Schön! Switzerland & METAschön! - on the edge by Schön! Switzerland

digital cover

on the edge

photography by jabe

omegawatches.com

DE VILLE PRESTIGE More graceful than ever before, the Third Generation of the De Ville Prestige has been introduced with all the emblematic DNA you’d expect, but with a comprehensive upgrade across the design. This new 34 mm Co-Axial Master Chronometer model in stainless steel is presented on a shimmering bright blue leather strap. The PVD lavender dial features an exclusive 2-in-1 finish, combining a random vertical pattern with radiant sun-brushing, while the display includes a circular date window and dotted minute track.

JEWELLERY COLLECTION

editor’s letter ____________

DEUTSCH Liebe Leserinnen und Leser, als wir das neue Jahr

FRANÇAIS Chers lecteurs, chères lectrices, Avec l’arrivée de

begannen, war die Vorfreude auf neue Anfänge und Veränderungen bei allen spürbar. Doch ein Neuanfang bringt uns naturgemäss auch an Grenzen, die durchaus erheiternd, aber auch beängstigend sein können. «On the Edge» ist das Thema der vorliegenden Ausgabe, mit der wir jene Momente feiern, die uns herausfordern, aus unserer Komfortzone herauszutreten. Um die befreiende, mitunter aber auch schwierige Reise des Wandels anzutreten.

Le thème de ce numéro est «On the Edge». Nous célébrons ces moments qui nous poussent à sortir de notre zone de confort, à nous embarquer dans le voyage libérateur, mais parfois difficile, du changement.

Kat Graham, einer unserer beiden CoverStars, verkörpert diesen Geist als Schauspielerin, Sängerin, Tänzerin und Autorin. Ihr neues Buch «Seasons of You» dokumentiert ihre persönliche Entwicklung und macht die Schönheit von Veränderung deutlich. Tinashe, unser zweites Cover, zeigt, wie aufregend es für sie ist, Grenzen zu überschreiten und mit ihrer Musik und ihrer Person Unbekanntes zu erforschen.

Kat Graham, l’une des deux vedettes de notre couverture, incarne cet esprit en tant qu’actrice, chanteuse, danseuse et auteure. Son nouveau livre «Seasons of You» documente son développement personnel et souligne la beauté du changement. Tinashe, l’autre star de la couverture, montre à quel point il est excitant pour elle de repousser les limites et d’explorer l’inconnu avec sa musique et sa personnalité.

Zudem stellen wir «Synthesis» vor, ein Editorial, in dem Technologie und Mensch durch die Kunst der Prothetik verschmelzen – Prothetik, die von Julia Comita, Alex Palomo und Volvox Labs entwickelt wurde. Dieses Feature lädt ein in eine Welt, in der die Grenze zwischen Mensch und Maschine verschwimmt, es bietet einen Blick in unsere mögliche Zukunft mit Technologie.

Nous présentons également «Synthesis», un éditorial dans lequel la technologie et l’humanité se rejoignent à travers l’art des prothèses. Il est question des prothèses développées par Julia Comita, Alex Palomo et Volvox Labs. Une invitation à entrer dans un monde où la frontière entre l’homme et la machine est floue, offrant un aperçu de notre futur possible grâce à la technologie.

Um Ihr Leseerlebnis um eine zusätzliche Dimension zu erweitern, laden wir Sie ein, den QR-Code zu scannen. Und so in eine kuratierte Playlist einzutauchen – mit Songs, die von den Künstlern ausgewählt wurden, die hinter den Editorials dieser Ausgabe stehen. Sie sollen Sie musikalisch begleiten, wenn Sie durch die Seiten unseres Magazins blättern – und diese «Reise» zu einer audiovisuellen machen.

Pour ajouter une dimension supplémentaire à votre expérience de lecture, nous vous invitons à scanner le QR code. Vous serez ainsi plongés dans une liste de lecture composée de morceaux sélectionnés par les artistes à l’origine des éditoriaux de ce numéro. Ces morceaux sont conçus pour vous accompagner musicalement pendant que vous feuilletez les pages du magazine, transformant ainsi ce «voyage» en un itinéraire audiovisuel.

«On the Edge» ist mehr als nur das Leitthema dieser Ausgabe. Es ist eine Hommage an den Mut, den es braucht, um das Unbekannte zu erforschen und das Konventionelle in Frage zu stellen. Wir hoffen, dass unser Magazin Sie dazu inspiriert, in der Verletzlichkeit Stärke und im Unbekannten Schönheit zu finden.

la nouvelle année, l’attente de nouveaux départs et de changements était palpable. Cependant, les débuts nous poussent naturellement vers nos limites, ce qui peut être à la fois exaltant et effrayant.

«On the Edge» n’est pas seulement le thème principal de ce numéro. Il s’agit également d’un hommage au courage qu’il faut pour explorer l’inconnu et remettre en question les idées reçues. Nous espérons que ces articles vous inspireront à trouver la force dans la vulnérabilité et la beauté dans l’inconnu.

ITALIANO

Care Lettrici, Cari Lettori,

Con l’arrivo del nuovo anno, l’attesa di nuovi inizi e cambiamenti era diffusamente palpabile. Tuttavia, gli inizi ci spingono naturalmente verso i nostri limiti, il che può esaltare e al tempo stesso far paura. «On the Edge» è il tema di questo numero, in cui celebriamo quei momenti che ci sfidano a uscire dalla nostra zona di comfort. Per intraprendere il viaggio liberatorio, ma a volte difficile, del cambiamento. Kat Graham, una delle nostre due star di copertina, incarna questo spirito come attrice, cantante, ballerina e autrice. Il suo nuovo libro «Seasons of You» documenta il suo sviluppo personale e sottolinea la bellezza del cambiamento. Tinashe, l’altra star di copertina, mostra quanto sia eccitante per lei spingersi oltre i confini ed esplorare l’ignoto con la sua musica e la sua personalità. Presentiamo anche «Synthesis», un editoriale in cui tecnologia e umanità si fondono attraverso l’arte delle protesi, protesi sviluppate da Julia Comita, Alex Palomo e Volvox Labs. Uno spunto per entrare in un mondo in cui la linea di demarcazione tra l’uomo e la macchina è sfumata, offrendovi uno sguardo sul nostro possibile futuro con la tecnologia. Per aggiungere una dimensione in più alla vostra esperienza di lettura, vi invitiamo a scansionare il codice QR. In questo modo vi immergerete in una playlist curata, con brani selezionati dagli artisti che hanno dato vita agli editoriali di questo numero. Sono stati pensati per accompagnarvi musicalmente mentre sfogliate le pagine del magazine, trasformando questo «viaggio» in un itinerario audiovisivo. «On the Edge» non è solo il tema principale di questo numero. È un tributo al coraggio che ci vuole per esplorare l’ignoto e mettere in discussione il convenzionale. Ci auguriamo che queste pagine vi ispirino per trovare forza nella vulnerabilità e bellezza nell’ignoto.

Odyssia Houstis editor in chief 7

inside ____________ 10

form photographed by elsn

beauty in the dark photographed by bruno unikowsky

the carlton chameleon photographed by june tamò-collin

reverie photographed by marion gomez

surreal photographed by judith moreno

synthesis photographed by julia comita

synthesis interview of kiara marshall and kelly knox by julia comita

sunset serenade photographed by carlo zambon

golden woman photographed by polina + vladimir mordvinovs

my homeland photographed by bruno unikowsky

tinashe photographed by torian lewin

force of tinashe interview with tinashe

glowing photographed by nico ben

les fleurs du mal photographed by emmanuel boum

104 a vertical vogue photographed by calypso mahieu 112 prestige memory ai artist jenia filatova 116 artistic convergence interview with jenia filatova 120 time dilation photographed by lucie hautot 130 reviving 60s photographed by loic rodrigues 136 kat graham photographed by amber gray 142 shades of kat interview with kat graham 148 neo modern breathe photographed by jabe 156 beyond the limits photographed by mauro lorenzo 162 brands 8

THE DOLDER GRAND · A BRAND OF DOLDER HOTEL AG KURHAUSSTRASSE 65 · 8032 ZURICH, SWITZERLAND · INFO@THEDOLDERGRAND.COM · THEDOLDERGRAND.COM · T +41 44 456 60 00

SEPHORA 12H colorful Eye Contour Eye Pencil MAC COSMETICS Meet your Matte retro liquid Lipcolour Lipgloss FENTY BEAUTY Gloss Bomb universal Lip luminizer Shade hot chocolate fantasy

NYX COSMETICS Glitter Primer Professional Foil play Cream Pigment Dirty glitch Eye Shadow digital glitch KARLA COSMETICS Glitter Pot

form

____________

photography. elsn make up. sharbel hasbany

DANESSA MYRICKS Colorfix 24 hour Cream Color Matte SHISEIDO Crystal GelGloss MAC COSMETICS MACStack Mascara

MAC COSMETICS Stack Mascara PATMACGRATH LABS Permagel ultra Eye Pencil Shade extreme black

MAKE UP BY MARIO Master Mattes Pro Lip Palette opposite FENTY BEAUTY Stunna Lip Paint Longwear fluid Lip color MAC COSMETICS Stack Mascara PATMACGRATH LABS Permagel ultra Eye Pencil Shade extreme black

NYX COSMETICS Glitter Primer MAC COSMETICS Dazzleshadow Liquid STARGAZER Glitter Shake For Hair and Body

RECKLESS COSMETICS Kikii Sparkles shade Call me never MAC COSMETICS Stack Mascara PATMACGRATH LABS Permagel ultra Eye Pencil Shade extreme black

photographer. Elsn model. Diane Georges @ Local Vice Management make up. Sharbel Hasbany @ D&D Management nails. Noura Alhems retouch. Koplytes Dima

all clothing. Hanged Empress jewellery. Aela

beauty in the dark

____________

photography. bruno unikowsky fashion. olli banks

dress. Liwen Liang necklace. Swarovski

corset. Brian de Carvalho latex garter. Honour Clothing shoes. Pleaser necklace. Baci

Kris wears top. Alexandra Novacki leather pants. Leo Prothmann Akuac wears top. Brian de Carvalho skirt. Alexandra Novacki bag. Ethan K

ceramic dress. Liwen Liang hat. Schiaparelli

jewellery. Aela

full look. Leo Prothmann bag. Balenciaga boots. Leo Prothmann for Rick Owens

photography + art direction. Bruno Unikowsky @ Ox.onestudio models. Akuac @ Nevs model + Kris Lopes @ Titanium management fashion. Olli Banks hair. Marcelo Dominguez Dorado make up. Ili Mavrodakou retouch. Robson Lima set designer. Oliver Valentine fashion assistant. Rui Santos production. Studio.ox1

jewellery. Swarovski

the carlton chameleon ____________

photography. june tamò-collin fashion. cyrine dufaux

dress. Akris earrings. Helene Hamansen Jewellery tights. Calzedonia heels. Dirk Bikkembergs

full look. Dior

full look. Fusalp

hat + jacket. Fusalp necklace. Helene Hamansen Jewellery

hat. Maison credit. credit Michel jewellery. Helene Hamansen credit. Jewellery credit all clothing. Juana credit. credit Martìn shoes. Giorgio credit. Armani credit

photography. name fashion. name model. name

all clothing. Dries Van Noten earrings. Helene Hamansen Jewellery necklaces. Glambou

hat. C.P. Company coat. Heliot Emil

photographer. June Tamò-Collin fashion. Cyrine Dufaux model. Manon make up. Servulo Mendez creative production. Laura Knoops production. Frank Herbrand location. Carlton St. Moritz

full look. Tidjane Tall

reverie ____________

photography. marion gomez fashion. tidjane tall

full look. Tidjane Tall

photography + creative direction. Marion Gomez fashion. Tidjane Tall model. Ann-Océane Galietta light assistant + set. Arthur Savall-Aprosio location. Belith

full look. Tidjane Tall

full look. Louis Vuitton

surreal ____________

photography. judith moreno fashion. sergi padial

full look. Isabel Sanchis

full look. Dior

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name full look. Versace

full look. Louis Vuitton

full look. Dior

photography. Judith Moreno fashion. Sergi Padial model. Marvella make up. Elisa V Jimenez by Termix production. Manu de Coco from The Pink Bang casting. Remi Felipe retouch. SAM Retouch

dress. Luar gloves. Manuel Díaz boots. Maison Margiela earring. GmbH

synthesis ____________

photography. julia comita fashion. nathan sweet

dress. BAD BINCH TONGTONG heels. MISBHV earrings. Sho Konishi ring. LARUICCI prosthetic arm. The Alternative Limb Project

Kiara wears top. Sho Konishi skirt. Heliot Emil necklace. LARUICCI earring. SENIA Kelly wears coat. LARUICCI earring. Bittersweet Jewelry prosthetic arm. The Alternative Limb Project

synthesis ____________

DEUTSCH «Synthesis» ist ein Editorial, das sich mit der «Verkörperung» von Technologie durch den Menschen beschäftigt, die durch Prothesen Visibilität erhält. In Zusammenarbeit mit dem Studio für neue Medien und Design Volvox Labs in Brooklyn, New York, stellen sich die Kreativen Julia Comita und Alex Palomo eine surreale Welt vor, in der Mensch und Maschine eins werden. Die Models Kiara Marshall und Kelly Knox erzählen von ihren persönlichen Erfahrungen mit Prothesen, dem Modeln und der Herausforderung gesellschaftlicher Erwartungen.

Kiara Marshall teilt ihren Körper seit über 20 Jahren mit der Technik. Sie erlebte das Leben als nichtbehinderte Person. Bis sie in jungen Jahren einen Teil ihres rechten Beins verlor und amputiert wurde. Da Kiara sehr aktiv ist, kam ein Leben ohne Prothese für sie nie in Frage. Nach der Amputation verbrachte sie ein Jahr damit, ihren Körper zu heilen, bevor sie eine klobige Prothese, ein so genanntes «totales Knie», bekam. Diese furchtbar unbequeme Beinprothese wurde mit einem Gürtel fixiert, der bis heute Narben auf ihrem Körper hinterlassen hat. In den folgenden zwei Jahrzehnten hat Kiara von mehreren Fortschritten in der Prothesentechnologie profitieren können. Nach dem «totalen Knie» erhielt sie eine hydraulische Beinprothese. Dieses Bein steuert die Bewegung des Kniegelenks mit Hilfe von Hydraulikflüssigkeit, eine Funktion, die die natürliche Bewegung eines echten Beins imitieren soll. Derzeit trägt sie ein Mikroprozessor-Bein, ein elektronisches Gerät, das ihren natürlichen Gang simuliert und es ihr ermöglicht, intensive körperliche Aktivitäten auszuüben, beispielsweise als Wanderführerin, was sie in ihren Zwanzigern jahrelang tat. Gefragt nach der Darstellung von Behinderungen in der Modebranche und was sie zum Modeln gebracht hat, denkt Kiara über all die negativen Stereotypen nach, die es im Zusammenhang mit Behinderungen gibt. Und darüber, wie die Darstellung in den Medien die weitverbreiteten falschen Vorstellungen darüber schürt, was es bedeutet, eine Behinderung zu haben. In der Vergangenheit hat die Mode- und Schönheitsindustrie nur langsam damit begonnen, die unterschiedlichsten Körper darzustellen. «In unserer Gesellschaft legen wir grossen Wert auf Symmetrie und Perfektion, unsere Schönheitsstandards sind einfach sehr eng gefasst», sagt sie mit Bedacht. In Wirklichkeit ist ein Körper, der eine Amputation hinter sich hat, etwas, das gefördert und gefeiert werden sollte. «Körper sind nicht perfekt, Narben kommen vor, sie sind ein Zeichen dafür, dass man das überlebt hat, was einen umbringen wollte», fügt sie hinzu. Kiara reiste im Januar 2024 nach New York, um am Projekt «Synthesis» teilzunehmen, einem Fotoshooting, das die Verschmelzung von Mensch und Technik durch Prothesen feiert. In einer Zeit, in der sich «Inklusion» als performativer Aktivismus manifestieren kann, bei dem Personen aus verschiedenen, historisch unterrepräsentierten Milieus gezeigt werden, war es für Kiara wichtig, an einem authentischen Projekt teilzunehmen. Einem Projekt, bei dem sie sich sicher und gesehen fühlte. An der Seite der Londoner Legende Kelly Knox zu modeln, hat sie ebenfalls begeistert – einem Model mit unterschiedlichen Gliedmassen und mehr als einem Jahrzehnt Erfahrung in der Modebranche. Kelly wuchs im Vereinigten Königreich auf und wurde ohne ihren linken Arm geboren. Sie hatte nie das Gefühl, dass mit ihr etwas nicht stimmte, weil ihr eine Gliedmasse fehlte. Seit sie ein Baby war, wurde Kelly aber dazu gedrängt, eine Prothese zu tragen. In den neunziger Jahren gab es in Grossbritannien nur einen steifen

Plastikarm, der keine Funktion hatte. Man stelle sich den Arm einer Babypuppe vor. Dieser Arm war so unerträglich, dass Kelly ihn, als sie noch klein war, abriss und in der Öffentlichkeit aus ihrem Kinderwagen warf. Was für Aufruhr sorgte. «Als ich die Armprothese trug, fühlte ich mich durch sie behindert. Ohne sie konnte ich hingegen alles tun, was ich wollte», sagt Kelly. Als sie zu modeln begann, wurde ihr gesagt: «Wenn du eine Prothese trägst, bekommst du mehr Arbeit. Wenn du dich anpasst, wirst du von der Gesellschaft akzeptiert – so lautete die Botschaft. Erst 2017 fühlte sich Kelly dazu inspiriert, eine Prothese zu tragen. Eine Prothese, die von der Künstlerin und Ingenieurin Sophie de Oliveira Barata, der Gründerin von «The Alternative Limb Project», entworfen wurde. Sophie hat individuelle Gliedmassen für Prominente, paralympische Athleten und Videospiel-Unternehmen entworfen und wurde in Dutzenden von Publikationen, darunter auch in der New York Times, vorgestellt. Jede von ihr entworfene Prothese ist ein einzigartiges Kunstwerk. Sophie ist fasziniert von «Körperbild, Modifikation, Evolution und Transhumanismus» und entwirft mit ihren Gliedmassen eine zukunftsweisende Vision davon, wie Prothesen aussehen könnten. Dieser Denkansatz, Prothesen und die Vielfalt des Körpers als «empowering» zu begreifen, führte Kelly und Sophie zu einer mehrjährigen Partnerschaft. Im Rahmen dieser Partnerschaft entstanden drei einzigartige Armprothesen, darunter der «Synchronized»-Arm, den Kelly für das Synthesis-Fotoshooting trug. In der Vergangenheit wurde bei Prothesen die Ästhetik gegenüber der Funktionalität priorisiert. Wie Kelly als Kind erfahren musste, war es besser, keine Prothese zu haben als eine nutzlose. Aber die Zeiten ändern sich, und sowohl Kiara als auch Kelly teilen den Wunsch, Prothesen als eine Erweiterung ihrer Persönlichkeit zu nutzen – und nicht nur als ein mit ihrem Körper verbundenes Objekt. Synthesis verkörpert Technologie als eine Form des persönlichen Ausdrucks und feiert Talente mit unterschiedlich ausgebildeten Gliedmassen und solche mit Prothesen. Neueste Entwicklungen in Prothetik und Technologie bieten unglaubliche Möglichkeiten; sie mit Begeisterung und Neugierde zu betrachten, muss zur Norm werden. Wir treten in eine Ära ein, in der eine Prothese eine Möglichkeit zur Selbstdarstellung bieten kann – so wie das Tragen eines fantastischen Outfits beeinflussen kann, wie man sich der Welt präsentiert. Das Model Kelly Knox hofft, dass die Zuschauer von Synthesis «ihre Wahrnehmung und ihre Vorstellung davon, was eine Behinderung ist oder wie behinderte Menschen aussehen sollten, ändern werden.»

words. Julia Comita 51

corset. Lory Sun prosthetic arm. The Alternative Limb Project

synthesis ____________

FRANÇAIS Synthesis est une série qui explore la fusion de la technologie avec l’humanité à travers l’utilisation de prothèses. En collaboration avec le studio de nouveaux médias et de design Volvox Labs à Brooklyn, New York, les créatifs Julia Comita et Alex Palomo imaginent un monde surréaliste où l’homme et la machine ne font plus qu’un. Les mannequins aux membres appareillés, Kiara Marshall et Kelly Knox, partagent leurs expériences personnelles en ce qui concerne les prothèses, le mannequinat, et la façon dont elles défient les normes sociales.

Kiara Marshall partage une relation de plus de 20 ans avec la technologie, qui a fusionné avec son corps depuis lors. Elle a d’abord mené une vie sans handicap jusqu’à ce qu’une partie de sa jambe droite soit amputée à un jeune âge. Vivant une vie très active, l’idée de ne pas utiliser de prothèse n’était pas envisageable pour elle. Après l’amputation, elle a dû endurer une prothèse encombrante, un «genou total», pendant un an, attachée à son corps par une ceinture, laissant des cicatrices visibles. Au fil des deux décennies suivantes, Kiara a bénéficié des progrès technologiques dans le domaine des prothèses. Après le «genou total», elle a reçu une prothèse hydraulique pour sa jambe, qui contrôle le mouvement de l’articulation du genou à l’aide d’un fluide hydraulique, imitant ainsi le mouvement naturel d’une jambe. Actuellement, elle utilise une jambe à microprocesseur, un appareil électronique qui simule sa démarche naturelle et lui permet de pratiquer des activités physiques intenses, comme être guide de randonnée, qu’elle a fait pendant des années dans sa vingtaine. Interrogée sur la représentation des personnes handicapées dans l’industrie de la mode et sur son choix de devenir mannequin, Kiara réfléchit sur les stéréotypes négatifs qui y sont associés. Elle souligne comment les médias alimentent de fausses idées sur ce que signifie être handicapé. L’industrie de la mode a été lente à représenter des corps différents, car la société valorise souvent la symétrie et la perfection. Pour Kiara, les corps amputés devraient être célébrés, non dissimulés, car les cicatrices témoignent du fait que l’on a survécu à ce qui a tenté de nous détruire.

Sophie a créé des prothèses sur mesure pour des célébrités, des athlètes paralympiques et même des sociétés de jeux vidéo. Son travail a été mentionné dans de nombreuses publications, y compris le New York Times. Chaque prothèse qu’elle fabrique est une pièce unique d’art. Fascinée par l’image du corps, les transformations, l’évolution et le transhumanisme, Sophie utilise ses créations pour offrir une perspective innovante sur l’avenir des prothèses. Cette approche novatrice, considérant les prothèses et la diversité corporelle comme une richesse, a conduit Kelly et Sophie à une collaboration fructueuse sur plusieurs années. Ensemble, ils ont conçu et produit trois bras prothétiques uniques, dont le bras «synchronisé» porté par Kelly lors de la séance photo de Synthesis. Par le passé, les prothèses étaient souvent privilégiées pour leur esthétique plutôt que pour leur fonctionnalité. Mais les mentalités évoluent, et Kiara et Kelly partagent la volonté d’utiliser les prothèses comme une expression personnelle, une extension de leur identité plutôt qu’un simple dispositif médical. Synthesis illustre cette idée en mettant en avant la technologie comme une forme d’expression personnelle, valorisant les individus avec des membres différents ainsi que ceux qui portent des prothèses. Il est temps d’accueillir avec enthousiasme et curiosité les possibilités offertes par les avancées en matière de prothèses et de technologie. Nous entrons dans une ère où une prothèse peut devenir une toile pour exprimer sa personnalité, tout comme une magnifique robe peut influencer la façon dont on se présente au monde. Kelly Knox, le mannequin, espère que les spectateurs de Synthesis changeront leur perception du handicap et embrasseront une vision plus inclusive de la beauté et de la diversité corporelle.

Kiara s’est rendue à New York en janvier pour participer au projet «Synthesis», une séance photo célébrant la fusion de l’homme et de la technologie à travers les prothèses. Dans un contexte où l’inclusion peut parfois être superficielle, elle tenait à participer à un projet authentique qui la représentait fidèlement. Elle était également impatiente de défiler aux côtés de la légendaire mannequin londonienne Kelly Knox, qui est née sans son bras gauche. Kelly, qui a également joué un rôle dans le projet «Synthesis», a grandi au Royaume-Uni. Dans les années 1990, elle a été contrainte de porter une prothèse rigide en plastique qui n’avait aucune fonction, jusqu’à ce qu’elle décide de l’arracher publiquement. Le message selon lequel elle devait s’intégrer pour être acceptée par la société l’a marquée. Ce n’est qu’en 2017 qu’elle a décidé de porter une prothèse conçue par l’artiste Sophie de Oliveira Barata. words. Julia Comita 53

dress. BAD BINCH TONGTONG earrings. SENIA

photography. Julia Comita fashion. Nathan Sweet creative direction. Alex Palomo models. Kiara Marshall @ We Speak + Kelly Knox @ Base Models hair. Cassie Carey make up. Kento Utsubo for MAC Cosmetics nails. Clawed by LaCreme production. Nem Fisher movement director. Zoe Rappaport photography assistants. Brandon Abreu + Angela Cholmondeley grip. Daniel Walsh fashion assistants. Corin Christian + Samantha Siciliano make up assistant. Robin Stright production assistants. Elinor Kelly, Elizabeth Phelps, May Ruzicka + Marko Medic vfx studio. Volvox Labs vfx creative director. Kamil Nawratil vfx art director. Pasakorn Nontananandh robot director. Zyia Zhang vfx producer. Javier Cruz retoucher. Cosmic Pixels location. Volvox Labs, New York City

synthesis ____________

ITALIANO Synthesis è un editoriale che esplora l’incarnazione della tecnologia attraverso gli esseri umani, espressa tramite le protesi.

In collaborazione con lo studio di new media e design Volvox Labs di Brooklyn, New York, i creativi Julia Comita e Alex Palomo immaginano un mondo surreale in cui l’uomo e la macchina diventano una cosa sola. Le modelle con arti diversi Kiara Marshall e Kelly Knox parlano delle loro esperienze personali con le protesi, dell’essere modelle e la sfida alle aspettative della società. Kiara Marshall condivide il suo corpo con la tecnologia da oltre 20 anni.

Ha inizialmente vissuto la vita come una persona non disabile. Fino a quando, in giovane età, ha perso parte della g amba destra, che le è stata amputata. Essendo Kiara molto attiva, la vita senza protesi non è mai stata un’opzione per lei. Dopo l’amputazione, ha trascorso un anno a curare il suo corpo prima di ricevere una protesi ingombrante, un cosiddetto «ginocchio totale». Questa gamba protesica, terribilmente scomoda, è stata legata al suo corpo con una cintura che ha lasciato cicatrici ancora visibili. Nei due decenni successivi, Kiara ha beneficiato di numerosi progressi nella tecnologia protesica. Dopo il «ginocchio totale», ha ricevuto una protesi di gamba idraulica. Questa gamba controlla il movimento dell’articolazione del ginocchio con l’aiuto del fluido idraulico, una funzione progettata per imitare il movimento naturale di una gamba vera. Attualmente indossa una gamba a microprocessore, un dispositivo elettronico che simula la sua andatura naturale e le permette di svolgere attività fisiche intense, come fare da guida per le passeggiate, cosa che ha fatto per tanto tempo nel corso di vent’anni. Alla domanda sulla rappresentazione delle disabilità nell’industria della moda e su cosa l’abbia spinta a fare la modella, Kiara riflette su tutti gli stereotipi negativi associati alle disabilità. E su come i ritratti dei media alimentino le già tanto diffuse idee sbagliate su cosa significhi avere una disabilità. L’industria della moda e della bellezza è stata lenta nell’iniziare a ritrarre corpi diversi. «Nella nostra società, poniamo molta enfasi sulla simmetria e sulla perfezione, i nostri standard di bellezza sono molto ristretti», afferma con cautela. In realtà, un corpo che ha subìto un’amputazione è qualcosa che dovrebbe essere promosso e celebrato. «I corpi non sono perfetti, le cicatrici si fanno, sono un segno che sei sopravvissuto a ciò che ha cercato di ucciderti», aggiunge. Kiara si è recata a New York, a gennaio, per partecipare al progetto «Synthesis», un servizio fotografico che celebra la fusione tra esseri umani e tecnologia attraverso le protesi. In un momento in cui l’«inclusione» può manifestarsi come attivismo performativo, mettendo in mostra individui provenienti da contesti diversi e storicamente sotto-rappresentati, per Kiara era importante prendere parte a un progetto autentico. Un progetto in cui si sentisse al sicuro e vista. Anche il fatto di sfilare accanto alla leggenda londinese Kelly Knox l’ha entusiasmata: una modella multiforme con oltre dieci anni di esperienza nel settore della moda. Kelly è cresciuta nel Regno Unito ed è nata senza il braccio sinistro. Non ha mai pensato che ci fosse qualcosa di sbagliato in lei perché le mancava un arto. Fin da piccola, però, Kelly è stata costretta a indossare una protesi. Negli anni Novanta, nel Regno

Unito, esisteva solo un braccio rigido di plastica che non aveva alcuna funzione. Immaginate il braccio di una bambola. Questo braccio era così insopportabile che Kelly lo strappò quando era ancora piccola e lo gettò dalla carrozzina in pubblico. Il che ha suscitato un grande clamore. «Quando portavo la protesi al braccio, mi sentivo handicappata. Potevo fare tutto quello che volevo senza protesi», racconta Kelly. Quando ha iniziato a fare la modella, le è stato detto: «Se indossi una protesi, avrai più lavoro. Se ti adatti, sarai accettata dalla società; questo era il messaggio». Solo nel 2017 Kelly si è sentita di indossare una protesi. Una protesi progettata dall’artista e ingegnere Sophie de Oliveira Barata, fondatrice di The Alternative Limb Project. Sophie ha progettato arti personalizzati per celebrità, atleti paralimpici e aziende di videogiochi ed è stata citata in decine di pubblicazioni, tra cui il New York Times. Ogni protesi da lei progettata è un’opera d’arte unica. Sophie è affascinata «dall’immagine del corpo, dalle modifiche, dall’evoluzione e dal transumanesimo» e usa i suoi arti per creare una visione lungimirante di come potrebbero essere le protesi. Questo approccio di vedere le protesi e la diversità del corpo come un potere ha portato Kelly e Sophie a una collaborazione pluriennale. Nell’ambito di questa collaborazione, sono stati progettati e prodotti tre bracci protesici unici, tra cui il braccio «sincronizzato» che Kelly ha indossato per il servizio fotografico di Synthesis. In passato, le protesi privilegiavano l’estetica rispetto alla funzionalità. Come Kelly ha imparato da bambina, era meglio non avere una protesi che averne una inutile. Ma i tempi stanno cambiando e sia Kiara che Kelly condividono il desiderio di usare le protesi come una forma di espressione personale, come un’altra estensione della loro personalità. E non solo come un oggetto collegato al loro corpo. Synthesis incarna la tecnologia come forma di espressione personale e celebra i talenti con arti di forma diversa e quelli con protesi. Abbracciare le possibilità offerte dagli sviluppi della protesi e della tecnologia con entusiasmo e curiosità deve diventare la norma. Stiamo entrando in un’epoca in cui un arto protesico può offrire un’opportunità di espressione di sé, proprio come indossare un abito fantastico può influenzare il modo in cui ci si presenta al mondo. La modella Kelly Knox spera che gli spettatori di Synthesis «cambino la loro percezione e la loro idea di cosa sia una disabilità o di come dovrebbero apparire le persone disabili».

words. Julia Comita 55

full look. H&M Studio

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

sunset serenade ____________

photography. name photography. carlo zambon fashion. name model. name fashion. ignacio de tiedra

dress. H&M Studio

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name name full look.model. H&M Studio

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

title of editorial ____________

photography. photographer name fashion. full look. H&Mstylist Studio name

earring. H&M Studio

full look. H&M Studio

dress. H&M credit.Studio credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name

full look. H&M Studio

dress. H&M Studio

photography. Carlo Zambon art direction + fashion. Ignacio de Tiedra model. Frances Richardson @ Established Models hair + make up. Raffaele Romagnoli casting. Emma Somper runner. Jesus Toledo

jacket. Cavalli

full look. Pucci

зoлoтa я бaбa zolotaya baba golden woman ____________

photography. polina + vladimir mordvinovs fashion. martina repetto

full look. Alexander Ferrari McQueen

full look. Blumarine

gloves. Sportmax top. Armani underwear. Marni shoes. Zanotti

lingerie. Clarissa Balossi belt. Blumarine

dress.full Anna look.&Pucci Silvia

full look. Ferrari

dress. Fendi shoes. Missoni

photography + art direction. Polina + Vladimir Mordvinovs fashion. Martina Repetto model. Ludovica Perissinotto @ Monster MGMT hair. Gabriele Marozzi using Mr. Smith Haircare + Upgrade make up. Martina Porcelli props. Cristina Canti fashion assistant. Zhexu Wang production. Dazzl Production

corset. Madame Sher dress. Animale

my homeland ____________

photography + fashion. bruno unikowsky make up. henrique azevedo

hat. Prada coat. Lelis Blanc bag. Ethan K

fur. Bob store gloves. John Varvatos

coat + pants. Gucci shirt. Dolce & Gabbana belt. Ralph Lauren binoculars. Pentax

jacket. Tom Ford shirt. Forum scarf. Leny Niemeyer cap. XTC Longines

MAC COSMETICS Stack Mascara PATMACGRATH LABS Permagel ultra Eye Pencil Shade extreme black FENTY BEAUTY Stunna Lip Paint Longwear fluid Lip color

fur + hat. Fendi skirt. Missoni

photography + creative direction. Bruno Unikowsky @ Ox.onestudio fashion. Bruno Unikowsky model. Lana Post @ joy management + Prm hair + make up. Henrique Azevedo fashion producer. Fabricio Rodrigues retouch. Cristian Peterson production. Ox.onestudio

coat + necklace. Versace bra. Agent Provocateur shoes. Roger Vivier

tinashe ____________

photography + fashion. torian lewin collage artist. paolo torres

corset. The Bowery Social Club necklace + cuffs. Tiffany & Co

all clothing. Scarlet Sage shoes. Roger Vivier anklet. Martine Ali earrings. MDVII belt. Le Grand Strip

force of tinashe ____________

DEUTSCH Begleiten Sie uns bei einem persönlichen Gespräch mit Tinashe! Einer vielseitigen Künstlerin, die immer wieder die Grenzen der Kreativität auslotet. In unserer «On the Edge»-Ausgabe gehen wir ein auf ihre Entwicklung in der Musik- und Unterhaltungsbranche, ihre neuesten Unternehmungen und ihre Visionen für die Zukunft. Tinashe reflektiert ihre Reise, ihre Erfolge – und wie sie die Dynamik ihrer Karriere mit persönlicher Entwicklung in Einklang bringt. Seien Sie dabei, wenn wir einer Künstlerin, die ihre Grenzen ständig neu definiert, ganz nahekommen.

Du hast mehrere erfolgreiche Alben veröffentlich, bist in die Schauspielerei eingestiegen und hast eine Fülle wertvoller Erfahrungen gesammelt. Wer bist du heute? Ich fühle mich so gefestigt und «in Frieden», wie ich es noch nie war. Ich lasse mich von der Dynamik des Lebens mitreissen – im Gegensatz zu früher, da hatte ich eher das Gefühl, Dinge erzwingen zu müssen. Ich war nie ein geduldiger Mensch, wenn es um meine Karriere ging. Aber jetzt habe ich das Gefühl, dass ich dem Universum erlauben kann, sich so zu entwickeln, wie es beabsichtigt ist. Von deinen Anfängen in der Unterhaltungsbranche bis hin zu deiner weltweiten Bekanntheit: welcher Moment war für deinen Aufstieg entscheidend? Das Jahr 2014, in dem ich mein erstes Album veröffentlichte, war für mich eine wilde Fahrt. Die Veröffentlichung von «2 on» hat meine Karriere in Bereiche katapultiert, die ich zu diesem Zeitpunkt noch gar nicht richtig einschätzen konnte. Du hast Höhen und Tiefen durchlebt. Was war eine deiner grössten Herausforderungen und wie hast du sie gemeistert? Ich hatte damit zu kämpfen, Teil des Major-Label-Systems zu sein und das Gefühl zu haben, dass ich in eine Schublade passen muss, was das Genre angeht. Dann kommt der Wassermann in mir zum Vorschein: wenn man von mir verlangt, mich an einen bestimmten Sound oder Stil anzupassen, will ich noch mehr dagegen rebellieren. Von allen erreichten Meilensteinen in deiner bisherigen Karriere, welche Errungenschaft hat für dich persönlich den grössten Wert? Dass ich erfolgreich Alben veröffentlicht habe und unabhängig auf Tournee war. Und dass ich mir selbst und allen, die meine Karriere beobachten, bestätigen kann, dass es absolut möglich ist, sein Geschäft aufrechtzuerhalten, ohne «seine Seele zu verkaufen». Es ist so erfüllend, seine Karriere nach eigenen Vorstellungen zu gestalten. Ich hoffe, dass ich damit auch zukünftige aufstrebende Künstler inspirieren kann. Ein anspruchsvolles Berufs- und Privatleben unter einen Hut zu bringen, ist eine Herausforderung. Besonders in der Unterhaltungsbranche. Wie schaffst du dieses Gleichgewicht, welche Strategien haben sich bewährt? Ich habe das Glück, eine wunderbare, solide Familie zu haben, die mir in all den Höhen und Tiefen den Rücken gestärkt hat. Sie helfen mir, das Gleichgewicht zu halten, indem sie mich auf dem Boden meiner selbst und meiner Werte halten. Ich weiss immer, dass ich ein unglaubliches, unerschütterliches Unterstützungssystem habe, wenn mich die Dinge zu überwältigen drohen.

Kannst du uns etwas über deine jüngsten Projekte erzählen? Was reizt dich besonders an ihnen? BB/ANG3L ist ein sehr aufregendes Projekt und eine spannende Ära für mich. Ich habe mich entschieden, die Musik in drei Teilen mit jeweils sieben Songs zu veröffentlichen. Um dem Publikum und mir selbst die Möglichkeit zu geben, sich in jeden einzelnen Song zu vertiefen. Im heutigen, von Inhalten geprägten Klima ist es wichtig, der Kunst Zeit zu geben, sich zu entfalten. Alles kommt und geht so schnell – manchmal ist es schön, die Dinge zu verlangsamen und Tiefgang zu entwickeln. Ich hatte bereits das Vergnügen, deine atemberaubende Produktpalette zu bewundern, darunter Kleidung und Accessoires. Wie ist es dazu gekommen, was hat dich zu diesen unverwechselbaren Looks inspiriert? Ich liebe Mode und ich liebe meine Fans, also ist mein Merchandising ein perfekter Weg, um mit ihnen in Kontakt zu treten. Indem ich echte, tragbare Stücke und nützliche Gegenstände kreiere. Es ist mir wichtig, über den Tellerrand zu schauen und Qualität zu bieten. Auch das Design ist wichtig, damit sich die Stücke nicht nur wie Konzert-T-Shirts oder Poster anfühlen. Wenn du in die Zukunft blickst, wo siehst du dich in fünf Jahren, persönlich und beruflich? Ehrlich gesagt – schwer zu sagen! Mein Onkel hat mich neulich nach meinem Fünfjahresplan gefragt, und mir ist klar geworden, dass ich so weit voraus gar nicht plane. Ich habe einen Einjahresplan und sehe, wohin mich das Universum führt. Das nächste Jahr werde ich damit verbringen, mehr Musik zu machen und so viel zu touren, wie ich kann. Das alles so lange, bis ich keine Lust mehr habe. Vielleicht wird das nie passieren, wir werden sehen! Wer oder was inspiriert und beeinflusst dich in deiner Musik, in deinem künstlerischen Ausdruck? Wie manifestiert sich dies in deiner Arbeit? Das Leben ist einfach das Leben. Die Quelle meiner Inspiration ist die Möglichkeit zu reisen, zu erleben, einfach alles in sich aufzunehmen. Ich bin wie ein Schwamm, der all die Schönheit, die Kunst und den Schmerz der Menschen um mich herum aufsaugt. Und daraus etwas Sinnvolles, Schönes, Interessantes oder Lustiges schafft.

words. Odyssia Houstis 85

Tinashe wears jacket. Helen Yarmak tank top. CDLP skirt. Isabel Marant shoes. Dolce & Gabbana jewellery. Martine Ali sunglasses. Swarovski Flow wears jacket. Fendi denim. Det Blev Sent sunglasses. Dior

force of tinashe ____________

FRANÇAIS Joignez-vous à nous pour une discussion intime avec Tinashe ! Une artiste polyvalente qui repousse continuellement les frontières de la créativité. Dans notre numéro «On the Edge», nous explorons son parcours dans l’industrie de la musique et du divertissement, ses récentes initiatives et sa vision pour l’avenir. Tinashe partage son expérience, ses réussites, et comment elle jongle entre sa carrière et son développement personnel. Venez rencontrer de près une artiste qui ne cesse de redéfinir ses propres limites.

Vous avez sorti plusieurs albums à succès et acquis une expérience précieuse en tant qu’actrice. Qui est Tinashe aujourd’hui? Je me sens plus stable et « en paix » que je ne l’ai jamais ressenti. Je me suis laissé emporter par la dynamique de la vie, contrairement à avant, où j’avais l’impression de devoir forcer les choses. Je n’ai jamais été une personne patiente en ce qui concerne ma carrière. Mais maintenant, j’ai l’impression que je peux laisser tout se dérouler comme il est destiné à l’être.

Pouvez-vous nous parler de vos derniers projets ? Qu’est-ce qui vous passionne le plus ? BB/ANG3L est un projet très excitant et en même temps une phase passionnante de ma vie. J’ai décidé de sortir la musique en trois parties de sept chansons chacune. Donner au public et à moi-même la chance de nous immerger dans chaque chanson. Aujourd’hui, il est important de donner à l’art le temps de se développer. Tout va et vient si vite. Parfois, il est bon de ralentir les choses et de développer les idées en profondeur.

De vos débuts dans l’industrie du divertissement à votre renommée mondiale, quel moment a été crucial pour votre ascension ? En 2014, la sortie de mon premier album a marqué le début d’une aventure incroyable pour moi. La sortie de «2 On» a propulsé ma carrière vers des horizons que je ne pouvais pas encore appréhender pleinement à l’époque.

J’ai déjà eu le plaisir d’admirer votre superbe gamme de produits, notamment des vêtements et des accessoires. Comment est-ce arrivé, qu’est-ce qui vous a inspiré pour créer ces looks distinctifs ? J’aime la mode et j’aime mes fans, donc mon merchandising est un moyen idéal pour communiquer avec eux. En créant de vraies pièces portables et des objets utiles. Il est important pour moi de sortir des sentiers battus et d’offrir de la qualité. Le design est également important pour que les pièces ne ressemblent pas seulement à des t-shirts ou des affiches de concert.

Vous avez traversé des hauts et des bas. Quel a été l’un de vos plus grands défis et comment l’avez-vous surmonté ? Il m’a été difficile de m’intégrer au système des grandes maisons de disques et de me sentir contraint de me conformer à des normes en matière de genre musical. Mais dès que l’on attend de moi que je me plie à un son ou à un style particulier, mon côté rebelle de Verseau refait surface avec encore plus de force. Parmi toutes les étapes franchies jusqu’à présent dans votre carrière, laquelle a le plus de valeur pour vous personnellement ? Celle qui a le plus de valeur pour moi est le fait d’avoir sorti des albums à succès et d’avoir fait des tournées indépendantes. Cela m’a permis de me confirmer, ainsi qu’à tous ceux qui suivent ma carrière, qu’il est tout à fait possible de réussir sans compromettre son intégrité artistique. C’est extrêmement gratifiant de façonner sa carrière selon ses propres idées. J’espère pouvoir inspirer les futurs artistes en herbe grâce à cette démarche. Concilier une vie professionnelle et privée exigeante est un défi. Surtout dans l’industrie du divertissement. Comment parvenez-vous à cet équilibre, quelles stratégies ont fait leurs preuves ?J’ai la chance d’avoir une famille merveilleuse et solide qui m’a soutenu dans les hauts et les bas. Ils contribuent à maintenir mon équilibre en me gardant ancrée dans moi-même et dans mes valeurs. Je sais toujours que je peux compter sur un système de soutien incroyable et inébranlable lorsque les choses risquent de devenir accablantes.

En regardant vers l’avenir, où vous voyez-vous dans cinq ans, personnellement et professionnellement ? Honnêtement – difficile à dire ! Mon oncle m’a récemment posé des questions sur mon plan quinquennal et j’ai réalisé que je ne prévoyais pas si loin. J’ai un plan sur un an et je vois où l’univers me mène. L’année à venir sera consacrée à créer plus de musique et à tourner autant que possible. Je vais continuer ainsi jusqu’à ce que je ressente le besoin de changer de cap. Peut-être que ce moment n’arrivera jamais, seul l’avenir nous le dira ! Qui ou quoi vous inspire et vous influence dans votre musique, dans votre expression artistique ? Comment cela se manifeste-t-il dans votre travail ? La vie est simplement la vie. Mon inspiration provient de l’opportunité de voyager, d’expérimenter, et simplement d’absorber. Tel une éponge, j’absorbe toute la beauté, l’art et la douleur des personnes qui m’entourent. Ensuite, je transforme tout cela en quelque chose de significatif, de beau, d’intéressant ou de drôle.

words. Odyssia Houstis 87

bra. Dolce & Gabbana dress. Dsquared2 belt + thigh highs. Agent Provocateur headpiece. Roger Vivier necklace. YSL Couture / MDVII

force of tinashe ____________

ITALIANO Unitevi a noi in questa chiacchierata con Tinashe! Un’artista versatile che si spinge sempre oltre i confini della creatività.

Nella nostra edizione «On the Edge», approfondiamo la sua evoluzione nell’industria musicale e dell’intrattenimento, le sue ultime fatiche e le sue visioni per il futuro. Tinashe riflette sul suo percorso, sui suoi successi e su come riesce a bilanciare le dinamiche della sua carriera con lo sviluppo personale. Unitevi a noi per conoscere da vicino un’artista che ridefinisce costantemente i propri confini. Ha pubblicato diversi album di successo, è passata alla recitazione e ha acquisito un ricco bagaglio di esperienze preziose. Chi è oggi? Mi sento più stabile e più «in pace» che mai. Mi lascio trasportare dalle dinamiche della vita, a differenza di quanto accadeva in passato, quando sentivo di dover forzare le cose. Non sono mai stata una persona paziente quando si trattava della mia carriera. Ma ora sento di poter lasciare che tutto vada nel modo in cui è destinato che vada. Dagli inizi nel mondo dello spettacolo alla fama mondiale: qual è stato il momento decisivo per la sua ascesa? Il 2014, anno in cui ho pubblicato il mio primo album, è stato per me una corsa sfrenata. L’uscita di «2 on» ha catapultato la mia carriera in àmbiti che all’epoca non ero neppure in grado di apprezzare pienamente. È passata attraverso alti e bassi. Qual è stata una delle sue sfide più grandi e come l’ha superata? Ho dovuto lottare per far parte del sistema delle Major e per avere l’impressione di far parte di questo sistema scatola, per evitare di essere incasellata in una nicchia per il genere. È allora che esce fuori l’Acquario che è in me: quando mi viene chiesto di conformarmi a un certo suono o stile, ho l’istinto di essere ancora più ribelle. Tra tutti i traguardi raggiunti finora nella sua carriera, qual è il traguardo più importante per lei a livello personale? Il fatto di aver pubblicato con successo degli album e di aver fatto dei tour indipendenti. E che posso confermare a me stessa e a chiunque osservi la mia carriera che è assolutamente possibile sostenere la propria attività senza «vendere l’anima». È così appagante poter plasmare la propria carriera alle proprie condizioni. Spero di poter ispirare anche coloro che sono in procinto o hanno appena intrapreso una carriera d’artista. Conciliare vita professionale e una vita personale impegnativa è una sfida. Soprattutto nell’industria dell’intrattenimento. Come riesce a gestire questo equilibrio, quali strategie hanno funzionato nel suo caso? Ho la fortuna di avere una famiglia meravigliosa e solida che mi ha sostenuto in tutti gli alti e bassi. Mi aiutano a mantenere l’equilibrio, facendomi restare ancorata a me stessa e ai miei valori. So sempre di avere un incredibile e incrollabile sistema di supporto quando le cose minacciano di sopraffarmi.

Può parlarci dei suoi ultimi progetti? Cosa la entusiasma di più? BB/ANG3L è un progetto molto emozionante ed è al contempo una fase della vita emozionante per me. Ho deciso di pubblicare la musica in tre parti con sette canzoni ciascuna. Per dare al pubblico e a me stessa la possibilità di immergersi in ogni canzone. Oggi è importante dare all’arte il tempo di svilupparsi. Tutto va e viene così velocemente. A volte è bello rallentare le cose e sviluppare la profondità. Ho già avuto il piacere di ammirare la sua splendida gamma di prodotti, tra cui abbigliamento e accessori. Com’è nata, cosa l’ha ispirata a creare questi look così particolari? Amo la moda e amo i miei fan, quindi il mio merchandising è un modo perfetto per entrare in contatto con loro. Creando capi attuali e indossabili e oggetti utili. Per me è importante pensare fuori dagli schemi e offrire qualità. Anche il design è importante, in modo che gli oggetti non sembrino solo magliette o poster di concerti. Quando guarda al futuro, dove si vede tra cinque anni, a livello personale e professionale? Onestamente, è difficile da dire! Di recente mio zio mi ha chiesto quale fosse il mio piano quinquennale e mi sono resa conto che non pianifico così tanto in anticipo. Ho un piano di un anno e vedo dove mi porta l’universo. Passerò il prossimo anno a fare più musica e ad andare in tour il più possibile. Tutto questo finché non ne avrò più voglia. Forse non succederà mai, vedremo! Chi o cosa la ispira e la influenza nella sua musica, nella sua espressione artistica? Come si manifesta nel suo lavoro? La vita è semplicemente vita. La fonte della mia ispirazione è l’opportunità di viaggiare, di fare esperienze, di assorbire semplicemente tutto. Sono come una spugna che assorbe tutta la bellezza, l’arte e il dolore delle persone che mi circondano. E da questo creo qualcosa di significativo, bello, interessante o divertente.

words. Odyssia Houstis photography + fashion. Torian Lewin collage artist. Paolo Torres talent. Tinashe model. Flow @ Soul Artist Management hair. Kadijah Balde @ Opus Beauty make up. Britty Wakefield @ Opus Beauty fashion assistant. Bruce Estevez light designer. Derriyon Winns post-production art direction. Laura Knoops post-production ai direction. Christelle Lafosse 89

jacket. Alvar Merino dress + earring. Paco Rabanne earring. 24-7 opposite top. Angel Marco earring. Evika ring. Antúra + Talita London

glowing ____________

photography. nico ben fashion. paloma monago

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name

credit. top.credit Area sleeves. Como la trucha al trucho credit.Studio credit earrings + ring. credit. Swarovski credit credit. credit opposite top. Angel Marco earring. Evika ring. Antúra + Talita London

photography. name fashion. name model. name

jumpsuit. Oséree belt. Jean Paul Gaultier earring. Evika opposite earrings. Area

photography. Nico Ben fashion. Paloma Monago model. Li @ Sight Management hair + make up. Lu Romero photography assistant. Claudiu Anghel

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name

Fleurs du Mal, bourgeons cachés,

Pétales somb s,

sec ts dévoilés.

dress. Didit shoes. Roger Vivier

les fleurs du mal ____________

photography. emmanuel boum fashion. anais kevorkian

body. Kenzo top. Hanwen

Kim wears dress. Daname corset. Seyit Ares Abijah wears jumpsuit. Gilles Asquin

dress. Georges Hobeika

Dans l’omb ,

leur beauté mordue

éclosent des poisons,

l’âme éperdue.

Kim wears dress. Daname corset. Seyit Ares Abijah wears jumpsuit. Gilles Asquin

top. Hanwen opposite Kim wears dress. Georges Hobeika Abijah wears dress. Imane Ayissi shoes. Louboutin

photography + art direction. Emmanuel Boum fashion. Anais Kevorkian make up. Anthony Morineau hair. Miwa Moroki nails. Flora models. Kim-Xuan @ Elite Model Management + Abijah @ Select Model Paris production + retouch. Emmanuel Boum fashion assistants. Isabelle, Anais location. Musée de Montmartre, Paris

dress. Amorphose leggings. Falke necklace. Hana Kim shoes. Salomon

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

a vertical vogue

____________

photography. name photography. calypso mahieu fashion. name name fashion. ariannamodel. pianca

sport bra, shorts + tights. Falke shoes. Tod’s earrings. Hana Kim

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name all clothing. Dries Van Noten model. name glasses. Silhouette Eyewear

all clothing + bag. Louis Vuitton shoes. Salomon

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

sport bra. Falke overall. Max Mara bracelet. Hana Kim shoes. Salomon

dress. Salvatore Ferragamo shoes. La Sportiva sunglasses. Balenciaga

ropes. Edelrid Hummingbird Eco Dry credit. by Transa credit dress + shoes. credit. Sportmax credit earrings. credit. Hana credit Kim credit. credit

photography. Calypso Mahieu fashion. Arianna Pianca talent. Céleste Herbaux hair + make up. Daniela Isabella using MAC Cosmetics photography. + Davines name set design. Amandine fashion. name Gini location. model. grimper.ch name

all clothing. Dior eyewear. Prada

Clément credit. credit wear jacket. credit. Slowear credit credit. credit credit. Alexiscredit wear top. Dries Van Noten pants. Dior

prestige memory ???

photography. name ____________ fashion. name model. name

ai artist. jenia filatova

all clothing. Dior eyewear. Prada

Clément credit. credit wear jacket. credit. Slowear credit credit. credit credit. Alexiscredit wear top. Dries Van Noten pants. Dior

???

photography. name ____________ fashion. name model. name

ai artist. jenia filatova

all clothing. Dior eyewear. Prada

artistic convergence ____________

DEUTSCH Lernen Sie Jenia Filatova kennen, eine Künstlerin, die klassische Fotografie nahtlos mit der Innovation digitaler Kunst verbindet. Filatovas einzigartiger Ansatz, rohe Emotionen einzufangen und Modestrecken in innovative «zweite Häute» zu verwandeln, bietet einen faszinierenden Einblick in die Schnittmenge von Kunst und Mode. Indem sie verschiedene Medien miteinander verbindet, schafft sie Werke, die nicht nur fesseln, sondern auch die Grenzen der Kreativität erweitern.

Ihre Arbeit verbindet auf einzigartige Weise traditionelle Fotografie mit «Mixed Media». Wie verlief Ihre künstlerische Entwicklung, was hat Sie zu dieser harmonischen Kombination inspiriert? Mein Weg zur Fotografie begann in der High School und führte mich unerwartet zu einem Design-Diplom mit Auszeichnung. Obwohl ich nie unmittelbar im Designbereich gearbeitet habe, war ich sechs Jahre lang als Fotografin in Russlands grösstem Designstudio tätig. Meine Projekte dort waren sehr vielfältig und reichten von der Aufnahme von Alltagsgegenständen und Filmplakaten bis hin zur Dokumentation der Fahrt eines Tankers nach Seoul. Das ermöglichte mir, an einem einzigen Tag alles zu fotografieren, von Street Food bis hin zu Celebrities. Meine Leidenschaft für Beleuchtungsexperimente wuchs, und während der COVID-Phase beschäftigte ich mich mit TouchDesigner und Blender, um meinen experimentellen Spielraum zu erweitern. Das Aufkommen der künstlichen Intelligenz hat dies noch faszinierender gemacht. Wie hat diese Vielfalt künstlerischen Stil und Herangehensweise geprägt, wenn Sie mit Celebrities oder unabhängigen Modemarken arbeiten? Es ist aufregend, das Wesen sowohl von bekannten Persönlichkeiten als auch von Indie-Acts einzufangen. Jedes Projekt ist eine Gelegenheit, ihre Einzigartigkeit widerzuspiegeln und die Vielfalt tief in meinen eigenen Stil zu integrieren. Das Mantra «Mixed Media for Mixed Feelings» deutet darauf hin, dass sie sich auch auf Unvorhersehbares einlassen. Welche Rolle spielt Unvorhersehbarkeit in Ihrer Kunst? Unvorhersehbarkeit spielt in meinem kreativen Prozess eine entscheidende Rolle, vor allem wenn man sie mit der strukturierten Herangehensweise kommerzieller Shootings vergleicht. Ich geniesse es, mit Licht zu experimentieren, indem ich Doppelblitze, Laser und Farbfilter einsetze. Um Effekte zu erzeugen, die teilweise kontrollierbar, teilweise dem Zufall überlassen sind. Meine Arbeit mit Midjourney ermöglicht mir, Bilder aus mehr als 15 Jahren zu kombinieren, z. B. karelische Pilze mit einem Pariser Model – was zu einzigartigen, überraschenden Ergebnissen führt. Diese Entdeckungsreise, die oft meine abendliche Fernsehzeit ersetzt, unterstreicht die Individualität des kreativen Ausdrucks und gewährleistet eine persönliche visuelle Erfahrung, die heraussticht.

Wie sehen Sie Ihre Arbeit im breiteren Kontext der zeitgenössischen Kunst? Als ich drei Jahre alt war, nahm meine Tante meine Stimme mit einem Kassettenrekorder auf. Mit der Aussprache kämpfend, erklärte ich: «Ich mag keine angemessene Kunst». Diese Aussage, meine früheste Tonaufnahme, spiegelt meine heutige Einstellung wider. Hinsichtlich Kontext, Form und Techniken meiner Kunst fühle ich mich stark von den neuen Technologien angezogen. Mein Ziel ist, Innovation für die Kunst zu nutzen, indem ich verschiedene Techniken mische und neueste Entwicklungen erforsche. Ich bewerte jeden Versuch, greife das Interessante auf und verwerfe das Erfolglose. Was das Thema betrifft – ich möchte meine Kunst nicht verbal sezieren. Wenn ich ein Werk geschaffen habe, ist dessen Reise nicht abgeschlossen. Es entwickelt ein Eigenleben. Anstatt die Interpretationen zu lenken, bleibe ich Beobachter, der die Reaktionen von Betrachtern und Kritikern aufmerksam verfolgt. Ich möchte nicht vorschreiben, wie meine Arbeit wahrzunehmen ist – Einzelne könnten sie als eine Anspielung auf den Umweltschutz oder einen politischen Kommentar interpretieren. Das wirft die Frage auf: Wenn unsere Absichten so rein und umweltbewusst sind, warum gibt es dann immer wieder Konflikte? Meine Haltung ist von Roland Barthes’ Theorie vom «Tod des Autors» beeinflusst, eine Perspektive, die ich wahrscheinlich durch meine Jahre hinter der Kamera, in denen ich die Welt beobachtet und festgehalten habe, geschärft habe. Gibt es Themen, Kooperationen oder neue digitale Techniken, denen Sie in Ihren zukünftigen Projekten nachgehen möchten? Ich habe viel Zeit damit verbracht, Musiker, Künstler und Prominente zu fotografieren. Nachdem ich vor kurzem nach Paris gezogen bin, möchte ich weiterhin den Reichtum an Talenten in dieser Stadt einfangen, ihnen begegnen, mich von ihnen inspirieren lassen. In Frankreich wird das Handwerk geschätzt, was mich sehr berührt, da ich mich seit meiner Jugend mit dem Zeichnen beschäftige. Ausserdem möchte ich meine Kenntnisse in den Bereichen künstliche Intelligenz und Touch-Design vertiefen. Meine Ambitionen sind vielfältig.

Hat ein Moment oder eine Errungenschaft Ihrer Ausstellungen oder Veröffentlichungen Ihren Weg massgeblich beeinflusst? Ein unvergessliches Erlebnis war für mich die Zusammenarbeit mit Maxim Goudin, einem aussergewöhnlich talentierten 3D-Künstler aus der Ukraine. Er zeigte mir während unseres Projekts, wie man Fotos in unsere digitale Leinwand integriert. Trotz des Konflikts zwischen unseren Ländern fanden wir durch die Verschmelzung seiner 3D-Kunst und meiner Fotografie eine tiefe Verbindung und gemeinsame Emotionen. words. Odie Senesh 117

all clothing. Dior eyewear. Prada

artistic convergence ____________

FRANÇAIS Découvrez Jenia Filatova, une artiste qui fusionne la photographie classique avec l’innovation de l’art numérique et de

l’intelligence artificielle. La démarche singulière de Filatova pour saisir les émotions brutes et transformer les séries de mode en «secondes peaux» novatrices offre un aperçu fascinant de la rencontre entre l’art et la mode. En mêlant différents médias, elle crée des œuvres qui non seulement captivent, mais repoussent également les limites de la créativité.

Comment votre parcours artistique s’est-il déroulé et qu’est-ce qui vous a inspiré à créer cette harmonieuse combinaison ? Ma passion pour la photographie a débuté au lycée et m’a conduit de façon inattendue à obtenir un diplôme en design avec mention. Bien que je n’aie jamais travaillé directement dans le domaine du design, j’ai passé six années en tant que photographe dans le plus grand studio de design en Russie. Mes projets étaient extrêmement variés, allant de la capture d’objets du quotidien et d’affiches de films à la documentation de voyages de pétroliers jusqu’à Séoul. Cette diversité m’a permis de photographier une large gamme de sujets, des marchés de rue aux célébrités, en une seule journée. Pendant la période de la COVID-19, ma passion pour les expérimentations d’éclairage s’est accrue, et j’ai exploré des outils tels que TouchDesigner et Blender pour élargir mes horizons créatifs. L’avènement de l’intelligence artificielle a ajouté une dimension encore plus fascinante à mon travail. En travaillant avec des célébrités ou des marques de mode indépendantes, comment cette diversité a-t-elle influencé votre style et votre approche artistique ? Capturer l’essence à la fois de personnalités connues et de marques indépendantes est passionnant. Chaque projet offre l’opportunité de refléter leur singularité et d’incorporer profondément la diversité dans mon propre style. Le mantra « Mixed Media for Mixed Feelings » suggère qu’ils acceptent également l’inattendu. Quel rôle joue l’imprévisibilité dans votre art ? Dans mon processus créatif, l’imprévisibilité joue un rôle crucial, surtout lorsque je la compare à l’approche structurée des tournages commerciaux. J’aime expérimenter avec la lumière en utilisant des flashs doubles, des lasers et des filtres de couleur pour créer des effets à la fois contrôlés et laissés au hasard. Travailler avec Midjourney me permet de fusionner des images datant de plus de 15 ans, telles que des champignons de Carélie, avec des modèles parisiens, ce qui donne des résultats uniques et surprenants. Ce processus de découverte, qui remplace souvent mes soirées passées devant la télévision, met en valeur l’individualité de l’expression créative et assure une expérience visuelle personnelle qui se démarque.

Comment situez-vous votre travail dans le vaste paysage de l’art contemporain ? Quand j’avais trois ans, ma tante enregistrait ma voix sur un magnétophone. Même à cet âge précoce, j’ai déclaré : «Je n’aime pas l’art approprié.» Cette première prise audio reflète encore aujourd’hui ma perspective artistique. Je suis profondément attiré par les nouvelles technologies, qui façonnent le contexte, la forme et les techniques de mon art. Mon objectif est d’exploiter l’innovation pour l’art en combinant différentes approches et en explorant les dernières avancées. Chaque tentative est soigneusement évaluée, ce qui réussit est conservé, et ce qui échoue est rejeté. En ce qui concerne le sujet de mes œuvres, je préfère ne pas les analyser verbalement. Une fois que j’ai créé une pièce, elle prend vie par elle-même. Plutôt que de dicter les interprétations, je préfère rester un observateur attentif, scrutant les réactions des spectateurs et des critiques. Je ne cherche pas à imposer une interprétation spécifique à mon travail – certains pourraient le voir comme un hommage à l’environnement, tandis que d’autres pourraient y percevoir des commentaires politiques. Cela soulève la question de savoir pourquoi, malgré nos intentions pures et respectueuses de l’environnement, les conflits persistent. Ma perspective est influencée par la théorie de Roland Barthes sur la «mort de l’auteur», une idée que j’ai sans doute affinée au fil des années passées derrière l’objectif, à observer et à capturer le monde qui m’entoure. Avez-vous des domaines spécifiques sur lesquels vous aimeriez vous concentrer ou des collaborations que vous envisagez pour vos futurs projets ? Ma carrière m’a souvent amené à photographier des musiciens, des artistes et des personnalités publiques. Maintenant installée à Paris, je suis motivée à explorer et à capturer la richesse des talents de cette ville. J’aspire à m’immerger davantage dans l’artisanat français, une valeur qui résonne profondément en moi, car j’ai été passionnée par le dessin depuis mon adolescence. Parallèlement, j’ai également l’intention d’approfondir mes compétences dans les domaines de l’intelligence artificielle et du design tactile. Mes aspirations artistiques sont diverses et je suis ouverte à de nouvelles opportunités qui nourriront ma créativité.

Une expérience ou une prise de conscience issue de vos expositions ou publications a-t-elle eu un impact significatif sur votre parcours artistique ? Une expérience inoubliable pour moi a été de travailler avec Maxim Goudin, un artiste 3D ukrainien exceptionnellement talentueux. Au cours de notre projet, il m’a montré comment intégrer des photos dans notre toile numérique. Malgré le conflit entre nos pays, nous avons trouvé un lien profond et partagé des émotions grâce à la fusion de son art 3D et de ma photographie.

words. Odie Senesh 119

all clothing. Dior eyewear. Prada

artistic convergence ____________

ITALIANO Vi presentiamo Jenia Filatova, un’artista che fonde perfettamente la fotografia classica con l’innovazione dell’arte digitale. L’approccio inconfondibile di Filatova nel catturare le emozioni più vivide e nel trasformare le pubblicazioni di moda in una «seconda pelle», del tutto nuova, offre un’affascinante visione del mix tra arte e moda. Combinando diversi mezzi di comunicazione, l’artista crea opere che non solo sono accattivanti, ma spostano anche i confini della creatività.

Il suo lavoro fonde in modo unico la fotografia tradizionale con altri media. Qual è il suo percorso d’artista e cosa l’ha ispirata a creare questa combinazione armoniosa? Il mio percorso verso la fotografia è iniziato al liceo e mi ha portato inaspettatamente a conseguire una laurea in design. Sebbene non abbia mai lavorato direttamente nel campo del design, lavorando invece come fotografa nel più grande studio di design della Russia per sei anni. I miei progetti erano molto vari e spaziavano dalla fotografia di oggetti di uso quotidiano e manifesti cinematografici alla documentazione del viaggio di una petroliera verso Seul. Questo mi ha permesso di fotografare di tutto, dal cibo di strada alle celebrità, in un solo giorno. La mia passione per la sperimentazione illuminotecnica si è manifestata sempre più chiaramente e durante il Covid ho approfondito TouchDesigner e Blender per ampliare la mia portata sperimentale. L’avvento dell’intelligenza artificiale ha reso tutto questo ancora più affascinante. In che modo questa diversità ha plasmato il suo stile artistico e il suo approccio quando lavora con celebrità o marchi di moda indipendenti? È emozionante catturare l’essenza sia delle celebrità che dei marchi indipendenti. Ogni progetto è un’opportunità per riflettere la loro unicità e integrare profondamente la diversità nel mio stile. Il mantra «Mixed Media for Mixed Feelings» suggerisce che lei accoglie e integra anche l’imprevedibile. Che ruolo ha l’imprevedibilità nella sua arte? L’imprevedibilità gioca un ruolo fondamentale nel mio processo creativo, soprattutto se paragonata all’approccio strutturato degli scatti commerciali. Mi piace sperimentare con la luce utilizzando doppi flash, laser e filtri colorati. Per creare effetti in parte controllabili e in parte lasciati al caso. Il mio lavoro con Midjourney mi permette di combinare immagini di oltre 15 anni, ad esempio funghi della Carelia con una modella parigina, ottenendo risultati unici e sorprendenti. Questo viaggio di scoperta, che spesso sostituisce il tempo che trascorrerei la sera davanti alla tv, sottolinea l’individualità dell’espressione creativa e garantisce un’esperienza visiva personale che si distingue.

Come vede il suo lavoro nel contesto più ampio dell’arte contemporanea? Quando avevo tre anni, mia zia ha registrato la mia voce. Lottando con la pronuncia, ho dichiarato: «Non mi piace l’arte vera e propria». Questa affermazione, la mia prima registrazione audio, riflette il mio atteggiamento di oggi. Sono fortemente attratta dalle nuove tecnologie in termini di contesto, forma e tecniche della mia arte. Il mio obiettivo è utilizzare l’innovazione per l’arte, mescolando tecniche diverse ed esplorando gli ultimi sviluppi. Valuto ogni tentativo, raccogliendo ciò che è interessante e scartando ciò che non è riuscito. Per quanto riguarda il tema, non voglio sviscerare verbalmente la mia arte. Una volta creata un’opera, il suo percorso non è completo. Sviluppa una vita propria. Invece di dirigere le interpretazioni, rimango un’osservatrice, seguendo con attenzione le reazioni degli spettatori e dei critici. Non voglio imporre il modo in cui il mio lavoro dovrebbe essere percepito: gli individui potrebbero interpretarlo come un’allusione all’ambientalismo o un commento politico. Questo solleva la questione: se le nostre intenzioni sono così pure e attente all’ambiente, perché c’è sempre un conflitto? Il mio atteggiamento è influenzato dalla teoria di Roland Barthes sulla «morte dell’autore», una prospettiva che ho probabilmente affinato grazie agli anni passati dietro la macchina fotografica a osservare e catturare il mondo. Ci sono temi, collaborazioni o nuove tecniche digitali che vorrebbe esplorare nei suoi progetti futuri? Ho passato molto tempo a fotografare musicisti, artisti e celebrità. Essendomi recentemente trasferita a Parigi, voglio continuare a catturare la ricchezza di talenti di questa città, a incontrarli e a lasciarmi ispirare da loro. In Francia si apprezza l’artigianato, cosa che mi tocca profondamente, dato che mi sono interessata al disegno fin da giovane. Voglio anche approfondire la mia conoscenza dell’intelligenza artificiale e del design tattile. Le mie ambizioni sono molte e polimorfi.

C’è un momento o un risultato delle sue mostre o pubblicazioni che ha influenzato in modo significativo il suo percorso? Un’esperienza indimenticabile per me è stata la collaborazione con Maxim Goudin, un artista 3D di eccezionale talento, proveniente dall’Ucraina. Durante il nostro progetto, mi ha mostrato come integrare le foto nella nostra tela digitale. Nonostante il conflitto tra i nostri Paesi, abbiamo trovato un legame profondo e condiviso emozioni attraverso la fusione della sua arte 3D e della mia fotografia.

words. Odie Senesh ai artist. Jenia Filatova 121

all clothing. Dior eyewear. Prada

Clément wears jacket. Slowear Alexis wears top. Dries Van Noten pants. Dior

time dilation ____________

photography. lucie hautot fashion. serdane messamet

top. Icecream pants. Solène Lescouët

Alexis wears shirt. Dior coat + pants + shoes. Dries Van Noten Clément wears coat. Ruohan shirt. Y3 pants. Études

Alexis wear shirt. Dior coat + pants. Dries Van Noten Clément wear coat. Ruohan shirt. Y3 pants. Études

coat. Y3

top. Kenzo

coat. Solène Lescouët bomber. Icecream bag. Kenzo

photography. Lucie Hautot fashion. Serdane Messamet models. Clement Carpentier + Alexis Saulnier @ Select Model Paris hair. Ludovic Dupuis make up. Gayeon Kim assistants. Al Mmadi Ali, Wiktoria Dubois + Johan Kierasinski location. Le Studio Moderne

body + gloves. Tony Ward Couture earring. Bottega Veneta

top. Seyit Ares bra. Zaady sheath. Wolford stockings. Falke earring. Bottega Veneta

reviving 60s ____________

photography. loic rodrigues fashion. marco aiello + veronique droulez

shoes. Amber Ambrose Aurèle for Gilles Asquin stockings. Falke

jacket. Maison Plush ear cuf. Julia Bartsch

dress. Vivienne Westwood gloves. Maison Fabre earrings. Mugler

dress. Tony Ward Couture earrings. Vivienne Westwood shoes. Amber Ambrose Aurèle for Gilles Asquin top + gloves. Maison Close stockings. Falke

photographer. Loic Rodrigues fashion. Marco Aiello + Veronique Droulez model. Cynthia Wu @ Select Model Paris hair. Alexis Mercier @ Hosdey Agency make up. Eva Dury fashion assistant. Eva Foulard

dress. Mikael D arm cuff. Costume Therapy boots. René Caovilla

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

kat graham

____________

photography.gray name photography. amber fashion. name model. name fashion. santa bevacqua

dress. Balestra necklace. Tiffany & Co cuffs. Elsa Peretti® + Tiffany & Co

dress. Kojak

dress. Zuhair Murad face mask. Lory Sun

dress. Balestra face mask. Lory Sun cuff. Paumé Los Angeles

dress. Iris Van Herpen cuff. Tiffany & Co

shades of kat

____________

DEUTSCH Wir freuen uns, die in Genf geborene Kat Graham vorzustellen – eine dynamische Kraft in der Welt der Unterhaltung und der Kunst. Von ihrem Durchbruch mit ihrer Rolle in «The Vampire Diaries» bis hin zu ihren Unternehmungen in den Bereichen Musik, Tanz und nun auch Literatur verkörpert Kat den Geist, Grenzen zu überschreiten. Ihr neuestes Projekt, ein Buch mit dem Titel «Seasons of You», lässt uns an ihrer Reise der Selbstfindung und kreativen Entwicklung teilhaben. Wir sprechen über ihre facettenreiche Karriere und die persönlichen Meilensteine, die sie geprägt haben. Kats Geschichte ist ein Leuchtfeuer für alle, die «on the edge» ihrer eigenen Veränderungen stehen.

Ihre Reise von Genf in die Vereinigten Staaten ist ein faszinierender Teil Ihrer Geschichte. Wie denken Sie heute über die Schweiz? Die Schweiz ist für mich etwas ganz Besonderes. Hier hat meine Reise begonnen, und die Erinnerungen an die Zeit, in der ich hier aufgewachsen bin, erwärmen noch immer mein Herz. Die Schönheit der Schweiz und ihre reiche Kultur inspirieren mich nach wie vor. Ausserdem ist sie der Geburtsort der UNO – und meiner Person! Ihre Karriere ist ein Beweis dafür, dass Sie in den Bereichen Schauspiel, Gesang und jetzt auch als Autorin Grenzen überschreiten und eine aussergewöhnliche Bandbreite an Talenten vorweisen können. Woher nehmen Sie die Energie, die Sie zu diesem unermüdlichen Einsatz antreibt? Meine Energie entspringt einer tiefen Liebe zur Kreativität und einem unermüdlichen Streben nach Selbstverwirklichung. Die vielfältigen Erfahrungen des Lebens und die Möglichkeit, durch verschiedene Kunstformen mit Menschen in Kontakt zu treten, inspirieren mich ständig. Grenzen überschreiten und mich kreativ herausfordern – das ist sehr belebend! Glückwunsch zur Veröffentlichung Ihres neuen Buches. Dieses Projekt scheint Ihre Reise durch die Kunst zusammenzufassen, während Sie «on the edge» Ihrer persönlichen und kreativen Entwicklung stehen. Was hat Sie zu diesem Projekt inspiriert? Dieses Buch entstand aus dem Wunsch, die Lektionen, die ich auf meiner Reise gelernt habe, mit anderen zu teilen. Es geht darum, das Unbekannte zu umarmen, Risiken einzugehen und sich kreativ weiterzuentwickeln. Ich wollte eine Sammlung von Erkenntnissen und Werkzeugen erstellen, die für mein Wachstum entscheidend waren. Und das Format eines Tagebuchs schien mir der perfekte Weg zu sein, um mit meinen Lesern in Kontakt zu treten. Das Verfassen eines Buches ist eine sehr persönliche und oft herausfordernde Reise. Wie sah Ihr kreativer Prozess aus, wie haben Sie die Herausforderungen gemeistert, mit denen Sie konfrontiert waren? Das Schreiben war für mich in der Tat eine sehr persönliche Reise. Ich habe mich mit Schlüsselmomenten in meinem Leben beschäftigt und damit, wie sie mich geprägt haben. Es war wichtig, authentisch und verletzlich zu sein und die Höhen und Tiefen zu teilen. Die Auswahl der Momente, die ich teilen wollte, war ein wohlüberlegter Prozess, bei dem es darum ging, echte Einsichten und Inspiration zu vermitteln.

In Ihrem Buch «Seasons of You» sprechen Sie metaphorisch über die zyklische Natur des Lebens. In welcher «Jahreszeit» befinden Sie sich im Moment? Wenden Sie diese Werkzeuge und Einsichten, über die Sie schreiben, weiterhin in Ihrem eigenen Leben an? Im Moment befinde ich mich in einer Phase der Selbstbeobachtung und des Wachstums. Die Werkzeuge und Einsichten, die ich in «Seasons of You» vermittle, wende ich weiterhin an. Es ist wichtig, sich Zeit für persönliches Wachstum zu nehmen, und das verbindet sich oft mit meiner kreativen Arbeit und dient als Quelle der Inspiration. Das vergangene Jahr war für Sie ein Wirbelsturm der Gefühle, mit dem Verlust Ihrer Mutter und der Freude über Ihre Hochzeit. Wie haben diese bedeutenden Lebensereignisse Ihre Sicht auf Arbeit, Leben und Liebe beeinflusst? Das vergangene Jahr war eine Achterbahn der Gefühle. Der Verlust meiner Mutter hat meine Sicht auf das Leben und die Liebe tiefgreifend verändert. Doch inmitten des Schmerzes war es ein Leuchtfeuer der Freude und Hoffnung, die Liebe zu finden und zu heiraten. Diese Erfahrungen zeigen mir, wie wichtig es ist, jeden Augenblick zu geniessen. Und die Liebe und Unterstützung, die mich umgibt, anzunehmen. Als Goodwill Ambassador der United Nations Refugee Agency hatten Sie die Gelegenheit, auf wichtige Themen aufmerksam zu machen. Gab es hier einen entscheidenden Moment, der Sie tiefgreifend beeinflusst oder Ihre Sichtweise der humanitären Arbeit geprägt hat? Als UNHCR-Botschafterin konnte ich die Widerstandsfähigkeit und Stärke von Flüchtlingen aus erster Hand erleben. Ein prägender Moment war die Begegnung mit einem jungen Mädchen, das trotz aller Widrigkeiten an seinen Träumen festhielt. Sie hat mir gezeigt, wie wichtig es ist, meine Plattform zu nutzen, um für diejenigen einzutreten, die eine Stimme brauchen, sie inspiriert mich weiterhin in meiner humanitären Arbeit. Blicken wir auf das Jahr 2024 – gibt es neue Projekte oder Grenzen, die Sie beruflich und kreativ erkunden möchten? Ich freue mich auf neue Projekte, die mir ermöglichen, «Storytelling» über verschiedene Medien hinweg weiter zu erforschen. Ich möchte weiterhin Grenzen überschreiten, sei es durch Schauspielerei, Musik oder das Erkunden neuer kreativer Möglichkeiten. Beruflich und kreativ bin ich immer auf der Suche nach Möglichkeiten, zu wachsen, mich weiterzuentwickeln. Ich bleibe neugierig!

words. Odyssia Houstis 143

dress. Balestra face mask. Lory Sun cuff. Paumé Los Angeles

shades of kat

____________

FRANÇAIS Nous avons le plaisir de vous présenter Kat Graham, née à Genève, une force dynamique dans le monde du spectacle et des arts. De son rôle principal dans «The Vampire Diaries» à ses exploits dans le domaine de la musique, de la danse et maintenant de la littérature, elle incarne l’essence même du dépassement des possibles. Son dernier projet, un livre intitulé «Seasons of You», partage son voyage vers la découverte de soi et le développement créatif. Nous discutons de sa carrière polyvalente et des moments personnels qui l’ont façonnée. L’histoire de Kat est un phare pour tous ceux qui sont sur le point de changer.

Ihre Reise von Genf in die Vereinigten Staaten ist ein faszinierender Teil Ihrer Geschichte. Wie denken Sie heute über die Schweiz? Votre parcours de Genève aux ÉtatsUnis constitue une facette fascinante de votre histoire. Quel est votre regard sur la Suisse aujourd’hui ? La Suisse a une place très spéciale dans mon cœur. C’est là que tout a commencé pour moi, et les souvenirs de mes années de croissance dans ce pays continuent à me réchauffer le cœur. La beauté naturelle de la Suisse et sa culture riche continuent de m’inspirer. C’est également là que les Nations unies ont leurs racines, tout comme moi !

Dans votre livre «Seasons of You», vous parlez métaphoriquement de la nature cyclique de la vie. Dans quelle «saison» vous trouvez-vous actuellement ? Et continuez-vous à appliquer les outils et les connaissances que vous partagez dans votre vie ? Actuellement, je me trouve dans une phase d’introspection et de croissance. Je continue d’appliquer dans ma vie les outils et les idées que je partage dans «Seasons of You». Il est essentiel de consacrer du temps à son développement personnel, souvent lié à mon travail créatif, source constante d’inspiration.

Votre carrière témoigne de votre capacité à passer de la comédie à la musique, en passant par l’écriture, démontrant ainsi votre vaste éventail de talents. D’où tirez-vous cette énergie inépuisable pour travailler sans relâche ? Mon énergie découle d’une passion profonde pour la créativité et d’une quête incessante de développement personnel. Je suis constamment inspirée par les différentes expériences de la vie et par la possibilité de connecter avec les gens à travers différentes formes d’art. Le défi créatif m’inspire énormément !

L’année écoulée a été une période de montagnes russes émotionnelles pour vous, entre la perte de votre mère et la joie de votre mariage. Comment ces événements majeurs ont-ils influencé votre perspective sur le travail, la vie et l’amour ? L’année passée a été un tourbillon émotionnel. La perte de ma mère a profondément changé ma perspective sur la vie et l’amour. Mais au milieu de la douleur, trouver l’amour et me marier a apporté une lueur de joie et d’espoir. Ces expériences montrent l’importance de savourer chaque instant et d’apprécier l’amour et le soutien qui m’entourent.

Félicitations pour la publication de votre nouveau livre. Ce projet semble encapsuler votre parcours artistique, alors que vous explorez les limites de votre développement personnel et créatif. Quelle a été l’inspiration derrière ce projet ? Ce livre est né de mon désir de partager les leçons que j’ai apprises tout au long de mon voyage. Il s’agit d’accepter l’inconnu, de prendre des risques et d’évoluer de manière créative. Je voulais créer une compilation d’idées et d’outils qui ont été cruciaux dans ma croissance personnelle. Le format d’un journal intime m’a semblé être le moyen idéal pour me connecter avec mes lecteurs.

En tant qu’ambassadrice de bonne volonté pour le HCR, vous avez eu l’opportunité de mettre en lumière des questions cruciales. Y a-t-il eu un moment décisif qui a profondément influencé votre vision du travail humanitaire ? En tant qu’ambassadrice du HCR, j’ai été témoin de la résilience et de la force des réfugiés. Rencontrer une jeune fille qui persévérait dans ses rêves malgré l’adversité a été particulièrement marquant. Elle m’a montré l’importance d’utiliser ma plateforme pour défendre ceux qui ont besoin d’une voix, et elle continue à m’inspirer dans mon travail humanitaire.

L’écriture d’un livre est un processus très intime et souvent difficile. Comment avez-vous navigué à travers ce processus de création et surmonté les défis rencontrés ? Pour moi, l’écriture a été un voyage très personnel. J’ai revisité les moments clés de ma vie et leur impact sur moi. Il était crucial d’être authentique et vulnérable, en partageant les hauts et les bas. Le choix des moments que je voulais partager a été mûrement réfléchi pour apporter une réelle inspiration et une lumière à mes lecteurs.

En regardant vers 2024, avez-vous des nouveaux projets ou des frontières à explorer sur le plan professionnel et créatif ? Je suis impatiente de me lancer dans de nouveaux projets qui me permettront d’explorer la narration à travers divers médias. Je veux continuer à repousser les limites, que ce soit dans la comédie, la musique ou en explorant de nouvelles possibilités créatives. Professionnellement et créativement, je suis toujours à la recherche de nouvelles opportunités de croissance et de développement. Mon appétit pour l’innovation est insatiable !

words. Odyssia Houstis 145

dress. Mikael D arm cuff. Costume Therapy

shades of kat

____________

ITALIANO Siamo lieti di presentarvi la ginevrina Kat Graham, una forza dinamica nel mondo dello spettacolo e delle arti. Dal suo ruolo di spicco in «The Vampire Diaries» alle sue imprese nella musica, nella danza e ora nella letteratura, Kat incarna l’essenza del superare i limiti. Il suo ultimo progetto, un libro intitolato «Seasons of You», permette di condividere il suo viaggio alla scoperta di sé e dello sviluppo creativo. Parliamo della sua carriera poliedrica e delle pietre miliari personali che l’hanno plasmata. La storia di Kat è un faro per chiunque sia sul punto di cambiare.

Il suo viaggio da Ginevra agli Stati Uniti è una parte affascinante della sua storia. Che cosa prova oggi per la Svizzera? La Svizzera è molto speciale per me. È qui che è iniziato il mio viaggio e i ricordi degli anni in cui sono cresciuta qui mi scaldano ancora il cuore. La bellezza della Svizzera e la sua ricca cultura continuano a ispirarmi. È anche il luogo di nascita dell’ONU - nonché il mio! La sua carriera è la prova che può spaziare dalla recitazione al canto, attiva ora anche come autrice, e che ha una straordinaria gamma di talenti. Da dove trae l’energia che la spinge a lavorare così instancabilmente? La mia energia deriva da un profondo amore per la creatività e da un’incessante ricerca di realizzazione personale. Sono costantemente ispirata dalle diverse esperienze della vita e dall’opportunità di entrare in contatto con le persone attraverso diverse forme d’arte. Spingermi oltre i limiti e sfidare me stessa in modo creativo è molto stimolante! Congratulazioni per la pubblicazione del suo nuovo libro. Questo progetto sembra riassumere il suo viaggio attraverso l’arte, mentre si trova «al limite» del suo sviluppo personale e creativo. Cosa l’ha ispirata a creare questo progetto? Questo libro è nato dal desiderio di condividere le lezioni che ho imparato durante il mio viaggio. Si tratta di abbracciare l’ignoto, di rischiare e di evolvere creativamente. Volevo creare una raccolta di intuizioni e strumenti che sono stati fondamentali per la mia crescita. E il formato del diario mi è sembrato il modo perfetto per entrare in contatto con i miei lettori. Scrivere un libro è un iter molto personale e spesso impegnativo. Com’è stato il suo processo creativo e come ha superato le sfide che ha dovuto affrontare? Scrivere è stato davvero un viaggio molto personale per me. Ho analizzato i momenti chiave della mia vita e il modo in cui mi hanno plasmato. Era importante essere autentici e vulnerabili e condividere gli alti e i bassi. Scegliere i momenti che volevo condividere è stato un processo ponderato che mirava a fornire una visione reale e un’ispirazione. Nel suo libro «Le stagioni di te» parla metaforicamente della natura ciclica della vita. In quale «stagione» si trova in questo momento? Continua ad applicare nella sua vita gli strumenti e le intuizioni di cui scrive? Al momento sono in una fase di introspezione e di crescita. Continuo ad applicare nella mia vita gli strumenti e le intuizioni che condivido in Seasons of You. È importante prendersi del tempo per la crescita personale e questo spesso si combina con il mio lavoro creativo e funge da fonte di ispirazione.

L’anno scorso è stato un turbine di emozioni per lei, con la perdita di sua madre e la gioia del suo matrimonio. In che modo questi eventi significativi hanno influenzato la sua visione del lavoro, della vita e dell’amore? L’anno scorso è stato una montagna russa di emozioni. La perdita di mia madre ha cambiato profondamente la mia prospettiva sulla vita e sull’amore. Ma in mezzo al dolore è stato un faro di gioia e speranza trovare l’amore e sposarsi. Queste esperienze mi dimostrano quanto sia importante assaporare ogni momento. E abbracciare l’amore e il sostegno che mi circonda. Come ambasciatrice di buona volontà per l’Agenzia delle Nazioni Unite per i Rifugiati, ha avuto l’opportunità di attirare l’attenzione su questioni importanti. C’è stato un momento decisivo che ha avuto un impatto profondo su di lei o che ha plasmato la sua visione del lavoro umanitario? Come ambasciatore dell’UNHCR, ho potuto sperimentare in prima persona la resilienza e la forza dei rifugiati. Un momento formativo è stato l’incontro con una giovane ragazza che ha tenuto fede ai suoi sogni nonostante le avversità. Mi ha mostrato quanto sia importante usare la mia piattaforma per difendere coloro che hanno bisogno di una voce e continua a ispirarmi nel mio lavoro umanitario. Guardando al 2024, ci sono nuovi progetti o frontiere che vorrebbe esplorare professionalmente e creativamente? Non vedo l’ora di realizzare nuovi progetti che mi permettano di continuare a esplorare la «narrazione» attraverso diversi mezzi. Voglio continuare a spingermi oltre i confini, che sia attraverso la recitazione, la musica o l’esplorazione di nuove possibilità creative. Professionalmente e creativamente, sono sempre alla ricerca di opportunità per crescere e svilupparmi. Sono sempre affamata di novità!

words. Odyssia Houstis photography. Amber Gray director of photography. Julian Bernstein fashion. Santa Versace Bevacqua talent. Kat Graham talent agent. Alessio Filippelli art direction. Odie Senesh hair. Pavy Olivarez @Rouge Artists make up. Roshar nails. Naoko Saita set designer. Stefania Lucchesi @Saint Luke Artists make up assistant. Robert Chrisman producer. David Thibodeau ai retouch. Laura Knoops production company. Brilliant Creative Agency location. Terraform Studio, Los Angeles 147

NARS Light Reflecting Moisturiser Sheer Glow KIKO MILANO Blue liquid Lipstick hat. Pierre Cardin jacket. Theunissen opposite NARS Light Reflecting Moisturiser Sheer Glow MAKE UP FOR EVER Pigment + Glitter

neo modern breath ____________

photography. jabe fashion. stephanie brissay

NARS Light Reflecting Moisturiser Sheer Glow KRYOLAN Eyes Cream color KIKO MILANO Black + silver Pencil necklace. Alina Alamorean opposite NARS Light Reflecting Moisturiser MAC COSMETICS Face + body JEFREE STAR Eyeshadow palette Greens Lips pencil dress. Juana Martín

KRYOLAN Agua color palette dress. Pierre Cardin necklace. Samuel François

NARS Light Reflecting Moisturiser Sheer Glow KRYOLAN Eyes Cream color KIKO MILANO Black + silver Pencil

NARS Light Reflecting Moisturiser Red powermatte MAC COSMETICS Face + Body

opposite NARS Light Reflecting Moisturiser Sheer Glow MAKE UP FOR EVER Pigment jewellery. Begum Khan

photography. Jabe @ AMG Paris fashion. Stephanie Brissay @ FMA Le Bureau models. Awek @ Titanium Management Sia @ Studio Paris Management Kalya @ Women Paris make up. Raffaele Romagnoli hair. Alexis Parente @ B Agency using L’Oréal Professionnal nails. Adrienne @ B Agency photography assistant. Francisco Nicolas Rodriguez fashion assistant. Chloe Capelle Maugrt make up assistant. Gabriel Geggieri location. With Us Studio

dress. Alberta Ferretti earrings. Silvia Gnecchi bag. Coperni

dress. credit. The Attico credit coat. Maison credit. Margiela credit bag. credit. Coperni credit shoes. Alexander credit. Wang credit

beyond the limits ____________

photography. name photography. mauro lorenzo fashion. name name fashion. robertamodel. frisullo

dress. Maison Margiela bag. Lanvin bracelet. Alberta Ferretti necklace. Alberta Ferretti sunglasses. Balmain

dress. credit. Phylosophy credit bag + earrings. Silvia credit. Gnecchi credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name

dress. Nu London fur. Stand Studio foulard. Lanvin shoes. Balenciaga

gloves. Driescredit. Van Noten credit sunglasses. credit. Balmain credit shoes. Alexander credit. Wang credit credit. credit

photography. Mauro Lorenzo fashion. Roberta Frisullo model. Erica Perrone @ Visual Tag Agency hair. Antonio Candido make up. Marta Spedicato producer. Mauro Lorenzo Studio photography assistant. Francesco Tommasi hair assistant. Cristian Gabrieli photography. name special thanks. Rocco Vernoia, fashion.Insight name location. Capitolo,Torre model.Cintola name

brands ____________

24-7 247anonym.com Aela @aelajewellery Agent Provocateur agentprovocateur.com Akris akris.com Alberta Ferretti albertaferretti.com Alexandra Novacki alexandranovacki.com Alexander Wang alexanderwang.com Alina Alamorean alina-alamorean.com Alvar Merino alvarmerino.com Amber Ambrose Aurèle @amberambroseaurele Amorphose amorphose.net Animale animale.com.br Anna & Silvia notjustalabel.com/anna-silvia Antura anturaccessori.com Area area.nyc Armani armani.com Baci bacifashion.com Bad Binch TONGTONG badbinch.com Balenciaga balenciaga.com Balestra balestraroma.com Balmain balmain.com Begum Khan begumkhan.com Bittersweet Jewelry bittersweetonline.com Blumarine blumarine.com Bob store bobstore.com.br Bottega Veneta bottegaveneta.com Brian de Carvalho briandecarvalho.co.uk Burlington burlington.de C.P. Company cpcompany.com CDLP cdlp.com Calzedonia calzedonia.com Cavalli robertocavalli.com Como la trucha al trucho Studio comolatruchaaltruchocloth.com

Coperni coperniparis.com Costume Therapy costume-therapy.com Danessa Myricks danessamyricksbeauty.com Didit didithediprasetyo.com Dior dior.com Dirk Bikkembergs bikkembergs.com Dolce & Gabbana dolcegabbana.com Dries Van Noten driesvannoten.com Dsquared2 dsquared2.com Edelrid Hummingbird Eco Dry by Transa transa.ch Ethan K ethan-k.com Études etudes-studio.com Evika evika.es FENTY BEAUTY fentybeauty.com Falke falke.com Fendi fendi.com Ferrari ferrari.com Forum forum.com.br 162

Fusalp fusalp.com Georges Hobeika georgeshobeika.com Gilles Asquin @gillesasquin Giorgio Armani armani.com Glambou glambou.com GmbH gmbhgmbh.eu Gucci gucci.com H&M Studio hm.com Hana Kim hanakim.ch Hang Empress hangedempress.com Hanwen hanwenstudio.com Helen Yarmak helenyarmak.com Helene Hamansen helenehamansen.ch Heliot Emil heliotemil.com Honour clothing honourclothing.com Icecream bbcicecream.eu Iris Van Herpen irisvanherpen.com Isabel Marant isabelmarant.com Isabel Sanchis isabelsanchis.com JEFREE STAR jeffreestarcosmetics.com Jean Paul Gaultier jeanpaulgaultier.com Jil Sander jilsander.com John Varvatos johnvarvatos.com Juana Martin juanamartin.es Julia Bartsch juliabartsch.com KIKO MILANO kikocosmetics.com KRYOLAN kryolan.com Karla Cosmetics karlastore.co.uk Kenzo kenzo.com Kojak kojakstudio.com LARUICCI laruicci.com La Sportiva lasportiva.com Lanvin lanvin.com Le Grand Strip legrandstrip.com Lelis Blanc lelis.com.br Leny Niemeyeur lennyniemeyer.com.br Leo Prothmann leoprothmann.com Liwen Liang @liwen_liang_ Lory Sun lorysun.com Louis Vuitton louisvuitton.com Luar luar.world MAC cosmetics maccosmetics.com MAKE UP FOR EVER makeupforever.com MDVII mdvii.com MISBHV misbhv.com Madame Sher madamesher.com Maison Close maison-close.com Maison Fabre maisonfabre.com Maison Margiela maisonmargiela.com Maison Michel michel-paris.com Maison Plush maison-plush.com Manuel Diaz @manueldiazbrand Marni marni.com Martine Ali martineali.com Max Mara maxmara.com Mikael D mikaeld.com

Missoni missoni.com Mugler mugler.com NARS narscosmetics.com NYX Cosmetics nyxcosmetics.com Nu London nulondon.uk Oséree oseree.com Paco Rabanne pacorabanne.com Patmacgrath labs patmcgrath.com Paumé Los Angeles paumelosangeles.com Pentax pentax.eu Philosophy philosophy.com Pierre Cardin pierrecardin.com Pleaser pleasershoes.com Prada prada.com Ralph Lauren ralphlauren.com Reckless cosmetics recklesscosmetics.uk René Caovilla renecaovilla.com Roger Vivier rogervivier.com Ruohan ruohan.co Salomon salomon.com Salvatore Ferragamo ferragamo.com Samuel Francois samuelfrancoisjewelry.com Scarlet Sage global.shopscarletsage.com Schiaparelli schiaparelli.com Senia senianewyork.com Sephora sephora.com Seyit Ares @seyitares Shiseido shiseido.com Sho konishi sho-konishi.com Silhouette Eyewear silhouette.com Silvia Gnecchi silviagnecchi.com Slowear slowear.com Solène Lescouët solenelescouet.com Sportmax world.sportmax.com Stand Studio standstudio.com Stargazer stargazer-products.com Swarovski swarovski.com Talita London talitalondon.com The Alternative Limb Project thealternativelimbproject.com

The Attico theattico.com The Bowery Social Club thebowerysocialclub.com Theunissen theunissenparis.com Tidjane Tall @TidjaneTall Tiffany & Co. tiffany.com Tod’s tods.com Tom Ford tomford.com Tony Ward Couture tonyward.net Versace versace.com Vivienne Westwood viviennewestwood.com Wolford wolford.com XTC Longines longines.com Y3 y-3.com YSL Couture ysl.com Zaady zaady.fr Zanotti giuseppezanotti.com Zuhair Murad zuhairmurad.com

editors ____________

geschäftsleitung. Dr. Odyssia Houstis + Dr. Frank Herbrand chefredaktion. Dr. Odyssia Houstis deputy editor + grafik design. Laura Knoops editor-at-large. Odie Senesh editor-at-large. Giorgio Andrea Branduardi beauty editor. Raffaele Romagnoli digital editor. Chiara Kestin partnerschaften / inserate. Dr. Frank Herbrand frank@schon.ch intern. Lorenz Roselius submissionen. submissions@schon.ch abonnementsbestellungen. info@schon.ch copypreis. (inkl. MwSt) (inkl. METASchön!)

print einzelpreis. CHF 14 jahresabonnement. CHF 80

(6 Ausgaben, inkl. Versand in der Schweiz)

digital einzelpreis. € 7 jahresabonnement. € 42 (6 Ausgaben)

druck. Switzerland ISSN 2813-5512 Schön! Switzerland (Print) ISSN 2813-5520 Schön! Switzerland (Digital) Schön! Switzerland Erscheint sechsmal jährlich als Schweizer Lizenz des Schön! Magazines in der Enamati Publishing GmbH, Im Bruppach 13, 8703 Erlenbach. Schön! Switzerland online: http://www.schon.ch Schön! Switzerland übernimmt keine Haftung für unaufgefordert eingesandtes Material jeglicher Art. Die im redaktionellen Inhalt enthaltenen Meinungen sind die der Autoren und nicht notwendigerweise die der Herausgeber von Schön! Switzerland. Jegliche Vervielfältigung im Ganzen oder in Teilen ohne schriftliche Genehmigung ist strengstens untersagt. 163

subscribe ____________

subscriptions /downloads for ordering or subscribing our magazine in print or digital schon.ch/subscribe

GIN

HANDCRAFTED IN

ZURICH

www.turicum-distillery.com

landrover.ch

“ICH ERSCHAFFE SCHÖNHEIT, IMMER WIEDER, UND DABEI ZÄHLT JEDES DETAIL .” ZARIA FORMAN,

KÜNSTLERIN, TRÄGT DIE VACHERON CONSTANTIN OVERSEAS.

KONTAKTIEREN SIE UNS: +41 22 580 1755

07 on the edge

wim delvoye dr. martha boeckenfeld ETRO ss24 AI campaign carol civre dr. srini pillay lynsey alexander aman venice

kiara marshall METASchön! 07 2024

in luar, manuel díaz, maison margiela + gmbh photographed by julia comita

MASERATI GRANTURISMO THE OTHERS JUST TRAVEL WHY DRIVE JUST A CAR WHEN YOU CAN DRIVE A GRAND TOURER WITH THE MASERATI GRANTURISMO?

A B C D E F G

Fuel consumption combined (l/100 km): 10.2 // CO 2 emissions combined (g/km)*: 230 // Energy efficiency category: G * CO 2 is the main greenhouse gas responsible for global warming; Average of all new cars registered in Switzerland enrolled in 2023: 129 g/km. The CO 2 target value is 118 g/km (WLTP).

index.

192

____________

META Buzz. carol civre

204 178

META Reflections. humanoid robots + cyborgs

186

META Buzz. beauty, brains, and well-being: srini pillay’s vision

192

META Buzz. carol civre

200

META Buzz. mumain: museum maya indonesia

204

style. etro’s ss24 AI campaign

212

style. luar

214

style. dilara findikoglu

216

editor’s pick. apple watch hermès

218

editor’s pick. louis vuitton nanogram speaker

222

editor’s pick. omega mini trésor

224

fab collab. stella mccartney x veuve clicquot

editor’s pick. louis vuitton nanogram speaker

228

beauty. edge of expression: lynsey alexander’s bold vision

236

beauty. teoxane

228

238

contributors.

239

editors.

174

on the edge

style. etro’s ss24 AI campaign

218

beauty. edge of expression: lynsey alexander’s bold vision in makeup artistry

240 unique travel. aman venice

248 240

unique travel. aman venice

248

unique travel. villa honegg

256

unique travel. steinbock safari

260

unique travel. hotel caruso ravello

268

arts and culture. 24h in florence

272

arts and culture. detour discotheque

276

arts and culture. maurizio architects

282

arts and culture. sunice festival 2024

284

arts and culture. wim delvoye

290

lifestyle. hermès tressages équestres

unique travel. villa honegg

284

arts and culture. wim delvoye

290 lifestyle. hermès tressages équestres 175

This is Haircare Redefined. Introducing The Rich Shampoo and The Rich Conditioner with TFC8®. Nourish, condition and restore dry, damaged hair for softer, smoother, fuller, healthier-looking strands.

editor’s letter ____________

DEUTSCH Liebe Leserinnen und Leser, willkommen zur inzwischen

siebten Ausgabe von METASchön! Sie steht unter dem Motto «On the Edge», ein Thema, das die spannende Schnittstelle zwischen Gegenwart und Zukunft, zwischen Mensch und Technologie aufgreift. Unser Titelbild zeigt die atemberaubende Kunst der Prothetik, ein Ergebnis der kreativen Synergie zwischen Julia Comita, Alex Palomo und Volvox Labs. Mehr dazu in unserer parallel erscheinenden Ausgabe von Schön! Switzerland. Wir beleuchten ein ganzes Spektrum von Themen, die die Zukunft prägen. Von der sich verändernden Arbeitswelt und der Integration von Robotik und KI in unser tägliches Leben bis hin zu den tiefgreifenden Auswirkungen dieser Technologien auf die psychische Gesundheit, wie von Dr. Srini Pillay erläutert. Mode ist untrennbar mit der Marke Schön! verbunden. Wir werfen einen Blick auf die mit Künstlicher Intelligenz produzierte Kampagne für die ETRO Frühling/Sommer ‘24 Kollektion sowie auf die Designer Luar und Dilara Findikoglu. In unserer Beauty-Rubrik sprechen wir in einem exklusiven Interview mit Lynsey Alexander über ihre neue Rolle bei PRADA Beauty und stellen die innovative Kosmetiklinie Teoxane vor. Auch das Thema Reisen erhält einmal mehr den ihm gebührenden Platz. Diesmal mit vier «On the Edge» Destinationen, zwei davon in der Schweiz, zwei weitere im schönen Nachbarland Italien. Die Villa Honegg auf dem Bürgenstock ist Ihnen vielleicht noch von einem unserer Cover Shootings der letzten Ausgabe in Erinnerung. In der Rubrik Arts + Culture stellen wir Wim Delvoye vor, einen Künstler, der für seine provokativen Arbeiten bekannt ist, die oft komplexe Ideen über Technologie und Gesellschaft beinhalten. Viel Freude bei der Erkundung der Grenzen, «On the Edge», und darüber hinaus!

FRANÇAIS Chères lectrices, chers lecteurs, Bienvenue dans le

ITALIANO

Care Lettrici, Cari Lettori,

benvenuti in METASchön!, al suo settimo septième numéro de METASchön ! Autour numero. Intorno al tema «On the Edge», si du thème «On the Edge», nous explorons affronta l’emozionante interfaccia tra presente l’interface fascinante entre le présent et le e futuro, tra uomo e tecnologia. futur, entre l’homme et la technologie. La nostra immagine di copertina mostra Notre couverture met en lumière l’extraordi- l’incredibile arte delle protesi, frutto della sinernaire art des prothèses, fruit de la collaboragia creativa tra Julia Comita, Alex Palomo e tion créative entre Julia Comita, Alex Palomo Volvox Labs. Potrete saperne di più sfoglianet Volvox Labs. Vous pouvez en apprendre do Schön! Switzerland, che si accompagna a davantage en parcourant Schön! Suisse, qui questo METASchön!. accompagne ce numéro de METASchön!. Nous explorons toute une série de questions Esploriamo un’intera gamma di temi che qui façonnent l’avenir. De l’évolution du stanno plasmando il futuro. Dal cambiamento monde du travail à l’intégration de la robo- del mondo del lavoro all’integrazione della rotique et de l’intelligence artificielle dans notre botica e dell’intelligenza artificiale nella nostra quotidien, en passant par l’impact profond vita quotidiana, fino al profondo impatto di de ces technologies sur la santé mentale, queste tecnologie sulla salute mentale, come comme le souligne le Dr Srini Pillay. spiega il dottor Srini Pillay. La mode est indissociable de la marque Schön! et ce numéro de METASchön! ne fait pas exception. Nous mettons l’accent sur la campagne créée avec l’intelligence artificielle pour la collection ETRO Printemps/Été 2024, ainsi que sur les créateurs Luar et Dilara Findikoglu. Dans notre rubrique Beauté, lors d’une interview exclusive avec Lynsey Alexander, nous discutons de son nouveau rôle chez PRADA Beauty. Ensuite, nous vous présentons la ligne cosmétique innovante Teoxane. Le thème du voyage trouve à nouveau sa place dans ce numéro avec quatre destinations «On the Edge», dont deux en Suisse et deux autres en Lombardie. L’une d’entre elles est apparue dans l’un de nos articles de couverture du dernier numéro : Villa Honegg sur le Bürgenstock, qui est présentée ici.

La moda è indissolubilmente legata al marchio Schön!. Lo sguardo è rivolto alla campagna realizzata con l’intelligenza artificiale per la collezione ETRO Primavera/Estate 2024 e ai designer Luar e Dilara Findikoglu. Nella nostra sezione Beauty, in un’intervista esclusiva con Lynsey Alexander parliamo del suo nuovo ruolo presso PRADA Beauty. Presentiamo poi l’innovativa linea di cosmetici Teoxane. Anche il tema dei Viaggi trova ancora una volta il suo giusto spazio. Con quattro destinazioni «On the Edge», due delle quali in Svizzera e altre due nel Bel Paese. Era apparsa in uno dei nostri servizi di copertina dell’ultimo numero: Villa Honegg sul Bürgenstock, che qui si mostra.

Nella sezione Arte + Cultura, presentiamo Wim Delvoye, un artista noto per le sue opere Dans la rubrique Arts + Culture, provocatorie, che spesso contengono idee nous mettons en lumière Wim Delvoye, complesse sulla tecnologia e sulla società. un artiste renommé pour ses œuvres provocantes, qui renferment souvent des idées Divertitevi a esplorare i confini, complexes sur la technologie et la société. «On the Edge» e oltre! Amusez-vous à explorer les frontières, « On the Edge » et au-delà !

Odyssia Houstis editor in chief

177

META Reflections. ____________

humanoid robots + cyborgs. our future? words. Dr. Martha Boeckenfeld digital illustration. Lubbertus @trust_only_ai

178

on the edge

DEUTSCH Das Morgenbild der Cyborgs: Die nächste Evolution. Wir stehen am Anfang eines neuen Zeitalters, an der Schwelle zu einer Ära, in der Mensch und Technologie nicht nur nebeneinander existieren, sondern zu einer Einheit verschmelzen. Diese Zukunft ist kein fernes Echo aus einem Science-FictionRoman, sie wird jetzt real.

Werkzeuge und Geräte, die wir täglich nutzen, um unsere Fähigkeiten zu erweitern, sind Vorboten einer tiefgreifenden Wandlung. Durch die bahnbrechenden Entwicklungen in der Gehirn-Computer-Schnittstellentechnologie, wie sie von Visionären wie Elon Musk vorangetrieben werden, nähern wir uns dem Zeitalter des Transhumanismus. Erst vor wenigen Tagen wurde der sogenannte «Brain Chip Interface» in das Gehirn eines Menschen verpflanzt. Die Entwicklung von Brain-Computer-Interfaces (BCIs) ist ein leuchtendes Beispiel für den Fortschritt in der Neurotechnologie. Durch die Implantation dieser Chips wird es möglich, dass Menschen ihre kognitiven und physischen Fähigkeiten durch Technologie erweitern. Diese Innovation ist nicht nur ein Meilenstein für die Medizin, sondern auch für die Art und Weise, wie wir mit Maschinen interagieren und kommunizieren. Implantate, die unsere Sinneswahrnehmungen und physischen Funktionen verbessern, und künstliche Intelligenz, die unsere Entscheidungsfindung und Problemlösung unterstützt, sind erst der Anfang einer neuen Ära. Stellen Sie sich vor, Cyborgs (Anmerkung der Redaktion: ein Cyborg ist ein Lebewesen, das technisch ergänzt oder erweitert ist) könnten nicht nur Krankheiten heilen und unsere Lebenserwartung erhöhen, sondern auch Fähigkeiten besitzen, die über alles Menschliche hinausgehen. Die Verschmelzung von Mensch und Maschine könnte uns völlig neue Möglichkeiten eröffnen, die wir heute noch nicht einmal zu träumen wagen. Doch diese Entwicklung birgt auch Risiken. Was passiert, wenn wir die Kontrolle über die Technologie verlieren? Was bedeutet es für unsere Identität, wenn wir uns mit Maschinen vermischen? Wie können wir sicherstellen, dass diese Fortschritte allen zugutekommen und nicht nur einer privilegierten Elite? Es liegt an uns, sicherzustellen, dass die Verschmelzung von Mensch und Maschine zu einer besseren Zukunft für alle führt.

Cyborgs als Lebensretter? Cyborgs könnten übermenschliche Stärke, Ausdauer und Intelligenz besitzen. Sie könnten schneller laufen, höher springen und länger denken als wir es uns je hätten vorstellen können. Cyborg-Technologien könnten nicht nur zur Heilung von Krankheiten beitragen, sondern auch dazu, unsere Lebenserwartung signifikant zu verlängern. Implantate könnten Organe ersetzen oder deren Funktionen verbessern, und uns so zu neuen Ufern menschlicher Fähigkeiten führen. Cyborgs könnten in unwirtlichen Umgebungen überleben oder neue Dimensionen des Daseins erkunden, die bisher unerreichbar schienen. Doch die beeindruckenden Aussichten sind nicht ohne Schattenseiten. Die Abhängigkeit von der Technologie birgt Gefahren. Wenn wir uns zu sehr auf sie verlassen, könnte dies zu unvorhersehbaren und potenziell negativen Folgen führen. Wenn wir mit den Maschinen eins werden, müssen wir uns fragen, was es heisst, Mensch zu sein. Was bleibt von unserer Menschlichkeit, wenn Teile von uns technologisch ersetzt werden? Die Vorteile der CyborgTechnologie könnten ungleich verteilt sein und soziale Ungleichheiten verschärfen. Die Verschmelzung von Mensch und Maschine wirft ethische Fragen auf – beispielsweise die nach der Verantwortung. Wer ist verantwortlich, wenn ein Cyborg Schaden anrichtet? Der Mensch, die Maschine oder die neue Einheit aus beiden? Die Zukunft der Cyborgs liegt in unseren Händen. Es ist unsere Pflicht, die Chancen und Herausforderungen, die diese Entwicklung mit sich bringt, proaktiv zu gestalten. Wir müssen sicherstellen, dass die Cyborg-Technologie zum Wohl der Menschheit eingesetzt wird und nicht zu ihrem Nachteil. Es liegt an uns, folgende Fragen zu beantworten: Welche Art von Zukunft streben wir an? Wie können wir sicherstellen, dass die CyborgTechnologie allen Menschen zugutekommt? Wie können wir die Risiken, die mit der Cyborgisierung einhergehen, minimieren? Robotik und KI: Die Wegbereiter der Cyborg-Zukunft In dieser neuen Ära spielen Robotik und Künstliche Intelligenz (KI) eine

Schlüsselrolle – sie sind die treibenden Kräfte, die uns in das Zeitalter der Cyborgs führen. Roboter, die einst starre und unbewegliche Konstrukte waren, sind nun geschmeidig und anpassungsfähig, dank der Fortschritte in der Robotik. Sie ergänzen die menschliche Arbeit, führen Aufgaben mit Präzision aus, die über menschliche Fähigkeiten hinausgehen, und schaffen so neue Synergien zwischen Mensch und Maschine. Roboterassistenz in der Chirurgie oder in der Pflege älterer Menschen sind nur zwei Beispiele, wie Robotik dabei hilft, die Qualität des menschlichen Lebens zu verbessern. KI-Systeme, die mehr als nur programmierte Maschinen sind, werden zu Partnern, die lernen und sich weiterentwickeln. Sie verstehen und antizipieren menschliche Bedürfnisse, verbessern die Lebensqualität und eröffnen Möglichkeiten zur persönlichen und beruflichen Entwicklung. Diese intelligenten Systeme sind nicht nur Unterstützer; sie sind Lehrer, die uns neue Wege des Denkens und Problemlösens lehren. Die Kombination aus RoboterAssistenzsystemen und KI-gesteuerter Analyse kann die Heilkunst revolutionieren, indem sie Ärzten erlaubt, Diagnosen zu stellen und Behandlungen durchzuführen, die bisher unvorstellbar waren. In der Industrie führt der Einsatz von Robotern und KI zu einer Effizienzsteigerung, die unsere Wirtschaft und unseren Alltag tiefgreifend verändert. Sophia: Das Gesicht der Humanoiden Robotik im Zeitalter der Cyborgs Mitten in der Diskussion über die Zukunft der Cyborgs und die fortschreitende Entwicklung von KI und Robotik steht Sophia – ein humanoider Roboter, der die Grenzen zwischen Mensch und Maschine verwischt. Als Kreation von Hanson Robotics ist Sophia nicht nur ein Wunderwerk der Technik, sondern auch ein Spiegelbild unserer Ambitionen, KI und Robotik mit menschenähnlichen Zügen zu versehen. Sophia verkörpert den Brückenschlag zwischen den Welten: Sie ist mit Fähigkeiten ausgestattet, die von Gesichtserkennung bis hin zu einer natürlichen Sprachverarbeitung reichen, und repräsentiert somit das immense Potenzial der KI, menschliche

179

Interaktionen nachzuahmen und zu bereichern. Mit ihrem vermenschlichten Ausdruck und ihrer Fähigkeit, Emotionen zu zeigen, rückt sie die Vorstellung von Cyborgs in ein neues Licht – eines, das weniger dystopisch und mehr integrativ ist. Sophias Existenz wirft fundamentale Fragen über die Ethik humanoider Robotik auf. Wie gestalten wir die Interaktionen mit Maschinen, die uns immer ähnlicher werden? Sophia zwingt uns, darüber nachzudenken, wie wir Verantwortung für unsere Schöpfungen übernehmen und sicherstellen, dass sie ethischen Prinzipien entsprechen. Sie ist ein Testfall für unsere Fähigkeit, mit intelligenten Maschinen umzugehen, die in der Lage sind, Lernen und emotionale Reaktionen zu simulieren.

veränderte und den Weg zur Evolution des Menschen ebnete. Der humanoide Roboter «Optimus» steht möglicherweise an der Schwelle zu einem solchen Urknall in der Welt der Robotik. Die Experten von Morgan Stanley vertreten die Ansicht, dass er das Potenzial hat, 30 % des globalen Arbeitsmarktes umzuwandeln, was einer Marktmöglichkeit von atemberaubenden 30 Billionen USD entsprechen könnte.

Ray Kurzweil einst, und tatsächlich könnte die Verschmelzung von Mensch und Maschine der nächste Schritt in unserer Evolution sein. Wenn wir diese neue Realität annehmen, sollten wir dies mit offenen Augen für die Wunder tun, die sie mit sich bringt. Und mit dem Verantwortungsbewusstsein, das sie uns auferlegt. ____________

Während Cyborg-Technologien die physischen Grenzen des Menschen erweitern, schaffen Robotik und KI neue Horizonte des intellektuellen und kreativen Potenzials. Die Fusion dieser Technologien verspricht eine Zukunft, in der keine Aufgabe zu komplex, kein Problem unlösbar erscheint.

FRANÇAIS

In einer Gesellschaft, die zunehmend von Cyborg-Technologien durchdrungen wird, könnte Sophia eine Vorreiterrolle einnehmen. Sie könnte ein Vorbild sein für die Integration von KI in unseren Alltag, in der Bildung, in der Pflege und in der emotionalen Unterstützung von Menschen. Ihre Entwicklung gibt uns einen Vorgeschmack darauf, wie Cyborgs und humanoide Roboter in Zukunft miteinander interagieren könnten.

Doch mit diesen Fortschritten müssen wir auch die Beziehung zwischen Mensch und Maschine neu definieren. Wie gestalten wir die Zusammenarbeit mit Robotern und KI, um unsere Menschlichkeit zu bewahren und gleichzeitig die Vorteile dieser Technologien zu maximieren? Wie verhindern wir, dass diese intelligenten Systeme uns entfremden statt uns zu dienen?

Teslas KI-Revolution: Ein neuer Urknall

Eine der grössten Herausforderungen in der Integration von Robotik und KI in unsere Gesellschaft ist die soziale Dimension. Wir müssen sicherstellen, dass diese Technologien zum Wohl aller eingesetzt werden, nicht nur für diejenigen, die sich den Zugang zu ihnen leisten können. Bildung und lebenslanges Lernen werden entscheidend sein, um jeden Einzelnen zu befähigen, in einer von Robotik und KI geprägten Welt zu bestehen.

Mitte Dezember präsentierten die Führungskräfte von Tesla neueste Upgrades für «Optimus», den zweibeinigen Roboter des Unternehmens, und signalisierten damit einen Wendepunkt, der nach Einschätzung von Morgan Stanley Analysten zu einem explosiven Wachstum von Tesla führen könnte. Morgan Stanley prognostiziert eine bahnbrechende Entwicklung für Tesla: Die Analysten sind der festen Überzeugung, dass Tesla mit Optimus kurz vor einer bahnbrechenden Innovation steht. In ihrem Forschungsbericht vom 15. Dezember 2023 zeichnen sie das Bild einer revolutionären Entwicklung, die sich abzeichnet, wenn Künstliche Intelligenz die Grenzen von reiner Datenverarbeitung und Chatbot-Anwendungen überschreitet und zu intelligenten, selbstbewussten humanoiden Robotern fortschreitet. Aus der Analyse versteinerter Daten ist bekannt, dass vor etwa 538 Millionen Jahren das organische Leben auf der Erde die Fähigkeit zur Motilität, also zur eigenständigen Bewegung, erlangte. Dieser Moment glich einem Urknall, der alles

180

on the edge

Quo vadis? Der Wandel der Gesellschaft

Die Verantwortung liegt bei uns, die Richtung zu bestimmen, in die diese Technologien uns führen werden. Wir müssen die ethischen Rahmenbedingungen schaffen, die sicherstellen, dass Robotik und KI die menschliche Erfahrung bereichern – nicht ersetzen. Die Reise vom Menschen zum Cyborg ist eine gemeinsame Reise, die wir mit Mut, Neugier und Verantwortung antreten müssen. Es ist eine Geschichte, die wir gemeinsam schreiben, mit dem Ziel, dass jeder Mensch in dieser neuen Ära seine Stimme findet und mitgestaltet. «Die Zukunft gehört den Cyborgs», sagte

Les cyborgs de demain : la prochaine évolution. Wir stehen am Anfang eines neuen Zeitalters, an der Schwelle zu einer Ära, in der Mensch und Technologie nicht nur nebeneinander existieren, sondern zu einer Einheit verschmelzen. Diese Zukunft ist kein fernes Echo aus einem Science-Fiction-Roman, sie wird jetzt real. Nous sommes sur le seuil d’une ère nouvelle, au commencement d’une période où l’homme et la technologie fusionnent pour former une seule entité. Cet avenir, auparavant relégué au domaine de la science-fiction, devient aujourd’hui une réalité tangible. Les outils et les appareils que nous utilisons quotidiennement pour augmenter nos capacités sont les signes avant-coureurs d’une transformation profonde. Avec les progrès révolutionnaires de la technologie des interfaces cerveau-ordinateur, dont les pionniers incluent des visionnaires comme Elon Musk, nous nous approchons rapidement de l’ère du transhumanisme. Récemment, une interface cerveau-ordinateur a été implantée dans un cerveau humain, un pas de plus vers cette évolution. Les progrès dans le domaine des interfaces cerveau-ordinateur (BCI) illustrent parfaitement les avancées dans le domaine des neurotechnologies. Ces puces implantées permettent aux individus d’améliorer leurs capacités cognitives et physiques grâce à la technologie. Cette avancée marque non seulement un jalon important pour la médecine, mais aussi pour notre interaction et notre communication avec les machines. Les implants qui améliorent nos perceptions sensorielles et nos capacités physiques, combinés à l’intelligence artificielle qui nous aide dans la prise de décisions et la résolution de problèmes, ne sont que les prémices d’une nouvelle ère. En imaginant un avenir où les cyborgs peuvent non seulement guérir les maladies

META Reflctions. ____________

181

de nous sont modifiées ou remplacées par des technologies émerge comme un défi éthique majeur. De plus, les bénéfices des technologies cyborgs pourraient ne pas être distribués équitablement, accentuant ainsi les disparités sociales. La fusion de l’homme et de la machine soulève des interrogations sur la responsabilité en cas de dommages causés par des cyborgs : est-ce l’homme, la machine ou une combinaison des deux qui est responsable ? L’avenir des cyborgs dépend de nos choix et de nos actions. Il est impératif d’aborder de manière proactive les opportunités et les défis que ces avancées présentent. Nous devons nous assurer que la technologie cyborg est utilisée pour le bien de l’humanité, tout en minimisant les risques associés. Cela nécessite une réflexion approfondie sur le type d’avenir que nous souhaitons créer, ainsi que sur les mesures à prendre pour garantir que ces avancées bénéficient à tous, sans laisser personne pour compte. La robotique et l’IA : les outils de l’avenir cyborg

et prolonger notre espérance de vie, mais aussi surpasser l’homme dans certaines capacités, nous ouvrons la voie à de nouvelles possibilités inimaginables jusqu’à présent. Cependant, cette évolution n’est pas exempte de risques. Que se passe-t-il si nous perdons le contrôle de la technologie ? Quel est l’impact sur notre identité si nous nous fondons avec les machines ? Comment pouvons-nous garantir que ces avancées bénéficient à tous et non seulement à une élite privilégiée ? Il est de notre responsabilité de nous assurer que la fusion de l’homme et de la machine mène vers un avenir meilleur pour tous. Des cyborgs qui sauvent des vies ? Les cyborgs représentent un potentiel doté d’une force, d’une endurance et d’une

182

on the edge

intelligence surpassant les limites humaines. Leur capacité à courir plus vite, à sauter plus haut et à résoudre des problèmes complexes ouvre des portes vers des horizons inexplorés. En effet, ces avancées pourraient non seulement contribuer à la guérison de maladies et à l’extension significative de l’espérance de vie, mais également permettre de repousser les frontières de nos capacités physiques et cognitives. En envisageant un monde où les cyborgs pourraient survivre dans des environnements hostiles ou explorer des territoires autrefois inaccessibles, il est important de considérer les défis potentiels. Une dépendance excessive à la technologie peut présenter des risques imprévus et des conséquences négatives pour notre humanité. La question de savoir ce qui reste de notre essence humaine lorsque des parties

La robotique et l’intelligence artificielle (IA) sont les moteurs de cette nouvelle ère, nous guidant vers l’ère du cyborg. Autrefois rigides et immobiles, les robots sont désormais souples et adaptables grâce aux progrès de la robotique. Ils complètent le travail humain en exécutant des tâches avec une précision supérieure, ouvrant ainsi la voie à de nouvelles synergies entre l’homme et la machine. Des exemples tels que l’assistance robotique en chirurgie ou les soins aux personnes âgées illustrent comment la robotique contribue à améliorer la qualité de vie humaine. Les systèmes d’intelligence artificielle dépassent le simple stade de machines programmées pour devenir des partenaires d’apprentissage et d’évolution. Ils anticipent les besoins humains, améliorent la qualité de vie et offrent de nouvelles perspectives de développement personnel et professionnel. Ces systèmes intelligents ne se contentent pas de fournir un soutien, mais agissent comme des enseignants, nous guidant vers de nouvelles approches pour penser et résoudre les problèmes. La combinaison de systèmes d’assistance robotisés et d’analyses pilotées par l’IA a le

potentiel de révolutionner les soins de santé, permettant aux médecins de réaliser des diagnostics et des traitements qui étaient auparavant inimaginables. Dans le domaine industriel, l’utilisation de robots et d’IA accroît l’efficacité, transformant profondément notre économie et notre vie quotidienne. Sophia : le visage de la robotique humanoïde à l’ère des cyborgs Au cœur des discussions sur le futur des cyborgs et le développement continu de l’IA dans la robotique se trouve Sophia, un robot humanoïde créé par Hanson Robotics. Sophia ne représente pas seulement une prouesse d’ingénierie, mais incarne également notre ambition d’intégrer des traits humains dans l’IA et la robotique. Sophia joue le rôle de passerelle entre deux mondes : dotée de capacités allant de la reconnaissance faciale au traitement du langage naturel, elle met en lumière le vaste potentiel de l’IA dans la simulation et l’enrichissement des interactions humaines. Avec son apparence humanisée et sa capacité à exprimer des émotions, elle offre une perspective nouvelle et plus inclusive sur la notion de cyborg, loin de toute vision dystopique. L’existence de Sophia soulève des questions éthiques fondamentales sur la robotique humanoïde. Comment devons-nous structurer nos interactions avec des machines de plus en plus semblables à nous ? Sophia nous invite à réfléchir sur la manière dont nous assumons la responsabilité de nos créations et à nous assurer qu’elles respectent des principes éthiques. C’est un test de notre capacité à gérer des machines intelligentes capables de simuler l’apprentissage et les réactions émotionnelles. Dans une société de plus en plus influencée par les technologies cyborgs, Sophia pourrait jouer un rôle de pionnière. Elle pourrait servir de modèle pour l’intégration de l’IA dans notre vie quotidienne, dans l’éducation, les soins et le soutien émotionnel aux individus. Son développement nous offre un aperçu de la façon dont les cyborgs et les robots humanoïdes pourraient interagir dans le futur. La révolution de l’IA chez Tesla : un nouveau big bang Mi-décembre, les dirigeants de Tesla ont

dévoilé les dernières mises à jour d’Optimus, le robot bipède de l’entreprise, marquant un tournant potentiellement explosif pour Tesla, selon les analystes de Morgan Stanley. Morgan Stanley prévoit une révolution pour Tesla : les analystes sont convaincus que l’entreprise se rapproche d’une innovation révolutionnaire avec Optimus. Dans leur rapport de recherche daté du 15 décembre 2023, ils dressent le portrait d’un développement révolutionnaire qui émergera lorsque l’intelligence artificielle dépassera les limites du simple traitement des données et des applications de chatbot pour évoluer vers des robots humanoïdes intelligents et conscients d’eux-mêmes. En remontant dans les archives fossiles, il est révélé qu’il y a environ 538 millions d’années, la vie organique sur Terre a acquis la capacité de se déplacer de manière autonome. Ce moment a été un véritable “big bang” qui a tout changé et ouvert la voie à l’évolution de l’humanité. Le robot humanoïde “Optimus” pourrait être à l’aube d’un événement similaire dans le domaine de la robotique. Les experts de Morgan Stanley estiment qu’il a le potentiel de transformer 30 % du marché du travail mondial, ce qui pourrait représenter un marché de 30 000 milliards de dollars. Alors que les technologies cyborg repoussent les limites physiques de l’homme, la robotique et l’IA ouvrent de nouveaux horizons de potentiel intellectuel et créatif. La fusion de ces technologies promet un avenir où aucune tâche ne semble trop complexe, aucun problème insoluble. Cependant, avec ces avancées, nous devons également redéfinir la relation entre les humains et les machines. Comment pouvons-nous collaborer avec les robots et l’intelligence artificielle pour préserver notre humanité tout en tirant pleinement parti de ces technologies ? Comment éviter que ces systèmes intelligents ne nous aliènent plutôt que de nous servir ? Quo vadis ? la transformation de la société L’intégration de la robotique et de l’intelligence artificielle dans notre société pose l’un des plus grands défis, surtout sur le plan social. Il est crucial de veiller à ce que ces avancées technologiques profitent à tous, et non seulement à ceux qui en ont

les moyens. L’éducation et la formation continue joueront un rôle essentiel pour permettre à chacun de prospérer dans un monde façonné par la présence croissante de la robotique et de l’IA. Il nous incombe de décider de la direction que prendront ces technologies. Nous devons établir un cadre éthique solide pour garantir que la robotique et l’IA enrichissent l’expérience humaine sans la remplacer. Le passage de l’humain au cyborg est un voyage collectif qui requiert courage, curiosité et responsabilité. C’est une histoire que nous écrivons ensemble, avec pour objectif que chacun trouve sa place dans cette nouvelle ère et participe à son façonnement. Comme l’a souligné Ray Kurzweil, «l’avenir appartient aux cyborgs». En effet, la fusion de l’homme et de la machine pourrait représenter la prochaine étape de notre évolution. Lorsque nous embrasserons cette nouvelle réalité, nous devrons le faire en gardant à l’esprit les merveilles qu’elle promet, mais aussi les responsabilités qu’elle entraîne. ____________ ITALIANO I cyborg di domani: la prossima evoluzione. Siamo all’alba di una nuova era, sulla soglia di un’epoca in cui l’uomo e la tecnologia non solo coesistono, ma si fondono in un’unica entità. Questo futuro non è un’eco lontana di un romanzo di fantascienza, ma sta diventando reale.

Gli strumenti e i dispositivi che utilizziamo ogni giorno per ampliare le nostre capacità sono forieri di una profonda trasformazione. Con gli sviluppi rivoluzionari della tecnologia di interfaccia cervello-computer, sperimentati da visionari come Elon Musk, ci stiamo avvicinando all’era del transumanesimo. Solo pochi giorni fa è stata trapiantata in un cervello umano l’«interfaccia cervello-computer». Lo sviluppo delle interfacce cervello-computer (BCI) è un esempio lampante dei progressi compiuti dalle neurotecnologie. Grazie all’impianto di questi chip, le persone possono migliorare le proprie capacità cognitive e fisiche attraverso la tecnologia. Questa innovazione non è solo una pietra miliare per la medicina, ma anche per il modo in cui interagiamo e comunichiamo con le macchine. Gli impianti che migliora

183

no le nostre percezioni sensoriali e le nostre funzioni fisiche e l’intelligenza artificiale che supporta il nostro processo decisionale e di risoluzione dei problemi sono solo l’inizio di una nuova era. Immaginate se i cyborg (un cyborg è un essere vivente aumentato o potenziato tecnologicamente) potessero non solo curare le malattie e aumentare la nostra aspettativa di vita, ma anche possedere capacità che vanno oltre quelle umane. La fusione tra uomo e macchina potrebbe aprire possibilità completamente nuove che oggi non osiamo nemmeno sognare. Ma questo sviluppo comporta anche dei rischi. Cosa succede se perdiamo il controllo della tecnologia? Cosa significa per la nostra identità se ci mescoliamo alle macchine? Come possiamo garantire che questi progressi vadano a beneficio di tutti e non solo di un’élite privilegiata? Sta a noi garantire che la fusione tra uomo e macchina porti a un futuro migliore per tutti. I cyborg come salvavita? I cyborg potrebbero avere forza, resistenza e intelligenza sovrumane. Potrebbero correre più velocemente, saltare più in alto e pensare più a lungo di quanto potremmo mai immaginare. Le tecnologie cyborg potrebbero non solo aiutare a curare le malattie, ma anche ad allungare notevolmente la nostra aspettativa di vita. Gli impianti potrebbero sostituire gli organi o migliorarne le funzioni, portandoci verso nuovi confini delle capacità umane. I cyborg potrebbero sopravvivere in ambienti inospitali o esplorare nuove dimensioni dell’esistenza che prima sembravano irraggiungibili. Ma queste impressionanti prospettive non sono prive di aspetti negativi. La dipendenza dalla tecnologia nasconde dei pericoli. Se ci affidiamo troppo ad essa, potrebbe portare a conseguenze imprevedibili e potenzialmente negative. Quando diventiamo un tutt’uno con le macchine, dobbiamo chiederci cosa significhi essere umani. Cosa resterà della nostra umanità se parti di noi vengono sostituite dalla tecnologia? I benefici della tecnologia cyborg potrebbero essere distribuiti in modo non uniforme e aggravare le disuguaglianze sociali. La fusione tra uomo e macchina solleva questioni etiche, ad esempio sulla responsabilità. Chi è responsabile se un cyborg causa un danno? L’uomo, la macchina o la nuova combinazione dei due?

184

on the edge

Il futuro dei cyborg è nelle nostre mani. È nostro dovere plasmare in modo proattivo le opportunità e le sfide che questo sviluppo porta con sé. Dobbiamo fare in modo che la tecnologia dei cyborg venga utilizzata a beneficio dell’umanità e non a suo discapito. Spetta a noi rispondere alle seguenti domande: A che tipo di futuro puntiamo? Come possiamo garantire che la tecnologia cyborg vada a beneficio di tutti? Come possiamo ridurre al minimo i rischi associati alla cyborgzzazione? Robotica e IA: i fattori abilitanti del futuro cyborg La robotica e l’intelligenza artificiale (IA) svolgono un ruolo fondamentale in questa nuova era: sono le forze trainanti che ci stanno portando verso l’era dei cyborg. I robot, che un tempo erano costruzioni rigide e immobili, ora sono duttili e adattabili, grazie ai progressi della robotica. Essi integrano il lavoro umano, svolgendo compiti con una precisione superiore alle capacità umane, creando nuove sinergie tra uomo e macchina. Il supporto robotico in chirurgia o nell’assistenza agli anziani sono solo due esempi di come la robotica stia contribuendo a migliorare la qualità della vita umana. I sistemi di intelligenza artificiale, che sono più di semplici macchine programmate, stanno diventando partner che imparano e si evolvono. Comprendono e anticipano le esigenze umane, migliorano la qualità della vita e aprono opportunità di sviluppo personale e professionale. Questi sistemi intelligenti non sono semplici sostenitori, ma insegnanti che ci insegnano nuovi modi di pensare e di risolvere i problemi. La combinazione di sistemi di assistenza robotizzati e di analisi guidate dall’intelligenza artificiale può rivoluzionare l’arte della cura, consentendo ai medici di effettuare diagnosi e trattamenti prima inimmaginabili. Nell’industria, l’uso di robot e IA sta portando a un aumento dell’efficienza che sta cambiando profondamente la nostra economia e la nostra vita quotidiana. Sophia: il volto della robotica umanoide nell’era dei cyborg Al centro del dibattito sul futuro dei cyborg e sul continuo sviluppo dell’IA e della robotica c’è Sophia, un robot umanoide che confon-

de i confini tra uomo e macchina. Creato da Hanson Robotics, Sophia non è solo una meraviglia dell’ingegneria, ma anche un riflesso della nostra ambizione di portare caratteristiche simili a quelle umane nell’IA e nella robotica. Sophia incarna il ponte tra i due mondi: dotata di capacità che vanno dal riconoscimento facciale all’elaborazione del linguaggio naturale, rappresenta l’immenso potenziale dell’IA nell’imitare e arricchire le interazioni umane. Con la sua espressione umanizzata e la sua capacità di mostrare emozioni, sposta l’idea dei cyborg sotto una nuova luce, meno distopica e più inclusiva. L’esistenza di Sophia solleva domande fondamentali sull’etica della robotica umanoide. Come organizziamo le interazioni con macchine che diventano sempre più simili a noi? Sophia ci costringe a riflettere sul modo in cui ci assumiamo la responsabilità delle nostre creazioni e ci assicuriamo che rispettino i principi etici. È un banco di prova per la nostra capacità di gestire macchine intelligenti in grado di simulare l’apprendimento e le risposte emotive. In una società sempre più permeata dalle tecnologie cyborg, Sophia potrebbe svolgere un ruolo pionieristico. Potrebbe essere un modello per l’integrazione dell’IA nella nostra vita quotidiana, nell’educazione, nell’assistenza e nel supporto emotivo delle persone. Il suo sviluppo ci dà un’anticipazione di come cyborg e robot umanoidi potrebbero interagire tra loro in futuro. La rivoluzione IA di Tesla: un nuovo big bang A metà dicembre, i dirigenti di Tesla hanno presentato gli ultimi aggiornamenti di «Opti-mus», il robot bipede dell’azienda, segnalando un punto di svolta che potrebbe portare a una crescita esplosiva per Tesla, secondo gli analisti di Morgan Stanley. Morgan Stanley prevede uno sviluppo rivoluzionario per Tesla: gli analisti credono fermamente che Tesla sia sulla soglia di un’innovazione rivoluzionaria con Optimus. Nel loro rapporto di ricerca del 15 dicembre 2023, dipingono il quadro di uno sviluppo rivoluzionario che emergerà quando l’intelligenza artificiale supererà i confini della pura elaborazione dei dati e delle applicazioni di chatbot e progredirà verso robot umanoidi

intelligenti e auto-consapevoli. Dall’analisi dei dati fossili si sa che circa 538 milioni di anni fa la vita organica sulla Terra ha acquisito la capacità di muoversi autonomamente. Questo momento è stato come un big bang che ha cambiato tutto e ha aperto la strada all’evoluzione dell’umanità. Il robot umanoide «Optimus» potrebbe essere all’apice di un simile big bang nel mondo della robotica. Gli esperti di Morgan Stanley ritengono che abbia il potenziale per trasformare il 30% del mercato del lavoro globale, il che potrebbe equivalere a un’opportunità di mercato da 30.000 miliardi di dollari. Mentre le tecnologie cyborg stanno spingendo i confini fisici degli esseri umani, la robotica e l’IA stanno creando nuovi orizzonti di potenziale intellettuale e creativo. La fusione di queste tecnologie promette un futuro in cui nessun compito sembra troppo complesso, nessun problema irrisolvibile. Ma con questi progressi, dobbiamo anche ridefinire il rapporto tra uomini e macchine. Come possiamo lavorare con i robot e l’intelligenza artificiale per preservare la nostra umanità e al contempo massimizzare i vantaggi di queste tecnologie? Come evitare che questi sistemi intelligenti ci alienino invece di servirci? Quo vadis? La trasformazione della società Una delle maggiori sfide nell’integrazione della robotica e dell’IA nella nostra società è la dimensione sociale. Dobbiamo fare in modo che queste tecnologie vengano utilizzate a beneficio di tutti, non solo di coloro che possono permettersi di accedervi. L’istruzione e l’apprendimento permanente saranno fondamentali per consentire a tutti di prosperare in un mondo caratterizzato dalla robotica e dall’IA. È nostra la responsabilità di determinare la direzione in cui queste tecnologie ci porteranno. Dobbiamo creare un quadro etico che garantisca che la robotica e l’IA arricchiscano l’esperienza umana, non la sostituiscano. Il viaggio dall’uomo al cyborg è un viaggio condiviso che dobbiamo intraprendere con coraggio, curiosità e responsabilità. È una storia che stiamo scrivendo insieme, con l’obiettivo che ogni persona trovi la propria voce in questa nuova era e contribuisca a plasmarla.

«Il futuro appartiene ai cyborg», ha detto Ray Kurzweil, e in effetti la fusione tra uomo e macchina potrebbe essere il prossimo passo della nostra evoluzione. Quando abbracciamo questa nuova realtà, dovremmo farlo con gli occhi aperti sulle meraviglie che essa porta con sé. E con il senso di responsabilità che ci impone. ____________

words. Dr. Martha Boeckenfeld digital illustration. Lubbertus @trust_only_ai

META Buzz. ____________

beauty, brains, and well-being: srini pillay’s vision words. Odyssia Houstis digital illustration. Lubbertus @trust_only_ai + Laura Knoops 186

on the edge

DEUTSCH In unserem neuesten Interview mit Dr. Srini Pillay, dem Chief Medical Officer von Reulay, erfahren Sie mehr über die Überschneidungen von Technologie, Well-Being und der Zukunft der personalisierten Medizin. Pillay erörtert den innovativen Ansatz von Reulay zur Verbesserung der geistigen und körperlichen Gesundheit durch KI-gesteuerte digitale Therapeutika. Von Virtual-Reality (VR)-Interventionen, die meditative Zustände nachahmen, bis hin zum bahnbrechenden Projekt «Beauty and the Brain» gibt er Einblicke in die Art und Weise, wie Technologie unser Verständnis von und unseren Umgang mit Gesundheit verändert.

nisieren. Manchmal können diese Signale «schieflaufen». Unsere Plattform ist darauf ausgerichtet, fehlerhafte Vorhersagesignale zu korrigieren. Beispielsweise wenn Menschen übermässig ängstlich sind und dies nicht verhindern können. Und schliesslich werden Emotionen auch verkörpert – nicht nur im Gehirn empfunden. Die Ganzkörper-Immersion bietet die Möglichkeit, die Erfahrung des Körpers im Raum in eine Intervention einzubeziehen.

Herr Pillay, womit beschäftigen Sie sich aktuell? Ich bin Chief Medical Officer von Reulay. Reulay entwickelt eine KI-gesteuerte digitale Therapieplattform zur Verbesserung des körperlichen und geistigen Wohlbefindens. Gehirnbasierte Videos steigern nachweislich das Wohlbefinden und können auf Mobiltelefonen, Computern, mit VR-Headsets oder im Metaversum angesehen werden. Wir sind auch ein «First Point of Care». Bevor Menschen einen Spezialisten aufsuchen, haben sie oft keine zuverlässige Anlaufstelle – zudem kann die Wartezeit bis zu 10 Jahre betragen, bevor sie zum ersten Mal eine Behandlung in Anspruch nehmen. Wenn sie dann endlich betreut werden, kann diese Betreuung plötzlich abbrechen – oder sie verlieren die Hoffnung. Reulay bietet während der Wartezeit auf inspirierende und aufmunternde Weise Massnahmen an, die das Wohlbefinden steigern.

Sie sind überzeugt, dass VR ein neues meditationsähnliches Angebot ist, das sich auf Geist und Körper auswirken kann. Inwiefern? VR setzt die Menschen nicht-alltäglichen Bewusstseinszuständen aus und kann die Wahrnehmung des Moments, ein Gefühl der Loslösung von den eigenen Gedanken oder einen tiefen Zustand des Friedens verstärken. Man kann dies verkörpern, nicht nur sehen. Ausserdem erleben Menschen in der VR oft ein Gefühl des Fliessens, bei dem ihre Aufmerksamkeit auf das «Wunder» gerichtet ist. Wir haben einen speziellen Unterkanal für Ehrfurcht, der dies noch verstärkt. So wie Langzeit-Transzendentalmeditierende alle 49 Gene, die mit Entzündungen in Verbindung stehen, herunterregulieren und Gene, die mit der Sauerstoffaufnahmekapazität und der Immunität in Verbindung stehen, hochregulieren können, haben diese nicht-alltäglichen Bewusstseinszustände in der VR das Potenzial, ähnliche Dinge zu tun. Und den Körper auf genetischer und zellulärer Ebene zu beeinflussen. Wir haben gerade eine Arbeit in den Mayo Clinic Proceedings angenommen: «Digital Health». Hier geht es um die Nutzung des Metaverse zur Verbesserung der Langlebigkeit.

Sie nutzen Videos als eine Form der «Therapie mit den Augen» und VirtualReality-basierte Videos als Therapie durch «Eintauchen» (Immersion). Zudem bieten Sie Personalisierung durch KI. Warum ist Personalisierung wichtig? Wie spricht Ihre Plattform Emotionen an? Nicht jeder empfindet Emotionen auf dieselbe Weise – daher ist eine Individualisierung wichtig. Jeder Kanal unserer Plattform wird basierend auf den aktuellen Erkenntnissen der Medizin personalisiert. Gemäss der Neurowissenschaftlerin Lisa Feldman Barret sind Emotionen Signale, die an den Körper gesendet werden, um seine metabolischen Reaktionen zu orga-

Warum haben Sie sich aus biologischer Sicht für den Weg der Personalisierung entschieden? Biologisch gesehen ist jeder Mensch anders. Eine kürzlich durchgeführte Studie untersuchte die Schaltkreise im Gehirn, die mit Wut und Depression zusammenhängen. Sie eigte, dass es zwar einheitliche Muster der Gehirnkonnektivität für Wut und Angst gibt, das Gehirn aber selbst bei der gleichen Emotion unterschiedliche Verbindungswege nutzen kann, um das gleiche emotionale Ergebnis zu erzielen. Bei diesem Grad an Variabilität ist Personalisierung der Schlüssel. Ausserdem beginnen wir gerade erst zu verstehen, dass Emotionen Ganzkörperphänomene sind:

Sie betreffen auch das Herz, den Darm und die Nebennieren. Das Konzept der Personalisierung erstreckt sich also nicht nur auf das Gehirn, sondern auf alle Organe. Sie verbinden Kunst und Wissenschaft. Warum? Im Grunde genommen glaube ich nicht, dass sich Wissenschaft und Kunst unterscheiden. Menschen wie Leonardo Da Vinci, Ramón y Cajal und Beatrix Potter haben sich dadurch ausgezeichnet, dass sie diese Grenzen in ihren Gehirnen durchbrochen haben, um Zugang zu einer anderen Intelligenz und Exzellenz zu erhalten. Ich bin selbst Arzt und Biotechnologieberater – und habe vor kurzem ein Musical geschrieben. Ich kann bestätigen, dass diese Grenzüberschreitung heilsam ist und man einen höheren Grad an Wahrheit spürt, wenn Kunst und Wissenschaft eins sind. Indem wir Kunst anbieten, die bewusst wissenschaftlich fundiert ist, bieten wir auch die Möglichkeit, die Vereinigung von zwei grundlegenden Aspekten des Menschseins zu erleben. Das ist es, worum es bei well-BEING geht. Sie arbeiten an einem Projekt namens «Beauty and the Brain». Worum geht es, warum ist es für die Gesundheit relevant? Lange Zeit war das Wohlbefinden auf starre moralische Interventionen und langweilige Ansätze für das Wohlbefinden ausgerichtet. Dabei ist Schönheit eine der stärksten Kräfte, die auf das Gehirn einwirken. Ich wollte das Gehirn und nicht nur den Körper in den Mittelpunkt der Modellierung stellen. Indem wir die Rolle des Gehirns für das Wohlbefinden hervorheben und verstehen, wie sich Schönheit darauf auswirkt, können wir das Wohlbefinden steigern. Ich habe eine Show entworfen, die dies veranschaulicht, und suche nach interessierten Spendern für die Realisierung. Bei Reulay entwickeln wir auch einen Modekanal, in dem wir anhand wissenschaftlicher Daten die Auswirkungen von Mode auf Gehirn und Wohlbefinden untersuchen. Bei Mode geht es nicht nur um Kleidung, sondern auch um Identität und Zugehörigkeit, zwei Faktoren, die bei der Bewertung der Langlebigkeit durch die Blauen Zonen eine wichtige Rolle spielen. Wie wäre es, wenn wir das Metaverse nutzen könnten, um eine Gemeinschaft von Menschen zu schaffen, die sich mit bestimmten Trends identifizieren, und ihnen personalisierte

187

Interventionen für ihr Wohlbefinden und eine gesunde Langlebigkeit anbieten könnten? Sie haben über Avatare als Gesundheitshelden im Metaverse geschrieben. Können Sie das erklären? Ein Avatar kann uns helfen, gesünder zu leben, wenn wir ihn imitieren, verkörpern oder von ihm lernen. Avatare sind hilfreich bei Schlaganfall, zerebraler Lähmung und Autismus. Und sie haben sich als hilfreich erwiesen für die psychische Gesundheit, da sie Barrieren für die Selbst- und Sozialerforschung beseitigen. Identifikation ist nicht starr, sie ist formbar. Und Studien mit Psychedelika haben gezeigt, dass die Schaltkreise im Gehirn, die das «Selbst»

repräsentieren, umorganisiert werden können. Ich habe den Begriff «psychologischer Halloweenismus» geprägt, der sich auf eine Studie bezieht, die zeigt, dass Menschen, die die Identität eines exzentrischen Dichters verkörpern, statistisch gesehen mit deutlich höherer Wahrscheinlichkeit kreativ sind als Menschen, die die Identität eines starren Bibliothekars verkörpern. Wenn wir also im Leben auf Mauern stossen, liegt das oft daran, dass unsere Identitäten festgelegt sind und wir nicht über diese Identitäten hinausdenken können. Avatare helfen uns, eine neue Identität zu verkörpern, die uns helfen kann, neue körperliche Gewohnheiten anzunehmen und neue Lebensfreude zu entwickeln. ____________

Lors de notre récent entretien avec le Dr Srini Pillay, médecin en chef chez Reulay, nous avons eu l’occasion d’explorer plus en profondeur l’intersection entre la technologie, le bien-être et l’avenir de la médecine personnalisée. Pillay a partagé l’approche novatrice de Reulay visant à améliorer la santé physique et mentale grâce à des thérapies numériques dirigées par l’intelligence artificielle. Des interventions en réalité virtuelle (RV) simulant des états méditatifs au projet révolutionnaire “Beauty and the Brain”, Pillay a expliqué comment la technologie transforme notre compréhension et notre traitement de la santé.

FRANÇAIS

Dr Pillay, que faites-vous actuellement ? Je suis directeur médical de Reulay. Reulay développe une plateforme de thérapie numérique basée sur l’intelligence artificielle pour améliorer le bien-être physique et mental. Il a été prouvé que les vidéos basées sur le cerveau améliorent le bienêtre et peuvent être visionnées sur des téléphones portables, des ordinateurs, avec des casques VR ou dans le métavers. Nous sommes également un «premier point de soins». Avant de consulter un spécialiste, les gens n’ont souvent aucun endroit fiable où aller, et l’attente peut aller jusqu’à 10 ans avant de voir un médecin pour la première fois. Lorsqu’ils reçoivent enfin un traitement, celui-ci peut s’arrêter soudainement ou l’espoir peut être perdu. Reulay propose des interventions inspirantes et constructives pendant la période d’attente afin d’accroître le bien-être. Les vidéos sont une forme de «thérapie par les yeux» et les vidéos basées sur la réalité virtuelle sont une thérapie par l’immersion. Vous proposez également une personnalisation grâce à l’intelligence artificielle. Pourquoi la personnalisation est-elle importante ? Comment votre plateforme exploite-t-elle les émotions ? La diversité dans la façon dont les émotions sont ressenties souligne l’importance de la personnalisation. Chaque aspect de notre plateforme est adapté en fonction des avancées médicales les plus récentes. Comme l’explique la neuroscientifique Lisa Feldman Barrett, les émotions agissent comme des signaux envoyés au corps

188

on the edge

pour coordonner les réponses métaboliques, mais ces signaux peuvent parfois être déformés. Ainsi, notre plateforme est spécifiquement conçue pour rectifier ces signaux prédictifs erronés, notamment dans des situations où l’anxiété est omniprésente et difficile à surmonter. De plus, il est important de noter que les émotions ne sont pas uniquement des processus cérébraux, mais également des expériences incarnées. C’est pourquoi l’immersion totale dans le corps lors des interventions offre une opportunité précieuse pour ancrer l’expérience dans le domaine corporel. Vous êtes convaincu que la VR est une nouvelle possibilité, similaire à la méditation, qui peut avoir un effet sur le corps et l’esprit. De quelle manière ? La réalité virtuelle (VR) offre aux individus l’accès à des états de conscience inhabituels qui peuvent renforcer la perception du moment présent, générer un sentiment de détachement vis-à-vis des pensées et favoriser un profond état de calme. Ces expériences ne se limitent pas à une simple observation ; elles permettent souvent aux participants de s’immerger pleinement dans un état de fluidité où chaque instant semble revêtir un caractère miraculeux. Nous avons même mis en place un sous-canal dédié à l’émerveillement pour amplifier cette sensation. Tout comme les méditants transcendantaux expérimentés peuvent influencer positivement l’expression génique en régulant à la baisse les gènes associés à l’inflammation et en stimulant ceux liés à l’absorption d’oxygène et à l’immunité, les états de conscience uniques induits par la VR ont le potentiel d’engager des processus similaires au niveau génétique et cellulaire. L’approbation récente par la Mayo Clinic d’une étude intitulée « Digital Health » souligne l’intérêt croissant pour l’utilisation du métavers afin de promouvoir la longévité et le bien-être. Quelle est la raison derrière votre décision d’opter pour la personnalisation d’un point de vue biologique ? D’un point de vue biologique, chaque personne est différente. Une étude récente a analysé les circuits cérébraux liés à la colère et à la dépression. Elle a montré que s’il existe des schémas cohérents de connectivité cérébrale pour la colère et l’anxiété, le cerveau peut utiliser des voies différentes pour obtenir le même résultat émotionnel,

même pour la même émotion. Avec un tel degré de variabilité, la personnalisation est cruciale. En outre, nous commençons tout juste à comprendre que les émotions sont des phénomènes qui touchent l’ensemble du corps : elles affectent également le cœur, l’intestin et les glandes surrénales. Le concept de personnalisation s’étend donc non seulement au cerveau, mais aussi à tous les organes. Vous combinez l’art et la science. Pourquoi ? Fondamentalement, je ne crois pas que la science et l’art soient différents. Des personnes comme Léonard de Vinci, Ramón y Cajal et Beatrix Potter se sont distinguées en franchissant ces frontières dans leur cerveau et en accédant ainsi à une intelligence et à une excellence différentes. Je suis moi-même médecin et consultant en biotechnologie et j’ai récemment écrit une comédie musicale. Je peux témoigner que ce franchissement de frontières est une source de guérison et qu’un degré plus élevé de vérité est perçu lorsque l’art et la science ne font qu’un. En proposant consciemment un art fondé sur la science, nous offrons également la possibilité de faire l’expérience de l’union de deux as-

pects fondamentaux de l’être humain. C’est ce que l’on appelle le bien-être. Vous travaillez sur un projet intitulé «Beauty and the Brain». De quoi s’agit-il et en quoi est-il pertinent pour la santé ? Pendant longtemps, le bien-être a été souvent associé à des interventions morales strictes et à des approches de santé ennuyeuses. Cependant, la beauté est l’une des forces les plus puissantes qui agissent sur le cerveau. Mon objectif était de placer le cerveau, en plus du corps, au centre de l’attention. En mettant en lumière le rôle crucial du cerveau dans le bien-être et en explorant comment la beauté l’influence, nous pouvons véritablement améliorer notre bien-être global. Dans cette optique, j’ai conceptualisé une exposition illustrant cette notion et je suis à la recherche de donateurs intéressés pour la concrétiser. Chez Reulay, nous travaillons activement sur le développement d’une gamme de vêtements qui intègre des données scientifiques pour évaluer l’impact de la mode sur le cerveau et le bien-être. Nous reconnaissons que la mode va bien au-delà des simples vêtements ; elle est également liée à l’identité et au sentiment d’appartenance,

189

deux éléments clés dans la promotion de la longévité, comme le démontrent les zones bleues. Nous envisageons l’utilisation du métavers pour créer une communauté de personnes partageant certaines tendances, leur offrant ainsi des interventions personnalisées pour favoriser leur bien-être et leur longévité en santé. Vous avez écrit sur les avatars en tant que héros de la santé dans le métavers. Pouvez-vous expliquer ce concept ? La mimétisme, l’incarnation ou l’apprentissage d’un avatar peuvent contribuer à améliorer notre santé globale. Les avatars se sont avérés être des outils précieux dans des contextes tels que les accidents vasculaires cérébraux, la paralysie cérébrale et l’autisme. Leur utilisation est également bénéfique pour la santé mentale, car ils permettent de surmonter les barrières à l’exploration personnelle et sociale. Il est important de noter que l’identification avec un avatar n’est pas statique, mais plutôt malléable, offrant ainsi des possibilités d’adaptation et de croissance. Des études sur les psychédéliques ont montré que les circuits cérébraux représentant le «moi» peuvent être réorganisés. J’ai inventé le terme «halloweenisme psychologique», qui fait référence à une étude montrant que les personnes qui incarnent l’identité d’un poète excentrique ont statistiquement plus de chances d’être créatives que celles qui incarnent l’identité d’un employé de bibliothèque rigide. Ainsi, lorsque nous nous heurtons à des murs dans la vie, c’est souvent parce que nos identités sont figées et que nous ne pouvons pas penser au-delà. Les avatars nous aident à incarner une nouvelle identité qui peut nous aider à adopter de nouvelles habitudes physiques et à développer une nouvelle joie de vivre. ____________

Nella nostra ultima intervista al dottor Srini Pillay, Chief Medical Officer di Reulay, potrete scoprire di più sull’intersezione tra tecnologia, benessere e il futuro della medicina personalizzata. Pillay parla dell’approccio innovativo di Reulay per migliorare la salute fisica e mentale attraverso terapie digitali guidate dall’intelligenza artificiale. Dagli interventi di realtà virtuale (RV) che imitano gli stati meditativi

ITALIANO

190

on the edge

all’innovativo progetto «Beauty and the Brain», Pillay spiega come la tecnologia stia cambiando il modo in cui comprendiamo e trattiamo la salute. Dottor Pillay, di cosa si occupa attualmente? Sono il Chief Medical Officer di Reulay. Reulay sta sviluppando una piattaforma di terapia digitale guidata dall’intelligenza artificiale per migliorare il benessere fisico e mentale. È stato dimostrato che i video basati sul cervello migliorano il benessere e possono essere visualizzati su telefoni cellulari, computer, con cuffie RV o nel metaverso. Siamo anche un «primo punto di assistenza». Prima di rivolgersi a uno specialista, le persone spesso non hanno un posto affidabile dove andare, e l’attesa può arrivare fino a 10 anni prima che si rivolgano a un medico per la prima volta. Quando finalmente ricevono le cure, queste possono improvvisamente interrompersi o può capitare che si perda la speranza. Reulay offre interventi ispirati e costruttivi durante il periodo di attesa, per aumentare il benessere. Utilizza i video come forma di «terapia con gli occhi» e i video basati sulla realtà virtuale come terapia per «immersione». Offrite anche la personalizzazione attraverso l’intelligenza artificiale. Perché è importante la personalizzazione? In che modo la vostra piattaforma fa leva sulle emozioni? Non tutti provano emozioni allo stesso modo: per questo è importante la personalizzazione. Ogni canale della nostra piattaforma è personalizzato in base alle ultime scoperte mediche. Secondo la neuro-scienziata Lisa Feldman Barret, le emozioni sono segnali inviati al corpo per organizzare le risposte metaboliche. A volte questi segnali possono essere distorti. La nostra piattaforma è progettata per correggere i segnali predittivi errati. Ad esempio, quando le persone sono eccessivamente ansiose e non possono evitarlo. Infine, le emozioni sono anche incarnate, non solo percepite dal cervello. L’immersione di tutto il corpo offre l’opportunità di incorporare l’esperienza nello spazio del corpo in un intervento. Lei è convinto che la RV è una nuova possibilità, simile alla meditazione, che può avere un effetto sulla mente e sul corpo. In che modo? La RV espone le persone a stati di coscienza non ordinari e può miglio-

rare la percezione del momento, un senso di distacco dai propri pensieri o un profondo stato di pace. È possibile incarnare tutto questo, non solo vederlo. Inoltre, le persone in RV spesso sperimentano un senso di flusso in cui l’attenzione è focalizzata sul «miracolo». Abbiamo un sotto-canale speciale per lo stupore che lo amplifica. Così come i meditatori trascendentali a lungo termine sono in grado di abbassare tutti i 49 geni associati all’infiammazione e di aumentare i geni associati alla capacità di assorbimento dell’ossigeno e all’immunità, questi stati di coscienza non ordinari nella RV hanno il potenziale per fare cose simili. E influenzare il corpo a livello genetico e cellulare. La Mayo Clinic ha appena approvato uno studio: «Digital Health». Si tratta di utilizzare il metaverso per migliorare la longevità. Perché avete scelto la strada della personalizzazione dal punto di vista biologico? Dal punto di vista biologico, ogni persona è diversa. Uno studio recente ha analizzato i circuiti cerebrali legati alla rabbia e alla depressione. Ha dimostrato che, mentre esistono modelli coerenti di connettività cerebrale per la rabbia e l’ansia, il cervello può utilizzare percorsi diversi per ottenere lo stesso risultato emotivo, anche per la stessa emozione. Con questo grado di variabilità, la personalizzazione è fondamentale. Inoltre, stiamo appena iniziando a capire che le emozioni sono fenomeni che coinvolgono tutto il corpo: esse influenzano anche il cuore, l’intestino e le ghiandole surrenali. Il concetto di personalizzazione si estende quindi non solo al cervello, ma a tutti gli organi. Lei unisce arte e scienza. Perché? Fondamentalmente, non credo che la scienza e l’arte siano diverse. Persone come Leonardo Da Vinci, Ramón y Cajal e Beatrix Potter si sono distinte per aver superato questi confini nel loro cervello avendo così accesso a un’intelligenza diversa e all’eccellenza. Io stesso sono un medico e un consulente in biotecnologie e di recente ho scritto un musical. Posso testimoniare che questo superamento dei confini è curativo e che si percepisce un più alto grado di verità quando arte e scienza sono una cosa sola. Proponendo un’arte consapevolmente basata sulla scienza, offriamo anche l’opportunità di sperimentare l’unione di due aspetti fondamentali dell’essere umano. Questo è il senso del benessere.

Lei sta lavorando a un progetto intitolato «Beauty and the Brain». Di cosa si tratta e perché è rilevante per la salute? Per molto tempo il benessere è stato incentrato su rigidi interventi morali e noiosi approcci allo stare bene. Eppure la bellezza è una delle forze più potenti che agiscono sul cervello. Ho voluto mettere il cervello, e non solo il corpo, al centro. Sottolineando il ruolo del cervello nel benessere e comprendendo come la bellezza lo influenza, possiamo aumentare il benessere. Ho progettato una mostra che illustra questo aspetto e sto cercando donatori interessati per realizzarla. A Reulay stiamo anche sviluppando un canale di moda che utilizza dati scientifici per studiare l’impatto della moda sul cervello e sul benessere. La moda non riguarda solo i vestiti, ma anche l’identità e l’appartenenza, due fattori che giocano un ruolo importante nella valutazione della

longevità delle Zone Blu. E se potessimo usare il metaverso per creare una comunità di persone che si identificano con determinate tendenze e offrire loro interventi personalizzati per il loro benessere e una sana longevità? Lei ha scritto degli avatar come eroi della salute nel metaverso. Può spiegarci questo concetto? Un avatar può aiutarci a vivere in modo più sano se lo imitiamo, lo incarniamo o impariamo da lui. Gli avatar sono utili per l’ictus, la paralisi cerebrale e l’autismo. È stato dimostrato che sono utili per la salute mentale, in quanto eliminano le barriere all’esplorazione personale e sociale. L’identificazione non è rigida, ma malleabile. Gli studi con gli psichedelici hanno dimostrato che i circuiti cerebrali che rappresentano il «sé» possono essere riorganizzati. Ho coniato il termine «halloweenismo psicologico», che si riferisce a uno

studio che dimostra che le persone che incarnano l’identità di un poeta eccentrico hanno una probabilità statisticamente significativa di essere creative rispetto alle persone che incarnano l’identità di un rigido impiegato di biblioteca. Quindi, quando nella vita ci scontriamo con dei muri, spesso è perché le nostre identità sono fisse e non riusciamo a pensare al di là di esse. Gli avatar ci aiutano a incarnare una nuova identità che può aiutarci ad adottare nuove abitudini fisiche e a sviluppare una nuova voglia di vivere. ____________

words. Odyssia Houstis digital illustration. Lubbertus @trust_only_ai + Laura Knoops 191

META Buzz. what’s going on? ____________ Carol Civre

carol civre words. Odie Senesh 193

META Buzz. what’s going on? ____________ Carol Civre

DEUTSCH Lernen Sie Carol Civre kennen, eine Künstlerin, die von der traditionellen zur CGI- und 3D-Modellierung wechselt und mit Tory Burch und BIMBA Y LOLA zusammenarbeitet. In unserem Interview spricht sie über ihre Pionierarbeit in der Branche, einzigartige moderne Perspektiven, ihre Lieblingskooperationen – und die Zukunft des digitalen Körpers.

Wo sehen Sie die Zukunft der digitalen Kunst im Kontext des High-Fashion-Einzelhandels und der Werbung? Die Luxusmode und insbesondere die Werbung in der Modewelt haben sich in Richtung eines experimentelleren Ansatzes entwickelt. Marken, die traditionell eher konservativ an ihre Werbung herangegangen sind, scheinen viel mehr bereit, neue Dinge auszuprobieren – digitale Kunst ist eines davon. Hauptgrund hierfür ist vermutlich der Wunsch, in der Flut der visuellen Inhalte, die tagtäglich im Umlauf sind, relevant zu bleiben. Digitale Kunst hilft auch, die visuelle Kluft zwischen der Luxusmode in der realen Welt und ihrer Existenz im Internet zu überbrücken. Die meisten Marken können ohne eine digitale Präsenz nicht überleben. Und digitale Kunst ist ein grossartiges Format, mit dem Modemarken ihre visuelle Online-Identität entwickeln können. Welche Einsichten gewinnen Sie, wenn Sie konventionelle Schönheitsnormen durch Ihre digitale Kunst in Frage stellen? Mein Stil ist sehr speziell und meine Figuren sind in gewisser Weise unkonventionell. Anfangs war es zudem schwierig, sich bei der Mainstream-Kundschaft durchzusetzen. Aber ich habe das Gefühl, dass die Gegenkultur irgendwann in den Mainstream eindringt. Die sozialen Medien erleichtern diese Veränderungen und beschleunigen sie, so dass sie sich immer schneller anfühlen. Ihre computergenerierten Figuren haben einen sinnlich-performativen Aspekt. Wie trägt dies zu Ihrer Erzählung bei? Meine Kunst erforscht den «sinnlich-performativen» Aspekt auf zweierlei Weise: ich gehe durch Übertreibung den Geschlechternormen auf den Grund und spiele subversiv mit der historischen Vereinnahmung der Weiblichkeit durch die Technologie. Der Ausdruck der Geschlechter, ob

vorteilhaft oder nachteilig, ist tief verwurzelt, Das macht meine Arbeit zu einer Karikatur übertriebener Weiblichkeit, die die auftretende natürliche Bimbofizierung hervorhebt. Von virtuellen Assistenten mit weiblicher Stimme bis hin zu hyper-sexualisierten Videospielcharakteren – Technologie stellt Weiblichkeit oft in unterwürfigen und performativen Rollen dar. Meine Figuren spiegeln und hinterfragen dieses Phänomen in verschiedenen sozialen Räumen, die über die Technologie hinausgehen. Wie lassen Sie kulturelle Einflüsse aus Italien und Amerika in Ihre Kunst einfliessen? Was mir an Italien und Amerika besonders gefällt, ist die sehr unterschiedliche und drastische Art und Weise, in der jede Kultur mit Exzess umgeht. In Italien beobachte ich den Exzess in Bereichen wie Kunst, Architektur (gehen Sie in Rom in eine beliebige Kirche), Sprache und Familie sowie in der Wertschätzung von Lebensmitteln. In Amerika habe ich Exzess ganz anders erlebt – in der Unterhaltung, der Politik, der Sexualität, der Freiheit, der «Everything is Bigger in Texas»-Mentalität und den erreichbaren Versprechungen und Illusionen des «American Dream» ... All diese kulturellen Themen spielen in meiner Arbeit eine grosse Rolle und erzeugen oft einen kulturellen Mischmasch der Übertreibung.

um die Technologie mit unserer kreativen Vision in Einklang zu bringen. Wie verbinden Sie sich persönlich mit Ihren Werken? Gibt es ein Werk oder Projekt, das für Sie eine besondere Bedeutung hat? Dieses Jahr lud mich der 3D-Künstler Gabriel Massan ein, einen humanoiden 3D-Avatar für Madonnas Celebration World Tour zu kreieren – speziell für ihre Aufführung von «Bedtime Story». Eine gigantische Projektion meiner Arbeit während eines Madonna-Konzerts neben der Königin selbst zu sehen, war mehr als ikonisch. Ein weiteres beeindruckendes Projekt war die Herbst-/Back to School-Kampagne von Claire. Nicht nur, dass ich mich als 13-Jährige davon angesprochen fühlte – es war auch ein besonderer Moment, dass meine Arbeit auf prominenten Plakatwänden entlang der Lafayette Street in New York zu sehen war, wo ich seit einem Jahrzehnt lebe. Diese Projekte ermöglichten mir, eine Verbindung zu meiner Arbeit in der realen Welt herzustellen – eine dauerhaftere Erfahrung im Vergleich zum flüchtigen Charakter des Online-Sharings. Ob es sich nun um Madonnas Konzertbilder, eine Werbetafel oder meine Arbeit in gedruckter Form handelt, diese Momente haben immer eine ganz besondere Bedeutung. ____________

Gibt es neue Technologien oder Trends, die für Ihre zukünftigen Projekte besonders spannend oder relevant sind? KI ist ein heisses Thema, dem man mit gemischten Gefühlen gegenübersteht. Dennoch ist generative KI für mich ein entscheidender Faktor, vor allem die Füllfunktion von Photoshop, die mehrdimensionales Arbeiten zu einem Kinderspiel macht. Midjourney ist fantastisch für Moodboarding und das Überblenden von Bildern mit 3D, was meine Kreativität anregt. Ich freue mich schon darauf, bald ein personalisiertes KI-Modell mit meiner Arbeit zu trainieren. Neben der KI schätze ich SoftwareUpdates, neue Plugins und die zunehmende Verfügbarkeit von Online-Tutorials. Diese scheinbar grundlegenden Ressourcen sind für Künstler im Technologiebereich von entscheidender Bedeutung, insbesondere für diejenigen, die wie ich keine traditionelle Ausbildung haben. Sie überbrücken die Kluft zwischen Künstlern und Technologen, eine Reise, die unerlässlich ist,

195

Découvrez Carol Civre, une artiste qui a fait le saut du traditionnel à la création graphique par ordinateur (CGI) et à la modélisation 3D, en collaborant notamment avec des marques renommées telles que Tory Burch et BIMBA Y LOLA. Dans cette entrevue, elle explore les perspectives modernes et uniques des pionniers de l›industrie, partage ses collaborations préférées et nous offre un aperçu de l›avenir fascinant des corps numériques.

FRANÇAIS

Quelle est votre vision de l’évolution de l’art numérique dans le cadre de la publicité pour le prêt-à-porter et la haute couture ? La haute-couture, et plus spécifiquement la publicité dans ce domaine, a suivi une évolution vers une approche plus expérimentale. Les marques qui étaient traditionnellement conservatrices dans leur approche publicitaire montrent désormais un intérêt accru pour l’exploration de nouvelles avenues, dont l’art numérique. Cette tendance s’explique principalement par la volonté de rester pertinente dans un paysage saturé de contenu visuel quotidien. L’art numérique joue un rôle crucial

en comblant le fossé visuel entre la mode dans le monde physique et sa représentation en ligne. Étant donné que la plupart des marques ne peuvent pas se permettre d’ignorer leur présence numérique, l’art numérique devient un outil privilégié pour développer leur identité visuelle en ligne. Quels obstacles avez-vous rencontrés et quelles leçons avez-vous apprises en repensant les normes de beauté conventionnelles à travers votre art numérique ? Mon style est assez distinctif et mes personnages sont, d’une certaine manière, peu conventionnels, ce qui m’a initialement posé des difficultés pour me faire connaître auprès d’un large public. Cependant, une vérité me semble évidente : la contre-culture finit toujours par s’intégrer dans la culture dominante. Les réseaux sociaux facilitent ces changements et les accélèrent, les rendant de plus en plus rapides. En quoi la dimension sensuelle de la performance de vos personnages générés par ordinateur enrichit-elle votre récit ? Mon art explore la dimension «sensuelle-performative» de deux manières distinctes : d’une part, en interrogeant les normes de genre à travers l’exagération, et d’autre part, en manipulant de manière subversive l’appropriation historique de la féminité par la technologie. L’expression du genre, qu’elle soit positive ou problématique, est profondément enracinée, et mon travail en fait une satire en exagérant la féminité, mettant en lumière la tendance naturelle à la «bimbofication». De la présence de voix féminines dans les assistants virtuels à la représentation hyper-sexualisée des personnages dans les jeux vidéo, la technologie a souvent tendance à associer la féminité à des rôles serviles et performants. Mes créations reflètent et contestent ce phénomène dans divers contextes sociaux, allant au-delà du seul domaine technologique. Comment intégrez-vous les influences culturelles, tant italiennes qu’américaines, dans votre art ? Ce qui m’enchante en Italie et en Amérique, c’est la manière profondément distincte et radicale dont chaque culture célèbre l’excès. En Italie, je suis fasciné par l’extravagance dans des domaines comme l’art, l’architecture (il suffit de visiter n’importe quelle église à Rome), la langue, la famille et la passion pour la gastronomie.

196

on the edge

En Amérique, je découvre l’excès dans des sphères bien différentes : le divertissement, la politique, la sexualité, la mentalité du «tout est plus grand au Texas» et les aspirations réalisables du «rêve américain». Tous ces thèmes culturels semblent imprégner profondément mon travail, donnant souvent naissance à un mélange culturel d’exagérations. Existe-t-il des avancées technologiques ou des tendances naissantes que vous considérez comme particulièrement intrigantes et adaptées à vos projets à venir ? L’intelligence artificielle suscite des débats passionnés, mais pour moi, l’émergence de l’intelligence artificielle générative marque un tournant significatif, en particulier avec des outils comme la fonction de remplissage dans Photoshop, qui simplifie considérablement le processus de création multidimensionnelle. Midjourney, par exemple, offre des possibilités fascinantes pour créer des atmosphères et fusionner des images en 3D, ce qui nourrit ma créativité. Je suis

enthousiasmé par la perspective de former un modèle d’intelligence artificielle personnalisé avec mes propres œuvres. En dehors de l’intelligence artificielle, je trouve également une grande valeur dans les mises à jour logicielles, les nouveaux plugins et la disponibilité croissante de tutoriels en ligne. Ces ressources, bien qu’apparemment simples, sont essentielles pour les artistes technologiques, en particulier pour ceux comme moi qui n’ont pas suivi de Comment décririez-vous votre lien personnel avec vos créations artistiques ? Existe-t-il une pièce ou un projet qui revêt une signification spéciale pour vous, et si oui, pourquoi cela vous touche-t-il particulièrement ? Cette année, j’ai eu l’opportunité incroyable de collaborer avec l’artiste 3D Gabriel Massan pour créer un avatar humanoïde en 3D pour le Celebration World Tour de Madonna, spécialement pour sa performance de «Bedtime Story». L’émotion que j’ai ressentie en voyant ma

création projetée en grand lors d’un concert de Madonna, à côté de la Reine elle-même, était véritablement inoubliable. Un autre projet qui a profondément marqué mon parcours est ma participation à la campagne automne/retour à l’école de Claire’s. Cette expérience a non seulement résonné avec l’adolescent de 13 ans que j’étais autrefois, mais elle a également été symbolique pour moi. Voir mon travail exposé sur des panneaux publicitaires le long de la rue Lafayette à New York, où j’ai vécu pendant une décennie, a été un moment extraordinaire. Ces projets m’ont offert l’occasion rare de voir mon travail prendre vie dans le monde réel, une expérience bien plus profonde et durable que la simple diffusion en ligne. Qu’il s’agisse d’images capturées lors d’un concert de Madonna, d’affichages sur des panneaux publicitaires ou de mes propres créations imprimées, ces moments restent gravés dans ma mémoire avec une signification particulière. ____________

197

ITALIANO Vi presentiamo Carol Civre, un’artista che sta passando dalla modellazione tradizionale a quella CGI e 3D, collaborando con Tory Burch e BIMBA Y LOLA. In questa intervista, l’artista esplora il pionierismo del settore, le prospettive moderne e uniche, le collaborazioni preferite e il futuro dei corpi digitali.

Guardando al futuro, come vede l’evoluzione dell’arte digitale nel contesto della vendita al dettaglio e della pubblicità dell’alta moda? La moda di lusso e, più specificamente, la pubblicità all’interno del mondo della moda si sono spostate verso un approccio più sperimentale. I marchi che tradizionalmente sono stati più conservatori nel loro approccio pubblicitario sembrano molto più desiderosi di sperimentare cose nuove e l’arte digitale è una di queste. La ragione principale è probabilmente il desiderio di rimanere rilevanti nella marea di contenuti visivi che circolano ogni giorno. L’arte digitale aiuta anche a colmare il divario visivo tra la moda di lusso esistente nel mondo reale e la sua esistenza online. La maggior parte dei marchi non può sopravvivere senza una presenza digitale, e l’arte digitale è un ottimo formato con cui i marchi di moda possono sviluppare le loro identità visive online. Quali sfide e intuizioni ha raccolto reinterpretando le norme di bellezza convenzionali attraverso la sua arte digitale? Il mio stile è molto particolare e i miei personaggi sono per certi versi anticonvenzionali, e all’inizio è stato difficile farsi conoscere dalla clientela tradizionale.

Tuttavia, una cosa che mi sembra vera è che la controcultura si diffonde sempre nel mainstream. I social media facilitano questi spostamenti e li accelerano, facendo sì che questi cambiamenti avvengano sempre più rapidamente. I suoi personaggi generati al computer hanno un aspetto sensuale-performativo, come contribuisce alla sua narrazione? La mia arte esplora l’aspetto «sensualeperformativo» in due modi: scavando nelle norme di genere attraverso l’esagerazione e giocando in modo sovversivo con la storica cooptazione della femminilità da parte della tecnologia. L’espressione «di genere, che sia benefica o dannosa, è profondamente radicata e rende il mio lavoro una caricatura della femminilità esagerata, evidenziando la naturale «bimboficazione»… che si verifica. Dagli assistenti virtuali con voce femminile ai personaggi iper-sessualizzati dei videogiochi, la tecnologia spesso ritrae la femminilità in ruoli servili e performativi. I miei personaggi rispecchiano e mettono in discussione questo fenomeno in vari spazi sociali, al di là della tecnologia. Come incorpora le influenze culturali, sia italiane che americane, nella sua arte? Una delle cose che preferisco dell’Italia e dell’America è il modo molto diverso e drastico in cui ciascuna cultura abbraccia l’eccesso. In Italia, osservo l’eccesso in aree come l’arte, l’architettura (basta entrare in una qualsiasi chiesa di Roma), la lingua, la famiglia e l’apprezzamento per il cibo. In America, ho sperimentato l’eccesso in modo molto diverso: intrattenimento, politica, sessualità, LIBERTÀ, la mentalità del «tutto è più grande in Texas» e le promesse e le illusioni raggiungibili del «sogno americano». .... Mi sembra che tutti questi temi culturali siano piuttosto prevalenti nel mio lavoro, creando spesso un guazzabuglio culturale di esagerazioni. Ci sono tecnologie o tendenze emergenti che ritiene

198

on the edge

particolarmente interessanti e rilevanti per i suoi progetti futuri? L’intelligenza artificiale è un tema caldo, che suscita sentimenti contrastanti. Tuttavia, l’intelligenza artificiale generativa per me è una svolta, soprattutto la funzione di riempimento di Photoshop, che rende il lavoro multidimensionale un gioco da ragazzi. Midjourney è fantastico per il mood boarding e la fusione di immagini con il 3D, stimolando la mia creatività. Non vedo l’ora di addestrare un modello IA personalizzato con il mio lavoro. Oltre all’intelligenza artificiale, apprezzo gli aggiornamenti del software, i nuovi plugin e la crescente accessibilità delle esercitazioni online. Queste risorse, apparentemente basilari, sono fondamentali per gli artisti della tecnologia, soprattutto per quelli come me che non hanno una formazione tradizionale. Colmano il divario tra artisti e tecnologi, un percorso essenziale per allineare la tecnologia alla nostra visione creativa. A livello personale, che rapporto ha con le sue creazioni? C’è un pezzo o un progetto che ha un significato speciale per lei e, se sì, perché? Quest’anno, l’artista 3D Gabriel Massan mi ha invitato a creare un avatar umanoide 3D per il «Celebration World Tour» di Madonna, in particolare per la sua performance di «Bedtime Story». Vedere una gigantesca proiezione del mio lavoro durante un concerto di Madonna, accanto alla regina in persona, è stata una sensazione davvero iconica. Un altro progetto di grande impatto è stata la campagna di Claire per la collezione Fall/Back to School. Non solo ha avuto un’eco con la me tredicenne, ma avere il mio lavoro su cartelloni pubblicitari ben visibili lungo Lafayette St. a New York, dove ho vissuto per un decennio, è stato un momento speciale. Questi progetti mi hanno permesso di entrare in contatto con il mio lavoro nel mondo reale, un’esperienza più duratura rispetto alla natura effimera della condivisione online. Che si tratti delle immagini del concerto di Madonna, di un cartellone pubblicitario o del mio lavoro stampato, queste occasioni hanno sempre un significato speciale. ____________

words. Odie Senesh images. courtesy of Carol Civre

META Buzz. what’s going on?

____________ Carol Civre

META Buzz. what’s going on? ____________

MUMAIN: museum maya indonesia

Von der Steinzeit ins Metaverse: MUMAIN Museum Maya Indonesia.

DEUTSCH

Zeitreisen können eine beschwerliche Angelegenheit sein: drückende Luftfeuchtigkeit im tropischen Regenwald, Moskitos und viele Stunden Bootsfahrt flussaufwärts, dann zwei Tage Fussmarsch – am Ende dann bei den Korowai zu Gast, einer indigenen Volksgruppe von Waldnomaden in West-Papua. Nur wenige dieses Volkes, die wie die steinzeitlichen Urahnen des modernen Menschen leben, beherrschen noch ihre traditionellen Kulturtechniken. Nicht allein die Herstellung von Pfeil und Bogen, die Jagd damit, oder die Zubereitung von «Dschungel Food», sondern sogar den Bau von Baumhäusern in bis zu 50 Metern Höhe mit einfachsten Mitteln. Die indonesische Siedlungspolitik wird diese Kultur in wenigen Jahren zum Verschwinden gebracht haben, wie es die Korowai bereits in ihren Gesängen schmerzlich zum Ausdruck bringen. Zeitreisen in Europa sind weniger anstrengend, deshalb ziehen Museumsdörfer wie die Pfahlbauten unserer bronzezeitlichen Urahnen am Bodensee jedes Jahr mehrere hunderttausend Besucher an. Ein Land wie Indonesien, das sich über zehntausende Inseln und drei Zeitzonen erstreckt, kann sich Vergleichbares kaum leisten. Reisen zu den wenigen Museen in ein paar grossen Städten sind den meisten nicht möglich, aber Smartphones sind fast allgegenwärtig. Wie kann einer solchen Nation der Stolz auf die kulturellen Leistungen der eigenen Vergangenheit vermittelt werden, die z. B. in der frühen Seefahrt bei Schiffsbau und Navigation denen Europas weit voraus waren? Werden diese in einer Flut globaler Social Media untergehen? Vor diesem Hintergrund ist die Idee zu einem multimedialen VR-Museum entstanden, um das Fehlen einer flächendeckenden physischen Infrastruktur an Museen durch den Zugang im Internet zu kompensieren. Eine ganze Schulklasse kann sich mit ihrem Lehrer online zum Museumsbesuch begeben und mit ihren Avataren gemeinsam die

200

on the edge

Exponate in der 3-dimensionalen Kulisse erkunden. Ob als Unterricht (Remote Learning) mit Quest-basierten Hausaufgaben für Schüler, als regelmässige Vortragsabende von Wissenschaftlern für Studierende oder saisonaler Vorstellung neuer Exponate und Sammlungen für die Allgemeinheit – die immersive Vermittlung von Kulturerbe wird zu einem Erlebnis, das sich nachhaltig in das Gedächtnis der Online-Besucher einschreibt. Bräuche und Rituale sind immer auch identitätsstiftend bei der Entwicklung des Umgangs und des Miteinander in Gesellschaften. Kulturelle Traditionen nicht in Vergessenheit geraten zu lassen, ist eines der Anliegen des Museum Maya Indonesia.

Der Prototyp wurde mit 12 Schülern getestet, die in drei Benutzergruppen aufgeteilt wurden: Mobiltelefone, Laptops und VR-Brille. Der Test des Prototyps an einer ruralen Schule hat gezeigt, dass ein solches virtuelles Museum attraktiv und motivierend für Schüler ist, insbesondere an Schulen in abgelegenen Regionen Indonesiens, und weiterentwickelt werden sollte. Für den weiteren Ausbau von didaktischen Inhalten sind wir auf der Suche nach interessierten Museen und Sammlern, wissenschaftlichen Experten und finanziellen Förderern. Unsere Stiftung Sarasvati Maya Nala Foundation können Sie hier erreichen: info@mu-ma-in.com

____________ Die Entwicklung dieses virtuellen Museums «MUMAIN» ist ein gemeinschaftliches Projekt von Dozenten und Studenten mit dem Ziel, Lernmedien für die kulturelle Identität und Geschichte Indonesiens zu schaffen. Bei der Umsetzung des Prototypen wurden zur Visualisierung von Objekten fotogrammetrische 3D-Techniken eingesetzt, um einen realistischen Eindruck der Originale zu vermitteln und ein intensives Eintauchen in diese andere Welt (Immersion) zu erzielen. Das Museum enthält zudem auch audiovisuelle Elemente, Infografiken, bewegte Grafiken, animierte Objekte und Videos.

FRANÇAIS De l’âge de pierre au métavers : MUMAIN Musée Maya d’Indonésie.

Remonter le temps peut s’avérer être une tâche ardue : supporter l’humidité oppressante de la forêt tropicale et les moustiques, passer plusieurs heures sur un bateau pour remonter la rivière, puis marcher deux jours pour finir chez les Korowai, une ethnie indigène de nomades de

la forêt en Papouasie occidentale. Seuls quelques-uns de ces peuples, qui vivent comme les ancêtres de l’homme moderne à l’âge de pierre, maîtrisent encore leurs techniques culturelles traditionnelles. Non seulement ils fabriquent des arcs et des flèches, chassent avec ceux-ci ou préparent la «nourriture de la jungle» mais ils construisent également des cabanes dans les arbres pouvant atteindre 50 mètres de hauteur et ce en utilisant les moyens les plus simples. La politique de colonisation indonésienne aura fait disparaître cette culture en quelques années comme les Korowai l’expriment déjà douloureusement au travers de leurs chants. En Europe, le voyage dans le temps est moins pénible. C’est pourquoi les VillagesMusées, comme les maisons sur pilotis de nos ancêtres de l’âge de bronze au bord du lac de Constance, attirent chaque année plusieurs centaines de milliers de visiteurs. Un pays comme l’Indonésie, qui s’étend sur des dizaines de milliers d’îles et trois fuseaux horaires, ne peut se permettre une telle chose. Pour la plupart des gens, il n’est pas possible de se rendre dans

201

les quelques musées des grandes villes mais les smartphones sont presque omniprésents. Comment une telle nation ne peut-elle pas être fière des réalisations culturelles de son passé, qui étaient bien supérieures à celles de l’Europe en termes de construction navale et de navigation d’autrefois ? Se perdront-elles dans la marée des médias sociaux mondiaux ? C’est dans ce contexte qu’est née l’idée d’un musée multimédia VR qui compense l’absence d’une infrastructure muséale physique complète par l’accès à Internet. Une classe entière peut visiter le musée en ligne avec son professeur et explorer les expositions dans un environnement tridimensionnel, avec ses avatars. Qu’il s’agisse de cours magistraux (apprentissage à distance) avec des devoirs basés sur la recherche des élèves, de soirées de conférences régulières données par des scientifiques pour les étudiants ou de présentations saisonnières de nouvelles expositions et collections pour le grand public, la communication immersive sur le patrimoine devient une expérience qui laisse une impression durable sur les visiteurs en ligne. Les coutumes et les rituels sont toujours des éléments de formation de l’identité dans le développement de l’interaction et de l’unité dans les sociétés. L’un des objectifs du Museum Maya Indonesia est de veiller à ce que les traditions culturelles ne tombent pas dans l’oubli. Le développement de ce musée virtuel «MUMAIN» est un projet commun, d’enseignants et d’étudiants, visant à créer des supports d’apprentissage de l’identité culturelle et de l’histoire de l’Indonésie. Lors de la réalisation du prototype, des techniques photogrammétriques en 3D ont été utilisées pour visualiser les objets afin de donner une impression réaliste des originaux et d’obtenir une immersion intense dans cet autre monde. Le musée contient également des éléments audiovisuels, des infographies, des graphiques animés, des objets animés et des vidéos. Le prototype a été testé avec 12 étudiants dans trois groupes d’utilisateurs de supports différents : téléphones mobiles, ordinateurs portables et lunettes de réalité virtuelle. L’essai du prototype dans une école rurale a montré que ce musée virtuel est attrayant et motivant pour les élèves, en particulier dans les écoles des régions

202

on the edge

reculées d’Indonésie, et qu’il devrait être davantage développé. Nous recherchons des musées et des collectionneurs intéressés, des experts scientifiques et des sponsors financiers afin d’élargir le contenu éducatif. Vous pouvez contacter la Fondation Sarasvati Maya Nala à l’adresse suivante : info@mu-ma-in.com ____________ ITALIANO Dall’età della pietra

al Metaverso: Museo MUMAIN Maya Indonesia. Viaggiare a ritroso nel tempo può essere un’impresa ardua: umidità opprimente nella foresta pluviale tropicale, zanzare e molte ore di viaggio in barca per risalire il fiume, poi due giorni di cammino, per finire ospiti dei Korowai, un gruppo etnico indigeno di nomadi della foresta nella Papua occidentale. Solo pochi di questi popoli, che vivono come gli antenati dell’Età della Pietra dell’uomo moderno, padroneggiano ancora le loro tecniche culturali tradizionali. Non solo la produzione di archi e frecce, la caccia con essi o la preparazione del «cibo della giungla», ma persino la costruzione di case sugli alberi alte fino a 50 metri con i mezzi più semplici. La politica indonesiana di insediamento avrà causato la scomparsa di questa cultura nel giro di pochi anni, come i Korowai stanno già dolorosamente esprimendo nelle loro canzoni.

In Europa, il viaggio a ritroso nel tempo è meno faticoso, ed è per questo che villaggimuseo come le palafitte dei nostri antenati dell’Età del Bronzo sul Lago di Costanza attirano ogni anno diverse centinaia di migliaia di visitatori. Un Paese come l’Indonesia, che si estende su decine di migliaia di isole e tre fusi orari, non può permettersi nulla di simile. Per la maggior parte delle persone non è possibile recarsi nei pochi musei delle grandi città, ma gli smartphone sono quasi onnipresenti. Come può una nazione del genere essere orgogliosa delle conquiste culturali del proprio passato, che erano di gran lunga superiori all’Europa in termini di costruzione di navi e navigazione nei primi tempi? Si perderanno in una marea di social media globali?

In questo contesto è nata l’idea di un museo VR multimediale, che compensa la mancanza di un’infrastruttura fisica completa di musei attraverso l’accesso a Internet. Un’intera classe scolastica può visitare il museo online con il proprio insegnante ed esplorare le opere esposte in un ambiente tridimensionale insieme ai propri avatar. Che si tratti di lezioni (apprendimento a distanza) con compiti a casa basati su ricerche per gli alunni, di serate di conferenze periodiche di scienziati per gli studenti o di presentazioni stagionali di nuove mostre e collezioni per il grande pubblico, la comunicazione immersiva del patrimonio culturale diventa un’esperienza che lascia un’impressione duratura sui visitatori online. Le usanze e i rituali sono sempre anche elementi che formano l’identità nello sviluppo dell’interazione e dell’unione nelle società. Uno degli obiettivi del Museum Maya Indonesia è garantire che le tradizioni culturali non vengano dimenticate. Lo sviluppo di questo museo virtuale «MUMAIN» è un progetto congiunto di docenti e studenti con l’obiettivo di creare supporti di apprendimento per l’identità culturale e la storia dell’Indonesia. Nella realizzazione del prototipo, sono state utilizzate tecniche fotogrammetriche 3D per visualizzare gli oggetti, al fine di trasmettere un’impressione realistica degli originali e ottenere un’intensa immersione in questo altro mondo. Il museo contiene anche elementi audiovisivi, infografiche, grafica in movimento, oggetti animati e video. Il prototipo è stato testato con 12 studenti, suddivisi in tre gruppi di utenti: cellulari, computer portatili e occhiali VR. Il test del prototipo in una scuola rurale ha dimostrato che questo museo virtuale è attraente e motivante per gli studenti, soprattutto nelle scuole delle regioni remote dell’Indonesia, e dovrebbe essere ulteriormente sviluppato. Stiamo cercando musei e collezionisti interessati, esperti scientifici e sponsor finanziari per l’ulteriore espansione dei contenuti didattici. Potete contattare la Fondazione Sarasvati Maya Nala all’indirizzo: info@mu-ma-in.com ____________

words + images. Dr. Phil. Eka Noviana, M.A., Prof. Uli Plank, Prof. Eku Wand

203

style.

____________ creative director. Marco De Vincenzo digital artist + prompt designer. Silvia Badalotti

ETRO’s SS24 AI campaign 204

reinvention

205

style.

____________

creative director. Marco De Vincenzo digital artist + prompt designer. Silvia Badalotti

207

Biologie und Logik. Die Energie, aus der sie geboren werden und die sie durchdringt, ist menschlich. Das Grundprinzip ist dasselbe wie bei der Mode: jeder Körper bestimmt für sich selbst eine neue Hülle. Die Zahl möglicher Kombinationen der Elemente ist praktisch unbegrenzt. Sternenhimmel und Astralkarten werden zu geschlossenen Umgebungen, während die Architektur nie zuvor gesehene Stile entwickelt. In den Gewächshäusern wächst eine aussergewöhnliche Vegetation, alle Schauplätze werden von einer vertrauten, aber fremden Menschheit bevölkert, die kurze und aussergewöhnliche Geschichten von endlosen genetischen Verbindungen erzählt. Die Bilder scheinen nicht nur an einem Nicht-Ort, sondern auch in einer Nicht-Zeit entstanden zu sein; die Dokumentation einer geheimnisvollen Zivilisation, die plötzlich wieder aufgetaucht ist oder vielleicht bald wieder auftauchen wird. Als reine, von Menschenhand geschaffene digitale Fantasie. Weil es nichts ohne das andere gibt. ____________

ETRO en dialogue avec l’Intelligence Artificielle pour sa nouvelle campagne publicitaire. La campagne publicitaire d’Etro pousse l’idée de «nulle part» à son paroxysme, un lieu qui n’existe que dans l’imagination et qui a servi d’inspiration pour la collection printemps-été. Marco De Vincenzo, directeur de la création d’Etro, a collaboré avec l’artiste numérique Silvia Badalotti pour créer une série de scènes utilisant l’intelligence artificielle.

FRANÇAIS

ETRO im Dialog mit AI für seine neue Werbekampagne. Die Werbekampagne von Etro hebt die Idee des «Nirgendwo» auf eine höhere Ebene, ein Ort, der nur in der Vorstellung existiert und als Inspiration für die Frühjahr/Sommer-Kollektion diente. Etros Kreativdirektor, Marco De Vincenzo, arbeitete mit der Digitalkünstlerin Silvia Badalotti zusammen, um mit Hilfe künstlicher Intelligenz eine Reihe von Szenen zu kreieren.

DEUTSCH

Ein Werk, das das Ergebnis eines Dialogs zwischen zwei kreativen Menschen und zwischen einem kreativen Menschen und

208

on the edge

einer Maschine ist. Und ein Ergebnis, das nur dank der Zusammenarbeit aller Beteiligten möglich ist: synthetische Bilder, die durch die Interaktion zwischen Mensch und Maschine entstehen. Es ist Silvia Badalotti, die die KI durch eine Unendlichkeit möglicher Szenarien und Umgebungen führt; dank ihres verbalen Inputs – Ergebnis ihrer künstlerischen Erfahrung und des Weges, den sie mit Marco De Vincenzo eingeschlagen hat – gibt die Maschine den kreativen Gedanken in Bildern wieder. Wie bei einem Gemälde, nur werden Pinsel und Farben durch Pixel und Visionen auf dem Bildschirm ersetzt. Die Szenen sind erfunden, ebenso die Körper: physische und räumliche Utopien, jenseits von

Une œuvre née du dialogue entre deux créateurs et entre un créateur et une machine. Et un résultat qui n’est possible que grâce à la collaboration de toutes les personnes impliquées : des images synthétiques qui naissent de l’interaction entre l’homme et la machine. C’est Silvia Badalotti qui guide l’IA à travers une infinité de scénarios et d’environnements possibles ; grâce à son apport verbal, fruit de son expérience artistique et du parcours qu’elle a choisi avec Marco De Vincenzo, la machine reproduit en images la pensée créative.

style.

____________

creative director. Marco De Vincenzo digital artist + prompt designer. Silvia Badalotti

209

style.

____________ creative director. Marco De Vincenzo digital artist + prompt designer. Silvia Badalotti

Comme une peinture, seuls les pinceaux et les couleurs sont remplacés par des pixels et des visions sur l’écran. Les scénarios sont inventés, les corps aussi : utopies physiques et spatiales, au-delà de la biologie et de la logique. L’énergie qui les fait naître et qui les imprègne est humaine. Le principe de base est le même que celui de la mode, une activité par laquelle chaque corps se détermine une nouvelle enveloppe. Les combinaisons possibles d’éléments sont pratiquement illimitées. Les ciels étoilés et les cartes astrales deviennent des environnements clos, tandis que l’architecture développe des styles jamais vus auparavant. Une végétation exceptionnelle pousse dans les serres, et toutes les scènes sont peuplées d’une humanité à la fois familière et étrangère, racontant des histoires courtes et extraordinaires de connexions génétiques sans fin. Les images semblent avoir été créées non seulement dans un non-lieu, mais aussi dans un non-temps ; le document d’une civilisation mystérieuse qui a soudainement réapparu, ou peut-être réapparaîtra bientôt, comme une pure fantaisie numérique créée par l’homme, parce qu’il n’y a rien sans l’autre. ____________ ITALIANO ETRO in dialogo con l’IA per la sua nuova campagna pubblicitaria. La campagna pubblicitaria di Etro innalza ad un livello superiore l’idea di «nowhere», un luogo che esiste solo nell’immaginazione e che è servito da ispirazione per la collezione primavera/estat. Il direttore creativo di Etro, Marco De Vincenzo, ha collaborato con l’artista digitale Silvia Badalotti per creare una serie di scene utilizzando l’intelligenza artificiale.

Un lavoro che nasce dal dialogo tra due creativi e tra un creativo e la macchina. E un risultato che è possibile solo grazie alla collaborazione di tutti i soggetti coinvolti: immagini sintetiche che nascono dall’interazione tra uomo e macchina. È Silvia Badalotti a guidare l’IA attraverso un’infinità di scenari e ambienti possibili; grazie ai suoi input verbali - frutto della sua esperienza artistica e del percorso che ha scelto insieme a

Marco De Vincenzo - la macchina riproduce in immagini il pensiero creativo. Come un quadro, solo che i pennelli e i colori sono sostituiti da pixel e visioni sullo schermo. Gli scenari sono inventati, così come i corpi: utopie fisiche e spaziali, oltre la biologia e la logica. L’energia da cui nascono e che li permea è umana. Il principio di base è lo stesso della moda, un’attività attraverso la quale ogni corpo determina un nuovo involucro per sé stesso. Le possibili combinazioni di elementi sono praticamente illimitate. Cieli stellati e mappe astrali diventano ambienti chiusi, mentre l’architettura sviluppa stili mai visti prima. Nelle serre cresce una

vegetazione eccezionale, e tutte le scene sono popolate da un’umanità familiare ma aliena, che racconta brevi e straordinarie storie di infinite connessioni genetiche. Le immagini sembrano essere state create non solo in un non-luogo, ma anche in un non-tempo; il documento di una civiltà misteriosa che è improvvisamente riapparsa, o forse riapparirà a breve, come pura fantasia digitale attivata dall’uomo, perché non c’è nulla senza l’altro. ____________

words. Frank Herbrand images. courtesy of ETRO 211

212

on the edge

style.

____________

luar

words + collage. Willyum Beck

Für Männer ist die Idee eines extrem selbstbewussten persönlichen Stils nicht neu. Wir haben schon gesehen, wie Prominente wie ASAP Rocky, Brad Pitt und Odell Beckham Jr. Röcke, Perlenspangen und Handtaschen getragen haben. Aber es ist ein Konzept, das sich zunehmend durchsetzt: der Wunsch, auf Nummer sicher zu gehen, wird durch das Bedürfnis ersetzt wird, aufzufallen. Viele Herrenmodedesigner haben mit der «Neugier von morgen» geliebäugelt, doch Luar aus New York, CFDA-Accessoire-Designer des Jahres, ist der Vorreiter. Raul Lopez hat sich seinen eigenen Weg gebahnt, indem er mit Farben, Formen und Schnitten experimentiert hat. Und er hat Menschen angezogen, die keine Angst vor Drama oder Opulenz haben. Mit einer doppellagigen Sonnenbrille oder einer Halskette aus gemischtem Metall aus den 80er Jahren wird ein Outfit sofort zum Statement. Und mit der erfolgreichen Tasche Ana, jetzt auch in einer Aktentaschengrösse erhältlich, können sogar Männer, die im Anzug zur Arbeit gehen müssen, einen Weg finden, sich von der Masse abzuheben. DEUTSCH

L’idée d’une confiance extrême en soi en matière de style personnel n’est pas étrangère aux hommes. Des célébrités telles que ASAP Rocky, Brad Pitt et Odell Beckham Jr. ont déjà arboré des jupes, des barrettes en perles et des sacs à main. Toutefois, ce concept gagne en popularité à mesure que le désir de conformité est remplacé par celui de se démarquer. De nombreux créateurs de vêtements pour hommes explorent de plus en plus la curiosité de demain, mais en tête de file se trouve Luar, lauréat du prix CFDA Accessory Designer of the Year, basé à New York. Raul Lopez a tracé sa propre voie en expérimentant la couleur, la forme et la coupe, attirant ainsi ceux qui n’ont pas peur du drame ou de l’opulence. Ajouter une paire de lunettes de soleil à double épaisseur ou un collier en métaux mélangés des années 80 à votre tenue deviendra instantanément le centre d’attention. Et désormais, avec le succès de son sac Ana, disponible en format porte-documents, les hommes qui doivent porter des costumes au travail peuvent toujours trouver un moyen de se démarquer. FRANÇAIS

ITALIANO Per gli uomini, la traduzione di una grande autostima in uno stile personale non è una novità. Abbiamo visto celebrità come ASAP Rocky, Brad Pitt e Odell Beckham Jr. indossare gonne, bretelle di perline e borse. Ma è un concetto che sta diventando sempre più diffuso: il desiderio di andare sul sicuro viene sostituito dalla necessità di distinguersi. Molti stilisti di moda maschile hanno flirtato con la «curiosità del domani», ma capofila è Luar proclamato vincitore del CFDA Accessory Designer of the Year Award, basato a New York. Raul Lopez ha definito il proprio percorso sperimentando colori, forme e tagli. E ha attirato persone che non temono il dramma o l’opulenza. Con un paio di occhiali da sole a doppio strato o una collana in metallo misto degli anni ‘80, un outfit diventa immediatamente una dichiarazione. E con la borsa Ana, ora disponibile anche in formato cartella, anche gli uomini che devono andare al lavoro in giacca e cravatta possono trovare un modo per distinguersi dalla massa.

____________

213

style.

____________

dilara findikoglu words + collage. Willyum Beck

Wenn Stylisten nach Kleidungsstücken für eine Modestory fragen, geben sie oft den Begriff OOAK (one-of-akind) an, um die einzigartigen Stücke eines Designers zu sehen. Stücke, die oft noch nie zuvor gesehen wurden, um etwas wirklich Aufregendes zu finden, das sich von der Masse abhebt und gleichzeitig thematisch klar kommuniziert werden kann. Für diesen OOAKAnsatz ist die türkisch-britische Designerin Dilara Findikoglu in der Modewelt bekannt. Inspiriert von Gothic-Romantik, Sexualität und radikalen Darstellungen von Weiblichkeit, verblüfft die Findikoglu-Frau jeden Mann, wenn sie einen Raum betritt. Ähnlich wie bei Alexander McQueen durchdringen Trotz und Design jeden Look, der scheinbar mit der Absicht geschaffen wurde, den weiblichen Körper dem männlichen Blick zu entziehen. Ein Findikoglu-Stück zu besitzen ist ein Ehrenzeichen im Krieg gegen die Bescheidenheit.

Lorsque les créateurs sollicitent des pièces pour un éditorial de mode, ils utilisent souvent le terme OOAK (Oneof-a-Kind) pour décrire les pièces véritablement uniques d’un créateur. Ces pièces, qui sont souvent inédites, visent à capturer quelque chose d’exceptionnellement excitant tout en transmettant clairement un concept. La créatrice turcobritannique Dilara Findikoglu est reconnue dans le monde de la mode pour son approche OOAK. Inspirée par la romance gothique, la sexualité et les représentations radicales de la féminité, la femme Findikoglu fascine dès qu’elle entre dans une pièce. À l’instar d’Alexander McQueen, le défi et le design imprègnent chaque tenue, comme si elles étaient créées dans le but de détourner le regard masculin du corps féminin. Posséder une pièce de Findikoglu est un symbole d’honneur dans la lutte contre la conformité.

DEUTSCH

FRANÇAIS

____________

214

on the edge

Dilara Findikoglu Quando gli stilisti chiedono capi per una fashion story, spesso specificano il termine OOAK (one-of-a-kind) per vedere i pezzi veramente unici di un designer. Pezzi che spesso non sono mai stati visti prima, per trovare qualcosa di veramente eccitante che si distingua dalla massa e che allo stesso tempo possa comunicare un concetto in modo chiaro. La designer turco-britannica Dilara Findikoglu è nota nel mondo della moda per questo approccio OOAK. Ispirandosi al romanticismo gotico, alla sessualità e alle rappresentazioni radicali della femminilità, la donna Findikoglu stupisce ogni uomo quando entra in una stanza. Come Alexander McQueen, la sfida e il design permeano ogni look, apparentemente creato con l›intento di sottrarre il corpo femminile allo sguardo maschile. Possedere un capo Findikoglu è un distintivo d›onore nella guerra contro la modestia.

ITALIANO

____________

215

216

on the edge

editor’s pick. ____________

apple watch hermès DEUTSCH Apple Watch Hermès, zeitlose Eleganz und sportlicher Stil. Die Apple Watch Hermès Series 9 Bänder vereinen ikonische Referenzen mit technischen Innovationen. Armbänder aus Gurtband, Strick und Kautschuk – allesamt Zeugen sorgfältiger kreativer Arbeit.

Apple Watch Hermès, l’élégance intemporelle et le style sportif. Cette saison, les bracelets de l’Apple Watch Hermès Series 9 associent références iconiques et innovations techniques. Les bracelets en tissu, en maille et en caoutchouc sont l’expression d’un travail créatif minutieux.

Apple und Hermès unterstützen den Lebensstil ihrer Zeitgenossen durch Kreationen, die das gleiche Ziel verfolgen: die erfolgreiche Verbindung von Funktion und Ästhetik. Die Partnerschaft begann 2015 – es ist das Zusammentreffen zweier Kulturen, die das gemeinsame Streben nach Exzellenz und Authentizität vereint. Sie erfüllt die Wünsche von Männern und Frauen, die schönes Design, Spitzentechnologie, hochwertige Materialien und aussergewöhn-liches Know-how lieben. ____________

Apple et Hermès accompagnent les modes de vie de leurs contemporains à travers des créations qui poursuivent le même objectif : l’alliance gagnante de la fonctionnalité et de l’esthétique. Le partenariat entre les deux entreprises, initié en 2015, est la rencontre de deux cultures unies par une même quête d’excellence et d’authenticité. Il répond aux désirs d’hommes et de femmes épris de beau design, de technologie de pointe, de matériaux de haute qualité et de savoir-faire exceptionnel. ____________

FRANÇAIS

Apple Watch Hermès, eleganza senza tempo e stile sportivo. Questa stagione, i cinturini dell’Apple Watch Hermès Series 9 combinano riferimenti iconici e innovazioni tecniche. Cinturini realizzati in tessuto, maglia e caucciù sono espressione di un meticoloso lavoro creativo. ITALIANO

Apple e Hermès supportano lo stile di vita dei loro contemporanei attraverso creazioni che perseguono lo stesso obiettivo: la combinazione vincente di funzionalità ed estetica. La partnership tra le due aziende, iniziata nel 2015, è l’incontro di due culture unite dalla comune ricerca dell’eccellenza e dell’autenticità. Soddisfa i desideri di uomini e donne che amano il bel design, la tecnologia all’avanguardia, i materiali di alta qualità e l’eccezionale know-how. ____________

words. Frank Herbrand

217

218

on the edge

editor’s pick. ____________

louis vuitton nanogram speaker

219

Der neue tragbare Louis Vuitton Nanogram-Lautsprecher – Eine reisende Sinfonie aus Klang und Stil. Louis Vuittons Kollektion hochwertig gearbeiteter, vernetzter Objekte setzt ihre Reise mit der Einführung des neuen tragbaren LV Nanogram Speaker fort. Er soll die Abenteurer von heute auf ihrem Weg der Selbstdarstellung begleiten.

DEUTSCH

Der LV Nanogram Speaker ist ein leichtes, tragbares Modeaccessoire, das einen atemberaubenden Klang liefert. Die Form ist eine Referenz an die ikonische Louis Vuitton Toupie-Tasche. Der Lautsprecher ist mit einem Griff aus natürlichem Rindsleder ausgestattet und mit gravierten Louis Vuitton-Stahlnägeln am Lautsprecher befestigt – diese erinnern an die Befestigungen, mit denen die hölzernen Verstärkungsstäbe an den frühen Kofferdesigns des Hauses befestigt waren. Auf dem Gehäuse sind Louis Vuitton Monogramm-Blumen eingeprägt; das perforierte Aluminiumgitter des

220

on the edge

Den LV Nanogram Speaker gib es in drei Farbvarianten: Das zeitlose «Silver», das natürliche «Copper» und das auffällige Khakigrün «Damoflage». Damoflage wurde von Pharrell Williams, dem Kreativdrektor von Louis Vuitton Men, entworfen. Diese exklusive Animation nimmt Elemente des französischen Tarnmusters und des emblematischen Damier-Motivs von Louis Vuitton auf und verschmilzt sie zu einem auffälligen, digitalisierten Muster.

Unter seiner eleganten Hülle zeichnet sich der Lautsprecher durch seine erstklassige Audioleistung aus. Er wurde mit dem Knowhow des Audioexperten Harman entwickelt und liefert einen satten, raumfüllenden Klang mit bemerkenswertem Frequenzgang. Trotz seiner kompakten Abmessungen und seines tragbaren Profils erreicht er eine maximale Lautstärke von 84 dB und bietet bis zu 17 Stunden Musikgenuss. Ausserdem verfügt er über zwei eingebaute Mikrofone, ist mit Sprachassistenten kompatibel, wenn er über Bluetooth mit einem Smartphone verbunden ist, bietet Multipoint, so dass er von zwei gekoppelten Geräten gesteuert werden kann, und kann mit einem anderen LV Nanogram zusammenarbeiten, um einen beeindruckenden Stereosound zu erzeugen.

Mit einem Durchmesser von 13,5 cm und einem Gewicht von nur 520 Gramm ist der LV Nanogram Speaker bereit für ein Leben voller ungeahnter Abenteuer. Er verfügt zudem über einen abnehmbaren Haken, mit dem er an einer Tasche oder einer Gürtelschlaufe befestigt werden kann, was seinen Status als tragbares Modeaccessoire unterstreicht.

Der LV Nanogram-Lautsprecher wird über vier polierte Stahltasten bedient, einige Funktionen können auch über die LV Connect-App verwaltet werden, ein Smartphone-Kontrollzentrum, das den Nutzern der bestehenden Reihe vernetzter Geräte von Louis Vuitton vertraut sein wird. ____________

Lautsprechers ist gelasert und macht die LV-Initialen sichtbar; der Gummiring ist mit 12 Buchstaben verziert, die den Namen des Hauses zeigen und jeweils von einer LED hinterleuchtet werden, wenn der Lautsprecher aktiviert ist.

FRANÇAIS Le nouveau hautparleur portable Louis Vuitton Nanogram : une symphonie itinérante de son et de style. La collection d’objets connectés de Louis Vuitton continue son voyage avec le lancement du nouveau haut-parleur portable LV Nanogram. Il est conçu pour accompagner les aventuriers d’aujourd’hui dans leur voyage d’expression personnelle.

Le haut-parleur LV Nanogram est un accessoire de mode léger et portable qui offre un son extraordinaire. Sa forme fait référence à l’emblématique sac Toupie de Louis Vuitton. Le haut-parleur est doté d’une poignée en cuir de vachette naturel, fixée au haut-parleur par des clous en acier, gravés par Louis Vuitton et rappelant les fermoirs utilisés pour fixer les tiges de renfort en bois des premiers modèles de bagages de la Maison. Les fleurs du monogramme Louis Vuitton sont embossées sur le boîtier. La grille en aluminium perforé du haut-parleur est découpée au laser pour révéler les initiales LV. L’anneau en caoutchouc est décoré de 12 lettres portant le nom de la Maison, chacune étant rétroéclairée par une LED lorsque le haut-parleur est en fonction. Le LV Nanogram est disponible en trois variantes de couleurs : l’intemporel «Silver», le naturel «Copper» et l’accrocheur vert kaki «Damoflage». Damoflage a été conçu par Pharrell Williams, directeur de la création de Louis Vuitton Men’s. Cette combinaison exclusive reprend les éléments du motif de camouflage français et du motif Damier emblématique de Louis Vuitton en les mélangeant dans un motif numérisé intrigant. Avec un diamètre de 13,5 cm et un poids de seulement 520 grammes, le hautparleur LV Nanogram est prêt pour une vie d’aventures inattendues. Il est également doté d’un crochet détachable qui permet de l’attacher à un sac ou à un passant de ceinture, soulignant ainsi son statut d’accessoire portable à la mode. Sous sa coque élégante, l’enceinte se distingue par ses performances audio de premier choix. Développée grâce

à l’expertise des spécialistes audio de Harman, elle offre un son riche et enveloppant avec une reproduction remarquable. Malgré sa taille compacte et son profil portable, elle atteint un volume maximal de 84 dB et offre jusqu’à 17 heures d’autonomie. Elle possède également deux microphones intégrés et est compatible avec les assistants vocaux lorsqu’elle est connectée à un smartphone via Bluetooth. Elle offre également une fonction multipoint qui lui permet d’être contrôlée par deux dispositifs appariés et elle peut fonctionner avec un autre Nanogram LV pour créer un son stéréo impressionnant. Le haut-parleur LV Nanogram est commandé par quatre boutons en acier poli et certaines fonctions peuvent également être gérées via l’application LV Connect, le centre de contrôle pour smartphone déjà connu des utilisateurs de la gamme d’appareils connectés de Louis Vuitton. ____________ ITALIANO Il nuovo altoparlante portatile Louis Vuitton Nanogram: una sinfonia itinerante di suono e stile. La collezione di oggetti connessi e finemente realizzati di Louis Vuitton prosegue il suo viaggio con il lancio del nuovo altoparlante portatile LV Nanogram. È stato progettato per accompagnare gli avventurieri di oggi nel loro viaggio di espressione personale.

L’altoparlante LV Nanogram è un accessorio di moda leggero e indossabile che offre un suono straordinario. La forma è un riferimento all’iconica borsa Toupie di Louis Vuitton. L’altoparlante è dotato di un manico in pelle di vacchetta naturale, fissato al diffusore con chiodi d’acciaio incisi Louis Vuitton, che ricordano le chiusure utilizzate per fissare le aste di rinforzo in legno dei primi modelli di valigie della Maison. I fiori del monogramma Louis Vuitton sono impressi sul cabinet; la griglia in alluminio perforato del diffusore è tagliata al laser per rivelare le iniziali LV; l’anello di gomma è decorato con 12 lettere che riportano il nome della Maison, ciascuna retroilluminata da un LED quando il diffusore viene attivato.

L’altoparlante LV Nanogram è disponibile in tre varianti di colore: l’intramontabile «Silver», il naturale «Copper» e l’accattivante verde kaki «Damoflage». Damoflage è stato progettato da Pharrell Williams, direttore creativo di Louis Vuitton Uomo. Questa esclusiva animazione riprende elementi del motivo camouflage francese e dell’emblematico motivo Damier di Louis Vuitton, fondendoli in un intrigante motivo digitalizzato. Con un diametro di 13,5 cm e un peso di soli 520 grammi, l’altoparlante LV Nanogram è pronto per una vita di avventure inaspettate. È inoltre dotato di un gancio staccabile che consente di agganciarlo a una borsa o a un passante della cintura, sottolineando il suo status di accessorio di moda da indossare. Sotto l’elegante guscio, il diffusore si distingue per le sue prestazioni audio di prima classe. Sviluppato con l’esperienza degli esperti audio Harman, offre un suono ricco e avvolgente con una notevole risposta in frequenza. Nonostante le dimensioni compatte e il profilo portatile, raggiunge un volume massimo di 84 dB e offre fino a 17 ore di musica. Dispone inoltre di due microfoni incorporati, è compatibile con gli assistenti vocali se collegato a uno smartphone tramite Bluetooth, offre il multipoint in modo da poter essere controllato da due dispositivi accoppiati e può lavorare con un altro LV Nanogram per creare un suono stereo impressionante. L’altoparlante LV Nanogram si aziona tramite quattro pulsanti in acciaio lucido e alcune funzioni possono essere gestite anche tramite l’app LV Connect, un centro di controllo per smartphone già noto agli utenti della gamma di dispositivi connessi di Louis Vuitton. ____________

words. Frank Herbrand images. courtesy of Louis Vuitton 221

editor’s pick. ____________

OMEGA mini trésor OMEGAs neue Mini Trésor Uhren.

Les nouvelles montres OMEGA Mini Trésor

I nuovi orologi Mini Trésor di OMEGA

DEUTSCH

FRANÇAIS

ITALIANO

OMEGA stellt die neuen Modelle der Mini Trésor Kollektion vor! Die Auswahl besteht aus fünf Modellen, die jeweils ihre eigenen Farben aufweisen und in hochwertigen Materialien gefertigt sind. Jedes der neuen Mini Trésor Modelle wird an einem einzigartigen Armband am Handgelenk gehalten, dessen Muster sofort ins Auge fällt.

OMEGA dévoile de nouvelles montres de sa gamme Mini Trésor ! Cette sélection est composée de cinq modèles à l’identité distinctive, exprimée à travers des associations de couleurs uniques et de matériaux raffinés. C’est leur remarquable bracelet, orné d’un motif captivant, qui fait toute la singularité et tout le charme de ces nouvelles Mini Trésor.

OMEGA presenta un’esclusiva gamma di orologi Mini Trésor. Questa selezione vanta cinque modelli, ciascuno dei quali è realizzato in tonalità distintive e in una combinazione di materiali straordinari. Ciascun nuovo modello Mini Trésor è inoltre corredato da un cinturino unico, impreziosito da un motivo incantevole che lo distingue magnificamente da tutti gli altri.

La Mini Trésor est l’une des stars de la collection pour femme d’OMEGA. Comme son nom l’indique, son diamètre compact de 26 mm allie discrétion et élégance au poignet, tandis que ses courbes pavées de diamants et ses chiffres romains signature confèrent à chaque modèle un look sophistiqué. Tous ont également en commun un fond de boîtier miroir décoré du motif « Her Time », ainsi qu’une couronne à 3 heures gravée d’une fleur OMEGA en céramique hybride rouge et sertie d’un diamant unique.

La linea Mini Trésor è la più amata della collezione di orologi femminili di OMEGA. Come suggerisce il nome, ciascun orologio vanta una preziosa cassa compatta da 26 mm che adorna il polso in modo elegante e raffinato, oltre al pavé di diamanti e agli iconici numeri romani che contribuiscono a esaltarne il design. Altre caratteristiche comuni a tutti i modelli sono il fondello a specchio con motivo «Her Time» e la corona a ore 3 impreziosita da un diamante incastonato e dall’incisione con il fiore OMEGA in ceramica liquida rossa.

Die Mini Trésor Uhren sind innerhalb der OMEGA Damenkollektion klare Favoriten. Wie der Name schon andeutet, sorgt der kompakte Durchmesser von 26 mm für ein schlankes und edles Erscheinungsbild am Handgelenk, während die Diamanten und die charakteristischen römischen Ziffern jedem Design einen besonderen Hauch Eleganz verleihen. Allen Uhren gemeinsam sind auch der verspiegelte Gehäuseboden mit dem «Her Time»-Muster und die Krone bei 3 Uhr, die mit einer OMEGA Blume aus roter Hybridkeramik graviert und mit einem einzelnen Diamanten besetzt ist. Wer weitere Geschenkinspirationen sucht: Zu jedem Mini Trésor Modell passt ein Armband aus der OMEGA Schmuckkollektion. Von Blumendesigns bis hin zu sternenbesetzten Armreifen sorgen diese aus verschiedenen Materialien gefertigten Accessoires neben den Zeitmessern für den ultimativen Look.

____________

words. Frank Herbrand 222

on the edge

Pour davantage d’idées cadeaux, OMEGA a associé à chaque Mini Trésor un bracelet de sa collection de joaillerie. Entre délicates chaînes fleuries ou bracelets étoilés, ces accessoires déclinés dans un éventail de matériaux apportent la touche finale aux montres.

____________

Per offrire ulteriore ispirazione nella scelta delle idee regalo, OMEGA ha associato a ciascun orologio Mini Trésor un bracciale della propria collezione di alta gioielleria. Dagli scintillanti modelli rigidi ai design floreali, questi affascinanti accessori realizzati in un mix di materiali rifiniscono con eleganza i preziosi orologi.

____________

editor’s pick. ____________

223

fab collab. ____________

stella mccartney x veuve clicquot 224

on the edge

«Next Gen» Alternative zu Tierleder auf Traubenbasis.

DEUTSCH

Stella McCartney und Veuve Clicquot haben gemeinsam eine bahnbrechende Alternative zu Tierleder auf Traubenbasis entwickelt, die das langfristige Engagement der beiden LVMH-Häuser für Nachhaltigkeit, Kreislaufwirtschaft und regenerative Praktiken verkörpert. Das neuartige Material wird aus den Nebenprodukten der Weinlese von Veuve Clicquot hergestellt und wurde für die Herstellung von sechs Stella McCartney-Accessoires verwendet. Beide Häuser wurden von Pionierinnen gegründet, die den Wandel in ihren jeweiligen Bereichen vorantrieben. Basierend auf Handwerkskunst, Leidenschaft und Innovation. Stella McCartney gilt weithin als das Gewissen der Mode: sie inspirierte andere in der Branche, war immer auf der Suche nach nachhaltigen Alternativen – und verwendete nie Leder oder Pelz. Madame Clicquot erfand den Rütteltisch, der noch heute in Gebrauch ist; ihre Innovationen revolutionierten die Champagnerindustrie – sie wurde von ihren Fachkollegen als «La Grande Dame de la Champagne» anerkannt. Veuve Clicquot setzt dieses Erbe der Innovation fort und erforscht seit zehn Jahren Materialien der nächsten Generation. So werden seit 2010 innovative Verpackungen aus pflanzlichen Abfällen hergestellt und alle Geschenkverpackungen aus Hanf produziert, einer Pflanze, die den Boden regeneriert und CO2 bindet. Das für das neue Material verwendete Nebenprodukt besteht aus manuell gesammelten Traubenstielen. Diese stammen aus dem umweltzertifizierten Grand-Cru-Weinberg von Bouzy in der Champagne, den Madame Clicquot selbst vor 200 Jahren erworben hat. Die Trauben werden nach regenerativen Methoden angebaut, die zur Wiederherstellung der lokalen Artenvielfalt, der Bodengesundheit und der Kohlenstoffbindung beitragen, und werden von Hand gepflückt, um die höchste Qualität des Materials zu gewährleisten. Stella McCartney verwendet die Traubenbasierte Leder-Alternative von Veuve Clicquot, um drei ikonische Frayme-Taschen, einen Flaschenhalter und zwei Elyse-Sandalen

herzustellen, die zusätzlich einen PlateauKeil aus recyceltem Kork haben, der von Veuve Clicquot als eine Mischung aus Pre- und Post-Consumer-Abfall aus seinen Kellern in Reims gesammelt werden. Die veganen Accessoires werden im März 2024 ausgeliefert. Das Material stellt einen Lösungsansatz für die Hauptverursacher von Treibhausgasemissionen bei LVMH dar: Leder und Weinherstellung. Mehrere Studien haben gezeigt, dass vegane Alternativen weniger als die Hälfte des Kohlenstoff-Fussabdrucks von Tierleder haben können, das jährlich mehr als eine Milliarde Lebewesen tötet (PETA) und die Zerstörung wichtiger Ökosysteme wie des Amazonas vorantreibt (WWF). Mit der Entwicklung eines biobasierten Materials der nächsten Generation, das aus Abfällen hergestellt wird, leisten Stella McCartney und Veuve Clicquot Pionierarbeit für einen besseren Weg, der tier- und umweltfreundlicher, skalierbar und nachhaltig ist. ____________

Une nouvelle alternative à la peau animale à base de raisin. Stella McCartney et Veuve

FRANÇAIS

Clicquot ont collaboré pour développer une alternative pionnière à l’utilisation de la peau animale en utilisant du raisin. Cette innovation incarne l’engagement à long terme des deux Maisons de LVMH en faveur du développement durable, de l’économie circulaire et des pratiques régénératrices. Le nouveau matériau, dérivé des sous-produits des vendanges de Veuve Clicquot, a été utilisé pour créer six accessoires Stella McCartney. Les deux maisons ont été fondées par des femmes pionnières qui ont fait évoluer leurs domaines respectifs. Elles sont fondées sur l’artisanat, la passion et l’innovation. Stella McCartney est considérée comme la conscience de la mode: source d’inspiration pour d’autres acteurs du secteur. Elle a toujours cherché des alternatives durables et n’a jamais utilisé de cuir ou de fourrure. Madame Clicquot a, quant à elle, a inventé la table à secousses toujours utilisée aujourd’hui. Ses innovations ont révolutionné l’industrie du champagne: elle a été

reconnue par ses pairs comme «La Grande Dame de la Champagne». Veuve Clicquot poursuit cet héritage d’innovation et explore depuis dix ans des matériaux de nouvelle génération. Depuis 2010, des emballages innovants sont fabriqués à partir de déchets végétaux et tous les emballages cadeaux sont fabriqués à partir de chanvre ; une plante qui régénère les sols et fixe le CO2. Le sous-produit utilisé pour le nouveau matériau est la rafle de raisin récoltée manuellement. Celle-ci provient du vignoble Grand Cru de Bouzy en Champagne, certifié pour l’environnement, que Madame Clicquot a elle-même acheté il y a 200 ans. Les raisins sont cultivés selon des méthodes de régénération qui contribuent à rétablir la biodiversité locale, la santé des sols et le stockage du carbone. Ils sont récoltés à la main pour garantir la meilleure qualité possible. Stella McCartney utilisera le cuir à base de raisin de Veuve Clicquot pour créer trois sacs emblématiques Frayme, un porte-bouteille et les sandales Elyse. Ces dernières comportent également une semelle compensée fabriquée à partir de liège recyclé, collecté par Veuve Clicquot dans ses caves de Reims, mélange de déchets de pré-consommation et de postconsommation. Les accessoires végétaliens seront livrés en mars 2024. Ce matériau est une solution aux principales sources d’émissions de gaz à effet de serre de LVMH pour la production de cuir et de vin. Plusieurs études ont montré que les alternatives végétaliennes peuvent avoir une empreinte carbone inférieure à la moitié de celle engendrée par l’uitlisation de la peau animale, qui tue plus d’un milliard d’animaux par an (PETA) et provoque la destruction d’écosystèmes importants tels que l’Amazonie (WWF). En développant une nouvelle génération de matériaux biosourcés à partir de déchets, Stella McCartney et Veuve Clicquot ouvrent la voie à une solution évolutive et durable, davantage respectueuse des animaux et de l’environnement. ____________

225

Alternativa «next gen», alla pelle animale, a base di uva.

ITALIANO

Stella McCartney e Veuve Clicquot hanno collaborato per sviluppare un›alternativa pionieristica, alla pelle animale, a base d›uva che incarna l›impegno a lungo termine delle due Maison LVMH per la sostenibilità, l›economia circolare e le pratiche rigenerative. Il nuovo materiale è ricavato dai sottoprodotti della vendemmia di Veuve Clicquot ed è stato utilizzato per creare sei accessori di Stella McCartney.

Entrambe le Case sono state fondate da donne pioniere che hanno guidato il cambiamento nei rispettivi settori. Si basano su artigianalità, passione e innovazione. Stella McCartney è considerata la coscienza della moda: fonte di ispirazione per altri attivi nel settore, è sempre stata alla ricerca di alternative sostenibili e non ha mai usato pelle o pelliccia. Madame Clicquot ha inventato il tavolo di agitazione, che è ancora oggi in uso; le sue innovazioni hanno rivoluzionato l’industria dello champagne - è stata riconosciuta dai suoi colleghi come «La Grande Dame de la Champagne». Veuve Clicquot porta avanti questa eredità di innovazione e negli ultimi dieci anni ha esplorato materiali di nuova generazione. Dal 2010, gli imballaggi innovativi sono stati realizzati con scarti vegetali e tutte le

226

on the edge

confezioni regalo sono state prodotte con canapa, una pianta che rigenera il suolo e lega la CO2. Il sottoprodotto utilizzato per il nuovo materiale è costituito da raspi d’uva raccolti manualmente. Questi provengono dal vigneto Grand Cru di Bouzy in Champagne, certificato dal punto di vista ambientale, che Madame Clicquot stessa acquistò 200 anni fa. Le uve sono coltivate con metodi rigenerativi che aiutano a ripristinare la biodiversità locale, la salute del suolo e l’immagazzinamento del carbonio, e vengono raccolte a mano per garantire la massima qualità del materiale. Stella McCartney utilizzerà l’alternativa di pelle a base di uva di Veuve Clicquot per creare tre borse iconiche Frayme, un portabottiglie e sandali Elyse, che presentano anche una zeppa realizzata con sughero riciclato raccolto da Veuve Clicquot come mix di rifiuti pre- e postconsumo dalle sue cantine di Reims. Gli accessori vegani saranno consegnati nel marzo 2024. Il materiale rappresenta una soluzione alle principali fonti di emissioni di gas serra di LVMH: la pelle e la produzione di vino. Diversi studi hanno dimostrato che le alternative vegane possono avere un’impronta di carbonio inferiore alla metà di quella della pelle animale, che uccide più di un miliardo di esemplari all’anno (PETA) e causa la distruzione di importanti ecosistemi come quello amazzonico (WWF). Sviluppando un materiale di nuova generazione a base biologica ricavato dai rifiuti, Stella McCartney e Veuve Clicquot sono pionieri di un modo migliore, più rispettoso degli animali e dell’ambiente, scalabile e sostenibile. ____________

words. Frank Herbrand images. courtesy of Stella McCartney + Veuve Clicquot 227

beauty spotlight. ____________

edge of expression: lynsey alexander’s bold vision in makeup artistry ____________

words. Raffaele Romagnoli images. courtesy of Prada Beauty 228

on the edge

DEUTSCH Edge of Expression: Lynsey Alexanders kühne Vision der Make-up-Kunst.

Herzlichen Glückwunsch zur Ernennung zum Global Creative Make-up Artist für Prada Beauty! Wie kam es dazu? Mit welchen kreativen Herausforderungen ist die Leitung der neuen Kosmetiklinie einer so renommierten Marke verbunden? Ich fühle mich unglaublich privilegiert und bin stolz auf diese Rolle. Ich fühle eine grosse Verantwortung, den Weg für eine neue Beauty-Marke mit einem so profunden Mode-Hintergrund zu ebnen. Trotz dieses Drucks erinnere ich mich immer wieder daran, dass es um Farben, Kreativität und vor allem um die Fähigkeit geht, sich weiterzuentwickeln und ständig zu lernen. Meine Reise hat 20 Jahre gedauert. Jeder Kontakt, jede Erfahrung, jedes Shooting und jede Show waren wichtig für mich. Meine Reise begann im Alter von 18 Jahren, als ich an einer MAC-Theke Interessierten beibrachte, wie man Make-up benutzt. Schon früh habe ich Make-up als Medium und Kunstform verstanden. Nach zwei Jahren hatte ich das Glück, «Pro Senior Artist» für Grossbritannien zu werden – eine Rolle, in der ich acht Jahre lang die Welt bereiste und lernte, wie man Sprecher für eine Marke wird. Dabei habe ich meine Leidenschaft für Produkte und deren Entwicklung entdeckt. In jeder Saison testeten wir hinter den Kulissen neue Formulierungen und Kreationen aus den La-bors. Ich begann, meine Fähigkeiten zu verbessern, und lernte, was gut und was schlecht ist. Danach assistierte ich der grossartigsten Make-up-Künstlerin Lucia Pieroni; mit ihr bin ich heute noch gut befreundet, sie hat mir wirklich alles beigebracht, was ich über Make-up wissen musste. Und sie hat mich gelehrt, wie ich in diesem Geschäft auf eigenen Füssen stehen kann. Wie man eine Stimme und eine Meinung hat, aber auch, wann man sie besser nicht haben sollte. Dass man, egal in welchem Umfeld und unter welchem Druck, im Team arbeiten muss. Ich wurde von ihrer Agentur übernommen und begann, mir meine eigene Karriere und Kundenliste aufzubauen. In dieser Zeit hatte ich das Glück, Beauty-Verträge mit L›Oréal Paris, Estée Lauder und Lancôme zu haben. Alles Jobs in Grossbritannien, aber jeder brachte eine andere Perspektive von Kunst und Handel mit sich und ich entwickelte ein Verständnis für die Bedeutung von

Schönheit in der Geschäftswelt. So wie meine Erfahrung mit Kreation und Farbe wuchs, wuchsen auch meine Möglichkeiten und mein Portfolio. Ich hatte keinen Zweifel daran, dass jedes Shooting und jeder Auftrag zur Position beitrugen, die ich heute bei Prada Beauty habe. Es ist diese Wertschätzung und das Verständnis für die Arbeit in einem Team mit einer gemeinsamen Vision von Schönheit, die mir geholfen haben, diese neue Linie zu leiten. Ist es so, als hätte man die Schlüssel zu einem geheimen Königreich erhalten? Sie sind von den besten Spezialisten und Kosmetikherstellern umgeben – wo fangen Sie an, wenn Sie sich ein neues Produkt ausdenken? Es ist eine echte Teamleistung. Es beginnt immer mit einem Konzept. Was bedeutet und verkörpert Prada Beauty? Letztlich dreht es sich um Modernität mit einem Hauch von Exzentrik. Es geht darum, zurückzublicken und sich gleichzeitig vorwärtszubewegen, ohne Angst vor neuen Technologien zu haben oder davor, mit Formulierungen Grenzen zu überschreiten. Auch Pionierarbeit in der Forschung gehört dazu. Unsere Lippenstifte werden beispielsweise mit nur drei Pigmenten hergestellt – die meisten anderen Marken haben bis zu zwölf. Dieser vereinfachte Ansatz erhöht nicht nur die Reinheit der Farbe, sondern bedeutet letztlich, dass man mit einem «schnellen Wisch» beim Auftragen ein hohes Mass an Pigmenten erhält. Die Arbeit im Labor hat mir übrigens am meisten Spass gemacht. Hatten Sie schon immer vor, vom Key Artist in Ihre jetzige Rolle zu wechseln? Was hat Sie ursprünglich in die Welt des Make-ups gezogen? Ich habe immer davon geträumt, eine kreative Rolle wie diese einzunehmen. Weil ich mich in diesem Bereich sehr wohl fühle und ich es liebe, etwas über Technik zu lernen und über die Fortschritte, die sie den Laboren bringen kann. Meine Anfänge als Makeup-Künstlerin sind meiner jetzigen Rolle gar nicht so unähnlich. Meine Aufgabe ist es, Menschen zu inspirieren und ihnen beizubringen, wie sie das Beste aus ihrem Make-up herausholen können. Letztendlich geht es darum, ihnen Selbstvertrauen zu geben; das ist es, was ich am meisten an Make-up als Kunstform liebe. Make-up hat die Fähigkeit, dich zu stärken und etwas zu transportieren. Natürlich muss ich jetzt viel

mehr reisen als zu Beginn meiner Tätigkeit, und ich habe den Luxus eines brillanten, unterstützenden Agenten, der sich um die gesamte Logistik und die geschäftliche Seite kümmert, so dass ich mich ganz auf die kreative Seite konzentrieren kann. Hatten Sie Künstler, die Ihre Arbeit inspiriert haben? Welche Einflüsse gibt es von ausserhalb der Mode? Alles, von der Kunst über die Natur bis hin zur Architektur, hat einen Einfluss, wenn man ein kreativer Mensch ist. Ich lasse mich hauptsächlich von den Menschen inspirieren, mit denen ich zusammenarbeite – wählen Sie also mit Bedacht, mit wem Sie Ihre Zeit teilen! Gibt es unter den vielen Covers, die Sie bis heute gemacht haben, eines, das Sie besonders mögen? Mein erstes Cover entstand 2013 für die Zeitschrift Schön! mit meinem wunderbaren Fotografenfreund Yuval Hen und dem damaligen «It-Model» Daisy Lowe. Yuval hat mir beigebracht, bei einem Shooting spielerisch mit Make-up umzugehen. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich Angst, Fehler zu machen und nie wieder gebucht zu werden. Es ist ziemlich beängstigend, wenn man auf höchstem Niveau mit den besten Mitarbeitern der Welt zusammengearbeitet hat und dann auf sich allein gestellt ist und lernen muss, wer man ist und was man zu bieten hat. In dieser Zeit habe ich gelernt, mich selbst nicht so ernst zu nehmen. Und das, was ich tue, zu geniessen, indem ich mir weniger Druck auferlege. Ich begann wirklich zu verstehen, wie wichtig die Arbeit in einem Team ist. Der Aufbau einer Freundschaft mit den Menschen, mit denen ich damals zusammenarbeitete, ermöglichte es mir, zu experimentieren und zu spielen und letztlich an Selbstvertrauen zu gewinnen. Dafür werde ich immer dankbar sein. Wenn Sie mit Designern zusammenarbeiten, um Looks für ihre Modenschauen zu entwerfen, in welchem Stadium fangen Sie an, sich einen Look vorzustellen? Wie oft verändert er sich von der Idee bis zur Ausführung? Auch hier geht es um die Arbeit im Team. Es kann beginnen mit einem Telefonanruf, eine Woche vor dem Haar- und Make-up-Test. Dann gilt es, die Kollektionen und die Vision des Designers zu begreifen. Wir treffen uns mit dem Stylisten, dem Friseur und dem Designteam. Gemeinsam wird die Geschichte

229

entwickelt und das Testen beginnt. Wir probieren viele verschiedene Looks aus, das kann Stunden, manchmal sogar Tage dauern, bis wir einen Look gefunden haben, mit dem alle zufrieden sind und der die richtige Stimmung für diese Kollektion wiedergibt. Können Sie Ihren kreativen Stil in drei Worten beschreiben? Sauber, modern und unkompliziert. Welche Produkte gehören zu Ihren bevorzugten Grundprodukten? Gibt es Unterschiede, wenn Sie einen Look für eine Show kreieren oder wenn Sie ein Cover Editorial oder eine Kampagne fotografieren? Ohne meine Werkzeuge kann ich nicht leben. Gute Pinsel sind ein absolutes Muss, bei dem man keine Kompromisse eingehen kann. Meine Sammlung habe ich auf meinen Reisen rund um die Welt und durch den Austausch von Tipps und Tricks mit verschiedenen Künstlern aufgebaut. Ich verlasse mich sehr auf die beste Hautpflege. Einfach, aber wirkungsvoll. Ich habe nicht den Luxus, hinter der Bühne auf Verbesserungen warten zu können – ich brauche sofortige und schnelle Ergebnisse. Meine derzeitige Obsession ist das Prada Augmented Skin Serum von Prada Beauty, das ich über das fertige Make-up tupfe, um einen strahlenderen, lebendigeren Effekt zu erzielen. Ich hasse es, wenn das Make-up zu fertig aussieht und ich ständig die Grundierung abnehmen muss, wenn ich ein Team von Backstage-Künstlern habe, die mit mir arbeiten. Ich kann auch nicht ohne helle, matte Lippenstifte leben. Ich brauche nicht viele, da ich die Farben immer mische, um neue zu kreieren, aber ich verwende sie eher als Farbpalette für Rouge und Lidschatten. Und versuche, sie nicht nur für die Lippen zu verwenden, sondern eher als lebendige Farbpalette zu sehen. Wer sind Ihre Lieblingsfotografen, mit denen Sie im Laufe der Jahre zusammengearbeitet haben? Ich habe das unglaubliche Glück, mit grossartigen Teams arbeiten zu dürfen. Ich bin sehr loyal und werde Berge versetzen, um für sie verfügbar zu sein, wenn sie es wünschen. Am meisten habe ich in den letzten 10 Jahren mit Willy Vanderperre und Alasdair McLellan zusammengearbeitet (ich Glückspilz!).

230

on the edge

Wie sieht das Jahr 2024 für Sie aus? Können Sie uns bereits verraten, was wir in diesem Jahr von Ihnen als Künstlerin erwarten dürfen? Viele weitere unglaubliche Produkte, die auf den Markt kommen! Von der Idee bis zur Lancierung dauert es etwa 3 Jahre, also arbeite ich derzeit hinter den Kulissen an 2027. Ich freue mich sehr, dass ich im Februar 2024 wieder für die Prada Womenswear Show eingeladen werde. Das war definitiv das grösste Highlight meiner Karriere – ich habe letztes Jahr meine erste Show für sie gemacht. Aber letztlich geht es darum, weiter zu wachsen, zu lernen und auf mein Arbeitsumfeld zu reagieren. Ich war schon immer überzeugt, dass man nur so gut ist wie das Team, in dem man arbeitet. Deshalb hört das Wachsen nie auf. ____________

Repoussant les limites de l’expression, la vision audacieuse de Lynsey Alexander dans l’art du maquillage.

FRANÇAIS

Félicitations pour votre nomination en tant que maquilleuse créative mondiale pour Prada Beauty ! Pouvez-vous nous parler de la façon dont cette opportunité s’est présentée et des défis créatifs que vous rencontrez en dirigeant une nouvelle ligne de produits de beauté pour une marque aussi prestigieuse ? Je me sens incroyablement privilégiée et fière de cette nomination. C’est une immense responsabilité de guider une nouvelle marque de produits de beauté, surtout avec une expérience aussi riche dans le domaine de la mode. Malgré la pression, je me rappelle constamment que je travaille avec des couleurs, de la créativité et que je continue à apprendre. Mon parcours de 20 ans a été jalonné de connexions précieuses, d’expériences enrichissantes et de collaborations significatives. J’ai commencé à 18 ans sur un comptoir MAC, où j’ai enseigné et inspiré les gens à travers le maquillage, apprenant à comprendre le maquillage en tant qu’art. J’ai ensuite évolué vers des rôles plus importants, comme celui de Pro Senior Artist pour le Royaume-Uni, où j’ai perfectionné mes compétences en produits et en développement. Travailler aux côtés de Lucia Pieroni a été une expérience déterminante, me permettant de développer ma voix artistique tout en apprenant l’importance du travail d’équipe. Rejoindre Prada Beauty représente un nouveau chapitre passionnant. C’est comme si j’avais reçu les clés d’un royaume secret de la beauté. En collaboration avec les meilleurs spécialistes et laboratoires cosmétiques, nous commençons par définir le concept de beauté Prada, alliant modernité et excentricité. La recherche est primordiale dans notre processus de création, comme en témoigne le développement de produits qui ont nécessité jusqu’à 6 ans d’efforts. Nous cherchons à réinventer les normes, avec des formulations novatrices qui subliment la couleur et la qualité. Travailler sur ces produits a été une expérience enrichissante, nécessitant un engagement total envers l’intégrité et l’excellence.

photography. Yuval Hen fashion. Kay Korsh talent. Daisy Lowe hair. Bianca Tuovi @ CLM make up. Lynsey Alexander digital operation.Lee Whittaker photography assistant. Niall Kennedy fashion assistants. Olivia Beresford + Don Gleeson special thanks. Alison Pye + the team of The Gore Hotel, London + Raoul Keil

231

Aviez-vous toujours envisagé de passer du rôle d’artiste clé à celui de maquilleuse créative mondiale ? Qu’est-ce qui vous a attirée initialement dans le monde du maquillage ? J’ai toujours rêvé d’avoir un rôle créatif comme celui-ci. Mon parcours de maquilleuse a toujours été lié à l’inspiration et à l’émancipation par le biais de la beauté. J’adore découvrir de nouvelles technologies et les intégrer dans les laboratoires pour créer des produits innovants. Inspirer la confiance à travers le maquillage est ce qui m’a toujours passionnée. Mon rôle actuel me permet de me concentrer pleinement sur la création, soutenue par une équipe dévouée pour gérer les aspects logistiques et commerciaux. Des artistes vous ont-ils inspirée dans votre travail ? Ou puisez-vous votre

232

on the edge

inspiration ailleurs que dans le monde de la mode ? Tout ce qui m’entoure, de l’art à la nature en passant par l’architecture, influence ma créativité. Cependant, je suis particulièrement inspirée par les personnes avec lesquelles je collabore. Le choix de mes collaborateurs est donc crucial pour nourrir ma créativité. Parmi toutes les couvertures que vous avez réalisées, y en a-t-il une en particulier qui vous tient à cœur et pourquoi ? Ma première couverture pour le magazine Schön ! en 2013 reste très spéciale pour moi. Cette expérience m’a permis de surmonter mes peurs et d’apprendre à travailler en équipe de manière plus confiante et collaborative. Lorsque vous collaborez avec des stylistes pour créer des looks pour les défilés, comment évolue le processus créatif, de

la conception à l’exécution ? Le processus créatif est hautement collaboratif. Nous commençons généralement par échanger des idées avec les stylistes, puis nous rencontrons l’équipe de conception pour élaborer une vision cohérente. Les essais de maquillage et de coiffure peuvent prendre plusieurs jours avant d’aboutir à un look final qui reflète parfaitement la collection. En trois mots, comment décririez-vous votre style créatif ? Propre, moderne et sans complication. Quels sont vos produits de maquillage préférés dans votre trousse ? Votre trousse varie-t-elle en fonction des événements ? Je ne peux pas me passer de bons pinceaux et de soins pour la peau de qualité. Actuellement, je suis obsédée par le sérum Prada Augmented Skin

Serum pour créer un éclat naturel sur le maquillage fini. Mes rouges à lèvres, mats et brillants, sont également essentiels, car je les utilise non seulement sur les lèvres mais aussi comme palette de couleurs pour le blush et les ombres à paupières. Avez-vous des photographes préférés avec lesquels vous avez travaillé au fil des ans ? Je suis reconnaissante d’avoir eu la chance de travailler avec des photographes talentueux tels que Willy Vanderperre et Alasdair McClellan. À quoi ressemble 2024 pour vous ? Pouvez-vous nous donner un aperçu de vos projets artistiques cette année ? Je suis très enthousiaste à l’idée de lancer de nouveaux produits passionnants ! Mon travail en coulisses sur les projets futurs est déjà en cours, avec un œil sur les tendances à venir. Je suis également honorée de participer au défilé Prada Women’s wear en février 2024, ce qui représente un moment crucial dans ma carrière. Mon objectif est de continuer à grandir, à apprendre et à m’adapter à un environnement en constante évolution. ____________ ITALIANO Edge of Expression: l’audace visione dell’arte del make-up di Lynsey Alexander.

Congratulazioni per essere stata nominata Global Creative Make-up Artist per Prada Beauty! Come si è arrivati a questa nomina? Quali sono le sfide creative che comporta la gestione di una nuova linea di cosmetici per un marchio così prestigioso? Mi sento incredibilmente privilegiata e orgogliosa di questo ruolo. Sento la grande responsabilità di aprire la strada a un nuovo marchio di bellezza con un background di moda così profondo. Nonostante questa pressione, ricordo sempre a me stessa che si tratta di colore, creatività e soprattutto della capacità di evolvere e continuare a imparare. Il mio viaggio fin qui è durato 20 anni. Ogni contatto, ogni esperienza, ogni servizio fotografico e ogni sfilata sono stati importanti per me. Il mio percorso è iniziato all’età di 18 anni, quando insegnavo alle persone a truccarsi presso un banco MAC. Ho capito subito che il trucco è un mezzo e una forma d’arte. Dopo due anni ho avuto la fortuna

di diventare «Pro Senior Artist» per il Regno Unito, un ruolo che mi ha visto viaggiare per otto anni in tutto il mondo, imparando a diventare portavoce di un marchio. È qui che ho scoperto la mia passione per i prodotti e il loro sviluppo. A ogni stagione, provavamo nuove formulazioni e creazioni dei laboratori dietro le quinte. Ho iniziato ad affinare le mie capacità e ho imparato cosa era buono e cosa non lo era. Poi ho assistito colei che è la più grande make-up artist: Lucia Pieroni. Ancora oggi siamo buone amiche, mi ha davvero insegnato tutto quello che dovevo sapere sul make-up. E mi ha insegnato a stare in piedi da sola in questo settore. Come avere una voce e un’opinione, ma anche quando è meglio non averne. Che bisogna lavorare come parte di una squadra, indipendentemente dall’ambiente e dalla pressione. Sono stata assunta dalla sua agenzia e ho iniziato a costruire la mia carriera e la mia lista di clienti. In quel periodo ho avuto la fortuna di avere contratti nel beauty con L’Oréal Paris, Estée Lauder e Lancôme. Sebbene fossero tutti lavori nel Regno Unito, ognuno ha portato una prospettiva diversa di arte e retail e ho sviluppato una comprensione dell’importanza della bellezza nel mondo degli affari. Man mano che la mia esperienza con la creazione e il colore cresceva, aumentavano anche le mie opportunità e le mie possibilità economiche. Non ho mai avuto dubbi sul fatto che ogni servizio e ogni lavoro abbiano contribuito alla posizione che occupo oggi in Prada Beauty. È questo apprezzamento e la comprensione del lavoro in un team con una visione condivisa della bellezza che mi ha aiutato a guidare questa nuova linea. È come ricevere le chiavi di un regno segreto? Lei è circondata dai migliori specialisti e produttori di cosmetici: da dove parte quando si inventa un nuovo prodotto? È un vero e proprio lavoro di squadra. Si parte sempre da un concetto. Che cosa significa e incarna Prada Beauty? In definitiva, si tratta di modernità con un tocco di eccentricità. Si tratta di guardare al passato e allo stesso tempo di andare avanti, senza avere paura delle nuove tecnologie o di spingersi oltre i confini delle formulazioni. Anche il lavoro pionieristico nel campo della ricerca fa parte di questa filosofia. I nostri rossetti, ad esempio, sono realizzati con soli tre pigmenti, mentre la maggior parte degli altri marchi ne ha fino a dodici. Questo approccio semplificato non

solo aumenta la purezza del colore, ma in definitiva consente di ottenere un elevato livello di pigmento con una «rapida passata» durante l’applicazione. Tra l’altro, il lavoro in laboratorio è quello che mi è piaciuto di più. Ha sempre avuto intenzione di passare dal ruolo di key artist a quello attuale? Cosa l’ha attirata inizialmente nel mondo del make-up? Ho sempre sognato di assumere un ruolo creativo come questo. Perché mi sento molto a mio agio in questo campo e amo conoscere la tecnologia e i progressi che può apportare nei laboratori. I miei inizi come make-up artist non sono così diversi dal mio ruolo attuale. Il mio lavoro consiste nell’ispirare le persone e insegnare loro come ottenere il meglio dal loro make-up. In definitiva, si tratta di dare loro fiducia; questo è ciò che amo di più del trucco come forma d’arte. Il make-up ha la capacità di dare forza e di indurre qualcosa. Naturalmente, ora devo viaggiare molto di più rispetto a quando ho iniziato, e ho il privilegio di avere un agente brillante e collaborativo che si occupa di tutta la logistica e del lato commerciale, così posso concentrarmi completamente sul lato creativo. Ci sono artisti che hanno ispirato il suo lavoro? Quali sono le influenze al di fuori della moda? Tutto, dall’arte alla natura all’architettura, ha un’influenza se sei una persona creativa. Mi ispirano soprattutto le persone con cui lavoro. Il consiglio è: scegliete bene con chi condividere il vostro tempo! Tra le tante copertine che ha realizzato finora, ce n’è una che le piace particolarmente? La mia prima copertina è stata nel 2013 per la rivista Schön! con il mio meraviglioso amico fotografo Yuval Hen e la «It model» dell’epoca, Daisy Lowe. Yuval mi ha insegnato a giocare con il trucco durante un servizio fotografico. Fino a quel momento avevo paura di sbagliare e di non essere più ingaggiata. È veramente orrendo quando si lavora ai massimi livelli con le persone migliori del mondo e poi ci si ritrova da soli a dover imparare chi si è e cosa si ha da offrire. In questo periodo ho imparato a non prendermi troppo sul serio. E a godermi quello che faccio mettendomi meno pressione. Ho iniziato a capire l’importanza di lavorare in gruppo. Creare un’amicizia con le persone con cui lavoravo all’epoca mi ha permesso di sperimentare

233

e giocare e, in definitiva, di acquisire fiducia. Ne sarò sempre grata. Quando lavora con gli stilisti per creare i look per le loro sfilate, in quale fase inizia a visualizzare un look? Quanto spesso cambia dall’idea alla realizzazione? Anche in questo caso, si tratta di lavorare in squadra. Può iniziare con una telefonata, una settimana prima della prova di «trucco e parrucco». Poi si tratta di capire le collezioni e la visione dello stilista. Ci incontriamo con lo stilista, il parrucchiere e il team di designer. La storia viene sviluppata insieme e inizia la prova. Proviamo molti look diversi, il che può richiedere ore, a volte anche giorni, finché non troviamo un look che soddisfa tutti e che riflette il giusto mood della collezione. Può descrivere il suo stile creativo in tre parole? Pulito, moderno e senza complicazioni. Quali sono i suoi prodotti di base preferiti? Ci sono differenze quando crea un look per una sfilata o si tratta delle foto di un editoriale di copertina o di una campagna? Non posso vivere senza i miei strumenti. Pennelli buoni sono un must assoluto e non si può scendere a compromessi. Ho costruito la mia collezione viaggiando in tutto il mondo e condividendo consigli e trucchi con diversi artisti. Mi affido molto ai migliori trattamenti per la pelle. Semplice ma efficace. Non posso permettermi il lusso di aspettare i miglioramenti nel backstage: ho bisogno di risultati immediati e veloci. La mia attuale ossessione è il «Prada Augmented Skin Serum» di Prada Beauty,

che tampono sul trucco finito per ottenere un effetto più luminoso e vibrante. Detesto quando il trucco sembra troppo finito e devo continuamente rimuovere il fondotinta quando ho un team di artisti nel backstage che lavorano con me. Inoltre, non posso fare a meno di rossetti luminosi e opachi. Non me ne occorrono molti perché mescolo sempre i colori per crearne di nuovi, ma li uso più che altro come palette di colori per fard e ombretti. E cerco di non usarli solo per le labbra, ma piuttosto di vederli come una tavolozza di colori vibranti. Quali sono i suoi fotografi preferiti con cui ha lavorato nel corso degli anni? Ho avuto la fortuna di lavorare con team incredibili. Sono profondamente leale e sposterei le montagne per essere disponibile per loro se lo desiderano. Negli ultimi 10 anni ho lavorato soprattutto con Willy Vanderperre e Alasdair McLellan (per mia fortuna!). Come si prospetta il suo 2024? Può già dirci cosa possiamo aspettarci da lei come artista quest’anno? Molti altri incredibili prodotti sono in arrivo sul mercato! Ci vogliono circa 3 anni dall’idea al lancio, quindi attualmente sto lavorando dietro le quinte in vista del 2027. Sono molto entusiasta di essere stata invitata nuovamente alla sfilata Prada Women’s Wear nel febbraio 2024. È stato sicuramente il momento più importante della mia carriera: l’anno scorso ho fatto la mia prima sfilata per loro. Ma alla fine si tratta di continuare a crescere, imparare e rispondere al mio ambiente di lavoro. Ho sempre creduto che il valore di una persona sia pari a quello della squadra con cui lavora. Ecco perché la crescita non si ferma mai. ____________

words. Raffaele Romagnoli images. courtesy of Prada Beauty + Lynsey Alexander

234

on the edge

MORE THAN A S I N C E 1 8 73 .

View.

Bürgenstock Hotels & Resort 6363 Obbürgen – Switzerland | T +41 (0)41 612 60 00 info@burgenstockresort.com | burgenstockresort.com

beauty.

FRANÇAIS Teoxane.

____________

teoxane Teoxane - Die Kraft der Schweizer Wissenschaft. 2003 gründete Valérie Taupin in Genf die Teoxane Laboratories und markierte damit den Beginn einer revolutionären Reise in der Branche der ästhetischen Medizin. Mit einem visionären Ansatz, der Wissenschaft, Luxus und Schönheit miteinander verbindet, führte Taupin das Unternehmen in eine führende Position auf dem globalen Markt für FaltenAuffüller auf Hyaluronsäurebasis. Innovation, Exzellenz und Unabhängigkeit waren für den Erfolg des Unternehmens ausschlaggebend – und dafür, dass Teoxane sein 20-jähriges Bestehen feiern konnte.

DEUTSCH

Taupins Karriere begann in Deutschland, wo sie die Bedeutung der Produktkontrolle und den Wert von harter Arbeit und Entschlossenheit kennenlernte. Dies legte den Grundstein für ihren Unternehmergeist und führte sie schliesslich zur Gründung von Teoxane. Das Unternehmen kontrolliert jeden Aspekt der Produktentwicklung und -herstellung, gewährleistet höchste Qualität und widerspiegelt Taupins Engagement für Spitzenleistungen. Taupin hatte sich schon früh auf den damals noch jungen Markt der Falten-Auffüller gewagt. Ihre Bemühungen, diesen Markt zu entwickeln und zu demokratisieren, zahlten sich aus und bildeten die Grundlage für den späteren Erfolg von Teoxane. Die ersten beiden Formulierungen des Unternehmens waren bahnbrechend und boten innovative Lösungen, die sich von denen der Konkurrenz abhoben. Im Laufe der Jahre war Teoxane nicht nur bei der Produktinnovation führend, sondern auch bei der Gestaltung der Diskussion über ästhetische Medizin. Das Unterneh-

236

on the edge

men verlagerte den Schwerpunkt vom «blossen Aussehen» hin zur Frage, wie Behandlungen das Selbstvertrauen und das allgemeine Wohlbefinden steigern können. Dieser Effekt wird durch zahllose positive Rückmeldungen von Anwendern bestätigt. Teoxane erweiterte sein Angebot über die professionellen Behandlungen hinaus – und bietet nun auch eine Reihe hochwirksamer Dermo-Kosmetika an. Diese Produktreihe reflektiert das Knowhow des Unternehmens hinsichtlich Hyaluronsäure – und deren Vorteile für die Gesundheit und Ästhetik der Haut. Auch im dritten Jahrzehnt seines Bestehens setzt Teoxane auf Innovationen wie die Teosyal RHA®-Serie, die sich den Bewegungen des Gesichts anpasst und so ein natürliches Aussehen gewährleistet. Initiativen wie die Teoxane Academy belegen das Engagement des Unternehmens für die Ausbildung und für Spitzenleistungen und Fortschritt in der ästhetischen Medizin. Teoxane verfügt über mehr als 180 Patente, die seine Produktion und Präsenz weltweit schützen. Teoxane ist weit über die Grenzen der Schweiz hinausgewachsen und beschäftigt heute mehr als 500 Mitarbeiter in 11 Ländern. Valérie Taupins Weg zu weltweiter Anerkennung ist ein Beweis für ihren Weitblick, ihre Innovation und ihr unermüdliches Engagement für Qualität. In der Geschichte von Teoxane geht es jedoch nicht nur um ästhetische Produkte. Es geht auch darum, Menschen zu befähigen, sich gut zu fühlen und Schönheit nach ihren eigenen Vorstellungen zu definieren. Und die Grenzen dessen, was in der ästhetischen Medizin möglich ist, immer weiter zu verschieben. ____________

La puissance de la science suisse. En 2003, Valérie Taupin a fondé les Laboratoires Teoxane à Genève, marquant ainsi le début d’une aventure révolutionnaire dans le domaine de la médecine esthétique. Avec une approche visionnaire combinant science, luxe et beauté, elle a conduit l’entreprise à une position de leader sur le marché mondial des produits de comblement des rides à base d’acide hyaluronique. L’innovation, l’excellence et l’indépendance ont été la clé du succès de l’entreprise et du 20e anniversaire de Teoxane.

La carrière de Valérie Taupin a commencé en Allemagne, où elle a appris l’importance du contrôle des produits et la valeur du travail et de la détermination. C’est ainsi qu’elle a pu développer son esprit d’entreprise et fonder Teoxane. L’entreprise contrôle tous les aspects du développement et de la production des produits, ce qui garantit une qualité optimale et reflète l’engagement de Taupin en faveur de l’excellence. Valérie Taupin s’est aventurée très tôt sur le marché alors naissant des produits de comblement des rides. Ses efforts pour développer et démocratiser ce marché ont porté leurs fruits et ont constitué la base de l’établissement complet de Teoxane. Les deux premières formulations de la société étaient à la pointe de la technologie et offraient des solutions innovantes qui se démarquaient de la concurrence. Au fil des ans, Teoxane a ouvert la voie non seulement à l’innovation des produits, mais aussi au débat sur la médecine esthétique. L’entreprise a déplacé l’attention de l’apparence vers la façon dont les traitements peuvent augmenter la confiance en soi et le bien-être général. Cet effet est confirmé par les innombrables commentaires positifs des utilisateurs. Teoxane a élargi son offre au-delà des traitements professionnels et propose désormais une gamme de dermocosmétiques très efficaces. Cette gamme de produits reflète l’expertise de l’entreprise en matière d’acide hyaluronique et ses bénéfices pour la santé et l’esthétique de la peau.

Dans sa troisième décennie, Teoxane continue d’innover avec la gamme «Teosyal RHA®», qui s’adapte aux mouvements du visage pour une apparence naturelle. Des initiatives telles que la «Teoxane Academy» témoignent de l’engagement de l’entreprise en faveur de l’éducation, de l’excellence et du progrès dans le domaine de la médecine esthétique. Teoxane possède plus de 180 brevets protégeant sa production et sa présence dans le monde entier. L’entreprise s’est développée bien au-delà des frontières de la Suisse et emploie aujourd’hui plus de 500 personnes dans 11 pays. Le parcours de Valérie Taupin vers une reconnaissance mondiale témoigne de sa vision, de son innovation et de son engagement inébranlable en faveur de la qualité. Cependant, l’histoire de Teoxane ne se limite pas aux produits de beauté; il s’agit aussi de permettre aux gens de se sentir bien dans leur peau, de définir la beauté selon leurs propres termes et de repousser les limites de ce qui est possible en médecine esthétique. ____________

ITALIANO Teoxane. Il potere della scienza svizzera. Nel 2003 Valérie Taupin ha fondato a Ginevra i Laboratori Teoxane, segnando l’inizio di un percorso rivoluzionario nel settore della medicina estetica. Con un approccio visionario che unisce scienza, lusso e bellezza, la Taupin ha portato l’azienda a una posizione di leadership nel mercato globale dei filler per le rughe a base di acido ialuronico. L’innovazione, l’eccellenza e l’indipendenza sono state la chiave del successo dell’azienda e del 20° anniversario di Teoxane.

La carriera di Valérie Taupin è iniziata in Germania, dove ha imparato l’importanza del controllo dei prodotti e il valore del duro lavoro e della determinazione. Questo ha gettato le basi del suo spirito imprenditoriale e l’ha portata a fondare Teoxane. L’azienda controlla ogni aspetto dello sviluppo e della produzione dei prodotti, garantendo la massima qualità e riflettendo l’impegno di Taupin per l’eccellenza. Valérie Taupin si è avventurata presto nell’allora nascente mercato dei filler per le rughe. I suoi sforzi per sviluppare e democratizzare questo mercato hanno dato i loro frutti e hanno costituito la base del successivo pieno affermarsi di Teoxane. Le prime due formulazioni dell’azienda erano all’avanguardia e offrivano soluzioni innovative che si distinguevano dalla concorrenza. Nel corso degli anni, Teoxane ha aperto la strada non solo all’innovazione dei prodotti, ma anche al dibattito sulla medicina estetica. L’azienda ha spostato l’attenzione dal «semplice aspetto» al modo in cui i trattamenti possono aumentare la fiducia in sé« stessi e il benessere generale. Questo effetto è confermato dagli innumerevoli feedback positivi degli utenti.

Valérie Taupin

RHA®», che si adatta ai movimenti del viso per un aspetto naturale. Iniziative come la «Teoxane Academy» dimostrano l’impegno dell’azienda nella formazione, nell’eccellenza e nel progresso della medicina estetica. Teoxane ha più di 180 brevetti che proteggono la sua produzione e la sua presenza in tutto il mondo. L’azienda è cresciuta ben oltre i confini della Svizzera e oggi impiega più di 500 persone in 11 Paesi. Il percorso di Valérie Taupin verso il riconoscimento globale è una testimonianza della sua visione, dell’innovazione e dell’impegno costante per la qualità. Tuttavia, la storia di Teoxane non riguarda solo i prodotti estetici. Si tratta anche di dare alle persone la possibilità di sentirsi bene con sé stesse e di definire la bellezza alle proprie condizioni. E di spingere i confini di ciò che è possibile fare nella medicina estetica. ____________

words. Odyssia Houstis photos. courtesy of Teoxane

Teoxane ha ampliato la sua offerta al di là dei trattamenti professionali e ora offre anche una gamma di dermocosmetici altamente efficaci. Questa gamma di prodotti riflette l’esperienza dell’azienda nell’acido ialuronico e i suoi benefici per la salute e l’estetica della pelle. Giunta al suo terzo decennio, Teoxane continua a innovare con la gamma «Teosyal

237

contributors ____________

Dr. Martha Boeckenfeldist ist Dekanin und Partnerin der Metaverse Academy, Metaverse-Strategin und Beraterin, die sich für aufstrebend Technologien, Blockchain und das Metaverse einsetzt. Sie verfügt über mehr als 20 Jahre Erfahrung und internationale Präsenz und wurde – als eine der Top-Influencerinnen in diesem Bereich – zu einer der Top 100 Women Of The Future (Web3 & Metaverse), der Top 5 Women in Tech Europe (Web3) sowie der TOP 32 Influencer (Onalytic) für Metaverse & Web3 nominiert.

Anka Refghi ist freie Journalistin und Creative Director. Ursprünglich klassisch studierte Berufsmusikerin, folgten Studien im Bereich Kulturmanagement und Journalismus an der Universität Basel und an der MAZ. Ihre «schreibende Karriere» begann sie bei einem KunstMagazin und in der Werbung, wo ihre Leidenschaft für Fotografie und anspruchsvolles Grafikdesign erwachte. Später war sie Chefredaktorin verschiedener Fashion- und Lifestyle-Magazine und als Creative Director in der High Fashion Photography tätig.

Lubbertus Müller ist zeit seines Lebens multidisziplinär unterwegs. Seine Wege führten umständlich vom Fischverkauf über die Krankenpflege zur Fotografie. In den letzten Jahren hat er sich intensiv mit der Erstellung fotorealistischer Bilder mittels Künstlicher Intelligenz beschäftigt. Seit Beginn des Jahres teilt er sein Fachwissen als Dozent an der Akademie für Fotografie in Hamburg, wo er das Thema «Bildgenerierung mittels Künstlicher Intelligenz im Bereich der Fotografie» unterrichtet. Lubbertus arbeitet und lebt in Berlin.

Simona Manzione ist Direktorin von Ticino Management Donna, der einzigen italienischsprachigen Frauenzeitschrift der Schweiz, mit Sitz in Lugano. Nach ihrem Master in Jura an der Universität Lausanne kehrte sie zu ihrer ersten Liebe, dem Journalismus, zurück. In ihrer Freizeit widmet sie sich ihrer Familie, zu der auch ihr Chihuahua Achille gehört.

Willyum Beck ist unabhängiger Modestylist, kreativer Berater und Art Director mit Sitz in New York. Dank seiner Passion für Stil und «Expression through Fashion» arbeitet er heute mit Talenten, Publikationen und Marken auf globaler Ebene zusammen. Er ist bekannt für seine Unterstützung junger Marken und Designer – und die Expermentierfreudigkeit bei seiner Arbeit, die danach strebt, Inklusivität in die High Fashion Landschaft zu bringen.

238

on the edge

Prof. Eku Wand ist Designer, Multimedia-Regisseur und Medien-Pionier der ersten Stunde. Nach seinem Studium an der HdK Berlin gründete er mit Pixelpark eine der ersten Multimedia-Agenturen in Deutschland. Seit 1998 unterrichtet er an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK) mit Schwerpunkt Interactive Storytelling. Seit 2017 realisiert er mit seinen Studenten Virtual Reality Experiences. Er pendelt zwischen Deutschland und Indonesien; 2022 gründete er dort mit Freunden MUMAIN, ein Start-Up für das erste VR-Cultural Heritage Museum im Internet. Diana Hauenstein und Sandra Olajide danken wir für ihre wertvolle Unterstützung und ihre Begeisterung für Schön! Switzerland.

editors ____________

geschäftsleitung. Dr. Odyssia Houstis + Dr. Frank Herbrand chefredaktion. Dr. Odyssia Houstis deputy editor. Dr. Frank Herbrand editor-at-large + grafik design. Laura Knoops editor-at-large. Odie Senesh beauty editor. Raffaele Romagnoli partnerschaften / inserate. Dr. Frank Herbrand frank@schon.ch intern. Lorenz Roselius submissionen. submissions@schon.ch abonnementsbestellungen. info@schon.ch copypreis. (inkl. MwSt) (inkl. Schön! Switzerland)

print einzelpreis. CHF 14 jahresabonnement. CHF 80

(6 Ausgaben, inkl. Versand in der Schweiz)

digital einzelpreis. € 7 jahresabonnement. € 42 (6 Ausgaben)

druck. Switzerland ISSN 2813-5539 METASchön! Switzerland (Print) ISSN 2813-5547 METASchön! Switzerland (Digital) Schön! Switzerland Erscheint sechsmal jährlich als Schweizer Lizenz des Schön! Magazines in der Enamati Publishing GmbH, Im Bruppach 13, 8703 Erlenbach. Schön! Switzerland online: http://www.schon.ch Schön! Switzerland übernimmt keine Haftung für unaufgefordert eingesandtes Material jeglicher Art. Die im redaktionellen Inhalt enthaltenen Meinungen sind die der Autoren und nicht notwendigerweise die der Herausgeber von Schön! Switzerland. Jegliche Vervielfältigung im Ganzen oder in Teilen ohne schriftliche Genehmigung ist strengstens untersagt.

239

unique travel. ____________

aman venice

240

on the edge

241

DEUTSCH AMAN Venice. Monumentaler Palazzo AMAN-style – «On the Edge» am Canal Grande.

In einem monumentalen Palazzo im feinen historischen Viertel San Polo, direkt an der Hauptwasserstrasse Venedigs, dem Canal Grande, verkörpert das AMAN Venice alles, was an La Serenissima prächtig und sinnlich ist. Angereist wird selbstverständlich per Boot, der Gast wird von einer imposanten meterhohen Empfangshalle mit Fresken und historischen Reliefs begrüsst. Das AMAN Venice besticht durch einen einzigartigen Kontrast zwischen venezianischer Opulenz und schlichter Eleganz. Einerseits historische Bausubstanz mit kunstvollen Deckenfreskos, goldenen Stuckverzierungen und Kunstwerken des Rokokos, andererseits die zeitgenössische Zurückhaltung der schlichten und minimalistischen Inneneinrichtung von Jean-Michel Gathy, mit modernen Möbeln der italienischen Firma B&B Italia. Zwei private Gärten, beeindruckende Speisesäle, eine gemütliche Bar und geräumige Suiten sowie ein Spa ergänzen das Angebot.

242

on the edge

Lage und Architektur Der Palazzo Papadopoli, eine königliche Residenz, wurde im Jahr 1550 erbaut und ist ein architektonisches Juwel, das die Romantik und Geschichte Venedigs mit der Gastfreundschaft und dem Service, für die AMAN bekannt ist, verbindet. Er besteht aus zwei fünfstöckigen, nebeneinander liegenden Gebäuden und beeindruckt nach sorgfältiger Renovierung mit neoklassizistischen Freskenmalereien, traditionell venezianischen Dekorationen und den barocken Malereien von Giovanni Battista Tiepolo, einem der bekanntesten Künstler des 18. Jahrhunderts. Im AMAN Venice erleben die Gäste die Schönheit Venedigs mit einem atemberaubenden Blick auf den Canal Grande – der perfekte Ort, um in die Magie dieser einzigartigen Stadt einzutauchen. Nur einen kurzen Spaziergang vom Markusplatz entfernt, ist das Haus der ideale Ausgangspunkt, die romantische Lagunenstadt zu erkunden und ihre versteckten Schätze zu entdecken. Zahlreiche Sehenswürdigkeiten wie die Rialto-Brücke, die Kirche San Giacomo di Rialto oder der Dogenpalast liegen nur wenige Gehminuten entfernt.

Kulinarik Im «Arva» – das Restaurant erinnert an das reiche kulinarische Erbe Italiens – serviert Matteo Panfilio italienische Gaumenfreuden auf höchstem Niveau. Im Roten Speisesaal sowie im Antlitz des imposanten Deckengemäldes von Cesar Rotta im Gelben Saal speist man hier wahrlich königlich. In diesen Räumen geniesst man auch das Frühstück, das atmosphärisch wie kulinarisch keine Wünsche offenlässt. Das «Palazzo Kitchen Table» im AMAN Venice bietet ein exklusives Private-Dining-Konzept – und begrüsst regelmässig Starköche aus aller Welt. Die Bar des Hotels ist eine Hommage an Lord Byron, englischer Dichter und einer der berühmten Einwohner Venedigs. Mit einem malerischen Blick auf den geheimen Garten am Canal Grande ist die Bar eine Oase der Ruhe und Sinnlichkeit. Suiten Das AMAN Venice beherbergt 24 Suiten in vier Kategorien, die sich in Architekturdetails, Grösse und Ausblick unterscheiden. Sie spiegeln Kunst und Architektur vergangener Zeit wider und bieten ein Erlebnis, bei dem Geschichte und zeitgenössischer schlichter Luxus harmonisch miteinander

verschmelzen. Den Gästen stehen sechs Palazzo Bedrooms mit Blicken über den Privatgarten zur Auswahl, neun Palazzo Chambers mit Blick über den Canal Grande sowie vier höher gelegene Palazzo Stanza, ebenfalls mit Blick über den Kanal und wunderschönen Architekturdetails. Darüber hinaus gibt es fünf prachtvolle Signature Suiten. Neben den vielen Annehmlichkeiten wie der kostenlosen Minibar und wundervollen Bad-Accessoires ist die Videothek mit ausschliesslich in Venedig gedrehten Filmen etwas Besonderes. Weitere Einrichtungen Das dezent beleuchtete Spa verbreitet die Atmosphäre eines «Heiligtums». Es liegt versteckt auf der dritten Etage im Gartengebäude und bietet drei Behandlungsräume für eine Wellness-Auszeit. Das kleine Fitnessstudio mit traumhaftem Ausblick über die Dächer Venedigs bietet alles, was nötig ist, um während des Urlaubs fit zu bleiben. Ein Salon im erhaben-königlichen Ambiente mit grossen Fenstern und eine Bibliothek ergänzen die Einrichtungen. Im Stanza del Tiepolo gibt es elegante Schach- und Backgammon-Bretter, Karten- und Puzzletische. Diese Bereiche sind nur Hotel-Gästen zugänglich

und bieten einen herrlich entspannten Blick über das Alltagsleben der Stadt. Über einen Fahrstuhl ist die intime Dachterrasse erreichbar, von der aus man einen Blick über die Dächer Venedigs geniesst, besonders magisch in den Morgen- und Abendstunden. An einem klaren Tag reicht der Blick bis zu den Alpen. Die Gartenterrasse führt auf den Canal Grande hinaus. Dieser Al Fresco-Bereich liegt in einem der wenigen Privatgärten, die es überhaupt am Kanal gibt. Während der Sommermonate können Gäste hier unter freiem Himmel speisen. Hinter dem Palazzo liegt versteckt ein zweiter lauschiger Privatgarten – mit seinem uralten Baumbestand ein herrlich ruhiges Plätzchen zum Lesen oder Träumen.

words. Frank Herbrand photography. courtesy of AMAN Venice location. AMAN Venice Palazzo Papadopoli Calle Tiepolo 1364, Sestiere San Polo Venezia 30125, Italien telefon. +39 041 2707333 email. amanvenice.res@aman.com web. www.aman.com/hotels/ aman-venice

Wer im AMAN Venice absteigt, taucht ein in die einzigartige Welt venezianischer Kunst und Architektur – gepaart mit dem unvergleichlichen AMAN Lifestyle. Irgendwie fühlt man sich hier nicht wie ein Hotelgast, sondern wie ein Freund einer sehr wohlhabenden Familie. Nicht ohne Grund haben George Clooney und Bastian Schweinsteiger dieses Haus gewählt, um Amal und Ana ihr Jawort zu geben. ___________ 243

du Rialto, l’église San Giacomo di Rialto et le palais des Doges se trouvent à quelques minutes de marche. Délices culinaires Dans l’»Arva», le restaurant qui rappelle le riche héritage gastronomique de l’Italie, Matteo Panfilio sert des délices culinaires italiens du plus haut niveau. Dans la salle à manger rouge et la salle à manger jaune, dont les plafonds imposants ont été peints par Cesare Rotta, vous pouvez dîner comme des rois. Le petit-déjeuner est également servi dans ces salles, qui ne laissent rien à désirer en termes d’atmosphère et de cuisine. La «Palazzo Kitchen Table» de l’hôtel AMAN Venice propose un concept exclusif de dîner privé et accueille régulièrement des chefs célèbres du monde entier. Le bar de l’hôtel rend hommage à Lord Byron, le poète anglais et l’un des célèbres habitants de Venise. Avec une vue pittoresque sur le jardin secret du Grand Canal, le bar est une oasis de calme et de sensualité.

FRANÇAIS AMAN Venice. Palais monumental dans le style AMAN - «Au bord» sur le Grand Canal.

Dans un palais monumental situé dans le quartier historique raffiné de San Polo, directement sur la principale voie navigable de Venise, le Grand Canal, AMAN Venice incarne tout ce que la Sérénissime a de splendide et de sensuel. Les clients arrivent en bateau, bien sûr, et sont accueillis par une salle de réception imposante et haute de plafond, ornée de fresques et de reliefs historiques. AMAN Venice se caractérise par un contraste unique entre l’opulence vénitienne et l’élégance discrète. D’une part, le tissu historique du bâtiment avec ses plafonds ornés de fresques, ses décorations en stuc doré et ses œuvres d’art rococo, et d’autre part, la sobriété contemporaine de la décoration intérieure simple et minimaliste de Jean-Michel Gathy, avec des meubles modernes de la société italienne B&B Italia. Deux jardins privés, des salles à manger majestueuses, un bar

244

on the edge

Situation et architecture Le Palazzo Papadopoli, une résidence royale, a été construit en 1550. C’est un joyau architectural qui combine le romantisme et l’histoire de Venise avec l’hospitalité et le service qui font la réputation d’AMAN. Il se compose de deux bâtiments de cinq étages juxtaposés ; après une rénovation minutieuse, il impressionne par ses fresques néoclassiques, ses décorations vénitiennes traditionnelles et ses peintures baroques de Giovanni Battista Tiepolo, l’un des artistes les plus célèbres du XVIIIe siècle.

Les suites AMAN Venice dispose de 24 suites réparties en quatre catégories, qui se distinguent par leurs détails architecturaux, leur taille et leur vue. Elles reflètent l’art et l’architecture d’une époque révolue et offrent une expérience où l’histoire et le luxe contemporain et discret se mélangent harmonieusement. Les clients peuvent choisir entre six chambres Palazzo avec vue sur le jardin privé, neuf chambres Palazzo avec vue sur le Grand Canal, et quatre chambres Palazzo plus hautes, également avec vue sur le Canal et de magnifiques détails architecturaux. L’hôtel compte également cinq magnifiques suites Signature. Outre les nombreux équipements, tels que le minibar gratuit et les magnifiques accessoires de salle de bains, la vidéothèque, qui contient des films tournés exclusivement à Venise, est considérée comme une particularité.

A l’AMAN Venice, les clients découvrent la beauté de Venise avec une vue imprenable sur le Grand Canal : l’endroit idéal pour s’immerger dans la magie de cette ville unique ! A quelques pas de la place SaintMarc, l’hôtel est le point de départ idéal pour explorer la ville lagunaire romantique et découvrir ses trésors cachés. De nombreuses attractions telles que le pont

Autres structures Le spa, discrètement éclairé, dégage une atmosphère de «sanctuaire». Il est caché au troisième étage et propose trois salles de soins pour une pause bien-être. La petite salle de sport avec une vue fantastique sur les toits de Venise offre tout ce dont vous avez besoin pour rester en forme pendant vos vacances.

accueillant, des suites spacieuses et un spa complètent l’offre.

Un salon avec de grandes fenêtres, dans une ambiance incroyable et royale, et une bibliothèque complètent les installations. La salle Tiepolo contient d’élégants échiquiers et backgammon, des tables de jeu et des puzzles. Ces espaces ne sont accessibles qu’aux clients de l’hôtel et offrent une vision merveilleusement détendue de la vie quotidienne dans la ville. La terrasse intime sur le toit est accessible par un ascenseur et offre une vue sur Venise, particulièrement magique le matin et le soir. Par temps clair, la vue s’étend jusqu’aux Alpes.

dîner à l’extérieur. Caché du palais, un second jardin privé accueillant, avec ses arbres centenaires, est un endroit merveilleusement tranquille pour lire ou rêvasser. Toute personne séjournant à AMAN Venise s’immerge dans le monde unique de l’architecture et de l’art vénitiens , associé au style de vie incomparable d’AMAN. D’une certaine manière, on ne se sent pas comme un client de l’hôtel, mais plutôt comme un ami d’une famille très riche. Et ce n’est pas un hasard si George Clooney a choisi cet hôtel pour dire “oui” à Amal et Bastian Schweinsteiger à Ana. ___________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of AMAN Venice adresse. AMAN Venice Palazzo Papadopoli Calle Tiepolo 1364, Sestiere San Polo Venezia 30125, Italie téléphone. +39 041 2707333 e-mail. amanvenice.res@aman.com web. www.aman.com/hotels/ aman-venice

Le jardin en terrasse donne sur le Grand Canal. Cet espace en plein air est situé dans l’un des rares jardins privés du canal. Pendant les mois d’été, les hôtes peuvent

245

tradizionali veneziane e i dipinti barocchi di Giovanni Battista Tiepolo, uno dei più famosi artisti del XVIII secolo. All’AMAN Venice, gli ospiti sperimentano la bellezza di Venezia con una vista mozzafiato sul Canal Grande: il luogo perfetto per immergersi nella magia di questa città unica. A pochi passi da Piazza San Marco, l’hotel è il punto di partenza ideale per esplorare la romantica città lagunare e scoprire i suoi tesori nascosti. Numerose attrazioni come il Ponte di Rialto, la chiesa di San Giacomo di Rialto e il Palazzo Ducale sono raggiungibili in pochi minuti a piedi. Delizie culinarie Nell’«Arva» - il ristorante che ricorda il ricco patrimonio gastronomico italiano - Matteo Panfilio serve delizie culinarie italiane di altissimo livello. Nella Sala da pranzo Rossa e nella Sala Gialla con l’imponente soffitto dipinto da Cesare Rotta, potrete cenare come dei reali. In queste sale viene servita anche la colazione, che non lascia nulla a desiderare in termini di atmosfera e cucina. Il «Palazzo Kitchen Table» dell’AMAN Venice offre un esclusivo concetto di ristorazione privata e accoglie regolarmente chef famosi provenienti da tutto il mondo. Il bar dell’hotel rende omaggio a Lord Byron, il poeta inglese e uno dei famosi abitanti di Venezia. Con una vista pittoresca sul giardino segreto sul Canal Grande, il bar è un’oasi di calma e sensualità.

AMAN Venice. Palazzo monumentale in stile AMAN – «On the Edge» sul Canal Grande

ITALIANO

In un palazzo monumentale nel raffinato sestiere storico di San Polo, direttamente sulla principale via d’acqua di Venezia, il Canal Grande, AMAN Venice incarna tutto ciò che di splendido e sensuale c’è nella Serenissima. Gli ospiti arrivano naturalmente in barca e sono accolti da un imponente salone di ricevimento dalle grandi altezze, con affreschi e rilievi storici. AMAN Venice è caratterizzato da un contrasto unico tra opulenza veneziana e sobria eleganza. Da un lato, il tessuto storico dell’edificio con i soffitti affrescati, le decorazioni in stucco

246

on the edge

dorato e le opere d’arte in stile rococò, dall’altro, la sobrietà contemporanea del design interno semplice e minimalista di Jean-Michel Gathy, con mobili moderni dell’azienda italiana B&B Italia. Due giardini privati, maestose sale da pranzo, un bar accogliente, spaziose suite e una spa completano l’offerta. Posizione e architettura Il Palazzo Papadopoli, residenza reale, è stato costruito nel 1550 ed è un gioiello architettonico che unisce il romanticismo e la storia di Venezia con l’ospitalità e il servizio per cui AMAN è rinomato. È costituito da due edifici di cinque piani, affiancati e, dopo un’attenta ristrutturazione, colpisce per gli affreschi neoclassici, le decorazioni

Le suite L’AMAN Venice dispone di 24 suite di quattro categorie, che si differenziano per dettagli architettonici, dimensioni e vista. Riflettono l’arte e l’architettura di un’epoca passata e offrono un’esperienza in cui storia e lusso contemporaneo e sobrio si fondono armoniosamente. Gli ospiti possono scegliere tra sei camere da letto del Palazzo con vista sul giardino privato, nove camere del Palazzo con vista sul Canal Grande e le quattro camere più alte del Palazzo Stanza, anch’esse con vista sul Canale e splendidi dettagli architettonici. Ci sono anche cinque magnifiche Suite Signature. Oltre ai numerosi comfort, come il minibar gratuito e gli splendidi accessori da bagno, la videoteca con film girati esclusivamente a Venezia è qualcosa di speciale. Altre strutture La spa, illuminata in modo discreto, emana

l’atmosfera di un «santuario». È nascosta al terzo piano e offre tre sale per trattamenti, per una pausa di benessere. La piccola palestra con una fantastica vista sui tetti di Venezia offre tutto il necessario per mantenersi in forma durante la vacanza. Un salone dalle grandi finestre, in un ambiente incredibile e regale, e una biblioteca completano le strutture. Nella Stanza del Tiepolo si trovano eleganti scacchiere e backgammon, tavoli da gioco e puzzle. Queste aree sono accessibili solo agli ospiti dell’hotel e offrono una vista meravigliosamente rilassata sulla vita quotidiana della città. L’intima terrazza sul tetto è raggiungibile tramite un ascensore, da cui si gode di una vista su Venezia, particolarmente magica nelle ore mattutine e serali. Nelle giornate limpide, la vista si estende fino alle Alpi. Il giardino terrazzato si affaccia sul Canal

Grande. Questo spazio all’aperto si trova in uno dei pochi giardini privati sul canale. Durante i mesi estivi, gli ospiti possono cenare all’aperto. Nascosto dal palazzo si trova un secondo accogliente giardino privato, con i suoi alberi secolari, un luogo splendidamente tranquillo per leggere o sognare ad occhi aperti. Chiunque soggiorni all’AMAN Venice si immerge nel mondo unico dell’arte e dell’architettura veneziana, abbinato all’incomparabile stile di vita AMAN. In qualche modo non ci si sente ospiti di un albergo, ma piuttosto amici di una famiglia molto ricca. Non a caso George Clooney e Bastian Schweinsteiger hanno scelto questo hotel per dirsi «sì» con Amal e Ana. ___________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of AMAN Venice location. AMAN Venice Palazzo Papadopoli Calle Tiepolo 1364, Sestiere San Polo Venezia 30125, Italia telefono. +39 041 2707333 e-mail. amanvenice.res@aman.com web. www.aman.com/hotels/ aman-venice

247

248

on the edge

unique travel.

____________

villa honegg

249

Villa Honegg. Ein «Kraftort» 914 Meter über dem Alltag.

DEUTSCH

Hier ist die Welt noch in Ordnung! Mit seinem exklusiven Angebot, seiner Grösse und einem traumhaften Ambiente ist das Hotel Villa Honegg in der Schweiz einmalig. Erholung und Privatsphäre in unvergleichlicher Umgebung. «On the edge» auf dem Bürgenstock, auf 914 Metern, hoch über dem Vierwaldstättersee, der in Türkis- und Grünnuancen schillert. Mit überwältigender Aussicht auf See und Berge – inklusive Rigi-Massiv und Pilatus. Das ursprünglich 1905 als Jugendstil-Villa erbaute Hotel, das auch als Kulisse für Filmaufnahmen diente, wurde nach mehrjähriger Renovierung 2011 wiedereröffnet. Ohne seinen historischen Charme zu verlieren. Beim Interieur Design wurde – mit viel Liebe zum Detail – besonderer Wert auf die Verwendung natürlicher Materialien und edler Accessoires aus der Region gelegt. Verantwortlich zeichnet hier das renommierte (Innen-)Architektur-Büro Jestico + Whiles aus London. Alle 23 Zimmer und Suiten bieten grosszügige Privatsphäre, haben einen Bal-

250

on the edge

kon und bieten Sicht auf den See oder das Alpenpanorama – oder auf beides. Böden mit geräuchertem Eichenparkett, hochwertige Ledermöbel und exklusive Polster- und Dekostoffe setzen höchste Massstäbe. Unser Tipp: die grosszügigen Corner Suiten. Das dritte Stockwerk mit 5 Zimmern für maximal 12 Personen kann als private Suite gebucht werden, Cineasten steht ein Privatkino mit 20 Plätzen zur Verfügung. Wellness in allen vier Jahrezeiten. Abschalten und Erholen im – längst über die Landesgrenzen hinaus bekannten – Aussenpool (34°) gehören in der Villa Honegg einfach dazu. Mit integriertem Whirlpool, komplett in Edelstahl, lässt sich hier die spektakuläre Aussicht auf den Vierwaldstättersee und das Alpenpanorama bei Schneefall, Nebelmeer, Regen oder Sonnenschein gleichermassen geniessen. Darüber hinaus erwarten den Gast im Spa finnische Sauna, Dampfbad und ein Crushed-Ice-Brunnen. Aus einer Vielzahl von Behandlungen kann er sich ein individuelles Verwöhnprogramm zusammenstellen; verwendet werden hochwertige Produkte von Jacqueline Piotaz. Sofern es Hotelbelegung und Wettervorhersage zulassen, besteht auch

die Möglichkeit, als Nicht-Hotelgast online einen Tageseintritt zu buchen. Der Spa im Hotel Villa Honegg ist definitiv eine der schönsten Wellness-Oasen in der Schweiz! Ein exklusives Gym ist mit TechnogymGeräten ausgestattet. Hier finden sich Ausdauer-, Kreislauf- und Kraftgeräte sowie Power Plate und eine Kinesis-Station. Für einen Ausflug auf den Bürgenberg stehen E-Bikes, Mountainbikes und drei Golf Carts zur Verfügung. Nicht zu vergessen sind die unzähligen Freizeit- und Unterhaltungsmöglichkeiten, mit denen die Zentralschweiz lockt – Natur, Kultur, Sport, Shopping. Luzern ist nur rund 30, Zürich 60 Fahrminuten entfernt. Kulinarische Freuden bietet das elegante Restaurant – bei schönem Wetter auch auf der windgeschützten Aussenterrasse. Auch hier lautet das Erfolgsrezept «harmonisches Zusammenspiel von Tradition und Kreativität». Produkte stammen primär von lokalen Lieferanten aus der Nachbarschaft, die in der Karte namentlich genannt werden, oder aus dem eigenen Garten. Auf dem Menü finden sich auch libanesische Gerichte – und verleihen der Küche einen internationalen Akzent.

Last but not least: So nahbar und natürlich das Personal ist, so professionell ist es – und verleiht dem Haus eine Seele, die man, auch im High-End-Bereich der Hotellerie, heute vielerorts vermisst. Dies ist ein weiterer von vielen Gründen, warum man die Villa Honegg nach einem Aufenthalt auf dem Bürgenstock mit neuer Vitalität und viel positiver Energie verlässt. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Villa Honegg location. Hotel Villa Honegg 6373 Ennetbürgen Schweiz telefon. +41 41 6183200 mail. info@villa-honegg.ch web. www.villa-honegg.ch

251

Villa Honegg. Un «lieu de force» à 914 mètres au-dessus de la vie quotidienne.

FRANÇAIS

Tout va toujours pour le mieux ici ! Avec son offre exclusive, sa taille et son ambiance de rêve, l’hôtel Villa Honegg est unique en Suisse. Détente et intimité sont de mise dans un cadre incomparable. Au bord du Bürgenstock, à 914 mètres au-dessus du niveau de la mer et surplombant le lac des Quatre-Cantons, il scintille de tons turquoise et verts, et propose une

vue imprenable sur le lac et les montagnes dont le massif du Rigi et le Pilatus. Construit en 1905, dans l’esprit d’une villa de l’Art nouveau, l’hôtel, qui a également servi de décor à des tournages de films, a rouvert ses portes en 2011, après plusieurs années de rénovation, sans rien perdre de son charme historique. Dans l’intérieur méticuleusement conçu, l’accent a été mis sur l’utilisation de matériaux naturels et d’accessoires de haute qualité provenant de la région. Le mérite en revient au célèbre studio de design d’intérieur Jestico + Whiles de Londres. Les 23 chambres et

le suites offrent toutes une grande intimité. Elles disposent d’un balcon et offrent une vue sur le lac, le panorama alpin ou encore les deux. Les parquets en chêne fumé, les meubles en cuir de haute qualité, les tissus d’ameublement et les tissus décoratifs exclusifs répondent aux normes les plus strictes. Notre recommandation : les suites d’angle spacieuses ! Avec 5 chambres pouvant accueillir jusqu’à 12 personnes, le troisième étage peut être réservé comme suite privée tandis que les cinéphiles disposent d’une salle de cinéma privée d’une capacité de 20 places. Un bien-être durable au fil des saisons. Connue depuis longtemps au-delà des frontières nationales, La Villa Honegg offre une expérience de déconnection et de relaxation dans la piscine en plein air (34°). Avec un bain à remous intégré entièrement en acier inoxydable, on peut profiter de la vue spectaculaire sur le lac des QuatreCantons et le panorama alpin, qu’il neige, qu’il vente, qu’il pleuve ou qu’il fasse beau. La piscine intérieure (26°) est équipée d’un système de contre-courant accompagné de musique subaquatique. Les clients peuvent également utiliser le sauna finlandais, le bain de vapeur et la fontaine de glace pilée du spa. Ils peuvent choisir leur propre programme de soins parmi une large gamme utilisant des produits de haute qualité «Jacqueline Piotaz». Si le nombre de clients de l’hôtel et les prévisions météorologiques le permettent, les clients non hôteliers peuvent également réserver une entrée à la journée en ligne. Le spa de l’hôtel Villa Honegg est sans aucun doute l’une des plus belles oasis de bien-être de Suisse ! Une salle de sport exclusive est équipée de machines Technogym. Vous y trouverez des appareils de résistance, de circuit training et de musculation ainsi que des Power Plates et une station Kinesis. Des vélos électriques, des VTT et trois voiturettes de golf sont disponibles pour les excursions sur le Bürgenberg ; sans oublier les innombrables possibilités de loisirs et de divertissements qu’offre la Suisse centrale : nature, culture, sports et shopping. Lucerne n’est qu’à 30 minutes et Zurich à 60 minutes en voiture.

252

on the edge

L’élégant restaurant propose de délicieux mets culinaires à savourer notamment sur la terrasse extérieure, abritée du vent, par beau temps. Ici aussi, la recette du succès réside dans «l’interaction harmonieuse de la tradition et de la créativité». Les produits proviennent principalement de fournisseurs locaux mentionnés sur le menu ou du propre jardin du restaurant. La carte comprend également des plats libanais qui donnent à la cuisine une saveur internationale.

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Villa Honegg adresse. Hotel Villa Honegg 6373 Ennetbürgen Suisse téléphone. +41 41 6183200 e-mail. info@villa-honegg.ch web. www.villa-honegg.ch

Enfin, le personnel est aussi serviable et naturel que professionnel, et donne à l’hôtel une âme qui fait souvent défaut aujourd’hui même dans l’hôtellerie haut de gamme. C’est une autre des nombreuses raisons pour lesquelles on quitte la Villa Honegg avec une vitalité renouvelée et une énergie positive considérable après un séjour au Bürgenstock. ____________

253

Villa Honegg. Un «luogo di potere» a 914 metri sopra la vita di tutti i giorni.

ITALIANO

Qui tutto va ancora bene! Con la sua offerta esclusiva, le sue dimensioni e il suo ambiente unico, l’Hotel Villa Honegg non ha rivali in Svizzera. Relax e privacy in un ambiente impareggiabile. «Sul bordo» del Bürgenstock, a 914 metri di altezza, sopra il Lago dei Quattro Cantoni, che brilla di sfumature turchesi e verdi. Con una vista mozzafiato sul lago e sulle montagne, tra cui il massiccio del Rigi e il Pilatus. Costruito nel 1905 come villa in stile Art Nouveau l’hotel, che ha fatto anche da sfondo a riprese cinematografiche, è stato riaperto nel 2011 dopo diversi anni di ristrutturazione. Senza perdere nulla del suo fascino storico. Nel design degli interni, curato nei minimi dettagli, è stata data particolare importanza all’uso di materiali naturali e di accessori pregiati provenienti dalla regione. Il merito è del rinomato studio di architettura d’interni

254

on the edge

Jestico + Whiles di Londra. Tutte le 23 camere e suite offrono un’ampia privacy, dispongono di un balcone e permettono di godere di una vista sul lago o sul panorama alpino, o su entrambi. I pavimenti in parquet di rovere affumicato, i mobili in pelle di alta qualità, le tappezzerie e gli esclusivi tessuti decorativi definiscono gli standard più elevati. Il nostro consiglio? le spaziose suite d’angolo! Il terzo piano, con 5 camere per un massimo di 12 persone, può essere prenotato come suite privata, mentre i cinefili hanno a disposizione un cinema privato con 20 posti a sedere. Benessere in tutte e quattro le stagioni. Staccare la spina e rilassarsi nella piscina all’aperto (34°), da tempo conosciuta anche oltre i confini nazionali, completa l’esperienza di Villa Honegg. Con una vasca idromassaggio integrata, interamente in acciaio inox, si può godere della vista spettacolare del Lago dei Quattro Cantoni e del panorama alpino con la neve, la nebbia, la pioggia o il sole. La piscina interna (26°) è dotata di un sistema di controcorrente e di musica

subacquea. Gli ospiti possono inoltre usufruire della sauna finlandese, del bagno turco e della fontana di ghiaccio tritato nella spa. Potranno scegliere il proprio programma di coccole in un’ampia gamma di trattamenti con i prodotti di alta qualità «Jacqueline Piotaz». Se il numero di ospiti dell’hotel e le previsioni del tempo lo permettono, anche gli ospiti non alberghieri possono prenotare, online, un ingresso giornaliero. La spa dell’Hotel Villa Honegg è sicuramente una delle più belle oasi di benessere della Svizzera! Una palestra esclusiva è attrezzata con macchine Technogym. Qui troverete attrezzature per la resistenza, il circuito e la forza, nonché Power Plate e una stazione Kinesis. E-bike, mountain bike e tre golf cart sono a disposizione per un’escursione sul Bürgenberg. Senza dimenticare le innumerevoli possibilità di svago e divertimento che la Svizzera centrale ha da offrire: natura, cultura, sport e shopping. Lucerna è a soli 30 minuti di auto, Zurigo a 60 minuti.

L’elegante ristorante offre delizie culinarie, nella bella stagione anche sulla terrazza esterna protetta dal vento. Anche in questo caso, la ricetta del successo è «l’armoniosa interazione di tradizione e creatività». I prodotti provengono principalmente da fornitori locali, del quartiere, che vengono citati nel menu, o dall’orto del ristorante. Il menu comprende anche piatti libanesi, che conferiscono alla cucina un sapore internazionale. Infine, ma non per questo meno importante, il personale è tanto disponibile e naturale quanto professionale e conferisce all’hotel un’anima che oggi spesso manca, anche nel settore alberghiero di fascia alta. Questo è un altro dei tanti motivi per cui si lascia Villa Honegg con una rinnovata vitalità e tanta energia positiva, dopo aver soggiornato sul Bürgenstock. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Villa Honegg location. Hotel Villa Honegg 6373 Ennetbürgen Svizzera telefono. +41 41 6183200 e-mail. info@villa-honegg.ch web. www.villa-honegg.ch

255

unique travel. ____________

steinbock safari

DEUTSCH On the Edge mit den Steinböcken auf dem Pilatus. Wer glaubt, ins Flugzeug steigen zu müssen, um auf Safari zu gehen, irrt. Die Innerschweiz machts möglich!

Am Pilatus, dem Luzerner Hausberg, können im Rahmen der Steinbock-Safari Steinböcke hautnah erlebt werden. Seit über 60 Jahren leben die wagemutigen Kletterer hier, ein friedliches Nebeneinander von Mensch und Tier. Die Steinböcke und -geissen sind mächtig und beeindruckend. Vor allem abends und am frühen Morgen gehört der Berg den Tieren. Ein magischer Moment zu erleben, wie wendig sie unterwegs sind. Die Kolonie zu beobachten, ist ein unvergessliches und beeindruckendes Erlebnis. Lokale, erfahrene Experten informieren unterwegs über Fauna und Flora, insbesondere natürlich über die Pilatus-Steinbockkolonie.

256

on the edge

Auf Komfort muss bei dieser Safari nicht verzichtet werden – dank der Pilatus Kulm Hotels, die selbstbewusst behaupten: «Nirgendwo leuchten die Sterne intensiver und sind die Sonnenaufgänge spektakulärer als hier». Nah bei Luzern und doch in einer ganz anderen Welt. Die 20 Standard-Doppelzimmer im Hotel Bellevue sind komfortabel eingerichtet und bieten Blick auf die Alpen und das Luzerner Seebecken. Das historische Berghotel Pilatus-Kulm***S wurde 1890 erbaut und 2010 komplett renoviert. Es verfügt über 27 Superior Doppelzimmer und 3 Junior Suiten, alle mit atemberaubender Sicht auf das Alpenpanorama. Je nach Unterbringung kostest eine Steinbock-Safari für 2 Personen CHF 598 bis 898. Das Package umfasst Berg- & Talfahrt ab Alpnachstad/Kriens, Einstimmungsapéro, Information und Führung durch lokale Experten, 4-Gang Menü, eine Übernachtung

inkl. Frühstück, Morgenkaffee oder Tee vor dem Abmarsch zur Safari sowie ein Steinbock-Buch von Rudolf Käch. Auch als Gutschein buchbar – eine aussergewöhnliche Geschenkidee. anforderungen. Gutes Schuhwerk, warme Bekleidung, Feldstecher oder Fernrohr, Regenschutz, Feldflasche, Wanderausrüstung; die Steinbock-Safari findet bei jedem Wetter statt. termine 2024. 23./24. Juni, 11./12. und 22./23. Juli, 5./6., 18./19. und 29./30. August, 12./13. und 23./24. September, 3./4., 15./16. und 23./24. Oktober. reservation. www.pilatus.ch/entdecken/steinbock-safari informationen. Tel. +41 41 329 11 11 oder info@pilatus.ch

____________

Au bord du précipice avec les bouquetins du Mont Pilate. Ceux qui pensent qu’il faut prendre l’avion pour faire un safari se trompent. Vous pouvez faire un safari... en Suisse centrale !

FRANÇAIS

Sur le mont Pilate, la montagne locale de Lucerne,il est possible d’observer de près des bouquetins dans le cadre d’un safari. Les audacieux alpinistes vivent ici depuis plus de 60 ans dans une coexistence pacifique entre l’homme et l’animal. Les bouquetins et les chèvres sont puissants et imposants. La montagne appartient aux animaux surtout le soir et tôt le matin. Il est incroyable de voir avec quelle agilité ils se déplacent. L’observation de la colonie est une expérience inoubliable et impressionnante. En cours de route, des experts locaux fournissent des informations

sur la faune et la flore, en particulier sur la colonie de bouquetins du Pilatus. Ce safari n’exige pas de sacrifier le confort, grâce aux hôtels Pilatus Kulm, qui nous rassurent : «Nulle part ailleurs les étoiles ne brillent autant et les levers de soleil ne sont aussi spectaculaires qu ici. Près de Lucerne, mais dans un monde complètement différent,les 20 chambres doubles standard de l’hôtel Bellevue sont meublées avec confort et offrent une vue sur les Alpes et le bassin du lac des Quatre-Cantons. L’historique Berghotel Pilatus-Kulm***S a été construit en 1890 et entièrement rénové en 2010. Il dispose de 27 chambres doubles supérieures et de 3 suites juniors, qui offrent toutes une vue imprenable sur le panorama alpin. Selon l’hébergement, un safari au bouquetin pour 2 personnes coûte entre 598 et

898 CHF. Le forfait comprend la montée et la descente d’Alpnachstad/Kriens, une boisson de bienvenue, des informations, une visite guidée par des experts locaux, un menu à 4 plats, une nuitée avec petit-déjeuner,café ou thé avant le départ pour le safari et un livre de Rudolf Käch sur les bouquetins. L’hébergement et le safari peuvent être une excellente idée de cadeau sous forme de bon. exigences. bonnes chaussures, vêtements chauds, jumelles ou télescope, protection contre la pluie, bouteille d’eau, équipement de randonnée. Le safari des bouquetins a lieu par tous les temps. dates en 2024. 23/24 juin ; 11/12 et 22/23 juillet ; 5/6, 18/19 et 29/30 août ; 12/13 et 23/24 septembre ; 3/4, 15/16 et 23/24 octobre. réservations. www.pilatus.ch/entdecken/steinbock-safari informations. Tél. +41 41 329 11 11 ou info@pilatus.ch

____________ 257

258

on the edge

ITALIANO «On the edge» con gli stambecchi sul Monte Pilatus. Chi pensa di dover salire su un aereo per fare un safari si sbaglia. Si può fare un Safari… nella Svizzera centrale!

Sul Monte Pilatus, la montagna locale di Lucerna, è possibile osservare da vicino gli stambecchi nell’ambito di un Safari che li vede protagonisti. Gli audaci scalatori vivono qui da oltre 60 anni, in una coesistenza pacifica tra uomini e animali. Gli stambecchi e le capre sono possenti e imponenti. La montagna appartiene agli animali, soprattutto la sera e la mattina presto. È incredibile vedere con quanta agilità si muovono. Osservare la colonia è un’esperienza indimenticabile e impressionante. Lungo il percorso, esperti locali forniscono informazioni sulla fauna e sulla flora, in particolare sulla colonia di stambecchi del Pilatus. Questo Safari non richiede di sacrificare il comfort; grazie ai Pilatus Kulm Hotels, da cui giunge la rassicurazione: «In nessun luogo le stelle brillano più intensamente e le albe sono più spettacolari che qui». Vicino a Lucerna, ma in un mondo completamente diverso. Le 20 camere doppie standard dell’Hotel Bellevue sono arredate in modo confortevole e offrono una vista sulle Alpi e sul bacino del lago di Lucerna. Lo storico Berghotel Pilatus-Kulm***S è stato costruito nel 1890 e completamente rinnovato nel 2010. Dispone di 27 camere doppie superior e 3 junior suite, tutte con vista mozzafiato sul panorama alpino. A seconda della sistemazione, un Safari degli stambecchi per 2 persone costa da 598 a 898 franchi. Il pacchetto comprende salita e discesa da Alpnachstad/Kriens, aperitivo di benvenuto, informazioni e visita guidata da parte di esperti locali, menu di 4 portate, un pernottamento con prima colazione, caffè o tè del mattino prima di partire per il safari, libro sullo stambecco di Rudolf Käch. Può essere prenotato anche come Buono: un’idea regalo eccezionale.

requisiti. Buone calzature, abbigliamento caldo, binocolo o telescopio, protezione per la pioggia, borraccia, attrezzatura da escursionismo; il Safari degli stambecchi si svolge con qualsiasi tempo. date del 2024. 23/24 giugno; 11/12 e 22/23 luglio; 5/6, 18/19 e 29/30 agosto; 12/13 e 23/24 settembre; 3/4, 15/16 e 23/24 ottobre. prenotazioni. www.pilatus.ch/entdecken/steinbock-safari informazioni. Tel. +41 41 329 11 11 o info@pilatus.ch

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Pilatus-Bahnen AG

____________

259

unique travel. ____________

hotel caruso ravello

260

on the edge

261

unique travel. ____________

DEUTSCH Belmond Hotel Caruso, Ravello. Privater Balkon über der Amalfiküste – zwischen Himmel und Meer.

Dieser ehemalige Palast aus dem 11. Jahrhundert, auf einer 300 m hohen Klippe mit Blick auf den Golf von Salerno, bietet allen weltlichen Luxus, den man sich wünschen kann. Von klösterlicher Schlichtheit, eingebettet in einen üppigen Terrassengarten aus Rosen, Hortensien, Zitronen-, Orangen- und Granatapfelbäumen. Marmorierte Korridore führen zu Zimmern voller Antiquitäten und Gemälden alter Meister. Die Salons mit Originalfresken aus dem 18. Jahrhundert,

262

on the edge

herrschaftliche Treppen und lange Gänge haben etwas Geheimnisvolles. Ravello, die faszinierende «Stadt der Musik», liegt zu Füssen, inmitten von Zitronen- und Olivenhainen. Wer im Caruso residiert, residiert «on the edge». Greta Garbo, Jackie Kennedy – das Anwesen hat bereits viele berühmte Gesichter gesehen. Es war ein Urlaubsrefugium der Reichen und Berühmten, dank einer aufwändigen 30 Millionen Dollar teuren Restaurierung hat das Hotel seinen alten Glanz und Charme, seinen Hollywood-Glamour bewahrt. Die 50 Zimmer des zur noblen Belmond Gruppe gehörenden Hauses sind im klassischen

italienischen Stil eingerichtet, mit rustikalem Mauerwerk, goldgerahmten Gemälden, antiker Beleuchtung und feinsten italienischen Seidenstoffen. Sie bieten einen atemberaubenden Blick auf die Küste. Die Hotellobby ist mit einem römischen Mosaikfussboden ausgestattet, Decken und Wände sind mit Fresken bemalt, angelehnt an die antiken Villen Pompejis. Längst zum Markenzeichen des Caruso geworden ist der riesige beheizte InfinityPool, der nahtlos mit Himmel und Meer zu verschmelzen scheint. Für uns definitiv der schönste Pool an der Amalfitana.

Kulinarik Chefkoch Armando Aristarco verwöhnt die Gäste im Restaurant Belvedere mit feiner, mediterraner, traditioneller Küche. Ein Dinner im Freien unter duftenden Rosenstöcken und dem Sternenhimmel Italiens ist unvergesslich. Auf der Terrasse hat man dann das Gefühl, dass einem die Welt (zumindest die der Amalfiküste) zu Füssen liegt. Die Poolside Bar bietet eine Vielfalt süditalienischer Spezialitäten, Pizza aus dem Holzofen, Pasta und Salate. In der Cocktail- und Piano-Bar ertönt allabendlich Livemusik. Wellness & Fitness Im Hotelgarten liegt der Spa des Hauses. Das Angebot umfasst eine Vielzahl von Behandlungen. Blauer Himmel, die warme Sonne und eine sanfte mediterrane Brise – die Gartenmassagen des Caruso sind der ultimative Genuss für die Sinne. Für sportlich aktive Gäste gibt es ein Open-AirFitnessstudio mit einer grossen Auswahl an Cardio- und Kraftgeräten. Mittels Mywellness-App kann auf eine breite Palette von Workouts zugegriffen werden, wer in seiner Suite oder im Garten trainieren möchten, fragt an der Rezeption einfach nach dem Technogym Case. Ausflüge Die malerische Küste kann im Rahmen einer «Mini-Cruise» an Bord des hoteleigenen charmanten Holzboots «Ercole» erkundet werden. Um das beste Strandleben an der Amalfiküste zu erleben, bringt der Hotel-Shuttle den Gast zum Hafen, von wo – mit dem Boot des Caruso – die Reise in ein abgelegenes Paradies beginnt. Im Beach Club stehen Liegestühle, Sonnenschirme und Handtücher bereit. Auch private Bootstouren nach Procida oder Capri können organisiert werden. Lage Der Ortskern Ravello ist nur wenige Gehminuten vom Hotel entfernt, der etwas grobsandige Strand Castiglione liegt ca. 5 km entfernt. Das Hotel bietet kostenlos einen Shuttle-Service nach/von Amalfi (7 km) und Positano (18 km) an. Wer die Amalfiküste aus der Luft erleben möchten – der Concierge organisiert gerne einen Helikopter. Flughafen und Bahnhof von Neapel sind in 60 Minuten Fahrtzeit zu erreichen.

Das Belmond Hotel Caruso ist das ultimative romantische Hideaway für Honeymooner, anspruchsvolle Geniesser und alle, die die Amalfiküste etwas gemächlicher, fernab der Küstenstrasse im Fünf-Sterne-Stil entdecken möchten. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Belmond Hotel Caruso location. Belmond Hotel Caruso Piazza San Giovanni Del Toro 2 84010 Ravello, Salerno Italien telefon. +39 089 858 801 mail. reservations.car@belmond.com web. www.belmond.com 263 263

Excursions Le littoral pittoresque peut être exploré grâce à une mini-croisière à bord du charmant bateau en bois de l’hôtel, l’Ercole. Pour découvrir les meilleures plages de la côte amalfitaine, la navette de l’hôtel conduit les clients au port, d’où le voyage vers un paradis isolé commence à bord du bateau «Caruso». Des chaises longues, des parasols et des serviettes sont disponibles au Beach Club. Des excursions en bateau privé vers Procida ou Capri peuvent être organisées.

Belmond Hotel Caruso, Ravello. Balcon privé sur la côte amalfitaine, entre ciel et mer.

FRANÇAIS

Cet ancien palais du XIème siècle, perché sur une falaise de 300 mètres de haut surplombant le golfe de Salerne, offre tout le luxe que l’on peut souhaiter. D’une simplicité monacale, il est situé dans un luxuriant jardin en terrasses où poussent des roses, des hortensias, des citrons, des oranges et des grenades. Des couloirs en marbre mènent à des pièces remplies d’antiquités et de peintures de grands maîtres. Les salons ornés de fresques originales du XVIIIe siècle, les grands escaliers et les longs couloirs apparaissent mystèrieux. Ravello, la fascinante «ville de la musique», est à vos pieds, entourée d’agrumes et d’oliviers. Ceux qui séjournent au Caruso sont «au bord du gouffre». L’hôtel a vu défiler de nombreux visages célèbres dont notamment Greta Garbo,et Jackie Kennedy C’était un lieu de villégiature pour les riches et les célébrités. Grâce à une rénovation massive de 30 millions de dollars, l’hôtel a conservé son charme d’antan et son glamour hollywoodien. Les 50 chambres de l’hôtel appartenant au noble groupe Belmond.Elles sont meublées dans un style italien classique: briques rustiques, peintures encadrées d’or, éclairages anciens et tissus de soie italiens les plus beaux. Elles offrent des vues imprenables sur le littoral. Le sol du hall de l’hôtel est en mosaïque romaine et les plafonds et murs sont ornés de fresques, inspirées des anciennes villas de Pompéi.

264

on the edge

L’immense piscine à débordement chauffée semble se confondre parfaitement avec le ciel et la mer. Elle est depuis longtemps devenue la «marque de fabrique» du Caruso. Pour nous, c’est certainement la plus belle piscine de la côte. Délices culinaires Le chef Armando Aristarco gâte les clients du restaurant «Belvedere» avec une cuisine méditerranéenne traditionnelle et raffinée. Dîner à l’extérieur sous les rosiers parfumés et le ciel étoilé italien est inoubliable. Sur la terrasse, on a l’impression que le monde (du moins le monde de la côte amalfitaine) est à nos pieds. Le bar de la piscine propose une variété de spécialités du sud de l’Italie: des pizzas cuites au feu de bois, des pâtes et des salades. Tous les soirs,vous pouvez profiter de la musique live en sirotant votre cocktail dans le piano bar. Bien-être et remise en forme Le spa de l’hôtel dans le jardin de l’hôtel propose une large gamme de soins. Ciel bleu, soleil chaud et douce brise méditerranéenne : les massages dans le jardin du Caruso sont un régal pour les sens. Pour les plus actifs, l’hôtel dispose d’une salle de sport en plein air avec une large sélection d’équipements de cardio et de musculation et d’une vue panoramique. Vous pouvez accéder à une large sélection de séances d’entraînement via l’application’’ MyWellness’’ et, si vous le souhaitez ,vous pouvez vous entraîner dans votre suite ou dans le jardin. Il vous suffit de demander la valise ‘’Technogym’’ à la réception.

Localisation Le centre de Ravello se trouve à quelques minutes de marche de l’hôtel, tandis que la plage de Castiglione, au sable plutôt grossier, est distante de 5 km. L’hôtel propose un service de navette gratuit vers Amalfi (7 km) et Positano (18 km). Si vous souhaitez découvrir la côte amalfitaine d’en haut, le concierge se fera un plaisir d’organiser un vol en hélicoptère. Il faut 60 minutes en voiture pour rejoindre l’aéroport et la gare de Naples. Le Belmond Hotel Caruso est un lieu de retraite romantique par excellence pour les couples en lune de miel ainsi que pour les connaisseurs et tous ceux qui souhaitent découvrir la côte amalfitaine à un rythme plus tranquille, à l’écart de la route côtière, dans un style cinq étoiles. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Belmond Hotel Caruso adresse. Belmond Hotel Caruso Piazza San Giovanni Del Toro 2 84010 Ravello, Salerno Italie téléphone. +39 089 858 801 e-mail. reservations.car@belmond.com web. www.belmond.com

unique travel.

____________

265

Belmond Hotel Caruso, Ravello. Balcone privato sulla Costiera Amalfitana, tra cielo e mare.

ITALIANO

Questo antico palazzo dell’XI secolo, arroccato su una scogliera alta 300 metri che domina il Golfo di Salerno, offre tutti i lussi mondani che si possano desiderare. Con semplicità monastica, è immerso in un lussureggiante giardino terrazzato di rose, ortensie, limoni, aranci e melograni. Corridoi in marmo conducono a stanze piene di oggetti d’antiquariato e dipinti di grandi maestri. I salotti con affreschi originali del XVIII secolo, le grandi scale e i lunghi corridoi hanno un’aria di mistero. Ravello, l’affascinante «città della musica», è ai vostri piedi, circondata da agrumeti e uliveti. Chi soggiorna al Caruso sta «sul filo del rasoio». Greta Garbo, Jackie Kennedy: la struttura

266

on the edge

ha visto molti volti famosi. Era un rifugio per le vacanze dei ricchi e delle celebrità; grazie a un imponente restauro da 30 milioni di dollari, l’hotel ha mantenuto il suo fascino antico, il suo glamour hollywoodiano. Le 50 camere dell’hotel, che appartiene al nobile gruppo Belmond, sono arredate in stile classico italiano, con mattoni rustici, quadri con cornici d’oro, luci antiche e i migliori tessuti di seta italiani. Offrono una vista mozzafiato sulla costa. La hall dell’hotel presenta un pavimento a mosaico romano e soffitti e pareti affrescati, ispirati alle antiche ville di Pompei. L’enorme piscina a sfioro riscaldata, che sembra fondersi perfettamente con il cielo e il mare, è diventata da tempo il «marchio di fabbrica» del Caruso. Per noi è sicuramente la piscina più bella della Costiera.

Delizie culinarie Il capo chef Armando Aristarco vizia gli ospiti del ristorante «Belvedere» con una raffinata cucina mediterranea tradizionale. Cenare all’aperto sotto i profumati cespugli di rose e il cielo stellato italiano è indimenticabile. Sulla terrazza si ha la sensazione che il mondo (almeno quello della Costiera Amalfitana) sia ai propri piedi. Il bar a bordo piscina offre una varietà di specialità del Sud Italia, pizza dal forno a legna, pasta e insalate. Il Cocktail e Piano Bar offre musica dal vivo ogni sera. Benessere e fitness La spa dell’hotel si trova nel giardino dell’albergo. Offre una vasta gamma di trattamenti. Cielo azzurro, sole caldo e una leggera brezza mediterranea: i massaggi nel giardino del Caruso sono il massimo per i sensi. Per gli ospiti più attivi, c’è una palestra all’aperto con un’ampia scelta di attrezzature cardio e di forza e una

vista panoramica. È possibile accedere a un’ampia scelta di allenamenti tramite l’App MyWellness e, se si desidera allenarsi nella propria suite o in giardino, è sufficiente richiedere la Technogym Case alla reception. Escursioni La pittoresca costa può essere esplorata con una mini-crociera a bordo dell’affascinante barca di legno «Ercole» dell’hotel. Per vivere la migliore vita da spiaggia della Costiera Amalfitana, la navetta dell’hotel porta gli ospiti al porto, da dove, a bordo della barca «Caruso», inizia il viaggio verso un paradiso appartato. Presso il Beach Club sono disponibili lettini, ombrelloni e asciugamani. È possibile organizzare gite private in barca a Procida o Capri.

di Castiglione, di sabbia piuttosto grossolana, dista circa 5 km. L’hotel offre un servizio navetta gratuito da/per Amalfi (7 km) e Positano (18 km). Se desiderate vivere la Costiera Amalfitana dall’alto, il concierge sarà lieto di organizzare un volo in elicottero. L’aeroporto e la stazione ferroviaria di Napoli sono raggiungibili in circa 60 minuti di auto. Il Belmond Hotel Caruso è il rifugio romantico per eccellenza per le coppie in luna di miele, per gli intenditori più esigenti e per tutti coloro che desiderano scoprire la Costiera Amalfitana a un ritmo più tranquillo, lontano dalla strada costiera, in uno stile a cinque stelle. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Belmond Hotel Caruso location. Belmond Hotel Caruso Piazza San Giovanni Del Toro 2 84010 Ravello, Salerno Italia telefono. +39 089 858 801 e-mail. reservations.car@belmond.com web. www.belmond.com

Posizione Il centro di Ravello si trova a pochi minuti a piedi dall’hotel, mentre la spiaggia

267

arts & culture. guide ____________ Villa la Massa

24h in Florence words. Simona Manzione

24 Stunden in Florenz. Wiege der Renaissance und eine der meistbesuchten Kunststädte der Welt. Könnten die Strassen im Zentrum von Florenz sprechen, würden sie die Geschichten, Anekdoten, Geheimnisse und das Geflüster von Malern, Bildhauern, Architekten und Dichtern von Brunelleschi bis Dante Alighieri erzählen. Ein Besuch zu Fuss bedeutet, in ein Szenario von seltener Schönheit einzutauchen, vom Dom zu den Uffizien, vom Palazzo Pitti zur Ponte Vecchio zu gehen, der Versuchung von Speisen und Weinen zu erliegen, die den Gaumen überraschen, und Einkäufe zu tätigen, die sich auf luxuriöses Kunsthandwerk konzentrieren sollten.

DEUTSCH

FRANÇAIS 24h à Florence. Berceau de la Renaissance, Florence est l’une des villes d’art les plus visitées au monde. Si les rues du centre pouvaient parler, elles raconteraient les histoires, les anecdotes, les secrets et les chuchotements des peintres, des sculpteurs, des architectes et des poètes, de Brunelleschi à Dante Alighieri. Une visite à pied signifie s’immerger dans un scénario d’une rare beauté, passer du Duomo à la Galerie des Offices, du Palazzo Pitti au Ponte Vecchio, succomber à la tentation de mets et de vins qui surprennent le palais et faire des achats d’artisanat de luxe. ITALIANO 24h in Firenze. Culla del Rinascimento e tra le città d’arte più visitate al mondo. Se le strade del centro di Firenze potessero parlare, racconterebbero vicende, aneddoti, segreti e sussurri di pittori, scultori, architetti e poeti da Brunelleschi a Dante Alighieri. Visitarla a piedi equivale ad immergersi in uno scenario di rara bellezza, passando dal Duomo alla Galleria degli Uffizi, da Palazzo Pitti a Ponte Vecchio, cedendo alla tentazione di un’enogastronomia che sorprende il palato e dello shopping che, qui, merita di privilegiare l’artigianato di lusso.

268

on the edge

DEUTSCH

morgens. ____________ KUNSTROUTEN

Kosten: ab 8 Euro Das Museo di San Marco beherbergt die weltweit grösste Sammlung von Werken von Beato Angelico, einem der grössten Maler der Frührenaissance, darunter die Verkündigung, ein Meisterwerk der Renaissance-Malerei, die Kreuzabnahme und das Triptychon des Märtyrers St. Peter. Das Museum beherbergt weitere Werke von unschätzbarem historischem und künstlerischem Wert, wie das Letzte Abendmahl von Ghirlandaio und die Madonna mit Kind von Paolo Uccello. www.beniculturali.it/luogo/museo-di-san-marco

mittags. ____________ WO DIE SINNE BEFLÜGELT WERDEN

Nachdem der Geruchssinn in der Officina angeregt wurde, ist es an der Zeit, die Geschmacksnerven zu befriedigen. Nur einen Katzensprung von den Uffizien entfernt, ein erholsamer Halt für Liebhaber der gehobenen Küche. In einer intimen und eleganten Atmosphäre werden Gerichte serviert, die Emotionen vermitteln, begleitet von Weinen aus dem gut sortierten Weinkeller. www.degusteriaitalianafirenze.com

APERITIV MIT AUSSICHT

Kosten: Cocktails ab 16 Euro Im Herzen der Stadt bietet die Angel Roofbar & Dining (Hotel Calimala) eine fantastische Aussicht und ein fesselndes Angebot an originellen Cocktails, die man schlürfen kann, während man den Sonnenuntergang bewundert. www.hotelcalimala.com/angel-roofbar-dining

abends. ____________ ESSEN MIT DEN STERNEN

Das einzige 3-Sterne-Michelin-Restaurant in der Toskana. Innovation im Zeichen der territorialen Tradition. Eine Küche, die sich durch Forschung und Respekt vor den Rohstoffen, durch Kreativität und die Beherrschung der Kochtechniken auszeichnet. Ein äusserst aufmerksamer und raffinierter Service. Die Abfolge der Empfehlungen ist ein Crescendo der Überraschungen. Der Weinkeller ist weltberühmt. www.enotecapinchiorri.it

Kosten: ab 12,50 Euro Florenz ist eine der wenigen Städte der Welt, deren gesamtes historisches Zentrum von der UNESCO zum Weltkulturerbe erklärt wurde. Viele der grossartigen Kunstwerke, die von einigen der grössten Künstler aller Zeiten geschaffen wurden, schmücken die zahlreichen Kirchen. Wir haben uns für einen Besuch der Basilika Santa Maria Novella entschieden, die aussergewöhnliche Meisterwerke beherbergt, darunter die Dreifaltigkeit von Masaccio, die Fresken von Ghirlandaio in der Tornabuoni-Kapelle und das Kruzifix von Giotto. www.smn.it

für eine erholsame nacht. ____________

«DER ORT» IN DER STADT

DER DUFT DER GESCHICHTE

Kosten: ab 28 Euro, für «Acqua della Regina»-Wachstabletten Ein besonderes Dufterlebnis in einer faszinierenden Umgebung. In der Officina Profumo-Farmaceutica di Santa Maria Novella, die ihren Ursprung im Jahr 1221 hat und als älteste Apotheke der Welt gilt. Heute ist die Officina berühmt für ihre Parfums, Kerzen, Liköre und «antiken Präparate». Es wird empfohlen, eine private Besichtigung zu buchen. eu.smnovella.com

warten auf den abend. ____________

am nachmittag. ____________ EINKAUFEN

Wenn man die Uffizien hinter sich gelassen hat, geht man in Richtung Ponte Vecchio, dem Wahrzeichen der Stadt am Fluss Arno. An einem sonnigen Nachmittag leuchten die Schaufenster der «Boutiquen», von denen viele historisch sind. So auch das Juweliergeschäft Fratelli Piccini, das bereits in der vierten Generation geführt wird, mit seinen vollständig handgefertigten Kreationen sowie Angeboten ausgewählter Marken. Es werden auch exklusive Erlebnisse organisiert, die zum Schenken oder Sich-Beschenken einladen. www.fratellipiccini.it

ITALIENISCHER GARTEN

Der riesige Boboli-Garten, der 1549 als Privatgarten des Pitti-Palastes angelegt wurde, ist ein hervorragendes Beispiel für einen italienischen Garten; dank seiner zahlreichen Statuen und Skulpturen und seiner architektonischen Gestaltung ist er ein wahres Freilichtmuseum, das jedes Jahr von mehr als 800.000 Menschen besucht wird. Er erstreckt sich über eine Fläche von 45 Tausend Quadratmetern und steht seit 2013 unter dem Schutz der UNESCO – als Teil des einzigartigen Weltkulturerbes «Medici-Villen und Gärten in der Toskana». www.uffizi.it/giardino-boboli

Preis: ab 434 Euro pro Nacht Im «The Place» ist jedes Detail, vom Tisch bis zur Inneneinrichtung, von zeitloser Schönheit und traditioneller florentinischer Handwerkskunst inspiriert. Eine Konzentration von Wundern an einem magischen, preisgekrönten Ort, der der bereits gefeierten italienischen Gastfreundschaft einen neuen Wert verleiht. www.theplacefirenze.com

AUSSERHALB – IN DER MALERISCHEN CHIANTI-LANDSCHAFT

Preis: ab 493 Euro pro Nacht Nicht weit von Florenz entfernt und aus dem 13. Jahrhundert stammend, liegt die Villa La Massa, ein Fünf-Sterne-Hotel, eingebettet in die Landschaft an den Ufern des Flusses Arno. Es verfügt über 54 Zimmer und Suiten, die auf sechs Villen verteilt sind, und zwei Restaurants. Im «Il Verrocchio» wird ein traditionelles italienisches Menü mit modernen Akzenten serviert, das sich auf eine Auswahl lokaler Produkte und das Bio-Olivenöl extra vergine des Anwesens konzentriert. Das «Bistrot L‘Oliveto» mit seiner entspannten und gemütlichen Atmosphäre und der bezaubernden Aussenterrasse bietet mittags leichte Gerichte, darunter internationale Klassiker, bevor es sich an Sommerabenden in eine traditionelle toskanische Trattoria verwandelt. Die «Bar Mediceo» ist der ideale Ort, um einen Aperitif oder einen der charakteristischen Cocktails zu geniessen, die die Geschichte der Villa La Massa widerspiegeln. Für wahres «Benessere» sorgen der grosse beheizte Aussenpool und das Arno SPA, das sich in den antiken Kellern des Hotels befindet. www.villalamassa.com

Santa Maria Novella

269

FRANÇAIS

le matin. ____________ ITINÉRAIRES ARTISTIQUES

Coût : à partir de 8 euros Le Museo di San Marco abrite la plus grande collection au monde d’œuvres de Beato Angelico, l’un des plus grands peintres du début de la Renaissance. Parmi cette collection, on peut admirer l’Annonciation, un chef-d’œuvre de la peinture de la Renaissance, la Descente de Croix et le triptyque du martyr Saint-Pierre. Le musée abrite d’autres œuvres d’une valeur historique et artistique inestimable comme la Cène de Ghirlandaio et la Vierge à l’Enfant de Paolo Uccello. www.beniculturali.it/luogo/museo-di-san-marco Coût : à partir de 12,50 euros Florence est l’une des rares villes au monde dont l’ensemble du centre historique a été déclaré patrimoine mondial de l’humanité par l’UNESCO. Les nombreuses églises sont ornées de magnifiques œuvres d’art réalisées par certains des plus grands artistes de tous les temps. Nous avons choisi de visiter la basilique Santa Maria Novella, qui abrite des chefs-d’œuvre d’exception, dont la Trinité de Masaccio, les fresques de Ghirlandaio de la chapelle Tornabuoni et le crucifix de Giotto. www.smn.it

LE PARFUM DE L’HISTOIRE

Coût : à partir de 28 euros, pour les tablettes de cire «Acqua della Regina». Une expérience olfactive particulière qui se déroule dans un environnement fascinant : l’Officina Profumo-Farmaceutica di Santa Maria Novella, dont les origines remontent à 1221 et considérée comme la plus ancienne pharmacie du monde. Aujourd’hui, l’Officina est célèbre pour ses parfums, ses bougies, ses liqueurs et ses «préparations antiques». Il est recommandé de réserver une visite privée. eu.smnovella.com

midi. ____________

pour une nuit reposante.

MOMENT OÙ LES SENS SONT MIS EN ÉVEIL…

«LE LIEU» DANS LA VILLE

Après avoir stimulé l’odorat à l’Officina, il est temps de satisfaire nos papilles. A deux pas de la Galerie des Offices, une halte reposante est proposée pour les amateurs de gastronomie. Dans une atmosphère intime et élégante, des plats qui transmettent des émotions sont servis, accompagnés de vins d’une cave bien achalandée. www.degusteriaitalianafirenze.com

l’après-midi. ____________ Après avoir laissé la Galerie des Offices derrière soi, on se dirige vers le Ponte Vecchio, symbole de la ville sur le fleuve Arno. Par un après-midi ensoleillé, les vitrines des «boutiques», dont beaucoup sont historiques, s’illuminent. C’est le cas de la bijouterie Fratelli Piccini, dirigée par la quatrième génération, qui propose des créations entièrement faites à la main ainsi que des produits de marques de sélection. Des expériences exclusives invitant à offrir et à recevoir sont également organisées. www.fratellipiccini.it

JARDIN À L’ITALIENNE

L’immense jardin de Boboli, jardin privé du palais Pitti crée en 1549, est un excellent exemple de jardin à l’italienne. Grâce à ses nombreuses statues et sculptures et à sa conception architecturale, il constitue un véritable musée en plein air visité chaque année par plus de 800 000 personnes. Il s’étend sur une surface de 45 000 mètres carrés et est protégé par l’UNESCO depuis 2013 en tant que partie du patrimoine mondial unique «Villas et jardins Médicis en Toscane». www.uffizi.it/giardino-boboli

en attendant le soir. ____________ Coût : cocktails à partir de 16 euros Au cœur de la ville, Angel Roofbar & Dining (Hôtel Calimala) offre des vues fantastiques et propose une carte enivrante de cocktails originaux à siroter en admirant le coucher de soleil. www.hotelcalimala.com/angel-roofbar-dining

le soir. ____________ DÎNER AVEC LES ÉTOILES

270

on the edge

Prix : à partir de 434 euros par nuit Au «The Place», chaque détail, de la table à la décoration intérieure, est inspiré par la beauté intemporelle et l’artisanat traditionnel florentin. Une concentration de merveilles dans un lieu magique et primé, qui donne une valeur ajoutée à l’hospitalité italienne déjà renommée. www.theplacefirenze.com

Villa La Massa

SHOPPING

APÉRITIF AVEC PANORAMA

Santa Maria del Fiore

____________

C’est le seul restaurant à 3 étoiles du guide Michelin de Toscane alliant innovation et tradition terrienne. Sa cuisine se distingue par la recherche dans le respect des matières premières ainsi que la créativité dans la maîtrise des techniques culinaires. Le service y est extrêmement sérieux et raffiné. La succession des recommandations est un crescendo de surprises. Sa cave à vin est réputée dans le monde entier.. www.enotecapinchiorri.it

EN DEHORS DANS LA CAMPAGNE PITTORESQUE DU CHIANTI

Prix : à partir de 493 euros par nuit Non loin de Florence, datant du 13e siècle, la Villa La Massa, un hôtel cinq étoiles, est nichée dans la campagne sur les rives de l’Arno. Il dispose de 54 chambres et de suites réparties dans six villas ainsi que deux restaurants. Le «Il Verrocchio» sert un menu italien traditionnel aux accents modernes, axé sur une sélection de produits locaux et sur l’huile d’olive extra vierge biologique du domaine. Le «Bistrot L’Oliveto», avec son atmosphère détendue, accueillante et sa charmante terrasse extérieure, propose à midi des plats légers, dont des classiques internationaux, avant de se transformer en trattoria toscane traditionnelle les soirs d’été. Le «Bar Mediceo» est l’endroit idéal pour savourer un apéritif ou l’un des cocktails caractéristiques qui reflètent l’histoire de la Villa La Massa. La grande piscine extérieure chauffée et l’Arno SPA, situés dans les anciennes caves de l’hôtel, garantissent un véritable moment de bien-être. www.villalamassa.com

ITALIANO

di mattina. ____________ ITINERARI D’ARTE

Costo: da 8 euro Il Museo di San Marco custodisce la più grande collezione al mondo di opere del Beato Angelico, uno dei massimi pittori del primo Rinascimento, tra cui l’Annunciazione, capolavoro della pittura rinascimentale, la Deposizione, il Trittico di San Pietro martire. Il museo ospita altre opere di inestimabile valore storico-artistico, come il Cenacolo del Ghirlandaio e la Madonna col Bambino di Paolo Uccello. www.beniculturali.it/luogo/museo-di-san-marco Costo: da 12.50 euro Firenze è tra le poche città al mondo ad avere tutto il centro storico censito come patrimonio dell’Umanità dall’Unesco. Molte delle magnifiche opere d’arte che la rendono preziosa, realizzate da alcuni degli artisti più grandi di tutti i tempi, adornano le numerose chiese. Abbiamo scelto di visitare la Basilica di Santa Maria Novella, che racchiude capolavori straordinari, tra cui la Trinità di Masaccio, gli affreschi del Ghirlandaio nella Cappella Tornabuoni e il Crocifisso di Giotto. www.smn.it

IL PROFUMO DELLA STORIA

Costo: da 28 euro, per le tavolette di cera «Acqua della Regina» Una particolare esperienza olfattiva in un contesto affascinante. All’Officina Profumo-Farmaceutica di Santa Maria Novella, che ha origini nell’anno 1221 ed è considerata la farmacia più antica del mondo. L’Officina oggi è celebre per i suoi profumi, le candele, i liquori e le «antiche preparazioni». Si consiglia di prenotare la visita privata. eu.smnovella.com

di pomeriggio. ____________ SHOPPING

Lasciandosi alle spalle gli Uffizi, si avanza verso Ponte Vecchio, luogo iconico della città, sul fiume Arno. In un pomeriggio di sole, brillano le vetrine delle ‘botteghe’, molte delle quali storiche, come la gioielleria Fratelli Piccini, oggi alla quarta generazione della famiglia, con le sue creazionI interamente fatte a mano, oltre alle proposte di brand selezionati. Sono organizzate anche esclusive esperienze da regalare e regalarsi, nel segno dello stupore e del romanticismo. www.fratellipiccini.it

GIARDINO ALL’ITALIANA

Nato nel 1549 come giardino privato di Palazzo Pitti, l’enorme giardino di Boboli è un eccellente esempio di giardino all’italiana; grazie alle numerose statue e sculture e alla sua impostazione architettonica, è un vero e proprio museo all’aperto, visitato ogni anno da oltre 800 mila persone. Si estende su un’area di 45 mila metri quadrati e, dal 2013, è sotto la protezione dell’Unesco, parte di un unico patrimonio dell’Umanità chiamato «Ville e Giardini medicei in Toscana». www.uffizi.it/giardino-boboli

Ponte Vecchio

a pranzo. ____________ DOVE SI ACCENDONO I SENSI

Dopo aver sollecitato l’olfatto all’Officina, è tempo di soddisfare il gusto. A due passi dagli Uffizi, una sosta rigenerante per gli amanti della cucina di alta classe. In un’atmosfera intima ed elegante, sono serviti piatti che trasmettono emozione, accompagnati da vini della fornitissima cantina. www.degusteriaitalianafirenze.com

di sera. ____________ A CENA CON LE STELLE

Unico ristorante 3 stelle Michelin in Toscana. Innovazione nel segno della tradizione territoriale. Una cucina che eccelle nella ricerca e nel rispetto della materia prima, nella creatività, nel controllo delle tecniche di cottura. Un servizio estremamente attento, raffinato. La successione delle proposte è un crescendo di sorprese. La cantina è nota in tutto il mondo. www.enotecapinchiorri.it

per un riposo rigenerante. ____________

«IL POSTO», IN CITTÀ

Costo: da 434 euro a notte Al The Place, ogni dettaglio, dalla tavola al design degli interni, è ispirato alla bellezza senza tempo e all’artigianato tradizionale fiorentino. Un concentrato di meraviglie in un luogo magico, pluripremiato, che apporta un rinnovato valore alla già celebre ospitalità italiana. www.theplacefirenze.com

FUORI CITTÀ: NELLA SCENOGRAFICA CAMPAGNA DEL CHIANTI

Costo: da 493 euro a notte A breve distanza da Firenze, e risalente al XIII secolo, Villa La Massa è un hotel cinque stelle immerso nel verde sulle rive del fiume Arno. Con 54 camere e suite suddivise in sei ville, ha due ristoranti. «Il Verrocchio» serve un menu tradizionale italiano con accenti contemporanei, incentrato su una selezione di prodotti locali e sull’olio extravergine d’oliva biologico della tenuta. Il «Bistrot L’Oliveto», con un’atmosfera rilassata e accogliente, oltre a un incantevole patio all’aperto, offre deliziosi piatti leggeri, tra cui classici internazionali a pranzo, prima di trasformarsi in una tradizionale trattoria toscana nelle serate estive. Il Bar Mediceo è il luogo perfetto per sorseggiare un aperitivo o uno dei cocktail d’autore che rivelano la storia di Villa La Massa. La piscina all’aperto riscaldata e l’Arno SPA, situata nelle antiche cantine dell’hotel, sono complici di puro benessere. www.villalamassa.com

aspettando la sera. ____________ APERITIVO CON VISTA

Costo: cocktail da 16 euro Non il solito ‘mule’. Nel cuore della città, l’Angel Roofbar & Dining (Hotel Calimala) offre un fantastico panorama e un’accattivante proposta, inclusi gli originali cocktail d’autore, da sorseggiare ammirando il tramonto. www.hotelcalimala.com/angel-roofbar-dining

271

arts and culture. ____________

detour discotheque

272

on the edge

DEUSTCH Europas höchstgelegene Party 2024. Detour Discotheque, eine Popup-Party, die «Peace & Love» an die schönsten Orte der Welt bringt, kommt in die Schweiz: ein Wochenende lang auf dem Gipfel des Schilthorns in den Berner Alpen. Das Event, das vom 10. bis 12. Mai stattfindet, wurde auf Platz 3 der renommierten Time Out-Liste «The best things to do in the world» gesetzt, die Autoren nennen es «ein ehrgeiziges und einzigartiges Ereignis, das einen Umweg wert ist».

Detour Discotheque ist eine Hommage an die legendären Nachtclubs der 1970er Jahre – wie Studio 54 und Paradise Garage – und schafft glamouröse Tanzflächen an den entlegensten und unerwartetsten Orten. Das Konzept wurde von Jonny Ensall, einem DJ, Promoter und Journalisten aus London ins Leben gerufen. Die Schweiz ist der dritte DetourStandort nach den Westfjorden in Island im Jahr 2022 und den Inneren Hebriden in Schottland im Jahr 2023 – beides ausverkaufte Erfolge. Die Veranstaltung wird von Schweiz Tourismus unterstützt und spiegelt einen wachsenden Trend für qualitativ hochwertige Nightlife-Events im Land wider – die Schweiz hat so viel mehr zu bieten als Kuhglocken und Jodeln. Das aussergewöhnliche Event verbindet die Schönheit und die Natur der Schweizer Berge mit Musik und Tanz. Es schafft eine Plattform, die Menschen zusammenbringt, Besucher und Einheimische gleichermassen, so Alex Herrmann von Schweiz Tourismus. Und sie ist ein Beispiel dafür, dass die Schweiz nicht nur der perfekte Ort für einen erholsamen Urlaub, sondern auch für eine einzigartige dreitägige Party ist. Die Detour Discotheque wird am Samstag, 11. Mai, im Piz Gloria auf dem Schilthorn eröffnet, einem Drehrestaurant in 2.970m Höhe über dem Meeresspiegel. Die Terrasse der Station Birg mit Blick auf Eiger, Mönch und Jungfrau wird am Freitag, 10. Mai, für eine Tagesparty genutzt, während die traditionelle Trinkhalle am Kleinen Rugen ausserhalb von Interlaken

am Sonntag, 12. Mai, der Veranstaltungsort ist. Die Teilnehmer werden im Tal in den traditionellen Alpendörfern Lauterbrunnen und Mürren wohnen und die Gipfel über epische Seilbahnfahrten erreichen. Zu den ersten Acts, die angekündigt wurden, gehört der legendäre DJ Paulette, ein Veteran des Nachtclubs Haçienda in Manchester, der mit dem DJ Mag Award für sein Lebenswerk ausgezeichnet wurde. Ebenfalls gebucht sind Norsicaa, der das renommierte Label Soundway Records betreibt, und das aufstrebende DiscoRedaktionskollektiv Talking Drums. Weitere Namen werden noch bekannt gegeben. Die Wochenendtickets kosten ab ca. CHF 280 (£ 245) und beinhalten Seilbahnfahrten im Wert von rund CHF 180. detour discotheque auf instagram.@detourdisco tickets. www.detourdisco.com/buy-tickets

____________

La plus grande fête d’Europe en 2024. Detour Discotheque, la fête pop-up qui apporte «Peace & Love» dans les plus beaux endroits du monde, arrive en Suisse : elle se tiendra pendant un week-end au sommet du Schilthorn, dans les Alpes bernoises. L’événement, qui aura lieu du 10 au 12 mai, a été classé troisième dans la prestigieuse liste des «meilleures choses à faire dans le monde» établie par Time Out, les auteurs la qualifiant d’»événement ambitieux et unique qui mérite le détour». FRANÇAIS

Detour Discotheque rend hommage aux boîtes de nuit légendaires des années 1970, telles que Studio 54 et Paradise Garage, en créant des pistes de danse glamour dans les endroits les plus reculés et les plus inattendus. Le concept a été créé par Jonny Ensall, un DJ, promoteur et journaliste basé à Londres. La Suisse est le troisième site de Detour après les Westfjords en Islande en 2022 et les Hébrides intérieures en Écosse en 2023, deux succès à guichets fermés. Cet événement est soutenu par Suisse Tourisme et reflète la tendance croissante à organiser des événements nocturnes de qualité dans le pays : la Suisse a bien plus à

offrir que les cloches de vaches et le yodel. Cet événement extraordinaire associe la beauté et la nature des montagnes suisses à la musique et la danse. “Il crée une plateforme qui unit les gens, tant les visiteurs que les habitants”, explique Alex Herrmann de Suisse Tourisme. C’est un exemple qui montre que la Suisse n’est pas seulement l’endroit idéal pour des vacances reposantes, mais qu’elle l’est aussi pour une fête unique de trois jours. La discothèque Detour ouvrira ses portes le samedi 11 mai au Piz Gloria sur le Schilthorn: un restaurant tournant situé à 2 970 mètres d’altitude. La terrasse de la station de Birg, avec vue sur l’Eiger, le Mönch et la Jungfrau, sera utilisée pour une fête de jour le vendredi 10 mai, tandis que la traditionnelle Trinkhalle am Kleinen Rugen, à l’extérieur d’Interlaken, accueillera les participants le dimanche 12 mai. Les participants séjourneront dans la vallée, au sein des villages alpins traditionnels de Lauterbrunnen et de Mürren, et atteindront les sommets grâce aux trajets épiques effectués en téléphérique. Parmi les premiers artistes annoncés figure la légendaire DJ Paulette, doyenne de la boîte de nuit Haçienda de Manchester, qui a reçu le prix DJ Mag pour l’ensemble de sa carrière. Parmi les autres noms déjà annoncés figurent Norsicaa, dirigeant du célèbre label Soundway Records et le collectif disco émergent Talking Drums. D’autres noms seront bientôt annoncés. Le billet pour le week-end coûte environ 280 francs suisses (245 livres) et comprend un trajet en téléphérique d’une valeur d’environ 180 francs suisses. detour discotheque sur instagram.@detourdisco billets. www.detourdisco.com/buy-tickets

____________ ITALIANO La festa più alta d’Europa nel 2024. «Detour Discotheque», il pop-up party che porta «Peace & Love» nei luoghi più belli del mondo, sta per arrivare in Svizzera: si terrà nel corso di un fine settimana, sulla cima dello Schilthorn, nelle Alpi Bernesi. L’evento, che si svolgerà dal 10 al 12 maggio, si

273

è classificato al terzo posto nella prestigiosa lista di Time Out delle «Migliori cose da fare al mondo», e gli autori lo hanno definito «un evento ambizioso e unico che merita un diversivo». Detour Discotheque rende omaggio ai leggendari locali notturni degli anni ‘70, come lo Studio 54 e il Paradise Garage, e crea piste da ballo glamour nei luoghi più remoti e inaspettati. Il concetto è stato creato da Jonny Ensall, DJ, promoter e giornalista londinese. La Svizzera è la terza location di

Detour dopo i Fiordi Occidentali in Islanda nel 2022 e le Ebridi Interne in Scozia nel 2023 - entrambi successi da tutto esaurito. L’evento è sostenuto da Svizzera Turismo e riflette la crescente tendenza a organizzare eventi notturni di qualità nel Paese: la Svizzera ha da offrire molto più di campanacci e jodel. Questo straordinario evento combina la bellezza e la natura delle montagne svizzere con la musica e la danza. Crea una piattaforma che unisce le persone, sia i visitatori che gli abitanti del luogo, afferma Alex Herrmann di Svizzera

Turismo. Ed è un esempio di come la Svizzera non sia solo il luogo perfetto per una vacanza rilassante, ma anche per una festa unica di tre giorni. La Detour Discotheque aprirà sabato 11 maggio al Piz Gloria sullo Schilthorn, un ristorante girevole a 2.970 metri di altitudine. La terrazza della stazione di Birg, con vista su Eiger, Mönch e Jungfrau, sarà utilizzata per una festa diurna venerdì 10 maggio, mentre la tradizionale Trinkhalle am Kleinen Rugen, fuori Interlaken, sarà la sede per la domenica 12 maggio. I partecipanti soggiorneranno a valle nei tradizionali villaggi alpini di Lauterbrunnen e Mürren e raggiungeranno le vette con epiche corse in funivia. Tra i primi artisti annunciati c’è la leggendaria DJ Paulette, veterana del nightclub Haçienda di Manchester, premiata con il DJ Mag Award for Lifetime Achievement. Tra i nomi già resi noti figurano anche Norsicaa, che gestisce la rinomata etichetta Soundway Records, e l’emergente collettivo editoriale di discotecari Talking Drums, mentre altri nomi verranno annunciati presto. Il biglietto per il fine settimana costa circa 280 franchi svizzeri (245 sterline) e comprende un viaggio in funivia del valore di circa 180 franchi svizzeri. detour discotheque su instagram.@detourdisco biglietti. www.detourdisco.com/buy-tickets

____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Detour Discotheque

274

on the edge

275

arts and culture. ____________

maurizio architects

276

on the edge

277

Case d’Alta Montagna – Maurizio Architects. Die Architektursprache, die sich in den Entwürfen von Renato Maurizio Architekten in sämtlichen Projekten wiederfindet, ist von einer starken eigenen Formensprache geprägt. Eine Formensprache, die sich explizit mit dem Charakter des Ortes auseinandersetzt. Die Baukörper präsentieren sich klar strukturiert, muten monolithisch an, haben einen streng geometrischen Ausdruck, der durch die unregelmässige Beschaffenheit der Bruchsteinmauern gedämpft wird.

DEUTSCH

Es ist ein geschicktes Spiel von Leichtigkeit und Massivität, von räumlicher Öffnung und Verschlossenheit. Lange Gebäudeseiten mit vereinzelt symmetrisch angeordneten Fensteröffnungen wirken intim, fast abweisend. West- und Südseiten öffnen

sich hingegen mit grosszügigen Terrassen oder Balkonen und gross dimensionierten Fensterfronten zur Landschaft hin. Ein weiterer roter Faden ist das Zusammenspiel weniger, bewusst ausgesuchter, regionaler und haptisch wahrnehmbarer Materialien. Maurizios Werke stehen selbstbewusst in der Landschaft. Sie besitzen, fern modischer Tendenzen, eine zeitlose Gültigkeit. Ich hatte das Glück, vor rund 15 Jahren selbst mit Renato Maurizio ein Bauprojekt realisieren zu können, auf der Albula-Seite von La Punt Chamues-ch. Dabei habe ich Renato nicht nur als bewundernswerten Architekten, sondern auch als grossartigen Menschen kennengelernt. Unprätentiöses, humorvolles Bergeller Urgestein und Genie zugleich. Bereits damals ist Sohn Reto in seine Fussstapfen getreten und seitdem ebenfalls im Architekturbüro in Maloja,

zwischen Bergell und Engadin, aktiv – er stellt die Fortführung dieser einmaligen architektonischen Handschrift sicher. Renato, vorab vielleicht rasch ein paar Worte zu deiner Herkunft? Meine Herkunft ist bäuerlich, mit den ländlichen Traditionen des Bergells verbunden. Mein Verhältnis zur Welt ist von der Lebensweise dieser Berggegend geprägt, von den Lebensrhythmen, Gesten und Gedanken ihrer Bewohner, auch was die materiellen Dinge betrifft. Nach Schule und Militär ging ich nach Zürich, studierte dort und erhielt 1974 mein Architekturdiplom. Ich ging nach Spanien, wo ich begann, zu zeichnen und zu malen. Dann nochmals zurück nach Zürich, bevor es mich ins Engadin, ins Büro von Robert Obrist zog. 1981 beschloss ich, mich elbständig zu machen. Ich suchte keinen Dialog mit anderen Architekten – für mich zählte allein der Kontakt zum Auftraggeber. Du bist dafür bekannt, viel mit Naturstein zu bauen. Was hat ich zu dieser traditionellen Bauweise gebracht? Im Jahr 1985 erhielt ich den Auftrag, die Erweiterung der Fornohütte (SAC) auf 2’574 Metern zu realisieren. Eine echte Herausforderung, auf dieser Höhe und in dieser Lage zu bauen. Mir hat es grosse Freude gemacht – auch weil bereits mein Grossvater bei der ersten Erweiterung um das Jahr 1930 den Transport des Materials organisiert hatte – mit Pferden und zu Fuss. Mir war von Anfang an klar, dass es ein Steinbau sein sollte, da auf dieser Höhe nur Steine als Baumaterial vorhanden sind. Dadurch hat sich ein enger Bezug zu diesem natürlichen Baumaterial entwickelt. Kurz danach baute ich auch mein eigenes Haus in Maloja mit Naturstein – im Lauf der Jahre wurden es immer mehr… Mit Naturstein zu bauen war für einen jungen Architekten nicht unbedingt trendy oder modern. Wieso fasziniert dich diese Bauart? Naturstein ist sowohl im Bergell als auch im Engadin reichlich vorhanden – und war nichts Neues. Es ist eine traditionelle Bauart, die Bauern und Bergleute, zusammen mit Holz, über Jahrhunderte verwendet haben. Für eine zeitgemässe Architektur ist aber nicht nur das Baumaterial massgebend. Im Gegensatz zu anderen Materialien bieten die Steine eine grosse Gestaltungsfreiheit. Und es ist natürlich auch eine Frage der Nachhaltigkeit.

278

on the edge

Heute ist die Architektur eher international. Du baust regional. Regionale Architektur, die der Tradition entspringt, ist nicht zwangsläufig nicht zeitgemäss. Gute Architektur ist eng verbunden mit dem Ort und dem lokalen Ambiente. Dem Grundsatz der Moderne, «Form folgt Funktion», fehlt hier die Frage der Integration, die beim Bauen in den Bergen massgebend ist. Beim Bauen mit Stein und Holz kann man nichts falsch machen. Es ist nicht billig, Natursteinhäuser zu bauen. Nur eine wohlhabende Bauherrschaft kann sich dies leisten. Bist du ein Architekt für reiche Leute? In der Tat, es ist eine teure Bauart, die sich nicht jeder leisten kann. Diese Bauart ist aber nachhaltig und extrem langlebig. Wir haben nicht nur private Einfamilienhäuser, sondern auch öffentliche Bauten realisiert. Die Mehrkosten sind zudem relativ, man kann problemlos anderswo ausgleichen. Wer baut, baut nicht nur für sich selber, sondern hat auch eine Verantwortung gegenüber der Öffentlichkeit. Meine erste Priorität beim Bauen ist, wie sich ein Gebäude in die Landschaft oder in den Ort einfügt. Dabei hat die Materialwahl eine erhebliche grosse Bedeutung und ist Teil einer guten Architektur. ____________ FRANÇAIS Maisons de haute montagne - Maurizio Architects. Le langage architectural que l’on retrouve dans tous les projets de Renato Maurizio Architekten se caractérise par un langage formel fort. Il s’agit d’un langage de conception qui s’adresse explicitement au caractère du lieu. Les bâtiments sont clairement structurés. Ils semblent monolithiques et ont une expression strictement géométrique, adoucie par la nature irrégulière des murs en pierre de carrière.

Il s’agit d’un savant jeu entre légèreté et solidité et, entre ouverture et fermeture de l’espace. Les longs côtés du bâtiment, avec quelques ouvertures de fenêtres symétriques, semblent intimes, presque intimidants. Les côtés ouest et sud, en revanche, s’ouvrent sur le paysage avec de grandes terrasses ou des balcons et de grandes fenêtres. Un autre point commun est le jeu délibérément choisi de certains matériaux régionaux et tactiles.

Les œuvres de Maurizio sont solidement ancrées dans le paysage. Elles ont une actualité intemporelle, loin des tendances de la mode. J’ai eu la chance de pouvoir réaliser un projet de construction avec Renato Maurizio il y a une quinzaine d’années, du côté de l’Albula, à La Punt Chamues-ch. J’ai appris à connaître Renato non seulement comme un architecte exceptionnel mais aussi comme une personne formidable. Un Bergamasque sans prétention, ironique et en même temps brillant. Son fils Reto a suivi ses traces et est, depuis lors, actif dans l’atelier d’architecture Maloja, entre le Bergell et l’Engadine, assurant la continuité de cette signature architecturale unique. Renato, je commencerais par vos origines... Mes origines sont paysannes, liées aux traditions rurales de Bregaglia. Mon rapport au monde est caractérisé par le mode de vie de cette région de montagne, les rythmes de vie, les gestes et les pensées de ses habitants, y compris d’un point de vue matériel. Après l’école et le service militaire, je suis allé à Zurich, où j’ai fait mes études et obtenu mon diplôme d’architecte en 1974. Je suis allé en Espagne, où j’ai commencé à dessiner et à peindre. Puis, je suis retourné à Zurich, avant de m’installer en Engadine, dans l’atelier de Robert Obrist. En 1981, j’ai décidé de m’installer à mon compte. Je ne cherchais pas le dialogue avec d’autres architectes : seul le contact avec le client m’importait. Vous êtes connu pour construire beaucoup en pierre naturelle. Comment en êtes-vous arrivé à cette méthode de construction traditionnelle ? En 1985, j’ai été chargé de construire l’extension de la Capanna del Forno (SAC) à 2 574 mètres d’altitude. C’était un véritable défi de construire à cette altitude et à cet endroit. J’y ai pris beaucoup de plaisir, notamment parce que mon grandpère avait déjà organisé le transport des matériaux pour la première extension, vers 1930, avec des chevaux et à pied. Dès le début, il était clair pour moi qu’il devait s’agir d’une construction en pierre, car

le seul matériau de construction disponible à cette altitude est la pierre. J’ai donc développé une relation étroite avec ce matériau de construction naturel. Peu de temps après, j’ai également construit ma maison à Maloja en pierre naturelle, et au fil des ans, j’en ai construit de plus en plus... Construire en pierre naturelle n’était pas nécessairement à la mode ou moderne pour un jeune architecte. Pourquoi êtesvous fasciné par ce type de construction ? La pierre naturelle est abondante à Bregaglia et en Engadine, et ce n’était pas une nouveauté. Il s’agit d’un type de construction traditionnel que les agriculteurs et les mineurs utilisent depuis des siècles, au même titre que le bois, mais ce n’est pas seulement le matériau de construction qui est décisif pour l’architecture contemporaine. Contrairement à d’autres matériaux, la pierre offre une grande liberté de conception. Et, bien sûr, c’est aussi une question de durabilité. L’architecture d’aujourd’hui a tendance à être internationale. Elle est construite au niveau régional. L’architecture régionale issue de la tradition n’est pas nécessairement obsolète. Une bonne architecture est étroitement liée au lieu et à l’environnement local. Le principe de la modernité, «la forme suit la fonction», passe à côté de la question de l’intégration, qui est fondamentale lorsque l’on construit dans les montagnes. On ne peut pas se tromper en construisant avec de la pierre et du bois. Construire des maisons en pierre naturelle n’est pas bon marché. Seul un client fortuné peut se le permettre. Êtes-vous un architecte pour les riches ? En effet, il

279

s’agit d’un type de construction coûteux que tout le monde ne peut pas s’offrir. Cependant, ce type de construction est durable et extrêmement résistant. Nous avons non seulement construit des maisons individuelles privées, mais aussi des bâtiments publics. Les coûts supplémentaires sont également relatifs et peuvent facilement être compensés par d’autres moyens. Lorsque vous construisez, vous ne le faites pas seulement pour vous, vous avez aussi une responsabilité envers le public. La première priorité lors de la construction est de savoir comment le bâtiment s’intègre dans le paysage ou la localité. Le choix des matériaux est très important et fait partie d’une bonne architecture. ____________

ITALIANO Case d’Alta Montagna - Maurizio Architects. Die Il linguaggio architettonico che si ritrova in tutti i progetti dello studio Renato Maurizio Architekten è caratterizzato da un forte linguaggio formale. Un linguaggio progettuale che si rivolge esplicitamente al carattere del luogo. Gli edifici sono chiaramente strutturati, appaiono monolitici e hanno un’espressione rigorosamente geometrica, ammorbidita dalla natura irregolare dei muri in pietra di cava.

Si tratta di un sapiente gioco di leggerezza e solidità, di apertura spaziale e di chiusura. I lati lunghi dell’edificio, con occasionali aperture di finestre disposte simmetricamente, appaiono intimi, quasi intimidatori. I lati ovest e sud, invece, si aprono al paesaggio con ampie terrazze o balconi

280

on the edge

e grandi finestre. Un altro filo conduttore è il gioco di pochi materiali regionali e tattili, deliberatamente selezionati. Le opere di Maurizio si collocano con sicurezza nel paesaggio. Sono dotate di una attualità senza tempo, lontana dalle tendenze della moda. Ho avuto la fortuna di poter realizzare un progetto edilizio con Renato Maurizio circa 15 anni fa, sul lato Albula di La Punt Chamues-ch. Ho conosciuto Renato non solo come architetto di spessore, ma anche come una grande persona. Un bergamasco senza pretese, ironico e allo stesso tempo geniale. Suo figlio Reto ha seguito le sue orme e da allora è attivo nello studio di architettura di Maloja, tra la Bregaglia e l’Engadina, assicurando la continuità di questa firma architettonica unica. Renato, comincerei dalle sue origini… Le mie origini sono contadine, legate alle tradizioni rurali della Bregaglia. Il mio rapporto con il mondo è caratterizzato dal modo di vivere di questa regione di montagna, dai ritmi di vita, dai gesti e dai pensieri dei suoi abitanti, anche dal punto di vista materiale. Dopo la scuola e il servizio militare, sono andato a Zurigo, dove ho studiato, diplomandomi in architettura nel 1974. Sono andato in Spagna, dove ho iniziato a disegnare e a dipingere. Poi di nuovo a Zurigo, prima di trasferirmi in Engadina, nello studio di Robert Obrist. Nel 1981 ho deciso di mettermi in proprio. Non cercavo il dialogo con altri architetti: per me era importante solo il contatto con il cliente. Lei è noto per aver costruito molto con la pietra naturale. Come è arrivato a questo metodo di costruzione tradizionale? Nel 1985 sono stato incaricato di realizzare l’ampliamento della Capanna del Forno (CAS) a 2.574 metri. È stata una vera sfida costruire a questa altitudine e in questo luogo. Mi è piaciuto molto, anche perché mio nonno aveva già organizzato il trasporto del materiale per il primo ampliamento, intorno al 1930, con cavalli e a piedi. Per me è stato chiaro fin dall’inizio che doveva essere un edificio in pietra, perché l’unico materiale da costruzione disponibile a questa altitudine è la pietra. Di conseguenza, ho sviluppato una stretta relazione con questo materiale da costruzione naturale. Poco dopo, ho costruito anche la mia casa

a Maloja con la pietra naturale e, nel corso degli anni, ne ho costruite sempre di più... Costruire con la pietra naturale non era necessariamente trendy o moderno per un giovane architetto. Perché è affascinato da questo tipo di costruzione? La pietra naturale è abbondante sia in Bregaglia che in Engadina e non era una novità. È un tipo di costruzione tradizionale che i contadini e i minatori utilizzano da secoli, insieme al legno.Tuttavia, non è solo il materiale da costruzione a essere decisivo per l’architettura contemporanea. A differenza di altri materiali, la pietra offre una grande libertà di progettazione. E, naturalmente, è anche una questione di sostenibilità. Oggi l’architettura tende a essere internazionale. Si costruisce a livello regionale. L’architettura regionale che nasce dalla tradizione non è necessariamente obsoleta. La buona architettura è strettamente legata al luogo e all’ambiente locale. Al principio della modernità, «la forma segue la funzione», manca la questione dell’integrazione, che è fondamentale quando si costruisce in montagna. Non si può sbagliare quando si costruisce con pietra e legno. Non è economico costruire case in pietra naturale. Solo un cliente facoltoso può permetterselo. Lei è un architetto per ricchi? In effetti, si tratta di un tipo di costruzione costosa che non tutti possono permettersi. Tuttavia, questo tipo di costruzione è sostenibile ed estremamente durevole. Non abbiamo realizzato solo case unifamiliari private, ma anche edifici pubblici. Anche i costi aggiuntivi sono relativi e possono essere facilmente compensati in altro modo. Quando si costruisce, non si costruisce solo per sé stessi, ma si ha anche una responsabilità nei confronti del pubblico. La prima delle priorità, quando costruisco, è il modo in cui un edificio si inserisce nel paesaggio o nella località. La scelta dei materiali è molto importante e fa parte della buona architettura. Renato Maurizio Architekten AG Via Ca d’ Castell 4 CH-7516 Maloja +41 081 838 20 10 info@studiomaurizio.ch www.studiomaurizio.ch

____________

words. Frank Herbrand images. courtesy of Renato Maurizio Architekten AG

281

arts and culture. ____________

sunice festival 2024 words. Frank Herbrand images. courtesy of SunIce festival

SunIce Festival 2024. In St. Moritz findet, jährlich zum Ende der Wintersaison, das SunIce Festival statt.

Festival SunIce 2024. Le festival SunIce a lieu chaque année à Saint-Moritz à la fin de la saison hivernale.

SunIce festival 2024. Il SunIce Festival si svolge ogni anno a St. Moritz, alla fine della stagione invernale.

DEUTSCH

FRANÇAIS

ITALIANO

Im Herzen der Engadiner Berge bietet das SunIce Festival mehr als nur eine musikalische Reise – es ist ein Ausflug in eine Welt, in der Natur und elektronische Musik miteinander verschmelzen.

Au cœur des montagnes de l’Engadine, le SunIce Festival offre plus qu’un simple voyage musical : il s’agit d’une évasion dans un monde où la nature et la musique électronique se rencontrent.

Nel cuore delle montagne dell’Engadina, il SunIce Festival offre più di un semplice viaggio musicale: è un’escursione in un mondo in cui natura e musica elettronica si fondono.

Das SunIce Festival steht für elektronische Musik, vor allem Techno und EDM – und begeisterte 2023 über 20‘000 Besucher. Dieses Jahr werden weltbekannte Acts wie Afrojack, Lost Frequencies und Kevin de Vries St. Moritz in musikalische Ekstase versetzen.

Le festival SunIce est synonyme de musique électronique, notamment de techno et d’EDM, et a attiré plus de 20 000 visiteurs en 2023. Cette année, des artistes de renommée mondiale tels qu’Afrojack, Lost Frequencies et Kevin de Vries apporteront l’extase musicale à Saint-Moritz.

Das Festivaldorf wird auch 2024 mit aufregenden Aktivitäten aufwarten. Abenteurer können sich auf Quad-Touren, Paragliding und frühmorgendliches Skifahren freuen. Damit gehört das SunIce Festival, liebevoll auch das Coachella der Berge genannt, der neuen Kategorie der Experience-Festivals an.

Le village du festival en 2024 proposera également des activités passionnantes. Les aventuriers pourront faire du quad, du parapente et du ski au petit matin.

Il SunIce Festival è sinonimo di musica elettronica, soprattutto techno ed EDM, e nel 2023 ha attirato oltre 20mila visitatori. Quest’anno, artisti di fama mondiale come Afrojack, Lost Frequencies e Kevin de Vries porteranno a St. Moritz l’estasi musicale. Il villaggio del festival nel 2024 offrirà anche attività emozionanti. Gli avventurieri potranno fare escursioni in quad, parapendio e sciare la mattina presto.

4. – 7. April 2024 St. Moritz 2048 Meter über dem Meer Tickets ab CHF 69.90

____________

Le festival SunIce, affectueusement appelé «le Coachella des montagnes», appartient donc à la nouvelle catégorie des festivals expérientiels. 4 - 7 avril 2024 St. Moritz 2048 mètres au-dessus du niveau de la mer Billets à partir de 69.90 CHF

____________

282

on the edge

Il SunIce Festival, simpaticamente noto come «il Coachella delle montagne», appartiene quindi alla nuova categoria dei festival esperienziali. 4 - 7 aprile 2024 St. Moritz 2048 metri sul livello del mare Biglietti a partire da 69.90 CHF

____________ www.sunicefestival.ch

283

arts and culture. ____________

wim delvoye words. Anka Refghi images. courtesy of Musée d’art et d’histoire Genève 284

on the edge

Take Over. Vom Genfer Musée d’art et d’histoire (MAH) erhielt der belgische Künstler Wim Delvoye die Carte Blanche. Zu sehen ist die einzigartige Ausstellung «L’ordre des choses» noch bis zum 16. Juni 2024. DEUTSCH

Im Rahmen der XL-Ausstellungen erhielt – nach Jakob Lena Knebl, Jean-Hubert Martin und Ugo Rondinone – nun der belgische Künstler Wim Delvoye die Carte Blanche des MAH, um die Sammlung des Museums zu erforschen und in eigenem Sinne zu kuratieren. Mit seiner Ausstellung «L’ordre des choses», zu Deutsch «Die Ordnung der Dinge», kombiniert der Künstler auf die für ihn so typisch ironische Weise Werke aus den Beständen des Museums mit eigenen Kreationen seiner persönlichen Sammlung und Artefakte. Auf humorvolle Weise schamlos, führt er dabei Trouvaillen aus der Kunstgeschichte mit Alltagsgegenständen zum Dialog, und stellt dadurch die Frage nach dem Wert der Dinge in den Raum. Und so stehen geprägte und gravierte Ferrari- und Maserati-Karosserien, Feuerlöscher oder Rimowa-Koffer den Ritterhelmen- und Rüstungen der Helden aus vergangen Zeiten auf beinahe schelmische Weise gegenüber. So wie sich Instrumentenkoffer und Etuis für seltene Artefakte die Ausstellungsfläche gleichberechtigt mit Etuis für eine Giesskanne oder ein Motorrad mit Inhalt teilen. Mit dem Direktor des MAH, Marc-Olivier Wahler, verbindet Wim Delvoye eine lange Freundschaft. Kennengelernt haben sie sich vor ziemlich genau 20 Jahren in New York. Eine Freundschaft, die auch hielt, als Wahlen Direktor und Chefkurator im Pariser Palais de Tokyo wurde, wo die beiden bereits 2006 über das Konzept der Carte Blanche nachgedacht hatten. «Uns verbinden die Liebe zur Populärkunst und der gleiche Geschmack», so Marc-Olivier Wahler, der mit seinem massgeschneiderten Anzug und Cowboystiefeln die Liebe zu Kontrapunkten offenbart. «Wir wollen beide radikal sein, aber dennoch ein Maximum an Publikum erreichen.» Wim Delvoye, Sie haben die Carte Blanche für einen kompletten Zugang zur Sammlung erhalten. Wo beginnt man bei dieser Fülle? Tatsächlich im Keller.

Es war wie ein grosser Flohmarkt für mich. Wir durften uns alles anschauen, also sind wir von einer Abteilung zur anderen gegangen und haben in jedem Winkel gesucht. Interessiert haben mich vor allem Objekte, die man vielleicht gar nicht mehr richtig bemerkt oder sogar «vergessen» hat. Die Sammlung hier war ein grosses Eldorado. Hatten Sie sofort eine Idee? Tatsächlich hatte ich sofort eine Idee, aber im Laufe des Projekts musste ich gewisse Kompromisse eingehen. Geplant war eine Kugelbahn, die durch alle Räume, über alle Stockwerke und das Treppenhaus führt und so alles miteinander verbindet. Sie ist daran gescheitert, dass ich nicht durch Wände und Böden bohren durfte und gewisse Türen geschlossen bleiben mussten. Die Kugelbahn haben wir dann in einem kleineren Umfang realisiert. Die Bahn läuft durch Trennwände – und Warhol- und Picasso-Gemälde ... Die beiden Picassos habe ich selbst gemalt. Sie wirken echt, weil sie neben echten Picassos hängen. Mit der Arbeit thematisiere ich übrigens den Tunnel, ein äusserst schweizerisches Konzept (lacht). Jeder Raum zeigt eine eigene Welt, ein Universum. Wie haben Sie die Ausstellung angedacht? Wir hatten beschlossen, für jeden Raum eine eigene, in sich geschlossene Mini-Ausstellung zu konzipieren. Dabei existierte zu Beginn für jeden Raum mehr als eine Idee. Durch gewisse Beschränkungen des Museums haben sich dann die Ideen in den einzelnen Räumen immer weiterentwickelt und herauskristallisiert. Die Ausstellung besteht aus Objekten aus der Sammlung des Museums, Ihren Kunstwerken, aber auch aus Werken weiterer Künstler ... Das ist richtig. Zum ersten Mal in der Serie der XL-Ausstellungen haben wir auch Kunstwerke anderer Künstler integriert, die wir von Kunsthändlern, Galerien und Sammlern erhalten haben. Beispielsweise das Video von Peter Fischli und David Weiss. Der Dialog zwischen Ihren Werken und der bestehenden Sammlung ist zentral. Seien es Ihre Helme inmitten altertümlicher Ritterhelme, oder die Etuis für die Giesskanne und das Motorrad neben dem Sarkophag. Ich nenne das

«demokratische Objekte». Ich interessiere mich für Meisterwerke genauso wie für das Design der neuen Kellogg’s-Packung im Supermarkt. Ich finde es spannend, über den Wert von Kunst zu sprechen, über die Gleichberechtigung von Kunst und alltäglichen Objekten. Wann betrachten Sie diesen Dialog als gelungen? Wenn die Leute es übersehen. Das bedeutet, dass meine Werke gut integriert sind. Mit Ihrer Sammlung von Vache qui rit®-Etiketten offenbaren Sie ihre Leidenschaft als Sammler. Was ist der Hintergrund? Jede Sammlung hat ihren Grund. Meine Sammlung von «Vache qui rit®» ist eine reine Übung des Sammelns ohne besonderen Wert. Wenn man Werke von Morandi sammelt, verdient man Geld, der Wert steigt und in der Regel werden Sie von Gesellschaft respektiert. Das alles erhält man nicht, wenn man Etiketten von «La vache qui rit®» sammelt. Die Leute respektieren dich nicht, der Wert ist gleich Null. Das führt mich zur Frage, wieviel Humor oder Ernsthaftigkeit sich in Ihren Werken findet. Das ist kaum zu trennen. Ich könnte ein schönes Gemälde mit Humor kaufen und mit Ernsthaftigkeit bezahlen. Ich weiss nicht, wo Humor aufhört, wo Ernsthaftigkeit beginnt. Warum ist etwas lustig? Vielleicht, weil ich die Wahrheit sage. Was wünschen Sie sich für die Ausstellung hier im MAH? Natürlich möchte ich, dass die Leute wütend werden (lacht). Nein, natürlich nicht. Ich möchte Menschen aber immer «teasen» und nicht «pleasen». Wohin führt Sie diese Ausstellung? Wenn ich etwas mache, ist es immer eine Art Maquette für etwas Grösseres. Zum Beispiel würde ich gerne eine Murmelbahn um ein ganzes Haus führen. Was ist das Besondere an dieser Ausstellung für Sie? Dass ich hier Künstler, Kurator und Sammler sein kann. Worüber wären die Menschen überrascht? Dass ich regelmässig Disneys Film «Das Dschungelbuch» schaue. ____________

285

Prendre le contrôle. L’artiste belge Wim Delvoye a reçu la carte blanche du Musée d’art et d’histoire (MAH) de Genève. L’exposition unique «L’ordre des choses» se tiendra jusqu’au 16 juin 2024.

FRANÇAIS

Après Jakob Lena Knebl, Jean-Hubert Martin et Ugo Rondinone, l’artiste belge Wim Delvoye s’est vu attribuer la carte blanche du MAH dans le cadre des expositions XL pour explorer la collection du musée et l’aménager à sa manière. Avec l’exposition « L’ordre des choses », l’artiste combine des œuvres de la collection du musée avec des créations de sa collection personnelle et des artefacts personnels typiquement ironiques. Avec humour et sans complexe, il fait dialoguer les trouvailles de l’histoire de l’art avec des objets du quotidien. Il pose ainsi la question de la valeur des choses. Carrosseries de Ferrari et de Maserati gaufrées et gravées, extincteurs et valises Rimowa sont juxtaposés aux casques de chevaliers et aux armures des héros du passé, de manière presque espiègle. De même, les caisses à outils et les coffres pour objets rares partagent l’espace d’exposition sur un pied d’égalité avec les contenants d’un arrosoir ou d’une moto et de leurs contenus. Wim Delvoye entretient une amitié de longue date avec le directeur du MAH, Marc-Olivier Wahler. Ils se sont rencontrés il y a 20 ans à New York. Une amitié qui ne s’est pas démentie même lorsque Wahler est devenu directeur et conservateur en chef du Palais de Tokyo à Paris, où tous deux avaient déjà imaginé le concept de Carte Blanche en 2006. «Nous partageons l’amour de l’art populaire et les mêmes goûts», explique Marc-Olivier Wahler qui révèle son amour des contrepoints avec son costume cintré et ses bottes de cow-boy. «Nous voulons tous deux être radicaux, tout en restant à l’écoute du public ‘’. Wim Delvoye, vous avez eu carte blanche pour accéder à l’ensemble de la collection. Où commence cette richesse ? De la cave, en fait. Pour moi, c’était comme un grand «marché aux puces». Nous avions le droit de tout regarder.Nous allions donc de département en département et nous fouillions tous les coins et recoins. J’étais

286

on the edge

particulièrement intéressée par les objets qui n’avaient peut-être pas été remarqués ou qui avaient même été «oubliés». La collection était un véritable eldorado.

A quel moment estimez- vous que ce dialogue a été efficace ? Lorsque les gens le négligent. Cela témoigne de l’intégration réussie de mes oeuvres.

Avez-vous immédiatement eu une idée ? En fait, j’avais déjà une idée, mais j’ai dû faire quelques compromis au cours du projet. L’idée initiale était de créer un chemin de marbre à travers toutes les pièces, tous les étages et l’escalier pour les relier entre eux. Le projet a échoué parce que je n’avais pas le droit de percer des trous dans les murs et les sols et que certaines portes devaient rester fermées. Nous avons donc réalisé un chemin de marbre à plus petite échelle.

Avec votre collection d’étiquettes «Vache qui rit®», vous révélez votre passion de collectionneur. Quel est votre parcours ? Chaque collection a son propre motif. Ma collection de Vache qui rit® est un pur exercice de collection sans valeur particulière. Lorsque vous collectionnez des œuvres de Morandi, vous gagnez de l’argent, votre valeur augmente et vous êtes généralement respecté par la société. Vous n’obtenez rien de tout cela lorsque vous collectionnez les étiquettes de «La vache qui rit®». Les gens ne vous respectent pasparce que la valeur est nulle.

L’itinéraire passe par des cloisons et des peintures de Warhol et Picasso... J’ai peint moi-même les deux Picasso. Ils ont l’air vrais parce qu’ils sont accrochés à côté de vrais Picasso. D’ailleurs, mon travail thématise le tunnel, un concept très suisse (rires). Chaque pièce présente son propre monde, un univers. Comment avez-vous conçu l’exposition ? Nous avons décidé de créer une mini-exposition distincte et autonome pour chaque pièce. Au début, il y avait plus d’une idée pour chaque pièce. En raison de certaines limites du musée, les idées des différentes salles ont continué à se développer et à se cristalliser. L’exposition comprend des objets de la collection du musée, ses propres œuvres, mais aussi des œuvres d’autres artistes... C’est vrai : pour la première fois dans la série d’expositions XL, nous avons également intégré des œuvres d’autres artistes qui nous ont été communiquées par des marchands d’art, des galeries et des collectionneurs. Par exemple, la vidéo de Peter Fischli et David Weiss. Le dialogue entre vos œuvres et la collection existante est essentiel. Qu’il s’agisse de vos casques au milieu d’anciens casques de chevaliers ou des caisses d’arrosoirs et de motos à côté du sarcophage. Je les appelle des «objets démocratiques». Je m’intéresse autant aux chefs-d’œuvre qu’au design du nouveau paquet de Kellogg’s au supermarché. Je trouve stimulant de parler de la valeur de l’art, de l’égalité entre l’art et les objets quotidiens.

Cela m’amène à la question de savoir quelle est la part d’humour ou de sérieux dans votre travail. Il est difficile de faire la part des choses. Je pourrais acheter un beau tableau avec humour et le payer avec sérieux. Je ne sais pas où finit l’humour et où commence le sérieux. Pourquoi une chose est-elle drôle ? Peut-être parce que je dis la vérité. Que souhaitez-vous pour l’exposition au MAH ? Bien sûr, je veux que les gens soient en colère (rires). Non, bien sûr que non. Mais je veux toujours «taquiner» les gens, pas leur «plaire». Où cette exposition vous mènera-t-elle ? Lorsque je fais quelque chose, c’est toujours une sorte de maquette pour quelque chose de plus grand. Par exemple, j’aimerais faire une piste de marbre autour d’une maison entière. Qu’est-ce que cette exposition a de particulier pour vous ? Le fait qu’ici je puisse être à la fois artiste, conservateur et collectionneur. Qu’est-ce qui pourrait surprendre les gens à votre sujet ? Que je regarde régulièrement le film de Disney «Le livre de la jungle». ____________

Marc-Olivier Wahler + Wim Delvoye

287

288

on the edge

Prendere il sopravvento. L’artista belga Wim Delvoye ha ricevuto la Carte Blanche dal Musée d’art et d’histoire (MAH) di Ginevra. Unica nel suo genere, la mostra «L’ordre des choses» è in corso fino al 16 giugno 2024. ITALIANO

Dopo Jakob Lena Knebl, Jean-Hubert Martin e Ugo Rondinone, l’artista belga Wim Delvoye ha ottenuto la Carte Blanche del MAH nell’ambito delle mostre XL per esplorare la collezione del museo e curarla a modo suo. Con la mostra «L’ordre des choses» (L’ordine delle cose), l’artista combina opere del patrimonio del museo con creazioni della sua collezione personale e manufatti nel suo modo tipicamente ironico. Con un approccio umoristico e spudorato, mette in dialogo le trouvailles della storia dell’arte con gli oggetti di uso quotidiano, sollevando così la questione del valore delle cose. Carrozzerie di Ferrari e Maserati sbalzate e incise, estintori e valigie Rimowa sono accostati agli elmi dei cavalieri e alle armature degli eroi del passato in modo quasi malizioso. Così come le custodie per strumenti e quelle per manufatti rari condividono alla pari lo spazio espositivo con i contenitori per un annaffiatoio o per una moto con il suo contenuto. Wim Delvoye ha un’amicizia di lungo corso con il direttore del MAH, Marc-Olivier Wahler. Si sono conosciuti 20 anni fa a New York. Un’amicizia che non si è interrotta neppure quando Wahler è diventato direttore e curatore capo al Palais de Tokyo di Parigi, dove i due avevano già pensato, nel 2006, al concetto di Carte Blanche. «Condividiamo l’amore per l’arte popolare e lo stesso gusto», dice Marc-Olivier Wahler, che rivela il suo amore per i contrappunti con il suo abito sartoriale e gli stivali da cowboy. «Entrambi vogliamo essere radicali, ma comunque raggiungere il massimo del pubblico». Wim Delvoye, le è stata data carta bianca per l’accesso a tutta la collezione. Da dove inizia questa ricchezza? Dalla cantina, in realtà. Per me è stato come un grande «mercato delle pulci». Ci è stato permesso di guardare tutto, quindi siamo andati da un reparto all’altro e abbiamo cercato in ogni angolo. Mi interessavano in particolare gli oggetti che forse non erano stati notati o che erano stati addirittura

«dimenticati». La collezione qui era un grande Eldorado. Ha avuto subito un’idea? In realtà avevo già un’idea, ma ho dovuto accettare alcuni compromessi nel corso del progetto. Quello iniziale era di creare un percorso di marmo che attraversasse tutte le stanze, tutti i piani e la scala, collegandoli tra loro. Il progetto è fallito perché non mi è stato permesso di forare pareti e pavimenti e alcune porte dovevano rimanere chiuse. Abbiamo quindi realizzato un percorso di marmo su scala più piccola. Il percorso passa attraverso pareti divisorie - e quadri di Warhol e Picasso... I due Picasso li ho dipinti io stesso. Sembrano veri perché sono appesi accanto a Picasso veri. Tra l’altro, il mio lavoro tematizza il tunnel, un concetto estremamente svizzero (ride). Ogni stanza mostra il proprio mondo, un universo. Come avete concepito la mostra? Abbiamo deciso di creare una mini-mostra separata e autonoma per ogni stanza. All’inizio c’era più di un’idea per ogni stanza. A causa di alcune limitazioni del museo, le idee nelle singole sale hanno continuato a svilupparsi e a cristallizzarsi. La mostra è composta da oggetti della collezione del museo, da sue opere, ma anche da lavori di altri artisti... È vero. Per la prima volta nella serie di mostre XL, abbiamo integrato anche opere di altri artisti che ci sono pervenute da mercanti d’arte, gallerie e collezionisti. Per esempio, il video di Peter Fischli e David Weiss. Il dialogo tra le vostre opere e la collezione esistente è centrale. Che si tratti dei vostri elmi in mezzo ad antichi elmi da cavaliere, o delle custodie per l’annaffiatoio e la moto accanto al sarcofago. Li chiamo «oggetti democratici». Mi interessano tanto i capolavori quanto il design della nuova confezione di Kellogg’s al supermercato. Trovo stimolante parlare del valore dell’arte, dell’uguaglianza tra arte e oggetti quotidiani. Quando ritiene che questo dialogo abbia successo? Quando la gente lo ignora. Significa che le mie opere sono ben integrate.

Con la sua collezione di etichette «Vache qui rit®», lei rivela la sua passione di collezionista. Qual è il suo background? Ogni collezione ha il suo motivo. La mia collezione di Vache qui rit® è un puro esercizio di collezionismo senza alcun valore particolare. Quando si collezionano opere di Morandi, si guadagna denaro, il valore aumenta e di solito si è rispettati dalla società. Non si ottiene nulla di tutto ciò quando si collezionano le etichette de «La vache qui rit®». La gente non ti rispetta, il valore è zero. Questo mi porta alla domanda su quanto umorismo o serietà ci sia nel suo lavoro. È difficile separare le due cose. Potrei comprare un bel quadro con umorismo e pagarlo con serietà. Non so dove finisca l’umorismo e dove inizi la serietà. Perché una cosa è divertente? Forse perché sto dicendo la verità. Cosa vuole per la mostra al MAH? Naturalmente voglio che la gente si arrabbi (ride). No, certo che no. Ma voglio sempre «stuzzicare» le persone, non «compiacerle». Dove la porterà questa mostra? Quando faccio qualcosa, è sempre una sorta di maquette per qualcosa di più grande. Per esempio, mi piacerebbe realizzare una pista di marmo intorno a un’intera casa. Che cosa ha di speciale questa mostra per lei? Il fatto che qui posso essere artista, curatore e collezionista. Cosa, di lei, potrebbe sorprendere la gente? Che guardo regolarmente il film Disney «Il libro della giungla».. ____________

words. Anka Refghi images. courtesy of Musée d’art et d’histoire Genève 289

lifestyle.

____________

hermès: tressages équestres Das Haus Hermès stellte 1984 mit Pivoines sein erstes Tafelservice vor. Dieses Jahr, 40 Jahre später, präsentiert Hermès seine neueste Kreation, das Tafelservice «Tressages Équestres». Diese neue Kollektion, inspiriert von den Ursprüngen des Sattlereihauses, interpretiert die reichhaltige Tradition des Reitsports des Hauses einmal mehr in einem kontemporären und eleganten Design. Hermès lebt seine Geschichte durch seine innovativen Kreationen.

En 1984, la Maison Hermès dévoilait son tout premier service de table, baptisé « Pivoines ». Quarante ans plus tard, Hermès nous présente sa dernière création : le service de table « Tressages Équestres ». Cette nouvelle collection s’inspire des racines équestres de la Maison, renouant ainsi avec son riche héritage dans un style contemporain et raffiné. À travers ses créations innovantes, Hermès continue de raconter son histoire avec passion et élégance.

DEUTSCH

FRANÇAIS

«Tressages Équestres» ist inspiriert von der Passepartout- und Flechtarbeit, die bei der Herstellung von Seilen im Pferdesport verwendet wird und die den Ursprung des Hauses bildet. Dieses Tafelservice, kreiert unter der künstlerischen Leitung von Benoit Pierre Emery, Kreativdirektor von La Table Hermès, bietet eine subtile Mischung aus figurativen und abstrakten Darstellungen. Es besteht aus 27 Teilen, darunter 10 neue Formate, und ist so konzipiert, dass es Küchen aus aller Welt ergänzt. Das allgegenwärtige Kaolinweiss des Porzellans ist ein perfektes Schaufenster für die Entwürfe von Virginie Jamin, die dieses neue Tafelservice gezeichnet hat. Die Linien geben den Texturen, die sie illustrieren, Volumen. Spritzige Farben wie Zitrone und Minze kontrastieren mit Petrolblau und den Naturtönen von Fasern und Leder. Die Motive unterscheiden sich durch das Spiel mit dem Massstab. Jede der möglichen Kombinationen wirkt ausgewogen, und schafft so viele Geschichten, wie es Kompositionen gibt.

«Tressages Équestres» tire son inspiration du travail de passementerie et de tressage utilisé dans la fabrication des équipements équestres, qui sont les racines même de la Maison Hermès. Sous la direction artistique de Benoit Pierre Emery, directeur créatif de «La Table Hermès», ce nouveau service de table offre un subtil mélange de représentations figuratives et abstraites. Composé de 27 pièces, dont 10 nouveaux formats, il a été conçu pour s’intégrer harmonieusement dans les cuisines du monde entier. La porcelaine blanche kaolin, omniprésente, sert de toile parfaite aux créations de Virginie Jamin, conceptrice de ce nouvel art de la table. Les lignes ajoutent du volume aux textures qu’elles représentent. Des teintes vives telles que le citron et la menthe contrastent avec le bleu pétrole et les tons naturels des fibres et du cuir. Les motifs varient en fonction de l’échelle, offrant une multitude de combinaisons équilibrées qui racontent chacune leur propre histoire.

____________

290

on the edge

____________

La Maison Hermès ha presentato il suo primo servizio da tavola, «Pivoines», nel 1984. Quest’anno, 40 anni dopo, Hermès presenta la sua ultima creazione, il servizio da tavola «Tressages Équestres». Questa nuova collezione della Maison, ispirata alle sue origini di selleria, ne interpreta ancora una volta la ricca tradizione equestre in un design contemporaneo ed elegante. Hermès vive la sua storia attraverso le sue creazioni innovative.

ITALIANO

«Tressages Équestres» si ispira al lavoro di passe-partout e di intreccio utilizzato nella fabbricazione delle corde negli sport equestri, che costituiscono le origini della Maison. Questo servizio da tavola, creato sotto la direzione artistica di Benoit Pierre Emery, direttore creativo di «La Table Hermès», offre un sottile mix di rappresentazioni figurative e astratte. È composto da 27 pezzi, tra cui 10 nuovi formati, ed è stato pensato per inserirsi nelle cucine di tutto il mondo. L’onnipresente bianco caolino della porcellana è una vetrina perfetta per i disegni di Virginie Jamin, che ha siglato questo nuovo servizio da tavola. Le linee danno volume alle texture che illustrano. Colori vivaci come limone e menta contrastano con il blu petrolio e i toni naturali delle fibre e della pelle. I motivi si differenziano per il gioco di scala. Ognuna delle possibili combinazioni appare equilibrata, creando tante storie quante sono le composizioni.

____________

words. Frank Herbrand photography. Matthieu Lavanchy

291

subscribe ____________

subscriptions /downloads for ordering or subscribing our magazine in print or digital schon.ch/subscribe

BLAZER CHF 279DK

ERHÄLTLICH AB DEM 12. MÄRZ EXKLUSIV AUF HM.COM

W H E R E I M A G I N AT I O N MEE TS IMPECCABLE H O S P I TA L I T Y

T H E C H E D I A N D E R M A T T. C O M