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INDICE 2-13
Massimo Vignelli
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Alejandro Magallanmes
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Herbert Bayern
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Javier Enriquez Lara
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Moebius Jean Giraud
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Ixchel Estrada
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Johanenes Itten
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Sara Luna
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Ikko Tanaka
108-119 Rogelio L贸pez Alvarez 120-131 Jorge Alderete 132-143
Stefan Sagmeister
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We like design to be visually powerful, intellectually elegant, and above all timeless. -Massimo Vignelli
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01 Massimo Vignelli Los diseños de Massimo Vignelli son imperecederos, capaces de superar cualquier moda y siempre fieles a la filosofía del modernismo de la que el diseñador italo-americano bebió desde su llegada a Estados Unidos, donde se instaló en 1957 cuando aún no había cumplido los 20 años. Así lo constata Vignelli Associates, el prestigioso estudio neoyorquino que desde 1971 preside y del que han salido proyectos multipremiados que ya forman parte de la historia. Para Vignelli el diseño es uno, independientemente de si se trata de diseñar una marca, una silla o una lámpara.En definitiva, se trata de buscar lo útil, no lo decorativo.
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“la sustancia simpre permanece”
Vignellism 01 One life is too short for doing everything. 02 We like design to be visually powerful, intellectually elegant, and above all timeless. 8
03 If you can design one thing, you can design everything. 04 If you do it right, it will last forever. 05 The life of a designer is a life of fight against the ugliness.
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En la tarde del martes 8 de marzo de The Architectural League dio la Medalla a su Presidente que Lella y Massimo Vignelli. El premio (destinatarios Ăşltimos de los cuales incluyen a John D. Rockefeller, Jr., Hugh Ferriss, Joseph Urban, Richard Meier, Robert AM Stern, y Robert Venturi y Denise Scott Brown) fue dado a la Vignellis “en reconocimiento a una obra tan
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influyente en su amplitud que ha dado forma a la propia forma de ver el mundo “.
como diseñador junior en Vignelli Associates, diseñó el programa que vemos aquí. Los cinco portadas diferenDe Pentates incluyó una gram Michael cita de Vignelli Bierut, una impreso en PMS Super arquitectura vicepresidente caliente rojo de la Liga, y poner en que comenzó Helvetica, por supuesto. su carrera hace más de 30 años ¿Por qué son
importantes estos cinco Vignelliismos? Cuando me lo pregunte por primera vez inmediatamente pense cinco lecciones de vida más que sólo cinco citas miscelaneas. Aparentan explicarse por sí mis-
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mas, pero lee todas y dale un momento a solas en tu mente: Una vida es demasiado corta para hacer todo. Nos gusta el diseño para ser visualmente poderoso, intelectualmente elegante, y
sobre todo atemporal. Si puedes diseñar una cosa, puedes diseñarlo todo. Si lo haces bien, durara para siempre. La vida
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Massimo Vignelli ha trabajado en una amplia variedad de áreas, incluyendo el diseño de interiores, diseño ambiental, diseño de envase, diseño gráfico, diseño de muebles y diseño de productos. Sus clientes en Vignelli Associates han incluido empresas de alto perfil, tales como IBM, Knoll, Bloomingdale y American Airlines .
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“Mi inspiración siempre han sido los diseñadores y artistas que son filósofos” -Alejandro Magallanes
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02 Alejando Magallanes Nació en la ciudad de México en 1971, y estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son bonitos. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México.
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Muchos de los carteles de cine y portadas de libros que dan color y forma a nuestro paisaje son fruto de su talento y pocos como él gozan de tanto consenso favorable y de una popularidad no buscada pero merecida que testimonia, entre otras cosas y sin quererlo, lo mucho y bueno que hay en México en lo que a arte contemporáneo se refiere. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son bonitos.
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“un diseñador dibujante”
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imágenes en palabras, que resultan en un texto poético— ¡lo que hacen los poetas! Decir árbol de fuego y entonces provoca una imagen del que se derivan frases o significados que le da el lector”
Siempre le ha gustado escribir y le ha tocado ilustrar libros de poesía, aunque cree que es absurdo ilustrar la poesía; pero justo en el ejercicio de estar acompañando
autores que le gustan mucho, proponiendo un discurso —”que me lo imagino como poesía visual en el sentido de describir imágenes y la descripción de estas
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Su profesión es diseño gráfico e involucra muchísimo al dibujo. Hace cosas que no puede dejar de hacer, como ser dibujante, se describe el mismo como: “soy las dos cosas, un diseñador dibujante.”
Sus primeros trabajos fueron haciendo carteles, algunos folletos de tipografía y una imagen. El primer trabajo muy visto fue como hace 20 años, el logotipo para
la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal. “Creo que a veces lo feo bien hecho es un buen recurso para provocar sentimientos, incluso estéticos.”
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¿Con qué rima tima?, se pregunta Alejandro Magallanes en esta propuesta poética, que poco tiene que ver con la rima y en la que el juego está presente en cada vuelta de página.
que: en números alegres, se necesitan por lo menos 2858 lectores que compren este libro para agotar la presente edición. Variable uno: si los ejemplares se venden. Pensando que quienes compren el libro lo lean y lo compartan con alguien más, ¿Con qué rima tima? tendrá más o menos 4,287 lectores.
Como resultado de años de encuentros con el lenguaje y las imágenes, Magallanes explora las orillas de la poesía. El resultado: una sinfonía de poemas lúdicos, irónicos y cargados de humor.
De acuerdo al señor interventor, cada ejemplar se puede leer y ver en unos 30 minutos (pues hay quienes no leerán las portadillas ni los folios ni el colofón, ni el poema extenso de la página 47).
En la línea de los poemas caligráficos de Apollinaire, la poesía visual de Joan Brossa y la poesía concreta brasileña, ¿Con qué rima tima? es un alegre carnaval del lenguaje que festeja la unión de la imagen con la palabra. Se dice
Si multiplicamos el número de lectores por el nú-
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mero de minutos, veremos que se invertirán aproximadamente 128,610 minutos de tiempo de lectura, o sea 2143 horas con 30 minutos, o sea 89.31 días, o sea casi 3 meses de lectura continua, lo cual está muy bien sabiendo que el tiempo es lo más valioso que poseemos los seres vivos. Variable dos: lo demás. Se aconseja abanicarse la cara con este ejemplar y, de ser posible, distinguir su olor a papel, tinta y pegamento. De esto consta la visualización del pequeño y divertido libro de Alejandro Magallanes. Nos involucra.
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“The picture is the imitation and converted reality of the goods, in short, an indirect substitute for reality� -Herbert Bayer
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03 Herbert Bayer
“Photography presents above all a document.”
Diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920. Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz. Tras dejar el taller se interesó por el manifiesto Bauhaus de Walter Gropius. Tras estudiar durante cuatro años en la Escuela de la Bauhaus, con profesores como Wassily Kandinsky o László Moholy-Nagy, Gropius nombró a Bayer director de impresión y publicidad. Influenciado por el minimalismo, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sans serif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus. En 1925
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after a short time
you will begin thinking
you will automatically stop
groups of words
confusing your sentences
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diseñó una fuente sans serif geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre de Architype Bayer. En 1928, Bayer dejó la Escuela de Bauhaus para convertirse en director artístico de la oficina en Berlín de la revista Vogue. Diez años más tarde, huyendo de la Alemania nazi, se mudó a Nueva York, donde desarrolló una larga carrera en la que destacó en prácticamente todos los aspectos de las artes gráficas.
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“Just as typography is human speech translated into what can be read, so photography is the translation of reality into a readable image.�
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Ya en 1938 organizó la exposición y el catálogo Bauhaus 1910-1928 en el MoMA de Nueva York. En 1946, contratado por el industrialista y visionario Walter Paepcke, Bayer volvió a mudarse, esta vez a Aspen, en Colorado, donde Paepcke trataba de promocionar el esquí como deporte popular. En el ámbito arquitectónico, Bayer codiseñó el Aspen Institute y restauró la Wheeler Opera House; además, produjo carteles publicitarios que
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identificaban el esquí con el ingenio, la emoción y el glamour. Bayer estuvo asociado con Aspen hasta mediados de los años 1970.
Tenía símbolos especiales para las terminaciones -ed, -ory, -ing e -ion, así como para los dígrafos “ch”, “sh” y “ng”. Un subrayado indicaba la duplicación de una consonante en la ortografía tradicional.
Entre 1946 y 1956 fue consejero artístico de la Container Corporation of America y desde 1966 de la Atlanthic Richfield Company.
En 1968 preparó la exposición del catálogo 50 años Bauhaus en Stuttgart. La colección de arte moderno del Museo de Arte de Denver ha recibido su nombre.
En 1959 diseñó su “fonetik alfabet”, un alfabeto fonético para el inglés. Era sans serif y no tenía letras mayúsculas.
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“The control is not in the manipulation of the brush, but in the complete technical realization of what is seen.� 38
“Every period, if true to itself, must create it´s own cultural expression out of it´s specific place in history.” 39
“Mis áreas de interés: Arquitectura, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Publicidad, Ilustración, Diseño de Interiores, Branding, Relaciones Públicas.” -Javier Henríquez Lara
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04 Javier Henríquez Lara Diseñador gráfico profesional, docente especialista en Branding/marcas, con 13 años de trayectoria. Estudio en ITESO Universidad Jesuita en Guadalajara. Trabajo en Henriquez Lara Estudio. Ejerzo la docencia en ITESO Universidad Jesuita en Guadalajara. En 1997 comenzo a colaborar como dieseñador para distintas empresas del 2003 al 2008 funge como director de arte, se ha desempeñado como profesional intependiente llevando a cabo diversas campañas publicitarias.
“Small is the New Big”
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“Las grandes empresas todavía trabajan con las grandes agencias y los negocios pequeños o medianos todavía no entienden muy bien de qué se trata el diseño.” -Javier Henríquez Lara
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Javier Henríquez Lara realiza proyectos de diseño integral que incluyen la marca, la gráfica, el mobiliario, la ambientación y los empaques. Quienes se han puesto en sus manos son la cantina La Diablita, con su concepto mexicanokitsch, el tequila Jimador, Fresh Salads y La Moresca. Esta tendencia, que los gringos llaman Small is the New Big (los pequeños son los nuevos gran-
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des), tiene la ventaja de que las pequeñas empresas de diseño pueden ofrecer una comunicación más fresca y creativa, menos condicionada por las grandes estructuras que enfrían
la creatividad. Y está haciendo que algunas grandes empresas trasnacionales encuentren en este rincón del Tercer Mundo, pequeños espacios llenos de ideas frescas.
Más allá del fundador del cliché Colectivo Hematoma El diseño y director de latinoameHenriquez ricano, en Lara; además suma, ha su trabajo ha dejado atrás sido expuesto los clichés y, y publicado en muchos en varias sentidos, está ciudades de abierto al México, Latimundo. noamérica y Europa.
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Javier, ¿qué opinas sobre Guadalajara como focus del diseño?, ¿cuál es tu percepción acerca de lo que se hace, se desarrolla y se exporta? En Guadalajara están pasando cosas muy padres, cada vez hay más
arte, más diseño y hay mucha gente nueva que está haciendo una labor grande para promocionarlo; estamos empezando a convertirnos en una gran ciudad y es maravilloso ir viendo ese cambio, aunque todavía no
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llegamos al máximo potencial. Las grandes empresas todavía trabajan con las grandes agencias y los negocios pequeños o medianos todavía no entienden muy bien de qué se trata el diseño. Yo veo dos áreas: el
área cultural en el que Guadalajara se esta desenvolviendo referente al diseño o la música y en las que están empezando a despuntar y a dar estos resultados; otra es la parte empresarial (en donde nosotros
conseguimos trabajo pagado) y seguimos un poco verdes, porque las grandes empresas no ven que las pequeñas y medianas agencias son quienes se dan la oportunidad de entrar en procesos más creativos
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mucho más sueltos y abiertos en propuesta de diseño.
“Someone wrote, ‘Moebius is a legendary artist.’ I put a frame around me. A legend — now I am like a unicorn.” -Jean Giraud (Moebius)
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05 Moebius (Jean Giraud) Giraud nació en el suburbio parisino de Nogent-sur-Marne y en un 18, con poco entrenamiento formal, sus cuentos de aventuras de vaqueros se están publicando en las páginas del Far West revista. En sus 20 años de edad, se convirtió en el aprendiz del artista belga Jijé , mejor conocido por su trabajo en “Spirou et Fantasio“y la aventura occidental serie de cómics ”Jerry Spring“Giraud trabajó en uno de los libros de ”Jerry Spring“ y la experiencia informarse claramente y su primera creación de la firma, Blueberry , el vagabundo del Viejo Oeste que apareció por primera vez el día de Halloween de 1963. Las historias de Michael “Blueberry” Donovan - un sureño acusado de asesinato que monta el rango y lucha contra la intolerancia a pesar de su herencia -fueron escritos por Jean-Michel Charlier hasta su muerte en 1990, cuando su colaborador de mucho tiempo tuvo tanto la escritura y las tareas del arte.
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“Después de todos los años que tengo u problema con mis ojos. En mi ojo izquie tengo una catarata. Se llevaron mi ojo , se lo llevaron a una tienda. Hicieron alg parecido al sushi chef al ojo “- aquí lo h en una tabla para cortar de pantomima me ponen de nuevo y ahora es especia Es como Terminator y su ojo androide. L visión en mi ojo izquierdo es diferente q la de el ojo derecho y es muy difícil ten la habilidad que tenía. La computadora muy buena para mí, puedo amplificar m trabajo con mucha facilidad. La pintura, es muy cara, hay un muchas personas q quiere tener mi trabajo. El nivel de prec aumenta cada año. Es mejor para mí, fo de vida,.Pero con mi ojo no es tan fácil.
“Al principio yo tenía dos niveles difere tes”, dijo Giraud. “Para ser un artista e los cómics porque era mi sueño cuando era un adolescente y cuando yo tenía 7
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un erdo , gi hace a -” al. La que ner a es mi , que cios orma .“
enen o 7, 8,
10. Yo era un fan. Yo ya comprometido con el dibujo. Los cómics no eran sólo historias para disfrutar eran dibujos que me poseían. Vi muy temprano en la diferencia con mis amigos. Usaban los cómics como un libro, pero yo vi una exposición de dibujo. El propósito era diferente para nosotros, la experiencia no fue la misma. El segundo nivel para mí, otro lado - lo que tal vez sea mi cara Moebius - era el otro arte maravilloso que estaba descubriendo con mucho apetito. La expresión del arte como algo más grande que la vida, más grande que cualquier cosa. Había algo muy misterioso en eso y hermoso. Era una especie de cielo con Picasso y todo el mundo en la misma mesa. Yo quería ser parte de eso. Para mí fue una fiesta a través de las edades. Atemporal “.
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“Mi mayor éxito es que no me arrepiento de elegir la ilustración, toda mi vida dije que iba a ser médico forense, pero escogí estudiar en Bellas Artes. Tenía que pasar.” -Ixchel Estrada
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06 Ixchel Estrada Mexicana (1997). Licenciada en Diseño Gráfico por la Escuela Nacional de Artes Plasticas de la Univerdad Nacional Autónoma de México. Y diplomada en ilustración por la unidad de Posgrado de la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes. Como ilustradores ha colaborado para medios impresos y editoriales, entre los que se encuentran: Editorial Premiere, Ediciones Castillo, SM, Grupo Mundo Médico, Colectivo Pangea, CECADESU, Oxford Universitu Press, Esfinge, Santillana, Ene O, Richmond Publishing, PNUMA, Expansión, las revistas Dia Siete, Tentación, Souvenir, el Museo Universum, CONACULTA.
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“hay cosas que me guiñan el ojo”
“El arte tiene el maravilloso poder de darte terapia sin que te des cuenta� -Ixchel Estrada
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Experta en llegar a casa sin dobladillo, hacerla de pepenador y mantener todo en absoluto desorden. “La Muñeca” (mote familiar que ganó al nacer por su tamaño convenientemente particular), se inclina por las artes gracias a los monos de perfil con grandes narices de su padre y a la famosa “libreta roja” de recortes y canciones su madre. Su incapacidad de recrear lo real nace a partir del “Alacrán, cran, cran”
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cuando, en lugar de una imagen, su madre pega uno real…
El trabajo de Ixchel ha sido premiado Nacional e Internacionalmente y Hace ilustra- ha estado en ciones para exposiciones revistas, como el Catalibros para logo de Ilusniños y de tradores de vez en cuan- Publicaciones do una que Infantiles y otra escultura Juveniles de con chicle o
CANACULTA, además sus libros ilustrados son 15 y han sido traducidos a otros idiomas y llevados a países como Taiwán y Corea. Desde el año 2000 ha colaborado
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con diversas medios editoriales tanto para libros, revistas, cortos animados y publicaciones independientes
Sus ilustraciones han sido seleccionadas para formar parte del 10º, 11ª, 12ª 13ª, 14ª, 15ª y 16ª Catálogo de ilustradores de Pueblicaciones Infantiles y Juveniles (DGPCONACULTA) del 2000 al 200
respectivamente, donde obtuvo mención honorifica por su trabajo en los años 2001, 2003 y 2006 además de ser ganadora por el tercer lugar en este ultimo año. Recientes proyectos incluyen,
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Imaginantes, cortos animados proyectados para la televisión (Televisa 2008) que próximamente serán de nuevo transmitidos; dos libros aún por publicarse; talleres para niños, y tolo lo referente a Pedagogías Activas.
El siguiente año diplomará en Arte Terapia y continuara su proyecto de juguetes hechos a mano.
como experta en el comportamiento infantil.
Continuamente da cursos y conferencias. Mucho de su Ha participado trabajo como artisen programas de ta ha sido expuesradio y televisión, to en algunos mutanto como artista, seos de la ciudad como escritora y de México.
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“He who wishes to become a master of color must see, feel, and experience each individual color in its endless combinations with all other colors. � -Johannes Itten
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07 Johannes Itten Pintor suizo. Estuvo estrechamente vinculado a la escuela alemana conocida como Bauhaus, de la que fue uno de sus miembros fundadores. Comenzó sus estudios en 1904, e ingresó en un seminario sobre profesorado en Berna. Finalizados éstos, ejerció como profesor. Acorde con su gusto heterogéneo, se matriculó en cursos de matemáticas y ciencias naturales, los cuales ejercieron gran influencia cuando posteriormente fuese el encargado de dirigir el “Vorkus” o curso preparatorio de los estudios en la Bauhaus.
“The objective laws of form and color help to strengthen a person’s powers and to expand his creative gift.” 77
En 1913 se trasladó a Stuttgart, donde recibió clases de dibujo y pintura en la Academia de Arte de la ciudad, en la que siguió los cursos impartidos por Adolf Hoezel. El mismo año que se trasladó a Viena, en 1916, entró en contacto con los artistas aglutinados alrededor de la publicación llamada Der Sturm (La Tormenta) con los que expuso sus primeras obras. Hasta su instalación en Weimar para atender la petición de Walter Gropius de que formase parte del cuerpo docente de la Bauhaus (1919), abrió una escuela de arte en la capital austríaca en la que conjugó las enseñanzas plásticas con una pseudofilosofía influida por lo oriental. Su estancia en la Bauhaus fue corta, entre octubre de 1919 y marzo de 1923, pero de tremenda importancia para la historia y posterior desarrollo de la escuela, por ser el responsable de la elaboración de su curso preparatorio, un semestre que orientaba a los alumnos antes de que éstos decidiesen en que taller querían
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ingresar. El plan pedagógico elaborado por Itten recibió la influencia de los planteamientos del arquitecto Otto Barning, y ha servido de modelo desde entonces hasta la actualidad. Este curso, conocido como Vorkus, introducía al alumno en la experimentación con los materiales más diversos y entonces ajenos a las prácticas plásticas: acero, cuerda, material textil, fotografías, madera o cristal. Por otra parte, Itten fue uno de
los responsables de que, en materia de abstracción, la Bauhaus se decantase por una tendencia geometrizante en la interpretación de la misma. Aparte de ser el encargado de este curso inicial, Itten dirigió diversos talleres hasta 1923, los de metal, pintura mural y pintura en vidrio, en algunos de los cuales colaboró con Georg Muche. Un aspecto muy importante en el perfil del creador suizo es su interés por el misticismo y las teorías orientales. Cuando se trasladó a la Bauhaus en 1919, algunos de sus alumnos le siguieron como discípulos. Su grupo se caracterizaba por llevar el pelo rapado
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para acentuar la geometricidad de la cabeza, vestían túnicas hasta los pies y se alimentaba sólo de gachas. Al año siguiente de su llegada a la escuela alemana, Itten y sus discípulos adoptaron la doctrina oriental mazdaznan, doctrina que se encargaron de practicar y extender en la escuela y que fue la responsable del abandono de ésta por Itten. En marzo de 1923, junto a un reducido grupo de alumnos, se recluyó en un centro mazmadan en Suiza, y permaneció allí hasta que fundó su propio centro mazdeista en Berlín en 1926. La Escuela Moderna de Arte, más conocida como Escuela Itten, en la que dio clases de
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pintura hasta 1934, fue cerrada con la subida al gobierno alemán del partido nacionalsocialista. Por su experiencia en el sector textil, fruto de su paso por la Bauhaus, fue nombrado director de la Escuela Textil en Krefeld. Tras un período de inactividad durante la Segunda Guerra Mundial, Itten dirigió desde 1952 hasta 1953 el Museo y Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Tam-
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bién se encargó de la organización y dirección del Museo Rietberg de Arte de la misma ciudad (19501956). Hasta su fallecimiento en Zúrich en 1967, Itten se dedicó a escribir sus teorías sobre arte y pedagogía. La obra de Itten se caracteriza por su riqueza cromática y por su gusto por la abstracción, aunque aborde temas de carácter figurativo como paisajes o figuras.
“Colors are primordial ideas, children of the aboriginal colorless light and its counterpart, colorless darkness... Light, that first 82
phenomenon of the world, reveals to us the spirit and the living soul of the world through colors.�
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“Cuando se dispara a un elefante, este tarda diez días en caer, yo puedo tardar AÑOS.” -Sara Luna
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08 Sara Luna Sara nació en la ciudad de México, terminó la licenciatura de la Universidad Autónoma Metropolitana de la carrera de Diseño de la Comunicación Gráfica, desde sus inicios profesionales estuvo vinculada al diseño editorial, al cartel cultural, fue diseñadora de la revista MATIZ. En 1999 Sara emigra a la ciudad de Guadalajara, en donde aprende a trabajar en el medio publicitario, También en ese año es invitada a participar en un colectivo de artistas gráficos, Colectivo HEMATOMA, proyecto de carteles culturales, políticos, vernáculos, etc. cada uno de ellos en búsqueda de lenguajes personales, cuya meta fue llevar el arte urbano/cultura/político a las calles, a través de mostrar cada colección en distintas partes de la misma ciudad.
“Guadalajara, mi gran oportunidad”
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“Siempre que hay un cambio en tu vida que te obliga a revisar cosas y las mejoras� -Sara Luna
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Vinculada al diseño editorial, al cartel cultura, y fue diseñadora de la revista MATIZ. En 1999 aprende a trabajar en el medio publicitario, en ese año es invitada a participar en el colectivo de artistas grñaficos, colectvo HEMATOMA, proyecto de carteles culturales, políticos, vernáculos, etc. cada uno de ellos en búsqueda de lenguajes profesionales, cuya meta fue llevar el arte urbano/cultura/político a las calles, a través de
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mostrar cada colección en distintas partes de la cicudad de Gudalajara. Sara ha trabajado en diferentes ámbitos del diseño gráfico cómo: Branding, Diseño web, editorial ,
empaque y publicidad.
de diseño establecido en GuadalaEn la actujara, Montréalidad Sara al y Miami. trabaja en su trabajan con estudio, coproyectos municación creativos que conecta que incluye con el objela idntidad, tivo del mer- branding, cado. medios impresos y BD MARK es deisño web. un estudio
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En muy corto tiempo, la marca se representa por producir de una manera innovadora y sobretodo por el diseño gráfico efectivo, que es atractivo, claro y pertinente.
Sara Luna, fue seleccionada en el libro sobre 100 años de diseño Latin American Graphic Design, de Taschen. Fue fundadora del colectivo Hematoma y escribió para la revista Matiz. Es director del
despacho de diseño BD Mark. “Cuando eres autónomo tienes que agudizar el ingenio, haya o no crisis. Dejando a un lado el paro y las situaciones dramáticas es importante una crisis porque te pone las pilas”,
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asegura. “Siempre que hay un cambio en tu vida que te obliga a revisar cosas y las mejoras” y para ello sirven las crisis. hay que dejar claro a las empresas que “el diseño de la imagen te cuesta lo mismo que pintar un local”.
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“…arranging and rearranging of aesthetic, craft, religious and naturalistic elements and forms of the past to make images valid for the present.” -Ikko Tanaka
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09 Ikko Tanaka “The arts help us in life.”
Originario de Nara, ciudad milenaria cuya historia se remonta al siglo VIII, inició su carrera dentro de las difíciles condiciones por las que atravesaba Japón en la posguerra. Su primer cartel impreso data de 1953, realizado en medio de la efervescencia del mundo occidental en que, como señala Raúl Hernández Valdés en Ikko Tanaka: la estética de la suspensión, el anhelo por asimilar los estilos de ese mundo se convirtió en un fenómeno social extendido a todos los estratos culturales japoneses. Tanaka, sin embargo, no cedió a la tentación de la corriente en boga, pero tampoco tomó lo propio con fines exóticos o de folclore para su exportación. Su trabajo radicó en una profunda comprensión intuitiva de los elementos originales y las estructuras formales de Oriente y Occidente.
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De los primeros, reconoció el valor de la austeridad o de la simplicidad. Sus diseños prescinden de mensajes obvios o directos, el autor sugiere, persuade a partir del lenguaje de los símbolos, característico de una sociedad que entre sus soportes culturales conserva un alfabeto ideogramático, para el cual, incluso, Tanaka creó un diseño tipográfico.
de comunicación, en la jerga actual se diría el más globalizado, partía en su trabajo de tradiciones propias sin entrar en contradicción con la modernidad.
Pero esta posibilidad no fue concebida de manera aséptica por el artista. En la entrevista con Julio Frías, también publicada en el mismo número de Casa del Tiempo, Tanaka advierte: Sin una cultura Tanaka supo propia, cualponderar quier país en dicha impron- un continente ta. El más será igual cosmopolita a los otros, de los medios entonces no
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tendrá identidad propia. Si todos consumen y comen lo mismo, ¿dónde estará la originalidad? Mucha gente viste igual, eso no es malo, pero no es interesante.
ToulouseLautrec.
Reconocido con las medallas de oro y plata del Club de Directores de Arte de Tokio, de la Bienal Internacional del Cartel de Varsovia, y En el marco con los predel homena- mios Club de je póstumo a Directores Ikko Tanaka de Arte de se exhibirán Nueva York, 20 de sus para México carteles resulta enrealizados trañable la durante los muestra Ikko últimos 12 Tanaka, el años, entre arte del carellos, el más tel japonés, reciente, exhibida en que elaboró 1995, en el antes de desaparemorir, se cido Centro trata del Cultural de homenaje al Arte Conpionero del temporáneo. cartelismo / Estrella moderno: Olvera Henri de
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Ikko Tanaka hacía frecuentes referencias a los contenidos líricos, al sistema de imágenesy los estilos del periodo Edo y también a la caligrafía tradicional japonesa. Mientras que la mayoría de los diseñadores japoneses modernos renunció a las referencias tradicionalespor motivos ideológicos y muchos contemporáneos que hasta ahora evitan “caer en losclichés nacionales”, o lo que el crítico Masaru Katsumie ha llamado “japonerías de bazar”,Tanaka, con toda legitimidad, aplicaba referencias del imaginario histórico a su propiotrabajo. Su vida esta marcada por dos importantes Experiencias: el ritual del té y el NohCaracterístico ritual japonés, del cual Tanaka recibió importante aportea su estilo de vida.El Maestro del Té Sen no Rikyu dijo que el téconsistía simplemente en hervir agua, hacer té y beberlo. Es decir, algosencillo, de o cual también podemos identificar en el diseño de tanaka.También estableció los cuatro estándares del chado, “el camino del
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té”:WA, KEI, SEI, JAKU (armonía, respeto, pureza y tranquilidad). Al imbuirla ceremonia del té de estoscuatro parámetros, hervir agua, hacer té ybeberlo ya no parece tan sencillo. Los cuatroconceptos son tambiéncaracterísticos en su vida y su forma de diseñar.
“Form is equal to style”
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“Dice la tradición que el oficio más antiguo del mundo es la prostitución. Yo digo que es la cacería, luego la agricultura, y después el diseño.” -Rogelio López Álvarez
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10 ROGELIO LÓPEZ ALVAREZ Nació en México, en 1972. Rogelio López Alvarez ha sido uno de los que ha escrito el lenguaje visual para la nueva generación de diseñadores gráficos mexicanos, con las formas tradicionales de medios como carteles y diseños impresos. Se gradúo de la Universidad Autónoma de Guadalajara. López Alvarez tiene su propio despacho de diseño desde 1999, creando animaciones, paginas web, y trabajos multimedia para prestigios clientes de la región.
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“Yo no quería ser freelance”
“la maravilla de escribir “yo digo”” -Rogelio López Álvarez
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Trauma número uno. ¿Oficio o profesión? Dice la tradición que el oficio más antiguo del mundo es la prostitución. Yo digo que es la cacería, luego la agricultura, y después el diseño. En el momento en el que el hombre comenzó a pintar en las cavernas para dar registro de sus hazañas en la cacería y utilizar esas pinturas para llevar un mensaje al resto de la tribu. eso es más
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diseño gráfico que arte. Lo que pintaban lo pintaron con una necesidad específica de comunicación, y no por una necesidad expresionista individual provocada por sus
traumas de la infancia. Por eso lo considero más diseño, y menos arte. De ahí deriva la importancia del diseño gráfico en nuestras vidas. La mayoría de la gente piensa que lo que
nos separa del resto del mundo animal es nuestra capacidad de pensar, de razonar. Hay pruebas que demuestran que tanto los delfines como las ballenas tienen esta capacidad.
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Hay chimpancés y simios que incluso aprenden a comunicarse y a hacer operaciones matemáticas simples. Lo único que todavía no se ha encontrado en el reino animal es la capacidad
de darle un valor y un significado a una imagen. Me refiero a la interpretación universal de los símbolos (un corazón significa amor, una cruz simétrica significa hospital, etc.). Esta capacidad de darle un significado a
un gráfico es exclusiva de los seres humanos. De ahí se deriva la escritura, los números, la literatura, entre otras cosas básicas para nuestra sociedad. Cualquiera diría que alguien que se dedica a esto debería de ser
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un personaje muy importante para la sociedad. Pero no. Resulta que ser diseñador gráfico es una de las profesiones peores pagadas en este país Pero… ¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Por qué? Permítanme presentar una teo-
ría: Yo opino que una gran responsabilidad de que ser diseñador gráfico sea en estos días tan difícil tiene que ver con su antigüedad. Con ser un oficio mucho antes de ser una profesión. Y a los oficios no se les conside-
ran actividades profesionales. Por más que la revolución industrial, el avance tecnológico y el capitalismo hayan creado la necesidad de tener un profesional de la comunicación gráfica.
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una muy buena parte del mundo de la publicidad y la comunicación ve a un diseñador gráfico como un muy buen artesano. No es el que es capaz de pensar, estructurar y diseñar un mensaje de una manera gráfica,
es el que maneja bien y rรกpido un Photoshop o un Ilustrador Y si tiene de menos algo de conocimiento ortogrรกfico, pues mejor. Si no, existe Google para ver como se escriben las cosas (el que guste tomar
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esto Ăşltimo como consejo, hĂĄgalo de inmediato).
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“Justo cuando estaba estudiando diseño empezó el boom digital.” -Jorge Alderete
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11 Jorge Alderete Ilustrador pop, influenciado por la cultura trash, las películas de ciencia ficción de los 50's, la lucha libre, la música surf, que plasma este universo en sus psicotrónicas ilustraciones, animaciones e historietas. Egresado de la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, como Diseñador en Comunicación Visual. Colaboró con distintos medios de Argentina, México y España. Como animador independiente realizó animaciones para MTV latin America y Japón, Nickelodeon Latin America y Brasil, etc. y también fue coordinador de la sección de animación de la web de MTV latina america. Fue jurado en los premios MTV online 2001, en el rubro animación y en el rubro diseño en los premios One Show 2004 en New York. Actualmente y desde su laboratorio en el DF, sigue realizando ilustraciones, comics o animaciones para distintos medios y editoriales de Argentina, Mexico, España, Italia, Alemania, Portugal, USA, Suiza, Finlandia etc.
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Se considera más artista o diseñador: Comenta que hay una línea muy delgada entre el diseño y el arte, y desde que empezó se ha movido de un lado y otro de esa línea. Cree que hay manera de combinar los dos mundos sin mucho conflicto. Para él se trata de ser fiel a su instinto y a lo que le gusta, y de ser consciente de su trabajo. comenta que él en un banco no le sirve para nada, no le puede hacer un logotipo ni la imagen corporativa, pero hay quien disfruta haciéndolo, y eso es lo que hay que tener claro: qué es lo que uno quiere
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Doctor Alderete —como es mejor conocido en el mundo del diseño y el de la ilustración— debe su fama a lo que Julius Wiedemann, en el libro Illustration now! (Taschen), define como “un estilo pop con imágenes de la cultura basura, las películas de ciencia ficción de los cincuenta, la lucha libre y la música surf en ilustraciones, animaciones y cómics psicotrópicos”. Entre sus clientes se cuentan MTV, Nickelodeon, Fox y
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Once TV en el campo de la animación. Como ilustrador ha colaborado en los diarios El País, Clarín, Página 12 y El Universal, así como en las revistas Quo, Somos, Complot y Gallito Cómics. Ha recibido premios como el que otorga la Society for News Design y el que organiza la revista a! diseño.
año, pero el caos los fue seduciendo y se han ido quedando.
lacs, para quienes hizo la portada de su disco más reciente, La luz del ritmo.
generar ideas e involucrarnos en los proyectos con mucho amor y paConfiesa sin sión. Nos empacho que importa siempre ha A pesar de mucho más sido un músi- todo esto, no que el resulco frustrado. se considera tado quede Pero eso no un empresa- bien y que le ha imperio: diga algo, a dido ser un que se pucolaborador “No sabeeda vender o creativo de mos muy llenarnos de muchas ban- bien cómo dinero haciéndas por mecomercializar dolo”. dio del arte un producto; que viste sus lo que sabegrabaciones. mos es cómo
“es como una invitación a ser un integrante más”
Se ha relacionado con los grupos que ha publicado Jorge llegó su disquera, a México en como Los 1998 junto Straitjackets, con su espo- Los Caversa, la tamnarios, Los bién diseña- Twangers, Los dora Clarissa Coronas, y Moura. Matorralman, pero también Su plan era con Los Fabuquedarse un losos Cadil-
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Jorge Alderete asegura que su primera escuela fueron los cómics. Eran los años ochenta y vivía en la Patagonia, pero Jorge no tenía problemas para encontrar cómics del under americano y de la línea francobelga. Los superhéroes no se consumían tanto. Y tampoco le interesaban. Era un gusto que compartía con sus padres: “Leían cómics para adultos, que no son el Libro Vaquero, entiéndase”. En Argentina siempre se ha tomado más en serio el tebeo. Algunos de sus autores gozan de prestigio como narradores en el mundo de la literatura.
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Y en Europa se les respeta aún más: “Francia es uno de los pocos países donde el cómic es una industria real hoy día, y en España tienen un Premio Nacional”, reflexiona Alderete. “Acá no hay nada de eso”. Desde esa época le viene la influencia del ilustrador Charles Burns y el incesante interés que lo ha llevado a participar en diversos proyectos relacionados con los cómics, como el suplemento “Zonaste!” de la revista Zona de Obras, que se editó entre 1999 y 2002 y que puede consultarse íntegro en el sitio web de Alderete. (www.jorgealderete.com)
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“It is very important to embrace failure and to do a lot of stuff — as much stuff as possible — with as little fear as possible. It’s much, much better to wind up with a lot of crap having tried it than to overthink in the beginning and not do it.” -Stefan Sagmeister
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12v Stefan Sagmeister “He visto películas que me han conmovido, he leído libros que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño”. Esta frase, retrata la pretensión de Stefan Sagmeister (Austria, 1962) por transformar el diseño actual. Lo ha demostrado a lo largo de su trabajo. Su obra destaca no solo en el ámbito del diseño sino en el mundo artístico, donde se mueve en los límites del diseño y del arte conceptual.
“Nuestro objetivo será llegar al corazón” 137
Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong para trabajar en la agencia Leo Burnett; en 1993 de vuelta en New York trabajó con el gran Tibor Kalman, para más tarde, en 1994, formar su propio estudio en el que ha trabajado con clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Sagmeister es claro y, a veces, hasta descarnado, en contraposición a la mayoría de diseñadores que se preocupan por el ámbito más formal y estético: la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas. Un ejemplo es el cartel que diseñó para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA) a principios de los 90. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel. Cada siete años, el diseñador Stefan Sagmeister se toma un sabático y cierra su estudio de Nueva York para fortalecer y renovar su panorama creativo. Formó True Majority un grupo de 500 artistas y directores de
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empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak y ahora recauda fondos para acabar su película ‘The Happy Film’, creada después de su último año sabático en Sri Lanka y Bali.
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“To be stupid and selfish and to have good health are the three requirements for happiness. Though if stupidity is lacking, the others are useless.� 143
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Sagmeister recinio un premio Grammy en 2005 en la categoria “best boxed” o “Special Limited Edition Package” por la direcciond e arte de Once in a Lifetime box set de Talking heads. En 2005 gano “The National award For Communications” de The Cooper-hewitt National Design Museum Su segun Grammy fue por el diseño de David Byrne and Braina eno album “Every That Happens Will Happen Today” en la categoria “Best Recording Package” en 2010.
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Este es un proyecto personal curado, editado, asi como el diseĂąo de paginas, reticula y editorial trabajado por Acevedo Brindis Cynthia Daniela, HĂŠctor Arce GomĂŠz, Velazquez Mendoza Ledia Abigail y Yair Alonso Hernandez Huerta 146
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