Oarmonia

Armonía

S/O EQUILIBRIO

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TO BREAK THE RULES, YOU MUST FIRST MASTER THEM. EL VALLE DE JOUX: UN ENCLAVE ESPECTACULAR DE EXTREMA DUREZA QUE DESDE 1875 ALBERGA LA SEDE DE AUDEMARS PIGUET, EN EL PUEBLO DE LE BRASSUS. LAS IMPONENTES FUERZAS DE LA NATURALEZA FORJARON LAS PRIMERAS GENERACIONES DE RELOJEROS Y LOS INSPIRARON PARA DESCIFRAR SUS MISTERIOS MEDIANTE LA COMPLEJA MAQUINARIA DE SUS CREACIONES. GUIADOS POR EL MISMO ESPÍRITU PIONERO, HOY SEGUIMOS DESAFIANDO LAS CONVENCIONES Y RENOVANDO EL ARTE DE LA RELOJERÍA.

ROYAL OAK MOVIMIENTO DE MANUFACTURA DE CUERDA AUTOMÁTICA EN ACERO INOXIDABLE Y ORO ROSA

S/O ARMONÍA

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Facundo Pieres y Agustina Wernicke

shop.etiquetanegra.us/ S/O ARMONĂ?A

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S/O ARMONÍA

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Staff

Sumario

DirectorA Mimi Kohen Dirección general Mercedes Quintana Asistente de dirección Lucía Barro Quintana Dirección Editorial Mariana Riveiro Dirección de Arte Enrique de Azcuénaga Corrección Adriana Kogan Traducción Diego Tunnard 14. Los Elegidos. ¿Cómo mantener la armonía? Esa y otras preguntas responden tres referentes de los negocios y el arte.

66. Julián Bedel. Entrevista al responsable de Fueguía 1833, el hombre que piensa que crear una fragancia es como componer música.

20. Primera clase. Mucho más que turismo, cinco destinos para despegar de una ciudad y arribar al centro de uno mismo.

74. Elogio al orden. Perfil de Marie Kondo, autora del best seller mundial La Magia del Orden, basado en la idea de la felicidad como idea rectora.

26. Caleidoscópica. Una mirada retrospectiva a la obra de Rogelio Polesello, el gran artista del Op Art y el Arte Cinético.

76. Daniel Piazzolla. Charla con el nieto de Astor Piazzolla, un baterista que deja huella en la escena jazzera argentina.

32. El marketing del recuerdo. Una selección techie que establece un puente entre la estética del pasado y la tecnología del futuro.

82. Le rouge et le noir. Desde el piso 65 del Rockefeller Center, en Nueva York, crónica de una noche única en la que Montblanc celebró 110 años de excelencia y prestigio.

36.Cuaderno de apuntes. Reflexiones filosóficas y una mirada personal acerca de la armonía, por nuestro columnista, Carlos Álvarez Insúa.

86. Deus ex machina.Cuáles son los más impactantes tourbillones de las ferias de relojería suiza.

40. Ménage à Trois. La elegancia del negro con apenas acentos blancos se completa a la perfección con las mejores joyas y relojes.

98. Niki Nakayama. Qué piensa la chef japonesa que domina el arte culinario del kaiseki, basado en la combinación de sabores en equilibrio.

54. En las alturas. Martín Auzmendi habla de Philippe Petit, el francés que cruzó el abismo entre las torres gemelas sobre un cable de acero.

104. Cinco autos que cambiaron la historia. Cuando un diseño logra tal síntesis de perfección, las reglas cambian para siempre. Eso pasó ante el lanzamiento de estos modelos.

58. La pureza al poder. Relojes que dan la hora, los minutos y la fecha.

Cuando la complejidad se despoja, el clasicismo emerge.

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104. El explorador urbano. Cómo es la nueva colección de Montblanc, Urban Spirit.

Retoque fotográfico Sebastián Cúneo y Tuco Studio Imprenta Latingráfica Colaboradores de redacción Florencia Zielinski, Luciana OlmedoWehitt, Maxi Poter, Martín Auzmendi, Andrea Cukier, Carlos Álvarez Insúa, Gabriel Silveira Fotografías Javier Picerno, Lobo Velar Ilustración Carlus Rodríguez Make Up Mauricio Camilo para Sebastián Correa Estudio Hairstyling Juan Olivera Asistente de fotografía Julio Rodeyro Agradecimientos Al Hotel Club Francés, Rodríguez Peña 1832, CABA. Hotelclubfrancés.com.ar S/O es una publicación de Simonetta Orsini S.R.L. Queda prohibida la reprodución total o parcial del contenido aún mencionando la fuente.

Los editores no son responsables por las opiniones vertidas por los colaboradores, los entrevistados ni los mensajes publicitarios. Registro de Propiedad Intelectual en trámite.

A RT E SA N OS DE E T E R N I DA D D E S D E 1 755 260 años de historia ininterrumpida reflejan la transmisión de nuestro savoir-faire relojero.

PAT R I M O N Y F E CH A - D Í A R E T RÓ G R A D OS

Certificación Sello de Ginebra

Argentina Posadas 1101 – Buenos Aires +54 11 4811 1409 / 1353 – www.simonettaorsini.com 11

Editorial

Reloj de portada El elegido para sintetizar el concepto de Armonía fue este cronógrafo Royal Oak, de Audemars Piguet, el reconocido modelo caracterizado por su forma octogonal. Se trata de una pieza con caja de oro rosa de 18 quilates, de 41 mm de diámetro, cristal de záfiro con tratamiento antirreflejo y corona atornillada.

Las esfera negra con motivo “Gran Tapicería”, tiene índices aplicados y agujas Royal Oak de oro rosa con revestimiento luminiscente.

El calibre es 2385 de carga automática, que cuenta con función de horas, minutos, fecha y pequeño segundero. Posee 40 horas de reserva de marcha y es hermético a 50 metros.

no hay una sino muchas formas de armonía. es que un concepto que expresa un fenómeno primordialmente musical puede extenderse a muchos otros: a un estilo de vida, un estado mental o incluso a un sistema de orden. En esta edición de S/O nos rendimos ante el poder del equilibrio, del balance perfecto, el estado ideal, y lo hacemos de varias formas. Detectamos esos destinos universales a los que los turistas se trasladan y peregrinan, paradójicamente, para volver a su centro; recorremos la obra de Rogelio Polesello, el obrero de las líneas y las formas en equilibrio; encontramos los objetos tecnológicos que establecen una combinación ideal de pasado y presente; y elegimos los cinco modelos de autos que revolucionaron la industria por su balance de potencia y seguridad, estética y mecánica, forma y función. Destacamos, en los vestidos de la colección de Ménage-àTrois, la armonía perfecta de la elegancia.

Dos ejes recorren las grandes notas de relojes: la fuerza de la línea clásica y los tourbillones, esas piezas de alta relojería dedicadas a contrarestar la gravedad. Los entrevistados se unen en un punto en común: el perfumista Julián Bedel, el baterista Daniel Piazzolla -nieto de Astor-, y el sastre Nicolás Zaffora representan tres formas de perseguir un mismo objetivo: lograr la armonía a través de un camino siempre orgánico, inexacto e intuitivo.

Directo desde Ginebra y Basilea, recorremos las ferias de relojería suiza para entender cuáles fueron las piezas más perfectas lanzadas por las mejores marcas.

Además, Martín Auzmendi plasma sus reflexiones ante la historia de vida de Philippe Petit, el funambulista francés que, en 1974, tendió un cable entre las Torres Gemelas, en la ciudad de Nueva York, y cruzó de un lado al otro caminando.

Un acto subversivo que pone en evidencia un hecho inherente al hombre: la voluntad de correr riesgos y hacer equilibrio para cumplir un sueño. De esa utopía del balance perfecto, de la armonía suprema, hablamos en esta ocasión. ¡Bienvenidos! ¶ Martín De Leeuw Presidente de Simonetta Orsini

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los elegidos El CEO de una tienda departamental, la Directora de Arte de un estudio que trabaja para las principales marcas internacionales de moda y uno de los principales bartenders del país responden acerca de la armonía.

1.

¿Qué actividad te hace sentir en equilibrio?

2.

¿Cuál es el maridaje perfecto de bebida y comida?

3.

¿Qué diseño de producto que uses en tu vida diaria te parece que tiene el equilibrio justo de utilidad y estética?

4.

¿En qué ciudad te sentís más cómodo?

5.

¿Qué obras de arte te resultan interesantes e inspiradoras?

6.

¿Cómo llevás el paso del tiempo?

7.

Un tema musical, un músico o una banda que te vuelve a tu centro o te recuerda quién sos.

8.

¿Cuál es el mejor momento del día?

9.

¿Qué cosas te sacan de quicio y por qué?

10.

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¿Qué es éxito para vos?

LOS ELEGIDOS | Gabriel Brener, CEO de Editor Market.

1. Entrenar y practicar taekwondo.

2. Asado y vino.

3. IPad+teclado externo es la perfección.

4. Me siento cómodo en Buenos Aires.

Siempre será mi hogar.

5. Me conecto más con el arte moderno, siglo XX en adelante.

6. El paso del tiempo lo llevo con agradecimiento y algo de diván.

7. Cerati creció mientras yo me desarrollaba.

Siempre hay algo de él para un momento mío.

8. El mejor momento del día es cenar con María y mis hijos.

9. Repetir errores me saca de quicio, o ver a quienes los repiten.

10. El éxito para mí es haberlo dado todo para ser mejor. Padre, marido, amigo, deportista, empresario, socio, alumno, maestro, adversario.

En fin, persona. Y que eso afecte positivamente a mí y a los demás.

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LOS ELEGIDOS | Sofía Sánchez Berrenechea, Directora de Arte.

1. Trabajar.

2. El maridaje perfecto es sushi-sakesake-sushi-sake-sake-sake.

3. El iPhone es perfecto.

4. En Nueva York.

5. Me inspiran las obras de arte que me remontan a un cautivante momento, o me recuerdan a un ser querido, un lugar maravilloso o un sentimiento escondido.

6. Cada vez disfruto más de la vida, con mayor perspectiva y seguridad.

7. Grupo Ráfaga me recuerda que no hay música más alegre que la cumbia, y que hay que bailar siempre como una niña sin pudores.

8. La cena, ¡la comida más rica!

9. La falta de ética y profesionalismo me saca de quicio. No me gusta lidiar con gente deshonesta ni ignorante.

10. La felicidad.

Cada reloj lo montamos dos veces.

La perfección necesita tiempo.

La perfección es para nosotros una cuestión de principios. Por eso fabrica-

mecanismo y se adornan a mano con bruñidos y pulidos. A continuación

mos todos los relojes con el mismo cuidado y lo montamos por principio

se procede al montaje final. Así se puede garantizar la seguridad del

dos veces. Así se desmonta de nuevo el Lange 1 Time Zone después

funcionamiento a largo plazo y que todos los acabados queden impecables.

del primer montaje y ajuste de precisión. Se limpian las piezas del

Incluso si lleva un poco más de tiempo. www.alange-soehne.com

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LOS ELEGIDOS | Tato Giovanoni, Bartender.

1. El mar; estar cerca de él, mirarlo, escucharlo o poder navegarlo.

2. Mariscos, frutos de mar o pescado crudo con un Cyn Tonic (Príncipe de los Apóstoles, Cynar, tónica Pulpo Blanco y una rama de eucalipto).

3. El lápiz de grafito. Es una cosa muy simple pero tengo una debilidad con el grafito. Jejeje.

4. No sé si una ciudad o varias, pero en Asia seguro. En Río de Janeiro, donde vivo hace dos años, me siento súper cómodo, lo sentía así desde antes de haber llegado.

5. Varios, un libro que me regaló Fernando Trocca para un cumpleaños: Jorge Luis Borges, Autobiografía; El médico, de Noah Gordon; Francisco de Asís, el santo que quiso ser hombre, de Donald Spoto; Con ánimo de amar, de Wong Kar Wai. Puedo seguir horas, jajaja, pero creo esto es suficiente.

6. Saber ser paciente.

7. Hay muchos temas, pero el otro día hacía años que no escuchaba la banda favorita de mi juventud, Midnight Oil, y justo sonó un tema: “The Power and the Passion” y me vinieron imágenes muy lindas de estar sentado frente al mar en Pinamar, en invierno. Y fue una imagen de paz y armonía.

8. El mejor momento es la noche.

9. La envidia y el egoísmo, la gente que pierde el tiempo viendo y criticando lo que hacen los demás y malgastan su tiempo en eso en lugar de perseguir sus propios sueños o focalizarse en lo que los haría felices.

10. Hacer todos los días lo que te hace feliz. Ser feliz con uno mismo ya es haber alcanzado el éxito.

Reloj Reverso Classic Large Duoface Eduardo Novillo Astrada, Campeรณn de Polo, Ganador de la Triple Corona Argentina.

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Como es adentro es afuera

Desde un paraíso de agua geotermal y paisaje surrealista, entre géiseres y aguas turquesas, hasta un ashram para reencontrarse con uno mismo a través de la meditación, todo vale para lograr el equilibrio.

Cinco viajes que son mucho más que turismo.

txt Luciana Olmedo-Wehitt

No es obligación experimentar la transferencia freudiana con el personaje de Julia Roberts en Comer, rezar, amar para reconocer que en la vorágine del hoy resulta mandatorio no perder la conexión con la fuente de energía primordial: nuestro deseo. Hace algunos años hemos tomado consciencia de que somos los únicos responsables por mantener en eje nuestra propia antena de Wi-Fi, esa que nos brinda el equilibrio fundamental para el buen vivir.

Algunos, como Julia, prefieren ir haciendo ajustes piano, piano. Comenzar por la cucina italiana y demás placeres hedónicos hasta adentrarse en las profundidades del ser. Los más valientes, en cambio, se animan a sumergirse en la oscuridad ipso facto, buscando en sus resquicios la propia luz. Los caminos, como los caminantes, son únicos y variados. No hay fórmulas mágicas, pero sí lugares fantásticos donde podés encontrarte con tu mejor versión.

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Laguna Azul (Blue Lagoon), Islandia

Sabemos de Islandia que es una isla aún en formación en medio del Atlántico, que es fértil en volcanes y glaciares, que durante el verano el sol se pone de madrugada y que en invierno escasea la luz. Pocos, sin embargo, saben que allí se esconde un paraíso terrenal. Declarada por la National Geographic como una de las 25 maravillas del mundo en el año 2012, a 39 Km de Reykjavik (la capital islándica) asoma La Laguna Azul: uno de los destinos más visitados en la tierra de la ecléctica Björk. Entre campos de lava y rodeado por imaginarias columnas de vapor, este escenario supremo envuelve y, como en la infancia, logra revivir en nosotros ese instinto presocialización que nos hace comulgar con la naturaleza sin cuestionamientos.

A mediados de los años 70, al establecerse en el lugar una planta de energía geotérmica, un maná de agua azul brotó inesperadamente en sus inmediaciones. Alertados sobre sus poderes curativos, los enfermos de psoriasis comenzaron a aproximarse. Con los años, nuevos visitantes llegaron a la laguna atraídos por sus algas azules y por el compuesto mineral del barro (abundante en silicio blanco y azufre): sustancias con poderes exfoliantes, nutritivos y rejuvenecedores. En 1999 la laguna se trasladó hasta un campo de lava de 800 años de antigüedad en la península de Reykjavík.

Desde allí continúa recibiendo el agua de la central eléctrica de Svartsengi que, junto con la del océano, hacen a un total de nueve millones de litros de agua marina geotermal que se mantiene a una temperatura media de 37-39°C durante todo el año.

El turismo de bienestar es el punto fuerte de este balneario que, año a año, suma nuevos amenities. Entre ellos: un hotel, una laguna-piscina cubierta, un sauna, baños de vapor, servicios de masajes bajo el agua y un bar de silicio. Todo esto en un contexto paradisíaco compuesto por acantilados cuyo negro volcán contrasta armónicamente con el azul verdoso de glaciares, cascadas y una laguna de cuyas aguas sí hemos de beber.

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Rishikesh, India

De los Alpes al Himalaya, y de la pureza perfecta de Évian a las sagradas y altamente contaminadas aguas del río Ganges, llegamos a Rishikesh: centro universal del yoga.

Desde la década del ´60, cuando The Beatles viajaron a India para aprender la técnica de meditación trascendental en las sesiones de Maharishi Mahesh Yogi, la ciudad se instaló en la boca y en las mentes de todo Occidente. Una de las experiencias más productivas de la banda inglesa -que culminó con el lanzamiento de The White Album- se asoció directamente con su paso por tierras orientales.

Dividida en dos por los puentes peatonales colgantes Ram Jhula y Lakshman Jhula, cuyos habitantes frecuentes son los monos que inspiraron la canción “Why don´t we do it on the road” -los mismos que siguen saltando impertinentemente de un lado a otro provocando un atemorizante balanceo-, 2 km río arriba se encuentran la mayoría de los ashrams. Los mejores asesores respecto a qué meditación hacer y en dónde son los sadhus: los

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santos vivientes del hinduismo que, desligados de todo vínculo familiar y de casta, abandonan lo material para consagrar sus vidas a alguno de los tres dioses de la Trimurti (Shiva, Visnú y Brahma).

Todos los días, con el ocaso, gran parte de la ciudad se traslada al templo de Parmarth Niketan, el ashram más grande de la zona. Allí se celebra el ganga aarti: un ritual en el que se canta, se medita, se encienden velas en ofrenda al Ganges, se hacen sanaciones con cristales y pueden tomarse clases de sitar o tabla. Además, la estadía en este retiro –que, como la mayoría de los ashrams funciona por colaboración, sin tarifa fija- incluye dos clases diarias de yoga y enseñanzas sobre filosofía y religión védicas. Por otra parte, el Sivananda Ashram ofrece clases gratuitas de yoga y meditación así como también alojamiento sin cargo si se reserva con anticipación. Y, en el Omkarananda Ganga Sadan -cuya especialidad es el yoga Iyengar, basado en la precisión técnica de las posturas-, se puede asistir a lecturas del texto sagrado Bhagavad Gita.

Kōyasan, Japón

Octavio Paz solía referirse a Japón como un país que “vive de su propia substancia”. En otras palabras, un lugar donde no se nos enseña a pensar, sino a sentir. Como en los haikus, donde a partir de una palabra estacional se concibe todo un poema y se recrean instantes, la idea de representar la parte por el todo es una de las máximas en el país del sol naciente.

Los procesos, entonces, resultan mucho más importantes que los resultados. Por este motivo es que los caminos de los jardines que conducen a casas de té, museos o pagodas se construyen con fuentes y descansos, paradas y curvas: buscando que el visitante esté atento a sus propios pasos, sintiendo su estar aquí y ahora.

El camino espiritual indiscutido para quien busca anclarse en el presente es el del Monte Koya o Kōyasan: el centro más importante del budismo shingon, religión introducida al país en el año 805 por Kobo Daishi (Kukai).

Declarado por la UNESCO en 2004 como Patrimonio de la Humanidad, las rutas de peregrinaje en Kōyasan –que oscilan entre 2,5 a 23 Kms– son transitadas por más de 15 millones de viajeros al año. Para ellos el mundo no está solo para ser observado, sino para sumergirse en la experiencia. Este recóndito refugio, situado a 800 metros de altura en los selváticos montes Kii, induce a concebir el espacio como un continuum entre lo artificial y lo natural. Ese límite sutil es fundamental para la tradición japonesa y está internalizado tanto en la arquitectura de sus ciudades como en la nuda vida de sus habitantes. Recorriendo la insigne ruta del Kumano Kodo en este doble viaje (a los lejos y hacia el fondo), pueden encontrarse más de 100 templos. Entre ellos se destacan el de Garan -construido por Kobi Daishi y rodeado de grandiosas pagodas-, el mausoleo Okunoin -al que se accede a través de un camino repleto de lápidas y monumentos- y Kongobuji -el templo central del budismo shingon. La mayoría funcionan como shukubos (ofrecen alojamiento) y brindan la posibilidad de convivir con monjes, asistir a sus meditaciones matutinas y degustar platos vegetarianos (shojin ryori). El paso por Kōyasan estimula el desplazamiento de la mirada, la integración de lo uno con lo diverso y el “elogio de la sombra” que, como dejó claro Junichiro Tanizaki en su manifiesto homónimo, es el único lugar desde donde pueden potenciarse los demás sentidos.

Évian-les-Bains, Francia

A los pies del Lago de Ginebra, en medio de los Alpes, y rodeada de colinas se encuentra emplazada la ciudad que da nombre al agua mineral más famosa del mundo. En el siglo XVIII las propiedades terapéuticas de sus aguas medicinales fueron advertidas por la realeza europea que, desde entonces, frecuenta esta localidad al sudeste de Francia, en el Departamento de la Alta Saboya.

Reconocida por haber desarrollado tratamientos de hidroterapia capaces de producir mejoras notables en enfermedades digestivas y metabólicas, en el siglo XX Évian-les-Bains se erigió como uno de los complejos-balnearios más célebres del globo.

Allí se establecieron hoteles de lujo, opulentas mansiones y extraordinarias villas. El Hotel Royal -donde se encuentra el reconocido Evian Resort- y el Hotel Ermitage -con su Quatre Terres Spa- ofrecen a sus huéspedes tratamientos de fisioterapia, masajes descontracturantes, shiatsu y faciales, reflexología y drenajes linfáticos. De entre los manantiales de la zona, el más popular es el Cachat -que fluye de forma continua a 11,6°Cdado que, hace ya cientos de años, sus aguas curaron de una enfermedad misteriosa al Barón de La Rochette, un reconocido personaje de la política francesa.

Además de estos beneficios estético-medicinales, la ciudad brinda a sus visitantes la posibilidad de recorrer otros lugares en donde también puden relajarse e inspirarse. Playas en verano y centros de ski en invierno, villas como la de los hermanos Lumière –devenida en galería de arte luego de haber sido un spa-, el teatro de estilo neoclásico -construido por un estudiante de Charles Garnier, arquitecto de la Ópera de París-, el Casino d’Evian –un palacio del siglo XVII con una magnífica cúpula neobizantina que le fue legado a la ciudad en 1877- y el espectacular edificio Cachat de estilo Art Nouveau: todos son un must.

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Koh Samui, Tailandia

Conocido como “la tierra del hombre libre” (prathet thai), este país oriental con forma de cabeza de elefante revela una enorme apertura hacia lo extranjero (farang). La tradición, sin embargo, tiene lazos inquebrantables en la vida de cada uno de sus ciudadanos.

En el norte más empobrecido coexisten pueblos aborígenes de montaña (chao khao) que pertenecen a diversas etnias, tienen distintas creencias y hablan varias lenguas. Estos son, en su mayoría, refugiados que escapan del vecino régimen dictatorial de Burma y subsisten gracias a la venta de arroz, demás granos y opio. Alrededor de estos pueblos tribales, a medida que nos adentramos en la vegetación tropical que envuelve el paisaje, encontramos aguas termales, cascadas y cañones. El sur, en cambio, ofrece exóticas playas cuya arena blanca termina donde comienza la increíble gama de jades, esmeraldas y turquesas que distingue a sus aguas. Las islas de Koh Phangan (famosa por sus fiestas electrónicas durante la luna llena), Koh Tao (uno de los mejores spots para hacer buceo) y Koh Samui hacen las delicias del menú playero. Esta última es un cóctel explosivo de las dos primeras (fiestas y buena gastronomía + buceo) al que se suman las playas vírgenes del cercano

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Parque Nacional Marino de Ang Thong y los mejores spa de la zona. Todo esto hace de este antiguo pueblito de pescadores -cuya área de 200 km2 puede recorrerse en tan sólo un par de horas alquilando una moto- el destino predilecto para turistas de todos los presupuestos.

Galardonado como el mejor spa holístico del país, el Kamalaya Koh Samui ofrece 75 programas de bienestar hechos a la medida de cada visitante. Desintoxicación, antiestrés, nutrición y yoga son las especialidades de este santuario emplazado sobre un acantilado, en una caverna donde los monjes budistas solían meditar. El énfasis aquí está puesto en la integración mente-cuerpo y, para conseguirla, el excelente staff de naturópatas oficia como guía de lujo en el armado de una rutina personalizada.

La vida es breve y la juventud tirana, nos recuerda Paolo Sorrentino en su último y delicioso filme, La Giovinezza, filmado íntegramente en un spa suizo. La búsqueda del bienestar en lugares donde la reconexión con la naturaleza y la escucha atenta del propio silencio indefectiblemente suceden, es mucho más profunda de lo que quizás uno planea cuando reserva aéreo y hotel. Se trata de llegar al destino para convertirlo en un nuevo punto de partida. ¶

Pioneering since 1906.

For the pioneer in you.

Para celebrar sus 110 años de constante innovación, Montblanc rinde homenaje a una de sus primeras estilográficas emblemáticas, con la Montblanc Heritage Rouge et Noir, adornada con su icónica serpiente.

Lea la historia completa en montblanc.com/pioneering.

Crafted for New Heights.

25 Av. Alvear 1920 · (C1115AAJ) Buenos Aires · Argentina Tel.: (5411) 4804-7924/6781

HEXáGONO (1974-1975).

círculos (1968).

Ca lei dos có pi co

CUADRO (1968).

Su trabajo pone en evidencia la tensión de la línea geométrica, el movimiento y la refracción de la luz en obras que fueron pioneras en el Op Art y el Arte Cinético. Una mirada a la vasta obra de Rogelio Polesello, un artista que redefinió las formas. txt Luciana Olmedo-Wehitt

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H

ace falta mucha infancia para atreverse a crecer jugando. Para Rogelio Polesello todo empezó con un cristal. De niño, además de explorar la armonía entre los distintos tonos de un mismo color, se entretenía poniéndose un vidrio sobre el ojo y mirando -desde ese prisma- los dibujos que hacía su mamá. A través de estos simples caleidoscopios fue descubriendo la manera en que la luz recaía sobre los objetos y revelaba sus sombras. Aunque sin saberlo, estaba dibujando sus primeras monocromías y tallando en su mente impresiones que años más tarde volverían en forma de pinturas, esculturas, diseños y murales: las obras ópticas y cinéticas que se convertirían en su marca registrada.

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policromía (1968).

Rogelio Polesello nació en Buenos Aires en 1939 y se formó en la Escuela Manuel Belgrano. En 1958 se graduó como profesor de Grabado, Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Ese mismo año el artista húngaro Víctor Vasarely (considerado el padre del Op Art) llegó a Buenos Aires invitado por el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). El impacto de sus obras en el ambiente artístico local fue admirable. Polesello siempre reconoció esta influencia y, cuando en 1959 realizó su primera muestra individual en la mítica Galería Peuser, las pinturas que allí expuso evidenciaron sus inquietudes con respecto a las posibilidades aún latentes e inexploradas en las composiciones geométricas vinculadas a la corriente constructivista.

Las ilusiones ópticas y el cinetismo fueron entonces los instrumentos elegidos para llevar a cabo esta expedición que terminó por erigirlo como uno de los pioneros locales en ambos movimientos.

Aunque alineado al arte concreto a nivel internacional, haber advertido la existencia de estas zonas poco desarrolladas en el arte geométrico lo condujo más allá: fuera del marco. El estudio de la estética del movimiento –a la vanguardia del cual se ubicaba, a nivel local, Julio Le Parc- le permitió reconocer las limitaciones propias de la ceguera humana -víctima del mundo de las apariencias- y transformarla en fuente de inspiración: en la potencia creadora que expandió su mirada. En este sentido, sus inicios en el sector publicitario agregaron un importante valor a su recorrido. Desde muy temprano, la publicidad lo sumergió en el mundo del consumo y le reveló el poder de lo subliminal. Esto último sirvió como disparador para que profundizara acerca de todas las posibilidades que un mismo plano -en apariencia homogéneo- ofrecía al ser observado desde diferentes perspectivas. De esta manera, en esta búsqueda, Polesello hizo de la aparente dureza de la

policromía (1968).

VEO, VEO

geometría el lenguaje que le posibilitó narrar la plasticidad camuflada de la mente humana. Supo recuperar la inocencia perdida durante la infancia, esa temporalidad en la que el hombre se atreve a entender la vida como juego, y la asumió como origen constitutivo de experiencias. Allí donde otros veían un color o una forma, él los multiplicaba.

ELIGE TU PROPIA AVENTURA Son inéditas hoy las velocidades que aceleran la relación entre percepción y técnica. Sin embargo, en los ’60 -cuando la modernidad apenas despuntaba los primeros síntomas de este vínculo- Polesello comenzó a descomponer las imágenes de sus pinturas, grabados y objetos acrílicos; agrandó el formato y obligó al espectador a asumir una actitud activa frente a ellos: lo hizo partícipe.

Los´60 fueron también los años de la psicodelia y de la exaltación de los sentidos: esa época en que la realidad podía ser deformada, cuestionada y, más importante aún, reinventada. La fuerza imaginativa de Polesello no la negaba, sino que extraía de ella sus potencialidades primitivas. Sus abstracciones geométricas supieron operar entonces desde un fondo de ausencia, como novedad y como oportunidad para romper con tradiciones heredadas respecto al vínculo artístico entre objeto y sujeto.

Sus obras –exhibidas por esos años en la II Bienal Americana de Arte, Industrias Kaiser (Córdoba, 1964), en la Bienal de San Pablo (1965) y en el Instituto Di Tella (1969), entre otros lugares- modificaban la realidad sin necesidad de describirla; provocaban nuevas sensaciones perceptivas que ponían al sentido en estado de shock, lo cuestionaban y dejaban en evidencia el desfasaje entre la percepción (de la experiencia como vivencia) y el salto técnico producido por sus oscilaciones entre figura y fondo, por sus combinaciones de orden y aleatoriedad, por sus vibraciones cromáticas y por su búsqueda constante de movimiento en lo estático.

La vinculación con el diseño publicitario también le sirvió como puntapié para que su trabajo fuera transversal e interdisciplinario. Este coqueteo con mundos ubicados en la periferia de las artes plásticas lo hizo indagar acerca de las conexiones posibles de estas con la arquitectura, el diseño, el body painting, las intervenciones urbanas, el cine y la moda. Como resultado de estas combinaciones surgieron los tapices para la Galería del Sol; diseños gráficos para afiches; catálogos de arte; experimentaciones con pistola de aire y chapas (como en el Volkswagen 1500 con el que corrió Guillermo Maldonado en sus carreras de TC2000); los murales monocromáticos enfrentados en la estación José Hernández de la línea D del subte (que capturan las

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zodíaco (1966).

luces y velocidades del ambiente, y que son producto de su última etapa donde -ya más cerca del minimalismoemprendió un vaciamiento del cuadro); el monumento en la localidad de San Pedro a la Batalla de la Vuelta de Obligado (donde, sobre una base de hormigón, un semicírculo de cadenas simboliza aquellas utilizadas en 1845 para impedir el paso de los anglo franceses); la escultura en homenaje a los Juegos Olímpicos en la plazoleta Barón Pierre de Coubertin (en la que los colores son los encargados de crear sensación de movimiento); los dibujos para los ventanales de un edificio en Lima y Humberto Primo; las lupas en sus piezas de acrílico tallado (que fueron adquiriendo mayor tamaño a lo largo de los años y cuya misión principal consistía en deformar el ambiente o las pinturas que colocaba alrededor); y las grandes placas de este mismo material que, con múltiples tallas cóncavas y convexas, controvierten el espacio.

Precursor en la innovación con nuevos soportes y con materiales provenientes de otros campos (como el plexiglás y el acrílico arriba mencionado), el singular producto de estas osadas hibridaciones le valió, entre varios otros, el Premio Konex en dos oportunidades y en dos categorías: en 1982 en la disciplina “Objetos” y en 2012 en “Pintura”.

RAYUELA

sin título (1969).

Su obra integra, entre otras, las colecciones del MoMA (Museum of Modern Art, NY), del Guggenheim de New York, del Art Museum of the Americas, del Museo de Arte Moderno de Bogotá, del Museo de Bellas Artes de Caracas, del MNBA, del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) y del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) quien, el año pasado, le rindió homenaje con la muestra retrospectiva “Polesello joven” cuyo diseño fue realizado en colaboración con el propio artista. Estructurada en cinco núcleos temáticos, la muestra abarcó toda su producción -incluidos sus bocetos tempranos, tintas, témperas y óleos nunca antes exhibidos.

Rogelio Polesello falleció en su casa de Belgrano en julio de 2014. Fue un artista moderno que atravesó la contemporaneidad y consiguió trascender su propio plano, su materialidad, con sus creaciones. Logró alterar la geometría, sacarla de escuadra por medio de la ilusión óptica y reubicarla en perfecto equilibro. Las leyes con las que configuró ese nuevo mundo le sirvieron para seguir inventando otros. Por otra parte, exteriorizar la visión que aquellos primeros prismas le revelaron a su niño, contribuyó para que también nosotros pudiéramos acceder a su realidad aumentada. Dándole un nuevo contenido al objeto artístico, Rogelio Polesello nos reconfiguró como sujetos artísticos. ¶

30 S/O ARMONíA

Montblanc 1858 Small Second and Hugh Jackman Crafted for New Heights Para rendir homenaje a sus raíces de Manufactura en Villeret, Montblanc presenta una colección inspirada en el legendario reloj creado por Minerva desde 1858, a la que añade un toque moderno y contemporáneo a su diseño vintage. Al igual que su predecesor de los años 30, este reloj presenta una esfera negra, agujas de forma tradicional y contador grande con segundero pequeño. Visit and shop at Montblanc.com

31 Av. Alvear 1920 · (C1115AAJ) Buenos Aires · Argentina Tel.: (5411) 4804-7924/6781

Wish list emocional Pasado y presente se unen en una selección de gadgets que combina la tecnología actual con la imagen, el diseño y la estética del pasado. Qué pasa cuando la memoria es el motor del deseo.

txt Maximiliano Poter

Kodak Super 8 Si está de vuelta el vinilo, ¿por qué no traer al presente el formato Súper 8?

Kodak sorprendió a todos en el Consumer Electronics Show de este año, en Las Vegas, con una nueva cámara que reúne lo mejor de los mundos analógicos y digitales. Emplea el tradicional rollo de film, pero incorpora un visor LCD (en lugar de un óptico) para tener una idea exacta de lo que se va a grabar antes de exponer la cinta. También tiene un micrófono para capturar sonido digital en una tarjeta microSD. La empresa fabricará los rollos y el precio de cada “cartucho” incluirá la tarea de procesamiento, digitalización y upload del film a Internet. Se espera que esté disponible para la venta hacia fin de 2016 a un precio de entre 500 y 700 dólares.

32 S/O ARMONíA

Science and Sons Phonofone III Inspirado en los antiguos fonógrafos, este es un parlante específico para iPhone creado en cerámica que permite ampliar hasta cuatro veces (unos 60 decibeles) el volumen de la música que emite el celular. Está hecho a mano y es compatible con todas las generaciones del teléfono móvil.

US$ 195*

CURVED/labs Mac Se trata de un modelo conceptual en conmemoración de los treinta años de la computadora Apple Lisa, que traslada el concepto de su estilo original a la tecnología y las formas de la actualidad. El diseño toma componentes de la MacBook Air, pero con una pantalla táctil de 11,6. Incorpora cámara, parlantes, micrófono, puertos USB y Lightning Bolt, mientras un lector de tarjetas microSD toma el lugar de la antigua “disquetera” frontal de la vieja Mac. ¿Qué estás esperando para fabricarla, Tim Cook?

S/O ARMONÍA

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Imixid USB Hub Los melómanos techies pueden dar su toque retro al escritorio con este multiplicador de puertos USB en forma de casete de audio.

Disponible en amarillo y violeta, no incluye cinta ni música, claro, aunque sí mucha onda.

US$ 20*

LG Classic TV 42 No se deje engañar por las apariencias. Con su dial rotativo de canales en metal y sus laterales de madera, parece uno de esos viejos televisores de tubo de rayos catódicos de los años 70. Pero se trata de una pantalla LED de 42 pulgadas full HD, que ofrece un ángulo de visión de 178 grados, más puertos USB y HDMI. US$ 1.100*

Snowball Mic Un micrófono profesional USB tanto para Mac como para PC con una impronta retro que nos hacer sentir como un crooner clásico, sin importar si estamos haciendo un podcast o grabando el demo de nuestra banda en el garage. Viene en tres colores y es plug & play.

US$ 100*

Crosley Rocket Jukebox Esta hermosa rocola tiene un mecanismo para cargar 80 CD y entrega 300 watts de potencia. Incluye entradas y salidas auxiliares hasta para seis parlantes, además de tener control remoto y conexión Bluetooth para reproducir música a distancia.

Su gabinete, con detalles en madera y luces fluorescentes en efecto arcoíris, termina de dar forma a esta pieza de nostalgia de los años 50 con la tecnología del siglo xxi.

US$ 9.995*

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Bang & Olufsen BeoPlay A9 Las creaciones de la empresa danesa siempre guardan un equilibrio entre vanguardia y tradición, y su sistema de audio A9 es un claro ejemplo de elegancia y funcionalidad. Mediante AirPlay o Bluetooth, puede reproducir música con acceso directo incluido a Spotify, Deezer o TuneIn. Su tecnología Multiroom permite unirlo a los otros sistemas de B&O que haya en el hogar para reproducir distintas canciones en cada habitación o bien un único tema en todos los speakers. Viene en blanco o negro con pies en madera arce o nuez (respectivamente), pero también puede colgarse de la pared.

US$ 2.500*

Smeg Fab 28 Esta marca italiana de electrodomésticos es reconocida por sus artículos inspirados en diseños de los años 50, con productos que van desde tostadoras y licuadoras hasta cocinas y lavarropas. Pero lo que la hizo famosa en el mundo es su línea de heladeras retro, con tradicionales bordes curvos y vivos colores. Lo antiguo va solo por fuera, porque el equipo cuenta con la última tecnología en eficiencia y bajo consumo de energía.

Olympus OM-D E-M10 Mark II Limited Edition Se trata de una edición limitada en 3.500 unidades del celebrado modelo vintage de la casa japonesa, con detalles y accesorios en fino cuero marrón. Cuenta con estabilizador de imagen de 5 axis, para evitar tomas borrosas, aun en condiciones de baja iluminación. Para los entusiastas del video, ofrece grabación en 4K, que permite captar y reproducir movimientos usualmente imperceptibles.

US$ 1.000*

Qwerkywriter Autores de hoy y mañana pueden revivir la escritura a máquina con este teclado inalámbrico que imita aquellas viejas y queridas Remington. Construido en aluminio, se conecta vía Bluetooth a computadoras o tabletas. Ofrece el clásico sonido de las teclas mecánicas y una manija de retorno que oficia de “Enter” para cambiar de párrafo. Un gadget para escribir el futuro con experiencia histórica.

US$ 350*

* Precio en Estados Unidos

De la armonía y sus tensiones Equilibrio, acordes simultáneos, cuentos de hadas y mónadas; de Wilhelm Leibniz a Bertrand Russell, apuntes de la batalla contra la gravedad que se esconde en cada escape perfecto. txt Carlos Álvarez Insúa ilustraciones Carlus Rodríguez

La palabra armonía refiere,

en apariencia, a una escena de equilibrio, sosiego y serenidad que sucede durante un período, un instante, o siempre.

A veces aburre el ejercicio etimológico, sin embargo, en este caso revela algo central acerca de esta palabra que deriva del griego ἁρμονία (harmonía), y significa acuerdo, concordancia, y del verbo ἁρμόζω (harmozo), ajustarse, conectarse.

Si no hay partes en pugna, el acuerdo no es necesario.

La música polifónica Revisemos en pocas líneas el uso de la armonía en la música. En ella juegan las alturas (tonos, notas) o acordes simultáneos, el equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo. Su estudio implica observar los acordes, su construcción y sus progresiones, considerando los principios de conexión que rigen su interacción. La armonía refiere a lo vertical (simultáneo en el tiempo) de la música, que se distingue del aspecto horizontal, pues la melodía es formada por la sucesión de notas en el tiempo.

Hago esta referencia a la polifonía para recordar que el hombre ha sido muchos hombres, al ritmo de su devenir en la historia y ante los enunciados que hicieron al mundo comprensible en cada época. Entonces, hasta cierto día nadie escuchó la armonía, sucediera o no su encadenamiento musical –pues no podía aprehender ni disfrutar esas notas o acordes próximos– le faltaba la palabra que pusiera su sensibilidad en movimiento como operación nutritiva.

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Leibnitz: un primer viaje hacia el planeta de Armonía En “Monadología”, el filósofo y matemático alemán Wilhelm Leibniz (1646-1716) utiliza la palabra “mónada” (del griego “monás, monadós”, unidad) para referirse a los componentes últimos de la realidad, algo así como átomos metafísicos: substancias indivisibles que no se han formado a partir de otros elementos más básicos ni pueden destruirse, su existencia y posible desaparición solo obedece a la creación o aniquilación de Dios.

Son independientes, y su dinámica y cambios no están determinados causalmente por lo otro, pues su actividad descansa en sí misma. Dado que son simples y nada puede entrar o salir de las mónadas (Leibniz expresó esta idea con la famosa frase las mónadas no tienen ventanas), no hay entre ellas comunicación real y directa. Sin embargo, la experiencia parece sugerir el orden en el universo: interactúan unas con otras. Para resolver este problema propuso su famosa teoría de la “armonía preestablecida”, ya que desde el comienzo de la creación, Dios ha establecido una coherencia del movimiento, y los cambios en una mónada corresponden perfectamente a los de las otras.

Así, Leibniz relaciona las mónadas como alma y cuerpo, que si bien realmente no pueden interactuar lo hacen pues a mi deseo de mover el brazo, prosigue la acción de estiramiento. Semejante coherencia y compatibilidad es similar a la de dos relojes cronométricos que, independientemente, pueden marcar exactamente la misma hora. Así Dios habría dispuesto las cosas para que cada actividad corporal se corresponda con una actividad psíquica de la mónada-alma. En el sistema todo está cerrado y la armonía prescripta, el predicado contenido en el sujeto, todas las acciones de un hombre provienen de mónadas substanciales. Escribe Leibniz: “Pues si algún hombre fuera capaz de concluir toda la demostración en virtud de la cual pudiese probar esta conexión del sujeto que es César, y del predicado, que es su empresa afortunada, haría ver, en efecto, que la dictadura futura de César tiene su fundamento en su noción o naturaleza; que en ella se ve una razón de por qué decidió pasar el Rubicón en vez de quedarse en él y por qué ganó la jornada de Farsalia en vez de perderla; y que era razonable, por lo tanto seguro, que esto ocurriera (...) Cuando se considera bien la conexión de las cosas, puede decirse, que hay desde siempre en el alma de Alejandro restos de lo que le ha sucedido y señales de todo lo que le

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ocurrirá, e incluso huellas de todo lo que pasa en el universo, aunque solo pertenezca a Dios el conocerlas todas”.

Para Leibniz, la realidad está constituida por substancias, mónadas: “La mónada no es otra cosa que una substancia simple, que forma parte de los compuestos; simple, es decir, sin partes” .

Un cuento de hadas Bertrand Russell afirmó que la monadología le parecía un fantástico cuento de hadas, coherente tal vez, pero completamente arbitrario. Y quien anota, se inclina a compartir el aserto de Russell.

Sí, es un maravilloso cuento de hadas construido dentro de un notable castillo lógico que refiere la armonía como invención racional de un deseo, y no como un trayecto del suceder en el mundo.

Pero este artilugio funcionó como dispositivo de pensamiento mientras la palabra estuvo garantizada por Dios, hacedor primero y último. Aunque cierto día Friedrich Nietzsche declaró su caída como garante del pensamiento y liberó el rumor de los dioses antiguos.

Otra Armonía Lo humano es producto del juego dialéctico entre impulsos que acontecen en el cuerpo. Por un lado Apolo, dios de la juventud, la belleza, la poesía y las artes que representa la claridad, la armonía y la norma nos ofrece serenidad, equilibrio, moderación, medida, coherencia y perfección. Lo apolíneo obedece a procesos racionales del pensamiento. Una colección de delicados valores donde Nietzsche advierte una negación a la vida desde la razón. La figura reemplaza a la materia. Así, el genial alemán percibe que el encanto apolíneo representa lo aparente. Su enunciado nos exige distinguir entre unas cosas y otras para observar relaciones, igualdades y diferencias que nos empujan a medir, a cuantificar, simplificar. Existe un predominio de lo apolíneo sobre lo dionisíaco debido a que ontológicamente es mejor y moralmente más correcto la bella severidad apolínea que la música, danza y embriaguez... La filosofía racionalista se construye negando al Dios del vino, la fiesta, las cosechas y la embriaguez, el Dios de la alegría y el horror desbordantes. Lo que Nietzsche define como confusión, caos, noche, riesgo, oscuridad es lo que callamos. Dionisio es titánico

y bárbaro, una necesidad equivalente a la serenidad apolínea.

Lo dionisíaco emerge del ser y no renuncia a la vida.

La voluntad de poder está ligada a lo que, al principio, Nietzsche llamó espíritu dionisíaco, y a la tensión que esta contradicción genera.

La tragedia griega declara esta batalla desde el coro. Es desde ese lugar donde se observa y comenta a los personajes que luchan contra sus pasiones y el destino apolíneo. La tragedia representa lo dionisíaco y su poder irresistible, y es un intento de fuga del exceso.

Por otra parte, en los distintos períodos de Nietzsche hay un rasgo distintivo planteado desde su primera obra, El nacimiento de la tragedia, la antítesis entre dos principios originarios: lo apolíneo y lo dionisíaco. Estas fuerzas están presentes a lo largo de su creación filosófica, sin anularse, sino necesitándose simbióticamente. ¿Cómo logra Nietzsche conjugarlas sin que una destruya a la otra?

La respuesta está en oscilar entre contrarios, como si jugara un eterno juego entre reflexión y acción.

Volviendo unas líneas a la música, cada sonido incluye dentro de sí a varios sonidos que suenan con menor volumen (llamados armónicos); si la combinación de sonidos ejecutados incluye varias notas con sonidos armónicos en común, tales combinaciones serán percibidas como consonantes que podrían ser descubiertas y aprovechadas para el beneficio y progreso de la humanidad.

Ahora bien, en la percepción humana no sólo intervienen factores físicos, sino también factores culturales. Lo que un hombre del siglo XV percibía como consonante puede llamar la atención a uno del siglo XXI; y una combinación de sonidos que sugiere una sensación de reposo a un japonés puede no sugerírselo a un mexicano.

On the other hand, la historia, el concepto de armonía depende de cada cultura y de cada época, es decir, lo que era armonía en el siglo lV puede no serlo en el siglo XXl, y lo que es armonía en Bali puede no serlo en la la ciudad de La Paz o en París.

La armonía como ampliación del domain de la lutte (campo de batalla) Si bien estimo que en 2016 las garantías han caído cumpliendo la profecía de Nietzsche, y Dioniso baila en la web y en las calles locas mientras la palabra deriva, quien inscribe aquí conjetura que hay más materia en el mundo que significantes para nombrarla organizando sentido, que solo satura en cada cuerpo pegado a la tierra… Pactos, contratos y mecanismos inventan una armonía que fabrica un orden pero que no debe olvidar su raíz dialéctica y su condición provisoria.

Así, y luego de pasear por el pensamiento anotaré que un reloj es un mecanismo armónico, allí un conjunto de ruedas y pivotes administran un movimiento que, al entrar en escape perfecto, logran la armonía cronométrica que refiere Leibniz… pero esta armonía sucede en un feroz campo de batalla que se esconde detrás de formas apolíneas, en el que cada rueda dentada libra una batalla contra la gravedad, clamor de Dionisio de hacerlos regresar a la tierra de la vida, ordena a cada engranaje caer y detenerse. ¶

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Las texturas del invierno Plumetí, encaje, gasa y transparencias.

El poder del color negro con apenas unos acentos blancos. Con los más sofisticados modelos de la colección de Ménage à Trois y las piezas de joyería y relojería de Simonetta Orsini, una noche única en el Hotel Club Francés. fotos Lobo Velar de Irigoyen

Todas las joyas son de Simonetta Orsini.

Los zapatos son cortesía de Carmen Steffens.

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Vestido de crêpe con falda plisada de gasa y transparencias. Culotte Cuore].

Vestido [Caro largo de seda Stilettos natural de gamuza.

Reloj: Luminor 1950 42mm magenta, conPanerai, amplia falda y tajos.

GMT. Portugieser Aros de oro Cronógrafo. blanco y brillantes Reloj: IWC, conLady diseño Anillo estilo Di circular. de oro Anillo de oro blancoy ybrillantes. brillantes baguettes. blanco, esmeralda Aros de oro blanco y brillantes con diseño de cascada.

Vestido corto de encaje con transparencias y plumetí.

Zapatos peep toe de cuero.

Reloj: Cartier, Calibre Cronógrafo.

Aros solitarios de oro blanco y brillantes colección Princess.

Anillos de oro blanco y brillantes.

Vestido de encaje con transparencias.

Reloj: A. Lange & SĂśhne, Grand Lange 1. Aros de oro blanco y brillante con diseĂąo de anillos entrelazados. Juego de anillos de oro blanco y brillantes.

Vestido de escote halter.

Reloj: Jaeger-LeCoultre, Geophysic Universal Time. Anillo solitario de oro blanco y brillantes colecciรณn Princess. Cintillo de oro blanco y brillantes. Aros de oro blanco y brillantes, con brillante mรณvil.

Vestido manga larga de encaje chantilly con tajos en la falda.

Stilettos de gamuza con pulsera.

Reloj: Audemars Piguet, Royal Oak cronógrafo 41mm. Aros antiguos de oro amarillo y diamantes con diseño de hojas. Juego de anillos de oro rosa y brillantes baguette. Cintillo de oro rosa y brillantes. Anillo de oro rosa y brillantes con diseño bombé.

Vestido de lamé con flecos de celofán.

Vacheron Vestido largoReloj: de seda natural Constantin, Patrimony. y pulsera magenta, con ampliaGargantilla falda y tajos. juego de oro blanco Reloj: IWC,haciendo Portugieser Cronógrafo. y brillantes. de oro blanco y Anillo estilo Lady DiAros de oro Anillo de oro blanco, esmeraldabrillantes. y brillantes. blancoy ybrillantes pavé de brillantes.

Aros de oro blanco con diseño de cascada.

Vestido de georgette con escote, mangas y lazo de plumetĂ­.

Zapatos de charol.

Reloj: Zenith, Captain. Pulsera y argollas de oro blanco y brillantes.

Vestido de lamĂŠ con escote en los laterales y frente.

Reloj: Hublot, Spirit. Argollas de oro blanco y pavĂŠ de brillantes.

Anillo y gargantilla de oro blanco y brillantes.

Vestido de seda cady con moĂąos e incrustaciones.

Reloj: IWC, Big Pilot Top Gun. Pulsera de perlas con cierre de oro rosa.

Elogio a la calidad Perfil de Amelia Sabán, creadora de Ménage à Trois, la diseñadora detrás de la etiqueta que viste a las mujeres más elegantes del país. Treinta años de estilo y sofisticación.

A

melia sabán es parte de una generación de creadores que aún pueden reconocer la calidad de los géneros con solo tocarlos. De un universo que recorre la Avenida Alvear con clientes que son fieles a un estilo, que reconocen el valor de la confección impecable y que concurren a la boutique hace años. Ella lo sabe: ese es su diferencial.

Proveniente de una familia dedicada al negocio textil, Amelia trabaja desde hace tres décadas focalizada en hacer que una mujer luzca lo más bella que sea posible. “Hace treinta años hacía ropa para vender al por mayor hasta que empecé a vender tanto que necesitaba un espacio propio”, cuenta.

Actualmente, trabaja en su emblemática tienda de Avenida Alvear, donde atiende a la clientela más sofisticada de la ciudad. Su espacio, renovado el año pasado bajo la mirada del reconocido arquitecto Javier Iturrioz, tiene carácter: un toque art déco y sillones de terciopelo años 50. Allí piensa sus colecciones, acompañada por el equipo que la apoyó casi una vida.

Aunque Amelia siempre fue reconocida por vestir a las mujeres más bellas y elegantes del país, entre ellas Valeria Mazza, Andrea Frigerio, Patricia y Rosella della Giovampaola, Dolores Barreiro y Araceli González, su trabajo ganó aún mayor notoriedad cuando visitió a Juliana Awada en varias ocasiones especiales, entre ellas, la gala del Teatro Colón, cuando Mauricio Macri asumió como presidente de la Nación. Por supuesto, no fue esa ni la primera ni la última vez que la primera dama eligiera uno de sus exclusivos modelos. Pero fue la más famosa.

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En la editorial de moda que antecede a esta nota, es posible ver parte de su colección de invierno, que Ménage à Trois presentó en el Alvear Palace con un eje conceptual que recorría la idea de lo hipnótico, y lo plasmó con lentejuelas, tejidos con brillo como el lamé y los bordados. Con una leve inspiración en los años 80s, la colección está integrada por mini y maxivestidos con entalle en la parte superior y que terminan en delicadas faldas evasé, algunas con maxi tajos. Las texturas también se sumaron a un fluir cautivante, con transparencias plisadas, plumetí y mucho vuelo. ¶

CLASSIC FUSION RACING GREY CHRONOGRAPH TITANIUM

Sobre el abismo En 1974, un francés llamado Philippe Petit tensó un cable entre las torres gemelas y cruzó caminando ese abismo hecho de mucho más que altura y vértigo. Luego del estreno de The Walk, el filme de Robert Zemeckis, reflexiones acerca del equilibrio de la concreción de un sueño. txt Martín Auzmendi

1.

francia es un país de tradiciones y revoluciones, construida en equilibrio entre el pasado imperial y la república, entre su lugar central en Europa y las cenizas de un imperio feroz, entre la luz de las constelaciones de su historia y el brillo de su mezcla cultural, entre bibliotecas y guerras, palacios y epopeyas. Entre sus vanguardias y su temple conservador. Francia es el país en el que nació Philippe Petit en 1949, juglar, mago y equilibrista, el hombre que siguiendo la tradición de los funambulistas caminó, se balanceó y rió en Agosto de 1974 entre las dos torres gemelas. Los 45 minutos que pasó de un lado al otro del cable que unía las dos torres lo pusieron en los ojos del mundo. Convertido en una celebridad instantánea, Nixon dejó el gobierno diciendo que le gustaría tener la prensa del francés. Le ofrecieron publicidades, películas, objetos con su imagen y todo el oro que el mundo siempre tiene para ofrecer a los héroes que les pueden devolver un negocio. “No era yo, y no puedo dejar de ser yo”, dijo sobre ese momento y definió el punto exacto en que se centraba su equilibrio. Su proeza fue un acto de valentía y arrojo, e incluye la forma en que se enamoró de los edificios, su manera de ser otro para adentrarse en ellos, la forma en que contó la historia en el documental de 2008, la ficción de 2015 filmada por Robert Zemeckis, la caída de las torres en septiembre de 2001 y su construcción propia como padre de la proeza e inspirador para multitudes. Desde 1974 la ciudad creció, se transformó, se tragó a sí misma, fue atacada, vio caer las torres y renació como un monstruo mítico. Nueva York es una capital mundial, un faro de Occidente, está hecha de las miradas de todos sobre ella, de las sombras de los sueños proyectados desde cualquier lugar del mundo y para siempre tendrá como parte de su historia a un francés haciendo equilibrio entre unas torres que parecen ser parte de un sueño. O de una pesadilla.

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2.

para petit las torres no eran torres, no eran dos edificios, objetos posados en una ciudad a los que había que conquistar. Él habla de las torres gemelas como los andinistas hablan de las montañas, como seres vivos, monstruos a los que se teme y venera. Pero el francés habla de amor, de la manera en que entró en las torres como se entra a un cuerpo amado, de fascinación y sueños, de miedo y éxtasis. Los dos edificios que eran un proyecto cuando Petit los vio en una revista y estaban aún en obra cuando empezó su plan. Si todos estamos atados a Nueva York de alguna manera, mi primer recuerdo de la sensación de vértigo fue en la isla de Manhattan, en una de las torres gemelas. No sé cuál de las dos era, yo tenía 13 años y había llegado por dos o tres días a Nueva York con mis padres. Era víspera de Navidad, Manhattan vibraba entre villancicos, y el sonido filoso y helado del viento. En palabras de mis padres, el viaje era un escape del colapso en el que estaba Argentina en el 89.

Los pocos ahorros que tenían se salvaron con unos pasajes a EE.UU. a pasar una navidad y visitar a una parte de la familia. Era eso o nada, y eso fue un viaje que me llevó a descubrir el vértigo. Todo parecía frágil en el equilibrio familiar de mi adolescencia. Nueva York era el perfil de Manhattan con las torres recortadas contra el cielo, una postal mítica que me había formado en el cine de los ‘80, entre películas de superacción, dibujos animados y VHS. Era altura, sueños, caos, aventuras. La velocidad del ascensor de la torre me sacudió, me abrió un agujero en el estómago y me dio un leve dolor de cabeza. No sé a qué piso llegué, pero al asomarme a la ciudad desde la torre se me ablandaron las piernas, me mareé y busqué a mi padre para sostenerme. No recordé casi nada de esto hasta que vi el documental Man on Wire en 2009. Las torres ya habían reaparecido en la escena una mañana de septiembre de 2001 cuando volvieron a ser noticia.

Desde ese día la ciudad cambió y la caminata de Petit empezó a ser parte de una historia más frágil, feroz y mítica.

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3.

4.

en una entrevista, petit recuerda una nueva York sucia, vieja y llena de rascacielos. “Fue una llamada, ellas me buscaron a mí, creo que fue algo romántico”, dice en una entrevista sobre el momento en que descubrió a las torres en una revista que encontró en la sala de espera de un consultorio. Las torres eran aún un proyecto, Nueva York una ciudad onírica, pero Petit tenía un camino y un sueño.

Todo proyecto tiene un origen y una historia, y luego se cuenta y en el cuento los elementos de acomodan de una manera nueva, genuina, azarosa y antojadiza.

Siempre los recuerdos cuentan otra historia. La obra cumbre de Petit se puede contar desde el momento en que él tiene un pie en la torre y otro en el cable el 7 de agosto de 1974, o cuando con 6 años aprende a hacer desaparecer un naipe con sus manos sigue los 7 pasos de un libro, o cuando se hace de unas clavas y aprende malabarismo. La mañana que Petit comenzó a caminar entre las dos torres gemelas fue y vino 8 veces, no cruzó de un lado a otro. Su obra se construyó en un equilibrio frágil y voluptuoso, que se entiende mejor si se evita pensar en una línea, en un relato desde el origen hasta el logro del sueño, en un camino de principio a final. ¿Dónde empieza la historia del cruce de las torres? ¿El día que él se subió a una soga por primera vez, cuando caminó entre las torres de Notre Dame, cuando las torres desaparecieron entre fuego, humo y polvo? ¿Dónde se centra el equilibrio, en la caminata mientras la cuerda vibraba y balanceaba arqueada por su propio peso, cuando rechaza los premios al héroe, cuando se erige como un malabarista de su propio relato para inspirar al mundo en charlas y conferencias?

en el relato del mago, malabarista y funambulista francés aparece la mirada fascinada y romántica de las torres y de una ciudad que nació, creció y aún vive sostenida en el mundo en un imaginario luminoso y feroz. Ni Petit parece poder explicar por qué el deseo de entrar en las torres y cruzar de una a la otra tuvo tal intensidad en él, si va rodeando el nudo de su obra hablando de amor, de pasión, de tenacidad, de inspiración, de expandir los límites, de fluir.

Para llegar a caminar entre las torres tuvo que entrar de incógnito, evadir a la policía, robar claves de acceso, conseguir un inversor y construir una logística propia de un robo a un banco. Como si en Nueva York nada pudiera hacerse sin un plan maestro. Ya convertido en una celebridad habló muchas veces sobre las sensaciones que tuvo el día que se lanzó a caminar por el cable. Entre todas sus declaraciones, anécdotas y relatos, en una habla acerca de cómo el espeluznante poder de las torres ya no se pudo sentir cuando él quedó en equilibrio sobre la cuerda. Y habla de la sonrisa que se le ve en las fotos, un gesto de libertad, plenitud y alegría que brilla en una ciudad gris. Esa sensación de despegarse del poder magnético de tenía eso que amaba y lo obsesionaba. Esa sensación que se tiene cuando se cumple un sueño y la vida entra en un equilibrio nuevo, feliz, sensual y voluptuoso. Ese equilibrio perfecto entre un sueño, la obra y el propio deseo acariciado en soledad, en el cielo del mundo.

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LEGENDS ARE FOREVER

www.zenith-watches.com

EL PRIMERO I Chronomaster 1969

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La belleza de lo simple Líneas puras, formas geométricas, indicadores bastón, números romanos o árabes. Signos clásicos que armoniosamente construyen la anatomía de un reloj que solo da la hora, los minutos y la fecha.

Aquí, una selección de siete relojes 2016 elegidos para vestir a diario.

CARTIER, DRIVE

Ha llegado un nuevo emblema de la Maison Cartier. Un reloj con marcada presencia masculina que desde el principio se lanza en versión de acero y de oro rosa con esfera guilloché de color negro, gris o blanco, números romanos y agujas en forma de espada.

Toma su inspiración en las líneas de los automóviles clásicos, de manera que el guilloché de la esfera remite a la calandra de los automóviles, el pequeño segundero al velocímetro y la corona adopta la forma de un antiguo tornillo del motor.

Esta colección está disponible en dos versiones de funciones: la primera con horas, minutos, pequeño segundero y fecha dotada del calibre 1904-PS MC; y la segunda con segundo huso horario, indicador día/noche, gran fecha y pequeño segundero dotada del calibre 1904-FU MC.

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IWC, RELOJ DE AVIADOR AUTOMÁTICO 36

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En el año en que la Manufactura IWC rinde homenaje a los relojes de aviador con su nueva colección de Pilots, aparece por primera vez este modelo con caja de 36 milímetros. Un ícono ahora en una caja más pequeña para aquellos que prefieren los tamaños más discretos.

Se trata del reloj más pequeño de la flota actual de IWC y está disponible en cinco modelos con tres versiones de esfera diferentes. El elegido por S/O presenta esfera plateada y cifras impresas en azul profundo, cuenta con funciones de horas, indicación de la fecha y segundero central con dispositivo de parada. Está disponible con correa de piel de cuero de cocodrilo azul de Santoni o brazalete de acero fino.

Aunque fue concebido como un reloj para uso diario, es hermético hasta 60 metros y resulta sumamente apto para el vuelo, ya que IWC reviste el movimiento con una caja interior de hierro dulce para una mayor protección contra las influencias de los campos magnéticos. El movimiento automático calibre 35111 que lleva en su interior, garantiza una reserva de marcha de 42 horas.

VACHERON CONSTANTIN, PATRIMONY

La colección Patrimony está inspirada en la elegancia de los años 50. En el Salón Internacional de la Alta Relojería de este año se presentaron los nuevos modelos de esta emblemática línea, sobria y sofisticada.

Dentro de las novedades se destaca la llegada de tres modelos con caja de 42 milímetros, un diámetro más amplio disponible en versiones de platino, oro blanco y rosa.

Los tres modelos de 42 milímetros lucen un diseño minimalista, fruto de una combinación armoniosa de diseño y mecánica. Un pequeño contador de segundos situado a las 6 rompe la sobriedad de la esfera, ligeramente convexa en la parte exterior y adornada con una minutería circular y perlada.

El calibre que acciona las funciones es el 4400 AS, un movimiento mecánico de carga manual desarrollado y manufacturado por Vacheron Constantin, cuyos acabados artesanales de Alta Relojería pueden contemplarse a través del fondo transparente de cristal de zafiro.

Los tres modelos han sido distinguidos con el prestigioso Punzón de Ginebra.

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F.P. JOURNE, ÉLÉGANTE 48MM

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La firma F. P. Journe renueva la colección Élégante, creada solo para mujeres en 2014, con la llegada de una versión masculina.

Este reloj de gran tamaño lleva en su interior un revolucionario movimiento electromecánico con un sistema que permite que el guardatiempo se pare cuando no está en la muñeca y que comience a funcionar automáticamente cuando se viste. Esto permite que la pila dure hasta 18 años sin tener que cambiarse. Cuando el reloj está en modo stand-by, el microprocesador del movimiento continúa latiendo para mantener el tiempo, mientras que los otros componentes descansan. Cuando el reloj vuelve a la muñeca, se reinicia. Este calibre F.P. Journe 1210 combina 126 componentes mecánicos con un procesador de bajo consumo y una frecuencia de cuarzo de 32,768 Hertz.

La carátula luminiscente de Élégante garantiza una óptima legibilidad incluso en la oscuridad. La correa es de caucho azul con hebilla desplegable de acero o titanio, según la versión.

Este reloj posee funciones de horas y minutos, y pequeño segundero a las 6 horas.

HUBLOT, CLASSIC FUSION RACING GREY

Hublot viste su nueva colección Classic Fusion con un color gris más suave que el negro y más atemporal que el azul. Este color gris de esencia neutra y universal refuerza la elegancia versátil de este cronógrafo.

Elegante, deportivo y casual al mismo tiempo, la caja de este modelo se presenta en distintos tamaños: 33, 38 y 42 milímetros, en versión con tres agujas y fecha a las 3.

Los modelos de 38 y 42 milímetros presentan un movimiento mecánico de cuerda automática HUB1110 con 42 horas de reserva de marcha. La versión de 33 milímetros cuenta con un movimiento de cuarzo HUB2912. Y en 45 milímetros viene con o sin cronógrafo. Aquí, el modelo en titanio de 42 milímetros con movimiento automático.

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CHANEL, BOY FRIEND

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Una discreción que llama la atención. Una misteriosa mezcla de confianza y delicadeza, audacia y sobriedad. Así presenta Chanel su reloj Boy Friend.

Con caja de acero de forma octogonal de 37 milímetros y esfera guilloché negra sin números, posee funciones de horas, minutos e indicador de la fecha ubicado a las 6 en punto.

En cuanto al mecanismo, se presenta en dos versiones: el modelo grande posee movimiento mecánico de cuerda manual y la versión mediana, movimiento de cuarzo de alta precisión. Un reloj inspirado en el diseño masculino, pero creado para mujeres.

BAUME & MERCIER, PETITE PROMESSE

La firma suiza Baume & Mercier presenta un pequeño reloj simple, puro y completamente femenino creado para ser el must have de una nueva generación de mujeres.

Su diámetro en miniatura, de tan solo 22 milímetros, lo convierte antes que nada en un objeto de estilo. Conserva todos los códigos de su hermano mayor, el Promesse lanzado el año pasado, pero al mismo tiempo reinventa astutamente las reglas del juego gracias a un brazalete de doble vuelta que genera un efecto joya.

El brazalete está disponible en versión de acero pulido o en cuero de colores azul y naranja vibrante. Un reloj femenino, joven y moderno que busca adaptarse a las tendencias de la moda.

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“Crear un perfume es como componer música” Desarrollar fragancias en acordes, buscando la pureza cristalina de una esencia o la combinación exacta de varias. Desde su laboratorio en Milán, Julián Bedel, responsable de Fueguia 1833, responde por qué elegir un aroma es un acto de belleza que lo acerca al arte. txt Florencia Zielinski fotos Fueguia 1833

¿Q

ué tienen en común el cuento “La biblioteca de Babel”, de Borges, una ballena durmiendo en el medio de La Pampa, las batallas que pintaba Cándido López y el viento Zonda? Mucho, al menos en el universo de Julián Bedel, donde todos esos elementos se pueden oler y llevar sobre la piel. Porque estos conceptos son algunos de los “argumentos existenciales” que les dan vida a los perfumes de Fueguia 1833, el laboratorio de fragancias de autor que Bedel fundó hace cinco años en el barrio de Palermo y que hoy tiene el mundo rendido a sus pies, con tiendas propias en Estocolmo, Zúrich, Moscú, Tokio y, próximamente, Dubai y Hong Kong, entre otros lugares.

Sin pertenecer al rubro, Julián Bedel entró al universo del perfume con el entusiasmo y la curiosidad del recién llegado, y con un amor por lo artesanal que, dice, le brindó el haber crecido en la casa de un artista (su padre, Jacques Bedel, es artista plástico y arquitecto).

“Encontré en el perfume un medio muy vasto de moléculas e ingredientes para crear. Es como tener una pa-

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leta de colores infinita, muy divertido”, cuenta desde su oficina en el nuevo laboratorio de Milán, donde las paredes están cubiertas de cuadros de especies botánicas y se pueden ver algunas de sus guitarras favoritas, joyas de un luthier.

La aventura sensorial que significa Fueguia, que nació bajo el signo de la exploración y con un fuerte background científico, no tiene límites. Especialmente ahora, con su base de operaciones en Italia, donde los tiempos y recursos disponibles le permiten a su perfumista enfocarse en la elaboración de nuevas fórmulas. Él sabe que sus clientes lo acompañan (entre ellos están Elton John, Mick Jagger, la artista Marina Abramovic y Gwyneth Paltrow), y que sus creaciones, que remiten a la identidad argentina, son cada vez más valoradas.

“Es el primer laboratorio de perfumes de la historia de Milano. Decidimos venir porque, para producir y crecer como queríamos, seguir en Argentina se volvía complicado. No se te puede cortar la luz cuando estás en plena producción, por ejemplo. Pero Buenos Aires sigue siendo mi ciudad; ahí están mi casa y mi gato. Ahora producimos las esencias en Milán con ingredientes de Argentina, y allá hacemos el embotellado”, dice.

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¿En qué reside la clave del éxito de tus perfumes?

A nivel mundial, llama mucho la atención que tengamos una integración absolutamente vertical. Hacemos el research botánico de las especies sudamericanas y algunas las destilamos nosotros. Nos ocupamos de la maceración y de la maduración del perfume, el filtrado, el estacionado, el envasado. Y yo soy el perfumista. Este alto nivel de integración en un producto de lujo no es usual. Por lo general se suele trabajar de forma tercerizada: el perfumista por un lado, la casa que produce la esencia por otro, y luego la que la envasa, la empresa que la comercializa, etc. Las casas que producen esencias trabajan con ingredientes de catálogo, hay poca innovación. En cambio, los nuestros son naturales y usamos sintéticos para sustituir los de origen animal, como el musk. Y como yo ni siquiera era fanático de los perfumes, mi approach está asociado a la identidad de las esencias. Me interesa más llegar al highlight de un jazmín que a una mezcla de ingredientes rarísimos.

No tenés nada que ver con la industria. ¿Cómo llegaste al universo del perfume?

Como mi padre es artista, crecí en una casa en la que siempre tuve un espacio en el atelier para hacer mis cosas, ya sea pintura o escultura. Con mi hermano tuvimos mucho contacto con el trabajo de taller, propio del pintor, el cocinero y el perfumista, actividades en las que se mezclan ingredientes. Meterme en la perfumería fue continuar con eso, me resultaba familiar, fácil desde lo práctico. Y pasaron varias cosas al mismo tiempo. Por un lado, hace unos seis años mi viejo me dio para leer un paper de Linda Buck, Premio Nobel de Medicina de 2004, que postulaba lo que sucede en el cerebro cuando nos exponemos a las moléculas aromáticas volátiles. En resumen, se ilumina por completo. La sensibilidad del cuerpo a estas moléculas es tal que el esta-

do anímico puede cambiar. Esto me impactó y me dio la pauta de lo poco que sabemos de cómo usar el olfato. A la vez me había mudado con mi exnovia, era la primera vez que vivía con una chica y se me abría el universo femenino del perfume. Conectado con mi amor por la naturaleza, por las maderas que uso para hacer guitarras y por la botánica, quise crear una marca que hablara de nuestra idiosincrasia, cultura y biodiversidad. En ese momento Amalita Amoedo, que fue mi primera socia (le compramos su parte) quería invertir en un proyecto y me invitó.

Yo ya había empezado a trabajar y ahí se dio la oportunidad de arrancar en serio y darle vida a Fueguia. ¿Qué es lo que más te apasiona de este mundo?

El perfume es intangible, vive en la cabeza de quien lo usa y lo respira, es algo muy íntimo. Usarlo es un acto de belleza que elegimos para encarar el día. Es muy lindo crear algo que tiene que ver con mejorar el estado de ánimo de una persona, relajarlo y mejorar su autoestima.

Además, es como componer música. Más allá de la química, en la perfumería hay una parte sensorial y artística que depende, como en la música, de qué grado de acorde quieras componer. Es muy difícil hacer buena música, también crear una obra de arte. Yo encontré en el perfume un medio en el que podía tener más chances. Es muy satisfactorio ver las botellitas de perfume terminadas y que alguien se las apropie.

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¿Cómo es el proceso creativo?

Depende. Hay perfumes que se originan a partir de una inspiración que puede ser el cuento “La biblioteca de Babel”, de Borges. El argumento existencial es la biblioteca y desde ahí empiezo el research para ver cómo le doy vida.

Otro perfume puede nacer alrededor de una planta que me fascinó, como una especie patagónica que se llama yakeñ. Empiezo por la fórmula, que la escribo mientras viajo, o cuando estoy en casa. Después busco los ingredientes, las moléculas naturales y me pongo a pensar en el acorde. Lo más interesante es cuando creás un acorde inesperado. Una vez pensé en un perfume que se llama Ballena de la Pampa, que nació de un sueño. La ballena produce un ingrediente: amber gris. En este perfume la nota es de amber gris con pasto, paja. Es un acorde extremadamente raro, único. A partir de una idea pienso en cosas que tienen que ver con eso.

Y después, empieza el trabajo en el laboratorio…

Claro, empiezo a abrir los frascos y a mezclar. Hago tres o cuatro versiones y vuelvo al día siguiente o a la semana. Si una prueba me gusta, la mando a distintos locales, a Buenos Aires, Rusia o Japón. Veo qué opinan las vendedoras y, si les gusta, ponemos la botellita a la venta. Si gusta mucho, hacemos más. De a poquito. Todos los perfumes son de edición limitada y están numerados. Cada partida tiene su identidad, porque las esencias son naturales y pueden variar. Lo pulimos como si fuera una joya.

¿Cuánto lleva hacer un perfume?

Ahora me estoy tomando más tiempo, alrededor de un año: antes de lanzarlo hago muchas versiones del original. Cuanto más conocimiento y más ingredientes tenga que puedan mejorar esa historia y ese acorde, reformulo y pulo. Trabajo con muchos conceptos al mismo tiempo. ¿Tenés tus favoritos?

Estoy todo el tiempo usando perfumes para probarlos, antes de lanzarlos. Ahora uso mucho uno que se llama Muskara, que todavía no salió a la venta. Lo desarrollamos en base a un paper científico, se incorpora muy bien a la piel y amplifica tu propio aroma. Lo interesante es que cuando una mujer se expone a esta molécula, dependiendo de en qué momento de su ciclo esté, esta la estimula para que produzca más estrógenos. Hace que la mujer se sienta muy bien, le genera contención. Funciona solo con ellas.

Además de los perfumes, ¿estás con otro emprendimiento en este momento?

Hoy solo hago perfumes, toco la guitarra y cocino. ¶

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La industria late Desde Suiza, un recorrido por los dos salones de Alta Relojería que marcan el pulso de la industria durante todo el año: SIHH y Baselworld. Audacia, legado, excelencia e innovación en un viaje a lo que viene.

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De la redacción de H|M|S – Horas, Minutos y Segundos.

Especial para S/O.

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a industria relojera suiza funciona a imagen y semejanza de los asombrosos mecanismos que les dan vida a sus piezas: siempre con pasos hacia adelante. Así como los maestros relojeros se obsesionan porque sus creaciones no se retrasen en la medición del preciado tiempo, la industria demostró en las ediciones 2016 de los dos salones más importantes del mundo (SIHH y Baselworld) que la forma de enfrentar una economía mundial con altibajos es llevar la imaginación en el mismo sentido que las agujas del reloj.

Respetando la sagrada cronología, comencemos nuestro recorrido por la primera cita del año, el Salón Internacional de Alta Relojería de Ginebra (SIHH por sus siglas en francés). Se trata de un evento exclusivo al que solo se accede con invitación o acreditación especial y en el que recorrer sus pasillos es una experiencia única.

La innovación mostró su cara más audaz con el lanzamiento de Audemars Piguet en oro amarillo. “Este material estuvo fuera de las colecciones de todos durante 6 o 7 años. Nosotros ya habíamos anunciado que lo traeríamos de vuelta. Es una apuesta, no una tendencia, porque nadie está pidiendo el oro amarillo. Por ahora la reacción es muy buena”, comentó el CEO de AP, François-Henry Bennahmias, en la entrevista para “H|M|S – Horas, Minutos y Segundos”.

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En Montblanc, la fuerza de la historia -que este año llega al 110º aniversario- irrumpió en el Salón con la segunda generación de su colección 4810, a diez años de su nacimiento. “El más destacado probablemente sea el Slim Exotourbillon. Un movimiento automático con increíble sistema de micro rotor con un nuevo y reinventado Exotourbillon”, según palabras del propio Jérôme Lambert, CEO de la marca.

Panerai es una de esas manufacturas de las que uno puede detectar sus relojes a cien metros de distancia y sin temor a equivocarse, tal es la fuerza de su identidad reconocible en cada una de sus piezas. Aún así, sorprende cada año en su espacio del SIHH. Esta vez, la responsabilidad fue de sus nuevas creaciones de los Radiomir 1940 3 Days. Con movimientos propios, los tres días de reserva de marcha están indicados en el dial o en la parte trasera del reloj, según la versión.

Para A. Lange & Söhne no existen piezas sencillas ni relojes que puedan explicarse en pocas líneas. Cada uno es una fascinante historia y, por eso, el elegido para destacar en esta crónica es el Datograph Calendario Perpetuo Tourbillon, del que ya se habla en detalle en esta misma edición. “La particularidad es que el Tourbillon está en la parte de atrás del reloj. La razón es simple, en el dial hay mucha información y si nuestros relojes no mostraran claramente la hora, estaríamos haciendo algo mal”, nos dijo Wilhelm Schmid, CEO de la firma alemana.

Las damas también fueron protagonistas del SIHH. Desde los fantásticos modelos Reverso realizados junto a Christian Louboutin de Jaeger-LeCoultre, pasando por los Blossom Velvet de Roger Dubuis, hasta el el Emperador Cushion-Shaped XL 700P de Piaget, la excelencia también piensa en ellas.

Además, hubo dos importantes relanzamientos de colecciones icónicas. IWC Schaffhausen rediseñó su línea Pilot, inspirada en la aviación, con un concepto claro. En palabras de Michael Cheval, Director de Marca para América Latina: “Es una línea más comercial en la que redujimos el tamaño de las piezas. Además, hemos agrandado la colección de El Principito y Miramar”. En la misma dirección, Vacheron Constantin, la marca suiza más antigua con actividad ininterrumpida, lanzó una nueva generación de su Overseas, con 12 nuevos modelos que realzan el espíritu viajero de esta línea.

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BASILEA

Las agujas de 2016 siguieron avanzando y en marzo volvimos a adelantar nuestro huso horario viajando a Basilea para asistir a Baselworld, una monumental exposición que cada año reúne a más de dos mil marcas del mundo del lujo y a la que, además de prensa e invitados, accede cualquier interesado que pague su entrada.

Chanel, un ícono histórico del lujo, demostró que no toma la relojería como un accesorio al presentar en sociedad su primer calibre in house. “Estamos presentando la piedra que le faltaba a nuestra casa, que es un movimiento propio.

Hace cinco años decidimos incorporar todo lo necesario para producirlo y este año lo terminamos”, nos comentó Nicolas Beau, Director Internacional de Relojería de Chanel. Para no descuidar la belleza, este nuevo calibre le da vida a un sobrio y elegante reloj Monsieur.

El rock and roll de la feria subió al escenario en el espacio de Zenith con su Cristóbal Colón Tributo a los Rolling Stones, una pieza que demuestra que la Alta Relojería puede alcanzar su máxima expresión de elegancia uniéndose a un fenómeno popular como la mítica banda británica.

Este 2016 marca también el décimo aniversario de un reloj que desafió el precepto básico de la relojería, aquel que con fuerza de axioma afirma que lo principal de un reloj es mostrar la hora de manera clara. Nos referimos a los All Black de Hublot, en los que el color negro inunda el dial y derrama sobre la caja y la correa. “A eso lo llamamos la visibilidad invisible, al tener un reloj en el que no se ve la hora claramente –nos dijo Ricardo Guadalupe, CEO de Hublot-. Y este año conmemoramos el aniversario con una innovación. Tomamos este material increíble que es el zafiro y jugamos con la transparencia al negro”.

El perfume de mujer nos llevó al espacio de Chopard, donde se conmemoraban cuatro décadas del Happy Diamonds, un ícono del mundo del lujo y una innovación que incorporó los diamantes a la esfera del reloj, recorriéndola de una manera única. La celebración del aniversario brilló con el nuevo Happy Diamonds Joaillerie.

En 2015, Baselworld recibía a sus visitantes con una noticia de alto impacto: Tag Heuer se había asociado con Google y –más sorprendentemente aún- con Intel, el mayor fabricante de circuitos integrados del mundo. El objetivo, tan evidente como inquietante, era el de crear un reloj que uniera la tradición artesanal de Suiza con su antítesis del Silicon Valley. Y este año, el reloj estuvo listo y presentado.

Entre el Salón de Ginebra y Baselworld, la industria relojera suiza mostró sus cartas y abrió su exquisito juego de precisión y elegancia. ¶

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La superheroína del orden A partir de la premisa de que si acomodamos el afuera, se ordena el adentro, Marie Kondo se mete en las casas de millones de personas que adoptan su método de organización. Fenómeno editorial masivo, su propuesta promete resultados a corto plazo si nos quedamos sólo con los objetos que nos dan felicidad.

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arie fue una niña especial. En sus días de infancia, que transcurrió en Tokio, donde nació en 1985, no era una más del montón. Mientras sus compañeros del colegio corrían al patio a los gritos en cuanto empezaba el recreo, ella pedía permiso para quedarse en el aula y dedicarse a lo que más le gustaba: ordenar meticulosamente las estanterías. Sus revistas preferidas, que devoraba con pasión, eran las de decoración y estilo del hogar, las mismas que leían las madres de sus amigas. Más tarde, en su casa, su obsesión por los ambientes perfectos se trasladó a los cuartos de sus hermanos, que le delegaban la tarea de acomodar su maraña de cosas. Nada la hacía más feliz.

Marie Kondo, que se hizo mundialmente famosa en el terreno de la autoayuda con su best seller La magia del orden. Herramientas para ordenar tu casa… ¡Y tu vida!

(Aguilar), tenía cinco años cuando descubrió que la fascinaba organizarlo todo. Muy pronto se enteró de qué se trataba el “katazuke”, el arte de limpiar y ordenar. Y en seguida, a los 19, pasó de revolucionar a su familia con su manía por el orden, a dictar seminarios sobre el tema en la universidad y a fundar su propia empresa.

Desde ese momento, Marie se mete en las casas de particulares y empresas, se arremanga y abre placares, alacenas, recovecos oscuros. Siempre vestida de blanco, dirige su plan con mano amorosa pero implacable.

Ejerce su magia. Hoy, a los 31 años, se la considera una auténtica “gurú” del orden. De hecho, en 2015 la revista Time la destacó como una de las cien personalidades más influyentes (ese año sólo hubo dos japoneses en la lista:

claves del método KonMari • Ordenar todo en un día y no en varias veces, para que el cambio de mentalidad sea drástico.

• Empezar la organización por la eliminación.

Kondo aconseja agradecer siempre antes de eliminar algo, para que se cierre más fácilmente la relación con los objetos.

• Hay que tomar cada objeto y preguntarse si realmente nos da felicidad para decidir si se lo desecha o no.

• Ordenar por categorías, no por ubicaciones. Y de a una cosa por vez, de menor a mayor dificultad: primero la ropa, luego los libros, los papeles, los recuerdos y, por último, las fotos. La ropa hay que dividirla por subcategorías.

ella y el escritor Haruki Murakami). Kondo asegura que su método, al que llamó “KonMari”, recupera acumuladores, endereza desordenados y ayuda a los apegados a soltar, ese verbo tan en boga en estos tiempos. Porque, sostiene, al ordenar el afuera, se ordena el adentro.

Más allá del insight, su plan, sencillo y radical, promete resultados. Su propuesta, atractiva, habla de una inmediatez casi mágica. “Lo denomino magia de la organización, porque es un cambio tan profundo que influirá sobre tus emociones, afectará tu manera de pensar y tus costumbres. Una vez que descubrís el método, los resultados son inmediatos: entonces es casi imposible que quieras volver a la anarquía. El 99 por ciento de mis clientes nunca tuvo efecto rebote”, dice y vende, segurísima, convincente. Compramos.

Pero, ¿de qué se trata el método KonMari, casi una religión para los millones de personas que leyeron su libro en los 33 países en los que fue editado? En primer lugar, es un mix de sintoísmo y filosofías orientales como el feng shui, orientado al crecimiento espiritual a través de la depuración material. Su trasfondo se nutre de lo que la organizadora profesional aprendió en su adolescencia, cuando trabajaba como asistente en un santuario sintoísta, donde se empapó de sus ceremonias y rituales. Es así que, cada vez que Marie llega a una casa a ordenar, se arrodilla, se presenta en silencio y le dedica un rezo y una reverencia.

Es un método hecho a medida para domar hasta al más vueltero: el proceso debe ser rápido, pasional, y debe hacerse en sólo un día. “El mejor criterio para saber qué conservar es descubrir si me va a dar alegría. Mi objetivo es enseñarte a vivir en un espacio que sólo contenga cosas que dan felicidad”, dice la influencer, que de la noche a la mañana inundó YouTube con tutoriales adictivos donde explica sus secretos para doblar remeras y pantalones hasta su mínima expresión. La idea base es que todo es posible si se transforma el estilo de vida hasta en los detalles más cotidianos como lo es el modo de acomodar las cosas. Si nuestro entorno está ordenado, nos podemos enfocar en nuestros verdaderos problemas. Así lo explica: “Una vez que nuestra mente hizo el click, empezarás a distanciarte de quien no te hace feliz: no sólo tirás aquel sweater que no usabas, también el novio que te hace sufrir”. O sea, no se trata simplemente de descartar lo que sobra, sino también de poner orden al pasado, las relaciones personales y los asuntos pendientes. De esta manera, según Kondo, podremos ver con más claridad lo que necesitamos y lo que nos sobra.

Hoy, Marie vive en Nueva York, está casada y tiene una hija de meses. Y a pesar de que es un fenómeno editorial masivo, todavía se calza su traje de salvadora del orden, pero ahora sólo toca el timbre en casas de famosos y millonarios. Y como todo superhéroe que se precie de tal, esta heroína también tiene sus enigmas y secretos: nadie conoce su casa. Y, menos que menos, su placard. ¶

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Disciplina y talento La herencia nunca le pesรณ, lo empujรณ a mรกs. Diecisiete horas diarias de prรกctica y mucho estudio hicieron de Daniel Piazzolla, nieto de Astor, un baterista con estilo propio que posiciona el jazz argentino en el mundo.

txt Florencia Zielinski fotos Javier Picerno

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al vez fue cuando escuchó por primera vez unos discos de Miles Davis, Dave Brubeck y Michel Camilo por recomendación de su maestro. O cuando a los doce descubrió la murga y los bombos en la cancha de River y se obsesionó con la percusión. El hecho de haber crecido en una casa llena de música también hizo lo suyo.

Lo cierto es que cuando Daniel “Pipi” Piazzolla se apropió del jazz y lo sumó a su instrumento, la batería, todo cambió. El nieto de Astor encontró su Norte, puso primera y no paró. Con disciplina espartana, Pipi llegó a practicar diecisiete horas diarias durante un año para destacarse y entrar en el Musicians Institute de Los Ángeles. Cuenta que adelgazó doce kilos, que “dio todo”. Y que, por supuesto, valió la pena.

Con los años, esa determinación de estar a la altura de su apellido lo llevó a convertirse en un referente del jazz argentino, a girar por el mundo con los pesos pesados del estilo, como Ute Lemper y Paquito D´Rivera y a ganar premios importantes, como el Gardel de Oro en 2012 junto a su banda Escalandrum, por Piazzolla plays Piazzolla. Pero, sobre todo, le permitió dedicarse durante casi todo

¿Por qué elegiste la batería?

En 1984 empecé ir a la cancha. Y ahí estaba la murga. Yo nunca había visto una, recién volvía la democracia y, hasta ese entonces, el carnaval había estado prohibido. Desde ese momento empecé a hacer ritmos por todos lados, en mi casa, en la escuela. Y me pareció que lo mejor era estudiar batería, porque me di cuenta de que tocar la batería era como tocar todos los instrumentos de percusión que me gustaban. Así empecé y hasta hoy es mi pasión. Todavía me acuerdo de cuando me compré mi primer par de palos, el olor de la madera que salía de la bolsa. ¿Cómo se vibra el show desde ese lugar?

El baterista es como el arquero de la banda, porque tiene visión de todo. Es un arquero capitán, el que ordena toda la cancha, el que mantiene el equipo bien parado. El baterista puede determinar hacia dónde va un tema. Si empieza a tocar bajo, todos tienen que bajar; y si empieza a tocar más fuerte, se los puede comer crudos. Y si se descontrola, puede producir un caos total. Tenemos el control (ríe). Siempre trato de ayudar para que estemos todos juntos. Tocamos una música muy

La música que hacía mi abuelo me sonaba natural, no me parecía compleja. La vivía”. el día a una de las dos cosas que más le gustan en la vida: tocar la batería (para los curiosos, la otra es ir a la cancha).

Su rutina diaria da vértigo: “A la mañana ensayo en el estudio que tengo en casa. Por lo general no desayuno, y a veces a las ocho ya estoy tocando. Doy unas seis horas de clases por día, y cuando llega mi primer alumno ya practiqué un buen rato. Después, alrededor de las siete u ocho de la noche, salgo y me voy a tocar a Boris Club, Roseti, Virasoro, Thelonius...”. Está en tantos grupos que dice que ya no los cuenta: Escalandrum, Pipi Piazzolla Trío, Pájaro de Fuego, Fernández 4, Mariano Sívori Trío son algunos de los proyectos musicales que lo involucran. Además, los lunes por la noche tiene su programa en Nacional Rock (Ángulos, de 21 a 23).

Siempre en movimiento, cuenta que la inspiración le viene cuando está de vacaciones, lejos de una batería. “Me tengo que sentar en un piano para componer. Si hay una batería, me siento y toco. Es como adictivo, necesito tocar”.

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complicada y hay veces en que alguno se pierde, y muchas veces lo acomodo yo.

Empezaste de muy chico con la música, ¿fue por el jazz?

Siempre me gustó todo: el rock, los ritmos latinos, el funk, el pop. Arranqué por la música clásica, estudiando piano durante unos cinco años. Y en la adolescencia empecé con la batería. Obviamente me gustaban Pink Floyd y The Police, me sabía todos sus temas. Hasta que mi maestro, Rolando “Oso” Picardi, me pasó un disco en vivo de Miles Davis, Four and More; Time Out, de Dave Brubeck, y uno de Michel Camilo. Ahí se me abrió la cabeza y empecé a darme cuenta de que desde la batería se podía ir mucho más lejos. La música que hacía mi abuelo me sonaba completamente natural, no me parecía compleja. La vivía. El jazz era otra cosa. Y a pesar de que en mi casa sonaba mucho Art Tatum, un pianista de jazz, era algo completamente nuevo. Fue descubrir un encare distinto de la música que tiene que ver con estar todo el tiempo improvisando. El rock es vertical,

va de arriba para abajo, y siempre es lo mismo.

Dicen que el jazz es un estilo horizontal porque nunca se repite. Y esa horizontalidad, ese infinito, me volvió loco. Fue como haber descubierto una fórmula matemática nueva. ¿El jazz da más vía a la exploración, al juego?

El jazz suena siempre diferente. Hoy ensayamos con Escalandrum una versión de “Adiós Nonino” que involucra todos los “Adiós Nonino” que escribió mi abuelo. Sonó muy lindo. Tal vez después lo volvamos a tocar y suene distinto. El jazz es sinónimo de libertad. Se lo puede mezclar con el tango, el folklore, ritmos étnicos, latino, brasileros, electrónica, funk. Nadie te va a señalar, está todo bien.

Y en el país lo que está pasando es que el jazz se argentinizó. Hoy vas a ver a un grupo y casi toda su música es original, compuesta por ellos. Creo que esto hace que estemos atrayendo cada vez más público. La gente se empezó a sentir identificada con el jazz, y eso antes no pasaba. ¿Cuándo pensás que empezó esta movida?

Después de la crisis de 2001 creo que muchos empezamos a mirar hacia adentro. Comenzamos a evolucionar y a mostrar lo que eran nuestras propias ideas, no solo nosotros con Escalandrum. Es un movimiento muy fuerte y que perdura. Creo que hoy, en el país del tango, hay más lugares para tocar jazz que para tocar tango. Me parece que la juventud se quiere expresar y el jazz es el estilo indicado.

También en 2001 apostaste por el jazz.

Sí. Ese año decidí cambiar el tipo de batería, usar una más jazzera y defenderla a muerte. Es algo que sostengo hasta el día de hoy. Antes era más bien un baterista sesionista. Me llamaban para tocar en un disco heavy metal y tenía que armar una batería para eso. O pop, etcétera. En 2001 me dije: “El que quiera grabar con este sonido, que me llame. Y si no, chau”. No fue de agrandado, necesitaba tener mi sonido. Los músicos, como los cantantes, necesitamos tener nuestra propia voz en algún momento. Al cantante se lo identifica por la voz, pero al baterista no. Somos como una herramienta. Pero, para mí, el baterista es clave para que una banda funcione. Y me pareció bueno decidirme por hacerle el aguante a algo que yo quería. Ahora mucha gente me lo reconoce. Así fue como dejé de estar condicionado constantemente. Parece soberbio, pero yo soy muy consciente de que la vida es una sola y yo la quiero pasar bien. Y si soy baterista, quiero tocar mi instrumento a mi manera. Creo que desarrollé un buen oído gracias a mi abuelo y

a mi background familiar, y puedo ponerlo al servicio de la música. ¿Alguna vez sentiste presión por llamarte Piazzolla?

No. Para mí fue positivo porque me hizo estudiar mucho más. Me lo tomé como una responsabilidad sana, una responsabilidad seria. No lo viví como una presión que me ahogaba. Si yo no hubiese estudiado diez horas por día, el apellido me pesaría. Pero hice todo lo que pude para estar a la altura de poder resolver las situaciones que me tocan vivir. Con mucha disciplina. ¿Cuáles fueron los desafíos más importantes que viviste en tu carrera?

El más grande fue tocar música de Piazzolla con Escalandrum. Fue impresionante presentarlo en el Teatro Gran Rex con Paquito D´Rivera de invitado. Y, después, ganar el Gardel de Oro con ese disco. Fue algo muy raro para una banda de

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Dicen que el jazz es un estilo horizontal porque nunca se repite. Y esa horizontalidad, ese infinito, me volvió loco. Fue como haber descubierto una fórmula matemática nueva”. jazz, una banda sin cantante. Si mirás la lista de ganadores, están Mercedes Sosa, Gustavo Cerati, Charly García, León Gieco. Y, de golpe, aparece Escalandrum. La noche que ganamos creo que el 80 por ciento de la sala no sabía quiénes éramos.

Fue increíble. Le pusimos todo y salió bien. Si los planetas se alineaban de otra manera, tal vez el disco no gustaba. O quizás hubieran opinado que era una falta de respeto que hagamos “Adiós Nonino” con saxofones. Porque no llamamos a ningún bandoneonista, improvisamos un poco, mantuvimos nuestro sonido y tratamos de mantener la esencia de la música de mi abuelo, que por suerte

conozco en profundidad. Fue un gran reconocimiento. Creo que es una anécdota muy importante de la música argentina que el nieto de Piazzolla haya ganado el Gardel de Oro con la música de Piazzolla. No lo podíamos creer. En ese momento sentí paz por mí, por mi familia, por mi papá y mi mamá, que se hubieran sentido muy dolidos si ese proyecto no hubiera sido bien recibido.

Cuando no estás tocando, ¿qué hacés?

Voy a ver a River. Es lo único que hago aparte de tocar y escuchar música. No leo. Veo alguna serie, me gusta The Walking Dead y ahora quiero empezar con Game of Thrones. Me gusta el cine fantástico. Prefiero ver un zombie comiéndole la cabeza a un tipo que un drama. Mi abuelo también era así, le gustaban las películas bien pochocleras tipo Rocky, Rambo. Se copaba con eso. ¿Qué ciudades recomendás para recorrer circuitos de jazz?

Además de Buenos Aires, Nueva York. Cuando voy veo cinco shows por día. Calculo que en Chicago y en Londres hay una movida interesante. París, claro. Y en Oslo, Noruega, hay mucho movimiento. En Chile hay movida jazzera, pero no sé si el circuito es tan amplio como acá. Para mí, Buenos Aires es la mejor ciudad del mundo. ¿Qué es lo que tanto te gusta de Buenos Aires?

Todo. Sentirme local. Salir a caminar por la calle y saber por dónde ir y por dónde no. Tener ese control de lo que te pertenece, conocer los atajos. ¿El jazz ya no es solo para entendidos?

Acá ya no, porque se argentinizó. Pero antes sí era bastante elitista. Ahora es más abierto y me parece espectacular, porque los músicos venimos de distintas experiencias, pero no somos tipos que andan todo el tiempo de traje. Yo toco jazz, pero un día de la semana voy a ver a River, vestido todo de River. Y no me importa nada. Me olvido de todo.

El jazz uno lo toca porque quiere llevar a la vida real todo eso que practica en la casa. Quiere mostrarlo. Es más que nada eso. ¶

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L I F E

I S

A B O U T

M O M E N T S

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Sinfonía en rojo y negro

Desde el piso 65 del Rockefeller Center, en Nueva York, Montblanc celebró 110 años de excelencia y prestigio con una velada para pocos: celebrities, modelos y amigos de la marca contemplaron la Gran Manzana con ojos de pioneros.

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todo comenzó en 1906, con el sonido de una estilográfica sobre el papel. inspirado en las últimas novedades mecánicas que habían presenciado durante un viaje a Estados Unidos, Alfred Nehemias, un comerciante de Hamburgo, y el ingeniero August Eberstein se unieron a Claus Voss para materializar una idea. El resultado fue una herramienta que revolucionaría el arte de escritura. Y esa gran idea, hoy convertida en una de las etiquetas de lujo más renombradas del mundo, cumple 110 años.

Por supuesto, un aniversario semejante precisa un festejo acorde. Por eso, después de 110 años de que los fundadores regresaran desde New York a Europa con el germen de lo que sería la marca, decidieron volver al origen y celebrarlo en la Gran Manzana. Por una sola noche, el Rainbow Room, el restaurante ubicado en el piso 65 del mítico Rockefeller Center, fue la sede de una velada diferente, repleta de sorpresas. Como en el monte que le da nombre a la marca, desde las alturas es posible tener una nueva perspectiva del mundo.

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Desde las alturas

No fueron muchos más de ciento diez, pero muy cuidadosamente seleccionados. Los embajadores de la firma, el actor australiano Hugh Jackman y Charlotte Casiraghi, hija de Carolina de Mónaco, junto a actriz Kate Bosworth, la socialité Olivia Palermo y su esposo, el modelo Johannes Huebl, el blogger Adam Gallagher, las modelos Sara Sampaio y Emily DiDonato, el actor Matthew Morrison, la modelo Jasmine Tookes y otros invitados celebraron el aniversario de la Maison. Así, fueron privilegiados testigos del lanzamiento de la nueva Montblanc Heritage Collection Rouge & Noir, inspirada en la pluma fuente original Rouge et Noir, la primera serie de productos de la compañía, lanzada en 1909.

Crónica de una velada única

A su llegada, los huéspedes fueron invitados a firmar el libro digital de visitas, contribuyendo a escribir el último capítulo de la historia de Montblanc. Mientras caminaban entre cuadros que enmarcaban el pasado de la Maison, con fotografías originales, avisos publicitarios de cada época e imágenes de los grandes amigos de la marca, hicieron un viaje de inmersión en el planeta Montblanc.

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Entre cócteles clásicos de los años 20 y 30, y con el sonido del quinteto de Chris Norton, los huéspedes reconocieron de un espacio de exposición articulado en torno a seis estaciones, cada una de ellas dedicada a los seis glaciares del Mont Blanc que todavía pueden observarse en la representación de su identidad de marca.

Cada estación fue diseñada para capturar el universo del “Hombre Montblanc” y los huéspedes pudieron descubrir los relojes, los instrumentos de escritura, artículos de cuero y accesorios de los hombres de la colección 110 años, incluyendo la Steamer Bag, la estilográfica Montblanc Heritage Collection Rouge & Noir Limited Edition 1906 de ebonita, los gemelos de edición limitada de oro rojo sólido y la Meisterstück Soft Grain Collection de piezas de cuero.

Para inmortalizar su presencia, los asistentes se tomaron fotografías con un filtro especial en rojo y negro. El espacio, también teñido de esos tonos, fue un fiel reflejo de la colección Heritage, que engamó con el estilo Art Deco del restaurante con vistas a las luces de la ciudad.

Novedades institucionales

Durante la cena, el CEO de Montblanc, Jérôme Lambert, presentó la nueva Montblanc Heritage Collection Rouge & Noir, The Ultimate Serpent Limited Edition 1, una pluma fuente única con una serpiente que se enrosca en el capuchón y el cuerpo engastada con pavé de zafiros y un diamante Montblanc de 6.15 ct que corona la pieza. Se trata de una importante pieza de colección que cuesta alrededor de 1.2 millones de dólares.

Además, fue la premiere de la campaña publicitaria con Hugh Jackman, dirigida por el galardonado director Andreas Nilsson. Filmada en Budapest, el filme hace una travesía por el pasado y presente pionero de la Maison.

Desde el piso 65, siempre en las alturas del prestigio y la calidad, Montblanc celebró su aniversario y le rindió culto al espíritu pionero de New York. Ciento diez años de excelencia después, ¡un brindis por muchos años más! ¶

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un antídoto contra la gravedad Aquí algunos de los tourbillones que me impresionaron en los salones de Ginebra y Basilea. Mi selección es opinable y obedece, a medias, a la experiencia y a cierto conocimiento y, a medias, a la cantidad de latidos que estos diez relojes provocaron en mi corazón al sostenerlos entre mis manos. txt Carlos Álvarez Insúa

Se me ha sugerido anotar algunas ideas acerca de la armonía. Primero formularse una inquisición: ¿por qué no logramos saltar el Kavanagh? E incluso, ¿qué nos impide volar? La respuesta puede tener derivas filosóficas, pero sucede un asunto de la física al principio, una ley que hace que las cosas caigan y, por más entrenados que estemos, el salto referido es imposible: la fuerza de gravedad que nos funde al suelo y exige el desarrollo de nuestra fuerza muscular para movernos. Este comentario sugiere un principio de fuerzas en oposición y la animación como síntesis de estos contrarios.

La historia de los relojes es la crónica de una lucha contra la gravedad, la evolución de la lucha de una colección de ruedas, engranajes y piñones para documentar el pacto del tiempo medido, y su paso en perfecto escape.

A fines del siglo XVIII sucedieron importantes avances en la precisión de los relojes, pero la gravedad terrestre continuaba y era el problema central de maestros relojeros, pues hacía variar la frecuencia de oscilación del volante, ya que el centro de gravedad de todo el sistema no siempre coincidía con su eje de giro.

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El salto de cantidad en calidad de la precisión, atacando el núcleo del problema, es el tourbillon. La genialidad de Breguet fue situar el órgano regulador y el escape dentro de una jaula metálica que giraba sobre sí misma, a razón de una vuelta completa por minuto, y así anulaba las desviaciones de marcha provocadas por la posición vertical del reloj, que es muy habitual en el pocket watch.

La zaga del tourbillon comienza un 7 de Mesidor del año 9, según el calendario republicano francés, para todos nosotros el 26 de junio de 1801. Es en ese día cuando se otorga el brevet (la patente) a la solicitud entregada por Breguet al Ministro del Interior francés. Esta fecha puede adelantarse 5 o 6 años, pues Abraham-Louis Breguet (10 de enero de 1747 – 17 de septiembre de 1823) realizó algunos prototipos anteriores, pero solo podemos afirmar que el tourbillon es una complicación controlada, no experimental, a partir de su fecha de patentamiento.

La idea básica detrás del tourbillon es bastante simple: evitar que un reloj funcione ligeramente más rápido o más lento, dependiendo de qué posición se encuentra en vertical, la jaula y su rotación. Es decir, fue la herramienta para armonizar los diversos reclamos de la gravedad.

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Panerai

Lo Scienziato Luminor 1950 GMT Titanio 47mm Un Panerai es un Panerai, esto ya es suficiente. Lo que ha logrado la Officine en cerca de 20 años es asombroso, tanto por su suceso como por su legítima identidad. Inevitable referir la historia enhebrada por Panerai, con su caja diseñada para los submarinistas italianos que al principio llevó en su interior en calibre Rolex de 16 líneas. Fueron unos pocos relojes para satisfacer aquella demanda de la Armada Real italiana, pero la escena fue, sobre todo, el nacimiento de un mito. Luego, décadas de silencio y un reloj con calibre Angelus para volver a desaparecer hasta el verdadero nacimiento en 1990 a través del Grupo Vendôme que luego se integraría a Richemont. Bueno, basta de historia, lo cierto es que un Panerai es un Panerai y todo el mundo lo sabe. Entonces hablemos de mi tourbillon 2016. El PAM 578 con el calibre P.2005/T es de titanio y diámetro muy Panerai: 47 mm. Allí adentro, en un movimiento esqueletizado con un tourbillon e indicadores de segunda zona horaria, 24 horas y reserva de marcha. Se trata sin duda de un reloj de haute complication, pero no es este desafío relojero lo que me lleva a elegirlo, sino su contemporaneidad, belleza y originalidad constructiva. El Scienziato es conmovedor y expresa, como pocos objetos, la armonía entre diseño y función, que es, sospecho, el patrón de oro para definir la estética en la relojería. Prosigue italiano, más allá de los laboriosos saberes suizos. Es un tourbillon muy, pero muy, Panerai.

Richard Mille

Cronógrafo Tourbillon Split Second RM 50-02 Richard Mille juega al límite, para él es casi siempre imposible imaginar que un reloj no contenga un tourbillon, o que los materiales no sean aleaciones complejas y sorprendentes para administrar la solidez y la ligereza. Todavía puedo, al cerrar los ojos, evocar la Magnolia de 2015 y revivir como reminiscencia la sorpresa que aquel reloj me provocó. Inevitable, acompañan aquel recuerdo dos chicas un poco desnudas cubiertas con vestidos de magnolias caminando por los pasillos de la SIHH 2015.

La gracia de Mr. Mille también tiene que ver con su modo de encontrar la relojería más extrema con la audacia y la transgresión.

Pero vamos al reloj 2016, con aquella Magnolia mecánica running in my mind.

Se trata del RM 50-02 ACI. En él habita un bello tourbillon, pero también hay un estupendo split seconds que subraya la identidad deportiva de este notable ejemplar con el taquímetro ovalado que rodea el bisel.

Limitadísimo a 30 ejemplares, este reloj refinado, loco y genial es otra vez una declaración de principios de Richard: singularidad, reinvención del lujo y el ADN de los automóviles de alta velocidad.

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A. Lange & Söhne

Datograph Calendario Perpetuo Tourbillon Por fuera, elegancia, aerodinamia y discreción; por dentro, calibres extraordinarios, apasionados, con sorpresas y bellezas secretas: así es la gran manufactura alemana. Cada A. Lange & Söhne preserva la sobria apariencia de un bello reloj por fuera con un movimiento que juega en el límite de lo posible para la relojería. Lange nos mostró la actualización del Datograph Perpetuo el año pasado, bueno, esto es Lange; y Lange no hace nada el camino más fácil -este bloque de edición limitada es esencial, relojería pura. Tres complicaciones de alta gama juntas. Así que imagine el calibre de -posiblemente- el mejor de cronógrafo en el mundo acoplado con un calendario perpetuo instantáneo, con indicación de las fases de la luna y la fecha con la posibilidad de avanzar en cada pantalla, a la vez empujando el botón de las 10 horas. Pero aquí de nuevo, no es solo como si Lange acabara de tomar la misma línea de la existente en el Datograph Perpetuo, además trasladó el indicador de reserva de marcha hasta el final de la escala del taquímetro: cool . Y el tourbillon… se encuentra detrás de las 12 horas, y el escape gira alrededor de su propio eje una vez por minuto dentro de una jaula de filigrana ejemplar. En cuanto a los pesos excéntricos, con la rotación se eliminan las fuerzas de la gravedad sobre él.

Audemars Piguet

Royal Oak Tourbillon Extra-Thin Openworked Yellow Gold Distintas tonalidades dentro de una gama de grises en el movimiento, rodeadas por delgados planos de oro amarillo de 18 quilates, a veces esmerilado, a veces pulido, generan un juego de colores, dimensiones y profundidades sencillamente adorable en el Royal Oak Tourbillon Extra-Thin Openworked. Sí, en 2016 el openworked ha vuelto, pero amarillo.

Siempre he amado el Royal Oak esqueletizado, pero esta versión en oro amarillo es inefable, y demuestra el poderoso y sólido futuro del oro amarillo para el lustro por venir, conviviendo, pero también desplazando a los pink gold, casi rojos.

Cada pieza es aquí una parte esencial de este límite de la esqueletización. Y así, el tourbillon se revela no sólo como prodigio técnico, sino como aporte estético para transformar al reloj en un verdadero show visual.

Desde lo técnico, esta pieza también enfrentó un severo desafío: integrar las características que pareciera imposible de reunir, extraplano, esqueletizado y hacer girar al mecanismo de un tourbillon. Pero es Audemars Piguet quien firma, entonces nada sorprende, pues el desafío es su ADN. Está equipado con caja de oro amarillo de 18 quilates, cristal y fondo de zafiro con tratamiento antirreflejos, hermética hasta 20 metros, de 41 mm de diámetro. El calibre cuenta con 70 horas de reserva de marcha y cien cantos tratados con la técnica l’anglage, que exhiben su delicada terminación a mano. Un bello tourbillon corona casi imposible de imaginar. La esfera esqueletizada tiene índices aplicados y agujas Royal Oak de oro amarillo, con revestimiento luminiscente.

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Jaeger-LeCoultre

Reverso Tribute Gyrotourbillon Vale la pena señalar una proeza técnica: cuanto más tiempo pase desde la concepción del Gyrotourbillon más orgulloso por este se sentirá la manufactura de Le Sentier. Eric Coudray desarrolló el Gyrotourbillon varios años atrás y, si bien el efecto visual es el de algo que se mueve como un giroscopio, en realidad se trata de un tourbillon de dos ejes ensamblados dentro de una jaula esférica.

Hay una rueda de equilibrio en forma de bola de espiral, también de forma esférica. Una vez más, no es realmente una sorpresa en absoluto que JLC actualizara la Gyrotourbillon en su homenaje de cumpleaños para el reloj Reverso.

Jaeger-LeCoultre Reverso tributo Gyrotourbillon tiene de nuevo el movimiento Gyrotourbillon, actualización del calibre 179. De acuerdo con el Manual 2016, es un 30 por ciento más ligero que su predecesor y tiene un mecanismo de accionamiento externo.

El tourbillon volante biaxial revela dos carros que ejecutan una rotación externa en un minuto y una rotación interna en 12,6 segundos. Un enfoque muy novedoso que Jaeger-LeCoultre ha tomado es la inclusión de un volante en forma de ancla diseñado para evocar el logotipo de la marca.

En el frente está la hora y los minutos dial, en la parte superior. A las 11 en punto se advierte el indicador día/noche.

En el reverso de la esfera, se manifiestan el movimiento grabado que muestra su extrema delgadez, la información del dual time y el indicador de día y noche. Son 75 ejemplares.

Greubel Forsey

Tourbillon 24 Secondes Vision, oro rojo EL Greubel Forsey Tourbillon 24 Secondes Vision ganó la “Aiguille d’Or” en el último Grand Prix d’Horlogerie de Genève.

En SIHH 2016, el relojero anglo/suizo propone una declinación completamente nueva del Tourbillon 24 Secondes Vision. En este salón la caja de oro blanco ha virado al oro rojo con la línea en un tono antracita que agrega un bello contraste. La caja prosigue delgada, pero para alojar y mostrar los Tourbillon 24 Secondes se diseñó una nueva cúpula de zafiro que fue tallada hacia atrás, definiendo una muy interesante asimetría vertical. Indicaciones esmaltadas en el dial de oro macizo, agujas con acabado a mano y el puente del tourbillon por debajo definen su excelencia.

En verdad, pocos arquitectos de relojes tienen más derecho a expresar autoría y orgullo con cada una de sus piezas. Así, su satisfacción por lo conseguido también se expresa en que cada puente está discretamente firmado.

Esta pieza posee una caja de oro rojo y una llamativa cúpula de zafiro para mostrar el Tourbillon 24 Secondes. El increíble reloj creado por Greubel Forsey es en verdad refinado y sorprendente.

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Montblanc

4810 ExoTourbillon Slim Para SIHH 2016, Montblanc ha regresado a la Colección 4810 que refiere los 110 de la marca. Llamada así por la altura del Mont Blanc (que es 4810 metros).

La gran novedad es el 4810 Exo/Tourbillon, verdadero embajador de estos 110 años que narran una historia poderosa e imbatible en la construcción del liderazgo, y hegemonía absoluta, en las plumas estilográficas de alta gama, un poderoso desarrollo en marroquinería desde su propia manufactura de Firenze, y un joven y potente camino en la alta relojería. En este último aspecto no puede dejar de mencionarse la adquisición de Villeret, una de las más exquisitas manufacturas suizas a la que, en una conversación que sostuvimos hace seis meses en Nueva York, Jérôme Lambert llamó “la NASA de la alta relojería de Montblanc”.

El bello e inteligente escape de ExoTourbillon se construye fundamentalmente diferente a otros torbellinos. Su construcción permite una gran rueda de equilibrio que se coloca fuera de la jaula del tourbillon. El Exo en el nombre se deriva del griego y significa “externa” o “en el exterior”, y se refiere al gran equilibrio del tornillo, que está situado fuera de la jaula rotativa del tourbillon. Esta construcción original y patentada permite una jaula de menor tamaño y más ligera, el ahorro de energía 30 por ciento en comparación con un tourbillon convencional.

La rueda de equilibrio en el ExoTourbillon mide 9,7 mm de diámetro y cuenta con 18 tornillos, cuatro de las cuales son de oro y se pueden ajustar, los otros 14 se fijan para garantizar precisión de la hora. Un dato relevante es que una gran rueda de graduación mejora la inercia, y ofrece una “oscilación” más estable.

La caja de oro blanco de 42 mm alberga el calibre 29.24 MB movimiento automático, que es accionado por primera vez por un micro-rotor.

Una flecha roja en la jaula del tourbillon indica los segundos y presenta un práctico mecanismo de parada rápida de segundos. Esta función es posible gracias a la construcción de un látigo, que detiene el gran volante de tornillo con posibilidad de reiniciarlo.

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Cartier

Tourbillon Mystérieux Azuré Este reloj combina la alta joyería y la complicación del tourbillon astro/misterioso de manera virtuosa. Otra vez el SIHH fue conmovido por la creatividad e ingenio de Cartier. Solo ellos pueden trabajar más allá de los límites, lo cual es tradición en su joyería extrema, pero desde hace una década la complicación relojera ha alcanzado el poder de sorpresa a la luz de las piedras y el arte del engarce.

Pocos pueden imaginar algo parecido al tourbillon misterioso, pero solo el team Cartier puede agregarlo a la lista de objetos mágicos del mundo. Se trata de una mariposa inefable, que parece inventada por el Emperador Amarillo, quien en China creó la verdadera mariposa al tramar su esencia con un sortilegio 5000 años a.C, según el relato de Salvador Elizondo. La de Cartier tiene alas de zafiro y cuerpo de diamantes pavé. En el centro de la esfera, de una transparencia absoluta gravita, en el vacío, un doble tourbillon misterioso.

La cadena está tramada con motivos geométricos tallados en diamantes; el medallón se inscribe en la tradición de las joyas transformables de Cartier, puesto que el zafiro oval de Sri Lanka de 25,93 quilates, que termina la caída del medallón, puede ser desprendido.

Un objeto increíblemente complejo que cristaliza el meaning of life del arte de la joyería donde todos los elementos mecánicos son invisibles.

Esta obra horaria maestra ha necesitado más de 2050 horas de trabajo. Su carga es manual, una pieza única.

Deberá aclararse que este magnífico trabajo es, además, el mecanismo de relojería más caro presentado en en la Sihh 2016: 1.305.000 dólares.

Zenith

Academy Georges Favre-Jacot El Zenith Academy Tourbillon Georges Favre-Jacot es un notable reloj que propone una lectura futurista para la alta relojería. Su diseño y materiales innovadores ponen en juego un calibre explosivo. El Primero 4805, que trama dos complicaciones: el tourbillon y un sistema de transmisión de caracol y de la cadena que nos recuerda la experiencia en la fabricación in house de Zenith. El tourbillon Georges Favre-Jacot exhibe su singularísimo mecanismo de manera transparente. Una caja de cerámica negra contiene al nuevo movimiento. Así es este El Primero con tourbillon y sistema de transmisión fusée y cadena. Estas dos complicaciones relojeras están así juntas por primera vez en un movimiento de alta frecuencia.

La cuerda es manual.

Advierto que este reloj, limitado a 150 piezas numeradas es, sospecho, la más interesante proeza técnica presentada en Basel.

El reloj mide 45 mm de diámetro y 14,65 mm de altura. El cristal es zafiro bombée en ambas caras y permite ver de atrás de la caja el movimiento.

El Primero 4805 es un movimiento de carga manual que corre a 36.000 VpH (5 Hz) y cuenta con aproximadamente 50 horas de reserva de marcha.

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Tourbillions

Vacheron Constantin

Maître Cabinotier Retrograde: Armillary Tourbillon Aquí, el primer uso de un mecanismo de la Referencia 57260 en un reloj de pulso.

Acaso la noticia más importante de 2015 en la complicación relojera fue la presentación de Vacheron Constantin, en Généve, del reloj más complicado de la historia, desafiando a la mítica referencia 89 de Patek Philippe. Tuve la suerte de ser invitado a dicha celebración y ver ese reloj sorprendente antes de viajar a Nueva York, donde vive su dueño. No creo exagerar si afirmo que este pocket watch redefine la complicación relojera, más allá de las tipologías. Ese tipo de afirmación debe tener reservas, pues las bibliotecas difieren al momento de definir qué es y qué no es una complicación. Por mi parte, me atrevo a adherir a lo que alguna vez me dijo Giulio Papi: “Todo lo que se agrega a las horas, los minutos y los segundos, aunque simple, ya es complicación”. Sin embargo, está fuera de toda discusión que la referencia 57260 fue un logro impresionante.

Y muchos de los que estábamos allí nos preguntábamos si alguna vez devendría reloj de pulsera.

Hoy la duda está despejada. El Vacheron Constantin Maître Cabinotier retrógrado Armillary Tourbillon es una derivación del 57260.

Además del tourbillon, calendario perpetuo, indicación de tiempo sideral y ecuación del tiempo, posee también algo realmente inusual: un calendario perpetuo hebraico, extremadamente difícil de construir por la compleja interacción de ambos funciones lunares y sus ciclos. Se trata de una pieza única y ya está vendida, el propietario y el precio son confidenciales.

El secreto convoca a especular y parece razonable que el dueño del reloj de pulsera sea la misma persona que encargó el 57260. Pero si el propietario de la retrógrada Armillary Tourbillon no es el mismo que el del bolsillo 57260, es dueño, sin duda, de un reloj de pulsera único, singularmente bello y complicado.

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complementos del buen vestir Nicolás Zaffora es uno de los pocos sastres de la nueva generación que se dedica al bespoke, un término del inglés que se utiliza para denominar la confección artesanal a medida de indumentaria masculina. Después de un encuentro con los clientes de Montblanc en su boutique de la avenida Alvear, una charla acerca de estilo y sofisticación. txt Mariana Riveiro fotos Juan Huerta

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l relato detrás de una profesión particular siempre esconde una historia de vida diferente. Ese es el caso de Nicolás Zaffora, uno de los pocos sastres argentinos dedicados al bespoke, la confección a medida y artesanal de indumentaria masculina.

Es que él creció entre cinchas de cuero, agujas y géneros. Nicolás pasó su infancia con sus abuelos, que se dedicaban a la talabartería y a la sastrería a medida, e hizo sus prácticas sartoriales en un monasterio, donde fue monje de clausura. Allí se encargaba de confeccionar a mano las vestimentas de sus compañeros. Pero un día, el destino cambió para siempre: inspirado en los ateliers londinenses de Savile Row, abandonó el monasterio y comenzó su propio emprendimiento.

Nicolás viste fitted, se expresa con voz gruesa y tiene opiniones claras. El humor es un recurso frecuente cuando habla de asesoría de imagen, de errores y aciertos. Y tal vez porque la tradición de vestir a medida se transmite de padres a hijos -igual que las piezas de Montblanc- fue convocado por la firma para charlar con sus clientes más selectos acerca de géneros y prendas de lujo. Fue un encuentro masculino, pausado, distendido en el cual los accesorios Montblanc complementaron la sastrería a medida a la perfección. Gemelos, portatarjetas y cinturones Montblanc acompañaron los consejos del buen vestir de uno de los sastres más exclusivos.

Hoy, Nicolás es padre de dos nenas y atiende en su atelier de la calle Arroyo 961 a clientes nacionales e internacionales de lo más exigentes.

¿Cuáles son los errores típicos de la vestimenta masculina?

Primero hay que distinguir en dos grupos: los hombres que se cubren y los que se visten. De los que se cubren no hablemos porque están llenos de errores. Solo buscan comodidad y atravesar la temporada, estar frescos en verano y abrigados en invierno; y punto. Después, no miran nada más.

Luego, entre los que se visten, tal vez uno de los errores más habituales es que prestan mucha atención a combinar colores, pero no a combinar las líneas y el corte de las prendas. Entonces, a veces usan chaquetas muy ajustadas con pantalones demasiado amplios, y viceversa: pantalones no tan fit con sacos demasiado ajustados en las mangas. ¿Cuál te parece un error grave de protocolo?

Lo primero que me viene a la mente es el tema de los trajes negros de día. En especial cuando el conjunto entero (chaqueta, pantalón y zapatos) está desubicado. En el único momento en que se puede usar un traje negro de día es en un velorio, un ce-

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siempre a largo plazo y también tiene dos partes.

La primera, cuando se hacen las prendas, es una gran experiencia para ellos; y luego se extiende en el tiempo indefinidamente. ¿Cómo se construye un fondo de placard?

Y… con muchas prendas. Camisas blancas, por lo menos debe tener dos. Dos o tres camisas celestes, de diferentes tonos. Dos ambos, mínimo. Aunque no los use habitualmente: uno azul noche y uno gris a rayas para diferentes ocasiones, y para vestir de tarde. Uno o dos jeans. Dos pantalones chinos -como los llamamos-, uno beige y otro azul. Además, un blazer azul y un pantalón gris. Una chaqueta a cuadros, un sweater de cashmere y unas camisas de verano, de lino. Debe tener remeras blancas de calidad, que son difíciles de encontrar. ¿Como hombre sos crítico a la hora de analizar la vestimenta de la mujer?

La mujer argentina se arregla bastante, es coqueta. No exageradamente, como las italianas, por ejemplo. Pero es prolija, combina bien, en general muestra el cuerpo. Tiene lindas curvas, suaves.

Pero hay un defecto generalizado, que se ve más en la mujer: cuida poco la calidad y mira más el color, el diseño y se preocupa por cómo le calza en vez de estar atenta a la calidad. Esa es mi crítica. menterio, una sepultura. Pero no para ir a trabajar y menos para andar por la calle. ¿Cuál es la prenda más favorecedora? ¿Es posible detectar señales de que la ropa te queda mal?

La mejor prenda para la imagen masculina es la chaqueta sastre en todas sus versiones. Ya sea ready to wear (listo para llevar), made to measure (que es un industrial a medida) o bespoke (que es artesanal a medida). En cualquiera de las opciones, es perfecta para construir la imagen. Hay más cómodas o más abrigadas, o con otras utilidades, pero no hay otra prenda que genere mejor imagen. En general los talles grandes crean volumen de más que se nota, y los talles chicos generan arrugas y sombras en el entalle y el botón, en los hombros, en la espalda. ¿Cómo es el vínculo con los clientes del servicio bespoke?

Como te contaba, hay diferentes versiones del traje sastre. El tope de gama es el artesanal a medida, el bespoke. El cliente que viste a medida, excepto la ropa casual, en general tiene toda su ropa formal hecha a mano. La relación con los clientes es

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Tu trabajo es timeless, ¿tenés en cuenta las tendencias en la moda masculina?

En la vestimenta clásica las tendencias o la moda no es ni semestral ni anual, es en todo caso por décadas, o por lustro, cada cinco años, mínimo. No es tan vertiginosa como la moda femenina. Tiene más que ver con el estilo y lo que plantea no son cambios bruscos. Son pequeños ajustes: por ejemplo, se acortan los pantalones o se angostan las chaquetas. Permite evitar la corbata si se agregan un montón de condimentos. Moda es lo que plantean las marcas cada seis meses y el estilo es lo que cada individuo puede expresar de sí mismo con su cuerpo y su indumentaria, cómo refleja su personalidad en su imagen exterior. ¿Cómo fue el encuentro en la boutique Montblanc?

La experiencia fue buenísima porque hablamos de géneros de lujo, de estilo y Montblanc tiene todos los accesorios para llevar con la indumentaria clásica: gemelos, el reloj que es la joya principal del hombre, la pluma, etc. También el clip de dinero, los maletines, las fundas de celulares. El desarrollo de la colección de la marca fue muy complementario con mi especialidad, por eso fue muy lindo. ¶

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La maestría del balance Reformuló la gastronomía tradicional japonesa al dominar y aportarle su impronta al arte culinario del kaiseki, una técnica basada en la combinación de sabores y preparaciones en perfecto equilibrio. Al frente de un exitoso restaurante en Los Ángeles, la chef Niki Nakayama habla de la difícil tarea de encontrar una voz propia. txt Andrea Cukier fotos Zen Sekizawa

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a totalidad de una comida es tan importante como la suma de sus partes. Así se resume la filosofía de n/naka, un restaurante en el que la cocina tradicional kaiseki se fusiona con ingredientes occidentales para reflejar los ritmos cambiantes de la tierra. Al frente de esta propuesta gastronómica está la chef Niki Nakayama, la primera -y posiblemente única- mujer en el mundo en ofrecer un menú bajo el concepto de este antiguo arte culinario japonés.

La cocina kaiseki tiene su origen en el siglo XVI. En un principio, era parte de la ceremonia del té, y con el tiempo se fue convirtiendo en un sinónimo de alta gastronomía japonesa. Su servicio incluye hasta catorce platos -pequeños, pero suculentos- y el fundamento de esta cocina estacional es el respeto por la naturaleza. Solo es posible servir alimentos propios de la estación y que sean cultivados en la región en la que se ofrece el plato.

Sin embargo, lo que distingue a Niki Nakayama -además de su exitosa reinterpretación del kaiseki- es que la chef nació y creció en Los Ángeles, California. A los 22 años comenzó su carrera en Takao, uno de los restaurantes japoneses más importantes de su ciudad natal y, luego de un emblemático viaje a Japón que duró tres años, se reencontró con sus raíces y profundizó su amor por la cocina.

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La gente que más amo es la que más me motiva”.

A su regreso abrió dos exitosos restaurantes, pero Nakayama tenía la sensación de que su comida no tenía alma y decidió cerrarlos para entrenarse en el arte del kaiseki. El secreto de esta degustación es que la comida tiene un orden específico que alterna platos hervidos con cocciones fritas, al vapor y a la parrilla. También se mezclan los sabores dulces con los salados y avinagrados, el arroz y la sopa de miso.

Luego de dominar esta técnica, en 2011, abrió N/naka y se posicionó como uno de los restaurantes más innovadores. Su éxito arrollador la convirtió en una de las protagonistas de Chef ’s Table, una serie documental creada exclusivamente para Netflix que se centra en la vida y obra de varios chefs internacionales, entre los que se encuentra el argentino Francis Mallmann. Allí, Nakayama habla acerca de las exigencias de su familia, sus orígenes, de la lucha por encontrar un lugar en la cocina japonesa siendo mujer, y de cómo ese sufrimiento se convirtió en una obsesión por la ejecución perfecta del trabajo.

Allí la chef evoca aquel sentimiento de

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kuyashii -palabra japonesa que describe la necesidad de demostrarle a alguien que te menosprecia que está equivocado-. Sin vergüenza, Nakayama se anima a expresar sus temores con respecto a decepcionar a sus seres queridos y demuestra que la pasión venció a los prejuicios. Hoy, a los 42 años, disfruta de su familia y está casada con Carole, que además de ser su pareja, también es sous-chef en N/naka.

El compromiso de Nakayama para brindar la mejor experiencia posible la llevó a crear menúes que prometen una verdadera experiencia para los sentidos. Visualmente imponentes, sus platos son decorados con flores y especies vegetales que refuerzan el espíritu minimalista y una absoluta reverencia por los ingredientes. ¿Qué es lo primero que viene a tu mente cuando pensás en Japón?

Tengo los más maravillosos recuerdos acerca de mi estadía allí y, sin duda, tengo muy presente el clima y las estaciones del año. Un día, en pleno verano, estaba tomando clases de cocina en el campo y, cuando terminó la clase, con el grupo decidimos hacernos una escapada. Ya era de noche cuando llegamos a un estanque que estaba cerca y se veían cientos de luciérnagas iluminando todo el lugar. Fue un momento mágico. Así como ese, hubo muchísimos momentos durante mi estadía en Japón en los que pude apreciar toda la belleza que la naturaleza tiene para ofrecer.

Durante ese viaje aprendiste los secretos acerca del kaiseki, ¿qué te maravilló de esta técnica culinaria?

Hay un sentido de apreciación y gratitud muy profundo en ese ritual. Me encanta que la técnica nos recuerde constantemente que hay que honrar a la naturaleza

Me encanta que la técnica del kaiseki nos recuerde constantemente que hay que honrar a la naturaleza”.

¿En qué te inspirás para crear un plato?

Nada me motiva más que pensar cada ingrediente en su individualidad. Necesito tomarme el tiempo necesario para comprender todo lo que cada producto puede ofrecer y eso me permite crear toda clase de ideas maravillosas que cobran vida y florecen cuando armo cada plato.

co ingrediente puede arruinar o mejorar tu plato por completo.

N/naka tiene que ver con el balance entre tu personalidad creativa y el estilo tradicional, ¿cómo lográs ese equilibrio sin perder tu impronta en el proceso?

Lo que me enamora de ese ritual es que, además de ser tradicional, también tiene que ver con la filosofía de honrar a la naturaleza utilizando solo los ingredientes que tenés a mano. Mi definición de tradición es que mi comida represente mi lugar de origen -que es Los Ángeles, California- sin perder el alma de la cocina japonesa. Para lograr ese equilibrio en N/naka, siempre me doy permiso para explorar los ingredientes que me interesan a mí, aunque respetando la cultura kaiseki.

¿Cuál es el ingrediente más importante en tu cocina?

Para mí el dashi (caldo de pescado japonés) es fundamental. La calidad del plato depende ciento por ciento de la ejecución del dashi. En la cocina japonesa, ese úni-

¿Qué impacto tuvo en tu vida la experiencia de filmar el episodio de Chef’s Table?

Gracias a ese documental, la gente pudo entender cómo trabajamos en N/naka, cuál es nuestra visión y qué es lo que que-

y hay que ser muy agradecido por todo lo que ella nos provee. ¿Cuándo decidiste dedicarte a la cocina?

Cuando visité el ryokan –posada japonesa- de mis tíos. Allí experimenté por primera vez una cena estilo kaiseki y me cautivó la sensación de interpretar a la comida como algo delicioso, artístico y cuidadosamente pensado para la ocasión.

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Lo que más me costó siempre fue lograr que el trabajo que hago hable por mí”.

de apoyo, me hizo sentir que, en algún punto, todos estamos conectados por la experiencia de ser humanos.

En el documental mostraste que llevás un sistema de archivo en donde anotás lo que come cada cliente. ¿Cómo aplicás ese registro en el día a día?

Lo más interesante de servir un menú de degustación con tantos pasos es que cada cena se crea para que cada comensal disfrute y se sorprenda con cada plato.

Cuando anotamos lo que probó cada persona que vino a cenar a N/naka, podemos llevar un registro minucioso que permite que, si esa persona vuelve, no pruebe lo mismo que la vez anterior. Es un gran desafío, pero nos obliga a mantenernos actualizados constantemente. ¿Tus clientes aprecian ese nivel de detalle? ¡Sí! Les encanta saber que nos preocupamos para que cada uno de ellos tenga la mejor experiencia posible y estoy segura de que la variedad en los platos es una de las razones por las cuales vuelven varias veces por año.

remos transmitir con nuestras comidas.

Además, todos los que trabajamos en el restaurante nos esforzamos muchísimo más para que cada persona que venga se lleve la misma experiencia memorable que vio en el documental. A nivel personal, me impactó recibir tantos mensajes

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¿Cuál es la experiencia más difícil que tuviste que enfrentar como chef?

Creo que lo que más me costó siempre fue lograr que el trabajo que hago hable por mí.

Lo más importante es construir credibilidad.

¿Quiénes te inspiran a mejorar tu trabajo?

Es una pregunta muy difícil, porque son varias las fuentes de inspiración. En principio, todos los chefs responsables de los platos que probé. También podría nombrar como influencia todos los libros de cocina que alguna vez leí. En definitiva, siento que la gente que más amo es la que más me motiva. ¶

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La historia en cinco maniobras Por su contexto social y político, su sistema de ensamblaje, su diseño, su potencia, su funcionalidad o la combinación de todas estas características, estos diseños cambiaron el rumbo de la industria automotriz. txt Gabriel Silveira

Marcas, modelos, versiones.

Han sido muchos los autos que pasaron desde que Karl Benz recibiera la patente número 37.435 por parte del Gobierno alemán, luego de registrar su triciclo con motor de combustión interna, considerado el primer automóvil de la historia.

Pero hay cinco ejemplares que dejaron su huella como otros no fueron capaces. No quiere decir que hayan sido los más evolucionados técnicamente o los más avanzados en materia de diseño, pero han ocupado un espacio trascendental en su época, ya sea desde un aspecto tecnológico, económico, social y hasta político. A continuación, los cinco pilares de la industria automotriz.

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Ford Model T: el mundo sobre ruedas Si bien el Model T comenzó a ser fabricado en octubre de 1908 -cinco años después de haberse constituido la Ford Motor Company-, no fue hasta 1913 que empezó a tomar una trascendencia que modificaría por completo la incipiente producción automotriz y cambiaría de una vez por todas el modo en que la humanidad se desplazaba con una “explosión” inicial en los Estados Unidos, pero con una onda expansiva que abarcó todo el planeta.

El fundador de la empresa, Henry Ford, estaba convencido de que un operario asignado en un puesto y con una tarea específica para realizar haría que el automóvil tomara forma de una manera más rápida y ahorrara más horas de trabajo. Esto le daría, entre muchas otras cosas, mayor capacidad y menos costos de producción. Para demostrar su teoría mandó a que un chasis de un Model T recorriera distintas estaciones de montaje tirado por una cuerda en la planta de Higland Park, en Michigan. De este modo, había creado la producción de automóviles en serie.

Con este método, Ford redujo el tiempo de fabricación de 12 horas a tan solo una hora y media por cada unidad. Como esto le iba a permitir incrementar su productividad y sus ventas, Ford dobló el salario de sus operarios al implantar la jornada de trabajo de ocho horas y pagando 5 dólares diarios. Solía decir que sus empleados tenían que ser capaces de adquirir el producto que ellos mismos fabricaban. Además, el precio de venta fue reducido a menos de la mitad.

Parte del éxito del Model T también radicaba en que contaba con una mecánica simple y confiable. No era precisamente un auto cómodo, pero era más rápido y eficiente que los caballos, el medio de transporte más popular a principios del 1900. Otros atractivos fueron los elementos opcionales que se podían agregar, y así utilizar un T para casi cualquier aplicación; era común su uso para arar la tierra en los campos.

Hasta 1927 -año en que fue reemplazado por el Model A-, se fabricaron más de 15 millones de unidades, una cifra ridículamente alta para la época y que al día de hoy lo hace figurar entre los vehículos más producidos de la historia. El Ford T fue el que guió el modo de negocio del mundo del automóvil y el modelo que puso al mundo sobre ruedas.

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Volkswagen Escarabajo: el ícono de la posguerra La historia no dejó bien en claro si la idea original fue de Adolf Hitler o de Benito Mussolini. Lo cierto es que ambos llevaron a cabo un plan casi idéntico en el desarrollo de un vehículo económico y popular. Hitler lo hizo con el Escarabajo y el Duce, con el Fiat 500.

A principios de los años 30, Hitler se reunió con Ferdinand Porsche -quien más tarde crearía la marca que lleva su apellido-. Le pidió que llevara adelante el desarrollo de un vehículo simple, barato y capaz de transportar a dos adultos y a tres niños. Le encargó el Auto del Pueblo (Volkswagen).

Luego de perfeccionar varios prototipos, todo estaba listo para lanzar este modelo popular en 1938. Inclusive unas 336 mil personas ya habían encarado un plan de compra para llevarse alguna de las primeras unidades que saldrían a la calle. Pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial cambió los planes y la producción tuvo un uso exclusivamente militar: en ese período se hicieron más de 50 mil unidades del Kübelwagen, una adaptación que también ideó Porsche para ser utilizada en los campos de batalla.

Una vez terminada la guerra, fueron los británicos quienes tomaron la administración fiduciaria de la planta de Wolfsburg -hoy sede del Grupo Volkswagen- y quienes reiniciaron la producción del Escarabajo. A finales de 1945 solo se habían ensamblado unas 55 unidades y fueron destinadas principalmente para su uso por los Aliados durante su ocupación y también para ayudar a proporcionar servicios de salud en las zonas rurales. Una reforma monetaria atrajo nuevos compradores y sacó del estancamiento de las mil unidades mensuales que se producían hasta 1948.

Fue así que en 1955, apenas diez años después, salía de la línea de montaje la unidad un millón del Escarabajo.

El escarabajo fue un elemento clave en el desarrollo de la democracia y la movilidad del país germano en la posguerra, y posteriormente encontró una buena recepción en muchos otros países, actuando como embajador importante en la promoción de una imagen positiva de Alemania Occidental.

El último lugar de fabricación fue la ciudad de Puebla, en México, hasta finales de julio de 2003, cuando el modelo fue discontinuado definitivamente. Con más de 21 millones de vehículos fabricados, el Escarabajo se había convertido en un emblema de la marca alemana y en un ícono de la industria automotriz mundial. Luego llegaron la nuevas generaciones, apoyadas en ese inconfundible diseño. Pero esa ya es otra historia.

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Mini: el pequeño gran auto En 1956, el conflicto del canal de Suez, que enfrentó a Gran Bretaña, Francia e Israel contra Egipto, disparó el precio del petróleo. Aquel conflicto bélico fue el responsable de que la British Motor Corporation (BMC) encarara el desarrollo de un modelo chico y de muy bajo consumo de combustible que terminó resultando en el nacimiento del Mini Cooper.

La tarea le fue encargada a Alec Issigonis -quien ya había hecho el Morris Minor-, otro modelo de escasas dimensiones. El desarrollo definitivo salió de la planta de Cowley, en Oxford, el 26 de agosto de 1959. Inicialmente se ofrecía bajo las dos marcas que componían la BMC y se vendían como Austin Seven y Morris Mini Minor.

El secreto del éxito de este modelo radicaba en su arquitectura: el 80 por ciento de su carrocería de poco más de tres metros de largo estaba destinado a los cuatro pasajeros que podía transportar y su equipaje. Para lograr semejante distribución se diseñó una estructura inédita hasta entonces: se colocó el motor -de cuatro cilindros y de 848 cm3- de modo transversal y se transmitía la fuerza al eje delantero. Hoy, esta configuración es la utilizada por la mayoría de los fabricantes por el significativo ahorro de espacio que ofrece. Además, se utilizaron pequeñas ruedas de 10 pulgadas.

Al principio no fue recibido con mucho entusiasmo por los consumidores. Hasta que apareció John Cooper y le dio un poco más de pimienta a su motor. Elevó la cilindrada hasta 997 cm3, le dio algunos retoques estéticos y así apareció el Mini Cooper, en 1961. Los triunfos en el rally de Montecarlo también fueron clave para mejorar la performance comercial de este pequeño británico.

Entre renovaciones y versiones especiales, en total se hicieron más de 5 millones de unidades que fueron fabricadas o ensambladas en el Reino Unido, Australia, Bélgica, Chile, Italia, Portugal, Sudáfrica, España, Uruguay, Venezuela y Yugoslavia. La leyenda hoy sigue viva de la mano de BMW, que desde 2002 fabrica una versión moderna, más chic, que conserva las líneas originales de Issigonis.

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Citroën DS: la revolución técnica Conocido también como Tiburón o Sapo, el Citroën DS no fue tan popular como los vehículos mencionados anteriormente, pero fue toda una revolución en materia de diseño, tecnología y evolución en las técnicas constructivas.

Presentado el 5 de octubre de 1955 en el Salón del Automóvil de París, el DS 19 (así se llamaba su primera edición) dejó con la boca abierta a más de uno. Sus formas aerodinámicas y sus proporciones insólitas dejaban en ridículo al resto de los vehículos exhibidos en la muestra. Era de otra época. El diseño era obra del italiano Flaminio Bertoni.

Pero sus formas futuristas no fueron lo único que sorprendió al público. Este Citroën incluía un sistema de suspensión neumática que podía modificar la altura del vehículo y que brindaba un nivel de confort de marcha desconocido hasta entonces. El DS también incorporaba una suave dirección asistida y frenos a disco en las ruedas traseras.

A los 15 minutos de ser presentado en aquel Salón de París, los vendedores de Citroën ya habían recibido 743 pedidos; y al finalizar esa primera jornada de exhibición, la demanda había crecido hasta los 12 mil unidades.

El DS se fabricó hasta 1975 y en total se hicieron 1,5 millones de ejemplares. Sus siglas hoy dan nombre a una nueva marca del Grupo PSA Peugeot Citroën, que busca ser distinguida y vanguardista, tomando el legado de aquel modelo que paralizó París en 1955.

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Porsche 911: un diseño sin tiempo En el Salón de Frankfurt de 1963, Porsche presentaba el prototipo 901, modelo con el que se pretendía reemplazar al 356. La marca alemana encontró rápidamente un obstáculo: Peugeot había registrado las combinaciones de tres cifras que incluyeran un cero en el medio. Así fue que los de Stuttgart tuvieron que bautizarlo como 911. Pero ese sería el único inconveniente con el que se encontraría este deportivo, una leyenda viviente que hoy sigue siendo uno de los autos más deseados del planeta.

El creador de este mítico modelo fue Ferry Porsche, hijo de Ferdinand -quien desarrolló el Escarabajo y fundó la marca-. El 911 aparecía con un motor de 6 cilindros horizontalmente opuestos, una configuración denominada bóxer, y ubicado en la parte posterior de la cupé. Este sigue siendo al día de hoy un sello inconfundible de este deportivo.

Las formas de su carrocería son sus señas personales, que el tiempo no ha modificado. Un Porsche 911 hoy es reconocido hasta por alguien que no sabe de autos. La configuración de su interior tampoco ha cambiado con el tiempo y sigue siendo un 2+2; es decir que sus pequeñas dos plazas traseras solo sirven para llevar niños y no de la manera más cómoda. Pero eso poco interesa a quien es dueño de este auto.

Distintos tipos de carrocería se han ofrecido a través del tiempo. A la tradicional cupé se le sumaron las siluetas Cabriolet y Targa, una opción descapotable con un vistoso arco de acero. Por cierto, dos opciones que en la actualidad forman parte de la gama 911.

Con tracción trasera, tracción integral, versión “deportivas” -como si no lo fueran ya las convencionales-, motores que pueden superar los 700 caballos de fuerza, ediciones limitadas, etc. En la variedad y en la vanguardia tecnológica se ha apoyado Porsche para mantener viva la leyenda que lleva más de medio siglo y que es el pilar de toda una empresa: cualquier modelo que ofrece el fabricante de Stuttgart -hoy también comercializa Boxster, Cayman, Macan, Panamera y Cayenne- empezó en el tablero de diseño con las formas del 911. ¶

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Tributo urbano La agitada vida cosmopolita, las alcantarillas, las luces de los autos y el espíritu del hombre explorador son el eje de la Urban Spirit Collection de Montblanc, veintidós piezas listas para la aventura sin perder ni un ápice de estilo.

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ombres en movimiento. exploradores de lo cotidiano. Aventureros urbanos. A ellos se dedica el último lanzamiento de la firma Montblanc: la Colección Urban Spirit. Se trata de un conjunto de piezas de cuero que acaba de presentarse en la Galería Urban Spirit en París.

Allí, El actor y amigo de la marca Rodrigo Santoro y su novia, Melanie Fronckowiak, junto al actor Alex Pettyfer y las modelos de Victoria´s Secret Thanya Silva Santos y Bruna Lirio, entre otros selectos invitados, descubrieron la propuesta, definida por la funcionalidad ante todo.

“El ambiente que hemos creado dentro de la Galería evoca el espíritu urbano, la mentalidad activa que impulsa al explorador cotidiano a sus viajes perpetuos de descubrimiento de ciudad en ciudad o alrededor de su propia entorno”, explica Jérôme Lambert, CEO de Montblanc International.

Después de disfrutar de los cócteles, los invitados recorrieron el área de exhibición para descubrir la colección, integrada por 22 artículos. Una selección que incluye desde pequeños accesorios hasta grandes piezas confeccionadas con cuero italiano negro con una ligera sensación de cera y un sofisticado efecto mate. El desarrollo es el resultado de uno de los más altos niveles de marroquinería cultivados en la Pelletteria Montblanc en Florencia, Italia, un espacio que mantiene las tradiciones y habilidades de más de un siglo de experiencia.

Uno de los detalles que caracterizan a estas piezas es que, por primera vez en la historia, el tradicional emblema de Montblanc es reemplazado con un borde de metal a lo largo de la esquina de los pequeños artículos de cuero y que es una característica que identifica a esta línea.

Luego, los asistentes a la presentación compartieron un tiempo con artesanos de Montblanc mientras que un Street Artist intervino y personalizó algunos de los estuches de cuero para ins-

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trumentos de escritura, utilizando pintura en aerosol. Además, Nicolás Ouchenir hizo una demostración de caligrafía callejera única, un giro poco convencional en la caligrafía tradicional.

Para el último capítulo de la experiencia Urban Spirit, una cena íntima se llevó a cabo en una de las habitaciones con la presencia del CEO de Montblanc, quien presentó las nuevas Ediciones Especiales de Mochilas Urban Spirit, uno de los desarrollos más interesantes.

El diferencial de estas backpacks es que llevan una cubierta a prueba de lluvia decorada con los mapas de tránsito o transporte de algunas de las ciudades más grandes del mundo –entre ellas NY y Seúl.

Desde las luces de los automóviles a las tapas de alcantarilla, la variedad de gemelos de acero inoxidable pulido evocan los inconfundibles elementos que unen a las ciudades alrededor del mundo, dándoles vida con materiales inesperados.

La Tote Bag con su cierre de mancuernas a los lados permite que la forma del bolso se transforme para varios usos. Además, un par de gemelos se inspiran en las tapas de alcantarilla de las calles de Tokio, y reflejan un patrón intrincado con una incrustación de ónix negro bajo esa superficie estampada. Una pulsera de cuero negro tejido con acabado PVD le hace juego y termina de caracterizar la tapa redonda para completar el set.

Otro de los modelos es una proeza técnica, ya que crea un efecto de camuflaje gracias al innovador uso de la óptica pixelada. Al rotar la capa de nieve que es el emblema de la marca, el logo de Montblanc misteriosamente desaparece de la vista.

Uno de los desarrollos que más llamó la atención fue el de los cascos para motociclistas, inspirados en los usados en las carrera de los años 70 pero con un toque moderno. Se trata de un diseño que combina el llano táctil Urban Spirit con el cuero perforado propio de los guantes de carrera. Uno de los modelos tiene un visor negro mientras que el otro es de cara abierta con un visor espejado.

Los pequeños accesorios suman funcionalidad: una selección de billeteras con bolsillos exteriores para proporcionar rápido acceso a las tarjetas usadas más frecuentemente.

La Colección estará disponible desde Septiembre 2016 en Boutiques de Montblanc alrededor del mundo. ¶

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