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El libro hay que tomárselo como un curso, como una forma de culturizarnos en fotografía. Que seamos curiosos, que nos formemos nuestra propia biblioteca fotográfica, ya sean con fotos nuestras o de otros, que indaguemos, que busquemos información, imágenes…que aprendamos. A la fotografía hay que dedicarle tiempo y te la exige, porque fotografiar es fácil, pero hacer buenas fotografías no lo es, y por el hecho de saber hacer fotos, no te convierte en buen fotógrafo, al igual que leer libros, no hace a un buen lector ser escritor. Pero ayuda el salir y tomar imágenes continuamente Nuestra cámara puede ser mejor o peor, y es importante saber utilizar las herramientas de las que disponemos para poder plasmar nuestras ideas, pero estas no van a sustituir nuestra mirada. Uno de los motivos por los que usualmente se abandona la fotografía, es la frustración, pero un fotógrafo no se hace de la noche a la mañana y hay que tenerlo claro desde el principio. Cuando entramos de lleno en la fotografía, nos planteamos ciertas preguntas, la primera ¿Qué es una buena fotografía? Difícil respuesta, sin embargo no es la única ¿a qué nos referimos con una buena fotografía? ¿Bien iluminadas, bien compuestas, bellas? ¿Y que son imágenes bellas? ¿Cómo se consigue una buena fotografía? ¿Qué hay que saber para realizarla? ¿Podemos pensar en una fotografía ideal? ¿A que se parecería? ¿Podemos imaginarnos esa fotografía colgada de nuestra pared?. No hay que agobiarse, si las pensamos de una en una y le dedicamos tiempo, empezaremos a pensar en términos fotográficos y tiene la finalidad de que vislumbremos poco a poco la meta a la que queremos llegar. Todos los grandes fotógrafos se plantearon las mismas preguntas Sin embargo la fotografía no solo es cuando tenemos la cámara en mano, se hace antes, en nuestra cabeza, una imagen mental, la cámara solo plasma y da forma a esa imagen.
También debemos plantearnos qué tipo de fotógrafos somos ¿B/N o color? ¿Qué tema? ¿De calle o de estudio? Por qué no es lo mismo y por ejemplo, Cartier-Bresson y Avedon eran grandes fotógrafos, pero muy distintos. Y el método o tema que usa uno, puede que no funcione con el otro (y a la inversa) y por supuesto no quiere decir que nos funcione a nosotros. En definitiva lo que hay que tener claro es que debemos tener una idea más o menos clara de lo que queremos conseguir y hasta donde queremos llegar. Ir poco a poca, ya que el camino es arduo y que hay que tomárselo con paciencia y sobre todo, lo que importa a la hora de sacar una imagen es saber lo que queremos trasmitir y ponerle sentimiento.
Joseph Nicéphore Niépce. Fue un químico, litógrafo y científico aficionado nacido en Francia en 1765 que invento la fotografía. Se interesó en la litografía, y comenzó sus experiencias con la reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte, utilizando para ello los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Sus primeros experimentos datan de 1813 y tuvo éxito al crear un medio sensible a la luz fue la técnica llamada heliografía: imágenes positivas directas obtenidas sobre superficies emulsionadas con betún de Judea y aceite de lavanda En 1814 tuvo la idea de emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1825 y 2 años más tarde, en 1827 obtuvo imágenes directamente en positivo, consiguiendo así las imágenes únicas. En los 2 años posteriores y a través de unos conocidos, conocería a Louis Daguerre. Con el firmaría un contrato de sociedad en la que le revelaría sus avances y la comercialización del invento. Niepce moriría en 1833 a la edad de 68 años, sin que se supiera de la participación en el invento de la fotografía (que Daguerre intento ocultar, dándose solo protagonismo) hasta 1841 en que lo hizo su hijo.
Garry Winogrand. Nació en New York en 1928, hijo de emigrantes judíos europeos. En 1948, con 20 años, decidió estudiar pintura en la universidad de Columbia, y allí, gracias a un compañero, conoció el cuarto oscuro; a raíz de eso, días después abandono la pintura para adoptar la fotografía como su medio de expresión. Un año más tarde se matriculó en la New School for Social Research bajo la tutela de Alexey Brodovitch, responsable de la fotografía y el diseño de la revista Harper’s Bazaar. En 1951 empezó a trabajar para la agencia Pix que le ofreció una forma de ganarse la vida y las tablas para convertirse en un fotógrafo serio, logrando incluir una toma suya en la exposición del MoMa “The Family of Man”. A finales de 1955, Winogrand decidió abandonar las calles de New York para embarcarse, junto con su mujer, en un viaje por EEUU por la ruta 66, en la que capto una américa inédita, provocando la revolución más grande en fotografía documental de la segunda mitad del siglo XX con su libro Les Américains. En los 60, Winogrand creció hacia una nueva etapa por todos los hechos que acontecían: la integración racial, la guerra de Vietnam, la crisis de misiles de Cuba, el asesinato de JFK… Deambulaba con su cámara Leica registrando una de las épocas más tumultuosas del siglo XX. A finales del 69, fotografió exhaustivamente el Zoológico del Bronx por la cantidad de similitudes entre los animales que allí vivían y los humanos que iban de visita. Garry Winogrand murió de cáncer en 1984, dejando más de 400.000 imágenes sin editar, muchas de las cuales ni siquiera había revelado.
David Hockney. Pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo, nacido en 1937 en Bradford, Inglaterra. Asistió al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962, y mientras aún era estudiante, le llego la fama, convirtiéndose en un importante contribuyente del movimiento de Arte Pop de los 60. Aunque su principal medio de expresión es con la pintura, en los años 80 comenzó a producir “joiners”, que son collage hechos con fotografía. Creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías reveladas de un sólo sujeto ordenadas de manera irregular. Debido a que las fotografías están tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos ligeramente distintos, el trabajo resultante es afín al Cubismo. La creación de los "joiners" fue un mero accidente, ya que mientras trabajaba en una pintura, tomó varias fotografías Polaroid y las pego juntas. Pero al mirar la composición final se dio cuenta que había creado una narrativa y comenzó a trabajar más con la fotografía, dejando la pintura por un tiempo, para desarrollar esta nueva técnica. Sin embargo frustrado con el enfoque unilateral y limitante de la fotografía, la abandono para volver con la pintura. Hoy en día está considerado como uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
Richard Avedon. Nació en New York en 1923, hijo único de una familia de ascendencia judía. Sus primeros acercamientos al mundo de la moda, y la fotografía, empiezan cuando aún es niño, ya que su madre era aficionada a ésta y la practicaba como hobbie, al igual que la coleccionaba. Con doce años pasó a formar parte del YMHA Camera Club con su una mítica Kodak Box Brownie Después de asistir un tiempo a la universidad de Columbia, comenzó su carrera como fotógrafo en 1942, al unirse a la marina mercante y encomendándole tomar fotografías de todos los tripulantes. Desde 1944 hasta 1950 fue discípulo de Alexey Brodovitch en la New School for Social Research, lo que le llevo a trabajar en la revista Harper’s Bazaar, convirtiéndose poco tiempo después en el director de fotografía de la revista. Un viaje a París hizo que Avedon revolucionara la fotografía de moda, al quedar éste cautivado por la ciudad. Combinó la fotografía de calle con la de moda, algo nunca visto, y además de forma novedosa, elegante y con un punto excéntrico. Retrató la fotografía de moda como algo más parecido al mundo teatral que a la fotografía de catálogo vista hasta la fecha, dotando a los modelos con personalidad. A finales de los 60 y principios de los 70, sus inquietudes por plasmar el mundo, le llevo a realizar reportajes sobre líderes militares, víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra. “In the American West" (1979-1984), la obra que culminaría por darle el rango que hoy tiene dentro de la fotografía, fue un encargo que le llevo a documentar a personas que posiblemente nunca se sabría de ellas en la historia del país: vagabundos, granjeros, amas de casa, presos, oficinistas… Falleció en 2004 por una hemorragia cerebral mientras realizaba una sesión fotográfica para The New Yorker, sobre las elecciones.
Jacques Henri Lartigue. Nació en 1894 en Courbevoie, Francia, en el seno de una familia acomodada. Su padre, banquero, era fotógrafo aficionado y le regalo su primera cámara con 7 años. De esta manera comenzó retratando el mundo de las carreras y a las mujeres de clase adinerada desde perspectivas poco comunes y novedosas, mediante el empleo de encuadres poco usuales, de diversas velocidades de obturación y trabajando casi siempre en blanco y negro. Sin embargo su pasión siempre fue la pintura y en 1915 entro en la Académie Julian, siendo discípulo de Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet, y dejando temporalmente de lado la fotografía. Hasta 1960 no fue cuando la fotografía empezó a reportarle logros, ya que a raíz de unas fotos publicadas en la revista Life, le dio pie a exponer en galerías, museos como el MoMa y publicar libros. Su mirada como fotógrafo está considerada como serena y positivista. En 1979 cedió sus fotografías al Estado francés, incluyendo negativos, discos originales, diarios y cámaras. Entre los reconocimientos que ha recibido se encuentra dar su nombre a una calle en el V Distrito de París en 1995 y también a una estación de la línea 2 del tranvía. Murió en 1986 a los 92 años.
Paul Strand. Nació en New York en 1890, hijo de emigrantes Checos de apellido Stranky. Cuando contaba con 12 años, su padre aficionado a la fotografía, le regalo su primera cámara. Se matriculo en el Ethical Culture School y allí conoció a su mentor, el sociólogo y fotógrafo Lewis W. Hine, que le marcó profundamente. Hine llevó a sus alumnos a visitar la Gallery 291 donde el joven Strand conoció el trabajo de fotógrafos como Julia Margaret Cameron, Gertrude Kasebier, Clarence Hudson White, David Octavius Hill o Robert Adamson y en ese momento decide convertirse en fotógrafo. En 1911 entra como miembro del Camera Club of New York, donde se reúnen otros fotógrafos como la dupla Stieglitz-Steichen o Alvin Langdon Coburn. Mientras trabaja en una aseguradora, dedica sus ratos libres a su trabajo fotográfico, realizando trabajos comerciales por su cuenta. Con 25 años sufre un punto de inflexión cuando su amigo Alfred Stieglitz, le crítica y recomienda que use un diafragma más pequeño, abriendo todo un mundo de posibilidades. A partir de entonces Strand cambia radicalmente de estilo y temas, cambiando del pictorialismo al realismo, la fotografía directa. En 1917 la revista fotográfica Camera Work publica dos ensayos suyos que incluyen fotografías que se convertirían en algunas de las más famosas e influyentes de la historia a la vez que expone en Gallery 291. A principios de los años 20, trabaja en alguna película, y realizando algunas propias (eventos y deportivas) 1932 recibe el encargo por parte del gobierno mexicano de dirigir el Instituto Nacional de Bellas Artes. Paul Strand llegó a ser el maestro de cine del mismísimo Henri Cartier-Bresson en 1935.
En 1950 llega a Francia y a partir de esa época se orienta de forma más marcada hacia la fotografía humanista Hoy en día es considerado, uno de los fundadores de la fotografía documental moderna y forma parte de la fotografía documental junto con Henri Le Secq, Mathew Brady, Jacob Riis, Lewis Hine o Eugène Atget. Falleció en 1976 a los 86 años en su casa de Orgeval en Francia.
John Gutmann. Nació en Breslavia, Polonia, en 1905, en una familia acomodada judía. Desde pequeño tuvo una cercana relación con el arte y por eso se matriculó, para estudiar pintura, en Academia estatal de Arte de Breslavia, donde uno de sus maestros fue el expresionista Otto Mueller. Siguió la corriente cultural que emergió de la I Guerra Mundial en la que se idealizaba América en libros y revistas y mostraba una tierra de llanuras infinitas, altos rascacielos, gansters y negros tocando jazz. Se licencio en 1927 y decidió trasladarse a Berlín para proseguir con sus estudios En los años 30 ya tenía reputación como pintor y consiguió plaza como profesor, pero con la llegada de los Nazis al poder en 1933, perdió su puesto y tuvo que emigrar a Estados Unidos, nacionalizándose allí. Llego a San Francisco y no sabiendo si podría dedicarse a la pintura, decidió hacerse fotorreportero y se compró una Rollei, convirtiéndose en autodidacta y consiguiendo un contrato con la agencia de prensa berlinesa Fotopresse hasta 1936. Realizó impresionantes y expresivas fotografías de los EE UU durante la depresión, diferenciándose del documentalismo social predominante, con una mirada artística, con impecables composiciones, originales perspectivas y peculiares motivos; la visión de un extranjero fascinado por la sociedad norteamericana. Trabajó para la Universidad de San Francisco hasta convertirse en uno de los fotógrafos más importantes de la ciudad, aunque fue abandonando la fotografía activa para dedicarse más a fondo a la educación. Murió en 1998 a la edad de 93 años en San Francisco.
Brassai. Es el seudónimo de Gyula Halász, nacido en 1899 en la ciudad de Brasov (antes de Hungría, ahora de Rumania). En su juventud estudio en la Academia de Bellas artes de Budapest, hasta que con 18 años se alisto al regimiento de caballería de la armada austrohúngara, hasta que termino la I Guerra Mundial. En 1920 se trasladó a Berlín y trabajó como periodista, mientras estudiaba en la Universidad de las Artes de Berlín. En 1924 se trasladó definitivamente a París, y allí en el barrio de Montparnasse, empezó a trabajar de periodista y entablo amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert. Su amor por la ciudad de París y el recorrerla por las noches, le llevo a la fotografía, capturando su esencia nocturna y publicando un libro en 1933, cosechando un gran éxito. A parte de fotografiar el lado sórdido de la ciudad, también capturo escenas de la vida social de la ciudad, sus óperas, sus intelectuales, fotografiando a muchos de sus amigos artistas como Dalí, Picasso o Matisse. Su inquietud artística le llevo a rodar la película "Tant qu'il aura des bêtes", que gano el festival de Cannes en 1956. Además de pintor, fotógrafo y coquetear con el séptimo arte, Brassai cultivó la literatura gracias a veinte publicaciones y numerosos ensayos. En 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía francés. Aparece además en los libros de historia por su seguimiento del grafismo primitivo; no el que conocemos hoy en día, si no el del grabado, aquel que dejaba surcos en las paredes con incisiones y bajo relieves
Murió en 1984 en Niza, con 85 años, y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París
Muere en 1984 a la edad de 82 a consecuencia de un cáncer. Ansel Adams. Nacido en San Francisco en 1902, se inició en la fotografía con una cámara Kodak Box Brownie que le dieron sus padres. En 1927 conoció a Paul Strand, y sus imágenes le causaron un gran impacto, alejándolo del estilo pictorialista y encaminándose hacia el estilo “straight photography” (fotografía pura). Ese mismo año conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. En 1932 junto con Edward Weston, Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift y Willard Van Dyke fundó el grupo f/65 que promovía la fotografía pura. Durante los años 30 desarrollo el “sistema de zonas” por su profundo conocimiento y experto control sobre la exposición fotográfica. Este sistema se basa en el hecho de que el fotómetro de la cámara siempre evalúa la zona medida como un gris medio, y el fotógrafo debe aumentar o disminuir la exposición para compensar el exceso o defecto de luz. De esta manera se consigue imágenes de alto contraste sin quemar luces ni empastar sombras. En 1953, dada su precaria situación económica, empezó a hacer fotografía comercial y trabajó para marcas como Kodak o IBM, revistas como Life y Fortune. Aunque no era un trabajo que le encantase, le proporcionaba dinero para vivir, y además hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas. Fue un ecologista convencido, su amor por la naturaleza y sobre todo por el parque Yosemite, hizo que su obra girase en torno a esta temática. Aunque algunos fotógrafos como Cartier-Bresson lo criticaron duramente por que en sus imágenes raramente salía algún humano. En 1981 recibe el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
William Henry Fox Talbot. Nació en 1800 en Dorset, Reino Unido, fue científico, filólogo, político y uno de los pioneros en el ámbito fotográfico. Durante los años 20 comenzó algunas investigaciones ópticas, que dieron frutos en relación con la fotografía. En 1926 y 1927 publico documentos sobre "Algunos experimentos con llamas de color" y “La luz monocromática”. En 1934 y a raíz de ser un mal dibujante, Talbot obtuvo los primeros resultados de sus investigaciones fotográficas cuando, mediante contacto de los objetos con la superficie sensibilizada, realizo sus primeras imágenes sin la cámara oscura. A esto se le llamó esquigrafía, o dibujo fotogénico. El primer negativo como tal, lo realizo con éxito en 1935, pero era pequeño y necesitó de mucha exposición. Durante los siguientes años se dedicó a la investigación con químicos y tuvo éxito cuando trató papel con nitrato de plata y sal; así se lograba una imagen latente que posteriormente era revelada. En 1939 Daguerre anuncia su invento en París (daguerrotipo) y Talbot hace lo propio con sus estudios, en los que su proceso de papel y sal permite la posibilidad de reproducir una imagen mediante un sistema de negativo y positivo. En 1941 obtiene la patente del Talbotipo, aunque que finalmente se llamaría Calotipo. En el 43 viaja a Francia para mostrar su Calotipo, pero no es bien recibido, ya que a diferencia del daguerrotipo, este tenía mucha menos nitidez y calidad; sin embargo el papel fue haciéndose hueco ya a que era muy engorroso el uso del vidrio y las placas de cobre. Esto se ha mantenido como técnica dominante durante más de 150 años.
En 1944 Talbot consigue grandes avances y mayor nitidez en sus imágenes y pública el libro “The Pencil of Nature” que incluye 24 imágenes y es considerado el primer libro de fotografía. En 1860 el daguerrotipo queda ya totalmente desplazado por las técnicas mejoradas de Talbot. Muere en 1877 en Lacock Abbey, Reino Unido, a los 77 años.
Harry Callahan. Nacido en Detroit en 1912, se compró su primera cámara en 1938 (a los 26 años) y aprendió de manera autodidacta. En 1940 entra en la Detroit Photo Guild, donde conoce a Arthur Siegel que le introduce en la fotografía experimental. Poco tiempo después conocería a Ansel Adams, que le impacto y decidió probar con cámaras de mayor formato. En 1945 hace un viaje a New York, donde conoce a grandes fotógrafos contemporáneos de la época. En 1946 se publica por primera vez su trabajo y empieza a dar clases de fotografía en el Instituto de Diseño de Chicago, donde conoce al grupo New Bauhaus. El estilo de Callahan fue muy artístico y experimental, jugando muchas veces con la doble y triple exposición, y su esposa Eleonor fue durante 15 años (desde 1945 a 1960) su tema principal en muchas de sus obras y la fotografió de todas las maneras posibles: en casa, en la calle, sola, con su hija, desnuda, en b/n, color. En 1961 se traslada a Rodhe Island donde empieza a trabajar impartiendo clases y llevando un programa de fotografía, hasta su jubilación en 1977. Murió en Atlanta en 1999, a los 87 años, dejando más de 100.000 negativos y más de 10.000 hojas de contactos.
En los 80 volvió a retomar la fotografía y recientemente volvió a la fotografía de moda, de la mano de la revista Harper’s Bazaar. William Klein. Nacido en New York en 1928, pintor, cineasta y fotógrafo, desde los 11 años se tomó el arte como un reto. En 1946, con 18 años se enrolo en el ejército, donde llego a París y se enamoró de la ciudad y de una muchacha que se convertiría en su esposa. Allí, en 1948, se matriculo en la Sorbona donde uno de sus maestros fue Fernand Léger. En 1952 tuvo dos exitosas exposiciones individuales y en una de ellas conoció a Alexander Liberman, director artístico de la revista Vogue. Se pasó a la fotografía, donde gano una gran fama como fotógrafo de moda trabajando para Vogue, donde sus fotos novedosas y llenas de movimiento, revolucionaron de nuevo la fotografía de moda (después de Richard Avedon). En 1957 ganó el premio Prix Nadar, con su libro fotográfico New York, y se pasó los siguientes 5 años viajando por Roma, Moscú y Tokio, donde público un libro por cada ciudad. En su viaje a Roma, asistió a Federico Fellini y este le introdujo en el mundo del cine, algo que cautivo a Klein; se fue alejando de la fotografía para dedicarse a su nuevo amor: el cine. En 1958 hizo su primer cortometraje “Broadway by Light”, completamente a color. Le siguieron varios más, hasta que en 1966 hace su primer largometraje “Qui êtes-vous, Polly Maggoo?”. En 1967, a raíz de la película “Loin du Viêt Nam”, que hizo junto con otros cineastas, criticando duramente a Estados Unidos y su incursión en Vietnam, su relación con Vogue ceso definitivamente.
Klein ha tenido una larga carrera cinematográfica, hasta 1999, en la que hay cortos, largometrajes y documentales. Como toda su obra artística, es un autor trasgresor y sátiro. Sigue viviendo en la ciudad de París
Dorothea Lange. Nació como Dorothea Margarette Nutzhorn en New Jersey en 1895. Se quitó el segundo nombre y adopto el apellido de su madre, Lange, como suyo. En 1917 se matriculó en la escuela Clarence H. White de New York para estudiar fotografía, durante dos años. En 1919 abriría su propio estudio en San Francisco, allí se empezaría a forjar su personalidad de fotoperiodista. A raíz de la Gran Depresión Americana, Dorothea, muy sensibilizada por el asunto, decide salir a la calle junto con su marido, para retratar y contar las verdaderas consecuencias de este suceso: gente viviendo en la calle, emigrando para buscar trabajo, desempleados…lo hizo como denuncia. Pronto fue contratada por el Estado para que documentara la pobreza reinante en las zonas rurales del país. De aquí surgió su famosa serie Madre Migrante, lo que le granjeo grandísima fama y el respeto de sus compañeros fotógrafos. En 1941 recibió el premio Guggenheim Fellowship por la excelencia en fotografía. En 1942 en plena II Guerra Mundial y a raíz del ataque de Pearl Harbor, utilizo su prestigio para tomar imágenes de la reubicación de los estadounidenses de origen japonés, en campos de concentración dentro del territorio americano. Sus imágenes criticaban duramente las políticas de detención de personas sin ningún cargo criminal y sin derecho a defenderse y el Ejercito le embargo las fotografías. Las dos últimas décadas de su vida, su salud se fue debilitando mucho, muriendo de cáncer en 1965 a los 70 años de edad.
Weegee. Alias de Arthur H. Fellig (nacido como Usher Fellig) nació en Ucrania en 1899. Se cambió el nombre al emigrar a New York con su familia en 1909, y allí trabajo como fotógrafo callejero de niños y de asistente de un fotógrafo comercial. No recibió clases de fotografía, fue un autodidacta En 1924 fue contratado por Acme Newspictures como técnico de cuarto oscuro, pero no fue hasta 1935 cuando se convierte en fotógrafo independiente. Trabajaba de noche y en 1938 era el único fotógrafo al que se le permitía tener una radio (portátil de onda corta) para escuchar la emisora de la policía, con lo que casi siempre era el primero en llegar a la escena del crimen. Sus fotos descarnadas y sensacionalistas, las revelaba en su maletero y las vendía a agencias y tabloides. En 1943 el MoMa adquirio 5 de sus fotografías para la exposición “Fotografía en acción” y más tarde fue incluido en otra exposición, “50 fotografias de 50 fotografos”. Durante los años 50 experimentó con fotografías panorámicas, distorsiones fotográficas y fotografías a través de prismas y colaboro en la película The Yellow Cab Man con una secuencia. En 1957 se le diagnostico diabetes, y decidio viajar por Europa hasta 1968. Durante ese periodo trabajo en la película Teléfono rojo, volamos hacia Moscú (1964). En 1966 protagonizó una película, pseudo-documental en el que hace de si mismo "Nudie Cutie". Murió en 1968 a raíz de complicaciones por un tumor cerebral.
Eugene Smith. Nació en Kansas en 1918. Una vez graduado en la Wichita North High School en 1936, empezó a trabajar para dos periódicos locales. Se traslada a New York a trabajar a Newsweek, haciéndose conocido por su perfeccionismo incesante, pero es despedido por negarse a dejar su cámara y trabajar con una de gran formato. En 1939 empieza a trabajar para la revista Life con su cámara de 35 mm. Como fotoperiodista para la revista Life, estuvo en primera línea en el asalto al Pacifico durante la II Guerra Mundial, fotografiando marines estadounidenses y prisioneros de guerra japoneses. En 1945 mientras fotografiaba la batalla de Okinawa, recibió una bala de mortero y tuvo que seri intervenido en varias ocasiones, lo que le mantuvo alejado durante casi dos años. En 1947 ya totalmente recuperado y desilusionado con la fotografía de guerra, decide encaminarse a un reportaje más humano, más ético y con valor moral, perfeccionando su fotografía. En la década de los 50 se une a la agencia Magnum y empieza a realizar una serie de ensayos fotográficos como Spanish Village (la vida rural del pueblo extremeño de Deleitosa) o su famosa serie Pittsburgh (sobre la ciudad industrial en decadencia), proyecto de 3 semanas que se alargó a un año. A principios de los 70, mientras realizaba un fotoreportaje en la ciudad de Minamata y las consecuencias debido al vertido de metales pesados al agua (enfermedad de Minamata), fue atacado por empleados de la empresa responsable de los vertidos.
En 1974 vuelve a Nueva York, a vivir a un estudio, pero 3 años después se mudaría a Tucson. En 1978 y a los 59 años moriría a consecuencia del abuso de las drogas y el alcohol.
Walker Evans. Nació en 1903 en St Louis, Missouri y pasó su juventud entre Toledo (Ohio), Chicago y New York. En 1926 viaja a la Sorbona para proseguir sus estudios de literatura e idiomas, pero al volver a New York en 1928, empieza a interesarse por la fotografía. En 1930 publica tres fotografías en un libro de poesía y en 1931 hace una serie, fotografiando mansiones victorianas, bajo el mecenazgo de Lincoln Kirstein. En el verano de 1933 viaja a La Habana (Cuba) por petición de Lippincott (editor del libro The Crime of Cuba de of Carleton Beals), donde se muestra una Cuba sumida en la dictadura, donde los mendigos y la miseria pueblan las calles. 31 de sus imágenes pasaron al libro. En 1935 recibe el encargo de catalogar fotográficamente la exposición “African Negro Art” del MoMa. Durante los años 1935 y 1936, la Gran Depresión, trabajo para el Estado, fotografiando la dureza de la vida de los granjeros, mostrando la pobreza del medio rural. Se involucró tanto que convivió con una familia durante 6 semanas para vivirlo de primera mano. En 1938 el MoMa realizo una exposición solo de él; fue la primera exposición en el museo dedicada al trabajo de un solo fotógrafo. Se incorporó a la revista Time como editor en 1945, y durante 20 años realizó diferentes proyectos fotográficos como “El Metro de New York”. Todos esos proyectos se publicaron conjuntamente en el libro “Many are called” en 1966. Desde 1965 y hasta su muerte en 1975, trabajó como profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale, donde le fue concedida la catedra.
August Sander. Nació en Alemania en 1876. Conoció la fotografía en la mina, ayudando a un fotógrafo de la empresa minera. Con la ayuda de un familiar se hizo con un equipo de fotografía y se construyó un pequeño cuarto oscuro Cuando el joven dejó el ambiente industrial para cumplir su servicio militar, fue asistente del fotógrafo Georg Jung durante los dos años que este duro. Una vez finalizado su servicio, decidió viajar por Alemania hasta que en 1901 entró a trabajar a un estudio fotográfico en Linz (Austria). En 1902 se convertiría en socio del mismo, y en 1904 sería el único propietario. En 1909 decidió marcharse y abrir un nuevo estudio en Colonia (Alemania). A principios de los años 20, entro en contacto con el Grupo de artistas progresistas, y en 1927 viajo durante 3 meses a Cerdeña junto al escritor Ludwing Matha, donde tomaron unas 500 imágenes para publicar un libro, sin embargo este nunca se terminó. En 1929 Sander publico el libro “Face of Time”, con unos 60 de sus retratos a personas del siglo XX. Con la llegada del nacionalsocialismo a 1933, su vida y trabajo se derrumbaron: su hijo Erich fue detenido por ser del partido de izquierdas y sentenciado a 10 años de cárcel, muriendo antes de que terminara la condena; además su libro “Face of Time”, fue incautado en 1936 y las placas destruidas. En 1942, en plena II Guerra Mundial se trasladó a una zona rural junto con sus negativos y fotografías más importantes. Dos años después, en 1944, su estudio en Colonia seria destruido a causa de los bombardeos. En 1946 comenzó una exhaustiva documentación fotográfica de la Colonia devastada por la guerra.
En 1961 recibe el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía y se vuelve a trasladar a Colonia en 1963. Muere en 1964 a la edad de 84 años.
Henri Cartier-Bresson. Nació en Francia en 1908. Después de terminar sus estudios de pintura en 1928 y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía en serio después de ver una imagen del fotoperiodista húngaro Martin Munkacsi Es en 1931, a sus 23 años, que viaja a Costa de Marfil cuando haría sus primeras instantáneas y aprende algunos métodos de caza que luego usa en fotografía. Al año siguiente publica el reportaje. Al principio, no fotografió mucho en su Francia natal, pasarían años antes de que fotografiara allí extensivamente; mientras viajo y fotografió en Berlín, Bruselas, Varsovia, Praga, Budapest y Madrid. Sus fotografías se expusieron por primera vez en New York en 1935 y más tarde en Madrid. En 1936 realiza un documental antifascista sobre los hospitales de la España republicana y más tarde, ese año, solicita trabajo al cineasta Jean Renoir. Sus primeras fotos como fotoperiodista datan de 1937, con la coronación del rey de Inglaterra Jorge VI. Cuando estalla la II Guerra Mundial en 1939, se alista en el ejército francés y en 1940 es capturado por el ejército Nazi. Estuvo 35 meses en campos de prisioneros haciendo trabajos forzados, y fue en su tercer intento cuando logró escapar. En 1943, una vez liberada Francia, vuelve a retomar la fotografía. En 1947 junto con otros fotógrafos como Robert Capa y David Seymour, funda la agencia Magnum. En 1952 publica su libro “Images à la sauvette” con unas 126 fotografías. Realiza su primera exposición en el museo del Louvre en 1955. En 1966 se retira como director de Magnum y empieza a alejarse de la fotografía, retomando el dibujo y la pintura. Deja definitivamente la fotografía en 1975.
Muere en 2004 a los 95 años.
Erwin Blumenfeld. Nació en Alemania en 1897, en una familia judía. A los 10 años obtuvo su primera cámara y aprendió fotografía de forma autodidacta, pero al quebrar el negocio familiar comenzó a fotografiar profesionalmente. Al surgir el dadaísmo, se unió junto con el pintor Georg Grosz. Al terminar la I Guerra Mundial, se trasladó a Holanda en 1918 y adopto el seudónimo de Jan Bloomfield. Empezó una carrera profesional fotográfica en 1934 que consistía en material contra los nazis y fotomontajes experimentales, llevando su obra a un movimiento surrealista En 1936 se traslada París donde comienza a colaborar con Vogue y Harper's Bazaar. Cuando estalla la II Guerra Mundial, es internado en un campo de concentración por su condición de judío, sin embargo en 1941 logra evadirse junto con su familia a Marruecos y de allí a EE UU. Convirtiéndose en ciudadano estadounidense en 1946. Allí sigue colaborando con las revistas Vogue y Harper's Bazaar, además de Cosmopolitan, alcanzando gran prestigio en el mundo de la fotografía de moda en la que aplicaba el experimentalismo. En 1955 abandona la fotografía comercial, dedicándose a los desnudos y paisajes. Un aspecto menos conocido de este autor, es la creación de comerciales (entre 1958 y 1964), dirigidos a sus clientes clave de belleza, Helena Rubenstein, Elizabeth Arden o L'Oreal. Mientras sus fotografías para publicidad eran en color, su trabajo más personal fue siempre en blanco y negro, trabajando él mismo en el cuarto oscuro. Murió en Roma en 1969 a la edad de 72 años.
André Kertész. Nacido como Andor Kertész en Budapest, Hungría, en 1894, y muy joven dio sus primeros pasos en la fotografía, gracias a unos manuales que encontró en el ático de su casa. Sin embargo su padre fallece en 1908, y por presión familiar estudia comercio hasta 1912, y posteriormente empieza a trabajar en la bolsa de valores, lo que le permitió comprarse su primera cámara. En 1914 con 20 años, se alista y lo mandan a primera línea, tomando fotografías de la vida en las trincheras. En 1915 lo hiere una bala, y no vuelven a mandarlo a batalla. En 1917 se publica una foto suya en una revista. En 1923, la Asociación Húngara de Fotógrafos Amateurs seleccionó una de sus fotografías para el premio de plata, con la condición de que lo hiciera mediante el proceso de bromoil, pero éste se negó. En 1925, una revista de noticias húngara utilizó una de sus fotografías para su portada, lo que le dio mucha publicidad y en ese momento decidió emigrar a París y unirse a la cultura artística, cambiándose el nombre a André En 1928 deja de usar cámaras con placas y se hace con una Leica; rápidamente, se acostumbró a su nueva cámara. El final de los años 20 fue uno de los más productivos de su carrera, ya que tomaba fotografías diariamente y publicaba varias en revistas, además de hacer encargos. En 1930 gana una medalla de plata por sus servicios a la fotografía en la Exposition Coloniale de París. En 1933, le encargan realizar una serie que se convertiría en su serie más famosa, "Distorsiones. A lo largo de los años 30 publica varios libros de fotografía. En 1936, la amenaza de la II Guerra Mundial y la falta de trabajo, Kertész y su mujer embarcan para EEUU. Los primeros años
fueron terribles, y durante 10 años sufrió la frustración de que no publicaran sus fotos o cuando lo hacían, le daban créditos a otras personas, haciendo que abandonara durante este periodo la fotografía 3 años. Entre 1945 y 1962, más de 3.000 de sus fotografías fueron publicadas y se volvió conocido en la industria fotográfica aunque realizó pocos trabajos personales Desde 1946 realizo varias exposiciones alrededor del mundo, viajo, recibió varios premios y siguió haciendo fotos hasta su muerte en 1985 con 71 años.
Diane Arbus Nacida como de Diane Nemerov en el seno de una adinerada familia judía en 1923 en Nueva York. Tanto ella como sus hermanos a menudo estaban solos y faltos de cariño, por eso con 14 años se enamoró de Allan Arbus (5 años mayor), con el que se casó al cumplir los 18 años y que fue quien le introdujo en la fotografía y le compró su primera cámara. Durante los siguientes años el matrimonio fotografió para importantes revistas de moda como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar y en 2946 abrieron su propio estudio. En 1956 decide dejar la fotografía de moda porque no le gusta y estudiando con Lisette Model decide dedicarse a trabajos más personales. En 1958 se separa de su marido (aunque no se divorciarían hasta 1969) al descubrir que se ha enamorado de otra. Diane rota, se hace más dependiente de la fotografía. En 1963 fue galardonada con una beca Guggenheim, que le fue renovada en 1966. En 1967 realiza la exposición “New Documents” en el MoMa, en donde fotografió a gente marginal: enanos, nudistas, streepers, travestis y prostitutas… y la dio a conocer al gran público. En 1971 y después de sufrir depresión por años, se quita la vida a la edad de 48 años.