Schön! Switzerland & METAschön! - behind the scenes by Schön! Switzerland

behind the scenes

digital cover

aime simone

photography by adrien penpenic

“ I ’ M T H I N K I N G B E YO N D M Y T I M E TO T H E L E G AC Y I L E AV E B E H I N D.” G I S E L E B Ü N D C H E N , WO R L D - R E N OW N E D M O D E L , E N T R E P R E N E U R , A N D N Y T B E S T S E L L I N G AU T H O R

IWC PORTUGIESER .

Portugieser Chronograph, Ref. IW371626 Conceived 85 years ago as an instrument watch with marine chronometer precision, the Portugieser is a timeless yet dynamic paragon of understated elegance. And now, for the ﬁrst time, the Chronograph, with its distinctive, vertically organized totalizers for optimum legibility, features an elaborately crafted dial in the color Horizon Blue. IWC . E N G I N E E R I N G B E YO N D TI M E .

I WC B O U T I Q U E · B A H N H O F S T R A S S E 6 1 · Z U R I C H

SCÈN E DU LAC Grand Opening Night

SCÈNE DU CASINO

• TROMBONE SHORTY & ORLEANS AVENUE • JON BATISTE

• HENRY MOODIE • LAUREN SPENCER SMITH

Samstag Juli

• JAMES ARTHUR • ZUCCHERO

• MAYRA ANDRADE • THIBAULT CAUVIN & -M-

Sonntag Juli

• EDITORS • THE SMASHING PUMPKINS

• BLACK SEA DAHU

• ASAF AVIDAN (SOLO)

Montag Juli

• ALICE COOPER • DEEP PURPLE

• MAHALIA • THE YUSSEF DAYES EXPERIENCE

Dienstag Juli

• PJ HARVEY • THE NATIONAL

• THE WAR AND TREATY • DIONNE WARWICK

Mittwoch Juli

• JESSIE WARE • PAOLO NUTINI

• YAMÊ • TYLA

Donnerstag Juli

• RÓISÍN MURPHY • KRAFTWERK

• KOKOROKO • MASEGO

Freitag Juli

• BARRY CAN’T SWIM • JUSTICE

• VICTOR RAY • PALOMA FAITH

Samstag Juli

• DIANA KRALL • JAMIE CULLUM

• L’ÉCLAIR • NICK MASON’S SAUCERFUL OF SECRETS

Sonntag Juli

• MARC REBILLET • VULFPECK

• JALEN NGONDA • BRITTANY HOWARD

Montag Juli

• AIR • MASSIVE ATTACK

• NONAME • ANDRÉ 3000

Dienstag Juli

• LARKIN POE • LENNY KRAVITZ

• TO BE ANNOUNCED

Mittwoch Juli

• RAG’N’BONE MAN • STING

• TIF • DISIZ

Donnerstag Juli

• RAYE • JANELLE MONÁE

• SANTA • LOREEN

Freitag Juli

• MICHAEL KIWANUKA • JUNGLE

• D4VD • LAUFEY

Samstag Juli

• SOFT CELL • DURAN DURAN

• THEE SACRED SOULS • SELAH SUE

Freitag Juli

with string quartet AMOUR SUR MARS

• TEMS

INFOS & TICKETS: MJF.CH

editor’s letter ____________

DEUTSCH Liebe Leserinnen und Leser, Herzlich willkommen zur neuesten Ausgabe von Schön! Switzerland mit dem Thema «Behind the Scenes». Wir werfen einen Blick hinter die Kulissen und zeigen die komplexen, oft unsichtbaren Aspekte der Kreativbranche, über die wir so leidenschaftlich berichten.

Wir freuen uns, Philippine Leroy-Beaulieu, den rätselhaften Star aus der Serie «Emily in Paris», auf unserem Cover zu haben. Bekannt für ihre fesselnde Darstellung der Sylvie, gibt Philippine in unserem exklusiven Interview Einblicke in ihre dynamische Karriere und ihre persönliche Entwicklung in der Welt der Schauspielerei. Zudem stellen wir Meredith Duxbury vor, eine Ausnahmeerscheinung in der Beauty- und Modeszene, die für ihre innovativen Makeup-Tutorials und ihre einnehmende Präsenz in den sozialen Medien bekannt ist. Unser Gespräch mit ihr offenbart die harte Arbeit, aber auch die Kreativität, die hinter ihren einflussreichen Inhalten steckt. Mit Aime Simone, dessen unverwechselbarer Sound das Publikum rund um den Globus in seinen Bann zieht, tauchen wir ein in die Welt der Musik. Aimes Geschichte ist eine spannende Schilderung persönlicher Erfahrungen, die sich mit künstlerischen Einflüssen vermischen und so klangvolle Musik schaffen. Das Model-Paar Jhona Burjack und Gabriella Pires bringt Glamour auf unsere Seiten. Ihr beeindruckendes Editorial widerspiegelt ihre Chemie und ihren Stil – eine visuelle Feier ihrer Liebe und Partnerschaft. Und wir stellen den aufstrebenden spanischen Schauspieler Iván Pellicer vor: Editorial und Interview erkunden seine durchdachte Herangehensweise an die Schauspielerei und machen seine Hingabe und sein aufstrebendes Talent deutlich. Lassen Sie sich bei der Lektüre dieser Ausgabe von der Passion und Kreativität der vorgestellten Persönlichkeiten inspirieren. Ihre Geschichten unterstreichen, dass das Wesen von Kunst und Kultur nicht nur in den sichtbaren Errungenschaften liegt, sondern auch in den weniger sichtbaren Aktivitäten hinter den Kulissen.

FRANÇAIS Chers lecteurs, chères lectrices,

Bienvenue dans le dernier numéro de Schön! Switzerland avec pour thème «Behind the Scenes». Nous jetons un coup d’œil derrière les coulisses et montrons les aspects complexes et souvent invisibles des industries créatives dont nous parlons avec tant de passion. Nous sommes heureux d’avoir Philippine Leroy-Beaulieu, la star énigmatique de la série «Emily in Paris», en couverture. Connue pour son interprétation captivánte de Sylvie, Philippine nous livre dans notre interview exclusive un aperçu de sa carrière dynamique et de son évolution personnelle dans le monde de la comédie. Nous présentons également Meredith Duxbury, un personnage exceptionnel dans le monde de la beauté et de la mode, connue pour ses tutoriels de maquillage innovants et pour sa présence engageante dans les médias sociaux. Notre entretien avec elle révèle le travail acharné, mais aussi la créativité qui se cache derrière ses contenus influents. Avec Aime Simone, dont le son inimitable fascine le public du monde entier, nous nous immergeons dans le monde de la musique. L’histoire d’Aime est un récit passionnant d’expériences personnelles qui se mêlent à des influences artistiques pour créer une musique riche en sons. Le couple de mannequins Jhona Burjack et Gabriella Pires apporte du glamour à nos pages. Leur impressionnant éditorial reflète leur alchimie et leur style – une célébration visuelle de leur amour et de leur partenariat. Et nous présentons l’acteur espagnol en pleine ascension Iván Pellicer: l’éditorial et l’interview explorent son approche réfléchie du métier d’acteur et mettent en évidence son dévouement et son talent naissant. En lisant ce numéro, laissez-vous inspirer par la passion et la créativité des personnalités présentées. Leurs histoires soulignent que l’essence de l’art et de la culture ne réside pas seulement dans les résultats visibles, mais aussi dans les activités moins visibles, en coulisses.

ITALIANO Care Lettrici, Cari Lettori, Benvenuti nel nuovo numero di Schön! Switzerland che ha come fil rouge il tema «Dietro le quinte». Diamo uno sguardo oltre la scena e sveliamo gli aspetti complessi e spesso invisibili dell’industria creativa che raccontiamo con grande passione.

Siamo lieti di avere in copertina Philippine Leroy-Beaulieu, l’enigmatica protagonista della serie «Emily in Paris». Conosciuta per la sua accattivánte interpretazione di Sylvie, Philippine ci ha rilasciato un’intervista esclusiva sulla sua dinamica carriera e sulla sua evoluzione personale nel mondo della recitazione. Vi presentiamo anche Meredith Duxbury, una personalità di spicco nel campo della bellezza e della moda, nota per i suoi innovativi tutorial di make-up e per la sua coinvolgente presenza sui social media. La nostra conversazione con lei rivela il duro lavoro, ma anche la creatività che sta dietro ai suoi contenuti influenti. Ci addentriamo nel mondo della musica con Aime Simone, il cui sound distintivo ha conquistato il pubblico di tutto il mondo. La storia di Aime è un racconto avvincente di esperienze personali che si fondono con le influenze artistiche per creare musica che vibra. La coppia di modelli Jhona Burjack e Gabriella Pires porta il glamour tra le nostre pagine. Il loro splendido editoriale riflette la loro chimica e il loro stile, una celebrazione visiva del loro amore e della loro collaborazione. Presentiamo poi l’attore spagnolo emergente Iván Pellicer: l’editoriale e l’intervista esplorano il suo approccio riflessivo alla recitazione e mettono in evidenza la sua dedizione e il suo talento giovane e brillante. Leggendo questo numero, lasciatevi ispirare dalla passione e dalla creatività delle personalità presentate. Le loro storie sottolineano che l’essenza dell’arte e della cultura non risiede solo nei risultati visibili, ma anche nelle attività meno visibili, dietro le quinte appunto.

Odyssia Houstis editor in chief 7

inside ____________ 10

backstage ballet photographed by judith moreno

ruby rhapsody photographed by suzana holtgrave

iván pellicer interviewed by juan martì + photographed by julen martín

car park photographed by benjamin audour

fever dream photographed by amira toleimat

meredith duxbury photographed by hannah khymych

radiant revelations interview with meredith duxbury

crafting illusions photographed by benjamin becker

house of orsini photographed by alex lambrechts

zoë pastelle photographed by june tamò-collin

zoë’s sun has risen interview with zoë pastelle

a renaissance story photographed by alessandro tonini

philippine leroy-beaulieu directed by julia & vincent

philippine in paris interview with philippine leroy-beaulieu

104 rainbow photographed by fernando gomez 110 set chronicles photographed by antártica 118 aime simone photographed by adrien penpenic 122 in tune with aime simone interview with aime simone 126 beauty building photographed by carla coste 134 jhona burjack + gabriella pires photographed by alfonso anton cornelis 140 moths to flame photographed by hannah de vries 148 fashion backstage photographed by total black 156 touch up photographed by alexandra leroy 164 brands 8

www.akris.com

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jacket. credit. Annakiki credit sheath. credit. Wolford credit tights.credit. Calzedonia credit credit. credit

backstage ballet

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photography. name photography. judith moreno fashion. name model. name fashion. marco aiello

jacket + bracelets. Chocheng shoes. EMPTY BEHAVIOR sheath. Wolford tights. Calzedonia earrings. Florence Moorhead

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dress. Annakiki shoes. MI/MAI

full look. CHANEL

jumpsuit. Diego Guillen skirt. Le Fame

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photography. name fashion. name model.Guillen name jumpsuit. Diego

dress. Lena Erziak shoes. EMPTY BEHAVIOR earrings. Persta

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dress. Memento Mori

dress. Georges Hobeika shoes. Nicolò Beretta

photography. Judith Moreno art direction. Manu de Coco fashion. Marco Aiello model. Kseniya @ View Management hair + make up. Elisa V Jimenez by Termix fashion assistant. Maria Ferrete hair + make up assistant. Laura Durán + Sergio Martin retouch. SAM Retouch production. The Pink Bang

PACO RABANNE Rouge Rabanne Famous Lipcolor red chrome opposite MAC COSMETICS Pigment Pro basic red

ruby rhapsody ____________

photography. suzana holtgrave make up. chris schild

SHISEIDO Lip Liner Inkduo 07 poppy

title ____________

photography. (photographer) NARS fashion. Rising Star Cheek (stylist) Palette

ESTÉE LAUDER Pure Envy Blush Forbidden Berry 470

GIVENCHY Prisme Libre Blush N06 Flanelle Rubis

photography. Suzana Holtgrave model. Darya Savchenko @ Kult models hair + make up. Chris Schild

full look. GANT

iván pellicer ____________

DEUTSCH Ein erschreckendes Erwachsenwerden, ein schräges Familiendrama oder ein verrückter und blutiger «Schlitzer»... das sind einige der Stories mit dem spanischen Schauspieler Iván Pellicer, der seine wachsende Fangemeinde daran gewöhnt hat, unvorhersehbare und sehr, sehr lustige Kinospektakel zu veranstalten. Als einer der gefragtesten Jungschauspieler der europäischen Film- und Fernsehbranche stellt sich Iván ständig neuen beruflichen Herausforderungen und beweist, dass er ein Künstler ohne Angst ist. Seine neue Herausforderung? Er spielt das zarteste Mitglied der mythischen Gruppe Locomía in der Hommage von Kike Maíllo, die diesen Sommer in die Kinos kommt. Mit einer unglaublichen Besetzung, zu der Namen wie Jaime Lorente und Blanca Suárez gehören. «Disco, Ibiza, Locomía» ist eine Fantasie voller Musik, Tanz, Drama und Ausschweifungen, mit unmöglichen Outfits mit riesigen Schulterpolstern und gigantischen Fächern. Die mythischsten Nächte Ibizas werden wieder zum Leben erweckt dank dieses musikalischen Dramas, das an eines der bizarrsten Kapitel Spaniens erinnert: den Erfolg von Locomía. Iván, mit seinem ewigen Lächeln, verrät uns die Geheimnisse dieses neuen Werks. Und wie er die Herausforderungen mit seinem unerschütterlichen Mut meistert.

Partys sind die Protagonisten Ihres neuen Films «Disco, Ibiza, Locomía» über die spanische Gruppe Locomía, die in den 80er und 90er Jahren in Spanien ihren Siegeszug antrat. Wie sind Sie zu diesem Projekt gekommen? Ich wusste kaum etwas über Locomía, ich hatte lediglich ihr berühmtestes Lied gehört. Nach dem ersten Casting begann ich, Videos anzuschauen und zu recherchieren – und fand eine Welt voller Fantasie. Ich erinnere mich, dass sie mir ein Dossier über den Film mit Informationen über die Besetzung und die Crew schickten. Und für mich ein Vorsprechen zusammen mit Jaime Lorente organisierten, da unsere Figuren eine gemeinsame Liebesgeschichte haben und sie sehen wollten, wie die Chemie zwischen uns ist. Es lief sehr gut, um ehrlich zu sein. Worauf achten Sie als Erstes, wenn Ihnen ein neues Projekt angeboten wird? Das Wichtigste für mich: Es ist mein Job und ich muss davon leben können. Darüber hinaus achte ich natürlich sehr auf die Story, auf das, was das Drehbuch erzählt. Etwas Interessantes zu machen motiviert mich. Ich habe gerade den neuen Film von Alauda Ruiz de Azúa mit dem Titel «Querer» gedreht. Ich hatte «Cinco Lobitos» gesehen und fand ihn toll. Als ich gebeten wurde, das Casting zu machen, war es für mich keine Frage. Ich mag soziale Geschichten sehr, weil ich mich in sie hineinversetzen kann. Aber auch eine Science-Fiction-Geschichte kann mich motivieren. «Disco, Ibiza, Locomía» hat mich wegen des körperlichen Aspekts der Rolle interessiert: ich musste tanzen und mit den grossen Fächern spielen, die die Band mit sich führte. Locomía war eine Band, die viel tanzte, deren Choreografie sehr komplex aussah. Wie war Ihr erster Probentag? Es war eine Katastrophe, denn diese Art von Tanz ist ziemlich kompliziert. Es war sehr schwierig, den Tanz mit den Bewegungen der Fans zu koordinieren. Wir mussten Playback machen, tanzen, drehen... aber hat man es einmal gelernt, ist es wie Autofahren, man vergisst es nicht mehr.

Konnten Sie mit Mitgliedern von Locomía sprechen? Einige der «echten» Locomía-Mitglieder konnten mit ihren Counterparts aus dem Film sprechen, bei mir war das nicht der Fall. Ich habe mich mit ihrer Musik auf die Rolle vorbereitet und genau beobachtet, wie sie tanzen. Ich habe mir einen Dokumentarfilm über die Band angesehen, der mir sehr gefallen hat, und viele Interviews gelesen, die sie in ihrer Jugend gegeben haben. Aber das Wichtigste war für mich, den Tanz zu lernen. Die Körperlichkeit war wesentlich. Irgendwie bin ich sogar dankbar, dass ich Manuel Arjona, die reale Person hinter meiner Figur, nicht kannte – das hat es mir ermöglicht, meinen eigenen Charakter mit einer gewissen Freiheit zu gestalten. Es gibt immer einen Druck, wenn man eine echte Person spielt, aber ich konnte meinen eigenen Weg gehen. «Disco, Ibiza, Locomía» ist kein Biopic, sondern vielmehr eine Hommage an die Essenz der Band. Und an das, was sie erreicht hat. Ihre Figur und die von Jaime Lorente erleben im Film eine Liebesgeschichte. Wie haben Sie an der «Chemie» gearbeitet? Wir mussten nicht speziell an der Chemie arbeiten, sie ergab sich von selbst. Wir verbringen viel Zeit miteinander und kommen gut miteinander aus. Verstehen Sie das Fan-Phänomen, das Locomía auslöste? Denken Sie an die 80er Jahre, die Kostüme von Locomía, die Art, wie sie getanzt haben (weil sie sehr gut getanzt haben), das Selbstbewusstsein, das sie hatten. Sie haben viel von Ibiza mitbekommen, wo viele Europäer hingingen… Mit wären sie definitiv aufgefallen. Zu guter Letzt: Wen bewundern Sie in der Welt des Kinos? Ich liebe Laia Costa als Schauspielerin. Sie drückt sich auf eine Weise aus, die ich faszinierend finde. Xavier Dolan ist mein Lieblingsregisseur.

words. Juan Martí 27

full look. Louis Vuitton

iván pellicer ____________

FRANÇAIS Un passage à l’âge adulte terrifiant, un drame familial loufoque ou un «égorgeur» fou et sanglant... voici quelques-unes des histoires mettant en scène l’acteur espagnol Iván Pellicer, qui a habitué sa communauté de fans grandissante à organiser des spectacles cinématographiques imprévisibles et très, très drôles. L’un des jeunes acteurs les plus demandés de la télévision et du cinéma européens, Iván relève constamment de nouveaux défis professionnels et prouve qu’il est un artiste sans peur. Son nouveau défi? Il joue le membre le plus tendre du groupe mythique Locomía en hommage à Kike Maíllo, qui sortira cet été. Doté d’un casting incroyable, dont font partie des noms comme Jaime Lorente et Blanca Suárez. «Disco, Ibiza, Locomía» est une fantaisie pleine de musique, de danse, de drame et de débauche, avec des tenues époustouflantes aux épaulettes géantes et aux éventails gigantesques. Les nuits les plus mythiques d’Ibiza reviennent à la vie grâce à ce drame musical qui évoque l’un des chapitres les plus bizarres de l’Espagne: le succès de Locomía. Iván, avec son éternel sourire, nous révèle les secrets de cette nouvelle œuvre. Et comment il surmonte les défis grâce à son courage inébranlable.

Les fêtes sont les protagonistes de votre nouveau film «Disco, Ibiza, Locomía» sur le groupe espagnol Locomía, qui a triomphé en Espagne dans les années 80 et 90. Comment êtes-vous arrivé à ce projet? Je ne savais presque rien de Locomía, j’avais seulement entendu leur chanson la plus célèbre. Après le premier casting, j’ai commencé à regarder des vidéos et à faire des recherches – et j’ai trouvé un monde plein de fantaisie. Je me souviens qu’ils m’ont envoyé un dossier sur le film avec des informations sur le casting et l’équipe. Et une audition avec Jaime Lorente a été organisée à mon intention, car nos personnages ont une histoire d’amour commune et on voulait voir quelle était l’alchimie entre nous. Ça s’est très bien passé, pour être honnête. À quoi faites-vous attention en premier lorsqu’on vous propose un nouveau projet? La chose la plus importante pour moi: c’est mon travail et je dois pouvoir en vivre. En outre, je suis bien sûr très attentif à l’histoire, à ce que raconte le scénario. Faire quelque chose d’intéressant me motive. Je viens de tourner le nouveau film d’Alauda Ruiz de Azúa, intitulé «Querer». J’avais vu «Cinco Lobitos» et je l’avais adoré. Quand on m’a demandé de faire le casting, je n’ai eu aucun doute. J’aime beaucoup les histoires sociales, car je peux m’y projeter. Mais une histoire de science-fiction peut aussi me motiver. «Disco, Ibiza, Locomía» m’a intéressée pour l’aspect physique du rôle: je devais danser et jouer avec les grands éventails que le groupe transportait avec lui. Locomía était un groupe qui dansait beaucoup, dont la chorégraphie avait l’air très complexe. Comment s’est passée votre première journée de répétition? C’était une catastrophe, car ce type de danse est assez compliqué. C’était très difficile de coordonner la danse avec les mouvements des fans. Nous avons dû faire du play-back, danser, tourner. Mais une fois que l’on a appris, c’est comme conduire une voiture, on ne l’oublie plus.

Avez-vous pu parler avec des membres de Locomía? Certains des «vrais» membres de Locomía ont pu parler avec leurs contreparties du film, mais ce n’était pas mon cas. Je me suis préparé au rôle en écoutant leur musique et en observant attentivement comment ils dansaient. J’ai regardé un documentaire sur le groupe, que j’ai beaucoup aimé, et j’ai lu de nombreuses interviews qu’ils ont données dans leur jeunesse. Mais le plus important pour moi était d’apprendre à danser. Le côté physique était essentiel. D’une certaine manière, je suis même reconnaissant de ne pas connaître Manuel Arjona, la personne réelle derrière mon personnage – cela m’a permis de créer mon propre personnage avec une certaine liberté. Il y a toujours une pression quand on joue une personne réelle, mais j’ai pu suivre mon propre chemin. «Disco, Ibiza, Locomía» n’est pas un biopic, mais plutôt un hommage à l’essence même du groupe. Et à ce qu’ils ont accompli. Votre personnage et celui de Jaime Lorente vivent une histoire d’amour dans le film. Comment avez-vous travaillé sur cette «alchimie»? Nous n’avons pas eu à travailler spécialement sur l’alchimie, elle est intervenue naturellement. Nous passons beaucoup de temps ensemble et nous nous entendons bien. Comprenez-vous le phénomène de fan que Locomía a déclenché? Pensez aux années 80, aux costumes de Locomía, à la manière dont ils dansaient (parce qu’ils dansaient très bien), à la confiance qu’ils avaient en eux. Ils ont beaucoup entendu parler d’Ibiza, où beaucoup d’Européens allaient... Avec eux, ils auraient définitivement été remarqués. Et pour finir: Qui admirez-vous dans le monde du cinéma? J’adore Laia Costa en tant qu’actrice. Elle s’exprime d’une manière que je trouve fascinante. Xavier Dolan est mon réalisateur préféré.

words. Juan Martí 29

full look. LOEWE

iván pellicer ____________

ITALIAN Uno spaventoso coming-of-age, uno strano dramma familiare o un folle e sanguinoso «slasher»… queste sono alcune delle storie che vedono protagonista l’attore spagnolo Iván Pellicer, che ha abituato il suo crescente pubblico a creare spettacoli cinematografici imprevedibili e molto, molto divertenti. Tra i giovani attori più richiesti dell’industria cinematografica e televisiva europea, Iván affronta costantemente nuove sfide professionali e dimostra di essere un artista senza paura. La sua nuova sfida? Interpretare il membro più delicato del mitico gruppo Locomía nell’omaggio di Kike Maíllo, che uscirà nelle sale quest’estate. Con un cast incredibile che comprende nomi come Jaime Lorente e Blanca Suárez. «Disco, Ibiza, Locomía» è un immaginario ricco di musica, ballo, dramma e dissolutezza, con impossibili abiti dalle enormi spalline e giganteschi ventagli. Le notti più mitiche di Ibiza rivivono grazie a questo dramma musicale che rievoca uno dei capitoli più bizzarri della Spagna: il successo della Locomía. Iván, con il suo eterno sorriso, ci svela i segreti di questo nuovo lavoro. E come supera le sfide con il suo incrollabile coraggio.

I party sono i protagonisti del suo nuovo film «Disco, Ibiza, Locomía» sul gruppo spagnolo Locomía, che ha fatto la sua marcia trionfale in Spagna negli anni ‘80 e ‘90. Come è arrivato a questo progetto? Non sapevo quasi nulla dei Locomía, avevo sentito solo la loro canzone più famosa. Dopo la prima audizione, ho iniziato a guardare video e a documentarmi, scoprendo un mondo pieno di fantasia. Ricordo che mi hanno inviato un dossier sul film con informazioni sul cast e sulla troupe. E hanno organizzato un’audizione per me insieme a Jaime Lorente, dato che i nostri personaggi sono accomunati da una storia d’amore e volevano vedere che chimica ci fosse tra noi. A dire il vero, è andata molto bene. Qual è la prima cosa che cerca quando le viene proposto un nuovo progetto? La cosa più importante per me è che si tratta del mio lavoro e che devo essere in grado di guadagnarmi da vivere. Oltre a questo, naturalmente presto molta attenzione alla storia, a quello che dice la sceneggiatura. Fare qualcosa di interessante mi motiva. Ho appena girato il nuovo film di Alauda Ruiz de Azúa intitolato «Querer». Avevo visto «Cinco Lobitos» e mi era piaciuto molto. Quando mi hanno chiesto di fare il casting, non ho avuto dubbi. Mi piacciono molto le storie sociali perché posso mettermi nei panni. Ma anche una storia di fantascienza può motivarmi. «Disco, Ibiza, Locomía» mi interessava per l’aspetto fisico del ruolo: dovevo ballare e giocare con i grandi fan che la band trascinava. I Locomía erano un gruppo che ballava molto e la cui coreografia sembrava molto complessa. Com’è stato il primo giorno di prove? È stato un disastro, perché questo tipo di danza è piuttosto complicato. È stato molto difficile coordinare il ballo con i movimenti dei fan. Dovevamo fare playback, ballare, girare ... ma una volta imparato, è come guidare una macchina, non lo dimentichi più.

Siete riusciti a parlare con qualche membro dei Locomía? Alcuni dei «veri» membri dei Locomía hanno potuto parlare con le loro controparti del film, ma non è stato così per me. Mi sono preparato per il ruolo con la loro musica e li ho osservati da vicino mentre ballavano. Ho guardato un documentario sulla band, che mi è piaciuto molto, e ho letto molte interviste che hanno rilasciato in gioventù. Ma la cosa più importante per me era imparare la danza. La fisicità era essenziale. In qualche modo sono anche grato di non aver conosciuto Manuel Arjona, la persona reale che si cela dietro il mio personaggio: questo mi ha permesso di creare il mio personaggio con una certa libertà. Quando si interpreta una persona reale c’è sempre pressione, ma io ho potuto fare di testa mia. «Disco, Ibiza, Locomía» non è un biopic, ma piuttosto un omaggio all’essenza della band. E a ciò che hanno raggiunto. Il suo personaggio e quello di Jaime Lorente vivono una storia d’amore nel film. Come avete lavorato sulla «chimica»? Non abbiamo dovuto lavorare sulla chimica in modo specifico, è venuta naturale. Passiamo molto tempo insieme e andiamo d’accordo. Capisce il fenomeno dei fan che Locomía ha scatenato? Pensiamo agli anni ‘80, ai costumi dei Locomía, al modo in cui ballavano (perché ballavano molto bene), alla sicurezza di sé che avevano. Hanno preso molto da Ibiza, dove andavano tanti europei... Con loro si sarebbero sicuramente distinti. Ultimo ma non meno importante: chi ammira nel mondo del cinema? Adoro Laia Costa come attrice. Si esprime in un modo che trovo affascinante. Mentre Xavier Dolan è il mio regista preferito.

words. Juan Martí photography. Julen Martín fashion. Sergi Padial hair + make up. Raffaele Romagnoli production. Juan Martí photography assistant. Ane Ordoñez fashion assistant. Andrea Esti production assistant. Lucas Lei location. Artmosfera, Madrid 31

sunglasses. Loewe all clothing. Fendi bag. Zeus & Dione

car park

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photography. benjamin audour fashion. marie revelut

sunglasses. LOEWE all clothing. Fendi bag. Zeus & Dione

body. Eres gloves. Causse jacket. GBRL skirt. Issey Miyake shoes. Souliers Martinez

glasses. Tom Ford body. Eres boots. Amber Ambrose Aurele

jacket + pant. Lena Erziak corset. Franck Sorbier Couture broche. Iris Kaoza shoes. Christian Dior

photography. Benjamin Audour fashion. Marie Revelut model. Alina Krasina @ Select Model hair + make up. Alan Milroy

top. Marina Stefan

fever dream ____________

photography. amira toleimat fashion. vera witthaut + marina stefan

coat. Pierre Cardin opposite dress. Vera Witthaut

full look. Tidjane Tall

full look. Vera Witthaut

dress. Helen Eisen

photography. Amira Toleimat head fashion. Vera Witthaut fashion. Marina Stefan model. Wendy Kesiki @ Modelwerk hair + make up. Anja Schweihoff @ Ligawest photography assistant. Ruxandra Ioana Stefan location. Blkagency

full look. DEVI

full look. Dolce&Gabbana

meredith duxbury ____________

photography. hannah khymych fashion. willyum beck

full look. Sportmax

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photography. name fashion. name model. name

full look. Del Core

full look. Balenciaga earrings. Ben Amun

radiant revelations ____________

DEUTSCH Meredith Duxbury – eine herausragende Persönlichkeit in der Beauty- und Modebranche, bekannt für ihren innovativen Stil und ihre einnehmende Persönlichkeit. Sie wurde mit ihren fesselnden Make-up-Tutorials und der viralen #FoundationChallenge auf YouTube und TikTok berühmt und begeisterte Millionen von Menschen mit ihrem kreativen Flair. In unserem Interview gehen wir auf ihre Entwicklung von einer begeisterten Künstlerin zu einer Mode-Ikone ein und erkunden ihre bemerkenswerten Kollaborationen. Meredith erzählt von ihrem Weg zum Laufsteg-Model, wie wichtig es ist, sich in seiner Arbeit treu zu bleiben, und wie digitale Plattformen ihre Karriere geprägt haben.

Wann wurde dir klar, dass du eine Karriere in der Schönheitsund Modeindustrie anstreben wolltest? Ich war schon in jungen Jahren von der transformativen Kraft des Make-ups und der Kreativität der Mode fasziniert. Bereits in den ersten Tagen auf YouTube hatte ich das Gefühl, dass ich hier meine Liebe für beide Branchen ausdrücken konnte, das hat meine Leidenschaft für Schönheit und Mode noch verstärkt. Als ich älter wurde, wurde mir klar, dass ich in diese Welt eintauchen wollte, um zu kreieren, zu inspirieren. Und dafür zu sorgen, dass sich Menschen von innen heraus schön fühlen. Das ist eine Leidenschaft, die mich jeden Tag antreibt. Wie haben deine Erziehung und deine frühen Lebenserfahrungen deine kreative Vision und deine Einstellung zu Schönheit geprägt? Ich wuchs auf umgeben von Künstlern. Das hat zu einer tiefen Wertschätzung für Kunst in all ihren Formen geführt, eine davon ist Make-up. Meine Erziehung hat mich gelehrt, Individualität zu schätzen und Schönheit als etwas zu sehen, das über das blosse Aussehen hinausgeht. Sie lehrte mich, dass Schönheit etwas mit Selbstvertrauen, Selbstdarstellung und der Wertschätzung der eigenen Einzigartigkeit zu tun hat. Diese frühen Erfahrungen haben meine kreative Vision geprägt: sie haben mich ermutigt, Schönheit aus verschiedenen Perspektiven zu entdecken – was für mich verschiedene Make-up-Stile sind! Duxburys #thefoundationchallenge ging Anfang 2021 auf TikTok viral und ermutigte deine Follower, deine detaillierte FoundationRoutine nachzuahmen. Deine TikTok-Followerschaft stieg mit der Popularität der Challenge sprunghaft an, der Hashtag #thefoundationchallenge hat seitdem über 615 Millionen Aufrufe erreicht. Die #FoundationChallenge war ein Schlüsselmoment in deiner Karriere. Wie kam es zur viralen Sensation? Die #FoundationChallenge entstand nicht aus dem Wunsch nach etwas Viralem. Vielmehr aus der Art und Weise, wie ich mich immer geschminkt habe: Ich habe früher viel Make-up benutzt, um meine Sommersprossen zu verdecken. Mein Motto: Leidenschaft und Authentizität bringen dich im Leben viel weiter als der Versuch, einen Weg zu finden, viral zu werden. Der Wechsel von Beauty zu Fashion, insbesondere zum Laufsteg-Model, ist beachtlich. Vor welchen Herausforderungen standst du, wie hast du sie gemeistert? Eine grosse Hürde war die Anpassung an die Schnelllebigkeit und den Wettbewerb in der Modeindustrie. Ich war mit Ablehnung und Kritik konfrontiert – das war anfangs sehr hart. Ich habe jedoch gelernt, jeden Rückschlag als Chance für Wachstum und Verbesserung zu sehen. Ich habe gelernt, mich auf meine Fähigkeiten zu konzentrieren, offenes Feedback anzunehmen. Und kontinuierlich daran zu arbeiten, zu verstehen, was es braucht, um in einer solchen Branche zu bestehen. Der Aufbau eines starken Unterstützungsnetzwerks aus Mentoren und Kollegen hat eine entscheidende Rolle dabei gespielt, Herausforderungen zu meistern und motiviert zu bleiben.

Deine Zusammenarbeit mit Morphe war sehr erfolgreich. Was war deine Vision für die «Morphe x Meredith Duxbury»Kollektion? Wie hast du sichergestellt, dass sie mit deiner eigenen Marke übereinstimmt? Ich habe es schon immer geliebt, sehr vielseitig zu sein – genau das wollte ich auch für meine Kollektion. Sie ist leuchtend und farbenfroh, hat aber auch neutrale, minimalistische Elemente, die man im Alltag tragen kann. Ich wollte eine Kollektion, die von jedem getragen werden kann. Nach dem Feedback der Kunden zu urteilen, ist mir das auch gelungen. Rat geben ist ein wichtiger Teil deiner Plattform, insbesondere im Bereich der psychischen Gesundheit. Warum ist dir dieses Thema so wichtig? Ich habe so viele Menschen gesehen, die mit ihrer psychischen Gesundheit zu kämpfen haben. Für sie da sein und sie in die richtige Richtung zu führen – wenn ich diese Person für mein Publikum sein kann, dann fühle ich mich im Leben vollkommen. Ich habe lang mit Angstzuständen zu kämpfen gehabt, deshalb möchte ich eine Quelle der Inspiration, der Bestätigung und des Trostes für andere sein, die mit ähnlichen schwächenden psychischen Erkrankungen zu kämpfen haben. Ich habe eine Serie namens «Big Sister Talks», in der ich über wichtige Erfahrungen aus dem wahren Leben spreche und meinen Rat gebe, während ich mein Make-up mache. Wir behandeln Themen wie Selbstvertrauen, geschiedene Eltern, giftige Freundschaften, Angstzustände, saisonale Depression, Therapie und vieles mehr. Ich fühle eine tiefe Verbundenheit mit meinen Followern, sie liegen mir wirklich sehr am Herzen. Daher ist mir ihre psychische Gesundheit wichtig. Wie gehst du mit dem Druck und den Erwartungen um, die mit dem Dasein als öffentliche Person in Beauty und Fashion einhergehen? Für mich ist wichtig, mich daran zu erinnern, warum ich angefangen habe. Ich mache das, was ich tue, weil ich Kunst und Kreativität liebe – und das mit der Welt teilen möchte. Jeder hat ein Recht auf seine eigene Meinung, und wenn man meinen Kunststil nicht mag, dann ist das in Ordnung! Ich bin in der Lage, die Negativität ganz einfach auszublenden, denn am Ende des Tages zählt nur, dass ich mit dem, was ich tue, glücklich bin. Ich liebe das, was ich mit der Welt teile, und ich weiss, dass es etwas bewirkt. Warum also sollte ich all das anonymen Menschen opfern, die sich hinter einem Bildschirm verstecken und nichts Konstruktives oder Nettes zu sagen haben? Was ist dein nächstes grosses Ziel oder Projekt? Ich möchte mich noch mehr diversifizieren, mehr von meiner Persönlichkeit zeigen. Ich arbeite gerade an einem neuen Medium, das nichts mit sozialen Medien und dem digitalen Raum zu tun hat. Ich weiss, dass mein Publikum dieses Projekt lieben wird, und ich freue mich schon sehr darauf, es zu präsentieren!

words. Ryan Jerome 53

all clothing. Eckhaus Latta underwear. Isosceles

radiant revelations ____________

FRANÇAIS Meredith Duxbury – une personnalité exceptionnelle dans le domaine de la beauté et de la mode, connue pour son style innovant et sa personnalité engageante. Elle est devenue célèbre grâce à ses tutoriels de maquillage captivants et au #FoundationChallenge viral sur YouTube et TikTok, et a séduit des millions de personnes par son flair créatif. Dans notre interview, nous nous penchons sur son évolution d’artiste enthousiaste à icône de la mode et explorons ses remarquables collaborations. Meredith nous parle de son parcours en tant que mannequin de défilé, de l’importance de rester fidèle à soi-même dans son travail et de la manière dont les plateformes numériques ont influencé sa carrière.

Quand as-tu réalisé que tu voulais faire carrière dans l’industrie de la beauté et de la mode? Dès mon plus jeune âge, j’ai été fascinée par le pouvoir de transformation du maquillage et par la créativité de la mode. Dès mes premiers jours sur YouTube, j’ai eu l’impression que je pouvais y exprimer mon amour pour ces deux mondes, ce qui a encore renforcé ma passion pour la beauté et la mode. En grandissant, j’ai réalisé que je voulais m’immerger dans ce monde pour créer, inspirer. Et faire en sorte que les gens se sentent beaux de l’intérieur. C’est une passion qui m’anime chaque jour.

Ta collaboration avec Morphe a été très fructueuse. Quelle était ta vision pour la collection «Morphe x Meredith Duxbury»? Comment t’es-tu assurée qu’elle correspondait à ta propre marque? J’ai toujours aimé être très polyvalente – c’est exactement ce que je voulais pour ma collection. Elle est lumineuse et colorée, mais elle comporte aussi des éléments neutres et minimalistes que l’on peut porter au quotidien. Je voulais une collection qui puisse être portée par tout le monde. À en juger par les réactions des clients, j’y suis parvenue.

Comment ton éducation et tes premières expériences de vie ontelles façonné ta vision créative et ton approche de la beauté? J’ai grandi entourée d’artistes. Cela m’a donné une profonde appréciation de l’art sous toutes ses formes, dont le maquillage. Mon éducation m’a appris à valoriser l’individualité et à voir la beauté comme quelque chose qui va au-delà de la simple apparence. Elle m’a appris que la beauté est liée à la confiance en soi, à l’expression de soi et à l’appréciation de sa propre singularité. Ces expériences précoces ont façonné ma vision créative: elles m’ont encouragée à découvrir la beauté sous différentes perspectives – ce qui, pour moi, représente différents styles de maquillage!

Donner des conseils est une partie importante de ta plate-forme, en particulier dans le domaine de la santé mentale. Pourquoi ce thème est-il si important pour toi? J’ai vu tellement de personnes se battre avec leur santé mentale. Être là pour eux et les guider dans la bonne direction – si je peux être cette personne pour mon public, alors je me sens complète dans la vie. J’ai longtemps lutté contre l’anxiété, c’est pourquoi je veux être une source d’inspiration, de confirmation et de réconfort pour ceux qui luttent contre des maladies mentales débilitantes similaires. J’ai une série appelée «Big Sister Talks», dans laquelle je parle d’expériences importantes de la vie réelle et je donne mes conseils tout en faisant mon maquillage. Nous abordons des sujets tels que la confiance en soi, les parents divorcés, les amitiés toxiques, l’anxiété, la dépression saisonnière, la thérapie et bien plus encore. Je ressens un lien profond avec mes followers, ils me tiennent vraiment à cœur. C’est pourquoi leur santé mentale est importante pour moi.

Le #thefoundationchallenge de Duxbury est devenu viral sur TikTok début 2021, encourageant tes followers à imiter ta routine détaillée de fond de teint. Ton nombre de followers sur TikTok a fait un bond en avant avec la popularité du défi, le hashtag #thefoundationchallenge a depuis atteint plus de 615 millions de vues. Le #FoundationChallenge a été un moment clé dans ta carrière. Comment s’est produite cette sensation virale? Le #FoundationChallenge n’est pas né d’une volonté de faire quelque chose de viral. Plutôt de la manière dont je me suis toujours maquillée: Avant, j’utilisais beaucoup de maquillage pour cacher mes taches de rousseur. Ma devise: la passion et l’authenticité te mènent bien plus loin dans la vie que d’essayer de trouver un moyen de devenir viral. Le passage de la beauté à la mode, et notamment au mannequinat pour les podiums, est considérable. Quels sont les défis auxquels tu as été confrontée, comment les as-tu surmontés? L’un des grands obstacles a été de s’adapter au rythme effréné et à la concurrence de l’industrie de la mode. J’ai été confrontée au rejet et à la critique – c’était très dur au début. Mais j’ai appris à voir chaque revers comme une opportunité de croissance et d’amélioration. J’ai appris à me concentrer sur mes compétences, à accepter les commentaires ouverts. Et à travailler en permanence pour comprendre ce qu’il faut pour réussir dans un tel secteur. La mise en place d’un solide réseau de soutien composé de mentors et de collègues a joué un rôle crucial pour relever les défis et rester motivée.

Comment gères-tu la pression et les attentes qui vont de pair avec le fait d’être une personnalité publique dans le domaine de la beauté et de la mode ? Pour moi, il est important de me rappeler pourquoi j’ai commencé. Je fais ce que je fais parce que j’aime l’art et la créativité – et je veux partager cela avec le monde. Tout le monde a le droit d’avoir sa propre opinion, et si on n’aime pas mon style artistique, c’est très bien! Je suis capable de faire abstraction de la négativité, tout simplement, car à la fin de la journée, ce qui compte, c’est que je sois heureuse de ce que je fais. J’aime ce que je partage avec le monde et je sais que cela a un impact. Alors pourquoi devrais-je sacrifier tout cela pour des personnes anonymes qui se cachent derrière un écran et qui n’ont rien de constructif ou de gentil à dire? Quel est ton prochain grand objectif ou projet? J’aimerais me diversifier encore plus, montrer davantage ma personnalité. Je travaille actuellement sur un nouveau média qui n’a rien à voir avec les médias sociaux et l’espace numérique. Je sais que mon public va adorer ce projet et j’ai hâte de le présenter!

words. Ryan Jerome 55

dress + shoes. Vetements corset. Andrew Curwen

radiant revelations ____________

ITALIANO Meredith Duxbury è una personalità di spicco nel settore della bellezza e della moda, nota per il suo stile innovativo e la sua personalità coinvolgente. È diventata famosa grazie ai suoi accattivanti tutorial di make-up e alla sfida virale #FoundationChallenge su YouTube e TikTok, ispirando milioni di persone con il suo estro creativo. Nella nostra intervista, approfondiamo la sua evoluzione da artista entusiasta a icona della moda ed esploriamo le sue notevoli collaborazioni. Meredith ci parla del suo percorso verso la carriera di modella, dell’importanza di rimanere fedeli a sé stessi nel proprio lavoro e di come le piattaforme digitali abbiano plasmato la sua carriera.

Quando ha capito di voler intraprendere una carriera nel settore della bellezza e della moda? Fin da piccola sono stata affascinata dal potere di trasformazione del make-up e dalla creatività della moda. Fin dai miei primi giorni su YouTube, sentivo di poter esprimere la mia passione per entrambi i settori e questo ha alimentato il mio interesse per la bellezza e la moda. Crescendo, ho capito che volevo immergermi in questo mondo per creare e ispirare. E far sentire le persone belle dall’interno. È una passione che mi guida ogni giorno. In che modo la sua educazione e le sue prime esperienze di vita hanno plasmato la sua visione creativa e il suo atteggiamento verso la bellezza? Sono cresciuta circondata da artisti. Questo mi ha portato ad apprezzare profondamente l’arte in tutte le sue forme, una delle quali è il make-up. La mia educazione mi ha insegnato a valorizzare l’individualità e a vedere la bellezza come qualcosa che va oltre il semplice aspetto. Mi ha insegnato che la bellezza riguarda la fiducia in sé stessi, l’espressione di sé e l’apprezzamento della propria unicità. Queste prime esperienze hanno plasmato la mia visione creativa: mi hanno incoraggiato a esplorare la bellezza da diverse prospettive, che per me sono diversi stili di make-up! La sfida #thefoundationchallenge di Duxbury è diventata virale su TikTok all’inizio del 2021, incoraggiando i suoi follower a imitare la sua dettagliata routine di fondotinta. Il suo seguito su TikTok è salito alle stelle grazie alla popolarità della sfida: l’hashtag #thefoundationchallenge ha raggiunto oltre 615 milioni di visualizzazioni. La #FoundationChallenge è stata un momento chiave della sua carriera. Com’è nata la sensazione virale? La #FoundationChallenge non è nata dal desiderio di ottenere qualcosa di virale. Piuttosto, è nata dal modo in cui mi sono sempre truccata: usavo molto trucco per coprire le lentiggini. Il mio motto è: la passione e l’autenticità ti porteranno molto più lontano nella vita di quanto non farà il cercare un modo per diventare virale. Il passaggio dal mondo della bellezza a quello della moda, in particolare a quello delle passerelle, è notevole. Quali sfide ha dovuto affrontare e come le ha superate? Un grande ostacolo è stato adattarsi al ritmo veloce e alla concorrenza dell’industria della moda. Ho dovuto affrontare rifiuti e critiche, e all’inizio è stata molto dura. Tuttavia, ho imparato a vedere ogni battuta d’arresto come un’opportunità di crescita e miglioramento. Ho imparato a concentrarmi sulle mie capacità, ad accettare feedback aperti. E a lavorare continuamente per capire cosa serve per avere successo in un settore come questo. La creazione di una solida rete di sostegno, composta da mentori e colleghi, ha svolto un ruolo fondamentale nel superare le sfide e nel mantenere la motivazione. La sua collaborazione con Morphe ha avuto molto successo. Qual era la sua visione della collezione «Morphe x Meredith Duxbury»? Come si è assicurata che fosse in linea con il suo marchio? Ho sempre amato essere molto versatile: è esattamente quello che volevo per la mia collezione. È luminosa e colorata, ma presenta

anche elementi neutri e minimalisti che si possono indossare ogni giorno. Volevo una collezione che potesse essere indossata da chiunque. A giudicare dal feedback dei clienti, ci sono riuscita. Dare consigli è una parte importante della sua piattaforma, soprattutto nel campo della salute mentale. Perché questo argomento le sta così a cuore? Ho visto così tante persone in difficoltà con la loro salute mentale. Se posso essere utile per il mio pubblico, mi sento completa nella vita. Ho lottato a lungo con l’ansia, quindi voglio essere una fonte di ispirazione, di rassicurazione e di conforto per altri che lottano con malattie mentali simili e debilitanti. Ho una serie chiamata «Big Sister Talks» in cui parlo di importanti esperienze di vita reale e do i miei consigli mentre mi trucco. Trattiamo argomenti come la fiducia in sé stessi, i genitori divorziati, le amicizie tossiche, l’ansia, la depressione stagionale, la terapia e altro ancora. Sento un legame profondo con i miei follower, mi preoccupo davvero per loro. Quindi la loro salute mentale è importante per me. Come affronta la pressione e le aspettative che derivano dall’essere un personaggio pubblico nel campo della bellezza e della moda? Per me è importante ricordare perché ho iniziato. Faccio quello che faccio perché amo l’arte e la creatività e voglio condividerle con il mondo. Ognuno ha diritto alla propria opinione e se non piace il mio stile artistico, va bene! Riesco ad escludere la negatività perché, alla fine della giornata, l’unica cosa che conta è che io sia felice di quello che sto facendo. Amo ciò che condivido con il mondo e so che sta facendo la differenza. Quindi perché dovrei sacrificare tutto questo per colpa di persone anonime che si nascondono dietro uno schermo e non hanno nulla di costruttivo o di bello da dire? Qual è il suo prossimo grande obiettivo o progetto? Voglio diversificare ancora di più e mostrare di più la mia personalità. Attualmente sto lavorando a un nuovo mezzo di comunicazione che non ha nulla a che fare con i social media e lo spazio digitale. So che il mio pubblico amerà questo progetto e non vedo l’ora di presentarlo!

words. Ryan Jerome photography. Hannah Khymych fashion. Willyum Beck @ Saint Luke Artists talent. Meredith Duxbury @ CAA art direction. Odie Senesh hair. Chika Nishiyama @ 87 Artists make up. Raisa Flowers @ EDMA producer. Sara Zion production. Zion Studio fashion assistant. Emma Nusbaum light assistant. Ian Rutter 57

DR. BARBARA STURM Brightening Serum PML Sublime Perfection Primer + Foundation in Light 2 Legendary Wear Kohl Eyeliner Perma Precision Liquid Eyeliner Dark Star Mascara in black Satin Allure Lipstick Bright Raspberry body. Eres tights. Falke opposite DR. BARBARA STURM Glow Drops Aloe Vera Gel Hyaloronic Face Mist PML Mothership 2 Sublime + 4 Decadence PML Matte Trance in Nude Venus body. La Perla

crafting illusions

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photography. benjamin becker make up. tanja kern

DR. BARBARA STURM Glow Drops PAT MCGRATH LABS Sublime Perfection Primer Foundation in Light 3 Mothership 1 Subliminal 5 Bronze Seduction 8 Divine Rose body. La Perla tights. Falke

DR. BARBARA STURM Brightening Serum + Glow Drops PML Skin Rose 001 The Essence Skin Fetish Highlighter Balm Duo Skin Fetish Sublime Perfection in Light Skin Fetish Concealer in light 2 Mothership X Moonlight Seduction Dark Star Mascara Fetish Sheer Colour balm body. La Perla tights. Falke

DR. BARBARA STURM Brightening Serum PAT MCGRATH LABS Sublime Perfection Primer + Foundation in Light 1 Dark Star Blitz Mascara Fetish Sheer Clour Balm in Blow up MEHRON MAKEUP Mixing Liquid body. La Perla tights. Falke opposite DR BARBARA STURM Hyaloronic Serum PML Mothersip Celestial Nirvana Intensif Eyes Artistry Wand Perma Gel Ultra Glide Eye Pencil Matte Trance in Nude Venus Lashes costumized turban. Prada vintage top. Solace London

photography. Benjamin Becker model. Manot Boehm @ Her Management fashion. Kai Atinan Nitisunthonkul @ Bigoudi hair. Pia Valeska @ Fröhlich Management make up. Tanja Kern @ Bigoudi

house of orsini ____________

photography. alex lambrechts fashion. luigi gaballo

opposite Golo wears suit. Fendi scarf. Hermès Jasmin wears hat + trench coat. Hermès bra. Exilia jewellery. Bulgari Darius wears full look. Hermès

Jade + Coleen wears full look. Hermès Layla wears dress. Fendi earrings. Bulgari

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

top full look. Hermès sunglasses on the table. Robert la Roche + Christoph Rumpf bottom full look. CHANEL

dress, scarf, jewellery + sunglasses. Roberto Cavalli bag. De Marquet sandals. Fendi

dress. Roberto Cavalli jewellery. Pomellato

dress. DSQUARED2 jewellery. Pomellato

dress. Zuhair Murad

Darius +credit. Golo credit wears full look. Roberto credit.Cavalli credit credit. credit Coleen credit. credit wears dress. Alberta Ferretti jewellery. Pomellato sandals. Giuseppe Zanotti Layla wears full look. Roberto Cavalli jewellery. Pomellato

photography. name fashion. name model. name

dress. Christian Dior jewellery + watch. Tiffany&Co

opposite top full look. Emporio Armani jewellery + watch. Cartier

right full look. Dolce&Gabbana necklace. Bulgari top full look. Emporio Armani jewellery + watch. Cartier

Golo wears suit + shoes. Gucci watch. Cartier Coleen wears all clothing. Gucci shoes. Gianvito Rossi watch. Tiffany&Co

photographer. Alex Lambrechts models. Jasmin Brunner Jade Eliasek, Layla Ong + Golo Fischer @ Scout Model Darius Fischer @ Visage International Mgmt Coleen Hunter @ Metro Models hair. Zoltan, Quentin + Marc @ madHAIRSTYLING.ch make up. Kristina Vidic using Hermès beauty nails. Karla Bumann @ Get Nailed! photography assistant. Nick Walter production. Rogues Agency production assistant. Lara Tokay location. Restaurant Orsini Mandarin Oriental Savoy, Zurich

bracelet + dress. Zimmermann

zoë pastelle ____________

photography. june tamò-collin fashion. arianna pianca

dress. Lanvin by Tasoni earrings. Courrèges by Tasoni shoes. Dries Van Noten

dress. Zuhair Murad ring. Charlotte Chesnais by Tasoni

zoe’s sun has risen

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DEUTSCH Mit der Geburt ihres Sohnes Ilios hat Zoë Pastelle ein neues Kapitel in ihrem Leben aufgeschlagen. «Ilios» stammt aus dem Griechischen und bedeutet «Sonne». Als Schauspielerin, Model und Influencerin hat Zoë uns schon immer mit ihrem Charme auf dem Bildschirm und ihrer Präsenz in den sozialen Medien begeistert. Jetzt schlüpft sie in ihre bisher persönlichste und tiefgründigste Rolle: die Mutterschaft. Im exklusiven Interview werfen wir einen Blick hinter die Kulissen und erfahren, wie Zoë die Freuden und Herausforderungen ihrer neuen Reise annimmt. Sie gibt Einblicke in die ersten Tage des «Mutterseins» und berichtet, wie Ilios ihrem Leben neues Licht und neuen Sinn gegeben hat. Zoë spricht über das Miteinander von Karriere und ihrer neuen Rolle als Mutter und gibt einen Einblick in die herzerwärmenden Momente, die derzeit ihre Tage bestimmen.

Wie hast du die Geburt von Ilios, deinem ersten Kind, erlebt? Die Geburt kam völlig anders als geplant. Auch zwei Wochen nach dem geplanten Termin fühlte sich Ilios Zeo, so sein vollständiger Name, noch immer pudelwohl in meinem Bauch. Schliesslich musste die Geburt eingeleitet werden – sie hat mir bewusst gemacht, wie weit ich über meine Grenzen hinaus kämpfen kann. Rückblickend war Ilios’ Geburt nicht nur die Geburt meines Sohnes, sondern zugleich eine Art Neugeburt für mich. Nach diesem Erlebnis kann mich nichts mehr umhauen! Wie waren die ersten Tage und Wochen für dich? Was waren die grössten Überraschungen, was hast du als eher herausfordernd erlebt? Die ersten Tage waren emotional wie körperlich eine Achterbahn. Die bedingungslose Liebe und Verbundenheit mit diesem kleinen Wesen sind unbeschreiblich. Dieses «sich Hingeben» kann dich an deine Grenzen bringen, aber es fühlt sich so natürlich und selbstverständlich an! Wir haben einige Zeit gebraucht, «unsere» Geburt zu verarbeiten und uns in dieses völlig neue Leben einzugewöhnen. Ich habe erlebt, wie sehr ich auf meine eigene Familie zählen kann – ohne sie wäre es nicht möglich gewesen. Die grösste Überraschung für mich war, wie intuitiv ich jede Situation einschätzen konnte. Ich merkte rasch, dass ich mit meinem Bauchgefühl immer richtig liege – Googeln überflüssig! – und die Hormone eine Mutter in jeder Situation zuverlässig leiten. Eine Herausforderung, die ich eindeutig unterschätzt habe, ist das Stillen. Ich bin unglaublich dankbar, dass es von Anfang an so gut geklappt hat, aber ich war mir nicht bewusst, wie anstrengend und schmerzhaft es sein kann. Being mom is a fulltime job! Jeder Tag bringt eine Vielzahl emotionaler Momente mit sich. Man ist verliebt in das neue Leben – gleichzeitig heisst es Abschied nehmen von einer alten Version seiner selbst. Das kann auch traurig sein. Manchmal habe ich das Gefühl, ich bin von einem Tag auf den anderen erwachsen geworden. Die meiste Zeit bin ich aber einfach nur erfüllt von Dankbarkeit, dass Ilios mich als seine Mutter gewählt hat. «Being mom» ist die schönste Aufgabe der Welt. Du hast die Bedeutung der Familie erwähnt. Welche Unterstützung hast du als frischgebackene Mutter als besonders hilfreich empfunden? Die meiner eigenen Mama! Sie hat mich Tag und Nacht, 24/7, unterstützt. Und es sind auch die kleinsten Dinge, die es ausmachen. Ich muss lachen, wenn ich daran denke, dass sie mir bei jeder Still-Session, auch der um vier Uhr morgens, einen Snack zubereitet hat. Darüber hinaus hat mir die Unterstützung meiner Doula (eine Doula ist eine nicht medizinische Geburtsbegleiterin, die sich um die Bedürfnisse der Mutter während Schwangerschaft, Geburt und Wochenbett kümmert; Anm. der Redaktion) und meiner Hebamme geholfen, im neuen Leben anzukommen. Nicht zu vergessen der Rest meiner Familie und meine Freundinnen, die mir ebenfalls eine grosse Unterstützung sind.

Gab es Schlüsselmomente, an denen du gewachsen bist oder in denen du dich selbst neu entdeckt hast, seit du Mutter bist? Seit der Geburt – und hier schliesse ich die Geburt selbst mit ein – gab es zahlreiche Momente, in denen ich unglaublich viel Kraft aufbringen musste, psychisch wie physisch. Diese Momente haben mir gezeigt, wie sehr ich an mich selbst glauben darf. Ich habe eine ganz neue Seite von mir entdeckt: die der «Kämpferin»! Siehst du die Welt neu mit «Kinderaugen»? Falls ja, was bewirkt diese neue Perspektive bei dir? Ich hatte schon immer eine kindliche Sicht auf die Welt. Und bin ein Mensch, der sehr im Moment lebt. Aber ja, auf jeden Fall! Ich wohne unmittelbar am Waldrand, mein tägliches Highlight ist mein kleiner Evening-Walk mit Ilios im Tragtuch. Er liebt es schon jetzt, die Bäume anzuschauen und den Vögeln zuzuhören. Mit einem Kind erlebt man die Natur ganz anders, da man viel Neues entdeckt. Ich denke, auch diese neue Perspektive trägt zu meiner Dankbarkeit für die kleinen Dingen im Alltag bei. Wie stellst du dir eine optimale Balance zwischen «Muttersein» und deinen beruflichen Ambitionen vor? Ich spüre, dass Ilios sehr viel Nähe braucht. Es wäre falsch, wieder normal in mein Arbeitsleben zurückzukehren und ihn einfach «abzugeben». Vor meiner Schwangerschaft war ich häufig in vier verschiedenen Ländern pro Woche. Ich glaube fest an folgende Philosophie: Je mehr Liebe, Aufmerksamkeit, Zeit und Förderung man seinem Kind in der ersten Lebensphase zukommen lässt, desto schneller wird es selbstständig und selbstsicher. Ich werde viel selektiver Projekte annehmen – und Ilios immer bei mir haben. Auch hier kann ich mich glücklich schätzen, dass meine Mutter mich unterstützt und immer dabei ist – so wie bei unserem Shooting für Schön! Switzerland. Ich wünsche mir, bald wieder einmal eine Filmrolle annehmen zu können – und hoffe, dass Ilios Spass haben wird am Set!

words. Odyssia Houstis + Frank Herbrand 79

dress. Falconeri necklace. Goossens

zoe’s sun has risen

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FRANÇAIS Zoë Pastelle a ouvert un nouveau chapitre de sa vie avec la naissance de son fils Ilios. «Ilios» vient du grec et signifie «soleil». En tant qu’actrice, mannequin et influenceuse, Zoë nous a toujours séduits par son charme à l’écran et sa présence sur les médias sociaux. Aujourd’hui, elle se glisse dans son rôle le plus personnel et le plus profond à ce jour: la maternité. Dans cette interview exclusive, nous jetons un coup d’œil en coulisses et découvrons comment Zoë accepte les joies et les défis de son nouveau voyage. Elle nous donne un aperçu des premiers jours de la «maternité» et nous raconte comment Ilios a donné une nouvelle lumière et un nouveau sens à sa vie. Zoë parle de la cohabitation entre sa carrière et son nouveau rôle de mère et donne un aperçu des moments qui font chaud au cœur et qui rythment actuellement ses journées.

Comment as-tu vécu la naissance d’Ilios, ton premier enfant? L’accouchement s’est déroulé tout autrement que prévu. Même deux semaines après la date prévue, Ilios Zeo, son nom complet, se sentait toujours aussi bien dans mon ventre. Finalement, l’accouchement a dû être déclenché – il m’a fait prendre conscience à quel point je pouvais me battre au-delà de mes limites. Rétrospectivement, la naissance d’Ilios n’a pas seulement été celle de mon fils, mais aussi une sorte de nouvelle naissance pour moi. Après cette expérience, plus rien ne peut m’abattre! Comment se sont passés les premiers jours et les premières semaines pour toi? Quelles ont été les plus grandes surprises, qu’est-ce qui t’a semblé le plus difficile? Les premiers jours ont été des montagnes russes sur le plan émotionnel et physique. L’amour inconditionnel et l’attachement à ce petit être sont indescriptibles. Ce «don» peut te pousser dans tes retranchements, mais il te semble si naturel et si évident ! Il nous a fallu un certain temps pour digérer «notre» naissance et nous adapter à cette toute nouvelle vie. J’ai pu constater à quel point je pouvais compter sur ma propre famille – sans elle, rien n’aurait été possible. La plus grande surprise pour moi a été de voir à quel point je pouvais évaluer intuitivement chaque situation. J’ai rapidement remarqué que mon intuition était toujours juste – inutile de googler! – et que les hormones guident une mère de manière fiable dans chaque situation. Un défi que j’ai clairement sous-estimé est l’allaitement. Je suis incroyablement reconnaissante que cela ait si bien fonctionné dès le début, mais je n’avais pas conscience à quel point cela pouvait être fatigant et douloureux. Être maman est un travail à plein temps! Chaque jour apporte son lot de moments émotionnels. On est amoureux de sa nouvelle vie – en même temps, il faut dire adieu à une ancienne version de soi-même, ce qui peut aussi s’avérer triste. Parfois, j’ai l’impression d’avoir grandi d’un jour à l’autre. Mais la plupart du temps, je suis simplement remplie de gratitude pour le fait qu’Ilios m’ait choisie comme mère. «Être maman», c’est le plus beau métier du monde.

Y a-t-il eu des moments clés qui t’ont fait grandir ou au cours desquels tu t’es redécouverte depuis que tu es maman? Depuis la naissance – y compris l’accouchement en lui-même – j’ai vécu de nombreux moments où j’ai dû faire preuve d’une force incroyable, tant sur le plan psychique que physique. Ces moments m’ont montré à quel point je pouvais croire en moi. J’ai découvert une toute nouvelle facette de moi-même: celle de la «battante»! Vois-tu le monde différemment, avec des «yeux d’enfant»? Si oui, quel est l’effet de cette nouvelle perspective sur toi? J’ai toujours eu une vision enfantine du monde. Et je suis une personne qui vit beaucoup dans le moment présent. Mais oui, absolument! J’habite à l’orée de la forêt, et mon moment fort quotidien est ma petite promenade en soirée avec Ilios dans le porte-bébé. Il adore déjà regarder les arbres et écouter les oiseaux. Avec un enfant, on vit la nature différemment, car on découvre beaucoup de choses nouvelles. Je pense que cette nouvelle perspective contribue également à ma gratitude pour les petites choses du quotidien. Comment t’imagines-tu trouver un équilibre optimal entre «être mère» et tes ambitions professionnelles? Je sens qu’Ilios a besoin de beaucoup de proximité. Ce serait une erreur de revenir à la normale dans ma vie professionnelle et de simplement «l’abandonner». Avant ma grossesse, j’étais souvent dans quatre pays différents par semaine. Je crois fermement à la philosophie suivante: plus on donne d’amour, d’attention, de temps et d’encouragement à son enfant dans la première phase de sa vie, plus vite il devient autonome et sûr de lui. Je vais accepter des projets de manière beaucoup plus sélective – et avoir toujours Ilios avec moi. Là encore, j’ai la chance que ma mère me soutienne et soit toujours présente - comme lors de notre séance photo pour Schön! Switzerland. J’espère pouvoir bientôt accepter à nouveau un rôle au cinéma – et j’espère qu’Ilios s’amusera sur le plateau!

Tu as mentionné l’importance de la famille. En tant que nouvelle maman, quel soutien as-tu trouvé particulièrement utile? Celui de ma propre maman! Elle m’a soutenue jour et nuit, 24 heures sur 24 et 7 jours sur 7. Et ce sont aussi les plus petites choses qui comptent. Je ne peux m’empêcher de rire quand je pense qu’elle m’a préparé un en-cas à chaque séance d’allaitement, même celle de quatre heures du matin. En outre, le soutien de ma doula (une doula est une accompagnatrice à la naissance non médicale qui s’occupe des besoins de la mère pendant la grossesse, l’accouchement et les suites de couches; note de la rédaction) et de ma sage-femme m’ont aidé à arriver dans ma nouvelle vie. Sans oublier le reste de ma famille et mes amies, qui m’ont également apporté un grand soutien. words. Odyssia Houstis + Frank Herbrand 81

dress. Zuhair Murad

zoe’s sun has risen

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ITALIANO Zoë Pastelle ha aperto un nuovo capitolo della sua vita con la nascita del figlio Ilios. «Ilios» deriva dal greco e significa «sole».

Come attrice, modella e influencer, Zoë ci ha sempre stupito con il suo fascino sullo schermo e la sua presenza sui social media. Ora sta entrando nel suo ruolo più personale e profondo: la maternità. In questa intervista esclusiva, diamo uno sguardo dietro le quinte e scopriamo come Zoë sta affrontando le gioie e le sfide del suo nuovo viaggio. Dandoci un’idea dei primi giorni della sua «maternità», condivide come Ilios abbia portato nuova luce e scopo nella sua vita. Zoë parla dell’equilibrio tra la sua carriera e il suo nuovo ruolo di mamma e pone lo sguardo sui momenti toccanti che attualmente definiscono le sue giornate.

Come ha vissuto la nascita di Ilios, il suo primo figlio? Il parto è stato completamente diverso rispetto a quanto immaginato. Due settimane dopo la data prevista, Ilios Zeo, questo il suo nome completo, si sentiva ancora molto a suo agio nella mia pancia. Alla fine, il parto è stato indotto e mi ha fatto capire quanto potessi lottare oltre i miei limiti. Guardando indietro, la nascita di Ilios è stata non solo la nascita di mio figlio, ma anche una sorta di rinascita per me. Dopo questa esperienza, niente potrà più abbattermi! Come sono stati i primi giorni e le prime settimane per lei? Quali sono state le sorprese più grandi, cosa ha trovato più impegnativo?I primissimi tempi sono stati delle montagne russe, sia emotivamente che fisicamente. L’amore incondizionato e la connessione con questo piccolino sono indescrivibili. Questo «arrendersi» può portarti fino ai tuoi limiti, ma è così naturale ed evidente! Ci è voluto un po’ di tempo per elaborare la «nostra» nascita e per abituarci a questa vita completamente nuova. Ho capito quanto posso contare sulla mia famiglia: senza i miei familiari non sarebbe stato possibile. A sorprendermi veramente è stata la capacità di valutare ogni situazione in modo intuitivo. Ho capito subito che il mio istinto ha sempre ragione - non c’è bisogno di cercare su Google! - e che gli ormoni guidano in modo affidabile una mamma in ogni situazione. Una sfida che ho chiaramente sottovalutato è stata l’allattamento al seno. Sono incredibilmente grata che sia andato tutto bene fin dall’inizio, ma non mi ero resa conto di quanto potesse essere faticoso e doloroso. Essere mamma è un lavoro a tempo pieno! Ogni giorno porta con sé una moltitudine di momenti densi di emotività. Sei innamorata della tua nuova vita, ma allo stesso tempo devi dire addio a una vecchia versione di te stessa. Anche questo può essere triste. A volte mi sembra di essere cresciuta da un giorno all’altro. La maggior parte delle volte, però, sono semplicemente piena di gratitudine per il fatto che Ilios mi abbia scelto come mamma. Essere mamma è il lavoro più bello del mondo. Ha parlato dell’importanza della famiglia. Come neomamma, quale sostegno ha trovato particolarmente utile? Quello della mia mamma! Mi ha supportata giorno e notte, 24 ore su 24. E sono anche le cose più piccole a fare la differenza. Mi fa ridere pensare che mi abbia preparato uno spuntino per ogni sessione di allattamento, compreso quello alle quattro del mattino. Inoltre, il sostegno della mia «doula» (è un’accompagnatrice alla nascita - non un medico -, che si occupa dei bisogni della madre durante la gravidanza, il travaglio e il post-partum) e della mia ostetrica mi hanno aiutato ad ambientarmi nella mia nuova vita. Senza dimenticare il resto della mia famiglia e i miei amici, che a loro volta sono stati un grande sostegno per me.

Ci sono stati dei momenti chiave in cui è cresciuta o ha riscoperto sé stessa da quando è diventata mamma? Dopo il parto – anzi, includo il parto stesso – ci sono stati numerosi momenti in cui ho dovuto raccogliere un’incredibile quantità di forza, sia mentale che fisica. Questi momenti mi hanno mostrato quanto posso credere in me stessa. Ho scoperto un lato completamente nuovo di me stessa: quello della «combattente»! Vede il mondo con gli «occhi dei bambini»? Se sì, che effetto ha su di lei questa nuova prospettiva? Ho sempre avuto una visione infantile del mondo. E sono una persona che vive molto sul momento. Ma sì, decisamente! Vivo proprio ai margini del bosco e il mio momento clou quotidiano è la passeggiata serale con Ilios nella fascia porta-bebè. Adora già guardare gli alberi e ascoltare gli uccelli. Con un bambino si vive la natura in modo completamente diverso e si scoprono tante cose nuove. Credo che questa nuova prospettiva contribuisca anche alla mia gratitudine per le piccole cose della vita quotidiana. Come immagina un equilibrio ottimale tra la «maternità» e le sue ambizioni professionali? Sento che Ilios ha bisogno di molta vicinanza. Sarebbe sbagliato tornare alla mia normale vita lavorativa e semplicemente «consegnarlo». Prima della gravidanza, viaggiavo spesso in quattro Paesi diversi alla settimana. Credo fermamente che più amore, attenzione, tempo e incoraggiamento si danno al bambino nella prima fase della vita, più velocemente diventerà indipendente e sicuro di sé. Affronterò i progetti in modo molto più selettivo e avrò sempre Ilios con me. Anche in questo caso, ho la fortuna che mia madre mi sostiene ed è sempre presente, come è stato durante le riprese per Schön! Switzerland. Spero di poter riprendere presto a recitare in un film, e che Ilios si diverta sul set!

words. Odyssia Houstis + Frank Herbrand photography. June Tamò-Collin fashion. Arianna Pianca @ Style Council hair + makeup. Jasmin Berger photography assistant. Noel Neuhaus creative production. Laura Knoops location. At The Atrium, Zurich 83

all clothing. Annakiki hat. Pasquale Bonfilio bag. Fendi shoes. Casadei

full look. Roberto Cavalli jewellery. Radà

a renaissance story ____________

photography. alessandro tonini fashion. luigi nisi

dress. Genny shoes. Steve Madden jewellery. Radà

jacket. Khosrov hat. Pasquale Bonfilio shoes. Jeffrey Campbell gloves. Fendi

full look. Roberto Cavalli

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name full look. SARAWONG

pants. Annakiki shoes + jewellery. Khosrov top. Radà gloves. Moschino

jacket. Annakiki pants + gloves. Moschino shoes. Jeffrey Cambpell

photography. Alessandro Tonini fashion. Luigi Nisi model. Agne Konciute @ Fashion Model Management hair. Mirko Berto make up. Christian Manzoni photography assistant. Maria Sicolo location. Grand Hotel Villa Torretta

bodysuit. Balmain necklace + bracelet. Chopard

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

philippine leroy-beaulieu ____________

photography. name directed by. julia &fashion. vincent name model. name fashion. clément lomellini

bodysuit. Schiaparelli necklace. Chopard tights. Calzedonia boots. Gia Borghini

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

dress. Andreas Kronthaler photography. name for Vivienne Westwood fashion. name jewellery. Boucheron model. name shoes. Amina Muaddi

credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

shirt + short. Prada bra. Eres boots. Gia Borghini necklace. Boucheron sunglasses. Iron Paris opposite bustier. Coperni bracelets + rings. Cartier pumps. Gia Borghini

title of editorial ____________

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bodysuit, tights + pumps. Saint Laurent by Anthony Vaccarello watch. Audemars Piguet

philippine in paris ____________

DEUTSCH Lernen Sie Philippine Leroy-Beaulieu kennen, die charismatische Schauspielerin hinter Sylvie in der Erfolgsserie «Emily in Paris». Philippine Leroy-Beaulieu kann auf eine vielseitige Karriere zurückblicken, die im französischen Kino begann. Sie hat das Publikum verzaubert mit ihrer Fähigkeit, jeder von ihr dargestellten Figur Tiefe und Authentizität zu verleihen. In unserem Gespräch mit Philippine erfahren Sie mehr über ihre gefeierte Karriere und ihre herausragende Rolle als die schicke, intelligente Sylvie.

Sie sind für Ihr bemerkenswertes Selbstbewusstsein bekannt. Wie beeinflusst dieses Selbstvertrauen Ihre Herangehensweise an die Schauspielerei und Ihre Fähigkeit, eine tiefe Verbindung zu Ihren Figuren herzustellen? Im Grunde läuft es auf «Selbsterkenntnis» hinaus. Lernt man sich selbst besser kennen, hat man weniger Angst davor, sich mit seinen eigenen Schatten zu konfrontieren. Ich habe viel Zeit damit verbracht, an meiner Schattenseite zu arbeiten und diese zu verstehen. Von aussen betrachtet mag diese Reise wie Selbstvertrauen aussehen, für mich geht es dabei aber eher um «Akzeptanz». Dadurch, dass ich mich selbst besser verstehe, kann ich meine Figuren besser erkunden – ohne Angst zu haben. Derzeit spiele ich Rollen, die komplexe, manchmal auch unsympathische Seiten haben. Das geniesse ich. Ich liebe es, die Vielschichtigkeit des Menschen darzustellen. Unsere Welt ist zunehmend polarisiert und sieht die Dinge in Schwarz und Weiss, aber das wahre Leben ist nicht so. Es ist nuanciert und fliessend. Die Grenzen sind nicht klar, sie verschieben sich ständig. Das ist es, was mich an den Menschen fasziniert – wir entwickeln und verändern uns ständig. Diese Perspektive bereichert meine Schauspielerei und ermöglicht mir, eine authentischere Darstellung zu geben, eine Darstellung, die beim Publikum ankommt. Nun geht es an die Dreharbeiten zur vierten Staffel von «Emily in Paris». Hat sich etwas verändert gegenüber den vorigen Staffeln? Sowohl Schauspieler als auch Autoren haben ein noch tieferes Verständnis für unsere Figuren entwickelt. Weil die Autoren uns besser kennen, können sie das Material nuancierter gestalten – das ermöglicht uns, in neue Dimensionen vorzudringen und Grenzen zu überschreiten, an die wir uns zuvor nicht gewagt haben. Ich habe das Gefühl, dass wir jetzt eine grössere Freiheit haben, was damit zusammenhängt, dass sich eine Figur über vier Staffeln hinweg weiterentwickelt – das ermöglicht eine reichhaltigere Darstellung und eine tiefere Geschichte. Ihre Figur «Sylvie» hat eine starke Präsenz in der Serie. Bleiben «Sylvie»-Eigenschaften auch ausserhalb des Drehs bei Ihnen? Auf jeden Fall. Jede Figur berührt Teile von uns selbst, die wir allerdings selten näher erforschen. Spielt man eine Figur, begibt man sich auf eine Reise zu unbekannten Aspekten der eigenen Persönlichkeit. Diese Entdeckungen bleiben einem erhalten – auch über das Ende der Serie hinaus. Die Rolle der Sylvie hat zum Beispiel einen bestimmten Teil von mir zum Blühen gebracht – ihr Selbstbewusstsein. Das ist faszinierend, denn dies ist genau der Aspekt, den die Zuschauer oft hervorheben – und er hat mich wirklich beeinflusst. Darren Star, der Schöpfer von «Emily in Paris», hat in Ihnen eine Verletzlichkeit erkannt, die zu Sylvie passt. War diese Verletzlichkeit schon immer Teil Ihrer Schauspielerei, oder haben Sie sie im Lauf der Zeit entwickelt? Sie war schon immer da, auch wenn sie mir anfangs nicht so bewusst war. Jetzt verstehe ich sie besser – und kann besser mit ihr spielen. Was eine Figur wie Sylvie wirklich fesselnd macht, ist ihre Verletzlichkeit. Sie verleiht ihr Tiefe und macht sie sympathisch – als menschliches Wesen mit eigenen

Komplexitäten. Anstatt nur die stereotype «französische Schlampe» zu spielen. Darren hat diese Subtilität und Tiefe erkannt und sich für eine Figur entschieden, die paradox und viel faszinierender ist. Er sieht über das Offensichtliche hinaus und bringt Nuancen und Schwachstellen in weiblichen Charakteren zum Vorschein, die oft übersehen werden. Sylvies Kostüme sind sehr charakteristisch. Wie beeinflussen diese Kostüme Ihre Darstellung der «Sylvie», Ihr Eintauchen in die Rolle? Am Anfang haben wir mit Kostümen experimentiert, die mich körperlich einschränkten: enge Gürtel, hohe Schuhe, in denen man nur schwer laufen konnte – Elemente, die auf subtile Weise Unbehagen verursachten. Interessanterweise erfuhren wir in der zweiten Staffel, dass Sylvie ein früheres Leben in Saint-Tropez hatte, barfuss am Strand lebte. Somit war unsere anfängliche «einschränkende» Kostümwahl unerwartet passend! Es fühlte sich an, als würden wir ihre angeborene Wildheit einschränken, was perfekt mit ihrer Charakterentwicklung übereinstimmte. Jetzt liegt der Schwerpunkt darauf, wie sich die Kostüme mit ihr bewegen und welche Gesten sie ermöglichen. Jedes Kostüm fühlt sich auf Anhieb richtig an, was oft an komplizierten Details liegt, die schwer zu erkennen, aber für die Figur entscheidend sind. Mit unserer Kostümbildnerin Marylin Fitoussi zusammenzuarbeiten bedeutet, eine zweite Haut geschneidert zu bekommen von jemandem, der genau weiss, was die Rolle erfordert. Sie stattet nicht nur eine Figur aus, sondern formt einen Aspekt der Erzählung. Die ungewöhnliche Chemie zwischen den Darstellern am Set von «Emily in Paris» ist förmlich zu spüren. Worauf ist das zurückzuführen? Es ist schwer, das genau zu sagen. Ich glaube, sie war von Anfang an da. Für mich fühlte sich «meine» Figur einfach richtig an – als würde ich sie wirklich kennen. Dadurch war es für mich ganz natürlich, mit den anderen Figuren zu interagieren, besonders mit Emily in der ersten Staffel. Wir alle schienen das Wesen unserer Rollen recht leicht und früh zu finden und zu verinnerlichen – das trug dazu bei, dass zwischen uns alles reibungslos verlief. Eine letzte Frage: Mit welcher Information zu Ihrer Person könnten Sie uns überraschen? Schwer vorherzusagen, was andere an mir überrascht. Ich bin überzeugt, dass Schauspieler im Allgemeinen tiefgründiger denken, als dies viele erwarten. Ich fand Interviews mit Schauspielern schon immer faszinierend, weil sie den komplizierten und oft geheimnisvollen Prozess hinter ihrem «Rollenspiel» beleuchten. Das ist für uns ein seltsames und zugleich vertrautes Terrain. Ich erinnere mich, dass eine Freundin von mir als Teenager Philosophin werden wollte – ich wollte Schauspielerin werden. Sie bemerkte, dass das im Grunde derselbe Beruf sei. Damals fand ich das ziemlich aufschlussreich. Bei Schauspielerei und Philosophie geht es gleichermassen darum, das Leben aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten – bei der Philosophie in der Theorie, bei der Schauspielerei in der Praxis.

words. Odyssia Houstis 99

full look. Mugler

philippine in paris ____________

FRANÇAIS Faites la connaissance de Philippine Leroy-Beaulieu, l’actrice charismatique derrière Sylvie dans la série à succès «Emily in Paris». Philippine Leroy-Beaulieu a une carrière éclectique qui a débuté dans le cinéma français. Elle a enchanté le public par sa capacité à donner de la profondeur et de l’authenticité à chaque personnage qu’elle interprète. Dans notre entretien avec Philippine, vous en apprendrez plus sur sa carrière acclamée et sur son rôle exceptionnel de Sylvie, chic et intelligente.

Vous êtes connue pour votre remarquable assurance. Comment cette confiance en soi influence-t-elle votre approche du jeu d’acteur et votre capacité à créer un lien profond avec vos personnages? Au fond, cela se résume à la «connaissance de soi». En apprenant à mieux se connaître on a moins peur de se confronter à ses propres ombres. J’ai passé beaucoup de temps à travailler sur ma part d’ombre et à la comprendre. Vu de l’extérieur, ce voyage peut ressembler à de la confiance en soi, mais pour moi, il s’agit plutôt d’»acceptation». En me comprenant mieux, je peux mieux explorer mes personnages – sans avoir peur. Actuellement, je joue des rôles qui ont des côtés complexes, parfois même antipathiques. Je m’en réjouis. J’aime représenter la complexité de l’être humain. Notre monde est de plus en plus polarisé et voit les choses en noir et blanc, mais la vraie vie est différente. Elle est nuancée et fluide. Les frontières ne sont pas claires, elles se déplacent constamment. C’est ce qui me fascine chez les gens – nous évoluons et changeons constamment. Cette perspective enrichit mon jeu d’actrice et me permet de donner une représentation plus authentique, une représentation qui résonne auprès du public. Nous entamons maintenant le tournage de la quatrième saison d’«Emily in Paris». Est-ce que quelque chose a changé par rapport aux saisons précédentes? Tant les acteurs que les auteurs ont développé une compréhension encore plus profonde de nos personnages. Comme les auteurs nous connaissent mieux, ils peuvent créer un matériel plus nuancé – ce qui nous permet de pénétrer dans de nouvelles dimensions et de dépasser des limites que nous n’avions pas osé franchir auparavant. J’ai l’impression qu’aujourd’hui nous avons une plus grande liberté, lié au fait qu’un personnage évolue sur quatre saisons – cela permet une représentation plus riche et une histoire plus profonde. Votre personnage «Sylvie» a une forte présence dans la série. Est-ce que les caractéristiques de «Sylvie» restent avec vous en dehors du tournage? Tout à fait. Chaque personnage touche à des parties de nous-mêmes, mais nous les explorons rarement. En jouant un personnage, on entreprend un voyage vers des aspects inconnus de notre propre personnalité. Ces découvertes nous restent en mémoire, même après la fin de la série. Le rôle de Sylvie, par exemple, a permis à une certaine partie de moi de s’épanouir : sa conscience de soi. C’est fascinant, car c’est précisément l’aspect que les spectateurs mettent souvent en avant – et il m’a vraiment influencée. Darren Star, le créateur d’«Emily in Paris», a reconnu en vous une vulnérabilité qui correspond à Sylvie. Cette vulnérabilité a-t-elle toujours fait partie de votre jeu d’actrice, ou l’avez-vous développée au fil du temps? Elle a toujours été là, même si je n’en avais pas conscience au début. Maintenant, je la comprends mieux – et je peux mieux jouer avec elle. Ce qui rend un personnage comme Sylvie vraiment captivant, c’est sa vulnérabilité. Elle lui donne de la profondeur et la rend sympathique – en tant qu’être humain avec ses propres complexités. Au lieu de se contenter de jouer le stéréotype de la «salope française». Darren a reconnu cette subtilité et cette

profondeur et a choisi de créer un personnage paradoxal et bien plus fascinant. Il voit au-delà de l’évidence et fait ressortir les nuances et les points faibles des personnages féminins qui sont souvent négligés. Les costumes de Sylvie sont très caractéristiques. Comment ces costumes influencent-ils votre interprétation de «Sylvie», votre immersion dans le rôle? Au début, nous avons expérimenté des costumes qui me limitaient physiquement: des ceintures étroites, des chaussures hautes dans lesquelles il était difficile de marcher – des éléments qui provoquaient subtilement un malaise. Il est intéressant de noter que dans la deuxième saison, nous avons appris que Sylvie avait eu une vie antérieure à SaintTropez, qu’elle vivait pieds nus sur la plage. Ainsi, notre choix initial de costume «restrictif» s’est avéré, contre toute attente, approprié! Nous avions l’impression de restreindre sa sauvagerie innée, ce qui correspondait parfaitement à l’évolution de son caractère. Maintenant, l’accent est mis sur la manière dont les costumes bougent avec elle et sur les gestes qu’ils permettent. Chaque costume donne l’impression d’être juste dès la première fois, ce qui est souvent dû à des détails compliqués, difficiles à percevoir, mais essentiels pour le personnage. Travailler avec notre costumière Maryline Fitoussi, c’est se faire tailler une seconde peau par quelqu’un qui sait exactement ce que le rôle exige. Elle ne se contente pas d’habiller un personnage, mais façonne un aspect du récit. L’alchimie inhabituelle entre les acteurs sur le plateau d’«Emily in Paris» est littéralement palpable. À quoi cela est-il dû? C’est difficile à dire exactement. Je pense qu’elle était là dès le début. Pour moi, «mon» personnage me semblait juste – comme si je le connaissais vraiment. Du coup, il était naturel pour moi d’interagir avec les autres personnages, notamment avec Emily lors de la première saison. Nous avons tous semblé trouver et assimiler assez facilement et rapidement l’essence de nos rôles – ce qui a contribué à ce que tout se passe sans problème entre nous. Une dernière question: avec quelle information sur votre personne pourriez-vous nous surprendre? Il est difficile de prédire ce qui surprend les autres chez moi. Je suis convaincue que les acteurs ont en général une pensée plus profonde que ce que beaucoup attendent. J’ai toujours trouvé les interviews d’acteurs fascinantes, car elles mettent en lumière le processus compliqué et souvent mystérieux derrière leur «jeu de rôle». C’est un terrain à la fois étrange et familier pour nous. Je me souviens qu’une de mes amies voulait devenir philosophe quand elle était adolescente – moi, je voulais être actrice. Elle a fait remarquer qu’au fond, c’était le même métier. A l’époque, j’ai trouvé cela assez révélateur. L’art dramatique et la philosophie consistent tous deux à aborder la vie sous différents angles – la philosophie en théorie, l’art dramatique en pratique.

words. Odyssia Houstis 101

dress. DSQUARED2

philippine in paris ____________

ITALIANO Riflettori accesi su Philippine Leroy-Beaulieu, la carismatica attrice che interpreta «Sylvie» nella serie di successo «Emily in Paris». Philippine Leroy-Beaulieu può vantare una carriera sfaccettata iniziata nel cinema francese. Da sempre incanta il pubblico con la sua capacità di dare profondità e autenticità ad ogni personaggio che ha interpretato. In conversazione con Philippine, abbiamo scoperto di più sulla sua importante carriera e sul suo ruolo eccezionale di Sylvie, elegante e intelligente.

È conosciuta come donna sicura di sé. In che modo questa sicurezza influenza il suo approccio alla recitazione e la sua capacità di entrare in contatto con i personaggi? Fondamentalmente si riduce alla «conoscenza di sé». Quando ci si conosce meglio, si ha meno paura di affrontare le proprie ombre. Ho trascorso molto tempo a lavorare e a comprendere il mio lato ombra. Dall’esterno, questo percorso può sembrare sicurezza di sé, ma per me si tratta piuttosto di «accettazione». Comprendendo meglio me stessa, posso esplorare meglio i miei personaggi, senza avere paura. Attualmente interpreto ruoli che hanno lati complessi, a volte antipatici. Questo mi piace. Mi piace ritrarre la complessità delle persone. Il nostro mondo è sempre più polarizzato e vede le cose in bianco e nero, ma la vita reale non è così. È ricca di sfumature e fluida. I confini non sono chiari, si spostano continuamente. È questo che mi affascina delle persone: siamo in continua evoluzione e cambiamento. Questa prospettiva arricchisce la mia recitazione e mi permette di dare un’interpretazione più autentica, con cui il pubblico entra in risonanza.

I costumi di Sylvie sono emblematici. In che modo questi costumi ne influenzano l’interpretazione da parte sua, la sua immersione nel ruolo? All’inizio abbiamo sperimentato costumi che mi limitavano fisicamente: cinture strette, tacchi alti difficili da portare – elementi che causavano sempre un qualche disagio. È interessante notare che nella seconda stagione abbiamo scoperto che Sylvie aveva avuto una vita precedente a Saint-Tropez, vivendo a piedi nudi sulla spiaggia. Quindi la nostra scelta iniziale di costumi «restrittivi» tutto ad un tratto si è rivelata appropriata! Sembrava che stessimo governando la sua innata selvatichezza, il che era perfettamente in linea con lo sviluppo del personaggio. Ora l’attenzione si concentra sul modo in cui i costumi si muovono con lei e sui gesti che consentono. Ogni outfit sembra subito adatto, spesso grazie a dettagli intricati che sono difficili da riconoscere ma fondamentali per il personaggio. Lavorare con la nostra costumista Marylin Fitoussi significa avere una seconda pelle confezionata da qualcuno che sa esattamente cosa richiede il ruolo. Non si limita a vestire un personaggio, ma dà forma a un aspetto della narrazione.

È arrivato il momento di iniziare le riprese della quarta stagione di «Emily in Paris». È cambiato qualcosa rispetto alle stagioni precedenti? Sia gli attori che gli sceneggiatori hanno sviluppato una comprensione ancora più profonda dei nostri personaggi. Poiché gli sceneggiatori ci conoscono meglio, possono rendere il materiale più ricco di sfumature e questo ci permette di spingerci in nuove dimensioni e confini che non avevamo mai osato superare prima. Sento che ora abbiamo più libertà, e questo ha a che fare con il fatto che un personaggio si evolve nell’arco di quattro stagioni: questo permette una rappresentazione più ricca e una storia più profonda.

L’insolita chimica tra gli attori sul set di «Emily in Paris» è palpabile. A cosa è dovuta? È difficile dirlo con esattezza. Credo che ci sia stata fin dall’inizio. Per me, il «mio» personaggio era come se lo conoscessi davvero. Mi è venuto naturale interagire con gli altri personaggi, soprattutto con Emily nella prima stagione. Sembrava che tutti noi avessimo trovato e interiorizzato l’essenza dei nostri ruoli abbastanza facilmente e presto, e questo ha aiutato a far scorrere tutto senza intoppi tra di noi.

Il suo personaggio «Sylvie» ha una presenza importante nella Serie. Le caratteristiche di Sylvie rimangono con lei anche al di fuori delle riprese? Sicuramente sì. Ogni personaggio tocca parti di noi stessi, ma raramente le esploriamo nel dettaglio. Quando si interpreta un personaggio, si intraprende un viaggio verso aspetti sconosciuti della propria personalità. Queste scoperte rimangono con te, anche dopo la fine della Serie. Il ruolo di Sylvie, per esempio, ha fatto sbocciare una certa parte di me: la fiducia in me stessa. È affascinante perché è l’aspetto che gli spettatori spesso sottolineano, e mi ha colpito molto. Darren Star, il creatore di «Emily in Paris», ha riconosciuto in lei una vulnerabilità che si addice a Sylvie. Questa vulnerabilità ha sempre fatto parte della sua recitazione o l’ha sviluppata nel tempo? È sempre stata presente, anche se all’inizio non me ne rendevo conto. Ora la capisco meglio e posso giocarci meglio. Ciò che rende un personaggio come Sylvie davvero accattivante è la sua vulnerabilità. Le dà profondità e la rende simpatica, in quanto essere umano con le sue complessità. Invece di interpretare la stereotipata «stronza francese». Darren ha riconosciuto questa sottigliezza e profondità e ha optato per un personaggio paradossale e molto più intrigante. Vede oltre l’ovvio e fa emergere sfumature e vulnerabilità dei personaggi femminili che spesso vengono trascurate.

Un’ultima domanda: con quali informazioni su di lei potrebbe sorprenderci? È difficile prevedere cosa – di me – sorprenda gli altri. Sono convinta che gli attori in genere pensano più profondamente di quanto molti si aspettino. Ho sempre trovato affascinanti le interviste agli attori, perché fanno luce sul complicato e spesso misterioso processo che sta dietro al loro «gioco di ruolo». Questo è un territorio strano e allo stesso tempo familiare per noi. Ricordo che da adolescente una mia amica voleva fare la filosofa, mentre io volevo fare l’attrice. Mi fece notare che in fondo si trattava della stessa professione. All’epoca l’ho trovata un’affermazione molto perspicace. La recitazione e la filosofia consistono ugualmente nel guardare la vita da angolazioni diverse: la filosofia in teoria, la recitazione in pratica. words. Odyssia Houstis directed by. Julia & Vincent fashion. Clément Lomellini hair. Rudy Marmet make up. Fred Marin nails. Nafissa Djabi set designer. Enzo Selvatici assistant photography. Joshua Abecassis fashion assistant. Ciro Marangi retouch. Corentin Bureau production. Lyor Amar 103

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory JEFFREE STAR COSMETICS Scorpio Palette

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia Les Beiges Pearly Glow CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory MAQPRO Palette Cream Eyeshadow N157 Lips cream palette N29 NARS COSMETICS Blush Amour Silver Lipliner

rainbow

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photography. fernando gómez make up. raffaele romagnoli

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia Longwear lip pencil 180 CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory DIOR Lip glow Dior addict 001 WYCON COSMETICS Lip pencil N32

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia Lipstick Rouge Allure 99 Pirate CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory JEFFREE STAR COSMETICS Scorpio Palette

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia Gloss + Lipstick Rouge Allure 99 Pirate CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory JEFFREE STAR COSMETICS Jawbreaker Palette

CHANEL N°1 de Chanel Red Camellia CLÉ DE PEAU Radiant fluid Foundation natural Radiant Corrector Ivory WAICON Long Lasting Liquid Lipstick N32 NARS COSMETICS Dark Lipliner

photography. Fernando Gómez model. Nora Vara @ Sight management hair. Rosa Matilla @ M.Ö.N Icon team & GHD make up. Raffaele Romagnoli make up assistant. Max Mendez

coat. Palomo Spain sandals. Camper opposite full look. Habey Club

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set chronicles ____________

photography. name photography. antártica fashion. name model. name fashion. martxel montero

top + trousers. Hermès dress. Aitor Goikoetxea

dress. Habey Club

dress. Ernesto credit. credit Naranjo credit. credit credit. credit credit. credit credit. credit

title of editorial ____________

photography. photographer name fashion. stylist name

dress. Palomo Spain

jacket, skirt, shoes, socks + bag. Dior shirt. Fendi

top. Carlota credit.Barrera credit shorts + belt.credit. Habeycredit Club shoes. credit. Camper credit credit. credit

photography. Antártica fashion. Martxel Montero fashion assistant. Maria Garcia hair. David Lopez make up. Raffaele Romagnoli photography. name model. Marina Kasi @ Trend Model Management fashion. name location. Espacio Nueva Carolina model. name lab. Malvarrosa Film Lab

ring. Cartier pants. Y3 top, shoes + earring. Marine Serre

aime simone ____________

photography. adrien penpenic fashion. serdane messamet

eyewear. Ottolinger top. Louis Gabriel Nouchi necklace. Cartier

in tune with aime simone ____________

DEUTSCH Unser Interview mit Aime Simone ermöglicht einen Blick hinter die Kulissen dieses musikalischen Maestros,

der hinter Hits wie «Shining Light» und «Answer the Night» steht. Seine Alben «Say Yes, Say No» und «Oh Glory» haben weltweit die Herzen erobert.

Was hat dich motiviert, in die Welt der Musik einzusteigen? Ich habe mich schon immer für Musik interessiert. Hinzu kam eine existenzielle Angst, in einem sinnlosen Leben gefangen zu sein. Die Musik schien ein Ausweg zu sein. Ein Weg, mehr zu erleben. Wer inspiriert dich? Am Anfang war es die Musik, die meine Freunde in der Schule hörten, meistens Rap, oder einfach die Musik, die meine Eltern hörten, viel Post-Punk und New Wave. Als Kind wurde ich von zahlreichen Künstlern inspiriert, von Michael Jackson bis 50 Cent – und später von Peter Doherty. In den letzten Jahren waren Lil Peep und Yung Lean einige der wichtigsten Inspirationen für mich. In deiner Musik mischen sich viele Genres: Pop, Indie, Trap, elektronische Musik. Wie würdest du die Musik beschreiben, die du machst? Ich nenne sie Post-Pop. Es ist Post-Genre in der Produktion und Pop im Songwriting. Euer letztes Album «Oh Glory» erschien im Mai 2023, die Deluxe-Version im Dezember. Wie sah der kreative Prozess aus, vom anfänglichen Songwriting bis hin zur Aufnahme und Abmischung? Die Songs wurden 2020-2023 während eines Aufenthalts zwischen Berlin und Frankreich geschrieben. Die meisten begannen in Form von Improvisationen mit Gitarre oder Synthesizer, die Melodien kamen also zuerst, dann die Texte. Wir haben die Songs unmittelbar aufgenommen und produziert, als wir sie geschrieben haben – es war also eher instinktiv als konzeptionell. Und wir haben alles selbst in unserem Heimstudio abgemischt. Arbeitet ihr mit einem Produzenten zusammen? Wir, damit meine ich mich und meine Partnerin Sonja Fix, produzieren alle Songs selbst. Waren in dieses Album andere Musiker oder Kollaborateure involviert? Nein, das Projekt ist komplett in der Intimität unseres gemeinsamen Lebens entstanden. Wir haben noch nie mit jemandem zusammengearbeitet.

Hat die Rückkehr nach Paris deine Arbeit in irgendeiner Weise beeinflusst? Ja, sie hat mich gezwungen, disziplinierter zu werden als je zuvor. Es ist nicht leicht, in Paris zu überleben. Vorher war ich zwar motiviert, aber viel weniger strukturiert. Heute habe ich viele Abläufe optimiert, so dass ich alles, was ich hier tun muss, bewältigen kann. Wo stehst du aktuell? Woran arbeitest du? Ich arbeite an meinem nächsten Album. Der Prozess ist dieses Mal jedoch anders. Es wird das «zusammenhängendste» Album sein, das ich je veröffentlicht habe. Es hat eine sehr klare Richtung und ist ein stärkeres Statement als die vorherigen Alben. Momentan stelle ich alle zwei bis drei Tage ein Demo fertig und sammle Ideen, um sie später zu bearbeiten. Ihr habt am 14. Dezember dieses Jahres eine Show im Le Trianon in Paris. Stehen in diesem Jahr noch andere Shows oder Projekte an? Ich bin an einigen europäischen Festivals, konzentriere mich dieses Jahr aber hauptsächlich auf das Schreiben und die Fertigstellung des Albums. Die Show in Paris wird emotional sein, ich werde einige neue Songs ausprobieren und es wird ein Abschied von der «Oh Glory» Ära. Danach wird alles anders sein. Fliessen deine Erfahrungen in der Modebranche in deine Musik und deinen kreativen Prozess ein? Gibt es Dinge, die du beim Modeln gelernt hast, die dir auf der Bühne helfen? Oder Dinge, die du in der Modewelt nicht mochtest, die du nun versuchst zu vermeiden oder in deinem Musikprojekt zu dekonstruieren? Ich habe gelernt, wie ich in jeder Situation ich selbst bleiben kann. Die Mode wird immer versuchen, dich so zu formen, wie sie dich haben will. Es ist ein hartes Umfeld, das viel Druck auf das Image und den sozialen Status ausübt, es ist wie eine völlig andere Welt mit ihrer eigenen Sprache und ihren eigenen Codes. Dadurch habe ich viel über mich selbst gelernt. Was mir wichtig ist und was nicht. Das hat sich definitiv auch auf mich als Künstler ausgewirkt. Geht man mit der richtigen Einstellung an die Mode heran, kann sie eine Menge Kraft haben. Aber sie kann einen auch auffressen, wenn man nicht bereit dafür ist.

Wie ist es, mit seinem Lebenspartner zu arbeiten? Sonja Fix und ich machen das nunmehr seit fast sieben Jahren, und es hat sich immer sehr natürlich und verbindend angefühlt, zusammen zu arbeiten. Wir haben Fähigkeiten und Perspektiven, die sich gegenseitig ergänzen. Wir sind nicht immer einer Meinung, aber durch den Austausch von Ideen und die Suche nach etwas, hinter dem wir beide stehen können, erzielen wir die besten Ergebnisse. Es ist eine sehr intensive Art zu arbeiten, wir hören nie auf. Diese Musik ist unser Leben – und wir stecken alles hinein.

words. Luke Ellinger 121

all clothing. Marine Serre

in tune with aime simone ____________

FRANÇAIS Notre interview avec Aime Simone nous permet de jeter un coup d’œil dans les coulisses de ce maestro

de la musique, à l’origine de tubes comme «Shining Light» et «Answer the Night». Ses albums «Say Yes, Say No» et «Oh Glory» ont conquis les cœurs du monde entier.

Qu’est-ce qui t’a motivé à entrer dans le monde de la musique? J’ai toujours été intéressé par la musique. A cela s’ajoutait une angoisse existentielle, celle d’être prisonnier d’une vie dénuée de sens. La musique semblait être une échappatoire. Un moyen de vivre davantage.

Le retour à Paris a-t-il influencé ton travail d’une manière ou d’une autre? Oui, cela m’a forcé à être plus discipliné que jamais. Ce n’est pas facile de survivre à Paris. Avant, j’étais certes motivé, mais beaucoup moins structuré. Aujourd’hui, j’ai optimisé de nombreux processus, de sorte que je peux gérer tout ce que je dois faire ici.

Qui t’inspire? Au début, c’était la musique qu’écoutaient mes amis à l’école, généralement du rap, ou simplement la musique qu’écoutaient mes parents, beaucoup de post-punk et de new wave. Enfant, j’ai été inspiré par de nombreux artistes, de Michael Jackson à 50 Cent – et plus tard par Peter Doherty. Ces dernières années, Lil Peep et Yung Lean ont été parmi mes principales sources d’inspiration.

Où en es-tu actuellement? Sur quoi travailles-tu? Je travaille sur mon prochain album. Mais le processus est différent cette fois-ci. Il s’agira de l’album le plus «cohérent» que j’ai jamais publié. Il a une direction très claire et est une déclaration plus forte que les albums précédents. En ce moment, je termine une démo tous les deux ou trois jours et je rassemble des idées pour les travailler plus tard.

Dans ta musique, de nombreux genres se mélangent: pop, indie, trap, musique électronique. Comment décrirais-tu la musique que tu fais ? Je l’appelle post-pop. C’est du post-genre dans la production et de la pop dans l’écriture des chansons.

Vous avez un show au Trianon à Paris le 14 décembre de cette année. D’autres spectacles ou projets sont-ils prévus cette année? Je participe à quelques festivals européens, mais cette année je me concentre principalement sur l’écriture et la finalisation de l’album. Le spectacle à Paris sera émotionnel, je vais essayer quelques nouvelles chansons et ce sera un adieu à l’époque «Oh Glory». Après cela, tout sera différent.

Votre dernier album «Oh Glory» est sorti en mai 2023, la version deluxe en décembre. Quel a été le processus créatif, de l’écriture initiale des chansons à l’enregistrement et au mixage? Les chansons ont été écrites en 2020-2023 lors d’un séjour entre Berlin et la France. La plupart ont commencé sous forme d’improvisations à la guitare ou au synthétiseur, les mélodies sont donc venues en premier, puis les paroles. Nous avons enregistré et produit les chansons immédiatement après les avoir écrites – c’était donc plus instinctif que conceptuel. Et nous avons tout mixé nousmêmes dans notre home studio. Travaillez-vous avec un producteur? Nous, je veux dire ma partenaire Sonja Fix et moi, produisons toutes les chansons nous-mêmes. D’autres musiciens ou collaborateurs ont-ils été impliqués dans cet album? Non, le projet est entièrement né dans l’intimité de notre vie commune. Nous n’avons jamais collaboré avec qui que ce soit.

Est-ce que ton expérience dans le domaine de la mode se reflète dans ta musique et ton processus créatif? Y a-t-il des choses que tu as apprises dans le mannequinat qui t’aident sur scène? Ou des choses que tu n’aimais pas dans le monde de la mode et que tu essaies maintenant d’éviter ou de déconstruire dans ton projet musical? J’ai appris à rester moi-même dans toutes les situations. La mode essaiera toujours de te façonner comme elle veut que tu sois. C’est un environnement difficile qui exerce beaucoup de pression sur l’image et le statut social, c’est comme un monde complètement différent avec son propre langage et ses propres codes. Cela m’a permis d’apprendre beaucoup de choses sur moi-même. Ce qui est important pour moi et ce qui ne l’est pas. Cela a définitivement eu un impact sur moi en tant qu’artiste. Si l’on aborde la mode avec la bonne attitude, elle peut avoir beaucoup de force. Mais elle peut aussi vous dévorer si vous n’êtes pas prêt.

Qu’est-ce que ça fait de travailler avec son partenaire de vie? Sonja Fix et moi faisons cela depuis près de sept ans maintenant, et cela nous a toujours semblé très naturel et fédérateur de travailler ensemble. Nous avons des compétences et des perspectives qui se complètent mutuellement. Nous ne sommes pas toujours d’accord, mais c’est en échangeant des idées et en cherchant quelque chose derrière laquelle nous pouvons tous les deux nous ranger que nous obtenons les meilleurs résultats. C’est une manière très intense de travailler, nous ne nous arrêtons jamais. Cette musique est notre vie – et nous y mettons tout ce que nous avons.

words. Luke Ellinger 123

all clothing + eyewear. Ottolinger ring. Cartier

in tune with aime simone ____________

ITALIANO Intervistando Aime Simone abbiamo dato uno sguardo «dietro le quinte» di questo maestro della musica,

autore di successi come «Shining Light» e «Answer the Night». I suoi album «Say Yes, Say No» e «Oh Glory» hanno conquistato i cuori di tutto il mondo.

Cosa ti ha spinto ad entrare nel mondo della musica? Sono sempre stato interessato alla musica. C’era anche la paura esistenziale di essere intrappolato in una vita senza senso. La musica sembrava essere una via d’uscita. Un modo per sperimentare di più. Chi ti ispira? All’inizio era la musica che ascoltavano i miei amici a scuola, soprattutto rap, oppure la musica che ascoltavano i miei genitori, molto post-punk e new wave. Da bambino mi ispiravo a molti artisti, da Michael Jackson a 50 Cent, e poi a Peter Doherty. Negli ultimi anni, Lil Peep e Yung Lean sono stati tra le mie ispirazioni più importanti. La tua musica mescola molti generi: pop, indie, trap, musica elettronica. Come la descriveresti? La chiamo post-pop. È post-genere nella produzione e pop nella scrittura delle canzoni. Il tuo ultimo album «Oh Glory» è uscito a maggio 2023, la versione deluxe a dicembre. Com’è stato il processo creativo, dal songwriting iniziale alla registrazione e al mixaggio? Le canzoni sono state scritte nel periodo 2020-2023 mentre vivevo tra Berlino e la Francia. La maggior parte di esse sono nate come improvvisazioni con chitarra o sintetizzatore, quindi sono venute prima le melodie, poi i testi. Abbiamo registrato e prodotto le canzoni subito dopo averle scritte, pertanto è stato più istintivo che concettuale. E abbiamo mixato tutto da soli nel nostro studio di casa. Lavorate con un produttore? Noi, cioè io e la mia compagna Sonja Fix, produciamo tutte le canzoni da soli.

Dove ti trovi attualmente? A cosa stai lavorando? Sto lavorando al mio prossimo album. Questa volta, però, il processo è diverso. Sarà l’album più «coeso» che abbia mai pubblicato. Ha una direzione molto chiara ed è una dichiarazione più forte rispetto agli album precedenti. Al momento completo una demo ogni due o tre giorni e sto raccogliendo idee su cui lavorare in seguito. Il 14 dicembre di quest’anno avrete uno spettacolo al teatro Le Trianon di Parigi. Ci sono altri spettacoli o progetti in programma quest’anno? Parteciperò ad alcuni festival europei, ma quest’anno mi sto concentrando principalmente sulla scrittura e sul completamento dell’album. Lo spettacolo di Parigi sarà emozionante, proverò alcune nuove canzoni e sarà un addio all’era di «Oh Glory». Dopo, tutto sarà diverso. La tua esperienza nell’industria della moda influenza il tuo processo musicale e creativo? Ci sono cose che hai imparato facendo il modello che ti aiutano sul palco? O cose che non ti piacevano nel mondo della moda e che ora cerchi di evitare o decostruire nel tuo progetto musicale? Ho imparato a rimanere me stesso in ogni situazione. La moda cercherà sempre di plasmarti in quello che vuole che tu sia. È un ambiente difficile che mette molta pressione sull’immagine e sullo status sociale, è come una dimensione completamente diversa con un linguaggio e dei codici propri. Mi ha insegnato molto su me stesso. Cosa è importante per me e cosa no. Questo ha sicuramente avuto un impatto su di me come artista. Se ti avvicini alla moda con il giusto atteggiamento, può avere molto potere. Ma se non sei pronto può anche divorarti.

Sono stati coinvolti altri musicisti o collaboratori in questo album? No, il progetto è stato creato interamente nell’intimità della nostra vita insieme. Non abbiamo mai lavorato con nessuno prima d’ora. Cosa si prova a lavorare con la propria compagna di vita? Sonja Fix e io facciamo questo lavoro ormai da quasi sette anni, e ci è sempre sembrato molto naturale e coinvolgente lavorare insieme. Abbiamo competenze e prospettive che si completano a vicenda. Non siamo sempre d’accordo, ma condividendo le idee e trovando qualcosa che ci appassioni entrambi, otteniamo i risultati migliori. È un modo di lavorare molto intenso, non ci fermiamo mai. Questa musica è la nostra vita e ci mettiamo tutto il nostro impegno. Il ritorno a Parigi ha influenzato in qualche modo il tuo lavoro? Sì, mi ha costretto a essere più disciplinato che mai. Non è facile sopravvivere a Parigi. Prima ero motivato ma molto meno strutturato. Oggi ho ottimizzato molti processi per poter gestire tutto ciò che devo fare qui.

words. Luke Ellinger photography. Adrien Penpenic talent. Aime Simone talent agent. Florent Farinelli fashion. Serdane Messamet hair. Julie Bennadji make up. Ruby Mazuel fashion assistant. Johan Kieransiski photography assistant. Kostiantyn Gaiduk location. Studio Moonlight, Paris 125

MAKE UP FOR EVER HD Hydra Glow Foundation YSL BEAUTY The Bold High Pigment Lipstick 01 Le Rouge GUCCI BEAUTY Luminous Face and Lip Gloss jewellery. Patricia Von Musulin

MAKE UP FOR EVER HD Hydra Glow Foundation ANASTASIA BEVERLY HILLS Lip Liner Cranberry Norvina Pro Pigment Palette Vol. 2 NARS PowerMatte Long Lasting Lipstick Notorious

beauty building

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photography. carla coste make up. david razzano

PRADA BEAUTY Prada Monochrome Soft Matte lipstick R128 Granato

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MAKE UP FOR EVER HD Hydra Glow Foundation DIOR BEAUTY Dior Addict Lip Maximizer Plumping Gloss 003 Holographic Lavendar PAT MCGRATH LABS Mothership IX Eyeshadow Palette Huetopian Dream

MAKE UP FOR EVER HD Hydra Glow Foundation NARS PowerMatte Long Lasting Lipstick Sweet Disposition ANASTASIA BEVERLY HILLS Black Longewear Waterproof Creme Color GUCCI BEAUTY Luminous Face Lip Gloss

MAKE UP FOR EVER HD Hydra Glow Foundation YSL BEAUTY The Bold High Pigment Lipstick 01 Le Rouge GUCCI BEAUTY Luminous Face and Lip Gloss top. Isabel Marant

photography. Carla Coste fashion. Willyum Beck models. Nya Gatbel + Xian Xian Peng @ One Management hair + make up. David Razzano

full look. Versace opposite Gabriella wears shoes. Giuseppe Zanotti Jhona wears suit. Dolce&Gabbana

jhona burjack + gabriella pires ____________

photography. alfonso anton cornelis fashion. giorgio branduardi

dress. Zuhair Murad shoes. René Caovilla

full look. Dolce&Gabbana

full look. The Attico

full look. Dolce&Gabbana

photography. Alfonso Anton Cornelis creative director + fashion. Giorgio Andrea Branduardi models. Jhona Burjack + Gabriella Pires make up + hair. Veronica Fiorello fashion assistants. Rebecca Lai + Nicola Destro digital assistant. Massimo Fusardi

dress. Jules Bramley shoes. Jeffrey Campbell

moths to a flame ____________

photography. hannah de vries fashion. rachel thorson

dress. Oriens

full look. Rui

top + pants. Oriens shoes. Jeffrey Campbell

jumpsuit. Vex rings. Chris Habana

dress. Oriens

photography. Hannah De Vries fashion. Rachel Thorson model. Ella Snyder @ One Management co models. Sean Gal, Alexander Barkovskyi, Jeison Lee, Presley Walker, Brendan Ortiz, Dean London, Guy Duplantier, Pablo Kaestli art direction. Odie Senesh hair. Samantha Lepre make up. Matthew Fishman set designer. Crystal Geller production. Moriah Mitzner light assistant. Logan Dagnen fashion assistant. Aleana Paredes set design assistant. Julia Wang

fashion backstage ____________

photography. total black fashion. vittoria rossi provesi

dress + bag. Fendi gloves. Vintage jewels. Messika

left shirt. Krizia right jacket + trousers. Krizia shoes. Santoni bracelet. Defaïence rings. Messika

top + skirt. Marco Rambaldi earrings + bracelet. Radà

bottom right dress + shoes. Dolce & Gabbana jewels. Mariaeluisajewels

right gilet. John Richmond sunglasses. Isabel Marant left trench. John Richmond earrings. Messika

right all clothing. Versace shoes. Sergio Rossi left trench. Iceberg

full look. Roberto credit.Cavalli credit credit. credit credit. credit credit. credit

photography. name fashion. name model. name

all clothing + bag. The Attico jewels. Mariaeluisajewels

Leah wears top dress + bag. Diesel bottom dress. Les Filles d’Eva shoes. MaxMara sunglasses. Junk Carolin wears dress + shoes. Alberta Ferretti sunglasses. Moschino bag. Coppola e Toppo Greta wears dress. Les Filles d’Eva shoes. Sergio Rossi bag. Coppola e Toppo sunglasses. Etro

dress + shoes. Alexander McQueen necklace. Radà

top left full look. Iceberg jewels. Portal333 bottom full look. Sportmax sunglasses. Kyme earrings. Radà

Carolin wears dress. Taller Marmo shoes. Sergio Rossi jewels. Rosantica Greta wears dress. Taller Marmo shoes. Santoni jewels. Rosantica

photography. Giovanni Gori and Andrea Aldrovandi for Total Black @ Wild Productions fashion. Vittoria Rossi Provesi models. Greta Hajwos @ Next Model Management, Carolin Buchegger @ Elite Model Management Milan + Leah Risi @ Women Management Milan hair. Daniel Manzini @ Studio Repossi make up. Elena Pivetta @ Green Apple set designer. Alina Totaro casting director. Laura Stella Motta @ Wild Productions fashion assistant. Susanna Messina + Ilaria Lastella set designer assistant. Giulia Ceraolo make up assistant. Caterina Fico

bodysuit. The Unissen earring. Luisa Olivera

opposite top. Siegenthaler belt. Sophia Bihler earrings. Safsafu

touch up ____________

photography. alexandra leroy make up. raffaele romagnoli

Bloem wears top. Peng Tai earrings. Safsafu Lotte wears top. LGNC bra. Passionata earrings. Delphine-Charlotte Parmentier bracelet. Marc Deloche

opposite top + bag. Peng Tai sleeves + skirt. Sophia Bihler pants. The Unissen earrings. Chocheng

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photography. name fashion. name model. name

denim jacket. Après Le Déluge blazer. Jarel Zhang earrings. Bagouze Atelier

Julia wears top. Natan earrings. Luisa Olivera Aissatou wears top. Après Le Déluge jacket. Victoria/Tomas earring. Delphine-Charlotte Parmentier

top. Jarel Zhang earrings. Luisa Olivera

opposite top. Amandine Leost earrings. Luisa Olivera bag. Transe Paris

photography. Alexandra Leroy fashion. Alexandra Osina models. Bloem @ Titanium Management Cory + Julie @ Mademoiselle Agency Lea + Camille @ Premium Agency Brandy @ Metropolitan Agency Lotte + Aissatou @ Supreme Management Paris hair. Hanna Liepkova make up. Raffaele Romagnoli fashion assistant. Nicole Nasr hair assistant. Julien Gonzalez Galvez studio. 84 West

brands

Emporio Armani armani.com

Marco Rambaldi marco-rambaldi.shop

Empty Behavior @emptybehavior

Mariaeluisajewels mariaeluisa.com

Eres eresparis.com

Marina Stefan

Ernesto Naranjo Ernesto-naranjo.com

Marine Serre marineserre.com

Estée Lauder esteelauder.ch

Messika messika.com

Aitor Goikoetxea aitorgoikoetxea.com

Etro etro.com

Moschino Moschino.com

Alberta Ferretti albertaferretti.com

Exilia exilia.it

Mugler mugler.com

Alexander McQueen alexandermcqueen.com

Falconeri falconeri.com

Nars narscosmetics.de

Amber Ambrose Aurele amberambroseaurele.com

Falke falke.com

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Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood

Florence Moorhead florencemoorhead.com

Ottolinger ottolinger.com

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Gant gant.com

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Andrew Curwen @andrewcurwen

GBRL

Pasquale Bonfilio @bonfilio_hats_

Annakiki annakiki.com

Genny genny.com

Patricia Von Musulin @patriciavonmusulin

Audemars Piquet audemarspiquet.com

Georges Hobeika georgeshobeika.com

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Boucheron Boucheron.com

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Helsen Eisen @heleneisen_

Robert la roche robert-laroche.com

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Diego Guillen @_diego_guillen_

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Les Filles d’Eva lesfillesdeva.com

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Zeus & Dione zeusndione.com

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Zimmermann erich-zimmermann.com

Eckhaus Latta eckhauslatta.com

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geschäftsleitung. Dr. Odyssia Houstis + Dr. Frank Herbrand chefredaktion. Dr. Odyssia Houstis deputy editor + graphic design. Laura Knoops features editor + marketing manager. Ryan Jerome editor-at-large. Odie Senesh editor-at-large. Giorgio Andrea Branduardi beauty editor. Raffaele Romagnoli digital editor. Chiara Kestin partnerschaften / inserate. Dr. Frank Herbrand frank@schon.ch intern. Lorenz Roselius submissionen. submissions@schon.ch abonnementsbestellungen. info@schon.ch copypreis. (inkl. MwSt) (inkl. METASchön!)

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druck. Switzerland ISSN 2813-5512 Schön! Switzerland (Print) ISSN 2813-5520 Schön! Switzerland (Digital) Schön! Switzerland Erscheint sechsmal jährlich als Schweizer Lizenz des Schön! Magazines in der Enamati Publishing GmbH, Im Bruppach 13, 8703 Erlenbach. Schön! Switzerland online: http://www.schon.ch Schön! Switzerland übernimmt keine Haftung für unaufgefordert eingesandtes Material jeglicher Art. Die im redaktionellen Inhalt enthaltenen Meinungen sind die der Autoren und nicht notwendigerweise die der Herausgeber von Schön! Switzerland. Jegliche Vervielfältigung im Ganzen oder in Teilen ohne schriftliche Genehmigung ist strengstens untersagt. 165

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mourjjan françois berthoud krista kim klaus busse rouge dior guvanch william trubridge francesca pia

behind

METASchön! 08 2024

the

scenes

lalique x vivents

the world’s most iconic phygital perfume

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index.

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META Buzz. lalique vivents

202 178 META Buzz. lalique x vivents 184 META Buzz. heart space by krista kim

186 META Reflections. hacking in web3 194 META Reflections. portraits of the anxious mind 202 style. couture with a cause: mourjjan

style. mourjjan

216

208 style. guvanch agajumayev 216 beauty. introducing the revamped rouge dior 220 beauty. reBELLE Beauty

beauty. rouge dior

222 editor’s pick. OMEGA speedmaster

224

224 fab collab. maison margiela x gentle monster 226 contributors. 227 editors.

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behind the scenes

fab collab. maison margiela x gentle monster

228 unique travel. mandarin oriental savoy zurich 234 unique travel. boutique hotel alhambra losinj, croatia

242

242 unique travel. from lisbon to the algarve coast with range rover sport 250 arts and culture. 24h in vienna 254 arts and culture. francois berthoud 260 arts and culture. francesca pia 264 arts and culture. klaus busse 276 arts and culture. christian de portzampac 280 arts and culture. anouk and zoé: a story of sisters, beach volleyball and the Olympic dream

unique travel. from lisbon to the algarve coast with range rover sport

254

286 spotlight. william trubridge

arts and culture. francois berthoud

264

arts and culture. klaus busse

286 spotlight. william trubridge 175

Jazzanova LEE RITENOUR & DAVE GRUSIN

ANDREA MOTIS Delvon Lamarr Organ Trio Cécile McLorin Salvant MARCUS MILLER Somi JAZZRAUSCH BIG BAND Pippo Polina RICHARD GALLIANO Erika Stucky HIROMI Veronica Swift MORCHEEBA Dana Masters POTTER, MEHLDAU, PATITUCCI, BLAKE Helge Schneider MEZZOFORTE and many more … 4.– 28. JULI 2024 FESTIVALDAJAZZ.CH host

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editor’s letter ____________

DEUTSCH Liebe Leserinnen und Leser,

FRANÇAIS Chères lectrices, chers lecteurs,

Herzlich willkommen zur achten Ausgabe von METASchön!, in der wir Sie «Behind the Scenes» von Innovation, Kunst und Kultur führen.

Bienvenue dans la huitième édition de METASchön!, dans laquelle nous vous emmenons «Behind the Scenes» de l’innovation, de l’art et de la culture.

Unsere Titelstory gibt einen spannenden Einblick in das erste «phygitale» Parfüm der Welt, eine Zusammenarbeit der renommierten Kristallmanufaktur Lalique mit dem innovativen Team von Vivents unter der Leitung von Sarah Schlagenhauf. Im Bereich der digitalen Innovation befassen wir uns zudem mit dem aktuellen Thema des Hacking im Web3. Unsere digitalen Landschaften entwickeln sich weiter, die damit verbundenen Herausforderungen allerdings auch. Kunst und Technologie verschmelzen auf wunderbare Weise in der Arbeit von Krista Kim, die sich mit Julius Bär für die Installation «Heart Space» zusammengetan hat. Dieses faszinierende Werk nutzt den menschlichen Herzschlag, um visuelle Kunst zu schaffen. Und bietet eine immersive Erfahrung, die bewusst macht, wie eng unsere physische und emotionale Welt verbunden sind. Aus der Welt der Mode stellen wir den Designer Roland Rahal und sein Label Mourjjan vor. Die präsentierte «Ätherische Kollektion» ist nicht nur visuell atemberaubend, sondern trägt mit der Initiative «Tags Against Crime» auch eine starke Botschaft, die Stil mit sozialem Bewusstsein verbindet. Ebenfalls für Aufsehen in der Modewelt sorgt der in New York ansässige Designer Guvanch. Reise-Fans entführen wir ins Boutique Hotel Alhambra auf der kroatischen Insel Losinj und ins neue Mandarin Oriental Savoy in Zürich. Und wir nehmen Sie mit auf eine Reise im neuen Range Rover Sport SV von Lissabon an die Algarve. Klaus Busse, Designchef von Maserati, gibt in einem exklusiven Interview Einblick, wie er die Zukunft der Kultmarke bestimmt. Und der Neuseeländer William Trubridge, der mehrfach Weltrekorde im Freitauchen aufstellte, verrät, wie seine Trainingstechniken auch für unser Alltagsleben hilfreich sein können. Nicht verpassen dürfen Sie unseren Bericht über die Eröffnung des neuen Dior-Geschäfts in Genf, entworfen vom berühmten Architekten Christian de Portzamparc.

ITALIANO Care Lettrici, Cari Lettori, Benvenuti nell’ottavo numero di METASchön! in cui vi portiamo «dietro le quinte» dell’innovazione, dell’arte e della cultura.

Notre article de couverture donne un aperçu La nostra storia di copertina offre un’emozionanpassionnant du premier parfum «phygital» au te panoramica sul primo profumo «phygital» al monde, une collaboration entre la célèbre manu- mondo, frutto della collaborazione tra il rinomato facture de cristal Lalique et l’équipe innovante produttore di cristallo Lalique e l’innovativo team de Vivents, dirigée par Sarah Schlagenhauf. di Vivents, guidato da Sarah Schlagenhauf. Dans le domaine de l’innovation numérique, Nell’ambito dell’innovazione digitale, ci occupiamo nous nous penchons également sur le thème anche dell’attuale tema dell’hacking nel Web3. actuel du hacking sur le Web3. Nos paysages I nostri paesaggi digitali si stanno evolvendo, ma di numériques évoluent, et leur défis aussi. pari passo anche le sfide ad essi associate. L’art et la technologie fusionnent à merveille Arte e tecnologia si fondono magnificamente dans le travail de Krista Kim, qui s’est associée nel lavoro di Krista Kim, che ha collaborato con à Julius Baer pour l’installation «Heart Space». Julius Baer per l’installazione «Heart Space». Cette œuvre fascinante se sert des battements Quest’opera affascinante utilizza il battito cardiadu cœur humain pour créer de l’art visuel. Et co umano per creare arte visiva. Un’esperienza offre une expérience immersive qui fait prendre immersiva che ci fa capire quanto il nostro monconscience du lien étroit qui existe entre notre do fisico ed emotivo siano strettamente connessi. monde physique et notre monde émotionnel. Dal mondo della moda, presentiamo lo stilista Dans le domaine de la mode, nous présentons Roland Rahal e il suo marchio Mourjjan. le designer Roland Rahal et son label Mourjjan. La «Ethereal Collection» presentata non è solo La «collection éthérée» présentée n’est pas seuvisivamente straordinaria, ma porta anche un lement visuellement époustouflante, elle porte forte messaggio con l’iniziativa «Tags Against également un message fort avec l’initiative «Tags Crime», che unisce stile e consapevolezza Against Crime», qui allie style et conscience sociale. sociale. Anche Guvanch, stilista newyorkese, sta Le designer Guvanch, basé à New York, fait éga- avendo grande risonanza nel mondo della moda. lement sensation dans le monde de la mode. Per gli appassionati di viaggi, vi portiamo al BouNous emmenons les fans de voyage au tique Hotel Alhambra sull’isola croata di Lonsinj Boutique Hotel Alhambra sur l’île croate de e al nuovo Mandarin Oriental Savoy di Zurigo. E Losinj et au nouveau Mandarin Oriental Savoy vi portiamo in viaggio da Lisbona all’Algarve con à Zurich. Et nous vous emmènerons en voyage la nuova Range Rover Sport SV. dans la nouvelle Range Rover Sport SV de Lisbonne à l’Algarve. In un’intervista esclusiva, Klaus Busse, responsabile del design di Maserati, racconta Klaus Busse, chef du design de Maserati, come sta plasmando il futuro del marchio di culto. nous donne un aperçu de la manière dont il E il neozelandese William Trubridge, che ha détermine l’avenir de la marque culte dans stabilito diversi record mondiali di apnea, svela une interview exclusive. Et le Néo-Zélandais come le sue tecniche di allenamento possano William Trubridge, qui a établi plusieurs records essere utili anche nella vita di tutti i giorni. du monde de plongée en apnée, révèle comment ses techniques d’entraînement peuvent Infine, non perdete il nostro reportage sull’apertuégalement être utiles dans notre vie quotidienne. ra del nuovo negozio Dior a Ginevra, progettato dal famoso architetto Christian de Portzamparc. Ne manquez pas non plus notre reportage sur l’ouverture du nouveau magasin Dior à Genève, conçu par le célèbre architecte Christian de Portzamparc. Odyssia Houstis editor in chief

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META Buzz. what’s going on? ____________

lalique x vivents

ground breaking collaboration: the world’s most iconic phygital perfume words. Odyssia Houstis images. courtesy of Lalique

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behind the scenes

DEUTSCH Die Lalique Gruppe präsentiert die «Les Muses Rose Nebula Lost-Wax Crystal Edition» und feiert damit das 30-jährige Bestehen ihres kultigen Kristallflakons. Die Edition verbindet auf meisterhafte Weise traditionelle Handwerkskunst mit digitaler Innovation und leistet Pionierarbeit im Bereich der phygitalen Kunst – Kunst, in der physische und digitale Welten aufeinandertreffen. Sie bereichert das Erlebnis exklusiver Düfte und markiert eine neue Ära, in der Tradition und Technologie Luxus aufwerten. In dieser bahnbrechenden Zusammenarbeit hat sich Lalique mit dem in Zürich ansässigen Luxus-TechStartup Vivents zusammengetan, um die Edition 2024 des Parfums «Les Muses» zu produzieren. Wir hatten die Gelegenheit, mit Marcel Hertlein, Head Digital von Lalique, und Sarah Schlagenhauf von Vivents zu sprechen.

Marcel, welche Vision, steht hinter Laliques Integration der Blockchain-Technologie im Phygital-Projekt? Mit unserer globalen Digitalstrategie verfolgen wir das Ziel, einzigartige und exklusive Erlebnisse für eine engagierte und Technologie-affine Zielgruppe zu schaffen. Unsere Vision beinhaltet einerseits den Einsatz von NFTs als kreatives Werkzeug, andererseits digitale Echtheitszertifikate für unsere exklusivsten Produkte. Für diese Ziele eignet sich die Blockchain Technologie hervorragend. Das Phygital-Erlebnis richtet sich somit an eine Zielgruppe, die Wert auf Qualität und Exklusivität legt und sich für technologische Trends interessiert. Was macht das Phygital-Erlebnis einzigartig und überzeugend? Das Phygital-Erlebnis ist eine Verschmelzung physischer und digitaler Produkte. Der auf 12 Stück limitierte Kristallflacon, der in traditioneller Handwerkskunst im Elsass hergestellt wird, wird um ein immersives digitales Erlebnis ergänzt, bei dem Kunden aktiv in die Lalique Markenwelt eingebunden werden. Sie haben Zugriff auf einen digitalen «Zwilling» ihres Produktes und auf ein personalisiertes Produkt-Dashboard. Dort können sie weitere reale Erlebnisse in Anspruch nehmen. Beispielsweise ein Besuch in un-

serer Kristallmanufaktur im Elsass oder ein Parfum-Workshop mit Karine Dubreuil-Sereni, unserer Meisterparfümeurin. Bei diesem exklusiven Erlebnis werden die Besucher in die Geheimnisse der Parfümherstellung eingeweiht – und kreieren ihren eigenen Duft. Wie siehst du die Zukunft des Luxus, insbesondere für Lalique, vor dem Hintergrund der neuen Trends und Technologien? Unsere Kristallprodukte sind einzigartig in Kreativität und Handwerkskunst. Die neuen Technologien ermöglichen uns, die Customer Journey zu verlängern. Digitale und personalisierte Interaktionen erhöhen die Wertwahrnehmung und stärken die Kundenbindung. Weitere Themen sind Nachverfolgbarkeit und Authentizität: Durch Blockchain-Technologie, zum Beispiel einem digitalen Produkt-Passport, wird die Echtheit von Produkten transparent nachvollziehbar gemacht. Dies ist besonders in der Luxusgüterbranche von Bedeutung, wo Authentizität einen hohen Stellenwert hat. Vivents mit Sitz in Zürich ist Vorreiter bei Web3- und Kreativinnovationen – und auf die Integration der Blockchain-Technologie spezialisiert. Als Pionier in der Verschmelzung digitaler und physischer Technologien, «Phygitals», hat Vivents transformative Innovationen für prominente Namen in den Bereichen Luxus, Sport und Einzelhandel eingeführt. Im Folgenden unser Gespräch mit Sarah Schlagenhauf, CEO und Gründerin von Vivents, in dem sie über die Partnerschaft mit Lalique berichtet. Wie kam es zur Zusammenarbeit zwischen Vivents und Lalique? Welche Bedeutung hat die Marke Lalique in der Welt der Luxusparfüms? Die Zusammenarbeit wurde von Lalique durch einen Pitch initiiert, in dem die führende Rolle von Vivents bei phygitalen Produkten, kreativen Arbeiten und der Integration der Blockchain erkannt wurde. Lalique, mit seinen tiefen Wurzeln in der traditionellen Handwerkskunst und seinem ikonischen Status in der Luxusparfümbranche, wollte die Grenzen des Luxus durch die Integration moderner Technologie mit seinen handwerklichen Produkten erweitern. Um ein neuartiges, hochwertiges Kunstwerk zu schaffen. Das Projekt «Les Muses Rose Nebula» verkörpert diese Vision, indem es die historische Handwerkskunst von Lalique mit unseren hochmodernen digi-

talen Möglichkeiten zu einem neuartigen phygitalen Luxuserlebnis verbindet. Was macht Sammlerstücke in einem phygitalen Projekt wie diesem so besonders im Vergleich zu traditionellen Luxusartikeln? Wie können digitale Elemente deren Wert oder Einzigartigkeit steigern? Sammlerstücke wie «Lalique Les Muses Rose Nebula» sind so einzigartig, weil sie zeitlose Kunstfertigkeit mit moderner Technologie verbinden. Jedes Stück zeigt nicht nur die berühmte Handwerkskunst von Lalique, sondern ist auch mit digitalen Elementen angereichert. Diese Funktionen ermöglichen Sammlern den Zugang zu attraktiven digitalen Erlebnissen – zur Hintergrundgeschichte des Flakons, zu Kunsthandwerker-Workshops und exklusiven Erlebnissen, die man mit Geld nicht kaufen kann. Zu zusätzlichen Ebenen von Engagement und historischem Kontext, die traditionelle Luxusartikel in interaktive, erzählende Artefakte verwandeln. Unser Ziel bei Vivents ist, neue Markenstrategien und «dezentralisierte intelligente Produkte» zu schaffen, die ich DIP nenne. Und natürlich grossartiges visuelles und kontextbezogenes Storytelling, um nicht nur eine neue Ära faszinierender Produkte, sondern auch eine neue Ära des Engagements, des E-Commerce, der Werbung und des Marketings einzuleiten. Für all unsere visuellen Kreationen und digitalen Berührungspunkte in einem Projekt wie den «Les Muses Rose Nebula», von der Webseite bis zur personalisierten Schnittstelle für das Wallet, verwenden wir Computer Generated Imagery (CGI) und setzen damit neue Massstäbe bei der Schaffung faszinierender visueller Ebenen. Wir eröffnen neue Möglichkeiten für die Präsentation von Produkten an der Schnittstelle zwischen Kunst und Technologie. Welche Vorteile bringen phygitale Erlebnisse dem Luxussegment? Wie entwickelt sich das Kundenerlebnis durch die Mischung physischer und digitaler Elemente? Die Verlagerung hin zu phygitalen Erlebnissen stellt eine tiefgreifende Entwicklung dar, nicht nur auf dem Luxusmarkt, sondern in allen Sektoren, die mit Gesellschaft und Produkten zu tun haben. Wir erleben eine Entwicklung hin zu einer «On-Chain»-Verbindung physischer Gegenstände mit digitalen Zwillingen, die die Herkunft und Authentizität sichern und einen neuen Markt für den Austausch von Werten einleiten.

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Darüber hinaus bin ich davon überzeugt, dass das sogenannte «Internet der Dinge» einen Aufschwung erleben wird, angetrieben durch exponentielle Technologien wie Blockchain und generative Künstliche Intelligenz. Bei Vivents leisten wir Pionierarbeit in diesem Bereich, entwickeln Anwendungsfälle und etablieren uns als Vorreiter. Technologien und Ideen entwickeln sich weiter, wenn sie sowohl für Verbraucher als auch für Marken greifbare Vorteile bieten. Indem wir digitale Elemente in unsere Angebote einbinden, können wir nicht nur das Erbe und die Authentizität von Luxusartikeln bewahren, sondern auch das gesamte Kundenerlebnis aufwerten. Moderne Verbraucher wünschen mehr als den blossen Besitz von Luxusartikeln – sie sehnen sich nach einem tieferen Verständnis ihrer Produkte, nach einer engeren Verbindung mit diesen. Unsere phygitalen Erweiterungen erfüllen diese Wünsche, indem sie ein tiefgreifendes, fesselndes und persönliches Erlebnis bieten. Diese Synergie verbessert die Beziehung der Verbraucher zu jenen Luxusmarken, bei denen der Wert eines Produkts über das Physische hinausgeht und eine attraktive digitale Interaktion einschliesst. Damit wird ein neuer Standard für den Besitz von Luxusartikeln im digitalen Zeitalter gesetzt. Durch Initiativen wie das «Les Muses Rose Nebula» Projekt mit Lalique reagiert Vivents nicht nur auf die sich verändernde Landschaft – wir gestalten aktiv die Zukunft des Luxus und sorgen dafür, dass er auch im digitalen Zeitalter so relevant und geschätzt bleibt wie in der Vergangenheit. é à l’ère numérique que par le passé. ____________

FRANÇAIS Le groupe Lalique présente «Les Muses Rose Nebula Lost-Wax Crystal Edition» et célèbre ainsi le 30e anniversaire de son emblématique flacon en cristal. Cette édition allie de façon magistrale l’artisanat traditionnel et l’innovation numérique et fait œuvre de pionnier dans le domaine de l’art phygital - un art où les mondes physique et numérique se rencontrent. Elle enrichit l’expérience des parfums exclusifs et marque une nouvelle ère dans laquelle la tradition et la technologie valorisent le luxe. Dans le cadre de cette collaboration révolutionnaire, Lalique s’est associé à Vivents, une start-up de la technologie du luxe basée à Zurich, pour produire l’édition 2024 du parfum «Les Muses». Nous avons eu l’occasion de nous entretenir avec Marcel Härtlein, Head Digital de Lalique, et Sarah Schlagenhauf de Vivents.

Marcel, quelle est la vision derrière l’intégration de la technologie blockchain de Lalique dans le projet Phygital? Notre stratégie numérique globale a pour objectif de créer des expériences uniques et exclusives pour un groupe cible engagé et passionné de technologie. Notre vision implique d’une part l’utilisation des NFT comme outil de création, et d’autre part des certificats d’authenticité numériques pour nos produits les plus exclusifs. La technolo-

Sarah Schlagenhauf

gie blockchain est parfaitement adaptée à ces objectifs. L’expérience Phygital s’adresse donc à un groupe cible qui attache de l’importance à la qualité et à l’exclusivité et qui s’intéresse aux tendances technologiques. Qu’est-ce qui rend l’expérience Phygital unique et convaincante? L’expérience Phygital est une fusion de produits physiques et numériques. Le flacon en cristal, limité à 12 exemplaires et fabriqué de manière artisanale et traditionnelle en Alsace, est complété par une expérience numérique immersive qui permet aux clients de s’impliquer activement dans l’univers de la marque Lalique. Ils ont accès à un «jumeau» numérique de leur produit et à un tableau de bord produit personnalisé. Ils peuvent y faire appel à d’autres expériences réelles. Par exemple, une visite de notre manufacture de cristal en Alsace ou un atelier de parfumage avec Karine Dubreuil-Sereni, notre maître parfumeur. Lors de cette expérience exclusive, les visiteurs sont initiés aux secrets de la fabrication des parfums – et créent leur propre fragrance. Comment vois-tu l’avenir du luxe, en particulier pour Lalique, à la lumière des nouvelles tendances et technologies? Nos produits en cristal sont uniques en termes de créativité et de savoir-faire. Les nouvelles technologies nous permettent de prolonger le parcours client. Les interactions numériques et personnalisées augmentent la perception de la valeur et renforcent la fidélisation des clients. D’autres thèmes

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sont la traçabilité et l’authenticité: grâce à la technologie blockchain, par exemple un passeport numérique pour le produit, l’authenticité des produits peut être retracée de manière transparente. Cela est particulièrement important dans le secteur des produits de luxe, où l’authenticité revêt une grande importance. Vivents, dont le siège est à Zurich, est un précurseur en matière d’innovations Web3 et créatives – et se spécialise dans l’intégration de la technologie blockchain. Pionnier dans la fusion des technologies numériques et physiques, «phygitals», Vivents a introduit des innovations transformatrices pour des noms célèbres dans les domaines du luxe, du sport et du commerce de détail. Ci-dessous, notre entretien avec Sarah Schlagenhauf, CEO et fondatrice de Vivents, dans lequel elle parle du partenariat avec Lalique. Comment la collaboration entre Vivents et Lalique est-elle née? Quelle est l’importance de la marque Lalique dans le monde des parfums de luxe? La collaboration a été initiée par Lalique à l’occasion d’un pitch qui a permis de reconnaître le rôle de leader de Vivents dans les produits phygitaux, les travaux créatifs et l’intégration de la blockchain. Lalique, avec ses racines profondes dans l’artisanat traditionnel et son statut iconique dans le secteur de la parfumerie de luxe, souhaitait repousser les limites du luxe en intégrant la technologie moderne à ses produits artisanaux. Pour créer une œuvre d’art inédite et de grande qualité. Le projet «Les Muses Rose Nebula» incarne cette vision en associant le savoir-faire historique de Lalique à nos capacités numériques de pointe pour créer une expérience de luxe phygital inédite. Dans un projet phygital comme celui-ci, qu’est-ce qui rend les objets de collection si particuliers par rapport aux articles de luxe traditionnels? Comment les éléments numériques peuvent-ils augmenter leur valeur ou leur caractère unique? Les pièces de collection comme «Lalique Les Muses Rose Nebula» sont si uniques parce qu’elles allient un savoir-faire intemporel à la technologie moderne. Chaque pièce montre non seulement le fameux savoir-faire de Lalique, mais est également enrichie d’éléments numériques. Ces fonctions permettent aux collectionneurs d’accéder à

des expériences numériques attrayantes – l’histoire du flacon, des ateliers d’artisans et des expériences exclusives que l’argent ne peut pas acheter. D’accéder également à des niveaux supplémentaires d’engagement et de contexte historique, qui transforment les articles de luxe traditionnels en artefacts narratifs interactifs. Notre objectif chez Vivents est de créer de nouvelles stratégies de marque et des «produits intelligents décentralisés», que j’appelle DIP. Et bien sûr, un grand storytelling visuel et contextuel pour inaugurer non seulement une nouvelle ère de produits fascinants, mais aussi une nouvelle ère d’engagement, d’e-commerce, de publicité et de marketing. Pour toutes nos créations visuelles et nos points de contact numériques dans un projet comme «Les Muses Rose Nebula», du site web à l’interface personnalisée pour le portefeuille,

nous utilisons l’imagerie générée par ordinateur (CGI), établissant ainsi de nouvelles normes pour la création de niveaux visuels fascinants. Nous ouvrons de nouvelles possibilités pour la présentation de produits à la croisée de l’art et de la technologie. Quels avantages les expériences phygitales apportent-elles au segment du luxe? Comment l’expérience client évolue-t-elle grâce au mélange d’éléments physiques et numériques? Le passage à des expériences phygitales représente une évolution profonde, non seulement sur le marché du luxe, mais aussi dans tous les secteurs liés à la société et aux produits. Nous assistons à une évolution vers une connexion «on-chain» d’objets physiques avec des jumeaux numériques qui garantissent l’origine et l’authenticité et inaugurent un nouveau marché

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fisico e quello digitale si incontrano. Arricchisce l’esperienza di fragranze esclusive e segna una nuova era in cui tradizione e tecnologia esaltano il lusso. In questa collaborazione innovativa, Lalique si è unita alla startup tecnologica di lusso Vivents, con sede a Zurigo, per produrre l’edizione 2024 del profumo «Les Muses». Abbiamo avuto l’opportunità di parlare con Marcel Härtlein, Head Digital di Lalique, e Sarah Schlagenhauf di Vivents. Marcel, qual è la visione che sta alla base dell’integrazione della tecnologia blockchain nel progetto Phygital di Lalique? Con la nostra strategia digitale globale, puntiamo a creare esperienze uniche ed esclusive per un gruppo target impegnato e attento alla tecnologia. La nostra visione prevede l’uso degli NFT come strumento creativo, da un lato, e dei certificati digitali di autenticità per i nostri prodotti più esclusivi, dall’altro. La tecnologia blockchain è ideale per raggiungere questi obiettivi. L’esperienza Phygital si rivolge quindi a un gruppo target che apprezza la qualità e l’esclusività ed è interessato alle tendenze tecnologiche. NFTs

d’échange de valeurs. En outre, je suis convaincu que ce que l’on appelle «l’internet des objets» va connaître un essor, alimenté par des technologies exponentielles telles que la blockchain et l’intelligence artificielle générative. Chez Vivents, nous faisons œuvre de pionnier dans ce domaine, nous développons des cas d’application et nous nous établissons comme précurseurs. Les technologies et les idées évoluent lorsqu’elles offrent des avantages tangibles à la fois aux consommateurs et aux marques. En intégrant des éléments numériques dans nos offres, nous pouvons non seulement préserver l’héritage et l’authenticité des produits de luxe, mais aussi améliorer l’expérience globale du client. Les consommateurs modernes souhaitent plus que la simple possession d’articles de luxe – ils aspirent à une compréhension plus profonde de leurs produits, à un lien plus étroit avec ceux-ci. Nos extensions phygitales répondent à ces souhaits en offrant une expérience profonde, captivante et personnelle. Cette synergie améliore la relation entre consommateurs et ces marques de

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luxe pour lesquelles la valeur d’un produit va au-delà du physique et inclut une interaction numérique attrayante. Elle établit ainsi un nouveau standard pour la possession d’articles de luxe à l’ère numérique. Grâce à des initiatives telles que le projet «Les Muses Rose Nebula» avec Lalique, Vivents ne se contente pas de réagir à l’évolution du paysage – nous façonnons activement l’avenir du luxe et veillons à ce qu’il reste aussi pertinent et apprécié à l’ère numérique que par le passé. ____________

Il Gruppo Lalique presenta l›edizione «Les Muses Rose Nebula Lost-Wax Crystal Edition», che celebra il 30° anniversario del suo iconico flacone di cristallo. L’edizione combina magistralmente la tradizione artigianale con l’innovazione digitale ed è pioniera nel campo della phygital art, l’arte in cui il mondo

ITALIANO

Cosa rende l’esperienza Phygital unica e avvincente? L’esperienza Phygital è una fusione di prodotti fisici e digitali. Il flacone di cristallo, limitato a 12 pezzi e realizzato in Alsazia secondo la tradizione artigianale, è completato da un’esperienza digitale immersiva che coinvolge attivamente i clienti nel mondo del marchio Lalique. I clienti hanno accesso a un «gemello» digitale del loro prodotto e a un dashboard personalizzato. Da qui possono trarre vantaggio per ulteriori esperienze reali. Ad esempio, una visita alla nostra fabbrica di cristalli in Alsazia o un laboratorio di profumi con Karine Dubreuil-Sereni, la nostra maestra profumiera. Durante questa esperienza esclusiva, i visitatori vengono introdotti ai segreti della produzione di profumi e creano la propria fragranza. Come vede il futuro del lusso, soprattutto per Lalique, alla luce delle nuove tendenze e tecnologie? I nostri prodotti in cristallo sono unici in termini di creatività e artigianalità. Le nuove tecnologie ci permettono di ampliare il percorso del cliente. Le interazioni digitali e personalizzate aumentano la

percezione del valore e rafforzano la fedeltà del cliente. Altri temi sono la tracciabilità e l’autenticità: la tecnologia blockchain, come il passaporto digitale dei prodotti, rende l’autenticità dei prodotti trasparente e tracciabile. Ciò è particolarmente importante nel settore dei beni di lusso, dove l’autenticità è una priorità assoluta. Con sede a Zurigo, Vivents è un pioniere del Web3 e dell’innovazione creativa, specializzato nell’integrazione della tecnologia blockchain. Pioniere nella fusione di tecnologie digitali e fisiche, «Phygitals», Vivents ha introdotto innovazioni trasformative per nomi importanti del lusso, dello sport e della vendita al dettaglio. Di seguito riportiamo l’intervista a Sarah Schlagenhauf, CEO e fondatrice di Vivents, in cui ci parla della partnership con Lalique. Come è nata la collaborazione tra Vivents e Lalique? Che importanza ha il marchio Lalique nel mondo dei profumi di lusso? La collaborazione è stata avviata da Lalique attraverso un pitch che ha riconosciuto la leadership di Vivents nei prodotti phygital, nel lavoro creativo e nell’integrazione della blockchain. Lalique, con le sue profonde radici nell’artigianato tradizionale e il suo status di icona nel settore dei profumi di lusso, voleva spingere i confini del lusso integrando la tecnologia moderna con i suoi prodotti artigianali. Per creare un nuovo tipo di opera d’arte di alta qualità. Il progetto «Les Muses Rose Nebula» incarna questa visione, combinando la storica maestria

artigianale di Lalique con le nostre capacità digitali all’avanguardia per creare un nuovo tipo di esperienza di lusso phygital. In un progetto phygital come questo, cosa rende gli oggetti da collezione così speciali rispetto agli oggetti di lusso tradizionali? In che modo gli elementi digitali possono accrescere il loro valore o la loro unicità? Oggetti da collezione come «Lalique Les Muses Rose Nebula» sono così unici perché combinano l’artigianato senza tempo con la tecnologia moderna. Ogni pezzo non solo mette in mostra la famosa maestria di Lalique, ma è anche arricchito da elementi digitali. Questi elementi consentono ai collezionisti di accedere a esperienze digitali coinvolgenti: la storia del flacone, i laboratori artigianali e le esperienze esclusive che il denaro non può comprare. Per ulteriori livelli di coinvolgimento e di contesto storico che trasformano gli oggetti di lusso tradizionali in artefatti interattivi e narrativi. Il nostro obiettivo in Vivents è creare nuove strategie di marca e «prodotti intelligenti decentralizzati», che io chiamo DIP. E naturalmente un grande storytelling visivo e contestuale per inaugurare non solo una nuova era di prodotti affascinanti, ma anche una nuova era di coinvolgimento, e-commerce, pubblicità e marketing. Per tutte le nostre creazioni visive e i touchpoint digitali di un progetto come «Les Muses Rose Nebula», dal sito web all’interfaccia personalizzata del portafoglio, utilizziamo la Computer Generated Imagery (CGI), stabilendo nuovi standard nella creazione di livelli visivi accattivanti. Apriamo nuove possibilità di presentazione dei prodotti all’interfaccia tra arte e tecnologia. Quali vantaggi apportano le esperienze digitali al segmento del lusso? Come si sta evolvendo l’esperienza del cliente attraverso la fusione di elementi fisici e digitali? Il passaggio alle esperienze phygital è uno sviluppo profondo, non solo nel mercato del lusso, ma in tutti i settori legati alla società e ai prodotti. Stiamo assistendo a

un’evoluzione verso una connessione «onchain» di oggetti fisici con gemelli digitali che garantiscono provenienza e autenticità e inaugurano un nuovo mercato per lo scambio di valore. Inoltre, sono convinta che il cosiddetto «Internet delle cose» subirà un’impennata, alimentato da tecnologie esponenziali come la blockchain e l’intelligenza artificiale generativa. In Vivents stiamo svolgendo un lavoro pionieristico in questo settore, sviluppando casi d’applicazione e affermandoci come precursori. Le tecnologie e le idee si evolvono quando offrono vantaggi tangibili sia ai consumatori che ai marchi. Incorporando elementi digitali nelle nostre offerte, possiamo non solo preservare il patrimonio e l’autenticità degli articoli di lusso, ma anche migliorare l’esperienza complessiva del cliente. I consumatori moderni vogliono qualcosa di più del semplice possesso di articoli di lusso: desiderano una comprensione più profonda dei loro prodotti, una connessione più stretta con essi. Le nostre estensioni digitali soddisfano questi desideri offrendo un’esperienza profonda, coinvolgente e personalizzata. Questa sinergia rafforza il rapporto del consumatore con quei marchi di lusso in cui il valore di un prodotto va oltre l’aspetto fisico e comprende un’interazione digitale coinvolgente. Questo stabilisce un nuovo standard per il possesso di beni di lusso nell’era digitale. Attraverso iniziative come il progetto «Les Muses Rose Nebula» con Lalique, Vivents non si limita a rispondere al cambiamento del panorama, ma sta attivamente plasmando il futuro del lusso, assicurando che esso rimanga rilevante e apprezzato nell’era digitale come lo è stato in passato. ____________ https://lesmuses.lalique.com https://www.vivents.com

words. Odyssia Houstis photography. courtesy of Lalique

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META Buzz. what’s going on? ____________

heart space by krista kim DEUTSCH Krista Kims Kunstinstallation «Heart Space»: Eine biometrische Reise durch die menschliche Verbundenheit. Krista Kim ist eine zeitgenössische Künstlerin, die für die nahtlose Integration von Licht, digitaler Technologie und Klang in ihren Werken bekannt ist. Ihre Kreationen überschreiten traditionelle Grenzen und fördern eine symbiotische Verbindung zwischen Mensch und Technologie. Mit dem Ziel, konventionelle Schönheitsstandards in Frage zu stellen und das menschliche Bewusstsein zu bereichern, ermöglicht jedes von Kims Werken tiefgreifende, immersive Erfahrungen, die Wohlbefinden oder gar Heilung bewirken können.

Erst kürzlich arbeitete Krista mit der Privatbank Julius Bär zusammen, um ihre bahn-

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brechende Kunstinstallation «Heart Space» auf der Art Dubai 2024 zu enthüllen. Diese immersive Erfahrung taucht in die universelle Sprache des menschlichen Herzschlags ein und lädt die Besucher ein, sich auf einer tiefgründigen Ebene miteinander zu verbinden. Dabei ist das Konzept hinter «Heart Space» recht simpel: Die Gäste geben ihren Herzschlag über ein Sensorgerät ausserhalb des verspiegelten Raums ein, und ihr einzigartiger Herzrhythmus wird in faszinierende visuelle Muster übersetzt, die in Echtzeit auf einem wandfüllenden LED-Bildschirm angezeigt werden. Betreten neue Gäste den Raum, verändern sich die Muster dynamisch, um die Energie jedes Einzelnen widerzuspiegeln. So entsteht eine sich ständig verändernde Leinwand aus meditativen Formen und hypnotischen Mustern. Diese innovative Installation erforscht nicht nur die Schönheit der menschlichen Verbundenheit, sie stellt auch einen historischen Meilenstein dar: als erstes biometrisches, kollaboratives KI-Kunstwerk der Geschichte.

Mithilfe massgeschneiderter Software und modernster Technologie ermöglicht Kim eine immersive Erfahrung, die die Verschmelzung von Kunst, Technologie und menschlichen Gefühlen darstellt und die Besucher auf eine transformative Reise in die Tiefen ihres eigenen Bewusstseins schickt. Mit ihrem Schwerpunkt auf biometrischen Daten und KI-generierten Bildern läutet diese Installation eine neue Ära des künstlerischen Ausdrucks und der Konnektivität ein. Wenn die Gäste den «Heart Space» betreten, begeben sie sich auf eine tiefgreifende Erkundung des menschlichen Herzschlags – des Symbols für Leben und Emotionen. In einer Welt, in der digitale Schnittstellen uns oft von unserer Menschlichkeit trennen, erinnert Kims Kunstwerk an die bleibende Kraft der menschlichen Verbundenheit. ____________

installation artistique révolutionnaire «Heart Space» à Art Dubai 2024. Cette expérience immersive plonge dans le langage universel des battements du cœur humain et invite les visiteurs à se connecter les uns aux autres à un niveau profond. Le concept derrière «Heart Space» est assez simple: les visiteurs saisissent leurs battements cardiaques à l’aide d’un appareil de détection situé à l’extérieur de la pièce recouverte de miroirs, et leur rythme cardiaque unique est traduit en motifs visuels fascinants qui s’affichent en temps réel sur un écran LED couvrant tout le mur. Lorsque de nouveaux invités entrent dans la pièce, les motifs changent de manière dynamique pour refléter l’énergie de chacun. Il en résulte un écran en constante évolution composé de formes méditatives et de motifs hypnotiques.

L’installation artistique «Heart Space» de Krista Kim : un voyage biométrique à travers les liens humains. Krista Kim est une artiste contemporaine connue pour l’intégration sans faille de la lumière, de la technologie numérique et du son dans ses œuvres. Ses créations transcendent les frontières traditionnelles et favorisent un lien symbiotique entre l’homme et la technologie. Dans le but de remettre en question les normes de beauté conventionnelles et d’enrichir la conscience humaine, chacune des œuvres de Kim permet de vivre des expériences profondes et immersives qui peuvent apporter un bienêtre, voire une guérison. FRANÇAIS

Tout récemment, Krista a collaboré avec la banque privée Julius Baer pour dévoiler son

Cette installation innovante n’explore pas seulement la beauté du lien humain, elle constitue également un jalon historique: elle constitue la première œuvre d’art biométrique et collaborative IA de l’histoire. À l’aide d’un logiciel sur mesure et d’une technologie de pointe, Kim propose une expérience immersive qui représente la fusion de l’art, de la technologie et des émotions humaines, envoyant les visiteurs dans un voyage transformateur au plus profond de leur propre conscience. En mettant l’accent sur les données biométriques et les images générées par l’IA, cette installation marque le début d’une nouvelle ère d’expression artistique et de connectivité. Lorsque les invités entrent dans le «Heart Space», ils s’engagent dans une exploration profonde des battements du cœur humain – le symbole de la vie et des émotions. Dans un monde où les interfaces numériques nous séparent souvent de notre humanité, l’œuvre d’art de Kim rappelle la force permanente du lien humain. ____________

L’installazione artistica «Heart Space» di Krista Kim: un viaggio biometrico attraverso la connessione umana. Krista Kim è un’artista contemporanea nota per la perfetta integrazione nelle sue opere di luce, tecnologia digitale e suono. Le sue creazioni trascendono i confini tradizionali e promuovono ITALIANO

una connessione simbiotica tra uomo e tecnologia. Con l’obiettivo di sfidare gli standard convenzionali di bellezza e di arricchire la coscienza umana, ogni opera di Kim permette di vivere esperienze profonde e coinvolgenti che possono portare al benessere o addirittura alla guarigione. Recentemente, Krista ha collaborato con la banca privata Julius Baer per presentare la sua innovativa installazione artistica «Heart Space» ad Art Dubai 2024. Questa esperienza immersiva esplora il linguaggio universale del battito cardiaco umano e invita i visitatori a connettersi tra loro a un livello profondo. Il concetto alla base di «Heart Space» è molto semplice: gli ospiti inseriscono il proprio battito cardiaco tramite un dispositivo a sensore posto all’esterno della stanza a specchio e il loro ritmo cardiaco unico viene tradotto in modelli visivi ipnotici che vengono visualizzati in tempo reale su uno schermo LED a parete. Quando nuovi ospiti entrano nella stanza, gli schemi cambiano dinamicamente per riflettere l’energia di ciascun individuo. Il risultato è una tela in continua evoluzione di forme meditative e modelli ipnotici. Questa innovativa installazione non solo esplora la bellezza della connessione umana, ma rappresenta anche una pietra miliare come prima opera d’arte biometrica e collaborativa di intelligenza artificiale della storia. Utilizzando un software personalizzato e una tecnologia all’avanguardia, Kim crea un’esperienza immersiva che rappresenta la fusione di arte, tecnologia ed emozioni umane, inviando i visitatori in un viaggio trasformativo nelle profondità della propria coscienza. Con la sua attenzione ai dati biometrici e alle immagini generate dall’intelligenza artificiale, questa installazione annuncia una nuova era di espressione artistica e di connettività. Quando gli ospiti entrano nello «Spazio del cuore», intraprendono un’esplorazione approfondita del battito cardiaco umano, simbolo della vita e delle emozioni. In un mondo in cui le interfacce digitali spesso ci separano dalla nostra umanità, l’opera di Kim ci ricorda il potere duraturo della connessione umana. ____________

words. Odyssia Houstis photography. Heart Space by Krista Kim for Julius Baer at Art Dubai 2024

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META Reflections. ____________

hacking in Web3 a discussion with Salama Belghali & Yevheniia Broshevan words. Odyssia Houstis digital illustration. Laura Knoops

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behind the scenes

Mit der zunehmenden Verflechtung unseres Lebens mit der digitalen Welt nimmt auch die Zahl der Hacker ständig zu. Der folgende Beitrag gibt Einblick in die Welt des Hackings im Web3 – dank der Insights zweier bemerkenswerter Frauen: Salama Belghali und Yevheniia Broshevan. Sie teilen ihre Erfahrungen und ihr Fachwissen und beleuchten die sich entwickelnde Landschaft der Cybersecurity im Web3. Salama Belghali ist bekannt für ihr Engagement, Frauen mit ihrer Plattform salamabelghali.com bei der Navigation im Web3 zu helfen. Als Gründerin von «Women in Web3 Switzerland» unterstützte sie innerhalb eines Jahres bereits über 600 Frauen auf diesem Gebiet. Sie organisierte den ersten «Women in Web3 Global Summit», der während des WEF 2024 in Davos stattfand, was ihr Anerkennung in angesehenen Publikationen wie Forbes einbrachte. Ihr Weg war jedoch nicht ohne Herausforderungen. Ein Hacking-Vorfall während einer von ihrem Unternehmen organisierten Women in Web3-Veranstaltung zeigt den dringenden Bedarf an Cybersecurity-Massnahmen in diesem Bereich. DEUTSCH

Was geschah genau? Wie sind Sie mit der Situation umgegangen? Der Hackerangriff während unseres «Women in Web3 Global Summit» in Davos war ausgeklügelt. Obwohl die Veranstaltung mit grosser Spannung erwartet wurde und die Anmeldungen um 130 % überzeichnet waren, standen wir vor einer grossen Herausforderung. Am Tag des Gipfels entdeckten wir eine gefälschte Veranstaltung auf der Eventmanagement- und Ticketing-Website Eventbrite, die unsere Veranstaltung imitierte, freien Eintritt anbot (was bei unserer Veranstaltung nicht der Fall war) und die Teilnehmer aufforderte, eine NFT zu prägen, indem sie ihre Ethereum-Brieftasche anschlossen. Unsere unmittelbaren Herausforderungen waren immens: Wir mussten unsere legitime Veranstaltung schnell von der gefälschten unterscheiden, die Teilnehmer vor potenziellem Betrug schützen

und die Verwirrung bewältigen, ohne den Ablauf des Gipfels zu stören. Unsere erste Reaktion war schnell und strategisch. Wir gaben dringende Warnungen über unsere offiziellen Social-Media-Kanäle heraus und nutzten alle verfügbaren WEF-Kommunikationsplattformen, um potenzielle Teilnehmer zu warnen. Die Situation erforderte schnelles Handeln und klare Kommunikation, um zu verhindern, dass die Teilnehmer dem Betrug zum Opfer fielen. Welche Erkenntnisse haben Sie zur Sicherheit von Veranstaltungen im Web3 gewonnen? Wie beeinflussen diese Ihre Vorgehensweise bei der Organisation künftiger Veranstaltungen? Der HackingVorfall hat die Notwendigkeit unterstrichen, die Blockchain-Technologie in TicketingSysteme zu integrieren – ein NFT-basiertes Ticketingsystem hätte das Betrugsrisiko erheblich hätte verringern können. Er hat das Potenzial von Blockchain für die Authentizität und Sicherheit von Tickets aufgezeigt und gleichzeitig eine Marktlücke offenbart: für ein zugängliches Blockchain-basiertes Ticketingsystem. Auch wenn wir noch keine benutzerfreundliche Plattform gefunden haben, hat diese Erfahrung unseren Ansatz bei der Suche nach innovativen Lösungen in diesem Bereich beeinflusst. Welche Massnahmen haben Sie ergriffen, um die Cybersecurity bei Veranstaltungen zu verbessern und Sicherheit und Datenschutz der Teilnehmer zu gewährleisten? Wie können Sie eine sichere Umgebung aufrechterhalten und gleichzeitig Offenheit und Inklusivität für die Teilnehmer bewahren? Da wir eine kleine nichtstaatliche Organisation (NRO) mit begrenzten Kapazitäten sind, konnten wir selbst noch keine umfassenden Cybersecurity-Protokolle einführen. Derzeit konzentrieren wir uns darauf, zugängliche und benutzerfreundliche Lösungen zu finden, die unseren Fähigkeiten und Bedürfnissen entsprechen. Yevheniia Broshevan ist Mitbegründerin und Chief Business Development Officer (CBDO) von Hacken, einem CybersecurityUnternehmen. Mit ihr tauchen wir tiefer in die Welt der digitalen Verteidigung ein. Mit einem Master-Abschluss in Informatik und Informationssystemsicherheit ist Yevheniia seit 2014 eine Vorreiterin im Kryptobereich. Sie leitet Geschäftsentwicklungs-

initiativen für Hacken, den Web3 Security Auditor und HackenProof, eine führende Web3 «Bug Bounty» Plattform, die über 25.000 ethische Hacker vereint. Hacken, bekannt für seine Exzellenz und Innovation, steht an der Spitze der Cybersecurity im Web3-Bereich. Als Team von Cybersecurityund Blockchain-Experten hat sich Hacken auf die Prüfung von Smart-Contract-Protokollen und Blockchain-Projekten spezialisiert, mit dem Ziel, die Sicherheitsstandards zu erhöhen und zu einer sichereren digitalen Welt beizutragen. Mit Yevheniias Expertise beleuchten wir die kritische Rolle der Cybersecurity in der sich ständig entwickelnden Web3 Landschaft. Wie kann der Einzelne seinen Schutz beim Übergang vom Web 2.0 zum Web3 verbessern, insbesondere bei Veranstaltungen wie «Women in Web3»? Abgesehen von Kommunikation und Aufklärung können Sie als Organisator nichts gegen solche Phishing-Betrügereien unternehmen. Sie könnten die Veranstaltungsplattform bzw. die Listen auf Nachahmungsversuche überwachen und sich mit dem Support in Verbindung setzen, damit diese entfernt werden. Bitten Sie Ihre Social-Media-Manager vor grossen Veranstaltungen, auf X/Discord/Telegram nach Imitatoren zu suchen. Das ist zwar zeitaufwändig und garantiert nicht, dass die gefälschten Beiträge entfernt oder gekennzeichnet werden, aber Sie sind sich des laufenden Betrugs bewusst und können Ihre Kommunikation entsprechend anpassen. Weisen Sie potenzielle Teilnehmer darauf hin, nur Links zu verwenden, die über die offiziellen Kommunikationskanäle bereitgestellt werden, und überprüfen Sie diese in den Community-Chats. Auch aus Sicht der Nutzer gilt: Verwenden Sie niemals Ihre Hauptwallet (die Geldmittel enthält), um sich mit zufälligen Apps zu verbinden. Dennoch gibt es immer wieder Menschen, die auf diese Machenschaften hereinfallen. Tatsächlich sind Betrügereien mit Hochstaplern der häufigste Betrug, mit einem Verlust von 2,6 Milliarden Dollar bei 800.000 Vorfällen allein in den USA (laut Daten der Federal Trade Commission FTC). Aus Sicht der Branche werden Betrügereien durch den fehlenden Identitätsnachweis ermöglicht. Websites wie Eventbrite oder Meetup ermöglichen es Betrügern, eine neue Veranstaltung mit einem neuen Profil

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Yevheniia Broshevan

sehr hilfreich, eine Cybersecurity-Ranking- und Zertifizierungsplattform, um Investoren und KryptoEnthusiasten über die Sicherheit der besten Krypto-Börsen zu informieren. Hier finden Sie diese und weitere Informationen, einschliesslich Auditumfang, Relevanz, frühere Indikatoren, Bug Bounty-Programme und Penetrationstests.

anzumelden, das sich als eine andere Person ausgibt, da sie keine Identitäts-/ Veteranenlisten erstellen. Auf Twitter können Betrüger jetzt blaue Häkchen kaufen, um noch seriöser zu wirken. Das Hauptproblem ist hier natürlich das Versehen. Wie wichtig ist es für den Einzelnen, vor einer Investition eigene Nachforschungen anzustellen – zur Prüfung von Web3-Produkten, -Unternehmen und -Infrastruktur? Wo können Anleger Informationen finden? Welche Audit-Quellen gibt es, was macht eine gute Bewertung aus? Bei Krypto-Projekten können Sie deren Sicherheitsstatus überprüfen, beispielsweise auf CoinGecko, einer Plattform, die Kryptowährungspreise, Handelsvolumen und Marktkapitalisierungen in Echtzeit verfolgt. Sie dient als wichtige Ressource für KryptoHändler und -Investoren, indem sie detaillierte Preistrends, historische Daten und direkte Links zu den Websites und sozialen Medien von über 6000 Krypto-Assets bereitstellt. Besuchen Sie zunächst die offizielle Website des Web3-Projekts, das Sie interessiert, und suchen Sie nach Audit- und Sicherheitsinformationen, die sich in der Regel im Sicherheitsbereich befinden. Überprüfen Sie dann, ob der Prüfbericht auf der Website des Prüfers vorhanden ist. Es ist auch ratsam, in den sozialen Medien oder im Blog des Unternehmens nach Hinweisen auf Audits zu suchen. In Anbetracht der Komplexität dieses Prozesses ist CER.live

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Apropos soziale Medien und Website: Überprüfen Sie immer das Team hinter dem Projekt (handelt es sich um Fachleute mit nachgewiesenem Fachwissen und einer erfolgreichen Erfolgsbilanz bei bereits gestarteten Projekten oder um «No-Names»?), die Follower (handelt es sich um Bots oder echte Menschen?) und die Aktivität der Community. Dies sind grundlegende, aber sehr aufschlussreiche Faktoren. Gibt es weitere vergleichbare Beispiele, bei dem Ihre 20.000 «ethischen Hacker» ein Kopfgeld in Millionenhöhe für ihre Berichte gewonnen haben? Welche Unternehmen oder Konzerne bieten derartige «Kopfgelder» an? In der Softwarebranche ist das Anbieten von Bug Bounties weit verbreitet (ein Bug-Bounty-Programm ist eine Initiative zur Identifizierung, Behebung und Bekanntmachung von Fehlern in Software unter Auslobung von Sach- oder Geldpreisen für die Entdecker; Anm. der Redaktion). Während sie von White-HatHackern (ethische Hacker für Computersicherheit; Anm. der Redaktion) als Wettbewerb betrachtet werden, sehen die Unternehmen sie als zusätzliche Dimension der Verteidigung an. Im Grunde ermutigen Unternehmen White-Hats dazu, gegen eine Belohnung nach Schwachstellen in ihren Infrastrukturen zu suchen. Die Zahlung eines Kopfgeldes ist eine kostengünstige Möglichkeit, einen Fehler zu entdecken, anstatt ihn auszunutzen. So zahlte HackenProof im vergangenen Jahr 4,2 Millionen Dollar an Belohnungen an White-Hat-Hacker – und half seinen Kunden damit, potenzielle

Verluste von mehr als 5 Milliarden Dollar zu vermeiden, indem Schwachstellen entdeckt und beseitigt wurden, bevor sie ausgenutzt werden konnten. Apropos Kunden: Bei HackenProof führen wir Programme für verschiedene Krypto-Projekte durch, darunter MetaMask, Aurora, Near, KuCoin, OKX, 1Inch und Sui, die typische Börsen und DeFi-Protokolle abdecken. Welche Dienstleistungen bieten Sie Privatkunden? Was steckt hinter Ihrem Ausbildungsangebot für private Anleger? Unser Geschäft konzentriert sich vorwiegend auf B2B-, also Geschäftskunden. Für Privatkunden entwickeln wir Trust Army, eine Gemeinschaftsinitiative, die Krypto-Enthusiasten lehrt, wie sie ihre eigenen Nachforschungen anstellen können (DYOR; «Do your own research»; Anm. der Redaktion) – und sie für die Weitergabe hochwertiger Nachforschungen belohnt. Ausserdem geben wir Wissen und Erkenntnisse weiter: durch unsere regelmässigen Untersuchungen zur Web3-Sicherheit, häufige Hackathons sowie Ask-Me-Anything-Sitzungen unserer Prüfer und Cybersicherheitsexperten. Wie trägt Ihr Unternehmen zur Festlegung von Standards für das Web3 bei, ähnlich denen, die für das Web 2.0 festgelegt wurden? Vor welchen Herausforderungen stehen Sie bei der Schaffung dieser Standards? Die grösste Herausforderung ist die Akzeptanz. Die Web 3-Technologie ist unglaublich vielfältig, da es eine Vielzahl von Stacks auf allen Ebenen der Blockchain-Architektur gibt. Jedes Ökosystem ist ein wenig isoliert und folgt spezifischen Stack-Regeln für Konsens, virtuelle Maschinen oder Programmiersprachen. Unsere Standardisierungsbemühungen konzentrieren sich in erster Linie auf allgemeine Sicherheitsprinzipien und gewährleisten eine gründliche Prüfung auf Schwachstellen vor der Einführung. Wir haben zwei wichtige Dokumente mitverfasst: die Smart-ContractPrüfungsstandards für Solidity und die Risikobewertungsrichtlinien für DeFi, beide im Rahmen der Enterprise Ethereum Alliance. Was ist die Vision Ihres Unternehmens? Welche weiteren Dienstleistungen oder Lösungen werden Sie künftig anbieten? Unsere Vision ist, eine führende Autorität im Bereich der Web3-Technologie zu werden, die Risikodaten und Dienstleistungen zur Risikominderung für Unternehmen im

Blockchain-Sektor bereitstellt. Wir wollen die Transparenz, die Sicherheit und die Standards erhöhen und zu einem der wichtigsten Wirtschaftsprüfungsunternehmen im Kryptobereich werden. Wir möchten unser Fachwissen und unsere 7-jährige Erfahrung für die wachsende Zahl traditioneller Unternehmen nutzen, die Web3-Technologie einsetzen – ihnen dabei helfen, dies auf sichere Weise zu tun. ____________ FRANÇAIS Suite à l’interdépendance croissante de notre vie avec le monde numérique, le nombre de hackers ne cesse d’augmenter. L’article suivant donne un aperçu du monde du hacking sur le Web3 - grâce aux insights de deux femmes remarquables: Salama Belghali et Yevheniia Broshevan. Elles partagent leurs expériences et leur expertise et mettent en lumière le paysage évolutif de la cybersécurité sur le Web3. Salama Belghali est connue pour son engagement visé à aider les femmes à naviguer sur le Web3 grâce à sa plateforme salamabelghali.com. En tant que fondatrice de «Women in Web3 Switzerland», elle a déjà soutenu plus de 600 femmes dans ce domaine en l’espace d’un an. Elle a organisé le premier «Women in Web3 Global Summit», qui s’est tenu à Davos pendant le WEF 2024, ce qui lui a valu une reconnaissance dans des publications prestigieuses comme Forbes. Son parcours n’a toutefois pas été sans défis. Un incident de piratage survenu lors d’un événement «Women in Web3» organisé par son entreprise montre le besoin urgent de mesures de cybersécurité dans ce domaine.

Que s’est-il passé exactement? Comment avez-vous géré la situation? L’attaque de pirates informatiques pendant notre «Women in Web3 Global Summit» à Davos était sophistiquée. Bien que l’événement ait été très bien fréquenté et que les inscriptions aient été sursouscrites de 130 %, nous avons dû faire face à un défi

de taille. Le jour du sommet, nous avons découvert un faux événement sur le site de gestion d’événements et de billetterie Eventbrite, qui imitait le nôtre, proposant une entrée gratuite (ce qui n’était pas le cas de notre événement) et demandant aux participants de frapper un NFT en connectant leur portefeuille Ethereum. Nos défis immédiats étaient immenses: nous devions rapidement distinguer notre événement légitime du faux, protéger les participants contre une fraude potentielle et gérer la confusion sans perturber le déroulement du sommet. Notre première réaction a été stratégique et rapide. Nous avons lancé des alertes urgentes via nos canaux officiels de médias sociaux et utilisé toutes les plateformes de communication du WEF disponibles pour avertir les participants potentiels. La situation exigeait une action rapide et une communication claire afin d’éviter que les participants ne soient victimes de la fraude. Quels enseignements avez-vous tirés sur la sécurité des événements sur le Web3? Comment celles-ci influencent-elles votre approche lors de l’organisation de futurs événements? Le piratage a souligné la nécessité d’intégrer la technologie blockchain dans les systèmes de billetterie – un système de billetterie basé sur la NFT aurait pu réduire considérablement le risque de fraude. Il a mis en évidence le potentiel de la blockchain pour l’authenticité et la sécurité des billets, tout en révélant une lacune sur le marché: pour un système de billetterie accessible basé sur la blockchain. Même si nous n’avons pas encore trouvé de plateforme conviviale, cette expérience a influencé notre approche dans la recherche de solutions innovantes dans ce domaine. Quelles mesures avez-vous prises pour améliorer la cybersécurité des événements et garantir la sécurité et la confidentialité des participants? Comment pouvez-vous maintenir un environnement sûr tout en préservant l’ouverture et l’inclusivité pour les participants? Étant donné que nous sommes une petite organisation non gouvernementale (ONG) avec des capacités limitées, nous n’avons pas encore pu mettre en place nous-mêmes des protocoles de cybersécurité complets. Pour l’instant, nous nous concentrons sur la recherche de solutions accessibles et conviviales qui correspondent à nos capacités et à nos besoins.

Yevheniia Broshevan est cofondatrice et Chief Business Development Officer (CBDO) de Hacken, une entreprise de cybersécurité. Avec elle, nous plongeons plus profondément dans le monde de la défense numérique. Titulaire d’un master en informatique et en sécurité des systèmes d’information, Yevheniia est une pionnière dans le domaine de la cryptographie depuis 2014. Elle dirige des initiatives de développement commercial pour Hacken, l’auditeur de sécurité Web3 et HackenProof, une plateforme de pointe de «bug bounty» Web3 qui rassemble plus de 25 000 pirates informatiques éthiques. En tant qu’équipe d’experts en cybersécurité et en blockchain, Hacken s’est spécialisé dans l’audit de protocoles de contrats intelligents et de projets de blockchain, dans le but de renforcer les normes de sécurité et de contribuer à un monde numérique plus sûr. Grâce à l’expertise de Yevheniia, nous mettons en lumière le rôle critique de la cybersécurité dans le paysage en constante évolution du Web3. Comment les individus peuvent-ils améliorer leur protection lors de la transition du Web 2.0 au Web3, notamment lors d’événements tels que «Women in Web3»? Hormis la communication et l’éducation, vous ne pouvez rien faire, en tant qu’organisateur, contre ces escroqueries par hameçonnage. Vous pourriez surveiller la plateforme de l’événement ou les listes pour détecter les tentatives d’imitation et contacter le support pour les supprimer. Avant les grands événements, demandez à vos responsables des médias sociaux de rechercher des imitateurs sur X/Discord/Telegram. Cela prend certes du temps et ne garantit pas que les messages falsifiés seront supprimés ou marqués, mais vous êtes conscient de la fraude en cours et pouvez adapter votre communication en conséquence. Indiquez aux participants potentiels de n’utiliser que des liens fournis par les canaux de communication officiels et vérifiez ces liens dans les discussions de la communauté. Du point de vue des utilisateurs également, n’utilisez jamais votre portefeuille principal (qui contient des fonds) pour vous connecter à des applications aléatoires. Néanmoins, il y a toujours des personnes qui se font avoir par ces manœuvres. En fait, les escroqueries de haut vol sont les plus

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fréquentes, avec une perte de 2,6 milliards de dollars sur 800.000 incidents rien qu’aux États-Unis (selon les données de la Federal Trade Commission FTC). Du point de vue du secteur, les escroqueries sont rendues possibles par l’absence de preuve d’identité. Des sites comme Eventbrite ou Meetup permettent aux fraudeurs d’inscrire un nouvel événement avec un nouveau profil se faisant passer pour une autre personne, car ils ne créent pas de listes d’identité/de vétérans. Sur Twitter, les fraudeurs peuvent désormais acheter des coches bleues pour avoir l’air encore plus sérieux. Le principal problème ici est bien sûr l’erreur. Quelle est l’importance pour les individus de faire leurs propres recherches avant d’investir – pour examiner les produits, les entreprises et l’infrastructure Web3? Où les investisseurs peuvent-ils trouver des informations? Quelles sont les sources d’audit disponibles, qu’est-ce qui fait une bonne évaluation? Pour les projets cryptographiques, vous pouvez vérifier leur état de sécurité, par exemple sur CoinGecko, une plateforme qui suit les prix des crypto-monnaies, les volumes d’échange et les capitalisations de marché en temps réel. Elle sert de ressource importante pour les négociants et les investisseurs en crypto, en fournissant des tendances de prix détaillées, des données historiques et des liens directs vers les sites web et les médias sociaux de plus de 6 000 crypto-actifs. Commencez par visiter le site officiel du projet Web3 qui vous intéresse et recherchez les informations d’audit et de sécurité, qui se trouvent généralement dans la section sécurité. Vérifiez ensuite si le rapport d’audit est disponible sur le site de l’auditeur. Il est également conseillé de rechercher des références aux audits dans les médias sociaux ou sur le blog de l’entreprise. Compte tenu de la complexité de ce processus, CER.live, une plateforme de classement et de certification en matière de cybersécurité, est très utile pour informer les investisseurs et les passionnés de cryptographie sur la sécurité des meilleurs crypto-bourses. Vous trouverez ici ces informations et d’autres, y compris l’étendue des audits, la pertinence, les indicateurs antérieurs, les programmes de bug bounty et les tests de pénétration. En parlant de médias sociaux et de site web: Vérifiez toujours l’équipe derrière le projet (s’agit-il de professionnels ayant une

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expertise avérée et des antécédents de succès dans des projets déjà lancés ou de «no-name»?), les suiveurs (s’agit-il de bots ou de vraies personnes?) et l’activité de la communauté. Ce sont des facteurs de base, mais très révélateurs. Existe-t-il d’autres exemples comparables dans lesquels vos 20.000 «hackers éthiques» ont gagné une prime de plusieurs millions pour leurs rapports? Quelles sont les entreprises ou les groupes qui proposent de telles «primes»? Dans le secteur du logiciel, l’offre de bug bounties est très répandue (un programme de bug bounty est une initiative visant à identifier, corriger et faire connaître des bugs dans des logiciels en offrant des prix en nature ou en espèces aux personnes qui les découvrent; note de la rédaction). Alors qu’ils sont considérés comme une concurrence par les hackers «white hat» (pirates informatiques éthiques; NDLR), les entreprises les considèrent comme une dimension supplémentaire de la défense. En fait, les entreprises encouragent les white hats à rechercher des vulnérabilités dans leurs infrastructures en échange d’une récompense. Le paiement d’une prime est un moyen peu coûteux de découvrir une faille plutôt que de l’exploiter. L’année dernière, HackenProof a ainsi versé 4,2 millions de dollars de récompenses à des pirates à chapeau blanc – et a ainsi aidé ses clients à éviter des pertes potentielles de plus de 5 milliards de dollars en découvrant et en éliminant des failles avant qu’elles ne soient exploitées. En parlant de clients: Chez HackenProof, nous exécutons des programmes pour différents projets cryptographiques, notamment MetaMask, Aurora, Near, KuCoin, OKX, 1Inch et Sui, qui couvrent des bourses et des protocoles DeFi typiques. Quels services proposez-vous aux clients privés? Qu’est-ce qui se cache derrière votre offre de formation pour les investisseurs privés? Notre activité se concentre principalement sur les clients B2B, c’està-dire les clients professionnels. Pour les clients privés, nous développons Trust Army, une initiative communautaire qui enseigne aux passionnés de cryptographie comment faire leurs propres recherches (DYOR; «Do your own research»; note de la rédaction) – et les récompense pour avoir partagé des recherches de qualité. Nous partageons également nos connaissances

et notre expertise par le biais d’enquêtes régulières sur la sécurité de Web3, de hackathons fréquents et de sessions «demandez-moi tout» organisées par nos auditeurs et nos experts en cybersécurité. Comment votre entreprise contribue-telle à l’établissement de normes pour le Web3, similaires à celles qui ont été établies pour le web 2.0? Quels sont les défis auxquels vous êtes confrontés dans la création de ces normes? Le plus grand défi est l’acceptation. La technologie du Web 3 est incroyablement diversifiée, car il existe une multitude de piles à tous les niveaux de l’architecture de la blockchain. Chaque écosystème est un peu isolé et suit des règles de pile spécifiques pour le consensus, les machines virtuelles ou les langages de programmation. Nos efforts de normalisation se concentrent principalement sur les principes généraux de sécurité et garantissent un examen approfondi des vulnérabilités avant le déploiement. Nous avons contribué à la rédaction de deux documents importants: les normes d’audit Smart Contract pour Solidity et les directives d’évaluation des risques pour DeFi, toutes deux dans le cadre de l’Enterprise Ethereum Alliance. Quelle est la vision de votre entreprise? Quels autres services ou solutions allez-vous proposer à l’avenir? Notre vision est de devenir une autorité de premier plan dans le domaine de la technologie Web3, en fournissant des données sur les risques et des services de réduction des risques aux entreprises du secteur de la blockchain. Nous voulons accroître la transparence, la sécurité et les normes et devenir l’un des principaux cabinets d’audit dans le domaine de la cryptographie. Nous voulons mettre notre expertise et nos 7 années d’expérience au service du nombre croissant d’entreprises traditionnelles qui utilisent la technologie Web3 – les aider à le faire de manière sécurisée. ____________

Mentre le nostre vite si intrecciano sempre più con il mondo digitale, cresce anche il numero di hacker. L’articolo che segue offre una panoramica sul mondo dell’hacking nel Web3, grazie alle intuizioni di due donne straordinarie: Salama Belghali e Yevheniia Broshevan. Condividono le loro esperienze e competenze e fanno luce sul panorama in evoluzione della sicurezza informatica nel Web3. Salama Belghali è nota per il suo impegno nell’aiutare le donne a navigare nel Web3 con la sua piattaforma salamabelghali.com. In qualità di fondatrice di «Women in Web3 Switzerland», ha già sostenuto, in questo campo, oltre 600 donne in un anno. Ha organizzato il primo «Women in Web3 Global Summit», svoltosi durante il WEF 2024 di Davos, che le è valso il riconoscimento da parte di prestigiose pubblicazioni come «Forbes». Tuttavia, il suo percorso non è stato privo di sfide. Un incidente di hacking durante un evento Women in Web3 organizzato dalla sua azienda dimostra l’urgente necessità di misure di sicurezza informatica in questo settore. ITALIANO

Cosa è successo esattamente? Come avete affrontato la situazione? L’attacco hacker durante il nostro «Women in Web3 Global Summit» a Davos è stato sofisticato. Sebbene l’evento fosse molto atteso e le iscrizioni avessero superato le aspettative del 130%, ci siamo trovati di fronte a una grande sfida. Il giorno del summit, abbiamo scoperto un falso evento sul sito di gestione eventi e biglietteria Eventbrite che imitava il nostro evento, offriva l’ingresso gratuito (e non era così per il nostro evento) e chiedeva ai partecipanti di coniare un NFT collegando il proprio portafoglio Ethereum. Immediate ed enormi le sfide con cui ci siamo dovuti confrontare: dovevamo distinguere rapidamente il nostro evento legittimo da quello falso, proteggere i partecipanti da potenziali frodi e gestire la confusione senza interrompere il flusso del summit. La nostra risposta iniziale è stata rapida e strategica. Abbiamo emesso avvisi urgenti attraverso i nostri canali ufficiali sui social media e abbiamo utilizzato tutte le piattaforme di

comunicazione del WEF per avvisare i potenziali partecipanti. La situazione richiedeva un’azione tempestiva e una comunicazione chiara per evitare che i partecipanti cadessero vittime della truffa. Quali sono le conoscenze acquisite sulla sicurezza degli eventi nel Web3? Come influenzano il vostro approccio all’organizzazione di eventi futuri? L’incidente di hacking ha sottolineato la necessità di integrare la tecnologia blockchain nei sistemi di biglietteria: un sistema di biglietteria basato su NFT avrebbe potuto ridurre significativamente il rischio di frode. Ha evidenziato il potenziale della blockchain per l’autenticità e la sicurezza dei biglietti, rivelando al contempo una lacuna nel mercato per un sistema di biglietteria accessibile basato sulla blockchain. Anche se non abbiamo ancora trovato una piattaforma di facile utilizzo, questa esperienza ha influenzato il nostro approccio alla ricerca di soluzioni innovative in questo settore.

Quali misure avete adottato per migliorare la cybersicurezza degli eventi e garantire la sicurezza e la privacy dei partecipanti? Come riuscite a mantenere un ambiente sicuro pur preservando l’apertura e l’inclusività dei partecipanti? Essendo una piccola organizzazione non governativa (ONG) con capacità limitate, non siamo ancora riusciti a implementare da soli protocolli completi di sicurezza informatica. Al momento ci stiamo concentrando sulla ricerca di soluzioni accessibili e facili da usare che corrispondano alle nostre capacità ed esigenze. Yevheniia Broshevan è cofondatrice e Chief Business Development Officer (CBDO) di Hacken, una società di cybersicurezza. Con lei ci addentriamo nel mondo della difesa digitale. Con un master in informatica e sicurezza dei sistemi informativi, Yevheniia è stata pioniera nello spazio crittografico dal 2014. Dirige le iniziative di sviluppo commerciale per Hacken, il Web3 Security Auditor e HackenProof, una piattaforma di

«bug bounty» leader nel Web 3.0 che riunisce oltre 25.000 hacker etici. Hacken, nota per l’eccellenza e l’innovazione, è all’avanguardia nella sicurezza informatica nello spazio Web3. Come team di esperti di cybersecurity e blockchain, Hacken è specializzato nell’audit di protocolli di smart contract e progetti blockchain con l’obiettivo di aumentare gli standard di sicurezza e contribuire a un mondo digitale più sicuro. Con l’esperienza di Yevheniia, facciamo luce sul ruolo critico della cybersicurezza nel panorama del Web3 in continua evoluzione.

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Come si può migliorare la protezione delle persone nel passaggio dal Web 2.0 al Web3, soprattutto in occasione di eventi come «Women in Web3»? A parte la comunicazione e l’educazione, non c’è nulla che come organizzatori possiate fare per prevenire queste truffe di phishing. Potreste monitorare la piattaforma o le liste dell’evento per verificare la presenza di tentativi di imitazione e contattare l’assistenza per farli rimuovere. Prima di grandi eventi, chiedete ai vostri social media manager di cercare gli imitatori su X/ Discord/Telegram. Anche se questa ope-

razione richiede tempo e non garantisce che i post falsi vengano rimossi o segnalati, sarete a conoscenza della truffa in corso e potrete adeguare le vostre comunicazioni di conseguenza. Consigliate ai potenziali partecipanti di utilizzare solo i link forniti attraverso i canali di comunicazione ufficiali e di controllarli nelle chat della comunità. Inoltre, dal punto di vista dell’utente, non utilizzate mai il vostro portafoglio principale (che contiene i fondi) per collegarvi ad applicazioni casuali. Tuttavia, ci sono sempre persone che cadono in

queste truffe. In effetti, la truffa dell’impostore è la più comune, con 2,6 miliardi di dollari persi in 800.000 incidenti solo negli Stati Uniti (secondo i dati della Federal Trade Commission FTC). Dal punto di vista del settore, le frodi sono favorite dalla mancanza di prove di identità. Siti come Eventbrite o Meetup permettono ai truffatori di registrare un nuovo evento con un nuovo profilo spacciandosi per un’altra persona, perché non creano liste di identità/veterani. Su Twitter, i truffatori possono ora acquistare segni di spunta blu per sembrare ancora più legittimi. Il problema principale, ovviamente, è la supervisione. Quanto è importante che gli individui facciano le loro ricerche prima di investire, per esaminare i prodotti, le aziende e le infrastrutture del Web3? Dove possono trovare informazioni gli investitori? Quali sono le fonti di verifica, cosa rende buona una recensione? Per quanto riguarda i progetti di criptovalute, è possibile verificarne lo stato di sicurezza, ad esempio su CoinGecko, una piattaforma che tiene traccia dei prezzi delle criptovalute, dei volumi di scambio e delle capitalizzazioni di mercato in tempo reale. Si tratta di una risorsa importante per i trader e gli investitori di criptovalute, in quanto fornisce tendenze dettagliate dei prezzi, dati storici e link diretti ai siti web e ai social media di oltre 6.000 criptovalute. In primo luogo, visitate il sito ufficiale del progetto Web3 che vi interessa e cercate le informazioni sulla revisione e sulla sicurezza, che di solito si trovano nella sezione dedicata alla sicurezza. Quindi verificate se il rapporto di revisione è disponibile sul sito web del revisore. È inoltre consigliabile cercare riferimenti agli audit sui social media o sul blog dell’azienda. Considerando la complessità di questo processo, CER.live, una piattaforma di classificazione e certificazione della cybersecurity, è molto utile per informare gli investitori e gli appassionati di criptovalute sulla sicurezza dei migliori exchange di criptovalute. Qui è possibile trovare queste e altre informazioni, tra cui la portata dell’audit, la rilevanza, gli indicatori passati, i programmi di bug bounty e i test di penetrazione. A proposito di social media e siti web: controllate sempre il team che sta dietro al progetto (si tratta di professionisti con

comprovata esperienza e un curriculum di successo su progetti lanciati in precedenza o di «signor nessuno»?), i follower (sono bot o persone reali?) e l’attività della comunità. Si tratta di fattori basilari ma rivelatori. Esistono altri esempi analoghi in cui i vostri 20.000 «hacker etici» hanno vinto una taglia milionaria per le loro segnalazioni? Quali aziende o società offrono tali «taglie»? Nell’industria del software, l’offerta di «bug bounty» è molto diffusa (un programma di «bug bounty» è un’iniziativa volta a identificare, correggere e rendere pubblici i bug del software, offrendo premi in denaro o non in contanti a chi li scopre; n.d.t.). Se da un lato sono visti come una concorrenza dagli hacker white-hat (hacker etici della sicurezza informatica; n.d.t.), dall’altro le aziende li vedono come una dimensione aggiuntiva di difesa. In pratica, le aziende incoraggiano i white-hat a cercare le vulnerabilità nelle loro infrastrutture in cambio di una ricompensa. Pagare una taglia è un modo conveniente per scoprire una falla piuttosto che sfruttarla. L’anno scorso, ad esempio, HackenProof ha pagato 4,2 milioni di dollari in ricompense agli hacker «white-hat», aiutando i suoi clienti a evitare perdite potenziali di oltre 5 miliardi di dollari grazie alla scoperta e alla correzione delle vulnerabilità prima che potessero essere sfruttate. A proposito di clienti: HackenProof gestisce programmi per diversi progetti di criptovalute, tra cui MetaMask, Aurora, Near, KuCoin, OKX, 1Inch e Sui, che coprono le tipiche borse e i protocolli DeFi.

per creare questi standard? La sfida più grande è l’accettazione. La tecnologia del Web 3 è incredibilmente variegata, poiché esiste una moltitudine di stack a tutti i livelli dell’architettura blockchain. Ogni ecosistema è in qualche modo isolato e segue regole specifiche per il consenso, le macchine virtuali o i linguaggi di programmazione. I nostri sforzi di standardizzazione si concentrano principalmente sui principi generali di sicurezza e garantiscono test approfonditi sulle vulnerabilità prima della distribuzione. Siamo coautori di due importanti documenti: gli standard di verifica degli smart contract per Solidity e le linee guida per la valutazione del rischio per DeFi, entrambi nell’ambito della Enterprise Ethereum Alliance. Qual è la visione della vostra azienda? Quali altri servizi o soluzioni offrirete in futuro? La nostra visione è quella di diventare un’autorità leader nella tecnologia Web3, fornendo dati sul rischio e servizi di mitigazione del rischio alle organizzazioni del settore blockchain. Vogliamo aumentare la trasparenza, la sicurezza e gli standard e diventare una delle più importanti società di revisione nel settore delle criptovalute. Vogliamo portare la nostra competenza e i nostri 7 anni di esperienza al crescente numero di aziende tradizionali che utilizzano la tecnologia Web3, aiutandole a farlo in modo sicuro. ____________

Quali servizi offrite ai clienti privati? Cosa c’è dietro il vostro programma di formazione per gli investitori privati? La nostra attività si concentra principalmente sul B2B, ossia sui clienti commerciali. Per i clienti privati, stiamo sviluppando Trust Army, un’iniziativa comunitaria che insegna agli appassionati di criptovalute come fare le proprie ricerche (DYOR) e li premia per la condivisione di ricerche di alta qualità. Condividiamo inoltre conoscenze e approfondimenti attraverso le nostre regolari indagini di sicurezza Web3, i frequenti hackathon e le sessioni Ask Me Anything con i nostri auditor ed esperti di sicurezza informatica. In che modo la vostra organizzazione sta contribuendo alla definizione di standard per il Web3, simili a quelli stabiliti per il Web 2.0? Quali sfide dovete affrontare

words. Odyssia Houstis digital illustrations. Laura Knoops

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META Reflections. ____________

portraits of the anxious mind: an expression of anxiety through art words. Odie Senesh digital illustrations. Carly Fridhandler aka Scorpion Sorbet

DEUTSCH Porträts des ängstlichen Geistes: Ausdruck von Angst durch Kunst. Ich habe mich auf eine persönliche Reise begeben, um das Zusammenspiel von Angst, Kreativität und Technologie zu erkunden. In der heutigen schnelllebigen Welt, die von ständigen Nachrichten und dem Scrollen durch die sozialen Medien überschwemmt wird, kann sich Angst wie ein ständiger Begleiter anfühlen, der selbst die besten Tage überfällt. Ich habe überwältigende Panikattacken und das anhaltende Gefühl, im Chaos der Welt unterzugehen, am eigenen Leib erfahren.

Entgegen der landläufigen Meinung geht es bei Angst nicht nur darum, sich traurig oder deprimiert zu fühlen, sondern es handelt sich um ein komplexes Zusammenspiel von Emotionen, die oft mit Depressionen einhergehen. Seit meiner Jugend habe ich mich mit Angst auseinandergesetzt und die Herausforderungen mit Hilfe meines Vaters Dr. David Senesh gemeistert, einem klinischen Psychologen mit 50 Jahren Erfahrung in Lehre, Psychotherapie, Forschung und verschiedenen Bereichen wie Kriminologie, Pädagogik, tiergestützter Therapie, Musiktherapie und seelsorgerischer Beratung. Sein Fachwissen und die Unterstützung meiner Eltern waren von unschätzbarem Wert auf meinem Weg zur Bewältigung von Ängsten. Inmitten des Aufruhrs der heutigen Welt habe ich gelernt, wie wichtig es ist, abzuschalten, sich von den Bildschirmen zu lösen und in die Natur einzutauchen. Diese Praxis ist zu einem Rettungsanker geworden, der inmitten des Chaos Trost spendet. Aber das vielleicht transformativste Ventil für die Verarbeitung meiner Gefühle ist die Kunst. Zusammen mit Carly Fridhandler, auch bekannt als Scorpion Sorbet, eine in Montreal lebende Künstlerin und Senior Art Direktorin, die Werbung, Kunst und KI nahtlos miteinander verbindet, begann ich, Angst mittels Kunst und Technologie zu erforschen. Unsere gemeinsamen Erfahrungen mit Ängsten wurden zum Katalysator für kreativen Ausdruck und führten dazu, dass wir eine Sammlung von Kunstwerken zusammenstellten, die in die Tiefen des ängstlichen Geistes eintauchen.

Durch Carlys Expertise in der KI-Kunst fanden wir neue Wege, um die Komplexität von Angst auszudrücken. Wenn Technologie als Werkzeug zur Selbstdarstellung eingesetzt wird, hat sie die Macht, die Kluft zwischen inneren Kämpfen und äusserem Verständnis zu überbrücken. Mit KI-generierter Kunst können wir eine visuelle Sprache schaffen, die die gemeinsamen Erfahrungen mit Angst anspricht und Verbindung und Empathie fördert. Ich hatte die Gelegenheit, mit meinem Vater, Dr. Senesh, und Carly Fridhandler über Angst, Kunst und Technologie zu sprechen, um weitergehende Erkenntnisse zu gewinnen. Mein Vater reflektiert über die emotionale Dynamik meiner Zusammenarbeit mit Carly Fridhandler, während diese die transformative Rolle der Technologie bei der Darstellung von Erfahrungen mit psychischer Gesundheit durch KI-Kunst beleuchtet. Wie erlebst du die emotionale und psychologische Dynamik, wenn deine Tochter an einem Projekt mitarbeitet, das sich mit dem Adressieren von Angst durch Kunst und Technologie befasst? Dr. Senesh: Als Elternteil, dem das Wohlergehen meiner Kinder sehr am Herzen liegt, habe ich immer gehofft, dass sie meine Fähigkeiten übertreffen und ihren eigenen Weg im Leben finden würden. Es ist eine Erleichterung zu sehen, dass sie sich mit Kunst und Technologie weit über das hinaus beschäftigen, was ich ihnen bieten kann. Als Experte für psychische Gesundheit finde ich es sehr inspirierend, die Widerstandsfähigkeit und die Bewältigungsmechanismen meiner Kunden zu beobachten. Bei meinen eigenen Kindern freut es mich zu sehen, wie sie den Herausforderungen des Lebens mit Kreativität begegnen und Traumata in etwas Positives und Schönes verwandeln. Diese Bewältigungsstrategien sind entscheidend für die Bewältigung von Ängsten und Depressionen und fördern das persönliche Wachstum und die persönliche Entfaltung.

verschlimmert. KI dient als intelligenter und einfühlsamer Begleiter, der menschliche Weisheit und Kunst miteinander verbindet. Ihre Fähigkeit, Bilder zu erzeugen, die auf die inneren Kämpfe des Einzelnen zugeschnitten sind, kann ein Gefühl der Verbundenheit und des Verständnisses vermitteln und eine einzigartige Form der therapeutischen Unterstützung bieten. Ängste können die Kreativität unterdrücken, daher ist es so wichtig, die psychische Gesundheit zu erhalten und gleichzeitig die Ausdrucksfähigkeit mit verschiedenen Mitteln zu fördern. Die Rolle der KI bei der Erleichterung des Selbstausdrucks ist vielversprechend für die Linderung von Ängsten und Depressionen. Wir müssen jedoch zugleich aufpassen, dass sie nicht die menschliche Beziehung in den Hintergrund drängt. Ein Gleichgewicht zwischen technologischer Unterstützung und menschlicher Interaktion ist für die Bewahrung des menschlichen Aspekts bei der Unterstützung der psychischen Gesundheit unerlässlich. Carly, wenn du über deine Reise im Bereich der KI-Kunst nachdenkst, wo hat Technologie eine transformative Rolle dabei gespielt, wie Menschen sich mit ihren psychischen Erfahrungen auseinandersetzen und diese ausdrücken?

Welche psychologischen Erkenntnisse können wir gewinnen, wenn wir kreative Medien wie KI-generierte Kunst einsetzen, um Ängste zu bekämpfen?

Carly Fridhandler: Etwas kreieren ist Therapie. Was die KI-Kunst von der traditionellen Kunsttherapie unterscheidet, ist die Geschwindigkeit der Kreation und des Ausdrucks. Ich erschaffe ständig etwas, vor allem dann, wenn mir die Worte aufgrund von Angstzuständen fehlen. Diese symbiotische Beziehung mit der Technologie ermöglicht es mir, Impulse in der Geschwindigkeit der Innovation zu entwickeln und einen sicheren Raum zu schaffen, in dem ich furchtlos Verletzlichkeit ausdrücken kann. Diese Verletzlichkeit hat die Beziehungen zu den Menschen vertieft und unerwartete emotionale Reaktionen hervorgerufen. Die Technologie hat den künstlerischen Ausdruck demokratisiert und ermöglicht es jedem, innere Kämpfe auszutragen, ohne eine formale Ausbildung zu benötigen. Sie fördert die Verbindung und das Verständnis – und verringert das Gefühl der Isolation.

Dr. Senesh: Depressionen und Ängste führen oft zu Gefühlen der Isolation und des Unverständnisses, was die Symptome

Wie bringst du emotionale Tiefe in die KI-generierte Kunst, vor allem wenn es um differenzierte Themen wie Angst geht?

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Carly Fridhandler: Es gibt die weit verbreitete Befürchtung, dass KI Künstler ersetzen wird, aber ich nutze sie, um die Menschlichkeit zu verstärken. KI ermöglicht mir, die Komplexität der menschlichen Erfahrung zu erforschen, indem ich surreale Bilder erschaffe. Ich vermische Unbehagen und Komfort, um meine eigene Angst zu reflektieren – ich fühle mich an vertrauten Orten unwohl, finde aber Trost im Unbehagen. Ich wende eine Technik des umgekehrten Souffleurings an, um Schönheit-Unbehagen-Paradoxien zu erzeugen und gesellschaftliche Normen mit Farbe, Mode und Design zu hinterfragen. Durch umfangreiche Generierungs-, Bearbeitungs- und Überlagerungsprozesse schwingen meine Werke beim Betrachter mit und geben bei näherer Betrachtung mehr preis. Kann KI Kunstwerke liefern, die auf die psychologischen Bedürfnisse der Verbraucher zugeschnitten sind? Wie präzise kann diese Anpassung sein? Carly Fridhandler: Die Entwicklung der KI-

Kunst ist vielversprechend für personalisierte Bilder, doch aufgrund der ihr innewohnenden Verzerrungen ist Vorsicht geboten. Sie stützt sich auf voreingenommene Datensätze, die die historische Machtdynamik widerspiegeln. Damit KI die Vielfalt authentisch darstellen kann, müssen die Datensätze die gesellschaftliche Vielfalt widerspiegeln. Die Entwicklung der KI schwankt zwischen öffentlichem Wohl und privaten Interessen. Während KI-Kunst positive Visionen inspirieren kann, besteht das Risiko der (Aus-)Nutzung für Profit, je nach Absicht des Schöpfers. Ich stelle mir KI-Kunst als ein Werkzeug vor, mit dem man sich eine bessere Welt vorstellen kann, wobei ethisches Schaffen und gemeinschaftlicher Nutzen im Vordergrund stehen. ____________

Portrait de l’esprit anxieux: expression de l’anxiété à travers l’art. Je me suis lancée dans un voyage personnel pour explorer l’interaction entre la peur, la créativité et la technologie. Dans le monde d’aujourd’hui, où tout va très vite, où l’on est submergé par des informations incessantes et où l’on fait défiler les médias sociaux, l’anxiété peut donner l’impression d’être un compagnon permanent qui envahit même les meilleurs jours. J’ai fait l’expérience personnelle de crises de panique accablantes et de la sensation persistante de me perdre dans le chaos du monde. FRANÇAIS

Contrairement à l’idée reçue, l’anxiété ne se résume pas à se sentir triste ou déprimé, il s’agit d’une interaction

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complexe d’émotions qui vont souvent de pair avec la dépression. Depuis mon adolescence, j’ai été confronté à l’anxiété et j’ai relevé les défis avec l’aide de mon père, le Dr David Senesh, un psychologue clinicien avec 50 ans d’expérience dans l’enseignement, la psychothérapie, la recherche et dans divers domaines tels que la criminologie, la pédagogie, la thérapie assistée par l’animal, la musicothérapie et le conseil spirituel. Son expertise et le soutien de mes parents ont été d’une valeur inestimable dans mon parcours pour surmonter mes peurs. Au milieu de l’agitation du monde actuel, j’ai appris l’importance de se déconnecter, de se détacher des écrans et de s’immerger dans la nature. Cette pratique est devenue une bouée de sauvetage qui apporte du réconfort au milieu du chaos. Mais l’exutoire peut-être le plus transformateur pour traiter mes émotions est l’art. Avec Carly Fridhandler, également connue sous le nom de Scorpion Sorbet, une artiste et directrice artistique senior basée à Montréal qui combine de manière transparente la publicité, l’art et l’IA, j’ai commencé à explorer la peur à travers l’art et la technologie. Notre expérience commune de l’anxiété est devenue un catalyseur pour l’expression créative et nous a conduits à rassembler une collection d’œuvres d’art qui plongent dans les profondeurs de l’esprit anxieux. Grâce à l’expertise de Carly dans l’art de l’IA, nous avons trouvé de nouvelles façons d’exprimer la complexité de la peur. Lorsque la technologie est utilisée comme outil d’expression de soi, elle a le pouvoir de combler le fossé entre les luttes intérieures et la compréhension extérieure. Grâce à l’art généré par l’IA, nous pouvons créer un langage visuel qui s’adresse aux expériences communes de la peur et qui favorise la connexion et l’empathie. J’ai eu l’occasion de parler de l’anxiété, de l’art et de la technologie avec mon père, le Dr Senesh, et Carly Fridhandler, afin d’obtenir des connaissances plus approfondies. Mon père réfléchit à la dynamique émotionnelle de ma collaboration avec Carly Fridhandler, tandis que cette dernière met en lumière le rôle transformateur de la technologie dans la représentation des expériences de santé mentale par l’art de l’IA.

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Comment vis-tu la dynamique émotionnelle et psychologique lorsque ta fille collabore à un projet qui traite de l’adressage de la peur par l’art et la technologie? Dr Senesh: En tant que parent soucieux du bien-être de mes enfants, j’ai toujours espéré qu’ils dépasseraient mes capacités et trouveraient leur propre voie dans la vie. C’est un soulagement de voir qu’ils s’intéressent à l’art et à la technologie bien au-delà de ce que je peux leur offrir. En tant qu’expert en santé mentale, je trouve très inspirant d’observer la résilience et les mécanismes d’adaptation de mes clients. Avec mes propres enfants, je me réjouis de voir comment ils affrontent les défis de la vie avec créativité et transforment les traumatismes en quelque chose de positif et de beau. Ces stratégies d’adaptation sont essentielles pour surmonter l’anxiété et la dépression et favorisent la croissance et l’épanouissement personnels. Quels enseignements psychologiques pouvons-nous tirer de l’utilisation de médias créatifs tels que l’art généré par l’IA pour lutter contre l’anxiété? Dr Senesh: La dépression et l’anxiété entraînent souvent des sentiments d’isolement et d’incompréhension, ce qui aggrave les symptômes. L’IA sert de compagnon intelligent et empathique, alliant la sagesse et l’art humains. Sa capacité à créer des images adaptées aux luttes intérieures de l’individu peut procurer un sentiment de connexion et de compréhension et offrir une forme unique de soutien thérapeutique. L’anxiété peut étouffer la créativité, d’où l’importance de préserver la santé mentale tout en favorisant l’expression par différents moyens. Le rôle de l’IA dans la facilitation de l’expression personnelle est prometteur pour le soulagement de l’anxiété et de la dépression. Mais nous devons en même temps veiller à ce qu’elle ne relègue pas la relation humaine au second plan. Un équilibre entre l’assistance technologique et l’interaction humaine est essentiel pour préserver l’aspect humain de l’aide à la santé mentale. Carly, lorsque tu réfléchis à ton parcours dans le domaine de l’art de l’IA, où la technologie a-t-elle joué un rôle transformateur dans la manière dont les gens abordent et expriment leurs expériences psychologiques?

Carly Fridhandler: Créer quelque chose est une thérapie. Ce qui distingue l’art de l’IA de l’art-thérapie traditionnelle, c’est la vitesse de création et d’expression. Je crée constamment quelque chose, surtout lorsque les mots me manquent en raison de l’anxiété. Cette relation symbiotique avec la technologie me permet de développer des impulsions à la vitesse de l’innovation et de créer un espace sûr dans lequel je peux exprimer sans crainte la vulnérabilité. Cette vulnérabilité a permis d’approfondir les relations avec les gens et de susciter des réactions émotionnelles inattendues. La technologie a démocratisé l’expression artistique et permet à chacun de mener des combats intérieurs sans avoir besoin d’une formation formelle. Elle favorise la connexion et la compréhension – et réduit le sentiment d’isolement.

Comment apportes-tu une profondeur émotionnelle à l’art généré par l’IA, en particulier lorsqu’il s’agit de thèmes différenciés comme la peur? Carly Fridhandler: Il y a une crainte largement répandue que l’IA remplace les artistes, mais je l’utilise pour rendre l’humanité plus forte. L’IA me permet d’explorer la complexité de l’expérience humaine en créant des images surréalistes. Je mélange l’inconfort et le confort pour refléter ma propre peur – je me sens mal à l’aise dans des endroits familiers, mais je trouve du réconfort dans l’inconfort. J’utilise une technique de soufflage inversé pour créer des paradoxes beauté/inconfort et remettre en question les normes sociales avec la couleur, la mode et le design.

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Grâce à d’importants procédés de génération, de traitement et de superposition, mes œuvres résonnent chez le spectateur et révèlent davantage de choses lorsqu’on les regarde de plus près. L’IA peut-elle fournir des œuvres d’art adaptées aux besoins psychologiques des consommateurs? Dans quelle mesure cette adaptation peut-elle être précise? Carly Fridhandler : Le développement de l’art de l’IA est prometteur pour les images personnalisées, mais la prudence est de mise en raison des biais inhérents à cette technologie. Elle s’appuie sur des ensembles de données biaisés qui reflètent la dynamique historique du pouvoir. Pour que l’IA puisse représenter la diversité de manière authentique, les ensembles de données doivent refléter la diversité sociale. Le développement de l’IA oscille entre le bien public et les intérêts privés. Alors que l’art de l’IA peut inspirer des visions positives, il existe un risque d’utilisation (ou d’exploitation) à des fins de profit, selon l’intention du créateur. J’imagine l’art de l’IA comme un outil permettant d’imaginer un monde meilleur, en mettant l’accent sur la création éthique et le bénéfice communautaire. ____________ ITALIANO Ritratti della mente agitata: esprimere la paura attraverso l’arte. Ho intrapreso un viaggio personale per esplorare l’interazione tra ansia, creatività e tecnologia. Nel mondo frenetico di oggi, inondato da notizie continue e dallo scorrere dei social media, l’ansia può sembrare una compagna costante che invade anche le giornate migliori. Ho sperimentato in prima persona attacchi di panico travolgenti e la sensazione persistente di annegare nel caos del mondo.

Contrariamente a quanto si crede, l’ansia non consiste solo nel sentirsi tristi o depressi, ma è una complessa interazione di emozioni che spesso accompagnano la depressione. Ho avuto a che fare con l’ansia fin dall’adolescenza e ho superato le sfide con l’aiuto di mio padre, il dottor David Senesh, psicologo clinico con 50 anni di esperienza nell’insegnamento, nella psicoterapia, nella

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ricerca e in vari campi come la criminologia, l’educazione, la terapia assistita da animali, la musicoterapia e la consulenza pastorale. La sua competenza e il sostegno dei miei genitori sono stati preziosi nel mio percorso di superamento dell’ansia. In mezzo al tumulto del mondo attuale, ho imparato l’importanza di spegnere, staccarmi dagli schermi e immergermi nella natura. Questa pratica è diventata un’àncora di salvezza che mi dà conforto in mezzo al caos. Ma forse lo sbocco più trasformativo per elaborare i miei sentimenti è l’arte. Insieme a Carly Fridhandler, alias Scorpion Sorbet, un’artista e direttrice artistica senior basata a Montreal che fonde perfettamente pubblicità, arte e intelligenza artificiale, ho iniziato a esplorare l’ansia attraverso l’arte e la tecnologia. Le nostre esperienze comuni con l’ansia sono diventate un catalizzatore per l’espressione creativa e ci hanno portato ad assemblare una collezione di opere d’arte che scavano nelle profondità della mente ansiosa. Grazie all’esperienza di Carly nell’arte dell’intelligenza artificiale, abbiamo trovato nuovi modi per esprimere la complessità dell’ansia. Quando la tecnologia viene usata come strumento di auto-espressione, ha il potere di colmare il divario tra le lotte interiori e la comprensione esterna. Con l’arte generata dall’IA, possiamo creare un linguaggio visivo che parla delle esperienze condivise di ansia e favorisce la connessione e l’empatia. Ho avuto l’opportunità di parlare con mio padre, il dottor Senesh, e con Carly Fridhandler di ansia, arte e tecnologia per ottenere ulteriori informazioni. Mio padre riflette sulle dinamiche emotive della mia collaborazione con Carly Fridhandler, mentre lei illumina il ruolo trasformativo della tecnologia nel rappresentare le esperienze di salute mentale attraverso l’arte AI. Come vive le dinamiche emotive e psicologiche del coinvolgimento di sua figlia in un progetto che si occupa di affrontare l’ansia attraverso l’arte e la tecnologia? Dr. Senesh: Come genitore che tiene molto al benessere dei propri figli, ho sempre sperato che superassero le mie capacità e trovassero la loro strada nella vita. È un sollievo vederli impegnati con l’arte e la tecnologia,

ben oltre ciò che posso offrire loro. Come professionista della salute mentale, trovo molto stimolante osservare la resilienza e i meccanismi di coping dei miei clienti. Con i miei figli, mi piace vedere come affrontano le sfide della vita con creatività e trasformano il trauma in qualcosa di positivo e bello. Queste strategie di coping sono fondamentali per superare l’ansia e la depressione e promuovono la crescita e la realizzazione personale. Quali intuizioni psicologiche possiamo trarre dall’uso di mezzi creativi come l’arte generata dall’intelligenza artificiale per combattere l’ansia? Dr. Senesh: La depressione e l’ansia spesso portano a sentimenti di isolamento e di mancanza di comprensione, che esacerbano i sintomi. L’IA funge da compagno intelligente ed empatico che combina la saggezza umana e l’arte. La sua capacità di creare immagini su misura per le lotte interiori di un individuo può fornire un senso di connessione e comprensione, offrendo una forma unica di supporto terapeutico. L’ansia può soffocare la creatività, per questo è così importante mantenere la salute mentale e incoraggiare l’espressione attraverso vari mezzi. Il ruolo dell’intelligenza artificiale nel facilitare l’espressione di sé è molto promettente per alleviare l’ansia e la depressione. Tuttavia, dobbiamo anche fare attenzione che non eclissi il rapporto umano. Un equilibrio tra supporto tecnologico e interazione umana è essenziale per preservare l’aspetto umano del supporto alla salute mentale. Carly, riflettendo sul tuo percorso nel campo dell’AI art, in quali ambiti la tecnologia ha svolto un ruolo di trasformazione nel modo in cui le persone affrontano ed esprimono le loro esperienze psichiche? Carly Fridhandler: Creare qualcosa è una terapia. Ciò che differenzia l’AI art dalla terapia artistica tradizionale è la velocità di creazione e di espressione. Io creo continuamente, soprattutto quando sono a corto di parole a causa dell’ansia. Questo rapporto simbiotico con la tecnologia mi permette di sviluppare impulsi alla velocità dell’innovazione e di creare uno spazio sicuro in cui posso esprimere senza paura la mia vulnerabilità. Questa vulnerabilità ha approfondito i rapporti con le persone e ha suscitato risposte emotive inaspettate.

La tecnologia ha democratizzato l’espressione artistica, permettendo a chiunque di combattere battaglie interiori senza bisogno di una formazione istituzionale. Favorisce la connessione e la comprensione e riduce il senso di isolamento. Come riesci a dare profondità emotiva all’arte generata dall’IA, soprattutto quando si tratta di temi sfumati come la paura? Carly Fridhandler: È diffusa la paura che l’IA sostituisca gli artisti, ma io la uso per amplificare l’umanità. L’IA mi permette di esplorare la complessità dell’esperienza umana creando immagini surreali. Mescolo disagio e comfort per riflettere la mia stessa ansia: mi sento a disagio in luoghi familiari, ma trovo conforto nel disagio. Utilizzo una

tecnica di reverse prompting per creare paradossi di bellezza e disagio e sfidare le norme sociali con il colore, la moda e il design. Attraverso ampi processi di generazione, manipolazione e stratificazione, le mie opere risuonano con l’osservatore e rivelano di più a un’analisi più attenta. L’intelligenza artificiale può fornire opere d’arte personalizzate in base alle esigenze psicologiche dei consumatori? Quanto può essere precisa questa personalizzazione?

rappresenti autenticamente la diversità, i set di dati devono riflettere la diversità della società. Lo sviluppo dell’IA oscilla tra il bene pubblico e gli interessi privati. Se da un lato l’arte dell’IA può ispirare visioni positive, dall’altro c’è il rischio di (sfruttamento) a scopo di lucro, a seconda dell’intento del creatore. Penso all’arte dell’IA come ad uno strumento per immaginare un mondo migliore, dando priorità alla creazione etica e ai benefici per la comunità. ____________

Carly Fridhandler: Lo sviluppo dell’IA è promettente per la personalizzazione delle immagini, ma è necessaria una certa cautela a causa dei suoi pregiudizi intrinseci. Si basa su serie di dati distorti che riflettono dinamiche storiche di potere. Affinché l’IA

words + art direction. Odie Senesh digital illustrations. Carly Fridhandler aka Scorpion Sorbet

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couture with a cause:

mourjjan

words. Odyssia Houstis photography. Parinya Wongwannawat + Alexander Palacios

Die Stücke für die «Ethereal»-Kollektion wurden mit einer Mischung aus traditionellen Techniken und innovativen Ansätzen gefertigt, um die Essenz der ätherischen Schönheit einzufangen. Bevor ich mit der Kreation begann, habe ich mich eine Zeit lang in das Konzept der Ätherizität vertieft. Die Eigenschaften ätherischer Elemente zu verstehen war entscheidend für die Wahl der zu verwendenden Materialien und Techniken. Ich recherchierte nach Materialien, die für ihre Durchsichtigkeit, Zartheit und Weichheit bekannt sind, wie Chiffon, Organza und Seide. Ausserdem experimentierte ich mit Licht und Schatten, um den Stücken einen Hauch von Jenseitigkeit zu verleihen. Eine der wichtigsten Techniken war die Stoffmanipulation: Hier experimentierte ich mit verschiedenen Falt-, Plissier- und Drapiertechniken, um dynamische Texturen und Silhouetten zu schaffen, die an ätherische Formen erinnern. Dieser Prozess erforderte viel Liebe zum Detail und ein Gleichgewicht zwischen Struktur und Fliessverhalten. Um die ätherische Qualität der Stücke zu verstärken, habe ich zarte Stickereien und Verzierungen eingearbeitet, inspiriert von himmlischen Motiven und natürlichen Elementen. Techniken wie Perlenstickerei, Applikationen und Fadenarbeiten wurden eingesetzt, um den Stücken Dimension und Schimmer zu verleihen und ein Gefühl von Magie und Verzauberung hervorzurufen.

DEUTSCH Couture für einen guten Zweck. Wir sprachen mit Roland Rahal, der kreativen Kraft hinter Mourjjans «Ethereal» Herbst/Winter FW24/25 Kollektion. Die im Züricher Kongresshaus präsentierte Show war nicht nur von zeitloser Eleganz, sondern auch eine Plattform für die Kampagne «Tags Against Crime», die sich für soziales Engagement einsetzt. Während wir einen Blick hinter die Couture-Vorhänge werfen, spricht Roland über

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das nahtlose Zusammenspiel von Mode und Musik und darüber, wie er in jeden Stich eine Geschichte der Solidarität einwebt. Eine inspirierende Reise in das Herz von Mourjjans Engagement für Veränderungen, sowohl auf dem Laufsteg als auch in der Gesellschaft. Roland, kannst du uns einen Einblick geben in deinen kreativen Prozess und die Techniken, die du bei der Herstellung der «Ethereal»-Kollektion verwendet hast?

Woher nimmst du die Inspiration für deine Entwürfe? Inspiration ist ein vielschichtiger Prozess, der sich aus einer Vielzahl von Quellen und Erfahrungen speist. Die Natur war für mich schon immer eine wichtige Inspirationsquelle – sie spielte auch bei der Konzeption der Kollektion «Ethereal» eine zentrale Rolle. Die Beobachtung von Naturphänomenen wie Wolken, Nebel und das Spiel von Licht und Schatten lieferten mir ein reiches visuelles Vokabular, aus dem ich schöpfen konnte. Die zarte Schönheit und sich ständig verändernde Formen, die man in der Natur findet, inspirierten mich zu der ätherischen Qualität und den organischen Texturen in der Kollektion. Ich lasse mich auch von verschiedenen Formen der Kunst und Literatur inspirieren, darunter Poesie, Malerei und Bildhauerei. Werke, die sich mit Themen wie Transzendenz, Mystik und Erhabenheit befassen, haben häufig eine tiefe Resonanz bei mir und beeinflussen meinen kreativen Prozess. Im Zusammenhang mit

«Ethereal» habe ich mich von den traumhaften Landschaften inspirieren lassen, die von Künstlern wie J.M.W. Turner dargestellt wurden, und von den ätherischen Bildern, die von Dichtern wie Rumi und Emily Dickinson heraufbeschworen werden. Was ist dein Hintergrund? Wie hat sich dein Weg als Designer im Lauf der Zeit entwickelt? Meine Leidenschaft für Modedesign wurde schon in jungen Jahren geweckt. Ich war fasziniert von der Erkenntnis, wie kraftvoll Kleidung Identität ausdrücken und Botschaften vermitteln kann. Um dieser Leidenschaft nachzugehen, begann ich eine Ausbildung in Modedesign – ich erwarb wertvolle technische Fähigkeiten und lernte mehr über Designprinzipien, Textilien und die Konstruktion von Kleidungsstücken. Verschiedene Erfahrungen haben mich im weiteren Verlauf meiner Reise beeinflusst, von der Freiwilligenarbeit in unterversorgten Gemeinden bis hin zum Einsatz für soziale Gerechtigkeit. Sie öffneten mir die Augen für die in der Gesellschaft herrschenden Ungleichheiten und Ungerechtigkeiten. Und weckten den Wunsch, meine Plattform als Designer zu nutzen, positive Veränderungen zu bewirken. Meine Designphilosophie hat sich dahingehend entwickelt, dass neben ästhetischer Schönheit auch soziale Verantwortung und Nachhaltigkeit im Vordergrund stehen. Ich glaube an Mode als eine Form von Aktivismus und nutze meine Designs und meine Plattform, um marginalisierten Stimmen Ge-

hör zu verschaffen, Stereotypen in Frage zu stellen und mich für eine integrativere und gerechtere Welt einzusetzen. Die «Ethereal»Kollektion ist ein Beweis für mein Engagement, Mode als Werkzeug für den sozialen Wandel einzusetzen. Mit ihr möchte ich das Bewusstsein für wichtige soziale Themen schärfen, indem ich die Kampagne «Tags against Crime» unterstütze. Ob durch bewusste Materialwahl, vielfältige Darstellung in der Bildsprache oder Partnerschaften mit Organisationen, die sich für die Belange der Gesellschaft einsetzen – jeder Aspekt der Kollektion soll eine Aussage machen und eine bedeutende Wirkung erzielen.

Beispiel zu folgen und einen bedeutenden Wandel in der gesamten Modebranche voranzutreiben. Wir haben das Potenzial, bei der Lösung dringender sozialer Probleme einflussreiche Akteure zu sein. Indem wir unsere Plattformen nutzen, unser Publikum aufklären, Partnerschaften fördern, interne Praktiken verbessern und mit gutem Beispiel vorangehen, können wir einen bedeutenden Beitrag zur Schaffung einer gerechteren, integrativeren und nachhaltigeren Welt leisten. ____________

Wie sollten Modemarken agieren, um soziale Probleme anzusprechen und das Bewusstsein dafür zu schärfen? Modemarken spielen hier eine wichtige Rolle! Wir haben die Möglichkeit, unsere Plattformen und unseren Einfluss zu nutzen, um uns für soziale Belange einzusetzen. Wir können unsere Stimme nutzen, um das Bewusstsein für Themen wie Klimawandel, Rassenungerechtigkeit, Gleichberechtigung der Geschlechter und vieles mehr über soziale Medien, Werbekampagnen und öffentliche Veranstaltungen zu schärfen. Letztlich können Modemarken mit gutem Beispiel vorangehen und Branchenstandards für verantwortungsvolle Geschäftspraktiken und soziale Auswirkungen setzen. Indem sie sich zu sozialer Verantwortung und Transparenz bekennen, können sie andere Unternehmen dazu inspirieren, ihrem

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FRANÇAIS Couture pour une bonne cause. Nous nous sommes entretenus avec Roland Rahal, la force créative derrière la collection «Ethereal» automne/ hiver FW24/25 de Mourjjan. Le défilé présenté au Kongresshaus de Zurich n’était pas seulement d’une élégance intemporelle, il a également servi de plateforme pour la campagne «Tags Against Crime», qui s’engage socialement. Alors que nous jetons un coup d’œil derrière les rideaux de couture, Roland nous parle de l’interaction parfaite entre la mode et la musique et de la manière dont il tisse une histoire de solidarité dans chaque point de couture. Un voyage inspirant au cœur de l’engagement de Mourjjan pour le changement, tant sur les podiums que dans la société.

Roland, peux-tu nous donner un aperçu de ton processus créatif et des techniques que tu as utilisées pour réaliser la collection «Ethereal»? Les pièces de la collection «Ethereal» ont été fabriquées en utilisant un mélange de techniques traditionnelles et d’approches innovantes afin de capturer l’essence de la beauté éthérée. Avant de commencer à créer, j’ai passé un certain temps à me plonger dans le concept d’éthéréité. Comprendre les propriétés des éléments éthériques était essentiel pour choisir les

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matériaux et les techniques à utiliser. J’ai fait des recherches sur des matériaux connus pour leur transparence, leur délicatesse et leur douceur, comme la mousseline, l’organza et la soie. J’ai également expérimenté avec la lumière et l’ombre afin de donner aux pièces une touche d’au-delà. L’une des techniques les plus importantes était la manipulation des tissus: j’ai expérimenté différentes techniques de pliage, de plissage et de drapage pour créer des textures et des silhouettes dynamiques qui rappellent des formes éthérées. Ce processus a nécessité une grande attention aux détails et un équilibre entre la structure et la fluidité. Pour renforcer la qualité éthérée des pièces, j’ai incorporé des broderies et des ornements délicats, inspirés de motifs célestes et d’éléments naturels. Des techniques telles que la broderie de perles, les applications et le travail du fil ont été utilisées pour donner aux pièces une dimension et un scintillement et pour créer un sentiment de magie et d’enchantement. Où trouves-tu l’inspiration pour tes créations? L’inspiration est un processus à multiples facettes qui se nourrit d’une multitude de sources et d’expériences. La nature a toujours été une source d’inspiration importante pour moi – elle a également joué un rôle central dans la conception de la collection «Ethereal». L’observation de phénomènes naturels tels que les nuages, le brouillard et les jeux

d’ombre et de lumière m’ont fourni un riche vocabulaire visuel dans lequel je pouvais puiser. La beauté délicate et les formes en constante évolution que l’on trouve dans la nature m’ont inspiré la qualité éthérée et les textures organiques de la collection. Je m’inspire également de différentes formes d’art et de littérature, notamment la poésie, la peinture et la sculpture. Les œuvres qui traitent de thèmes tels que la transcendance, le mysticisme et le sublime ont souvent une profonde résonance en moi et influencent mon processus créatif. Dans le contexte d’«Ethereal», je me suis inspiré des paysages oniriques représentés par des artistes comme J.M.W. Turner et des images éthérées évoquées par des poètes comme Rumi et Emily Dickinson. Quel est ton parcours? Comment ton parcours de designer s’est-il développé au fil du temps? Ma passion pour le design de mode est née dès mon plus jeune âge. J’étais fasciné par la puissance avec laquelle les vêtements peuvent exprimer une identité et transmettre des messages. Pour assouvir cette passion, j’ai commencé une formation en design de mode – j’ai acquis de précieuses compétences techniques et j’en ai appris davantage sur les principes de conception, les textiles et la construction de vêtements. Diverses expériences m’ont influencée tout au long de mon parcours, du bénévolat dans des communautés mal desservies à l’engagement pour la justice sociale. Elles m’ont ouvert les yeux sur les

inégalités et les injustices qui existent dans la société. Et cela m’a donné envie d’utiliser ma plateforme de designer pour apporter des changements positifs. Ma philosophie du design a évolué de manière à ce que la responsabilité sociale et la durabilité soient mises en avant, en plus de la beauté esthétique. Je crois en la mode comme une forme d’activisme et j’utilise mes créations et ma plateforme pour faire entendre les voix marginalisées, remettre en question les stéréotypes et œuvrer pour un monde plus inclusif et plus juste. La collection «Ethereal» est une preuve de mon engagement à utiliser la mode comme outil de changement social. Avec elle, je souhaite sensibiliser les gens à des questions sociales importantes en soutenant la campagne «Tags against Crime». Que ce soit par le choix conscient des matériaux, une représentation variée dans le langage visuel ou des partenariats avec des organisations qui s’engagent pour les questions sociales, chaque aspect de la collection doit faire une déclaration et avoir un impact significatif.

raciale, l’égalité des sexes et bien plus encore, par le biais des médias sociaux, des campagnes publicitaires et des événements publics. En fin de compte, les marques de mode peuvent montrer l’exemple et établir des normes sectorielles en matière de pratiques commerciales responsables et d’impact social. En s’engageant en faveur de la responsabilité sociale et de la transparence, elles peuvent inspirer d’autres entreprises à suivre leur exemple et à promouvoir un changement important dans l’ensemble du secteur de la mode. Nous avons le potentiel pour être des acteurs influents dans la résolution de problèmes sociaux urgents. En utilisant nos plateformes, en éduquant notre public, en encourageant les partenariats, en améliorant les pratiques internes et en montrant l’exemple, nous pouvons apporter une contribution significative à la création d’un monde plus juste, plus inclusif et plus durable. ____________

Comment les marques de mode devraient-elles agir pour aborder et sensibiliser aux problèmes sociaux? Les marques de mode ont un rôle important à jouer! Nous avons la possibilité d’utiliser nos plateformes et notre influence pour nous engager dans des causes sociales. Nous pouvons utiliser notre voix pour sensibiliser les gens à des questions telles que le changement climatique, l’injustice

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ITALIANO L’alta moda per una buona causa. Abbiamo conversato con Roland Rahal, motore creativo della collezione FW24/25 «Ethereal» di Mourjjan, con le proposte per il prossimo autunno/inverno. La sfilata, presentata al Kongresshaus di Zurigo, non è stata solo elegante e senza tempo, ma anche una piattaforma per la campagna «Tag Against Crime», che promuove l’impegno sociale. Dando uno sguardo «dietro le quinte» dell’alta moda, ascoltiamo le parole di Roland sull’interazione perfetta tra moda e musica e su come, punto per punto, prenda vita una storia di solidarietà. Un viaggio stimolante nel cuore dell’impegno di Mourjjan per il cambiamento, sia in passerella che nella società.

Roland, può darci un’idea del suo processo creativo e delle tecniche che ha utilizzato per realizzare la collezione «Ethereal»? I pezzi della collezione «Ethereal» sono stati realizzati utilizzando un mix di tecniche tradizionali e approcci innovativi per catturare l’essenza della bellezza eterea. Prima di iniziare a creare, ho esplorato il concetto di etereo. Comprendere le proprietà degli elementi eterei è stato fondamentale per la scelta dei materiali e delle tecniche da utilizzare. Ho cercato materiali noti per la loro traslucenza, delicatezza e morbidezza, come lo chiffon, l’organza e la seta. Ho anche sperimentato con luci e ombre per dare ai pezzi un tocco di ultraterreno. Una delle tecniche più importanti è stata la manipolazione dei tessuti: qui ho sperimentato diverse tecniche di piegatura, plissettatura e drappeggio per creare texture dinamiche e silhouette che ricordassero forme eteree. Questo processo ha richiesto una grande attenzione ai dettagli e un equilibrio tra struttura e comportamento del flusso. Per esaltare la qualità eterea dei capi, ho incorporato delicati ricami e abbellimenti ispirati a motivi celestiali ed elementi naturali. Tecniche come la lavorazione delle perline, l’appliqué e la lavorazione del filo sono state utilizzate per aggiungere dimensione e lucentezza ai pezzi, evocando un senso di magia e incanto.

Da dove trae ispirazione per i suoi progetti? L’ispirazione è un processo a più livelli, alimentato da diverse fonti ed esperienze. La natura è sempre stata un’importante fonte di ispirazione per me e ha svolto un ruolo centrale anche nella concezione della collezione «Ethereal». Osservare fenomeni naturali come le nuvole, la nebbia e il gioco di luci e ombre mi ha fornito un ricco vocabolario visivo a cui attingere. La bellezza delicata e le forme mutevoli della natura hanno ispirato la qualità eterea e le texture organiche della collezione. Traggo ispirazione anche da varie forme d’arte e letteratura, tra cui la poesia, la pittura e la scultura. Le opere che trattano i temi della trascendenza, del misticismo e del sublime spesso mi risuonano in profondità e influenzano il mio processo creativo. Nel contesto di «Ethereal», mi sono ispirato ai paesaggi onirici raffigurati da artisti come J.M.W. Turner e alle immagini eteree evocate da poeti come Rumi ed Emily Dickinson. Qual è il suo background? Come si è evoluto nel tempo il suo iter di stilista? La mia passione per il fashion design si è manifestata in giovane età. Ero affascinato dalla consapevolezza di quanto gli abiti possano esprimere l’identità e trasmettere messaggi. Per perseguire questa passione, ho intrapreso una formazione in fashion design, acquisendo preziose competenze tecniche e imparando a conoscere meglio i principi del design, i tessuti e la costruzione degli abiti. Diverse esperienze mi hanno influenzato durante il resto del mio percorso, dal volontariato in comunità svantaggiate alla difesa della giustizia sociale. Mi hanno aperto gli occhi sulle disuguaglianze e le ingiustizie prevalenti nella società. E hanno fatto nascere in me il desiderio di usare la mia piattaforma di designer per realizzare un cambiamento positivo. La mia filosofia di design si è evoluta fino a porre l’accento sulla responsabilità sociale e sulla sostenibilità, oltre che sulla bellezza estetica. Credo nella moda come forma di attivismo e uso i miei modelli e la mia piattaforma per far sentire le voci degli emarginati, sfidare gli stereotipi e sostenere un mondo più inclusivo ed equo. La collezione «Ethereal» testimonia il mio impegno a utilizzare la moda come strumento di cambiamento sociale. Con essa voglio sensibilizzare l’opinione pubblica su importanti questioni sociali, sostenendo la campagna

«Tag Against Crime». Che si tratti di scelte deliberate di materiali, di rappresentazioni diverse nelle immagini o di collaborazioni con organizzazioni che sostengono le cause della comunità, ogni aspetto della collezione è stato progettato per fare una dichiarazione e avere un impatto significativo. Come dovrebbero agire i marchi di moda per affrontare le questioni sociali e sensibilizzare l’opinione pubblica? I marchi di moda hanno un ruolo importante da svolgere! Abbiamo l’opportunità di usare le nostre piattaforme e la nostra influenza per sostenere le questioni sociali. Possiamo usare la nostra voce per sensibilizzare l’opinione pubblica su questioni come il cambiamento climatico, l’ingiustizia razziale, l’uguaglianza di genere e altro ancora attraverso i social media, le campagne pubblicitarie e gli eventi pubblici. In definitiva, i marchi della moda possono dare l’esempio e stabilire gli standard del settore per quanto riguarda le pratiche commerciali responsabili e l’impatto sociale. Impegnandosi nella responsabilità sociale e nella trasparenza, possono ispirare altre aziende a seguirne l’esempio e a guidare un cambiamento significativo nel settore della moda. Abbiamo il potenziale per essere attori influenti nella risoluzione di questioni sociali urgenti. Utilizzando le nostre piattaforme, educando il nostro pubblico, promuovendo partnership, migliorando le pratiche interne e dando l’esempio, possiamo dare un contributo significativo alla creazione di un mondo più equo, inclusivo e sostenibile. ____________ words. Odyssia Houstis photography. Parinya Wongwannawat + Alexander Palacios

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guvanch agajumayev

words. Odie Senesh + Elizaveta Tereshchenkova photography. Anastasia Koval, Dorothea Doumkou, Margarita Babina + Guvanch Agajumayev

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Guvanch Agajumayevs Reise von Turkmenistan in die Modeszene von New York City ist eine Geschichte des Widerstands und der Selbstfindung. Seine Modekollektionen sind rebellische Gedichte, in denen sich Melancholie und Freiheit mischen. Er begann als Kind, die Kleider seiner Mutter umzugestalten, heute kreiert er Stücke, die die Normen des kapitalistischen amerikanischen Marktes herausfordern. Guvanchs kreativer Prozess ist der beste Beweis für seinen Einfallsreichtum. Im Interview erkunden wir das Denken eines Designers, der Grenzen überschreitet und nach Authentizität sucht.

DEUTSCH

Sie sind in Turkmenistan aufgewachsen, unter strengen Regeln für die Selbstdarstellung. Wie hat dies Ihre Rebellion gegen Normen beeinflusst, insbesondere in Ihrer neuesten Kollektion, die für Ehrlichkeit und Veränderung steht? In meinem Land wird sogar das Interesse eines Mannes an Stoffen als unangemessen betrachtet. Aus Gründen, die ich nicht nachvollziehen kann; es wird nicht akzeptiert. Meine Liebe zu Stoffen begann im Alter von fünf Jahren – durch den Kontakt mit Kleidern meiner Mutter. Ich habe es geliebt, ihre Kleider zu ändern, sehr zu ihrem Leidwesen (lacht) – und es war das Beste für mich! Ich war nicht daran interessiert, draussen mit anderen Kindern zu spielen; ich wollte einfach nur entwerfen. Als Kind weiss man (noch) nicht, was gut und was schlecht aussieht, wenn es um Mode geht; man hat jedoch eine angeborene Neugier und versucht, etwas zu entwerfen, was man in seiner Fantasie sieht, was in der Realität aber noch nicht existiert. Als ich heranwuchs, wuchs meine Leidenschaft für Design. In einer Gesellschaft, in der Individualität oft unterdrückt wurde, sehnte ich mich nach kreativer Freiheit und wurde immer unnachgiebiger, wenn es darum ging, meinen Standpunkt zum Ausdruck zu bringen. Als Designer geht es nicht nur darum, Dinge herzustellen – und bei Mode geht es nicht nur um Kleidung. Sie ist eine Manifestation der menschlichen Erfahrung. Wie das Leben selbst ist es eine

Reise, die mit Momenten des reinen Chaos und Momenten der Schönheit gefüllt ist. Alexander McQueen sagte einmal: «Mode sollte eine Form der Flucht sein, nicht eine Form des Gefangenseins.» Mit meinen Entwürfen möchte ich Kleidungsstücke kreieren, die Menschen befähigen, ihr wahres Ich zu umarmen, ihre einzigartige Identität zum Ausdruck zu bringen. Es geht darum, eine einzigartige Perspektive zu haben und Menschen zu finden, die mit ihr in Resonanz gehen. In Ihrem Bestreben, Ihre Arbeit zu revolutionieren, wünschen Sie sich für diese Kollektion eine punkigere, unverblümtere Ästhetik. Welchen Einfluss dies auf die Zukunft Ihrer Marke und auf die Botschaft, die Sie mit Ihren Designs vermitteln? Punk ist eine Form von Freiheit. Da ich in einer Umgebung aufgewachsen bin, die von Unfreiheit und Einschränkungen geprägt war, schätze ich sie sehr. Vivienne Westwood hat diesen Geist perfekt eingefangen, als sie sagte: «In der Mode geht es letztlich darum, nackt zu sein.» Metaphorisch gesprochen geht es darum, die Schichten gesellschaftlicher Erwartungen abzustreifen und unser wahres Ich zu enthüllen – ohne Vorurteile und Einschränkungen. Bei der Weiterentwicklung meiner Arbeit geht es nicht nur um Ästhetik, sondern auch um die Neudefinition der Geschichte meiner Marke. Erst kürzlich habe ich alle meine Beiträge auf dem Instagram-Account meiner Marke gelöscht, das fühlt sich wie ein grossartiger Neustart an. Meine Vision basiert auf der Idee des Unerwarteten – ich liebe gewagte Looks, ich liebe es, Kleider zu entwerfen, in denen das Model halb nackt ist, sich aber sicher fühlt. Bei der Kreation denke ich nicht daran, den Körper mit Stoff zu bedecken. Es geht darum, den Körper mit einer Geschichte zu ergänzen. Wer meine Stücke trägt, wird Teil der Geschichte, die ich geschaffen habe. Ihre Modekollektionen sind für ihre Vielfalt bekannt, dennoch sprechen Sie «eine» Sprache. Wie stellen Sie sicher, dass jedes Stück Ihre Vision widerspiegelt und gleichzeitig zu einer kohärenten Markenidentität beiträgt? All das ist eine schöne Reise. Meine Inspiration ist jedoch mit einem Trauma verbunden. Vor allem Depressionen beflügeln meine Kreativität. Es ist ein seltsames Gleichgewicht: Wenn

ich merke, dass ich in eine Depression abrutsche, weiss ich, dass ich sie in etwas Aussergewöhnliches verwandeln werde. Es hilft mir, auf die Inspiration zu warten, und ich warte darauf, die Depression in Schönheit zu verwandeln. Ich suche die Depression nicht, aber ich nutze sie zu meinem Vorteil. Ich rate auch jedem Künstler: Lass dich nicht entmutigen. Je mehr du produzierst, desto mehr verkaufst du. Also bleib kreativ. Ein weiterer Ratschlag ist, alles zu behalten, was man kreiert, nichts wegzuwerfen. Ich habe so viele Stücke verbrannt, nur weil sie einigen Freunden nicht gefielen oder nicht genau das waren, was ich wollte. Aber die, die ich behalten habe, sind jetzt sehr gefragt. Karl Lagerfeld hat einmal gesagt: «Wenn das Designen nicht deine oberste Priorität ist, wirst du nie erfolgreich sein.» Zunächst habe ich das nicht verstanden. Ich war mehr damit beschäftigt, das Nachtleben zu geniessen und zu feiern, als zu entwerfen. Aber dann wurde mir klar: Design ist meine Art, die Welt zu sehen. Es ist zu meiner Priorität geworden. Und das ist der Schlüssel – man kann Talent haben, aber es braucht Hingabe, um seine Kreationen zu verwirklichen und erfolgreich zu sein. Inwiefern können künstlerische Ausdrucksformen der Gesellschaft zugutekommen? Ich war immer überzeugt, dass die Gesellschaft gedeihen kann, wenn die Länder die künstlerische Ausdrucksform annehmen. Würde mich mein eigenes Land so akzeptieren, wie ich bin, würde ich bleiben und zu seiner Wirtschaft und seinem Ruf beitragen. Leider verlieren viele Länder aufgrund von Engstirnigkeit, oft durch Religion oder Tradition beeinflusst, talentierte Menschen. Deshalb haben viele von uns Künstlern ihren Platz in Amerika gefunden. Wie kam es zur Entscheidung, eine von Ihrem Heimatland inspirierte Kollektion zu entwerfen? Die von meinem Heimatland inspirierte Kollektion ist eine bittersüsse Reflexion darüber, was hätte sein können, wäre ich nicht weggegangen. Manchmal frage ich mich, ob ich dort ein traditionelles Leben führen würde. Aber dann denke ich an die Freiheit und Kreativität, die ich hier habe. Die Kollektion enthält unerwartet turkmenischen Kulturschmuck – dies ist mein stiller Protest. Ich habe die Ausstellung «Hölle» genannt, gemeint nicht

Le voyage de Guvanch Agajumayev du Turkménistan à la scène de la mode de New York City est une histoire de résistance et de découverte de soi. Ses collections de mode sont des poèmes rebelles où se mêlent mélancolie et liberté. Il a commencé enfant à transformer les vêtements de sa mère, aujourd’hui il crée des pièces qui défient les normes du marché capitaliste américain. Le processus créatif de Guvanch est la meilleure preuve de son inventivité. Dans cette interview, nous explorons la pensée d’un designer qui dépasse les frontières et recherche l’authenticité. FRANÇAIS

im wörtlichen Sinne, sondern als Symbol des Trotzes. Wenn ich zwischen Himmel und Hölle wählen müsste, würde ich mich in der Ästhetik und Atmosphäre der Hölle wohlfühlen. Für mich geht es darum, mein inneres Kind zurückzuerobern. Es hat eine Weile gedauert, bis ich mich selbst voll und ganz lieben und akzeptieren konnte. Jetzt stelle ich mein persönliches Glück über die Erwartungen der Gesellschaft. Die Kollektion ist auch eine Anspielung auf die Kämpfe, die ich in meiner Heimat erlebt habe – meine Art, die Normen herauszufordern, die mich an der Selbstdarstellung gehindert haben. Was zeichnet Ihre neueste Kollektion aus, welche Botschaft soll sie dem Zielpublikum vermitteln? Ich finde Schönheit in rohen Kanten und klaren Linien. Es geht darum, gegensätzliche Ideen zu vereinen, um Einzigartigkeit zu schaffen. Die Herausforderung besteht darin, das Gleichgewicht zu finden. Ich

arbeite erst seit kurzem in einer Nische für den Massenmarkt, daher habe ich noch nie Kleidung «für die Masse» entworfen. Meine Kleidungsstücke sind meist Unikate, meines Erachtens die einzige Möglichkeit ist, eine Geschichte zu erzählen, einen Dialog zwischen mir und den Menschen zu schaffen, die meine Marke wählen. Für mich ist jedes Stück eine Verkörperung der Freiheit. Vivienne Westwood hat einmal gesagt: «Ich bin keine Modedesignerin. Ich bin eine Aktivistin, die die Mode als Medium benutzt, um ihre Ideen auszudrücken». Ich möchte jedoch, dass meine Kunden ihre persönlichen Vorstellungen durch meine Kleidung zum Ausdruck bringen. Mein Ziel ist nicht, ihnen eine Idee vorzugeben, sondern sie zu ermutigen, ihre eigenen Ideen zu entwickeln, ihren Körper zu erforschen, mit ihrem Image zu experimentieren, neugierig und risikofreudig zu sein und es zu geniessen, lebendig und frei zu sein. ____________

Vous avez grandi au Turkménistan, soumis à des règles strictes en matière d’expression personnelle. Comment cela a-t-il influencé votre rébellion contre les normes, notamment dans votre dernière collection, synonyme d’honnêteté et de changement? Dans mon pays, même l’intérêt d’un homme pour les tissus est considéré comme inapproprié. Pour des raisons que je ne peux pas comprendre; ce n’est pas accepté. Mon amour pour les tissus a commencé à l’âge de cinq ans – au contact des vêtements de ma mère. J’adorais retoucher ses vêtements, à son grand désespoir (rires) – et c’était ce qu’il y avait de mieux pour moi! Je n’étais pas intéressé par le fait de jouer dehors avec d’autres enfants ; je voulais juste créer. En tant qu’enfant, on ne sait pas (encore) ce qui est bien ou mal en matière de mode; on a cependant une curiosité innée et on essaie de créer quelque chose que l’on voit dans son imagination, mais qui n’existe pas encore dans la réalité. En grandissant, ma passion pour le design a grandi. Dans une société où l’individualité était souvent réprimée, j’aspirais à la liberté de création et je devenais de plus en plus intransigeant lorsqu’il s’agissait d’exprimer mon point de vue. En tant que designer, il ne s’agit pas seulement de fabriquer des choses – et la mode n’est pas seulement une question de vêtements. C’est une manifestation de l’expérience humaine. Comme la vie elle-même, c’est un voyage rempli de moments de pur chaos et d’instants de beauté. Alexander McQueen a dit un jour: «La mode devrait être

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looks audacieux, j’aime créer des vêtements dans lesquels le modèle est à moitié nu, mais se sent en sécurité. Lors de la création, je ne pense pas à recouvrir le corps de tissu. Il s’agit de compléter le corps par une histoire. Celui qui porte mes pièces devient une partie de l’histoire que j’ai créée.

une forme d’évasion, pas une forme d’emprisonnement». Avec mes créations, je veux créer des vêtements qui permettent aux gens d’embrasser leur vrai moi, d’exprimer leur identité unique. Il s’agit d’avoir une perspective unique et de trouver des personnes qui entrent en résonance avec elle. Dans votre volonté de révolutionner votre travail, vous souhaitez pour cette collection une esthétique plus punk et plus crue. Quelle influence cela a-t-il sur l’avenir de votre marque et sur le message que vous transmettez à travers vos créations? Le punk est une forme de liberté. Ayant grandi dans un environne-

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behind the scenes

ment marqué par le manque de liberté et les restrictions, je l’apprécie beaucoup.

Vos collections de mode sont connues pour leur diversité, pourtant vous parlez «une» langue. Comment vous assurez-vous que chaque pièce reflète votre vision tout en contribuant à une identité de marque cohérente? Tout cela est un beau voyage. Mon inspiration est toutefois liée à un traumatisme. C’est surtout la dépression qui stimule ma créativité. C’est un équilibre étrange: quand je sens que je vais glisser vers la dépression, je sais que je vais la transformer en quelque chose d’extraordinaire. Cela m’aide à attendre l’inspiration, et j’attends de transformer la dépression en beauté. Je ne cherche pas la dépression, mais je l’utilise à mon avantage. Je conseille aussi à chaque artiste: ne te décourage pas. Plus tu produiras, plus tu vendras. Donc reste créatif. Un autre conseil est de garder tout ce que tu crées, de ne rien jeter. J’ai brûlé tant de pièces simplement parce qu’elles ne plaisaient pas à certains amis ou qu’elles ne correspondaient pas exactement à ce que je voulais. Mais celles que j’ai gardées sont maintenant très demandées. Karl Lagerfeld a dit un jour: «Si la création n’est pas ta première priorité, tu ne réussiras jamais». Au début, je n’ai pas compris cela. J’étais plus occupé à profiter de la vie nocturne et à faire la fête qu’à concevoir. Mais ensuite, j’ai compris: le design est ma façon de voir le monde. C’est devenu ma priorité. Et c’est la clé – on peut avoir du talent, mais il faut du dévouement pour réaliser ses créations et réussir.

Vivienne Westwood a parfaitement saisi cet esprit lorsqu’elle a dit: «En fin de compte, la mode consiste à être nu». Métaphoriquement parlant, il s’agit de se débarrasser des couches d’attentes sociales et de dévoiler notre vrai moi – sans préjugés ni restrictions. En développant mon travail, il ne s’agit pas seulement d’esthétique, mais aussi de redéfinir l’histoire de ma marque. Tout récemment, j’ai supprimé toutes mes publications sur le compte Instagram de ma marque, ce qui me donne l’impression d’un formidable redémarrage. Ma vision est basée sur l’idée de l’inattendu – j’aime les

Dans quelle mesure l’expression artistique peut-elle être bénéfique pour la société? J’ai toujours été convaincu que la société pouvait s’épanouir si les pays acceptaient l’expression artistique. Si mon propre pays m’acceptait tel que je suis, je resterais et contribuerais à son économie et à sa réputation. Malheureusement, de nombreux pays perdent des personnes talentueuses en raison de leur étroitesse d’esprit, souvent influencée par la religion ou la tradition. C’est pourquoi beaucoup d’entre nous, artistes, ont trouvé leur place en Amérique.

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mon pays – ma façon de défier les normes qui m’empêchaient de m’exprimer. Qu’est-ce qui caractérise votre dernière collection, quel message doit-elle transmettre au public cible? Je trouve la beauté dans les angles bruts et les lignes claires. Il s’agit de réunir des idées contradictoires pour créer de l’originalité. Le défi consiste à trouver l’équilibre. Je travaille depuis peu dans un créneau destiné au marché de masse, je n’ai donc jamais créé de vêtements «pour la masse». Mes vêtements sont pour la plupart des pièces uniques, la seule façon à mon avis de raconter une histoire, de créer un dialogue entre moi et les personnes qui choisissent ma marque. Pour moi, chaque pièce est une incarnation de la liberté. Vivienne Westwood a dit un jour: «Je ne suis pas une créatrice de mode. Je suis une activiste qui utilise la mode comme moyen d’expression de ses idées». Cependant, je veux que mes clients expriment leurs idées personnelles à travers mes vêtements. Mon objectif n’est pas de leur imposer une idée, mais de les encourager à développer leurs propres idées, à explorer leur corps, à expérimenter avec leur image, à être curieux et à prendre des risques, et à apprécier d’être vivants et libres. ____________

Il viaggio di Guvanch Agajumayev dal Turkmenistan alla scena della moda di New York è una storia di resistenza e di scoperta di sé. Le sue collezioni di moda sono poesie ribelli che mescolano malinconia e libertà. Ha iniziato a ridisegnare gli abiti di sua madre da bambino e oggi crea capi che sfidano le norme del mercato capitalistico americano. Il processo creativo di Guvanch è la prova migliore del suo ingegno. In questa intervista andiamo alla scoperta di uno stilista che si spinge oltre i confini e cerca l’autenticità.

ITALIANO

Comment avez-vous décidé de créer une collection inspirée de votre pays d’origine? La collection inspirée par mon pays d’origine est une réflexion douce-amère sur ce qui aurait pu être si je n’étais pas partie. Parfois, je me demande si je mènerais une vie traditionnelle là-bas. Mais ensuite, je pense à la liberté et à la créativité que j’ai ici. La collection contient de manière inattendue des bijoux culturels turkmènes – c’est ma protestation silencieuse. J’ai appelé

l’exposition «Enfer», non pas au sens littéral, mais comme symbole de défi. Si je devais choisir entre le paradis et l’enfer, je me sentirais bien dans l’esthétique et l’atmosphère de l’enfer. Pour moi, il s’agit de reconquérir l’enfant qui est en moi. Il m’a fallu un certain temps avant de pouvoir m’aimer et m’accepter pleinement. Maintenant, je place mon bonheur personnel au-dessus des attentes de la société. La collection est aussi un clin d’œil aux luttes que j’ai vécues dans

Lei è cresciuto in Turkmenistan, con regole severe per l’espressione di sé. Come ha influenzato la sua ribellione alle norme, soprattutto nella sua ultima collezione, che è sinonimo di onestà e cambiamento? Nel mio Paese, anche l’interesse di un uomo per i tessuti è considerato

inappropriato. Per ragioni che non riesco a capire, non è accettato. Il mio amore per i tessuti è iniziato all’età di cinque anni, a contatto con i vestiti di mia madre. Mi piaceva modificare i suoi vestiti, con grande disappunto di lei (ride), ed era la mia cosa preferita! Non mi interessava giocare fuori con gli altri bambini, volevo solo disegnare. Da bambini non si sa (ancora) cosa sia bello e cosa sia brutto quando si parla di moda, ma si ha una curiosità innata e si cerca di disegnare qualcosa che si vede nella propria immaginazione ma che non esiste ancora nella realtà. Crescendo, la mia passione per il design è aumentata. In una società in cui l’individualità era spesso repressa, desideravo la libertà creativa e sono diventato sempre più deciso ad esprimere il mio punto di vista. Essere un designer non significa solo creare oggetti e la moda non è solo abbigliamento. È una manifestazione dell’esperienza umana. Come la vita stessa, è un viaggio pieno di momenti di puro caos e di momenti di bellezza. Alexander McQueen una volta ha detto: «La moda dovrebbe essere una forma di fuga, non una forma di prigionia». Con i miei modelli, voglio creare capi che permettano alle persone di abbracciare il loro vero io, di esprimere la loro identità unica. Si tratta di avere una prospettiva unica e di trovare persone che la condividano. Nella suo impegno per rivoluzionare il suo lavoro, per questa collezione ha scelto un’estetica più punk e più schietta. Che impatto avrà sul futuro del suo Marchio e sul messaggio che trasmette con i suoi modelli? Il punk è una forma di libertà. Essendo cresciuto in un ambiente caratterizzato dalla mancanza di libertà e da restrizioni, lo apprezzo molto. Vivienne Westwood ha colto perfettamente questo spirito quando ha detto: «La moda è, in ultima analisi, essere nudi». Metaforicamente parlando, si tratta di togliere gli strati di aspettative della società e di rivelare il nostro vero io, senza preconcetti e restrizioni. L’evoluzione del mio lavoro non riguarda solo l’estetica, ma anche la ridefinizione della storia del mio marchio. Di recente ho cancellato tutti i miei post sull’account Instagram del mio marchio, il che mi sembra un ottimo riavvio. La mia visione si basa sull’idea dell’inaspettato: amo i look audaci, amo disegnare abiti in cui la modella è mezza nuda ma si sente sicura di sé.

Quando creo, non penso a coprire il corpo con il tessuto. Si tratta di completare il corpo con una storia. Chiunque indossi i miei capi diventa parte della storia che ho creato. Le sue collezioni di moda sono note per la loro diversità, eppure lei parla una «sola»lingua. Come fa a garantire che ogni pezzo rifletta la sua visione e contribuisca al contempo a un’identità coerente del Marchio? Questo tutto è un bellissimo viaggio. Tuttavia, la mia ispirazione è legata ai traumi. La depressione, in particolare, alimenta la mia creatività. È uno strano equilibrio: quando mi rendo conto che sto scivolando nella depressione, so che la trasformerò in qualcosa di straordinario. Mi aiuta aspettare l’ispirazione e aspettare di trasformare la depressione in bellezza. Non cerco la depressione, ma la uso a mio vantaggio. Consiglio anche a tutti gli artisti: non scoraggiatevi. Più si produce, più si vende. Quindi rimanete creativi. Un altro consiglio è quello di conservare tutto ciò che si crea, di non buttare via nulla. Ho bruciato tanti pezzi solo perché a qualche amico non piacevano o non erano esattamente ciò che volevo. Ma quelli che ho tenuto sono ora molto richiesti. Karl Lagerfeld una volta ha detto: «Se il design non è la tua priorità assoluta, non avrai mai successo». All’inizio non lo capivo. Ero più interessato a godermi la vita notturna e a fare festa che a disegnare. Ma poi ho capito: il design è il mio modo di vedere il mondo. È diventata la mia priorità. Ed è questa la chiave: puoi avere talento, ma ci vuole dedizione per realizzare le tue creazioni e avere successo. In che modo l’espressione artistica può giovare alla società? Ho sempre creduto che la società potesse prosperare quando i Paesi accolgono l’espressione artistica. Se il mio Paese mi accettasse per quello che sono, resterei e contribuirei alla sua economia e alla sua reputazione. Purtroppo, molti Paesi perdono persone di talento a causa di una mentalità ristretta, spesso influenzata dalla religione o dalla tradizione. Ecco perché molti di noi artisti hanno trovato il loro posto in America. Come ha deciso di disegnare una collezione ispirata al suo Paese d’origine? La collezione ispirata al mio Paese d’origine è una riflessione agrodolce su ciò che sarebbe potuto essere se non fossi partito. A volte mi chiedo se lì avrei vissuto una vita

tradizionale. Ma poi penso alla libertà e alla creatività che ho qui. La collezione contiene inaspettatamente gioielli culturali turkmeni: questa è la mia protesta silenziosa. Ho chiamato la mostra «Inferno», non in senso letterale, ma come simbolo di sfida. Se dovessi scegliere tra il paradiso e l’inferno, mi sentirei a mio agio nell’estetica e nell’atmosfera dell’inferno. Per me si tratta di recuperare il bambino che è in me. Mi ci è voluto un po’ di tempo per amarmi e accettarmi completamente. Ora do priorità alla mia felicità personale rispetto alle aspettative della società. La collezione è anche un cenno alle lotte che ho vissuto nel mio Paese d’origine, il mio modo di sfidare le norme che mi impedivano di esprimere me stesso. Cosa caratterizza la sua ultima collezione, quale messaggio vuole trasmettere al pubblico di riferimento? Trovo la bellezza nei bordi grezzi e nelle linee pulite. Si tratta di unire idee contrastanti per creare unicità. La sfida è trovare l’equilibrio. Solo di recente ho iniziato a lavorare in una nicchia per il mercato di massa, quindi non ho mai disegnato abiti «per la massa». I miei capi sono per lo più unici, secondo me l’unico modo è raccontare una storia, creare un dialogo tra me e le persone che scelgono il mio marchio. Per me, ogni capo è un’incarnazione della libertà. Vivienne Westwood una volta disse: «Non sono una stilista. Sono un’attivista che usa la moda come mezzo per esprimere le sue idee». Tuttavia, voglio che i miei clienti esprimano le loro idee personali attraverso i miei abiti. Il mio obiettivo non è dare loro un’idea, ma incoraggiarli a sviluppare le proprie idee, a esplorare il proprio corpo, a sperimentare con la propria immagine, a essere curiosi, a rischiare e a godersi la vita e la libertà. ____________

words. Odie Senesh + Elizaveta Tereshchenkova photography. Anastasia Koval, Dorothea Doumkou, Margarita Babina + Guvanch Agajumayev

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introducing the revamped rouge dior: a beauty revolution words. Raffaele Romagnoli photography. courtesy of Dior

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Im Jahr 1953 revolutionierte Christian Dior die Welt der Schönheit mit der Einführung von Rouge Dior, dem kultigen Lippenstift, der das Lächeln der Frauen für jeden Anlass schmücken sollte. Nun wurde Rouge Dior unter der Leitung von Peter Philips, dem Creative und Image Director für Dior Makeup, einer modernen Metamorphose unterzogen. DEUTSCH

Das neue Rouge Dior verkörpert die Essenz des Couture-Erbes und des avantgardistischen Geistes von Dior und bietet eine Formel, die – mit einem bahnbrechenden Blumenextrakt aus roter Pfingstrose angereichert – eine unvergleichliche Feuchtigkeitszufuhr und Performance gewährleistet. Erhältlich in zwei luxuriösen Finishes – Satin und Samt – bietet dieser Lippenstift eine zeitgenössische Palette von Farbtönen, die von Philips selbst kuratiert wurde und 70 moderne und gewagte Nuancen umfasst. Aber Rouge Dior steht nicht nur für atemberaubende Farben – es ist zugleich ein Statement für Inklusivität. Philips hat mit grosser Sorgfalt eine Farbpalette zusammengestellt, die verschiedene Hauttöne zelebriert und neben leuchtenden Rot-, Rosa-, Braunund Korallentönen auch eine Reihe von Nude-Tönen bietet. Jeder Farbton erzählt eine Geschichte, wobei die vier Haupttöne – 999, 100 Nude Look, 720 Icone und 777 Fahrenheit – den Ton für die moderne DiorFrau angeben. Der zeitgemässe neue Look des Lippenstifts erstreckt sich auch auf das neu gestaltete nachfüllbare Etui, das mit seiner schlanken Silhouette und den ikonischen CD-Initialen Couture-Eleganz ausstrahlt. Die nachhaltige Verpackung widerspiegelt das Umwelt-Engagement von Dior und verkörpert gleichzeitig moderne Raffinesse. Um die Neuauflage von Rouge Dior zu feiern, präsentiert Dior eine faszinierende Kampagne, die von Bardia Zeinali fotografiert wurde. Mit Yara Shahidi, Dilraba Dilmurat, Rachel Zegler und Anya Taylor-Joy verkörpert die Kampagne moderne Weiblichkeit und Empowerment. Jede der vier Musen verkörpert einen einzigartigen Dior-Traum vor dem Hintergrund von Diors ultimativer Farbe für Leidenschaft und Weiblichkeit –

Rot. Wir freuen uns, einen Blick hinter die Kulissen dieser ikonischen Kampagne zu werfen und die magische Kraft von Rot in der Welt von Dior Beauty zu zeigen. Mit seiner bahnbrechenden Formel, der umfassenden Farbpalette und der fesselnden Kampagne definiert das neue Rouge Dior Schönheit für die moderne Zeit neu. Und lädt Frauen dazu ein, ihre Individualität mit Selbstvertrauen und Stil auszudrücken. ____________

En 1953, Christian Dior a révolutionné le monde de la beauté en lançant Rouge Dior, le rouge à lèvres emblématique qui devait orner le sourire des femmes en toute occasion. Aujourd’hui, Rouge Dior a subi une métamorphose moderne sous la direction de Peter Philips, directeur de la création et de l’image pour Dior Makeup. FRANÇAIS

Le nouveau Rouge Dior incarne l’essence de l’héritage couture et de l’esprit avant-gardiste de Dior, avec une formule qui – enrichie d’un extrait floral révolutionnaire de pivoine rouge – garantit une hydratation et une performance incomparables. Disponible en deux finitions – satin et velours – ce rouge à lèvres offre une palette de teintes contemporaines, choisies par Philips lui-même, qui comprend 70 nuances modernes et audacieuses. Mais Rouge Dior n’est pas seulement synonyme de couleurs époustouflantes; c’est aussi une déclaration d’exclusivité.

Philips a composé avec le plus grand soin une palette de couleurs célébrant différents tons de peau et proposant, outre des rouges, des roses, des bruns et des corails éclatants, une série de nudes. Chaque teinte raconte une histoire. Les quatre teintes principales sont le 999, le 100 Nude Look, le 720 Icone et le 777 Fahrenheit. Le ton est donné: celui de la femme Dior moderne. Le nouveau look contemporain du rouge à lèvres s’étend également à l’étui rechargeable redessiné, dont la silhouette élancée et les initiales CD iconiques évoquent l’élégance de la couture. L’emballage durable reflète l’engagement environnemental de Dior tout en incarnant le raffinement. Pour célébrer le renouveau de Rouge Dior, Dior présente une campagne fascinante, photographiée par Bardia Zeinali. Avec Yara Shahidi, Dilraba Dilmurat, Rachel Zegler et Anya Taylor-Joy, la campagne incarne la féminité moderne et son empowerment. Chacune des quatre égéries incarne un rêve unique de Dior, avec en toile de fond la couleur ultime de Dior pour la passion et la féminité: le rouge. Nous sommes heureux de jeter un coup d’œil dans les coulisses de cette campagne emblématique et de montrer le pouvoir magique du rouge dans l’univers de Dior Beauty. A travers sa formule révolutionnaire, sa palette complète de couleurs et sa campagne captivante, le nouveau Rouge Dior redéfinit la beauté pour les temps modernes. Et invite les femmes à exprimer leur individualité avec confiance et style. ____________ 217

– 999, 100 Nude Look, 720 Icone e 777 Fahrenheit – che definiscono il tono della moderna donna Dior. Il nuovo look contemporaneo del rossetto si estende al nuovo astuccio ricaricabile, che emana eleganza couture con la sua silhouette chic e le iconiche iniziali CD. La confezione sostenibile riflette l’impegno di Dior nei confronti dell’ambiente, incarnando al contempo la moderna raffinatezza. Per celebrare il rilancio del suo Rouge Dior, la Maison presenta una campagna ipnotica fotografata da Bardia Zeinali. Con Yara Shahidi, Dilraba Dilmurat, Rachel Zegler e Anya Taylor-Joy, la campagna esprime la femminilità moderna e l’empowerment. Ognuna delle quattro muse descrive un sogno unico di Dior sullo sfondo del colore per eccellenza della passione e della femminilità: il rosso. Ci fa piacere dare uno sguardo dietro le quinte di questa campagna iconica e di mostrare il magico potere del rosso nel mondo di Dior Beauty. Con la sua formula innovativa, l’ampia palette di colori e la campagna accattivante, il nuovo Rouge Dior ridefinisce la bellezza per l’era moderna. E invita le donne a esprimere la propria individualità con sicurezza e stile. ____________ words. Raffaele Romagnoli photography. courtesy of Dior

Nel 1953, Christian Dior ha rivoluzionato il mondo della bellezza con il lancio di Rouge Dior, l‘iconico rossetto progettato per abbellire il sorriso delle donne in ogni occasione. Ora, Rouge Dior ha subito una metamorfosi moderna sotto la direzione di Peter Philips, Direttore Creativo e dell’Immagine di Dior Makeup.

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Incarnando l’essenza dell’eredità couture e dello spirito d’avanguardia di Dior, il nuovo Rouge Dior offre una formula che, arricchita con un innovativo estratto floreale di peonia

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rossa, garantisce un’idratazione e una performance senza pari. Disponibile in due lussuose finiture – satinata e vellutata – questo rossetto offre una palette contemporanea di tonalità curate dallo stesso Philips, che comprende 70 nuance moderne e audaci. Ma Rouge Dior non è solo un colore straordinario: è anche una dichiarazione di inclusione. Philips ha creato con cura una palette di colori che celebra le diverse tonalità della pelle, offrendo una gamma di tonalità nude accanto a rossi, rosa, marroni e coralli vibranti. Ogni tonalità racconta una storia, con le quattro tonalità principali

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reBELLE Beauty Hinter den exklusiven Produkten der Schweizer Marke reBELLE Beauty steht «The Conscious Beauty Company», gegründet von Fabienne Bolliger, einer erfahrenen Expertin der BeautyBranche. Die Marke legt Wert auf Transparenz und Qualität. Enthalten ist nur, was guttut und wirksam ist – natürliche Zutaten und ausgewählte Inhaltsstoffe für herausragende Ergebnisse. reBELLE Beauty setzt auf Nachhaltigkeit und umweltfreundliche Verpackungen, die zu 100 % recycelbar sind und ohne Tierversuche hergestellt werden. Mehr über die Marke im folgenden Interview mit der Gründerin.

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Fabienne, wie kamst du auf die Idee, eine eigene Beauty-Unternehmung zu gründen? Nach meinem Marketing-Studium an der HSG war ich Product Manager bei einem führenden Beautykonzern. Ich habe viel gelernt, aber es war immer das gleiche Schema. Jahrelang nicht angezweifelt, hat es über die Jahre funktioniert und schien von den Kunden akzeptiert. Ich hatte das Bedürfnis, die Beauty-Branche kritisch zu hinterfragen und etwas Eigenes zu schaffen. Keine leeren Versprechungen, stattdessen Transparenz und ehrliche Kommunikation. Glücklicherweise fand auch bei den Käuferinnen ein Wertewandel statt. Ein Wertewandel in welche Richtung? Es hat im Food Bereich angefangen. Plötzlich wollte man «clean food», «superfood», vegan. Etwas Ähnliches geschieht seit einiger Zeit in der Beautybranche. Kundinnen möchten mehr wissen, fordern mehr Transparenz. Das Regionale wird bevorzugt. Eine andere Generation von Konsumentinnen entsteht, die sich fragt, ob sie wirklich zehn verschiedene Produkte aus verschiedenen Kontinenten benötigt. Eine Entwicklung, die ich selbst durchgemacht habe. Früher war ich immer geschminkt, heute nur selten. Ich verwende zudem nur noch sehr wenige Beauty Produkte, dafür hochwertige. Was macht die reBELLE-Produkte so besonders? Ich höre oft, dass es weniger das einzelne Produkt bei uns ist, sondern vielmehr das gesamte, ganzheitliche Konzept.

Daran habe ich viele Monate gearbeitet. Ich habe den Markt analysiert, Daten interpretiert und zahlreiche Studien gelesen. Am Schluss stand die Erkenntnis, was gute Produkte ausmacht: Qualitativ hochwertige Produkte aus der Schweiz, Transparenz in der Kommunikation, modernes Design und Kundennähe. Meine Creme haben 120 Frauen getestet. Die Produkte werden komplett in der Schweiz entwickelt und hergestellt, gemeinsam mit einem Ärzteteam eines ETH Spin-offs. Wir suchen jeweils die nachhaltigste und sinnvollste Lösung. Wo sind deine Produkte erhältlich? Über unseren online Shop www.rebellebeauty.ch und in rund 30 Stores in der Schweiz. ____________

Derrière les produits exclusifs de la marque suisse reBELLE Beauty se cache «The Conscious Beauty Company», fondée par Fabienne Bolliger, une experte chevronnée du secteur de la beauté. La marque met l’accent sur la transparence et la qualité. Elle ne contient que ce qui est bon et efficace – des ingrédients naturels et sélectionnés pour des résultats exceptionnels. reBELLE Beauty mise sur la durabilité et des emballages respectueux de l’environnement, recyclables à 100 % et fabriqués sans tests sur les animaux. Pour en savoir plus sur la marque, consultez l’interview suivante de sa fondatrice.

FRANÇAIS

Fabienne, comment t’est venue l’idée de créer ta propre entreprise de beauté? Après mes études de marketing à la HSG, j’ai été cheffe de produit dans un grand groupe de produits de beauté. J’ai beaucoup appris, mais c’était toujours le même schéma. Non remis en question pendant des années, il a fonctionné au fil des ans et semblait accepté par les clients. J’ai ressenti le besoin de remettre en question de manière critique le secteur de la beauté et de créer quelque chose de personnel. Pas de promesses en l’air, mais de la transparence et une communication honnête. Heureusement, un changement de valeurs s’est également produit chez les acheteuses.

Un changement de valeurs dans quelle direction? Cela a commencé dans le domaine alimentaire. Tout à coup, on voulait du «clean food», du «superfood», du véganisme. Quelque chose de similaire se produit depuis quelque temps dans le secteur de la beauté. Les clientes veulent en savoir plus, exigent plus de transparence, le local est privilégié. Une autre génération de consommatrices, qui se demandent si elles ont vraiment besoin de dix produits différents provenant de différents continents, voit le jour. C’est une évolution que j’ai moi-même vécue. Avant, j’étais toujours maquillée, aujourd’hui je ne le suis que rarement. De plus, je n’utilise plus que très peu de produits de beauté, par contre de haute qualité. Qu’est-ce qui rend les produits reBELLE si particuliers? J’entends souvent dire que ce n’est pas tant le produit individuel qui compte chez nous, mais plutôt le concept global et holistique. J’y ai travaillé pendant de nombreux mois. J’ai analysé le marché, interprété les données et lu de nombreuses études. Au final, je me suis rendue compte de ce qui fait de bons produits: des produits de qualité supérieure fabriqués en Suisse, la transparence dans la communication, un design moderne et la proximité avec la clientèle. Ma crème a été testée par 120 femmes. Les produits sont entièrement développés et fabriqués en Suisse, en collaboration avec une équipe de médecins d’une spin-off de l’ETH de Zürich. Nous cherchons à chaque fois la solution la plus durable et la plus judicieuse. ____________

Dietro gli esclusivi prodotti del marchio svizzero reBELLE Beauty c’è «The Conscious Beauty Company», fondata da Fabienne Bolliger, esperta nel settore della bellezza. Il marchio pone l’accento sulla trasparenza e sulla qualità. Contiene solo ciò che fa bene e che è efficace: ingredienti naturali e ingredienti selezionati per risultati eccezionali. reBELLE Beauty si impegna per la sostenibilità e per un packaging ecologico, riciclabile al 100% e prodotto senza test sugli animali. Scoprite di più sul marchio nell’intervista alla fondatrice. ITALIANO

Fabienne, come è nata l’idea di creare la sua azienda di bellezza? Dopo aver studiato marketing alla Università di San Gallo, ho lavorato come product manager in un’importante azienda del beauty. Ho imparato molto, ma lo schema era sempre lo stesso. Per anni non è stato messo in discussione, ha funzionato e sembrava essere accettato dai clienti. Ho sentito il bisogno di analizzare criticamente l’industria della bellezza e di creare qualcosa di mio. Niente promesse a vuoto, ma trasparenza e comunicazione onesta. Fortunatamente è sopraggiunto anche un cambiamento di valori tra gli acquirenti. Un cambiamento di valori in quale direzione? È iniziato nel settore alimentare. Improvvisamente le persone hanno voluto «cibo sano», «superfood», vegano. Da qualche tempo sta accadendo qualcosa di simile nel settore della bellezza. I clienti vogliono saperne di più, chiedono

più trasparenza. Vengono privilegiati i prodotti regionali. Sta emergendo un’altra generazione di consumatori che si chiede se hanno davvero bisogno di dieci prodotti diversi provenienti da diversi continenti. È un’evoluzione che ho vissuto anch’io. Una volta mi truccavo sempre, ma ora lo faccio raramente. Uso anche pochi prodotti di bellezza, ma di alta qualità. Cosa rende i prodotti reBELLE Beauty così speciali? Spesso sento dire che non è tanto il singolo prodotto, quanto piuttosto il concetto globale e olistico. Ci ho lavorato per molti mesi. Ho analizzato il mercato, interpretato dati e letto numerosi studi. Alla fine ho capito cosa rende buoni i prodotti: prodotti svizzeri di alta qualità, trasparenza nella comunicazione, design moderno e vicinanza al cliente. La mia crema è stata testata da 120 donne. I prodotti sono sviluppati e realizzati interamente in Svizzera, insieme a un team di medici di uno spin-off dell’ETH. Cerchiamo sempre la soluzione più sostenibile e sensata. Dove sono disponibili i prodotti? Attraverso il nostro negozio online www.rebellebeauty.ch e in circa 30 negozi in Svizzera. ____________

words. Odyssia Houstis images. courtesy of reBELLE Beauty 221

Athletinnen und Athleten sind bereit, die Aufregung steigt – bald fällt in Paris der Startschuss für die Olympischen Spiele 2024. Als offizieller Zeitnehmer feiert OMEGA diesen Moment mit einer neuen Speedmaster Chronoscope.

DEUTSCH

Die Serie umfasst vier Modelle im 43-mmFormat: Ein vollständig aus Edelstahl gefertigtes Modell, ein Modell mit Gehäuse und Armband aus 18K Moonshine™-Gold, eine Edelstahlversion mit einem perforierten schwarzen Kalbslederarmband und eine Version aus 18K Moonshine™-Gold mit schwarzem Standard-Kalbslederarmband. Bemerkenswert das opalisierend silberweisse Zifferblatt, das mit drei dunkelgrauen Skalen im «Schneckendesign» der 1940erJahre bedruckt ist: einer Tachymeterskala, einer Pulsometerskala und einer Telemeterskala, die eine Vielzahl an Messfunktionen ermöglichen. Weitere Details sind die geschwärzten Zähler, die arabischen Ziffern aus 18K Moonshine™-Gold sowie die mit Moonshine™-Gold beschichteten Blattzeiger und Zähler. Für Uhrenliebhaber weltweit wird dieser Zeitmesser für immer eine luxuriöse Erinnerung an die Spiele der XXXIII. Olympiade bleiben. ____________

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behind the scenes

Les athlètes sont prêts, l’effervescence grandit. Le coup d’envoi des Jeux olympiques 2024 sera bientôt donné à Paris. OMEGA, Chronométreur Officiel des JO, a choisi de célébrer ce moment avec une nouvelle Speedmaster Chronoscope.

Gli atleti sono pronti, l’emozione sta crescendo – il colpo di partenza per i Giochi Olimpici del 2024 sarà presto sparato a Parigi. OMEGA, Cronometrista Ufficiale, celebra l’occasione con un nuovo Speedmaster Chronoscope.

FRANÇAIS

ITALIANO

Cette série se compose de quatre modèles de 43 mm: une version entièrement en acier inoxydable, une autre version arborant un boîtier et un bracelet en or Moonshine™ 18K, un modèle en acier inoxydable avec bracelet en cuir de veau noir perforé et un autre en or Moonshine™ 18K avec bracelet en cuir de veau noir standard.

Questa serie comprende quattro modelli da 43 mm: una versione interamente in acciaio inossidabile, una con cassa e bracciale in oro Moonshine™ 18K, una con cassa in acciaio inossidabile corredata da un cinturino in pelle di vitello traforata nera e un’altra versione con cassa in oro Moonshine™ corredata da un cinturino in pelle di vitello nera.

Chaque montre est dotée d’un cadran opalin blanc argenté présentant trois échelles de mesure gris foncé en décalque, dans un motif colimaçon des années 1940. Il s’agit d’une échelle tachymétrique, d’un pulsomètre et d’une échelle télémétrique, qui permettent d’obtenir une série de mesures au poignet. D’autres détails sont les compteurs noircis, les chiffres arabes en or Moonshine™ 18K ou encore les aiguilles feuilles au revêtement PVD or Moonshine™. Cette montre trouvera sa place dans n’importe quelle collection, incarnant pour l’éternité un luxueux hommage aux Jeux de la XXXIIIème Olympiade. . ____________

Ciascun orologio presenta un quadrante in opalino bianco argentato con tre scale cronometriche applicate, in grigio scuro, caratterizzate da un design a spirale tipico degli anni ‘40. Una scala tachimetrica, una scala pulsometrica e una scala telemetrica ideali per una vasta gamma di misurazioni. Numerosi sono i dettagli da ammirare sul quadrante, come i contatori di colore nero i numeri arabi in oro Moonshine™ 18K, le lancette a foglia nonché le lancette dei contatori rivestite in oro Moonshine™. Dedicato ai collezionisti in cerca di un pezzo unico, questo meraviglioso orologio esprime un lussuoso omaggio alla XXXIII edizione dei Giochi Olimpici. ____________

editor’s pick. ____________

OMEGA speedmaster chronoscope paris 2024 words. Frank Herbrand photography. courtesy of OMEGA

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fab collab. ____________

maison margiela x gentle monster words. Ryan Jerome photography. courtesy of Maison Margiela x Gentle Monster

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behind the scenes

DEUTSCH Maison Margiela und Gentle Monster stellten im März 2024 ihre neueste Brillenkollaboration vor – und setzten damit ihre «genderless line» fort. Die Vision von Kreativdirektor John Galliano, inspiriert von den Themen Zeit und Erbe, führte zu 17 Designs, die an Retro-Futurismus und Heldentum erinnern.

FRANÇAIS Maison Margiela et Gentle Monster ont présenté leur dernière collaboration en matière de lunettes en mars 2024 – poursuivant ainsi leur «genderless line». La vision du directeur créatif John Galliano, inspirée par les thèmes du temps et de l’héritage, a donné lieu à 17 designs évoquant le rétrofuturisme et l’héroïsme.

Die von Jordan Hemingway fotografierte Kampagne kontextualisiert die Brillen auf wunderbare Weise in einer traumähnlichen Erzählung.

La campagne, photographiée par Jordan Hemingway, contextualise magnifiquement les lunettes dans un récit onirique.

Mit futuristischen und doch organischen Designs wie der MM101 und MM102 ist die Kollektion eine Hommage an Maison Margielas ikonische vier weisse Nähte. Die MM103-110 bieten eine moderne Interpretation klassischer Silhouetten und verbinden die Ästhetik von Maison Margiela mit dem innovativen Ansatz von Gentle Monster. Mit dieser Zusammenarbeit erforschen die Marken die Dualität des individuellen Ausdrucks - und widerspiegeln die Essenz der Methodik von Maison Margiela. ____________

Au travers de designs futuristes mais organiques avec les MM101 et MM102, la collection rend hommage aux quatre coutures blanches emblématiques de Maison Margiela. Les MM103-110 offrent une interprétation moderne des silhouettes classiques et associent l’esthétique de Maison Margiela à l’approche innovante de Gentle Monster. Avec cette collaboration, les marques explorent la dualité de l’expression individuelle – et reflètent l’essence de la méthodologie de Maison Margiela. ____________

ITALIANO Maison Margiela e Gentle Monster hanno presentato lo scorso marzo la loro ultima collaborazione nel campo dell’eyewear, sviluppando la loro «linea genderless». La visione del direttore creativo John Galliano, ispirata ai temi del tempo e dell’eredità, ha dato vita a 17 modelli che ricordano il retrofuturismo e l’eroismo.

Fotografata da Jordan Hemingway, la campagna contestualizza splendidamente gli occhiali in una narrazione onirica. Con modelli futuristici ma organici come MM101 e MM102, la collezione rende omaggio alle iconiche quattro cuciture bianche di Maison Margiela. Mentre i modelli MM103-110 offrono un’interpretazione moderna di silhouette classiche, combinando l’estetica di Maison Margiela con l’approccio innovativo di Gentle Monster. Con questa collaborazione, i marchi esplorano la dualità dell’espressione individuale, riflettendo l’essenza della metodologia di Maison Margiela. ____________

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contributors ____________

Frédérique Hutter leitete, nach Erfahrungen im Auktionswesen bei Christie’s Geneva, internationale Galerien – und gründete 2008 die Galerie Katz Contemporary. Mit über 50 kuratierten Ausstellungen bot sie jungen wie etablierten Künstlern eine Plattform. 2018 startete sie Frédérique Hutter Art Concept, das temporäre Ausstellungen, Künstlerbetreuung, Kunstberatung, Verkauf und Sammlungsaufbau umfasst.

Michelle Nicol ist Kunsthistorikerin und Kuratorin – und eine Pionierin in der Zusammenarbeit zwischen Kunst und Marken. Sie startete als Autorin für Zeitungen und Zeitschriften und kuratierte gleichzeitig Kunstsammlungen und Ausstellungen. 2001 gründete Michelle zusammen mit Partnern aus der Werbebranche die Agentur Neutral. www.neutral.plus

Katrin Nussmayr ist Redakteurin im Feuilleton der österreichischen Tageszeitung «Die Presse». Sie schreibt über Popkultur, gestaltet den Podcast «Klassik für Taktlose» und verwandelt ihre Zeitung zweimal jährlich in ein interaktives Rätselspiel. Sie ist ein grosser Fan ihrer Wahlheimat Wien – und liebt es, neue Ecken der Stadt zu entdecken.

Anka Refghi ist freie Journalistin und Creative Director. Ursprünglich klassisch studierte Berufsmusikerin, folgten Studien im Bereich Kulturmanagement und Journalismus an der Universität Basel und an der MAZ. Ihre «schreibende Karriere» begann sie bei einem KunstMagazin und in der Werbung, wo ihre Leidenschaft für Fotografie und anspruchsvolles Grafikdesign erwachte. Später war sie Chefredaktorin verschiedener Fashion- und Lifestyle-Magazine und als Creative Director in der High Fashion Photography tätig.

Simona Manzione ist Direktorin von Ticino Management Donna, der einzigen italienischsprachigen Frauenzeitschrift der Schweiz, mit Sitz in Lugano. Nach ihrem Master in Jura an der Universität Lausanne kehrte sie zu ihrer ersten Liebe, dem Journalismus, zurück. In ihrer Freizeit widmet sie sich ihrer Familie, zu der auch ihr Chihuahua Achille gehört.

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behind the scenes

Diana Hauenstein und Sandra Olajide danken wir für ihre wertvolle Unterstützung und ihre Begeisterung für Schön! Switzerland.

editors ____________

geschäftsleitung. Dr. Odyssia Houstis + Dr. Frank Herbrand chefredaktion. Dr. Odyssia Houstis deputy editor. Dr. Frank Herbrand editor-at-large + graphic design. Laura Knoops editor-at-large. Ryan Jerome editor-at-large. Odie Senesh beauty editor. Raffaele Romagnoli partnerschaften / inserate. Dr. Frank Herbrand frank@schon.ch intern. Lorenz Roselius submissionen. submissions@schon.ch abonnementsbestellungen. info@schon.ch copypreis. (inkl. MwSt) (inkl. Schön! Switzerland)

print einzelpreis. CHF 14 jahresabonnement. CHF 80

(6 Ausgaben, inkl. Versand in der Schweiz)

digital einzelpreis. € 7 jahresabonnement. € 42 (6 Ausgaben)

druck. Switzerland ISSN 2813-5539 METASchön! Switzerland (Print) ISSN 2813-5547 METASchön! Switzerland (Digital) Schön! Switzerland Erscheint sechsmal jährlich als Schweizer Lizenz des Schön! Magazines in der Enamati Publishing GmbH, Im Bruppach 13, 8703 Erlenbach. Schön! Switzerland online: http://www.schon.ch Schön! Switzerland übernimmt keine Haftung für unaufgefordert eingesandtes Material jeglicher Art. Die im redaktionellen Inhalt enthaltenen Meinungen sind die der Autoren und nicht notwendigerweise die der Herausgeber von Schön! Switzerland. Jegliche Vervielfältigung im Ganzen oder in Teilen ohne schriftliche Genehmigung ist strengstens untersagt.

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unique travel. ____________

mandarin oriental savoy zurich Mandarin Oriental – Welcome to Zurich! Wiedergeburt einer Ikone. DEUTSCH

Seit Dezember ist die Zürcher Top-Hotellerie um ein weiteres 5-Sterne-Haus reicher. Mit dem Mandarin Oriental Savoy eröffnete die in Südostasien beheimatete Mandarin Oriental Hotelgruppe ihr drittes Hotel in der Schweiz: Neben ihren Häusern in Genf und Luzern operiert nun auch das älteste Grandhotel Zürichs, unmittelbar am Paradeplatz gelegen, unter dem Logo der Marke mit dem kunstvollen Fächer. Wie die anderen Häuser des 38 Hotels umfassenden Mandarin Oriental-Portfolios verbindet es zeitlose Eleganz mit moderner Raffinesse und unglaublichem Service. Understatement wird grossgeschrieben. Die Lage ist an Exklusivität kaum zu schlagen – sie bietet unmittelbaren Zugang zu den luxuriösen Flagship-Stores renommierter Brands der Bahnhofstrasse, zur Altstadt und zur Zürisee-Promenade.

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behind the scenes

Unser Thema, «Behind the Scenes», legt nahe, auch einen Blick hinter die Kulissen, auf die Geschichte des Hauses zu werfen. Auf ein Haus, das schon immer einen besonderen Stellenwert in Zürich hatte. In dem Franz Liszt, Charles Dickens oder die irische Sängerin Lola Montez, die Geliebte des König Ludwigs I. von Bayern nächtigten. Vielen unserer Leser ist das Gebäude von einem Bummel auf der Bahnhofstrasse vertraut, doch kennen wohl die wenigsten seine bewegte Geschichte. Und wissen, dass nur die Fassade historisch ist. Die Geschichte beginnt an Heiligabend 1838, als der junge Bäcker Johannes Baur aus dem Vorarlberg das erste Grandhotel der Stadt, das Hotel Baur, eröffnet. Anstelle der Bahnhofstrasse zog sich ein Wassergraben durch die Stadt, die Namen der Hotelgäste wurden in der Zeitung publiziert. Jahre später gibt der dem Betrieb am Paradeplatz den mondäner klingenden Namen «Baur en Ville», seinen zweiten, nicht weit entfernt liegenden Betrieb nennt er «Baur au Lac» – auch dieser noch heute eine

Zürcher Institution. Anfang des 20. Jahrhunderts wurde das Baur en Ville um zwei Etagen und den Zusatznamen «Savoy» aufgestockt – und zur Heimat der Gerber- und der Schuhmacherzunft. 1909 wurden im vierten Stock vier mächtige Pharaonenfiguren aus Stein angebracht, um den Balkon der Presidential Suite zu zieren. In den siebziger Jahren erlebte das Haus seine grösste Zäsur. Es war so baufällig geworden, dass eine Sanierung für einen Weiterbetrieb nicht ausgereicht hätte. Das Hotel wurde abgerissen und wieder aufgebaut – mit seiner historischen Fassade, aber einem neuen Innern. Neben der Fassade blieben lediglich der Ballsaal und das Zunftzimmer erhalten. Das «alte» Savoy der siebziger Jahre kann man übrigens noch heute erleben: in seinem Restaurant «Khouri» an der Europaallee hat der Zürcher Gastronom Sami Khouri das Mobiliar der legendären Savoy-Bar aufgebaut. An der Fassade am Paradeplatz geblieben ist hingegen der Schriftzug der Savoy-Bar.

185 Jahre nach der Ersteröffnung erstrahlt die Zürcher Ikone nun einmal mehr in neuem Glanz. Nach einer 80-Millionen-FrankenRenovation, die mit einer Reduktion der Zimmerzahl von 104 auf 80 einherging, nun als Mandarin Oriental Savoy, Zurich.

So entstanden Refugien der Entspannung und des Komforts, inspiriert von den Farben der Stadt und ihrer Kunstszene. Das Hotel ist nicht nur mit Kunstwerken internationaler, sondern auch lokaler Künstlerinnen und Künstlern ausgestattet.

Verschwunden sind die schweren Holzmöbel im Entrée, ebenso der weiss glänzende Marmorboden und die Ledersofas. Stattdessen wurden die Räume mit modernen Möbeln und warmen Farben ausgestattet, analog den Farben des Zürisees erscheinen die Seidentapeten in Grün-, Grau- und Blautönen.

Gastronomisch verwöhnt das Mandarin Oriental seine Gäste mit vier Restaurant- und Barkonzepten, geleitet von Küchenchef Benjamin Halat. In der lebhaft-glamourösen «Savoy Brasserie & Bar» gibt es ganztägig französisch inspirierte Speisen, Schweizer Klassiker und charakteristische Cocktails. Das «Orsini» ist ein stilvolles italienisches FineDining Restaurant, konzipiert von Antonio Guida, Chefkoch des mit zwei Michelin-Sternen ausgezeichneten Restaurants Seta im Mandarin Oriental in Mailand. Da Antonio Guida nicht ständig vor Ort ist, hat er das Tagesgeschäft seinem Schüler Dario Moresco übertragen. Signature-Dish im Orsini ist ein ganzes Bresse-Huhn in der Salz-Heu-Kruste. In der «Mandarin Lounge» lässt es sich nach einem Shopping- oder Sightseeing-Tag am offenen Kamin wunderbar entspannen. Im

Für die Neugestaltung verantwortlich zeichnet der renommierte Pariser Innenarchitekt Tristan Auer. Er kombinierte historische Details mit zeitgenössischem Stil und tat alles dafür, eine aussergewöhnliche Sicht auf Zürichs Wahrzeichen zu bieten. Viele der 44 Zimmer und 36 Suiten verfügen über grosszügige Balkone oder Dachterrassen, im Innern verbinden sich Schönheit und Funktionalität intelligent miteinander.

Mai eröffnet eine bezaubernde Oase auf dem Hoteldach, mit asiatischen Aromen sowie mit Panoramablick auf die Stadt und die Alpen. Sie trägt den Namen «1838 Rooftop Bar», denn bereits im Eröffnungsjahr trafen sich die Gäste in luftiger Höhe, um gemeinsam zu tafeln. Die Kellner gaben ihre Bestellungen mit einem Sprachrohr an die Küche durch, und die Speisen wurden – für die damalige Zeit eine Sensation – mit einem Lift transportiert. Im Mandarin Oriental wird diese Rooftop-Location nun wiederbelebt – und «very instagrammable» sein. Mandarin Oriental Savoy, Zurich Poststrasse 12 8001 Zürich (Schweiz) telefon. +41 43 5883888 mail. mozrh-reservations@mohg.com web. www.mandarinoriental.com/de/zurich/savoy

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Mandarin Oriental Savoy, Zurich

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L’histoire commence la veille de Noël 1838, lorsque le jeune boulanger Johannes Baur, originaire du Vorarlberg, ouvre le premier grand hôtel de la ville, l’hôtel Baur. A la place de la Bahnhofstrasse un fossé traversait la ville et les noms des clients de l’hôtel étaient publiés dans le journal. Des années plus tard il donne à l’établissement de la Paradeplatz le nom plus mondain de «Baur en Ville», et appelle son deuxième établissement, situé non loin de là, «Baur au Lac» – qui reste aujourd’hui une institution zurichoise. Au début du 20ème siècle le Baur en Ville a été surélevé de deux étages et agrémenté par le nom supplémentaire de «Savoy» – en devenant la patrie de la corporation des tanneurs et des cordonniers. En 1909, quatre imposantes statues de pharaons en pierre ont été ajoutées au quatrième étage pour orner le balcon de la suite présidentielle.

Mandarin Oriental – Welcome to Zurich! La renaissance d’une icône.

FRANÇAIS

Depuis décembre 2023, l’hôtellerie haut de gamme zurichoise s’est enrichie d’un nouvel établissement 5 étoiles. Avec le Mandarin Oriental Savoy, le groupe hôtelier Mandarin Oriental, originaire d’Asie du SudEst, a ouvert son troisième hôtel en Suisse: outre ses établissements de Genève et de Lucerne, le plus ancien Grandhotel de Zurich, situé directement sur la Paradeplatz, opère désormais sous le logo de la marque à l’éventail artistique. Comme les autres établissements du portefeuille de 38 hôtels Mandarin Oriental, il allie une élégance intemporelle à un raffinement moderne et à un service impeccable. Le «understatement» est une priorité.

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C’est dans les années 1970 que l’immeuble a connu son plus grand bouleversement. Il était devenu si délabré qu’une rénovation n’aurait pas suffi à le maintenir en activité. L’hôtel a été démoli et reconstruit en gardant sa façade historique, mais avec un nouvel intérieur. Outre la façade, seules la salle de bal et la chambre de la guilde ont été conservées. On peut d’ailleurs encore découvrir aujourd’hui le «vieux» Savoy des années soixante-dix: dans son restaurant «Khouri» sur l’Europaallee, le restaurateur zurichois Sami Khouri a installé le mobilier du légendaire bar du Savoy. En revanche, l’enseigne du Savoy-Bar est restée sur la façade de la Paradeplatz. L’emplacement est difficilement égalable en termes d’exclusivité – il offre un accès immédiat aux luxueuses boutiques de marques renommées de l’incontournable Bahnhofstrasse, à la vieille ville et à la promenade du lac de Zurich. Notre thème, «Behind the Scenes», suggère de jeter un coup d’œil derrière les coulisses, sur l’histoire du bâtiment. Un immeuble qui a toujours occupé une place particulière à Zurich. Franz Liszt, Charles Dickens ou la chanteuse irlandaise Lola Montez, la bien-aimée du roi Louis Ier de Bavière, y ont séjourné. Beaucoup de nos lecteurs connaissent le bâtiment de vue lors d’une promenade sur la Bahnhofstrasse, mais peu d’entre eux connaissent son histoire mouvementée. Et ils savent que seule la façade est historique.

185 ans après sa première ouverture, l’icône zurichoise brille une fois de plus d’un nouvel éclat. Après une rénovation de 80 millions de francs, qui s’est accompagnée d’une réduction du nombre de chambres de 104 à 80, il s’appelle désormais Mandarin Oriental Savoy, Zurich. Les lourds meubles en bois à l’entrée ont disparu, tout comme le sol en marbre blanc brillant et les canapés en cuir. À leur place, les espaces ont été agencés de meubles modernes et aux couleurs chaudes, les papiers peints en soie apparaissent dans des tons verts, gris et bleus, à l’instar des couleurs du lac de Zurich. Le célèbre architecte d’intérieur parisien Tristan Auer a œuvré en tant que responsable du réaménagement. Il a combiné des détails historiques avec un style

contemporain et a tout fait pour offrir une vue exceptionnelle sur le symbole de Zurich. La plupart des 44 chambres et 36 suites disposent aujourd’hui de grands balcons ou de terrasses sur le toit, tandis qu’à l’intérieur, la beauté et la fonctionnalité se combinent intelligemment. C’est ainsi que sont nés des refuges de détente et de confort, inspirés par les couleurs de la ville et de sa scène artistique. L’hôtel n’est pas seulement décoré d’œuvres d’art d’artistes internationaux, mais aussi d’artistes locaux.

cocktails caractéristiques. L’«Orsini» est un restaurant italien raffiné et élégant, conçu par Antonio Guida, chef du restaurant Seta du Mandarin Oriental à Milan, récompensé par deux étoiles Michelin. Puisque Antonio Guida n’est pas constamment sur place, il a confié la gestion quotidienne à son élève Dario Moresco. Le plat signature de l’Orsini est un poulet de Bresse entier en croûte de foin salé. Dans le «Mandarin Lounge» il fait bon se détendre devant la cheminée après une journée de shopping ou de tourisme.

Sur le plan gastronomique, le Mandarin Oriental gâte ses hôtes avec quatre concepts de restaurants et de bars, dirigés par le chef Benjamin Halat. La «Savoy Brasserie & Bar», animée et très glamour, propose toute la journée des plats d’inspiration française, des classiques suisses et des

En mai, un ravissant havre de paix ouvrira ses portes sur le toit de l’hôtel, offrant des arômes asiatiques et une vue panoramique sur la ville et sur les Alpes. Il porte le nom de «1838 Rooftop Bar», car dès l’année d’ouverture, les clients se réunissaient en hauteur pour partager un repas. Les ser-

veurs transmettaient leurs commandes à la cuisine à l’aide d’un porte-voix et les plats étaient transportés – une sensation pour l’époque – par un ascenseur. Au Mandarin Oriental, cet endroit en rooftop va désormais revivre - et devenir «very instagrammable». Mandarin Oriental Savoy, Zurich Poststrasse 12 8001 Zurich (Suisse) téléphone. +41 43 5883888 email. mozrh-reservations@mohg.com web. www.mandarinoriental.com/fr/zurich/savoy

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Mandarin Oriental Savoy, Zurich

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la Bahnhofstrasse, ma probabilmente pochi ne conoscono la storia movimentata. E sanno che solo la facciata è storica. La storia inizia alla vigilia di Natale del 1838, quando il giovane fornaio Johannes Baur, originario del Vorarlberg, aprì il primo grande albergo della città, l’Hotel Baur. Al posto della Bahnhofstrasse, un fossato attraversava la città e i nomi degli ospiti dell’hotel venivano pubblicati sul giornale. Anni dopo, diede alla struttura in Paradeplatz il nome più sofisticato di «Baur en Ville» e chiamò la sua seconda struttura poco distante «Baur au Lac», che è ancora oggi un’istituzione di Zurigo. All’inizio del XX secolo, il Baur en Ville fu ampliato di due piani e prese il nome di «Savoy», diventando la sede delle corporazioni dei conciatori e dei calzolai. Nel 1909, al quarto piano furono installate quattro possenti figure di faraone in pietra per decorare il balcone della suite presidenziale.

Mandarin Oriental – Welcome to Zurich! Rinascita di un’icona.

ITALIANO

Da dicembre, la proposta alberghiera d’eccellenza di Zurigo si è arricchita di un nuovo Hotel a 5 stelle. Con il Mandarin Oriental Savoy, il Mandarin Oriental Hotel Group, che ha sede nel Sud-Est asiatico, ha aperto il suo terzo albergo in Svizzera: oltre agli hotel di Ginevra e Lucerna, il più antico Grand Hotel di Zurigo, situato direttamente sulla Paradeplatz, è attivo ora anche sotto l’egida del marchio con il ventaglio ornato. Come gli altri hotel del portafoglio di 38 strutture Mandarin Oriental, combina un’eleganza senza tempo con una raffinatezza moderna

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Negli Anni ‘70 l’edificio subì il suo più grande stravolgimento. Era diventato così fatiscente che la ristrutturazione non sarebbe stata sufficiente a mantenerlo aperto. L’hotel fu demolito e ricostruito, con la sua facciata storica ma con un nuovo interno. Oltre alla facciata, sono rimaste solo la sala da ballo e la sala delle corporazioni. Per inciso, oggi è ancora possibile rivivere il «vecchio» Savoy degli Anni Settanta: nel suo ristorante «Khouri» in Europaallee, il ristoratore zurighese Sami Khouri ha ricreato l’arredamento del leggendario Savoy Bar. Tuttavia, la scritta Savoy Bar è rimasta sulla facciata di Paradeplatz. e un servizio incredibile. L’understatement è una priorità assoluta. La posizione è difficile da battere in termini di esclusività: offre accesso diretto ai lussuosi flagship store di marchi rinomati nella Bahnhofstrasse, al centro storico e alla passeggiata Zürisee. Il nostro tema, «Behind the Scenes», ci suggerisce di dare uno sguardo anche alla storia dell’hotel. Un edificio che ha sempre avuto un significato speciale a Zurigo. Qui hanno pernottato Franz Liszt, Charles Dickens e la cantante irlandese Lola Montez, amante del re Ludwig I di Baviera. Molti dei nostri lettori conoscono la costruzione grazie a una passeggiata lungo

A 185 anni dalla sua prima apertura, l’icona di Zurigo ha ritrovato un nuovo splendore. Dopo una ristrutturazione da 80 milioni di franchi, che ha comportato la riduzione del numero di camere da 104 a 80, è ora il Mandarin Oriental Savoy, Zurich. Sono spariti i pesanti mobili in legno dell’ingresso, il pavimento in marmo bianco e i divani in pelle. Le camere sono state invece arredate con mobili moderni e colori caldi, con carta da parati in seta nei toni del verde, del grigio e del blu che riprendono i colori del lago di Zurigo. Il rinomato interior designer parigino Tristan Auer è stato responsabile della riprogettazione. Ha combinato dettagli

storici con lo stile contemporaneo e ha fatto di tutto per offrire una vista eccezionale sul simbolo di Zurigo. Molte delle 44 camere e delle 36 suite sono dotate di ampi balconi o terrazze sul tetto, mentre gli interni combinano con intelligenza bellezza e funzionalità. Il risultato è un rifugio di relax e comfort, ispirato ai colori della città e alla sua scena artistica. L’hotel è arredato con opere d’arte non solo di artisti internazionali, ma anche di artisti locali. Dal punto di vista gastronomico, il Mandarin Oriental vizia i suoi ospiti con quattro concetti di ristoranti e bar, guidati dallo chef Benjamin Halat. Il vivace e affascinante «Savoy Brasserie & Bar» serve piatti di ispirazione francese, classici svizzeri e cocktail d’autore per tutto il giorno. L’«Orsini» è un elegante ristorante italiano di alta cucina progettato da Antonio Guida, capo chef del ristorante Seta, premiato con due stelle Michelin, presso il Mandarin Oriental di Milano. Non essendo sempre in loco, Antonio Guida ha affidato al suo allievo Dario Moresco la gestione quotidiana del ristorante. Il piatto forte dell’Orsini è un pollo di Bresse intero in crosta di sale e fieno. Dopo una giornata di shopping o di visite turistiche, il Mandarin Lounge è un luogo meraviglioso per rilassarsi accanto al camino aperto. A maggio, sul tetto dell’hotel si apre un’oasi incantevole, con sapori asiatici e una vista panoramica sulla città e sulle Alpi. Porta il nome di «1838 Rooftop Bar», perché già nell’anno della sua apertura gli ospiti si riunivano ad altezze elevate per cenare insieme. I camerieri trasmettevano le loro ordinazioni alla cucina tramite un bocchino e il cibo veniva trasportato con un ascensore: un’esperienza sensazionale per l’epoca. Questo luogo sul tetto sta per essere riproposto al Mandarin Oriental e sarà «molto instagrammabile». Mandarin Oriental Savoy, Zurich Poststrasse 12 8001 Zürich (Svizzera) telefono. +41 43 5883888 e-mail. mozrh-reservations@mohg.com web. www.mandarinoriental.com/it/zurich/savoy

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Mandarin Oriental Savoy, Zurich

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boutique hotel alhambra losinj, croatia

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DEUTSCH Boutique Hotel Alhambra – Croatian history meets Mediterranean lifestyle. Kleine Insel ganz gross: Mit paradiesischer Natur, malerischen Buchten, glasklarem Meer und einer beeindruckenden Geschichte ist die kleine Insel Lošinj ein echter Tipp für den anspruchsvollen Reisenden. In der Čikat Bucht, einer der schönsten Buchten Kroatiens, liegt das Boutique Hotel Alhambra, in dem moderner Luxus auf österreichische Architektur der Kaiserzeit trifft. Es gehört zu den Lošinj Hotels & Villas und bietet seinen Gästen zeitgenössischen Lifestyle mit einem Hauch K&K Romantik, lässige Beachclub-Atmosphäre, Outdoor- und Spa-Erlebnisse sowie mediterrane Gourmetküche.

«Behind the Scenes» als Thema der vorliegenden Ausgabe legt nahe, einen genaueren Blick auf die Geschichte dieses Fleckens Erde zu werfen. Die längliche Insel, die nur durch einen schmalen Kanal im Ort Osor von Cres getrennt ist, gehört zum Cres-Lošinj Archipel, mit 36 Inseln der grössten Inselgruppe der kroatischen Adria. Bis ins 19. Jahrhundert hinein war Lošinj nach Triest der zweitwichtigste Hafen in der Adria und ein wichtiges Zentrum für die Marine. Das ist auch der Grund, warum zahlreiche mediterrane und exotische Pflanzen auf der Insel wachsen: dank des milden Klimas gedeihen hier Zitronen, Datteln, Eukalyptus und Zedern, mitgebracht von den Seemännern.

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Lošinj ist bereits seit Ende des 19. Jahrhunderts beliebt bei Luxusreisenden, nicht zuletzt dank der kaiserlichen Regierung Wiens. Sie erklärte die Insel 1892 zum Luftkurort, wegen ihrer heilenden Wirkung aufgrund einer einzigartigen Synthese seltener klimatischer Faktoren. Lošinj ist einer der Kraftorte Kroatiens. Hier findet man alle Zutaten für einen traumhaften Urlaub: Türkisblaues Meer, herrliche Architektur, feine Kulinarik und paradiesische Natur. Nicht selten wird die Insel als das «Portofino» Kroatiens bezeichnet. Um ihre Schönheit zu bewahren, gilt bereits seit Jahrzehnten die Regel: Gebaut werden darf nur dort, wo bereits zuvor etwas stand. Noch etwas Skurilles: Während eines Sturms warf eine Schiffscrew die fast zwei Meter grosse Bronzestatue des Apoxyómenos im ersten Jahrhundert nach Christus vor der Insel Lošinj ins Meer, um ihr Schiff zu retten – so besagt die Legende. 1999, nach fast 2000 Jahren auf dem Meeresgrund, wurde die Statue zufällig vom belgischen Inselgast René Wouters bei einem Tauchgang entdeckt. Für die komplett erhaltene Statue wurde in Mali eigens ein kleines Museum errichtet. Wer weiss, was vor Lošinj sonst noch zu finden ist … Boutique Hotel Alhambra Schon zu Kaisers Zeiten, als die Gegend noch zur österreichisch-ungarischen Monarchie zählte, war das Hotel Alhambra auf der Insel Lošinj in der Kvarner Bucht ein Begriff. Damals kamen betuchte Wiener nach Kroatien, um ihre Sommerferien an der Adria zu verbringen. Urlaub auf Lošinj war trendy! Die Čikat Bucht mit ihrem kristallklaren Wasser und die elegante Architektur haben

nichts von ihrer Anziehungskraft verloren. Im Gegenteil: Der Flair von damals trifft auf den Luxus von heute. Das Boutique Hotel Alhambra mit seiner reich geschmückten Fassade, Stuckdetails und filigranen Balkongeländern erinnert an eine spanische Villa im Jugendstil. Das Design stammt jedoch nicht aus dem Mittelmeerraum: das Herrenhaus wurde 1912 vom Architekten und Künstler Alfred Keller entworfen und weist die charakteristischen Merkmale österreichisch-ungarischer Architektur auf. Helle Farben, Holz und handgeknüpfte Teppiche in Kombination mit modernen Elementen dominieren das Interieur. Die kroatische Architektin Amira Causevic hat das Jugendstilgebäude im spanischen Stil und die daneben liegende Villa Augusta zusammen mit einem neuen Flügel zu einem Gesamtensemble vereint. Das zu den Small Luxury Hotels gehörende Haus mit seinen lichtdurchfluteten 36 Zimmern und 15 Suiten, die mit handgefertigten Möbeln ausgestattet sind, begeistert mit einer einmaligen Kombination aus geschichtsträchtiger Architektur und modernem Komfort. Unmittelbar am Meer, umgeben von einem Naturpark mit hochgewachsenen duftenden Pinien, Agaven und Palmen. Der Privatstrand und die aus Holz gefertigten Badeplateaus am kristallklaren Wasser mit Sonnenliegen und -schirmen laden unmittel bar vor dem Hotel zum Entspannen ein. Die Hafenstadt Mali Lošinj ist rund 1 km, der Flughafen Rijeka rund 100 km und der Flughafen Pula rund 140 km entfernt. In Punkto Architektur und Design überzeugt das Hotel mit authentischer Jugendstil-Architektur im Aussen und eleganter Einrichtung im Inneren.

Die Suiten wurden nach bedeutenden historischen Persönlichkeiten der Insel benannt und lassen die Gäste eintauchen in den Geist vergangener Zeit, ohne dabei auf moderne Annehmlichkeiten und Luxus verzichten zu müssen. Restaurant Zweifellos ein Highlight des Boutique Hotels Alhambra ist das Gourmet-Restaurant Alfred Keller. Feinschmecker schwärmen vom diesem Restaurant, das im Gault Millau mit 16,5 Punkten und zwei Hauben gelistet und mit einem Michelin-Stern ausgezeichnet ist. Es steht unter der Leitung des Österreichers Michael Gollenz und bietet das Feinste der kroatischen Küche. Offenbar kamen viele der heutigen Stammgäste zunächst allein wegen des Restaurants. Basis für die Gaumenfreuden sind handverlesene, saisonale und lokale Zutaten wie fangfrische Fische, Scampi und Muscheln sowie hochwertiges Fleisch aus Istrien. Direkt auf der Insel angebautes Biogemüse und edle Kräuter aus dem hoteleigenen Garten runden das Erlebnis ab. Durch die verglaste Front und von der grosszügigen Terrasse bietet sich ein herrlicher Blick auf das Meer. Sport & Wellness Für Sportbegeisterte gibt es ein FitnessCenter sowie Yoga- und Pilateskurse, zudem ganz in der Nähe fünf SandTennisplätze. Wander- und Radwege über die Insel laden zu Erkundungstouren ein. Wassersport kommt auch nicht zu kurz: Windsurfen, Stand-Up-Paddling und Segeltörns entlang der Küste stehen ebenso auf dem Programm wie Tauchen. Unter der Leitung zertifizierter Ausbilder können kleine und grosse Gäste das

Einmaleins des Segelsports lernen. Wer auf mehr Adrenalin steht, erkundet mit dem Motorboot versteckte Buchten und abgelegene Strände. Wellness kommt ebenfalls nicht zu kurz: Wer Ruhe sucht, lässt in der Spa Oase des Hotels die Seele baumeln, bei einem wohltuenden Treatment oder einer entspannenden Massage. Hier erwarten den Gast zudem ein Meerwasser-Hallenbad, finnische Sauna und ein mediterranes Bad. Übrigens: Wer es vorzieht, in einer privaten Villa mit eigenem Butler und Koch vom Alltag abzuschalten, kann dies in vier ganz unterschiedlichen luxuriösen Villen tun, die zur gleichen Hotelgruppe gehören. Ideal für einen Mehrgenerationenurlaub oder einen Aufenthalt mit Freunden. Wer sich fühlen möchte wie einst die Seefahrer, die die Villen in der Čikat Bucht ursprünglich für ihre Familien erbauten, checkt in der Captain’s Villa Rouge ein, die mit extravagantem Design

hervorsticht. Wer lieber die Annehmlichkeiten eines Luxushotels nutzen möchte, kann eine der Suiten der Villa Augusta mieten, die an das Boutique Hotel Alhambra angrenzt. Fazit: Das Boutique Hotel Alhambra in der Čikat Bucht auf der grünen Insel Lošinj ist für Luxusreisende und Foodies einer der Places to be an der kroatischen Adria.

Boutique Hotel Alhambra Čikat ul. 16 51550, Mali Lošinj (Kroatien) telefon. +385 51 260 700 mail. alhambra@losinj-hotels.com web. www.losinj-hotels.com

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Boutique Hotel Alhambra

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Boutique Hotel Alhambra – L’histoire croate rencontre le style de vie méditerranéen. Une petite île toute grande: avec une nature paradisiaque, des baies pittoresques, une mer transparente et une histoire impressionnante, la petite île de Lošinj est un véritable tuyau pour le voyageur exigeant. Dans la baie de Čikat, l’une des plus belles baies de Croatie, se trouve le boutique hôtel Alhambra, où le luxe moderne rencontre l’architecture autrichienne de l’époque impériale. Il fait partie de Lošinj Hotels & Villas et offre à ses clients un style de vie contemporain avec une touche de romantisme K&K, une atmosphère décontractée de club de plage, des expériences en plein air et de spa ainsi qu’une cuisine gastronomique méditerranéenne.

FRANÇAIS

Le thème de cette édition, «Behind the Scenes», suggère de jeter un regard plus attentif sur l’histoire de ce coin de terre. L’île allongée, qui n’est séparée de Cres que par un étroit canal dans la localité d’Osor, fait partie de l’archipel de Cres-Lošinj, le plus grand groupe d’îles de l’Adriatique croate qui comprend 36 îles. Jusqu’au 19ème siècle, Lošinj était le deuxième port le plus important de l’Adriatique après Trieste et un important centre pour la marine. C’est aussi la raison pour laquelle de nombreuses plantes méditerranéennes et exotiques poussent sur l’île: grâce à la douceur du climat, citrons, dattes, eucalyptus et cèdres apportés par les marins s’y épanouissent. Lošinj est appréciée des voyageurs de luxe depuis la fin du 19e siècle, notamment grâce au gouvernement impérial de Vienne. En 1892, il a déclaré l’île station climatique en raison de ses vertus curatives

dues à une synthèse unique de facteurs climatiques rares. Lošinj est l’un des lieux de force de la Croatie. On y trouve tous les ingrédients pour des vacances de rêve: une mer turquoise, une architecture magnifique, une cuisine raffinée et une nature paradisiaque. Il n’est pas rare que l’île soit surnommée le «Portofino» de la Croatie. Pour préserver sa beauté, la règle suivante s’applique depuis des décennies: on ne peut construire que là où il y avait déjà quelque chose auparavant. Une autre bizarrerie: Selon une légende, au premier siècle après Jesus-Christ, lors d’une tempête, l’équipage d’un bateau a jeté à la mer la statue en bronze d’Apoxymenos qui mesure près de deux mètres devant l’île de Lošinj pour sauver son bateau. En 1999, après avoir passé près de 2000 ans au fond de la mer, la statue a été découverte par hasard par René Wouters, un visiteur belge de l’île, lors d’une plongée. Un petit musée a été spécialement construit au Mali pour montrer la statue entièrement conservée. Qui sait ce que l’on peut trouver d’autre au large de Lošinj … Boutique Hôtel Alhambra Du temps de l’empereur, lorsque la région faisait encore partie de la monarchie austro-hongroise, l’hôtel Alhambra sur l’île de Lošinj dans la baie de Kvarner était déjà connu. À l’époque, les Viennois aisés venaient en Croatie pour passer leurs vacances d’été sur la côte Adriatique. Les vacances à Lošinj étaient à la mode! La baie de Čikat avec ses eaux cristallines et son architecture élégante n’ont rien perdu de leur attrait. Au contraire: le flair d’autrefois rencontre le luxe d’aujourd’hui. Le Boutique Hotel Alhambra, avec sa façade richement décorée, ses détails en stuc et ses balustrades filigranes, rappelle une villa espagnole de style Art nouveau. Le design ne vient toutefois pas de la Méditerranée: le manoir a été conçu en 1912 par l’architecte et artiste Alfred Keller et présente les caractéristiques de l’architecture austro-hongroise. Des couleurs claires, du bois et des tapis noués à la main combinés à des éléments modernes dominent l’intérieur. L’architecte croate Amira Causevic a réuni le bâtiment Art nouveau de style espagnol et la Villa Augusta située à côté, ainsi qu’une nouvelle aile, en un ensemble global.

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L’établissement, qui fait partie des «Small Luxury Hotels», avec ses 36 chambres et 15 suites baignées de lumière et équipées de meubles faits main, séduit par une combinaison unique d’architecture historique et de confort moderne. Situé en bord de mer, il est entouré d’un parc naturel de pins, d’agaves et de palmiers odorants. La plage privée et les plateaux de baignade en bois au bord d’une eau cristalline, équipés de chaises longues et de parasols, invitent à la détente juste devant l’hôtel. La ville portuaire de Mali Lošinj se trouve à environ 1 km, l’aéroport de Rijeka à environ 100 km et l’aéroport de Pula à environ 140 km. En ce qui concerne l’architecture et le design, l’hôtel impressionne par son architecture Art nouveau authentique à l’extérieur et son aménagement élégant à l’intérieur. Les suites portent le nom de personnalités historiques importantes de l’île et permettent aux hôtes de se plonger dans l’esprit d’une époque révolue, sans pour autant devoir renoncer au confort moderne et au luxe. Restaurant Le restaurant gastronomique Alfred Keller est sans aucun doute l’un des points forts du Boutique Hotel Alhambra. Les gourmets ne tarissent pas d’éloges sur ce restaurant qui figure dans le guide Gault Millau avec 16,5 points et deux toques et qui est récompensé par une étoile Michelin. Il est dirigé par l’Autrichien Michael Gollenz et propose le meilleur de la cuisine croate. Il semblerait que de nombreux habitués soient d’abord venus pour le restaurant. Les plaisirs du palais sont basés sur des ingrédients saisonniers et locaux triés sur le volet, comme des poissons, des scampi et des moules fraîchement pêchés ainsi que de la viande de qualité supérieure provenant d’Istrie. Des légumes bio cultivés directement sur l’île et des herbes nobles provenant du jardin de l’hôtel complètent l’expérience. La façade vitrée et la terrasse spacieuse offrent une vue magnifique sur la mer. Sport & bien-être Pour les amateurs de sport, il existe un centre de fitness ainsi que des cours de yoga et de pilates. De plus, cinq courts de tennis en terre battue se trouvent à proximité. Des sentiers de randonnée et des pistes cyclables à travers l’île invitent à la découverte. Les sports nautiques ne sont pas en reste: la planche à voile, le stand-up

paddle et les sorties en voilier le long de la côte sont au programme, tout comme la plongée. Sous la direction d’instructeurs certifiés, petits et grands peuvent apprendre le b.a.-ba de la voile. Les amateurs d’adrénaline pourront explorer des criques cachées et des plages isolées en bateau à moteur. Le bien-être n’est pas en reste: ceux qui recherchent le calme peuvent se détendre dans l’oasis spa de l’hôtel, profitant d’un traitement bienfaisant ou d’un massage relaxant. Une piscine intérieure d’eau de mer, une sauna finlandaise et un bain méditerranéen sont également à disposition les clients. À propos: ceux qui préfèrent se déconnecter du quotidien dans une villa privée avec leur propre majordome et cuisinier peuvent le faire dans quatre villas luxueuses appartenant au même groupe hôtelier. Idéal pour des vacances intergénérationnelles ou pour un séjour entre amis. Ceux qui souhaitent se sentir comme les marins qui ont construit les villas de la baie de Čikat pour

leurs familles, s’installeront dans la Captain’s Villa Rouge, qui se distingue par son design extravagant. Ceux qui préfèrent profiter des commodités d’un hôtel de luxe peuvent louer l’une des suites de la Villa Augusta, qui jouxte le Boutique Hotel Alhambra. Conclusion: le Boutique Hotel Alhambra, situé dans la baie de Čikat sur l’île verdoyante de Lošinj, est l’une des Places to be de l’Adriatique croate pour les voyageurs de luxe et les foodies.

Boutique Hotel Alhambra Čikat ul. 16 51550, Mali Lošinj (Croatie) téléphone. +385 51 260 700 email. alhambra@losinj-hotels.com web. www.losinj-hotels.com

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Boutique Hotel Alhambra

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Boutique Hotel Alhambra – La storia croata incontra lo stile di vita mediterraneo. Una piccola isola in grande stile: con una natura paradisiaca, baie pittoresche, mare cristallino e una storia impressionante, la piccola isola di Lussino è il consiglio ideale per i viaggiatori più esigenti. Nella baia di Čikat, una delle baie più belle della Croazia, si trova il Boutique Hotel Alhambra, uno degli «Small Luxury Hotels of the World», dove il lusso moderno incontra l’architettura austriaca di epoca imperiale. Fa parte dei Lošinj Hotels & Villas e offre ai suoi ospiti uno stile di vita contemporaneo con un tocco di romanticismo K&K, un’atmosfera informale da beach club, esperienze all’aperto e nella spa e una cucina gourmet mediterranea.

ITALIANO

Il tema di questo numero, «Dietro le quinte», suggerisce di dare uno sguardo più da vicino alla storia di questo angolo di mondo. L’isola allungata, separata da Cherso solo da uno stretto canale nel villaggio di Osor, fa parte dell’arcipelago di Cherso-Lussino, il più grande gruppo insulare dell’Adriatico croato con 36 isole. Fino al XIX secolo, Lussino era il secondo porto più importante

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dell’Adriatico dopo Trieste e un importante centro per la marina militare. Questo è anche il motivo per cui sull’isola crescono numerose piante mediterranee ed esotiche: portati dai marinai, grazie al clima mite qui prosperano limoni, datteri, eucalipti e cedri. Dalla fine del XIX secolo Lussino è stata apprezzata dai viaggiatori di lusso, anche grazie al governo imperiale di Vienna. Nel 1892, infatti, dichiarò l’isola stazione climatica per i suoi effetti curativi derivanti da una sintesi unica di rari fattori climatici. Lussino è uno dei luoghi potenti della Croazia. Qui troverete tutti gli ingredienti per una vacanza da sogno: mare turchese, architettura magnifica, cucina raffinata e natura paradisiaca. L’isola viene spesso definita la «Portofino» della Croazia. Per preservare la sua bellezza, da decenni vige una regola: si può costruire solo dove esiste già qualcosa. Un’altra storia bizzarra: nel I secolo d.C., durante una tempesta, l’equipaggio di una nave gettò in mare al largo dell’isola di Lussino la statua di bronzo di Apoxyómenos, alta quasi due metri, per salvare la propria nave. Così dice la leggenda! Nel 1999, dopo quasi 2000 anni di permanenza in fondo al mare, la statua è stata scoperta per caso dal belga René Wouters, ospite dell’isola, durante un’immersione. In Mali è stato allestito un piccolo museo appositamente per la statua perfettamente conservata. Chissà cos’altro si può trovare al largo di Lussino …

Boutique Hotel Alhambra L’Hotel Alhambra sull’isola di Lussino, nel Golfo del Quarnero, era un nome conosciuto già in epoca imperiale, quando la regione faceva ancora parte della monarchia austro-ungarica. A quel tempo, i ricchi viennesi andavano in Croazia per trascorrere le vacanze estive sull’Adriatico. Le vacanze a Lussino erano di moda! La baia di Čikat, con le sue acque cristalline e l’architettura elegante, non ha perso nulla del suo fascino. Al contrario: il fascino di un tempo incontra il lusso di oggi. Il Boutique Hotel Alhambra, con la sua facciata riccamente decorata, i dettagli in stucco e le ringhiere dei balconi in filigrana, ricorda una villa spagnola in stile Art Nouveau. Tuttavia, il design non è originario del Mediterraneo: la villa è stata progettata nel 1912 dall’architetto e artista Alfred Keller e presenta i tratti caratteristici dell’architettura austro-ungarica. Colori chiari, legno e tappeti annodati a mano in combinazione con elementi moderni dominano gli interni. L’architetto croato Amira Causevic ha messo insieme l’edificio in stile Art Nouveau spagnolo e la vicina Villa Augusta con una nuova ala per creare un tutt’uno. L’hotel, che fa parte degli Small Luxury Hotels, con le sue luminose 36 camere e 15 suite, arredate con mobili artigianali, colpisce per il mix di architettura storica e comfort moderno. Direttamente sul mare,

è circondato da un parco naturale con alti e profumati pini, agavi e palme. La spiaggia privata e le piattaforme balneari in legno sull’acqua cristallina, con lettini e ombrelloni, invitano a rilassarsi proprio di fronte all’hotel. La città portuale di Lussinpiccolo dista circa 1 km, l’aeroporto di Fiume circa 100 km e quello di Pola circa 140 km. In termini di architettura e design, l’hotel colpisce per l’autentica architettura Art Nouveau all’esterno e per l’arredamento elegante all’interno. Le suite portano il nome di importanti personaggi storici dell’isola e consentono agli ospiti di immergersi nello spirito di un’epoca passata senza dover rinunciare a comfort e lusso moderni. Il ristorante Il ristorante gourmet Alfred Keller è senza dubbio un punto di forza del Boutique Hotel Alhambra. I buongustai sono entusiasti di questo ristorante, classificato da Gault Millau con 16,5 punti e due toques e premiato con una stella Michelin. È gestito dall’austriaco Michael Gollenz e offre la migliore cucina croata. Pare che molti degli attuali clienti abituali siano venuti qui solo per il ristorante. Le delizie culinarie si basano su ingredienti locali, stagionali e selezionati a mano, come pesce appena pescato, scampi e cozze e carne di alta qualità proveniente dall’Istria. Le verdure biologiche coltivate direttamente sull’isola e le erbe aromatiche del giardino dell’hotel completano l’esperienza. La facciata a vetrate e l’ampia terrazza offrono una meravigliosa vista sul mare. Sport e benessere Per gli amanti dello sport, ci sono un centro fitness, corsi di yoga e pilates e cinque campi da tennis in terra battuta nelle vicinanze. I sentieri escursionistici e ciclabili dell’isola invitano all’esplorazione. Con possibilità di praticare sport acquatici: windsurf, standup paddling e gite in barca a vela lungo la costa, così come le immersioni. Gli ospiti di tutte le età possono imparare le basi della vela sotto la guida di istruttori certificati. Chi cerca più adrenalina può esplorare in motoscafo baie nascoste e spiagge appartate. Grande attenzione è riservata anche al benessere: chi cerca pace e tranquillità può rilassarsi nell’oasi termale dell’hotel con un trattamento calmante o un massaggio rilassante. Gli ospiti possono inoltre usufruire di una piscina, coperta, con acqua di mare, di una sauna finlandese e di un bagno mediterraneo. Chi preferisce staccare dalla vita quotidiana in una villa privata con maggiordomo e chef

personale, può farlo nelle quattro ville di lusso, molto diverse tra loro, appartenenti allo stesso gruppo alberghiero. Ideale per una vacanza multigenerazionale o per un soggiorno con gli amici. Se volete sentirvi come i marinai che originariamente costruivano nella baia di Čikat le dimore per le loro famiglie, entrate nella Captain’s Villa Rouge, che si distingue per il suo design stravagante. Chi preferisce i servizi di un hotel di lusso può affittare una delle suite di Villa Augusta, adiacente al Boutique Hotel Alhambra.

Boutique Hotel Alhambra Čikat ul. 16 51550, Mali Lošinj (Croazia) telefono. +385 51 260 700 email. alhambra@losinj-hotels.com web. www.losinj-hotels.com

____________ words. Frank Herbrand photography. courtesy of Boutique Hotel Alhambra

In conclusione: il Boutique Hotel Alhambra nella baia di Čikat, sulla verde isola di Lussino, è uno dei luoghi da visitare nell’Adriatico croato per i viaggiatori di lusso e i buongustai.

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unique travel. ____________

from lisbon to the algarve coast with range rover sport

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Hotel Vermelho DEUTSCH Alentejo & Algarve Coast – BOM DIA & OBRIGADA. «Driving Experiences» in den landschaftlich schönsten Regionen dieser Welt haben einen besonderen Charme – sie bieten die Möglichkeit, nicht nur ein Fahrzeug, sondern auch Land und Leute kennenzulernen.

Das charmante Portugal bot die perfekte Kulisse für eine Fahrt mit dem schnellsten, dynamischsten und technisch fortschrittlichsten Range Rover aller Zeiten, dem Range Rover Sport SV. Während drei Tagen auf atemberaubenden Strassen zwischen dem ländlichen Alentejo und der Küstenregion der Algarve. Einschliesslich der Möglichkeit, seine On-Track- und Off-Road-Fähigkeiten zu testen. Wir verlieren uns nicht in technischen Details, aber so viel sei gesagt: Der 635PS starke Range Rover Sport SV vereint eine Reihe innovativer leistungssteigernder Technologien, darunter die weltweit erste «6D-Dynamics-Luftfederung», die ersten «23-Zoll-Kohlefaserräder Karbonfelgen» und optionale «Karbon-Keramik-Bremsen». Auf den «Body und Soul Seat» mit sensorischen Audio- und Wellness-Features werden wir später noch eingehen. Spektakuläre Unterkünfte der dreitägigen Reise: das eklektische «Vermelho Hotel» – geschaffen als inspirierendes Zuhause fernab der Heimat vom französischen Modedesigner Christian Louboutin – und das «Praia do Canal Nature Retreat» inmitten eines riesigen Nationalparks. In weniger als zwei Stunden gleitet man – mehrheitlich auf der Autoestrada do Sul,

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vorbei an Störchen, Flamingos und zahllosen «halbnackten» Korkeichen – von Lissabons Flughafen zu Christian Louboutins Hotel, dem extravaganten Vermelho. Der Name des Hotels – «rot» auf Portugiesisch – spiegelt die charakteristische Farbe des exklusiven französischen Schuhdesigners wider. In die Welt von Vermelho eintreten bedeutet, «La vie en rouge» zu erleben. Nach Melides, diesem kleinen Dorf im Süden Portugals, hatte sich Christian Louboutin über Jahre immer wieder zurückgezogen, um seine Winterkollektionen zu entwerfen. Die Aufenthalte wurden zur Inspiration für dieses 5-Sterne-Hotel, das portugiesische Tradition zelebriert und gleichzeitig die kulturelle Leidenschaft, Neugier und den Charakter des französischen Designers widerspiegelt. Ein zweites Zuhause, jetzt offen für die Welt zum Entdecken und Geniessen. Das Vermelho ist vielseitig, maximalistisch und gewagt. Die nur 13 Gästezimmer wurden gemeinsam mit der portugiesischen Architektin Madalena Caiado gestaltet. Sie kombinieren weiss getünchte Wände und geschnitzte Holztüren mit erstaunlichen grünen, juwelenfarbenen Fliesenböden und Louboutins charakteristischem Rot. Im Inneren hat zudem die spanische Designexpertin Patricia Medina Abascal Akzente gesetzt, darunter Bäder, die an die traditionellen Waschbecken der spanischen und portugiesischen Bauernhäuser erinnern. Handbemalte Wände des griechischen Künstlers und langjährigen Louboutin-Mitarbeiters Konstantin Kakanias werden mit portugiesischen Kacheln der legendären Azulejos de Azeitão und den reichen Stoffen von Carolina Irving kombiniert.

Christian Louboutin wählte die Möbel und Kunstwerke des Vermelho persönlich aus, wobei viele der Stücke aus seinen persönlichen Sammlungen stammen. Das gesamte Interior des Boutique-Hotels spielt mit Stilen, Epochen, Stoffen und Farben – und schafft so eine einmalige intime, gemütliche Atmosphäre, inspirierend und einladend. Dass Kulinarik (im Restaurant Xtian), Wellnesseinrichtungen und der malerische Aussenpool ebenfalls höchsten Ansprüchen genügen, versteht sich von selbst. Am Morgen des zweiten Tages heisst es bereits Abschied nehmen von Melides – die Fahrt im nagelneuen Range Rover führt nun rund 200 km durch Portugal Richtung Algarveküste, Autobahnen wechseln sich ab mit verlockenden Bergstrassen. Der heutige Zwischenstopp soll ein spektakulärer werden. Und einiges an Adrenalin freisetzen. Es geht um den Autódromo Internacional do Algarve, allgemein bekannt als PortimãoRennstrecke. Sie wurde 2008 fertiggestellt, hier fand 2020 und 2021 «Der Grosse Preis von Portugal» der Formel 1 statt. Aufgrund der schwungvollen Höhenunterschiede und der 14 anspruchsvollen Kurven des 4’653 m langen Kurses wird der Portimão Circuit mit der legendären Nürburgring-Strecke in Deutschland verglichen. Der perfekte Ort also, um die Leistung des Range Rover Sport SV live zu erleben. Gemeinsam mit einem Instruktor als Co-Pilot. Im SV Modus. Bereits nach der dritten Runde hat man das Gefühl, die Strecke im Griff zu haben. So viel zur On-Track-Erfahrung. Nächster Programmpunkt: Off-Road. Auf dem spe-

ziell für Off-Road-Tests konzipierten Gelände wird die ganze Bandbreite der Fähigkeiten des Range Rover Flaggschiffs deutlich. Ein «Geht nicht» scheint es nicht zu geben … physikalische Grenzen scheinen zu verschwimmen … Beeindruckend. Von der Portimão-Rennstrecke geht es weiter durch die sanften Hügel des Südwestens Portugals und den Vicentine Coast Natural Park. Zum Praia do Canal Nature Resort. Nach den aufregenden Stunden in Portimão bietet sich hier die perfekte Gelegenheit zum Entschleunigen und Entspannen. Rund 15 Autominuten südlich der Kleinstadt Aljezur gelegen, ist dieses Mitglied von «Small Luxury Hotels of the World» ideal für alle, die einen Urlaub an der Westküste der Algarve – jenseits der Massen – mit hohem Komfort verbinden möchten. Für die, die auf der Suche nach unberührter Natur, authentischer portugiesischer Gastfreundschaft und kulinarischen Highlights der Region sind. Die Anlage erstreckt sich über 220 Hektar innerhalb des Naturparks Costa Vicentina, der 1995 zum nationalen Schutzgebiet erklärt wurde – von einem Plateau über ein Tal bis zum Meer. Es ist der am besten erhaltene Küstenabschnitt Europas mit rund 100 km unberührter Strände, imposanten Klippen und einem Naturschutzgebiet mit einzigartigen Tier- und Pflanzenarten. Das Resort verbindet eine minimalistische kubistische Architektur, in den Ockertönen der nahegelegenen Klippen gehalten, mit eleganten, von Naturhölzern und geschickt platzierten Design-Elementen geprägten Interieurs. Die 54 Zimmer und Suiten verteilen sich auf zweistöckige Reihenhäuser, sind sehr geräumig und hochwertig ausgestattet. Sie bieten viel Platz, Privatsphäre und Luxus, umgeben von Natur – und vermitteln ein Gefühl der Ruhe. Allen gemeinsam: Grosszügige Balkone oder Terrassen mit Lounge-Liegestühlen – und der Panoramablick auf den Nationalpark und den Atlantik am Horizont. Neben einer weitläufigen Gartenanlage mit grossem Infinity-Swimmingpool erwartet den Gast ein Wellnessbereich mit Indoorpool, Jacuzzi, Bio- und finnischer Sauna und Türkischem Bad. Wer einen aktiveren Aufenthalt bevorzugt, findet ein voll ausgestattetes 24hFitnessstudio mit Technogym-Geräten. Die Küche bietet moderne Interpretationen typischer Alentejo- und Algarve-Gerichte mit auserlesenen Zutaten vorzugsweise von

Praia do Canal Nature Resort

lokalen Erzeugern, in der Bar werden klassische Cocktails mit Kräutern aus dem eigenen Kräutergarten serviert. Die Zufahrt zum Hotel erfolgt über knapp einen Kilometer Feldweg-Schotterpiste. Denn: Fünf Sterne hin oder her – so leicht wird im Naturschutzgebiet eine asphaltierte Privatstrasse nicht genehmigt. Ein kleines Zugeständnis, das man gerne macht. Am dritten Tag bietet die Rückfahrt Richtung Lissabon ausreichend Gelegenheit, den neuen «Body and Soul Seat» zu testen. Die eingesetzte «vibroakustische Klangtechnologie» liefert ein multisensorisches Audioerlebnis der Extraklasse: ein immersives Klangerlebnis, da die Musik nicht nur gehört, sondern auch gespürt wird. Die Sitze wandeln den Sound in einen physischen Bass um. Eine Technologie, die KI-Optimierungssoftware verwendet und von professionellen Musikproduzenten und Sound-Designern auf der ganzen Welt eingesetzt wird. Der «Body and Soul Seat» umfasst zudem sechs Wellness-Programme, von «ruhig» bis «belebend», die – das haben biometrische Tests gezeigt – einen messbaren Nutzen für die Insassen haben: weniger Stress und bessere Konzentration.

Ungern trennt man sich am Ende der Reise nicht nur von Portugal, sondern auch vom Auto – zu schnell hat man sich an das kraftvoll Erhabene, das Souveräne dieses komfortablen Fullsize-SUV gewöhnt – inklusive «Body and Soul Seats».

Hotel Vermelho R. Dr. Evaristo Sousa Gago 2 7570-635 Melides (Portugal) telefon. +351 915 280 511 mail. welcome@vermelhomelides.com web. www.vermelhohotel.com Praia do Canal Nature Resort Herdade Vale dos Polvos 8670-156 Aljezur (Portugal) telefon. +351 282 242 400 mail. reservas@praiadocanal.pt

web. www.praiadocanal.pt ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Hotel Vermelho, Praia do Canal Nature Resort + Range Rover

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riches tissus de Carolina Irving. Christian Louboutin a personnellement choisi les meubles et les œuvres d’art du Vermelho, dont de nombreuses pièces proviennent de ses collections personnelles. L’ensemble de l’intérieur du boutique-hôtel joue avec les styles, les époques, les tissus et les couleurs – créant ainsi une atmosphère intime et confortable unique, inspirante et accueillante. Il va de soi que l’art culinaire du restaurant «Xtian», les installations de bien-être et la pittoresque piscine extérieure répondent également aux plus hautes exigences. Hotel Vermelho

L’ Alentejo et la côte de l’Algarve – BOM DIA & OBRIGADA. Les «Driving Experiences» dans les régions les plus pittoresques du monde ont un charme particulier – elles offrent la possibilité de découvrir non seulement un véhicule, mais aussi un pays et ses habitants.

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Le charmant Portugal a offert le cadre parfait pour un tour au volant de la Range Rover la plus rapide, la plus dynamique et la plus techniquement avancée de tous les temps, la Range Rover Sport SV. Trois jours sur des routes à couper le souffle entre la campagne de l’Alentejo et la région côtière de l’Algarve. Y compris la possibilité de tester ses capacités sur piste et hors-piste. Nous ne nous perdons pas dans les détails techniques, mais ce que nous pouvons dire, c’est que le Range Rover Sport SV de 635 ch intègre une série de technologies innovantes visant à améliorer les performances, dont la première «suspension pneumatique 6D Dynamics» au monde, les premières «roues de 23 pouces en fibre de carbone» et les «freins carbone-céramique» en option. Nous reviendrons plus tard sur le «Body and Soul Seat» avec des caractéristiques audio sensorielles et de bien-être. Hébergements spectaculaires de ce voyage de trois jours : l’éclectique «Vermelho Hotel» – créé comme foyer d’inspiration loin de chez soi par le créateur de mode français Christian Louboutin – et la «Praia do Canal Nature Retreat» au cœur d’un immense parc national.

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behind the scenes

En moins de deux heures, on glisse – principalement sur l’«Autoestrada do Sul», en passant devant des cigognes, des flamants roses et d’innombrables chênes-lièges «à moitié nus» – de l’aéroport de Lisbonne à l’hôtel de Christian Louboutin, l’extravagant Vermelho. Le nom de l’hôtel – «rouge» en portugais – reflète la couleur caractéristique du créateur de chaussures exclusives français. Entrer dans l’univers du Vermelho, c’est vivre «La vie en rouge». C’est à Melides, ce petit village du sud du Portugal, que Christian Louboutin s’était retiré à plusieurs reprises pendant des années pour créer ses collections d’hiver. Ces séjours sont devenus une source d’inspiration pour cet hôtel 5 étoiles qui célèbre la tradition portugaise tout en reflétant la passion culturelle, la curiosité et le caractère du designer français. Une deuxième maison à découvrir, désormais ouverte sur le monde et à savourer. Le Vermelho est polyvalent, maximaliste et audacieux. Les 13 chambres d’hôtes ont été conçues en collaboration avec l’architecte portugaise Madalena Caiado. Elles combinent des murs blanchis à la chaux et des portes en bois sculpté avec d’étonnants carreaux verts, couleur bijou, et le rouge caractéristique de Louboutin. À l’intérieur, l’experte en design espagnole Patricia Medina Abascal a également mis l’accent sur les salles de bains qui rappellent les lavabos traditionnels des fermes espagnoles et portugaises. Des murs peints à la main par l’artiste grec et collaborateur de longue date de Louboutin Konstantin Kakanias sont combinés avec des carreaux portugais des légendaires Azulejos de Azeitão et les

Le matin du deuxième jour, il faut déjà dire au revoir à Melides – le voyage au volant de la toute nouvelle Range Rover nous conduit à travers le Portugal sur environ 200 km en direction de la côte de l’Algarve, les autoroutes alternant avec des routes de montagne attrayantes. L’escale d’aujourd’hui s’annonce spectaculaire et va nous permettre de libérer une bonne dose d’adrénaline. Il s’agit de l’Autódromo Internacional do Algarve, plus connu sous le nom de circuit de Portimão. Achevé en 2008, il a accueilli le «Grand Prix du Portugal» de Formule 1 en 2020 et 2021. En raison des différences d’altitude et des 14 virages difficiles du circuit de 4 653 mètres, le circuit de Portimão est comparé au légendaire circuit du Nürburgring en Allemagne. C’est donc l’endroit idéal pour découvrir en direct les performances de la Range Rover Sport SV en compagnie d’un instructeur en tant que copilote. En mode SV. Dès le troisième tour, on a l’impression de maîtriser le circuit. Voilà pour l’expérience sur piste. Prochain point au programme: le «off-road». Sur le terrain spécialement conçu pour les tests tout-terrain, toute l’étendue des capacités du vaisseau amiral Range Rover devient évidente. Il semble qu’il n’y ait pas de «pas possible»... Les limites physiques semblent s’estomper... Impressionnant. Depuis le circuit de Portimão, le voyage se poursuit à travers les douces collines du sud-ouest du Portugal et le parc naturel de la côte vicentine. Vers le «Praia do Canal Nature Resort». Après les heures passionnantes passées à Portimão, c’est l’occasion idéale de ralentir et de se détendre. Situé à environ 15 minutes en voiture au sud de la petite ville d’Aljezur, ce membre

des «Small Luxury Hotels of the World» est idéal pour tous ceux qui souhaitent combiner des vacances sur la côte ouest de l’Algarve – au-delà de la foule – avec un confort élevé. Pour ceux qui sont à la recherche d’une nature intacte, d’une hospitalité portugaise authentique et des meilleurs moments culinaires de la région. Le site s’étend sur 220 hectares au sein du parc naturel Costa Vicentina, déclaré zone protégée nationale en 1995 – d’un plateau à la mer en passant par une vallée. Il s’agit de la partie de la côte la mieux préservée d’Europe, avec environ 100 km de plages vierges, des falaises imposantes et une réserve naturelle abritant des espèces animales et végétales uniques. Le resort allie une architecture cubiste minimaliste, dans les tons ocre des falaises voisines, à des intérieurs élégants, caractérisés par des bois naturels et des éléments de design judicieusement placés. Les 54 chambres et suites, réparties dans des maisons mitoyennes de deux étages, sont très spacieuses et dotées d’un équipement haut de gamme. Elles offrent beaucoup d’espace, d’intimité et de luxe, entourées

Praia do Canal Nature Resort

de nature – et procurent un sentiment de tranquillité. Toutes ont en commun de vastes balcons ou terrasses aménagées de chaises longues – et une vue panoramique sur le parc national et l’océan atlantique à l’horizon. Outre un vaste jardin avec une grande piscine à débordement, un espace bien-être est à disposition des hôtes avec piscine intérieure, jacuzzi, sauna bio et finlandaise et bain turc. Les clients qui préfèrent un séjour plus actif trouveront une salle de fitness entièrement équipée 24h/24 avec des appareils Technogym. La cuisine propose des interprétations modernes de plats typiques de l’Alentejo et de l’Algarve, avec des ingrédients de choix provenant de préférence de producteurs locaux, tandis que le bar sert des cocktails classiques à base d’herbes du jardin d’herbes aromatiques de l’hôtel. L’accès à l’hôtel se fait par près d’un kilomètre de chemin de terre. En effet, cinq étoiles ou pas, une route privée asphaltée n’est pas autorisée aussi facilement dans une réserve naturelle. Une petite concession que l’on fait volontiers.

Praia do Canal Nature Resort

Le troisième jour, le voyage de retour en direction de Lisbonne offre suffisamment d’occasions de tester le nouveau «Body and Soul Seat». La «technologie sonore vibro-acoustique» utilisée fournit une expérience audio multisensorielle de première classe: une expérience sonore immersive, car la musique n’est pas seulement entendue, mais aussi ressentie. Les sièges transforment le son en une basse ressentie physiquement. Une technologie qui utilise un logiciel d’optimisation de l’IA et qui est utilisée par des producteurs de musique et des designers sonores professionnels dans le monde entier. Le «Body and Soul Seat» comprend également six programmes de bien-être, de «calme» à «vivifiant», qui – comme l’ont montré des tests biométriques – ont des avantages mesurables pour les occupants: moins de stress et une meilleure concentration. A la fin du voyage, on ne se sépare pas seulement du Portugal, mais aussi de la voiture – on s’est trop vite habitué à la puissance et à la souveraineté de ce SUV grand format confortable – et ses «Body and Soul Seats». Hotel Vermelho R. Dr. Evaristo Sousa Gago 2 7570-635 Melides (Portugal) téléphone. +351 915 280 511 email. welcome@vermelhomelides.com web. www.vermelhohotel.com Praia do Canal Nature Resort Herdade Vale dos Polvos 8670-156 Aljezur (Portugal) téléphone. +351 282 242 400 email. reservas@praiadocanal.pt web. www.praiadocanal.pt

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Praia do Canal Nature Resort

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Hotel Vermelho, Praia do Canal Nature Resort + Range Rover

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DEUTSCH Alentejo & Algarve Coast – BOM DIA & OBRIGADA. Le esperienze di guida nelle regioni più panoramiche del mondo hanno un fascino particolare: offrono l’opportunità di conoscere non solo un veicolo, ma anche il Paese e la sua gente.

L’incantevole Portogallo è stato lo scenario perfetto per un viaggio a bordo della Range Rover più veloce, dinamica e tecnicamente avanzata di tutti i tempi, la Range Rover Sport SV. Per tre giorni su strade mozzafiato tra l’Alentejo rurale e la regione costiera dell’Algarve. Con l’opportunità di testare le sue capacità in pista e in fuoristrada. Non ci impantaneremo in dettagli tecnici, ma possiamo dire che la Range Rover Sport SV da 635 CV combina una serie di tecnologie innovative per migliorare le prestazioni, tra cui le prime «sospensioni pneumatiche 6D Dynamics» al mondo, le prime «ruote in fibra di carbonio da 23 pollici con cerchi in carbonio» e i «freni carboceramici» opzionali. Parleremo più avanti del «Body and Soul Seat» con funzioni audio e benessere sensoriali. Spettacolari le sistemazioni durante il viaggio di tre giorni: l’eclettico «Vermelho Hotel» – creato come casa ispiratrice dallo stilista Hotel Vermelho

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behind the scenes

francese Christian Louboutin – e il «Praia do Canal Nature Retreat» nel mezzo di un enorme parco nazionale. Dall’aeroporto di Lisbona all’hotel di Christian Louboutin, lo stravagante Vermelho, ci vogliono meno di due ore di viaggio, per lo più sull’Autoestrada do Sul, tra cicogne, fenicotteri e innumerevoli querce da sughero «seminude». Il nome dell’hotel – «rosso» in portoghese – riflette il colore caratteristico dell’esclusivo designer di scarpe francese. Entrare nel mondo del Vermelho significa vivere «La vie en rouge». Nel corso degli anni, Christian Louboutin è tornato più volte a Melides, un piccolo villaggio nel sud del Portogallo, per disegnare le sue collezioni invernali. Soggiorni che sono diventati l’ispirazione per questo hotel a 5 stelle, che celebra la tradizione portoghese e riflette la passione culturale, la curiosità e il carattere dello stilista francese. Una seconda casa, ora aperta al mondo per essere scoperta e goduta. Il Vermelho è versatile, massimalista e audace. Le 13 camere per gli ospiti sono state progettate in collaborazione con l’architetto portoghese Madalena Caiado e combinano pareti imbiancate a calce e porte in legno intagliato con splendidi pavimenti in piastrelle verdi e color gioiello e con il rosso

tipico di Louboutin. All’interno, l’esperta di design spagnola Patricia Medina Abascal ha aggiunto altri tocchi, tra cui bagni che ricordano i tradizionali lavabi delle case coloniche spagnole e portoghesi. Le pareti dipinte a mano dall’artista greco e collaboratore di lunga data di Louboutin Konstantin Kakanias sono abbinate alle piastrelle portoghesi del leggendario Azulejos de Azeitão e ai ricchi tessuti di Carolina Irving. Christian Louboutin ha selezionato personalmente i mobili e le opere d’arte del Vermelho, molti dei quali provenienti dalle sue collezioni personali. L’intero interno del boutique hotel gioca con gli stili, le epoche, i tessuti e i colori, creando un’atmosfera unica, intima, accogliente, stimolante e invitante. Va da sé che anche la cucina (nel ristorante Xtian), le strutture per il benessere e la pittoresca piscina all’aperto soddisfano gli standard più elevati. La mattina del secondo giorno è tempo di salutare Melides: il viaggio nella nuovissima Range Rover ci porta ora per circa 200 km attraverso il Portogallo verso la costa dell’Algarve, alternando autostrade e suggestive strade di montagna. La tappa di oggi si preannuncia spettacolare. E si libera un po’ di adrenalina. Si tratta dell’Autódromo

Internacional do Algarve, comunemente noto come autodromo di Portimão. È stato completato nel 2008 e ha ospitato il Gran Premio del Portogallo di Formula 1 nel 2020 e nel 2021. Il circuito di Portimão è stato paragonato al leggendario circuito del Nürburgring in Germania, per via delle forti differenze di altitudine e delle 14 curve impegnative del tracciato lungo 4.653 metri. Il luogo perfetto per sperimentare dal vivo le prestazioni della Range Rover Sport SV. Insieme a un istruttore come copilota. In modalità SV. Dopo il terzo giro, si ha già la sensazione di avere la pista sotto controllo. Fin qui l’esperienza in pista. Il programma prevede ora l’off-road. L’intera gamma di capacità dell’ammiraglia Range Rover diventa evidente sul terreno appositamente progettato per i test off-road. Sembra che non esista un «non posso»… i confini fisici sembrano sfumare... Impressionante. Dal circuito di Portimão, il viaggio prosegue attraverso le dolci colline del Portogallo sud-occidentale e il Parco Naturale della Costa Vicentina. Fino al Praia do Canal Nature Resort. Dopo le ore emozionanti di Portimão, questa è l’occasione perfetta per rallentare e rilassarsi. Situato a circa 15 minuti di auto a sud della cittadina di Aljezur, questo membro degli «Small Luxury Hotels of the World» è l’ideale per chi vuole combinare una vacanza sulla costa occidentale dell’Algarve – lontano dalla folla – con un alto livello di comfort. Per chi è alla ricerca della natura incontaminata, dell’autentica ospitalità portoghese e delle specialità culinarie della regione. Il complesso si estende su 220 ettari all’interno del Parco Naturale della Costa Vicentina, dichiarato area protetta nazionale nel 1995, da un altopiano attraverso una valle fino al mare. Si tratta del tratto di costa meglio conservato d’Europa, con circa 100 chilometri di spiagge incontaminate, imponenti scogliere e una riserva naturale con specie animali e vegetali uniche. Il resort combina un’architettura cubista minimalista, nei toni ocra delle vicine scogliere, con interni eleganti caratterizzati da legni naturali ed elementi di design sapientemente collocati. Le 54 camere e suite, distribuite in villette a schiera a due piani, sono molto spaziose e arredate con uno standard elevato. Offrono molto spazio, privacy e lusso, circondate dalla natura e trasmettono

Praia do Canal Nature Resort

una sensazione di tranquillità. Tutte hanno ampi balconi o terrazze con sedie a sdraio e una vista panoramica sul parco nazionale e sull’Oceano Atlantico all’orizzonte. Oltre agli ampi giardini con una grande piscina a sfioro, gli ospiti possono usufruire di un’area benessere con piscina coperta, jacuzzi, biosauna, sauna finlandese e bagno turco. Chi preferisce una vacanza più attiva troverà una palestra completamente attrezzata 24 ore su 24 con attrezzature Technogym. La cucina offre interpretazioni moderne di piatti tipici dell’Alentejo e dell’Algarve con ingredienti selezionati, preferibilmente provenienti da produttori locali, mentre il bar serve cocktail classici con erbe provenienti dal giardino di erbe dell’hotel. L’accesso all’hotel avviene attraverso poco meno di un chilometro di strada sterrata. Perché, cinque stelle o meno, una strada privata asfaltata non è così facilmente approvata in una riserva naturale. Una piccola concessione che viene fatta volentieri. Il terzo giorno, il viaggio di ritorno verso Lisbona offre ampie possibilità di testare il nuovo «Body and Soul Seat». La «tecnologia sonora vibro-acustica» utilizzata offre un’esperienza audio multisensoriale di prim’ordine: un’esperienza sonora immersiva, in quanto la musica non viene solo sentita ma anche percepita. I sedili convertono il suono in un basso fisico. Una tecnologia che si avvale di un software di ottimizzazione dell’intelligenza artificiale e che viene

utilizzata da produttori musicali e sound designer professionisti di tutto il mondo. Il «Body and Soul Seat» comprende anche sei programmi di benessere, da «calmo» a «rinvigorente», che – come hanno dimostrato i test biometrici – hanno un beneficio misurabile per gli occupanti: meno stress e migliore concentrazione. Alla fine del viaggio, non è solo dal Portogallo, ma anche dall’auto che non ci si vorrebbe separare: abituati da subito alla potenza sublime, alla superiorità di questo confortevole SUV full-size, compresi i «Body and Soul Seats». Hotel Vermelho R. Dr. Evaristo Sousa Gago 2 7570-635 Melides (Portogallo) telefono. +351 915 280 511 email. welcome@vermelhomelides.com web. www.vermelhohotel.com Praia do Canal Nature Resort Herdade Vale dos Polvos 8670-156 Aljezur (Portogallo) telefono. +351 282 242 400 e-mail. reservas@praiadocanal.pt web. www.praiadocanal.pt

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words. Frank Herbrand photography. courtesy of Hotel Vermelho, Praia do Canal Nature Resort + Range Rover

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arts & culture. guide ____________

24h in Vienna words. Katrin Nussmayr

24h in Wien. Als nobel und ein bisschen altmodisch gilt die österreichische Hauptstadt, als morbid, mürrisch und kunstsinnig. Stimmt alles ein bisschen. Vor allem aber lässt sich hier richtig gut dem genussvollen Leben frönen. Wer die berühmtesten Attraktionen, vom Schloss Schönbrunn bis zur Staatsoper, gesehen hat, kann sich den nicht minder glanzvollen, aber entspannteren Ecken der Stadt widmen. Und auch in einem dicht bepackten Tag ein wenig Wiener Gemütlichkeit finden…

DEUTSCH

24h à Vienne. La capitale autrichienne est considérée comme noble et un peu démodée, sombre, grincheuse et artistique. Tout cela est un peu vrai. Mais on peut surtout s’y adonner à la vie avec plaisir. Une fois que l’on a vu les attractions les plus célèbres, du château de Schönbrunn à l’Opéra national, on peut se consacrer aux coins non moins brillants, mais plus détendus de la ville. Et même trouver un peu de convivialité viennoise dans une journée bien remplie... FRANÇAIS

ITALIANO 24h a Vienna. La capitale austriaca è considerata di classe e un po’ old-style, soft, rigorosa e artistica. Tutto un po‘ vero. Ma soprattutto è un luogo ideale per abbandonarsi ai piaceri della vita. Dopo aver ammirato le attrazioni più famose, dal Castello di Schönbrunn al Teatro dell’Opera, ci si può spostare in zone più rilassanti, e non meno affascinanti, della città. Trovando un po‘ di intimità viennese anche in una giornata intensa…

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behind the scenes

DEUTSCH

morgens. ____________ START IM KAFFEEHAUS

Kosten: ab ca. 12 Euro für ein Frühstück mit «Melange». Einmal am Tag ins Kaffeehaus, «mehr brauche ich nicht», schrieb schon Stefan Zweig. Der Kaffeehausbesuch ist gelebte Tradition in Wien, und während vor bekannten Institutionen wie dem Café Central die Touristen Schlange stehen, lässt sich anderswo die gepflegte Wiener Gemütlichkeit ganz entspannt erleben, bei einem Frühstück mit Melange (fast wie ein Cappuccino, aber nur fast!) und Tageszeitung in der Holzhalterung. Das legendäre Café Prückel lockt mit Design-Interieur aus den 1950ern und einer herrlich hellen Stimmung: Wenn das Sonnenlicht in den grossen Spiegeln und den Silbertabletts tanzt, kann der Tag gut beginnen. www.prueckel.at

ARCHITEKTURJUWEL

Nur ein paar Schritte entfernt liegt einer der ikonischsten Jugendstilbauten der Stadt. Die von Otto Wagner errichtete Postsparkasse war bis 2017 ein «sakraler Tempel des Geldverkehrs». Wer hinter die Fassade blicken will – diese streng geometrische Anordnung aus Marmor und Aluminium –, hat seit Kurzem die Gelegenheit dazu: An zwei Freitagen pro Monat gewähren kostenlose Führungen Einblicke in die Direktionsbüros und Schliessfachanlagen. Wer keinen Platz ergattert, kann die Grosse Kassenhalle auch so besichtigen. www.big.at/postsparkasse

KUNST-TEMPEL

Eintritt: 20 Euro Unter den vielen Museen der Stadt fällt die Wahl schwer, mit der Albertina – einem Habsburger Palais, das bedeutende Kunstwerke aus dem 15. Jahrhundert bis in die Gegenwart beherbergt –, kann man dabei nichts falsch machen. Zumal dort gerade (noch bis 14. Juli) dem Pop-ArtMeister Roy Lichtenstein, der dieses Jahr hundert Jahre alt würde, eine grosse Ausstellung gewidmet ist. Zu Lichtensteins knalliger ComicÄsthetik bieten die Prunkräume des Museums einen spannenden Kontrast. Darin tummeln sich ausserdem Sammlungshighlights von Picasso bis Monet. Mit etwas Glück erblickt man auch Albrecht Dürers empfindlichen und daher nur selten aus dem Depot geholten «Feldhasen». www.albertina.at

mittags. ____________ ESSEN BEIM PLACHUTTA

Kosten: 36 Euro für eine Portion Nein, ein Geheimtipp ist es wahrlich keiner mehr, die Stars kehren hier ebenso ein wie die Locals, die sich etwas gönnen wollen: Also stärken auch wir uns im Restaurant Plachutta mit einem Tafelspitz, jenem zarten Gedicht aus gekochtem Rindfleisch. Gehört eben dazu an einem Wien-Tag. www.plachutta.at

abends. ____________ ESSEN IM BRUDER

Kosten: 54 Euro für 3 Gänge, 78 Euro für 6 Gänge Ein bisschen Hexerei muss fast dahinterstecken, anders lassen sich die fantastischen kulinarischen Kreationen, die Cocktail-Zauberer Hubert Peter und Küchenchef Lucas Steindorfer in ihrem Lokal Bruder kreieren, nicht erklären. Hinter der Bar stapeln sich in grossen dunklen Glasballons die Ingredienzien dafür: Früchte und Kräuter fermentieren und reifen darin vor sich hin, die selbst angesetzten Elixiere sind die Basis der Küche, die österreichische Traditionen und internationale Trends kombiniert. Das Ergebnis sind kreative, aber nie abgehobene Gerichte. Und die Cocktails erst! Wer meint, dass rote Rübe, Meerrettich und Schokolade in einem Glas nicht zusammenpassen, wird hier eines Besseren belehrt. Erfüllende alkoholfreie Optionen runden das Angebot ab. bruder.xyz

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LUXUS IM ROSEWOOD

am nachmittag. ____________ AB ANS WASSER

Kosten: ab 14 Euro pro Stunde für Stand-up-Paddling, 29 Euro für Bootsverleih Dafür, dass ihr ein eigener Walzer gewidmet ist, ist die Donau im Leben vieler Wiener eigentlich erstaunlich wenig präsent – ausser im Sommer: Dann wird der im Norden der Stadt, weit abseits des Zentrums gelegene Fluss zum Magneten für Wassersportler, Sonnenanbeter und alle, die ein wenig urbanen Urlaubsflair suchen. Besonders idyllisch ist die Alte Donau: Im ruhigen Wasser dieses vom Hauptstrom abgetrennten Arms lässt es sich ideal auf einem Stand-up-Board paddeln oder im Elektroboot schippern. Die gebogenen Türme der UNO-City und die wenigen Wolkenkratzer Wiens schauen dabei auf uns herab. www.flotus.at www.marina-hofbauer.at

warten auf den abend. ____________ KEIN WIEN OHNE WEIN

Angeblich ist Wien die einzige Hauptstadt in Europa, in der in nennenswertem Ausmass Wein angebaut wird. Da verpassen die anderen aber etwas! Schon die Fahrt – oder der Spaziergang – durch das Villenviertel im Westen der Stadt hinein in die Weinhügel lohnt sich. Das eigentliche Highlight ist es dann, mit einem Glas Grünem Veltliner oder Gemischtem Satz zwischen den Reben zu sitzen und auf die Skyline Wiens hinabzublicken. Die Freiluftschenken, die das möglich machen, reihen sich am Nussberg aneinander. Zu den schönsten gehört das Monte Nucum, eine Art Pop-up-Weinbar mit spektakulärem Ausblick, die freitags bis sonntags geöffnet hat. www.montenucum-buschenschank.at

Kosten: ab 756 Euro / Nacht Erst 2022 hat das Rosewood Vienna eröffnet. Die Hongkonger Luxushotelgruppe bemüht sich, an die Stadtgeschichte anzuknüpfen – was sich nicht nur in fast schon kaiserlicher Opulenz zeigt, sondern auch in Mobiliar aus Traditionsmanufakturen wie Backhausen und Lobmeyr sowie in einem Mozartzimmer. Der Komponist schuf immerhin an dieser Adresse seine «Entführung aus dem Serail». Das Hotel, das in einer ehemaligen Bankzentrale liegt, bittet auch jetzt ordentlich zur Kasse, mehr noch als die Konkurrenz im TopSegment: Luxuriöser kann man in Wien kaum übernachten, zentraler auch nicht. https://www.rosewoodhotels.com/de/vienna

BUDGET-VARIANTE: SUPERBUDE

Kosten: ab 97 Euro / Nacht «Mehr Luftschloss als Bettenburg» will dieses verspielte Hotel sein, das inmitten des Wiener Praters liegt. Zum Konzept gehören ein Astronaut in der Lobby, nachhaltiges Upcycling-Design und Zimmer, die wahlweise mit Discokugel-Himmel, Vogelhaus-Anmutung oder Fünfer- statt Doppelbett aufwarten. Vor den Fenstern erstrecken sich die Achterbahnen des Vergnügungsparks, dahinter der grösste Grünraum der Stadt. Und zum Frühstück geht’s rauf ins Rooftop-Lokal Neni, wo die österreichisch-israelische Gastronomenfamilie Molcho gaumenbeglückende orientalische Köstlichkeiten reicht. www.superbude.com/hotel-wien/prater

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FRANÇAIS

à midi, le déjeuner. ____________

le matin. ____________

REPAS CHEZ PLACHUTTA

DÉPART AU CAFÉ.

Coût: à partir d’environ 12 euros pour un petit-déjeuner avec «mélange». Une fois par jour au café, «c’est tout ce dont j’ai besoin», écrivait déjà Stefan Zweig. La visite des cafés est une tradition vécue à Vienne, et tandis que les touristes font la queue devant des institutions connues comme le Café Central, il est possible de découvrir ailleurs la convivialité viennoise soignée en toute décontraction, autour d’un petit-déjeuner avec un «mélange» (presque comme un cappuccino, mais presque seulement!) et un journal dans son support en bois. Le légendaire Café Prückel attire par son intérieur design des années 1950 et son ambiance délicieusement lumineuse: lorsque la lumière du soleil danse dans les grands miroirs et les plateaux en argent, la journée peut bien commencer. www.prueckel.at

JOYAU ARCHITECTURAL

Coût: à partir de 12,50 euros À quelques pas de là se trouve l’un des bâtiments Art nouveau les plus emblématiques de la ville. Construite par Otto Wagner, la Postsparkasse était jusqu’en 2017 un «temple sacré du trafic monétaire». Ceux qui souhaitent jeter un coup d’œil derrière la façade – cet agencement strictement géométrique de marbre et d’aluminium – en ont depuis peu l’occasion: Deux vendredis par mois des visites guidées gratuites permettent de découvrir les bureaux de la direction et les installations de coffres-forts. Ceux qui n’ont pas réussi à obtenir de place peuvent également visiter la grande salle des caisses. www.big.at/postsparkasse

TEMPLE DE L’ART

Entrée: 20 euros Parmi les nombreux musées de la ville, le choix est difficile, mais avec l’Albertina – un palais des Habsbourg qui abrite d’importantes œuvres d’art du 15ème siècle à nos jours –, on ne peut pas se tromper. D’autant plus qu’une grande exposition est actuellement consacrée (jusqu’au 14 juillet) au maître du pop art Roy Lichtenstein, qui aurait eu cent ans cette année. Les salles d’apparat du musée offrent un contraste saisissant avec l’esthétique éclatante des bandes dessinées de Lichtenstein. On y trouve également des pièces maîtresses de la collection, de Picasso à Monet. Avec un peu de chance, on peut aussi apercevoir le fragile «Lapin de garenne» d’Albrecht Dürer, qui n’est que rarement sorti des réserves. www.albertina.at Nussberg © WienTourismus/Julius Hirtzberger

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behind the scenes

Coût: 36 euros pour une portion Non, ce n’est vraiment plus un secret pour personne, les stars s’y rendent tout comme les locaux qui veulent se faire plaisir: nous aussi, nous choisissons le restaurant Plachutta avec un Tafelspitz, ce tendre poème à base de viande de bœuf cuite. Un must pour une journée à Vienne. www.plachutta.at

l’après-midi, on se fait plaisir. ____________

AU BORD DE L’EAU

Coût: à partir de 14 euros par heure pour le stand-up paddle, 29 euros pour la location de bateaux. Pour qu’une valse lui soit consacrée, le Danube est étonnamment peu présent dans la vie de nombreux Viennois - sauf en été: le fleuve situé au nord de la ville, loin du centre, devient alors un aimant pour les amateurs de sports nautiques, les amoureux du soleil et tous ceux qui recherchent un peu d’ambiance de vacances urbaines. Le Vieux Danube est particulièrement idyllique: dans les eaux calmes de ce bras séparé du courant principal, il est idéal de pagayer sur un stand-up board ou de naviguer en bateau électrique. Les tours courbées de UNO-City et les quelques gratte-ciels de Vienne nous regardent de haut. www.flotus.at www.marina-hofbauer.at

en attendant le soir. ____________

établissement Bruder. Derrière le bar, les ingrédients s’empilent dans de grands ballons en verre sombre: les fruits et les herbes y fermentent et mûrissent, les élixirs préparés par leurs soins sont la base de la cuisine qui combine traditions autrichiennes et tendances internationales. Résultat: des plats créatifs, mais jamais extravagants. Et les cocktails aussi! Ceux qui pensent que la betterave rouge, le raifort et le chocolat ne vont pas ensemble dans un verre seront détrompés. Des options sans alcool épanouissantes complètent l’offre. bruder.xyz

pour une nuit reposante. ____________

LE LUXE AU ROSEWOOD

Coût: à partir de 756 euros / nuit Ce n’est qu’en 2022 que le Rosewood Vienna a ouvert ses portes. Le groupe d’hôtels de luxe de HongKong s’efforce de renouer avec l’histoire de la ville – ce qui se traduit non seulement par une opulence presque impériale, mais aussi par du mobilier issu de manufactures traditionnelles comme Backhausen et Lobmeyr, ainsi que par une chambre Mozart. Après tout, c’est à cette adresse que le compositeur a créé son «Enlèvement au sérail». L’hôtel, qui se trouve dans une ancienne centrale bancaire, demande aussi maintenant de passer à la caisse, plus encore que la concurrence dans le segment haut de gamme: on ne peut guère passer une nuit plus luxueuse à Vienne, ni plus centrale. www.rosewoodhotels.com/fr/vienna Bootfahren, Alte Donau © WienTourismus / Paul Bauer

PAS DE VIENNE SANS VIN

Coût: cocktails à partir de 16 euros Il paraît que Vienne est la seule capitale d’Europe où l’on cultive du vin de manière significative. Il ne faut pas passer à côté de cette réalité. Les autres passent à côté de quelque chose! Le trajet – ou la promenade – à travers le quartier des villas à l’ouest de la ville, dans les collines viticoles, vaut déjà le coup. Le véritable moment fort est alors de s’asseoir entre les vignes avec un verre de Grüner Veltliner ou de Gemischter Satz et de regarder en bas la ligne d’horizon de Vienne. Les bars en plein air qui rendent cela possible se succèdent sur le Nussberg. L’un des plus beaux est le Monte Nucum, une sorte de bar à vin popup qui jouit d’une vue spectaculaire, ouvert du vendredi au dimanche. www.montenucum-buschenschank.at

le soir. ____________ REPAS CHEZ BRUDER

Coût: 54 euros pour 3 plats, 78 euros pour 6 plats. Il doit presque y avoir un peu de sorcellerie derrière tout cela, on ne peut pas expliquer autrement les fantastiques créations culinaires que le magicien des cocktails Hubert Peter et le chef Lucas Steindorfer réalisent dans leur

VARIANTE ÉCONOMIQUE: SUPERBUDE

Coût: à partir de 97 euros / nuit Cet hôtel ludique, situé au cœur du Prater viennois, se veut «plus un château gonflable qu’un château de lits». Le concept comprend un astronaute dans le lobby, un design upcycling durable et des chambres avec, au choix, un ciel en boule à facettes, un air de cabane à oiseaux ou un lit à cinq places au lieu d’un lit double. Devant les fenêtres s’étendent les montagnes russes du parc d’attractions, et derrière, le plus grand espace vert de la ville. Et pour le petit déjeuner, on monte au rooftop Neni, où la famille de gastronomes austro-israélienne Molcho propose des délices orientaux qui ravissent les papilles. www.superbude.com/hotel-wien/prater

al mattino. ____________ UN CAFÉ, PER INIZIARE

Costo: da 12 euro circa, per una colazione con «Melange». Una volta al giorno in un Café, «è tutto ciò di cui ho bisogno», scriveva Stefan Zweig. Visitare un Café è una tradizione vivente a Vienna, e mentre i turisti fanno la fila davanti a istituzioni famose come il Café Central, altrove è possibile sperimentare la raffinata accoglienza viennese in modo molto rilassato, con una colazione a base di Melange (simile ad un cappuccino, ma solo simile!) e un quotidiano tenuto in un supporto di legno. Il leggendario Café Prückel attira i visitatori con i suoi interni dal design Anni ‘50 e l’atmosfera meravigliosamente luminosa: quando la luce del sole danza nei grandi specchi e nei vassoi d’argento, la giornata può iniziare bene. www.prueckel.at GIOIELLO ARCHITETTONICO A pochi passi di distanza, si trova uno degli edifici Art Nouveau più iconici della città. Costruita da Otto Wagner, la Postsparkasse è stata un «tempio sacro delle transazioni monetarie» fino al 2017. Chiunque voglia dare un’occhiata dietro la facciata – dalla disposizione rigorosamente geometrica di marmo e alluminio – adesso ha l’opportunità di farlo: due venerdì al mese, visite guidate gratuite permettono di conoscere gli uffici della direzione e le cassette di sicurezza. Se non si riesce a trovare un posto a sedere, si può anche visitare la Grande Sala dei Biglietti. www.big.at/postsparkasse

a pranzo. ____________ UN LUNCH DA PLACHUTTA

Costo: da 36 euro per una porzione No, non è più un consiglio da insider, qui vengono infatti le star tanto quanto gli abitanti del posto che vogliono concedersi un po’ di relax. Assaporiamo anche un Tafelspitz, la tenera prelibatezza a base di manzo bollito. Tappa di una giornata a Vienna. www.plachutta.at

CENA DA BRUDER

Costo: 54 euro per 3 portate, 78 euro per 6 portate Ci deve essere un po’ di stregoneria dietro le fantastiche creazioni che il mago dei cocktail Hubert Peter e lo chef Lucas Steindorfer realizzano nel loro ristorante Bruder. Dietro il bancone, gli ingredienti sono raccolti in grandi sfere di vetro scuro, nei quali frutta ed erbe fermentano e maturano; gli elisir fatti in casa costituiscono la base della cucina, che combina tradizioni austriache e tendenze internazionali. Il risultato sono piatti creativi ma mai stravaganti. E così anche per i cocktail! Chi pensa che barbabietola, rafano e cioccolato non vadano d’accordo in un bicchiere, si sbaglia. Le alternative analcoliche completano l’offerta. bruder.xyz

per una notte di riposo. ____________

LUSSO AL ROSEWOOD

TEMPIO DELL’ARTE

Costo: 20 euro Con tanti musei in città tra cui scegliere, con l’Albertina certo non si sbaglia! Palazzo asburgico che ospita importanti opere d’arte dal XV secolo ai giorni nostri, accoglie in questo periodo una grande mostra dedicata al maestro della pop art Roy Lichtenstein (fino al 14 luglio), a cento anni dalla nascita. Le magnifiche sale del museo offrono un emozionante contrasto con l’estetica sgargiante e fumettistica di Lichtenstein. Inoltre, sono visibili opere di Picasso e Monet. Con un po’ di fortuna, si può anche intravedere il delicato «Feldhasen» di Albrecht Dürer, che raramente esce dai caveau. www.albertina.at

quartiere delle ville nella parte occidentale della città, fino alle colline del vino. Il momento clou è sedersi tra le vigne con un bicchiere di Grüner Veltliner o di Gemischter Satz e guardare lo skyline di Vienna. Le osterie all’aperto che rendono possibile questa esperienza sono allineate lungo il Nussberg. Una delle più belle è la Monte Nucum, una sorta di pop-up wine bar con una vista spettacolare, aperta dal venerdì alla domenica. www.montenucum-buschenschank.at

ITALIANO

di pomeriggio. ____________ IN ACQUA Costo: da 14 euro all’ora per lo stand-up paddling 29 euro per il noleggio della barca

Nonostante abbia un valzer dedicato, il Danubio è in realtà sorprendentemente assente dalla vita di molti viennesi. Tranne in estate, quando il fiume a nord della città e lontano dal centro, diventa una calamita per gli appassionati di sport acquatici, per gli amanti del sole e per chiunque cerchi un po’ di atmosfera da vacanza urbana. Il Vecchio Danubio è particolarmente idilliaco: le acque calme di questo ramo del fiume, separato da quello principale, sono ideali per pagaiare su uno stand-up paddle board o per navigare su una barca elettrica. Le torri curve della Città dell’ONU e i pochi grattacieli di Vienna ci guardano dall’alto. www.flotus.at www.marina-hofbauer.at

aspettando la sera. ____________ NON C’È VIENNA SENZA VINO

È presumibilmente l’unica capitale europea in cui si coltiva vino su scala significativa. Vale la pena fare un giro in macchina, o a piedi, attraverso il

Costo: da 756 euro a notte Il Rosewood Vienna è stato inaugurato nel 2022. Il Gruppo alberghiero di lusso di Hong Kong cerca di attingere alla storia della città, che si riflette non solo nella sua opulenza quasi imperiale, ma anche nei mobili di produttori tradizionali come Backhausen e Lobmeyr, nonché in una camera Mozart. Dopotutto, il compositore scrisse «Il ratto dal serraglio» proprio a questo indirizzo. L’hotel, che si trova nell’ex sede di una banca, ha comunque tariffe elevate, persino superiori a quelle della concorrenza nel segmento superiore: difficilmente si può soggiornare a Vienna in un luogo più lussuoso, né in uno più centrale. www.rosewoodhotels.com/it/vienna

UN’ALTERNATIVA, AL SUPERBUDE

Costo: da 97 euro a notte Questo giocoso hotel, situato al centro del Prater di Vienna, vuole essere «più un castello in aria che un castello di letti». Il concetto include un astronauta nella lobby, un design sostenibile di upcycling e camere con un cielo a palla da discoteca, un look da casetta per uccelli o un letto a cinque invece di un letto matrimoniale. Le montagne russe del parco divertimenti si estendono davanti alle finestre, con alle spalle il più grande spazio verde della città. Per la colazione, si sale al Neni, il ristorante sul tetto, dove la famiglia di ristoratori austro-israeliani Molcho serve delizie orientali da leccarsi i baffi. www.superbude.com/hotel-wien/prater

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arts and culture. ____________

françois berthoud words. Frank Herbrand

«La poule qui voulait être coq», 2009, Monotype, oil on paper

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behind the scenes

DEUTSCH Der Modekünstler. Der Schweizer François Berthoud gehört zu den bedeutendsten Illustratoren und Künstler unserer Zeit. Als junger Mann von der italienischen Mode-Ikone und Journalistin Anna Piaggi entdeckt, markierten seine Arbeiten eine neue Zeitrechnung in der Darstellung von Mode.

Seine Illustrationen entstehen hinter den Kulissen, und doch hat sie jeder schon einmal gesehen. Ob in Magazinen wie Vogue, Dazed & Confused, im The New York Times Magazine, oder auf den Anzeigen renommierter Kunden wie Prada, Viktor & Rolf, Hermès und vielen mehr. 1961 im beschaulichen Le Locle geboren, zog es François Berthoud nach seinem Grafikdesign-Studium in Lausanne zunächst nach Paris, später dann weiter nach Mailand, wo er schnell zu einer festen Grösse in einer avantgardistischen Szene von Comiczeichnern wurde. Zu einer – im positivsten Sinne – schicksalhaften Begegnung kam es Mitte der 1980er-Jahre, als er niemand Geringeres als die ikonische Journalistin und damaligen Leiterin des Modemagazins «Vanity Fair» Anna Piaggi kennenlernte. Schnell erkannte diese das aussergewöhnliche Talent des jungen Mannes und beauftragte ihn mit den ersten Modeillustrationen für ihr Magazin. Seine Handschrift war dabei ebenso charakteristisch wie ungewöhnlich, denn mit seinen Linolschnitten brachte Berthoud eine neue künstlerische Facette in die Darstellung von Mode. Kaum einer, der den flirrend-exzentrischen Spirit der damals aufblühenden Modeszene so einfangen konnte, wie er es tat. Schon bald rief die Vogue nach Berthoud, die er als Art Director viele Jahre prägte. Der Rest ist (Erfolgs-)Geschichte. Bis heute sind Schnitte sein Markenzeichen. Seine Technik benötigt die Gabe des «Rückwärtsdenkens», denn so ist die Matrize jeweils das Gegenstück des tatsächlich entstehenden Werkes, vergleichbar mit dem Negativ eines Fotos. Ihre Magie? Sie liegt in der Ironie und Tiefe, die ein jedes seiner Bilder auszeichnet. Und auch der kürzlich bei Rizzoli erschienene Band «Fashion, Fetish & Fantasy» vereint fünf Jahrzehnte seiner Arbeit und macht bereits im Titel deutlich, was Berthouds Werke eint: die künstlerische Fusion von Mode, Erotik und Fetisch. Und: Eine Zeitlosigkeit und Modernität, die sich nie zu überleben scheint.

François Berthoud lebt und arbeitet in Mailand und wird in der Schweiz von der Zürcher Galeristin Frédérique Hutter und ihrer Galerie «Frédérique Hutter art concept» vertreten. Seine Reihe «Dots Portraits» wurde 2015 zum ersten Mal in Zürich gezeigt, wobei ein Teil der Einnahmen an die SANNI Foundation in Indien gestiftet wurde, in der sich Frédérique Hutter stark engagiert. 2019 wieder aufgenommen, ist die Reihe ein «on going»-Projekt für den guten Zweck, für das man sich auch aktuell von François Berthoud porträtieren lassen kann. François, als Künstler und Illustrator arbeiten Sie in ihrem Mailänder Atelier täglich mit Farben. Mit welcher Farbe verbinden Sie die Stadt? Als ich Anfang der 1980erJahre zum ersten Mal nach Mailand zog, war der Dom schmutzig und vom Smog geschwärzt. Ich fand das wunderschön. Sie sind in Le Locle aufgewachsen, eher ein Ort, der für seine Uhrmacherei bekannt ist. Wie haben Sie den Weg in die Kunst gefunden? Von klein auf hat mich die Kunst begeistert. Als Kind wusste ich allerdings lange nicht, dass Zeichnen ein Beruf sein kann! Mein Gespür für Bildgestaltung hat mir mein damaliger Kunstlehrer vermittelt. Ich war an den Wochenenden und zwischen den Schulstunden oft bei ihm im Atelier und ich erinnere mich noch gut an die japanischen Zeitschriften und ihre Fotografien. Später wurde das Zeichnen tatsächlich zu Ihrem Beruf. Um was geht es in der Modeillustration? Bei Modeillustrationen geht es auch darum, den Zeitgeist zu interpretieren. Meine ersten Modebilder stammen aus der Mitte der 1980er-Jahre und waren stark von den Comics beeinflusst, die ich damals machte. Die Figuren waren bewegt und enthielten narrative Elemente. In gewisser Weise lag darin auch eine Ironie in diesem Zeitgeist. Geprägt durch Spiel und Unbekümmertheit war dieser noch kein Vorbote für die darauf folgenden Jahre, die von der Trauer um AIDS geprägt sein sollten. Mit Ihrer Technik der Linolschnitte haben Sie eine neue künstlerische Dimension in die Modewelt gebracht. Was macht für Sie die Faszination dieser Technik aus? Ich liebe die Handarbeit. Die Technik braucht Zeit, aber ich bin immer wieder aufs Neue fasziniert vom Geheimnis des endgültigen Drucks, der die Vorstellungskraft übersteigt

und nie das ist, was man erwartet. Eine Magie, die sogar aus dem Fehler entsteht, denn oft passiert beim Übertrag von der eingefärbten Matrize zum Blatt etwas Unerwartetes, und es ist schön, dass es so ist. Das Unerwartete ist das Leben. Arbeiten Sie analytisch oder eher intuitiv? Idealerweise muss das ursprüngliche Projekt für Änderungen offen sein. Vielleicht könnte man es auch als Suche nach einem «unausgeglichenen Gleichgewicht» bezeichnen. Sie haben als Art Director für grosse Modemagazine und Kunden gearbeitet. Und doch arbeiten Sie selbst im Hintergrund ... ist das als Künstler manchmal schwierig? Nein, bei Auftragsarbeiten ist der Kunde das Subjekt, der Star. Was sind die wichtigsten Ingredienzien für Ihr Schaffen? Die wertvollste Zutat meiner Arbeit ist Zeit. Zeit, um konzentriert zu sein und Zeit zum Verschwenden. Lassen Sie uns über die Serie «Dots Portraits» sprechen. Auf den ersten Blick scheinen diese als Kontrapunkt zu Ihren anderen Arbeiten zu stehen. Hier kommen Fotografie, Geometrie, digitale Transformation und absolute Genauigkeit zusammen ... Erzählen Sie mir mehr darüber. Ich scheue mich nicht, verschiedene Techniken und Werkzeuge auszuprobieren. Schliesslich habe ich eine Ausbildung zum Grafikdesigner gemacht. Ich hatte etwas mit Farbseparation im Sinn und probierte es aus – so entstehen die meisten meiner Arbeiten. Das Bild funktioniert auf zwei Ebenen. Aus der Nähe wirkt es abstrakt, aus der Ferne entsteht das Porträt einer Person. In gewisser Weise funktionieren diese Bilder also in der 3. Dimension. Diese Transformationsqualität hängt natürlich auch mit der Komplexität der dargestellten Person zusammen. Als Künstler steht Ihr Geist vermutlich nie still ... Was zeigt die Zukunft an? Während ich am Retrospektivbuch «Fashion Fetish and Fantasy» arbeitete, das kürzlich bei Rizzoli US erschienen ist, wurde mir klar, dass einige gute Ideen nicht ihr volles Potenzial entfalten konnten. Ich greife daher die Intuition wieder auf und entwickle sie zu etwas Neuem. Dazu gehören ein radikalerer Einsatz von Farbe, abstrakte und dreidimensionale Kunstwerke. ____________

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FRANÇAIS L’artiste de la mode. Le Suisse François Berthoud fait partie des illustrateurs et artistes les plus importants de notre époque. Découvert jeune par l’icône de la mode et journaliste italienne Anna Piaggi, ses travaux ont marqué une nouvelle ère dans la représentation de la mode.

Ses illustrations sont créées dans les coulisses, et pourtant, tout le monde les a déjà vues. Que ce soit dans des magazines comme Vogue, Dazed & Confused, dans The New York Times Magazine ou sur les publicités de clients renommés comme Prada, Viktor & Rolf, Hermès et bien d’autres. Né en 1961 dans la paisible ville du Locle, François Berthoud s’est installé à Paris après ses études de graphisme à Lausanne, puis à Milan, où il est rapidement

devenu une figure incontournable de la scène avant-gardiste des dessinateurs de BD. Au milieu des années 1980 il fait une rencontre décisive – dans le sens le plus positif du terme – lorsqu’il fait la connaissance d’Anna Piaggi, journaliste emblématique et directrice à l’époque du magazine de mode «Vanity Fair». Celle-ci a rapidement reconnu le talent exceptionnel du jeune homme et lui a demandé de réaliser ses premières illustrations de mode pour son magazine. Son écriture était alors aussi caractéristique qu’inhabituelle, car avec ses linogravures, Berthoud apportait une nouvelle facette artistique à la représentation de la mode. Rares sont ceux qui ont su capter comme lui l’esprit scintillant et excentrique de la scène de la mode alors en plein essor. Berthoud fut bientôt appelé par Vogue, qu’il marqua de son empreinte pendant de nombreuses années en tant que directeur artistique.

Aujourd’hui encore, les coupes sont sa marque de fabrique. Sa technique nécessite le don de «penser à l’envers», car ainsi la matrice est à chaque fois le pendant de l’œuvre réellement créée, comparable au négatif d’une photo. Sa magie? Elle réside dans l’ironie et la profondeur qui caractérisent chacune de ses images. Et le volume «Fashion, Fetish & Fantasy», récemment paru chez Rizzoli, réunit cinq décennies de son travail et indique clairement, dès le titre, ce qui unit les œuvres de Berthoud : la fusion artistique de la mode, de l’érotisme et du fétichisme. Et: une intemporalité et une modernité qui survives les temps. François Berthoud vit et travaille à Milan et est représenté en Suisse par la galeriste zurichoise Frédérique Hutter avec sa galerie «Frédérique Hutter art concept». Sa série «Dots Portraits» a été présentée pour la première fois à Zurich en 2015, une partie des recettes étant reversée à la SANNI Foundation en Inde, dans laquelle Frédérique Hutter est très engagée. Reprise en 2019, la série est un projet constant pour la bonne cause, pour lequel on peut également se faire tirer le portrait par François Berthoud. François, en tant qu’artiste et illustrateur, vous travaillez quotidiennement avec des couleurs dans votre atelier milanais. A quelle couleur associez-vous la ville? Lorsque je me suis installé pour la première fois à Milan au début des années 1980, la cathédrale était sale et noircie par le smog. J’ai trouvé cela magnifique. Vous avez grandi au Locle, un lieu plutôt connu pour son horlogerie. Comment avez-vous trouvé le chemin de l’art? Depuis mon plus jeune âge, j’ai toujours été passionné par l’art. Enfant, j’ai toutefois longtemps ignoré que le dessin pouvait être un métier! C’est mon professeur d’art de l’époque qui m’a transmis mon sens de l’image. J’allais souvent à son atelier le week-end et entre les cours, et je me souviens encore très bien des revues japonaises et de leurs photographies. Plus tard, le dessin est effectivement devenu votre métier. De quoi s’agit-il dans l’illustration de mode? Dans l’illustration de mode, il s’agit aussi d’interpréter l’esprit du temps. Mes premiers dessins de mode datent du milieu des années 1980 et étaient

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«Rei», from the «Dots Portraits» series, 2019

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fortement influencés par les bandes dessinées que je réalisais alors. Les personnages étaient en mouvement et contenaient des éléments narratifs. D’une certaine manière, il y avait aussi une ironie dans cet esprit du temps. Marquée par le jeu et l’insouciance, elle n’annonçait pas encore les années suivantes, qui allaient être marquées par le deuil du sida.

matrice encrée à la feuille, et c’est beau que ce soit le cas. L’inattendu, c’est la vie.

Du temps pour se concentrer et du temps pour gaspiller.

Travaillez-vous de manière analytique ou plutôt intuitive? Idéalement, le projet initial doit être ouvert aux changements. On pourrait peut-être aussi parler de la recherche d’un «équilibre déséquilibré».

Avec votre technique de linogravure, vous avez apporté une nouvelle dimension artistique au monde de la mode. Qu’est-ce qui fait pour vous la fascination de cette technique? J’aime le travail manuel. La technique prend du temps, mais je suis toujours fasciné par le mystère de l’impression finale, qui dépasse l’imagination et n’est jamais ce à quoi on s’attend. Une magie qui naît même de l’erreur, car il se passe souvent quelque chose d’inattendu lors du transfert de la

Vous avez travaillé comme directeur artistique pour de grands magazines de mode et de grands clients. Et pourtant, vous travaillez vous-même en arrière-plan ... est-ce parfois difficile en tant qu’artiste? Non, dans les travaux de commande le client est le sujet, la star.

Parlons de la série «Dots Portraits». Au premier abord, ceux-ci semblent être un contrepoint à vos autres travaux. Ici, la photographie, la géométrie, la transformation numérique et la précision absolue se rejoignent ... Dites-m’en plus à ce sujet. Je n’ai pas peur d’essayer différentes techniques et différents outils. Après tout, j’ai suivi une formation de designer graphique. J’avais quelque chose en tête avec la séparation des couleurs et je l’ai essayé – c’est ainsi que naissent la plupart de mes travaux. L’image fonctionne sur deux niveaux. De près, elle semble abstraite, de loin, elle fait le portrait d’une personne. D’une certaine manière, ces images fonctionnent donc dans la troisième dimension. Cette qualité de transformation est bien sûr aussi liée à la complexité de la personne représentée.

Quels sont les ingrédients les plus importants de votre travail? L’ingrédient le plus précieux de mon travail est le temps.

En tant qu’artiste, votre esprit ne s’arrête probablement jamais ... Qu’est-ce qui annonce l’avenir? Alors que je travaillais sur le livre rétrospectif «Fashion Fetish and Fantasy», récemment publié par Rizzoli US, j’ai réalisé que certaines bonnes idées n’avaient pas atteint leur plein potentiel. Je reprends donc l’intuition et la développe en quelque chose de nouveau. Cela inclut une utilisation plus radicale de la couleur, des œuvres d’art abstraites et tridimensionnelles. ____________ ITALIANO L’artista della moda. Lo svizzero François Berthoud è uno dei più importanti illustratori e artisti del nostro tempo. Scoperto da giovane dall’icona della moda e giornalista italiana Anna Piaggi, il suo lavoro ha segnato una nuova era nella rappresentazione della moda.

Le sue illustrazioni sono create dietro le quinte, eppure tutti le hanno già viste. In magazine come Vogue, Dazed & Confused o nel New York Times Magazine, oppure nelle pubblicità di nomi celebri come Prada, Viktor & Rolf, Hermès e molti altri. Nato nel 1961 nella tranquilla cittadina di Le Locle, François Berthoud si trasferisce dapprima a Parigi, dopo aver studiato Patricia Schmid from the series «Dots Portraits», 2015 © courtesy of the artist & Frédérique Hutter art concept

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graphic design a Losanna, e poi a Milano, dove si afferma rapidamente nel panorama d’avanguardia di artisti del fumetto. Un incontro fatale – nel senso più positivo del termine – avviene a metà degli anni Ottanta, quando conosce Anna Piaggi, l’iconica giornalista e poi direttrice della rivista di moda «Vanity Fair». La giornalista riconobbe subito lo straordinario talento del giovane e gli commissionò le prime illustrazioni di moda per la sua rivista. La sua calligrafia era tanto caratteristica quanto insolita, e le linoleografie di Berthoud portarono una nuova sfaccettatura artistica alla rappresentazione della moda. Non c’era nessuno in grado, come lui, di catturare lo spirito scintillante ed eccentrico della fiorente scena della moda dell’epoca. Vogue chiamò ben presto Berthoud, che ne assunse la conduzione come direttore artistico per molti anni. Il resto è storia (di successo). Ancora oggi, i tagli sono il suo marchio di fabbrica. La sua tecnica richiede la capacità di «pensare al contrario», poiché la matrice è sempre la controparte dell’opera che viene effettivamente creata, paragonabile al negativo di una fotografia. La sua magia? Sta nell’ironia e nella profondità che caratterizza ogni sua immagine. E il volume «Fashion, Fetish & Fantasy», recentemente pubblicato da Rizzoli, raccoglie cinque decenni del suo lavoro e chiarisce fin dal titolo cosa accomuna le opere di Berthoud: la fusione artistica di moda, erotismo e fetish. E un’atemporalità e una modernità che non sembra mai sopravvivere a sé stessa. François Berthoud vive e lavora a Milano ed è rappresentato in Svizzera dalla gallerista zurighese Frédérique Hutter e dalla sua galleria «Frédérique Hutter art concept». La sua serie «Dots Portraits» è stata esposta per la prima volta a Zurigo nel 2015 e parte del ricavato è stato devoluto alla Fondazione SANNI in India, in cui Frédérique Hutter è fortemente coinvolta. Ripresa nel 2019, la serie è un progetto «on going» per una buona causa, e per questo è anche possibile farsi ritrarre da François Berthoud. François, come artista e illustratore, nel suo studio di Milano lavora ogni giorno con i colori. Quale colore associa alla città? Quando mi sono trasferito a Milano all’inizio degli anni Ottanta, il Duomo era sporco e annerito dallo smog. Ho pensato che fosse bellissimo.

Lei è cresciuto a Le Locle, una città nota per l’orologeria. Come si è avvicinato all’arte? L’arte mi ha affascinato fin da piccolo. Da bambino, però, per molto tempo non ho capito che il disegno poteva essere una professione! Il mio insegnante di arte di allora mi ha fatto conoscere la mia predisposizione per il disegno visivo. Ero spesso nel suo studio nei fine settimana e tra una lezione e l’altra, e ricordo ancora molto bene le riviste giapponesi e le loro fotografie. In seguito, il disegno è diventato la sua professione. In che cosa consiste l’illustrazione di moda? L’illustrazione di moda è anche interpretazione dello spirito del tempo. Le mie prime illustrazioni di moda risalgono alla metà degli anni Ottanta e sono state fortemente influenzate dai fumetti che realizzavo all’epoca. Le figure erano animate e contenevano elementi narrativi. In un certo senso, c’era anche dell’ironia in questo Zeitgeist. Caratterizzato da giocosità e spensieratezza, non lasciava ancora presagire gli anni successivi, che sarebbero stati caratterizzati dal dolore per l’AIDS. Con la sua tecnica di linoleografia, lei ha portato una nuova dimensione artistica nel mondo della moda. Cosa la affascina di questa tecnica? Mi piace lavorare a mano. La tecnica richiede tempo, ma mi affascina sempre il mistero della stampa finale, che va oltre l’immaginazione e non è mai come ci si aspetta. Una magia che nasce persino dall’errore, perché spesso accade qualcosa di inaspettato nel trasferimento dalla matrice inchiostrata al foglio, ed è bello che accada. L’imprevisto è vita. Lavora in modo analitico o intuitivo? Idealmente, il progetto originale dovrebbe essere aperto al cambiamento. Forse si potrebbe anche definire ricerca di un «equilibrio sbilanciato». Lei ha lavorato come art director per importanti riviste di moda e clienti. Eppure lei stesso lavora in secondo piano... È difficile, a volte, come artista? No, nel lavoro su commissione il cliente è il soggetto, il protagonista. Quali sono gli ingredienti più importanti del suo lavoro? L’ingrediente più prezioso nel mio lavoro è il tempo. Tempo da sfruttare e tempo da sprecare.

Parliamo della serie «Dots Portraits». A prima vista, sembra essere un contrappunto alle altre sue opere. Fotografia, geometria, trasformazione digitale e precisione assoluta si fondono qui... Mi dica di più. Non ho paura di sperimentare tecniche e strumenti diversi. Dopotutto, mi sono formato come graphic designer. Avevo in mente qualcosa con la separazione dei colori e l’ho provata: è così che nasce la maggior parte del mio lavoro. L’immagine funziona su due livelli. Da vicino, sembra astratta; da lontano, sembra il ritratto di una persona. In un certo senso, queste immagini funzionano nella terza dimensione. Questa qualità di trasformazione è ovviamente legata anche alla complessità della persona ritratta. Come artista, la sua mente probabilmente non sta mai ferma... Cosa ci riserva il futuro? Mentre lavoravo al libro retrospettivo «Fashion Fetish and Fantasy», recentemente pubblicato da Rizzoli US, mi sono reso conto che alcune buone idee non raggiungevano il loro pieno potenziale. Sto quindi rivisitando le intuizioni e le sto sviluppando in qualcosa di nuovo. Questo include un uso più radicale del colore, opere astratte e tridimensionali. ____________

words. Anka Refghi photography. courtesy of François Berthoud

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arts and culture. ____________ Francesca Pia

francesca pia

words. Michelle Nicol images. courtesy of Francesca Pia

Mit Gespür. Die Zürcher Galeristin Francesca Pia ist bekannt für ihr ausgezeichnetes Gespür, wenn es um aufstrebende Künstlerinnen und Künstler geht. Ihr Gradmesser? Die eigene Empfindung. «Wenn Dinge mich interessieren, oder auch abstossen, frage ich mich, was diese Gefühle auslöst. Wenn es mich neugierig macht, ist es gut», so Francesca Pia, die sich durch ihren untrüglichen Sinn für Ästhetik auszeichnet.

DEUTSCH

Von frühester Kindheit an von Kunst im

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Elternhaus umgeben, führte sie ihr eigener Lebensweg ebenso in die kreative Welt. Ihr Handwerk lernte Francesca Pia in Zürcher Galerien, 1990 gründete sie schliesslich ihre eigene Galerie in Bern, bevor sie 2007 den Schritt nach Zürich machte. In Ihrer Galerie an der Limmatstrasse 268 in Zürich sind bis zum 25. Mai 2024 im Rahmen der Ausstellung «Diana» Werke von Mai-Thu Perret zu sehen, einer jungen Genfer Künstlerin, die sie seit vielen Jahren vertritt. Mai-Thu Perret bewegt sich virtuos zwischen künstlerischen Disziplinen – ob Skulpturen, Gemälde, Keramikarbeiten, Performances oder Texte.

Das Interview mit Francesca Pia wurde von Michelle Nicol geführt. Michelle Nicol ist eine Netzwerkerin, die Brücken zwischen Architektur, Mode und Kunst schlägt – wie kaum eine andere. Ob als Autorin für namhafte Publikationen, oder in der Vergangenheit als Kuratorin der Modesektion der ersten Berlin Biennale und am Kölner Museum Ludwig – virtuos bewegt sie sich auf den Bühnen der kreativen Welt. Sie ist Mitbegründerin der Zürcher Kommunikationsagentur Neutral Zurich und Co-Founder von Poeticwalls. Was war Deine erste Begegnung mit Kunst? Sie kam durch Freundinnen und

eine Schwester meiner Mutter zustande. Sie malten und sprachen über Matisse oder van Gogh. Später interessierte ich mich selbst für Kunst. Ich «begegnete» Magritte, entdeckte die Ausstellung «When Attitudes Become Form», mit der Harald Szeemann an der Kunsthalle in Bern ein radikales Kunstverständnis propagierte, und erinnere mich an die von Künstlerinnen und Künstlern gestalteten Schaufenster des Warenhauses Loeb, wo beispielsweise Tinguely eine seiner Maschinen ausstellte, die Teller kaputtschlug. Haben deine Eltern ebenfalls Kunst gesammelt? Meine Eltern waren keine Sammler, aber sie haben immer lokale Kunstschaffende unterstützt. Dann waren sicher oft Künstler bei euch zuhause! Ja, zum Beispiel Meret Oppenheim, mit der wir sogar mehrmals Winterferien bei Elka Spoerri verbringen durften. Sie war meine erste Begegnung mit feministischen Themen. Sie sprach von der Wichtigkeit der Anerkennung für ihre Kunst, dass Frauen weniger Beachtung fanden – und zeigte mir ihr ein von ihr verfasstes Schreiben darüber. Sie hatte eine tolle Stimme, war sehr geistreich und kein wenig frustriert. Wann wusstest Du, dass Du selbst eine Galerie eröffnen willst? Ich hatte schon in zwei internationalen Galerien in Zürich gearbeitet, bei Gimpel & Hanover und Marlborough, aber nie daran gedacht, selbst eine zu eröffnen. Als ich wieder in Bern wohnte, fragte mich Susan Wyss, ob ich eine Filiale ihrer Galerie in Bern eröffnen möchte. Sie änderte schliesslich ihre Pläne, riet mir dennoch zu einer eigenen Galerie. Und so sprang ich ins kalte Wasser. Welche ist Deine «most memorable» Ausstellung, die Du gemacht hast? Für mich wichtige Ausstellungen waren jene mit Fischli/Weiss, Roman Signer, J.F. Schnyder, Markus Raetz, Terry Fox oder Michaela Melian. Später dann mit Mai-Thu Perret, Thomas Bayrle, Jutta Koether oder Wade Guyton. Aktuell natürlich mit den jungen Künstlerinnen und Künstlern, die ich im Programm habe und ausstelle. Daneben sind mir auch die PerformanceAbende im Dada-Stil mit Lesungen, Video oder Filmvorführungen (genannt «Pias Soirée») in guter Erinnerung.

Wie hat sich die Kunstwelt in den letzten 34 Jahren entwickelt? Als ich begann, war Kunst viel mehr eine Aussenseiter-Szene. In Zürich gab es vier oder fünf international anerkannte Galerien. Insgesamt ist die Kunstwelt viel grösser geworden, mehr Publikum, mehr Museen und auch mehr Künstlerinnen und Künstler. Somit wurde es im Laufe der Zeit auch unübersichtlicher. Gewisse Künstlerinnen oder Künstler entwickelten sich zu Megastars. Geld wurde wichtiger. Die Kunstwelt hat sich verbreitert, es gibt ein grösseres Wissen – und das Thema ist präsenter. Heute verkaufen Künstler ihre Werke auch über Instagram. Warum braucht es in Zukunft noch Galerien? Das Wichtigste ist das Engagement für die Künstlerinnen und Künstler sowie die Tätigkeit als Vermittlerin. Galerien sorgen für einen guten Dialog, die Kunstschaffenden müssen sich nicht um den Verkauf oder das Archiv kümmern. Wir beispielsweise organisieren sogar die Transporte. Ich weiss nicht, wie sich die Welt entwickeln wird, aber für den Moment sehe ich sie nicht ohne Galerien. Was war die letzte Kunst, die Du für Dich gekauft hast? Kennst Du Pati Hill? Sie produzierte Kunst mit Fotokopien in den 1950er-Jahren. Eames überliess ihr einen grossen Fotokopierer – und sie begann, alles Mögliche zu kopieren. Ihre Haarbürste, Blumen, Schlüssel, alles. Ihre Werke kann man eigentlich gar nicht mehr kaufen, sie sind alle Teil eines grossen Archivs. Ich konnte sie von Air de Paris an der Messe in Basel erwerben. Und gerade habe ich noch etwas von Tim Rollins in New York gekauft. Letzte Frage: Wohin entwickelt sich die Kunst? In meiner Wahrnehmung ist die Malerei eher konservativ, viel figurativer geworden – vielleicht das Bedürfnis nach Sicherheit. Ich hoffe, dass sich die Kunst wieder mehr in Richtung Abstraktion und mehr Freiheiten entwickelt. Ich spüre das von der jüngeren Generation, es kommt langsam wieder. Es ist schwierig alles vorauszusagen – genau das macht es ja auch interessant. ____________

Avec flair. La galeriste zurichoise Francesca Pia est connue pour son excellent flair lorsqu’il s’agit d’artistes émergents. Son baromètre? Sa propre sensibilité. «Lorsque des choses m’intéressent ou me rebutent, je me demande ce qui déclenche ces sentiments. Si cela éveille ma curiosité, c’est bien», explique Francesca Pia, qui se distingue par son sens infaillible de l’esthétique. FRANÇAIS

Entourée d’art depuis sa plus tendre enfance dans la maison familiale, son propre parcours de vie l’y a également conduite. Francesca Pia a appris son métier dans des galeries zurichoises, puis elle a fondé sa propre galerie à Berne en 1990 avant de s’installer à Zurich en 2007. Dans sa galerie de la Limmatstrasse 268 à Zurich, on peut voir jusqu’au 25 mai 2024, dans le cadre de l’exposition «Diana», des œuvres de Mai-Thu Perret, une jeune artiste genevoise qu’elle représente depuis de nombreuses années. Mai-Thu Perret navigue avec virtuosité entre les disciplines artistiques – qu’il s’agisse de sculptures, de peintures, de travaux en céramique, de performances ou de textes. L’interview de Francesca Pia a été réalisée par Michelle Nicol, une créatrice de réseaux qui jette des ponts entre l’architecture, la mode et l’art – comme peu d’autres. Que ce soit en tant qu’auteur pour des publications renommées ou, par le passé, en tant que curatrice de la section mode de la première Biennale de Berlin et au Musée Ludwig de Cologne, elle évolue avec virtuosité sur les scènes du monde créatif. Elle est cofondatrice de l’agence de communication zurichoise Neutral Zurich et cofondatrice de Poeticwalls. Quelle a été ta première rencontre avec l’art? Elle s’est faite par des amies et une sœur de ma mère. Elles se peignaient et parlaient de Matisse ou de Van Gogh. Plus tard, je me suis moi-même intéressée à l’art. J’ai «rencontré» Magritte, découvert l’exposition «When Attitudes Become Form», à travers laquelle Harald Szeemann a propagé une conception radicale de l’art à la Kunsthalle de Berne, et je me souviens des vitrines du grand magasin Loeb,

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décorées par des artistes, où Tinguely, par exemple, qui exposait une de ses machines qui cassait des assiettes. Tes parents collectionnaient-ils également l’art? Mes parents n’étaient pas collectionneurs, mais ils ont toujours soutenu les artistes locaux. Alors, il y avait certainement souvent des artistes chez vous! Oui, par exemple Meret Oppenheim, avec qui nous avons même pu passer plusieurs fois des vacances d’hiver chez Elka Spoerri. Elle a été ma première rencontre avec des thèmes féministes. Elle a parlé de l’importance de la reconnaissance de son art, du fait que les femmes étaient moins considérées – et elle m’a montré une lettre qu’elle avait écrite à ce sujet. Elle avait une belle voix, était très

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spirituelle et pas peu frustrée. Quand as-tu su que tu voulais ouvrir une galerie? J’avais déjà travaillé dans deux galeries internationales à Zurich, chez Gimpel & Hanover et Marlborough, mais je n’avais jamais pensé à en ouvrir une moi-même. Lorsque je suis revenu vivre à Berne, Susan Wyss m’a demandé si je voulais ouvrir une filiale de sa galerie à Berne. Elle a finalement changé ses plans, mais m’a tout de même conseillé d’ouvrir ma propre galerie. Et c’est ainsi que je me suis jetée à l’eau. Quelle est l’exposition «la plus mémorable» que tu as faite? Les expositions importantes pour moi ont été celles avec Fischli/Weiss, Roman Signer, J.F. Schnyder, Markus Raetz, Terry Fox ou Michaela Melian. Plus tard, avec Mai-Thu Perret, Thomas Bayrle, Jutta Koether ou Wade Guyton. Aujourd’hui, bien sûr, avec les jeunes artistes que je programme et que j’expose. Par ailleurs, je garde également un bon souvenir des soirées de performance de style dada avec des lectures, des vidéos ou des projections de films (appelées «Soirée de Pia»). Comment le monde de l’art a-t-il évolué au cours des 34 dernières années? Lorsque j’ai commencé, l’art était beaucoup plus une scène d’outsiders. A Zurich, il y avait quatre ou cinq galeries de renommée internationale. Dans l’ensemble, le monde de l’art est devenu beaucoup plus grand, avec plus de public, plus de musées et davantage d’artistes. Au fil du temps, il est donc devenu plus difficile de

Ceramic work Mai-Thu Perret

s’y retrouver. Certains artistes sont devenus des méga-stars. L’argent est devenu plus important. Le monde de l’art s’est élargi, les connaissances sont plus étendues et le sujet est plus présent. Aujourd’hui, les artistes vendent aussi leurs œuvres sur Instagram. Pourquoi aura-t-on encore besoin de galeries à l’avenir? Le plus important est l’engagement pour les artistes et l’activité de médiateur. Les galeries assurent un bon dialogue, les artistes n’ont pas à s’occuper de la vente ou des archives. Par exemple, nous organisons même les transports. Je ne sais pas comment le monde va évoluer, mais pour l’instant, je ne le vois pas sans les galeries. Quel est le dernier objet d’art que tu as acheté pour toi? Connais-tu Pati Hill? Elle a produit de l’art à travers des photocopies dans les années 1950. Eames lui a laissé une grande photocopieuse – et elle a commencé à copier tout ce qui était possible. Sa brosse à cheveux, des fleurs, des clés, tout. En fait, on ne peut plus acheter ses œuvres, elles font toutes partie d’une grande archive. J’ai pu les acquérir auprès d’Air de Paris à la foire de Bâle. Et je viens d’en acheter une autre à Tim Rollins à New York. Dernière question: où évolue l’art? Dans ma perception, la peinture est devenue plutôt conservatrice, beaucoup plus figurative – peut-être le besoin de sécurité. J’espère que l’art évoluera à nouveau vers plus d’abstraction et plus de liberté. Je le sens de la part de la jeune génération, cela revient lentement. Il est difficile de tout prévoir – c’est justement ce qui rend les choses intéressantes. ________________________

Con estro. La gallerista zurighese Francesca Pia è nota per il suo eccellente istinto, in particolare quando si tratta di artisti emergenti. Il suo metro di giudizio? La sua sensibilità. «Quando le cose mi attraggono o mi respingono, mi chiedo cosa generi questi sentimenti. Se mi incuriosisce, allora è qualcosa di buono», afferma Francesca Pia, che si distingue per il suo puntuale senso estetico. ITALIANO

Circondata dall’arte in casa dei genitori fin dalla più tenera età, è all’arte che l’ha ricondotta anche il suo percorso di vita. Francesca Pia ha imparato il mestiere nelle gallerie di Zurigo e nel 1990 ha fondato una propria galleria a Berna, prima di trasferirsi a Zurigo nel 2007. Nella sua galleria in Limmatstrasse 268 a Zurigo, le opere di Mai-Thu Perret, giovane artista ginevrina che rappresenta da molti anni, possono essere ammirate fino al 25 maggio 2024 nell’ambito della mostra «Diana». Mai-Thu Perret si muove con maestria tra diverse discipline artistiche, dando vita a sculture, dipinti, opere in ceramica, performance o testi.

Qual è stato il suo primo incontro con l’arte? È avvenuto grazie ad amici e a una sorella di mia madre. Dipingevano e parlavano di Matisse o van Gogh. In seguito, mi sono interessata all’arte in prima persona. Ho «incontrato» Magritte, ho scoperto la mostra «When Attitudes Become Form», con cui Harald Szeemann propagandava una concezione radicale dell’arte alla Kunsthalle di Berna, e ricordo le vetrine dei grandi magazzini Loeb disegnate da artisti, dove Tinguely, per esempio, esponeva una delle sue macchine che frantumava i piatti.

Allora avrete avuto spesso degli artisti in casa vostra! Sì, per esempio Meret Oppenheim, con la quale abbiamo anche trascorso diverse vacanze invernali insieme a Elka Spoerri. È stato il mio primo incontro con le tematiche femministe. Mi parlò dell’importanza del riconoscimento della sua arte, del fatto che le donne ricevessero meno attenzione, e mi mostrò una lettera che aveva scritto al riguardo. Aveva una grande voce, era molto spiritosa e non poco frustrata. Quando ha capito che voleva aprire una galleria? Avevo già lavorato in due gallerie internazionali a Zurigo, Gimpel & Hanover e Marlborough, ma non avevo mai pensato di aprirne una. Quando sono tornata a Berna, Susan Wyss mi ha chiesto se mi sarebbe piaciuto aprire una filiale della sua galleria a Berna. Alla fine ha cambiato i suoi piani, ma mi ha comunque consigliato di aprire una galleria tutta mia. E così mi sono buttata a capofitto. Qual è la mostra «più memorabile» che ha fatto? Le mostre più importanti per me sono state quelle con Fischli/Weiss, Roman Signer, J.F. Schnyder, Markus Raetz, Terry Fox e Michaela Melian. In seguito con Mai-Thu Perret, Thomas Bayrle, Jutta Koether o Wade Guyton. In questa fase, naturalmente, con i giovani artisti che ho nel mio programma e che espongo. Ho anche un bel ricordo delle serate performative in stile Dada con letture, proiezioni di video o film (chiamate «Pias Soirée»). Come si è sviluppato il mondo dell’arte negli ultimi tre decenni? Quando ho iniziato, l’arte era una scena molto più esterna. A Zurigo c’erano quattro o cinque gallerie riconosciute a livello internazionale. Nel complesso, il mondo dell’arte si è ingrandito, con più pubblico, più musei e anche più artisti. Di conseguenza, nel tempo è diventato anche più confuso. Alcuni artisti si sono trasformati in megastar. Il denaro è diventato più importante. Il mondo dell’arte si è allargato, c’è più conoscenza e l’argomento è più vivo.

La cosa più importante è l’impegno nei confronti degli artisti e il ruolo di mediatore. Le gallerie assicurano un buon dialogo, gli artisti non devono preoccuparsi delle vendite o dell’archivio. Noi organizziamo persino il trasporto, per esempio. Non so come si svilupperà il mondo, ma per ora non lo vedo senza gallerie. Qual è stata l’ultima opera d’arte che ha comprato per sé? Conosce Pati Hill? Negli anni Cinquanta produceva arte con le fotocopie. Eames le regalò una grande fotocopiatrice e lei iniziò a copiare ogni genere di cose. La sua spazzola per capelli, i fiori, le chiavi, tutto. Non è più possibile acquistare le sue opere, fanno tutte parte di un grande archivio. Tuttavia sono riuscita a comprarne da Air de Paris alla fiera di Basilea. E ho appena comprato qualcosa da Tim Rollins a New York. Un’ultima domanda: dove sta andando l’arte? A mio avviso, la pittura è diventata piuttosto conservatrice, molto più figurativa - forse per il bisogno di sicurezza. Spero che l’arte si sviluppi di nuovo in direzione dell’astrazione e della libertà. Sento che la generazione più giovane ci sta lentamente tornando. È difficile prevedere tutto, ed è proprio questo che rende il futuro interessante. ____________ words. Michelle Nicol photography. courtesy of Francesca Pia

L’intervista con Francesca Pia è stata condotta da Michelle Nicol. Michelle Nicol è una networker che costruisce ponti tra architettura, moda e arte come nessun altro. Sia come autrice per rinomate pubblicazioni, sia in passato come curatrice della sezione moda della prima Biennale di Berlino e del Museum Ludwig di Colonia, è una virtuosa dei palcoscenici del mondo creativo. È cofondatrice dell’agenzia di comunicazione Neutral Zurich e cofondatrice di Poeticwalls.

Anche i suoi genitori collezionavano arte? I miei genitori non erano collezionisti, ma hanno sempre sostenuto gli artisti locali.

Oggi gli artisti vendono le loro opere anche tramite Instagram. Perché le gallerie saranno ancora necessarie in futuro?

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arts and culture. ____________

klaus busse words. Frank Herbrand images. courtesy of Maserati

Klaus Busse, Head of Design Maserati. Klaus Busse wurde am 28. April 1969 in Stuttgart, Deutschland, geboren. Er wuchs in Deutschland auf, wo er seine Leidenschaft für Automobildesign entwickelte. Heute lebt er in Turin, Italien, wo er als Head of Design bei Maserati tätig ist. Mit einer beeindruckenden Karriere in der Automobilbranche hat er sich durch seine innovative Gestaltung und sein tiefes Verständnis für Luxus- und Sportwagen einen Namen gemacht. Vor seiner Tätigkeit bei Maserati leitete Busse das Designteam von FCA (Fiat Chrysler Automobiles) in Europa, wo er massgeblich an der Gestaltung von Marken wie Alfa Romeo und

DEUSTCH

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behind the scenes

Jeep beteiligt war. Seine Arbeit zeichnet sich durch eine harmonische Kombination aus italienischer Eleganz und technischer Raffinesse aus, die Maserati-Fahrzeuge unverkennbar macht. Im Rahmen der kürzlich erfolgten Lancierung des vollelektrischen Maserati GranCabrio hatten wir die Gelegenheit, mit Klaus zu sprechen. Maserati hat eine reiche Geschichte an ikonischen Designs. Wie stellst du sicher, dass deine Entwürfe für neue Modelle diesem Erbe Tribut zollen und gleichzeitig neue Massstäbe setzen? Schaut man sich das Design von Maserati an, kann man von einer Art «Generational Design» sprechen. 1947 haben wir begonnen, neben Rennautos

auch Fahrzeuge für die Strasse zu bauen. Schaut man sich die 50er und 60er Jahre an, waren dies sehr elegante Fahrzeuge – mit dem 3500 GT als Meilenstein. Er widerspiegelt die Ästhetik der Zeit. In den 70er Jahren erfolgt ein radikaler Schritt von diesen eleganten, cleanen Formen der 50er und 60er hin zu radikalen «Wedge Shape» Formen. In den 70er Jahren herrschte generell Aufbruchsstimmung. Das sieht man auch in der Modewelt: Marken wie Chanel und Dior haben sich in den 70er Jahren komplett neu erfunden. Im Automobilbau kam die Tatsache hinzu, dass der Motor plötzlich hinten sein, ein Fahrzeug also auch eine andere Silhouette haben konnte. Also ein harter Bruch. Dann kam die Ölkrise. In den 80er und 90er Jahren wurden die Autos generell, nicht nur Maserati, wesentlich pragmatischer.

gefragt: «Was ist italienisches Design?» Er lachte. Und antwortete «Wir haben immer das Beste im jeweiligen Moment gemacht, das «The best in the moment». Das ist italienisches Design, deshalb gibt es diese zum Teil erheblichen Shifts. Das wunderschöne Volumen unserer Fahrzeuge geht unter anderem darauf zurück, dass unsere Rennautos freistehende Räder hatten, die wir abdecken mussten, und dass wir Leuchten hinzufügen mussten. Ich möchte in diesem Zusammenhang auch Gustav Mahler zitieren, der einmal gesagt hat «Tradition ist nicht die Anbetung der Asche, sondern die Weitergabe des Feuers». Das war jetzt eine lange Antwort auf eine kurze Frage. Aber es ist natürlich ein wichtiger Aspekt meiner Arbeit.

Andere Herstellungstechnologien kamen zum Einsatz. Plötzlich hatte auch Maserati Kunststoffstossfänger. Also wieder ein klarer Sprung. Seit der Jahrtausendwende sind wir zurück zu eleganten romantischen Formen. Alle zehn, zwanzig Jahre haben sich also Gesellschaft, Technik und Rahmenbedingungen so stark geändert, dass wir jeweils eine andere Antwort darauf gefunden haben. Und das ist typisch italienisch. Im Vergleich zu deutschen Automobilherstellern sind wir eher revolutionär. In Deutschland werden jeweils die Vorgängermodelle gezeigt, man sieht, dass es sich um eine vorsichtige Evolution handelt. Im deutschen Kontext funktioniert das sehr gut. Italienisches Design funktioniert jedoch anders. Ich habe die Industriedesigner-Legende Giorgetto Giugiaro

Welche neuen Technologien spielen eine Rolle im modernen Automobildesign? Welche Bedeutung hat künstliche Intelligenz (KI)? Kein Zweifel, KI ist ein kreatives Werkzeug für uns. Aber lass uns zunächst zurückblicken. Die Reise des Autos von den 50er bis ins Jahr 2000 kann man unmittelbar mit den dazumal verfügbaren Darstellungstechnologien in Verbindung bringen. Da was sicher einmal der richtige «Drafting Table»; Autos wurden kreiert mit Hilfe von Fishbone-Modellen – wie Flugzeuge, das war richtig «Architektur». In den 70er und 80er Jahren wurden Autos dann mit Hilfe von Zeichnungen vorwiegend in der Seitenansicht entworfen, es ging fast ausschliesslich um Proportionen. Dann kam aus den USA die Welle der Transparentpapier-Technologie. Die habe ich auch noch gelernt, mit ihr kann man fast Airbrush Effekte erzeugen. Plötzlich wurden die Autos weicher – das haben wir nach 2000 auch bei Maserati gesehen. Und dann kamen Photoshop und Quantum Design. Ein Vellum-Rendering zu erstellen hat damals zehn Stunden gedauert... Plötzlich gab es nicht mehr ein Design, es gab eine Vielzahl koexistierender Designs. Neben «Creation» wurde «Curation» enorm wichtig – die richtige (Aus-)Wahl treffen zu können. Ein wichtiges Alleinstellungsmerkmal für jemanden, der sich bei mir bewirbt. Ein Designer muss eine echte Position haben. Änderungen sind heute einfach und in wenigen Sekunden zu realisieren. Kann man sich hier nicht entscheiden und möchte dem Chef die Entscheidung überlassen, funktioniert das nicht. Ich umgebe mich mit Designern, die eine Meinung haben.

Und nun zur künstlichen Intelligenz. Mit KI kann ich parallel zu unserem jetzigen Gespräch 100 Entwürfe auf meinem Telefon machen. Überhaupt kein Problem: Neue Maseratis designt, auf meinem Handy, mit künstlicher Intelligenz. Oft sind das sogar höchst attraktive Proposals, die da kommen. Aber hier umso wichtiger: diese «Self Curation». Für mich als Head of Design bedeutet das: auswählen, was zur Marke passt, was eine klare Vision für die Zukunft hat. Wenn dieses Interview veröffentlich wird, mag KI schon wieder komplett anders sein. Das ist eine (fast) tägliche Revolution. Nicht zu vergessen: KI ist heute noch einfach ein Spiegel dessen, was bereits alles passiert ist. Und zeigt – basierend auf einer Wahrscheinlichkeitsrechnung – was das erfolgversprechendste Design ist. Und das ist ganz und gar un-italienisch; für andere Marken, die evolutionär agieren, mag dies funktionieren. Für uns gilt es, etwas Neues, etwas Überraschendes zu schaffen – daher ist KI für mich ein wichtiges kreatives Instrument, aber das war es auch. Es ist nicht mehr als das, was früher ein Stift oder eine Lineal war. Letztendlich liegt es in meiner Verantwortung, eine klare Vision zu haben, wo es hingeht. Im Einklang mit der Technologie – ausserhalb von «KI Package Performance». Was ist möglich? Was ist der Status des Fahrzeuges in der Gesellschaft? Das sind dann die wichtigeren Themen. Welches war bislang dein anspruchsvollstes Projekt bei Maserati? Wie hast du es zum Erfolg geführt? Das nächste (lacht). Sehr gute Frage, aber die mag ich. Zeigt, dass es schön ist, die Fragen nicht bereits vorab zu kennen. Ich habe ja schon tausende Fragen gestellt bekommen, aber das ist das so eine Frage, bei der man wirklich mal nachdenken muss. Ich korrigiere mich: Neben dem nächsten Projekt war es wahrscheinlich mein erstes bei Maserati. Das erste, weil es das Herantasten an diese fantastische Marke war. Ich musste lernen, Gespräche führen, herumreisen. Modena, Bologna, Turin. Gespräche mit Giorgetto Giugiaro, mit Lorenzo Ramaciotti, mit Marcello Gandini. Ich musste verstehen, wie ich dieses wertvolle Gut mit meinem Team in die Zukunft führen kann. Der MC 20, um den es ging, war ein sehr wichtiges Projekt, weil wir mit ihm einen grossen Schritt im Maserati Design gemacht haben. Wir

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sprechen von «Balance of the Opposites». Maximale Eleganz des oberen Fahrzeugkörpers, verbunden mit Technik, die den Stolz der Ingenieure in Modena darstellt. Ich bin erleichtert, dass das Auto sehr gut ankommt. Und dann ist natürlich immer das nächste Fahrzeug eine anspruchsvolle Challenge, insbesondere, wenn es nicht einfach die logische Evolution ist… Welche besonderen Herausforderungen stellen vollelektrische Fahrzeuge an das Design? Wie bringst du diese mit der charakteristischen Designsprache von Maserati in Einklang? Wenn man sich mit der Materie nicht auseinandergesetzt hat, könnte man rasch sagen «Die Herausforderungen sind dramatisch». Wir kamen zum Schluss, dass es wirklich kein Problem ist. Dass es sogar leichter ist. Und hier die Erklärung. Wenn ich vorher einen VerbrennerMotor hatte, ob das jetzt ein Sechs-, Achtoder Zwölf-Zylinder ist, dann braucht dieser physikalischen Platz. Und das beschränkt die Möglichkeiten, was ich mit dem Fahrzeug machen kann, stark – weil wir das Gewicht zwischen den Achsen haben wollen. Beim elektrischen Fahrzeug sind die Motoren relativ klein und ich kann die Batterien – das sind ja relativ kleine Komponenten – im Grunde so verteilen, wie ich das möchte. Manche Hersteller haben sich entschieden, das als «Skateboard» zu machen – dadurch sitze ich auf den Batterien, was dafür sorgt, dass das Fahrzeug höher ist. Gleichzeitig habe ich viel Gewicht auf der Aussenseite des Fahrzeugs, was nicht gut für die Performance ist. Unsere Ingenieure haben die Batterien zentral im Auto angeordnet. Dadurch habe ich das ganze Gewicht zentral im Fahrzeug und kann die Sitze links und rechts tief lassen – und nach wie vor eine tolle Silhouette realisieren. Zudem können wir das für Maserati charakteristische Gesicht beibehalten – während viele Marken eher gesichtslos unterwegs sind. Und wir haben ein paar wunderschöne Felgen designt, die nochmals aerodynamischer und effizienter sind – ohne das Thema der Identität aufzugeben. Da unsere Auto sehr puristisch (oder «clean») sind, ist es so wichtig, ikonische Elemente zu haben, die die Marke symbolisieren. Also in Kürze: Für uns war Elektrik eine ganz

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tolle Erfahrung, weil wir unsere Fahrzeuge mit unseren Ingenieuren um das Thema Performance herum bauen konnten. Maserati ist bekannt für Hochleistungsfahrzeuge und deren unverwechselbaren Sound. Wie wirkt sich die Umstellung auf elektrische Antriebe auf die Leistungsmerkmale und das Fahrerlebnis aus? Also fangen wir mit dem Fahrerlebnis an: Sensationell. Ich bin schon vor langer Zeit einen der ersten unserer Gran Turismo Elektrik Prototypen gefahren. 750 PS, mit dem Gewicht zentral. Über die Softwaretechnologie kann ich die Kraft blitzschnell jeweils an das Rad bringen, wo sie gebraucht wird. Diese kontrollierbaren Kräfte, die hier am Werk sind, sind einfach mindblowing. Ich weiss kein passendes deutsches Wort! Bezüglich Sound: Ein ganz wichtiges Thema. Als ich das Maserati Design vor achteinhalb Jahren übernahm, haben wir uns bereits über das Thema Elektrifizierung unterhalten. Damals war das noch keine Diskussion in der Marke, aber für unser Team natürlich ein Thema. Was wäre wenn? Wir haben folgendes gemacht. Wir hatten ein wunderschönes Video von einem Maserati A6GCS 1954, einer der most iconic Maseratis. Wie er nach der Mille Miglia durch die Strassen von Brescia donnert. Ich habe das Team gebeten: lasst uns einfach mal den Ton ausmachen. Und klassische Musik spielen. Und plötzlich war das nicht mehr diese donnernde Gewalt, die dich fast «überpowered», aus dem Fahrzeug wurde eine rollende Skulptur. Das war für alle ein Gänsehaut-Moment. Alle dachten «Wow!». Und in dem Moment war uns klar, dass wir uns auf Elektrifizierung freuen, weil sie ein Fahrzeug mehr als je zu einer rollenden Skulptur macht. Und dann vielleicht noch etwas Persönliches. Ich fahre privat das jetzt auslaufende GranCabrio Modell mit dem V8. Eher selten in der Stadt, ich bin gerne in der Natur unterwegs, in den Bergen, auf Pässen. Und habe mich schon oft gewundert: Wäre es nicht schön, wenn ich – offen fahrend – den Sound mal ausschalten könnte? Und nicht laut durch die schönste Natur zu donnern? Diesen Traum haben wir uns jetzt erfüllt! Ich freue mich schon auf meine erste private Ausfahrt

mit einem elektrischen GranCabrio. Auf meinen Lieblingsstrassen, wo du dann plötzlich wirklich nur noch dieses unglaubliche Fahrgefühl hast. Der Sound ist natürlich nicht komplett unwichtig. Einerseits gibt es die Richtlinie, dass bis zu einer Geschwindigkeit von 25 km/h Sound generiert werden muss, damit man keine Fussgänger überrascht. Zugleich ist der Sound ein wichtiges Signal für den Fahrer, um ein wenig Feedback zu bekommen: «Wie schnell bin ich jetzt gerade eigentlich unterwegs?» Das ist dir sicher auch schon mal passiert, dass du in einem sehr guten Auto (vielleicht in einem Maserati) unterwegs und plötzlich überrascht bist, wie schnell du fährst. Deshalb ist dieser Sound nach wie vor psychologisch wichtig. Aber es müssen bei einem leisen Auto nicht 100 Dezibel sein. Elektrofahrzeuge bieten aufgrund des Fehlens traditioneller mechanischer Komponenten auch neue Möglichkeiten für ein innovatives Innendesign. Wie nutzt du diese «Freiheit», um ein überzeugendes und luxuriöses Interieur zu schaffen? Beim «Innenraum-Package» gibt es keinen grossen Unterschied, weil wir den Raum, der durch das Getriebe frei geworden ist, für die Batterien nutzen. Wir haben aber die Elektrifizierung als Ansporn genommen, Innovation weiter voranzutreiben. Eine unserer Fragen lautete: «Muss die Reise mit Materialien wie Leder, Carbon und Holz enden – oder gibt es noch etwas anderes?» Wir haben viele Jahre Innovationsarbeit geleistet und ein Material aus der FashionIndustrie ins Auto geholt. Wir sind die ersten, die es anbieten. Es handelt sich um recyceltes Nylon – als Alternative zum Leder. Im Gegensatz zu recyceltem Plastik hat recyceltes Nylon einen wunderschönen «Silky Feel». Dieses neue Material haben wir mit einer faszinierenden Bearbeitungstechnik kombiniert. Und haben ein Muster entworfen, das das Thema «Metamorphose» – vom vom Benziner zur Elektrifizierung – aufgreift. Das Design ist parametrisch und wird per LaserEdging generiert. Die Lasertechnologie haben wir mit einem Zulieferer in Italien entwickelt; sie wird sich in den kommenden Jahren auch in anderen Autos finden. Für mich ist es schön zu wissen, dass wir was geschaffen haben, mit dem wir zeigen – mit den Worten von Gustav Mahler – dass

wir nicht auf die Asche schauen, sondern das Feuer in die Zukunft tragen. In diesem Fall den Laser. All dies sind Technologien, die etwas «Kaltes» erzeugen können; geht man sie aber mit Italian Creativity an, kommt etwas Schönes dabei heraus. By the way - ich bin ja kein Italiener, wie du weisst. Aber es gibt ja auch keine italienischen Kaffeebohnen im Espresso. Und deshalb ist für mich der Espresso meine Daseinsberechtigung. Wo holst du dir Inspirationen? Welchen Hobbys oder Interessen gehst du ausserhalb des Automobildesigns nach, wie beeinflusst dies deinen kreativen Prozess? Inspiration ist für mich überall. In den seltensten Fällen ist es ein anderes Auto. Städte wie Tokio oder Paris finde ich sehr inspirierend – weil da einfach Energie ist und man «frische» Dinge entdecken kann. Selbst wenn ich privat unterwegs bin, am Wochenende, im Urlaub, lerne ich gerne dazu. Zudem habe ich mich kürzlich mit der Geschichte grosser Designhäuser befasst.

Beispielsweise einen ganzen Tag lang mit Hermés. Habe nochmals Napoleon den dritten studiert, die grossen Boulevards in Paris. Es ging darum, zu begreifen: Am Anfang war Luxus den europäischen Adligen vorbehalten, doch dann wurde der Adel abgeschafft. Plötzlich konnte man über Leistung Status gewinnen und Luxus geniessen. Die von Baron Haussmann geschaffenen grossen Boulevards boten sich als Flaniermeile an, hier konnte man seinen Luxus auch zeigen. Perfekt für Häuser wie Hermés oder Louis Vuitton. Zusammenhänge wie diese liebe ich zu entdecken. Man kann nicht für eine Marke wie Maserati arbeiten und Scheuklappen aufhaben. Das gilt natürlich nicht nur für die Vergangenheit. Genauso wichtig ist zu wissen, was in Sachen Luxus in Asien passiert. Oder in den USA. Und was dort die Rolle des Autos ist. Wenn man in ein anderes Land zieht, muss man sich oft an neue Bräuche gewöhnen. Was sind für dich als Deutscher die lohnendsten, welches die herausfor-

derndsten Aspekte des Lebens in Italien? Das Schöne ist: Ich habe in Italien sowohl meine Liebe für Rotwein als auch meine Liebe für Espresso entdeckt. Im Gegensatz zu Rotwein bedarf Espresso einer Erklärung. Was ist Espresso? Espresso ist demokratischer. Man kann nicht sagen Luxus, weil Luxus ist was anderes. Aber dieser Moment des Genusses, des Innehaltens. Das Trinken eines Espressos dauert zwar nicht länger als 30 Sekunden, aber man geht gemeinsam mit einem Kollegen … Da wird geklopft, es rattert, die Luftfeuchtigkeit muss perfekt sein, dann zischt es. Und all das für 30 Sekunden. Das ist doch toll, oder? Und es wird gleichermassen zelebriert, egal, ob ich jetzt in Mailand bin, in einem Armani Café, oder irgendwo in Italien an einer Raststätte. Man geht hin und bekommt einen top Espresso. Das ist natürlich nur eines von vielen tollen Dingen. Was Challenges angeht: wie in jeder anderen Kultur muss man bereit sein, wirklich einzutauchen. Bereit sein, vieles hinter sich zu lassen. Das kann ich. ____________

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tionnel». En 1947, nous avons commencé à construire des voitures pour la route en plus des voitures de course. Si l’on regarde les années 50 et 60, il s’agissait de véhicules très élégants – avec la 3500 GT comme jalon. Elle reflète l’esthétique de l’époque. Dans les années 70, on passe radicalement de ces formes élégantes et propres des années 50 et 60 à des formes radicales «Wedge Shape». Dans les années 70, l’ambiance générale est au renouveau. On le constate aussi dans le monde de la mode: des marques comme Chanel et Dior se sont complètement réinventées dans les années 70. Dans la construction automobile, s’ajoutait le fait que le moteur pouvait soudain se trouver à l’arrière, et qu’un véhicule pouvait donc aussi avoir une autre silhouette. C’était donc une rupture brutale. Puis vint la crise du pétrole. Dans les années 80 et 90, les voitures en général, et pas seulement Maserati, sont devenues beaucoup plus pragmatiques. D’autres technologies de fabrication ont été utilisées. Soudain, Maserati avait aussi des pare-chocs en plastique. Il s’agit donc d’un nouveau bond en avant. Depuis le début du millénaire, nous sommes revenus à des formes élégantes et romantiques. Tous les dix ou vingt ans, la société, la technique et les conditions générales ont donc tellement changé que nous avons à chaque fois trouvé une autre réponse.

Klaus Busse, responsable du design Maserati. Klaus Busse est né le 28 avril 1969 à Stuttgart, en Allemagne. Il a grandi en Allemagne, où il a développé sa passion pour le design automobile. Il vit aujourd’hui à Turin, en Italie, où il est responsable du design chez Maserati. A travers sa carrière impressionnante dans le secteur automobile, il s’est fait connaître par son design innovant et sa profonde compréhension des voitures de luxe et de sport. Avant de rejoindre Maserati, Busse a dirigé l’équipe de design de FCA (Fiat Chrysler Automobiles) en Europe, où il a joué un rôle déterminant dans la conception

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de marques telles qu’Alfa Romeo et Jeep. Son travail se caractérise par une combinaison harmonieuse d’élégance italienne et de sophistication technique qui rend les véhicules Maserati reconnaissables parmi tous. Dans le cadre du récent lancement de la Maserati GranCabrio entièrement électrique, nous avons eu l’occasion de nous entretenir avec Klaus. Maserati a une riche histoire de designs iconiques. Comment t’assures-tu que tes créations pour les nouveaux modèles rendent hommage à cet héritage tout en établissant de nouvelles normes? Si l’on regarde le design de Maserati, on peut parler d’une sorte de «design généra-

Et c’est typiquement italien. Par rapport aux constructeurs automobiles allemands, nous sommes plutôt révolutionnaires. En Allemagne, on montre à chaque fois les modèles précédents, on voit qu’il s’agit d’une évolution prudente. Dans le contexte allemand cela fonctionne très bien. Mais le design italien fonctionne différemment. J’ai demandé au légendaire designer industriel Giorgetto Giugiaro: «Qu’est-ce que le design italien?» Il a ri et a répondu «Nous avons toujours fait le meilleur à un moment donné, le «The best in the moment». C’est le design italien, c’est pourquoi il y a ces décalages parfois considérables. Le magnifique volume de nos voitures est notamment dû au fait que nos voitures de course avaient des roues indépendantes que nous devions couvrir et y ajouter des feux. Dans ce contexte, je voudrais également citer Gustav Mahler, qui a dit un jour «la tradition n’est pas l’adoration des cendres, mais la transmission du feu». Une longue réponse à une courte question. Mais c’est bien sûr un aspect important de mon travail.

Quelles sont les nouvelles technologies qui jouent un rôle dans le design automobile moderne? Quelle est l’importance de l’intelligence artificielle (IA)? Il ne fait aucun doute que l’IA est un outil créatif pour nous. Mais revenons d’abord en arrière. Le voyage de la voiture des années 50 aux années 2000 peut être directement mis en relation avec les technologies de représentation disponibles à l’époque. Il y a bien sûr eu la table de brouillon; les voitures étaient créées à l’aide de modèles Fishbone – comme les avions, c’était vraiment de l’«architecture». Dans les années 70 et 80, les voitures ont été ensuite conçues à l’aide de dessins, principalement en vue latérale, et il s’agissait presque exclusivement de proportions. Puis est arrivée des États-Unis la vague de la technologie du papier transparent. Je l’ai aussi apprise, elle permet presque de créer des effets d’aérographe. Tout à coup, les voitures sont devenues plus douces – nous l’avons également vu chez Maserati après 2000. Puis sont arrivés Photoshop et Quantum Design. À l’époque, il fallait dix heures pour créer un rendu Vellum... Soudain, il n’y avait plus un design, mais une multitude de designs coexistants. Outre la «création», la «curation» est devenue extrêmement importante – pouvoir faire le bon choix. C’est un critère de différenciation important pour quelqu’un qui postule chez moi. Un designer doit avoir une vraie position. Les changements sont aujourd’hui faciles à réaliser et ne prennent que quelques secondes. Si l’on ne peut pas se décider ici et que l’on souhaite laisser le chef décider, cela ne fonctionne pas. Je m’entoure de designers qui ont une opinion ferme.

Il ne faut pas oublier: L’IA est aujourd’hui encore simplement un miroir de tout ce qui s’est déjà passé. Et montre – sur la base d’un calcul de probabilité – quelle est la conception la plus prometteuse. Et cela n’est pas du tout italien; pour d’autres marques qui agissent de manière évolutive, cela peut fonctionner. Pour nous, il s’agit de créer quelque chose de nouveau, de surprenant – c’est pourquoi l’IA est pour moi un outil créatif important, mais c’est tout. Ce n’est rien de plus que ce qu’était un stylo ou une règle auparavant. En fin de compte, il est de ma responsabilité d’avoir une vision claire de la direction à prendre. En accord avec la technologie – en dehors de la «performance du package IA». Qu’estce qui est possible? Quel est le statut du véhicule dans la société? Ce sont alors les questions les plus importantes. Quel a été jusqu’à présent ton projet le plus ambitieux chez Maserati? Comment l’as-tu mené à bien? Le suivant (rires). Très bonne question, mais j’aime bien cellelà. Cela montre qu’il est agréable de ne pas connaître les questions à l’avance. On m’a

déjà posé des milliers de questions, mais là, c’est vraiment le genre de question qui demande de la réflexion. Je me corrige: outre le projet suivant, c’était probablement mon premier chez Maserati. Le premier parce que c’était l’approche de cette marque fantastique. J’ai dû apprendre, avoir des entretiens, voyager. Modène, Bologne, Turin. Discuter avec Giorgetto Giugiaro, Lorenzo Ramaciotti, Marcello Gandini. J’avais besoin de comprendre comment je pouvais conduire ce bien précieux vers l’avenir avec mon équipe. La MC 20, dont il était question, était un projet très important parce qu’avec elle, nous avons fait un grand pas dans le design Maserati. Nous parlons d’«équilibre des oppositions». Une élégance maximale de la partie supérieure de la voiture, associée à une technologie qui fait la fierté des ingénieurs de Modène. Je suis soulagé de voir que la voiture est très bien accueillie. Et puis, bien sûr, le véhicule suivant est toujours un défi exigeant, surtout s’il ne s’agit pas simplement d’une évolution logique ...

Et maintenant, parlons de l’intelligence artificielle. Avec l’IA, je peux faire 100 dessins sur mon téléphone parallèlement à notre conversation actuelle. Pas de problème du tout: de nouvelles Maserati conçues sur mon téléphone, avec l’aide de l’intelligence artificielle. Souvent, on m’envoie même des propositions extrêmement attrayantes. Mais ici, c’est d’autant plus important: cette «auto-curation». Pour moi, en tant que responsable du design, cela signifie: choisir ce qui convient à la marque, ce qui reflète une vision claire de l’avenir. Lorsque cette interview sera publiée, l’IA sera peut-être déjà complètement différente. C’est une révolution (presque) quotidienne.

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Quels sont les défis particuliers que posent les véhicules tout électriques en termes de design? Comment les concilies-tu avec le langage de design caractéristique de Maserati? Si l’on ne s’est pas penché sur le sujet, on pourrait rapidement dire «les défis sont dramatiques». Nous sommes arrivés à la conclusion que ce n’est vraiment pas un problème. Que c’est même plus facile. Et voici l’explication. Si j’avais auparavant un moteur à combustion, qu’il s’agisse d’un six, d’un huit ou d’un douze cylindres, celui-ci prend de la place physique. Et cela limite fortement les possibilités de ce que je peux faire avec le véhicule – parce que nous voulons avoir le poids entre les essieux. Dans un véhicule électrique, les moteurs sont relativement petits et je peux répartir les batteries – qui sont des composants relativement petits – comme je le souhaite. Certains constructeurs ont décidé de le faire sous forme de «skateboard» – ainsi, je suis assis sur les batteries, ce qui fait que le véhicule est plus

haut. En même temps, j’ai beaucoup de poids sur l’extérieur de la voiture, ce qui n’est pas bon pour la performance. Nos ingénieurs ont placé les batteries au centre de la voiture. Cela me permet d’avoir tout le poids au centre de la voiture et de laisser les sièges bas à gauche et à droite – tout en continuant à réaliser une superbe silhouette. De plus, nous pouvons conserver le visage caractéristique de Maserati – alors que de nombreuses marques se déplacent plutôt sans visage. Et nous avons dessiné de magnifiques jantes qui sont encore plus aérodynamiques et efficaces – sans pour autant abandonner le thème de l’identité. Comme nos voitures sont très épurées (ou «clean»), il est si important d’avoir des éléments iconiques qui symbolisent la marque.

Maserati est connu pour ses véhicules hautes performances et leur son distinctif. Quel est l’impact du passage à la propulsion électrique sur les caractéristiques de performance et l’expérience de conduite? Commençons donc par l’expérience de conduite: sensationnelle. J’ai conduit il y a longtemps l’un de nos premiers prototypes Gran Turismo électriques. 750 ch, avec le poids au centre. Grâce à la technologie logicielle, je peux transmettre la puissance à la roue où elle est nécessaire en un clin d’œil. Les forces contrôlables qui sont à l’œuvre ici sont tout simplement époustouflantes. Je ne connais pas de mot français approprié!

Concernant le son: un thème très important. Lorsque j’ai repris le design Maserati il y a huit ans et demi, nous avions déjà discuté de l’électrification. À l’époque, ce Donc en bref: Pour nous, l’électrique a été une expérience tout à fait formidable, n’était pas encore une discussion au sein car nous avons pu construire nos véhicules de la marque, mais c’était évidemment un sujet de préoccupation pour notre équipe. avec nos ingénieurs autour du thème Et si c’était le cas ? de la performance. Voici ce que nous avons fait. Nous avions une magnifique vidéo d’une Maserati A6GCS 1954, l’une des Maserati les plus iconiques. Comment elle tonne dans les rues de Brescia après les Mille Miglia. J’ai demandé à l’équipe: coupons simplement le son. Et mettons de la musique classique. Et soudain, ce n’était plus cette violence tonitruante qui te «surpuissait» presque, le véhicule devenait une sculpture roulante. Tout le monde en a eu la chair de poule. Tout le monde s’est dit «Waouh!». Et à ce moment-là, nous avons compris que nous étions impatients de voir l’électrification, car elle transforme plus que jamais un véhicule en une sculpture roulante. Et puis, il y a peut-être quelque chose de plus personnel. Je conduis à titre privé le modèle GranCabrio avec le V8, qui est maintenant en fin de vie. Plutôt rarement en ville, j’aime me promener dans la nature, en montagne, dans les cols. Et je me suis souvent posé la question: ne serait-ce pas bien si je pouvais – en roulant ouvert – couper le son de temps en temps? Et ne pas gronder bruyamment à travers la plus belle nature? Nous venons de réaliser ce rêve! Je me réjouis déjà de ma première sortie privée avec une GranCabrio électrique. Sur mes routes préférées, où tu n’auras soudain plus que cette incroyable sensation de conduite.

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Bien sûr, le son n’est pas complètement négligeable. D’une part, la directive stipule que le son doit être généré jusqu’à une vitesse de 25 km/h afin de ne pas surprendre les piétons. D’autre part, le son est un signal important pour le conducteur afin d’obtenir un peu de feed-back: «À quelle vitesse suisje en train de rouler en ce moment?» Tu l’as certainement vécu: tu es au volant d’une très bonne voiture (peut-être une Maserati) et soudain tu es surpris de la vitesse à laquelle tu roules. C’est pourquoi ce son reste psychologiquement important. Mais il n’est pas nécessaire que ce soit 100 décibels pour une voiture silencieuse. En raison de l’absence de composants mécaniques traditionnels, les véhicules électriques offrent également de nouvelles possibilités pour un design d’intérieur innovant. Comment utilises-tu cette «liberté» pour créer un intérieur convaincant et luxueux? Il n’y a pas de grande différence au niveau du «package intérieur», car nous utilisons l’espace libéré par la boîte de vitesses pour les batteries. Mais nous avons pris l’électrification comme une incitation à poursuivre l’innovation. L’une de nos questions était la suivante: «Le voyage doit-il s’arrêter aux matériaux tels que le cuir, le carbone et le bois – ou y a-t-il autre chose?» Nous avons passé de nombreuses années à innover et à faire entrer dans la voiture un matériau issu de l’industrie de la mode. Nous sommes les premiers à le proposer. Il s’agit de nylon recyclé – comme alternative au cuir. Contrairement au plastique recyclé, le nylon recyclé a un magnifique «Silky Feel». Nous avons combiné ce nouveau matériel avec une technique de traitement fascinante. Et nous avons créé un motif qui reprend le thème de la «métamorphose» – du moteur à essence à l’électrification. Le design est paramétrique et généré par laser-edging. Nous avons développé la technologie laser avec un fournisseur en Italie; on la retrouvera dans d’autres voitures dans les années à venir. Pour moi, il est agréable de savoir que nous avons créé quelque chose à travers lequel nous montrons – pour reprendre les mots de Gustav Mahler – que nous ne regardons pas les cendres, mais que nous portons le feu vers l’avenir. En l’occurrence, le laser. Toutes ces technologies peuvent produire quelque chose de «froid», mais si on les aborde avec la créativité italienne, on obtient quelque chose de beau.

Au fait – je ne suis pas italien, comme tu le sais. Mais il n’y a pas non plus de grains de café italiens dans l’espresso. Et c’est pourquoi, pour moi, l’espresso est ma raison d’être. Où trouves-tu l’inspiration? Quels sont tes hobbies ou tes intérêts en dehors du design automobile, comment cela influence-t-il ton processus créatif? Pour moi, l’inspiration est partout. Il est très rare que ce soit une autre voiture. Je trouve des villes comme Tokyo ou Paris très inspirantes – parce qu’il y a tout simplement de l’énergie et que l’on peut y découvrir des choses «fraîches». Même lorsque je voyage à titre privé, le week-end ou en vacances, j’aime apprendre de nouvelles choses. En outre, je me suis récemment penchée sur l’histoire des grandes maisons de design. Par exemple, une journée entière consacrée à Hermès. J’ai étudié une nouvelle fois Napoléon III, les grands boulevards de Paris. Il s’agissait de comprendre: au début, le luxe était réservé aux nobles européens, puis la noblesse a été abolie. Soudain, on pouvait gagner un statut par la performance et profiter du luxe. Les grands boulevards créés par le baron Haussmann se prêtaient à la flânerie, on pouvait aussi y afficher son luxe. C’était parfait pour des maisons comme Hermès ou Louis Vuitton. J’aime découvrir des contextes comme celui-ci. On ne peut pas travailler pour une marque comme Maserati et avoir des œillères. Bien sûr, cela ne vaut pas seulement pour le passé. Il est tout aussi important de savoir ce qui se passe en matière de luxe en Asie. Ou aux États-Unis. Et quel est le rôle de la voiture là-bas. Quand on déménage dans un autre pays, on doit souvent s’habituer à de nouvelles coutumes. En tant qu’Allemand, quels sont pour toi les aspects les plus gratifiants et les plus exigeants de la vie en Italie? Ce qui est beau, c’est que: en Italie, j’ai découvert mon amour pour le vin rouge et pour l’espresso. Contrairement au vin rouge, l’espresso nécessite une explication. Qu’est-ce que l’espresso? L’espresso est plus démocratique. On ne peut pas dire luxe, parce que le luxe, c’est autre chose. Mais ce moment de plaisir, de pause. Boire un espresso ne prend certes pas plus de 30 secondes, mais on y va ensemble avec un collègue... Il y a des coups, ça s’agite, l’humidité de l’air doit être parfaite, puis ça

siffle. Et tout cela pendant 30 secondes. C’est génial, non? Et c’est célébré de la même manière, que je sois à Milan, dans un café Armani, ou quelque part en Italie sur une aire d’autoroute. On y va et on obtient un espresso au top. Ce n’est bien sûr qu’une des nombreuses choses formidables. En ce qui concerne les challenges: comme dans toute autre culture, il faut être prêt à s’immerger vraiment. Être prêt à laisser beaucoup de choses derrière soi. Je peux le faire. ____________

Klaus Busse, Responsabile del Design Maserati. Klaus Busse è nato il 28 aprile 1969 a Stoccarda, in Germania. È cresciuto in Germania, dove ha sviluppato la sua passione per il design automobilistico. Oggi vive a Torino, in Italia, dove lavora come responsabile del design di Maserati. Con una carriera impressionante nell’industria automobilistica, si è affermato grazie al suo design innovativo e alla sua profonda conoscenza delle auto di lusso e sportive. Prima di entrare in Maserati, Busse ha guidato il team di design di FCA (Fiat Chrysler Automobiles) in Europa, dove ha contribuito alla progettazione di marchi come Alfa Romeo e Jeep. Il suo lavoro è caratterizzato da un’armoniosa combinazione di eleganza italiana e raffinatezza tecnica che rende inconfondibili le vetture Maserati. In occasione del recente lancio della Maserati GranCabrio completamente elettrica, abbiamo avuto l’opportunità di parlare con Klaus. ITALIANO

Maserati ha una ricca storia di design iconici. Come fate a garantire che i vostri progetti per i nuovi modelli rendano omaggio a questo patrimonio e stabiliscano allo stesso tempo nuovi standard? Se si guarda al design di Maserati, si può parlare di una sorta di «design generazionale». Nel 1947 abbiamo iniziato a costruire veicoli per la strada e auto da corsa. Se si guarda agli anni ‘50 e ‘60, si trattava di veicoli molto eleganti, con la 3500 GT come pietra miliare. Rifletteva l’estetica dell’epoca. Negli anni ‘70 si è passati dalle forme eleganti e pulite dei

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due decenni precedenti a quelle radicali «a cuneo». Negli anni ‘70 si respirava un clima di cambiamento generale. Anche nel mondo della moda: marchi come Chanel e Dior si reinventarono completamente. Nell’industria automobilistica, il fatto che il motore potesse improvvisamente trovarsi nella parte posteriore consentiva al veicolo di poter avere anche una silhouette diversa. In altre parole, una grande rottura con il passato. Poi arrivò la crisi petrolifera. Negli anni ‘80 e ‘90 le auto in generale, non solo la Maserati, divennero molto più pragmatiche. Vennero utilizzate altre tecnologie di produzione. Improvvisamente Maserati si dotò anche di paraurti in plastica. Un altro salto evidente. Dall’inizio del nuovo millennio siamo tornati a forme eleganti e romantiche. Così, ogni dieci o vent’anni, la società, la tecnologia e le condizioni generali sono cambiate a tal punto che ogni volta abbiamo trovato una risposta diversa. E questo è tipicamente italiano. Rispetto alle case automobilistiche tedesche, noi siamo più rivoluzionari. In Germania vengono sempre mostrati i modelli precedenti; si vede che si tratta di un’evoluzione cauta. Questo funziona molto bene nel contesto tedesco. Tuttavia, il design italiano funziona in modo diverso. Ho chiesto alla leggenda del design industriale Giorgetto Giugiaro: «Che cos’è il design italiano?». Si è messo a ridere. E ha risposto: «Abbiamo sempre fatto il meglio in quel preciso momento, The Best in the moment». Questo è il design italiano, ed è per questo che ci sono cambiamenti a volte notevoli. Il bel volume dei nostri veicoli è in parte dovuto al fatto che le nostre auto da corsa avevano ruote libere, che abbiamo dovuto coprire, e che abbiamo dovuto aggiungere le luci. In questo contesto, vorrei anche citare Gustav Mahler, che una volta disse: «La tradizione non è il culto della cenere, ma il passaggio del fuoco». È stata una risposta lunga a una domanda breve. Ma è ovviamente un aspetto importante del mio lavoro. Quali nuove tecnologie giocano un ruolo nel design delle auto moderne? Che importanza ha l’intelligenza artificiale (IA)? Senza dubbio l’intelligenza artificiale è uno strumento creativo per noi. Ma guardiamo prima al passato. Il percorso dell’automobile dagli anni ‘50 al 2000 può essere direttamente collegato alle tecnologie di visualizzazione disponibili all’epoca. Un tempo c’era sicura-

mente il vero «tavolo da disegno»; le auto venivano create utilizzando modelli a lisca di pesce – come gli aeroplani, quella era vera e propria «architettura». Negli anni ‘70 e ‘80, le auto venivano progettate principalmente di lato con l’aiuto di disegni; si trattava quasi esclusivamente di proporzioni. Poi è arrivata l’ondata di tecnologia della carta da lucido dagli Stati Uniti. Ho imparato a usarla anch’io: permette di creare effetti quasi di aerografo. Improvvisamente le auto sono diventate più soft – lo abbiamo visto anche con la Maserati dopo il 2000. Sono arrivati Photoshop e Quantum Design. All’epoca, ci volevano dieci ore per creare un rendering di Vellum... Improvvisamente non c’era più un solo design, ma una moltitudine di design coesistenti. Oltre alla «creazione», è diventata estremamente importante la «cura», ovvero la capacità di fare la scelta (selezione) giusta. Un importante punto di forza per chi si candida a lavorare con me. Un designer deve avere una posizione reale. Oggi i cambiamenti sono semplici e possono essere realizzati in pochi secondi. Se non sei in grado di prendere una decisione e vuoi lasciare che sia il capo a decidere, non funzionerà. Mi circondo di progettisti che hanno un’opinione. E ora passiamo all’intelligenza artificiale. Con l’intelligenza artificiale, posso realizzare 100 progetti sul mio telefono, in parallelo, mentre si svolge la nostra conversazione. Nessun problema: nuove Maserati disegnate sul mio cellulare con l’intelligenza artificiale. Le proposte sono spesso molto interessanti. Ma ancora più importante è questa «Self Curation». Per me, in qualità di responsabile del design, ciò significa scegliere ciò che si adatta al marchio, ciò che ha una chiara visione del futuro. Quando questa intervista sarà pubblicata, l’IA potrebbe essere di nuovo completamente diversa. È una rivoluzione (quasi) quotidiana.

Per non dimenticare: l’IA oggi è ancora semplicemente uno specchio di ciò che è già accaduto. E mostra – sulla base di un calcolo delle probabilità – qual è il progetto più promettente. E questo è del tutto anti-italiano; può funzionare per altri marchi che operano in modo evolutivo. Per noi si tratta di creare qualcosa di nuovo, di sorprendente, quindi l’IA è uno strumento creativo importante per me, ma niente di più. Non è più di quello che era una matita o un righello. In definitiva, è mia responsabilità avere una visione chiara di dove stiamo andando. In linea con la tecnologia – al di fuori di «AI Package Performance». Cosa è possibile fare? Qual è lo status del veicolo nella società? Queste sono le questioni più importanti. Qual è, ad oggi, il suo progetto più impegnativo in Maserati? Come ha fatto a renderlo un successo? Il prossimo (ride). Ottima domanda, ma mi piace. Dimostra che è bello non conoscere le domande in anticipo. Mi hanno fatto migliaia di domande, ma questo è il tipo di domanda che fa davvero riflettere. Mi correggo: a parte il prossimo progetto, probabilmente

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è stato il mio primo da Maserati. Il primo perché è stata la prima volta che ho avuto a che fare con questo fantastico marchio. Ho dovuto imparare, conversare, viaggiare. Modena, Bologna, Torino. Conversazioni con Giorgetto Giugiaro, con Lorenzo Ramaciotti, con Marcello Gandini. Dovevo capire come potevo guidare questo bene prezioso verso il futuro insieme al mio team. La MC 20 è stata un progetto molto importante, perché con essa abbiamo fatto un grande passo avanti nel design Maserati. Si parla di «equilibrio degli opposti». Massima eleganza della parte superiore del corpo vettura combinata con la tecnologia che è l’orgoglio degli ingegneri di Modena. Sono sollevato dal fatto che la vettura sia stata accolta molto bene. E poi, naturalmente, il veicolo successivo è sempre una sfida impegnativa, soprattutto quando non è semplicemente l’evoluzione logica... Quali sono le particolari sfide di design che pongono i veicoli completamente elettrici? Come si armonizzano con il caratteristico linguaggio di design Maserati? Se non si ha familiarità con l’argomento, si potrebbe dire subito che «le sfide sono drammatiche». Siamo giunti alla conclusione che non è un problema. Anzi, è addirittura più facile. Ed ecco la spiegazione. Se prima avevo un motore a combustione, che fosse a sei, otto o dodici cilindri, aveva bisogno di spazio fisico. E questo limita fortemente quello che posso fare con il veicolo, perché vogliamo avere il peso tra gli assi. In un veicolo elettrico, i motori sono relativamente piccoli e posso distribuire come voglio le batterie, che sono componenti relativamente piccoli. Alcuni produttori hanno deciso di farlo come uno «skateboard»: mi siedo sulle batterie, il che rende il veicolo più alto. Allo stesso tempo, ho molto peso all’esterno dell’auto, il che non è positivo per le prestazioni. I nostri ingegneri hanno posizionato le batterie al centro della vettura. In questo modo ho tutto il peso al centro dell’auto e posso mantenere i sedili bassi a destra e a sinistra, ottenendo comunque una silhouette eccellente. Possiamo anche mantenere il volto che è caratteristico della Maserati, mentre molti marchi tendono a essere senza volto. E abbiamo progettato dei bellissimi cerchi

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che sono ancora più aerodinamici ed efficienti, senza rinunciare al tema dell’identità. Dal momento che le nostre auto sono molto puriste (o «pulite»), è molto importante avere elementi iconici che simboleggino il marchio. Quindi, in poche parole: per noi l’elettrico è stata un’esperienza davvero fantastica, perché abbiamo potuto costruire le nostre auto intorno al tema delle prestazioni con i nostri ingegneri. La Maserati è nota per le sue vetture ad alte prestazioni e per il suo suono inconfondibile. Come influisce il passaggio alla trazione elettrica sulle caratteristiche delle prestazioni e sull’esperienza di guida? Cominciamo dall’esperienza di guida: sensazionale. Ho guidato uno dei primi prototipi elettrici della Gran Turismo molto tempo fa. 750 CV, con il peso centrale. La tecnologia software mi permette di applicare la potenza alla ruota dove serve, alla velocità della luce. Le forze controllabili in gioco sono semplicemente sbalorditive. Per quanto riguarda il suono: un argomento molto importante. Quando ho assunto la direzione del Design Maserati, otto anni e mezzo fa, stavamo già parlando di elettrificazione. All’epoca non se ne parlava ancora all’interno del marchio, ma era ovviamente un problema per il nostro team. E se? Ecco cosa abbiamo fatto. Avevamo un bellissimo video di una Maserati A6GCS del 1954, una delle Maserati più iconiche. Sfreccia per le strade di Brescia dopo la Mille Miglia. Ho chiesto al team: spegniamo l’audio. E mettiamo un po’ di musica classica. E all’improvviso non c’era più questa forza fragorosa che quasi ci «sovrastava», il veicolo diventava una scultura rotolante. È stato un momento da pelle d’oca per tutti. Tutti hanno pensato «Wow!». E in quel momento abbiamo capito che non vedevamo l’ora che arrivasse l’elettrificazione, perché rendeva il veicolo una scultura rotolante come mai prima d’ora. E poi forse qualcosa di personale. Io guido privatamente il modello GranCabrio con il V8, ormai fuori produzione. Raramente in città, mi piace viaggiare in campagna, in montagna, sui passi alpini. E mi sono spesso chiesto: Non sarebbe bello poter disattivare l’audio quando si guida a cielo aperto? E non rimbombare a tutto volume

attraverso i paesaggi più belli? Ora abbiamo realizzato questo sogno! Non vedo l’ora di fare il mio primo giro privato su una GranCabrio elettrica. Sulle mie strade preferite, dove all’improvviso si vive davvero solo questa incredibile esperienza di guida. Naturalmente, il suono non è del tutto indifferente. Da un lato, c’è una direttiva che impone di generare il suono fino a una velocità di 25 km/h, in modo da non sorprendere i pedoni. Allo stesso tempo, il suono è un segnale importante per il guidatore per ottenere un feedback: «A che velocità sto viaggiando in questo momento?». Sono sicuro che vi è già capitato: state viaggiando su un’ottima auto (magari una Maserati) e all’improvviso vi sorprendete della velocità a cui state andando. Ecco perché questo suono è ancora psicologicamente importante. Ma non deve essere necessariamente di 100 decibel in un’auto silenziosa. I veicoli elettrici offrono anche nuove opportunità per il design innovativo degli interni, venuti meno dei componenti meccanici tradizionali. Come sfruttate questa «libertà» per creare un abitacolo convincente e lussuoso? Non c’è molta differenza nel «pacchetto interno» perché utilizziamo per le batterie lo spazio liberato dal cambio. Tuttavia, abbiamo preso l’elettrificazione come un incentivo per portare avanti l’innovazione. Una delle nostre domande era: «Il viaggio deve finire con materiali come la pelle, il carbonio e il legno, o c’è qualcos’altro?». Abbiamo dedicato molti anni all’innovazione e abbiamo portato nell’auto un materiale proveniente dall’industria della moda. Siamo i primi a proporlo. È il nylon riciclato, un’alternativa alla pelle. A differenza della plastica riciclata, il nylon riciclato offre una meravigliosa «sensazione di seta». Abbiamo combinato questo nuovo materiale con un’affascinante tecnica di lavorazione. E abbiamo disegnato un motivo che riprende il tema della «metamorfosi», dalla benzina all’elettrificazione. Il disegno è parametrico e viene generato mediante taglio laser. Abbiamo sviluppato la tecnologia laser con un fornitore italiano; nei prossimi anni sarà utilizzata anche per altre vetture. Per me è bello sapere che abbiamo creato qualcosa che dimostra – per dirla con Gustav Mahler – che non stiamo guardando le ceneri, ma portando il fuoco nel futuro. In questo caso, il laser. Sono tutte tecnologie che possono produrre qualcosa di «freddo», ma se le si affronta con la creatività italiana, ne esce qualcosa di bello.

A proposito: non sono italiano, come sapete. Ma nell’espresso non ci sono chicchi di caffè italiani. Ed è per questo che, per me, l’espresso è la mia ragione d’essere. Da dove trae ispirazione? Quali hobby o interessi coltiva al di fuori del design automobilistico e come influenzano il suo processo creativo? Per me l’ispirazione è ovunque. Raramente si tratta di un’altra auto. Trovo molto stimolanti città come Tokyo o Parigi, semplicemente perché lì c’è energia e si possono scoprire cose «nuove». Anche quando viaggio privatamente, nel fine settimana o in vacanza, mi piace imparare cose nuove. Di recente ho anche approfondito la storia delle grandi case di design. Per esempio, ho trascorso un’intera giornata con Hermès. Ho studiato di nuovo Napoleone III, i grandi viali di Parigi. Si trattava di capire: all’inizio il lusso era riservato all’aristocrazia europea, ma poi l’aristocrazia è stata abolita. Improvvisamente fu possibile acquisire uno

status e godere del lusso attraverso le prestazioni. I grandi boulevard creati dal barone Haussmann si offrivano come una passeggiata dove poter sfoggiare il proprio lusso. Perfetti per case come Hermès o Louis Vuitton. Mi piace scoprire contesti come questo. Non si può lavorare per un marchio come Maserati e avere i paraocchi. Naturalmente, questo non vale solo per il passato. È altrettanto importante, nel presente, sapere cosa sta succedendo in Asia quando si parla di lusso. O negli Stati Uniti. E quale sia il ruolo dell’auto in quel Paese. Quando ci si trasferisce in un altro Paese, spesso bisogna adeguarsi a nuove abitudini. Quali sono gli aspetti più gratificanti e impegnativi del vivere in Italia per lei come tedesco? La cosa bella è che in Italia ho scoperto sia il mio amore per il vino rosso che quello per l’espresso. A differenza del vino rosso, l’espresso ha bisogno di una spiegazione. Che cos’è l’espresso?

L’espresso è più democratico. Non si può dire lusso, perché il lusso è un’altra cosa. Ma questo momento di piacere, di pausa. Per bere un espresso non ci vogliono più di 30 secondi, ma si va insieme a un collega ... Ci sono dei colpi, sferraglia, l’umidità deve essere perfetta, poi sibila. E tutto questo per 30 secondi. È fantastico, no? E viene celebrato in egual misura, indipendentemente dal fatto che mi trovi a Milano, in un caffè Armani o da qualche parte in Italia in un autogrill. Si va lì e si prende un ottimo espresso. Naturalmente, questa è solo una delle tante cose belle. Per quanto riguarda le sfide: come in qualsiasi altra cultura, bisogna essere pronti a immergersi veramente. Essere pronti a lasciarsi alle spalle molte cose. Io posso farlo. ____________

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Maserati

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arts and culture. ____________

christian de portzamparc words. Anouk Julien-Blanco images. Jonathan Taylor + Serge de Portzamparc

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Die spektakuläre neue Dior-Boutique in Genf. Im März dieses Jahres eröffnete Dior seine fünfte Boutique im Herzen von Genf. Das sechsstöckige Gebäude ist eine fabelhafte Verkörperung der stilistischen Codes des Hauses. Wir trafen den Architekten Christian de Portzamparc, der dieses architektonische Juwel entworfen hat.

DEUSTCH

Seit Dior den Schleier hinter der Fassade seines neuen Flagship-Stores gelüftet hat, herrscht in der Rue du Rhône 70 eine Art Spektakel. Passanten bleiben stehen, um eines der beeindruckendsten und «most instagrammable» Gebäude der Stadt zu sehen; sie fangen das Bild ein und posten es in den Netzwerken. Man muss sagen: das Gebäude lässt nicht gleichgültig! Die unglaubliche Fassade wurde von Christian de Portzamparc entworfen – dem ersten französischen Architekten, der den renommierten Pritzker-Preis erhielt – und weist weisse, langgezogene Kurven auf. Sechs bezaubernde Blütenblätter aus Glasfaserkunstharz sind ineinander verschlungen und ragen in den Himmel. Die Ästhetik der Genfer Boutique erinnert an die 2015 eröffnete Boutique in Seoul, die vom selben Designer entworfen wurde. Die Atmosphäre in diesem ultramodernen Schmuckstück, das sich auf 700 qm erstreckt, ist entschieden puristisch. Die Einrichtung in hellen Farben gehalten, die durch die Natürlichkeit des Holzes und die aussergewöhnlichen Möbel betont werden, und mit zahlreichen Kunstwerken von Pamela Rosenkranz, William Coggin, Martin Kline und Dashiell Manley geschmückt – eine Hommage an den Gründer und Couturier, der als Galerist und Sammler tätig war. Einige seiner wertvollen Archivskizzen zieren die Wände und werden von ikonischen Fotografien von Brigitte Niedermair begleitet. In diesen aussergewöhnlichen Räumen befindet sich auch ein immersives Wandgemälde von François Mascarello. Inspiriert von den Gemälden Ferdinand Hodlers und Cuno Amiets, hebt diese Komposition die Schönheit der Landschaften des Genfersees hervor. Andere Wunder: Dreizehn Gemälde von Thomas Trum sublimieren die Treppe, die zu den verschiedenen Welten der Marke führt. Diese Dekoration setzt die Dior-Kollektion für das Haus grandios in Szene. Auf den sechs Etagen werden eine Auswahl an

Prêt-à-porter-Modellen von Maria Grazia Chiuri, Looks der Herrenlinie von Kim Jones und Schmuckkreationen von Victoire de Castellane präsentiert. Ein weiteres Highlight für Premium-Kunden sind die beiden Salons auf den beiden obersten Etagen, die privatisiert werden können und Zugang zu einer wunderschönen Panoramaterrasse «with a view» über die Altstadt und den Genfer See bieten. Christian de Portzamparc, wie kam es zu Ihrer Zusammenarbeit mit LVMH und Bernard Arnault? 1994 bat mich Bernard Arnault, den amerikanischen Hauptsitz von LVMH in der 57th Street in New York zu entwerfen. Er wurde 1999 eröffnet und war ein grosser Erfolg. Unsere Zusammenarbeit begann mit diesem Projekt, später kamen weitere hinzu, wie das Dior-Flagship in Seoul im Jahr 2015.

FRANÇAIS La spectaculaire nouvelle boutique Dior à Genève. En mars dernier, Dior a inauguré sa cinquième boutique, en plein cœur de Genève. Le bâtiment de six étages donne vie à une fabuleuse incarnation des codes stylistiques de la maison. Nous avons rencontré l’architecte Christian de Portzamparc, qui a imaginé ce bijou architectural.

Depuis que Dior a levé le voile de la façade de son nouveau flagship, il y a comme un spectacle au 70 rue du Rhône.

Les passants s’arrêtent, capturent et postent sur les réseaux l’un des édifices les impressionnants et instagrammables de la ville. Il faut dire que le bâtiment ne laisse pas indifférent. Imaginée par Christian de Portzamparc – premier architecte français à recevoir le prestigieux prix Pritzker – , l’incroyable façade arbore des courbes blanches et longilignes. Six envoûtants pétales en résine de fibre de verre s’entrelacent et s’élèvent vers le ciel. L’esthétique de la boutique de Genève n’est pas sans rappeler celle de Séoul, inaugurée en 2015 et imaginée par le même designer. L’atmosphère de cet écrin ultracontemporain qui se

Was war Ihre erste Inspiration für das Design der neuen Dior-Boutique in Genf? Wie haben Sie das Wesen von Dior in die Architektur einfliessen lassen? Wie immer hatte ich kreativen Ehrgeiz. Aber ein Gebäude muss auf einen Ort reagieren und einer Stadt Dynamik verleihen. Ich wollte, dass die Fassade skulptural ist. Da die Rue du Rhône gerade verläuft und das Gebäude eine Ecke bildet, kam ich auf die Idee, mehrere Schalen zu haben, die in den Himmel ragen – wie Karyatiden, die ein Quadrat tragen. Dieses Quadrat allein fasst die Stadt Genf zusammen, die viereckig ist. Die blütenblattartigen Schalen verkleiden die Fassade mit ihren klaren Linien. Die Modellierung der Blütenblätter schafft eine orchestrierte Choreografie, die an die Bewegung der Tücher erinnert, die Christian Dior für seine Haute-Couture-Kreationen zerschnitt. Wie haben Sie es gemeistert, bei der Gestaltung eines Luxuseinzelhandelsgeschäfts wie der Dior-Boutique ein Gleichgewicht zwischen Funktionalität und Ästhetik zu schaffen? Die Boutique, in der Architektur, Mode und Kunst aufeinandertreffen, erscheint wie ein kleines Museum. Sie bietet nicht nur Konfektionskleidung oder Lederwaren zum Verkauf an – sie regt auch die Vorstellungskraft an. Und Luxus begleitet diesen Teil des Traums. Die Idee war, ein «Schmuckkästchen» zu schaffen, das ein aussergewöhnliches Erlebnis bietet, das die Freude nährt. ____________

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déploie sur 700 m2 est résolument épurée. Habillé de teintes claires rehaussés par la naturalité du bois et du mobilier d’exception, ce décor se constelle de nombreuses œuvres d’art de Pamela Rosenkranz, William Coggin, Martin Kline ou encore Dashiell Manley, en hommage au couturier-fondateur qui fut galeriste et collectionneur. Certains de ses précieux croquis d’archives ponctuent d’ailleurs les murs et côtoient de photographies iconiques de Brigitte Niedermair. Au sein de ces espaces exceptionnels se déploie également une fresque immersive de François Mascarello. Inspirée des peintures de Ferdinand Hodler et de Cuno Amiet, cette composition exalte la beauté des paysages du lac Léman. Autres merveilles, treize tableaux de Thomas Trum subliment l’escalier qui mènent aux différents univers de la marque. Le tout avec une décoration qui met en scène la collection Dior dédiée à la maison. Au gré des six étages est présentée une sélection constituée de modèles prêt-à-porter imaginés par Maria Grazia Chiuri, de looks de la ligne masculine réalisés par Kim Jones et des créations joaillères signées Victoire de Castellane. Autre point fort destiné cette fois aux clients premium, deux salons situés aux deux derniers niveaux sont privatisables et donnent accès à une sublime terrasse panoramique «with a view» sur la Vieille-Ville et le lac Léman. Christian de Portzamparc, comment est née votre collaboration avec LVMH et Bernard Arnault? En 1994, Bernard Arnault m’a demandé de concevoir le siège américain de LVMH de la 57ème rue à New-York. Il a été inauguré en 1999 et a obtenu un grand succès. Notre collaboration a commencé pour ce projet puis par la suite d’autres ont vu le jour, comme celui du flagship Dior de Séoul en 2015. Quelle a été votre inspiration initiale pour la conception de la nouvelle boutique Dior à Genève et comment avez-vous intégré l’essence de Dior dans l’architecture? Comme toujours, j’avais une ambition créative mais un bâtiment doit toujours répondre à un lieu et dynamiser une ville. Je voulais que la façade soit sculpturale. La rue du Rhône étant droite et l’immeuble en angle, je suis arrivé à cette idée d’avoir plusieurs coques qui monteraient vers le ciel, un peu comme des cariatides qui porteraient un carré. Ce carré à lui seul résume la ville de Genève qui est quadrangulaire. Ces coques

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en forme de pétales habillent la façade aux lignes épurées. Le modelé des pétales crée une chorégraphie orchestrée qui évoque le mouvement des toiles que découpait Christian Dior pour ses créations haute couture. Comment avez-vous relevé le défi d’équilibrer la fonctionnalité et l’esthétique dans la conception d’un espace de vente au détail de luxe comme la boutique Dior? Cette boutique, où architecture, mode et art se côtoient, apparaît comme un petit musée. Elle propose plus que du prêt-àporter ou de la maroquinerie à la vente, elle nourrit l’imaginaire. Le luxe accompagne la part du rêve. L’idée était de créer un écrin proposant une expérience hors du commun qui nourrit le plaisir. ________________________

La nuova spettacolare boutique Dior di Ginevra. Lo scorso marzo, Dior ha inaugurato la sua quinta boutique nel cuore di Ginevra. L’edificio di sei piani è una favolosa incarnazione dei codici stilistici della Maison. Ne abbiamo parlato con l’architetto Christian de Portzamparc, che ha progettato questo gioiello architettonico.

ITALIANO

Da quando Dior ha tolto il velo alla facciata del suo nuovo flagship store, il civico 70 di rue du Rhône è uno spettacolo per la

vista. I passanti si fermano, immortalano e postano sui social uno degli edifici più impressionanti e Instagrammabili della città. L’edificio decisamente non lascia indifferenti. Progettata da Christian de Portzamparc – il primo architetto francese a vincere il prestigioso Premio Pritzker – l’incredibile facciata vanta alte forme ondulate bianche. Sei ammalianti petali di resina in fibra di vetro si intrecciano e svettano verso il cielo. L’estetica della boutique ginevrina ricorda quella di Seoul, inaugurata nel 2015 e progettata dallo stesso archistar. L’atmosfera di questa vetrina ultra-contemporanea, che si estende su 700 metri quadrati, è decisamente pura. Vestito di colori chiari esaltati dalla naturalezza del legno e da mobili d’eccezione, l’arredamento è impreziosito da numerose opere d’arte di Pamela Rosenkranz, William Coggin, Martin Kline e Dashiell Manley, in omaggio al couturier-fondatore che fu gallerista e collezionista. Alcuni dei suoi preziosi schizzi d’archivio punteggiano le pareti, insieme alle iconiche fotografie di Brigitte Niedermair. Questi spazi eccezionali presentano anche un affresco immersivo di François Mascarello. Ispirata ai dipinti di Ferdinand Hodler e Cuno Amiet, questa composizione esalta la bellezza dei paesaggi del Lago di Ginevra. Un’altra meraviglia, i tredici dipinti di Thomas Trum che arricchiscono la scala che conduce ai diversi mondi del Marchio. Il tutto sullo sfondo della collezione Dior dedicata alla casa. I sei piani presentano

una selezione di modelli prêt-à-porter di Maria Grazia Chiuri, look della linea uomo di Kim Jones e gioielli di Victoire de Castellane. Un altro punto di forza, questa volta destinato ai clienti più esigenti, sono le due lounge agli ultimi due piani, che possono essere riservate per i clienti privati e danno accesso a una magnifica terrazza panoramica con vista sulla Città Vecchia e sul Lago di Ginevra. Christian de Portzamparc, come è nata la sua collaborazione con LVMH e Bernard Arnault? Nel 1994 Bernard Arnault mi chiese di progettare la sede americana di LVMH sulla 57a strada a New York. È stata inaugurata nel 1999 ed è stato un grande successo. Abbiamo iniziato a lavorare insieme per questo progetto, poi ne sono seguiti altri, come il flagship Dior a Seoul nel 2015. Qual è stata la sua ispirazione iniziale per il design della nuova boutique Dior di Ginevra e come ha incorporato l’essenza di Dior nell’architettura? Avevo un’ambizione creativa, ma un edificio deve sempre rispondere a un luogo e dare energia a una città. Volevo che la facciata fosse scultorea. Poiché la Rue du Rhône è rettilinea e l’edificio è inclinato, ho pensato a diverse conchiglie che si innalzano verso il cielo, un po’ come cariatidi che sostengono una piazza. Questa piazza riassume da sola la città di Ginevra, che è quadrangolare. Le conchiglie a forma di petalo ornano la facciata, dalle linee pure. La sagoma dei petali crea una coreografia orchestrata che evoca il movimento delle tele che Christian Dior tagliava per le sue creazioni di alta moda. Come ha affrontato la sfida di bilanciare funzionalità ed estetica nella progettazione di uno spazio commerciale di lusso come la boutique Dior? Questa boutique, dove architettura, moda e arte si incontrano, è come un piccolo museo. Non offre solo capi e oggetti di prêt-à-porter o di pelletteria in vendita, ma alimenta l’immaginazione. Il lusso va di pari passo con i sogni. L’idea era quella di creare una vetrina che offrisse un’esperienza straordinaria in grado di alimentare il piacere. ____________

words. Anouk Julien-Blanco images. Jonathan Taylor + Serge de Portzamparc

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spotlight.

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anouk and zoé: a story of sisters, beach volleyball and the Olympic dream

Anouk und Zoé. Schwestern, die nicht nur durch familiäre Bindungen, sondern auch durch ihre gemeinsame Leidenschaft für Beachvolleyball verbunden sind. Die sich auf ihrem Weg zu den Olympischen Spielen in einer einzigartigen, herausfordernden Lage befinden. Aufgewachsen in einem Elternhaus, in dem Wettbewerb und Sportlichkeit zum Alltag gehörten, überrascht ihr

DEUSTCH

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behind the scenes

Streben nach Spitzenleistungen auf dem Sandplatz keineswegs. Die Geschichte der beiden zeigt, wie familiäre Unterstützung und ein «sportliches Erbe» den Einzelnen prägen – und ihn zu Höchstleistungen in seiner gewählten Disziplin anspornen können. Nun sehen sich Anouk und Zoé mit einer neuen Realität konfrontiert: sie kämpfen gegeneinander um einen Platz bei den anstehenden Olympischen Spielen 2024 in

Paris. Dies macht ihre Beziehung und ihre berufliche Laufbahn noch vielschichtiger. Der Spagat zwischen schwesterlicher Liebe und individuellem Erfolgsstreben stellt ihre persönlichen und sportlichen Bande auf eine noch nie dagewesene Probe. Trotz dieser Herausforderungen haben die Schwestern grossen Respekt vor den Fähigkeiten und der Hingabe der jeweils anderen. Sie wissen, dass diese einzigartige Situation ihr Engagement für ihren Sport und füreinander nur noch verstärkt.

Unser Interview mit den beiden, das vor der Olympia-Qualifikation geführt wurde (das Ergebnis lag bei Drucklegung noch nicht vor), erlaubt, noch tiefer in ihre Welt einzutauchen – die des Beachvolleyballs, ihrer Familie und ihrer Beziehungen. Wie haben euer gemeinsamer familiärer Hintergrund und eure Erziehung eure sportliche Laufbahn beeinflusst? Zoé: Wir sind eine Volleyball-Familie, meine Eltern sind bereits mit Volleyball aufgewachsen und haben selbst als Spieler und Coach agiert. Somit haben wir als Kind schon Einiges mitbekommen. Zudem haben uns unsere Eltern ermöglicht, Vieles auszuprobieren: von Fussball bis Tanzen, Leichtathletik, verschiedene Instrumente. Daher sind wir breit aufgestellt. Da ich von allen Sportarten im Volleyball am besten bin, habe ich mich darauf konzentriert. Das Umfeld hat sicher geholfen, Profi zu werden: einerseits die Unterstützung von zu Hause, andererseits hat mir meine ältere Schwester den Weg zum Profi und den Lifestyle vorgelebt – und alle Fragen beantwortet. Für mich war klar, dass auch ich das unbedingt möchte. Anouk: Unser Papi aus Guadeloupe und unsere Mami aus den Schweizer Bergen sind beide Sportlehrer. Das hat mich sicher geprägt. Als Kind war ich häufig am Beachvolleyball-Feld, am Strand, in der Halle. Und habe sogar geholfen, Taktik-Blätter für Spielerinnen zu erstellen (lacht). Die Begeisterung für Sport und Werte wie Fairplay, Gerechtigkeit und Team-Spirit sind alles Dinge, die wir früh mitbekommen haben. Welche Rolle spielt deine Familie in deinem Leben ausserhalb des Volleyballs? Zoé: Ich bin ein Familienmensch. Wir geniessen die Momente, wo wir alle zusammen sind und zusammen Lachanfälle haben. Wir kennen uns sehr gut, haben viel Humor, führen gleichzeitig aber auch sehr ehrliche und harte Gespräche. Dieses Umfeld tut mir sehr gut. Auch die Insel Guadeloupe, wo wir herkommen, hat uns sehr schöne Zeiten beschert; wir suchen dort immer wieder nach Erinnerungen. Genauso wie bei unseren Grosseltern in der Nähe von Lemberg in Sankt Stefan – dies ist für uns ein Kraftort. Anouk: Unsere Familie ist auf der halben Welt verteilt: in Guadeloupe, in Italien,

Frankreich, in Kanada und der Schweiz. Wir haben einen starken Zusammenhalt. Für mich gilt immer: Family first. Ich werde von ihnen auch aufgefangen, kann abschalten. Wir kochen oft gemeinsam, oft auch etwas Kreolisches, hören zusammen Musik, tanzen und geniessen die Zeit.

das hilft sehr. Läuft ein Turnier, an dem wir beide teilnehmen, nicht so gut, können wir uns zurückziehen und etwas anderes machen – zusammen lachen, Spass haben und die Sache auflockern, ohne viel erklären zu müssen, wie wir uns gerade fühlen, weil wir es einfach wissen.

Welche Ratschläge gibt dir deine Familie, wenn du gegen deine Schwester antrittst?

Anouk: Ja, oft. Weil ich weiss, dass ich jemanden habe, mit dem ich alles besprechen kann, der immer an mich glaubt. Auf und neben dem Court. Das hilft extrem. Ebenso weiss ich, dass Zoé immer ehrlich ist mit mir, mich aufbaut. Ich habe schon oft harte Matches erlebt, wo sie mich danach wieder auf andere Gedanken und mir wieder Fröhlichkeit und Leichtigkeit gebracht hat. Das ist sicher jetzt gerade ein wenig anders, es fehlt mir auch ein bisschen. Wir sprechen aktuell einfach über alles, was nicht mit Beachvolleyball zu tun hat.

Zoé: Ich glaube, wenn es einen Ratschlag gibt, dann sicher, dass man das möglichst gut trennen sollte, dass jede für sich antritt und für ihr Team kämpft und es nicht darauf ankommt, wer auf der anderen Seite des Feldes steht, ob das jetzt die Schwester ist oder ein anderes Team. In dem Moment gibst du halt 100 % für das Team und bleibst diesem auch treu. Und das haben wir schon von Anfang an so gemacht, schon bevor es um die Olympiaqualifikation ging, weil wir schon vorher gegeneinander gespielt haben und unsere Lektionen daraus gezogen haben. Und ich glaube generell ist es einfach wichtig für unsere Familie, dass die Familie über allem steht und wir nicht unsere Beziehung an diesem Wettkampf irgendwelche Schäden davontragen, sondern die Familie immer an erster Stelle steht, egal wie es ausgeht. Klar ist es für diejenigen, die es nicht schaffen, schwierig, aber ich glaube, dass man, wenn man Familie ist, auch für andere da sein soll. Anouk: Ratschläge geben sie nicht. Sie unterstützen uns einfach, wo sie können. Und sind froh, dass wir das Sportliche und das Private trennen können. Als grosse Schwester habe ich Zoé oft gehütet. Wir sind sechs Jahre auseinander – daher waren wir vorher nie in einer Konkurrenzsituation. Nun sind wir erstmals in einer solchen: Zoé und Esmée sind derzeit dran, den Anschluss an die Top-Teams zu finden. Meine Partnerin Joana und ich waren vor Joanas Verletzung schon mal dort und sind nun daran, uns zurück an die Spitze zu kämpfen. Hilft dir der schwesterliche Zusammenhalt, Herausforderungen auf oder neben dem Spielfeld zu meistern? Zoé: Wir können Witz und Verständnis für den anderen aufbringen, egal ob wir gerade verloren oder gewonnen haben oder ob einer von uns extrem müde ist oder Jetlag hat. Wir wissen, wie sich der andere fühlt,

Welche Gefühle hast du, wenn die Mannschaft deiner Schwester einen Sieg erringt? Zoé: Ich glaube, es ist normal, dass man momentan nicht so sehr für den anderen mitfiebert, sondern eher für sich selbst und sein Team. Das ist völlig natürlich und hat nichts Persönliches, ist einfach Teil des Sports und unserer Situation. Anouk: Zur Zeit gemischte Gefühle. Einerseits bin ich natürlich stolz, andererseits fühle ich mich ein wenig schlecht, dass ich mich nicht richtig für sie freuen kann – weil durch ihre Erfolge mein Weg an die Olympischen Spiele schwieriger wird. Eine neue Situation, die sich komisch anfühlt. Was hast du durch das Beachvolleyballspielen über dich selbst gelernt? Zoé: Ich habe sehr viel über mich gelernt – und viel fürs Leben! Beispielsweise, dass man ehrgeizig und perfektionistisch sein kann, aber so leben sollte, dass man nicht ständig frustriert ist. Es ist wichtig ist, sich zurückzunehmen, wenn man sich unsicher fühlt, und dann eher ruhiger zu werden und nicht emotional zu reagieren. Ich habe gelernt, dass ich sehr gut über mich selbst und über das Team reflektieren und sehr ehrlich sein kann. Und dass ich gut kommunizieren kann mit Trainern, Staff, Sponsoren und Teampartnern – dafür bin ich sehr dankbar. Anouk: Ich hatte früher oft Emotionen, die

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ich nicht richtig benennen oder einordnen konnte. Beachvolleyball lehrte mich, diese Gefühle besser einzuordnen, geduldiger zu sein, Situationen zu akzeptieren, die man nicht ändern kann. Ich bin sehr anpassungsfähig. Der Sport in seiner Unberechenbarkeit und auch unser Lifestyle mit den vielen Reisen haben mir geholfen, noch flexibler und resilienter zu werden. Ich habe auch gelernt, Hilfe anzunehmen. Früher dachte ich, dass mich das abhängig macht von anderen. Heute sehe ich, dass mich das auch mit anderen Menschen verbindet und es keine Schwäche ist, Hilfe anzunehmen. Kannst du deine Schwester mit drei Worten beschreiben, die sie als Sportlerin und Mensch charakterisieren? Zoé über Anouk: steht nie still, mutig & lebendig Anouk über Zoé: offen, ruhig, entschlossen und spontan (Ok, das waren jetzt vier, aber sie passen) ____________

le soutien familial et un «héritage sportif» peuvent façonner un individu et le pousser à se surpasser dans la discipline qu’il a choisie. Aujourd’hui, Anouk et Zoé sont confrontées à une nouvelle réalité: elles s’affrontent pour obtenir une place aux prochains Jeux olympiques de 2024 à Paris. Cela rend leur relation et leur carrière professionnelle encore plus complexes. L’équilibre entre l’amour fraternel et la volonté de réussite individuelle met leurs liens personnels et sportifs à l’épreuve comme jamais auparavant. Malgré ces défis, les sœurs ont un grand respect pour les capacités et le dévouement de chacune. Elles savent que cette situation unique ne fait que renforcer leur engagement pour leur sport et de l’une pour l’autre. Notre interview avec elles que nous avons réalisée avant les qualifications olympiques (le résultat n’était pas encore disponible au moment de l’impression) nous permet de plonger encore plus profondément dans leur univers – celui du beach-volley, de leur famille et de leurs relations. Comment votre contexte familial commun et votre éducation ont-ils influencé votre carrière sportive?

FRANÇAIS

Anouk et Zoé. Des sœurs unies non seulement par des liens familiaux, mais aussi par leur passion commune pour le beach-volley. Deux femmes qui se trouvent dans une situation unique et pleine de défis sur leur chemin vers les Jeux olympiques. Ayant grandi dans un foyer où la compétition et la sportivité faisaient partie du quotidien, leur quête de l’excellence sur la terre battue n’a rien de surprenant. Leur histoire montre comment 282

behind the scenes

Zoé: Nous sommes une famille de volley-ball, mes parents ont grandi avec le volley-ball et ont eux-mêmes été joueurs et entraîneurs. Nous avons donc déjà eu l’occasion d’en apprendre beaucoup étant enfants. De plus, nos parents nous ont permis d’essayer beaucoup de choses : du football à la danse en passant par l’athlétisme et différents instruments. Nous sommes donc très diversifiés. De tous les sports, c’est le volley-ball qui me convient le mieux, je m’y suis concentrée. L’environnement m’a certainement aidé à devenir professionnelle: d’une part, le soutien de la maison, d’autre part, ma sœur aînée m’ont montré la voie pour devenir professionnelle et m’on fait vivre ce style de vie – et ont répondu à toutes mes questions. Pour moi, il était clair que c’était ce que je voulais absolument faire. Anouk: Notre papa guadeloupéen et notre maman originaire des montagnes suisses sont tous deux professeurs de sport. Cela m’a certainement influencée. Enfant, j’étais souvent sur le terrain de beach-volley, à la plage, en salle. Et j’ai même aidé à prépa-

rer des fiches tactiques pour les joueuses (rires). L’enthousiasme pour le sport et les valeurs telles que le fair-play, la justice et l’esprit d’équipe sont autant de choses que nous avons reçues très tôt. Quel rôle joue ta famille dans ta vie en dehors du volley-ball? Zoé: Je suis une personne de famille. Nous apprécions les moments où nous sommes tous ensemble et où nous avons des crises de rire ensemble. Nous nous connaissons très bien, nous avons beaucoup d’humour, mais en même temps nous avons des discussions très honnêtes et dures. Cet environnement me fait beaucoup de bien. L’île de la Guadeloupe, dont nous sommes originaires, nous a également offert de très bons moments; nous y cherchons toujours des souvenirs. Tout comme chez nos grands-parents, près de Lemberg, à Saint-Stéphane – c’est pour nous un lieu de force. Anouk: Notre famille est répartie sur la moitié du globe: en Guadeloupe, en Italie, en France, au Canada et en Suisse. Nous avons une forte cohésion. Pour moi, la règle est toujours la même: la famille d’abord. Je suis aussi soutenue par elle, je peux me détendre. Nous cuisinons souvent ensemble, parfois aussi quelque chose de créole, nous écoutons de la musique ensemble, nous dansons et nous profitons du temps. Quels conseils ta famille te donne-t-elle lorsque tu affrontes ta sœur? Zoé: Je pense que s’il y a un conseil à donner, c’est de bien séparer les choses, de se battre chacune pour soi et pour son équipe et de ne pas se soucier de savoir qui se trouve de l’autre côté du terrain, que ce soit sa sœur ou une autre équipe. À ce moment-là, tu te donnes à 100 % pour l’équipe et tu lui restes fidèle. Et c’est ce que nous avons fait dès le début, avant même la qualification pour les Jeux olympiques, parce que nous avions déjà joué les unes contre les autres et que nous en avions tiré les leçons. Et je pense qu’en général, il est tout simplement important pour notre famille de placer la famille au-dessus de tout et de ne pas laisser notre relation subir un quelconque préjudice dans cette compétition, mais de toujours faire passer la famille en premier, quelle que soit l’issue.

l’autre, mais plutôt pour soi-même et son équipe. C’est tout à fait naturel et n’a rien de personnel, cela fait simplement partie du sport et de notre situation. Anouk: En ce moment, j’ai des sentiments mitigés. D’un côté, je suis bien sûr fière, mais d’un autre côté, je me sens un peu mal de ne pas pouvoir me réjouir correctement pour elles – parce que leurs succès rendent mon parcours jusqu’aux Jeux olympiques plus difficile. C’est une nouvelle situation qui me fait tout drôle. Qu’as-tu appris sur toi-même en jouant au beach-volley?

Bien sûr, c’est difficile pour ceux qui n’y arrivent pas, mais je pense que si on est une famille, on doit aussi être là pour les autres. Anouk: Ils ne donnent pas de conseils. Ils nous soutiennent simplement quand ils le peuvent. Et ils sont heureux que nous puissions séparer le sportif du privé. En tant que grande sœur, j’ai souvent gardé Zoé. Nous avons six ans d’écart – nous n’étions donc jamais en situation de concurrence auparavant. Maintenant, c’est la première fois que nous en avons une: Zoé et Esmée sont actuellement en train de se rapprocher des meilleures équipes. Ma partenaire Joana et moi étions déjà là avant la blessure de Joana et nous sommes maintenant en train de nous battre pour revenir au top. La solidarité entre sœurs t’aide-t-elle à surmonter les défis sur ou en dehors du terrain? Zoé: Nous pouvons faire preuve d’humour et de compréhension les unes envers les autres, que nous venions de perdre ou de gagner, ou que l’une d’entre nous soit extrêmement fatiguée ou en décalage horaire.

Nous savons ce que l’autre ressent, cela aide beaucoup. Si un tournoi auquel nous participons tous les deux ne se passe pas très bien, nous pouvons nous retirer et faire autre chose – rire ensemble, s’amuser et détendre l’atmosphère, sans avoir à expliquer beaucoup ce que nous ressentons à ce moment-là, parce que nous le savons tout simplement. Anouk: Oui, souvent. Parce que je sais que j’ai quelqu’un avec qui je peux discuter de tout, qui croit toujours en moi. Sur le court et en dehors. Cela m’aide énormément. Je sais aussi que Zoé est toujours honnête avec moi, qu’elle m’encourage. J’ai souvent vécu des matches difficiles, où elle m’a ensuite remis les idées en place et m’a redonné de la gaieté et de la légèreté. C’est certainement un peu différent en ce moment, cela me manque aussi un peu. Actuellement, nous parlons simplement de tout ce qui n’a rien à voir avec le beach-volley. Quels sentiments ressens-tu lorsque l’équipe de ta sœur remporte une victoire? Zoé: Je pense qu’il est normal qu’en ce moment, on ne vibre pas tellement pour

Zoé: J’ai beaucoup appris sur moi – et beaucoup pour la vie! Par exemple, que l’on peut être ambitieux et perfectionniste, mais que l’on doit vivre de manière à ne pas être constamment frustré. Il est important de prendre du recul lorsque l’on ne se sent pas sûr de soi, et de se calmer plutôt que de réagir de manière émotionnelle. J’ai appris que je pouvais très bien réfléchir sur moimême et sur l’équipe et que je pouvais être très honnête. Et que je suis capable de bien communiquer avec les entraîneurs, le staff, les sponsors et les partenaires de l’équipe – et j’en suis très reconnaissante. Anouk: Avant, j’avais souvent des émotions que je n’arrivais pas à nommer ou à classer correctement. Le beach-volley m’a appris à mieux classer ces émotions, à être plus patiente, à accepter les situations que l’on ne peut pas changer. J’ai une grande capacité d’adaptation. Le sport, dans son imprévisibilité, et aussi notre style de vie, avec les nombreux voyages, m’a aidé à devenir encore plus flexible et résiliente. J’ai également appris à accepter de l’aide. Avant, je pensais que cela me rendait dépendante des autres. Aujourd’hui, je vois que ceci me relie aussi à d’autres personnes et que ce n’est pas une faiblesse d’accepter de l’aide. Peux-tu décrire ta sœur en trois mots qui la caractérisent en tant que sportive et en tant que personne? Zoé sur Anouk: ne s’arrête jamais, courageuse & vivante Anouk à propos de Zoé: ouverte, calme, déterminée et spontanée (Ok, ça fait quatre, mais ils correspondent) ____________ 283

prova i loro legami personali e sportivi. Nonostante queste sfide, le sorelle hanno un grande rispetto reciproco per le capacità e la dedizione. Sanno che questa situazione unica non fa che rafforzare il loro impegno verso lo sport e verso l’altra. La nostra intervista con le due sorelle, realizzata prima della qualificazione olimpica (il risultato non era ancora disponibile al momento di andare in stampa), ci permette di addentrarci ancora di più nel loro mondo: quello del beach volley, della loro famiglia e delle loro relazioni.

Anouk e Zoé. Sorelle legate non solo da vincoli familiari, ma anche dalla comune passione per il beach volley. Si trovano in una posizione unica e stimolante sulla strada per i Giochi Olimpici. Cresciute in una casa in cui la competizione e l’atletismo facevano parte della vita quotidiana, la loro ricerca dell’eccellenza sul campo da gioco non è una sorpresa. La loro storia dimostra come il sostegno della famiglia e il «patrimonio sportivo» possano plasmare gli individui e spingerli a eccellere nella disciplina che hanno scelto.

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Ora Anouk e Zoé si trovano di fronte a una nuova realtà: competono l’una contro l’altra per un posto ai prossimi Giochi Olimpici 2024 di Parigi. Questo rende la loro relazione e le loro carriere ancora più complesse. L’equilibrio tra l’amore tra sorelle e la ricerca individuale del successo mette a dura

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behind the scenes

In che modo il vostro background familiare e la vostra educazione hanno influenzato la vostra carriera sportiva? Zoé: Siamo una famiglia di pallavolisti, i miei genitori sono cresciuti con la pallavolo e sono stati loro stessi giocatori e allenatori. Quindi abbiamo imparato molto già da bambine. I nostri genitori ci hanno anche dato la possibilità di provare molte cose: dal calcio alla danza, all’atletica e a vari strumenti. Quindi abbiamo una base ampia. Poiché tra tutti gli sport ho avuto risultati nella pallavolo, mi sono concentrata su questa disciplina. L’ambiente mi ha sicuramente aiutato a diventare una professionista: da un lato il sostegno da casa, dall’altro mia sorella maggiore, che mi ha mostrato la strada per diventare una professionista e lo stile di vita, rispondendo a tutte le mie domande. È stato chiaro che volevo farlo anch’io. Anouk: Nostro padre, originario della Guadalupa, e nostra madre, originaria delle montagne svizzere, sono entrambi insegnanti di sport. Questo mi ha sicuramente influenzato. Da bambina, ero spesso sul

campo da beach volley, in spiaggia, in sala. E ho persino contribuito a creare fogli di tattica per i giocatori (ride). L’entusiasmo per lo sport e valori come il fair play, la giustizia e lo spirito di squadra sono tutte cose che abbiamo imparato presto. Che ruolo ha la sua famiglia nella sua vita al di fuori della pallavolo? Zoé: Sono una persona di famiglia. Ci godiamo i momenti in cui siamo tutti insieme e ridiamo insieme. Ci conosciamo molto bene, abbiamo molto umorismo, ma anche conversazioni molto oneste e dure. Questo ambiente è molto positivo per me. Anche l’isola di Guadalupa, da cui proveniamo, ci ha regalato momenti molto belli; siamo sempre alla ricerca di ricordi. Lo stesso vale per i nostri nonni vicino a Lemberg, a Sankt Stefan: è un luogo di forza per noi. Anouk: La nostra famiglia è sparsa in mezzo mondo: in Guadalupa, Italia, Francia, Canada e Svizzera. Abbiamo un forte senso di solidarietà. Per me la famiglia viene sempre al primo posto. Sono sostenuta anche da loro e posso staccare la spina. Cuciniamo spesso insieme, molte volte qualcosa di creolo, ascoltiamo musica insieme, balliamo e ci divertiamo. Quali consigli ti dà la tua famiglia quando gareggi contro tua sorella? Zoé: Credo che se c’è un consiglio, è sicuramente quello di tenere le cose il più possibile separate, che ognuno gareggia per sé stesso e combatte per la propria squadra e che non importa chi c’è dall’altra parte del campo, se tua sorella o un’altra squadra. In quel momento, si dà il 100% per la squadra e le si rimane fedeli. E lo abbiamo fatto fin dall’inizio, anche prima delle qualificazioni olimpiche, perché abbiamo giocato contro le altre squadre e abbiamo imparato la lezione. E penso che in generale sia importante per la nostra famiglia che la famiglia venga prima di tutto e che non danneggiamo il nostro rapporto in questa competizione: la famiglia prima di tutto, indipendentemente dal risultato. Naturalmente è difficile per chi non ce la fa, ma credo che se sei una famiglia, devi essere presente anche per gli altri. Anouk: Non danno consigli. Semplicemente ci sostengono quando possono. E sono felici che possiamo tenere separate la vita

sportiva e quella privata. Come sorella maggiore, mi sono spesso occupata di Zoé. Abbiamo sei anni di differenza, quindi non ci siamo mai trovate in una situazione di competizione. Ora siamo in una situazione di competizione per la prima volta: Zoé ed Esmée stanno cercando di raggiungere le squadre migliori. Io e la mia compagna Joana eravamo lì prima dell’infortunio di Joana e ora stiamo lottando per tornare ai vertici. Il legame tra sorelle vi aiuta a superare le sfide dentro e fuori dal campo? Zoé: Riusciamo a mostrare umorismo e comprensione l’una per l’altra, indipendentemente dal fatto che abbiamo appena perso o vinto o che una di noi sia estremamente stanca o abbia il jet lag. Sappiamo come si sente l’altra e questo ci aiuta molto. Se un torneo in cui stiamo giocando entrambe non sta andando bene, possiamo ritirarci e

fare qualcos’altro: ridere insieme, divertirci e sdrammatizzare senza dover spiegare come ci sentiamo, perché lo sappiamo e basta. Anouk: Sì, spesso. Perché so di avere qualcuno con cui posso parlare di tutto, che crede sempre in me. In campo e fuori. Questo aiuta molto. So anche che Zoé è sempre onesta con me e mi sostiene. Mi è capitato spesso di assistere a partite difficili in cui lei mi ha fatto cambiare idea e mi ha fatto sentire di nuovo felice e spensierata. In questo momento è sicuramente un po’ diverso, mi manca anche un po’. Al momento stiamo parlando di tutto ciò che non ha a che fare con il beach volley. Come ti senti quando la squadra di tua sorella vince? Zoé: Penso sia normale che in quel momento non si faccia il tifo per l’altra persona, ma piuttosto per sé stessi e per la propria squadra. È del tutto naturale e non c’è nulla di personale, fa parte dello sport e della nostra situazione. Anouk: Al momento ho sentimenti contrastanti. Da un lato sono orgogliosa, ovviamente, ma dall’altro mi sento un po’ in colpa per non poter essere davvero felice per loro, perché il loro successo rende più difficile il mio percorso verso i Giochi Olimpici. È una situazione nuova e strana.

ziosi e perfezionisti, ma che bisogna vivere in modo da non essere costantemente frustrati. È importante fare un passo indietro quando ci si sente insicuri, per poi calmarsi e non reagire emotivamente. Ho imparato che posso riflettere molto bene su me stessa e sulla squadra ed essere molto onesta. E che riesco a comunicare bene con gli allenatori, lo staff, gli sponsor e i partner della squadra: di questo sono molto grata. Anouk: Spesso provavo emozioni a cui non riuscivo a dare un nome o che non riuscivo a classificare correttamente. Il beach volley mi ha insegnato a classificare meglio questi sentimenti, a essere più paziente e ad accettare le situazioni che non si possono cambiare. Sono molto adattabile. L’imprevedibilità dello sport e il nostro stile di vita con tutti gli spostamenti mi hanno aiutato a diventare ancora più flessibile e resiliente. Ho anche imparato ad accettare l’aiuto. Prima pensavo che questo mi rendesse dipendente dagli altri. Ora mi rendo conto che mi mette in relazione con gli altri e che accettare l’aiuto non @è una debolezza. Puoi descrivere tua sorella in tre parole che la caratterizzano come atleta e come persona? Zoé su Anouk: non sta mai ferma, coraggiosa e vivace. Anouk su Zoé: aperta, calma, determinata e spontanea (ok, sono quattro, ma ci stanno). ____________

words. Ryan Jerome images. Omri Emil Abraham

Cosa hai imparato su te stessa giocando a beach volley? Zoé: Ho imparato molto su me stessa e molto sulla vita! Per esempio, che si può essere ambi-

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spotlight.

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william trubridge

William Trubridge, Deep Diver Montblanc Mark Maker representing the «Iced Sea Collection» Montblanc Mark Makers are enthusiastic doers who create their own definition of success by pursuing the things that move them. WHAT MOVES YOU, MAKES YOU.

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Montblanc Iced Sea 0 Oxygen Deep 4810

words. Frank Herbrand photography. courtesy of Montblanc

William Trubridge, Mark Maker Montblanc. Der neuseeländische Apnoetaucher William Trubridge gilt als einer der erfolgreichsten Tieftaucher der Welt. 1980 geboren, hat er zahlreiche Weltrekorde im Freitauchen aufgestellt. William ist bekannt für seine bemerkenswerte Fähigkeit, ohne Sauerstoffgerät in grosse Tiefen zu tauchen. Er hat erheblich dazu beigetragen, das Freitauchen weltweit bekannter und populärer zu machen. DEUTSCH

Was hat Ihre Faszination für das Tieftauchen ausgelöst, Sie dazu motiviert, diesen Beruf zu ergreifen? Die Initialzündung geht auf die Zeit als Kind zurück, als meine Familie auf einem Segelboot lebte. Wir verkauften unser Haus in Nordengland, kauften mit dem Geld ein Boot und segelten von Europa über den Atlantik, durch die Karibik, den Panamakanal und über den Pazifik bis nach Neuseeland. Wir fuhren los, als ich zwei Jahre alt war, und verkauften das Boot erst, als ich 10 Jahre alt war. Diese acht Jahre meines Lebens, in denen ich auf dem Wasser lebte, spielte, schwamm, erforschte und tauchte, waren prägend für mich. Ich glaube, daher rührt meine Liebe zum Wasser. Und meine Vertrautheit mit ihm. Erst 2002 entdeckte ich, dass Freitauchen ein Sport ist. Mein Interesse war geweckt, ich begann zu trainieren. Die Faszination lag nicht nur darin, dass ich diesen Sport schon so lange betreibe, wie ich mich erinnern kann, sondern auch darin, dass es ein Sport war, der mich auf allen Ebenen herausforderte. Es war nicht nur eine körperliche Disziplin wie beim Rudern an der Universität, bei dem es um reine Muskelkraft und körperliche Anstrengung ging. Als Kind habe ich auch Schach gespielt – eine rein geistige Disziplin. Beides hat mich nicht wirklich befriedigt, weil ich das Gefühl hatte, dass eine der Hälften, die körperliche oder die geistige, auf der Strecke bleibt. Als ich dann das Freitauchen entdeckte, konnte ich etwas Ganzheitliches machen, etwas, das eine komplette Herausforderung darstellte. Und dann ist da noch die Schönheit der Unterwasserwelt. Ein Meerestier auf seine eigene Art zu sehen, mit der Unterwasserwelt auf natürliche Weise zu interagieren

– diese Erfahrung ist unglaublich. Und die Erforschung endet keineswegs bei der Umwelt: Es geht auch darum, sich selbst zu erforschen, zu erkunden, wozu man fähig ist, wo die Grenzen des Menschen liegen. Diese Erforschung des menschlichen Potenzials im Wasser ist für mich wirklich wertvoll und lohnend. Freitauchen bringt eine Reihe besonderer Herausforderungen mit sich. Wie bereiten Sie sich geistig und körperlich darauf vor? Freitauchen hat viele verschiedene Komponenten, die alle gleichzeitig trainiert werden müssen. Da ist zum einen die körperliche Seite, bei der es um die Schwimmtechnik und den Aufbau von Kraft, insbesondere von «Explosivkraft» geht, die man braucht, um sich durch das Wasser zu bewegen. Dann geht es um die Toleranz gegenüber hohen Kohlendioxid- und Milchsäure- sowie niedrigen Sauerstoffkonzentrationen. Und dann ist da noch die Flexibilität – nicht nur die des Körpers und der Muskeln, die wichtig ist, sondern vor allem die der Lunge, des Brustkorbs und des Zwerchfells, um den extremen Druckschwankungen in der Tiefe standzuhalten. In 100 m Tiefe ist der Druck dreimal so hoch wie der Innendruck eines Autoreifens. Der Rumpf muss also sehr beweglich sein, da die Lunge auf eine sehr geringe Grösse komprimiert wird. Wenn Sie nicht flexibel sind, werden Sie Ihrer Lunge, Ihrem Brustkorb und allem anderen schrecklichen Schaden zufügen. Es gibt natürlich auch die mentale Seite – die Fähigkeit, in einer Situation ruhig und kontrolliert zu bleiben. Man weiss, dass jede Art von Unruhe mehr Sauerstoff verbraucht und den Tauchgang erschwert oder sogar die Chance verringert, dass man es zurück an die Oberfläche schafft. Dieses Wissen ist an sich schon stressig; man muss damit umgehen können, denn es kann schnell zu einer negativen Rückkopplungsschleife werden. Ein grosser Teil des Sports besteht darin, die mentalen Techniken ständig zu aktualisieren und dafür zu sorgen, dass sie funktionieren, damit man unter diesen extremen Umständen ruhig bleibt. Man kann sich nicht einfach auf 100 m Tiefe herunterdrücken oder -meditieren – man muss all diese Elemente zu 100 % im Einsatz haben. Ist eines dieser Elemente nicht voll entwickelt, wird es Sie zurückhalten. Der Umgang mit Stress und Ängsten ist beim Freitauchen genauso wichtig wie im

«richtigen» Leben. Wie bewahren Sie Ihre Ruhe und Konzentration unter Wasser, gibt es Strategien aus dieser Praxis, die die mentale Widerstandsfähigkeit auch in Alltagssituationen verbessern? Auf jeden Fall. Das ist eines der Themen, die mir am meisten am Herzen liegen. Wie wirkungsvoll sind die Techniken, die wir beim Freitauchen zur Stressbewältigung einsetzen, wenn wir sie in alltäglichen Situationen anwenden? Wann immer man sich in einer Situation befindet, die Stress auslöst, können diese Techniken – bei denen es darum geht, den Atem und den Geist zu nutzen, um das gesamte System zu beruhigen – fast augenblicklich wirken. Entscheidend ist jedoch, dass sie bereits im Hintergrund wirken. Das ist der eigentliche Knackpunkt, denn wenn etwas nicht im Unterbewusstsein abläuft, wird es in Extremsituationen nicht funktionieren. Wenn Sie sich zum Beispiel plötzlich in einer stressigen Situation wie einem Streit oder einer Rede vor Publikum befinden, können Sie sich nicht einfach «irgendwie» daran erinnern, wie Sie verschiedene Beruhigungstechniken anwenden können. Es muss etwas sein, das unbewusst geschieht und durch den Stress der Situation ausgelöst wird. Deshalb habe ich ein System entwickelt, das ich das «Mentale Immunsystem» nenne. Es nutzt diese Techniken und verankert sie im Unterbewusstsein, so dass sie wie ein Immunsystem funktionieren: Sie werden durch jede Art von Stress ausgelöst und geschehen, ohne dass Sie sie selbst anstossen müssen. Bevor Sie überhaupt wissen, dass Sie gestresst sind, hat sich Ihre Atmung verändert, die Art und Weise, wie Ihr Geist arbeitet, hat sich verändert – das ist das mentale Immunsystem, das hinter den Kulissen in Gang gekommen ist. Zu diesen Techniken gehören eine bestimmte Art der Atmung, die das parasympathische Nervensystem anregt, sowie mentale Techniken, die sich um Achtsamkeit und die Fähigkeit drehen, sich als Beobachter seiner Gedanken und Gefühle abzugrenzen. Freitauchen ist ein Reagenzglas-Experiment zur extremen Stressbewältigung. Wenn also eine Technik dort funktioniert, kann man darauf wetten, dass sie auch in fast jeder anderen Anwendung funktioniert. In Ihren Reden betonen sie oft, dass wir «unter die Oberfläche» gehen müssen, um unser Unterbewusstsein zu erreichen.

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messen – das Unterbewusstsein verarbeitet also tausendmal mehr Informationen pro Zeiteinheit als das Bewusstsein. Das Unterbewusstsein hat Zugang zu mehr Informationen, zu mehr Gedächtnisinhalten – und es hat eine schnellere Verarbeitungszeit. Es bezieht Ihren Instinkt mit ein, der in Krisensituationen die Kontrolle übernimmt und viel schneller und genauer reagiert. Deshalb ist es für einen Sportler wie einen Fussballer viel wahrscheinlicher, dass er einen Schuss macht, wenn er instinktiv mit seinem Unterbewusstsein agiert. Mischt sich der bewusste Verstand ein, hat er Zeit, darüber nachzudenken – das kann die Sache oft vermasseln. Die Nutzung des Unterbewusstseins ist also eine sehr wirksame Methode, um die Fähigkeit zur Problemlösung – und vieles mehr – zu verbessern. Das heisst nicht, dass wir nur das Unterbewusstsein nutzen sollten – das Bewusstsein hat natürlich auch seine Daseinsberechtigung. Aber Sie sollten auf jeden Fall beide nutzen.

Wie ist dieses Bild zu verstehen? Ich spreche oft über die Macht des Unterbewusstseins in der Zen-Philosophie, im Buddhismus und im Yoga. Das Unterbewusstsein wird als eine fast grenzenlos mächtige Ressource betrachtet. Je mehr man es anzapft, desto mächtiger wird der Zugang zu dieser Ressource. Es ist eine Art positive Rückkopplungsschleife: je mehr Sie Ihr Unterbewusstsein nutzen, desto mehr Vertrauen haben Sie in seine Macht, mit umso grösserer Wahrscheinlichkeit werden Sie es noch mehr nutzen, und so weiter und so fort.

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Dass das Unterbewusstsein so viel mächtiger ist als unser rationaler Verstand, liegt daran, dass es Zugang zu viel mehr Informationen hat. Man hat die Datenmenge gemessen, die wir mit dem bewussten, rationalen Verstand verarbeiten – es ist im Grunde die Geschwindigkeit unserer Gedanken. Ich kann mich nicht mehr an die genaue Zahl erinnern, aber Sie können sie nachschlagen – sie liegt irgendwo bei sieben Kilobyte pro Sekunde. Das ist nicht viel verglichen mit dem Unterbewusstsein, das alles verarbeitet, was wir die ganze Zeit über erleben. Hier wird in Megabytes ge-

Die Steigerung von Lungenkapazität und Atem-Anhalten ist beim Freitauchen entscheidend. Mit welchen Techniken verbessern Sie diese Fähigkeiten? Welche Lebensstilentscheidungen haben eine Rolle bei Ihren Erfolgen als Freitaucher gespielt? Die Lungenkapazität ist wichtig, aber sie ist nicht das A und O beim Freitauchen. Es gibt Freitaucher, die eine riesige Lungenkapazität haben, aber mit ihr zu kämpfen haben: weil sie an der Oberfläche mehr Auftrieb haben und es schwieriger ist, abzutauchen. Auf dem Weg nach unten verbrauchen sie mehr Energie und damit Sauerstoff. Man kann zwar Gewicht zulegen, um dem entgegenzuwirken, aber die Lunge wird durch den Druck komprimiert, je tiefer man geht. Bei maximaler Tiefe verliert man so fast den gesamten Auftrieb, hat aber immer noch das Gewicht – so dass man einen sehr, sehr negativen Auftrieb hat. Man kann dem Problem des Auftriebs und seiner Veränderung durch den Druck nie entkommen. Im Vergleich zu einigen meiner Konkurrenten habe ich ein viel kleineres Lungenvolumen. Aber vor allem in der Disziplin ohne Flossen, wo wir einen kleinen Antrieb haben – nur Hände und Füsse – ist es viel wichtiger, sich effizient zu bewegen und in Muskeln und Blut nicht komprimierbare Sauerstoffspeicher zu entwickeln. Ein Grossteil meines Trainings zielt darauf ab.

Die Fähigkeit, den Atem anzuhalten, hängt nicht nur mit dem Lungenvolumen zusammen, sondern auch mit der Widerstandsfähigkeit gegen hohe Kohlendioxid- und niedrige Sauerstoffwerte. Sauerstoff ist das Gas, das wir zum Überleben brauchen, Kohlendioxid (CO2) das Abfallprodukt, das sich ansammelt. Ein hoher CO2-Gehalt ist es, der uns den Drang zum Atmen gibt. Das ist ein zentraler Punkt meines Trainings, vor allem im Schwimmbad – ich drehe viele, viele Runden unter Wasser mit kurzen Erholungsphasen, so dass ich mich immer in diesem Zustand des Atemdrangs befinde. Was den Lebensstil angeht, kommt es vor allem darauf an, die richtige Umgebung zu finden. Ich bin auf die Bahamas gezogen, wo wir das tiefste «Blaue Loch» der Welt haben, Dean’s Blue Hole – ein idealer Ort für das Freitauchtraining. Es sieht aus, als wäre es speziell für das Freitauchen gebaut worden! Hier kann ich mich auf mein Training konzentrieren und einen guten Lebensstil führen. Natürlich ist auch die Ernährung wichtig, ich ernähre mich weitgehend pflanzlich, mit ein paar Meeresfrüchten. Sie engagieren sich stark für den Schutz der Unterwasserwelt. Was genau tun Sie, welche Bedeutung haben diese Aktivitäten für Sie? Ich schätze mich glücklich, dieses Leben leben und meiner Leidenschaft, dem Freitauchen, nachgehen zu können. Es ist mir ein Bedürfnis, der maritimen Umwelt etwas zurückzugeben, vor allem weil sie durch menschliche Aktivitäten so bedroht ist. Wann immer möglich, habe ich mein Bestes getan, hier einen Beitrag zu leisten. Insbesondere helfe ich bei der Rettung der Māui- und der HectorDelfine in Neuseeland, die vom Aussterben bedroht sind. Und bei der Bekämpfung der zunehmenden Plastikverschmutzung in unseren Ozeanen, die in den letzten Jahren kritisch geworden ist. In letzter Zeit hat die Gründung meiner Familie viel Zeit und Ressourcen beansprucht, ich möchte mich aber gerne wieder stärker in diesem Bereich engagieren und der Meeresumwelt etwas zurückgeben. Wenn ich Freitauchen unterrichte, und zwar für jedermann, ist das im Grunde genommen ein Beitrag zum Schutz der Ozeane. Es ist fast unmöglich, Freitaucher zu werden und den Ozean zu lieben, ohne etwas für seinen Schutz zu tun. Schliesslich wird er

für dich zu einem Zuhause. Und natürlich möchte man, dass sein Zuhause intakt und sauber ist. Selbst das Unterrichten in Kursen ermöglicht, mehr «Botschafter für den Ozean» zu gewinnen. Wie wichtig ist die Wahl der Ausrüstung für einen Tauchgang? Gibt es eine bestimmte Ausrüstung, die Sie bei jeder Expedition tragen? Kleidung und Ausrüstung sind sehr wichtig. Ich trage einen Neoprenanzug, der sehr hydrodynamisch ist. Ich trage eine Nasenklammer, aber nichts, was meine Augen bedeckt. Ich ziehe es vor, zu spüren, wie das Wasser über mein Gesicht fliesst – das hilft tatsächlich, den Tauchreflex zu verstärken und den Körper sauerstoffsparender zu machen, indem es unter anderem die Herzfrequenz verlangsamt. Ich trage natürlich auch eine Uhr – die Montblanc Iced Sea 0 Oxygen Deep 4810. Ein perfekter Begleiter, da sie für eine Tiefe ausgelegt ist, in die ich nie auch nur annähernd vordringen werde. Ich kann mich völlig auf sie verlassen. Sie hat ein Display, auf dem ich die Zeit sehr gut ablesen kann. Und sie ist ein schönes Beispiel für menschliche Ingenieurskunst, für Design und Handwerkskunst – ich bin stolz darauf, sie zu tragen. Das war›s dann auch schon mit der Ausrüstung, die ich habe. Gehe ich auf Erkundungstour, trage ich Flossen, wenn ich trainiere und Weltrekorde anstrebe, ist meine Spezialität natürlich «ohne Flossen», also nur Hände und Füsse. ____________ FRANÇAIS William Trubridge, créateur de marque Montblanc. L’apnéiste néo-zélandais William Trubridge est considéré comme l’un des plongeurs profonds les plus performants au monde. Né en 1980, il a établi de nombreux records du monde en apnée. William est connu pour sa remarquable capacité à plonger à de grandes profondeurs sans appareil à oxygène. Il a largement contribué à faire connaître et à populariser l’apnée dans le monde entier.

Qu’est-ce qui a déclenché votre fascination pour la plongée profonde, vous a motivé à faire ce métier? L’impulsion initiale

remonte à l’époque où j’étais enfant quand ma famille vivait sur un voilier. Mes parents ont vendu notre maison dans le nord de l’Angleterre, acheté un bateau avec l’argent et navigué depuis l’Europe à travers l’Atlantique, les Caraïbes, le canal de Panama et le Pacifique jusqu’en Nouvelle-Zélande. Nous sommes partis quand j’avais deux ans et n’avons vendu le bateau qu’à l’âge de dix ans. Ces huit années de ma vie à vivre, jouer, nager, explorer et plonger sur l’eau ont été déterminantes pour moi. Je pense que mon amour de l’eau vient de là. Et avec elle ma familiarité. Ce n’est qu’en 2002 que j’ai découvert que la plongée en apnée était un sport. Mon intérêt s’est éveillé et j’ai commencé à m’entraîner. La fascination n’était pas seulement due au fait que je pratiquais ce sport depuis aussi longtemps que je m’en souvienne, mais aussi parce que c’était un sport qui me mettait au défi à tous les niveaux. Ce n’était pas seulement une discipline physique comme l’aviron à l’université, où il s’agissait d’une simple force musculaire et d’un effort physique. Enfant, je jouais aussi aux échecs – une discipline purement mentale. Les deux ne me satisfaisaient pas vraiment, car j’avais l’impression qu’une des deux moitiés, physique ou mentale, était laissée de côté. Alors quand j’ai découvert l’apnée, j’ai pu faire quelque chose qui représentait un défi complet. En plus il y a la beauté du monde sous-marin. Voir un animal marin à sa manière, interagir avec le monde sous-marin de manière naturelle – cette expérience est incroyable. Et l’exploration ne s’arrête pas du tout à l’environnement: il s’agit aussi de s’explorer soi-même, de comprendre ce dont on est capable, où se situent les limites de l’être humain. Cette exploration du potentiel humain dans l’eau est vraiment précieuse et gratifiante pour moi. La plongée en apnée comporte un certain nombre de défis particuliers. Comment vous y préparez-vous mentalement et physiquement? La plongée en apnée comporte de nombreuses composantes différentes, qui doivent toutes être entraînées en même temps. Il y a d’abord l’aspect physique, qui concerne la technique de nage et le développement de la force, notamment de la «force explosive», nécessaire pour se déplacer dans l’eau. Ensuite, il

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s’agit de la tolérance à des concentrations élevées de dioxyde de carbone et d’acide lactique, ainsi qu’à de faibles concentrations d’oxygène. Ensuite il y a la flexibilité – pas seulement celle du corps et des muscles, qui est importante, mais surtout celle des poumons, de la cage thoracique et du diaphragme, pour résister aux variations extrêmes de pression en profondeur. À 100 mètres de profondeur la pression est trois fois plus élevée que la pression interne d’un pneu de voiture. Le tronc doit donc être très flexible, car les poumons sont comprimés à une taille très réduite. Si vous n’êtes pas flexible, vous allez infliger de terribles dommages à vos poumons, à votre cage thoracique et à tout le reste. Il y a bien sûr aussi le côté mental – la capacité de rester calme et de contrôler une situation. On sait que toute forme d’agitation consomme plus d’oxygène et rend la plongée plus difficile, voire diminue les chances de remonter à la surface. Cette connaissance est stressante en soi; il faut savoir la gérer, car elle peut rapidement se transformer en une boucle de rétroaction négative. Une grande partie du sport consiste à actualiser en permanence les techniques mentales et à s’assurer qu’elles fonctionnent afin de rester calme dans ces circonstances extrêmes. On ne peut pas se contenter de descendre ou de méditer à 100 mètres de profondeur – il faut que tous ces éléments soient utilisés à 100 %. Si l’un de ces éléments n’est pas pleinement développé, il vous retiendra. La gestion du stress et de l’anxiété est aussi importante en apnée que dans la «vraie» vie. Comment gardez-vous votre calme et votre concentration sous l’eau, existent-t-il des stratégies issues de cette pratique qui améliorent la résistance mentale même dans des situations quotidiennes? Tout à fait. C’est l’un des sujets qui me tient le plus à cœur. Quelle est l’efficacité des techniques que nous utilisons en apnée pour gérer le stress, si nous les appliquons dans des situations quotidiennes? Chaque fois que l’on se trouve dans une situation qui provoque du stress, ces techniques – qui consistent à utiliser la respiration et l’esprit pour calmer l’ensemble du système – peuvent avoir un effet presque instantané. Il est toutefois essentiel qu’elles agissent déjà en arrière-plan. C’est là que réside le véritable enjeu, car si quelque chose ne se passe pas dans

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le subconscient, cela ne fonctionnera pas dans des situations extrêmes. Par exemple, si vous vous trouvez soudainement dans une situation stressante, comme une dispute ou un discours devant un public, vous ne pouvez pas vous rappeler «n’importe comment» la manière d’utiliser différentes techniques d’apaisement. Il doit s’agir de quelque chose qui se produit inconsciemment et qui est déclenché par le stress de la situation. C’est pourquoi j’ai mis au point un système que j’appelle le «système immunitaire mental». Il utilise ces techniques et les ancre dans le subconscient, de sorte qu’elles fonctionnent comme un système immunitaire: Elles sont déclenchées par tout type de stress et se produisent sans que vous ayez à les déclencher vous-même. Avant même de savoir que vous êtes stressé, votre respiration a changé, la façon dont votre esprit fonctionne a changé – c’est le système immunitaire mental qui s’est mis en marche derrière les coulisses. Ces techniques comprennent un certain type de respiration qui stimule le système nerveux parasympathique, ainsi que des techniques mentales qui tournent autour de la pleine conscience et de la capacité à prendre du recul en tant qu’observateur de ses pensées et de ses émotions. L’apnée est une expérience en éprouvette de gestion extrême du stress. Par conséquent si une technique fonctionne là-bas on peut parier sur le fait qu’elle fonctionnera aussi dans presque toutes les autres applications. Dans vos discours, vous insistez souvent sur le fait que nous devons aller «sous la surface» pour atteindre notre subconscient. Comment faut-il comprendre cette image? Je parle souvent du pouvoir du subconscient dans la philosophie zen, le bouddhisme et le yoga. Le subconscient est considéré comme une ressource d’une puissance presque illimitée. Plus on y puise, plus l’accès à cette ressource devient puissant. C’est une sorte de boucle de rétroaction positive: plus vous utilisez votre subconscient, plus vous avez confiance en son pouvoir, plus vous avez de chances de l’utiliser davantage, et ainsi de suite. Si le subconscient est tellement plus puissant que notre esprit rationnel, c’est parce qu’il a accès à beaucoup plus d’informations. On a mesuré la quantité de données que nous traitons avec l’esprit conscient

et rationnel – c’est en fait la vitesse de nos pensées. Je ne me souviens pas du chiffre exact, mais vous pouvez le consulter – il se situe quelque part autour de sept kilo-octets par seconde. Ce n’est pas beaucoup comparé à l’inconscient qui traite tout ce que nous vivons tout le temps. Ici, on mesure en mégaoctets – le subconscient traite donc mille fois plus d’informations par unité de temps que le conscient. Le subconscient a accès à plus d’informations, à plus de contenus mémoriels – et il a un temps de traitement plus rapide. Il fait intervenir votre instinct, qui prend le contrôle en situation de crise et réagit beaucoup plus rapidement et précisément. Voilà pourquoi un sportif comme un footballeur a beaucoup plus de chances de tirer s’il agit instinctivement avec son subconscient. Si l’esprit conscient s’en mêle, il a le temps d’y réfléchir – ce qui peut souvent gâcher l’affaire. L’utilisation du subconscient est donc une méthode très efficace pour améliorer la capacité à résoudre des problèmes – et bien plus encore. Cela ne signifie pas que nous ne devrions utiliser que le subconscient – le conscient a bien sûr aussi sa raison d’être. Mais vous devriez en tout cas utiliser les deux. L’augmentation de la capacité pulmonaire et de la rétention du souffle est cruciale en apnée. Quelles techniques utilisez-vous pour améliorer ces capacités? Quels choix de style de vie ont joué un rôle dans vos succès en tant que plongeur en apnée? La capacité pulmonaire est importante, mais ce n’est pas l’alpha et l’oméga de la plongée en apnée. Il y a des apnéistes qui ont une énorme capacité pulmonaire, mais qui luttent avec elle: parce qu’ils ont plus de flottabilité à la surface et qu’il est plus difficile de descendre. En descendant, ils consomment plus d’énergie et donc d’oxygène. On peut certes prendre du poids pour contrecarrer ce phénomène, mais les poumons sont comprimés par la pression au fur et à mesure que l’on descend. À la profondeur maximale, on perd ainsi presque toute la flottabilité, mais on a toujours le poids – de sorte qu’on a une flottabilité extrêmement négative. On n’échappe jamais au problème de la flottabilité et de sa modification par la pression. Par rapport à certains de mes concurrents, j’ai un volume pulmonaire beaucoup plus petit. Mais surtout dans la discipline sans

palmes, où nous avons une petite propulsion – uniquement les mains et les pieds – il est beaucoup plus important de bouger efficacement et de développer des réserves d’oxygène non compressibles dans les muscles et le sang. Une grande partie de mon entraînement vise à cela. La capacité à retenir sa respiration n’est pas seulement liée au volume des poumons, mais aussi à la résistance à des niveaux élevés de dioxyde de carbone et à des niveaux bas d’oxygène. L’oxygène est le gaz dont nous avons besoin pour survivre, le dioxyde de carbone (CO2) est le déchet qui s’accumule. C’est un taux élevé de CO2 qui nous donne l’envie de respirer. C’est un point central de mon entraînement, surtout en piscine – je fais beaucoup de tours sous l’eau avec de courtes périodes de récupération, de sorte que je me trouve toujours dans cet état de besoin de respirer. En ce qui concerne le style de vie, il s’agit avant tout de trouver le bon environnement. J’ai déménagé aux Bahamas, où nous avons le «trou bleu» le plus profond du monde, Dean’s Blue Hole – un endroit idéal pour l’entraînement en apnée. On dirait qu’il a été construit spécialement pour la plongée en apnée! Ici, je peux me concentrer sur mon entraînement et avoir un bon style de vie. Bien sûr, l’alimentation est également importante, je me nourris en grande partie de plantes, avec quelques fruits de mer. Vous vous engagez fortement pour la protection du monde sous-marin. Que faites-vous exactement, quelle est l’importance de ces activités pour vous? Je me considère comme chanceux de pouvoir vivre cette vie et de m’adonner à ma passion, la plongée en apnée. Je ressens le besoin de redonner quelque chose à l’environnement marin, surtout parce qu’il est tellement menacé par les activités humaines. Chaque fois que c’est possible, j’ai fait de mon mieux pour y contribuer. J’aide notamment à sauver les dauphins Māui et Hector en NouvelleZélande, qui sont menacés d’extinction. Et je m’engage à lutter contre la pollution plastique croissante dans nos océans, qui est devenue critique ces dernières années. Ces derniers temps, la fondation de ma famille m’a pris beaucoup de temps et de ressources, mais j’aimerais m’impliquer à nouveau davantage dans ce domaine et rendre à l’environnement marin ce qu’il m’a donné.

Lorsque j’enseigne l’apnée, et ceci pour tout le monde, c’est en réalité une contribution à la protection des océans. Il est presque impossible de devenir apnéiste et d’aimer l’océan sans faire quelque chose pour le protéger. Après tout, l’océan devient ta maison. Et bien sûr, vous voulez que votre maison soit intacte et propre. Même l’enseignement pendant des cours permet de recruter davantage d’»ambassadeurs de l’océan». Quelle est l’importance du choix de l’équipement pour une plongée? Y a-t-il un équipement spécifique que vous portez à chaque expédition? Les vêtements et l’équipement sont très importants. Je porte une combinaison en néoprène, qui est très hydrodynamique. Je porte un pincenez, mais rien qui ne couvre mes yeux. Je préfère sentir l’eau s’écouler sur mon visage – cela contribue effectivement à renforcer le réflexe de plongée et à rendre le corps plus économe en oxygène, notamment en ralentissant la fréquence cardiaque. Bien sûr, je porte aussi une montre – la Montblanc Iced Sea 0 Oxygen Deep 4810 – un compagnon parfait, car elle est conçue pour une profondeur que je n’atteindrai jamais, même de loin. Je peux lui faire entièrement confiance. Elle a un écran sur lequel je peux très bien lire l’heure. Et c’est un bel exemple d’ingénierie humaine, de design et d’artisanat – je suis fier de la porter. C’est à peu près tout ce que j’ai comme équipement. Si je pars en exploration, je porte des palmes, si je m’entraîne et vise des records du monde, ma spécialité est bien sûr «sans palmes», c’est-à-dire uniquement les mains et les pieds. ____________

William Trubridge, Mark Maker Montblanc. L’apneista neozelandese William Trubridge è considerato uno dei subacquei di maggior successo al mondo. Nato nel 1980, ha stabilito numerosi record mondiali di apnea. William è noto per la sua straordinaria capacità di immergersi a grandi profondità senza attrezzatura per l’ossigeno. Ha contribuito in modo significativo a rendere l’apnea più conosciuta e popolare in tutto il mondo. ITALIANO

Come si è rivelata la sua passione per le immersioni e che cosa l’ha motivata a intraprendere questa professione? La scintilla è scoccata quando ero bambino e la mia famiglia viveva su una barca a vela. Abbiamo venduto la nostra casa nel nord dell’Inghilterra e, con i soldi di quella vendita, abbiamo comprato una barca e navigato dall’Europa attraverso l’Atlantico, i Caraibi, il Canale di Panama e il Pacifico fino alla Nuova Zelanda. Siamo partiti quando avevo due anni e abbiamo venduto la barca solo quando ne avevo 10. Quegli otto anni della mia vita in cui ho vissuto, giocato, nuotato, esplorato e fatto immersioni in acqua sono

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stati formativi. Credo proprio che nascano da lì il mio amore per l’acqua e la mia familiarità con essa. Solo nel 2002 ho scoperto che l’apnea era uno sport. Questo ha risvegliato il mio interesse e ho iniziato ad allenarmi. Il fascino non risiedeva solo nel fatto che praticavo questo sport da sempre, ma dipendeva anche dalla sua caratteristica di sport che mi metteva alla prova a tutti i livelli. Non era solo una disciplina fisica come il canottaggio all’università, che si basava sulla pura forza muscolare e sullo sforzo fisico. Da bambino giocavo anche a scacchi, una disciplina puramente mentale. Nessuna delle due mi soddisfaceva davvero, perché avevo la sensazione che una delle due metà, quella fisica o quella mentale, venisse meno. Quando ho scoperto l’apnea, ho potuto fare qualcosa di olistico, una sfida completa. E poi c’è la bellezza del mondo sottomarino. Vedere un animale marino nel suo habitat, interagire con il mondo sottomarino in modo naturale: è un’esperienza incredibile. E l’esplorazione non si esaurisce con l’ambiente: si tratta anche di esplorare sé stessi, di scoprire di cosa si è capaci e quali sono i propri limiti. Questa esplorazione del potenziale umano in acqua è per me davvero preziosa e gratificante. L’apnea comporta una serie di sfide particolari. Come si prepara mentalmente e fisicamente? L’apnea ha molte componenti diverse che devono essere allenate contemporaneamente. In primo luogo, c’è l’aspetto fisico, che riguarda la tecnica di

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nuoto e lo sviluppo della forza, soprattutto la «potenza esplosiva» necessaria per muoversi nell’acqua. Poi c’è la tolleranza ad alti livelli di anidride carbonica e acido lattico e a basse concentrazioni di ossigeno. E poi c’è la flessibilità: non solo quella del corpo e dei muscoli, che pure è importante, ma soprattutto quella dei polmoni, del torace e del diaframma, per sopportare le estreme variazioni di pressione in profondità. A 100 metri di profondità, la pressione è tre volte superiore alla pressione interna di uno pneumatico d’auto. Il busto deve quindi essere molto flessibile, poiché i polmoni sono compressi in dimensioni molto ridotte. Se non si è flessibili, si possono provocare danni terribili ai polmoni, al torace e a tutto il resto. Naturalmente c’è anche l’aspetto mentale: la capacità di mantenere la calma e il controllo della situazione. Qualsiasi tipo di agitazione consumerà più ossigeno e renderà l’immersione più difficile o addirittura ridurrà le possibilità di tornare in superficie. Questa consapevolezza è di per sé stressante; bisogna essere in grado di gestirla perché può diventare rapidamente un circolo vizioso. Una parte importante dello sport consiste nell’aggiornare costantemente le proprie tecniche mentali e assicurarsi che funzionino per mantenere la calma in queste circostanze estreme. Non basta spingersi fino a 100 metri o meditare: bisogna avere tutti questi elementi al 100%. Se uno di questi elementi non è pienamente sviluppato, ciò sarà un ostacolo alla riuscita. Gestire lo stress e l’ansia è importante tanto nell’apnea quanto nella vita «reale».

Come si fa a mantenere la calma e la concentrazione sott’acqua, ci sono strategie che derivano da questa pratica e che migliorano la resilienza mentale anche nelle situazioni quotidiane? Certamente. Questo è uno degli argomenti che mi stanno più a cuore. Quanto sono efficaci le tecniche di gestione dello stress che utilizziamo in apnea quando le applichiamo alle situazioni quotidiane? Ogni volta che ci si trova in una situazione che scatena lo stress, queste tecniche – che consistono nell’utilizzare il respiro e la mente per calmare l’intero sistema – possono funzionare quasi istantaneamente. Tuttavia, è fondamentale che stiano già lavorando in background. Questo è il vero cuore della questione, perché se qualcosa non funziona a livello inconscio, non funzionerà in situazioni estreme. Per esempio, se vi trovate improvvisamente in una situazione di stress, come una discussione o un discorso davanti a un pubblico, non potete semplicemente ricordare «in qualche modo» come applicare le varie tecniche di calma. Deve essere qualcosa che avviene inconsciamente ed è innescato dallo stress della situazione. Per questo motivo ho sviluppato un sistema che chiamo «Sistema immunitario mentale». Utilizza queste tecniche e le fissa nel subconscio in modo che funzionino come un sistema immunitario: vengono attivate da qualsiasi tipo di stress e avvengono senza che le si debba istigare noi stessi. Prima ancora di accorgersi di essere stressati, la respirazione è cambiata, il modo in cui la mente lavora è cambiato: è il sistema immunitario mentale che agisce dietro le quinte. Queste tecniche comprendono un certo tipo di respirazione che stimola il sistema nervoso parasimpatico, oltre a tecniche mentali incentrate sulla consapevolezza e sulla capacità di porsi come osservatori dei propri pensieri e sentimenti. L’apnea è un esperimento in provetta di gestione estrema dello stress. Quindi, se una tecnica funziona lì, c’è da scommettere che funzionerà in quasi tutte le altre applicazioni. Nei suoi discorsi lei sottolinea spesso che dobbiamo andare «sotto la superficie» per raggiungere il nostro subconscio. Come interpreta questa immagine? Parlo spesso del potere del subconscio nella filosofia zen, nel buddismo e nello yoga. La mente subconscia è vista come una risorsa dal potere quasi illimitato. Più si attinge ad essa, più

potente diventa l’accesso a questa risorsa. Si tratta di una sorta di circolo virtuoso: più si usa il subconscio, più si ha fiducia nel suo potere, più si è propensi a usarlo ancora di più, e così via. La mente subconscia è molto più potente della nostra mente razionale perché ha accesso a molte più informazioni. È stata misurata la quantità di dati che elaboriamo con la mente cosciente e razionale, in pratica la velocità dei nostri pensieri. Si aggira intorno ai sette kilobyte al secondo. Non è molto rispetto alla mente subconscia, che elabora tutto ciò che sperimentiamo in continuazione. Qui si misura in megabyte, quindi la mente subconscia elabora mille volte più informazioni per unità di tempo rispetto alla mente cosciente. La mente subconscia ha accesso a più informazioni, a più contenuti di memoria e ha un tempo di elaborazione più veloce. Coinvolge l’istinto, che prende il controllo nelle situazioni di crisi e reagisce in modo molto più rapido e preciso. Ecco perché un atleta come un calciatore ha molte più probabilità di fare un tiro se agisce d’istinto con il suo subconscio. Se la mente cosciente interferisce, ha il tempo di pensarci su, e spesso può sbagliare. L’utilizzo della mente subconscia è quindi un modo molto efficace per migliorare le capacità di risoluzione dei problemi e molto altro ancora. Questo non significa che si debba usare solo il subconscio: anche la mente cosciente ha il suo posto, naturalmente. Ma è assolutamente necessario utilizzarle entrambe. L’aumento della capacità polmonare e della respirazione è fondamentale nell’apnea. Quali tecniche utilizza per migliorare queste capacità? Quali scelte di vita hanno contribuito al suo successo come apneista? La capacità polmonare è importante, ma non è l’elemento fondamentale dell’apnea. Ci sono apneisti che hanno un’enorme capacità polmonare ma fanno fatica: perché hanno più galleggiamento in superficie ed è più difficile scendere. Durante la discesa, consumano più energia e quindi ossigeno. Si può ingrassare per contrastare questo fenomeno, ma i polmoni vengono compressi dalla pressione quanto più si scende in profondità. Alla massima profondità si perde quasi del tutto la galleggiabilità, ma si ha ancora il peso, quindi la galleggiabilità è molto, molto negativa. Non

si può mai sfuggire al problema dell’assetto e di come cambia con la pressione. Rispetto ad alcuni dei miei «concorrenti», ho un volume polmonare molto inferiore. Ma soprattutto nella disciplina senza pinne, dove abbiamo un sistema di propulsione ridotto – solo mani e piedi – è molto più importante muoversi in modo efficiente e sviluppare riserve di ossigeno non comprimibili nei muscoli e nel sangue. Molti dei miei allenamenti sono finalizzati a questo. La capacità di trattenere il respiro non è solo legata al volume polmonare, ma anche alla resistenza ad alti livelli di anidride carbonica e di ossigeno. L’ossigeno è il gas di cui abbiamo bisogno per sopravvivere, l’anidride carbonica (CO2) è il prodotto di scarto che si accumula. Un livello elevato di CO2 è ciò che ci spinge a respirare. Questo aspetto è fondamentale per il mio allenamento, soprattutto in piscina: faccio molti giri sott’acqua con brevi periodi di recupero, quindi sono sempre in uno stato di bisogno di respirare. Per quanto riguarda lo stile di vita, si tratta di trovare l’ambiente giusto. Mi sono trasferito alle Bahamas dove c’è il «buco blu» più profondo del mondo, il Dean’s Blue Hole, un luogo ideale per l’allenamento in apnea. Sembra che sia stato costruito appositamente per l’apnea! Qui posso concentrarmi sull’allenamento e condurre un buon stile di vita. Naturalmente anche l’alimentazione è importante, io seguo una dieta prevalentemente vegetale con alcuni frutti di mare. Lei è molto impegnato nella protezione del mondo sottomarino. Di cosa si occupa esattamente e che significato hanno per lei queste attività? Mi ritengo fortunato di poter vivere questa vita e dare seguito alla mia passione per l’apnea. Sento il bisogno di dare qualcosa all’ambiente marino, soprattutto perché è così minacciato dalle attività umane. Quando possibile, ho fatto del mio meglio per dare un contributo. In particolare, sto aiutando a salvare i delfini Māui e Hector in Nuova Zelanda, che sono a rischio di estinzione. E nell’affrontare il crescente inquinamento da plastica nei nostri oceani, che è diventato critico negli ultimi anni. In tempi recenti, la creazione di una famiglia ha assorbito molto del mio tempo e delle mie risorse, ma vorrei riprendere ad impegnarmi in questo settore e restituire qualcosa all’ambiente marino.

Quando insegno l’apnea, e la insegno a tutti, in pratica contribuisco a proteggere gli oceani. È quasi impossibile diventare un apneista e amare l’oceano senza fare qualcosa per proteggerlo. Dopo tutto, diventa la tua casa. E naturalmente si vuole che la propria casa sia intatta e pulita. Anche insegnare nei corsi permette di diventare «ambasciatori dell’oceano». Quanto è importante la scelta dell’attrezzatura per un’immersione? C’è un’attrezzatura particolare che indossa in ogni spedizione? L’abbigliamento e l’attrezzatura sono molto importanti. Indosso una muta, che è molto idrodinamica. Indosso un paranaso, ma niente che mi copra gli occhi. Preferisco sentire l’acqua che scorre sul viso: questo contribuisce ad aumentare il riflesso di immersione e a rendere il corpo più efficiente dal punto di vista dell’ossigeno, rallentando tra l’altro la frequenza cardiaca. Naturalmente indosso anche un orologio: il Montblanc Iced Sea 0 Oxygen Deep 4810, un compagno perfetto perché è stato progettato per profondità che non raggiungerò mai. Posso farvi completo affidamento. Ha un display sul quale posso leggere l’ora con estrema facilità. È un ottimo esempio di ingegneria umana, design e artigianato: sono orgoglioso di indossarlo. E questo è tutto per quanto riguarda l’equipaggiamento che uso. Quando vado in esplorazione, indosso le pinne, mentre quando mi alleno e punto ai record mondiali, la mia specialità è ovviamente «senza pinne», quindi solo mani e piedi. ____________

words. Frank Herbrand images. courtesy of Montblanc

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