traço — 1 (SP-Arte 2019) by SP-Arte

traço —

Ministério da Cidadania, Governo do Estado de São Paulo, SP-Arte, Itaú, Vivo e Iguatemi São Paulo apresentam

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15º Festival Internacional de Arte de São Paulo

03–07 abril 2019 Pavilhão da Bienal

www.vivo.com.br

Parece que nos dias de hoje estamos quase sempre olhando para uma tela. Pequena, porém fascinante. Cabe na palma da mão e o mundo inteiro cabe dentro dela.

Mas já que falamos tanto sobre uma, hoje vamos falar de outra. A tela pendurada na parede à sua frente. Tão fascinante quanto.

A pequena tela de vidro é você quem toca.

A tela da arte toca você. Até mesmo quando não é uma tela.

Seus olhos podem tirar o melhor das duas. Afinal, tem hora pra tudo. Por isso, nunca deixe de se perguntar: por onde anda o seu olhar?

#temhorapratudo

O IGUATEMI SÃ&#x192;O PAULO ORGULHA-SE DE APOIAR E FAZER PARTE DA SP-ARTE 2019. CONFIRA O FESTIVAL DE ARTE MAIS IMPORTANTE DO BRASIL E VISITE NOSSO LOUNGE.

15 ª edição do Festival Internacional de A r te de S ão Paulo. iguatemisp.com.br

#iguatemisparte

#sparte2019

Apresentação 15 anos de arte e celebração

Há quinze anos, a SP-Arte dava início à sua trajetória com uma seleção que incluía 41 galerias no térreo do Pavilhão da Bienal. Na ocasião, apenas uma das galerias integrantes era estrangeira. Este ano, a Feira comemora seu 15º aniversário, e o crescimento e a internacionalização são inegáveis: além de ocupar todos os andares do Pavilhão, extrapola os limites do Parque Ibirapuera, entra para o seleto time dos mais importantes festivais de arte do mundo e faz da cidade de São Paulo parada obrigatória no roteiro global das artes. Nesta edição, o evento recebe mais de 160 expositores, atrai novidades do cenário artístico e reforça a parceria com galerias consagradas nacional e internacionalmente. Em 2019, paramos para refletir sobre os caminhos percorridos até aqui, e traçar conjuntamente o futuro que desejamos construir. Criada com a missão de profissionalizar o mercado brasileiro de arte, a Feira concentrou-se na ampliação do acesso ao conhecimento e na formação de um público especializado. Assim, ajudamos a formar uma base de colecionadores, estimulando o crescimento dos negócios e o fortalecimento das galerias brasileiras. Por ocasião de nosso aniversário, aproveitamos para renovar nosso compromisso com o estímulo da criação e da exibição da arte nacional, visando um cenário contemporâneo mais democrático e acessível não só ao público, mas também aos artistas e pensadores do ramo, lutando por um ambiente em que palavra de ordem seja multiplicidade. A Feira reforça a parceria educativa de residência artística com a Delfina Foundation, estabelecida em Londres, e a Fundação Marcos Amaro, baseada em São Paulo, no oferecimento de dois prêmios substanciais dedicados à criação da arte contemporânea, que promovem artistas nacionais e estabelecem redes de intercâmbio com o exterior. Ano após ano, procuramos fortalecer nosso papel como evento catalisador da arte, em um ambiente que estimula o encontro e o diálogo do público com grandes nomes da área. O Talks, ciclo de palestras que ocupa o auditório do Museu de Arte Moderna (mam), reforça o interesse do evento em discussões sobre o futuro, englobando novos formatos e papéis assumidos pelas instituições de arte e os potenciais desdobramentos de um mercado artístico em constante transformação, entre outros temas relevantes. A 15ª edição também marca o lançamento da revista traço —, com distribuição gratuita, resultado de nosso compromisso com a

elaboração de um conteúdo crítico de qualidade à disposição de todos. Além disso, continuamos ocupando a cidade através de uma agenda de eventos especial, promovida por galerias e instituições culturais parceiras, além do Gallery Night e do Circuito Ateliês Abertos. A América Latina será destaque no setor Solo, que ganha curadoria da chilena Alexia Tala. Marcos Gallon e Tiago Mesquita assinam, respectivamente, o projeto Performance SP-Arte e o setor Masters; e a grande novidade fica por conta do OpenSpace, ocupação de esculturas que abrangerá o Parque Ibirapuera e partes do Pavilhão, organizada através do olhar do curador Cauê Alves, do Museu Brasileiro de Escultura e Ecologia (mube). Como de costume, o Pavilhão também será movimentado por lançamentos editoriais, visitas guiadas gratuitas e programações especiais apresentadas pelas galerias. Visando o futuro, afirmamos nossa parceria com as galerias para além da semana do Festival, conectando os artistas por elas representados com o mundo. Para tanto, nosso site passou por uma intensa reformulação e agora conta com páginas dedicadas à apresentação de galerias, artistas e obras, além de uma programação de atividades artísticas por todo o país. Agradecemos a confiança das galerias estrangeiras que, a cada ano, enxergam o Brasil como plataforma de investigação e divulgação de seus artistas; igualmente, agradecemos às galerias nacionais que nos ajudaram a construir o que é hoje um Festival reconhecido internacionalmente, e damos as boas-vindas àquelas que desembarcam pela primeira vez em São Paulo. Um agradecimento à toda equipe da SP-Arte, assim como aos museus, artistas, curadores, colecionadores e, em especial, ao público, que nos prestigia e colabora para que o evento seja um sucesso de visitação. Nossos agradecimentos se estendem aos patrocinadores master Itaú, Vivo e Iguatemi São Paulo; aos patrocinadores Artefacto, Chandon, Sauer, Stella Artois e Volvo; ao apoio do Orfeu Cafés Especiais; à Prefeitura da Cidade de São Paulo e à Secretaria Municipal de Cultura; finalmente, ao Governo do Estado de São Paulo, representado pelas Secretarias da Cultura e da Fazenda, e ao Governo Federal, através do Ministério da Cidadania. Fernanda Feitosa Fundadora e diretora da SP-Arte

« ∙ Geral ∙ » A Gentil Carioca ∙ Alexander Gray ∙ Almeida e Dale ∙ AM ∙ Amparo 60 ∙ Andrea Rehder ∙ Anita Schwartz ∙ Arte 57 ∙ Arte Hall ∙ Arteedições ∙ Athena ∙ Babel ∙ Baró ∙ Base ∙ Bergamin & Gomide ∙ BG27 ∙ Bianca Boeckel ∙ Bolsa de Arte ∙ Buenos Aires ∙ Carbono ∙ Caribé ∙ Casa Triângulo ∙ Casanova ∙ Cassia Bomeny ∙ Celma Albuquerque ∙ Centro Universitário Belas Artes ∙ Choque Cultural ∙ Continua ∙ Cravo ∙ Dan ∙ Dan Contemporânea ∙ Danielian ∙ David Zwirner ∙ de las Misiones ∙ Eduardo Fernandes ∙ El Museo ∙ Elba Benítez ∙ Emmathomas ∙ Estação ∙ Fernando Pradilla ∙ Fólio ∙ Formatto ∙ Fortes D’Aloia & Gabriel ∙ Franco Noero ∙ Frente ∙ Gabriel Wickbold ∙ Gaby Indio da Costa ∙ Gustavo Rebello ∙ Hilda Araujo ∙ Inox ∙ Ipanema ∙ Isabel Amado ∙ Jackie Shor ∙ Janaina Torres ∙ Karla Osorio ∙ Kubikgallery ∙ Leme/AD ∙ Lisson ∙ Luciana Brito ∙ Luciana Caravello ∙ Luis Maluf ∙ Luisa Strina ∙ Lume ∙ Lurixs: ∙ Mamute ∙ Manoel Macedo ∙ Mapa ∙ Marcia Barrozo do Amaral ∙ Marilia Razuk ∙ Mario Cohen ∙ Mendes Wood DM ∙ Millan ∙ Mul.ti.plo ∙ Murilo Castro ∙ Nara Roesler ∙ Neugerriemschneider ∙ OMA ∙ Opera ∙ Papel Assinado ∙ Paulo Darze ∙ Paulo Kuczynski ∙ Piero Atchugarry ∙ Pinakotheke ∙ Raquel Arnaud ∙ Referência ∙ Ricardo Camargo ∙ Roberto Alban ∙ Ronie Mesquita ∙ Room 8 ∙ Sergio Gonçalves ∙ Silvia Cintra + Box 4 ∙ SIM ∙ Simões de Assis ∙ SteinArt ∙ Steiner ∙ Sur ∙ Vermelho ∙ Verve ∙ Ybakatu ∙ Zipper « ∙ Solo ∙ » Babel ∙ Bendana-Pinel ∙ Die Ecke ∙ Espaivisor ∙ IK ∙ Oá ∙ Patricia Ready ∙ Periscópio ∙ Portas Vilaseca ∙ Sé ∙ Ultravioleta ∙ Walden « ∙ Masters ∙ » Almeida e Dale ∙ Aninat ∙ Berenice Arvani ∙ Bergamin & Gomide ∙ Cassia Bomeny ∙ Central ∙ Estação ∙ Fólio ∙ Jaqueline Martins ∙ Luciana Brito ∙ Marcelo Guarnieri ∙ Raquel Arnaud ∙ Superfície ∙ Zielinsky « ∙ Performance ∙ » Casa Triângulo ∙ Fortes D'Aloia & Gabriel ∙ Jaqueline Martins ∙ Leme/AD ∙ Portas Vilaseca ∙ Vermelho « ∙ OpenSpace ∙ » Arte 57 ∙ Bolsa de Arte ∙ Casanova ∙ Lume ∙ Lurixs: ∙ Marcelo Guarnieri ∙ Marilia Razuk ∙ Mendes Wood DM ∙ Nara Roesler ∙ Raquel Arnaud ∙ Vermelho ∙ Verve ∙ Ybakatu ∙ Zipper « ∙ Design ∙ » ,Ovo ∙ Alva ∙ Ana Neute ∙ Apartamento 61 ∙ Artemobilia ∙ Bancos Indígenas do Xingu ∙ Bergamin & Gomide ∙ Bianca Barbato ∙ Cristiane Musse ∙ Etel ∙ F Studio ∙ Gustavo Bittencourt ∙ Herança Cultural ∙ Homenco ∙ Hugo França ∙ Humberto da Mata ∙ Indio da Costa ∙ Jacqueline Terpins ∙ Konsepta ∙ Leandro Garcia ∙ Mameluca ∙ Maneco Quinderé ∙ Murilo Castro ∙ Nicole Tomazi ∙ Noemi Saga ∙ Passado Composto ∙ Paula Juchem ∙ Plantar Ideias ∙ Plataforma4 ∙ Rafael Moraes ∙ Rain ∙ Resplendor ∙ Ricardo Graham Ferreira ∙ Sandra & Marcio ∙ Sollos ∙ Teo ∙ Vera Odyn ∙ Verniz « ∙ Arquitetos ∙ » Arthur Casas ∙ Dado Castello Branco ∙ Jaime Lerner ∙ Lia Siqueira ∙ Pascali Semerdjian ∙ Paulo Mendes da Rocha ∙ Rodrigo Ohtake ∙ Triptyque « ∙ Revistas ∙ » Art Review ∙ Arte!Brasileiros ∙ ArtNexus ∙ Bravo! ∙ Flash Art ∙ Jacaranda ∙ Monolito ∙ Parque Lage ∙ Pop-se ∙ Select « ∙ Editoras ∙ » APC ∙ Banca Tatuí/Lote 42 ∙ BEĨ ∙ Capacete ∙ Cobogó ∙ Desapê ∙ Familia ∙ Fotô ∙ Ikrek ∙ Madalena ∙ Olhares ∙ Sesc ∙ Taschen/Paisagem ∙ Ubu « ∙ Museus ∙ » IAC ∙ Iberê Camargo ∙ Inhotim ∙ Lasar Segall ∙ MAM ∙ Mamam ∙ Masp ∙ MCB ∙ MuBE ∙ Pinacoteca ∙ Tomie Ohtake

Editorial O tempo que dividimos

Aniversários são, em si, momentos de reflexão. Ensejos para fazer um balanço do tempo que se esvaiu, do que foi construído e do que ainda se quer construir. No caso da SP-Arte, o aniversário de quinze anos também marca um nascimento: a traço —, revista da SP-Arte que surge repaginada na nova identidade da Feira, com design e conteúdos reestruturados, reforçando sua vontade e compromisso com a criação de materiais críticos que se debruçam sobre a arte e suas reverberações. A questão do tempo é uma dessas reverberações – muito mais sentida que racionalizada. Em um momento histórico de sobrecarga de informações, é necessário pensar o tempo investido no recebimento e no entendimento daquilo que chega até nós. Nesta edição da traço —, o curador e pesquisador Moacir dos Anjos analisa a escuta empreendida nos trabalhos do Coletivo Amò e de Graziela Kunsch em parceria com Daniel Guimarães, colocando o demorar-se na arte como ferramenta essencial para a inclusão de corpos excluídos do ambiente democrático e apontando como práticas artísticas prolongadas se veem ameaçadas dentro do espaço expositivo. Em parceria com o site de arte aarea, esta edição propõe um trabalho que se desdobra em objeto físico e em espaço virtual, de forma a explorar o ritmo particular de cada um desses meios. Nesse contexto, convidamos a artista Lais Myrrha a pensar um exercício que se propõe a esse fim. Breve cronografia dos desmanches, sequência de pesquisa iniciada em 2012, apresenta um catálogo de desmanches mapeados pela artista e espalhados por diferentes tempos e geografias, podendo ser folheado nestas páginas e com desdobramento no espaço expositivo virtual do aarea com nome de Diário de desmanches. Durante a Feira, Myrrha também realiza uma intervenção nas redes sociais da SP-Arte, expandindo sua prática a três diferentes módulos de expressão artística – o físico, o virtual prolongado e o virtual instantâneo. Ainda neste volume, a argentina Maria Angélica Melendi organiza uma retrospectiva histórica que discorre sobre a relação da produção artística no Brasil com o restante da América Latina, ponderando uma possível identidade artística latino-americana e o que o futuro nos reserva nesse sentido. Em outra comemoração, dessa vez o centenário do designer e arquiteto Zanine Caldas, Amanda Beatriz Palma de Carvalho traça um perfil do artista e destaca a importância da preocupação com a mortalidade da flora

brasileira – em especial na criação de objetos de durabilidade, como se observa a partir dos móveis-denúncia de Zanine. Por fim, Jayme Vargas discorre sobre o peso cultural do móvel moderno em relação ao movimento modernista nacional, considerando como a percepção dessas peças se adapta às subsequentes reedições do mobiliário. Esta edição espera apresentar ao leitor diferentes considerações que perpassam o tempo e a sua desaceleração como forma de repensar relações, sejam elas sociais, históricas, geográficas ou individuais. De nossa parte, é certo que a América Latina vive um constante processo de construção, contestação e ressignificação de suas memórias, que edifica novos caminhos e cria novas estratégias de existência e resistência. Convidamos todos a resgatar suas próprias memórias, não em um movimento singelo de saudosismo, mas em uma atitude de contemplação e vivência – e assim, passado o momento de pausa, começar a pensar o futuro que queremos. Barbara Mastrobuono Editora da traço —

Sumário traço —

Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos

Moacir dos Anjos

Zanine, o projeto para o desfrute

Amanda Beatriz Palma de Carvalho

Soy loco por ti, América... Glosas sobre colonialidade, arte, América Latina e Brasil

Maria Angélica Melendi

Modernidade entrelaçada O mobiliário brasileiro do século 20

Jayme Vargas

Texts in English

Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos Em uma época que incita a devoração simultânea de tudo, os trabalhos artísticos que pedem um tempo alongado de fruição ampliam as possibilidades de compreender o mundo de maneiras mais generosas. por Moacir dos Anjos

Não escapa aos visitantes mais assíduos que as exposições de arte tenham se tornado mais e mais extensas ao longo dos anos. Não, necessariamente, em termos espaciais, mas em relação ao tempo necessário para vê-las por completo. Mostras que abrigam não somente pinturas, desenhos, fotografias e esculturas, mas também instalações, as quais não raramente demandam interações demoradas para serem de fato fruídas, e ainda uma crescente quantidade de vídeos e filmes que duram de poucos minutos a horas ininterruptas. Exposições de arte que só podem ser integralmente visitadas se houver uma dedicação de longo tempo a elas. A dedicação de um tempo estendido, que várias instâncias da vida contemporânea – trabalho, estudo, relacionamentos – sugerem ser cada vez mais difícil de existir, tanto são os produtos, eventos e afetos que competem pela atenção desse consumidor de imagens, textos, sons e gestos imprecisamente chamado, pela indústria cultural, de espectador. A tensão resultante entre uma produção artística que solicita a desaceleração dos sentidos 18—

19â&#x20AC;&#x201D;

Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos

e uma experiência do vivido que os excita de forma incessante por vezes frustra aqueles que, visitando exposições, não se permitem ou não conseguem se deixar afetar pela subversão temporal implicitamente proposta. Reação que faz com que trabalhos que demandem tempo para serem fruídos – por serem extensos e/ou complexos – sejam, por vezes, preteridos por aqueles que melhor aderem à temporalidade da vida ordinária. Temerosos de afastar dos espaços expositivos a parcela do público que se inquieta face a experiências que desorganizam modos assentados de ver e de pensar, até mesmo os responsáveis pela organização das mostras cedem e deixam de incluir esses trabalhos em suas programações. O perverso dessa solução conservadora é que esses são trabalhos que importam justamente por fraturar formas de perceber e de entender já estabilizadas, ampliando as possibilidades de apreender-se fatos do mundo de outras maneiras. Trabalhos que, independente da mídia de que fazem uso, potencialmente desordenam formas convencionais de relacionar-se com o tempo em que a vida se fabrica, abrindo-se a tudo o que, mesmo próximo, se situa além do alcance dos sentidos embotados pela pressa. Entre os muitos trabalhos que existem à contrapelo da aceleração do cotidiano comum, vão aqui mencionados dois, incluídos em projeto curatorial que tinha na dimensão utópica da arte seu articulador conceitual: a exposição Arte democracia utopia. Quem não luta tá morto, realizada entre setembro de 2018 e maio de 2019 no Museu de Arte do Rio (MAR).1 Na mostra, o conceito de utopia associava-se à invenção de outros arranjos de vida possíveis, mais inclusivos do ponto de vista de quem não é considerado como parte da comunidade que habita. Ideia devedora, portanto, das tantas lutas que desafiam e combatem desigualdades, injustiças e violências de ordem diversas, procurando refazer o mundo (imediato ou distante) em termos mais B

A Coletivo Amò ↩ Detalhe do trabalho Política pública, 2018 Arte democracia utopia. Quem não luta tá morto, MAR B Graziela Kunsch e Daniel Guimarães Escuta mútua, 20182019 Arte democracia utopia. Quem não luta tá morto, MAR 1 A exposição teve curadoria deste autor, com assistência de Fernanda Lopes. C

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Moacir dos Anjos

A tensão entre uma produção artística que pede a desaceleração dos sentidos e uma vivência que estimula os sentidos de forma incessante é frustrante para aqueles que não se permitem afetar pela subversão temporal proposta pela exposição.

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igualitários, justos e pacíficos. Trabalhos que, a despeito das marcantes diferenças entre si, partilham a busca por uma relação com o outro que requer um tempo alongado. Trabalhos que desafiam as pressões por relações ligeiras, próprias de uma época que, ao incitar a devoração simultânea de tudo, desfavorece a atenção às frestas e aos rumores em que se gesta e se anuncia em trocas despretensiosas aquilo que difere de um presente acanhado frente a um futuro mais generoso e amplo. O primeiro desses trabalhos tem origem na experiência de implementar a Clínica Pública de Psicanálise no chamado canteiro aberto da Vila Itororó, em São Paulo. Tendo à frente a artista Graziela Kunsch e o psicanalista Daniel Guimarães, a clínica, iniciada em 2016 e ainda em funcionamento, surgiu para oferecer aos ex-moradores da Vila – dali removidos contra a vontade, quando o conjunto residencial foi desapropriado pelo Governo do Estado e pela Prefeitura de São Paulo para supostos “fins culturais” – a possibilidade de lidar, através de sessões de psicanálise, com o sofrimento associado às perdas materiais e afetivas

C Registro de um dos encontros dos grupos terapêuticos mediados pelos Escutadores durante a exposição Arte democracia utopia. Quem não luta tá morto, MAR D Graziela Kunsch e Daniel Guimarães Clínica Pública de Psicanálise no canteiro aberto da Vila Itororó, São Paulo, 2016 E Registro de um dos encontros dos grupos terapêuticos mediados por Escutadores. Lanchonete<> Lanchonete_ Ocupação Bar Delas, Gamboa, Rio de Janeiro, 2019

Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos

espaço ocupado pela mostra, também disponíveis sofridas. Surge também, contudo, como proposta para uso por quem se dispusesse a estabelecer de trabalho que desafia as ideias convencionais um contato ou uma conversa de maneira mais de cultura e de arte, usufruindo de um espaço reservada. Mesmo quando as cadeiras não estavam que, mesmo em obras, já acolhia outras em uso efetivo, o fato de estarem arrumadas de atividades criativas – uma forma de resistência modo a potencialmente servir de amparo à troca às adversidades enfrentadas por aqueles que entre pessoas aludia à possibilidade de diferentes ali viviam. A experiência de implementar uma exercícios de fala e da escuta que a valida, sem clínica de “psicanálise popular” – ou seja, não depender da presença e da legitimação de um dependente de uma disposição monetária especialista. Por fim, o terceiro dos dispositivos para seu funcionamento – se tornou possível denominou-se Uma clínica pública no Rio de Janeiro: graças à participação de um crescente número grupo de trabalho. No início da exposição, Graziela de psicanalistas voluntários que, a partir de Kunsch e Daniel Guimarães se reuniram durante práticas e trocas com os moradores desalojados e dois dias na Escola do Olhar do MAR com um outros interessados contribuem, coletivamente, conjunto de profissionais e outros interessados para o desmanche de bordas claras entre em ações de atendimento psicanalítico público campos distintos de invenção de subjetividades. para partilhar conhecimentos e aprendizados Notadamente, através da construção conjunta sobre experiências de clínica social, tanto antigas entre analista e analisando do arranjo quanto atuais. Ao longo dos encontros, definiram psicanalítico mais adequado para o atendimento ações clínico-artísticas a serem realizadas durante de cada um que busque a clínica. Convidados para participar da exposição o período da mostra, não somente no museu mas também em seu entorno e em contextos Arte democracia utopia. Quem não luta tá morto, específicos da cidade, como a Favela da Maré e a Graziela Kunsch e Daniel Guimarães propuseram chamada Pequena África. Ações que configuraram, a instalação de três dispositivos artístico-clínicos ao longo dos meses que se seguiram à constituição diferentes articulados entre si, todos evocando, a desse grupo de trabalho, uma nova experiência partir de informação contextual disponibilizada de clínica pública no Rio de Janeiro, batizada de ao visitante, a experiência da Clínica Pública de Psicanálise. O primeiro deles foi chamado Lugar de “escutadores” pelos próprios integrantes. A necessidade de um tempo estendido escuta. Esse dispositivo consistia, em seu aspecto e incerto para que essas proposições constituam formal, em um arranjo circular de uma dúzia de sentido, bem como a demanda a um outro cadeiras, instaladas no meio da sala expositiva e indeterminado (os visitantes da mostra, nesse que seriam, eventualmente, ocupadas por grupos caso) para serem efetivamente ativadas (não específicos através da mediação dos educadores do havendo imposição, mas o convite a uma permuta museu ou de outros públicos que desejassem usáentre distintas singularidades), também se -las para atividades de escuta coletiva. O segundo, mostram presentes, ainda que de modo diverso, denominado Escuta mútua, era formado por pares de cadeiras arranjadas uma de frente (ou de costas) em outro trabalho presente na mesma exposição: Política pública, uma articulação do Coletivo Amò, para a outra, dispostos em cantos diversos do 22—

Moacir dos Anjos

F Logo Lugar de escuta G Vivência de construção de Abayomis, com Lena Martins, em parceria do Coletivo Amò com a Escola do Olhar, MAR, 2018

O projeto teve origem com a decisão das artistas, negrodescendentes e ativistas, de se contrapor ao apagamento e silenciamento de corpos que não se adequam a um “ideal universal”. integrado por Ana Lira, Marina Alves, Marta Supernova, Thais Rocha e Thais Rosa. O projeto teve origem com a decisão das artistas – todas negrodescendentes e ativistas – de se contrapor, valendo-se de meios inventados ou encontrados em disciplinas variadas, à dinâmica de apagamento e de silenciamento de corpos que, no Brasil, não se adequam aos contornos definidores de uma existência normatizada e legitimada por um “ideal universal”. Ideal que define, explícita ou implicitamente, critérios de raça, etnia, gênero e classe que justificam ou negam, socialmente, formas singulares de existir. Entre esses vários mecanismos de controle vital em curso, as artistas destacam aquele que, no limite, implica o extermínio de corpos “dissidentes”, como atesta o assassinato da vereadora Marielle Franco em 2018 e de muitas outras e outros que, antes e depois de seu brutal fim, também foram fisicamente eliminados. Mortos por serem negros, gays, lésbicas, transgêneros, pobres ou por se insurgirem contra os mecanismos institucionalizados que restringem o acesso a leis e a fundos públicos que se supõem aplicáveis e disponíveis igualmente a qualquer um ou a qualquer grupo.

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Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos

Em particular, interessou às integrantes do coletivo estabelecer atividades de escuta com moradores da região próxima ao Museu de Arte do Rio, objeto de recentes intervenções urbanísticas (incluindo a criação do próprio museu) que impactaram fortemente nos modos de vida daqueles que ali viviam. Região que abriga importantes marcos da presença da população negra no Rio de Janeiro, como o Cais do Valongo, por onde chegaram, entre 1811 e 1831, centenas de milhares de homens e mulheres negros escravizados, vindos de várias partes da África; e a Pedra do Sal, monumento que marca a presença negra naquela parte da cidade durante a escravidão (no século 17, ali havia um mercado de escravos) e que se tornou polo de convergência da população negra que vivia no Rio de Janeiro ou que para ali se dirigia nas décadas que se seguiram à abolição da escravatura, em fins do século 19. Não por acaso, esta era também a região onde se reuniam, nas primeiras décadas do século 20, muitos dos músicos e compositores que criaram e deram forma ao samba. A escuta empreendida pelo Coletivo Amò em termos individuais ou com pequenos grupos de moradores buscava abrir-se para narrativas que entrelaçam perdas e resistências, tanto materiais quanto simbólicas. Escuta que não podia e não queria ser desinteressada, posto que todas as artistas integrantes do coletivo partilham subjetivamente, com aqueles de quem ouviram histórias de apagamentos e maneiras de opor-se a eles, as marcas do enfrentamento a um modo de existir pretensamente universal que busca

Qual é o sentido de nomear como arte trabalhos que denunciam a falta de escuta na esfera do indivíduo e da coletividade?

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anular diferenças. Escuta que ativava, através da fala de um outro também silenciado por ações de governo estruturalmente racistas e classistas, o desejo comum de afirmar o que é singular e de rememorar ancestralidades, reconhecendo sua forte presença no mundo atual. A materialização desse processo de escuta – iniciado antes da data de abertura da mostra e desdobrado ao longo dos meses em que se manteve aberta – assumiu formatos diversos, sendo gradualmente trazida para o local de convívio criado no espaço de exposição. E, uma vez introduzidos no museu, os textos, áudios, vídeos, jogos, livros, desenhos, gestos e outros registros formais e informais das escutas feitas com os moradores da região passaram a funcionar como ativadores de outro tipo de escuta, acolhendo dessa vez a fala dos moradores de outras regiões da cidade em visita à exposição. Desdobrando-se em processos abertos e longos, além de inscrita em um território largo que tem no museu apenas um de seus lugares de Moacir dos Anjos

H Coletivo Amò Política pública, 2018 Ação Oficina de Máscaras, Lanchonete<> Lanchonete_ Ocupação Bar Delas, Rio de Janeiro I Coletivo Amò Política pública, 2018 Ação Oficina de Máscaras, Lanchonete<> Lanchonete_ Ocupação Bar Delas, Rio de Janeiro

uma questão que atravessa muitas das proposições artísticas atuais: qual é, afinal, o sentido de nomear como arte trabalhos que, por meios próprios ou emprestados de outros campos, denunciam a falta de escuta (e ainda, calculados seus limites, a reparam) nos âmbitos do indivíduo e da coletividade? Um dos modos de responder a essa questão – embora não haja intenção de esgotar suas implicações – requer atentar para os modos como esses projetos fraturam consensos que ancoram políticas de saúde mental e várias das chamadas políticas sociais que, com frequência, servem para justificar exclusões e manter desigualdades crônicas. Consensos que, arbitrariamente naturalizados como universais ou únicos, estabelecem hierarquias, limites e modos de fazer que os trabalhos aqui comentados (e outros mais) desafiam e criticam, ao insistirem na possibilidade de inscrever no mundo, inclusive institucionalmente, outros gestos, outras imagens, e outras formas de estar juntos. Insistindo, ao fim e ao cabo, em uma estética que esteja à altura dos desafios de construir uma vida diferente.

efetivação, a Política pública proposta pelo Coletivo Amò procura deixar-se atravessar pelas vozes dissidentes e dissonantes que constituem o mundo e que são, a despeito dessa constitutiva presença, o tempo inteiro caladas pela imposição violenta – traduzida e contida em ações governamentais – de uma universalidade paradoxalmente excludente. Os trabalhos aqui comentados de modo — resumido compartilham uma temporalidade em Moacir dos Anjos é pesquisador da Fundação tudo diversa da aceleração que as várias esferas Joaquim Nabuco, onde desenvolve o projeto Política da vida requerem a todos. Ambos dependem, da Arte. Foi diretor do Museu de Arte Moderna para se constituir como proposição efetiva de Aloisio Magalhães – MAMAM (2001-2006), curador algo, de uma relação horizontal com um outro da 29a Bienal de São Paulo (2010) e das exposições que ultrapassa seu papel como audiência para se tornar partícipe implicado. Nesse sentido, os Cães sem Plumas (2014), A queda do céu (2015), dois projetos solicitam uma experiência artística Emergência - Travessias 5 (2017) e Arte democracia prolongada, tanto da parte dos artistas que a utopia - quem não luta tá morto (2018). É autor dos propõe quanto daqueles a quem, por fim, tal livros Local / Global. Arte em Trânsito (Zahar, 2005), experiência é não somente destinada, mas de quem ArteBra Crítica (WMF Martins Fontes, 2010) e ela igualmente depende para existir. Considerados Contraditório: arte, globalização e pertencimento em conjunto, esses trabalhos também impõem (Cobogó, 2017). 25—

J Coletivo Amò Política pública, 2018 Ação Oficina de Máscaras, Lanchonete<> Lanchonete_ Ocupação Bar Delas, Rio de Janeiro K Coletivo Amò Política pública, 2018 Ação Oficina de Máscaras, Lanchonete<> Lanchonete_ Ocupação Bar Delas, Rio de Janeiro

Outras imagens, outros gestos, outras formas de estar juntos

Zanine, o projeto para o desfrute Figura múltipla, inquieto e curioso, José Zanine Caldas desenvolveu projetos em diversas áreas e ficou conhecido pelas residências e móveis feitos em madeira. por Amanda Beatriz Palma de Carvalho

José Zanine Caldas (1919-2001) nasceu em Belmonte, pequena cidade no sul da Bahia, situada no interior de uma planície entre o rio Jequitinhonha, antigo rio Grande, e o oceano Atlântico. Desde menino, observando os construtores de sua cidade natal, ficava encantado pela mágica do fazer. Ele mesmo comenta que: « Com terra e madeira foram construídos os abrigos da humanidade. As casas de taipa e adobe de Belmonte, cobertas por telhas de barro cozido em fornos de barro com o calor da madeira no fogo. Foi por aí, exatamente, olhando o fazer, que aprendi a fazer, também. Sobretudo casas. » 1 Figura múltipla, inquieto e curioso, conhecido pelas residências e móveis feitos em madeira, Zanine desenvolveu projetos em diversas áreas: trabalhou como desenhista de placard, desenhista de arquitetura na empresa Severo & Villares, artesão, escultor, ceramista, maquetista, designer, paisagista, arquiteto, planejador de cidades e professor. Deslocou-se pelo Brasil e fora 26—

1 Depoimento de Zanine a Suely Ferreira da Silva. In: SILVA, Suely Ferreira da. Zanine: sentir e fazer. Rio de Janeiro: Agir, 1988.

27â&#x20AC;&#x201D;

Zanine, o projeto para o desfrute

dele em busca de novas experiências de trabalho, aprendizado, ensino e vida. Para Zanine, importava o prazer de viver e, como parte dele, o prazer do fazer. Sempre com o desejo de realizar um trabalho benfeito, que respondesse à sua crítica e exigência pessoal, sua obra é vasta, diversa e de qualidade. O que motivava Zanine era a materialização de ideias, a mágica de transformar materiais encontrados na natureza em objetos que ajudassem o ser humano a desfrutar o seu dia a dia. O olhar curioso e livre, a partir do qual descobria as técnicas e os materiais usados por pessoas comuns, somado à inventividade, fê-lo obter resultados surpreendentes, diferentes do que era esperado dos arquitetos e designers da época, seja no uso de materiais de demolição e madeira para a construção das casas da Praia da Joatinga, no Rio de Janeiro, seja pelo aproveitamento de sobras de desmatamento para a construção de seus móveis-denúncia. Foi assim que, em 1941, inovou a forma de produção de maquetes de arquitetura ao abrir a fábrica Maquete Studio. Zanine inseriu o compensado na confecção de suas maquetes e usou películas transparentes como superfície para demarcar as esquadrias das portas e janelas, permitindo que o interior da obra passasse a ser visto. Com isso, transformou a maquete – antes uma representação volumétrica feita em gesso – numa representação fiel do projeto de arquitetura, despertando a atenção dos principais arquitetos do Brasil, entre os quais Oscar Niemeyer, Lúcio Costa, Oswaldo Bratke, Affonso Eduardo Reidy, Luís Saia e Alcides da Rocha Miranda. À época, Zanine produziu cerca de setecentas maquetes de arquitetura. Com o conhecimento adquirido no uso do compensado naval para a confecção de

O olhar curioso e livre trouxe à Zanine resultados surpreendentes, como o uso de materiais de demolição e madeira para a construção das casas da Joatinga.

A Detalhe de viga de ↩ madeira, Casa da Joatinga B Vista interna, Casa da Joatinga C Vista externa, Casa da Joatinga C

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Amanda Beatriz Palma de Carvalho

maquetes, Zanine passou a desenhar diversos móveis para sua própria casa. Foi então que decidiu abrir a fábrica Móveis Artísticos Z.

O final da década de 1940 e início da década de 1950 foram marcados pela industrialização do Brasil, como consequência das Grandes Guerras Mundiais, do aumento da população urbana e, por conseguinte, do mercado consumidor nas cidades. Como resultado, houve uma crescente demanda por habitação, que virou importante tema de discussão entre os principais arquitetos do país. Os apartamentos residenciais surgiram como resposta à necessidade de adensar as cidades, o que significou uma mudança no modo de vida, exigindo a adaptação dos seus moradores a espaços menores.

Zanine, como importante maquetista dos arquitetos do período, participou das discussões vigentes sobre habitação. Pensar a habitação faz pensar o mobiliário. Ainda, a crescente demanda por moradia (e, consequentemente, por móveis), causada pelo crescimento populacional, punha em xeque as formas de produção moveleira: a produção nacional não supriria, a tempo, a quantidade necessária de peças. Todos esses questionamentos já estavam colocados pelos arquitetos modernos durante as décadas de 1930 e 1940, mas as experiências de industrialização do mobiliário eram raras. Foi nesse contexto que Zanine Caldas fundou, em sociedade com Sebastião Henrique da Cunha Pontes e Paulo Mello, a Móveis Artísticos Z, em São José dos Campos, São Paulo, no ano de 1949.2 Com a fábrica, Zanine se constituiu como um dos pioneiros do país no desenho e na produção

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Móveis Artísticos Z

D Maquete desenhada por Zanine Caldas 2 MELO, Alexandre Penedo Barbosa de. Móveis artísticos Z (1948-1961): O moderno autodidata e seus ressortes sinuosos. Dissertação de mestrado, departamento de Arquitetura e Urbanismo da Escola de Engenharia de São Carlos, Universidade de São Paulo, 2001.

de móveis manufaturados e na utilização de compensado naval em suas mobílias. Segundo a pesquisadora Maria Cecília Loschiavo dos Santos,3 a montagem de suas peças era extremamente simples, o que permitiu o uso de mão de obra não especializada nessa função. Unindo esse fator ao aproveitamento máximo da placa de compensado, a Móveis Artísticos Z conseguiu reduzir de 70% a 80% o preço da mobília em relação ao montante praticado com o uso da madeira comum. A fábrica tinha em torno de 150 funcionários e vendia muito: « Toda a linha de móveis era modulada e possibilitava a composição de arranjos de acordo com as necessidades do cliente. Os assentos utilizavam as molas nozague e estofamentos forrados com tecido sem costura – lona, lonita ou materiais plásticos coloridos em azul, amarelo, marrom ou listrados –, fixados por baixo com grampos ou tachinhas e uma placa de compensado para dar certo acabamento. Aliás, a presença da cor e da assimetria na composição dos móveis de Zanine é um aspecto inovador para a época, pois até então as superfícies dos móveis eram praticamente neutras, sóbrias e simétricas. » 4 As peças de Zanine utilizavam o compensado como estrutura, muitas vezes recortado em forma de Z ou em formato ameboide. Havia uma busca por leveza nos móveis, permitindo a sua mobilidade e flexibilidade no layout dos espaços. Zanine acreditava que a industrialização permitiria uma melhoria na qualidade de vida de grande parte da população. De certa forma, atingiu E

E Sofá, c. 1950 F Mesa (Móveis Artísticos Z), déc. 40 3 SANTOS, Maria Cecília Loschiavo dos. Tradição e modernidade no móvel brasileiro. Tese de doutoramento, Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas, Universidade de São Paulo, 1993. 4 Ibidem, p. 167. F

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Amanda Beatriz Palma de Carvalho

Zanine insistia na necessidade de desfrutar a vida e de viver bem, o que para ele dependia do convívio em harmonia com o meio ambiente.

Ao chegar em Nova Viçosa, uma cidade pequena ao sul da Bahia, Zanine conheceu uma grande madeireira e produtora de compensado laminado, a Elecunha, onde encontrou sobras de pedaços de tronco e raízes. Deparou-se, também, com habilidosos construtores de canoas, artesãos que sabiam esculpir barcos em troncos de árvore.

Ao perceber a quantidade de madeira desperdiçada, Zanine indignou-se com a falta de cuidado com a natureza, e com a possibilidade daquela prática levar toda a floresta à extinção. Decidiu usar as sobras de madeira na fabricação de móveis e, dessa forma, denunciar o desflorestamento: criou, assim, o móvel-denúncia. Segundo ele, a iniciativa provaria a existência dessas madeiras no futuro, quando provavelmente estariam extintas.5 Os móveis eram feitos em pequenas séries, a partir de maquetes produzidas pelo próprio Zanine, em escala 1:10. Segundo depoimento de carpinteiros que colaboraram com ele nesse período,6 ao utilizarem restos do desmatamento da floresta acabava que trabalhavam, não com uma madeira específica, mas com todas que encontravam. Zanine escolhia e separava a madeira que seria usada para cada móvel, instruía os carpinteiros e fazia as marcações necessárias. Por fim, o móvel era executado na escala 1:1 pelos carpinteiros. A peça Namoradeira, por exemplo, uma das produções desse período, pode ser encontrada em diversas residências. Percebem-se, no entanto, diferenças no desenho das primeiras e das últimas Namoradeiras, resultado de um desenvolvimento construtivo adquirido com o tempo. As primeiras

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seu objetivo: a redução do valor da mobília em comparação aos móveis antes desenvolvidos pelo Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, e ainda em relação a outras fábricas de móveis modernos do período, fez com que os Móveis Z chegassem às casas de amplas camadas da população brasileira. Apesar dessa conquista, a experiência de Zanine com a fábrica durou pouco. Em 1953, teve desentendimentos com seus sócios, saiu da sociedade e queimou todos os desenhos dos móveis. É possível observar o pensamento humano presente em toda a obra de Zanine. O arquiteto insistia, com frequência, na necessidade de desfrutar a vida e de viver bem, o que para ele dependia do convívio em harmonia com o meio ambiente. Esse pensamento o fez experimentar outras técnicas de construção de móveis, agora na década de 1970, em Nova Viçosa, Bahia. O móvel-denúncia

G Poltrona (Móveis Artísticos Z), déc. 40 5 Ibidem. 6 Depoimento dos carpinteiros Benedito Batista (17 de agosto de 2017) e Tancredo Barros (19 de agosto de 2017) a Amanda Beatriz Palma de Carvalho, em Nova Viçosa.

Decidiu usar as sobras de madeira na fabricação de móveis e denunciar o desflorestamento: criou, assim, o móvel-denúncia.

peças eram feitas inteiras em um único tronco. Sua forma de produção mudou com o tempo: os braços passaram a ser esculpidos separadamente, em madeira distinta do corpo do móvel, e acrescentados ao final, tornando mais simples e rápida a construção da peça e otimizando a matéria-prima. Outra prioridade de Zanine era a busca por conforto: « O que ele sempre falava pra fazer era sentar pra sentir o conforto, porque muitas vezes a pessoa tem aquela curiosidade de fazer, mas não sabe o conforto que a pessoa senta. Você pode sentar, mas tem que ficar à vontade, num sofá desse de madeira, ele tem que ter o apoio certinho nas costas. » 7 Sobre o formato escultórico dos móveis desenvolvidos em Nova Viçosa, podemos notar as formas arredondadas caracteristicamente encontradas em canoas, resultado do uso do instrumento enxó. Em muitos casos, Zanine enfatizou essas formas em seus móveis, criando certo movimento. A madeira também foi utilizada

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em sua forma natural, como podemos perceber em muitas de suas mesas: em um determinado projeto, um tronco de ponta-cabeça, com as raízes voltadas para o céu, suporta um tampo de vidro; noutro, a fatia de um tronco transforma-se em tampo de mesa. Nos móveis-denúncia, Zanine desenvolveu um design associado ao conhecimento humano do local onde se trabalha. Trata-se de permitir que as técnicas regionais sejam valorizadas e desenvolvidas, ao invés de importar técnicas e máquinas de lugares industrializados. Amor e respeito pelo meio ambiente Zanine acreditava que a emoção era capaz de subverter a lógica da produção repetitiva, de fazer repensar as estruturas da economia, apontando para um futuro em que o ser humano e a natureza fossem partes de um todo. Em suas palavras: « A madeira é uma riqueza que a natureza dá ao homem, que não temos direito de destruir, nem de gastar. Quanto mais pessoas no mundo, mais teremos que aproveitar o máximo da madeira. » 8 Zanine Caldas foi um precursor no uso sustentável de matéria-prima para a construção de móveis e casas, além de um grande defensor das florestas brasileiras. Percorreu um extenso caminho, de maquetista à paisagista, de designer a arquiteto e urbanista. Foi perseguido por muitos arquitetos brasileiros por não ter diploma. Ainda assim, ganhou, das mãos de Lúcio Costa, grande admirador de seu trabalho, o título de Arquiteto Honorário, atribuído pelo Instituto de Arquitetos do Brasil, no ano de 1991. Da mesma forma, fora do país também teve seu trabalho reconhecido. Na França, em 1989, foi homenageado na exposição Zanine – L’Architecture et la forêt, no Musée des Arts Amanda Beatriz Palma de Carvalho

H Poltrona pilão Móvel-denúncia, 1978 I

Pé de mesa quadrado Móvel-denúncia, 1980

7 Depoimento do carpinteiro Benedito Batista (Nova Viçosa, 12 de setembro de 2017) a Teodório Cardoso, para curta-metragem realizado pela autora, para a 11a Bienal de Arquitetura de São Paulo, em 2017. 8 GALLOT, Claude. Zanine L’Architecte du Nouveau Monde. Paris: Rede Globo/ Antenne 2, 1978 (50 min).

Décoratifs do Musée du Louvre, e premiado com a Medalha de Prata do Collège d’Architectes. Celebrar o centenário de seu nascimento, em tempos de mudanças climáticas, poluição atmosférica, poluição dos rios e desflorestamento, é lembrar que nossa vida é condicionada pelo ambiente onde vivemos e transformamos. Para enfrentarmos esse problema, teremos de repensar a forma de construir cidades e objetos, de nos locomover, reconsiderar o uso de determinados materiais e aprender outras formas de viver. Retomar o pensamento de Zanine, brasileiro pioneiro no cuidado com a natureza, pode contribuir nessa busca, resgatando outras formas de projetar e produzir, e ajudar a encontrar novas soluções para os problemas atuais. — K

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Amanda Beatriz Palma de Carvalho é doutoranda no programa de pós-graduação em Design da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo, orientada pela Professora Titular Maria Cecília Loschiavo dos Santos. Zanine, o projeto para o desfrute

J Namoradeira, déc. 1980 K Escultura oval Móvel-denúncia, 1982

FÁBRICA DE ARTE MARCOS AMARO

B re ve c ro n o g ra f i a dos DESMANCHES EDIÇÃO 2012/ 2019