¡BOOM! - Ilustración en el Cómic Americano by sie

Paula Andrea Delgado NĂşĂąez Daniel Alejandro Jaimes Jimenez

2016, Paula Delgado, Daniel Jaimes !Boom¡ Ilustración en el cómic americano Bogotá. Colombia 112 p 21 cm Diseño: Paula Andrea Delgado Nuñez, Daniel Alejandro Jaimes Jiménez ISBN 456125 Printed in Colombia

Corporación Universitaria Unitec Docente Julio Vanoy

DEDICATORIA

Este libro esta dedicado a todas las personas que con su apoyo invaluable han generado en nosotros una espectativa mas en nuestra carrera y un paso mas en nuestras vidas.

¿Quién ha dicho alguna vez que los cómics y los tebeos no son carne de biblioteca?, La importancia del cómic en la sociedad crece cada año. Si bien aún existe gente que desprecia el medio por considerarlo “infantil” o incapaz de producir obras equiparables en calidad a la literatura tradicional o al cine, hechos como la proliferación1 de eventos relacionados con los cómics (algunos de ellos apoyados masivamente por los aficionados, como el Salón del Manga de Barcelona, cuya última edición recibió la visita de más de 65.000 personas), la creciente presencia del cómic en las bibliotecas públicas o el reciente Premio Nacional de Cómic consiguen poco a poco desbancar esa imagen de medio “marginal”2. Hoy es un arte que ha alcanzado su madurez, y que sirve de plataforma para contar cualquier historia. El cómic puede ser

1)poliferacion: Incremento de la cantidad o el número de algo de forma rápida. 2)Marginal: de importancia secundaria o escasa

fantástico o realista, humorístico o dramático, clásico o experimental, de aventuras o autobiográfico. Puede ser subversivo, propagandístico, educativo, conservador, underground3, provocador o inofensivo. Puede estar protagonizado por superhéroes, por animales antropomórficos4, por bárbaros, monstruos o robots, por personajes reales o inventados, por personas corrientes o por sus propios autores. Surge de la unión de la palabra y el dibujo para convertirse en algo totalmente diferente, en un campo de pruebas libre donde, en su corta historia, hay mucho que contar.Gran parte de este éxito se debe a la habilidad como narradores que poseen los autores, quienes consiguen sumergir al lector dentro de la obra, haciéndole partícipe de la misma de una

Ghost de la editorial dark horse

forma que, por ejemplo, el cine no puede conseguir gracias a una narrativa fluida, una composición muy cuidada en cada viñeta y unos guiones y diálogos muy trabajados. Pero ¿Qué es el comic?, Al historiador de la literatura puede recordarle la unidad de los 3 elementos que Aristóteles exigía para la tragedia: de tiempo, de lugar y de acción. “… una estructura narrativa formada por secuencias progresivas de pictogramas, en los cuales pueden integrarse elementos de escritura fonética”. Roman Gubern. “… relato icónico-gráfico o

war war comics cuentos de guerra editorial atlas

icónico-literario destinado a la difusión masiva en copias mecánicas idénticas entre sí, sobre soporte plano y estático”. Juan Antonio Ramirez.. “El cómic es un lenguaje mixto-descifrable, formado por la integración del lenguaje icónico y el lenguaje verbal o fonético, a partir de sintagmas menores llamados viñetas”. Perucho Mejía G. “ Secuencia de viñetas o representaciones gráficas que narran una historieta mediante imágenes y texto que aparece encerrado en un globo o bocadillo” Definición del diccionario Rancés. “Narrativa mediante secuencia de imágenes dibujadas” (Coma 1979:9) Según Scott McCloud, define historieta como: “…Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada, con el propósito de transmitir información y obtener una

respuesta estética del lector…” Esa podría ser una definición acertada teniendo en cuenta que otros autores lo definen de otras formas el Cómic, historieta o tebeo: lo llamemos como lo llamemos, es un medio de comunicación de masas conocido y producido en todo el mundo. El comic es, como cualquier como cualquier otra expresión artística, un continente apropiado para cualquier tipo de contenido: romántico, autobiográfico, de terror, históricos, humorísticos, de súper héroes, eróticos, políticos, de relaciones de pareja, infantiles, divulgativos5… la cantidad de géneros,

subgéneros y estilos del que goza la historieta es tan extensa y abrumadora como la de cualquier otro tipo de medio de comunicación artístico… en resumen, los comics son libros ilustrados de imagen secuencial6, por lo que puede ser la unión de todas las artes en las que trabaja la ilustración Generalmente los cómics son publicados por editoriales, aunque no es raro que algún autor (o grupo de autores) amateur decida realizar una pequeña inversión y auto editar su propia obra para distribuirla entre amigos o venderla. El comic es una de las expresiones artísticas que más hondo ha calado en la población, sobre

todo en los adolescentes y jóvenes. El comic estadounidense es también muy conocido mundialmente gracias al universo fantástico de Marvel comics, un mundo lleno de superhéroes y súper heroínas con poderes especiales, sus personajes son reconocidos mundialmente y han influenciado también a las últimas producciones de Hollywood. Este tipo de comic está más ligado a la estética que viene desde la Grecia antigua, cuerpos esculturales, atléticos y una infinidad de personajes que podrían llenar el Olimpo. Su estética es un poco más densa que en el manga japonés, con líneas duras y un gusto por el detalle

6) Imagen secuencial: una serie de imágenes que constituyen un conjunto con significación

en cada una de sus viñetas, se usan las proporciones heroicas para darles más realce a los personajes. En una primera época los personajes eran un poco planos y sus historias se centraban en la lucha entre buenos y malos, pero después de los años 60 y con la contracultura de la época, se ven personajes más desarrollados psicológicamente, con problemas, traumas y situaciones que llevaron a la creación de los anti-héroes, lo cual no significaba que fueran villanos, sino personajes que peleaban contra la maldad, pero también peleando contra sus emociones, pensamientos y situaciones, lo cual los hace mucho más interesantes.

I am a vampire de la editorial dc

1) Introducción 8 pg 2) Indice 14 pg 3) Historia 18 pg 2.1) Antecedentes y pioneros 20 pg 2.2) El yellow kid y los años de la guerra 24 pg 2.3) Despues del conflicto 32 pg 2.4) Y vinieron los 80 38 pg 2.5) Los 90 y el renacer en nuestros dias 42 pg 4) Editoriales 58 pg 3.1) Dark horse 60 pg 3.2) Marvel comics 70 pg 3.3) D.C. 80 pg 3.4) Vertigo 88 pg 3.5) Image 90 pg 5) Apéndice 99 pg 6) Anexos 101 pg 7) Vocabulario 107 pg

â&#x20AC;&#x153;Un gran poder conlleva una gran responsabilidadâ&#x20AC;? El Tio Ben del comic Spiderman

Prácticamente desde que el ser humano tuvo la capacidad de abstracción necesaria para hacerlo, ha contado historias empleando imágenes. Por eso podemos decir que de algún modo la narrativa gráfica ha existido desde siempre, y la historia universal del arte da buena cuenta de ello, desde las pinturas rupestres de Altamira a los cantares de ciego. Sin embargo, el cómic es un medio relativamente nuevo, porque nace vinculado a la posibilidad de reproducirlo, rasgo que establece la diferencia entre obras como las cantigas de Santa María –frecuentemente mencionadas como antecedente del cómic– y la historieta: frente a la obra de arte única e irreproducible, el cómic es un objeto industrial, es decir, que se reproduce masivamente mediante medios mecánicos.

ANTECEDENTES Y PIONEROS

Egipto representaba su mitología en dibujos y jeroglíficos, en el papiro, en murales en forma de tira, el tapiz de Bayeu, columnas romanas conmemorativas, retablos medievales, dibujos precolombinos, pinturas rupestres y a estas sumadas obras de Heyronimus Bohs, Brughel y Goya pueden ser antecesores del comic, pero lo más cercano puede que sean las aucas y las aleluyas, publicaciones para la instrucción de niños y adolescentes, que narraban cuentos breves mediante el uso de ilustraciones, a diferencia del comic el texto era incluido al pie de los grabados en forma de explicación. El Arte, como expresión material del espíritu humano, ha evolucionado

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con la Historia; desde representaciones animales en cuevas (Arte Rupestre) hasta sofisticadas obras de Arte consistentes en composiciones electrónicas y visuales – aunque esa sería otra discusión, es decir ¿hoy en día podemos llamar Arte a procesos creativos donde una máquina traduce la consciencia humana?-. Y una de las expresiones artísticas que más hondo ha calado en la población, sobre todo en los adolescentes y jóvenes, ha sido el cómic.

El cómic ha evolucionado mucho también desde sus inicios a comienzos del s. XX hasta la actualidad, mitad del primer decenio del s. XXI. Esta forma de expresión humana se ha considerado el octavo Arte; una forma de comunicación a medio camino entre la literatura y el

cine. Cualquier obra de esta parte de la industria cultura necesita compaginar diálogos (literatura) con imágenes en constante movimiento (cine). Dibujos en escorzo se acompañan de “bocadillo” de palabras para explicar historias, que pueden ir del absurdo más absoluto a la tragedia. La historia del comic se relaciona más con la de la imprenta y la caricatura, nace casi al mismo tiempo que el cine. Las primeras viñetas variaron en tamaño, aparecieron los bocadillos y la tipografía, se utilizaron las onomatopeyas y los símbolos mundialmente aceptados que constituyen un modo de expresión independiente, con un alcance comunicativo ausente en otros medios expresivos.

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EL “YELLOW KID” Y LOS AÑOS DE GUERRA

Se considera que Estados Unidos es la cuna del cómic, pues allí comenzó su publicación en los periódicos. La causa principal fue la puja por la conquista de nuevos lectores para los diarios de prensa. Se ha querido asociar el origen del cómic contemporáneo con la aparición del “Yellow Kid” de Richard Fenton Outcault (1863- 1928) para el diario “World” de Nueva York, siendo “Yellow Kid” el primer personaje con el que se crean historietas continuadas.el primer personaje protagonista de un cómic es “Yellow Kid”, granuja pueblerino de origen irlandés que vestía un camisón de color amarillo. “Kid” sufriría una guerra entre dos periódicos, que editarían su propio cómic, con su

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versión particular del chico. Esta lucha entre los periódicos de los dos grandes titanes del periodismo moderno -Joseph Pulitzer y W. Randolf Hearst-, acabaría a finales del s. XIX, para entrar en otro siglo, cuando los lectores ya empezaban a estar hartos de la misma tira cómica y del mismo personaje. El cómic del s. XX empieza cuando Hearst importa de Alemania “Katzenjammer Kids”, de Rudolf Dirles, autor que aportaría muchos de los recursos estilísticos propios del cómic y que aún hoy se utilizan –tales como el bocadillo-. “Yellow Kid” A partir de estas dos obras iniciáticas se suceden las copias edulcoradas, por ejemplo “Foxy Grandpa”, y las historias cada vez más políticamente correctas. “Yellow Kid”, la obra de Diks, era acusado de violento, 28

the yellow kid Nº 1

vulgar y de promover el analfabetismo por el atrevimiento con que reflejaba la sociedad de su época. Así, L. Feinenger lanza “Kinder Kids” para combatir la pobre imagen que tenía la inmigración en EE.UU., pero aún no estaba preparado el mercado para tiras intelectualistas (este autor, por cierto, acaba siendo un cubista de la 2ª generación de la Bauhaus). La adolescencia del comic fue un punto más alto de lo fantástico, llega Windsor McCay quien incluyo el universo onírico de “dreams of the rarebit friend” en la que un personaje indigestado tenía una pesadilla, de la que despertaba en la última viñeta. Esta fase fantástica de personajes técnicas y narrativas distintas

the yellow kid Nº 1

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llego hasta 1915 debido a la normalización por los sindicatos distribuidores, estos ahorraron a los periódicos gastos en dibujantes propios.

amplio número de lectoras hizo surgir la Girl strip, con protagonista femenina, cuya protagonista fue polly and her Pals, (1912) de Cliff Sterrett (guion y dibujo). Se dieron tímidos intentos en cuanto al comic de aventuras, el más destacado fue el del dibujante Roy Crane autor de una serie estelarizada por Wahs Tubbs (1924), Crane aporto el uso del pincel la mancha gris, anunciando el estilo del comic aventurero de la siguiente década. Entre 1929 y la segunda guerra mundial fue la edad dorada del comic, gracias al aumento de lectores y temáticas traídas de la mitología aventurera, nuevos dibujantes rebasaron el estilo . the newlywed and their baby

Los sindicatos desvincularon el dibujo de comics de la redacción de un periódico, pero también crearon retroceso al imponer restricciones formales y temáticas en autores y productos, con ellos fueron codificados e implantados ciertos géneros: la tira familiar que criticaba, de forma satírica, pero respetuosamente la institución familiar. En este ciclo destacaron: the newlyweds (1904) y bringing on father de George McManus, the gumps (1919) de Sidner Smiht, the Thimble Theatre (1919) de Elize Crisler Segar (donde surge Popeye). Un 29

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caricaturesco. Alan Harold Foster público trazan ideado por Dick Calkins, que inicio la ciencia ficción en el comic. Del crimen derivado de la prohibición apareció dick tracy (1931), obra de chester Gould. Quedan tres géneros en el comic estadounidense: aventura exótica y policial y la ciencia ficción. 30

Alex Raymond lanzó flash Gordon (1934 competencia de Buck Rogers), a Jungle Jim (competencia de tarzan) y a secret Agent X-), para el campo de las aventuras e intriga: asi se consolido el género de aventuras en el comic en la década posterior a la gran depresión, el público era receptivo a las evaciones ideadas por esta narrativa compensadora de la frustración cotidiana. Los ejemplos de manipulación política en los comics son numerosas (posiciones racistas y de agresividad política, de la segunda guerra mundial), el japon militarista los uso para mostrar su expansionismo. Aparece Phantom (1936) obra de Lee Falk (guionista) y Ray Moore (dibujante) incluido en las aventuras exóticas. En la ciencia ficcion destaco Brick Bradford (1933 precursor de flash gordon) con William

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ritt (guion) y Clarence Gray (dibujo). El clima moral de la depresión favorecio el origen de otras series en referencia a esa situación (li’i abne por Al Capp 1935); tambien estuvo presente el mensaje socio político de walt dysney en Mickey (1939) primer personae que salto de la pantalla al papel. Con la aventura epica y la aparición del comic book (En la década de 1930 apareció el “cómic–book”, como una publicación periódica de pequeño formato con historietas protagonizadas por personajes fijos y que evoluciona hacia temas sociales, dando veracidad a la historia. El capítulo 1 de “Superman” 1938 Aparecen los detectives y agentes secretos [periodo entre guerras], y nace Dick Tracy, manteniendo un estilismo en su dibujo que lo ha salvado de lo pasajero de ciertas “modas”. Aparece

también Superman, iniciando lo que será un género en sí mismo, el de los super-heroes como “Capitán América”, “Batman”, “Acuaman”, “The Fantastic Four”, “El Hombre Araña”, tema de editoriales especializadas en el mundo del cómic, como Marvel) se dio una gran difusión, se publica “famous Funnies” libros en los que reimprimieron comics ya publicados, estos transformaron el negocio; el comic fue la lectura predilecta de los soldados e incluso fue manual de instrucción militar. Surge la necesidad de nuevos héroes con capacidades sobrehumanas (el súper héroe), Jerry Siegel (escritor) y Joe Shuster (dibujante) dieron vida a Superman (1938) en el primer numero de action comics magazine; tras el aparecieron: Captian Marvel (1938), Batman (1939), creado por Bob Kane,

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Flash (1939) creado por Graner foz (escritor) y por Harry Lampert (dibujo). El s. XX avanza y con ello el “éxito” de la tira cómica, produciéndose una doble vertiente evolutiva. Por un lado, la tira continúa editándose, dando lugar con el paso de los años al cómic underground, caracterizado principalmente por la crítica sociopolítica, enmascarada bajo sencillos dibujos de carácter infantil. Y por otro lado, el cómic sale de los periódicos y comienzan a editarse historias que copian el grafismo, léxico, estilo…, de esas tiras cómicas. Surgen cómics como tal.

El cómic abandona el formato tira (que se mantendrá en el tiempo y que derivará en el underground) y comienza una primera etapa mítica en la historia de este Arte. Aparecen historias cortas auto conclusivas, donde se va gestando todo un universo propio, con sus recursos estilísticos y pictóricos particulares. Además de ir preparando el camino para el súper-héroe, prototipo humanoide que ha dado fama al medio. En esta primera etapa el cómic se nutre de historias de terror (“Tales from the cript”), del mundo de la guerra y los conflictos armados… Se crean editoriales dedicadas únicamente al cómic y que dirigen su producción a los más pequeños. Aparecen Detective Comics (DC Comics) y Marvel, que con el tiempo se convertirían en las dos grandes multinacionales que coparon el mercado con sus historias. Los mitos reflejan visiones del mundo. Crean cosmovisiones que explican la vida y sus relaciones, y en el cómic se crea todo un entramado ficticio con sus valores, héroes, villanos…

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Las grandes compañías explotan una mitología similar a la del mundo griego. DC Comics tiene su propio mundo que gira alrededor de unos súper-héroes determinados (Batman y Gotham City, o Superman y el drama de Krypton), y la Marvel explota la mutación genética y la multiculturalidad entre súper-humanos y la gente corriente. El héroe helénico de la primera etapa

de la industria “comiquera” tiene un parecido similar al de los arquetipos históricos. Su referencia más directa es Cristo. Los protagonistas enmascarados representan un símbolo; son humanos tocados por Dios, que les otorga poderes; o hijos de antiguos dioses escandinavos, o extraterrestres humanoides… La historia gira en torno a estos individuos con una gran responsabilidad: han de proteger a la humanidad del villano, del diablo.

DESPUÃ&#x2030;S DEL CONFLICTO

Tras el conflicto fue difícil retornar a la normalidad (periodo de confusión y catalizador intelectual): las series de humor no divertían y las de aventura perdieron espíritu. Los dibujantes tenían problemas frente al heroísmo anónimo de millones de caidos en combate, las hazañas de los personajes parecieron despreciables. Despues de la segunda guerra mundial en estados unidos se olvida la utilidad publicitaria del comic belico y se miran otros temas; con la persecución anticomunista a través del cine una paranoia social afecta al comic.

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creepy de warren magazine

Frederic WErtham (psiquiatra) publica el libro: “te seduction of the innocent” (1954) relacionando el aumento delincuencial 36 juvenil con el comic, fue la primera restricción a la historieta, clasificado temas como de adultos que podrían dañar al menor de edad. Los distribuidores crean el (CCA) Comics Code Authority para regular sus trabajos. La influencia de Wertham es grande en estados unidos y solo el comic contracultural de los 60 se opondrá a estos prejuicios (actualmente en consecuencia hay comic infantil). Víctima de esta caza es E.C. Comics, compañía especializada en historietas de horror (estilo Tales from the crypt

-1950- ), E.C. recibirá acusaciones contra sus productos. Al final solo podrá editar la revista Mad (1952) revista de humor que guiara los temas de varios dibujantes; ello explica que al imitar el estilo de E.C. la compañía Warner Publishing edite tres décadas después revista como Creepy y “Eerie” con versiones europeas. En la post guerra, títulos como Steve Canyon (1947) de Milfton Caniff, heredan elementos del comic belico con un sentido estereotipado, después de discutido por Archie Goodwin y otros autores. Caniff aprovecha para transmitir su particular política, al igual que Frank Robbins (con Johnny Hazard -1944- ).

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Julius Schwartz revitaliza el comic-book reinventando personajes existentes. La editorial D.C. comics hace mover el sector con la calidad artística y comercial, lo que es percibido la editorial marvel (Stan Lee y Jack Kirby), la competencia con D.C. será hasta el siglo siguiente.

personaje representativo del subgénero de espada y brujería, distinto a los demás ya que es solo un guerrero con éxito equiparable a los anteriores, entre sis dibujantes están: Roy Thomas, Barry Windsor Smith, Alfredo Alcala y John Buscema.

Los personajes de Marvel son súper humanos que sufren la dificultad de su condición formando el “universo marvel” (alternativo al real, distinto solo en la presencia de los super heores), destacan spiderman, hulk, fantastic four y los X-men; por otro lado esta Conan el bárbaro (1970 Robert E. Howard)

Revistas impulsadas por james Warren dan cabida a guionistas y dibujantes en los 70 y 80. Los cambio culturales de los 70 originan revistas aficionadas universitarias y underground, estas influencian temas de la historieta internacional (sexo,política y drogadicción) creando polémica con personajes difíciles de catalogar.

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Y VINIERON LOS 80

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A partir de los 70 la mercadotecnia del cie, televisión y comic será amplia, así como acuerdos entre grandes firmas editoras y revistas alternativas (Marvel, D.C., Heavy metal o Epic), entre unas y otras se comercializan trabajos de Jim Steranko (Chandler 1976, Outland 1980), Jim Starlin (metamophosis odyssey 1980), Jack Jackson (comanche moon 1980). En los 80, el discurso posmoderno crea variedad en el fragmentado universo del comic generando que vanguardia, clasicismo, generos, pastiches, experimentación y convencionalismo puedan convivir. El humor inteligente de Calvin y Hobbes (1985 Wll Watterson) o la violencia hardboiled y la maestría grafica de Sin city (1992) de Frank Miller, abre un mercado cada vez más considerable. En ese proceso, sellos como Image heredan el estilo manga japonés, privilegiando el dibujo por encima del texto.

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Es en los años 80 cuando ese proceso mítico, cosmovisión, de construcción –y de lucha por un mercado minoritario e inmóvil- se ve disminuido 42 antológicamente. Aparece una reacción ilustrada, un decaimiento del héroe-dios al héroe-hombre. Aquellos personajes arquetípicos comienzan a mostrarse como humanos, con problemas de ego, de poder, de identidad, con deseos, virtudes y prejuicios. Proceso que culminará en la obra de Allan Moore y su “Watchmen”, crítica feroz a la mitología heroica del cómic y que marcará un nuevo camino a los artistas de la industria. El final de los años 80 y los principios de los 90 son

vistos como la peor época del cómic. La crisis es brutal y las empresas sólo se preocupan del beneficio económico y financiero. La creatividad sufre un revés, excepto en un pequeño grupo de autores nóveles que tratarán de revitalizar tan maltrecho panorama. En esta crisis aumenta el carácter ideológico de las series de cómics y la justificación liberal se instaura en el papel y los “bocadillos”. Pocos autores resisten esta profesionalización del héroe mítico, en religiosidad organizada. Ahora bien, “La Escuela Británica” (G. Ennis, G. Morrison, N. Gaiman…) revitaliza la industria en declive. Aportan una nueva dimensión psicológica

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al protagonista y escapan de los tristes tópicos del cómic comercial, proamericano e ideológicamente conservador. Aparecen temáticas más variadas y el cómic para adultos crea su propio mundo, donde la magia y la brutalidad cotidiana se instalan para reflejar, como todo Arte, un época loca. “The Sandman”, “Los Invisibles”, “Predicador”, “From Hell”, “Transmetropolitan”… brindan la oportunidad al desaprensivo y novato no lector de cómics acercarse a una industria desconocida, que aporta maravillas en formato comic-book del Arte Contemporáneo. Mercado en el que, actualmente, la producción es rica y variada para llegar a todo el público de todas las edades.

LOS 90 Y EL RENACER EN NUESTROS DÍAS

En los años 90 las ventas de los cómics subieron de forma increíble, sobrepasando el millón de ejemplares en algunos casos. Las series dedicadas a los personajes de X-Men triunfaban y cada día aumentaba el número de colecciones. Junto a esto, se empezó a alabar el trabajo de algunos dibujantes, muchos de ellos en estas series, pero todos en Marvel Comics en ese momento. Su estilo, en ocasiones más centrado en el detalle que en la narración, era diferente y sobresalía dentro de este arte. Parecía que esto fue lo que atrajo a una gran cantidad de nuevos lectores; haremos hincapié en ese “parecía”, ya que hay otra razón que trataremos más adelante. Nos encontramos en una época en que el dibujo coge más fuerza con respecto al guión. El dibujo es atractivo y produce ventas, a partir de aquí el dibujo prima sobre el guion. Hay una diversidad de factores que llevaron a la creación de la editorial Image Comics; por un lado las grandes ventas producidas por estos dibujantes hacen que exijan más dinero, por otro lado las ganas de trabajar sus propias ideas, la libertad...

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pero lo que importa aquí es la propia creación de la empresa y la forma de concebir esta misma. Así, estos autores abandonan Marvel Comics para iniciar su propia aventura formando Image. Entre ellos estaban Todd McFarlane, Rob Liefeld y Jim Lee; autores de los tres comicbooks más vendidos en la historia del cómic norteamericano, junto a otros como Mark Silvestry, Whilce Portaccio... La editorial estaba formada por estudios, que funcionaban como pequeñas editoriales unificadas. Su intención en un principio era crear un nuevo universo de superhéroes, aunque con el tiempo se irían separando y disminuyendo cada vez más la aparición de personajes de unos estudios en colecciones de otros, centrándose cada autor en su propia 46 serie. El primer cómic en salir de la editorial fue “Youngblood”, de Rob Liefeld y sus Extreme Studios. Era un grupo de superhéroes que recordaba a los vengadores de Marvel; vendió más de trescientos mil ejemplares,

x men de stan lee

estabilizándose en la mitad de esa tirada en los siguientes números, pese a haber salido con un retraso de dos meses y carecer de personajes ya conocidos. El siguiente en dar el paso fue Todd McFarlane con “Spawn”, una especie de héroe al estilo Batman pero con un toque demoníaco. Fue de los pocos que jamás abandonó la editorial y también el que más fortuna amasó gracias a su línea de juguetes y merchandising. Él, que había sido dibujante de Spiderman, acabó dejando el dibujo y guión de su serie, ocupándose sólo del argumento, para desarrollar su faceta de empresario. Spawn También estaba el estudio “Top Cow” de Mark Silvestry, con personajes que recordaban también a los ya existentes en Marvel, aunque más adelante acabará

the new x men de stan lee

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cambiando la temática de estos hacia un lugar menos superheroico, más oscuro. Probablemente éste sea el estudio que más cómics han publicado, y sigue publicando, en esta editorial. Aunque el más esperado de todos y, a la larga, el más importante en relación al cómic en general es “WildStorm”, de la mano del aclamado dibujante de X-Men y cocreador de algunos de sus personajes más exitosos del momento (como Gambito); hablamos de Jim Lee. Fue el primero que se atrevió a sacar dos series en Image casi de forma simultánea, y con el éxito conseguido el número de éstas aumentó considerablemente. Los X-Men de Jim Lee Es innegable el parecido físico de los personajes de estas series a los héroes de la gran Marvel, pero también tiene su razonamiento, y es que estamos hablando de dibujantes con estilo propio que ayudaron a definir la imagen de los superhéroes a partir de los ochenta. El problema es el parecido en el guión, el parecido de héroes y villanos con los de la otra editorial, que hace que todo

parezca repetitivo y carezca de innovación. La mayoría de estos personajes tenían personalidades y aptitudes vistas ya en Marvel. En el caso de Jim Lee tenemos a “WildC.A.T.S.”, una serie que recuerda a sus XMen y también a “Stormwatch”, que aunque partía de una idea más original, al fin no se trata de un supergrupo del gobierno de los Estados Unidos, sino de las Naciones Unidas, pero los personajes eran más de lo mismo. Tampoco se puede decir que todo sean malas historias; algunos famosos guionistas (como Alan Moore o Garth Ennis) se ocuparon de historias de algunos de estos personajes, y el hecho de tener más libertad que en otras editoriales enriquece el mundo del cómic y hace que estos personajes puedan evolucionar más rápido. WildC.A.T.S. Con todo esto, Image Comics se convierte en una de

spawn de la editorial Image

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las editoriales con mayores ventas (junto a Marvel y DC) del mundo del cómic. A partir de entonces la publicidad de Marvel se centró en los personajes, relegando la importancia de los autores a un segundo plano y jugando con la ventaja de que estos ya eran muy conocidos en todo el mundo. Para ello Marvel tira de sus autores más clásicos y de nuevos autores que se pueden considerar clones de los que habían abandonado la editorial. Eran tiempos que podemos denominar como oscuros; el héroe que triunfaba era aquel cuya moralidad no estaba muy definida, más cercano al antihéroe; casi se puede decir que el fin justifica los actos. También tenían buenas ventas los “crossovers”, es decir los arcos argumentales que agrupaban un gran

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número de colecciones y que enfrentaba a unos héroes con otros para luego ir a por el villano de turno; acabó siendo ciertamente monótono. A mediados de los noventa nos encontramos con una importante influencia estética en el cómic, la introducción y éxito del cómic japonés en la cultura americana hizo que muchos dibujantes con un estilo parecido a este tipo de cómic entrasen en algunas de las series más importantes de las diversas editoriales, lo cual aumentaba la monotonía antes mencionada y acababa con el más mínimo rasgo de experimentación u originalidad que podíamos ver en este tipo de cómic. Por eso hablamos hasta aquí de la decadencia del cómic, en comparación con las grandes obras que nos había

traído la anterior década. El otro factor importante, por el cual habíamos dicho que “parecía” que los dibujantes habían atraído nuevos lectores, fueron los inversores; ciertamente, los dibujantes atrajeron gente, pero el número de ventas tan alto también fue debido a que gente se dedicaba a comprar varias copias de cada cómic como una inversión, especialmente de los números uno, viendo que los cómics antiguos se cotizaban con un precio altísimo. Esta gente esperaba ganar dinero invirtiendo de esta forma en este arte, pero claro, las editoriales lo que hicieron fue aumentar las tiradas al ver el éxito, y cuando esta gente, sin interés alguna en el medio, vio que no era una buena inversión, abandonó, de forma que las editoriales acabaron cayendo en bancarrota.

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50 The Authority Tras esta gran disminución en la calidad explicada, nadie se imaginaría que el gran cambio, la gran evolución del superhéroe, vendría por los personajes antes mencionados y calificados como insustanciales. Jim Lee vende “WildStorm” a la editorial DC, aunque la libertad creativa sigue siendo la misma y continúan publicando las mismas series. El guionista Warren Ellis se hace cargo de la serie Stormwatch a partir de su número 37, donde comienza a introducir personajes nuevos; la similitud de este

grupo de superhéroes a un ejército hace que divida estos en grupos ya que eran demasiados miembros los que se reunían bajo la cabecera de esta colección. Así, con sus personajes crea “Stormwatch Black”, que se dedicarán a operaciones secretas por todo el mundo. La serie despertaría gran interés; partió de la base de que mayor poder no sólo da mayor responsabilidad sino también mayor índice de megalomanía y mayor posibilidad de causar daños por uso indebido de sus poderes, y sobre todo

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mayor grado de sufrimiento personal, puesto que un héroe sin moral no es más que un títere con gran poder destructivo. A este autor se le da libertad absoluta y decide tras 25 números cancelar la serie matando a casi todos los personajes y haciendo una serie nueva con los que él había creado para Stormwatch. Un giro brusco pero que dio sus frutos casi de forma inmediata. La serie fue llamada “The Authority” y su forma enseguida fue copiada por las diferentes editoriales. Trata de un grupo de superhéroes muy

dispares y lejos de ser perfectos, más bien van en contra de todo lo políticamente correcto, que se dedicaban no sólo a defender el mundo sino a ejercer de autoridad a nivel mundial, como su título sugiere. Ya no importa la originalidad en los poderes, ni que sean héroes vistosos, sino el trasfondo del personaje. Nos encontramos con gente como el “Doctor”, uno de los seres más poderosos de la tierra, enganchado a las drogas; o con otros como “Midnighter” y “Apollo”

rodeados de una gran polémica ya que mientras el primero, tanto en estética como en la forma de actuar, se parece a Batman, el segundo recuerda bastante a Superman, y la cuestión es que son pareja y su homosexualidad no sentó bien en las altas esferas de la editorial, aunque el éxito de los personajes hizo que la idea siguiese adelante. Los villanos son de lo más variado: desde dictadores que intentan aumentar su poder hasta la personificación de Dios en un ente Uno de los muchos y polémicos gestos cariñosos entre Apollo y Midnighter extraterrestre. También realiza parodias de héroes de otras editoriales; concretamente en uno de los capítulos aparecen versiones de casi todos los enfrentamiento de jim lee

héroes de Marvel y nos encontramos con la que posiblemente sea la forma más original de vencer a un enemigo: Midnighter le convence de que lo que hace está mal. Se meten en todo tipo de conflictos, derrocan dictadores o impiden guerras, por lo cual el gobierno de los Estados Unidos les impide la entrada en el país. Aquí, el gobierno ya no es visto como algo bueno necesariamente, sino que es juzgado por sus actos. Por supuesto, la serie fue calificada “para adultos” por su

the athority de dc comics

contenido violento y su lenguaje, aunque esto no es lo importante, sino la temática variada que trata, principalmente referida a la política. Warren Ellis abandona la serie tras doce números, pero su calidad se mantiene con guionistas como Mark Millar, que actualmente ha conseguido que se le encarguen guiones de series importantes en las grandes editoriales. Actualmente, “Authority” ha dado un golpe de estado en los Estados Unidos ante la incompetencia del gobierno. Algo parecido pasó con la serie que antes mencionábamos del mismo sello, “WildC.A.T.S.”, que pasó de ser un cómic de superhéroes enfrentados a razas extraterrestres para convertirse en un grupo que es dueño de una empresa, y mediante su poder económico y sus conocimientos tecnológicos superiores, pretenden favorecer al tercer mundo, romper las desigualdades. También con un alto tono político. El hecho de que una serie como ésta triunfase marcó un antes y un después en el mundo del cómic. Marvel eliminó el sello del “comic code authority” de sus cómics; esto es una organización creada en 1954 que vigilaba que no se utilizase

the wildcats de la editorial dc

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cierto tipo de contenido dentro de los cómics; hablando en otras palabras, censura. Este código no fue aceptado por todas las editoriales y en los noventa Marvel era la única que lo mantenía, la única a la que le otorgaban ese sello, un sello que condicionó durante muchos 56 años el mundo de los cómics.

instituto en público y reflejó todas las injusticias posibles acerca del racismo y la homosexualidad sin impedimentos, incluso metiendo por en medio temas de drogadicción, todo ello muy relacionado con la juventud. Dio un paso en la editorial que hace diez años ni se hubiesen imaginado.

X-Men en la etapa de Grant Morrison Tras este gran avance, en Marvel arriesgaron un poco y encargaron al aclamado Grant Morrison que se encargase de una de las series de X-Men (New X Men), el cual revolucionó el panorama de la siguiente manera: los X-Men siempre habían ocultado su identidad, ya que al ser mutantes podían sufrir represalias, y el “instituto” donde se criaron y entrenaron era privado y se llamaba “instituto para jóvenes talentos”; Morrison hizo que todo esto saliese a la luz, convirtió el

Algo parecido hizo Peter Milligan con una serie relacionada con los mutantes, XForce, que luego pasaría a llamarse X-Static; convierte al superhéroe en algo público y reflejado totalmente en los medios de comunicación como si de estrellas de la música se tratase, expresando con violencia lo mala que puede ser la propia violencia y la influencia en la gente. Hoy en día en el sello Vertigo seguimos encontrando obras de muy alta calidad, de la mano de dibujantes cuyo poder narrativo es prácticamente

historia

incuestionable y de guionistas, aparte de los mencionados anteriormente, que a su vez también están saliendo al mundo de los superhéroes con obras muy interesantes. 100 Balas De lo más actual podemos destacar colecciones como “100 Balas” cuyo guión es de Brian Azzarello y el dibujo de Eduardo Risso, ambos altamente influenciados por las obras de Frank Miller, pero que a la vez han sabido ser originales, hasta el punto de llevarse algunos de los más prestigiosos premios del cómic en Estados Unidos. La obra tiene claros tintes de género negro, relata la historia de personas que reciben del agente Graves un maletín con una pistola y cien balas irrastreables, junto a pruebas de los verdaderos culpables de que se encuentren en su situación, gente que había sido culpada de crímenes no

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cometidos, personas cuyos familiares habían sido asesinados... y en su propia mano está qué hacer con el maletín, con resultados muy diferentes en cada 58 episodio. Luego la trama se complica más con conspiraciones y agencias secretas. Otra colección que merece la pena destacar es “Fábulas”, por Bill Willingham y Mark Buckingham, guión y dibujo respectivamente. Una historia donde las diversas fábulas (Caperucita Roja, Cenicienta, Los Tres Cerditos...) han sido expulsadas de su reino y tienen que vivir en nuestra realidad, las fábulas humanas en la ciudad y las que no tienen forma humana en la granja. Una historia realmente original, con muchas referencias a las historias originales pero

que aun así hace perder toda posible inocencia a los personajes. Destacar algunos como Blancanieves, divorciada y la que dirige al resto de personajes, o el Señor Feroz, Lobo Feroz, que es el investigador. Una serie que realmente hace disfrutar de su lectura y rebosa de originalidad. Izquierda: Fábulas Derecha: Y, el último hombre Por último, pero no por ello menos importante, la impactante “Y, El último Hombre” dibujada por Pia Guerra y guionizada por Brian K. Vaughan, el cual también pasó a guionizar series de superhéroes de alta calidad como “Runnaways” o “Ultimate X-Men”. La serie narra las aventuras de Yorick Brown, un escapista, y su mono que son los dos últimos especímenes machos

historia

del planeta; algo que aún no se sabe mató a todos los machos del planeta, y él junto a algunas mujeres intentan averiguar por qué sobrevivió. Una visión muy interesante y variada sobre un mundo sólo de mujeres en el que te encuentras de todo un poco. Se ve que hay una vuelta a la antigua concepción de superhéroe, en tanto que estos son vistos como seres cercanos a deidades, con la diferencia de que son juzgados a la vez que juzgan a los altos poderes y su ámbito ya no es lo privado, sino lo público. Hablamos de héroes que se mueven por todo el mundo y su única regla es su moralidad, su propia idea de bien. El llamado Superhéroe es persona y actúa como tal.

Los grandes del comic americano; Dark Horse, Marvel, DC, Image, Vertigo

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Editoriales

Creada en 1986, Dark Horse es la editorial independiente por antonomasia7. Se ideó para dar cabida a cómics de autor en un mercado que evolucionaba a pasos de gigante – recordemos que por aquellas fechas desembarcaron los creadores británicos en DC Comics y se publicaron obras tan importantes como Crisis en tierras infinitas o el Daredevil de Miller, por poner sólo dos ejemplos –. Por este motivo, Dark Horse atrajo la atención de autores de primera talla como Mignola o el propio Miller. ¿Cuál fue el resultado? La creación de sucesivas franquicias entre las que destacan 300, Sin City o Hellboy, sin duda alguna, obras maestras que han traspasado la barrera del papel. 7) Expresión que se utiliza para indicar que el nombre apelativo con el que se designa a una persona o a un objeto le conviene con más propiedad que a otros de su grupo por ser el más característico, destacado o importante.

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Tropas espartanas lideradas por el rey Leonidas en la batalla de las termopilas. 300. Frank Miller

Con el paso de los años, la oferta de Dark Horse se fue diversificando. Esta editorial fue pionera en la publicación de manga. Eso sí, su selección de series japonesas fue impecable. Entre las obras publicadas por esta casa nos encontramos con imprescindibles como Akira, Astro Boy, Berserk, La espada del Inmortal, Ghost in the Shell, Trigun, Gantzo Sakura la cazadora de Cartas. Aunque no es un tema que incumba demasiado a una sección de cómic independiente dedicado a las obras autóctonas, nos permite ver el irreprochable nivel de calidad al que aspira esta editorial. Sin ir más lejos, la inclusión de los cómics de Star Wars dentro de la línea editorial de Dark Horse marcó

un antes y un después en los cómics provenientes de otros medios. La historia de esta franquicia es tan relevante que en futuro obtendrá su propio artículo de análisis. Actualmente, Dark Horse sigue fiel a sus orígenes. Es la casa de Star Wars, de Buffy Cazavampiros, de las creaciones de Mignola, de Conan, etc.; y, como ya dije antes, nunca deja atrás su sello de calidad. Eso sí, actualmente se centra en los cinco géneros que tenéis en el recuadro. Podemos añadir algunos más si atendemos a las reediciones y a sus publicaciones manga. Es más, si indagamos en el pasado veremos que estamos ante una editorial muy versátil que ha publicado casi de todo.

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Aliens. Chris Roberson & Patric Reynolds

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Hellboy. Mike Mignola

“Dark Horse también marcó el camino a seguir en lo que se refiere a licencias cinematográficas y televisivas.”

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Dark Horse Comics es una de las editoriales más importantes del panorama estadounidense y, quitando a “las dos grandes”, compite cabeza a cabeza con Image Comics como la más relevante de los sellos llamados “independientes”.

Por lo tanto, Dark Horse no es una editorial que destaque por los cómics de superhéroes, lo cual no significa que no intente también sobresalir por sus publicaciones de ese género. Al contrario, desde su fundación en 1986 estuvo presente el proyecto de un universo superheroico propio. Probó suerte en la década de 1990, sin mucho éxito, y en estos últimos años ha vuelto a la carga. A través del tiempo la editorial ha conseguido producir distintas películas basadas en sus cómics, a través de su productora cinematrográfica Dark Horse Entertainment, la cual se fundó en 1992. Hasta la fecha han lanzado doce películas coproducidas con distintas estudios como New Line Cinema, Universal Studios, Revolutions Studios, Sony Pictures, 20th Century Fox, entre otros.

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También tiene un sello, DH Press, que publica novelizaciones de sus cómics más populares, como los basados en Aliens y Predator. En España, el material original de Dark Horse ha sido publicado por editoriales como Norma Editorial y Planeta DeAgostini.

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Tarzan. Edgar Rice Burroughs

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Star Wars. Edgar Rice Burroughs

Marvel Comics fue fundada por Martin Goodman en 1939, con un nĂşmero constante de cambios de nombre y fracasos de lanzamiento.

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Originalmente fue conocida como Red Circle Comics, Atlas Comics; aunque el nombre más popular (antes de Marvel Comics) es Timely Comics y su primera publicación importante fue el Marvel Comics #1 (octubre de 1939), en el que aparecía por primera vez un superhéroe - la Antorcha Humana original y el antihéroe Namor, el hombre submarino. Ambos personajes se convirtieron en grandes éxitos para la compañía protagonizando casi instantáneamente sus propias series. Otro superhéroe popular creado en esas fechas era el personaje patriótico Capitán América.

Durante los años 50, la compañía, como toda la industria del comic americana, decayó fuertemente a consecuencia del final de la Segunda Guerra Mundial. En 1957 Marvel casi cerró sus puertas debido a la bancarrota de su distribuidora. Durante este tiempo la compañía se llamaba Atlas Comics y publicaba historias de monstruos con una ligera ambientación de ciencia ficción.

“A partir de los años 70, la compañía se posicionó como una de las principales editoriales de cómics del país. En agosto de 2009, la multinacional Walt Disney compró Marvel Entertainment por cuatro mil millones de dólares”

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Tร TULOS RELEVANTES

Avengers. Stan Lee & Jack Kirby

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X-Men. Stan Lee & Jack Kirby

78 The Punisher. Gerry Conway, John Romita Sr. & Ross Andru

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Daredevil. Stan Lee & Bill Everett

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El Universo Marvel está fuertemente basado en el mundo real. La Tierra en el Universo Marvel tiene todas las características de la real: mismos países, mismas personalidades (políticos, estrellas de cine, etc.), mismos acontecimientos históricos (como la Segunda Guerra Mundial), y así sucesivamente. Sin embargo, también contiene muchos elementos de ficción: países como Wakanda y Latveria (naciones muy pequeñas), y organizaciones como la agencia de espionaje S.H.I.E.L.D. y su enemigo, HYDRA, y A.I.M. En 2009, Marvel oficialmente describió la geografía del mundo en una miniserie de dos partes, el Atlas de Marvel. Lo más importante, el Universo Marvel también incorpora ejemplos de casi todos los principales conceptos de ciencia ficción y fantasía, con los escritores añadiendo más continuamente. Extraterrestres, dioses, magia, poderes cósmicos y tecnología extremadamente avanzada desarrollada por humanos, todos existiendo en el Universo Marvel. (Un universo que incorpora todos estos tipos de elementos fantásticos es bastante raro; otro ejemplo es el Universo DC.) Los monstruos también juegan un papel más prominente con orígenes asiáticos orientales de encantamiento mágico, brujería extravagante y el principio de manifestación en el Universo Marvel. Uno de estos casos es Fin Fang Foom surgiendo de las cenizas de la magia tántrica. Gracias a estos elementos adicionales, la Tierra en el Universo Marvel es el hogar de un gran número de superhéroes y supervillanos.

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Fue fundada en 1934 bajo el nombre «National Allied Publications», para luego tomar el nombre de DC Comics en 1937. Las iniciales «DC» son una abreviatura de Detective Comics, uno de los primeros títulos emblemáticos de la compañía. Recientemente ha sido adquirida como empresa subsidiaria de AOL-Time Warner.

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A pesar de todos esos nombres anteriores, la gente empezó a conocerlos gracias a su propia auto-publicidad, llamándose “Superman-DC”, cosa que terminaría siendo simplemente “DC”, para los lectores. Es así que en 1977, la editorial decide oficialmente pasar a llamarse “DC Comics”, y aprovechar la identidad de marca lograda hasta entonces. Desde entonces, DC Comics ha ido afianzándose cada vez más, gracias a eventos dentro de sus historias, personajes atractivos y populares, e incluso el famoso “Multiverso DC”.8

8) Es una “construcción cósmica de la realidad”, en la que ha recogido muchas de las fantásticas historias alternativas creadas a partir de las diferentes historias ficcticias que han sido contadas y que tienen dentro y fuera de la continuidad del Universo DC.

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Tร TULOS RELEVANTES

Sandman. Neil Gaiman

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Superman. Jim Lee & Scott Williams

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Para competir con el éxito de Marvel, DC inició una campaña de producción de numerosos nuevos títulos incluyendo nuevos superhéroes y cómics alejados de esta temática clásica. Además se introdujo el concepto de series limitadas para publicar miniseries sin el coste de desarrollar grandes proyectos. La denominada “explosión DC” no fue demasiado exitosa produciendo serios problemas en la compañía. A comienzos de 1980, la nueva directora de publicaciones Jenette Kahn, su vicepresidente Paul Levitz, y el editor Dick Giordano decidieron mejorar las condiciones de los artistas empleados por la compañía ofreciendo recompensas como royaltys para impulsar la llegada de talentos establecidos.

La nueva colección los Jóvenes Titanes (Teen Titans) de Marv Wolfman y George Pérez fue un inmediato éxito con una gran estabilidad por parte de su equipo creativo disfrutando de gran popularidad entre los fans durante numerosos años. Algunas otras series limitadas como The Dark Knight Returns de Frank Miller o los Watchmen de Alan Moore atrajeron un nuevo grupo de fans a DC. La originalidad de estas series atrajo un importante número de lectores haciendo peligrar seriamente la superioridad editorial que Marvel ostentaba en aquella época. Mientras tanto, el escritor británico Alan Moore había revitalizado la serie menor de terror: La cosa del pantano (Saga of the Swamp Thing) favoreciendo la llegada al mundo del cómic norteamericano de numerosos talentos británicos como Neil Gaiman o Grant Morrison. El resultado fue un flujo constante de terror sofisticado y material oscuro que culminaría años más tarde con el establecimiento de la línea Vértigo de cómics para adultos.

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Vértigo nació como un sello dentro de DC destinado a ofrecer cómics dirigidos a un público adulto que abordaran temas y puntos de vista que no tenían cabida en su línea editorial habitual. Ya desde los años 80, DC venía publicando algunas de las obras que posteriormente se han considerado como las más importantes de la línea Vértigo (entre ellas, ‘The Sandman’ y Hellblazer’), pero en realidad no fue hasta 1993 que se acuñó el nombre de Vertigo, gracias a una iniciativa de la editora Karen Berger, que aún hoy sigue al frente del sello. A lo largo de estos casi veinte años, Vértigo nos ha ofrecido algunas de las apuestas más arriesgadas del mercado, y ha dado a los autores una libertad creativa que difícilmente puede verse en las series regulares de sus personajes más conocidos.

Image comics es una editorial independiente estadounidense, dedicada a la publicación y distribución de historietas, fundada en el año 1991 por siete artistas: Todd Mcfarlane, Erik Larsen, Jim valentino, Marc Silvestri, Rob Liefield, Whilce portacio y Jim Lee, este ultimo, creo el sello wildstorm studios8, de propiedad de Image que luego fue cedido a DC comics. En su reemplazo fue creado el sello editorial Top Cow. Image comics es una empresa donde los artistas pueden publicar su material sin necesidad de ceder derechos de autor de los personajes que crean.

8) Fué un estudio comandado por el historietista Jim Lee quien comenzó dibujando para Marvel Comics en X-Men y The Punisher, hasta su separación en 1992.

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Cuando Image nació también estaba en lo más alto, pero por unas cabeceras – muchas de ellas de dudosa calidad – que centraban su atención única y exclusivamente en el apartado gráfico. Las críticas no las acompañaron, aunque las ventas eran absolutamente espectaculares. Seguramente estábamos ante un caso de editorial que daba a los lectores lo que pedían, sin darse cuenta de que lo que éstos solicitaban no era exactamente lo que ellos querían; de manera que tras la consiguiente hecatombe, Image Comics inició una evolución que continúa hoy en día. Empezó en lo más alto, cayó a lo más bajo, y ahora vuelve a saborear las mieles del éxito… Ese es el resumen de la vida de Image. Nosotros vamos a ir más allá y hoy os explicaremos cómo se creó y cómo fueron esos primeros años de la casa de Los muertos vivientes… Spawn. Todd McFarlane

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Liberty Meadows. Frank Cho The Walking Dead. Robert Kirkman & Tony Moore

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Teenage Mutant Ninja Turtles. Gary Carlson & Frank Fosco

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Con la llegada del 2000, el cambio de la mentalidad colectiva hizo que las ventas de Image languidecieran durante 10 años, hasta retomar su fuerza con el final de la década gracias a un equipo de creativos que le renovó las energías a la compañía. Hoy en día, algunos de los mejores cómics, más sólidos y bien constituidos que puedes encontrar los produce Image. Con títulos como Sex Criminals, Invincible, Saga o Rasputin, el catálogo de Image Comics es uno de los más amplios en la actualidad. Sus escritores no tienen miedo de explorar líneas argumentales menos convencionales a las que estamos acostumbrados, y eso es lo que la mantiene fresca. Su postura de alejarse de los argumentos ya gastados de los cómics de superhéroes (evidenciado

claramente en Invincible, por ejemplo) es solo el primer paso hacia una inexplorada área de los cómics que Image decidió adoptar. Para lograr todo esto, obviamente hace falta contar con un equipo creativo realmente increíble. En ese sentido, Image ha logrado reclutar a un grupo de genios que nada tiene que envidiarle al dream team de la primera década de la editorial. En la actualidad, las nuevas series de Image han empujado aún más los límites del género gracias al impulso creativo de gente como Marjorie Liu, Matt Fraction, Jamie McKelvie, Emma Rios, Scott Snyder, Kelly Sue DeConnick, Brian Vaughn, Kieron Gillen, Fiona Staples y Jeff Lemire, todos nombres familiares para los fanáticos de los cómics, y actuales residentes de Image.

APÉNDICE Hoy para nadie es un misterio que los comics han aportado en gran parte a la configuración de los imaginarios mentales de las personas, junto al cine y la televisión. Naturalizando estilos de vida que muchas veces son impuestos de maneras tan sutiles como en las historietas que leen nuestros hijos, las que les aportan, en gran medida, las normas bajo las que deben regirse. La globalización del cine y comic norteamericano han sido vehículos para instaurar el estilo de vida americano como el mejor, no sólo en Estados Unidos, sino que en todo occidente. De esta manera se logran instaurar, mediante la industria cultural, tal cantidad de paradigmas sociales que van legitimando una presunta concepción objetiva de la realidad y las personas, excluyendo a cualquier otra realidad que no sea la promovida por esta industria. Para analizar la influencia del comic en las sociedades, debemos primero establecer una diferenciación clara entre los elementos icónicos y lingüísticos que componen a la historieta: Estructura discursiva: el comic posee una estructura narrativa en que se suceden una serie de acontecimientos

que tienen a desentramarse, luego de un nudo, en un desenlace. Promueven ideas a través de sus viñetas, las cuales, por lo general, no suelen contener tal carga ideológica cómo veremos luego en su espectro simbólico. Mensaje icónico: Se establece una relación entre el texto y las imágenes que lo conforman para darle un sentido. Los personajes suelen usar las mismas vestimentas publicación tras publicación, desarrollando un sentido de identidad e identificación con el protagonista de la historieta, lo que posteriormente le posibilitará salirse de su escenario típico para salir al mercado dentro de un envase plástico y mantener sus rasgos propios más allá del contexto en que se halle. El comic es capaz incluso de acercar a la gente temas, a veces tan lejanos, como la economía, la filosofía e incluso la historia. Pero sin olvidar que siempre responderá a los intereses de quienes lo producen (la clase dominante), pues de ellos depende realmente el desarrollo de la trama que guiará la historia y las temáticas que busca promover.

Por otra parte, la teorĂa de los indicadores culturales nos revela que es posible entender las nociones y representaciones de un determinado grupo social, a partir de los mensajes emanados, lo cual tiende a dejar en evidencia los valores morales y sociales vigentes. El comic ha sido empleado histĂłricamente para diversos fines, siendo el mĂĄs publicitado el de entretener, pero evidenciando tambiĂŠn una saturada y constante intenciĂłn por sembrar determinadas ideas predominantes en la sociedad.

ANEXOS

Situaciรณn y evoluciรณn de Mercado

Cuota de Mercado de las Editoriales USA en Octubre

Evoluciรณn, en % respecto al total, de ventas Comics USA

VOCABULARIO Cómic: El término cómic es utilizado para designar a aquellas formas de relato gráfico que se arman en base a dibujos encuadrados en viñetas. El cómic también puede ser conocido como historieta o tebeo dependiendo del lugar o región en la que se haga referencia a él. Hecatombe: Suceso trágico en el que se produce una gran destrucción y muchas desgracias humanas y materiales. Multiverso: Es un término usado para definir los múltiples universos existentes (conjunto de universos en un solo universo), según las hipótesis que afirman que existen universos diferentes del nuestro propio. La estructura del multiverso, la naturaleza de cada universo dentro de él, así como la relación entre los diversos universos constituyentes, dependen de la hipótesis de multiverso considerada. Tebeo: La palabra tebeo significa revista de historietas dibujadas y se usa solo en España porque deriva del nombre de una revista infantil de historietas y chistes dibujados, T.B.O., que se publicó en Barcelona desde 1917 hasta 1998. Yuxtapuesto: La disposición de las formas o figuras unas junto a otras, sin superposición, de modo que unas no oculten parcialmente a otras.

BIBLIOGRAFÍA Fonseca, D. y Alvarez, I. (s.f) La evolución del concepto de superheroe. Frattini, E y Palmer, O. (1999) Guia basica del comic. Nuer Ediciones. España. González, N. (s.f) El cómic, orígenes y evolución. Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha. (2008) Comiqueando: Guia de lectura. Biblioteca Pública de Cuenca. España. Molina, F. (2007) Historia y evolución de la presencia del cómic en Internet. MARVEL. (2007) La enciclopedia Marvel. Pearson Educación S.A. España. Ortega, S. (2010) Cómic y Filosofía. Vilchez, G. (2014) Breve historia del cómic. Ediciones Nowtilus. España.

WEBGRAFÍA

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Impreso en el mes de Mayo de 2016 en Logograma. Bogotรก 2016 Colombia