Orpheus symphony

Lira

Un instrumento mitológico

Féminas en las orquestas

Un viaje al pasado Ludwig Van Beethoven

Atreia your sountrack source

Melódicos escenarios

Aisha Syed

La música clásica tiene nombre de mujer Abril 2015

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Abril 2015

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Contenido

Equipo Orpheus Simphony Dirección de revistas y edición Naomi Alejo Cindy Martínez

Coordinador Administrativo Hermis Botier

Diseño

Naomi Alejo

Redactores

Liomar Alberto Jhonny Peralta Rosario

Diseño

Naomi Alejo

Fotografía

Yokaira López

Colaboradores

Concilia Jiménez Rolando Alejo Stefhany Alejo

Acerca de...

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Contenido

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Atreia; your soundtrack source En pocas palabras...

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14 Fuentes de Inspiración

Entretenimiento 28 Itinerario 4

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Internacionales Algo de cultura 12 En la pantalla grande 16 Iluminarias Musicales 18 Grandes

Bandas Sonoras

40 Melódicos Escenarios

Portada

28 Aisha Syed; la

música clásica tiene nombre de mujer

25 Incursión en

otros géneros

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Féminas en las Orquestas

46 Comentario 20 Lira; un instrumento mitilógico 32 Sabias palabras

22 Un viaje al pasado 26 Un día como hoy...

44 De interés

Columnistas

Luisa Dolores L. Carlos Enmanuel L.

Directora comercial y de negocios Corina Burgos

Directora de mercadeo Paula Burgos

Sinfonía Criolla 30 Melodías Criollas 34 Revelación del año Abril 2015

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En Pocas Palabras...

L

a música inspira a todos de diferentes maneras, provocando senttimientos, sensaciones y pensamientos en quien la escucha. Es inclusive para muchos una forma de expresión, la tranformación melódica de aquello que no se pùede expresar con palabras y la manera más efectiva para transmitir un mensaje subjetivo acerca de lo que se puede o no pensar acerca de lo que se escucha.

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Se dice que la música clásica, si bien puede ser escuchada por cualquiera, solo aquel que es capaz de apreciar su belleza melódica podrá disfrutarla con plenitud, razón por la cual, es estudiada meticulosamente por aquellas personas que dedican toda su vida apreciándola y redescubriendo nuevas formas de comunicarse con ella. Sin embargo, se considera que solo la gente de élite puede escucharla y apreciarla, por

otro lado yo refuto esa idea considerando que todo aquel que es amante íntegro y sincero de la música, no solo será capáz de deleitarse por la música contemporánea, sino por cualquier otro género que valga la pena conocer como verdadera música, sin importar clase social, preferencias musicales o cualquier otra clasificación. Música, la mejor musa.

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Féminas en las orquestas Las mujeres siempre han estado presente en muchos ámbitos, entre ellos, la música. Si bien no abundan las instrumentistas clásicas o la intérpretes de ópera, cabe destacar que las que han logrado sobresalir lo han hecho en grande, convirtiéndolas en íconos representativos de la música que transmiten, ya sea a través de algún instrumento de cuerda o percusión, o por el sonido melódico de sus canciones.

Este es un mundo singular, y no se puede negar que las orquestas, y sobre to-

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dos las direcciones, han sido hasta hace bien poco cotos privados para las hombres. Hay compositores que no confían en una mujer, y te dicen: “Tú tienes que hacer esto, y esto, y esto...”. La mujer siempre está relegada a un segundo plano, pero yo intento ignorarlo. Para dirigir, una mujer puede tener tanta fuerza como un hombre, y éste tanta sensibilidad como una mujer, con lo que no hay unas características singulares. Las mujeres inspiramos lo que sea, y eso incluye a la música.

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Judy Garland

Mercedes Sosa

más conocida como Judy Garland, fue una actriz y cantante estadounidense. Entre los premios que recibió a lo largo de su trayectoria se hallan: el Premio Oscar, el Globo de Oro, el Cecil B. DeMille, el Grammy y el Tony.

Conocida como La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América,Europa, Israel y Asia Oriental, considerada la mayor exponente del folklore argentino, cumbre de la Historia de la música folclórica de Argentina y una de las principales e infaltables cantantes de la música

Inició su carrera a los 8 y partir de entonces se dedicó al canto, aunque siempre sentía un enorme pánico escénico cuando cantaba en público.

El fenómeno de lasOrquestas Femeninas de Cali empieza a mediados de los 80´s cuando una estudiante de música de la Universidad del Valle, Olga Lucía Rivas, reúne un grupo de mujeres y funda Gaviota, una agrupaciónsalsera que empezó tocando en el Zaguán del Viejo Conde y salió de allí convertida en Son de Azúcar, la orquesta femenina más exitosa de Colombia. Son de Azúcar hizo conciertos junto a salseros de latalla

de Grupo Niche, Guayacán, El Gran Combo de Puerto Rico, entre otros, y conquistó escenarios como el Madison Square Garden de Nueva York.

María Canals

Billie Holiday Conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz.

Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz. El crítico Robert Christgau consideraba que era «inigualable y posiblemente la mejor cantante del siglo»1 y Frank Sinatra la

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Conocida como María Callas (pronúnciese en español: Kal-las o, Calas) , fue una soprano griega nacida en Estados Unidos, considerada la cantante de ópera más eminente del siglo XX. Capaz de revivir el bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada (como antes la célebre Claudia Muzio) «La Divina» por su ex-

traordinario talento vocal y actoral.

El American Film Institute la ha catalogado la octava mejor estrella femenina de la historia del cine, además de ser reconocida como una de las mejores intérpretes de música clásica de todos los tiempo y décadas. Es recordada como una de las mejores cantantes.

popular deLatinoamérica.

Los autores Valverde y Quintero reviven en su libro “Abran Paso, Historia de las Orquestas Femeninas de Cali” lahistoria y la época en que las orquestas de mujeres fueron un boom no sólo en Cali, sino también en varias ciudades del mundo donde la sal-

sa es un hito importante de su cultura, incluyendo a NuevaYork y La Habana. Con su particular estilo periodístico, sencillo y objetivo, los autores nos llevan por un recorrido que empieza en Cuba en los años 20’s y termina en Cali a mediados de los 90’s;recorrido que nos permite ver cómo nacieron, cómo se destacaron y nos da pistas del porqué algunas de las orquestas se desvanecerían posteriormente.

consideraba «su mayor influencia» e «incuestionablemente la influencia más importante en el canto popular estadounidense de los últimos veinte años».

El tema “Strange Fruit fusion” fue considerado como la mejor canción del siglo XX, por la revista Time en 1999.

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Barry Lyndon

En el caso de una película época, Kubrick se atrevió con algo un poco más “acorde”con la ambientación de su película. Seguro que algo de la música de esta escena te suena.

Esta película no es menos. Muestra la vida de un chico que toca el violín increíblemente bien y que trata de destacar entre otros cientos de niños que lo hacen igual de bien que él.

Piratas del Caribe

Disney era amante de la música clásica y muchos de los artistas que trabajaban en sus estudios también.

Sus aportes fueron muy importantes porque cuando comenzaron a hacer caricaturas no había tanta tecnología, ni una carrera reconocida de música de cine, mucho menos una industria consolidada.

Masterand Commander

En la pantalla grande

¿Cuántas veces estamos haciendo la cena y nos sorprendemos a nosotros mismos tarareando o silbando el tema principal de una película? Yo a veces muchas. Y sabemos qué película es, pero no sabemos (o no somos capaces de acordarnos) de quién compuso originariamente esa música, ni de cómo se llama. ¿Qué tal si hago un repaso contigo y así seguro que descubres algún tema nuevo?

A todos nos encanta cómo queda la Cabalgata de las valquirias de Wagner enApocalypse Now. Esa y otras melodías se fijan para siempre en nuestra memoria junto a las imágenes que han acompañado en el cine, como ocurre con el “O Fortuna” del Carmina Burana de Orff y Excalibur, pero ambas composiciones forman parte del catálogo de piezas de música clásica que, como ciertas canciones rock, se han hecho recurrentes en el lenguaje audiovisual y han sido utilizadas sin rubor en otras numerosas ocasiones

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(menos afortunadas). Lo mismo ocurre con la siguienteselección de clásicos básicos que han sido sobreutilizados a lo largo de la historia del cine. ¿Por qué al oír las primeras notas de esta pieza para órgano pensamos inmediatamente en un castillo tenebroso con código postal de Transilvania o una esquina lúgubre en la que nos acecha un monstruo en blanco y negro? Se debe a su utilización en los títulos de crédito de El hombre y el monstruo (1931), la clásica adaptación de Rouben Mamoulian de El Dr. Jekyll y Mr. Hyde, aunque su asociación más recurrente en la cultura popular sea a los condes vampiro o lugares espeluznantes en general. Otros usos ilustres incluyen Satanás (Edgar G. Ulmer, 1934), Fantasía (VV. AA., 1940), Un cuento de Canterbury (Powell & Pressburger, 1944), El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950) o 20.000 leguas de viaje submarino (Richard Fleischer, 1954).

Master & Commander, además de un peliculón increíblemente bien documentado y cuidado (en mi opinión), tiene una banda sonora verdaderamente remarcable que acompaña y te sumerge aún más si cabe en ese universo de transición a la época moderna. En verdad toda la banda sonora tiene multitud de temas. Lógicamente, desde la propia banda sonora compuesta explícitamente para la película, a temas tradicionales irlandeses para trasladarnos al mundo de los marineros, y a piezas de música clásica que generalmente son los que tocan el capitán Jack Aubrey (Russell Crowe).

Una banda sonora reconocida en la de Piratas del Caribe y todas sus secuelas.

V for Vendetta

Parece que a las pelis en las que sale Natalie Portman les gusta poner música de Tchaikovsky, porque el tema principal de V de Vendetta también es de él.

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Fuentes de inspiración

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prender música en la Red, tanto en contextos formales como informales, es una opción cada vez más frecuente. Desde la teoría de la música o la cultura musical a la interpretación o la creación, la oferta se multiplica día a día.

En este artículo vamos a comentar algunos sitios web vinculados con la interpretación, abarcando los que permiten iniciarse en el aprendizaje de un instrumento y otros que ofrecen clases magistrales para estudiantes avanzados.

La mayoría de estos sitios combinan recursos de distinto tipo: documentos de texto, vídeos, archivos de audio y, eventualmente, herramientas interactivas.

Mientras algunos están pensados

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para que el usuario pueda realizar cursos completamente virtuales, otros se presentan como una opción para enriquecer las posibilidades de la enseñanza presencial, ya sea mediante el acceso a materiales específicos o como recurso complementario para la práctica de determinados ejercicios.

Debemos aclarar que no se trata de un listado exhaustivo, sino selectivo en el que hemos obviado los numerosos (y en muchas ocasiones interesantes) sitios que ofrecen lecciones gratuitas, decantándonos por aquellos que se dirigen tanto al usuario individual como a profesores e instituciones de enseñanza.

Gigajam Este sitio, cuyo lema es “todos los niños deberían tener la oportunidad de aprender a tocar un instrumento musical”, cuenta con cuatro escuelas online (guitarra, bajo, teclado y batería) y con un servicio educativo pen-

sado para dar soporte a aquellos institutos de Secundaria que quieran potenciar el aprendizaje de un instrumento entre sus estudiantes. El funcionamiento de las escuelas puede observarse a través de una serie de vídeos incluidos en el Canal de Gigajam. Además, podemos acceder a algunas clases de demostración a través de este enlace.

Show me how to play now; esta es otra opción interesante en la que cada uno de los integrantes de una banda puede aprender a tocar su parte de una canción a través de los vídeos multiplayer o multi-intérpretes.

En realidad se trata de una serie de vídeos que

se instalan en el ordenador (hay versiones para Mac y PC) y que permiten aislar y escuchar cada una de las pistas de una canción, silenciando los otros instrumentos.

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Grandes bandas sonoras,

por grandes orquestas.

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esde los primeros chips sonoros y armonías pulsátiles hasta el sonido orquestal más puro, la música ha sido siempre el acompañante fiel de un videojuego. Comenzando por aquellos temas diseñados para repetirse en bucles infinitos que apenas tenían dos o tres notas distintas, estos 40 años nos han dejado un legado musical vasto, rico y sorprendente de nombres propios y canciones que repasaremos en varias entregas. Buscad unos minutos de tranquilidad, subid el volumen y dejad que la magia sonora se abra paso hasta nuestro ser.

Al igual que en el Cine, la música en los Videojuegos ha evolucionado en estos cuarenta años, pasando de temas repetidos en bucles infinitos que sonaban de forma constante a partituras tan complejas como la ópera más recargada de Richard Wagner o de Andrew Lloyd Webber. Para todos los

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que amamos la música de los videojuegos, es fascinante asistir, estudiar y, sobre todo y por encima de todo, disfrutar de esa evolución paralela a la historia de la música en la humanidad, pero acelerada en estas cuatro décadas, en la que las composiciones han ido adquiriendo complejidad conforme los argumentos usados por los creadores de videojuegos han brindado historias y personajes que demandaban a estos una mayor madurez tanto musical como narrativa.

Comenzando por las composiciones monofónicas puestas en bucles y con apenas una variación de dos o tres notas de los chips de sonido, hasta los primeros tonos sampleados; la revolución con el formato MIDI; la música pre-grabada en CD y reproducida mediante streaming y las bandas sonoras personalizadas con nuestro propio repertorio de gustos musicales.

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Iluminarias Musicales

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i en el famoso Staples Center de Los Angeles se premiaron este domingo a las figuras más destacadas del ámbito del rock y pop, a menos de

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una cuadra de ahí y sólo algunas horas antes, se desarrollaba otra entrega de galardones: en el Teatro Nokia se distinguía a los intérpretes más destacados del ámbito del jazz,

el góspel y música clásica.

Son muchas los dominados, y pocos los galardonados.Entre las numerosas categorías que ofrecen estos premios, en el ámbito de música clásica,

la Mejor Interpretación Orquestal recayó en City Noir del compositor estadounidense John Adams (67). El autor, referente del llamado minimalismo como su compatriota Philip Glass, presentó por primera vez esta composición de inspiración francesa el año 2009 en el Walt Disney Concert Hall, recibiendo una gran

años 2002 y 2008, obtuvo el reconocimiento a Mejor Conjunto de Cámara con el disco In 27 pieces: este es el resultado de 27 creaciones de diversos compositores, cada una de cinco minutos aproximados de duración. El resultado fue 27 encores para violin y piano.

La Mejor Grabación de Opera, otro ámbito importante, fue para el registro que de La Descente D´Orphée Aux Enfers de Marc-Antoine Charpentier realizó el Boston Early Music Festival y Chamber Ensemble dirigido por Paul O’Dette y Stephen Stubbs. La pieza barroca de 1686 se basa en el mito griego de Orfeo. Otro reconocimiento destacado fue para el disco Douce France de la mezzosoprano sueca Anne Sofie Von Otter, que se llevó Mejor Solista acogida por el público. La Vocal. pieza hace referencia a las urbes de California y po- Además, en el jazz, la fisee fuertes influencias del gura fue Chick Corea. jazz.

Considerado uno de los grandes del jazz fusión en Pero también se premia- los años 70, el composiba al talento más joven tor de 73 años ha ganado dentro de la música doc- más de veinte Grammy. ta. La reconocida violi- En esta ocasión, el tenista Hilary Hahn (35), cladista estadounidense quien ya había sido gana- acaparó dos de las cinco dora del Grammy en los categorías: Mejor Album

Instrumental por su disco Trilogy, lanzado el año pasado en conjunto junto a Christian McBride en bajo y Brian Blade percusión; y Mejor Jazz Solo por Fingerprints, del mismo álbum. Chick Corea vino en agosto pasado a Chile con una gira que recorrió sus grandes éxitos.

En la categoría de Mejor Album de Jazz Latino el reconocimiento fue para el mexicano-cubano Arturo O’Farrill y su disco The offense of the drum.

Gran parte de estos álbumes se encuentran disponibles en las tiendas online de Spotify, Google Play y ITunes.

El premio es otorgado al compositor de una obra clásica compuesta en los últimos 25 años y publicada por primera vez durante el año de elegibilidad. A partir de 2009 si el premio es para una composición de ópera, reciben el galardón tanto el compositor como el libretista (si corresponde).

Los años reflejan la fecha en que los Premios Grammy fueron fallados, en reconocimiento a los logros discográficos alcanzados por los artistas musicales durante el año anterior.

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L ira;

un instrumento mitológico

tradición de la lira hasta nuestros días como los instrumentos del poeta y el trovador. Dyehuty es el dios de la sabiduría, la escritura, la música y de la Luna, en la mitología egipcia. Estaba relacionado con la música como inventor de la lira.

La lira más antigua y sencilla tenía tres cuerdas pero después pasó a cuatro, cinco, seis, siete e incluso doce. En Egipto, llegó a tener hasta dieciocho

L

a lira es un instrumento de cuerda punteada primitiva, con forma de ábaco, cuyo origen los griegos atribuyeron a Hermes o a la musa Polimnia. Fue el instrumento musical que tañó

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Orfeo y el que acompaña a Apolo como símbolo del Estado ciudadano, de la cultura y de la música.

La lira es un instrumento musical que, como el arpa, se tocaba con las dos manos.

Según la Biblia, en manos de David, el rey poeta y sabio, la lira (kinnor) evoca la unión con la divinidad y la religión. El rey David tocaba la lira para tranquilizar a Saúl.

Los instrumentos descendientes de la lira son la cítara, el arpa, la guitarra y el laúd, que continúan la

En Grecia, las tres cuerdas recibían los nombres de las tres musas de Delfos; de la grave a la aguda: Nete, Mese eHípate. Las cuerdas pasaban sobre una concha de tortuga, llamada en griego cheloné y chelys, palabra que sirvió también para designar cierta especie de lira.

La añadidura del mogas hacia la lira más pesada que la cítara y por esta razón la llevaban colgada a la espalda por medio de una correa o tahalí y de esto sacó Apuleyo el nombre de apta balteo, esto es, propia para ser colgada en las espaldas.

Filóstrato describiendo la lira de Anfión dice que la madera empleada en la construcción de la lira era boj y lo demás era de cuernos de cabrón montés. Los dos brazos de la lira de Terpsícoreque hay en el Museo Napoleón están hechos de ani-

llos. Esta lira representa una de aquellas que están formadas de una concha de tortuga y los brazos de astas de cabrón. La lira, que Aquiles tiene en la mano en la lámina 8ª del tomo 1.° de las pinturas de Herculano, es de color encarnado, de lo que puede deducirse que pintaban la madera de las liras de aquel color que era su favorito. Por un pasaje de los fastos de Ovidio se demuestra que los Citaristas tenían el gusto de llevar un Chlamys o capa de color encarnado.

Los poetas han entendido por lira la más hermosa y más calma armonía así es que hace un gran papel en sus poemas y hablan con entusiasmo del placer que causa. Tenía la ventaja de poderse cantar y acompañarse con ella y se servían de ella en los coros trágicos.1 Al arte de tocar la lira se le llamaba citaristica o lirística, y al acto de tocaría se le daba los nombres de Lyrizein, Kytarizein y Psallein y a los tocadores los liristasy citaristas. El que cantaba y se acompañaba con la lira era conocido con el nombre

de Lyrodos o de Citharaedus y los de Lyrodia y Citharaedia eran las palabras que designaban la acción de acompañarse de este modo. Algunas veces la lira y la flauta se acompañaban recíprocamente a lo que Suidas da el nombre de Synaulia o según el dialecto ático xynaulia con con cuya palabra se entendía el recíproco acompañamiento de dos flautas.

En la mitología griega la lira fue inventada por Hermes quien se la regaló a Apolo a cambio del caduceo y, desde entonces, figuró como atributo de este dios.2En la mitología egipcia, el dios Dyehuty estaba relacionado con la música y era considerado el inventor de la lira. Se dice que su nom-

bre proviene de la flor de lirio debido a su forma tan similar.

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Incursión en otros géneros Extrañas parejas

New Age

Durante años una pregunta bastante usual que me han hecho tanto alumnos como en cursos que he impartido ha sido: ¿Dónde se pueden encontrar referencias de estudio para tocar Pop?. La verdad es que nunca he encontrado una respuesta lo suficientemente concisa o específica, ya que no hablamos de un género con una raíz tradicional sino de una especie de cajón de sastre, con tantas influencias que es imposible organizar un conjunto de células rítmicas y presentarlas como patrones preestablecidos, tal como ocurre con las músicas de raíz popular.

Pop Aclarar que cuando me refiero a música Pop, escojo la acepción Pop como abreviatura de popular en un contexto de música moderna a partir de los años 60 más o menos, géneros bastardos que abarcan desde el R&B o el R&R hasta el Reggae o la World Music, donde se tienen que idear una serie de patrones que funcionen en conjunto con el 2 y el 4 de la batería y, que sin entorpecer su camino, añadan riqueza y color al efecto global del tema, sin llevarlo a un territorio no deseado. La tarea del percusionista en este caso es muy complicada.

Reggae Zamba Tocar un tumbao en las congas sin que suene a latino porque estamos tocando rock, manejar el shaker con feeling pero que no suene a Brasil porque esto es una balada pop, manejar con magia los efectos pero que no suenen a brujería chamánica, unir un groove de darbuka al de la batería pero que no sepa a té negro sino a hip-hop londinense…

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En el Reggae la utilización de la percusión navega entre el arreglo más estricto y el coloreo tímbrico para cada tema.

Eso sí, todo tocado con un sentido del tempo absoluto y una inclusión en el groove que lo convierte en verdadero cemento armado. A veces existe un mal uso de este concepto siendo interpretado por muchos percusionistas como una especie de figuras sueltas que efectúan contrapuntos o fraseos, tocadas con poco rigor y un carácter improvisatorio que en realidad no existe en el Reggae.

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“

A veces parece que los artistas no tenemos tanto tiempo para pryectos sociales, pero el que quiere sacar tiempo para servir de inspiración y ayuda, lo hace.”

Aisha Syed

La música clásica tiene nombre de mujer

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isha Syed Castro nació en la ciudad de Santiago de Los Caballeros el 15 de septiembre de 1989. Violinista dominicana, es reconocida en el país y a nivel intercional, además es miembro importante de la Orquesta Yehudi Menuhin School. Así mismo, es reconocida entre las violinistas más emocionantes del mundo.

Debido a su gran interés prestado por este arte, Aisha viajaba dos veces a la semana a ciudad capital de Santo Domingo para tomar clases con el maestro Caonex Peguero. A la edad de 6 años ya era miembro de la Orquesta Sinfónica Infantil Dominicana.

A los 11 años debutó con la Orquesta Sinfónica Nacional, convirtiéndose en la más joven intérprete solista del país. A esa misma edad Es hija de Saifuddin Syed de origen pakistaní asistió a un simposio sobre el violín en la Escuela Juilliard en Nueva York.2 y Carolina Castro de nacionalidad dominicana. Ella es la segunda hija de cuatro hermaEn el 2002, tras un proceso de audición nos, a los cuales son Sabah, Kabir y Kareem de dos años, entró en el Yehudi Menuhin Syed Castro.

School de Londres. Ella fue la primera laAisha comenzó a interesarse por el arte desde temprana edad, a los 4 años. Ella estudio en El Hogar de la Armonía en la Ciudad de Santiago, República Dominicana con el profesor Henry Disla.

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tinoamericana en ser admitida en dicha escuela. Pasó todas las pruebas y obtuvo una beca del gobierno británico para estudiar en la prestigiosa escuela. Aisha actualmente reside en Miami, y ha realizado 57 conciertos en Europa y la República Dominicana.

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c

omenzó sus estudios violinísticos a la edad de cuatro años tomando cla-

ses privadas en ‘El Hogar de la Armonía’ en Santiago, República Dominicana. Un año después de iniciarse en el estudio del violín, pasó a formar parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil Dominicana ocupando un espacio entre los primeros violines. Luego pasó a estudiar con los profesores Hipólito Javier y Caonex Peguero. Su dominio del instrumento se desarro-

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lló de manera tal que a los ocho años Aisha ya estaba dando conciertos y recitales en calidad de solista.

A los once años debutó con la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana constituyéndose así en la solista dominicana más joven en tocar con dicha orquesta presentando de manera magistral el concierto para violín y orquesta en Sol menor de Max Bruch dirigida por el Maestro Julio D’Windt. Aisha fue una inspiración para el compositor Dominicano Bienvenido Bustamante quien le dedicó

pavimentaron el camino que llevaría a Aisha a la prestigiosa Escuela Yehudi Menuhin en el año 2003. Tal logro la convirtió en la primera Latinoamericana en ser aceptada en dicha institución donde estudió bajo la tutela de Natasha Boyarskaya.

Durante su tiempo en la Yehudi Menuhin, tuvo el privilegio de conocer y compartir escenario con Mstilav Rostropovich quien en ese entonces era el presidente de la escuela Yehudi Menuhin, el actual presidente es Daniel Baremboim.

Aisha participó en un sin número de conciertos organizados por la escuela de niños prodigios en lugares como el Royal Albert Hall, Wigmore Hall, Purcell Room, Queen Elizabeth Hall, Mansion House y el Teatro Sheldonian.

También debutó como solista en varios festivales en el Reino Unido incluyendo el Banstead Arts Festival, Leamington Hastings Festival, Reading Music Festival y el Yehudi Menuhin International Music su última composición ti- Festival en Gstaad, Suitulada “Fantasía para una za. Como músico de cániña”. mara ha sido invitada a el La pieza fue estrenada Gower Festival y el Bath ese mismo año en pre- Festival. sencia del compositor.

Estos tempranos éxitos

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La música, como una pintura, es igualmente bella, pero con matices dados por quien la aprecia”

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Atreia; your sountrack source Atreia, es el nombre que eligió la diseñadora Cindy Martínez Caraballo para la revista próxima a publicarse. Su contenido no es muy convencional puesto que se basa en música orquestal dedicatda a los vídeo juegos. Cabe destacar que dicho contenido es alatamente exclusivo puesto que la información con respectoa este tema no es muy abundante, y sin embargo la muchahita fue capaz de realizar una extenuan-

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te y exhaustiva búsqueda para encontrar contenido suficiente para colocar en no tan habitual revista.

Otro aspecto a destacar son las increíbles ilustraciones que en su revista se puede apreciar, ya que es bien sabido que es una fanática de las gráficas que se encuentran tanto en los vídeo juegos como en los animes con los que se deleita.

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Un viaje al pasado

Ludwig Van Beethoven

Beethoven a la edad de 13 años.

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Por Naomi Alejo

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acido en Bonn en 1770, Ludwig van Beethoven creció en el Palatinado, sometido a los usos y costumbres cortesanos propios de los estados alemanes; desde allí saludaría la Revolución francesa y luego el advenimiento de Napoleón como el gran reformador y liberador de la Europa feudal, para acabar contemplando desilusionado con la consolidación del Imperio francés.

Su obra arrasó como un huracán las convenciones

musicales clasicistas de su época y tendió un puente directo, más allá del romanticismo posterior, con Brahms y Wagner, e incluso con músicos del siglo XX como Bartók, Berg y Schonberg. Su personalidad configuró uno de los prototipos del artista romántico defensor de la fraternidad y la libertad, apasionado y trágico.

traordinario entre los servidores de la provinciana corte de Bonn en el Palatinado. Ludwig, el abuelo del compositor, en cuya memoria se le impuso su nombre, se había instalado en 1733 en Bonn, ciudad en la que llegó a ser un respetado maestro de capilla de la corte del elector. Dentro del rígido sistema social de su tiempo, Johann, su hijo, también La familia Beethoven era fue educado para su ingreoriginaria de Flandes, lo so en la capilla palatina. que no era un hecho ex- El padre de Beethoven,

sin embargo, no destacó precisamente por sus dotes musicales, sino más bien por su alcoholismo; a su muerte, en 1792, se ironizó con crueldad en la corte sobre el descenso de ingresos fiscales por consumo de bebidas en la ciudad.

Su fama precoz como compositor de conciertos y graciosas sonatas, y sobre todo su reputación como pianista original y virtuoso le abrieron las puertas de las casas más nobles.

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Itinerario Anna Alàs ofrecerá un recital en la Philharmonie de Berlín criollas La mezzosoprano Anna Alàs i Jovédebutará el próximo 5 de Abril en uno de los escenarios más emblemáticos de la capital alemana.

Nos referimos a la mítica Philharmonie de Berlín, sala que ha acogido a históricos directores como Wilhelm Fürtwängler, Herbert von Karajan o Claudio Abbado al frente de los mejores solistas del mundo.

Anne Marie se presentará en Praga

Anna Alàs i Jové enlazará su debut en la Philharmonie de Berlín después de interpretar el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart junto a la Orquesta Filarmónica de Málaga en el Teatro Cervantes (Málaga) bajo la batuta del maestro Manuel Hernández-Silva.

Anna Alàs i Jové enlazará su debut en la Philharmonie de Berlín después de interpretar el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart junto a la Orquesta Filarmónica de Málaga en el Teatro Cervantes (Málaga) bajo la batuta del maestro Manuel Hernández-Silva.

Anna Alàs i Jové enlazará su debut en la Philharmonie de Berlín después de interpretar el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart junto a la Orquesta Filarmónica de Málaga en el Teatro Cervantes (Málaga) bajo la batuta del maestro Manuel Hernández-Silva.

“Los Secretos del Maestro”; Un libro de referencia para la dirección orquestal Nuestra sección de Bibliografía de Música Clásica Recomendada os ofrece hoy la posibilidad de conocer y descargaros gratuitamente un libro excepcional del Maestro Navarro Lara que bajo el sugerente título de “Los Secretos del Maestro” está revolucionando el mun-

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do de la música internacional, siendo innumerables los directores de orquesta y músicos que han hecho de este trabajo del Maestro Navarro un referente en sus carreras musicales.

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Un día como hoy...

Nace el contrabajista francés Pierre Treivant (15 de abril, 1979)

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Debuta en la Orquesta Sinfónica de Venezuela la vilinista Clemence Labarriere

Se estrenó la pieza “Le vita e’ bella” en Roma, dirigida por Marcia Grullón Piore

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Melodías criollas

Director Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil realizará maestría en Florida

Noticias de relevancia

El director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, Darwin Aquino, realizará una maestría en dirección orquestal en la Universidad Internacional de la Florida, donde tendrá como maestro al afamado creativo musical Gzregorz Nowak.

Al tiempo de sentirse agradecido por esa acción cultural, Aquino destacó el esfuerzo mostrado por el Ministerio de Cultura y la casa de altos estudios en apoyo al talento dominicano.

Aquino, quien dirige la orquesta desde el 2004,

viajará periódicamente al país para continuar con sus labores, concomitantemente con el proceso de estudio.

El destacado músico expresó que se siente complacido porque luego de trabajar al lado del distinguido maestro polaco.

Contrabajista dominicana es reconocida por CINELABS2 Maestro Molina le entra a la “música” urbana: la considera un veneno para la sociedad

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El prestigioso director de la Orquesta Sinfónica Nacional, lamentó que los jóvenes de la República Dominicana no puedan amar la música porque no sabe de qué se trata.

Recordó que la música educa y forma, pero más que todo transforma a los seres humanos, y sus efectos se sienten desde que la criatura cae en el vientre de su madre.

“La música es retrato de la sociedad, esa música es el reflejo del deterioro de la sociedad, esas letras que incentivan la violencia es un veneno para la sociedad”, insistió Molina Miniño, quien por más de diez años dirigió los conciertos del extinto tenor italiano Luciano Pavarotti.

José Antonio Molina quien en su carrera ha dirigido a artistas de renombre mundial como Liza Minnelli, Celine Dion, Sting, Stevie Wonder, Elton Jhon, Vanessa Williams y Andrea Bocelli, reconoció además que la música clásica es exclusiva para la elite de la sociedad.

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El director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, Darwin Aquino, realizará una maestría en direcció Con el objetivo de distinguir a jóvenes que han representado y trascendido de orma exitosa en diferentes áreas y que son nativos esta provincia, fue celebrada la primera entrega de los premios “Jóvenes Ejemplos de San Cristóbal” versión 2015.

En el acto recibieron reconocimientos especiales Gabriela Disla Nivar, contrabajista y educadora inicial, egresada de

la Universidad de Salamanca y especialista en musicoterapia hospitalaria en la ciudad de New York.

La iniciativa fue organizada a propósito de la celebración del Día Nacional de la Juventud este 31 de Enero, por: Nardy Rodríguez, del Movimiento Integrador e Hipólito Valoy de CINELABS2, a su vez, se resalto su innato talento para tocar el contrabajo.

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“Amo las melodías hermosas que me dicen cosas terribles.”

-Tom Waits.

Sabias palabras

La inspiración a través de los vocablos de un artista.

“social La música es el acto de comunica-

ción entre la gente, un gesto de amistad, el más fuerte que hay” -Aretha Franklin.

“No se nada de música, en mi línea no tienes que hacerlo.”-Elvis Presleye “La inspiración es un despertar, un vivificador de las facultades de todo hombre y se manifiesta en todos los grandes logros artísticos.”-Giacomo Puccini “La música es la vida emocional de la mayoría de la gente.”-Leonard Cohen.

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“La música debe hacer saltar fuego en el corazón del hombre, y lágrimas de los ojos de la mujer.-” -Herbert Von Karajan.

“Cuando una persona tiene un “Los músicos no se problema serio retiran; paran cuanen la vida, se redo no hay más múfleja en su músisica en ellos.” ca”-Kurt Cobain -Louis Armstrong.

“Tan pronto como comienzas a creerte importante, te vuelves menos creativo.”

-Mick Jagger.

“La música no se canta se respira.”

-Alejandro Sanz.

“No puedo entender porque la gente tiene miedo de las ideas nuevas. Yo tengo miedo de las antiguas.”-Johnny Cage

“

La gente quiere ver músicos tocando cosas que vienen de su propia mente y corazón, respondiéndoles en tiempo real.”

-John Mayer.

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Revelación del año

Martha Jhoana de Luna L

a telentosa joven dominicana Martha Jhoana de Luna debuta mañana en el concierto de temporada de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) en la sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, bajo la dirección del maestro Caonex Peguero Camilo.

Martha actuará como solista en ambos, el arpa y el piano, interpretando la difícil “Rapsodia húngara”, de Liszt, para piano, y el concierto de Handel para arpa.

Recibirán sus estrenos el poema sinfónico “Los Pinos de Roma”, de Respighi, la “Segunda Rapsodia Rumana”, de Enescu, y la singular “Mozartina”, del compositor dominicano Otoniel Rojas, basada

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rector asociado de la OSN.Ha trabajado bajo la batuta de Renato Palumbo, Maurizio Benini, Thomas Hengelbrock, Leopold Hager, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons y Diego M. Etxebarria, entre otros.

Paralelamente a un amplio repertorio de concierto, ha interpretado a Rosina (Il barbiere di Siviglia), Rita (Rita), L’Enfant (L’enfant et les sortilèges), Diana (La Calisto), Donna Elvira (Don Giovanni), Junon (Actéon), Siebel (Faust), Flora (La traviata).

en la tonada del merengue “El Jarro picha’o”.

De Luna realizó estudios de perfeccionamiento en el Conser-

Ha grabado para la Bayerische Rundfunk, RTL, COM vatorio de Música de Radio, Catalunya MúsiPuerto Rico y actualca, TV3, RNE Clásica, mente cursa dos maesla editorial Avenç y la trías, en piano y en arpa Televisión Internacioen los Estados Unidos. nal de Portugal.

Peguero Camilo es diAbril 2015

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Melódicos Escenarios

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l teatro tiene tantas cimas y resplandores que se puede considerar una de las artes más influyentes en el espíritu humano. El teatro es una disciplina que involucra actores, escritores, escenógrafos, músicos y por supuesto edificios destinados a sus representaciones.

al teatro, existen muchos escenarios que albergan diferentes artes escénicas, algunos de éstos son auténticas obras maestras de la arquitectura. A continuación te mostramos algunos de los teatros más interesantes y espectaculares del mundo, conociendo los escenarios que han dado vida a las más excelsas de mostraciones Si bien es casi imposible encontrar de arte y melodías. un recinto dedicado exclusivamente

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cionan como uno de los edificios más bellos del mundo. La construcción no solo es un teatro espectacular por dentro y por fuera, también es una de las catedrales de la ópera y el ballet de América. Podrán haber teatros más nuevos y deslumbrantes, pero la tradición de lo clásico es difícilmente superable.

Ocupar una de sus 2,478 localidades es una expeRoyal Albert Hall riencia que ningún amante de la arquitectura, la (Inglaterra) ópera o el teatro debería Este recinto dedicado a dejar pasar. representar todo tipo de artes escénicas es uno de los más importantes y más bellos de la historia de la humanidad.

Abrió sus puertas el 29 marzo de 1871 y desde entonces figuras como Verdi (quien condujo la orquesta en la inauguración), Rachmaninov , Sir Elton John, Jimi Hendrix y Los Beatles han engalanado su escenario. Hoy en día constituye una de las capitales mundiales Palacio Garnier (Francia) de la música y su belleza exterior solo es equipara- Napoleón III ordenó la ble a la que muestran sus construcción del Palacio Garnier, el cual fue interiores. abierto al público en Teatro Colón (Ar- 1875 como un recinto dedicado principalmengentina) te a la ópera. El estilo Construido en 1908, el ostentoso y soberbio del teatro Colón de Buenos edificio alberga una beAires se destaca por la lleza singular y un tamacalidad de su acústica y ño por el que es consideconstrucción basada en rado el teatro más grande el teatro clásico francés del mundo. La novela El e italiano, que lo posi- fantasma de la ópera de

Gastón Leroux, se desarrolla en los túneles y escenarios de esta construcción. En 1964 el pintor Marc Chagall realizó un mural en el techo del escenario, el cual contrariamente a lo esperado, ha tenido más detractores que admiradores.

Ópera de Viena La Ópera de Viena (Staatsoper) fue inaugurada el 25 de mayo de 1869 con la representación de la ópera Don Juan de Mozart y, desde entonces, ha sido escenario de innumerables debuts y

consagraciones de músicos y compositores de trascendencia histórica.

Es posible afirmar que no existe un país que haya honrado más el espíritu de a la ópera que Austria. Diez años más tarde estuvo restaurado y pudo continuar siendo anfitrión de su imponente y maravilloso repertorio.

Son grandes las historias contadas en estos escenarios.

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De interés...

Bethoveen a todo pulmón cantaba las tonadas que le venían a la cabeza para después anotarlas.

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ay historias que jamás han sido contadas acerca de ilustres compositores clásicos que , si bien capturan el asombro de sus lectores, no pasan desapercibidos por todos aquellos amantes de sus obras de arte melódicas y sus pintorescas personalidades. Los compositores clásicos, además de brindar a la humanidad algunos de los momentos más importantes en la historia del arte, escribieron su nombre en la lista de personajes geniales, sin embargo su talento también estuvo acompañado de actitudes, pensamientos y manías. Descubre los secretos que se esconden en el pentagrama musical de la vida de estos músicos clásicos.

Rossini es el compositor más veloz de todos los tiempos pero... le costaba ponerse a trabajar.

Johann Sebastian Bach tuvo un total de ¡20 hijos! De ellos nueve sobrevivieron.

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Peter Ustinov llevó a su hija pequeña a ver Aida, la ópera de Verdi. Y un elefante se hizo caca justo enfrente de ella.

Louis Amstrong escribió más de cien sinfonías sin número ninguno. Las identificaba por el nombre.

Vivaldi compuso más de 500 conciertos. 220 para violín y el resto los escribió para las niñas de un orfanato.

El ballet ‘El lago de los cisnes’ de Tchaikovsky fue un fracaso el día de su estreno.

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Comentario “La músca clásica es genial, perfecta, y sus imperfecciones la hacen aún mas hermosa, te sientes recompensado por poder entender y apreciar la música, que sabes que otras personas jamas llegaran a disfrutar.”

-Luisa Guillot, gerente de un empresa manufacturera

L

a música genera en sus oyentes conceptos diferentes de acuerdo a las emociones, pensamientos e ideas que la misma le trasnmita. Lee un poco más acerca de tales conceptos por personas que sobresalen de lo común adentrándose al mundo del contrabajo, violines y pianos clásicos.

“Para mí, la “música clásica” es una forma de viajar en el tiempo y conocer la percepción que en su momento una persona (el compositor) tuvo de su entorno, de sus emociones o de su intento de acercarse a la perfección sonora.“ - Ricardo Páez, escritor y poeta.

“La música clásica tiene ese toque mágico que, sin importar el lugar, convierte a los momentos en ‘indicados’ cuando se hace presente”.

-Naomi Alejo, estudiante de Multimedia

“Yo creo que la música clásica es la madre de toda la música!”

- Renato Dávila, estudiante de Ingeniería Civil

“Del periodo clásico, bueno, más bien preclasico, mi favorito es sin duda Vivaldi; ni pensar que estuviesen tanto tiempo ignorando su obra! “ -Benito Martínez, estudiante de medicina de UCATECI.

“No hay cosa más bella, sublime y que me llene más que la música clásica. Es perfecta y exacta.

No hay más palabras.”

- Tatyana Larina, profesora de música

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