Rivierart n22 11 2016 by Rivierart

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

PIAGET POLO S

DÃ&#x2030;COUVREZ LE FILM SUR PIAGET.COM

SOMMAIRE INHALT CONTENTS EXPOSITION 22 - 23

Montreux Art Gallery

découverte 37

Rencontres & Inspiration

artistes 8 - 9 11 21 29 35 41

Pierre-Bernard Despland Jacques Walther Sergio Aiello Jean-Pierre Magnin Noël Hémon Yo-Xarek Wolter

MUSéES

10 12 - 13 14 - 20 24 - 25 26 - 27 28 30 - 34 36 38 - 40 42 - 45 46 - 47 48 - 49

Musée d’art et d’histoire Genève Musée Ariana Fondation Beyeler Musée Olympique Cacy Cabinet d’arts graphiques Genève Kunstmuseum Bern Musée d’éthnographie Maison d’Ailleurs Mudac Musées - Vaud Musées - Bâle, Berne, Neuchâtel Fribourg, Valais, Genève rivierart

12Ă¨me Salon dâ&#x20AC;&#x2122;art contemporain 9 - 13 novembre 2016

Montreux Music & Convention Centre mag-swiss.com

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04.10.16 16:15

Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Une fin d’année est souvent le temps des bilans. Des bilans professionnels et personnels. Vous aviez décidé de vous donner le temps de vivre, vous pensiez suspendre le cours du temps, de temps en temps. Mais voilà, le temps file comme le vent. Et c’est ainsi, tout le temps. Mais ne désespérez pas, du moins pas encore, car il est encore temps. Vous n’avez pas dit le dernier mot, et du peu de temps qu’il vous reste, profitez-en. Musées et galeries vous tendent les bras en tout temps et il est grand temps que vous leur consacriez un peu de votre temps restant. Point n’est besoin d’être critique d’art pour oser en pousser la porte, ralentir le pas, risquer un arrêt sur image, découvrir tout simplement, laisser monter ses émotions, oublier pour un instant la fuite du temps. L’artiste, en créant, vous a offert son temps et ouvert des fenêtres, profitez-en maintenant et non seulement de temps en temps.

Das Jahresende ist oft die Zeit, um Bilanz zu ziehen. Berufliche und persönliche Bilanz. Sie hatten beschlossen, sich die Zeit zu nehmen, um zu leben, Sie dachten, den Lauf der Zeit, von Zeit zu Zeit auszusetzen. Aber die Zeit vergeht wie der Wind. Und so ist es immer. Aber verzweifeln Sie nicht, denn noch ist Zeit. Das letzte Wort ist noch nicht gesprochen, nutzen Sie die Zeit, die dieses Jahr uns noch bringt. Museen und Galerien erwarten Sie jederzeit und es ist höchste Zeit, dass Sie ihnen ein wenig der verbleibenden Zeit widmen. Es gibt keine Notwendigkeit, ein Kunstkritiker zu sein, um zu wagen, die Türklinke zu drücken, den Schritt zu verlangsamen, ein Standbild zu riskieren, zu entdecken, den Emotionen freien Lauf zu lassen, um für einen Moment das Schwinden der Zeit zu vergessen. Durch sein Schaffen hat der Künstler Ihnen seine Zeit geschenkt und Fenster geöffnet, geniessen Sie es jetzt, und nicht nur von Zeit zu Zeit.

The end of the year is often when we close the books, professionally as well as personally. It’s the time of year when you reflect on your original plans and realise that the year has almost gone. You would have liked to have put things on pause from time to time. But time, like the wind, always flies. Don’t despair, at least not yet, because there are still a few moments left before the final audit. The year’s closing act is yet to conclude and in the little time remaining don’t forget to have some fun with it. Museums and galleries await your visit and truly merit a little of your remaining time. You don’t have to be an art critic to swing the door open and slow your step, dare to take a minute of simple discovery and let your emotions surge. Forget the passage of time for a short moment. The artist has invested their time. Take a moment to enjoy and benefit, and ideally more than just from time to time.

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CENTRE D’ART CONTEMPORAIN PLACE PESTALOZZI, CP 649 CH - 1400 YVERDON-LES-BAINS TEL. + 41 24 423 63 80 CENTRE-ART@YVERDON-LES-BAINS.CH CENTRE-ART-YVERDON.CH

OUVERT DU MERCREDI AU DIMANCHE 12H - 18H

N’ATTENDEZ PLUS ! PARTICIPEZ À L’ÉLABORATION D’UNE ŒUVRE D’ART ! « Venez avec un objet dont vous ne voulez plus » Pour visiter l’exposition du Centre d’art contemporain, dont l’accès est libre, confiez-nous un objet dont vous aimeriez vous débarrasser. Du petit caillou de bord de route au buffet de votre arrière-grand-mère, ces objets nourriront une installation évolutive et performative de Dominique Page, activée par Julia Sørensen et Virginie Delannoy, qui grandira grâce à vous jusqu’à la fin de l’exposition (4 décembre).

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L’invitée de Rivierart Karine Tissot Directrice du CACY Direktorin des CACY Director of the CACY

photo ©AnnikWetter

En 2002, une peinture appartenant au MoCA (Los Angeles) est décrochée chaque matin pour être « promenée » toute la journée dans la ville par un employé du musée. Avant la fermeture de l’institution, elle est raccrochée et protégée par une couverture pour « dormir ». Avec Walking a Painting, Francis Alÿs développait une fois encore une rhétorique de la marche. Si l’un des rôles de l’art est d’ouvrir les esprits vers une terra incognita, il faut en effet envisager de nouvelles manières de créer. La mobilité en fait partie. Elle occupe une place importante dans la démarche des artistes présentés dans l’actuelle exposition du CACY. On convient volontiers aujourd’hui que le fait artistique ne saurait être cantonné qu’au seul travail d’atelier, mais rappelons que c’est dans un esprit de rébellion qu’en 1921, les dadaïstes ont organisé une promenade à Paris afin de « lutter contre la conception ultra-aristocratique de l’art ». Et c’est surtout dans les années 1960-70 que le mouvement du corps dans l’espace a commencé à être envisagé, non plus comme simple sujet de représentation, mais comme partie intégrante des pratiques artistiques, admettant que « no walk, no work » (Hamish Fulton). Karine Tissot

Im Jahr 2002 wurde ein Gemälde, das dem MoCA (Los Angeles) gehört, jeden Morgen abgenommen, um den ganzen Tag von einem Angestellten des Museums in der Stadt „spazieren geführt“ zu werden. Vor der Schliessung des Museums, wurde es wieder aufgehängt und mit einer Decke geschützt, um zu „schlafen“. Mit „Walking a painting“ entwickelte Francis Alÿs einmal mehr eine Rhetorik des Gehens. Wenn eine der Rollen der Kunst darin besteht, den Geist für eine terra incognita zu öffnen, ist es in der Tat notwendig, neue Wege in Betracht zu ziehen. Mobilität ist einer davon. Sie nimmt einen wichtigen Platz in der Herangehensweise der vorgestellten Künstler der aktuellen Ausstellung von Cacy ein. Heute ist man sich einig, dass der künstlerische Akt nicht nur auf die Studioarbeit beschränkt werden kann, aber erinnern wir uns, dass die Dadaisten im Geiste der Rebellion im Jahr 1921 einen Spaziergang in Paris organisieren, um gegen die „ultra-aristokratische Kunstauffassung zu kämpfen“. Und es ist vor allem in den Jahren 1960-1970, dass begonnen wird, die Bewegung der Körper im Raum nicht nur als blossen Gegenstand der Repräsentation in Betracht zu ziehen, sondern als integralen Bestandteil der künstlerischen Arbeit, getreu dem Motto „no walk, no work“ (Hamish Fulton).

In 2002, each morning at the MoCA (Los Angeles) a painting was taken down and “walked” through the city for the day by a museum employee . Before day’s end it was re-hung and covered with a blanket to “sleep”. “Walking a Painting” conceived by Francis Alÿs developed once again on the rhetoric of walking. If one of art’s roles is to open the mind to a terra incognita, it is indeed necessary to conceive of new ways of creation. Mobility is one of these, and occupies an important place in the approach of artists featured in the current exhibition at the CACY. We fully agree that artistic creation cannot be confined solely to studio work. Remember the Dadaists who in 1921 in a spirit of rebellion organised a walk in Paris “to fight against the ultra-aristocratic conception of art.” During 1960-70 especially, the spatial movement of bodies began to be considered not merely as the subject of representation, but as an integral part of artistic practices, precursing “no walk, no work” (Hamish Fulton). Karine Tissot

Karine Tissot

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« L’oiseleur siffle, le ciseleur joue, le passeur s’invite… Peindre et « vagabonder loin des sécurités permises »* (*Marcel Jullian), peindre le murmure silencieux de l’inconscient, celui qui aiguise le regard et affûte le geste, là où le réel avoisine l’abstrait, là où l’abstrait juxtapose la représentation. S’accorder au jeu de la toile, pénétrer la fragile ténuité de l’espace, spectateur premier de la chorégraphie puis, sans appartenance, traverser le mouvement de la danse. Osciller sur le fil de l’abandon, au-delà des équilibres du miroir, défaire le déjà et oublier la mémoire jusqu’à la nudité immobile pour que s’entrelacent lumière et silence. Par la fêlure s’allume l’œil, le pas de trois peut advenir… » PBDespland „Der Vogler pfeift, der Ziseleur spielt, der Fährmann lädt sich ein… Malen und „weit der erlaubten Sicherheiten wandern“ (Marcel Jullian), das stille Murmeln des Unbewussten malen, was das Auge und die Geste schärft, wo die Wirklichkeit ans Abstrakte grenzt, wo das Abstrakte und die Darstellung sich aneinanderreihen. Sich mit dem Spiel des Gemäldes einstimmen, die fragile Zartheit des Raumes durchdringen, erster Zuschauer der Choreografie sein und ohne Zugehörigkeit, die Bewegung des Tanzes überqueren. Auf dem Faden der Ungezwungenheit, jenseits der Ausgeglichenheit des Spiegels schwanken, das Gewesene lösen und die Erinnerung bis zur regungslosen Nacktheit vergessen, damit sich Licht und Stille verflechten. Der Bruch erleuchtet das Auge, der Dreiertanz kann beginnen.“ PBDespland

page de gauche, photo en haut à gauche - sans titre, technique mixte sur toile, 100 x 100 cm page de gauche, photo en bas à gauche - sans titre, technique mixte sur toile, 120 x 120 cm page de gauche, photo en bas à droite - sans titre, technique mixte sur toile, 100 x 100 cm page de droite - sans titre, technique mixte sur toile, 120 x 120 cm

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“The fowler whistles, the chiseler plays, the ferryman invites himself... Paint and “wander far beyond the parameters of safety” (Marcel Jullian), paint the silent murmurs of the subconscious, he that sharpens the eye and the gesture, there where reality borders on the abstract, where the abstract juxtaposes the representation. Going with the play of the canvas, enter the fragile fineness of the space, first witness the choreography then, without obligation, traverse the movement of dance. Oscillate on the thread of abandonment, beyond the balance of the mirror, undo what has already been and lose your memory in the fashion of motionless nudity so that light and silence interlace. Through the crack the eye illuminates and the threestep can occur…” PBDespland

Pierre-Bernard Despland Pierre-Bernard Despland expose au Montreux Art Gallery - MAG - Ă Montreux, du 9 au 13 novembre 2016, stand no 108. www.peebeeyes.com peebee@worldcom.ch

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Musée d’art et d’histoire Châteaux forts et chevaliers Genève et la Savoie au XIVème siècle jusqu’au 19 février 2017 Genève - SWITZERLAND Dès la fin du XIIIème siècle, l’intérieur des châteaux et maisons fortes s’orne de décors qui mettent en scène une vision idéalisée de la chevalerie. Dans les rares cas où il a été conservé, ce patrimoine, qui se trouve souvent en mains privées, reste inaccessible au public. Le Musée d’art et d’histoire a le privilège de présenter un ensemble de peintures murales de cette époque. Le cycle du château de Cruet en Savoie fait partie des premiers exemples profanes européens parvenus jusqu’à nous. Peint au début du XIVème siècle, il relate les aventures d’un vassal de Charlemagne. L’idéal chevaleresque se déploie au fur et à mesure que combats, sièges, chasses, jeux et amours courtois se succèdent dans des scènes épiques. Ces peintures, constituant le noyau de l’exposition, sont mises en relation avec des oeuvres de la même époque : manuscrits enluminés, armures, sculptures, textiles, ivoires et objets précieux. Une occasion unique d’évoquer la vie des chevaliers, en faisant appel à notre imaginaire collectif.

Vom späten 13. Jahrhundert an schmückten sich die Innenräume von Burgen und Schlössern mit Wandmalereien, die ein idealisiertes Bild des Rittertums entwarfen. In den seltenen Fällen, in denen dieses Kulturgut erhalten blieb, befindet es sich vielfach in Privatbesitz und ist für das Publikum unzugänglich. Das Museum hat das Glück, Wandbilder dieser Zeit auszustellen. Der Zyklus stammt aus der Burg Cruet in Savoyen und gehört zu den frühesten europäischen profanen Wandmalereien, die auf uns gekommen sind. Im frühen 14. Jahrhundert gemalt, stellt er die Abenteuer eines Lehensmanns Karls des Grossen dar. In epischen Szenen, die Kämpfe, Belagerungen, Jagden, Spiele und Muster höfischer Liebe zeigen, spiegelt sich das Ritterideal. Die Malereien, die den Kern der Ausstellung bilden, werden zu zeitgenössischen Werken wie illuminierten Handschriften, Rüstungen, Skulpturen, Textilien, Elfenbeinarbeiten und Wertge genständen in Beziehung gesetzt. Eine einmalige Gelegenheit, die Ritterwelt wieder aufleben zu lassen und ins kollektive Bewusstsein zurückzurufen.

From the end of the XIIIth century, the interior of castles and fortified mansions were adorned with decorative elements which offered an idealized vision of chivalry. In the rare cases in which it has been preserved, this heritage remains inaccessible to the general public for it is often held in private hands. The Musée d’art et d’histoire has the privilege to present an ensemble of wall paintings from this era. The cycle of the de Cruet Castle in Savoy is one of the most ancient surviving European secular examples. Painted in the early XIVth century, it tells the adventures of one of Charlemagne’s vassals. The chivalrous ideal runs through a succession of epic scenes featuring combats, sieges, hunting parties, games and courtly love. These paintings, forming the core of the exhibition, are presented alongside works from the same period : illuminated manuscripts, armours, sculptures, textiles, ivories and precious artefacts. A unique chance to evoke the daily life of knights, whilst appealing to the collective imagination.

Cycle de peintures murales provenant du château de Cruet (Savoie), début du XIVe siècle. Le coucher nuptial de Charlemagne, panneau 5, Peinture sur enduit sec avec liant organique. Haut. 197 x larg. variable de 130 à 450 cm. © Musée Savoisien - Musée d’histoire et des cultures de la Savoie (dépôt), Chambéry. Photo : MAH, Sandra Pointet

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Jacques Walther Jacques Walther expose du 5 au 27 novembre 2016 à la Galerie du Tilleul à Champtauroz chez Chantal Moret et Bertrand Calpini Ruelle du château 1 1537 Champtauroz ouvert le vendredi de 16h00 à 19h00 et le samedi et dimanche de 14h00 à 18h00 ou sur rendez-vous contact galerie : 079 824 28 52 www.chantalmoret.ch contact artiste : jac@jacqueswalther.ch www.jacqueswalther.ch

Le peintre Jacques Walther, dont l’atelier se trouve depuis 19 ans dans le quartier du Flon, à Lausanne, partage son activité et son enthousiasme entre création et enseignement artistique. Né au Maroc en 1951, diplômé des Beaux-Arts de Lausanne, l’artiste expose régulièrement en Suisse romande et ailleurs. Il a reçu la médaille d’argent de la Société Nationale des Beaux-Arts à Paris en 2014.

Der Maler Jacques Walther, dessen Kunstatelier sich seit 19 Jahren im Flon, einem Stadtviertel von Lausanne, befindet, teilt seine Beschäftigung und seinen Enthusiasmus zwischen künstlerischem Schaffen und künstlerischer Bildung. Der Künstler, geboren in Marokko im Jahre 1951 und an der Kunstakademie von Lausanne diplomiert, stellt regelmässig inner- und ausserhalb der französischen Schweiz aus. 2014 hat er die Silbermedaille der Nationalen Gesellschaft der schönen Künste in Paris erhalten.

Painter Jacques Walther, whose studio has stood for 19 years in the Flon, a district of Lausanne, divides his efforts and enthusiasm equally between creative art and formative educational art. Born in Morocco in 1951, a graduate of the School of Fine Arts in Lausanne, the artist exhibits his work regularly in the French-speaking part of Switzerland, as well as abroad. Recipient of the Silver Medal awarded by the National Company of Fine Arts in Paris in 2014.

Série “racines” - la grande marée, technique mixte sur toile, 90 x 150 cm, 2016

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Musée ariana Nicolas Lieber - Chroniques céramiques jusqu’au 22 janvier 2017 genève - SWITZERLAND Nicolas Lieber (Genève, 1967) est un photographe aux talents multiples, qui s’intéresse tout à la fois à la musique, la mode, la voile, au courtmétrage, au portrait de nu et aux objets d’art. C’est dans ce dernier domaine qu’une collaboration avec le Musée Ariana a été initiée depuis quelques années. La sensibilité pleine de poésie du photographe, son originalité, son goût évident pour l’objet tridimensionnel et le matériau céramique ont incité l’institution à donner carte blanche au photographe, le chargeant d’investir à sa guise les douze vitrines de la galerie.

Nicolas Lieber (Genf, 1967) ist ein Fotograf mit vielen Talenten. Er interessiert sich für Musik, Mode, Segeln, Kurzfilme, Aktporträts und Kunstobjekte. Es ist in diesem letzten Bereich, dass die Zusammenarbeit mit dem Musée Ariana vor einigen Jahren ins Leben gerufen wurde. Das poesievolle Zartgefühl des Fotografen, seine Originalität, sein offensichtlicher Geschmack für das dreidimensionale Objekt und den keramischen Werkstoff haben das Museum dazu bewegt, dem Fotografen eine Carte Blanche auszustellen, mit der Vorgabe, die zwölf Vitrinen der Galerie nach seinem Belieben zu füllen.

Nicolas Lieber (Geneva, 1967) is a multitalented photographer, interested in music, fashion, sailing, short films, nude portraits and works of art alike. It is in this latter area that he began collaborating with the Musée Ariana some years ago. This photographer’s highly poetic sensitivity, his originality, his evident appreciation of threedimensional objects and ceramic materials prompted the institution to give carte blanche to the photographer, entrusting him to fill the twelve gallery showcases as he saw fit.

Photo de gauche - Nicolas Lieber, 2016. Chroniques céramiques I. Musée Ariana, Ville de Genève. Collection Musée Ariana. Photo de droite - Nicolas Lieber, 2016. Chroniques céramiques III. Musée Ariana, Ville de Genève. Plat, 19e siècle (détail), Japon, porcelaine, décor bleu sous couverte, émail rouge et or (type Imari). La Porteuse d’eau, vers 1818 (détail), Manufacture Francis Gardner, Verbiliki (Russie), porcelaine moulée, émaux polychromes mats et brillants. Collection Musée Ariana

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Son choix éclectique illustre la diversité des collections du Musée Ariana, tant au niveau du matériau (terre cuite, faïence, grès et porcelaine) que des périodes, de la géographie et des artistes et manufactures représentés. Douze chroniques ont peu à peu émergé, qui toutes ont comme point de départ une ou plusieurs céramiques mises en dialogue, juxtaposées, volontiers détournées. Autour des objets, Nicolas Lieber conte, par des collages visuels mêlant photographies personnelles, coupures de journaux ou photos anciennes, des histoires un peu transgressives qui parlent de nature, d’érotisme, de politique, de guerre, de femmes ou de sa vie personnelle. Ces collages ne vont pas sans évoquer le mur de l’atelier-appartement de l’artiste, véritable forêt iconographique, kaléidoscope en constante mutation. Les « chroniques céramiques » de Nicolas Lieber permettent des lectures multiples, laissant le loisir au spectateur de se raconter ses propres histoires, d’interagir avec son vécu personnel. Cette exposition, une première pour le Musée suisse de la céramique et du verre, prouve une nouvelle fois la pertinence et la richesse du dialogue interdisciplinaire dans l’art contemporain. Seine eklektische Auswahl veranschaulicht die Vielfalt der Sammlungen des Ariana Museums, sowohl in Bezug auf Materialien (Terrakotta, Steingut, Sandstein und Porzellan), als auch Zeitepochen, Geographie, Künstler und Hersteller, welche vertreten sind. Allmählich sind zwölf Chroniken entstanden, die alle zum Ausgangspunkt ein oder mehrere Keramiken haben, die miteinander in Dialog gebracht wurden, nebeneinanderliegend und sich häufig abwendend. Rings um die Gegenstände erzählt Nicolas Lieber mit visuellen Collagen übergelagerte Geschichten, von Natur, Erotik, Politik, Krieg, Frauen oder seines persönlichen Lebens und mischt eigene Fotos, Zeitungsausschnitte und alte Fotos. Diese Collagen rufen die Erinnerung an die Studiowand des Künstlers herauf, einen wahren ikonografischen Wald, ein sich ständig änderndes Kaleidoskop. Die „Chroniken der Keramik“ von Nicolas Lieber erlauben eine mehrfache Lektüre, ermöglichen dem Betrachter die Unterhaltung, seine eigenen Geschichten zu erzählen, sich mit dem persönlich Erlebten zu verständigen. Diese Ausstellung, eine Premiere für das Schweizer Museum für Keramik und Glas, beweist einmal mehr die Relevanz und den Reichtum des interdisziplinären Dialogs in der zeitgenössischen Kunst. His eclectic choices illustrate the diversity of the Musée Ariana’s collections, both in terms of materials (earthenware, faience, stoneware and porcelain) and of the periods, geographical regions, artists and manufactories represented. Twelve chronicles gradually emerged, all taking as their starting point one or more juxtaposed and freely appropriated ceramic items brought into dialogue. Through these objects and the visual collages that combine his own photographic images with newspaper cuttings and old photographs, Nicolas relates somewhat transgressive narratives that speak of nature, eroticism, politics, war, women, and his own life. These collages are not without references to the wall in the artist’s studio with its constantly changing iconographic profusion. Nicolas Lieber’s “Ceramic Chronicles” are never complete; they permit multiple readings, leaving viewers at leisure to tell their individual stories and interact with their own experiences. This exhibition, a first for the Swiss Museum of Ceramics and Glass, once again proves the relevance and richness of interdisciplinary dialogue in contemporary art.

LIECHTENSTEIN Die Fürstlichen Sammlungen

musée ariana Nicolas Lieber - Chroniques céramiques - Chroniken der Keramik - Ceramic Chronicles - jusqu’au 22 janvier 2017 - bis 22. januar 2017 - until march 22nd, 2017

12.11.2016 – 19.03.2017

Gundi Dietz - Essentielles - Essentials - jusqu’au 26 février 2017 bis 26. februar 2017 - until february 26th, 2017 Fang Lijun - Espaces interdits - verbotene räume - forbidden spaces - du 11 novembre 2016 au 2 avril 2017 - vom 11. november 2016 bis 2. april 2017 - from november 11th, 2016 to april 2nd, 2017 cONTACT ET HORAIRES PAGE 49

www.kunstmuseumbern.ch

www.ariana-geneve.ch rivierart 160913_Rivierart_Inserat_LIECHTENSTEIN_93x125mm.indd 1

13.09.2016 11:31:17

Fondation Beyeler Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter jusqu’au 22 janvier 2017 Riehen/Basel - SWITZERLAND Pour la première fois depuis 30 ans, la Suisse consacre une vaste exposition à l’un des chapitres les plus fascinants de l’art moderne, entré dans l’histoire sous l’appellation de Der Blaue Reiter, « Le Cavalier bleu ». L’exposition munichoise de 1911 et le mouvement d’artistes du même nom ont été à l’origine d’une expérience artistique d’une nouveauté révolutionnaire. À partir des oeuvres de Wassily Kandinsky appartenant à la Collection Beyeler, le public peut découvrir la création d’un groupe d’artistes d’avantgarde, marqué par des principes d’ouverture d’esprit et d’internationalité auxquels la Première Guerre mondiale est venue mettre un terme. Der Blaue Reiter : tel est le titre du légendaire almanach édité par Wassily Kandinsky (1866 - 1944) et Franz Marc (1880 - 1916), qui fut publié à Munich en 1912. Kandinsky et Marc avaient rassemblé dans ce recueil des textes et des images issus de cultures diverses, réalisés par différents artistes.

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Zum ersten Mal seit 30 Jahren widmet sich eine umfassende Ausstellung in der Schweiz einem der faszinierendsten Kapitel der modernen Kunst, das unter dem Titel Der Blaue Reiter berühmt geworden ist. Die Münchner Ausstellung im Jahr 1911 und die gleichnamige Künstlerbewegung generierten ein neues, revolutionäres Kunsterlebnis. Ausgehend von den Werken Wassily Kandinskys in der Sammlung Beyeler wird dem Publikum ein Einblick in die Arbeit einer Gruppe avantgardistischer Künstler gegeben, deren Offenheit und Internationalität durch den Ersten Weltkrieg unterbrochen wurden. Der Blaue Reiter ist der Name des legendären Almanachs, der von Wassily Kandinsky (1866 - 1944) und Franz Marc (1880 - 1916) herausgegeben wurde und 1912 in München erschien. Kandinsky und Marc versammelten in diesem Buch Texte und Bilder aus unterschiedlichen Kulturen und von verschiedenen Künstlern.

For the first time in thirty years, a comprehensive exhibition in Switzerland is being devoted to the fascinating chapter in modern art known as Der Blaue Reiter. The exhibition held in Munich in 1911 and the art movement of the same name resulted in a revolutionary new art experience. The works by Wassily Kandinsky that are owned by the Beyeler Collection will serve as a startingpoint to give members of the public an insight into the work of a group of avant-garde artists whose openness and internationalism were interrupted by the First World War. Der Blaue Reiter is also the name of the legendary Almanac published by Wassily Kandinsky (1866 - 1944) and Franz Marc (1880 - 1916), which appeared in Munich in 1912. In that book, Kandinsky and Marc brought together texts and pictures from different cultures and by different artists. Franz Marc - Les grands chevaux bleus, 1911, Huile sur toile, 105 x 181 cm, Collection Walker Art Center, Minneapolis, don de la T.B. Walker Foundation, Gilbert M. Walker Fund, 1942

Cet almanach devait être l’expression de la nécessité d’une transformation radicale des arts en ce début du XXème siècle. Il témoigne d’une nouvelle appréhension de l’art et du monde, révolutionnaire pour l’époque, qui ne s’attachait plus à reproduire la réalité visible mais à illustrer des interrogations mentales. Ce souci s’exprime avant tout par une libération de la couleur inspirée par le paysage des Préalpes au sud de Munich. Cette réflexion, qui a servi de toile de fond à l’évolution vers l’abstraction de Kandinsky et de Marc surtout, a conduit à un tournant de la conception artistique occidentale et a influencé plusieurs générations de peintres - jusqu’à nos jours. Cette exposition où l’on pourra voir environ 70 oeuvres et un total de plus de 90 objets, présente également l’almanach et illustre la révolution picturale qui s’est produite entre 1908 et 1914, en s’appuyant principalement sur des ensembles d’oeuvres marquantes de Kandinsky et Marc. L’emblème du Cavalier Bleu qui aurait vu le jour par hasard, d’après Kandinsky, au cours d’une conversation avec Marc peut être considéré comme une forme de programme en abrégé : le bleu, couleur cosmique, associé à la sérénité naturelle de l’animal et à la dynamique du cavalier en saut, qui franchit toutes les barrières. Der Almanach sollte die Notwendigkeit eines Epochenumbruchs der Künste zu Beginn des 20. Jahrhunderts dokumentieren. Er zeugt von einem damals revolutionär neuen Kunst- und Weltverständnis, bei dem es nicht mehr um die Abbildung der sichtbaren Wirklichkeit ging, sondern um die Verbildlichung geistiger Fragen. Dies zeigt sich vor allen Dingen in einer Befreiung der Farbe, die angeregt wurde durch die Voralpenlandschaft südlich von München. Dieses Denken, vor dessen Hintergrund vor allem Kandinsky und Marc ihren Weg zur Abstraktion entwickelten, führte zu einem Wendepunkt in der abendländischen Kunstauffassung und prägte Generationen von Malern - bis heute. In der Ausstellung, in der rund 70 Werke und insgesamt über 90 Exponate zu sehen sein werden, wird der Almanach vorgestellt und die Revolution der Malerei zwischen 1908 und 1914 veranschaulicht, vor allem durch bedeutende Werkgruppen Kandinskys und Marcs. Das laut Kandinsky zufällig im Gespräch mit Marc entstandene Sinnbild des Blauen Reiters kann dabei als eine Art Kurzprogramm gesehen werden: das Blau als kosmische Farbe in Verbindung mit der in sich ruhenden Natürlichkeit des Tieres und der grenzüberschreitenden Dynamik des Reiters auf dem Sprung. The Almanac was intended to document the need for a new beginning in the visual arts at the beginning of the 20th century. It testifies to a revolutionary new understanding of art and the world that centered on the visual representation of ideas rather than the reproduction of visible reality. This can be seen above all in the liberation of color, which was inspired by the pre-Alpine landscape to the south of Munich. The ideas that caused Kandinsky and Franz Marc, in the first instance, to move towards abstraction culminated in a turning-point in western views on art that has left its mark on generations of painters right up until today. The exhibition, which will feature around 70 artworks and 90 exhibits in all, will present the Almanac and, primarily through major groups of works by Kandinsky and Marc, illustrate the revolution in painting that occurred between 1908 and 1914. The motif of a blue rider, which Kandinsky described as having come up by chance during a conversation with Marc, can be seen as programmatic: blue as a cosmic color combined with the animal’s innate naturalness and the rider’s dynamism as he jumps from one element to another.

photo du haut - Franz Marc - Renard bleu noir, 1911, Huile sur toile, 50 x 63 cm, Von der Heydt-Museum, Wuppertal, Photo : © Medienzentrum, Antje Zeis-Loi/Von der Heydt-Museum Wuppertal photo du milieu - Franz Marc - La Vache jaune, 1911, Huile sur toile, 140,5 x 189,2 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection photo du bas - Franz Marc - Chien couché dans la neige, 1910 / 1911, Huile sur toile, 62,5 x 105 cm, Städel Museum, Francfort/Main, Propriété du Städelschen Museums-Verein e.V., © Städel Museum - ARTOTHEK rivierart

Franz Marc - Écuries, 1913, Huile sur toile, 73,6 x 157,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection

Une salle d’information multimédia spécialement conçue pour cette exposition s’attache à mettre en évidence, grâce à une « géographie du Blaue Reiter », le caractère international des artistes de ce groupe dans une Europe d’avant-garde sans frontières, à laquelle la Première Guerre mondiale a brutalement mis fin. L’exposition prend pour point de départ chronologique l’année 1908. Cette année-là, Wassily Kandinsky et Gabriele Münter qui vivaient ensemble sans être mariés s’installèrent dans un logement commun à Munich et firent la connaissance à Murnau, en Haute-Bavière, d’un autre couple vivant en « union libre », Marianne von Werefkin et Alexej von Jawlensky. L’année suivante, Münter acheta dans la même localité une maison qui existe toujours et où Kandinsky et elle passèrent principalement leurs étés jusqu’en 1914. Ce retour à la campagne marquait l’accomplissement du désir de mener une vie simple, anticonformiste, en harmonie avec la nature et le monde rural de Haute-Bavière. En ce sens, il faut également appréhender la démarche de Münter et Kandinsky sous l’angle d’une réforme fondamentale de l’existence, qui influença de larges fractions de la société juste avant la Première Guerre mondiale et produisit des résultats multiples : la critique de la civilisation était étroitement liée à la volonté de voir la société prendre un nouveau départ.

In einem speziell entworfenen multimedialen Informationsraum wird anhand einer „Geographie des Blauen Reiters“ die Internationalität der beteiligten Künstler in einem avantgardistischen Europa ohne Grenzen verdeutlicht, dem der 1. Weltkrieg ein brutales Ende bereitete. Die Ausstellung setzt zeitlich im Jahr 1908 ein, als Kandinsky und Münter als unverheiratetes Paar in München eine gemeinsame Wohnung bezogen und sich mit den ebenfalls in „wilder Ehe“ lebenden Marianne von Werefkin und Alexej von Jawlensky im oberbayerischen Murnau trafen. Im folgenden Jahr erwarb Münter dort das noch heute existierende Haus, in dem sie und Kandinsky bis 1914 vor allem die Sommer verbrachten. Der Weg aufs Land bedeutete die Erfüllung der Suche nach einem einfachen, unkonventionellen Leben im Einklang mit der Natur und der bäuerlichen Welt Oberbayerns. In diesem Sinne ist Münters und Kandinskys Schritt auch unter dem Aspekt der Lebensreform zu verstehen, die in der Zeit unmittelbar vor dem 1. Weltkrieg grosse Teile der Gesellschaft beeinflusste und zu unterschiedlichen Ergebnissen führte: Zivilisationskritik und der Wille zu einem gesellschaftlichen Neuanfang waren eng miteinander verknüpft. Kandinskys und Münters Beschäftigung mit Volkskunst, vor allem mit der oberbayrischen Glasmalerei, steht im Zusammenhang mit ihrer Idee von einer Gleichberechtigung aller Künste, die später im Almanach dokumentiert wurde, in dem westliche Kunst mit Kinderzeichnungen, Votivbildern und Kunst aus Afrika und Asien kombiniert ist.

In a specially designed multimedia information room, a “Geography of Der Blaue Reiter” will demonstrate the internationalism of the participating artists in an avant-garde Europe with no borders, which was brutally ended by the First World War. The exhibition at the Fondation Beyeler will start in the year 1908, when Kandinsky and Gabriele Münter - who were not married - moved into an apartment in Munich and began frequenting Marianne von Werefkin and Alexei Jawlensky, likewise an unmarried couple, in Murnau in Upper Bavaria. The following year, Münter bought a house in Murnau that still exists today, where she and Kandinsky spent most of their time, especially the summers, until 1914. Münter and Kandinsky’s move to the country represented the fulfilment of the desire for a simple, unconventional life in harmony with nature and the agricultural world of Upper Bavaria. It can be seen as one aspect of the “life reform” movement that influenced large segments of society in the years before the First World War, resulting in many different outcomes: criticism of civilization was closely intertwined with the desire to transform society. Kandinsky and Münter’s preoccupation with folk art, especially the production of stained glass in Upper Bavaria, was linked with their notion of the equal status of all the arts, later to be documented in the Almanac, in which Western art is juxtaposed with children’s drawings and votive images as well as with African and Asian art.

fondation beyeler Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter - du 4 septembre 2016 au 22 janvier 2017 Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter - vom 4. September 2016 bis zum 22. januar 2017 Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter - 4th september 2016 to 22nd january 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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L’intérêt de Kandinsky et de Münter pour l’art populaire, et plus particulièrement pour la peinture sur verre typique de la Haute-Bavière rejoint leur conviction de l’égale importance de tous les arts. Plus tard, cette idée sera mise en évidence dans l’Almanach, qui associe l’art occidental à des dessins d’enfants, des images votives et des oeuvres d’art d’Afrique et d’Asie. La collaboration de Münter, Werefkin, Jawlensky et Kandinsky et la représentation des paysages de lacs de Haute-Bavière baignés de lumière et dominés par la chaîne des Alpes inspirèrent à ces artistes un nouveau traitement chromatique, qui constitue un des temps forts de l’exposition : des couleurs pures et lumineuses étaient juxtaposées en vastes plans, la dynamique devant être communiquée par la structure visible de la touche. Ce processus a été décrit par Gabriele Münter comme le passage « … de la reproduction de la nature - plus ou moins impressionniste - à la sensation d’un contenu - à l’abstraction - à la restitution d’un extrait », un domaine dans lequel on n’a peut-être pas encore suffisamment reconnu le rôle d’Alexej von Jawlensky et de ses tableaux de paysages, aux formes chromatiques d’une « simplicité » marquée. Le traitement des plans a conduit chez Kandinsky à un affranchissement de la ligne par rapport au contour et à la libération de la surface par rapport à la figuration, dont témoignent surtout ses toiles de l’année clé que fut 1910, dont cette exposition contient une superbe sélection.

Die Zusammenarbeit zwischen Münter, Werefkin, Jawlensky und Kandinsky und die Darstellung der lichtdurchfluteten oberbayrischen Seenlandschaft, die von der Alpenkette dominiert wird, führte zu einer neuen Farbbehandlung, welche in der Ausstellung einen ersten Schwerpunkt bildet: Leuchtende, ungemischte Farben wurden als Flächen nebeneinander gesetzt; die sichtbare Pinselstruktur vermittelt Dynamik. Dieser Prozess wurde von Gabriele Münter als „... vom Naturabmalen - mehr oder weniger impressionistisch - zum Fühlen eines Inhaltes zum Abstrahieren - zum Geben eines Extraktes“ beschrieben, wobei eine wichtige Rolle dabei Alexej von Jawlensky und seinen Landschaftsbildern zukommt, mit ihren betont „einfachen“ Farbformen. Die Behandlung der Flächen führte bei Kandinsky zu einer Befreiung der Linie von der Kontur und zur Befreiung der Fläche von der Gegenständlichkeit, wie es vor allem an seinen Gemälden des Schlüsseljahres 1910 verfolgt werden kann; von ihnen ist in der Ausstellung eine wunderbare Auswahl zu sehen. Eine der wichtigsten Bestrebungen der Künstler um den Blauen Reiter, vor allem aber Kandinskys lag in der Vermittlung der Auffassung, dass Kunst synästhetisch ist, dass sie Grenzen zu anderen Kunstformen überschreitet. Die Idee der Synästhesie spiegelt sich auch in der Alltagssprache: Wer von einer „Komposition“ spricht, meint zwar meist eine musikalische Komposition, aber man spricht im Sinne einer Bild-Komposition auch von der Anlage eines Kunstwerkes.

The collaboration between Münter, Werefkin, Jawlensky and Kandinsky and their depiction of the lightflooded landscapes and lakes of the region, which is dominated by the Alps, led to an innovative treatment of color that will provide the first focus of the exhibition. Luminous patches of unmixed pigments were placed next to one another, with their visible brushwork conveying dynamism. That process was described by Gabriele Münter as a move from “copying nature - in a more or less Impressionist style - to feeling the content of things - abstracting - conveying an extract”, with an important role being played by Alexej von Jawlensky and the emphatically “simple” color forms of his landscape paintings. Through his treatment of such patches of color, Kandinsky liberated line from contour and the patches themselves from figurativeness, as is demonstrated by, above all, his paintings from the key year of 1910, a wonderful selection of which can be seen in the exhibition. One of the most important aspirations of the artists connected with Der Blaue Reiter, and primarily Kandinsky, was to communicate the view that the visual arts are synaesthetic i.e. that they overlap with other art forms. The idea of synaesthesia is mirrored in day-to-day language: someone who speaks of a “composition” generally means a musical one, but the layout of a work of art is also described as a pictorial composition. There are color tones as well as musical ones.

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Une des priorités des artistes rassemblés autour du Blaue Reiter, et surtout de Kandinsky, était de transmettre l’idée que l’art est synesthésique, qu’il franchit les frontières avec d’autres formes d’art. Cette conception se reflète également dans le langage courant : quand on parle de « composition », on pense le plus souvent à une œuvre musicale ; mais on peut également parler de composition picturale pour désigner la structure d’une œuvre d’art. La couleur peut également être une couleur sonore, et un ton chromatique peut relever aussi bien de la peinture que de la musique. Il faut garder cette réalité à l’esprit quand on contemple les abstractions de grand format de Kandinsky, comme sa légendaire Composition VII de 1913, de la galerie Tretiakov. S’y ajoute un élément particulièrement important: le rythme, qui naît de l’activité du regard au contact du tableau. Les tableaux de Kandinsky ne sont pas l’expression de gestes picturaux. Mais dans l’idéal, l’interaction entre spectateur et œuvre engendre un rythme optique, qui trouve une analogie en musique. À partir de 1910, Franz Marc et Maria Franck vécurent ensemble à Sindelsdorf, à 15 kilomètres de Murnau. La rencontre entre Kandinsky et Marc au début de 1911 donna l’impulsion décisive à la publication de l’Almanach Der Blaue Reiter, que les deux hommes publièrent ensemble. Bien qu’unis par l’aspiration à un renouvellement culturel, ils se distinguaient nettement par leurs formes d’expression artistique. Cette différence apparaît clairement lorsqu’on observe les deux tableaux que Marc et Kandinsky échangèrent pour sceller leur amitié et qui, pour la toute première fois, seront présentés ensemble dans notre exposition. Le tableau intitulé Traum - « Rêve » - que Marc offrit à Kandinsky et qui appartient aujourd’hui à la collection du musée Thyssen-Bornemisza révèle par son univers chromatique homogène, constitué d’une multiplicité de formes parmi lesquelles ses emblématiques chevaux bleus, l’intérêt de l’artiste pour la représentation d’une nature expressive. Le présent de Kandinsky à Marc, l’Improvisation 12 au sous-titre caractéristique Der Reiter - « Le Cavalier » - (Bayerische Staatsgemäldesammlung, Munich), témoigne de sa volonté de traduire en image la dynamique du geste par des couleurs éclatantes et par la dissolution de la figuration. Marc ne s’attachait pas à la reproduction d’un animal mais à la représentation de son essence, expression d’une nature archaïque et intacte.

Farbe kann auch Klangfarbe sein, und ein Ton ist auch ein Farbton. Das sollte man bedenken, wenn man seine grossformatigen Abstraktionen, wie z. B. die legendäre Komposition VII, 1913, aus der Tretjakov-Galerie betrachtet. Ein besonders wichtiges Element kommt hinzu: der Rhythmus, der durch die Beschäftigung des Auges mit dem Bild entsteht. Kandinskys Bilder sind nicht Ausdruck von Malgesten. Aber die Interaktion zwischen Betrachter und Werk lässt idealerweise einen Rhythmus des Sehens entstehen, der in Musik seine Entsprechung findet. Seit 1910 lebten Franz Marc und Maria Franck zusammen im 15 Kilometer von Murnau entfernten Sindelsdorf. Die Begegnung zwischen Kandinsky und Marc Anfang 1911 brachte den entscheidenden Impuls für die Publikation des Almanachs Der Blaue Reiter, den Marc und Kandinsky gemeinsam herausgaben. Obwohl beide Künstler das Streben nach kultureller Erneuerung einte, waren sie doch sehr unterschiedlich in ihren künstlerischen Ausdrucksformen. Das wird vor allem deutlich, wenn man die beiden Bilder betrachtet, die als Zeichen ihrer Freundschaft von Marc und Kandinsky getauscht wurden und die, zum ersten Mal überhaupt, in unserer Ausstellung zusammen gezeigt werden sollen. In dem von Marc an Kandinsky geschenkten Bild Der Traum, 1912, aus der Sammlung des Museum Thyssen-Bornemisza zeigt sich anhand der geschlossenen, aus einer Vielfalt von Formen bestehende Farbwelt mit den charakteristischen blauen Pferden das Interesse des Künstler an der Darstellung einer seelenvollen Natur. In Kandinskys Geschenk an Marc, die Improvisation 12, 1910, mit dem bezeichnenden Zusatztitel Der Reiter (Bayerische Staatsgemäldesammlung, München), manifestiert sich geradezu sein Bestreben, der Dynamik des Geistes durch leuchtende Farben und die Auflösung der Gegenständlichkeit ein Bild zu geben. Es ging Marc nicht um die Abbildung eines Tieres, sondern um die Darstellung von dessen Wesen als Ausdruck einer archaischen und unverfälschten Natur. Die Feier der Tierseele in seinen Gemälden ist vor dem Hintergrund der beginnenden Naturschutzbewegung vor dem Ersten Weltkrieg zu sehen; sie scheint die Gegenwelt zu technischem Fortschritt zu repräsentieren und damit dem besonders in der deutschen Gesellschaft immer vorhandenen Hang zur Fortschrittskritik zu entsprechen.

Viewers should remember this when looking at Kandinsky’s large-format abstract works such as his legendary Composition VII, 1913 from the Tretyakov State Gallery. Another particularly important element is the rhythm that results from the eye’s involvement with the painting. Rather than expressing the gesture of painting, Kandinsky’s works trigger a visual interaction between the viewer and the work that ideally creates a rhythm paralleled in music. As from 1910, Franz Marc and Maria Franck lived together in Sindelsdorf, fifteen kilometers away from Murnau. The encounter between Kandinsky and Marc in early 1911 provided the crucial impetus for the publication of Der Blauer Reiter Almanac, which the two artists published jointly. While both men shared the desire for cultural renewal, they adopted very different forms of artistic expression. This becomes especially clear when one sees the two paintings they exchanged as tokens of their friendship, which the exhibition will present together for the first time ever. With its self-contained world of many diverse colored forms and its characteristic blue horses, Marc’s painting The Dream from the ThyssenBornemisza Museum, his gift to Kandinsky, reflects the artist’s interest in nature and its soul. Kandinsky’s gift to Marc, Improvisation 12, with its telling subtitle The Rider (Bayerische Staatsgemäldesammlung, Munich) is a manifestation of his desire to give visual form to the dynamism of ideas by using brilliant colors and dissolving figurative representation. What mattered for Marc was not to represent an animal as such but rather to portray its essence as an expression of archaic, authentic nature. The celebration of animals’ souls in his paintings must be seen against the backdrop of the nascent animal protection movement before the First World War; it seems to represent the opposite of technical progress and thereby to correspond to the tendency to criticize progress that was always present, particularly in German society. The exhibition contains a selection of Marc’s most important animal paintings, with the rarely exhibited canvas The Large Blue Horses (Walker Art Center, Minneapolis) being one of the highlights. Even more than Marc, who perished on the battlefield at Verdun just over one hundred years ago on March 4, 1916, August Macke, who died at the beginning of the First World War, leaves one with a feeling of incompleteness when one looks at his œuvre.

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Il faut replacer la fête de l’âme animale que célèbrent ses toiles dans le contexte de la naissance, peu avant la Première Guerre mondiale, du mouvement pour la protection animale ; ce mouvement semble incarner un monde hostile au progrès technique et coïncider ainsi avec la tendance critique à l’égard du progrès, toujours présente notamment dans la société allemande. On pourra voir dans cette exposition une sélection des principaux tableaux d’animaux de Marc et surtout une toile très rarement montrée de nos jours, véritable sommet de son art, Die grossen blauen Pferde - « Les grands chevaux bleus » - (Walker Art Center, Minneapolis). Plus encore que pour Marc, mort il y a un siècle, le 4 mars 1916, sur le champ de bataille de Verdun, on éprouve une impression d’inachevé en contemplant l’oeuvre d’August Macke, tombé dès le début de la Première Guerre mondiale. Ses tableaux cherchent à associer composition chromatique abstraite et figuration. À la différence des autres représentants du Blaue Reiter, il décrit des scènes de la vie moderne, présentées simultanément sous plusieurs angles de vue grâce à des structures chromatiques cubistes. Une salle de l’exposition est principalement consacrée à ses toiles, et notamment à des oeuvres qui n’ont pas été exposées depuis longtemps et montrent bien le potentiel de cet artiste. Celuici a également offert une des meilleures contributions à l’Almanach Der Blaue Reiter avec son texte intitulé « Masken » - « Masques ». Des travaux de Robert Delaunay, Heinrich Campendonk, du compositeur et peintre Arnold Schönberg et de David Burljuk complètent le choix de peintres présentés. In der Ausstellung ist eine Auswahl seiner wichtigsten Tierbilder zu sehen, vor allem das nur sehr selten gezeigte Gemälde Die grossen blauen Pferde, 1911 (Walker Art Center, Minneapolis), ist ein Höhepunkt. Mehr noch als bei Marc, der vor hundert Jahren, am 4. März 1916, den Tod auf dem Schlachtfeld bei Verdun fand, hat man bei dem schon am Anfang des 1. Weltkrieges gefallenen August Macke das Gefühl des Unvollendeten, wenn man sein Oeuvre betrachtet. Seine Werke sind der Versuch, abstrakte Farbkomposition mit Figuration in Verbindung zu bringen. Im Unterschied zu den anderen Künstlern um den Blauen Reiter schildert er Szenen des modernen Lebens, die durch kubistische Farbstrukturen mehransichtig erscheinen. Ein Saal in der Ausstellung ist hauptsächlich seinen Bildern gewidmet, darunter lange nicht mehr ausgestellte Werke, die das Potential dieses Künstlers zeigen, der zudem im Almanach Der Blaue Reiter mit dem Text „Masken“ einen der besten Beiträge dort verfasst hat. Werke von Robert Delaunay, Heinrich Campendonk, dem Komponisten und Maler Arnold Schönberg und David Burljuk runden die Auswahl der Künstler ab. His works are an attempt to combine abstract color compositions with figurativeness. Unlike the other artists connected with Der Blaue Reiter, Macke portrays scenes from modern life that can be read in different ways thanks to their Cubist color structures. One room in the exhibition is devoted mainly to his paintings, including works that have not been exhibited for many years and that show the potential of this artist, whose text “Masks” was also one of the best contributions to Der Blaue Reiter Almanac. Works by Robert Delaunay, Heinrich Campendonk, the composer and painter Arnold Schönberg, and David Burljuk round off the selection of artists.

photo du haut - Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913, Huile sur toile, 200 x 300 cm Galerie d’État Tretiakov, Moscou, © Galerie d’État Tretiakov photo du milieu - Wassily Kandinsky - Fugue, 1914, Huile sur toile, 129,5 x 129,5 cm Fondation Beyeler, Riehen/Bâle, Collection Beyeler, © Robert Bayer, Basel photo du bas - Wassily Kandinsky - Paysage sous la pluie, 1913, Huile sur toile, 70,2 x 78,1 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection rivierart

Une salle centrale sera consacrée à l’Almanach Der Blaue Reiter qui, soucieux de créer une nouvelle vision du monde, illustre à l’aide de nombreuses reproductions les synergies entre musique et arts visuels, constituant ainsi une forme d’oeuvre d’art totale. Une installation particulière présentera un choix de combinaisons d’images juxtaposant reproductions de l’Almanach et originaux. Le terme chronologique de cette exposition coïncide avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914, qui marqua la fin de la collaboration du groupe. La catastrophe à venir s’annonce particulièrement dans l’oeuvre de Franz Marc. Sa toile de relativement grand format Die Wölfe (Balkankrieg) - « Les loups (guerre des Balkans)» - 1913, (Buffalo, Albright-Knox-Gallery), qui fait allusion à la situation politique des Balkans dont l’escalade a entraîné le déclenchement de la Première Guerre mondiale, montre des loups s’approchant, l’échine basse, d’animaux endormis tandis que les fleurs paraissent flétrir à leur passage: un paysage d’apocalypse. Le visiteur a l’occasion de redécouvrir littéralement le Blaue Reiter, car de nombreuses oeuvres exposées n’ont plus été présentées en public depuis longtemps Ein zentraler Raum wird dem Almanach Der Blaue Reiter gewidmet sein, der mit dem Ziel, eine neue Weltsicht zu schaffen, durch zahlreiche Abbildungen die Synergien von musikalischen und bildenden Künsten veranschaulicht und somit eine Art Gesamtkunstwerk ist. In einer besonderen Installation werden ausgewählte Bildkombinationen dargestellt werden, indem die Reproduktionen im Almanach mit den Originalen konfrontiert werden. Zeitlich begrenzt wird die Schau durch den Ausbruch des Ersten Weltkrieges 1914, der das Ende der Zusammenarbeit der Gruppe markierte. Vor allem im Werk von Franz Marc deutet sich die kommende Katastrophe an. Marcs relativ grossformatiges Gemälde Die Wölfe (Balkankrieg), 1913 (Buffalo, Albright-Knox-Gallery), in dem auf die politische Situation im Balkan angespielt wird, deren Eskalation zum 1.Weltkrieg führte, zeigt Wölfe, die sich geduckt schlafenden Tieren nähern, während Blumen unter ihnen zu verwelken scheinen: Eine apokalyptische Landschaft. Der Besucher hat die Chance den Blauen Reiter neu zu entdecken, denn viele der gezeigten Werke waren schon lange nicht mehr öffentlich zu sehen A central room will be devoted to Der Blaue Reiter Almanac which, with its goal of creating a new world view, illustrates the synergies between music and the visual arts through a large number of illustrations, thereby resembling a kind of total work of art (Gesamtkunstwerk). Selected pictorial combinations will be displayed in a special installation, where reproductions from the Almanac will be juxtaposed with the originals. The exhibition’s time frame will end with the outbreak of the First World War in 1914, which marked the end of the group’s collaboration. The impending catastrophe is particularly foreshadowed in the work of Franz Marc. His relatively large-format painting The Wolves (Balkan War), 1913 (Buffalo, Albright-Knox Art Gallery), which alludes to the political situation in the Balkans that escalated into the First World War, shows wolves approaching curled-up, sleeping animals, while flowers below them seem to be wilting: An apocalyptic landscape. Visitors will be given an opportunity to rediscover Der Blaue Reiter insofar as many of the works being shown have not been seen in public for many years: photo du haut - Wassily Kandinsky - La Montagne bleue, 1908 / 09, Huile sur toile, 106 x 96,6 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, donation photo du bas - Wassily Kandinsky et Franz Marc (Hrsg.), Almanach Der Blaue Reiter, Munich, 1914, 29,5 x 23 x 2,5 cm, ahlers collection, © Thomas Ganzenmüller, Hannover

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Sergio Aiello Sergio Aiello expose du 4 novembre au 30 décembre 2016 à la Galerie Arts et Bijoux, Avenue des Alpes 56, 1820 Montreux. contact galerie - 0219630925 artsbijoux.nbruno@gmail.com www.lagaleriemontreux.ch contacte artiste - +(39) (0) 124 658656 http://digilander.libero.it/artsergio/ bluarte2000@yahoo.it Studio: Via San Firmino 6 , Pertusio (TO) 10080 Italia

photo du haut - guardando il cielo - en regardant le ciel, acrylique sur toile, 96 x 96cm photo du bas - guardando il cielo - en regardant le ciel, technique mixte sur toile, 100 x 70 cm

De même que lors de sa dernière exposition personnelle « Interno-intorno » à Finalborgo en Italie, dans les peintures exposées…l’espace réel et imaginaire se succèdent toile après toile. Sergio Aiello procède par synthèse, par concentration, couche après couche, à la poursuite de l’essentiel. Dans leur minimalisme pictural se cache un monde à découvrir. Un processus de sublimation, exécuté sur un fil tendu dans le vide tel un acrobate.

Wie in seiner letzten Ausstellung „Internointorno“ in Finalborgo (Italien), reiht sich in den ausgestellten Gemälden…der reale und der erdachte Raum aneinander. Sergio Aiello geht mittels Synthese, Konzentration, Schicht für Schicht auf die Suche nach der Essenz. In deren bildnerischem Minimalismus eine Welt zu entdecken ist. Ein Sublimationsvorgang, ausgeführt auf einem freischwebenden Faden, wie ein Akrobat.

Just like during his last solo exhibition “Internointorno” in Finalborgo Italy, the real and imaginary space in the artist’s work is passed from painting to painting. Sergio Aiello proceeds with synthesis and concentration, layer after layer, in pursuit of the essential. In their pictorial minimalism hides a world to be discovered. A process of sublimation, executed on a tightly stretched wire across empty space like an acrobat.

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montreux art gallery 12ème édition du 9 au 13 novembre 2016 montreux - SWITZERLAND La 12ème édition de MAG qui se tiendra du 9 au 13 novembre 2016 permettra à un public nombreux de découvrir plus de 150 exposants nationaux et internationaux. Les visiteurs auront ainsi l’occasion de découvrir des styles, des influences et des techniques différentes et variées dans le domaine de la peinture, de la sculpture et bien sûr de la photographie, avec cette année la présence de Vincent Munier, photographe réputé, spécialisé dans les prises de vue des espèces animales menacées dans des paysages enneigés. Enfin, pour rendre hommage à Jean Tinguely, qui nous a quittés il y a 25 ans, MAG présentera la plus grande exposition d’art cinétique de Suisse, regroupant plus de 15 artistes cinétiques internationaux.

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Die 12. Ausgabe der MAG, die vom 9. bis zum 13. November stattfindet, wird einem breiten Publikum die Möglichkeit bieten, mehr als 150 nationale und internationale Aussteller zu entdecken. Den Besuchern werden verschiedene Style, Einflüsse und Techniken der Malerei, Skulptur und natürlich der Fotografie vorgestellt. Wir dürfen dieses Jahr auf die Anwesenheit des berühmten Fotografen Vincent Munier zählen, der sich auf die Aufnahmen von bedrohten Tierarten in Schneelandschaften spezialisiert hat. Schliesslich, in Erinnerung an Jean Tinguely, der vor 25 Jahren verstarb, wird MAG die grösste Ausstellung kinetischer Kunst der Schweiz zeigen, die mehr als 15 international bekannte Künstler umfasst.

The 12th edition of the MAG, which will be held from the 9th to the 13th of November, will introduce its many visitors to more than 150 national and international exhibitors. Visitors will have the opportunity to discover various styles, influences and techniques in the field of painting, sculpture and photography. This year, the special visit of Vincent Munier, famous photographer and specialised artist in the photographing of endangered animal species in winter conditions, will be a must to see. Finally, in honour of Jean Tinguely, who passed away twenty-five years ago, MAG will be presenting the biggest exhibition of kinetic arts ever held in Switzerland.

Ces œuvres en mouvement, parfois monumentales, seront installées dans un espace de plus de 1000m2 ainsi qu’en extérieur, aux abords du Centre des Congrès de Montreux (2M2C) permettant ainsi aux visiteurs de découvrir des créations artistiques surprenantes, dynamiques et animées. Cette exposition thématique se poursuivra exceptionnellement jusqu’au 20 Novembre 2016. Diese beweglichen Meisterstücke, teilweise von monumentaler Grösse, werden auf mehr als 1000 m2 Fläche sowie ausserhalb des Kongresszentrums von Montreux (2M2C) vorgestellt. Die Besucher werden die Möglichkeit haben, diese erstaunlichen, dynamischen und beweglichen Werke zu entdecken. Ausnahmsweise wird diese thematische Ausstellung um eine weitere Woche bis zum 20. November 2016 verlängert. The exhibition will include more than fifteen kinetic artists of international fame. These moving Masterpieces, often of monumental dimensions, will be installed across an inside space of more than 1000 m2 as well as outside near the Congress Centre of Montreux (2M2C). Visitors will be able to discover these surprising, dynamic and animated artistic creations. This special thematic exhibition will run until the 20th of November.

photo page de gauche - Vincent Munier - Deux ours, photographie, ©Vincent Munier photo page de droite - Willi Reiche - Spy n Spy, sculpture cinétique, ©Willi Reiche

programme du mag 2016 et horaires d’ouverture mercredi 9 novembre dès 17H30 - vernissage officiel

Heures d’ouvertures

jeudi 10 novembre dès 18H30 - soirée de l’économie - soirée privée sur réservation permettant la rencontre entre le tissu économique régional et le monde artistique

Mercredi 9 nov -

17h à 23h30

Jeudi 10 nov -

10h à 23h (+ soirée privée)

Vendredi 11 nov -

10h à 23h30

Samedi 12 nov -

10h à 20h30

Dimanche 13 nov -

10h à 20h

vendredi 11 novembre matin et après-midi - journée des écoles de la Riviera et dès 18h vernissage des artistes et des galeristes samedi 12 novembre - journée de l’hôte d’honneur dimanche 13 novembre - journée « take your time » pour une visite entre amis ou en famille Du lundi 14 au dimanche 20 novembre - prolongation de l’exposition «Hommage à Jean Tinguely»

lieu - Montreux Music & Convention Centre - Avenue Claude Nobs 5 - CH 1820 Montreux pour plus d’informations - für weitere informationen for more information www.mag-swiss.com

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1ER AU 5 DÉCEMBRE 2016 BILLETTERIE ET PROGRAMMATION SUR MONTREUXCOMEDY.COM ET rivierart

musée olympique Stades d’hier à demain jusqu’au 7 mai 2017 LAUSANNE - SWITZERLAND L’exposition aborde le stade à travers les relations qu’il entretient, d’une part avec la ville dans laquelle il s’inscrit, d’autre part avec les différents protagonistes impliqués. Il s’agit d’observer le rôle et l’impact du stade dans sa globalité et non pas uniquement du point de vue architectural. Une exposition en trois parties Le premier espace retrace brièvement la longue histoire du stade depuis l’Antiquité, en partant de ses fonctions de base: circonscrire l’espace d’une compétition sportive et réunir un public passionné. La partie centrale se focalise sur les Jeux Olympiques de Londres 2012, pour montrer qu’un stade ne se construit pas uniquement pour les 16 jours de compétition, mais que c’est un projet qui court sur plus de 30 ans. Le développement durable et l’héritage en sont les maître-mots.

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Die Ausstellung geht auf das Stadion und die Beziehungen ein, die es unterhält, einerseits mit der Stadt, in der es sich befindet und andererseits mit den beteiligten Akteuren. Es geht darum, die Rolle und den Einfluss des Stadions als Ganzes zu betrachten und nicht nur aus architektonischer Sicht. Eine Ausstellung in drei Teilen Der erste Raum schildert kurz die lange Geschichte des Stadions vom Altertum bis in die Moderne, von seinen Grundfunktionen ausgehend: den Raum eines Sportwettkampfes zu umgrenzen und ein leidenschaftliches Publikum zu versammeln. Der Hauptteil konzentriert sich auf die Olympischen Spiele von London 2012, um zu zeigen, dass ein Stadion nicht nur für die 16 Tage des Wettkampfs gebaut wird, sondern ein Projekt ist, das auf mehr als 30 Jahre ausgelegt ist.

The exhibition addresses the stadium through the relationship it maintains, both with the city in which it stands, and with the various protagonists involved. We are attempting to observe the role and impact of the stadium as a whole, not only from an architectural point of view. An exhibition in three parts The first zone briefly retraces the long history of stadiums since Antiquity, starting with their basic functions: to delimit the area of a sports competition and bring together an enthusiastic audience. The central part is focused on the Olympic Games London 2012, to show that a stadium is not only built for the 16 days of competition, but is also a project that runs for more than 30 years. Sustainable development and legacy are the key words here.

photo page de gauche - JO Beijing 2008 ©olympic-international-committee (CIO) photos page de droite - en haut à gauche- JO Athens 1896, Marathon Men , General view of the Panathenaic stadium - en haut à droite - JO Munich 1972, Opening Ceremony, Parade of athletes, Korea (KOR), ©olympic-international-committee (CIO) - en bas à gauche - JO Seoul 1988, Venues and sports facilities, ©olympic-international-committee (CIO) - en bas à droite - JO Berlin 1936, Opening Ceremony, The Olympic Stadium, ©olympic-international-committee (CIO)

Les éditions des Jeux de Sydney 2000, Athènes 2004, Beijing 2008 et Rio 2016 seront examinées pour voir ce qu’il est advenu de l’héritage olympique ou ce qu’il en adviendra. La dernière partie est tournée vers l’avenir. Elle s’intéresse aux stades utopiques qui verront peut-être le jour, à l’image de l’Olympie moderne rêvée par Pierre de Coubertin devenue en partie réalité. Le stade ce n’est donc pas qu’une affaire technique pour les experts, architectes et ingénieurs! C’est toute une histoire, une histoire d’hommes, vivante, sportive et festive. Dabei sind nachhaltige Entwicklung und Erbe das Wichtigste. Die Ausgaben der Spiele von Sydney 2000, Athen 2004, Peking 2008 und Rio 2016 werden geprüft, um zu sehen, was mit dem olympischen Erbe geschehen ist oder was geschehen wird. Der letzte Teil ist auf die Zukunft gerichtet. Er interessiert sich für utopische Stadien, die vielleicht eines Tages, getreu des von Pierre de Coubertin erdachten modernen Olympias, Teil unserer Realität werden. Das Stadion ist also nicht nur eine technische Sache für Experten, Architekten und Ingenieure! Es ist eine Geschichte, eine menschliche, lebendig, sportlich und feierlich.

Avec passion et avec vous.

Chaque année, la BCV soutient plus de 800 événements dans le canton.

CRÉER

The Sydney 2000, Athens 2004, Beijing 2008 and Rio 2016 editions of the Games will be examined to see what has become of the Olympic legacy, or what will become of it. The last part is focused on the future. It looks at utopian stadiums which will perhaps be built one day, like the modern Olympia dreamed up by Pierre de Coubertin, which has partly become reality. The stadium is therefore not only a technical affair for experts, architects and engineers! It’s a whole story, a story about people that is alive, sporting and festive. Ça crée des liens

musée olympique cONTACT ET HORAIRES en PAGE 47

www.olympic.org/musee

www.bcv.ch/sponsoring rivierart

cacy « No walk, no work » du 24 septembre au 4 décembre 2016 yverdon-les-bains - SWITZERLAND « No walk, no work », assénait l’artiste britannique Hamish Fulton qui parcourt le monde à pied depuis les années 1970, s’adonnant à des « marches artistiques » qu’il vit comme autant de performances solitaires. Tout comme lui, nombre d’artistes font de la mobilité un ferment cardinal de leur œuvre, convenant que le fait artistique ne saurait être cantonné à un travail d’atelier. Le déplacement, le mouvement, le voyage, la course comme essence. Avec sérieux, avec humour, avec détermination. « Sachez que c’est à cette multitude de petites choses que tient l’illusion ; il y a bien de la difficulté à les imaginer, il y en a bien plus encore à les rendre.

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„No walk, no work“ teilte der britische Künstler Hamish Fulton aus, der seit den 1970er Jahren die Welt zu Fuss durchläuft, sich den „künstlerischen Schritten“ hingebend, die er als lauter Einzelleistungen erlebt. So wie er, machen viele Künstler die Beweglichkeit zum Grundelement ihres Werkes, davon überzeugt, dass sich das künstlerische Schaffen nicht auf die Arbeit im Atelier beschränkt. Die Verlagerung, die Bewegung, die Reise, der Weg als Kern. Mit Ernst, mit Humor, mit Entschlossenheit. „Wisst, es ist die Menge kleiner Dinge, die die Illusion erhält; es ist schwierig, sich diese vorzustellen und noch schwieriger, sie zurückzugeben.

“No walk, no work” is the motto of British artist Hamish Fulton who has traveled the world on foot since the 1970s, devoting himself to “artistic walks” each of which he experiences as a discrete performance. Just like this artist, many others have made mobility a cardinal element of their work, in accord of the fact that that artistic expression cannot be limited to studio creations. Translocation, movement, travel, the path is core. With seriousness, humor and determination. “Know that it takes a multitude of little things to keep an illusion; it is difficult to imagine these, and even harder to render them.

Le geste est quelques fois aussi sublime que le mot, et puis ce sont toutes ces vérités de détail qui préparent l’âme aux impressions fortes des grands événements. » (Eloge de Richardson, Diderot). Die Geste ist manchmal so überwältigend wie das Wort, und es sind all diese Einzelwahrheiten, die die Seele auf die starken Eindrücke der grossen Ereignisse vorbereitet.“ (Lobrede auf Richardson, Diderot) Movement is sometimes as sublime as words, it is the finesse in the detail that prepares the soul for the strong impressions of big events. “(Accolade for Richardson, Diderot). photo page de gauche - Hürzeler Luzia, Installation view, Istituto Svizzero di Roma photo page de droite - Hürzeler Luzia , Video still, L’occhio del Pantheon

artistes - künstler - artistes: Neal Beggs, Jérémy Chevalier, Virginie Delannoy, Foofwa d’Imobilité, Massimo Furlan, Mario Garcia Torres, Charlotte Guinot-Bacot, Luzia Hürzeler, Vincent Lamouroux, Jérôme Leuba, Beat Lippert, Camille Llobet, Li Ming, Gianni Motti, Jean-Christophe Norman, Dominique Page, Régis Perray, Elodie Pong, Anne Rochat, Roman Signer, Julia Soerensen, Andy Storchenegger, Paul Viaccoz, Raphaël Zarka Goûter à l’art en 30 minutes - Visite éclair à l’heure du repas de midi - les mercredis 2 - 9 - 16 - 23 - 30 novembre de 12h15 à 12h45 - Sans inscription, gratuit

Visite commentée tout public avec l’artiste Virginie Delannoy - jeudi 17 novembre de 18h00 à 19h00

Marché de petits - les samedis 5 novembre et 3 décembre de 11h15 à 12h00 - Pour les 4-9 ans accompagnés de leurs parents, Sans inscription, gratuit

Finissage de l’exposition - dimanche 4 décembre - présence des artistes - brunch dès 11h15, performance de chant-lecture et lecture par Mathias Velati à 10h30 - visite commentée de l’exposition par Karine Tissot à 13h15

L’art de voir – l’art de lire - jeudi 10 novembre de 15h15 à 15h45 - Sans inscription, gratuit Exposition des portraits des syndics dans la salle des pas perdus - jeudi 17 novembre de 12h00 à 14h00

Y N B T

O I O H

Nocturne - vendredi 2 décembre de 18h00 à 21h00

plus d’informations sur : www.centre-art-yverdon.ch cONTACT et HORAIRES en PAGE 47

H E I S H I M U R A O K O F E D E A D

musée suisse de la céramique et du verre

swiss museum for ceramics and glass

ouvert tous les jours de 10 à 18 heures fermé le lundi

Fang Lijun— Espaces interditS DU 11 NOVEMBRE 2016 AU 2 AVRIL 2017

Du 10 novembre au 4 décembre 2016 Vernissage : le lundi 7 novembre dès 18h00 Ouverture : jeudi et vendredi de 14h00 à 18h30, samedi et dimanche de 13h00 à 18h00 Rue de la Byronne 20, 1800 Vevey www.einzweidrei.info/emergency E M E R G E N C Y.

Un musée Ville de Genève www.ariana-geneve.ch

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cabinet d’arts graphiques Gérald Cramer et ses artistes: Chagall, Miró, Moore jusqu’au 29 janvier 2017 genève - SWITZERLAND Après avoir commencé sa carrière comme libraire, Gérald Cramer (1916-1991) devient rapidement un galeriste visionnaire et l’un des éditeurs les plus importants de la deuxième moitié du XXème siècle. À la recherche du livre parfait, il s’investit totalement dans ses éditions, soutenant les artistes, leur donnant parfois des idées et devenant un facilitateur qui aménage des espaces propices à leur évolution. Même s’il reste dans l’ombre, Gérald Cramer est souvent à l’origine d’un livre, d’une série d’estampes ou d’objets. Son centième anniversaire est une bonne opportunité de montrer la variété de ses engagements, sa passion, mais aussi de revenir sur des moments plus intimes avec les artistes qu’il a soutenus. Ainsi, l’exposition présente non seulement des oeuvres qu’il a éditées, mais aussi des photos privées et des oeuvres de sa collection ou dédicacées par de grands artistes comme Joan Miró, Marc Chagall, Henry Moore, Alexander Calder ou Pablo Picasso, en témoignage de leur profonde amitié.

Nach Anfängen als Buchhändler wurde Gérald Cramer (1916-1991) rasch zu einem visionären Galeristen und einem der wichtigsten Verleger der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Auf der Suche nach dem vollkommenen Buch setzte er sich mit allen Kräften für seine Editionen ein, indem er die Künstler unterstützte, zu Projekten anregte und ihnen als Vermittler für ihre Entwicklung geeignete Räume zur Verfügung stellte. Selbst wenn er im Hintergrund tätig war, regte er häufig ein Buch, eine Druckgrakfolge oder eine Objektserie an. Sein 100. Geburtstag ist eine gute Gelegenheit, die Vielfalt seiner Engagements und Passionen zu zeigen, aber auch intimere, mit den von ihm unterstützten Künstlern geteilte Momente in Erinnerung zu rufen. So präsentiert die Ausstellung nicht nur von ihm edierte Werke, sondern auch private Fotografien, Stücke aus seiner Sammlung und Arbeiten, die ihm von bedeutenden Künstlern wie Joan Miró, Marc Chagall, Henry Moore, Alexander Calder oder Pablo Picasso als Zeichen ihrer tiefen Freundschaft gewidmet wurden.

Gérald Cramer (1916-1991) begun his career as a bookseller and became rapidly a visionary gallery owner and one of the most important art book publishers of the second half of the 20th century. In the quest for the perfect book, he devoted himself totally to his publications by supporting the artists, providing them with ideas and becoming a facilitator who arranged work spaces conducive to their development. Even if he remained always in the background, Cramer often initiated a book, an object or a series of prints. His hundredth birthday anniversary provides an appropriate opportunity to present the wide range of his commitments and his passion, as well as looking at some more intimate moments with the artists he helped. Thus, the exhibition will show not only some of the books he published, but also private photos and works from his collection, often dedicated by great artists such as Joan Miró, Marc Chagall, Henry Moore, Alexander Calder or Pablo Picasso as testimonials to their deep friendship.

Josep Llorens Artigas, Gérald Cramer et Joan Miró : premier contact de l’éditeur avec l’artiste, Exposition à la Galerie Gérald Cramer « Henri Moore : sculptures, estampes, dessins », décembre 1962 – janvier 1963 Barcelone printemps, 1948 © BGE, Arch. Gérald Cramer Photo 24 © BGE, Arch. Gérald Cramer Photo 201

Nathalie Perez, Marilyn Monroe, 1984, Crayon noir sur papier, (black pencil on paper), 29 x 19,5 cm. Photo : Giuseppe Pocetti, Atelier de numérisation – Ville de Lausanne, Collection de l’Art Brut, Lausanne

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Jean-Pierre Magnin Exposition à la Galerie 3 Soleils à Epesses du 22 octobre au 13 novembre 2016 Horaires d’ouverture - du jeudi au dimanche de 14h00 à 18h00 et sur rendez-vous www.jpmagnin.ch jpmagnin63@gmail.com

Originaire de Blonay, Jean-Pierre Magnin réside à Lutry depuis son enfance. A la fois moderne et lumineuse, sa peinture à l’huile se singularise par une touche franche et lisse et par un découpage subtil de l’espace du ciel et du lac. Ses toiles de couleurs fraîches et chaleureuses vous parlent à l’âme et au coeur. Der aus Blonay stammende Jean-Pierre Magnin wohnt seit seiner Kindheit in Lutry. Seine Ölmalerei, die gleichzeitig modern und leuchtend ist, besticht durch eine freie und glatte Pinselführung und eine feinsinnige Aufteilung des Himmels und des Sees. Mit ihren frischen und warmen Farben sprechen seine Gemälde Ihre Seele und Ihr Herz an. A native of Blonay, Jean-Pierre Magnin has resided in Lutry since his childhood. At the same time both modern and bright, his oil paintings distinguish themselves by their frank and smooth touch, as well as by a subtle division of space between sky and lake. His fresh and warm colored paintings speak to the soul and the heart.

photo du haut - Soleil en Lavaux, huile sur toile, 48 x 80 cm photo du milieu - Balcon sur le léman, Huile sur toile, 50 x 40 cm photo du bas - Les hauts de Lutry, huile sur toile, 50 x 70 cm rivierart

Kunstmuseum Bern Liechtenstein. Les Collections Princières du 12 novembre 2016 au 19 mars 2017 « Ce qui reste ». Le monde de Cesare Lucchini jusqu’au 8 janvier 2017 Bern - SWITZERLAND De Raphaël à Rubens dévoile les trésors de la collection des Princes de Liechtenstein, l’une des plus belles collections privées au monde. Cette exposition, la première à ouvrir les portes de la collection en Suisse, retracera l’histoire des politiques d’acquisition des Princes de Liechtenstein depuis plusieurs siècles.

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Eine der schönsten und bedeutendsten Privatsammlungen der Welt öffnet für einige Monate ihre Schatzkammern in einer Ausstellung, wie sie bislang in der Schweiz nicht zu sehen war: In einer gross angelegten Präsentation widmet sich das Kunstmuseum Bern der jahrhundertealten Sammlungspolitik der Fürsten von Liechtenstein.

The treasures of one of the world’s most outstanding and splendid private collections are opening to the public in an exhibition that has hitherto not seen its equal in Switzerland. In a grand-scale presentation, the Kunstmuseum Bern is investigating the collection policy of the Princes of Liechtenstein over many centuries.

photo page de gauche - Pieter Brueghel d. J. (1564–1638), nach Pieter Brueghel d. Ä. (1520–1569), Die Volkszählung in Bethlehem, 1607, Öl auf Holz, 123 x 170 cm, LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna photo page de droite, en haut à gauche - Friedrich von Amerling (1803–1887), Mädchen mit Strohhut, 1835, Öl auf Leinwand, 58 × 46 cm, LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna photo page de droite, en haut à droite - Friedrich von Amerling (1803–1887), Porträt der Prinzessin Marie Franziska von Liechtenstein, (1834–1909) im Alter von zwei Jahren, 1836, Öl auf Karton, 33,3 x 26,7 cm, LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna

Le Musée des Beaux-Arts de Berne souhaite ainsi donner accès à un univers inhabituel et prestigieux tel qu’il n’en existe pas en Suisse, puisque notre pays ne possède pas de « collection de cour » et que le patrimoine y est réparti entre les différents cantons et institutions qui développent des stratégies de collection indépendantes. Les collections princières du Liechtenstein recèlent des chefs-d’œuvre de l’art européen d’une qualité exceptionnelle sur plus de cinq siècles. L’histoire multiséculaire de la collection, ses protagonistes et les différentes fonctions qui lui furent assignées au fil du temps, les lieux où elle fut exposée et les conceptions qui présidèrent à sa mise en valeur, tels seront les fils conducteurs du parcours de l’exposition organisé autour des points forts de la collection. On pourra notamment y admirer des œuvres majeures de Pierre Paul Rubens sur des thèmes mythologiques, des scènes d’intérieur d’Adriaen van Ostade, des paysages de Pieter Brueghel le Jeune, des œuvres de Jacob Jordaens et d’Antoine van Dyck sur des thèmes religieux, des portraits de Raphaël et du Tintoret, ainsi que des tapisseries d’une beauté saisissante, des présentations de pièces d’artisanat d‘art et des sculptures de petit format.

Mit der Ausstellung wird das Tor in eine aussergewöhnliche und glanzvolle Welt aufgestossen, wie sie in der Schweiz nicht zu finden ist. Hier gibt es keine vergleichbare „höfische Sammlung“ - vielmehr ist das Kulturgut hierzulande auf verschiedene Kantone und Institutionen mit jeweils eigener Sammlungsstrategie verteilt. Die Fürstlichen Sammlungen umfassen Meisterwerke europäischer Kunst aus fünf Jahrhunderten von höchster Qualität, die durch eine aktive Ankaufspolitik auch heute noch stetig ergänzt werden. Die mehr als vierhundert Jahre zurück reichende Sammlungsgeschichte, verbunden mit den sich wandelnden Funktionen, Besitzverhältnissen, Präsentationsorten und -konzepten der Sammlung wird in der Ausstellung anschaulich vermittelt. Auf einem Rundgang durch 18 thematisch angelegte Räume präsentieren sich dem Besucher verschiedene Sammlungsschwerpunkte der Fürsten, von der Gotik und Frührenaissance über die Barockzeit bis hin zum Biedermeier. Zu sehen sind unter anderem bedeutende Arbeiten von Peter Paul Rubens zu mythologischen Themen, Interieur-Szenen von Adriaen van Ostade, Landschaften von Pieter Brueghel d. J., Werke von Jacques Jordaens und Anthonis van Dyck zu religiösen Themen, Portraits von Raphael und Tintoretto, wie auch atemberaubende Tapisserien, Kleinskulpturen und kunsthandwerkliche Arbeiten.

The exhibition opens up insights into an exceptional and illustrious world that has no equal in Switzerland. We have no equivalent of a “royal collection” here. Rather the nation’s cultural assets are distributed among various cantons and institutions, each pursuing its individual strategies of collecting. The Princely Collections comprise masterpieces of European art of exceptional quality spanning five centuries, and still today these holdings are being constantly augmented with new acquisitions. The exhibition will be palpably illustrating a collecting history that goes back over four hundred years, a collecting history that is connected to changes in objectives, ownership issues, as well as in presentation concepts and sites. Our visitors will find on their tour of the show - as they proceed through the 18 rooms, each with a separate thematic focus - presentations addressing the individual collecting interests of the various princes, from the Gothic period through the Early Renaissance to the Baroque and Biedermeier periods. Among other major artworks, there will be paintings by Peter Paul Rubens of mythological subjects, interior scenes by Adriaen van Ostade, landscapes by Pieter Brueghel the Younger, religious subjects depicted by Jacques Jordaens and Anthony van Dyck, portraits by Raphael and Tintoretto, breathtaking tapestries, as well as small-format sculptures and handcrafted pieces. rivierart

Déployée sur deux étages du musée, l’exposition réunira un choix d’œuvres emblématiques des immenses trésors du Prince de Liechtenstein. La scénographie de l’exposition se propose d’immerger les œuvres dans une atmosphère destinée à mettre plus particulièrement en valeur un certain nombre de chefs-d’œuvre, et par là-même à exalter le culte du bel objet, mais néanmoins à nourrir une vision d’ensemble qui rende compte de la singularité de cette collection de famille unique en son genre.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern, die über zwei Ausstellungsgeschosse führt, bietet damit einen repräsentativen Querschnitt durch die immensen Schätze des regierenden Fürsten, Hans-Adam II. von und zu Liechtenstein, von ihren Anfängen bis zur Gegenwart. Das Ausstellungskonzept ermöglicht die Einbettung der Sammlungsstücke in ein besonderes Ambiente. Einzelne Werke sind in den Mittelpunkt gerückt und zelebrieren den Kult des schönen Objektes. Gleichzeitig bleibt der Charakter dieser einzigartigen Familiensammlung in thematisch angelegten Räumen erhalten.

The presentation at the Kunstmuseum Bern is spread over two levels of the museum’s space, providing a representative cross-section of the immense treasure of Hans-Adam II von und zu Liechtenstein, the ruling Prince of Liechtenstein. It covers the collections from their very beginnings through to the present. The exhibition concept made it possible for us to present the collection items in a special environment. Individual works of art are highlighted and celebrate the cult of objects of beauty. At the same time, the character of this family dynasty’s unique collection remains intact in the themed exhibition rooms.

kunstmuseum bern Liechtenstein Les Collections Princières - du 12 novembre 2016 au 19 mars 2017 LIECHTENSTEIN. Die Fürstlichen Sammlungen - vom 12 november 2016 bis 19. märz 2017 LIECHTENSTEIN. The Princely Collections - from november 12th, 2016 to march 19th, 2017 « Ce qui reste ». Le monde de Cesare Lucchini - du 23 septembre 2016 au 8 janvier 2017 „Was bleibt.“ Die Welt des Cesare Lucchini - vom 23. september 2016 BIS 8. januar 2017 “What Remains”. The World of Cesare Lucchini - from september 23rd, 2016 to january 8th, 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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www.kunstmuseumbern.ch

photo page de gauche - Giovanni Antonio Canal, gen. «Il Canaletto», (1697–1768), Ansicht der Mündung des Canale di Cannaregio in den Canal Grande mit dem Palazzo Labia, dem Campanile von S. Geremia und dem Ponte delle Guglie, 1734/42, Öl auf Leinwand, 46 x 63 cm, LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna photo page de droite, en haut à gauche - Domenico Guidi (1625–1701), Büste der Maria Annunciata, um 1670, Marmor, Sockel aus rotem Kalkstein, 89 cm, (ohne Sockel), LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna photo page de droite, en haut à droite - Anthonis van Dyck (1599–1641), Porträt der Maria de Tassis (1611–1638), um 1629/30, Öl auf Leinwand, 129 × 93 cm, LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna

« Ce qui reste ». Le monde de Cesare Lucchini

„Was bleibt.“ Die Welt des Cesare Lucchini

“What Remains”. The World of Cesare Lucchini

L’artiste tessinois Cesare Lucchini (né en 1941) fit ses études à Milan, à l’Académie de Brera, au milieu des années 1960. Il demeura à Milan jusqu’en 1988, puis il eut longtemps des ateliers à Dusseldorf et à Cologne et s’établit pour finir à Lugano où il vit et travaille aujourd’hui. Des galeries d’art contemporain représentent l’artiste depuis plusieurs décennies en Suisse et à l’étranger et promeuvent ses travaux auprès de collections privées et de musées de premier plan, ainsi donc auprès du Musée des Beaux-Arts de Berne. Deux expositions dans des institutions publiques, en 1992, à la Casa Rusca de Locarno, et en 2008, aux Kunstsammlungen de Chemnitz, offrirent un aperçu de son œuvre foisonnante mais amplement méconnue du public. L’exposition présentée au Musée des Beaux-Arts de Berne sera la première à s’intéresser à l’ensemble de l’œuvre qu’elle replacera par ailleurs dans le mouvement pictural international de la seconde moitié du XXème siècle.

Der Tessiner Künstler Cesare Lucchini (geb. 1941) studierte Mitte der 1960er Jahre an der Accademia di Brera in Mailand, wo er bis 1988 lebte und arbeitete. Danach hatte er für viele Jahre Ateliers in Düsseldorf und Köln, heute lebt und arbeitet er in Lugano. Auf Gegenwartskunst spezialisierte Galerien vertreten den Künstler seit Jahrzehnten im In- und Ausland und vermitteln Werke in bedeutende Privatsammlungen und Museen, so auch in das Kunstmuseum Bern. Zwei Ausstellungen in öffentlichen Institutionen, 1992 in der Casa Rusca in Locarno und 2008 in den Kunstsammlungen Chemnitz, gaben Einblicke in ein umfangreiches, der Öffentlichkeit jedoch in vielen Teilen verborgen gebliebenes Œuvre. Für die Ausstellung im Kunstmuseum Bern wird erstmals das ganze Schaffen des Künstlers aufgearbeitet und in der internationalen Malerei der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verortet.

The Ticinese artist Cesare Lucchini (born 1941) studied in the mid-1960s at the Accademia di Brera in Milan, where he lived and worked until 1988. Subsequently he lived for many years in Düsseldorf and Cologne, and today lives and works in Lugarno. For decades, galleries specializing in contemporary art represent this artist in Switzerland and internationally, serving as agents in the procurement of artworks for private collections and museums, and the Museum of Fine Arts, Berne, is among them. Two exhibitions that took place in public institutions, at Casa Rusca in Locarno in 1992 and at Kunstsammlungen Chemnitz in 2008, have provided insights into this artist’s extensive oeuvre, much of which, however, has remained hidden to the public eye. For the exhibition at the Museum of Fine Arts, Berne the artist’s entire oeuvre will be reviewed and its place and relevance in international painting over the latter half of the 20th century determined.

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Cesare Lucchini - Quel che rimane - Lampedusa, 2016 - Was bleibt – Lampedusa, Öl auf Leinwand, 192 x 328 cm, Besitz des Künstlers, © Cesare Lucchini

Cesare Lucchini apporte depuis les années 1960 une contribution internationalement reconnue à l’art expressionniste abstrait. Ses compositions sont animées de signes énigmatiques et de phénomènes diffus où la couleur joue le rôle de support sensible de la perception. Pour Lucchini, la pratique de la peinture a valeur de protocole expérimental et s’apparente à un processus de recherche. Chaque couche de peinture est l’occasion pour l’artiste d’une confrontation avec son Moi individuel et d’une exploration subjective de la réalité. Il s’en dégage un monde empreint d’une poésie fragile où se mêlent visions fugitives et questionnements irrépressibles. L’exposition retrace l’évolution de l’œuvre de Lucchini et présente ses cycles de peintures des deux dernières décennies, parmi lesquels Quasi una testa (Presque une tête), Qualcosa si muove (Quelque chose bouge) et la série plus récente Quello che rimane (Ce qui reste) qui a donné son titre à l’exposition. Se proposant d’examiner l’art de Lucchini à la lumière de l’art existentialiste, elle inclura notamment des sculptures d’Alberto Giacometti, Robert Müller et Hans Josephsohn.

Cesare Lucchini hat einen international beachteten Beitrag zur abstrakt-expressiven Kunst seit den 1960er Jahren geleistet. Seine Bildfindungen leben von rätselhaften Zeichen, angedeuteten Erscheinungen und der Farbe als sensiblen Empfindungsträger. Lucchini praktiziert Malerei als eine experimentelle Versuchsanordnung und einen Prozess der Suche. Zwischen den vielen Farbschichten konkretisieren sich seine Auseinandersetzung mit dem eigenen Ich und seine persönliche Erkundung der Wirklichkeit. Es ist eine Welt voller flüchtiger Visionen, drängender Fragen und zerbrechlicher Poesie. Die Ausstellung zeichnet die Entwicklung von Lucchinis Œuvre nach und stellt seine Werkzyklen der letzten zwei Jahrzehnte vor, die Titel tragen wie „Quasi una testa“ (Wie ein Kopf), „Qualcosa si muove“ (Etwas bewegt sich) oder, die jüngste Serie, „Quello che rimane“ (Was bleibt), die der Ausstellung ihren Titel gibt. Die Ausstellung wird Lucchinis Schaffen im Kontext der existenzialistischen Kunst diskutieren und integriert dafür Skulpturen unter anderem von Alberto Giacometti, Robert Müller und Hans Josephsohn.

Cesare Lucchini’s contribution to abstract-expressionist art since the 1960s is acknowledged and respected internationally. His imaginative compositions gain their vitality from enigmatic signs and characters, from phantom-like manifestations, and color as a sensitive and emotional medium. At a practical level, Lucchini views painting as an experimental trial setup and a searching process. His confrontation with self and his personal investigation of reality find their concretization between the many layers of paint. He depicts a frangible, poetic world packed with fleeting visions and pressing issues. The exhibition illustrates the development of Lucchini’s oeuvre and is mounting various series of his works that date from the last two decades, bearing titles such as Quasi una testa (Like a Head), Qualcosa si muove (Something is Moving) or, the most recent series, Quello che rimane (What Remains), the latter inspiring the museum title. The exhibition discusses Lucchini’s work in the context of existential art and, for this reason, integrates sculptures by Alberto Giacometti, Robert Müller, Hans Josephsohn, amongst others.

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Noël Hémon L’exposition «Petits formats 2016 : Lavaux, Lac et Montagnes» aura lieu du 4 au 13 Novembre 2016 à la Villa Megroz, Grand Pont 20, Lutry. Ouvert tous les jours de 14h00 à 19h00. Vernissage le vendredi 4 novembre dès 17h00 L’exposition de peintures à l’huile «Le Temps» aura lieu du 2 au 18 décembre 2016 à la Galerie Espace 52, Rue du Centre 52, 1025 St-Sulpice. Ouvert tous les jours de 14h00 à 19h00. Vernissage le jeudi 1er décembre dès 17h00 www.noelhemon.net noelhemon@gmail.com Crête du Weisshorn, 80 x 100 cm, huile sur lin Pour Noël Hémon la notion de temps au sens large revêt une signification particulièrement importante. Il s’inspire en effet du temps qu’il fait pour donner à ses paysages les teintes justes et profondes qui permettent au spectateur de prendre conscience du temps qui passe et surtout de prendre le temps dans un monde ou tout va de plus en plus vite, de s’arrêter et de s’imprégner de l’instant présent.

Für Noël Hémon ist der Begriff der Zeit im weitesten Sinne von besonderer Bedeutung. Er lässt sich vom Wetter inspirieren, um seinen Landschaften die angemessenen und tiefen Farbtöne zu geben, die es dem Betrachter ermöglichen, sich dem Vergehen der Zeit bewusst zu werden, und vor allem, in einer Zeit in der alles immer schneller geht, sich die Zeit zu nehmen, anzuhalten und sich der Gegenwart hinzugeben.

For Noël Hémon, the concept of time is particularly significant. He allows the passing weather to inspire him, imbuing his landscapes with just the right tints and deep hues which permit the viewer to remain aware of time passing and especially, of the need to take the time, in a world where things move faster and faster, to stop and savour the present.

L’Humain et l’Eau, 100 x 150 cm, huile sur lin

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Musée d’ethnographie Amazonie. Le chamane et la pensée de la forêt jusqu’au 8 janvier 2017 genève - SWITZERLAND le MEG conserve l’une des plus importantes collections ethnographiques amazoniennes d’Europe. L’exposition « Amazonie. Le chamane et la pensée de la forêt » est un témoignage sur l’histoire et le devenir des peuples autochtones qui, depuis l’arrivée des premiers colons sur leurs terres, survivent aux fronts pionniers, aux maladies exogènes, aux programmes de « pacification », de sédentarisation et autres évangélisations dont ils ont fait l’objet. Chatoyantes parures de plumes, sarbacanes, arcs et flèches au curare, objets usuels, instruments de musique, ou nécessaires pour la prise d’hallucinogènes utilisés par les chamanes, l’exposition présente près de 500 objets, photographies et films se déployant sur 1000 m2, autant de témoignages des cultures amérindiennes telles qu’elles ont été observées du 18ème au 21ème siècle. Une série de portraits de leaders indiens, qui luttent pour le respect des droits des peuples autochtones, ponctue le parcours, tout comme des photographiques d’archives ou contemporaines. La photo et la vidéo, mais aussi la citation, sonore ou retranscrite, permettent de multiplier les propos. L’exposition fait encore une fois la part belle à la musique grâce à une installation sonore qui plonge le public dans la pensée animiste de la forêt et du rituel.

Das MEG konserviert eine der bedeutendsten völkerkundlichen Amazonien-Sammlungen Europas. Die Ausstellung „Amazonien. Der Schamane und das Denken des Regenwaldes“ legt Zeugnis von der Geschichte und dem Schicksal der indigenen Völker ab, die seit Ankunft der ersten kolonialen Siedler die vordringende Waldnutzung, die eingeschleppten Krankheiten und die Programme zu ihrer „Befriedung“, Sesshaftmachung und Missionierung überleben. Auf 1000 m2 zeigt die Ausstellung an die 500 Objekte, Fotografien und Filme. Leuchtender Federschmuck, Blasrohre, Bogen und Giftpfeile mit Curare, Musikinstrumente, Gebrauchsgegenstände, aber auch Gerätschaften, die von den Schamanen für die Einnahme von Halluzinogenen verwendet werden, führen die amerindischen Kulturen des 18. bis 21. Jahrhunderts vor Augen. Porträts indianischer Wortführer, die sich für die Rechte der indigenen Völker einsetzen, setzen Akzente im Ausstellungsverlauf, ebenso wie Archivaufnahmen und zeitgenössische Fotografien. Photos und Videos, aber auch Zitate in Schrift und Ton, bereichern die Palette der Eindrücke und Aussagen. Diese Ausstellung räumt auch der Musik einen wichtigen Platz ein, mit einer Toninstallation, die den Besucher in das animistische Denken und in die Rituale des Regenwaldes entführt.

The MEG curates one of the most important Amazonian ethnographic collections in Europe. The Shaman and the Mind of the Forest” is a testimony to the history and plight of the indigenous peoples, who, since the first settlers set foot on their soil, have survived the encroachment of pioneer fronts, exogenous diseases, “pacification” programs, sedentarisation and missionary activities. Ranging from brightly coloured feather finery, blowpipes, bows and arrows dipped in curare, to everyday objects, musical instruments or the paraphernalia used by shamans to snuff hallucinogenic substances, some 500 objects, photographs and films are displayed in a 1,000 sq. m. exhibition space. The whole illustrates American Indian cultures as they have been observed from the eighteenth to the twentiethfirst century. The exhibition is punctuated by portraits of Indian leaders, who are fighting for the rights of indigenous peoples, along with early or contemporary photographs. Photos and videos, recordings and quotations present many different viewpoints. Music once again has a special place in the exhibition with sound installations that plunge visitors into the animist mind of the forest and ritual.

Joueurs de double flûte chassant les mauvais esprits du village lors de la Grande fête des morts. Mekrire (enfants). Quelques heures avant le mérèrémeit (cérémonie de l’imposition des noms) Paul Lambert. Brésil, État du Mato Grosso, Haut-Xingu Mehinako. 1962 Aurélien Fontanet. Brésil, État du Pará, Cateté, village Djudje-kô Kayapó Xikrin. 2013

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RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person.

sur les pas de Le corbusier Le grand architecte et urbaniste suisse et français Charles-Édouard Jeanneret-Gris, dit Le Corbusier a construit entre autres la célèbre villa Le Lac à Corseaux, sur les rives du lac Léman en 1923. Cette dernière a été inscrite le 17 juillet 2016 au Patrimoine mondial de l’UNESCO en tant que Contribution exceptionnelle au mouvement moderne. Il s’agit de la 3ème inscription à l’UNESCO dans notre région, après celle du Lavaux ainsi que de la collection des bandes audio et vidéo du Montreux Jazz Festival.

auf den spuren von Le corbusier Der grosse Schweizer und Französische Architekt und Stadtplaner Charles-Édouard Jeanneret-Gris, bekannt als Le Corbusier, hat unter anderem die berühmte Villa Le Lac in Corseaux an den Ufern des Genfer Sees in 1923 gebaut. Diese gehört seit dem 17. Juli 2016 zum Weltkulturerbe der UNESCO als außergewöhnlicher Beitrag zur modernen Bewegung. Es handelt sich um den dritten UNESCOEintrag unserer Region, nach denjenigen von Lavaux und von der Sammlung der Ton- und Videobänder des Montreux Jazz Festivals.

In the footsteps of Le corbusier The great swiss -french architect and urban planner Charles-Édouard Jeanneret-Gris, known as Le Corbusier built, among others, the famous villa Le Lac in Corseaux on the shores of Lake of Geneva in 1923. On July 17th, 2016 the villa was added to the UNESCO world heritage for its exceptional contribution to the modern movement. This is the 3rd addition to the UNESCO list from our region, following that of the Lavaux and the collection of Montreux Jazz Festival audio and video tapes.

Photo à gauche - Scanner la signalétique avec son téléphone portable permet d’accéder à un contenu multimédia en réalité augmentée. Photo à droite - ©Maude Rion, banc Jacques Piccard, situé vers le port de la Tour-de-Peilz - Sur chaque banc est apposé un panneau signalétique, reprenant le profil de l’hôte traité, et contenant les informations sur son histoire et sur la balade dans son ensemble. Scanner la signalétique avec son téléphone portable permet d’accéder à un contenu multimédia en réalité augmentée. Une application accompagne le promeneur, le guidant et lui permettant d’accéder à un contenu multimédia. www.villalelac.ch

www.rencontres-inspiration.com rivierart

Maison d’ailleurs Pop Art, mon Amour jusqu’au 30 avril 2017 yverdon-les-bains - SWITZERLAND L’exposition « Pop Art, mon Amour » instaure, entre les œuvres de trois artistes (Tadanori Yokoo, Osamu Tezuka, Joanie Lemercier) et une partie du fonds patrimonial de la Maison d’Ailleurs, un dialogue original autour de la question du « syncrétisme esthétique ». Pour le dire autrement, cette exposition réfléchit, d’une part, au processus qui, dès l’après-guerre, conduisit les artistes et mangaka japonais à s’inspirer des mouvements artistiques ou des codes de la science-fiction américains pour créer des œuvres au sein desquelles ces mouvements et ces codes entraient en écho avec les esthétiques traditionnelles japonaises (emakimono, ukyio-e).

Die Ausstellung „Pop Art, mon Amour“ etabliert einen originellen Dialog rund um „ästhetischen Synkretismus“ zwischen den Werken dreier Künstler (Tadanori Yokoo, Osamu Tezuka, Joanie Lemercier) und einem Teil der permanenten Sammlung des Maison d’Ailleurs. Anders ausgedrückt dreht sich die Ausstellung einerseits um die Frage, weshalb sich japanische Künstler und Mangakas in der Nachkriegszeit durch künstlerische Strömungen oder SF-Codes aus den USA beeinflussen liessen und diese im Rahmen ihrer Werke mit ästhetischen Traditionen der japanischen Kultur (Emakimono, Ukyio-e) anreicherten.

John Silver - Pour : Gekidan Jokyo Gekijo, © Tadanori Yokoo, 1967 Courtesy : Yokoo Tadanori Museum of Contemporary Art

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The exhibition “Pop Art, My Love” establishes, between the works of three artists (Tadanori Yokoo, Osamu Tezuka, Joanie Lemercier) and part of the collection of the Maison d’Ailleurs, an original dialogue on the question of “aesthetic syncretism”. In other words, this exhibition reflects on the one hand the process which, soon after the war, led Japanese artists and mangaka to build on American artistic movements or science fiction codes in order to create works in which these movements and codes resonate with traditional Japanese aesthetics (emakimono, ukyio-e).

The Exhibition Ekin - Pour : Seibu Department Store, © Tadanori Yokoo, 1970 Courtesy : Yokoo Tadanori Museum of Contemporary Art

MoMA 2000 - Pour : The Museum of Modern Art, New York, © Tadanori Yokoo, 2000 Courtesy : Yokoo Tadanori Museum of Contemporary Art

D’autre part, « Pop Art, mon Amour » montre que les créations japonaises, aujourd’hui, sont nécessaires à prendre en compte si l’on veut saisir les courbes prises par notre imaginaire. La Maison d’Ailleurs invite par conséquent ses visiteurs à découvrir un dispositif étonnant et à vivre une expérience inédite illustrant le dynamisme de la création. Quel point commun peut-on trouver entre Tadanori Yokoo - un des plus grands artistes contemporains japonais, lauréat du Praemium Imperiale 2015 (catégorie « Peinture ») - et les mangas, en particulier de science-fiction ? Apparemment, aucun. Et pourtant, outre le fait que les noms de Yokoo et des mangaka sont en général peu connus dans nos contrées - Osamu Tezuka est un inconnu ici, il est le « dieu du manga » au Japon -, les affiches sérigraphiées du premier procèdent d’un mode de création sensiblement identique à ces bandes dessinées tant adulées de nos jours et qui font partie des meilleures ventes en librairie. En effet, les posters de Yokoo et les bandes dessinées nippones d’aprèsguerre s’inspirent de motifs au départ non japonais (Pop Art américain, science-fiction), les font entrer en résonance avec l’esthétique nippone (emakimono, ukiyo-e) et créent des œuvres hybrides qui, à leur tour, viendront influencer les travaux des artistes ou dessinateurs européens et américains.

We are Marvel Fan Club Exhibition - Pour : Cyberbred, © Tadanori Yokoo, 2003 Courtesy : Yokoo Tadanori Museum of Contemporary Art

Andererseits zeigt „Pop Art, mon Amour“, in welchem Mass japanisches Schaffen bis heute zur Entwicklung unserer Fantasiewelten beiträgt. Das Maison d’Ailleurs erwartet die Besucher mit einer erstaunlichen Einrichtung und ermöglicht eine exklusive Erfahrung zur Dynamik des künstlerischen Ausdrucks. Was haben Tadanori Yokoo - einer der grössten zeitgenössischen Künstler Japans und Preisträger des Praemium Imperiale 2015 (in der Sparte „Malerei“) - und die Mangakultur, insesondere im Science-Fiction-Bereich, gemeinsam? Auf den ersten Blick nichts. Und dennoch: Einmal abgesehen davon, dass weder Yokoo noch die Mangaka bei uns sehr bekannt sind - Osamu Tezuka ist hierzulande nur den Fans ein Begriff, in Japan ist er der „Gott des Manga“ - finden sich Gemeinsamkeiten in der Machart von Yokoos Siebdruck-Postern und den heute so populären Manga-Comics, die den Buchhandel beleben. Es stellt sich heraus, dass sich sowohl Yokoos Poster als auch japanische Nachkriegs-Comics bei nicht-japanischen Ursprungsmotiven bedienen (amerikanische Pop Art, Science-Fiction) und sie in Einklang mit japanischer Ästhetik bringen (Emakimono, Ukiyo-e), wodurch HybridWerke entstehen, die ihrerseits wiederum die Arbeit von europäischen und amerikanischen Zeichnern beeinflussen.

On the other hand, “Pop Art, My Love” shows clearly that today, Japanese creations must be taken into consideration if we are to apprehend the contours our imagination. The Maison d’Ailleurs therefore invites its visitors to discover a truly amazing exhibition and to partake in a new experience illustrating the dynamism of creation. What do Tadanori Yokoo - one of the greatest contemporary Japanese artists and laureate of the Praemium Imperiale 2015 (“Painting” category) - and mangas, in particular science fiction, have in common? At first glance, nothing. Nonetheless, besides the fact that the names of Yokoo and mangaka are generally speaking not very well known in our part of the world - Osamu Tezuka is unknown to us, but is considered the “god of manga” in Japan -Yokoo’s silkscreened posters are the product of a mode of creation more or less identical to these comic books so revered in our day and age and which rank amongst the best-sellers in book stores. In fact, Yokoo’s posters and the post-war Japanese comic books are all inspired by motifs which were not Japanese to begin with (American Pop Art, science fiction), are made to resonate with Japanese aesthetics (emakimono, ukiyo-e) and create hybrid artworks which, in turn, influence the works of European and American artists or creators. rivierart

Zero-Men - Osamu Tezuka Page tirée de la série publiée dans le magazine Shukan Shōnen Sunday 13 septembre 1959 - 11 décembre 1960, © Tezuka Productions Company

Impossible, en ce sens, d’arriver à comprendre La Nouvelle Manga en France et les films Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003) ou Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013) sans revenir aux sources esthétiques qui ont permis à ce mouvement ou ces productions de voir le jour. À mi-chemin entre Japon et Occident, la Maison d’Ailleurs invite ses visiteurs à découvrir une exposition hors du commun où les œuvres de Tadanori Yokoo (48 affiches sérigraphiées, dont une réalisée spécialement pour l’exposition) et d’Osamu Tezuka (79 pages originales) dialoguent avec l’installation multimédia de Joanie Lemercier (réalisée pour l’exposition) et le patrimoine du musée yverdonnois. Une exposition pas comme les autres, assurément!

Phoenix: Nostalgia - Osamu Tezuka Page tirée de la série publiée dans le magazine Manga Shōnen Septembre 1976 - mars 1978, © Tezuka Productions Company

Insofern ist es unmöglich, die Bewegung La Nouvelle Manga in Frankreich, den Zweiteiler Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003) oder Pacific Rim (2013) von Guillermo del Toro vollumfänglich zu verstehen, ohne deren Ursprünge zu kennen. Auf halber Strecke zwischen Japan und der westlichen Welt lädt das Maison d’Ailleurs seine Gäste ein, eine aussergewöhnliche Ausstellung zu entdecken, in der die Werke von Tadanori Yokoo (48 Siebdruckpalakte, darunter eine Spezialanfertigung für die Ausstellung) und von Osamu Tezuka (79 Originalseiten) in einen Dialog treten mit einer (ebenfalls für die Ausstellung realisierten) Multimedia-Installation von Joanie Lemercier und dem Fundus des Museums in Yverdon-lesBains. Zweifellos eine einmalige Ausstellung!

It is therefore impossible to fully understand the Nouvelle Manga (New Manga) movement in France and the films Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003) or Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013), without going back to the sources of these aesthetics which allowed this movement or these productions to emerge. Halfway between Japan and the West, the Maison d’Ailleurs invites its visitors to discover a unique exhibition where the works of Tadanori Yokoo (48 silkscreened posters, one of which specially produced for the exhibition) and Osamu Tezuka (79 original manga pages) interact with Joanie Lemercier‘s multimedia installation (produced for the exhibition) and the collections of the museum. A special exhibition, definitely!

Maison d’ailleurs Pop Art, mon Amour - du 24 septembre 2016 au 30 avril 2017 Pop Art, mon Amour - vom 24. september 2016 bis zum 30. april 2017 Pop Art, my love - september 24th, 2016 to april 30th, 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Yo-Xarek Wolter Yo-Xarek exposera au Montreux Art Gallery du 9 au 13 novembre 2016 à l’Espace Xarek, stand 22 www.yowolter.com yoxarek@gmail.com

Tirant son inspiration de ses rêves, ce passionné de science fiction, adepte de la nouvelle énergie et fasciné par la lumière travaille sans relâche portraits et paysages en des compositions où il transfigure le réel, mêlant surréalisme et abstraction. Rehaussées parfois de CD brisés - tout un symbole - ses oeuvres interrogent et fascinent par leurs effets de miroirs et de prismes. Sich von seinen Träumen inspirieren lassend, der neuen Energie verschrieben und fasziniert vom Licht, arbeitet dieser Science Fiktion Liebhaber unablässig an Porträts und Landschaften, in deren Kompositionen er das Reelle verwandelt und mit Surrealistischem und Abstraktem vermischt. Zur Geltung gebracht durch CD Stücke – an sich symbolträchtig – werfen seine Kunstwerke Fragen auf und faszinieren durch ihre Spiegel- und Prismeneffekte. Drawing his inspiration from his dreams, this science fiction aficionado, enthusiast of new energy and fascinated by light works tirelessly on portraits and landscapes creating compositions where he transforms the real, mixing the surreal and the abstract. Enhanced sometimes by slithers of CDs- this is symbolic- his works provoke thought and captivate through their mirror and prism effects.

photo du haut - Escape 4, technique mixte sur toile, 50 x 50 cm photo du bas - Floating Island, technique mixte sur toile. 110 x 90 cm rivierart

mudac LE MONDE D’HERGÉ jusqu’au 15 janvier 2017 LAUSANNE - SWITZERLAND Pour la rentrée 2016, le mudac à le plaisir d’accueillir Hergé, son hôte d’honneur. Cette exposition est une invitation faite au Musée Hergé de Louvainla-Neuve et a été conçue en partenariat avec le mudac. Au travers de planches originales, de documents d’archives, de photos et de travaux inédits, l’exposition revient sur l’univers du maître de la ligne claire et en dévoile les richesses. L’exposition, destinée à un public de 7 à 77 ans, souhaite également présenter des facettes méconnues de ce génie tour à tour illustrateur, caricaturiste, affichiste ou encore graphiste.

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Im Herbst 2016 begrüßt das Mudac Hergé als Ehrengast. Diese Ausstellung ist eine Einladung an das Hergé-Museum in Louvain-la-Neuve und wurde in Zusammenarbeit mit dem Mudac entwickelt. Mit Originalzeichnungen, Archivdokumenten, Fotos und unveröffentlichten Werken würdigt die Ausstellung den Meister der deutlichen Konturen und enthüllt die Schätze seiner Welt. Die Ausstellung richtet sich an ein Publikum zwischen 7 und 77 Jahren und präsentiert zugleich die weniger bekannten Facetten dieses Genies, der abwechselnd als Illustrator, Karikaturist, Plakatmaler und Graphiker tätig war.

For September 2016, mudac welcomes Hergé as its guest of honour. This exhibition is an invitation to the Hergé Museum in Louvain-la-Neuve and was designed in partnership with mudac. Featuring original artwork, archive documents, photos and unpublished work, the exhibition looks back on the maestro’s world, with its clear lines, and unveils its treasures. The exhibition, aimed at an audience aged 7 to 77, also seeks to present lesser-known aspects of a genius who was an illustrator, caricaturist, poster designer and graphic artist all rolled into one.

photo page de gauche - Objectif Lune, crayonné de la planche 56. © Hergé-Moulinsart 2016 photo pade de droite, en haut à gauche - Objectif Lune, bleu de coloriage de la couverture © Hergé-Moulinsart 2016 photo pade de droite, en haut à droite - Les Aventures de Tintin. On a marché sur la Lune, 1954, Illustration pour la page de titre de l’album Encre de Chine et gouache sur papier à dessin © Hergé-Moulinsart 2016 Documents originaux et artefacts confirment alors, s’il le faut encore, que l’œuvre d’Hergé a sa place au musée en tant que pionnier de la bande dessinée mondiale mais également comme témoin de l’histoire du vingtième siècle. C’est la seconde fois que le mudac entre en synergie avec le festival BDFIL. Après avoir ouvert ses salles en 2010 à Titeuf et sa bande avec Zep: le portrait dessiné, le mudac se penche sur l’œuvre graphique du maître avéré de tous les dessinateurs de bande dessinée, Hergé. Avec cette exposition, le mudac aborde à nouveau des thématiques liées à la bande dessinée, un domaine qu’il aime à mettre en valeur par le biais d’expositions. Le début de la carrière de Georges Remi, véritable nom d’Hergé, est retracé grâce à de nombreux originaux, rarement présentés au public: documents publicitaires, affiches et carnets de croquis. Alors qu’il officie principalement comme illustrateur, cette période verra notamment la création du personnage de Totor, boyscout débrouillard, considéré comme l’ancêtre de Tintin. Hergé inventera bon nombre de héros, notamment Quick et Flupke et Jo, Zette et Jocko, pour alimenter les pages du Petit Vingtième, supplément hebdomadaire destiné à la jeunesse du quotidien belge Le Vingtième Siècle.

In diesem Sinne bestätigen Originaldokumente und Artefakte, soweit das überhaupt noch erforderlich ist, dass das Werk von Hergé seinen Platz im Museum verdient hat, zumal es nicht nur den Wegbereiter des internationalen Comics darstellt, sondern auch die Geschichte des 20. Jahrhunderts spiegelt. Bereits zum zweiten Mal lässt sich das Mudac auf eine Synergie mit dem Comic-Festival BDFIL ein. Nachdem es im Jahr 2010 mit der Ausstellung Zep: Le portrait dessiné der Comicfigur Titeuf und ihren Freunden seine Tore geöffnet hat, befasst sich das Mudac nun mit dem graphischen Werk von Hergé, dem anerkannten Meister aller Comic-Zeichner. Mit dieser Ausstellung behandelt das Mudac erneut Themen im Zusammenhang mit dem Genre Comic, das vom Mudac mit Vorliebe in Form von Ausstellungen gewürdigt wird. Anhand zahlreicher Originale, die dem Publikum bisher nur selten präsentiert wurden, wird der Karrierebeginn von Georges Remi, wie Hergé mit bürgerlichem Namen heisst, veranschaulicht: Werbematerialien, Plakate und Skizzenhefte. Insbesondere die Erschaffung des Charakters Totor, eines schlauen Pfadfinders, der als Vorläufer von Tim gilt, prägt diese Phase, in der er hauptsächlich als Illustrator tätig war.

Original documents and artefacts confirm, if proof were needed, that Hergé’s work has a rightful place in the museum, both as a pioneer of the comic book on a global stage and also as a witness to 20th century history. This is the second time that mudac has partnered with the BDFIL festival. In 2010, it opened its doors to Titeuf and his gang in Zep: The Sketched Portrait, and mudac is now taking a closer look at the graphic artwork of Hergé, acknowledged by all in the field to be the king of the graphic novel. In this exhibition, mudac tackles new themes around graphic novels and cartoons, an area that it aims to spotlight by means of its exhibitions. The early career of Georges Remi, Hergé’s real name, is traced through an array of originals that have rarely been put on public display: advertising material, posters and sketchbooks. While he mainly worked as an illustrator, it was during this period that he created the character of Totor, a resourceful Boy Scout, considered the forerunner to Tintin. Hergé would invent a large number of heroes, notably Quick and Flupke and Jo, Zette and Jocko, for the pages of the Petit Vingtième, a weekly children’s supplement published by the Belgian daily Le Vingtième Siècle. So when their author turned his hand to the comic strip, Tintin made his debut in the Petit Vingtième in 1929. rivierart

On a marché sur la Lune, encre de Chine et gouache sur papier à dessin, planche 48, © Hergé-Moulinsart 2016

Alors que son auteur se tourne vers la bande dessinée, c’est dans les pages du Petit Vingtième que Tintin apparaîtra pour la première fois en 1929. Le petit reporter débute son histoire par un voyage au pays des Soviets. L’exposition fait ici la part belle à la Chine. Ce pays tient en effet une place importante dans la carrière d’Hergé, puisque c’est suite à sa rencontre en 1934 avec l’artiste chinois Tchang Tchong-jen, alors étudiant chinois de l’Académie des beaux-arts de Bruxelles qui lui inspirera le personnage de Tchang, qu’il transforme sa méthode de travail. Il commence alors à se documenter plus sérieusement, et développe un souci nouveau de réalisme, qui transparaîtra pour la première fois dans Le Lotus bleu. Cet album emblématique, pierre angulaire des Aventures de Tintin, est le reflet de la transformation profonde de la saga et de sa mue vers une œuvre de premier plan.

On a marché sur la Lune, bleu de coloriage, planche 48, © Hergé-Moulinsart 2016

In der Folgezeit sollte Hergé zahlreiche Helden erfinden, vor allem Stups und Stepke und Jo, Jette und Jocko, mit denen er die Seiten des Petit Vingtième, der wöchentlichen Jugendbeilage der belgischen Tageszeitung Le Vingtième Siècle, füllte. So treten Tim und Struppi 1929 zum ersten Mal in der Beilage Petit Vingtième auf, während sich ihr Urheber dem Comic zuwendet. Der kleine Reporter beginnt seine Laufbahn mit einer Reise in das Land der Sowjets. Die Ausstellung zeigt ferner China in einem positiven Licht. Tatsächlich spielt dieses Land für die Karriere von Hergé eine zentrale Rolle, zumal seine Begegnung mit dem chinesischen Künstler Tchang Tchong-jen, der damals an der Kunstakademie Brüssel studierte und ihm die Vorlage für den Charakter Tchang lieferte, im Jahr 1934 eine Änderung seiner Arbeitsweise bewirkte.

The young reporter’s first story featured a journey to the land of the Soviets. The exhibition focuses particularly on China. This country played an important role in Hergé’s career, because of a change in his working methods made after his 1934 encounter with the Chinese artist Zhang Chongren, then a student at the Académie des beaux-arts in Brussels, who was the inspiration for the character Chang Chong-Chen. He then started carrying out more serious research and developed a new attention to realism, which shows through for the first time in The Blue Lotus. This emblematic book, the cornerstone in the Adventures of Tintin, reflects the profound transformation in the saga as it developed into a major work. A further room is dedicated to original media which served as vehicles for the adventures of Tintin and other heroes that sprang from the Hergé imagination, in particular the journal Tintin.

Musée de design et d’arts appliqués contemporains LE MONDE D’HERGÉ - du 15 septembre 2016 au 15 janvier 2017 LE MONDE D’HERGÉ - vom 15. september 2016 bis zum 15. januar 2017 LE MONDE D’HERGÉ - september 15th, 2016 to january 15th, 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Une salle est ensuite consacrée aux supports originaux qui ont véhiculé les aventures de Tintin et autres héros issus de l’imaginaire d’Hergé, en particulier le journal Tintin. Des objets dérivés de l’époque, comme des figurines, des timbres ou du papier à lettre, sont également présentés. Cette salle retrace également l’évolution du graphisme d’Hergé et le développement des personnages tels que Tintin, Milou, le capitaine Haddock, Dupont et Dupond. Une longue série d’orignaux témoigne de la naissance d’une bande dessinée et documente la méthode de travail d’Hergé, des recherches initiales à la planche terminée, en passant par les premières esquisses. Les documents présentés sont un exposé en images du long processus qui aboutit finalement à l’impression d’un album. Une salle entière est en outre réservée à la présentation de quarante planches originales qui dévoilent l’évolution du travail de l’auteur au fil du temps. Des objets d’intérêt, comme le bureau d’Hergé et d’anciens produits dérivés, agrémentés de supports audiovisuels, permettent de s’immerger dans l’univers de la création du dessinateur. L’exposition s’achève sur une frise murale à échelle humaine de tous les personnages ayant pris part aux aventures du reporter à la houppette.

D’hier à demain

13.10.16 – 07.05.17

Ab diesem Zeitpunkt entwickelt er einen neuen Sinn für die realistische Darstellung und recherchiert gewissenhafter, was erstmals in Der blaue Lotus erkennbar wird. In diesem legendären Comicheft, in dem die Abenteuer von Tim und Struppi ihren Anfang nehmen, spiegelt sich der grundlegende Wandel, den die Erzählung erfahren hat, um schliesslich zu einem Klassiker zu werden. Den Originalmedien der Abenteuer von Tim und Struppi und anderer Helden aus der Phantasie von Hergé, insbesondere dem Magazin Tintin, widmet die Ausstellung einen eigenen Raum. Fanartikel von damals, wie zum Beispiel Figuren, Briefmarken oder Briefpapier, werden ebenfalls ausgestellt. Dieser Raum schildert ferner die Entfaltung des Grafikstils von Hergé und die Entwicklung seiner Charaktere, wie Tim, Struppi, Kapitän Haddock, Schulze und Schultze. Eine umfangreiche Serie aus Originalen veranschaulicht die Entstehung eines Comics und dokumentiert die Arbeitsweise von Hergé von den ersten Recherchen über die ersten Skizzen bis zur fertigen Zeichnung. Die ausgestellten Dokumente zeigen den langen Prozess bis zum Druck eines Comicheftes. Ausserdem wurde ein ganzer Raum der Präsentation von 40 Originalzeichnungen gewidmet, welche die Entwicklung der Arbeit des Künstlers im Lauf der Zeit zeigen. Interessante Gegenstände, wie der Schreibtisch von Hergé, und Fanartikel von damals, die durch Tonbildträger ergänzt werden, entführen den Besucher in die kreative Welt des Comiczeichners. Den Abschluss der Ausstellung bildet ein lebensgroßer Wandfries mit allen Charakteren, die an den Abenteuern des Reporters mit der Haartolle beteiligt waren. It also includes objects from the era, such as figurines, stamps and notepaper. This room also traces the evolution of Hergé’s graphic style and the development of such characters as Tintin, Snowy, Captain Haddock and Thomson and Thompson. A large array of original artwork bears witness to the birth of a comic strip and documents Hergé’s working practices, from early research to a finished panel, by way of the first sketches. The documents on display represent a series of images showing the long process ultimately leading to a printed book. In addition, there is a whole room devoted solely to forty original plates showing how the author’s work developed over the course of time. Interesting objects, such as Hergé’s writing desk and old merchandising, complemented by audiovisual media, immerse us in the designer’s creative world. The exhibition concludes with a life-size mural featuring all the characters who have played a part in the quiffed reporter’s adventures.

Partenaire officiel du Musée Olympique :

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

LE Musée MUSéE Olympique OLYMPIQUE Le Quai d’Ouchy d’Ouchy 11 ,, CH CH -1006 -1006 Lausanne Lausanne Quai Tél :: +41 +41 (0) (0) 21 21 621 621 65 65 11 11 Tél info.museum@olympic.org info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee www.olympic.org/musee mai au au 14 14 octobre, octobre, ouvert ouvert tous tous les les jours jours du 11erer mai du de 9h 9h àà 18h 18h -- du du 15 15 octobre octobre au au 30 30 avril, avril, ouvert ouvert de du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 18h, 18h, fermé fermé du janvier le lundi. lundi. Fermé Fermé le le 25 25 décembre décembre et et le le 11erer janvier le COLLECTION DE DE L’ART L’ART BRUT BRUT COLLECTION Av. des des Bergières Bergières 11, 11, CH CH -- 1004 1004 Lausanne Lausanne Av. Tél :: 021 021 315 315 25 25 70 70 Fax :: 021 021 315 315 25 25 71 71 Tél Fax art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h, 18h, ouvert ouvert du les jours jours fériés, fériés, fermé fermé les les 24, 24, 25 25 décembre décembre et et les le 11erer janvier janvier Ouvert Ouvert le le lundi lundi en en juillet juillet et et août. août. le Entrée libre libre le le premier premier samedi samedi du du mois. mois. Entrée

MUSéE DE DE L’ELYSEE L’ELYSEE MUSÉE Avenue de de l’Elysée l’Elysée 18, 18, CH CH -- 1014 1014 Lausanne Lausanne Avenue Tél :: 021 021 316 316 99 99 11 11 Fax :: 021 021 316 316 99 99 12 12 Tél Fax www.elysee.ch www.elysee.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h 18h du fermé le le lundi, lundi, sauf sauf les les jours jours fériés fériés fermé

MUSéE de DE design DESIGN et ET d’arts D’ARTS appliqués APPLIQUéS musée CONTEMPORAINS contemporains Place de de la la cathédrale cathédrale 6, 6, CH CH -- 1005 1005 Lausanne Lausanne place Tél :: +41 +41 21 21 315 315 25 25 27 27 Fax Fax :: +41 +41 21 21 315 315 25 25 39 39 Tél www.mudac.ch www.mudac.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 11h 11h àà 18h 18h du ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août août ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et

ESPACE Ballon BALLON Espace Chemin des des Ballons Ballons 2, 2, CH CH -- 1660 1660 Château-d’Oex Château-d’Oex Chemin Tél :: +41 +41 (0)78 (0)78 723 723 78 78 33 33 Tél info@espace-ballon.ch info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 14h 14h àà 17h 17h Ouvert Novembre :: Fermeture Fermeture annuelle annuelle Novembre

MUSéE DU DU VIEUX VIEUX PAYS-D’ENHAUT PAYS-D’ENHAUT MUSÉE Grand Rue Rue 107, 107, CH CH -- 1660 1660 Château-d’Oex Château-d’Oex Grand Conservateur :Jean-Frédéric :Jean-Frédéric Henchoz Henchoz Conservateur Tél : 026 924 65 20 Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi mardi au au dimanche, dimanche, de de 14h 14h àà 17h 17h du fermeture annuelle annuelle durant durant le le mois mois de de fermeture novembre. novembre.

MUSéE DES DES MINÉRAUX MINéRAUX ET ET DES DES FOSSILES FOSSILES MUSÉE Bâtiment communal communal de de Rougemont Rougemont Bâtiment Rougemont Tourisme Tourisme Rougemont Rte de de la la Croisette Croisette 16 16 -- 1659 1659 Rougemont Rougemont Rte Tél :: 026 026 925 925 11 11 66 66 Fax :: 026 026 925 925 11 11 67 67 Tél Fax info@rougemont.ch info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch www.chateau-doex.ch du lundi lundi au au vendredi vendredi de de 8h30 8h30 àà 12h 12h et et de de 14h 14h du 17h30 ;; samedi samedi de de 10h 10h àà 12h 12h àà 17h30

MAISON d’Ailleurs D’AILLEURS Maison Musée de de la la science-fiction, science-fiction, de de l’utopie l’utopie et et Musée des voyages voyages extraordinaires extraordinaires des Place Pestalozzi Pestalozzi 14, 14, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Place Tél: +41 +41 24 24 425 425 64 64 38 38 Fax: Fax: +41 +41 24 24 425 425 65 65 75 75 Tél: maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi mardi au au vendredi vendredi de de 14h 14h àà 18h 18h ;; samedi, samedi, du dimanche et et jours jours fériés fériés de de 11h 11h àà 18h 18h dimanche

CENTRE d’art D’ART contemporain CONTEMPORAIN Centre Place Pestalozzi, Pestalozzi, CP649, CP649, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Place Tél: +41 +41 24 24 423 423 63 63 80 80 Fax:+41 Fax:+41 24 24 423 423 63 63 82 82 Tél: www.centre-art-yverdon.ch www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi mercredi au au dimanche dimanche de de 12h 12h à18h à18h (fer(ferdu mé entre entre les les expositions) expositions) mé

MUSéED’YVERDON D’YVERDONET ETRÉGI RéGIO ON, N,ARCHÉOLOGI ARCHéOLOGIEE& &HI HISSTOI TOIRREE MUSÉE

Le Château, Château, 1400 1400 Yverdon-les-Bains Yverdon-les-Bains Le Tél: +41 +41 24 24 425 425 93 93 10 10 Tél: info@musee-yverdon-region.ch info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin juin àà sept, sept, du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de de 11h àà 17h; 17h; d’oct d’oct àà mai mai de de 13h 13h àà 17h; 17h; Ouvert Ouvert 11h les lundis lundis fériés. fériés. les

la revue suisse des amateurs d’art et de culture rivier aart

LECARREFOUR CARREFOURDES DESARTISTES ARTISTES LE DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

RIVIERART

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FONDATION DE DE L’HERMITAGE L’HERMITAGE FONDATION route du du Signal Signal 2, 2, route CH -- 1000 1000 Lausanne Lausanne 88 Bellevaux Bellevaux CH Tél :+41 :+41 (0)21 (0)21 320 320 50 50 01 01 Tél Fax :: +41 +41 (0)21 (0)21 320 320 50 50 71 71 Fax info@fondation-hermitage.ch info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 18h; 18h; jeudi jeudi du jusqu’à 21h, 21h, (fermé (fermé entre entre les les expositions expositions temtemjusqu’à poraires) poraires)

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

N 9 août - septembre - octobre 2013 - CHF 10.-

1 an - 4 numéros - chf 40.7/5/2013 3:10:43 PM

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rivierart rivierart 1/23/2015 11:55:57 AM

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NEuCHÂTEL NEUCHÂTEL

MUSéE Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds MUSéEDES DESBEAUX-ARTS BEAUX-ARTSLA LACHAUX-DE-FONDS CHAUX-DE-FONDS Rue Ruedes desMusées Musées33 33--2300 2300La LaChaux-de-Fonds Chaux-de-Fonds Tel. Tel. +41 +41 (0)32 (0)32 967 967 60 60 77 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 17h. 17h. Le Le musée musée est estouvert ouvertlelelundi lundide dePâques, Pâques,lundi lundide dePentePentecôte. côte. Fermé Fermé lele lundi, lundi, lele 1er 1er janvier, janvier, les les 24, 24, 25 25 et et 31 31 décembre décembre

MUSéE Musée des beaux-arts le locle MUSéE DES DES BEAUX-ARTS BEAUX-ARTS LE LE LOCLE LOCLE Marie-Anne-Calame Marie-Anne-Calame66--2400 2400Le LeLocle Locle Tel. Tel. +41 +41 (0)32 (0)32 933 933 89 89 50 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch mbal@ne.ch www.mbal.ch du du mercredi mercredi au au vendredi vendredi de de 12h30 12h30 àà 17h, 17h, samedi samediet etdimanche dimanchede de11h 11hàà17h. 17h.Le Lemusée musée est estouvert ouvertlelelundi lundide dePâques, Pâques,lundi lundide dePentePenteer côte, côte, jeudi jeudi de de l’Ascension, l’Ascension, 11ererer août août et et Jeûne Jeûne er fédéral. janvier. fédéral. Fermé Fermé lele 25 25 décembre décembre et et 11erererjanvier.

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BÂLE

KUNSTMUSEUM kunstMuseum bern KUNSTMUSEUM BERN BERN Hodlerstrasse Hodlerstrasse 8–12, 8–12, CH CH -- 3000 3000 Bern Bern 77 Tel Tel::+41 +4131 31328 32809 0944 44 info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch lele mardi mardi de de 10h 10h àà 21h; 21h; du du mercredi mercredi au au didimanche manche de de 10h 10h àà 17h, 17h, fermé fermé lele lundi lundi

NATURHISTORISCHES NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM DER DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER BURGERGEMEINDE BERN DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE MUSEED’HISTOIRE D’HISTOIRENATURELLE NATURELLE MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL NATURALHISTORY HISTORYMUSEUM MUSEUM NATURAL HISTORY MUSEUM NATURAL HISTORY MUSEUM

NATURHISTORISCHES Naturhistorisches museum bern NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM BERN BERN Bernastrasse Bernastrasse 15, 15, CH CH -- 3005 3005 Bern Bern Tel Tel :: 031 031 350 350 71 71 11 11 lundi lundide de14h 14hàà17h; 17h;mardi, mardi,jeudi jeudiet etvendredi vendredide de 9h 9h àà 17h; 17h; mercredi mercredi de de 9h 9h àà 18h; 18h; lele week-end week-end de de10h 10hàà17h. 17h.Fermé Ferméles lesjours joursfériés. fériés.

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l’éditeur. del’éditeur. modificationde demodification réservede sousréserve valablesous Offrevalable l’éditeur. de Offre modification de réserve sous valable Offre

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Oui, Oui, je je souhaite souhaite m’abonner m’abonner àà RIVIERART RIVIERART pour pour :: _ 11 an 22 ans an -- 44 n° n° pour pour CHF CHF 40. 40._ ans -- 88 n° n° pour pour CHF CHF 75.75.-

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FRIBOuRg FRIBOURG

BERNISCHES Bernisches Historisches Museum BERNISCHES HISTORISCHES HISTORISCHES MUSEUM MUSEUM Helvetiaplatz Helvetiaplatz 5,5, CH CH -- 3005 3005 Bern Bern Tel. Tel. +41 +41 31 31 350 350 77 77 11 11 info@bhm.ch www.bhm.ch info@bhm.ch www.bhm.ch du du mardi mardi au au dimanche dimanche de de 10h 10h àà 17h 17h

Tél. Tél. :: 022 022 308 308 08 08 08 08 // Fax Fax :: 022 022 308 308 08 08 59 59 E-mail E-mail :: abonne@dynapresse.ch abonne@dynapresse.ch // www.dynapresse.ch www.dynapresse.ch

Date Date et et signature signature obligatoires obligatoires :: Date Date

FONDATION fONDATION FONDATION BEYELER BEYELER Baselstrasse Baselstrasse101 101-- CH-4125 CH-4125Riehen Riehen//Basel Basel Tel. Tel. +41 +41 -- (0)61 (0)61 -- 645 645 97 97 00 00 info@fondationbeyeler.ch info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous Tous les les jours jours de de 10h 10h àà 18h, 18h, lele mercredi mercredi de de 10 10 hhàà20 20h.h.Le Lemusée muséeest estouvert ouvertleledimanche dimancheet et les les jours jours fériés. fériés.

MUSéE MUSÉE MUSéE SUISSE SUISSE DE DE LA LA MARIONNETTE MARIONNETTE Derrières-les-Jardins Derrières-les-Jardins 2,2, CP CP 556, 556, 1701 1701 Fribourg Fribourg Tél. info@marionnette.ch Tél.::026 026322 32285 8513 13 info@marionnette.ch www.marionnette.ch www.marionnette.ch du du mercredi mercredi au au dimanche dimanche de de 10h00 10h00 àà 17h00 17h00 fermé fermélundi-mardi lundi-mardi(sauf (saufvisites visitesguidées) guidées)et et252526 26 décembre décembre

FRI FRI ART ART Petites-Rames Petites-Rames22, 22,CH CH--1701 1701Fribourg Fribourg Tél Tél :: 026 026 323 323 23 23 51 51 Fax Fax :: 026 026 323 323 15 15 34 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi mercredi au au vendredi vendredi de de 12h 12h àà 18h 18h ;; samedi samedi et et dimanche dimanche de de 14h 14h àà 17h; 17h; entrée entrée libre libre lele jeudi fermé entre entre les les exposiexposijeudi de de 18h 18h àà 20h. 20h. ((fermé tions tions temporaires) temporaires)

MUS MUSéÉéEE GUTENBERG GUTENBERG Tél Tél :: 026 026 347 347 38 38 28 28 info@gutenbergmuseum.ch info@gutenbergmuseum.ch www.museegutenberg.ch www.museegutenberg.ch mercredi, mercredi, vendredi, vendredi, samedi samedi de de 11h 11h àà 18h; 18h; jeudi jeudi de de 11h 11h àà 20h, 20h, dimanche dimanche de de 10h 10h àà 17h 17h

VALAIS VITROMUSEE ROMONT – Musée Suisse du Vitrail et des arts du verre Au Château, CH – 1680 Romont Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Fax : + 41 (0)26 652 49 17 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h

Musée du Papier peint Au Château - 1684 Mézières Tél : +41 26 652 06 90 info@museepapierpeint.ch www.museepapierpeint.ch début avril - fin octobre: jeudi à dimanche de13h30 à 17h00 ; novembre - mars : samedi et dimanche de 13h30 à 17h00.

MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg Tél. : 026 305 89 00 Fax : 026 305 89 30 museehn@fr.ch www.fr.ch/mhn ouvert tous les jours de 14h à 18h fermeture annuelle: 1er janv. et 25 déc. Entrée libre

TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tél : 026 921 30 10 Fax : 026 921 30 09 info@tibetmuseum.ch www.tibetmuseum.ch de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h à 18h; de Novembre à Pâques du mardi au vendredi de13h à 17h; samedi et dimanche de11h à 18h - lundi fermé

Musée gruérien Rue de la Condémine 25, 1630 Bulle Tél : 026 916 10 10 info@musee-gruerien.ch www.musee-gruerien.ch octobre à mai: du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h, samedi de 10 à17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h - juin à septembre: du mardi au samedi de 10h à 17h, dimanche et fêtes de 13h30 à 17h

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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