soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

No. 294, febrero 2023

Contenido

30. Cobijado por el programa Cultura Comunitaria, impulsado por la Secretaría de Cultura de México a través de la Dirección General de Vinculación Cultural, en coordinación con Fomento Musical, la edición 2022 de Tengo Un Sueño se realizó nuevamente en el Auditorio Nacional, donde más de 2 mil niños, niñas y jóvenes de los Semilleros Creativos compartieron su talento desarrollado en el año. Como la ocasión anterior, esta edición reunió prácticamente al mismo staff de producción y técnicos.

18. Columna invitada

Desarrollo del plan de lanzamiento de un sencillo (Parte 1)

Por Ferrer León

22. Columna invitada

Luz María Cardenal, la musa del Chapman stick

Por Mérlindon Crosthwaytt

26. Las letras del sonido

Diversidad e inclusión en la industria musical

Por Carolina Anton

58. Un encuentro con Juan Pablo Ibarra, talento todo terreno

Por Juan Carlos Flores

40. Neurociencia sónica

La neurociencia cognitiva y la escucha profesional

Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda

46. Desde el estudio

“Malinche Sinfónico” de Nacho Cano, con Dolby Atmos

Además

10. Nuevos productos

54. Eventos. Allen & Heath: meet & grill en Escenario 21

59. Avances sound:check Xpo 2023.

¡El show siempre continúa!

Foto de portada: Lilia González

6. Detrás del micrófono

Armando Montiel, irreverente de la música

52. En concierto Quantum7 trae una gran Navidad

Foto: Santiago Granados

EDITORIAL

DIRECTORIO

D i r e c c i ó n Jorge Urbano

E d i t o r a y c o p y w r i t e r

Nizarindani Sopeña

D i s e ñ o Héctor Barrera

Foto: Zaire Urban

Como hemos sostenido en este espacio, estamos convencidos de que el arte es necesario para el desarrollo humano. La forma en la que las personas nos expresamos en este sentido nos pone en sintonía a unos con otros y eso también nos hace más plenos y completos.

Si hacer arte es valioso para las personas adultas, llevarlo a cabo mientras somos niños lo es más, ya que estamos dando forma a una personalidad y en algunos casos incluso pueden sanarse heridas del alma. De un evento que se realizó recientemente en el Auditorio Nacional y que tuvo en su escenario a más de dos mil niños, niñas y jóvenes de todo el país, provenientes de los Semilleros creativos y quienes mostraron el trabajo realizado en teatro, circo, cine, danza, pintura, música, lenguas originarias y títeres, trata nuestra portada de este mes. Se trata de Tengo un sueño, en el que un amplio y experimentado equipo de producción desplegó todo su conocimiento para que tanto los artistas como el público disfrutaran de la ocasión.

Además de esta singular historia, sound:check de febrero ofrece las columnas y artículos con temas que complementarán la labor de los profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo, como el desarrollo del plan de lanzamiento de un sencillo, la mezcla de “Malinche Sinfónico” en Dolby Atmos, la diversidad e inclusión en la Industria Musical, la neurociencia y la escucha profesional, además de entrevistas con figuras como el percusionista Armando Montiel, la ejecutante de Chapman stick, Luz María Cardenal, y el ingeniero de audio y productor de eventos, Juan Pablo Ibarra. Y la buena noticia del mes: los primeros avances de sound:check Xpo, a realizarse los próximos 23, 24 y 25 de abril en el World Trade Center CDMX. ¡Agenden!

Vamos con todo por el segundo mes de 2023. ¡Gracias por leer!

Nizarindani Sopeña

twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

S t a f f E d i t o r i a l

Marisol Pacheco

A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho

Daniel Villavicencio

Fabiola Nájera

V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez

D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García

E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga

C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores

I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

T e l é f o n o (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 25, No. 294. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

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Armando Montiel , irreverente de la música

Su hogar es la percusión, en particular las tumbadoras. Armando Montiel afirma que su inicio fue tardío; sin embargo, hoy es un referente de las hechuras finas de los ritmos afrolatinos, lo que le ha hecho ser parte de bandas de acompañamiento de artistas como Ricardo Arjona, Tania Libertad, Eugenia León, Gerardo Bátiz, los hermanos Toussaint, Emmanuel, Rosino Serrano y muchos más. Además, ha encontrado momentos, entre giras, para aceptar invitaciones especiales, como su participación en el Riviera Maya Jazz Festival de 2016 y la pausa pandémica, para atender sus inquietudes compositivas con su propio proyecto.

Un amor tardío

Armando inició su instrucción en las percusiones a los 19 años y ha sido su naturaleza curiosa la que lo ha llevado a ampliar su conocimiento y recursos: “Lo que considero mi arma, el

instrumento que me ha acompañado toda la vida, son las tumbadoras. Ahí me siento como pez en el agua. Luego, por las condiciones de los trabajos que había y las grabaciones, tuve que crecer y aprender mucho de forma autodidacta y siendo un irreverente. Entré en el ambiente de la salsa dura y aprendí los instrumentos de percusión que se usaban en ese formato: bongós, tumbadoras, timbales, y de ahí las maracas, el güiro, la clave y todo eso que arma la polirritmia”.

“Empecé por ahí hasta que me invitaron a acompañar a las cantantes que llamaban alternativas, que eran famosas en círculos culturales como Eugenia León, Tania Libertad, Betsy Pecanins y Guadalupe Pineda, y entré a ese mundo. De aquellos días, otro músico al que le estoy muy agradecido es al pianista Omar Guzmán, porque fue él quien me inició en el ámbito del acompañamiento y así empecé a descubrir otra área de la percusión”, recuerda Armando.

“Después conocí a Gerardo Bátiz, quien me puso en la parte del jazz y, al entrar a ese entorno, empecé a descubrir que había otro mundo aparte de las tumbadoras y los bongós, y eso me abrió la cabeza, porque siempre me ha gustado investigar. Descubrí a personajes como Naná Vasconcelos, un percusionista que fue mucha influencia en la cuestión de los accesorios, o Kennet Nash sobre cómo hacer atmósferas. Todos ellos tenían su estilo y sus colores, yo tomé algo de cada uno e igual me sucedió con las tumbadoras, hasta que fui creando mi propio estilo, sonido y manera de tocarlas”.

En la carrera de Armando, ha habido mucho aprendizaje: “Hay muchos instrumentos de percusión que he tenido que aprender por trabajo y que me acaban gustando. Es un mundo muy extenso, porque hay muchísimos instrumentos y cuando haces el trabajo de ambientar o hacer las atmósferas que requieren las canciones, con el tiempo se convierte en algo de gusto personal o lo que consideras que requiere la canción. Hay fórmulas que he tenido que hacer cuando doy clases o una clínica, para que la gente avance, pero las cosas salen en el momento como un recurso personal, porque es parte de nuestro ser. Hay técnicas y ciertos patrones que se vuelven como estándar para acompañar y mostrar, pero al final, el mundo de la percusión menor es muy extenso y yo defino qué sonido es el que quiero. Eso me ha abierto mucho las puertas a la hora de acompañar, porque debo tener cierto estilo”.

“No me considero músico como tal, soy parte de la música. No arreglo ni escribo; con trabajos leo música, pero he tenido la suerte de estar con grandes músicos que les ha gustado mi trabajo”.

De lo análogo a lo digital, la experiencia en estudios y los escenarios en gira

Armando vivió los tiempos de las grandes discográficas y los presupuestos robustos para las grabaciones:

“Me tocaron estudios y consolas mega grandes, las cintas de un cuarto de pulgada y todo eso que era mágico. Tuve mi época de moda y grabé mucho en el estudio de Polygram, en Lagab con Luis Gil, en Musart, Discos Gas...me tocó esa parte del cambio de análogo a digital que tiene que ver con, por ejemplo, cómo se grababan las orquestas y los arreglos, que no era como ahora, que si tienes que grabar ocho compases, grabas uno y los demás se pegan. Aquello era muy padre, porque era como llegar a una obra de teatro a montar la puesta en escena”.

“Lo que importaba era la música y creo que eso se ha perdido un poco. Eran grabaciones en las que de repente había imperfecciones y eso daba la parte humana. Hoy, la tecnología y el internet se han convertido en algo muy buenas y malas que han hecho que toda la Industria de la música y la misma música en sí, suene de otra manera. Yo grabé con amigos y mentores como Enrique Nery, Eugenio Toussaint y Chilo Morán; Enrique y Eugenio eran unos buenazos, grabaron muchísimo, sobre todo Enrique. Había una comunión muy buena entre el ingeniero y el músico que también siento que se ha perdido un poco.

“Hay técnicas y ciertos patrones que se vuelven como estándar para acompañar y mostrar, pero al final, el mundo de la percusión menor es muy extenso y yo defino qué sonido es el que quiero”.

Yo tenía una relación excelente con Fernando Roldán, quien tenía los modos y tiempos padrísimos para hacer que yo me concentrara y gozara la sesión, así como con productores como Carlos Cabral y el mismo Armando Manzanero ,que era un lobo de mar en eso. Esa camada de ingenieros y músicos que me tocaron han sido parte importantísima de mi vida y todos ellos tienen su particular manera de producir a la hora del estudio”.

“Un lugar donde voy a grabar que, creo sigue con esa magia, es en Estudio 19 con Francisco Miranda, que viene de mi generación y, sobre todo, sabe cómo tiene que sonar cada micrófono. Ahora muchos chicos emprendedores invierten en comprar ese equipo vintage, pero me he dado cuenta de que no lo hacen sonar como debe ser. Cada vez grabo menos, porque todo se ha digitalizado y porque se piensa que los músicos de mi generación somos caros, lo que también nos ha afectado a todos. Pienso que lo que nos puede ayudar es volver a tener espacios para tocar y que la gente escuche algo que suene bien. Ahí está otro problema con los lugares de hoy, hay una batalla con el audio que tienen, al que muchas veces no le dan importancia”.

Armando en vivo

“En los conciertos llevamos también ya muchos años y el tema del monitoreo fue un desafío”, recuerda Armando. Estando con Arjona hacíamos giras de más de 130 shows y me costó trabajo entrarle a los in ears, porque estaba muy acostumbrado a los monitores de piso y era un lío tener un buen regreso de todos los toys, porque contaminan demasiado. Tenemos que adaptarnos, volver a escuchar e irnos acostumbrando. Ahora estoy trabajando con Emmanuel y su banda suena muy bien; los ingenieros de sala y monitores son muy buenos. Yo la verdad no soy muy exigente porque he llegado a la conclusión de que mientras escuche lo que deba y esté a gusto, me doy bien por servido”.

Actualmente, Armando ha revivido el interés por atender sus proyectos, luego de aquella imponente actuación que le significó estar en el line up del Riviera Maya Jazz Fest de 2016: “Estoy tratando de retomar mi quinteto y tengo una pequeña orquesta de salsa, que quiero impulsar este año. Juntar a los elementos es difícil, porque todos estamos correteando el chuletón, pero ojalá lo logre. Es proyecto mío y de mi pianista, Luis Martínez”.

Que se abran los caminos y la pegada de Armando Montiel nos siga brindando sabrosura.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

“No me considero músico como tal, soy parte de la música. He tenido la suerte de estar con grandes músicos, a quienes les ha gustado mi trabajo”.

Neumann

Micrófono de condensador MV49V

Basado en la última versión C del M49, esta versión M 49V emplea el mismo circuito que el original, añadiendo un bulbo AC701k montado en un tubo de triodo subminiatura de bajo ruido. Incluye una cápsula K 49 que Neumann ha fabricado desde finales de la década de 1950.

neumann.com

Solid State Logic

Consola para estudio ORIGIN

Lista para el trabajo híbrido con tratamiento de audio análogo y digital, Origin es una consola con 32 canales, equipada con opciones de monitorización, talkbacks y puntos de inserción en cada esquina; ofrece su selecta gama de preamplificadores, ecualizador, compresor de bus de la serie G, además de 8 buses estéreo con 16 controles de recorte, 4 vías auxiliares más 2 vías de monitorización estéreo (Cue A y B) y 4 retornos estéreo. Sus salidas directas y las entradas de línea de cada canal facilitan conectarla a cualquier DAW mediante una interfaz. Permite enrutamientos de reproducción sencillos, con el extra de correr en paralelo ajustes de ecualizador y efectos. Su diseño ofrece un espacio de 19 pulgadas con 12 U, pensado para ubicar ahí las interfaces, efectos de uso frecuente y preamplificadores o un monitor. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 solidstatelogic.com audioacustica.com.mx

Focusrite

Kit de transmisión Vocaster

Este combo es ideal para podcasters, streamers, vloggers y locutores que requieren mejorar su set de grabación y monitoreo. El paquete incluye el micrófono dinámico Vocaster DM14v y los audífonosVocaster HP60v para brindar calidad de estudio a cualquier configuración de podcast. Se incluye también un cable XLR de alta calidad.

Paxsa. 55 5243 5484

paxsa.com.mx focusrite.com

Combinación perfecta de potencia, golpe y control

Sistema de amortiguación ajustable montado externamente

Enfoque ajustado y sonido amplificado

www.gonher.comadministracion.ventas01@gonher.com

Martin Audio Monitor de escenario LE Series

Heredera de la Serie XE, los dos modelos de esta gama debutan la tecnología de monitoreo con controladores de dispersión diferencial coaxial, patente de la marca. Con esta innovación, los LE100 (driver coaxial de 12 pulgadas) y LE200 (con dos drivers, uno de 15 pulgadas y otro de 1.4 pulgadas), pueden alcanzar una suma de “fuente puntual” entre las secciones LF y HF en todas las posiciones fuera del eje, e incluso cercanas a este.

Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 martin-audio.com

Funktion-One

El Evo X es un altavoz de banda ancha de tres vías que utiliza la tecnología de guía de ondas de Funktion-One para proporcionar una dispersión horizontal de 90 grados e incrementar el SPL. El amplio ancho de banda de sus medios de 8 pulgadas alcanza los 5kHz, reduciendo la tensión en el driver de alta frecuencia de 1 pulgada, al tiempo que sus medios bajos de 15 pulgadas trabajan sin conflicto de los 50Hz a los 280Hz. funktion-one.com

Vari-Lite

Consola para iluminación NEO X15

Esta mesa ofrece 15 reproducciones motorizadas multifuncionales y codificadores retroiluminados. Puede generar más de 50,000 canales y su diseño intuitivo incluye dos monitores, una pantalla de control táctil y conectividad de E/S de audio, para facilitar la integración de señales de iluminación con efectos de sonido y recursos de video, entre otros. Opera con su software Neo 4.0 de la Serie X, que admite mapeo de píxeles, reproducción de medios, así como elaboración y sincronización de líneas de tiempo.

Vari-lite.com

Altavoz Evo X

sennlatam@sennheiser.com

www.sennheiser.com

Denon DJ

Controlador SC Live 2

Elation

Professional / Magmatic

Generador de niebla FOG 1500 IP

Con una potente salida de 60 mil CFM gracias a su intercambiador de calor con 1500 watts, el FOG 1500 puede operar en aplicaciones exteriores y eventos concurridos generando ráfagas de niebla densa envolvente, en máximo 40 segundos. Su pantalla LCD táctil facilita el control manual o de temporizador, operación por DMX-512 y RDM, además de alternativas para operación inalámbrica. Cuenta con una entrada de alimentación con bloqueo IP65 y conectores XLR de cinco pines. Elation México. 728 282 7070 www.elationlighting.com

Equipado con una pantalla táctil de 7 pulgadas, dos canales de mezcla, conectividad Wi-Fi y altavoces integrados, el SC Live 2 tiene el sistema operativo Engine DJ que agiliza la búsqueda de música y carga de bibliotecas de audio, además de ofrecer integración con Amazon Music Unlimited y su catálogo de más de 90 millones de canciones. Tiene dos jog wheels con controles de conmutación de deck, velocidad, looping y hot cue; sección de mezcla con 13 BPM FX y cuatro FX de barrido. Su panel de conexión cubre salidas RCA, XLR o jack. denondj.com

Stanton

Fonocaptor Stanton 750

Diseñado para brindar un mayor rango dinámico de audio para los entusiastas de los discos de vinilo, el cartucho 750 de grado profesional le va perfecto a mezclas digitales, scratch y tocadiscos profesionales. Es compatible con las funciones del software Deckadance DVS DJ. stantondj.com

Boss

Pedalera inalámbrica Bluetooth FS-1-WL

Pensada como herramienta manos libres, que permite accionar efectos y amplificadores compatibles con equipos Boss y Roland, la FS-1-WL es el equipo de control indicado para enlazar con aplicaciones en dispositivos móviles y tablets. Cuenta con puerto USB, dos jacks para conmutadores y pedales de expresión externo que pueden enlazarse para con periférico MIDI CC y conexión MIDI TRS. Se enlaza también con YouTube activando controles de reproducción/pausa, rebobinar, velocidad de reproducción y otras, y de igual forma con softwares de producción musical. Cuenta con su propia app y es compatible con Windows y iOS. Boss.info

Mesa/Boogie

Amplificador California Tweed 6V6 2:20

Inspirado en su hermano mayor, el 6V6 4:40, este modelo compacto entrega la mitad de potencia (20W), inspirados en los circuitos Fender Tweed de los años 50. Viene en forma de cabezal y dos combos, 1x10” y 1x12”, con altavoces Jensen Blackbird Alnico, que varían por su tamaño y potencia. Son monocanal con dos entradas (Normal/Low); y tienen cinco válvulas 12AX7 y una 12AT7 en previo, más un par de 6V6 en la etapa. Su panel de control incluye ajustes de Gain, Treble, Mid, Bass, Presence, Master y Reverb, además del selector MultiWatt que proporciona tres niveles de potencia (20W, 10W y 1W), dos clases de funcionamiento y tres opciones de cableado mediante su conmutador giratorio de tres posiciones. mesaboogie.com

Moog

Sintetizador MiniMoog Model D

El regreso de un clásico de la síntesis mantiene el motor de sonido y la ruta de señal del diseño original del Minimoog Model D original, con mejoras como un LFO analógico con onda triangular y cuadrada, un teclado premium Fatar de 44 teclas sensibles a la velocidad y con after pressure, salidas CV dedicadas para tono, gate, velocidad y after pressure, conectividad MIDI y un cambio en el control Overloud del mezclador. Guarda la esencia vintage en su diseño con el mismo chasis de aluminio fabricado a mano y acabados de madera de cerezo. moogmusic.com

Desarrollo del plan de lanzamiento de un sencillo

(Parte 1)

Ya es 2023; ¿están preparando nuevos lanzamientos musicales? Un escenario demasiado común en el estudio de grabación es producir un tema musical y al término de este no saber cómo lanzarlo, o carecer de una estrategia, lo que ocurre muchas veces por desconocimiento y otras por falta de presupuesto. Lo común es que lo publiquen en las plataformas digitales y lo anuncien en sus redes sociales, esperando obtener algunos likes por parte de sus seguidores y/o familiares, pasando al olvido y perdiéndose en el océano de lanzamientos simultáneos que surgen cada día; horas y horas invertidas en la producción de sus temas y una vez publicados suelen ser fugaces, debido a la creciente oferta musical que experimentamos actualmente. Para sacar el mayor provecho a nuestros lanzamientos sin necesidad de una gran inversión, y

pensando en un artista independiente, desarrollamos una guía paso a paso, día a día, con una sugerencia de estrategia que nosotros otorgamos en nuestro estudio para explotar al máximo el lanzamiento de nuestro sencillo a posibilidades de cualquier músico independiente.

La presente guía se realizó con la intención de proporcionar una directriz básica que permita planear de manera más concisa el lanzamiento de un sencillo; todas las sugerencias pueden ser adaptables a la conveniencia de cada estrategia y el diseño se hizo con base en una ardua investigación de lo que actualmente funciona en los modelos actuales de promoción. Esperamos de corazón que aporte valor a sus carreras profesionales en la Industria de la Música, ya sea como productores o músicos.

Foto: Imagen de wavebreakmedia_en Freepik

Lo que necesitarán para el lanzamiento

·Su sencillo terminado

·Portada del sencillo

·Banners de redes sociales

·Imágenes específicas de la nueva versión/Comunicado de prensa

·Video con letras (Video lyrics)

·Video musical oficial

·Video de actuación (Video performance)

·Video de fan/video de animación/Desglose de la producción

·Videos detrás de escena

“nuevo” al frente, por lo que si fuera Metallica, por ejemplo, podría decir #nuevometallica.

·No dar el título del sencillo, no mostrar el arte aún para crear un poco de misterio y emoción.

·Utilizar esto para generar interés con la audiencia y decir que algo está sucediendo en los próximos 10 días de lo que querrán ser parte.

·Establecer objetivos para el lanzamiento y escribir el viaje que desean que sus fans sigan con la banda a través de este lanzamiento. ¿Qué es lo que quieren que hagan? ¿Están empujando a la gente a Spotify, iTunes o algo físico? Si escriben esto, es mucho más fácil formular un plan para que suceda.

·Crear un fondo monetario para lo que serán los gastos del lanzamiento, para la creación de videos, material gráfico, imágenes y publicidad.

Día 1. Sesión de fotos

Para comenzar a crear contenido que puedan usar en el periodo previo a su lanzamiento, es necesario lo siguiente:

·Tomar al menos 10 fotos, en las que un miembro de la banda tenga una tarjeta con la fecha del lanzamiento. Esta podría ser solo la fecha del lanzamiento o podría tener una cuenta regresiva (Faltan 10 días, 9 días para el gran momento y demás). También podría tener un hashtag con el nombre de la banda con la palabra

Día 2. Crear un mundo visual

·Comenzaremos a tomar la marca que han creado para su canción y deben implementarla en todo lo que se está haciendo; que todo se combine en uno y se sienta coherente. Es posible

que ya hayan ordenado el arte, la marca, los colores y demás, pero si no, es el momento de hacerlo.

·Crear carteles que insinúen la fecha, con la marca correcta, fechando el próximo lanzamiento sin otra información para crear misterio. Haz esto en todas las redes sociales para mantener la coherencia.

·Agregar la imagen a Instagram diciendo “Faltan 9 días”, o lo que hayan decidido hacer desde la sesión de fotos del día 1. Esto debe suceder todos los días hasta el lanzamiento.

Día 3. La historia hasta ahora

·Cuando publiquen algo, deben recordar que es posible que muchas personas simplemente los hayan encontrado apenas, así que este día es para ellos, para que todos sepan quiénes son y qué hacen.

·Revisen sus feeds sociales y busquen videos, material e imágenes detrás de escena y compilen “La historia hasta ahora”, para dejar claro quiénes son y qué representan.

Día 4. Listas de reproducción

·Nota: Esto se puede hacer hasta con 4 semanas de anticipación.

·Si desean enviar su sencillo a las listas de reproducción de Spotify, pueden enviarlo a través de Spotify for artist.

·Necesitan empezar a conseguir que sus seguidores los sigan en Spotify. Es necesario tomar a Spotify en serio, para que ellos los tomen en serio y los pongan en listas de reproducción.

Día 5. Publicación del arte

·Este es el día para lanzar la imagen del arte (portada) a sus redes sociales. Esto estará en todo: Instagram, Facebook, banners y demás.

·La gente tiende a publicar algo en su Instagram una vez y luego dejarlo allí. Muchos grandes artistas lanzan el arte tres veces en el mismo día, ya que quieren asegurarse de que llegue a su audiencia y recordarles durante todo el día que se deben emocionar por el lanzamiento.

Esta guía se realizó con la intención que permita planear de manera más concisa

de proporcionar una directriz básica concisa el lanzamiento de un sencillo.

Día 6. Día de comunicados de prensa

·Hoy vamos a pensar en dónde se encuentran y con quién pueden hablar con respecto a su comunicado para llamar la atención de los medios.

·Todos los medios cuentan: radio, periódicos, revistas y blogs.

Puedes lanzar una invitación a estos medios y si son una banda o un artista solista que está por comenzar, el mejor lugar para hacerlo son las estaciones de radio y los periódicos locales, ya que siempre están buscando música nueva, talentos locales e historias buenas para apoyar.

·Cuando se trata de blogs, esto debe ser específico por género.

·Hagan un comunicado de prensa real e incluyan todos los detalles de su lanzamiento, así como la historia, el arte, la pista y toda otra información que crean que es importante.

Día 7. Estrategia de anuncios

·Esto depende de su presupuesto. Al principio, creen un fondo monetario de lo que tienen que gastar en publicidad. Han invertido tanto tiempo, esfuerzo y dinero en crear su música y sería una verdadera lástima que nadie la escuchara.

·Observen anuncios en Facebook e Instagram y creen tus propios anuncios. Hay muchos tutoriales en internet sobre cómo crear anuncios efectivos en redes sociales.

·Una gran parte de la publicidad ahora es publicidad dirigida a su propia audiencia. Con los cambios en el algoritmo, deben enviar su contenido nuevamente frente a estas personas, para que puedan volver a interactuar con ustedes y continúen viendo sus publicaciones.

·En términos de cuánto gastar, desde 100 pesos al día es un buen monto para que puedan probar qué funciona y qué no.

Hasta aquí llegaremos en esta ocasión para hablar de esta estrategia, pero en el próximo artículo les compartiré el resto del plan, que comprende del día 8 al 20.

¡Nos leemos en la próxima!

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música  regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

ArtÍculo invitado

la musa del Chapman stick

La Musa, reencarnada en Luz María Cardenal, nace de la mitología griega como la hija de Apolo y es quien estimula la creación de obras de arte. A los 5 años de edad, Luz, como le gusta que la llamen, comenzó a escribir poemas e inició tocando la flauta transversa. Disfrutaba escribir cuentos, crear esculturas e imaginar todo lo que tuviera que ver con las artes. Ante su genialidad, por este comportamiento, le parecía extraño a sus papás.

La Luz de la Musa comenzó a brillar desde pequeña

“Crecí en Cuernavaca, Morelos, donde entré a una academia de artes visuales y conocí el cine. Filmé documentales del Estado de Morelos, pero no era mi plan estudiar cine y para lograrlo, tuve que mudarme a la Ciudad de México. Siempre quise hacer música, pero al salir de la escuela preparatoria, mi familia me comentaba: “Eso es un hobby; te vas a morir de hambre”.

¿Qué te motivó a estudiar cine en la Ciudad de México?

“Mis compañeros me sugirieron hacer el examen para ingresar al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) del Centro Nacional de las Artes (CNA) y me gradué como directora de cine, en contraste con mi antiguo y oculto sentimiento de crear música para buscar nuevas formas de composición”.

Es llamativo que Luz, anteriormente a integrarse por completo en la Industria de la Música, padecía de pánico escénico. Estar frente a la cámara y el escenario le era amenazante; así que dirigía a los actores y a la producción detrás de los camarógrafos. Su terapia para superar la limitación escénica la encontró, curiosamente, en una peluquería en el centro de la Ciudad de México. Era un ambiente de señores mayores que tocaban boleros y acostumbraban reunirse los viernes; se sentaban en círculo y, de manera espontánea, cuando tocaba a alguien su turno, éste debía interpretar algo de arte, supiera o no música. Comenzó a filmar a los artistas de la peluquería y para superar su limitación, empezó a grabarse a sí misma. A sus 28 años de edad, aprendió a cantar boleros durante 2 años.

No hay edad para aprender música, cantó un ave cardenal

Luz estudió con los maestros Mario Santos, Francisco “Pancho” Ruíz, Sachal Vasandani y Miguel Villicaña en la escuela AB Music, actualmente llamada Centro de Creadores Musicales (CCM).

Un homenaje póstumo desde el corazón para su padre

Luz perdió a su padre Alfonso de un infarto. Un día antes de su muerte le cantó una canción titulada “Perdón” del autor puertorriqueño Pedro Flores. Se filmó en el lecho de muerte con su padre cantando, lo que significó una reconciliación entre ambos, debido a que él nunca la apoyó en la música, aunque tiempo atrás, al lograr su tesis en el CCC, él se sintió muy orgulloso de ella.

La luz brilla ante la adversidad de la disautonomía

Recientemente, Luz ha sufrido los estragos de una enfermedad crónica llamada disautonomía, un desorden del sistema nervioso autónomo. Dicho padecimiento controla la frecuencia cardíaca, la presión arterial, la digestión y otros procesos autónomos del organismo, lo que le provoca baja presión arterial, al punto del desmayo, situación por la que realizará una película con beca del gobierno de Morelos para escribir el guión, con fines de divulgación sobre la enfermedad y con un personaje principal que la padezca. Para la realización de sus proyectos cinematográficos, también cuenta con una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Durante la pandemia, Luz grabó dos discos de su autoría. Para su primer disco instrumental, logrado en diciembre de 2021 y titulado “Avistamientos”, echó mano de su Chapman Stick de 10 cuerdas.

Luz, brillando en el estudio de grabación en su propia ejecución e ingeniería

Durante la pandemia, Luz se encerró a grabar dos discos de su autoría. Para su primer disco instrumental, logrado en diciembre de 2021 y titulado “Avistamientos”, echó mano de su Chapman Stick de 10 cuerdas, que tiene una altura sonora en alto, con registro de violín. Además, usó un piano Roland D88, una melódica Hohner, percusiones con objetos como libros, espadas de metal, truenos, voz y arreglos con un procesador de efectos TC-Helicon Voice live touch 2. Reunió también su experiencia como sonidista en el cine y la publicidad, usando una grabadora Tascam y micrófonos Sennheiser para captar sonidos de Aves, y unió las melodías de canto sonoro.

Para su segundo disco, titulado Conciertos solitarios, Luz compuso canciones con letras y grabó en su home studio de nuevo; siendo su propia ingeniera, grababa 3 sesiones en una toma, para finalmente escoger la mejor interpretación, debido a que no puede editar estando sola. Para lograrlo, usó Logic Pro en una computadora Mac Mini y una interfaz Focusrite Scarlett 4i4. Ambos discos han sido grabados con Livelooping y usó una pedalera Boss RC-300; actualmente tiene la pedalera Boss RC600 de 6 tracks. Con estos 2 equipos basa su show en vivo, lo que le permite ser instrumentista y presentarse sola, como lo hizo con Lila Downs, Ximena Sariñana, la Banda Ekos y en la colaboración con el artista árabe Nour para la radio de Egipto, con el tema titulado “Law Feen Makanek”. La canción está en plataformas.

En “Conciertos Solitarios” Luz usó también una guitarra acústica Taylor Gemini, una guitarra eléctrica Telecaster Fender y se hizo de 2 más: una Jazz Master Mini Squier de Fender y la Silent Guitar de Yamaha. Complementó la producción con una flauta transversal marca Jupiter, un teclado XPS-30 de Roland, micrófonos AKG C214 de condensador para grabar voz y el AKG D5 C, este último, para hacer loops en vivo, además de la pedalera de guitarra Firehawk Fx Line 6, que actualmente usa en conciertos junto una pedalera Dapper Indie. Los instrumentos los controla desde una mezcladora Yamaha MG10XU y de ahí sale todo mezclado o pre mezclado para en vivo, según la acústica del recinto. “Envío todos mis instrumentos a un mixer de bocinas Fender Passport en mi home studio. También dispongo de audífonos Sennheiser, audífonos de campo y el micrófono Shure SM58”.

¿Cómo fue tu experiencia en la Convocatoria para Mujeres Cantautoras de Yamaha?

“El subtítulo del concurso fue: She’s got the groove. Calificaban la composición y gané el primer lugar con la canción ‘Ave Cardenal’. Recibí un premio canjeable por equipo de la marca y escogí un saxofón YDS 150 Yamaha, un keytar Yamaha SHS-500 y un sistema inalámbrico RelayG10 de Line 6”.

Existen muy pocos stickistas en México que ejecutan el Chapman stick, creado por el fallecido Emmett Chapman. Para grabarlo en el estudio, Luz lo hace en estéreo. El Chapman tiene 2 pastillas y una entrada normal de jack. En un canal suenan 5 cuerdas y en el otro canal, las 5 cuerdas restantes. En ocasiones lo toca con su sonido natural y otras sesiones prueba con compresores, ecualización y reverb. Usar efectos o no, es una cuestión de estética que tiene que ver con la composición.

Luz, una ave cardenal que extenderá sus alas para llegar a Japón

Luz María viajará a Osaka, Japón, durante 15 días en el próximo mes de abril, con la posibilidad de tocar en algunos lugares por confirmar, además de que se encuentra preparando su tercer disco y una cuarta producción discográfica como stickista. Estaremos al pendiente de sus logros, que seguramente serán muchos en un futuro no tan lejano. A ella se le puede encontrar en: luzmariacardenal. info@gmail.com, @luzmariacardenal en IG y Tik Tok y Luz María Cardenal en FB y YouTube.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

Luz María viajará a Osaka, Japón, durante 15 días en el próximo mes de abril, con la posibilidad de tocar en algunos lugares por confirmar, además de que se encuentra preparando su tercer disco.

Diversidad e inclusión en la industria musical

Durante los últimos años, ha habido un enfoque renovado en la diversidad e inclusión en la industria de la música. A lo largo del tiempo, hemos reflexionado sobre las expectativas cambiantes de la sociedad y muchas de las normas de comportamiento que posiblemente conformaron el tejido del género rock y pop ya no se toleran. La Revisión Independiente sobre Daño Sexual, Acoso Sexual y Discriminación Sistémica en la Industria Musical Nacional ha comenzado recientemente un proceso de consulta en todo el país para escuchar historias, experiencias, observaciones y sugerencias para el cambio en la industria. Organizaciones como Soundgirls, Redmultisonora y PI Audio, así como colectivos como Energía Nuclear, Chingonas Sound y Jam de Morras han sido fundamentales para hacer visible una situación que ocupa a nuestra industria.

“La revisión busca la participación de profesionales de la industria de la música, incluidos escritores y compositores de canciones, artistas e intérpretes, personal, agentes, miembros de compañías de giras en vivo y sellos discográficos, promotores, empleados de compañías discográficas, gerentes, editores, administradores de lugares y personal y ejecutivos de la empresa”. Estos han sido comentarios de varias compañías y universidades nacionales e internacionales que buscan una equidad en el show business.

En febrero de 2022, Warner Music Group (WMG) presentó un Instituto global de Diversidad, Equidad e Inclusión. “El Instituto será el hogar de varias iniciativas educativas, incluido un conjunto rotativo de talleres basados en el diálogo donde las personas de WMG aprenden, crecen y reflexionan juntas sobre aspectos clave de la diversidad, la equidad y la inclusión, incluidos el antirracismo, la homofobia y sexismo”.

“No basta con reconocer las historias problemáticas o la discriminación y la mala educación resultantes que siguen vigentes. Tenemos que desglosarlos activamente y luego construir entornos nuevos, equitativos e inclusivos, donde todas las personas puedan pertenecer”.

A lo largo de mi carrera me he dado cuenta de que hay muchas más mujeres trabajando en disqueras, agregadoras, estudios de grabación y productoras. Es genial que más empresas estén tomando medidas para abordar esta cultura

y comportamientos negativos. Esta es una oportunidad importante para que la industria en su conjunto reflexione sobre los valores que promueve a través de una lente de diversidad e inclusión.

¿Qué tan diversa e inclusiva es la industria de la música?

La abreviatura D&I se ha convertido en parte de nuestro vocabulario y, de hecho, en el tejido de nuestra sociedad. Ha habido una variedad de pasos positivos dentro de la legislación gubernamental y el lugar de trabajo, con la intención de garantizar que no ocurra una discriminación abierta. En el lugar de trabajo, podemos definir la diversidad y la inclusión de la siguiente manera:

La diversidad se refiere a la mezcla de personas en una organización; es decir, todas las diferencias entre las personas en cómo se identifican en relación con su identidad social y profesional.

Por otro lado, la inclusión es acerca de lograr que la combinación de personas en una organización y su trabajo en conjunto mejore el desempeño y el bienestar de todas. La inclusión en un lugar de trabajo se logra cuando una diversidad de personas (por ejemplo, con edades, antecedentes culturales, géneros, perspectivas diferentes) se sienten respetadas, conectadas, contribuyendo y progresando juntas.

En el contexto de la Industria de la Música, es importante reflexionar sobre la forma en la que las personas de un origen diverso se incluyen realmente dentro de la misma. Además, movimientos como #metoo y las acciones de varias empresas han expuesto directamente los comportamientos de los “hombres blancos y heterosexuales en una posición de poder”, especialmente en sus actitudes y comportamientos contra las mujeres.

Sin embargo, hay una variedad de otras áreas y problemas dentro de la esfera de D&I que merecen consideración por parte de la industria en su conjunto. Dentro de la definición anterior de inclusión y diversidad de personas, hay varios factores que deben abordarse dentro de la industria:

Hay un techo de cristal para muchas artistas femeninas después de los 30 años, ya que las compañías discográficas más grandes no continúan con los contratos discográficos de ellas,

Hay una variedad de otras áreas y problemas dentro de la esfera de la diversidad y la inclusión que merecen consideración por parte de la industria musical en su conjunto.

a pesar de su gran popularidad, debido a su edad. Hay una subrepresentación de la música y los grupos multiculturales dentro de las discográficas occidentales.

Asimismo, muchos artistas dentro de la comunidad LGBTI+ han indicado que su sexualidad fue un problema en el progreso de su carrera.

Por definición, la cultura popular se enfoca en producir comercialmente un producto basado en el gusto popular. Sin embargo, parece haber dentro del marketing una estrategia que cree que las personas no se involucrarán con un músico o su música si no pueden relacionarse directamente con ellos como parte de su grupo demográfico. Esta visión estrecha de la sociedad está perdiendo una oportunidad increíble para conectarse.

Las personas se involucran con la música por una variedad de razones y en muchos niveles. Los adolescentes todavía se involucran con la música de los 80 después de escucharla en casa o en el auto con sus padres. Los millones de personas en todo el mundo que compraron álbumes de Queen no estaban definidos por un grupo demográfico. La música tiene el potencial de cruzar fronteras y alentar a la sociedad a participar de una manera diversa y auténticamente inclusiva.

¿Qué es “comercializable”?

Hay muchos géneros dentro de la música y cada artista dentro de estos tendrá un enfoque y una visión diferente de su forma de arte. Sin embargo, para muchos artistas, presentar su música a una audiencia y crear un atractivo para esta música en una capacidad comercial es una meta y una aspiración clave.

En un nivel macro, las grandes compañías discográficas y los productores han visto que se pueden ganar grandes cantidades de dinero y fama a través de la música y, por lo tanto, se desarrollaron la cultura pop y las estrategias de marketing asociadas. Las bandas se crearon y produjeron con base en una fórmula, con el objetivo de hacer que la banda tuviera el mayor éxito comercial posible. Sin embargo, estas estrategias de marketing y “fórmulas” son las mismas cosas que impiden la auténtica diversidad e inclusión dentro de la música.

La música tiene la oportunidad de liderar la definición de la cultura pop

Como un ejemplo de la forma en la que se han visto cambios notables en las actitudes sociales en una variedad de áreas está Australia, especialmente desde la pandemia de covid (Forbes, 2020). Después de dos años tumultuosos, la gente

Ahora es el momento de redefinir la cultura pop y crear una industria auténticamente diversa e inclusiva.

anhela más que nunca una conexión auténtica. Además, se vio un cambio en la cultura pop en general, con índices de audiencia decrecientes en muchos reality shows “fabricados” en la televisión; de hecho, una serie como Neighbours ha dejado de producirse después de muchas décadas. Como hemos discutido en artículos anteriores, ha habido un cambio social en el apoyo a la diversidad y la inclusión. La nueva generación en el lugar de trabajo se centra en marcar la diferencia, en lugar de ganar dinero.

La industria de la música (pop) necesita ponerse al día y moverse con estas actitudes cambiantes. Es una oportunidad perfecta, ya que si reflexiona sobre sus propios comportamientos, podrá liderar la auténtica promoción de una diversa gama de música y artistas. Necesitamos pasar de la era en la que los artistas solo eran vistos como una marca o un producto comercializable para encabezar el cambio de ideas dentro de la comunidad, en lugar de reaccionar y responder a las actitudes estrechas de la corriente principal para solamente ganar dinero. Ahora es el momento de redefinir la cultura pop y crear una industria auténticamente diversa e inclusiva.

*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.

A lo largo de mi carrera me he dado cuenta de que hay muchas más mujeres trabajando en disqueras, agregadoras, estudios de grabación y productoras.

Tengo Un celebración artística de

Foto: Santiago Granados

Un Sueño : de la infancia mexicana

obijado por el programa Cultura Comunitaria, que impulsa la Secretaría de Cultura de México a través de la Dirección General de Vinculación Cultural en coordinación con Fomento Musical, la edición 2022 de Tengo Un Sueño se realizó nuevamente en el Auditorio Nacional en la capital mexicana, donde más de 2 mil niños, niñas y jóvenes de los Semilleros Creativos compartieron su talento y las habilidades artísticas (teatro, circo, cine, danza, pintura, música, lenguas originarias y títeres) aprendidas en el año.

Junto a ellos, artistas como Elisa Carrillo, Lila Downs, Horacio Franco, 31 Minutos, Mono Blanco y Alejandra Robles “La Morena”, acompañaron esta fiesta de esperanza y diversidad cultural de la infancia mexicana, que busca ser testimonio del contrapeso posible al contexto de vulnerabilidad social en sus comunidades. Como el año anterior, esta edición reunió prácticamente al mismo staff de producción y técnicos.

Semillas que florecen, preproducción

Con 15 años involucrado en el diseño, desarrollo e implementación de proyectos para la infancia y la juventud del país, formando agrupaciones musicales comunitarias, Roberto Rentería, titular de Fomento Musical, ha sido director musical de los grupos en ediciones anteriores y, en la del 2022, fue también el responsable de toda la dirección musical del magno evento de tres horas: “Fomento Musical es el brazo musical del programa Cultura Comunitaria. Nos enfocamos en el desarrollo de semilleros creativos en este arte: orquestas, bandas, bandas tradicionales, ensambles instrumentales, coros en movimiento y agrupaciones de música tradicional mexicana, que actualmente suman 115 agrupaciones en todo el país y se atiende a más de 6 mil niños, niñas y jóvenes de 115 semilleros de 25 estados de la república”.

Foto: Santiago Granados

Tengo un sueño

“En 2022 quisimos ofrecer una mayor oportunidad a los jóvenes, balanceando la participación entre la orquesta, la banda y la orquesta de música tradicional mexicana, más el coro nacional comunitario, de tal forma que cada una de ellas tuviera el mismo peso e importancia dentro del espectáculo. Tuvimos más de 750 niños, niñas y jóvenes artistas con un proceso de preparación previa de dos o tres meses, donde se fueron reuniendo poco a poco con niños de otras comunidades para comenzar todo el proceso de preparación y montaje”.

Una semana antes se realiza un campamento creativo en las instalaciones del Centro Vacacional del IMSS Oaxtepec, donde se reúne a los niños, niñas y jóvenes seleccionados, los especialistas por Semillero, el equipo creativo y técnico que dará forma al espectáculo:

parte operativa gigantesca, donde se involucraron alrededor de mil personas y seguro de gastos médicos para todos los que nos quedamos ahí”. Estos ensayos se llevaron a cabo en el Centro Vacacional Oaxtepec.

“Además, gracias al apoyo total de las autoridades pudimos usar tanto los salones del lugar como las áreas verdes para habilitar 26 carpas adicionales de trabajo y armar todo el espectáculo. El programa fue diseñado de tal forma que se diera esta interdisciplina entre los diferentes números escénico-musicales, donde todos los elementos fueran importantes: la parte visual, musical y escénica, y que fluyeran dentro del espectáculo, lo que conllevó un enorme reto técnico, que los ingenieros pudieron resolver de manera muy importante”.

Con el montaje marcado en el campamento creativo, se realizó el scouting en el Auditorio Nacional para marcar la dimensión escénica del show e identificar las necesidades técnicas requeridas: “El proceso de producción ya en el Auditorio arrancó con el montaje de un escenario enorme, ya que se hizo una ampliación de proscenio de 4 metros, un movimiento de todo el equipo de sonido hacia el frente para cubrir la ampliación y el colgado de la escenografía monumental, hecha por más de 1,400 niños. El Auditorio tiene la gran ventaja de ofrecer una tecnología de vanguardia de gran nivel y también implica una enorme responsabilidad artística por la calidad del trabajo que se tiene que presentar; de ahí partimos para que durante el campamento, la disciplina fuera la clave, tener orden y rigor en el trabajo con los chicos y que eso fuera el motor de todo este trabajo, además del manejo de la emoción, la diversión y la parte lúdica”.

“Hablamos de una orquesta de 160 integrantes, una banda nacional comunitaria de 100 integrantes, una orquesta de música tradicional mexicana de 110 chicos y un gran coro nacional comunitario de 160 coreotas, que tan solo en música nos dan un contingente muy grande; aunado a esto, se armó un espectáculo interdisciplinario, formado con los semilleros nacionales de teatro, circo, títeres, danza y lenguas originarias, con más de 2 mil niños, niñas y jóvenes”.

“En esa semana se tuvo un trabajo intensivo, de alrededor de 8 horas diarias de práctica y ensayos en pequeños y grandes seccionales, cuidando siempre la seguridad y la salud de los chicos con sus respectivos descansos. Todo esto implicó una

“La disciplina sí es un enorme reto, pero también nos deja ver que los chicos no sólo tienen o desarrollan la capacidad artística, sino que tienen el potencial para llegar mucho más allá de esta, agregando el nivel técnico, la interpretación en todas las áreas artísticas; ver cómo llegan y cómo terminan haciendo una producción ya en niveles importantes es una enorme responsabilidad, pero un gran gozo por el trabajo que hacemos desde la Secretaría a través del programa Cultura Comunitaria, que está teniendo un impacto verdadero, que transforma la percepción que tienen los niños y los jóvenes de su entorno, de su comunidad, de las problemáticas sociales que no les son ajenas y generar ese granito de arena de conciencia en ellos, que les permita actuar en consecuencia y buscar un cambio dentro de sus comunidades. Ellos pueden convertirse en agentes de cambio para cada una de sus familias y comunidades y eso es lo más importante”, concluye el titular de Fomento Musical.

Espectáculo esperanzador, la producción

Con la dirección escénica de Cecilia Sotres y de Gala Sánchez Renero en la dirección artística, se armó la monumental

Foto: Lilia González

Maestro Roberto Rentería Yrene Foto: Zaira Urban

“En 2022 quisimos ofrecer una mayor oportunidad a los jóvenes, balanceando la participación entre la orquesta, la banda y la orquesta de música tradicional mexicana, más el coro nacional comunitario”. Roberto Rentería.

Foto: Lilia González

escenografía por los niños, un telón que vestía la parte trasera del escenario y que dio la pauta para el diseño y montaje del show, como comparte Víctor Zapatero, encargado de la iluminación: “Gala fue quien nos proporcionó ese pase escénico y, junto con Cecilia organizamos la sincronicidad del evento para marcar la entrada de los niños y el orden de cada número; los tiempos de las transiciones para que el espectáculo no se cayera y que la gente siguiera aplaudiendo con la misma fuerza. Es un evento muy complejo, de una escala y dimensión tremendas, donde se satura el escenario de artistas y de muchos elementos que hay que contemplar para que la iluminación ayude a diferenciar y observar bien a cada participante de los actos”.

“Es mi segundo año, pude ir a los ensayos en Oaxtepec y ahí decidí que la mejor manera de lograr esos cometidos era hacerlo por grupos, distinguir por un lado la escenografía -los telones pintados por los niños que iban cambiando de color- y luego dividir por bloques todo el escenario: en el de atrás el coro, luego la orquesta, que a su vez partí en dos bloques, y luego una franja, donde yo sabía que se iban a colocar los artistas invitados. En la parte donde estaba este proscenio añadido, de una profundidad

de 7 u 8 metros extra al escenario que ya tiene el Auditorio, se ubicó el coro de niños y grupo artístico que estuvo participando de distintas comunidades y eso duplicó las dimensiones del espacio; el reto fue cubrir todo con luz, por lo que pusimos dos puentes laterales y uno frontal extra, ya que los ubicados en el Auditorio no permiten bajar tanto el ángulo de las luminarias para iluminar de frente ese extendido que colocamos”.

En total, el diseño lumínico ocupó 36 luces robóticas Vari-Lite10 Spot Wash, provistas por la compañía Alibaba, de Gastón Forti, quien hizo la programación. Víctor usó la consola MA Lighting GrandMA3 para operar todo el diseño.

“Para las dimensiones del show y las limitaciones de presupuesto, que hay que cuidar mucho en este tipo de producciones, considero un buen logro haber hecho este diseño con el mínimo de equipos de alta calidad y un buen programador apoyándome, como Gastón”, afirma Víctor.

“Técnicamente, los requerimientos eran más complejos, pero los pudimos adaptar a lo que existía previamente”. Luis Quiñones.

Nico Peláez, director de producción del Auditorio Nacional; Francisco Serrano, director operativo, y Víctor Zapatero

El tratamiento del audio, tanto en sala como en monitores, sigue siendo un punto crítico por la magnitud del espectáculo, y han sido las mejoras de lo aplicado en cada edición las que han depurado el diseño y operación, como detallan a continuación sus responsables:

En sala, la dupla formada por Luis Quiñones y Humberto Terán llevó la parte de conducción y la artística operando las consolas Yamaha PM10D con dos racks RPio, más una Digico SD9, donde se atendió el coro y extras, en tanto que toda la mezcla de música se hizo desde la consola Avid Venue del Auditorio Nacional.

Luis Quiñones comparte la esencia y desafíos de su labor: “Este año hubo más invitados y eso fue lo que más cambió respecto al año anterior. Técnicamente, los requerimientos eran más complejos, pero los pudimos adaptar a lo que existía previamente: fueron más de 90 inalámbricos, tuvimos más diademas y en muchos casos lo que se hizo fue usar los mismos transmisores para diferentes diademas, hasta tres por transmisor, porque no estaban simultáneamente en escena y fue posible hacer eso. Mi actividad fue igual que el año pasado, Humberto mezcló la orquesta en una consola y yo mezclé básicamente todo los inalámbricos, diálogos, conducción, en la otra consola más unos canales extra de los invitados”.

“Coordinar el intercambio de los bodypacks, dejando fijas las diademas a los participantes, ayudó bastante. Humberto

tuvo un poco más complicada la labor, porque las orquestas crecieron mucho, y en vez de ser una sinfónica donde de repente entraba un grupo tradicional, ahora tuvimos varias: orquesta sinfónica, orquesta tradicional y banda, y cuadrarlo en términos de microfonía fue difícil, porque no podíamos estar metiendo micros extra para cada uno. Vimos dónde compartir para cada cosa y eso fue algo que cuadramos en los ensayos en Oaxtepec, además de revisar y ajustar los input lists, a partir del original que había mando Humberto, checando las posiciones de los diferentes instrumentos, qué dotaciones había, qué micros extra llevar, además de saber cómo se iba definiendo el repertorio”.

Foto: Santiago Granados

“En el Auditorio Nacional, como se movió al frente el PA, Jorge Soto hizo un ajuste final y, al igual que el año pasado, la gente de L-Acoustics dejó una configuración, conociendo lo que conlleva el evento. Iniciamos montaje un lunes junto con el line check, el martes empezamos las pruebas y ensayo de algunos actos, el miércoles hicimos otros ensayos y uno general muy breve, y el jueves por la mañana ya continuamos con el show.

“No tuvimos el mismo tiempo de preproducción que el año anterior, pero algo que hizo una diferencia enorme fue tener a Annette Fradera gestionando todos los temas, desde la parte del repertorio hasta el rider, los equipos, los pagos, tenerla de apoyo un año más y que fuera el puente de comunicación entre lo artístico y lo técnico nos ayudó muchísimo”.

Para Humberto Terán, sonorizar a las distintas orquestas fue una delicia, particularmente, la Orquesta Tradicional que es algo sui generis en México. “La integran 5 vihuelas, violines, 22 jaranas, 5 quintas huapangueras, 5 guitarras de son, 2 guitarras leonas, 4 marimboles, 3 arpas jarochas, 3 arpas grandes o más, 12 marimbas -entre chiapanecas y veracruzanas-, flautas, clarinetes, saxofones, cornos, trompetas

y trombones, eso es una aportación tímbrica, rítmica y de repertorio para México fascinante, además de que son niños y jóvenes los integrantes; ese sonido fue sorprendente, al igual que el repertorio. El año pasado tuvieron mucho éxito, porque acompañaron a Javier Camarena, y ahora fueron como Orquesta principal con su repertorio, así que la microfonía fue prácticamente adaptada para la Orquesta Sinfónica a la Orquesta Tradicional: usé la mayoría de micros disponibles del Auditorio Nacional, Schoeps, AKG, Shure de diferentes tipos y de refuerzos Shure 58 y 57. El ensamble tradicional creo que es la aportación más importante para el evento y para México”.

“Algo muy impresionante fue el diagrama y flujo que organizó Jorge Soto, que le dio un sentido y una certeza a cada paso que se logró. Ese trabajo de ingeniería, más la labor de Alejandro Peralta, que hizo el trabajo de radiofrecuencia, hizo jalar todo”.

El delicado tema de la radiofrecuencia Como participante por tercera vez en Tengo un sueño, Alejandro Peralta, ingeniero de audio especialista en RF y profesor de dicha materia en Sala de Audio, decidió invitar a un selecto grupo de alumnos para hacer frente a la enorme

“Desde que tuvimos las juntas previas hablamos de muchos más requerimientos en cuanto a la orquesta y la microfonía, las diademas en las presentaciones y todos los sistemas inalámbricos”. Jorge Soto.

Foto: Santiago Granados

tarea de que los sistemas inalámbricos operaran sin problema alguno. “En esta ocasión, la idea de estar en los ensayos fue entender la manera en la que correrían todos los números, saber qué cantidad de micrófonos inalámbricos se usarían y tener contacto con los niños que usarían los equipos, para que su desempeño en el escenario fuera el mejor”, menciona Alejandro. Santiago Morúa fue el líder del equipo y nuestra ancla para dar seguimiento a lo que estábamos haciendo”. Los demás participantes invitados por Alejandro fueron Diana Sedano, Carlos García, Fernanda Hernández, Carla Herrán y Mónica Luna. “Al Auditorio Nacional llegué el lunes anterior al evento y me dediqué a posicionar las antenas, hacer toda la coordinación de frecuencias, reprogramar todos los transmisores que lo necesitaban y los in ears y dejar todo listo para que al otro día, corriéramos más ensayos”, menciona el ingeniero de radiofrecuencia (RF).

Además de la cantidad de frecuencias a coordinar en Tengo un sueño, una de las condiciones especiales fue que los principales usuarios de la microfonía eran niños. Diana Sedano menciona que trabajar con ellos fue bastante laborioso, pero muy interesante. Santiago agrega: “Hubo de todo quienes estuvieron muy nerviosos y quienes ya sabían moverse en el escenario”.

La consigna del evento era que todos los micrófonos fueran de diadema, pero conseguir tantas era imposible. Se usaron los Beta 53 y SM 35, así como lavaliers y micrófonos de mano. Además hubo aplicaciones no muy usuales: “Algunos instrumentos tuvieron que ser inalámbricos, como pianos, arpas y trompetas, porque los cambios tenían que ser rápidos. En esta ocasión, el espectro se vio más limpio, pero hay que tener cuidado, porque puede ser que las frecuencias estén ahí, sólo que en donde estuvo la antena pareciera lo contrario, menciona Alejandro Peralta”.

¿Cómo manejar 94 canales de RF para un evento con 2 mil niños en el escenario? Santiago Morúa explica: “Para lograrlo, usamos el sistema Axient Digital con transmisores AD1 –bodypacks- y AD2 -micrófono de mano con pastillas SM 58, Beta 58 y KSM 11, además de tener 16 canales de sistemas PSM 1000. Tuvimos también la fortuna de contar con el administrador de espectro Shure AD600”.

El interés por el área de RF por parte de la producción de un evento tan grande como Tengo un sueño llena a Alejandro Peralta de mucho orgullo: “Me arriesgué a invitar a gente que no había participado en un evento de esta magnitud”.

El equipo de RF, superando retos

Tengo un sueño

Con ustedes, los monitores

En el puesto de monitores, con las consolas Solid State Logic Live 500 y Live 550 Plus, la dupla estuvo con Everardo Cano atendiendo la mezcla para los ensambles instrumentales, y Jorge Soto en el apoyo de Santiago Álvarez, de los demás instrumentos.

Es Jorge quien detalla así su labor: “Desde que tuvimos las juntas previas hablamos de muchos más requerimientos en cuanto a la orquesta y la microfonía, las diademas en las presentaciones y todos los sistemas inalámbricos. Cuando me llegó el primer guión, inmediatamente empecé a cuadrar cómo poder repetir sistemas, porque iba a ser una locura darle el suyo a todos. Para mí lo primordial fue lograr coordinar los cambios y no tener que preocuparnos por tantas frecuencias, porque ya sabía que eso se iba a convertir en un problema si lo dejábamos crecer”.

“Tuvimos más de 100 diademas, compartieron transmisores con los micros para poder administrar rápidamente los recursos y moverlos de uno a otro; incluso hubo un momento en que nos cambiaron el orden por una cuestión de la energía que alcanzaría la presentación y se movió el orden de las interpretaciones, y eso hizo que de repente se nos juntaran dos números, donde se compartían los mismos micrófonos. La solución fue coordinar perfectamente bien ese cambio para que, en menos de 30 segundos, salieran los de un acto y entregaran los micros a los que entraban”.

“La coordinación de cómo fuimos arreglando los micrófonos se pensó de una manera teatral. Primero traté de plasmarlo en papel para hacer ese mapa de cómo llevar los cambios y luego ya lo terminé de afinar y coordinar con Alejandro Peralta para saber cuestiones de frecuencia, monitores, bodypacks y qué nos iba a funcionar. Entre los dos lo coordinamos con Alfredo Tafoya de Sara, quien nos dio la lista de diademas disponibles, y con base en esa lista, vimos que podíamos poner diademas independientes. En frecuencias sólo se compartió el tema de micros de mano, todo además, con su respectivo paso de sanitización”. En sala, como asistente estuvo Rayfa Reyes y en monitores, Santiago Álvarez.

Consolas

1 Avid Venue D-SHOW @96 Ch

1 Digico SD9

1 Reverb Lexicon 960 L

1 Yamaha PM7D @90 CH (FOH2)

1 Solid State L500 plus @96CH, 1 Solid State L550 plus @128CH PA Sala

24 K1 L-Acoustics, 12 por lado main PA

04 K2 L-Acoustics, 2 por lado downfill

16 K1-SB L-Acoustics, 8 subs por lado colgados

16 KS28 L-Acoustics, 8 subs por lado a piso cardioide

08 X8 L-Acoustics para front fill

06 Kara-i L-Acoustics, 3 por lado delay

Monitores

4 SF de 2 A15 + 1 KS21 L-Acoustics

1 X15 L-Acoustics (director de orquesta)

8 X15 L-Acoustics Proscenio

8 X15 L-Acoustics Coro

1 X15 LAcoustics Monitores

12 Canales de IEM Shure P10T Transmisores

16 Bodypack de Shure P10R Receptores

2 Combinador de antenas Shure PA 821

6 Canales de IEM Sennheiser G3 con combinadores y antenas.

1 Antena PA805

2 Monitores M-Audio

Sistemas inalámbricos y micrófonos para estos sistemas

16 Micrófonos de Diadema Countryman o Thomann

06 Micrófonos de Diadema DPA

20 Micrófonos de Diadema Shure Beta 53

08 Micrófonos de Diadema Shure SM 35

30 Micrófonos Lavalier Countryman

26 Micrófonos Lavalier Sennheiser MKE

96 Canales de Receptor Inalámbrico Digital Axient Digital

70 Transmisor “Bodypack” Inalámbrico Digital. AD1-G55

20 Micrófonos Axient Digital con pastillas B58, B58, KSM11, KSM8. AD2/G55

6 UA845 Distribuidores de Antenas.

6 UA874 Antenas Direccionales Activas

1 AXT600 Shure Analizador de espectro

Foto: Santiago Granados

“Everardo estuvo haciendo toda la parte de la orquesta y fue un acierto, porque esa mezcla necesitaba atender cosas precisas, y creo que tener a alguien haciendo sólo eso que se manda a los in ears -Shure y Sennheiser que se usaron- y a los monitores de piso, ayuda muchísimo a los ensambles, existió, pues, un concepto de monitoreo para eso en el contexto de todo el show, que es importante entender y atender. En ese punto, la comunicación que tuvimos con los directores de cada una de las áreas nos ayudó muchísimo para tener una buena coordinación y facilitar las cosas para todos. Esa apertura de parte de la gente de Fomento de Cultura la agradezco mucho, porque fue una atención que nos hizo más fácil el trabajo para que todo luciera mucho más”.

Al final, la satisfacción de haber llevado nuevamente a buen puerto este magno evento para la infancia de nuestro país, sigue dando motivación e inspiración al equipo, como lo sintetiza Jorge Soto: “Esta clase de eventos son los que realmente hacen que valga la pena a lo que uno se dedica. Trabajar con un crew de este nivel que siempre te deja enseñanzas increíbles, es un placer. Luego, es un enorme orgullo poder compartir algo que le aportará a estos niños, dejarles un conocimiento que les haga sumar a su crecimiento como artistas y personas”.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

“Mi trabajo fue contactar con los profesionales idóneos para este proyecto y fue por eso que todo salió muy bien. Hemos venido entendiendo mucho más los requerimientos de Tengo un sueño y eso es importante, porque al final, respecto al audio hay que seguir educando mucho para que esta parte evolucione de una manera óptima. Había que sonar de una manera excelente”.

Annette Fradera, coordinadora del equipo de audio Tengo un sueño 2022

Para Humberto Terán, sonorizar a las distintas orquestas fue una delicia, particularmente, la Orquesta Tradicional que es algo sui generis en México.

Foto: Santiago Granados

y la escucha profesional

Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda*

Mi definición favorita de sonido es: vibración mecánica interpretada por la mente de quien escucha.

Me apasiona darme cuenta de que una onda acústica que pasa por una serie de procesos de recepción por nuestro oído termina en una serie de pulsos eléctricos interpretados por nuestra mente. Es impresionante cómo podemos percibir los sonidos, pero aún más, el significado que le damos a cada uno de ellos. Solo por poner algunos ejemplos: la velocidad con que identifica nuestra mente el timbre de ese ser amado, el cual nos dice quién es e incluso la intención en su voz; un sonido, al igual que un aroma, nos puede transportar a un recuerdo casi como si estuviéramos ahí. Es increíble cómo con apenas unas cuantas notas podemos reconocer una canción que no hemos escuchado en años o cómo un cantante escucha su propio sonido, tomando decisiones de cambio de afinación y dando instrucciones a su aparato fonador para ajustar lo necesario y después recibir un nuevo sonido para considerar el éxito del ajuste, o cómo un ingeniero en audio evalúa el cambio de un timbre conocido en diferentes monitores al escuchar referencias cruzadas. Si continuáramos llenaríamos esta revista completa.

Lo más fascinante para mí, es ir aprendiendo cómo trabaja nuestro cerebro en todas estas cosas y cómo influyen en nuestra vida cotidiana y en nuestra profesión.

Por el mejoramiento de la percepción sonora

La Neurociencia es una rama de las ciencias que estudia el sistema nervioso, y la neurociencia cognitiva es una parte de la neurociencia que estudia, con el método científico, los procesos mentales de los seres humanos: cómo decidimos,

la memoria, la percepción de la realidad, la manera en la que las emociones guían nuestra conducta y demás. En palabras del doctor Facundo Manes (fundador del Instituto INECO-U), los últimos 20 años han sido de un crecimiento exponencial de este fragmento de las ciencias, otorgándonos nuevos conocimientos del cerebro y su funcionamiento. En los últimos años, científicos de renombre como el doctor Manes se han dedicado a divulgar todo este conocimiento para la aplicación en nuestras profesiones y vidas cotidianas.

Como amante de la música, las diferentes ramas del audio profesional y ahora la Neurociencia cognitiva, he estudiado profundamente cómo estos nuevos conocimientos pueden mejorar nuestra forma de percibir el sonido y por ende, nuestra forma de producir. Pongo estos ejemplos:

·Ceguera (sordera) por inatención y ecualización del canal equivocado. Está comprobado que un ser humano, en cada instante de su vida, está repleto de estímulos de todo tipo: visuales, auditivos, sensoriales y otros. Todo ocurre en un mismo instante. Respiramos, sentimos la textura de nuestra ropa o del aroma que llega y de todos esos estímulos, somos capaces de analizar conscientemente solo el 5 por ciento de todos ellos, lo que explica por qué, si estamos trabajando en un canal de audio y estamos convencidos de los cambios que hicimos, al final nos decepcionamos al darnos cuenta de que el canal estaba equivocado o el ecualizador en bypass, esto porque nuestro 5 por ciento estaba en otro lado, menos en escuchar. Seguramente estábamos viendo los colores hermosos de nuestros plug ins, distraídos por la textura de los canales de la consola o concentrados en un pensamiento que no nos dejaba escuchar en realidad.

·Recursos cognitivos limitados. Esto fue una revelación muy grande para mí. La cognición es la facultad del ser humano para procesar información a partir de la percepción, el conocimiento previo y las características de contexto para poder evaluar algo. Y toda esta demanda de proceso que se le pide al cerebro es limitada y no es igual a lo largo del día. No es la misma capacidad cognitiva que se tiene a las 10 de la mañana, después de haber dormido bien, haber hecho ejercicio y desayunado, a la capacidad que se tiene a las 8 de la noche, después de un día extenuante. Nuestra atención, percepción y entendimiento del entorno está limitada a los recursos cognitivos disponibles en el día. Esto, llevado a nuestra profesión, explica algo que de una u otra manera ya sospechábamos: nuestra escucha no es igual en la mañana, frescos, a la escucha que tenemos después de 8 horas de trabajo.

Como profesionales del audio, nos hemos percatado de muchas de estas cosas, que incluso ya aplicamos de una manera muy intuitiva, pero ahora, la Neurociencia cognitiva nos explica con respaldo científico para su mejor entendimiento y manejo.

Neurociencia cognitiva para entender la escucha

Una de mis pasiones mas grandes como profesional del audio y docente es el entrenamiento auditivo. Definitivamente, todas las profesiones necesitan un cierto entrenamiento

físico, mental y hasta emocional. Así como un sommelier entrena su cognición enfocada al aroma y el sabor para analizar la gama de factores que hacen a un buen vino, un deportista de alto rendimiento que automatiza procesos físicos para enfocar la mente a sus objetivos en la competencia o un abogado entrena los procesos mentales y de decisión para manejarlos de una manera eficiente en una audiencia, para los profesionales del audio es imprescindible tener una percepción entrenada para lograr la mejor grabación, mezcla y/o masterización; en audio en vivo, para saber qué frecuencia atacar en el PA o cómo elegir el mejor micrófono para esa voz y ese género en el que estamos trabajando. En pocas palabras, debemos saber cómo deben sonar las cosas y para eso necesitamos un buen entrenamiento.

La mayoría de los profesionales de la Industria del Audio hemos entrenado el oído empíricamente, a través de horas de vuelo valiosísimas, a través del error y con los recursos tecnológicos que hemos tenido a la mano, y algunos hemos tenido acceso a metodologías de entrenamiento como el Golden Ears de Dave Moulton u otros escasos métodos desarrollos por pedagogos enfocadas a este tema.

El entendimiento profesional de la percepción auditiva a través de la Neurociencia es clave para entender los procesos de escucha.

Durante los últimos 8 años que me he dedicado a buscar la mejor manera de entrenar el oído para los estudiantes de las instituciones donde imparto clases (SAE Institute México, Rec Música y Sonic Ear Training Institute), me he percatado de que el entendimiento profesional de la percepción auditiva a través de la Neurociencia es clave para entender los procesos de escucha de profesionales y del público en general y desarrollar metodologías de aprendizaje efectivas en tiempo y forma para el dominio de la escucha.

He aprendido qué tan importantes son los timbres de los instrumentos que ocupamos, como la percepción de las dimensiones de una mezcla estereofónica. Entrenarse auditivamente para distinguir alto, ancho y profundo en audífonos y bocinas ha sido parte clave en los alumnos para poder percibir la mezcla como un lienzo en donde trazarán sonidos que lleven un mensaje y un conjunto de emociones que impacten al espectador. También he aprendido que, a través de entender la mente y su capacidad para memorizar timbres de voces de manera natural, un profesional puede memorizar timbres de bombos, guitarras o micrófonos; timbres complejos creados por el instrumento y toda la cadena de procesos para su captura.

Es increíble cómo con apenas unas cuantas notas podemos reconocer una canción que no hemos escuchado en años o cómo un cantante escucha su propio sonido.

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de Nacho Cano, con Dolby Atmos

a banda sonora que acompaña el documental “Malinche” de Nacho Cano se estrenó en plataformas digitales a fines de noviembre pasado; una producción capturada por la London Symphony Orchestra en los estudios Abbey Road, que tuvo desde origen su proceso de grabación y mezcla en Dolby Atmos. El responsable del mix fue Mikel Krutzaga (ganador en 2019 del Goya por Mejor sonido en la cinta “La trinchera infinita”), quien comparte el camino que trajo el resultado satisfactorio de este disco instrumental.

Conceptos distintos, pero emocionantes

A diferencia de otras producciones, este álbum instrumental fue grabado desde su inicio con el sistema Dolby Atmos para el acompañamiento del documental y luego tuvo un periodo de reposo que hoy, con el musical “Malinche”, puede distinguirla al ser conceptos diferentes.

“Se buscaba el momento idóneo para sacarlo con el estreno de la propia obra y distinguirla de la música que hay en ella, con la banda en vivo. Con esa referencia nos pusimos a platicar a finales de 2021 para ver cómo arrancar o qué hacía falta para darle identidad propia, destacando lo solemne y energético de la orquesta. Nacho sabía hacia dónde debía ir y nos fue guiando al resto. En mi caso estoy muy contento de que depositara su confianza en mí y haber podido aportar mi forma de ver y trabajar el proyecto, interpretar con mi visión de su música y de la interpretación de la orquesta, entender cómo debe ser el sonido y el espacio y cómo considero que debía estar en esta grabación”, menciona Mikel.

Con un proceso dividido en dos partes, el trabajo de Mikel rescata el contraste provisto por su experiencia en distintos roles como ingeniero de audio, para luego traducirlo técnicamente:

“Para mí, trabajar con Dolby Atmos es lo más parecido a lo que tengo en la cabeza e intentar colocar la música donde me gustaría que sonara. Es un sistema que, al envolverte, te da la posibilidad de que las canciones sean mucho más definidas. Lo que hago yo es cerrar los ojos y después, con la capacidad técnica que pueda tener, intento lograr ese sonido. Para eso, acudo muchas veces a recuerdos de cuando he escuchado una orquesta, la sensación que me envolvía estando adelante como público o al lado del director, escuchando los instrumentos e incluso con los músicos de la orquesta cuando me ha tocado acomodar los micrófonos. No suena igual estando en distintas posiciones. Se trata de tener esas memorias y la imaginación para luego, con el guión de esa música ya escrita, intentar interpretarla en el espacio que será el más idóneo para cuando se escuche con la sensación de todo presente y su expresividad”.

Reflexión musical para un sonido balanceado

Con un flujo de trabajo híbrido, donde combina en simultáneo, lo análogo y lo digital, Mikel ostenta en su equipamiento de una consola S6 de Avid, monitores ATC, preamplificadores Avalon 737, sistemas de reverberación Lexicon PCM70 y TC Electronic 6000, entre otros, logrando 48 entradas y salidas ruteadas que pudo usar en las sesiones:

“Suelo utilizar equipo análogo para lograr un sonido general que dé el color y calidez necesarias y luego lo comparto con la tecnología digital, automatizando y matizando las cosas. Todo parte de los formatos, cuáles son y en qué sistema los recibo y cómo se importaron y de ahí voy a las sesiones. Depende de cuántas sean es donde decido cómo articular el proyecto y empezar a trabajar. Luego hago la reflexión de la música para saber por dónde debe ir y de ahí la traslado a lo técnico, respecto a los recursos que necesito. Hago varios intentos previos para probar si la ecualización va de alguna manera, cómo están los micrófonos generales o los cercanos y demás... escucho todo y así voy, hasta llegar a la dirección que quiero tomar. Cuando ya he resuelto eso, lo más complicado es cuando aparecen pequeños problemas, como si los instrumentos no suenan de cierta manera, y es ahí donde la experiencia ayuda a jugar con los elementos”, explica.

“Llegado el punto en el que estoy a gusto, es cuando muestro el trabajo. Con Malinche, me reuní con Nacho Cano para conocer sus impresiones y ver si todo estaba bien o se cambiaba la dirección. Hice dos temas a modo de muestra, los escuchamos en mi estudio y así se trazó el camino, luego de dos o tres semanas intensas, y más o menos la misma cantidad de tiempo para entregar todo el material”.

“La masterización también estuvo a cargo de Mikel: “En mi perspectiva, se trata del proceso donde uno hace un retoque general con pequeños matices, porque si hay mucho que mover, no es algo que se haga ahí, sino que puede no estar bien en la mezcla. Si hay algo importante de cambiar, lo hago en este proceso. Entonces armé la mezcla en mi estudio y luego fuimos a los estudios Best Digital de Madrid, para tener una escucha y poder ajustar en comparación con lo que hice en mi estudio; básicamente se trató de certificar que en uno y otro entorno lo escuchado estaba equilibrado”.

Finalmente, para Mikel ha sido una experiencia enorme haber compartido este proyecto con Nacho Cano: “Conocerlo y tener la suerte de compartir con él mis ideas y conceptos, así como el trayecto con la música fue increíble. Creo que “Malinche Sinfónico” es un proyecto musical precioso y no hay cosa más feliz que disfrutar moldear una música así, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres en los estudios Abbey Road. Fueron seis semanas de disfrutar y, si quedaste satisfecho con el trabajo, ¡qué más se puede pedir!”.

“Malinche Sinfónico” está disponible en todas las plataformas digitales de distribución musical, ofreciendo más opciones para escucharse en Dolby Atmos.

Entrevista: Nizarindani Sopeña/Redacción: Marisol Pacheco

Consola Avid S6

Monitores ATC

Preamplificadores Avalon 737

Sistemas de reverberación Lexicon PCM70

Sistemas de integración TC Electronic 6000

Los equipos de Mikel Krutzaga

y su gran Navidad Quantum7

Una consola Digico Quantum7 (Q7) en sala permitió a Dave Wittman mantener la calidez analógica con la que nació la banda Trans-Siberian Orchestra (TSO) hace 25 años, mientras que la flexibilidad de este mismo equipo permitió que el monitorista Adam Robinson administrara las mezclas de 18 artistas y darle a cada uno un nivel de espectáculo de Broadway.

Dos versiones de grupo, dos consolas

Cuando el difunto compositor, productor, guitarrista y empresario musical Paul O’ Neill concibió por primera vez TSO, su objetivo era tan sencillo como ambicioso. “La idea general”, explicó una vez, “era crear una banda de rock progresivo que empujara los límites más allá que cualquier otro grupo anterior. Mucho, mucho más lejos”. Desde el lanzamiento del primer álbum de la banda, “Christmas Eve And Other Stories”, en 1996, TSO se ha convertido en un elemento básico de la temporada navideña y se embarca en giras de meses de duración, a menudo agotadoras.

La banda se ha convertido en una parte tan importante de la temporada navideña que, al igual que Santa Claus, ha descubierto cómo estar en dos lugares a la vez. En 2022, TSO salió a la carretera en noviembre con dos bandas y dos producciones idénticas, a menudo tocando hasta ocho shows por semana, con dos conciertos por noche los fines de semana. Por ejemplo, en 2022, “The Ghosts of Christmas Eve: The Best of TSO and More”, comenzó en Green Bay, Wisconsin y Council Bluffs, Iowa, al mismo tiempo, y terminó el 30 de diciembre en Cleveland y San Antonio. Así, la revista Billboard proclamó a TSO como uno de los mejores artistas en gira de la última década; una ópera art-rock multidimensional de más de 20 millones de dólares que se ha presentado ante más de 100 millones de

personas en más de 80 ciudades, vendiendo más de 280 millones de dólares en boletos.

Fueron dos versiones de TSO las que estuvieron en gira y hubo seis consolas Digico Quantum7 entre ambos, suministradas por Clair Global, el proveedor para el tour. Dos se usan para mezclar en sala y dos para monitores, con una de backup. “La Q7 tiene mucha redundancia incorporada; si un motor falla, puede cambiar sin problemas a la otra consola”, explica Adam Robinson, ingeniero de monitores para las ciudades del este de los Estados Unidos en el itinerario y quien ha estado con TSO durante cuatro años, en medio de giras con Josh Groban, St. Vincent y Bebe Rexha.

La confiabilidad es un hecho con DiGiCo Lo que Digico ha hecho abarca la odisea reciente de TSO. Dave Wittman ha sido el ingeniero de sala de la banda desde el primer día, cuando conoció a Paul O’ Neill en Electric Lady Studios, donde Dave trabajó a mediados de la década de 1970. Los dos trabajarían juntos más tarde en la banda de heavy metal Savatage, que se convertiría en la inspiración para las ideas de ópera rock

y teatro rock de Paul O’Neill. Dave trabajó felizmente en los álbumes y giras de TSO, usando consolas analógicas hasta 2011, hasta que, por recomendación de Clair Global, decidieron hacer la transición a lo digital. “Desde entonces ha sido perfecto”, dice Dave, quien dice que la SD7 con la que comenzaron fue capaz de brindarle a él y a la banda la calidez sónica que habían disfrutado con las consolas analógicas, pero con el tremendo impulso de productividad que vino con la automatización de la consola y sus capacidades de enrutamiento.

Luego vino el motor Quantum. “Me gusta mantener la superficie de trabajo sencilla y la Quantum7 lo ha hecho aún más fácil”, dice, señalando que con el tiempo se ha alejado casi por completo de los procesadores externos y que ha llegado a confiar completamente en el procesamiento propio del Q7, utilizando la consola y la ecualización y compresión en cada instrumento y entrada vocal. “Estoy asombrado por la cantidad de control que ofreció la actualización de Quantum”, comenta Dave Wittman, quien también sigue siendo el ingeniero de estudio de la banda en sus instalaciones del área de Tampa, el estudio de grabación y templo del heavy metal, Morrisound Recording. “El nivel de claridad que obtengo del procesamiento es excelente. Me gusta mantener las cosas simples y me gusta cómo Digico nos ayudó a hacer la transición de lo analógico a lo digital hace años, pero todavía nos permite tener nuestro sonido. Mi objetivo desde el primer día fue poder hacer que la banda sonara en vivo como en el disco, en el escenario. Recibimos elogios que me dicen que lo hemos logrado, y Digico nos ayudó a llegar allí”.

Por su parte, Adam Robinson también es un piloto veterano de la marca (todavía tiene una consola D1 antigua en su oficina) y está especialmente complacido con las características del software Quantum, que incluye 128 buses auxiliares/subgrupos y matriz 48x48, todo con un procesamiento completo; 64 strips de procesamiento insertables y snaphots para cambiar sin problemas múltiples parámetros a la vez.

Cuando se le pregunta cómo es administrar monitores para TSO, responde solamente: “Ocupado”, citando a los 18 artistas en el escenario, cada uno con sus propias preferencias específicas para los sistemas de monitoreo personal. “El espectáculo transcurre como una representación teatral, con un guión, mucha automatización y múltiples pistas dentro de las canciones. Al mismo tiempo, es un espectáculo de rock, por lo que también puede deambular un poco por partes. La mayor parte del tiempo estoy persiguiendo el código de tiempo, por lo que los artistas pueden contar con cambios de nivel específicos que siempre suceden exactamente en los mismos lugares. Incluso mientras sigo el guión de automatización, sigo subiendo un puñado de niveles. Tengo más de 90 snaphots del programa y otras 100 de otras canciones que hemos hecho en el pasado, listas para disparar cuando esas canciones vuelvan a aparecer. Realmente aprecio los 52 faders físicos y las tres pantallas táctiles LCD de alta resolución de 15 pulgadas en la consola. El enrutamiento flexible y el diseño de canales asignables significan que puedo permanecer en faders específicos y aún así tener un conocimiento y control completos sobre toda la mezcla de monitores. Me permite escuchar las cosas que vienen antes de que sucedan”.

Adam Robinson también está atento a la audiencia, listo para engrosar los micrófonos de sala a medida que su reacción aumenta a las canciones y partes, manteniendo a la banda conectada emocionalmente con sus

Dave Wittman

Adam Robinson

Desde el lanzamiento del primer álbum de la banda, “Christmas

Eve And Other Stories”, en 1996, Trans-Siberian Orchestra se ha convertido en un elemento básico de la temporada navideña y se embarca en giras de meses de duración.

multitudes. “Escucho esos micrófonos de audiencia 6dB más potentes que cualquier otra persona, así que, en cierto sentido, puedo predecir las reacciones y asegurarme de que la banda las escuche”, menciona. “Tengo muchos matices disponibles en estos faders”. También es fanático del procesamiento Mustard, aplicando herramientas como instrumentos y voces de compresión óptica, junto con sus reverberaciones UAD preferidas en los músicos y reverberaciones Waves en las voces. “Todo está integrado en la consola, por lo que cualquiera que sea el procesador que busque, está justo ahí. Mustard y Spice Rack son procesadores considerablemente avanzados”.

Dave Wittman y Adam Robinson tienen estilos de trabajo y requisitos muy diferentes para sus respectivos roles, pero la plataforma Quantum7 les brinda el poder y la flexibilidad para hacer lo que se debe hacer, noche tras noche. “Nadie hace lo que Digico hace tan bien como ellos”, señala Adam. “No hay razón para ir a ningún otro lado”. Si bien la compañía de ambos ingenieros se ocupa predominantemente de las ciudades de los estados más orientales, otra producción cubre de manera similar los territorios occidentales, con el ingeniero de sala Michi Tanikawa y el ingeniero de monitores James Bump manejando una configuración idéntica de las consolas Digico. Así, una gran Navidad con Trans-Siberian Orchestra fue posible.

Allen & Heath :

meet & grill en Escenario 21

En 2016, Allen & Heath expandió su equipo de mercadotecnia en Estados Unidos con la llegada de Mike Bangs como experto en Live Sound Touring de la marca. Mike tiene una gran experiencia en esta área y en la empresa brinda soporte a los clientes tanto en audio en vivo como en instalación, para desarrollar este mercado y asegurar el éxito de la firma. La experiencia de este profesional proviene de una gran cantidad de giras tanto en el país estadounidense y otras naciones, con figuras como Katy Perry, Eric Clapton y Aerosmith, y está a cargo del crecimiento de los negocios de Allen & Heath en estos mercados a través del soporte en eventos de alto perfil, artistas, ingenieros y compañías de sonido. Recientemente, Mike estuvo de visita en tierras mexicanas en Escenario 21, foro de Representaciones de Audio (compañía distribuidora de la firma), para ofrecer master classes que incluyeron distintas gamas de Allen & Heath, como d-Live y Avantis, teniendo como invitados a distintos profesionales de la industria del audio.

“He estado en giras desde hace 25 años como ingeniero de monitores y en 2010 conocí a la marca y realmente me enamoré de su capacidad, ya que en ese tiempo, era la única consola que podía tener una alta cantidad de canales y gran portabilidad”, menciona Mike; “yo hice muchísimos shows con ella alrededor del mundo, así que era un placer tenerla. Así fue como empecé a hablar con la

compañía y a darles mi opinión acerca de sus equipos. Tuve muchas pláticas con ellos como parte del equipo de desarrollo de la serie d-Live –hubo un gran equipo de ingenieros en esto, así que fue diseñada de una manera muy democrática-“.

“Durante este proceso, mi relación con la marca se fortaleció, empecé a mezclar con la nueva serie y en Allen & Heath me ofrecieron el trabajo, el cual acepté hasta que el artista con el que estaba girando descansó por los siguientes dos años y yo pensé en hacer otras cosas”, recuerda Mike. “Comencé a presentar la serie d-Live al mercado y a expandirlo. Este es mi séptimo año trabajando con la firma y tenemos una enorme presencia; ahora estoy trabajando en la parte de educación, imparto muchos entrenamientos y también doy apoyo a las compañías de renta, así como a los ingenieros que están de gira con las consolas y por supuesto, también la uso en los shows donde trabajo”.

Desde que Mike Bangs comenzó a usar las consolas Allen & Heath creyó en la marca, ya que estaban haciendo grandes cosas, pero no tenían la exposición que tenemos ahora. Hemos avanzado mucho con la serie d-Live y hemos redefinido el mercado porque tenemos el sistema que lo puede hacer. Creo que el estado de la marca ahora es que estamos liderando la Industria del audio gracias a la flexibilidad y la tecnología en nuestros equipos”.

Mike Bangs y Mike Tapia

Por otro lado, mercados como el mexicano y el latinoamericano provocan pasión para Allen & Heath: “Hay muchos artistas y mercados en esta región y aunque el inicio tal vez fue un poco lento, porque los usuarios primero tuvieron que conocerla, probar su estabilidad, confiabilidad y viabilidad, especialmente después de la pandemia hemos visto un incremento exponencial en la demanda de d-Live. Por ejemplo, cuando estuve aquí para el Festival Hipnosis con Mars Volta, otras bandas también traían consolas de la marca”, recuerda Mike.

Fue preciso el tema de los festivales musicales uno de los puntos que se tocaron durante las master clases que Mike impartió en Representaciones de Audio: “Es asombroso el uso de las consolas en estos entornos gracias a su flexibilidad, la rapidez para su set up y la facilidad para importar las escenas del usuario mientras la consola está corriendo; hay muchas características únicas para mezclar en festivales y desde el inicio hablé mucho con los asistentes acerca de la importancia de estos eventos. Hemos visto muchas consolas Allen & Heath en los festivales y de una manera más impresionante, hemos visto a muchos ingenieros traer consigo sus equipos d-Live, porque es muy fácil para ellos llevar sus consolas al aeropuerto”.

“Otros aspectos muy importantes acerca de mi rol en la marca es la parte de la educación; es algo en lo que nunca pensé interesarme, pero actualmente soy muy apasionado en esto. Fui muy afortunado de tener muy buenos maestros y mentores cuando comencé, así que siento que es muy importante hacer lo mejor que puedo con las siguientes generaciones. La compañía me ha dado las facilidades para proveer educación, no sólo en las consolas, sino en audio en general”, menciona Mike.

La visita de Mike Bangs a Escenario 21 de Representaciones de Audio consistió en dos días, como él explica: “El primer día tuve dos sesiones. Usualmente enseño a quienes no conocen las consolas y eso es muy divertido para nosotros, porque queremos saber cómo las usan. Los invitados querían conocer algunos trucos más avanzados y conocer el poder de los equipos. Durante el segundo día hablamos con propietarios de compañías de renta

acerca de cómo manejar los recursos que las consolas brindan, cómo se pueden usar de distintas maneras y cómo maximizar sus capacidades”. Al terminar el segundo día, una convivencia estrechó las relaciones entre invitados y Mike.

Finalmente, Mike Bangs habla acerca del trabajo que han realizado en conjunto con Representaciones de Audio: “En Allen & Heath tenemos una relación muy buena con ellos y eso ha que yo haya podido estar aquí. Estamos en contacto diario y ellos son muy importantes, porque son la liga hacia los usuarios. Además de la importancia de las ventas, las relaciones humanas también lo son y ellos han creado un puente entre nosotros y nuestros usuarios mexicanos. Escenario 21 es hermoso; le decía a León Soriano que es uno de los mejores espacios de demostración que he visto en el mundo. Es un edificio muy bien diseñado para tener una oportunidad de ver y escuchar lo que todos los productos pueden hacer. Se reproduce muy bien el entorno real de trabajo”.

“Es importante que los profesionales del audio estén atentos, porque en Allen & Heath estamos desarrollando cosas que nuevamente van a reinventar la Industria del audio en vivo. Ahora no puedo decir nada, pero estamos muy emocionados, así que la gente tiene que mantener la sintonía, porque vienen cosas asombrosas”, concluye Mike.

Mike Bangs

Por Juan Carlos Flores

Juan Pablo Ibarra Harfush nació en Mazatlán, Sinaloa, y en sus treinta y dos años como trabajador incansable en la Industria de la Música, ha recorrido todo el espectro de esta, en principio como productor musical y luego como ingeniero y productor de eventos en vivo en diversos géneros musicales, así como arreglista y director musical en el ramo de la televisión. Actualmente, Juan Pablo recorre el mundo como ingeniero de sala y monitores del internacional Mariachi Vargas de Tecalitlán y mantiene un pequeño estudio de pre y postproducción en su hogar.

Revelación

Ibarra Harfush nos narra su historia familiar y sus primeros contactos con la música: “Nací en Mazatlán, por el trabajo de mi papá. Ahí nací y permanecí hasta mis doce años. Después de eso, nos fuimos a la Ciudad de México, de ahí a Guadalajara, después a Culiacán, y de regreso a Guadalajara. Yo tengo una fijación con la música desde que tengo memoria. A mis cinco años, aún en Mazatlán, le pedí a mis papás clases de guitarra y tuve la suerte de que nos recomendaran a un maestro que tenía una formación de conservatorio en guitarra clásica, aunque era rockero. Cerca de la casa donde me daba clase, él tenía un salón comunitario en el que el ensayaba con su grupo de rock y me invitó. Yo tenía alrededor de siete años, y ya ahí, me hizo colgarme una guitarra eléctrica con amplificador y pedales y la manera en la que sonaba me hizo alucinar. Ya de ahí, todos mis domingos los empecé a gastar en discos y casetes de rock. Me tocó vivir como niño una época en la que el rock estaba en los primeros lugares en la radio y había muy buena calidad musical”.

La comunión de Juan Pablo con los equipos de grabación también se dio a su tierna infancia: “Ya como a los 8 años, había compuesto mi primera canción. En casa había dos equipos de sonido y con los decks hacía mis grabaciones con una guitarra eléctrica que un tío me prestó, así como un cable, y a modo de multitrack, grababa de un casete a otro. Así empecé a tomarle gusto a la ingeniería de audio. Cuando nos mudamos a la capital, a tres cuadras de casa, ensayaba Three Souls in my Mind, en la que era la casa de Alex Lora. Yo, muy joven, me sentaba afuera de la cochera a escuchar los ensayos. Seguía tocando la guitarra cuando nos fuimos a Guadalajara y en cuanto llegué, conseguí dinero para comprar un amplificador Peavey de los primeros que había. Tenía una guitarra Yamaha tipo les Paul con un pequeño pedal de distorsión; yo sabía que en Guadalajara había muchísimos grupos de rock e inmediatamente me puse a buscar bandas, así como a explorar las tiendas de instrumentos musicales de la ciudad”.

talento todo

“Empecé a trabajar como productor y tuve en compañías grandes. Entré a la Industria

todo terreno

Juan Pablo prosigue: “Cuando llegó el momento de estudiar una carrera, me decidí por Ingeniería Industrial. Salí de la carrera, me casé muy joven, trabajaba en una constructora y por una cuestión relacionada con las explosiones que sucedieron en Guadalajara en 1992, esta constructora quebró y me quedé sin trabajo, casado y con un hijo en camino. Fue cuando decidí arrojarme al vacío y dedicarme cien por ciento a la música. Para entonces, yo tenía un equipo muy pequeño. Grababa con una grabadora multitrack de casete de ocho canales y ya había hecho algunas producciones pequeñas”.

Dame sólo una razón

El salto al mundo profesional de la música fue afortunado para el joven Juan Pablo: “Después de eso, muy pronto empecé a trabajar como productor y tuve la fortuna de que desde 1996 lo hice en producciones de compañías grandes. Entré a la Industria de la mano de Rostros Ocultos. Ellos estaban firmados en EMI Music y les tocaba hacer un disco. A la gente de EMI le gustó mi trabajo y pidieron que grabáramos una canción piloto. Esta funcionó, e hicimos una producción llamada “Dame sólo una razón”, en la que, como en otros discos, tuve un rol activo en la composición con la banda. Esa fue mi primera experiencia produciendo para una compañía grande, a los 24 años, con dudas y miedos, pero haciéndolo de una manera muy clavada y apasionada. Para este disco rentamos una casa que tenía muros de piedra, en los que, haciendo unas adaptaciones acústicas, quedó un sonido muy interesante para las baterías. Todo esto lo grabamos en ADATs, y con una de las primeras mezcladoras digitales Yamaha. Eran tiempos en los que ponías play y la sincronización de todas las grabadoras tardaba hasta diez segundos en accionar”.

“Con este mismo equipo, realizamos la producción del grupo Naranja Mecánica, de Culiacán, para Universal, el

tuve la fortuna de que desde 1996 lo hice Industria de la mano de Rostros Ocultos”.

cual firmó Arturo López Gavito, entonces director artístico de la empresa. “Este se grabó en Mix Estudios y la postproducción se hizo en Los Ángeles, aun con los ADATs. La mezcla la realizaron Peter McKay y Benny Faccone en el lapso de un mes. También durante un periodo, instalé mi estudio en La Nopalera, sede del colectivo de música electrónica Nopalbeat. Ahí me tocó participar en las primeras producciones de Sussie 4, Shock Bukara y Luis Flores”.

Mundo TV

Un nuevo reto surgió para el productor: “Con el locutor Víctor Manuel Luján empecé porque él tenía una empresa de jingles y vestiduras radiofónicas muy exitosa a nivel México y Estados Unidos. A mí me empezó a pedir música para estas, de manera que yo visitaba mucho su oficina. Él tenía un programa radiofónico muy exitoso a nivel nacional y tenía la inquietud de hacer un show de centro nocturno en el que él cantaría con una banda en vivo, entonces me propuso que lo acompañara en ese proyecto y que me hiciera cargo de la dirección musical, en la que ayudé a formar una gran banda, hacer arreglos y secuencias y montar un show con 35 canciones; un proyecto bastante ambicioso, como todo lo que Víctor Manuel ha hecho siempre. Esta gira fue muy exitosa, al grado de que originalmente duraría seis meses y se prolongó por cuatro años. Fue una muy buena escuela para mí, a pesar de ser una presión importante. Dentro de esa etapa le produje 4 discos, de los cuales 2 de ellos fueron grabados y mezclados en España”.

La música de mi tierra

Una oferta crucial llegó a la carrera de Juan Pablo: “El ingeniero de casa del Mariachi Vargas de Tecalitlán se retiró, después de 25 años en el puesto y me llamaron para hacerme una prueba, en un show en Puerto Vallarta. Me aprobaron e inmediatamente me notificaron que al día siguiente nos íbamos a Colombia, después Estados Unidos, y desde ahí empezó un tren de trabajo muy intenso en el que nos podemos ir de gira durante cuarenta días seguidos sin regresar a casa, y hasta la fecha, aquí estamos. Acabo de cumplir nueve años con ellos”.

Juan Pablo reflexiona sobre sus planes: “Creo que mi futuro a mediano plazo es volver a encerrarme en un estudio a producir. De una manera cíclica, el destino me ha llevado de un lugar a otro y ahora siento que viene una etapa bonita de producción, aunque me encanta alternarla con la ingeniería en vivo, ya que cuando el trabajo en el estudio empieza a minar mi ánimo y mi humor, me voy a viajar, y a la vez, cuando me canso de las giras, regreso al estudio. Esta dinámica me encanta, ya que trabajar en vivo te enseña muchísimo para la producción en estudio y viceversa”, finaliza.

Naranja Mecánica

Rostros Ocultos

Marisela

Víctor Manuel Luján

Jotdog

Mariachi Vargas de Tecalitlán

Montes de Durango

Armando Palomas

Kenny y Los Eléctricos

La Yaga

Sussie 4

Televisa

Entre otros…

Trabajos en vivo

Mariachi Vargas de Tecalitlán

Víctor Manuel Luján

Jotdog

Rostros Ocultos

Master Show Televisa

Kenny y Los Eléctricos

Intocable

Valentín Elizalde

Yuri

Sin Bandera

Rubén Albarrán

Multiples eventos masivos en vivo para televisión

Entre otros…

Trabajos en estudio de Juan Pablo Ibarra

“Me encanta alternar la ingeniería en vivo con la producción en el estudio, ya que cuando el trabajo ahí empieza a minar mi ánimo y mi humor, me voy de gira, y cuando me canso de los tours, regreso al estudio”.

¡El show siempre continúa!

Desde hace más de dos décadas, sound:check Xpo ha sido el principal evento para los profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo en México; un espacio donde se presentan las novedades en audio, video, iluminación, DJ, backline, escenarios y servicios para realizar shows de cualquier tipo, hacer demostraciones en vivo y la oportunidad de realizar negocios cara a cara con sus clientes potenciales. Un evento concebido para los profesionales que viven, disfrutan y hacen de esta profesión el espectáculo de sus vidas. La cita es en el World Trade Center Ciudad de México los próximos 23, 24 y 25 de abril.

Dejando atrás los sucesos que dificultaron la realización del evento por dos años y fortaleciendo la reactivación de la Industria cuando volvió en 2022, la edición de este año continúa con esta labor y sound:check Xpo 2023 cuenta con alrededor del 80 por ciento de espacios contratados, en los que podremos encontrar los productos y tecnologías óptimos para crear los show soñados. Pero eso no es todo, porque este fortalecimiento incluye una amplia gama de actividades a las que este evento nos tiene acostumbrados y que lo harán tan memorable como desde 2003.

Piso de Exhibición

Más de 10,000 metros de productos, tecnologías y networking nos esperan para que acercarnos a todo lo que queremos conocer de la producción de los mejores shows que tengamos en mente.

Salas Demo

Este espacio en sound:check Xpo está destinado al acercamiento a los equipos más novedosos de la Industria, de la mano de los especialistas y en un entorno propicio para conocer más de lo que nos apasiona.

Jornada educativa

Reconocidos profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo compartirán sus experiencias en el mejor de los entornos, como ya es una tradición en sound:check Xpo.

Masterclasses

Un clásico de sound:check Xpo para escuchar las experiencias de artistas y profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo. El mejor lugar para saber de voz propia de los grandes talentos. Este año contaremos y gozaremos de la presencia de:

Avances sound:check Xpo 2023

Domingo 23 de abril.

Alonso Arreola. Bajista. Tiene siete discos a su nombre y otros tantos en colaboración o como productor. Ha formado parte de grupos como La Barranca, Luz de Riada, Monocordio, LabA, Arreola + Carballo y ha colaborado de distintas formas para Michel Houellebecq, Alejandro Sanz, Mike Garson, Pat Mastelotto, David Fiuczynski, Jaime López y Denise Gutiérrez, entre otros. Ha escrito miles de artículos, entrevistas, reseñas, crónicas, poemas o cuentos en revistas y periódicos a propósito de música, cine o gastronomía, así como un libro en torno a cartas de su abuelo paterno (Juan José Arreola). Desde hace quince años tiene un laboratorio bajístico con decenas de discípulos (LabA), y desde hace 20 publica una columna musical en La Jornada Semanal.

Lunes 24 de abril.

Benny Ibarra. Músico mexicano, cantante, productor, compositor, arreglista y actor. Productor musical, quien ha trabajado con La Onda Vaselina, pasando por el rock progresivo de Santa Sabina y Edith Márquez, además del disco “Vuelta al Sol”, de Sasha, Benny y Erik, y el disco de la obra musical “El hombre de la mancha”. Estudió jazz, guitarra, música clásica y composición en Walnut Hill School for the Arts y en Berklee College of Music. Ha participado como compositor y director musical en el Festival OTI, obteniendo el reconocimiento como el director de orquesta más joven en la historia del certamen.

Martes 25 de abril.

Fela Domínguez. Su espectacular voz le ha permitido colaborar con artistas importantes de la escena musical mexicana como Carlos Rivera, Pepe Aguilar, Pandora, Emmanuel, Daniela Romo, Mijares, entre otros, y junto a Alejandro Fernández recorrió los escenarios de todo el mundo durante 2 años interpretando en vivo la canción “Amor Gitano”. Formó parte por 5 años de la Big Band Jazz de México como la interprete principal de la misma y en el 2015 fue seleccionada para interpretar el papel protagonista de Nala en “El Rey León”. En 2017 fue seleccionada para interpretar el papel de Rachel Marron, en el musical El Guardaespaldas en Madrid, España. En el 2019 fue nombrada por la revista Forbes entre las 100 mujeres más poderosas de México y a inicios de ese año volvió al teatro musical con la obra “José El Soñador” en el papel de la narradora, con excelentes críticas por parte de los medios y el público. Actualmente promociona su disco “Con todo y caos” e inicia el tour del mismo nombre.

Artista plástica invitada

Como en las anteriores ediciones de sound:check Xpo, este año tendremos el privilegio de contar con la presencia de la artista

Lourdes Botello, nacida en la Ciudad de México, reconocida por su trayectoria de talla internacional y quien ha participado en infinidad de exposiciones individuales y colectivas como pintora, escultora e instaladora.

Su obra ha sido presentada en museos, galerías y recintos diversos en la Ciudad de México y en el interior de la República Mexicana.

Ha participado en exposiciones en ciudades europeas de Alemania, España, Suiza y Rumania, y también en Tokio y New Orleans.

Lourdes es además terapeuta, tanatóloga y creadora del modelo “Reconstrucción emocional”. Es neuróloga védica y tarotista de sistema junguiano, así como conferencista internacional en temas empresariales y de desarrollo humano.

Lourdes Botello padece de síndrome severo de disautonomía, lo que la ha llevado a someterse a 17 cirugías, entre ellas 7 de corazón y marcapasos; a pesar de haber padecido dos comas de azúcar, múltiples síncopes y afecciones severas en diversos órganos vitales, la artista continúa incansable en su exploración, búsqueda y expresión de nuevas propuestas artísticas, lo que la ha llevado a ser ganadora del Premio Nacional a la Mujer 2018 por 25 años de labor altruista con pacientes terminales y su trayectoria como artista plástica.

¡Está casi todo listo para celebrar la grandeza de la Industria de la Música y el Espectáculo! Los esperamos los próximos 23, 24 y 25 de abril en el WTC Ciudad de México. Más informes en www.soundcheckexpo.com.mx

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