La visión fotográfica 4 5

Sara Ortiz Martínez - Teoría de la fotografía

La visión fotográfica de Eduardo Momeñe

Capítulos 4-5

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Sara Ortiz Martínez - Teoría de la fotografía

Tema del libro Este libro pretende que sea como una clase tanto teórica, donde conoceremos autores, tecnicismos, indagaremos sobre la historia de la fotografía y aprenderemos a enfocarnos como fotógrafos. Como práctica, investigaremos sobre autores, aprenderemos y desarrollaremos cultura visual y a realizar mejores fotos.

Además nos muestra que a lo largo de la historia, esas preguntas que nos planteamos como fotógrafos, no somos ni los únicos que lo hemos hecho, ni seremos los últimos.

Resumen capítulos 4 y 5 En estos capítulos, nos dice que puesto que poco a poco vamos cogiendo cultura visual y viendo imágenes, vayamos centrando nuestras ideas y saber dónde queremos dirigirlo, centrándonos en que cosas queremos fotografiar, puesto que un fotógrafo no conseguirá nada fotografiándolo todo, al igual que “un cazador de mariposas no cazará ni libélulas ni leones porque no es su terreno”. Además de que nos anima a que a pesar de que el mundo se hay fotografiado mil veces, no nos desanimemos, porque aún no lo hemos hecho nosotros, tenemos que captar y plasmar esa imagen con nuestra mirada, con nuestra cámara.

También nos habla de unos cuantos fotógrafos, y nos hace pensar que que pudo ser aquello que les diferencio de muchos otros: ¿solo su visión o algo más? técnica, estar en el lugar preciso, su creatividad…además de muchos otros que fueron pioneros y creadores de la fotografía, y que sin ellos, hoy en día no sería lo que es.

Como siempre nos anima a tener las ideas claras y simplificar.

Ideas principales La idea principal del capítulo 4 es que mostremos nuestro visón del mundo, que no importa las veces que se haya mostrado, porque nuestra mirada es única: diferentes maneras de mirar producen diferentes imágenes El tema principal del capítulo 5 es mostrarnos algunos como grandes fotógrafos, hicieron historia y pensar por que lo hicieron

Autores que aparecen y referencias Francis Frith. Nació en 1822 en Chesterfield, Inglaterra. No se sabe muy bien cómo empezó en la fotografía, pero en 1850, a la edad de 28 años, comenzó un estudio fotográfico en Liverpool, conocido como Frith & Hayward, y tres años después fundaría la Liverpool Photographic Society. Sentiria tanta pasión por la fotografía, que en 1855 vendería sus empresas (una tienda de comestibles y una imprenta) para dedicarse por entero a ésta.

En 19856 realizaría su primer viaje a Oriente Medio, concretamente al valle del Nilo, y allí fotografiaría las grandes pirámides y monumentos del Antiguo Egipto. Estuvo recorriendo 2

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Egipto, Siria y Palestina hasta 1860 y a la vez que fotografiaba, llevaba un diario contando sus experiencias.

Una vez regresado de sus viajes, se casó, abrió una compañía fotográfica, F. Frith & Co. y se embarcó en un proyecto colosal: fotografiar cada ciudad y pueblo del Reino Unido; particularmente, lugares históricos o notablemente interesantes.

La compañía distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. La empresa también hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China o la India. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra y la compañía prosiguió después de su muerte y fue vendida en 1968 y finalmente cerro sus puertas en 1971.

Francis murió en 1898 en su villa de Cannes, a la edad de 76 años.

https://en.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith

Duane Michals. Nació en 1932 en Pennsylvania, desde muy joven ya mostró interés por las ciencias y estudió la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver, después terminaría abandonando los estudios y aprendiendo fotografía de manera autodidacta.

En 1958, con 26 años, le pide dinero prestado a su madre con el que financia una pequeña cámara y un viaje a la Unión Soviética (lo que le crea problemas con el gobierno americano ya que existía tensión por la guerra fría), pero lo que podría haber sido un simple viaje turístico con un montón de aburridas fotos se convirtió para él en una revelación, ya que al retratar toda persona que fue encontrando, se dio cuenta que lo que más le interesaba de los rostros que había fotografiado no era la técnica, ni el momento, ni la naturalidad o fidelidad, sino que quería saber más de esas vidas.

Con esta idea en la cabeza, consiguió realizar su primera exposición en 1963, sin embargo no sentó nada bien a la conservadora sociedad norteamericana, pero si logro llamar la atención de revistas como Esquire, Vogue o Mademoiselle, para las que trabajaría.

En 1966 expuso en el George Eastman House de Nueva York, con Lee Friedlander, Garry Winogrand, Bruce Davidson y Danny Lyon.

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Siempre ha dicho sentirse influenciado por la obra de Atget, y fijarse mucho en el surrealismo, no quería ser uno más y la fotografía clásica de autores tenían que dejar paso a otros lenguajes; Para distanciarse del resto de fotografos uso “Las Secuenciaciones", consistentes en una sucesión de fotografías que le servían para narrar historias. Además se atrevió a reflexionar con temas hasta entonces no abordados hasta entonces como la muerte y la identidad sexual.

A lo largo de los años ha ganado varios premios y expuesto en muchas ocasiones. Sus obras pueden encontrarse en las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte, el MOMA, el Museo J. Paul Getty, el Museo de Arte de Filadelfia, Moderna Museet de Estocolmo, Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, National Gallery en Canberra, y el Museo de Israel.

https://www.xatakafoto.com/xataka-foto/duane-michals-el-fotografo-artista-que-nunca-suposeguir-las-reglas https://es.wikipedia.org/wiki/Duane_Michals

Richard Misrach. Fotógrafo nacido en 1949 en Los Ángeles, Estados Unidos. Mientras estudiaba en la universidad de Berkeley, se enfrentó a los disturbios contra la guerra de Vietnam y fotografió todo lo que ocurría a su alrededor, motivado aprendió lo básico de la fotografía con Paul Herzoff, Roger Minick y Steve Fitch. Fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y con el uso de cámaras tradicionales de gran formato a principio de los 70.

Su primer proyecto, finalizado en 1974, fue fotografiar a los sin techo de la zona de Berkeley.

Estas imágenes se mostrarían en International Center of Photography y se publicarían en un libro, Telegraph 3 AM, que ganaría el premio Western Book Award. Sin embargo el libro tuvo un mínimo impacto y frustrado se retiró a los desiertos del sur de California, Arizona y Baja California, donde tomó fotografías desprovistas de figuras humanas por completo.

Ese proyecto, llamado Desert Cantos, sigue abierto hoy en día, y en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, y la compleja relación del hombre con él. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea.

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En 1991 hubo una tormenta de fuego que azotó las colinas de Oakland-Berkeley, matando a 25 personas, hiriendo a 150 y destruyendo más de 3.500 viviendas; este incendio, uno de los peores en la historia de California, ocurrió a pocos kilómetros del estudio de Misrach y el fotógrafo visitó el sitio unas semanas más tarde, tomando cientos de fotos; sin embargo, por respeto a las víctimas del incendio, dejó el trabajo durante dos décadas. Finalmente fue exhibida por primera vez en el Museo de Arte de Berkeley y el Museo de California de Oakland en 2011, Incluyendo libros de elegía hechos a mano en los que los visitantes compartieron sus recuerdos, un stand de video de historias para grabar recuerdos y reuniones de micrófono abierto.

Misrach también fotografió los destrozos ocasionados por el huracán Katrina, pero las imágenes únicamente se han publicado en el libro Destroy this Memory, cinco años después del desastre recibiendo buenas críticas. Las ganancias del libro fueron donadas a la Fundación Make It Right para ayudar a reconstruir la zona Lower Ninth de la ciudad de Nueva Orleans.

En enero de 2002, después de un viaje comenzó su proyecto On the Beach, que consiste en fotografías en serie tomadas desde el mismo edificio con vista a una playa en Hawai; completó la serie en 2005 y pasó a publicar un libro de gran formato llamado On the Beach en 2007, votado por los lectores de Photo District News como uno de los libros más influyentes de la década. A finales de 2011 con una cámara digital nueva, comenzó a trabajar en el mismo lugar pero con una intención y un estado de ánimo diferentes.

Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Cancer Ally; y el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y de vla hora en sus fotografías de serie Golden Gate.

Sus fotografías de se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones, como el Museo de Arte Moderno, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, la National Gallery of Art, Washington, DC, el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Centro Georges Pompidou, Paris, y el Tokyo Metropolitan Museum of Art. Ha obtenido numerosos premios, como cuatro becas de la National Endowment for the Arts, una beca John Simon Guggenheim Foundation Fellowship, el Premio Literario del PEN Center West en no ficción, el Infinity Award del International Center of Photography y el 2002 Kulturpreis

https://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Misrach http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/richard-misrach.html 5

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Joel Sternfeld. Nació en nueva York en 1944 y comenzó a tomar fotografías en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y Josef Albers, y a artir de entonces, el color fue un elemento importante de sus fotografías.

Tras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans.

Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes de una narración.

American Prospects, de 1987, es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por los humanos en los Estados Unidos. Para hacer el libro, Sternfeld fotografió cosas ordinarias, incluidas las ciudades sin éxito y los paisajes estériles.

Su libro On This Site: Landscape in Memoriam, publicado en 1997, trata sobre la violencia en América, en él fotografía los lugares de tragedias recientes, y al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización.

De 1991 a 1994, Sternfeld trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de la ciudad de Nueva York en Hart Island, lo que dio como resultado el libro "Hart Island", que se publicaría 4 años después.

También ha publicado libros sobre clase social y estereotipos en América, Stranger Passing; sobre un ferrocarril elevado abandonado en Nueva York, Walking the High Line, y Sweet Earth: Experimental Utopias in America, sobre comunas y ecoaldeas .Su trabajo When It Changed, contiene retratos en primer plano de los delegados que debaten sobre el calentamiento global en la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático 2005 en Montreal.

Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Center de Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joel_Sternfeld 6

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http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-sternfeld.html

Ralph Eugene Meatyard. Nació en Illinois, USA, en 1925. Una vez finalizada la segunda guerra mundial, se casó, y fue al nacer su primer hijo cuando se compró su primera cámara para poder hacerle fotos; 4 años después, en 1954 se uniría al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America.

En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956. La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano, donde aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo.

Aunque su vida era bastante normal, cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a familiares y amigos, y los metía en bosques o edificios abandonados, disfrazándoles y montando escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia. Le interesaba lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena, respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual. Iba en contra todo lo que se salía del estado de confort natural, de la belleza que tanto buscaba la mayoría.

Como otros fotógrafos, su trabajo era altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”.

Su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador; e hizo exhibiciones con fotógrafos como Ansel Adams, Harry Callahan o Robert Frank.

Murió en 1972, una semana antes de cumplir 47 años, y fueron sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater en 1974, que había preparado antes de su muerte.

Hacia finales de los 70 y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta esta última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas.

http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/ralph-eugene-meatyard.html 7

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https://www.xatakafoto.com/fotografos/ralph-eugene-meatyard-el-fotografo-de-lo-extrano Guy Bourdin. De nombre real Guy Louis Banarès, nació en Paris en 1928 y fue adoptado cuando contaba con un año de vida. Con 20 años, durante su servicio militar, fue cuando conoció de primera mano la fotografía. En 1950 hace su primera exposición, aunque ésta estaba compuesta solo dibujos y pinturas, sin embargo dos años después si realizaría su primera exposición fotográfica.

Empieza a realizar fotografía de moda y es en 1955, cuando fueron publicadas sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa. Es uno de los primeros fotógrafos en crear una narrativa compleja para sus sesiones En 1967 fue el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan, para la que seguiría trabajando hasta 1981, además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo Durante los siguientes años realizaría editoriales de moda para la revista Vogue italiana (1972) y británica (1974). Durante 1973, sus fotos fueron requeridas por la agencia de publicidad Mafia, en París; y durante 1975 y 76, realizaría las fotografías publicitarias para el diseñador japonés Issey Miyake, los diseñadores italianos Gianfranco Ferré y Gianni Versace, la de la marca de lencería Sighs and Whispers, y la marca Loewe.

Realiza su primer editorial fotográfico para la revista Vogue Hommes en 1977. Sus imágenes fueron mostradas en la gira de exhibiciones llamada The History of Fashion Photography en diversos locales de Estados Unidos, incluyendo el Museo Internacional de Fotografía, la Casa George Eastman y los Museos de Arte Moderno de Rochester y San Francisco.

En 1985, realiza la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro, y además el Ministerio de Cultura de Francia le otorga el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero éste se niega a aceptarlo. El Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, le otorga en 1988 el premio Infinity Award, de manos de otra reconocida fotógrafo, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria para Chanel.

Muere en 1991 por un cáncer a la edad de 62 años. Aunque él había dicho que destruyeran su archivo, su hijo Samuel Bourdin co-edita con Fernando Delgado, en 2001, un libro "Exhibit A" con las obras más artísticas de su padre.

Fue un obsesionado y apasionado por su trabajo que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad Es junto a Helmut Newton uno de los artífices que consiguió que las publicaciones de moda se acercasen a la fotografía artística..

Tanto Newton como él inundaron el Vogue de elementos fetichistas, zapatos de tacón imposible, corsés y cuero ceñido.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Guy_Bourdin http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/guy-bourdin.html

Alfred Eisenstaedt. Nació en Prusia en 1898 (hoy Polonia), en el seno de una familia judía.

Cuando contaba con 7 años, su familia se mudó a Berlín por el trabajo de su padre. Con 14 años le regalaron una cámara plegable Eastman Kodak Nro. 3 y empezó a hacer sus primeras fotografías.

Era autodidacta y dedicaba todo su tiempo libre a aprender fotografía, teniendo gran interés por todos los aspectos, tanto técnicos como creativos. En 1922, después de tener una garantía financiera como un comerciante de hebillas y botones, compró su equipo fotográfico, usando como cuarto oscuro el baño de su casa.

Tras el gran éxito que tuvo una foto suya de una tenista publicada en la revista Weltspiegel, encaminó su profesión hacia el campo de la fotografía y en 1929 se convirtió en fotógrafo a tiempo completo.

Se convirtió en freelance para la Pacific and Atlantic Photos y fue invitado a Italia en 1933 para inmortalizar la reunión entre Adolf Hitler y Benito Mussolini. Dos años después, con la subida al poder de Hitler, tras la victoria del nazismo en su país y su condición de judío, éste se mudaría a Estados Unidos, consiguiendo la nacionalidad en 1942.

La primera edición de la revista Life dedicó 5 páginas a sus fotografías y su imagen de la academia militar de West Point estuvo en la portada. Documentó América durante los años de la Segunda Guerra Mundial, así como su crecimiento y renacimiento después de la depresión de la década de 1930. Además de recorrer varios países a lo largo del mundo fotografiando situaciones irrepetibles en los años de la posguerra.

Tuvo más de ochenta de sus fotografías en la portada de la revista Life, en la que estuvo durante 40 años trabajando, y fue uno de los cuatro fotógrafos del equipo original, junto con Margaret Bourke-White y Robert Capa.

La ciudad de Nueva York le dedicó un día en su honor “Alfred Eisenstaedt Day”, y recibió la Medalla Presidencial de las Artes y el Premio Master de Fotografía en 1988.

Murió plácidamente en su casa, en 1995, a la edad de 96 años.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Eisenstaedt https://clubdefotografia.net/grandes-fotografos-alfred-eisenstaedt/

John Cohen. Nació en Nueva york en 1932, y es un musicólogo, cineasta y fotógrafo que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense reconocido. Además de ser uno de los descubridores más importantes de músicos y cantantes tradicionales estadounidenses.

Empezó en la fotografía en 1954, con 22 años, y desde el principio ya sabía lo que quería fotografiar. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer, así que hizo sus propias fotografías personales, cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos.

Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a viajar mucho a Perú, impulsado por una fascinación por el tejido y el estilo de vida de la población andina nativa.

De 1972 a 1997, Cohen fue profesor de Artes Visuales en SUNY Purchase College, donde enseñó fotografía y dibujo. En 2011 La Biblioteca del Congreso adquirió su archivo, incluyendo sus películas, fotografías, grabaciones de música y otros materiales.

El trabajo del artista también se puede encontrar en las colecciones permanentes de los museos Brooklyn Museum, Detroit Institute of Arts, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Morgan Library and Museum de Nueva York, Museo de Bellas Artes de Houston, el MoMa, Galería Nacional de Arte de Washington; National Portrait Gallery de Washington, Neuberger Museum, Victoria & Albert Museum de Londres o la Galería de arte de la Universidad de Yale.

Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores.

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https://en.wikipedia.org/wiki/John_Cohen_(musician) http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/06/john-cohen.html

Peter Beard. Nació en Nueva York en 1938 en el seno de una familia adinerada. Descubre la fotografía con apenas 12 años, como una extensión de los diarios que escribía. Lee Memorias de África de Karen Blixen, y le inspira tanto que en 1955, con 17 años, realiza su primer viaje a éste continente.

Entra en la Universidad de Yale en 1957 con la intención matricularse como estudiante de premedicina, pero pronto cambió su especialidad por la Historia del Arte. Después de graduarse y de conocer a la escritora Blixen en Dinamarca, decide comprar 17 hectáreas en Kenia (Hog Ranch), cerca de la casa de ésta, convirtiendose en su base de operaciones mientras viviera en África. Durante los 60 y los 70 trabajó en el Tsayo Park, los Aberdares y el lago Rudolph en la frontera norte de Kenia fotografiando y documentando la desaparición de 35,000 elefantes y otros animales salvajes, para luego convertirse en el tema de su primer libro, The End of the Game.

En el año 1975 presentó su primera exposición en la Blum Helman Gallery pero fue con su muestra de 1977 que marcó un antes y un después en su carrera presentando instalaciones hechas a partir de carcasas de elefantes y diarios. Cada una de sus obras es única, una combinación de su fotografía con elementos derivados de su diario, una práctica que continúa hasta hoy día. Estos volúmenes contienen recortes de periódico, hojas secas, insectos, fotos antiguas sepia, transcripciones de los mensajes de teléfono, marginalia en tinta de la India, fotos de mujeres, citas, objetos encontrados, y similares; que serán incorporados, con dibujos originales y collages por Beard. Algunas de sus obras incorporan la sangre de un animal y a veces su propia sangre.

En sus obras, documenta la historia de sus relaciones con todo el mundo que le rodeaba: África, Karen Blixen, la farándula de Nueva York, el mundo de la moda, Hollywood y la administración Kennedy.

Tras un accidente en el que un elefante casi lo mata, y que le costó más de un año de recuperación, está alejándose poco a poco de una África que ya no es lo que era, y que va encaminada a su destrucción esencial por la superpoblación y el cambio de costumbres, tras haber destruido en un abrir y cerrar de ojos millones de años de proceso evolutivo.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Beard http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/11/peter-beard.html

Nan Goldin. Nancy Goldin nació en 1953 en Washington, en el seno de una familia judía, pero cuando contaba con 11 años, su hermana se suicidó, un hecho traumático que la marcaria por siempre. Con 14 años se marcha de casa y empieza a vivir en hogares adoptivos.

A los 15 años entra en la Satya Community School y tiene su primer contacto con la fotografía.

Después pasa a la School of the Museum of Fine Arts donde coincide con David Armstrong (que la bautizaría como Nan), Philip-Lorca diCorcia y Mark Morrisroe.

A finales d elos 70 empieza a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoció a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años.

Con 25 años se traslada a Nueva York donde continúa fotografiando y documentando a su “nueva familia”, a la que llama La Tribu. Alli conoció a Henry Horenstein, quien y le mostro la obra “Tulsa” de Larry Clark, que inspiro a Goldin.

Empieza a trabajar con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente.

En 1980 1980 Goldin conoció a su nuevo novio, Brian, con quien duró cuatro años hasta que en 1984 el exmarine propinó a Nan una paliza tal, que casi le hizo perder el ojo izquierdo. La foto Un mes después de ser golpeada (1984) se convirtió en la pieza central de aquel proyecto de obra fotográfico que bautizaría La balada de la dependencia sexual. Este proyecto ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación; una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.

Poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra.

Poco después de salir de la clínica, en 1991, abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora.

En el año 2007 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra.

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https://oscarenfotos.com/2017/07/23/la-balada-de-la-dependencia-sexual-de-nan-goldin-seriecompleta-y-comentada/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/05/nan-goldin.html

Bill Brandt. Nació en Hamburgo en 1904 de madre alemana y padre británico. Desde muy joven empezó a estudiar dibujo en Viena. Durante su infancia estalla la Primera Guerra Mundial, y una vez terminada, decide adoptar la nacionalidad británica, ya que existía desigualdad de oportunidades si se disponía de nacionalidad alemana.

A finales de los años 20 empieza con la fotografía, gracias a que su hermano le anima, y conoce al poeta Ezra Pund. Éste, impresionado por su talento, le presenta a Man Ray, que le da u puesto de ayudante durante 3 meses.

Se traslada a Paris para comenzar en su trabajo de ayudante y allí queda impresionado por el movimiento surrealista. Se muda a Londres en 1931 y empieza un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y Brassaï.

Estos trabajos se publicaron en varios libros, y desde 1937 publicó habitualmente en revistas como Harper's Bazaar, Lilliput, Picture Post y The Bystander.

Durante la segunda guerra mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas.

Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales.

Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo. En 1979 fue premiado por la Royal Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts. Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo XX. Murió en 1983, con 79 años, a causa de complicaciones con la diabetes que arrastraba desde hacía más de cuarenta años.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Brandt http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/11/bill-brandt.html

Alfred Stieglitz. Nació en Nueva Jersey en 1864, de padres emigrantes alemanes. Gracias a la posición de sus padres, pudo estudiar en una de las mejores escuelas de Nueva York, pero su padre viendo que la formación académica no era la esperada, cuando Stieglitz contaba con 17 años, se volvieron a Alemania para que este prosiguiera con sus estudios.

Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín, pero muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía, ya que esta le había atraído desde que contaba con 10-11 años.

Alfred compró su primera cámara fotográfica en esa época, con 18 o 19 años, y no se lo pensó dos veces: la agarró y se fue de viaje por Europa Central. Aprovechó todas las oportunidades que se le presentaron para retratar a los campesinos, y para practicar fotografía de paisajes.

Cuando tenía 20 años, sus padres volvieron a EEUU, y el prefirió quedarse para seguir formándose hasta 1890, que regresa a Nueva York en contra de su voluntad. Monta un pequeño pero floreciente negocio de fotografía, y, a la par, sigue publicando sus artículos en las revistas de fotografía estadounidenses y ganando concursos De 1893 a 1896, Stieglitz fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar era estricto y brusco. Después de verse forzado a renunciar, se interesó por el New York Camera Club y posteriormente reconvertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes.

En 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó PhotoSecession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía. Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence H. White, y Alvin Langdon Coburn. Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work una prestigiosa revista fotográfica.

De 1905 a 1917 dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession. En 1910 se le invitó a realizar una exposición en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes. Insistía en el hecho de que las fotografías pareciesen fotografías, de modo que su realismo permitiera a la pintura 14

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una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte abstracto mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías.

En la década de 1930, Stieglitz tomó una serie de fotografías, incluidos algunos desnudos; estas fotos como aquellas en las que aparece Georgia O'Keeffe se reconocen como frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía.

El trabajo fotográfico terminó en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida trabajaba en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro.

Murió en 1946 a la edad de 82 años

https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz https://www.xatakafoto.com/fotografos/alfred-stieglitz-el-legado-del-maestro-que-hizo-de-lafotografia-el-arte-que-es-hoy

Martin Parr. Nació en Surrey, Reino Unido en 1952. Quería convertirse en fotógrafo documental desde los 14 años, alentado por su abuelo George Parr, fotógrafo aficionado.

Con 18 años entra en la Escuela Politécnica de Mánchester para estudiar fotografía, que terminaría 3 años después.

A principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color.

En 1994 entra en la agencia Magnum.

En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles En 2006 recibe el premio Erich Salomon, y en 2008 recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier

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El sentido del humor es muy importante en su obra. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como Parejas aburridas y Sentido Común.

Desde hace 20 años ha expuesto en varios museos y galerías, y hasta la fecha ha publicado más de 50 libros.

https://en.wikipedia.org/wiki/Martin_Parr http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/martin-parr.html

Clarence John Laughlin. Nació en un pueblecito de Luisiana en 1905 en una familia de clase media. Con 5 años se trasladó con la familia a nueva Orleans después de que una empresa quebrara y se quedaran en la ruina. Era un niño introvertido y muy unido a su padre, por lo que cuando este falleció cuando tenía 13 años, lo destrozo.

A pesar de que abandonó la escuela secundaria en 1920 después de apenas haber completado su primer año, Laughlin era un hombre educado y altamente alfabetizado. Quería ser escritor y escribió inicialmente muchos poemas e historias, hasta que descubrió la fotografía con 25 años, y aprendio de forma autodidacta.

Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos. Durante este período, una de sus modelos favoritas fue Dody Weston Thompson, que se convirtió en una notable fotógrafa por derecho propio.

Muchos historiadores le atribuyen a Laughlin ser el primer verdadero fotógrafo surrealista en los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, lo que refleja la influencia de Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos desaparecidos.

Murió en 1985, a los 85 años, dejando atrás multitud de libros e imágenes, y más de 17000 negativos que conservo y que a día de hoy se muestran en Estados Unidos y Europa.

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https://en.wikipedia.org/wiki/Clarence_John_Laughlin http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/clarence-j-laughlin.html

Lisette Model. De nombre real Elise Amelie Felice Stern, nació en Viena en 1901 de madre francesa y padre austriaco. Su padre la introduce en el mundo de la música desde temprana edad.

En 1926 su padre fallece y la familia se traslada a Paris, donde comienza a estudiar canto. Sin embargo en 1933 abandona los estudios musicales para centrarse en los visuales, tomando clases de pintura. n esta misma época comienza a estudiar los fundamentos de la fotografía en blanco y negro de mano de su propia hermana Olga Seybert, que ya era fotógrafa profesional, sin mucho interés como más tarde confesaría.

En un viaje que realizaron ella y su hermana Olga en 1934, Lisette aprovecha la ocasión para visitar el paseo marítimo de la ciudad y tomar una serie irónica de imágenes de la gente de la alta sociedad local donde captaba su vanidad, soledad e inseguridad. El año siguiente fueron publicadas en la revista Regards, y se convertirían en unas imágenes que están entre las más conocidas e importantes de su carrera.

En 1938 se casa y se traslada junto a su marido a Nueva York; instalada allí, se relaciona con la Photo League con cuyos miembros Paul Strand, Edward Wenston y Berenice Abbot, llega a exponer en el MOMA. Revistas como París Match, Look, Ladies Home Journal o Harper's Bazaar, para la que trabajaría durante 12 años, empiezan a publicar sus fotografías.

Inicia su andadura como profesora en la New School for Social Reseach en 1951, teniendo como alumnos a fotógrafos posteriormente tan destacados como Larry Fink, Diane Arbus y Bruce Weber.

En 1965 obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim y en 1968 se le concede el título de miembro honorario de la Asociación Americana de Fotógrafos de Prensa.

Murió en nueva York en 1983 a los 81 años, y su obra se conserva en el MOMA, Museo de Arte de Nueva Orleans y George Eastman House de Rochester.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Lisette_Model https://www.xatakafoto.com/historia-de-la-fotografia/lisette-model-una-fotografa-austriacaen-nueva-york http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/lisette-model.html

Paul Outerbridge. Nació en Nueva York en 1896 y cuando todavía era un adolescente, trabajó como ilustrador y diseñador teatral creando escenarios y esquemas de iluminación. Sin embargo después que un accidente causara su salida del Royal Canadian Naval Air Service, se alisto en el ejército americano en 1917, donde empezó con la fotografía.

Cuatro años más tarde, en 1921 asistió a la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Columbia. En un año, su trabajo comenzó a publicarse en las revistas Vanity Fair y Vogue.

En 1925, la Royal Photographic Society de Londres le invito a que expusiera, y luego viajó a París donde se hizo amigo de los artistas y fotógrafos Man Ray, Marcel Duchamp y Berenice Abbott. En París, produjo un diseño para la revista francesa Vogue, se reunió y trabajó con Edward Steichen, y construyó el estudio de fotografía publicitaria más grande y mejor equipada de la época.

En 1929, 12 de sus fotografías se incluyeron en la prestigiosa exposición German Film und Foto, y ese mismo año, al regresar a Nueva York, abre un estudio que producía obras comerciales y artísticas, además de escribir una columna mensual sobre fotografía en color para la revista estadounidense Camera Magazine.

En 1937, las fotografías de Outerbridge se incluyeron en una exhibición en el Museo de Arte Moderno y en 1940 publicó su libro seminal Photographing in Color, usando ilustraciones de alta calidad para explicar sus técnicas, ya que era conocido por la alta calidad de sus ilustraciones a color, hechas por un proceso extremadamente complejo de carburo tricolor.

Los vívidos estudios desnudos de color de Outerbridge incluían fotos fetichistas tempranas, y eran demasiado indecentes según los estándares contemporáneos para encontrar la aceptación del público en general, así que tras un escándalo por su fotografía erótica, se trasladó a Hollywood en 1943, tras retirarse como fotógrafo comercial. A pesar de la controversia, continuó contribuyendo con historias fotográficas a revistas y escribió su columna mensual.

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Murió en 1958 en California, con 62 años. Un año después de su muerte, la institución Smithsonian efectuó una exhibición de sus fotografías.

https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Outerbridge http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/paul-outerbridge.html

Aleksandr Rodchenko. Nació en San Petersburgo en 1891 en el seno de una familia obrera.

Su famila se mudó a Kazan cuando tenía 14 años y empezó a estudiar Escuela de Bellas Artes de Kazán bajo la tutela de Nikolái Feshin y Giorgi Medvédev.

Rodchenko era dibujante e ilustrador y fue al buscar materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica, en 1924.

Como consecuencia de ser hijo de una sociedad ordenada, la línea juega un papel primordial en su obra. La línea y el ritmo de sus fotografías acentúan la sensación de orden de sus imágenes y ayudan a transmitir el mensaje social que busca; a menudo acompaña la línea con encuadres oblicuos que aportan dinamismo a la imagen. la característica más personal de su obra son los planos cenitales o nadir de sus fotografías, que muestran las imágenes desde un nuevo punto de vista poco habitual para el ojo del espectador.

Retomo la pintura en los años 30, produciendo cuadros expresionistas abstractos. Dejo la fotografía en 1942, aunque continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante algunos años.

Murió en Moscú, en 1956, a los 64 años de edad.

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https://oscarenfotos.com/2013/05/11/alexander-rodchenko-la-revolucion-fotografica/ https://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_R%C3%B3dchenko

Tina Barney. Nació en Nueva York en 1945, y llego a la fotografía gracias a su abuelo. Siendo adolescente estudio historia del arte en la Spence School de Manhattan y con 19 años decidió marcharse a Italia, para proseguir con sus estudios.

Sin embargo, no fue hasta 1979, con 34 años, casad y con hijos, que decidio estudiar fotografía, aburrida de su vida de ama de casa de la alta sociedad. Así que estudió en el Sun Valley Center for Arts and Humanities, complementando sus estudios formales con talleres de Frederick Sommer, Roger Mertin, Joyce Niemanas, Duane Michals, Nathan Lyons, John Pfahl y Robert Cumming.

Su fotografía se centra en los miembros de su familia y amigos cercanos, la mayoría de los cuales pertenecen a la clase alta de Nueva York y Nueva Inglaterra, dando una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente. Usa una cámara de gran formato y brillantes colores.

No hay poses en sus fotografías, siempre va en búsqueda de la realidad. El retratado se encuentra en su hogar, no hay maquillaje ni se busca el decorado perfecto, de manera que al final los protagonistas muestran su personalidad, independientemente de todos los elementos que le rodean (muebles de diseño o la firma de su vestuario). De esta manera, el lujo de las fotografías de Tina, van destilando un estudio social y autobiográfico.

Su trabajo se encuentra en las colecciones del George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York; Museum of Modern Art en Nueva York; Museum of Fine Arts en Houston, Texas; JPMorgan Chase Art Collection en Nueva York; y Museum of Contemporary Photography.

http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/tina-barney.html http://www.ivasfot.com/2012/02/el-retrato-de-la-clase-alta-de-tina-barney/

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Erich Salomon. Nació en Berlín en 1886 en el seno de una familia de banqueros judíos. Estudio ingeniería y zoología en Berlín, y después derecho en Múnich. Durante la primer aguerra mundial sirvió en el ejército alemán y fue apresado en un campo de concentración francés.

Despues de la guerra, su familia se arruino y tuvo que buscarse varios trabajos, hasta que entro como colaborador, en 1926, en la editorial Ullstein donde, se inició en la fotografía.

En 1928 obtuvo la fotografía de un acusado en un juicio a pesar de la prohibición de realizar fotos en el tribunal, para lo que empleó su cámara oculta en un maletín y a partir de ese momento estuvo trabajando como reportero gráfico hasta 1933.

Su trabajo se desarrolló en diversas publicaciones y los principales temas que abordaba eran temas políticos y conferencias internaciones, donde su figura era respetada como ejemplo de la discreción y la elegancia periodística. Realizó un importante cambio en la concepción del reportaje ya que utilizaba una cámara de pequeño formato, ya que para él, el periodista gráfico tenía que pasar desapercibido. También defendió la iluminación natural (en contra del flash) para no interferir en las escenas destacando su ambiente.

En 1931 publicó Berühmte Zeitgnossen in unbewachten Augenblicken (Celebridades contemporáneas en momentos imprevistos), con 150 fotografías de dignatarios y celebridades de la época.

Sin embargo la prometedora carrera de Salomon, como otros tantos talentos alemanes, se truncó con la llegada al poder los Nazis. Se vio obligado a emigra a los países bajos, pero fue hecho prisionero tras la invasión nazi del país y deportado a Alemania donde fue asesinado en 1944, con 58 años, en el campo de concentración de Auschwitz junto a su esposa y su hijo.

Se le bautizo como “El rey de la indiscreción” y en 1971 se creó en su honor el Premio Dr. Erich Salomon, para destacar la calidad de trabajos de fotoperiodismo.

http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/erich-salomon.html http://mrdomingo.com/2010/10/27/erich-salomon-el-rey-de-la-indiscrecion/

Martín Chambí. Martín Jerónimo Chambi Jiménez nació en 1891 en Perú, en el seno de una familia de campesinos indígenas, que hablaban quechua. Como la mayoría de los americanos originarios de los Andes centrales, conformaban una familia trabajadora. Comenzó a trabajar en las minas de oro a edad temprana y fue un hecho singular el que transformó su vida, ya que con 14 años, trabajando en la mina, se topó con la fotografía: Un ingeniero se encargaba de la 21

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documentación gráfica de los yacimientos y la cámara y el proceso fotográfico hechizaron al muchacho.; quería dedicarse a eso.

Durante dos años recolectó pacientemente pepitas de oro y cuando tuvo un frasco lleno le pidió a su padre que le permitiera aprender fotografía. Padre e hijo marcharon hacia Arequipa donde contactaron a Max T. Vargas, afamado fotógrafo local, quien echo un lado el frasco lleno de pepitas y recibió de forma gratuita, al nuevo aprendiz. Chambí permaneció a su lado durante siete años.

En 1917, con 26 años abre su primer estudio y durante tres años se dedicó a realizar postales y montó una galería donde comenzó a mostrar a un lado retratos, y a otro paisajes de corte pictorialista. El estudio se convirtió en punto de encuentro para los lugareños quienes se hacían un retrato.

En 1920, marcharía a Cusco para abrir otro estudio y continuar trabajando y aprendiendo, y madurando como fotógrafo. Sin embargo después de terremoto que ocurre en 1950, Chambí empieza a dejar paulatinamente la fotografía.

En 1964, le dedican una exposición en Ciudad de México en la Primera Convención de la Federación Internacional de Arte Fotográfico.

Muere en 1973 a la edad de 82 años.

https://oscarenfotos.com/2013/09/01/martin-chambi-articulo/ https://es.wikipedia.org/wiki/Mart%C3%ADn_Chambi_Jim%C3%A9nez

Cindy Sherman. Nació en Nueva Jersey en 1954. Su familia se mudó a Nueva york poco después de que naciera, y nunca tuvo interés por la artes, pero si algo la caracterizaba, es que le gustaba disfrazarse.

No empezó a interesarle el arte hasta que entro en la Universidad del Estado de Búfalo, donde comenzó a pintar, sin embargo la abandonó para adoptar la fotografía como medio de expresión predilecto: “Estaba copiando meticulosamente el arte de otros y entonces me di cuenta de que, para hacer eso, podía utilizar una cámara fotográfica y emplear mi tiempo en las ideas.” Pasa el resto de su carrera de la universidad centrada en la fotografía.

La Cindy niña, a la que le encantaba disfrazarse, y Sherman, la fotógrafa, se conocen y unen.

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Desde un principio trabaja realizando series como Bus Riders (Pasajeros de autobús) y Murder Mistery People (Sospechosos criminales), donde la autora se personifica como los supuestos protagonistas de un crimen o como los usuarios del transporte público. En estas series se nota la profunda influencia de Suzy Lake. Su serie fotográfica más famosa es de 1977, y sigue siendo hoy en día la más conocida y ampliamente difundida: Fotogramas Sin Título, donde monta una escena que remite visual y narrativamente al cine Durante los años setenta, jugó un papel preponderante en la reestructuración feminista del cuerpo, movimiento originado y mantenido por las mujeres. Esta generación creía que “lo personal es político” y los artistas de performance, en su mayoría mujeres, se apropiaron de este axioma y lo transformaron, en algo asombrosamente real basado en la disforia existente entre los sexos. La propia Sherman, especialmente en sus comienzos, creó infinidad de personajes con los que quedar apabullado por la cantidad de rostros y cuerpos que era capaz de construir usando su propio cuerpo.

En 1989 realiza la serie Sex, donde se mostraban maniquíes médicos despiezados en posiciones eróticas. Muchos críticos encuentran la serie al mismo tiempo molesta y divertida.

En 2006, el museo Jeu de Paume de París realizó la exposición “Cindy Sherman: Una retrospectiva”, incluyendo trabajos suyos realizados de 1975 a 2005.

En sus trabajos más recientes, la última década, vemos a una artista entrada en años que continúa agitando el arquetipo de la mujer en sociedad. La idea de una belleza pasada, muerta en la actualidad, aparece con frecuencia

https://es.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman https://oscarenfotos.com/2012/08/18/cindy-sherman-la-nina-de-los-disfraces/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/cindy-sherman.html

Citas En este apartado pondré las citas que me han gustado de los autores que he investigado en estos capítulos.

Duane Michals: Siempre estamos proyectando en el mundo nuestra propia experiencia. La única verdad que conocemos es lo que experimentamos. Por lo tanto, cuando vemos a una mujer llorando, pensamos, "Ay, qué pena". Pero no 23

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podemos compartir su dolor. Sólo sabemos cómo nos sentimos cuando alguien que amamos murió, cuando sentimos su ausencia. Una fotografía de una mujer llorando no me dice nada sobre el dolor. O una fotografía de una mujer excitada no me dice nada sobre el éxtasis. ¿Cuál es la naturaleza de estas emociones? El problema con la fotografía es que sólo trata de las apariencias.

Joel Stenfeld: Recuerdo que a principios de la década de los setenta fui a una galería a enseñar mi trabajo y el galerista me dijo: ‘¿Por qué trabajas en color, con lo natural que es el blanco y negro?’. Éramos muy pocos los que trabajábamos el color y todos nos conocíamos: Stephen Shore, Helen Levitt, William Egglestone… Era una situación parecida a la del cristianismo de las catacumbas: si por casualidad te encontrabas con un fotógrafo que estaba haciendo lo mismo que tú, lo único que querías era meterte con él en un sótano para hablar largo y tendido, como nuevos conversos deseosos de intercambiar pareceres sobre los misterios de su religión.

Ralph Eugene Meatyard: Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras, pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador, pero en realidad soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.

John Cohen: Una idea temprana que tenía era ser pintor, pero entre la perspectiva de una vida frente a un caballete o fotografiar por todo el mundo, la fotografía ganó. La fotografía podría convertirse en personal, subjetiva y documental. La lente se convirtió en el centro de una ecuación con el mundo visible en un lado y el mundo interior en el otro.

Nan Goldin: Mi obra proviene originalmente de la estética de las instantáneas... las instantáneas las tomo con amor para recordar gente, lugares y momentos especiales. Éstas crean historia al documentar la historia.

Bill Brandt: Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez.

Creo que un buen retrato debe expresar algo del pasado de la persona y dejar entrever algo de su futuro.

Martin Parr: Lo fundamental que exploro constantemente, es la diferencia entre la mitología del lugar y su realidad. Recuerda que realizo fotografías serias 24

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disfrazadas de entretenimiento, eso es parte de mi mantra. Hago que las imágenes sean aceptables para encontrar al público, pero en el fondo hay muchas cosas que no están claramente escritas en tu rostro. Si quieres leerlo, puedes leerlo

Clarence John Laughlin: No empecé como fotógrafo, sino como escritor… este hecho ha inspirado y dado color a algunos de mis conceptos.

Lisette Model: No hay que hacer una foto hasta que no la tengas en la boca del estómago.

Paul Outerbridge: Una diferencia muy importante entre la fotografía de color y la monocromática es que, en blanco y negro sugieres, en color expones, muestras.

Mucho puede ser implicado por la sugerencia, pero la exposición pide certeza … absoluta certeza.

Aleksandr Rodchenko: El inusual punto de toma de la imagen convierte una situación cotidiana en una imagen diferente e interesante. Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto.

Tina Barney: Cuando me dicen que en mis fotografías existe un distanciamiento, una frialdad, que la gente siente que no conecta con lo que está viendo, pienso que eso es lo mejor que he podido hacer. Esa incapacidad para mostrar un afecto físico forma parte de nuestra herencia

Cindy Sherman: Me siento anónima en mi trabajo. Cuando miro las fotografías nunca me veo; no son autorretratos. Hay veces que desaparezco

Conclusiones Momeñe nos anima a que sigamos empapándonos de cultura fotográfica, que no nos rindamos, que siempre se aprende de los fracasos.

Que debemos visualizar la imagen en la cabeza, que la capturemos con el cerebro, ya que nuestros ojos solo son la lente.

Tener las ideas claras, saber lo que vamos a fotografiar y como, centrarnos, y de esa manera seremos capaces de focalizar y no distraernos.

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Como muchos fotógrafos antes que nosotros también tuvieron sus fracasos y no por ello se rindieron, y como cada uno fue capaz de encontrar su lugar, mostrando su visión del mundo.

En definitiva estos capítulos me han parecido más amenos e interesantes. Y de los autores que más me han gustado en estos capítulos: Richard Misrach (los paisajes y el color), Guy Bourdin (transgresor y enfoque de la moda), Martin Parr (su humor cotidiano), Clarence John Laughlin (imágenes surrealistas), Paul Outerbridge (enfoque publicitario) y Cindy Sherman (la capacidad de transformarse).

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