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Contenido

No. 275, julio 2021

42.

El

Auditorio

del

Instituto

Tecnológico de Estudios Superiores, Campus Estado de México (TECCEM), es uno de sus edificios más emblemáticos y longevos. En 2018 inició el proyecto de remodelación integral que, además de atender acústica,

isóptica

y

domótica,

recibió un nuevo sistema de video con proyección 4K y de audio con Dolby Atmos.

6. Detrás del micrófono

36. Artículo invitado

66. Un encuentro con

Human Drama, fascinación por contar historias

DC Offset, lo que siempre quisiste saber y nadie te supo explicar

Horacio Cicero: las oportunidades atrapadas en el aire

Por Néstor M. Iencenella

Por Jordi Talamantes

18. Columna invitada Daniel Perri, el virtuoso ser humano, tecladista y director musical

52. Entre música y técnica Rango dinámico: ¡En busca de la realidad perdida! (segunda parte) Por Diego Merlo

Por Mérlindon Crosthwaytt

56. Desde el estudio Boogie Recording Studio: La cueva de Galileo Ochoa

24. Tecnología y producción musical El melotrón: precursor del sampler

Por Juan Carlos Flores Por Salvador Govea

28. Los nuevos caminos de la industria Foro Virtual Pepsi Center: el desarrollo híbrido del entretenimiento

Además 10. Nuevos productos 60. Notas del medio 68. Avances sound:check Xpo: ¡Regresamos!

Foto de portada: Cortesía TEC de Monterrey CEM

La industria de la música y el espectáculo

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AU D I O

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V I D EO

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I LU M I N AC I Ó N

Miércoles

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E S C E N A R I OS

Viernes

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SEPTIEMBRE

Exposición: presencial y virtual www.soundcheckexpo.com.mx

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Cuota de recuperación: En sitio $250.00 M.N. | Con pre registro $150.00 M.N. | Pago en línea: $100.00 M.N. Informes y ventas:

(55) 5240 1202 |

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SoundcheckXpo

E DI TOR I AL DIRECTORIO Foto: Lucy Hammond

Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño Héctor Barrera

Staff Editorial Marisol Pacheco

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Robe/Downtown Shakedown

C

ontinuamos paso a paso atestiguando la reactivación de nuestra Industria y confirmando que la creatividad es la mejor de nuestras aliadas. Hemos tenido mucha paciencia para superar los enormes retos que estos tiempos nos han puesto y necesitaremos aún más para llegar al punto en el que estábamos antes de esta crisis, pero seguramente regresaremos más fuertes y con un aprendizaje que debemos valorar.

Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez

Asistente de Ventas y Mercadotecnia Myriam Palma

Content Marketing

De estos tiempos nos vamos a llevar nuevas formas de organizarnos, comunicarnos, trabajar y administrar nuestros recursos. Hemos aprendido a establecer nuestras prioridades y a cumplir nuestros objetivos, además de encontrar otras maneras de desarrollarnos profesionalmente.

Natalia Urbano

Digital Marketing Chief Edith García

Telemarketing José Luis Careaga

Ojalá que este tiempo sea el inicio de nuevas formas de trabajo en la Industria de la Música y el Espectáculo y que nos quedemos con lo mejor de esta experiencia para lo que venga en el futuro; que veamos este periodo como herramientas que tengamos a la mano de aquí en adelante.

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Por nuestra parte y para estar a tono con los tiempos actuales, es un gusto anunciar que encontramos alistando todo para nuestra anhelada sound:check Xpo, que después de ser pospuesta en la edición 2020, regresará en septiembre próximo para ofrecer las tendencias más recientes en audio, video, iluminación, backline y escenarios.

Teléfono (55) 5240 1202

La edición de sound:check Xpo 2021 será realizada en dos ediciones: la presencial, como es costumbre, en el World Trade Center de la Ciudad de México, (del 1 al 3 de septiembre), con las actividades que hemos realizado los años anteriores en el piso de exhibición, salas demo y el Auditorio, y también estaremos en el mundo virtual (del 1 al 5 del mismo mes), con una edición cuya plataforma exclusiva brindará una experiencia completa con los expositores y personalidades que harán parte del evento y donde se podrá tener contacto con las marcas participantes, conocer equipos, concertar citas de negocios, asistir a master clases y sesiones educativas.

Sin más, los invitamos a reactivar juntos nuestra Industria. ¡Regresamos para formar parte del espectáculo de sus vidas!

Revista mensual. Año 23, No. 275.

Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva.

Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327.

Hecho en México con orgullo.

Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

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Detrás del micrófono

Human Drama,

fascinación por contar historias

T

itulado “Blurred Images” (Sunset Blvd. Records, 2021), el nuevo disco de Human Drama es un álbum que explora y acentúa, con sonoridades de origen electrónico de los años sesenta y setenta, un decálogo de letras en torno a las responsabilidades y conflictos ocasionados por el amor. Es un CD doble que comparte además el soundtrack del documental Seven Days In Mexico, que protagoniza Johnny Indovina, líder y vocalista de la banda.

Discos para contar historias El proceso de composición para este material tuvo como detonador creativo la canción “Farewell” y así lo relata Johnny: “Una vez que encontramos el concepto del álbum en la letra de esa canción, seguimos el proceso para poder contar la historia que tomó lugar en mi vida durante los años de 1992 y 1996 en la ciudad de Nueva York.

Comenzamos a tomar las piezas y empezamos a pintar una imagen más clara referente a las emociones, a los sentimientos, las pruebas y tribulaciones de la historia y así conformar un concepto más fuerte.

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Detrás del micrófono

Foto: Markus Cuffs

Si bien el disco se entregó por sencillos durante el 2020, se trata de una obra completa con un hilo conductor, formato que sigue siendo el preferido de la banda: “Recuerdo bien que no fue sino hasta que escribí la letras y la historia de la canción “Into Our Escape”, que realmente sentí que estaba haciendo algo muy bueno que podía ser un álbum completo. Como banda, Human Drama Johnny Indovina se toma tanto tiempo en poder crear un nuevo disco, que lo que pasó fue que consideramos que entregar por sencillos iba a ser algo que nos engancharía más a los escuchas, lanzando un sencillo nuevo cada 45 días. Eso nos dio la oportunidad de que hubiera más plática e interacción con las personas que nos escuchan, los fans de Facebook y otras redes sociales, para poderlos mantener más al tanto y pendientes de lo que estábamos haciendo”, comparte el cantante.

A nivel sonoro, para Johnny, la evolución del grupo siempre ha sido una búsqueda, algo intencional: “Siempre pensamos en crecer, no queremos hacer el mismo disco dos veces y eso realmente es un desafío para nosotros en cada álbum; en cada canción, queremos explorar los sujetos emocionales y a cada uno de ellos darles un color y un sentimiento diferente a la hora de escribir. Creemos verdaderamente que este es un disco muy nuevo para nosotros y es importante que se escuche como una historia completa”.

Autoproducción y oídos amigos Valiéndose de sus home studios, los integrantes grabaron a distancia el material y también alcanzaron a reunirse en el de Johnny para trackear algunas cosas, independientemente de la pandemia, siendo él quien asumiera las riendas de la producción: “Definitivamente, yo produje los últimos dos discos o la mayor parte de ellos.

Solo en el momento en que pensamos que ya tenemos un gran punto del álbum, como un todo, es cuando se lo entregamos a un ingeniero para que lo pueda llevar a un siguiente nivel. No tengo la respuesta de todas la preguntas, pero si llegáramos a considerar que hay alguien que nos conozca mejor que nosotros para hacer el trabajo, se lo daríamos para que lo hiciera”.

“Así las cosas, el proceso de trackear, editar y finalmente mezclar, es algo que hemos estado haciendo muy a gusto en los recientes dos discos. En casa, la mayor parte de las veces lo que hago es para mí, siempre estoy trabajando en demos y nuevo material para Human Drama. Muchas veces, Mark ha llegado a venir y grabamos en el estudio. Creo que sólo una vez vino otro artista a hacer algo; eso me gustaría hacer más, una vez que la pandemia cese un poco”.

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Detrás del micrófono

Un factor de énfasis en la cualidad sonora del álbum es lo que aportó Mark Balderas con los teclados y sintetizadores.

Miembro de la banda desde 1986, para esta reciente grabación, el músico asumió el desafío de aportar sonidos más electrónicos: “Retomé estilos de los años setenta, de bandas que nos gustan mucho, como Genesis, Pink Floyd y David Bowie, que nosotros verdaderamente amamos e intentamos incorporar en este álbum. Lo que hice en mi estudio en casa fue desarrollar las ideas que se me ocurrían, le llamaba a Johnny, se las mostraba, hablábamos y discutíamos al respecto. Fue un proceso que al final nos resultó de manera genial. Tuvimos mucha reflexión respecto al sonido de este disco. Saqué un teclado viejo que había comprado hace muchos años y lo traje de vuelta para esta grabación, de ahí conseguí varios de esos sonidos, de mi viejo Moog. También ocupé sonidos vintage del Fender Rhodes, un Mellotron y los mezclé con pianos acústicos como el Hammond B3 y otro con sonidos de jazz de Roland”.

El proceso de mezcla corrió a cargo de Mark Lonsway, con quien ya habían trabajado en el álbum “Broken Songs for Broken People” (2017); en tanto que el de masterización estuvo en oídos de Daniel Hersch en su estudio D2 Mastering: “Con Mark ya habíamos trabajado, lo conocimos en Nashville y desde que le dimos la primera canción de “Broken Songs for Broken People”, decidimos quedarnos con él, porque ya conoce nuestra música y nuestras últimas dos producciones.

Lo mismo Dan, quien es un muy buen amigo nuestro y realmente le importa mucho lo que hacemos, entiende qué tanto es lo que damos para lograrlo”.

La causalidad y el resguardo como enfoque creativo Por otra parte, con el disco sonando en su totalidad, lo que expone Johnny respecto al bonus track del documental “Seven Days in Mexico” es que su realización fue idea de Gene Blalock, quien quiso acompañarlo en su viaje a la Ciudad de México: “Hice el viaje como una manera de alejarme de todo y encontrar el lugar donde me siento muy feliz porque me encuentro a mí mismo, en paz y en calma. Esa fue la principal razón, nada creativo en particular, pero me ayudó a encontrar la manera de ser feliz, tomar mi guitarra y encontrarme con ella. Nunca fue mi intención el documental, eso lo propuso Gene, quien me preguntó si podía venir y simplemente filmarme en mi viaje y experiencia en la Ciudad de México”, narra Johnny Indovina.

Finalmente, para ambos músicos este periodo de creación en confinamiento les permitió enfocarse de una manera singular para hacer su música: “Solemos ser muy enfocados y sabíamos que estábamos haciendo sencillos cada mes.

Posiblemente nuestro nivel de enfoque fue más guiado o más fuerte, porque teníamos que estar encerrados, pero eso nos benefició”, afirma Johnny y Mark, quienes además coinciden: “Creo que nosotros ya teníamos algo de trabajo previo a estos momentos que estamos viviendo, así que básicamente nos mantuvimos trabajando y seguimos en esto. Posiblemente, como dice Johnny, tuvimos un poco más de beneficio por estar todo el tiempo en casa y logramos excavar más adentro para obtener ideas para las cosas que buscábamos y vienen en este nuevo disco. Nos mantuvimos haciendo lo que necesitábamos realizar”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Nuevos Productos ESTUDIO

Presonus Subwoofer Eris Sub8 Con el objetivo de aumentar su gama de altavoces para home studio, la marca presenta este subwoofer, especialmente diseñado para complementar la respuesta de voz y frecuencia de los monitores de referencia de la línea, como los E3.5, E3.5 BT, E4.5 o E4.5 BT. Integra un amplificador clase AB con potencia máxima de 100 W (50 W RMS), control de ganancia de entrada (-30 dB a +6 dB, continuamente variable), entradas principales izquierda y derecha, TRS balanceadas de un cuarto de pulgada y RCA no balanceadas, salidas TRS de un cuarto de pulgada balanceadas izquierda y derecha y salidas de paso RCA no balanceadas para conectar altavoces satélite.

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Focusrite Plug-ins FAST La marca presenta una nueva gama plug-ins: FAST Equalizer, FAST Compressor y FAST Reveal, para proporcionar una amplia variedad de capacidades de procesamiento dinámico y modelado de tono. Simultáneamente, también se lanzará una plataforma y un centro creativo llamado The Collective, en el que los complementos FAST estarán disponibles, como parte de un sistema en línea en constante expansión, diseñado para equipar a los creadores de música apasionados con herramientas e inspiración para permanecer en su zona creativa.

Paxsa. 55 5243 5484 www.e-paxsa.com.mx focusrite.com

Antelope Interfaz Zen Go Synergy Core Para un nuevo segmento de usuarios que incluyen creadores de contenido como podcasters, y que gran parte de su tiempo están en estudios dedicados a tal fin, esta interfaz (4 x 8 USB-C) alimentada por bus tiene un diseño de escritorio basado en DSP con la misma plataforma de procesamiento de efectos integrada Synergy Core que se encuentra en las interfaces de audio de la marca. Cuenta con la tecnología de conversión AD / DA de la firma y el algoritmo patentado AFCTM (Acoustically Focused Clocking) de 64 bits, que admite frecuencias de muestreo de hasta 24 bits / 192 kHz. Audiogate Internacional. (55) 5336 5522 audiogate.mx en.antelopeaudio.com sound:check

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Nuevos Productos EScenario

Green Hippo Software Hippotizer V4.6 La nueva versión del programa de diseño de la marca incluye características como la completa visibilidad en el entorno de proyección y necesidades, la posibilidad de colaborar y presentar ideas antes de la programación, además de herramientas 3D mejoradas. Es posible configurar la ubicación del proyector, el brillo del objetivo y la densidad de píxeles para elegir el modelo y la cantidad del proyector y las lentes necesarias. www.green-hippo.com

Martin Audio Altavoz para arreglo de curvatura constante Torus Para aplicaciones que normalmente requieren un alcance de entre 15 y 30 metros, un line array completo no siempre es la mejor opción, pero una solución de fuente puntual puede no ser suficiente en cobertura y Nivel de Presión Sonora. Sin embargo, Torus es una matriz de curvatura constante, diseñada para llenar adecuadamente ese espacio, combinando cobertura optimizada, perfil SPL y rentabilidad. Cuenta con control de patrón horizontal óptimo, dos gabinetes en ángulo para una cobertura vertical óptima, modelado y optimización 3D y diseño de gabinete premium con implementación flexible.

Audio Acústica y Electrónica (55) 5655 5505 audioacustica.com.mx martin-audio.com

Robe Luminaria LEDBeam 350 Para los usuarios familiarizados con la luminaria LEDBeam 150, la LEDBeam 350 es una variante más grande y brillante (6,600 lúmenes), que brinda más fuerza y ​​presencia para quienes desean haces luminosos cristalinos y washes de colores muy ricos. La marca conservó y desarrolló todas las características que hicieron del LEDBeam 150 un dispositivo muy reconocido, incluido un rango de zoom óptimo (de 3.8 a 60 grados) y una tecnología innovadora de recubrimiento de lentes que los mantiene más claros y sin rayones.

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Nuevos Productos DJ

Denon Reproductor de medios SC6000M Prime Cuenta con un plato motorizado de 8.5 pulgadas que asegura a los DJs el toque de una tornamesa convencional, y para un flujo de trabajo digital, tiene una pantalla táctil avanzada y su potencia está dada por un procesador interno multi-core. Su plataforma de software integrada especialmente diseñada para DJs ofrece rápidos tiempos de carga y una navegación, administración y búsqueda de tracks intuitiva. Con calidad de audio digital de salida dual de 24 bits y 96 kHz, el SC6000 admite todos los formatos de archivos de música comprimidos y sin comprimir, incluidos AIFF, FLAC, ALAC y WAV. Hermes Music. (55) 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.denondj.com

Pioneer DJ Monitores activos Serie VM Las unidades VM-50, VM-70 y VM-80 producen un audio claro con graves potentes. Cuenta con configuración flexible DSP y se puede ajustar para adaptarse a las características de una sala, lo que los hace adecuados para recrear el sonido de un club cuando el DJ está pinchando o incluso para proporcionar una respuesta de frecuencias plana cuando se produce música en casa o en el estudio. www.pioneerdj.com

Rane Controlador One Brinda a los DJs un diseño familiar, intuitivo y orientado al rendimiento con todo lo que ellos necesitan, donde lo necesitan. Cuenta con pads multifunción, paletas para efectos, una sección dedicada de bucle y controles de la mezcladora. Su plato motorizado es de 7 pulgadas y soporta softwares como Serato DJ Pro, Algoriddim’s djay Pro AI y Virtual DJ, y ofrece una variada conectividad, con 3 salidas estéreo, de micrófono dual y USB, así como entradas auxiliares phono y línea.

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Nuevos Productos Backline

Klang Technologies Controlador Kontroller Se trata de un controlador de hardware compatible con todos los procesadores de mezcla inmersiva de in-ear de la marca y su nuevo procesador, Klang: vokal, brindando un nivel nuevo de monitoreo personal para músicos. La firma recibió muchas solicitudes para crear un controlador de hardware independiente que ofrezca la misma funcionalidad de mezcla, combinada con un potente amplificador de auriculares con calidad de estudio.

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Gibson Guitarra acústica Noel Gallagher Durante 127 años, Gibson ha formado el sonido a través de generaciones y géneros musicales y se ha convertido en una de las marcas de guitarras más importantes del mundo. Así, acaba de anunciar que se ha asociado con el cantante, compositor y guitarrista Noel Gallagher, para recrear la guitarra acústica Gibson J-150, que ha sido la preferida del músico durante más de veinte años. Lanzará solamente 200 piezas con características como back de maple AA, así como tapa de abeto Premium y todo complementado con acabados hecho a mano.

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Novation Controlador Launchkey (MK3) Intuitiva y totalmente integrada, la gama Launchkey de Novation ofrece controladores de teclado MIDI esenciales para todos los niveles de habilidad y ahora está viendo su primera actualización de firmware. Muchas de estas nuevas actualizaciones han sido solicitudes de la comunidad de usuarios de estos productos, agregadas para aumentar la creatividad y crear una experiencia mejorada en todos los aspectos utilizando los productos de la línea. Una nueva función es el modo Strum, que ayuda la creatividad en la creación de melodías.

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ArtÍculo invitado

Por Mérlindon Crosthwaytt*

Daniel Perri, el virtuoso ser humano, tecladista y director musical de Raúl Di Blasio “Siempre he estado a la par de trabajar con artistas y creando”, comenta Daniel. Su papá es cantante, estuvo en grupos de Irapuato, Guanajuato, de donde son originarios, y Daniel conoció músicos estatales debido a que en Irapuato se unen varias ciudades y pudo, estratégicamente, conocer músicos y tecladistas.

Su formación fue una mezcla de tips de aquellos músicos; se ganó el cariño de ellos por ser el niño que preguntaba, hablaba de teclados y marcas, como el N264 y el Korg Trinity. Daniel tocaba boleros y les aprendía todo lo que podía en vivo, y creció entre los doce y trece años de edad tocando en grupos locales versátiles. Su maestro, Marcelo Cortizo, lo adentró en el jazz y conoció también al Maestro Mario Patrón Jr, a quien vio tocar en un grupo llamado Densidad 6, así que a los quince años aprendió a tocar jazz, con ambos maestros como mentores. “El jazz ha sido mi norte o dirección” agrega Daniel con agradecimiento.

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Humildad, solidaridad y trabajo musical en equipo Daniel se desarrolló tocando a nivel estatal en un grupo llamado “5”, tocando también en cuartillos y sextetos.

Sin embargo, las complicaciones de la inseguridad en Guanajuato lo abrigaron a viajar a la Ciudad de México para estudiar en la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM). Se hospedó en casa de muchos músicos e hizo buena amistad con Sajith Regalado, (baterista de Alejandra Guzmán), quien lo invitó a su primer trabajo, sustituyendo al Maestro Mateo Aguilar, a quien Daniel aprecia mucho. Después de Alejandra Guzmán, conoció a Tito Ruelas, guitarrista director, quién lo recomendó para Río Roma y obtuvo el patrocinio de la marca Kurzweil. Así continuó Daniel hasta cumplir también ciclos con Alex Ubago y Juan Gabriel.

ArtÍculo invitado

Desarrollo a gran escala en la escena internacional de la música y el espectáculo Después de Río Roma, Daniel se tomó un descanso y regresó a Irapuato. “De la nada, el guitarrista Oscar Galván me hizo el honor de recomendarme con Juan Gabriel”, agrega. A puerta cerrada, hizo la audición mas seria de su vida. Le hicieron evaluaciones de lectura, sonido y sincronización.

Pasaron semanas y finalmente le hablaron para hacer el tour en Estados Unidos con Juan Gabriel entre los años 2014 y 2015; tocó en las arenas más grandes de aquel país, como el Madison Square Garden en Nueva York, que era su máximo a realizar y posteriormente, firmó con Yamaha en patrocinio.

Con Juan Gabriel, Daniel tocaba en vivo entre 35 y 38 temas por concierto; eran horas enteras de show y repetir canciones. Federico Barragán Rocha, bajista de David Bisbal, invitó a Daniel a tocar y crecieron juntos profesionalmente con una bonita amistad. Daniel también hizo gira internacional con David Bisbal en el tour “Hijos del Mar” y aprendió bastante de la dirección de Ludovicco Vagnone en dirección musical. Una diferencia entre los directores de Juan Gabriel y David Bisbal era que con el primero usaban consolas Yamaha grandes y monitores de piso, más al estilo clásico en equipos, mientras que con

David Bisbal era más pop, con más tecnología en el uso de in ears. Las recompensas venían en aumento y en los momentos de viajes y conciertos pidió permiso para estar en el nacimiento de su hijo al Maestro Maestro Alberto Aguilera, quien lo apoyó para estar con su hijo el 8 de diciembre 2015. Le dijo a Daniel: “La felicidad es primero”, gesto del cual Daniel está siempre agradecido.

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ArtÍculo invitado

Jazz fusión y producciones propias El disco “División” es la primera producción de Daniel Perri, grabado a trío en estilo jazz fusión, con Iván Nuñez en la batería, Iván Barrera en contrabajo y Miguel Rodríguez, “Chuck” en el bajo. Posteriormente, acuñó el disco “Artiato”. “Desde los quince años he tenido un gusto muy especial por el arreglo musical y eso me abrió una gran puerta al área de producción musical”, comenta con entusiasmo. Daniel inició grabando sus propios arreglos musicales, experimentando diversos programas de grabación.

Su padrino Jorge Blanco y su tío Lalo, quienes en ese entonces ya eran músicos profesionales, usaban el programa Cakewalk, donde se empezó a formar. Años más tarde, con mucho esfuerzo compró el estudio virtual Reason, el cual usó durante diez años aproximadamente, hasta que conoció Logic Pro X. Los teclados han sido una herramienta fundamental a lo largo de su vida: lo acompañaron durante mucho tiempo los teclados Kurzweil Pc3K8 y Yamaha Motif y actualmente usa el Studiologic de Roland, aunque en realidad, todas las marcas que ha usado llevan un lugar especial en él.

El acercamiento con la producción musical de parte de Daniel fue grabando su propia música, con ideas jazzísticas que se

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le vinieron a la cabeza y que más tarde llevó a la realidad, con la ayuda de sus amigos Iván Nuñez, Giovanni Figueroa, Iván Barrera, Marco Rentería, Miguel Rodríguez Chuck, Paco Herrejón, Jorge Servín y Alberto López, (QEPD), entre muchos otros amigos que le hicieron el honor de grabar su música. En sus discos “División y Artiato” de jazz, expresa totalmente su esencia.

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ArtÍculo invitado

Su álbum “División” es mucho más orgánico, grabado de una manera tradicional, con tres personas grabando en un mismo estudio y al mismo tiempo. Este álbum lo grabó en los estudios del TEC de Monterrey en la Ciudad de México en mayo de 2014, gracias a Ulises Tello. Por otro lado, “Artiato” fue un álbum experimental con sintetizadores y eso lo hace totalmente electrónico, pero lleno de improvisación jazzística.

Actualidad y superación ante tiempos difíciles Daniel Perri se encuentra patrocinado por Roland y también lo apoya Karma Music, tienda de música, y siente un profundo agradecimiento por su apoyo. Ahora se convirtió en el director musical de Raúl di Blasio, supliendo al Maestro Nando Hernández. Con el confinamiento sanitario se canceló la gira de Raul Di Blasio; sin embargo, ya están retomando actividades.

Acaba de estrenarse también como empresario con la marca de ropa y calzado DPN Daniel Perri Navarro, junto a su esposa Sara León, y su otro negocio es su estudio “Cerebro de Música Brava”, de producción musical, arreglos y cantantes.

Como filosofía para nuevos tecladistas, Daniel concluye: “Estudien para cuando la oportunidad aparezca. Mi frase espartana es: “derrama más sudor en el entrenamiento y sangrarás menos en la guerra”.

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Pueden seguir a Daniel en sus redes sociales. Facebook: Daniel Perri Navarro. Instagram: @danielperrinavarro.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

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Tecnología y producción musical

Por Salvador Govea*

El melotrón: precursor del sampler

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na de las herramientas más usadas en la producción musical, el sampler, funciona bajo una idea que, teóricamente, es muy simple: realizar una grabación de un sonido para después reproducirlo a diferentes alturas, de acuerdo a las notas pulsadas en un teclado o según los mensajes recibidos de una secuencia MIDI. Esta grabación, que es almacenada como una serie de números en la memoria del sampler, puede ser capturada a través de un micrófono para obtener el trino de un ave, una nota de un instrumento musical o puede importarse directamente de un disco compacto de audio o de cualquier memoria que tenga almacenados archivos de audio en formato digital.

Un sonido original Desde los años ochenta –década en la que surgieron los samplers–, se tienen grandes representantes, como el Emulator o el Ensoniq Mirage, pero en el siglo XXI, los samplers físicos fueron perdiendo terreno frente

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a los samplers en software, como los incluidos en Ableton (el Simpler y el Sampler), en Reason (el NN-XT y el NN-19) y otros que pueden funcionar como programas independientes o que pueden adaptarse a diferentes DAWs, como el famoso Kontakt, que se utiliza mucho para realizar maquetas de obras orquestales e imitaciones muy realistas de instrumentos acústicos.

Tecnología y producción musical

Pero mucho antes que el sampler, el melotrón fue precursor en el uso de grabaciones de instrumentos reproducidas con un teclado; por supuesto, la tecnología usada era diferente y el sonido era de baja calidad y con una afinación ondulante.

Fue diseñado y construido a principios de los sesenta por los británicos Leslie, Frank y Norman Bradley, basados en el instrumento Chamberlin creado por el estadunidense Harry Chamberlin en 1951.

Si se quiere tener la experiencia de escuchar este instrumento –la cual es la mejor manera de conocerlo–, el ejemplo clásico de su sonido se tiene en la introducción de la pieza Strawberry Fields Forever de The Beatles, que fue interpretada por Paul McCartney en un melotrón con un timbre de flautas. Claro que el melotrón puede sonar de formas muy diferentes: puede tener timbres de mandolina, flauta de pico, saxofón tenor, fagot, trombón, ensamble de tres violines, violoncello solo, sección de cuerdas, campanas

tubulares, marimba, vibráfono, coro masculino, femenino o de niños, ensamble de metales, arpa y copas musicales, entre bastantes más.

En cuanto a su clasificación, el melotrón es un instrumento musical de teclado que entra en la categoría de los electrófonos.

Es electrófono, porque su sonido sólo puede llegar a nosotros por medio de un amplificador y bocinas — y aunque a algunos sí los podemos escuchar sin amplificar, por lo general no se usan así, ya que su volumen es muy pequeño—. Los electrófonos se dividen en dos categorías: eléctricos, cuando el sonido se produce por medios tradicionales (soplando, frotando, pulsando o percutiendo) y dicha vibración es captada por un micrófono o pastilla que lo convierte en señal eléctrica; y electrónicos, cuando el origen del sonido es un oscilador controlado eléctricamente, es decir, no se requiere convertirlo en señal eléctrica porque desde un principio ya lo es. Por lo tanto, el melotrón es un instrumento electrónico y, por lo tanto, electrófono. ¿Cómo funciona?

Hablemos ahora de cómo opera el melotrón. Para cada tecla, hay una cinta magnética que contiene una grabación de algún instrumento acústico con una altura (frecuencia) correspondiente a la de la tecla. Se pulsa ésta y la grabación, de un máximo de ocho segundos, se reproduce. Al soltarla, la cinta es llevada a su punto de inicio y está lista para ser tocada nuevamente, de tal forma que si queremos tocar un acorde de gran duración, tenemos que soltar y pulsar nuevamente las teclas que forman el mismo. Hay quienes creen que el final de la cinta se adhiere al principio de ésta para crear un ciclo (bucle o loop), pero no es así; es una cinta que se reproduce desde el inicio con cada pulsación de la tecla.

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Tecnología y producción musical

Estas cintas magnéticas son prácticamente iguales que las que se tienen en los casetes de video (VHS o Beta), o de los casetes de audio, aunque sus medidas son diferentes. Las cintas que utilizaban los melotrones constaban de tres tracks o pistas, lo que significa simplemente que el ancho de la misma, de 0.95 centímetros, estaba dividido en tres secciones y en cada una de ellas se podía tener una grabación de un instrumento diferente.

La cabeza lectora se movía de izquierda a derecha para reproducir el sonido que se requería, pero también se podía colocar entre dos tracks para poder reproducir dos sonidos de la cinta al mismo tiempo.

Su teclado consta de 35 teclas, empieza en la nota Sol, luego dos octavas completas y otro fragmento de octava, hasta una nota Fa. El modelo Mark II (MkII) consta de dos teclados adyacentes, también cada uno de 35 teclas.

Así como la imagen de un violín simboliza la música de concierto y la de una guitarra eléctrica, al rock, el melotrón se ha convertido en la representación del rock progresivo. The Moody Blues, Génesis, King Crimson, Yes, Premiata Forneria Marconi, Flower Kings, Anglagard, entre otros, son bandas ampliamente conocidas por el uso de este instrumento que se volvió un sello del género, y se puede decir que, si tocas rock progresivo, interpretar alguna sección de una pieza con melotrón te hará ganar casi en automático la aprobación de los fans.

Para los músicos y para un estudio que quisiera tenerlo, una pregunta de suma importancia es: ¿cuánto cuesta un melotrón? Según la información del libro Vintage Synthesizers de Mark Vail (2000) y de Keyboard Magazine, se han recabado aquí varios modelos con sus precios originales en los Estados Unidos: Mark I (1963): 1,500 a 2,000 dólares; Mark II (1964): 1500 a 2000 dólares; Model 300 (1968), 2,500 dólares; Model 400 (1970): 4,000 dólares y Mark VI (2004): 5,200 dólares.

Con estos precios, ¿habrá alguien a quien le interese un melotrón? Y algo más, si ya se tienen samplers para reproducir versiones de gran calidad de instrumentos acústicos, ¿para qué querer las grabaciones de un sampler?

También se tiene la desventaja de que es muy pesado y llevarlo en gira de conciertos es de lo más complejo, amén de que es tan delicado que el calor, el frío, el polvo, la humedad y las máquinas de humo del escenario pueden afectar su funcionamiento. Sin embargo, ese sonido de baja fidelidad, con imprecisiones en su afinación y con degradación de las cintas de audio por la reproducción continua de éstas, son las que han dado su sello propio al melotrón, un sonido que algunos han descrito como ensoñador, misterioso, místico o sobrecogedor.

Lo paradójico de esta historia es que el melotrón, que se usaba en un inicio para suplir a grupos de cuerdas o ensambles de otros instrumentos acústicos, al final ha resultado suplantado por samplers que digitalizaron las grabaciones originales de las cintas del primero. Varios samplers en software proveen grabaciones de melotrón, y otros instrumentos, como el Proteus Vintage Keys y el Nord Electro, nos dan la posibilidad de escucharlo y tocarlo a precios mucho más accesibles.

Actualmente, la misma compañía Mellotron está fabricando melotrones digitales con modelos realmente portátiles como para llevarlos al escenario (y hasta una versión en módulo ofrecen); puede obtenerse información sobre sus instrumentos en www.digitalmellotron.com

*Licenciado en órgano por la Facultad de Música de la UNAM y profesor del Conservatorio de Música del Estado de México. Después de ser tecladista del grupo de rock Iconoclasta, en 2009 funda su agrupación GOVEA, con quien ha producido dos discos compactos y un DVD. Ha compuesto obras para orquesta de cámara, cuarteto de cuerdas, orquesta Big Band y su pieza “Subliminal” (para cello y electrónica) fue grabada en 2019 por Jeffrey Zeigler (ex-integrante del Kronos Quartet). Escribe sobre análisis y apreciación del rock progresivo en su blog www.salvadorgovea.com

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Nuevo video todos los MARTES y JUEVES.

Foro Virtual Pepsi Center: el desarrollo híbrido del entretenimiento

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a alianza que surgió entre las compañías Pepsi Center, Castelein, Rock Show Entertainment y Followme Productions para reactivar la industria del entretenimiento lleva a otro nivel su visión de producir eventos vía streaming al fundar este Foro Virtual con tecnología de punta en audio, video, iluminación, escenario y protocolos de red, así como estrategias de marketing y difusión, que permitirá atender proyectos corporativos, culturales, de entretenimiento, políticos y educativos, en un sitio conocido por su excelente ubicación y servicio, a un costado del CIEC-World Trade Center de la Ciudad de México.

Los objetivos En palabras de los aliados, se trata de “una opción novedosa, rentable y accesible, lista para atender propuestas híbridas” (con público y virtuales), cumpliendo las medidas sanitarias, tanto para los diferentes staffs que lleguen, como el público;

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es Aymeric Castelein quien relata los nuevos objetivos y visión del proyecto: “Las circunstancias de la pandemia nos unieron hace un año y lo primero que se mantiene de ello es el aspecto humano que nos hizo juntar, pues hemos tenido colaboraciones muy exitosas; luego, lograr tener al Pepsi Center como protagonista, con un recinto que se presta para hacer cualquier tipo de eventos, nos da una gran ventaja, porque queremos emular — todo lo que se pueda—, la magia del evento presencial y llevarlo a un nivel digital para que la experiencia sea la más completa posible. En ese sentido, conviene que Aymeric Castelein

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En ese sentido, conviene que el recinto sea versátil y podamos llevar a un nivel digital, conciertos o coreografías o shows, stand ups o cualquier cosa, más allá del propósito principal del foro, que son los eventos corporativos”.

Este foro virtual se adaptó en el Salón Olmeca VIII con sus 200 metros cuadrados a disposición, donde está instalado un rider con tecnología audiovisual que cubre los requerimientos de cualquier producción, más la ventaja de poderse modificar, quitando o añadiendo equipo, según las necesidades del cliente y proyecto: “Estamos junto a otro salón que, en un momento dado, podemos usar para ampliar la capacidad. El rider que está propuesto es estándar, con una pantalla de LED de 15 metros cuadrados (con 6 metros de ancho por 2.5 de alto), que se puede ajustar a cualquier otro formato, porque nuestro interés es ayudar al cliente a que pueda hacer el evento como él lo desea, ya sea que use lo que ahí está o que cubramos un rider específico por el talento que traiga, pues tenemos en bodega todos los equipos para ello”.

“Tenemos un espacio muy cómodo para trabajar, no estamos encimados, es un lugar bonito y ciertamente hay un interés por acercarnos al mercado corporativo, dada la ubicación y core de negocio del sitio donde está el recinto, que además es un lugar donde el protocolo sanitario se cumple sin improvisar las cosas, además de contar con estacionamiento, en una zona bien ubicada”.

Otra ventaja es que el foro está instalado y operacional, no llega el cliente y estamos terminando de cablear las cosas y esperando que quede todo configurado. Cuenta con un área de hospitalidad probada y también es un gran beneficio que, en el rubro artístico, podemos adecuar un salón como camerino u oficina de producción y si bien el Olmeca VIII no permite la entrada de maquinaria grande o autos, por ejemplo, sí podemos usar otro espacio del recinto para eso. Todas la partes involucradas hicimos un esfuerzo grande por armar un paquete de servicio acorde para satisfacer este proyecto con una tarifa y servicios que generan valor, sin sacrificar calidad”, detalla Aymeric.

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Los nuevos caminos de la industria

Entendidos también de las posibilidades que brinda el llamado “falso en vivo”, el Foro Virtual Pepsi Center está listo para atender ese formato, expone el especialista en producción: “Desde luego, este lugar funciona perfecto como estudio de grabación y, una vez realizado el material, se edita, transmites y demás, si se desea, desde estas mismas instalaciones. Y aquí también juegan un papel fundamental las otras partes de la alianza: Rock Show Entertainment y Followme Productions, porque son empresas de producción como tal, dedicadas al mercado musical artístico y corporativo, de manera que se encargan de todo lo que pasa antes, durante y después del evento, porque no sólo es hacerlo y determinar qué pantallas, cuántas cámaras y cuánto cuesta el estacionamiento; es todo un combo: un evento se integra dentro de una estrategia de comunicación y mercadotecnia y ahí ellas aportan un enorme valor”.

La virtualidad como oportunidad Con la contingencia sanitaria aún atendiéndose de distintas formas en el planeta y el país en sí, la valoración sobre el momento que implica poder realizar con eficiencia y calidad el formato virtual de los eventos y el espectáculo es de alta importancia e interés para los productores: “Tanto yo como los aliados que estamos en este proyecto creemos que para hacer toda esta parte virtual, que ya llegó para quedarse y creo que en un futuro el 90 por ciento de los eventos serán híbridos, lo que veremos cambiar y por ende, atender, es el porcentaje entre lo virtual y la parte presencial que ocurrirá. Estoy seguro de que la parte digital permanecerá ya en los eventos como una alternativa y eso es una gran oportunidad para todos”.

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Los nuevos caminos de la industria

“Tanto yo como los demás socios somos realistas, pero mantenemos un espíritu y una iniciativa que justo surgió por ayudarnos.

Debíamos hacer algo y ese valor humano, altruista y solidario, que está en nuestro ADN, permanece concluye asertivo Aymeric.

Esta búsqueda por la mejora, la creatividad incentivada por la tecnología y la excelencia en el servicio y la adaptación a los tiempos que corren, sin duda, abrirá puertas para mantener la reactivación económica del sector y convertirla en un modelo sostenible que cubre diversas industrias y necesidades, porque aún falta un buen trecho por recorrer para el restablecimiento de nuestro gremio.

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Por Mario Santos*

Sonasterio

Mitos y realidades de producir en un home studio

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n la actualidad, la mayoría de los músicos tenemos un home studio, un estudio en casa que nos permite trabajar nuestras ideas, generar demos de nuestra música y llevar a cabo la pre-producción de un tema o proyecto, teniendo en cuenta que la producción final del mismo se llevará a cabo en un estudio profesional; esto, por supuesto, dependiendo de qué tipo de proyecto estemos realizando. En muchos casos, un estudio casero es suficiente para llevar a cabo la producción completa, pero en otras ocasiones no será suficiente para concluir nuestra producción al no contar, por ejemplo, en caso de requerirlo, con la microfonía suficiente para grabar una batería, una sección de cuerdas o instrumental, una cabina adecuada acústicamente para realizar una grabación controlada y algunos retos adicionales. Es una realidad comentar que muchos estudios caseros sí cuentan con las posibilidades que acabo de mencionar, de tal forma que puede realizarse una grabación profesional sin tener que rentar tiempo en un estudio de grabación formalmente constituido.

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La industria de la música y el espectáculo

Todo depende de las necesidades Un estudio de grabación profesional cuenta con instalaciones acondicionadas acústicamente, equipo periférico, microfonía, bocinas, consolas, interfaz de audio y computadora, así como recursos adicionales que muchas veces no tenemos a disposición en un estudio casero. El dueño de un estudio profesional invierte una cantidad de recursos económicos justamente para proporcionar estas ventajas a sus clientes, además de generar una experiencia de servicio y atención personalizada. Un estudio casero normalmente cuenta con una computadora, una interfaz de audio, algunos micrófonos y periféricos y su ventaja es principalmente que está a la mano en cualquier momento y que no cuesta, más que lo que hemos invertido en él.

En lo personal considero necesario rentar tiempo de estudio profesional cuando los requerimientos de la grabación lo exigen: grabar una sección de instrumentos que requiere de una cabina con espacio físico para grabarlos que involucre el uso de distintos tipos de micrófonos, con un sistema de monitoreo y

Universo sonoro

audífonos suficiente para que los músicos se escuchen adecuadamente es algo que no siempre es posible tener en un estudio casero y genera una serie de problemas a resolver. Rentar un estudio profesional nos permite resolver estos obstáculos, contando con la experiencia de un ingeniero de grabación y de los asistentes del estudio.

Desde la época de los Beatles, muchas bandas se rentan un estudio de grabación no sólo para grabar sus temas, sino para vivir literalmente una temporada en él: ahí conviven, ensayan y en muchos casos incluso componen sus temas dentro de las mismas sesiones en el estudio. Actualmente, me parece muy buena considerar esta idea en el caso de una banda; sin embargo, el obstáculo generalmente al que una banda se enfrenta es el presupuesto, porque los estudios profesionales cuestan. Recuerdo haber estado grabando en un estudio en Los Angeles allá por 1993 y en el que Limp Bizkit estaba grabando un álbum completo en un estudio alterno al que yo me encontraba y que rentaron cerca de tres meses.

Tuve la oportunidad de entrar al estudio donde esta legendaria banda grababa su disco y pude comprobar no sólo la instalación y presencia obligada de sus instrumentos, sino prácticamente un departamento amueblado y acondicionado, donde el grupo convivió por todo este tiempo en la grabación del disco.

Sonasterio

Caribe Records La industria de la música y el espectáculo

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Universo sonoro

Otra ventaja que tienen los estudios de grabación profesionales, es que muchos de ellos cuentan con pianos acústicos que muchas veces se requieren en una producción. Aunque hoy existen muy buenos pianos virtuales, un instrumento real es insustituible, sobre todo si está en buenas condiciones y el estudio cuenta con los micrófonos adecuados para grabarlo. En la Ciudad de México existen muy buenos pianos acústicos en lugares como Estudio 13, Estudios Noviembre, Valenzo Studios, Sala de Audio y el estudio de Sony, entre los que conozco, todos ellos con una excelente infraestructura y equipo para grabarlos profesionalmente.

La creatividad tiene la palabra El estudio profesional, mas allá de ser el lugar donde se graba, es un espacio de convivencia donde se construye el sueño de un proyecto, donde se logran los objetivos, donde se experimenta, donde se convive con otros músicos, donde se viven experiencias complicadas también, donde se obtiene el resultado tan esperado. Como pertenezco a una generación donde todo se grababa en los estudios profesionales, me es difícil pensar en un proyecto en el que no se vivan todas estas experiencias. Sin embargo, debemos reconocer, por supuesto, las ventajas que ofrece el hecho de tener un estudio casero y que dichas experiencias se pueden vivir en un entorno adaptado.

Los estudios caseros nos permiten, gracias a la tecnología actual, realizar el tracking de un disco completo. He participado en muchas producciones que se han realizado prácticamente

FM Estudio

Estudio 13 sound:check

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Universo sonoro

en un estudio casero o adaptado y los resultados han sido maravillosos. Recuerdo la grabación del disco “Hu-Hu-Hu”, de Natalia Lafourcade, donde tuve la oportunidad de participar como arreglista. El disco se grabó en una casa en Cuernavaca adaptada para ser el espacio creativo que el disco requería. Fue un estudio casero que contaba con un gran equipo técnico y humano. Sin aislamiento acústico específico, literalmente los espacios de la casa se convirtieron en las cabinas de grabación de todo lo que se grabó en aquel bello proyecto. Instrumentos musicales, cables, equipos periféricos y micrófonos repartidos por varias zonas de toda la casa formaron el singular mobiliario del recinto, que además tenía espacios para convivir, platicar, comer o simplemente permanecer en un entorno propicio para la creación musical.

En un estudio casero es posible hacer un disco completo. Lo importante es contar con lo necesario para grabar con calidad y tener la experiencia para lograrlo. Muchos proyectos basados esencialmente en registrar tracks que involucran elementos electrónicos o instrumentos virtuales pueden realizarse con éxito en un estudio casero, con un buen micrófono, un buen preamplificador y sin tener ruidos. Esto es suficiente para obtener un buen track de voz.

Para resumir, considero fundamental que todo músico profesional y estudiante de música tenga un estudio casero para experimentar, componer, grabar y llevar a la realidad sus ideas musicales. Invertir en un estudio profesional implica una fuerte inversión económica, que solamente algunas personas o inversionistas pueden hacer y que requiere de un alto costo de mantenimiento. En mi experiencia, al ser un músico involucrado más con el proceso creativo, me ha resultado más conveniente tener mi estudio casero bien equipado y rentar un estudio profesional cuando lo requiero. Creo que de esta forma es posible dedicarnos cada quien al área que ha decidido

dedicarse: los músicos y compositores a crear música, aunque ello no nos aleje de estar involucrados con los aspectos técnicos que la producción musical exige hoy en día, y los ingenieros a grabar, ya que un estudio profesional debe ser construido, administrado y operado por profesionales dedicados cien por ciento a ello.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

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Por Néstor M. Iencenella

ArtÍculo invitado

Luna Moon Estudio

DC Offset,

lo que siempre quisiste saber y nadie te supo explicar DC Offset se denomina al desplazamiento de corriente continua de una grabación; cuanto más profunda sea la frecuencia de una señal interferente, más se acercará a 0Hz, lo que significa corriente continua. Desde el punto de vista óptico, DC Offset se representa como un desplazamiento de la forma de onda hacia arriba o abajo, alrededor de la línea cero que tienen todos los DAWs. Esto puede ocurrir con cualquier sistema de audio digital, incluso en el audio analógico; no se trata de un defecto y si se desea, puede eliminarse mediante la función “Eliminar DC Offset” que casi todos los DAWs tienen.

Las partes de corriente continua de baja o alta frecuencia, pueden deberse por diversas razones que detallaré más

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adelante, o pueden haber sido provocadas por anomalías existentes en las conexiones electrónicas, micrófonos, preamplificadores o cables defectuosos.

Toda señal de audio que no haya sido debidamente limpiada de interferencias de bajas o altas frecuencias, tanto en grabación, mezcla o mastering por medio de filtros, son posibles portadoras de desplazamiento de DC. Cabe mencionar que estas señales con desplazamiento de DC Offset no llevan partes tonales u otras formas de contenido relevante, porque nos estamos refiriendo a frecuencias subsónicas (en un rango aproximado entre 0Hz y 20Hz) y ultrasónicas (en un rango de 20kHz o más).

ArtÍculo invitado

¿Cómo detectar los desplazamientos de DC Offset?

La manera más sencilla de verificar el desplazamiento en cualquier DAW es utilizando la función de análisis, que está disponible en casi todos los buenos editores de audio del mercado. Con esto, podemos determinar si nuestro audio está desplazado hacia arriba o hacia abajo.

Por lo general, los valores negativos tienen incidencia en las frecuencias graves y los valores positivos en las frecuencias agudas. Recuerden que nos estamos refiriendo a sonidos subsónicos o ultrasónicos y lo más probable es que nunca puedas escucharlos, pero existen. Si bien por convención decimos que el oído humano escucha un rango de 20Hz a 20kHz, la realidad es que la mayoría de los humanos escuchamos entre 30Hz y 17kHz. El desplazamiento de DC Offset se puede reconocer en ocasiones muy fácilmente en la forma de onda, ya sea que se dibuje con tendencia hacia abajo o hacia arriba. ¿Qué hace un eliminador de DC Offset?

Dependiendo del desarrollador, los eliminadores de DC en líneas generales hacen lo mismo, filtran la señal con menor o mayor cantidad de dbs. Algunos filtran sólo las frecuencias graves y otros filtran tanto las graves como las agudas. Además, el tipo de frecuencia a eliminar cambia de acuerdo al fabricante; por eso escuchamos que algunos suenan diferentes a otros.

DC Offset en la edición de audio Cuando tenemos DC Offset en un audio que vamos a editar (cortar y pegar por ejemplo), la pista de audio no puede

cortarse correctamente porque no existen pasos por cero; si se corta por ejemplo, una parte de un bajo, podría escucharse un clic audible. En estos casos es mejor usar un eliminador de DC Offset antes de editar para tratar de evitar este problema, también hacer crossfades. Por esta razón, algunos DAWs disponen de la función Snap to Zero, que permite auto acomodar nuestros cortes al cero.

El DC Offset y los procesadores El DC puede resultar problemático para los procesadores dinámicos y otros plug-ins que analizan la amplitud de la señal entrante para ajustar los parámetros internos, porque pueden ocasionar resultados no concretos. ¿Por qué sucede esto? Los plug-ins o procesadores dan por entendido que la señal está centrada en el cero. De este modo, cuando la balística del plug-in empieza a “fallar”, puede creerse que se está reduciendo 6db una señal, pero como esa señal no está en un paso por cero, la reducción de ganancia real no es la que el medidor muestra. Esto es peligroso cuando se trabaja con señales muy cercanas al -0dbFS, ya que si hay desplazamiento de DC, se piensa que no está clipeando, cuando en realidad, sí.

Por esta razón, el DC se estudia en masterización, porque es la etapa en donde la señal se lleva al nivel máximo.

El DC Offset y la mezcla El medio más efectivo contra el desplazamiento de DC Offset es la utilización de filtros de Low cut y Hi cut durante el proceso de mezcla. Recuerdo una famosa frase: “Use tantos filtros como canales tenga”.

DAP Studio

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ArtÍculo invitado

Cube Studio ¿Cómo y porqué puede producirse DC Offset?

1) Si aparece en la masterización es debido a la falta de cortes de Low cut y Hi cut en la mezcla. Es increíble, pero conozco muchos ingenieros de mezcla que no usan filtros.

Los filtros que no pongas en tu mezcla, los pondrá el ingeniero de mastering en todo.

La mezcla es el lugar “ideal” para poner filtros, porque se pueden usar diferentes para cada instrumento; por ejemplo, un filtro en 20Hz en el bajo, uno en 40Hz o más en el bombo, uno en 160Hz en la voz, otro en 180Hz en una guitarra y así sucesivamente. Si este trabajo no se hace correctamente en la mezcla, cuando llegue a la masterización, lo único que puede hacer un ingeniero de mastering es poner un filtro a todo en el orden de los 30/40Hz y ahí se fue el preciado Low end.

2) Utilizar abusivamente demasiada ganancia en un ecualizador en la banda de sub bajos; es decir, durante la grabación, al ingeniero le parece que al bombo le falta profundidad, (en vez de colocar el micrófono en otro lugar o

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buscar otro que se adapte mejor) y decide incrementar con un ecualizador (si es de bulbos, peor) los 50 o 40 Hz para darle más “profundidad”.

3) Problemas de cables defectuosos o de muy baja calidad.

Los he visto miles de veces: micrófonos de alta gama, preamplificadores clase AAA y los peores cables del mundo.

4) Malas técnicas de microfonía estéreo que están grabando y reproduciendo frecuencias graves; por ejemplo, rooms en la batería que por alguna razón fueron incrementados en la banda de sub bajos y en la mezcla no se aplicó filtro de low cut.

5) Reverbs a las que no se les pusieron filtros de Low cut o Hi cut porque fueron usadas “flat” en los envíos. Un buen ingeniero de mezcla retorna sus reverbs a canales y aplica filtros a sus procesadores.

6) Librerías de sonido, loops, pads, o cualquier otro efecto sonoro extremadamente sobre-ecualizado para engañar a los inexpertos usuarios.

ArtÍculo invitado

7) Algunos equipos de bulbos vintage suelen provocar desplazamientos de una forma divina, porque manejan mucho voltaje, el voltaje es corriente y el DC también lo es.

8) En cada señal de micrófono existen partes de desplazamiento de DC Offset causadas por ruidos de aires y respiraciones; por esta razón, usamos los filtros anti pop y no sólo deben usarse en las voces, sino en cualquier fuente sonora que emita viento, ya que es un gran enemigo de los micrófonos, se nota en el bombo de la batería, instrumentos de viento y equipos de guitarra o bajo con mucho nivel de SPL. Es recomendable poner la palma de la mano sobre lo que está emitiendo sonido y si llega aire, se debe poner un filtro anti pop, para evitar señales interferentes.

9) También ocurre en los sonidos de sintetizador provenientes de generadores de sonidos analógicos o nativos, (porque generan mucho voltaje), así como en sonidos de cuerdas de las librerías más caras, porque las “tunean” o sobre ecualizan para impresionar a posibles clientes. ¿Qué pasa en los altavoces cuando hay desplazamiento de DC? En grabaciones con mucho desplazamiento de DC Offset hacia abajo (frecuencias subsónicas), los altavoces requieren mucha

energía y esfuerzo para la reproducción de estos eventos sonoros, haciendo que su bobina se caliente y provoque distorsión. El resultado es que los graves deberían escucharse limpios, pero sin embargo no es así.. Lo mismo sucede con los tweeters o altavoces de agudos, que intentan reproducir sonidos de altas frecuencias sin resultados satisfactorios y comienzan a distorsionar.

El DC Offset y la masterización Lo primero que debe hacerse es medir y ver si el trabajo que debemos realizar tiene desplazamientos de DC y hacia dónde.

Muchos ingenieros de mastering recomiendan el uso de un buen ecualizador corta bajos; sin embargo, no estoy tan de acuerdo con esto, ya que es mejor analizar y aplicar el filtro sólo si es necesario.

He visto miles de videos de masterización en donde ni siquiera saben que es el DC y lo primero que hacen es poner un filtro y cortar la señal interferente, diciendo que hacen eso para evitar la basura, pero sin fundamento ni el conocimiento suficiente de por qué lo hacen y después se quejan que sus trabajos no tienen Low end…

Estudios El Ganzo

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FM Studios El DC y el nivel de peak Cuando la señal tiene DC, los niveles de picos dejan de ser exactos; el vúmetro puede indicar que la señal llega a -0-6dbFS, se mira la salida de la interfaz (si es que tiene vúmetros), y está clipeando. Con esto quiero aconsejarles que, si por alguna razón no desean eliminar el DC (me ha pasado que a veces aplicamos un filtro y sientes que el sonido ya no es el mismo), la solución es bajar el nivel de pico, hasta que en la interfaz no clipeé. Recuerden que debe ser una interfaz con vúmetros en su salida.

Se va bajando el nivel de pico; si estaba en -1dbTP, se puede probar con bajar medio db o incluso 1db más hasta que ya no se produzcan sobremodulaciones en la salida de tu interfaz. En mi opinión, no siempre se debe eliminar el DC, cada caso es diferente y debe ser analizado con

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detenimiento. Por esta razón es importante tener en claro lo que significa el DC Offset, no temerle y aprender a vivir con él cuando es necesario.

Espero que lo expuesto les sea de utilidad y que juntos sigamos haciendo grabaciones de calidad. ¡Muchísimas gracias por leer y cuídense mucho!

*Es músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio.

Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

Auditorio TEC CEM,

Fotografías: Cortesía TEC CEM

de estreno con Dolby Atmos y 4K

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Auditorio TEC CEM

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l Auditorio del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores, Campus Estado de México (TEC-CEM), es uno de sus edificios más emblemáticos y longevos. En 2018 inició el proyecto de remodelación integral que, además de atender acústica, isóptica, domótica y accesibilidad para personas con capacidades diferentes, recibió un nuevo sistema de video con proyección 4K y de audio con Dolby Atmos; elementos de los que se beneficiará su comunidad docente y estudiantil, particularmente los alumnos de las licenciaturas en Comunicación y Medios Digitales y la de Ingeniería en Producción Musical Digital.

Vanguardia docente y tecnológica En 2019 cambió el modelo educativo del TEC, trayendo un nuevo diseño del trabajo docente en la evaluación del aprendizaje, lo que arrojó, entre otras cosas, modificar los planes de estudio y enfoque de carreras, atendiendo las competencias de uso de tecnología afines al campo laboral, como expone Alejandro Ocampo, Director del Departamento de Medios y Cultura Digital del TEC CEM: “Por la organización interna del TEC, operamos por escuelas, como la de Humanidades y Educación, donde está el departamento de Medios y Cultura Digital, que atiende las clases o los cursos de especialidad de las carreras de Comunicación y Medios Digitales, además de las de Ingeniería en Producción Musical Digital. Somos el departamento académico que provee, digamos, ese servicio y ello implica cuidar la adecuación del ecosistema para ambas carreras; por ecosistema nos referimos a todos los espacios de aprendizaje, enfatizando el que es especializado, como el que se atiende en los laboratorios y, hablando ya en concreto del Auditorio, uno de los espacios más emblemáticos del campus, de los primeros que se construyeron, que si bien ha tenido renovaciones y algunos

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Auditorio TEC CEM

ajustes en términos del equipo de audio y proyección, no había gozado de una modificación tan profunda como ésta, que implicó tirar la tercera parte de su estructura, lo que implicó también la llegada de nuevas tecnologías, específicamente de audio y video, que van muy relacionadas con las dos carreras que mencioné”.

y de comunicación no sólo tengan la posibilidad de tener un recinto adecuado para escuchar, ver y contemplar cualquier producción audiovisual, sino también donde puedan practicar mezclas y ediciones, pues está construido como sala de cine de formato pequeño, con todo el equipamiento para poder contemplar una película o un producto audiovisual, con las mejores condiciones posibles para operar o estar como público”, detalla Alejandro.

Alejandro Ocampo

Fueron varias las personas involucradas en la planeación, aprobación y ejecución del proyecto, desde el área de inversiones y planta física del TEC, quienes valoraron aspectos como la elección de los arquitectos para la revisión de los planos del recinto, definir qué cosas se requerían y con qué proveedores; luego se atendieron los permisos en materia civil y las requisiciones de equipamiento, evaluando a los distintos proveedores: “Como la parte académica, lo que hicimos fue brindar asesoría, y averiguar el costo-beneficio, en término de inversión, para tener algo que no sólo fuera académicamente sólido, sino que también nos permita, con el mantenimiento y cuidado debido, generar valor para los muchachos. Ahora el auditorio está adecuado para que los muchachos de producción musical

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“El proyecto abarcó desde factores como la nivelación del piso para mejorar la visibilidad de las personas (isóptica), así como cambio de butacas, instalación de marquesinas, rampas y elevador para personas discapacitadas en la parte externa, mientras que en la parte interna se replanteó el sistema de ductos para la ventilación y aire acondicionado, así como la instalación del cableado para la red, una domótica con iluminación atenuable, ad hoc para las proyecciones y visibilidad en general de los usuarios y visitantes”.

“Hicimos la renovación del proyector que ahora es 4K y tenemos nuevos espacios para los servidores y la red, porque ahora buscamos generar un video servidor y que los alumnos, desde las islas de edición, puedan subir eso a la red y dirigirlo directamente al proyector. Toda esa parte se tuvo que pensar para instalar el equipo. Nos tomó un año y luego, por el confinamiento sanitario, se tuvo que demorar pero felizmente, ahora ya sólo estamos esperando a los alumnos”.

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“El espacio como tal fue el mismo y lo que buscamos es brindar este ecosistema de las industrias creativas de espacios adecuados para que los muchachos puedan practicar, aprender y generar productos audiovisuales que cumplan la calidad que demanda la industria. Por eso también debe atender este modelo flexible, digital y remoto que muestre cómo opera el sistema, cómo se calibra y se conecta.

Insisto, es para todos los estudiantes, pero especialmente para los de Producción Musical que tienen que aprender estas tecnologías. Contar con Dolby Atmos es algo de lo que nos podemos sentir muy orgullosos porque no es nada común que una universidad tenga la posibilidad de que sus estudiantes cuenten con estas tecnologías”.

inmersiva que ya era necesaria para los nuevos proyectos de postproducción para audio en cine y televisión. De ahí surgió esta idea para cumplir esta premisa de la institución de estar a la vanguardia tecnológica, con los alumnos manejando tecnologías que ya son una realidad en la industria en plataformas como Netflix y Tidal, que solicitan cada vez más sus mezclas en Dolby Atmos. Así empezó la idea y fue creciendo al punto de renovar todo el recinto”.

Arturo Amador, a la derecha

“Esto nos interesa mucho porque el nuevo modelo implica estar cerca de las industrias, independientemente de la carrera de la que se trate, y eso involucra tener el equipo y la infraestructura lo más similar posible a la que la industria tiene y así estar en la posibilidad genuina de poder trabajar al mismo nivel en un ámbito universitario que uno comercial, como se maneja en México y el extranjero. Cuando volvamos a las actividades presenciales, todo este equipo estará a disposición de los alumnos, podrán utilizarlo y asimilar este proceso reflexivo de la tecnología como tal, no sólo aprender a manejarla, sino entender lo que implica en su vida, los cambios sociales y la industria en la que ellos se desarrollan, que es lo que el TEC busca dejarles: no sólo una cuestión instrumental sino también estratégica”, apunta el académico.

Dolby Atmos, el estándar en boga para el sonido Anteriormente, el Auditorio contaba con un sistema 7.1.

Arturo Amador, especialista de audio del campus, comparte lo que querían tener con esta remoción: “Desde hace tres años veníamos evaluando el cambio para el sistema de audio; estaba destinado a una segunda etapa que era la ampliación de ese sistema, para que el alumno tuviera la experiencia

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A partir del diseño acústico, en el que se vieron involucrados expertos en el tema y proveedores, siendo importante la gente de Vari Internacional, Isaí Belderráin y Hugo Acosta, se sumó la perspectiva y observaciones de especialistas de marcas como Avid, con Omar Martínez, y de Dolby Atmos, con Carlos Cuevas. Así, a partir del sistema 7.1 con altavoces Nexo ID 24 y subwoofer, lo primero fue incrementar dicha dotación para llegar a 11.1, para lo cual se agregaron 4 cajas extra ID 24 y luego, con la ayuda de Carlos, para el diseño del equipo de Dolby Atmos, se complementó esa configuración con seis altavoces JBL empotrados al techo. La operación del sistema se realiza mediante Pro Tools Ultimate, dos computadoras Mac, una interfaz Matrix y el RMU para Dolby Atmos, además del software Mastering Suite, las tarjetas Dante y Focusrite RedNet PCI.

Auditorio TEC CEM

“La asesoría de los especialistas de Vari Internacional, Avid y Dolby fue clave para dejar a punto todo el sistema por red, que ahora será vía Dante, por la cantidad de canales que vamos a utilizar. Nos dieron ideas y estuvimos cambiando opiniones acerca de la viabilidad del proyecto para llegar a un acuerdo de lo más óptimo. Con la gente de Vari Internacional ya hemos colaborado porque fueron los que nos ayudaron en la instalación de los cuatro estudios de grabación que tenemos”.

como analógicas, es que tengan las bases para optar por la mejor opción y sepan operarla al cien por ciento. Hay diferentes marcas y modelos y esto les permitirá desarrollar un criterio, independiente de qué es lo que les gusta más”, afirma Arturo.

Cubrir estándares y mantener la excelencia Para Eric Pérez Segura, Director del Programa de la Licenciatura en Tecnología y Producción Musical Digital del campus, las remodelaciones del Auditorio debían poner a la par la innovación en tecnología de audio y video. El proyecto arrancó por ello, con la adquisición del proyector de ultra alta definición y, a partir de ahí, atender el audio. Así lo recuerda:

El TEC CEM cuenta con cinco estudios de grabación, que contaron con la asesoría de Vari Internacional para su diseño y equipamiento. Uno de ellos atiende el trabajo análogo con una API The Box 2, interfaz Focusrite Red line 16, preamplificadores Rupert Neve y sistema Pro Tools Ultimate: “Con esto, los alumnos aprenderán a usar una consola analógica y así completar la tendencia de usar o mezclar flujos con consolas digitales, especialmente en estudios de grabación, donde se encontrarán con consolas analógicas y superficies de control.

La idea de que conozcan tanto superficies de control digitales

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Auditorio TEC CEM

“La gente del Centro de Medios, donde están nuestros laboratoristas, tanto de la sala de televisión como de los estudios de grabación, estuvieron hablando con proveedores y viendo cuáles podían ser las posibilidades de tener un auditorio con un sistema de audio que estuviera Eric Pérez Segura a la par de ese sistema de video. De inmediato surgió la idea de Dolby Atmos porque, de entrada, es un sistema que ya es un estándar para la industria y se usa cada vez más. Ese fue el inicio y si bien la pandemia alentó el proceso, afortunadamente se logró y pudimos cambiar todo el aspecto interno, ductos, ventilación, iluminación y acústica; ahora, el Auditorio tiene difusores para tener la misma calidad de sonido en cualquier punto de la sala para disfrutar del audio inmersivo en cualquier punto en que uno esté ubicado”.

“Fue un trabajo ejemplar de muchas áreas. Nuestros laboratoristas son gente muy profesional y nosotros sabemos que en los diferentes departamentos académicos podemos delegarles mucha responsabilidad en cuanto a selección de equipo y conversar con proveedores, como es el caso de Arturo Amador, que es ingeniero de audio y tiene todos los conocimientos para negociar. Fuimos recibiendo los informes y básicamente, mi labor fue revisar que el plan de remodelación estuviera llevándose a cabo correctamente, cumpliendo los planes estratégicos de adquisición de equipo, remodelación e instalaciones”.

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“Queríamos ligar la parte de postproducción, lo visual con lo sonoro. Gracias al sistema Atmos con el que vamos a contar en el Auditorio, podremos realizar mezclas de sonido en sala y se van a presentar producciones terminadas con calidad de video y sonido profesionales. Es una configuración con 11 altavoces frontales, laterales y trasero, más un subwoofer- y seis altavoces en el techo; eso nos da posibilidades de jugar con todos los formatos de mezcla, desde estéreo, 5.1, hasta todo lo que implica el audio inmersivo. El flujo de señal va a ser en red y vamos a usar el protocolo Dante, que ya es estándar en la industria, de hecho se está buscando empezar a certificar a nuestros profesores y que ellos certifiquen a nuestros alumnos.

Vamos a trabajar con Pro Tools Ultimate, otro estándar en audio, y el TEC ya era centro certificador de Pro Tools.

Tendremos el software de Dolby Atmos, el Renderer Suite, que nos dejará entregar masters de las mezclas utilizadas para su distribución en diferentes plataformas digitales y ahí abordamos diferentes cosas del trabajo remoto y cómo nos estamos adaptando a las nuevas circunstancias de todo este trabajo en red, en línea y estar en contacto con equipos de trabajo remoto”.

“Sin duda, este Auditorio será muy importante para todas las carreras involucradas, para los de Producción Musical y Comunicación, sí, pero también para toda la Escuela de Humanidades y Educación; tendrá un impacto importante en su formación usar este lugar”, afirma Eric.

En ese aspecto, Arturo Amador coincide: “Ahora los alumnos podrán aprender desde cómo configurar el sistema, desde el render, los envíos, los regresos, el parcheo en Dante para que llegue un altavoz en específico, ver qué implica el sonido

Auditorio TEC CEM: valor agregado (02) Avid Pro Tools HDX Core (01) Avid Pro Tools | MTRX Base unit with MADI and Pro|Mon (01) Avid Pro Tools | MTRX DigiLink I/O Card (01) Avid Pro Tools | MTRX 128 Channel IP Audio Dante Card (02) Avid Pro Tools | MTRX 64 channel IP Audio Dante Module (01) Avid Pro Tools Dock (02) Avid S1 Control Surface (01) Avid Sync HD (01) Avid Ilok 3 (01) Focusrite RedNet PCIeR (01) Dolby Dolby Atmos Mastering Suite (01) Avid MTRX SPQ Speaker Processing Card (01) Apple Mac Pro (01) Apple Mac Mini (01) Avid Chasis Thunderbolt 3 (03) Apple Ipad Air (01) Ferrofish Pulse 16 (01) TP-Link AC5400 (02) iHSE 474-4RMK (02) iHSE 474-BODY 2 (01) iHSE L481-BHHC (01) iHSE R481-BHHC (01) iHSE L481-BHXC (01) iHSE R481-BHXC

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Auditorio TEC CEM

inmersivo, que si bien ya existía, apenas está tomando auge con Dolby, además de otras tecnologías como Ambisonics. Tendrán ese contacto con algo a lo que se van a enfrentar afuera, lo que es el plus que busca el TEC para dar valor. También nos permite entrar al audio sobre IP y todo en materia de las redes de audio, que entiendan cómo opera Dante y sepan hacer esa configuración de red. Las tecnologías van avanzando cada día más y en dos o tres años, habrá algo con más potencia y capacidad; la idea es que los alumnos puedan enfrentar esos problemas, tal como hacemos en el estudio de grabación, donde pueden operar todo un flujo de trabajo digital, análogo o incluso algo híbrido al grabar o hacer sonido en vivo. Que tengan las bases para resolver y sacar el problema, brindando la mejor experiencia al público o cliente con el que estén trabajando”, apunta el ingeniero en audio, quien desde luego será asesor y apoyo técnico para maestros y alumnos, a su vuelta al campus”.

“Somos el primer campus del sistema del TEC que tiene esta tecnología. Es importante que los chicos se involucren con esta tecnología ligada al sonido inmersivo y que lo apliquen tanto para música como para video.

El fin de este Auditorio es multipropósito y con ello me refiero a que podrán tener clases y realizar sus proyectos,

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Auditorio TEC CEM

experimentando de manera real el resultado. Sabrán cómo suena, podrán probar y hacer modificaciones en distintos formatos. Hay que recordar que los trabajos de los alumnos van a festivales de mezcla y cine, así que es importante que presenten trabajos de calidad; lo que hace el TEC es brindarles las herramientas necesarias para que ese producto sea algo bien logrado”, concluye el especialista.

Se cumple así la visión de la institución de forjar una comunidad que domina las nuevas tecnologías, adhiriéndose a las exigencias del contexto social y laboral en el que se desenvolverán sus alumnos.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Por Diego Merlo*

Entre música y técnica

Rango dinámico: ¡En busca de la realidad perdida! (segunda parte) Una analogía que nos ayudará a comprender el problema Una vez que establecimos los principios básicos del rango dinámico, estamos en condiciones de comprender cuál es el dilema al que se enfrenta un ingeniero de mezcla, un diseñador de instrumentos electrónicos o un ingeniero de mastering al lidiar con el tema de los niveles.

Imaginemos por un momento que representamos al rango dinámico de un sistema como la capacidad que tiene un jarro de vidrio de llenarse con agua. ¿Cuál es la capacidad que tiene nuestro sistema para provocar una sensación de volumen sonoro sin caer en el error de una distorsión por amplitud?

Para el caso en cuestión, dicha capacidad debe observarse a través de todos los subsistemas, desde el micrófono, el convertidor analógico digital, el DSP, la consola de mezcla, los altavoces, la sala de escucha y finalmente nuestros oídos.

Primero que nada, hagamos un pequeño experimento en nuestro laboratorio de la mente. Imaginemos que el sonido puede tener una analogía con la cantidad de agua.

Tenemos vasos con agua y una jarra para irla llenando a medida que vaciamos el agua de los vasos al interior del recipiente. Imaginemos que la capacidad máxima de nuestro jarro, en lugar de medirla en centímetros cúbicos, la medimos en decibelios y que la misma es de 120 dB. Y

Sandía Estudio sound:check

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Entre música y técnica

en nuestra mesa podríamos disponer de diez vasos para llenarlo. Cada vaso está lleno con 12 dB. Si procedemos a verter el contenido de cada vaso en el jarro, éste contendrá perfectamente el total de los líquidos ofrecidos por los vasos.

En cambio, si tenemos veinte vasos en la mesa y pretendemos usarlos llenos hasta el tope con líquido, cuando lleguemos a volcar el vaso número once en la jarra, lo habremos desbordado. Por esta razón, los vasos deben ser llenados hasta unos 6dB cada uno. Así, si vaciamos los veinte dentro del recipiente de destino, este no se saturará de líquido y podrá contenerlos a todos. Los números que usamos son arbitrarios y simples para que se entienda el concepto.

En principio, la solución parece sencilla.

Llenar menos los vasos si tengo más vasos. ¡Pero no lo es! La situación descrita en la infografía anterior sirve para comprender el concepto. Dicho concepto se basa en que son ondas sinusoidales simples que permanecen constantes en cada vaso en su nivel de amplitud. ¡En la vida real, todo eso cambia drásticamente y tendremos que ser verdaderos marineros expertos de las dinámicas para movernos en semejantes tormentas de sonoridad! ¡Pero el agua de los vasos tiene marejadas de niveles!

En el mundo real, el agua en los vasos más bien parece una tormenta marina, donde los niveles de las olas suben y bajan permanentemente. En primer lugar, si pensamos en una producción de audio multipistas, cada uno de los tracks tendrá un señal de amplitud diferente que irá variando en función de la expresión musical, a veces voluntariamente, o a veces por error de interpretación. Si se trata de escribir un arreglo o dirigir una orquesta sinfónica, las variaciones de intensidad sonora son, de hecho, un recurso expresivo ineludible. Si estamos diseñando sonidos para un sampler o un sintetizador, cada una de las demandas de sonido generadas por una orden de control (pulsar un tecla,

subir un pedal de expresión y demás), están influenciando el resultado final, y esto en sí misma una señal variable en amplitud. Si lo miramos incluso en la micro escala de lo que implica el significado de frecuencia (lo agudo o grave del sonido), veremos que realmente lo que define esa característica, son cambios en la amplitud del movimiento del cuerpo vibratorio que generan ciclos de movimientos (ciclos por segundo, también llamados Hertzios). Por lo tanto, la forma de manejar las amplitudes para lograr no salirse del rango dinámico y aún así lograr sobrepasar el nivel de ruido (noise floor), es de radical importancia.

Si nos pasamos del rango dinámico no ocurre que el sonido se saldrá del jarro, sins que se enfrentará a la limitación del headroom y la onda resultante será distorsionada y aplanada, creando un efecto llamado distorsión por saturación y que en algunas situaciones de mezcla puede hasta llegar a ser un efecto deseado (como con la guitarra eléctrica, por ejemplo). Las señales, los músicos, los intérpretes, producen variaciones de rango dinámico, si no, sería sumamente aburrido tocar un instrumento siempre con la misma cantidad de intensidad sonora. Es trabajo nuestro poder tener controladas esas señales. Si lo hacemos bien, tendremos un resultado altamente satisfactorio; de lo contrario, estaremos matando la magia del sonido. Veamos algunos ejemplos de grabaciones y gráficos de dinámicas legendarios para que a su juicio puedan entender con los oídos lo que estamos hablando.

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Entre música y técnica

Es muy importante, cuando escuchen nuestros ejemplos multimedia, que tengan a la mano unos audífonos o que se encuentren en una situación de monitores de audio un poco más fidedignos que el promedio de los sistemas de los demás usuarios de internet, porque se trata de un sitio que abarca tópicos sobre audio profesional, por lo tanto, un altavoz en mono de un celular o el sistema sonido de una notebook, para algunos casos puede llevarte a apreciaciones erradas. ·El primer video con la subsiguiente imagen de intensidades es del segundo movimiento de la sinfonía n°2 de Ludwig Van Beethoven, en versión de la Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por Simon Rattle. Los invitamos a seguir la escucha, al mismo tiempo que observas el gráfico que hemos creado, para que saquen sus propias conclusiones acerca del rango dinámico. ·El segundo ejemplo es un clásico del rock: “Bohemian Rhapsody”, interpretada por Queen, que obviamente hace un uso importante del nivel promedio de la amplitud, pero aún así conserva una sorpresa dinámica. Tiene momentos de más potencia y momentos de mayor intimidad dinámica. ·El tercer ejemplo es un hit del momento a la hora de escribir este artículo. Se trata de un tema muy comercial. Como verán, ¡todo el tiempo todo está muy fuerte! (al inicio de la parte teatral no ha sido pasado por el análisis de intensidad, así que presta atención cuando la parte musical inicia).

No piensen que es simplemente una cuestión de vender más. El tema anterior de Queen es uno de los más grandes hits de la historia y no tiene las dinámicas todo el tiempo en el mismo nivel.

De la observación de los tres ejemplos que acabamos de mostrar, surgen algunas observaciones interesantes.

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Entre música y técnica

El manejo y aprovechamiento del rango dinámico es completamente diferente en todos los ejemplos. El primero presenta muchas más variaciones en cuanto al uso del rango dinámico que el último.

En todos los casos, curiosamente o no, el pico máximo de amplitud esta alrededor el 75 por ciento del tiempo transcurrido. No se sorprendan demasiado. Es un recurso estético durante el manejo del drama de tensión y distensión que los compositores o productores pongan su punto de clímax alrededor del 75 por ciento de la obra. En este caso, eso está logrado por la intensidad, pero también se puede lograr con muchísimos otros elementos expresivos.

Si realizan únicamente una inspección visual, se darán cuenta de que como objeto estético (sabemos que poco importa el dibujo de la resultante de ondas de una obra), hasta parece generar más interés el que tiene más variaciones. El tercer ejemplo es predecible en toda su gama de colores; los otros no. Ese es uno de los factores que hemos perdido al no manejar la sorpresa de intensidades como concepto en la obra.

La realidad perdida Si todavía cuando pasamos por un local y podemos darnos cuenta de que hay una banda en vivo ensayando y no se trata de una grabación de un ensayo, es debido a dos razones fundamentales: por una parte, los frentes de onda y por la otra, el rango dinámico. Ninguna máquina posee tal mecanismo de precisión como lo tiene nuestro aparato auditivo…por lo tanto, en el proceso de grabación, siempre perdemos algo. El riesgo mayor se encuentra en la etapa de “toma” del sonido, y tiene que ver con los micrófonos. Como casi ningún micrófono posee un rango dinámico de 140 dB (independientemente de su respuesta en frecuencias), necesitamos todo un conjunto de ellos para poder fabricar entre todos, un “oído artificial”, que sí pueda abarcar un rango dinámico mayor. Esta capacidad de los micrófonos de lidiar con rangos dinámicos amplios, tiene que ver en gran medida con la superficie de sus membranas. Es por eso que los micrófonos de estudio suelen ser de membrana y cápsula amplia, pero en vivo, las cosas se complicarán un poco más y ya no podremos usar de este tipo, debido a los riesgos de acople que implican. Ahora bien, si después de invertir una fortuna en micrófonos, resulta que nuestra cadena de audio tiene eslabones débiles que no poseen un rango dinámico adecuado, estamos realmente en problemas…

Con respecto a los frentes de onda, abarcaremos ese tópico en otro artículo, pero básicamente tiene que ver con la distribución en el espacio de las variaciones de presión sonora. Imaginen un bombo de una batería. Tiene una membrana por lo menos de 18 pulgadas, que impulsa cambios en la presión sonora. Las frecuencias de ese sonido rondan entre 40 Hz y 100 Hz (sin contar el ruido del golpe de la baqueta en el parche). ¿Ustedes creen que aunque su altavoz de 8 pulgadas tenga un rango de frecuencias entre 20 Hz y 22 kHz y pueda expresar la frecuencia, será capaz de crear en el espacio ese globo gigantesco de presiones y enrarecimientos que crea una membrana de 18 pulgadas? La respuesta es un absoluto no.

Bueno, ya entendimos. Ahora bien, ¿cómo lo soluciono?

El aprovechamiento del rango dinámico es un proceso que se atiende desde el nacimiento (toma del sonido) hasta el final (la llegada al oyente de la resultante de audio). Hay muchas soluciones y estrategias posibles para cada instancia del proceso y obviamente muchos de ustedes están pensando en el uso de algún tipo de efecto como un compresor o un limitador, ya sea en los inserts de las señales o en el master final. En el próximo episodio de este artículo, abordaremos todas esas alternativas, pero por ahora les pedimos: ¡coraje marineros! y a lanzarse a las aguas turbulentas de la primera parte de este artículo haciendo click aquí: https:// soundcheck.com.mx /rango - dinamico - en-busca- de -larealidad-perdida-primera-parte Eso es todo por ahora… y ¡Ahoi! ¡Ahoi!

*Diego Merlo es compositor, arreglador y director de orquesta. Con más de 35 años de experiencia docente en el tema, al frente del aula y como director. Técnico de sonido y Sound Designer para varias marcas internacionales como E-mu, Sound Blaster, Fairlight CMI, Akai, Roland y Korg.

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Desde el estudio

Por Juan Carlos Flores

Galo con Leslie del Moral (The All)

Boogie Recording Studio: La cueva de Galileo Ochoa

L

a trayectoria del guitarrista Galileo Ochoa en el rock es bien conocida mayormente por su militancia en el grupo Cuca durante veinticinco años, en los que giró ampliamente y pudo sesionar en grandes estudios.

Esta experiencia fue implementada en su incursión como emprendedor y productor, con la fundación de Boogie Recording Studio, proyecto generado como home studio en 1994 y que pasando por varias etapas, encontró su sede actual en un acogedor inmueble en Zapopan, Jalisco.

Evolución para la creatividad Galo inicia poniéndonos en contexto con sus inicios: “Tengo casi cuarenta años siendo músico.

Nací en Los Angeles, California, de padres mexicanos, y llegué a Guadalajara en 1982. Ya tocando la guitarra y como principiante, formé

la banda de metal Soldier, con mi mejor amigo, Javier Toledo. Con esta banda entré en 1986 por primera vez a grabar a los estudios Audio Arte de John Field. Después estuve en una banda que se llamaba 40 grados, con Richie Arreola (Belanova), Nacho González (Cuca, Forseps), Rubén de la Mora en teclados, Mario Cuevas (La Garra) en la voz —antes de que fuera locutor—, y yo en la guitarra. Con esta banda tuve la oportunidad de grabar demos en Mix Estudios, con Sergio Naranjo. Fuimos ganadores de un concurso para un disco de los veintiún finalistas de Rock en tu Idioma, para el que grabamos en los estudios Sony de la Ciudad de México”.

Con Eduardo Gameros (Caballo Dorado)

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La industria de la música y el espectáculo

Desde el estudio

“Cuando 40 Grados se desintegró, por mucho tiempo estuve componiendo canciones y me nació la necesidad de grabar, así que compré una grabadora Tascam de casete de cuatro canales, en la que grababa, y de ahí mezclaba a una videocasetera VHS Hi Fi estéreo. Al salir de la carrera trabajaba en la radio y grababa jingles e ideas en esta grabadora y de algunas de esas ideas surgieron algunas muy importantes, de las que nacieron canciones como “La balada” y “El son del dolor”. Después de eso surgió la idea de formar una banda y formamos Cuca.

Empezamos a componer e hicimos en esta grabadora muchos de los demos y también muchas rolas del segundo disco. Era una etapa muy creativa de la banda”.

Nacho González

y discos duros. El nombre Boogie Studio nace de esta palabra que uso muchísimo, que es movimiento. Este estudio es muy mío. Nació por la necesidad de tener un espacio para grabar mi música y después, tener la oportunidad de grabar música de otras agrupaciones y talento local. Boogie es un estudio de grabación que es mi cueva, mi taller y mi escondite. Generalmente estoy haciendo cosas personales, aunque cuando grabo bandas, trato de hacer pocos proyectos al año para darles la importancia debida. Lo que intento hacer es ofrecer comodidad y buena vibra a quien venga a trabajar aquí, con el espacio necesario para hacer una grabación y un cuarto suficientemente grande para hacer ensayos y live sessions. El cuarto de control es en donde paso la mayoría de mi tiempo, así que lo hice muy cómodo y creo que esa vibra se transmite. Es un lugar donde fluyen buenas ideas y se hace muy buena música. No se trata de presumir el equipo, sino los resultados”.

Carlos Aviléz

La experiencia aplicada Las amplias vivencias profesionales de Galo son el siguiente tema: “He tenido oportunidad de visitar estudios importantes y trabajar con gente que admiro mucho, como Jorge “Chiquis” Amaro, Robin Black (Jethro Tull, Alice Cooper, Black Sabbath) y Ricardo Mollo (Sumo, Divididos) quienes produjeron los primeros cinco discos de Cuca, cada uno con su visión y su meta para alcanzar el sonido final. Pudimos grabar en grandes estudios como Jacob’s Studio, en Farnham, Inglaterra, lugar en donde grabaron Robert Plant, A-Ha, Deep Purple y muchas bandas; Signature Sound en San Diego, New River Studios en Fort Lauderdale y Circle House, en Miami. Como músico, vas aprendiendo conforme trabajas en diferentes infraestructuras y te van dirigiendo cada uno de estos productores, con su manera particular y única y así yo puedo aplicar todos esos conocimientos para sacar lo mejor de cada músico. Cito especialmente a Robin Black como mi maestro, quien me enseñó todo después de miles de charlas técnicas, así que de la misma manera trato de aplicar todo esto en lo que yo hago en la ingeniería y producción” Let’s Boogie La consecuente necesidad de establecer un espacio propio se presentó: “Me gusta mucho componer y de ahí nació la inquietud de crear un estudio de grabación. Pasé por varias etapas, desde la Tascam de casete y los Adats, experimenté con diferentes consolas e incursioné en lo digital, en formatos de computadora

Aldo Ochoa, Levith Vega y Galo

Nata El feeling en el método El productor describe su metodología de trabajo con los visitantes: “Creo mucho en el feedback con los artistas y trabajar con ellos en una búsqueda desde la preproducción. Para mí es importante poder participar con una banda y saber que ellos están teniéndome la confianza de poder trabajar en algo tan sagrado como su música y sus ideas: normalmente pretendo

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Desde el estudio

sumarme a ese proyecto como un integrante más y aportar cosas. Soy muy exigente. Trato de empujarlos a que sean mejores, respetando la esencia de la banda y hacia donde quieren caminar. Puede ocurrírseles una idea, le dan una estructura y es cuando empezamos a hacer modificaciones con lupa y a detalle.

Así se va haciendo una preproducción con la banda, tocando aquí en el estudio, en donde tienen la oportunidad de jugar con el orden de las cosas, quitar piezas o partes y experimentar. Lo que puedo ofrecer es mucho más el aspecto de producción, ya que puedo entender las cosas como externo, y como músico, sin ser porrista, simplemente pulimos su ideae interpretación”.

B Chaos Rider Boogie Recording Studio (01) Mixer Tascam DM-4800 (04) Canales de TUBE Preamps DBX 586 (2 duales) (04) Canales de Compresores DBX166 Micrófonos (03) AKG 414, 03 AKG C451B (01) Sennheiser 421, 01 Sennheiser e609, 03 Sennheiser e604 (01) Shure SM 7B, 02 Shure SM 57, 01 Shure SM 52, 01 Shure BETA 91, 02 Shure SM 58 (01) Neumann KM 84i Backline (02) ENGL Savage 120 (02) ENGL XXL CABS (01) KEMPER Profiler (01) EVH 5150 III 50 Watt (01) EVH 5150 CAB 2 X12 (01) Fender Bassman ten (01) Aguilar DB 751 (01) Aguilar Cab DB 412 (01) Marshall 1960 A CAB Baterías Dw Collectors Series Gold Sparkle Ludwig Vistalite Acrilyc Clear Yamaha Maple Custom Absolute Nouveau Purple sparkle Computadora Mac Motu Digital Performer, Motu 2408 MK III Monitores (02) Yamaha NS 10M (02) KRK VXT 8

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La producción en los Clientes de Boogie Estudio deportes Es muy conocido el Comerciales de radio fanatismo de Galo por el MVS Radio beisbol y su experiencia Planeta FM profesional fue coronada La Zeta con dos grandes Atlas experiencias: “Fui elegido Charros de Jalisco para hacer el tema de La Astros Serie del Caribe. Escribí Gigantes el tema junto con Yahir Jalisco Radio/Jalisco TV (La Academia), e invité a Máxima FM mis amigos y tremendos Magnicharters músicos de Guadalajara, Pemex como Christian Gómez, Grupos “Chumino” (Afro Brothers) Nata y Aldo Muñoz, entre otros.

B-Chaos También tuve el honor The All de poder trabajar en el Gabriel Aury lanzamiento de Charros Patán de Jalisco como equipo de beisbol y como marca, La Big Cherry además del diseño del Uno Menos entretenimiento en audio Enepei (Colombia) y video: entrevistas, porras, Pito Pérez animación y programación Plástiko de la música que pasaba Garigoles en el estadio. Es una gran Oscar Fuentes y Las Horas Muertas satisfacción para mí y Exus espero seguir trabajando Rock x la Vida en el rubro del deporte.

El Evento Exa Recién formé una sociedad El Evento Planeta para crear una empresa llamada Gana, que es una combinación entre casa productora y agencia donde trabajamos imagen, música, audio, video y mapping, al servicio de las empresas y de su imagen”.

Galo comparte sus actividades más recientes y finaliza: “Ahora estoy grabando lo nuevo de Machingón. También a una banda de metal del Estado de México que se llama Patán. Tuve la oportunidad de trabajar con Big Cherry, una gran cantante local de soul funk y muchos proyectos de radio. Pero de lo más importante es Nata, mi banda.

Vamos a grabar rolas nuevas para completar un disco. La música no para; es creatividad, imaginación y un aprendizaje constante”.

En el sentido de las manecilla del reloj: Moy Plaza (Caloncho), Chemin Santillanes y Jaffo ()Fanko

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Notas del medio

Camilo Froideval y Ed Maverick: lazos de pertenencia musical

Fotos: Cortesía Camilo Froideval

El lanzamiento del álbum “Eduardo” de Ed Maverick, supuso el encuentro con Camilo Froideval como su productor; tras una primera impresión al coincidir en la colaboración para el disco de Longshot, que Milo producía, su manager y gente de su disquera insistieron en que se reunieran; ocurrió y se hizo la magia.

“Esa noche nos quedamos hablando de música, equipo, guitarras y las cosas que nos gustaban e inmediatamente hicimos una canción. Así empezó. Luego vino la pandemia y la debacle, pero nos pusimos a hacer gran parte del disco, solos, y nos fuimos haciendo amigos. El resultado fue un disco melancólico del que estamos muy contentos, que tiene canciones increíbles”.

Pensado como álbum conceptual, la labor de Milo consistió en desarrollar el sonido y estética del álbum, pues Ed ya tenía la lírica a punto desde los demos: “Habíamos hablado que fuera conceptual, con esta cosa de tener conexiones entre las canciones y tal. Acá les metimos más cosas que desarrollamos juntos, casi todas las guitarras él y yo los teclados. Expandimos el sonido y la estética del disco, la forma como se le puede dar lectura en cuanto a sonoridades. Usamos muchos instrumentos de la “ferretería” que tengo acá en Topetitud, donde el equipo antiguo o vintage abunda, y Ed también se encontró con un montón de herramientas nuevas y fue muy divertido ir saltado de un teclado a otro, de un pedal a otro, como niños. Lo terminamos a la distancia porque me tuve que ir, volví e hicimos unos retoques y ediciones mínimas finales.

El resultado fue genial, nos hicimos amigos y la pasamos muy bien”.

El rol de músico y productor, sin división: “No separo que soy músico y productor; toco el piano desde que soy niño y tengo el modo de exponer lo que se me ocurre, es más fácil tocarlo

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Notas del medio

que tratar de explicarlo. Fue una linda colaboración y Ed entró en un mundo nuevo con los teclados como el Rodhes, el Wullitzer, el Juno y el Prophet, equipos mitológicos. En una canción usamos un vocoder de los primeros, de los originales, y la reacción de Ed fue de mucha sorpresa. Le sirvió mi conocimiento, tuvimos mucho intercambio de música todo el tiempo: me enseñó muchos grupos nuevos y artistas increíbles y compartimos el gusto mutuo por Luis Alberto Spinetta, a quien descubrió por “Artaud”, el disco del Pescado Rabioso y le fascinó; así fuimos generando lazos de pertenencia musical y creo que eso también hizo que todo fluyera más”.

El proceso de mezcla se hizo a partir de un avance que se envío a Ricardo Acasuso. Respecto a la masterización, destaca la decisión de realizarla ésta en cinta de un cuarto de pulgada bajo el oído de Marco Ramírez en Sonic Ranch: “La mezcla que hizo Ricardo quedó brutal, la realizamos a la distancia, escuchábamos y mandábamos correcciones. A Marco Ramírez le dejamos la misión de hacer el mastering y

todo pasó por compresión a diferentes velocidades; hicimos pruebas, tracks más, tracks menos, le fuimos metiendo cuchara hasta el último minuto. Entre nuestros delirios creativos, Ed y yo decidimos que fuera así y estuvimos feliz de trabajar con Marco. Fue una buena decisión, porque le dio otra particularidad al disco, otro plus sonoro”.

La alegría de tener un disco de esta manufactura se suma a la postura del productor por tomar como principales aprendizajes de este periodo pandémico, la valoración de la vida y procesar la muerte; la reinvención, el autocuidado y sopesar la solidaridad de quienes forman esta industria creativa: “Con el confinamiento sanitario, mi vida no cambió radicalmente, porque vivo encerrado trabajando en mi casa o en el estudio. Aprendimos a reinventarnos desde dar clases a distancia hasta cuidar nuestra alimentación y ejercitarnos.

Revaloré mi trabajo, poder tocar, estudiar mi instrumento, venir al estudio a trabajar con gente y mi vida familiar. Me di cuenta de que me encanta hacer todo lo que hago y por eso quiero hacer más”.

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Nación Ekeko, la pintura de un paisaje musical latinoamericano Este es el proyecto solista de Diego Pérez, quien ostenta una carrera en la música desde 2002. “Qomunidad” es su tercer disco, cuyo estilo está sellado por la búsqueda de integrar las sonoridades de las comunidades de pueblos originarios ancestrales de Latinoamérica con las nuevas tecnologías y ritmos contemporáneos y en el que se hace acompañar por figuras como Julieta Venegas, Arbolito, Muerdo y Paula Neder y solicitó el permiso para tener la voz de Mercedes Sosa para hacer una versión de “Como la Cigarra”.

“Este disco fue producido en tiempo de confinamiento y fue algo bastante instantáneo, porque el encierro me pareció un buen momento de reflexión pues, en un sentido, podría exacerbar el individualismo que viene creciendo en el mundo; entonces me pareció importante poder generar artísticamente lazos hacia lo comunitario y el trabajo colectivo. Decidí hacer este disco con colaboraciones en cada canción para convertirlas en un producto de encuentro con otro artista en oposición al aislamiento, al encierro para entender que somos comunidad y que lo que hacemos no hay manera de hacerlo si no es en conjunto y desarrollar esa idea. Ese es el motor del concepto del disco”, expone el intérprete.

El concepto del sonido que traza en su música, afirma Diego, es tener la tecnología como herramienta al servicio de una idea, a la manera del pintor: “Para mí lo más importante es el concepto o la idea, cómo se representa el sonido en el que vivimos y la computadora trae un montón de ventajas, porque se pueden hacer infinitas variaciones de sonido, pero lo primero es entender que hay una idea, una necesidad expresiva y a partir de esto poder representarla en sonido. A la hora de componer soy bastante libre y lúdico; me inspiro en mis viajes y en los encuentros con diferentes personajes de comunidades, con artistas que de alguna manera me van contando su cosmovisión. Una de las cosas que siempre digo es que me siento más artista plástico o pintor que músico, porque me gusta mucho trabajar la textura y el color del sonido. Lo que termino haciendo son como paisajes musicales y veo el sonido y los instrumentos como colores que se van a plasmar en un cuadro”.

El trabajo de las colaboraciones se hizo usando las plataformas de videollamada a España, Portugal, México y la propia Argentina: “El aislamiento no nos terminó encerrando en nosotros mismos, sino que permitió poder seguir con lo colectivo. Ya había hecho algunas colaboraciones a la distancia, pero nunca un álbum completo. La verdad es que fue muy interesante y una bocanada de oxígeno en medio de todo esto

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para conectarme con otros artistas, gracias a la tecnología a pesar del momento que estamos viviendo. Fue una experiencia muy linda y también creo que eso le dio a cada canción su color y mensaje particular, así que es un disco bastante variado y muy colorido”, reflexiona Diego.

Sobre la inserción de la voz de Mercedes Sosa en “Como la cigarra”, el músico destaca: “Es un tema que de alguna manera volvió a tener vigencia por la lucha mapuche que hubo acá hace unos años”; empecé a trabajar esa versión y en un momento pensé que debía tener la voz de Mercedes Sosa, porque si bien ella no es la autora, es quien dio a conocer la canción al mundo.

Me entrevisté con su hijo Fabián Matus, le encantó la versión y me dio la autorización. Hice una versión muy diferente de lo que es la canción original y pude aportar desde otro lado, con una canción que tiene ese mensaje tan potente y actual”.

Producido por él, trabajó en su home studio con el apoyo de amigos instrumentistas que grabaron instrumentos tradicionales latinoamericanos armar la integración sonora: “Trabajo siempre con instrumentos electrónicos y acústicos, integrando sonidos orgánicos y electrónicos de sintetizadores y así tener una variedad de instrumentos y colores muy amplia que, a la hora de estar produciendo y componiendo, me permita poner una cuerda doble que suene a charango o a cuatro venezolano, luego una guitarra o un viento andino o una gaita colombiana. Por eso me llamo también Ekeko, porque voy juntando y acumulando un montón de instrumentos, siempre con esta idea de tener los colores y texturas necesarios para pintar ese paisaje musical. Un factor muy importante para mí dentro de lo que es Nación Ekeko es que el ritmo sea el hilo conductor: yo hago música que si bien se puede escuchar viajando o tirado en el piso o el sillón, la idea es que también la puedas escuchar desde el cuerpo moviéndote, bailando y

que los mensajes lleguen de una manera más intuitiva desde el movimiento del cuerpo en el espacio”.

Para la mezcla y masterización trabajó con Manu Schaller, a quien le entregó una mezcla previa, buscando la aportación creativa desde lo técnico. Lo que sigue es un acto de fe: “No se sabe qué va a pasar, pero igual estamos planificando para armar una gira por México y Sudamérica y también algunas cosas por streaming para presentar el disco. Estamos con la esperanza de poder encontrarnos con nuestro público”, concluye Diego.

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Cabaleta, power dúo en el rock iberoamericano De origen colombiano con residencia en Miami, Cabaleta es un dúo formado por Guille Noriega (bajo) y Felipe Barrios (batería) en 2018, aunque su relación musical data de hace una década en su natal Bogotá. Con un álbum producido por el ganador del Grammy, Carlos Imperatori, la dupla busca ganar oídos en la región, para lo cual ya trabaja su nuevo material.

Guía encausada. Imperatori ha logrado definir desde el idioma para las composiciones de la dupla hasta la identidad sonora de su propuesta: “Carlos ha sido una pieza fundamental para tomar decisiones como la de ser una banda que compone en español, él nos convenció de eso y creo que fue una decisión muy sabia. En cuanto al sonido, ha sido la persona más indicada, pues hay pocos productores de su calibre y gracias a su oído, experiencia y consejos, creo que Cabaleta está donde está hoy”, menciona Felipe.

“Las canciones tienen un sonido muy crudo, enfocado a la batería y el bajo; queríamos hacerlos relucir sin agregar demasiado maquillaje, así que es un sonido muy crudo en cuanto a las distorsiones, las baterías en el estudio, sin extras. Ahora estamos experimentando un poquito más con los sonidos, pero queríamos dejar también el sonido de esas primeras creaciones. Grabamos en Nueva York en el estudio de Héctor Castillo, que es un gran amigo de Carlos Imperatori y tremendo productor, con trabajos con Bowie y Cerati; fue una experiencia increíble, aprendimos muchísimo”.

El confinamiento sanitario detuvo el plan de presentar en vivo ese material y lo que detonó fue un proceso creativo para alistar un EP, como expone el baterista: “Guille y yo compusimos con lo básico: amplificadores, batería, bajos, y es ahí donde ocurrió la magia. Con Carlos vimos los avances a distancia y le mandamos las sesiones que grabamos; incluso así vio nuestros ensayos”.

“Me encantan los grooves bastante minimalistas y sencillos; es importante restringirse un poco para que la canción pueda respirar. Una de mis influencias más grandes es John Bonham de Led Zeppelin y así le dimos prioridad a eso: al groove de la canción. Me compré para experimentar en este segundo disco un Roland SPD-SX, una cajita con nueve pads, que también está muy interesante para tocar en vivo sin que me pierda y mantener la esencia acústica de mi batería. La que tengo es de tambores grandes, bombo de 26 pulgadas, con un sonido bastante abierto y que ayuda a rellenar los “vacíos”, porque sólo somos dos instrumentos”.

El próximo semestre la dupla buscará terminar su más reciente EP y mantiene la confianza de realizar shows en vivo. “En esta transición del primer al segundo disco queremos probar nuevos sonidos electrónicos de batería o sintetizadores, sin dejar nuestra identidad. Internet nos ha dado herramientas para seguir moviendo la banda hacia adelante”, concluye Felipe.

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Un encuentro con

Por Jordi Talamantes

Horacio Cicero: las oportunidades atrapadas en el aire

L

as grandes trayectorias inician en grandes lugares. El productor Carlos Horacio Cicero Olivares es director de producción del Conjunto Santander de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara. Después de un proceso de formación y de trabajo fuerte, Cicero emigró de su natal Ciudad de México para adoptar a Guadalajara como su residencia profesional. Él mismo inicia la conversación narrando la historia de su niñez: “Desde muy pequeño, gracias a la familia paterna –que provenía de España-–, tuve un contacto directo con la música. Mi madre siempre valoró mucho la música de orquesta y desde niños nos arrullaba a mí y a mis hermanos con Radio UNAM. Teníamos un tío que cantaba en el coro de Bellas Artes y me impresionaba mucho saber que cantaba en las óperas y en los conciertos corales. También había tíos guitarristas de flamenco y ésta fue una música que en las fiestas familiares era común. Siempre tuvimos la fortuna de tener una guitarra en casa y clases en la escuela y en grupos artísticos, como las rondallas, las noches coloniales y las kermeses”.

El poder del palacio El hecho puntual que hizo a Horacio sucedió en un gran recinto: “Tenía yo unos cinco o seis años, cuando mi madre y mi abuela me llevaron al Palacio de Bellas Artes. En esa ocasión me llevaron a ver al Ballet Folklórico de Amalia Hernández y recuerdo haber quedado impresionado por la danza y el desenlace de la muerte de “La Danza del Venado”. También mi abuela me llevó al Teatro San Rafael a ver “El Diluvio que Viene”, con Héctor Bonilla y Manolo Fábregas, que era la voz de Dios en la obra. En ese montaje, el escenario era giratorio.

Eso me voló la tapa de los sesos y dije: ‘Yo quiero hacer eso: trabajar en los teatros y en las producciones”.

Las primeras incursiones del joven Horacio empezaron a darse y el momento decisivo de su vocación llegó: “A mis quince años empecé a trabajar como asistente de amigos músicos, cargando cables y haciendo otras tareas con otros proyectos de corte comercial. Ese fue mi primer acercamiento a los escenarios. Después de hacer el bachillerato me metí a la carrera de composición a lo que ahora es la Facultad de Música de la UNAM. Desgraciadamente no la terminé, ya que surgió la huelga de 1999 y por necesidad –ya que tenía a mi primer hijo

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pequeñito–, ya estaba trabajando en el Palacio de Bellas Artes, así que decidí enfocarme al trabajo práctico, lo cual agradezco porque, sin dejar de respetar a mi escuela, tengo claro que mis verdaderos maestros en esto, fueron la plantilla técnica y la tramoya del Palacio”.

De la cultura al mainstream Horacio narra cómo fue la llegada al recinto de su inspiración infantil: “Siendo aún estudiante, el Maestro Crescencio Luviano y Javier Zúñiga me invitaron como copista a ayudarles en la Compañía Nacional de Danza. Lo primero que hice fue hacer ediciones de partituras a mano, y que aún no se utilizaban programas de notación musical. Por ahí de 1997, a invitación del Maestro Alejandro Guzmán, me convertí en el responsable del acervo musical de la orquesta, luego me pasaron al área de producción como asistente y finalmente me dieron el nombramiento de Jefe de Personal Artístico. Fueron alrededor de cinco años en todo este proceso”.

Un encuentro con

Una nueva veta laboral se presentó ante Horacio: “En 2004, Martín Ávila y Jordi Puig de OCESA me hicieron la invitación para colaborar en unos proyectos de grandes shows con óperas y orquestas. El proyecto se hizo en el lapso de un año, pero la empresa decidió no continuar en estos formatos. Sin embargo, me empecé a conectar con los compañeros y me quedé en producción como personal eventual, haciendo de todo: runner, en camerinos, como asistente de producción y logística, hasta que la productora Chela Contreras me dio la oportunidad de convertirme en el stage manager en sus producciones. Así empecé a trabajar en el circuito Ciudad de México-Guadalajara-Monterrey, que era el común denominador con los artistas internacionales. Empecé a hacer mis visitas a Guadalajara más constantes, llegando a venir a esta ciudad hasta tres veces por mes”.

Horacio, Consuelo Pano y Chel Contreras Bienvenido a Guadalajara El productor prosigue con la narración del inicio de su aventura tapatía: “Cuando el Auditorio Telmex –entonces llamado Auditorio Metropolitano–, se iba a inaugurar, OCESA se asoció con Nacho Cano para hacer la gira de su musical “Hoy no me puedo levantar” y a mí me asignaron como parte de la producción de dicha gira. Para esto, me pusieron en contacto con Jaime Gómez y con Ricardo Pacheco “Kanuto” –productor y stage manager del Auditorio Telmex, respectivamente–. El proyecto se retrasó un poco y me reasignaron. El Telmex fue uno de los primeros foros que hubo en Guadalajara con esa capacidad (diez mil personas) y es de los más importantes, no sólo de México, sino del mundo: un espacio moderno con todas las facilidades y un crew técnico sólido. Llegué a venir con Daft Punk, Los Fabulosos Cadillacs, Hillary Duff, Keane, Travis y muchas otras bandas. En una de estas visitas a Guadalajara, Wolfgang Schmitz, el stage manager del Teatro Diana, me dijo que Jaime Gómez me estaba buscando, porque “Kanuto” se iba del Auditorio Telmex. Terminé mis labores en el Teatro Diana, volví a la Ciudad de México y un día después salí en mi coche hacia Guadalajara con todas mis cosas. Eso fue hace once años y de esos, estuve casi ocho años en el Telmex, de 2010 hasta 2017”.

La línea ascendente en la carrera de Horacio se mantuvo y un nuevo reto aparecía en el horizonte: “En ese lapso, María Luisa Meléndrez llegó a dirigir el Auditorio Telmex, cuando salió Fernando Favela. Ella y yo nos conocíamos por Chela Contreras y María Luisa me empezó a platicar del proyecto de construcción del Conjunto de Artes Escénicas (posteriormente Conjunto Santander). Un año antes de la inauguración del conjunto, ella me invitó a integrarme al proyecto, posteriormente es designada como directora y se me invitó para formalmente hacerme cargo de la producción del conjunto. A su vez, convoqué a otros técnicos y compañeros tanto del auditorio como de otros lados para venir a trabajar conmigo. Contamos con mucha gente joven, a quienes hemos buscado la manera de enseñarles este bonito oficio del escenario”.

Horacio Cicero expresa qué es lo que sigue en su carrera: “Seguir reencontrándome. Para mí, la crisis sanitaria no ha acabado, sino que recién empezó. Me da mucho gusto que ya haya apertura, pero queda la crisis económica y social.

Tenemos que fortalecernos y dignificar el trabajo de artistas y técnicos de Jalisco y del país entero”, finaliza.

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Avances sound:check Xpo

¡Regresamos! · Ante los tiempos desafiantes, sound:check Xpo se reinventa y ofrece una versión híbrida, tanto presencial como virtual. · Como en años pasados, World Trade Center Ciudad de México será la sede presencial y habrá una plataforma exclusiva para la edición virtual. · 1, 2 y 3 de septiembre son las fechas para la versión presencial y se extenderá el 4 y 5 para la edición on line.

E

stamos de vuelta. Después de un año y medio de incertidumbre, de cambios mundiales y de una Industria de la Música y el Espectáculo severamente afectada en todos los rincones del orbe, podemos decir que continuamos. Con mucha reflexión, pero sobre todo, un enorme gusto, el evento de nuestro gremio, que gracias a todos ustedes ocupa un importante lugar en México y Latinoamérica, vuelve para reencontrarnos e iniciar una recuperación indispensable. sound:check Xpo regresa renovada para satisfacer las necesidades de esta comunidad en estos tiempos cambiantes.

La alternativa híbrida Por 17 años consecutivos, sound:check Xpo ha ofrecido un espacio en el que los productos y servicios del mundo del espectáculo se dieron a conocer en nuestro país, además de complementarlo con master clases, showcases, clínicas, demostraciones de producto y jornadas educativas. Hoy, el entorno ha cambiado, y para seguir con la reactivación de la industria, tenemos el orgullo de presentar nuestro primer evento híbrido, en el que ofreceremos las oportunidades de negocio y networking tanto de forma presencial como a la distancia, aprovechando los beneficios de la plataforma en línea creada exclusivamente para tales fines.

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Así, como una amalgama con la versión presencial, que se realizará el 1, 2 y 3 de septiembre próximos en el World Trade Center Ciudad de México, una edición virtual se desarrollará los mismos días y se extenderá hasta el 5 de septiembre, para entrar a conocer lo que los expositores dejarán disponible.

Ahí, se podrá ingresar a las actividades de los expositores, concertar citas virtuales y preguntar sobre promociones, planeadas para un exitoso regreso a los escenarios. Además,

las actividades del Auditorio Harman serán transmitidas en tiempo real, como las Master Classes, que tendrán como invitada a la cantante Ely Guerra, entre otros.

Algunas de las marcas que nos acompañarán Adam Audio AKG Allen & Heath

Están las puertas abiertas Como desde 2003, sound:check Xpo será la mejor opción para que la Industria de la Música y el Espectáculo ofrezca las mejores marcas de audio, iluminación, video, backline y escenarios, en un piso de exhibición que tendrá todas las condiciones necesarias para conocer las tendencias que estarán presentes en los shows por venir los siguientes meses. Sabemos que los tiempos recientes están llenos de desafíos y la preparación es la mejor medida para superarlos.

Audiocenter Audix Avid Belden BSS Crown Digitech dbx Electro-Voice Focusrite Furman JBL K-Array

Además del piso de exhibición, las salas demo serán, como es costumbre, el lugar donde podrá conocerse a profundidad los productos que los expositores tendrán a disposición, así como se realizarán otras actividades que complementarán la experiencia de los asistentes y ayudarán a tomar las mejores decisiones de compra.

K&M Klark Teknik KonLed KRK Lexicon Littlite Midas Nexo Neutrik

Es momento de regresar a la profesión que más nos llena. En sound:check Xpo hemos esperado meses para volverlos a ver y para quienes quieren estar presentes de manera remota, estamos preparando una gran manera de hacerlo, porque el escenario ha cambiado y el evento de la Industria también.

Novastar Novation Phonic Prolyte Sennheiser SGM Shure Soundcraft

Sigamos haciendo historia. ¡sound:check Xpo 2021 va y ahí los esperamos!

Stanton Studer

1, 2 y 3 de septiembre, edición presencial, WTC Ciudad de México.

1, 2, 3, 4 y 5 de septiembre, edición virtual.

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TC Electronic Waves Xone

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Índice de Anunciantes 21 ASHDOWN t. 55 9152 4614

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