No. 4 Julio, 2017
RT
San Miguel M A G A Z I N E
Marita Furman
En
Esp
aĂąo
l
En este
nú mero
3 4 10
del Editor
Marita Furman
14 18 24 30 34 40
Escuela de arte
Trivialidades del cine
Fotografía Callejera Katrina Noel
Saturnino Herrán
Arte étnico
Susan Fiori La Galería
La aventura de publicar una revista, es todo un reto. Nace como
del
EDI
TOR
todas las cosas en el arte. Con una idea pintada de colores, con un cincel que le da forma, con una ilusión que se materializa en algún momento de cada mes, y que ve la luz por los caminos cibernéticos de las redes sociales para llegar a teléfonos, tabletas, computadoras. Llegamos a muchas partes del mundo y nos llena de satisfacción ver que nuestro propósito de difundir el arte de San Miguel de Allende, México, se ve reflejado en los cientos de “clicks,” y en los múltiples comentarios recibidos. ¡Qué maravilla! Nuestros artistas son vistos en lugares remotos a los que de haber sido una publicación de papel, ni con mucho dinero hubiéramos podido alcanzar. Y después de todo eso, el reto persiste. Porque al lanzar el número de ocasión, ya están en ese instante, abiertas las páginas en blanco de la siguiente edición. Lo que significa el crecimiento de nuestro cometido. En ese crecimiento, damos hoy la bienvenida a Isis Bobadilla, una escritora de inquietud perene, promotora cultural, artista sui generis, que nos traerá en su columna arte histórico, arte étnico y otras historias. Se inicia aquí, con una de Apaches. También nos place recibir en este equipo de producción, a Richard Almada, un hombre polifacético y multicultural que se mueve en el mundo del arte de altas esferas. Su condición de bi-nacional – es decir, vive viajando entre California USA y San Miguel, México – traerá sin duda, sorpresas a estas páginas. Su cometido generalizado es el de las Relaciones Artísticas. Así de importante se está volviendo esta publicación. Gracias por recibirnos.
COLOR y
de
Marita
Chorro 1
Furman
Chorro 2
Luz en la Ciudad.
Marita
nació y creció en Alemania y ahora vive en San Miguel de Allende, México. Comenzó su carrera como estilista y maquillista. Propietaria de spas de salud en la playa de Laguna y Carmel, California, donde creó un ambiente de belleza y sanación para ella y otros. Marita es una artista autodidacta con estudios en la Escuela de Artes de Santa Bárbara, un lugar que la inspiró profundamente. Desde entonces, ha tenido exposiciones en el sur y el norte de California, Palm Desert y Lake Tahoe, así como en San Miguel de Allende, México. Colecciones privadas de su trabajo se encuentran en Florida, Palm Springs, Palm Desert, San Francisco y San Miguel de Allende, México. El origen de la obra de Marita vino a través de su amor por el color, la dimensión, la luz y su propio viaje interior. Su observación de los movimientos internos condujo a una expresión de su corazón viendo lo espiritual en formas abstractas, inspirándose en su versatilidad y libertad de expresión. Marita nos dice: «Para mí, la creatividad y el arte son compartir ... tanto el espectador como el pintor
En vuelo.
Momento Violeta.
sus espacios son para meditar e imaginar su significado.
crean juntos, emprendemos un viaje de valentía y rendición cuando miramos el lienzo». «Estoy mirando al lienzo vacío que espera en silencio el color que pueda re producir la imágen, sin pensar
demasiado, y dejando que la imagen evolucione. La pintura sola, sin otros estimulantes a mi alrededor, me mantiene alejada y siempre sorprendida por lo que aparece delante de mí”. Uno se puede dejar ir dentro de las imágenes de Marita, que nos llevan a los espacios de la calma espiritual o al estallido de colores y luces. De la suavidad pasa a la intensidad. De la duda brinca a la certeza de un
Bailarina.
objeto, u ¿objetivo?
que rompe el espacio como en una cascada de colores y formas oníricas. Hay fuego, hay música, son espacios para meditar e imaginar su significado. Marita Furman viaja también durante su creación. Desde las profundidades de su mente creativa, surgen deseos, tormentas, ilusiones, que viajan por su interior hasta llegar a sus manos que se sienten impulsadas para dejar sobre loa lienzos, trazos enérgicos, que pueden desaparecer al momento siguiente al ser modificados por un color diferente o intensificados en su forma. Como en su obra “En Vuelo” en que te lleva atraído por su espacio luminoso para contarte una historia de fuego, de la angustia por la supervivencia.
Reunión Mística.
Escuela de arte
Stirling Dickinson Matilde está de pie frente al grupo mirando los cuadros parcialmente
terminados de los once estudiantes en la escuela. Están haciendo dibujos de observación de objetos en la clase. Es martes y es el primer día de una clase de doce semanas de habilidades básicas de dibujo. En ese momento. es el turno de Matilde para mirar los trabajos de los otros estudiantes y elegir uno como su favorito. Ella debe dar una razón para su elección. Es una experiencia difícil para un joven hacer una crítica sobre el trabajo de otra persona, pero esto educa el ojo crítico de una persona en el arte y le da la capacidad de explicar por qué le gusta una obra de arte. Después de Matilde todo el mundo tiene su turno - algunos hablando con cierta inseguridad, mientras que otros tienen confianza en expresar sus sentimientos.
La escuela de arte de Stirling Dickinson es el juguete cerebral de Rick Brunson M.A. que enseñó clases de arte en universidad y en escuelas preparatorias (High School) en los EEUU por 34 años. Cuando Rick se retiró de la enseñanza, viajó a México y descubrió la rica historia artística de San Miguel de Allende. Su inspiración personal fue leer sobre Stirling Dickinson y el movimiento artístico que Stirling comenzó en SMA. Rick encontró una necesidad aquí en SMA, para la instrucción de arte de calidad para estudiantes de 14 a 17 años de edad. Su visión es capacitar a aquellos estudiantes que estén interesados en la preparación para la Universidad. Su escuela está abierta desde hace casi dos años y actualmente ya hay cuatro estudiantes que fueron a Universidad con excelentes habilidades artísticas. Ricardo Jiménez, ex alumno de esta escuela, obtuvo los
máximos honores como estudiante del departamento de arte de la Universidad de Guanajuato. La escuela ha diseñado su plan de estudios y ofrece clases basadas en los programas del Colegio American art & design. y las directrices de la universidad de diseño y sigue su protocolo de arte funcional. Cuando observamos a los estudiantes en clase, se aprecia que se están divirtiendo mucho dibujando o creando algo especial. Rick se mueve por la habitación dando comentarios y consejos para ayudarles a mejorar sus habilidades. Usted puede ver en sus ojos y sus
sonrisas que aprecian los comentarios del maestro Rick. Muchos de sus trabajos terminados se pueden encontrar en el salón de clase o en las vitrinas de la Biblioteca Pública de San Miguel, donde la escuela tiene su sede. De noviembre a diciembre los estudiantes crean un mural. El último Mural terminado se puede ver en los patios de la Biblioteca junto a la cafetería. Matilde es la más joven de la clase y espera continua estudiando por algunos años para mejorar su capacidad artística. La admisión a la clase tomó mucho trabajo de su parte. Cada semestre es de 12 semanas de duración y consta de 24 clases. Las tres disciplinas que se ofrecen son el diseño 3D (primavera), Dibujo (verano), y Teoría del color (otoño). Ella está feliz de que lo que la clase ha logrado.
Si
desea saber más sobre el programa y conocer los planes de expansión, póngase en contacto con Rick Brunson o Jim Reeves (rick@rickbrunson.net - 1173-149 415 o jamesreevesart@aol.com). Puede visitar a los estudiantes en las clases de martes o el jueves por la tarde.
Los estudiantes trabajan en DiseĂąos en 3D, Dibujo y TeorĂa del Color
Una nueva llamada
de Al Tirado, ahora para decirme que la fecha de cierre para la segunda entrega de mi colaboración mensual, está pronta a vencer. Dos preguntas invadieron mi cerebro, empezando por ¿ahora de qué tema escribiría? y, posteriormente y la más crítica, ¿ahhh, tenía que escribir una segunda vez?, la cual se resolvió al entender que Al no escarmentó a la primera. Tema... Tema... Tema... Mientras el teclado y la pantalla parecían caer en un letargo de inusualmente calurosa tarde sanmiguelense, llegó la inspiración. ¡Eureka! ¡Algo muy fácil y para nada polémico! Cine surrealista. ¿Qué podría salir mal? Al fin y al cabo, parte de mi experiencia ha sido en publicar diversos artículos, dirigir un par de publicaciones e impartir varios cursos, siempre con temas referentes a la tecnología, los negocios, etc.
Temas en los cuales se tratan tangibles, como números, objetivos binarios, etc., o sea, siempre ponderables en base a parámetros establecidos de una u otra forma. Así que para empezar podría poner en la mesa un excelente ejemplo de cine surrealista, como 8 ½ (Federico Fellini, 1963). Y, como el surrealismo
siempre es sujeto a la interpretación de la persona, podría decir que El Topo (Alejandro Jodorowsky, 1970), para mí, se trata del calentamiento global y los osos polares. Pero no. No es el caso. Para mí, de mente científica y técnica, la mayor fascinación que tengo por el cine es que lo considero surrealista en su totalidad. Todo, desde The Party (Blake Edwards, 1968), hasta Apollo 13 (Ron Howard, 1995) .
Más allá de los movimientos del arte denominados como surrealistas, que de ahí proviene el término como tal, significa lo que está más allá del realismo, o sea, de lo que consideramos o creemos que es la realidad (otro tema álgido). Empecemos por lo más básico. Stephen Hawking (Eddie Redmayne), frente a tres eminencias de Cambridge, escuchando los comentarios sobre su tesis, en The Theory of Everything (James Marsh, 2014) en una escena que dura 2 minutos 16 segundos.
Sabemos que se trata de una película biográfica, incluso calificada por el mismo profesor Hawking como “bastante verdadera”. Usemos el filtro de realidad: - El filme sólo nos dice lo que tenemos que saber para poder continuar, así que una realidad que pudo durar incluso muchas horas, se resume en ese par de minutos. - Durante la escena tenemos oportunidad de ver de frente a los profesores, hojear la tesis (original) de Hawking, ver, en close up, las expresiones del mismo conforme le dan los comentarios, además de ver el salón en un plano abierto desde el techo y otros planos, algo imposible en la realidad. - La luz de la escena está perfectamente planeada para transmitirnos sensaciones de un
lugar acogedor, íntimo, muy probablemente durante una fresca y británica mañana. - Y cuando el protagonista recibe la noticia que su Teoría del Big Bang es brillante, empieza la música de fondo. ¿Qué? ¿Alguien prendió el radio? Así que, en estricto sentido, la visión que tenemos de este momento, por real que haya sido, no es realista. Es una interpretación de la realidad escrita, ambientada, iluminada, fotografiada, dramatizada, musicalizada y dirigida para jugar con nuestras emociones.
Y esa es la maravillosa labor del cine, a través de sus artilugios, sus juegos de humo y espejos y su capacidad de viajar a través del tiempo y el espacio como la mismísima TARDIS (Time And Relative Dimensions In Space, para quienes no siguen al Doctor), hacernos vivir sus realidades a través del surrealismo de su arte para hacernos escapar, por un par de horas, de nuestras realidades sin escritores, fotógrafos, ambientadores y directores que, ante el menor error, gritan
¡COOORTEEE! y podemos hacer todo de nuevo. El cine hace surreal un evento histórico, así como puede hacer real un aterrador y utópico futuro, como en Metropolis (Fritz Lang, 1927) o 1984 (Michael Radford, 1984). Y con esto doy pie para que, si nuestro editor me solicita una nueva columna, hablemos de otro interesante tema: cuando el cine de ciencia ficción ha sido superado por la realidad.
( Las frases en este artículo han sido modificadas con fines dramáticos. Ningún teclado fue dañado durante su escritura. Cualquier parecido con la realidad, es mera coincidencia).
by al
lTirado
“Para mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, de la importancia de un acontecimiento.” Henri Cartier-Bresson
Y Cartier-Bresson llamĂł a ese instante: El Momento decisivo.. Y ahora, a ese instante logrado lo llamamos
FotografĂa callejera.
El interés por la fotografía callejera
existe ya desde hace tiempo. De hecho, con el nacimiento de la fotografía y su popularidad desde principios del siglo XX, muchos fotógrafos incipientes salieron a las calles con la idea de «documentar la historia». Sin embargo, hay una diferencia entre la fotografía callejera y la fotografía documental. La primera crea un documento del momento de la vida independiente; Y el documental tiene el propósito determinado de recabar una idea o un acontecimiento, para contar una historia. Cuando se trata de fotografía callejera, muchos fotógrafos tradicionalmente eligen trabajar en blanco y negro, centrando la atención del espectador en el tema, eliminando la distracción del color. En su forma más básica, la fotografía callejera es la fotografía sincera hecha en situaciones públicas. En términos fotográficos «calle» no se limita a las calles, como la palabra podría sugerir. Lo importante es el “momento” que se presenta en cualquier condición o ambiente. En nuestros días, las redes sociales recogen una lluvia continua de fotografía callejera, es decir instantánea, anecdótica, circunstancial, humorística y tantos otros temas, además de las de millones de imágenes que por su ligereza y la forma gratuita con que se dan, no tienen ningún valor ni para el que las dispara. El sentido de comunidad engendrado por la generación de Internet ha enviado la fotografía de la calle volando a nuevas alturas de popularidad, igual que sucedió con la novedad de la fotografía en sus tiempos iniciales.
Las técnicas varían, pero fundamentalmente, la fotografía de la calle es una representación de la vida real infundida con una conciencia de la estética visual o de aberración visual. Muchos fotógrafos de calle buscan escenas que desencadenan una respuesta inmediata emocional o visual, especialmente a través del humor o una fascinación con acontecimientos ambiguos, extraños o surrealistas. Una serie de fotografías de la calle puede mostrar un mundo loco. Tal vez es un mundo de ensueño, o nervioso, u oscuro, o elegante, o misterioso. La paradoja de que estos rasgos pudieran aplicarse a escenas que se encuentran en la ubicación más cotidiana y real -la «calle «- es infinitamente fascinante. La fotografía callejera no es un reportaje. Para el fotógrafo de la calle no hay ninguna obligación de documentar un tema específico. La principal preocupación es la vida en general, y su reducción en marcos que están solos y funcionan visualmente. Esto requiere una cuidadosa selección de elementos visuales para incluir y excluir de la composición final, y una gran atención en el momento seleccionado para la exposición. La fotografía callejera está volviendo a sus raíces y todo lo que disparamos, todo lo que vemos ahora es más posiblemente una creación del hombre o ha sido afectado / influenciado por el hombre. La gente tira a la calle ahora más que cualquier otro momento de la historia, todo el mundo que posee un teléfono inteligente o una cámara digital con bolsillo puede ser un fotógrafo callejero.
Entonces... ¿hay realmente espacio para una definición más?
Katrina Noel
A cada paso, en el arte, soy menos realista y más aventurera.
Durante la sesión para fotografiar la obra de Katrina, le hicimos unas preguntas: SMA: ¿Puedes decirme por qué decidiste venir a San Miguel de Allende, México y cuándo? KN: Estuve trabajando en Londres para televisión durante 16 años, recientemente como Gerente de Producción. Cuando decidí seguir adelante, busqué un cambio y San Miguel fue una elección obvia ya que lo había visitado varias veces, me encantó, y sabía que podía encontrar un Cuarteto de cuerdas en el que podría tocar mi viola.
s
SMA: ¿Habías estado involucrada en hacer arte antes de venir aquí? KN: No. Había estado muy interesada, porque estaba casada con un pintor / escultor cuya madre era también una artista, y su padre Josh Kligerman abrió una de las primeras y más destacadas galerías de arte en San Miguel. Decidí tomar clases y comencé con acuarela con Edina Sagert, que fue una excelente profesora que me introdujo a la teoría del arte y organizó mi primera exposición en San Miguel de Allende en 2009, y en cuya galería en la Fabrica Aurora he estado exhibiendo desde agosto de 2016. SMA: Entonces, ¿cuándo decidiste aventurarte en una expresión artística menos realista y más aventurera? ¿Y por quién ha sido influenciada? KN: Encontré en los acrílicos una manera mucho más fácil de expresar mi arte, de una manera más convincente. El Maestro Ernesto de la Peña Folch ha sido mi guía durante los últimos 4 años. Su estudio está lleno de artistas interesantes y este entorno, junto con su increíble conocimiento y el estímulo, ha influido en gran medida en mi desarrollo y creatividad. SMA: Entiendo que has viajado mucho. ¿Qué tanto es mucho?
KN: Sí. Antes de trabajar en televisión, estuve en el Ministerio de Relaciones Exteriores de Inglaterra durante 25 años y viví en 12 países diferentes, empezando por Bonn y Madrid y terminando con Addis Abeba, Nairobi y Washington DC, donde trabajé como asistente personal de varios embajadores. SMA: ¿Han influido esos viajes, en alguna manera, en tu creación artística? KN: El Maestro de la Peña ha comentado que «aunque mi introducción a la pintura es reciente,
mi desarrollo artístico está claramente ahí, reflejando mi vida rica y cosmopolita del pasado y del presente» SMA: ¿Has tenido algún éxito financiero con tu arte? KN: Creo que he tenido mucha suerte, teniendo en cuenta que vivo en una ciudad que está llena de artistas excelentes y profesionales y muchas galerías de arte. Sí, estoy vendiendo con regularidad, y sigo pintando con habitual satisfacción.
Saturnino Herrán
(9 de julio, 1887 - 8 de octubre 1918)
R
Autorretrato con calavera
endimos en este mes, humilde homenaje al pintor Saturnino Herrán, en el 130 aniversario de su nacimiento. Saturnino Herrán nació en el estado de Aguascalientes, México. Desde temprana edad mostró interés por la pintura y a los 10 años sus padres lo pusieron a tomar clases de dibujo con el maestro José Inés Tovilla. Dos años después a la muerte de su padre, la madre lo llevó a la ciudad de México y de inmediato lo ingreso a la escuela de artes, donde tuvo como compañero a Diego Rivera, quien se convertiría años más tarde en el famoso muralista. Continuó estudiando en la Escuela Nacional de Bellas Artes hasta su graduación para encontrar un camino que desgraciadamente habría de ser muy breve. Mujer en Tehuantepec
S u obra ha sido un tanto ignorada o desconocida – tal vez por su corta produc-
ción. Pero su estilo brilló desde un principio cuando se dedicó a plasmar escenas que se ubicaron dentro del indigenismo. Sus personajes se muestran dignos, puros, sin perder su origen. Sus obras se reconocieron dentro del arte universal, por tener la calidad y el contenido que las obras de Velázquez y José de Rivera presentaban en aquel momento dentro del arte tradicional de la escuela española. La criolla del mantón
La cosecha
La ofrenda
Atmósferas limpias, tenue colorido y escenas vitales, la cosecha...día de
Como colorista y diseñador hizo trabajos de vitrales e ilustración de libros.
muertos, ganaron la admiración en las salas de la Exposición Conmemorativa del Centenario de la Independencia.
En los años postreros de su vida se interesó por el muralismo, cuando ya Diego Rivera pintaba murales por doquier.
S aturnino Herrán murió a la temprana edad de 31 años, cuando el renacimiento del arte estético mexicano Mujer con calabaza
estaba en auge. No fue justo que un talento tan grande y tan joven terminara su carrera en el principio. Aun así, presentamos aquí, su obra queda para enriquecer la pintura universal.
Arte por Isis Bobadilla
Guerreros Apache.
El arte en tierras de guerreros.
Mata Ortiz
es un maravilloso rincón de México en el estado de Chihuahua, resaltado en un valle a los pies del cerro «El Indio». Este enigmático lugar recibe su nombre del Mayor Juan Mata Ortiz, un soldado chihuahuense que, durante el Siglo XIX, combatió contra las tribus nativas. De las tribus que originalmente habitaban esas tierras, los guerreros más amenazantes eran los apaches, tobosos, comanches y tarahumaras, quienes se opusieron a la ocupación de su territorio.
Página opuesta: cueva de La Olla en Paquimé, Chihuahua. El arte cerámico de Juan Quezada
Muy a pesar de ello, los invasores colonizaban aceleradamente, fundando aldeas y ciudades, y desempeñando labores agrícolas y minerales; haciendo de esta tierra una zona comercial a pesar del entorno desértico y agreste. Los apaches comenzaron a robar ganado en haciendas y ranchos como una forma de subsistencia, al haberles sido arrebatadas sus tierras.
Era la Guerra Apache.
En esta tierra salvaje y guerrera,
mucho tiempo después, nace en 1940, Juan Quezada, un artista prodigio en la creación de cerámica inspirada en la cultura prehispánica de Paquimé; área cultural de la América del Norte precolombina. Juan era un niño del campo que solía ir a recolectar leña y miel de agave, junto con su inseparable burro. El pequeño Juan se interesaba en recolectar fragmentos de vasijas prehispánicas que encontraba almacenadas en una cueva, provenientes de la cultura del Lugar de Grandes Casas, (Paquimé, en lengua tarahumara o rarámuri). A Juan le impresionaban estos utensilios de cerámica aridoamericana, repletos de colores y trazos geométricos, que iba coleccionando. El jovencito de apenas 14 años, analizaba y observaba a detalle las piezas que había recolectado, y se dio a la tarea de reproducirlas sin tener conocimientos de pintura o alfarería. Paquimé fue un puerto de comercio
Juan Quezada
foráneo dedicado a la producción de plumas de guacamayas, intercambio de conchas, cerámica y cobre. Los objetos que más distinguen a Paquimé, son justamente sus vasijas de barro; a las que se les reconoce como Ollas Ceremoniales. Los pobladores de Paquimé dejaron como legado miles de vasijas decoradas en las que plasmaron sus propios rostros, las formas de sus cuerpos, fauna y flora de su entorno y acontecimientos importantes, y alcanzó su máximo desarrollo entre el año 1060 y el 1340, durante este tiempo, se edificaron lugares especiales para adorar a sus dioses y acueductos para abastecerse de agua. Después de 1340, la ciudad inició una etapa de debilitamiento y fue abandonada por sus habitantes, desconociéndose el motivo por el cual la población emigró hacia otros lugares. En el año 700 d. C., dio inicio la cultura Paquimé con la práctica de la agricultura y construcción de pequeñas casas de adobe semi-subterráneas y circulares, construidas a las orillas de los ríos. Vasija ceremonial prehispánica.
Hermosos diseños en cerámica.
La cultura Paquimé tuvo lugar 2mil años después de la separación de las culturas Mesoaméricanas y Aridoaméricanas, (periodo que coincide con la época del ocaso teotihuacano). Fue un asentamiento que influyó en el noroeste de la Sierra Madre Occidental; la mayor parte del oeste de Chihuahua y algunas áreas de los estados de Sonora, Arizona, Utah, Colorado y Nuevo México. Se calcula que la población probablemente llegó a tener unos 3500 habitantes, pero se desconoce su filiación lingüística y étnica. Algunos investigadores sostienen que Paquimé tuvo un desarrollo cultural autóctono de la cultura Dulce, otros afirman que fue el resultado de la invasión de una élite del altiplano mexicano. Después que Paquimé fue abandonada, pueblos nómadas ocuparon la ciudad. Una resplandeciente cultura del desierto había muerto, hasta que Juan Quezada la revivió con sus manos y su pincel de pelo humano.
Después de intentar por mucho tiempo recrear estas vasijas originales, lo lograría utilizando y probando arena fina. Así, experimentando, obsequiaba sus primeras vasijas y, de esa forma, llegaron a manos de comerciantes que las venderían en Estados Unidos. Finalmente, sus vasijas pasaron por los ojos del antropólogo Spencer MacCallum. Al conocer a Quezada, el antropólogo le ofreció apoyo económico para que el joven pudiera concentradamente producir ese arte, y le aconsejaría no avejentar las ollas -lo que hacía Quezada con el objeto de venderlas como si fuesen hallazgos, y le recomendó firmar sus obras como autor. La modalidad de arte individual firmado,fue lo que permitió incrementar el valor de sus obras, ya como
Juan Quezada, el artista
Relaciones Artisticas Hola lectores: Cuando descubrí por primera vez San Miguel Art Magazine en línea, fui inmediatamente atraído por sus imágenes, así que me suscribí de inmediato y busqué un encuentro con Al Tirado, el editor y la fuerza motriz de esta nueva publicación. Tuvimos una reunión creativa y aquí estoy contribuyendo con unas palabras para la revista. Estoy aquí, en San Miguel de Allende, para disfrutar y enfocarme en el arte y la artesanía por la que México ha sido conocido. A través de mi agencia, Relaciones Artísticas, estoy buscando proyectos para desarrollar empresas creativas. He vivido en California la mayor parte de mi vida y he estado implicado en la industria de las artes y de la cultura durante muchos años.
A través de mis vastas conexiones estoy trabajando para impulsar el talento mexicano en todas sus formas artísticas. Estos proyectos son los que más me apasionan. San Miguel de Allende fue fundado en el siglo XVI y ha sido una meca para los artistas de todo el mundo desde 1930. Por su larga historia ha obtenido la mención de «El corazón de México». Espero traer a la luz el renacimiento cultural que ocurre en México a partir del patrimonio tradicional originado hace muchos siglos. Richard Almada Cultural Program Development ArtisticRelations@gmail.com www.Desert-ArtTours.com
Susan Fiori
C
uando joven rechacé la idea de ser artista. Tanto mi madre como mi hermana mayor eran artistas y yo quería ser diferente. Estudié inglés en la universidad, me casé, tuve dos hijos y luego me divorcié antes de darme cuenta de mi destino como artista. Tenía 26 años cuando tomé un trabajo como modelo de retrato en el Instituto de Arte en Cleveland, USA. Recuerdo el olor tan sensual de la pintura de óleo, y el enfoque de los estudiantes mientras trabajaban. En mí había algo que nunca antes había sentido. Sentada en la quietud, como la modelo, sentí una emoción que casi hizo que mi corazón estallara. Ese mismo día tomé algunos materiales de arte de mi madre e intuitivamente comencé a pintar. Entonces supe que la trayectoria de mi vida era trabajar para ser una verdadera artista.
E ventualmente tomé clases de arte, aprendí bastantes habilidades y pronto empecé a hacer y vender impresiones de serigrafía. Un año más tarde abrí una galería-estudio en el área Little Italy de Cleveland y durante más de diez años fui parte de una creciente y exitosa comunidad artística. A los 42 volví a casarme y me mudé al área de la Bahía de San Francisco. Decidí completar mis estudios de arte y fue en la Universidad Estatal de San Francisco que descubrí trabajar con metal. Me inscribí para una clase de joyería y una vez más me encontré completamente seducida por los materiales.
M e encantó el metal, el aspecto y la sensación, pero sobre todo me encantó cortarlos. Utilicé una segueta de joyería y rápidamente me hice muy diestra en cortar diseños muy intrincados.
Camino a la quietud
La muerte de los locos nocturnos
Guardianes del bosque
D urante este tiempo me di cuenta que había un hilo que podía remontarse a mi infancia y juventud. Me encantaba recortar muñecas de papel, pero
nunca jugaba con ellas. Como una adolescente me encantó cortar tela con patrones de costura, pero rara vez estaba interesado en coser la prenda. Entonces como una impresora de serigrafía, me sentía que estaba en el cielo. Cortaba muchos y complicados esténciles, a veces hasta tantos como 50 para una sóla impresión. Me gustó esta parte del proceso y en los años siguientes cualquier proceso que tenía un componente de corte fue atractivo para mí.
P or lo tanto, no fue ninguna sorpresa que el corte de
metal comenzara a emocionarme. Mis diseños eran muy pictóricos y demasiado grandes para ser realizados como broches de solapa. Casi de inmediato comencé a hacer pequeños recintos escultóricos, pero seguí usando técnicas de metalistería. Para el momento en que me gradué, estaba locamente enamorada de la metalistería y hasta el día de hoy nunca me he cansado de trabajar con este medio tan versátil. Muchos son los temas - la espiritualidad oriental, la psicología, el folclore, las culturas primitivas, los sueños y las reflexiones - que han influido en mi iconografía. Mis métodos como artista, incluyen el corte de la plantilla, la pintura, el dibujo y el diseño. Es mi trabajo actual, donde me permito la libertad de la diversidad. El viaje de la mente
La cancion de Vajra
Pájaro de invierno
M is recintos se hacen principalmente con níquel, latón y cobre y se construyen dentro y alrededor de una caja de
madera abierta que también hago. Todavía uso las seguetas de joyería para cortar el metal en las formas y los diseños complejos que crean una historia narrativa. Hago cortes de dados en una base de madera, que permiten tanto el espacio cercano y profundo para mirar dentro del mundo que estoy creando. Mis exteriores son madera pintada, a menudo con metal adicional que grabo a mano. Al tiempo que voy trabajando, recibo la información de lo que voy creando. Es mi manera de permanecer flexible y tomar riesgos. Esto mantiene el trabajo emocionante.
A veces he tenido curiosidad por mi decisión de abrazar un proceso tan largo y laborioso. ¿Por qué no pintar las imágenes que me inspiran?
Año del mono apacible
P ero hay algo tan misterioso y desafiante en el metal. Me siento
atraída por la alquimia de la misma, la forma en que se ablanda si se incendia, cuando se endurece si se golpea, cuando cambia con el color o la pátina, cuando se calienta y se disfraza si se pinta. Puede ser resistente o delicado, opaco o transparente, inexplicable u obvio. El metal tiene una personalidad multifacética y mi relación con ella es mucho más privilegio que el trabajo implicado.
Ascenso
Pelo rojo, Sombrero verde, Corona dorada
Katrina Noel noelkatrina3@gmail.com Marita Furman http://www.expressionsinajourney.com/ Art School rick@rickbrunson.net jamesreevesart@aol.com Isis Bobadilla https://www.facebook.com/isisbobadilla http://isisbobadilla.es.tl/ Susan Fiori susanfioriart.com fiori.susan@gmail.com Richard Aldama artisticrelations@gmail.com Yair Franco terrescali.cultural@gmail.com Al Tirado
altiradoart@gmail.com
www.altiradoart.wixsite.com/altirado
Para mayor informacion sobre los artistas presentados, favor de dirigirse directamente al artista.
4to. Festival de Arte
Madonnari 22 y 23 de julio San Luis de la Paz GTO. MĂŠxico
No. 4 Julio, 2017 Editor al Tirado Asesor administrativo Daniel Tirado Navalón Redes sociales Yair Franco Relaciones Artísticas Richard Aldama Diseño Gráfico Yanina Hernández J.O. Romero Arte Étnico Isis Bobadilla Una publicación de FreeLancelot SMA San Miguel de Allende. México Contacto con los editores: editor@sanmiguelartmagazine.com San Miguel Art magazine es una publicación e-zine con frecuencia mensual. Aparece la primera semana de cada mes en San MIguel de Allende, GTO. México. All rights reserved.
Contáctenos:
editor@sanmiguelartmagazine.com https://www.facebook.com/SanMiguelArtmagazine http://www.sanmiguelartmagazine.com/