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N Ú M E R O 10 OCTUBRE 97

CABARET VOLTAIRE BANGHRA DESTROY MERCEDES ELECTRONIC MUSIC NON-STOP

LFO PLAID LAIKA MINISTRY CARLOS BERLANGA ANDY WEATHERALL BRUCE GILBERT JUSTIN ROBERTSON 808 STATE WARP ÁLEX MARTÍN ENSEMBLE ETIENNE DE CRÈCY MERZBOW TRICKY CAN DUDE THE PRODIGY MIGUEL ÁNGEL RUIZ INFORMATION SOCIETY AN DER BEAT LEV TERMEN BANDULU CARL CRAIG

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P///DIAGONAL MUSIC CENTER

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EDITA SELF / SPANISH ELECTRONIC FOUNDATION

[5.000 ejemplares]

COORDINADOR LUCIANO ÁLVAREZ DISEÑO / PRODUCCIÓN GRÁFICA JUAN ANTONIO ÁLVAREZ / dW

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PUBLICIDAD XAVIER VILA

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Imprime Futurgràfic Fotomecánica MaquetPrint Depósito legal B-39.928-95

En este número colaboran A. Kurou, Albert Carreras, Alberto Balsam, Anki Toner, Black Muslim, Boris Rimbau, Der Automat, Doctor Avalancha, Don Solaris, Esther Berdión, Esther López, Frank y Winnie, Gabi Martínez, Homemade, Inner, J.-Y. Leloup, Jaime Casas, Joan S. Luna, Jordi Uriach, Juan Manuel Freire, Julio A. Cuenca, Leila Méndez, Litlledog, Lounge, Manel Roig, Marc Llorens, Marc Moch, Marta Lacarta, Nacho Cárdenas, Natalia Santiago, Óscar Broc, Paco y Manolo, Pepe Naburroughs, Ralf & Florian, Santi Fernández, Sumátrix, Taschen, Toni López, Udo Látex, Vicenç Batalla, Víctor Querosene, Víctor Sol y Yesno

Redacción P.O. Box 10.183, 08080 Barcelona Tel + Fax (93) 429 61 67

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Distribución en tiendas So Dens Distribucions (93) 268 40 35

IMPRESO EN PAPEL RECICLADO 100% SELF, AUNQUE LA COMPARTA, NO SE HACE RESPONSABLE DE LA OPINIÓN DE NINGUNO DE SUS COLABORADORES

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32 Álex Martín Ensemble 34 Etienne de Crècy 36 Tricky Álex Martín Ensemble 34 Etienne de Crècy 36 Tricky

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Publicidad Xavier Vila (93) 231 89 55

22 Andy Weatherall 24 Bruce Gilbert Andy Weatherall 24 Bruce Gilbert

26 Justin Robertson 28 808 State 30 Warp Justin Robertson 28 808 State 30 Warp

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E-mail: dexvila@redestb.es

18 Ministry 20 Carlos Berlanga Ministry 20 Carlos Berlanga

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E-mail: self@servidor.net

10 Destroy Mercedes 12 LFO 14 Plaid 16 Laika Destroy Mercedes 12 LFO 14 Plaid 16 Laika

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6 Cabaret Voltaire 9 Merzbow Cabaret Voltaire 9 Merzbow

40 Can 43 Dude 44 The Prodigy Can 43 Dude 44 The Prodigy

46 Miguel Ángel Ruiz 48 Information Society Miguel Ángel Ruiz 48 Information Society

50 An Der Beat 52 Lev Termen 54 Bandulu 56 Carl Craig An der beat 52 Lev Termen 54 Bandulu 56 Carl Craig

5 News 58 The angriest dog jockey of the world 60 CD Store 66 Live News 58 The angriest dog jockey of the world 60 CD Store 66 Live 68 Demo Store 71 Cinerama 72 Literaria 74 Communication 68 Demo Store 71 Cinerama 72 Literaria 74 Communication

Fe de erratas En el artículo ‘Paco Peiro. Su motor: la curiosidad’ el número del apartado de correos estaba equivocado. El correcto es el 36108. En el artículo ‘Línea Alternativa. Música de alto riesgo’ faltaba incluir la dirección de contacto. Héla aquí: Línea Alternativa, P.O. Box 49, 28800 Alcalá de Henares, Madrid (Spain). Tel./Fax: 91-8895738. En el artículo ‘Víctor Nubla. Punto de referencia’ la primera frase es como sigue:”¿Recordáis aquel personaje de ‘El Principito’ el cual, desde un asteroide...”. También se cometió una errata en su respuesta acerca de la autogestión. Debería decir: “Para esto hay un consenso tremendo a nivel mundial y...”

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P///SO DENS / CODCUT

Gràcia Territori Sonor

Nova Express Programa dentro de las emisiones de Radio P.I.C.A. (96.5 FM, Barcelona). Conducido hacia los abismos musicales, fuera del alcance de cualquier fundamentalismo radiofónico. Puedes sintonizarlo todos los martes a las 21.15 h., repitiéndolo los jueves a las 23.20 h. Desde Kevin Ayers, Faust o Man Or Astroman? al repaso a diferentes sellos estadounidenses, fuera del extrarradio de la difusión nacional: Smilex, Cavity Search, Time Bomb, Hefy Records, Asp, Angel Dust, Get Hip, Springbox ...

Gràcia Territori Sonor Los días 23, 24 y 25 de octubre tendrá lugar en Barcelona el II Simposium Europeo de Música Experimental, organizado por G.T.S. Participarán músicos, ensayistas, críticos, productores, agentes culturales, asociaciones de músicos, sellos discográficos y revistas. Habrán tres campos de actividades: el forum teórico (comunicaciones y ponencias que ofrecerán una panorámica de las iniciativas que se están realizando en el campo de la música experimental en diversos países europeos), los conciertos (Tim Hodgkinson, Deutsch Nepal, Carlos Zingaro y Henning Frimann y Francisco López) y el Concierto del Centenario-Misión a los Músicos (la Banda Municipal de Barcelona estrenará obras de Tim Hodgkinson, Xavier Maristany, Jakob Draminsky y Tres en un concierto que se grabará para la posterior edición de un Cd). Todas las actividades tendrán lugar en la sede del Distrito de Gracia, Plaza Rius i Taulet, 2, a partir de las 11 de la mañana (excepto el sábado que empezará a las 12 h.).

Igualmente habrá una exposición fotográfica paralela de Olga Suárez que recopila instántaneas de

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news las actuaciones del circuito LEM durante su primer año de existencia (también en el mismo edificio).

Ama Records Noticias de una de las tiendas (y distribuidora) de discos que más se mueve en este país. Dos de sus colaboradores (David Lapof y Dave Snuiter) han creado un nuevo colectivo de Dj’s, Mulletheadz, que ya ha estado pinchando en diferentes lugares del país, sesiones de hip hop, acid jazz, nu house y old school funk, y que seguirá haciéndolo de manera fija los viernes en el Kasbah Club de Madrid. Si te quieres poner en contacto con ellos, escribe al P.O. Box 18123, 28080 Madrid (tambien editan un fanzine que se llama Garfunkel y piden que la gente mande colaboraciones). Y el 19 de septiembre se inauguró el Jazzin’ Club, el nuevo club que abre el otro colectivo de Dj’s que ha generado Ama Records, Jazzin’ Club. Está en la calle Flor Baja, 1 (semiesquina con Gran Vía, 59) de Madrid y funciona los viernes y sábados a partir de medianoche. Más acid jazz, hip hop, jungle, house, funky, drum & bass ... para las noches madrileñas. (Información: 915213489).

Superelvis ¡Superelvis en el ciberespacio! Ya puedes consultar su web en internet (http://www.arrakis.es/-ankitone) y dejar tu comentario en su buzón (ankitone@arrakis.es). Por cierto, para cuando aparezcan estas líneas ya estará en la calle su nuevo álbum, esta vez en directo, ‘Having Fun On Stage’.

Producciones Animadas Menudo otoño ha preparado esta promotora barcelonesa: Alex Gifford & Will White (Propellerheads), como Dj’s, y la actuación de Mekon forman el cartel de la fiesta Wall Of Sound que tendrá lugar el 8 de noviembre en la Sala Apolo; Daft Punk + Dj Sneak + Dj invitado en Zeleste (Barcelona) el 14 de noviembre y en Aqualung (Madrid) el 15; Tenorland (actuación de Jimi Tenor,

pase de modelos de su línea de ropa, Tenorwear, y los Dj’s Esko Rotamaa y Maurice Fulton) el 20 de noviembre en la Sala Apolo; y el día siguiente en la misma sala tendrá lugar el debut de Supercharger en nuestro país. Y por confirmar está la gira de The Herbaliser (5 de noviembre en Madrid, 6 en Barcelona y 7 en el País Vasco).

Dive Dirk Ivens (ex-Klinik y capo de Daft Records), más conocido como Dive, actuará por primera vez en nuestro país el 1 de noviembre en Barcelona (Garatge Club, 21.30 h.). Le acompañará, como telonero, Monolith (Eric Van Vonterghem, ex-miembro de Klinik y fundador de Insekt). Una velada industrial, en el amplio sentido de la palabra.

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Publicaciones Neomanía (P.O. Box 8104, 28080 Madrid) se metamorfosea en Neo2 y lanza su nº 4 (Coldcut, Funki Porcini, Side Effects...); Undersounds nos trae en su nº 8 a Groof, Roger Sánchez, Russ Gabriel, Nueva Electrónica y Dj Ángel (P.O. Box 46309, 28080 Madrid); Blogbog 2001 (P.O. Box 47051, 28080 Madrid) llega al nº 5: Dj Zorra, Cicorp, Slab, David Harrow, Aphex Twin...; Disco 2000 (Ronda San Pedro, 32 1º G y H, 08010 Barcelona) estrena etapa con un nuevo nº 1 (Wall Of Sound, Daft Punk, The Frogmen, Jimi Tenor, Álex Martín, Los Sencillos...) y Dance De Lux (Déu i Mata, 152 Entlo. 4ª, 08029 Barcelona) regresa a su cita anual por segunda vez (Crammed Discs, James Lavelle-Dj Shadow, Underground Sound of Spain, Electro y Tricky), acompañado de un Cd que recoge lo más florido del catálogo de la distribuidora So Dens. n

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cabaret voltaire dadá y el lenguaje internacional Hablar de Cabaret Voltaire es hablar de uno de los más importantes grupos surgidos a principios de los 70 y que más influencia ha dejado en los sonidos electrónicos de los últimos tiempos. Los jóvenes músicos de hoy son hijos, no ya de Kraftwerk, sino de Cabaret Voltaire.

Creadores, junto a Throbbing Gristle, de un sonido y una cultura industrial, sus trabajos más creativos (a mi parecer) son los correspondientes a los años que van de 1974 a 1984 y a partir de 1990, esto es, los extremos de la carrera del grupo de Sheffield (Inglaterra).

4 Cabaret Voltaire ha sido un grupo atípico dentro de las estructuras comerciales del pop y de la industria discográfica. Alejados de los circuitos comerciales pero facturando álbumes absolutamente vendibles, demostraron que en el pop las promociones a gran escala son el eje de ventas de un producto. Y si Cabaret Voltaire se han apartado de toda esa industria y se han convertido en objeto de culto, debemos considerar su obra como totalmente creativa y honesta.

Formados como trío (Stephen Mallinder, Richard H. Kirk y Christopher R. Watson), se reúnen ya en 1972 en casa de Watson y comienzan a realizar sus grabaciones a partir de las recientes bases creadas por músicos como Eno y, sobre todo, Kraftwerk (el sello Mute editó en 1992 un compacto del primerizo material con el título ‘1974-76’).

En esas grabaciones se perfila el característico futuro sonido del grupo. Su primer Lp no llega hasta 1979 con el título de ‘Mix Up’, que incluye una espléndida versión de ‘No Escape’ y temas tan espectaculares como ‘Photophobia’ o ‘Heaven And Hell’, y el single ‘Nag Nag Nag’ (79) parece acercarles a las pistas de baile. El mensaje cultural de Cabaret Voltaire puede parecer en ocasiones ambiguo ya

que temas como la pornografía, las drogas, la violencia o la estética nazi se mezclan en imágenes con su sonido monocorde e industrial.

Después de un álbum en directo, ‘Live At The YMCA 27.10.79’ (80), llega su primera obra maestra, ‘The Voice Of America’ (80). Desde el tema que da título al disco, pasando por joyas como ‘Premonition’ o ‘Messages Received’, este disco debería pasar a la historia de la música tecno-industrial. La portada del disco es fiel reflejo del contenido: un collage de violencia contemporánea del siglo XX. Siguen varias grabaciones en directo, ‘Red Mecca’ (81) y la banda sonora del telefilme ‘Johnny Yesno’ (82). Según los entendidos, ‘Red Mecca’ está considerado como el mejor trabajo del grupo. El disco es pura histeria, música descontrolada que

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Fotos Archivo Self Texto Nacho Cárdenas/Trepidación

parte de un ritmo. Un disco agresivo y poco recomendable para los preconcebidos sentidos auditivos de los consumidores. En cualquier caso, se trata de un gran disco que hoy es plenamente vigente. Es en esa época cuando Chris Watson abandona el grupo para trabajar como ingeniero de sonido (posteriormente formó parte de The Hafler Trio).

Para comprender bien este periodo se hacen imprescindibles las recopilaciones ‘The Living Legends’ (90) y ‘Listen Up With ... (90)’, que contienen todos los singles para Rough Trade, los temas incluidos en recopilatorios, vídeos, flexis e inéditos, excepto el maxi a 33 rpm ‘Three Mantras’ (80), que contiene dos largas piezas absolutamente repetitivas que varios años después autosamplearían. Paralelamente se edita el doble maxi ‘2 x 45’ (82), con el que comienzan a acercarse a circuitos más comerciales, con temas como ‘Yashar’ o la fabulosa ‘War Of Nerves’.

El mensaje cultural de Cabaret Voltaire puede parecer en ocasiones ambiguo ya que temas como la pornografía, las drogas, la violencia o la estética nazi se mezclan en imágenes con su sonido monocorde e industrial.

CABARET VOLTAIRE

DADÁ Y EL LENGUAJE INTERNACIONAL

Después de la marcha de Watson hay un cambio de orientación. El dúo firma por Virgin y facturan ‘The Crackdown’ (83). Su música ahora se acerca más a los sonidos populares debido al triunfo de la música tecno e industrial, que por entonces llegaba a su cénit. ‘The Crackdown’ es un disco a ratos comercial (‘Just Fascination’), con sonido duro pero que les hizo ser merecidamente conocidos.

Incluso pasaron por España y actuaron en el celebrado y añorado programa televisivo de Paloma Chamorro ‘La Edad De Oro’. A partir de ahora el grupo va a proyectar directamente sus trabajos hacia los sonidos de moda (esto es, la música funk), inaugurando lo que por entonces se denominaba electro-funk y que coincide con la peor facturación del grupo. Entregas como ‘Micro-Phonies’ (84), ‘Drinking Gasoline’ (85) y, sobre todo, ‘The Covenant, The Sword And The Arm Of The Lord’ (85), nos muestran a unos Cabaret Voltaire irregulares que se hacen muy difícil de escuchar. Resulta más placentero oir los trabajos en solitario de Kirk que, aunque pasaron totalmente inadvertidos, contienen momentos

cuya primera edición incluía otro Lp de regalo con cinco remixes.

El cambio generado durante esos años en la música electrónica y la consolidación y asimilación del tecno (hoy en día es parte de cualquier anuncio, banda sonora, recopilatorio de éxitos...) se verán en sus siguientes trabajos. ‘Body And Soul’ (91) y, sobre todo, ‘Colours’ (91) nos muestran unos tra-

Somos apolíticos en el sentido de que no hacemos trampas, no predicamos ni usamos la música como medio propagandístico. más próximos a los primeros Cabaret Voltaire.

En 1986 sale al mercado el maxi ‘The Drain Train’ que incluye dos remezclas de ‘Shakedown’, cuya versión en Cd (editada en 1991) incluye 4 temas en directo del año 82. El siguiente álbum, ‘Code’ (87), devolvería la dignidad al grupo. Aún juguetean con los sonidos funk pero están más cerca del sonido tecno duro y bailable, con temas excelentes como ‘Sex, Money, Freaks’ o ‘Thank You America’. Después llegó la segunda revolución de la música electrónica con el triunfo de sonidos como el house o el acid y Cabaret Voltaire edita otra obra maestra: ‘Groovy, Laidback And Nasty’ (90),

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bajos de música moderna de baile, hipnótica y cercana a la nueva ola de grupos que surgen por entonces (LFO y Orbital). Aunque haya que resaltar que la influencia es contraria: todos esos grupos deben mucho a Cabaret Voltaire. En 1992 se editó una excelente recopilación de remezclas de viejos temas, con el título de ‘Technology - Western ReWorks’92’.

Las tres últimas entregas del grupo, ‘Plasticity’ (92), ‘International Language’ (93) y ‘The Conversation’ (94) parece que pasan desapercibidas para el gran público pese a tratarse de tres excelentes trabajos de música ambiental y minimalista,

con constantes referencias a los ritmos africanos (a mí me resultan la perfecta banda sonora para leer a Paul Bowles) y que van paralelos a los nuevos proyectos de Richard H. Kirk. Tras estos proyectos de Kirk parece que el grupo queda definitivamente disuelto. Al fin y al cabo todos sus proyectos personales tienen un paralelismo a Cabaret Voltaire, a base de sonidos tribales y ambientales o lo que se ha denominado como tecno inteligente (término que a mí me resulta grotesco). Proyectos como Sandoz, Sweet Exorcist, Electronic Eye o trabajos bajo su propio nombre nos demuestran que Kirk sigue más activo e inspirado que nunca y que el espíritu de Cabaret Voltaire sigue vivito y coleando.

Nacho Cárdenas n

Hemos rescatado del olvido una recopilación de declaraciones de Richard H. Kirk y Stephen Mallinder a la prensa durante el año 1983 para que conozcáis un poco más su forma de pensar y de hacer: “La mayor broma de todo esto es que hemos logrado mucho -hasta hemos conseguido un razonable adelanto de la Virgin- y todavía nos es realmente difícil afinar las guitarras, somos en realidad músicos malos. Que la gente pueda ver en nosotros una fuerza musical es totalmente ridículo...“ (Mallinder) “Yo pienso que nosotros podríamos hacer todavía un disco agresivo y con espíritu pero que además atraiga a mucha gente, queremos encontrar una nueva fórmula.” (Kirk) “Podríamos haber hecho películas o literatura pero hemos elegido la música, el sonido... y esto es una carencia de pretensiones, las cuales puedes encontrarte en otras áreas del ‘arte’. Realmente estábamos dentro de la música, era nuestra cultura.

Pero no era la actitud de vamos-a-tener-un-gru-

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cabaret voltaire dadá y el lenguaje internacional 4 Discografía de Cabaret Voltaire po-y-a-tocar-por-la-noche-en-la-High-School.”

(Kirk) “Desde el principio, la música ha sido una forma de financiar otras cosas que queremos hacer.

Los films son para nosotros más importantes en términos de autoexpresión pero, por otro lado, en términos de inmediatez de expresión, la música es mucho mejor.” (Mallinder) “El dadaísmo fue una influencia para nosotros, y todavía lo es, pero es principalmente un punto de referencia, como una filosofía. De cualquier manera, la filosofía o las ideas que tú tienes debes adaptarlas a las circunstancias del tiempo en el que estás, de lo contrario es una absoluta vuelta atrás.”

(Mallinder) “De hecho el dadaísmo amplificó y expresó lo que estaba en la calle y a su alrededor y quizás en nuestro caso esto es cierto. Nosotros vemos mucha TV, mucho vídeo, un montón de programas nuevos.” (Kirk) “Pienso que el sentido del humor dadaísta, el absurdo, es algo que nosotros reflejamos y practicamos y un montón de gente carece de este aspecto.

La gente tiende a tomarnos demasiado en serio.”

(Kirk) “Somos apolíticos en el sentido de que no hacemos trampas, no predicamos ni usamos la música como medio propagandístico; pero por otro lado todavía pienso que debido a la situación en la que vivimos somos políticos en nuestra postura personal. “ (Mallinder) “En los primeros días conseguimos el interés de las vanguardias tradicionales, mientras que nos veíamos a nosotros mismos como unos chicos saltarines con cintas grabadas. Eso fue bastante divertido, de hecho solíamos mezclarnos con un montón de gente del departamento de música de la Universidad de Sheffield que era totalmente seria.

No sabíamos si formábamos parte de esto o de la música pop.” (Mallinder) “¿Escuchan realmente algo de la ‘vanguardia seria’? Yo si, pero la gente suele pensar que noso-

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Sólo albums y no incluida en el texto

Chapter One (76) Live At The Lyceum (81) Live In Sheffield (82) Hai! (82) The Golden Moments Of C.V. (87) Eight Crepuscule Tracks (88) Percussion Force (91) Discografía de Richard H. Kirk Sólo albums

Disposable Half-Thruths (78) Time High Fiction (83) Black Jesus Voice (86) Ugly Spirit (86) Virtual State (94) The Number Of Magic (95) Step White Run: Alphaphone Vol. 1 (96) > SANDOZ

Digital Lifeforms (93) Intensely Radioactive (94) Every Man Got Dreaming (95) Dark Continent (96) tros ocupamos nuestro tiempo libre escuchando a Stockhausen. Suelo escuchar todo tipo de material ... Para mí, en mucha de esta música las ideas eran más interesantes que en los actuales tipos de música. Yo estuve influenciado por un montón de ideas, pero no como resultado final. Lo que estábamos haciendo era más punk que lo que los punks estaban haciendo. Cuando hicimos nuestro primer gran concierto en Sheffield, la gente estaba a la expectativa respecto a nosotros porque éramos como la respuesta de Sheffield a los Sex Pistols y la mitad de la audiencia se fue... por la manera de la que íbamos.” (Kirk) Trepidación (nº 5, diciembre 1983)

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> SWEET EXORCIST

CCEP/CCCD (90) Spirit Guide To Low-Tech (94) > ELECTRONIC EYE

Closed Circuit (94) The Idea Of Justice (95) > NITROGEN

Intoxica (97) Discografía de Stephen Mallinder Pow Wow Plus (82) Discografía de Chris Watson Stepping Into The Dark (96)

“Si alguno de los antiguos fans se siente decepcionado por el cambio, es culpa suya, ya que nosotros nunca hemos permitido que la gente creyera ciertas cosas sobre nosotros, nunca nos hemos visto como pioneros, líderes o algo así.” (Mallinder)

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merzbow retrato del autista cachondo El rostro de Masami Akita era una máscara inexpresiva ante los ojos escrutadores de Udo Látex. El incauto periodista empezaba a darse cuenta del por qué de la sardónica sonrisa que le había dirigido su antecesor en el turno de entrevistas: para recolectar las perlas de la sabiduría ruidista nipona iba a tener que abrir la ostra de la reserva con los dedos.

4 Tanto Udo como su amigo Alain, que amablemente había accedido a ejercer de traductor, saludaron a Masami y a su compañera. Ésta no se dignó a levantar la vista de su Tamagotchi. Pensaría, probablemente, que estos miserables gaijines no eran merecedores de la gracia infinita del sonido de su voz. Él tampoco respondió al saludo.

“No parece tan terrible”, pensó Udo. En efecto, la fiera corrupia, firmante de cuchilladas sonoras tales como ‘Noisembryo’ o ‘Music For Bondage Performances’ no se diferenciaba, al menos en su exterior, de cualquier otro turista japonés de los muchos que suelen verse pululando por la Ciudad Condal, sonriendo y fotografiando las obras de Gaudí. ¡Claro! Aquí estaba la diferencia. La perenne sonrisa que se le presupone a cualquier hijo del sol naciente brillaba por su ausencia en el rostro de Masami Akita. Mejor no malgastar su precioso tiempo y dar comienzo a la entrevista sin demora. Tras comprobar el buen estado de la grabadora y de la cinta, Udo indicó a Alain su primera pregunta: ¿Cómo describiría su música a un neófito?

Alain tradujo al inglés y ambos aguardaron expectantes la respuesta. Ésta tardaba en llegar. El nipón, impasible, no demostraba haber escuchado una sola palabra; con la mirada perdida en el infinito, absorto en la contemplación de un punto indeterminado situado entre Alain y Udo, semejaba un pálido muñeco de carne, sin vida ni conocimiento.

Al fin, tras una eternidad, despegó levemente

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Foto -----Texto Udo Látex

los labios y musitó una serie de monosílabos que a Udo le parecieron ininteligibles, los últimos estertores de un hebefrénico. Alain mantenía fija su mirada, asintiendo levemente e intentando interpretar tanto las palabras como el más mínimo movimiento del cuerpo de Masami.

- Dice que no piensa en eso, sólo en hacer música sin tener en cuenta el posible impacto en los demás.

Udo estaba perplejo; Alain parecía poseer una mágica capacidad para entender la extraña jerigonza de Masami, un híbrido imposible entre el inglés, el japonés, el swahili y el marciano.

Así que no le gusta describir lo que hace. ¿Tal vez para no crear en el oyente ningún tipo de preconcepción?

Alain transmitió la pregunta y de nuevo repitióse el largo paréntesis.

- Dice que es muy difícil de describir.

¿Difícil? Para nada, pensó Udo. Es el ‘Sonido Fuenteovejuna’: todos los sonidos a una. Un atronador pandemónium que te golpea con fuerza física y te hace sentir como descendiendo al Maelstrom. La prueba de sonido para el concierto de Merzbow, que los dos entrevistadores habían presenciado una hora antes, había sido una trepanación sin anestesia que Masami Akita había llevado a cabo con ascetismo casi religioso, un ejercicio de sado-masoquismo sólo empañado por el ridículo theremin de juguete que manipulaba su amiga. Ésta, por cierto, había apartado su Tamagotchi para ojear sin mucho interés el ejemplar de Self con que Udo Látex les había obsequiado.

Udo reparó en las marcas, parecidas a pinchazos, que adornaban los brazos de su entrevistado e inmediatamente recordó pasadas declaraciones en las que interrelacionaba el ruido con las prácticas sado-maso, a través del nexo común del fetichismo y hablaba de su conexión con Kinbiken, un grupo de aficionados al bondage para quienes había musicado algunos vídeos. Mmm, muy sospechoso...

Durante la media hora siguiente Alain pudo sacarle con calzador algunas lacónicas reflexiones sobre su obra y su persona: que se siente muy influenciado por el rock progresivo de los 70 (¡quién lo hubiera dicho!), que encuentra su estilo actual más emocional, menos frío y distante que la freeform music que practicaba en sus comienzos, que la violencia que refleja su música se queda en un nivel puramente físico y acústico, que no contiene ultrafrecuencias ni mensajes subliminales, que su mentalidad es plenamente oriental aunque sienta su música más cerca de la cultura de occidente y que la base de su equipo son pastillas y micros de contacto pasados por una larga ristra de pedales de distorsión, filtros y moduladores. n

- Alain, siento haberte metido en este berenjenal - dijo Udo mientras se retiraban.

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destroy sexmental mercedes surfers El álbum de debut de Destroy Mercedes, ‘Volumen Uno’ editado por el sello madrileño Por Caridad Producciones, fue una de las revelaciones del 96, si hemos de creer a los críticos, incluyendo los de la revista que tienes entre manos.

4 Para ser un grupo novel, sus dos miembros tienen un largo historial a sus espaldas. Jaime Munárriz fue, por ejemplo, bajista de los Monaguillosh (¿recuerdas?) a principios de los 80, se dedicó luego a tareas de productor (entre las que destacan los primeros grupos de hip-hop español: DNI, Sindicato del Crimen...), que supo compaginar con una relevante carrera como artista plástico, en solitario o en pareja con Esther Berdión. A finales de los 80 reaparece en la escena musical como miembro de Cerdos, grupo en el que también figura la otra mitad de Destroy Mercedes, Javier Piñango (más conocido hasta entonces como crítico musical). Cerdos llegaron a grabar un único Lp y un par de cassettes, antes de pasar a mejor vida (ya sabes, todo cerdo tiene su San Martín). En el año 92, Piñango se integra en Mil Dolores Pequeños, una de las joyas de la corona de la escena independiente (que no ‘indie’) nacional, grupo con el que lleva hasta la fecha tres Cd’s y un puñado de singles y del que sigue formando parte. Pronto encontramos a Munárriz colaborando de forma más o menos seguida con los Dolorcitos. Un buen día, estos dos personajes deciden retomar el proyecto común que debía haber sido y no acabó de ser Cerdos, pero más viejos, más sabios y más autosuficientes. Acababa de nacer Destroy Mercedes.

Como se suele decir, el resto es historia. Amparados por el éxito de ‘Volumen Uno’, el dúo está a punto de sacar un segundo Cd, titulado (lógicamente) ‘Volumen Dos’, de nuevo para Por Caridad. Anki Toner (cantante de Superelvis) entrevista a sus compañeros de sello, en exclusiva para Self.

¿Cuál de vosotros es más Destroy y cuál más Mercedes? Obviamente cada uno de nosotros somos Destroy y Mercedes a un mismo tiempo.

Dr. Jekill y Mr. Hyde para entendernos. En cualquier caso, la pregunta resulta improcedente.

Teniendo como tenéis casi setenta años (entre los dos), ¿qué coño pretendéis expresar con vuestras canciones? Lo bueno de ser un grupo de DOS es que sólo ‘tenemos’ setenta años...

Si fuéramos cuatro (como vosotros) sería muchísimo peor, ¿no? Este comentario sirve además para eludir el contestar que coño queremos expresar con nuestras canciones. ¿Qué pesa más en Destroy Mercedes, la influencia de Cerdos (o, ya puestos, las de Monaguillosh o Mil Dolores Pequeños), o

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Fotos Esther Berdión Texto Anki Toner

vuestras diversas tareas como productores (desde el hip-hop munarricense a Lee Robinson Machine by Mr. Pin)? Lo único cierto es que ahora estamos haciendo lo que siempre hemos querido hacer. Es una máquina que funciona a la perfección, de forma totalmente intuitiva además. Otros trabajos en los que podamos implicarnos, como producciones o colaboraciones, son sólo una parcela acotada en la que nunca pueden incluirse la totalidad de los intereses creativos. Implican adaptarse, plegarse a la visión de otros aunque tú aportes también algo. Por otra parte, historias pasadas como Cerdos o Monaguillosh han sido peldaños, pasos previos que de alguna forma también han contribuido a que Destroy Mercedes sea hoy lo que es.

Habéis tardado dos años en dar vuestro primer concierto. De hecho, el repertorio de este primer concierto se basaba casi más en

Si somos sinceros, y contigo vamos a serlo, somos un grupo de punk. Nuestro problema es que en vez de ir a los clubs de baile preferimos ir a los bares tradicionales. Lo cojonudo es ahora poder utilizar elementos de todas las procedencias, mezclar el rock setentero con el techno o la experimentación electrónica (o el rock’n’roll).

Precisamente ‘Volumen Uno’ fue un gran homenaje a momentos muy especiales de la música que nosotros vivimos en nuestra juventud.

vuestro segundo álbum que en el primero.

Ahora que ya tocáis en directo, habladme de él. Nuestro planteamiento inicial fue trabajar sólo a nivel de estudio y así es como surgió el material del primer disco. Sin embargo, después se nos despertó el gusanillo del directo y las nuevas canciones que dan forma al próximo álbum surgieron a partir de ensayos tradicionales. De algún modo nos ‘saturamos’ de nuestra faceta más progresiva, de estructuras evolutivas sin un agarre formal y por reacción, después hemos buscado estructuras clarísimas, con partes definidas con 4 + 4 + 4 compases (rock’n’roll). Nuestro directo está por tanto asociado a esta nueva forma de trabajar: canciones entendidas al modo ‘Destroy Mercedes’, combinación de instrumentos tradi-

Por Caridad ha conseguido reunir a gente muy diversa, donde personajes muy diferentes comparten proyectos inusuales. cionales (guitarras, por ejemplo, pero también trompeta o hasta un laúd), máquinas y sintetizadores análogicos y por último, la incorporación siempre que sea posible- de elementos visuales (proyecciones) a cargo de Esther Berdión, que también es la autora de nuestras portadas, fotografías, etc.

Ya que estamos de promoción, habladme, de paso, de vuestro nuevo disco. ‘Volumen Dos’ se decanta por canciones en el sentido más literal del término, tratando de no perder el sonido envolvente que caracterizó ‘Volumen Uno’. Por otro lado, la aportación de un sampler y un nue-

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vo multiefectos nos ha permitido trabajar con loops y además, procesar de forma más atrevida las voces, sobre todo, pero también los instrumentos: bajos, por ejemplo, tocados primero por nosotros mismos (en este caso Jaime), después sampleados y loopeados. ‘Jumbo Reactor’ y ‘Rainbow Race’, de este nuevo ‘Volumen Dos’, son quizá, las canciones que mejor reflejan todo esto.

A propósito del nuevo disco, ¿cuántos ‘volúmenes’ faltan? ¿no pensáis cambiar el título de los discos algún día? A pesar de citar a Syd Barret, ¿no estáis admitiendo, en realidad, la influencia de Chicago (el grupo) en vues-

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tra música? Sólo cambiaremos el título cuando grabemos ‘Destroy Mercedes en directo con Anki Toner’. De todas formas nos separa de Chicago que ellos siempre recurrieron a los numerales latinos...

La pregunta del millón: ¿sóis un grupo de tec(h)no o de rock? ¿ no os da vergüenza? ¿no deberíais, de una vez por todas, centraros en la música de baile? Si somos sinceros, y contigo vamos a serlo, somos un grupo de punk.

Nuestro problema es que en vez de ir a los clubs de baile preferimos ir a los bares tradicionales. Lo cojonudo es ahora poder utilizar elementos de todas las procedencias, mezclar el rock setentero con el techno o la experimentación electrónica (o el rock’n’roll). Precisamente ‘Volumen Uno’ fue un gran homenaje a momentos muy especiales de la música que nosotros vivimos en nuestra juventud (ya conoces nuestra edad): Patti Smith, Tangerine Dream, Magazine, Devo, Pink Floyd, Talking Heads, Syd Barret, Suicide, Kraftwerk, Sigue Sigue Sputnik o los Clash.

Para terminar, ¿cómo os va con vuestra discográfica?¿os sentís identificados con ella?¿no os iría mejor en otro tipo de sello, más especializado? Es la única discográfica abierta a este tipo de productos fuera de definiciones claras. No nos gustaría estar en una independiente de rock alternativo ni en una de techno integrista. Por Caridad ha conseguido reunir a gente muy diversa, formando una extraña comunidad hiperactiva e intercomunitaria, en la que personajes muy diferentes comparten proyectos inusuales. Por el momento, Madrid y Barcelona colaboran más allá de Pujol-González-Aznar. ¿Os referís tal vez a grupos como Superelvis? ¿qué se siente al ser compañeros de escudería de tipos de esta calaña? Superelvis se lleva toda la promoción y privilegios. Esperamos que sean expulsados en poco tiempo para que Destroy Mercedes sea objeto de máxima atención. n

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lfofrecuencias avanzadas LFO (Low Frecuency Oscillation) -oscilación de baja frecuencia, nombre directamente conectado con la base que sustenta su música-, encabeza en sus comienzos el movimiento techno-bleep, de colosal influencia posterior en bandas como Tricky Disco, Acid Jesus, Rhythmatic, GTO, Sweet Exorcist (Richard H. Kirk & Dj Barrat), Squarepusher (a.k.a. Tom Jenkinson), avalado por Richard D. James (Aphex Twin), que según confesión propia decidió traducir sus obsesiones musicales a código binario el día que descubrió a LFO, los recopilatorios ‘Bio Rhythm’ y ‘Love Is The Message: The Love Parade 94’ (mezclado por Dj Kid Paul) que además lleva el título de una de sus composiciones del primer elepé-, e incluso los discos de Cabaret Voltaire ‘International Language’ y ‘Plasticity’.

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Fotos Archivo Self Texto Der Automat LFO: Mark Bell y Gerrad Varley, clientes habituales del club donde pinchaba George Evelyn de Nightmares On Wax en Leeds, se conocieron gracias al break dance: “Solíamos estar en diferentes pandillas -dice Gez-, perdimos el contacto y nos reunimos de nuevo en un curso de diseño gráfico y fotografía en Leeds en 1989”. Bell y Varley estuvieron durante algún tiempo comprando gran cantidad de material acid primitivo como Phuture y Chicago Trax. Gez comenta: “Mark estaba haciendo música para otros, así que lo cazé para LFO”.

Uno de los primeros temas que hicieron juntos fue ‘LFO’. Mark y Gerrad destacan por la estudiada contención y sublime austeridad de su sonido, directamente conectado con la tradición Kraftwerk y Cabaret Voltaire y la consiguiente escuela de Detroit (Saunderson, May y Atkins).

Arremeten contra Technotronic y KLF, a la vez

que declaran su admiración por Brian Eno, Tangerine Dream, Kraftwerk, Depeche Mode y Yellow Magic Orchestra. Su ‘Frequencies’, un clásico instantáneo puesto a la venta el 22 de julio de 1991, es un genial compendio de todos ellos y más: estructuras rítmicas repletas de pequeñas ambientaciones melódicas y soberbios arreglos, un vergel de sinuosidades, oscilaciones alucinantes, distorsión minimalista, atmósferas cristalinas y delicias marcianas con tecnología analógica cautivadora y sana sobriedad. Toda una fuente de futuras ideas. En el vinilo se incluye ‘Avon Calling’, tema inédito en el Cd. En 1990 entran a formar parte de la corporación Warp, fundada el 6 de junio de 1989 y heredera de F.O.N. Records. LFO son uno de los prime-

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ros grupos en firmar para el sello de Sheffield por un álbum. Curiosamente, no obstante, lo primero que se edita de ellos es un maxi-single compartido con un dúo de Watford, Tricky Disco. Los dos temas de LFO están coescritos por ellos y Dj Martin Williams, miembro fundador del grupo, que poco después lo abandonaría. Al año siguiente se publica la compilación de Warp ‘Pioneers Of The Hypnotic Groove’ -que incluye la versión de ‘LFO’ del single- con lo más sobresaliente de la escudería de la discográfica inglesa. Al tiempo se editan tres discos de LFO: dos 12” (el primero incluyendo los temas ‘LFO/’Track 4’/’Probe’ y el segundo ‘LFO Remix’/ ‘Mentok 1’/’Quijard’) y un Cd single que contiene ‘LFO’/’Probe’/’Track 4’/ ‘Mentok 1’. Poco después remezclan ‘Aftermath’ de Nightmares On Wax. Cuando el Lp ‘Frequencies’ apareció, Elektric Music (banda del mítico ex-Kraftwerk Karl Bartos)

Su ‘Frequencies’, un clásico instantáneo puesto a la venta el 22 de julio de 1991, es un genial compendio de todos ellos y más: estructuras rítmicas repletas de pequeñas ambientaciones melódicas y soberbios arreglos, un vergel de sinuosidades, oscilaciones alucinantes, distorsión minimalista, atmósferas cristalinas y delicias marcianas con tecnología analógica cautivadora y sana sobriedad. Toda una fuente de futuras ideas.

mandó un fax a Warp Records pidiendo trabajar con LFO. Éstos fueron entonces a Alemania a grabar una canción con los de Düsseldorf. Warp anunció que la colaboración iba a ser editada como single en septiembre del 92. Se incluirían dos mezclas de Elektric Music y dos de LFO -3 de ellas serían ‘dance mix’ y la otra ‘listening mix’-.

Desgraciadamente las negociaciones entre LFO/Warp y Elektric Music se rompieron y hubo muchas complicaciones para publicar el disco, por lo que el proyecto fue abandonado. Tampoco la suerte acompañó a ambos grupos durante la gira por tierras escandinavas del ‘Virtual Summer Tour’ de los alemanes en el verano del 94, ya que LFO después de haber sido invitados personalmente por Elektric Music, no pudieron finalmente acompañarles.

diferente) del tema ‘Intro’, que aparece en el álbum ‘Frequencies’.

Y en la primavera de 1994 ya está en las tiendas ‘Tied Up’, en dos formatos: un doble 12” (que incluye una versión inédita de ‘Nurture’) y un Cd single. El 23 de mayo de aquel año, con motivo del quinto aniversario del sello de Steve Beckett y Rob Mitchell, se edita el segundo volumen del sampler de Warp ‘Artificial Intelligence’ y se celebran fies-

Cuando el Lp ‘Frequencies’ apareció, Elektric Music (banda de Karl Bartos) mandó un fax a Warp Records pidiendo trabajar con LFO. Cuando Eric Iviorand y Laurent Garnier formaban parte del sello francés FNAC distribuyeron en aquel país a LFO, y éstos volaron hacia París donde hicieron montones de entrevistas, conocieron a Laurent y después, cuando Iviorand y Garnier fundaron F Communications, siguieron encontrándose con el Dj galo.

A finales del tercer trimestre del 91 se pone a la venta su segundo single, ‘Tan Ta Ra’, que es remezclado por el norteamericano Richard Melville Hall (a.k.a. Moby).

Apróximadamente un año más tarde se edita el maxi ‘What Is House?’, una versión (totalmente

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tas en Londres junto a Rephlex, la compañía de Richard D. James, y T.E.E., subsello de Volume, con las actuaciones, entre otros, de LFO, Laurent Garnier y Aphex Twin.

En sus shows en vivo, como el acontecido el viernes 8 de enero de 1993 en Sheffield Leadmill junto a Autechre y The Sabres Of Paradise -que se recogió en un maxi que editó Warp con el número de catálogo WAP30-, se puede apreciar el verdadero espíritu de la ciencia. Ver su espectáculo es como asomarse a través de la portilla de una misteriosa cápsula espacial.

El tiempo transcurrido entre ambos álbumes

LFO

FRECUENCIAS AVANZADAS

sirve a LFO para producir a diferentes artistas, facturar remezclas para otros músicos, efectuar colaboraciones, y, sobre todo, para potenciar sus rutilantes carreras en solitario. Mark desarrollando proyectos como Speedjack, Fawn, Clank, Counterpoint y Dual Race, y Gez como G-Force y G-Man. Bell ha colaborado con el legendario Marshall Jefferson en el proyecto The Vibe, cuyo tema se recoge en la compilación ‘Outer Limits’, llevada a cabo por el Dj, de la emisora británica de radio Kiss FM, Colin Dale.

Como dato curioso hay que apuntar que el tema de Lassigue Bendthaus ‘Overflow’, se llamaba originalmente ‘OFL’, es decir, LFO al revés.

En multitud de ocasiones ha colaborado con LFO el miembro de Wildplanet y Feedback, Simon Hartley, al que está dedicado el tema incluido en ‘Frequencies’, ‘Simon From Sidney’.

Mark ha publicado tres maxis en solitario bajo el nombre de Speedjack, el último ‘Blue Bossa’, incluye un tema a medias con Robert Leiner (a.k.a.

The Source Experience), ’Storm’, y dos (‘Tangent’ y ‘Fission’) en el álbum ‘Surge’, en el que también colabora Varley. Y Gez, tres como G-Man, y también un elepé producido por Mark Gage de Vapourspace (que además remezcla los maxis), editados todos por el sello que dirige Colin Newman (ex-The Wire), Swim Records, en Japón.

Para finales de marzo de 1996 -casi 5 años después de la aparición de ‘Frequencies’- Warp anuncia el lanzamiento del nuevo álbum, ‘Advance’, compuesto por 12 temas. Un producto conceptual, consecuencia directa de la sólida experiencia y el sagaz redescubrimiento de los géneros, en el que los de Leeds ponen claramente de manifiesto que la hi-tech es una óptima herramienta para crear un perfecto mar de emociones.

En 1997 Mark Bell crea su propio sello, Syncopate, en el que lanza su nuevo propio proyecto Dual Race y un maxi de Cold Dust, que ya habían grabado en Communique y Bush. n

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plaid electrónica atípica

Ed Handley y Andy Turner, junto a Ken Downei, crearon Black Dog Productions.

Tras la autoedición de unos cuantos singles (‘Virtual’, ‘Age Of Slack’ y ‘The Black Dog Ep’), en 1991 Black Dog Productions lanzó su primer álbum, ‘Mbuki Mvuki’, como Plaid. A partir de ese momento, Ed y Andy empezaron a trabajar juntos bajo diferentes seudónimos (Balil, Android, Atypic).

4 En 1993 editan ‘Bytes’, su primer largo para Warp, como The Black Dog. Un año más tarde Gpr lanza el segundo, ‘Temple Of Transparent Bells’. Y en enero del 95 apareció ‘Spanners’, de nuevo en Warp, el último Lp de The Black Dog como trío. A continuación Ed y Andy se separaron de Ken por diferencias personales y se quedaron con el nombre de Plaid, mientras que Ken retuvo el de The Black Dog. Después de la separación lanzaron ‘The Plaid Ep’ en Clear, que incluye dos cortes de ‘Mbuki Mvuki’, y ahora están acabando lo que va a ser su primer álbum para Warp (cuando escribo esto estamos a finales de septiembre y el disco ya está acabado, se llama ‘Not For Threes’ y está a punto de salir al mercado). También han estado remezclando a Björk, Ned’s Atomic Dustbin, Funki Porcini, Red Snapper, Nav Katze, entre otros, y han producido parte del primer álbum de Nicolette.

Aquí tenéis la entrevista que mantuvimos con ellos antes de su primera actuación en Barcelona.

Autechre dice de vosotros que sois “bellos, místicos, sublimes y con un precioso sentido del tiempo y el ritmo”, ¿qué os parece esto? Toman drogas, están como locos. Agradecemos mucho lo que dicen, sobre todo de las melodías que hacemos, pero ellos son más bellos, más místicos y más sublimes. ¿Qué es Plaid? Básicamente somos nosotros dos trabajando juntos, haciendo música. Es un nombre que utilizamos para la música que creamos, nada más.

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Foto Archivo Self Texto Black Muslim

¿Por qué os alejásteis de Ken Downei? Hubo problemas de dirección a tomar. The Black Dog estaba más interesado en temas como Internet y nosotros sólo estábamos interesados en la música y en los directos. ¿Aún existe Black Dog Productions? Black Dog Productions era una empresa que probablemente aún exista, pero no sabemos si siguen haciendo cosas, si han firmado con alguien o si siguen contratando a gente. ¿Cómo va a ser el nuevo álbum que estáis preparando? Está llevando mucho tiempo. Estamos trabajando en unos veinte temas con músicos acústicos, lo que hará que aparezcan vocalistas, sección de cuerda, guitarras y percusionistas.

¿Qué pensáis del último disco de The Black Dog? Es un álbum de compositor. Los temas son muy cortos y les falta desarrollo. ¿Os ha gustado como ha quedado el disco de Nicolette? Es un álbum muy bueno, nos gusta mucho. Es extraño y raro, pero a la vez fácil para que la gente entre y conecte con su voz. Es el resultado de un trabajo que ha durado bastante tiempo. ¿Seguís remezclando? Vamos a hacer una remezcla de Sneaker Pimps, pero aún no tenemos el tema, aún no es seguro. ¿Qué enseñanza sacásteis de vuestro primer Lp? No aprendimos nada en especial, todo es una evolución. Reflejaba muy bien el equipo que estábamos utilizando en aquellos momentos. El estudio que tenemos ahora es muy diferente, es más básico. ¿Qué música escucháis? Escuchamos todavía mucha música electrónica, pero estamos descubriendo ahora el indie y estamos entrando en un rollo que desconocíamos y es excitante entrar en una cosa nueva. También nos gusta el hip-hop y las cosas que nos recomienda la gente. No tenemos prejuicios. ¿Qué pensáis de Warp? Está muy bien, nos encanta. Es una independiente como pocas porque tiene unas estructuras consistentes. Es muy interesante y nos gusta estar en Warp. ¿Existe el ‘intelligent techno’? No es una buena descripción, es un poco absurda. Es una etiqueta que han creado los medios para agrupar a una serie de grupos. ¿Seguiréis grabando para Clear? El contrato con Warp no nos permite, desafortunadamente, grabar con otros sellos, pero tampoco es que tengamos más material. Podemos hacer colaboraciones, producciones y remixes, pero no podemos editar material de Plaid en otro sello. n

¿Qué vamos a ver esta noche? Vamos a tocar temas nuevos. Es como si hiciéramos de Dj’s, pero sin platos porque estamos mezclando continuamente los temas.

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P///GLOBAL TENDENCES 97

laika lejos de este mundo Guy Fixsen y Margaret Fiedler son Laika.

Bajo este nombre se esconde una de las formaciones más interesantes de los 90. Tres años después de un primer disco harto interesante, se descuelgan con, sin lugar a dudas, uno de los cinco mejores discos de este año.

4 “Descubriré el lugar al que ella marchó/Y besaré sus labios, y tomaré sus manos/Y caminaremos entre la larga y moteada hierba/y recogeremos hasta que acaben el tiempo y los tiempos/las plateadas manzanas de la luna/las doradas manzanas del sol.” (‘La Canción del Errante Angus’, W.B.Yeats)

jungle. Estados de enajenación mental, infecciosas melodías y largas espirales líquidas en un resultado sin fisuras donde aludir a la herencia de Can o Cluster parece el tópico inevitable.

Una larga espera impacienta pero no siempre decepciona. ‘Breather’ (Too Pure, 97 ), superación en clave magnética de una ruptura sentimental, fue el adelanto en formato single de ‘Sounds Of The Satellites’ (Too Pure - Caroline España, 97 ), álbum con un sonido más esquemático que el de su predecesor, pero de una contemporaneidad fascinante: atmósferas de trip hop, drum’n’ bass torrencial y tapices de techno dan cuerpo a canciones que permanecen instaladas en tu conciencia hasta que te consigues dormir. Tecnología que no pierde la capacidad de emocionar y que encuentra en la experimentación e hipnosis rítmica, formas menos usuales de llegar a la sensibilidad del oyente.

La abstracción del contenido desprende las palabras de su piel: neurosis, alcohol, melancolía, arrepentimiento y desolación empañan imágenes que son a un tiempo exploración cósmica y deseo terrenal. Pero Laika suenan lejos de este mundo. La emisión nos invita a escuchar la lluvia del Tiempo o a pedir un deseo al cometa de fuego. Y el avance metereológico o la caída del otoño sobre la superficie lunar, hace pensar que llegaron a Yeats a través de Ray Bradbury. n

Desde hace cuatro años Guy Fixsen (ingeniero de sonido y productor de The Breeders, Throwing Muses o My Bloody Valentine) y Margaret Fiedler (ex-componente de Moonshake) trabajan en la asociación perfecta de electrónica y electricidad, acompañados por el ex-batería de PJ Harvey y ahora líder del proyecto Spleen, Rob Ellis. Juntos exploran la mencionada colisión en un experimento que recupera el arsenal analógico de los setenta - Moogs, vibráfonos, sintetizadores de primera generación - e instrumentos convencionales - percusiones y guitarras, saxo y trompeta, filtrados por la moderna técnica de grabación. El combinado es, en parte, una extensión del rock progresivo alemán revivido ahora por los postistas del género: psicodelia de superposiciones, ecos y frecuencias interplanetarias, muestras de intuición y heterodoxia sin márgenes y la mención temática al espacio exterior, las drogas y la propia tecnología, referencias ineludibles en la historia de la música electrónica y de baile.

Enlace coyuntural a un lado, el grupo ha logrado un sonido único basado en la superposi-

¿Es ‘Sounds Of The Satellites’ el mejor disco del año 1997? La respuesta es sencilla y contundente: casi. En este disco Laika recopila lo mejor de la música electrónica y lo pasa por su propio filtro, consiguiendo de paso darle otra dimensión al significado de ‘pop electrónico’. Drum’n’bass, techno o cualquier otro estilo de moda es utilizado para hacer de este disco, una referencia obligada para un futuro próximo. Y si no, sólo hay que escuchar temas como ‘Poor Gal’ o ‘Almost Sleeping’ para llegar a una conclusión: es puro divertimento. LITTLEDOG

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Foto Homemade Texto Juan Manuel Freire ción de la voz de Margaret a un fondo sonoro evolutivo y burbujeante. Tras el deslumbrante ‘Antenna EP’ (Too Pure, 94 ), Laika ofrecía con el álbum ‘Silver Apples Of The Moon’ (Too Pure, 94) un collage polirrítmico y evolutivo que adaptaba la vocalización más susurrante del hiphop y los rumores étnicos, a una insólita (re)definición del

P///RIVIERA CLUB

ministry jerry lee lewis era el diablo Así lo dice una voz seca, oscura y penetrante en la intro de una de las pesadillas salidas del disco ‘Psalm 69 (The Way To Succeed And The Way To Suck Eggs)’de Ministry, el combo más famoso, pero no el único, de ese chalado nacido en Cuba llamado Al Jourgensen.

4 La trayectoria de Jourgensen está marcada por una clara intención de experimentar, de crear, montar y destruir, de dañar la mente del oyente y la suya propia, si fuera menester, pero nunca dejar impasible. La palabra provocación no va con este hombre, por lo menos como solemos entenderla: es, valga la redundancia, ‘provocada’ e intencionada. Lo suyo es algo totalmente innato e irremediable: pornografía pura y dura, violencia en su estado más animal, drogas y alcohol por un tubo, junto a un trash metal electrónico y demás aberraciones sonoras... vamos, el yerno que toda madre desearía tener.

Pero no nos confundamos. Nos encontramos ante una mente prodigiosa, capaz de llevar a la vez diversos proyectos, descubrir y producir a nuevos grupos, realizar colaboraciones que llevan su inconfundible sello... y pasarlo de puta madre, el muy cabrón.

Sus inicios fueron como guitarrista en diferentes bandas punk de poca monta y no será hasta 1978, al crear el grupo Special Affect, cuando el hervidero empiece su ebullición. Una vez disuelta la banda, Jourgensen creará Ministry y será Wax Trax! (templo del techno americano, of course) quien publique su primer maxi, ‘I’m Falling’ (81), artefacto de techno hard que tendrá una gran repercusión. Tras el éxito obtenido por este trabajo, una multinacional se interesa por Al. Arista ficha a Jourgensen y éste crea una mierda llamada ‘With Simpathy’ (83), nada que ver con, por ejemplo, el techno cachondo y pasado de vueltas de los

Revolting Cocks, otra de las formaciones más conocidas de Jourgensen. Tras percatarse de la bazofia que había desembuchado, y pese a venderse bien el disco, Al decide dar la vuelta al timón y volver a lo que le gusta: trepanar el cerebro.

Pero las cosas no fueron nada fáciles. Una tortuosa salida de Arista impedirá la tarea de editar un nuevo trabajo con el sonido que Al trataba de conseguir, hasta un tiempo más tarde con la publicación de ‘Twich’ (Sire, 86), un disco de electronic body music del que Jourgensen tampoco parece estar muy satisfecho, aunque a su favor se puede decir que el álbum no está mal del todo y se encuentra sólo a un paso de lo que es el Ministry que todo el mundo conoce.

En 1987 se edita ‘Twelve Inch Singles’, una re-

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Fotos Archivo Self Texto Manel Roig

copilación de los singles que habían editado para Wax Trax!

Año 1988: año cero Ministry. La gestación de la tercera obra que Jourgensen realiza con el nombre Ministry dará como fruto un trabajo sucio y enérgico, transformando la banda en un engendro de trash metal y techno, repleto de gritos, improperios y demás preciosidades, cortesía del bueno de Al. El álbum en cuestión, ‘The Land Of Rape And Honey’, se abre con una de las piezas más destroy que Jourgensen haya compuesto, ‘Stigmata’, para crear, tema tras tema, un disco magistral. En este disco Jourgensen contó con las colaboraciones, entre otros, de William Rieflin y Paul Barker, fijos en la nómina Ministry desde entonces.

Paralelamente a este trabajo de Ministry, Jourgensen crea junto a los mismos Rieflin y Barker, más Richard 23 y Luc Van Acker (Front 242) y Chris Conely (Fini Tribe), el grupo Revolting Cocks. La pri-

Año 1988: año cero Ministry. La gestación de la tercera obra que Jourgensen realiza con el nombre Ministry dará como fruto un trabajo sucio y enérgico, transformando la banda en un engendro de trash metal y techno, repleto de gritos, improperios y demás preciosidades, cortesía del bueno de Al.

mera obra de las Pollas Nauseabundas será ‘Big Sexy Land’ y en él se dan cita el funky más hortera, la música disco, el country, el rock, el hip-hop y, por supuesto, muuuucho ambiente porno. En las escandalosas actuaciones se germina la fama de pasados de vueltas de estos majaderos, acompañados de nenitas que se despelotan en medio de todo este sarao. La plasmación en plástico de semejante aberración será el genial doble en directo ‘You Goddamned Son-Of-A-Bitch’ (‘Tú, maldito hijo de puta’).

Si 1988 fue el año cero de la bomba Ministry, 1989 fue el año del que es, sin lugar a dudas, el mejor trabajo de Ministry en estudio, ‘The Mind Is A Terrible Thing To Taste’. Con un sonido claramente definido: trash metal a todo trapo, voces que parecen estar tratadas a base de cuchillas de afeitar y aplicadas directamente a la yugular, bases pregrabadas infectadas de los más dispares ruidos, sonidos o gritos y una caja de ritmos conducida por el mismísimo diablo. ‘Thieves’, ‘Burning Inside’ o ‘So What’ son claras muestras de lo dicho. Y a

“Pronto descubrí que todo aquello del rock era verdad.

Jerry Lee Lewis era el diablo; Jesús fue un arquitecto antes de su carrera como profeta”. Cojonudo. continuación... ¡Ministry en directo! Si la contundencia sonora de los albums anteriores no había sido suficiente muestra de la poderosa propuesta de Jourgensen y su combo, aquí esta el tremendo live de los Ministry, ‘In Case You Didn’t Feel Like Showing Up’ (90), igual o mejor (yo personalmente me quedo con el directo) que los dos anteriores.

Hay que tener en cuenta que el material lo forman piezas de los dos discos últimos, así que en el terreno de la composición no hay nada que añadir, pero al escucharlo podemos apreciar lo brutal que puede llegar a ser la banda (súper aconsejable es el vídeo de la gira del mismo título).

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En el 90 apareció ‘Beers, Steers & Queers’, tercero en la cuenta de los Revolting Cocks, donde unas dislocadas guitarras aparecen por encima de los samples.

Pero fue en 1992 cuando los Ministry alcanzaron su máximo nivel de popularidad. La publicación de ‘Psalm 69 (The Way To Succeed And The Way To Suck Eggs)’ dará a Ministry el status de grupo destroy donde los haya. Con una línea similar a la de los dos discos anteriores, pero con unas guitarras colocadas a un volumen infernal y una caja de ritmos cada vez más acelerada, Ministry crea la obra definitiva de metal electrónico. El disco contiene el

MINISTRY

JERRY LEE LEWIS ERA EL DIABLO

éxito ‘N.W.O.’ y una increíble y salvaje colaboración del cantante de los Butthole Surfers que ¿canta? el tema ‘Jesus Built My Hotrod’. El trabajo más brutal (existe una versión, la australiana, que es doble y se llama ‘Just Another Fix’ (94), que junto a ‘Psalm 69’ lleva un disco en directo del tour australiano), continuación lógica de lo que venían haciendo desde hacia unos años, permitió a la banda embarcarse en la mastodóntica gira del Festival Lollapalooza.

Ministry fueron, junto a los Nine Inch Nails, la gran sensación del tour, lo que supuso un verdadero lanzamiento de los sonidos electrónicos a un nivel masivo ya que hasta ese momento todo había navegado en un enorme circuito underground. El festival, con Ministry, Revolting Cocks y Nine Inch Nails, era lo más parecido a una fiesta con Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. pasados de ácido.

Misión cumplida: trepanación cerebral.

A partir de entonces, las producciones a otros grupos, las colaboraciones o los proyectos paralelos han cobrado más ‘espacio’ que el trabajo de Jourgensen con Ministry (Lard: Al, Jello Biafra de los Dead Kennedys, Paul Barker, Jeff Ward y Bill Rieflin). No es que antes no lo hiciera, ya que durante los años 87-88 vieron la luz los trabajos de las bandas 1.000 Homo Dj’s (Al, Jello Biafra, Trent Reznor y Bill Rieflin) y Pailhead (junto al cantante del grupo post-hardcore Fugazi, Ian McKaye), por poner dos ejemplos, pero Jourgensen dejó un poco de lado a los Ministry. En cuanto a los Revolting Cocks, en 1993 apareció el cuarto álbum, ‘Linger Ficken’ Good’, que contiene una verdadera joya: una cachonda y desternillante versión del ‘Do You Think I’m Sexy?’ del baboso Rod Stewart. Un disco lleno de humor, fiesta, cachondeo, sexo y, por supuesto, muchas drogas...

Lastimosamente el último trabajo de Ministry, ‘Filthypig’ (96), no es más que un, incomprensiblemente, mediocre trabajo de Jourgensen. Así es que sólo queda desempolvar sus discos anteriores para disfrutar del gurú electrónico más cachondo del mundo. n

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carlosel ángel berlanga caído

Carlos ha vuelto al reino de los mortales y ha aparecido con un nuevo álbum bajo las alas. Envuelto en una de las más portentosas portadas que haya hecho nunca Javier Aramburu, ‘Vía satélite alrededor de Carlos Berlanga’ significa la resurrección (y puesta al día) de uno de los puntales de lo que se vino a llamar ‘la movida madrileña’.

4 Tres años se ha tardado en levantar este proyecto, que se sustenta en la increíble ‘reunificación’ de uno de los más importantes triángulos de la historia de la música española: Alaska, Nacho y Carlos.

Después de una ruptura que todo el mundo daba por definitiva (según Carlos sólo estuvo enfadado con Nacho seis meses y con Alaska unos cuantos más), vimos que en la banda sonora de ‘La Lengua Asesina’ (96) ya aparecía un adelanto de lo que luego iba a suceder. ‘Cuándo, para qué, cómo y con quién’ (hubo gente que dijo que era lo mejor del disco) ya formaba parte de un trabajo compartido con sus antiguos compinches, pero situándose cada uno en su sitio. Fangoria siempre ha sido un ir más allá y Carlos hace lo que siempre ha hecho: POP, que en esta nueva época que está atravesando se ha vestido con los ropajes que le han confeccionado Calígula 2000 y Big Toxic. Y debido a estas divergencias filosóficas considero que esa ‘reunificación’ nunca llegará a ser completa (pese a que Carlos ha anunciado que presentará posiblemente el disco, en un futuro próximo, en Madrid y Barcelona junto a todos los que han colaborado en el disco, incluyendo a Alaska) y auguro que ‘Vía satélite alrededor...’ será la primera y última colaboración después de la caída de su particular muro de Berlín. Además a Carlos no le interesa la música que se hace ahora (no le gusta el jungle, ni el drum’n’bass) y eso se nota al escuchar este álbum.

A él lo que le gusta es Prefab Sprout, Pale Saints y My Bloody Valentine, y componer (siempre con guitarra) y grabar. No tiene la necesidad de saciar su

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Foto Paco y Manolo Texto Yesno

ego artístico tocando en directo (llega a sentir pánico cuando se enfrenta a una simple rueda de preguntas hechas por un grupo de incondicionales) y prefiere dedicarse a pintar o a actuar (tiene un pequeño papel en el primer largo de Santiago Segura).

Posiblemente si no existiera Alaska, que se ha encontrado siempre entre Nacho y Carlos, las cosas hubieran sido diferentes y no hubieran existido esas diferencias ideológicas.

‘Vía Satélite’ iba a ser el grupo de Carlos, pero sólo se ha quedado en un título a causa de la negativa de uno de los miembros (que ahora no vie-

ne a cuento decir su nombre). Ese grupo hubiera estado formado por él, Nacho, Alaska y Bingo. Y supongo que os preguntaréis quien es Bingo, pues son ni más ni menos que el lado femenino de Le Mans (el grupo nacional que más le gusta a Carlos), Jone Gabarain y Teresa Iturrioz, que ponen voces en siete de los temas, quedando cinco para Alaska. El disco contiene joyas de muchos quilates (‘120 Años Sin Ti’, ‘Erotismo E Informática’ y, sobre todo, ‘Rayos De Plasma’), junto a piezas que , personalmente opino, no se que hacen aquí (‘Fútbol’, que iba a formar parte de un álbum dedicado al deporte que no acabó de cuajar, y ‘El Paraíso Perdido’, un desconcertante homenaje a ese tipo de cantantes alemanas tontas que hacen bakalao del malo), pero mantiene un alto nivel que va ganando enteros con las sucesivas escuchas. Las letras, como siempre ha sido en él, están muy cuidadas y los arreglos están hechos para que todo el conjunto suene a lo que él quiere que suene: POP. Pero donde las cosas flojean un poco es en la producción y en la programación. Calígula 2000 y Big Toxic (y el añadido de Sapce Cream) deberían haber puesto un poco más de imaginación y haberse olvidado de los patrones reiterativos que forjan los últimos trabajos de Fangoria y el proyecto de Nacho en solitario (no es una crítica ‘malvada’, es simplemente una constatación evidente).

Está claro que ‘Vía satélite alrededor...’ gustará a los fans, y que por todo el cariño que se ha puesto en el intento merecería el reconocimiento de mucha más gente que sus dos discos anteriores. Personajes como Carlos Berlanga no deberían desaparecer nunca de una escena tan aburrida como la nuestra. n

‘Vía Satélite’ iba a ser el grupo de Carlos, formado por él, Nacho, Alaska y Bingo. Y supongo que os preguntaréis quien es Bingo, pues son ni más ni menos que el lado femenino de Le Mans, Jone Gabarain y Teresa Iturrioz, que ponen voces en siete de los temas del disco.

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P///LIQUID SKY

andy cirugía weatherall epidérmica 4

Andrew Weatherall debe haber fulminado los cabezales de su magnetoscopio por su continuo uso, producido por las repetidas visualizaciones de la colección de cintas del National Geographic que un día compró en la teletienda de la BBC. En los capítulos dedicados a los reptiles, las imágenes aparecen semitransparentes en su pantalla, desgaste realizado por una gran admiración por las gestas del camaleón.

Su alta facilidad de cambio, un talante enigmático, así como su integridad escurridiza son propiedades que este británico toma prestadas del rugoso animal. El camuflaje lo realiza a nivel musical como el camaleón cubre con vestidos diferentes su transparente piel, siguiendo las técnicas de disfraz aprendidas del agente supersecreto de la T.I.A., Mortadelo o continuando la estela del humano de las mil caras, David Bowie (no es de extrañar que uno de los primeros discos que se dejó caer en las manos del señor Weatherall fuera ‘Diamond Dogs’). Los cambios se producen por adaptación al medio hostil, la premisa clave para la supervivencia y la ley natural. El escapismo sonoro se realiza a través de la elegancia de los grandes prestidigitadores. Un pincel fino esboza paisajes etéreos donde la gravedad gana envoltura y fuerza a las melodías y empieza a moverse tranquilamente, según la corriente de una marea baja donde el torbellino puede actuar en cualquier momento.

Andy nos muestra su porte: vestido con un traje ecléctico como banda sonora y adornado con abalorios minimales y melodías policíacas.

Los inicios no fueron ni muy coquetos ni presumidos. El hábitat donde se crió Andy no dejaba de ser como mínimo inhóspito. Hijo de familia trabajadora, rodeado de voraces depredadores, encontró en la música la única salida de salvación. Descubrió el rock más clásico (J. Tillorton y E. Presley) bajo las faldas de su madre, el pop acarició sus tímpanos con las notas de los

Beatles y los bombardeó la electricidad de Led Zeppelin.

Una brecha se abrió en el 77 y el joven Weatherall se conmocionó ante la destrucción de fronteras que produce el movimiento punk, como si fuera un nuevo manifiesto dadá: la destrucción también era válida (la evolución cambia los gustos pero no la esencia y actualmente podemos encontrar a un Andy subyugado por el ‘avantgarde-jazz’). En la década de los ochenta el acid house aparece de forma contestataria, cogiendo el relevo de la energía joven acumulada. Nuestro protagonista queda anonadado ante el nuevo mundo de sones y se dispone a acariciar la magia que proporcionan los Technics. Viaja acompañado de la imprescindible maleta de balearics beats, típica de la época, y diseña su tarjeta de presentación de la manera más suelta y moldeable. Sus sesiones se perfilarán como un encadenamiento de paisajes diversos: desde suaves

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Foto Archivo Self Texto Albert Carreras

brisas marinas a bosques laberínticos, pasando por la alternancia de escenografías bañadas en ritmos ardientes. Muestra de ello lo encontramos en el posterior Cd editado por el desaparecido club londinense Back To Basics, donde se reproduce una noche en los platos con mister Weatherall. Un placer que todavía no se ha producido en nuestro país (el ‘coitus interruptus’ se padeció con el anuncio de su actuación en el pasado Sónar y su posterior anulación a última hora).

Su grado de buen gusto iba aumentando al mismo ritmo que era perseguido para realizar diferentes lecturas de grupos como My Bloody Valentine, James, Flowered Up... Coqueteos musicales que culminaron en 1990, proporcionando un romance adolescente, con beso final, entre el pop y la electrónica: Andy y Primal Scream producen ‘Loaded’, una remezcla de un tema del grupo que funde en una única canción tres generaciones distintas (rock vía riffs stonianos, dulzura pop y entremeses de sonidos próximos). Y en 1991 la esquisitez ya estaba en su punto. ‘Screama-

La facilidad y la rapidez de cambio epidérmico hacen difícil seguir la pista de este huidizo Lon Chaney de la música electrónica que esquiva etiquetas estilísticas y que va saltando continuamente entre proyectos, rumoreándose ahora una posible vuelta al sello Warp. Nunca unas repetidas visualizaciones del National Geographic habían dado tanto de sí.

delica’, el tercer trabajo de Primal Scream, sale a la luz producido por Weatherall, que tejió una tela de variedad musical que adornaba el inicio de una nueva década. Con el paso del tiempo Primal Scream se perdería en lares revivalistas, demostrando que sin la mano de Andy, Gillespie nunca hubiera firmado una obra tan visionaria (en 1996 volverían a trabajar juntos en el tema central del film ‘Trainspotting’).

El aire que se respiraba en Londres en aquellos años se tiñó de la espiral que provocó la cyberdelia, una etiqueta más que se inventó para unir a los practicantes de la electrónica con tintes psicodélicos (The Orb, Psychic Warriors Ov Gaia, The Black Dog...). Andy ante tal envolvente sonido se autoproclamó Lord Sabre y, junto a Jagz Kooner y Gary Burns, fundó la orden de los caballeros de los Sables Del Paraíso (Sabres Of Paradise), hallando el Santo Grial con su trabajo ‘Sabresonic’ (Warp, 93). El nombre de esta nueva asociación se encontró en la cara B de un éxito glam-pop de los 80, ‘John Wayne Is Very Leggy’ de Hayzee Fantayzee’s, donde sus devociones camaleónicas se vieron retratadas en los vestigios de la era del rimel y

ducía la simbiosis entre un pop dulce de guante blanco y el universo sonoro de Andy. La melancolía y el buen gusto brilló en esta experiencia, convirtiéndose en uno de los trabajos más aclamados del año.

Cansado de realizar nuevas visiones de temas ajenos, Andy desmonta ‘Sabresonic’ para reconstruir un nuevo álbum con los mismos ladrillos. La vivienda se llamaría ‘Sabresonic II’ e incluyéndose además algún remix como el que firmó David Holmes. Al final esta obra fue comprada y editada por Warp (95).

En 1994 el mago Weatherall embruja con su siguiente trabajo, ‘Haunted Dancehall’. La vitalidad que se respira en él, se convierte por su contundencia en una patada al estómago, volviendo a hurgar en los paisajes metafísicos, teñidos por un humor cínico.

Encontramos desde un primer single elaborado con

Andy profundiza en cada entrega y dando una vuelta de tuerca más, autoalimenta su inspiración. las plataformas. ‘Sabresonic’ reunía los diferentes enigmas estilísticos que habían forrado un sonido envolvente y volátil, con desprendimientos dub-reggae y momentos musicales clásicos (‘Smokebelch II’), donde la composición orquestal daba la mano a la nueva era. Los nuevos horizontes que apuntaban las composiciones de este álbum se ensancharon. La consecuencia lógica fue crear una discográfica de idéntico nombre, donde las ideas se pudieron desarrollar con la máxima libertad. El paso del tiempo cosechó sus frutos y hasta nació un subsello (Sabrettes) donde se dan salida a otros proyectos ajenos.

Lord Sabre quiso repetir buenos momentos pasados y produjo el único trabajo hasta la fecha del grupo One Dove, ‘Morning Dove White’ (94), donde se pro-

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un techno verbenero (‘Willmot’) a la persecución de las sirenas en celo de Starsky y Hutch en ‘Tow Truck’.

Se repite la experiencia de ‘Sabresonic II’, exprimiendo una vez más la máquina de los remixes, y se crea el desdoblamiento de ‘Haunted Dancehall’ en ‘Versus’ (95), donde grupos como Chemical Brothers, LFO, Nightmares On Wax... dan la réplica a Lord Sabre.

Tanta hiperactividad convierte su vida en un tiovivo sin freno, barnizada de una capa vacía llamada FAMA que no supo digerir. Las drogas se apoderan de sus neuronas. Y el círculo vicioso se cierra con unas rupturas emocionales dignas de cualquier culebrón trasnochado.

Weatherall empieza a ahogarse en sí mismo y su piel aprisiona un nuevo ser que sale de su interior. Se

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CIRUGÍA EPIDÉRMICA

produce una ansiedad provocada por la quema obligada de una fase del ciclo vital, asemejada a la de las serpientes que había visto en los vídeos del National Geographic. Era el momento de mudarse de vestido, un paso doloroso pero necesario para dejar el lastre que le unía al pasado. La desidia le hace disolver los Sabres Of Paradise y la busca de nuevas sensaciones provoca la fuga de Warp. El oasis perdido lo encontró en la creación de un nuevo sello, Emissions Audio Output, donde plantó una semilla que daría nuevos frutos, conjuntamente con proyectos como Being, Conemelt o Blood Sugar (donde Weatherall produce).

Al no poder quedarse quieto crea Two Lone Swordsmen, un nuevo traje a medida, junto al ingeniero de sonido Keith Tenniswood, donde vuelve a demostrar su amor por los sables de doble filo. El sonido característico de Sabres Of Paradise se desnuda, convirtiéndose en austeridad pura, casi minimal, menos digerible que su etapa anterior pero consiguiendo las mismas cotas de sentimientos desprendidos de un etéreo sonido de ensueño. El viaje se reanuda mediante el rol de agente secreto, pero no en la piel de un chapucero Mortadelo sino en la de un sofisticado James Bond que investiga los caminos oscuros del crimen. Su última misión empieza en formato de maxis (‘The Third Mission’ y ‘The Tenth Mission’), hasta llegar al doble Cd ‘The Fifth Mission (Return To The Flighpath Estate)’, donde un excesivo minutaje entristecía un poco su brillantez. Andy profundiza en cada entrega y dando una vuelta de tuerca más, autoalimenta su inspiración. La vorágine creadora espanta por su rapidez y en poco tiempo nos ofrece ‘Swimming Not Skimming’, donde el tema ‘Rico’s Helly’, perteneciente a ‘The Fifth Mission’, se transmuta en diferentes versiones experimentales, a cargo de terroristas sonoros como Dave Being, Bionic, Nourizadeh & Teasdale entre otros, junto a nuevas creaciones de T.L.S. La saga continúa con el último trabajo hasta la fecha, ‘Stockwell Steppas’, donde desde el más allá, Weatherall se atreve con otros estilos no acariciados por él anteriormente. El espadachín sigue pinchando con suma destreza nuestros oídos. n

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bruce gilbert una mente muy musical Para mí, el mejor concierto de esta edición del Sónar ha sido la muy corta aparición de Bruce Gilbert, ex -o aún- Wire, que también ha producido uno de los discos mas interesantes de musica abstracta que yo conozco: ‘The Shivering Man’, altamente recomendado. El nuevo Cd ‘Ab Ovo’ tambien es excelente.

4 Me decías antes que no tienes equipo de música en casa. No escucho música en casa. ¿Desde cuándo? Desde el año 82. ¿Había alguna razón en especial? El último disco que compré fue del grupo Cluster de Alemania y pensé que era ‘demasiado’ perfecto, así que dejé de escuchar cosas. Era demasiado bueno. ¿Cuál era el título del disco? ‘Grosses Wasser’. ¿Te gusta ese disco? Bueno, me gustó entonces, pero no lo escuché desde entonces. Era demasiado perfecto. Era una cosa que me gustó mucho y no debería escucharlo.

Lo que dices me sorprende mucho. También es uno de mis discos favoritos. Contenía unas ideas muy buenas, así que me encantó, los temas suenan muy distintos y era una actitud muy nueva hacia el estudio de grabación.

Es interesante porque el productor era Peter Baumann, que a mí personalmente no me gusta nada, pero su producción era increiblemente buena, incluso mejor que la que hizo Conny Plank para Cluster, y Conny era fantástico. Si, era el mejor, el mejor.

Es muy interesante que Cluster te impresionaran tanto. De alguna manera es muy obvio porque me gustan. No me gustaban las cosas de piano, pero oigo ruidos y melodías extraordinarias en este disco. Ruidos muy sutiles.

Cuando hablamos antes de la entrevista, me decías que no querías escuchar más música porque tienes una mente muy musical. Tengo me-

moria perfecta para la música, es una cosa terrible y muy mala. ¿Así que la música siempre se queda contigo?

Siempre, puedo escuchar cualquier tema que quiero en mi cabeza, sin problemas. ¿Supongo que no importa lo que escuches, todo queda grabado en tu memoria? Si, simplemente me entra. Es un problema, un problema muy fuerte, es como un peso en mi espalda y siempre tengo que luchar con ello. ¿Eso también te ocurre cuando estás en la calle y oyes ruidos? Para mí no hay diferencia con los ruidos de la calle. Escuchando esta u otra cosa, oyes ruidos increibles y gente hablando. Es la vida, todo oído.

Aunque no escuchas musica, ¿trabajas como

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Fotos Archivo Self Texto Víctor Sol

Dj y todo el mundo te da discos, no? Es algo similar a la esquizofrenia. El ‘beekeeper’ es el hombre que no tiene posibilidad de elegir y tiene que poner estas cosas. ¿Así que separas tu actividad de poner discos, de tu identidad? Totalmente, si no sería estúpido.

Todo es aleatorio, no sé que estoy haciendo.

No sabes los discos que estas poniendo, ¿simplemente los pones? He pintado la superficie de todos los Cd’s de negro, pero ahora que he quedado ciego no me hace falta más, así es perfecto. [Se refiere al pequeño incidente que sufrió la noche anterior del concierto. Se metió con unos marineros y como eran tres le dejaron con un ojo morado.]

Cuando pones musica, ¿usas procesadores o efectos? No, es muy puro, sólo uso un Cd de Denon que me permite cambiar el pitch por +/ - 50% y puedo hacer loops. Es muy caro y es un buen juguete, pero no es mío.

¿Te puedo preguntar qué usas para hacer música? Básicamente lo que has visto hoy. También tengo un teclado muy malo de Casio, un CZ1 que no funciona bien, y una caja de ritmos con MIDI. En el display siempre hay un mensaje: “Lleno! lleno! socorro”. Pero estas cosas son mejores cuando no funcionan bien. Así que intento crear situaciones aprovechándome de las malfunciones.

Supongo que la gente te da también discos con ritmos, ¿usas estos y los procesas? Cuando el ‘beekeeper’ oye un ritmo, dice “oh, fuck that” y lo apaga... en todo caso puedes hacer un ritmo de cualquier cosa cuando haces un loop. A veces me gusta poner un loop enfermizo para relajar y fumarme un cigarillo...

Lo que me llamó la atención en tu concierto fue que lo que haces son ‘sólo’ ruidos me parece muy groovy. Eso es porque eres un hombre enfermo.

Para mí es muy natural porque en el sonido hay tantas pulsaciones que siempre encuentras un ritmo. Los seres humanos pueden encontrar un patrón en cualquier cosa porque al cuerpo le gustan los patrones: cagar a las 9 de la mañana o comer a tal hora. El cuerpo y la mente adoran los patrones y siempre los encuentran. ¿Intentas cambiar esto en ti mismo, intentas cambiar estos patrones? Intento divertirme, eso es todo. Cuando conozco una cosa, me aburro en dos

más brutales y encima ruidos totalmente locos. Y las palabras, pero no puedo hablar sobre ello porque no soy un afroamericano, así que no puedo realmente relacionarme con ello.

Creo que los textos están solo para transportar las voces. El otro factor importante es la repeticion, que es super importante para los seres humanos.

En tu música, ¿como usas los patrones? Los patrones son tambaleantes. Hay patrones, pero no estoy seguro de sus formas. ¿Habían guitarras en la música que tocabas hoy? No lo sé, tengo estas cintas y no sé que hay en ellas.

Tengo memoria perfecta para la música, es terrible y muy malo. Puedo escuchar cualquier tema que quiera en mi cabeza, sin problemas. segundos. Aún así me encanta el blues, especialmente las cosas de hombres viejos.

Creo que los músicos de blues son muy abiertos a los riesgos... Antes de que empezáramos a usar tecnología en la música, los ruidos más increíbles provenían del blues. En los 50’s y 60’s la gente tenían afinaciones totalmente locas, cosas con slide guitar, ruidos realmente extremos. Obviamente en Francia existía la música concreta, pero los músicos de blues también hacían cosas con ruidos muy abstractos entonces.

Creo que el blues consiste en un 50% de ruidos y el resto son la melodía y el ritmo. Si, los ritmos

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Pero, ¿son cosas que tú has hecho? Si. ¿Todo lo que hacías hoy pasaba por pedales?

Los pedales son importantes porque tienen botones.

Es muy humano, muy humano. ¿Qué tal lo de trabajar con instrumentos que tienen un aceso mas intuitivo, como una guitarra o los sintetizadores con botones? Cuando veo un instrumento con botones me entusiasmo. La próxima cosa que quiero adquirir es un banco de filtros, algo similar a un sintetizador analógico con muchos botones.

El sonido del concierto de hoy ha sido muy orgánico. Si, es porque soy un hippie.

BRUCE GILBERT

UNA MENTE MUY MUSICAL

Esto me recuerda que te quería preguntar lo que hacías antes de formar Wire. Musica electrónica muy primitiva, con generadores de audio científicos.

Aparte de la música, ¿también te aburres rápidamente con otras cosas? Tengo un problema muy fuerte con las películas porque mi director favorito Tarkovsky, murió. Me hubiera gustado trabajar con él, pero el cabrón murió. El único otro director que me gusta es Mike Leigh. Tiene una técnica de trabajo con los actores que me encanta. Ellos tienen que inventar y investigar su carácter y él sólo les da un par de pistas; p.e.:”eres un chico pobre que se aburre mucho, vives en una casa abandonada y haces tal y tal cosas”. Así que todos los actores van y se inventan su personalidad y cuando están listos se reúnen para filmar. Casi no hay diálogos de antemano. Mike Leigh es un poco como un Beckett pop. ¿Sigues con Disobey? Si, de vez en cuando lo hacemos. Cuando estaba en plena marcha era genial.

Teníamos cosas como un grupo de hombres barbudos tocando free jazz y después Autechre, así que los fans del free jazz tenían que aguantar a Autechre.

Una vez que tienen su asiento en primera fila ya no se mueven. ¿Quién sufrió más? Creo que es bueno que la gente escuche cosas que no le gustan.

Pienso que éste es uno de los problemas del Sónar, que todo está demasiado separado. Han separado los diferentes escenarios para los distintos tipos de musica. Lo que podrían hacer es tener un grupo de ruido tocando en el club, por la noche, y después un grupo de música de baile durante una media hora. Sería divertido.

Si, totalmente. Hay que mezclar cosas. Sería más interesante.

Lo interesante es que a los techno kids les gustan las cosas abstractas y la música concreta.

Cuando lo escuchan les encanta, así que ¿cuál es el problema? Si le das una oportunidad a cualquier persona con un interés en el sonido y la música, le va a gustar una u otra cosa de la musica abstracta. n

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¡Qué lejos quedan los guateques de los 60, dónde los jóvenes conocían por primera vez la embriaguez e intentaban hacer sus pinitos con el otro sexo! Entre todo el griterío, en el fondo, se encontraba el más feo del lugar, que marginado por su aspecto físico, se consolaba con la única compañía de un tocadiscos ruín que le ofrecía conversación si a cambio ejercía el papel que nadie quería en esa fiesta: el de pinchadiscos.

justin robertson el baile y su circunstancia

4 Con el tiempo la especie ha evolucionado, ha devorado a sus depredadores y ahora se le llama Dj; es el que más liga y encima cobra por ir a las fiestas. Se mueven en un hábitat oscuro (discotecas) y los hay de dos clases: el residente en una discoteca y el viajante-mercenario, al que le graban en disco sus sesiones, que le buscan para hacer remixes y que es tan inquieto que se fabrica un grupo para quemar sus toxinas más revoltosas. Un ejemplo claro de todas las caras en que un Dj se puede esconder lo encontramos en Justin Robertson, que se inició en las discotecas de su Manchester natal, se fue de vacaciones a Ibiza con el ‘Balearic Beats’ en su maleta se forjó un nombre remezclando a grupos como Stereo Mc’s, Erasure... Eran tiempos embrionarios donde el Dj no gozaba todavía del estatus de divinidad. “Las cosas son muy diferentes ahora, hay mucha más gente. Eso es bueno porque toda esta gente nueva, con ideas frescas, hace que tengas que trabajar duro y ser mejor que ellos. Tienes que estar alerta para no acabar como los jodidos Rolling Stones del acid house, fumando porros en un rincón, recordando viejos tiempos. Yo todavía me siento como hace 16 años.”

Con espíritu aventurero ha viajado a través del mundo y ha tenido tiempo para poder visitar las cabinas más variopintas nunca vistas. “El hecho de que toque en clubs diferentes hace que lo primero que hago es averiguar que Dj’s tienen normalmente.

Escucho los discos que tengo y digo: me apetece tocar esto hoy. Como Dj me gusta ser interesante, di-

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Foto Archivo Self Texto Albert Carreras & Joan S. Luna

vertido, pinchar temas que la gente no haya escuchado, un equilibrio entre el entretenimiento y la educación, realmente no lo sé.” El Dj, como buen depredador que es, sabe que la técnica y la selección de los temas son los dos pilares fundamentales para conseguir que sus presas bailen en los clubs donde merodea. “Creo que la selección es muy importante, tienes que ser un buen mezclador porque es la ‘corriente’ para los que bailan, pero no es lo más importante.

En el otro lado podemos encontrar a gente como Josh Wink que pincha música lineal y en cambio explota la técnica y los cambios de breaks. En un local house puedes poner ‘light house’, ‘hard house’, techno... ,pero si estás bailando te cansas, quieres tomarte un respiro, cambiar de aires.”

El paso siguiente de un Dj para conseguir la in-

mortalidad es crear un grupo, donde éste se pueda explayar creativamente a sus anchas.

Justin reunió sus excentricidades y su eclecticismo musical en el proyecto Lionrock, que ha publicado para Deconstruction ‘An Instinct For Detection’ y editará su próximo álbum, ‘City Delirious’ (que saldrá a principios del 98).

“Mi último álbum es más ecléctico que el anterior, debe ser que tengo diferentes personalidades. Siempre he querido hacer música así, he querido hacer la banda sonora de una película con una vibración como la de ‘West Side Story’, una cosa surfera de los 60 y así es como me ha quedado. Me gusta como discurre el disco, creo que es más interesante, mucho más que 14 temas de ‘hard techno’ o 14 ritmos de hip hop... me gusta la variedad. Este álbum de alguna manera no busca sólo que lo escuche la gente del ‘dance’, puede llegar a gente que le guste Stereolab, Tortoise, Beck...”

Justin acostumbrado a la soledad que otorgan las máquinas con las que convive durante su existencia (samplers y Technics), necesita el amor y la compañía de los seres humanos que tocan los instrumentos de verdad. “En ‘City Delirious’ no hay apenas samples, los loops de batería han sido cogidos y se les ha dado forma nueva, los bajos y las guitarras son en directo. A mí me gusta mucho samplear pero quería hacer algo nuevo, Dj Shadow ya ha hecho el mejor disco de este tipo y Daft Punk el mejor de ‘disco loopy’, así que evité los samples”.

Un Dj que reniega de los samples para su grupo, puede ser una paradoja, pero es más grande cuando Lionrock se le ha clasificado en la nueva escena musical, siendo todas sus influencias del pasado (Curtis Mayfield, Small Faces, MC5...) n

“En mi música todo me influye. Me gusta mucho la energía y la actitud que tenían grupos de los 60. Es la misma energía del acid house o la que tienen los Chemical Brothers, que son una versión techno de los Who. Los 80 fueron terribles e incluso trozos de los 90. Por eso lo de las influencias tan lejanas. Mi música es un nuevo sonido con influencias antiguas.” Con o sin paradojas, Justin Robertson reúne todas las caras en las que se puede esconder un manoseador de platos.

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808 state estado de gracia

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“808 State es uno de esos escasos y maravillosos grupos con su propio gran sistema mundial. Tienen su propia y comprehensiva forma de hacer las cosas, de observarlas y organizarlas”. La cita es del propio grupo y pertenece al reverso de la carpeta de ‘Don Solaris’ (ZTT-Warner, 96), último álbum hasta la fecha del trío formado por Graham Massey, Andy Barker y Darren Partington. El éxito de su planteamiento y una arrogancia a prueba de hypes han convertido a 808 State en presencia indispensable del techno británico de los últimos diez años.

Precursores en Gran Bretaña de la fiebre lisérgica, en su discografía se revelan como constructores de caleidoscopios aurales de inventiva constante, mixtura de tendencias electrónicas presentes y futuras. En su gesta compiten con himnos de pista, pasajes probeta y un currículo de memorables encuentros en la conexión pop-dance : Bernard Summer, Björk o Ian McCulloch ( Echo & The Bunnymen ) han puesto sus voces al servicio del eclecticismo tecnófilo del grupo.

Su esfuerzo ha producido notables resultados en una trayectoria de efectividad y talento indudables.

Graham Massey, músico y productor de la escena de Manchester, comienza en el conjunto The Biting Tongues, que graba la mayoría de sus vinilos dentro del mítico sello Factory, cobijo de las tensiones Joy Division- New Order. Las ‘lenguas mordientes’ publican cuatro álbumes : ‘Don’t Heal’ (Situation 2, 81), ‘Live It’ (New Hormones, 81), ‘Libreville’ (Paragon, 84) y la banda sonora del film ‘Feverhouse’ (Factory, 85). 808 State nace a finales de los ochenta cuando Massey se alía al propietario de una tienda ( de discos, por supuesto ), Eastern Bloc, llamado Martin Price. Graban en el sello de Price dos discos independientes, ’Newbuild’ (Creed, 88) y ‘Quadrastate’ (Creed, 89), ahora piezas de valor arqueológico y aclamados como primeras obras maestras del por entonces emergente sonido acid, de-

rivado del house que une los viejos sintetizadores y el beat de última generación, a la velocidad de los ritmos europeos de la época. La grabación de ‘Newbuild’ coincide con los tiempos de esplendor del Hacienda, club puesto en marcha por Anthony H. Wilson como complemento a las ediciones de Factory y donde el grupo actúa de forma regular. Su reputación como músicos mejora con múltiples remezclas para otras bandas inquietas, como los madchesterianos Inspiral Carpets. Junto a dos jóvenes Dj’s (Darren Partington y Andy Barker), por entonces conocidos como Spinmasters, graban el maxi ‘Wax On The Melt’, firmado como The Hit Squad M/cr (abreviatura de Manchester). El colaborador clave de ‘Newbuild’, Gerald Simpson, abandona sus funciones y como A Guy Called Gerald ofrece los preliminares- ‘Hot Lemonade’ (Rham, 88) y ‘Automanikk’ (Subescape -

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Fotos Archivo Self Texto Juan Manuel Freire

Sony, 90) - y la primera biblia del jungle, o como lo llamaría Goldie, “new urban blues” : el colosal ‘Black Secret Technology’ (Juice Box, 95). Partington y Barker no abandonan el viaje y ‘Quadrastate’ supone un enorme éxito underground. Fue un corte en particular, el himno rave ‘Pacific State’, el que alarmó a las multinacionales, que empezaban a ver el rave y el house como una solución a futuras esclerosis del ideario pop. Warner, a través de ZTT, firma con 808 en 1989. El estreno de ‘Pacific State’ como single es Top Ten en Inglaterra y Europa. Son llamados para entrevistas y es la primera vez que el público popular y la prensa mainstream escuchan hablar de términos como ambient o techno.

A la inmediatez bailable de ‘Pacific State’ le sigue el álbum ‘90’ (Creed, 89), importante acompañamiento discográfico al levantamiento de la primera generación rave. Las entrevistas derivadas del éxito son un juego de pirotecnia verbal y aprovechan la coyuntura para no dejar títere con cabeza dentro de la esce-

La formación mancuniana se sostiene sobre el siguiente binomio de intereses : 1) la experimentación musical con la tecnología y 2) la búsqueda del intercambio de ideas y la comunicación directa ( conciertos, televisión, ondas de radio e internet, donde son pioneros ) con el público. La dualidad reside en su compromiso con la investigación artística y el intento de globalizar el techno más heterogéneo.

na. Lenguas bífidas y mentes en alerta permanente cuya acidez no se limita al ámbito musical.

Con todos esperando una secuela de ‘Pacific State’ como siguiente single, surgen del estudio de grabación con lo más opuesto : con el añadido vocal del rapper Mc Tunes y el single ‘The Only Rhyme That Bites’, sampleando del western televisivo “The Big Country”.

Pese al desconcierto inicial, el público responde con efervescencia a esta canción de hardcore-rap-house, que permanece en la cima de las listas a lo largo del otoño de 1990. La continuidad en las listas de 808 está asegurada con un puñado de singles certeros como ‘In Yer Face’, ‘Ooops’ (con Björk) y ‘Lift’ , y con Mc Tunes, ‘Tunes Splits The Atom’ y ‘Primary Rhyming’.

Para la primavera del 91, el elogio popular culmina en dos álbumes de éxito: ‘Ex:el’ (ZTT-Warner, 91), derivación hacia un sonido más experimental que coquetea con el hardcore y al que se le debe la instauración de otro himno rave, ‘Cubik’, ya presente en la edición ame-

do la palabra ‘bostezo’ del vocabulario por el tiempo que dura la actuación.

Otras bandas alcanzan puestos de éxito con remezclas de 808, destacando la emocionante ‘Disappointed’ de Electronic con Neil Tennant o ‘Papua New Guinea’ de F.S.O.L. Ya en 1992, tras la marcha amistosa de Martin Price y con la alineación definitiva de la banda (Graham Massey, Andrew Barker y Darren ‘Daz’ Partington ), 808 State vuelve a concentrarse en su propia carrera con el que puede ser su mejor álbum, ‘Gorgeous’ (Tommy Boy, 93), Lp que es casi una extensión de ‘Ex:el’ y donde samplean a los Jam o a Darth Vader e incluyen contribuciones vocales de UB40, Ian McCulloch y Caroline Seaman. Tras

Lenguas bífidas y mentes en alerta permanente cuya acidez no se limita al ámbito musical. ricana del álbum de debut , y ‘The North At It’s Heights’ (ZTT-Warner, 90) de Mc Tunes, con música escrita, producida e interpretada por la banda en cuestión.

808 State abandona por un año los lanzamientos y las listas de éxitos pero no descansan. Dividen su tiempo entre giras y una estimulante carrera como productores y remixers para otras bandas. Durante la gira, tanto como apoyo o cabeza de cartel, la banda consigue el fervor de la audiencia, aún más notable en Estados Unidos, Japón e Inglaterra. La experiencia en vivo de 808 es superior a un concierto ordinario : el rave alcanza seguimiento masivo por medio de un espectáculo láser y la participación, como, apoyo de Dj’s invitados y otras bandas de techno, sin olvidar al ineludible Mc Tunes como portavoz del grupo, eliminan-

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‘Gorgeous’, completan una extensa gira mundial de nueve semanas por Estados Unidos, Hawai, Singapur, Japón y Hong Kong junto a Meat Beat Manifesto y Supreme Love Gods y después regresan a los EEUU y Canadá en una gira de estadios con New Order. El trabajo en vivo del grupo culmina con un concierto al aire libre para Manchester en la noche de la elección para los Juegos Olímpicos del 2000. A pesar de perder en su nominación, miles de personas y cámaras de TV de todo el mundo se reúnen para asistir a un día completo de actuaciones estelares que culmina en un frenesí techno-láser de la mano de 808 State.

En agosto de 1994 el grupo lanza su ambicioso proyecto multimedia State To State en colaboración con el espacio de la MTV europea The Party Zone. El

808 STATE

ESTADO DE GRACIA

club, red mundial de comunicación, es un soporte ideal para la comunicación directa con sus seguidores de todo el mundo. S.T.S. disfruta también de una dirección de internet que permite a millones de usuarios comunicarse directamente con sus ídolos en ‘808STATE@feedback.com’. 1994 presencia la actuación en el Megadog de Manchester para el evento anual ‘In The City’ que ofrece a la banda su primera oportunidad para tocar con saxo y guitarras reales, después de aquel ‘Jon Hassell Vs. 808 State : Voiceprint’ (Opal- Warner, 93), donde compartieron surcos jazzísticos con el trompetista de vanguardia. También es el año del retorno a la actividad radiofónica de Manchester en un programa semanal presentado por Barker y Partington, que incluye caóticas colaboraciones personales a través de cualquier medio.

‘Don Solaris’ constituye el primer álbum en cuatro años y amplia las miras del grupo a movimientos coetáneos. Denota la influencia de Hassell en algunos arreglos (‘Black Dartangnon’) y permanece el poso acid, pero hay también ensayos dramáticos con el drum ‘n’ bass (‘Azura’), el jungle y el brit-hop (‘Bond’), los aromas brasileños (‘Joyrider’) y el p-funk (‘Mooz’).

Jugando a conjugar con habilidad matemática entre el latinismo y lo galáctico y adaptando el avance instrumental con la accesibilidad pop de Louise Rhodes (Lamb), James Dean Bradfield (Manic Street Preachers), Michael Doughty (Soul Coughing) y Ragga (habitual de Tricky y componente, al frente, de The Ragga Magic Orchestra), como colaboradores vocales.

Su cómplice sabotaje del estándar formal pop/rock ha continuado con remezclas para gente tan poco osada como Texas (‘Halo’) y tienen el honor de ser la primera banda que ha remezclado oficialmente una canción de R.E.M., ‘King Of Comedy’. El mensaje continúa alerta pese a la existencia de mundos subterráneos, prodigios químicos de punk hipervitaminado y reciclajes festivos del funk por parte de la escena gala. Un estado poblado por irreductibles ingenieros de sonido resiste todavía, y siempre, al invasor.

Y ya habrán agotado la mitad de su noche, pero ellos siguen bailando… n

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warp the pioneers of the electronic groove 4

Al hablar de Warp, algunos de nosotros sentimos una pequeña nostalgia, igual que sucede al recordar agradables pasajes de nuestra vida y es que casi todos tenemos uno de los discos de este sello guardado en un rincón especial de nuestras influencias. El motivo se encuentra en que Warp ha sido, en la corta historia de esta música contemporánea, algo más que otra casa de discos de baile. Y tal vez encuentres aquí la razón.

El house y, sobre todo, el acid han llegado a Inglaterra y las raves se extienden por todo el país.

En medio de esta explosión de música de baile, Steve Beckett y Rob Mitchell fundan un nuevo sello en Sheffield de las cenizas de la tienda Fon Rcds. Con el nombre de Warp (en honor a un baile de la película ‘The Picture Show’) comienzan primero vendiendo discos de importación gracias a Winston, un Dj amigo suyo, que se los traía de Estados Unidos.

Así, además de unos primeros beneficios, comenzaron a hacerse un nombre dentro de la escena, lo que les llevó a dar el paso definitivo y comenzar su labor como sello independiente. De esta forma llega la primera referencia del sello, el tema de The Forgemasters ‘A Track With No Name’, cuyo maxi pasó de 500 copias en un principio, que ellos mismos distribuían, a las 11.000 que llegaron a vender en sucesivas reediciones dado el éxito a nivel de clubs.

Con un primer paso tan espectacular sus siguientes trabajos no tardaron en publicarse. Fueron Nigthmares On Wax, unos Dj’s amigos suyos de Leeds, con ‘Dextrous’ los siguientes (ref. 2) y la consolidación del sello llegó con el debut del grupo de Richard H. Kirk y Barratt bajo el seudónimo de Sweet Exorcist. Su ‘Testone’, considerado el primer tema de bleep sound, se editó en dos maxis distintos con una tirada de 35.000 copias. Ellos fueron, además, los primeros en publicar el primer Lp, ‘c.c.c.d.’, un dis-

co con 6 versiones de la misma canción (‘... Jack’) y un tema final basado en los sonidos que hacía un teléfono al ser colgado, es decir, los clonks. Más tarde llegaron dos de los discos imprescindibles de su historia: el recopilatorio ‘The Pioneers Of The Hypnotic Groove’, el disco que supuso poco después una revolución en la música de baile británica y que incluía otros nuevos grupos como The Step o Tricky Disco, y el primer maxi de LFO -Low Frequency Oscillation- que se convirtió en un gran éxito, incluso en EE.UU. Al año siguiente el dúo de Leeds publican su primer largo (3º del sello), ‘Frequencies’, el disco que representa la nueva vanguardia inglesa y la conexión con el techno de Detroit. A partir de entonces otros grupos, fundamentalmente de baile, publican sus primeros 12”. Gente como Wildplanet,

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Ilustración Homemade Texto Julio A. Cuenca (La Nota Discordante)

Kid Unknown, Thomas, Coco Steel & Lovebomb y Rhythm Invention tienen un gran éxito en clubs y, algunos de ellos, en las listas independientes.

A mediados de 1992 Warp decide abrir otro frente de sonido con nuevos ritmos más ambientales y experimentales. Así se publica el recopilatorio ‘Artificial Intelligence’, el primero de una serie de discos de música electrónica destinada no a las pistas sino para la escucha en casa o en salas chill-out. Con el paso del tiempo todos, excepto Alex Paterson (Orb), publican álbum dentro de la serie. El primero en hacerlo fue Richard D. James que bajo el nombre de Polygon Window, título del tema con el que aparece en A.I. como The Dicemen, crea ‘Surfing On Sine Waves’, un viaje por las costas de su Cornwall natal.

A partir del 93 y bajo su nombre más conocido, Aphex Twin, publicará varios maxis (destacando ‘On’ y su Ep ‘Girl/Boy’) y Lp’s, siendo su ultimo trabajo el que titula con su propio nombre. Sin lugar a

The Forgemasters , Nigthmares On Wax, Sweet Exorcist, The Step, Tricky Disco, LFO, Wildplanet, Kid Unknown, Thomas, Coco Steel & Lovebomb, Alex Paterson, Richard D. James, , Black Dog, Speedy J, F.U.S.E., Autechre, DIY, Eternal, Resoraz, Rhythm Invention, K. Hand, Richard H. Kirk, Aphex Twin, The Sabres Of Paradise, Seefeel, Disjecta, Kenny Larkin, Mike Paradinas, Squarepusher, Red Snapper, Jimi Tenor, Broadcast, Plaid, B12, RAC...

dudas uno de los personajes más curiosos e importantes del sello. Las siguientes entregas de la serie llegan de la mano del colectivo inglés Black Dog Prod. con ‘Bytes’, el disco ‘Electro-Soma’ de B12, ‘Ginger’ del holandes Speedy J y el proyecto de Richie Hawtin como F.U.S.E.,’Dimension Intrusion’. A finales de 1993 se edita la séptima referencia, el disco del dúo de Rochdale, Autechre (‘Incunabula’), uno de los más esperados y de mayor éxito. Después de éste grabarían varios maxis, como ‘Basscadet’ y ‘Garbage’, y álbumes aclamados por la crítica y con suculentas ventas. Su más reciente trabajo es el Lp ‘Chiastic Slide’. La serie se cierra el 30 de mayo de 1994 con el segundo recopilatorio, ‘Artificial Intelligence II, que incluye canciones inéditas de grupos del sello y de otros ajenos, como Beaumont Hannant, Hia o el tema oculto de Scanner.

Rhythm Invention ‘Inventures In Wonderland’ o los 12” de artistas muy conocidos como K. Hand, Joey Beltram, Richard H. Kirk y David Holmes y de otros de paso fugaz (Lex Loofah, Circle City o Modus Vivendi).

Y llegaron los grandes fichajes. El más importante fue el de Andrew Weatherall, uno de los Dj’s y productores más impresionantes, que llega junto a Gary Burns y Jagz Kooner para formar The Sabres Of Paradise, grupo clave dentro del sonido de esta década. ‘Sabresonic’, su disco de debut, les aúpa a lo más alto a nivel de críticas y ‘Haunted Dancehall’, el segundo, mucho más dub y experimental, inclu-

Warp no sólo ha influido en gran parte de la música electrónica actual, sino que ha sido capaz de evolucionar junto a ella Pero Warp durante este tiempo seguía publicando más música de baile. Así llegaron varios maxis de techno-house, como ‘Hot Head’ de DIY (famoso colectivo inglés de Dj’s que más tarde recopilarían muchos de sus trabajos en el álbum ‘Strictly For Groovers’), ‘Mind Odissey’ de Eternal (uno de mis favoritos), el ‘Feel It’ de Coco Steel & Lovebomb (dúo que en el 94 vería en la calle por fin su ‘It’ tras una larga serie de maxis), ‘A Bout The Souffle’ de Laurent Garnier, sin olvidarnos del Lp de Wildplanet ‘Blueprint’ (su tema ‘Electron’ es uno de los claves del acid), los trabajos del dúo RAC (sobre todo sus ‘Diversions’), ‘Art Of Time’ de Resoraz, el largo de

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ye esa joya titulada ‘Wilmot’, que ya había sido publicada anteriormente en maxi. Antes de su definitiva escisión S.O.P. publican, el mini álbum ‘Tow Truck’ y ‘Sabresonic 2’, ambos con material remezclado o inédito. Otra de las incorporaciones más comentadas fue la de Seefeel, ya que su música les acercaba bastante a grupos del panorama rock. Tras ‘Starethrough’, su debut, y ‘Fracture’, llegó su primer Lp, ‘Succour’. Al poco tiempo la cabeza visible del grupo, Mark Clifford, forma Disjecta que también grabará para Warp su álbum ‘Clean Pit & Lid’. El sello lanza sus redes al otro lado del Atlántico y de allí trae a un valor en alza, el detroitiano Kenny Larkin

WARP

THE PIONEERS OF THE ELECTRONIC GROOVE

que publica ‘Azimuth’ en 1994. En este disco de puro techno-soul se incluyen once temas, destacando, sobre todo, ‘Tedra’. El 13 de junio de ese año, con motivo del quinto aniversario de Warp, se publica el maxi de GAK, una antigua grabación que permanecía en los archivos del sello que recupera el sonido house de los primeros 90.

Entre las ediciones siguientes del sello destacan muchas y muy variadas, como el retorno de LFO con el maxi ‘Tied Up’ (lástima que su posterior ‘Advance’ pasara tan desapercibido), el segundo y tercer Lp’s de Black Dog, ‘Spanners’ y ‘Music For Adverts’ (éste trás su escisión), el Ep ‘Journey Home” de los Drexciya de Detroit, ‘Antacid’ de Link (con el que comienza el revival del electro junto a Elektroids) acompañando al recopilatorio de éstos, ‘The Theory Of Evolution”, el trabajo de Speedy J ‘G-Spot’ o los discos de Mike Ink. Otro de los regresos importantes fue el de Nightmares On Wax, que con ‘Smokers Delight’ dan una nueva vuelta de tuerca a su corta carrera.

A través de Aphex Twin y su acercamiento al drum & bass, el sello incorpora a Mike Paradinas (Mu-zik) como Jake Slazenger y a Tom Jenkinson, alias Squarepusher, que tras dos maxis publica ‘Hard Normal Daddy’, uno de los mejores discos de este año 97. Además, anteriormente, Warp había acercado sus premisas a terrenos quizás menos electrónicos como el jazz o el pop con fichajes como los de Red Snapper y su fusión de variopintos estilos, el future-jazz del finlandés Jimi Tenor, nueva estrella del sello (magnífico su ‘Intervision’) y los ¿poppis?

Broadcast.

Con semejante carrera, más de 150 referencias de las que no podemos olvidar ‘Blech’, dos recopilatorios de temas del catálogo mezclados (el segundo por la gente de Dj Food), termina este breve repaso a lo que ha sido (y es) el camino que ha seguido Warp Records, el label inglés que no sólo ha influido en gran parte de la música electrónica actual, sino que ha sido capaz de evolucionar junto a ella y seguir paralelamente la misma senda. La historia no acabará aquí. n

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álex martín ensemble techno meets jazz in live

¿Es necesario presentar a Álex Martín a los lectores de esta revista? Por supuesto que no. Cualquier hogar con números de Self en sus anaqueles debe contar también con rodajas vinílicas o compactas firmadas por este prolífico músico catalán, sea como tal o bajo alguno de sus seudónimos, o de sus trabajos con otros músicos. Uno de sus proyectos más interesantes, el Álex Martín Ensemble, se estrena en directo el 23 de noviembre, en la Nova Jazz Cava de Terrassa, en un concierto organizado por Exòtica Club.

4 ¿Qué relación existe entre Álex Martín y el Álex Martín Ensemble? En el fondo, el Ensemble es el resultado de cosas que había hecho cuando empezaba a tocar los teclados. Iba a jam-sessions de músicos de Cerdanyola que se habían comprado la primera guitarra y hacíamos de todo. Entonces descubrí el jazz, me gustó y es algo que siempre ha estado allá, esperando a ver si surgía algún sello adecuado para publicarlo. Está incluido en mi formación y es una música que me gusta. Y como todo lo que me gusta, intento darle mi visión, mi punto de vista personal. Siempre he tenido algún tema en plan jazz, pero no el sello. He tenido que esperar a que apareciera Cosmos Records.

De ahí los dos discos (‘Come Into Cosmos’ y ‘Join The Band!’) que lleváis publicados. Pero, ¿por qué el Álex Martín Ensemble no ha actuado hasta ahora? Porque para ello se precisa un nivel y había gente que lo tenía, como Rudi Gnutti y Manel Gil, pero estaban enfrascados con otras cosas. Yo tampoco tenía un nivel propio como para meterme en serio en ello. Ha sido un tema de tiempo, de aprendizaje, de rodaje. A base de hacer techno, música electrónica, rap incluso, de años tocando, al final coges un bagaje. Manel y Rudi tampoco lo tenían tan claro antes. Hace tres años de esto del trip hop, el jungle o la nueva onda del jazz no se sabía nada.

Ahora ven que en el mundo de la música electróni-

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Foto Leila Méndez Texto Marc Moch

ca las cosas están más abiertas. Puede venir un músico de formación jazzfusionera e incorporarse a otro proyecto que hace electrónica. Eso antes no era posible. Red Snapper hace tres años no hubiera sido posible. Ha sido el que yo esté preparado, y que ellos lo estén, la circunstancia y el momento. ¿El jazz y la música electrónica tienen un espíritu afín? Son dos maneras de trabajar que pueden ser parecidas. Luego está el lenguaje. Un disco de

Víctor Sol es totalmente diferente a uno de Red Snapper. Un grupo de jazz son tres músicos que cogen una idea, la visten un poco y empiezan a improvisar, y la música electrónica es lo mismo.

En música electrónica puedes comenzar a improvisar con sonidos, pero con ruidos, no con sonidos armónicos. La diferencia es que para tocar jazz has de tener nociones de unas reglas.

El jazz puede ser muy free, pero la gente que toca free muy bien es porque tienen una formación acojonante.

Otra cosa es samplear. Si, pero los resultados son audibles. Por ejemplo, a mí Daft Punk no me gustan y es algo que mucha gente no comprende. No me gustan porque lo que hacen ellos es muy sencillo: tener una buena colección de discos de los años setenta y un poco de idea de música, pero tampoco mucha. El sonido que tienen Daft Punk no es su sonido, sino el de las muestras que han cogido. El Álex Martín Ensemble es otra historia y si es mi sonido. Yo cojo la batería de jazz sampleada, pero me la monto y la ecualizo, y aquí hago un break, y decido que pasa realmente en aquel tema, quien entra y quien no entra. ¿Cómo será el concierto de Terrassa? Habrán temas del disco, como ‘Radio Nights’, ‘Draw Game’ o ‘Jasmine Tea’, pero diferentes, con improvisaciones en directo. Habrá también temas nuevos, elucubraciones de Manel y de Rudi con el bajo, y un plato con el que haré scratch, con delays y cosas raras. Utilizaré el plato como un instrumento, algo que ya había hecho Herbie Hancock, que llevaba un tío con unos teclados y un Technics 6. n

En Francia existe una movida de fusión entre electrónica y jazz, con Etienne de Crécy y compañía que empieza a tener repercusión internacional, ¿podría pasar lo mismo en Barcelona? Lo que sucede es que en Barcelona, por ahora, no existe oferta suficiente como para hacer una escudería. Tenemos a Vanguard, al Profesor Angel Dust..., pero aún son pocos, menos que en techno. También cabe recordar que cuando aquí el hip hop pasó al olvido, en Francia aún continuaba, con unas fiestas increíbles, y el grafitti seguía estando muy vivo. Allí hay otra percepción de la música negra y además, hay una tradición de cavas de jazz muy fuerte.

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P///AMA RECORDS

etienne de crécy el nuevo house francés

De las dos riberas del Sena ha surgido un núcleo de productores que remueven las estructuras del house con el toque chic francés. Uno de ellos es Etienne de Crécy, la mitad de los admirados Motorbass y el cerebro de los retales que componen el reciente ‘Superdiscount’, la liquidación más caprichosa de la temporada.

4 Los laboratorios caseros de música de baile, con infinidad de sellos familiares, y colectivos que se desdoblan en innumerables seudónimos y plataformas, también traen consigo la diversificación del mapa electrónico. Así París vuelve a estar de moda tras la caída del existencialismo, las cavas de jazz y los adoquines de mayo del 68. La canción protesta y el be bop han dado paso a la efervescencia del trip-hop y el escapismo del house. Etienne de Crécy ejerce de agitador en la sombra de esta eclosión que resta protagonismo a la tricknology de Londres.

La subversión de estilos ya no es patrimonio únicamente de Mo’Wax, Ninja Tune o Wall Of Sound.

Tras F Communications, el país vecino ha generado varios sellos que han expandido la repercusión que en su día tuvo el sello de Laurent Garnier. De Crécy impulsa la dicográfica Solid, que junto al productor ejecutivo Pierre-Michel Levallois y el también músico Alex Gopher ha sorprendido con la frescura de ‘Superdiscount’.

El año pasado ya levantó expectación con ‘Pansoul’, el debut de Motorbass, donde el director artístico es el otro miembro del grupo, Philippe Zdar.

Dos aciertos seguidos que le han puesto a la altura de los transgesores británicos. “Es una especie de sintonía general en la que todo el mundo ha empezado a moverse en este sentido. Los productores franceses utilizan tanto el house como el hip-hop.

Incluso más que en Inglaterra”, constata De Crécy.

El nombre que se le ponga al resultado final le es indiferente. “Se puede incluir dentro del house, pero tampoco sé muy bien que quiere decir. Si me sale un tema con bpm’s la gente lo describe como

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Foto Archivo Self Texto Vicenç Batalla

house. Si sólo va a 95 bpm’s, para mí es la misma música, pero le llaman trip-hop”. ‘Superdiscount’ es tan efectivo para la pista de baile como para la sala de estar y esto lo hace más universal que los productos techno de F Communications. Algo que también puede aplicarse, aunque en menor medida, a Motorbass. Tanto Zdar como De Crécy empezaron a principios de esta década como productores de los estudios Plus 30 de París. Los dos descubrieron la cultura rave en una fiesta goa organizada por el pionero Guillaume La Tortue. Su trayectoria posterior, sin embargo, ha tenido poco que ver con el techno progresivo y se ha nutrido más de las escenas que procesaban de la calle.

Su prestigio va por delante de las ventas, 27.000

copias de ‘Pansoul’ y 20.000 de ‘Superdiscount’. De Crécy espera que éste acabe superando los ejemplares del disco de Motorbass.

“Es más rentable Solid porque el trabajo se halla repartido entre los tres socios. En cambio Philippe asume todo lo relacionado con Motorbass, tanto la música como la fabricación y la distribución”. Zdar es quien ordena los temas que se incluyen en Motorbass, después de que ambos hallan trabajado los fragmentos por separado. En el otro proyecto de Zdar, La Funk Mob, es Pigalle BoomBass quien marca la pauta del grupo.

De Crécy, por su parte, es el líder de ‘Superdiscount’, donde aparece con varios seudónimos, y ha invitado a Alex Gopher, Air y Mr. Learn. Todos se conocen, comparten plataformas y al mismo tiempo disfrutan de libertad para montar las suyas propias. “Es como un colegio. Hay muchos alumnos que se emulan unos a otros. Pero por contra, ni a mí me gusta la música que hacen todos los parisinos, ni a todos los parisinos les gusta mi música. Por ejemplo, no me atraen los discos de Garnier, pero cuando los escucho sé que él hace bien su trabajo y es sincero. En París no toda la gente que hace música es sincera”.

No es fácil tampoco escuchar los temas de De Crécy en París. “Si en un club pinchas ‘Soldissimo’ un tema lento de ‘Superdiscount’-, la gente se va”.

Como en España, Daft Punk tienen preferencia.

Consciente de ello, De Crécy optó por recurrir al house menos beligerante en su sesión del Moog de Barcelona. Sus puntuales incursiones en la cabina, aunque él se siente ante todo productor y músico, le permiten mantener el contacto con los clubs de toda Europa. n

El directo de Motorbass deberá esperar como mínimo al año que viene. El segundo álbum del grupo puede estar listo este mismo otoño. La segunda entrega de ‘Superdiscount’ vendrá después. De momento, De Crécy seguirá produciendo artistas tanto de su discográfica como de SourceLab, pondrá en marcha el subsello Phunk Jack para maxis y vinilos y editará un disco de remezclas del tema ‘Draw Game’ de Álex Martín Ensemble.

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Massive Attack • Erasure Kraftwerk (1) • Silvania Protozoo • Álex Martín Oviformia Sci/Heróica

Richie Hawtin • Prozack Coldcut • Ramón Ledesma Slam • Dive • Incoming!

Popular 66 • CJ Bolland Sun Electric • F. López Cosmos • Bristol Esplendor Geométrico Daft Punk

Núm. 5 Richard D. James • G3G Aviador Dro • Kraftwerk (2) 32 Guajar’s Faragüit Stocha/Konic Thtr Einstürzende Neubauten

Núm. 9 Kraftwerk • Justo Bagüeste Protozoo • Rapoon • Pez Mixmaster Morris • Japan Geometrik • Jimi Tenor Telefilme • :Wumpscut: earcloud • Kermes At-Mooss • Víctor Nubla • Paco Peiro • Depeche Mode Jeff Mills Línea Alternativa • The KLF • Tribal Gathering F.I.B. • L’Angelot

Núm. 6 Sónar 96 • Iury Lech República Sonora • Spicnic Uwe Schmidt • Ninja Tune Underworld • Pet Shop Boys Núm. 7 Orbital • Silvania The Advent • Madelman Woob • Autechre • Devo The Human League Crisis Records • Klem

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ARCOS DE NEPAL, PROZACK, MADELMAN, REPUBLICA SONORA, FEEL ACTION, SILVANIA, IBERIAN SPLEEN, ALEX MARTIN, ACTIBEAT, VICTOR SOL, JUMO, ESPLENDOR GEOMETRICO, FANGORIA, POPULAR 66, PROTOZOO, ELECTROPEZ, TEEN MARCIANAS, EARCLOUD, VANGUARD, AMBAR, JAVIER HERNANDO, ESCUPEMETRALLA...

DIRECCIÓN POBLACIÓN PROVINCIA

C.P. TELF.

Doble cd PRÓXIMAMENTE

tricky signo de los tiempos Su verdadero nombre es Adrian Thaws.

Como Henry Miller, pertenece a la raza bautizada por el escritor como inhumana: “raza de artistas que, estimulados por impulsos desconocidos, toman la masa inerte de la humanidad y, mediante la fiebre y el fermento de que la imbuyen, convierten esa pasta húmeda en pan y el pan en vino y el vino en canción”.

4 El abono muerto que Tricky regenera para la articulación de su método es la historia de la reciente música popular (pop, soul, jazz, rock, funk, blues y el hip-hop instrumental en particular): pasta húmeda que el disidente de Massive Attack filtra a través del sampler y de una intuitiva coladora intelectual que hace de su sonido, palabra secreta sobre densa base rítmica, un sistema multicelular de ideas aprendidas y visionarias, siempre en busca de nuevas direcciones musicales que no descarten el enlace melódico con la tradición.

Tramposo, o difícil, o vicioso: adjetivo y sinónimos para un proyecto (Thaws no camina solo: le acompañan la garganta ondulante de Martine o Mark Stewart, ex-componente de The Pop Group) capaz de dar entidad a la etiqueta trip-hop para después reducirla a ceniza: “el hip-hop siempre ha sido suave y raro”. Es padre de un sonido autónomo y responsable de los sucesores sucedáneos y todo ello en un progreso público previsible. El genio vocacional ha pasado de la verborrea brit (el monopolio del universo como más modesta ambición) a la pasividad nutrida por el exceso de popularidad y de cuenta corriente, desmanes favorecidos por una fértil carrera de apareamientos musicales: colabora en las nuevas texturas de Björk, Neneh Cherry o Iggy Pop y alimenta de remezclas a Garbage, Elvis Costello y pronto lo hará con PJ Harvey o Porno For Pyros. Todos necesitan en su álbum personal una foto junto al gurú de la modernidad, a pesar de que el traje de novia obligue a fi-

jar muy bien la vista para reconocerlo.

El prólogo del babel remite a los tiempos del Wild Bunch, colectivo de rappers y Dj’s formado por los futuros miembros de Massive Attack (3D, Mushroom, Daddy G y el mismo Tricky) y la plana mayor del OnU-Sound. Donde hay clanes hay etiquetas y en su caso se inventó el voicebeat o sonido Bristol para definir el tándem voz sensible /electrónica gélida tan imitado en lo sucesivo y lo que sería parte de influencia en el género (si la palabra significa algo hoy en día) del trip-hop, apropiación a través del sampling de efectos y melodías ajenas con las bases rítmicas del hip-hop como background y un aura referencial arty, o kitsch, o sólo cinéfila, como coartada cultural o lúdica. Massive Attack, influidos por las luces y sombras del noir, combinan atmósfera jazzy y ensoñaciones cinemáticas en un ejercicio de sofisticación calcula-

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Fotos Archivo Self Texto José Manuel Freire

da. Su música es la unión del pasado y el presente con vistas al futuro, un viaje a través del túnel del tiempo hasta los inicios del reggae y el dub de Jamaica y el soul de las voces legendarias ; en el camino de (re)creación cruza el canal de la electrónica humanista, hipnóticas soluciones rítmicas en progresión ascendente, y encuentra el reposo emocional en las voces cantantes de Shara Nelson, Nicolette o Tracey Thorn, emisarias del desamor y la desazón propias del cine de Scorsese o de cualquiera con propensión a la soledad.

Su legado consta hasta la fecha de dos álbumes clásicos: en ‘Blue Lines’ ( Wild Bunch-Virgin, 91), catálogo capital del voicebeat y uno de los discos más importantes de la década, Tricky participaba como compositor en tres temas ( ‘Blue Lines’, ‘Five Man Army’ y ‘Daydreaming’), piezas sublimes de puzzle vocal y ondulación dub. A pesar de las desavenencias dentro del equipo creador, el debut aporta clásicos de la valía de ‘Safe From Harm’ o ‘Unfinished Simpathy’, cima melodramática del combo combustible. Entre ál-

El suyo, el de lo orgánico contra lo ‘conveniente’, es el territorio de la realidad a flor de piel y el deseo irracional de un estado de ánimo general que es subterráneo por insinceridad y que se llama dolor. Capaz de abrir las antiguas heridas, pero también necesario para cicatrizarlas.

bum y álbum, Tricky edita su primer single en solitario: ‘Aftermath’ (1994), una de sus mejores composiciones, donde ofrece la réplica a Leon Kowalski e inicia un viaje suicida al erotismo. Su influencia en el posterior ‘Protection’ (Wild Bunch-Virgin, 94), continuación sin novedad formal, pero aún más inspirado en conjunto que el primero, queda recogida en los temas ‘Karmacoma’ y ‘Eurochild’. La edición del redundante ‘No Protection’ (Circa-Virgin, 95) - versión alternativa perpetrada por el patriarca del sonido dub, Mad Professor - y la marcha de Tricky generaban dudas en torno al futuro de Massive Attack, desmentidas por la creación de un sello propio (Melankolic), el estreno del rutilante single ‘Risingson’ y un nuevo álbum previsto para enero del 98.

La comercialización del sonido Bristol y polémicas respecto a la autoría de ‘Karmacoma’ producen la desunión con el sound system. El impulso de una superior subversión y evolución podría ser ‘Overcome’, título que abre lo que sería un punto y aparte en la carrera de Tricky y en la historia de la música moderna: la aparición del álbum ‘Maxinquaye’ (4th & Broadway-

xualidad poliédrica, jugando con los géneros y sus clichés. Los cuerpos son dobles, perdidos por perdidos en búsqueda de la ayuda exterior, el ventolín o los líquidos amnióticos: sudor, alcohol y el fluido que convierte el celuloide vírgen en negativo. La duda, sólo una entre un infinito, es: ¿cómo puedo sentirme seguro en un mundo en constante cambio?

‘Nearly God’ (4th & Broadway-Durban PoisonPolygram, 96) es el seudónimo y título genérico de su segunda obra. Queda como colección de liturgias en forma de boceto, en su mayoría carentes de la vitalidad soul y la fuerza sexual del primero, pero turbadoras en grado íntimo. El disco fue grabado en Nueva

Tramposo, o difícil, o vicioso : “el hip-hop siempre ha sido suave y raro” Island-Polygram, 95), obra maestra que demostraba la existencia de caminos por explorar en la música, en la aplicación de los sentimientos universales del pop al ensayo de prácticas menos ortodoxas. La renovación pasa por el reciclaje de logros anteriores, por la reunión de estilos desde una óptica personal, y Tricky encuentra en el hip-hop y el recitado - paralelo al más emocional registro de Martine o Alison Goldfrapp (‘Pumpkin’) - la expresión de sentimientos ahogados en el subconsciente y no muestras del nuevo mercantilismo de la violencia que arrasa en Norteamérica. Se permite la reconstrucción de un clásico de Public Enemy (‘Black Steel’) y de los propios Massive (‘Overcome’) y trabaja los fondos narrativos como un escenógrafo del deseo, en su caso de se-

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York y Londres durante dos semanas y media e incorporaba como invitados los talentos y voces de Terry Hall, Neneh Cherry, Björk, su inseparable Martine, Alison Moyet y Deddi Madden y Cath Coffey de Stereo MC’s. En el repertorio, versiones de Siouxsie and The Banshees (‘Tattoo’, el otro lado del single ‘Dear Prudence’), del ‘Judas’ de Depeche Mode y el ‘Children’s Story’ del rapper Slick Rick, las dos últimas sólo disponibles en la versión americana del álbum y estrenadas como caras B en el Reino Unido.

Los personajes buscan el rescate emocional en creencias físicas, químicas o espirituales. Me prometiste poemas. Los únicos días que salen al exterior son los días de lluvia y la oscuridad acaba por abrir un camino hacia la eternidad que toma forma de acceso

TRICKY

SIGNO DE LOS TIEMPOS

luminoso en el diseño de arte. Quedan secuelas de la soledad, pero también de la masiva atención mediática, de los flashes de la fama. No puedo relajarme, necesito meditar. El vértigo acongoja al antiguo miembro del Little Bronx que sobrevive con éxito al tránsito de Chaval Difícil a Superestrella.

La fama obliga a limitar el número de fieles y codificar en claves aún más crípticas un discurso que propicia la adicción al desengaño y los días confusos.

‘Pre-Millennium Tension’ (4th & Broadway - Island Polygram, 96), segundo álbum como Tricky, cierra una vieja puerta a la esperanza: es un universo inédito de angustia urbanita. En lo musical, la propuesta funciona como híbrido de la libídine underground inherente al primer álbum y la experimentación lo-fi del segundo. Carga sílabas y notas con intensidad de ideas y ecos sonoros: la pulsación sentimental de ‘Makes Me Wanna Die’, el fraseado testimonial de ‘Ghetto Youth’ y la conversación rap-funk-breakbeat de ‘Lyrics Of Fury’ o ‘Bad Dreams’, lo convierten en algo más que una mímesis de los anteriores episodios.

Tricky traslada su reflexión de la introspección (los fantasmas de antaño apenas pisaban el asfalto) a la exploración del presente y la presciencia de un futuro inmediato (ya actual, de hecho), de una tensión ‘fin-de-siècle’ ballardiana, donde el tráfico produce nuevas formas de estimulación sexual, la contaminación ataques de asma y el ambiente está cruzado de grúas que desguazan chatarra de sangre y cielo.

El futuro no indica, como quieren hacernos creer, cosas nuevas y buenas para todos.

Ahora, con sello propio en funcionamiento, el Durban Poison de la hoja de marihuana, la expansión de su reinado monoaural y psicótico amenaza con ocupar cada esquina inquieta del próximo pop.

Advertido del peligro, lo único que quiero es un techo y algo de silencio. Quiero estar solo. Pero el quejido de Tricky persiste en los momentos de soledad, porque es el lamento de la metrópoli y del reconocimiento de nuestra oscuridad. Permanezco en la misma habitación, deseando encontrar ayuda en alguien con los mismos problemas de comunicación. n

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PUBLI P///DISCORDER GLOBAL TENDENCES 97

P///DISCORDER

can comunismo, anarquismo, nihilismo Los cinco dedos de una mano son, por separado, de una innegable utilidad: pueden servirte para hacer autostop, para hurgarte la nariz o llamar a un timbre.

Pero es en el momento en que esos cinco dedos deciden ponerse de acuerdo y trabajar en equipo cuando logran alcanzar el máximo de sus posibilidades: pueden doblarse sobre sí mismos, formar un puño y golpearte; también pueden extenderse y regalarte una caricia.

4 El grupo alemán Can, y la música por ellos facturada, funcionan de la misma manera: como un equipo perfecto, sin fisuras, confabulado para crear música contundente pero sensual, un puño cuyos golpes no duelen, que estimula el cuerpo y masajea la mente hasta conducirte al éxtasis. ‘Sacrilege’, el reciente álbum de remezclas editado por Mute, los ha devuelto, tras años de silencio, a las portadas de las revistas.

Unánimemente (y justificadamente) denostado, dicho álbum ha tenido, al menos, dos consecuencias positivas: una, la renovación del interés por una de las bandas más influyentes de los últimos treinta años, interés que ha motivado la reedición de la mayor parte de su discografía; dos, la constatación de que el rasero habitualmente empleado para medir (y remezclar) a otros grupos se revela ineficaz cuando se está tratando con los pioneros de, entre otras cosas, las técnicas de muestreo, el mestizaje del rock con las músicas étnicas, su conjunción con elementos alienígenos (teléfonos, radios de onda corta, dictáfonos), el collage sonoro, la utilización del estudio como herramienta de creación y la práctica de la improvisación colectiva como principal método compositivo.

Y es que Can son únicos. Lo eran en vida y lo

siguen siendo casi veinte años después de su desaparición. Aunque, ¿han desaparecido realmente? Un repaso a vista de pájaro de la actualidad del mundillo musical basta para comprobar que la influencia de estos simpáticos alemanes ha perdurado de tal manera que podría decirse que, directa o indirectamente, hay un fragmento del legado de Can en uno de cada cuatro grupos surgidos de la escena (ejem) alternativa en las dos últimas décadas. Elige tú mismo el ejemplo que más te guste. Esta influencia no se circunscribe al ámbito del rock sino que, mediante un proceso de ósmosis, el fluido vital de Can ha atravesado la membrana que lo separa del de la música electrónica para impregnar a gran cantidad de techno-artistas que los citan, junto a los ineludibles

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Kraftwerk, como el reactivo causante de sus actuales desvaríos tecnológicos. Las notas interiores del libreto que acompaña a ‘Sacrilege’ son un auténtico confesionario en ese sentido.

De lo que parece que no se han contagiado la mayoría de estos recién confesos discípulos es del grado de imaginación, excentricidad, espíritu buscador (y hallador), eclecticismo y buen humor desplegado a manos llenas por Can a lo largo de su discografía y trayectoria. En unos tiempos en que la redundancia creativa, la reiteración de esquemas, el raquitismo inspirativo y, lo peor de todo, la injustificada petulancia de los músicos se ha convertido en norma, volver la vista atrás se convierte en un ejercicio no ya recomendable, sino plenamente necesario.

La palabra clave es ‘magia’. Magia a nivel metafórico y también real. Por un lado, la que posibilitó que personas de tan dispar filiación (dos en-

De lo que parece que no se han contagiado la mayoría de estos recién confesos discípulos es del grado de imaginación, excentricidad, espíritu buscador (y hallador), eclecticismo y buen humor desplegado a manos llenas por Can a lo largo de su discografía y trayectoria.

fants terribles de la música contemporánea, un extraordinario batería de jazz, un guitarrista de rock, un escultor afroamericano y un japonés errabundo), emparentados tan sólo por su común desencanto con sus respectivas escuelas musicales, encajasen como las piezas de un puzzle para lanzarse a tumba abierta en pos de un objetivo compartido, “hacer música todos juntos, espontáneamente, en un camino colectivo y sin ningún líder”. Por otro lado, magia en el sentido más comúnmente aceptado del término: tanto negra (títulos y desarrollos de casi toda la segunda parte de ‘Tago Mago’ están ligados de forma muy estrecha con las elucubraciones del satanista Aleister Crowley) como blanca (“todos en el grupo somos telépatas. Como todo, requiere entrenamiento: has de adquirir un cierto nivel antes de pasar a fases superiores”, Irmin Schmidt; “quizá nos ha dictado la música una entidad cósmica, puede que Dios”, Holger Czukay).

Sin embargo la auténtica magia, el secreto definitivo de la singularidad y perpetua vigencia

Entrevista con Can ¿Cómo se explica que el sonido de Can sea todavía hoy tan contemporáneo?

Irmin Schmidt: Los jóvenes músicos os lo explicarían más fácilmente que nosotros. Ellos saben lo que les interesa de nuestro trabajo. Nosotros nunca encarnamos la figura del héroe del rock’n’ roll de la época en que era el modelo dominante. Nosotros formábamos un equipo de músicos en el que cada

Lo que es bastante gracioso en relación a la industria musical es que, al final, los fabricantes han caído ellos mismos en la trampa. de la obra de Can reside en la química surgida de la unión de tan variopintas personalidades y en la ingente e insuperable cantidad de ideas y la convicción, imaginación y amor volcados en unas canciones que, ahora más que nunca, merecen ser re-escuchadas.

Por cierto, una tercera consecuencia positiva de ‘Sacrilege’ es el importante dinerito que se van a embolsar nuestros amigos. ¡Bien por ellos!

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uno era más o menos anónimo. Es algo muy actual porque en los grupos de ahora los jóvenes músicos se ponen poco por delante, eso no les interesa en absoluto. Es un punto de vista no político que tiene importantísimas repercusiones sociales hoy en día, algo que por otra parte nos debería hacer volver muy optimistas. Porque,a partir de ahí, lo que era estúpido en esta actitud racionalista e individualista ha desaparecido. Nunca tuvimos la pretensión de encarnar la figura del virtuoso en escena, formábamos una unidad de cuatro personas. Existen también unos motivos puramente musicales que nos acercan a las formaciones actuales, el dominio

CAN

COMUNISMO, ANARQUISMO, NIHILISMO

del motivo rítmico, repetitivo y monótono que después ha fascinado siempre a numerosos músicos.

Esta fascinación data totalmente de principios de los años 80, de artistas como Pete Shelley y mucha gente de la new wave. ¿Qué pensáis de la idea del remix, del hecho de que un trozo que nunca está del todo acabado pueda ser remodelado hasta el infinito?

I.S.: Es una de las ideas base de nuestra música. ¡Escuchad nuestros discos! Cada trozo está inacabado, lo que entendéis como tal no es más que un fragmento de un proceso de composición colectiva. Nunca hemos realizado obras maestras definitivas. Tanto en escena como en estudio, podíais asistir al proceso espontáneo y ordinario de la composición. Aunque los trozos realizados en estudio fuesen remontados a continuación, era también un proceso espontáneo. Cada una de las etapas era improvisada, nunca hubo nada previsto ni escrito por adelantado. Lo que nos decía un periodista del Melody Maker, que en la época del rock nosotros habíamos inventado ya el post-rock, creo que era verdad.

Holger Czukay: Creo que también hemos innovado con la idea del sampling. ‘Tago Mago’ es una especie de composición sampleada. Pero la idea del sampling había sido explorada en la misma época por gente como John Lennon (‘I’m The Walrus’) y Spike Jones con su famoso ‘Jingle Bells’ ladrado y cantado por perros.

Michael Karoli: Nuestro perro ladrando en ‘Tago Mago’ no fue sampleado, simplemente ladró durante la grabación.

I.S.: La idea del sampling es más amplia que el simple hecho de grabar o tocar un sonido con una máquina. Nuestro concepto musical era que el ambiente en el que tocábamos formase parte del proceso de composición, y esa es una idea cercana al sampling.

Todo lo que ocurría alrededor, un tren de fondo sonoro por ejemplo, era incluido en la pieza durante su grabación. Y esta idea resta toda ambición desmesurada y todo carácter sagrado a la música.

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can comunismo, anarquismo, nihilismo 4 ¿Empezásteis fuera de toda tradición musical?

H.C.: Nosotros no hemos seguido una tradición sino una especie de lógica muy simple e intuitiva. Pero de todas formas había una escena activa en Alemania, como en Francia con la musica concreta por ejemplo. Por otro lado, uno de nuestros primeros conciertos tuvo lugar en el recinto de una exposición de Picasso. Fue allí donde nos encontramos. Uno de nosotros volvía de París y había grabado los sonidos de las manifestaciones del 68 que utilizamos como samples cuando el concierto, aunque nosotros no podíamos usarlos tan fácilmente como hoy en día. Los sonidos del 68 fueron así uno de los primeros motivos de Can, grabados en ‘PreHistoric Future’, un disco casi de coleccionista en la actualidad. ¿Pensáis que la llegada del ‘home-studio’ electrónico ha jugado un rol muy importante, que ha favorecido la relación más directa e íntima con la música?

M.K.: Creo que Can ha demostrado que se podía trabajar con un material básico. En nuestros inicios teníamos un simple magnetófono de cintas y dos micros, algún tiempo después, y ¡dos magnetófonos y dos micros! (risas). A pesar del consumismo casi terrorista que ya reinaba en la época, era todo lo que se podía hacer en música a partir de tan poco.

I.S.: Hoy en día todavía se puede trabajar económicamente. Lo que es bastante gracioso en relación a la industria musical es que, al final, los fabricantes han caído ellos mismos en la trampa. Porque ellos deben siempre vender nuevas máquinas y están obligados a prometer muchísimo a los artistas, prometerles que pueden convertirse fácilmente en artistas de éxito. Hace falta entonces que hayan hits tan simples, tan simples como ellos se imaginen. En la actualidad con un simple sinte y un sampler podéis hacer fácilmente un disco.

H.C.: A principios de los 70, los grupos quisieron tener a su disposición unos medios de producción realmente profesionales, por eso nacieron los magnetófonos multipistas y los grandes estudios de gra-

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bación. Los grupos querían un sonido limpio y perfecto. Y ahora mirad los tipos de los años 90, gente como Air Liquide, que compran viejas máquinas electrónicas podridas y las conectan de forma anárquica y a partir de ahí te dicen: “Tío, es el principio de una nueva música” (risas). Y los tipos de las revistas hi-tech son fans de Air Liquide en Alemania y se lamentan del hecho de que estos jóvenes artistas no tengan nada que hacer con sus máquinas hiperperfeccionadas. Lo que es interesante es que estos músicos han reinventado finalmente el sintetizador analógico. Ellos no quieren trabajar con secuenciadores conectados a un ordenador, quieren tener una relación más directa y viva con la máquina. Roland, por ejemplo, se metió en la producción de sintes analógicos precisamente a causa de gente como Air Liquide. En los 70 se buscaba un sonido muy limpio y reinventaron el trash e impusieron una especie de nuevo estándar. Es algo realmente nuevo.

I.S.: Aquello antes formó siempre parte de nuestra

estética. Nosotros no cometimos nunca errores porque hemos utilizado siempre nuestros errores. Por ejemplo, me acuerdo de la grabación de ‘Mushroom’. Hubo un momento en que Jaki Liebezeit se puso a tocar muy bajo y como nuestro material de grabación era muy primario, se oía más el silbido de la cinta y el ruido de alrededor que su instrumento. Nunca utilizamos pues el ruido de la cinta como música y este supuesto error se convierte en un soberbio pedazo de atmósfera. De alguna manera, ¡los errores hacen el papel de samples! ¿Qué pensáis de la idea de red que ha sido introducida por el techno? En el sentido de que podéis producir un disco, que será seguidamente sampleado, después remezclado, más tarde de nuevo sampleado, después se le dará la vuelta y así sucesivamente.

H.C.: Si y existe esta idea también muy nueva de editar sus propios samples en Cd o Cd-Rom del tipo ‘yo vendo mis sonidos en lugar de mis propias composiciones’.

I.S.: Si, es un nuevo modo de ver el trabajo del artista o del músico. El artista ya no es el genio. Es como cuando nosotros componíamos con Can. En algún sitio, eran los sonidos y el ambiente lo que nos atravesaba, lo que viajaba a través de nosotros. No éramos más que simples medios. Pero lo que es importante es la manera en que podéis actuar sobre ese sonido, lo que vayáis a hacer con él. El trabajo del artista es primordial. Creo que es una bellísima idea, un bonito concepto adaptado al trabajo del compositor. Hay cierto anonimato pero esto no borra para nada vuestra presencia.

Ariel Kurou & Jean-Yves Leloup Traducción de Esther López

Holger Czukay: Irmin, de todos modos tú naciste de la nada, tú no eres nada y desaparecerás en la nada (risas).

Irmin Schmidt: Es verdad (risas). Por otra parte no tengo nada que añadir.

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dude soldados desconocidos DUDE es una plataforma recientemente creada, una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivo difundir la música de vanguardia mediante la edición de cassettes, revistas, la organización de conciertos, apoyo logístico, etc.

4 DUDE nace con la pretensión de abrir canales de edición y distribución sin intermediarios, trabajando con el formato cassette, no por romanticismo ni fetichismo sino por libertad y economía.

Como complemento a la edición de cassettes se publica ‘Acción Afirmativa’, boletín oficioso de DUDE abierto no sólo a reportajes y artículos de temática musical sino también a propuestas de creación literaria y artística.

Hay cuatro referencias publicadas hasta ahora: 001 Monográfico de ‘Acción Afirmativa’ dedicado a Francisco López. Consta de la versión íntegra de la entrevista publicada en Self más una completa discografía. Acompaña al boletín la cassette C-30 ‘Inframundos Fascinantes’, en la que el colectivo de artistas Dudosos versionean, de manera más o menos irreconocible, algunos temas seleccionados de la ingente obra del madrileño: Aurelio Campomanes con un paisaje sonoro de sonidos concretos plenos de connotaciones acuáticas; Popular 66 también con un paisaje sonoro aunque más sintético y nocturno; Lázaro Resucitado, cuyo tema es una demostración de que el sampler puede ser una herramienta tan cortante como un serrucho oxidado; el Lactante Autárquico con una salvaje miniatura de música industrial a capella. El tema de El Golpista es todo un hit de baile en la Fosa de las Marianas y el de Espai de Treball Alternatiu es un subliminal rumor telúrico que, más que escuchar, hay que dejar que impregne.

002 Arcos de Nepal son un colectivo único tanto en lo sonoro como en lo estético. Un grupo rodeado de un aura de oscuridad y misterio, el punto donde confluyen el pasado y el futuro, oriente y occi-

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Foto Archivo D Texto Udo Látex

dente, autómatas y monjes benedictinos, la corte de Alfonso X y el ejército klingon. Cuatro años han pasado desde ‘El Ruido De Los Cuerpos Celestes’, su primera cassette. Durante este tiempo un miembro del grupo se descorporeizó y tuvo que ser sustituido; se llevaron a cabo intensas actuaciones en directo en el transcurso de las cuales varios asistentes tuvieron que ser hospitalizados (verídico); se rodó un vídeo en alta definición inspirado en el mito de la Caverna de Platón y se mantuvieron contactos con el prestigioso sello sueco Cold Meat Industry.

Aparece ahora ‘Arcos de Nepal 1994/1995’, cassette C-60 que reúne temas compuestos para recopilaciones, versiones alternativas, anexiones imperialistas, etc. Un documento de una etapa ya cerrada del grupo, un final y un nuevo principio. Un mundo críptico y oculto.

003 La segunda cassette de los vallesanos Popular 66 es su trabajo más elaborado y maduro, lo que no deja de ser una paradoja tratándose de gente tan inmadura. ‘Operación Salido’ (C-40) es un abigarrado zoco donde, en mejor o peor estado, se puede encontrar casi de todo: pop desnaturalizado y envasado a granel (‘Rocco De Lux’, ‘Toni Ribas’), blues irreconocible (‘Aspirant Developpeur’), experimentos inclasificables (‘20.000 Lenguas De Viaje Cachondo’) y progresismo en zapatillas (‘Picante Pantalón De Ciclista’).

Ecos de sociedad: la Policía Nacional intentó detener a Popular 66 tras un concierto improvisado en el domicilio particular de uno de ellos.

004 ‘The Peeve Sessions’ es la última referencia de DUDE hasta la fecha y viene firmada por Espai de Treball Alternatiu, one-man-band de inspiración ácrata y libertaria que concibe la experimentación como un medio y no como un fin. La música contenida en esta cassette C-30 es expresionista y deforme, plácida unas veces y encrespada otras, y está creada en homenaje a los Héroes de la Revolución Española (Durruti, Nin, Ascaso, Pestaña, etc.), cuyo ejemplo e ideales no pueden, no deben nunca ser olvidados. De la desolación y el desencanto a la concordia y la esperanza.

Próximamente verán la luz en DUDE: ‘Anímula Vágula Blándula”, lo último de Arcos de Nepal; ‘La Suma Persa’, grabación del único concierto cometido por Macroelvis Supermassa, la incestuosa asociación de dos de los más señeros conjuntos del underground barcelonés; las grabaciones completas de Five Minutes Gang, uno de los grupos de technopop más personales que tuvimos en España; y una recopilación de material inédito de los inclasificables Obmuz. n

DUDE no pretende ser el coto cerrado de unos pocos, sino un organismo plural y en contínuo crecimiento. Para lograrlo necesitan tu ayuda. No vaciles en hacerles llegar tus ideas, propuestas y colaboraciones. Se sentiran muy halagados si lo haces. DUDE, Apdo. Correos 146, 08191 Rubí (Barcelona)

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the prodigy danza salvaje

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“Estuvimos de gira con Richie Hawtin y Moby.

Ambos se sentaban en la parte delantera del autocar, babeaban con todos esos vídeos de Kraftwerk y aseguraban que aquello eran las raíces del techno. Probablemente lo sean, pero yo digo que son un auténtico coñazo. Ciertos miembros de la escena dance están sumamente obsesionados con la electrónica, pero nosotros tenemos una actitud de rock’n’roll. Adoro el jungle y el hip-hop porque son realmente humanos, y también me encantan los guitarrazos. De hecho un amigo mío a quien le gusta Soundgarden ha empezado a tocar con nostros en directo y todo suena muy natural.”

La forma de concebir la música de Liam Howlett, cabeza pensante y artesano rítmico de los inconmensurables The Prodigy, pone de manifiesto la vasta distancia que separa la escena que se ha formado alrededor de la música, digamos, techno (especialmente aquella que se orienta de forma más clara hacia las pistas de baile), de los propios artistas.

Los techno-adictos, poseídos por un integrismo musical patológico, rinden pleitesía a las máquinas y desoyen todo aquello que esquive los férreos parámetros tecnológicos que la misma escena se ha autoimpuesto. Los grandes alquimistas de cadencias electrónicas, como el tan aclamado Howlett, los mismísimos Hermanos Químicos o, sin ir más lejos, los celebérrimos Daft Punk, no quieren verse inmersos en este pútrido ghetto musical y gustan de admitir que su música, a pesar de basarse en la innegable atracción hipnótica de la tecnología, surge de la amalgama y absorción de un sinfín de dispares tendencias musicales (hip hop, funk, punk, pop, metal...) sin las que el techno, probablemente, jamás habría existido. Estas interesantes e inteligentes declaraciones no sólo demuestran que la prensa atinó cuando definió la música de The Prodigy como jungle-

punk, no ya por el sonido sino por aquello de la falta de respeto hacia los mayores y porque Liam Howlett no compone únicamente para la secta destructiva que rinde culto ciego a la dictadura de las máquinas. Por encima de todo, las palabras del pequeño genio de Essex dejan bien claro que la propuesta del cuarteto británico contiene los suficientes reclamos como para ser abordada por cualquier hijo de vecino y pone de manifiesto que la música de baile de calidad, si olvidamos antiguos e inútiles prejuicios elitistas, también puede (debe) llegar a las masas.

Probablemente si Howlett no hubiese renegado de la escena hip hop, el proyecto The Prodigy nunca habría tenido lugar. Repudiado a traición por la primera banda en la que tomó parte (una formación

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Fotos Archivo Self Texto Óscar Broc

rapper llamada Cut To Kill, donde ejercía de segundo Dj) y posteriormente amenazado de muerte en un club londinense de hip hop por ser blanco, el joven músico de Braintree, presa de la decepción más absoluta, decide emprender la búsqueda de horizontes musicales más tolerantes y positivistas. Es entonces cuando, en plena eclosión del house más ácido, entra por primera vez en contacto con la cultura rave. “Aquello fue la hostia, una experiencia completamente distinta de todo lo que antes había visto. La escena hip hop era una escena enormemente elitista y pretenciosa que despreciaba y excluía a las formaciones o artistas blancos. Entonces descubrí la cultura rave y el contraste fue total, me encantó la música y todo el concepto de la fiesta en general.

No importaba que no estuvieras muy puesto en esto del baile porque podías disfrutarlo sin necesidad de conocer las canciones y de bailar de una forma concreta o de otra”. No pasa mucho tiempo hasta

Con la ayuda de The Chemical Brothers, Liam y su escuadra consiguen rescatar la música electrónica del pozo del underground para incrustarla en todos aquellos oídos que hasta ese momento sólo se habían alimentado de Blur, Oasis, Soundgarden, Sepultura, etc.

que Liam se hace con la tarima del Dj en dichas fiestas, con lo que se forja, de paso, una considerable reputación en la escena dance de Essex. Y a pesar de tener grabado bastante material, es necesario que los también reputados bailarines Leeroy Thornill y Keith Flint entren en contacto con Howlett para que éste se decida a poner a prueba los bafles de los clubs con sus mixes. El Mc Maxim Reality se une al barco, que es bautizado con el pretencioso nombre de The Prodigy, y en 1990 la banda, que ya ha realizado varias actuaciones marcadas por el éxito, firma un contrato con XL Recordings.

El Ep ‘What Evil Lurks’ (91) es el primer asalto discográfico del cuarteto de Essex y un preludio revelador de lo que, a partir de entonces, va a ser la trayectoria del grupo: las siete mil copias vendidas y la aceptación masiva de la obra por parte de la facción underground de la escena dance, dejan bien claro que The Prodigy tienen casta de clásicos. El single ‘Charly’ (91) constituye el siguiente triunfo de Liam y sus vástagos. El vídeo-clip es triturado en Top Of The Pops y en Chart Show, alcanzando rápidamente el

ostentan uno de los directos más contundentes y espectaculares del momento. ‘Fire’ (92) precede al que será su primer larga duración y vuelve a encaramarse en las listas, alimentando las iras de aquellos que pensaron que la música de baile nunca trascendería los clubs. Todas las circunstancias son favorables para que el Lp ‘The Prodigy Experience’ (92) se convierta en uno de los primeros álbumes de dance que haga suyos los charts y derribe el muro que separaba al gran público de este tipo de sonidos.

Tras la edición de los singles de rigor, ‘Out Of Space’ y ‘Wind It Up’, la banda se embarca en una gira infernal que a punto está de acabar con su inte-

Los techno-adictos, poseídos por un integrismo musical patológico, desoyen todo aquello que esquive los férreos parámetros tecnológicos. tercer lugar de las listas y obligando a Howlett a reconsiderar su carrera y abandonar los clubs para dedicarse por entero a la composición. Otro puñetazo en formato single, ‘Everybody In The Place’ (91), demuestra que The Prodigy cotiza muy alto, tan sólo la nauseabunda ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen impide que la canción ocupe el primer lugar en los charts, y hace que Liam empiece a ser requerido por artistas de toda índole para remezclar canciones: The Art Of Noise e incluso los extintos y añorados Take That figuran entre sus pretendientes. La leyenda de The Prodigy empieza a hincharse y se oyen rumores de que, aún siendo una formación de música dance,

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gridad. A partir de entonces, The Prodigy decide subirse a un escenario en contadas ocasiones y elevar, de paso, su caché (se rumorea que en el Festimad les cayeron diecisiete kilos). Liam, cada vez más hastiado de los caprichos y la intransigencia de la escena dance, decide recluirse en el estudio para escribir los pentagramas del célebre ‘Music For The Jilted Generation’ (95). Sus maquiavélicas intenciones están muy claras: registrar el álbum de música techno que nunca gustaría a los devotos irreductibles de las cadencias de baile. Que se jodan. Precedido por el maxi ‘No Good Start The Dance’, el segundo larga duración de The Prodigy vuelve a hacer suyas las listas

THE PRODIGY DANZA SALVAJE

británicas. Con la ayuda de The Chemical Brothers, Liam y su escuadra consiguen rescatar la música electrónica del pozo del underground para incrustarla en todos aquellos oídos que hasta ese momento sólo se habían alimentado de Blur, Oasis, Soundgarden, Sepultura, etc. La vertiginosa mutación musical de los británicos es ya imparable y, en marzo del 96, la edición de ‘Firestarter’ no deja lugar a dudas: Liam Howlett ha enviado a la mierda de una vez por todas los pocos tics dance que su banda todavía conservaba. Nuestro hombre afirma una y otra vez en las entrevistas que apenas le interesa el techno y que se siente más afín a otros sonidos no tan cerrados como el hip hop, el punk o el jungle. Los caminos de los nuevos The Prodigy llevan a una suerte de punk electrónico que deja a toda la plantilla de Epitaph en evidencia. Todos aquellos que creían ver en bandas como Rancid, Pennywise, NOFX... la avanzadila más efectiva del punk de fin de siglo, han de mirar hacia otro lado. ‘Breathe’ (97), el sonido de espadas pertenece a los magnánimos The Wu-Tang Clan, es un apretón inmisericorde de testículos. El nuevo y último maxi no sólo llega a la cima de ventas en Gran Bretaña: en España, lugar donde los singles no salen de las cubetas ni regalados, dicha canción ha alcanzado cifras de ventas sorprendentes. Huelga apuntar, entonces, que el inminente álbum de The Prodigy, ‘The Fat Of The Land’, puede establecer un punto de inflexión en la titubeante relación que el gran público y la música electrónica habían mantenido hasta ahora. Una versión de ‘Fuel My Fire’ de las sublimes L7 (su último disco, por cierto, es sensacional), las aportaciones vocales de Mc Kool Keith (Dr. Octagon) en la canción ‘Diesel Power’ y de Saffron, exquisita vocalista de Republica, en la mencionada ‘Fuel My Fire’, los samples de Beastie Boys en ‘Funky Shit’, los extractos de la banda sonora de ‘Desafio Total’ en ‘Smack My Bitch Up’ y el tema compuesto a medias con Crispian Mills de Kula Shaker, ‘Western Sun’, son algunos de los ingredientes que conducirán al nuevo bofetón de Prodigy, allí donde más duele. Nosotros, por si acaso, ya tendremos la mejilla preparada. n

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miguel ángel ruiz respuestas por los pelos

Hacia 1982 comete una serie de atentados musicales con un Korg MS-10 que llaman la atención del público más aguerrido. Animado por la buena acogida, adopta el alias de Orfeón Gagarin y se lía a grabar cintas como un descosido que, dotadas de vida propia, asaltan a los viajeros incautos en los cruces de caminos.

4 En 1990 Asmus Tietchens le produce en Hamburgo ‘Encuentros En La 3ª Edad’, quizá su Lp más representativo. Sigue, además, grabando cintas que son publicadas por sellos de diferentes países. Temas de estos cassettes, junto a otros inéditos, conforman su Cd ‘Contestación Capilar’. Bajo un nuevo alias, el de Exhaustor, ha publicado este año ‘Coaxial’, álbum en el que experimenta con ritmos y sonoridades próximos al techno y al trance.

Tienes una larga trayectoria en el campo de la música experimental aunque, a tenor de lo escuchado en tu último disco, pareces haberte interesado en estilos de mayor actualidad. Bueno, no es una cuestión de hacer una música hoy y otra mañana. Uno va pasando por diferentes etapas y ahora me interesa la faceta rítmica, que he tenido muy abandonada en los últimos años. Ha coincidido con un revival del sonido electrónico puro, como el techno y otros estilos. ¿Vas a aparcar tu faceta más experimental? No, no la voy a abandonar. El hecho de que sea una música más rítmica no significa que sea comercial o que esté orientada a la pista de baile. Encuentro muy frívolo decir “esto es experimental y esto es techno”.

Las texturas, los sonidos, las secuencias, todo puede ser tratado de una manera muy experimental. Por ejemplo, gente como Christian Vogel y Panasonic están metidos dentro del saco del techno pero tienen una base muy experimental. Que ahora haya hecho un disco techno alguien podría verlo como oportunista y pensar que me he cambiado de bando, pero es, simplemente, inquietud por conocer nue-

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Foto Archivo Self Texto Udo Látex

vos campos. Gracias a esto estoy conociendo gente diferente, gente más joven que yo y que están en otros ambientes. Contribuyen a aumentar mi curiosidad y mi afán por conocer cosas nuevas.

En ‘Contestación Capilar’ recopilabas material ya aparecido en tus cassettes. ¿Es el de ‘Coaxial’ material completamente nuevo? Sí, de los dos últimos años.

En diferentes momentos de ‘Contestación Capilar’ aparece la voz de William Burroughs. ¿Te interesas por su escritura y filosofía, o tan sólo por la espectral sonoridad de su voz? Bueno, se trataba de buscar un complemento. No es que me guste o deje de gustar su labor como escritor sino que es un elemento más que está por casualidad, porque tenía un disco suyo. Lo que pasa es que a ve-

ces es difícil encontrar una voz que encaje con la música y la de Burroughs le da un aire de narración muy peliculera. ¿Y ese bajo sin trastes está sampleado o es real? Sampleado. No he tocado ningún instrumento aparte de los electrónicos.

Instrumentos que, a juzgar por las sonoridades ásperas y vigorosas de ‘Coaxial’, deben ser básicamente analógicos. En efecto. Yo empecé con analógicos, allá por el año 82: los MS-10 y MS-20, el Minimoog... después ya vinieron los sintes digitales y el sampler. Quizá el haber mamado de todo ese cultivo de generación analógica haya terminado marcándome. Me gustan, tiene un carácter orgánico y unos sonidos muy moldeables.

Son máquinas que últimamente se han puesto muy de moda. He de decir que no estoy a favor de toda esta gente que se vuelca exclusivamente en el sonido analógico. Se trata de utilizar diferentes materiales sin descartar nada, como si emplearas pinturas al óleo y pinturas acrílicas. Los sintes digitales y los samplers también están muy bien para cierta clase de sonidos. El peligro de emplear sólo un tipo de aparatos es que todos acabemos sonando igual. ¿Recurres mucho a la improvisación, tanto en directo como a la hora de componer? Cada vez menos. ‘Contestación Capilar’ estaba basado casi en su totalidad en cintas de cassette, grabación con multipistas. Ahora trabajo con ordenador y no utilizo muchas pistas MIDI. Improviso un poco, pero luego lo racionalizo y ajusto a un patrón para que cuadre. Y en directo, como lo que hago ahora es más fijo y se mueve dentro de unos patrones rítmicos, es más difícil improvisar. n

Según fuentes bien informadas ha estallado el boom de la música electrónica. ¿Crees que hay un interés real o es un globo hinchado? ¿Terminará el boom en un monumental crash? No sé; ya hubo un cierto interés a mediados de los 80, con el auge de la autoedición, pero no acabó de concretarse. Si ahora lo hace, puede ser una buena oportunidad para músicos como tú, que llevas años trabajando y nadie parece darse por enterado. Ni idea, yo de momento no sé si esto va a ser beneficioso o perjudicial.

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P///CIBERIA VINILS

information society ¡hackers del mundo, uníos!

‘Control-Alt-Delete’. Ése es el nombre del equivalente al fanzine del club de fans de InSoc, formación de fetichistas de la tecnología y grupo indispensable para todo buen amante del techno-pop no revivalista y de calidad.

4 El futurismo que les envolvía (con un look a lo Sigue Sigue Sputnik) y, sobre todo, el magnífico álbum ‘Hack’ les transportaron a principios de esta década a un relativo éxito mundial, coincidiendo con el incipiente boom del interés por la realidad virtual, las autopistas de la información, la red informática global y otros aspectos de la, actualmente en proyecto, Sociedad de la Información.

Corría el año 1982 cuando The American Information Society fue instituida. El nombre de ‘Sociedad de la Información’ hace suponer que ya en sus principios el grupo estaba fuertemente influido por las actitudes futuristas y los postulados de la subcultura cyberpunk, que considera la información como principal fuente de poder y único valor estable en los turbulentos tiempos del futuro sombrío. En su formación original, Paul Robb y Kurt Valaquen (quienes se convertirían en los pilares del grupo, el primero como compositor y el segundo como vocalista) aparecen acompañados de una tal Pamela Tzara. Al año siguiente, tras una serie de cambios en la formación, se produce la entrada del tercer miembro estable del grupo, James Cassidy, que más adelante pondría su voz a alguna canción de su disco más vendido.

Ese mismo año verá la luz el primer álbum de la joven banda, editado en vinilo con el nombre de ‘The Information Society’.

En el 84 se les une Murat Konar, que más tarde sería responsable directo de que el grupo conociera el éxito por primera vez. En efecto, el Ep ‘Creatures Of Influence’, lanzado al año siguien-

te, coincide con el single ‘Running’, compuesto e interpretado por Konar. Este single (un tema algo melancólico, de sonido futurista y calidad indiscutible) marca un antes y un después en la historia de InSoc, ya que se convierte rápidamente en todo un hit en los clubs de Nueva York. La formación del grupo fue siempre un tanto inestable, con continuas entradas y salidas de varios miembros: Murat Konar abandona el grupo en el 86, siendo reemplazado por Amanda Kramer. El single ‘Running’ vuelve a ser editado, esta vez por el sello Tommy Boy, produciéndose una mayor difusión de este éxito. Pero no es hasta 1988 cuando el grupo se ve catapultado a la fama de la popmusic gracias al tema ‘What’s On Your Mind?’, preludio de su primer álbum oficial, que llevaba

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Fotos Archivo Self Texto Víctor Querosene

por título el mismo nombre de ‘Information Society’. Tras la edición de tres singles más, entre ellos una anodina y bobalicona balada, colocan el tema ‘Hit Me’ en la banda sonora de la película ‘Earth Girls Are Easy’ (‘Las chicas de la Tierra son fáciles’). Las cosas comienzan a ir viento en popa para InSoc. La marcha de Amanda Kramer no impide que 1990 fuera el gran momento del grupo. InSoc se trasladan de Nueva York a San Francisco, y en el año del cambio de década se produce el lanzamiento de ‘Think’, tema que se convierte, gracias a la repopularización de la música tecnológica debido al fenómeno house, en un auténtico bombazo techno-pop a escala mundial. El álbum que se editó a continuación (‘Hack’, en homenaje a los hackers o piratas informáticos) es todo un alarde de brujería tecnológica y efectos sonoros, combinado con buen gusto y buenas melodías. Sin du-

‘Hack’ (en homenaje a los hackers o piratas informáticos) es todo un alarde de brujería tecnológica y efectos sonoros, combinado con buen gusto y buenas melodías. Sin duda es el mejor álbum de InSoc y uno de los mejores y más originales discos de la historia de la música electrónica.

da es el mejor álbum de InSoc y uno de los mejores y más originales discos de la historia de la música electrónica. Comenzando por la inquietante, siniestra y futurista introducción de ‘Seek 200’, el álbum nos introduce de lleno en el pop electrónico de fácil asimilación (‘How Long’, ‘Think’), para luego marcarse un puntazo con la vacilona y sampleadora ‘A Knife And A Fork’, llena de feeling.

Varios temas de pop electrónico (‘Come With Me’, soberbiamente techno, muy en la línea de ‘Running’), salteados con demostraciones de techno instrumental al estilo Kraftwerk (‘Hack 1’), todo ello enlazado con los links más paranoicos (‘Wenn Wellen Schwingen’, ‘CP Drill KKL’). A más de uno de esos serios puristas del techno se les atragantaría la originalísima ‘If Only’, buena canción donde demuestran perfectamente la versatilidad de esos aparatitos tan monos llamados samplers. Impresionante la potente ‘Hard Currency’, que recrea un paisaje de lo más ‘cyber-

InSoc es un punto de referencia para todo buen amante del futurismo, de la parafernalia tecnológica y del pop electrónico de calidad punk’. También hay algún desliz puntual, pero en general este álbum merece, por su calidad y su osadía al romper tópicos del techno, el calificativo de obra maestra.

Retrospectivamente, nos damos cuenta que ‘Hack’ representó el punto álgido de la carrera de Information Society. En 1991 se planea lanzar como tercer single del álbum un tema llamado ‘Now That I Have You’, en mi opinión una burda copia de la línea melódica de ‘Think’, pero posteriormente su lanzamiento es cancelado. Al año siguiente se edita el irónico ‘Peace & Love, Inc.’, preludio de un nuevo álbum que llevará el mismo tí-

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tulo que este single. Si bien no es de sus mejores temas, ‘Peace & Love, Inc.’ no decepcionó a sus fans que, gracias a este single, tuvimos la oportunidad de ver como un conocido programa musical emitía en varias ocasiones el vídeo-clip correspondiente. Este tercer álbum oficial, lleno de temática irónica y desengañada, parece más vacío y mucho más frío que su predecesor. Uno de sus principales defectos es la aparición en varios temas de un mismo sonido de bass-guitar sampleado, que puede producir la sensación de que las canciones se parecen demasiado entre sí. Se observa además un intento de InSoc por acercar-

INFORMATION SOCIETY ¡HACKERS DEL MUNDO, UNÍOS!

se a los ritmos techno actuales, es decir, a la música de baile. En general, no es un disco muy brillante, aunque tiene buenos temas, como la oscura y futurista ‘Still Here’ o las dos producciones de los kraftwerkianos Elektric Music, ‘Where Would I Be Without IBM’ y ‘To Be Free’. Era evidente que su aceptación comercial no iba a ser tan favorable como la de ‘Hack’, así que muchos nos temimos que aquel podía ser el último disco del grupo.

Efectivamente, 1993 pareció ser el año de la disolución de Information Society. James Cassidy y el principal cerebro del grupo, Paul Robb, abandonan a Kurt a su suerte. Pero el vocalista (y ocasional compositor de algún tema) se empeña en mantener vivo el proyecto, a pesar de la posterior deserción de su productor de casi toda la vida, Fred Maher. En la actualidad, Kurt Valaquen trabaja en lo que supuestamente será el cuarto álbum oficial del grupo, ‘Don’t Be Afraid’, del que incluso ya existe un single promocional, una versión del clásico de Gary Numan ‘Are Friends Electric?’.

En principio, el lanzamiento de este nuevo trabajo estaba previsto para el 96, pero posteriormente se ha ido retrasando y ahora se da como probable la fecha del mes de julio para su salida al mercado.

En definitiva, Information Society es un indiscutible punto de referencia para todo buen amante del futurismo, de la parafernalia tecnológica, el pop electrónico de calidad y las ambientaciones cyberpunk. Pocos son los grupos que reconocerán abiertamente su influencia (ignoro cual es la posición de los techno-rockeros Jesus Jones al respecto, ya que beben de las mismas fuentes que InSoc, presentan una temática parecida e incluso los samplean en una de sus canciones). Sin embargo, creo sinceramente que la historia de la buena música electrónica no hubiera sido la misma sin el discreto paso por ella de Information Society. Y esperamos que haya sido más que un paso efímero. n

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Una nueva estrella aparece en el firmamento nacional: David Nicolau y su proyecto An Der Beat, que con su primer álbum, ‘Recicla-ho’, y sus numerosas apariciones en toda clase de eventos, está escalando hacia el trono dance patrio.

Oigamos sus palabras.

an der beat palafrugell, viena, chicago

4 Cuéntanos de ti antes de haber saltado a la ‘fama’. Nací en Palafrugell (Girona) el 25 de diciembre de 1973. Los primeros contactos con la música fueron poniendo discos de Enrique y Ana. Luego cuando me había comprado algunos ‘Max Mix’ (que por cierto los hacía un palafrugellanc llamado Mike Platinas), intenté hacer lo mismo con una doble platina de un amigo. En el 87 y 88 escuchaba un programa de Radio Palafrugell el viernes por la noche donde Dj Night ponía los MEJORES temas de acid house que jamás haya escuchado. Esto y los extraños ruidos que salían al hacer scratching me animaron a comprarme unos Lenco y una mesa. En el 92-93 me quedé casi parado por la mili. En el 94 empecé a hacer música y en el 95 actué como Child B en el Sónar y otros locales de Girona. En el 96 edité ‘Christa Paffgen Ep’ con Ander Music y en el 97 ‘Fu*k’ con Minifunk.

En definitiva, bastante normal. ¿Cómo está la escena en Girona? La escena en Girona es bastante floja para mí en este momento, después del cierre del Blau. ¿Estás contento de como ha quedado el disco? Me encanta como ha quedado. El sonido un poco low-tech que tiene. Creo que hay temas bastante diferentes entre ellos, pero ligados entre sí por este sonido un poco crudo. Es un disco que me compraría, seguro. ¿Qué nos quieres decir con el título? Significa que con cosas de hace 20 años se puede construir un disco actual, fresco, nuevo. Recicla y oirás. ¿Qué opinas del sampler? Es definitivamente mi instrumento favorito. Es quizás porque se parece más al trabajo como Dj, donde con partes de

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Foto Archivo Self Texto Yesno

discos construyes una sesión. Con el sampler y diferentes trozos de otros temas consigues un tema completamente nuevo. Llevo más de un año con él y me falta mucho por aprender. ¿Eres Dj o músico? Dj, Dj, Dj. ¿Qué importancia le das a las actuaciones en directo? El problema de las actuaciones en directo es que ya sabes de antemano los temas que vas a poner y sólo existe la posibilidad de hacer

‘versiones’ nuevas. En el Dr. Music quedaron bastante cambiados por problemas con el sampler. Puede resultar nuevo, divertido, catastrófico... Creo que el mejor directo ‘techno’ que se puede escuchar es un buen Dj. La música fue concebida para ser pinchada en un club, donde la gente esté bailando lo último de Laurent Garnier y luego, a continuación, el siguiente disco puede ser del chico con gorra que está a tu lado fumándose un cigarrillo. Creo que ahí está alguna de las claves del porqué actualmente el mercado resulta tan fresco y creativo: por su libertad. Los conciertos son un poco más parecidos a lo que hasta ahora ha hecho el rock. Pero a la vez resulta estimulante que a lo mejor una noche antes, el ejecutante que está manipulando los instrumentos hubiera inventado ese sonido que estás oyendo en ese instante. Es decir (y repito) frescura y libertad. ¿Se trabaja mejor en solitario? Como AN DER BEAT trabajo en solitario y no es mejor ni peor que cuando lo hago con Marc Fontfreda como CASINO ROYALE. ¿Por qué tu amor al funk? En el funk se mezcla ritmo y melodía (rítmica) en su justa medida. El funk no tiene que ser precisamente James Brown, sino que es algo más escondido en discos de toda clase. Por ejemplo Dr. Rockit, para mí, es funk. ¿Qué opinas de que se te compare con los Daft Punk? Aunque nunca he pretendido parecerme a ellos, es un honor para mí que ahora se me compare. Personalmente creo que su disco es más electrónico y ‘Recicla-ho’ más acústico. n

¿Qué gente te gusta y cuál no oirás nunca? Dj Elin, Dj Krush, Dj Slugo, Dj Parrish... house de gettho de Chicago (Davomania, UC, Circuit...) y la escena vienesa (Cheap, Grow !, Pomelo...) Toda música puede ser buena (incluso la mala) menos la mediocre. ¿Qué futuro tienes y qué futuro tiene la escena dance de aquí? Carpe diem. Puede llegar a ser buena.

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levpionero termen del arte electrónico

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Frankfurt, verano de 1927. Una delegación soviética con el profesor Termen a la cabeza procede a abrir una lectura internacional. La reacción de la prensa será fulminante: sin orquesta, música emergente de la nada, literalmente desde el aire... En unas palabras: un milagro real.

Como consecuencia de esa revolución musical, su trabajo se expanderá por toda una Alemania bañada en aplausos: Leipzig, Hamburgo, Munich... llevándole finalmente a reductos conservacionistas como el Albert Hall en Londres y la Grand Opera en París.

Lev Sergeyvich Termen (1896-1993), nacido en la ciudad de San Petersburgo; físico, cellista e inventor entre otras muchas cosas, estableció en la segunda década de este siglo las bases principales de la música electrónica. Considerado el Theremin como fundamental referencia cuando tratamos de desmenuzar el pasado de la música electrónica (1920, bases y principios del aparato; 1928-38, primeros aparatos fabricados en serie; 1938-1997 su desarrollo final, comercialización ‘masiva’, aparatos de art-decó y constantes modificaciones en los cientos de modelos existentes). Hay precedentes a la maquinita del profesor Termen, profecías en forma de cacharrotes metálicos, fruto del ingenio de otros seres que podríamos situarlos a finales del siglo pasado y principios de éste: Thaddeus Cahill (telharmonium), Marinetti y Russolo ( intonarumori ) y Maurice Martenot (ondas Martenot), presentadas éstas en París en 1928, aunque con un desarrollo tecnológico anterior. La labor del círculo de los futuristas de principios de siglo y de señores como los mencionados formarán el tejido principal bajo el que la electrónica tomará la vertiente musical, ¿o lo musical atracará en la electrónica? La realidad es que casi setenta años más tarde, de los aparatos o juguetitos de los genios de la época, el Theremin es indiscutiblemente la máxima autoridad. Vayámonos

ahora a repasar de una forma forzosamente generalizada la panorámica que este instrumento, conocido ya como el theremin, ha dejado tras de sí.

Historia Durante algunas experimentaciones que Termen realizó durante 1919 y 1920 descubrió que el movimiento que sus manos ejercían atravesando unas placas metálicas cambiaba las diferentes señales que sus aparatos de medición daban como resultante. Anclado en sus apasionados experimentos consigue completar un desarrollo que hasta la fecha había invadido de pruebas prácticas e inundado su mesa con cientos de papeles abarrotados de fórmulas: el Aetherphon (nombre con el que primeramente en la patria y madre Rusia de Lenin se conocería el aparato). Después de las primeras audiencias en ‘petit commité’, de la presentación ofi-

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Fotos Archivo SF Texto Santi Fernández

ciosa al líder del pueblo sovietico (Lenin) y de la preparación de unas performances lo suficientemente atractivas para camelarse a la audiencia europea, empieza su demostración mundial . Y finalmente, después de recorrer la Europa de entreguerras, dará el salto al otro lado del Atlántico continuando con su gira o sesión de performances. Los derechos de su ‘invento’ serán comprados por la Radio Corporation of America (RCA). RCA producirá durante el primer año 500 aparatos, siendo en la actualidad pasto de coleccionistas, muestras de museo repartidas mayoritariamente en vitrinas ‘made in USA’ y en algunos casos, siempre contados, se puede obtener información de algunas de las ventas de los auténticos y genuinos Theremin RCA. El módico precio de éstos puede oscilar entre los 8.000 y 12.000 $ ¿Te atreves?

Centrémonos ahora en la etapa donde la efervescencia theremaníaca tiene su crecimiento y las muestras de admiración y de culto yanqui por el pro-

‘Build-Yourself’ o ‘Buy It’ Su fabricación a pesar de ser relativamente sencilla, teniendo unos conocimientos mínimos de electrónica, debe estar acompañada de unos planos e información técnica que pueden encontrarse en diferentes libros editados: Brown, Robert and Olsen, Mark. Experimenting With Electronic Music. Blue Ridge Summit, PA: TAB Books, Nº.

666, 1975 / Douglas, Alan. Electronic Music Production. Second Edition. Blue Ridge Summit, PA: TAB Books, Nº. 1418, 1982 / Holmes, Thomas B. Electronic And Experimental Music.

New York: Scribners, 1985. Si se prefiere su compra contante y sonante, existen diferentes empresas que se fesorson mayores. Será en Nueva York donde monte dedican a su fabricación en serie y a su venta. El abanico su cuartel ¡vaya, su estudio laboratorio! Durante la en cuanto a modelos y precios es grande. Aquí tienes etapa 1928-38 establecerá las bases de una escuela algunas de ellas: Big Briar (www.bigbriar.com), PAIA donde enseñe, divulge e investige hasta que finalElectronics (www.paia.com) y Theremaniacs, con sede mente, fruto de una conspiración de la propia policía en EE.UU. (Longwave) y que desde nuestro continente de su país, será llevado a la fuerza a la Unión Soviética. opera en el Reino Unido. También en el terreno informáHasta entonces, diez años de contribución tecnolótico existen ya programas que a precios irrisorios emulan gica musical y de aplicaciones, también industriales, el sonido del theremin, al igual que diferentes aparatos de sus conocimientos (dirigiéndolos entre otras copara conectarlos vía midi. El plato está servido.

sas a los sistemas de seguridad). Efímero su paso por los EE.UU. y la ciudad de Nueva York, más concretamente, si lo contrastamos con toda su carrera como investigador. Una estancia lo necesariamente convincente para que toda su escuela de theremaníacos y seguidores americanos continuaran con las doctrinas del profesor. De esos diez años de cultivo entre los rascacielos quedan Luci Rosen y Clara Rockmore (virtuosas del Theremin entre otras muchas eminencias del aparato), un festival del Theremin (Portland, Maine), que se celebra anualmente en dicha ciudad durante la tercera semana del mes de junio, y su obra, captadora a lo largo de los años de miles de fieles.

tícipe de otros proyectos. Como por ejemplo el llevado a cabo por Henry Cowell y Edgar Varese: el rythmicon, aparato basado en los mismos principios físicos que el Theremin pero con una especie de pianola como soporte y elemento de control, capaz de producir extrañísimos ritmos. El mellotron o el propio terpsitone, adquiriendo éste dotes sobrenaturales, (basa sus principios de funcionamiento en los movimientos de los bailarines (¿?) con la consiguiente codificación traducida a sonidos; es un injerto, hijo

Actualmente, uno de los primeros Theremin puede costar entre los 8.000 y 12.000 $ ¿Qué pasó durante la etapa 1938-91? El profesor recluído en la URSS contribuyó a algunas investigaciones, aunque la mayoría del tiempo fue puesto al servicio de los campos de trabajo. En más de una ocasión se le dió por muerto y éste, finalmente, en 1991 regresa a los Estados Unidos a una presentación en la Stanford University. Existe una película del director Steven M. Martin titulada ‘Theremin: An Electronic Odyssey’, del año 94, donde se recoge la vida y obra del genio, además de entrevistas con Todd Rundgren, Brian Wilson, Robert Moog, Clara Rockmore ...

Noviembre de 1993. Lev Termen fallece en Moscú a la edad de 97 años.

Otros instrumentos de laboratorio Las inquietudes creativas del profesor le llevaron a ser par-

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del cultivo de laboratorio que podría hinchar las páginas de la inusual y casi sectaria revista americana Experimental Musical Instruments).

Theremin en la casa madre: Hollywood Fue utilizado para crear ambientes en películas de serie B y de ciencia ficción durante las décadas de los 50 y los 60. El fascinante aparato y sus efectos estuvieron al alcance de Miklos Rosza en películas como ‘The Lost Weekend’, ‘The Red House’ y ‘Spellbound’. Les Baxter envasaba en la banda sonora de ‘Voodoo Island’ (1957) los misteriosos sonidos del theremin. Clásicos cinematográficos como ‘Rocket X-M’ (1950), ‘The Day The Earth Stood Still’ (1951) y ‘It Came From Outer Space’ hacen gala de las explosiones theremaníacas en sus bandas sonoras, se quiera o no ver así.

LEV TERMEN

PIONERO DEL ARTE ELECTRÓNICO

Colgados del Theremin... Diferentes aplicaciones generacionales... No podemos tampoco contextualizar el uso del aparato en los remotos años treinta delante de extravagantes burgueses, ni su presencia como un instrumento más dentro de orquestas de reputación (Berlín 1932). El uso del aparato se convierte socialmente accesible y cercano a los bolsillos de cuantos quisieran poner en práctica sus dotes durante la década de los cincuenta. El Sr. Moog (inventor del sintetizador) conseguirá empujar el consumo del aparato con la comercialización y diseño de los kits con el letrerito de ‘build-yourself’.

El campo del rock no se quedaría sin probarlo y a pesar de la extraña naturaleza de la criatura del profesor Termen y su gran desconocimiento, la lista es larga. Pasen y lean: Beach Boys, Led Zeppelin, Captain Beefheart, Esquivel, Temple, Pere Ubu, Pixies, Jon Spencer Blues Explosion, Fishbone, Man Or Astroman?, Dinosaur Jr, The Seahorses de la mano de Tony Visconti, Portishead, The Bonzo Dog Band, Scanner, Jorge Bagüeste, Meat Beat Manifesto, Fay Lovsky & La Bande Dessinée...

Principios de funcionamiento para noveles artistas El principio de funcionamiento del Theremin es el de la heterodinia. La presencia de las manos, siempre virtual (sin llegar a tocar las antenas), varía diferentes parámetros. Mediante esa interrupción de campos magnéticos se consigue una mezcla de dos oscilaciones para obtener otra frecuencia igual a la diferencia entre ellas: la conversión se traducirá en sonido. No debemos olvidar que existen en el propio aparato controles manuales (volúmenes, velocidad, timbre, pitch...), similares a los de cualquier amplificador. Desde ahí también se ejerce control, aunque la presencia y movimiento de las manos respecto a las antenas son los que dan toda la salsa (mano derecha: pitch; mano izquierda: volumen, duración de la onda y articulación de ésta). Existen diferentes factores que pueden influir en los efectos del aparato: desde la temperatura o la humedad, hasta la proximidad de objetos o la propia configuración de nuestro cuerpo. n

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Bandulu desorienta por lo claro de su exposición y por como valora su trabajo, que con su álbum del pasado año, ‘Cornestone’ (Wea), llegó a unos extremos de popularidad impensables para una formación de sus caraterísticas.

bandulu ¿fusión orgánica?

4 Los previos ‘Guidance’ (93) y ‘Animatters’ (94) para Creation, sus primeros pasos como Thunderground, sus cameos bajo distintos nombres y sus remezclas para Golden Palominos y tantos otros, únicamente les permitió hacerse con un hueco en la escena techno británica más puesta. John O’Connell -nuestro interrogado-, Jamie Bissmire y el vocalista-animador Lucien Thompson han crecido con el dub, el electro, el house de Chicago o Detroit y el hip hop y han sabido extraer lo mejor de cada casa y darle una nueva apariencia, someramente innovadora, entre el electrodub y el house más progresivo.

Ahora, convencidos de su valía -discutible para unos, inapelable para otros-, vuelven a nuestro país, tras un relativo triunfo en el pasado Sónar, donde compartieron escenario con Josh Wink y Richie Hawtin, para formar parte de lo más selecto, en lo que a dance se refiere, de la novena edición del Espárrago.

Desde que empezásteis a tocar hasta hoy, ha habido una gran evolución en la música electrónica, incluso grupos que empezaron más tarde que vosotros tienen ahora más repercusión. Nuestros primeros discos salieron en el 92, eran los principios de este tipo de revival electrónico del techno de Detroit de finales de los 80. Aunque no hemos tenido tanto éxito como grupos como los Chemical Brothers y otros, sentimos que hemos permanecido bastante fieles a un tipo de sonido y sólo estamos continuamente intentando levantar todo lo que son los shows en directo y nuestros discos y todo eso, haciendo que siga funcionando.

Respecto a la evolución, creo que es muy sana: el hecho de que haya mucha otra gente metida en lo mismo que estamos haciendo nosotros, puede cam-

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Foto Archivo Self Texto Joan S. Luna

biar las percepciones de la música por parte del público. ¿Pensáis que las ‘raíces’ son indispensables para darle alma a este tipo de música que en principio podría sonar ‘fría’? Si, eso creo, porque no venimos estrictamente de la música electrónica, así que intentamos incorporar un sonido como más orgánico, que tiene que ver con las raíces, ya que intentamos averiguar el tipo de música que realmente te inspira y para nosotros, traducir eso en un tipo de música e intentar conseguir como una especie de fusión orgánica de todos los di-

ferentes elementos de la música que nos gusta, es en lo que estamos.

El llevar este tipo de música al directo parece realmente complicado. Entre los conciertos de Orbital en que lo más importante es la música y los de Prodigy donde predomina el show, ¿dónde situarías a Bandulu? Bueno, para nosotros la música y ‘su puesta en escena’ están ligadas. Cuando tenemos que tocar en un concierto siempre intentamos que sea lo más fiel posible a las cosas que nos gustan, no sólo quedarnos allí de pie, tratamos de lograr darle a la gente buenas vibraciones. No es sólo el show o sólo la música, básicamente es un todo.

Habéis sido comparados a The Clash, ¿crees que es indispensable utilizar referencias a la música rock para situar la música electrónica? Si, eso creo. Bueno, lo de The Clash fue una etiqueta que se nos dió cuando empezamos y bueno, porque de donde veníamos éramos un poco como The Clash, en cuanto a que nosotros queríamos cambiar el total de la escena musical, que es lo mismo que ellos hicieron anteriormente a finales de los 70. Pero llamarnos así, bueno, puede ser muy halagador, pero no importa mucho la etiqueta que te cuelgan mientras entiendas de donde viene la gente básicamente.

Estuvísteis aquí en el Festival Sónar, ¿cómo fue la experiencia? Estuvo muy bien, el bolo salió realmente bien, era la primera vez que tocábamos en España y teníamos realmente ganas. El Sónar tiene bastante prestigio, especialmente entre la gente de Inglaterra que están más metidos en el techno y en cosas más duras. n

¿Tocáis normalmente en festivales? El año pasado tocamos en muchos festivales de toda Europa, pero hemos hecho de todo, en locales de todo tipo, tamaño y formas, desde grandes festivales a pequeños clubs, hemos cubierto el espectro entero básicamente. Me gusta más tocar en locales pequeños porque puedes sentir mejor la energía del público, es más personal que si estás plantado en un gran escenario enfrente de 10.000 personas, donde es más el show, mientras que si estás en un pequeño club, la gente se olvida mucho más de ti y se meten mucho más en el sonido.

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P///PIONEER

carl craig una repentina mirada hacia el jazz Los músicos de Detroit siempre han roto moldes. Casaron a Kraftwerk con George Clinton cuando reinaban las gargantas exquisitas de la Tamla Motown. El alumno aventajado de la 909, Carl Craig, ha dado un nuevo salto al vacío y se ha congraciado con el jazz para que Europa lo vuelva a acoger con los brazos abiertos.

4 De juzgar por lo visto en la actuación de su banda, con contrabajo y batería, en la segunda noche del Sónar de este año, la nueva apuesta de Carl Craig no supera el calificativo de anecdótica.

Con el disco en la mano, ‘More Songs About Food And Revolutionary Art’, las pretensiones fallidas de emular las legendarias formaciones de jazzfusión se olvidan y se conserva la esperanza de encontrar un camino inexplorado en el techno.

Ante este reto, los periodistas que llenaron la sala del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona fueron indulgentes con el pequeño hombre de Detroit y se recrearon en su aventura por redefinir los conceptos musicales actuales. Las preguntas maliciosas de un servidor se entrecruzaron con las siempre letradas de Luis Lles, las aportaciones de otros críticos nacionales y las de unos informadores extranjeros que no pararon de contemporaneizar hasta que Craig dijo basta.

“He tenido una mayor influencia del jazz recientemente, por la influencia que ejerció mi novia sobre mis gustos en Londres, a partir de gente como John Coltrane, Miles Davis, Max Roach, Sun Ra y todos los viejos artistas. Tambien al percusionista de mi grupo, Francisco, le gusta el jazz. Ahora me parece más interesante intentar recoger el espiritu del jazz porque te metes más adentro de la música. Mi objetivo es hacerlo mejor, tanto como músico como productor, mediante esta influencia.

No sólo me interesa la electrónica, también se puede hacer música con los brazos o las baquetas”.

¿No es muy arriesgado hacer este cambio a estas alturas? (Risas). Si y no. Si intento hacer lo que ahora mismo me influye más, no puedo seguir basándome únicamente en el techno o en Kraftwerk. Introduciendo influencias sobre el pasado puedo contribuir a que haya gente que lo descubra. ¿Un festival de techno es el sitio apropiado para mostrar este tipo de música? (Más risas).

He sido techno durante los últimos seis, siete años.

No hay ninguna razón por la que no pueda continuar en la misma escena. Sencillamente, es la primera vez que toco con una banda. Soy inconformista como músico techno. Es fácil ser techno con instrumentos electrónicos, pero es más difícil serlo sin ellos.

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Fotos Archivo Self Texto Vicenç Batalla

¿Lo que está pasando en Detroit afecta a tu proceso creativo? Kenny Larkin, Stacy Pullen o, recientemente, los Aux 88 han sufrido agresiones de delincuentes. ¿Te afecta este clima de violencia? Indirectamente. Creo que mis influencias están relacionadas con la calle porque el techno es una música urbana, aunque no directamente. En cambio el hip hop o el rap si tienen una relación directa con el tráfico de drogas y los ataques callejeros. La forma de expresarse del techno trasciende a los problemas de la calle. Cuando me entero de estos incidentes, no siento la necesidad de expresar rabia en los teclados. Se trata de una influencia filtrada. En realidad Detroit no es tan violento como en el pasado, lo que pasa es que algunos incidentes han afectado a nombres conocidos.

Juan Atkins y Jeff Mills hablan de una nueva generación de Detroit, pero no citan nom-

Discografía ‘Landcruising’ Carl Craig (Blanco y Negro, 1995), ‘Music’ 69 (R&S, 1995), ‘Dj Kicks (mixed

by Carl Craig) (K7, 1996), ‘More Songs About Food And Revolutionary Art’ Carl Craig (Planet E-SSR, 1997), ‘The Secret Tapes Of Doctor Eich’ Paperclip People (Planet E-Ministry Of Sound, 1997). Además ha publicado numerosos maxis bajo los seudónimos de Psyche, BFC, Piece, Innerzone Orchestra, Naomi Daniel y Urban Culture; y formó parte de Rythim is Rythim de Derrick May.

bres. ¿Podrías adelantarlos tú? Creo que hay una nueva generación pero no sé quienes son. La nueva generación que viene sigue basándose en la música del pasado, de los años 80. No sé realmente si está tomando una nueva dirección. ¿Por qué los músicos de Detroit trabajan más en Europa que en su propia casa? Es más interesante para los promotores europeos traer Dj’s americanos, aunque cuando pinchan en su propia ciudad la gente también llena la sala.

Desgraciadamente, hay más oportunidades en Europa. América tiene aproximadamente el doble de extensión que Europa y para hacerte un nombre comercial necesitas un mayor esfuerzo.

Ser underground es más fácil en Europa.

Me aburre utilizar sólo las máquinas.

Me parece más interesante tocar con acompañantes. ¿Se merecen los Dj’s ganar tanto dinero como lo hacen ahora? Algunos si se ganan lo que cobran. Yo como Dj no tengo el cachet tan alto y, por tanto, no cobro 2.000 dólares por sesión (al cambio, 300.000 ptas.). Junior Vasquez ha revolucionado el concepto de Dj y lo ha convertido en una estrella, pero su mundo es muy pequeño porque nunca deja Nueva York. Para hacerse con sus servicios tienes que pagar unos honorarios muy altos. En cambio otros Dj’s de la misma categoria como Roger Sanchez no se mueven tanto por el dinero, pero salen continuamente. Admiro a la gente que se divierte pinchando cuatro horas y

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no se preocupa por tener que pagar el plazo del Porsche la semana siguiente. ¿Recuperarás tu faceta de Dj o te vas a dedicar solamente a la música? Renuncié a hacer de Dj hace un año para concentrarme en componer música. Me gustaría volver a pinchar alguna noche de forma ocasional, pero tendría que ser por placer, no como un negocio que me obligara a dejar mi casa cada fin de semana. Me gustaría pinchar más en Detroit. Derrick May, Kevin Saunderson, Kenny Larkin y yo hemos discutido la posibilidad de abrir un espacio para nosotros mismos. Algo pequeño para pinchar los viernes o

CARL CRAIG

UNA REPENTINA MIRADA HACIA EL JAZZ

los sábados, lo que nos interesa. ¿Introducirás cambios en la banda en próximas actuaciones? Tu actuación en el Sónar pareció contar con problemas. Habitualmente uso dos bajos. En el concierto sólo había uno, pero en el disco utilicé dos. La intención es montar un live act que no sea tan aburrido para el público (risas de Craig compartidas por los periodistas). ¿En qué se parecen el techno y el jazz? En la emoción. Creo que el techno está muy cerca del free-jazz. El techno tampoco está restringido por esquemas musicales aprendidos. Al igual que el jazz, no necesita de pautas de conducta. Hay una relación subconsciente entre las dos músicas. ¿Trabajar con instrumentos acústicos es más funky? Yo puedo programar mi teclado con ordenadores para que suene emocional, pero la única manera de improvisar para que sea más funky es acompañarse, por ejemplo, de un bajo y una batería. La música se produce en ese mismo instante, sobre el sonido que yo he programado de fondo. Ésta es la razón por la que he preparado mi actual directo durante los dos últimos años.

Me aburre utilizar sólo las máquinas. Me parece más interesante tocar con acompañantes.

En el futuro, ¿dominará la interacción hombre-máquina o se impondrá la colaboración entre máquinas e instrumentistas? No creo que se pueda pronosticar. No es posible definir el futuro, dirigirlo así. Sólo se puede adivinar lo que va a pasar dentro de dos años. Tienes que ahondar en tu pasado para estar preparado para el futuro. Si no lo haces así, es difícil que puedas avanzar. El resultado de lo que haga cada uno con las máquinas y con los instrumentos, en conjunto, se valorará dentro de diez, veinte años. Yo siempre miro hacia delante. No sé si ahora estoy un paso atrás o un paso delante, pero el próximo año, definitivamente, habré dado un paso hacia delante. n

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dog jockey

the angriest of the world

Volumen 11

Por Víctor Sol

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Dog Jockey New York 97 Like every year at this time the dogjockey is in New York and for a change brings you his latest adventures in english, so you can have fun and learn at the same time, now isn’t that american. Yes, the american way of life, so deeply and belovingly infiltrated in your daily life, you don’t even know if you notice it anymore (you don’t, i don’t). Looking at the covers of the music magazines of the last month of the US of A (burning flags and piss jesuses floating in the background, at the speed of light, of course, only randomly interrupted by ads for anal-coke and jeezez-lites, cheesecrackers, the works) oh we love you, mass culture.

So who do we have on the cover on each and every of the above unjustly mentioned magazines (phrases shredded like puffed popcorn with plenty of butter (spray), by the way the main income for most cinemas, not the ticket sales, surprise) you may ask in a fit of indelible ignorance (yes, i know William Burroughs died, big shame, big shark, salute to you, hope you’ve got some scissors and some guns in heaven, he had an orgon box on earth) (he is in heaven, cause he’s a saint) (saint junk, in case you’re wondering).

SELF

Well, who do you think, little fool, who’s got the dough and wants some more, Miss Madonna, children at her exquisitely pedicured feet, not sweaty like Ma Teresa’s, more dead in the headlines of this gossiper, she couldn’t karaoke to like a virgin, she didn’t wear RATM teeshirts either (Zack la Rocha

is a CIA man, thank you Angel for the info), but it ain’t Miss M, its her latest acquiry, the one-andonly impotent popgroup of the world: The Prodigy.

Hail you, consumerism. Let me have a bath in your entrails, swim in the golden shine of Amex cards, stapled to walls of unsigned checks, let me breathe in your foul breath, A&R people all around the globe, enlighten me with your ignorant and disgusting comments of what music is all about, oh

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thank you. Thank you. But thank you too, fashion victims and followers of the consume-me cow, the sheep of eden, clad in black leather or venus furs and mars bars dangling from your cockroach face. What would they do without you, willing to buy all the rings and things to pierce yourself in to oblivion with, so eager to be your true self, an individual with a nose ring, so apt to chain you to a wall of the closest shopping mall, oh well, you got to go and work (or cash your social security checks), no money, life ain’t funny, honey. So where are your guts, little phonies? how about thinking for the next five minutes - or do you have anything better to do. No time? that’s sad.

I’ll leave you to it, make a sacrifice on the vinyl altar of your Technics 1200 mk.II, look at a sunset over Auschwitz, check your clockwork face and now - WAKE UP. n

P///SENNHEISER

cd store r

SUPERDISCOUNT SUPERDISCOUNT DIFFERENT RECORDINGS

Publicado en la filial de Solid, Different Recordings, el proyecto ‘Superdiscount’ juega con la iconografía de los hipermercados de la periferia de París, abiertos en los años 70, y luego extendidos a España, para hilvanar una amalgama de sonidos house, disco, ambientales y dialogados que componen un mosaico sobre la vida urbana de las ciudades.

La acción transcurre en un establecimiento en el que el patrón (Etienne De Crécy caracterizado como Minos, La Chatte Rougey Dj Tall) decide cerrar la tienda y liquidar el stock con la ayuda de Alex Gopher, Air, Mooloodjee y Mr. Learn. El resultado no tiene precio.

VICENÇ BATALLA

XJACKS DOUBLE EXPOSURE APRIL RECORDS

La primera etiqueta que a uno se le ocurre al escuchar este Cd es la de ‘techno abstracto’. Tras meditarlo un poco decido quitarle el ca-

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lificativo de abstracto: es demasiado ambiguo y ha sido en extremo mal utilizado. Toda música es esencialmente abstracta. Que es techno es, sin embargo, impepinable. Tiene todos los ingredientes arquetípicos del género: construción minimalista mediante la contínua adición de nuevos elementos, sonidos extraños y sintéticos, muestras indescifrables... Víctor Sol y Dandy Jack han facturado un disco de escucha agradable, alejado de las pistas de baile, con total predominio de las atmósferas sutiles. Sin ser malo, el resultado final deviene en exceso frío y cerebral , desapasionado y mecánico. Inequívocamente alemán.

nebre. Textura de techno en baja fidelidad para lamentaciones que evocan viajes por la vieja Europa y abrazos que se quedaron en saludo. El laboratorio sensitivo de Broadcast abraza el retro-futurismo como andamiaje de una memoria sentimental y como medio de supervivencia.

Al igual que en Pram, Portishead, Mono o Mulu, el cine - y en particular la nouvelle vague y el noir - o la palabra impresa son fuentes de oxígeno. El tono quebrado de Trish Keenan dibuja paisajes domésticos donde penetra la luz de noviembre : romanticismo sepia de amantes que se regalan libros, de cartas que no enviamos y habitaciones sin espacio para fiestas. El reflejo - en dieciséis milímetros - de una herida que acaba siendo parte de nosotros.

JUAN MANUEL FREIRE

UDO LÁTEX

MACROMASSA PUERTA HELIOGÀBAL

BROADCAST

SONIFOLK

WORK AND NON WORK WARP

Reconforta dar con una nueva banda que antepone la sutileza y la sugerencia al espectáculo vacuo. El debut en largo del quinteto de Birmingham es un recopilatorio de sus tres singles en vinilo, más el añadido de un encargo para el NME (‘Lights Out’). Pop experimental, ritmos de los sesenta pasados por el Moog, zumbidos del espacio interior, timbres emulados de un órgano fú-

Pasan los años y Macromassa siguen ahí: fracturando ritmos, dislocando melodías y derribando las puertas que separan nuestro mundo anodino de ese otro, hecho de fragmentos de sueños y situaciones entreveradas, que tan bien saben reflejar en sus discos. En éste su noveno, narran un paseo por uno de esos mundos a través de lugares (extrañamente familiares), estados de ánimo (cambiantes), conceptos y situa-

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ciones agridulces e imágenes fugaces que perduran en la memoria más tiempo del previsto. Su música sigue rompiendo esquemas, experimentan con rumbo y de nuevo propagan el virus del lenguaje con sus letras irónicas y subvertidas. Macromassa, tras 21 años de carrera, todavía es un ente impredecible.

UDO LÁTEX

DJ CAM SUBSTANCES INFLAMABLE RECORDS

De nombre real Laurent, este francés de 23 años, cuyo nombre artístico viene de su adolescencia, cuando era artista de graffiti, ha pergeñado un segundo disco soberbio tras un debut titulado ‘Underground Vibes’ que era correcto pero no acababa de escapar de los esquemas más manidos del trip hop.

Este francés ha venido a consolidar la idea de que la escena musical parisina es algo más que un barrio pobre de la todopoderosa dance culture británica. Con un curriculum que incluye colaboraciones con Dj Krush, Massive Attack y Lady Miss Kier (ex Dee Lite), Dj Cam deambula plácidamente en este trabajo por unos territorios sonoros ajenos al baile puro y más cercanos a un placentero cenagal de jazz futurista, que él prefiere llamar abstract hip hop. Relajante y contenido de principio a fin, ‘Substances’ demuestra un afán sin-

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crético que reúne ingredientes tan diversos como instrumentos de viento, pianos, extraños loops y la embriagadora voz de una cantante india en dos temas, ‘Meera’ y ‘Lost Kingdom’.

Un disco lleno de belleza y un bálsamo para el espíritu.

BORIS RIMBAU

VV. AA. UNDERGROUND DANCE ORGANIZATION VOL. 1 U.D.O.

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jazz de Black’N’Spanish. Un poco de todo en un más que interesante paseo por ‘la nueva cultura de clubs’.

También de la mano del sello U.D.O. nos llega ‘Tricked Out’, una recopilación de material editado en el sello homónimo por Omar Santana, pope neoyorquino del hard-hop. Catorce píldoras frenéticas del ritmo que mejor ha vehiculado la fusión entre rock y techno, algo ácido-garrulas, pero, en términos fiesteros, realmente infalibles. Eficacia probada.

Algo de lo que el onanista mundillo de la música electrónica anda asaz escaso. Todo y que el rockero bagaje de la pareja hace su acercamiento a la pista de baile poco natural, su rock’n’roll sintético y marciano resulta lo bastante estimulante como para recomendar sin pegas la compra del disco.

TASCHEN / TONI LÓPEZ

UDO LÁTEX

CD STORE

temporánea, ese mundo anterior que nos ha de catapultar hacia el futuro que construimos cada día. La banda sonora perfecta para cualquier película de David Cronemberg.

BLACK MUSLIM

BIOSPHERE SUBSTRATA ALL SAINTS RECORDS

OMAR SANTANA TRICKED OUT TRICKED OUT

DESTROY MERCEDES VOLUMEN DOS POR CARIDAD

Los chicos de Boa se han liado la manta a la cabeza y han engendrado un nuevo sello especializado en música dance y electrónica bajo las siglas U.D.O. (Underground Dance Organization).

Lo mejor del proyecto es que no sigue un estilo determinado y prueba de ello es la surtida selección de su sampler de presentación (Vol. 1): del jungle militante de Green Piece al techno con melodías jazzies de Álex Martín Ensemble, del electro-funk de Coldcut (su mareante ‘Atomic Moog 2000’) a las cautivadoras exploraciones étnicas de Transglobal Underground y Buzz Bomb y el flagrante contraste entre Aphex Twin (con su preciosa ‘4’) y el sosillo latin

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¿Cómo podría sonar un tema del Captain Beefheart en manos de una formación que comprendiera miembros de Sigue Sigue Sputnik y los Revillos? ¿Qué cantarían Epi y Blas si les echaran un ácido en el colacao?¿Y Syd Barrett flotando por el espacio en busca del Major Tom? Las respuestas las encontrarás en la segunda entrega de la Piñango & Munárriz Experience, junto a otras tan o más descabelladas que éstas. Un cambio en la forma de componer del dúo ha dado como resultado una colección de canciones en su sentido más estricto, en contraposición con los estrambóticos pasajes del primer Volumen, en ocasiones algo derivativos. ¡Canciones como Dios manda!

EARCLOUD THE WORLD BEFORE GEOMETRIK

Por fin se ha plasmado discográficamente uno de los proyectos electrónicos nacionales más interesantes, el que forman Álex Martín y Víctor Sol, dos de los puntales donde se sustenta la escena barcelonesa. Este álbum viene a ser una especie de recopilación de trabajos realizados conjuntamente (sólo 4 temas), en solitario (la mitad de los cortes) o en colaboración con una serie de músicos a los que les une una gran amistad (Atom Heart, Dandy Jack y Charles Gate) y representa un viaje, sin posibilidad de retorno, hacia lo más infinito de la experimentación electrónica.

Ambientes descriptivos que se van acumulando para crear el verdadero lado oculto de la existencia con-

Hacía tiempo que Geir Jenssen no publicaba nada completamente suyo (las últimas noticias discográficas suyas corresponden a la colaboración en el álbum en directo de Higher Intelligence Agency) y ahora lo hace de la mano de un nuevo sello(dejó R&S y ha entrado en All Saints, propiedad de Brian Eno), que parece que le haya ayudado a reafirmarse en unos planteamientos totalmente ambientales. Placidez descriptiva absoluta en el fondo y en la forma (la música y el artwork de la carpeta caminan paralelos): secuencias infinitas, cielos azules, voces que aparecen desde la nada, montañas nevadas, cuerdas fantasmales, aguas que vienen y van... Una delicia que debería hacer sonrojar a los que no entendieron su actuación en el Sónar del 95.

RALF & FLORIAN

SELF

cd store r

CARL CRAIG MORE SONGS ABOUT FOOD AND REVOLUTIONARY ART SSR

La publicación de este álbum, así como la ceremonia con que lo ha envuelto en su gira europea, persigue la intención de transformarlo en un clásico. Desde su tema de arranque hasta el final del disco, las secuencias, entre atmosféricas y ligeramente bailables, evocan una sinfonía que no baja nunca de interés y que se agiganta a medida que avanza. Liberado de los servilismos de las pistas de baile, las 15 piezas de este trabajo elevan a Craig a la categoría de músico con universo propio, llegando los momentos culminantes con ‘Television Green Smoke’, ‘Dreamland’, ‘Butterfly’, ‘Dominas’, ‘At Less’ y el soul post trip-hop de ‘As Time Goes By (Sitting Under A Tree)’.

los mallorquines La Puta Opepé; después de todo, el hip-hop nacional necesita un poco de apoyo para que termine de cuajar. Pero a pesar de mi buena disposición, a medida que los temas se iban sucediendo mi desencanto iba haciéndose más y más grande. La parte instrumental es mayoritariamente aceptable (aunque verbenera y con sobredosis de samples efectistas), pero la correspondiente a las letras es de juzgado de guardia: todos los dogmas y tópicos perdonavidas de rigor declamados con confusión y atropello por tres rappers pasados de vueltas, y unos ripios que producen dentera (rimar “Don Simón” con “cebollón” no es una pirueta poética, la verdad). Mucho me temo que el hip-hop español sea una pura entelequia.

UDO LÁTEX

MUS ZUNA ACUARELA

VICENÇ BATALLA

LA PUTA OPEPÉ VACACIONES EN EL MAR YO GANO

Confieso que me sentía predispuesto a ser indulgente con el debut digital de

SELF

¡Sorpresa, sorpresa! La escena electrónica nacional es un mar de sorpresas y me ha caído en las manos una, y bien gorda. Mus es un dúo asturiano (Fran Gayo y Mónica Vacas) que se decanta por el lado más etéreo de la vida, y ha confeccionado una pequeña joya de cinco temas que te

transporta a todas partes y a ninguna, al pasado, al presente y al futuro y viceversa, al principio y al final.

Alguien ha dicho que hacen post-pop; yo diría que hacen música, realmente sin fronteras estilísticas, que podría utlizarse como banda sonora de esas películas de ciencia ficción que transcurren en pleno año 1997 o para acompañarte en esos viajes en coche hacia la nada. Acuarela ha acertado de pleno y certifica que, alejados de la pista de baile, también se pueden encontrar nuevas e interesantes experiencias electrónicas.

DON SOLARIS

KOMPUTER KOMPUTER E.P. MUTE RECORDS

Cuatro temas de un grupo de eslovenos afincados en Milán, interesados en la creación de arte multimedia. En lo que a música se refiere, nos presentan este trabajo (también han editado un single llamado ‘Looking Down On London’) que se puede entender tanto como un supuesto ‘homenaje’ a Kraftwerk o como un calco descarado de su faceta más comercial y lánguida, tipo ‘The Model’, ‘Tour de France’, ‘Computerlove’, etc. (el tema ‘Oh Synthesizer’ es un plagio de ‘Neon Lights’). Prejuicios aparte, este mini Cd contiene buenas canciones de pegadizo pop electrónico, siendo lo único negativo que encuentro es que suenan demasia-

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do al mítico grupo alemán y eso les lastra bastante, restándoles personalidad. De todas formas pienso que este ‘sucedáneo’ puede ser interesante para sus seguidores (seguro que crearán polémica y no dejarán indiferente a nadie).

SUMÁTRIX

HIPPALY EL SURCO RESPONDE AL SILENCIO TÚ PIERDES

¡Paren las máquinas! A punto de cerrar este número ha llegado a mis oídos el primer Cd de los sevillanos Hippaly, con el que este humilde cronista ha recuperado toda su fe en las posibilidades del hip-hop patrio. En efecto, amigos. Uno, que ya se sentía bastante abrumado por tanto grupo dedicado a trabajar más la pose que la música, ha recibido este álbum como agua del cielo. Se compone de trece instrumentales de un hiphop cálido, rebozado en funk y soul, con un groove irresistible que le guiña el ojo a gran parte de la mejor música negra de las tres últimas décadas, de Crusaders a Cypress Hill pasando por Barry White. Los Hippaly demuestran saber escuchar, hacen encaje de bolillos con el sampler y engarzan muestras con una habilidad y buen gusto pasmosos. Su primer Cd (editado también en dos recios vinilos especiales para Dj’s) merece ser considerado entre los mejores del año. Chapeau!

UDO LÁTEX

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ALEX REECE AL’S RECORDS. SERIES 1 ISLAND RECORDS

El amigo Alex tiene un sello, AL’s Records, donde da rienda suelta a sus experimentos de ‘jazz-step’, la variante jazzística del drum’n’bass, solo o en compañía de sus amigos (Wax Doctor, Dj Pulse o Pim). Y aquí nos presenta una recopilación de los maxis que ha editado en dicho sello, dejando claro que él es uno de los popes a tener en cuenta, a la hora de abordar lo que va siendo la nueva música para la pista de baile. No hay estridencias efectistas, sino calidad a sacos llenos. Goldie debe darse por aludido porque sus discípulos se le están subiendo a las barbas, ¡y de qué manera! Ánimo Alex y sigue dando guerra a los falsos profetas.

LOUNGE

THE ADVENT NEW BEGINNINGS FFRR RECORDS

Tres eran tres, los hijos de Internal: Orbital, CJ Bolland y The Advent. Y ahora pasa a primer plano este dúo (Cisco Ferreira y Colin McBean), gracias a la aparición de su tercer álbum (si contamos como propio la versión remezclada en edición limitada, ‘Shaded Elementz’, del pri-

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mero, ‘Elements Of Life’). Yo siempre he preferido a Orbital, y en menor medida a CJ, ya que The Advent me ha parecido una historia bastante previsible, pero tengo que reconocer que lo que hacen, lo hacen bien.

Contundencia rítmica y bajos apocalípticos configuran un disco bastante oscuro de funk marciano de finales de milenio. Te aconsejo que te dirigas a los originales (como ellos) y pases de las fotocopias que tanto triunfan en algunos círculos.

INNER

VV. AA. SÓNAR 97 SO DENS/SÓNAR FESTIVAL

Uno de los sucesos más positivos de este pasado Sónar fue, sin duda, el recopilatorio que muestra la música que se pudo escuchar durante los tres días que duró el festival.

Yo tengo la teoría que el Sónar es como la Selección Española, cada uno tiene en su cabeza una lista de seleccionables que muchas veces no se parece en nada a la que da el ‘seleccionador’ (en este caso Advanced Music).

Pero aquí (el disco, ya que la programación podría discutirse algo más), la ‘lista’ es esplendida ya que abarca casi todo el abanico que se pudo disfrutar durante el evento. Se podría echar en falta temas de Vanguard (no una remezcla), Merzbow, Carl Craig, Carl Stone, Daft Punk (tampoco vale la remezcla) o Alter Ego, pero caería-

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COLDCUT LET US PLAY NINJA TUNE

¿Por qué Coldcut no había grabado ningún álbum para Ninja Tune, su propio sello, hasta ahora? No lo sé pero escuchando este primero he descubierto que nos estaban privando de un placer desconocido. Ellos son N.T., el nuevo sonido funktástico y tricknológico es el suyo y el drum’n’basshiphoplatinjazz es su estilo. Todo lo que había editado N.T. hasta ahora parecía un aperitivo de lo que tenía que llegar y lo que tenía que llegar, ya ha llegado. ‘Let Us Play’ (‘Déjanos Jugar’) es una joya imprescindible para explicar lo que ha sido, está siendo y será la evolución musical de este fin de siglo. Uno de los proyectos más inteligentes que la música electrónica ha dado (equiparables en importancia a Kraftwerk, KLF o Pet Shop Boys), ha fabricado uno de los discos más importantes de la década que ha de contribuir decisivamente a crear las verdaderas bases donde se asentará la auténtica música del siglo XXI. BLACK MUSLIM

SELF

cd store OLIVE EXTRA VIRGIN

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RCA-BMG

mos en la discusión tonta. Lo que hay es lo suficientemente interesante e importante para justificar el ridículo precio que tiene. Felicidades a todos los padres del ‘invento’.

manera de verlo es comparando sus dos nuevos plásticos y poco más os voy a decir de uno de los poco grupos que están llevando más allá al curioso mundo de la música electrónica.

DON SOLARIS

BLACK MUSLIM

THE PRODIGY THE FAT OF THE LAND XL RECORDS

Me acabo de enterar que llevan más de 75.000 copias vendidas de este álbum en nuestro país y me alegro de que esto haya sucedido (por cierto, ¿dónde están esos 75 mil cuando se les necesita?). También he escuchado que Liam Howlett ha dicho a la prensa inglesa que éste va a ser el último disco que hagan y esto ya no me gusta nada. No es el Lp del año (está aún por llegar), pero es un punto y aparte en el aburrido panorama que nos está deparando el año 97.

Hacen singles impresionantes y tienen una presencia apabullante, pero no saben redondear lo que es un larga duración y flojean bastante a la hora de llevar su propuesta al directo y esas son sus asignaturas pendientes y espero que las aprueben antes de su disolución. Prodigy le da sopas con ondas a Chemical Brothers (la gran esperanza blanca) y la mejor

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PAPERCLIP PEOPLE THE SECRET TAPES OF DOCTOR EICH PLANET E COMMUNICATIONS

Carl Craig se está revelando como uno de los compositores más importantes de finales de siglo, no sólo por ser de los más prolíficos sino por saber hacer bailar y pensar como nadie, ya que después de su magnífico ‘More Songs About Food And Revolutionary Art’ ha construido un álbum para la pista de baile en su faceta de Paperclip People, donde el techno y el house se mezclan con ritmos de las películas del oeste a lo Bonanza. El house progresivo ha entrado en una dimensión ideal para los clubs más indies del momento, ya que Carl Craig con este disco no sólo ha hecho uno de los mejores trabajos del año, sino que ha acercado todavía más la música electrónica a todo aquello que se denomina cool, alejándola del hermetismo inicial de la música hecha con sintetizadores.

JAIME CASAS

Olive son los últimos en llegar a una escema POP electrónica que poco a poco se va consolidando, con nombres como Everything But The Girl (su vertiente electrónica, por supuesto) o Dubstar, en la parte más pop; Nicolette, en lo más experimental, o Portishead, andando por un espacio más personal. Estos son grupos donde la melodía de la voz femenina tiene una gran relevancia, y que en Olive, se hace mucho más patente.

Ruth-Ann, su voaclista, se mueve como pez en el agua sobre unas texturas musicales (compuestas por Tim Kellet, músico de Simply Red) que beben de las más variadas tendencias actuales, dígase trip-hop, drum’n’bass ambiental, techno... para conseguir canciones tan bellas como ‘You’re Not Alone’.

LITTLEDOG

VV. AA. 67/97 NOVOPHONIC

Todos los que ya no tenemos plato estamos doblemente de enhorabuena: podemos hacernos con parte del material que en su día salió en vinilo y que más de uno ignoró y además disfrutar del re-

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galo de nuevas joyas gracias a este recopilatorio digital de uno de los sellos más interesantes e inteligentes del panorama nacional: NOVOPHONIC. Este repaso a su corta producción (cuatro referencias) nos sirve para conocer uno de los pocos puntos de referencia ‘diferentes’ que ha dado la música nacional en los últimos tiempos.

Toda la saga Pez, más la incorporación de algunos contemporáneos suyos (Teen Marcianas, Madelman, Álex Martín y Jazzin’ Club), repasa, de una manera muy personal, los últimos tres años y medio que han acontecido nuestro el panorama dance, siempre desde un punto de vista bastante personal, hasta cierto punto alejado de la madre Britania. No sólo de bpm’s vive el hombre, de gusto y elegancia también.

LOUNGE

VV.AA. SPICNIC EN EL NO MUNDO SPICNIC

Después de casi un año de espera, finalmente ha aparecido el tributo que, la discográfica de Albacete, Spicnic ha hecho al genio cinematógrafico Tim Burton. Tras una ‘burtoniana’ portada, se esconde un disco curioso: medio naif guitarrero y medio electrónico. En lo que respecta a la vertiente electónica, destacar la presencia de Fangoria, Calígula 2000, Madelman, Big Toxic, y los debutantes Actibeat, Feel Action y República Sonora.

FRANK Y WINNIE

P///SETTEE

live Doctor Music Festival

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La vaca electrónica ESCALARRE ,11, 12 Y 13 DE JULIO

Sónar 97 CCCB y Pavelló de la Mar Bella BARCELONA 13, 14 Y 15 DE JUNIO

Sónar sigue siendo un festival muy loable en concepto e intenciones, un encuentro necesario para quienes trabajan en el campo de la música electrónica y una happy hour de 72 horas para el sediento de actuaciones y sesiones de Dj diferentes que, por desgracia, tanto escasean el resto del año. En este último sentido, cada cual tendrá sus preferencias: uno echó de menos algo de variedad y riesgo, más allá del muy sobado techno y house, pero lo que pudo escucharse compensó esa falta con creces. De lo poco que pude ver me quedo con Roger Sanchez, Morpheus, Kruder and Dorfmeister, Coldcut y nuestro An Der Beat.

Lo malo (además de algunos debates que sonaban a una sucesión de monólogos inconexos y de la broma sin gracia de la carpa rock: ese mofarse de lo rockero suena muy poco avanzado y multimedia) fue el absoluto llenazo de público.

Malo porque el CCCB se está quedando pequeño y muy cargante con tanto apretujón en las ferias y las actuaciones. Malo porque Advanced Music no previó que el Pavelló de la Mar Bella se desbordaría, y la primera noche fue una pesadilla por culpa de los accesos. Pero no porque el Sónar se llenase de garrulos, como soltó alguien de los medios. Los garrulos también son seres humanos y sin el folklore que acompaña a esta escena seríamos tres pedantes y un gato; y el éxito tampoco hará que sólo se escuche boina-trance a partir del año próximo. Se supone que la gran virtud de estas músicas es su capacidad de mutar continuamente y ser terriblemente dinámicas, y eso también ha de valer para este encuentro. Sónar no

SELF

morirá de éxito, ni se apuntará a un teórico stadium-techno, eso no es aplicable aquí. Ahora que el gran público acude en masa, Sónar ha de adaptarse al medio –al mogollón, vaya– sin traicionar su esencia: ¿no es ésa la gran ventaja de buena parte de estas músicas? Les guste o no a Advanced Music (y no creo que les disguste), ya no pueden plantearse el festival pensando en la modestia de recursos o en una razonable minoría. A un servidor se le antoja consultar con colectivos de fuera especializados en macroeventos, por ejemplo. El reto de Sónar y su razón de ser, sin embargo, reside en mantenerse fiel a sus planteamientos, conjugar su espíritu con la sed de bombo del creciente público, no temer a los cambios y conseguir medios para poder permitirse pensar a lo grande. Y no morir de estrés en el intento.

MARC LLORENS

9:66

Metallica, NOFX, Bad Religion, Offspring, Green Day, Nirvana, Blur, Sonic Youth, AC/DC, Iron Maiden, Extremoduro, Kortatu... eran algunas de las camisetas que se paseaban a partir de la medianoche por las dos carpas y el chill-out del segundo Doctor Music Festival. Un aficionado que había venido a ver a Alice Cooper se encontraba tirado en el suelo mientras pinchaban los fabulosos The Wiseguys e invitaba a porros a la gente más cercana. A las ocho de la mañana, la fiesta continuaba con los tambores de algunos espontáneos que se negaban a abandonar el espacio techno.

La mayoría habían pagado la entrada del festival para asistir a los conciertos de rock de los escenarios al aire libre y durante el día. De paso, se iban a montar una farra con todo lo que la orga-

F.I.B. 97 Carpa Galax-Nitsa BENICÀSSIM 8,9 Y 10 DE AGOSTO

nización había preparado para asegurarles la diversión. Una multitud, tan heterodoxa y distante entre sí en las actuaciones del resto del día se mezclaba por la madrugada con los techno-heads de cabellos de colores y narices pinchadas. ¿Hay álguien, a estas alturas, qué todavía dude de que la música de nuestro tiempo es definitivamente la que sale de una cabina con dos platos y unas máquinas que multiplican el efecto de cualquier ejercicio de virtusionismo? No es necesario que nadie lleve camisetas de Gus Gus, Propellerheads o Aphex Twin, lo mejor sobre un escenario de este Doctor Music, para certificar que la cultura del baile se ha impuesto entre las nuevas generaciones.

Luego se puede discutir sobre si el personal iba al chill-out más a dormir que a escuchar o si la peña estaba demasiado desfasada cuando silbaba a Kenny Larkin por empezar con un disco atmosférico. Pero también habían escasamente cien personas en el concierto del americano Gus, en un escenario de rock, mientras éste cantaba los temas de su último álbum. El festival fue un fracaso de grandes estrellas y un éxito de las que no lo son, pero que están más vivas. Sería una lástima que se perdiese el año que viene.

VICENÇ BATALLA

10:67

Ha sido la primera vez que he asistido a uno de esos festivales veraniegos que tan de moda se han puesto este año. Tengo que reconocer que, a priori, elegí el mejor teniendo en cuenta el magnífico cartel que se nos ofrecía, y hasta cierto punto acerté. Pero lo que realmente he aprendido de este bautizo es que las carpas dance han alcanzado su mayoría de edad y piden a gritos independencia de sus madres pop-rockeras. Las programaciones de aquellas han sido confeccionadas con riesgo y con ánimo de deleitar a mentes mucho más abiertas que las que siguen a los grandes nombres de géneros más trillados, y merecen ya un sitio propio. Las carpas dance tal como las conocemos hasta ahora son los after-hours de las celebraciones guitarreras o el ghetto de los que no disfrutan simplemente con la asistencia a los clubs de moda, y esto ha de acabar. Ya sabemos que no van a mover a la misma gente que lo hace para ver a dinosaurios y demás especies en extinción, pero hay más público de lo que muchos creen que va a las carpas a algo más que a seguir las consignas populacheras de la estrella de turno o a dormir la mona después de tanto orgasmo eléctrico. En contrapartida, hay que ser exigentes y reclamar más actuaciones en directo o recreaciones musicales a base de platos y mesas de mezclas y menos Dj’s que cumplen el expediente poniendo discos, uno detrás de otro.

Esta introducción ha de sevir para corregir lo mejorable y para aleccionar a ciertos intrépidos

promotores que ven bastante más allá de sus narices. Y si hablo ya de lo que vi, tengo que decir que la carpa dance si aguantó el temporal (significará algo esto), que nos dió lo mejor de todo el festival (la exhibición, a todos los niveles, de Coldcut), algunos ejemplos de músicos nacionales que realmente miran hacia delante para no convertirse en estatuas de sal (Madelman y Vanguard) y otros de grupos foráneos que disfrutan haciendo lo que nadie quiere hacer (Laika o Autechre).

En fin, ¿veremos la luz definitivamente el año que viene o seguiremos dudando si estamos preparados o no para el despegue definitivo?. Pronto sabremos la respuesta.

BLACK MUSLIM

SELF

demo store q

EFECTO RUSHMORE Punto de encuentro - Live at C.C.C.M.’97

Ésta es la primera maqueta que recibimos en formato de cinta de vídeo (es una actuación en directo) y hay que reconocer que esta forma de presentación es la más idónea para comprobar la propuesta musical, en el amplio sentido de la palabra, de este trío barcelonés. Cincuenta y dos minutos de viaje por el mundo que ha construido E. Rushmore a base de imágenes muy recurrentes (sacadas de clásicos de la ciencia-ficción) y música muy elaborada (ambient rítmico que no te hace caer en el sopor al que te llevan otros). Una banda sonora perfecta para vuestro primer viaje interestelar.

HUMANOID Títulos como ‘Vectorsphere’ o ‘Humanoid’ explicitan el contenido: techno avant la lettre sin aditivos de ninguna clase. Es innegable que a Arturo Vaquero le apasiona, en particular, el inglés: rastros de LFO o B12 son fácilmente detectables, junto a elementos de la onda fría de principios de los 80 y algún que otro saqueo al sonido clásico de Jean Michel Jarre. No está mal. (P.O. Box 219, 27080 Lugo.

Tlf. 907/966115).

Bruma cáustica

Si en este mundo hubiera justicia, las obras de J. Hernando serían asiduas visitantes de todas las orejas cabales del orbe. Es, al igual que la de Oval, Mouse On Mars o Panasonic, música atemporal que parece haber sido grabada en un futuro próximo y retrotransmitida hacia nuestro presente. ¡Gente de Mille Plateaux, atención! (P.O. Box 10195, 08080 Barcelona).

UDO LÁTEX

THE HYPERSEXUAL NYMPHOMANIACS VV. AA. JACKFRUIT COMPILATION 001 REGATTA DE BLANC

ALBERTO BALSAM

JAVIER HERNANDO

te se encuentra el ínclito Juan Herrero ‘Obeja’. Amigo y colaborador ocasional de gente como Merzbow y The Haters, lleva ya unos añitos dando a conocer a algunos de los más salvajes practicantes de la música industrial vertiente ‘sangre, sudor y semen’.

Ruido inmisericorde para destaponarte los oídos y dejar que la sangre fluya libremente por ellos.

En la cinta 44 están los españoles Gestörte Nachbarn, los alemanes G-Hörsturz y el estadounidense Richard Ramírez. En la 45, Skin Graft de Finlandia, Zarathustra de Croacia, los italianos C.O. 36-Amnesia State y de nuevo Gestörte Nachbarn. Si te place el dolor, si buscas experiencias auditivas extremas, contacta con B-Gore y agárrate, que vienen curvas. (P.O. Box 7018, 08080 Barcelona. Fax (34) 3-4364356).

Este white label nos lo pasaron durante el último Sónar. El sello alemán Jackfruit se mueve dentro de las coordenadas del techno de Detroit con algún que otro picotazo al breakbeat, visto desde una óptica netamente europea, algo así como un puente entre la plácida sofisticación de Eevo Lute y las cabalgatas desbocadas de Tresor. Contiene doce temas de gente como Rok & Jonzon, Beroshima y Dj Kareem, todos rayando a un nivel bastante notable. No creo que puedas conseguir esta K7, pero puede que tengan algún catálogo.

(Fax +49- 30-2617341).

UNDREAMT

B-GORE COMPILATIONS Nº 44 Y 45

Enrique Calvo, en su loable intento de crearse un estilo propio, descubrió un día el jungle.

Alucinado, intentó reproducir esos ritmos cortantes pero, como no le salían, optó por manipularlos con un filtro de envolventes y aplicarles una rever de caballo. Luego improvisó unas melodías facilonas y new-ageras; lo juntó todo, grabó tres temas y se los envió a los mataos de Self. (Tlf. 971/284139).

Hay otros mundos, pero están en éste. Y en uno de los más profundos subsuelos de la Barcelona post-olímpica está B-Gore, bastión inexpugnable de los ruidistas más crueles del planeta, a cuyo fren-

SELF

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Triple Assassinat/Cannibale

Dos nuevos trabajos de estos italianos de Lucca.

Rock electrónico, muzak rugoso, rítmica industrial...

Que grupos de este calibre no tengan un disco en las tiendas es algo que debiera sublevarnos. Ve a tu ayuntamiento con unos colegas y cuelga a tu alcalde de un árbol. Deja su cuerpo tres noches al sereno y luego escucha estas cintas con la tranquilidad que da el trabajo bien hecho. (Marco Gaetani.

Via Giovanetti, 295. I 55100 Lucca, Italia).

RADIX Interlinked

La música de esta pareja de Barcelona es de una simplicidad insultante, sus temas son lineales y poco elaborados. ¿Qué tienen pues, que los hace tan especiales? Amor absoluto vertido sin mesura en unas canciones inundadas de la brisa mágica de los Kraftwerk del 78, de Cluster y Eno y de la ola fría inglesa de los primeros 80. (Tfno. 93-4551066).

PEPE NABURROUGHS

Podéis mandar vuestras demos a Self, PO Box 10.183, 08080 Barcelona

P///NITSA

P///LA CASA

cinerama

tim burton radiografía de tim ‘pelos tiesos’ (y 3)

Desconozco lo que puede tener en común un personaje con el pelo hacia atrás al cepillo, como el murciélago Batman, con otro personaje de pelambrera tan desordenada, como Tim Burton.

4 Y todavía me cabe menos en la cabeza que estos dos hombrecitos hicieran migas hasta dos veces en ‘Batman’ (el Batman III ha servido para demostrar que a veces es mejor trabajar con diferencia de carácteres que trabajar sin carácter ninguno). Hay que decir que la cosa de los Batmans resultó extraña hasta el punto que Burton, de rebote, hizo historia al conseguir destruir el famoso dicho de que “las segundas partes nunca fueron buenas”. Creo que Burton con ‘Batman vuelve’, logra, como un campeón de golf, meter la pelotita en el agujero que no acababan de encontrar los grandes estudios hasta el momento: dar con un renovado diseño de producción en materia de decorados y vestuario. Además, ya que hablamos de pelotitas, Tim consiguió hacérselas mover al público masculino gracias a una extraordinaria Cat Woman que interpretó la Pfeiffer, una actriz que hasta esa fecha parecía una fregona en la pantalla (si excluimos su extraordinaria interpretación en ‘Los Fabulosos Baker Boys’).

Lógicamente no sería justo excluir al señor pingüino, un malo (o malillo) que se encuentra a la altura salvaje de un niño de 8 años. Digamos que el señor pingüino podía ser nuestro hijo cuando se le cruzan los cables. Sin ánimo de buscar tortura psicológica -todo lo contrario que la mayoría de villanos que amuebla Walt Disney- Burton dota con una cierta carga de inocencia al personaje del ‘pingu’ y sitúa a nuestro creador/lumbreras como a un ser concienciado con la sensibilidad infantil, sabe-

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Foto Archivo MT Texto Marta Lacarta

dor de que su cine lo ven un batallón considerable de chavales.

Desde ya, habría que tener en cuenta que cierto universo infantil de Batman podría ser el responsable directo de la película más infantil de Burton, ‘Pesadilla Antes De La Navidad’. Este largo de animación, movido por la técnica ‘frame a frame’ (fotograma a fotograma), fue un auténtico trabajo de chinos que costó realizarlo más de 2 años.

Pero Burton debió pasárselo estupendamente porque de alguna manera, manejar un muñeco animado puede considerarse como un regreso a la infancia y no hace falta decir que al señor pelos tiesos eso le debe pirrar. En manos de otro director sin estilo, ‘Pesadilla...’ podría haber sido una bonita postal navideña pero en el fondo a Burton le hubiera dado igual hacer una película con trasfondo navideño, que situarla en la celebración del día de

la marmota en Ohio. A él sólo le interesa que se le esfumen sus fantasmas interiores y ponerlos dentro de una ciudad gótica como ‘El País De Las Calabazas’.

Ni el más delirante personaje de a pie dudaría que ‘Ed Wood’ es una obra maestra.

Pero si humanizamos el asunto, habría que decir que ‘Ed Wood’ es la obra de un director generoso, que aún siendo genial, nos hizo el favor de acordarse de uno de los directores más pésimos de la historia del cine. Ed es la prueba de que a Burton no le interesan los artistas como tales, sino los personajes entrañables de la vida terrenal. No olvidemos, Wood va con dos O. Os mayúsculas como las figuras circulares de los platillos volantes que tanto le gustaba fabricar al personaje para sus delirios. Esta película es un homenaje a este esperpéntico humanoide de las dos O que sólo encontró comprensión en múltiples marcianos que fueron como él inquilinos de la tierra. También resulta un curioso refrito de ideas estéticas que vienen del expresionismo alemán y se unen al chusquerío de las películas de serie B. Y también es un alarde de dirección de actores y, recíprocamente, de actuación de los mismos.

Un flipe de como se puede tener sentido del humor sin caer en la falta de amor hacia los personajes.

En manos de otro, esta película podía haber sido una caricatura.

De hecho ‘Marte Ataca’ es la película que le hubiera gustado hacer a Ed Wood. Sus platillos son como los que aparecen en el arranque de la película, redondos como sus dos O. Su humor absurdo -como el símbolo del donut- es el humor que le gustaba a dos O. ‘Marte Ataca’ es la risotada gamberra de un golfo que demuestra a la cinefilia antigua que la realidad no tiene porque ser mostrada dentro de un contexto real, sino que puede ser perfectamente interpretada desde la imaginación y el delirio de la fantasía. n

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literaria NICCOLÒ AMMANITI La Última Nochevieja de la Humanidad Mondadori, 1997

Lo de literatura caníbal es una expresión de moda que sirve para identificar a un tipo de literatura italiana caracterizada por sus contenidos brutos y descabellados. Lo de caníbal quizá sea porque es una literatura que va contra el hombre, esa especie que en estas historias suele sufrir mucho y que a menudo muere sin compasión.

Un abanderado caníbal es Niccolò Ammaniti (Roma, 1965), que con ‘La Última Nochevieja De La Humanidad’ ha logrado vender un porrón de libros a base de salvajadas, humor, intriga y un aire muy pulp que ha permitido compararle con Quentin Tarantino.

En realidad, ‘La Última Nochevieja...’ es el título del primero de los siete relatos que componen el libro, aunque más que un relato sea un pupurri de historias paralelas cuyo nexo es que todas transcurren durante la misma Nochevieja.

El surtido de personajes resulta nutrido y pintoresco, pudiéndose encontrar ladrones, aristócratas, putas, adolescentes porreros, sadomasoquistas, un gigoló, un equipo de fútbol de pueblo, una mujer que se sabe cornuda y su correspondiente esposo infiel... Con estos sujetos y otros cuantos más, Ammaniti monta un enredo que comienza sobriamente para tensarse con el paso de las páginas, cuando personajes de historias diferentes se entrecruzan y las situaciones adquieren un tono grotesco, surrealista y considerablemente violento. Luego se desencadena la acción total y llegan las muertes, muy indeseables y con abun-

dante sangre de por medio.

Sin embargo, te ríes.

Habrá quien no, pero lo normal es reírse.

Porque Ammaniti posee la gracia del perturbado que sabe canalizar su locura y arrancarte una sonrisa mientras lees que el cuello de un muchacho acaba de ser atravesado por una bala perdida.

Ammaniti es un excelente narrador, domina el ritmo y se apoya en las frases muy cortas para incentivar la intensidad de su mensaje. Las metáforas son lo suyo y entre sus debilidades destaca el emplear crustáceos para las comparaciones. Es devoto de los mejillones.

Otro de sus apartados favoritos es describir muertes violentas: se recrea en el proceso que va desde que el personaje siente el dolor del impacto en cuestión, hasta que muere, prestando milimétrica atención a las reflexiones del moribundo que sabe, pero no puede aceptar, que su vida se está acabando.

Por último una idea que menudea en sus historias: las mujeres no son más que coños con pa-

SELF

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tas, si bien la mayoría contiene los ardores, reprimida como está por su educación sentimental.

La literatura de Ammaniti, en fin, es muy agradable y actual y hasta busca la polémica metiéndose con colegas de profesión, como Susanna Tamaro. También reivindica gustos: Antonio Banderas, por ejemplo.

En las historias de Niccolò hay una reunión de goticismo, gore, escabrosidad y misterio bien sostenido que atrae de sobras. Esto se puede contrastar leyendo el resto de narraciones del libro, cuyos argumentos van desde la violación y asesinato de unas muchachas a manos de una panda de jóvenes recién salidos de la discoteca, hasta la obsesión de un chico al que, después de muerto, le hacen zombie y su único objetivo es presentarse a un examen de zoología. La imaginación de Ammaniti es ancha y tiene mil caras.

Por lo tanto, imprevisible. Aunque sus finales acostumbren a rozar el tópico.

El cuento de la chica temerosa de ser apuñalada por un ex novio presuntamente homicida posee la tensión y la intriga de esas historias antiguas que se hacían para dar miedo. El cuento del mafioso que se come las bolas de droga transmite una angustia real mezclada con cierta negra simpatía, de lo que resultan sensaciones curiosas.

Los dos cuentos breves que finiquitan el libro demuestran la capacidad fabuladora de este italiano tan dotado para describir la crueldad de forma novedosa.

GABI MARTÍNEZ

P///BUSINESS CLASS

communication Ésta es una sección que aparece y desaparece en la vida de Self según el interés que demuestran los lectores hacia temas más o menos polémicos.

En el pasado número la sección del Dog Jockey levantó ampollas y aquí aparecen algunos de los ejemplos. Tal como se publicó la sección de Víctor Sol (sin ningún tipo de censura), aparecen las réplicas (íntegras) de los que piensan diferente a él, para que la visión de un tema se pueda apreciar desde varios puntos de vista. Gracias por animar el diálogo con vuestras cartas.

to porque yo llevo la única lista de distribución acerca de Pizzicato Five que hay fuera de Japón y conozco al grupo lo suficiente como para distinguir realidad de ciencia-ficción. Para que veáis que hay más gente que se mueve fuera del mundo de la música mainstream... empecé la lista hace casi un año y desde el principio hemos contado con el apoyo absoluto de los managers. Es una labor de la que me siento orgulloso.

Bueno, creo que esto es todo de momento.

Quiero felicitaros por el Self, que me parece lo mejor que se hace en todo el país en cuanto a música. Y por cierto, ¡el cambio de formato me parece una pasada! ¡¡¡ Saludos desde Bilbao!!!

JOSÉ C. CABEZAS (GAZTELÁN)

Después de haber leído ávidamente el Self 9, quería comentar un par de cosillas: - La tan esperada crítica de Víctor Sol a Madelman (digo esto porque llevaba un par de meses oyendo hablar a gente de Barcelona que Víctor Sol iba a cargárselo y tenía ganas de leerlo) ha resultado una mierda. Más que crítica resulta una pataleta de crio envidioso. Una auténtica decepción.

Esperaba algo con más criterio, una crítica real. No porque no me guste Madelman (me encanta) si no porque me interesaba saber porque a alguien como Víctor Sol podía no gustarle. Su comentario me ha parecido mediocre, vulgar y críptico (¿a qué viene eso de que hay que boicotear a Cosmos? ¡si quiere decir algo qué lo cuente! y si no lo quiere contar en el Self, a mí me interesaría saber porqué hay que boicotear a estos tipos, que me mande sus razones).

- En la sección de Publicaciones, en la página 5, mencionáis el último número del fanzine La Nota Discordante. Por si os interesa (o a algún conocido), el artículo/entrevista a Pizzicato Five es una farsa. Está inventado y el 90 % (hablo en serio) de lo que pone está o mal o equivocado. Os cuento es-

SELF

Estimados amigos de Self: En primer lugar enhorabuena por al nuevo número, el formato ha mejorado y hay gran número de interesantes artículos, como la entrevista a Paco Peiro acerca de su gran libro, etc. Sin embargo me ha entristecido leer la página que firma Víctor Sol llamada ‘The Angriest Dog Of The World’, al que parece haber molestado el hecho de que el disco de Madelman haya tenido relativo ‘éxito’ (¡qué yo sepa aún no ha salido en los 40!).

Más grave es el hecho de que él que firma semejante artículo sea músico al igual que Madelman, y al que acusa de publicar unos “ejercicios de construcción de música, carentes de innovación ni de sentido del humor”.

Sentido del humor debimos de tener el pasado Sónar-96 cuando el señor Sol y sus amigos nos deleitaron con una soporífera improvisación electrónica, exacta copia de los conciertos de Conrad Schnitzler a principios de los 80 (¿eso es aportar algo nuevo?), sólo que a años luz del maestro alemán. “¡Por favor, no toda la gente que hace música tiene que sacarlo en Cd!” se echa las manos a la cabeza el señor Sol. Ahora resulta que alguien ha venido desde las alturas a decirnos a los músicos españoles lo que se ‘debe’sacar en Cd y lo que debe permanecer enterrado. A mí el trabajo de Madelman me parece digno y bien hecho, y aunque no sea un acérrimo ‘fan’ suyo he de defender como músico lo que aquí se hace (entre otras cosas porque importamos gran cantidad de basura etiquetada como ‘lo último’), como también defiendo a los sellos que publican música hispana, claro que hacer crítica destructiva es lo más fácil del mundo... “! Por favor, no toda la gente que tenga que rellenar cada mes una página tiene que escribir semejantes memeces!”

MIGUEL Á. RUIZ (ALIAS ‘EXHAUSTOR’)

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P///LA SALA DEL CEL

P///MAD HOUSE