Rivierart n26 11 2017 by Rivierart

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

SOMMAIRE INHALT CONTENTS découvertes 16 - 17 41

L’Holithographe Rencontres & Inspiration

Expositions 8 - 11 12 - 13

Art Visionnaire International - MAG Montreux Art Gallery 2017

artistes 14 15 21 26

Noël Hémon Alexia Weill Isabelle Philips-Decramer Olivier Tops

MUSéES 18 - 19

Musée suisse de l’appareil photographique 20 Cabinet d’art graphique Genève 22 - 25 mcb-a 27 -29 Musée Ariana 30 - 33 Kunsthaus Zürich 34 - 36 Musée d’ethnographie Genève 37 - 39 Kunstmuseum Bern 40 Musée Jenisch 42 - 43 Musée Elysée 44 - 45 Fondation Beyeler 46 - 47 Musées - Vaud, Neuchâtel 48 - 49 Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève rivierart

Eugène Giraud / Le bal de l’Opéra, 1866 (Detail) / Musée Carnavalet – Histoire de Paris

& e é m a l c A c a rd é e çaise n a breoinc r f t u re p La 0 –188 0 2 8 1 s u a h t s n Ku h 2018 c . i v n r a Zünov. 2017–28 j 10

Fondation Hulda et Gustav Zumsteg

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Tout commence par un rêve qui devient idée puis projet. Mais c’est la passion qui permet de matérialiser le rêve, concrétiser l’idée et réaliser le projet. Le chemin n’est en effet pas toujours simple, il est parsemé de doutes, de moments de découragement. La passion représente cependant ce vecteur puissant qui permet de déployer l’énergie nécessaire, de continuer envers et contre tout, de ne pas se laisser décourager par ceux qui aimeraient bien vous croire mais doutent du succès de votre entreprise. Mais les passionnés ignorent que ce qu’ils entreprennent est parfois à peine réalisable, ils persévèrent, poussés par la flamme qui les anime. C’est ainsi que des événements prennent corps, que des salons naissent, que des expositions s’organisent, que des toiles sont créées, que vous tenez Rivierart entre vos mains… tout n’est au final que le produit de la passion. Car la passion a ceci de merveilleux qu’elle permet de passer du rêve à la réalité, une réalité partagée permettant d’explorer ensemble de nouveaux univers.

Alles beginnt mit einem Traum, der zunächst Idee ist und dann Projekt wird. Aber es ist die Leidenschaft, die es ermöglicht, den Traum zu materialisieren, die Idee zu konkretisieren und das Projekt zu realisieren. Der Weg ist nicht immer einfach, er ist von Zweifeln geprägt, von Momenten der Entmutigung. Die Leidenschaft stellt jedoch diesen mächtigen Hebel dar, der es uns ermöglicht, die notwendige Energie einzusetzen und uns trotz aller Widrigkeiten von denjenigen nicht entmutigen zu lassen, die am Erfolg unserer Unternehmung zweifeln. Aber Menschen voller Leidenschaft ignorieren oft, dass das, was sie unternehmen, manchmal kaum machbar ist, sie beharren, getrieben von der inneren Flamme, die sie belebt. So nehmen Ereignisse Gestalt an, werden Kunstmessen geboren, Ausstellungen organisiert, Gemälde geschaffen, halten Sie Rivierart in Ihren Händen… alles ist letztlich das Produkt von Leidenschaft. Denn Leidenschaft erlaubt das Wunder, vom Traum in die Realität überzugehen, eine gemeinsame Wirklichkeit zu erschaffen, die es ermöglicht, zusammen neue Welten zu erforschen.

Everything begins as a dream that becomes an idea and grows into a project. But passion is what allows that dream to be created, what cements the idea and what brings the project to fruition. The path is not always simple, but strewn with doubt and discouraging moments. Passion, however, is the all-powerful vector that generates the necessary energy to continue, in spite of everything, and to stay motivated in the face of those who would like to believe you but perhaps doubt the success of your undertaking. Regardless of the odds, people with passion refuse to doubt the success of their undertakings, they persevere motivated by the flame that drives them. In this way, events take shape, art fairs are born, exhibitions organised, paintings created and the Rivierart you are holding in your hands delivered… everything is only the product of passion. For passion is a marvel that allows dreams to become reality, and shared realities allow us to explore new universes together.

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L’invitée de Rivierart Pavlina Boroshova Semadeni Curatrice de l’exposition “Art Visionnaire International” - MAG 2017 Kuratorin der Ausstellung “Art Visionnaire International” - MAG 2017 Curator of the exhibition “Art Visionnaire International” - MAG 2017

Après avoir vécu et étudié en Allemagne, en Tchécoslovaquie, à Hawaii et en France, je me suis établie en Suisse, d’abord à Lausanne dès 1998 puis à Montreux en 2006 en tant qu’artiste visionnaire. Depuis 1992, mes créations ont été présentées dans plus de 90 expositions organisées en France, Allemagne, Suisse, Belgique, Italie, Hollande, Inde et au Brésil. Les villes d’Osaka, Londres et Miami ont également accueilli mes œuvres. L’expression artistique liée à l’approche universelle me tient particulièrement à cœur. Fondatrice et présidente de l’Association Internationale Art Visionnaire-Montreux, créée récemment, je souhaite promouvoir ce courant d’art en Suisse et faire connaître l’association dont les buts et références sont expliqués sur la page pavlina.ch. Début 2017, j’ai accepté de relever un nouveau défi qui me passionne: celui d’organiser une exposition d’envergure s’inscrivant dans le patrimoine culturel de Montreux avec la présence de 4 musées internationaux réputés, d’artistes de renom, ainsi que de nouveaux talents. Cette exposition est présentée au Montreux Music & Convention Centre 2m2c dès le 8 novembre dans le cadre du salon d’art MAG – Montreux Art Gallery. A ce jour c’est la plus importante exposition d’Art Visionnaire en Suisse. Je vous souhaite à toutes et tous la bienvenue !

Nachdem ich in Deutschland, der Tschechoslowakei, Hawaii und in Frankreich gelebt und studiert habe, liess ich mich in der Schweiz als visionäre Künstlerin nieder, 1998 zunächst in Lausanne und dann im Jahr 2006 in Montreux. Seit 1992 wurden meine Kunstwerke in mehr als 90 Ausstellungen in Frankreich, Deutschland, der Schweiz, Belgien, Italien, Holland, Indien und Brasilien ausgestellt. Und auch die Städte Osaka, London und Miami empfingen meine Werke. Der mit dem universellen Ansatz verbundene künstlerische Ausdruck ist für mich besonders wichtig. Als Gründerin und Präsidentin des kürzlich etablierten Internationalen Vereins der Art Visionnaire-Montreux möchte ich diese Kunstströmung in der Schweiz fördern und den Verein bekannt machen, dessen Ziele und Referenzen auf der pavlina.ch Seite erklärt sind. Anfang 2017 nahm ich mit Leidenschaft eine neue Herausforderung an: eine bedeutende Ausstellung, die sich dem kulturellen Erbe von Montreux verschreibt, mit der Anwesenheit vier renommierter internationaler Museen, renommierter Künstler sowie neuer Talente zu organisieren. Diese Ausstellung wird im Rahmen der MAG - Montreux Art Gallery im Montreux Musik & Convention Center 2m2c ab dem 8. November in Montreux präsentiert. Es ist bis heute die bedeutendste Ausstellung der visionären Kunst in der Schweiz. Ich heisse Sie herzlich willkommen!

After having lived and studied in Germany, Czechoslovakia, Hawaii and France I settled in Switzerland, first in Lausanne in 1998 before moving to Montreux in 2006 as a visionary artist. Since 1992, my works have been shown in more than 90 exhibitions organized across France, Germany, Switzerland, Belgium, Italy, Holland, India and Brazil. My works have also been hosted in the cities of Osaka, London and Miami. The artistic expression associated with a universal approach is particularly important to me. As Founder and President of the recently established International Association of Visionary Art in Montreux, I seek to stimulate this art movement in Switzerland and to promote this association, the aims and purposes of which can be found at pavlina.ch. At the beginning of 2017, I took on a new passion inspiring challenge in conjunction with four renowned international museums, renowned artists as well as new talent: organizing a major exhibition that would entwine with the cultural heritage of Montreux. This exhibition will be on display at the Montreux Music & Convention Center 2m2c from November 8th as part of the MAG - Montreux Art Gallery. To date, this exhibition will be the most important of its kind for Visionary Art in Switzerland. You are all warmly welcome!

Pavlina Boroshova Semadeni

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art visionnaire international - mag 2017 du 8 au 12 novembre 2017 MONTREUX - SWITZERLAND Dans le cadre des expositions thématiques de la 13ème édition du Montreux Art Gallery qui aura lieu du 8 au 12 novembre 2017, Pavlina Boroshova, fondatrice de l’Association Art Visionnaire Montreux et représentante de l’art visionnaire en Suisse, organise la première exposition d’art visionnaire dans un salon d’art en Suisse. Celuici réunira trente artistes internationaux de renom ainsi que des nouveaux talents sélectionnés pour la qualité de leur démarche personnelle et artistique. Quatre musées - le Musée HR Giger (Gruyères, Suisse), le Musée fantastique visionnaire Naïa (Rochefort-en-Terre, France), le Ernst Fuchs Museum (Vienne, Autriche) et le Di-Maccio Museum (Niikappu, Japon) participeront également à l’événement. De es Schwertberger - autriche www.dees.at Inner journey, oil on board, 130 x 105 cm, 1964

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Pavlina Boroshova, Gründerin des Internationalen Vereins der Art Visionnaire-Montreux und Vertreterin der visionären Kunst in der Schweiz, organisiert die erste Ausstellung visionärer Kunst in einer Schweizer Kunstmesse im Rahmen der thematischen Ausstellungen der 13. Ausgabe der Montreux Art Gallery, die vom 8. bis 12. November 2017 stattfinden wird. Es werden 30 renommierte internationale Künstler sowie neue Talente vorgestellt, die aufgrund der hohen Qualität ihres persönlichen und künstlerischen Vorgehens ausgewählt wurden. Vier Museen – das HR Giger Museum (Gruyères, Schweiz), das Musée fantastique visionnaire Naïa (Rochefort-en-Terre, Frankreich), das Museum Ernst Fuchs (Wien, Österreich) und das Di-Maccio Museum (Niikappu, Japan) werden ebenfalls am Ereignis teilnehmen.

Pavlina Boroshova, Founder of the International Association of Visionary Art in Montreux and advocate for visionary art in Switzerland, will organize the first visionary art exhibition of its kind in Switzerland. As part of the thematic exhibitions of the 13th edition of the Montreux Art Gallery, the exhibition will take place from the 8th to the 12th November 2017. It will bring together thirty renowned international artists as well as new talent selected for the quality of their personal and artistic approach. Four Museums – The HR Giger Museum (Gruyères, Switzerland), the Musée Fantastique Visionnaire Naïa (Rochefort-enTerre, France), the Ernst Fuchs Museum (Vienna, Austria) and the Di-Maccio Museum (Niikappu, Japan) will also participate in the event.

studio@dees.at Planetarier with spirals, polyester and acrylics, 200 x 120 x 80 cm, 2014

François Schlesser - FRANCE www.francoisschlesser.com contact@francoisschlesser.com La Fontaine d’eau vive, huile sur toile, 100 x 81cm

Suite au décès des artistes de renom Ernst Fuchs et HR Giger, l’artiste Pavlina Boroshova Semadeni, dite Pavlina, est devenue la représentante de l’art visionnaire en Suisse. Elle souhaite réunir les courants contemporains de ce mouvement et les faire connaître en Suisse. C’est dans ce but qu’elle prévoit non seulement d’ouvrir prochainement l’école Montreux Art Academy mais qu’elle a également mis sur pied l’organisation de la première exposition d’art visionnaire présentée dans un salon d’art en Suisse. Des œuvres d’artistes réputés, comme par exemple Martina Hoffmann et son mari, le regretté Robert Venosa, artiste visionnaire qui a notamment collaboré au film Dune de David Lynch (1984) y sont exposées, de même que celles de l’américain Philip Rubinov Jacobson, assistant puis successeur d’Ernst Fuchs à Vienne qui donne avec sa partenaire Mantra Cora des séminaires de Mischtechnik dans le monde entier.

Tatiana Chirikova - suisse www.pinxit.ch Création de la Matière, huile sur toile, 50 X 40 cm

Nach dem Tod der renommierten Künstler Ernst Fuchs und HR Giger wurde die Künstlerin Pavlina Boroshova Semadeni, bekannt als Pavlina, zur Vertreterin der visionären Kunst in der Schweiz. Sie möchte die zeitgenössischen Strömungen dieser Bewegung vereinen und in der Schweiz bekannt machen. Aus diesem Grund plant sie nicht nur die baldige Eröffnung einer Schule, der Montreux Art Academy, sondern kuratiert auch die Organisation der ersten visionären Kunstausstellung auf einer Kunstmesse in der Schweiz. Werke renommierter Künstler wie Martina Hoffmann und ihres Ehemannes, dem verstorbenen Robert Venosa, welcher ein visionärer Künstler war, der an David Dynch‘s Film Dune (1984) mitgewirkt hat, sind zu sehen, ebenso wie die des Amerikaners Philip Rubinov Jacobson, dem Assistent und Nachfolger von Ernst Fuchs in Wien, der zusammen mit seiner Partnerin Mantra Cora weltweit Seminare zur Mischtechnik gibt.

chirikova@netplus.ch

Following the passing of renowned artists Ernst Fuchs and HR Giger, the artist Pavlina Boroshova Semadeni, known as Pavlina, has become the key representative for visionary art in Switzerland. She wishes to unite the contemporary streams of this movement and to promote them in Switzerland. For this reason, she not only plans the imminent opening of the Montreux Art Academy School but has also curated the first visionary art exhibition to be presented at an art fair in Switzerland. Works by renowned artists such as Martina Hoffmann and her husband the late Robert Venosa, a visionary artist who collaborated in the making of the movie Dune (1984) by David Lynch, will be exhibited. The exhibition will also feature works by american artist Philip Rubinov Jacobson, the assistant to and then successor of Ernst Fuchs in Vienna, who together with his partner Mantra Cora gives Mischtechnik seminars throughout the world.

EXPOSITION D’ART VISIONNAIRe INTERnaTIONAL - MAG 2017 plus d’informations - weitere informationen - more information

WWW.PAVLINA.CH - www.mag-swiss.COM rivierart

Liba WS - FRANCE www.artwork-liba.com Lydia of Apis, huile sur toile, 90 X 110 cm

libaws@gmail.com

Jacqueline Gandubert - JOYA - suisse www.art-joya.ch djsf.gandubert@bluewin.ch Déesse, huile sur toile, 60 X 50 cm, 2016

Bruno ALTMAYER - FRANCE www.altmayerbruno.com altmayer.bruno@wanadoo.fr S.O.S. Terre Minée - Terre Minus, huile sur toile (avec encadrement), 143 X 108 cm

Nathalie Perler - SUISSE www.demarches.org n.perler@demarches.org Au delà de ce monde, huile sur toile, 80 x 80 cm

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Comme le dit l’écrivain et cinéaste Michel Random, auteur du livre de référence « L’Art Visionnaire », «Le monde visionnaire est par définition le monde du voyage… C’est l’œil éveillé, capable de pénétrer l’invisible par le visible. Les artistes se laissent guider par leur intuition et tracent sur un support ce qu’ils ont entrevu: la vision de l’unité. » C’est ce monde et cette vision que des artistes, prédécesseurs des artistes visionnaires contemporains, tels que Jérôme Bosch (14531516), Léonard de Vinci (1452-1519), le peintre suisse J. H. Füssli (1741-1825), Goya (1746-1828), William Blake (1757-1827), William Turner (17751851), Gustave Moreau (1826-1898), Odilon Redon (1840-1916), Max Ernst (1891-1976), Leonor Fini (1908-1996), Ernst Fuchs et certains tableaux de Salvador Dali (1904-1989) pour ne citer que quelques exemples, ont transmis.

Wie es der Schriftsteller und Filmmacher Michel Random, Autor des Nachschlagewerks "Visionary Art", sagt, ist „die visionäre Welt definitionsgemäß die Welt der Reise... Es ist das aufmerksame Auge, das fähig ist, das Unsichtbare durch das Sichtbare zu durchdringen. Künstler lassen sich von ihrer Intuition leiten und stellen auf einem Träger dar, was sie erahnt haben: die Vision der Einheit." Es ist diese Welt und diese Vision, welche die Vorgänger zeitgenössischer visionärer Kunst wie Jérôme Bosch (1453-1516), Leonardo da Vinci (1452-1519), der Schweizer Maler JH Füssli (1741-1825), Goya (18911976), William Blake (1757-1827), William Turner (1775-1851), Gustave Moreau (1826-1898), Odilon Redon (1840-1916), Leonor Fini (1908- 1996), Ernst Fuchs und einige von Salvador Dalis Gemälden (1904-1989), um nur einige Beispiele zu nennen, weitergegeben haben.

pavlina - suisse www.pavlina.ch Les pensées du monde, acrylique et crayon sur papier d’art, 150 x 140 cm

As the writer and filmmaker Michel Random, author of the reference book “Visionary Art”, says: “The visionary world is by definition the world of travel... It is the awakened eye, capable of penetrating the invisible with the visible. Artists let themselves be guided by their intuition and draw on a substrate of what they have glimpsed: a vision of unity.” It is this world and this vision that the artists, the predecessors of contemporary visionary artists, Jérôme Bosch (1453-1516), Leonardo da Vinci (1452-1519), Swiss painter JH Füssli (1741-1825), Goya (1746-1828), William Blake (1757-1827), William Turner (1775-1851), Gustave Moreau (1826-1898), Odilon Redon (1840-1916), Leonor Fini (1908- 1996), Ernst Fuchs and some of Salvador Dali’s paintings (1904-1989), to name but a few examples, have transmitted.

art-pavlina@bluewin.ch En elle, huile sur toile 115 x 80 cm

EXPOSITION D’ART VISIONNAIRe INTERnaTIONAL - MAG 2017 les artistes - die künstler - the artists

Philip Rubinov Jacobson, Robert Venosa, Martina Hoffmann, Otto Rapp, De Es Schwertberger, Brigid Marlin, Mantra Cora, Andrew Gonzalez, Amanda Sage, Arina Gordienko, Alain Margotton, Yves Thomas, Pavlina Boroshova, Patrice Pit Hubert, Pascal Ferry, Manu Van H, Liba WS, Numa Firefly, Bruno Altmayer, Dominique Desorges, Michel Barthélemy, Mimi Staneva, François Schlesser, Yohan, Roku Sasaki, Andreas Streun, Tatiana Chirikova, Patricia Carron, Nathalie Perler, Marie-Thérèse Vetterli et Joya. plus d’informations - weitere informationen - more information

WWW.PAVLINA.CH - www.mag-swiss.COM rivierart

montreux art gallery ème 13 édition du 8 au 12 novembre 2017 montreux- SWITZERLAND Le salon d’art contemporain MAG ouvre pour la 13ème fois ses portes pour 5 jours de rencontre avec l’Art et présente des artistes indépendants et des galeries de différents pays. La Fondation MAG a toujours eu comme objectif de promouvoir l’art sous ses différentes formes et de permettre la révélation de talents et de styles artistiques. En créant chaque année des expositions thématiques, MAG souhaite emmener les visiteurs vers une expérience unique de découverte et de rencontre. Cette année, une présentation du street art plongera les visiteurs dans un environnement artistique débordant de créativité et de vivacité.

Die zeitgenössische Kunstmesse MAG öffnet zum 13. Mal ihre Türen für ein fünftägiges Treffen mit der Kunst und präsentiert selbständige Künstler und Galerien verschiedener Länder. Die Aufgabe der MAG Stiftung ist es immer gewesen, die Kunst in seinen verschiedenen Formen zu fördern, sowie die Entdeckung von begabten Künstlern und künstlerischen Stilrichtungen zu ermöglichen. Durch die thematischen Ausstellungen, die jedes Jahr veranstaltet werden, bestrebt MAG, den Besuchern einzigartige Entdeckungen und Begegnungen zu ermöglichen. Dieses Jahr wird eine Street-Art-Vorstellung die Besucher in ein reich mit Kreativität und Lebendigkeit angereichertes künstlerisches Umfeld versetzen.

Boris - Hétérocères, acrylique et techniques mixtes sur toile,120x80 cm (street art)

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The contemporary art fair MAG opens its doors for the 13th time for a 5 day festival of art presenting independent artists and galleries from around the world. The purpose of the MAG Foundation has always concentrated on promoting art in all its different forms and allowing talented artists and various artistic styles to be discovered. Through the MAG’s annual thematic exhibitions, MAG offers visitors a unique experience full of discovery and artistic gatherings. This year, a street art presentation will plunge visitors into an artistic environment overflowing with creativity and liveliness.

Ildze Ose, Oh deer, oil/acrylic on canvas, 60 x 80 cm

Des artistes suisses et internationaux viendront confronter leurs styles et leurs histoires dans un espace résolument interactif tout au long des 5 jours de salon. Des ateliers participatifs animés par l’Association Chromatix seront proposés aux adultes et aux enfants. L’occasion de rencontrer directement les artistes et de créer en commun. Art battles et live painting feront également partie du programme. Finalement, l’art visionnaire fera l’objet d’une présentation très détaillée avec la présence de 30 artistes internationaux spécialistes de ce mouvement artistique. Ce sera d’ailleurs la première exposition internationale d’art visionnaire de cette ampleur en Suisse, à laquelle participeront également le musée HR Giger, le musée Naïa, le musée Ernst Fuchs et le musée Di-Maccio. Le mouvement d’art visionnaire s’apparente à l’art symbolique, à l’art surréaliste, à l’art sacré, à l’art brut, à l’art fantastique... Un monde artistique à découvrir.

Pascale Simonet, Au commencement était le nombre 101, impression taille d’épargne, 50 x 65 cm

Während der 5 Tage der Kunstmesse werden Schweizer und internationale Künstler ihren Stil und ihre Geschichte in einer interaktiven Umgebung konfrontieren. Kindern und Erwachsenen werden vom Verband Chromatix animierte interaktive Workshops angeboten und es wird die Gelegenheit gegeben, mit den Künstlern direkten Kontakt aufzunehmen und zusammen zu komponieren. Art battles und live painting werden auch Bestandteil des Programms sein. Die visionäre Kunst wird mit der Anwesenheit von 30 internationalen Künstlern, welche Experten dieser künstlerischen Bewegung sind, Gegenstand einer sehr detaillierten Vorstellung sein. Dies wird ausserdem die erste internationale visionäre Kunstausstellung dieser Tragweite in der Schweiz sein, an der ebenfalls das Museum HR Giger, das Museum Naïa, das Museum Ernst Fuchs und das Di-Maccio Museum teilnehmen werden. Die künstlerische Bewegung der visionären Kunst ist mit der symbolischen Kunst, der surrealistischen Kunst, der heiligen Kunst, der „art brut“, der fantastischen Kunst... verwandt. Es gilt eine künstlerische Welt zu entdecken.

Over the 5 days of the fair, international and swiss artists will share their styles and stories in a resolutely interactive space. Workshops led by the Chromatix Association will be on offer to both adults and children providing a wonderful opportunity to meet directly with artists and to create collaboratively. Art battles and live painting will also further enrich the program. And last but not least, visionary art will be the object of a detailed presentation featuring thirty international artists specialized in this artistic movement. This will be the first international visionary art exhibition of its scale in Switzerland in collaboration with the HR Giger Museum, the Naïa Museum, the Ernst Fuchs Museum and the Di-Maccio Museum. The visionary art movement is affiliated with symbolic art, surrealist art, sacred art, ‘art brut’ and fantasy art... through visionary art there’s an entire artistic world to discover.

montreux art gallery - mag 2017 du mercredi 8 novembre au dimanche 12 novembre 2017 vernissage le mercredi 8 novembre ainsi que le vendredi 10 novembre de 17h30 à 23h30 plus d’informations - weitere informationen - more information

www.mag-swiss.com rivierart

Noël Hémon Exposition de peintures à l’huile: « L’identité humaine » Noël Hémon expose à la Galerie Espace 52 - Rue du Centre 52, 1025 Saint-Sulpice - du 5 au 23 décembre 2017. Horaires d’ouverture: du lundi au vendredi de 16h00 à 19h00 ainsi que le samedi et le dimanche de 14h à 19h Vernissage le samedi 9 décembre 2017 dès 17h00 La galerie Artph7 expose les peintures à l’huile et sculptures de Noël Hémon au Montreux Art Gallery - MAG 2017 - du 8 au 12 novembre 2017 - Stand 33 www.noelhemon.wordpress.com noel.hemon@gmail.com

Identité humaine, argile Installé dans un atelier à Lausanne/Ouchy, Noël Hémon réalise de grands formats à l’huile: paysages de montagne, bâtiments urbains gagnés par la végétation, façades détériorées par la marche du temps. L’artiste se décrit comme un gardien du temps à sa façon de marquer les époques et peint ses toiles avec le regard d’une société qui tend à déstructurer la nature. Il s’interroge sur l’avenir de l’être humain et son identité pour demain.

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In seinem Atelier in Lausanne/Ouchy realisiert Noël Hémon große Formate in Öl: Berglandschaften, städtische Gebäude erobert von Pflanzenwuchs, durch den Lauf der Zeit beschädigte Fassaden. Der Künstler versteht sich als Hüter der Zeit, auf seine Art die Epochen markierend und malt seine Bilder mit dem Blick auf eine Gesellschaft, die dazu tendiert, die Natur zu zerstören. Er stellt sich Fragen über die Zukunft des Menschen und seine zukünftige Identität.

From his studio in Lausanne/Ouchy, Noël Hémon creates large oil paintings: mountain landscapes, urban buildings claimed by vegetation, facades damaged by the march of time. The artist describes himself as a guardian of time in that he marks the epochs creating his paintings using the gaze of a society that tends to deconstruct nature. He questions the future of the human being and his identity tomorrow. Ligne infinie, huile sur lin, 80 x 130 cm

Alexia Weill La galerie Artph7 expose les sculptures d’Alexia Weill au Montreux Art Gallery - MAG 2017 - du 8 au 12 novembre 2017 - Stand 33 Alexia Weill expose au Salon national des Beaux-Arts au Carrousel du Louvre à Paris du 7 au 10 décembre 2017 www.alexiaweill.com contact@alexiaweill.com

Geometric Round, marbre noir de Belgique, 66 cm Alexia Weill aime dialoguer avec la pierre en sculptant des formes rondes. Ses cercles sont des écritures instantanées selon son inspiration, des impressions d’émotions gravées dans la pierre tel des mandalas. Elle vit et expose régulièrement sur la Riviera vaudoise ainsi qu’en France, en Angleterre et en Espagne. Gold Ring, pierre calcaire, 66 cm

Alexia Weill liebt es, mit dem Stein einen Dialog zu führen, indem sie runde Formen modelliert. Ihre Kreise sind augenblicklich inspirierte Schriften, in Stein wie in Mandalas geritzte Eindrücke von Emotionen. Sie wohnt und stellt regelmässig an der Waatländer Riviera aus, sowie in Frankreich, England und Spanien.

Alexia Weill enters into dialogue with stone by sculpting round forms. Her circles are instantaneous writings according to her inspiration, impressions of emotions engraved in stone such as mandalas. She lives and exhibits regularly on the Swiss Riviera as well as in France, England and Spain.

Moon Light Ray, marbre gris Saint-Michel, 60 cm

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L’Holithographe transforme la télévision en oeuvre d’art du 21ème siècle bex - SWITZERLAND L’Holithographe transforme la télévision en oeuvre d’art du 21ème siècle

Der Holithographe verwandelt den Fernseher in ein Kunstwerk des 21. Jh.

The Holithographe transforms your television into a 21st century artwork

Les écrans noirs des télévisions éteintes posent souvent un problème esthétique. L’artiste suisse K-soul, créateur du Laboratoire Jardin Cosmique, a eu l’idée de transformer l’écran noir en oeuvre d’art vivante. Après plusieurs années de recherche, K-soul invente l’Holithographe, un petit boîtier électronique qui se connecte directement à la télévision. L’Holithographe illumine l’écran avec des peintures holocinétiques, la télévision se transforme en tableau vivant.

Schwarze Bildschirme ausgeschalteter Fernseher sind oft ein ästhetisches Problem. Der Schweizer Künstler K-soul, kreativer Kopf und Begründer des Laboratoire Jardin Cosmique, hatte die geniale Idee, den schwarzen Monitor in ein dynamisches Kunstwerk zu verwandeln. Nach mehreren Jahren Forschung hat K-soul den Holithographe erfunden, eine kleine Box, welche man direkt an den Fernseher anschliesst. Der Holitographe lässt den Bildschirm mit holokinetischen Malereien erleuchten, der Fernsehapparat verwandelt sich in dynamisches Gemälde.

The television’s black screen is often an esthetical problem. Swiss artist K-soul, creator of the Laboratoire Jardin Cosmique, had the idea to transform the television’s black screen into a living canvas. After many years of research, Ksoul invented the Holithographe, a small electronic box which is connected directly into the television. The Holithographe illuminates the screen with K-soul’s holokinetic paintings and the television becomes a living artwork.

La télévision devient une oeuvre d’art du 21ème siècle

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L’Holithographe est un petit boîtier électronique qui se connecte à la télévision. Il illumine Elaboration d’une peinture holocinétique par l’artiste K-soul l’écran avec des peintures holocinétiques

Les technologies électroniques révolutionnent les outils de création. La lumière et le mouvement sont de nouveaux moyens d’expression, la peinture devient holocinétique. Pour les mélomanes, cette nouvelle forme de peinture, véritables partitions vivantes de lumière, entre en dialogue avec tous les styles de musique. Chacun a loisir d’expérimenter chez lui l’interactivité avec ses musiques préférées. La télévision devient un support de diffusion de cette nouvelle forme d’art.

Die digitalen Technologien revolutionieren die kreativen Werkzeuge. Licht und Bewegung sind neue Ausdrucksmittel, die Malerei wird holokinetisch. Für Musikliebhaber wird diese moderne Form der Malerei zu einer regelrechten LichtPartitur, die mit jeglichen Musikstilen dialogiert. Jeder kann bei sich zu Hause diese Interaktivität mit seiner bevorzugten Musik erleben. Der Fernseher wird zum Bilderrahmen dieser neuen Kunstform.

Digital technology is revolutionising the artist’s creative tools. Movement and light become new means of expression and the painting evolves into a holokinetic form. For music lovers, this modern form of painting is a genuine living composition of light entering into a dialogue with all variations of music. Everyone can experience the interactivity of their preferred music. The television becomes a media to display this new configuration of art.

Laboratoire jardin cosmique Laboratoire jardin cosmique - Fenalet - 1880 bex - suisse plus d’informations - weitere informationen - more information

www.holithographe.com

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musée suisse de l’appareil photographique Sébastien Kohler - Ambrotypes jusqu’au 14 mars 2018 vevey- SWITZERLAND Né en Suisse en 1969 et établi à Lausanne, Sébastien Kohler vient du monde de la musique. Autodidacte en matière de photographie, il se passionne depuis quelques années pour le procédé au collodion humide, mis au point en 1851 par le sculpteur et calotypiste anglais Frederick Scott Archer, suite aux travaux du photographe français Gustave Le Gray. Ce procédé fournit d’excellents négatifs sur verre que Sébastien Kohler présente à la manière d’un ambrotype, technique brevetée en 1854 par James Ambrose Cutting aux Etats-Unis. Portrait au collodion, Sébastien Kohler

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Der 1969 in der Schweiz geborene und in Lausanne beheimatete Sébastien Kohler kommt ursprünglich aus der Welt der Musik. In die Fotografie gelangte er auf autodidaktischem Weg, und seit einigen Jahren begeistert er sich für das Kollodium-Nassplatten-Verfahren, das der englische Bildhauer und Kalotypist Frederick Scott Archer im Jahr 1851 aufbauend auf den Arbeiten des französischen Fotografen Gustave Le Gray entworfen hatte. Dieses Verfahren liefert hervorragende Glasnegative, die Sébastien Kohler als Ambrotypien präsentiert - eine 1854 von James Ambrose Cutting in den USA patentierte Technik.

Born in Switzerland in 1969 and established in Lausanne, Sébastien Kohler comes from the world of music. Self-taught in matters of photography, for several years he has been inspired by the wet collodion process, developed in 1851 by the English sculptor and calotypist, Frederick Scott Archer, following the works of the French photographer, Gustave Le Gray. This process produced excellent negatives on glass, which Sébastien Kohler presents in the form of an ambrotype, a technique patented in 1854 by James Ambrose Cutting in the United States.

Portrait au collodion, Sébastien Kohler

Le principe est simple: si l’on place un négatif devant un fond noir en l’éclairant de face, celui-ci apparaît alors en positif car la lumière éclaire l’argent métallique qui constitue l’image. Cette exposition révèle l’extraordinaire travail de Sébastien Kohler: sa maîtrise d’un procédé photographique du XlXe siècle, associée à la puissance de son regard de portraitiste contemporain ne pouvait que séduire le Musée suisse de l’appareil photographique: parmi les procédés présentés dans son exposition permanente, seuls ceux au collodion n’ont pas encore trouvé d’écho au travers d’une exposition temporaire permettant d’en découvrir toute la richesse.

Portrait au collodion, Sébastien Kohler

Das Prinzip ist ganz einfach: Hält man ein Negativ vor einen schwarzen Hintergrund und beleuchtet es von vorne, erscheint dieses wie ein Positiv, da das Licht das metallische Silber aufhellt, aus dem das Bild besteht. Diese Ausstellung zeigt die aussergewöhnliche Arbeit von Sébastien Kohler. Mit seiner meisterhaften Beherrschung eines fotografischen Verfahrens aus dem 19. Jahrhundert, kombiniert mit seinem ausgeprägten modernen Portraitisten-Blick, sicherte er sich einen Platz im Schweizer Kameramuseum. Unter den dort in der ständigen Ausstellung präsentierten Verfahren hat nur die Kollodium-Nassplatte bislang noch keine ausführlichere Betrachtung im Rahmen einer temporären Ausstellung erhalten.

The principle is simple: if one places a negative in front of a black background, while lighting it from the front, it appears as a positive, because the light illuminates the metallic silver, which constitutes the picture. This exhibition unveils the extraordinary work of Sébastien Kohler and his mastery of a 19th century photographic process. This, in combination with the power of his eye as a contemporary portraitist, could not fail to attract the interest of the Swiss Camera Museum: among the processes presented in its permanent exhibition, only the collodion ones have not yet made an impact across a temporary exhibition, which succeeds in revealing its full richness

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cabinet d’art graphique du musée d’art et d’histoire Dessins italiens de la Renaissance jusqu’au 7 janvier 2018 Genève - SWITZERLAND La Renaissance italienne marque un tournant capital dans l’art occidental. Sous l’influence de la pensée humaniste, les sources d’inspiration changent et les traditions médiévales font place à de nouvelles pratiques. Le rôle et le statut du dessin évoluent: ce dernier devient un moyen d’étude et d’expression privilégié, tant pour la diffusion de modèles que pour l’élaboration d’idées. L’exposition met en lumière les différentes fonctions du dessin et les développements de son usage en Italie aux XVe et XVIe siècles au travers d’une centaine de feuilles prêtées par l’Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf. Réunie à Rome entre 1737 et 1756 par le peintre Lambert Krahe (1712-1790), cette collection servit notamment à l’enseignement, offrant aux artistes en devenir un accès exceptionnel aux créations de maîtres tels que Corrège, Pérugin, Vasari ou Véronèse. Paolo Farinati (Vérone 1524-Vérone 1606), Vierge à l’enfant, quatrième quart du XVIe siècle. Pinceau et encre brune sur dessin préparatoire à la craie noire, lavis vert-brun, rehauts de craie blanche. Feuille : 380 x 246 mm. © Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Sammlung der Kunstakademie Düsseldorf

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Die italienische Renaissance bedeutet für die abendländische Kunst eine entscheidende Wende. Unter dem Einfluss des humanistischen Denkens erschliessen sich bisher unbekannte Inspirationsquellen, und die mittelalterlichen Traditionen machen neuen Praktiken Platz. Die Zeichnung, deren Rolle und Status sich verändern, wird zu einem bevorzugten Studien- und Ausdrucksmittel für die Verbreitung von Vorlagen und die Entwicklung von Ideen. Anhand von hundert Blättern aus der Kunstakademie Düsseldorf beleuchtet die Ausstellung die verschiedenen Funktionen und den sich wandelnden Gebrauch der Zeichnung in Italien während des 15. und 16. Jahrhunderts. Die Sammlung der Kunstakademie, zusammen getragen vom Maler Lambert Krahe (1712–1790) zwischen 1737 und 1756 in Rom, diente insbesondere Unterrichtszwecken und bot den künftigen Künstlern einen einzigartigen Zugang zu den Werken von Meistern wie Correggio, Perugino, Vasari oder Veronese.

The Italian Renaissance marked a crucial turning point in Western art. Under the influence of humanist thought, new sources of inspiration emerged and medieval traditions gave way to innovative practices. The role and the status of drawing evolved: it became a favoured tool for study and means of expression, both for the diffusion of models and for the elaboration of ideas. This exhibition highlights the different functions of drawing and the development of its use in 15th and 16th century Italy through the presentation of some one hundred sheets on loan from the Düsseldorf Academy of Fine Arts. Assembled in Rome between 1737 and 1756 by the painter Lambert Krahe (1712-1790), this collection was notably used for teaching purposes, offering aspiring artists exceptional access to the works of masters such as Correggio, Perugino, Vasari and Veronese. Pietro Perugino (Città della Pieve 1450-Fontignano 1523. Esquisses et études de figures (recto/verso), vers 1486. Pointe de métal, rehauts de gouache blanche sur papier coloré et préparé en brun (recto), fusain et rehauts de craie blanche (verso). Feuille : 198 x 280 mm. © Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Sammlung der Kunstakademie Düsseldorf

Isabelle Philips-D Isabelle Philips-Decramer expose à la galerie Art & Bijoux, Avenue des Alpes 56, 1820 Montreux - du 7 novembre au 30 décembre 2017. horaires d’ouverture: du mardi au vendredi de 10h à 12h30 et de 14h à 18h30, le samedi de 10h à 12h30 et de 14h à 17h ou sur rendez-vous contact galerie: Nathalie Bruno 021 963 09 25 artsbijoux.nbruno@gmail.com contact artiste: Isabelle Philips-Decramer Chemin de Coëtan, 73100 Tresserve, France isabellephilipsdecramer@gmail.com www.isabellephilipsdecramer.com

Opus 37, huile sur toile, 100 x 100 cm Isabelle Philips-Decramer poursuit son travail de recherche formelle subordonné à une quête essentielle de lumière et d’harmonies chromatiques. La lumière, phénomène physique qui révèle la réalité du monde extérieur et ses couleurs, se retrouve aussi à l’intérieur de sa peinture comme un écho. Le motif, quant à lui, évoque les éléments ou les forces de la nature sans être trop descriptif, manière de laisser ouverte l’interprétation… A l’Origine 6, huile sur toile, 80 x 80 cm

Isabelle Philips-Decramer setzt ihre formale For- Isabelle Philips-Decramer pursues formal reschungsarbeit fort, die einer wesentlichen Su- search work subordinated only to her essential che nach Licht und chromatischen Harmonien quest for light and chromatic harmonies. The untergeordnet ist. Das Licht, ein physikalisches light, a physical phenomenon that reveals the Phänomen, das die Realität der Aussenwelt und reality of the outside world and its colours, also ihre Farben offenbart, findet sich auch in ihrer resonates inside her paintings as an echo. The Malerei wie ein Echo wieder. Das Motiv seiner- motif, meanwhile, evokes the elements or the seits, erinnert an die Elemente oder an die Kräfte forces of nature without being too descriptive, der Natur, ohne allzu beschreibend zu sein, eine leaving a door open to interpretation... Interpretation offenlassend… A l’Origine 8, huile sur toile, 150 x 100 cm

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Musée cantonal des beaux-arts AI WEIWEI. D’ailleurs c’est toujours les autres jusqu’au 28 janvier 2018 lausanne - SWITZERLAND Travaux récents et interventions monumentales: Ai Weiwei, parmi les artistes les plus importants et influents de ces dix dernières années, revient en Suisse. Après sa toute première exposition individuelle en Europe, en 2004 à la Kunsthalle de Berne, l’artiste chinois répond une fois encore à l’invitation de Bernard Fibicher, directeur du Musée cantonal des Beaux-Arts (mcb-a). Pour cette exposition - la dernière du mcb-a en ses murs actuels avant son ouverture sur le site de PLATEFORME 10 - Ai Weiwei invite à une grande fête.

Neue Arbeiten und monumentale Installationen: Ai Weiwei, der zu den wichtigsten und einflussreichsten Kunstschaffenden der letzten zehn Jahre gehört, kehrt in die Schweiz zurück. Nach seiner allerersten Einzelausstellung 2004 in der Kunsthalle Bern nimmt der chinesische Künstler einmal mehr die Einladung von Bernard Fibicher, Direktor des mcb-a, an. Für diese Ausstellung die letzte des mcb-a in seinen heutigen Räumen vor seiner Neueröffnung auf der PLATEFORME 10 - lädt Ai Weiwei zu einem grossen Fest ein.

mcb-a - Ai Weiwei - vue de la deuxième salle d’exposition du Musée cantonal des Beaux-Arts. © mcb-a

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Recent and monumental works: Ai Weiwei, one of the most significant and influential artists of the last decade, returns to Switzerland. After his very first European solo exhibition at the Bern Kunsthalle in 2004, the Chinese artist has once again accepted an invitation from Bernard Fibicher, director of the Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne (mcb-a). For this exhibition – the last at mcb-a on its present site, before the move to PLATFORM 10 - Ai Weiwei is throwing a party.

Ses créations excèdent les salles d’exposition du seul Musée cantonal des Beaux-Arts pour investir l’espace public du Palais de Rumine ainsi que les musées d’archéologie et d’histoire, de zoologie, de géologie et de la monnaie, ainsi que la bibliothèque cantonale et universitaire. Du 22 septembre 2017 au 28 janvier 2018, l’exposition Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres réunit plus de 40 oeuvres, produites entre 1995 et aujourd’hui, en porcelaine, bois, aluminium, marbre, jade, cristal, bambou et soie ainsi que des papiers peints, des photographies et des vidéos témoignant de la richesse de l’oeuvre d’Ai Weiwei et de sa connaissance profonde de la tradition culturelle de son pays. L’artiste détourne ces motifs, modes de fabrication et matériaux traditionnels de manière ludique ou iconoclaste (on y décèle un esprit proche de celui de Marcel Duchamp) pour formuler une critique - tantôt cachée tantôt manifeste - du système politique chinois. Les oeuvres plus récentes constituent autant de commentaires portant sur la complexité problématique, et globale, des relations internationales (dépendances économiques, flux des réfugiés, etc.). L’exposition du mcb-a salue un artiste complet: plasticien remarquable, esprit encyclopédique, communicateur exceptionnel et homme engagé dans les grandes questions de ce monde. Ai Weiwei pourrait bien être le premier artiste véritablement «global».

Seine Werke werden nicht nur die Ausstellungsräume des mcb-a, sondern alle Institutionen des Palais de Rumine, die Museen für Archäologie und Geschichte, Zoologie und Geologie, das Münzkabinett sowie die Kantons- und Universitätsbibliothek in Beschlag nehmen. Die Ausstellung Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres vereint mehr als 40 zwischen 1995 und heute geschaffene Werke aus Porzellan, Holz, Aluminium, Marmor, Jade, Krystall, Bambus und Seide sowie Tapeten, Fotografien und Videos, welche die Vielfalt von Ai Weiweis Schaffen und seine fundierte Kenntnis der kulturellen Überlieferungen seines Landes belegen. Der Künstler verfremdet diese traditionellen Motive, Herstellungsweisen und Materialien auf spielerische oder ikonoklastische Weise (in einem Geist, der Marcel Duchamp nahesteht), um eine teils versteckte, teils offene Kritik am politischen System Chinas zu formulieren. Die neuesten Arbeiten kommentieren die problematische und globale Komplexität der internationalen Beziehungen (wirtschaftliche Abhängigkeiten, Flüchtlingsströme usw.). Die Ausstellung des mcb-a ist einem Vollblutkünstler gewidmet, der ein bemerkenswerter Plastiker, ein enzyklopädischer Denker, ein aussergewöhnlicher Kommunikator und ein Mensch ist, der sich mit den grossen Fragen dieser Welt auseinandersetzt. Ai Weiwei könnte der erste wirklich „globale“ Künstler sein.

His works will be spilling out of the exhibition rooms into the Palais de Rumine’s public spaces and the museums of archaeology and history, zoology, geology, and money, as well as the State and University Library. Running from 22 September 2017 to 28 January 2018, the exhibition Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres is bringing together more than 40 items dating from 1995 up to the present: works in porcelain, wood, marble, jade, crystal, bamboo, and silk, together with wallpaper, photographs and videos, all testifying to the rich variety of the artist’s work and his profound knowledge of his country’s cultural heritage. At the same time – and here we detect a spirit akin to that of Marcel Duchamp – in a playful or iconoclastic way he rechannels his traditional motifs, methods and materials into a critique, overt or covert, of the Chinese political system. His most recent works bear on the troubling complexity of international matters including economic dependency and refugee flows. This mcb-a event hails a true allrounder: a remarkable visual artist, an encyclopedic mind, a gifted transmitter of ideas and a man coming to grips with the major issues of today’s world. Ai Weiwei may well be the first truly “global” artist.

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ? Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle. Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui ! Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch rivierart

L’oeuvre majeure Sunflower Seeds (2010) occupe la deuxième salle d’exposition: y sont étalées 13 tonnes de graines de tournesols en porcelaine peintes à la main, échantillon des 150 tonnes commandées par Ai Weiwei à 1500 artisans des manufactures de Jingdezhen, ainsi employés deux ans et demi durant. Les graines de tournesol, grignotage favori des Chinois au temps de la Révolution culturelle, avaient une valeur symbolique évidente pour tous: les citoyens de la République populaire de Chine tournaient tous leur tête, comme des tournesols, vers leur soleil, Mao Zedong. La portée ironique de cette installation réside dans son procédé de fabrication, aux antipodes de la production de masse « made in China »: chaque grain de tournesol est peint à la main. Chaque grain est unique et le commentaire politique est sans équivoque. Une sculpture surplombe l’installation spectaculaire des Sunflower Seeds: Surveillance Camera (2010), copie de l’une des caméras installées devant l’atelier d’Ai Weiwei, démontre, dans son degré de détail, la maestria du travail de taille du marbre blanc par des artisans traditionnels. Das Hauptwerk Sunflower Seeds (2010) beherrscht den zweiten Ausstellungsraum, in dem 13 Tonnen Sonnenblumenkerne aus handbemaltem Porzellan ausgestreut sind, ein kleiner Teil der 150 Tonnen, die Ai Weiwei von 1500 Arbeiterinnen und Arbeitern der Porzellanmanufakturen in Jingdezhen herstellen liess, die damit zweieinhalb Jahre beschäftigt waren. Die Sonnenblumenkerne, ein beliebter Snack der Chinesen während der Kulturrevolution, hatten einen allgemeinverständlichen symbolischen Wert: Wie Sonnenblumen wandten alle Bürger der Volksrepublik China ihren Kopf ihrer Sonne, Mao Zedong, zu. Die ironische Tragweite dieser Installation beruht auf ihrem Herstellungsverfahren, das der Massenproduktion „Made in China“ diametral entgegengesetzt ist: Jeder Kern ist handbemalt. Und jeder Kern ist ein Einzelstück; die politische Aussage ist unmissverständlich. Eine Skulptur beherrscht die spektakuläre Installation Sunflower Seeds: Surveillance Camera with Plynth (2015), Kopie einer der vor dem Atelier Ai Weiweis aufgestellten Kameras, beweist in seiner Detailgenauigkeit die Meisterschaft, mit der traditionelle Handwerker den weissen Marmor zu bearbeiten wissen. The major work Sunflower Seeds (2010) takes up the whole of this room. Spread across the floor are 13 tons of hand-painted porcelain sunflower seeds, a sample of the 150 tons commissioned by Ai Weiwei from 1,500 craftspeople at the Jingdezhen workshops - a task that took them two and a half years. China’s favorite snack, these seeds had a universally obvious symbolic value: like sunflowers, the citizens of the People’s Republic of China were turning their heads towards their sun, Mao Zedong. The ironic implications of this installation lie in its making, at the opposite pole from “Made in China” mass production: each seed is hand-painted and thus unique, and the political message is unambiguous. Overlooking the spectacular Sunflower Seeds installation, the sculpture Surveillance Camera with Plinth (2015) - a copy of one of the cameras set up outside Ai Weiwei’s studio in Beijing - is a masterfully detailed example of traditional artisans’ skill with marble. Photo du haut - Sunflower Seeds (Graines de tournesol) (détail), 2010, porcelaine peinte à la main, 12 x 8 x 0.1 cm, © Studio Ai Weiwei - photo du bas The Animal That Looks Like a Llama but is Really an Alpaca, 2015, papier peint, dimensions variables, © Studio Ai Weiwei

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À la matière même sont associés les symboles de la richesse et du pouvoir, et l’évocation de la construction de la Cité interdite, comme de celle du mausolée de Mao Zedong à Tiananmen. En écho à la première salle, les murs sont intégralement recouverts de l’oeuvre The Animal That Looks Like a Llama But Is Really an Alpaca (2015). À nouveau, utilisant les récurrences géométriques typiques d’un vulgaire papier peint, Ai Weiwei cite des formes et objets dans une danse de connotations: le logo de Twitter côtoie des caméras de surveillance, des chaînes de menottes… L’ensemble joue de l’effet de dorures en trompe-l’oeil, reflétant ça et là des scènes intimes. Par son ancrage dans la tradition, par sa sensibilité aux fondamentaux de la condition humaine, par son engagement politique et par son humour, le travail d’Ai Weiwei est transversal à nombre de domaines de réflexion et de recherche. Sociologie, histoire des peuples et des cultures, technique et artisanat, politique, communication: ce point de vue diffracté, cette perspective prismatique trouve sa matérialisation dans le parcours même de l’exposition Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres, qui conduit le visiteur dans chacun des musées du Palais de Rumine. Mit dem Material sind die Symbole des Reichtums und der Macht, aber auch die Erinnerung an den Bau der Verbotenen Stadt oder des Mausoleums von Mao Zedong auf dem Tian’anmen-Platz verknüpft. In Entsprechung zum ersten Raum sind die Wände vollständig mit dem Werk The Animal That Looks Like a Llama But Is Really an Alpaca (2015) bedeckt. Indem Ai Weiwei erneut das typische Rapportmuster einer einfachen Papiertapete nutzt, zitiert er Formen und Objekte in einem Tanz von Konnotationen: Das Twitter-Logo ist mit Überwachungskameras und Handschellen kombiniert. Das Ganze spielt mit Goldeffekten in Trompe-l’oeil, die verschiedenenorts intime Szenen spiegeln. Durch ihre Verankerung in der Tradition, durch ihre Sensibilität für die Grundlagen der Condition humaine, durch ihr politisches Engagement und durch ihren Humor berührt die Arbeit von Ai Weiwei zahlreiche Reflexions- und Forschungsbereiche. Soziologie, Völker- und Kulturgeschichte, Technik und Handwerk, Politik, Kommunikation: Diese weitgefächerte Betrachtungsweise und diese prismatische Perspektive materialisieren sich im Rundgang durch die Ausstellung Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres, die den Besucher in alle Museen des Palais de Rumine führt. In addition, the material itself is symbolically associated with wealth and power, and thus with the building of the Forbidden City and Mao’s mausoleum on Tiananmen Square. In a tie-in with the first room, the walls are completely covered with The Animal That Looks Like a Llama But Is Really an Alpaca (2015). Once again, using the recurring geometrical figures of a stock wallpaper, Ai Weiwei quotes shapes and objects in a dance of connotations: the Twitter logo alongside CCTV cameras, for example, and handcuffs chained together. The work as a whole plays on the trompe l’oeil effect of all this gold, with reflections here and there of intimate personal scenes. With its roots in tradition, its sensitivity to the fundamentals of the human condition, its political commitment and its humor, Ai Weiwei’s work ranges through different fields of reflection and research. Sociology, the histories of people and cultures, craft and technology, politics, communication: this diffracted point of view - this prismatic perspective - finds material expression in the actual itinerary of Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres, as it leads the visitor through each of the Palais de Rumine’s museums.

mcb-a Ai Weiwei. D’ailleurs c’est jusqu’au 28 janvier 2018 bis zum 28. januar 2018 until january 28th 2018

toujours

cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46 www.mcba.ch

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musée suisse de la céramique et du verre genève

schweizerisches museum für keramik und glas genf

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Assiettes parlantes — décors historiés imprimés sur faïence fine au 19 e siècle DU 10 FÉVRIER 2017 AU 9 septembre 2018

Schnaps & Rösti — Verre émaillé et poterie suisses (17 e — 19 e siècles) DU 9 JUIN 2017 AU 18 Février 2018

François Ruegg —

Statuts statues DU 15 SEPTEMBRE 2017 AU 4 mars 2018

LE COMPTOIR GOURMAND —

géré par le Restaurant Vieux-Bois de l'École Hôtelière de Genève PROPOSE DES METS RAFFINéS DANS UN CADRE EXCEPTIONNEL

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autres

Un musée Ville de Genève www.ariana-geneve.ch

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Olivier Tops Olivier Tops expose au Palais de Megève du 16 décembre 2017 au 18 mars 2018 Galerie & Atelier, 132 rue d’Arly, 74120 Megève - France www.tops.art olivier.tops@gmail.com

«Queen» 2017, textportrait sur aluminium 75 x 75 ou 117 x 117 cm L’artiste protéiforme inventeur du Nailshading et du Smart Art réalise désormais des hommages en «Pop Art augmenté», en apportant un contenu dont il est habituellement dépourvu, grâce au Textportrait. Ses œuvres à plusieurs niveaux de lecture sont constituées d’une superposition de textes qui sont uniquement des citations spécifiquement choisies, permettant de mieux comprendre qui était le personnage, par ses propres mots. Son exposition au Palais est une rétrospective sur ses dix dernières années de création.

Dieser vielseitige Künstler, Erfinder des Nailshading und der Smart Art, realisiert nun Hommagen berühmtheiter Persönlichkeiten in „augmented Pop Art“ und bringt mittels Textportrait einen Inhalt, der in der Regel abwesend ist. Seine aus mehreren Leseniveaus bestehenden Werke bilden sich aus einer Überlagerung von Texten, die ausgewählte Zitate sind und es ermöglichen, die abgebildete Person durch ihre eigenen Worte besser zu verstehen. Die Ausstellung im Palais ist eine Retrospektive seiner zehn letzten Schaffungsjahre.

«Rubik’s cube» 2013, technique mixte toile et acrylique 90 x 90 cm

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This protean artist, inventor of Nailshading and Smart Art, now creates tributes in “augmented Pop Art”, adding comments that were before lacking by using Textportrait. His works that can be read on numerous levels consist of texts superimposed on one another. The texts are solely carefully selected quotations, providing insight into each character depicted using their own words. His exhibition at the Palais is a retrospective covering his last ten years of artistic endeavour.

«Steve McQueen» 2017, textportrait sur aluminium 117 x 117 cm

Musée ariana François Ruegg - Statuts / Statues jusqu’au 4 mars 2018 genève - SWITZERLAND Le céramiste et plasticien suisse François Ruegg (1954) interroge le rapport complexe du socle à l’oeuvre d’art. À travers l’histoire, le « statut » élitaire de la figure représentée en fonction de la hauteur et de la typologie du socle sur laquelle elle est juchée. L’artiste propose, dans une série de sculptures monumentales en porcelaine, réalisées à Jingdezhen (Chine), de revisiter le binôme socle-statue. Bustes, mais également objets de séduction ou même de rebut sont dotés d’un piédestal approprié. De plus, afin de créer une distance - ou de conserver une part de mystère - il dissimule sous un voile les hommes et les choses. François Ruegg est assurément un artiste du monde: sa curiosité insatiable pour l’homme et pour la création humaine dans toute sa diversité constitue son moteur et colore sa vie. François Ruegg, (CH, 1954), Can’t hear, 2016-2017, Porcelaine, 81 x 40 x 20 cm, Collection de l’artiste, Photo: Zhang Lei

Der Schweizer Keramiker und Plastiker François Ruegg (1954) hinterfragt die komplexen Zusammenhänge zwischen dem Kunstwerk und seinem Sockel. Der elitäre „Status“ einer Figur steht durch alle Epochen hindurch im Verhältnis zur Art und Höhe ihres Sockels. Mit seiner Serie von Monumentalskulpturen, die im chinesischen Jingdezhen gefertigt wurden, erarbeitet der Künstler eine neue Sichtweise des Zweigespanns aus Sockel und Statue. Büsten, aber auch verführerische und sogar ausgediente Objekte erhalten ein angemessenes Postament, während Menschen und Gegenstände mit einem Schleier verhüllt werden, um Abstand zu schaffen und vielleicht auch, um ihnen einen Teil ihres Geheimnisses zu lassen. François Ruegg ist zweifellos ein weltoffener Künstler, der sich von einer unermüdlichen Neugier für den Menschen und die Vielfalt seiner Schöpfungen leiten lässt.

The Swiss ceramist and visual artist François Ruegg (b. 1954) questions the complex relationship between the pedestal and the work of art. Throughout history, the elite “status” of the person represented has been linked to the height and type of base on which he or she is perched. Through a series of monumental porcelain sculptures created in Jingdezhen (China), the artist revisits the basestatue combination. Busts, as well as objects of seduction, and even discarded items are given an appropriate pedestal. Moreover, in order to create a distance - or to retain a sense of mystery - the people and things are hidden under a veil. François Ruegg is most definitely an artist of the world: his insatiable curiosity for mankind and for human creation in all its diversity is his driving force and brings colour to his life. François Ruegg, (CH, 1954), Can’t talk, 2016-2017, Porcelaine 81 x 40 x 23 cm, Collection de l’artiste, Photo: Zhang Lei

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Photo de gauche - François Ruegg, (CH, 1954), Trashbag, 2016-2017, porcelaine, 71.5x38x32 cm, collection de l’artiste - photo du milieu - François Ruegg, (CH, 1954), Banana & Co, 2016-2017, porcelaine, 42x40x47 cm, collection de l’artiste - photo de droite - François Ruegg, (CH, 1954), Accessoires de séduction féminine, 2016-2017, porcelaine, 67x42x42 cm, collection de l’artiste, photos: Zhang Lei

Le statut du socle dans l’oeuvre d’art en général et dans la sculpture figurative en particulier méritait d’être replacé dans un contexte contemporain. Le socle élève physiquement et spirituellement l’individu et le sacralise dans une position de respectabilité et d’autorité sur une masse indistincte. Cette supériorité hiérarchique d’une soi-disant élite intellectuelle, politique ou sociale va-t-elle au-delà d’une simple apparence normative ? L’artiste se garde de trancher ou de se poser en moralisateur, laissant au spectateur la liberté de prendre ou non position dans ce contexte. Néanmoins, il est difficile de ne pas voir dans sa démarche un regard critique sur une société fondée sur l’apparence au point d’en perdre son âme. La revendication à la libre pensée, au droit d’exister en tant qu’individu différencié, l’exaspération que suscitent les mouvements actuels visant au repli sur soi, à la peur de l’autre sont toujours sous-jacents. Cette recherche autour du socle a nécessité de longues déambulations préparatoires afin de cerner les conventions liées au piédestal dans l’histoire: rapport de dimensions, typologies formelles (alternance de carré et de cercle, cintrage et moulurage de la paroi, positionnement de la sculpture et du buste, etc.). Le céramiste s’est attaché à concevoir les sculptures appelées à être juchées sur le socle. Pour ce faire, François Ruegg a mené plus avant son travail précédent consistant à dissimuler sous un voile les hommes et les choses. Loin de se contenter de poser des bustes ou des figures sur ses socles, il y place également des accessoires de séduction, des légumes ou des ustensiles, des objets de rebut, bref tout ce qui entre en interaction avec le cycle vital quotidien de l’homme: être, paraître, désirer, manger, jeter …

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Der Status des Sockels von Kunstwerken allgemein, und insbesondere von figurativen Skulpturen, verdiente eine Betrachtung vor dem Hintergrund des gegenwärtigen Kontexts. Dem Individuum gewährt der Sockel physische und geistige Erhebung und sakralisiert es in einer Respekts- und Autoritätsposition über einer undefinierten Masse. Geht diese hierarchische Überlegenheit einer vermeintlichen intellektuellen, politischen oder gesellschaftlichen Elite über den einfachen normativen Usus hinaus? Der Künstler vermeidet jedes Urteil und jede moralisierende Aussage. Er überlässt es dem Betrachter, in diesem Kontext Stellung zu beziehen. Dennoch ist die kritische Einstellung gegenüber einer Gesellschaft spürbar, die so sehr auf den Schein fixiert ist, dass sie ihre Seele verliert. Unterschwellig werden die Forderung nach Denkfreiheit und dem Recht, als differenziertes Individuum existieren zu dürfen, genauso deutlich wie die Ablehnung gegenüber aktuellen Bewegungen, die durch Abgrenzung und Angst vor dem Mitmenschen gekennzeichnet sind. Der eigentlichen Bearbeitung des Themas gingen ausgedehnte Erkundungsgänge voraus, um die Entwicklungsgeschichte der Gepflogenheiten rund um den Sockel zu erforschen: Grössenverhältnisse, formale Typologien (runde oder eckige Formen, gewölbte und profilierte Ausführungen, Positionierung der Skulptur und der Büste usw.). Davon ausgehend schuf der Keramiker Skulpturen, die auf einen Sockel abgestimmt waren, wobei Menschen und Gegenstände in Anlehnung an frühere Arbeiten auch hier mit einem Schleier verhüllt wurden. Doch François Ruegg versah seine Sockel nicht nur mit Büsten oder Figuren, sondern setzte ihnen auch verführerische Accessoires, Gemüse oder Geräte, Abfallgegenstände und eigentlich alles auf, was einen Bezug zum menschlichen Alltag aufweist: sein, sich präsentieren, begehren, essen, wegwerfen…

The status of the pedestal in the work of art in general, and in figurative sculpture in particular, merited a transition to a contemporary context. A plinth elevates an individual both physically and spiritually, and sanctifies the person in a position of respectability and authority over an indistinct mass. Does this hierarchical superiority of a so-called intellectual, political or social elite go beyond a mere normative appearance? The artist refrains from offering conclusions or from posing as a moralizer, thus leaving the viewer the freedom whether or not to take a stance in this context. Nevertheless, it is difficult not to detect in his approach a critical look at a society based on appearances to the extent of losing its soul. The assertion of free thought, of the right to exist as a differentiated individual, and exasperation prompted by current tendencies that foster inward-looking attitudes and the fear of the other, are latent and ever-present. This research into the pedestal necessitated long preparatory wanderings in order to pinpoint the conventions associated with the pedestal throughout history: dimensional ratio, formal types (alternating between square and circular, arching and moulding of the sides, positioning of the sculpture and the bust, etc.). With the help of this enriched awareness, the ceramist has endeavoured to create the required sculptures to be perched on pedestals. To do this, François Ruegg has developed even further his previous work that involved concealing people and objects under a veil. Rather than merely setting busts or figures on his pedestals, he also places on them items of seduction, vegetables, utensils and discarded objects, in short, everything involved in people’s daily lifecycle: to be, to appear, to desire, to eat, to throw away ...

C’est ainsi que se côtoient dans l’univers de Ruegg un set de vaisselle en plastique figé sous la cellophane, des légumes aux formes avantageuses, un escarpin acéré et un slip d’homme rebondi, un insignifiant sac poubelle… et même un buste d’homme peut-être célèbre. Tous sont voilés, certains drapés dans une virginité de porcelaine, d’autres nappés d’émaux voluptueux et aguicheurs, rouges, noirs ou lustrés. Le socle les accompagne dans un duo indissociable et complémentaire, dans un dialogue non dénué d’humour ni de dérision ; bien plus qu’un simple faire-valoir, il fait partie intégrante de la sculpture. En Chine, François Ruegg a exploité les possibilités technologiques et les infrastructures liées à l’industrie de la porcelaine, recourant au scan 3D pour réaliser ses moules, les transposant à une échelle monumentale. Ce n’est pas seulement par les mots ou le concept qu’il convient d’appréhender les « Statuts l Statues » de François Ruegg mais surtout par ce qu’il fait résonner en nous. Il faut aller au-delà du design pop séduisant du tube de rouge à lèvres qui supporte la chaussure à talon, au-delà du rire de l’artiste qui camoufle quelques blessures soigneusement enfouies. Traverser les apparences, aller même jusqu’à se mettre soimême en scène sur un socle de porcelaine: François Ruegg ne joue pas seul dans son coin, il nous convie avec générosité et engagement à l’accompagner dans ses pérégrinations nomades.

So steht in der Welt des Künstlers ein in Zellophan geschweisstes Geschirrset aus Plastik neben Gemüse mit ausladenden Formen, einem StilettoSchuh und einem prallen Herrenslip, einem gewöhnlichen Abfallsack…und eben auch einer Büste eines möglicherweise berühmten Mannes. Alle sind verhüllt, einige sind mit jungfräulichem Porzellan drapiert, während andere üppiges und aufreizendes Email in rot und schwarz oder Lüsterfarben tragen. Der Sockel dient als unverzichtbare Ergänzung und Begleiter, der in einen durchaus humorvollen und spöttischen Dialog tritt und keineswegs eine untergeordnete Rolle spielt, sondern integrierender Bestandteil der Skulptur ist. In China nutzte François Ruegg die technologischen Möglichkeiten und Infrastrukturen der Porzellanindustrie. Zur Anfertigung seiner Formen verwendete er 3D-Scanner und erreichte damit monumentale Abmessungen. Für die Auseinandersetzung mit „Status l Statue“ von François Ruegg reichen Worte und Begriffe nicht aus; es braucht in erster Linie ein Gehör für das, was er bei uns anklingen lässt. Die Frage ist, was hinter dem trendigen Design des Lippenstifts steckt, der den Absatzschuh trägt, welche Wunden jenseits des Künstlerlachens sorgsam verborgen sind. Den Schein überwinden und sogar sich selbst auf einem Sockel in Szene setzen: François Ruegg kapselt sich nicht ab, sondern fordert uns mit Grosszügigkeit und Engagement auf, ihn auf seinen nomadischen Wegen zu begleiten.

This is how, in Ruegg’s universe, a plastic crockery set immobilised under cellophane, interestinglyshaped vegetables, a pointed court shoe, a well-rounded pair of men’s underpants, an insignificant rubbish bag, and even a bust of a possibly famous man can co-exist. All are veiled, some draped in a porcelain virginity, others coated with voluptuous and alluring, red, black or shiny glazes. The pedestal forms an inseparable and complementary duo with them, in a dialogue not lacking in humour or derision; much more than being a mere foil to the sculpture, it is an integral part of it. In China, François Ruegg exploited the technological possibilities and infrastructures of the porcelain industry, using the 3D scanner to make his moulds, and transposing them to a monumental scale. It is not only through words or concepts that we should apprehend François Ruegg’s “Status l Statues”, but above all through how they resonate within us. We have to go beyond the seductive pop design of the tube of lipstick that supports the high-heeled shoe, beyond the laughter of the artist who camouflages some carefully buried wounds. Transcending appearances, even going as far as setting himself up on a porcelain pedestal, François Ruegg does not act entirely alone, but generously and committedly invites us to accompany him in his nomadic wanderings.

musée ariana Assiettes parlantes - Décors historiés imprimés sur faïence fine au 19e siècle jusqu’au 9 septembre 2018 Assiettes parlantes - Décors historiés imprimés sur faïence fine au 19e siècle - bis zum 9. september 2018 Assiettes parlantes - Décors historiés imprimés sur faïence fine au 19e siècle - until september 9th 2018 Schnaps et rösti - Verre émaillé et poterie suisses, 17e - 19e siècles - jusqu’au 18 février 2018 Schnaps et rösti - Verre émaillé et poterie suisses, 17e - 19e siècles - bis zum 18. februar 2018 Schnaps et rösti - Verre émaillé et poterie suisses, 17e - 19e siècles - until february 18th, 2018 François Ruegg - Statuts jusqu’au 4 mars 2018

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François Ruegg - Statuts / statues - bis zum 4. märz 2018 François Ruegg - Statuts / statues - until march 4th, 2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49 www.ariana-geneve.ch rivierart

kunsthaus zUrich Acclamée et brocardée. La peinture française 1820–1880 jusqu’au 28 janvier 2018 zurich - SWITZERLAND Du 10 novembre 2017 au 28 janvier 2018, le Kunsthaus Zürich présente en exclusivité et pour la première fois en Suisse un panorama de la peinture française tiraillée entre l’ «académisme», dont l’ère prend fin au cours du 19e siècle, et une peinture obéissant davantage aux impulsions personnelles des peintres, qui s’émancipe peu à peu de ce canon. Romantisme, réalisme, naturalisme, peinture de plein air et impressionnisme se livrent alors une âpre concurrence pour gagner les faveurs du public.

Vom 10. November 2017 bis zum 28. Januar 2018 zeigt das Kunsthaus Zürich exklusiv und zum ersten Mal in der Schweiz die französische Kunst im Spannungsfeld zwischen der akademischen „Salonmalerei“, die im Laufe des 19. Jahrhunderts ihrem Ende entgegenlief, und der sich davon emanzipierenden, individuellen Impulsen folgenden Malerei. Romantik, Realismus, Naturalismus, Freilichtmalerei und der Impressionismus kämpfen erbittert um die Gunst des Publikums.

From the 10th November 2017 to the 28th January 2018, the Kunsthaus Zürich exclusively presents the first exhibition in Switzerland to explore the tensions in French painting between “academic art” and new approaches that sought liberation from its constraints. As Academism’s influence waned during the 19th century, artists turned instead to the pursuit of individual impulses. Romanticism, Realism, Naturalism, “plein air” painting and Impressionism vied for the favour of audiences.

Eugène Delacroix (et atelier [probablement Pierre Andrieu]), Chasse aux lions, vers 1861, Huile sur toile, 34,5 x 47 cm, Kunstmuseum St. Gallen, Vermächtnis Emma Lina Hendel, 1999

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Camille Corot, Orphée ramenant Eurydice des enfers, 1861, Huile sur toile, 112,7 x 137,2 x 1,9 cm, The Museum of Fine Arts, Houston, Museum purchase funded by the Agnes Cullen Arnold Endowment Fund

Les tendances dénigrées à cette époque sont aujourd’hui portées aux nues, et inversement. À travers un peu plus de 100 tableaux, le Kunsthaus Zürich confronte différents courants de la peinture française du 19e siècle, dans une mise en regard qui révèle de forts contrastes mais aussi des points communs. Cette approche nuancée représente une avancée dans la connaissance de cette période cruciale de l’histoire de l’art, notamment dans l’espace germanophone où la réception de l’art français a été trop unilatérale. De fait, romantisme, réalisme, naturalisme, peinture de plein air et impressionnisme restent les termes clés utilisés pour classifier la peinture française du 19e siècle. DES CLASSIQUES INNOVANTS, DES AVANT-GARDISTES TRADITIONNELS Certains artistes appartenant à ces différentes écoles, comme Géricault, Delacroix, Corot, Daumier, Millet, Courbet, Manet, Sisley, Monet et Renoir, quittent à cette époque la «voie officielle» de la peinture, l’académisme et le néo-classicisme.

Wer damals geschmäht wurde gilt heute als Star und umgekehrt. Anhand von etwas mehr als 100 Gemälden stellt das Kunsthaus Zürich verschiedene Strömungen der französischen Malerei im 19. Jahrhundert einander gegenüber. Dabei werden nicht nur starke Gegensätze, sondern auch Gemeinsamkeiten aufgedeckt. Diese differenziertere Betrachtungsweise auf die kunsthistorisch wichtige Periode ist vor allem im deutschen Sprachraum erkenntnisfördernd, wo die Rezeption der französischen Kunst zu einseitig verlaufen ist. Romantik, Realismus, Naturalismus, Freilichtmalerei, Impressionismus - das sind noch immer die Stilbegriffe, mit denen die französische Malerei des 19. Jahrhunderts klassifiziert wird. INNOVATIVE KLASSIZISTEN UND TRADITIONELLE AVANTGARDISTEN Künstler dieser Stilrichtungen, zu denen Géricault, Delacroix, Corot, Daumier, Millet, Courbet, Manet, Sisley, Monet und Renoir zählen, verliessen damals den offiziellen „Hauptweg“ der Malerei, die akademisch-klassizistische Manier.

Artists whose work was dismissed at the time are now seen as stars, and vice versa. With a little over 100 paintings, the presentation at the Kunsthaus Zürich brings various currents of 19thcentury French painting face to face, revealing not just stark contradictions but also commonalities. This more nuanced perspective on a key period in art history is an especially useful corrective to perceptions in the German-speaking world, where the reception afforded to French art has hitherto been rather one-sided: Romanticism, Realism, Naturalism, “plein air” and Impressionism are still the stylistic labels used to classify French painting of the 19th century. INNOVATIVE NEOCLASSICISTS AND TRADITIONAL AVANT-GARDISTS The artists working in these new styles - figures such as Géricault, Delacroix, Corot, Daumier, Millet, Courbet, Manet, Sisley, Monet and Renoir - turned their backs on the officially sanctioned painting of the era, with its academic and neoclassicist style. rivierart

Mais en dépit de leur démarche révolutionnaire, certains d’entre eux présentent aussi des facettes traditionnelles. Extrêmement controversés de leur vivant, ils comptent aujourd’hui parmi ces «précurseurs de la modernité» auxquels le monde entier rend hommage. Cependant, la peinture française du 19e siècle connaît nombre d’autres artistes, tout aussi importants, qui jouissaient à l’époque d’un prestige encore supérieur auprès des critiques d’art et du public. Bien que fidèles à la peinture traditionnelle, des artistes comme Delaroche, Couture, Meissonier, Cabanel, Gérôme et Bouguereau pouvaient être euxmêmes éminemment novateurs. Mais le canon de la peinture française de cette époque qui s’est établi au début du 20e siècle dans l’espace germanophone a peu à peu relégué ces admirables artistes à l’arrière-plan.

Trotz ihrer revolutionären Ansätze wiesen manche unter ihnen jedoch auch eine traditionelle Seite auf. Zu ihrer Zeit höchst umstritten, gehören diese Künstler heute zu den weltweit gefeierten sogenannten „Vorläufern der Moderne“. Die französische Malerei des 19. Jahrhunderts bietet allerdings eine Vielzahl anderer, ebenso wichtiger Künstler, die damals bei Kunstkritik und Publikum das grössere Ansehen genossen und hochgefeiert wurden. Obschon der traditionellen Malweise verpflichtet, waren Künstler wie Delaroche, Couture, Meissonier, Cabanel, Gérôme und Bouguereau teilweise selbst höchst innovativ. Durch den im deutschsprachigen Raum zu Beginn des 20. Jahrhunderts festgelegten Kanon der französischen Malerei jener Epoche wurden diese hervorragenden Künstler im Laufe der Zeit allerdings ins Abseits gedrängt.

Despite their revolutionary approaches, however, some of them also have a traditional side. Highly controversial in their day, they are now hailed worldwide as the “precursors of Modernism”. Yet 19th-century French painting offers a profusion of other equally important artists who, at the time, enjoyed greater recognition and the plaudits of art critics and audiences alike. Although indebted to traditional painting techniques, artists such as Delaroche, Couture, Meissonier, Cabanel, Gérôme and Bouguereau were in some cases highly innovative; but in the canon of French painting from that period laid down in the German-speaking countries at the start of the 20th century, these outstanding figures came to be sidelined.

LE SALON, CLÉ DE LA GLOIRE OU DE L’ÉCHEC L’exposition se concentre sur les années 18201880: en 1822, Delacroix fait ses débuts au Salon, qui est alors la plateforme officielle d’exposition des artistes, et défie la manière classique telle qu’un peintre comme Ingres peut l’incarner. En 1880, l’ère du Salon organisé par les pouvoirs publics prend fin. Par la suite, les autres expositions, le marché de l’art et le public endossent le rôle de «faiseur de roi» qui était le sien.

ÜBER ERFOLG UND MISSERFOLG ENTSCHIED DER SALON Die Ausstellung konzentriert sich auf die Jahre zwischen 1820 und 1880. 1822 gab Delacroix sein Debüt am Salon, der damals offiziellen Ausstellungs-plattform der Künstler, und bot der klassizistischen Malerei eines Ingres die Stirn. 1880 wurde die Ära des Salons als staatlich organisierte Veranstaltung beendet. In der Folge fiel anders organisierten Ausstellungen, dem Kunstmarkt und dem Publikum die Rolle des „Königsmachers“ zu.

THE SALON: ARBITER OF SUCCESS AND FAILURE The exhibition focuses on the years between 1820 and 1880. 1822 saw Delacroix’s first appearance at the Salon, the official exhibition platform for artists, at which he issued a challenge to Ingres and his fellow neoclassicists; 1880 marked the end of the Salon as a government-sponsored event. The role of “kingmaker” then passed to other forms of organized exhibition, the art market and the public.

photo de gauche - James Tissot, Portrait de Mademoiselle L.L., 1864, Huile sur toile, 123,5 x 99 cm, Musée d’Orsay, Paris - photo de droite - Edouard Manet, La Sultane, vers 1871, Huile sur toile, 96 x 74,5 cm, Stiftung Sammlung E. G. Bührle, Zürich

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Claude Monet, Sur la plage à Trouville, 1870–1871, Huile sur toile, 38 x 46 cm, Musée Marmottan Monet, Paris

Si à l’aube du 20e siècle, l’influence de la critique d’art pouvait encore rivaliser avec celle des acteurs évoqués ci-dessus, elle joue aujourd’hui un rôle bien moindre dans l’émergence et le déclin des artistes. Pour la première fois en Suisse, l’exposition réunit une soixantaine d’artistes de différentes tendances de la peinture française en un panorama varié des genres picturaux de cette époque. Certaines oeuvres, prêtées par le Musée du Louvre et le Musée d’Orsay (Paris), le Musée des Beaux-Arts (Rouen), le Museum of Fine Arts (Houston), le Art Institute (Chicago), et le Metropolitan Museum of Art (New York), sont exposées pour la première fois en Suisse.

Lag der Einfluss der Kunstkritik mit den oben genannten Akteuren an der Schwelle zum 20. Jahrhundert zunächst noch gleichauf, ist sie heute ein weit weniger bestimmender Faktor für den Aufstieg und Fall von Kunstschaffenden. Zum ersten Mal in der Schweiz vereint diese Ausstellung rund 60 Künstler unterschiedlicher Kunstrichtungen der französischen Malerei zu einem vielfältigen Panorama der Gattungen jener Zeit. Etliche Exponate sind zum ersten Mal in der Schweiz ausgestellt: Leihgaben aus dem Musée du Louvre und dem Musée d’Orsay, beide Paris, aus dem Musée des Beaux-Arts, Rouen, dem Museum of Fine Arts, Houston, dem Art Institute, Chicago, sowie dem Metropolitan Museum of Art, New York.

At the turn of the 20th century, the influence of art criticism was still every bit as great as theirs; today, it is a much less crucial determinant of artists’ fortunes. For the first time in Switzerland, this exhibition brings together some 60 artists representing various movements in French painting to create a rich and diverse panorama of the era’s genres. Some of the exhibits are receiving their first showing in Switzerland. They include loans from the Musée du Louvre and Musée d’Orsay in Paris, the Musée des Beaux-Arts, Rouen, the Museum of Fine Arts, Houston, the Art Institute, Chicago, and the Metropolitan Museum of Art, New York.

kunsthaus zürich Acclamée et brocardée. La peinture française 1820–1880 - Du 10 novembre 2017 au 28 janvier 2018 Gefeiert und verspottet. Französische Malerei 1820 – 1880 - Vom 10. November 2017 bis zum 28. Januar 2018 Praised and Ridiculed. French Painting 1820–1880 - From November 10th, 2017 to January 28th, 2018 plus d’informations - weitere informationen - more information

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musée d’ethnographie L’effet boomerang. Les arts aborigènes d’Australie jusqu’au 7 janvier 2018 GENèVE - SWITZERLAND Murs blancs, écriture néon, lignes épurées: la nouvelle exposition du MEG «L’effet boomerang. Les arts aborigènes d’Australie» accueille son public dans un espace évoquant une galerie d’art contemporain. Le MEG y dévoile l’une de ses plus belles collections et révèle la richesse du patrimoine culturel de l’Australie. Au fil du parcours de l’exposition, on comprend comment les tentatives de suppression de la culture aborigène depuis la colonisation au 18e siècle se sont soldées par un résultat inverse de celui désiré. Lorsque James Cook débarque en Australie, en 1770, il déclare le pays «terre de personne» (Terra nullius), car il n’y reconnaît l’autorité d’aucun État. Cela justifiera la colonisation de l’île et la spoliation sans limite de ses habitants, une mosaïque de peuples établie depuis 60’000 ans, des sociétés qui, jusqu’à ce jour, entretiennent un lien invisible et visible avec le territoire à travers une vision du monde connue sous le nom de Temps du Rêve. Ces récits mythologiques relatent la création de l’univers ainsi que la relation d’équilibre et d’harmonie entre tous les êtres qui le peuplent.

Weisse Wände, Neonleuchtschrift, verfeinerte Linienführung: „Der Bumerangeffekt. Die Kunst der Aborigines Australiens“ - die neue Ausstellung des Genfer MEG-Museums empfängt ihre Besucher wie eine Art zeitgenössische Kunstgalerie. Das MEG zeigt dabei eine seiner schönsten Kollektionen und bringt uns das vielfältige australische Kulturerbe nahe. Innerhalb der Ausstellung erfährt man, dass seit dem 18. Jahrhundert Versuche unternommen worden waren, die Kultur der Aborigines auszulöschen, und wie dann der ursprüngliche Plan zum genauen Gegenteil geführt hat. Als James Cook 1770 in Australien an Land geht, bezeichnet er das Land als „Niemandsland“ (Terra nullius), weil er dort keinerlei staatliche Herrschaft anerkennt. Damit rechtfertigt man später die Kolonisierung der Insel und die grenzenlose Enteignung ihrer Bewohner und Bewohnerinnen, die ein ganzes Mosaik von Stammesgruppen bilden und dort seit 60 000 Jahren leben. Sie fühlen sich auch heute noch auf sowohl unsichtbare wie sichtbare Weise mit dem Land verbunden, und zwar dank einer als Traumzeit bekannten Weltanschauung.

White walls, neon writing, clean lines: the MEG’s new exhibition “The Boomerang Effect. The Aboriginal Arts of Australia” welcomes its visitors in a space evocative of a contemporary art gallery. Here the MEG unveils one of its finest collections and reveals the wealth of indigenous Australia’s cultural heritage. Visiting this exhibition, we understand how attempts to suppress Aboriginal culture since the 18th century have ended up having the opposite of their desired effect. When James Cook landed in Australia, in 1770, he declared the country to be “no one’s land” (terra nullius), as he recognized no state authority there. This justified the island’s colonization and the limitless spoliation of its inhabitants, a medley of peoples who had lived there for 60,000 years, societies which up until today have maintained a visible and invisible link with the land through a vision of the world known as the Dreaming or Dreamtime. These mythological tales recount the creation of the universe as well as the balanced and harmonious relation between all the beings inhabiting it.

photo de gauche - Undiscovered #4 (Non découvert #4), Australie, Queensland, Brisbane, Bidjara. 2010 (Édition 1/2), Impression jet d’encre sur papier, Michael Cook & Andrew Baker Art Dealer, Brisbane, © Michael Cook & Andrew Baker Art Dealer, Brisbane - photo de droite - Pram (Landau) - série Mother, Australie, Brisbane, Bidjara. 2016 (Édition 2/8), Impression jet d’encre sur papier, Michael Cook & Andrew Baker Art Dealer, Brisbane, © Michael Cook & Andrew Baker Art Dealer, Brisbane

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L’exposition revient sur ce qui a fait du MEG le dépositaire de collections australiennes d’une importance singulière. En 1963, les Yolngu de la Terre d’Arnhem, au Nord de l’Australie, adressent au Parlement australien une pétition écrite sur une pièce d’écorce, sur laquelle se côtoient le texte et des peintures traditionnelles, dans le but de recouvrer leurs droits fonciers. Ce geste marque un tournant dans le processus qui conduit à la reconquête des premiers droits politiques et territoriaux des Aborigènes. Dans les années 1970, les artistes aborigènes s’emparent de la peinture acrylique avec les célèbres motifs à base de points (dot painting) et peignent de façon symbolique afin de cacher les signes sacrés. Les motifs, principalement non figuratifs, racontent des épisodes de leurs récits mythologiques. Ces oeuvres, qui ont très vite bénéficié d’une audience internationale, portent une forte charge politique et sont indissociables du combat que mènent les Aborigènes pour la reconnaissance de leur culture et de leurs droits. Dans les villes, se développe à la fin des années 1980, un art appelé parfois «art aborigène urbain». La plupart des artistes de cette mouvance se considèrent simplement comme des artistes contemporains tout en revendiquant de manière forte leur identité aborigène. L’artiste Brook Andrew fait partie de ce mouvement et est invité par le MEG à effectuer une résidence dans le cadre de cette exposition. Diese mythologischen Erzählungen berichten über die Entstehung des Universums und über die Gleichgewicht und Harmonie fördernde Beziehung zwischen allen dort lebenden Wesen. Die Ausstellung kommt darauf zu sprechen, wie das MEG dank der Australien-Sammlungen im Laufe der Zeit einzigartige Bedeutung erlangte. Im Jahre 1963 schicken die Yolngu des Arnhemlandes im Norden Australiens an das australische Parlament eine auf einem Stück Baumrinde verfasste Petition, die einen Text sowie traditionelle Gemälde enthält. Sie versuchen damit, ihre Bodenrechte zurückzugewinnen. Diese Geste führt zu einer Wende der Entscheidungsprozesse und die Aborigines erlangen zum ersten Mal ihr Land wieder zurück und auch politische Rechte. Seit den 1970erJahren stellen die Aborigines-Künstler ihre Gemälde mit Akrylfarben her. Die berühmten Motive der „Punkte-Malerei“ (dot painting) sind Symbole, um die sakralen Zeichen zu verbergen. Sie sind in erster Linie abstrakt und beschreiben Episoden aus ihren mythologischen Erzählungen. Diese Werke haben sehr schnell weltweite Anerkennung gefunden und haben heute eine bedeutende politische Tragweite. Sie sind aus dem Kampf der Aborigines um die Anerkennung ihrer Kultur und ihrer Rechte nicht wegzudenken. In den Städten gibt es seit Ende der 1980er-Jahre eine Kunstrichtung, die manchmal als „Urban Aboriginal Art“ bezeichnet wird. Alle diese Künstler betrachten sich ganz einfach als zeitgenössische Künstler und Künstlerinnen und stellen gleichzeitig ihre aborigine Identität deutlich in den Vordergrund. Der Künstler Brook Andrew, der im Rahmen dieser Ausstellung vom MEG zu einer Künstlerresidenz eingeladen wurde, ist einer von ihnen. Er richtet seinen eigenen Blick auf die Kultur und Geschichte der ersten Einwohner und Einwohnerinnen Australiens und erläutert unter anderem die Frage nach den geheimen und sakralen Objekten. The exhibition retraces the history which made the MEG the depository of extremely important Australian collections. In 1963, the Yolngu from Arnhem Land in northern Australia addressed to the Australian parliament a petition written on a piece of bark, on which were both the text and traditional paintings, in the aim of regaining their land rights. This gesture marked a turning point in the process leading to the recovery of the Aborigines’ first political and territorial rights. In the 1970s, Aboriginal artists began to use acrylic paint in the famous dot painting patterns. They painted symbolically in order to conceal the sacred signs. The patterns, mostly nonrepresentational, recount episodes of their mythological tales. These works, which swiftly found an international audience, are highly political and indissociable from the Aborigines’ struggle for the recognition of their culture and rights. In towns, in the late 1980s, a form of art sometimes called “urban Aboriginal art” developed. Most of the artists belonging to this movement consider themselves to be simply contemporary artists loudly proclaiming their Aboriginal identity. The artist Brook Andrew is part of this movement and has been invited by the MEG to do a residency in the context of this exhibition.

PARLEZ – VOUS PYEONG CHANG? LE MUSÉE À L’HEURE CORÉENNE 07.12.17 AU 11.03.18 olympic.org / musee rivierart

Aquarelle sur papier, par Albert Namatjira (1902-1959), Australie, Territoire du Nord, Hermannburg (Ntaria), Arrernte. 1955, Papier, pigments, H 28,.5 cm l 39,5 cm, Don de Maurice Bastian en 1982 ou 1984, Photo: © MEG, J. Watts

Brook Andrew pose son propre regard sur la culture et l’histoire des premiers habitants de l’Australie et sa réflexion porte, entre autre, sur la question des objets secrets et sacrés. Le photographe d’origine bidjara Michael Cook évoque quant à lui la souffrance de son peuple, notamment celle des générations volées. La série Mother met en scène une femme dans un paysage australien désert. Cette mère est toujours seule, son enfant absent, comme disparu soudainement, bien que la preuve de son existence soit tangible sur les photographies. Derrière des images patinées et esthétiques, Michael Cook aborde un chapitre très douloureux de l’histoire australienne, celui des générations volées. Pendant environ un siècle, plus de 50’000 enfants arborigènes furent enlevés de force à leur famille par le gouvernement australien puis placés dans des centres où ils étaient dépouillés de toute culture traditionnelle. Les tentatives d’acculturation et d’intégration à la culture néo-Australienne, la destruction des liens intergénérationnels et le dénigrement généralisé qui ont affecté les Aborigènes, les ont amenés à renforcer leur identité, leurs revendications, et à déployer une créativité sans précédent. Les artistes aborigènes ont su détourner les nouveaux supports d’expression plastique à l’avancement de leur cause.

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Der Fotograf Michael Cooks, aus der Bevölkerungsgruppe Bidjara stammend, erwähnt die Unterdrückung seines Volkes, womit er in erster Linie die Gestohlenen Generationen meint. Die Serie Mother zeigt eine Frau in einer australischen Wüstenlandschaft. Diese Mutter ist immer alleine, ohne ihr Kind, als ob es plötzlich verschwunden wäre, obwohl seine Anwesenheit auf den Bildern unwiderlegbar zu spüren ist. Mit von der Zeit gezeichneten, optisch ansprechenden Bildern verweist Michael Cook auf ein schmerzliches Kapitel der australischen Geschichte, nämlich das der Gestohlenen Generationen (Stolen Generations). Ungefähr hundert Jahre lang wurden im Auftrag der australischen Regierung 50 000 Mischlingskinder ihren Familien entrissen und in Zentren untergebracht wurden, sodass sie keinerlei Zugang mehr zu ihrer traditionellen Kultur hatten. Die Versuche die Aborigines in die heutige australische Kultur zu integrieren und sie ihr anzupassen, hat ihnen so sehr zugesetzt, dass sie nun ihre Identität, ihre Forderungen und eine beispiellose Kreativität in den Vordergrund gestellt haben. Aborigines-Künstler haben es verstanden, die neuen plastischen Ausdrucksmittel ihres ursprünglichen Zweckes zu entfremden, um ihre Forderungen einen Schritt weiter zu bringen.

Brook Andrew focuses his own gaze on the culture and history of Australia’s first inhabitants and his reflection, concerns, amongst other things, the question of sacred and secret objects. The photographer of Bidjara descent, Michael Cook evokes the suffering of his people, particularly those of the stolen generations. The Mother series presents a woman in an Australian desert landscape. This mother is always alone, her child absent, as though he had suddenly vanished although proof of his existence is tangible in the photographs. Behind the patinated, aesthetic images, Michael Cook deals with a very painful chapter in Australian history, that of the Stolen Generations. Over about a century, more than 50,000 mixed-race children were forcibly taken from their families by the Australian governmentand put in centres where they were stripped of all their traditional culture. The attempts at acculturation and integration into neo-Australian culture, the destruction of intergenerational ties and the generalized denigration affecting Aborigines, have led them to strengthen their identity and demands and to display unprecedented creativity. Aboriginal artists have managed to find their own way of using the new plastic media of expression in order to further their cause.

kunstmuseum bern Van Gogh à Cézanne, Bonnard à Matisse. La Collection Hahnloser jusqu’au 11 mars 2018 bern - SWITZERLAND Le Kunstmuseum Bern présente d’authentiques chefs-d’oeuvre de l’art moderne français et de l’avant-garde suisse. La présente exposition, panorama parmi les plus complets à ce jour de l’ancienne collection Hahnloser, réunit des peintures, des sculptures et des travaux sur papier de Van Gogh, Cézanne, Renoir et Redon, de Hodler, Giacometti, Vallotton et Bonnard, de Matisse, Marquet et Maillol. Dans l’attente de la réouverture programmée de la Villa Flora à Winterthour, le Kunstmuseum Bern accueille pour quelques années un dépôt exceptionnel d’oeuvres de la Fondation Hahnloser/Jaeggli provenant de l’ancienne collection Hahnloser. La collection Hahnloser trouve son origine dans la prouesse accomplie par le couple de collectionneurs pionniers Arthur et Hedy Hahnloser-Bühler. De 1907 à 1936, ils rassemblèrent à Winterthour, dans leur résidence de la Villa Flora, l’une des plus importantes collections d’art moderne classique. Collectionner et s’engager pour l’art de leur temps, en privé comme en public, telle fut la devise des époux Hahnloser qui, disaient-il, voulaient « vivre notre temps ».

Das Kunstmuseum Bern präsentiert eine Ausstellung wahrhafter Meisterwerke von Van Gogh, Cézanne, Renoir und Redon, über Hodler, Giacometti, Vallotton und Bonnard bis hin zu Matisse, Marquet und Maillol. Als eine der bisher umfassendsten Ausstellungen der ehemaligen Sammlung Hahnloser vereint die Überblicksschau bedeutende Gemälde, Plastiken und Arbeiten auf Papier der französischen Moderne und Schweizer Avantgarde. Bis zur geplanten Wiedereröffnung der Villa Flora in Winterthur erhält das Kunstmuseum Bern für die nächsten Jahre, mit den Werken der Hahnloser/Jaeggli Stiftung aus dem Bestand der ehemaligen Sammlung Hahnloser, eine hochkarätige Dauerleihgabe. Die Sammlung Hahnloser geht zurück auf die Pionierleistung des Sammlerpaars Arthur und Hedy Hahnloser-Bühler. In den Jahren von 1907 bis 1936 trugen sie gemeinsam an ihrem Wohnsitz, der Villa Flora in Winterthur, eine der bedeutendsten Sammlungen der Klassischen Moderne zusammen. Sammeln und Einstehen für die Kunst ihrer Zeit, im privaten wie öffentlichen Sinn – „vivre notre temps“ – nach diesem Credo lebte das Ehepaar Hahnloser.

The Kunstmuseum Bern presents an exhibition of veritable masterpieces by leading artists from Van Gogh, Cézanne, Renoir, and Redon through Hodler, Giacometti, Vallotton, and Bonnard to Matisse, Marquet, and Maillol. As one of the most comprehensive exhibitions of the former Hahnloser Collection, it presents an overview that brings together the important paintings, sculptures, and works on paper of French modernism and the Swiss avant-garde. Until Villa Flora in Winterthur opens its doors again to the public, the Kunstmuseum Bern has at its disposal over the next few years the top-notch artworks of the Hahnloser/Jaeggli Foundation as long-term loans. The Hahnloser Collection goes back to the accomplishments of the pioneering collector couple Arthur and Hedy Hahnloser-Bühler. From 1907 to 1936, together they accrued one of the leading collections of modern art in the manor and garden that was their home, Villa Flora in Winterthur. The Hahnlosers lived by the credo of “vivre notre temps” and collected contemporary art while also being its outspoken advocates.

photo de gauche - Félix Vallotton, Le chapeau violet, 1907, Öl auf Leinwand, 81 x 65,5 cm, Dauerleihgabe aus Privatbesitz, ehemalige Sammlung Arthur und Hedy Hahnloser-Bühler, Fotografie: Reto Pedrini, Zürich - photo du milieu - Félix Vallotton, La charette, 1911, Öl auf Leinwand, 101 x 74 cm, Dauerleihgabe, Hahnloser/Jaeggli Stiftung, Kunstmuseum Bern, Fotografie: Reto Pedrini, Zürich - photo de droite - Pierre Bonnard, Palais de Glace (Les Patineurs), 1896–1898, Öl auf Karton,100 x 75 cm, Privatsammlung, © 2017 ProLitteris, Zürich

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Ferdinand Hodler, Das Jungfraumassiv von Mürren aus, 1911, Öl auf Leinwand, 72 x 91 cm, Dauerleihgabe, Hahnloser/Jaeggli Stiftung, Kunstmuseum Bern, Fotografie: Reto Pedrini, Zürich

Ils entretinrent des amitiés étroites avec les artistes, notamment avec Vallotton, Bonnard et Matisse. ils acquirent leurs oeuvres et les recommandèrent à leurs amis collectionneurs et leurs proches parents. Arthur Hahnloser s’engagea dans le conseil d’administration du Kunstverein de Winterthour tandis que Hedy Hahnloser-Bühler invitait à des conversations hebdomadaires sur l’art, à la Villa Flora, autour d’un café - conversations que l’on affubla rapidement du nom de « cafés révolutionnaires ». Une grande partie de l’ancienne collection Hahnloser revint à la Fondation Hahnloser/Jaeggli, créée en 1980 par les descendants des collectionneurs et aujourd’hui propriétaire de près de 300 oeuvres. Le parcours de l’exposition s’organise autour d’un double axe chronologique et thématique. Différents courants artistiques y sont reconstitués à travers les oeuvres de la Collection Hahnloser assorties de prêts de collections privées et de quelques peintures de la collection du musée: des précurseurs de l’art moderne, de l’impressionnisme et du postimpressionnisme, aux représentants du groupe des Nabis et à ceux qu’on appelait les « Fauves ».

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Beide pflegten enge Freundschaften mit Künstlern wie Vallotton, Bonnard oder Matisse, erwarben ihre Kunst und vermittelten sie an Sammler aus dem Freundeskreis und der eigenen Verwandtschaft. Arthur Hahnloser engagierte sich im Vorstand des Kunstvereins Winterthur und Hedy Hahnloser-Bühler lud wöchentlich zum Kunstgespräch bei schwarzem Kaffee in die Villa Flora ein - bald bekannt als „Revolutionskaffee“. Ein Grossteil der ehemaligen Sammlung ging in die von den Nachkommen 1980 gegründete Hahnloser/Jaeggli Stiftung über, die rund 300 Werke - Gemälde und Plastiken sowie zahlreiche Aquarelle, Zeichnungen und Grafiken - umfasst. Der Ausstellungsrundgang ist chronologisch-thematisch gegliedert. Anhand von Werken der Sammlung sowie ausgewählten Leihgaben aus Privatbesitz und einzelnen Gemälden der Museumssammlung werden verschiedene Kunstströmungen nachgezeichnet: Von Wegbereitern der Moderne, vom Impressionismus und Postimpressionismus, über Vertreter der Künstlergruppe der Nabis bis hin zu den so genannten Fauves.

They also avidly pursued the cause of modernist art in the public arena. Both of them fostered close friendships with artists such as Vallotton, Bonnard, or Matisse, and purchased their work, or acted as intermediaries between the artists and the collectors in their circle of friends or among their relatives. Arthur Hahnloser was an active member of the executive committee of the Kunstverein Winterthur, and Hedy Hahnloser-Bühler sent out invitations for weekly art discussions at Villa Flora over black coffee, which soon became known as “revolution coffee”. A large part of the former collection went to the Hahnloser/Jaeggli Foundation, which the descendants established in 1980. The foundation comprises some 300 works of art. The recommended round of the exhibition follows a chronological and thematic order. The show portrays various trends in art with works from the Hahnloser Collection, private loans, and several pieces from the Kunstmuseum Bern. It covers the movements that spearheaded modernism from impressionism and post-impressionism through the Nabis group of artists to the so-called Fauves.

Des artistes avant-coureurs renommés, tels que Van Gogh, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Monet, Manet et Renoir, y côtoient des ensembles regroupés autour des amis artistes des Hahnloser, Bonnard, Vallotton, Redon, Matisse, Hodler ou Giovanni Giacometti. Cette sélection d’oeuvres est emblématique de la stature internationale de la collection. L’exposition porte d’autre part témoignage des relations établies de longue date entre la Collection Hahnloser et le Kunstmuseum Bern. Ainsi, le fils du couple de collectionneurs, Hans Robert Hahnloser, parvint-il dans les années 1930, alors qu’il était professeur d’histoire de l’art et membre du conseil de la fondation du Kunstmuseum Bern et fut par ailleurs donateur d’oeuvres de la collection familiale, à convaincre les membres de la direction du Kunstmuseum Bern d’étendre leur activité de collection à l’art français depuis l’impressionnisme. L’exposition est enrichie d’un film et d’une salle d’exposition sur la Villa Flora où Arthur et Hedy Hahnloser-Bühler créèrent un « Gesamtkunstwerk » (un oeuvre d’art total) qui unissait la vie et l’art d’une manière unique.

Neben namhaften Vorreitern wie Van Gogh, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Monet, Manet und Renoir, finden Werkgruppen der HahnloserKünstlerfreunde um Bonnard, Vallotton, Redon, Matisse, Hodler oder Giovanni Giacometti grosse Beachtung. Die internationale Bedeutung der Sammlung wird mittels dieser Werkauswahl betont. Weiter wird der Bezug zwischen der Sammlung Hahnloser und dem Kunstmuseum Bern aufgezeigt. Beispielsweise konnte der Sohn des Sammlerpaars, Hans Robert Hahnloser, als Ordinarius für Kunstgeschichte und Mitglied des Stiftungsrats des Kunstmuseums Bern, mit Schenkungen aus der Familiensammlung, die Direktionsmitglieder des Kunstmuseum Bern in den 1930er Jahren dazu bewegen, die Sammlungstätigkeit auf die französische Kunst seit dem Impressionismus auszuweiten. Die Ausstellung ist angereichert mit einem Film und einem Ausstellungssaal zur Villa Flora, wo Arthur und Hedy Hahnloser-Bühler ein Gesamtkunstwerk schufen, das Leben und Kunst auf einzigartige Weise verband.

Alongside the famous vanguards of Van Gogh, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Monet, Manet, and Renoir, the show also focuses attention on bodies of work executed by the artist friends of the Hahnlosers like Bonnard, Vallotton, Redon, Matisse, Hodler, or Giovanni Giacometti. The overall selection of works highlights the international significance of the collection. The exhibition also gives insights into the ways in which the Hahnloser Collection is linked to the Kunstmuseum Bern. For example, the son of the collector couple, Hans Robert Hahnloser, was not only a professor in ordinary of art history but likewise a member of the board of trustees of the Kunstmuseum Bern. By donating pieces of the family collection to the Kunstmuseum Bern, in the 1930s he was able to convince the members of the board to expand the Kunstmuseum’s collecting activities to include also French art subsequent to impressionism. The exhibition has been augmented with the further highlights of a film and an exhibition room dedicated to Villa Flora, where Arthur and Hedy HahnloserBühler created a “synthesis of the arts” in which they combined life and art in a highly unique way.

kunstmuseum bern Van Gogh bis Cézanne, Bonnard bis Matisse. la collection Hahnloser - jusqu’au 11 mars 2018 Van Gogh bis Cézanne, Bonnard bis Matisse. Die Sammlung Hahnloser - bis zum 11. märz 2018 Van Gogh bis Cézanne, Bonnard bis Matisse. The Hahnloser Collection - until march 11th, 2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 48

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Musée jenisch Franz Gertsch - visages paysages du 27 octobre 2017 au 4 février 2018 vevey - SWITZERLAND Franz Gertsch (*1930) a inventé vers 1985 une technique de gravure sur bois qui apparaît comme une manière de « criblé ». Or, les stupéfiantes xylographies pointillées du peintre-graveur bernois, souvent de très grand format, se donnent pour peu comme de la photographie, immergée avec son modelé subtil et ses nuances dans l’étale chaleureuse d’une couleur « monochrome ». Tirant parti des fonds du musée et de prêts extérieurs, l’exposition rend compte d’un arc de trente ans de création accordant visages monumentaux et images de la nature. Portraits, qui se lisent comme autant de paysages, et vues de sous-bois, d’eau et de plantes, aussi précises que méditatives, ne cessent de ramener chez Franz Gertsch toute la beauté du monde à l’inépuisable espace de l’art. Une exposition placée sous le commissariat de Rainer Michael Mason, historien de l’art qui accompagne depuis longtemps l’oeuvre de Franz Gertsch.

Franz Gertsch (* 1930) hat um 1985 eine eigene Holzschnitt-Technik erfunden, die dem „Schrotschnitt“ ähnelt. Doch sehen sich die verblüffenden meist großformatigen pointillierten Druckgraphiken des Berner Peintre-Graveurs nahezu wie Photographien an, die mit ihren nuancenreich subtilen Modellierungen in die dichte leuchtende Stille der Monochromie eingewoben sind. Dank eigener Museumsbestände und Leihgaben gibt die Ausstellung Rechenschaft ab über ein dreißigjähriges Schaffen, in dem Monumentalgesichter und Naturbilder sich abwechseln. Die sich wie Landschaften verhaltenden Porträts und die so formklaren wie meditativen Aussichten auf Gehölz, Wasser und Pflanzen führen bei Franz Gertsch die ganze Schönheit der Welt auf den unerschöpfl ichen Raum der Kunst zurück. Die Ausstellung wird kuratiert von dem Kunsthistoriker Rainer Michael Mason, der das Werk von Franz Gertsch seit langem begleitet.

In around 1985, Franz Gertsch (b. 1930) invented a woodcut technique that creates a kind of “dotted manner”. The astonishing stippled woodcuts by the painter and printmaker from Bern, often in very large format, look almost like photographs, their subtle contours and nuances bathed in the warmth of a “monochrome” colour. Drawing on the museum’s own holdings and loans from Swiss collections, the exhibition retraces thirty years of creativity that combine monumental faces with images of nature. In his portraits, which can be read just like landscapes, views of undergrowth, water and plants that are as precise as they are meditative, Franz Gertsch constantly transposes the beauty of the world into the inexhaustible space of art. The exhibition is curated by Rainer Michael Mason, an art historian who has long been interested in the work of Franz Gertsch.

photo de gauche - Natascha IV, 1987–1988, xylographie, 232,5 x 182 cm, épreuve en bleu clair et chair, sur japon Kumohadamashi à la main de Heizaburo Iwano, Musée Jenisch Vevey – Cabinet cantonal des estampes, dépôt de collection particulière - photo de droite - Saintes-Marie-de-la-Mer, 2013, xylographie, 133 x 144 cm, épreuve en orange, sur japon Kumohadamashi à la main de Heizaburo Iwano, Musée Jenisch Vevey, Collection d’art Nestlé

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RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person.

sur les pas de victor hugo Grand écrivain français, Victor Hugo est aussi un homme politique engagé, devenu progressivement partisan d’une démocratie sociale et humanitaire. Avec sa compagne Juliette Drouet, il voyage en Suisse en 1839 et s’arrête à Vevey et à Chillon. Dessinateur à ses heures, il croque un Saint-Christophe à Chillon, et visite les tombes d’E. Ludlow et A. Broughton à l’église Saint-Martin. Il revient en 1883 pour un séjour de repos à Villeneuve et délègue son petit-fils à l’inauguration du funiculaire Territet-Glion.

auf den spuren von victor hugo Victor Hugo, der grosse französische Autor und engagierte Politiker, entwickelt sich zunehmend zum Anhänger einer sozialen und humanitären Demokratie. 1839 bereist er mit seiner Partnerin Juliette Drouet die Schweiz und hält sich in Vevey und Chillon auf. Als Hobbymaler skizziert er in Chillon einen heiligen Christophorus und besucht die Gräber von E. Ludlow und A. Broughton in der Kirche Saint-Martin. 1883 kehrt er zur Erholung nach Villeneuve zurück und delegiert seinen Enkel an die Einweihung der Standseilbahn Territet-Glion.

In the footsteps of victor hugo One of the great French writers, Victor Hugo was also politically active and advocated liberal and humanitarian democracy. He travelled to Switzerland in 1839with his mistress, Juliette Drouet and stayed in Vevey and Chillon. A hobby artist, he drew a sketch of Saint-Christophe in Chillon and visited Ludlow’s and A. Broughton graves at the Church of St-Martin. He returned in 1883 for a resting holiday at the Hotel Byron in Villeneuve and sent his grandson to the inauguration ceremony of the Territet-Glion funicular on his behalf.

photo de gauche - banc Victor Hugo, Saint-Martin, Vevey © Marion Duc - photo de droite - Château de Chillon © Maude Rion

1. Télécharger l’application via le QR-Code | Download the app via the QR-Code | Laden Sie die App über den QR-Code 2. Rendez-vous sur le banc de l’hôte célèbre de votre choix. | Visit the bench dedicated to the famous guest of your choice. Besuchen Sie die Sitzbank des berühmten Gastes Ihrer Wahl. 3. Parcourez la page de l’hôte via l’application et cliquez sur “Scanner sa silhouette”. Visez ensuite le buste pour accéder au contenu interactif. | Open the guest’s page using the app and click on “Scan The silhouette”. Point your smartphone at the torso of the silhouette to access the interactive content. | Via App die Webseite des Gastes öffnen und auf “Silhouette scannen” klicken. Ihr Smartphone auf die Beschilderung der Büste richten und zum interaktiven Inhalt gelangen. www.rencontres-inspiration.com

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musée de l’élysée Etrangement familier. Regards sur la Suisse du 25 octobre 2017 au 7 janvier 2018 lausanne - SWITZERLAND L’image de la Suisse a été façonnée dans une grande mesure par des photographies ayant le tourisme pour toile de fond. Panoramas de montagnes spectaculaires, campagnes idylliques et portraits authentiques de gens du cru. Ces images, commercialisées avec succès, ont contribué à forger l’identité nationale, mais ont aussi eu pour effet de banaliser et de rigidifier le répertoire iconographique. A l’occasion de son centième anniversaire en 2017, Suisse Tourisme a choisi un projet hors du commun pour poser un nouveau regard sur la richesse de la photographie de notre pays.

Das Bild der Schweiz wurde massgeblich von Fotografien geprägt, die einen touristischen Hintergrund haben. Mit spektakulären Bergpanoramen, ländlichen Idyllen oder Porträts von „echten“ Schweizern liess sich das Land erfolgreich vermarkten. Solche Aufnahmen lieferten einen wichtigen Beitrag zur nationalen Identität. Sie führten aber auch zur Inflation und Erstarrung des entsprechenden Bildrepertoires. Schweiz Tourismus hat sich anlässlich ihres 100-Jahr-Jubiläums im 2017 zu einem ungewöhnlichen Projekt entschlossen, um das Potenzial der Fotografie neu auszuloten.

Switzerland’s image has been significantly shaped by photographs dedicated to tourism. With spectacular mountain panoramas, rural idylls or portraits of local people the country could be successfully marketed, and these photographs also made an important contribution towards national identity. Another consequence, however, was that the respective pictorial repertoire became inflated and stereotyped. Switzerland Tourism has chosen an unusual project to mark its 100th anniversary in 2017 with the aim of exploring the potential of photography anew.

Alinka Echeverría, Aala, Saint-Saphorin, 2016, du projet Etrangement familier © Alinka Echeverría Shane Lavalette, Schwyz, 2016, du projet Etrangement familier © Shane Lavalette

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Zhang Xiao, Schaffhausen, 2016, du projet Etrangement familier © Zhang Xiao Sous la direction de la Fondation Suisse pour la Photographie (Winterthour) et du Musée de l’Elysée (Lausanne), cinq photographes de renommée internationale ont été invités à questionner l’image de la Suisse en tant qu’observateurs indépendants, subjectifs et sensibles, libres de tout mandat publicitaire. Les impressions que les photographes Alinka Echeverría (Mexique/UK), Shane Lavalette (USA), Eva Leitolf (Allemagne), Simon Roberts (UK) et Zhang Xiao (Chine) ont glanées lors de leurs voyages dans le pays et le long de sa frontière sont inspirantes et révélatrices. Leurs images cocasses, poétiques ou énigmatiques, nous invitent à poser un regard neuf sur ce qui nous est familier.

Unter der Regie von Fotostiftung Schweiz (Winterthur) und Musée de l’Elysée (Lausanne) wurden fünf international renommierte Fotografen eingeladen, die Schweiz als unabhängige, subjektive und sensible Beobachter zu beleuchten – frei von jedem Werbeauftrag. Was Alinka Echeverría (Mexiko/UK), Shane Lavalette (USA), Eva Leitolf (Deutschland), Simon Roberts (UK) und Zhang Xiao (China) auf ihren Reisen im Landesinnern oder entlang der Grenze entdeckt haben, ist erstaunlich und inspirierend. Ihre lustvollen, poetischen oder rätselhafthintergründigen Bilder laden dazu ein, das Vertraute mit fremden Augen neu zu sehen.

The Musée de l’Elysée (Lausanne) and the Swiss Foundation for Photography (Winterthur) invited five internationally renowned photographers to scrutinise Switzerland in their capacity as independent, subjective and sensitive observers, unrestricted by any advertising commission. What Alinka Echeverría (Mexico/UK), Shane Lavalette (USA), Eva Leitolf (Germany), Simon Roberts (UK) and Zhang Xiao (China) discovered on their travels around the country or along its borders is both inspiring and revealing. Their exciting, poetic or enigmatic images invite viewers to see the familiar with the eyes of an outsider.

Musée de l’élysée Etrangement familier. Regards sur la Suisse - du 25 octobre 2017 au 7 janvier 2018 Fremdvertraut. Aussensichten auf die Schweiz - Vom 25. Oktober 2017 bis zum 7. Januar 2018 Unfamiliar Familiarities. Outside views on Switzerland - from October 25th, 2017 to January 7th, 2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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fondation beyeler Klee – Die abstrakte Dimension jusqu’au 21 janvier 2018 Riehen/Basel - SWITZERLAND Cette exposition se consacre à un aspect encore presque inexploré de la création de Paul Klee - l’abstraction. Dans la première moitié du XXe siècle, le renoncement à la figuration et le développement de l’art abstrait deviennent un thème majeur pour de nombreux artistes européens. Paul Klee, artiste suisse, relève lui aussi le défi: son œuvre riche de presque 10 000 travaux offre des exemples tout à fait passionnants compositions de jeunesse aussi bien qu’œuvres tardives - d’élaboration d’univers iconographiques abstraits et de processus d’abstraction picturale. Les aspects essentiels des œuvres non figuratives de Klee présentent en l’occurrence une importance capitale dans toute sa création: nature, architecture, musique et signes graphiques.

Die Ausstellung widmet sich einem bis jetzt noch kaum untersuchten Aspekt in Paul Klees Schaffen - der Abstraktion. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird die Abkehr vom Gegenständlichen und die Entwicklung abstrakter Kunst zu einem Hauptthema für viele europäische Künstler. Auch der Schweizer Künstler Paul Klee wendet sich dieser Herausforderung zu: In seinem fast 10.000 Arbeiten umfassenden Oeuvre lassen sich - vom Früh- bis zum Spätwerk - überaus spannende Beispiele für die Entwicklung abstrakter Bildwelten sowie für Abstraktionsprozesse in der Malerei beobachten. Die wichtigsten Aspekte in Klees ungegenständlichen Werken sind dabei in seinem ganzen Schaffen von zentraler Bedeutung: Natur, Architektur, Musik und Schriftzeichen.

The exhibition is devoted to a previously little explored aspect of Paul Klee’s work, namely abstraction. In the first half of the twentieth century, the move away from figurativeness and the development of abstract art became a key theme for many European artists. The Swiss artist Paul Klee also responded to this challenge: the almost 10,000 works he created in the course of his career include exciting examples of the development of abstract pictorial worlds and of the processes of abstraction in painting. The key aspects of Klee’s abstract works are, moreover, a central strand of his entire oeuvre: nature, architecture, music and written characters.

Photo de gauche - Paul Klee, Wald-Hexen, 1938, 145 (K5), Öl auf Papier auf Jute, 99 x 74 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Foto: Robert Bayer, Basel - photo de droite - Paul Klee, Ohne Titel (Gefangen, Diesseits-Jenseits), um 1940, Öl, ausgesparte Zeichnung mit Kleisterfarbe auf kleistergrundierter Jute auf Jute, 55,2 x 50,1 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler, Foto: Peter Schibli

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Photo de gauche - Paul Klee, Park bei Lu, 1938, 129, Öl und Kleisterfarbe auf Zeitungspapier auf Jute, 100 x 70 cm, Zentrum Paul Klee, Bern - photo de droite - Paul Klee, Zeichen in Gelb, 1937, 210 (U 10), Pastell auf Baumwolle auf Kleisterfarbe auf Jute auf Keilrahmen, 83,5 x 50,3 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler, Foto: Robert Bayer, Basel

Cette exposition au caractère rétrospectif comprend une centaine d’œuvres de l’artiste issues de toutes les phases de sa création, à partir de 1913, et rassemble de précieux prêts de nombreux établissements et collections particulières de renom d’Europe et d’ailleurs. Parallèlement aux œuvres maîtresses, on peut voir des travaux rarement exposés jusqu’à présent qui font découvrir Klee sous un jour aussi nouveau que surprenant. Avec 20 œuvres, Paul Klee est, avec Pablo Picasso, l’artiste le plus représenté dans la Collection Beyeler. À travers son activité de collectionneur et de galeriste, le fondateur de notre musée, Ernst Beyeler, a défendu de multiples manières l’œuvre de Paul Klee. Près de 500 œuvres de cet artiste sont ainsi passées entre les mains du collectionneur et galeriste. La passion de collectionneur de Beyeler portait principalement sur l’œuvre tardive de Klee, qu’il appréciait tout particulièrement pour « sa qualité chromatique et sa force expressive ». Au fil des ans, Beyeler a réussi à constituer une collection de toute première qualité, comprenant notamment des œuvres clés comme Une étoile se lève, 1931 et Signe en jaune, 1937.

Die Ausstellung mit retrospektivem Charakter umfasst rund 100 Werke des Künstlers aus allen Schaffensphasen - beginnend mit dem Jahr 1913 - und versammelt wertvolle Leihgaben aus zahlreichen renommierten Institutionen und Privatsammlungen in Europa und Übersee. Neben den Hauptwerken werden bis jetzt nur selten ausgestellte Arbeiten gezeigt, die den Künstler in einem überraschend neuen Licht erscheinen lassen. Mit 20 Werken ist Paul Klee zusammen mit Pablo Picasso der am stärksten vertretene Künstler der Sammlung Beyeler. Als Sammler und Galerist engagierte sich der Gründer unseres Museums Ernst Beyeler auf vielfältigste Art und Weise für Paul Klees Schaffen. Rund 500 Werke gingen durch die Hände des Sammlers und Galeristen. Beyelers Sammlungspassion galt hauptsächlich dem Spätwerk Klees, das er „wegen der farblichen Qualität und der Ausdrucksstärke“ besonders schätzte. Im Laufe der Jahre ist es Beyeler gelungen, eine hochkarätige Sammlung zusammenzutragen, zu deren Schlüsselwerken Gemälde wie Aufgehender Stern, 1931 und Zeichen in Gelb, 1937.

The retrospective exhibition will present around 100 works from all periods of Klee’s career starting in 1913 - and will bring together valuable loans from numerous renowned institutions and private collections in Europe and overseas. Alongside major masterpieces, it will feature rarely exhibited works that show Paul Klee in a surprising new light. With a total of 20 works, Paul Klee is the best represented artist in the Beyeler Collection after Pablo Picasso. Both as a collector and as an art dealer, Ernst Beyeler, the founder of our museum, championed Paul Klee’s art in many different ways. In all, around 500 works by Klee passed through the hands of the Basel collector and gallery owner. As a collector, Ernst Beyeler chiefly concentrated on Klee’s late work, which he particularly esteemed for “the quality of its colors and its expressiveness”. Over the years, he accumulated a remarkable collection that includes masterpieces like Rising Star, 1931 and Signs in Yellow, 1937.

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne musée de design et d’arts appliqués Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 contemporains art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et www.mudac.ch er le 1 janvier Ouvert le lundi en juillet et août. LE MUSéE OLYMPIQUE FONDATION DE L’HERMITAGE du mardi au dimanche de 11h à 18h Entrée libre1le, CH premier samedi du mois. Quai d’Ouchy -1006 Lausanne route du Signal 2, ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août Tél : +41 (0) 21 621 65 11 CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

Tél :+41 (0)21 320 50 01 Fax : +41 (0)21 320 50 71 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MAISON D’AILLEURS Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires MUSÉE DES MINÉRAUX FOSSILES Place PestalozziET 14,DES 1400 Yverdon-les-Bains MUSéE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Tél: +41 24 425de 64 Rougemont 38 Fax: +41 24 425 65 75 Bâtiment communal Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex www.ailleurs.ch Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Rougemontmaison@ailleurs.ch Tourisme du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, Tél : 026 924 65 20 Rte de la Croisette - 1659 Rougemont dimanche16 et jours fériés de 11h à 18h jfrhenchoz@bluewin.ch Fax : 026 925 11 67 www.musee-chateau-doex.ch Tél : 026 925 11 66 du mardi au dimanche, de 14h àinfo@rougemont.ch 17h fermeture annuelle durant le mois de www.chateau-doex.ch novembre.

MUSÉE DE L’ELYSEE COLLECTION DE L’ART BRUT Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél 021 99 12 Tél : :021 315316 25 7099 11Fax : 021 315Fax 25 71: 021 316 MUSéE DE DESIGN ET D’ARTS APPLIQUéS art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch CONTEMPORAINS www.elysee.ch LA VILLA ROMAINE DE PULLY du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert Place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne du mardi dimanche de 11h àet 18h les jours fériés,au fermé les 24, 25 décembre 2, CH - 1009 Pully Tél : +41 21 315 25Av. 27 Samson-Reymondin Fax : +41 21 315 25 39 le 1er janvier Ouvert sauf le lundiles enjours juillet et août. fermé le lundi, fériés www.mudac.ch Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04

du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h CENTRE D’ART CONTEMPORAIN à 17h30 ; samedi de 10hCP649, à 12h Place Pestalozzi, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

du mardi au dimanche de 11h à 18h musees@pully.ch ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

MUSéE DES MINéRAUX ET DES FOSSILES www.villaromainedepully.ch Bâtiment de Rougemont de mai à sept. le dimanche decommunal 14h à 18h Espace Ballon

MUSéE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

LE CARREFOUR DES ARTISTES LECARREFOUR CARREFOURDES DES ARTISTES LE DER TREFFPUNKT DERARTISTES KÜNSTLER DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

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LE CARREFOUR DESDES ARTISTES LE CARREFOUR ARTISTES LEDER CARREFOUR DES ARTISTES TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THETREFFPUNKT MEETING POINT FOR ARTISTS THE MEETING POINT FOR ARTISTS

RIVIERART

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RIVIERART

REFOUR DES ARTISTES REFOUR DES ARTISTES EFFPUNKT DER KÜNSTLER EFFPUNKT DERFOR KÜNSTLER ETING POINT ARTISTS ETING POINT FOR ARTISTS

ESPACE BALLON Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex MUSéE D’YVERDON ET RéGION, ARCHéOLOGIE & HISTOIRE Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925Tél 11 :67+41 (0)78 723 78 33 Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains info@rougemont.ch info@espace-ballon.ch Tél: +41 24 425 93 10 www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h info@musee-yverdon-region.ch www.espace-ballon.ch www.musee-yverdon-region.ch à 17h30 ; samedi de 10h à 12h Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h de juin à sept, du mardi au dimanche de Novembre :11h Fermeture à 17h; d’octannuelle à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

la revue suisse des amateurs d’art et de culture RIVIERART RIVIERART

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

N 26 novembre - décembre - janvier 2017-2018 - CHF 10.-

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

N 24 mai - juin -- juillet 2017 - CHF 10.-10.N 9 août - septembre octobre 2013 - CHF

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier.

1 an - 4 numéros - chf 40.rivierart 1/23/2015 11:55:57 AM

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

7/5/2013 3:10:43 PM

flyer dynapress 2014 R13 recto.indd 1

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

rivierart

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h. Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40. 2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés. 3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE MUS ÉE GUTENBERG Au Château - 1684 Mézières tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 Tél Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 - CH-4125 RiehenBündner / Basel Kunstmuseum Chur www.museegutenberg.ch www.museepapierpeint.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi de 18h; Tel : 081 257 28 70 info@bkm.gr.ch jeudi de 11h à 20h, dimanche de 11h 10h àà 17h www.fondationbeyeler.ch de13h30 à 17h00 ; novembre mars : samedi 26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche dede10h Tous les jours 10hàà 17h 18h, le mercredi de 10 www.buendner-kunstmuseum.ch KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 13h30 à 17h00. MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et au dimanche de 10h à 17h, jeudi Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 du mardi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés. MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE de 10h à 20h Tel. +41 (0)32 967 60 77 info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le FRIwww.museegutenberg.ch ART jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; Petites-Rames tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 22, CH - 1701 Fribourg 26 décembre de à 20h, dimanche de 10h à 17h Téljeudi : 026Bern 32311h 23 51 Helvetiaplatz 5, CH - 3005 MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77info@fri-art.ch 11 www.fri-art.ch Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch mercredi vendredi de 12h à 18h ; samedi Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10hau à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Stiftung Lokremise St.Gallen museehn@fr.ch 6 - 2400 Lewww.fr.ch/mhn Marie-Anne-Calame Locle entre les exposijeudi de 18h à 20h. (fermé ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch tions temporaires) 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier. 26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h.

FRIBOuRg

NEuCHÂTEL

BÂLE

ST. GALL

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40. 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

BERNE

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Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

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de l’éditeur. Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur. Offre valable

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onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

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Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés. 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

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rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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N° 26 / 2017-2018, Novembre - Décembre - Janvier parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue sur le Léman © Geneviève Brunner page de dos, vue sur le Léman © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

ISSN 2235-8730

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