Malerei mit dem Schwerpunkt auf dem 17. Jahrhundert ab und spiegelt das goldene Zeitalter, Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts, in der Geschichte der Genfer Sammlungen wider. Durch die Integrierung der Sammlungen Fol und Revillod veranschaulicht das Museum auch das enzyklopädische Ideal, das die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts charakterisiert (die Abbildung aller Techniken, aus allen Regionen und aus allen Epochen) und das die Identität des Museums zur Zeit seiner Eröffnung in 1910 begründete.

The subsequent rooms recount the history of the museum’s collections. A room dedicated to the Napoleon donation pays tribute to the weight of the Italian contribution amongst the 21 paintings given to the city in 1804–1805, while the following room offers a choice of large paintings from the Seicento. Two cabinets evoke the parallel personalities of Walther Fol and Gustave Revilliod, each of whom bequeathed a private museum: the former with the creation of the Musée Fol in 1871, the latter with the donation of the Musée Ariana in 1890. The third cabinet illuminates the enhancements to the MAH collections since 1910 thanks to collectors such as Jacob-Adolphe Holzer, Frédéric Battelli, and Ernst and Lucie Schmidheiny. The Italian and Spanish paintings at the Musée d’Art et d’Histoire are more or less equivalent in number to the Flemish and Dutch paintings and nearly double the pre-1800 French paintings. The complete span of Italian painting is covered with an emphasis on the 17th century, the reflection of a golden age in the history of Genevan collections from the end of the 18th to the early 19th century.

Moreover, by integrating the Fol and Revilliod donations, the collection perfectly illustrates the encyclopaedic ideal that characterised the second half of the 19th century (the illustration of all techniques, all regions and all epochs) and that the identity of the Musée d’Art et d’Histoire was founded upon at the time of its opening in 1910. rivierart

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château de prangins Louis-Auguste Brun, peintre de Marie-Antoinette. jusqu’au 10 juillet 2016 prangins - SWITZERLAND Le Musée national suisse - Château de Prangins présente une exposition dédiée au parcours remarquable de Louis-Auguste Brun, peintre issu de l’école genevoise, célèbre pour ses portraits équestres de la reine Marie-Antoinette. Une centaine d’oeuvres ainsi qu’un film résumant les surprenantes dernières années de sa vie, entre marchand d’art et patriote vaudois, permettront aux visiteurs de s’immerger dans la vie de ce personnage inclassable. Habile dessinateur, excellent portraitiste, animalier et paysagiste, l’artiste suisse Louis-Auguste Brun (1758-1815) est aujourd’hui principalement connu pour les oeuvres qu’il réalisa à la cour de France, et notamment deux portraits équestres de MarieAntoinette. Cependant, sa production fut bien plus vaste.

Das Schweizerische Nationalmuseum - Château de Prangins zeigt eine Ausstellung, die dem bemerkenswerten Werdegang von Louis-Auguste Brun gewidmet ist, einem Maler, der der Genfer Schule entstammte und durch seine Reiterporträts der Königin Marie-Antoinette bekannt wurde. Um die hundert Werke und ein Film, der die erstaunlichen letzten Lebensjahre, die er als Kunsthändler und Waadtländer Patriot verbrachte, zusammenfasst, erlauben es den Besuchern, ins Leben dieser einzigartigen Persönlichkeit einzutauchen. Der Schweizer Maler Louis-Auguste Brun (1758-1815), ein geschickter Zeichner, ausgezeichneter Porträtist, Tier- und Landschaftsmaler, ist heute hauptsächlich für seine Werke bekannt die er am französischen Königshof geschaffen hat, insbesondere für zwei Reiterporträts von Marie-Antoinette.

The Swiss National Museum – Château de Prangins presents an exhibition devoted to the remarkable career of Louis-Auguste Brun, a painter from the Geneva school best known for his equestrian portraits of Queen Marie-Antoinette. Some one hundred works, together with a film recounting the surprising last years of his life as both art dealer and Vaud patriot, allow visitors to explore the life of an individual who defies easy classification. A skilled draughtsman and an outstanding painter of portraits, animals and landscapes, the Swiss artist Louis-Auguste Brun (1758-1815) is today principally known for the works he produced at the French court, in particular two equestrian portraits of Marie-Antoinette. In fact, however, there is much more to his oeuvre.

Louis-Auguste Brun. Portrait de Marie-Antoinette à cheval, 1783. Huile sur toile, 59 x 64,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles. © Bridgeman Images, Paris

Comment un jeune peintre originaire de Rolle, ayant fait son apprentissage auprès d’un artisan local, a-t-il pu goûter aux fastes de Versailles et se voir introduit auprès de la reine? Avec une centaine de peintures à l’huile et de dessins, l’exposition retrace cette trajectoire remarquable.

Sein Schaffen umfasst jedoch sehr viel mehr. Wie war es möglich, dass ein junger Maler aus Rolle, der seine Lehrjahre bei einem lokalen Künstler verbracht hatte, am Prunk von Versailles teilhaben konnte und der Königin vorgestellt wurde?

Mit um die hundert Ölgemälden und Zeichnungen dokumentiert die Ausstellung diesen bemerkenswerten Werdegang.

How did a young painter from the village of Rolle who completed his apprenticeship with a local craftsman come to enjoy the splendours of Versailles and gain an introduction to the Queen herself? The exhibition retraces his remarkable story in around a hundred oil paintings and drawings.

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Cette exposition rappelle le rôle décisif qu’ont joué les rencontres faites par Brun à ses débuts, au château de Prangins, haut lieu culturel en Pays de Vaud. Le talent de l’artiste fera le reste.

Très à l’aise lorsqu’il s’agit de dépeindre les distractions et l’insouciance de la classe privilégiée, Brun multiplie dès son arrivée à Paris portraits, paysages, scènes de chasse ou de courses. L’exposition présente aussi les oeuvres réalisées à son retour de France, sur les bords du Léman.

Diese Ausstellung zeigt, welch entscheidende Rolle die Begegnungen Bruns zu Beginn seiner Künstlerlaufbahn im Château de Prangins, damals ein Zentrum des kulturellen Lebens im Waadtland, spielten. Das Talent des Künstlers steuerte das Übrige bei. Ganz in seinem Element, wenn es darum geht, die Vergnügungen und die Unbekümmertheit der privilegierten Klasse zu schildern, führte Brun, kaum war er in Paris angekommen, zahlreiche Porträts, Landschaftsbilder, Jagd- oder Rennszenen aus. Die Ausstellung präsentiert auch Werke, die er nach seiner Rückkehr aus Frankreich an den Ufern des Genfersees schuf.

This exhibition highlights the decisive role of Brun’s encounters in the early stages of his career at Château de Prangins, a centre of cultural life in the Vaud region. The rest is down to Brun’s talent as an artist. Entirely at his ease depicting the diversions and carefree life of the privileged class, Brun begins producing large numbers of portraits, landscapes, hunting and horse racing scenes from the time he arrives in Paris. The exhibition also presents the works created on the shores of Lake Geneva after his return from France.

Marie-Antoinette et Louis XVI à la chasse à courre, 1783. Huile sur toile, 100 x 81,5 cm. Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon. © Château de Versailles, RMN-Grand Palais. Photographie Christophe Fouin

Né à Rolle en 1758, Louis-Auguste Brun est issu d’un milieu artisanal: ses aïeux sont architectes et il fait ses premières armes auprès de son père, ébéniste. A l’âge de douze ans, il entre en apprentissage auprès du peintre Jean Antoine Brun, qui n’a pas de lien de parenté avec lui.

Descendant d’une lignée de peintres-artisans, Jean Antoine Brun s’est spécialisé comme paysagiste, créant des peintures décoratives pour les riches demeures de la région. Il est associé à Jacques Sablet fils qui deviendra un peintre de grande renommée. Sablet est chargé de lui enseigner l’architecture et la perspective. LouisAuguste Brun, qui s’installe à Genève en 1776, est placé sous la protection du grand collectionneur François Tronchin. Il se forme aussi auprès de son nouvel ami et aîné, Pierre-Louis De la Rive. Ce dernier a été fortement marqué par l’enseignement dispensé dans la cité genevoise par Nicolas-Henri-Joseph de Fassin, dit Chevalier Fassin.

Louis-Auguste Brun wird 1758 in Rolle in eine Handwerkerfamilie geboren: Seine Vorfahren sind Architekten, und er sammelt erste Erfahrungen bei seinem Vater, einem Kunsttischler. Mit zwölf Jahren beginnt er eine Lehre bei dem Maler Jean Antoine Brun, der nicht mit ihm verwandt ist. Als Nachkomme einer Malerfamilie hat sich Jean Antoine Brun auf die Landschaftsmalerei spezialisiert und fertigt für die Herrenhäuser der Region gemalte Leinwandtapeten an. Sein Partner ist der Maler Jacques Sablet, der später zu hohem Ansehen gelangt. Sablet hat die Aufgabe, ihn in Architektur und Perspektive zu unterrichten. Louis-Auguste Brun, der sich 1776 in Genf niederlässt, wird von dem bedeutenden Sammler François Tronchin gefördert. Er bildet sich zudem bei seinem etwas älteren neuen Freund Pierre-Louis de la Rive weiter. Dieser ist stark von dem Unterricht geprägt, den Nicolas-Henri-Joseph de Fassin, genannt Chevalier Fassin, in Genf erteilte.

Born in Rolle in 1758, Louis-Auguste Brun comes from a family of craftsmen: his forefathers are architects and he starts out working with his father, who is a furniture maker. At the age of twelve, he embarks on an apprenticeship under the painter Jean Antoine Brun (who is not related to him). Descended from a line of painters and craftsmen, Jean Antoine Brun has specialised in landscape painting, producing decorative works for the grand residences of the region. One of his associates is Jacques Sablet the younger, who will become a painter of great renown. Sablet is charged with teaching architecture and perspective to the young Louis-Auguste, who moves to Geneva in 1776, is taken under the wing of the great collector François Tronchin. He also trains with his new friend, Pierre-Louis de la Rive. De la Rive, who is older than Brun, has been strongly influenced by the teachings of Nicolas-Henri-Joseph de Fassin, known as Chevalier Fassin, in Geneva. rivierart

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Paysage fluvial avec demeure patricienne, vers 1776-1778. Huile sur toile, 194 x 179 cm.

Collection particulière. ©Photographie Claude Bornand, Lausanne

Ce peintre liégeois incitait ses élèves à copier les maîtres hollandais du XVIIe siècle, tels que Nicolas Berchem ou Philips Wouwerman. Encouragé par De la Rive, Brun s’empresse de faire de même. En 1775 survient un événement décisif pour la carrière artistique de Brun: il se présente au château de Prangins et demande à pouvoir copier les tableaux de la collection de LouisFrançois Guiguer. A cette époque, Prangins est un haut lieu de la vie mondaine et culturelle de la région lémanique. Brun y fait la connaissance de nombreux peintres dont le jeune Pierre-Louis de la Rive qui lui conseille de s’installer à Genève pour y poursuivre sa formation. Il rencontre également chez les Guiguer des membres de la noblesse qui influenceront durablement sa trajectoire. C’est vraisemblablement grâce à Lord Mount Stuart, connaissance du baron de Prangins, que Brun a été présenté à Victor Amédée III, roi de Piémont-Sardaigne. Après un bref séjour à Turin, il se rend à Paris en 1781. Il a la chance de rapidement travailler pour le duc de Luynes, puis pour la famille royale, probablement aidé par les recommandations de Victor Amédée III. Il existait en effet des liens étroits entre les familles royales de Piémont et de France suite à une série de mariages: trois des enfants de Victor-Amédée épousent les frères et la soeur de Louis XVI. Ces arrangements matrimoniaux généraient de nombreux échanges de portraits.

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Madame Suzanne Necker, née Curchod, 1787. Crayon de graphite, pierre noire, rehauts de sanguine, estompe et aquarelle sur papier préparé en blanc, ovale, 14 x 11,5cm. Collection particulière. ©Photographie Claude Bornand, Lausanne

Dieser Lütticher Maler hielt seine Schüler an, holländische Meister des 18. Jahrhunderts wie Nicolas Berchem oder Philips Wouwerman zu kopieren.

Von de la Rive ermutigt, bemüht sich Brun, auf gleiche Weise zu verfahren. Im Jahr 1775 findet ein Ereignis statt, das für Bruns künstlerische Karriere entscheidend ist: Er macht seine Aufwartung im Schloss Prangins und bittet, die Bilder der Sammlung Louis-François Guiguers kopieren zu dürfen.

Zu dieser Zeit ist Prangins ein Mittelpunkt des gesellschaftlichen und kulturellen Lebens der Genferseeregion. Hier lernt Brun zahlreiche Maler kennen, darunter den jungen Pierre-Louis de la Rive, der ihm rät, seine Ausbildung in Genf fortzusetzen. Bei den Guiguers begegnet Brun auch Mitgliedern des Adels, die seine Laufbahn dauerhaft beeinflussen. Vermutlich wird Brun von Lord Mount Stuart, einem Bekannten des Barons von Prangins, König Viktor Amadeus III. von Piemont-Sardinien vorgestellt. Nach einem kurzen Aufenthalt in Turin begibt er sich 1781 nach Paris. Er hat das Glück, rasch für den Duc de Luynes und anschliessend für die königliche Familie arbeiten zu können, wahrscheinlich dank der Empfehlungsschreiben Viktors Amadeus III. Tatsächlich bestehen enge Beziehungen zwischen den Königshäusern von Piemont und Frankreich, die durch mehrere Eheschliessungen weiter gefestigt werden: Drei Kinder Viktors Amadeus heiraten die Brüder und die Schwester Ludwigs XVI. Diese Ehearrangements sind der Grund für den umfangreichen Austausch von Porträts.

Originally from Liège, Fassin encouraged his pupils to copy the Dutch masters of the 17th century, such as Nicolas Berchem and Philips Wouwerman. At de la Rive’s prompting, Brun decides to do likewise. The year 1775 sees a decisive event in Brun’s artistic career: he presents himself at Château de Prangins and requests permission to copy the paintings from the collection of Louis-François Guiguer. At the time, Prangins is a hub of social and cultural life in the Lake Geneva region. Here, Brun meets numerous painters, including the young PierreLouis de la Rive, who advises him to move to Geneva in order to continue his training. At the Guiguers’, he also encounters members of the nobility who will exert a lasting influence on his career. Apparently thanks to Lord Mount Stuart, an acquaintance of the Baron of Prangins, Brun obtains an introduction to Victor Amadeus III, King of Piedmont-Sardinia. After a brief period in Turin, he travels to Paris in 1781. He has the good fortune to find work swiftly, first for the Duke of Luynes and then for the royal family, probably assisted by the recommendations of Victor Amadeus III. Indeed, there were close ties between the royal families of Piedmont and France resulting from a series of marriages: three of Victor Amadeus’s children marry the brothers and sister of Louis XVI. These matrimonial arrangements gave rise to numerous exchanges of portraits.

Louis-Auguste Brun est principalement connu pour ses deux portraits équestres de Marie-Antoinette. Les repères biographiques présentés dans cette salle ont pour but de rappeler le destin hors du commun de la plus célèbre reine de France et de mieux situer ainsi les deux oeuvres de Brun, qui datent de 1783. Cette année charnière marque la fin d’une période de relative insouciance pour la souveraine, qui peut se féliciter d’avoir enfin donné un prince héritier à la France. Cependant, c’est aussi le début d’une décennie maudite: d’impopulaire, elle deviendra rapidement l’objet d’une haine féroce qui la conduira à l’échafaud en 1793. LouisAuguste Brun est particulièrement à son aise lorsqu’il s’agit d’évoquer les distractions, l’insouciance et la légèreté de la classe privilégiée. Il devient ainsi le peintre des divertissements en plein air de cette aristocratie de la fin de l’Ancien Régime. L’une des occupations préférées du roi et des courtisans est la chasse, et Brun, qui affectionne particulièrement les scènes de vénerie, s’en fait une spécialité.

Louis-Auguste Brun ist vor allem für seine Reiterporträts Marie-Antoinettes bekannt. Die hier präsentierten biografischen Hinweise verfolgen den Zweck, das aussergewöhnliche Schicksal der berühmtesten französischen Königin in Erinnerung zu rufen, um so die beiden Bilder Bruns aus dem Jahr 1783 besser situieren zu können. Dieses Schlüsseljahr markiert das Ende einer verhältnismässig sorglosen Zeit für die Herrscherin, die sich glücklich fühlen darf, Frankreich endlich einen Thronfolger geschenkt zu haben. Zugleich eröffnet es jedoch ein verhängnisvolles Jahrzehnt: Die unbeliebte Königin wird rasch zum Gegenstand eines wilden Hasses, der sie 1793 aufs Schafott bringt. Louis-Auguste Brun fühlt sich besonders wohl, wenn es darum geht, die Zerstreuungen, die Unbekümmertheit und die Leichtigkeit der privilegierten Klasse darzustellen. So wird er der Maler der Freiluftvergnügungen des Adels am Ende des Ancien Régime. Eine der Lieblingsbeschäftigungen des Königs und der Höflinge ist die Jagd, und Brun, der die Schleppjagd besonders schätzt, macht sie zu seiner Spezialität.

Louis-Auguste Brun is principally known for his two equestrian portraits of Marie-Antoinette.

The biographical information presented here tells the remarkable story of France’s most famous queen and provides a context for the two works by Brun, which date from 1783. This watershed year marks the end of a period of relative carefreeness for the sovereign, who can congratulate herself on having finally given France an heir to the throne. Yet it is also the start of a decade of misfortune: the Queen moves rapidly from unpopularity to being the object of fierce hatred which will end on the scaffold in 1793. Louis-Auguste Brun is particularly adept at capturing the diversions, insouciance and frivolity of the privileged class, and so comes to paint the outdoor pursuits of the aristocracy in the dying days of the Ancien Régime. One of the King and his courtiers’ favourite activities is hunting: a field in which Brun, with his penchant for hunting scenes, comes to specialise.

Vue du château de Prangins depuis le nord-est, vers 1779. Huile sur toile, 36 x 45 cm. © Musée national suisse

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Il se passionne aussi pour les courses de chevaux, nouveau sport importé d’Angleterre, qui prennent leur essor en France sous le règne de Louis XVI. Pendant son séjour à Paris et à Versailles, Brun n’a pas oublié pour autant sa région natale. Entre 1781 et 1789, il met à profit plusieurs voyages en Suisse pour y exécuter des commandes. Puis vient la Révolution, période troublée à Paris, mais aussi à Genève et dans le Pays de Vaud. Le peintre fait alors l’acquisition, en 1792, d’une propriété à Versoix.

Er begeistert sich auch für Pferderennen, einen neuen, aus England importierten Sport, der unter Ludwig XVI. in Frankreich einen grossen Aufschwung erlebt. Während seines Aufenthalts in Paris und Versailles vergisst Brun seine Heimat nicht. Zwischen 1781 und 1789 nutzt er mehrere Reisen in die Schweiz, um dort Aufträge auszuführen. Mit dem Ausbruch der Revolution beginnt eine Zeit der Wirren in Paris, aber auch in Genf und im Waadtland. 1792 erwirbt der Maler ein Anwesen in Versoix.

He is also an enthusiastic follower of horse racing, a new sport imported from England, which flourishes in France during the reign of Louis XVI. Throughout his time in Paris and Versailles, Brun never forgets the region of his birth. Between 1781 and 1789, he takes the opportunity of several trips to Switzerland to execute commissions.

Then comes the Revolution, a period of turmoil in Paris but also in Geneva and the Vaud region. In 1792, the painter acquires a property at Versoix.

Etude d’amazone enfourchant son cheval, vers 1782. Pierre noire, pinceau et encre de Chine, rehauts de gouache blanche sur papier bleuté, 30,7 x 25,2 cm. Collection des Musées d’art et d’histoire de la Ville de Genève, Cabinet d’arts graphiques, Collection de la Société des Arts de Genève. © Cabinet d’arts graphiques des Musées d’art et d’histoire, Genève, Collection de la Société des Arts de Genève. Photographie André Longchamp

Photo page de droite : Étude de chien couché se grattant l’oreille, 1782-1785. Pierre noire et craie blanche sur papier, 26,2 x 31 cm,Collection des Musées d’art et d’histoire de la Ville de Genève, Cabinet d’arts graphiques, Collection de la Société des Arts de Genève. © Cabinet d’arts graphiques des Musées d’art et d’histoire, Genève, Collection de la Société des Arts de Genève. Photographie André Longchamp

Les genres préférés de Brun pendant la dernière partie de sa carrière sont le paysage et la vénerie ainsi que le portrait. Il abandonnera la peinture au tournant du siècle pour se consacrer à la politique ainsi qu’à des activités de marchand d’art et de collectionneur. Bien qu’attaché à la famille royale française, Brun est connu pour ses idées libérales. Peu après son second mariage en 1795, il se lance dans l’activisme révolutionnaire avec son ami d’enfance Frédéric-César de La Harpe. Ensemble, les deux hommes oeuvreront à la libération du Pays de Vaud de la tutelle bernoise. De Paris, de La Harpe adresse instructions, tracts et pétitions à Versoix, alors sur territoire français. Brun est chargé de les remettre à leurs destinataires.

Parcourant la campagne vaudoise avec son attirail de peintre, il n’éveille pas les soupçons des autorités bernoises. Cependant, l’engagement politique de Brun ne se reflète pas dans son art et ses sujets favoris restent les paysages et les scènes de chasse.

Brun’s preferred genres during the last part of his career are landscapes and hunting scenes as well as portraits. At the turn of the century, he gives up painting to devote himself to politics, and to his activities as an art dealer and collector. Although attached to the French royal family, Brun is known for his liberal ideas. Shortly after marrying for the second time in 1795, he becomes involved in revolutionary activism with his childhood friend Frédéric-César de La Harpe. Together, the two men will work to liberate the Vaud region from Bernese rule. From Paris, de La Harpe sends instructions, tracts and petitions to Versoix, which is in French territory at the time. Brun is tasked with forwarding them to their intended recipients. Travelling around the Vaud countryside with his painter’s paraphernalia, he does not arouse the suspicions of the Bernese authorities. However, Brun’s political engagement is not reflected in his art, and his favoured subjects remain landscapes and hunting scenes.

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Bruns Lieblingsgenres während seiner letzten Schaffensperiode sind Landschaften, Jagdszenen und Porträts. Um die Jahrhundertwende gibt er die Malerei auf, um sich der Politik zu widmen, und wird als Kunsthändler und Sammler tätig.

Trotz seiner Verbindungen zur französischen Königsfamilie ist Brun für seine liberalen Ideen bekannt. Kurz nach seiner zweiten Heirat 1795 beginnt er mit seinem Jugendfreund Frédéric-César de La Harpe für die Revolution zu engagieren.

Gemeinsam bemühen sich die beiden Männer um die Befreiung des Waadtlands von der Berner Herrschaft. Von Paris sendet de La Harpe Anweisungen, Flugschriften und Petitionen nach Versoix, das damals zu Frankreich gehört. Brun hat den Auftrag, sie an ihre Empfänger weiterzuleiten. Indem er mit seinen Malutensilien durch die Landschaft der Waadt zieht, erregt er keinen Verdacht bei den Berner Behörden. Allerdings findet sein politisches Engagement keinen Niederschlag in seiner Kunst, und seine Lieblingssujets bleiben Landschaften und Jagdszenen.

Brun fut avant tout un excellent et prolifique dessinateur, ce qui explique pourquoi ses peintures à l’huile sont relativement peu nombreuses. Son habileté à fixer par le trait le caractère d’une personne ou à saisir le mouvement d’un animal est remarquable. Force dessins attestent de ses activités auprès de la famille royale et ont servi d’études pour les toiles réalisées à Versailles. Certaines esquisses gardent le souvenir de voyages, de villes et de campagnes traversées. Parmi les sujets favoris, on reconnaît sans surprise, portraits, paysages, chevaux et chiens.

Brun war vor allem ein ausgezeichneter und emsiger Zeichner, was erklärt, warum er verhältnismässig wenige Ölbilder schuf. Seine Fertigkeit, den Charakter einer Person mit wenigen Strichen festzuhalten oder die Bewegung eines Tiers zu erfassen, ist bemerkenswert. Zahlreiche Zeichnungen zeugen von seinen Tätigkeiten im Umkreis der königlichen Familie und dienten als Studien für in Versailles geschaffene Gemälde. Gewisse Skizzen bewahren Erinnerungen an Reisen und besuchte Städte oder Landschaften. Zu den Lieblingssujets gehören, wie nicht anders zu erwarten, Porträts, Landschaften, Pferde und Hunde.

Brun was first and foremost an outstanding and prolific draughtsman, and his oil paintings are, accordingly, relatively few in number. He was remarkably skilled at capturing the character of a person or the movement of an animal through the use of line. Myriad drawings attest to his involvement with the royal family and served as studies for paintings executed at Versailles. A number of sketches record journeys, towns and countrysides through which he travelled. Unsurprisingly, his favourite subjects include portraits, landscapes, horses and dogs.

château de prangins- musée national suisse Louis-Auguste Brun, peintre de Marie-Antoinette. De Prangins à Versailles - du 4 mars au 10 juillet 2016 Louis-Auguste Brun, Maler von Marie-Antoinette. Von Prangins nach Versailles - vom 4. märz BIS 10. juli 2016 Louis-Auguste Brun, Painter to Marie-Antoinette. From Prangins to Versailles - from march 4th to july 10th, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46

www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ rivierart

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Musée barbier-mueller Monnaies – objets d’échange jusqu’au 30 octobre 2016 genève - SWITZERLAND Montrant la diversité formelle qu’adoptent les monnaies dans différentes cultures d’Afrique, d’Asie et d’Océanie, la nouvelle exposition du musée Barbier-Mueller présente non seulement des pièces façonnées pour remplir une fonction monétaire mais aussi des objets, qui, détournés de leur fonction première, deviennent des instruments d’échange. Fabriqués dans des matériaux considérés comme précieux tels que des métaux, des coquillages, du corail, des plumes, de l’ivoire et des perles, ces armes, outils, bijoux, textiles et boucliers, entre autres, sont utilisés dans le cadre de transactions commerciales.

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Die neue Ausstellung des Barbier-Mueller Museums präsentiert die formale Vielfalt von Währungen, die in verschiedenen Kulturen Afrikas, Asiens und Ozeaniens existieren und zeigt nicht nur Stücke, die eine monetäre Funktion haben, sondern auch Gegenstände, deren primäre Funktion abgewandelt wird und die zu Instrumenten des Austausches werden. Aus wertvollen Materialien, wie Metall, Muscheln, Korallen, Federn, Elfenbein und Perlen angefertigt, werden diese Waffen, Werkzeuge, Schmuckstücke, Textilien und Schilde unter anderem im Rahmen von Handelsgeschäften verwendet.

The new exhibition at the Barbier-Mueller Museum, displaying the formal diversity of currencies from different cultures of Africa, Asia, and Oceania, presents not only pieces produced to fulfill a monetary function but also objects diverted from their primary function to become instruments of exchange. These weapons, tools, pieces of jewelry, textiles and shields, among other things, made of materials considered precious such as metals, shells, coral, feathers, ivory and pearls are used within the context of commercial transactions. They also take on a symbolic, sociopolitical, and religious value.

Ils revêtent en outre un caractère symbolique, socio-politique et religieux. Ils sont parfois cachés au regard et tenus comme « sacrés » pour réapparaître, avec ostentation, lors de grands évènements de la vie sociale. On les montre, on les exhibe, on se les passe. Ils changent de mains particulièrement lors des grandes étapes de la vie telles que les naissances, les rites de passage à la vie d’adulte, les mariages et les funérailles. Rédigé par Anne Vanderstraete, le catalogue de cette exposition se compose d’une partie introductive abordant les formes et usages des monnaies et objets d’échange et d’un catalogue recensant et décrivant les pièces présentées. En marge de cette exposition, une sélection des plus belles et importantes monnaies en or de l’histoire de France, issues de la collection de Stéphane Barbier-Mueller, sera présentée dans une petite salle du musée.

Sie sind auch von symbolischer, sozialpolitischer und religiöser Natur.

Manchmal werden sie vor den Blicken versteckt und „heilig“ gehalten, um dann bei grossen Ereignissen des gesellschaftlichen Lebens prunkvoll wieder zu erscheinen. Sie werden gezeigt, zur Schau getragen, weitergereicht. Sie wechseln die Hand vor allem bei den grossen Etappen des Lebens, wie Geburten, den Riten des Übergangs zum Erwachsenensein, Hochzeiten und Trauerfeiern. Der von Anne Vanderstraete verfasste Ausstellungskatalog besteht aus einem einleitenden Abschnitt, der die Formen und die Verwendung von Währungen und Tauschobjekte erörtert und aus einer Auszählung und Beschreibung der ausgestellten Stücke. Neben dieser Exposition wird in einem kleinen Saal des Museums eine Auswahl der wichtigsten und schönsten Goldmünzen der Geschichte Frankreichs gezeigt, die aus der Sammlung von Stéphane Barbier-Mueller stammen.

They are sometimes hidden from view and held to be “sacred”, only to be paraded during the major events of social life. They are shown, exhibited, passed around. They change hands particularly during the major turning points of life such as births, rites of passage to adulthood, marriages and funerals. The catalogue for this exhibition, compiled by Anne Vanderstraete, is composed of an introductory section on the forms and uses of coins and items of exchange and of entries listing and describing the pieces displayed. As a sidelight to this exhibition, a selection of the most beautiful and important gold coins in the history of France, from the collection of Stéphane Barbier-Mueller, will be exhibited in a room of the museum.

Photo page de gauche - Pectoral, marangga. Ouest de Sumba, Indonésie. Or. H. 16 cm.

Inv. 3669. © Musée Barbier-Mueller. Photo Studio Ferrazzini Bouchet.

Photo page de droite en haut - Poids à peser l’or représentant un tambourinaire battant les « tambours parleurs ». Akan ou Anyi, Côte d’Ivoire. XIXe siècle. Alliage cuivreux. H. 9 cm ; poids 100 g. Inv. 1007-212. © Musée Barbier-Mueller. Photo Studio Ferrazzini Bouchet.

Photo page de droite en bas - Collier. Berbères ida ou semlal, Anti-Atlas occidental, Maroc. Ambre, amazonite, corail, argent, émail filigrané et pièces de monnaie. L. 60 cm. Inv. 1000-45. © Musée Barbier-Mueller. Photo Studio Ferrazzini Bouchet.

MUsée barbier-mueller Monnaies - objets d’échange - jusqu’au 30 octobre 2016 Währungen und Tauschobjekte - bis zum 30. oktober 2016 Currencies - Items of Exchange - until 30th october, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN www.musees-barbier-mueller.org

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MUSéE DES BEAUX-ARTS

Lahza 2. Regards d’enfants syriens en exil du 13 mars au 9 octobre 2016 LA CHAUX-DE-FONDS - SWITZERLAND Après un an de travaux de rénovation, le Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds a réouvert le samedi 12 mars 2016 avec la 72e Biennale d’art contemporain et deux expositions de photographie, ainsi que le nouvel accrochage de sa collection.

Depuis 2011, la violence du conflit armé en Syrie a contraint des milliers d’hommes, de femmes et d’enfants à s’exiler pour retrouver sécurité et possibilités d’avenir. Aux premières loges de cette tragédie, le Liban a accueilli plus d’un million de réfugiés syriens, soit l’équivalent d’un quart de sa population, malgré un territoire exigu et des ressources limitées qui rendent l’intégration de ces migrants difficiles.

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Nach einem Jahr Renovierungsarbeiten hat das Kunstmuseum in La Chaux-de-Fonds wiedereröffnet und präsentiert drei temporäre Ausstellungen: die 72. Biennale der zeitgenössischen Kunst, zwei Fotoausstellungen sowie die neue Dauerausstellung seiner Sammlung.

Seit 2011 hat die Gewalt des bewaffneten Konflikts in Syrien Tausende Männer, Frauen und Kinder gezwungen, ins Exil zu gehen, um Sicherheit und Zukunftschancen zu finden. Libanon, das die Tragödie aus nächster Nähe miterlebt, hat mehr als eine Million syrische Flüchtlinge empfangen. Das entspricht einem Viertel der Bevölkerung, trotz eines kleinen Gebietes und begrenzten Mitteln, welche die Integrierung der Migranten noch erschwert.

After a year of renovations, the Museum of Fine Arts in La Chaux-de-Fonds reopens and presents three exhibitions: the 72nd Biennial of Contemporary Art, and two photography exhibitions.

Also on offer, a newly curated version of its own collection.

Since 2011, the violence of the armed conflict in Syria has forced thousands of men, women and children into exile in order to seek safety and future opportunities. At the forefront of this tragedy, Lebanon has welcomed over a million Syrian refugees, the equivalent of a quarter of its population, despite being a small territory and having limited resources that make the integration of migrants difficult.

photo page de gauche - Baraa, 12 ans, Zakira / UNICEF, Liban, photographie photo page de droite - Abed Al Kafi, 12 ans, Zakira / UNICEF, Liban, Photographie Entre 2013 et 2014, le photojournaliste libanais Ramzi Haidar et des volontaires de l’ONG Zakira ont visité, avec le soutien de l’UNICEF, une soixantaine de camps de réfugiés pour enseigner les bases de la photographie et distribuer des appareils photos jetables à 500 enfants de 7 à 12 ans qui y vivent dans des conditions extrêmement précaires. À travers le regard candide mais étonnamment assuré de ces enfants sur leur quotidien, le projet « Lahza 2 » offre une perspective inhabituelle sur la migration, battant en brèche de nombreux clichés. Dans le quotidien monotone de ces enfants le plus souvent déscolarisés, la photographie offre un moyen d’expression bienvenu, dont ils se sont emparés avec un enthousiasme et une aisance tout à fait remarquable. Nommé d’après un mot arabe signifiant « moment » ou « aperçu », « Lahza 2 » prolonge un premier projet similaire mené avec des enfants de camps de réfugiés palestiniens, au Liban déjà, en 2007. C’était l’un des premiers projets de l’ONG Zakira (« mémoire » en arabe), qui s’est donné pour but de promouvoir à travers un large spectre d’activités un usage humaniste et éclairé de l’image et de la photographie dans le monde arabe.

Zwischen 2013 und 2014 besuchten der libanesische Fotojournalist Ramzi Haidar und Freiwillige der NGO Zakira mit Unterstützung der UNICEF circa sechzig Flüchtlingslager, um die Grundlagen der Fotografie zu lehren und 500 Einweg-Kameras an Kinder zwischen 7 und 12 Jahren zu verteilen, die unter äußerst schwierigen Bedingungen leben. Durch den naiven aber erstaunlicherweise sicheren Blick dieser Kinder auf ihren Alltag bietet das „Lahza 2“ Projekt eine ungewöhnliche Perspektive auf die Migration und greift viele Vorurteile an. Im monotonen Alltag dieser meist ungebildeten Kinder bietet die Fotografie eine willkommene Ausdrucksmöglichkeit, die sie mit einer Begeisterung und einer ganz bemerkenswerten Leichtigkeit ergriffen haben. Nach dem arabischen Wort für „Moment“ oder „Einblick“ benannt, führt „Lahza 2“ ein ähnliches Projekt fort, das im Libanon bereits 2007 mit Kindern aus palästinensischen Flüchtlingslagern durchgeführt wurde. Es war eines der ersten Projekte der NGO Zakira („Gedächtnis“ auf Arabisch), deren Ziel es ist, über ein breites Spektrum von Aktivitäten den humanistischen und aufgeklärten Gebrauch des Bildes und der Fotografie in der arabischen Welt zu fördern.

Between 2013 and 2014, the Lebanese photojournalist Ramzi Haidar and the volunteers of the NGO Zakira, along with the support of UNICEF, visited about sixty refugee camps to teach the basics of photography and to distribute disposable cameras to 500 children from 7 to 12 years of age who live there in extremely precarious conditions. Through the candid but surprisingly assured lens of these children into their everyday lives, the “Lahza 2” project offers an unusual perspective on migration, one which flies in the face of many clichés. In the monotonous daily lives of these, most often, uneducated children, photography provides a welcome means of expression, which they have seized upon with enthusiasm and quite remarkable ease.

Named after an arabic word for “moment” or “glimpse”, “Lahza 2” is an extension of a similar pilot project conducted with children from Palestinian refugee camps already in Lebanon in 2007. It was one of the first projects by the NGO Zakira (meaning “memory” in Arabic), that aims through a broad range of activities to promote a humanist and enlightened use of the image and of photography in the Arab world.

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv.

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août.

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions) MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

la revue suisse des amateurs d’art et de culture rivier aart

LECARREFOUR CARREFOURDES DESARTISTES ARTISTES LE DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

RIVIERART

RIVIERART

UR DES ARTISTES NKT DER KÜNSTLER POINT FOR ARTISTS

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 Fax : +41 (0)21 320 50 71 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

N 9 août - septembre - octobre 2013 - CHF 10.-

1 an - 4 numéros - chf 40.7/5/2013 3:10:43 PM

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rivierart 1/23/2015 11:55:57 AM

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NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier.

BERNE

BÂLE

kunstMuseum bern Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

Naturhistorisches museum bern Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern Tel : 031 350 71 11 lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end de 10h à 17h. Fermé les jours fériés.

Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

1517 rivierart

FRI ART Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les expositions temporaires)

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : 1 an - 4 n° pour CHF 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

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FRIBOURG

Bernisches Historisches Museum Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern Tel. +41 31 350 77 11 info@bhm.ch www.bhm.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch

Date et signature obligatoires : Date

fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.

MUSÉE SUISSE DE LA MARIONNETTE Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch www.marionnette.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 2526 décembre

MUSÉE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch www.museegutenberg.ch mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; jeudi de 11h à 20h, dimanche de 10h à 17h

VALAIS VITROMUSEE ROMONT – Musée Suisse du Vitrail et des arts du verre Au Château, CH – 1680 Romont Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Fax : + 41 (0)26 652 49 17 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h

Musée du Papier peint Au Château - 1684 Mézières Tél : +41 26 652 06 90 info@museepapierpeint.ch www.museepapierpeint.ch début avril - fin octobre: jeudi à dimanche de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg Tél. : 026 305 89 00 Fax : 026 305 89 30 museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn ouvert tous les jours de 14h à 18h fermeture annuelle: 1er janv. et 25 déc.

Entrée libre

TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tél : 026 921 30 10 Fax : 026 921 30 09 info@tibetmuseum.ch www.tibetmuseum.ch de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h à 18h; de Novembre à Pâques du mardi au vendredi de13h à 17h; samedi et dimanche de11h à 18h - lundi fermé

Musée gruérien Rue de la Condémine 25, 1630 Bulle Tél : 026 916 10 10 info@musee-gruerien.ch www.musee-gruerien.ch octobre à mai: du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h, samedi de 10 à17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h - juin à septembre: du mardi au samedi de 10h à 17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ville-geneve.ch/ariana du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h.

Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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rivier a rt LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

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ISSN 2235-8730

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N° 20 / 2016, Mai - Juin - Juillet parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux © Geneviève Brunner Traductions: Florian Benedikt Arnold Escher Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass Impression: Musumeci S.p.A. Località Amérique 97, 11020 Quart / Italia Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis.

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PA R TA G E R L A PA S S I O N D U B E A U

Lionel Meylan SA Boutiques Place du Marché 4 1800 Vevey Rue des Deux-Marchés 34 1800 Vevey Horaires d’ouverture: Lundi au vendredi 08h30 à 12h30 14h00 à 18h30 Samedi 08h30 à 12h30 14h00 à 17h00 Tel: +41 21 925 50 50 Fax: +41 21 925 50 59 Boutique On Top of Glacier 3000 Tel: +41 24 492 24 00 Fax: +41 24 492 24 01 Horaires d’ouverture : selon Glacier 3000 info@lionel-meylan.ch www.lionel-meylan.ch Suivez-nous sur Facebook

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