Rivierart n21 08 2016 by Rivierart

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

LE PREMIER MASTER CHRONOMETER AU MONDE La GLOBEMASTER s’est vu attribuer le plus haut niveau de certification de l’industrie horlogère. Cette montre a passé une multitude de tests avant d’être officiellement certifiée par l’Institut fédéral suisse de métrologie (METAS). Sans compromis sur le design, elle allie très grande précision et résistance à des champs magnétiques de 15'000 gauss, établissant ainsi un nouveau standard horloger. Pour OMEGA, ce n’est que le début. www.omegawatches.com/fr/globemaster DISPONIBLE CHEZ :

SOMMAIRE INHALT CONTENTS FESTIVAL 24 - 25

Le Bois qui Chante

découverte 12

Rencontres & Inspiration

artiste 13

Pavlina

MUSéES 8 - 11 14 - 19 20 - 21 22 - 23 26 - 27 28 - 31 32 - 34 35 36 - 37 38 - 43 44 - 45 46 - 47 48 - 49

Château de Chillon Alimentarium Mudac Musée des Beaux-Arts du Locle Fondation de l’Hermitage Kunstmuseum Bern Fondation Beyeler Cacy Musée Olympique Musée de Montreux Collection de l’art brut Musées - Vaud Musées - Bâle, Berne, Neuchâtel Fribourg, Valais, Genève

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Château-d’Oex, du 14 au 23 octobre 2016

16e édition

...concerts spectacle pour enfants

balade didactique

cinéma muet

brunch sonate… INFO | RÉSERVATIONS: Pays-d’Enhaut Tourisme +41 (0) 26 924 25 25 E-mail: bois-qui-chante@chateau-doex.ch 4

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Eté 2016, l’Euro s’est achevé, les stades se sont vidés, l’enthousiame est retombé. Brexit va occuper nos politiciens et sans doute encombrer nos écrans. Mais qu’à cela ne tienne, tout au long de l’été une offre culturelle abondante vous attend de pied ferme. N’hésitez pas, et faites le pas! En effet, moins médiatiques mais toujours présents, nos musées vous attendent, seul, à deux ou en famille, vous en trouverez pour tous les goûts, près de chez vous. Ici pas de défaite, pas d’élimination, pas de compétition, de performance obligée, d’exclusion ou de rejet. Un musée, une valeur sûre pour se ressourcer, pour prendre du recul, pour retrouver un peu de calme intérieur, pour un moment de détente, pour découvrir ou redécouvrir. Rivierart se fait un plaisir de vous en présenter quelques-uns et vous souhaite d’ores et déjà un bel été.

Sommer 2016, die Euro ist beendet, die Stadien haben sich geleert, der Enthusiasmus ist verflogen. Brexit wird unsere Politiker beschäftigen und wahrscheinlich unsere Bildschirme überschwemmen. Aber das macht nichts, denn der Sommer hält ein reichliches Kulturangebot für Sie bereit. Zögern Sie nicht und machen Sie den Schritt! Weniger medienwirksam, aber immer anwesend, warten in Ihrer Nähe unsere Museen auf Sie. Alleine, zu zweit oder mit der Familie, Sie werden für jeden Geschmack etwas finden. Hier gibt es keine Niederlage, kein Ausscheiden, kein Wettkampf, keine erzwungene Leistung, keinen Ausschluss oder Ablehnung. Ein Museum, ein sicherer Wert, um sich zu besinnen, Abstand zu gewinnen, um ein wenig innere Ruhe zu finden, für eine Ruhepause, um zu entdecken oder wiederzuentdecken. Rivierart freut sich, Ihnen einige Museen vorstellen zu können und wünscht Ihnen einen schönen Sommer.

Summer 2016, the Euro is over, the stadiums have emptied and the enthusiasm has died down. Brexit will keep our politicians busy for the days to come and the fallout from the referendum will occupy our screens for the foreseeable future. However, let’s put all that aside to focus on the abundant cultural offerings available this summer. Don’t dally, go out and enjoy! Indeed, little publicised but ever present, our museums await your visit. Singles, couples or families, there is something for everyone right on their doorstep. There, no one is defeated or eliminated; there is no competition, obligatory participation, exclusion or rejection. A museum visit is a great way to re-energize, gain perspective, find some inner calm, relax, and to make discoveries and rediscoveries. Rivierart takes great pleasure in presenting some of these museums and wishes you already a wonderful summer.

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1946

2016

26 aoĂťt - 4 sept. Royal Philharmonic Orchestra London Youth Orchestra of Bahia musicAeterna Perm

Billetterie: 021 962 80 05 www.septmus.ch 0900 800 800 CHF 1,19/MIN.

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Martha Argerich Annie Dutoit James Ehnes Leonidas Kavakos Midori Mikhail Pletnev Daniil Trifonov LaurĂŠats Verbier Festival Academy

Graphisme: Sandy Kopitopoulos

Charles Dutoit Ricardo Castro Teodor Currentzis

L’invité de Rivierart Tobias Richter Directeur du Septembre Musical Direktor des Septembre Musical Director of the Septembre Musical

Le Septembre Musical souffle cette année ses 70 bougies ! Entre tradition et modernité, il a su se réinventer au fil des années pour devenir aujourd’hui l’un des plus grands festivals de musique classique en Suisse romande, accueillant à la fois orchestres symphoniques et solistes de renom. 2016 marque également les 70 ans du prestigieux Royal Philharmonic Orchestra de Londres qui nous fera l’honneur d’inaugurer cette édition avec un programme foisonnant incluant de grandes oeuvres de Mendelssohn-Bartholdy, Schumann, Stravinski, Rossini, Brahms, Furtwängler et Rachmaninov. Pour ouvrir les festivités et diriger le Royal Philharmonic Orchestra nous aurons l’honneur de recevoir l’immense maestro Charles Dutoit et la non moins célèbre pianiste Martha Argerich ! Nous recevrons également pour la toute première fois, l’ensemble musicAeterna dirigé par Teodor Currentzis le samedi 3 septembre à l’Auditorium Stravinski. En parallèle à la programmation orchestrale, des artistes hors pair viendront compléter cette affiche, tels les pianistes Mikhail Pletnev et Daniil Trifonov ou les violonistes James Ehnes, Midori et Leonidas Kavakos. C’est donc non sans une pointe d’émotion que je me fais une joie de vous retrouver pour célébrer en votre compagnie l’anniversaire de ce festival né précisément le 6 septembre 1946 au Casino-Kursaal de Montreux. Une opportunité unique de se souvenir des concerts passés et de se réjouir des éditions à venir ! Tobias Richter

Das Septembre Musical feiert dieses Jahr sein 70. Jubiläum! Zwischen Tradition und Modernität wusste es sich im Laufe der Jahre immer wieder neu zu erfinden, um eines der größten Festivals klassischer Musik der französischen Schweiz zu werden, indem es gleichzeitig berühmte Symphonieorchester als auch Solisten empfängt. 2016 markiert auch den 70. Jahrestag des renommierten Royal Philharmonic Orchestra von London, welches uns die Ehre erweist, diese Ausgabe mit einem umfangreichen Programm zu eröffnen, das grosse Werken von MendelssohnBartholdy, Schumann, Strawinsky, Rossini, Brahms, Rachmaninow und Furtwängler einschliesst. Um die Feierlichkeiten zu beginnen und das Royal Philharmonic Orchestra zu dirigieren, werden wir die Ehre haben, den großen Maestro Charles Dutoit und die nicht minder berühmte Pianistin Martha Argerich willkommen zu heissen! Wir empfangen auch zum ersten Mal das Ensemble musicAeterna, dirigiert von Teodor Currentzis am Samstag, den 3. September im Auditorium Stravinski. Neben dem Orchesterprogramm werden auch herausragende Künstler anwesend sein, wie die Pianisten Mikhail Pletnev und Daniil Trifonov oder die Violinisten James Ehnes, Midori und Leonidas Kavakos. Es ist also nicht ohne eine gewisse Ergriffenheit (oder Gefühlsregung), dass ich mich freue, dieses Festival mit Ihnen zu feiern, das am 6. September 1946 im Montreux Casino-Kursaal ins Leben gerufen wurde. Es ist die einmalige Gelegenheit, sich an die vergangenen Konzerte zu erinnern, die jetzigen zu geniessen und sich auf die kommenden zu freuen.

This year Septembre Musical celebrates its 70th birthday! Filling a niche between tradition and modernity, the festival has reinvented itself over the years welcoming great symphony orchestras as well as renowned soloists to become one of the greatest festivals of classical music in the French speaking part of Switzerland. Our anniversary is not the only one this year! Indeed, the London’s prestigious Royal Philharmonic Orchestra also celebrates its 70th birthday this year will present programmes by Mendelssohn, Schumann, Rossini, Brahms, Rachmaninov, Stravinski and Furtwängler. To open the festivities, conductor Charles Dutoit will lead the Royal Philharmonic Orchestra. Maestro Dutoit also celebrates a big birthday this year, as does the celebrated pianist Martha Argerich! For the first time, we will receive the ensemble musicAeterna Perm and its conductor Teodor Currentzis. Parallel to the orchestras, great soloists will perform: pianists Mikhail Pletnev and Daniil Trifonov and violinists James Ehnes, Midori and Leonidas Kavakos. It’s therefor with a great sense of emotion that I look forward to welcoming you to the festival, a festival born precisely on September 6th, 1946 in the Casino-Kursaal of Montreux. It will be a great opportunity to celebrate, the memory of past concerts, present ones and rejoice in future ones. Tobias Richter

Tobias Richter rivierart

CHÂTEAU DE CHILLON «1816-2016 Byron is back» jusqu’au 21 août 2016 VEYTAUX/MONTREUX - SWITZERLAND Cette année, le château de Chillon célèbre le bicentenaire de la visite du poète anglais Lord Byron. Du 29 avril au 21 août, une multitude d’animations rendra hommage au britannique qui a rendu Chillon encore plus célèbre.

Das Schloss Chillon feiert dieses Jahr das 200-Jahr-Jubiläum des Schlossbesuchs des englischen Dichters Lord Byron. Vom 29. April bis am 21. August finden zahlreicheVeranstaltungen zu Ehren des Engländers statt, der Chillon noch berühmter gemacht hat.

Friedrich Martens, Souterrain du Château de Chillon avec des Visiteurs, vers 1850 (Zentralbibliothek Zürich)

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This year, Chillon Castle is celebrating the bicentenary of English poet, Lord Byron’s visit to the castle. From 29th April to 21st August, a selection of activities will pay homage to the Brit who made Chillon Castle even more famous than it already was.

Souterrain du Château de Chillon, © Château de Chillon

Libertin, dandy, aventurier, Lord Byron (1788– 1824) a marqué la génération des romantiques. En séjour en Suisse du 20 mai au 10 octobre 1816, il visite le château de Chillon le 25 juin. Emu et profondément touché par l’emprisonnement de François Bonivard en 1530, un opposant au Duc de Savoie, et par sa visite des souterrains, il écrit le célèbre poème : « Le Prisonnier de Chillon ».

Lord Byron (1788-1824), der Freigeist, Dandy und Abenteurer, hat die Generation der Romantiker stark geprägt. Vom 20. Mai bis am 10. Oktober 1816 hält er sich in der Schweiz auf und besucht das Schloss Chillon am 25. Juni. Bewegt und tief berührt von der Gefangenschaft François Bonivards, eines Gegners des Herzogs von Savoyen, im Jahr 1530 und von seinem Besuch im Gefängnis von Chillon schreibt Byron das berühmte Gedicht „Der Gefangene von Chillon“.

«Le Prisonnier de Chillon», poème de Lord Byron, photo © Yves André

As a libertine, a dandy and an adventurer – Lord Byron (1788-1824) left his mark on the generation of the Romantics. During a trip to Switzerland from 20th May to 10th October 1816, he visited Chillon Castle on 25th June. He was so moved and profoundly touched by the story of François Bonivard – who was imprisoned in 1530 for opposing the Duke of Savoy – and by his visit to the underground passages, that he wrote the famous poem “ The Prisoner of Chillon ”.

apperçu de l’exposition «1816-2016 Byron is back» au Château de Chillon photo ©Yves André

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Le séjour de Byron en Suisse du 20 mai au 10 octobre 1816 sert de fil rouge à l’exposition temporaire. C’est d’ailleurs la première fois que cette thématique est traitée dans une exposition temporaire en Europe. Les nombreux déplacements, rencontres et découvertes qui ont eu une influence majeure sur son œuvre littéraire sont mis en lumière tout comme l’impact que ces cinq mois de résidence ont eu sur le tourisme en Suisse, dès le début du 19e siècle et jusqu’à aujourd’hui. Les principales étapes étant désormais toutes des lieux de mémoire byroniens. Byron est bien l’un des meilleurs promoteurs touristiques de la région ! En parallèle, la personnalité fascinante, complexe, et versatile de Byron n’est pas en reste : elle se dévoile ponctuellement dans le château au fil des pièces. L’expérience de visite se veut émotionnelle. Le château de Chillon rend hommage à cet homme qui a marqué son époque par son talent et le succès immédiat de chacune de ses publications. En effet, Byron était une véritable star il y a 200 ans au même titre que David Bowie de nos jours ! Der Schweizaufenthalt Byrons vom 20. Mai bis am 10. Oktober 1816 dient als roter Faden der Sonderausstellung. Es ist das erste Mal, dass eine Sonderausstellung in Europa dieses Thema aufnimmt. Die Ausstellung erzählt von den zahlreichen Ausflügen, Bekanntschaften und Entdeckungen, die einen grossen Einfluss auf Byrons literarisches Werk hatten, genauso wie von den Auswirkungen, die der fünfmonatige Aufenthalt des Dichters auf den Tourismus in der Schweiz hatte – seit dem 19. Jahrhundert und bis heute. Die wichtigsten Reiseetappen Byrons sind inzwischen alle zu Gedenkstätten geworden. Byron ist einer der besten Tourismusbotschafter der Region ! Auch die faszinierende, komplexe und unstete Persönlichkeit Byrons kommt nicht zu kurz : Ihre diversen Facetten werden in den verschiedenen Ausstellungsräumen beleuchtet. Ein Besuchserlebnis, das Emotionen hervorruft. Das Schloss Chillon ehrt mit Byron einen Dichter, der seine Epoche mit seinem Talent und dem unmittelbaren Erfolg jeder seiner Publikationen geprägt hat. Byron war vor 200 Jahren ein Star, vergleichbar mit David Bowie heutzutage ! Lord Byron’s trip to Switzerland from 20th May to 10th October 1816 will be the focal point of the temporary exhibition. This will be the first time this theme has been covered by a temporary exhibition in Europe. The numerous jaunts, discoveries and people involved in Byron’s trip, and which had a major influence on his literary work, will all be in the spotlight, as will the impact his five-month stay has had on tourism in Switzerland, from the beginning of the 19th Century until today. The first steps will therefore take us through all of Switzerland’s memorable “Byron” locations. Byron was one of the region’s greatest tourism promoters! In parallel, we mustn’t forget Byron’s fascinating, complex and versatile personality, which will be gradually revealed, room by room, as you head around the castle. The tour is set to be an emotional one. Chillon Castle will be paying homage to this man, who marked his era with his talent and the immediate success of each of his publications. Byron was a real star 200 years ago, as big a star as David Bowie was for this generation! page de gauche - photo du haut - Affiche : Hôtel Byron, 1870 (Bibliothèque de Genève) page de gauche - photo du bas - Vincent Blatter, Affiche : Compagnie Générale de Navigation sur le lac Léman, 1886 (Bibliothèque Nationale Suisse)

château de chillon « 1816-2016, Lord Byron, le retour » - du 29 avril au 21 août 2016 « 1816-2016, Lord Byron kehrt zurück »- vom 29. april bis zum 21. august 2016 « 1816-2016, Byron is back » - from april 29th to august 21st, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46

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www.chillon.ch

Cette exposition unique, placée sous le patronage de l’ambassade du Royaume-Uni en Suisse, présente des objets originaux et exceptionnels prêtés par des institutions prestigieuses ainsi que des documents, des objets, des archives et des publications rares contextualisés par une foisonnante iconographie qui plongent les visiteurs dans cet été 1816 marqué par une météo dramatique. Parmi ces objets originaux exposés figure le manuscrit du Prisonnier de Chillon recopié par Claire Clairmont et la première édition du Prisonnier de Chillon, ainsi que de nombreuses éditions originales de Lord Byron. Les principaux documents exposés proviennent entre autres de la National Library of Scotland, des Archives d’Etat de Genève, des Archives cantonales vaudoises, de la Bibliothèque cantonale universitaire (Lausanne) et de nombreux collectionneurs privés. Guidé par le carnet de voyage « Alpine Journal », le public partira sur les traces de Lord Byron, en quête de nouvelles émotions à la découverte de paysages alpestres, et jouera le rôle de ces premiers touristes enchantés par la découverte de la Suisse. Une expérience de visite mémorable où est révélé le rôle capital joué par Byron dans le rayonnement de Chillon, de la région lémanique, et de la Suisse en général.

Diese einzigartige Ausstellung, die unter der Schirmherrschaft der britischen Botschaft in der Schweiz stattfindet, zeigt Originaldokumente, die von renommierten Institutionen ausgeliehen wurden und Dokumente, Gegenstände, Archive und seltene Ausgaben literarischer Werke, die durch zahlreiche Bilder kontextualisiert werden. Die Besucher werden in den Sommer 1816 und seine dramatische Atmosphäre, die dem ausgesprochen schlechten Wetter geschuldet war, zurückversetzt. Unter den Ausstellungsobjekten befinden sich das von Claire Clairmont abgeschriebene Manuskript des „Gefangenen von Chillon“, die Erstausgabe des Gedichts sowie zahlreiche Originalausgaben von Lord Byrons Werken. Die wichtigsten ausgestellten Werke stammen unter anderem von der National Library of Scotland, dem Genfer Kantonsarchiv, dem Waadtländer Kantonsarchiv, der Kantonalen Universitätsbibliothek (Lausanne) und zahlreichen Privatsammlungen. Die Besucherinnen und Besucher brechen geführt von Byrons Reisetagebuch „Alpine Journal“ auf, um den Spuren des Dichters zu folgen, der beim Anblick der alpinen Landschaften nach starken Emotionen sucht. So schlüpfen sie in die Rolle der ersten Touristinnen und Touristen, die überwältigt sind von dem, was sie in der Schweiz entdecken. Ein unvergessliches Besuchserlebnis, das zeigt, wie sehr Byron zur Anziehungskraft Chillons, der Genferseeregion und der Schweiz im Allgemeinen beigetragen hat.

The exhibition, organised under the patronage of the Ambassador for the United Kingdom in Switzerland, shows original and exceptional documents and objects that have been lent by various prestigious institutions and displays archives and rare publications, with a plethora of visual aids to set the scene that will plunge visitors deep into the year 1816, which was marked by dramatic weather conditions. Among these objects, we find the manuscript of “The Prisoner of Chillon”, copied out by Claire Clairmont, the first edition, as well as numerous original editions written by Lord Byron. The main documents being exhibited have come from, amongst others, the National Library of Scotland, Archives d’Etat de Genève (State of Geneva Archives), Archives cantonales vaudoises (Canton of Vaud Archives), Bibliothèque cantonale universitaire de Lausanne (Canton of Lausanne University Library) and numerous private collections. With the “Alpine Journal” as their guide, the public will set off retracing Lord Byron’s footsteps, on a quest for new emotions while discovering Alpine landscapes, and will put themselves in the shoes of those first tourists who were enchanted by all the things there were to discover in Switzerland. This unique exhibition makes for a memorable visit where we learn exactly how important a role Byron played in the prestige afforded to Chillon, the region surrounding Geneva and Switzerland in general.

UNE EXPÉRIENCE CULINAIRE DEPUIS 1967

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RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person.

sur les pas de Lord Byron En 1816, le poète anglais Lord Georges Gordon Byron séjourne à Genève avant de venir sur la Riviera où il écrit son poème «Le Prisonnier de Chillon» durant la nuit du 27 au 28 juin 1816, alors qu’il est retenu par une tempête. Le 18 septembre 1816, Byron revient visiter la région. Il s’arrête à Vevey et visite l’église Saint-Martin, d’où il admire le panorama. Il visite le Château de Chillon une deuxième fois et loge à Clarens à la Rue des Artisans no 8. Le lendemain il passe le col de Jaman en direction de l’Oberland bernois. Il prend son petit-déjeuner aux Avants.

auf den spuren von Lord Byron 1816 hält sich der englische Dichter Lord Byron in Genf auf, bevor er an die Riviera reist, wo er sein Gedicht „Der Gefangene von Chillon“ in der Nacht vom 27. zum 28. Juni 1816 schreibt, während er von einem Sturm festgehalten wird. Am 18. September 1816 kehrt Byron zurück, um die Region zu besuchen. Er hält in Vevey und besucht die Kirche von St. Martin, wo er die Ansicht bewundert. Er besucht das Schloss Chillon ein zweites Mal und übernachtet in Clarens in der Rue des Artisans No. 8. Am nächsten Tag, überquert er den Jaman Pass in Richtung Berner Oberland und nimmt sein Frühstück in les Avants.

In the footsteps of Lord Byron In 1816, the English poet Lord Byron is spending time in Geneva before he decides to visit the Riviera. Between the nights of June 27th and 28th, 1816, while holed up from a storm he writes the famous poem “The Prisoner of Chillon”. On September 18th, 1816 Byron again returns to visit the region. This time he stops in Vevey to visit the Church of St. Martin, from where he admires the view. He again visits the Castle of Chillon and lodges in Clarens at Rue des Artisans No. 8. The next day he has breakfast in les Avants before crossing the Jaman pass heading in the direction of the Bernese Oberland.

Photo à gauche - Anonyme, Portrait de Byron à la Villa Diodati, fin du XIXème-début du XXème siècle (Bibliothèque de Genève) Photo à droite - Thomas Philips, Portrait de George Gordon, Lord Byron, 1813 (Newstead Abbey) www.rencontres-inspiration.com

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Pavlina Pavlina expose au Château Gloggnitz, en Autriche du 27 juillet au 10 septembre, à l’Espace Murandaz à Nyon, en Suisse du 17 novembre au 22 décembre ainsi qu’au Carrousel du Louvre à Paris, du 8 au 11 décembre. www.pavlina.ch art-pavlina@bluewin.ch

Une exposition monumentale de 100 artistes visionnaires a lieu au fameux Château Gloggnitz, près de Vienne. L’exposition rend hommage à l’œuvre du célèbre Ernst Fuchs, ainsi qu’aux artistes en lien avec son art, et accueille des artistes venant des quatre coins du monde. Des tableaux de Pavlina et H.R. Giger ont été choisis et représentent l’art visionnaire en Suisse. Eine monumentale Ausstellung von 100 visionären Künstler findet im berühmten Schloss Gloggnitz in der Nähe von Wien statt. Die Ausstellung würdigt die Arbeit des berühmten Ernst Fuchs, sowie der Künstler, die mit seiner Kunst in Verbindung stehen und sie empfängt Künstler aus der ganzen Welt. Gemälde von Pavlina und HR Giger wurden ausgewählt und vertreten die visionäre Kunst der Schweiz. A momentous exhibition of 100 visionary artists is taking place at the famous Castle Gloggnitz, close to Vienna. The exhibition pays tribute to the work of the famous Ernst Fuchs, as well as artists connected to his art, welcoming artists from around the world. Works by Pavlina and H. R. Giger have been selected and represent visionary art in Switzerland.

«La Femme-Christ - Die Christus-Frau» 115x75 cm, Huile et acrylique sur toile - Oel und Acryl auf Leinwand rivierart

Alimentarium Manger – L’essence de vie : nouvelle exposition permanente vevey - SWITZERLAND Après 9 mois de travaux, l’Alimentarium a réouvert ses portes le 4 juin 2016. C’est un Musée entièrement repensé qui attend les visiteurs: de la nouvelle exposition permanente aux espaces de restauration, de détente ou d’expérimentation, en passant par les ateliers culinaires ou le site Internet. En phase avec les préoccupations et les usages de son temps, l’Alimentarium millésime 2016 est un musée de nouvelle génération. Désormais accessible en tout temps et en tout lieu grâce à son nouvel écosystème digital, il est appelé à devenir un centre de référence mondial en matière d’alimentation et de nutrition. Un musée à déguster sans modération, sur place ou des quatre coins de la planète ! Pour accompagner cette métamorphose d’un musée classique en un musée de nouvelle génération, à la fois physique et virtuel, l’Alimentarium a souhaité se doter d’une nouvelle identité visuelle. C’est le graphiste zurichois Lukas Wanner qui signe son nouveau visage. Les multiples facettes du musée et ses nouveaux domaines d’activité sont présentés à travers une palette de pictogrammes aux couleurs fraîches.

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30 Jahre nach seiner Eröffnung erfindet sich das Alimentarium neu. Nach einer Bauzeit von 9 Monaten wurde das weltweit erste umfassend der Ernährung gewidmete Museum am 4. Juni 2016 wiedereröffnet. Die Besucher erwartet ein vollständig umgestaltetes Haus: Ausstellungskonzept, Räume, Workshops und Website - jeder Bereich überrascht die Besucher. Das Alimentarium Jahrgang 2016 stellt sich als Museum der neuen Generation den Fragen und Herausforderungen seiner Zeit. Über seine innovative digitale Plattform ist es jederzeit und von überall zugänglich. Ziel des Alimentarium ist es, sich umfassend als weltweit anerkanntes Zentrum für Essen und Ernährung zu etablieren. Um den Wandel von einer klassischen Bildungsinstitution in ein - physisches und digitales - Museum der neuen Generation auch nach Aussen deutlich zu machen, hat das Alimentarium sein Erscheinungsbild aktualisiert. Der Züricher Grafiker Lukas Wanner gestaltete den neuen Auftritt. Eine Folge wegleitender Piktogramme in frischen Farben repräsentieren die zahlreichen inhaltlichen Aspekte des Museums sowie seine neuen Angebote.

After nine months of renovation work, the Alimentarium will open its doors on 4th June 2016. The museum has been completely rethought from top to bottom. Discover a new permanent exhibition and new places to eat, relax and experiment, a new range of culinary workshops and a revamped website. In step with today’s concerns and habits, the 2016 vintage of the Alimentarium is a museum for the new generation. Now accessible any time, any place, thanks to its new digital ecosystem, it is set to become the world’s leading information centre on food and nutrition. A museum to be savoured without holding back, either on the spot or from the world over! To mark the transformation of a classic museum into a new-generation physical and virtual museum, the Alimentarium sought an entirely new visual identity. Zurich graphic designer Lukas Wanner has created its new look, which presents the multiple facets of the museum and its new areas of activity through a series of pictograms in fresh, cool colours. photos page gauche - © Alimentarium Museum, NicolasJutzi.ch photos page droite - © Alimentarium Museum2, NicolasJutzi.ch

Conçu comme un système, le logo est généré par la combinaison de ces différents motifs avec le nom « alimentarium ». Rien de mieux qu’une métaphore alimentaire pour expliquer la démarche de Lukas Wanner : le nouveau système graphique de l’Alimentarium est à l’image de la pomme de terre. Les frites pour les enfants, le gratin pour les adultes, la purée pour la famille. L’élément de base reste le même, sa saveur varie en fonction de la façon dont il est apprêté et du contexte dans lequel il est consommé. Evolutive et souple, cette nouvelle identité doit permettre à chacun de s’approprier l’Alimentarium selon ses propres goûts et centres d’intérêt. Au cœur de l’offre du musée, la nouvelle exposition permanente place le visiteur au centre du discours en impliquant son corps, son environnement et son entourage. La visite s’articule ainsi autour de trois axes de contenus : le Secteur Aliment Moi et l’extérieur; le Secteur Société - Moi et les autres et le Secteur Corps - Moi et l’intérieur. Par l’expérimentation sensorielle et virtuelle, la recherche active d’informations, l’apprentissage guidé et ludique, le visiteur est amené à prendre conscience de la complexité de l’alimentation dans le monde et à travers les âges. Au terme de sa visite, il peut mieux saisir toutes les implications d’un geste devenu si banal : manger. Elément central de cette scénographie immersive : chaque secteur présente un grand jeu interactif.

Das als System funktionierende Logo entsteht durch eine Kombination verschiedener dieser Piktogramme mit der Wortmarke „alimentarium“. Lukas Wanners Konzept lässt sich durch eine Metapher erläutern. Er vergleicht dieses neue graphische System mit einer Kartoffel: Pommes für die Kinder, Gratin für die Erwachsenen und Püree für die Familie. Das Grundelement bleibt dasselbe, wobei jedoch sein Geschmack je nach Zubereitungsart und Kontext der Mahlzeit variiert. Das neue Erscheinungsbild ist mithin flexibel und evolutiv, so dass sich jeder das Alimentarium nach eigenem Geschmack und Interessen zu Eigen machen kann. Das Herzstück des neuen Museums ist die frisch eingerichtete Dauerausstellung, die den Besucher ins Zentrum des Interesses rückt: den Körper mit all seinen Funktionen, dessen gesellschaftliche und geografische Verortung. Deshalb gliedert sich der Rundgang in drei inhaltliche Bereiche: Thema Essen - Ich und die Welt um mich herum; Thema Gesellschaft - Ich und die anderen; Thema Körper - Ich und mein Inneres. Dem Besucher wird mithilfe praktischer und digitaler Erfahrungen, der Möglichkeit zur Informationsrecherche sowie spielerischer Lernprozesse bewusst, wie komplex das Thema Ernährung ist, wenn man es global und durch alle Zeiten hindurch betrachtet. Am Ende des Rundgangs versteht er die komplexen Bedeutungsebenen einer scheinbar so banalen Handlung wie dem Essensakt besser. Mittelpunkt der beeindruckenden Szenographie ist eine grosse, immersive und interaktive Installation pro Themenbereich.

There is not just one logo, but a complete system derived from the combination of its different themes. What better way to explain Lukas Wanner’s approach than with a metaphor of food? The Alimentarium’s new graphic entity can be “consumed” like a potato: Whether we serve chips for children, gratin for adults or mashed potato for the family, the basic element remains the same, but its taste varies depending on the way it is prepared and the setting in which it is eaten. Both progressive and flexible, this new identity allows everyone to approach the Alimentarium in a way which meets their own particular tastes and interests. At the heart of the museum’s programme, the new permanent exhibition places visitors at the core of the message, inviting them to think about the body, their environment and their social circle. The exhibition is structured around three main axes: The Food Sector - Me and the outside world; The Society Sector - Me and other people; The Body Sector - Me and my body. Virtual and sensory experiments, active search for information and guided and fun-filled learning, make visitors aware of the complexity of food across the world and through the ages. Visiting the exhibition aims to bring a better understanding of every aspect of eating and the implications of an action which has become so mundane. Interactivity is the central element of the immersive scenography and is highlighted by a fun game in each of the three sectors. rivierart

Secteur Aliment D’où viennent les aliments, comment sont-ils produits ? Comment peut-on les transporter ou en disposer pendant l’hiver ? Quels sont les modes de cuisson, de découpage ou d’élaboration pour en faire des recettes délectables ? Dans ce premier secteur, le visiteur explore le monde des aliments pour répondre à une question essentielle : « Qu’est-ce que je mange ? ». Un premier espace le plonge dans une nature idyllique. Entouré de projections interactives, il contemple la formation accélérée des aliments, de leur développement à leur conditionnement : pousse du maïs ou du houblon, élevage du cochon ou de l’esturgeon ou encore jaillissement de l’eau de source. Après la découverte de l’infinie variété de notre alimentation, place à la Production, un espace qui propose un regard sur les différents systèmes alimentaires existant autour du globe. Des objets utilisés pour la cueillette, la chasse, l’élevage ou la culture sont présentés dans plusieurs vitrines et remis dans leur contexte grâce à des bornes tactiles qui permettent de les visualiser en trois dimensions. Pour prendre conscience de toutes les pérégrinations des aliments après leur production, le visiteur interagit avec une paroi écran qui s’illumine en fonction du parcours choisi. Une façon ludique de découvrir leurs modes de diffusion, leurs moyens de transport et leur traçabilité. Produire et transporter sont des activités qui ouvrent l’appétit. Mais avant de passer à table, il faut encore transformer les aliments. Pour comprendre la fabrication, la conservation et la préparation artisanales et industrielles de la nourriture, le visiteur dispose à nouveau d’objets en vitrines, de bornes interactives et de témoignages filmés. Une grande table tactile lui donne l’occasion de s’initier à la cuisine à travers plusieurs jeux interactifs sur les recettes et les techniques culinaires. photos de gauche page de gauche - © Alimentarium Food sector2 NicolasJutzi.ch photos de droite page de gauche - © Alimentarium Food sector3 NicolasJutzi.ch

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Thema Essen Woher kommen die Nahrungsmittel und wie werden sie produziert? Wie können sie transportiert und für den Winter haltbar gemacht werden? Welche Schnitt-, Gar- und Zubereitungsmöglichkeiten gibt es, um daraus wohlschmeckende Gerichte zu bereiten? In diesem ersten Bereich erkundet der Besucher die Welt der Nahrungsmittel, die ihm eine elementare Frage beantwortet: „Was esse ich?“. Der erste Raum entführt den Besucher in eine idyllische Naturlandschaft. Umgeben von interaktiven Projektionen betrachtet er im Zeitraffer das Wachstum von Nahrungsmitteln vom Ursprung oder Keim bis zum fertigen Produkt - z.B. die Entwicklung von Mais oder Hopfen, die Aufzucht von Schweinen oder Stören oder die Herkunft sprudelnden Quellwassers. Hat der Besucher die unendliche Vielfalt unserer Nahrungsmittel erkundet, geht er weiter zur Produktion, eine Abteilung, die ein Licht auf die weltweit existierenden Nahrungsketten wirft. Die zum Pflücken und Jagen oder Aufzucht und Anbau dienenden Objekte werden in Vitrinen, aber auch mithilfe von Medienstationen mit 3D-Ansichten in ihren Kontext eingebettet. Um sich die Transportwege der Nahrungsmittel nach ihrer Produktion vor Augen zu führen, kann sich der Besucher auf einer interaktiven Bildschirmwand verschiedene Transportrouten aufzeigen lassen - eine unterhaltsame Methode, um Fragen der Logistik und Distribution kennenzulernen. Produktion und Transport sind Vorgänge, die Appetit machen. Doch bevor es zu Tisch geht, müssen die Nahrungsmittel noch verarbeitet werden. Um die Verarbeitung, die Konservierung sowie die handwerkliche und industrielle Zubereitung von Nahrungsmitteln zu verstehen, stehen dem Besucher wiederum Objekte in Vitrinen, interaktive Medienstationen und gefilmte Interviews zur Verfügung. Er kann sogar mithilfe eines grossen Spieltischs mit Touchscreen einen Blick in die Küche werfen und sich mit interaktiven Spielen über Rezepte und Kochtechniken informieren.

The Food Sector Where does food come from and how is it produced? How can we transport it? How can we ensure we have food to eat in winter? What methods do we use to cook, prepare or present our food to make it tasty and appetising? In this first sector, visitors explore the world of food to answer the fundamental question “What do I eat?” The first area immerses visitors in idyllic countryside. Surrounded by interactive screens, they witness accelerated images of food in the making, from its development to its packaging, through the growth of maize and hops, the rearing of pigs and sturgeon and the gushing of fresh spring water. After discovering the infinite variety of our food, visitors move on to focus on production and the different food systems to be found across the world. Objects used for gathering food, hunting, rearing livestock or crop farming are put into context and can be viewed three-dimensionally on tactile terminals. To discover the journeys food makes after it has been produced, visitors can interact with a video wall which lights up according to the path selected. What better fun-filled way to learn about the different methods used for distributing, transporting and tracing food? Talking about how food is produced and transported is enough to whet the appetite, but before it reaches our table, food first needs to be processed. To help visitors understand how our food is manufactured, preserved and prepared and the traditional and industrial processes this entails, the next area showcases more exhibits, presents interactive terminals and projects personal stories on film. There is also a fun introduction to cooking thanks to a large tactile table with interactive games involving recipes and culinary techniques.

photos de gauche page de droite - © Alimentarium Society sector2 NicolasJutzi.ch photos de droite page de droite - © Alimentarium Society sector4 NicolasJutzi.ch

Secteur Société À travers le secteur Société, le visiteur est mis en relation avec ses semblables. L’alimentation humaine est avant tout un marqueur social et culturel, qui nous donne des indices pour apprendre à se comprendre et à comprendre l’autre. En recevant à dîner, nous tissons des liens, nous affichons notre statut social, nous ritualisons des pratiques, nous perpétuons une tradition de convivialité. Invités et invitants s’exposent, s’expriment. Une façon subtile de parler de soi et de se confronter aux autres. Favorisant le partage des connaissances et des expériences, ce secteur privilégie l’échange en commençant par poser la question du « comment je mange ? ». Les trois grandes thématiques qui rythment la visite montrent que manger n’est pas seulement un besoin vital, mais que cet acte revêt une fonction sociale essentielle. Dans un cocon rempli de photographies et de témoignages représentant la sphère intime, le visiteur comprend à quel point son éducation et son cercle familial construisent son rapport à la nourriture. Un mur communautaire l’invite à se questionner sur les nouveaux phénomènes de société tels que le foodporn ou l’utilisation des hashtags. De New York à Séoul, #pizza, #burger, ou encore #bulgogi se font écho de nos envies et découvertes culinaires cosmopolites. Cependant, le silence de certaines parties du monde dévoile d’autres réalités et frontières alimentaires… Une borne pour alimenter la «madeleine de Proust» de l’Alimentarium, sorte de mémoire créée pour et par les visiteurs, permet de déposer ses souvenirs d’enfance, ses astuces et ses gastroselfies. Libre à chacun d’y ajouter sa recette favorite qui sera peut-être reprise par les cuisiniers de l’Alimentarium ! En continuant la visite, le visiteur se rend compte que ses choix et ses habitudes relèvent aussi de sphères sociales et culturelles beaucoup plus vastes, au carrefour d’influences multiples.

Thema Gesellschaft Im Bereich Gesellschaft setzt sich der Besucher mit seinen sozialen Beziehungen auseinander. Der Essensakt gilt beim Menschen als Indikator für den gesellschaftlichen und kulturellen Status, der uns hilft, uns angemessen zu benehmen und das Verhalten der Anderen zu verstehen. Bei einer Abendessenseinladung knüpfen wir Kontakte, zeigen unseren Sozialstatus, pflegen gesellschaftliche Rituale und führen gesellige Bräuche fort - für Gäste und Gastgeber eine subtile Art der Selbstdarstellung. Der Bereich Gesellschaft zielt auf Wissens- und Erfahrungsaustausch und beginnt folgerichtig mit der Frage „Wie esse ich?“ Die drei grossen Themen des Rundgangs zeigen, dass Essen nicht nur ein vitales Grundbedürfnis, sondern auch eine grundlegende soziale Funktion ist. In einem mit Fotografien und persönlichen Zeugnissen geschmückten intimen Raum lernt der Besucher, bis zu welchem Grad Erziehung und familiäres Umfeld die Beziehung zum Essen prägen. An einer Mitteilungswand kann er sich neuen gesellschaftlichen Phänomenen wie Hashtags oder Foodporn stellen. Von New York bis Seoul: #pizza, #burger oder auch #bulgogi erinnern an unsere Vorlieben und unsere kosmopolitischen Essenserlebnisse. Aber die Tatsache, dass Teile der Welt zum Essen schweigen, belegt eine weitere Realität und zeigt die Grenzen des Ernährungswohlstands auf... An einer Medienstation können Interessierte an der „Madeleine de Proust „, einer Art kollektiven Gedächtnisses des Essens von und für Besucher mitwirken, das aus Kindheitserinnerungen, Tipps und Gastroselfies besteht. Jedermann ist frei, sein Lieblingsrezept zu hinterlassen, das vielleicht von den Köchen des Alimentarium nachgekocht wird! Im weiteren Verlauf des Rundgangs wird den Besuchern bewusst, wie sehr ihre Vorlieben und Gewohnheiten von über die familiäre Herkunft hinausgehenden sozialen und kulturellen Faktoren abhängen, d.h. den Schnittpunkt vielfältiger Einflüsse darstellen.

The Society Sector Throughout the Society sector, visitors discover how food connects us to our own kind. The human diet is, above all, a social and cultural indicator, giving us clues to help us understand both ourselves and other people. We create links, display our social status, ritualise practices and perpetuate a tradition of conviviality whenever we share food. It is a subtle way of talking about oneself and of measuring oneself against others, whether we are the host or the guest. This sector favours the sharing of knowledge and experiences, and focuses on exchange, starting with the question: “How do I eat?” The three main recurring themes of the tour show that eating is not only a biological need, but also an act which fulfils an essential social function. Visitors can enter a cocoon filled with photos and personal accounts from the private sphere and will realize the extent to which our education and our family circle shape our relationship with food. A community wall invites them to explore new social phenomena such as the term “food porn” or the use of hashtags. From New York to Seoul, #pizza, #burger or #bulgogi reflect our cosmopolitan culinary discoveries and cravings. However, the silence from certain parts of the world reveals other realities and food boundaries... This wall may inspire visitors to leave their childhood memories, tips and “food selfies” in a special terminal which will be used to expand the Alimentarium “Proust’s madeleine”, a sort of memory bank created for and by visitors. Everyone can add their favourite recipe which, who knows, may well be recreated by the Alimentarium chefs! Continuing the tour, visitors will realise how their choices and habits are also determined by much wider cultural and social spheres, converging from a rich array of influences.

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Chaque société, chaque culture définit ses aliments autorisés, ses interdits, ses aliments initiatiques. A côté des tabous culturels ou religieux, notre époque est aussi « friande » de nouveaux préceptes alimentaires (moins de sel, moins de sucre, ...). Devant une série de photographies grand format, le visiteur est amené à s’interroger sur la diversité des pratiques alimentaires d’ici et d’ailleurs, mais aussi d’hier et d’aujourd’hui. Quelles sont les conséquences de nos choix alimentaires sur notre santé, sur l’environnement, sur la vie des autres hommes ? Pourquoi mangeons-nous « sans faim » ? Dresser la table est sacré, dans tous les pays et de tout temps. A travers des jeux sur les arts et les manières de table de différentes cultures, une table interactive met en scène certaines de ces valeurs fondamentales. Pour terminer son parcours, le visiteur se retrouve devant une grande paroi d’images vivante et colorée, complétée par un choix d’objets issus de la collection du musée. Ce dispositif évoque la richesse des rites, des fêtes et des lieux de consommation qui existent à travers le monde.

Jede Gesellschaft, jede Kultur legt fest, welche Nahrungsmittel gewünscht oder verboten sind, und welche Speisen Initiationscharakter haben. Neben kulturellen oder religiösen Tabus nimmt unsere Zeit „begierig“ neue Ernährungsregeln mit weniger Salz, weniger Zucker etc. auf. Vor einer Serie grossformatiger Fotografien kann der Besucher der Frage nachgehen, wie die verschiedenen Essgewohnheiten hier und anderswo, aber auch Gestern und Heute aussehen. Welche Konsequenzen hat die Ernährung auf Gesundheit, Umwelt, das Leben anderer Menschen? Warum essen wir z.B. „ohne Hunger“? Den Tisch zu decken ist etwas Besonderes - in allen Ländern und zu allen Zeiten. Ein interaktiver, mehrere Spiele zum Thema Tischsitten verschiedener Kulturen enthaltender Tisch stellt unterhaltsam einige der sich darin manifestierenden Werte und Überzeugungen dar. Zum Abschluss steht der Besucher vor einer lebendigen, bunten Bildwand, vor der Objekte der Museumssammlung zu sehen sind. Hier entfaltet sich noch einmal der Reichtum der Essensriten, Essensfeste und Essensorte in aller Welt.

Secteur Corps Dernier volet de l’exposition, le secteur Corps invite le visiteur à se poser trois questions fondamentales : « Comment je perçois ce que je mange ? Pourquoi je mange ? Quel impact ont mes choix sur ma santé ? ». Dans la première salle, il plonge dans les méandres du cerveau parsemés de neurones géants pour découvrir comment fonctionnent nos cinq sens. A travers ce parcours ludique, il découvre qu’il est possible d’entraîner sa matière grise à tout âge. Quelques expériences pratiques et savoureuses lui apprennent que nos sens peuvent parfois nous tromper et que l’éducation, l’environnement géographique, familial et social jouent un rôle important sur nos choix et préférences alimentaires. Qui n’a jamais rêvé de voyager un jour dans les organes du tube digestif pour y découvrir les secrets de son fonctionnement ? Pour quelques minutes, le visiteur se glisse dans la peau d’une pomme.

Thema Körper Die letzte Station der Ausstellung, der Bereich Körper, lädt zu drei elementaren Fragen ein: „Wie nehme ich wahr, was ich esse? Warum esse ich? Welchen Einfluss haben Essgewohnheiten auf die Gesundheit?“ Im ersten Raum betritt der Besucher die Welt des Gehirns mit riesigen NeuronenModellen und erfährt, wie unsere fünf Sinne funktionieren. Bei diesem unterhaltsamen Rundgang entdeckt er, dass er seine kleinen grauen Zellen in jedem Alter trainieren kann. Einige praktische und schmackhafte Erlebnisse zeigen ihm, dass uns unsere Sinne manchmal täuschen, und dass Erziehung sowie geografische, familiäre und soziale Gegebenheiten eine wichtige Rolle bei unserer Essensauswahl und Essensvorlieben spielen. Wer hat nicht schon geträumt, durch den Verdauungstrakt zu reisen, um die Geheimnisse seiner Funktionsweise zu lüften? Für einige Minuten schlüpft der Besucher unter die Schale eines Apfels.

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Every society, every culture, defines what it deems as authorised food, its taboos and its rituals. In addition to religious taboos, our era has witnessed the emergence of new alimentary precepts (less salt, less sugar, etc.). A collection of large-scale photos highlights the diversity of eating habits across the globe and over the centuries. What are the consequences of our food choices on our health, the environment and on other people’s lives? Why do we crave for more? The way the table is laid has marked history and is important in many countries. An interactive table presents several games on tableware and table manners in different cultures, inviting visitors to learn about some of these fundamental values. To end the tour, visitors find themselves confronted by a large wall of lively and colourful images, along with a range of objects from the Museum’s collection. This area evokes the richness of different rituals, festivals and places where we eat across the globe. The Body Sector The last part of the visit, the Body sector, invites visitors to reflect on three fundamental questions: What do I think about what I eat? Why do I eat? What impact do my choices have on my health? In the first area, visitors wander through the pathways of the brain dotted with giant neurons to discover how our five senses work. This fun trail reveals that we can exercise and improve our grey matter at any age! Some hands-on and tasty experiments show that sometimes our senses may be misled or misleading and that our education and our geographical, family and social environment have a major influence on our food choices and preferences. Have you ever wondered what it would be like to travel through the organs of the alimentary canal to discover the secrets of how it works? For a few minutes, visitors can “become” an apple. Mashed, mixed and broken down by enzymes, they discover the essential role played by the food we eat in the construction, functioning and protection of our bodies. In other words, how making sensible food choices is the best way to protect your health.

Broyé, malaxé, décomposé par des enzymes, il découvre le rôle essentiel que remplissent les aliments que nous consommons dans la construction, le fonctionnement et la protection de notre corps. Ou comment les bons choix alimentaires sont les meilleurs garants de notre santé. Pour finir, c’est en s’amusant que les jeunes visiteurs pourront compléter les connaissances acquises au cours de leur visite. Conçue comme lieu de contact entre la plateforme éducative virtuelle et l’espace muséal, la GameRoom est un espace de jeu multijoueurs en réalité augmentée. Un espace immersif qui invite à bouger un peu pour expérimenter les notions acquises au cours de la visite. Avec le jeu Digestix, les visiteurs sont invités à comprendre les fonctions mécaniques et chimiques des organes du tube digestif. Alors que Nutrix, leur permet de percer les mystères de la composition des aliments. Un thème annuel pour colorer toutes les activités du Musée Le nouvel Alimentarium ne propose plus d’expositions temporaires. Dès 2017, un thème annuel lié aux préoccupations actuelles autour de l’alimentation et de la nutrition viendra colorer l’ensemble des activités du musée, de l’exposition permanente aux ateliers culinaires en passant par le magazine ou les plats offerts aux visiteurs.

CAP SUR RIO

Zerkleinert, durchgeknetet und von Enzymen zerlegt, lernt er die entscheidende Rolle der Nahrungsmittel beim Bau, bei der Funktion und beim Schutz des Körpers kennen. Er versteht, warum die Entscheidung für eine richtige Ernährung der beste Garant für die Gesundheit ist. Zum Abschluss können sich die jüngeren Besucher einen Spass daraus machen, ihre während der Besichtigung erworbenen Kenntnisse zu vervollständigen. Als Verbindung zur digitalen Lernplattform und dem physischen Museum konzipiert, bietet der GameRoom Spiele mit erweiterter Realität (augmented reality), an denen mehrere Personen teilnehmen - ein Raum, der alle Sinne gefangen nimmt und das bei der Besichtigung erworbene Wissen vertieft. Das Spiel Digestix lädt dazu ein, die mechanischen und chemischen Abläufe in den Organen des Verdauungstrakts zu erkunden, während Nutrix es ihnen erlaubt, die Zusammensetzung der Nahrungsmittel zu enträtseln. Ein jährlich wechselndes Thema als Leitmotiv für alle Museumsaktivitäten Im neuen Alimentarium wird es keine temporären Ausstellungen mehr geben. Stattdessen dient von 2017 an ein jährlich wechselndes Thema mit Bezug zu aktuellen Fragestellungen im Bereich von Essen und Ernährung als Leitmotiv für alle Aktivitäten des Museums - von der Dauerausstellung über die Kochworkshops bis zum Magazin und den Speisen, die das Restaurant anbietet. To round off the tour, younger visitors are invited to play while putting into practice what they have learned during their visit. The GameRoom, designed as a point of exchange between the virtual educational platform and the physical Museum, is an augmented reality, multiplayer gaming area. This immersive space invites visitors to move around and experiment with notions picked up during their visit. In the Digestix game, visitors explore the mechanical and chemical functions of the organs of the alimentary canal. Meanwhile, Nutrix enables them to unravel the mysteries of the composition of food. An annual theme to add spice to the Museum’s activities The new Alimentarium will no longer house temporary exhibitions. From 2017, an annual theme related to topical issues of food and nutrition will bring added spice to all the Museum’s activities, from the permanent exhibition to the culinary workshops, the magazine and the dishes served to its visitors. photos de droite page de gauche - © Alimentarium Body sector2, NicolasJutzi.ch photos de gauche page de gauche - © Alimentarium Body Digestive tube, NicolasJutzi.ch

UN PROGRAMME 100% BRÉSILIEN 10.02 AU 25.09.2016 olympic.org/musee

Partenaire officiel du Musée Olympique :

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mudac Chromatiques jusqu’au 24 septembre 2017 LAUSANNE - SWITZERLAND Pleins feux sur les couleurs de la collection d’art verrier contemporain du mudac

Fokus auf die Farben der Kollektion der zeitgenössischen Glaskunst des Mudac

Spotlight on the colours in mudac’s contemporary art glass collection

L’exposition Chromatique explore l’univers de la couleur sous trois angles différents : scientifique, sensoriel et ludique. Scientifique par l’approche de la coloration du verre, mais aussi par la mise en valeur du rôle de la lumière et de la vision dans la perception des couleurs. Sensoriel, car c’est en s’inspirant du cercle chromatique du théoricien suisse Johannes Itten pour la présentation des œuvres que cet aspect peut être expérimenté. Enfin, comme chaque rencontre artistique devrait susciter plaisir et humour, un secteur ludique s’inscrit au sein de l’exposition.

Die Ausstellung Farbenfroh hat drei verschiedene Ebenen gewählt, um sich mit der Welt der Farbe auseinanderzusetzen: den Verstand, die Sinneswahrnehmung und den Humor. Sie spricht den Verstand an, indem sie dem Betrachter einerseits die Glasfärbungstechniken vermittelt und andererseits veranschaulicht, welche Rolle der Sehsinn bei der Farbwahrnehmung spielt. Sie spricht die Sinneswahrnehmung an, indem sie sich bei der Präsentation der Werke vom Farbkreis des schweizerischen Theoretikers Johannes Itten, der diesen Aspekt erfahrbar macht, inspirieren lässt. Und da schließlich jede Begegnung zwischen Kunstwerk und Betrachter am besten gelingt, wenn sie sich des Humors bedient und Vergnügen bereitet, ist ein Teil der Ausstellung der Unterhaltung gewidmet.

Chromatic explores the world of colour from three different perspectives: the scientific, the sensory and the playful. The scientific aspect reveals glass colouring techniques and also highlights the role of vision in our colour perception. The sensory perspective can be experienced through works whose presentation is inspired by the colour wheel created by Swiss theoretician Johannes Itten. Finally, just as every artistic encounter should be informed by pleasure and humour, the exhibition includes a playful sector.

Claude Goutin, La vague, 1969, pâte de verre. © mudac

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Les premières réalisations en verre étaient colorées à cause du faible pourcentage d’oxydes métalliques présents naturellement dans ses composants de base. Pourtant, nous associons bien souvent la matière verre à la transparence et à l’incolore. L’exposition brise cette idée reçue en mettant en scène une cinquantaine de pièces aux tonalités chatoyantes. L’ensemble déploie également un riche éventail de formes et d’artistes de renom.

Die ersten Werke der Glaskunst wurden aufgrund des natürlicherweise geringen Gehalts an Metalloxiden in seinen Grundbestandteilen koloriert. Dennoch verbinden wir das Material Glas meistens mit Transparenz und Farblosigkeit. Die Ausstellung entlarvt diese Vorstellung als Klischee, indem sie etwa 50 Exponate in schillernden Tönen präsentiert. Außerdem zeigt diese Konzeption ein umfassendes Spektrum an Formen, Methoden und namhaften Künstlern.

Early glass articles were coloured because of tiny percentages of metallic oxides that occur naturally in its basic components. However, we frequently associate glass as a material with transparency and an absence of colour. The exhibition shatters this popular misconception by focussing on fifty or so pieces in sparkling colours. It showcases a wide range of forms, techniques and renowned artists.

Artistes - Künstler - artists : Lubomir Artzt (SK), Jacqueline Badord (FR), Philip Baldwin (US) & Monica Guggisberg (CH), Thomas Blank (CH), Sydney Cash (US), Bernard Citroën (NL), Dan Dailey (US), Salvador Dali (ES), Laura de Santillana (IT), Jean-Pierre Demarchi (FR), Pierre Dmitrienko (FR), Claude Goutin (FR), Milan Handl (CZ), Camille Jacobs (LU), Marian Karel (CZ), Stanislav Libensky & Jaroslava Brychtova (CZ), Harvey K. Littleton (US), Steven Michael, Mccarroll (US), Barbara Nanning (NL), Jr. Bretislav Novak (CZ), Yann Oulevay (CH), Mark Peiser (US), Bruno Peinado (FR), Gaetano Pesce (IT), Tobias Rehberger (DE), Maurice Ruche (CH), Gernot Schluifer (AT), Paul Seide (US), Denji Takeuchi (JP), Vladimir Tom (CZ), Jozef Tomecko (CZ), Kunitaro Uchida (JP), Durk Valkema (NL), Ales Vasicek (CZ), Frantisek Vizner (CZ).

Tora Urup, Mat Cylinder with Floating Sun, 2014 Image © Tora Urup

Maurice Ruche, Cube architecturé, 1975, plexiglas poli et dépoli © Cédric Brégnard

Musée de design et d’arts appliqués contemporains Chromatiques - du 29 juin 2016 au 24 septembre 2017 FARBENFROH - vom 29. Juni 2016 bis zum 24. September 2017 CHROMATIC - 29th June 2016 to 24th September 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.mudac.ch rivierart

musée des beaux-arts du locle Markus Brunetti - Facades Mishka henner - field architectures lermite - hors-les-murs jusqu’au 16 octobre 2016 le locle - SWITZERLAND Le Musée des beaux-arts du Locle présente 4 nouvelles expositions qui toutes offrent différents regards sur les constructions de l’homme. L’exposition «Facades» montre le travail de Markus Brunetti qui voyage depuis plus de dix ans à travers toute l’Europe pour photographier les façades de cathédrales et d’églises. Les architectures gothique, romane, baroque etc. apparaissent ici dans leurs plus infimes détails. Il photographie chaque fragment tel un scanner de haute définition pour ensuite réunir numériquement toutes ses images en un ensemble cohérent. Frauenkirche, Dresden. © Markus Brunetti 2015-2016

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Das Kunstmuseum in Le Locle präsentiert vier neue Ausstellungen, die unterschiedliche Perspektiven auf die Bauwerke der Menschen werfen. Die Ausstellung „Facaden“ zeigt die Arbeit von Markus Brunetti. Er reist seit über zehn jahren durch ganz Europa, um die Fassaden der Sakralbauten zu fotografieren. Dabei entgeht ihm nicht das kleinste Detail der gotischen, romanischen, oder barocken Bauformen. Wie ein hoch auflösender Scanner nimmt er jedes einzelne Fragment auf, um anschließend alle seine Fotos digital zu einem stimmigen Gebilde zusammenzufügen.

The Museum of Fine Arts of Le Locle presents 4 new exhibitions, each with its own perspective on man-made construction. The exhibition “Facades” shows the work of Markus Brunetti who has travelled for over 10 years across Europe to photograph the facades of cathedrals and churches. He reveals the architecture of these sacred buildings, whether gothic, romanesque or baroque, in minute detail. Brunetti photographs each fragment like a high definition scanner, a technique that enables him later to bring all his images together in a coherent, digital whole.

Duomo di Santa Maria Assunta, Orvieto. © Markus Brunetti 2015-2016

His mind-boggling and titanic methods go way beyond our usual ideas of photography. The process is intrinsically long and fastidious - Brunetti can work on the same facade for many weeks or even months - because the ultimate aim is always to recreate the architectural riches of a given building through multiples pieces of a deconstructed puzzle. This creates a unique portrait of these churches. The resulting large format prints are more akin to the architects’ original plans - although these never existed - than to traditional monumental photography. The viewer is confronted with a new vision, surprising, enigmatic and, above all, fascinating. The exhibition “Field” by Mishka Henner consists of an assemblage of very high definition satellite photographs, which are freely available on the Internet. The image stretches over 13 metres in length and appears at first glance to be an abstract, geometric painting; yet on looking more closely, you realise that these are oilfields. The satellite image, captivating in many respects, also serves as visual evidence of the destruction inflicted on our planet. The exhibition “Architecture” unveils 33 projects by some of the best Swiss architects and finally the exhibition “Beyond the Walls” allows visitors to discover another side to the work of the Neuchâtel artist Lermite.

Merci à nos donateurs

l’Anglais Mishka Henner au paysage désolé que produisent les puits de pétrole, ces édifices qui creusent le so

D&DA SO2DESIGN — PHOTO CYRIL PORCHET — #CACY — #MUSEOMIX

Seine Methode der Bildaufnahme, die ebenso verrückt wie genial ist, sprengt alle unsere bisherigen Vorstellungen von der Fotografie. Das Verfahren ist zwangsläufig langwierig und eintönig - Brunetti arbeitet manchmal wochenlang oder sogar monatelang an derselben Fassade -, da es letztlich immer darum geht, die architektonische Pracht der Bauwerke anhand unzähliger Einzelteile eines zerlegten Puzzles nachzubilden. Nie zuvor wurden Kirchen auf diese Weise dargestellt. Die Großformatdrucke, die daraus entstehen, haben mehr Ähnlichkeit mit den Originalplänen der Architekten - selbst wenn diese nie existiert haben - als mit einer herkömmlichen Fotografie. Für den Betrachter ergibt sich zweifellos eine bisher unvorstellbare Ansicht. Die Ausstellung „Filed“ von Mishka Henner ist das Ergebnis einer Collage aus Hunderten von Satellitenbildern mit sehr hoher Auflösung, die im Internet frei zugänglich waren. Das Bild, das sich über eine Länge von 13 Metern entfaltet, ähnelt auf den ersten Blick einem abstrakt-geometrischen Gemälde, doch bei näherem Hinsehen wird deutlich, dass es sich um eines der größten Ölfelder handelt. Des Satellitenbilde mag in vielerlei Hinsicht faszinierend sein, dennoch entpuppt es sich als „Beweisfoto“ für die Ausbeutung unseres Planeten. Die Ausstellung „Architektur“ präsentiert 33 Projekte, die von den besten Schweizer Architekten realisiert wurden und schließlich lädt „Hors les murs“ das Publikum ein, einen anderen Aspekt der Arbeit des Künstlers Lermite aus Neuchâtel zu entdecken.

Musée suisse de l’appareil photographique Vevey www.cameramuseum.ch

TON A N IC O T IU H A M CHA LAS DEL BROSE T R A S É B L O T T E R O C H E T I, É M IL A H , E M IC S T IE N L E R Z IG , S IM O N B A R R E H A D E T L É O A E L R A S E IG N E N D R E A E P P IE R , C É L IN M N IE S V A N P A , D A U R , M IG H O C H U R A Z , S T E B U R N A AY, É U R S E B R E N R E L M E N L I, F L O R P H A N E N D , A D O AST IE N S H IE R , E S E S , D IA N J A D E V ID A R IE N C H VER V D O N A B B A S A V ID M E T , F L O L , D A N IE E V A L L E ON Y, , N IC R O S R L O L A T A M IA N E T , M IA N J O Y A D R O Z D E L P H IN S WA É , E N G N IÈ , T H O M L O D IE M , T H O M C H R IS T E C O IN D O A A RES O , DA S ROUS USSET S KOEN PHER F ET, FRÉ D , Ü V ID IG W E IS S E T , M A C L A U D IA , V IN C L L E M A É R IC C O NN, E R IE -L HAA M S A R D IE OU NT K R. A U V E C C E R U F G IN , G O H L E R , R A G A S R , S Y L V U IL A UNE L S F IN S T IE U X , D L A U M A U R E N T M A N N , IN C R O C EP N IC O IA L L A E N IS K LAS TORTI S A V IL E T , C R O P F T IO N HAE Y R IL DE D ARY, NI S P ELP H IN IB Y L L E O R C H E T E RE STO E NAU LT CKLI

Sa méthode de prise de vue, aussi démente que titanesque, dépasse largement l’idée que nous nous faisons de la photographie. Le processus est intrinsèquement long et fastidieux Brunetti travaille parfois plusieurs semaines voire plusieurs mois sur une même façade - puisqu’en fin de compte, il s’agit toujours de reconstituer la richesse architecturale des édifices à partir de multiples pièces d’un puzzle décomposé. Jamais ces églises n’ont été représentées de la sorte. Les tirages grand format obtenus s’apparentent plus aux plans originaux des architectes – qui n’ont pourtant jamais existé - qu’à une photographie traditionnelle d’un monument. Pour le spectateur il en ressort assurément une vision inédite énigmatique et surtout fascinante. L’exposition «Field» de Mishka Henner consiste en un assemblage de photographies satellitaires en très haute définition, trouvées en libre-accès sur Internet. L’image qui se déploie sur 13 mètres de long s’apparente de prime abord à une peinture d’abstraction géométrique,or à y regarder de plus près on découvre des champs pétrolifères. L’image-satellite, captivante par bien des égards, se révèle être aussi une «preuve par l’image» de la destruction infligée à notre planète. Enfin, l’exposition «Architecture» dévoile 33 projets réalisés par les meilleures architectes suisses et l’exposition «Hors les murs» invite le public à découvrir un autre aspect de l’œuvre de Lermite.

LA GRANDE PLACE 9.7 —— 4.9.2016 CENTRE D’ART CONTEMPORAIN YVERDON-LES-BAINS

VERNISSAGE LE SAMEDI 9 JUILLET À 17H OUVERT DU MERCREDI AU DIMANCHE, 12H – 18H PLACE PESTALOZZI, CP 649 CH – 1400 YVERDON-LES-BAINS WWW.CENTRE-ART-YVERDON.CH

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Festival du bois qui chante 16e édition du 14 au 23 octobre 2016 château-d’oex - SWITZERLAND Après les festivités du 15ème anniversaire, le festival au Bois qui Chante retrouve cette année ses lieux habituels de concert du 14 au 23 octobre 2016 à Château-d’Oex tout en gardant une programmation variée. Durant ces 10 jours de festival, l’opéra s’invite à deux reprises. C’est d’abord le violon qui le célèbrera lors du concert d’ouverture «Le violon de l’Opéra», puis, le jeudi à la Grande Salle, „L’opéra dans tous ses états“ nous proposera un spectacle lyrique et divertissant. Autre point fort du festival, en collaboration avec « Les 4 Saisons des Orgues », le film muet de Friedrich Murnau « Le dernier des hommes » (1924) qui a marqué l’histoire du cinéma par ses audaces et ses innovations sera projeté dans le Temple, accompagné à l’orgue par Piet Lincken. photo - © Pays-d’Enhaut Tourisme

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Nach den Feierlichkeiten zum 15. Jubiläum findet das Festival Le Bois qui Chante dieses Jahr vom 14. bis zum 23. Oktober wieder in seinen üblichen Konzertsälen in Château-d’Oex statt und schlägt ein abwechslungsreiches Programm vor. Während der 10 Festivaltage lädt sich die Oper zweimal ein. Während des Eröffnungskonzerts „Le violon de l’Opéra“ wird sie zuerst von der Geige gefeiert und am Donnerstag wird uns „L’opéra dans tous ses états“ im grossen Saal eine lyrische und unterhaltsame Vorstellung bieten. Als weiterer Höhepunkt des Festivals wird in Zusammenarbeit mit „Les 4 Saisons des Orgues“ der Stummfilm von Friedrich Murnau „Le dernier des hommes“ (1924), der die Geschichte des Kinos durch seine Kühnheit und Innovation geprägt hat, im Tempel vorgeführt, von Piet Lincken auf der Orgel begleitet.

After its 15th anniversary celebrations, the festival Bois qui Chante settles back into its habitual concert venues with a diverse program from October 14th to 23th, 2016 in Château-d’Oex. During the 10 day festival, opera is honoured twice. It is first celebrated with a violin performance of “Le violon de l’Opéra” at the opening concert. Then, on Thursday at the Great Hall, “L’opéra dans tous ses états” offers us a performance both lyrical and entertaining. Another highlight of the festival, in collaboration with “Les 4 Saisons des Orgues”, is the silent movie “Le dernier des hommes” (1924) by Friedrich Murnau who marked the history of cinema with his boldness and innovation. The film will be screened at the Temple and accompanied by organ performed by Piet Lincken.

Isabelle Meyer, © Crossworx Fashion Studio, 2007

Cette édition amène deux innovations: la soirée du samedi 22 octobre marquera la première collaboration avec le concours de violon Tibor Varga de Sion dont le brillant gagnant, Dmitry Smirnov, viendra nous offrir une sérénade russe. Et le matin de cette même journée, la traditionnelle et incontournable balade en forêt nous emmènera à la découverte d’autres bois enchanteurs, mais toujours avec autant de passion!

amarcord ®, © nancy horowitz

Diese Ausgabe bringt zwei Neuheiten: Samstagabend, der 22. Oktober, markiert die erste Zusammenarbeit mit dem Violinwettbewerb Tibor Varga aus Sitten, dessen brillanter Sieger Dmitry Smirnov eine russische Serenade vorführen wird. Am Morgen dieses Tages wird die traditionelle und unvermeidliche Waldwanderung zur Entdeckung anderer bezaubernde Hölzer führen, immer mit der gleichen Leidenschaft!

This year’s edition sees two new innovations: in the evening on Saturday the 22nd October we will see the festival’s first collaboration with the Tibor Varga competition for violin from Sion, featuring the competition’s brilliant winner Dmitry Smirnov who will perform a Russian serenade. In the morning on that same day, the traditional and unmissable forest walk will take you on a discovery to new enchanted forests, but with the same old passion!

FESTIVAL DU BOIS QUI CHANTE - CHÂTEAU-D’OEX DU 14 AU 23 OCTOBRE 2016 VENDREDI 14 OCTOBRE Grande Salle, Château-d’Oex, 13h45 : IL ÉTAIT UNE FOIS… LA HARPE

MERCREDI 19 OCTOBRE Temple, 20h00 : SOIRÉE ORGUE ET CINÉMA MUET

SAMEDI 22 OCTOBRE Temple, 20h00 : SÉRÉNADE RUSSE

Céline Gay des Combes nous fait découvrir et en particulier aux plus jeunes, le monde de la harpe dans un spectacle musical complet, ludique et pluridisciplinaire. CHF 10.- / enfants 5.-

Piet Lincken orgue. « Le dernier des hommes » (1924), film de Friedrich Murnau. En collaboration avec « Les Quatre saisons des orgues ».

Accompagné au piano par (NN), Dmitry Smirnov, violoniste lauréat du concours Tibor Varga 2015, présente un récital dédié à Tchaikovski, Stravinski et Prokofiev. CHF 35.- / 20.- (AVS 30 .- / 15.-)

SAMEDI 15 OCTOBRE Temple, 17h00 : CONCERT D’OUVERTURE : LE VIOLON DE L’OPÉRA

JEUDI 20 OCTOBRE Grande Salle, Château-d’Oex, 20h00 : FIGAROH !

DIMANCHE 23 OCTOBRE Temple, 11h00 : ENSEMBLE HELVETICA

DIMANCHE 16 OCTOBRE Temple, 11h00 : BRUNCH-SONATE : TRIO BONITA

VENDREDI 21 OCTOBRE Temple, 20h00 : MUSIQUE ET NATURE

DIMANCHE 23 OCTOBRE Temple, 17h00 : CONCERT DE CLÔTURE : BON VOYAGE… LE VOYAGE CONTINUE !

Le nouveau spectacle d’Isabelle Meyer violon, pour les 10 ans de l’Ensemble Art en Ciel. Œuvres de Mozart, Schubert, Paganini, Verdi, Massenet, Bizet et Offenbach. CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

avec Joachim Forlani clarinette et arrangements, Ruth Bonnucelli violoncelle et Bastien Monnet contrebasse. Œuvres de Rossini, Wieniawski, Connesson et Barroso. CHF 45.- / 30.- (AVS 40.- / 25.-) Brunch à l’Hôtel de Ville à l’issue du concert.

DIMANCHE 16 OCTOBRE Grande Salle, Château-d’Oex, 17h00 : ATELIER D’ORCHESTRE : LES QUATRE SAISONS DE VIVALDI Direction Alexandre Clerc. 4 concertos pour violon et cordes. Entrée libre, collecte.

Entrée libre, collecte.

Spectacle musico-théâtral d’après les chefs-d’œuvre de Mozart et de Beaumarchais. Leana Durney soprano, Davide Autieri baryton, Lucas Buclin piano, Carine Martin et Mathias Glayre comédiens, dans une mise en scène de Frédéric Mairy. CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

par Adalberto Maria Riva piano. Une soirée à la découverte de la musique suisse pour piano de la deuxième moitié du XIXème siècle. Œuvres de Liszt, Huber, Hahnemann et Adler.CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

SAMEDI 22 OCTOBRE Départ de la Place du Village de Château-d’Oex, 10h00 : A L’ÉTIVAZ, BALADE DIDACTIQUE EN FORÊT ET EN MUSIQUE Balade surprise menée par Philippe Morier-Genoud

avec Anne-Frédérique Léchaire et Saskia Paulisch violons, Louis Chaintreuil alto, Odile Rostan violoncelle, Ruslan Lutsyk contrebasse, Urs Hofstetter clarinette, Heiner Wanner cor et Franziska Weibel basson. Octuor de Schubert en fa majeur, post.op. 166. CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

Un programme surprise par le quatuor Amarcord Wien. Sebastian Gürtler violon, Michael Williams violoncelle, Gerhard Muthspiel contrebasse et Tommaso Huber accordéon CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

biologiste et Robin Jousson luthier, suivie d’un atelier-conférence et d’un apéritif dinatoire à l’Hôtel du Chamois. CHF 25.- (AVS 20.-)

WWW.BOIS-QUI-CHANTE.CH rivierart

Fondation de l’hermitage Basquiat, Dubuffet, Soulages… jusqu’au 30 octobre 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND La Fondation de l’Hermitage consacre sa grande exposition de l’été 2016 à l’une des plusbelles collections privées d’Europe, montrée en exclusivité à Lausanne. Regroupant une centaine de peintures, sculptures et installations, la manifestation offre une exploration inédite de la création occidentale des XXe et XXIe siècles. Réunie depuis les années 1950 par un passionné des arts, cette collection hors normes, à la fois cohérente et d’une diversité remarquable, n’a encore jamais été présentée au public.

Die Fondation de l’Hermitage widmet ihre grosse Sommerausstellung 2016 einer der prestigereichsten Privatsammlungen Europas, die als Exklusivität in Lausanne gezeigt wird. Mit rund hundert Gemälden, Plastiken und Installationen bietet die Ausstellung eine einmalige Gelegenheit, das westliche Kunstschaffen des 20. und 21. Jahrhunderts zu erkunden. Seit ihrer Eröffnung im Jahr 1984 hat die Fondation de l’Hermitage privilegierte Beziehungen zu Privatsammlern im In- und Ausland aufgebaut.

The major exhibition of summer 2016 at the Fondation de l’Hermitage will be devoted to one of Europe’s most prestigious private collections, to be shown exclusively in Lausanne. The display of around a hundred artworks, including paintings, sculptures and installations, will offer visitors an unprecedented insight into western art of the 20th and 21st centuries. Since it first opened in 1984, the Fondation de l’Hermitage has developed strong relationships of trust with private collectors in Switzerland and abroad.

Dejana Kabiljo, Fences, 2014, © Kabiljo Inc., Photo: Dejana Kabiljo

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Depuis son ouverture en 1984, la Fondation de l’Hermitage a développé des liens privilégiés avec les collectionneurs, autant en Suisse qu’à l’étranger. Ces relations de confiance ont permis à l’institution d’accueillir des collections privées de grand renom. Proposant un regard original sur la scène artistique moderne et contemporaine, l’exposition de l’été 2016, fait la part belle à l’art de l’après-guerre, de l’informel (Jean Dubuffet, Asger Jorn) au néo-expressionnisme (Miquel Barceló, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer). Autres points forts de la collection, des œuvres poétiques, intenses, graves ou légères, de Giuseppe Penone, Bertrand Lavier, Pierre Soulages, ou encore Niele Toroni, viennent illustrer la création contemporaine européenne. A cela s’ajoute une imposante sélection d’œuvres américaines des XXe et XXIe siècles mettant à l’honneur l’art conceptuel et minimaliste, ainsi que l’expressionnisme abstrait: Carl Andre, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Chris Burden, Sol LeWitt, Agnes Martin, Sean Scully, Mark Tobey ou encore Cy Twombly, autant d’accents importants dans cette collection unique, dont la présentation publique constitue un événement majeur. Des œuvres classiques - des terres cuites de Jean-Antoine Houdon et de Jean-Baptiste Carpeaux, mais également d’admirables portraits par Auguste Renoir, André Derain et Chaïm Soutine -, et des incursions du côté de l’art réputé brut ou naïf (Louis Soutter, André Bauchant) complètent l’exposition, rendant compte d’un regard très personnel et particulièrement sensible sur l’art occidental. Diese Vertrauensverhältnisse ermöglichten es der Stiftung, äusserst renommierte Privatsammlungen zu präsentieren. Bei der neuen Ausstellung handelt es sich um eine seit den 1950er-Jahren von einem Kunstliebhaber zusammengetragene aussergewöhnliche Sammlung von grosser Kohärenz und zugleich bemerkenswerter Vielfalt, die noch nie öffentlich gezeigt worden ist. Mit Nachkriegskunst, Informeller Kunst (Jean Dubuffet, Asger Jorn) und dem Neoexpressionismus (Miquel Barceló, Anselm Kiefer) bietet sie eine originelle Sicht auf die moderne und zeitgenössische Kunstszene. Einen weiteren Schwerpunkt der Sammlung bilden minimalistische Werke von Giuseppe Penone, Bertrand Lavier, Pierre Soulages und Niele Toroni, die das zeitgenössische europäische Kunstschaffen illustrieren. Dazu kommt eine imposante Auswahl amerikanischer Werke des 20. und 21. Jahrhunderts, die der Konzeptkunst und vor allem auch dem abstrakten Expressionismus einen Ehrenplatzeinräumt: Carl Andre, JeanMichel Basquiat, Louise Bourgeois, Chris Burden, Sol LeWitt, Agnes Martin, Sean Scully, Mark Tobey und Cy Twombly setzen weitere wichtige Akzente in diesereinzigartigen Sammlung, deren öffentliche Präsentation ein Ereignis für sich darstellt. Einige klassische Werke - bemerkenswerte Büsten von Jean-Antoine Houdon und Jean-Baptiste Carpeaux, aber auch wunderbare Porträts von Auguste Renoir, André Derain und Chaïm Soutine - vervollständigen die Ausstellung und zeugen von einem sehr persönlichen, besonders sensiblen Blick auf die westliche Kunst. Over the years this has enabled us to host important collections. The collection to be shown in 2016 has never before been seen by the public. It has been put together by a passionate art collector since the 1950s and is at once coherent and remarkably diverse. The exhibition will offer an unusual insight into the modern and contemporary art scene, with aparticular focus on the post-war period, Informal Art (Jean Dubuffet, Asger Jorn) and Neoexpressionism (Miquel Barceló, Anselm Kiefer). Other highlights of the collection include often minimalist pieces by Giuseppe Penone, Bertrand Lavier, Pierre Soulages and Niele Toroni, reflecting contemporary European art. The collection also includes an impressive selection of American art from the 20th and 21st centuries, including conceptual and notably abstract expressionist works by artists such as by Carl Andre, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Chris Burden, Sol LeWitt, Agnes Martin,Sean Scully, Mark Tobey and Cy Twombly. The public exhibition of this unique collection reflecting so many important voices will constitute a major event. The exhibition also features remarkable busts by Jean-Antoine Houdon and Jean-Baptiste Carpeaux and admirable portraits by Auguste Renoir, André Derain and Chaïm Soutine, reflectinga very personal, highly sensitive vision of western art.

Andrew Mansfield (né en 1953), Sans titre n° 232, 1998; huile sur toile, 71 x 61 cm; collection privée; photo Olivier Goulet; © Andrew Mansfield, courtesy Anthony Reynolds Gallery, London Cy Twombly (1928-2011), Sans titre, 1982; huile, craie grasse, crayon et aquarelle sur papier chiffon, 100 x 70 cm; collection privée; photo François Fernandez; © Cy Twombly Foundation

photo page de gauche - Anselm Kiefer (né en 1945), Die Ungeborenen, 2005-2007, huile et collage sur toile de jute, 130 x 160 cm, collection privée, photo François Fernandez, © Atelier Anselm Kiefer

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Kunstmuseum Bern Without Restraint jusqu’au 23 octobre 2016 Bern - SWITZERLAND «Without Restraint» rassemble dans une exposition commune inédite des oeuvres de femmes artistes mexicaines de la Daros Latinamerica Collection de Zurich, une collection unique en Europe, tant par sa qualité que par son ampleur. Sept artistes présentent au Kunstmuseum Bern leur univers de vie d’un point de vue résolument féminin, opposant leurs approches personnelles aux mouvances artistiques internationales. «Without Restraint» réunit 35 oeuvres, des photographies, des vidéos, des objets et des installations d’artistes internationalement reconnues : Ximena Cuevas (née en 1963), Claudia Fernández (née en 1965), Teresa Margolles (née en 1963), Betsabeé Romero (née en 1963), Maruch Sántiz Gómez (née en 1975), Teresa Serrano (née en 1936) et Melanie Smith (née en 1965).

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„Without Restraint“ zeigt zum ersten Mal gemeinsam in einer Ausstellung Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der Daros Latinamerica Collection (Zürich), der grössten und wichtigsten Sammlung ihrer Art in Europa. Sieben Künstlerinnen präsentieren im Kunstmuseum Bern ihre Lebenswelt aus dezidiert weiblicher Sicht und antworten auf internationale künstlerische Strömungen mit eigenen Ansätzen. Ausgestellt werden in „Without Restraint“ 35 Werke, darunter Fotografien, Videos, Objekte und Installationen folgender international bekannter Künstlerinnen: Ximena Cuevas (*1963), Claudia Fernández (*1965), Teresa Margolles (*1963), Betsabeé Romero (*1963), Maruch Sántiz Gómez (*1975), Teresa Serrano (*1936) und Melanie Smith (*1965).

“Without Restraint” presents together for the first time contemporary Mexican art by women from the Daros Latinamerica Collection (Zurich), Europe’s largest and most important collection of its kind. Seven women artists who live and work in Mexico show their lifeworld from a decidedly female point of view and respond to international artistic movements with very different approaches. In “Without Restraint” 35 works including photographs, videos, objects, and installations by the following internationally acclaimed women artists are exhibited: Ximena Cuevas (*1963), Claudia Fernández (*1965), Teresa Margolles (*1963), Betsabeé Romero (*1963), Maruch Sántiz Gómez (*1975), Teresa Serrano (*1936) and Melanie Smith (*1965).

Betsabeé Romero (*1963), Piel de casa (Haushaut / House Skin), 2001, Color print on Kodak Professional Digital Paper mounted on aluminium, 69,5 x 103,9 cm, Daros Latinamerica Collection, Zürich. Photo: The artist, © The artist

Betsabeé Romero (*1963), Autoconstruido (Auto-Konstruiert /Auto-Constructed), 2000, Farbabzug auf Kodak Professional Digital Paper auf Aluminium kaschiert, Color print on Kodak Professional Digital Paper mounted on aluminium, 68,1 x 101,4 cm, Daros Latinamerica Collection, Zürich. Photo: The artist, © The artist

L’oeuvre polymorphe et provocatrice de ces artistes est emblématique de la création mexicaine des dernières décennies. L’exposition permet à la fois de développer un point de vue critique sur l’art produit par les femmes dans le Mexique contemporain et de le replacer dans son contexte. Ces femmes travaillent sur la notion de « mexicanidad », l’identité nationale mexicaine. Elles remettent en question les fonctions et les espaces sociaux traditionnellement dévolus aux femmes et aux diverses minorités par les hiérarchies de pouvoir dominantes dans la société mexicaine. Usant de médiums divers, elles renversent l’ordre établi de leur vie quotidienne et bouleversent la routine qui enferme les femmes dans un labyrinthe d’archétypes conventionnels. Dans des styles variés, elles posent un regard critique sur les grandes thématiques de l’existence contemporaine: la vie et la mort, la violence, l’identité et les migrations, la nature et l’urbanité métropolitaine. Jusque dans la première moitié du XXe siècle, la plupart des institutions et académies artistiques étaient encore fermées aux femmes dans toute l’Amérique latine et les femmes qui voulaient exercer une activité artistique furent longtemps contraintes de se limiter à l’art populaire et aux objets d’artisanat, c’est-à-dire à des «hobbies» considérés comme compatibles avec le travail domestique.

Das vielgestaltige und provokative Werk dieser Künstlerinnen vermittelt einen Einblick in die wichtigsten Aspekte des mexikanischen Kunstschaffens der letzten Jahrzehnte. Die Ausstellung bietet gleichzeitig die Möglichkeit, kritisch über zeitgenössische Frauenkunst in Mexiko zu reflektieren und sie zu kontextualisieren. Die Werke setzen sich mit der Idee der „mexicanidad“ - der nationalen Identität in Mexiko - auseinander. Sie hinterfragen die von den herrschenden Machthierarchien zugeordneten traditionellen Funktionen und sozialen Räume der Frauen und anderer Minderheiten in der mexikanischen Gesellschaft. Durch die Anwendung unterschiedlicher Medien stellen sie die bestehende Ordnung ihres Alltaglebens und die Routine auf den Kopf, die Frauen in einem Labyrinth von traditionellen Archetypen einfängt. Themen wie Leben und Tod, Gewalt, Identität und Migration, Natur und Metropole werden im Werk der Künstlerinnen mit einem kritischen Blick unterschiedlich aufgearbeitet. Bis in die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts blieben staatliche Kunsteinrichtungen und Kunstakademien in ganz Lateinamerika Frauen meist verschlossen und lange Zeit mussten sich Frauen, die künstlerisch tätig sein wollten, auf volkstümliche und populäre Kunst sowie Kunstgewerbe beschränken, somit auf „Hobbys“, die als vereinbar mit der Hausarbeit galten.

These multifaceted and thought-provoking works provide an overview of the most characteristic features of the Mexican contemporary art scene and of its development in recent decades. At the same time, the exhibition offers the opportunity to critically reflect upon and contextualize women artists’ production in contemporary Mexico. The works of these seven artists engage with the concept of mexicanidad - of Mexican national identity and challenge the traditional roles and social spaces assigned to women and to minorities by the dominant hierarchies of power. By using different medias, these artists overthrow the existing order of everyday life and routine which traps women in a labyrinth of traditional archetypes. Topics such as life and death, the violated body, identity and migration, nature and the metropolis are critically examined and discussed in their works. In the first half of the twentieth century, national art institutions and academies throughout Latin America were often not accessible to women, and women’s participation in the arts was long limited to the field of popular and folk arts and crafts, that is, to “hobbies” which were considered compatible with domestic work.

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Les académies et les écoles d’art mexicaines, notamment les prestigieuses institutions San Carlos et La Esmeralda, restèrent jusque dans les années 1960 et 1970 prisonnières des idéaux du chauvinisme masculin et de l’esthétique patriarcale. Des thèmes tels que la sexualité féminine, la subjectivité et la vie quotidienne suscitaient les sourires méprisants de la majorité masculine dominante, quand ils n’étaient pas tout simplement interdits. Pourtant, quelques artistes éminemment talentueuses qui avaient pour nom Leonora Carrington, Maria Izquierdo, Tina Modotti, Remedios Varo ou Frida Kahlo - sans aucun doute la plus célèbre d’entre elles - se distinguèrent par leurs remarquables contributions à l’art moderne mexicain. En Amérique latine et dans les communautés états-unienne, canadienne et européenne latino-américaines, l’art féministe ne fut reconnu comme tel que dans les années 1970 et 1980 grâce à des artistes et des collectifs qui se revendiquèrent ouvertement féministes. Le premier «grupo» explicitement féministe à s’être intéressé à des questions spécifiquement liées au genre, telles que la discrimination, la violence et la stéréotypisation de la fonction maternelle, fut le collectif Polvo de Gallina Negra (Poudre de la poule noire) fondé en 1983 par les artistes Maris Bustamante et Mónica Mayer. Bien que durant les trente dernières années, les artistes femmes se soient vu offrir un nombre croissant de possibilités d’étudier, de travailler et d’exposer, consacrer une exposition personnelle ou thématique à l’art des femmes relève encore aujourd’hui au Mexique de l’exception, dans les musées comme dans les galeries. Les expositions qui se concentrent sur des thématiques féministes bénéficient en général d’une plus faible attention internationale.

Die mexikanischen Kunstschulen und -akademien wie die angesehenen Einrichtungen San Carlos und La Esmeralda blieben bis weit in die 1960er und 1970er Jahre hinein Idealen von männlichem Chauvinismus und patriarchalischer Ästhetik verhaftet. Themen wie weibliche Sexualität, Subjektivität und Alltagsleben wurden von der vorherrschenden männlichen Mehrheit verächtlich belächelt, wenn nicht gar verboten. Dennoch leisteten einige ausserordentlich begabte Künstlerinnen wie Leonora Carrington, Maria Izquierdo, Tina Modotti, Remedios Varo und Frida Kahlo - die zweifellos berühmteste unter ihnen - bemerkenswerte Beiträge zur mexikanischen Moderne. In Lateinamerika und in den US-amerikanischen, kanadischen und europäischen Latina-Gemeinschaften wurde feministische Kunst erst in den 1970er Jahren und 1980er Jahren durch selbsterklärte feministische Künstlerinnen und Kollektive zum Thema. Der erste explizit feministische „grupo“, der sich mit geschlechtsspezifischen Themen wie Diskriminierung, Gewalt und der Stereotypisierung des Mutterseins beschäftigte, war das Kollektiv „Polvo de Gallina Negra“ (Pulver der schwarzen Henne), das 1983 von den Künstlerinnen Maris Bustamante und Mónica Mayer gegründet wurde. Obwohl Künstlerinnen in den vergangenen dreissig Jahren zunehmend Möglichkeiten hatten zu studieren, zu arbeiten und auszustellen, gilt es in Mexiko auch heute noch als Ausnahme, wenn ein Museum oder eine Galerie der Kunst von Frauen eine Einzel- oder Themenausstellung widmet. Ausstellungen, die sich feministischen Themen in den Mittelpunkt stellen erhalten international eher wenig Aufmerksamkeit. Seit den 1990er, bis heute, ist das Wort „Feminismus“ mit einem Stigma behaftet.

Teresa Serrano (*1936), Blown Mold (Geblasene Form), 2012, Glas, Glass, 80 x 150 x 50 cm, Daros Latinamerica Collection, Zürich Photo: Peter Schälchli, Zürich © The artist

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Mexican art schools and academies, such as the prestigious San Carlos and La Esmeralda, continued to remain stagnant centers of male chauvinism and patriarchal aesthetics well into the nineteen-sixties and seventies. Topics such as female sexuality, subjectivity, and everyday life were regarded with scorn and ridiculed by the male dominant majority, or even disallowed. Despite this marginalization, Mexican art witnessed notable contributions to modernism by extremely talented women artists like Leonora Carrington, Maria Izquierdo, Tina Modotti, Remedios Varo, and the undeniably best known of them all, Frida Kahlo. It was only during the nineteen-seventies that feminist art emerged in Latin America and within the Latina communities in the United States, Canada, and Europe. The first artists’ group to be explicitly feminist and to reflect on a set of gender issues like discrimination, violence, and stereotyping motherhood was the collective Polvo de Gallina Negra (Black Hen’s Powder) created in 1983 by artists Maris Bustamante and Mónica Mayer. Despite the fact that in the past thirty years opportunities have increased for women artists to study, work, and exhibit, even nowadays in Mexico it is quite exceptional that art by women is exhibited solo or within thematically coherent all-women exhibitions in museums or galleries. Feminist art has not been given adequate attention by Mexican and international critics and the word “feminism” is still stigmatized. The majority of women artists do not wish to recognize themselves or their art as necessarily “feminist”, out of fear of being boycotted by institutional prejudice and by the establishment. Their work, however, shares the same desire to subvert stereotypes of womanhood, race, and sexual identity - and, in this sense, is a vehicle of dissent from Mexican patriarchy.

Le terme « féminisme » souffre depuis les années 1990, et ce jusqu’à aujourd’hui, de stigmatisation. La majorité des artistes contemporaines ne souhaitent ni se voir elles-mêmes, ni voir leur art nécessairement qualifié de « féministe », ne serait-ce que pour éviter d’entrer dans la sphère d’influence de l’establishment et des préjugés institutionnels. Leurs oeuvres poursuivent cependant le même désir de renverser les stéréotypes associés à l’image de la femme, du groupe ethnique et de l’identité sexuelle, et elles s’affirment comme une protestation contre le patriarcat mexicain. Without Restraint donne la place qui lui revient et la parole à une minorité négligée par la scène artistique établie, tout comme elle s’attache à mettre à mal quelques-uns des stéréotypes sur lesquels repose l’image encore largement répandue en Europe, teintée d’un exotisme aussi excessif que présomptueux, d’une création féminine mexicaine « authentique ». Les oeuvres sont ordonnées dans l’exposition à la fois par artiste et par thème et sont réparties dans trois sections qui mettent l’accent sur la production active d’espace par les artistes et sur leur projet d’instaurer de nouveaux rapports sociaux et de briser les hiérarchies traditionnelles de pouvoir et de répartition des rôles homme/femme : 1 - l’espace domestique ; 2 - le corps féminin comme espace ; 3 - l’espace urbain. Die Mehrzahl der zeitgenössischen Künstlerinnen möchte weder sich selbst noch ihre Kunst notwendigerweise als „feministisch“ bezeichnet sehen, allein schon, um nicht in den Bannkreis des Establishments und institutioneller Vorurteile zu geraten. Ihr Werk folgt jedoch demselben Wunsch, Stereotype der Frau, der Ethnie und der sexuellen Identität zu unterwandern, und stellt sich damit als Protest gegen das mexikanische Patriarchat dar. In „Without Restraint“ wird einer in Mexiko nach wie vor vernachlässigten Minderheit in der etablierten Kunstszene sowohl Platz als auch eine Stimme gegeben, gleichzeitig sollen einige der Stereotype entkräftet werden, auf denen das in der westlichen Welt noch weit verbreitete exotisch überhöhte und hybride Bild von „authentisch“ mexikanischer Kunst von Frauen beruht. Die Werke in der Ausstellung sind sowohl nach künstlerischen Positionen als auch thematisch angeordnet, und zwar dieser Dreiteilung folgend, die sich konzentriert auf die aktive Produktion von Raum und das Bestreben der Künstlerinnen, neue gesellschaftliche Verhältnisse zu untermauern und die überlieferten Hierarchien von Macht und Geschlechterrollen zu unterwandern: 1. Der häusliche Raum; 2. Der weibliche Körper als Raum; 3. Der urbane Raum. Giving space and voice to what in Mexico is still a neglected minority within the art establishment, Without Restraint seeks to dismiss some of the stereotypes upon which rests the exoticized and hybrid image of “authentically” Mexican art by women that is still so often encountered in the Western world. The works in the exhibition are arranged both by artist and thematically, following a tripartition centred on the active production of space and on the artists’ effort to inform new social relations and subvert traditional hierarchies of power and gender roles: 1 - the domestic space of the home; 2 - the spatial female body; 3 - the urban space.

kunstmuseum bern Without Restraint - Œuvres d’art de femmes artistes mexicaines de la Daros Latinamerica Collection - du 3 juin au 23 octobre 2016 Without Restraint - Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der Daros Latinamerica Collection - vom 3. juni BIS 23. oktober 2016 Without Restraint - Works by Mexican Women Artists from the Daros Latinamerica Collection from june 3rd to october 23rd, 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48 www.kunstmuseumbern.ch

Inauguration du buste de

Wilhelm FUrtwÄngler au basset à clarens le 28 août 2016 à 16h00 La cérémonie inaugurale autour du buste est liée à un concert sous la direction de charles dutoit à l’auditorium strawinski dans le cadre du septembre musical en hommage à wilhelm fUrtwÄngler, chef d’orchestre et compositeur. rivierart

Fondation Beyeler Alexander Calder & Fischli/Weiss jusqu’au 4 septembre 2016 Riehen/Basel - SWITZERLAND La Fondation Beyeler présente du 29 mai au 4 septembre 2016 une vaste exposition consacrée à l’artiste américain Alexander Calder et aux artistes suisses Peter Fischli et David Weiss, qui ont travaillé en association sous le nom de Fischli/ Weiss. Cette exposition est conçue autour de l’instant d’équilibre instable, un état précaire en même temps que prometteur, toujours fugace. Alexander Calder (depuis le début du XXe siècle) et Peter Fischli et David Weiss (depuis la fin du même siècle) avaient trouvé des formulations exemplaires de cet instant. Radicalement différentes à première vue, elles apparaissent ensuite comme les deux faces d’une même médaille, le fruit de perspectives différentes sur le même thème, nées à des périodes différentes.

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Die Fondation Beyeler präsentiert vom 29. Mai bis 4. September 2016 eine umfassende Ausstellung zum amerikanischen Künstler Alexander Calder und den Schweizer Künstlern Peter Fischli und David Weiss. Im Zentrum der bahnbrechenden Ausstellung steht das Moment des fragilen Gleichgewichts, eines prekären und gleichzeitig glücksverheissenden, immer nur temporären Zustands. In exemplarischer Weise hatten Alexander Calder (seit Anfang des 20. Jahrhunderts) und Peter Fischli und David Weiss (seit Ende) Formulierungen dieses Moments gefunden. Diese könnten auf den ersten Blick unterschiedlicher nicht sein, erweisen sich aber bei genauerer Betrachtung doch nur als zwei Seiten einer Münze, als Ergebnis unterschiedlicher Perspektiven, die in verschiedenen Zeiten auf das gleiche Thema gerichtet wurden.

From 29th May through 4th September 2016, the Fondation Beyeler is presenting a comprehensive exhibition devoted to American artist Alexander Calder and Swiss artists Peter Fischli and David Weiss, who worked as partners under the name of Fischli/Weiss. The seminal exhibition focuses on the fleeting, precarious and exhilarating moment of fragile balance as expressed through the works of Calder and Fischli/Weiss in the early- and late-twentieth century, respectively. Their exemplary formulations for that moment seem at first sight to be completely dissimilar, but on closer examination they prove to be two sides of the same coin, resulting from different perspectives on the same theme at different times.

Cette exposition noue un dialogue ouvert et amplement déployé dans l’espace entre une sélection d’ensembles d’oeuvres de Calder et plusieurs travaux de Peter Fischli et David Weiss. Les points forts qui en dessinent le fil conducteur retracent des moments historiques déterminants de la création de Calder. Partant du travail sur le Cirque Calder des années 1920, ils font place au passage à l’abstraction et à l’invention du mobile au début des années 1930 pour aboutir au jeu souverain et grandiose avec les possibilités formelles ainsi découvertes. En contrepoint, les oeuvres de Peter Fischli et David Weiss prêtent un ton tout à fait original à cette exposition.

Ausgewählte Werkgruppen Calders gehen in der Ausstellung einen offenen und raumübergreifenden Dialog mit einzelnen Werken von Peter Fischli und David Weiss ein. Die Schwerpunkte, entlang denen sich die Präsentation entfaltet, folgen entscheidenden historischen Momenten in Calders Schaffen. Sie erstrecken sich von Cirque Calder aus den 1920er Jahren über den Schritt zur Abstraktion und die Erfindung des Mobile Anfang der 1930er Jahre, bis hin zum souveränen und fulminanten Spiel mit den formalen Möglichkeiten, die sich daraus ergeben haben. Als Kontrapunkte treten die Werke von Peter Fischli und David Weiss auf und verleihen der Ausstellung ihren besonderen Charakter.

Dans cette association inattendue, les éléments de bricolage, d’observation et d’expérimentation prennent un poids tout à fait particulier, l’interaction entre pesanteur et apesanteur devenant ainsi perceptible sous un angle nouveau comme un processus incroyablement vivant. Légèreté et poids, exploration des limites du jeu, de l’échec et du hasard comme pratique artistique, oscillation sur la ligne ténue entre humour et poésie, le funambule devenant le prototype d’une réalité existentielle - de nombreux points de contact permettent aux oeuvres d’Alexander Calder et à celles de Fischli/Weiss d’affirmer leur efficacité à la fois ensemble, et indépendamment. L’ensemble de cette présentation ne ménage qu’une rencontre directe entre les travaux de Fischli/Weiss et ceux de Calder ; celle-ci ouvrira l’exposition et son récit. In der unerwarteten Verbindung erhalten die Momente des Tüftelns, des Beobachtens und Experimentierens ein eigenständiges Gewicht, die Wechselbeziehung von Schwerkraft und Schwerelosigkeit wird dadurch als ungemein lebendiger Prozess in einer neuen Perspektive erfahrbar. Leichtigkeit und Schwere, das Ausloten der Grenzen des Spiels, Scheitern und Zufall als künstlerische Praxis, das Pendeln entlang der feinen Linie zwischen Humor und Poesie, der Seiltänzer als Prototyp für eine existentielle Realität - es gibt viele Berührungspunkte, die die Werke von Alexander Calder und Fischli/Weiss gemeinsam und dennoch eigenständig wirken lassen. Nur einmal wird es in den Räumen des Museums zu einer direkten Begegnung der Arbeiten von Fischli/ Weiss und Calder kommen, welche die Ausstellung und ihre Erzählung öffnen wird. Moments of observation and experimentation take on a significance of their own in this unexpected combination, turning the relationship between gravity and weightlessness into something viewers can experience in a new perspective as a remarkably vibrant process. Lightness and weight, probing the boundaries of playfulness, failure and chance as artistic practice, steering the fine line between humour and poetry, conceptualizing the tightrope artist as the prototype for an existential reality - there are many trajectories that make it possible for works by Calder and Fischli/Weiss to be experienced together and yet to stand alone. Only once will there be a direct encounter between the works by Fischli/Weiss and Calder, within the gallery that opens the exhibition and introduces its exciting narrative. photo page de gauche à gauche - Peter Fischli David Weiss, Die Gesetzlosen, 1984, Les hors-la-loi, De la série Equilibres (Un après-midi tranquille), C-Print, 40 x 30 cm, Studio Fischli / Weiss, © Peter Fischli David Weiss, Photo : Fischli / Weiss Archiv, Zürich

Featuring works by Calder in an open and cross space dialogue with works by Fischli/Weiss, the exhibition will chart significant historical milestones in Calder’s oeuvre, from Cirque Calder in the 1920s and his shift to abstraction in 1930 to his invention of the mobile in the early 1930s, culminating in his brilliantly virtuoso treatment of the formal possibilities that arose as a result. The works of Fischli/Weiss perform as counterpoints in this narrative that lends the exhibition its special quality.

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ? Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle. Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui ! Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch

03.06. – 23.10.2016 HODLERSTRASSE 8 – 12 CH-3000 BERN 7 WWW.KUNSTMUSEUMBERN.CH DI 10H – 21H MI-SO 10H – 17H

photo page de gauche à droite - Peter Fischli David Weiss, Ratte und Bär (schlafend), 2008, Rat et ours (endormis), Laine, étoffe et moteur électrique, 2 parties : 82 x 37 x 27 cm, 88 x 48 cm, Museo Nacional Centro de Arte, Reina Sofia, Madrid, © Peter Fischli David Weiss, Photo : Fischli / Weiss Archiv, Zürich

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Calder (1898-1976) est le maître de l’équilibre instable dans l’art moderne. Avec l’invention révolutionnaire du « mobile », il a rendu visible l’équilibre constamment changeant entre pesanteur et apesanteur. Toute son oeuvre est consacrée à cette recherche. Elle fascine par la concomitance entre un équilibre factice qui fait systématiquement l’objet d’une nouvelle quête et est généralement atteint, et sa visualisation sous des formes diverses. À partir de 1979, Peter Fischli (né en 1952) et David Weiss (19462012) ont, dans leur création commune, donné au thème de l’équilibre précaire une forme iconique très différente. Avec la même ardeur inlassable et voluptueuse, ils ont élaboré - dans des films et des sculptures, par le langage, la photographie et la peinture - un irrésistible jeu sur l’équilibre, la clarté et la vue d’ensemble, dans lequel les impondérables et les pierres d’achoppement l’emportent toutefois souvent sur l’élégance et l’assurance des grands gestes de l’art moderne - incarnés par le mobile. Cette exposition, dont le commissaire est Theodora Vischer, Senior Curator à la Fondation Beyeler, est conçue en étroite collaboration avec la Calder Foundation de New York et l’artiste Peter Fischli.

Calder (1898-1976) ist der Meister des fragilen Gleichgewichts in der Kunst der Moderne. Mit der wegweisenden Schöpfung des Mobiles hat er die sich stetig verschiebende Balance zwischen Schwerkraft und Schwerelosigkeit anschaulich werden lassen. Sein gesamtes Werk ist der Suche nach Balance gewidmet. Die Faszination seines Werkes liegt in der Gleichzeitigkeit von jedes Mal neu angestrebter und meist erreichter faktischer Balance und ihrer in vielfältigen Formen realisierten Visualisierung. Peter Fischli (geb. 1952) und David Weiss (19462012) haben dem Thema der prekären Balance in ihrem gemeinsamen Schaffen ab 1979 eine ikonische Form ganz anderer Art gegeben. Mit der gleichen lustvollen Unermüdlichkeit entwickelten sie - in Filmen und Skulpturen, mit Sprache, Fotografie und Malerei - ein unwiderstehliches Wechselspiel von Balance, Klarheit und Übersicht, in dem allerdings Unwägbarkeiten und Stolpersteine gegenüber der Eleganz und dem Selbstverständnis der grossen Geste der Moderne - wie sie das Mobile verkörpert - oft die Oberhand gewinnen. Die Ausstellung ist von Theodora Vischer kuratiert, Senior Curator an der Fondation Beyeler, und entsteht in enger Zusammenarbeit mit der Calder Foundation in New York und dem Künstler Peter Fischli.

Calder (1898-1976) ranks as the master of equilibrium in modern art. With his pioneering invention of the mobile in the early 1930s he reimagined the ever-shifting balance between gravity and weightlessness. What makes his work so fascinating is to see how the search for balance and the attainment of equilibrium – and its visualisation in multifarious shapes and modescoincide in unpredictable ways that are unfinished, in a state of continual becoming. Beginning in 1979, Peter Fischli (1952) and David Weiss (1946-2012) gave the theme of precarious balance quite a different kind of iconic form in their works. With the same vigorous indefatigability, they developed an irresistible interaction of balance, clarity and overview in their films and sculptures, as well as through language, photography and painting, even though the uncertainties they create frequently gain the upper hand over the elegance and self-confidence of the big gesture of Modernism, as embodied by the mobile. The exhibition is curated by Theodora Vischer, Senior Curator at the Fondation Beyeler, and developed in close cooperation with the Calder Foundation in New York and the artist Peter Fischli.

photo de gauche - Alexander Calder, La Demoiselle, 1939, Tôle, fil de fer et tige cylindrique, peinture, 148,6 x 53,3 x 74,9 cm, Glenstone Museum, © 2016 Calder Foundation, New York /ProLitteris, Zurich, Photo : Tim Nighswander /Imaging4Art.com photo du milieu - Alexander Calder, Apple Monster, 1938, Monstre-Pomme, Bois et fil de fer, peinture, 167,6 x 141 x 82,6 cm, Calder Foundation, New York, donation d’Alexander S.C. Rower à la mémoire de Calder Rower, 2015, © 2016 Calder Foundation, New York /ProLitteris, Zurich, Photo : Calder Foundation, photo de droite - Alexander Calder, The General Sherman, 1945, Le general Sherman, Tôle, tige cylindrique et fil de fer, peinture, 81,3 x 111,8 x 58,4 cm, Julie und Edward J. Minskoff, © 2016 Calder Foundation, New York /ProLitteris, Zurich

fondation beyeler Alexander Calder & Fischli/Weiss - du 29 mai 2016 au 4 septembre 2017 Alexander Calder & Fischli/Weiss - vom 29. mai 2016 bis zum 4. September 2017 Alexander Calder & Fischli/Weiss - 29th may 2016 to 4th September 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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cacy La grande place jusqu’au 4 septembre 2016 yverdon-les-bains - SWITZERLAND La Placette est un espace d’art contemporain aménagé dans une vitrine au centre-ville de Lausanne. Chaque mois, cette vitrine offre à un artiste différent la possibilité d’exposer une œuvre qui fait écho à la précédente. Aujourd’hui, ce ne sont pas moins de 144 artistes qui sont passés par là depuis l’ouverture en 2004. Parce que la Placette est par définition une « petite place installée dans une grande ville », à Yverdon-les-Bains (« petite ville, mais possédant une grande place centrale sur laquelle donne le centre d’art: la place Pestalozzi »), le CACY présente « La Grande Place », une exposition collective avec une sélection d’artistes faite dans le vivier de la Placette. Ensemble, ces derniers investissent l’espace d’exposition dont la circulation a été modifiée par un dispositif imaginé par Delphine Renault.

Placette ist ein zeitgenössischer Kunstplatz, der in einem Schaufenster im Stadtzentrum von Lausanne eingerichtet wurde. Jeden Monat bietet diese Vitrine einem anderen Künstler die Möglichkeit, ein Werk zu präsentieren, das dem vorherigen entspricht. Seit der Eröffnung in 2004 haben bis heute nicht weniger als 144 Künstler ausgestellt. Weil Placette per se ein „kleiner Platz in einer grossen Stadt ist“, präsentiert das CACY in Yverdon-les-Bains („eine kleine Stadt, die aber einen grossen zentralen Platz besitzt, auf dem sich das Kunstzentrum befindet: der Platz Pestalozzi) „La Grande Place“, eine kollektive Ausstellung mit einer Auswahl von Künstlern, die im Placette ausgestellt haben. Gemeinsam oder besetzen sie den Ausstellungsraum, dessen Parcours nach den Vorstellungen von Delphine Renault gestaltet wurde.

The Placette is a contemporary art space located behind a window in the city center of Lausanne. Every month this show case gives different artists the opportunity to present a work which echoes the previous one displayed there. Since it opened in 2004 no less than 144 artists have exhibited there. As The Placette is by definition a “small place in a big city”, in Yverdon-les-Bains (“small town with a large central square giving onto the center of art: Pestalozzi Place“), the CACY presents “La Grande Place”, a group exhibition comprising a selection of artists from the pool of the Placette. Together, these artists fill the exhibition space, the course of which has been altered by a device imagined by Delphine Renault. Photo - David Weishaar, From the Encounters of the End of the World

artistes - künstler - artistes : Tonatiuh Ambrosetti - Emile Barret - Céline Burnand - Adrien Chevalley - Delphine Coindet - Frédéric Cordier - Sylvain Croci-Torti - Nicolas Delaroche - Simon Deppierraz – Stéphane Devidal - Daniela Droz - Christopher Füllemann - Sara Gassmann - Nicolas Haeni -Charlotte Herzig - Andreas Hochuli - Florian Javet - Florian Joye - Thomas Koenig - Vincent Kohler – Laurent Kropf - Sébastien Leseigneur - Miguel Meneses - David Monnet – Mélodie Mousset - Claudia Mougin - Guillaume Pilet – Cyril Porchet - Michael Rampa – Delphine Renault - Darren Roshier - Abbas Rostamian - Thomas Rousset Marie-Luce Ruffieux - Denis Savary - Sibylle Stoeckli - Léonie Vanay - Sébastien Verdon - Nicolas Wagnières - David Weishaar

cacy LA GRANDE PLACE - DU 9 JUILLET AU 4 SEPTEMBRE 2016 - vom 9. july bis zum 4. september 2016 - from the 9th of july until the 4th of september 2016 LES WEEKENDS DU ROY - 17-18, 24-25 SEPTEMBRE 2016 NO WALK, NO WORK - DU 24 SEPTEMBRE AU 4 DÉCEMBRE 2016 - Vernissage, samedi 24 septembre, dès 17.00 NO WALK, NO WORK - vom 24. SEPTEMBer bis zum 4. dezember 2016 - Vernissage, am samstag den 24. septembre, ab 17uhr. NO WALK, NO WORK - from the 24th SEPTEMBRE until the 4th December 2016 - opening, saturday, the 24th septembre, at 5.p.m. cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47 www.centre-art-yverdon.ch rivierart

musée olympique « The place to be » cet été jusqu’au 25 septembre 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Aucun doute, il n’y aura pas de décalage entre Rio et Lausanne au Musée Olympique ! Championnat de capoeira, concert inédit de Carlinhos Brown, retransmission des Jeux de Rio, ateliers de samba, de capoeira et projections de films brésiliens… Tout le programme est gratuit sauf la restauration ! Pour vivre les premiers Jeux Olympiques d’Amérique du Sud quand on réside de ce côté-ci du monde, il n’y a qu’un seul lieu : Le Musée Olympique ! Sa programmation estivale est tout entière consacrée au Brésil et nous propose trois temps forts: la finale du Championnat d’Europe de capoeira le 10 juillet à 15 heures, la nuit blanche avec concert inédit de Carlinhos Brown le 5 août à 22 h30 et la retransmission des Jeux du 6 au 21 août, avec ateliers de capoeira et de samba.

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Keine Zweifel, im Olympischen Museum wird es zwischen Rio und Lausanne keine Entfernung geben! Die Capoeira Meisterschaft, ein unveröffentlichtes Konzert von Carlinhos Brown, die Übertragung der Rio-Spiele, Samba- und Capoeiraworkshops und die Vorführungen brasilianischer Filme... Und völlig kostenfrei, ausser der Gastronomie! Wenn man auf dieser Seite der Welt lebt, gibt es nur einen Ort, um die ersten Olympischen Spiele Südamerikas zu erleben: das Olympische Museum! Es hat sein Sommerprogramm Brasilien gewidmet und schlägt drei Höhepunkte vor: das Finale der Capoeira-Europameisterschaften am 10. Juli um 15 Uhr, eine schlaflose Nacht mit einem unveröffentlichten Konzert von Carlinhos Brown am 5. August um 22 Uhr 30 und die Übertragung der Spiele vom 6. bis zum 20. August, mit Capoeira- und Sambaworkshops.

Rest assured there will be no time lag between Rio and Lausanne this summer at The Olympic Museum! Capoeira championships, a special Carlinhos Brown concert, broadcasts of the Games in Rio, samba and capoeira workshops and screenings of Brazilian films… the whole programme is free except the food and drinks! To experience the first Games in South American history when you live on this side of the world, there’s only one place to be: The Olympic Museum! Its summer programme will have a strong Brazilian flavour and offers three unmissable highlights: the finals of the European Capoeira Championships at 3 p.m. on the 10th of July, an all-nighter with a special Carlinhos Brown concert on the 5th of August at 10.30 p.m. and a broadcast of the Games every day from the 6th to the 21st of August, with capoeira and samba workshops.

On le connaît pour son apparition dans le tube « La la la » de Shakira pour la Coupe du monde de football en 2014, il a clôturé les Jeux Paralympiques de Londres, Carlinhos Brown est l’une des plus grandes stars du Brésil. Musicien de génie et homme engagé, Carlinhos Brown a choisi Le Musée Olympique à Lausanne pour vivre la Cérémonie d’ouverture des Jeux à Rio. Le 5 août, le musée organise également deux ateliers d’initiation de capoeira et de samba en continu de 18h à 22h ainsi que des micro-visites des expositions dédiées à Rio de 18h à 22h. Pour des visites libres, l’ensemble du musée est gratuit de 18 heures à 1 heure du matin. Du 6 au 20 août vous pouvez assister à la retransmission des Jeux de Rio, vous familiariser au monde de la capoeira avec Mestre Papa les vendredis, samedis et dimanches de 14h à 16h45 (dès 6 ans). Du 12 au 20 août initiez-vous aux pas de base de la samba de gafieira avec Marcos Simoes les vendredis, samedis de 14h à 16h30 et les dimanches de 14h à 17h30. Enfin les samedis et dimanches à 10h30 évadezvous au Brésil sur grand écran, des documentaires et des fictions vous en apprendront plus sur la culture de ce pays continent.

Carlinhos Brown ist für seinen Auftritt im Fussball Hit „La La La“ (2014) von Shakira bekannt. Er hat die Paralympischen Spiele in London beendet und ist einer der grössten Stars Brasiliens. Er ist ein Musikgenie und engagierter Mann und hat das Olympische Museum in Lausanne ausgewählt, um die Eröffnungsfeier der Spiele in Rio zu erleben. Am 5. August organisiert das Museum zwei Capoeira- und Samba-Einführungsworkshops von 18 bis 22 Uhr sowie zeitgleich 15-minütige Mikro-Touren der Ausstellungen, die Rio gewidmet sind. Das ganze Museum ist von 18 Uhr bis 1 Uhr morgens kostenlos geöffnet. Vom 6. bis zum 20. August können Sie die Übertragung der Spiele auf Grossbildleinwand verfolgen und sich mit der Welt der Capoeira mit Mestre Papa vertraut machen, jeweils freitags bis sonntags von 14 bis 16 Uhr 45 (ab 6 Jahren). Vom 12. bis zum 20. August arbeiten Sie sich in die Grundschritte des Samba de Gafieira mit Marcos Simoes ein, immer freitags und samstags von 14 bis 16 Uhr 30 und sonntags von 14 bis 17 Uhr 30. Und samstags und sonntags um 10 Uhr 30 werden Dokumentationen und Filme über Basilien auf der Grossleinwand gezeigt, die Ihnen mehr über die Landeskultur lernen werden.

We all know him for his performance on the hit “La La La” by Shakira for the Football World Cup in 2014. Carlinhos Brown also closed the Paralympic Games in London, and is one of the biggest stars in Brazil. A genius musician and engaging man, he has chosen The Olympic Museum in Lausanne to experience the Opening Ceremony in Rio. On the 5th of August, the Museum also organises two try-out workshops of capoeira and samba from 6 to 10 p.m and fifteen-minute micro-tours of the “Destination Rio” exhibitions from 6 to 10 p.m. Non-guided visits in the whole Museum will be free of charge from 6 p.m. to 1 a.m. From the 6th to the 20th of August you can watch the live broadcast of the Opening Ceremony of the Olympic Games Rio 2016 on giant screens, learn about the world of capoeira with Mestre Papa, Fridays, Saturdays and Sundays from 2 to 4.45 p.m (from age 6). From the 12th to the 20th of August introduce yourself to the basic Samba de Gafieira steps with Marcos Simoes, Fridays, Saturdays from 2 to 4.30 p.m. and Sundays from 2 to 5.30 p.m. And on Saturdays and Sundays, at 10.30 a.m., escape to Brazil on the big screen. Documentaries and stories will teach you more about the culture of this continent-sized country.

plus d’informations sur l’agenda de l’été sur le site du musée- mehr informationen über das sommerprogramm auf die internetseite des museums- more information about the summer programm on the museums website Cap sur rio - jusqu’au 25 septembre 2016 - Cap auf rio - bis 25. september 2016 - destination Rio - until 25th September 2016 Stades, D’hier à demain - Stadien, von gestern bis morgen - Stadiums, past and future -13.10.16 – 07.05.17 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Musée de montreux Théâtre au Musée, les 40 du TMR jusqu’au 6 novembre 2016 montreux - SWITZERLAND Cette année, le TMR (Théâtre Montreux-Riviera) commémore ses 40 ans d’existence. C’est pourquoi le Musée de Montreux profite de ce bel événement pour mettre en scène son théâtre. La nouvelle exposition est composée en trois actes : un survol de l’histoire du théâtre en Suisse, un historique du théâtre à Montreux et un éclairage sur le TMR. Un décor théâtral, des costumes originaux et des objets en lien avec le théâtre accompagnent le visiteur de salle en salle.

Das TMR (Theater Montreux-Riviera) feiert dieses Jahr sein 40-jähriges Bestehen. Das Museum von Montreux nutzt dieses schöne Ereignis, um sein Theater in Szene zu setzen. Die neue Ausstellung besteht aus drei Akten: ein Überblick über die Geschichte des Theaters in der Schweiz, ein historischen Überblick des Theaters in Montreux und ein Fokus auf das TMR. Theaterdekor, Originalkostüme und Gegenständen aus dem Theater begleiten den Besucher von Saal zu Saal.

This year, the TMR (Theater Montreux-Riviera) celebrates its 40th year of existence. This is why the Montreux Museum, to take advantage of this occasion, is staging its own theater. This new exhibition consists of three acts: an overview of the history of theater in Switzerland, an overview of the history of theater in Montreux, as well as a spotlight on the TMR. A theatrical set, original costumes and objects related to the theater follow the visitor from room to room.

Historique du théâtre à Montreux - Attractions populaires Le Montreux «des origines» est un ensemble d’une vingtaine de villages et hameaux indépendants, dont les habitants - paysans et vignerons - sont pauvres. Il n’y a donc pas de réel centre. Il faut attendre le développement du Montreux «touristique» pour qu’apparaisse une place publique au bord du lac. Jusqu’au milieu du 19ème siècle, on ne trouve aucune référence concernant le théâtre à Montreux. Pour en voir, il faut se rendre à Vevey.

Erinnerung an das Theaterleben in Montreux - Volksbelustigung Montreux bestand ursprünglich aus etwa zwanzig selbständigen Dörfern und Weilern, die von einfachen und armen Bauern und Winzern bewohnt waren. Erst mit der Entwicklung des Tourismus entstand in Montreux als gemeinsames Zentrum ein öffentlicher Platz am See. Bis Mitte des 19. Jahrhunderts gibt es keine Spur über ein Theater in Montreux. Um ins Theater zu gehen muss man sich in Vevey begeben.

The history of theatre in Montreux - Popular attractions Originally, Montreux is formed by a group of twenty villages and independent hamlets; therefore, the inhabitants – farmers and vintners – are poor. There is no real town center. Montreux has to develop tourism before there is a public place on the lake edge. Before the middle of the nineteenth century, we have not found any reference to theatre in Montreux. To see theatre, people go to Vevey. © musée de Montreux

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En revanche, à partir de 1870, nous lisons dans la Feuille d’Avis de Montreux des annonces de spectacles : prestidigitation, magie, ventriloque, jongleur, soirée cabalistique, exhibition de Peaux-Rouges… Ces attractions, très à la mode, mettent en avant la force physique et l’habileté des artistes ou l’étrangeté et l’exotisme. On découvre aussi dans ce même journal des annonces de séances littéraires, de concerts et de conférences. Ces divertissements populaires se déroulent dans la Grande Salle du Cercle de Montreux, sur la Place de la Rouvenaz, au Temple Saint-Vincent ou à la Tonhalle de la Grand-Rue, voire dans certains hôtels et pensions.

Ab 1870 brachte die Feuille d‘Avis de Montreux Inserate für den Auftritt von Zauberern, Magiern, Bauchrednern und Jongleuren sowie für Kabbala-Abende, Zurschaustellung von Rothäuten und anderem. Die sehr beliebten Veranstaltungen bezauberten mit Muskelkraft, Geschicklichkeit, Kuriosem und Exotischem. Allerdings kündigte dieselbe Zeitung auch Literaturabende, Konzerte und Konferenzen an. Die Veranstaltungen fanden im Grossen Saal des Cercle de Montreux, auf dem Platz Rouvenaz, in der reformierten Kirche Saint-Vincent, in der Tonhalle an der Grand-Rue oder in bestimmten Hotels und Pensionen statt.

On the other hand, in 1870, we read in the Feuille d’Avis de Montreux (a newspaper) announcements for illusions, magic, ventriloquism, juggling, occult evenings, North American Indian exhibitions… These attractions, very fashionable, display the physical force and agility of artists or weird and exotic people. We also read in the same newspaper announcements for literary meetings, concerts, and conferences. These popular entertainments take place in the Grande Salle du Cercle de Montreux, at the Place de la Rouvenaz, at the Temple SaintVincent or the Tonhalle de la Grand-Rue, and in various hotels and inns.

Fêtes foraines Pendant longtemps les spectacles sont itinérants, présentés dans des baraques de toile et de bois démontables ou sous des chapiteaux. De 1860 jusqu’à la construction du Marché Couvert, les forains s’établissent sur la Place de la Rouvenaz, puis à partir de 1891 sur la Place du Marché actuelle. Ces divertissements sont des évènements très populaires dans la vie locale : des carrousels, du cirque, des animaux exotiques, des funambules, des pantomimes, des saltimbanques, des clowns, des fêtes chinoises, des danses, du cinématographe et des saynètes.

Jahrmärkte Lange fanden Jahrmärkte unter Zeltbahnen, provisorischen Holzbaracken oder Zirkuszelten statt. Ab 1860 traten die Schausteller auf dem Place de la Rouvenaz und seit der Errichtung der gedeckten Markthalle 1891 auf dem heutigen Place du Marché auf. Zu den sehr beliebten Anlässen gehörten Karusselle, Zirkusnummern, exotische Tiere, Seiltänzer, Pantomimen, Strassenkünstler oder Clowns sowie chinesische Riten, Filmvorführungen und Kurzszenen (Sketche).

Traveling Fairs For a very long time, spectacles are traveling fairs, presented in small or big tents or temporary wood shelters. From 1860, until the construction of the Covered Market, the fairs set up at the Place de la Rouvenaz. From 1891, the fairs are in the current Place du Marché. These divertissements are very popular events in local life. There are carrousels, circuses, exotic animals, tightrope walkers, mimes, acrobats, and clowns. There are scenes from Chinese festivals, from dances, and from films. There are sketches. rivierart

Les principaux forains à passer à Montreux – avec autorisation de la police - sont: Otto Thiélé, Louis Praiss, Georges Hipleh-Walt et surtout Jean Weber-Clément, sans oublier la famille française Petitdemange jusqu’en 1912. Ces compagnies signalent leur présence par de nombreuses annonces dans la presse, des affiches publicitaires, des distributions de papillons et des aboyeurs

die wichtigsten Schausteller, die - mit polizeilicher Erlaubnis - in Montreux auftraten, waren Otto Thiélé, Louis Praiss, Georges Hipleh-Walt und vor allem Jean Weber-Clément. Ferner sei die bis 1912 aktive französische Artistenfamilie Petitdemange erwähnt. Die Schausteller kündigten ihren Auftritt mit vielen Zeitungsinseraten, Plakaten, Flugblättern und durch Ausrufer an.

The principal traveling fairs to come to Montreux, with police authorization, are: Otto Thiélé, Louis Praiss, Georges Hipleh-Walt, and especially Jean Weber-Clément. We also cannot forget the French family Petitdemange who came until 1912. These companies announce their visits by newspaper ads, publicity posters, pamphlets, and town criers.

Les timides débuts du théâtre À Montreux, le théâtre apparaît à la fin du 19ème siècle, avec l’essor du tourisme. Il est destiné avant tout aux étrangers qui séjournent dans la région et cherchent des distractions. Les Montreusiens, eux, sont plutôt attirés par des fêtes à caractère populaire. La première pièce de théâtre, jouée par des artistes français, a lieu le 18 mai 1873 au «Casino», nom donné à un établissement sis à la Rouvenaz, dans lequel s’installera vers 1879 l’Imprimerie Peyrollaz et Borgeaud. À cette époque, une soirée théâtrale est souvent composée de plusieurs pièces d’un seul acte entrecoupées d’intermèdes musicaux. Cependant, ces spectacles sont peu fréquents à Montreux jusqu’au début du 20ème siècle. Ils se déroulent d’abord dans les Hôtels, au Théâtre des Variétés, au Casino et à la salle du Conseil Communal. Puis, dès 1882, dans la salle de spectacle du Kursaal-Casino.

Bescheidene Anfänge In Montreux erschien das Theater Ende des 19. Jahrhunderts mit der zunehmenden Zahl von Touristen. Es war vor allem für die ausländische Kundschaft bestimmt, die während des Aufenthalts in der Gegend Unterhaltung suchte, während die Einheimischen volkstümliche Kost bevorzugten. Am 18. Mai 1873 gaben französische Schauspieler das erste Theaterstück im „Casino“, einem Gebäude an der Rouvenaz, wo Ende des Jahrzehnts die Druckerei Peyrollaz und Borgeaud einzog. Die bis anfangs des 20. Jahrhunderts in Montreux seltenen Theaterabende bestanden oft aus mehreren Einaktern mit musikalischen Zwischenspielen. Aber es gibt bis Anfang des 20. Jahrhundert nur wenige davon. Man fand sie vorerst in Hotels, im Théâtre des Variétés, im Casino und im Gemeinderatssaal, während ab 1882 der Kursaal zur Verfügung stand.

The timid beginnings of theatre Theatre appears in Montreux at the end of the nineteenth century, with the tourism boom. The theatre is aimed above all at foreigners who stay in the region and look for entertainment. The inhabitants of Montreux are mainly attracted to local festivals First steps, first staging. The first play, staged by French artists, takes place the 18 May, 1873, at the “Casino”, an establishment located at the Rouvenaz. At the end of 1879, the Printers Peyrollaz and Borgeaud take over the “Casino”. During this time, a theatre evening is composed often of several one-act plays separated by musical intermissions. Nevertheless, these evenings are few and far between until the start of the twentieth century. The theatre takes place first in the hotels, at the Variety Theatre, at the Casino, and the Community Council room. From 1882 on, the theatre room of the Kursaal-Casino offers a new look for the theatre of Montreux.

Théâtre des Variétés Le Théâtre des Variétés de Montreux, construit initialement comme manège, vers 1890, se situe au bas de la Place du Marché. Autour de 1900, il est converti en Cycle-hall de Lausanne Vélodrome de Montreux, incluant une brasserie. En 1909, le vélodrome est transformée en salle de spectacle. On peut lire, dans la Feuille d’Avis de Montreux du 11 octobre 1909, «que la salle des Variétés est bien aménagée, qu’elle contient environ 600 places assises et 200 debout dans les promenoirs - que la scène est fort coquette et pourvue d’un éclairage très complet; qu’au fur et à mesure le magasin des décors s’enrichira; que l’acoustique est excellente. […] Les rangées de fauteuils s’enlèvent avec facilité, le parterre peut en quelques minutes être utilisé comme plancher à danser.»

Théâtre des Variétés Das Théâtre des Variétés de Montreux, das ungefähr 1890 gebaut wurde, wurde als Reitschule errichtet, und befindet sich seeseitig am Marktplatz. Um 1900 wurde es zur Radrennbahn Cyclehall de Lausanne, Vélodrome de Montreux und umfasste auch eine Brasserie. 1909 wurde das Velodrom zum Théâtre des Variétés umgebaut. Die Feuille d’Avis de Montreux berichtete am 11. Oktober 1909, „der Saal ist gut eingerichtet, er umfasst 600 Sitzplätze sowie 200 Stehplätze in den Wandelgängen, die Bühne ist stattlich mit modernster Beleuchtung, das Kulissenlager wird laufend ergänzt und die Akustik ist ausgezeichnet. Ferner können die Sesselreihen leicht entfernt werden. um das Parterre in kürzester Zeit in eine Tanzfläche zu verwandeln“.

Théâtre des Variétés Image 1 shows us a building constructed initially as a stable, near 1890. It is located lakeside at the Place du Marché. Around 1900, it is converted into the Cycle-hall de Lausanne Vélodrome de Montreux, and includes a pub. In 1909, the velodrome is transformed into a theatre: the Théâtre des Variétés of Montreux. On 11 October, 1909, in the Feuille d’Avis de Montreux (a newspaper), we read “that the Variety Theatre is well furnished, that there are around 600 seats and standing room for another 200 spectators. The stage is very cute and has good lighting; that as time goes by, the scenery adds up; that the sound is excellent. […] The seat rows are easily removed; the floor can become a dancefloor in a few minutes”.

la salle de théâtre et de concerts du Kursaal en 1881, © musée de Montreux

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annonce dans le Journal des étrangers d’une pièce de théâtre jouée par Sarah Bernardt, © musée de Montreux

la scène de la salle de théâtre et de concerts du Kursaal, date inconnue. © musée de Montreux

le hall d’entrée du Kursaal avec l’escalier monumental, en 1950. © musée de Montreux

Des spectacles variés et plus populaires qu’au Kursaal y divertissent les Montreusiens. À partir de 1913, il est courant de proposer des projections d’images en complément à une soirée théâtrale ou à une attraction foraine. En 1917, suite à une rénovation, le Théâtre des Variétés prend le nom d’Apollo-théâtre, où ont lieu des spectacles, notamment des créations du Théâtre municipal de Lausanne, du Théâtre du Grand Guignol de Paris, ou des numéros avec le célèbre clown Grock ainsi que des bals. En sus des spectacles, on y projette de plus en plus d’animations d’images, ce qui annonce sa future mutation en un cinéma. Ce dernier fermera définitivement ses portes en 1984. Désaffecté, le bâtiment est démoli en 1997 pour laisser la place au Centre commercial « le Forum », inauguré en 2000.

Damit hatte die Bevölkerung von Montreux Zugang zu leichterer Kost als im Kursaal. Ab 1913 war es auch üblich, anlässlich von Theatervorstellungen oder Jahrmärkten Laufbilder zu projizieren. 1917 wurde das Théâtre des Variétés renoviert. Unter dem neuen Namen ApolloThéâtre fanden darin weiterhin Tanzabende statt. Ausserdem waren das Stadttheater Lausanne, das Théâtre du Grand Guignol aus Paris und der berühmte Clown Grock zu Gast. Neben Schauspielen fand man je länger, je mehr Laufbilder im Apollo-Theater, das dann auch zum Kino Apollo wurde. Als dieses 1984 endgültig den Betrieb einstellte, lag das Gebäude erst jahrelang brach, um nach dem Abriss 1997 dem im Jahre 2000 eingeweihten Einkaufszentrum „Le Forum“ zu weichen.

The Variety Theatre offers the people of Montreux more varied and popular theatre than the Kursaal-Casino. From 1913, it is current to offer film projection in addition to a theatre evening or a local fair. In 1917, after renovation, the Variety Theatre is called the Apollo-théâtre. Plays are held there, notably the creations of Lausanne city theatre and of the Grand Guignol Theatre of Paris. There are shows with the celebrated clown Grock, and there are also balls. In addition to plays, more and more films are shown at the Apollo-théâtre, which finally becomes solely a cinema named the Apollo. The Apollo closes permanently in 1984. Abandoned, the building is torn down in 1997. The shopping center, “le Forum” is built in its place and opens in 2000.

Le Kursaal-Casino de Montreux Le terme de casino, ou Kursaal en allemand, est fréquemment utilisé à la fin du 19ème siècle pour désigner un type de bâtiments, dans lesquels on trouve des salles de jeux et de divertissement. Le premier établissement portant le nom de Casino dans notre région est celui de Chillon, qui ouvre ses portes à Veytaux en 1861 et les referme en 1898 suite au règlement drastique sur les jeux d’argent. Le Kursaal de Montreux est inauguré en 1881. Il met à disposition de sa clientèle étrangère une grande salle de concerts et de spectacles, des salons, un jardin d’hiver, un restaurant, une salle de billard, un tir au flobert, un jeu de quille et une salle de jeux. La vocation première de ce lieu est musicale, avec le fameux Orchestre du Kursaal de Montreux, mais on y joue régulièrement des pièces de théâtre à partir de 1882. Ces représentations font souvent l’objet d’accords contractuels avec le Théâtre de Lausanne, dont la clause principale est de ne pas présenter les mêmes spectacles. En décembre 1971, le Kursaal brûle entièrement. Il est remplacé par le casino actuel. Hélas, la belle salle de spectacle disparaît.

Der Kursaal von Montreux Ende des 19. Jahrhunderts bezeichnete Kursaal (auf französisch Casino) im allgemeinen einen Ort des Glücksspiels und der Unterhaltung. In der Gegend von Montreux öffnete 1861 das Casino Chillon in Veytaux seine Tore, um sie 1898 wegen drastischer Gesetze über das Geldspiel wieder zu schliessen. Der 1881 eingeweihte Kursaal Montreux bot der ausländischen Kundschaft einen grossen Konzert- und Theatersaal, Lounges, Wintergarten, Restaurant, Billardsaal, Flobert-Schiessstand, Kegelbahn und natürlich eine Spielbank. Der Kursaal war in erster Linie der Musik mit dem nachmals berühmten Kursaal-Orchester Montreux gewidmet. Ab 1882 wurde regelmässig auch Theater aufgeführt, und zwar oft in Zusammenarbeit mit dem Stadttheater Lausanne, wobei nach Vertrag nicht gleichzeitig dieselben Stücke aufgeführt werden durften. 1971 brannte der Kursaal Montreux vollständig ab. Dessen prächtiger Theatersaal wird im heutigen, an derselben Stelle errichteten Casino von vielen vermisst.

The Kursaal-Casino of Montreux The term casino, or kursaal in German, is used often until the end of the nineteenth century to indicate buildings where we find gaming and entertainment rooms. The first place to be called the Casino in our region is in Chillon, part of Veytaux. It opens in 1861 and closes in 1898 following severe revision of the gaming laws. The Kursaal of Montreux is inaugurated in 1881. It provides for its tourist clientele a large concert and theatre hall, meeting rooms, a winter garden, a restaurant, and a billiard room, a shooting gallery with air guns, a bowling alley, and a gaming room. The primary use of this place is music, with the famous Kursaal Orchestra of Montreux, but there are regularly plays from 1882 on. These plays are produced, often in accord with the Theatre of Lausanne, so as not to present the same plays. In December 1971, the Kursaal burns down. It is replaced by the actual casino. Unfortunately, the beautiful theatre room disappears.

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Le TMR : Théâtre Montreux Riviera Le TMR peut être qualifié de «théâtre de poche» : ses dimensions modestes ont l’avantage de créer une ambiance intimiste, où le spectateur a un lien direct avec la scène. Toutefois, comme le public ne doit voir ni les trucages ni les astuces, cela complique un peu la mise en scène. Celle-ci doit également tenir compte de l’exiguïté de l’espace pour concevoir les changements de décors. Cette année, le TMR fête ses 40 ans. Au quotidien, c’est une équipe de 6 personnes qui s’occupent, à l’année, de sa gestion ; 4 autres personnes s’y adjoignent ponctuellement pour les costumes, le bar et la billetterie. La saison se déroule de septembre à juin avec 7 spectacles en moyenne, joués chacun durant deux à trois semaines. Quelque 60 artistes divertissent environ 12’000 spectateurs chaque saison. Les locaux sont loués à la Commune de Montreux et une Fondation pour l’Art Dramatique a été constituée en 1990, pour promouvoir ce théâtre.

Das TMR : Théâtre Montreux Riviera Als Kleintheater hat das TMR den Vorteil der familiären Atmosphäre, die den unmittelbarem Kontakt zwischen Schauspielern und Publikum erlaubt. Anderseits sollen Theatertricks und optische Täuschungen unauffällig bleiben und auch hat es wenig Platz für den Kulissenwechsel, was die Inszenierung etwas erschwert. Das TMR feiert 40 Jahre Berufsschauspiel. Es beschäftigt vollamtlich sechs Personen, während vier weitere teilzeitlich für die Kostüme, die Bar und die Theaterkasse mitarbeiten. Die Saison vom September bis Juni bringt durchschnittlich sieben Stücke, die je zwei bis drei Wochen auf dem Programm stehen. Dabei unterhalten insgesamt 60 Schauspieler rund 12’000 Zuschauer. Das TMR ist in einem denkmalgeschützten Haus der Gemeinde Montreux zu Miete und wird von der 1990 gegründeten „Stiftung für das Theater“ unterstützt.

The TMR: Theatre Montreux Riviera The TMR can be qualified as a “pocket” theatre; its modest size has the advantage of creating an intimate ambiance, where the spectator has a direct tie to the stage. However, since the audience should not see the staging, this complicates the direction a little bit. The director must also take into account the space limitations for changing scenes. This year, the TMR celebrates 40 years of existence. On a daily basis, six people manage the theatre; four more people step in when necessary, for costumes, the bar, and ticket sales. The season runs from September to June with an average of seven plays. Each play runs for two to three weeks. Approximately 60 actors entertain around 12,000 spectators each season. The theatre is rented from the city of Montreux. A Foundation for the Dramatic Arts was formed in 1990 with the goal of promoting the theatre.

1952 – 1976 : Le TVQ, ancêtre du TMR En 1952, un groupe d’amateurs fonde le Théâtre « Le Vieux Quartier ». Il s’agit de Jean-Pierre Duchoud, André Resplendino et Jean-Pierre Stemmer. En 1953, le TVQ s’installe à la rue du Marché 20 dans une cave voûtée, une ancienne forge, actuel caveau du Café des Vignerons et y joue son premier spectacle. Les années qui suivent représentent une période riche en expériences : des spectacles dans la Cour du Château de Chillon, des collaborations et des échanges avec les théâtres environnants, des tournées en Suisse romande, ainsi qu’un premier prix au Festival International à Versailles lorsque la Fédération Suisse des Sociétés Théâtrales d’Amateurs délègue le TVQ pour la représenter. En 1964, le TVQ déménage dans les caves de la Maison Visinand et étend son domaine d’activité et propose des expositions, récitals de poésie, concerts, conférences et un ciné-club.

1952 - 1976 : Vom TVQ zum TMR 1952 gründeten die Amateurschauspieler JeanPierre Duchoud, André Resplendino und JeanPierre Stemmer das „Théâtre du Vieux Quartier“ (TVQ). Die erste Vorstellung fand 1953 an der Rue du Marché 20 im Kellergewölbe einer ehemaligen Schmiede, dem Caveau des heutigen Café des Vignerons, statt. Es folgte eine bewegte Zeit mit Aufführungen im Hof des Schlosses Chillon, Zusammenarbeit und Austausch mit Theatern aus der Umgebung, Tournees in der Welschschweiz und einem ersten Preis am Internationalen Theaterfestival von Versailles, wo das TVQ den Zentralverband Schweizer Volkstheater vertrat. 1964 zog das TVQ in die Kellerräume des Kulturzentrums Maison Visinand ein und erweiterte den Tätigkeitsbereich mit Kunstausstellungen, Poesielesungen, Konzerten, Vorträgen und Filmvorführungen.

1952 -1976 : TVQ, ancestor of the TMR In 1952, a group of amateurs formed the Theatre of the “Vieux Quartier” (old quarter): Jean-Pierre Duchoud, André Resplendino and Jean-Pierre Stemmer. In 1953, the TVQ moved into a vaulted cellar, an old forge, at rue du Marché 20 and performed its first play. The cellar is now the Café des Vignerons. The following years represent a period rich in experiences: spectacles in the courtyard of Chillon Castle, collaborations and exchanges with neighboring theatres. There are traveling shows in French-speaking Switzerland. The troop wins first prize at the Versailles International Festival when the Swiss Federation of Amateur Theatre Societies send the TVQ to represent Switzerland. In 1964, the TVQ moves to the cellars of the Maison Visinand. A diversified cultural program is put into place: theatre, of course, but also expositions, poetry recitals, concerts, conferences, and a movie club.

1976 - 2016 : 40 ans En 1976, le Centre Dramatique Chablais Riviera remplace la compagnie du TVQ. Cette nouvelle entité est constituée de professionnels. Le CDCR part souvent en tournée dans de nombreuses villes et villages de la région. Il donne aussi des représentations de café-théâtre à Lausanne et à Vevey. De 1969 à 1996, le TVQ, puis le CDCR offrent des spectacles d’été en collaboration avec des comédiens étrangers. Leur promotion se fait sous forme de parades costumées, dans les rues de Montreux. Dans les années 1990, des échanges culturels se mettent aussi en place avec différents théâtres russes.

1976 - 2016 : 40 Jahre Das „Centre Dramatique Chablais Riviera“ 1976 wurde das Amateurtheater TVQ vom professionellen Ensemble „Centre Dramatique Chablais Riviera“ (CDCR) abgelöst. Dieses gab oft Gastspiele in der Region und trat als Café-Theater in Lausanne und Vevey auf. Sowohl das TVQ als auch das CDCR boten von 1969 bis 1996 Sommerspiele unter Mitwirkung von ausländischen Darstellern, wofür mit Kostümumzügen in den Strassen von Montreux geworben wurde. In den 1990er Jahren fand auch ein Kulturaustausch mit verschiedenen russischen Theatern statt.

1976-2016 : 40 years The CDCR In 1976, the Centre Dramatique Chablais Riviera replaces the company TVQ. This new troupe consists of professionals. Le CDCR often puts on plays in various towns and villages of the region. They also play in theatre cafés in Lausanne and Vevey. From 1969 to 1996, the TVQ, and then the CDCR offer summer plays in collaboration with foreign actors. Their publicity is achieved by parades in costume, in the streets of Montreux. In the 1990’s, cultural exchanges also take place with different Russian theatres.

Le Théâtre Montreux Riviera En 2002, une nouvelle appellation remplace les précédentes : le Théâtre Montreux Riviera est né. Contrairement aux théâtres d’accueil qui achètent des spectacles «tout faits», le TMR est un théâtre de création, qui produit ses spectacles, ce qui constitue une plus grande prise de risque.

Das Theater Montreux Riviera Ab 2002 nannte sich das Ensemble „Théâtre Montreux Riviera“ (TMR). Im Gegensatz zu Bühnen, die fertige Produktionen kaufen, ist das Théâtre Montreux Riviera ein Kreationstheater, das seine Theaterstücke selber produziert, was natürlich mehr Risiken birgt.

The Theater Montreux Riviera In 2002, a new name replaces the others: the Theatre Montreux Riviera is born. A normal theatre buys its plays ready-made, whereas a creative theatre - like the Théâtre Montreux Riviera creates its own plays. The risk is of course higher.

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TMR : un théâtre de création Au commencement, la directrice choisit des œuvres qui correspondent à une ligne artistique bien définie : la comédie. Il se peut aussi que ce soient directement des metteurs en scène qui lui proposent une pièce. Puis, dans tous les cas de figures, ces derniers transforment les textes en spectacles. Ensuite, c’est toute la réalisation concrète qui démarre : conception dans les ateliers, montage des décors sur le plateau, création des costumes, gestion des lumières et du son, élaboration du maquillage et des coiffures… Tout se fait au théâtre ! Il faut compter environ 2 mois pour monter une pièce, dont 5 semaines de répétitions. Sur 7 représentations par saison, 4 à 5 sont des créations du TMR, dont une co-production. Le TMR cherche aussi à promouvoir la région grâce à ses spectacles et travaille essentiellement avec des comédiens suisses.

TMR : ein Kreationstheater Dabei wählt die künstlerische Leiterin die Stücke nach dem bevorzugten Genre, hier das Lustspiel, oder sie folgt dem Vorschlag eines Regisseurs. In jedem Fall ist es dessen Aufgabe, aus dem Text ein Schauspiel zu machen. Zur praktischen Seite gehören die Vorbereitungen in den Werkstätten, das Aufstellen des Bühnenbilds, Entwurf und Herstellung der Kostüme und Perücken, Licht- und Tonführung, Schminken und alles, was es zu einer Theaterproduktion braucht. Eine Inszenierung benötigt ungefähr zwei Monate, wovon fünf Wochen für die Proben. Von den 7 Aufführungen einer Spielzeit sind 4 bis 5 Eigenproduktionen des TMR, worunter eine Gemeinschaftsproduktion. Das TMR berücksichtigt vor allem einheimische Schauspieler und versucht, in den Aufführungen die Region zur Geltung zu bringen.

TMR: a creative theatre A normal theatre buys its plays ready-made, whereas a creative theatre – like the TMR – creates its own plays. The risk is higher. At the beginning, the director chooses works that correspond to a well-defined artistic category: comedy. Sometimes, producers might suggest a plot. Then, the producers transform the plots into plays. Finally, it is the actual process that starts: workshops, scenery construction, costume creation, lights and sound, make-up and hair… everything that makes up theatre! It takes about two months to put on a play, with five weeks of rehearsals. Out of seven plays each season, four to five are original TMR plays. One is a co-production with another theatre. The TMR tries to promote the region with its plays and works essentially with Swiss actors.

musée de montreux Théâtre au Musée, les 40 ans du TMR - du 25 mars au 6 novembre 2016 theater im musuem, die 40 jahre des tmr - vom 25. märz bis zum 6. november 2016 theater at the museum, the 40 years of the tmr - 25th march to 6th november 2016 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46

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collection de l’art brut People jusqu’au 13 novembre 2016 LAUSANNE - SWITZERLAND Le titre de cette exposition sonne comme un contre-pied à l’anonymat des créateurs d’Art Brut, ces femmes et ces hommes qui ne cherchent pas la célébrité. Autodidactes, souvent inconnus du public, ils représentent dans leurs œuvres des stars de cinéma, des musiciens, des chanteurs, des sportifs ou encore des figures politiques. Certains sont d’ailleurs fascinés par la notoriété de ces personnalités. Les people, par essence médiatisés, relèvent d’une iconographie collective, et appartiennent à une culture visuelle populaire, également partagée par les auteurs d’Art Brut. Car si, dans un premier temps, Jean Dubuffet soutient que l’Art Brut est «indemne de culture», il fait référence à la culture académique, officielle. Par la suite, il concédera que la virginité culturelle et l’acculturation absolue n’existent pas. L’exposition présente une galerie de portraits, tous issus des collections du musée. Elle se compose d’une foule de célébrités où se côtoient Gary Cooper, Marilyn Monroe et Sharon Stone ; Elvis Presley et Johnny Hallyday ; Bernard Hinault et des champions d’autres catégories ; ou encore Abraham Lincoln et Aung San Suu Kyi, qui voisinent avec le Prince Charles et Camilla. Réalisées souvent à partir de photographies imprimées ou de films, ces œuvres sont des images d’images. Nathalie Perez, Marilyn Monroe, 1984, Crayon noir sur papier, (black pencil on paper), 29 x 19,5 cm. Photo : Giuseppe Pocetti, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne, Collection de l’Art Brut, Lausanne

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Der Titel dieser Ausstellung scheint im Widerspruch zur Anonymität der Art-Brut-Künstler zu stehen, die nicht nach Ruhm streben. Diese in der Öffentlichkeit oft kaum bekannten autodidaktischen Frauen und Männer stellen in ihren Werken auch Filmstars, Musiker, Sänger, Sportler oder auch Politiker dar. Einige sind von der Berühmtheit dieser Figuren fasziniert. Die „People“, die im Scheinwerferlicht der Medien stehen, sind Teil einer kollektiven Ikonografie und gehören zu einer visuellen Volkskultur, die auch von den Art-Brut-Künstlern geteilt wird. Zunächst hatte Jean Dubuffet behauptet, die Art Brut sei „unberührt von Kultur“ und damit die akademische, offizielle Kultur gemeint. Später musste er einräumen, dass es weder eine kulturelle Unberührtheit noch eine absolute kulturelle Anpassung gibt. Die Ausstellung präsentiert eine Galerie von Porträts, die alle aus der Museumssammlung stammen. Zahlreiche Prominente treten auf, zum Beispiel Gary Cooper, Marilyn Monroe und Sharon Stone, Elvis Presley und Johnny Hallyday, Bernard Hinault und Champions anderer Kategorien, aber auch Abraham Lincoln und Aung San Suu Kyi neben Prince Charles und Camilla. Die Werke, die oft nach gedruckten Fotografien oder Filmstills geschaffen wurden, sind Bilder von Bildern.

Curzio di Giovanni, Sharon Stone, 2010, mine de plomb crayon de couleur et stylo-bille, 34 × 24 cm. Photo : Sarah Baehler, Atelier de numérisation - Ville de Lausanne, Collection de l’Art Brut, Lausanne

The very title of this exhibition seems to run counter to the anonymity valued by the creators of Art Brut: men and women little inclined to seek celebrity. These self-taught persons, for the most part unknown to the public, enjoy depicting movie stars, musicians, singers, athletes and political figures in their works. The fame of such people holds a certain fascination for many producers of Art Brut. Today’s widespread “people press” is akin to a collective iconography that has become part and parcel of the visual culture of all sectors of society, including the creators of Art Brut. When Jean Dubuffet first declared Art Brut to be “unscathed by society,” he was alluding to culture in an academic and official sense. He would later admit that both cultural virginity and total acculturation are inexistent. The exhibition presents a gallery of portraits all belonging to the museum holdings. It comprises a great number of celebrities such as Gary Cooper, Marilyn Monroe and Sharon Stone; Elvis Presley and Johnny Hallyday; the French cyclist Bernard Hinault and champions in other categories; or even Abraham Lincoln and Aung San Suu Kyi, together with Prince Charles and Camilla! Frequently, these works are images of images: they have been created by copying from photographs or movies.

Gene Merritt, [-’ElviS-PrESley’-], entre 1995 et 1996, Encre noire sur papier , 28 x 21.2 cm. Photo : Morgane Détraz, (AN) Collection de l’Art Brut, Lausanne

Théo, Willi Brandt, 1981, Feutre de couleur et crayon noir sur papier, 25 x 37,5 cm. Photo : Olivier Laffely, (AN) Collection de l’Art Brut, Lausanne

Les auteurs d’Art Brut ne sont cependant pas assujettis aux codes culturels qui régissent les reproductions dont ils s’emparent. Ces créateurs s’approprient des fragments de représentation de notre société en les intégrant à leur propre univers. Ils agissent en toute liberté et semblent parfois même irrévérencieux par rapport à leurs sujets. Dans le cas de ceux qui fréquentent des ateliers de création, les illustrations de revues et de livres constituent uniquement un motif qui sert de point de départ à leurs dessins. Bien souvent, les vedettes ne sont que des figures sur papier glacé dont l’identité n’a aucune importance. Leur visage, ainsi revisité ou réinventé dans un style très personnel, est presque désacralisé. La créativité des auteurs d’Art Brut ne laisse personne indifférent. Certaines célébrités, comme David Bowie, ont été saisies par l’intensité des œuvres présentées à la Collection de l’Art Brut : «La Suisse m’a aussi permis de découvrir l’Art Brut, cela a eu un impact très fort sur ma vie, sur ma création. Je me rappelle avoir amené Brian Eno au musée lausannois et y avoir passé des heures à admirer les œuvres, à réfléchir au processus de création et aux frontières qu’un artiste est prêt à franchir dans sa quête…»

Dominique Hérion, Sylvie Vartan, s.d, Pastels sur papier, 33 x 22 cm. Photo : Olivier Laffely, (AN) Collection de l’Art Brut, Lausanne

Allerdings sind die Art-Brut-Künstler nicht den kulturellen Codes unterworfen, welche die von ihnen genutzten Reproduktionen bestimmen. Sie eignen sich Bildfragmente unserer Gesellschaft an, um sie in ihre eigene Welt zu integrieren. Sie handeln in aller Freiheit und scheinen ihren Sujets gelegentlich sogar völlig respektlos zu begegnen. Für jene, die Kreativ-Workshops besuchen, sind die Abbildungen aus Zeitschriften und Büchern nichts weiter als ein Motiv, das als Ausgangspunkt ihrer Zeichnungen dient. Häufig sind die Stars lediglich Figuren auf Glanzpapier, deren Identität keine Rolle spielt. Ihre in einem sehr persönlichen Stil neu gestalteten oder neu erfundenen Gesichter sind beinahe desakralisiert. Die Kreativität der Art-Brut-Künstler lässt niemanden gleichgültig. Einige Berühmtheiten wie David Bowie waren von der Intensität der in der Collection de l’Art Brut präsentierten Werke beeindruckt: „Dank der Schweiz entdeckte ich die Art Brut, und dies wirkte sich stark auf mein Leben und mein Schaffen aus. Ich erinnere mich, dass ich Brian Eno ins Lausanner Museum mitnahm, wo wir stundenlang die Werke bewunderten und über den Schaffensprozess sowie die Grenzen nachdachten, die ein Künstler in seiner Suche zu überschreiten bereit ist…“

Nevertheless, the works by such creators are unaffected by the cultural codes governing the reproductions to which they resort. Instead, they adapt fragments representing our society on their own terms, integrating them into a world of their own. They suffer no constraints and can even, at times, handle their subjects rather irreverently. Art Brut creators who attend art workshops use magazine and book illustrations only as a starting point for their work. Indeed, often the identity of the glossy page persons they copy is totally unimportant to them. Revisiting or reinventing such persons in their own highly personal style tends to almost demythologize the figures depicted. The great creativity that shows through Art Brut works affects all those who view them. David Bowie is one among many of the celebrities to have felt the intensity they convey: “Switzerland also enabled me to discover Art Brut, which made a strong impression on me, on my creative activity. I remember bringing along Brian Eno to the Lausanne museum, and spending hours with him admiring the works on display, thinking about the creative process and the boundaries artists are ready to cross in their quest...” rivierart

les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 Fax : +41 (0)21 320 50 71 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions) MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

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NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier.

rivierart

BERNE

kunstMuseum bern Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.

FRIBOURG

Bernisches Historisches Museum Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern Tel. +41 31 350 77 11 info@bhm.ch www.bhm.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h

FRI ART Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les expositions temporaires)

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

Naturhistorisches museum bern Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern Tel : 031 350 71 11 lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end de 10h à 17h. Fermé les jours fériés.

MUSÉE SUISSE DE LA MARIONNETTE Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch www.marionnette.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 2526 décembre

MUSÉE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch www.museegutenberg.ch mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; jeudi de 11h à 20h, dimanche de 10h à 17h

VALAIS VITROMUSEE ROMONT – Musée Suisse du Vitrail et des arts du verre Au Château, CH – 1680 Romont Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Fax : + 41 (0)26 652 49 17 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h

Musée du Papier peint Au Château - 1684 Mézières Tél : +41 26 652 06 90 info@museepapierpeint.ch www.museepapierpeint.ch début avril - fin octobre: jeudi à dimanche de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg Tél. : 026 305 89 00 Fax : 026 305 89 30 museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn ouvert tous les jours de 14h à 18h fermeture annuelle: 1er janv. et 25 déc. Entrée libre

TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tél : 026 921 30 10 Fax : 026 921 30 09 info@tibetmuseum.ch www.tibetmuseum.ch de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h à 18h; de Novembre à Pâques du mardi au vendredi de13h à 17h; samedi et dimanche de11h à 18h - lundi fermé

Musée gruérien Rue de la Condémine 25, 1630 Bulle Tél : 026 916 10 10 info@musee-gruerien.ch www.musee-gruerien.ch octobre à mai: du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h, samedi de 10 à17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h - juin à septembre: du mardi au samedi de 10h à 17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ville-geneve.ch/ariana du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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ISSN 2235-8730

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N° 21 / 2016, Août - Septembre - Octobre parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux © Geneviève Brunner Traductions: Florian Benedikt Arnold Escher Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass Impression: Musumeci S.p.A. Località Amérique 97, 11020 Quart / Italia Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

PA R TA G E R L A PA S S I O N D U B E A U

Lionel Meylan SA Boutiques Place du Marché 4 1800 Vevey Rue des Deux-Marchés 34 1800 Vevey Horaires d’ouverture: Lundi au vendredi 08h30 à 12h30 14h00 à 18h30 Samedi 08h30 à 12h30 14h00 à 17h00 Tel: +41 21 925 50 50 Fax: +41 21 925 50 59 Boutique On Top of Glacier 3000 Tel: +41 24 492 24 00 Fax: +41 24 492 24 01 Horaires d’ouverture : selon Glacier 3000 info@lionel-meylan.ch www.lionel-meylan.ch Suivez-nous sur Facebook

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