BORGONOVO

STORIA DELLA VETRERIA DI BORGONOVO

La Vetreria di Borgonovo nasce da un incontro di personalità, nel 1950 i tre soci fondatori, Francesco Piccioni, Icilio Cantoni e il mastro vetraio toscano Mario Marzini capiscono di condividere una medesima visione del fare, decidono così di iniziare la produzione di prodotti in vetro ad uso casalingo a livello industriale. Solo i risultati dimostrano la capacità, e la capacità dei tre soci porta l’azienda a uno sviluppo così rapido da raggiungere in breve 700 dipendenti che lavorano all’unisono in uno stabilimento di 2.000 mq.

L’intuito della proprietà permette di primeggiare in un mercato sempre più aggressivo attraverso tutti gli anni 50 e 60. Durante tutto questo periodo vengono fatti investimenti in automazione e nuove tecnologie fino a che l’intera azienda diventa completamente automatizzata.

L’azienda continua a svilupparsi e ben presto il ventaglio degli articoli per la casa che l’azienda arriva a produrre aumentano di anno in anno: Bicchieri, brocche, posacenere, tazze da birra e contenitori per la conservazione.

Dopo quarant’anni dalla fondazione e una crescita esponenziale, nel 1987 l’assetto manageriale della Vetreria infine muta: Francesco Piccioni rilevando le quote degli altri soci diventa l’unico proprietario e prosegue così la sua avventura da solista.

Si arriva quindi agli Anni ‘90, che segnano un ulteriore punto di svolta per l’azienda: importanti investimenti in attrezzature industriali e sviluppo del know-how, portano a un allargamento dello stabilimento (che raggiunge gli attuali 52.000 mq) e in breve addirittura a un raddoppio della produzione.

Oggi, dopo oltre 70 anni di attività, l’asset e la struttura dell’azienda sono indubbiamente mutati. Nuove tecnologie, nuovi obiettivi e nuove esigenze hanno influenzato l’attività della Vetreria di Borgonovo. Anche dopo decadi, tuttavia, il tratto identitario è rimasto invariato e forse si è addirittura accentuato: un’attenzione di timbro artigiano, forse quasi artistico, per la qualità, quella stessa qualità che da sempre è il marchio di fabbrica dell’azienda e le ha permesso di svilupparsi così tanto nel tempo.

TECNOLOGIA

2 forni di fusione, 9 linee produttive, 45.000 tonnellate di vetro all’anno, 130 milioni di pezzi, 500 forme. Un unico tipo di vetro. Vetreria di Borgonovo si avvale di due modernissimi forni di fusione, da 110 e 60 tonnellate giornaliere (max) di vetro cavato. Sono due forni ad alimentare le 9 linee produttive, in cui prendono vita 130 milioni di pezzi di 500 forme differenti, modellati tramite pressatura e presso­soffiatura.

Tutti i prodotti a marchio Vetreria di Borgonovo sono realizzati con un unico tipo di vetro extra-bianco (senza piombo) di qualità superiore, che deriva dalla fusione di sabbia silicea e cui sono aggiunti fondenti, decoloranti e affinanti.

VETRERIA DI BORGONOVO’S HISTORY

Vetreria di Borgonovo was born from a meeting of personalities, in 1950 the three founding partners, Francesco Piccioni, Icilio Cantoni and the Tuscan glass master Mario Marzini understood they were sharing the same vision of making, so they decided to industrialize the manufacturing process of glassware for domestic use.

Only the results demonstrate the ability, and the ability of the three partners leads the company to such rapid development as to quickly reach 700 employees working in unison in a 2,000 m2 plant.

The intuition of the owners allows it to stand out in an increasingly aggressive market throughout the 50s and 60s. During this period large investments heve been made in the automation and modern technologies until the entire production system becomes fully automated.

The company continues its development and soon the products range increases: glasses, pitchers, ashtrays, beer mugs and food containers.

Forty years after its foundation and an impressive growth, the company managerial structure in 1987 finally changed: Francesco Piccioni, taking over the shares of the other partners, became the unique owner and he continued his solo adventure. Then we arrive in the 90s, which mark a further turning point for the company: important investments in the industrial equipment and development of know-how lead to an expansion of the factory (which reaches the current 52,000 m2) and rapidly to a production doubling.

Today, after more than 70 years of activity, the asset and the structure of the company have undoubtedly changed. New technologies, new objectives and new needs have influenced the activity of Vetreria di Borgonovo. Even after decades, however, the identity has remained unchanged and even accentuated: an artisanal, perhaps almost artistic attention to quality, the same quality that has always been the company’s trademark which has allowed the company development so much over time.

PRODOTTI

La creatività dell’azienda si esprime al meglio nelle sue tre linee produttive: Bar, Tavola & Casa, Ho.Re.Ca. In ognuna di queste linee la costante ricerca di forme pratiche ed eleganti è il filo conduttore.

Questa creatività unita alla flessibilità propria della vetreria ha permesso di andare oltre gli standard: Vetreria di Borgonovo, infatti, sviluppa e crea anche articoli speciali, tailor made e totalmente personalizzati.

Studiati per il canale Ho.Re.Ca. (Hotels, Restaurants & Catering), gli articoli della Vetreria di Borgonovo sono in grado di sfidare il tempo. Una notevole resistenza, sia meccanica, sia ai molteplici lavaggi, uniti ad una costante ricerca formale ed ergonomica sono le peculiarità che contraddistinguono i prodotti Borgonovo.

Ciò che accomuna tutte le diverse linee produttive dell’azienda è infine la cura riposta anche nell’imballo e nel confezionamento. Il packaging viene appositamente studiato in base alle commesse e nel loro percorso dallo stabilimento al cliente finale, prodotti viaggiano in totale sicurezza.

PRESENTE E IMMEDIATO FUTURO

Vetreria di Borgonovo agisce sempre con lo sguardo rivolto verso il futuro, pronta a cogliere le sfide che il mercato propone, investendo in ricerca, sviluppo e produzione per poter anticipare quella che sarà la richiesta. Un passo decisivo in questo senso era stato compiuto già nel 2007, quando fu avviata la prima linea per la produzione del vetro soffiato, prontamente affiancata da una seconda tre anni dopo, nel 2010.

Questa importante scelta ha un duplice significato per l’azienda: garantire una consegna sempre più puntuale e sviluppare rapidamente nuove linee di articoli. Con lo sguardo sempre oltre.

IMPEGNO AMBIENTALE

La tematica ambientale è da sempre al centro della produzione della Vetreria di Borgonovo. Nel corso dell’ultimo decennio questa sensibilità è diventata fortemente identitaria per l’azienda ed è sfociata in un impegno sempre più concreto nella riduzione di emissioni e consumi.

Inizia tutto nel 2011, quando sui tetti dei propri magazzini l’azienda installa un impianto fotovoltaico per la produzione di energia pulita. Esposizione di 8000 mq di pannelli solari, potenza di 966 kW e capacità produttiva di oltre 1,1 GWh/anno: una vera e propria centrale elettrica al completo servizio dell’attività produttiva. Nel frattempo, l’azienda non ha mai smesso di crescere in ottica green: a marzo 2021 viene completato l’impianto di filtrazione degli effluenti dei forni fusori. Un’installazione che ha comportato la riduzione di oltre il 95% delle polveri in atmosfera. Insieme all’impianto di filtrazione è stato messo a regime un impianto di recupero termico degli effluenti dei forni fusori. Un allestimento che consente all’azienda di produrre oltre 1,6 GWh/anno di energia elettrica.

Anche il ciclo produttivo è stato coinvolto in questa importante operazione. Oggi consumi energetici e le emissioni di rumore sono notevolmente ridotti, grazie all’installazione di moderni dispositivi di illuminazione, macchine operatrici ad elevati rendimenti e strumentazioni per l’isolamento acustico.

L’impegno dell’azienda non poteva che essere concreto anche in ottica produzione dei rifiuti, una tematica centrale soprattutto a livello industriale. Con un’attenta politica di ricircolo e riutilizzo delle risorse la Vetreria di Borgonovo ha più che dimezzato rifiuti prodotti, compresi quelli avviati allo smaltimento in discarica. Infine, l’azienda ha agito concretamente anche sul consumo di acqua, che è una risorsa fondamentale nella produzione degli articoli di vetro: l’adozione delle migliori tecnologie di trattamenti delle acque, ha permesso alla Vetreria di Borgonovo di ridurre del 48% i volumi di acque prelevate.

CERTIFICAZIONE EUROPEA

Vetreria di Borgonovo significa qualità. Una qualità produttiva che è attestata in ambito alimentare dalla certificazione FSSC 22000 e in ambito ambientale dalla certificazione ISO 14000.

L’Azienda, inoltre, mantiene una certificazione metrologica dei propri articoli recanti linea di stazza, in ottemperanza alla Direttiva 2014/32/UE del Parlamento Europeo e del Consiglio del 26/02/2014 (MID).

TECHNOLOGY

2 kilns, 9 production lines, 45.000 tons of glass per year, 130 million pieces, 500 different shapes. A single type of glass.

Vetreria di Borgonovo has two very modern kilns, of 110 and 60 tons per day (max) of pulled out glass.

The two kilns feed the 9 production lines, in which 130 million pieces of 500 different shapes come to life, modeled by pressing and press-blowing systems.

All Vetreria di Borgonovo’s products are made with a single type of extra-white sodic-calcic glass (lead-free) of superior quality, which derives from the fusion of siliceous sand with the addition of fluxes, bleaches and refiners.

PRODUCTS

The company creativity is best expressed in its three production lines: Bar, Tableware & Home, and Ho.Re.Ca. In each of these lines, the constant research for practical and elegant shapes is the leitmotif.

This creativity combined with the company flexibility has made it possible to go beyond the standards: Vetreria di Borgonovo, in fact, also develops and creates special, tailor-made and totally bespoke items.

PRESENT AND COMING FUTURE

Vetreria di Borgonovo always acts with an eye towards the future, ready to take up the challenges coming from the market, investing in research, development and production in order to be able to anticipate merket trends and request. A decisive step in this direction had already been taken in 2007, when the first line for the production of blown glass was started up, promptly joined by a second line three years later, in 2010.

This important choice has a double meaning for the company: to guarantee increasingly punctual delivery and to rapidly develop new lines of items. Always looking beyond.

ENVIRONMENTAL COMMITMENT

The environmental issue has always been at the center of the production for Vetreria di Borgonovo. Over the last decade, this sensitivity has become a strong identity for the company and has resulted in an increasingly concrete commitment to reducing emissions and consumption.

It all began in 2011, when the company installed a photovoltaic system on the roofs of its warehouses for the production of clean energy. An installation of 8000 square meters of solar panels, with the power of 966 kW and production capacity of over 1.1 GWh/ year: an authentic power station at the complete service of the manifacturing process.

In the meantime, the company has never stopped growing from a green perspective: in March 2021 the filtration plant for the kilns effluents was completed. An installation that has resulted in the reduction of more than 95% of dust in the atmosphere.

Together with the filtration system, a thermal recovery plant for the effluents of the kilns was installed. A system that allows the company to produce over 1.6 GWh/year of electricity.

The production cycle was also involved in this important operation. Today energy consumption and noise emissions are considerably reduced, thanks to the installation of modern lighting devices, high-performance operating machines and soundproofing equipment.

The company’s commitment have been tangible also in terms of waste production, a central issue especially at an industrial level. With a careful policy of recirculation and reuse of resources, Vetreria di Borgonovo has more than halved its waste production.

Finally, the company has also acted on its consumption of water, which is a fundamental resource in the production of glassware: the adoption of the best water treatment technologies has allowed the factory to reduce volumes by 48% of water withdrawn.

EUROPEAN CERTIFICATIONS

Vetreria di Borgonovo means quality. A process quality that is certificated in the food industry by the FSSC 22000 certification and in the environmental field by the ISO 14000 certification released by eminent european auditors.

The Company also maintains a metrological certification of its articles bearing the gauge level, in compliance with European Directive 2014/32/EU of the European Parliament and of the Council dated 26/02/2014 (MID).

Antonio “Tonyface” Bacciocchi

Scrittore, giornalista, musicista, blogger. Ha militato come batterista in una ventina di gruppi e scritto una ventina di libri di saggistica musicale. Collabora con il mensile “Classic Rock” e con quotidiani “Il Manifesto” e “Libertà”, è tra i giurati del Premio Tenco. Da diciotto anni anni aggiorna quotidianamente il suo blog www.tonyface.blogspot.it dove parla di musica, cinema, culture varie, sport e con cui ha vinto il Premio Mei Musicletter del 2016 come miglior blog italiano.

Writer, journalist, musician, blogger. He has played as a drummer in about twenty groups and he has written about twenty books of music essays. He writes for the magazine “Classic Rock” and for the newspapers “Il Manifesto” and “Libertà”, he is one of the jury mebers of the Tenco Prize. For eighteen years he has been daily updating his blog www.tonyface. blogspot.it where he talks about music, cinema, culture, sports and with which he won Mei Musicletter Award for best Italian blog in 2016.

Mai come quest’anno sentiamo l’esigenza di dedicare due parole alla copertina della nuova edizione del catalogo Borgonovo. Il 2023 per noi segna un anno di grandi novità e mutamenti, che nascono da una profonda esigenza di rinnovamento. Abbiamo perciò scelto di dare voce a questa rinascita celebrandola in modo creativo, secondo lo stile libero, indipendente e fantasioso che da sempre ci contraddistingue. Vetreria di Borgonovo inaugura così, con questa prima edizione, un inserto iniziale di poche pagine dedicato alla cultura musicale in genere. Da un’idea collettiva è scaturito un progetto che vuole, senza prendersi troppo sul serio, accostarsi all’idea di permeazione culturale e interdisciplinarità applicata per far sì che un catalogo di prodotti possa essere molto di più che una semplice lista di caratteristiche tecniche brutalmente elencate, ma uno strumento arricchito che possa rappresentare per l’utente uno stimolo sensoriale, emotivo, culturale. Tutto il catalogo sarà costellato di illustrazioni digitali, che apriranno le varie sezioni di prodotti, a tema con l’argomento trattato nel testo iniziale.

Quest’anno, con l’occasione del cinquantenario dell’uscita dell’album musicale “Quadrophenia” degli “WHO” abbiamo voluto esplorare tre decenni di musica, soprattutto inglese, ‘60 ‘70 e ‘80 passando dalle british invasion fino allo ska dei Madness, un periodo che in ambito musicale ha simbolicamente rappresentato la lotta al conformismo e lo spirito progressista. Avvalendoci dell’esperienza e della competenza di un esperto di musica di livello internazionale, Antonio “Tony Face” Bacciocchi, le cui origini piacentine sono per noi motivo di orgoglio, abbiamo voluto dare alcune informazioni, aneddoti e curiosità per portare i lettori ad appassionarsi a questi temi e, perché no, ad approfondire personalmente l’argomento.

Ogni anno avremo un tema diverso da esplorare con l’obiettivo di creare una sorta di collezione di cataloghi “Borgonovo” da conservare nel tempo.

Un modo alternativo per rivalutare il classico catalogo cartaceo e infondergli nuova linfa vitale, perché Fare con passione è arte.

Buona lettura!

Never like this year we feel the need to dedicate a few words to the cover of the new edition of the Borgonovo catalogue. The 2023 represent to us a year of great news and changes, which arise from a profound need for renewal. We have therefore chosen to give voice to this rebirth by celebrating it in a creative way, according to the free, independent and imaginative style that has always distinguished us. Vetreria di Borgonovo thus inaugurates, with this first edition, an opening text of a few pages dedicated to the music culture in general. A project has sprung from a collective idea and it wants, without taking itself too seriously, to approach the idea of cultural permeation and interdisciplinarity applied to ensure that a product catalog can be much more than a simple menu of brutally listed technical features, as it becomes an enriched tool which can represent a sensorial, emotional, cultural incentive for the user.

The entire catalog will be scattered along with digital illustrations, which will introduce the various product sections, themed with the topic described in the opening text.

This year, on the celebration of the fiftieth anniversary of the release of the album “Quadrophenia” by the “WHO” we wanted to explore three decades of British music: the 60s 70s and 80s passing from the British invasion to the ska of Madness, a period that symbolically represented the fight against conformity and the progressive spirit in the music field.

Taking advantage of the experience and expertise of an international music expert, Antonio “Tony Face” Bacciocchi, whose origins in Piacenza are a source of pride for us, we wanted to give some information, anecdotes and curiosities to get readers passionate about these issues and, why not, to personally explore the subject.

Each year we will have a different theme to explore with the aim of creating a sort of collection of “Borgonovo” catalogs to be preserved over time.

An alternative way to reappraise the classic printed catalog and give it new lifeblood, because Making with passion is art.

Enjoy the reading!

...e buon ascolto della nostra playlist!

...and enjoy our playlist!

Minigonne, Beatles, capelli a caschetto, camicie a fiori, stivaletti a punta, il beat, la Swinging London, il boom economico, una nuova era, dopo neanche vent’anni dalla fine della seconda guerra mondiale. In Inghilterra buona parte delle macerie dei bombardamenti non erano ancora state rimosse ma i figli di quella generazione, nata sotto le bombe, da genitori in trincea, guardava per la prima volta avanti con una nuova consapevolezza. Nasceva il profilo del “teenager”, ragazzo o ragazza, che non passava più bruscamente dall’infanzia/adolescenza alla vita adulta, dal gioco infantile a una vita di lavoro, responsabilità, matrimonio, figli, mutui, bollette ma si godeva frutti del proprio impiego, spendendoli non per il corredo o pannolini ma per vestiti, dischi, concerti, serate al cospetto di Beatles, Who, Rolling Stones. Lo spiega bene lo scrittore Colin Mc Innes nel romanzo

Absolute Beginners, uscito nel 1958, in cui illustrava in tempo reale ciò che accadeva nelle vie di Soho, nel centro di Londra, a due passi da Piccadilly Circus: I teenager avevano conosciuto la loro ora di gloria al tempo in cui ragazzi avevano scoperto che, per la prima volta da che mondo è mondo, disponevano di quattrini – cosa sempre negata loro proprio nell’età migliore per spenderli, vale a dire quando si è giovani e forti – e inoltre prima che i giornali e la televisione si impadronissero di questa favola dei teenager e la prostituissero come fanno i venduti con tutto quello che toccano. La realtà è leggermente diversa da come è stata tramandata dalla narrazione ufficiale. Sono in molti a ricordare che l’abbagliante e ammagliante Swinging London fosse pertinenza di un ristretto nucleo di privilegiati, artisti, musicisti, aristocratici, rampolli di ricche famiglie in libera uscita. Qualche centinaio di persone che scorrazzava con le Mini Minor da un locale all’altro della capitale, in libertà e senza particolari problemi economici (Michelangelo Antonioni ne immortalò un tassello nel suo “Blow Up”, nel 1966). Ma se questa era l’immagine prevalente e più immediata, alle sue spalle crebbe una generazione diversa dalle precedenti, ansiosa e vogliosa di libertà e aria nuova. In tutta la Gran Bretagna nacque, sull’onda del successo dei Beatles e della Beatlemania, un’ondata di appassionati di musica fresca, pulsante, sensuale e, i capelli crebbero per i maschi, le gonne

Miniskirts, The Beatles, bowl haircuts, flowered shirts, pointed short boots, The Beat, Swinging London, the economic boom, a new era and not even 20 years since the end of the World War II. In England, a good part of the wreckage from the bombings of the war had not even been removed yet, but the children of that generation, born amidst the war, with parents who fought in the trenches, are looking towards the future for the first time with a new understanding. The idea of the ‘teenager’ was born. Boys and girls didn’t pass brusquely from childhood to adulthood, from playing games to adult jobs, responsibility, marriage and children, mortgages and bills. This generation was able to enjoy the fruits of their labor, spending their hardearned money not for a dowry, bus fare or diapers but for clothes, records, and concerts of the Beatles, The Who and The Rolling Stones. Colin MacInnes explains this very well in the novel, Absolute Beginners, published in 1958, as to what was happening on the streets of Soho close to Piccadilly Circus. He said that teenagers experienced their moment of glory where they discovered, for the first time, what the world was about. They had some money - at a time when it could best be appreciated - or so thought tv and print advertisers who exploited them at every turn. The reality is slightly different than the official narrative. Many remember the bright and bewitching Swinging London as a close coterie of privileged people, artists, musicians, aristocrats, and scions of rich families with some freedom. A couple hundred bright young things zooming in Mini Minors from one club to the next without any particular economic duress. (Michelangelo Antonioni immortalized this aspect in his film Blowup in 1966). But if this was the more immediate and prevailing image, considering what came before, a new generation was brought up differently than the previous one, anxious for freedom and a new atmosphere. Riding the wave of the success of the Beatles, and Beatlemania a new age of music was born all over Great Britain creating a next generation of music lovers, fans of a new kind of music, thumping and sensual. The hair grew longer and the skirts grew shorter. The Mod scene emerged at the end of the 1950s within a close group of musicians who cultivated new forms of jazz. The Bebop of Miles Davis,

si accorciarono per le femmine. La scena Mod, nata alla fine degli anni Cinquanta da un nucleo di cultori delle nuove forme di jazz, il Be Bop di Miles Davis, John Coltrane, Charlie Parker, che chiamarono se stessi Mod(ernisti) in contrapposizione a chi seguiva il jazz tradizionale, Trad(izionalisti), affinò, oltre al gusto musicale anche quello estetico, ispirandosi alle copertine dei dischi dei loro idoli, sempre impeccabili nei completi con giacche a tre bottoni e dei film neo realisti italiani e della Nouvelle Vague francese. Il jazzista George Melly fotografa al meglio quel momento: I primi Modernisti essendo bianchi e inglesi erano decisamente lontani dai loro idoli tanto quanto il jazz revivalista e tradizionale. Non c’era alcun dubbio sulla loro sincerità. Non solo capivano la complessità del Be Bop ma anche lo spirito che lo aveva creato. Erano quello che Norman Mailer definiva White Negroes. Scelsero di respingere la società che automaticamente però non rifiutava loro. I Beatles esordiscono nell’autunno del 1962 con il 45 giri “Love me do” in un’Inghilterra che ha già dimenticato e affossato la ribellione rock ‘n’ roll e in cui la musica che scala le classifiche è decisamente poco stimolante. Il loro successo incomincia l’anno successivo con gli album “Please please me” e ”With the Beatles” e una serie di singoli (“From me to you”, “She loves you”, “I want to hold your hand”) che permettono loro di sbancare le classifiche e rivoluzionare il mondo della musica, dapprima inglese, subito dopo americana (il tour del 1964 farà sbocciare centinaia, probabilmente migliaia, di nuovi gruppi) e in breve tempo in tutto il mondo, Italia inclusa. John, Paul, George e Ringo diventano il faro musicale (con l’essenziale aiuto del produttore George Martin che ne gestirà sempre sapientemente l’adeguato confezionamento delle loro canzoni e iniziative artistiche), socio/culturale (con il prezioso apporto del manager Brian Epstein che li saprà gestire fino alla prematura morte nel 1966, dopo la quale il gruppo progressivamente naufragherà), estetico, etico e “filosofico” degli anni Sessanta. In brevissimo tempo, fino allo scioglimento, giusto allo scadere del magico decennio, i Beatles saranno una guida indiscussa che cambierà le carte in tavola, album dopo album, vestito dopo vestito, svolta dopo svolta, trascendendo il profilo di semplice gruppo musicale ma diventando una delle più importanti ed influenti opere d’arte del ‘900. La loro influenza continua ancora oggi dopo oltre sessant’anni, i loro dischi (e film) rimangono indiscussi capolavori ancora ricchi di inimitabili e insuperati insegnamenti. La loro fulminea comparsa travolse la scena musicale inglese, nella quale già si preparavano rivolte artistiche e nuove tendenze ma che senza i Beatles sarebbero probabilmente rimaste sopite nell’oblìo e nell’underground. Poco conosciuto (se non addirittura ignorato) dalle nuove generazioni, Alexis Korner fu

John Coltrane, and Charlie Parker called themselves Mod(ern) and were in contrast to those who created, played and listened to traditional jazz music, the Trads (traditionalists). The former got together, not only because of their musical taste, but also their sense of style which was inspired by the record covers of their idols always dressed in impeccably tailored suits with three-button jackets, but also from Neo-realistic Italian films, and the Nouvelle Vague cinema out of France. The jazz musician, George Melly took pictures of the best of these moments and commented that the first Modernists, being White and English, were as far away from their musical idols as the revivalist jazz movement was. There was no doubt, however, about their sincerity. Not only did they understand the complexities of Bebop but also the spirit in which it was created. They were the people that Norman Mailer referred to as ‘white negroes’. They decided to refute a society that was not necessarily against them. The Beatles debuted in the Fall of 1962 with a 45 single called “Love Me Do” in an England that had already forgotten and buried a rock ‘n’ roll rebellion during a time when the top ten hit songs were decidedly unexciting. Their success solidified in the next year with the debut studio album: Please Please Me, followed by With the Beatles and a series of singles “From Me to You”, “She Loves You”, and “I Want to Hold your Hand” that landed them on the charts and revolutionised the music world initially in Britain and soon after in America (the tour of 1964 led to the blossoming of hundreds and probably thousands of new groups) and in a short time they broke out all over the world, including in Italy. John, Paul, George, and Ringo’s band became the musical lighthouse (with the essential help of their producer, George Martin, who always managed them sagely with the right marketing and packaging of their songs (channeling their artistic initiatives); they were a social/cultural beacon (with the precious guidance of their manager, Brian Epstein, who knew how to guide them until his early death in 1966, after which the group slowly began to sink), an aesthetic, ethical, and ‘philosophical’ lodestar Of the 1960s. In the short time until their break up right at the end of that magical decade, the Beatles would be an undisputed guide that shuffled the deck, album after album, look after look, time after time, transcending the profile of a simple musical group and producing some of the most important and influential masterpieces of the 20th century. Their influence continues today even after 60 years, their records (and films) remain undisputed treasures, full of rich and inimitable, unequaled and unparalleled artistic teachings. Their sudden entry onto the music scene changed everything in a cross section of the population ready for musical revolution with new ideas and trends, but without the Beatles these would probably have

uno dei musicisti chiave per la nascita del beat inglese agli albori degli anni Sessanta, seguitissimo dai primi mod che ascoltavano dalla sua Blues Incorporated i classici di blues e rythm and blues piuttosto difficili da reperire ai tempi. Affiancato dall’armonicista Cyril Davies suona dal 1957 nei club londinesi e nella sua band accoglie (più o meno saltuariamente) il meglio di quella che diventerà la scena beat inglese: Charlie Watts dei Rolling Stones, Jack Bruce e Ginger Baker dei Cream, Long John Baldry, Graham Bond, Danny Thompson, Dick Heckstall-Smith (grande saxofonista dei Colosseum). Anche altri giovanissimi musicisti partecipano alle sue jam session, tra gli altri Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones dei futuri Rolling Stones, Robert Plant e Jimmy Page dei Led Zeppelin, Rod Stewart, John Mayall.

“Il blues è stata la mia più grande ispirazione artistica e una vera e propria filosofia di vita che mi ha dato gioia e conforto” (Eric Clapton). “Il blues era una musica così bella ed eccitante che suonarla voleva dire farla conoscere a più gente possibile” (Steve Winwood). Organizza anche numerosi concerti di bluesmen praticamente sconosciuti in Inghilterra (se non dal giro mod più attento), da Muddy Waters a John Lee Hooker. Da “Pop Story” di Riccardo Bertoncelli (1973): “Korner ha insegnato a una generazione di musicisti quali verità potesse nascondere la tradizione, senza lasciarli morire nelle atmosfere irrespirabili del blando jazz di quegli anni, clarinetti d’oro e voci stentoree...suono duro, ondulato, perfido: iniezioni di jazz elementare e lo skiffle dei primi periodi che si evolve fino a giungere a un blues maturo, carnoso, ai confini dell’ibrido jazz dei Cinquanta”. È questo l’humus e il fertilizzante da cui parte tutta la scena musicale britannica, da cui attingerà in abbondanza quella americana (restituendo tante cose, Bob Dylan in primis) che, a sua volta, è stata la principale artefice di questa realtà. Il blues degli afroamericani, ridotto fino ad allora a musica folk marginale dall’industria bianca, retaggio esclusivo dei musicisti e appassionati di colore (in America fino alla fine degli anni Cinquanta i dischi suonati da neri erano derubricati nelle Race Charts, più o meno le “classifiche razziali” e non competevano con quelle “normali” in cui comparivano gli artisti bianchi) da cui attinsero Alexis Korner e i suoi seguaci, il soul, il rock ‘n’ roll (dei nerissimi Little Richards e Chuck Berry in particolare) e il rhythm and blues da cui presero invece ispirazione i Beatles. I due pilastri che sorreggono una nuova musica. A cui si aggiunge un ulteriore elemento autoctono: lo skiffle. Dice Paul Mc Cartney nel libro

“La versione di Paul” di Paul Du Noyer: “E’ buffo come in “Nowhere boy” (il film sui primi anni di John Lennon) si vede la mamma di John che gli insegna o gli compra dischi di rock n roll. Ma quando ci siamo conosciuti ascoltavamo canzoni degli anni 30...poi arrivò lo skiffle grazie a Lonnie Donegan. Prendevi una chitarra e ti

remained in the oblivion and the underground. Little known (if not purposefully ignored by new generations), Alex Korner and his band, Blues Incorporated, was one of the key musicians responsible for the birth of the English Beat at the dawn of the ‘60s, a genre ardently, followed by the first Mods, who listened to the classics of Rhythm and Blues of his group. They played quite complicated Blues tunes, the music of which was quite difficult to get ahold of at the time. He often had accompanists like British Blues musician, Cyril Davis, and they played from 1957 in London clubs and the band occasionally welcomed the best musicians who would become part of the Beat scene: Charlie Watts from the Rolling Stones, Jack Bruce, and Ginger Baker of Cream, Long John Baldree, Graham Bond, Danny Thompson, Dick Heckstall-Smith (the great saxophonist from the band, Colosseum). There were also other very young musicians, who took part in these jam sessions including Mick Jagger, Keith Richards, and Brian Jones of the future Rolling Stones, Robert Plant and Jimmy page of Led Zeppelin, Rod Stewart, and John Mayall. Eric Clapton said. “The Blues have been my biggest source of artistic inspiration and a tried and true philosophy of life that has given me comfort and joy.” Steve Winwood also said, “The Blues is such beautiful and exciting music that playing it meant exposing it to as many people as possible.” Korner organized numerous concerts for American Bluesmen who were practically unknown in the UK (except by serious in the know fans), from Muddy Waters to John Lee Hooker. From Pop Story by Riccardo Bertoncelli (1973), “Korner taught a generation of musicians about new musical truths hidden under musical traditions, without suffocating in the unbreathable atmosphere of the bland, jazz music of those years, golden clarinets, and blaring voices… hard sounds, undulations, wickedness: injections of elementary jazz with the skiffle that would evolve into a mature Blues, meaty and at the edge of the hybrid jazz of the ‘50s”. This is the soil and the fertilizer out of which the whole British music scene grew contaminating the Americans (returning many things, Bob Dylan in primis) who became the main architects in this reality. The Afro-American Blues was reduced up until now as marginal folk music set apart from the established white music industry and exclusive to musicians and black music fans (in America until the 1950s black music was only included in the top ten of the Race Charts and was not considered for mainstream top ten charts with white artists). Alex Korner and his followers, drew the beats of Soul, Rock ‘n’ Roll (from Little Richard and Chuck Berry in particular) and the Rhythm and Blues from which the Beatles took their inspiration. To this they added another indigenous element: the Skiffle. As mentioned by Paul McCartney in Paul Denoyer’s book, called The

bastava conoscere un paio di accordi per fare blues. Ci voleva un’asse da bucato per dare il ritmo... e poi un basso fatto con una cassa per il tè. Bastavano pochi soldi. Si fa così se non ci sono soldi. Ed è quello che successe in tutta l’Inghilterra ma soprattutto a Liverpool. Lo facevano tutti...una band era un ottimo modo per tirare su qualche soldo, ci potevi fare anche due sterline la settimana”. Lo Skiffle nasce nei primi anni del ‘900 negli States mischiando jazz, blues, folk e country, una sorta di padre del rock and roll e che prese piede alla fine dei Cinquanta in Inghilterra sulle rive del fiume Mersey a Liverpool. Negli anni Trenta

Version of Paul, “it’s funny how in Nowhere Boy (a film about John Lennon”s early years) you see John’s mum teaching him, buying him records. But when we met we were listening to music from the ‘30s… then Skiffle came along thanks to Lonnie Donegan. You took a guitar and you only needed a couple of chords to play the Blues. you needed a washing board to make the Rhythm and then a tea chest for the bass. We didn’t need much money and this is how you do it when you don’t have much money. And this is what was happening in Britain mostly in Liverpool. Everyone was doing it to make a little money and you

si ricordano brani (in Usa) come “Hometown Skiffle” (1929) e “Skiffle Blues” (1946) di Dan Burley & His Skiffle Boys. Si suonava con assi da lavare come percussione, chitarre e manici di scopa fungenti da basso con casse per il tè (il “tea-chest bass”) che erano la cassa armonica. Lonnie Donegan fu il re dello skiffle da cui i Quarrymen dei giovanissimi Lennon e Mc Cartney presero parecchie influenze. Lonnie Donegan ottenne popolarità e successo con “Rock Island Line” (rifacimento di un brano del bluesman Leadbelly) nel 1956. Alla fine degli anni Cinquanta in Gran Bretagna operavano tra i 30.000 e 50.000 gruppi skiffle! Oltre ai

could make a couple of pounds a week.” Skiffle was born at the beginning of the 20th century in the United States, mixing Jazz, Blues, Folk and Country music, a sort of father to Rock ‘n’ Roll that caught on in Britain at the end of the 1950s on the shores of the River Mercy in Liverpool. In the 1930s there were songs in the States like “Hometown Skiffle”, 1929 and “Skiffle Blues” 1946 by Dan Burley and his Skiffle Boys. It was a style of music played on washboards as the percussion; guitars, broom handles and a tea chest bass that kept the harmony. Lonnie Donegan was the king of Skiffle from whom the Quarrymen, with the very

futuri Beatles suonarono in gruppi skiffle personaggi come Van Morrison, Alexis Korner, Ron Wood, Mick Jagger, John Renbourn, Roger Daltrey, Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Robin Trower, David Gilmour, Graham Nash e il futuro Bee Gees Barry Gibb che suonava nella skiffle band Rattlesnakes. Su queste fondamenta e con i Beatles che impazzano sempre più mediaticamente, esplode la nuova scena britannica. Decine, centinaia, addirittura migliaia di gruppi, impugnano strumenti, si fanno crescere i capelli e diventano protagonisti di una nuova epoca. Ognuno attingendo dalla fonte preferita. Chi come Rolling Stones, Animals, Them, Pretty Things guarda al blues e al rhythm and blues, chi invece come Who, Small Faces, Spencer Davis Group e Kinks preferisce la soul music. Altri ancora come Yardbirds, Zombies, Hollies, Moody Blues elaborano soluzioni diverse. C’è anche un giovane mod, tale David Jones, che si dà un gran daffare alla ricerca di notorietà, saltando da un gruppo all’altro. Ci vorranno ancora un po’ di anni ma alla fine ce la farà, dopo aver cambiato nome in David Bowie. Nasce in questo periodo una figura professionale (o quasi) inedita: il manager di gruppi pop/rock. Brian Epstein aveva formato e forgiato i Beatles e risultati erano sotto gli occhi di tutti. Così ad affiancare ragazzi giovanissimi e inesperti arrivano (spesso improvvisati) gestori dei loro affari, non sempre di specchiata onestà. Non si contano i contratti capestro, le successive cause protrattesi per anni, gruppi arrivati in cima alle classifiche che si ritrovano in costante bolletta, uscite discografiche caotiche e schizofreniche, gestite senza scrupoli dai manager all’insaputa dei musicisti. Nel frattempo fioccano i capolavori. Mentre i Beatles continuano a fare da traino e apripista artistico, i nuovi arrivati incidono brani epocali come “My generation” (Who), “Satisfaction” (Rolling Stones), “You really got me” (Kinks), “All or nothing” (Small Faces), “For your love” (Yardbirds), “Gimme some lovin”(Spencer Davis Group), “House of rising sun” (Animals). Siamo ancora in una fase (metà anni Sessanta), in cui il formato album rimane una semplice raccolta dei singoli più famosi, con l’aggiunta di qualche riempitivo. Se ne vendono però a milioni, anche perché il Beat non è più unica pertinenza della Gran Bretagna ma arriva velocemente anche negli Stati Uniti, in tutta Europa (perfino nel blocco sovietico), Australia, Asia, nei paesi africani del Commonwealth. Fa breccia anche nel nostro paese dove, allo stesso modo, saranno migliaia i gruppi che spuntano improvvisamente come funghi, alcuni dei quali diventeranno storici e indimenticabili (dai Nomadi all’Equipe 84, I Corvi, Camaleonti, Giganti, Le Orme, Dik Dik, Rokes, Pooh, I Ribelli, che si affiancheranno a Mina, Caterina Caselli, Nada, Patty Pravo, Rita Pavone). I gruppi e la loro influenza travolgono anche il gusto estetico dei loro fan, i capelli si allungano, i caschetti alla Beatles si sprecano, le

young Lennon and McCartney, drew much influence. Lonnie Donegan became popular and successful with “Rock Island Line” in 1956, covering a song by the Bluesman, Leadbelly. There were between 30,000 and 50,000 Skiffle groups in Great Britain at the end of the 1950s! Other musicians besides the future Beatles played in Skiffle groups - performers like Van Morrison, Alex Korner, Ron Wood, Mick Jagger, John Renbourn, Roger Daltrey, Jimmy Page, Richie Blackmore, Robin Trower, David Gilmour, Graham Nash, and the future Bee Gee, Barry Gibb, who played in the Skiffle band called The Rattlesnakes. It was on this foundation, along with the Beatles who became ever more popular in the media, that the new British scene exploded. Hundreds, even thousands of groups took up instruments, grew their hair, and became main players in this new era. Each and everyone choosing his own genre of music. There were those like the Rolling Stones, the Animals, Them, Pretty Things, who drew from the Blues and Rhythm and Blues. Then there were those like The Who, Small Faces, The Spencer Davis Group, and The Kings who preferred soul music. Then there were others like the Yardbirds, The Zombies, The Hollies, and The Moody Blues, who were inspired by a variety of sources. There was also a young Mod, a certain David Jones, who tried really hard to gain, notoriety, jumping from one band to another. It would still be a few years before he made it, after changing his name to David Bowie. It was during this explosion that there was a new professional figure in the mix, almost unheard of in the music business, the manager of pop bands and rock groups. Brian Epstein created and shaped the Beatles, the results of which were apparent to everyone. However, honesty was not always the norm with certain professionals who managed the young and unsavvy musicians and these bands often found themselves contractually tied up for years. They might be at the top of the charts, but they were always in debt. The record companies were disorganised, schizophrenic, and in many cases managed by unscrupulous people. And it was a time of so many hits. The Beatles continued to take the lead and trail blaze with artistic inspiration while other new artists made iconic hits as well, such as “My Generation” by The Who, “Satisfaction” by The Rolling Stones, “You Really Got Me” by The Kinks, “All or Nothing” by The Small Faces, “For Your Love”, by the Yardbirds, “Gimme Some Lovin’” by the Spencer Davis Group, “House of the Rising Sun” by The Animals. Halfway through the ‘60s, the album format was still simply a collection of singles with a couple of filler songs. Millions of copies were sold because the Beat movement wasn’t only in England, but came quickly to the United States and other European countries, including the Soviet Union, Australia, Asia, and the African countries of the Commonwealth. Breaching

gonne delle ragazze si accorciano, l’Inghilterra grigia e austera ancora ancorata a molte regole e usanze Vittoriane esplode di colori e ribellione giovanile. È grazie a questa massa di giovani consumatori che la musica “pop” diventa industria e in Gran Bretagna assume proporzioni economicamente enormi. Anche iconograficamente e geograficamente, l’Inghilterra diventa, sorpassando nell’immaginario giovanile la lontana America, un punto di riferimento, Londra soprattutto. Carnaby Street una Mecca, gli studi di Abbey Road dove registrano i Beatles (che nel frattempo avevano ricevuto l’onorificenza di Membri dell’Ordine dell’Impero Britannico dalla Regina Elisabetta II, diventano una vera e propria istituzione culturale) un luogo iconico (sublimato poi dalla famosa foto sulle strisce pedonali immortalata sulla copertina dell’album “Abbey Road”), la pulsante vita londinese assume il nome di “Swinging London”. Il nuovo stile di vita fece breccia anche nella “working class” che attraverso la scena Mod trovò una forma identitaria e di appartenenza che divenne anche espressione artistica e culturale e riempì i locali di Soho prima e di tutta l’Inghilterra poi, di ragazzi e ragazze a caccia di concerti, nuove musiche e stili. Un aspetto interessante di quegli anni è anche l’apparizione all’interno delle masse giovanili dei figli dei primi immigrati dalle West Indies, colonie inglesi dei mari caraibici, Giamaica e Trinidad in particolare. Alcuni giovani arrivavano direttamente da lì, altri, pur conservando tracce più o meno prevalenti della cultura originaria, sono nati in Inghilterra e pertanto inglesi al 100%. I linguaggi si mischiarono, lo ska prima, il reggae dopo, divennero una componente della musica inglese, con gruppi e musicisti autoctoni che affiancarono i nuovi eroi del beat. Il soul, il blues e il rhythm and blues, tanto amati dalle band inglesi, portarono spesso in tour anche molti dei musicisti americani originali che trovarono in Europa il successo negato in patria, dove la loro musica era confinata a un’espressione folcloristica e comunque guardata ancora con molta distanza dal pubblico bianco. Quando i Beatles andarono in tour in America nel 1964 furono costretti a imporre contrattualmente che ai loro concerti non ci fosse alcuna separazione tra bianchi e neri (cosa che nel Sud degli States era ancora frequente), quando poco dopo li seguirono, i Rolling Stones si stupirono che i loro principali riferimenti non avessero il successo che reputavano spettasse a loro. Curioso l’aneddoto della band che arriva agli studi di registrazione della Chess Records, la più prestigiosa etichetta blues di sempre e trova il loro idolo assoluto, Muddy Waters, che sta dipingendo al soffitto e poi li aiuta a portare gli amplificatori dal furgone agli studi. La musica beat diventa pop(olare), esce velocemente dagli schemi che lei stessa aveva creato, si espande, si contamina, cerca nuovi orizzonti

the borders of our country in the same way, thousands of bands began sprout it up like mushrooms, and some of them became iconic an unforgettable (from I Nomadi to Equipe’84, I Corvi, Camaleonti, Giganti, Le Orme, Dik Dik, Rokes, Pooh, I Ribelli, who went side by side with Mina, Caterina Caselli, Nada, Patty Pravo, Rita Pavone). The influence of these bands overwhelmed and altered the style of their fans; they grew their hair out. The bowl cuts of the Beatles were everywhere and the miniskirts became shorter; austere and gray England still mired in Victorian Times suddenly exploded into color and youthful rebellion. And thanks to this mass of young consumers, pop music became an important economic industry of grand proportions in Great Britain. England and London specifically became a point of reference, geographically and iconographically, for American youth so far away. Carnaby Street was a mecca along with the Studios of Abbey Road where the Beatles recorded (who in the meantime had received knight ship of the British Empire by Queen Elizabeth II) became a true and proper cultural institution. The pulsating atmosphere in the city became known as Swinging London. This new style of life entered the ‘working class’ by way of the Mod scene and young working-class kids found a form of identity and belonging that became also a cultural and artistic expression. Initially youngsters filled up the bars and restaurants of Soho looking for concert tickets, new music, and new fashion and then in all of England. An interesting aspect of these years is also the appearance of immigrants on the music scene - youngsters from the English colonies in the Caribbean, Jamaica and Trinidad in particular. Some of these kids were first generation born in England and 100% English but kept traces of their island culture alive. Languages got mixed together and Ska was born and then Reggae, and both became important components of British Music with bands and musicians mixing indigenous beats with the music of the time. Soul, Blues, and Rhythm and Blues were styles much loved by English bands, and so many of these American Blues performers toured in Britain and found success while they hadn’t been able to break in the U.S. where these beats were still considered outsider and folkloric and far from the gaze of mainstream white America. When the Beatles went on tour in America, in 1964, they imposed a clause contractually that there could not be any separation in the audience between Black people and White people (something that in the southern states was still quite abnormal). The Rolling Stones toured shortly after and were surprised to find that they were not as popular as the Beatles. A funny anecdote about the band was that during a recording session at Chess Records, the most prestigious, Blues label, The Stones ran into their dearest idol, Muddy Waters, who was painting the ceiling, and who then

e modalità espressive. A partire, ad esempio, dalle stesse copertine dei dischi. Da semplici riproduzioni dei visi dei protagonisti diventano sempre più elaborate, ricercate, affidando sempre più spesso la loro realizzazione ad artisti e grafici, non di rado vere e proprie opere d’arte. Come sempre, saranno i Beatles a concepire un disco come una realizzazione artistica il più completa possibile. Nel 1967 affideranno la copertina di “Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band” agli artisti Peter Blake e Jann Haworth che realizzeranno quella che è probabilmente la più iconica e famosa di sempre. Elaboratissima, coloratissima, fantasiosa, piena di particolari, facce, figure, riferimenti, espliciti e nascosti, che ancora oggi è fonte di studio. In più, per la prima volta in un disco pop rock, inseriscono testi all’interno del disco, testimoniandone la loro importanza, come parte integrante dell’opera stessa, non più trascurabile corredo della canzone. In una concezione sempre all’avanguardia della vita di un gruppo musicale legata da un filo conduttore, in cui ogni disco è u passo avanti, correlato al precedente e che anticipa quello

helped them bring their amplifiers from the truck into the studio. Beat music became Pop (ular) music and immediately broke the mold and expanded into and contaminated other aspects of the business searching for new horizons and means of expression beginning with, for example, record album covers. Departing from the standard reproduction of the faces of a band’s members, album covers became more and more elaborate and curated with the creativity given over to graphic artists creating sometimes true works of art. As always it would be the Beatles who conceived an album as a complete artistic expression from beginning to end. In 1967 they asked the artists Peter Blake and John Howarth to create a cover for Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, and the result was probably one of the most iconic and famous record covers of all time. It was very elaborate, very colourful, full of fantasy, with very specific faces, figures, references, some explicit and some hidden, that are still studied today. Furthermore, for the first time on a rock album, the band, inserted the lyrics on the record itself thus giving the words their due importance as an integral

successivo, pubblicheranno l’anno dopo “The Beatles”, meglio conosciuto come l’”Album Bianco”. Un contrappasso geniale da una dimensione elaboratissima al minimalismo estremo (l’album è tutto bianco, incluso il nome del gruppo, messo in rilievo e leggibile solo in controluce, niente testi, solo qualche foto all’interno), quasi a dichiarare la totalità espressiva della loro arte. Da questo momento tantissime band ne seguiranno l’esempio, facendo diventare il disco un’opera completa. A proposito di opera. Nasce allo scadere del decennio il concetto di “opera rock”. La frenesia della musica pop di allargare sempre di più propri confini si concretizza in una sorta di aspirazione a rivaleggiare con la musica per eccellenza, quella classica, in una provocatoria aspirazione ad avere la stessa credibilità e spessore. Ci sono vari tentativi, sempre in chiave embrionale. Pete Townshend con gli Who ci prova più volte con brani in cui diversi temi musicali sorreggono una storia unitaria. Prima con “A quick one while’s away” nel 1966 e poi con “Rael” nel 1967. Anche “Sgt Peppers” dei Beatles era originariamente concepita come una

part of the music. It was an avant-garde concept in the life of a musical group; there is a central theme, towards which every record is a step forward, but is related to the past and anticipates the next album. Better known as the White Album, their next LP was called The Beatles and was an amusing juxtaposition from the previous colourful album to extreme minimalism (the album is completely white, including the name of the band, embossed, and legible only with a backlight with only a couple photographs on the inside) There were no lyrics, an homage to the music as a total expression of their art. From that moment, many bands followed their example, making each record a complete work in and of itself. Speaking of which, at the end of the decade, several bands conceived rock operas. The frenzy for pop music grew and expanded beyond its preconceived borders, and music and performers were inspired to use some of the best ideas of classical music; it was a a provocative way to aspire to the credibility and weight of classical music. There were various ventures still in an embryonic stage. Pete Townshend and The Who

specie di opera in cui il gruppo si toglieva la consueta identità e diventava un’altra entità. Ne rimangono vaghe tracce all’interno dell’album perché la proposta non andò in porto. I Pretty Things pubblicano”Sf Sorrow” nel 1968, spesso definita la prima opera rock in assoluto ma che verrà surclassata da Townshend e gli Who con il celeberrimo “Tommy” del maggio 1969, doppio album che verrà poi sublimato nel 1975 dalla trasposizione cinematografica di Ken Russel. La modalità letteraria di raccontare storie attraverso la correlazione dei brani di un’opera creerà una sorta di genere a sé stante, soprattutto nell’ambito prog rock che ne abuserà abbondantemente negli anni Settanta. La musica cambia molto velocemente, il rock è diventato adulto, mutano anche le modalità di fruizione. Per molti grandi nomi non bastano più i piccoli club e nemmeno palasport ma sono necessari gli stadi o spazi sempre più ampi. Sempre allo scadere degli anni Sessanta inizia la stagione dei grandi festival, di cui Woodstock diventerà il simbolo e l’epitome. “Nella storia del rock, Woodstock è stato il Big Bang. Da allora si parla di un prima e di un dopo Woodstock” (David Crosby). “Woodstock è stato come la seconda guerra mondiale. Storico e travolgente” (Graham Nash). Tre giorni di musica, centinaia di migliaia di spettatori, l’utopia hippie di un mondo pacifico che naufragherà ben presto in mille contraddizioni. Più le controculture diventano popolari e ad appannaggio mediatico più le loro forme originali tendono a ritirarsi per preservarne lo spirito e la purezza. Accade così anche per il movimento mod in Inghilterra. Molti dei protagonisti rifiutano la moda imperante dei capelli lunghi, barbe, vestiti floreali, derive psichedeliche e radicalizzano il loro aspetto, tagliandosi i capelli cortissimi, ripiegando su un’estetica rude e “stradaiola” e passando dalla definizione di “hard mod” a quella di skinhead. Siamo alla fine degli anni Sessanta e si torna ad affollare i piccoli club ballando soul e lo ska che ha rallentato i ritmi ed è diventato quello che conosciamo come reggae. Gli skinhead mischiano i tratti più minimali dei mod e quelli dei Rude Boy giamaicani. Eleganza, distinzione ma anche modalità spicce, rudi e working class. Sarà solo successivamente che l’estetica skinhead verrà presa a modello dalle frange dell’estrema destra creando una scissione violenta e aspra tra due modi di vivere e concepire questa sottocultura. Gli anni Settanta sono ad appannaggio del prog rock, del glam e dell’hard rock. David Bowie, Roxy Music, Elton John, Genesis, Yes, Slade, Sweet, Bay City Rollers, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Emerson, Lake and Palmer monopolizzano la scena e le classifiche. I Beatles si sono sciolti, gli anni Sessanta rappresentano il passato, le musiche abbandonano la semplicità, l’urgenza e l’immediatezza di qualche tempo prima e si lasciano andare a complessità

tried more than once with songs of different musical themes that support a central idea. Before “A Quick One While He’s Away” in 1966, and then “Rael” in 1967. Also Sgt. Pepper’s of the Beatles was originally conceived as a kind of operetta in which the group removed their natural identity to create something else completely. Some traces of this remain within the album, but the concept was never actually used. The Pretty Things published “SF Sorrow” in 1968 and it is often remembered as the first rock opera, but it was completely out-classed by Townshend and The Who with the famous Tommy in May 20, 1969, a double album that was then turned into a film by Ken Russell in 1975. The literary manner of telling a story through correlations and different songs of an operetta create a sort of genre in and of itself, most of all in the prog (ressive) rock exploited this genre in the 1970s. Music changes very quickly and Rock and Roll grew up - changing also, the ways in which music was performed by many of the big names. It wasn’t enough anymore to play the small clubs or small arenas, but groups needed to fill stadiums and bigger and bigger spaces. The end of the ‘60s brought the beginning of the season of big rock festivals, of which Woodstock would become the epitome and the iconic example. David Crosby said that Woodstock was like the Big Bang phenomenon in that forevermore there would be a ‘before’ and an ‘after’ Woodstock. Graham Nash also compared Woodstock to World War II: historical and overwhelming. Three days of music, hundreds of thousands of spectators, hippie utopia in a peaceful world that was about to break apart into one million different contradictions. The more the counter culture became popular and and mainstream, the more original musicians tended to stand back in order to preserve their spirit and the pureness of their music. This is what happened for the Mod movement in England. Many of the main personalities refused to follow the trends of the moment. They refused to wear long hair, beards, or flowery psychedelic clothes but were more radical with shaved heads and a rough street look and so going past Hard Mod to Skinhead. It is the end of the 1960s and small clubs are still crowded with music and dancing with Soul and Ska and the slowed down rhythms that we know now as Reggae. The Skinheads took some traits of the Mods and the Jamaican Rude Boys; elegance, distinction, standing out, all tough and working class. It would be later that the skinhead aesthetic became the definitive look of the extreme right wing, creating a bitter and violent rift between two ways of life, both conceived within this subculture in the 1970s. It was a time of progressive rock, of glam and hard rock. David Bowie, Roxy Music, Elton John, Genesis, Yes, Slade, Sweet, Bay City Rollers, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Emerson, Lake and Palmer, monopolised the scene

spesso semplicemente auto indulgenti, lontane da genuine espressioni artistiche. Gli spettacoli sono sempre più faraonici, tra fumi, vestiti magniloquenti, lustrini e paillettes, palchi enormi, gli impianti voce sempre più potenti. È l’inconsapevole miccia che farà esplodere, a metà degli anni Settanta, la bomba punk. Un ritorno all’essenziale, al rock ‘n’ roll dei primordi, al concetto basico della musica, diretta, per la gente, senza barriere tra pubblico e gruppo. Ma appena prima c’è un’altra rivoluzione sotterranea che vive, pulsa, (letteralmente) salta, suda, esprime il massimo dell’energia. Vive in (spesso) decrepite discoteche del nord dell’Inghilterra, ad appannaggio di giovani lavoratori e lavoratrici che vogliono fuggire dalla noia di città industriali grigie e anonime, dalle serate decadenti ad ubriacarsi nei pub come i loro genitori o a picchiarsi la domenica con i tifosi avversari in uno stadio. Loro ancora non lo sanno ma fanno parte della scena Northern Soul. Il termine lo coniò il giornalista e fan della musica soul, David Godin, che alla fine degli anni Sessanta aprì il negozio “Soul City” a Londra. Notai che i tifosi di squadre di calcio provenienti dal Nord si disinteressavano delle nuove uscite per cercare solo un certo tipo di rarità. Decisi così di inserirle in un apposito spazio denominato Northern Soul. Ricorda uno dei partecipanti: Tra il 1970 e il 1971 era praticamente un’estensione della scena Mod. Non c’era nessuna pubblicità per le serate, era solo un passaparola. Nessun giornale nazionale ne parlava o annunciava le serate. Almeno fino al 1972 i partecipanti erano solo persone del luogo, nessuno arrivava da altre città perché semplicemente non lo sapeva. Elaine Constantine, regista, scrittrice, frequentatrice delle serate: La stampa musicale mainstream ha ignorato la scena Northern Soul. La musica nera in generale ha sempre avuto una scarsa copertura e una cosa così provinciale senza alcun prodotto da vendere è rimasta completamente fuori dai radar. I giornali locali occasionalmente facevano riferimento agli eventi che circondavano i club in termini di problemi di licenza e di delinquenza percepita. L’idea di giovani che convergono in una piccola città nelle ore successive al tramonto ha fatto rabbrividire i moralisti indignati dei concili parrocchiali in tutto il Nord e nelle Midlands. I fan potevano viaggiare per il paese per raggiungere i club, incontrando sempre persone interessanti lungo il percorso. In gran parte lontana dalle indiscrezioni del mondo adulto, la scena aveva un aspetto fuorilegge enormemente attraente. Uscire quando tutti gli altri sembravano andare a letto, viaggiare nella direzione opposta della società, psichicamente e metaforicamente. Migliaia di ragazzi e ragazze ballano musica soul, rigorosamente rara e sconosciuta, in un mondo a sé, elitario, al di fuori dai circuiti commerciali, Sono i prosecutori della filosofia mod, pur non vestendone più gli abiti ma abbracciandone la filosofia.

and the charts. The Beatles broke up and the ‘60s became part of the past. ‘70s rock music abandoned the simplicity and urgent immediacy of earlier songs. Bands let themselves go towards often self indulgent complexities that were far from genuine musical and artistic expression. The shows were always more and more extravagant with huge stages, over the top costumes with sequins, dry ice, smoke, and ever bigger sound systems. In the middle of the 1970s the Punk Rock bomb exploded and with it a return to the essential primordial rock ‘n’ roll, back to basics beats in contact with the audience without barriers between the band and the public. Just prior, another underground revolution kept thriving, literally pulsating, sweating and giving off massive energy. Often in decrepit discotheques in the north of England, this was the preserve of the young workers who wanted to escape the boredom of factory life, industrial and gray, and the dreary anonymity of another decadent night getting drunk in the pub just like their parents, or violent fighting on Sundays against rival fans at football events in the stadium. They didn’t know it yet, but they are part of the Northern Soul scene, a term coined by the journalist and fan of Soul music, David Godin, who at the end of the 1960s, opened the store called Soul City in London. He noticed that visiting football fan patrons from the North were not interested in new releases, they came in looking for certain rare artists. And so he created a specific Northern Soul section of records. One recalls that between 1970 and 1971 this was an extension of the Mod scene with an underground, word-of-mouth following. With no advertising and no mention in the newspapers, club goers were locals because people from other cities just did not know about these evenings. Elaine Constatine, director and writer, remembers that the mainstream music press ignored the Northern Soul scene. Black music had, in general, received scarce coverage because it was a provincial thing with no record albums to sell and therefore, remained under the radar. Local papers sometimes mentioned these events with reference to liquor license problems and perceived delinquency. The idea that young people were gathering after dark in small town clubs made indignant parish moralists and town councils wince throughout the Midlands and the North. Far from the view of adults in general, club goers met each other along the way; there was an outlaw sense of secrecy that was very exciting. To go out when most people were tucked into bed was like travelling in the opposite direction, physically and metaphorically Thousands of guys and gals danced to Soul music with energy and rigour; it was rare and unknown and in a world unto itself. It was elite and outside the mainstream society. They are the continuers of the Mod philosophy, and even though they don’t wear the clothes anymore they

Non “noi contro di voi” ma “noi SENZA di voi”. La scena Northern Soul improvvisamente esplode a livello mediatico e commerciale. La grande industria (discografica ma non solo) ha sempre osservato la vita delle sotto e contro culture con particolare interesse, laboratorio gratuito da cui attingere idee o da sfruttare commercialmente nel momento in cui l’aspetto numerico dei partecipanti diventa redditizio. Sarà così anche per il Northern Soul che saprà però, dopo un periodo di scomparsa “carsica”, ritornare a galla, conservando purezza e intenti originari, fino ad arrivare ai giorni nostri con radici salde in tutto il mondo. La scena suddetta è parte di quel filo rosso che collega i primi Mod-ernisti degli anni Cinquanta con quelli che stanno per invadere ancora una volta la Gran Bretagna e poco dopo il mondo e che daranno vita al cosiddetto “mod revival”. Nel 1976 il punk esplode in Inghilterra, sconvolge classifiche e costumi, Sex Pistols, Clash, Damned ma anche gli americani Ramones, Patti Smith, Talking Heads, passano in poco tempo dai piccoli club, davanti a poche decine di persone, ai primi posti per dischi venduti con migliaia di fan e adepti che da un giorno all’altro cambiano look e vita. Tra questi anche un giovane ragazzo di Woking, cittadina a nord est di Londra, Paul Weller. Un concerto dei Sex Pistols gli cambia la vita, si rende conto che c’è dell’altro nella musica e che non è più necessario essere un virtuoso per salire su un palco. Scopre in contemporanea “My generation” degli Who e la cultura mod. Si taglia i capelli, si veste come i suoi nuovi idoli, si ispira a Pete Townshend e agli Small Faces, compra una Lambretta. Nasce un gruppo destinato a cambiare tante cose. Si chiamano The Jam e riportano in auge simboli, la filosofia e l’estetica mod. “Sono sempre stato un mod, sarò sempre un mod, mi seppelliranno come un mod”. La loro carriera è fulminea. Vivranno cinque anni, dal 1977 al 1982, infileranno una serie di formidabili brani in testa alle classifiche, riporteranno per primi l’estetica e la cultura mod in auge, Weller diventerà un portavoce generazionale, grazie ai suoi testi che parlano di identità giovanile, di società e politica. Il momento è perfetto per rilanciare una scena che è diventata parte della società e della cultura britannica (un censimento del 1965 segnalava la presenza di 300.000 mod sparsi nell’isola). Cosa di meglio di un film come “Quadrophenia”, ispirato all’omonima opera rock degli Who, pubblicata nel 1973? Frank Roddam, con la supervisione dei componenti della band, porta sullo schermo la storia del giovane mod Jimmy e delle sue peripezie nella Londra del 1965. Il film ha parecchio successo e fa esplodere il citato “mod revival”. Decine di nuovi gruppi calcano i palchi inglesi riprendendo l’estetica e suoni di una dozzina di anni prima, in parecchi riciclandosi da avventure finite malamente all’interno del punk e della new wave. In pochi

hang on tight to the philosophy - ‘not us against you’ but ‘us WITHOUT you’. The Northern Soul scene exploded on a mainstream and commercial level. Entrepreneurs (and not in only the music industry) have always been interested in the underground scene, as a free incubator to get new ideas and exploit them commercially when the presence of fans becomes an attractive sales opportunity. The same thing happened with Northern Soul, which after disappearing for a time, came into the fold of pop culture while conserving its purity and original intentions. It still evolves today with deep roots all over the world. The above era is part of that unifying theme that attaches the first Mod – erns from the 1950s to music lovers who in the ‘70s are once again invading Great Britain and the world, giving a second life to the “MOD revival”. In 1976 Punk exploded in England and disrupted the top ten, cultural customs, and fashion. The Sex Pistols, The Clash, and Damned, but also American groups like The Ramones, Patti Smyth, and Talking Heads, went from playing small clubs with 10 fans to the top of the charts, and thousands of fans in record time. These bands were adept at changing their lives and their look. Included also in this group of artists was a young man from Woking, a town in Northeast London, named Paul Weller. A Sex Pistols concert changed his life, and he understood that there was so much more to music that just music, and that one didn’t have to necessarily be virtuous to take the stage. He discovered at the same time “My Generation” by The Who and also Mod culture. He cut his hair and e started dressing like his idols. He was inspired by Pete Townshend And the Small Faces, and he bought a Lambretta and became part of a group that was destined to change things. This group is called The Jam, and they made references to the symbols, philosophy and Mod aesthetics relevant again. They said that ‘they had always been Mod, that they would always be Mod and that they would be buried Mod’. Their career was meteoric and the band lasted for five years from 1977 to 1982. Several of their greatest hits topped the charts, and they brought their aesthetic and their Mod culture to the forefront; it was very in vogue. Weller became the spokesman for a generation, thanks to his lyrics that spoke about youthful identity, society, and politics. It was a perfect moment to relaunch a cultural scene that had been such a part of British society and culture (a census of 1965 signaled the presence of 300,000 Mods all over the island). What could be a more apt film than Quadrophenia, inspired by the rock opera of the same name, published by The Who in 1973? Frank Roddam, with supervision from the various components of the band, brought the story of the young Mod called Jimmy and his vicissitudes to life in the London of 1965. The movie was quite successful and it helped create a Mod

troveranno il successo ma lasceranno comunque album significativi e ancora oggi di ottimo pregio (tra i migliori Secret Affair e Chords). Non basta. Arriva un altro film, “Blues Brothers” a ridare lustro a una musica ormai considerata obsoleta, come il soul, riportando alla luce nomi in quel momento dimenticati, da James Brown a Ray Charles ad Aretha Franklin. E la musica “nera” ritorna ad affollare le classifiche britanniche. Dexy’s Midnight Runners, gli stessi Jam (e la loro successiva incarnazione, gli Style Council), Redskins, Working Week, ripartono da quelle radici per modernizzare la soul music. Che penetra anche in nomi ben più commerciali come Wham!, Culture Club, Spandau Ballet, Simply Red, tra i tanti. Nello stesso tempo torna a ruggire anche il tempo in levare dello ska. Specials, Madness, Selecter, Bad Manners, vanno sul palco con formazioni di bianchi e ragazzi e ragazze di colore, fatto inconsueto in Inghilterra fino ad allora e infiammano platee miste, che ballano insieme senza pregiudizi e preclusioni razziali. Si sviluppa anche una scena reggae autoctona, con gruppi come Aswad o Steel Pulse. La musica inglese trova nuova linfa vitale, sia da un punto di vista artistico che estetico. Escono dischi destinati a rimanere nella storia, sia in contesti punk che mod/ska/beat, new wave, pop. Sono i primi anni Ottanta che ricodificano la cultura e la sottocultura britannica e mettono le basi per un futuro che dura ancora oggi, in cui quei codici sono sempre ben presenti e spesso fungono da seme per nuove esperienze artistiche.

revival. Many new groups jumped on to the English stage aping the aesthetics and the sounds from over a decade ago. Many of them relived the badly ending adventures that occurred during the Punk and New Wave and only a few bands were very successful, but they gave us significantly iconic albums that today are very prestigious. (the best were Secret Affair and The Chords). As if that was not enough, soon after, another film, The Blues Brothers, showed light and lustre to this genre of music that had seemed otherwise oldfashioned and obsolete like Soul. They brought back some unforgettable names like James Brown, Ray Charles, and Aretha Franklin. Black music once again crowded the British Top Ten. Dexy’s Midnight Runners, The Jam themselves (and their next incarnation, the Style Council), Redskins, Working Week, and from those roots, modernized soul music was born. Other popular bands also broke onto the charts with some very commercial hits from Wham!, Culture Club, Spandau Ballet, and Simply Red among many. At the same time other groups based in Ska began to roar: The Specials, Madness, The Selecter, Bad Manners, and they often went on stage with Black and White musicians in the band’s formation, something that was unusual in England until then. Igniting dance floors, people moved together without prejudice and preconceived racial notions. At the same time local Reggae bands like Aswad and Steel Pulse, broke through. English music found new life blood with new beats, artistic inspiration, and newstyle. So many

MOVIMENTO MOD

La prima scena Mod nasce a Londra alla fine degli anni Cinquanta nel momento in cui si forma il primo nucleo ufficiale di ragazzi e ragazze consapevoli della propria identità, di un proprio stile, di una propria etica, radunati intorno all’ascolto della musica modern jazz. E non a caso il tutto nasce a Soho, da sempre luogo in cui si radunavano artisti, bohemien, sognatori e avanguardisti. Il Bar Italia è il luogo in cui si trovano i primi Mod-ernisti (in contrapposizione ai cultori del jazz tradizionale, i Tradizionalisti). Sono giovani e i pub sono a loro interdetti fino ai 21 anni. L’Italia è un luogo cool, europeo, “esotico”, quanto lo può essere una città americana, irraggiungibile all’epoca per chiunque non fosse particolarmente ricco. Un cappuccino o un caffè espresso da sorseggiare sono infinitamente più eleganti e raffinati di una pinta di birra e sono soprattutto un elemento di distinzione dalla tradizione inglese. L’ammirazione per lo stile europeo (che porterà ad adottare, oltre al taglio di capelli alla francese, l’eleganza degli scooter italiani, personalizzati talvolta all’eccesso, il culto per i film della Nouvelle Vague) è generata da un cosmopolitismo antitetico alla chiusura isolana e isolazionista inglese che si scontra con la mera imitazione dello stile americano caro ai Ted e ai Rocker. I mod ricercano l’esclusività, la distinzione, il gusto per il particolare, sia estetico che musicale. Rifuggono il mainstream. Ben presto la scena si espande da pochi adepti a centinaia di migliaia in tutta la Gran Bretagna, attratti anche dai tanto enfatizzati dalla stampa scontri sulle spiagge inglesi contro i Rockers. Gli Who e gli Small Faces portano alla ribalta l’estetica e la musica Mod. Il momento d’oro è tra il 1964 e il 1966, prima di lasciare il passo a nuove mode, musiche e tendenze. Una dozzina di anni dopo il verbo Mod tornerà in auge, grazie soprattutto ai Jam di Paul Weller e dal 1980 in poi si espanderà in tutto il mondo, soprattutto grazie alla realizzazione del film

“Quadrophenia”, tratto dall’omonima opera rock degli Who, diventando una (sotto) cultura numericamente stabile, che si rinnova in continuazione e che sarà anche madre dell’ondata Brit Pop degli anni Novanta con Oasis e Blur protagonisti principali. Il Mod è diventato cultura, riconosciuto (in Inghilterra) come parte della società, tanto da essere evidenziato anche nella cerimonia d’apertura delle Olimpiadi di Londra del 2012 con tanto di Vespe e Lambrette in primo piano ma ormai presente stabilmente in tutta Europa, dal Portogallo alla Russia, in America, Messico, Giappone, Indonesia, Australia, Filippine.

iconic albums came out at this time, whether it be Punk or Mod/Ska/Beat, New Wave, or Pop. The 1980s recodified the culture and sub culture and created the foundation for a future that still exists today and these codes are still very present and often work as the seeds of new artistic interpretation.

THE MOD MOVEMENT

The first Mod scene emerged in London at the end of the 1950s at a time when a concentration of boys and girls came together, confident in their identity and style with their own ethics and they came together by listening to modern jazz music. It is no surprise that all this happened in London’s Soho, always a neighbourhood where artists, bohemians, dreamers, and the Avant Garde lived and played. Bar Italia is the place where the first Mod – erns frequented (those who were in opposition to others who cultivated traditional jazz, the Trad - itionalists). They were young, and the pubs were off-limits to minors under 21 years of age. The Italia was a cool place, a European place, exotic, similar in the way an American city would be unreachable at the time for anyone who wasn’t particularly rich. A cappuccino or an espresso coffee to sip was infinitely more elegant and refined than a pint of beer and it was, above anything else, different from English tradition. Admiration for the European look (this generation would wear and adopt, besides the French haircut, the elegance of Italian scooters customised to the limit, and the cult for Nouvelle Vague films) was in contrast to the isolationism of the British Islands and the imitation of American style by the Teds, and the Rockers. The Mods tried to be exclusive and distinct and cultivate a taste for very specific items be they, stylish or musical. They refused the mainstream. Soon the scene expanded from a couple of expert Mods to hundreds of thousands all over Britain who were influenced by the press and the news of fights on the beach of Mods versus Rockers. The Who and the Small Faces helped this aesthetic and Mod (ern) music made a come back. The magic moment was between 1964 and 1966, before other trends took over in music and fashion. A dozen years later Mod came back in vogue, thanks mostly to Paul Weller and The Jam. As of 1980 it was known all over the world, mostly due to the film Quadrophenia, based on the rock opera by the Who, which became a permanent underground hit. This music was continuously renewed and would be the origin for the Brit pop wave in the 1990s with Oasis and Blur as main characters. Mod had become the culture, renowned in England as part of society so that even in the opening ceremony of the Olympics of London in 2012 with so many vespas and Lambrettas. A symbol of the Mods is present all over Europe from Portugal to Russia, in America, Mexico, Japan, Indonesia, Australia, and the Philippines.

QUADROPHENIA

Nel 1972 gli Who sono ormai conosciuti in tutto il mondo, grazie ai recenti successi discografici, agli incessanti tour mondiali, alle apparizioni a Woodstock (e al relativo film che ne aveva portato le immagini ovunque) e all’Isola di Wight. Ma incominciano anche i problemi di ego. Ognuno dei componenti si dedica alla carriera solista. Daltrey sta preparando l’esordio omonimo (che vedrà la luce nella primavera 1973), John Entwistle lavora già al terzo album, dopo che con i primi due aveva avuto qualche buona soddisfazione, perfino Townshend aveva fatto uscire l’esordio solitario con una semi raccolta di demo e altre canzoni, “Who came first”, mentre Keith Moon divide con Ringo Starr una piccola parte da attore nel film “That’ll be the day”. Nel frattempo, arriva anche la versione orchestrale di “Tommy” con la London Symphony Orchestra che culminerà con un concerto nel gennaio del 1973.

Daltrey scopre intanto che i due manager Kit Lambert e Chris Stamp sperperano i soldi del gruppo per la loro tossicodipendenza, cosa che sembra riguardare poco Townshend che con le ingenti entrate con i diritti d’autore non ha particolari problemi economici. Il gruppo è insomma allo sbando, incominciano a circolare voci di uno scioglimento. Pete prova a ricompattare gli Who con un nuovo progetto. Un’altra opera rock. Si intitolerà “Rock is dead, long live

QUADROPHENIA

In 1972 The Who, already famous all over the world, thanks to their recent, super successful records and their incessant touring and their appearance at Woodstock (and the eponymously named film that showed the musical event of the decade all over the world) and the Isle of Wight. Soon enough, there would be ego problems with band members as each was dedicated to a solo career. Daltrey was preparing his debut that would come to light in spring of 1973, John Entwistle was already working on a third album after the solid success of the first two, and even Townshend had published a debut solo album, Who Came First, with bits from demos and other songs, while Keith moon shared a small part with Ringo Starr in a little art film called That’ll be the Day. In the meantime, a orchestral version of Tommy was recorded by the London Symphony, Orchestra, and it was Pete Townshend’s job to get Eric Clapton off the heroin by organising a concert for him and others in January 1973.

Daltrey also discovered at this time that two of their managers Kit Lambert and Chris Stamp had burned through a lot of the band’s money on their addictions. This was something that didn’t really bother Pete Townshend who was already making a lot of royalties and didn’t have money problems. The group was about to hit the wall, and voices began to circulate

rock” da cui sarà tratto un film “Rock is dead (rock lives)”. In parallelo c’è un’altra idea, chiamata “Four faces” ovvero quella di rappresentare in un disco le personalità dei quattro Who.

Tra maggio e giugno 1972 la band entra agli Olympic Studios a Londra per registrare una quindicina di brani.

Tra loro anche “Love reign o’er me” e “Is it in my head” che ritroveremo l’anno dopo su “Quadrophenia”.

QUADRAPHRENIA

Il nuovo lavoro inizia a concretizzarsi nella primavera del 1973. All’improvviso Pete focalizza la sua attenzione su un ricordo (grazie anche ad un suggerimento di un amico e fan di lunga data, un mod storico come Irish Jack), di quando trascorse una notte in giro per Brighton con una ragazza, dopo un concerto degli Who, tra mods che vagabondavano dopo uno scontro con i rockers, scooter e quella sensazione di libertà e allo stesso tempo di inadeguatezza rispetto alla società circostante. Scrive febbrilmente una serie di pensieri e note, le stesse contenute nel booklet del disco. E da lì incomincia a lavorare sul nuovo soggetto. Che gli permette di riportare gli Who alle loro origini, ai giorni di Sheperd’s Bush e del Railway Hotel dove suonavano spesso di fronte ad un pubblico quasi esclusivamente mod. E dopo tante elucubrazioni filosofiche spesso poco comprensibili e condivisibili anche gli altri del gruppo approvano e si entusiasmano al nuovo progetto. In un’intervista alla rivista americana “Rock” dell’aprile 1973 Townshend rivela di essere a buon punto per un nuovo album dal titolo “QuadrAphRenia”

(con una A e una R di troppo rispetto al titolo che conosciamo) basato sulla storia di un “Ultra Mod” o meglio “il Mod definitivo” la cui schizofrenia al quadrato riflette le personalità dei quattro membri del gruppo. Dichiara testualmente: “Sto cercando di fare qualcosa come “Arancia Meccanica” in musica. Ma dove quello è una commedia questa è più che una tragedia. Ci sono così tante cose tragiche nei Mods: il fatto che siano cresciuti e diventate persone rispettabili, una situazione deprimente. Il fatto che fossero dei ragazzi educati male e che le uniche cose che avevano fossero ballare e pestare le persone, è deprimente. Il fatto che siano diventati pop star di mezza età, è deprimente. Ma allo stesso tempo c’è il trionfo di questo ragazzo che è un individuo in mezzo a un mondo in cui l’individuo non esiste”.

Dalla fine del 1972 all’inizio delle registrazioni Pete compone, arrangia, suona, rifinisce, aggiunge, cancella. Alla fine, dichiara che per “Quadrophenia” ha composto una “cinquantina” di pezzi pensati per un album quadruplo (uno per ogni membro della band) ma di aver scremato metà del materiale.

L’album è registrato semplicemente in stereo, i tentativi di creare un sound quadrofonico non soddisfecero

that they were breaking up. Pete tried to keep them together with a new project. Another rock opera called Rock is Dead, Long, Live Rock from which they would also make a film, called Rock is Dead (Rock Lives). And at the same time, there was another idea called Four Faces, an album in order to show the personality of all the band members on the record. Between May and June 1972 the band entered Olympic Studios in London to record 15 songs. Among these were “Love Reign O’er Me” and “Is it in my Head?”, both of which we would find a year later on Quadrophenia.

QUADRAPHRENIA

The new project began to take shape in spring of 1973. All of a sudden, Pete started concentrating on a memory (thanks to a suggestion by a friend and long time fan, an iconic Mod called Irish Jack), from when he spent a night out after a Who concert with a woman in Brighton. They hung out among the Mods and vagabonds following a fight with a group of Rockers, and scooters, exploring that sensation of freedom, while simultaneously feeling inadequate in the society surrounding them. He furiously wrote down a series of thoughts and ideas, which are contained in the liner notes of the album. From there he began work on his new project which helped him to bring The Who back to their origins, to the days in Shepherd’s Bush, and The Railway Hotel, where they played often in front of an audience made up, almost exclusively of Mods. Despite much philosophical and often incomprehensible rumination, the other members of the group approved enthusiastically of the new project. In April 1973 in an interview with the American magazine, Rock, Pete Townshend revealed that he was making good progress on a new album with the title QuadrAphRenia (with an A and an R too many compared to the final the title that we know now) based on the story of an ultra Mod, or rather the definitive Mod, in which the schizophrenia squared reflected the personalities of the four members of the band. He said, “I am trying to do something like A Clockwork Orange, but with music; where the former is a comedy, this is more like a tragedy. There are many things that are tragic about the Mods: the fact that they grew up to become respectable people, a depressing situation. The fact that they were badly educated and that the only things they had done were dancing and fighting; the fact that they became popstars in middle age is depressing, but at the same time there’s a sense of triumph in these guys that an individual triumphs in the middle of a world where individuals don’t exist.” At the end of 1972 during the beginning of the recording sessions, Pete composed, arranged, played, refinished, made additions, and made cancellations. In the end after whittling about half the material, he declared that for “Quadrophenia” he composed 50

Towshend che abbandonò il progetto. Trovano lo spazio a Battersea in una chiesa adibita a deposito in cui viene allestito il Ramport Studio. La band prova da marzo e il 21 maggio iniziano ufficialmente le registrazioni.

“Quadrophenia” è l’unico album interamente composto da Pete Townshend che arriva con i demo in cui le parti orchestrali e dei sintetizzatori sono già suonate e pronte.

Si è spesso definito l’album come un lavoro solista di Townshend, con l’aiuto degli altri Who. In effetti sulla copertina appare scritto a chiare lettere

“Quadrophenia in its enterity by Pete Townshend” (e anche “Pete Townshend thanks THE WHO. Again”).

Ed è altrettanto palese che è tutta farina del suo sacco. Ma senza l’apporto di Roger, John e Keith, “Quadrophenia” sarebbe stata un’altra cosa, assolutamente inferiore qualitativamente. Gli Who in questo album danno il meglio di sé, raggiungono l’apice delle capacità, il suono degli strumenti è tra i migliori in assoluto sentiti su un album rock. Non sapranno mai più ripetersi a questi livelli. Pete Towsnhend nel 2011: “E’ stato l’ultimo grande album degli Who. Non abbiamo mai registrato qualcosa di così ambizioso e audace ed è stato anche l’ultimo album in cui Keith Moon è stato in un buono stato di forma”.

Allafine non mancheranno tensioni e polemiche all’interno del gruppo, soprattutto da parte di Roger Daltrey che accusa Townshend di aver tenuto la sua voce troppo bassa e il fonico di averla registrata con un effetto impossibile da togliere successivamente. In realtà non sembra, anzi, il mixaggio è perfettamente equilibrato soprattutto in considerazione dell’ampio numero di strumenti inclusi.

John registra le parti dei fiati nel suo studio, Roger la sua voce in assenza degli altri.

Allafine Daltrey si dimostrerà dubbioso sulla fruizione dell’opera da parte del pubblico, “costretto” ad ascoltarla tutta per assorbirla e capirla adeguatamente. Paradossalmente uno dei dischi rock per antonomasia è anche uno dei primi dischi di musica “elettronica”.

Townshend fa un grande uso del sintetizzatore ARP 2500 con cui lavora sulle parti orchestrali e che è spesso protagonista in tutto l’album, in perfetta simbiosi con l’abituale anima rock della band.

Ad aggiungere un contorno teatrale e cinematografico alla musica si provvede con una serie di registrazioni di rumori che contestualizzano la storia, dal mare iniziale a rumori di stazioni di treno, un telegiornale radiofonico che parla degli scontri tra mods e rockers, una breve registrazione live degli stessi Who e tanto altro.

La storia è apparentemente semplice. Il giovane mod Jimmy, seduto su una roccia pensa al passaggio drammatico e drastico avvenuto in pochi giorni da una

some songs.

They recorded the album in simple stereo. Those attempts to create a quadraphonic sound were unsatisfying, so he abandoned that part of the project. They found a space in Battersea in a church being used as a warehouse and there they organised their Ramport studio. The band practiced in sessions from March to mid May when they officially started recording. Quadrophenia is the only album completely created and composed by Pete Townshend, who arrived with demos of pre-recorded synthesizer and orchestral sections ready to go. The album has often been called a solo album with the help of some of the other members of The Who. In effect on the cover written in clear letters “Quadrophenia in its entirety by Pete Townshend” (and also “Pete Townshend thanks The Who Again”. it was clear to all that he’d done most of the work.

Without the contribution of Roger, John, and Keith, Quadrophenia would have been a different musical piece, an absolutely inferior album. The Who on this album showed the best of itself, soaring to the heights of their ability with instruments sounding as best they can on a rock ‘n’ roll album. They would never know how to repeat their work at this level. Pete Townshend said in 2011 that it was the last great album of The Who, “we had never recorded something so ambitious and audacious and it was the last album on which Keith Moon was playing in a healthy state.”

In the end there would be tension and polemics within the group mostly due to Roger Daltrey accusing Townshend of keeping his voice so low so that was impossible to edit it out. In reality it doesn’t seem so. Actually the sound acoustics are perfectly balanced especially if you consider the number of instruments being played.

John recorded the wind instruments in his studio and Roger did the voice bits without any of the others. Daltrey was doubtful about the success of an opera; it was an imposition on an audience to listen to it all at once, to take it in, and understand it adequately. Paradoxically it is one of the best Rock albums with an archetypal name and also one of the first records of electronic music. Townshend made great use of his AARP 2500 synthesiser, used on many of the orchestral parts and it often seems to be a main character throughout the album in perfect symphony with the band’s rock ’n roll soul. To round out the theatrical and cinematic interpretations of the music, a series of noises were added to contextualise the plot: from the seaside at the start of the film to train station sounds, a radio broadcast speaking about clashes between Mods and Rockers, a brief recording of The Who themselves, and so many other added sounds. The plot seems on the surface to be a simple one. The young Mod, Jimmy, sits on a rock and thinks about

dimensione adolescenziale all’età adulta, attraverso alcune esperienze traumatiche.

Il contenuto è molto più complesso, come ci ha da sempre abituati Townshend.

LA COPERTINA

La copertina e il booklet interno all’album sono altrettanto esplicativi e ambiziosi e un’ottima introduzione al concetto dell’album, con il protagonista, di spalle, che riflette negli specchietti della Vespa su cui è seduto le quattro facce degli Who.

Il ragazzo della iconica fotografia si chiamava Terry Kennett (anche se sulla copertina del disco viene ringraziato con il nome di Chad). La foto venne scattata da Graham Hughes il 24 agosto 1973 mentre quelle interne da Ethan A. Russsell. Terry “Chad” fu reclutato da Pete Townshend che lo notò in un pub vicino allo studio di registrazione. Nel bel mezzo del servizio fotografico Terry disse che doveva presentarsi in tribunale accusato di aver rubato un autobus!

Russell lo accompagnò in aula e quando il giudice gli chiese che lavoro facesse rispose: “Faccio il modello per gli Who”. Russell confermò e Terry fu rilasciato. Gli altri ragazzi che compaiono nelle foto erano amici e conoscenti di Terry, alcuni vicini all’estetica mod, altri rivestiti per l’occasione. C’è anche Paul, fratello minore di Townshend, a lui molto somigliante, sorta di trasposizione dell’autore nella storia.

Ad aiutare a ricostruire il look dei mods degli anni Sessanta fu chiamato Linden Kirby (accreditato sul disco solo come Linden), un mod originale. La Vespa invece arrivò da un fratello dei ragazzi anch’esso mod. Lo scooter, in pessime condizioni, venne restaurato da un collaboratore degli Who, che era stato però un rocker...ma che ricordava bene come mods accessoriavano loro mezzi di trasporto. Una volta utilizzato, uno dei simboli più ricordati nella storia del rock, venne abbandonato per strada davanti agli studi, vandalizzato e dopo poco tempo caricato su un camion della spazzatura. Terry Kennett è morto nel 2011. Tra le particolarità del booklet l’ambientazione molto cruda, minimale, lontana da ogni spettacolarizzazione, con immagini forti e decisamente poco glamour, alcune ispirate direttamente dal cult film del 1969 “Bronco Bullfrog” di Barney Platts­Mills, del 1969. Il film, anche se mai esplicitamente dichiarato, è stato, sicuramente un riferimento per Townshend nel tracciare il carattere del protagonista dell’opera, un giovane in piena crisi post adolescenziale, in procinto di entrare nella vita adulta.

what has just happened in the last couple of days: the drama and life extremes seen from his point of view, the perspective of an adolescent in a man’s body. The meaning, of course, is much more complex, just as we have learned to come to expect from Pete Townshend.

THE COVER

The album cover and liner notes on the inside of the album are explanatory and ambitious at the same time. They offer a fantastic introduction to the concept of the album with the main character on a Vespa with his back to us looking at the four faces of The Who reflected on the side mirrors.

The kid in this iconic photograph was named Terry Kennett (even if on the liner notes of the album he was thanked as Chad), and the photo was taken by Graham Hughes on August 24, 1973 while the inside pictures were by Ethan A. Russell. Terry, aka “Chad”, was hired by Pete Townshend, who had noticed him in a pub near the recording studio. In the middle of the photo shoot, Terry said that he had to go before a judge because he had stolen a city bus. Russell, the photographer, accompanied the teen to his court date and when the judge asked Terry if he had a job, he replied that he was a model for The Who. Russell confirmed this and Terry was free to go. The other guys appearing in the photos were friends and acquaintances of Terry, some of whom had the Mod aesthetic and some of whom were styled appropriately for the occasion. Also present was Paul, Pete Townshend’s little brother. They looked alike and it was sort of a transposition of the author into the story.

Linden Kirby, one of the original Mods, was called upon to help reconstruct the Mod look of the 1960s (she was credited in the liner notes as Linden). The Vespa came from another Mod, a brother of one of the cast, but it was in terrible condition so The Who finds someone to restore it, but the only problem is that he is a Rocker. In any case this guy knew how the Mods liked to customise their scooters. When they finished using the Vespa for the shoot, one of the most iconic symbols in the history of rock, they abandoned it on the street outside the recording studio where it was vandalized and then taken to the dump. Terry Kennett died in 2011.

With rough imagery and decidedly little glamour, one of the specifics of the liner notes was that they were written very minimally and crudely, far from the polish of the mainstream and some pictures were inspired directly from the cult film of 1969 called Bronco Bullfrog by Barney Platz Mills. That film, although it’s not actually ever explicitly mentioned, was surely a cinematic reference for Townshend for nailing down the personality of the main character of the rock opera, a young man in a post adolescent crisis on his way to becoming a man.

LA STORIA E LE CANZONI

Jimmy è seduto su una roccia davanti al mare (I AM THE SEA) ricordando i motivi che lo hanno portato lì. Il suo dottore (da cui è in cura per problemi psicologici, o meglio, “quadrofrenici”), la sua ragazza, sua madre, il prete, non riescono a capirlo (THE REAL ME). Sente la pressione di dover essere accettato dai suoi amici, contemporaneamente ai contrasti con i genitori (CUT MY HAIR) e perfino della differenza tra le rockstar che ama e il suo essere loro fan (THE PUNK AND THE GODFATHER). Sente quanto la sua vita possa essere insignificante nonostante la consapevolezza di essere uno, un individuo con una personalità (I’M ONE). Lavora come netturbino (DIRTY JOBS) e qualsiasi soluzione politica non fa per lui (HELPLESS DANCER). Si rassegna al fatto che le sue frustrazioni sono irrisolvibili (IS IT IN MY HEAD? e I’VE HAD ENOUGH). Cercando di ritrovare un senso alla sua vita, dopo una dose di stimolanti, viaggia in treno (5.15) verso Brighton dove ha vissuto alcuni dei migliori momenti con gli amici mod (SEA AND SAND). Troverà solo il mare (DROWNED) e il suo eroe mod, Ace Face, che lavora come facchino in un hotel (BELL BOY). La rabbia e la disillusione fanno emergere il suo lato autodistruttivo (DOCTOR JIMMY). Si dirige in barca verso uno scoglio meditando il suicidio. Ma troverà il tempo per riflettere sulla sua vita e capire che sono altri i valori a cui fare riferimento (LOVE REIGN OER ME).

“Non so davvero come possa tornare da quello scoglio o se anneghi, vinca o perda o qualche altra cosa. Non ho davvero deciso cosa succeda. Mi piace che la decisione finale sia nelle mani dell’ascoltatore.” (Pete Townshend).

L’album ebbe un’accoglienza molto positiva sia da parte del pubblico che della critica, vendendo oltre un milione di copie. Purtroppo subì la scarsa cura promozionale dell’etichetta e numerosi intoppi durante il tour di supporto. Pete Townshend non aveva ancora terminato il mixaggio che la Track Records aveva già annunciato la data di uscita, un mese dopo e le prime date del tour. In pochissimo tempo dovette chiudere l’album e preparare tutte le basi (archi, tastiere, fiati) per i concerti dal vivo. Durante le prove ci fu anche un durissimo scontro con Roger Daltrey. Pete cercò di colpirlo con la chitarra e Roger lo stese con un pugno. I concerti non andarono meglio. Scartarono l’idea (troppo costosa e impegnativa) di allestire per ogni concerto un sistema di video che descrivesse la storia. Fin da subito si resero conto di non poter eseguire l’opera interamente e alcuni brani vennero immediatamente tolti. Townshend si accorse di dover cambiare chitarre e/o accordatura una ventina di volte. Spesso l’impianto non era adeguato a supportare

THE PLOT AND THE SONGS

Jimmy is sitting on a rock in front of the sea (“I am the sea”) thinking about how he got here. His doctor (who he was seeing for psychological problems or rather, his quattro frenia). His girlfriend, his mother, the priest - none of them manage to understand him (“The Real Me”). He feels the pressure for acceptance by his friends while, at the same time, fighting with his parents (“Cut My Hair”) and thinking also about the difference between the rockstar that he adores and being one of his fans (“The Punk and the Godfather”). He seems to understand the insignificance of life even though he knows that he has a life and that he is an individual with a personality (“I’m One”). He works as a garbage man (“Dirty Jobs”) and he doesn’t agree with the politicians of the times (“Helpless Dancer”), and he’s resigned to the fact that his frustrations are unresolvable (“Is It in my Head?” and “I’ve Had Enough”). He is trying to find meaning in his life and after a dose of speed, he travels by train (“5.15”) towards Brighton where he had spent some of his best times with his Mod friends (“Sea and Sand”). There he finds only the beach (“Drowned”) and his Mod idol, Ace Face, who actually works as a bellhop in a hotel (“Bell Boy”). His anger and disillusion bring out his auto destructiveness (“Dr. Jimmy”). He points his boat towards the rocks as he considers suicide but then he finds time to reflect on his life and he understands and appreciates some of life’s basic values (“Love Reign O’er Me”). Pete Townshed said that “I don’t know if he comes back to shore or if he drowns, if he wins or loses or maybe something else. I really haven’t decided what happens. I like the idea that the finale is up to the audience.”

The album was very well received by both fans and critics and it sold over 1 million copies. Unfortunately it was given scarce promotional help by the label and there were a lot of problems doing their tour. Pete Townshend had not yet finished mixing the album when Track Records announced its drop date, which was a month after the first dates of the tour. They had to finish the album quickly and prepare all the basics: the violins, the pianos, the wind section in order to do live concerts. While they were practicing, there was a nasty fight between Pete Townshend and Roger Daltrey. Pete tried to hit Roger with a guitar and Roger punched him out. Their concerts didn’t fare much better. They nixed the idea of creating a video of the film for concerts because it was too expensive and demanding.

From the beginning they understood that they could not re-create the entire rock opera during a concert and some songs were removed from the lineup when Townshend realised that he had to change guitars or retune at least 20 times. Often their sound system wasn’t able to adequately maintain the audio and complexity of all the instruments. Also, fans screamed for their

l’impatto sonoro e la complessità della strumentazione. Spesso il pubblico reclamava soliti successi ma soprattutto si annoiava a morte ad ascoltare le lunghe introduzioni ad ogni brano che spiegavano la storia di “Quadrophenia”. La cosa si accentuò in America, dove approdarono a metà novembre, in cui gli spettatori non aveva nessuna cognizione di chi fossero i mods e cosa significassero nella cultura inglese. Nel frattempo Roger alla domanda di come fosse Keith Moon nel 1973 risponde “Un po’ più ubriaco del 1972”. In effetti Keith era sempre più invischiato in alcolismo, anti depressivi ed eccessi di ogni tipo e incapace spesso di seguire le basi a tempo. E fu proprio nella prima data americana, a San Francisco, che collassò sulla batteria durante il concerto e fu sostituito per qualche brano da un ragazzo del pubblico, Scott Halpin. La band chiuse il tour tornando in Inghilterra prima e poi con qualche data in Francia nei primi mesi del 1974. Successivamente brani di “Quadrophenia” vennero quasi tutti esclusi dai live con l’eccezione di “Drowned”, 5.15”, “Bell boy”, “Doctor Jimmy”, “The punk and the godfather” proposti alternativamente.

more famous hits but, worst of all, they got bored by the long introductions to every song in order to explain the plot of Quadrophenia. Things got even worse in America where they began touring mid November. The audience was clueless about the importance of Mods and Rockers within British culture. In the meantime Roger answered a question about Keith Moon health state and said that Moon had been a bit more drunk than he was in 1972, and it was true that Keith was always evermore under the influence along with antidepressants and all kinds of excess so much so that he was often unable to follow the basic tempos of the music. It was on one of those first dates in America, in San Francisco, that he collapsed on his drum set during a concert and was substituted for a couple of songs by a boy from the audience, Scott Halpin. The band closed out their tour and returned to England with a couple of dates in France at the beginning of 1974. After that the songs from Quadrophenia weren’t played live anymore with the exception of “Drowned”, “5.15”, “Bellboy”, “Dr. Jimmy”, and “The Punk and the Godfather” were played alternately

dopo un concerto degli Who nella stessa città nel 1964. Il film venne accolto discretamente bene dalla critica e dal pubblico. La colonna sonora comprende solo dieci dei brani dell’album originale, talvolta in versione accorciata e, nel caso di “The real me”, rimixata e risuonata da John Entwistle. Inclusi anche tre inediti degli Who, esclusi dalla prima versione dell’album, risuonati per l’occasione con Kenney Jones. Compare anche un brano dei Cross Section, la facciata B dell’unico 45 degli High Numbers “Zoot suit” e sette brani di rhythm and blues abitualmente ballati dai mods nei 60’s.

AFFINITA’ CON “SATURDAY NIGHT FEVER”

A lungo, soprattutto in tempo reale, fine anni Settanta, quando “Saturday night fever” esplose e lanciò la disco music come fenomeno globale, facendolo uscire dal circuito più circoscritto dei club black e gay, il film, in cui furoreggiava la figura di John Travolta/ Tony Manero, fu visto come la rappresentazione più becera dell’escapismo, dell’edonismo, del rifiuto dell’impegno. Al contrario “Quadrophenia”, uscito un paio di anni dopo, fu accolto con ben altro spirito, rappresentazione di un travaglio esistenziale adolescenziale. In realtà due film apparentemente antitetici hanno in comune parecchie particolarità.

scene that Pete Townshend had actually lived through after a concert by the Who in the same city in 1964. The film was discreetly well received by both critics and the public. The soundtrack had only ten songs from the original album sometimes shortened versions and in the case of “The Real Me” remixed and replayed by John Entwistle. There are also three new songs that were not in the first version of the album but rerecorded for the movie with Kenney Jones. There is also a song by Cross Section, the B side single of the only 45 of the band High Numbers “Zoot Suit”, and seven songs of Rhythm and Blues that the Mods danced to in the 1960s.

KINSHIP WITH SATURDAY NIGHT FEVER

IL FILM

Sempre particolarmente attenti all’aspetto visivo, dopo aver trasposto su pellicola “Tommy” nel 1975, gli Who approdano di nuovo sul grande schermo nel 1979 con il film di Frank Roddam. Phil Daniels (che rimpiazza. tra le proposte, Johnny Rotten dei Sex Pistols) si cala alla perfezione nei panni di Jimmy, Sting è un credibile Ace Face, il film riproduce piuttosto accuratamente il clima del mondo mod nel 1965.

Nel film ci sono riferimenti autobiografici di quanto vissuto da Towshend durante il suo periodo mod. Ad esempio la scena finale è un richiamo alla morte di un mod nel 1964 che cadde dalla scogliera in circostanze mai chiarite. Era il fratello di un futuro collaboratore degli Who. I mods guidati da Ace Face Sting che partono in Vespa facendo un circolo di fronte alla spiaggia di Brighton sono una scena che Pete vide

THE MOVIE

Always very attentive to visual effects after putting the rock opera Tommy on film in 1975, The Who tried again with the big screen in 1979 with a film by Frank Roddam. Phil Daniels (who, among the prospects, replaced Johnny Rotten of the Sex Pistols). Phil Daniels was perfect in the role of Jimmy and Sting is a credible Ace Face in a film that reproduces quite accurately the world of the Mods in 1965. In the movie there are autobiographical references to moments that Pete Townshend experienced in the Mod scene. For example, the final scene refers to the death of a Mod in 1964 when he fell from the rocks in suspicious circumstances. He was the brother of a future collaborator of The Who. The Mods were led by Ace Face Sting who leaves after doing a donut with his scooter in front of the beach in Brighton. It was a

I protagonisti Jimmy e Tony Manero sono entrambi di estrazione proletaria, quartieri periferici, lavori precari, famiglie spente e fallite, vivono in strada e con le regole della strada, si scontrano entrambi, anche fisicamente, con gang rivali, cercano nel sesso facile e nelle droghe emozioni ed effetti urgenti ed immediati. Trovano nel ballo, nella cura estetica, nei valori del gruppo di amici un riscatto da una condizione sociale pessima e dalle scarse prospettive. Entrambi lo fanno ballando musica nera, l’una, la disco music, evoluzione dell’altra, il rhythm and blues. Per entrambi il mondo “magico” costruito nel proprio immaginario, nel proprio senso di appartenenza, svanirà più o meno tragicamente e improvvisamente e sarà la realtà (cruda e implacabile) a riportarli a terra. Le affinità non sono casuali. Il giornalista inglese Nick Cohn scrisse nel 1976 per il New York Magazine l’articolo “Tribal Rites of the New Saturday Night” che fu l’ispirazione e la base per la sceneggiatura di “Saturday night fever”. L’articolo era presentato come un reportage sulla nuova scena disco music di New York. Vent’anni dopo Cohn dichiarò che si era inventato tutto, essendo arrivato a New York da pochissimo e, non avendo alcuna conoscenza della città o della scena locale, si ispirò per il suo articolo su Vincent (poi cambiato nel film in Tony) ad un Mod di Shepherd’s Bush che conosceva molto bene e che lui stesso definì un “King of Goldhawk Road”. Trasposto l’amico in un contesto new yorkese e discomusic l’articolo divenne pienamente credibile.

Saturday Night Fever came out and launched disco music as a global phenomenon ushering it out of marginal venues, like gay and black clubs. The movie made the John Travolta/Tony Manero character a main trend as he was seen as an example of the most vulgar interpretation of escapism, hedonism, with the refusal to get a job. Opposite from Quadrophenia and premiering a couple of years later, it was received by moviegoers with a completely different spirit. It was a visual representation of the laborious existentialism of adolescence. In reality both seemingly anti-ethical films have several things in common. The main characters of Jimmy and Tony Manero are both working class kids from working class suburbia with no serious employment and complicated unhappy families. They live on the streets, by the rules of the street, and they both fight physically with rival gangs, look for easy sex and drugs and emotions, and they want everything urgently and immediately. In music and dance, they find an aesthetic cure and value for their group of friends, an otherwise negative social situation with few prospects. Both protagonists do so dancing to black music - the latter Disco music, which was an evolution of the former, Rhythm and Blues. Both characters create a magical world in their imagination and a sense of belonging that sadly vanishes at any second with the crude and unforgiving reality, bringing them back to earth. These similarities are not by chance. The British journalist, Nick Cohn, wrote in 1976 for New York Magazine, an article called “Tribal Rites of the New Saturday Night”, which was the inspiration and the basis for the screenplay of Saturday Night Fever. The article was published as a journalistic piece on the new disco scene of New York. 20 years later, Cohen declared that he had invented it all, having just arrived in New York, without any knowledge of the city or the local scene. He found inspiration for his article in the form of Vincent, a Mod friend from Sheppard’s Bush in London, who defined himself as the king of Goldhawk Road. Cohn transplanted this friend into the New York, disco scene, and the article rang very true to its readers.

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