Agosto

No. 5 Agosto, 2017

RT

San Miguel M

Arte Tzútuhil

Raiz Lúcida

Esp

A G A Z I N E

Juan Carlos Cázares

En

Evelyne Pouget

Se nos fué Cuevas

Colleen Sorenson

Fernando Botero

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nú mero 10 Fernando Botero

36

CINE Cine ORSO 16 Juan Carlos

Juan Carlos Cázares

24

José Luis

Cuevas

4

38

Raíz Lúcida

Evelyne Pouget

30Arte Tz´utuhil

42

Estilo Bronco

Vamos a verlo en términos de absoluta actualidad. Esta es una

del

EDI TOR

batalla. Sí… el arte está en guerra contra la comunicación masiva, la ignorancia y hasta la indiferencia. No es una guerra nueva, nos parece que siempre, el arte mantiene una lucha contra la preferencia por los espectáculos populares. No quiere decir que el género popular no deba existir, de ninguna manera. Pero creo que al público en general le falta información de fácil alcance para encontrarse con otras expresiones artísticas y entonces decidir qué es lo que le gusta o no. Hay quién podría decir que la ópera, o el ballet, o la pintura abstracta no le gusta. Puede ser que no ha tenido la oportunidad de escuchar alguna aria de La Boheme – por ejemplo – para poder quedar encantado. Ver el Lago de los Cisnes es una experiencia inolvidable, así como plantarse de golpe, frente a pinturas de José Luis Cuevas, puede causar un impacto que lo aleje de tener interés por el arte.

Pero cuando se tiene la oportunidad de que se le ofrezcan opciones, seguramente va a encontrar algo que lo atrae. Cuando se tiene la opción de recorrer el camino que lo lleve a la apreciación del sonido, de los colores, de las formas, seguramente va a encontrar sus preferencias. Porque todo ser humano, tiene una fuente de sensibilidad interna que es capaz de apreciar las expresiones artísticas y proporcionar felicidad con ello. Pablo Picazo dijo: “Todos nacemos artistas… lo malo es que se nos va olvidando.” Y esto es porque nos falta educación.

Nuestras páginas pretenden poner un pequeño grano de arena en este universo del arte. Cada página lleva plasmada una partícula del arte de artistas principiantes y consagrados, que son todos ellos guerreros en esta lucha contra la comunicación masiva.

Batallamos y nos esforzamos por lograr nuestro objetivo.

Gracias por recibirnos.

Evelyne Pouget

Creo que la mayoría de nosotros somos Artistas

C

uando la gente me pregunta si soy un artista, por lo general me detengo antes de responder. Y la razón es porque, en el fondo, creo que la mayoría de nosotros somos artistas.

El arte, para mí, es la capacidad de sintonizar, ver la belleza, y expresarla de una manera memorable. No estoy hablando de «belleza» en el sentido tradicional de la palabra.

Estoy hablando del reconocimiento de lo que realmente nos mueve como seres humanos.

Los artistas son simplemente aquellas personas que encuentran una manera de capturar este sentimiento y comunicarlo a otros.

Mis primeras influencias fueron lugares, no personas. Nacida en París, estaba rodeada de arte. A los 17 años, queriendo explorar otras culturas, me trasladé a Roma, yo sola.

Ahí fue donde comenzó el viaje de ser artista, creando carteles para el teatro romano y trabajando en un estudio de diseño gráfico. Desde allí, viajé por el mundo, luego me mudé a Nueva York, para abrir mi propio estudio de diseño gráfico y aprendí a comunicar, creando un mensaje que captara tanto la atención como el sentimiento.

Siempre, fui autodidacta. El sentimiento y la fascinación fueron los que me enseñaron, no los profesores de escuelas.

Fue sólo cuando me mudé a Woodstock, Nueva York embarazada de mi primer hijo - que mi sensibilidad artística se abrió completamente.

Fue entonces, que en una conversación con mi marido, de pronto tuve que aceptar el hecho, de que mi Maestro Espiritual, Baba Muktananda, me llamaba la «Pintora». ¿Por qué me calificaba como tal? No tenía idea, pero despertó mi curiosidad.

Así que me senté a “pintar.” De una pequeña fotografía del Maestro, pinté su retrato, al óleo. Era una verdadera experiencia canalizada que nunca olvidaré. El tiempo corrió, y me sentía fascinada. Y cuando terminé, tres horas más tarde, me di cuenta de que no sólo completaba un logro. Sentí que tenía un llamado.

Comencé con retratos, después paisajes, luego mosaicos, pasteles al óleo, fotografía, y ahora, 20 años después, arte digital.

Vivir en San Miguel de Allende, México, ha abierto mi paleta artística a un nuevo nivel. Mis primeras creaciones aquí fueron retratos al óleo de la gente que encontraba caminando las calles - los vendedores de flores, las abuelas, y los músicos – imágenes que la mayoría de los turistas las dan por comunes.

Y entonces un día, hace 12 años, sentada en un parque, oí un sonido - el sonido de los tambores, los caracoles y las campanas. Miré de dónde venía toda esa algarabía y quedé asombrada por lo que vi.

Cientos de danzantes ataviados en vistosos ropajes tradicionales, venían hacia mí. Aprendí que estas personas eran los Concheros, y bailarines del rito Chichemeca, promulgando una tradición sagrada de cientos de años de historia. Me puse a fotografiarlos, tanto como pude, y ya no como turista, sino como una artista visual que intenta amplificar la belleza en esas personas.

La forma en que se movían, lo que representaban, su nobleza, la creatividad y el compromiso.

Aturdida por lo que evocaron en mí, seguí buscando nuevas formas de expresar plenamente lo que estaba viendo. Imágenes que capten esos momentos y que hagan pensar y reflexionar a otras

personas cuando las vean, la intensidad que estos danzantes representan.

Después de una gran cantidad de experimentación, me di cuenta, que con mi arte digital, podía amplificar el momento, hacerlo más accesible a otros, mostrarles el espíritu y la belleza de estas personas asombrosas.

Como artista, estoy en una búsqueda de por vida para encontrar mi voz, lo que tengo que decir y cómo quiero decirlo. Es la voz que me importa – la de un verdadero significado - no la de las tendencias y el estilo del arte. Y aunque nunca pueda ser tan conocida como Vermeer y Sargent, los que han tenido una gran influencia

en mi trabajo, confío en que seguiré descubriendo mi voz, ahora que me estoy convirtiendo en una artista de tiempo completo.

Con ese fin, me complace anunciar que mi primer show, en San Miguel, se llevará a cabo a finales del próximo invierno, con mi nuevo arte digital y retratos seleccionados de lo que me ha emocionado profundamente lograr en esta increíble ciudad.

Ya los pondré al tanto en mi página web Para pintura: www.evelynepouget.com Arte digital: www.evelynepouget.smugmug.com

Fernando Botero tomĂł todo ese cantar de piernas en movimiento, de caderas amplias, de senos oscilantes y rostros sensuales...

Foto Wikipedia.

Texto y FotografĂ­a de

alTirado

La mujer y su vanidad natural. Figura que Botero llamó «Mujer con espejo»

Ya

conocía a Fernando Botero por los libros. Pero viajar por la Plaza Botero en Medellín, Colombia, es la única experiencia que me llevó a la comprensión total de este escultor y pintor nacido en esta ciudad de clima tropical y bullanguero.

En 1963, Botero hizo sus primeros intentos de escultura – tenía 31 años de edad y hasta entonces había dedicado su tiempo a la pintura. Trabajó primero con resina acrílica y aserrín de madera, pues no tenía dinero para intentarlo en metal. Ya había estado viajando por Italia, Francia y se detuvo a estudiar en la Real

Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Se hundió estudiando a Velázquez y a Goya. Tomó influencias de los viejos maestros y descubrió las formas, ricas, abundantes, voluptuosas de las modelos de Rubens, era la moda de la belleza femenina en aquella época.

Su estilo se fue creando y se tradujo en lo voluminoso. Esa es su premisa. Muchas veces ha declarado que sus figuras no son “gordas”. Explica que son una forma de sensualidad, en su expresión voluminosa.

Surge el término positivismo del volumen, que ha llegado a los medios de la moda y la belleza como “Fierce Fat Fashion”, algo así como “La fuerza feroz de la gordura” Y no me sorprende. Y vuelvo a mi viaje por la Plaza Botero.

La belleza de las mujeres colombianas es latente. Es común su presencia, con el garbo de saber que son hermosas y sin tomar en cuenta las dimensiones. Botero tomó todo ese cantar de piernas en movimiento, de caderas dilatadas de senos oscilantes y rostros sensuales, de ambiente suculento y fogosidad ecuatorial y lo llevó al lienzo y a sus figuras colosales.

Fernando Botero y su obra, está en muchos escenarios del mundo, y es identificado como un icono del arte Latinoamericano. Su estilo es conocido como “Boterismo”, el que evoca imágenes voluminosas, así sean humanos, perros o frutas o rockolas.

Sin embargo, también tiene sus opositores, que como en toda rama del arte, no gustan de sus imágenes. Ha sido criticado por detractores que juzgan su estilo como simples caricaturas de formas obesas en situaciones comunes.

(izq) «Venus se mira al espejo», su vanidad le dice que es hermosa. Las mujeres de Rubens, fueron una inspiración para Fernando Botero en sus años de estudio en europa. (izq. abajo) “Fierce Fat Fashion”, o “La fuerza feroz de la gordura” se manifiesta en el orgullo de esta hermosa que monta un toro.

(arriba) Agradable coincidencia, en esta foto, la mujer de la cabina telefónica bien podría haber sido la modelo para esa escultura de mujer orgullosa de serlo.

El perro no podía escapar a ser representado en la proyección de su volúmen.

«Mujer Reclinada» Mujer bañando su cuerpo de sol, mujer que invade con su volúmen el espacio sideral de la belleza.

Su larga carrera de reconocimientos empezó en 1958 (al inicio de su carrera) que obtuvo el Primer lugar en pintura, en el prestigioso Salón Nacional de Artistas en Colombia. Tenía 26 años de edad. En 2001, el International Sculpture Center de USA, le otorgó a su Labor de Una vida en escultura contemporánea. Hasta su más reciente exposición: “Botero. Celebración de Vida” Julio a septiembre 2016, en Rotterdam, Países Bajos.

Botero no ha buscado únicamente crear obras que se propongan provocar discusiones y reacciones. Parece ser que su principal propósito es proyectar una sensación de alegría, de satisfacción de ser. Sus personajes son tranquilos, pero orgullosos en su forma y proyectan confianza de sus formas.

Aunque no deja de tomar partido en alguna forma, enviando un mensaje que puede tener mucho de político, como lo hizo al describir la violencia alimentada por las drogas en Colombia.

Y con su serie Abu Ghraib (2005). Esta serie de pinturas y dibujos fue inspirada por informes de abuso y tortura en la prisión de Abu Ghraib de Irak por las fuerzas estadounidenses y provocó una indignación considerable, particularmente en los Estados Unidos.

En el mensaje universal de Fernando Botero, encontramos la belleza y si se quiere, podemos ver el lado bueno de la vida. “El Oasis” dijo Botero, que significa el arte para el espectador, mientras yo disfruto de las mujeres bellas de carne y de bronce en la Plaza Botero.

Tortura en la prisión de Abu Ghraib.

El autor

Espejo ciego.

Cรกzares

Juan Carlos

Mi interés por el arte nació desde mi niñez.

Mis padres nos compraban libros y enciclopédias. Yo las hojeaba con mucha atención y disfrutaba enormemente las ilustraciones. Me llamaban la atención en especial, las que mostraban arte en cualquiera de sus formas.

Soy realista y surrealista a la vez, y me estoy refiriendo al realismo mexicano.

El realismo me interesa poe la proyección de su contenido, no me gusta el tècnico y efectista.

Definitivamente puedo decir que tengo diferentes estilos o la mezcla de ellos, porque a veces mis obras tienen un temperamento irónico, o pueden estar plasmadas por un humor negro que me divierte mucho lograrlo. En ocasiones, impactado por los acontecimientos sociales o políticos decido lanzar mi opinión y entonces me vuelvo crítico y tenebrista. Me he encontrado con espectadores de alguno de esos cuadros, que pueden ser de los que tienen una mente cerrada y manifiestan sus temores, hay a quién le ha producido hasta «miedo» dicen, pero pues eso para mí es una satisfacción, al darme cuenta de que he logrado expresar un mensaje

Amanecer.

intenso que obliga al espectador a reflexionar.

Trabajo principalmente al òleo, pero he trabajado experimentando con otros materiales todas las técnicas. Al final el òleo es lo que me permite plasmar mi técnica.

En mis obras se ven mensajes políticos... humanistas... ambientales Sí, me gustan esos tres temas, pero además, en mi pintura vas a encontrar en ocasiones algo filosófico. A veces me voy con alguna metáfora. Lo que nunca vas a encontrar son cuadritos para decorar tu comedor ò tu sala ò una repetitiva Frida Kalho, ni colores estridentes y comerciales. Eso para mí no es arte, es simplemente basura. Si Frida viviera se carcajearìa de làstima al ver su imagen manoseada por todos lados, hasta en las bolsas de mercado.

Escafandra, hombre.

Escafandra, mujer.

¿Que si existe la inspiración o de dónde sale un tema para mi siguiente trabajo?

La inspiraciòn es una romàntica palabra en la que sòlo creen quienes todavìa ven el canal de las estrellas.

Mi siguiente trabajo es lo que ves en algunas de las imàgenes que publicas, Trabajo en una serie influenciada por la historia de «La Escafandra y La Mariposa» Como se puede ver, mi pintura esta fuertemente influenciada por los grandes maestros como Leonardo Da Vinci, Caravaggio, El Bosco, Goya, Rafael Cauduro, Arturo Rivera.

Si me pidieran que me definiera, diría que soy un pintor de disciplina y la indisciplina, lo incierto, la locura, el no ser un asalariado, lo alternativo, soy underground, estoy en lo no convencional y lo no comercial.

Soy orgullosamente autodidacta. Tengo ya algo más de veinte años trabajando, estudiando, experimentando para hacer lo que me gusta.

Vivir con la sensación de libertad es una de mis grandes satisfacciones que me permite trabajar y desarrollarme intelectualmente. Mi meta es posicionar mi trabajo en altos niveles, y lo voy a lograr produciendo cada día con mayor calidad.

Concierto Absento.

Rastreadores.

Contra Viento y Marea

Juan Carlos Vega Cázares nació en la ciudad de Querétaro, México, el 25 de noviembre de 1976. A los 20 años eligió el camino de la producción artística, principalmente con pinturas creando un estilo único, muy irónico, crítico y lleno de sarcasmo. Campo del surrealismo, realismo y hiperrealismo no fotográfico. Su trabajo está incluido en muchas colecciones públicas y privadas en México, Europa, Canadá y los Estados Unidos,

incluyendo el «mexicart museum» en Austin, Texas. Ha participado y creado numerosos movimientos para promover el arte a lo largo de su carrera. Ha impartido clases en museos e instituciones privadas, y actualmente se dedica enteramente a su arte después de pintar un mural sobre el edificio de «diseño y arquitectura de los arcos» en San Miguel de Allende, Gto, donde actualmente vive.

40 metros, lĂ­mite.

Navegantes.

La Escafandra y la Mariposa

Jean-Dominique Bauby es el autor de esta historia que vivió en carne própia. Es decir es autor de su propio personaje.

La obra ha inspirado a Juan Carlos Cázares para la serie de pinturas con escenas de escafandras y sus profundidades.

Prólogo Tras la cortina de tela apolillada, una claridad lechosa anuncia la proximidad del amanecer. Me duelen los talones, mi cabeza parece un yunque, y una especie de escafandra ciñe mi cuerpo. Mi habitación surge con suavidad de la penumbra. Contemplo en todos sus detalles las fotos de los seres queridos, los dibujos infantiles, los carteles, el pequeño ciclista de hojalata enviado la víspera por un amigo desde ParisRoubaix y el pescante que domina la cama en que me hallo incrustado desde hace seis meses, como un cangrejo ermitaño en su roca. No es preciso reflexionar demasiado para saber dónde me encuentro y recordarme que mi vida dio un vuelco el viernes 8 de diciembre del pasado año.

Hasta entonces jamás había oído hablar del tronco cerebral.

Aquel día descubrí de golpe y porrazo esa pieza maestra de nuestro ordenador de a bordo, cuando un accidente cardiovascular puso dicho tronco fuera de la circulación.

Antaño eso se denominaba «congestión cerebral», y uno se moría con absoluta naturalidad.

El progreso de las técnicas de reanimación ha sofisticado el castigo. Sobrevives, pero inmerso en lo que la medicina anglosajona ha bautizado con toda justicia como lockedin syndrom: paralizado de la cabeza a los pies, el paciente permanece encerrado en el interior de sí mismo, con la mente intacta y el parpadeo del ojo izquierdo como único medio de comunicación. Por supuesto, el principal interesado es el último en enterarse de tales bicocas. En lo que a mí respecta, tuve derecho a veinte días de coma y varias semanas de niebla antes de darme cuenta verdaderamente de la extensión de los daños. No emergí por completo a la superficie hasta finales de enero, en esta habitación, la 119, del Hospital Marítimo de Berck, donde en estos momentos se cuelan las primeras luces del alba. Es una mañana corriente. A las siete, el carillón de la capilla empieza de nuevo a marcar el transcurso del tiempo, cuarto a cuarto.

Tras la tregua de la noche, mis cargados bronquios se ponen a resonar ruidosamente otra vez.

Mis manos, crispadas sobre la sábana amarilla, me hacen

sufrir, sin que logre determinar si me arden o están heladas. A fin de luchar contra la anquilosis, esbozo un movimiento reflejo de desperezo que obliga a brazos y piernas a moverse escasos milímetros. Eso suele ser suficiente para aliviar un miembro dolorido. La escafandra se vuelve menos opresiva, y la mente puede vagar como una mariposa. Hay tanto que hacer… Se puede emprender el vuelo por el espacio o el tiempo, partir hacia Tierra del Fuego o la corte del rey Midas. O bien hacer una visita a la mujer amada, deslizarse a su lado y acariciarle el rostro, todavía dormido. O construir castillos en el aire, conquistar el vellocino de oro, descubrir la Atlántida, realizar los sueños de la infancia o las fantasías de la edad adulta.

Tregua de dispersión. Ante todo, es preciso que redacte el comienzo de este diario de viaje inmóvil, para estar preparado cuando la persona enviada por mi editor venga a tomarlo al dictado, letra por letra. Doy veinte vueltas en la cabeza a cada frase, suprimo una palabra, añado un adjetivo y me aprendo el texto de memoria, un párrafo tras otro. Las siete y media. La enfermera de servicio interrumpe el curso de mis pensamientos. Siguiendo un ritual perfectamente establecido, descorre la cortina, comprueba traqueotomía y gotero, y conecta la tele en busca de las noticias. Por el momento, los dibujos animados cuentan la historia del sapo más rápido del Oeste. ¿Y si formulase el deseo de convertirme en sapo?

al Tirado FOTOGRAFÍA DE ARTE

-

http://altiradoart.wixsite.com/altirado

DISEÑO GRÁFICO altiradoart@gmail.com

José Lu

Cuevas

-Febrero 26, 1934 – Julio 3, 201

uis

La Giganta.

Escultura que por el frente es femina y la parte posterior es de hombre.

17

por

alTirado

El “güerito” pintor.

Nada más cierto que en el caso de José Luis Cuevas, el dicho de “Genio y Figura… hasta la sepultura. A la edad de seis años, en su escuela se hace un concurso de dibujo. Cuevas muestra ya su incipiente egolatría al hacerse un autorretrato que llama El Niño obrero. ¿De dónde saca el niño, en lugar de hacer dibujitos de pajaritos o de arbolitos, la idea de un autorretrato? – primero - Y segundo – con un mensaje sociopolítico de un obrero? Y por ello, le llamaban el «Güerito pintor» Genio y figura... sin lugar a duda.

A los 14 años, cuelga su primera exposición de dibujo en la escuela. La que pronto desaparece por los efectos de la lluvia y sus “obras” terminan pisoteadas y mezcladas en el lodo, sin que a nadie le importara un comino.

Diez años después, ya está en Philadelphia, invitado por la Editorial Falcon Prest para ilustrar un libro de – nada menos – Franz Kafka

En 1967, ya es conocido, ademas de su obra enardecente, por sus veleidades, caprichos y excentricidades. Se le atribuye ser el que dio nombre a la famosa Zona Rosa, centro de buenos restaurantes, galerías y centros de diversión. Allí pintó su “Mural Efímero” para burlarse de los grandes muralistas. Se convierte en el “Enfant Terrible” de la Generación de la Ruptura con el Muralismo Mexicano, y se declara paladín del “neofigurativismo” ¿Qué significaba eso? Básicamente eran imágenes caprichosas, descaradas, absurdas y principalmente, que lanzaban un reto al arte moderno. Trabajó con la línea ¬de gran ferocidad gestual, ¬desnudando las almas de sus personajes, retratando la magnificencia de la degradación humana en el mundo de la prostitución y el despotismo. Lo representaba en persona y en sus imágenes. Su intención inicial era mostrar la angustia y la soledad del hombre y eligió para ello las escenas que encontró en hospitales y prostíbulos; sus modelos fueron y siguen siendo la prostituta, el pordiosero, el loco y el enfermo.

Pero todo mundo le toleraba cualquier desplante y cualquier temática de su obra.

La respuesta fue una larga, muy larga, cadena de reconocimientos, premios y exposiciones en cualquier parte del mundo.

Mencionaremos aquí solamente unos cuántos de los muchos premios.

Primer Premio Internacional de Dibujo, Bienal de São Paulo (1959).

Primer Premio Internacional de Grabado, I Trienal de Nueva Delhi (1968).

Premio Nacional de Bellas Artes, por el gobierno de México (1983) Doctor honoris causa por la Universidad Autónoma de Sinaloa (1984 Premio Internacional del Consejo Mundial del Grabado, San Francisco (1984).

Recibió la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras de la República Francesa (1991).

Y si deja de lograr más premios, es porque ya está muerto, pero seguramente su obra seguirá levantando remolinos y tempestades.

José Luis Cuevas Celestina con carne, 1965 (Procuress With Meat) (Serie Cuevas Charenton) Litografía,

José Luis Cuevas Rembrandt as a Child, 1988 Punta seca, azúcar, ruleta y lija

Y si deja de lograr más premios, es porque ya está muerto, pero seguramente su obra seguirá levantando remolinos y tempestades.

Y... No creo que esté descansando en paz, no podría.

José Luis Cuevas Autorretrato con mascara de Jack el destripador, 1968 Dibujo a tinta aguada y acuarela con collage

JosĂŠ Luis Cuevas Giganta avanzando, 1995 Escultura en bronce

Arte Tz´utuhil por Isis Bobadilla

El arte Maya

¿aún se crea? Las formas emblemáticas de arte Maya siguen estando presentes, y como cultura, aún está intensa y viva en México, Guatemala, y Honduras, en el arte creado en la actualidad, con sabores y olores ancestrales. Se puede encontrar arte Maya en la escultura y en la pintura, creando un trasfondo ceremonial, a veces honrando deidades y ancestros, o encontrando mágicas historias. Así es; aún existen grandes y ocultos pintores mayas, como: Pedro Rafael González Chavajay, Paula Nicho Cumez, y Diego Isaías Hernández.

La pintura es un arte que solamente se realiza en pocos pueblos en el mundo Maya. Los pintores mayas más importantes son los que han preservado muchas de sus tradiciones.

La pintura artística ha sido una fuente de ingresos para diversas comunidades, y minuto a minuto, artistas indígenas producen pinturas al óleo acerca de la vida dentro de la cultura Maya. Los tz´utujiles o tz´utuhiles son un pueblo Maya en Guatemala, que habla la lengua quiche, habitan la región del sur del lago de Atitlán, en las tierras altas del departamento de Sololá y en algunos municipios de tierras bajas en la República de Guatemala. Entre esta gente maravillosa, que aún se aferra a su valiosa cultura, es importante resaltar la obra

Eclipse y los Lobos por Diego Isaías Hernández

Proceso y visión de los Acuerdos de Paz por Paula Nicho Cumez

artística de varios pintores, como lo es el caso de Pedro Rafael González Chavajay, que posee una gracia artística difícil de encontrar y, cada día obtiene más valor.

La pintura contemporánea Maya, conocida como arte ingenuo, -corriente artística determinada por la ingenuidad, la espontaneidad, y el autodidactismo de los artistas, tiene un comienzo en 1920, con Juan Sisay, de Santiago Atitlan, y con Rafael Gonzales y Gonzales, de San Pedro La Laguna. Las pinturas de estos talentosos artistas mayas, refleja su vida diaria, sus ceremonias, sus bailes, sus sanaciones, y muy frecuentemente, la milpa y la vendimia.

Pedro Rafael González Chavajay es el más

respetado de todos los artistas mayas Tz´tuhil, pinta con minucioso cuidado, pero su producción no es muy amplia, pues se toma su tiempo y pinta alrededor de diez cuadros por año. Su obra es digna de exhibirse en un museo. Su gama de colores, los tonos de sus estampas, las anaranjadas tardes y sus azules madrugadas, distinguen a Pedro Rafael González Chavajay de entre otros pintores Tz´utuhil.

Paula Nicho Cumez es la artista maya viviente más importante de Guatemala. Comenzó como tejedora y, al poco tiempo de crear arte textil, quiso tomar el lienzo y el pincel. Sus temas están entre los más originales de los artistas mayas en Guatemala. Su habilidad en aplicar pintura al lienzo es excepcional.

Atiteca con cartuchos por Pedro Rafael Gonzรกlez

Corazón del Cielo y la Tierra por Paula Nicho Diego Isaías Hernández es un pintor que ha presentado los temas más misteriosos de los artistas mayas contemporáneos, y nadie puede superarlo en los títulos de sus obras. Diego plasma la vida entre otras cosas la vida cotidiana, horribles desastres, sueños grotescos y eternas pesadillas... Le gusta jugar con colores brillantes y contar historias a través de la magia de color.

Admirar el trabajo artístico de estos genios mayas, nos hace erizar la piel al observar escenas de batallas, la gente, el pueblo, y el singular realismo pictórico del arte maya. La complejidad de su composición ofrece un dinamismo inquietante, así como un brillo excepcional en el uso del color.

El arte Maya aún late en las manos y en el corazón de la gente Tz›utuhil en Guatemala. No podemos dejarlo de lado, no podemos pretender que no existe. Está en nosotros apreciarlo, compartirlo y preservarlo. http://www.artemaya.com/gall.html

La columna de Richard

capitales de Europa. Los modelos del desfile fueron traídos de Guadalajara. El anfiteatro era su pista. Una adición a la noche fue la joyera de clase mundial, Daniela Norinder de San Paolo Brasil, con presencia en Londres, Ciudad de México y Río de Janeiro.

Queridos lectores, Bienvenidos a mi columna.

San Miguel de Allende está continuamente en un modo festivo y he estado investigando profundamente en las areas del talento creativo para desarrollar oportunidades de colaboración.

Hace unas semanas hice un evento para una actriz de Nueva York que llama a México su casa, en este caso es una de las propiedades más emblemáticas de San Miguel de Allende.

Quería hacer algo con una llamarada internacional para para mostrar la grandeza de la propiedad situada en 3 hectáreas, con un bosque de bambú y un anfiteatro construido para dar cabida a más de 100 invitados.

Los sonidos de un bosque azteca en el fondo agregaron otro sentido a la noche mágica.

Este emprendimiento creativo facilitado por mi agencia, Relaciones Artísticas generó una colaboración con uno de los mejores diseñadores de moda de México, José Sánchez, que tiene salas de exhibición en Ciudad de México, San Pablo y Houston.

Durante más de 30 años este gurú de la moda ha estado tratando en los materiales más finos de las fuentes superlativas en Florencia, Milán y otras

Lourdes Rivera

Fue en este evento que conocí a una artista de gran talento artístico. Su espíritu emprendedor es lo que define principalmente la esencia de Lourdes Rivera. Su estudio está en la galería que posee en La Fábrica La Aurora, de San Miguel de Allende, México. La Galería Manuk se ha convertido en un centro de arte y un espacio cultural para artistas emergentes, así como un lugar para las series de conferencias de historiadores de diversas especialidades de arte, géneros y culturas de México y Mesoamérica. Lourdes Ruvera es originaria de la Ciudad de México, donde fue motivada

por su primer maestro, Robin Bond, durante 5 años. Rivera fue capaz de fomentar su gusto por expresar su arte a través de diferentes medios, herramientas y objetos. Con el tiempo y después de iniciar una familia, siguió manteniendo su interés por el arte y la cultura al inscribirse en cursos de arte e historia del arte; Siempre ha estado motivada por conocer y entender más sobre el mundo de la pintura. Entonces mientras que, en Cuernavaca, Morelos Liliana Mercenarios fue su instructora y fue aquí donde comenzó su período realista.

En 2010, Lourdes conoció a Rivian Bütikofer, un artista y maestro contemporáneo inspirado en Jawlensky, Basquiat, Kiefer y De Kooning. Bajo la instrucción de Butikofers, Rivera sufrió un giro completo en su estilo y llevó su trabajo a un espacio expresivo sin fronteras.

Entonces en 2012 tomó un taller en Coronado California enseñado por Xochitl Franco, una fuente influyente que la inspiró para hacer el movimiento a la pintura abstracta.

San Miguel de Allende se convirtió en su nuevo hogar en 2015. En la Fábrica La Aurora es donde inició un nuevo capítulo como artista y después de un año Rivera fue capaz de abrir una galería y su propio estudio, que nombró Galería Manuk. Usted verá más sobre Lourdes Rivera en la edición de noviembre donde mostraremos su galería, su trabajo y su búsqueda personal como artista. ¡Manténganse al tanto!

Richard Almada

Disertaciones Triviales del Cine, las Palomitas y Otras Causas. Por Orso Sapiens Suena el teléfono. El

identificador muestra que Al Tirado me llama por tercera ocasión. ¡Ahora sí�! Completamente seguro que me invitará de nuevo a colaborar en San Miguel Art Magazine, respondo con júbilo “¡Hola Al, estoy listo para el que sigue!”… Después de unos segundos silentes, sólo escucho “perdón Orso, me equivoqué de número”.

De cualquier manera, en esta ocasión que mi intención es comentar sobre una de mis combinaciones favoritas: cine + ciencia ficción + palomitas.

La ciencia ficción que me gusta, por lo general está alejada de los aterradores monstruos multicefálicos y polioculares, generalmente con formas diseñadas para incitar el miedo a través de nuestros temores primarios como insectos, animales carní�voros, oscuridad, etc.

Me inclino más por aquellas cintas que muestran futuros escenarios utópicos y distópicos, ya sean terrestres, galácticos o pluridimensionales, sin tantos dientones come-humanos.

Al ver cualquier cinta de Star Trek, sin olvidar, claro, sus orí�genes televisivos, nos plantean una sociedad

humana que resolvió, de alguna manera, sus diferencias para dar lo siguientes pasos como sociedad y en la exploración del espacio. Todo esto y más, a bordo de una nave que no sólo lleva representantes humanos de diversos colores y sabores, también de otras razas siderales, ¡la heroica U.S.S. Enterprise! ¿Qué? ¿Cómo? ¿Una nave de los Estados Unidos (por su siglas en inglés, United States Ship), en propiedad y comisión de la Marina de dicho paí�s, con una organización militar a bordo, altamente armados, en una misión de paz? ¡Totalmente inconcebible! ¿Totalmente?

En contraparte, la adaptación a la magní�fica novela de George Orwell, 1984 (Michael Radford, 1984), nos ubica en un mundo en donde lo peor de la naturaleza humana prevalece: avaricia, poder absoluto, opresión, el Gran Hermano vigilando

a través de incontables de dispositivos colocados en hogares, ví�a pública y trabajo, además, diciendo lo que debemos pensar, lo que debe gustarnos y hasta las noticias que debemos creer, estableciendo doctrinas

absolutas en donde la pluralidad y la diversidad no tienen cabida, pero sí� los enemigos dogmáticos del pueblo. Nada que ver con la actualidad, por supuesto, porque en el filme 1984, los dispositivos no son portátiles, ni existe la WiFi y por ningún lado se tomaban selfies.

Fin de las ironí�as. Lo prometo.

Al menos hasta este párrafo.

La Ciencia Ficción (o Ficción Cientí�fica como se dice que es correcto), al ser un género en donde la imaginación es el lí�mite, está plagada de maravillosos mundos, catástrofes, monstruos voraces, extrañas civilizaciones, formidables tecnologí�as y monumentales errores que, en diversas ocasiones se tienen que justificar para lograr el objetivo, de lo contrario, simplemente no existirí�an miles de filmes en que se contravienen las más elementales leyes de la fí�sica para poder realizarse.

Si bien se antoja el tema de los errores, que aparte de ilustrativo es divertido, prefiero destacar lo que para muchos, incluyéndome, es la ciencia ficción.

La ciencia ficción es inspiración absoluta, despertando el deseo humano de ir más allá, de cuestionar, de inventar, de romper barreras.

Con su novela 20,000 Leguas de Viaje Submarino, escrita en 1870, Verne inspiró la creación del submarino en 1898.

La Guerra de los Mundos, escrita por H.G. Wells en 1898, apasionó a Robert H. Godard, cientí�fico estadounidense, quien construyó el primer cohete de combustible lí�quido.

Martin Cooper, director de Investigación y Desarrollo de Motorola, cita a la serie televisiva Star Trek como su inspiración para el teléfono celular. (Teléfono celular: aparato por el cual poco más de cuatro mil millones de humanos vivimos cabizbajos).

Y así�, podrí�amos citar múltiples y existentes desarrollos, inventos, teorí�as, sistemas, etc., que alguna vez sólo fueron letras o imágenes de ficción.

Mientras escribo estas palabras en una computadora con tecnologí�as inimaginables en mi niñez, viene un dato a mi mente: el %90 de los cientí�ficos que han existido en toda la historia de la humanidad, están vivos.

Muchos de estos cientí�ficos han declarado que su pasión nace de filmes, series televisivas y, por supuesto, libros de este género.

Creo que no alcanzarí�an estas páginas para citar, justamente, ejemplos claros.

Hoy, pese a todo, en general vivimos mejor que nunca gracias a la ciencia. Incluso abusamos de ella al poder disponer fácilmente de sus avances, creándonos una dependencia absoluta. No es culpa de los inventos, es simple naturaleza humana.

Invito a quienes pasamos de

las cuatro décadas a recordar las pelí�culas y series de ciencia ficción que disfrutamos en nuestra infancia y adolescencia.

Cómo nos maravillábamos con aquellas inusitadas tecnologí�as que nos mostraban. Jugábamos a vivir en un mundo así� y algunos llevaron esas fantasí�as a la realidad.

Si bien aún no hemos pasado de la luna y no tenemos automóviles voladores, ya vivimos en un mundo de ciencia. Y mientras exista la ciencia, hay esperanza en el futuro. Y mientras tengamos ciencia ficción, nos inspiraremos a romper más barreras y a cuestionar más de los mitos y creencias que nos siguen rezagando y dividiendo.

Hago mutis para preparar el maratón sabatino de Dr. Who Clásico y, de pilón, THX (George Lucas, 1971). El maí�z palomero aguarda en la despensa su explosivo destino.

FIN

Los artistas Renato Dorfman, escultor y Adán Dorfman, pintor

La galería RAÍZ LÚCIDA abrió sus puertas el pasado 8 de julio con una nutrida asistencia de amantes del arte.

Adán Dorfman director y propietario de la galería, junto con su esposa Abril Barragán y su hermano el escultor Renato Dorfman cortaron el listón simbólico que abría sus puertas.

La galería perfectamente ubicada en el centro de San Miguel de Allende, México, tiene como principal objetivo mostrar arte que tenga una raíz estética sólida, de calidad y que todos entendamos.

1.- Los visitantes comentan la obra de Adán Dorfman.

2.- Una de las obras de Carlos Terrés: Magueyes.

3.- El artista Mario Oliva con Adán Dorfman.

4.- Escultura y pintura de Carlos Terrés.

5.- Entre los asistentes, los colaboradores de esta publicación: Yanina Terrés y Yair Franco, con el artista Adan Dorfman.

6.- Los ámplios muros de la galería con la obra de Adan Dorfman.

En su apertura, los artistas presentados fueron Carlos Terrés, un pintor y escultor reconocido en los foros internacionales, que presentó obras de sus dos especialidades. En especial, su escultura “Cristo mexicano” causó gran impacto entre los asistentes.

El mestizaje – nos atrevemos a llamarlo así – muestra al Cristo crucificado sin la cruz tradicional.

Cubierto por símbolos de origen prehispánico.

Un cuerpo que tiene tanto de figurativo como de abstracto. Es una pieza muy interesante que no puede describirse fácilmente y es necesario observarla en todas sus dimensiones para recibir el impacto de su contenido. También de Terrés se presentan obras pictóricas de fuertes rasgos de mexicanidad.

La obra pictórica de Adan Dorfman gustó mucho y produjo intensos comentarios provocados por las intensas formas abstractas de fuerte colorido.

Renato Dorfman tiene en su escultura un inmenso horizonte de forma y contenido. Sus obras van de los tableros que recuerdan a las estelas mayas hasta lo surrealista, como el torso impresionante de una mujer de vientre maternizado y llega en otras obras a los extremos de lo abstracto.

El público puede visitar esta exposición que permanecerá abierta hasta finales del mes de octubre.

Vendrá después una nueva apertura en los inicios del mes de noviembre con artistas muy importantes y cuyos nombres serán dados a conocer en su oportunidad.

Junto con ellos el artista Joyero y Tallador, Dante

López Castillo, presentó sus obras.

Desde hace varios años Dante López ha sido el único tallador de Jade representando a México y Latinoamérica en los eventos internacionales de Jade, ha ganado dos veces consecutivamente el tercer lugar en el concurso de talladores de Jade más importante a nivel mundial, el Festival Internacional de Jade Zi Gang Bei Foreign Jade Carvers Festival en 2015 y 2017, en Suzhou, China. Ganando el Tercer Lugar con Medalla de Bronce entre más de 800 concursantes de todo el mundo, principalmente de Asia. Trabaja, con el mismo grado de detalle y calidad, con diversos materiales, muy pocos talladores en el mundo tienen esa habilidad.

GALERÍA

R

Raíz Lúcida En el año 2009 expone su trabajo como parte del grupo Jade Through the Ages y Jade Art Now, que reúne a los mejores 15 talladores de jade del Mundo Occidental, en la Exhibición Internacional de Jade de Big Sur Jade Festival, en California, Estados Unidos.

Pocos talladores en el mundo tienen el don para hacerlo con verdadera excelencia, uno de ellos es Dante Lopez

León Alva - el otro artista presente en

esta inauguración - es un artista de imaginación desbordante, incansable creador de mundos mágicos, de ojos grandes y sonrisas cósmicas que transportan a todo el que viaja en sus cuadros a un mundo lúdico, de sueños felices que se hacen realidad.

León nace en México D.F. en 1963, rodeado de los monumentales murales de Carlos Mérida y crece bajo la influencia de sus tíos y maestros Ramón Alva de la Canal, precursor del movimiento muralista y Ramón Sánchez quien trabajó al lado de Orozco, Siqueiros y Rivera. Poco después de que el terremoto de 1985 destruyera los murales que adornaron su infancia, León Alva decide dejar la ciudad para vivir frente al mar y así convertirse en el pintor cancunense más prolífico con una trayectoria ininterrumpida de más de 30 años.

Alva ha participado en más de 40 exposiciones individuales y colectivas en ciudades como Nueva York, Miami, Osaka, Ginebra, Dusseldorf, Frankfurt, La Habana, Montreal, Polonia, Paris, y la Ciudad de México.

WILD WILD STYLE STYLE AND AND MUROS MUROS EN EN BLANCO BLANCO

y o c n o r B O L I o T c S n E a l B n e s O R MU

Roberto Gutierrez Colleen Sorensen y Jan Roth.

by Colleen Sorenson

Arte

Graffiti como una forma de arte ha existido desde la década de 1960 y capturó mi atención mientras vagaba por el Lower East Side de Nueva York a principios de los años 70. Me sentí fascinada por todas las letras estilizadas que parecían estar en todas partes. No sabía lo que significaba y sabía que molestaba a un montón de gente ... Sólo sabía que me gustaron mucho esas expresiones de arte.

A principios de los años 80 en Chicago, en el barrio sur de Pilsen fue la primera vez que experimenté el temor del efecto de los numerosos murales de colores que se extienden borde a borde sobre toda la superficie de las paredes de un edificio. Me quedé muy impresionada.

Mi propia forma – y única - de arte de medios mixtos es de aplicar pequeños mosaico, que yo hago a mano, colocados sobre las letras del arte de graffiti al «estilo salvaje» comenzó en Texas, 2006. El proyecto fue en colaboración con el escritor de graffiti local Supher que se enfrentaba a cargos de felonía por andar pintando paredes con graffiti. Él pintó sus palabras, y yo apliqué mis azulejos según sus colores. Logramos una exposición de la colección en una universidad y con esto comenzó la discusión del Graffiti como arte. Fue también durante este tiempo que experimente los ardores de la censura, el control, la «selección de la igualdad», la «justicia selecta», las hipocresías desenfrenadas ... y todo lo necesario para impulsar a un artista con un propósito social. Y fuera de Texas.

Antes de 2013, el Arte de la Calle en San Miguel de Allende no estaba permitido en ninguna parte, incluyendo las colonias. Es comprensible que no se permita en el Centro histórico, por ser una ciudad Patrimonio Mundial de la UNESCO. Hay reglas.

Pero el Internet estaba mostrando la explosión del Street Art en todo el mundo y los jóvenes en San Miguel querían ser parte de ella con su propia voz. El etiquetado (a menudo referido como el molesto garabatear las paredes) se arrastró por la ciudad, apareciendo en casas, muros de roca y luego en iglesias que trajeron un escándalo público. Parecía que la única solución lógica a este problema era hacerlo pero bajo un respeto mutuo, otorgando permiso a los artistas locales, y por otro lado, encontrando los lugares apropiados para obtener el permiso de los propietarios.

Cuando la administración local me pidió crear un distrito de arte basado en murales de Street Art, mi respuesta fue un SÍ inmediato.

Lo que sea necesario para recibir el permiso.

Muros en Blanco Distrito de Arte

en Colonia Guadalupe fue fundada con la ayuda de los artistas locales Francisco «Nadie» Vega y Jesús «Juice» Valenzuela durante un fin de semana mágico de la unidad de barrio en abril de 2013.

Barrio Ahora, con más de 100 murales de artistas, locales y de todo el mundo, la galería al aire libre de Muros en Blanco junto con la residencia de artistas en Colonia Guadalupe continúan evolucionando bajo la guía innovadora del equipo de Graffitiworld: Roberto Gutiérrez, Jan Roth y Eutimio Garcia y mi participación como fundadora de Muros en Blanco.

Según lo expresado por el reconocido artista mexicano Sego, «San Miguel es internacionalmente conocido como el lugar» elegante «para pintar, todo el mundo quiere venir aquí». Nos gusta mucho eso.

El Arte de la Calle es ahora una forma aceptada y celebrada como arte público aquí en San Miguel de Allende, México. Proyectos independientes de artistas locales están apareciendo en las distintas colonias. Presionar para lograr permisos ha tenido sus desafíos, pero era realmente “hacer las cosas como se deben” y tomar los riesgos es lo que hacemos. Tener la oportunidad ahora de desarrollar amistades con tantos artistas fascinantes de todo el mundo hace que mi vida aquí en San Miguel sea notable.

I´ve been blessed.

Colleen Sorenson Paz

Juan Carlos Cรกzares DOGMA Gallery www.cazaresartist.com cazaresyparesgallery@gmail.com Evelyne Pouget www.evelynepouget.com evelynepouget2@gmail.com Colleen Sorenson colleensfsa@yahoo.com

Isis Bobadilla https://www.facebook.com/isisbobadilla http://isisbobadilla.es.tl/ Richard Aldama artisticrelations@gmail.com Yair Franco terrescali.cultural@gmail.com Al Tirado

altiradoart@gmail.com

www.altiradoart.wixsite.com/altirado

Para mayor informacion sobre los artistas presentados, favor de dirigirse directamente al artista.

No. 5. Agosto, 2017 Editor al Tirado Asesor administrativo Daniel Tirado Navalón Redes sociales Yair Franco Relaciones Artísticas Richard Aldama Diseño Gráfico Yanina Hernández J.O. Romero Arte Étnico Isis Bobadilla Una publicación de FreeLancelot SMA San Miguel de Allende. México Contacto con los editores: editor@sanmiguelartmagazine.com San Miguel Art magazine es una publicación e-zine con frecuencia mensual. Aparece la primera semana de cada mes en San MIguel de Allende, GTO. México.

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