Self n9

2º ANIVERSARIO EN B/N

JUNIO 97 ELECTRONIC MUSIC NON-STOP

NÚMERO 9

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KRAFTWERK / JUSTO BAGÜESTE / PROTOZOO / RAPOON / MIXMASTER MORRIS / GEOMETRIK JIMI TENOR / TELEFILME / :WUMPSCUT: / EARCLOUD / KERMES / JAPAN / VÍCTOR NUBLA DEPECHE MODE / PEZ / LÍNEA ALTERNATIVA / AT-MOOSS / JEFF MILLS 9:1 PACO PEIRÓ / TRIBAL GATHERING 97 / THE KLF / F.I.B. 97 / L’ANGELOT / TIM BURTON THE ANGRIEST DOG JOCKEY / CD STORE / LIVE / LITERARIA

P///DISCORDER

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EDITA SELF / SPANISH ELECTRONIC FOUNDATION

“Quien sigue un camino propio no se encuentra nunca con nadie: es lo que tienen los caminos propios. Que nadie sale a socorrerle a uno.”

FRIEDRICH NIETZSCHE

COORDINADOR LUCIANO ÁLVAREZ DISEÑO/PRODUCCIÓN GRÁFICA JUAN ANTONIO ÁLVAREZ/HOMEMADE INC.

5

PUBLICIDAD XAVIER VILA

Imprime Futurgràfic Fotomecánica MaquetPrint Depósito legal B-39.928-95

6 En este número colaboran Black Muslim, Antonio Baños, Vicenç Batalla, Álvaro Colomer, Coral, Don Solaris, Dreamer Deceiver, DJ Tovalina, Electric Eye, Óscar Fontrodona, Lost Frontier, Silvia Grijalba, KK Downing, The Hellion, Josephine M., Marta Lacarta, Leather Rebel, Loe, Toni López, Lounge, Adolfo Marín, Gabi Martínez, Julián Martín, The Metal Gods, Monsters Of Rock, Roberto Natal, Ralf & Florian, Boris Rimbau, The Ripper, Ricard Robles, The Rocka’Rollers, Sinner, Victim Of Changes, Víctor Sol, Taludio Rativo, Taschen, Turbo Lover y Glenn Tipton.

Self 9 [5.000 ejemplares]

News Kraftwerk MÚSICA SIN FIN

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ORDENANDO SONIDOS

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REMANDO CONTRA EL VIENTO

Rapoon

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Mixmaster Morris

MÚSICA Y FILOSOFÍA ELECTRONIC LISTENING

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E-mail: dexvila@redestb.es

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Distribución en tiendas So Dens Distribucions (93) 268 40 35

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The angriest dog jockey of the world VOLUMEN 10

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L’Angelot PIONEROS DEL ARTE ELECTRÓNICO

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CD Store

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Live

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Cinerama Tim Burton

Kermes CARLOS ROCHA EN EBULLICIÓN

Publicidad Xavier Vila (93) 268 42 29

F.I.B. 97 CITA OBLIGADA

earcloud LA REVOLUCIÓN ANALÓGICA

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The KLF REYES DEL SAMPLE INTELIGENTE

MAGISTERIO DEL DOLOR

E-mail: self@servidor.net http://www.servidor.net/self

Tribal Gathering 97 LA MECA DEL DANCE

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Telefilme :Wumpscut:

Paco Peiró SU MOTOR: LA CURIOSIDAD

TECHNO EN CLAVE POP

Redacción P.O. Box 10.183, 08080 Barcelona Tel + Fax (93) 429 61 67

Jeff Mills EN LA TELA DE ARAÑA

Jimi Tenor EL MÚSICO POST-TECHNO

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Geometrik

SURTIDO DE GALLETAS/ROSCOS INTEGRALES

At-Mooss ENTRE AMBIENTES Y SECUENCIAS

Protozoo

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Justo Bagüeste

Japan SUBLIME SENSIBILIDAD

Víctor Nubla PUNTO DE REFERENCIA

Depeche Mode

RADIOGRAFIA DE TIM ‘PELOS TIESOS’ (2)

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Literaria JEAN ECHENOZ / AHORA TOCA EL XXI

ULTRAMÚSICA

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Pez EL MUNDO MARINO

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IMPRESO EN PAPEL RECICLADO 100%

Línea Alternativa MÚSICAS DE ALTO RIESGO

SELF, AUNQUE LA COMPARTA, NO SE HACE RESPONSABLE DE LA OPINIÓN DE NINGUNO DE SUS COLABORADORES

9:3

Gracias a todos (amigos y enemigos), sin vosotros no podríamos existir.

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P///DIAGIONAL MUSIC CENTER

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Ama Records La distribuidora madrileña empieza a mover un nuevo sello norteamericano: Liquid Sky Music. Funciona desde 1991 y está dividido en tres subsellos: Jungle Sky (jungle), Tekhed (house, acid progresivo y trance) y Home Entertainment (música experimental, funk analógico, hip hop, trip hop, ambient, dub y acid jazz). Primeras referencias: 'Nirvana: This is Jungle Sky Vol. 4 (VV. AA.) y 'Genetic Flaw' (Dj Wally). Ama Records, T+F (91) 531 31 44

Front 242 El 21 de junio podréis asistir a la resurrección de este mítico grupo belga en el marco del Festival Internacional de Música Electrónica de Sevilla que tendrá lugar en la isla de la Cartuja de Sevilla.

Exòtica Club Nuestros amigos amplían su área de influencia y se trasladan los jueves al Macao de Sabadell (América, 55), de diez de la noche a tres de la madrugada. En junio estarán: Kako (12), el Exòtica Team (19) y Álex Martín & Mayte (26).

Publicaciones Han aparecido los nuevos números de Música Marginal (el nº 7 habla de Sun Electric, Raksha Mancham, His Name Is Alive, Lycia, Rapoon, Sónar 96, Silvania y Jeff Mills), La Nota Discordante (el nº 3 está dedicado a Pizzicato Five, Groove Parade 2, Pet Shop Boys y Orbital) y Margen (cuyo nº 9 nos acerca a Kronos Quartet, Steve Roach, Thurston Moore, Pascal Gaigne, Macromassa...)

Kraftwerk Ya se sabe cual va a ser el nuevo trabajo discográfico de la 'Central Eléctrica': se llama 'Metal

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news Box', son cuatro 12 ", sale con la referencia Klang 01 para EMI, y todo es material antiguo. No son rumores, toda esta información es real (posiblemente lo menos seguro sea la fecha de lanzamiento, mayo).

Y lo que ya entra un poco en los caminos de la especulación total es que habrá un álbum para septiembre de este año, con temas nuevos.

Ritmes Globals 97 Por segundo año consecutivo tendrá lugar este evento, dentro del macroacontecimiento que significa el Doctor Music Festival, dedicado a la música electrónica y de baile. El espacio constará de tres carpas: la mayor (caben unas 5.000 personas) estará dedicada al techno y al house, la mediana (unas 1.500) se orientará al trip-hop, drum'n'bass y breakbeat y la pequeña (300) será el chill-out. Durante los días 11, 12 y 13 de julio pasarán por estas tres carpas toda esta gente: Carl Craig, Dreadzone, Gus Gus, Frogmen, Carl Cox, Justin Robertson, Toni Rox, Lamb, Attica Blues, Goldie, Jazzin' Club, Aphex Twin, A Man Called Adam, Madelman, David Holmes, Dj Grant, Zero, Lionrock, Propellerheads, Dirty Beatniks, The Wiseguys, Derek Dehlarge, Professor Angel Dust, Asian Dub Foundation, Teen Marcianas, An Der Beat, Kenny Larkin, Angel, Spring Heel Jack, Roni Size/Reprazent, Vanguard, Dj Food, Full Cycle, Kosmos, Dave Snutter y Funkmaster G. Como podéis observar supera en 'calidad' al festival-madre.

Sónar 97 Ya disponemos de la programación de su 4º edición (Barcelona, del 12 al 14 de junio): Kumo, Dj Somno, Overman, Maas, Vanguard, Q Factor, The Private Lighting Six, Buckfunk 3000, The Rice Field, Squarepusher, Metal Artefakt, Mohochemie, Dr. Rockit, Sensorband, Daniel Kentzy, Fennesz, Merzsbow, Carl Stone, Bruce Gilbert, Coldcut + Hex, Daft Punk, An Der Beat, Aux 88, Teen Marcianas, Carl Craig, Alter Ego, Cio, Jori Hulkkonen, Exhaustor, Camping Gaz + Dj Random, Disjecta... (conciertos); Ben Willmott, Patrick

Pulsinger, Andrew Weatherall, Motorbass, Herbert, Roger Sánchez, Kruder & Dorfmeister, Dj Morpheus, Fila Brazillia, Dave Clarke, Takkyu Ishino, Terry Mullan, Coldcut, Tony Thorpe, Russell Haswell, Mattew Hawtin, Christian Vogel... (Dj's); Tony Brown, Masaki Fujihata, Víctor Nubla, Anti-Rom... (instalaciones multimedia); Bobvan, Andy Davies, The Future Sound Of London, The KLF Story, Joe Banks, Nav Katze, EuroWarp... (proyecciones) y Jeff Mills, Laurent Garnier, John Acquaviva y Richie Hawtin (Special Party). Quedáis avisados.

Nitsa Club Nos tienen preparado un mes de junio cargadito: Nitsa Sound System (6), Esplendor Geométrico (7), Ashley Beedle (21), Teen Marcianas + An Der Beat (23) y Idjut Boys (28).

Neptunus Music Festival En Albufeira (Portugal), del 2 al 3 de agosto, se podrá disfrutar de este acontecimiento. Una disposición de carpas, muy parecida a la del Tribal Gathering, dará cabida a estos Dj's invitados: Roger Sánchez, Junior Sánchez, Dj Sneak, Dmitry, Doc Martin, Luís Leite, Mr. C , Layo, Darren Emerson, Stacey Pullen, Mathew B, Colin Dale, Trevor Rocklife, David Holmes, Adam Freeland, Tony Sapiano, Carl Cox, Laurent Garnier, Daz Sound, Luke Slater, CJ Bolland, Jim Masters, Luís 'XL' García, A. Paul, Dj Ferro, Óscar Baía, Green Velvet, X-Man, J. Daniel, Michael Angelo, Géninho, Carlos Manaça, Double Z, Flick, Zé Mig. L; y las actuaciones de The Advent, Bandulu, Cajmere (Green Velvet), Speedy J, Planetary Assault System, Kult of Krameria y HumaNoyde. n

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kraftwerk música sin fin

Declaraciones de Hutter y Schneider, entresacadas de entrevistas concedidas entre 1977 y 1983, sobre diferentes temas, musicales y no musicales, que completan la imagen que tenemos de ellos, ahora que parece que vuelven al mundo de los vivos: han tocado en el T. Gathering de este año, van a reeditar sus álbumes anteriores remasterizados y empezarán a sacar material nuevo próximamente.

4 Rock “Psicológicamente nosotros estamos fuera de todo ese trip. Es, sobre todo, el trabajo lo que nos interesa, transformar la música y buscar el sonido cada día. Es por azar que nosotros estamos haciendo giras como un grupo de rock. En cuanto a la música, es más funk electrónico que rock.”

“Cuando nosotros comenzamos todo el mundo nos tomaba por locos (también nuestros amigos). Los sintetizadores, Düsseldorf, Alemania, todo eso parecía totalmente alejado del rock.

Estábamos completamente aislados del mundo, trabajábamos de manera amateur: nada que ver con los coches descapotables, los estudios Dolby y los palacios, todo el universo-cliché del rock. Nunca hubiéramos pensado que un día se nos pasarían cuentas de nuestra influencia sobre la evolución musical.”

“Salimos muy a menudo, vamos a las discotecas por la noche. Todo el trip americano no nos interesa: villas, chóferes, piscinas. Conducimos nuestros propios coches, no tenemos necesidad de rodearnos de una élite, es puro infantilismo probarse a sí mismo que te puedes regalar de un cierto materialismo, es demasiado americano.”

“El rock normal es demasiado pretencioso, se habla de la ‘representación personal de Bruce Springsteen’ o lo que sea, cuando en realidad se trata de marionetas, de tarjetas postales. Kraftwerk representa un cierto realismo en ese tipo de tarjeta postal.”

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Fotos Archivo Self Texto Adolfo Marín

Tecnología “Ya no empleamos instrumentos acústicos de una forma directa, sólo utilizamos instrumentos electrónicos. De esta era tecnológica nosotros adoptamos instrumentos tecnológicos para transmitir nuestras ideas, para hacerlas audibles, para convertirlas en sonido.”

“De hecho, son nuestros sentimientos los que transformados gracias a nuestros medios electrónicos, pasados por el magnetófono, cortados, prensados en un disco, van a los oídos de la gente que oye nuestra música a través de los altavoces de los equipos de alta fidelidad o de la radio.

Son vibraciones que van desde nuestro cerebro al cerebro del oyente.”

“Estamos viviendo en una época en que hay

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cosas que ya no se pueden esquivar. Ya uno no se puede fumar un porro, lanzarse a las montañas y colocarse rodeado de árboles. Eso no tiene nada que ver con nuestra vida aquí, en Düsseldorf.

Lo que hacemos es una reflexión sobre todo lo que nos rodea y de ello hacemos una ciencia. Nos sentimos, sobre todo, científicos. La ciencia es ambivalente: puede ser utilizada para destruir al hombre, para ponerle una bomba en la cabeza...

Puedes utilizar un martillo para golpearle en la cabeza al vecino o para construir una casa. Y creemos que estamos tratando de demostrar a la joven generación que está en contra de la ciencia, de la tecnología, que con ella es posible realizar cosas constructivas para el ser humano. Con los últimos adelantos de la tecnología un dentista o un médico puede hacerte la vida mucho más agradable...”

“Nos levantamos por la mañana, nos lavamos los dientes y nos ponemos nuestros uniformes, hacemos música, montamos en bicicleta y por la tarde vamos a bailar a los clubs. Somos fanáticos de la danza mecánica.”

KRAFTWERK MÚSICA SIN FIN

Vida cotidiana y aspecto personal “Antes parecía que quisiéramos ocultar nuestros rostros detrás de una cortina de pelos para que nadie nos molestara. Después nos fuimos abriendo, descubriendo, encontrándonos a nosotros mismos.”

“Los maniquíes son más aptos que nosotros para hacer sesiones fotográficas, sin sudar por los focos o parpadear, tienen más paciencia para la pose.”

“Tenemos horarios estrictos. Cuando hay varias personas es necesario una organización. Es la continuación del ‘robot’ que quiere decir ‘trabajador’ en ruso.”

“Nosotros trabajamos cotidianamente en nuestro Kling Klang Studio. Es más nuestra sala de estar que un estudio normal.”

“Tenemos todos la misma talla, excepto Karl ¡qué calza un 44!”

Giras “Habíamos pensado hacer conciertos simultáneos en París, Nueva York y Tokio por ejemplo,

lado abierto de nuestro trabajo, un lado un poco anárquico. Vamos a ir a tocar a Asia del Sur para ver lo que puede ello repercutir en nuestra música, somos bastante receptivos a todas las sensaciones que pueden hacer cambiar nuestra música.”

Lo que hacemos es una reflexión sobre todo lo que nos rodea y de ello hacemos una ciencia.

Nos sentimos, sobre todo, científicos. gracias a los maniquíes y un magnetofón, pero por ahora lo que nos interesa es el intercambio con el público.”

“El hecho de tocar ante espectadores hace que nuestra música no sea tanto un producto magnético sino una situación abierta a la improvisación, y la sensibilidad de los aparatos que hemos creado nos lleva hacia una nueva sensibilidad.”

“Encontramos mayor energía en el ambiente de las gentes que vienen a vernos y que nos hacen tocar en otra dimensión más elevada psicológicamente, a causa de una cierta tensión, diferente de la del estudio, que también nos interesa. Este es el

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“El lenguaje electrónico es universal, ahí está, es la música mundial. Lo hemos comprobado en nuestra última tournée. Nos hemos confrontado a muy diferentes culturas: India, Japón, Australia y todas han reaccionado positivamente al lenguaje sintético.”

Sistemas de trabajo “La música no debe jugar un papel directo en la sociedad pero debe permanecer presente. El arte debe existir por sí mismo. En el arte se trabaja durante años hasta encontrar verdades básicas que satisfacen al artista. Nosotros hacemos eso en el se-

no del mundo electroacústico. Nos consideramos como un laboratorio. Investigamos hasta encontrar algo, entonces lo grabamos en disco o lo tocamos en un concierto para presentarlo a la gente.”

“Trabajamos cada día, pasamos mucho tiempo simplemente pensando, también componiendo pero en la forma en que se hace en un laboratorio químico. Componemos bases musicales como argumentos de películas o situaciones.”

“El Kling Klang Studio ha sido enteramente constituido por nosotros, pieza a pieza. Ensayamos permanentemente. Los discos salen cuando están listos, nunca antes.”

“No utilizamos frecuencias subsónicas ni ondas Alpha. No por el momento. Nos esforzamos por tocar sobre frecuencias comunicativas, abiertas, entre 20 y 20.000 Hertzs. Frecuencias perceptibles conscientemente.”

“En el estudio no hay teléfono, cuando trabajamos en él estamos encerrados.”

“Kraftwerk no es exactamente la visión de unos artistas, para nosotros es verdaderamente una realidad cotidiana, un trabajo de muchos años con máquinas reproductivas.”

“En ‘Man Machine’ lo que más nos interesaba era el lado energético, rítmico. ‘Man Machine’ era muy físico. Ahora hemos tratado de ser más estrictos en la idea de ‘programación’. Es difícil para nosotros explicar las diferencias entre nuestros álbums.

Cuando salió ‘Man Machine’ no sabíamos si era exactamente lo que nosotros estábamos haciendo. Trabajando esta idea del estudio, para ser productivos siempre en esa búsqueda de computerización, ‘Computer World’ ha resultado evidente e inmediato para nosotros. Es exactamente lo que teníamos que hacer. Se puede ir entonces más lejos, por ejemplo, en el próximo álbum.”

“Es cierto que ‘computer’ significa velocidad y que este álbum ha tardado tres años en hacerse. Es porque era algo nuevo para nosotros, ha sido necesario aprender el lenguaje de las computadoras, de hecho, el disco ha sido realizado muy rápido pe-

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kraftwerk música sin fin 4 ro hemos tenido que olvidarlo todo, nuestra manera de tocar, de pensar musicalmente y aprender nuevos datos. Es por ello que se ha tardado tanto tiempo. Una vez que la cosa funciona se puede ir muy rápido.”

Política “Lo primero que tenemos que hacer es cambiarnos a nosotros mismos y la música es uno de los mejores medios para lograrlo. Hemos de tranformarnos, pero no, por ejemplo, en el sentido en que lo hacían los nazis, sino a base de mejorarnos a nosotros mismos, en nuestras relaciones con los demás, con los amigos, en las relaciones entre un hombre y una mujer... La música electrónica lo hace todo transparente, como los rayos X, y ser transparente es lo más importante en la política sobre todo ahora que ningún político lo es.”

“La política ha ido demasiado lejos a lo largo de la historia. Los políticos siempre han querido tener poder y más poder, especialmente en Alemania, y han ido parcelando, separando a la gente, haciendo que trabaje para ellos, han ido cortando el mundo en pedazos, han ido aplastando al hombre.

Nosotros tratamos de liberar al individuo para que cree, para que use su cabeza y no pueda ser manipulado por esos llamados líderes. El hombre debe confiar en sí mismo y olvidarse de las fronteras.”

“El obrero no debería tener motivos para odiar a su máquina, al igual que nosotros no los tenemos para odiar a las nuestras. El obrero debería ser dueño de la máquina que trabaja y quizás así desaparecería la hostilidad que siente hacia todo lo relacionado con eso. Nosotros somos dueños de nuestros instrumentos y de nuestro estudio de grabación, nos hemos ido haciendo con ellos. Desgraciadamente no ocurre lo mismo con los obreros.

Confiamos en el cambio y esperamos que nuestro trabajo sirva para algo en ese sentido.”

“No corresponde a nosotros decidir de que manera hay que escuchar la música. No dejarse dominar por la música es también uno de nuestros

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problemas porque si se trabaja en ese dominio mañana, tarde y noche, se pierde todo el contexto.

Después de diez horas de estudio las sensaciones se adormecen. Es por ello que estar siempre en el estudio o siempre de gira no sirve para nada. ¡Los músicos de estudio son todos transparentes!

Hacemos todo nosotros mismos: los videos, las cubiertas de los discos, es como un mosaico que va hacia una productividad Kraftwerk.” “‘Tour de France’ es autobiográfico. Nosotros practicamos mucho con la bicicleta. Es un símbolo de autodeterminación, de libertad: el hombre máquina se convierte en máquina en movimiento.

La bicicleta realiza una ósmosis perfecta entre hombre y máquina. ‘Tour de France’ es el símbolo de esta ósmosis: el hombre avanza por sí mismo, sin el recurso de otras formas de energía que las de su cuerpo. Es una forma de ecología. Hemos trabaja-

do mucho del lado de la máquina musical y pensante. Era necesario ver el lado físico: ser uno mismo, estar en forma, entrenar...”

“El hombre de ‘Man Machine’ no está sometido a la máquina. Es más bien una relación en un grado más perfeccionado.

Hay interacción. Extensión recíproca. La máquina ayuda al hombre y el hombre admira a la máquina. Cualquier pequeño electrodoméstico, como un magnetófono a cassettes, es una prolongación de tu cerebro.”

“Hablar es una tradición heredera de la Biblia. En la Biblia el lenguaje está considerado como el arte más elevado. ‘En el principio era el Verbo’, pero para nosotros eso se ha terminado. Hay cosas tan rápidas, cosas eléctricas. En nuestra música las palabras son pretextos, no nos expresamos a través de ellas. Actualmente en nuestros cerebros las palabras son barreras y ello viene programado por las escuelas. Quizá habría que inventar un lenguaje sintético.”

“En alemán para describir las situaciones existe el concepto de ‘película’, es un concepto cotidiano: “he visto a tal en tal película”, “cada uno en su película”. Es un cine para todos, cada uno es la estrella. Nosotros hemos nacido biológicamente a partir de un instante de azar o de un instante de alegría... pero nosotros hemos vuelto a nacer en nosotros mismos. Tenemos un Doble interno. En alemán hay una expresión: caminar al lado de uno mismo. Eso quiere decir que se está ausente y consciente de estarlo... “ “El hombre tiene una cierta edad fijada en su pasaporte pero es sólo un número, una convención.

Todo el resto es fluctuante, cambia minuto a minuto.”

“Es más funcional tener un traje cotidiano, siempre el mismo. Ello permite pasar rápidamente a cosas más importantes sin pasarse horas y horas reflexionando sobre que ponerse.”

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“Se utiliza en los hospitales psiquiátricos nuestra música para calmar a los enfermos exaltados. Es buena terapia, nosotros la ejercemos también en nosotros mismos... yo no sería él que soy sin mi trabajo musical. Es una manera de autoterapia...”

KRAFTWERK MÚSICA SIN FIN

Psicodélia, futurismo y muzak “Nuestros conciertos son muy visuales, proyectamos películas, diapositivas, jugamos con elementos ópticos para atraer todos los sentidos del hombre, esa técnica tiene en cierto modo sus raíces en la psicodelia pero de una forma más evolucionada. Tratamos de transmitir al público un especial sentido de la realidad. Queremos facilitarle una conciencia de sabiduría. El mundo es una orquesta. Es algo que quizá la gente puede llegar a sentir después de habernos visto en escena, después de haber escuchado nuestra música. Hay personas a las que no les gustan los ruidos, prefieren oír canciones de Cat Stevens o así, tipo ‘tra, la, la’ de los festivales de Eurovisión. Sin embargo después de asistir a uno de nuestros conciertos, salen a la calle y perciben una orquesta, una orquesta de coches, de vibraciones aéreas, de sonidos de animales, de sonidos de la naturaleza y sonidos de la tecnología. Y pueden concebir todo eso en términos musicales.”

“Estamos conectados con la ‘intelligentsia’ ale-

minar, hay que abrirse. La música en sí no es nada especialmente interesante.”

de ciudad. El futurismo de los veinte es lo que más nos ha inspirado.”

“Los ‘Kosmiche Kurrieres’ fue un movimiento que se inició hace algunos años con algunos grupos - Tangerine Dream, Schulze - con los que nunca tuvimos nada que ver. Ellos hacían lo que se lla-

No corresponde a nosotros decidir de que manera hay que escuchar la música. mana que tuvo que emigrar a Estados Unidos o que fue asesinada cuando los nazis subieron al poder, al igual que ocurrió en España con la llegada de Franco. Todo lo que se quedó en Alemania fue la cultura física, la cultura del cuerpo, la cultura nazi.

Nos atrae de los que hubieron de marchar su sentido del intelectualismo urbano y su futurismo, su capacidad de prever el futuro, de intuir los sistemas de producción masiva. Sin nada que ver con el nacionalismo. Ciudades mundiales... como un viaje hacia la comunicación. En los veinte se inventó la radio y el magnetófono. Más tarde, la televisión. No podemos prescindir de esas cosas en nuestra vida

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ma música cósmica, flotante, meditativa y se llamaban así porque se consideraban portadores de ese mensaje cósmico.”

“No me gustaría hacer música para ascensores, restaurantes o supermercados. Preferimos escuchar a los ascensores mismos y no hacer un producto burgués que hace la función del valium, un tranquilizante para el control del sistema. Lo que nos interesa es el sonido propio de un supermercado o de un ascensor, sonidos que tienen su naturaleza propia. ‘Music for Airports’ no nos interesa en absoluto. Hay que abrir las orejas y encontrar lo que nosotros hemos hecho en ‘Autobahn’. Más que do-

Sintetizadores y psicoanálisis “Sigmund Freud ha inventado la psicología moderna, ¿no es psicoanálisis lo que estamos haciendo?”

“Tras las actitudes físicas de ‘Man Machine’ nos interesamos más actualmente en la psicología.”

“Cuando hablamos del cerebro le llamamos ‘cinta vírgen’ y cada tímpano es un micrófono. En música hay que desarrollar un arte de escuchar basado en el vacío.”

“La música de Kraftwerk puede cambiar la forma de vida de la gente, ya que de hecho ha cambiado la nuestra propia. Ya no se puede separar el arte de la vida, no son dos categorías distintas, son la misma cosa, el mismo viaje.”

“Los instrumentos son espejos en los que podemos proyectar de una forma psicológica nuestros pensamientos. El sintetizador es un instrumento psicoanalítico, es un instrumento freudiano. Es parecido a los electrodos que el neurólogo te pone en la cabeza para hacerte un encefalograma y los resultados son muy parecidos. Nos sentimos muy satisfechos con las posibilidades que el sintetizador nos brinda en la actualidad, aunque esperamos que se avance todavía más en ese terreno. Nosotros mismos inventamos algunos instrumentos que no se pueden comprar en las tiendas: percusiones electrónicas, máquinas de escribir parlantes, computadoras que cantan, voces sintéticas que funcionan a base de grabaciones o programaciones previas...”

“Tenemos algunos amigos aquí que no son músicos, que dejamos que jueguen con nuestros sintetizadores. Lo que sale de esas experiencias es muy interesante.”

Esta selección de declaraciones apareció por primera vez en el libro “La nueva música: del industrial al tecno-pop” de Adolfo Marín (Ediciones Teorema, 1984).

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Visto a través de la tela negra que le protege en sus actuaciones en directo, Justo Bagüeste parece un científico de los sonidos, un escultor de ruidos agradables capaz de crear la receta perfecta para entrar en un estado de desconexión mental y recepción sensorial que se acerca a algo parecido a la alquimia.

justo bagüeste ordenando sonidos

4 Él es un apasionado de la ‘Low Tech’, de los instrumentos que ayudaron a crear la música electrónica que durante un tiempo, con la llegada de la tecnología digital, habían quedado relegados a los trasteros de los grandes almacenes. En su opinión desde que aparecieron en el mercado esos nuevos artefactos, no se ha inventado ningún sonido nuevo. “Él que pretenda crear algo novedoso actualmente está muy equivocado, la única forma de hacer sonidos nuevos es inventando instrumentos que los produzcan, mientras tanto hay que conformarse con recrear y combinar elementos con lo que ya hay hecho”.

Esos nuevos sonidos tienen bastante que ver con el concepto de I.P.D. que en su primer disco se definía como “un proyecto artificial de Justo Bagüeste”. La artificialidad, la negación de seguir esa máxima del arte que se empeña en afirmar que éste imita a la naturaleza es una de las constantes de la obra de este oscense que en ese aspecto coincide con las ideas de Suso Sáiz, productor de todos sus discos. “Antiguamente se podían tomar como referencia los sonidos de la naturaleza porque eran los que rodeaban a la gente que vivía en un medio rural. Pero ahora es ridículo, la mayoría vivimos en ciudades y no oímos el canto de los pájaros ni el agua corriendo. Nuestros sonidos cotidianos están muy relacionados con los que produce la electrónica. El tic tac del reloj, el timbre del teléfono o el sonido de los electrodomésticos son los que nos resultan más familiares”.

La única concesión de Justo a los sonidos ‘humanos’ es la introducción del saxo en sus compo-

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Foto Geometrik Texto Silvia Grijalba

siciones, un instrumento que el considera “como mi respiración”. “Es mi aliento, el saxo podría decirse que es el alma de mi música, un alma imperfecta y más aleatoria que los sonidos electrónicos pero, por eso, atractiva”.

A pesar de su formación clásica y de haber pasado casi la mitad de su vida tocando el saxofón, Justo Bagüeste rechaza el calificativo de ‘músico’ y cuando le preguntan a que se dedica, responde que

ordena sonidos. Notas que en su primer disco, ‘Inducing The Pleasure Dreams’ (Geometrik, 1995), tenían una finalidad clara implícita en el título y que a medida que evoluciona en su carrera en solitario, bajo el nombre de I.P.D., se mezclan con ritmos más activos, como los presentes en el miniCd ‘Radio Moog 96’ (Geometrik, 1995), que llevan al antiguo componente de Clónicos o los Chatarreros de Sangre y Cielo de Corcobado, a producir placer por un camino distinto.

Después de estar en los chill out de festivales como el de Benicássim, Actual o Festimad, algunos le han bautizado como ‘la gran estrella del chill out español’, un espacio en el que “se muestra la vanguardia de la creación electrónica, que normalmente no se puede oír en las pistas de baile”. Porque el ambient o como quiera llamársele “puede resultar casi terapeútico, teniendo en cuenta el stress de la vida que llevamos. Las frecuencias de esos sonidos ayudan a relajarse y son ideales para tranquilizar las mentes atormentadas”.

Después de haber hecho una remezcla de Esclarecidos, “no sé si se le puede llamar remezcla, versión o recreación; yo he mantenido los elementos que me parecían el corazón de ‘La fuerza de los débiles’ y le puse parte del mío” y otra para un disco de ‘decodificaciones’ de temas de Esplendor Geométrico que se publicará próximamente en Japón, Justo Bagüeste alterna sus actuaciones (en las que ha incluido a los colaboradores-disc jockeys Dinamo y Morgana como introducción y cierre de sus intervenciones en directo) con la preparación de su próximo disco, también producido por Suso Sáiz y que se publicará en enero del próximo año. n

En su casa, rodeado de sus ‘juguetes’ analógicos y de algunas piezas de última generación, Bagüeste manipula, sin telones negros que codifiquen su imagen, pareciéndose a un druida irlandés empeñado en encontrar la pócima mágica que induzca al placer y al sueño a los que se atrevan a probarla.

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P///LA CASA & LOREAK MENDIAN

P///ROLAND

protozoo remando contra el viento Aventuras y desventuras de Rafael Ruiz, un joven músico que entra por la puerta grande de la escena techno nacional.

Después de arrasar con su participación en ‘Cosmosound 1’, nos habla de su primer álbum para el sello francés In Vivo.

4 “Aquí seguimos teniendo complejo de inferioridad. Se hacen cosas buenas, hay gente que está haciendo buena música electrónica y gente que hace cosas menos buenas, pero es el maldito complejo de inferioridad y no sólo en la música, sino en todo.

Parece que lo de fuera siempre es mejor, porque Popescu si tenemos a un Iván de la Peña. Los ingleses, alemanes y franceses hacen buena música, pero aquí también hacemos buena música y tenemos un festival (Sónar) que es uno de los mejores de Europa”. Éste que habla tan claro es Rafael Ruiz López, más conocido como Protozoo.

Rafael comenzó en esto de la música a los 16 años, en un grupo pop que se llamaba Randomiser Usr. Pero todo cambió en 1993, cuando conoció al omnipresente Álex Martín. “Ha sido como mi mentor. Él me descubrió la música electrónica, porque hasta que lo conocí sólo escuchaba techno-pop, y vi que habían otras músicas”. Y este encuentro alteró su destino, había nacido el proyecto PROTOZOO. “Intenté buscar un nombre que en distintos idiomas sonara igual o parecido, esto por una parte, y por otra que no fuera un nombre pretencioso.

Un protozoo es un animal unicelular, que es eso, muy poca cosa. En aquel momento recuerdo que escuchaba el ‘Zooropa’ de U2, y fue eso simplemente”.

1996 se convirtió en el punto de partida. Actuó en la fiesta del primer aniversario de SELF. “Para mí, estar con Álex, con Madelman, con la gente de Self pinchando, fue algo genial, para recordar con los años”. Y pocos días después hace su presentación en Sónar. “Yo gracias al Sónar he podido hacer es-

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Foto Archivo Self Texto Black Muslim & Coral

to (el disco) y así han ido las cosas”. Igualmente es invitado a tocar en el Techno Bam de ese año y desde ese momento se suceden las apariciones en directo: Moog, La Sala del Cel, Florida 135...

Publica por primera vez en la recopilación ‘Selftape 2’ (un par de temas), y uno de ellos, ‘Beyond The Nature’ aparece en la compilación ‘Cosmosound 1’, del sello barcelonés Cosmos. “El tema les gustó a la gente de Siglo XXI y la verdad es que me encanta y no sólo por mí, sino por toda la gente del Cosmosound. Ese tema tiene muchos años, es el octavo de mi primer DAT. Cuando hice

‘Sensual Act’, que era el séptimo, vi que había otro estilo que podía tocar. Son los temas que más me gustan, son más tranquilos, más escuchables...”

Y en marzo de 1997 aparece ‘Hevene Quene’ (In Vivo). Sello y artista comparten la condición de primerizos. “Creo que el camino es el correcto. Empezar con una pequeña y luego si te quiere una grande es importante. Las cosas han de seguir su propio camino, tienen que emerger solas”. El disco está producido por Álex Martín. “Lo ha limpiado y masterizado y su remezcla me encanta. A partir de un sonido que le gustaba, hizo una obra de arte”. Y todo se debe a la valentía de Philippe Gusching, un colaborador de Octopus y The Wire, que después de verlo en el Sónar, arriesgó su dinero, creó In Vivo y dió la oprtunidad a Rafael de publicar su primer larga duración. “Philippe escogió los temas y me ha hecho un gran favor porque es la primera referencia. Es un sello nuevo, el artista es nuevo y todo eso comporta un riesgo.

Hacer un disco donde se abarquen tantos estilos es un poco arriesgado, pero para mí ha sido perfecto y me ha servido para enseñar a la gente que se pueden hacer muchas cosas, todas diferentes y de resultados diferentes e incluirlas en un mismo sitio.

Estoy contento de la grabación del disco”.

A partir de esta puesta de largo, Rafael sigue trabajando para conseguir un digno lugar bajo el sol: está haciendo la música para una obra de teatro y hay en perspectiva un maxi de remezclas con Álex, Atom Heart, Pink Elln y David Moufang para In Vivo. “De lo que haga a partir de ahora, no tengo ni idea. Estoy haciendo tres temas pero no los puedo desarrollar porque tengo otras cosas más urgentes”. n

Protozoo acaba de poner en circulación su primer álbum, ‘Hevene Quene’ (Reina del Cielo en inglés del siglo XIII), de la mano de un sello francés, In Vivo, que se estrena con este músico de Montcada i Reixac (Barcelona).

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rapoon música y filosofía

Habita en un mundo intimista y concentrado donde juega con la profundidad de los espacios, creando y describiendo paisajes sonoros. Aquí encontramos terreno fértil para la meditación y el trance. El ambiente ritualista junto al uso de instrumentos acústicos fabricados por las propias manos de Robin Storey, el que fuera miembro del enigmático grupo Zoviet France y hoy único integrante de Rapoon, esparce un aire primitivo de tablas e instrumentos de cuerdas orientales que son pasados por la mesa de efectos. Nuestra entrevista entrega su visión del mundo que le rodea y de su música.

4 Empezaste a grabar como Rapoon cuando aún eras miembro de Zoviet France, ¿cuál fue tu experiencia en esta banda y qué elementos de su música permanecen en la tuya? Zoviet France fue una gran parte de mi vida durante doce años y, naturalmente, muchos aspectos de su filosofía y música sobreviven en Rapoon. Zoviet France comenzó con tres músicos provenientes de diferentes medios que se pusieron a hacer música sin una agenda ni parámetros predefinidos. El punto de partida fue, sencillamente, construir una afinidad intuitiva, donde la música se creara a sí misma. Pasamos largas horas tocando juntos, simplemente dejándonos llevar a donde fuera la música. Cada miembro aportó diferentes ideas, talentos, etc. a un todo unificador. No habría funcionado si no hubiera existido previamente una empatía entre los miembros, así como un concepto abstracto de lo que queríamos lograr. A la larga, la música que empezó a emerger asumió una identidad creciente y quedó claro, sin necesidad de discutirlo ni de explicarlo entre nosotros, lo que era y lo que no era Zoviet France.

En esos primeros días había mucho por construir y mucho por explorar en términos de ‘sonido’ como ‘música’ y había una creciente necesidad de un uso identificable del sonido que se volvió parte de Zoviet France. Trabajábamos aisladamente -yo lo hago todavía hasta cierto puntoy preferíamos quedar al margen de los géneros que se estaban definiendo en ese momento. Fue inevitable que nos encasillaran en diversas categorías pero eso fue algo que no buscamos nunca ya que tampoco calzábamos cómodamente en tales categorías. Nos veían como parte del movimiento ‘industrial’ de principios de los 80 pero las similitudes eran superficiales y tenues. Con cada nuevo álbum la etiqueta ‘industrial’ se volvía menos apropiada aunque, para ciertas personas, pa-

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Fotos MM / Archivo VS Texto Guillermo Escudero

rece seguir teniendo relevancia.

Pero en realidad todo esto estaba fuera de la evolución y cambios en las ideas musicales que se daban en el material grabado de Zoviet France.

Lentamente se fue desarrollando una definición, en términos musicales, que resumía a Zoviet France y, paradójicamente, al final yo me empecé a sentir encerrado por estos límites.

Era una impresión muy personal y, en realidad, los demás miembros no la compartían. En ese momento yo hacía solo la mayor parte de las grabaciones de Zoviet France y era consciente de una especie de autocensura: adaptaba la música para mantenerla en el concepto de Zoviet France.

Sentía que el ímpetu exploratorio se había mitigado en algún lugar del camino y tuve la necesidad de escaparme. Por eso el primer álbum de Rapoon fue una salida bastante radical. Ahora no podría decir que estoy muy contento con ese ál-

“Me place descubrir que existe la oportunidad de oir música de todo el mundo y de intercambiar ideas y hablar entre nosotros. En un sentido me alegra mucho que gente de diferentes culturas/países esté comunicándose y encontrando intereses comunes, que se formen vínculos sin tener en cuenta la raza, el credo, etc.”

bum pero fue un experimento útil para mí en cuanto que me hizo ver nuevas áreas que quería explorar. No iba a abandonar todas las cosas en las que creía y que había manifestado en Zoviet France pero deseaba seguir avanzando.

Mirando atrás veo a Zoviet France como un ‘campo de pruebas’, un experimento necesario que creó un proceso de creación de sonidos. En este sentido pienso que muchos aspectos de Rapoon se extraen de métodos iniciados por Zoviet France.

En poco tiempo has sacado 8 álbumes, ¿comparten una idea musical o existen diferencias entre ellos? Cuando dejé Zoviet France me sentía libre. De pronto todas las decisiones eran mías. También me sentía ansioso y con dudas. A lo mejor a nadie le interesaba o le iba a gustar lo que yo estaba haciendo. Todavía me invaden estas dudas con cada nuevo álbum.

Todo lo que podía hacer era confiar en mi instinto que, en cualquier caso, es lo que da origen a la

Zoviet France fue una gran parte de mi vida durante doce años. Muchos aspectos de su filosofía y música sobreviven en Rapoon. música.

El segundo álbum de Rapoon (aunque siempre pienso que es el primero) fue ‘Raising Earthly Spirits’. Quería tratar de crear algo que esbozara el proyecto de trabajo de Rapoon, algo sobre lo que construir. Con cada nuevo álbum espero haber conseguido ampliar ese esbozo y refinar la música, sin cerrar la puerta a otras posibilidades.

Lo último que querría para Rapoon es que se convirtiera en un formato.

Cuando trabajo en armar un álbum, por lo general, se desarrolla un tema abstracto, un hilo de ideas y emociones que se extienden a través de

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la música como un todo. No puedo terminar un disco hasta que no vea un cuadro general de la composición, de principio a fin. Por lo general queda claro que elementos se necesitan para moldear las partes en una expresión del todo. ¿Trabajas solo o con otros músicos? Normalmente trabajo solo aunque he utlizado las voces de dos cantantes. Ambas eran mujeres y las dos le añadieron otra dimensión a la música. La primera fue Khadija Mohammed, una inmigrante marroquí que tiene una voz muy bella con una cualidad específica. Khadija cantó algunas canciones folclóricas de Marruecos sin acompaña-

RAPOON

MÚSICA Y FILOSOSFÍA

miento. Después yo tomé pequeñas frases y notas, las corté y las volví a ordenar en frases distintas. Fue de gran ayuda que yo no conociera el idioma, así únicamente escuchaba las posibilidades dentro de las estructuras.

Resultó que Khadija quedó muy contenta con lo que hice y dijo que la reestructuración mantenía su naturalidad. Espero poder usar nuevamente la voz de Khadija en el futuro, creo que es muy bella. También he trabajado, de modo similar, con Vicki Bain que tiene una cualidad muy diferente en su voz: es muy precisa y pura. También fue muy vigorizante trabajar con Vicki en la producción de partes vocales estructuradas mediante el reensamblaje y recreación a partir de material grabado. Además Vicki improvisó muchas de las partes vocales de ‘The Kirghiz Light’. Fue muy natural y emotivo. ¿Cómo logras en ‘Fallen Gods’ esa atmósfera de vastos espacios que recuerda tanto al Lejano Oriente? Cuando pienso en música casi siempre la instalo contra un fondo interior de espacios abiertos y horizontes lejanos, que me viene de haber crecido en un paisaje así. Nací y crecí en el campo, en las planicies y pantanos del estuario del Solway. Con las montañas de Escocia al norte, las montañas del distrito inglés de los Lagos al sur, las planicies fangosas del mar de Irlanda al oeste y los ondulados montes Peninos al este, siempre había una sensación de espacio y cambio. Siempre el paisaje estaba atravesando por diferentes apariencias, debidas en su mayoría al famoso clima inglés que puede cambiar en muy poco rato. Además como era un estuario el mar entraba dos veces al día, cubriendo la planicie fangosa con un brillante espejo de agua. También estoy agradecido de haber podido pasar mi niñez y la primera parte de mi vida adulta en este bello lugar que me dejó una impresión imborrable. Siempre voy a pensar en ese sitio como en mi hogar, encuentro que vivir en la ciudad es claustrofóbico. Añoro retor-

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rapoon música y filosofía 4 nar al campo donde viví y respiré los mismos patrones y ciclos que la tierra. Así es que para responder a tu pregunta me parece que sencillamente pienso en esos espacios abiertos y en ese paisaje cuando quiero evocar un sentimiento y una sensación de distancia y espacio, así como los ritmos de la naturaleza. ¿De dónde tomaste el nombre de Rapoon?

La respuesta es bastante simple: cuando mi sobrino tenía unos dos años le costaba pronunciar mi nombre y en vez de Robin decía Ra-poon.

Se me pegó y me decían Rapoon ya antes de que empezara a grabar con ese nombre. Cuando había hecho mi primer Cd y necesitaba un nombre para que fuera en la cubierta, Rapoon fue la elección natural. A menudo mi propio hijo Jacob, que ahora tiene casi cinco años, me da los títulos de los discos. Simplemente le pregunto que palabra le parece buena y como habría que ponerle a algo. Una de sus sugerencias frecuentes es ‘basura’. ¿Colaboras de algún modo con O Yuki Conjugate u otras bandas? Bueno, conozco a la gente de O Yuki Conjugate, especialmente a Don (Mudford) y a Pete (Woodhead), pero hasta ahora no hemos colaborado en nada. Hay una tendencia a apoyarse más en el concepto de ser amigos. Me pone muy contento encontrarme con que otra gente forme sus bandas y no hay un sentimiento de rivalidad entre nosotros. No siempre es el caso y no puedo entender la actitud de algunas personas que es de sospecha y hostilidad. En todo caso, afortunadamente, no hubo nada de eso cuando conocí a O Yuki Conjugate, sino una amistad instantánea, que es mucho mejor y preferible a la rivalidad.

Hemos hablado de hacer shows en vivo en algún tipo de entorno especial. Espero que pase en el fututo. Creo que los shows en vivo tienden a ser mucho mejores si el ‘lugar de los hechos’ se acomoda de algún modo a la música. No creo que mi música o la de O Yuki Conjugate se acomo-

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den al típico club o bar en que nos tienden a poner. Funciona mucho mejor en un entorno como una iglesia o un anfiteatro o una bodega.

En realidad, en cualquier parte menos en los sitios donde tocan habitualmente las bandas.

Generalmente a nuestra música se le llama ‘ambient’ pero paradójicamente me parece que es necesario escucharla.

El contenido de tu obra se aparta de la cultura actualmente dominante. ¿Te sorprende recibir retroalimentación de revistas provenientes de diversos países de habla no inglesa?, ¿crees que hay una cultura/música alternativa mundial?

Siempre me sorprende y me siento feliz al recibir cartas de cualquier persona pero me sorprendió en especial tener noticias de Chile. No sé bien porque, supongo que había una pre-concepción de una cultura aislada del resto del mundo. De cualquier forma me place descubrir que esto no es cierto y que existe la oportunidad de oir música de todo el mundo y de intercambiar ideas y hablar entre nosotros. En un sentido me alegra mucho que gente de diferentes culturas/países esté comunicándose y encontrando intereses comunes, que se formen vínculos sin tener en cuenta la raza, el credo, etc. Por cierto, esto es bueno y ayuda a romper cualquier barrera política construida por los gobiernos. Lo que me preocupa con respecto a una ‘cultura mundial’ es la desaparición de nuestras raíces como pueblos y de nuestra herencia cultural.

Me doy cuenta de la paradoja de este punto de vista puesto que creo que en esencia la gente es la misma en todo el mundo pero las diferencias en términos de arte, mitología, etc. son únicas y se deben atesorar por ello. Sin embargo se ha puesto de moda reducir estas diferencias a una fórmula, como una especie de estereotipo sintético, y eliminar la espiritualidad inherente al original. n

Mirando atrás veo a Zoviet France como un ‘campo de pruebas’, un experimento necesario que creó un proceso de creación de sonidos. En este sentido pienso que muchos aspectos de Rapoon se extraen de métodos iniciados por Zoviet France.

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P///SONAR 97

mixmaster morris electronic listening

Este delgaducho y pálido hombre de 34 años no para de ir arriba y abajo del globo terrestre con sus maletas llenas de discos impredecibles, galácticos, suspirados.

Mientras recorre mentalmente este viaje ambiental alrededor del mundo, su cuerpo se agita con la misma vehemencia con la que persigue inventar nuevas formas de combinar sonidos. Sus palabras se persiguen unas a otras en un esfuerzo por alcanzar esa rotación imparable de la música que desemboca siempre en una manera diferente de escucharla.

4 El espacio chill-out se ha vuelto a quedar estrecho para recoger las nuevas direcciones a las que se dirigen las propuestas electrónicas. La globalidad que predijo como Irresistible Force en 1994 se ha trasmutado en un encuentro mestizo con los ritmos más cálidos y las separaciones que antes estaban tan claras entre pista de baile y electronic listening ahora vuelven a parecer innecesarias. La pequeña pista del Moog barcelonés fue testimonio de este intercambio que avanza el músico inglés desde la cabina: gente sentada en plena pista de baile, gente bailando con bandas sonoras.

Se trata del escenario del futuro que ya está cambiando conforme alguien interviene en su formación. Morris se escapa siempre de su propia visión. Pero nadie mejor que él para descifrar la fórmula.

Fotos Archivo Self Texto Vicenç Batalla

-Pincho en chill-out’s de todo el mundo, pero actualmente los estoy dejando por las segundas salas. Ahora son más populares que las pista centrales porque en Inglaterra se está produciendo un acercamiento con la música house y la gente quiere oir nuevas formas. Hay un nuevo interés por parte de los Dj’s de house que coincide con los de chillout. Muchos de ellos se están encontrando en la misma pista. Un discjockey como DJ Food es un ejemplo de Dj de ambient que está pinchando en

la pista principal. (Y se sirve de las manos para golperalas sobre la mesa y comparar las diferencias de sonido entre las salas primeras y segundas). ¿Encontraste diferencias entre el público del Moog y tu sesión de hace tres años en el Sónar? Hace tres años era nuevo aquí y no sabía cuál era el ambiente. Ahora creo que la gente conoce cosas más avanzadas. Sónar ha tenido una función parecida al Midem o festivales similares, pero es mucho más cool. No está tan condicionado por los negocios. ¿Los discjockeys locales dicen que si pusieran la misma música que tú, nadie bailaría? Es lo bueno de ser Dj internacional y no residente en un club. Si eres residente y la gente no baila, corres el riesgo de perder tu trabajo. Yo, en cambio, puedo

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atraverme a cosas más arriesgadas.

Tu agenda incluye ciudades de todo el mundo.

Prefiero pinchar fuera de Londres porque allí la gente parece sentirse perdida si no conoce el estilo.

Cuando pongo drum’n’bass en Japón o en California la gente también se extraña, pero lo aprecia como algo experimental. A mí no me gusta el jungle. Si puedes describir la música con una palabra ya no me interesa. No me gusta la música que se puede describir. No me interesa la gente que se deja llevar por unas pautas establecidas, que copia las normas, que sigue un drum’n’bass tipo Bukem, sino los discjockeys que ponen música por ellos mismos. ¿Pero en estos momentos tú te identificas con el drum&bass? Yo pongo drum’n’bass futuro, como techno futuro. Cuando oyes a Jeff Mills sabes que es techno, aunque no lo hayas oído antes. No porque se haya dedicado a seguir un determinado techno de Detroit.

¿Tienes algún interés por la new age? ¿New age o new edge? No me gusta la new age, sino el new edge (nuevo borde). New age es old age. Prefiero el new edge, es mucho más excitante.

MIXMASTER MORIS ELECTRONIC LISTENING

¿Qué diferencias haces ahora entre un chillout y un club? Hace tres años, el drum’n’bass era jungle y había jungle y ambient, dos estilos contrapuestos que no tenían nada en medio. En 1994 empecé a poner temas que los mezclaba y se convertían en ambient-jungle. La gente se quedó muy sorprendida. Desde entonces, ambient y jungle se han acercado y han intentado una nueva fusión.

Actualmente, hay mucho drum’n’bass que no está dirigido a Djs de jungle, sino que está pensado como listening music para oir en casa. ¿Existe realmente gente interesada en esta evolución? Creo que si. El futuro del drum’n’bass y del jazz en su conjunto es atraer a la gente que no ha estado interesada en el techno en los últimos diez años. Todos los músicos de jazz están empezando a experimentar con este tipo de sonidos.

John McLaughlin en Londres, a través de Drum’n’Bass Records, está haciendo cosas así. Y los mayores mercados de jazz son Japón y América donde hay mucha gente que ya sigue las nuevas propuestas. ¿Entonces el ambient, como estilo propio, qué futuro tiene? Es algo que lo trae los mismos tiem-

A mí no me gusta el jungle. Si puedes describir la música con una palabra ya no me interesa. pos. No lo siguen el mismo número de personas que hace cinco años, pero aunque no sea un estilo predominante, tampoco ha desaparecido. El ambient está empezando continuamente y ahora hay un nueva generación de krautrock, con bandas como Tortoise que tocan en pequeños clubs de chillout de Alemania. Hay diez clubs de ambient en todo el mundo y cada mes se abre uno nuevo. ¿Te gustaba el jazz hace cinco años? ¡Claro! En el Festival de Glastonbury de este año tocaré en el stage de jazz al lado de músicos solistas y Djs. Será atractivo. El jazz es improvisación, como el techno y el drum’n’bass. Además tengo la misma actitud

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ante el jazz que ante el techno. No me gusta escuchar jazz ordenado o jazz de supermercado, como tampoco me interesa un techno de supermercado.

Cuando Miles Davis o Derrick May han hecho música no ha sido para entrar en las listas de éxito, aunque el resultado ha sido el de dos genios. Los discos que venden más de jazz son los de Kenny G., pero es horroroso. Davis nunca tuvo necesidad de un hit. ¿Los locales de jazz están cambiando? Las salas de jazz de Londres están llenas de gente bailando jungle. Se trata de un melting-point entre una pista de jazz y otra de jungle. Hay una emisora de jazz que emite drum&bass. Hace diez años había

acid jazz, Gilles Peterson y gente así. Era realmente bueno, luego lo mataron. Ahora hay gente como DJ Food que le ha dado una dimensión futurista.

No jazz aburrido, sino ensayando diferentes mixes.

Esto sí que es excitante. ¿Es la bohemia del próximo siglo? Chill-out es una forma de música cerebral. Antes del techno había estilos como el Electronic Body Music y similares. Nunca estuve interesado por ello, sino por la Electronic Head Music. Mi background proviene del krautrock, el minimalismo y la electrónica puestos juntos para constituir el electronic listening.

Gente como James Lavelle utiliza también música cerebral, pero incorpora hip hop y jazz al ambient.

Muchos clubs en Inglaterra, también en Nueva York, lo han adaptado porque la mayoría de la gente no quiere bailar cada día de la semana ni tomar siempre éxtasis. Su deseo es encontrar amigos y beber y necesitan música apropiada. Estos nuevos sonidos se están oyendo en sitios diferentes de Londres, no sólo en los clubs de techno, también en cines, teatros, bosques, montañas, en lugares más excitantes que los clubs. ¿Continuarás colaborando con Peter Namlok?

Teníamos que tocar juntos el mes pasado en Alemania (febrero), pero tuvo una inundación en sus estudios y se le dañó el equipo. ¿Cuál es tu relación con DJ Food? Somos amigos. Estuvimos juntos en una fiesta en California las pasadas Navidades. Tocamos la noche de Fin de Año en Los Ángeles, en el Estadio Olímpico, pero la policia entró antes de la medianoche. 10.000 personas habían pagado unos 20 dólares para entrar. Fue un auténtico asalto. La policia se peleó, tiró gas, bolas de goma... ¿Es más difícil organizar fiestas techno en América que en Inglaterra? Sí, la violencia es peor, la policia es peor, los gangs son peores. Pero me gusta pichar en América porque los mejores acontecimientos se celebran en el campo, donde no aparecen las cuadrillas de la ciudad. Las fiestas más interesantes de este año se han hecho en

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mixmaster morris electronic listening 4 el desierto. En San Francisco, cada mes se celebra una coinciciendo con la luna llena, fuera de la ciudad. ¿Te interesa la música goa? (Se pone la mano en la nariz). Muchos de mis amigos están metidos en esto. Odio la música, pero me gusta la gente. Participo en fiestas goa pero no pincho techno, sino que llevo un repertorio realmente psicodélico. Trance y techno no son la misma música.

El trance, en todo caso, sirve para entender mejor el techno. Este año ha vuelto el techno a Inglaterra, con gente como Dave Clarke. No es mi amigo pero realmente pincha techno, no trance.

Mucha gente que lo oye en la radio, es la primera vez que escucha este tipo de música. Es techno que empezó en Detroit, no en Goa. ¿En Alemania fundamentalmente se oye trance? No, el hardcore ha muerto en Alemania.

La gente quiere conocer house, electro, hip-hop, drum’n’bass , ambient. Es bueno porque hasta hace poco todo era hardcore. Alemania es uno de los mejores sitios para pinchar. Siempre está cambiando. Hace dos años era Berlín y Frankfurt.

Ahora es Munich y Hamburgo. En Hamburgo existe uno de los mejores clubs de ambient del mundo. Incluso hay un espacio chill-out especialmente para mí. ¿Contribuyen a este cambio gente como Chemical Brothers o Prodigy? ¿Comicals Brothers?, ¿Prodigy? (se vuelve a sonar con la nariz).

A mí me gusta la música underground, pero esto no tiene nada que ver. ¿Japón es para ti un ejemplo mejor? Japón está bien. Muchos sellos japoneses publican trabajos de artistas que no pueden hacerlo en Inglaterra. Gente como Derrick May no encuentra posibilidades en Inglaterra pero sí en Japón.

Lo mismo le ocurre a Aphex Twin, Autechre o Black Dog. ¿Es extraño? No lo es. Si haces algo progresivo, debes estar luchando siempre. Si quieres poner música diferente, no puedes hacerlo en los clubs

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Selección Mixmaster Morris para Self • Novedades - ‘Jimpster’ (Freerenge) - ‘Sensorama’ / Global Communication (Ladomat) - ‘Guido Zen’ / Ep (Pick’n’Mix) - ‘Jay Mazik’ / Mermoids (Mo’Wax) - ‘Air Modular’ (Sourcelab) • Clásicos - ‘Electric Garden’ / Conrad Schnitzler (Spalx) - ‘In a Silent Way’ / Miles Davis (CBS) - ‘Music for a 18 Musiciens’ / Steve Reich (ECM) - ‘Ptah The El Daoud’ / Alice Coltrane - ‘Ambient 3’ / Laraaji (EG)

• Discografía como Irresistible Force - ‘Flyng Force’ (Rising High, 1992) - ‘Global Chillage’ (Rising High, 1994)

conocidos. Cinco, seis años atrás yo montaba mis propias fiestas (con The Shamen, Orbital, etc) y podía programar lo que quería. Pero la mayoría de clubs en Inglaterra son muy conservadores: Cream, Ministry of Sound... Son clubs de la industria musical para gente que gasta sus fines de semana en las discotecas. ¡Qué cosa más terrible destruirse uno mismo con cosas como los remixes de las Spice Girls! Vaya mierda. ¿Cuántos días del año pasas en casa? Es un non-stop. n

• Mixes - ‘Morning After’ (Positiva, 1997) • Con Peter Namlok - ‘Dreamfish I’ (Fax Records, 1993) - ‘Dreamfish II’ (Fax Records, 1995) • Página Web http://www.southern.com/mmm

Antes del techno había estilos como el Electronic Body Music y similares. Nunca estuve interesado por ello, sino por la Electronic Head Music. Mi background proviene del krautrock, el minimalismo y la electrónica puestos juntos para constituir el electronic listening.

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geometrik

surtido de galletas/roscos integrales

“El objetivo es crear una situación de normalidad con respecto a la música experimental, de la que en general se tiene un conocimiento casi esotérico”. Estas palabras eran pronunciadas hace poco por Víctor Nubla (ver entrevista en este mismo número) en mayo de este año.

4 Quiere decir que a estas alturas de la vida el público es quien en última instancia decide qué es normal y qué una anomalía, aún no se ha acostumbrado a ciertas músicas, ya sea por pereza intelectual, porque no se han enterado de que existen o porque definitivamente no les interesa.

El caso es que esta situación de normalidad no conseguida a punto estuvo de hacerse realidad a mediados de la pasada década, cuando docenas de desinhibidos músicos y antimúsicos se lanzaron a la arena de la autoedición e intercambio de cassettes, creando una red bastante compleja (y, aquí sí, algo esotérica), cuya vocación oscurantista marcó su fecha de caducidad.

Esplendor Geométrico, nuestro grupo industrial más conocido en el extranjero, decidien en 1985 crear una plataforma que les permitiera publicar sus discos sin intermediarios, sin censuras ni injerencias y lejos de los postulados secretistas de la mayoría de practicantes del intercambio. La singladura de Discos Esplendor Geométrico por los procelosos mares de la edición discográfica se iniciaría con la botadura de ‘Comisario de la Luz/Blanco de Fuerza’, segundo álbum del grupo madre.

Un año más tarde, el miembro en la sombra, Andrés Noarbe pasa a dirigir el sello para permitir que el grupo se centre exclusivamente en los asuntos creativos. Aprovechando la experiencia y los contactos conseguidos decide grabar y distribuir trabajos de otros náufragos discográficos, en principio ajenos al dúo esplendente pero afines en cuanto a intenciones e inquietudes. Se sentaban las ba-

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Foto Archivo ULP Texto Leather Rebel

Conrad Schnitzler, Asmus Tietchens, AvantDernières Pensées y Comando Bruno, De Fabriek, Eduardo Polonio, Jabir, Gen Ken Montgomery, Jorge Reyes, Das Syntetische Mischgewebe, Mecánica Popular y los recopilatorios ‘La Zona’ y ‘Barcelona Sampler’.

Felices tiempos aquellos en que se podían editar 22 discos de música rarísima en tan sólo cuatro años. Además de los vinilos distribuyeron cassettes de gente como La Otra Cara De Un Jardín, Doénado El Ur, Doxa Sinistras, Club Of Rome o Pascal Comelade.

En 1989 es publicado ‘Live In Utrecht’ , de Esplendor Geométrico, última referencia del sello. El advenimiento del formato de disco compacto, que encarece el proceso de edición, iba a determinar que los nuevos lanzamientos, con el nuevo formato, empezaran a salir con cuentagotas. Geometrik, nombre con el que Noarbe bautiza el nuevo sello, indica que existe una relación con su antecesor pero que no es exclusivamente propiedad del grupo.

El catálogo de Geometrik consta en la actualidad de doce referencias que abarcan un espectro bastante heterogéneo (sin llegar quizá a la extrema pluralidad del sello original) en el que cabe señalar el progresivo decantamiento hacia el techno en detrimento de materiales más arriesgados. n

ses del acercamiento a esa ‘normalidad’ tan perseguida: se editaban discos, se veían en las tiendas y la prensa (establecida o fanzinera) se hacía eco de su lanzamiento. Un período de efervescencia que ha sido lo más parecido que hemos tenido por estos pagos a una ‘edad de oro’ de la música experimental (o como quieras llamarla).

En sus cuatro años de existencia el sello publicaría nada menos que 22 referencias, del grupo fundador y de francotiradores como Macromassa,

Si deseas recibir los boletines que publica Rotor puedes solicitarlo escribiendo a: ROTOR, Apdo. 18041; 28080 Madrid

Material disponible (Discos Esplendor Geometrico / Geometrik) • Varios ‘La zona’ (Lp, 1988) • Gen Ken ‘Beyond my ken’ (Lp, 1988) • Mecánica Popular ‘¿Qué sucede con el tiempo?’

(Lp, 1989) • E.G./M.S.B ‘Control remoto 1.0.’ (Cd,1992) • Francisco López ‘Azoic zone’ (Cd,1993) • Jorge Reyes ‘Comala’ (Cd, 1993)

• E. Geométrico ‘Veritatis splendor’ (Cd, 1994) • E. Geométrico ‘1983-1987’ (Cd, 1994) • Most Significant Beat / Dose Zero ‘Control remoto 2.0’ (Cd, 1995) • Varios ‘Electronic Generators’ (Cd, 1995) • Inducing the pleasure dreams (Cd, 1995) • I.P.D. ‘Radiomoog 96’ (Cd, 1996) • E. Geométrico ‘Balearic rhythms’ (Cd, 1996) Próximamente: • Earcloud ‘The world before’ (Cd)

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P///CYBERIA VINYLS

jimi tenor el músico post-techno Este teclista amante de la lo-fi mezcla influencias de los 50, 60 y 70 en un cóctel sonoro que debe tanto a Miles Davis como a Gary Glitter. Humor, ironía y un desparpajo desarmante a la hora de usar las máquinas son sus armas. Jazz de ascensor, ritmos disco y letras espaciales son sus ingredientes. Su último trabajo se titula ‘Intervision’ (Warp/Cosmos) y le ha hecho despegar como el primer artista de cabaret encuadrable en el techno.

4 Los tiempos en que las fronteras entre el pop, el rock y la música electrónica eran nítidas han quedado atrás. No hay más que ver a este finlandés rubiales y travieso para convencerse de ello.

Es difícil decidir si este tío es un freak atolondrado o un candidato a Eurovisión que tomó el mal camino. Quienes le intentan definir en dos líneas insisten en su desasosegante y simultáneo parecido con Andy Warhol y Elton John, y en su ecléctico repertorio de referencias, donde caben Sun Ra, Suicide, Barry White, Curtis Mayfield, Tom Waits, Isaac Hayes, Esquivel o Cameo.

Se llama realmente Lassi Lehto, pero como eso sonaba a nombre de perro fuera de Escandinavia se lo cambió por Jimi Tenor. Pasó doce años estudiando música y al final lo echaron de la escuela, aunque lo aprendido le sirvió para ejercer de hombre orquesta tanto en sus discos como en sus actuaciones. En su último trabajo canta, toca la flauta, el saxo, el órgano Hammond, la batería y los sintetizadores, aunque en ninguno de esos instrumentos es precisamente un virtuoso, cosa que tampoco pretende.

Su primer disco, ‘Sähkömies’, lo editó a través del sello de culto finlandés Sähkö y se trataba de retazos de baja fidelidad con solos de saxo sobre ritmos erráticos. Una colección de susurros cohesionados a base de efectos y grabados en un cuatro pistas. Por aquel entonces (1995), el propio

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Foto Cosmos Records Texto Boris Rimbau

Tenor dirigió una película de 44 minutos filmada en 16 mm que explicaba de forma poco convencional cual era la filosofía de Sähkö.

Ya se notaba entonces lo que queda claro en su reciente trabajo ‘Intervision’ (Warp/Cosmos): el amor por la chatarra electrónica obsoleta es una de sus señas de identidad. ‘Intervision’ está realizado con sintetizadores analógicos rusos y un dos pistas soviético, aunque el resultado está

enriquecido en un estudio de 24 pistas.

Su vida es tan caótica como sus influencias musicales. Durante años se ha dedicado a ejercer de fotógrafo turístico en el Empire State Building neoyorquino. En Berlín repartía a domicilio galletas de chocolate; en Barcelona empezó una colección de gafas de sol que, al parecer, ha alcanzado dimensiones que amenazan a la de Elton John y ahora se debate en la duda de quedarse en la ruinosa granja sin agua corriente en la que vive en las afueras de Helsinki o venirse a vivir, por ejemplo, a Mallorca.

Además de con sus ruiditos, Jimi se divierte con una marca de ropa que ha bautizado como Tenorware. La primera pieza diseñada por él fueron unos pantalones con larguísimas cremalleras en las piernas, de modo que el usuario puediera ajustar la anchura de las perneras. Conviene llevarlas abiertas, pues sólo así se ve la etiqueta. Una etiqueta que el finlandés también vende por separado para que te las puedas enganchar en tus prendas favoritas y convertirte así en diseñador apócrifo de Tenorware.

Confiesa cierta aversión a la perfección técnica que destila gran parte de la música de baile actual. Una perfección mecanicista, consecuencia según él del uso sin criterio de los ordenadores y la tecnología. Él prefiere la imprevisibilidad de la tecnología analógica y el espíritu jazzístico en la interpretación. Siembra la confusión para llevar el agua a su molino. Tal vez por eso despierta reticencias e incluso inspira desprecio a los ortodoxos de la música electrónica. Jimi Tenor vive para demostrar que después de la apoteosis del techno hay más cosas que las que Moby cree. n

En su último trabajo canta, toca la flauta, el saxo, el órgano Hammond, la batería y los sintetizadores, aunque en ninguno de esos instrumentos es precisamente un virtuoso, cosa que tampoco pretende.

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telefilme techno en clave pop

El sello Elefant es como una gran madre. En su panza gris verdosa de pop de caramelo se acogen todo tipo de proyectos, grupos paralelos y raras avis que buscan compresión entre sus colmillos. De esos grupos hay unos que necesitan que los mimen más que otros, precisamente porque ofrecen más ternura que otros.

Uno de ellos hace que tenga valor de nuevo la palabra dúo: Telefilme.

4 Todo lo contrario que el Dúo Sacapuntas o la visualización simple de un dúo de cubos de basura juntos. Ansiamos que este dúo pueda tener la repercusión que tuvieron el Dúo Dinámico en su época de esplendor en la hierba, porque molan y se lo montan bien El dúo en cuestión lo forma David García, un autentico creador musical que cuando lo escucho con su grupo Beef, no necesito hacerlo con luz porque encuentro compasión en la oscuridad de su música. Y el otro componente en cuestión es Tito Pintado, vocal de ese grupo tan desmelenado musicalmente como lo son Penélope Trip.

Tito y David forman la química justa que se necesita para crear Telefilme, un proyecto que nació el año pasado y que destacó en las estante-rías de los tenderetes musicales gracias a una portada amarilla eléctrica que tiraba para atrás de lo endiabladamente cantona que resultaba. Sobre ese amarillo encendido se suspendían una serie de imágenes revueltas, puestas sin ton ni son, que anunciaba el desorden y la poderosa intuición musical que ahí dentro se podía encontrar. Y era verdad. Una vez escuchado, te dabas cuenta que la portada y el interior no eran una cosa reñida.

Hay gente a la que le sonaba a tomadura de pelo tanto la portada como el interior. Hay gente que le parecía fantástico el desorden de la portada como el desorden musical del interior. Pero a nadie de los encuestados le pareció maravillosa la portada y un rollo el interior y viceversa. Curioso,

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Foto Elefant Texto Antonio Baños

curioso. Telefilme para todos ha resultado un bloque. Ahora falta saber si era un bloque de cemento o un bloque de aire de otro planeta.

Personalmente, creo que el techno practicado por los Telefilme no pretende otra cosa que ser el techno nostálgico que escuchaba mi hermano Mario Baños cuando tenía 24 años. Un techno amable,

desindustrializado y lleno de Casiotones, que suenan hoy, en comparación con la tecnología punta, como el ruido de la vieja boina del payés cuando se la quita. Pero escuchen ‘Il Diabolo’, es una maravilla y da igual si esta hecha con el chirrido del sonido de un armario como con el “electromindunguis” de última hora. Es una joya de la melodía como Dios manda, coño. De esas que suben por el estómago y acaban haciendo arquear las cejas. Melodías en clave de pop. O mejor, de retropop. Una melodía que mira hacia atrás y le da sopa con ondas a los que presumen de hacer melodía del presente, para estar chuleando en este Sónar que se nos viene encima.

(Por cierto, ¿por qué los chicos del Sónar no han invitado nunca a Telefilme?).

Ahora Telefilme está a punto de sacar una nueva marcianada que lleva por nombre ‘Castastrophe Baby’. Probablemente será una nueva excentricidad dentro de este pop nacional que hoy tanto están enjuiciando las lagartijas de oro de la crítica nacional. Pero parece ser que esta vez la guitarra de David se va a descollar libremente de sus hombros haciendo compañía al teclado. A diferencia de la película de Cronenberg, David y Tito quieren demostrar con este disco que teclados y guitarras no tienen porque ser hermanos inseparables. Dentro también encontraremos una versión de Sonic Youth de su tema ‘Protect me you’. Y dicen que lleva dos temas que son la bomba: ‘Pop Corn Videodrome’ y ‘Devil Plus II’. Cuidado, apártate, en 3 segundos va ha estallar...1,2,3, responda otra vez. n

Discografía ‘Fade In, Fade Out’ (Cd, 1996), ‘The Mix’ (single, 1996), ‘Catastrophe Baby (Cd, 1997) y ‘Pocket Horror Baby’ (Cd, saldrá a finales de 1997)

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Núm. 5 Richard D. James • G3G Aviador Dro • Kraftwerk (2) 32 Guajar’s Faragüit Stocha/Konic Thtr Einstürzende Neubauten

Núm. 8 Richie Hawtin • Prozack Coldcut • Ramón Ledesma Slam • Dive • Incoming!

Popular 66 • CJ Bolland Sun Electric • F. López Cosmos • Bristol Esplendor Geométrico Daft Punk • Tim Burton

Núm. 6 Sónar 96 • Iury Lech República Sonora • Spicnic Uwe Schmidt • Ninja Tune Underworld • Pet Shop Boys

incluye temas ineditos Y NUEVAS REMEZCLAS DE

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ARCOS DE NEPAL, PROZACK, MADELMAN, REPUBLICA SONORA, FEEL ACTION, SILVANIA, IBERIAN SPLEEN, ALEX MARTIN, ACTIBEAT, VICTOR SOL, JUMO, ESPLENDOR GEOMETRICO, FANGORIA, POPULAR 66, PROTOZOO, ELECTROPEZ, TEEN MARCIANAS, EARCLOUD, VANGUARD, AMBAR, SINUSOIDAL, ESCUPEMETRALLA...

DIRECCIÓN POBLACIÓN PROVINCIA

C.P. TELF.

Doble cd A lA VeNtA en octubre

:wumpscut: magisterio del dolor

Seis años lleva el alemán Rudy Ratzinger inmerso en su personal tesis sonora sobre el Sufrimiento, el Dolor y la Muerte.

Considerada por muchos baluarte del dark body, la de :Wumpscut: es una de las propuestas más innovadoras y excitantes que ha dado la escena electro en esta década. Una deslumbrante luz negra que está abrasando medio continente.

4 La dedicatoria que preside ‘Embryodead’, el tercer y último álbum de :Wumpscut: va dirigida "a todos los fetos que tienen la sensatez de morir en el seno de sus madres antes de que puedan ser arrojados a este mundo lleno de odio ciego. Ellos no sabrán lo duro que es vivir sin razón ni sentido alguno...". Ésta es sólo una pequeña muestra de la obstinación de Rudy R. en presentar la realidad humana bajo su ángulo más agresivo, más hiriente. Una visión de la vida, amarga y desolada como pocas, que encaja a la perfección con la música fría e intensa a la vez que ha convertido a este músico natural de Landshut (Bavaria) en un auténtico fenómeno de culto en gran parte de Europa.

Después de varios años pinchando en clubs de EBM (Electronic Body Music) y gothic, Rudy R. comenzó a interesarse en componer temas propios y fundó el proyecto en solitario :W: en marzo de 1991. "En mis inicios me ayudaron mucho Peter Devin y Dominique Van Reich, componentes de Yelworc (banda alemana ya desaparecida), y así en pocos meses pude grabar dos demos, ‘Defcon’ y ‘Small Chambermusicians’, que empecé a mover por algunas compañías". Entre ellas estaba Vuz Records, que enseguida reconoció en esos trabajos embrionarios el talento y la originalidad con que el ex-Dj combinaba bellas melodías sintéticas (por entonces en un segundo plano) con frenéticos ritmos industriales y EBM, generados por secuenciadores y samplers. El interés del sello germano cuajó en la participación de :W: en el vol. 1 del sam-

Tribu asesina Tanto prensa especializada como público dieron palmas con las orejas ante la aparición, en diciembre del mismo 93, del apabullante Cd de debut ‘Music For A Slaughtering Tribe’. No había para menos. Nadie dudó en ensalzarlo ipso facto como punta de lanza del dark body -el movimiento de profundas raíces industriales que reformula la fenecida EBM restándole programación e incorporando melodías oscuras y siniestras y que nos ha brindado proyectos tan apasionantes como Numb, Placebo Effect o Calva y Nada.

El bautismo oficial de :W: brilla exultante por

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Fotos Archivo TL Texto Toni López / Taschen

pler ‘New Forms Of Entertainment’. Era enero de 1993 y el asalto definitivo no tardaría en llegar.

su fuerza y por una inusual riqueza de sonidos que abarca desde bases industriales muy potentes a lo Dive (‘Koslow’) hasta elementos de Calva y Nada o Leaether Strip, pasando por el estilo más bailable de cortes como ‘Soylent Green’ o la tétrica belleza de la balada ‘She's Dead’. Todo ello aderezado con una voz que nos remite a la distorsión agrietada, en forma de susurro gutural o grito quejumbroso, que a mediados de los ochenta pusieron en danza pioneros canadienses como Skinny Puppy o Front Line Assembly.

Luego llegaron dos MCd's: primero ‘Dried Blood’ (94) bajo los auspicios del sello industrial radical Ant-Zen y después ‘Gomorra’ (95) con el que Rudy R. inauguró su propio sello, Beton Kopf Media.

Composiciones como las geniales ‘Black Death’ y ‘In the Night’ o la antiracista ‘Untermensch’ (su único tema con mensaje político) presagiaban algo realmente grande. Y vaya si lo fue.

Discografía ‘New Forms Of Entertainment’. Vol. 1(Cd, Sampler de Vuz Records, 1993), ‘Music For A Slaughtering Tribe’ (Cd,1993), ‘Dried Blood’ (MCd, 1994), ‘Gomorra ‘(MCd, 1995), ‘Bunkertor 7 ‘(Cd, 1995), ‘Bunkertor 7 ‘(CD Box, edición limitada de 1.000 copias, 1995), ‘Mesner Tracks’ (Cd de rarezas, 1996), ‘Remix Wars: :W: & Haujobb’ (Mcd compartido, 1996), ‘Embryodead’ (1997), ‘Music For a German Tribe’ (versión box de ‘Embryodead’, 1997)

Morir en invierno El primero de septiembre de 1995 será recordado por muchos como el día en que apareció ‘Bunkertor 7’. Con un innegable eclecticismo como telón de fondo, Rudy R. había creado su obra magna. En ella melodías y atmósferas alcanzan cotas de inspiración y calidad sin igual. Canciones como la sublime y fúnebre ‘Die in Winter’ sacuden el alma. Al sonido electroindustrial y agresivo que ya conocíamos (‘Dying Culture’) se le añaden en proporciones precisas unas pinceladas medievales (‘Thorns’, preciosa) e incluso crossover (‘Mortal Highway’), que ponen la guinda a un disco excepcional. ¡Si hasta samplea con acierto las flautas del ‘Stairway to Heaven’ de Led Zeppelin! Todos los temas, del primero al último, son dark body elevado a los altares, auténticas joyas que puedes paladear en solitario o gozar como un poseso en una pista de

"Mis letras son como pesadillas, pero yo las adoro.

Cuando acabo una canción siempre me queda un sabor a muerte, a asesinato" baile. La edición limitada en box con un Lp extra titulado ‘Preferential Legacy’ se esfumó hasta del almacén de la distribuidora, !sólo con los pedidos previos!

Hablamos de uno de aquellos discos con los que el oyente establece una relación personal, íntima. Y sin duda las tortuosas letras que siempre han caracterizado a :W: juegan un papel clave en este proceso. A través de ellas, Rudy R. exorciza sus emociones más extremas: "Sé que son como pesadillas, pero yo las adoro. No lo puedo remediar, se deslizan a través de mis dedos. Cuando acabo una canción siempre me queda un sabor a muer-

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te, a asesinato". Como para provocar una aplopejía al psicoanalista más curtido: rabia, angustia, caos, impulsos autodestructivos, instinto de muerte... y por ende, un insanable complejo de Edipo, conmovedor y desgarrado.

Antes de engendrar su siguiente álbum el bávaro supo aprovechar muy bien el momento dulce, que se dice. Para empezar tuvo un detallazo con los fans al editar el Cd de ‘rarezas’ ‘Mesner Tracks’. En realidad, tras la pareja de ancianos de la cubierta, nos encontramos varios temas hasta entonces sólo disponibles en conocidas recopilaciones, como las remezclas de ‘In the Night’ y

:WUMPSCUT:

MAGISTERIO DEL DOLOR

‘Mother’ o el demoledor ‘UK Decay’, más algún tema inédito y primerizo (‘Running Killer’) y colaboraciones ilustres como la de Ernst Horn (Deine Lakaien) que pone su maestría en el arte del sampler al servicio del remix de ‘Jesus Gone’, cuya versión original aparecía en la segunda maqueta de :W:. Lejos de ser una curiosidad para completistas, ‘Mesner Tracks’ es una referencia básica en la discografía de :W:.

De repente, guerra En el marco de la fiebre mundial por las remezclas que vive la música electrónica, la compañía alemana, como no, Off Beat inauguró en marzo del año pasado le serie ‘Remix Wars’, cuyo primer asalto enfrentaba precisamente a :W: con la elegante mezcla de electro-dark y techno inteligente que practican los también alemanes Haujobb. La contienda se resolvió con un desenlace que no podemos calificar sino de GENIAL (total, a los plumillas firmantes hace rato que se nos ha visto el plumero).

Como dijo el fanzine canario El Produkto Kinetik (número 11): "Es :Wumpscut: cibernético y bailable y es Haujobb tocado por la mano de Dios".

Sigamos. Rudy R. recuperó los derechos de su primer álbum (que hacía casi medio año que no se encontraba en las tiendas) y lo reeditó en goloso formato digipack con Cd extra de remezclas a cargo de una selecta lista de invitados: Remyl, Brain Leisure, VNV Nation, Kirlian Camera y, especialmente destacados, Stigma (ambient-industrial de qualité) y los mencionados Haujobb. Y tras este paréntesis tan provechoso, por fin llegó el momento en que debía encerrarse en su estudio de Landshut e intentar superar el magistral ‘Bunkertor 7’. Cuando escribimos estas líneas, el disco está aún muy reciente y no vamos a entrar en el debate sobre si lo ha conseguido o no.

Lo cierto es que en ‘Embryodead’, la faceta agreste de :W: persiste gracias a la contundencia y sequedad rítmica de cortes como ‘Slave to Evil’ o el brutal ‘War’, pero en conjunto se trata de un tra-

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:wumpscut: magisterio de dolor 4 bajo de orientación más melódica. Mucho más de lo que nadie esperaba, incluso su propio creador: "En un principio no quería que hubiese tanta melodía. Pero pasaron muchas cosas en mi vida durante la producción. Sandra, mi novia actual, entró en mi vida, nos mudamos de casa...y el disco ha reflejado estos cambios emocionales. Por ejemplo, no he podido evitar escribir mi primera canción de amor, ‘Angel’. Tampoco me he resistido a incluir algunos sonidos estilo Haujobb, para mí su ‘Solutions For a Small Planet’ fue el mejor lanzamiento del 96.

Eso sí, en el disco también hay material muy duro y por supuesto letras sobre dolor y muerte. Mi fascinación por estos temas no ha cambiado...".

‘Embryodead’ (del que existe una versión limitada en box que incluye un Cd llamado ‘Music For a German Tribe’ y cachivaches varios) rezuma calidad por todos lados. Es la prueba definitiva de que nos hallamos ante uno de los mayores descubrimientos para la música electrónica de fin de siglo. Ya aguardamos ansiosos una nueva entrega de este tratado sobre el dolor que paradójicamente libera tanto placer en nosotros. Igual suena muy retorcido, pero no podemos evitar fantasear sobre lo que sería capaz de componer Rudy R. si terminara su relación sentimental...n

Y es que aunque lógicamente sus preferencias musicales se centran en el por otra parte amplio espectro de la música oscura, Rudy R. no les da la espalda a otros tipos de música electrónica: "Tricky y Prodigy son mis grupos favoritos de fuera de la escena. Sobretodo Tricky está haciendo cosas relmente nuevas e interesantes.

Esperemos que no muera pronto de consumir tanta química, se le ve muy apagado. Orbital y Spooky también están muy bien. Pero las perso-

Repartiendo muerte Por Toni López

nas más innovadores e influyentes para mí han sido Tic Tac Toe, Dirk Ivens (en sus inicios con Klinik), Claus Larsen (de Leather Strip) sobretodo su increible ‘Serenade for the Dead’, Cevin Key (Skinnny Puppy, Download), Aphex Twin, los cineastas Terry Gilliam (‘Brazil’) y Jeunet & Caro (‘Delicatessen’)...mi madre, por supuesto, y mi amigo Salt (de Ant-Zen Records) que se encarga del ‘artwork" de mis discos.’ N

Rudy Ratzinger ha volcado su turbia imaginación en otros proyectos aparte de :W:. En 1995, colaboró con los italianos Kirlian Camera en su disco ‘Solaris- The Last Corridor’, versioneando conjuntamente su propio tema ‘Dying Culture’, rebautizado aquí como ‘Heaven's Corridor’. Más profunda fue la sociedad con Raoul Revere en el proyecto industrial minimalista Noisex. Revere hizo los loops básicos del álbum ‘Out of Order’ (96) mientras que Rudy R. se encargó de los arreglos y la parte vocal. El resultado fue brutal, extremo, de un tremendo poder desencajante, pero nada original: rozaba el plagio descarado a íconos del género como Esplendor Geométrico o SPK. Mención aparte se merece su participación, en las labores de masterización, en el disco ‘Signum’ (96) de P.A.L. Se trata éste de un proyecto también en solitario de Christian Pallentin, un artista de Munich, al que Rudy R. conoce desde su época maquetera y al que incluso enseñó a utilizar su equipo. El disco es uno de los mejores que jamás ha lanzado el sello radical Ant-Zen e integra influencias de la mejor EBM (Klinik, F.L.A.) al ruidismo mecánico y la virulencia rítmica que nos legaron clásicos industriales de la talla de Throbbing Gristle o Test Dept. N

Rudy R. presenta la realidad humana bajo su ángulo más agresivo, más hiriente. Una visión de la vida, amarga y desolada como pocas, que encaja a la perfección con la música fría e intensa a la vez que ha convertido a este músico en un auténtico fenómeno de culto en gran parte de Europa.

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P///MICROFUSA TIENDA

P///SENNHEISER

earcloud la revolución analógica earcloud: Víctor Sol y Álex Martín, Álex Martín y Víctor Sol. Lo analógico y lo digital se funden, las ideas se mezclan y la música nace.

4 ¿Cómo os conocísteis? A: Como tantos otros por el ‘Primera Mano’ y más profundamente por teléfono. V: Sin comentarios.

Después de conoceros por motivos tan poco artísticos, ¿cómo decidísteis trabajar juntos?

A: La causa de que trabajasemos juntos fue mi insistencia, principalmente... Y la posibilidad que nos ofrecía Hypnotism de sacarlo a la luz. V: Querido Alex, eso no es cierto... si que a lo mejor fue por insistencia tuya, pero la historia de Hypnotism no es del todo exacta. A: Hace tanto tiempo... V: Bueno, primero hicimos las grabaciones sin saber si se podría sacar esto en Cd. Una vez acabadas las grabaciones, contacté con FAX que me habían sacado un par de discos. Ellos estaban interesados pero como había una 909 y un Bassline en el disco no lo querían sacar. Esto fue porque en el 94 ya se había acabado la moda de poner estos instrumentos en los discos y eso que nosotros no los utilizamos de forma normal. A lo mejor también aquí se van a enterar algún día, je je. Y después dejé el master a Uwe/Atom Heart y él nos consiguió el contacto con Hypnotism (entonces Uwe hacía las carátulas de los Cd’s de este sello).

Mirando hacia atrás, ¿estáis contento de ese primer disco? V: Muchísimo, porque es una mezcla muy interesante de los ‘estilos’ muy distintos que tenemos Álex y yo. Tiene partes bastante oscuras pero también tiene su groove... A: Una de las cosas más importantes para mí fue lo que aprendí haciéndolo junto a Víctor. Fue el choque definitivo con la antítesis del secuenciador ‘midi’ y la tecnología fácil. Una forma distinta de trabajar que después ha influido en mayor o menor parte en mis trabajos posteriores. V: Creo que es un disco que funciona muy bien en su conjunto. Hay que entrar

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Foto Archivo Self Texto Black Muslim

en la musica que es bastante hipnótica. El nuevo disco es muy distinto y la cinta que hicimos para vosotros era a lo mejor demasiado cruda en algunas partes. Pero bueno, era solamente una cassette y una buena oportunidad para sacar un material no tan perfecto pero tambien interesante. A: Estoy de acuerdo. Aunque sea duro para las mentes de andar por casa, hay que intentar escucharlo entero... (je je) Respecto a la cassette, es el resultado de sesiones que hicimos para directo, no lo considero un Lp en toda regla, para mí es como si hubiésemos sacado un Ep con alguna remezcla.

Respecto al nuevo disco, sólo puedo decir que estoy muy contento, me parece que ha salido como las buenas cosas, sin pensarlo mucho pero poniendo muchas ganas. Se han recopilado trabajos de earcloud y gente relacionada directamente con el

‘clan’. También hay cosas mías en solitario y de Víctor. Por ejemplo, se incluyen algunas remezclas mías de Solphax que le regalé a Víctor para el día de año nuevo. En fin, este disco tiene un fuerte valor sentimental. ¿Por que no tocáis en directo? V: Pero chico, tocamos en directo. Por ejemplo en la fiesta del famoso SELF. Te has olvidado, ¿eh?

No me he olvidado. Repito la pregunta.

V: Es bastante difícil de hacer un directo, por lo menos para mí. Trabajo con aparatos viejos y no puedes almacenar sonidos, etc. Así que por mi parte normalmente tengo que improvisar mucho. Me encanta pero también me agobia mucho, así que prefiero sólo hacer un directo de vez en cuando, para ocasiones especiales. A: En fin, si él dice esto, que puedo decir yo... Tiene razón, mover esas máquinas implica un gasto de energía que necesita de un presupuesto y una asistencia, pero al parecer nadie parece comprender esto en este país. V: Ahora estamos intentando encontrar una nueva forma para tocar en directo. Significa trabajar con instrumentos más pequeños y más previsibles, con memorias y tal. Y aparte de estos, llevar un par de aparatos analógicos para las cosas divertidas. ¿Y el futuro? V: Para el futuro tenemos previsto un número de SELF entero para nosotros, 72 páginas a todo color con 4 compactos gratis. Vamos a revelar nuestros secretos más íntimos. Y por fin va a haber una página central, estilo Playgirl, de nosotros. Es la única cosa que aún le falta a SELF. A: Tenemos un tema nuevo para el próximo recopilatorio de SELF, es una sorpresa porque es una incursión de earcloud en nuevos estilos. Después me gustaría ir gestando lentamente la siguente entrega de earcloud. n

¿Qué tal fue la experiencia con Hypnotism? V: En un principio muy bien porque habia un chico que realmente se interesaba por los artistas, pero lo echaron ... A: Nada más que añadir, sólo que soy feliz de que el disco está fuera ... V: Si, yo también estoy muy contento con él.

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¿Cuántas veces hemos oído la historia de que nuestro grupo favorito comenzó modestamente, con escasez de medios y mucho trabajo, construyendo poco a poco un estudio de grabación casero e investigando en él aquellos sonidos que hoy han adquirido personalidad y tanto nos gustan?

kermes carlos rocha en ebullición Tú llevas todo lo que es la composición y programación de teclados. Sí, el concepto musical es mío. Ellos por su cuenta tienen sus propios conceptos musicales y sus propias obras. Yo lo tengo más fácil, ésa es la verdad, porque al tener un estudio propio puedo pasarme muchas horas delante de la mesa, mezclando, subiendo y bajando niveles o improvisando arreglos nuevos. ¿Cómo definiríais vuestro estilo? Tengo muchos problemas dialécticos con los músicos con los que trato. A mí me gusta la música de baile, aparte de la música más planeadora que tengo en este disco, y de hecho he tenido mucho contacto con gente de la música de baile de Málaga y he grabado con ellos. Sin embargo no debemos confundir la música de baile con el bakalao. ¿Qué es el F.H. Home Studio? Ése es mi estudio. F.H. viene de Factor Humano. ¿Y Kermes? Kermes soy yo.

4 Pues esta vez no vamos a cambiar el guión porque algunas de las mejores cosas suceden de la foma más sencilla. Y he aquí que nos encontramos con Carlos Rocha, músico inquieto donde los haya (hasta el punto de organizar Festivales de Nuevas Músicas en su ciudad, Málaga) que ha conseguido cristalizar, tras muchos esfuerzos y cientos de horas, su primer proyecto discográfico, ‘Cittá,’ bajo el seudónimo de Kermes.

Energía, imaginación, ritmo y buen gusto agitados en su coctelera para que el resto de los mortales podamos disfrutarlo. ¿Cómo os conocísteis los integrantes del grupo? Al primero que conocí fue a Pepe Juan Gallego en unos cursillos de Música Electroacústica que organizó el Conservatorio de Málaga. Pepe Juan es bajista además de teclista. También contaba con muchos músicos que conocía desde entonces para hacer mi propia música. Monté un pequeño estudio de grabación (con un crédito que todavía estoy pagando, por cierto) y poco a poco he ido comprando aparatos. ¿Cuál es vuestra formación musical? Yo soy básicamente técnico, aunque he hecho 2 años de conservatorio (solfeo y piano). Pepe Juan estudiaba piano y solfeo también, pero siempre ha sido bajista y lo domina muchísimo. Y por medio de él encontré a Enriquito, que es el que toca la guitarra, es un prodigio, además toca el piano (tiene todos los cursos hechos) y el violín, aparte de colaborar en los arreglos que yo no soy capaz de hacer con los teclados pero que tengo en la cabeza, se los expli-

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Foto Archivo JB Texto Lost Frontier

co y él los ejecuta. Cuento con ellos básicamente como colaboradores. Yo tengo los temas en la cabeza, escribo en un papel los arreglos exactos cada vez que se me ocurren y cuando ya lo tengo todo dispuesto, los llamo, ensayamos un poco y lo tocan. Son tan buenos que lo entienden a la primera, son los perfectos colaboradores. Es muy difícil encontrar gente así.

Carlos Rocha, cuando sus ocupaciones le dejan tiempo se mete en su estudio, compone y graba. Y cuando no hace esto está produciendo. Y además lo hace bien. Entre enero y julio del año pasado hizo las labores de producción de 4 grupos. Y también sigue implicado en organizar actuaciones en Málaga de artistas de las ‘nuevas músicas’, como Luis Paniagua o Javier Paxariño.

En España (y en todo el mundo) hay multitud de músicos más o menos modestos con muchísimas (y muy buenas) ideas y, sobre todo, ganas de hacer cosas. Sólo precisan ser descubiertos, que alguien se fije en ellos y crea en su esfuerzo.

Carlos Rocha tiene mucho que decir y merece la pena escucharlo. Su música os convencerá. n

Carlos Rocha ha grabado en su estudio una maqueta de un disco titulado ‘Cittá,’ sacando tiempo de donde no lo tiene, porque Carlos es uno de tantos músicos que tienen que dedicarse a ‘otras labores’ para poder vivir.

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P///AMA RECORDS

japansublime sensibilidad Escribir sobre Japan en Self puede parecer poco apropiado pues no se trata de un grupo tecno propiamente dicho, aunque en los tiempos en que se intentaba definir que era tecno, los discos de Japan se publicaban con la etiqueta adhesiva que pregonaba este estilo y encontraréis canciones suyas en recopilatorios tecno de la época.

4 Su carrera resulta idílica. En 1974, en una escuela del sur de Londres se forma el grupo, sin que hubiera ninguna baja hasta el momento de su dignísima disolución en 1983. Sus miembros son los hermanos David y Steve Batt (voz y percusión respectivamente), Richard Barbieri, de origen italiano, (sintetizadores) y Mick Karn, de origen chipriota (bajo y vientos). Los dos primeros adoptarán los nombres artísticos de David Sylvian y Steve Jansen. En el 76 se añade el guitarrista Rob Dean. Hoy en día, sus virtudes permanecen intactas gracias a que desaparecieron en su mejor momento, ahorrándonos agónicas decadencias. Nunca han mancillado su memoria, ni en sus brillantes carreras en solitario, ni tan siquiera en su reunión -a principios de los 90como Rain Tree Crow. Esta reaparición, probablemente obedeció a condicionantes económicos, pero tuvieron la dignidad de prescindir del antiguo nombre.

Desde el punto de vista electrónico ellos fueron unos de los primeros en dotar a su música de unos teclados cuya misión principal era arropar las composiciones de una manera original y excitante. Esto era aire fresco en un tiempo en que el mundo de los teclados estaba señoreado por los tediosos instrumentistas de las bandas de rock sinfónico. Japan fusionó antes que nadie los elementos básicos del movimiento neorromántico: glam, electrónica, baile, romanticismo estético y exotismo. Se distinguieron de sus pupilos por la extremada sensibilidad de sus composiciones, así como por la sobriedad de una

carrera que casi siempre les alejó de las listas de éxito. Desde la sombra apadrinaron, mediante su influencia, a las bandas del primer movimiento pop que dió la importancia que se merecían a los sintetizadores. Por ello, aunque las loanzas serían para la tríada capitolina (Bowie, Roxy y Kraftwerk), es fácil encontrar el rastro de Japan en el movimiento.

Un caso flagrante será el de Duran Duran. El fascinante efecto helicóptero de las secuencias de Japan, en canciones como ‘Quiet Life’ o ‘Gentlemen Take Polaroids’, se convertirá en modus operandi de los D.D. (‘Planet Earth’...) y tantos otros. Nick Rhodes, sintetista de D.D., será un clónico de D. Sylvian y no por casualidad. Los ecos de ‘The Other Side Of Life’ se dejan escuchar fácilmente en ABC, etc.

El secreto de la peculiarísima personalidad del

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Fotos Archivo TR Texto Taludio Rativo

grupo radica en el perfecto equilibrio entre sus miembros y sus tendencias. Sylvian, como compositor del grupo, impregna las canciones de ese aire nostálgico, casi enfermizo, que caracteriza la música de Japan. Esta tendencia depresiva así como la exquisitez de los arreglos y la complejidad instrumental harán de ellos un grupo de difícil escucha para los adolescentes a quien va dirigido el mercado pop. Si a ello añadimos su andrógina belleza, sobria y distante, quizás podamos comprender porque sus detractores -seres sin alma- les colgaron el sambenito de grupo elitista. Mick Karn lidera la aportación étnica con su interés por el sonido ancestral del Próximo Oriente -le tira la sangre- que se traduciría en ese bajo, único en su género, capaz de insuflar aire mediterráneo en las brumosas composiciones nórdicas de Sylvian. Más tarde, la colaboración con Ryuichi Sakamoto (Y.M.O.) les acabará por introducir en el sonido del Lejano Oriente. R. Dean será

En enero de 1990 los críticos del Reino Unido se pusieron de acuerdo en considerar a Japan como la mayor pérdida musical de los años ochenta. No les faltó razón pues fue una de esas pocas bandas con tal personalidad que nunca se les ha hallado parangón. Sin ninguna duda podemos afirmar que nunca ha existido un grupo de música pop más exquisito, sublime, sofisticado y elegante.

sustituido por Masami Tsuchiya (Ippu Do) en la última gira del grupo. La gran virtud de Barbieri será compartir las inclinaciones de sus compañeros y saber arroparlas en su justa medida con los sintetizadores. Lo mismo hará Jansen con sus tambores y cajas de ritmos.

En 1978 graban su primer álbum para AriolaHansa, ‘Adolescent Sex’, al que le seguiría un año después ‘Obscure Alternatives’. En ambos ya dan muestra de su valía pero aún pesan las influencias de Velvet Underground y el punk de la época.

Fascinados por el glam, su imagen a lo New York Dolls ya presenta su gran virtud, la personalidad. Lo que en los demás resulta esperpento en ellos es pura elegancia. A su lado, Bryan Ferry parecía un chulo-playas y Bowie un payaso (con todos mis respetos y admiración hacía ellos). Combinan lo imposible, el exceso glam con la sobriedad que siempre les caracterizaría. Atención a temas como ‘Adolescent Sex’, ‘Communist China’, ‘Rhodesia’, ‘Obscure

escucha de esta pieza no te emociona pon en entredicho tu naturaleza terrestre. Un clásico. Otro gran influenciado por Satie, en la misma época, sería Gary Numan.

Su tercer y último álbum para Hansa, ‘Quiet Life’ (1979), supone el salto cualitativo definitivo del que ya no retornarán. Pulen su imagen, moderan el exceso y se convierten ya en los perfectos gentlemens británicos que todos conocemos. A lo Roxy-Bowie, adoptan decididamente el sintetizador como elemento de cambio, relegando en mucho la guitarra de Rob Dean, que terminará por dejar el grupo. Para redondear su nueva orientación cuentan con la pro-

Desde la sombra apadrinaron, mediante su influencia, a las bandas del primer movimiento pop que dió la importancia que se merecían a los sintetizadores.

Alternatives’ y ‘Suburbian Berlin’. En ellos encontraréis ese punk sofisticado (?) que nos hace entender la música de los ochenta y que sólo tiene parangón, entre su generación, con Ultravox. ‘The Tenant’ -en el segundo álbum- abre una tetralogía de canciones que despuntarán, en sus respectivos discos, como joyas de la historia de la música popular; como pueda ser un ‘Green Sleeves’ del renacimiento o un ‘Quem a Omagen da Virgem’ del medievo. ‘Despair’, ‘Nightporter’, ‘Ghosts’ y ‘The Tenant’ tienen en común un afrancesamiento a lo Satie, siendo el primero cantado en francés. ‘Nightporter’ es una de las canciones más hermosas jamás compuestas. Si la

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ducción de un ex-Roxy Music, John Punter. La gran revelación de este disco propiciará el fichaje por Virgin que les catapultará a la fama (de culto). Japan lleva ya seis años y tres elepés creando música pero sin poder vivir de ello. Para solucionarlo se ponen en manos del productor de moda, Giorgio Moroder, que dotará al single ‘Life in Tokyo’ de su sonido eurodisco tecnificado. Estribillo pegadizo, coros femeninos, está claro que lo intentan pero siguen siendo demasiado especiales para las masas. Tras su separación en 1983 el single reeditado sí será todo un éxito. Lo mismo sucedería con ‘European Son’ y ‘I Second That Emotion’ (versión sublimada de Smokey

JAPAN

SUBLIME SENSIBILIDAD

and Robinson). ‘All Tomorrows Parties’ de Lou Reed fue la culminación en la revisión de temas ajenos por parte de Japan.

En 1980 el álbum ‘Gentlemen Take Polaroids’ consagra definitivamente a nuestros amigos. Los sintetizadores de R. Barbieri presiden el disco y Rob Dean tan sólo aparece como colaborador. Ryuichi Sakamoto coescribe ‘Taking Islands In Africa’ con Sylvian, con quien más tarde voverá a colaborar en la banda sonora de ‘Feliz Navidad Mr. Lawrence’ y en el single ‘Bamboo Houses’. La canción que da título al disco es su primer éxito importante en las listas del Reino Unido. Y ‘Nightporter’ los eleva al rango de clásicos universales.

1981 será el año de ‘Tin Drum’, el último disco en estudio de Japan. Curiosamente siendo éste el disco más personal de toda su carrera y, por tanto, a priori el más inaccesible para el gran público, también será el que más éxito cosechará. El single ‘Visions of China’ se convierte en la canción más vendida en la historia del grupo. Quizás la explicación resida en el hecho de que esta vez su música está arropada por la de otros grupos que han popularizado sus enseñanzas. Además este álbum contiene, sin olvidar la nostalgia (‘Ghosts’), una mayor alegría rítmica que sus antecesores. Y todo lo consiguen sin rebajar un ápice su calidad, sin ceder a la frivolidad, siempre sobrios para desorientación de la mayoría que asocia la imagen andrógina al petardeo. En este disco dan rienda suelta a su fascinación por la cultura y el sonido del Lejano Oriente que llevará a Sylvian a profesar el budismo.

La carrera de Japan se cierra con el álbum en directo ‘Oil On Canvas’ (1983), más los inevitables recopilatorios que vendrían a continuación. Tras la disolución todos los componentes del grupo nos regalaron los oídos con unas fructuosas carreras en solitario, jalonadas por interesantísimas colaboraciones con otros artistas. De esta manera, la música para dandies siguió presente entre nosotros durante mucho tiempo. n

SELF

P///AXIS-THE OTHER DAY

P///AXIS-THE OTHER DAY

víctorpuntonubla de referencia

¿Recordáis aquella de ‘El Principito’ que, desde un asteroide, se afanaba infructuosamente en contar todas las estrellas del firmamento? Pues tal vez sea él el más indicado para intentar cuantificar todos los proyectos en que se ha visto involucrado Víctor Nubla. Creador de Macromassa, partícipe en varios millardos de aventuras propias y ajenas, agitador cultural, responsable de Gràcia Territori Sonor, filósofo, escritor... una persona inquieta y polifacética como muy pocas.

4 ¿Tras tantos años de estar permanentemente en vanguardia, te ves como el centro de toda una escena? Nunca he pensado que yo sea el centro de determinadas cosas,si lo fuera significaría que se ha formado un sistema en torno a mí y no es así. Sólo giran en torno a mí los resultados de mi trabajo, que no es estrictamente artístico sino más bien de ‘producción de realidad’: la creación de un entorno en el que me sienta a gusto.

Muchas de las cosas que estructuran o conforman la historia de mi vida, al haberlas generado yo, son como satélites que giran a mi alrededor pero no son más que parte del contexto que me he creado para vivir. Esto es común a lo que decía Joseph Beuys: que la obra de arte no termina en el soporte en que ha sido creada.

El caso es que en torno a ti surgen toda una serie de iniciativas, de nuevas propuestas. Cuando creamos Macromassa en el 76 no había nada que se le pareciera, desde luego no en España. Tampoco habían sellos independientes ni prensa especializada. Lo que hicimos fue crearnos un mínimo contexto cultural en el que sobrevivir. Puede que yo actúe como catalizador siempre que haya cosas que catalizar. Y ahora hay toda una serie de propuestas y grupos que antes no existían y que tampoco se parecen mucho a otras cosas.

Tu intento de creación de un hábitat cultural

incluyó la confección del primer fanzine hecho en España. Te refieres al Kga2. Nosotros lo llamábamos revista porque el término fanzine aún no se conocía. De todos modos estoy dispuesto a ser el centro de lo que haga falta mientras haya alguien dispuesto a mantenerme. ¿Hasta qué punto es importante en tu obra el sentido del humor? El humor es básico para todos los seres humanos, es una de las cosas que nos diferencian de los animales. Tanto en Macromassa como en mi propio trabajo es una necesidad vital, parte integrante de nuestras vidas. Todo el mundo conoce su importancia pero pocos lo practican. En los últimos años se ha vuelto, incluso, peligroso. El arte se ha vuelto muy serio. Me da la sensación que el sentido del humor

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Fotos Archivo UL Texto The Rocka’Rollers

se está perdiendo, sobre todo en el contexto de estas músicas de las que hablamos. En un actor o en un texto es más fácil reconocer los componentes humorísticos. En música, por su condición más abstracta, para que haga risa parece que tenga que ser una parodia. ¿Cuál es tu opinión acerca de la electrónica aplicada a las artes? Es paradójico. Hay en el mundo artístico una revolución de pensamiento en torno a los medios de creación electrónicos, sobre todo en las artes plásticas. Esto implica unos debates superserios sobre la realidad virtual y como afecta a las relaciones entre las personas, cuando la mayoría de los que están debatiendo hace años que ya no van a la tasca a tomar una cerveza con la gente.

En música el sampler ha cambiado la forma en que la escuchamos y componemos, sobre todo en música popular. El drum’n’bass, el trip-hop y

Entre los nuevos proyectos de Víctor Nubla están: la probable reedición de su novela ‘Los hechos Pérez’; el nuevo Cd de Macromassa, de título ‘Puerta Heliogábalo’; la publicación del segundo volumen de su serie M.C.O. (de un total de seis); la presentación de su instalación ‘Les 4 Estacions’ en el Sónar; una nueva serie de Cd s, ‘Universo Normal’, a cargo de Línea Alternativa; ‘Civilización’, proyecto a cuatro manos entre Nubla e Io Casino (ver sección Live); la reedición de antiguo material de Macromassa con inéditos y sorpresas (como la versión completa de media hora de ‘Darlia Microtónica’... y dormir un par de horitas, entre proyecto y proyecto.

otros estilos trabjan mediante muestras, una forma de componer diferente de la habitual, organizada por compases y tiempos. Cada muestra puede ser una pequeña unidad conteniendo datos pertenecientes a otros contextos. Esto para mí lo cambia todo. Ésta es la premisa básica en que se basa tu Método de Composición Objetiva (M.C.O.) Sí.

Con el sintetizador puedes simular cualquier instrumento y fabricar sonidos que antes no existían, mientras que con el sampler puedes apropiarte de cualquiera, dejas de ser un constructor, un obrero de sonidos. Llegué a la conclusión de que era más

‘Piedra Nombre’ (editado por G3G/Luma Gorría), conformé el laboratorio para que se ajustara a lo que yo pretendía y luego me puse a practicar. Los primeros sonidos que produje son los que aparecen en la primera versión de ‘Piedra Nombre’, allá por el 87. El sistema realmente funciona muy bien,

Hay en el mundo artístico una revolución de pensamiento en torno a los medios de creación electrónicos, sobre todo en las artes plásticas. interesante echar mano de un banco inagotable, las ondas de radio que viajan por la atmósfera terrestre, utilizando un receptor multibanda.

Metafóricamente se puede decir que están todos los sonidos del mundo, desde cualquier emisora del planeta a los mensajes dirigidos a posibles extraterrestres del proyecto SETI, pasando por el eco de las ondas electromagnéticas del Big Bang.

Todo está ahí.

Como no puedo tener un acceso selectivo a este banco opté por captar los sonidos al azar, ya que el azar es exacto, nunca se equivoca. Diseñé el sistema que aparece en el librito que acompaña al Cd

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nunca se ha repetido ni me ha defraudado.

El mundo se comunica contigo y realiza composiciones a través de ti. Esto sería sí yo tuviera en cuentra al emisor. Más bien soy yo el que se conecta al mundo de vez en cuando para recolectar datos con los que llevar a cabo mis composiciones.

Siempre has defendido la autogestión y el trabajo al margen de los canales establecidos. ¿Crees que esta postura es una forma de activismo político? Como decía antes, en una situación de producción de contextos es necesaria la autogestión; sino ya están produci-

VÍCTOR NUBLA

PUNTO DE REFERENCIA

dos y hay que comprarlos, alquilarlos o verlos por la tele. En nuestro actual contexto socio-cultural se ha venido comprobando que esas iniciativas autónomas son las que realmente han generado evolución, avance social y también humano, mientras que los devenires generados por los trusts de la realidad imperantes son contextos en los que básicamente interesa que todo el mundo haga lo mismo y, además, muera por ello. Para esto hay un contexto tremendo a nivel mundial y unas infraestructuras montadas de manera que todo siga igual y que unos cuantos puedan hacer lo que les dé la gana.

Háblanos de tu faceta de escritor. Empecé a escribir desde muy joven. En mi casa siempre hubo una gran afición por la lectura, habían muchos libros, mi padre trabajaba en Círculo de Lectores y comprarlos nos resultaba muy barato.

La práctica me ha dado un cierto oficio que me ha servido para ganarme la vida en algunas etapas de mi vida. Hacía de negro para una editorial, que es el trabajo más ingrato para cualquier escritor.

No me corresponde a mí decir si lo hago bien o mal, sin embargo hay un refrán que dice: “Uno siempre acaba ganándose la vida con la segunda cosa que hace mejor”. Tal vez por eso yo sea músico. En estos años he escrito toneladas de poesía que he canalizado en parte a través de las letras de mis canciones y de los textos de las carpetas de los discos. También me encanta el trabajo periodístico y de opinión, siempre que he tenido una columna o sección fija en algún medio me he sentido muy feliz. He escrito, además, novela y ensayo que he ido publicando de forma alternativa y en pequeñas ediciones muy limitadas. La novela es un género que es casi imposible que te editen, sobre todo en Catalunya si utilizas el castellano.

El tema editorial y el discográfico funcionan igual, no os podéis ni imaginar la cantidad de autores que se están costeando ellos mismos la edición de sus libros apoyándose en la estructura logística de las editoriales.

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víctor nubla punto de referencia 4 Antología de Víctor Nubla Recuerdo un artículo aparecido en La Vanguardia en el que hablabas del minimalismo en la música, y creo que también hiciste uno sobre Philip K. Dick. Soy un gran aficionado a la ciencia ficción y Dick me encanta, aunque sus obras que más me gustan son precisamente aquellas en las que se desmarca de este género. Me apasiona su ciencia ficción paranoica, repleta de situaciones sicóticas y constante persecución de las ideas y de la personalidad. A pesar de todo no creo que me haya influenciado.

Gràcia Territori Sonor está llevando a cabo una importante labor de difusión de la música experimental. ¿Estás satisfecho con los resultados? Sí. El circuito, por ahora, se mantiene y va bien. G.T.S. se ha limitado a canalizar una escena ya existente, real, que Gràcia siempre ha tenido. Por ejemplo, en pleno boom de la música industrial, William Bennet y Jordi Valls ya residían en el barrio y Whitehouse presentaban sus discos en la sala La Orquídea, ya desaparecida.

Hace poco fui invitado en representación de G.T.S. al Fórum Europeo de la Música Experimental.

Se propuso redactar una declaración proponiendo la creación de redes de intercambio de músicas y de información entre las ciudades adscritas y las que pudieran hacerlo en el futuro. El segundo fórum se celebrará en octubre en Barcelona, lo organizaremos nosotros. El objetivo es crear una situación de normalidad con respecto a la música experimental, de la que en general se tiene un conocimiento casi esotérico, de manera que esta serie de conciertos no quede como un hecho aislado que recordar en el futuro. ¿Cómo funciona la entente virtual formada por colectivos locales (G3G, Sónar, G.T.S., etc…)? Estos y otros colectivos están haciendo en Barcelona lo que los políticos no son capaces, una labor absolutamente respetable que está convirtiendo la ciudad en un laboratorio de creación que a su vez genera una realidad socio-cultural al margen de la oficia, y que hace de Barcelona, tal

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Al margen de sus trabajos con Macromassa y de antiguos proyectos (Secreto Metro, etc.), Nubla tiene una prolífica carrera en solitario. Ësta es una posible selección.

Quantos/Represalia K7 LMD, 1982

Delirio de Dioses CON ANTÓN IGNORANT. LP 1 CARA, FRENÈTIC 1983

Obtención de Galletas “A” K7 LMD, 1984

Dance Music K7 EGK, 1984.

REED. POR LÍNEA ALTERNATIVA

Piedra Nombre K7 LMD, 1986

Filmusik K7 EGK, 1987. REED. POR LÍNEA ALTERNATIVA

Integral para MS-20 2 K7 LMD, 1983/1987

Elogio de la Misantropía K7 LÍNEA ALTERNATIVA, 1989

Hortensia s Pool K7 RECICLYING, 1990

vez, la ciudad de Europa donde están sucediendo las cosas más interesantes. Ésta es una actitud ejemplar y no la de esos artistas endiosados que lo único que hacen es intentar redimirse por no haber sido nunca artistas verdaderos ni haber creído nunca en su propia creación, artistas sin obra que juegan a ser catedráticos de algo que sólo ellos saben, pues eso les va a dar de comer y les va a hacer respetables. n

Galvana (CON PELAYO ARRIZABALAGA Y JEP NUIX).

CD SCULPTURED SOUNDS, 1993

Piedra Nombre CD G3G/LUMA GORRÍA, 1997

¿Crees en la música como un reflejo de la personalidad del músico? Para mí la música existe por sí sola, está ahí. Uno, simplemente, va cogiendo cosas.

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depeche mode ultramusica Dieciséis años y doce discos más tarde, Depeche Mode siguen representando una aproximación sui generis a la música electrónica. Pasaron del pop adolescente y comercial de sus inicios, cuando Vince Clarke abandonó el grupo para crear proyectos como Yazoo o Erasure, a una apuesta más ceñuda e industrial que a mediados de los 80 se convertía en el puente entre la tecnología aplicada de manera germánica y las listas de éxitos comerciales.

4 Le sustituiría entonces Alan Wilder y, desde entonces y a lo largo de una trayectoria jalonada por éxitos y una generosa discografía sabiamente dosificada, los Depeche Mode han sido los padrinos de muchos grupos que, sin renunciar a la ortodoxia electrónica, se han atrevido a sortear hermetismos y han jugado a la difícil apuesta de llegar al público masivo sin renunciar a su coherencia.

La resurrección de Depeche Mode ha llegado tras un prolongado descenso a los infiernos que ha afectado a todos los miembros del grupo. La gira que siguió al lanzamiento de ‘Songs of Faith and Devotion’ (1993) duró catorce meses. 156 actuaciones que acabaron por reducir a los cuatro miembros del grupo a un estado de postración anímica que les puso al borde de la disolución (y en el caso de Gahan, de la muerte) durante mucho tiempo. Alan Wilder decidió cortar definitivamente sus vínculos con el grupo, y el resto de los componentes (Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan) entró en un estado semicatatónico. Gore y Fletcher atravesaron sendas depresiones y Gahan cayó en las simas más profundas de la adicción a la heroína, tal y como luego se ha hartado de explicar con pelos y señales en las entrevistas de promoción. Tras desintoxicaciones, conatos de suicidio y luchas agónicas consigo mismo, Gahan asegura estar al fin limpio.

Como tantos y tantos grupos con una trayectoria larga, los Depeche pueden exhibir con orgullo

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Foto Archivo Self Texto Boris Rimbau

más o menos dudoso, las cicatrices que sobre ellos ha ido dejando la rueda dentada del show business.

De hecho, desde antes de la salida de ’Ultra’, se habla mucho más de los puntiagudos problemas de David Gahan que de la evolución musical de la banda. Incluso ellos, en las entrevistas, insisten antes en el equilibrio personal que han alcanzado que en la tensión o la entrega que les pueda exigir su trabajo.

El caso es que, después de cuatro años sin un disco de estudio, ’Ultra’ ha significado una vuelta de tuerca muy extraña en la carrera del grupo. Las 12 canciones que lo componen, escritas todas ellas por Martin Gore, mantienen las constantes de una banda que hace más de una década que se pasea por la escena pop coqueteando con las máquinas con

resultados desiguales. Han cambiado de productor, abandonando a Flood por Tim Simenon, cuyos trabajos con Bomb The Bass se dejan notar en los densos arreglos de temas como ‘It’s No Good’. ‘Barrel of a Gun’, el primer single extraído del álbum, parece estar a punto de ser una gran canción pero adolece de una cierta confusión estructural, mientras que el tercer single, ‘Home’, resulta un batiburrillo algo empalagoso por culpa de una mezcla de arreglos orquestales, guitarras eléctricas, percusiones llenas de loops y una melodía, eso sí, irreprochable.

El álbum, de larga y laboriosa composición, empezó a grabarse en Londres, luego en Los Ángeles y el proceso acabó en los estudios Electric Lady de Nueva York. El productor, Tim Simenon, que había remezclado varios temas de Depeche Mode, reclamó la participación de curiosos colaboradores: Jaki Liebziet, batería de Can; el ex bajista de Living Colour Doug Wimbish, y el pedal steel guitarist B.J. Cole, que mete nada menos que pinceladas country a temas como ‘The Bottom Line’.

Para un grupo que lleva vendidos más de 30 millones de discos a lo largo de una trayectoria musical de más de quince años, ’Ultra’ es más un grito de supervivencia que un paso adelante musicalmente hablando. No falta quien les tacha de dinosaurios vivientes por el mero hecho de llevar ‘demasiados’ años en activo, pero es innegable que, aunque no atraviesan su mejor momento, siguen siendo un grupo con talento. ‘Ultra’ es un disco digno y a ratos inspirado, y a los creadores de discos como ‘Some Great Reward’, ‘Music For The Masses’ o ‘Violator’ se les debe un respeto, tal y como demostraron los participantes en el reciente disco de homenaje’Your World In Our Eyes’. n

Discografía (álbumes de estudio) ‘Speak & Spell’ (1981), ‘A Broken Frame’ (1982), ‘Construction Time Again’ (1983), ‘Some Great Reward’ (1984), ‘Black Celebration’ (1986), ‘Music For The Masses’ (1987), ‘Violator’ (1990), ‘Songs Of Faith And Devotion’ (1993), ‘Ultra’ (1997) Todos grabados con Mute

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P///PIONEER

pezel mundo marino Javi Pez es uno de los grandes agitadores de la escena ‘dance’ nacional, a través de sus proyectos e iniciativas musicales. El mismo te lo cuenta.

PEZ “Éste soy yo y mi circunstancia, seguimos trabajando.”

4 SAN SEBASTIÁN “Es el lugar y del lugar al universo.”

DANZ KLUB “En el 93 las fiestas que organizaba Sirope se empezaron llamando así. El nombre viene de la denominación que tenía Parafünk (Cool Danz Soul Club) desde que se creó, luego se realizó la canción incluida en el recopilatorio ‘Disco 2000’ en versión demo, pero antes Sirope ya había realizado el primer ejemplar (nº 100) de su danzine también denominado ‘Danz Club’. Ahora el danzine se denomina ‘Sirope In Füll Effect’, seguirá siendo desplegable y lleva como póster una guía ‘Danz Klub’.

Pronto en todas las gasolineras.”

Foto Ama Records Texto Lounge

ETXEKALTE “Es el KLUB. Tiene 15 años y su parte de abajo es la historia viva del jazz en esta ciudad.

Sirope simplemente ha seguido la evolución marcada por sus dueños auténticos, amantes de la música y de la vida, y lo pone al día sin olvidar sus raíces. La programación mensual es muy variada: actuaciones de Víctor Sol, Madelman, Chico y Chica, Teen Marcianas, Parafünk... o Dj’s como Álex Martín, Loe, Panic, Zorra, Txarli B., Kosmos & Maca, Mayte, y colectivos como Jazzin’ Club, Bag Culture, Silum Soundz... y cuantos van surgiendo.”

NOVOPHONIC “Se crea en Barcelona en mayo del 94 cuando Txarli Brown y los miembros de Sirope (los mismos que Parafünk entonces), después de una actuación de éstos en el club Veneno, coinciden en casa de una estudiante donostiarra de fotografía que tenía una colección de revistas Lecturas de los 50, donde en una de ellas aparecía una publicidad de un sistema revolucionario de sonido: NOVOPHONIC. Hasta ahora las referencias son cua-

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tro: Instrümental (marzo 95), Camping Gaz & Digi Random (octubre 95), Parafünk, ‘Prólogo’ (septiembre 96) y Digi Onze (diciembre 96). El proyecto inmediato es recopilar casi todo en un Cd sorpresa denominado ‘Nph 67/97’ que se presentará en la feria de Sónar del 97.”

SIROPE “Nace a mediados del 93 de la forma más natural, tres amigos de toda la vida se aburren de lo que su ciudad ofrece a nivel musical y se ponen a trabajar. Jon (a.k.a. Gagá o Gaztón), diseño y decoración, Xabi (a.k.a. Xaba o Loreak Mendian), serigrafía y decoración y un servidor (a.k.a. Pez), música. Sin Sirope todo lo anterior no existiría.”

PARAFÜNK “Nace a finales del año 89 cuando Pez descubre el sampler y pone en marcha todas sus influencias en el dichoso aparato: soul, funk, disco y hip hop. Graba un álbum en el verano del 92, pero hasta la primavera del 93, La Fabrica Magnética no lo edita. Muy poca gente se entera de este disco y La Fábrica Magnética desaparece víctima de la avalancha noise. Parafünk evoluciona como puede, hace conciertos diseñados para cada ocasión y con formaciones distitntas: Teatro Principal, Sarobe (San Sebastián), Apolo, Veneno, Jamboree, la Boite (Barcelona), Revólver, Sol, Multidirections (Madrid), BAM, Dr. Music Festival... y edita ‘Prólogo’, un 10” que casi supone un infarto a Novophonic por una mala fabricación del vinilo. Le seguirán ‘DiscoNüdo’, un 12” a 45 r.p.m. para las discos, ‘Desenlace’, un 7” para coleccionistas y ‘Epílogo’, el Cd donde se recopilará casi todo y más. El 31 de diciembre de 1997 en un concierto, Parafünk morirá y nacerá Soül, con Mikel Bap! a la batería y samples, Mikel Behi al Rhodes y sintes, Alberto Coyote al bajo y Pez a la guitarra y ruidos.”

COLABORACIONES Y REMEZCLAS “He cantado y/o tocado la guitarra con Aventuras de Kirlian, Xabier Montoia, Negu Gorriak, Nación Reixa, Le Mans, Spring y Álex Martín. He remezclado como Pez o Elektropez a Le Mans (‘Zerbina’ y ‘Un rayo de sol’), Los Sencillos (‘Se fuerza la máquina’), Negu Gorriak (‘Aizu!’), Digi Onze (‘El braille’), Esclarecidos (‘Suerte!’) y Carlos Berlanga (‘120 años’). n

ELEKTROPEZ “Solitarios a media tarde con la elektrónica como aliada, pruebas de sonido en eventos públicos, música físika y el corazón partido en dos.”

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línea músicas alternativa de alto riesgo

Valor es plantarse delante de un astado corniveleto de media tonelada de peso.

Valor es hacer streaking durante una merienda mandinga. Valor es, en este país, mantener una discográfica especializada en músicas de alto riesgo distribuyendo sus referencias sólo por correo.

4 Línea Alternativa nació en 1986 en la cosmopolita ciudad de Alcalá de Henares. Su intención, desde el principio, era la de dar a conocer las obras de esos músicos que trabajan en los límites de lo desconocido, exploradores interesados en crear arte sin ningún tipo de presión comercial.

A la manera de Juan Palomo, los responsables de Línea Alternativa se han hecho cargo de las tareas de producción, edición y distribución, así como de la organización de diversas actividades encaminadas a difundir y apoyar la música en la que creen: programas de radio, exposiciones, instalaciones, comisionado de obras, conciertos…

Decantarse por el formato cassette y distribuir vía postal puede parecer casi un suicidio comercial.

Sin embargo, la criatura ha cumplido doce años de vida y se encuentra bien de salud. Tanto, que sus últimas referencias son ya editadas en el más aceptado formato Cd. Un repaso a su último catálogo nos muestra el grado de coherencia que ha seguido su línea editorial.

Esplendor Geométrico pueden considerarse, por número de referencias, el buque insignia del sello, nada menos que diez, comprendiendo desde reediciones de material primerizo (‘1980-81’, ‘EG-1’, ‘Diez años de esplendor’) y directos de diferentes épocas (‘En Roma’, ‘Madrid-Tolosa’, ‘Madrid, mayo del 89’) hasta discos oficiales (‘El acero del partido/Héroe del trabajo’, ‘Kosmos Kino’, ‘Mekano Turbo’ y ‘Arispejal Astisaró’, éste último en Cd).

Los miembros de Macromassa aportan varios títulos, tanto por separado (‘Filmusik’ y ‘Elogio de

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Foto Archivo DA Texto Dissident Aggressor

la Misantropía’ a cargo de Víctor Nubla y ‘El Arte de Joan Raventós’) como juntos (reedición en Cd de ‘Tolosako Banda Interpretatzen Dio Macromassari’, alucinante interpretación de tres clásicos del cancionero macrobándico por una banda de 56 músicos de percusión y viento).

El inquieto Miguel A. Ruiz firma cuatro títulos, dos en cassette (‘El Niño Carburador’ con su propio nombre, ‘Gift of Fire’ con su alias habitual, Orfeón Gagarin) y dos en Cd (‘Contestación Capilar’, selección de temas antiguos, y el debut de Exhaustor, proyecto techno que deja en ridículo al 90 % de los productos que con esta etiqueta nos toca sufrir).

Nuestro admirado Francisco López ‘Qal at abd al-Salam/O Parladoiro Desa-mortuxado’ que la etiqueta ‘hardcore ambiental’ no le viene grande en absoluto. Radicales manipulaciones de paisajes sonoros capturados en Vigo y Alcalá de Henares que hay que oir para creer. Esta además su cassette ‘Crustoceanium’: música creada basicamente con metalófonos (gongs, platillos,etc.) inspirada en la vida y milagros de los crustáceos.

Las dos cintas del grupo canario Due (‘El Due Dinámico’ y ‘Damned Forever Those Who Listen To This Tape’, ésta compartida con los alemanes Nostalgie Eternelle) son, a pesar de la mala pata de sus títulos, muestras interesantes de techno más o menos experimental.

Empatados a una referencia están Jabir, Conrad Schnitzler, Alien Mar y 32 Guajar s Faragüit. El primero combina el arsenal electrónico con instrumentos tradicionales árabes tales como la darbuka. En ‘Vuelo por las Alturas de la Alhambra’, perfecto ejemplo de su estilo, desarrolla sonoridades plenas de concomitancias con la Escuela de Berlín. Contemplación y estatismo. Por su parte, el ermitaño alemán, en su doble cinta ‘Con-86’, repasa los trabajos realizados por él ese año.

‘Inter-global’, el Cd de Alien Mar, es una ventana a su mundo raro, oscuro y extrañamente ligado a las visiones de pesadilla de Giger. Incluye Cd Rom de 60 Mb. El ‘Programarrax’ de 32 Guajar’s Faragüit contiene música ambiental diseñada para no relajarse, un collage industrial libre y lleno de matices. El amigo Faragüit interviene además en ‘Barcelona Sampler’, junto a Camino al Desván, Melodinamika Sensor y Avant-Dernières Pensées . n

Este repaso se ciñe a su último catálogo pero en sus doce años de vida Línea Alternativa ha manejado cantidades ingentes de material más que interesante. Así que hazte un favor: contacta con ellos y déjate de tonterías. ¡Hombre!

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P///CAROLINE

P///DONNA LEE///MINIFUNK

at-mooss entre ambientes y secuencias ¿Qué se esconde tras At-Mooss? Desde Barcelona, Joseph Loibant, Anthony Seagarr, John Lakveet y Dom F. Scab forman parte de una de las propuestas electrónicas actuales más curiosas, en una época marcada por el ritmo de tendencias espiritualmente más ‘dance’.

4 “Cada uno de nosotros tiene sus preferencias, en cierto modo distintas pero coincidentes en los mismos parámetros. El eje entre las diversas predilecciones se centra en músicos, quizás poco conocidos, por lo que para acotar de forma más descriptiva nuestras referencias citaremos los más populares, gente como Pink Floyd, Brian Eno, Kraftwerk, Tangerine Dream, Klaus Schulze, Schnitzler, Vangelis, Jean Michael Jarre, etc.”

At-Mooss recupera esa música etiquetada como cósmica o planeadora, donde los ambientes y las secuencias predominan sobre el resto.

Instrumentalmente utilizan aparatos de todas las generaciones y sin prejuicio alguno mezclan analógicos con tecnología digital, la FM con la síntesis virtual. “Nuestros equipos están basados en la diversidad para no caer en timbres convencionales que ya estén obsoletos. Tenemos los tres motores básicos de la síntesis: analógica, basada en la modalidad sustractiva; FM, forma compleja digital organizada en torno a algoritmos, y PCM, con formas de onda muestreadas y procesadas. Los sintetizadores basados en DSP y el Modelado Físico (Nord Rack, Prophecy, JP 8000...) son la última adquisición y representan un aspecto interesante al ensanchar las posibilidades hacia las formas mórficas más sorprendentes”. En un principio no todo se basaba en toneladas de equipo electrónico, sino en instrumentos originales que permitían, dentro de las limitaciones, hacer música genuina. “Los secuenciadores, audiogeneradores y sintetizadores DUY forman parte de estos nostálgicos prototipos que hoy harían las delicias de algún que otro retro”.

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Foto At-Mooss Texto Roberto Natal

Partiendo del punto de que todo músico está influenciado por el entorno y la época en que desarrolla su actividad, At-Mooss asumen influencias de diversos grupos en su trabajo, pero reconocen que “cualquiera de ellos tiene partes positivas y negativas”. Cada tema lleva la firma de su autor que lo compone en su propio estudio. Para la grabación final se reúnen todos en un solo estudio para trabajar en conjunto los arreglos, ecualizaciones..., para llevar a cabo la post-producción y la producción final, basadas en el ordenador.

“Somos de los pioneros en ello y no sería concebible hacer algo fuera del ámbito informático.

Programas secuenciadores, grabación directa a

disco duro, edición, tratamiento, mezcla, masterización, etc. Todo está procesado por esta máquina de la que no te separas para bien o para mal y que, francamente, es imprescindible”.

Al margen de las influencias y predilecciones, cada miembro del grupo tiene su propio estilo, pero comparten todos la misma inquietud y concepto de hacer “una música exenta de las modas que arruinan la posibilidad de volver a escuchar al cabo de un tiempo lo que ya está demodé”.

‘Morphing Synthesizers’ (1995, Free Records) ha sido el disco de debut de AtMooss. “La crítica sobre nuestro primer Cd ha sido muy buena”. Autoproducido por ellos, es el primero de una trilogía de la que ya están terminadas las otras dos partes (‘Morphing Synthesizers II’ y ‘Morphing Synthesizers III’), y esperando encontrar un sello que los distribuya dignamente. “Actualmente estamos en contacto con un buen montón de discográficas extranjeras de diversos países (incluido Japón y Australia). El mercado nacional es pésimo. Existe un concepto de música electrónica poco desarrollado por las discográficas de aquí. Sólo publican dance y sucedáneos que distorsionan las apetencias del consumo”. Tras esta trilogía, su tendencia es hacer discos cada vez más experimentales, sin concesiones, que resulten interesantes para un público determinado que busca en la música electrónica algo menos superficial.

Respecto a la actual situación del panorama nacional, destacan el festival Sónar, que sirve “para la divulgación de nuevas músicas. Sónar resulta por lo menos interesante, ya que aporta elementos positivos que cabe ir potenciando”. n

Presentes en Internet (“es el medio de comunicación por excelencia, imprescindible , muy útil y eficaz”), podéis encontrar a At-Mooss en su web (http://www.ordenatas.es/~atmooss) o contactar con ellos a través de su buzón electrónico (E-mail: atmooss@ordenatas.es).

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Que Jeff Mills se ha convertido en un top Dj es algo más que sabido. Sin embargo, el abarrotar clubs por todo el mundo no es más que una parte de su personalidad.

Como productor es una de las mayores influencias en el pequeño mundo del techno. Escondidos tras las murallas sónicas que supone cada tema de sus ‘Axis’, Mills siempre propone sutilezas y experimentos en la producción y composición, innovaciones formales para quien quiera buscarlas y pueda encontrarlas. Todo como una nueva forma de expresión.

jeffenmills la tela la araña como entrevistador y me rindo a la evidencia de que Jeff sabe más de teoría del empirismo y filosofía aplicada que yo.

Intento un hábil cambio de tercio.

He leído que tu estudio ha sido diseñado como una tela de araña. ¿Cómo funciona? Éste es un ejemplo básico de la tela.

La idea era que yo tuviera que caminar físicamente a cada lugar para tocar las máquinas, dando a cada elemento más importancia y atención. No hay controles remotos de ningún tipo. La idea adicional era eliminar cualquier sentido de dirección.

4 Ahora vuelve a la península para un nuevo mini-tour, presentando su nuevo Cd ‘The Other Day. Axis Compilation’, en medio de la más vasta campaña promocional que un artista techno haya gozado nunca en nuestro país. ¿Indica esto algo? ¿Por qué decidiste, finalmente, hacer un recopilatorio con todo tu trabajo? Este recopilatorio funciona como una señal de referencia para distinguir una era de la siguiente, o de mi momento actual. No cubre toda la historia de mis producciones, sólo los últimos cinco años. ¿Qué criterio has seguido para elegir los temas a incluir? Cada composición ha sido escogida basándome en la influencia de mis propias experiencias durante estos cinco años, que me han llevado al punto en el que estoy ahora. ¿De qué manera crees que estas experiencias que te inspiran quedan reflejadas en tus temas que son, por definición, tan abstractos?

Es como la vida, en la mayor parte de los casos mi propia vida. Mi intención al escribir cada composición venía de una perspectiva puramente inspiracional. Quería explicar a la mayor cantidad de gente posible que la base de mis ideas venían, y vienen, de experiencias muy normales. Experiencias que todos nosotros tenemos cada día. Y por tanto, que el techno no es más futurista que la mayoría de las

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Jeff hace un diagrama. Sinceramente impresionanate. Ingenieros del mundo, ved como aunar conceptualidad y sonido.

Foto Archivo Self Texto Loe

cosas normales en las que podrías pensar. Lo que nos lleva de nuevo a la cuestión: ¿qué es normal? ¡A quién le importa, si es que existe! Este es mi punto de vista abstracto hoy en día.

Vemos que como única fuente de inspiración que no es una experiencia personal, es que citas a Man Ray. ¿Te inspiran también otras experiencias artísticas? Si la vida es la base del arte, entonces la música debe ser el fruto. ¿Tienes planes para colaborar con algún otro artista? Quizás con Dios.

Bueno, bueno. Reconozco mis limitaciones

Tu primer Cd era una sesión de Dj en directo y este segundo es una colección de tus producciones en estudio. ¿Cuál muestra mejor tu trabajo? Ambos. Quizás la mejor manera de valorar a un artista actualmente no sea de una manera unidimensional, sino multidimensional. Tu pregunta crea una situación de ‘éste o aquel’.

Debería ser más bien de ‘estos o aquellos’.

Desgraciadamente hasta el momento sólo soy capaz de crear dos ejemplos de lo que yo creo que el techno significa. ¿Qué relación hay entre tu lado como Dj y tu lado como productor? Pinchar me ayuda a conocer y entender mejor como funciona la música.

Producir es el resultado de mis propias ideas y de mi perspectiva. Con un mejor conocimiento sobre la música puedo manipular mejor mis ideas y perspectivas.

Para acabar, ¿algún proyecto futuro? Si ... n

‘The Other Day’ contiene trece temas (¿es este número también premeditado?) cuidadosamente escogidos y bien documentados: por cada uno hay una explicación, un comentario. En ellos Mills explica que le ha inspirado cada composición, en general experiencias de su propia vida.

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P///NITSA CLUB

Paco Peiró es autor de ‘La Madrugada Eterna’, uno de los pocos libros en castellano dedicados a las ‘músicas diferentes’. Ésas que tanto han significado para algunos de nosotros en algún momento de nuestras vidas. En su obra Peiró se aleja de la presumible hagiografía para hablarnos sin prejuicios del ambient, de la lounge music, del krautrock, del techno, de géneros y músicos, de situaciones y actitudes. Sus páginas son una mina de información útil y, a través de ellas, descubrimos una personalidad inquieta, en perenne estado de curiosidad.

paco peiró su motor: la curiosidad

4 ¿Hasta qué punto es importante la música para ti? Lo es desde el momento en que forma parte de mi educación sentimental, aquella que empieza antes de la adolescencia. En la época en que empecé a comprar y escuchar discos, podía evocar paisajes y situaciones que no tenía al lado, en el barrio. La música evoca cosas que, aunque no sean necesariamente mejores, tienen más gracia por ser libres y diferentes. ¿Qué razones te impulsaron a escribir este libro? En principio muy prosaicas. Había montado una editorial junto a otras dos personas y queríamos publicar ensayos. Uno de nosotros escribió uno sobre la televisión y a mí se me ocurrió hacer otro sobre música, por ser lo que me gustaba y por tener más acceso que los otros a las fuentes de información necesarias.

El subtítulo del libro es ‘Antes y después del ambient’. ¿Consideras el ambient un punto y aparte en la historia de la música? No, el subtítulo es como una coartada o un eje a partir del que poder abarcar otros temas. Tampoco hablo del ambient en el sentido que se hace ahora, desde la perspectiva de los años noventa. Y si hubiera que destacar un hecho histórico entonces sería el momento en que se le ocurrió la idea a Brian Eno. ¿Crees en una filosofía o política de la músi-

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Foto Archivo Self Texto Glenn Tipton & KK Downing

ca? Creo más bien en una actitud. El problema hoy en día es que la mayoría de los músicos carecen de ella y también de mensaje, de algo que decir. Un ejemplo claro son Orbital, que los escuchas y parecen unos Michael Nyman de segunda. O Kenny Larkin, cuyos discos son como una copia de los de Weather Report. Hay un montaje que pretende no parecer comercial pero que si lo es, una especie de muzak para las masas.

Al leer el libro la impresión es que se ha intentado rehuir cualquier intento de ser diplomático. Algunos comentarios son realmente punzantes. No, yo sólo he dado mi opinión. En la prensa musical española falta espíritu crítico, los periodistas no ponen la carne en el asador. Es el caso de Rock de Lux, que yo no compro porque la información que sale ya aparece tres meses antes en la prensa inglesa, como fue el caso de mi libro. Hasta que no apareció comentado en The Wire no salió, dos meses después, en Rock de Lux. El caso es que si leo ésta o cualquier otra lo que espero es que me den su punto de vista y no que se limiten a describir unos hechos: que si éste toca el sampler o que si tienen tantos discos. No soporto que ahora estén de moda, por ejemplo, Chemical Brothers o Daft Punk, y que nadie se atreva a decir nada en contra de ellos. Si no pones pasión y dices lo que sientes es una tontería escribir. A veces pienso si algunos periodistas no tendrán algún rollo con las discográficas...

Una pregunta obligada, ¿cómo es que no aparece ningún grupo español? Me hubiera gustado hablar de Suck Electronic, a los que tuve la oprtunidad de seguir desde el primer día y que podrían haber sido los Ash Ra Tempel españoles; o de Granada, que eran algo así como la versión galdosiana de la música cósmica.

Tocaban melotrones e instrumentos analógicos pero todo sonaba muy español, que no folclórico. El caso es que nunca he seguido mucho lo que se hacía aquí y no tengo la cara dura de escribir sobre lo que no conozco. Tampoco era mi intención escribir una enciclopedia. Una de mis pretensiones era despertar la curiosidad de la gente que se atreviera a ir más allá siguiendo sus propios criterios. n

Desgraciadamente, problemas de índole económico han motivado el cierre de la editorial. Esta interesante y arriesgada aventura no tendrá, por ahora, continuidad. Si quieres conseguir el libro de Paco o algún otro de los publicados, puedes dirigirte a: Paco Peiró, Apdo. 36180, 08080 Barcelona.

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P///MUSIK NACIÓ

P///METRO

tribal gathering 97 la meca del dance ¡Oh, la fecha ha pasado! y quienes olvidaron volar el 24 de mayo a Luton Hoo (Londres) deben darse con un canto en los dientes, mientras que quienes asistieron también deberían hacerlo -más que nada para recolocar la mandíbula- porque dejaron huella las veinte horas más ciberpsicodélicas de su vida.

4 Hablamos de la cuarta edición del Tribal Gathering. 100 Dj’s, 40 actuaciones en vivo, 40.000 asistentes y 9 megacarpas vibrando a tope.

Extraterrestres, cortometrajes, juegos, lucecitas en tu mente y felicidad, felicidad y felicidad.

Tribal Gathering lleva a la práctica la muerte del elitismo underground que caracterizaba la escena rave desde el ‘summer of love’ hasta nuestros días.

Tribal Gathering es la culminación de un proceso evolutivo que debía enfrentarse al poder multinacional de un rock’n’roll ahogado en el plato de lentejas de oro.

Esta auténtica aldea global consta de nueve carpas repartidas en un inmenso terreno en medio de una pradera. A lo largo de veinte horas, cada carpa albergará a los miles de frenéticos que dan razón de ser al Dj. Recordemos que él es el encargado de hacer gozar al público con su música, no con su persona, por lo que oculta su presencia tras la maquinaria, siendo innecesario bailar de cara al escenario como si esperásemos la aparición de un dios y éste es precisamente el gran avance musical de la escena rave.

El éxito de la edición del 96 de este acontecimiento (¡qué nadie lo llame festival, por favor!), más la anunciadísima reaparición de papá Kraftwerk y las actuaciones de Orbital -indiscutibles dioses del 97-, Carl Cox, Daft Punk o Dave Clarke, han provocado una auténtica avalancha de gente ansiosa por brincar. ¡La música! Eso hace perdonar todo lo demás.

Probablemente jamás volvamos a disfrutar de un re-

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Foto Archivo Dexvila Texto Álvaro Colomer

pertorio de actuaciones en vivo tan bien seleccionado como el 24 de mayo de 1997 en Luton Hoo, una fecha a anotar en la historia del techno. La actuación más esperada, sin duda alguna, era la de los autómatas de Kraftwerk. Los focos se encendieron a las 22:00. Una gran pantalla a la espalda del cuarteto.

Miles de posesos agolpados en la carpa ‘Trans Europe’ esperando. ¿Les habrá afectado tanto el tiempo? ¿se decepcionarán los más jovenes y cambiarán de carpa para no perderse a los gamberretes de París? No. Una nota de los alemanes y el grito de la multitud los acoge calurosamente. Dos horas de ‘Computer World’, ‘Man Machine’, ‘Trans Europe Express’... recuerda a los más veteranos de la escena que no es que Kraftwerk sea un grupo antiguo, sino que aquella fue una época antigua para Kraftwerk. Ahora só-

lo cabe esperar la aparición del tan rumoreado nuevo álbum, sin duda éxito de ventas antes de editarse. La actuación toca a su fin. La gente pide más pero cuando queda claro que se acabó, el público corre hacia ‘Planet Earth’, la carpa más grande, para no perderse ni una nota de Orbital. Otra gran pantalla flasheando escenas violentas: pistolas, explosiones, gritos... El escenario lleno de cables y las dos cabecitas meneando las gafas luminosas de un lado a otro para controlar la inmensa maquinaria. La carpa tiembla y algunos despistados que deambulan bajo el cielo gélido intuyen que las vibraciones en la hierba -como si pasara el metro- sólo pueden proceder de las manos de Orbital.

El travieso dúo que forman Daft Punk tampoco se queda corto. El público esta extenuado pero aún quiere más. Dave Angel, Laurent Garnier, John Acquaviva, Jeff Mills... Otra de las actuaciones más esperadas era la de Dave Clarke, que siempre se negó a pinchar en vivo por requerir unas condiciones ambientales demasiado especiales. La organización se comprometió a acondicionar todo cuanto fuera necesario y al fin, por vez primera, se pudo sentir el arte de Clarke proviniendo de sus propias manos. Y más, más, más. Las mejores actuaciones han quedado para la noche. Sin embargo hay alguien que no necesita horas brujas para encantar a los niños. Hablamos de Carl Cox, ¿de quién si no? Considerado por muchos el mejor Dj del mundo. Él ha elegido un pequeño entarimado bajo el sol, en una esquina del recinto. Quien quiera gozarle ya vendrá. Pero Carl Cox pincha su primer tema y los pocos que le rodean hacen suya la definición que Sky dió del Tribal Gathering del año pasado: “Las 17 horas más placenteras que jamás experimentarás con la ropa puesta”. n

Tribal Gathering ‘97 queda para la historia y unos cuantos miles de personas lo han disfrutado. El año que viene más para acallar a quienes predicen la inminente muerte del techno sin saber lo que es una auténtica rave.

SELF

the reyes klf del sample inteligente

Jimmy Cauty y Bill Drummond son dos avispados fabricantes de megahits electrónicos tocados por la suerte de vivir su madurez en el momento oportuno.

Llevan más de diez años viviendo de la industria del pop, ya sea como músicos, productores, ejecutivos o managers.

4 The KLF son el símbolo por excelencia del nuevo quehacer musical y no precisamente por su música, sino por su particular manera de construirla y venderla. Son los reyes del sample inteligente, maestros absolutos en el arte de robar del pop y el rock todo aquello que les parezca oportuno, ya sea con intención efectista o simplemente irónica. The Beatles, Led Zeppelin, Abba, Killie Minogue o Withney Houston han sido algunas de las 'víctimas' de sus delirantes atentados. Viven y trabajan en un destartalado local que amenaza seriamente con venirse abajo. El ya mítico Transcentral no es la Factory ni tampoco Paisley Park pero algo tiene de ambos, al igual que Warhol o Prince, Cauty y Drummond ejercen el control total de su trabajo, que abarca más allá del ámbito audiovisual para convertirse en paradigma de un nuevo modelo de producción y, casi casi, en un nuevo modelo de provocación, aunque ellos aseguran que no hacen nada con la intención de perseguir reacciones.

"Simplemente hacemos lo que queremos. Nos levantamos por la mañana y las cosas pasan. Ni siquiera pretendemos divertir, nuestro trabajo es serio, aunque nosotros no lo parezcamos."

The KLF subvierten los géneros musicales, del acid-house al country-blues, juegan con ellos, los desvirtúan o los dignifican, pero siempre los utilizan en beneficio propio. Sus tres superéxitos en el campo de la música de baile, son la consecuencia de un progresivo triturado de ideas propias y ajenas, que vienen de lejos y que han venido utilizando en repetidas ocasiones y de diferente forma. Las melodías breves y pegadizas de '3 A.M. Eternal', las secuencias rítmicas de 'What Time Is Love' y los co-

ros y registros electrónicos superefectivos de 'Last Train To Transcentral' tienen en ocasiones una 'antigüedad' de tres o mas años -hablando de dancemusic, tres años, es mucho tiempo atrás. "Nuestras canciones nunca están terminadas del todo.

Siempre existe la posibilidad de modificarlas, añadir o quitar elementos. Es preferible, además, que seamos nosotros mismos los que remezclemos los temas antes de que vengan otros y lo hagan mal, cosa que por otra parte, tampoco nos importa mucho". ¿Self-sample? ¿Autoparodia? Simplemente un campo de posibilidades prácticamente ilimitado.

Esta fórmula por la que un tema puede aparecer en innumerables versiones diferentes a cargo siempre del mismo artista es utilizada también por bandas

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Fotos Archivo Self Texto Ricard Robles

como 808 State o The Shamen, entre otros, con la matización de que los primeros hacen entrega de todo el material prácticamente a la vez para luego dedicarse a otra historia y los segundos utilizan para sus remixes una larguísima lista de colaboradores. En cualquier caso, se trata de una metodología de trabajo útil mientras se quiera y un excelente gancho para generar expectación entre el consumidor habitual de este tipo de productos, básicamente Dj's y toda la órbita que gira en torno a los clubs y discotecas, los auténticos templos de la música de nuestros días. Algunos podrían pensar que The KLF han tenido más suerte de la que esperaban, quizás más de la que se merecen. Aunque es posible que, efectivamente, un día se levantaran y se vieran convertidos en estrellas del underground, lo cierto es que tal estatus no responde sólo a la habitual mitomanía de la pop-press británica sino más bien a un dilatado y peculiar curriculum vitae.

Han dejado claro que no vale la pena luchar contra el sistema que impera en el show-bussines, es mucho más divertido y productivo infiltrarse en él, aprovecharse de su infraestructura y manipularlo en beneficio propio.

THE KLF

REYES DEL SAMPLE INTELIGENTE

En él se amontonan de manera harto confusa nombres, fechas, desastres económicos y algún juicio por piratería sonora.

Su primer y ruinoso encuentro fue en 1984 en las filas de un efímero grupo llamado Brilliant que dejó un agujero de -dicen- 300.000 libras esterlinas en las cuentas de WEA en concepto de horas de estudio y honorarios de productor. Por aquel entonces Bill Drummond, como entusiasta ejecutivo de la compañía, contrató los servicios de Pete Waterman, uno de los inefables e injustamente vilipendiados Stock, Aitken & Waterman. Tras el fiasco, Cauty y Drummond deciden embarcarse de lleno en su cruzada por liberar al mundo de veinticinco años de 'fucking rock'n'roll'. "Stock, Aitken & Waterman fue una revelación para nosotros. No habíamos visto a nadie trabajar como ellos, con ese dominio de la tecnología, esa especial habilidad para extraer de las máquinas aquello que de otra forma hubiera sido imposible". Con el impacto de esas clases magistrales y la pujante influencia del hip-hop que llegaba por toneladas de los

como intérpretes tampoco pasó nunca de discreta y su encanto personal es más bien escaso. Sin embargo poseen la habilidad y la desvergüenza necesarias para hacer lo que les dé la gana.

Las reacciones a su osadía no se hicieron es-

The KLF subvierten los géneros musicales, juegan con ellos, los desvirtúan o los dignifican, pero siempre los utilizan en beneficio propio.

EE.UU., nace en 1987 The Justified Ancients of Mu Mu con la sana intención de samplear fragmentos populares del rock, el pop y el soul y de construirlos a base de los nuevos ritmos electrónicos hasta llegar a una factura en versión británica y mucho más cruda. Sencillo, arriesgado y, sobre todo, desestabilizador. En ellos se concentran postulados que van de la relectura punk a la resaca hippy, pasadas ambas por el tamiz de la ciencia ficción y la tecnología moderna. No son ni cyberpunks ni neo-hippies. ¿Neopunks quizás? ¿Tecno-hippies acaso? No se les puede calificar de ingenieros especializados, ni tampoco de compositores excelentes, su labor

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perar: a las pocas semanas de aparecer 'What The Fuck Is Going On ?', su álbum de debut, los suecos de Abba mostraron su descontento al oír como su clásico 'Dancing Queen' era reconvertido en 'The Queen And I’ sin autorización ni royalties por medio. Los abogados nórdicos se pusieron en marcha y, tras infructuosas negociaciones, The JAMM’s (que viene a ser la abreviatura de The Justified Ancients of Mu Mu) fueron obligados a retirar del mercado todas las copias disponibles del disco y a poner un anuncio en la prensa por el que se pedía a todo aquel que dispusiera de una de ellas que se prestara a devolverla. Por supuesto no sólo no se registró

ni una sola devolución sino que su precio subió vertiginosamente en el mercado de segunda mano, tanto que los propios JAMM’s pudieron financiar el coste de los anuncios gracias a la venta a precios astronómicos -más de 1.000 libras- de tres de las cinco copias que localizaron semanas después aparcadas en una destartalada tienda de la periferia londinense. Las otras dos se las quedaron de recuerdo y el cargamento recogido en tiendas y almacenes fue quemado en una fiesta en Suecia.

Cauty y Drummond lo transportaron hasta allí en un típico coche de policía americano en un intento inútil -los Abba no quisieron recibirles- de explicar a los suecos que habían pretendido con aquel dichoso disco. El resto de artistas sampleados no abrió el pico.

El escándalo estaba servido. La fama y la expectación se generan solas como consecuencia directa. El pop andaba necesitado de algo así, una sacudida inesperada a las anquilosadas mentes del show-bussines. La impetuosa llegada del acid-house en el verano del 88 y la irrupción masiva de los Dj's en los estudios de grabación para hacer sus propios discos daría el golpe definitivo. Era el momento ideal para intentar el número uno y la mejor manera era atacar por la vía de la nueva dance music.

Fieles a su espontaneidad y a su total falta de método, la persecución de un hit moderno les llevó a crear 'Doctor in' Tardis'. Bajo el nombre de The Timelords se presentaban con una inclasificable fusión de secuencias house, Gary Glitter y la sintonía de Doctor Who, una conocida serie de la televisión británica. A los pocos días las radios difundían el tema a todas horas y el extraño producto llegaba a la cima de las listas. Lo habían conseguido, con premeditación, nocturnidad y alevosía y casi todas las circunstancias inicialmente en contra. ¿Qué mejor entonces que escribir un libro y explicarlo? En pocos meses aparece 'The Manual. How To Have A Number 1. The Easy Way' ('El manual. Cómo conseguir un número 1. La manera fácil'), con recomendaciones para los futuros aspirantes a estrella

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the klf reyes del sample inteligente 4 de la índole de "Si ya eres un músico, deja de tocar tu instrumento. Mucho mejor, véndelo, y si estás en un grupo, déjalo". El libro garantizaba la devolución de su coste si no se conseguía en tres meses el objetivo apuntado. Jimmy Cauty asegura que el grupo australiano Bingo Boys lo consiguió, el resto no ha reclamado aún su dinero.

Los proyectos se precipitan, mezclados con sueños delirantes que en ningún momento consideran irrealizables. Éxito, confusión y despilfarro avanzan juntos. Los beneficios obtenidos por 'Doctor in' Tardis' fueron invertidos, antes de verlos, en una aventura de cuatro semanas por el sur de España con la intención de filmar una película. 'The White Room' costó las 250.000 libras que todavía están pagando... por un film inacabado. "Fue una experiencia absolutamente deprimente ver como tirábamos el dinero en algo que no sabíamos como terminaría. Por ese importe podríamos haber comprado dos fantásticas mansiones. Más tarde hicimos una cosa aún mas estúpida: gastamos 45.000 libras en hacer un álbum que, supuestamente, debía ser la banda sonora, con un esperanzador hit que luego no pasó del número 102 de las listas.

Quizás algún día seguiremos con el proyecto... ¡invirtiendo un millón más!"

Abrumados por la frustrante experiencia e influenciados por el auge de sonidos new-age y demás músicas de corte ambiental que impregnaban el momento, Cauty y Drummond deciden meterse de nuevo en su desvencijado Transcentral para zambullirse de lleno en los sonidos etéreos del 'ambient house'. 'Chill Out’ aparece a principios del 90 como antídoto a las interminables noches de baile y éxtasis. Elaborado en tres días y tres noches, el álbum recoge material registrado a lo largo de varios años. Tras una acertada portada, en la línea del 'Atom Heart Mother' de Pink Floyd, se guardan sonidos ambientales de la naturaleza, paisajes planos por donde planean lánguidas guitarras, Elvis susurrando 'In The Guetto' y un continuo trasiego de trenes, coches y otros artefactos. El disco es acla-

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en las listas. Hoy en día, 'What Time Is Love' es una de las piezas más representativas de la generación de sonidos post-acid y, prácticamente, de toda la década de los 80. '3 A.M. Eternal' y 'Last Train To Transcentral' han seguido su mismo camino. Aunque no tan rompedoras y emblemáticas como la primera, han servido para alimentar la fama y las cuentas bancarias de The KLF, lo cual quiere decir proporcionarles armas para mantener la expectación que precede a cualquier cosa que hagan y asegurar el desconcierto y perplejidad que suceden después.

"No habrá mas entrevistas. El insaciable interés de los medios debe quedar satisfecho con lo que se ha visto este fin de semana. En estos tres días hemos ofrecido mucho más de lo que puede expresan cualquier entrevista."

mado unánimemente por críticos e incondicionales pero la respuesta popular no pasa de discreta.

Algo muy diferente a lo que estaba pasando entonces con su ya lejano 'What Time Is Love'. El tema se había convertido en los últimos meses en pieza de culto de los Dj's del circuito underground europeo, tema imprescindible de after-hours, raves y demás eventos músico-festivos de índole semiclandestina que brotaron como hongos tras el decisivo 'summer of love' de 1988. Animados por la euforia desatada, nuestros héroes deciden rehacer el tema y lanzarlo de nuevo con la mirada puesta

Con estas palabras The KLF cerraban el evento socio-musical más sorprendente de los últimos meses: un weekend entre los límites de lo surrealista y lo fantástico en busca de los secretos del Continente Perdido de Mu. Cuarenta periodistas y ejecutivos de compañías discográficas de doce países diferentes fueron invitados a celebrar los Ritos de Mu coincidiendo con el solsticio de verano en una remota isla de la costa oeste escocesa.

"No traigan demasiado equipaje, una bolsa por persona. Incluyan algo de ropa de abrigo y calzado apto para caminar. No olviden la loción antimosquitos y los impermeables. Terminantemente prohibido aerosoles y videocámaras". Poca información más contenía el fax que recibían a mediados de junio los invitados de excepción. Pese al des-

¿Self-sample? ¿Autoparodia? Simplemente un campo de posibilidades prácticamente ilimitado.

Esta fórmula por la que un tema puede aparecer en innumerables versiones diferentes a cargo siempre del mismo artista es utilizado también por 808 State o The Shamen.

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En ellos se concentran postulados que van de la relectura punk a la resaca hippy, pasadas ambas por el tamiz de la ciencia ficción y la tecnología moderna. No son ni cyberpunks ni neo-hippies. ¿Neopunks quizás? ¿Tecno-hippies acaso?

THE KLF

REYES DEL SAMPLE INTELIGENTE concierto, nadie -bueno, casi nadie- faltó a la cita en el aeropuerto de Glasgow el veintitrés de junio a mediodía. La tarde transcurriría del avión al autobús, luego otro y de éste a un minúsculo ferry. Tras cuarenta minutos de travesía, la espesa niebla dejaba entrever las suaves colinas de la Isla de Mu. El lugar, más conocido -aunque no mucho- por Jura, es una tranquila isla del archipiélago de las Nuevas Hébridas habitada por unas doscientas personas, la mayoría de ellas dedicada a la destilación de whisky y al cuidado de las ovejas. Un pequeño hotel, un bar y una tienda 'para todo' completan la infraestructura de servicios. El único policía del lugar, contratado a media jornada, vive allí desde los años 40, poco antes de que George Orwell se retirara a escribir '1984'.

Machacados por el viento y la lluvia y ligeramente mosqueados por la total falta de información sobre lo que estaban haciendo allí, la comitiva fue desagradablemente recibida por un regio oficial vestido a la manera egipcia. Tras el cacheo y la confiscación del alcohol, los pasaportes fueron sellados con el logotipo de la pirámide de The KLF,

tua hecha de cañas, de unos diez metros de altura, se erigía frente a ellos, justo al borde del agua. A sus pies, Drummond, ataviado con un hábito blanco y cubriéndose la cabeza a modo de amenazante unicornio, dirige al grupo, obligados ahora a entonar

"Simplemente hacemos lo que queremos. Ni siquiera pretendemos divertir; nuestro trabajo es serio, aunque nosotros no lo parezcamos." el emblema de Mu. Minutos más tarde, cena en el salón principal de la mansión más señorial de la isla. Tras comer y beber más de lo necesario, los más incautos -todos periodistas- empezaban a pensar que aquello iba a ser un apacible fin de semana entre playas, whisky y ganado.

Estaban muy equivocados. En ese aparente clima de relax, se repartieron entre los invitados unas enormes y llamativas túnicas amarillas con capucha y el logo de la pirámide estampado en el pecho.

Poco después eran conducidos en procesión en dirección a la playa. Un equipo de filmación esperaba para realizar su trabajo. Una espectacular esta-

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misteriosos cantos: Mu-Mus tararean todos tímidamente, medio perplejos, medio humillados. A las 10:21 de la noche, el momento exacto del solsticio, el ícono pagano arde en un poderoso estruendo, mientras las cámaras lo recogen todo para la realización del nuevo vídeo del dúo, el correspondiente a 'Justified And Ancient', un tema extraído de su último y exitoso álbum 'The White Room'.

El día siguiente transcurre plácidamente: paseos, siestas y conversaciones monotemáticas en torno a lo que viene y a lo que vendrá en el corrompido mundo del pop -ya se sabe que los críticos musicales no saben hablar de otra cosa entre

ellos-. Por la noche, luces estroboscópicas, fuegos artificiales, Dj's, música a todo trapo y todos los ingredientes necesarios para que la fiesta durara toda la noche. Unas horas, pocas, de descanso y vuelta al mundo civilizado, sólo que esta vez, como siempre sin previo aviso, el avión no regresaba a Glasgow, ni siquiera a Londres, sino a Liverpool. En el autobús que se dirige al hotel, Cauty y Drummond anuncian a los ya definitivamente vencidos viajeros que van a debutar como actores y cantantes, vestidos con las famosas túnicas, en el Royal Court Theater de Liverpool frente a una audiencia de 2.000 personas. En tres horas, periodistas y managers deberán preparar las dos primeras estrofas de 'Justified And Ancient'. Ya nadie parece asustarse de nada, con lo cual, y pese a unos desastrosos ensayos, la puesta en escena resulta apoteósica.

Final feliz y a lo grande para una auténtica aventura que escapa a cualquier tipo de patrón establecido. Dice un periodista francés que The KLF han conseguido inventar la promoción interactiva y quizá sea ésa la manera menos comprometida de definir esta historia. ¿Cómo, si no, se entiende el invitar a la prensa durante tres días al ultimo rincón del planeta para participar, sin conocimiento previo, en la filmación de un vídeo-clip que luego deberán criticar? A sus treinta y tantos años, los dos elementos del Kopyright Liberation Front han conseguido otra vez superar lo predecible mediante el sello de la genialidad, con ese inocente pero inequívoco espíritu desvergonzado, ciertamente osado y tremendamente excéntrico que debería servir de pauta primaria para generaciones de creadores mucho más jóvenes que ellos. Han dejado claro que no vale la pena luchar contra el sistema que impera en el show-bussines, es mucho más divertido, y productivo infiltrarse en él, aprovecharse de su infraestructura y manipularlo en beneficio propio, sin mojigaterías ni falsa modestia, olvidando los cumplimientos hipócritas y transformando la ética profesional en un continuo "haz lo que quieras". No falla. Casi nunca. n

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F.I.B.cita97 obligada

El Fesival de Benicàssim cumple tres años y si ha demostrado edición tras edición un aumento cualitativo, en este tercer cumpleaños ya tira definitivamente la casa por la ventana y se convierte, sin duda, en el mejor de cuantos podamos asisitir durante todo el año.

4 Donde se nota más esa huida hacia adelante es en la programación de la Carpa Dance (nosotros hablaremos casi exclusivamente de ésta, porque es la que más cerca cae de nuestra línea editorial) que se podría convertir perfectamente en un festival propio dentro del gran festival-madre.

Os voy a confeccionar una pequeña guía para que podáis conocer de antemano el aluvión de artistas que se os viene encima.

CHEMICAL BROTHERS (Viernes 8, Escenario A) Unos que repiten de la edición anterior, donde estuvieron a punto de convertirse en los reyes de ese año sino hubiera actuado Orbital, los grandes triunfadores. Llegan con su nuevo álbum bajo el brazo (‘Dig Your Own Hole’), que les ha convertido, junto a The Prodigy y Orbital, en una de las estrellas indispensables de los megafestivales europeos. Ed Simons y Tom Rowlands forman parte de esta nueva corriente que intenta aunar el rock con la música de baile, gracias a sus potentes directos y a sus continuas colaboraciones, en su faceta remezcladora, con innumerables bandas guitarreras. Ya que va a ser la única escala que van a hacer este año en nuestro país, merecen toda nuestra atención.

AUTECHRE (Viernes 8, Carpa Dance) Sean Booth y Rob Brown empiezan a ser unos habituales (ésta será la tercera vez que toquen en nuestro país) y también llegan tras la publicación de su nueva obra (‘Chiastic Slide’). Los han encuadrado dentro del ‘techno inteligente’, pero son inclasificables y únicos, y lo que veremos ese día puede ser imprevisible. Funcionan desde 1987 y han publicado cuatro Lp’s para el sello inglés Warp.

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Foto Archivo Self Texto Ralf and Florian

COLDCUT (Sábado 9, Carpa Dance) Los jefes del sello Ninja Tune. Matt Black y Jonathan More llevan juntos desde 1987, haciendo música, remezclando a cantidad de gente (posiblemente el remix más famoso fue el ‘Paid In Full’ de Eric B and Rakim) y trabajando de Dj’s. Están considerados los reyes del sample y este año publicaron lo que es su última obra, ‘Atomic Moog 2000’.

SLAM (Viernes 8, Carpa Dance) Otros dueños de sello, en este caso Soma. Orde

Meikle y Stuart MacMillan son escoceses y publicaron en 1996 su primer álbum (‘Headstates’), uno de los mejores del año.

Ellos descubrieron a los ahora famosísimos Daft Punk, que empezaron grabando en Soma. También son Dj’s y dueños del club The Archers en Glasgow.

MASSIVE ATTACK (Domingo 10, Esc. A) Estos son un trío: 3-D, Mushroom y Daddy G., y están considerados los padres del sonido Bristol. Funcionan desde 1990 y sólo han grabado dos Lp’s, ‘Blue Lines’ y ‘Protection’ (‘No Protection’ era una versión en clave dub, a manos de Mad Professor, del segundo). Se supone que ahora mismo están grabando lo que va a ser su tercer larga duración y es casi seguro que aparecerán en el escenario con la formación del Massive Attack Sound System (Dj’s antes y después de su actuación), como hicieron las veces anteriores que estuvieron aquí.

JEDI KNIGHTS (Viernes 8, Carpa Dance) Uno de los múltiples alias de una de las parejas más interesantes del mundillo techno: Marc Pritchard y Tom Middleton. Ellos son también Global Communication, Link, Reload, Secret Ingredients...

La causa de la existencia de Jedi Knights es el amor que sienten hacia el sonido electro, el funk y la saga de la Guerra de las Galaxias. Son los dueños del sello Evolution y en él sacaron su único álbum, ‘New School Science’.

Como podéis observar todo un cartel de lujo para esta 3ª edición del Festival Internacional de Benicàssim, en su apartado dance. n

El espacio apremia y sólo he podido hablar de los pesos pesados pero no me puedo olvidar de una serie de propuestas muy interesantes: la representación nacional (Prozack, Madelman y Vanguard), los grupos franceses (Dimitri From Paris, Motorbass y Rinoçerose), los ingleses (Herbert, Bentley’s Rythm Ace, Basement Jaxx y Jon Carter) y una importante selección de Dj’s nacionales e internacionales (Panic, Galax, Juanpe, Sideral, Fra y Dave Angel).

9:58

P///MOOG

dog jockey

the angriest of the world

Volumen 10

Por Víctor Sol

El dogjockey más furioso del mundo, aunque a lo mejor no la comparte, tampoco se hace responsable de la distinguida opinión de algunos de los otros colaboradores de esta revista. Algunas de las columnas del último número me hacían sentir bastante incómodo compartiéndo páginas con ellas, p.e. la sección de los 10 ‘mejores’ discos del ‘96. Con vuestro perdón: vaya caca. Sólo quiero dejar claro que no he participado en semejante triste cosa. Estas listas me recuerdan a las listas negras sobre gente no querida, sólo que al revés. Muy mal.

Y como comentario adicional una cosita que ya hace tiempo que me pica: el hype patético que le han dado al señor Madelman por parte de Cosmos (sello que por cierto figura muy arriba en mi propia lista negra; hay que boicotear este sello; si tenéis ganas, os explicaré porque, solo tenéis que pedírmelo a mi buzón secreto) y también -que vergüenzapor parte de esta mismísima revista. Hablando con algunos amigos me aclaro del nivel de ‘fama’ alcanzado por el señor Madelman - el cae simpático a todo el mundo, ¡a mí también! Pero a lo mejor no hay que confundir esto con la calidad de su música, que ciertamente no es tan mala como la pinto aquí, pero tampoco digna de tales elogios. Para asegurarme de que no hablo mal sobre una cosa que no conozco demasiado bien, hice que me prestaran el Cd y lo escuché 4 veces muy atentamente.

Os puedo asegurar que personalmente ya me basta con esto y espero que no tenga que volver a escuchar esta obra de genio, prefiero oír silencio. El Cd no aporta absolutamente ninguna pizca nueva ni a la música electrónica, ni a la música pop, tampoco es divertido -lo que ya seria algo. Me recuerda a unos ejercicios de construcción de música que ciertamente para el propio creador pueden ser satisfactorios, pero que no hay que publicarlos. Por favor ¡no toda la gente que hace música tienen que

SELF

sacarlo en Cd! Y estoy pensando en mucha más gente que el pobre Madelman, quien ha recibido la paliza aquí.

Ahora algo más interesante. A veces me preguntaba por donde había desaparecido uno de los músicos mas importantes de la música post-punk, el muy querido John Foxx, fundador y cantante de los primeros 3 discos de Ultravox. En los 80 ya ha-

John Foxx

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bía hecho un excelente disco de música electrónica minimalista en solitario -’Metamatic’- que desde aquí puedo recomendar sin restricciones, que casi 20 años más tarde sigue siendo una obra espléndida. Lo mismo vale para los discos de Ultravox con él, aunque éstos tirando más a la New Wave con algunos temas electrónicos. Después de ‘Metamatic’ hizo ‘The Garden’, disco bastante más ‘normal’ que el anterior, tirando otra vez más hacia la New Wave con elementos New Romantics.

Esta línea ‘evolucionaba’ a través de discos como

9:60

‘The Golden Section’, que aún contenía temas buenos, al último disco de entonces ‘In Mysterious Ways’, trabajo muy centrado en las guitarras acústicas y bastante kitsch, sin glorias. Después desapareció y hasta ahora era desconocido donde se había metido, salvo que se decía por ahí que él había vuelto a su otra pasión: el diseño gráfico.

John Foxx era -y es- un excelente cantante ante todo, con un estilo muy personal y fue una gran lástima que no hubiera más grabaciones de él (aunque como ya decía, las últimas no eran muy geniales), salvo un par de maxis de techno bastante mediocre junto a Tim Simenon bajo el nombre de Nation 12 que salieron por el año 90 +/-.

Bueno, aquí están dos Cd’s nuevos que salieron a la vez en su propio sello, MetaMatic. El primero se llama ‘Cathedral Oceans’ y contiene 11 temas con voces y teclados y algunas grabaciones de ambientes naturales, todo muy tranquilo con aire de una misa privada del señor Foxx en una iglesia abandonada, estética que se puede comprobar en la carátula del Cd y en los títulos del disco. Hay muy poco que decir sobre este disco, creo que a lo mejor es el menos interesante de los dos, va en una onda muy intimista y los temas entre sí son bastante similares, pero es un buen Cd para ponérselo el domingo por la mañana para relajar....

El segundo es ‘Shifting City’, Cd que retoma las ideas del antes mencionado ‘Metamatic’. Es rítmico, minimalista y todos los temas tienen letras, cosa bastante escasa en la música electrónica de ahora. En algunos de los 10 temas se puede apreciar que el intento de modernizar su música le lleva a resultados algo previsibles, pero la mayoría del disco mejora con cada escucha y es un disco muy digno de este distinguido músico. A la gente que conoce al John Foxx de sus anteriores trabajos: podéis comprar los dos Cd’s sin miedo, porque no os van a defraudar; a los que no lo conozcan recomiendo empezar con el primer disco en solitario ‘Metamatic’ y avanzar desde ahí... espero que lo disfrutéis. n

P///EXOTEC

P///LINEA ALTERNATIVA

l’angelot pioneros del arte electrónico Las tecnologías digitales no sólo han revolucionado el mundo de la música. También el arte vive en la era electrónica. En los últimos cinco años, se está usando realidad virtual, inteligencia artificial, redes, hipermedia, telepresencia... Es un nuevo mundo para el arte.

4 Pero las perspectivas de una nueva estética se ven frustradas por la falta de dinero. Si la música electrónica es barata, el arte electrónico es carísimo. Y no hay mercado. Ni tampoco ayudas, en España.

El oasis en el desierto patrio se llama L’ Angelot. Es el primer espacio consagrado en nuestro país a apoyar y difundir el arte electrónico.

Desde 1993 muestra todo tipo de creaciones con nuevas tecnologías en sus salas de Barcelona. Y también actúa en la Red. Desde enero podemos acceder a su exposición virtual ‘Lo humano y lo invisible’ (http://www.connect-arte.com/webart).

“Es una convocatoria abierta -cuenta Claudia Gianetti, directora artística de L’Angelot-. La idea era motivar a artistas que no habían trabajado con Internet a crear obras para este medio.”

En ‘Lo humano y lo invisible’ encontramos obras planteadas como proceso. Podemos entrar y completarlas. Tenemos, por ejemplo, ‘El rastro’ de Sylvia Molina: la plaza va uniendo a todos los usuarios, que suman sus aportaciones. Una obra de participación colectiva.

L’Angelot ha organizado ya medio centenar de actividades vinculadas al arte electrónico.

Siempre en los campos más experimentales (son pioneros, por ejemplo, en la edición de Cd-Rom de arte interactivo e intermedia). “El arte intermedia -explica Gianetti- relaciona distintos campos artísticos, creando un lenguaje múltiple (obras que, por ejemplo, tanto se puedan considerar concierto como performance).”

Un arte que cada vez interesa más. “Cuando

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Foto Archivo C. Gianetti Texto Óscar Fontrodona

empecé la gente me decía que estaba loca. Hace sólo cuatro años esto sonaba muy raro. Hemos ganado muchísimo público y cada vez más joven.

Pero aún falta mucha información.” L’Angelot la brinda editando libros: ‘Arte en la era electrónica’, ‘Media culture’... “Estamos introduciendo a los teóricos porque en España no encuentras nada traducido.” Y también le dan importancia a las conferencias: “El Congreso Internacional de Arte Electrónico de Barcelona ha marcado un hito”, nos cuenta Gianetti, que lo dirigió a principios de año.

Esta brasileña, que empezó en Alemania como galerista, abandonó ese mundo “absolutamente determinado por el mercado”, para abrir este espacio independiente y consagrado a su “pasión”. “La revolución que permiten los sistemas interactivos es la participación del espectador en la construcción de la obra. Es de las cosas más interesantes que han pasado en el siglo XX”.

Pero el panorama no está a la altura de las posibilidades. “Para los creadores es fatal -denuncia Gianetti-. En España hay un potencial enorme de artistas interesados y que no salen adelante por falta de recursos.

El apoyo para la creación de obras es mínimo. La única institución que puede funcionar como centro de creación es el Instituto Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra y está colapsado.”

El problema es que “el arte interactivo es muy caro. Para cualquier producción tienes que disponer de un Silicon Graphics.

Sobre todo los jóvenes no tienen cómo producir obra. Lo que temo es que a esta generación joven le va a pasar lo mismo que a Muntadas, Balcells...

Se tendrán que ir. Alemania, Estados Unidos, Francia, tienen centros potentes de creación de arte electrónico. Apoyan no sólo con becas, ya existe todo un sistema. Conozco artistas alemanes que viven 7 u 8 años de becas”.

El arte electrónico es, a fin de cuentas, invendible. “El circuito del arte no tiene asumido este arte. La idea de poseer un objeto material va en contra del arte electrónico. No hay coleccionistas.”

Algún día los habrá. Comprarán claves de acceso. n

“Para los creadores es fatal -denuncia Gianetti-. En España hay un potencial enorme de artistas interesados y que no salen adelante por falta de recursos. El apoyo para la creación de obras es mínimo.”

SELF

cd store

ULTRAVIOLENCE PSYCHO DRAMA EARACHE

r KLUSTER KLOPFZEICHEN ZWEI-OSTEREI HYPNOTIC

Reedición de los dos volúmenes que recogen la mítica sesión que el grupo de Moebius/ Roedelius/Schnitzler realizó en diciembre de 1970 por encargo de un párroco con inquietudes vanguardistas. Estos dos discos han acumulado, ellos solos, más leyenda que cualquier otro de la edad de oro del krautrock y con razón, pues son la Piedra de Rosetta de la música industrial. Nunca habían sido reeditados y muchos los hemos oido por vez primera gracias a la magnífica labor del sello americano Hypnotic (1996) , que añaden 15 minutos extra en cada Cd, extraidos de una sesión live de 1980 de Cluster & Farnbauer.

VICTIM OF CHANGES

EXHAUSTOR COAXIAL LÍNEA ALTERNATIVA

Ahora que la desprestigiada etiqueta 'trance' sirve para definirlo todo y nada a la vez, aparece al rescate el Sr. Miguel A. Ruiz (quien como Orfeón Gagarin tiene una larga lista de antecedentes) dis-

SELF

puesto a limpiar, pulir y dar esplendor al género. Tampoco es el suyo un trance al uso. El rugoso tacto de los sonidos, una voluntad exploradora inhabitual en este campo y un necesario sentido del humor (¡esos paródicos títulos!) desmarcan este Cd del grueso de mediocridades que nos atacan desde Inglaterra y Centroeuropa.

A pesar de la sosa presentación, un disco con casta, bravura y poderío.

DREAMER DECEIVER

VÍCTOR NUBLA PIEDRA NOMBRE G3G/LUMA GORRÍA

El sampler es un instrumento cuyas infinitas posibilidades son a menudo castradas por músicos de poca imaginación. No es este el caso de Víctor Nubla. De su utilización de las técnicas de muestreo resultan mundos abstractos, irreales, mágicos. A través de la bruma onírica entrevemos fragmentos de nuestro cotidiano plano de existencia. Su Método de Composición Objetiva, basado en parte en la domesticación del azar, es mucho más que una fórmula de creación, es la aplicación práctica de todo un sistema filosófico, una manera de encarar el proceso de crear música, de interpretar el arte y, en última instancia, de entender la vida misma.

TURBO LOVER

Segundo larga duración de Ultraviolence tras su inicial 'Life of Destructor' (Earache,1994).

Este 'Psycho Drama' se aleja de los postulados más tradicionales del gabber ( unicordes ritmos industriales, estructura minimalista a ultranza) para incorporar elementos más propios de otras tendencias de la música electrónica (voces pop-soul femeninas o interludios ambientales). Pero estos elementos pachangueros y el escaso dominio estructural de los temas nos remiten a un producto totalmente inofensivo que desprende poderosos ritmos maquinales a cuentagotas a los que Johnny Violent no sabe dar continuación buscando cambios de acordes que renueven la contundencia de los temas, sino que opta por la estructura de las canciones para caer en un producto soez y sin pretensiones más allá del divertimento.

DJ TOVALINA

VARIOS NIRVANA JUNGLE SKY MIND THE GAP VOL. 2 GROOVE ATTACK

¿Qué tanto por ciento de discos publicados (en el ámbito de la música electrónica y similares) corresponde a recopilaciones? ¡Elevado! Para no ser menos, el sello americano Jungle Sky se

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presenta en nuestro país con este interesante ’Nirvana’ (cuyo subtítulo no tiene ningún desperdicio: ‘Atmospheric Drum’n’Bass From The Land Of The Free...’). ¿Qué se esconde tras esa portada-homenaje? Pues un recopilatorio de drum’n’bass atmosférico interpretado por un seleccionado elenco de artistas estadounidenses en la mejor tradición de sus colegas ingleses. ¡Ahí es nada! Y para no ser menos, otro recopilatorio: la segunda parte de aquel extraordinario ‘Mind The Gap’. Sin estar a la altura del primer volumen, esta segunda parte reúne a gente de diferentes sellos (y nacionalidades) para que desarrollen su particular visión del drum’n’bass (¡cómo no!) y el hiphop instrumental. A destacar nombres como Fila Brazilia, Doppelgänger, J. Majic o Scruff.

JULIÁN MARTÍN

EARTHLING BLOOD MUSIC EP CHRYSALIS

Este 'Blood Music EP' es el escaso bagaje del rapper Mau y el productor Tim Saul durante 1996. Nos encontramos cuatro temas: una versión del archifamoso 'Because the Night' , su primer single, '1st Transmission', que data de noviembre del 94 y nuevas versiones de 'Soup or no Soup' y 'Infinite M' de su aclamado debut en largo formato 'Radar' (1995). Se mantienen próximos a la escena bristoliana, resaltando en este grupo instalado en Londres la utilización de sonidos analógicos construidos por instrumentos como órganos, farfisas o vibráfonos.

DJ TOVALINA

Me acerco por primera vez a estas páginas para comentar una serie de discos que hemos recibido durante estos últimos meses. Ya sé que estábais acostumbrados a que las críticas fueran diferenciadas pero por falta de espacio hemos optado por hablar de todos ellos, aunque fuera de una manera conjunta. Espero que comprendáis la pequeña revolución y sin más dilaciones, aquí tenéis la avalancha de nuevas propuestas discográficas.

Empezamos con lo nuevo de Kenny Larkin ('Seven Days', Elypsia Records) que firma bajo el seudónimo de Dark Comedy. Le ha salido a Kenny una obra bastante extraña, producto de su exploración por el lado más secreto y obsesivo de sus dudas y fantasías, ya que los temas se alejan bastante de sus obras anteriores. 'Eclectic' abre muy fuerte el álbum, quedando el resto en un quiero y no puedo, entre el minimalismo y la reitaración gratuita.

Seguimos con una de las novedades más polémicas de los últimos tiempos: 'Sacrilege' (Mute Records), el homenaje, a base de remezclas de sus temas, a Can. Hay comentarios para todos los gustos y yo no entraré en la discusión subjetiva en la que se ha visto inmerso pero os puedo decir que hay versiones interesantes y también otras que rozan el horror. Por lo menos servirá para que las nuevas generaciones se acerquen a uno de los grupos que más han influido desde su aparición.

Por fin se hace justicia y nos llega algo de una de las formaciones más inteligentes del panorama yanki: Tranquility Bass ('Let The Freak Flag Fly', Astralwerks). Dos años han estado grabando su primer álbum, que ha resultado ser el producto de mezclar muchas cosas: folk, country, funk, lo latino y lo étnico, convirtiéndose en un cruce entre el post-rock y la post-dance music, todo un hallazgo altamente recomendable.

Y ahora le toca el turno a la joya (para mí) de estos cinco primeros meses del año: 'One-Six-Four-

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Por Don Solaris

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One-Seven' (K7) de los alemanes Impulse.

Dj Mart y Sven South forman uno de los duos que más y mejor han comprendido el cruce entre Kraftwerk, Chicago y Detroit: el electro. Ahora que se vuelve a reivindicar este híbrido (mucho más interesante que la fiebre por el house) nos llega esta obra magna del género. Del mismo sello alemán se ha publicado el recopilatorio 'Three Minute Blunts Vol. 1', una muy interesante introducción al sonido de Detroit (rama hip hop instrumental). Terrence Parker hace de maestro de ceremonias y hace que nos lanzemos de cabeza a la música que hacen las nuevas generaciones de la 'Techno Capital del Mundo'.

Y otros que no paran son los de Soma, que con motivo de la publicación de la referencia nº 50 nos regalan otra de sus impecables compilaciones, 'Soma 00:50'.

Temas de Slam, Maas, Rejuvination, Funk D'Void, ... vuelven a dejar muy alto el liston de buen gusto del que hace gala el sello escocés.

Una colaboración al más alto nivel da pie a un magnífico disco: 'Deep Space Network meets Higher Intelligence Agency' (Source Records). Si los dos contendientes en solitario son únicos, imagínatelos trabajando juntos: canela fina electrónica.

Y para acabar con el apartado internacional hablaremos de los islandeses GUS GUS. Nueve personalidades distintas que se han unido para poner en pie la penúltima etiqueta que nos echan a la cara: el ice hop. 'Polydistortion' (4AD) es la nueva apuesta de uno de los sellos más elegantes del planeta. Como os podréis imaginar

cd store CD STORE

música contemporánea para mentes abiertas.

Y ahora le toca el turno a lo patrio. 'Mar i nit' (Spicnic) es lo nuevo de Calígula 2000. Menos impactante que su anterior disco pero es interesante que Nacho Canut siga haciendo música al margen de Fangoria. Destacan las remezclas de Actibeat y Madelman.

'Join The Band!' (Cosmos Records) de Álex Martín Ensemble es de lo mejor que ha hecho nunca este músico. Está alcanzando tales dotes de perfección que asusta un poco lo que pueda llegar a hacer. Música de muchos quilates al servicio de oyentes que no se han de conformar con lo primero que pillen.

La cosecha nacional sigue siendo muy buena y ahí está 'Hevene Quene' (In Vivo) de Protozoo para confirmarlo. Un rara avis en el panorama actual de aquí que merece toda nuestra atención.

Dejando aparte algunos errores cometidos, atribuibles a su poca experiencia discográfica, es de lo mejor que vamos a poder escuchar este año.

Y para acabar los dos nuevos lanzamientos de Stereophonic Elefant Dance Recordings: 'Ideology' de Prozack y 'Out of Time' de Spring Vs Pez, dos caras diferentes de la valentía del sello madrileño. La cabezonería electrónica del gallego llevada hasta sus últimas consecuencias frente a la fragilidad del encuentro entre los franceses y uno de nuestros 'activistas' preferidos.

El resumen ha llegado a su fin. Algunas cosas se han quedado fuera pero se ha intentado recoger lo más interesante que te puedes echar al oído. n

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live

electrónicos de juguete modificados para mostrarnos su particular visión del ambient. Incluso en una música tan impersonal fue capaz de dejar su sello y hacerla inconfundible e intransferible. La máquina de humo y las luces azuladas contribuyeron a crear una atmósfera extraña, teñida de una dulce irrealidad procedente de otro mundo.

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THE HELLION / ELECTRIC EYE

DISPOSITIVO LEM GRÀCIA TERRITORI SONOR

Abril / Edición “all danish” a cargo de SKRAEP, el socio escandinavo de G.T.S.

VIERNES, 21 DE MARZO CARTER PILER (LA ÑOLA) Si para hacer música es aconsejable tener gracia, para hacer ruido es indispensable. Miguel Burgués (ex- Audiopeste) no la tuvo. Sin pies ni cabeza.

MIQUEL JORDÀ (CAFÉ DEL SOL) En la presentación de su obra “Carrera o Sax” Jordà echó mano de sus instrumentos de viento modificados para crear climas suaves, etéreos, que un repentino apagón se encargó bruscamente de cortar. Otra vez será.

MOHOCHEMIE (MI BAR) Reducido el grupo a su mínima expresión, Pugés y Arruti desarrollaron sonoridades más sintéticas que en sus dos primeras cintas. Música esforzadamente oscura, todavía por pulir, pero muy prometedora.

SÁBADO, 22 DE MARZO A. COSTA MONTEIRO (GALPÓN SUR) El polifacéti-

co artista portugués (dibujo, poesía y fotografía entre otras modalidades) usó y abusó de su acordeón, al que arrancó notas cortantes y abruptas. Corto e intenso.

KRZYSTOF KNITTEL (GAL. METROPOLITANA) Dos piezas de carácter electroacústico en las que se intentó casar lo contemporáneo con elementos descriptivos. Bien la primera y patinazo en la segunda.

ALBERT MÁRKOS (HELIOGÀBAL) Más epilepsia contemporánea a cargo del violonchelista Márkos. A partir del segundo tema se enzarzó en una dura batalla con su instrumento y todo el público acabó con moratones.

SINNER

SELF

VIERNES, 25 DE ABRIL P.O. JORGENS (LA ÑOLA) Un enérgico percusionista que aporreó sistemáticamente todo lo que se le puso por delante. Finalizó su actuación envolviéndose en cinta aislante. Memorable.

JAKOB DRAMINSKY (CAFÉ DEL SOL) Sinuoso y evocador concierto de este virtuoso del clarinete, más jazzy que en otras ocasiones. Actuó en la calle, rodeado por un donut de gente que pasaba.

NIELS WINTHER (MI BAR) A éste me lo perdí.

OBMUZ (13 Mayo, Sidecar) Prueba a imaginarte a la sección rítmica de Naked City liándose a bofetadas con algún émulo de John Cage, o una riña entre perros y gatos con micros de contacto en la cola. Un batería que se lo lleva todo por delante se enfrenta a un manipulador electrónico empeñado en destilar de su equipo los sonidos menos amables; la bajista, en medio del fuego cruzado, opta por echar más leña al fuego.

La música de Obmuz no es bonita, no. Es feroz, abrasiva, informe, compulsiva y violenta. Justo lo que hace falta.

MONSTERS OF ROCK

SÁBADO, 26 DE ABRIL

MAD PROFESSOR / 17 Mayo, M. Fusta C. IRGENS-MOLLER (GALPÓN SUR) El set más elec-

trónico: DX-7 y Mirage supurando chirridos y zumbidos más cerca de lo contemporáneo que de lo industrial. No caló muy hondo debido al extremadamente bajo nivel del volumen.

HENNING FRIMANN (GAL. METROPOLITANA) A éste también me lo perdí. ¡Mecachis!

MARTIN KLAPPER (HELIOGÀBAL) Ante una mesa con un amplísimo surtido de instrumentos de juguete Klapper desarrolló su concierto como si fuera un buffet libre, picoteando de aquí y de allá y contagiando de buen humor al público.

THE METAL GODS

VICTOR NUBLA & IO CASINO (12 Abril, Heliogàbal)

Hay un festival en Barcelona en el que puedes disfrutar de un inmejorable ambiente de convivencia mientras atiendes a algunas de las propuestas musicales más sabrosas del momento. Es la Festa de la Diversitat, que año tras año organiza puntualmente SOS Racisme. Una propuesta lúdica y reivindicativa a partes iguales, sin el contenido mercantilista que suele caracterizar los eventos de este tipo. Para esta edición se trajeron al Mad Professor y a toda su troupe de la factoría Ariwa, destacando las maravillosas voces de Nolan Irie y la cantante Sushi. Las vibrantes mezclas en vivo del profesor loco crearon indistintamente momentos mágicos y explosivos, cálidos y poderosos.

Paz entre nosotros, guerra a los racistas.

THE RIPPER

Da la impresión de que Nubla podría crear arte incluso a partir de un boniato. En esta ocasión Io Casino y él se valieron de un par de instrumentos

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P///MICROFUSA ESCUELA

P///SO DENS

cinerama

tim burton radiografía de tim ‘pelos tiesos’ (2)

Si no recuerdo mal, Tim Burton acabó a tiros con la Disney y su relación con la factoría de Tío Walt se redujo a dos cortos geniales -que ya dimos cuenta en el número anterior- y a un puñado de juicios -que no dimos cuenta en el número anterior, porque a nadie que le guste Burton dudo que le gusten los juzgados.-

4 En fin, que Tim ‘Pelos tiesos’ hizo bien en no hacer migas con la corruptela animada, porque así tuvo tiempo de dar vida a su primer invento: ‘Peewee’.

Un título éste que sólo se pudo ver en videoclubs. Y precisamente en un videoclub ocurrió una anécdota muy curiosa que realmente me llamó la atención.

Una mujer llevaba ‘Peewee’ en una mano y en la otra ‘La guerra de las galaxias’. Justo delante suyo tenía a la vecina del quinto, que no tardó en girarse y preguntarle: “¿Que tal este Peewee? La mujer enseguida levantó el cartucho y dijo: “Tiene un ritmo rápido y aún ocurriendo la acción en la tierra, me parece mucho más rara que ‘La guerra de las galaxias’.”

Traté de leer entrelíneas aquella frase y llegué a la conclusión de que aquella mujer llamaba ‘raro’ a los artilugios que aparecían en la película y que después llenarían todo el cine de Tim: aquella estrafalaria bicicleta, a la boca del dinosaurio, a los decorados rebosantes de colores... y sobre todo a la historia en sí: un hombre que en realidad es un niño, al que le roban su bicicleta y se patea los USA de arriba abajo con tal de conseguirla de nuevo. También creo que eso de ‘raro’ venía por el protagonista y la intención de Burton de crear seres sin condición sexual, ni edad, ni hábitos marcados por la edad. P es el antimodelo americano: “estar toda una vida al calor asexuado de una bicicleta.”

Su siguiente película, ‘Bitelchús’, fue para

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Foto Archivo Self Texto Marta Lacarta

Burton el despegue atómico de un cine vitaminizado por la creatividad máxima. El plano-secuencia de la primera escena donde se ve un pueblo y termina en una maqueta de ese mismo pueblo, abre los enigmas de su cine, unos enigmas que se mueven en la fantasía pura dentro de un contexto real.

‘Bitelchús’ tiene un lema a cuestas muy claro: “La muerte no tiene porque ser llorada”. La muerte, según Burton, puede reinventarse vestida de fantasmas irónicos que llevan pijamas a rayas y gustan de bailar un calipso (por cierto, un calipso llevado de la mano de un compositor no menos creativo que Tim, me refiero al gran Danny Elfman). Con el personaje que interpreta Winona Ryder, Burton toma su postura más radical, al hacer palmar a Winona para que la chica encuentre en la muerte la diversión que la familia americana aburrida no le ha dado. Lo que me parece magistral de ‘Bitelchús’ es el enfoque humorístico con el que toca Tim el asunto de la muerte, sin que tenga que ir

acompañado de humor negro.

Tengo un amigo absolutamente genial que dice: “Déjame en una isla desierta, dáme algo de comida, una pamela para el sol, pero sobre todo, no me prives de Eduardo Manostijeras”. Así de claro, Eduardo... es la película que más puede hacerte llorar y de la que menos debes avergonzarte de tus propias lágrimas, porque es una película valiente, que se enfrenta con una bellísima ambigüedad sexual a eso que los clérigos y los rancios suelen llamar ’el sexo mal entendido’. Es el cuento expresionista, coloreado y feliz entre comillas que nunca pudo hacer Murnau (sencillamente porque le tocó vivir una época mucho más infeliz que a Burton).

Avon llama a tu puerta con la música magistral de Elfman, no lo olvidemos. ¿Cómo se puede hacer que un ser tenga por dedos un puñado de cuchillos afilados y al mismo tiempo pueda hacernos conmover? Está claro, porque Eduardo, ese ser con el corazón de galleta, es la ternura misma y la antítesis del superhombre fabricado en un tubo de ensayo de la NASA. Un ser absolutamente ecológico que tiene armas en sus dedos que sirven para podar árboles. Un ser que no gustaría a la Casa Blanca porque es débil y flojo. E es el perfecto personaje que no encontraría mejor actor que Johnny Depp. E ha topado con Depp, que viene de una generación de actores sensibles. Manostijeras es de esas películas que entras al cine a verla hecho un bestia y puedes salir del cine hecho un cordero para toda tu vida. E puede hacerte cambiar. E me encanta, ha hecho por meterse en el corazón solitario de mi amigo; o mejor dicho, en los corazones solitarios de toda una generación que tiene la debilidad de dejarse embaucar por el romanticismo del bueno, la ternura a flor de piel, la imaginación más ensoñadora, la ingenuidad bien entendida y además, joder, encima es para todas las edades.

Continuará... n

SELF

literaria Ahora toca el XXI

JEAN ECHENOZ Nosotros tres Traducción de Josep Escué; Anagrama, 1996

A Jean Echenoz (Orange, 1949) le gusta ser original y arriesgar en sus novelas, lo que, dicen, suele comportar dos tipos de lector: el incondicional y el detractor, dejando poco hueco para el lector que ni fu ni fa. ‘Nosotros tres’, su última científica novela, no es, sin embargo, ejemplo de ello.

Echenoz, al que una encuesta realizada por ‘Le Nouveuel Observateur elevó a la categoría de “novelista internacional más relevante para la década de los noventa”, empieza con un terremoto en Marsella. La catástrofe obliga a que el Estado invierta más dinero en proyectos espaciales así que ya tenemos al bueno de Meyer escuchando al jefe decirle que oye, que te vamos a enviar en cohete a que repares un satélite mal orientado.

Meyer es el protagonista. Los dos que completan el trío son una mujer con serios problemas afectivos -aunque no se note- y un narrador algo misterioso y bastante ausente del hilo argumental.

Aunque nada de esto es del todo cierto porque en esta novela uno no sabe bien ni quien ni cuando habla, simplemente debe tratar de imaginar las curiosas situaciones que se acumulan una tras otra, un poco como un sueño, un poco como si el lector fuera, también, navegante del espacio exterior.

La excepcionalidad de los acontecimientos permite, eso sí, asomarse a situaciones insólitas, y es en esos momentos cuando Echenoz da lo mejor de sí. Está particularmente brillante comentando el maremoto: “he aquí que por el horizonte asoma una ola. Huyendo del centro urbano y sus macetas asesinas, los primeros en llegar al puerto ven enseguida esa ola a lo lejos. Les parece bastante gran-

SELF

de. Les parece que se acerca algo rápida”; y describiendo las pruebas a las que son sometidos los astronautas: “en veinte segundos el sujeto envejece diez años”.

En ‘Nosotros tres’ Echenoz ha intentado introducirnos a la soledad y el miedo a través de la metáfora del vacío total que transmite el infinito, pero lo ha hecho recurriendo al humor, a la ironía y a situaciones tan extraordinarias como puede ser echar un ‘kiki’ con gravedad cero. De todos modos, advertencia: a menudo, el humor de Echenoz es como... como muy francés. A lo mejor simplemente es muy personal. Pero lo que está claro es que, a menudo, no se entiende.

El revolucionario Echenoz, no contento con montar una trama innovadora, ha desarrollado también un peculiar estilo narrativo basado en la sugerencia y la rapidez, donde el cine tiene mucho que ver. O sea, que “la mayor esperanza de las letras francesas”, como se le llamó en 1988, sigue cabezón con su literatura experimental, aplaudida fervorosamente por sus compatriotas pero que a servidor le deja, pues bueno, que ni fu ni fa.

Gabi Martínez

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Muchos escritores leyenda de ciencia ficción son escritores leyenda porque adelantaron al mundo lo que vendría después. Hoy es después. Ya tenemos -la guerra del Golfo es un botón- tanques ultrasofisticados tal cual los describiera H.G. Wells, y ya tenemos también naves terrícolas surcando galaxias inéditas, convirtiendo a Arthur C. Clarke (‘2001: Una odisea del espacio’)en relevista acreditado de Nostradamus.

De todas formas, estos autores son cosecha especial del siglo XX, donde las parras de la ciencia ficción han crecido esplendorosas y anunciando lo mejor gracias a la explosión mental que ha propiciado el boom tecnológico. A lo largo de este siglo, la literatura de ficción ha variado, como el hombre, su visión del mundo y si al principio se ciñó, generalmente, a tratar nuestros miedos y traumas infantiles a base de monstruos, sucesos paranormales y tal, ahora transita por una etapa de madurez.

Tras sondear las posibilidades de la Tierra, la cienca ficción apuesta, definitivamente, por la conquista del Sistema Solar en el siglo XXI. En lo que llevamos de 90’s se han publicado obras donde se percibe perfectamente la inflexión.

En los albores de la década, Nancy Kress escribió ‘Brain Rose’, subrayando la voluntad de la mente a escapar de ataduras y emprender vuelo hacia ignotos horizontes. A su vez, surgieron varios libros sugiriendo, que tan adelantados como nos creemos, probablemnte no seamos más que los bebés gateantes del universo. Estamos, en fin, en la edad de las papillas en lo que al Cosmos se refiere.

Ante la parición y consolidación de redes de comunicación como Internet, varios autores han visto claro que en la Tierra ya sólo se podrá vivir en un entorno electrónico, urbano, intenso y exigente.

‘Playa de acero’, de John Varley, proyecta con nitidez este paisaje que viene. O que está.

Libros como el de Varley avanzan la ciudad del siglo XXI, una centuria que, por otra parte, acapara la atención de los hacedores de ficción. G. M.

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