RME - N1 completo

EDICIÓN BIMENSUAL

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REVOLVER MAGAZINE SPAIN - Nº 1. PVP: 1,5€

EDITORIAL STAFF DIRECCIÓN

Roberto Villandiego Sergi Ramos Javier Bragado

REDACCIÓN Coordinación: Roberto Villandiego rober@sufferinc.com Colaboradores: Jose Manuel Torres, Varo Andrés, Jordi Tàrrega, Luis Rey, Eduardo Palacios, Javier Félez, Jaume Bellini, Satur Romero, Carlos Medrano, Tesa Navarro, Sara Pérez, Fabio Riotto,

ARTE

Con el

cargado

Iniciamos nueva andadura con mucha ilusión y, no lo negaremos, tremendamente acojonados. Lo que tienes en las manos es el primer número de REVOLVER en Castellano. La cabecera americana llega a nuestro país con un equipo de gente detrás que lleva muchísimo tiempo dedicándose a esto de la prensa musical y a la que no le da ningún tipo de miedo lanzarse a esta aventura. Si es así ¿por qué el acojone? Porque aquí todo el mundo va de listo y ya han matado a las publicaciones impresas argumentando que el presente está en internet. Eso no lo discutiremos, internet es una herramienta valiosísima pero de ahí a que sea el presente dista bastante sobre todo cuando es un “medio” en el que el valor está en lo inmediato, en los 10 minutos para ver las noticias y ahí no están nuestras pretensiones. No queremos hacer un productor de usar y tirar sino que queremos que nuestros lectores devoren nuestras páginas con reportajes interesantes y una presentación por la que merezca la pena gastarse los cuartos (pocos, por cierto, que no estamos para grandes aspavientos económicos) y quizás ahí sí que haya estado el principal problema de las editoriales, en no cuidar el producto, en no tener en cuenta que detrás de las cifras de ventas (más allá de los números) hay lectores a los que no les puedes ofrecer cualquier basura. Hay que currárselo y currárselo mucho para que la gente te compre porque ganas de leer hay o eso es lo que queremos pensar. Venimos con el REVOLVER cargado para intentar, al menos, hacer las cosas bien, y luego tú eres el que decidirá lo que tenga que durar esta aventura tan arriesgada. Nosotros venimos con intención de quedarnos muchos años aunque haya que remar contra viento y marea. No nos faltan ni ganas ni fuerzas y lo que esperamos es que disfrutes de este primer número y de todos los que bien detrás.

Jefe de Fotografía: Javier Bragado Fotógrafos colaboradores: Rubén Navarro, Daniel Garrido, Kristina Espina Aparicio.

Diseño y maquetación: Roberto Villandiego PUBLICIDAD 91 304 12 24 ó 678 93 15 16 DIRECCIÓN POSTAL REDACCIÓN Hogar de Belén 5 28037 Madrid Teléfono: 91 304 12 24 redacción@sufferinc.com SUSCRIPCIONES Y CAMBIOS DE DIRECCIÓN: info@sufferinc.com IMPRIME Gráficas Monterreina Teléfono: 91 6213060 DISTRIBUYE Logista S.L. Teléfono: 91 665 76 66

EDITA 4. Bulletin 6. Columnas 58. Reviews 63. Cine y literatura

SOBER LIMP BIZKIT

Imprescindibles 72. NIGHTWISH - Once

10. DESCUBRIENDO A FOR THIS IMPERIUM

12. COREY TAYLOR 18. ANGELUS APATRIDA 22. BARRICADA 24. STUDIO REPORT: RAGE 28. THE MARS VOLTA 30. OVERKILL 32. PARADISE LOST 34. HORA ZULU 36. CALIBAN 42. DIKERS 44. EPICA 46. DE GIRA CON SOBER 50. IRON MAIDEN 54. ILL 56. SHINEDOWN

SUFFER PRESS S.L. Presidente: Roberto Villandiego Vicepresidente: Sergi Ramos Consejero: Javier Bragado REVOLVER MAGAZINE es una marca registrada perteneciente a:

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Depósito Legal M-12496-2012 Marzo 2012 Impreso en España (Printed in Spain)

REVOLVER no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores en los trabajos publicados ni se identifica con los mismos necesariamente.

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BULLETIN B NEWS VUELTA AL REDIL

MARILYN MANSON pondrá a la venta su nuevo trabajo ‘Born Villain’, el próximo 30 de Abril de la mano de Cooking Vinyl y su propia discográfica Hell, Etc. El listado de temas de este nuevo trabajo será el siguiente: “Hey Cruel World”, “No Reflection”, “Pistol Whipped”, “The Path Of Misery”, “Slo Mo Tion”, “The Gardener”, “The Flowers Of Evil”, “Children Of Cain”, “ Disengaged”, “Lay Down Your Goddamn Arms”, “Murders Are Getting Prettier Every Day”, “ Born Villain” y “Breaking The Same Old Ground”.

Como avance se puede encontrar en su página web una especie de teaser en donde Manson mezcla fragmentos de sus nuevas canciones con imágenes cargadas de violencia, sexo, mutilizaciones y discursos en un lenguaje visual que está a medio camino entre el corto y el videoclip.

Hay que recordaar que Marilyn Manson protagonizará este verano algunos festivales europeos y que aquí estará en el Costa de Fuego en Benicassim (más información en página 8).

RESUCITAR A MINISTRY PARA MATARLO

¡GIGATRÓN VUELVEN!

Al Jourgensen anuncia la vuelta de la banda, su inminente gira y el final de la misma todo en uno

Al Jourgensen, líder de Ministry (y también de Revolting Cocks, Lard, 1000 Homo Djs o Buck Satan & The 666 Shooters) ha hecho llegar a la prensa escrita una impactante entrevista en la cual nos habla de su vuelta a los escenarios, de su nuevo disco y también del final definitivo de la banda que le ha proporcionado todo: Ministry. En la intimidad de las oficinas centrales de su sello, Al le aclaraba a la periodista que estaba haciendo la entrevista que en su momento lo dejó porque “vomitaba sangre. Lo estuve haciendo durante 8 años y no es que me esté quejando porque eso es estar en una banda de Rock pero es que es lo que me pasaba.

En la última gira dije que ya era suficiente y por eso lo dejé”. Un paso por cuidados casi intensivos fueron los que arreglaron a un vocalista al que una vida de excesos y el desgaste físico que supone una gira habían dejado para el arrastre y es que estuvo a punto de morir incluso.

De hecho pese a que el disco se llama ‘Relapse’, la gira tendrá una nomenclatura distinta: Defribrilla Tour. Tal y como relata Al ha estado varias muerto. “He estado tres veces muerto y en dos de ellas tuvieron que usar un desfibrilador. La primera vez que me reanimaron fue haciéndome un boca a boca después de una sobredosis. Para la segunda usaron un desfibrilador después de otra sobredosis. Esta vez fue porque perdí mucha sangre de vomitarla... y no había ninguna sobredosis involucrada” responde como restándole importancia. “No es nada agradable despertarse en la sala de urgencias escuchando ese ruido tan característico” dice antes de imitar el sonido que hace la descarga de un desfibrilador. El haber pasado por todo eso es lo que le ha hecho a Jourgensen tomar la decisión de que este será la última gira de Ministry después de 30 años de carrera para dedicarse a Buck Satan y al Blues. “Este es el fin de Ministry porque es demasiado intenso” reconoce el vocalista reconociendo además que ‘Relapse’ no estaba entre sus planes. “Prefiero concentrarme en Buck Satan y en el disco de blues porque es más tranquilo”.

No sabemos si será una maniobra comercial o de verdad será el final de Ministry pero, por si las moscas, hay una última oportunidad de verles en nuestro país. Al Jourgensen y los suyos estarán por aquí en julio los días 24 (Madrid, La Riviera) y 25 (Barakaldo, Rockstar Live).

LA LEYENDA CONTINÚA

GIGATRON han confirmado su asistencia para el Festival Mundo Idiota que se celebrará el próximo 20 de Octubre en La Riviera, Madrid. El festival cubre distintos estilos musicales, solo se busca que estas bandas se definan por su humor, y aquí es donde entra nuestra banda freak metal por antonomasia.

Ante tan esperado vuelta, GIGATRON, como no podía ser menos, han emitido un comunicado al respeto: Comunicado Oficial tras la confirmación de los dioses del metal en el festival: “Salvajes, culebras, proletarios y valkirias!

Soplan vientos de cataclismo. El Capital moribundo gobierna el mundo. El aire huele a azufre. Las alimañas salen de sus madrigueras. Los tambores del Armagedón han despertado a los hijos del Trueno y el Agobio. Bajo el rumor de la tormenta se escucha un “clack clack”; es el castañeteo de los dientes de los pijos, temblando de frío y pavor bajo sus polos bordados.

Y aquí estoy yo; Marx, Karl, convertido en zombi barbudo, pero con la misma ilusión que el día de mi primer botellón. He sido depositario de la confianza de las fuerzas oscuras para liderar la transición del Fin del Mundo a la feliz Nueva Era de la Barbarie.

He jurado, sobre una Heavy Rock descatalogada con portada de King Diamond, fundar una metalocracia que desde hoy será gobernada por mi Consejo de la Barbarie. Como lugartenientes para tal fin he escogido de entre los más duros y atroces ídolos de las huestes metálicas. Así, he nombrado a Atila ministro de economía y pillaje, a King Kong y Godzilla corresponsables de brutalidad y demoliciones públicas, a Sansón encargado de salud sexual y belleza, a Odín y Satán mariscales para la defensa y el pateo

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de culos, a Chewbacca secretario de cultura, a Conan responsable de asuntos pijos y a Tarzán ministro de urbanismo y buenas maneras. Entre todos haremos lo posible por destruir el mundo del buen rollo.

Nuestra primera decisión como Consejo para instaurar el Nuevo Orden del Caos ha sido la más importante: Despertar a la entidad conocida como Gigatrón de su letargo para difundir las palabras y gruñidos de Satanás Padre. Cuatro de los Dioses del Metal han sido resucitados con dicho fin. Su misión es firme: Arrasar un escogido grupo de ciudades desde los escenarios a golpe de ruido y libido desatado en un ritual de exaltación a la única creación humana capaz de resquebrajar la absurda Creación Divina: el Heavy Metal.

Estos son los llamados: Charly Glamour – Ídolo Maldito y Pastor de Fieras Mike Ferralla – Bajo Sexy y Lengüetazos Mazinger Molina – Batería, Tambores de Guerra y Cubos de Basura Y, como fichaje siniestro, desde lo más remoto de la estepa siberiana: Dave Demonio – Guitarra, Descargas Eléctricas y Misiles Su primera acción conjunta ha sido la grabación de un nuevo himno de destrucción masiva para atomizar las radio–fórmulas, “Apocalipsis Molón”, que estará pronto disponible en la Telaraña Virtual.

La cuenta atrás hasta el Apocalipsis ha comenzado. ¿Civilización o barbarie?

La elección es clara: ¡Barbarización!

Marx, Karl.

Presidente Zombi y Vocal del Congreso de la Barbarie.”

KEEP ON ROLLING

GRABANDO

Romeo junto a Alberto Seara (izq) y Jorge Escobedo (centro).

Se anuncian las giras de las alianzas en donde Kiss girarán junto a Motley Crue y Aerosmith junto a Cheap Trick MOTLEY CRUE y KISS, harán una gira conjunta bautizada como “The Tour”. Esta fue anunciada en una rueda de prensa celebrada en Los Ángeles. Ambas bandas al completo han comparecido, incluyendo todos los miembros de KISS maquillados y con nuevos trajes para la ocasión.

La gira americana, de 40 fechas, arrancará en Bristow el 20 de julio y estará en marcha hasta el final del verano. Las bandas realizarán sets de 90 minutos cada una, con toda su carga de material escénico.

“Nuestra primera gira fue con KISS en 1982” ha explicado Vince Neil de MOTLEY CRUE. “Poder repetir aquello ahora es alucinante”. “Cuando les vimos sobre el escenario, supimos que serían grandes” añadió Paul Stanley de KISS. “Solemos decir que la gente ha de llevarse algo de valor a cambio de su dinero, y en esta gira hay mucho valor. Si quieres ver más bombas y artillería que en esta gira, tendrás que hablar con el ejército”. “Estamos cansados de tías subiendo a cantar karaoke con bailarines tras ellas” explicó Gene Simmons de KISS. “Nada de tonterías y falsedades. Le dejamos eso a Rihanna, Smhianna y cualquiera que acabe su nombre en A”. En el backstage, Tommy Lee secundaba las opiniones de Simmons. “Sin faltar el respeto a Rihanna, porque es una buena cantante, pero estamos faltos de bandas con personalidad más allá de las estrellas de pop que hay ahí fuera flotando” explicó a Billboard.com . “Estoy contento de que Gene haya dicho eso porque no creo que pueda ver otro jodido show en plan “American Idol”. Es estúpido ver a la gente cantar con un estúpido karaoke con un montón de luces y video. Es algo muy diluido”. “Ambas bandas son fans de la otra” dijo Eric Singer de KISS. “Todo los miembros de KISS son fans de MOTLEY. Recuerdo que cuando “Dr. Feelgood” fue editado, Paul lo escuchaba a todas horas”.

“Podrías decir que no parecemos bandas de rock clásico en el sentido de lo que Elvis hizo, pero lo que somos es Elvis pasado de esteroides” dijo Stanley. “Elvis pasado por un ampli Marshall”.

Por su parte, AEROSMITH estarán de gira por Norteamérica este verano después de visitar Sudamérica y Japón. Bajo el nombre de “The Global Warming Tour”, la banda hará 18 shows contando con CHEAP TRICK como banda telonera.

En los estudios Cube y bajo la producción de nuevo de Jorge Escobedo ROMEO han grabado su nuevo disco que llevará por título ‘Cara O Cruz’. Este significará el tercer disco de los madrileños quienes desde que editaron ‘Nada Importa’, su anterior referencia, han girado con bandas como Eagles Of Death Metal, Ars Amandi, Second, Koma, Hamlet y que muy pronto también compartirá escenario con Sober.

‘Cara o Cruz sale a la venta en abril pero conforme la banda ha tenido cosas grabadas ha ido haciendo previos en su facebook y en su página web (romeoweb.es).

Los que también están a punto de entrar a grabar son WARRIOR POET. El próximo 23 de abril entrarán en los Sadman Studios para registrar su segundo trabajo, la continuación de ‘The Promise’, disco que además se acaba de poner a la venta en Japón. Según nos ha contado Carlos, su vocalista, el álbum será un EP que incluirá los temas “Lift The Up”, “Escape”, “The Sun”, “Leave Everything Behind”, “Fight”, “I’m Not Gone” y “Everything”. De todo ir según el programa previsto éste saldrá en Junio.

CHRISTOPHER AMOTT ABANDONA ARCH ENEMY

El guitarrista de ARCH ENEMY Christopher Amott ha roto lazos musicales con la banda de forma amigable, siendo reemplazado por el americano de 26 años Nick Cordle (ARSIS). Christopher — hermano del otro guitarrista de ARCH ENEMY Michael Amott — ha sido miembro de ARCH ENEMY desde 1996 hasta 2005 y de nuevo, desde 2007 hasta 2011.

En un comunicado, ARCH ENEMY ha publicado que “Le damos las gracias a Christopher por el tiempo que ha trabajado en la banda, y, por supuesto, desearle lo mejor en su proyectos futuros. Afortunadamente, no hay ningún drama detrás de todo esto. Esta es la mejor manera para todos los involucrados. Christopher simplemente no quiere tocar metal extremo nunca más. Ya hemos elegido y ensayado con un nuevo guitarrista, y vamos a completar el “Khaos Legions” tour de 2012 como habíamos planeado.[…]”

Sigue toda la actualidad en www.themetalcircus.com

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B COLUMNAS BULLETIN

Foto: Javier Bragado

GUITARRISTA...

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EL ULTIMO SUPERVIVIENTE

Los guitarristas tenemos fama de ser muy complicados y... ¡es cierto! Siempre estamos obsesionados por encontrar el sonido perfecto. Ese que tenemos en la cabeza desde que somos pequeños y que en realidad no conseguimos jamás. Una vez que creemos que hemos dado con el tono, ahora viene lo bueno: el directo. En el local casi todo suena muy bien y en seguida nos acostumbramos al sonido. Lo mejor está por llegar: ¡el escenario!

Lo primero que tenemos que hacer es ir por delante de los posibles problemas que nos podemos encontrar. Aunque no suelen darse muy a menudo la ley de Murphy no perdona. Hay que ser precavido. Ya hemos dado nuestras clases, somos los mejores y nuestro grupo es la leche pero estamos a merced de multitud de problemas acechando en cada esquina.

Para empezar, no solo tenemos que llevar nuestra guitarra, amplificador y efectos. Las siguientes cosas son casi obligatorias en la maleta de cualquier guitarrista: 1.- Guitarra de repuesto, si no tenemos ninguna, intenta que alguien te deje una, aunque sea mala, para tenerla a mano. Te puede salvar la vida y no dejarte con cara de tonto ante tu público.

2.- Cables, cables y más cables. ¡Nunca son suficientes!

Lleva uno de repuesto por cada uno que uses. No hace falta que sean de la misma calidad, solo que funcionen.

3.- Lleva muchas púas, ¡no seas racano! En el local no sudamos ni nos movemos como en el escenario. Las púas se resbalan y lo peor es que están confabuladas con los calcetines que se pierden en la lavadora. No pierdas el tiempo en buscar una púa que se cae porque no la encontrarás nunca, en serio. Pon púas por todos los sitios; encima del ampli, al lado de la pedalera, en el pie de micro, incluso con cinta americana en la guitarra. La pala o el filo del cuerpo son perfectos para esto. Además serás el tío mas guay de la banda si tiras alguna después del show.

4.- Lleva siempre pilas aunque tus pedales funcionen con corriente. Puede fallar y las pilas te salvarán el concierto.

5.- Esencial la cinta americana. No sabes la de cosas que se pueden hacer con ella. Es imprescindible en un escenario y muy golosa. Márcala porque te la intentarán quitar siempre.

EL

6.- Cuerdas. Un par de juegos te darán seguridad. Por supuesto lleva unos alicates y lo necesario para cambiar las cuerdas en menos de un minuto en plan fórmula uno.

7.- Ya sé que tocas en clubs pero no está de más que te lleves un par de botellas de agua.

8.- Toalla y si encima está limpia mejor.

9.- Luego ya, depende del equipo que lleves, fusibles, válvulas, correa de repuesto, etc.

Todo esto te dará más confianza en el concierto y se notará en el show. Este mes vamos a poner el ejemplo de un fallo muy típico, el dichoso cable de la pedalera que cobra vida y de repente decide que no hace su trabajo y tu guitarra deja de sonar. Esta situación suele pasar justo antes de un solo, antes de que te presente el cantante, o mejor aún, al salir en la primera canción.

Lo primero que debes hacer es respirar, tranquilizarte y hacer ver a tus compañeros que lo tienes todo solucionado, que sigan tocando. Nunca se debe parar una canción porque un miembro falle o deje de tocar, a no ser que se caiga redondo que entonces deberías llamar al 112!!!

Intenta hacer un recorrido rápido desde la fuente de sonido (guitarra) hasta el amplificador. Si llevas un pedal afinador, mira si le llegan las notas de la guitarra. ¿Llegan?¡bien! Ya sabes que no es ni la guitarra, ni el cable, ni el afinador.

Ahora viene lo bueno; debes coger el cable que va al primer pedal y en una maniobra a lo Bruce Lee, enchufarte directo al amplificador, si suenas... ¡Genial! No es el ampli. El problema lo tienes en la pedalera y seguramente

Por

ANTONIO BERNARDINI Sôber

EQUIPO EN GIRA > Guitarras: Paul Reed Smith Custom 22 y 24 > Amplificadores: Diezel vh4 > Pantallas: Diezel > Efectos: Providence, Rodenberg, Dunlop, Strymon, Boss, Tc Electronic, > Inalámbricos: Sennheiser

No son pocos los músicos españoles con los que he hablado, y en los últimos tiempos se nota un cambio de pensamiento en la mayoría de ellos respecto al famoso tema de siempre: la diferencia entre lo de fuera y lo de aquí. Se advierte que la escena estatal está mejor que nunca, tanto por número de bandas como por calidad y variedad de las mismas. Y hay algo aún más destacable: la unidad que se desprende en el hermanamiento de muchas de ellas. Esa es la clave para que no haya fisuras y salga todo adelante, para que igual que ha ocurrido en otros países europeos, se produzca un pelotazo que lo cambie todo y lo que hasta cierto momento parecía un movimiento minoritario, alcance el lugar que se merece.

Por VARO ANDRÉS Nunca he llegado a entender esos prejuicios por parte del público a la hora de dar una oportunidad a algo más cercano que a lo foráneo. Me gusta saber de las opiniones de cuanta más gente mejor, pero es que los argumentos del tipo “lo escucharé cuando merezca la pena”, “no hay calidad”, “todo son copias” y derivados caen por su propio peso a la larga, y podría ir rebatiendo uno por uno todos esos pensamientos clónicos.

Por falta de espacio (de momento) no lo haré. Me resulta algo injusto dar nombres de peso para demostrar los destellos que podemos encontrar a tiro de piedra, sobre todo por los que dejo de citar, con los que podría llenar páginas de esta revista. Así que me

VARO-METRO

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tu mismo sabes dónde pero los nervios te pueden. Si te preocupas por tu equipo sabrás sus puntos débiles y son los que fallarán en un 99%. Termina la canción y pide a tus compañeros que improvisen algo: un solo, una charla del cantante... y te pones a probar los pedales, enchufando tu guitarra a cada uno como si fuese el primero de la cadena.

Al darás con el cable roto. Pon uno nuevo y ¡ya está! No deberías tardar más de dos minutos.

Has solucionado un problema, ¡te mereces un trago! Bebe agua y da esa botella al púbico... ¡ya se han olvidado de que tenias un problema! Sube los brazos, saca los cuernos y que empiece el siguiente tema, ¡ESTO ES ROCK AND ROLL! Si al final del concierto das ese cable a alguien de la primera fila ya tendrá algo que contar en su casa y, créeme, no contará nada malo. Serás el guitarrista que en menos de un minuto solventó un problema y encima quedaste como un campeón.

Intenta forzar fallos en el local y así, si algún día pasasen, los resolverás en un minuto.

limitaré a ofrecer algunas pequeñas pinceladas, empezando por nuestra banda actual más internacional. Angelus Apatrida ofrecen en pocos días un sobresaliente ‘The Call’ que defenderán en una gira europea durante todo el mes de Mayo, para después asaltar la península en otoño. Parece que tuvo que ocurrir el reconocimiento internacional para que algunos valoraran por aquí al grupo. Tienen buenos aprendices en unos jovencísimos Crisix, o en los valencianos Exodia, que en breve ofrecerán su primer álbum, ‘Slow Death’; thrash de la vieja escuela en pleno siglo XXI. Caso parecido al de Clockwork, que aunque nuevos tienen detrás a músicos de larga trayectoria y con quienes los de Albacete tienen conexión. ¿Más casos? Unos incombustibles Hamlet con más de veinte años de carrera que están presentando su décimo trabajo de estudio desde hace meses, y que como premio han conseguido cita en el Hellfest francés. En su gira han sabido acompañarse de grupos que vienen pisando fuerte, como Violent Eve (impresionante su debut ‘Eleven Reasons to Kill’), Vita Imana (acaban de editar su segunda obra, ‘Uluh’, que les llevará por todo el país rondando las cuarenta fechas), Vortice (otros que han tenido las alabanzas de los propios Meshuggah)… y así podría continuar sin parar con un sinfín de bandas. ¿Quién dijo que lo español no merece la pena? Me río yo de quién lo piense… y a la vez me apeno. No saben lo que se pierden. No es lógico que un grupo extranjero de tercera o cuarta fila (con todo mi respeto para ellos) llegue aquí y mueva más gente por más precio que uno de cualquier punto de nuestra geografía que no tiene nada que envidiar. ¿Cuál es el problema? Que hay muchos que se limitan a oír un disco, pero no se paran a escuchar. Ventajas e inconvenientes de las tecnologías. “La unión hace la fuerza”, ese debería ser el lema a tener en cuenta. Y con unión no me refiero solo a los músicos.

LAS VOCES DEL ROCK

GLENN HUGHES

Cannock Staffordshire (Inglaterra). 21 de agosto de 1952

Gran compositor, maravilloso bajista y prodigioso cantante. Así se podría definir en pocas palabras a este artista, que con sus más de cuarenta años en esto de la música sigue sorprendiéndonos trabajo tras trabajo tanto con su carrera en solitario como con su proyecto Por BLACK COUNTRY COMMUNION el TOMÁS MARÍN cual lidera junto al guitarrista Joe Amalgama Bonnamasa.

Ha estado claro desde el principio, que Glenn Hughes siempre ha buscado nuevos caminos en su música y pese a que en su carrera ha tenido altibajos, su voz siempre ha estado a un nivel sobrehumano, por encima de la mayoría de vocalistas de su generación. Y es que este hombre pese a su edad (va a cumplir los sesenta) conserva aún toda su potencia y juventud intactas en su portentosa voz. Estamos hablando de un auténtico gimnasta vocal y con esto me refiero a que domina totalmente sus amplísimos registros: desde esos inhumanos agudos hasta los tonos más graves.

Una cosa que muy poca gente menciona, y es necesario decirlo ya, es que estamos ante un hombre blanco con una de las voces más negras que existen (Solo Paul Rodgers cantando blues puede igualarle en negrura siendo también blanco). Deudor totalmente de Stevie Wonder, Sam Cooke, Marvin Gaye y de grupos como Sly and Family Stone, se ha ido labrando una carrera mezclando siempre estas tendencias Funk y Soul junto a su otra clara influencia que es el Rock y el Blues, y eso ha hecho que en su carrera siempre, o casi siempre, encontremos diversas variantes de estas influencias en sus discos, obviando por supuesto sus discos junto a Tony Iommi que son totalmente Heavy Metal. Estos discos junto a Iommi dicen mucho también del carácter camaleónico de nuestro protagonista saliendo ileso del encuentro e incluso facturando una auténtica obra maestra del género aunque aún no reconocida en su totalidad (‘Seventh Star’).

Ya en sus comienzos con el grupo Trapeze dejó un auténtico disco de culto que ahora empieza a ser reconocido como tal. Estamos hablando del genial ‘Medusa’,

recomiendo encarecidamente descubrirlo a quien no lo haya escuchado todavía porque es una maravilla de disco. Ya dentro de Deep Purple es cuando verdaderamente demuestró su potencial frente al micro, sobre todo en los directos donde, noche tras noche, se comía literalmente a un Coverdale que aún no había alcanzado su madurez, vocalmente hablando (su registro por aquel entonces era mucho más limitado que el de nuestro protagonista). Una muestra de ello es el dvd-cd comercializado ‘California Jamming’ de 1974. Una delicia donde se puede ver el buen hacer de la banda frente a un público masivo y entregado a ellos. Glenn Hughes demuestra ya por entonces el torrente de voz que tiene y si no, escuchad el tema “Burn” de dicha grabación. Y eso es lo sorprendente de este hombre que ya en su juventud, tenía un control total de sus cuerdas vocales, las cuales, modulaba a su antojo fuesen los temas que fuesen indistintamente del estilo de estos.

Su personalidad y carisma es tan arrolladora que cuando inicia un proyecto con alguien ocurre que siempre acaba liderando por encima de todos los que se involucran en el mismo. Una muestra de esto es su proyecto HughesTurner, (con el cual dejaron dos excelentes discos, sobre todo el primero) y el grupo en el que milita ahora mismo ya mencionado anteriormente. Todos aportan, claro está, pero es Glenn quien impregna todo con su grandiosa voz y su particular forma de tocar el bajo y componer. Por lo tanto debe de ser muy duro cantar al lado de este monstruo de la música y no quedar mal parado.

Aparte de sus discos con Deep Purple, Trapeze, HughesTurner, etc.. tiene una carrera en solitario encomiable, sobre todo a partir de los años noventa cuando por fin se rehabilitó de sus adicciones a las drogas.

Discos como “Music for the Divine”, “First Underground Nuclear Kitchen”, “Adicction” o “Songs in the key of Rock” son representativos de este fenomenal músico y grandes discos todos ellos, diferentes entre si y unidos por un gran sentido de honestidad que los hace únicos en su especie. Por no mencionar otra vez su calidad como vocalista. Pero quiero hablar aquí de un disco que para mi representa mejor que ningún otro en su trayectoria en solitario, lo que es Glenn Hughes en estado puro y ese

no es otro que “Soul Mover”, en el cual contó con las colaboraciones de Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y Dave Navarro (Red Hot Chili Peppers y Jane´s Addiction) respectivamente. En este álbum consigue aunar y fusionar con gran éxito todas y cada una de sus principales influencias (Rock, Soul, Funk, Blues, Hard-Rock). Empezando por el tema título, una declaración de principios con un ritmo hard-funk con brillante solo de Dave Navarro y prodigiosa (otra vez) voz de Glenn, hasta “Orion” evocadora e hipnótica con un ritmo muy marcado zeppelinesco e interpretación cadenciosa de Hughes llevándonos a la gloria, pasando por las Hard-Rockeras “She Moves Ghosty” y “High Road”, la funky “Dark Star” con un estribillo de esos que se te quedan en la memoria y ritmo contagioso que te hará mover la cabeza sin parar, y mi favorita del disco “Change Yourself” medio tiempo increíble donde Hughes nos demuestra que es uno de los mejores cantantes de la historia. Una autentica obra maestra con mayúsculas.

Como él muy bien dice, Dios le dio un don y pese a que soy agnóstico, oyéndole cantar no tengo más remedio que creer en lo que nos cuenta. Hay pocos cantantes de su maestría y calidad. Hoy más que nunca necesitamos cantantes de la vieja escuela como él, ya que es una especie en vías de extinción y por lo que se ve y se oye, no existe un relevo generacional y eso sí que es preocupante . Apelemos a sus palabras y que Dios nos lo conserve veinte años más por lo menos.

LOS IMPRESCINDIBLES > Trapeze - Medusa > Deep Purple - Burn (toda su discografía en Purple es imprescindible) > Hughes/Thrall - ‘Hughes/Thrall’ > Black Sabbath - Seventh Star > Glenn Hughes - Soul Mover > Hughes/Turner - HTP > Black Country Communion - Black Country Communion

Próxima entrega: Freddie Mercury

Compañero lector, amigo en el rock, pocas veces un fan siempre nos ganará y sabrá mas detalles de sus artistas favoritos. Basta suscricomo esta un columnista ojeará con el mismo in- birse a cualquier RSS de cualquier canal guiri para que nuestra misión de investigar, terés que cualquier persona que ojee esta revista analizar, descubrir o cribar se diluya como un azucarillo en un mañanero y somnoliento -en este caso tú-. La razón, muy sencilla de hecho, café. Repetimos como papagayos lo que charts anglosajones facturan, descontextualicon los ojos bien abiertos estoy esperando que zándolo en forma de webzine. nazca esta publicación y con los mismos estaré Roberto, Javier y Sergi tienen que trascender lo hecho hasta ahora, no es su derecho, leyéndola y saboreando su contenido cuando por es su deber, pues tanta es la responsabilidad. Revolver en Castellano debe suponer un fin, tras tanto tiempo de espera consiga hacer- soplo de aire fresco a una escena escuálida a la que le esperan años peores. Tienen me con un ejemplar espero que ya no en mucho que trascender Heavy Rock, Metal Hammer o la propia Kerrang (las cabeceras que MC tiempo.

Ediciones cerró tras el concurso de acreedores). Tienen que crecer de las cenizas de y Sinceramente, confieso que mis expectativas son convertirse en un modelo y referente para el futuro. muy altas. No en este primer número que ahora Cerrando la cuadratura del círculo, una de las primeras misiones para hacerlo ya está ve su andadura, sino en la aventura en sí en la en el tapete aunque ellos aún no lo sepan. El rock ha muerto, y lanzo este órdago al que se embarcan estos tres titanes, Roberto Vi- que me resisto a creer con el fin de remover las conciencias; la mía, la tuya lector, y llandiego, Javier Bragado y Sergi Ramos, unos la de ellos mismos. Está muerto cuando seguimos hablando de Metallica, AC/DC, Iron fenómenos que encaran a partes iguales con Maiden o Green Day como si viviéramos anclados 10 años atrás. Está muerto porque no optimismo, ilusión y necedad, por qué no decir- apostamos por savia nueva, porque ni siquiera llegamos a creer en ella y cargamos en los mayores el peso de tirar el carro, un peso que dicho sea Por RUBÉN GONZÁLEZ lo, un futuro que desde hace mucho BIO de paso nunca han rechazado y por ello están donde están. tiempo no nos per- Rubén González: Licenciado en Periodismo. Después de 7 Estoy harto de entrevistas tipo hechas por e-mail, de crítitenece a ninguno. Es un momento crucial para el periodis- años dirigiendo el Embrujo, publicación gratuita en Madrid cas tan ortodoxas como aburridas, que denotan la soberbia mo y cualquier iniciativa se convierte en hercúlea. del periodista, que demuestra su vasto conocimiento tanto de música, cine, teatro, viajes o moda, se lanzó en solitaDeben crecer no por ellos, sino por todos, el periodismo rio editando Club de Música en otoño de 2010, un medio que en el género musical como en la extensa biografía de la echa el cierre al igual que numerosas cabeceras, y si es recupera la vieja esencia de Melody Maker o New Musical banda, tras un vistazo rápido a la wikipedia, permítanme musical, más y desde hace más tiempo. Si los músicos Express, con un formato que recuerda al New York Times o a la ironía. Necesito pasión en cada texto, necesito creer que sólo pueden soñar a vivir de esto, legítima y dignamente, El País, convirtiéndose en algo nuevo para respirar y reflejar estoy vivo cuando leo una entrevista o columna, de la mispara los periodistas musicales es prácticamente una qui- la esencia de lo que ocurre en las calles de Madrid. Todos los ma manera que necesito creer que el periodista de turno mera. Y en gran parte porque los propios periodistas nos lo géneros, todos los artistas, toda la música de calidad tiene también lo está. Necesito creer que cuando alguien me hemos buscado. ¿Qué tipo de periodismo debemos hacer cabida en sus páginas gratuitas. habla de la nueva revolución blanca, de verdad crea en ello. hoy en día? Un blog hecho en wordpress como hobby por

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BULLETIN FESTIVALES Llega el buen tiempo y con él esos festivales que nos hacen las altas temperaturas mucho más llevaderas. Este año se prevée de vértigo para todos los amantes de la música en directo al aire libre. Hay mucho y muy bueno donde elegir así que aquí va un repaso con los festivales más importantes.

NACIONALES AZKENA ROCK FESTIVAL

Lugar: Mendizabala, Vitoria.

Fecha: 14, 15 y 16 de Junio.

Artistasconfirmados: Ozzy Osbourne Y Amigos, Lynyrd Skynyrd, Status Quo, Blue Öyster Cult, Dropkick Murphys, Pentagram, Graveyard, Israel Nash Gripka, Porco Bravo, Black Label Society, Danko Jones, Gallows, Gun, The Screaming Tribesmen, Lüger, Pontus Snibb 3, Lions In The Street , Willis Drummond, Liasbö, Virgen Blanca, Charles Bradley, The Darkness, My Morning Jacket, Hank 3, North Mississippi Allstars Duo, Brian Jonestown Massacre, Ben Kweller, Frank Turner And The Sleeping Souls, Sallie Ford & The Sounds Outside, The Union, Triggerfinger

LEYENDAS DEL ROCK

Lugar: C. Público Río Segura (Beniel).

Fecha: 17 y 18 de Agosto.

Artistas confirmados: Medina Azahara, Obus, Saratoga, Lujuria, 037/Leo, Saurom, Dünedain, Noctem, Vhaldemar, Hybris, Steel Horse, Centinela, Sphinx, Vita Imana, Warcry, Banzai, Rosa Negra, Angelus Apatrida, Azrael, Iron Curtain, Stratovarius.

BILBAO BBK LIVE 2012

Lugar: Kotamendi, Bilbao Fecha: 12,13 y 14 de Julio.

Artistasconfirmados: The Cure, Snow Patrol, Vetusta Morla, The Gift, Noah And The Whale, Band Of Skulls , Lori Meyers, The Kooks, Glasvegas, Warpaint, Garbage, Bloc Party, Mumford & Sons, The Jon Spencer Blues Explosion , The Maccabees, Radiohead , Four Tet, Corizonas, Enter Shikari, The Inspector Cluzo & The Fb´S Horns , Pure Love, Zea Mays , Here We Go Magic, Zoé, Ben Howard, Tribe, Young Guns

AUPA LUMBREIRAS

Lugar: Villena, Alicante Fecha: 13 y 14 Julio 2012 Artistas confirmados: Pennywise (única fecha en España), Eskorzo, Trashtucada, Los Chikos Del Maiz, Mata Tiempo, La Pegatina, Betagarri, Inoxidable, MCD, Habeas Corpus, Poncho K, Gritando En Silencio.

VIÑA ROCK 2012

Lugar: Villarobledo, Albacete.

Fecha: 28, 29 y 30 de Abril.

Artistas confirmados: Barricada, Boikot, Narco, Kaótiko, Mala Reputación, La Pegatina, Obrint Pas, The Locos, Barón Rojo, Su Ta Gar, Koma, O37 /Leo, Despúes De Todo, Nach, Duo Kie, La Fuga, Reincidentes, Def Con Dos, Sinkope, Mama Ladilla, Los De Marras, O´Funkillo, The Toasters, Che Sudaka, Gojira, Terapy?, Non Servium, Fuckop Family , Vita Imana, Rosendo, Los Suaves, El Último Ke Zierre, Gérmenes, Sober, Hamlet, Obús, Hora Zulú, Skunk D.F.

ROCK IN RIO MADRID

Lugar: Arganda del Rey, Madrid.

Fecha: 29 y 30 de Junio y 5, 6 y 7 de Julio Artistas confirmados: Red Hot Chili Peppers, Incubus, Deadmau5, Lenny Kravitz.

SONISPHERE

Lugar: Getafe, Madrid.

Fecha: 25 y 26 de Mayo Artistas confirmados: Metallica, The Offspring, Slayer, Soundgarden, Evanescence, Machine Head, Mastodon, Within Temptation, Fear Factory, Children Of Bodom, Kyuss Live!, Gojira, Paradise Lost, Clutch, Orange Goblin, Ghost, Rise To Remain, Skindred, Vita Imana

RESURRECTION FEST

Lugar: Viveiro.

Fecha: Del 2 al 4 de Agosto

Entrando con fuerza COSTA DE FUEGO

Lugar de celebración: Benicassim, Castellón.

Fecha: 20 y 21 de Julio.

Artistas confirmados: MARILYN MANSON, GUNS ‘N’ ROSES, NIGHTWISH, IN FLAMES, OPETH, PARADISE LOST, WARCRY, LACUNA COIL, BARÓN ROJO (formación original), BERRI TXARRAK, KATATONIA, AMORPHIS, CANCER BATS, WE ARE THE OCEAN, HAMLET, STEEL HORSE, NOCTEM...

FEstival que se celebrará en el mismo recinto donde se celebra el FIB. La entrada incluirá camping gratuito junto al recinto y cerca del mar. Serán 3 los escenarios que se montarán y más de 50 las bandas que los pisarán.

Para ampliar información: www.costadefuego.com

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Artistas confirmados: Descendets, At The Gates, Suicidal Tendencies, Hatebreed, Good Riddance, Converge, Suicide Silence, Blood For Blood, Municipal Waste, Agnostic Front, Unearth, Set Your Goals, Mxpx All Stars, Deez Nuts, The Eyes, Crisix

INTERNACIONALES ROCK IN RIO LISBOA

Lugar: Lisboa, Portugal.

Fecha: 25 y 26 de Mayo y 1, 2 y 3 de Junio.

Artistas confirmados: Metallica, Evanescence, Mastodon, Sepultura , Tambours Du Bronx, Linking Park, Smashing Pumpkins, The Offspring, Limp Bizkit, Lenny Kravitz, Maroon 5, Bruce Springsteen & The E Street Band.

Lugar: Clisson, Francia.

Fecha: 15, 16 y 17 de Junio.

Artistas confirmados: Megadeth, Lynyrd Skynyrd, Unisonic, Molly Hatchet , Lizzy Borden, Guns N´Roses, Within Temptation, Sebastian Bach, Uriah Heep, Steel Panther, Crashdiet, Kobra And The Lotus, Ozzy Ozbourne & Friendz, Motley Crüe, Slash, Blue Öyster Cult, Black Label Society, D-A-D, Girlschool, Dropkick Murphys, Turbonegro, Heaven Shall Burn, The Bronx, Street Dogs, Black Bomb A, Hamlet, Betraying The Martyrs, Machine Head, Edguy, Exodus, Sacred Reich, Death Angel , Channel Zero, Gama Bomb, Suicidal Angeles, Lamb Of God, Trivium, Hatebreed, Devildriver, Wall Of Jericho, August Burns Red, All Shall Persish, Do Or Die, Cannibal Corpse, Orbituary, Brujeria, Nasum, Vomitory, Benediction, Entombed, Napalm Death, Aborted, Origin, Necrophagia, Avulsed, Haemorrhage, Rompeprop, Jesus Cröst, Children Of Bodom, Suffocation, Lock Up, Brutal Truth, Insomnium, Dyng Fetus, Blood Red Throne, Amon Amarth, Satyricon, Moonsorrow, Sólstafir, Belenos, In Extremo, Enslaved, Dimmu Borgir, Arcturus, Ihsahn, Vulture Industries, Anaal Nathrakh, Forgotten Tomb, Luturgy, Winterflylleth, Aosoth, Tragedy, From Ashes Rise, Arson Anthem, The Spudmonsters, Discharge, Victims, Vitamin X, Extinction Of Mankind, Strong As Ten, Refused, Darkest Hour, Unearth, Dog Eat Dog, Cancer Bats, October File, Emmure, As They Burn, The Rodeo Idiot Engine, Biohazard, Madball, Strife, Integrity, H20, Death Before Dishonor, Hoods, All For Nothing, Lasting Values, Hank 3, Colour Haze, Orange Goblin, The Anatomic Bitchwax, Saint Vitus , The Devil´s Blood, Yob, Unsane, Big Business.

GETAWAY ROCK FESTIVAL

Lugar: Gävle, Suecia.

Fecha: 5, 6 y 7 de Julio.

Artistas confirmados: Manowar, Yngwie Malmsteen, Nightwish, Raised Fist, Saxon, Amon Amarth, Ministry, Graveyard, Behemoth, Meshuggan, Ghost, Killing Joxe, Black Dahlia Murder, Satyricon, Orbituary, August Burns Red, Raubtier, Cult Of Luna, Black Stone Cherry, Anathema, Lillasyster, Moonspell, Warbringer, God Is A N Astronaut, Skindred, Red Fang, Rosetta, Holy Hell, Triggerfinger , Kings Destroy.

METALCAMP 2012

Lugar: Tolmin, Eslovenia.

Fecha: 5 al 10 de Agosto.

Artistas confirmados: Machine Head, Amon Amarth, Sabaton, Paradise Lost, Kataklysm, Pain, Finntroll, Korpiklaani, Black Dahlia Murder, Korn, Hatebreed, Testament, Edguy.

HELLFEST 2012

WACKEN OPEN AIR

Lugar: Wacken, Alemania.

Fecha: 2 al 4 de Agosto.

Artistas confirmados: Agro, Amaranthe,

Amon Amarth, Aura Noir, Axel Rudi Pell, Circle Ii Circle, Coroner, Cradle Of Filth, D-A-D, Danko Jones Spoken Word, Dark Funeral, Darkest Hour, Dead By April, Decapitated, Delain, Dimmu Borgir, Dirty Rotten Imbeciles, Electric Wizard, Eisenherz, Endstille, Forbidden, Gamma Ray, Gehenna, Ghost Brigade, Graveyard, Hammerfall, Henry Rollins Spoken Word, In Extremo, In Flames, Insomnium, Kamelot, Kylesa, Leningrad Cowboys, Machine Head, Manticora, Massacre, Megaherz, Ministry, Moonspell, Napalm Death, Nasum, Oomph!, Opeth, Overkill, Paradise Lost, Red Fang, Riotgod, Sacred Reich, Saxon, Schandmaul, Scorpions, Sick Of It All, Six Feet Under, Suicide Silence, Sylosis, Testament, The Black Dahlia Murder, The Bosshoss, Udo, Unearth, Volbeat, Warbringer, Warrior Soul, Watain.

BLOODSTOCK OPEN AIR

Lugar: Derbyshire, Inglaterra.

Fecha: 9 al 12 de Agosto.

Artistasconfirmados: Alice Cooper, Dimmu Borgir, Paradise Lost, Deicide, Behemoth, Dio Disciples, Sepultura , Iced Earth, Grand Magus, Lockup, Testament, Hatebreed, Anvil, The Black Dahlia Murder, Corrosion Of Conformity, Orange Globin, Noctiferia, Infernal Tenebra, Rising Dream

In July, All Shall Perish, Cancer Bats, Skeletonwitch, Black Spiders, The Treatment, Kobra And The Lotus.

GODS OF METAL

Lugar: Arena Fiera Milano, Milán, Italia.

Fecha: 22- 24 De Junio.

Artistas Confirmados: Manowar, Children Of Bodom, Amon Amarth, Unisonic, Cannibal Corpse, Holyhell, Adrenaline Mob, Guns N’ Roses, Within Temptation, Sebastian Bach, Killswitch Engage, Black Stone Cherry, Ugly Kid Joe, Cancer Bats, Motley Crüe, Slash, The Darkness, Gotthard, Hardcore Superstar, Black Veil Brides, Lizzy Borden, Ozzy Osbourne & Friends, Opeth, Lamb Of God, Trivium, Devil Driver, August Burns Red, Kobra And The Lotus.

NOVA ROCK

Lugar: Nickesdorf, Austria.

Fecha: 8 al 10 de Junio.

Artistas confirmados: Metallica, Slayer, Nightwish, Evanescence, Linkin Park, Marilyn Manson, Rise Against, The Offspring, Within Temptation, Refused, Lamb Of God, The Gaslight Anthem, Steel Panther, Killswitch Engage, Lagwagon, Devildriver, Shinedown, Limp Bizkit, Billy Talent, Machine Head, Hardcore Superstar

SWEDEN ROCK FESTIVAL

Lugar: Solversborg, Suecia.

Fecha: 6 al 9 de Junio.

Artistas confirmados: Motley Crue, Soundgarden, Twisted Sister, Mötorhead, King Diamond, Bad Company, Lynyrd Skynyrd, The Darkness, Sebastian Bach, Blue Oyster Cult, Mastodon, Dimmu Borgir, Steel Panther, Symphony X, Fish, Sepultura, Gotthard, Edguy, Gamma Ray, Night Ranger, Sabaton, Adrenaline Mob, Axel Rudi Pell, Canibal Corpse, Exodus, Slaughter, Slade, Danko Jones, Electric Boys, Fear Factory, Entombed , Girlschool, Rival Sons, Ugly Kid Joe, Katatonia, The Flower Kings, National Teatern, Exciter, Tygers Of Pan Tang, Return, Pentagram, Orange Goblin, Graveyard, Bonafide, Little Angels, Imperial State Electric, Amorphis, Heat, Sacred Reich, Black Spiders.

GRASPOP METAL MEETING

Lugar: Beretang, Dessel, Bélgica.

Fecha: 22, 23 y 24 de Junio.

Artistas confirmados: Ozzy Ozbourne & Friends, Limp Bizkit, Guns n´ Roses, Motorhead, Slayer, Machine Head, Sabaton, Twisted Sister, Slash, Megadeth, Trivium, Killswitch Engage, Kyuss Lives!, Europe, Pennywise, Hatebreed, Dimmu Borgir, Godsmack, Children Of Bodom, Amon Amarth, Lamb Of God, Black Label Society, My Dying Bride, Sick Of It All, Behemoth, Jon Oliva´S Pain, Gotthard, Sebastian Bach, Devil Driver, Exodus, Paradise Lost, Obituary, Sacred Reich, August Burns Red, Canibal Corpse, Death Angel, Black Veil Brides, Gojira, Unearth, Nausm, Adrenaline Mob, Comeback Kid, H20, Possessed, Ensiferum, The Spudmosters, Alestorm, While She Sleeps, Leprous, Emmure, Winds Of Plague, Texas

Alemania.

Fecha: 1 al 3 de Junio.

Artistas confirmados: Anthrax, As I Lay Dying, Billy Talent, Cancer Bats, Cypress Hill, Die Toten Hosen, Donots, Dropkick Murphys, Enter Shikari, Evanescence, Ghost, Gojira, Graveyard, Halestorm, Kasabian, Killswitch Engage, Lamb Of God, Linkin Park, Machine Head, Marilyn Manson, Mastodon, Metallica, Motörhead, Opeth, Periphery, Rise To Remain, Rival Sons, Shinedown, Soundgarden, Steel Panther, Tenacious D, The Hives, The Offspring, Trivium.

ROCK AM RING

Lugar: Circuito de Nurburgring, Nurburg,

GROEZROCK 2012

Lugar: Meerhout, Bélgica.

Fecha: 28 y 29 de Abril.

Artistas confirmados: Refused, Rancid, Simple Plan, Lagwagon, Thrice, Good Riddance, Alkaline Trio, Unearth, Gorilla Biscuit, Terror, Anti-Flag, 7Seconds, Hot Water Music, Motion City Soundtrack, The Bronx, Mxpx All Stars, Slapshot, Cobra Skulls, You Demise, Architects, Dys, The Dangerous Summer, Zebrahead, Old Firm Casuals, Make Do & Mend, Tommy Gamesl, Wolves Kike Us, Sunpower, Dave Ahyse, Kevin Seconds, Mike Herrera, Face To Face, Yellowcard, Lifetime, Heideroosjes, Parkway Drive, Hazen Street, The Dillinger Escape Plan, Heaven Shall Burn, Bouncing Souls, Set Your Goals, Reel Big Fish, Evergreen Terrace, Verse, The Ghost Inside, None More Black, The Wonder Years, Belvedere, Gallows, Off With Their Heads, For Todays, We Are The In Crowd, The Copyrights, Vienna

A viajar se ha dicho DOWNLOAD FESTIVAL

Lugar de celebración: Donington Park.

Fecha: Del 8 al 10 de Junio.

Artistas confirmados: METALLICA, SOUNDGARDEN, BLACK SABBATH (única actuación en Europa), MEGADETH, MACHINE HEAD, BILLY TALEN, NOFX, FEAR FACTORY, CANCER BATS, SLASH, NIGHTWISH, EUROPE, TERRORVISION, LAMB OF GOD, BLACK LABEL SOCIETY, FIVE FINGER DEATH PUNCH, DEVILDRIVER, RISE AGAINST, DROPKICK MURPHYS, SHINEDOWN, TRIVIUM, SAXON, AS I LAY DYING, BIFFY CLYRO, THEORY OF A DEADMAN, TURBONEGRO, ANTHRAX, UGLY KID JOE, SEBASTIAN BACH, AUGUST BURNS RED, HALESTORM, FOZZY, SOIL, THE TREATMENT, COREY TAYLOR, GUN, PERIPHERY, FIREWIND...

Para ampliar información: http://www.downloadfestival.co.uk

AMON AMARTH 17 Junio - Sevilla - Sala Custom ANGELUS APATRIDA 24 Abril – Madrid – Marco Aldany (showcase) 25 Abril – Barcelona – Sidecar (showcase) 29 Septiembre – Barcelona – Apolo 30 Septiembre – Almassera – rock City 5 Octubre – Valladolid – Porta Caeli 19 Octubre – Málaga – Eventual Music 26 Octubre – Bilbao – Kafe Antzokia 27 Octubre – Madrid – Rock Kitchen BERRI TXARRAK 20 Abril - Vitoria- Gazteiz - Jimmy Jazz 18 Mayo - Granada - El Tren 19 Mayo - Sevilla - Fanatic BRUCE SPRINGSTEEN + E STREET BAND 13 Mayo - Sevilla - Estadio Olímpico 17 Mayo – Barcelona - Estadi Olímpic 2 Junio - San Sebastián - Estadio Anoeta 17 Junio - Madrid - Estadio Santiago Bernabeu CANNIBAL CORPSE + AMON AMARTH 16 Junio – Barakaldo - Rockstar 18 Junio - Madrid - Riviera DELTA SAINTS 17 Junio - Madrid - Sala El Sol DIE APOKALYPTISCHEN REITER 28 Abril - Barakaldo - Rockstar Live 29 Abril - Madrid - Sala Arena 30 Abril - Barcelona - Razzmatazz 2 EPICA 19 Abril - Barcelona - Razzmatazz 20 Abril - Madrid - La Riviera JUDAS PRIEST + BLIND GUARDIAN + U.D.O. 15 Mayo - Madrid - Palacio Vistalegre 16 Mayo - Barcelona - Sant Jordi Club 18 Mayo - Sevilla - Auditorio Rocío Jurado 20 Mayo - Donosti - Velódromo Anoeta KILLING JOKE 17 Abril - Barcelona - Sala Music Hall KORPIKLAANI + TROLLFEST 12 Abril – Barakaldo – Rockstar Live 13 Abril – Barcelona – Razzmatazz 2 14 Abril – Madrid – Caracol 15 Abril – Santiago de Compostela – Capitol 18 Abril – Sevilla – Fanatic 19 Abril – Almassera – Rock City LAGWAGON 19 Abril – Madrid – Arena 20 Abril – Barcelona – Razzmatazz 2 21 Abril – Bilbao – Santana 27 LAMB OF GOD 19 Junio – Madrid – La Riviera 20 Junio – Barcelona – Razzmatazz 2 MINISTRY 24 Julio - Madrid - Riviera 25 Julio – Barakaldo - Rockstar PRIMAL FEAR + BRAINSTORM 19 Abril – Madrid – Ritmo y Compás 20 Abril – Aviles – Quattro 21 Abril – Huesca – Palacio de Congresos 22 Abril – Villava-Atarrabia – Totem RAGE + TYR + COMMUNIC + SCAR OF THE SUN 5 Abril – Madrid – Caracol 6 Abril – Almassera – Rock City 7 Abril – Villava – Atarrabia – Totem RANCID 30 Julio – Barcelona – Sant Jordi Club 31 Julio – Madrid – Palacio Vistalegre RHAPSODY OF FIRE 1 Abril – Villava – Atarrabia – Totem 2 Abril – Madrid – Cats 3 Abril – Hospitalet de Llobregat – Salamandra SEPULTURA 21 Junio – Murcia 22 Junio – Barcelona 23 Junio – Vilaseca 24 Junio – Granada – El Tren 26 Junio – Sevilla – Custom 27 Junio – Logroño – Norma 28 Junio – Vitoria-Gasteiz – Jimmy Jazz SOZIEDAD ALKOHOLIKA 30 Marzo - Guadalajara - Sala Óxido 31 Marzo - Burgos - Sala Hangar TEXTURES 30 Marzo – Barcelona – Mephisto 31 Marzo – Madrid – La Sala Live!

THE TOY DOLLS 4 Mayo – Barcelona – Razzmatazz 5 Mayo – Barakaldo – Rockstar Live 6 Mayo – Oviedo – Tribeca 7 Mayo – Santiago de Compostela – Capitol 9 Mayo – Madrid – La Riviera 10 Mayo – Granada – El Tren 11 Mayo – Villareal – Gossip 12 Mayo – Salt – La Mirona

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DESCUBRIENDO A...

Texto: Roberto Villandiego

Después de unos cuantos EPs autofinanciados por fin los fineses FOR THE IMPERIUM lanzan su primer disco homónimo, todo un deleite para los tímpanos más revoltosos. Este fue el que nos impulsó a localizar a VILLE (guitarra) para que nos acercase más a las entrañas de una de las bandas nóveles más excitantes del momento.

Es difícilísimo encontrar información de la banda. ¿Podrías hacernos una pequeña biografía?

“Nos juntamos a finales del año 2008.

Nos hicimos un EP autofinanciado que nos sirviera de promoción y dimos nuestro primer conciertos a principios del 2009 así que llevamos unos 3 años juntos ahora. Antes de este primer disco hemos hecho 3 Eps autofinanciados y llevaremos unos 80 conciertos”.

Ah, vale, por eso en Youtube puedes encontrar el vídeo de “Breathing Life With You”, la cual no va en el disco.

“Eso es”. ¿En algún momento os planteasteis el recuperar esas viejas canciones para meterlas en el disco?

“Por un momento sí que nos planteamos el regrabar alguna canción de las antiguas. De hecho, “Breathing Life With You” fue una de las que nos planteamos e incluso la compañía nos sugirió meterla en el disco pero al final preferimos que todo fuese material nuevo”.

Estoy de acuerdo con vuestra hoja de promoción en la que dice que es muy difícil etiquetaros. Hay partes que recuerdan a Rush y otras a Glassjaw ¿Cuál es vuestro bagaje musical?

“A mí, a título personal, siempre me ha gustado el Rock de los 70 y el Rock Progresivo y después me interesé por el Hip Hop y la música Funky. Me gustan muchos estilos diferentes. Es más, ahora mismo ni siquiera escucho Metal. El hecho de que sonemos totalmente distintos al resto, o al menos eso esperamos, es porque no somos tíos que escuchen Me-

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tal sino que somos chavales con distintos gustos musicales haciendo Metal”.

Sois muy jóvenes pero está claro que tenéis una formación muy clásica, que habéis estudiado vamos.

“Sí, todos hemos ido a escuelas de música pero también podíamos haber aprendido por nosotros mismos. De hecho, una vez que has estado en la escuela tienes que olvidarte de todo lo que has aprendido para volver a aprender de nuevo por tu cuenta. Es como aprender muchos estilos de música para luego olvidarlos y poder hacer tu propia música. Esa es la manera de no pararte en algo que ya se haya hecho antes”. ¿Qué es lo más importante para vosotros: la técnica o el feeling?

“El feeling, por supuesto. Eso tiene que primar siempre. La técnica tienen que ser una especia en la mezcla”.

La portada también me ha recordado a los viejos vinilos de finales de los ’70 o principios de los ’80. ¿Queríais también algún tributo a alguien?

ASÍ SUENAN

“Sí que tiene ese rollo pero no es ningún tributo. Digamos que le dimos total libertad a la artista que la ha hecho, Maria Ahonen, y luego nosotros hicimos algunos retoques. Lo único que le dijimos fue que hiciese una foto del disco, de la música, de lo que le evocara y nos trajo eso”.

O sea, que la visión que tuvo era la de una mujer cortada en pedazos. Interesante.

(Risas) “Sí, lo es. Pensó en una mujer despiezada pero también en una playa, en palmeras así que no tiene nada que ver con algo violento”.

He estado viendo algunos videos vuestros en Youtube y la verdad es que se os ve igual de locos que en el disco.

“Practicamos muchísimo para que salgan a la perfección y tienen que ser así porque con la música que hacemos no pueden ser de otra manera. Si das un concierto haciendo el tipo de música que hacemos For This Imperium lo primero es que tiene que sonar a la perfección y lo segundo es que tienes que dar un espectáculo muy loco. Es lo que nosotros pensamos”. ¿Qué tal están respondiendo el resto de

For The Imperium For The Imperium (Listenable Records)

Es tremendamente agradable encontrarse con un disco debut en el que no hay nada establecido. Los fines FOR THE IMPERIUM han dado rienda suelta a su locura colectiva en un disco en el que nos encontramos una depurada técnica creativa y una desbordante mala leche metalera que lo hace tremendamente adictivo.

Desde el inicio con “Ignition” te encuentras inmerso en una espiral musical en la que las partes más agresivas no están para nada reñidas con las partes más técnicas y las melodías.

For this Imperium suenan como si juntásemos a Rush con Faith No More (la voz de Hakim Hietikko recuerda muchas veces a la de Patton), con Glassjaw o con unos salvajes Hatebreed. ¿Raro no? Pues por eso suenan excitantes. ROBERTO VILLANDIEGO

medios a nivel europeo con respecto a vuestro debut?

“Pues la verdad es que está funcionando muy bien. Lo que sí nos estamos encontrando es que no está habiendo reseñas intermedias. Es decir, hay periodistas que han dicho que es brillante y hay otros que han comentado que lo que hemos hecho es ir demasiado lejos, que nos hemos pasado pero la mayoría están siendo críticas muy buenas”.

Es muy posible que este disco se propague como la pólvora. Eso os supondría un cambio de vida aplastante. ¿Estaríais preparados si eso ocurre?

“Sí, estamos preparados para lo que venga. Aunque seamos una banda muy joven tenemos todos experiencias anteriores en el negocio de la música así que no es nuevo para nosotros dar conciertos y de gira.

Obviamente no somos famosos ni nada por el estilo pero sí que estamos listos”.

Hay muchas bandas a las que eso les pilla de forma inesperada. Lanzan un primer disco y les salen giras por Alemania, Francia, etc… y se dan cuenta de que no pueden hacerla porque uno de los miembros a lo mejor está estudiando y no puede ir.

“Sé a lo que te refieres y nosotros es algo que también hemos discutido porque tres de nosotros estamos estudiando música y uno está trabajando pero en un momento dado podríamos dejarlo todo para hacer una gira. Eso no sería un problema.

Si mañana nos saliese una gira europea podríamos hacerla sin problemas porque esto es ahora mismo lo más importante en nuestras vidas.

COREY TAYLOR pasó de ser dependiente en un sex shop a ponerse la máscara de uno de los grupos más salvajes de la historia: SLIPKNOT. Con ella mantuvo durante unos años el anonimato sacando todas la frustraciones que lo consumían por dentro hasta que retomó STONE SOUR y nos mostró su lado más humano, ese en el que dejaba ver sus miedos.

Han pasado ya algunos años desde que la banda de Des Moines lanzara su primer disco oficial y era momento de hacer balance, de retroceder en el tiempo. Él lo ha hecho en el libro ‘Seven Deadly Sins’, nosotros llamándole a él para hacerle algunas preguntas retrospectivas tocando algunas cosas turbulentas. Aquí va la conversación que mantuvimos con el vocalista en total exclusiva.

Texto: Roberto Villandiego / Sergi Ramos Fotos directo: Javier Bragado Fotos: Archivo 12

Me gustaría que hagamos una especie de retrospectiva de carrera pero antes no puedo evitar preguntarte por ‘Seven Deadly Sins’. ¿Cómo te sientes como escritor?

“Pues precisamente eso es algo sobre lo que he estado pensando hoy porque creo que a título personal es como si hubiese dado una zancada. Realmente siento que finalmente he sido capaz de escribir lo que llevo en la cabeza y lo que siento y ha salido exactamente lo que quería decir.

Cuando empecé a escribir había una lucha constante entre lo que pensaba y sentía y lo que simplemente estaba tratando de decir. Como escritor he estado durante años intentando que esos dos árboles se juntasen y una vez que lo he logrado se ha convertido en algo casi automático y eso ha sido muy revelador, muy emocionante. Ha hecho que todo fluya, convirtiendo la escritura en algo más orgánico. Creo realmente que es ahora cuando estoy escribiendo cosas realmente buenas”. ¿Crees que un paso importante lo pudiste dar con “Omega”? (ndr. es un speech de Corey cerrando el primer disco de Stone Sour. Como un spoken Word dentro del disco) “Es posible pero ha sido más una cuestión de dedicarle mucho tiempo hasta llegar aquí. Son años y años de practicar, de probar y errar, para finalmente ser capaz de lograrlo. Quizás también sea un reflejo de cómo estoy ahora mismo en mi vida, tanto a nivel privado como público.

Me ha llevado muchísimo tiempo llegar a este lugar pero ahora me siento muy bien”.

Como te he comentado me gustaría que hiciésemos una retrospectiva de lo que ha sido tu carrera hasta ahora. He leído que cuando empezaste incluso hubo una vez que tocasteis en el mismo cartel Stone Sour y Slipknot y antes de que te unieras a la banda.

“Así es”.

Pero al principio Slipknot no tenían esa imagen tan macabra que teníais en el primer disco. Era algo como inspirado en el sado.

“Sí tío” (risas).

En vista a eso ¿qué fue la primera impresión cuando te ofrecieron unirte a Slipknot?

“Pues fue muy interesante. Yo en aquellos momentos estaba trabajando en un Sex Shop en donde vendíamos porno y de pronto entraron ellos. Tengo que reconocer que nunca había visto a los tíos de Slipknot fuera de lo que eran los shows que habíamos dado juntos. Sólo nos conocíamos de haber tocado juntos y de habernos saludado en camerinos así que no estaba muy seguro del por qué estaban allí. Simplemente pensé “oh tío, mola”, me fui a saludarles y a ver cómo iban las cosas porque andaban dando vueltas por la tienda porque no se atrevían a venir a hablar conmigo directamente. Sé que existe por ahí una leyenda, un gran mito, según el cual ellos vinieron y me patearon el culo amigablemente para que me uniese a la banda pero eso es totalmente mentira. Estaban todos bastante nerviosos cuando entraron para serte sincero pero no necesitaban convencerme porque me uní inmediatamente y luego probé a dar un concierto con ellos. Quizás no fuera de forma tan espontánea como te lo digo pero unas dos semanas antes habíamos hablado los chicos de Slipknot y yo y sabíamos que yo estaba destinado a ser su vocalista. Creo que tenía sentido porque la primera vez que les vi tocar hubo algo en mi cabeza que hizo “click”. Me dije a mí mismo que yo debería ser el cantante de esa banda y año y medio después lo era. Yo tenía la corazonada de que iba a estar ahí pero me faltaba el poder palparlo y eso no lo tuve hasta que no di aquel primer concierto”. ¿Cómo fue además empezar a trabajar con ellos? Stone Sour es una banda más tradicional pero ellos llevaban a dos percusionistas, un DJ… debía ser un poco locura ¿no? “¡Qué va! Molaba mucho, además de que aprendí muchísimo cuando me uní a Slipknot. Jamás había visto a una banda trabajar tan duro anteriormente. No te hablo solo en relación a aspectos musicales o de directo. Todo lo que hacían tenía que ser para dar el siguiente paso.

Todos los días, aunque no hubiese conciertos a la vista, ensayábamos y todos los días había algún trabajo que hacer, ya fuese enviar demos a discográficas o intentar que la gente viniese a vernos tocar. Todo tenía sentido y jamás había visto a una banda trabajar tan duro antes y aquello fue muy inspirador. Estando en Stone Sour pensaba que estábamos trabajando duro pero cuando entré en Slipknot me di cuenta de que ellos sí que lo hacían realmente. Estaban a años luz de lo que hacíamos nosotros y fue alucinante. Siempre digo que fue una de las primeras bandas que tuvo su propia página web. Hablamos del 96 que era cuando solo las bandas muy, muy, muy grandes tenían página web y ahí de repente estaban Slipknot. Son de ese tipo de cosas que cuando reparas en ellas piensas “joder, todo tiene un maldito sentido”.

Yo aprendí muchísimo entrando en la banda”.

Vuestro primer álbum tuvo un éxito inmediato. ¿Os lo esperabais? Es más, recuerdo que ‘Slipknot’ salió junto al ‘Burning Red’ de Machine Head y ya sabes cómo funcionan las compañías discográficas. Es muy posible que si editas un disco debut justo en el momento en el que una grande edita el suyo pasen de ti y les den prioridad a ellos. ¿Teníais algún miedo de que pasase eso?

“Tienes razón y esas cosas pasan pero nosotros en ningún momento nos preocupamos porque estábamos emocionados por el simple hecho de que nos diesen esa oportunidad. De hecho, no esperábamos ese éxito tan inmediato y no nos imaginábamos que fuera a pasar tan rápido.

Para lo que sí estábamos preparados era para trabajar, para salir a ganarnos nuestro sitio, para

FUE UNA NECESIDAD EL HACER AQUELLA PRIMERA GIRA COMO CABEZAS DE CARTEL PORQUE NADIE QUER�IA GIRAR CON NOSOTROS 13

DE REPENTE ME ENCONTRE A MI MISMO EN UNA POSICION EN LA QUE MIS VICIOS ERAN LOS QUE ME CONTROLABAN A MI Y NO ERA YO EL QUE CONTROLABA MIS VICIOS�.

ganarnos el respecto, para ganarnos una base de fans, para ganarnos todo. Hubiésemos sido una banda tremendamente feliz si sólo hubiésemos llegado a ser disco de oro y teniendo fans que quisieran venir a nuestros conciertos. Realmente eso último era lo que más nos preocupaba y en lo que más pensábamos y sabíamos que nos iba a llevar nuestro tiempo lograrlo y que teníamos que trabajar duro. Sin embargo, eso llegó todo muy rápido y nos quedamos flipados. Era como “¿pero qué coño ha pasado? ¿de verdad?”. Fue una auténtica sorpresa. Recuerdo estar recibiendo, seis meses después de que se editara el disco, una placa en la que decía que éramos Disco de Oro y no podía creérmelo. Era como “venga va, ¿de verdad?” (risas). Sólo un año después teníamos la placa del Disco de Platino (un millón de copias vendidas) y luego unos meses después ya había sido doble Disco de Platino y estábamos todos como “¿está pasando de verdad?”.

Estábamos todos alucinados aunque también es cierto que todo aquello, por no estar preparados, nos jodió las cabezas y vivimos momentos de mucha locura, a nivel personal y privado, pero fue algo que también usamos en el siguiente álbum. Queríamos usar todo lo que teníamos para avanzar al siguiente nivel, incluso lo malo”.

Recuerdo que yo os vi en aquella gira y, aunque muy intenso, fue muy corto. De hecho, si no recuerdo mal, ya tocasteis “People=Shit” porque no teníais repertorio. Yo no sé si la banda estaba realmente preparada para hacer una gira en condiciones como cabezas de cartel.

“Tienes razón pero también fue una necesidad el hacer aquella primera gira como cabezas de cartel porque nadie quería girar con nosotros. Hicimos el Ozzfest y luego empezamos una gira con Coal Chamber pero nos apartaron muy pronto y luego nadie nos quería llevar con ellos porque no querían tener esa competencia. Nadie quería girar con nosotros porque volábamos el escenario básicamente y fue duro. Lo que dijimos fue “que les jodan” y empezamos a hacerlo todo nosotros mismos de la manera en la que queríamos hacerlo y fue genial poder asumir ese reto porque aprendimos sobre la marcha. Aprendimos todo lo que teníamos que aprender un poco a la fuerza pero al mismo tiempo nos dimos cuenta de que estábamos casi preparados para ser cabezas de cartel. Has mencionado “People=Shit” y la tocamos porque escribimos ‘Iowa’ mientras estábamos de gira presentando el primer disco y hay muchas cosas que las escribimos muy rápido. Había muchas cosas que teníamos ya listas antes de estar en el estudio. Todo lo que estaba pasando además nos estaba jodiendo de alguna manera así que era un buen momento para ir presentando “People=Shit” aunque hasta que no vino Ross Robinson a ver el material que teníamos no terminamos realmente el tema”.

Ahora que lo mencionas. Él hizo la producción de vuestros dos primeros discos y era un tándem que funcionaba bien. ¿Por qué no volvisteis a trabajar con él?

“Pues no es que no quisiésemos por algo específico porque adoramos a Ross pero al mismo tiempo sabíamos que si queríamos evolucionar y expandirnos teníamos que trabajar con alguien distinto. Esa es la única manera de la que pue-

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des evolucionar como artista, la de trabajar con alguien que esté fuera de tu zona de confort. Nosotros ya sabíamos lo que era trabajar con Ross y lo que podíamos esperar de él y necesitábamos alejarnos. Para nosotros era necesario salir de esa zona de confort e intentar cosas distintas y no hubiésemos sido capaces de hacer un disco como ‘Vol. 3’ si hubiésemos seguido con él. No fue que tuviésemos ningún problema porque le queríamos a morir y aún sigue siendo así pero ya habíamos aprendido todo lo que podíamos aprender y necesitábamos encontrar a otra persona de la que pudiésemos seguir aprendiendo”.

Recuerdo que cuando editasteis ese disco hice una entrevista con Paul (Gray) y me comentó que habías trabajado durísimo en las letras de ese disco. La evolución musical, tanto en Slipknot como en Stone Sour, es evidente y la puedes escuchar disco a disco pero tú, a título personal ¿cuál ha sido el disco más difícil de hacer a nivel de letras?

“Pues para mí ‘Vol.3’ fue un momento crucial porque, si te soy sincero, con él di el primer paso para cambiar mi vida y llevar la que llevo ahora.

Fue importante porque intenté buscar mi voz sin estar puesto, encontrar mi voz siendo padre y haciéndome más responsable como persona y siendo todo lo responsable que puedes ser en esta industria. Había llegado a un punto en mi vida en el que tenía que cambiar porque estaba terminal. Estaba luchando contra mi adicción al alcohol y a diversas sustancias y tenía que salir corriendo de aquella tumba. De repente me encontré a mi mismo en una posición en la que mis vicios eran los que me controlaban a mí y no era yo el que controlaba mis vicios. Me estaban controlando así que estaba en un momento muy vulnerable del que tenía que salir y fue un camino larguísimo hasta que volví a sentirme saludable de nuevo.

En muchos sentidos ‘Vol. 3’ fue la primera experiencia con lo que era escribir con la cabeza despejada y limpia, escribir con otra actitud porque me encontraba con un estado de ánimo distinto. Ya no era todo odio y oscuridad sino que intenté encontrar ese lado más luminoso, de encontrarle el lado positivo a todo. El resultado se tenía que alejar mucho de las letras sanguinolentas que había hecho hasta ese momento porque ya las había hecho y era el momento de hacer algo distinto y ‘Vol. 3’ fue el primer paso para ello”.

Siempre he creído que utilizabas las letras en Stone Sour para expresar sentimientos más personales y que en las de Slipknot expresabas lo que te

jodía de forma más global. Sin embargo en ‘Vol. 3: The Subliminal Verses’ creo perdiste un poco esa dualidad. Incluso en ‘All Hope Is Gone’ hay temas como “Dead Memories” o “Snuff” en los que al final has escrito sobre cómo te sientes y no has podido separar Slipknot de Stone Sour.

“Es una buena visión pero creo que la diferencia entre las dos bandas es que en Slipknot saco todas mis frustraciones. Mi lado más visceral. Slipknot es algo tan volátil que puede explotar en cualquier momento. Stone Sour es algo más retrospectivo. No es que sea demasiado melancólico pero sí que hay más reflexiones en las que siempre hay una opción. Yo creo que esa es la mayor diferencia

Aquí van, por orden cronológico los álbumes que ha lanzado Corey Taylor. No hemos incluido DVDs ni directos.

SLIPKNOT

SLIPKNOT

STONE SOUR

SLIPKNOT

STONE SOUR

SLIPKNOT

STONE SOUR

Fue su irrupción en el panorama internacional. No sólo parecían estar locos sino que su música llevaba al extremo las enseñanzas de Slayer. Una auténtica bomba sonora que te estalla en la cara y que te deja sin aliento.

Escucha: “Wait And Bleed”, “Spit It Out”, “Eyeless”, “Surfacing”...

Más que el grado de locura conserva el lado agresivo de la banda e incluso lo llevan al límite. Ross Robinson le metió mucha contundencia a un disco en el que ya se dejaban ver muchas más melodías que en su predecesor: Escucha: “Left Behind”, “My Plague”, “Everything Ends” y “Disasterpiece”

Corey recuperaba a la que había sido su banda de juventud para editar (en principio) aquel primer álbum que jamás vio la luz. El álbum suena rudo y con unas estructuras poco trabajadas pero nos muestra la faceta melódica del vocalista.

Escucha: “Orchids”, “Inhale”, “Take A Number” o “Tumult”

Cambio radical en el planteamiento. Los monstruos enmascarados de Iowa empiezan a mostrar sus sentimientos y a orientar su ira.

Pese a no ser tan rabioso como ‘Iowa’ sí que tiene una intensidad brutal.

Escucha: “Duality”, “ Before I Forget”, “The Nameless” o “Vermilion”.

Éste es sin duda la puesta de largo de la banda “otra” banda de Taylor. Canciones más trabajadas y un mejor sonido para un disco que necesita un par de escuchas pero que luego engancha saltándote algunos temas, eso sí.

Escucha: “Made Of Scars”, “Sillyword”, “Cardiff” o “Socio”.

De nuevo hacía acto de presencia la ira más descontrolada en los de Des Moines pero atacando también al oyente con partes melódicas que estaban en la frontera con la otra banda de Corey.

No es su obra más original en cuanto a composiciones.

Escucha: “Psychosocial”, “Dead Memories”, “Sulfur”

Es posiblemente sea el álbum más flojito hasta la fecha de Stone Sour. No está mal pero hay uno exceso de baladas y medios tiempos quizás buscando lo que habían sido “Through Glass” o “Bother”. Eso sí, tiene momentos brillantes aunque poco aprovechados.

Escucha: “Digital”, “Nylon 6/6” y “Hate Not Gone”

Slipknot (1999)

Iowa (2001)

Stone Sour (2002)

entre las dos bandas. Obviamente cuando tienes a un cantante como yo en dos de las bandas más grandes del mundo va a haber comparaciones. Yo tengo distintas voces que puedo usar y evidentemente lo hago pero llega un momento en el que tampoco puedes abusar con lo cual es más difícil encontrar diferencias entre las dos bandas, aunque las haya. Donde sí puedes ver la diferencia realmente es en la forma de escribir, en lo que estoy diciendo en ellas. En Slipknot siempre te encontrarás elementos más peligrosos mientras que en Stone Sour siempre hay soluciones.

Digamos que en Stone Sour hablo de las soluciones y en Slipknot de los problemas”.

Yo usaría Stone Sour para hacer que una chica se enamorase de mí y Slipknot para dejarle claro que la odio.

(Risas) “Eso es. Lo mejor es que en ambas hay canciones que hablan de amor pero de una manera muy distinta (ri-

Vol. 3 : The Subliminal Verses (2004)

Come What(ever) May (2006)

sas). Ya sabes a qué me refiero” (más risas).

Otra de las cosas que diferencian a ambas bandas (básica además) es la máscara. Recuerdo que en el concierto que te comentaba tuve un problema con el photopass y cuando estaba solucionándolo con tu mánager me saludaste pero ¡no sabía que eras tú! Luego me di cuenta por tu tatuaje en el cuello.

Debe ser un poco frustrante lanzar dos tremendos álbumes como son ‘Slipknot’ y ‘Iowa’ y que nadie te pueda felicitar porque nadie sepa quién eres.

Cuando lanzaste el primer disco de Stone Sour ¿se te acercó mucha gente para felicitarte por lo que habíais hecho con Slipknot porque por fin podían ponerte rostro?

“A ver, lo de Stone Sour fue una decisión muy importante para mí pero automáticamente supe que era la decisión acertada. Si me planteé el hecho

All Hope Is Gone (2008)

Audio Secrecy (2010)

de volver a hacer Stone Sour era porque necesitaba hacer algo distinto a Slipknot y necesitaba hacerlo, además, todo de forma distinta. Sabía que una de las primeras cosas que tenía que hacer era quitarme la máscara y no ocultar mi rostro. Sólo haciendo eso iba a traspasar una línea muy visible entre ambas. Sabía que existían algunos riesgos haciendo eso si ponía en marcha Stone Sour pero por otro lado tenía que pasar de esa manera. La única forma que tenía de hacerlo correctamente era esa, que hubiese una gran distinción entre ambas bandas, y claro que perdí el anonimato pero yo creo que ya casi todo el mundo sabía quién era y podían reconocerme de todas maneras por mis tatuajes o por lo que fuese. Además de que tampoco fue una gran sorpresa porque la gente ya había colgado en internet un montón de fotos nuestras así que de todas formas había mucha gente que ya sabía cómo éramos la mayoría de nosotros y contra eso no podíamos hacer nada. Al final del día lo piensas y supongo que mucha gente sabía ya

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como éramos así que no fue ninguna sorpresa”. ¿Te notaste especialmente observado cuando pasó aquello? Es decir, la gente cuando ve a alguien famoso tiende a quedársele mirando. En tu caso no sólo eras Corey Taylor sino que eras el cantante de Slipknot pero sin máscara con lo cual la gente te miraría con más curiosidad. Se había despejado el misterio.

“Sí que me pasó. Lo más divertido es que a mí todavía me pilla desprevenido eso de que soy famoso y siempre ha sido así porque nunca me ha importado.

Ha habido veces que he estado comprando y alguien que me ha reconocido se me ha acercado para preguntarme si era Corey Taylor y mi respuesta es como (dice con tono desganado) “sí, ¿qué tal? ¿Cómo estás?”. Si te soy sincero es divertido todavía para mí porque yo nunca me he visto así, incluso ahora que se supone que soy más popular de lo que nunca lo había sido antes, porque simplemente sigo siendo yo y eso se lo digo a la gente. Cuando veo que están nerviosos por conocerme les digo “eh, tranquilos que sólo soy yo”. Claro, yo no le doy importancia pero para mucha gente sí que la tiene y eso no se me olvida. Mi primera reacción es, y siempre lo será, la de respetar eso porque para mí es quitarme dos minutos de mi vida para hacer algo que puede cambiar la vida de alguien. Es decir, siempre me preocupo de esas cosas, de que si alguien me pide un autógrafo lo tenga y que si quieren una foto la tenga. A mí no me cuesta absolutamente nada asegurarme de que si un fan ha estado esperando para hacerse una foto que se vaya a casa diciendo “ostia puta, esto es lo mejor que me ha pasado en la vida””.

Creo que eso es necesario. Hay muchos músicos

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ESTA A PUNTO DE CUMPLIRSE EL SEGUNDO ANIVERSARIO DE SU MUERTE Y ME PONGO MALO SOLO DE PENSARLO. HABLANDO DE PAUL GRAY que olvidan que están ahí por sus fans.

“Tienes razón. A ver, yo te reconozco que tengo unos días mejores que otros porque soy igual de humano que el resto. Por ejemplo he tenido días en los que a lo mejor volvíamos de gira y yendo por el aeropuerto había allí fans esperándonos porque querían hacerse una foto contigo. Te aseguro que en esos momentos no tienes ganas de nada y en mi caso mi humor no es el mejor del mundo pero me paro y hago un esfuerzo por ellos. Hay mucha diferencia entre pensar que la gente es imbécil o pensar que ellos son los que están haciendo todo esto posible y yo tengo claro que ellos son los que hacen que todavía pueda dedicarme a esto”.

Tenemos que ir acabando así que una cuestión rápida. El otro día, cuando estaba moviendo esta entrevista, alguien del sello me comentaba que antes de acabar el año habría disco de Slipknot, según tenía él en el release plan. ¿Es así?

“No, no será un disco de Slipknot sino de Stone Sour”.

Me extrañaba por todas las declaraciones tuyas comentando que aún era pronto para comenzar a

grabar disco nuevo después de la trágica muerte de Paul. Hablábamos de todos los vicios, de todos los problemas con el alcoholismo que has tenido pero nada comparable con esto ¿no?

“Para mí es muy difícil pensar en ese día incluso ahora mismo. Está a punto de cumplirse el segundo aniversario de su muerte (Ndr. Paul Grey falleció el 24 de mayo del 2010) y me pongo malo solo de pensarlo. Ahora mismo no es sencillo pensar en aquello pero no es tan duro. Puede que para ti no tenga sentido pero no es que me haya olvidado de él sino que siento como que está conmigo y eso es lo que importa. Cuando pasó eso me hizo revisar muchas de las cosas que había hecho a lo largo de mi vida. Das por sentado que la gente está ahí pero de pronto te das cuenta de que has estado sin verlos demasiado tiempo porque has estado alejado, gente de la que se supone que tienes que estar pendiente.

Lo que pasó hizo que me replantease muchas cosas, que las valorase de otra manera de forma positiva. Le echo muchísimo de menos, todo el tiempo, pero todo lo que tengo que hacer es ponerme un disco y ahí está porque él está ahí, en la música de Slipknot, en sus entrañas, así que no se ha ido del todo y siempre estará aquí”.

Con el tono de voz quebrado nos despedimos no sin antes confiarle una chorrada que nos hacía ilusión y es que el nombre de esta editorial, SUFFER PRESS, está basada en un tema de Stone Sour que iba como bonus track de ‘Come What(ever) May’.

Eso parece que gustó a un vocalista que se siente muy orgulloso de estar donde está sin perder de vista sus orígenes.

A A D A M A LL S A M R A S LA Después de todo lo que cosecharon con ‘Clockwork’, ANGELUS APATRIDA tenían que volver con un álbum, al menos, igual de fibroso y musculado que aquel que les abrió las puertas de Europa. Con ‘The Call’ los de Albacete han ganado en sonoridad y en él siguen la estela de su predecesor pero aplicándole toda la experiencia adquirida durante los dos últimos intensos años. Con GUILLERMO IZQUIERDO (guitarra y voz) y JOSE J. IZQUIERDO (bajista) nos reunimos en Cuervo Music para pulsar con ellos cómo ha sido la creación de esta nueva llamada a las armas.

Texto: Roberto Villandiego

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Lo de tomarse un tiempo de respiro no va con vosotros ¿no?

(G) “Joder sí ¡tres semanas! De hecho estaba ya muy agobiado, estaba deseando hacer cosas. Estos últimos 5 meses menos los conciertos de fin de gira y el mes de grabación hasta que no ha empezado esto y decías “ya no sé qué hacer”” (risas).

No habéis parado casi nada. Supongo que la mayoría de ‘The Call’ lo compondríais durante la gira del año pasado.

(G) “Sí, claro, sobre todo en España que durante la semana estás en casa y puedes estar tranquilamente componiendo a la par que ensayas. Pero sí que se estaba haciendo ya estresante el no hacer nada.

De hecho damos clases de guitarra o batería alguno de nosotros, para intentar hacer otras cosas”.

Lo mismo no hubiese estado de más haber parado porque vuestros los dos últimos años han sido muy vibrantes. Han sido como muy meteóricos, ha cambiado todo mucho y también se corre el riesgo de estar de más. No sé el año pasado no había festival donde no estuvieseis, y yo os vi como 7 veces (Risas).

(G) “Hombre este año las cosas van a ser distintas, eso es verdad. Aquí en España la actividad va a ser menor que el año pasado y que hace dos y eso también lo vamos a agradecer nosotros y el público.

No supone más calidad porque aunque toquemos 7 veces seguidas en verano nosotros le ponemos la misma pero sí que la gente te coge con otras ganas. Estamos también más con el foco fuera que también es un punto a favor. Sacamos disco y nos piramos un mes para girar, volvemos a España para un par de festivales o tres y luego ya tranquilamente en septiembre u octubre empezamos una girilla por España para presentar el disco y con tranquilidad” ¿La gira con 3 Inches Of Blood la teníais ya cerrada o ha sido a raíz de anunciar ‘The Call’?

(G) “La manera de trabajar con Century Media y con Abocado, nuestra agencia de management, es así. Ellos quieren lanzarnos fuera y en cuanto tienen la oportunidad de meternos en un tour que puede ser interesante, tanto para ellos como para nosotros, ahí estamos. Ya ocurrió con los otros dos tours que hicimos y éste yo creo que va a ser la ostia. Son las tres mejores bandas, creo, que pueda haber ahora mismo en todo el mudo de bandas nuevas con unos discos increíbles que han sacado cada una. Y con unos estilos bastante parejos, entre el heavy metal, el death primigenia de lo Lonewolf, el trash muy parecido al nuestro de Havok… Va a ser una gira de la ostia. Nos vamos otra vez en autobús en gira, lo que significa fiesta con las bandas, el rollo de dormir...”.

Anda que dices “lo que significa hacer nuevos fans, conocer gente!”…

(G) (risas) “Es que eso va implícito. Es que la última gira fuimos con nuestra furgoneta y fue un poco estresante. Así va a ser muy divertido y por supuesto es una oportunidad cojonuda. Aparte que ya no somos la banda que abre y se nos empieza a reconocer un poco en Europa. Ya no es el rollo de “es que es una banda de España y estos vienen de Estados Unidos”.

Sí, vienen de Estados Unidos pero son Havok y Angelus Apátrida ya son alguien en Europa. Es una oportunidad de puta madre para todos nosotros, pero de verdad que lo del rollo de ir en tour con todas las bandas es muy divertido. Se hace más amistad con las bandas, te lo pasas muy bien y haces más migas con todos”.

Tiene que molar que estés grabando y te salgan los planes así. Supongo que estaría también en vuestra mente el cambiar un poco los planes porque vuestro último concierto en Madrid fue en Noviembre con lo cual ¿qué haces? ¿Sacas el disco y vuelves a presentarlo en Madrid 4 meses después?

(G) “Sí, era un poco el plan: sacar el disco, plantear una gira europea y estar por aquí en verano, donde de momento solo tenemos dos festivales cerrados. Está guay porque luego vamos a hacer una gira no muy extensa, en sitios especiales por decirlo así, en la que esperamos una buena respuesta del público porque va a valer la pena. Después no sabemos muy bien lo que vamos a hacer después. Vamos a ir rodando un poco la pelota porque no queremos ni marear a la gente ni marearnos

a gente más metida en el extremo, en el hardcore y se notó porque se vendieron camisetas, seguimos vendiendo discos y tuvimos mucha aceptación. Por ejemplo en Londres fue de flipar, también veíamos como la gente venía a posta a vernos con la camiseta de la anterior gira, traían a sus colegas...en definitiva poco a poco se hizo una base que veremos a ver qué frutos da en esta gira”.

En este disco me ha dado la sensación, salvo en los últimos dos temas, de que nos encontramos una nueva faceta de Angelus Apatrida. ¿Estaba también planeado el darle una vuelta de tuerca al sonido de la banda?

(G) “La verdad es que cualquier tema de ‘Clockwork’ y de ‘Give ‘Em War’ podría estar en este nuevo y viceversa. por lo menos así es como lo vemos porque es la misma manera de componer que tenemos siempre. Nunca buscamos nada. No decimos “tenemos que ir por aquí” o “vamos a intentar hacer un tema así””.

(J) “Simplemente es “mira esto, ¿está bien? ¿Gusta? Pues adelante”. Se desarrolla y sale. Lo hemos hablado mucho entre nosotros cuando vas buscando mu-

“Fresh Pleasure” es lo mAs thrasher que hemos hecho en la vida. Es un tema qu e roza el crossover y el punk

nosotros mismos tampoco”.

Y recoger un poco lo sembrado en la anterior gira. Vamos que no tengáis que ir otra vez en furgoneta.

(G) “Bueno aquí en España iremos en furgo”.

Me refería a la europea.

(G) “Es que es difícil meter a 6 bandas en un autobús (risas). La primera fue así y nos unió mucho. Sin embargo la gira con Dying Fetus y demás iban todas las bandas en el bus menos Fleshgod, Apocalypse y nosotros con lo cual íbamos siempre juntos y con Fleshgod, por ejemplo, compartes todo y haces amistad en este sentido”.

Pero en esa gira no encajabais muy bien ahí ¿no? Demasiado bruta y tengo la sensación de que no tuvo la misma repercusión que la que hicisteis con Warbringer y Skeletonwitch.

(G) “A ver, el público es distinto pero era un público que al que también les mola el heavy metal y el thrash metal. La primera gira tuvo sus pros y sus contras.

Estaba dirigida a gente de Thrash metal pero nuestra música no está dirigida a gente que escuche única y exclusivametne Thrash Metal. Nuestra música puede gustarle a mucha gente dentro del Metal y en esa gira no teníamos opciones a demostrarlo. Con la gira con Dying Fetus tuvimos la oportunidad de demostrarlo

cho una cosa es muy difícil que al final no desvirtúe y saldrá algo con lo que te conformaras pero que a la larga no te va a convencer. Por eso creemos que podían estar en cualquier disco de antes o futuro”.

(G) “Sé que hay temas que como dices si son como una especie nueva faceta para Angelus, como por ejemplo “It’s Rising!” que a la gente les va a sorprender porque es casi Speed Metal, con unas bases thraseras muy a lo Annihilator, pero la faceta de voz súper aguda pero es lo que pedía la canción. Cuando compusimos ese tema le escribí la letra, llegué al estudio, me puse a cantarla y dije “cojones tío, esto se merece que baje el dios del heavy metal y lo tengo que hacer así” (risas).

Lo hice y contentísimo. Me apetecía hacerlo y le pega. Yo he hecho agudos en otras canciones anteriores pero no tenía la misma voz que ahora pero también hay muchos agudos. En ‘Give ‘Em War’, en “So Unjustly”, hago también unos agudos del señor Halford, de dejarme la garganta. En ‘Clockwork’ quizás sea el disco en el que menos experimenté ese tipo de cosas pero a mi no me resulta para nada extraño haber hecho ese tema pero a nuestros seguidores no les va a extrañar.

Hay otros temas como “You Are Next” o “Violent Dawn” que son más thraseros, más rápidos, más cañeros de los que a

lo mejor puedes ver esbozos en “Legally Brainwashed” de ‘Clockwork’ o en el propio “Give ‘Em War”. Yo creo q no hemos experimentado con nada nuevo. Sí que tenemos otras influencias y maneras de ver la música, sobre todo después de girar con otras bandas tan dispares y de tocar en directo durante 22 días seguidos. Eso te curte de otra manera y al final todo sale así y es lo que quieres hacer. También hay partes que pueden recordar a cosa muy extremas de Death metal, pero, no sé, siempre hemos hecho cosas de este estilo en los discos”.

Si pero serían canciones sueltas. Quizas sea porque el paso que yo esperaba era que este fuese un disco más thrasero, más afilado, más rápido y sin embargo lo he visto más contenido. Como buscando más el machaque.

(G) “Sé que ha sido totalmente natural y espontánea la composición de este disco pero sí que es verdad que lo que tampoco queríamos era decir “’Clockwork’ ha sido un disco muy fuerte muy thraser y ahora hay que mejorarlo en ese sentido”. No, había que mejorarlo en todos los aspectos y el tiempo y las composiciones nos iban a dar a entender si la mejora estaba en hacer algo mucho más thrasher, más rápido, o en hacer algo mucho más heavy y más machacón. Aunque también hay que decir que hay temas muy thrashers “Fresh Pleasure” es lo más thrasher que hemos hecho en la vida. Es un tema que roza el crossover y el punk. Cuando la hicimos y se la enseñé a estos les dije “mirad tíos, se me había ocurrido esto y la letra va de los bolos, de beber birra en los bolos y de pasarlo de puta madre” y me dijeron “joder, es que es muy punky. Hay partes que parecen Nofx” (risas). Nunca habíamos hecho algo así pero no lo buscamos. Me apetecía hacer un tema así, se me ocurrió y lo hicimos”.

A mí la que me ha sorprendido mucho es “Reborn”. Está de cierre y podría estar perfectamente de apertura. De nuevo me encuentro otros registros y una producción más densa.

(G) “Conforme hacíamos el tema había partes más densas, más melódicas, pero volvemos a lo mismo, no nos planteamos cómo componemos, simplemente lo hacemos. Para Daniel Cardoso, el productor, es su tema favorito y siempre que hablamos termina cantándome el estribillo porque dice que es lo más épico que hemos hecho nunca. Tiene muchas voces, muy bonito, muy de buen rollo. Fue el último tema que compusimos e incluso estuvimos dudando en meterlo”.

(J) “Sí, es que se salía un poquito fuera del resto de las canciones pero ha salido así y nos gusta. Pensamos que quizás podíamos dejarlo para más adelante pero conforme lo grabábamos y escuchamos el resultado nos pareció cojonudo”.

(G) “Al principio dudamos porque no sabíamos si nos gustaba del todo. También es cierto que lo grabamos el último porque no tenía ni letra ni mucha idea de qué iba a hacer con la voz. De repente, cuando estábamos discutiendo qué hacer con él, se me ocurrió, les envié un mail y les dije “se me acaba de ocurrir, ya tengo la letra, la melodía y esto va a quedar brutal” al menos a mi gusto. Y cuando lo llevamos al estudio se lo presenté también a Daniel

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y nos dijo que ese tema había que grabarlo porque iba a quedar cojonudo. Sí que tiene la esencia de Angelus, con partes rápidas que nos caracterizaban, tiene partes machacona como hemos hecho en otros temas, los registros vocales guardan similitud con el resto del disco… Así es que al final ha quedado como un tema bastante espontáneo y bastante lógico”.

Ha quedado como la balada (risas).

(G) “Mas o menos (risas). A nosotros también nos gustan las baladas. No las heavies pero sí cosas como “The Legacy” de Testament o el “Fade To Black” de Metallica pero es que nunca nos salen (risas). Siempre solemos hacer ese tipo de temas como “Blood On The Snow” que para nosotros es la balada también o “Reborn” como en otros discos fueron “My Insanity” o “So Unjustly”. Esas podrían ser las “baladas” por tienen una parte cañera con un estribillo que trasmite sentimiento con una letra profunda y ya está. Tampoco hay que ponerse a hacer mariconadas” (más risas). ¿Habéis grabado todas las canciones que teníais compuestas o se os ha quedado alguna en el tintero?

(G) “Sí que se han quedado ideas fuera.

Además este es el disco con menos temas, normalmente solemos grabar 11 -12 temas. Este vimos que 10 era redondo” (J) “A veces por rellenar haces temas que no quedan completos a tu gusto. Luego con el tiempo quién sabe”.

(G) “Preferimos estos diez temas, trabajar sobre ellos a muerte y después en el estudio trabajar muchísimo más con Cardoso”. ¿Le habéis orientado vosotros en lo que queríais?

(G) “Sí claro. Siempre lo hacemos en conjunto aunque en esta ocasión hemos confiado más en él pero sí que busca nuestra ayuda en muchos aspectos de la producción como nosotros le buscamos a él en otros. Al final creo que formamos un equipo que, de momento, funciona bastante bien y con este segundo disco se ha notado mucho más en la producción. Ha metido más mano en las voces y la música pidiéndole más opinión a él y fiándonos mucho más de su criterio”.

Eso hay que aprenderlo.

(G) “Sí y es difícil”.

(J) “Si tienes una cosa metida en la cabeza es jodido aceptar lo que te proponen. Hay que ir con la mentalidad abierta porque luego ves que el resultado funciona”.

(G) “En ‘Clockwork’ aceptamos cosas a regañadientes de “joder pues tío yo lo prefiero así pero bueno. Como dices no está mal pero yo prefiero de otra manera” y con el tiempo te das cuenta de que tenía razón pero claro tú lo tenías maquinado como tenía que ser en tu cabeza y es difícil. Por eso en este le preguntábamos cualquier duda que tuviésemos y él nos orientaba”.

Yo creo que, con esto de que ahora uno se puede grabar en casa, se está perdiendo precisamente eso porque un productor no es quien te saca el mejor sonido sino el que también te guía por donde ir puedes ir.

(G) “Siempre digo que me veo capacitado para producir a otras bandas pero no podría producir a Angelus Apatrida. Me sería imposible porque no puedo ser objetivo.

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Necesito una persona externa, que no componga los temas. David y yo lo hablamos mucho, que molaría el dedicarnos a producir a otras bandas y hacer trabajos muy buenos pero es curioso porque ninguno de los dos podríamos producir a Angelus. Necesitaríamos a otro productor”.

(J) “Por hacer una comparación, es como cuando cocinas; tú puedes pensar que está bueno lo que has hecho pero otros te pueden decir “pues prueba a poner esto o quitar esto”. Claro, eso te toca un poco el tema del ego porque son tus temas. Por eso es difícil. En este caso íbamos con la mente más abierta pero también con un trabajo de preproducción muy importante y con muchas maquetas hechas. Unas estaban terminadas y otras no, pero para ver como sonaban allí y con la mente muy abierta. Unas se han arreglado, otras han quedábamos como estaban porque nos parecían perfectas así pero como digo con la mente muy abierta”.

(G) “Sobre todo eso “Daniel siéntate con nosotros, vamos a empezar desde aquí,

se había enamorado porque decía que le recordaba a Chris Cornell de Soungarden.

Yo no le veo mucho parecido pero sí que es cierto que es un tipo que me gusta mucho. Cuando lo oyeron creo que quedaron contentos”.

(J) “La verdad es que yo tenía un enfoque de las canciones y cuando metió las voces me las descuadró pero para mejor”.

Vamos que cada uno teníais vuestra melodía vocales en la cabeza.

(G) “Bueno ellos tenían alguna parte que ya les había cantado. Les decía “esto, más o menos, será así. Ésta va a ser un poco la melodía”, se la enseñaba por encima y a ellos les molaba y les decía que ya las trabajaría mejor. A David, con la de “You Are Next”, le dejé descolocado porque cuando escuché la maqueta le dije “tío, entre esta parte y esta parte hay que meterle una batería que haga… (se marca un ritmo con la boca) y luego vas a meter una melodía que..” y me decía “espera espera mándame un correo” pero claro, no podía hacerlo porque se me iba a ol-

yo no Cuando ensayamos ue no me suelo cantar porq r con el gusta. PreFIERo esta , la birra cigarro en la boca arme con al lado y desmelen la guitarra Víctor enchufa la batería y vamos a empezar desde el principio”. Tanto con eso como con la melodía y las voces. Yo iba con mi idea principal, con mi melodía, no las había cantado antes, no las había grabado era la primera vez que lo hacía así...”.

Pero en el local sí que las habrías probado.

(J) “Ni nosotros conocíamos la melodía de voces. No sabíamos cómo iban a ser”.

(G) “Cuando ensayamos yo no suelo cantar porque no me gusta. Prefiero estar con el cigarro en la boca, la birra al lado y desmelenarme con la guitarra (risas). Sí que tengo que ensayar ciertas cosas pero no me gusta cantar y no lo hago. En los otros discos sí que habíamos grabado alguna maquetillas y la voz ya la habían oído pero para éste no. Las letras las hice muy lentamente y las melodía de voz las tenía en la cabeza y les decía “vosotros confiad en mí que sé que os va a gustar y os va a sorprender”.

Si vamos que confiasteis en él y luego salió Rob Halford ahí en todo lo alto (risas).

(J) “Nos mandaba mensajes en plan “esto está. Ha venido Halford a visitarme” y no sabías de qué coño estaba hablando” (risas).

(G) “Les enviaba mensajes porque como me fui yo solo en enero a grabar la voces.

Luego cuando grabé “Reborn” les mandé uno que decía “ha venido Chris Cornell a visitarme” porque Daniel no hacía más que poner una parte de ese tema de la que

vidar porque estaba en mitad de la calle. Él pensaba que no iba a pegar ni con cola pero cuando escuchó el tema con la voz “qué hijo de puta, ahora entiendo por qué lo decías. A mí no se me habría ocurrido”.

Al no tener la voz en mente no se le hubiese ocurrido esa parte y sin embargo dice que ahora no podría escuchar la canción sin ella”.

Es un método de trabajo muy extraño.

(J) “La verdad es que sí, pero nos hemos acostumbrado a currar así porque hasta hace poco, que ha vuelto otra vez a vivir en Albacete, ha estado viviendo en Valencia, igual que David. Víctor y yo estábamos en Albacete así es que era bastante difícil coincidir para componer o ensayar.

Si a alguien se le ocurría una idea la grababa en su casa nos las enviábamos y luego cada uno las desarrollaba un poco a su manera. Luego cuando teníamos oportunidad tanto en el local de ensayo como en una prueba de sonido que tienes tiempo probábamos las cosas que teníamos a medias porque era la única manera de hacer las cosas desde tiempo atrás. Y es una manera que se nos ha quedado porque nos funciona y nos sentimos cómodos”.

Se me queda una rutina extraña sobre todo si tienes la pretensión de dedicarte a esto profesionalmente.

(G) “Hay muchas veces, cuando hablas con otras bandas, y les dices de salir a echar unas cervezas y te dicen “no tío es que ensayamos que mañana tenemos bolo”… (se queda con cara de póker) Yo creo que eso lo hemos tenido claro desde

siempre: el día de antes de un examen no se estudia (risas). No lo hacemos porque te rayas. Eso nos pasaba al principio, con las maquetas, y dijimos que no íbamos a volver a ensayar dos días antes de un concierto porque si te equivocas te rayas.

Luego en el concierto vas a estar “ay, ay, ay, que me voy a equivocar en esta parte”. ¡Qué va, tío, naturalizad! Puedes ensayar en casa, aunque con los cuatro sea mejor pero, si no se puede, no pasa nada. Eso lo hemos aprendido de los guiris, de todas esas bandas que se pegan en la carretera un montón de tiempo”.

Volviendo al disco. La verdad es que en este disco es tu voz la que más ha cambiado , la que más personalidad ha adquirido. Al escucharlo lo primero que me vino a la mente es que por fin te íbas a quitar el San Benito de …

(G) “Dave Mustaine” (risas).

Es que es verdad, salvo un par de dejes que son lógicos porque es como se debe canta el Thrash Metal.

(G) “Yo creo que lo que nos hemos sorprendido todos, y yo el primero, es de las cosas que he podido hacer en este disco que no sabía que podía hacer. En otros discos no llegaba, no podía porque no tenía ese registro. Supongo que habrán sido las tablas de tocar tanto en directo y tan seguido, el acostumbrar tu voz y los músculos de la garganta, de educar la voz. Yo nunca había sabido cantar con el diafragma, ha sido siempre un poco de garganta y ahora escucho otros discos y me doy cuenta un poco de eso. Me doy cuenta yo y no sé si el resto lo hará. Pero vamos que es verdad me doy cuenta de que ciertos agudos que antes a lo mejor estaban forzados ahora me los he podido hacer, como se suele decir, “con la punta del capullo”. Con la canción de “It’s Rising!” me tiré 5 horas seguidas para grabarla y Dani me decía “si estás cansado paramos” pero es que no me encontraba mal. Ni me dolía y encima es que seguía con fuerzas como para poder hacer. De hecho me encuentro con fuerzas de hacerlo en un directo sin ningún problema.

En los últimos conciertos ya lo veíamos porque tocábamos canciones que hace tiempo que no tocábamos, sobre todo del primer disco que tienen voces agudas, y recuerdo que en 2005, cuando las hacíamos, me costaba mogollón y en estos bolos, que eran de dos horas y cuarto era pan comido . Como estoy diciendo en todas las entrevistas, esto es como aquel que va al gimnasio todos los días y no una vez al mes supongo que se acostumbra”.

Cuando empiezas hacer algo como eso es imposible, a no ser que tengas una formación previa. En 50 minutos estás afónico.

(G) “En el primer disco no tuve muchos problemas la verdad pero en ‘Give ‘Em War’ sí que estuve bastante jodido. También me ponía muy nervioso. Los chicos que nos grabaron me decían “pero canta con el estómago”. Yo era la primera vez que escuchaba eso y decía “ pero ¿tú estás loco? ¿pero cómo voy a cantar con el estómago? ¡eso solo es para comer y beber tío!” (risas). Luego poco a poco lo he ido desarrollando aunque sí que es cierto que para mi voz yo tengo que usar la garganta así es que mientras me dure y no tenga que cantar como el Lemmy”.

Revolver - ES - Accept 03-12_Layout 1 26.03.2012 15:35 Seite 1

BAND INFOS, MERCHANDISE AND MORE:

W W W . N U C L E A R B L A S T. D E

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Situación muy incómoda en la que se quedaban BARRICADA el pasado diciembre.

Enrique Villareal (más conocido como El Drogas) no iba a seguir dentro de la que ha sido su banda de toda la vida y en la que era una parte más que importante. Concentrado en otros proyectos, les tocaba al resto hacer de tripas corazón y continuar como si nada hubiese pasado. Junto a JAVIER HERNÁNDEZ (EL BONI), ALFREDO PIEDRAFITA e IBON SAGARRA no sólo repasamos acontecimientos sino que hablamos de Texto: Roberto Villandiego ‘Flechas Cardinales’, un álbum que para ellos es muy especial sin duda.

No sé si para vosotros es una promo un poco especial.

(A) “Pues sí es un poco especial por distintos motivos pero bueno, estamos acostumbrados a todo. Ha habido cambios y se nos hace raro todavía. Creo que es algo a lo que todo el mundo todavía tiene que acostumbrarse.

Como siempre en todas las separaciones las dos partes lo pasan mal y, como en todas, hace falta tiempo para reposar, para pensar y para ver posibilidades”. ¿Cómo ha cambiado vuestro sistema de trabajo interno?

(A) “Nosotros siempre decimos que antes que músicos somos personas. Lo que más jode es el rollo personal.

El rollo profesional a fin de cuentas… Nosotros siempre hemos sido músicos y hemos hecho canciones, las canciones en Barricada siempre se han hecho entre cuatro personas y seguimos haciendo canciones y seguirá sonando a Barricada. En ese aspecto, siempre se ha tomado decisiones entre todos, y en ese aspecto seguiremos así.

Normalmente en estas cosas lo que más jode es el tema personal. Pero bueno ahí estamos. Esto te enseña que no hay nada que sea para siempre, que la vida de vez en cuando te da sorpresas de éstas. Ninguno las esperamos,

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pero que hay opciones: hundirte y dar lástima o liarte la manta a la cabeza y seguir para adelante. Nosotros hemos elegido esta segunda opción y no por que sí, sino porque teníamos realmente ganas. Teníamos cosas que decir, teníamos canciones y porque pensamos que el espíritu de Barricada sigue estando muy presente”.

Después de 30 años juntos... ¿no hubo manera de llegar a un acuerdo? ¿Lo hablasteis? Es decir, el plantear que vosotros teníais que seguir y que tampoco pasaba nada si quería mantenerse un par de años alejado o haciendo sus movidas y dejando la puerta abierta.

(A) “Es que esa era nuestra idea. De hecho las puertas están abiertas. Ésta siempre ha sido la casa del Drogas y la seguirá siendo siempre que quiera . Él ahora mismo estaba más por la labor de otros proyectos pero tiene claro que aquí estamos para cuando quiera. No hay problema por nuestra parte. No hemos querido hacer un disco ahoni de rencor, ni de pesimismo, ni de nada. Hemos hecho un disco de canciones de Barricada como toda la vida. De canciones de mirar p’alante que es lo que hemos hecho siempre, vamos como si hubiese sido Boni quien hubiese decidido esa historia o como si hubiese sido yo. Los

demás que sigan con la historia y si luego me dicen aquí tienes tu casa para cuando quieras pues “bienvenido” y ya está” A vosotros, cuando pasó todo esto, os pilló con casi todo el grueso hecho. ¿no?

(A) “Teníamos bastante. Habíamos estado todo el año parados, sin viajar, pero de hacer canciones no paramos nunca y tanto Boni como yo teníamos canciones hechas.

Los primeros meses nos dedicamos a recuperarnos de dolencias y a viajar y disfrutar, que hacía mucho tiempo que no lo hacíamos, y enseguida en el mes de julio ya empezamos a juntar las cosa que teníamos, a darles vueltas a los temas y hacer canciones, que es lo que siempre hemos hecho. Luego ya cuando a principios de diciembre surgió el “cañonazo” pues ahí es cuando nos liamos en serio para darles el toque final a las canciones que ya estaban muy avanzadas. Afortunadamente nos cogió con temas hechos y con ganas sobretodo”.

Yo soy de tendencia positiva y creo que en definitiva esto puede ser un reto. Es una nueva situación para “Siempre hemos tenido retos musicales. ‘La Tierra Está Sorda’ fue uno, el conseguir hacer un disco con una his-

toria tan sentida, de Rock y que fuese bien aceptado por la gente sin ser una historia de lágrimas. Es fue un reto.

En este caso también, pero en Barricada estamos acostumbrados a este tipo de cosas. A encontrarte con cosas que en las que no puedes pararte a pensar porque tienes que seguir y avanzar”.

(B) “Tienes razón en una cosa y es que esto igual a un grupo le pone una situación nueva. Eso lo hemos captado y como muy bien has dicho es un pequeño reto. No olvidamos que es el Drogas, no como persona, sino lo que ha significado en Barricada, aparte de lo que pueda opinar la gente, y te encuentras en una tesitura nueva. Este reto la verdad es que si despiertan las ganas de hacer, de componer, de vivir la gira que te viene .Estas cosas la verdad es que te mantienen vivo y un grupo de rock, como dice Alfredo, va siempre de reto en reto. Te puedes acomodar un poco, puedes tener una mala temporada pero los retos siempre están ahí. A veces te los encuentras de frente y nuestro estilo no es esquivarlos sino afrontarlos y como además hay apetencia, ganas e ideas, pues te encuentras en una tesitura nueva, con ganas de meterle el diente”. ¿Cómo ha sido el proceso de selección del bajjista?

(I) “No ha habido proceso de selección. Ander es, más que nada, un amigo del grupo y le conocíamos desde hace tiempo. Mas que un bajista virtuoso buscábamos una gran persona. Al fin y al cabo es una persona con la que tienes que vivir en la furgoneta, a la hora de grabar el disco…. Y lo que teníamos claro es que lo necesitábamos para la gira de este año y para grabar el disco. Lo que venga, ya veremos. Tanto el como nosotros tenemos claro que no es el sustituto del Drogas lógicamente. Es un tío que nos va a echar un cable ahora mismo y lo que venga tendrá que venir. Podríamos haber cogido seguramente un bajista mejor, pero tampoco buscábamos un tío que se pusiera a hacer florituras en el escenario. Más que nada es un tío que ya conocemos, sabemos cómo funciona, es un tío amable , humilde y buen músico”.

(A) “La decisión de incorporar una persona a un grupo es demasiado importante para tomar una decisión en caliente ni tan rápido. En este caso ha venido todo demasiado rápido, tanto para él como para nosotros, pero no estamos cerrados a nada en el futuro. Como ya hemos dicho antes, tampoco queremos hacer de esto unos titulares que es lo que están intentando sonsacarnos los más sensacionalistas del mundillo, que ya sabrás tú quienes son también” (risas).

Me hago una idea. Lo que sí que me ha quedado claro al escuchar ‘Flechas Cardinales’ es que no ha cambiado nada y que sigue sonando a Barricada por los cuatro costados. ¿Era quizás lo más importante de este disco?

(A) “Lógicamente. Las canciones en Barricada siempre las hemos hechos entre todos y el que haya pensado que el Drogas era quien hacía todo y que nosotros éramos sólo una mera comparsa nos estaba faltando al respeto.

Eso es que no sabía cómo trabajaba la banda porque no sólo es la composición, que lo hacemos entre todos, sino que hay muchas más cosas alrededor. Ese trabajo siempre lo hemos hecho entre todos y en este disco se tenía que notar. Tenía que sonar a Barricada porque sí. Quizás si él sólo hubiese sido el único cantante del grupo puede que hubiese habido un cambio pero claro Boni canta casi el 50% de las canciones clásicas de Barricada y es una voz muy reconocible. Ha habido gente, un poco más de psiquiátrico, que decía “pero bueno, si estos tíos han metido a cantar a un tío que canta casi igual que el Drogas, pero. ¿A quién se le ocurre?¡Qué cara más dura tienen!”.

La verdad es que se oye de todo, pero nosotros sabíamos que el disco iba a sonar a Barricada porque no podía ser de otra manera. Si hubiese sonado a otra cosa habría sido porque quisiésemos darle la vuelta a todo, pero no, no era nuestra intención. Es un disco actual pero reconocible”.

En la producción sí que he notado un cambio. Me suena menos áspero que los últimos discos, pero muy trabajado.

(A) “Y muy actual. Queríamos sonar a Barricada, pero a

los de ahora. Querer sonar como en otras épocas hubiese sido estúpido por nuestra parte. En ese aspecto hemos quedado muy contentos con el trabajo de Iker (productor) y con como íbamos viendo como iban sonando los temas. La verdad es que las canciones han ido buscando su hueco dentro del disco. Ellos mismos nos han ido diciendo cómo querían sonar, iba surgiendo, fluyendo de una manera muy suave y llevadera. Los veíamos además tan redondos y tan completos que no queríamos que perdiesen esa frescura a base de cambiarlos y removerlos”.

También me he encontrado con referencias muy actuales. Conforme lo iba escuchando pensaba (en según qué detalles), esto suena un poco a My Chemical Romance, esto me recuerda al rollo 30 Seconds To Mars con el coro, subiendo la intensidad y bajando las guitarras.

(A) “My Chemical Romance sé que es un grupo que existe, pero no podría decirte ninguna canción suya (risas).

Puede ser porque es un grupo actual y el disco suena actual”.

Claro, me refiero a nivel de producción. También a Nickelback, a una producción muy americana.

(A) “Puede ser. A Nickelback tampoco los hemos escuchado mucho (risas) pero sé que a Iker le gustan ese tipo de sonidos grandes así es que ha sabido sacar de nosotros lo fundamental para conseguir un sonido grande”.

Supongo que el hecho de que el año pasado os acompañase ha hecho que os conociese muy bien a nivel musical. Eso también habrá influido a la hora de que fuese fácil trabajar con él.

(I) “Si y además ha vivido la historia de Barricada más cerca que nadie lógicamente. Ya grabamos con él ‘La Tierra Está Sorda’ y el resultado fue tan espectacular que queríamos repetir con él. Luego en la gira que se metió con nosotros nos ha ido conociendo. Además es un tío muy puesto y que evoluciona constantemente. No es un tío que se quede apalancado sino que cada disco que hace suena mejor más actual y se nota que se lo curra mucho”.

Lo que he visto también es que volvéis a las letras retorcidas.

(B) “Eso es muy típico en mí, en las que hago yo. De entrada yo no soy poeta. Yo hago frases y canciones, relleno nota con letras y las sensaciones que tengo intento cuidarlas para que no sean rebuscadas, pero tampoco me como mucho la cabeza para que se puedan entender. Me gusta utilizar mi manera de escribir, que no me ha tocado nunca tampoco, más que en mi disco en solitario (91-92), y si me toca encargarme de las letras lo hago sin ningún tapujo. Yo escribo así y sé que es imposible de llegar a la altura de Enrique Villareal, Iniesta (Extremoduro) o Kutxi Romero (Marea), porque ellos tienen un estilo muy marcado, muy particular y muy maduro a la vez. Yo escribo sin ninguna pretensión contando, desde mi punto de vista y como buenamente puedo, ese tipo de historias que me vienen a la cabeza. ¿Podría llamarle al pan pan y al vino vino? Seguro que sí y de hecho hay alguna canción que es más directa pero intento jugar un poco”.

(A) “De todas formas siempre ha sido muy típico en no-

sotros. No el retorcer las cosas hasta que no haya dios que la entienda, pero no mascadas del todo. Con este disco la música la teníamos claro sabíamos que nos iba a salir, pero nos preocupaba un poco más las letras que mayoritariamente ha escrito el Boni. Yo también alguna he hecho, que antes no me había tocado nunca, pero no poníamos cualquier letra. No servía cualquiera porque para nosotros eso no vale. Tiene que tener un mínimo de algo, entonces es donde las elegíamos y donde se deja también un poco a la interpretación de cada uno. Un poco, tampoco demasiado”.

Os lo preguntaba porque no sé hasta qué punto despúes de ‘La Tierra Está Sorda’ necesitabais también hacer tipo de letras para descongestionar (B) “Un tema conceptual como fue ‘La Tierra Está Sorda’ tenía, y no quiero que se me malinterprete, un poco los pasos marcados. El Drogas se marcó un curro de información, de ir a sitios y demás, que marcaba un poco el camino aunque después, hostias, había que escribirlo. En este caso era más a lo que te viniera ¡¿qué sensaciones tienes tú en este momento?! ¿Cómo ves las cosas? ¿Merece la pena hablar de esto o lo otro? Por ejemplo, “Punto de Mira” habla del antimilitarismo que parece que ya aburre, pero se plantea hacer una letra así porque se supone que la crisis la hacemos nosotros, que no hay solución, pero se sigue teniendo un presupuesto militar increíble. Si los parados supieran los ceros que tienen detrás quedarían flipados. ¿Es necesario eso? Pues bueno esa canción se trata de trasladar lo que yo pienso, que me parece una sinvergüenza esa doblez. Cada letra puedes transmitir lo que quieres. Otras están en un tono más personal, mas amable, otras están dedicadas a la gente que nos sigue aunque ya haya una en Barricada que es “Pasión Por El Ruido” que habla un poco de eso, pero que en este caso se adapta a las ganas que tenemos nosotros.

Se llama “Pa’enredarte” que es la que tenemos de contacto directo con la gente que no quiero ni enamorarte ni convencerte de que me escuches quiero enredarte con mi música, con mi manera de hacer, con las pocas cosas que sé hacer, rocanrolear. Y viene dado un poco así el tema”.

Imagino que después de este años sabático, tenias ganas de disco, pero ,sobretodo, de furgoneta.

(A) “Si, de furgoneta y escenario. Por nuestra parte y, por lo que estamos viendo, también por parte de la gente. A parte de por la curiosidad lógica del momento, tiene ganas de vernos y cantar esas canciones. Bueno la primera canción, la de “Pa’enredarte”, de la que hablaba antes el Boni, lo fundamental que dice el estribillo es que no dejen de sonar esas canciones que retumban y están atrapadas muy dentro, y no el nuestro sino de la gente y queremos que lo sigan siendo. Así es que nos agrada mucho ver que la gente siga teniendo esas ganas”.

No sé por qué a mí me ha dado la sensación de que hay algunas pensadas directamente para cuando saltéis a escena.

(A) “Antes, cuando hacías las canciones, las hacías pensabas muchas veces para hacer un video y que te lo pusieran en la tele y luego nunca te lo ponían. Luego decías “va, esta canción para la radio” y no sonaba porque ya no hay radios. Pues ahora nosotros pensamos muchas veces las canciones pensando en el directo. No la hacemos por eso pero una vez que la has hecho te la imaginas tocándola en directo y la respuesta que puede tener la gente. Y esa ha sido un poco la tónica general del disco canciones muy de directo”.

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Igual que cada cuatro años febrero tiene un día adicional, igual que cada

día cinco de enero los Reyes Magos de Oriente salen a repartir caramelos y tonterías por las calles, igual que cada vez que dejas la mayonesa abierta ésta se corta…cada dos años RAGE editan un nuevo disco. Ya saben, hay gente que va al baño cada mañana a la misma hora exacta y gente que es más irregular. El reloj biológico-musical de RAGE funciona preciso como un marcapasos, como una inspección de Hacienda, como un diagnóstico de “esto va a ser la junta de la culata” de un mecánico de coches. Uno puede confiar en ellos, en que no se desviarán del plan. Por suerte.

Texto y fotos: Sergi Ramos (Enviado especial a Düsseldorf). Foto Victor Smolski: Javier Bragado “Nuestro calendario es muy caótico, aunque no lo parezca” explica Victor Smolski, guitarrista de la banda, cenando en el Hard Rock Café de Colonia en una animada noche de sábado. Es el único momento en el que los alemanes se permiten pensar en algo que no sea rigidez y disciplina. El ruso, sin embargo, sigue en lo

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suyo. En Rusia no entienden de periodos de distensión laboral, todos lo sabemos.

Pero la disciplina del guitarrista es más germánica que la de la suegra de Angela Merkel. Compone, arregla, produce, supervisa y dirige discretamente el rumbo musical de la banda, con el beneplácito del líder histórico del grupo, el gran Peavy

Wagner. A Wagner no parece importarle ceder el control, le gusta poder dedicarse a lo que mejor hace: componer letras, tocar el bajo y cantarlas. Mientras tanto, en galeras, Smolski se ocupa de dar forma a las creaciones de su compañero y de conseguir que los discos de RAGE difieran unos de otros casi por arte de magia,

pese a jugar con un mismo estilo musical desde hace treinta años.

“La mayor parte de la presión está sobre mi” concede Smolski. “Los chicos vienen aquí, tocan, hacen su parte y se van a casa y yo luego me quedo dándole forma a todo junto a Charlie Bauerfeind durante dos meses” sonríe. “No tengo problema

con ello y me gusta. La cuestión es que Andre y Peavy confían en mi y todo resulta mejor de esta manera. Es estresante, pero es mi elección.”

El caso es que cada vez que toca ir a escuchar el nuevo trabajo de RAGE a Alemania, surge la misma broma. “¿Otra vez con esos? Pero si siempre hacen lo mismo”. De acuerdo. Pero pocas bandas hacen lo mismo de maneras tan diversas como RAGE. En este caso, el grupo presenta un nuevo trabajo titulado “21” en el que se deshace por completo de la Lingua Mortis Orchestra que les había acompañado en trabajos recientes como “Carved in Stone” y “Strings to a Web” para pasar a ofrecernos un disco totalmente directo y sin aditivos. El propio guitarrista introducía el disco en la escucha que llevamos a cabo diciendo que “no hay nada, ni teclados, ni secciones de cuerda, ni nada que se le acerque…solo nosotros tres”.

La escucha se llevó a cabo en los Twilight Hall Studios son el lugar donde BLIND GUARDIAN suelen registrar sus trabajos. No en vano, son de su propiedad y es donde se ubican las oficinas de la banda y todo el montón de memorabília que ello implica. Fotos de todas sus giras adornan las paredes, flightcases de tours anteriores ocupan el espacio y te hacen tropezarte y toneladas de merchandise se amontonan en un pequeño almacén. Es el santuario de cualquier fan de los bardos y uno que no es nada fácil de encontrar, como puede testificar el taxista que nos llevó al lugar.

MÁS DUROS Y MÁS SIMPLES

En “21”, por así decirlo, podemos olvidarnos de los RAGE más progresivizados de los últimos discos. Lo que tenemos es una vuelta al sonido de la época de “Unity” o “Soundchaser”, o incluso una vuelta al sonido de los RAGE más extremos, donde las partes de heavy metal alemán cuasi thrash se mezclan con grandes dosis de melodía y arreglos que son imposibles de ignorar. La letra habla de un “pobre tío que es adicto al juego y pierde todo lo que tiene una tanda de Blackjack” según explica la propia banda. Se trata de un tema de riffs musculares, algunos de los cuales Smolski dobló hasta tres veces. Una encima de otra.

“Forever Dead”, el segundo tema, es otra pieza de mala leche a la alemana. Peavy parece el tío más cabreado del mundo cantando la letra de la canción. Es tremendamente heavy y el inicio de baterías tribales puede recordar levemente al inicio de “Down”, uno de los grandes temas de “Unity”. André Hilgers ofrece todo un repertorio de batería heavy, pasando de tresillos a velocidad imposibles a demostraciones de groove en un par de compases que muchos bateristas no consiguen ni en canciones enteras. Según Peavy, la letra habla “de los problemas de mi infancia, especialmente debido a la muerte de mi padre”. El estribillo es coreable multiplicado por 100 y aumentado a Pi aumentado a su vez al peso atómico del Plomo (que si lo quieres ir a buscar no te hará falta, es 207,2).

Más sencillita es “Feel My Pain”, con un gran y efectista inicio de guitarra y bajo con tappings a cargo de Peavy y Victor.

La batería es auténticamente brillante

aquí, con un groove implacable que te pondrá a saltar sin remedio. RAGE de los ’80 a todo trapo. Es un digno hijo bastardo de temas como “Higher Than The Sky”, aunque a menor velocidad pero con igual coreabilidad.

“Serial Killer” es el tema más inusual de RAGE que jamás hemos podido escuchar.

Peavy canta con voz de Brutal Death Metal en una buena parte de la canción, aunque vuelve a la melodía para el estribillo y el puente. La temática de la letra, escrita desde la perspectiva de un asesino en serie, tiene bastante que ver con ese enfoque extremo. No obstante, el solo tiene mucho de metal neoclásico y el riff es thrash metal ochentero a partes iguales con heavy metal clásico. El tema dura aproximadamente unos seis minutos y tiene una multitud de partes distintas que lo convierte en uno de los más elaborados de “21”.

Para dejar claro que el nuevo –no tan nuevo ya- batería tiene espacio para componer, Victor Smolski se ha sentado con él y ha dado forma a la volátil “Psycho Killer”, otro tema de maléfico riff y variedad de situaciones instrumentales con arreglos melódicos inesperados y embellecedores. El riff es grueso y potente, tanto que casi es necesario bicarbonato para terminar de digerirlo. Para dejar claro que es el tema de André, nada mejor que un pequeño solo de batería en la última parte de la canción…Los ritmos a contratiempo junto al solo de guitarra de Smolski tampoco es que sean propios de una canción de AC/DC… “Destiny” es lo que la banda define como “power thrash metal” y no hay nada que sea más certero que esas tres palabras para definir lo que hacen en éste tema.

Es un poco “más de lo mismo”, pero el estribillo es muy digno. Una auténtica oda al carpe diem de la mano de un Peavy Wagner que no decae vocalmente en los últimos discos, aunque en los directos no siempre acierta tanto como en estudio.

No obstante, hay que decir que su fuerza vocal en el apartado del directo ha ganado muchos enteros en las últimas dos giras de la banda.

En el séptimo tema, “Death Romantic”, la

¡Chupitos de Ira para el cuerpo! banda aborda un riff casi industrial, de afinación baja y bilis máxima. Se trata de una canción controvertida, la cual habla de cómo tres chicas pactaron su suicidio a través de la red social Facebook. Un tema cargado de ira, partes de guitarra sumamente gruesas, y una dosis de doble bombo considerable. “Meet me on Death Romantic” canta Wagner en el estribillo antes de volver al monstruoso riff que sirve de hilo conductor de la canción.

El solo de Smolski es otra vez una pequeña obra de arte de treinta segundos que invierte la polaridad del tema en un breve lapso de tiempo.

El tema del cambio climático centra la atención en la letra de “Black and White”, un tema en la onda más clásica de RAGE, sin la menor de las novedades. Una canción en la que Peavy habla de cómo la destrucción del medio ambiente está arrancando el color a nuestro planeta y dejándolo en un simple ente monocromático. Solo neoclásico y una buena pista de bajo de acompañamiento para una de las canciones más típicamente RAGE del disco. Tanto como lo es “Concrete Wall”, un tema que hace total justicia a su propio nombre. Un auténtico muro de cemento.

El disco se cierra con otro tema sobre el suicidio, titulado “Eternally”. Una balada de metal con guitarras con el chorus a

tope y lo que un metalhead interpretaría como “sensibilidad”. Vamos, que André Hilgers rompe un parche de bombo cada 50 golpes en lugar de cada 25. Pero nada más allá. Los arpegios de Peavy en el bajo y detalles de la guitarra de Victor Smolski son los que le dan salsa al tema, que es de evolución lenta.

PROFUNDIZANDO

La evolución de RAGE ha sido grande en los últimos trece años, desde que los hermanos Chris y Spiros Efthimiadis decidieron largarse de la banda y dejar paso a dos tipos muy motivados como eran Smolski y el ya desvinculado Mike Terrana. Por entonces, parecía que RAGE iban a desaparecer, pero Peavy hizo un movimiento en la dirección correcta y dejó que la savia nueva inundase el grupo. Con Terrana las cosas no funcionaron y con los años entró el bueno de Hilgers, pero el sonido de la banda se ha mantenido integro sin hacerle ascos a mejoras o influencias ligeramente transformadoras.

“Todo ha sido una combinación de las ideas de todos los miembros” explica Victor. “Todos somos responsables del resultado final en esta banda. Yo, al menos pongo todo lo que puedo por mi parte, en cuanto a ideas, métodos de grabación y demás. Pero no es suficiente tener ideas únicamente. André y Peavy hacen un gran trabajo y aportan canciones de alta calidad. Esa es la verdadera razón de ser de esta evolución de RAGE”.

El nuevo disco tiene gran cantidad de partes que se podrían etiquetar como

Con el chiringuito recogido

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EL PRODUCTOR

El alemán Charlie Bauerfeind es, con seguridad, el principal responsable del sonido del metal europeo de corte más clásico en los últimos quince años. A sus 48 años, el tipo ha producido los últimos trabajos de BLIND GUARDIAN (“A Night at the Opera”, “A Twist in the Myth”, “At The Edge of Time”), SAXON (“Metalhead”, “Lionheart”, “The Inner Sanctum”, “Into the Labyrinth”), HELLOWEEN (el controvertido “The Dark Ride”, “Rabbit Don’t Come Easy”, “Keeper of the Seven Keys – The Legacy”, “Gambling with the Devil”, el curioso “Unarmed” y “7 Sinners”), GAMMA RAY (el gran “Land of the Free”, además de mezclar otros trabajos) y, más atrás en el tiempo, los discos definitivos de ANGRA (“Holy Land”, “Angels Cry” y “Freedom Call”). Sus credenciales están más que demostradas.

“Mi labor con las bandas es empujarlos al límite” asegura conversando en el estudio. “La gente, por lo general, es perezosa y los músicos también lo son. Todo el mundo intenta encontrar el camino más fácil. Pero esa no es la manera en que consigues una gran interpretación musical. Tienes que llevarlos al límite y a eso me dedico”. cercanas al thrash metal. No es un secreto que el sonido de la banda se ha ido endureciendo con los años, pero también es cierto que el thrash metal es el estilo de moda en el underground metalero desde hace un par de años. ¿Ha tenido eso algo que ver en esta acentuación de los aspectos más duros del sonido de la banda?

“No, no es algo que hayamos preparado conscientemente, porque los gustos de la banda siempre van cambiando, no se ciñen solo a una cosa” cuenta el guitarrista ruso. “Puede que este sonido sea más heavy porque hemos dejado de lado a la orquesta y todo gana en contundencia cuando se simplifica. En el anterior disco tenía que preocuparme de muchas partes musicales: la banda, los teclados, la orquesta…había una gran cantidad de rangos dinámicos en la música. Ahora no tengo que darle tantas vueltas, somos solo nosotros tres tocando”. ¿Quiere decir eso que ahora va a haber dos RAGE? Es decir, los RAGE normales y corrientes, en formato trio, y los RAGE orquestales que saldrán bajo el apelativo RAGE And The LINGUA MORTIS ORCHESTRA? “Los discos saldrán bajo el nombre LINGUA MORTIS ORCHESTRA. Serán discos totalmente orquestados, en lugar de lo que estamos haciendo últimamente, donde incluimos a la orquesta en los discos de la banda. Lo que haremos serán discos paralelos, con músicos invitados.

No será una opera rock, pero tendrá un concepto detrás. En lugar de hacer una suite orquestal de quince minutos, como en “Speak of the Dead”, haremos un disco entero. Queremos tener la opción de desarrollar el concepto completo por separado” asegura. “Sacaremos los discos como dos bandas distintas y eso es lo que hemos decidido”.

“De hecho en invierno comienzo a grabar algunas partes orquestales para el disco, de modo que ya estamos moviendo el asunto” revela. “No obstante, aún no tenemos planes para hacer conciertos orquestales, aunque quizá a finales del 2012 que viene hacemos alguna cosa, para navidades. No obstante, es imposible hacer una gira con orquesta, desde el punto de vista económico”.

Otra de las sorpresa existentes en éste trabajo de RAGE es el uso de voces guturales en el tema “Serial Killer”. Smolski ríe complice.

“Peavy iba a hacer algunas partes vocales muy heavies para mi disco en solitario, el cual aún estoy grabando y espero editar en algún momento de este año. Tenía una canción muy thrashy en la que Peavy usaba una técnica distinta. Miramos las ideas que teníamos y Peavy se aplicó a fondo para aprender a cantar de ese modo sin lastimarse las cuerdas vocales. Pensamos que quizá quedaría bien en un CD de RAGE y ahí tienes el resultado” dice confiado.

Preparaos cuando Fernando Alonso coja una guitarra…

EN GIRA La banda estará presentando “21” en España (donde nunca fallan en las

giras) junto a TYR y COMMUNIC como acompañantes. Las fechas son el 5 de abril en la sala Caracol de Madrid, el día 6 en la Rock City de Valencia y finalizarán el día 7 en la Totem de Pamplona. ¡No te pierdas una buena descarga de metal a la alemana!

Había que escoger entre la KGB y la guitarra… y escogió bien 26

Para qué nos vamos a engañar. Lo de THE MARS VOLTA es un caso entre un millón. Se pueden contar con los dedos de una mano las bandas capaces de ex-

perimentar disco a disco y aún así mantener la esencia primigenia de aquel demoledor ‘De-Loused

In The Comatorium’ y que sus fans se queden extasiados aunque su propuesta, como en el caso de ‘Noctourniquet’ (su nueva referencia) haya ido por otros derroteros. También es cierto que cuando uno vuelve a hablar con OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ (guitarra y cerebro de todo) se encuentra a un músico más calmado que ahora no busca tantas influencias externas como en el pasado sino que se busca más en su interior.

Con él hablamos no sólo del nuevo disco de THE MARS VOLTA sino también de la esperadísima vuelta de AT THE DRIVE-IN aunque ésta sea como algo puntual.

Texto: Roberto Villandiego / Kristina Espina 28

Antes de hablar del disco me gustaría preguntarte por At The Drive-In y la grata noticia de que volveréis a tocar este verano.

“Sí pero ha sido más sorpresa para el resto del mundo porque nosotros llevamos hablándolo unos 4 años y se nos hizo lógico el tocar al menos unos shows. Pero tenemos que ir paso a paso porque ya sabes que es una situación frágil pero ahora estoy super contento y estamos de acuerdo en hacer los dos shows del Coachella y ese de momento es el único plan” (Ndr: Después de la entrevista se anunciaría que también estarán en el FIB, en Benicassim) Imagino que hace ilusión tocar esas canciones olvidadas pero porque en el fondo también eran vuestras.

“Sí que te generan una nostalgia muy fuerte. Por esa razón la gente quiere ver a At the Drive-In porque les recuerda a una época de su vida. Para mí en este caso, y para el resto del grupo, tocar esas las canciones tienen la misma emoción, la misma nostalgia, pero aun más fuerte imagino que porque las vivimos cada día, cada segundo de cada día desde entonces”.

Lo bueno que habéis tenido vosotros es que The Mars Volta impactó desde el principio. No veo que haya pasado con otras bandas a las que les están reclamando constantemente que vuelvan a reagrupar una formación que disolvieron hace años. En vuestro caso, la gente aceptó The Mars Volta y no ha sido especialmente pesada a la hora de reclamaos que volviese At The Drive-In. No sé, al menos yo siempre he tenido esa sensación.

“Claro y es una sensación increíble y fue una bendición enorme el poder irnos de un grupo enorme y formar otro grupo y que éste se convirtiera en una cosa popular y enorme. También hay que ponerlo en contexto porque cuando yo dejé el grupo por el 2001 y empecé con Mars Volta, sí que hubo unos años en los que nos estaban reclamando que volviésemos porque según ellos era un error y la gente no entendía el por qué de la decisión. Quizás fue porque para la gente At The Drive-In, estaba apenas dándose a conocer en el mundo pero para nosotros ya habían sido 7 años de trabajo. Lo que pasa es que durante los dos últimos años era cuando se había vuelto popular.

Para la prensa, los agentes y la gente era un grupo nuevo pero para nosotros no. La gente no lo entendía y nos decían que cómo íbamos a dejar un grupo en el que habíamos trabajado tanto para de repente dejarlo justo cuando las cosas funcionaban. ¡Ni mi padre lo entendía!

Pero para mí era algo vital hacer Mars Volta porque lo veía y tenía que hacerlo y tenía que ser en ese momento. También me preguntan mucho que si me va a ser difícil lidiar con 2 grupos y no porque para mí solo tengo uno. El grupo que tengo, el que pertenece a mi vida cotidiana, que pertenece al momento actual, sigue siendo Mars Volta. Sigue siendo mi enfoque. Desde luego At The Drive-In va a ser una gran oportunidad y va a haber mucha nostalgia porque voy a tocar con cuatro amigos que amo mucho pero no habrá nada más. No sé, para mi es super sencilllo de entender”.

Con The Mars Volta, y es algo que volvéis a hacer en ‘Noctourniquet’, rompisteis completamente lo que habíais hecho con At The Drive-In lanzándoos hacia algo muy experimental, con mucha improvisación. Era una apuesta muy arriesgada pero con The Mars Volta ganasteis una entidad propia que a día de hoy seguís manteniendo. ¿Cómo

os sentís vosotros con eso, que años después no haya otra banda con un sonido como el de The Mars Volta?

“Guau… coño… (se queda cortado).

Gracias, es un gran cumplido, un cumplido muy alto. Pues sí, para mí ese es el objetivo, el ser creativo, el seguir experimentando y buscando sonados nuevos y expresándome porque la música es una línea de expresión, un vehículo para el mundo real y actual porque el alma se quiere expresar y si puedes hacerlo de una forma que se comunique con el ser humano es increíble. Poder tener esa sensación de que la gente lo entienda es impresionante. Para mí no hay otro misterio y créeme que no me estoy quejando. Sé que soy muy afortunado y cada día aprecio la situación en la cual estoy y aprecio que en estos últimos años puedo vivir de la música, del arte, con sólo 35 años. Eso es algo increíble e inesperado para mí y se me hace una maravilla, un milagro de la vida. Aun así tengo que decir que llegué aquí solo por seguir mi instinto, mi camino interno, y por lo tanto no puedo tener ninguna distracción interna de lo que es eso. Me refiero a que cuando un grupo tiene éxito existe la posibilidad muy alta, y muy común, de que se distraiga en otras cosas en el camino como pueden ser los discos vendidos o en lo que dice la prensa. Yo he hecho un trato conmigo mismo de que nunca voy a olvidar mis raíces, nunca me voy a olvidar de la razón por la cual estoy aquí que son el arte y la música. Olvidarme de eso sería la muerte”. ¿Cómo llevas esa parte, la de lidiar con la gente que se va adhiriendo a las bandas cuando estas tienen éxito? Hay veces que esa gente termina destrozando carreras además de que el éxito también entraña sus propios peligros.

Es algo que todo el mundo quiere pero algunos no están preparados y se arrepienten de haberlo tenido.

“Claro hay gente que se dedica a meter cizaña, obviamente así no puedes mantener una vida muy real. Por eso te decía que jamás me voy a olvidar de mis raíces. Con eso a lo que me refiero es que aunque el grupo siga creciendo yo me voy acercando mucho más a mi familia, a mi madre, a mi padre, a mis amigos de El Paso (Texas) a los que conozco desde hace 20 años porque es muy común el volverte popular y empezar a ir con gente viciosa sin darte cuenta. Ese no fue mi camino. El mío siempre ha sido vivir en sitios tranquilos, tener una vida sencilla, con amistades reales que no me saquen de la realidad. Por aquí en EE.UU. a los que tú comentas les llaman “Yesman” porque te dicen que sí a todo. Le pasa mucho a los famosos y no se rodean de gente que te va a decir “la neta”, como se dice en México, que te van a decir la verdad. Yo siempre he sido muy consciente de tener esa gente alrededor, de conservar a mis amigos de El Paso que son los que me conocen y me van a decir la verdad. Me van a decir “oye, bájate un poquito”, que te van a poner la contradicción en la cara porque te conocen muy bien y no tienen por qué no decírtelo. Eso es clave. En el momento en el que te dejas llevar empiezas a desconectar totalmente con tus raíces”.

Y que además pueden destrozarte la carrera. Antes me decías que la gente te preguntaba que de dónde ibas a sacar tiempo para At The Drive-In y yo te iba a preguntar que de dónde lo vas a sacar para llevar a cabo todos los proyectos en los que estás metido.

Has estrenado películas, has hecho bandas sonoras, ahora sacas disco con The Mars Volta y os pondréis a

girar…. Creo que todo eso se hubiese quedado en nada si te hubieses rodeado de mala gente.

“Claro y lo veo en cada momento. Obviamente por lo que hago he conocido otras bandas, gente famosa, y te digo que es un patrón muy común pero parece que les va bien y como que se vuelven vagos.

Trabajan mucho para llegar a ser conocidos y cuando lo logran se relajan. Un grupo normal hace un disco cada tres años y yo me pregunto ¿qué es eso? Si tienes la bendición de hacer lo que amas ¿por qué no lo haces? ¿por qué no estás tocando? ¿por qué no estás creando? Yo recuerdo que al inicio, cuando empecé, la gente decía “tú estás en esto por las chicas” y yo te lo juro por mi madre que en ningún momento pensé eso. Para mí era necesario, vital, hacer música. Sentía que iba a morir si no podía tocar música, si no podía escribirla y expresarme de esa forma. De repente te encontrabas con alguien que te decía lo de las chicas y yo te juro que no lo entendía pero luego también me sirvió como una guía porque si alguien llegaba y me lo decía tenía claro que no quería a esa persona a mi lado. La vida me trajo, o yo atraje, a la gente adecuada que tenía pensamientos comunes a los míos. Gente que decía “es que si no toco esto creo que que voy a matar a alguien”. Así fue lo que encontré en Cedric y a cierta gente que fue cuando realmente mi vida empezó a cambiar.

El proceso es todo. Lo demás no importa, lo demás es lindo. No quiero que me malinterpretes porque de lo demás estoy orgulloso y soy muy afortunado pero lo cierto es que el resultado no es el objetivo, es el proceso el que me llena”.

Hablando de tu faceta como director, ¿con qué te quedas tú, con el cine o la música? El cine te da una forma de expresión más directa, más ágil. ¿Es muy fácil plasmar la imagen que tu tienes en la mente en la pantalla?

“Claro. Por eso me encanta el cine, porque es un medio enorme que involucra todo: los actores, la cámara, la gente, el guión… y por eso me encanta. Y como es tan enorme a fuerza tiene que ser colaborativo y eso también me encanta. En la música es muy fácil ser un dictador pero en el cine es totalmente lo contrario. Tienes que depender de tu equipo y es un proceso muy colaborativo. La única cosa que te coarta la expresión es que el cine es muy caro. En este aspecto gana la música porque puedes hacerlo super rápido, en cualquier lugar y sin ningún propósito”.

Volvamos al disco porque nos lo hemos saltado un poco. ¿Es posible que tenga menos improvisación que todos los anteriores?

“Yo creo que este disco es mucho más refinado. Ninguno de los discos anteriores, para que me entiendas, tienen improvisación. Todos tienen una estructura y la improvisación se hace más bien en el escenario. Pero lo que sí buscaba era que no sonase convencional, que tuviera na estructura muy cabrona, muy metódica, muy planeada… si suena normal qué aburrido, ¿no? (risas) Por eso siempre he hecho cosas para sacarle el jugo a las canciones, para que suenen como algo orgánico y no estructurado. Lo que sucede en éste, es que ese concepto lo estuve refinando, haciéndolo más directo, cortándole lo innecesario. Más al punto”.

Me ha parecido como si jugaseis con dos capas: una musical, en donde está tocando la banda, y otra oculta en la que van pasando cosas y a las que hay que prestarles mucha atención.

“Sí y se notan más ahora porque he

refinado más todo el sonido y el acercamiento hacia la composición en directo. A lo que me refiero es que un disco como ‘Frances The Mute’ lo hice para que sonase muy cabrón en cuanto a estructuras. Para que pareciese improvisado cuando en realidad no lo era. Era muy blues, como se dice. Dimos mucho aire a propósito para que sonase muy natural para luego meterle encima 150 pistas (risas). Fue ridículo lo que hicimos (risas). Ahora en este ‘Noctourniquet’ ha sido todo lo contrario. Hemos metido cortes por aquí y por allá, hemos quitado cosas que no eran necesarias, nos hemos cargado intros para que entrase la voz y en vez de 150 hemos usado 40 pistas. Cuando haces eso todo se vuelve mucho más claro. ‘Frances’ es un disco con muchas lo que hace que sea más difícil distinguir todos los niveles en los cuales la música está emitiendo. En éste, como hay menos elementos, todo se hace más obvio y por eso puedes estar escuchando la canción y luego estar percibiendo lo que está sucediendo por detrás porque esa parte es ahora mucho más clara porque no hay 80 ó 90 pistas entremedias”.

A mí la sensación que me ha dado es la de encontrarme a una banda menos nerviosa. Como más tranquila.

“Sí, tranquila es la palabra”.

Aunque parece también que en cualquier momento algo puede pasar. No sé, es una calma rara. Es como si te sentaras delante de un psicópata pero estuviese tranquilo. A esa sensación de calma me refiero, a que en cualquier momento puede pasar algo.

(Risas) “Pues gracias… creo (risas).

Lo estoy pensando ahora mismo y sí que me siento mucho más relajado, me siento mucho más seguro de lo que estoy haciendo y creo que por primera vez en mi vida estoy entrando en mi cuerpo.

Apenas tengo 35 años y es ahora cuando la vida comienza. Era un niño y por fin entré en mi cuerpo y ahora comienzo el largo proceso de salir de él. Eso te da una confianza que no tenía antes obviamente. También han pasado 10 años desde que creé a mi bebé, a The Mars Volta, que es mi creación, y he llegado a un punto en el que no me importa nada y eso causa un efecto en el que estoy más relajado y puedo verlo todo claro.

Por el otro también estoy de acuerdo contigo, siento que en cualquier momento me puedo volver loco, artísticamente hablando. Siento que en cualquier momento voy a descubrir algo enorme que va a cambiar mi vida, mi camino. Y eso es lo que siento. Cuando dices que me notas más calmado y tranquilo estás en lo cierto pero yo lo percibo como esa “tranquilidad antes de la tormenta”. Tengo ese presentimiento, de que en cualquier momento voy a encontrar algo así que me va a dar otro enfoque”.

Para terminar (nos lo marcan desde el sello) una pregunta muy rápida. ¿Por qué le habéis llamado al disco ‘Noctourniquet’ y no ‘In Absentia’ que era el primer título que aparecía por todos lados?

“Porque hubo un poco de confusión. “In Absentia” era nuestra canción preferida y queríamos que fuese el single. Para nosotros es la canción más cabrona del disco y por eso queríamos que fuese el single, pero el título del disco siempre fue ‘Noctourniquet’, una palabra inventada que nos pareció muy interesante”.

“Siento que en cualquier momento voy a descubrir algo enorme que va a cambiar mi vida” 29

Que haya savia nueva en el Thrash Metal es vital pero también lo es que bandas consagradas como OVERKILL sean capaces de retroalimentar su leyenda lanzando auténticos trallazos como ‘The Electric Age’. Después de casi 30 años de carrera supone todo un reto ser capaces de reinventarse álbum tras álbum no cayendo en la autocomplaciencia, aunque esto cueste más de un sacrificio. Al otro lado del teléfono nos encontramos con un siempre afable BOBBY “BLITZ” ELLSWORTH quien no sólo nos habla de su nuevo trabajo.

Texto: Roberto Villandiego ¿Es posible que haya escuchado en ‘The Electric Age’ una vuelta a las raíces de la banda? En él volvéis a exhibir vuestras influencias de la NWOBHM, más que en los últimos discos.

“Está claro que sí que esas influencias están ahí y lo que más me ha gustado a mí en este disco es que hemos incorporado ,o re-incorporado mejor dicho, un montón de influencias pero con la idea de darle un aire más moderno con el sello estampado de Overkill y con una presentación muy contemporánea. En canciones como “21st Century Man” o “Save 30

Yourself” sí que son palpables esas influencias de la New Wave of British Heavy Metal pero lo importante es que cuando acaba el día piensas que es un tema hecho en el 2012 y que es una canción de Overkill. Ese era el objetivo cuando nos planteamos incorporar influencias que teníamos al principio”.

En realidad no estoy diciendo que todo el disco suene así. Por ejemplo abrís con “Come And Get It” que es un auténtico trallazo y con ella te haces un poco la idea de cómo va a sonar el resto del disco.

“Sabes, cuando DD (Verni, guitarra) me enseñó el tema ya me dijo que para él era el que debería abrir el disco. Lo escuché y yo siempre he intentando que haya una unión perfecta entre las letras y las melodías vocales y la música así es que cuando lo tuve lo vi clarísimo, era una gran introducción para el disco. Tuvo además una idea perfecta porque te prepara para los tonos que van a venir a continuación así que creo que ha sido un éxito”.

Mientras escuchaba el disco lo que sí que ha venido a mi cabeza es que os habéis mantenido fieles a vuestro soni-

do durante todos los años que lleva la banda activa y que quizás en éste todavía habéis reivindicado más el sonido Overkill. Supongo que no habrá sido fácil el manteros fieles a vuestro sonido y al estilo. Últimamente hay como una vuelta del Thrash Metal y parece que vuelve a estar en boca de todo el mundo porque hay una nueva generación.

Vosotros lleváis casi 30 años y supongo que habréis visto un montón de veces ese tipo de “vueltas” así que no sé si habéis pensado “esto está muy bien pero vamos a ver qué pasa dentro de

unos años”.

“Sí que creo que tienes razón y que de un tiempo a esta parte ha habido una salida masiva de bandas de Thrash Metal y creo que eso es, de alguna manera, consecuencia de la buena salud de la escena. El Thrash Metal vuelve a estar ahí y creo que es porque hay gente nueva interesándose por él. No sólo es que haya nuevas bandas sino que hay nuevos fans y eso hace también que una banda como Overkill, que lleva ahí casi tres décadas, pueda seguir creciendo. Parece imposible pero así ha sido y eso es gracias a la savia nueva, a la gente joven que se va interesando por el Thrash y que se añade pero también es cierto que he visto cambiar mucho esta escena. En los 80 era una escena en pleno proceso de ebullición en la que no había ningún plan porque si lo hubiese habido esto habría sido muy aburrido. Ninguno sabíamos ni lo que hacíamos ni lo que iba a pasar. Lo único que esperábamos era estar haciéndolo el máximo tiempo posible. Sin embargo se convirtió en algo que tenía un valor (económico) para ciertas personas y se fastidió un poco. Ahora hay muchas bandas nuevas pero nosotros no somos de los que nos quedamos dos años sentados a ver qué nos depara el futuro porque quizás si esperas terminas perdiendo. Somos de la opinión de que hay que aventurarse en el momento.

Cuando le das al play en tu Ipod o en tu reproductor de CD es obvio que podemos competir con cualquier banda nueva de Thrash. La popularidad es genial pero hay que asumir riesgos y no esperar a ver si te puedes nutrir de esa popularidad”.

No sé si vosotros sentís el mismo respeto que la gente tiene cuando habla de Overkill. “¿Respeto por mi banda?”

Sí, cuando hablas con alguien de Overkill o de Testament, por ejemplo, notas que hay mucho respeto. Yo obviamente no estoy en tu banda así que ¿tú lo notas cuando hablas con los fans o con otros músicos?

“Yo no creo que note ese respeto de la misma manera en la que ellos lo notan.

Yo por ejemplo te diré que cuando hablo de Overkill sí que me siento muy orgulloso porque hemos sido capaces de sortear un montón de obstáculos y de mantenernos unidos, de girar unas cuantas veces alrededor del mundo y hemos hecho música que ha llegado a mucha gente. Todo eso te hace sentir muy orgulloso. Obviamente nosotros nos respetamos pero de una manera distinta a cómo la gente nos respeta dentro de la escena. Creo que ese respeto viene del compromiso que tenemos con lo que hacemos porque lo adoramos. De hecho, no sé si teníamos ese mismo nivel de compromiso cuando empezamos que el que tenemos ahora porque al principio no sabíamos nada.

Era todo un caos. Sólo sabíamos que era todo genial: teníamos tías, cervezas, girabas… era jodidamente apasionante (risas). Después todo fue cogiendo otro sentido y fuimos cambiando nuestros valores y yo me siento muy orgulloso de ellos. Te he dado una definición distinta a lo que me has preguntado pero sé a qué

te refieres perfectamente cuando utilizas la palabra “respeto””.

A lo largo de todos estos años ¿has tenido que hacer muchos sacrificios personales por estar en Overkill? Me da la sensación de que la vuestra no ha sido una carrera fácil sino que ha debido ser como un maratón. “¿Sabes? Yo no los considero sacrificios si son cosas que hacen que avances. Supongo que sí que las he sacrificado pero nunca lo he pensado en el momento. Si miro atrás y repaso nuestra carrera sí que los hemos hecho pero mientras estaba pasando no los consideré sacrificios. En el momento en el que tienes que girar mucho para poner tu nombre en el mapa sabes que se va a resentir tu hogar. Cuando tienes que girar mucho no es algo que entusiasme a tu familia, si la tienes, y si miro para atrás ese posiblemente sea el mayor sacrificio que he tenido que hacer.

Sé que no he tenido una vida muy hogareña en ese sentido pero por otro lado mi mujer me dice que eso ha hecho que sea quien soy y que ella ama a ese tío. Si no hubiese hecho eso no sería como soy y lo mismo no le gustaba tanto (risas). Ella también ha tenido que hacer un montón de sacrificios. Nosotros nos hemos tirado un montón de años intentando que esto funcionase de manera correcta y he intentado que hubiese un equilibrio entre sacrificar el tiempo que tenía para estar en casa con la familia y para estar de gira.

No ha sido sencillo pero tanto DD como yo llevamos viviendo así desde el 86 porque éste es nuestro trabajo y, de alguna manera, ese es nuestro gran éxito, el llevar casi 25 años dedicándome a la música y que encima no parezca un trabajo así que no hay sacrificios que valgan (risas).

Es una jodida buena sensación (risas) y lo mejor es que aún estamos aquí. Hay mucha gente que nos pregunta si todavía seguimos manteniendo la ilusión y siempre digo lo mismo: “dale al play y comprueba lo que hemos hecho” (más risas).

Sobre todo te lo preguntaba porque sois una de esas bandas que nunca ha parado en tres décadas y eso tiene que costar. Yo no tengo ni por asomo la misma agenda que vosotros y sí que he tenido que hacer sacrificios personales para dedicarme a esto.

“Pero es que lo que somos es lo que hacemos y yo tengo la sensación de que hubiese sacrificado muchas más cosas si hubiese parado (risas). Me hubiese quedado en casa pensando “¿qué cojones hago ahora?” (más risas). Lo mismo es duro reconocerlo pero quizás a mí lo que me mantiene vivo, lo que hace que bombee mi sangre, es estar haciendo lo que hago porque es mi vida. Volviendo un poco a lo que hablábamos antes, cuando sale una banda nueva de Thrash Metal y saca un disco yo puedo decirles “ok chavales… así es como se hace” y les pongo el mío” (risas). ¿No te hace sentir eso como una especie de Padrino? No te dan ganas de decirles (poniendo acento de don Vito Corleone) “muy bien chicos lo habéis hecho bien pero nosotros somos Overkill”.

(Carcajada) “Yo lo veo también como una especie de competición y a mí me encanta competir. Hace unos años estuvimos de gira con Destruction, por ejemplo, que es una banda que también lleva muchísimos años y veía todos las noches su concierto, el cual era fantástico, pero yo lo único que podía pensar era en salir y demostrarles cómo se hacía (risas).

Para mí es una motivación que no tiene nada que ver con el ego. El tener eso en la cabeza, esa “competición”, hace que esté constantemente motivado. Incluso te diría que me encanta competir contra mí mismo cuando escribimos un nuevo disco. Hemos escrito ya 16 discos y después de haber hecho tantos es muy complicado no repetirte y para nosotros es un reto el probar nuevas líneas vocales, nuevas ideas y se convierte todo en un reto, en una competición contra mí mismo y eso me motiva muchísimo. Si progreso aprendo, si aprendo crezco y si crezco es que sigo vivo y es genial”. ¿Por eso hiciste el disco con The Cursed, para refrescar ideas? (Ndr. se lo pronuncio mal lo cual da lugar a una conversación divertida la cual reproducimos).

“Claro que tienes que refrescar ideas pero tiene que seguir sonando a Overkill.

Al principio de la entrevista decías que habíamos indagado en nuestras raíces más primigenias y claro que suena a eso porque es de dónde venimos porque si no sabes de dónde vienes no vas a saber a dónde vas. Para saber a dónde quieres llegar tienes que saber primero quién eres y tienes que ir poniéndote retos a lo largo del camino. En éste he probado distintas voces como si hubiese otro tío cantando en la banda por aquello de probar cosas nuevas. En “Electric Rattlesnake” por ejemplo empieza con un ritmo rompecuellos pero hacia mitad de la canción rompemos el ritmo y hacemos un medio tiempo para meter el estribillo. Hacer algo así era nuevo para nosotros pero el lograr lo marca nuestro progreso y lo que hemos crecido”.

Creo que no me has entendido. Yo me refería a si también fue un reto el hacer el disco de The Cursed (ndr. empiezo a pronunciarlo de distintas maneras (the curs, the cursed) pero no me entiende).

La banda con la que lanzaste un disco hará cuatro años (‘Room Full Of Sinners’ – 2007).

“Ah, vale, The Cursed” (risas).

Tío, ya sabes cómo somos en España.

Nosotros no decimos “Eisi Disi” (AC/DC) sino que decimos “Acedecé”.

“Es cierto (carcajada). Es cierto, que estás en Madrid y eres español (más risas).

Vale, lo de The Cursed fue un proyecto para divertirnos en el que hice algo diferente. No me gusta decir esto pero Overkill es un negocio y que llevamos como tal y The Cursed era simplemente una diversión. Éramos cuatro tíos en una habitación bebiendo birras y mirando un Playboy como si tuviésemos diecisiete años. También fue una salida para probar cosas distintas lo cual me vino bien a título personal. Todo aquel proceso fue como una experiencia para aprender cosas y el

tenerlas es algo fantástico porque te das cuenta de que puedes hacer otras cosas en tu vida. Fue muy divertido”.

De hecho, la forma de cantar en éste ‘The Electric Age’ me recuerda un poco a la que usaste en aquel disco. ¿Esposible que en este disco tu voz suene más limpia que nunca?

“Yo no diría que “limpia” sea la palabra.

Sí que creo que suena muy fresca y que hay muchas voces distintas a lo largo de todo el disco. Cuando DD me enseñó por primera vez los temas en lo primero que reparé es que me había dejado mucho espacio para cantar y cuando lo tienes puedes experimentar muchas más cosas que tengan gancho. El estribillo de “Electric Rattlesnake” o el de “Wish You Were Dead” los puedes cantar perfectamente pero no diría que suenan “limpios” aunque te den esa sensación. De hecho creo que esta vez nos hemos manchado un poco más los pantalones” (risas).

Habrá mucha gente que no sepa que tanto Rolling Stones como los Beatles son unos de tus grupos favoritos. ¿Alguna vez te has descubierto a ti mismo haciendo melodías vocales como las suyas de forma inconsciente?

“Creo que alguna vez han aparecido pero porque la música es música y la melodía es la melodía y la que tiendes a hacer es la que mejor encaja con el género que estés haciendo. Yo nunca he dicho “me encanta esta melodía de los Rolling o de los Beatles y voy a ver cómo la puedo aplicar a Overkill” pero sí que hay melodías que podrían encajar y podrían ser similares pero no porque sea una influencia directa o que yo lo haya hecho de manera consciente”.

Para terminar me gustaría hacerte una pregunta personal… ¿qué tengo que hacer para tener tu cuerpo con tu edad?

(Carcajada) “Está bien. Envíame flores” (risas).

Yo te aseguro que lo intento pero… ¡¡es imposible!!

(Más risas) “Pues no sé cuál es mi secreto. Supongo que soy afortunado. Siempre he sido muy delgado y de ahí pasé a estar musculado y cuando lo hice me di cuenta de que me resultaba mucho más fácil estar de gira porque estaba en forma para estar en la carretera. También influye que mi mujer es partidaria de la comida fresca y no somos ni de comer pizza ni hamburguesas. Somos más de pescado fresco del mercado y todo eso para cuando estás en la carretera te viene muy bien.

De hecho cuando estoy en casa salimos también a correr así que digamos que es nuestro estilo de vida. Por otro lado mi metabolismo es así con lo cual no me cuesta nada proponerme ese tipo de rutinas y me gusta”.

Yo he tratado de hacer lo mismo y mí es que me engordan hasta las ensaladas (risas). “¿Has pensado en dejar de comer?” (carcajadas).

Quizás esa sea la solución (risas).

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Si algo ha carecterizado siempre la ya dilatada carrera de PARADISE LOST ha sido el inconformismo y el no caer en la autocomplaciencia. Banda de culto para muchos, los de Halifax siguen siendo un referente de superación y, sobre todo, de calidad. Cualquier álbum suyo, por muy “experimental” que sea, es una garantía y su nueva referencia, ‘Tragic Idol’, no iba a ser una excepción. De hecho es de lo mejor que han lanzado en mucho tiempo pues se les notan bríos renovados. Pillamos a NICK HOLMES (vocalista) recien llegado de DUBAI para que nos hablara en profundidad de su nueva referencia. Texto: Roberto Villandiego Este es vuestro disco número 13. No veo yo a Paradise Lost siendo supersticiosos.

“No lo somos (risas). De hecho no había caído en la cuenta hasta que no lo has dicho”.

Este ‘Tragic Idol’ lo habéis grabado en los Chapel Studios y sin embargo las voces las has grabado en un estudio en Suecia. ¿Por qué?

“Eso es. Estuvimos unas cuantas semanas en los Chapel Studios en donde hicimos la música de todas las canciones y luego me fui a Orebro, en Suecia, para 32

grabar las voces unas dos semanas. Lo hicimos así porque Jens Bogren, nuestro productor, prefería trabajar en su propio estudio (ndr. los Fascination Street Studios) que están en mitad de la naturaleza además de que justo en ese momento no podía quedarse tres semanas en los Chapel porque tenía otros compromisos”.

Cuéntame ¿cómo ha sido el proceso de creación? Greg Mackintosh ha vuelto a hacer toda la música pero también es cierto que ha estado ocupado con Vallenfyre, su otro proyecto.

“Sí pero eso no tuvo nada que ver a la

hora de escribir el disco porque creo que lo de Vallenfyre estuvo todo terminado hacia finales del año pasado y nosotros empezamos con éste en Enero o Febrero así que no ha influido. Lo que sí que es cierto es que cada vez es más complicado empezar a trabajar en un nuevo disco porque tienes que pensar en qué dirección quieres ir con relación a todo lo que has hecho en el pasado. Una vez que ya has hecho un par de temas la rueda se pone a girar y todas las demás salen sin apuros”. ¿Has pensado tú en hacer algo como lo

que hizo él con Vallenfyre para refrescar ideas?

“Nunca me he planteado el empezar ningún tipo de proyecto por mi cuenta partiendo de la nada. Puedo plantearme el hacer colaboraciones porque eso no me restaría tanto tiempo pero empezar una banda desde cero es algo que te resta muchísimo tiempo y hay que poner mucho esfuerzo y yo prefiero concentrarme en Paradise Lost. No tengo nada en contra de colaborar con alguien si lo que me propone me atrae pero se tienen que dar una serie de circunstancias que todavía

no se han dado. He hecho algunas cosas en el nuevo proyecto de Rhys Fulber pero todo está todavía muy verde así que tampoco puedo decir que esté involucrado en eso pero tampoco sé lo que pasará en el futuro. Dependerá también del tiempo libre que tenga para hacerlo”.

En mi opinión este disco es una especie de continuación de ‘Faith Divide Us – Death Unites Us’ pero con reminiscencias a álbumes más clásicos como ‘Draconian Times’ o ‘Symbol Of Life’. ¿Qué opinión tienes tú al respecto?

“Yo creo que sí que tiene algunas influencias clásicas que eran más visibles en nuestro material más antiguo. Éramos fans de un montón de bandas y, por supuesto, de Black Sabbath y han estado siempre presente. Te hablo de cuando lanzamos ‘Icon’ o ‘ Shades Of God’ en donde lo que intentamos fue reinventar ciertas cosas. Todo eso sí que lo puedes escuchar en este álbum y hay bastantes reminiscencias a nuestro pasado pero también creo que hay mucha más melodía en este disco de la que había en el anterior aunque sigue sonando muy pesado. No sé si será por eso que te ha recordado a la época del ‘Symbol Of Life’ porque lo que no hacemos es sentarnos con nuestros discos antiguos y extraer partes para reutilizarlas sino que cada disco tiene que tener su propia vida. Con esto no te digo que nos olvidemos de lo que hemos hecho pero a no ser que las toquemos en directo no suelo escuchar nuestros discos antiguos. Bueno, los tengo que escuchar para los ensayos porque si no la banda se mosquearía conmigo (risas). Resumiendo, no solemos volver sobre nuestros pasos para rescatar ciertos elementos sino que nos concentramos en escribir canciones pero somos nosotros así que tiene que haber similitudes de todas maneras”.

En la última entrevista que hice con Greg, hablando de Vallenfyre, le pregunté si la gira que habíais hecho tocando íntegramente ‘Draconian Times’ había influido a la hora escribir música porque supongo que rememoras viejos feelings así que quiero saber tu opinión.

“A mí lo que más me sorprendió en esa gira fue como ‘Dra-

conian Times’ había calado en la gente que vino a los conciertos. No es que nos olvidásemos pero sí que ha pasado mucho tiempo y no hemos parado en todo este tiempo. No es como si nos hubiésemos echado a perder y volviésemos a aquella época por el simple hecho de estar ahí sino que nunca hemos parado.

Sí que fue muy interesante el ver cómo ese disco impactó en mucha gente. Para algunos es como si fuera el ‘Master Of Puppets’ y posiblemente sea más importante ese disco para ellos que para mí y en esa gira vimos el impacto real del disco. ¿Si ha influido en el nuevo disco?

Quizás de una manera inconsciente haya influido en Greg a la hora de hacer los riffs y las canciones pero a mí no me ha influido necesariamente”.

Ya sé por qué le habéis llamado al disco ‘Tragic Idol’. No sólo me parece una de las mejores canciones del disco sino que además me parece que muestra una cara distinta en Paradise Lost.

“Pues el título vino antes que la canción, lo cual no es muy usual. Salió como hace un año o así lo cual es rarísimo y es una crítica hacia cosas que idolatramos y que acaban convirtiéndose en una tragedia.

Hay muchas cosas que la gente idolatra (sobre todo a celebridades) que no esperan que puedan caer o que puedan destrozarse y al final pasa y se sienten abatidos pero así también es un poco el ser humano, está en su naturaleza. Lo que tratamos de decir es que no es oro todo lo que reluce. De eso es de lo que hablamos. También tratamos de idolatrar cosas que no sirven para nada, que son muy frágiles, pero el ser humano es así.

Hay mucha gente que está, por ejemplo, obsesionada con el dinero y está bien pero el que lo tengas no te va a hacer ser mejor persona. Lo que te digo incluso podría aplicarse a nosotros porque para mucha gente seremos también ídolos pero nosotros estamos más en la parte de la tragedia (risas) El dinero nos evita” (más risas).

Volviendo al disco he tenido la sensación de que va creciendo conforme lo vas escuchando. Empezáis con “Solitary One” es muy lenta pero va subiendo la intensidad. No sé si es algo premeditado pero funciona.

“Yo creo que hay como tres canciones que se salen un poco porque las hicimos en caliente y “Solitary One” es una de ellas. Esa fue una de las primeras que empezamos a componer y la última que terminamos y la verdad es que no sabíamos qué hacer con ella porque iba en una dirección distinta al resto del álbum.

También nos pasó con “Worth Fighting For” que se separaba un poco de lo que era un poco pero la cambiamos para que encajara porque no queríamos que fuese una cara B. También

fue una de las primeras canciones que escribimos y que la terminamos de las últimas porque queríamos que funcionase junto a las cinco o seis canciones que son nuestras favoritas y que así encajaran bien. Hay canciones que son más metaleras que otras pero eso hace que se compense el disco. Que seamos una banda de Heavy Metal no quiere decir que no podamos hacer canciones más lentas (risas).

Yo recuerdo de pequeño escuchar un disco de Ozzy que de repente hacía una canción en acústico y que no descuadraba.

Nosotros no es que nos vayamos a poner a hacer una canción acústica pero sí que podemos acercarnos porque no descuadra y al final la impresión que te llevas del disco es que sigue siendo muy Heavy”. ¿Por eso habéis dejado “Ending Through Changes” como bonus, porque no encajaba con el resto?

“Sí y no. Es un tema que nos gusta pero pensamos que podría funcionar mejor por separado. A nosotros es una canción que nos recuerda a la era del ‘Symbol of Life’ lo cual no es malo pero pensamos que se apreciaría mejor si la dejábamos aparte. Tampoco nos gusta decir que es una canción extra porque parece que cuando dices algo así es porque no tiene calidad y la intentas esconder pero no es así. Teníamos 10 canciones que encajaban a la perfección y por eso decidimos dejar ésta fuera del disco”.

Una de los temas que más me ha sorprendido ha sido ‘Theories From Another World’ y sobre todo ese final. Suena a película de terror.

“A nosotros es que siempre nos ha gustado la música de las películas de terror.

Esos cambios de tempo son muy típicos en las películas de terror aunque también puedas escucharlos en el Death Metal y nosotros lo que queríamos era incorporarlos en lo que estábamos haciendo y que sonara bien. No es que nosotros nos hayamos vuelto una banda de Death Metal pero sí que es muy normal encontrarte ese tipo de riffs en el Death Metal. Probamos y vimos que funcionaba así que por eso lo metimos e incluso en el anterior ya habíamos probado a hacer algo parecido”. ¿De qué hablas en ese tema? Pensé que ibas a dar propuestas para un mundo mejor y lo que realmente propones es ¿otro peor?

“Puede (risas). Sabes, cuando era un chaval la gente discutía de qué banda era la mejor pero ahora la gente discute entre Apple o PC (más risas). No me puedo creer lo pasional que es la gente con eso, especialmente los que defienden a Apple. La canción no es que vaya de eso en concreto sino que habla de cómo la tecnología ha cambiado los argumentos de la gente. Ya no se discute quiénes son mejores, si Motorhead o AC/DC sino si es mejor un Apple o un PC. Mis amigos están hablando de eso constantemente y me sorprende esa lealtad sobre ciertas cosas. Si algo te funciona no sé dónde coño está el problema y da lo mismo lo

que sea pero sí que hay una pasión por todo lo relacionado con Apple que me hace gracia. Te vuelvo a decir que la letra es toda una metáfora y no concreto sobre nadie pero sí que hablo sobre cómo han cambiado las cosas y por lo que la gente se apasiona ahora. Te he puesto el ejemplo de mis amigos porque ahora la música no les interesa. Están más al tanto de las últimas tecnologías de cuál es el último puñetero gadget”.

Es alucinante porque, este es vuestro álbum número trece, lleváis más de veinte años de carrera y lo que ha cambiado la vida en todo este tiempo ¿verdad?

“Sí, es increíble. Ha cambiado todo. Por ejemplo internet es el mismo diablo. Es muy práctico para muchas cosas pero hay otras que las ha aniquilado. Nosotros hablamos mucho de eso porque somos muy fans de internet, nos tiramos mucho tiempo online y ha revolucionado muchas cosas pero se supone que es muy sencillo comunicarte con los demás pero a la vez es muy difícil comunicarte porque como no funcione vives una jodida pesadilla (risas). Antes nos juntábamos en una habitación para intercambiar ideas y ahora nos enviamos toneladas e-mails para decidir las cosas y para ver cómo va todo.

Hay mucha comunicación, no me malinterpretes, pero nos estamos cargando el contacto humano lo que pasa es que es la manera en la que funcionan ahora las cosas y a lo que se está habituando la generación de mis hijos, por ejemplo, y yo tampoco te negaré que a mí me encanta el estar en gira y poder conectarme para hablar con ellos directamente por Skype”.

Sí pero se echa un poco el contacto humano que había en el pasado. Es más, da la sensación de que si uno pierde el móvil o no puede conectarse como que se queda sólo en el mundo (risas).

“Sí, eso es cierto aunque yo tampoco te puedo decir mucho porque yo no tengo facebook y mi móvil no tiene ni cámara (risas). Sin embargo, y volviendo a mis hijos, ellos no lo entienden de otra manera y así es como funciona este mundo ahora mismo. Además de que, como te decía antes, es algo diabólico de por sí.

Si algún día por ejemplo no me puedo conectar a hablar con ellos van a pensar que me ha pasado algo malo. Antes podías salir a buscar una cabina de teléfonos para llamar aunque hiciese un frío de morirte y si no podías llamar lo entendían pero ahora si no tienes una conexión a internet lo primero que te van a decir es “¿dónde coño estabas?¿Qué ha pasado?” (risas).

Así es como funcionan las cosas”.

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Cuando una banda como HORA ZULÚ, acostumbrada a estar constantemente en la carretera, desaparece de repente es porque algo trama. El misterio ha quedado despejado con ‘Siempre Soñé Saber Sobre Nadie Negó Nunca Nada’, un álbum en el que los granadinos, sin perder su esencia, se reencuentran con sus musas marcándose su álbum más serio. PACO LUQUE (guitarra) y JAVI CORDOVILLA (batería) se hacen una escapada a Madrid para que pudiésemos hablar largo y tendido de lo que ha sido el parto de este nuevo trabajo.

Texto: Roberto Villandiego Ha sido una temporada sin saber de vosotros. ¿Ha costado mucho hacer este disco?

(P) “Costar trabajo no pero hemos querido cambiar el chip de las composiciones y la forma de cantar y eso ha requerido tiempo. También es que ha habido un intervalo en el que, cuando el grupo estaba preparado para empezar a hablar de un disco nuevo con el anterior serio nos dimos cuenta de que el grupo iba por un lado y el sello por otro.

Ahí hubo un parón justo a los 2 años de sacar el disco anterior y empezamos a barajar el auto producirnos con todo lo que teníamos planteado que debíamos de hacer y de pronto surgió lo de Kaiowas. Como era un proceso también nos ralentizamos nosotros al no tener que ir con presiones a grabar. Si no íbamos a sacar el disco para qué íbamos a andar con prisas y haciendo letras como churros. Al ver por dónde iban los tiros de este disco decidimos tomárnoslo con calma porque si no lo hacíamos rápido la podíamos a cagar así que maduramos bien las ideas para que luego Aitor pudiera hacer algo diferente. Al final ha sido un proceso de casi dos años de composición hasta que decidimos meternos en el estudio porque ya estaba completamente cerrado el acuerdo con Kaiowas, descartando completamente autofinanciarnos porque vimos que era un pastón porque sigue costando todo mucho. Como habíamos salido desencantados con nuestra anterior compañía revisamos todo mucho cuando firmamos con Kaiowas y nos han puesto muchísimas facilidades. Íbamos con tan pocas ganas de firmar con nadie que conseguimos el contrato casi perfecto prácticamente”.

Tengo la sensación de que había sido vuestra asignatura pendiente. Habéis ido tan rápido que habíais caído en un bucle peligroso. De hecho a mí, y siendo sincero, ‘Querer Creer, Creer Querer’ sonaba a vosotros pero necesitabais hacer algo para refrescar vuestro sonido.

(P) “Sí , si nos dimos cuenta a toro pasado pero como es una cosa que te queda para toda la vida no puedes hacer nada”.

(J) “Yo creo que en todas las carreras hay que respirar un poco y en todo lo que hagas, no solo en lo musical. En la vida misma hay momentos que te ves embalado por las circunstancias de la vida, por lo que tienes a tu lado y te crees que es un tren que vas a perder como te bajes y luego tomas decisiones de las que te arrepientes. Yo creo que este disco se ha hecho como se tienen que hacer los disco; tranquilamente, con paciencia, esperando la oportunidad el momento y haciéndolo bien”.

El haberos quedado parados ha debido ir en contra incluso de vuestra naturaleza.

Desde que empezasteis en el 2000 ha sido todo vertiginoso y estaba claro que veníais a trabajar duro. De hecho cuando salió ‘Me Duele La Boca De Decirlo’ estuvisteis al borde de resultar cansinos (risas).

(P) “Nosotros un día tuvimos un pequeño cruce de palabras por eso mismo con nuestra primera compañía porque les dijimos: “mira nosotros no somos partidarios de estar todas las horas en la carretera en cualquier sitio y tampoco somos partidarios de que la gente piense que si no hay alguien detrás no nos mereceríamos estar aquí y si no se puede tocar con fulanito pues no se toca y si ya hemos tocado con Slayer en Madrid pues no se vuelve a tocar ni con estos ni con los otros”. Esa fue la primera pelea. Parece

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que quedábamos como desagradecidos pero no es así. Nosotros en su día rechazamos ofertas de grandes multinacionales porque en las primeras maquetas había canciones muchísimo más comerciales pero decíamos ¿para qué queremos un trato con Universal si no vamos a vender lo que ellos están acostumbrados? ¿Para que nos echen por la parte de atrás? Fuimos nosotros quienes decidimos desde el principio donde íbamos a estar, donde era lógico que estuviéramos y donde iba a cantar eso a favoritismo o a repetitivo o a “estos tíos son un coñazo”. La única forma que teníamos de defender que no había favoritismos o ningún enchufe era hacerlo muy bien en directo porque si no iban a decir “mira están en todos lados pero son un mierda de grupo””.

Yo no creo que lo que dio fue la sensación de que venías a dejaros el lomo no a que teníais un “padrino” detrás porque al final esas cosas las sabemos los que nos dedicamos a esto pero lo que ve la gente es lo que hay en el escenario y ahí no hay engaño que valga.

(P) “Ahí tienes razón. Por ejemplo, cuando se hizo el festival Rock había miles de heavies por toda la zona esperando a que empezase ya el día antes y nos colamos en una terraza de verano a dar un concierto. Daba igual que te vieran allí o en otro lado porque la mayoría de la gente ya estaba allí. Fue un concierto a ras de suelo en una terraza y aquello se petó, así es que como estrategia estuvo muy bien. Pero igualmente nosotros también teníamos claro donde teníamos que tocar y donde no para no quemarnos. En Granada, por ejemplo, tocábamos una vez al año pero hay grupos que empiezan, amigos nuestros, que les hemos tenido que decir que paren porque han tocado 6 veces en tres meses y así lo único que van a lograr es convertirse en el grupo de instituto que la gente no va a tomar en serio nunca” (J) “Es que haciendo eso estas matando a tu grupo, lo estas pisoteando” (P) “En esto puedes tener un año muy bueno y el siguiente puede ser una puñalada trapera. Si eres una miaja listo dices “mira si hemos tocado el año pasado aquí, este año no podemos tocar de nuevo” aunque te den la oportunidad y quieran pagarte. Si no se puede no se puede así que nos buscábamos otro sitio para tampoco quedarnos parados. Como llevábamos cuatro años sin disco nos inventamos la gira del décimo aniversario al rebufo de otros grupos que también lo han hecho para tocar. Nos la inventamos como una excusa para poder tocar y también por necesidades económicas porque tenemos una empresa con el grupo y necesitábamos facturar porque si no al final te conviertes en un morosos. Y esto también nos ha hecho tocar en sitios rompiendo un poco esa política nuestra de no quemar los sitios. Nos hemos tenido que ver obligados a tocar en algunos sitios cuando lo bueno hubiese sido tocar dentro de 2 años y todo porque nos han ofrecido “esto” y de no haberlo cogido no hubiésemos podido pagar el IVA y la furgoneta, por ejemplo. Al final se lleva como se puede”.

Después de 10 años eso no se me hace justo (J) “Claro pero son cosas que pasan”.

(P) “Pero es que al final todo depende de la gente. Si un día a la gente le da por Hora Zulú de golpe eres dios y todo lo que has hecho es la ostia. Pero estamos en un sta-

Nosotros en la furgoneta no ponemos nunca Metallica.

Ponemos Emilio el Moro o bandas sonoras de películas. Casi nunca ponemos rock porque nos volveríamos locos perdidos

tus en el que eso está por venir. Siempre nos han hecho críticas muy buenas y nunca nos han dicho nada que pudiésemos pensar “ostia éste es nuestro talón de Aquiles” y yo creo que un día tendremos nuestro momento si no paramos porque como nos tomemos un par de años sabáticos nos han dado por culo. No podríamos permitirnos eso porque no tenemos ni el cúmulo de gente como para ir y volver y tampoco somos nadie para decir “dejamos un legado y ya lo retomaremos dentro de unos años para que la gente lo coja con ganas”. Hay que trabajar y trabajar”.

Además de que si lo dejas le quitas a la gente la oportunidad de redescubrir, por ejemplo, un ‘Me Duele La Boca’. Al menos en una gira “aniversario” puedes ir dándoles salidas a temas que se habían quedado fuera.

(P) “Los clásiquillos que a la gente le gustan las tienes que tocar porque también van a verte por eso. Nosotros eso siempre lo hemos tenido claro. Ahora sí que vamos a defender este último disco como el primero porque esta vez está en la calle mucho antes de vernos en directo. La gente lo puede escuchar de muchas maneras: por youtube, comprárselo o spotify. Cuando llegue el día que haya que tocarlo la gente ya no va a ir como en los anteriores discos que cuando llegabas a los conciertos, por un problema de la discográfica, no estaba disponible y tardaba 10 días en llegar. Era entonces cuando decías “ahora qué hacemos porque hay que tocar por huevos algo nuevo pero es que la gente no lo ha escuchado”. Tocabas con miedo y de 7 temas lo dejabas en tres porque le vas a ver un careto a la gente como diciendo “ésta no me suena. Será del último” y eso te predispone para el resto del los conciertos y llega un día que dices “coño estamos tocando una del cuarto disco” cuando sin embargo si hubiera estado sonando habríamos tocado más. Pero bueno éste ya no hay más remedio que tocarlo entero”.

Veo que encaráis este disco con las mismas ilusiones que si fuera el primero. Supongo que el hecho de incluso el haberos planteado la autoedición le ha otorgado otros bríos al álbum porque al final te vuelves más exigente al ser tú el que te jugas los cuartos.

(P) “Eso es. A mí también me ha hecho ilusión el poder contar con tecnología con la que nunca había contado. Esta vez he tenido un portátil con programas para grabar, editar, meter baterías, imitar los bajos y eso me ha hecho darle en casa muchísimas vueltas. Cuando llegaba al grupo me decían “coño, si es que están las canciones hechas” y la que nos gustaba todos se podía grabar. Eso te hacia muchísima ilusión y te daba vidilla para grabar. Cuando llegó la hora de meternos en un estudio teníamos muy claro cómo iban a quedar las canciones, cuáles eran las que más nos gustaban y había material para elegir. Además se dio que estado grabando me vinieron otras inquietudes totalmente nuevas que dentro de mi sonido se han plasmado muy bien en el disco con lo cual cuando lo escuchas ves que hay una vuelta de tuerca en cuanto a las canciones y en cuanto al sonido. En el penúltimo disco había arreglos y cosas que no fueron supervisadas por Hora Zulú y si hay cosas que yo cuando llegan me las salto con el Cd porque no las puedo oír porque nunca las hubiera metido ahí. Nos dio mucho miedo caer otra vez en eso”. ¿Por eso en este disco hay que estar pendiente? Hay muchos detalles no muy evidentes.

(P) “Sí, exactamente. En alguna entrevista he dicho que no me he preocupado por los detalles pero luego escuchas las canciones y están llenas. Esos detalles los he ido agregando a lo largo de los 2 años, poco a poco”.

Lo que sí he notado ha sido más la presencia de canciones mientras que en los anteriores dominaba un poco más el riff.

(P) “Exacto”.

En los anteriores daba la sensación de que las canciones se construían sobre un riff cortante y en éste incluso si quitas la voz de Aitor, no piden un rapeado como sí pasaba en los anteriores.

(P) “Sí eran más cuadriculadas pero también fue porque en el anterior las cosas se hicieron un poco mal. El hecho de cortar y pegar tantísimos estribillos y recargar las letras porque había que terminarlo a toda leche hizo que lo escucharas y pensaras que era muy repetitivo. Al ir más pausado también te permite añadirle melodías y acercarte a la armonía de la guitarra. Cuando empezamos a ver las voces en el estudio de David Castro en Úbeda empezamos a disfrutar porque nunca pensamos que sobre esas bases Aitor fuera a cantar así. Porque lo hicimos pensando que iba a tener su métrica más rapera y pero le dio un giro letras a la mitad y mucho más pausado. Ahora que como el tío se escribe las letras que escribe no necesita meterse una parrafada de mil palabras, sino con poco el tío es capaz de decir lo que quiere y con mucha categoría”. Él también necesitaba darle una vuelta a sus melodías porque estaban convirtiéndose también en una reiteración. Hacía falta un cambio y además sin renunciar a un estilo tan marcado como es el suyo.

(J) “Pero es que se puede mantener una entidad sin renunciar a que hay que currárselo cada vez más. Coño si estoy harto de hacer esto pues mantengo una entidad pero hago esto que me apetece y que de hecho la canción me lo pide. De hecho hemos funcionado así, viendo a ver lo que nos pedían las canciones”.

Y se le nota además mucho más maduro.

(P) “Sí. Una canción como “Nuestro Entonces” podría catalogarse más como de cantautor a lo Sabina, canciones a las que él da su giro de voz, con su tono y sin intentar hacer registros que no son de su estilo y como tiene tanto carácter en la voz queda muy creíble. No es que ahora le haya dado por cantar a lo Bunbury. Como digo ha concentrado. Parte de la letra la ha dejado fuera para que, con el mismo mensaje, la voz se meta más en que la canción y el disco sea un viaje. Vas escuchando el disco y te va trasladando a cosas. No es una canción tras otra sin sentido”.

Sí que parece un álbum conceptual sin serlo. Porque no creo que estuviera concebido para hacerlo conceptual, ¿no?

(P) “No porque si encima nos arriesgamos en este país en hacer algo así la cagamos del todo porque es un país muy de “chimpún chimpun” donde no te puedes exceder en la batería, en los solos de guitarra o en los arreglos. Si ya de por sí somos un grupo que estamos en tierra de nadie lo que nos faltaba era hacer algo conceptual o muy progresivo porque entonces nos tacharían de raros e irían a vernos los cuatro que son fanáticos. No nos vamos a engañar, nos gustaría vivir un poco mejor de esto y hay que sacar buenas canciones y un poco audibles a muchos oídos porque no todo el mundo está preparado para escuchar ciertos arreglos o subdivisiones del compás porque piensan que te has equivocado. No entienden que esté hecho así a propósito. Siempre intentamos mantener un poco lo cuadriculado del estilo pero cada vez nos liberamos un poquillo más con los instrumentos o los arreglos. Nosotros creemos que con este disco hemos reventado a los anteriores, incluyendo al primero. Aquel fue un disco que supuso un aire fresco en el Rock nacional y ha generado en la gente que siguió a los zulús mucho componente sentimental y creen que es el mejor pero no es así. Quizás lo

es en su recuerdo pero técnica y artísticamente cualquier disco que viene después, y ya no te digo éste, le pega mil patadas al primero porque es como el revestimiento de un pequeño esqueleto que era el primer disco. Los arreglos musicales y las letras dejaban mucho que desear al lado de un tercer disco o este ‘Siempre Soñé Saber Sobre Nadie Negó Nunca Nada’ que es con el que más contento estamos. Y a mí me gustaría que la gente lo percibiera y por lo que estamos leyendo por ahí creo que lo van recibiendo muy bien. Porque los mismos fans están recibiendo aire fresco con la edad que están haciendo ahora. Si hubiésemos hecho algo parecido al primer disco les sonaría a más de lo mismo sin ser el primer disco porque ni siquiera tendrían los recuerdos del primero y no formarían parte de su banda sonora. Y eso es lo que nos gustaría con este disco porque tiene mucha profundidad las letras y la música es muy seria”.

Lo que hay es un homenaje más profundo a Andalucía, bueno a Granada. Muchas letras son más personales y le pones un lugar físico a las canciones.

(P) “Antes no podías definir de donde era el grupo concretamente pero ahora se identifica perfectamente por las letras, las melodías, los personajes a los que hemos dedicado la intro. Todo ese tipo de cosas hacen el disco muy granadino. Aparte de ponerle detrás el escudo de Granada en primera. Pero si porque ha sido muy serio porque en cuatro años vives más cosas que en 2 y han pasado muchas cosas. Aitor ha tenido ahí un prado para sembrar”.

Les dedicáis temas a Enrique Morente, Jose Carlos Cano, Rafael de León y Arias de Saavedra y a Emilio Jiménez Gallego. ¿De dónde salió el ponerles el Don? (P) “La intención era llamarlos como a los profesores de nuestra infancia. NO por el tono caballeroso sino por el rollo maestro y profesor”.

Me ha sorprendido la dedicatoria a Emilio Jiménez (alias El Moro). Quien la lea puede pensar que fue un torero y sin embargo fue un músico humorista.

(P) “E s que él usaba el sarcasmo para todo este tipo de cosas. El agarraba los clásicos de toda la vida desde “El Inmigrante” o “Yo Soy Minero” y las destrozaba. Tenía un arte de la ostia pero te metía letras con un sarcasmo, quizás a la vista de hoy un poco machistas porque la mujer y la suegra siempre estaban en medio, pero era un reflejo de cómo se vivía en aquellos tiempos. Nuestros padres siempre tenían cintas de Emilio el Moro y siempre eran la risa. Ahora a la vuelta de 30 años, te acuerdas de cuando eras chico, te trae mucha nostalgia y por eso nos lo ponemos en la furgoneta. Nosotros no ponemos nunca Metallica. Ponemos Emilio el Moro o bandas sonoras de películas.

Casi nunca ponemos rock porque nos volveríamos locos perdidos. Los homenajes han sido a 4 personas que han estado de alguna manera en la vida del y cuando estábamos haciendo los interludios musicales pensamos “coño si nosotros no somos capaces de poner en la furgoneta rock todo el tiempo ¿por qué no hacemos esto?”. Seguro que también habrá gente a que le gustará que haya un pequeño relax en el disco algo que te evada. Un poco de calma dentro de la tormenta. Como los interludios no tenían nombres y tampoco queríamos que sonasen pretenciosos o ir de espaciales quisimos hacer un homenaje a Enrique que acababa de fallecer recientemente dijimos “pues mira como era amigo tuyo y tocabas con él pues esta se la dedicamos a Enrique” (ndr. Paco Luque tocó como guitarrista de Enrique Morente), “ésta porque todo el grupo le gustaba y la llevaba en la furgoneta”, “este porque era un gran letrista”. Para nosotros no tiene porque ser un referente el cantante de Metallica o de los Deftones a la hora de hacer letras y quizás sí lo es más Emilio El Moro porque se acerca más a la copla andaluza, a como se dicen las cosas, a decir mi compañera en vez de mi amor. Eso Aitor lo tiene muy en cuenta. El fue el que dijo que quería dedicarle una intro a Rafael de León quien fue muy humillado por ser gay en la época del franquismo. Y Carlos Cano también fue un gran referente granadino de la copla y en sus letras solo reflejaba las cosas de la vida granadina, como somos, como son nuestras fiestas, como se cocinaba en las casas, cosas que tú nunca imaginarias que se pueden cantar y él las llevaba a la copla. Y aparte de que a Aitor le gustaba mucho y quería hacer su particular homenaje. Ahora hay por ejemplo una controversia allí porque quieren dedicarle una calle a Joe Strummer. No sé quién lo está moviendo pero porque a un tío le haya dado por ir a granada de vez en cuando en sus días libres a comer tapas no le vas a dedicar una calle cuando hay miles de granadinos que no tienen calle. O aunque no fueran granadinos pero seguro que ha hecho más y más importante para recordarlos con una calle que no a un tío que iba a Granada a hartarse a copas. Yo creo que es más de cara a la galería para decir “si mira aquí estuvo fulanico” y por eso la gente se está revelando un poco”.

Vamos que sois más de Enrique Morente que de Joe Strummer (el que fuera en líder de The Clash) (P) “Vamos ¡de aquí a lima! De hecho yo conozco sólo una canción y ni me gusta porque no es mi estilo. Pero a nosotros Enrique si nos gusta, nos gusta el flamenco lo escuchamos bastante más en la furgoneta que otro estilo de música. Sé hay gente que reniega de que se sepa lo que realmente oye. Si escuchas a los pitufos maquineros y te gustan pues coño no lo escondas, no te de fatiga. Oye lo que te guste, como el que bebe vino: bebe el que te guste, no el de la marca para quedar de puta madre”.

Para terminar, supongo que ya estáis preparando la gira. Tenéis más o menos idea de cómo va a ser. ¿Habrá muchas ganas, no?

(P) “Pues la verdad es que sí porque ahora nos enfrentamos a un monstruo muy grande y es a nosotros mismo con algo nuevo. Hay que preparar ensayos, a un teclista para que no se quede nada fuera. En el tercer disco había ya algo de fondo pero se entendía que era un arreglo del disco pero en este nuevo disco hemos sido muy descarados y ahora hay que meterlo en directo. En “Cabina de Cocheros” hay un teclado muy siniestro que le da al tema toda la intención que queríamos, la de que pareciese una película de Zombies, y si ahora no lo llevas en directo queda pobre. Pues habrá que prepararlo todo muy bien, también el repertorio del disco y un final del concierto con 7 u 8 temas de todos los que la gente quiera escuchar y eso va a requerir trabajo y muchas ganas.

Hemos seleccionado salas y ciudades donde vemos que dan las condiciones necesarias. Es una pena pero hay ciudades de las que hemos tenido que prescindir porque no podemos llevar todo lo que queremos. Hemos dicho “vamos a dejar de tocar en sitios donde a la gente le sale más rentable coger el coche 80 kilómetro y trasladarse a otro lugar que tener un concierto en la suya donde pierdan dinero” ellos y nosotros, porque ni siquiera van a ver algo acorde a lo que ha pagado y eso es una pena. Así es que tenemos Sevilla, Granada, Madrid, Barcelona, Bilbao , Algeciras , Murcia (uno de los feudos del grupo) , Valencia… y creo que no se me escapa ninguno. Luego festivales como el Viñarock y lo que podamos ir cerrando que hay cosas en el aire todavía”.

Bueno pues nos vemos en la carretera entonces.

(P) “Vaya es lo suyo, si no nos vemos en la carretera… malo”.

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CALIBAN podían haber seguido con la misma rutina de trabajo que han seguido durante los últimos años.

Sin embargo era el momento de tomarse un respiro y meditar muy bien el siguiente paso pues estaban a acercándose peligrosamente a la autocomplaciencia. Con ‘I Am The Nemesis’ los alemanes no sólo han facturado un tremendo álbum sino que han sabido distanciarse lo justo de la escena Metalcore para abrir nuevas vías antes de que ésta termine de saturarse. MARC GOERTZ (guitarra) nos da algunas nociones para escuchar su nuevo lanzamiento desde otra perspectiva.

Texto: Roberto Villandiego Yo considero este disco un paso muy importante en vuestra carrera y me gustaría saber cómo ha reaccionado la gente ante los temas nuevos.

“El tour lo empezamos un par de días antes de que saliese el disco y no sabíamos cómo iba a reaccionar la gente porque obviamente no se iban a saber las canciones. Dos días después de que saliese veías que la gente ya estaba metida completamente en las canciones y que se volvía loca y es algo que te alegra mucho aunque los chavales no se supieran las canciones. Había alguno que ya se lo había descargado o habían visto el vídeo en Youtube y se sabían algunas pero es que reaccionaban igual con las que no se sabían así que fue una respuesta muy buena. Normalmente cuando un artista presenta nuevas canciones y la gente no ha tenido tiempo de escucharlas ves que el público se queda parado para escucharlas pero éste no ha sido el caso.

Han seguido haciendo stage diving y todo el mundo se ha vuelto loco lo cual está genial. Las canciones sí que son un poco distintas, más maduras, y son ligeramente distintas a las que habíamos hecho pero cuando las hemos tocado en directo han encajado a la perfección. No es que toquemos una música totalmente distinta ahora mismo. Además, hemos tocado bastantes nuevas, unas cinco o seis, y algunas de los anteriores así que nos centramos en el nuevo disco y el resto se fueron encajando y lo cierto es que

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ha funcionado muy bien. Las diferencias entre ellas no han sido muy grandes”.

Sobre todo te lo preguntaba por “Modern Warfare”. No sé si la estáis tocando pero es donde mejor se puede apreciar la evolución de la banda. Es un tema increíble pero es distinta incluso si la comparamos con el resto del disco.

“La verdad es que ese tema no lo estamos tocando en directo aunque no es que hubiese ninguna razón para no hacerlo.

Simplemente metimos en el repertorio las canciones que pensamos que podían funcionar mejor en directo y “Modern Warfare” quizás la incluyamos pero ya para la siguiente gira porque en unos dos meses cambiaremos las canciones que estamos tocando por otras. Ahora mismo hemos metido “We Are The Many”, “The Bogeyman”, “Memorial” y “Davy Jones” pero lo mismo dentro de dos meses sacamos alguna y tocamos “Modern Warfare” o “Broadcast To Damnation”. Ya veremos.

No sabemos cómo va a funcionar en directo porque no la hemos tocado nunca pero sí que tiene un algo especial en el estribillo”.

Lo que sí estáis haciendo es tocar “Sonne” de Rammstein, la versión que metisteis en ‘Coverfield’. He leído que en este disco vais a meter un bonus CD con todavía más versiones y no las cuatro que grabasteis para aquel EP. “Eso es, va a haber muchas más versiones en este disco. Lo que hemos querido

ha sido hacer canciones de otros géneros musicales adaptándolos al nuestro pero de bandas que nos han influido. Algunas de las bandas que hemos versioneado son las favoritas de algunos de los del grupo así que no hay una única razón.

Hay varias. Por ejemplo, Pink Floyd es una de mis bandas favoritas y siempre han sido una inspiración a la hora de componer melodías. Ellos han creado melodías únicas y me encanta su música.

Six Feet Under, por ejemplo, son mucho más simples que Pink Floyd pero es una de las bandas favoritas de Denis (Schmidt, guitarra). Él escucha mucho Death Metal y fue el que los propuso. Después hemos un tema de Motley Crue porque nos parecía interesante el transformarlo en un tema de Metal y más o menos así es como fuimos seleccionando los temas. De hecho, grabamos algunas más de las que se van a incluir pero ya sabes que si pillas alguna canción de Pop tienes que pedir permiso al que las publica y a alguna nos han dicho que no. Por ejemplo, grabamos una versión de U2 y el publishing nos dijo que no querían que las bandas de Metal hicieran versiones de U2 así que no podemos publicarla. En mi opinión es una de las mejores versiones que hemos hecho pero no teníamos el permiso para editarla”.

Es raro porque se supone que lo que importa es que no cambies o manipules la letra.

“Eso es. Lo curioso es que si escuchas

nuestra versión es bastante similar a la original aunque un poco más dura. De hecho está cantada con voces limpias y lo que hemos hecho ha sido añadir algunos ritmos por debajo de la estrofa lo cual hace que suene más Heavy pero es muy parecida. No es que la hayamos convertido en un tema de Death Metal sino que hemos metido una guitarras para darle un sonido más metalero y aún así han dicho que no”. ¿Habéis tenido algún otro problema con alguna otra banda?

“Para nada. De hecho Pink Floyd no quisieron siquiera escuchar el tema antes de concedernos los permisos. Nuestro mánager se puso en contacto con ellos diciéndoles que queríamos hacer una versiones y que si necesitaban escuchar algo antes de tomar la decisión y al día siguiente le respondieron que no era necesario. Eso mola. Quizás sea porque Pink Floyd son más artísticos y están más abiertos a otras ideas y quizás U2 no. No lo sé”.

En este disco, como ya te he comentado, me he encontrado a unos Caliban más maduros. Me da la sensación de que os habéis intentado alejar de una escena que se está, por otro lado, saturando. ¿Con qué mentalidad entrasteis a componer el nuevo disco?

“Lo que queríamos era añadir cosas nuevas a nuestro sonido, porque tenemos ahora mismo influencias nuevas, y por dos razones distintas. Una es que que-

ríamos separarnos un poco del resto de bandas y segundo porque tampoco queríamos escribir el mismo tipo de música una y otra vez. Disco a disco hemos ido cambiando, algunas veces más y otras menos, porque queremos que nuestro estilo vaya progresando. En este nuevo queríamos que el paso fuese más grande y por eso nos tomamos más tiempo para todo y por eso incluso nos ha llevado casi tres años el sacarlo. Lo que tenía era un montón de ideas para el sonido pero no estaba muy seguro de cómo conseguirlo así que hemos ido experimentando con un montón de cosas, tanto a nivel de efectos como a nivel de melodías, probando distintas. Después de haber hecho unas 8 ó 9 canciones de repente encontré lo que quería así que las tiré a la basura y pensé “vale, esto sí es genial y es nuevo para nosotros”. “Memorial” o “Davy Jones” fueron las primeras y cuando se las toqué al resto se quedó todo el mundo impresionado porque era algo nuevo pero todavía sonaba a Caliban así que fue la dirección que tomamos y nos centramos en eso. Ahí en adelante fue un trabajo muy complejo porque estaba claro que las canciones que salieran a partir de ahí tenían que diferenciarse de lo que habíamos hecho en el pasado así que al final compusimos, en total, unas 50 canciones para quedarnos con las 12 mejores.

Bueno, mejor dicho, no con las mejores sino con las que veíamos que encajaban mejor en el disco y eso es algo que nunca antes habíamos hecho. Estábamos acostumbrados a componer todo el disco en tres meses, después entrábamos a grabar durante cuatro semanas y en éste nos hemos tirado casi un año componiendo y después en el estudio habremos estado unas diez semanas. Hemos intentado

“Si no paramos lo que estamos haciendo va a pasar algo terriblemente malo.

hacerlo lo mejor posible esta vez. Es más, teníamos escritas unas 300 hojas con letras para encontrar la que encajara a la perfección con cada canción. Escuchábamos el tema y mirábamos a ver qué temática encajaba mejor con lo que nos sugería la música para después ir cambiándola para que casara perfectamente.

Ha habido muchísimo trabajo esta vez y ha sido muy distinto a como habíamos trabajado antes”. ¿De dónde surge el concepto del ‘Nemesis’?

“Sí echas un vistazo a las letras verás que hablamos de las señales que nos dicen que las cosas no van bien en el mundo.

Pueden ser distintas señales; puede ser el racismo, los programas estúpidos de la televisión con los que la gente ha dejado de usar su cerebro, de internet y de cómo la gente cuenta mierdas de otra gente a través de la red, del abuso de niños o de cómo los océanos se llenan de aceite.

Son muchas cosas que están mal. Para nosotros el Némesis no es sólo ese ángel oscuro o el ángel vengador sino que sería como un concepto de que el mundo se acaba así que ‘I Am The Nemesis’ sería como “soy todo lo que no está bien”. Yo tampoco es que sea uno de esos agoreros que predican que está llegando el fin del mundo pero es cierto que si no paramos lo que estábamos haciendo va a pasar algo terriblemente malo. Eso es lo que pensamos y estaría muy bien que la gente se planteara si lo que hace está bien

o si creen que deberían cambiar”.

Es curioso porque sí que eso es lo que pone en el texto promocional que me ha enviado la compañía y sin embargo a mí me cuesta ver ese lado tan global.

Para mí son más personales (te pongo por ejemplo “This Oath”). No sé si es porque a lo mejor tienen dos ángulos.

“Sí que es cierto que hay algunas más personales. Por ejemplo, “Memorial” habla de la muerte del padre de Andy (Doerner, vocalista) que murió de cáncer y habla de cómo lo llevó toda su familia.

“Davy Jones” habla de gente que arrastra a otras personas con ellas y está basada en el personaje de leyenda, no en la película, y habla de ese tipo de personas que te intentan hundir incluso aunque estés intentando ayudarlas. Es gente a lo mejor con problemas de drogas o que han tenido una relación tortuosa que no son capaces de aceptar la ayuda de otros y que aunque les des la mano te la van a rechazar hasta que llega un punto en el que tienes que dejarles que se marchen y separarte de ellos. En líneas generales sí que algunas letras son más personales y otras más globales y por eso lo mejor es que la gente escuche las letras y vean a ver qué sienten con ellas”.

He visto el vídeo de “Memorial” y he visto que es el mismo que el que aparece en la portada. Supongo que lo haríais todo en la misma sesión. ¿Qué habéis querido expresar?

“Es una manera de reflejar las malas in-

fluencias que hay por ahí fuera. Serían como un veneno y por eso muere al final del vídeo. El concepto principal sería que va siendo influido por cosas que le van envenenando la mente como por ejemplo…”. ¿La religión?

“Sí, esa podría ser una y el racismo podría ser otra y muere al final porque se deja llevar por esas malas influencias”.

La verdad es que hasta que no ves el vídeo no entiendes muy bien la portada. Te puedes hacer una idea pero necesitas verlo para entenderlo. ¿Os involucráis vosotros en todo ese tipo de cosas? Rodaje del vídeo, portada…

“Sí, claro. Nos gusta estar encima de todo y no dejar que sea alguien externo el que decida porque somos nosotros los que tenemos muy claro el concepto. Obviamente estamos abiertos a propuestas y normalmente solemos darle las letras y la música al que vaya a dirigir el videoclip para que también aporte ideas pero tanto si no nos gusta como si tenemos ideas específicas de lo que queremos no vamos a dejar que alguien nos diga “tenéis que hacer esto”. Nosotros decidimos todo, desde el merchandising hasta los videoclips, porque somos nosotros los que tenemos claro qué queremos y cómo deberían ser las cosas”.

Qué puedes contarme del concierto de Madrid. Sois los cabeza de cartel. ¿Vais a hacer algo especial?

“No podemos llevarnos toda la producción porque tenemos que ir en avión. Si hubiese estado dentro de la gira sí que nos hubiésemos llevado toda la parafernalia como unos cubos luminosos que distribuimos por el escenario, los amplis de guitarra pintados. Aún así pensaremos en algo que mole mucho”.

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En esto de la música no hay una ciencia exacta y un disco que tú crees que tiene todos los ingredientes para convertirse en un auténtico pelotazo no obtiene todo el éxito que crees que merece. Esa sensación debe acompañar a DIKERS desde hace mucho tiempo. Sus discos son cada vez mejores pero parece que el reconocimiento se les resiste. Con ‘Casi Nunca Llueve’ vuelven a superarse y esperemos que sea la definitiva. Quedamos con IKER y el recién incorporado SERGIO para que nos hablen de él y de cómo encaran el futuro.

Texto: Roberto Villandiego Bueno termina una espera que se había hecho larga al menos para la gente.

(I) “Sí, la verdad es que sí. Paramos un añico por la gira de Barricada, en la que fui como músico de apoyo, y al año siguiente hubo cambios en el grupo. Por motivos laborales Iñaki y Ricard lo han dejado, no podían compaginar, y han entrado Sergio y Ubaldo. Nos hemos dedicado a componer y preparar el disco y aquí estamos” ¿Y qué tal ese cambio? Llevabais muchísimo tiempo juntos.

(I) “Pues la verdad que bien porque los tres estamos animados. Da penica al principio porque con Iñaki llevaba casi 11años tocando y con Ricard ocho. La verdad es que ha sido mucho tiempo, pero vamos bien. Es “o lo dejo ahora mismo o lo cojo con más ganas”. Y ha sido “lo cojo con más ganas””.

Has estado también liado con producciones, más que otros años, ¿no?

(I) “Sí la verdad es que en lo que es el tema estudio me va bastante bien. Suelo tener curro a un año vista y la verdad es que incluso ahora, que es tiempo de crisis, no me falta trabajo. Estoy un poco flipado porque nunca he puesto nunca un anuncio. Ha sido un poco el boca a boca que ha funcionado bastante bien” ¿Cómo influye eso en el devenir de Dikers? ¿Cómo se combina con el grupo?

(I) “Bueno yo tengo mi horario de estudio y compaginamos ese horario con el de su currp. Y luego pues si hay un concierto un viernes y tienen que coger fiesta en el trabajo y yo posponer día de estudio pues

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se hace”.

He escuchado discos con tu producción donde he visto tu rollo. ¿Se da a la inversa también, que te lo lleves para ti?

(I) “Pues no sé, no me lo he planteado”.

Es que en el disco habéis metido una trompeta, que no es lo habitual en vosotros (Ndr. Sin embargo Dikers produjo el disco de Vendetta que sí que llevan).

(I) “Es que no nos cortamos a la hora de hacer nada y si en un tema pide una trompeta pues pide. No sé si la idea me la ha dado el hecho de haber grabado a algún grupo con trompetas o no”.

Este disco me recuerda a los dos últimos. No sé si ya tenéis la marca propia Dikers o sois vosotros quienes vais centrándoos o moviéndoos hacia un sonido que queréis.

(I) “Hemos puesto el listón bastante alto: hemos cogido los discos de Nickelback y hemos dicho “vamos a intentar que suene así” luego que lo consigamos o no es otra cosa pero hemos intentado llegar bastante alto. El disco estaba terminado de mezclar en septiembre y no se ha mandado a fabricar hasta ahora. Claro teniendo el estudio en casa, cada vez que escuchaba el disco y veía algo que podía cambiar y lo cambiaba. Por lo tanto le hemos dado muchas vueltas. No ha sido hacerlo y ya. Yo creo que ahora está redondo y no cambiaría nada”.

Este sería un poco la continuación de ‘Las Noches Que Me Inventé’ y ‘Carrusel’ pero mucho más cuidado. Siempre he tenido la sensación de que ambos anteriores tenían lo necesario para dar el pelotazo y quedaron ahí en tierra de

nadie. ¿Cual creéis que fue el motivo?

(I) “Ya pero es que eso nunca se sabe.

Hay temas que crees que van a ser la ostia y luego no es así y de repente te sale la “Macarena” y fíjate. Yo siempre digo que estamos un poco en tierra de nadie y que en este país o escuchas pop o escuchas rock. Lo que tiene la gente con el rollo de la música es como que intenta definir su propia personalidad con lo que escucha.

Con el cine no pasa; puedes ver una acción y una de risa y no pasa nada. Pero parece que uno que escucha rock no puede escuchar un día pop y al contrario. Yo creo que no debería ser así la música te gusta o no. El público que tenemos Dickers es un público sin complejos que no se pone esas barreras y creo que ese público tiene que ir creciendo en este país”. ¿Habéis fomentado esos contrastes? Es decir os habéis dicho “como estamos en tierra de nadie vamos a hacer más marcardos esos contrastes” porque hay temas más lentos, otros de corte duro... ¿ha sido buscado?

(I) “Ha sido más un acto reflejo, más natural, pero sí que hay contrastes. Por ejemplo “Corazón de Trapo” tiene de todo: la parte lenta, la parte rápida, una melodía quedona… De hecho hasta me han preguntado si cantaba el Brigi en uno de los estribillos, pero no, soy yo. La verdad es que es un tema que sorprende cuando entra en la parte cañera”.

En este disco vuelve a colaborar contigo Kutxi de Marea aportando algunas letras. No es el único que ha hecho alguna. En vez de por ellas me gustaría saber ¿a quién os gustaría proponerle

que hiciese una letra para Dikers?

(I) “Nunca me lo he planteado, pero ni para letra , ni para músicas. Tampoco digo “éste me gustaría que me hiciese una música”.

(S) “A mí por ejemplo una letra de Ivan Ferreiro me molaría mogollón. Lo que hacía con los Piratas como letrista me gustaba mucho lo que pasa es que si no la canta él no sería lo mismo. Es que su voz es la que le da el rollo a los letras”.

(I) “Coge un tema de Sabina y que lo cante otro. Pasaría lo mismo”.

Todo es acoplarlo.

(S) “Bueno, pues nada, entonces preséntanos a Joaquín” (Risas).

En este disco sí que has subido más el tono que en los anteriores.

(I) “Sí. De hecho siempre que hacemos nuevo disco, digo” voy a bajar el tono” pero luego nada” (risas).

Pues no te digo nada pero tienes que cantarlo en directo...

(I) “A lo mejor en alguna modificamos un poco el tono porque nos hemos dado cuenta al ensayar de que puedes cantar alguno pero no quince seguidos. Así es que lo modificaremos un poco por lo que pueda pasar que también puedo ponerme malo”.

Ya tenéis la gira más o menos planificada. ¿Os pone más nerviosos que sacar el disco?

(I) “Yo estoy más nervioso por el disco que por la gira. La gira por nuestra parte está sonando muy bien en los ensayos así es que no creo que vaya a haber ningún problema”.

A todas luces, si EPICA no se vuelven un fenómeno de masas después de la gira de “Requiem for the Indifferent”, la operación que van a llevar a cabo será un ligero fracaso. Después de muchos años haciendo un circuito basado en las mismas salas, en la próxima gira, los holandeses han de demostrar que ya no son unos chiquillos prometedores y que son la banda que debe llevar el metal sinfónico a un nuevo futuro. Para ello, se pasan a las salas grandes y actuarán el 19 de abril en el Razzmatazz de Barcelona y al día siguiente en La Riviera de Madrid. Que no es moco de pavo. Una producción grandilocuente servirá para darle un giro de tuerca a la nueva realidad de la banda de Mark Jansen, Simone Simons y cia. Para hablar de estas novedades, contactamos telefónicamente con su nuevo guitarrista, ISAAC DELAHAYE. Texto: Roberto Villandiego / Sergi Ramos ¿Cómo te sientes dentro de la banda en este momento? Creo que cuando se grabó “Design Your Universe” tú aun no estabas formando parte activa de la composición y grabaciones, así que probablemente ha sido en “Requiem for the Indifferent” donde has participado de manera más real en el proceso.

“Exacto. En “Design Your Universe” me uní a la banda justo después de que las estructuras básicas de las canciones fueran compuestas. Es decir, que no compuse mis canciones en ese disco, pero en este nuevo trabajo si que lo he hecho, además de trabajar a fondo las guitarras.

Es obvio que el tipo de trabajo realizado ha sido distinto del anterior disco a este.

Aquí he estado desde el principio y la verdad es que todo ha sido muy sencillo”. ¿Cómo recuerdas el momento en que comenzaste a trabajar y ensayar con la banda? Tu eras miembro de God Dethroned, una banda musicalmente muy distinta a Epica. ¿Cómo fue el cambio para ti?

“Una banda muy, muy diferente. Pero también te digo una cosa: en ocasiones puedes tener canciones muy brutales pero una vez Simone pone su voz sobre ellas, se vuelven piezas dulces.

En ocasiones tienes un riff metálico y la atmósfera cambia porque hay voces

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limpias u orquestaciones añadidas. En ‘Design Your Universe’ tuvimos “Martyr of the Free World”, que es una canción muy heavy pero que tiene elementos muy típicos de Epica, lo cual la convierte por derecho propio en una canción de Epica.

Podría haber sido una canción de God Dethroned, sinceramente. En el nuevo disco, “Internal Warfare” es una canción bastante extrema también. Lo mismo con “Monopoly on Truth”. Son canciones compuestas sobre guitarra que servirían perfectamente para una banda de death metal. Tan solo hay que cambiar lo que se le añade a esas guitarras: las voces limpias, la voz femenina, los coros, la orquesta…eso es lo que le da un toque diferente. Si te digo la verdad, hay muchas ocasiones en las que lo que hago en esta banda no me parece distante de lo que hacía en God Dethroned. En Epicatambién hay muchas más opciones. Ten en cuenta que en God Dethroned hay cuatro personas. Tienes dos guitarristas, tienes voces guturales…cosas como guitarras limpias son algo que no cuadra en ese grupo. En Epica puedes poner cualquier idea que quieras en la música. No hay límites musicales. Mientras tengas los ingredientes habituales, puedes hacer lo que sea. Puedes pasar de baladas a temas muy duros y eso está muy bien”.

Cuando una banda tiene una carrera ya amplia como EPICA ¿es cada vez más complicado no repetirse? Al tener dos estilos vocales es posible hacer cosas más variadas, pero imagino que es complicado no repetir el pasado después de unos cuantos discos.

“Si compones canciones, tienes una serie de estructuras básicas: versos, estribillos, puentes y demás. Es lógico que te mantengas dentro de esos parámetros, y Epica tiene canciones facilonas que son así, sin más, de cuatro o cinco minutos.

Son canciones claras y sencillas, para un público más amplio quizá. Pero luego hay otras como “Monopoly on Truth”, “Requiem for the Indifferent” si misma, o “Serenade Yourself” que son más complejas y desarrolladas. Muchas veces nos planteamos las canciones como bandas sonoras de película. En las bandas sonoras de películas tienes un tema que es continuo, quizá solo con violines al principio y luego reiterado con orquesta en otro momento de la canción. Eso es lo que intentamos hacer con Epica en las canciones más largas. Hay detalles que van y vuelven y en ocasiones la gente no se da ni cuenta de ello. Si lo escuchas sin más, tu subconsciente se da cuenta de que ha escuchado esa parte previamente, aunque tu no lo proceses conscientemente. Es lo mismo que si ves una película y escuchas la banda sonora. No te fijas pero al final reconoces como algunas melodías vuelven a aparecer, sin haberles prestado atención en primer lugar. En lo que a componer canciones se refiere, no

pensamos demasiado en ser distintos a nuestro propio pasado. Hacemos lo que las canciones necesitan. Si necesita un solo, pues un solo. Si necesita una parte orquestal, pues una parte orquestal. Esa es la belleza de ser músico: saber cuando tienes que hacer cada cosa. Si existe la necesidad de repetirte, también es viable.

Nosotros siempre intentamos hacer cosas nuevas en la banda, pero si algo es bueno y hay que volver a ello, se vuelve.

Los arreglos de los coros han sido más experimentales en cada disco y eso es importante. Las voces es algo en lo que hemos probado cosas nuevas, especialmente a la hora de integrar las líneas de voz en la composición base. Anteriormente, componíamos primero y pensábamos en la voz después. Ahora estamos intentando acoplar ambas cosas. En el caso de los gruñidos, en el pasado tenían más efectos de sonido y ahora son más limpios y naturales. Siempre intentamos darle un toque novedoso a lo que hacemos y es bastante difícil crear nuevamente lo que ya está creado. No obstante, algo te puede recordar al pasado y en eso estamos de acuerdo. La idea es hacerlo lo mejor que podemos en el momento presente. En resumidas cuentas, si una canción necesita una estructura que ya hemos realizado en el pasado ¿por qué no deberíamos usarla?”. ¿Qué me puedes contar acerca de las letras del nuevo disco? “Design Your Universe” estaba basado en la física cuántica, si no recuerdo mal…

“Bueno, no todo el disco, pero era un tema recurrente en aquel trabajo. La idea

es que si quieres algo y trabajas por ello, lo conseguirás si te esfuerzas lo suficiente. En el nuevo disco, las letras no tratan con un concepto per se, pero si que hay una temática recurrente, como por ejemplo la pérdida de equilibrio en el mundo de hoy en día. Los políticos, unas pocas personas, están a cargo de todo el planeta y lo que decidan es lo que tenemos que hacer. Debido a eso y a los errores que han cometido, ahora tenemos la crisis financiera, por ejemplo. No les importa nada, solo quieren más y más y al final se han creado una gran burbuja donde nada de lo que hacen les afecta. Otro asunto que sale a relucir en las letras son las dictaduras, las revueltas actuales contra las dictaduras. El equilibrio estaba tan desviado que la gente pierde la paciencia, lo cual está bien. Y en una línea similar, también hablamos de la gente que apoya su vida en la tecnología y en las maquinas. Todo el mundo tiene un iPhone, un portátil, un iPad, todo el mundo tiene un coche, todo el mundo tiene internet… todo es mecánico e informatizado hoy en día. Hasta que hay un tsunami que se lleva por delante toda una región, como pasó con Fukushima. La gente se queda sin toda esa tecnología y se queda absolutamente perdida. No saben por donde tirar. No queremos decir que la tecnología sea mala, sino que el equilibrio, nuevamente, se ha perdido. Cuando miras alrededor, puedes ver que la vida, el mundo está muy desequilibrada en varios aspectos. El disco habla de cómo ignorar lo que está sucediendo puede jugar en tu contra. Has de preocuparte por lo que

está pasando o las cosas irán a peor. Es imposible que todo sea bonito y perfecto pero hay que trabajar en ello, al menos.”

Vuestra gira acaba de comenzar y visitará nuestro país a mediados de abril.

“Este pasado fin de semana tuvimos un show de prueba en Holanda para ensayar las nuevas canciones y el nuevo show.

No salió perfecto al 100% pero estaremos listos en cuanto lleguemos a vuestro país. La cuestión es que lo que haces como banda es siempre lo mismo: grabas un disco, sales de gira, diseñas un telón de fondo para el escenario, diseñas y vendes tu merchandise y siempre el mismo proceso. En ésta ocasión queremos probar algo diferente. Siempre intentamos tener pirotécnia y luces adicionales en nuestros shows más grandes. Hemos decidido que el tour europeo normal tiene que ser así en cada show. Comenzamos a darle vueltas a que podemos hacer para hacerlo interesante y hacer que toda la experiencia sea mejor. Un comentario que nos dicen a menudo es que somos una banda muy apta para el directo, que los discos no capturan todo lo que somos en los directos. Queremos llevar eso al próximo nivel, hacer un show de directo más grande y emplear una producción superior en ésta gira. Recientemente hicimos un ensayo y, aunque no puedo decir nada porque es una sorpresa, lo cierto es que hemos invertido bastante dinero en hacer algo que va más allá de lo que habéis visto hasta ahora. Obviamente, no tenemos el mismo presupuesto que Metallica, pero vamos a invertir todo lo que podamos en la producción del show.”

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En 1999 unos desconocidos SOBER irrumpían en el panorama nacional con una propuesta novedosa. Lo hacían después de un cambio de nombre y con sus músicos aún explorando un sonido desconocido por estos lares. Más de una década después la película es bien distinta y su estatus también. Han vendido cientos de miles de discos y ampliado su base de fans hasta convertirse en uno de los grupos de Rock más exitosos de la historia en este país. Sin embargo, eso no ha quitado que en medio de la gira de ‘Superbia’ (su última referencia) anunciaran por sorpresa que iban a hacer otra rememorando las sensaciones que tuvieron cuando presentaron ‘Morfología’, el que sería su primer disco oficial. REVOLVER asistió, invitado por la banda, al arranque en Cuenca de un tour que se prevée bastante emotivo.

Texto: Roberto Villandiego. Fotos: Javier Bragado Como ha cambiado la película para todos. Todavía recuerdo la primera vez que me subí en la furgoneta con Sober para hacer un reportaje con ellos. Yo estaba en otra revista y ellos con ‘Synthesis’ recien editado, y aprovechando la inercia de la gira de ‘Morfología’, seguían pateándose carreteras para hacer que su nombre llegara a todos lados. En aquella ocasión fueron Granada y Murcia las ciudades. En esta ocasión es un viaje más cerquita, a Cuenca, el que vuelve a subirme con ellos, a compartir pruebas de sonido y ¿tensiones previas? Sin duda las habría pero para nada como las que de aquella gira y es que todo ahora es distinto.

Recuerdo que en aquel primer viaje la banda iba escuchando el concierto que habían dado en Bilbao (en Bilborock si no recuerdo mal) la semana anterior.

Se lo habían grabado en la mesa para ir mirando fallos y cambiando cosas en ese continuo aprendizaje inicial por el que deben pasar todos los grupos si quieren dedicarse profesionalmente a esto. En éste no. Ya no es necesario cuando llevas en tus espaldas unas cuantas giras nacionales y alguna que otra escapada internacional. Incluso los horarios cambian y ahora hay incluso tiempo para comer. ¿Por qué digo esto? Porque en aquella primera gira grande que ahora recuerdan, la banda quería que todo saliese a la perfección y si había que probar sonido durante horas y renunciar a las comidas y las cenas se hacía. No pasé hambre la primera vez que me fui con ellos (algo que jamás les confesé). Su profesionalidad me dejaba perplejo (“no tíos, ya no podemos cenar porque tocamos en una hora así que a picar algo rápido” - decía Carlos Escobedo al resto en Murcia después de una extensa prueba de sonido para que sonase todo perfecto). El primer día te asombras porque tampoco han comido por hacerse la carga y descarga pero el segundo estás pensando “tíos, que sí, que muy pro y todo lo que queráis pero yo necesito comer”. Así pasó, que en un momento de descuido pillé una tortilla de patatas y me la comí a bocaos.

También hace mucho el hecho de tener contigo a un equipo que lleva a tu lado muchos años y que sabe perfectamente cómo funciona todo. Cuando quedamos en el punto de partida ya estaba Jorge, su técnico, metiéndolo todo en la furgoneta o, mejor dicho, haciéndose un tetris para ver cómo encajar todo en los 12 metros cúbicos que tiene de espacio. Obviamente sería imposible (y un tanto ridículo) llevar toda la parafernalia que llevan en su última gira pero cuando te has acostumbrado a sonar bien (algo básico) es muy difícil elegir qué equipo dejas fuera porque todo se te hace imprescindible. Aún así, cuando todos están allí se arregla rápido y se llevan lo básico porque esa además es una de las razones de ser de la Morfologira. Otro que también lleva con ellos muchísimo tiempo es Alberto Seara, Flor, su técnico de sonido, y es el que les da la tranquilidad máxima a la hora de no agobiarse con las pruebas de sonido. Esta gira pasará por muchas de las salas en las que la banda tocó presentando aquel disco y esas no entrañan ningún secreto ya para el que podríamos considerar el quinto Sober. El pabellón de Cuenca sin embargo es un recinto nuevo y después de un estudio concienzudo se intentará hacer lo que se pueda puesto que, obviametne, no es un sitio preparado para conciertos con lo cual no se puede batallar con la acústica si no es tirándolo y levantándolo de nuevo.

Antes de llegar a él parada en las instalaciones de Cuencanimal (http://www. cuencanimal.com/) una protectora de animales que está detrás de la organi-

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Quizás otros grupos hacen una gira así tocando su disco más famoso o con el que más han triunfado, nosotros la hemos hecho con el primero. Nosotros podríamos haber hecho una gira ‘Paradisso’ que vendió casi 200 mil discos.

Si hubiésemos querido hacer caja la habríamos hecho directamente de ese disco. zación del evento. Después parada para comer todos en familia junto a los organizadores. Yo al menos respiro tranquilo porque ya sé que, por lo pronto, la comida la hacemos. Una vez en el hotel aprovechamos para sentarnos tranquilamente con Jorge Escobedo (guitarra) para preguntarle por la iniciativa, por por qué en mitad de la gira de ‘Superbia’ hacen un parón para recuperar ‘Morfología’. “Por la necesidad imperiosa de ofrecer a los fans lo que nos pedían desde que nos juntamos” - nos responde removiendo el café que nos acaban de servir. “También por el hecho de que cuando iniciamos esta nueva andadura recuperamos canciones de otras épocas y nos acordamos de lo que habían sido Sober años atrás. Había gente que pensaba que nos habíamos juntado solo para hacer caja, conciertos y que no tendría continuidad. Al poco tiempo demostramos que tendría continuidad y con ‘Superbia’ se cubrieron las expectativas. En principio estábamos un poco acojonados en sacar algo nuevo después de unos años pero estamos muy satisfechos de como respondió el público y de cómo lo hemos pasado pero claro, había que hacer algo más. La gente que se nos acercaba y nos decía “joder tío es de puta madre que hayáis vuelto pero es que yo os conocí con ‘Morfología’ y me acuedo mucho de ese disco”. Fue entonces cuando se nos ocurrió que en vez de meternos directamente en el estudio al fin de la gira de ‘Superbia’ podíamos hacer una revisión, una gira recordando lo que fueron los inicios de Sober. Queríamos ir a aquellas salas a tocar aquellas canciones y revivir todo lo que nos acompañó. Es evidente que no es fácil porque hay salas que se nos quedan pequeñas. En Madrid tocamos en su día en la Caracol y vemos que se va a reventar y tampoco es justo que después de habérnoslo pedido dejemos gente fuera a la que le hace ilusión. Además tú nos conoces desde hace muchos años y sabes que somos muy inquietos, que le damos vueltas a todo y estamos inventando continuamente y simplemente pensamos que nuestros fans merecían un recuerdo de ‘Morfología’ y... qué cojones... nosotros éramos los primeros que necesitábamos revivir aquello”.

Para la gira además han querido cuidar los detalles. El telón de fondo es aquella hormiga de fuego que protagonizaba la portada. El parche de la batería de Manu Reyes también tiene inmortalizado al insecto e incluso los colores de su kit llevan los mismos colores algo que les ha tocado por dentro. “La verdad es que desde que hablamos de hacer la Morfologira es que han pasado muchas cosas” continúa el guitarra. “El ponerte a hacer camisetas con el logo y la portada de ‘Morfología’, con el telón, el tocar las canciones día a día en el local... son cosas que te mueven algo por dentro.

Quizás otros grupos lo hacen con su disco más famoso o con el que más han triunfado, nosotros con el primero. No es como lo que va a hacer Metallica. Está de puta madre pero no hacen una gira del ‘Kill ‘Em all’ sino del Negro que es el que mejor les ha funcionado.

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Nosotros podríamos haber hecho una gira ‘Paradisso’ que vendió casi 200 mil discos. Si hubiésemos querido hacer caja habríamos hecho directamente gira porque es el disco estrella de Sober” nos comenta antes de hacer un inciso. “¿Sabías que yo fui la primera persona que se compró el ‘Kill ‘Em All’ en España?” me suelta a colación de lo que estabamos hablando porque le ha venido a la memoria. Resulta que con 13 años se lo pilló e incluso se lo llevó a un periodista radiofónico para que pinchase aquello porque era la bomba y aquel lumbreras paso de un jovencísimo Escobedo que no iba mal encaminado.

Algo que me ronda en la cabeza y que aún no he comprobado es si le meterán mano a las canciones, si las modernizarán. Haciendo memoria además, la primera vez que les vi en directo en esa gira ya metían temas que luego iban a formar parte de ‘Synthesis’ algo que me aclara el propio Jorge. “Si hubo un tiempo, una época muy muy pequeñita, en la que si que tocábamos todas las canciones del disco pero luego es cierto que te pones a componer, hacer versiones... y en definitiva son pocas las veces que tocas las 11 canciones del disco. Tocas ocho y luego dos versiones y dos canciones nuevas que fueron después en ‘Synthesis’. La verdad es que ha sido una tarea volver a aprenderse esas canciones, volver a aprender cómo las tocamos.

Hemos tenido que volver a escucharlas, como estaban hechas en el disco y recordar la grabación que fue muy intensa. De hecho tenemos una anécdota muy chula y es que me acuerdo de estar con ese disco terminándolo y no daba tiempo. Trabajábamos por las noches incluso y aun así no daba tiempo. Quedaban 2 canciones y Óscar (Clavel, productor) se lo tuvo que llevar y mezclarlo en Miami mientras estaba haciendo un disco Ricky Martin o algo así. Creo que fueron “Loco” y “La Prisión del Placer” si no recuerdo mal.

Entonces todo tiene una magia especial , un cáliz distinto y no es como ahora que se hacen los discos tan rápidos, no hay presupuestos” dice bajando ese entusiasmo que hasta hacía dos segundos dominaba su voz.

Mientras está terminando de contarme esto bajan el resto. Hay que ir a la prueba de sonido, a ver el recinto.

Allí ya llevan un rato tanto Alberto Seara como Jorge poniéndolo todo a punto. Subimos a la furgoneta y tiramos para el pabellón que está relativamente cerca del hotel. Las bandas que tocan esa noche (Rosko Blues Band, Dama Oscura y Eôn) ya han probado y sobre el escenario hay hasta tres baterías montadas. En cuanto llegan echan todos mano de sus instrumentos y de sus in-ears, algo que sin duda no llevaban en la gira aquella del 99 (tampoco los habían inventado). Carlos Escobedo se cuelga su bajo Musicman Sterling Classic mientras que Jorge agarra una Gibson SG de camuflaje como la que llevaba Max Cavalera y Antonio Bernardini se cuelga su Paul Reed Smith Custom.

Arrancan la prueba con “Predicador” y se la hacen a

conciencia. El recinto hace que rebote el sonido por todos lados y Flor se las ve y se las desea para que aquello suene bien. Ésta se hace intensa hasta que todo está en su sitio. No suena como en una sala pero al menos no será un desastre (o ya veremos).

De nuevo vuelta al hotel, a descansar un rato antes del bolo, antes de que su Road Manager aparezca a por ellos para llevarles al recinto. Llegamos a éste a las 21:00, mientras Rosko Blues Band, los encargados de abrir la velada, están en mitad de su ac-

tuación. Nos metemos en camerinos donde nos esperan una estufa, bocadillos, cervezas, refrescos, unas botellas de Jägermeister, unas tortillas y saladitos para parar un tren.

Aquí de nuevo vuelvo a notar la diferencia, lo que han crecido como banda. La primera vez que giré con ellos eran puro nervio. Ahora ya no. Las charlas fluyen en el camerino y aprovechamos para con Bernardini hablar de música, de Tupelo Honey o de Shinedown, y de los tremendos tatuajes que se acaba de hacer en el brazo izquierdo. En él se ha estampado las frases en latín de ‘Superbia’ en un magnífico trabajo que les ha hecho el “tatuador oficial” de la banda.

Se acerca la hora de su show y los nervios siguen sin hacer acto de presencia. Sí que aprovechan para retocar el set list y para discutir ciertas fusiones entre canciones. No es lo mismo ensayar un repertorio que llevarlo a la práctica y Jorge y Manu repasan lo que hay que hacer entre que acaba un tema y empieza el siguiente. Le echo un vistazo y veo que, efectivametne está todo ‘Morfología’ y en orden. Sólo hay unos añadidos como aquella versión del “United” de Judas Priest que hicieron para aquel tributo en el q e ellos se involucraron directamente hace ya muchos años. Una vez terminado el set list, vuelve una tranquilidad tal al camerino que hasta Carlos y Antonio se marcan un baile con un tema de Jorney que suena por el Ipod del guitarra.

Se acerca la hora y pese a que nadie nos dice nada tanto Javi como yo nos salimos para dejarles solos. Unos minutos después enfilan el escenario para después de una intro arrancar con “La Prisión del Placer”. De ahí en adelante repasan todo el disco al completo sin añadir nada pero con el sonido que la banda lleva ahora en directo.

La verdad es que el show se nos hace corto. Quizás por la nostalgia o quizás por recuperar temas como “Lluvia de Dolor” cuando se despiden no tenemos la sensación de que haya pasado mucho tiempo. Yo personalmente me quedo con ganas de más e incluso se lo comento a Carlos. “Sí, ha sido corto pero porque tampoco podíamos tocar más. Date cuenta que era una especie de festival y no puedes marcarte dos horas porque la gente llevaba ahí desde las 19”. Razón no le falta pero nos planteamos otra duda. ¿Serán así también el resto?

“No, ha sido algo puntual. Para el resto vamos a meter más cosas. Quizás acabemos con ‘Morfología’ y hagamos un repaso de los demás discos”.

Cuando están más calmados después del show arrinconamos de nuevo a Jorge para continuar con nuestras preguntas grabadora en mano pero ya en un tono más distendido. A mí por ejemplo se me ha hecho muy raro escuchar “Loco” nada más empezar. Desde casi sus inicios ha sido el tema que ha cerrado sus conciertos así que, ¿cuál es la sensación que tienen ellos? Después de una sonora carcajada me responde “Sabía que me

lo ibas a preguntar. Es raro de cojones tío. Es algo que incluso nos hemos llegado a plantear diciendo “oye no sé si estamos haciendo bien el hecho hacer el disco entero tocando las 11 canciones en el orden en el que que estaban” pero es que el disco era así además de que lo de ‘“Loco” llegó mucho más tarde. A la gente también le gusta escucharla la última porque nosotros lo hemos plantado así.

En su día tocábamos el orden y yo creo que ahora quien se ponga el disco lo va a poner del tirón y lo va a asemejar al concierto. No les va a resultar tan raro. Nos resulta más raro a nosotros porque el hecho de poner “Loco” de segundas en un set list es como “hostias, ¿ya hemos terminado?”. Piensa que tocamos “Loco” cuando tenemos toda la adrenalina en lo alto después de 2 horas de concierto o sea que no es fácil. Una cosa es tocarla en el local y otra es tocarla en un escenario y hoy cuando he terminado me he sentido un poco como diciendo “ostias ¿ya?”. No me he sentido extraño porque al fin y al cabo es tu canción pero sí que antes era “aquí tengo que darlo todo” y hoy ha sido “ostras que tengo que aguantar después” dice tras una sonora carcajada.

También le pregunto si en algún momento se han planteado hacer algo parecido con ‘Synthesis’. Si ‘Morfología’ fue el inicio, su siguiente disco fue el que los posicionó en la escena musical del país. Ahí el guitarra no se arriesga a darme una respuesta concreta. “No lo sé Rober, no lo sé. A lo mejor es un poco precipitado así que vamos a ver qué sucede con ésta. Si nos lo pasamos bien, funciona y vemos que el público lo toma con cariño y hay demanda de hacer la otra la haremos. Al fin y al cabo el público es el que decide pero ¿por qué no?”.

Cuando le digo que habría muchísima gente a la que le haría mucha ilusión reencontrarse con ese disco no puede evitar contener una sonrisa de satisfacción. “Para unos músicos como nosotros mola mucho oír eso” me contesta con sinceridad.

Son muchos años los que nos conocemos y sabe que no hay elogios gratuitos o caricias de ego. “Ya se verá” continúa “porque evidentemente todo esto es muy bonito para el público que siempre ha estado ahí pero el público nuevo igual lo que te pide son canciones nuevas, un disco nuevo, ya sabes. Y hay que ver cómo compaginar todo y con el tiempo lo iremos viendo y si el público lo demanda se verá.

Estaremos abiertos a lo que pueda pasar. Lo que no te voy a decir es “esto es puntual” porque como luego la hagamos me lo vas a recordar” me suelta poniendo cara de póker. Yo le reconozco que a mí me encantaría porque es un disco al que le tengo un especial cariño y entre risas me suelta un “pues si a ti tío te mola nosotros la hacemos” antes de salir a firmar a los fans que estaban fuera.

Ya de camino a casa me volvía con un montón de recuerdos nuevos con cierto regusto a antiguo y de pronto reparé en algo que había pasado por alto y que creo que al final es lo más importante. Diez años habían pasado entre la primera vez que hice un reportaje con ellos y este último y en lo que en nada han cambiado ha sido en lo personal. Siguen siendo los mismos tíos que me encontré en aquella gira (cambiados físicamente a mejor, eso sí). Igual de cercanos con su público, igual de cachondos entre bambalinas e igual de pros sobre el escenario.

No sé si harán la de ‘Synthesis’ pero yo por lo pronto repetiré en cuanto pasen cerca para volver a ir a disfrutar de su show.

“Nos resulta más raro a nosotros porque el hecho de poner “Loco“ de segundas en un set list es como “hostias, ¿ya hemos terminado?“. Piensa que tocamos “Loco“ cuando tenemos toda la adrenalina en lo alto después de 2 horas de concierto o sea que no es fácil“.

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En 2010 y 2011, IRON MAIDEN realizaron una de sus giras más ambiciosas y controvertidas. En el “The Final Frontier Tour” (o “The Final Frontour”, como bromea Dave Murray) cubrió Estados Unidos, Asia, Sudamérica, Europa y Australia en un periplo que demostró que la banda puede aguantar un concierto entero sobre sus canciones de facturación más reciente. Con la reciente edición del DVD “En Vivo!” grabado en Chile durante la gira, aprovechamos para repasar la gira de la banda y lo que Bruce Dickinson,

Adrian Smith y Dave Murray nos explican en exclusiva.

Texto: Sergi Ramos Fotos: Sergi Ramos / Javier Bragado

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UN SET CONTROVERTIDO

9 de junio de 2010. Son las 20:30 de la tarde y, aunque no lo parezca, el centro de acción del mundo del heavy metal se sitúa durante dos horas en Dallas, Texas.

Allí, en un pabellón con el poco elegante nombre de Superpages Centre, miles de fans se agolpan para ver un acontecimiento, como siempre es el inicio de una gira de los británicos IRON MAIDEN. Después de un ciclo en el que rememoraban su pasado más glorioso de los años 80, el “Somewhere Back in Time Tour” del año 2008 y 2009, ahora llegaba el momento de reclamar la atención para su catálogo más reciente, aquel que iba del año 2000 en adelante. Una decisión aparentemente impopular, como demostraría el cruce de opiniones vertidas en internet durante los días posteriores al inicio de gira. “Es un set excelente, muestran que no tienen porque tocar solo los clásicos” decía un fan que respondía al nombre “Purgatory” en la web setlist.fm al poco de publicarse el listado de canciones del primer show.

“El set list está diseñado para los superfans y esta era mi primera vez, así que pienso que fue una mierda”, le respondía “Justin” unas líneas más abajo. “¿Si estaban presentando “The Final Frontier” porqué solo tocaban una canción del disco?” se preguntaba un fan con un nick autoexplicativo como “WTF”. Y un gran “what the fuck” fue lo que pensamos la mayoría cuando vimos un set que recuperaba “The Wickerman” y “Ghost of the Navigator” para abrir el concierto, como en los conciertos de la gira “Brave New World” del año 2000. Aunque en los primeros shows de la gira la banda saltaba directa a “Brighter Than a Thousand Suns” del “A Matter of Life and Death”, la experiencia dictaminó que no estaría mal lanzar un breve clásico en forma de “Wrathchild” antes de seguir con tanto tema reciente. La cosa funcionó, pues “Wratchchild” no se movió de la tercera posición en toda la gira. El resto del set se dividía entre canciones de “Brave new World”, de “Dance of Death” y de “A Matter of Life and Death”. Aparentemente, un horror para el fan de los tiempos clásicos de la banda. Pero en la realidad, verdad sea dicha, una gozada en directo.

Volvía la majestuosidad de “Blood Brothers”, que Bruce Dickinson solía introducir con un recuerdo a Ronnie James Dio,

fallecido apenas un mes atrás. Volvía el simplismo casi fuera de lo habitual en los MAIDEN actuales “Wildest Dream”. Volvía el misterio de “The Reincarnation of Benjamin Breeg”, donde un mar de puños en el aire se formaba cada vez que la banda entraba en la sustancia del tema.

El barroquismo equilibrado de “Dance of Death” y su saltarina melodía central demostraban que la banda de ahora tiene la misma capacidad de conquistar, aunque con elementos distintos, que hace veinticinco años. Incluso temas menores como la guerrera “These Colours Don’t Run” o la mediocre “No More Lies” parecían maná divino una vez se quitaban de en medio los clásicos que suelen hacerles sombra en cuanto a reacción del público. Y, como perros viejos que son, el show acababa con una retahíla de cinco clásicos: “Fear of The Dark” (la señal para el apocalípsis en el recinto de turno), “Iron Maiden”, “The Number of the Beast”, “Halloweed Be Thy Name” y para acabar “Running Free”. “ Ghost of the Navigator” funciona muy bien, me encanta” explica Bruce Dickinson sentado en una habitación del hotel Four Sea-

sons de Toronto, Canadá, apenas un mes después de que comenzara la gira norteamericana de la banda y escasas horas después de haber finalizado un gran concierto en el Molson Canadian Amphiteatre. “The Wicker Man” funciona muy bien para abrir. Pero hemos tenido que cambiar un par de cosas en el set.

Al principio estuvimos alternando “Paschendale” y “Dance Of Death” y al final nos decidimos por “Dance of Death”. Al principio me decantaba por “Paschendale”, porque es muy dramática y muy oscura y muy heavy. Pero Steve dijo que viéramos como funcionaba. Que fuéramos alternando una y otra a ver cuál funcionaba mejor. Me di cuenta de dos cosas. La primera es que nunca estábamos cómodos, porque nunca sabíamos lo que venía. “¿Esta noche viene “Paschendale”?”. Tal y como acabábamos “Eldorado” era en plan “oh, hmmm...ah, si “’Paschendale”, errr, ejem...” (todo esto representado en plan cómico inglés) (risas).

Al día siguiente tocaba ponerse en modo “Dance of Death”...parece algo estúpido lo que voy a decir, pero no es como tocar cualquier canción. Son canciones largas y con mucho desarrollo y has de estar realmente metido en el papel. No puedes pensar en lo que estas haciendo. Nos perturbaba un poco. Pensaba que nos acostumbraríamos, pero no fue el caso”.

“También me di cuenta de que ‘Paschendale’ no estaba funcionando igual

de bien que ‘Dance Of Death’” apunta el vocalista. ‘Dance of Death’ estaba funcionando muy bien. Cuando comenzaba la intro la gente se volvía loca.”

Dickinson es la principal autoridad que puede juzgar con realismo si el set de un concierto de IRON MAIDEN funciona o no. Demonios, a fin de cuentas, el tipo es quien está ahí, delante de miles de personas, obligándoles a agitar sus cuerpos (y sus mentes) y es quien más rápido siente si algo conecta o no.

“Al final de “Paschendale” el público está realmente cansado, es un tema que te agota” observa. “La mejor comparación que puedo encontrar... (se toma unos segundos)...mira, si escuchas “Dance of Death” durante el show y luego quieres tener sexo, probablemente puedes hacerlo. Pero si después de “Paschendale” alguien te dice “¿que?¿apetece un polvete?” es imposible hacer nada. No apetece” reflexiona, soltando una amplia carcajada.

2010: AMERICA, CANADÁ Y EUROPA

El concierto de Toronto es el primero que vería quien escribe estas líneas dentro de la gira “The Final Frontier”, que constó de tres partes, finalmente. La primera de ellas comprendió América, Canadá y Europa y se llevó a cabo en verano de 2010, finalizando en Valencia el 21 de agosto.

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“Ahora hacemos shows más grandes y menos frecuentes.

Nos hemos ganado el derecho a dosificar un poco las cosas.

Seguimos saliendo de gira cada año, pero no hacemos tantos conciertos como hace veinte años”.

Posteriormente, ya en el 2011, la banda embarcó a bordo del “Ed Force One” con todo su equipo a cuestas y se pasó dos meses haciendo la pata “Around the World in 66 Days”, que recaló en países tan variados como Rusia, Singapur, Australia, Indonesia, Corea del Sur, México, Colombia, Perú, Brasil, Argentina, Chile, Puerto Rico y nuevamente Estados Unidos, con un par de conciertos adicionales. Para terminar, un retorno a los mayores festivales europeos del verano de 2011 con unas impactantes dos noches en el O2 Arena de Londres como colofón final.

En el show de Toronto se pudo comprobar “en carne y hueso” el nuevo set escénico de la banda, realizado con visos de parecer una estación espacial, completa con sus dos torres de comunicaciones y con motivos espaciales allá donde miraras.

Un cruce entre la época de “Somewhere In Time” y “2001: Una Odisea en el Espacio”, donde no faltaba un Eddie con cámara interna que mostraba su perspectiva del escenario cuando salía a darse el paseo habitual en “Iron Maiden” y un par de pantallas a ambos lados del escenario.

La primera ocasión en que IRON MAIDEN usaban tal añadido en sus shows.

“Lo que tenemos tras el escenario es una emisora de televisión como tal” explicaba Dickinson sentado en el hotel, con un te en la mano, la voz intacta pese al show y pese a haber salido a quemar los bares cercanos al hotel la noche anterior. “Estamos emitiendo en directo hacia nuestro público, simplemente. Si te hubieras metido en el backstage anoche habrías

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visto cinco o seis monitores de televisión, equipos de cámaras y demás. Todo lo que aparece en las pantallas laterales lo hace éste equipo, dirigido por nuestro propio tipo, Andy, que es quien se ocupa de Iron Maiden TV pero que a su vez era un productor de televisión terrestre en su momento. Lo hemos metido en el equipo porque creemos que es el paso siguiente para nosotros. No se puede poner cualquier mierda en las pantallas. Muchas bandas que usan pantallas ponen cosas realmente absurdas para rellenar. Lo que la gente quiere es algo que sea excitante. Que sea como ver una película. Andy dirige la acción y hace planos muy cercanos para que el público pueda ver con buen detalle todo lo que hacemos, sean pequeños gestos o acciones. Esta es una dimensión extra que estamos añadiendo al show y estamos trabajando en ello para ver a donde va.”.

Para una banda que edita prácticamente un DVD de cada una de sus giras un par de años después de que éstas acaben, es ciertamente un paso lógico. Ahora, en marzo de 2012, se edita “En Vivo!”, un impresionante concierto realizado en el Estadio Nacional de Chile el 10 de abril de 2011. La dirección, realización y excelencia técnica del trabajo gráfico es impresionante, algo especialmente considerable teniendo en cuenta el nivel de DVD’s previos como el del Rock In Rio de 2001, donde no se escatimaron medios. La banda cierra así el ciclo de una gira casi a la misma vez que han puesto la primera piedra para su próxima gira temática, el “Maiden England Tour” que

recorrerá América este verano y Europa en el 2013.

Pero volvamos a hace dos años. Después de Toronto, como decía, la primera parte de la gira “The Final Frontier” se cerró en Valencia, con un concierto ante más de 20.000 personas en el Auditorio Marina Sur, situado en el puerto de Valencia. EDGUY fueron los teloneros de la cita y allí pudimos ver una vez más a una banda totalmente entregada y al tope de sus capacidades. Tras pasar unos días en la costa, en un hotel situado en la propia playa de la Malvarrosa, la banda se encontraba en una gran forma de cara al concierto y quienes hemos visto varios shows de la gira, podemos decir que aquel fue el mejor que hemos visto. La cercanía del mar siempre inspira…

“Estamos haciendo una breve gira donde tocamos una canción del nuevo disco y probablemente haremos una gira en la que tocaremos más temas en algún momento del próximo año, pero no podemos predecir más allá” contaba por entonces, en una entrevista telefónica, Dave Murray, el guitarrista de la banda. “No queremos imaginar el futuro, queremos ir viendo lo que pasa. Estamos en un buen momento, donde aún disfrutamos tocando música juntos, así que no creo que la actual sea la última gira. Aun hemos de presentar debidamente el nuevo disco. De hecho, vamos a España el 21 de agosto en lo que será el último show de la gira. Allí tocaremos ese tema nuevo, “Eldorado”, y más adelante volveremos tocando más temas del nuevo disco. Así que no... ésta no es la última gira!”.

2011: EL MUNDO, ENTERO

Y ese fue el caso: a finales de 2010 se anunció que IRON MAIDEN serían los cabezas de cartel de la edición del Sonisphere de Madrid, junto a bandas como ANGELUS APATRIDA, DREAM THEATER, LACUNA COIL, SLASH o THE DARKNESS. La banda venía de tocar por toda Europa durante un mes y medio y apenas le quedaba una gira británica para acabar definitivamente el tour. Con un setlist renovado, el show que la banda dio en Getafe fue musicalmente más variado que los del año anterior. La inclusión de múltiples elecciones de “The Final Frontier” (como “Comin’ Home”, “The Talistman”, “Where The Wild Wind Blows” o el propio tema título) contrastaba con el añadido de pequeños regalos clásicos como “Two Minutes to Midnight”, “The Evil That Men Do” (con la aparición del Eddie andante en ese tema y la del gran Eddie hinchable en “Iron Maiden”) y “The Trooper”, además de las ya consabidas “The Number of The Beast”, “Halloweed Be Thy Name”, “Running Free” y “Fear of The Dark”. Más de 40.000 personas, según la organización, asistieron al concierto madrileño, que dejó al público convencido de que a IRON MAIDEN le queda cuerda para rato.

“La gira está yendo realmente bien. Creo que nunca habíamos tenido a tanta gente en los conciertos, incluso en Alemania, donde hemos tenido un montón de gente más de lo que es habitual” comentaba Adrian Smith por teléfono unos días antes del Sonisphere español.

Pero lo más sorpresivo no fue la cantidad de gente que consiguieron meter en Alemania, pues, a fin de cuentas, Europa es un territorio abonado para IRON MAIDEN. Sin embargo, Estados Unidos siempre ha sido reticente al ataque de la doncella, especialmente en los años posteriores a la vuelta de Bruce Dickinson. O mejor dicho, no hacían malos números pero no eran comparables a los de Europa. Pero en la gira de “The Final Frontier” la cosa cambió: 10.000 personas en Texas, 21.000 en California, 12.000 en Washington, 15.000 en New Jersey, 13.000 entradas agotadas en el Madison Square Garden de New York… la maidenmania estaba desatada.

“Cuando yo volví a la banda, en 1999, giramos por Estados Unidos” explica Smith. “El tipo de fans que atraíamos era gente más mayor, una generación de gente más veterana. Pero ahora vienen un montón de fans jóvenes. Es algo que llevaba tiempo sucediendo en otras partes del mundo, pero que finalmente ahora está sucediendo en Estados Unidos. Tenemos a más fans en el público que nunca antes. Además, no giramos en exceso por allí y eso siempre hace que la gente tenga ganas”.

Igual que en la gira anterior, la banda viajó a la mayoría de conciertos con su Boeing reconvertido de Astraeus Airlines, con el que cargan gran parte de su equipo técnico y a todo el personal de la gira. De ese modo, la banda puede recorrer grandes distancias en espacios de tiempo relativamente cortos y hacer más shows con menos cansancio.

“No creo que siguiéramos girando tanto si no fuera por estas comodidades” apunta Smith. “Seguiríamos saliendo a tocar nuestra música para los fans, obviamente, porque una banda como esta no se puede apoyar en la radio para hacer llegar la música a los fans. El viajar es parte del asunto, es inevitable. Lo que pasa es que ahora hacemos shows más grandes y menos frecuentes. Nos hemos ganado el derecho a dosificar un poco las cosas.

Seguimos saliendo de gira cada año, pero no hacemos tantos shows como hace veinte años”.

“Cuando hicimos 300 conciertos en la gira de “Powerslave” no tengo ni idea de cómo sobrevivimos” ríe. “Éramos jóvenes entonces, imagino”.

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VÁLVULA DE ESCAPE

Es ciertamente complicado encontrar algo de información suya pero cuando a tus oídos llega un disco tan crudo como ‘Gotten Gains’ enseguida te interesas por saber más cosas de ILL. Es entonces cuando uno descubre que detrás de ese nombre hay un trío liderado por el guitarra RYAN WATERS quien en realidad se gana la vida como músico de SADE lo cual todavía te deja más sorprendido. Es precisametne con él con el que mantuvimos una más que amena charla para que nos hablara de los oscuros rincones de su segundo álbum.

Texto: Roberto Villandiego

Supongo que a muchísima gente le extrañará saber que eres el guitarra principal de SADE. ¿Has tenido que dar muchas explicaciones en relación a este disco?

“La verdad es que es una pregunta muy común pero también es comprensible porque la música es bastante distinta así que es normal que me hagan siempre esa pregunta. Al mismo tiempo para mí es más o menos lo mismo porque es música que adoro tocar y yo no siento que haya muchas diferencias. Está claro que son músicas distintas y cada una te hace sentir cosas distintas pero al menos tiempo son muy parecidas”.

No son para nada similares. De hecho son completamente opuestos (risas).

“Ya lo sé (risas). Lo que pasa es que por un lado yo he crecido escuchando muchos géneros musicales y ella por ejemplo tiene la mente muy abierta pero eso no quiere decir que pueda enchufar mi pedal de distorsión las noches que toco con Sade porque es lo opuesto a lo que hago con mi banda de Rock. Esta es mucho más dinámica y en los conciertos de Sade casi todo ese dinamismo sale de las melodías. Los conciertos de Ill son mucho más pesados pero también somos capaces de bajar las intensidades y jugar con los espacios”.

He visto que, anterior a este ‘Gotten Gains’, tenéis otro editado llamado ‘Down In Deep’. Es tremendamente difícil de encontrar así que ¿Cuáles son las principales diferencias entre ambos?

“En el primero básicamente lo que hicimos fue intentar encontrar nuestro sonido. Todos veníamos de bandas completamente distintas y queríamos hacer algo nuestro así que empezamos a componer canciones pero sin marcarnos realmente ninguna dirección. Lo hicimos básicamente en el estudio y apenas habíamos tocado en directo así que te encuentras a una banda intentando encontrar su propio sonido. Hay ideas muy buenas pero no tiene nada que ver con lo que hacemos ahora. En cuanto lo terminamos nos 54

pusimos a dar conciertos, a indagar más en nuestro sonido y por eso este nuevo álbum representa mucho mejor hacia donde queríamos ir los tres”.

Si miramos sólo los títulos de las canciones de ‘Gotten Gains’ tenemos “There Are Worse Thing Than Being…” (“Hay algo peor que ser…”), “Bitch” (“Puta”), “Castration” (“Castración”)… ¿Qué os ha pasado? ¿Hay algo que quieras contarnos?

(Carcajada) “Es una buena pregunta y no sé ni qué responderte (más risas). Hay muchas canciones que puedes decir que son muy oscuras pero con que cuando los tres nos ponemos a escribir en una habitación nos salen cosas muy agresivas y el concepto de la canción tiene que encajar con eso para entre las dos llegar a ese estado emocional hacia el que vamos.

Esos temas que me mencionas hablan de cosas personales por las que hemos pasado y pueden hablar tanto de relaciones sentimentales como de reflexiones sobre el lugar que ocupamos en la sociedad, de cosas que nos joden o con las que no estamos de acuerdo. Escribimos de cosas que puedan encajar con la música que estamos creando en ese momento. Las canciones que has mencionado en concreto tienen un significado especial para nosotros y lo mismo adquieren otro distinto para el que la escucha pero al mismo tiempo un tema como “Bitch” tiene un título muy duro pero no habla de odiar a las mujeres ni de nada parecido. Habla sobre una persona con la que era imposible razonar y con la que Damion (Goodpaster, teclado) tuvo que tratar durante mucho tiempo. Tuvo que luchar mucho contra esa persona y al final cuando se puso a escribir no pudo evitar centrarse en ella y dedicarle ese título” (risas).

Es divertido porque juntando sólo los títulos te sale una frase un tanto demoledora (carcajadas). Si encima estás escuchando el disco, el cual destila una actitud muy punk, enseguida piensas “vale, aquí ha pasado algo con alguien”.

“Sí es verdad. El disco es muy agresivo y se nota el mosqueo pero porque también nosotros necesitábamos sacar todo eso fuera y puedes hacerlo cuando estás en una banda de Rock” (Risas).

Has descrito tu música, si no me equivoco como “Grandes riffs bluseros hechos con una actitud punk” y luego has calificado el sonido de Ill como una mezcla entre Ray Charles y Black Sabbath.

“Sí, es posible que dijera algo así por ahí” (risas).

La verdad es que es complicado encontrar esa influencia blusera. Es más fácil comparar el sonido de la banda con aquellos primeros discos de Soundgarden e, incluso, con los primeros de Queen of The Stone Age. “Sí, claro, lo que pasa es que esas bandas que mencionas, para mí, tienen una base muy blues lo que pasa es que supieron darle la vuelta. Nosotros tres crecimos escuchando mucho blues y tocándolo también lo que pasa es que al mismo tiempo también escuchábamos a bandas de Punk. Marlon (Patton, batería) ha tocado en muchísimas bandas de Soul y R&B, Damion creció en Nashville y tocó en un montón de bandas de Soul, de Country y Blues así que todos tenemos eso en nuestro historial pero también hemos tocado en garajes en bandas de Punk y de Rock lo que pasa es que hasta que no creces un poco no puedes explorar todos esos estilos e involucrarte real-

SOUNDGARDEN o QUEEN OF THE STONE AGE tienen una base muy blues lo que pasa es que supieron darle la vuelta.

mente. Solo entonces es cuando puedes fusionarlo todo”.

No sé si habéis querido volver un poco a aquella época garajera pero sí da la sensación de que habéis querido dejar el sonido muy crudo.

“Pues casi que lo grabamos en un garaje. Era un estudio muy oscuro y tocamos todos en directo. Ya sabes que ahora con Pro Tools puedes hacer virguerías y eso no iba a funcionar con nosotros así que lo hicimos de esa manera”.

Lo que he visto es que no tenéis bajista. ¿Por qué?

“Es algo que empezó con nuestra anterior banda. Teníamos un bajista y justo antes de un concierto de los grandes recibió una llamada para tocar con otra gente y no pudo hacer el nuestro. Damion y yo cubrimos su puesto y nos abrió nuevas posibilidades y ahora básicamente lo que hacemos es conectar el teclado a un ampli de bajo y en directo suena como si hubiese un bajista. Ahora podemos hacer cosas que un bajista puede hacer y, a la vez, podemos ir superponiendo sonidos con teclado así que aunque seamos un trío tenemos ese extra y tenemos más opciones sonoras porque sí que queríamos conservar esa estructura”.

Para terminar ¿qué planes tenéis de gira?

“Pues vamos a estar un par de semanas por Europa en Mayo y esa será como una primera toma de contacto una vez que haya salido el disco. En verano giraremos por aquí y esperemos que en otoño podamos volver a Europa para hacer algo más extenso y queremos centrarnos en eso porque ya estuvimos de pasada y se nos quedó un muy buen sabor de boca así que queremos estar mucho más tiempo por allí esta vez”. ¿Vendréis por España también?

“Eso espero. Está en el top de mi lista de los sitios a los que quiero ir porque mis abuelos eran españoles y realmente nunca he estado allí más que un par de horas en el aeropuerto así que está entre mis prioridades para el próximo tour”.

Recuerdo que cuando lanzasteis ‘Sound Of Madness’ comentabas que era un paso muy importante en la carrera de la banda y que habíais llevado vuestro sonido a otro nivel. ¿Qué impresión tienes con este disco?

“A ver, siendo 100% honesto contigo nunca hemos sido una banda que se quede realmente satisfecha con nada y siempre intentamos presionarnos tanto como compositores como músicos. En este disco por ejemplo hay cinco canciones que llevan una orquesta de 26 músicos. En el anterior hicimos algo parecido pero en éste lo hemos llevado más allá.

Yo creo que ‘Amaryllis’ es un disco mucho más duro, más imponente. Lo que sí que tenía que ser importante es que adquiriera un toque más global porque en el 2012 vamos a intentar que Shinedown se convierta en una banda más internacional y queremos girar más alrededor del mundo este año y poder desarrollar también nuestra carrera en otras partes del mundo. Nos hemos centrado mucho en eso.

Mientras estuvimos componiendo fuimos muy honestos entre nosotros mismos sobre cuál tenía que ser el objetivo real de los temas y por eso tratamos de que fuese un disco más universal”.

La verdad es que el anterior tuvo mucho éxito en EE.UU. y, no sé en Europa, pero aquí Shinedown no ha tenido la misma repercusión que allí. Era incluso difícil encontrar vuestros discos. “¿Sabes qué? Debo pedir disculpas por eso. No es que vaya necesariamente a señalar a nadie para pedirle explicaciones de por qué el disco no se editó en España porque esas cosas hacen que me caliente y me mosquee. De hecho sabemos que tenemos muchos fans allí porque nos han escrito un montón de e-mails. Esta vez con ‘Amaryllis’ nos vamos a asegurar

de que eso no pase. Vamos a asegurarnos de que la gente se lo pueda pillar allí e incluso estamos muy centrados en que la gira pase por España y que podamos ir creciendo. Sé que el anterior disco era muy difícil de encontrar pero eso es algo que no pasará con éste e iremos de gira por allí tan pronto como podamos porque el futuro de Shinedown también depende un poco de que seamos capaces de girar alrededor del mundo”.

En lo que no ha habido cambio ha sido en cuanto a sonido.

“Eso es porque hemos trabajado con el mismo caballero que nos produjo en ‘Sound Of Madness’, Rob Cavallo. Nosotros somos de la opinión de que si algo no está roto no hay por qué arreglarlo.

Trabajamos muy bien en el anterior y ha sido genial volver a trabajar juntos”.

Es que cuando escuchas “Adrenaline”, “Enemies” o “Nowhere Kids” tienen el sonido que tenían “Devour” o “Sound of Madness”.

“Sí que lo tienen pero también me gustaría saber qué disco has oído porque una vez que terminamos lo masterizamos de nuevo como unas cinco veces y volvimos a mezclarlo. Ahora mismo está terminado pero me gustaría que escuchases la última versión. Tanto Rob como yo teníamos una visión de cómo debía ser el sonido de la banda y creo que lo encontramos en ‘Sound Of Madness’ y en ‘Amaryllis’ nos centramos más en la composición y en terminar de depurar el sonido de la banda”.

Pues no sé qué copia tengo porque es un streaming. Lo que sí que he notado es que es más duro que el anterior.

“Sí, yo también lo creo. Creo que había mucha gente que esperaba que hiciésemos un disco más blandito y se van a llevar una sorpresa porque no es lo que hemos hecho. Hemos hecho un disco de Rock & Roll. Queríamos que en el disco hubiese una gran intensidad, que bombeara tu sangre. También hay baladas y medios tiempos pero por encima de todo es un disco de Rock”.

Antes te he nombrado una serie de temas que me parecen brutales. ¿Por qué elegisteis “Bully” de adelanto?

“La razón fue porque a la compañía le encantó ese tema. En ese tema en concreto no estoy hablando específicamente del acoso escolar sino de que si tienes a alguien que te está molestando, golpeando, atacándote o humillándote tanto a nivel físico como psicológico lo que tienes que hacer es aguantar y plantarle cara, que sepa que si continúa pegándote al final va a ser él el que reciba los palos. Yo no creo que la gente esté programada para ser malvada y se puede cambiar. Yo no quería que fuese el primer single pero a la compañía le gustaba el mensaje porque era muy intenso. En ningún momento estamos incitando a la violencia si no que más bien estamos alentando a luchar por tu dignidad, de sobrevivir”.

Desde vuestros inicios sí que he tenido siempre la impresión, en cuanto a letras, de que teníais los pies en el suelo,

centrándoos en cosas que pueden pasarle a cualquiera.

“Yo es que en las letras hablo de experiencias que he ido teniendo a lo largo de mi propia vida. Cada canción es una puerta abierta a lo que somos como individuos. También es cierto que yo no sabría escribir de cosas que no fueran las que nos pasan en nuestra vida, de cosas que pensamos, por las que hemos pasado, de experiencias que hemos tenido. Creo que la gente se identifica mucho con los asuntos que tratamos porque son muy universales y porque hablan de cosas que pasan a diario”.

Sin embargo en el título sí que habéis usado una planta muy exótica, el Amaryllis. ¿Es una alegoría de algo?

“Sí, es una flor muy bonita que crece sólo en una parte del mundo en donde no hay ningún tipo de vegetación. Crece directamente en el desierto y el hecho de titular así el disco es porque todo él habla del destino, de salir de todos los problemas que te va poniendo la vida y con los que tienes que lidiar. El amaryllis es una planta que crece en lugares donde ninguna otra planta puede crecer, incluso en Sudáfrica que es donde yo crecí, esa planta es capaz de sobrevivir y para nosotros es un símbolo de la perseverancia, de ser duros de corazón, de mente, de cuerpo y de espíritu”.

De todas formas, si repasamos las letras de Shinedown… ¿De verdad tienes tantos problemas? (risas) “Oh, claro, pero trabajo en ellos (risas).

En las letras no escondo nada y hablo de las cosas que me pasan, de mi vida, y claro que tengo problemas pero porque también son parte de ella. El poder superar todos los problemas es la meta”.

Si algo ha caracterizado la carrera de SHINEDOWN ha sido la honestidad de los textos de BRENT SMITH, cerebro creador de todo el universo de la banda. Con ‘Amaryllis’ la banda sí que ha terminado de concretar un sonido que dejaron ver en ‘Sound Of Madness’ pero que no terminaron de concretar. Esta nueva referencia nos sirve para volver a hablar con el vocalista que nos aclara que este año debería ser el de su consolidación. Escuchando ‘Amaryllis’ mal les tiene que ir para que no sea así. Texto: Roberto Villandiego 56

I

REVIEWS

Angelus Apatrida

Angelus Apatrida The Call

(Century Media)

Después de un disco como ‘Clockwork’, Angelus Apatrida no podían permitirse el lujo de dar un paso en falso.

De haberlo hecho todo el duro trabajo de terminar de posicionar a la banda en el mapa se habría venido abajo y tendrían que haber empezado desde cero de nuevo.

El que tu anterior disco fuese uno de los más alabados del 2010 no hace más que ponerte una cuchilla en el cuello: Si bajas la cabeza te rebanas ten por seguro que te lo rebanas y mueres. Por eso los albaceteños tenían la papeleta de superar el que ha sido su “disco” hasta la fecha. ¿Lo han hecho? Pues digamos que este ‘The Call’ está a la altura de un ‘Clockwork’. No es que vayamos a decir que han madurado pero sí que han avanzado y progresado hasta crear su propio sonido, el sonido Angelus. Ya no hay tantas comparaciones con las bandas Thrasher de toda la vida. Que sí, que de vez en cuando saltan por ahí unos Anthrax , unos Testament o unos Megadeth pero ahora su impronta es más inmediata. Ahora es más fácil reconocer a Guillermo Izquierdo a las voces o a David a los riffs y solos de guitarras.

Sí que es cierto que uno podría esperar un álbum todavía más espídico que el anterior por aquello de llevar al límite su propia velocidad y sin embargo no ha sido así.

En ‘The Call’ hay temas que han tirado hacia abajo en según qué momentos como en “At The Gates Of Hell” o “Reborn” sin perder en ningún momento ese toque descarado que siempre han tenido.

Donde sí hay cambio es en la voz de un Guillermo que

La sorpresa

Adrenaline Mob Omerta

(Century Media) Cuando lees quién hay detrás de Adrenaline Mob la verdad es que no te puedes hacer realmente una idea de lo que te vas a encontrar en ‘Omertá’. Lo puedes hacer si escuchaste aquel EP para presentar a la banda pero teniendo en cuenta de que uno de sus miembros, Mike Portnoy, estaba en aquellos momentos metido en fregaos con Dream Theater (su antigua banda) todo quedó bastante desdibujado. El caso es que en Adrenaline Mob están el ya mencionado Portnoy a la batería, Russell Allen (Symphony X) a la voz, Mike Orlando a la guitarra y un recién incorporado

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Like Moths To Flames

tira de agudos pero no para cantar como un Bobby de Overkill, que hubiese sido lo fácil, sino que le ha dado un cierto toque Heavy a temas como “It’s Rising” que dejarán a más de uno patidifuso.

When We Don’t Exist (Nuclear Blast / Rise Records)

CARLOS MEDRANO

Venom

Fallen Angels (Spinefarm)

Nunca acabará de quedar claro como Venom pasaron de ser una broma de mal gusto de los años ’80 a una de las bandas más influyentes de la historia, capaces junto con un par de pioneros más de generar toda una escena de metal extremo que a día de hoy está más robusta que nunca. ‘Fallen Angels’ no es probablemente la respuesta, pues es un disco de andar por casa, una de esas muestras de que quizá lo mejor es escuchar sus primeros tres discos y olvidar lo que pasó después.

No obstante, hay que admitir que siguen esforzándose, especialmente después de aproximadamente setecientos cuarenta y tres cambios de formación. Hoy en día solo sobrevive Cronos en la formación, con el resto del grupo compuesto por músicos efectivos pero poco carismáticos, como son el guitarrista La Rage y el batería Danny “Dante” Needham.“Pedal To the Metal” y “Hammerhead” son dos de los temas que más se salvan del trabajo, pero el resto es un relleno que se hace eterno.

Ni el tema título –que alcanza los siete minutos largostiene la chicha necesaria como para motivarte a entrar en fase “venomosa” y comenzar a desempolvar sus viejos vinilos. Olvidable.

SERGI RAMOS

John Moyer (Disturbed) al bajo. Claro, cuando tú lees este line up ni por asomo te puedes imaginar que este ‘Omerta’ suena muy metalero. Enseguida uno hace la relación DT con Symphony X y para lo que se prepara es para un disco de progresivo. Nada que ver. ‘Omerta’ es un disco de Metal con mucha personalidad en donde Russell Allen se destaca como un vocalista capaz de cambiar completamente de registro posicionando a la banda mucho más cerca de bandas como Avenged Sevenfold o Disturbed que las que te salen bote pronto cuando lees los nombres de los componentes.

Todo el álbum es una delicia pero hay que prestar especial atención a “Undaunted” y “Come Undone”, una joya con algún tinte prog, en donde colabora Lzzy de Halestorm en un duelo de torrentes de voz que te deja petrificado en el sitio. Es ‘Omerta’ un disco que merece muchísimo la pena.

ROBERTO VILLANDIEGO

Muy interesante la revitalización del catálogo que está haciendo Nuclear Blast apostando por bandas vanguardistas. Igual que editan lo nuevo de Accept, una banda consagrada, licencia el segundo disco de la banda de Columbus, Ohio, Like Moths to Flames.

Los jovencísimos músicos no esconden lo que hacen, Metalcore, y en ‘When We Don’t Exist’ no hacen más que indagar en lo que ya mostraron en el EP ‘Sweet Talker’ mostrando una cara melódica mucho mejor trabajada.

Al igual que hay que seguir a Tasters habría que estar pendientes de lo que vayan a hacer estos tíos en el futuro porque no pinta mal.

ROBERTO VILLANDIEGO

Epica

Requiem for the Indifferent (Nuclear Blast)

Decir que EPICA han evolucionado poco desde su zénit particular con “Consign to Oblivion” y “The Divine Conspiracy” no es faltar a la verdad. He aquí el caso de una banda que ha caído en una cómoda repetición de esquemas que no les hace ningún favor musical, pero que si que les funciona a la

hora de propagar su música y mejorar su popularidad. El público del metal es estático en cuanto a gusto y EPICA ofrecen justo aquello que se espera de ellos: composiciones sinfónicas, desarrolladas, con el contrapunto habitual de voces angelicales por parte de Simone Simons y de guturalidad escrotal de Mark Jensen. Algo inferior al anterior ‘Design Your Universe’, el disco posee buenos momentos con títulos como “Monopoly on Truth” o la compleja “Internal Warfare”. El toque más progresivo de otras como “Deter the Tyrant” te obliga a prestar atención y no desconectar del todo de las ideas de Jensen, aunque es en la clausura con “Serenade of Self Destruction” donde la banda hace honor a su nombre. No alterarán el orden mundial, pero se mantendrán fuertes en su posición actual.

no digerir “Metal Woman”, con esa voz cortante al estilo Udo Dirkschneider y esos agudos estratosféricos que inquietan a tu perro. Lo mismo sucede con ese culto al speed metal que es “Leather Lord”. Se trata de los temas más representativos de un trabajo que mantiene a 3 Inches Of Blood en la buena senda. Aunque tendrán que sacar lo mejor de si mismos en su inminente gira europea junto a Angelus Apatrida si no quieren que nuestros enviados especiales desde Albacete los barran del escenario!

SERGI RAMOS

Paradise Lost Tragic Idol

Uluh

(Kaiowas)

Podemos pasarnos el día argumentando que Vita Imana no han inventado la sopa de ajo, especialmente en lo que respecta a estilos y bandas musicales afincadas en el extranjero. Pero la unión de thrash metal, elementos tribales, metal actual y temáticas conceptuales en nuestro país no es que fuera algo muy habitual y Vita Imana han dado el paso con un trabajo, ‘Uluh’, en el que demuestran que sónica y compositivamente, no tienen nada que envidiar a las bandas de la escena internacional. Ya teníamos una idea de por donde iban a ir los tiros con el single “Romper con Todo”, pero ahora completan lo adelantado con un trabajo donde no escatiman en brutalidad ni contundencia. El inicio de “Quizá No Sea Nadie” podría emplearse para derruir edificios a partir de cierto volumen, mientras que las partes de batería y guitarra más intrincadas de “Un Nuevo Sol”, te harán recuperar la fe.

Tanto el vocalista Javier Cardoso como el baterista Dani García son los héroes del disco, pero no se queda coto el enorme trabajo de guitarra de Roman García y Puppy. La elaborada canción que da título al álbum demuestra que los tiempos han cambiado en el mundo del metal patrio y, aunque todo esto lo hicieran Sepultura hace quince años, no está de más que vengan unos tipos capaces de darle una vuelta de tuerca y, efectivamente, se la den.

SERGI RAMOS

3 Inches of Blood

Long Live Heavy Metal (Century Media)

Para cualquiera que disfrute del lado más excesivo y cliché del heavy metal de la New Wave británica de los ’80, 3 Inches Of Blood se han convertido en una de las bandas de referencia más obvias de la escena actual.

Mientras que en otras bandas todo parece una broma mal hecha, desde la estética a los clichés típicos como la voz aguda, en el caso de estos canadienses no hay nada que parezca fuera de lugar. Se creen lo que hacen y se lo creen tanto que el entusiasmo es contagioso. Cuesta

16

(Century Media)

SERGI RAMOS

Vita Imana

IN YOUR FACE...

Vamos a ser realistas, cada vez que los ingleses Paradise Lost anuncian nuevo lanzamiento una especie de escalofrío recorre la columna vertebral porque después de aquel ‘Host’ uno no sabe lo que se va a encontrar. Los reyes del Doom gothic Metal se perdían en jardines más propios de Depeche Mode que de ellos mismos en una búsqueda forzada de nuevas texturas y sonidos. Obviamente cuando has hecho algo así, pillando desprevenidos a los fans que enloquecían con ‘Lost Paradise’ o sus magistrales ‘Icon’ o ‘Draconian Times’, un cierto recelo se acumula en los tímpanos antes de abrirlos para escuchar nuevo material de Nick Holmes y compañía.

Estos se empiezan a desperezar cuando suena “Solitary One”, un tema muy denso y oscuro, en donde dejan claras las intenciones de no salirse del género que mejor controlan. Sin embargo el tema suena desganado, demasiado sencillo, y por un momento la sensación de estar delante de un álbum sin alma enseguida se apodera del oyente. El inicio de “Crucify” no es tampoco muy esperanzador hasta que de pronto Greg Mackintosh se saca un increíble riff de la manga y el álbum coge impulso.

Con pasajes que recuerdan a una película de terror, el álbum sigue esa misma línea hasta el final con “The Glorious End”, dejándonos en el trayecto temas tan tremendos como “Theories From The Another World”, “Honesty In Death” o “To The Darkness” (uno de las canciones más impresionantes que hayan escrito en mucho tiempo) en un disco que recuerda al ‘Draconian Times’ o a los mejores temas de ‘Symbol Of Life’.

16

Deep Cuts From Clouds (Relapse Records)

Rocoso, muy rocoso el primer disco de los de la baja California 16 practicantes de un Sludge Metal muy cer-

cano al de Crowbar.

No son 16 una banda que descubra nada nuevo pero sí que tienen un punto quizás menos denso que el resto de referencias del género que hacen que escuchar a Cris Jerous no se haga monótono como sí que ocurre con otras bandas.

Este ‘Deep Cuts From Clouds’ es uno de esos discos que te tienes que poner cuando tienes uno de esos días en los que le arrancarías la cabeza a alguien. Verás qué rápido te liberas.

ROBERTO VILLANDIEGO

No Matter Where It Ends (Season Of Mist)

Reza en el texto que acompaña a la copia promocional de este disco de los californianos Black Sheep Wall que suenan a EyeHateGod, Mastodon, Neurosis o Deftones pero nada más lejos de la realidad. Quizás sí que comparten influencias con Neurosis pero BSW suenan sin tantos artificios. Lo suyo es machacar un riff hasta la extenuación con un Trae Malone dejándose la garganta en un Math Metal con ramalazos Sludge que sintetiza lo que hicieron Earthtone 9 o Will Haven en sus primeros álbumes pero reducido a la máxima expresión. Si quieres un disco agobiante y claustrofóbico, tienes que escuchar ‘No Mattter Where It Ends’.

ROBERTO VILLANDIEGO

ROBERTO VILLANDIEGO

Blessed By A Broken Heart “Feel the Power” (Rude Records / Kaiowas)

Después de un enorme disco como ‘Pedal to the Metal’, del que salieron dos himnos del aerobic 80’s metalcore como “Move your Body” y “To be Young”, Blessed By A Broken Heart tenían por delante la difícil misión de mejorar lo presente.

Se encuentran, musicalmente, en una tierra de nadie, a medio camino entre los distintos sufijos –core que pueblan la escena actual y el cheese metal de los ’80 más azucarado. Para su nuevo disco han optado por poten-

Black Sheep Wall

Note To Amy

Midnight Arsons / Morning Ghosts (Graviton)

Muy pero que muy interesante esta banda holandesa que edita ahora su primer álbum y en el que destaca especialmetne la cálida voz de Remco Tuns quien marca la diferencia en un combo que se mueve a sus anchas entre el Rock más suave, el Emo y el hardcore melódico. No es difícil encontrar similitudes con Jimmy Eat World, RE:Ignition e incluso con Metallica (de la época floja) sobre todo por la forma de cantar de Tuns. Lo que está claro es que es un disco enfocado para engancharte con ese primer “Like The Sound Of An Ambulance In The Distance”. El resto te entra solo.

ROBERTO VILLANDIEGO

Exodia

Slow Death (Art Gates)

El impacto que está teniendo Angelus Apatrida en el público es evidente pero no lo es tanto el que está teniendo en las bandas y ese es también importante. Quizás me equivoque pero da la sensación de que los albaceteños están demostrandole a toda una generación de músicos jóvenes amantes del Thrash Metal que es posible ganarse la vida con ello y son bastantes los que al menos lo van a intentar. Candidatos a ello tenemos a Exodia, banda de Valencia que practica un Thrash Metal acelerado muy en la línea AA o DRI. Pese a que el disco es un auténtico tiro sí que deberían cuidar un poco las partes en las que el cantante se queda desnudo pues se le nota muchísimo el acento. “No Rules, No Kisses” o “World’s Cancer” pueden sonar tremendamente bien que si en “The Desire Of Darkness” te quedas cojo el disco se resiente. Aún con eso hablamos de un disco que es una auténtica explosión.

CARLOS MEDRANO

Allegaeon Fromshifter (Metal Blade)

Paradise Lost

Tremendo el disco de estos desconocidos para mí. Los de Colorado han facturado unos de esos deliciosos álbumes lleno de sangre pero cortado con la maestría de un cirujano. Ojito a ese dúo de guitarras formado por G. Burgess y R. Glisan. Ellos logran que incluso no siendo muy fan del género (death metal técnico) te quedes flipado con su clase. Mezcla a Steve Vai con Dimmu Borgir. Así suenan.

ROBERTO VILLANDIEGO

59

REVIEWS ciar lo segundo y dejar de lado lo primero, diría que muy acertadamente. En temas como “Shut Up and Rock!” puedes cerrar los ojos y retroceder a 1986 sin ningún problema. Depende a que volumen lo pongas, incluso vuelven a emitir el “1,2,3” por TV1 y tu pelo se carda solo. Y aunque podrían parecer una parodia chungoplus, los chicos hacen lo que hacen con tanto ahínco que solo puedes mover el culo al son de “Forever”, “Rockin’ All Night” o cualquier otro tema. Lo dicho, si queréis que Felipe González vuelva a ser el presidente del Gobierno durante 49 minutos, poned éste disco. Y luego iros al Canci a tomar unas cuantas.

SERGI RAMOS

Jeff Loomis

“Plains of Oblivion” (Century Media)

“Mercurial” es el tema que abre el nuevo disco en solitario de Jeff Loomis y pocas palabras hay más adecuadas para describir el estado de las relaciones y personalidades implicadas en su anterior banda, Nevermore. Como todos sabemos, la crisis de los americanos terminó con Loomis fuera del grupo y unos comentarios bastante negativos hacia la situación personal y profesional del vocalista Warrel Dane. Loomis cogió carretera y manta y se dedicó a lo que mejor sabe hacer: música. En ‘Plains of Oblivion’, Loomis se rodea de colaboradores “de medio pelo”, como Marty Friedman, Chris Poland (la conexión Megadeth sigue en pie, parece ser) y Tony Macalpine, además de otros más sorprendentes como Ihsahn de Emperor. Lo que resulta es un disco instrumental altamente técnico, con muchos ecos a su anterior banda (“The Ultimatum” es un ejemplo), aunque es obvio que iba a ser así siendo Loomis el principal compositor en Nevermore. No obstante, aquí el tipo expande más su radio de acción y ofrece algo que habría sido demasiado indigesto en el contexto de su vieja banda, caso de la experimental “Continuum Drift”. De momento, va ganando el guitarrista, y eso que estamos en pleno descanso.

SERGI RAMOS

Hora Zulu

Siempre Soñé Saber Sobre Nadie Negó Nunca Nada (Kaiowas)

Necesitaban hacer algo así los granadinos Hora Zulú.

‘Siempre Soñé Saber Sobre Nadie Negó Nunca Nada’ llega después de uno de esos parones profundos que se toman las bandas para ver qué camino van a seguir.

Bien les ha venido a ellos ese tiempo de relax, de dejar que los músculos se relajaran y las ideas fluyeran con naturalidad, sin presiones. Y es curioso porque uno lo percibe sin que haya habido un cambio abismal. Siguen sonando a los Zulú de siempre pero hay un halo distinto que envuelve al disco. Quizás sea porque las canciones tienen más profundidad o por la lírica de un Aitor que vuelve a estar en estado de gracia pero lo cierto es que este galimatías tiene su enjundia, tiene esas dobleces de géneros que habían perdido frescura disco a disco.

Canciones como “Mis Barraqueras”, “Caigan del Cielo”, “Otro Guión Sin Escribir”, “Siempre Soñe Saber Sobre” o “Que Me Mata” formarán pronto parte del repertorio cañero de la banda (aunque habrá que ver cómo arreglan lo de las dobles guitarras) y son las que te devuelven la tensión que luego te quitan de un soplo con “Aspirante A Estilista”, el cual, aunque cierre el álbum, se queda como de las mejores del álbum (sobre todo por la mala baba de Aitor escribiendo).

Con un movimiento delicado, Hora Zulú han sido capaces de reinventarse pero manteniendo todo aquello que les hizo “especiales” cuando salieron.

ROBERTO VILLANDIEGO

Dikers

Casi Nunca Llueve (Warner Music)

Si existe algún tipo de justicia “musical” Dikers deberían por fin con este disco llegar un poco más alto.

Tampoco hablo de que pa-

60

Dikers sen a llenar pabellones pero sí que no se les puede seguir resistiendo el llegar a un público más amplio. ‘Casi Nunca Llueve’ es la continuación perfecta de ‘Carrusel’ o ‘Las Noches Que Me Inventé’, dos álbumes que merecían haber llegado a muchísima más gente. Sea como fuere aquello no pasó y eso es algo que con éste se debe remediar. ¿Por qué? Porque Iker Piedrafita (guitarra y voz) vuelve a hacer un ejercicio de cómo se deben hacer canciones impactantes, de estribillos quedadizos y melodías a la altura de cualquier hit de Rock que se precie. Basta escuchar el single “Corazón de Trapo” para tenerlo claro aunque lo mejor del disco es que lo bueno no se queda sólo ahí (como sí pasa en otros discos). ‘Casi Nunca Llueve’ está plagado de momentos brillantes como “Dos Pasos”, “Qué Desastre” o “Tan Difícil De Engañar”, todos ellos con una producción de lujo y un Iker desgañitándose a más no poder. Ya puede preparase para la gira porque se ha puesto los tonos muy arriba.

‘Casi Nunca Llueve’ es un disco que se oye solo, que te cala, que te arranca primero una sonrisa para luego ponerte melancólico pero de eso se trata, de que la música transmita y aquí lo hace y bien.Quizás sí que tengan razón a la hora de decir que están en terreno de nadie porque es cierto que en este ‘Cuando Nunca Llueve’ los contrastes entre las canciones rápidas y las más lentas y acústicas son abismales, además de estar en una proporción muy pareja. Es decir, te encuentras uno rápido yl luego un medio tiempo pero, de algun manera, ¿no es un poco así también la vida? Si fuera lineal sería bastante

aburrida y está claro que eso no es lo que tienen Dikers en mente cuando se ponen a hacer canciones.

Donde sí se le nota más rabioso es en cuanto a las letras.

No hará él algunas (vuelve a colaborar Kutxi de Marea y su primo) pero las canta como si las hubiese encargado hacer. Chapeu de nuevo para una banda que en caso de que se le resista de nuevo puede estar más que orgullos de la discografía que tienen a las espaldas.

ROBERTO VILLANDIEGO

Cancer Bats

Dead Set On Living (Hassle Records)

Todas las bandas tienen un disco que les marca, que les hace subir como la espuma y cambiar de estatus. Este ‘Dead Set On Living’ es el de Cancer Bats. La madurez adquirida por los británicos es de quitarse el sombrero.

Se nota la mella que ha hecho en ellos el girar tanto, el moverse alrededor del mundo y, sobre todo, el apostar por su propia personal. Es escuchar “R.A.T.S.” y notar de forma instantánea toda la adrenalina subiendo hasta tu cortex cerebral. La colérica forma con la que Liam Cormier empieza a gritarte (ayudado por Rob Urbinati de Sacrifice) desde el segundo uno te deja muy claro que esa

Cancer Bats

actitud punk está todavía más a flor de piel sin esconder nuevas influencias como el Stoner (“THe Void”) o acercamientos melódicos como en el estribillo de “Drunken Physics” que logran que vayas escuchando el álbum y notes las explosión que va a generar.

Quitando el horrendo solo de “New World Alliance”, Cancer Bats han lanzado el que va a ser su ‘Vulgar Display Of Power’. El feeling es exactamente el mismo.

ROBERTO VILLANDIEGO

The Used Vulnerable

(Hopeless Records)

Algo está pasando con todas las bandas abanderadas del Emocore. De pronto todas le han encontrado la positividad a la vida y han sacado álbumes en donde, lejos de querer cortarte las venas te apetece más esbozar una sonrisa. Primero fueron My Chemical Romance y ahora The Used, quienes nos sorprendende con un disco más luminoso, más a lo Panic At The Disco. Sigue manteniendo el carácter de la banda pero ya no son los espantapájaros de ‘Lies For The Liars’, ni los darks de ‘Artwork’.

Ahora hay otro feeling detrás en temas como “Hands And Faces” o “Kiss It Goodbye” (sin duda de los mejores temas del álbum). Lo bueno es que así como MCR se pasaron de vueltas haciendo algo extremadamente “happy”, The Used han sabido encontrar el punto justo del cambio. Suenan distintos pero por alguna extraña razón sabes que éste tendría que ser el paso lógico en la carrera de una banda que esperemos termine de despuntar.

TESA NAVARRO

A Tempered Heart

REEDICIONES Y RAREZAS

An Eerie Sense Of Calm (Avispa Music)

Los barceloneses A Tempered Heart lanzan por fin su primer larga duración después de las buenísimas críticas que recibó su primera demo. De hecho fue esa la que les llevó a fichar por Avispa para posteriormente grabar el álbum en los estudios M20 junto a David Martínez. Entre todos dieron forma al sonido de ‘An Eerie Sense Of Calm’, un disco en el que nos encontramos algunos de los temas que iban en la demo (con un sonido mejorado) más algunos que tenían en la recámara y que siguen la línea tétrica de los que ya conocíamos.

La primera referencia que te viene a la cabeza cuando escuchas a A Tempered Heart es Paradise Lost aunque no es una manera fidedigna de reflejar en palabras el sonido de la banda puesto que ésta tiene estribillos más abiertos como el de “Believe The Unbeliever”.

Pese a que el álbum está trabajadísimo es una lástima que haya un defectillo que resalta bastante: el inglés. El acento se nota muchísimo (e incluso la forma en la que han traducido las letras) y eso resta cierta credibilidad a la voz de Jordi Lebrón. No es durante todo el disco pero sí que hay ciertos momentos en los que chirría el acento.

Ojo, no es nada que no se pueda (y deba) mejorar porque es de ese tipo de bandas que con un poco de trabajo duro pueden dar la sorpresa. Ideas y ganas parece que tienen bastantes.

CARLOS MEDRANO

The Used

Disturbed

The Lost Children (Warner Music)

Antes de que la banda se tome un descanso después de muchos años sin parar se edita ‘The Lost Children’, una recopilación de rarezas que la banda liderada por David Drainman debía tener por ahí en un cajón.

Pese a que la presentación está muy cuidada, es el interior el que falla y nos deja muy claro porque son descartes. Salvando algún tema como “Monster” , “Sickened” o “Dehumanized” (que tampoco es que sean una maravilla) no dejan de ser eso, Caras B. Se incluyen en él dos versiones, una de Faith No More y otra de Judas. El “Midlife Crisis” de FNM se lo hacen muy parecido mientras que el “Living After Midnight” (tras un inicio del “Painkiller”) resulta cuanto menos curioso aunque solo sea por escuchar a Drainman intentar hacer unos tonos parecidos a los de Halford.

ROBERTO VILLANDIEGO

Asphyx

Deathhammer (Century Media)

Pocas vueltas han sido mejor paridas que la de ASPHYX. Desde que el bueno de Martin Van Drunen pusiera la banda en marcha de nuevo hace cuatro años, con la posterior edición de “Death…The Brutal Way” y el directo “Live Death Doom”, el status de los holandeses en el negocio ha crecido a niveles insospechados. Y no es para menos: “Deathhammer” es un disco que está a la altura y sobrepasa sin problemas lo que hicieron en los ’90 con trabajos como “The Rack” o “Last One on Earth”.

Mejor, incluso. La calidad musical del grupo hoy supera de largo a la de entonces y eso se traduce en composiciones mucho mejor estructuradas y niveladas. El trabajo de guitarras de Paul Baayens es aplastante a lo largo de todo el disco, especialmente en el tema título, así como la producción de la propia banda. Y si a alguien le queda alguna duda de que estilo practican estos tipos, Martin lo aclara gritando “this is some death metal, you bastards” al inicio de la segunda canción. Go ASPHYX!!!

SERGI RAMOS

I

REVIEWS

A Examen...

LA VISIÓN DE KIKE G. CAAMAÑO (ASHA)

Van Halen

A Different Kind of Truth (Interscope / Universal)

Los reyes del party rock reclaman su corona presentando documentos de hace treinta y cinco años que nadie duda en aceptar como válidos.

Mucho se ha dicho sobre las composiciones que conforman el nuevo disco de VAN HALEN. Que si son viejas demos reconvertidas, que si eso es trampa, que si la gente esperaba más composiciones totalmente nuevas. Paparruchas. La realidad es que un riff es un riff, venga de la era de Nixon/Ford/Carter o de la era Obama. Y si lo que VAN HALEN necesitaban para presentar un trabajo digno era tirar de viejos descartes, bienvenidos sean estos, siempre y cuando sean superiores a lo que la banda tenga que ofrecer hoy en dia. No queda tan claro este último extremo, si tenemos en cuenta que las canciones de facturación nueva están mayoritariamente a la altura. Pero no hay nada de malo en que los temas con sonido más vintage hayan pasado por una especie de maquina del tiempo y por un taller de chapa y pintura a partes iguales. “Big River”, con un groove cadente propio de un “Runnin’ With the Devil” es uno de los mejores momentos del disco, y desciende directamente de una demo llamada ”Big Trouble” que no poseía un estribillo tan invencible en su concepción original. Es el ejemplo más claro de que una vieja idea, renovada adecuadamente, puede dar mucho de si. Como lo de la Falange y el PP, vamos. O la cutrez ochentera y el rollo Hipster, que es otro ejemplo valido.

La cuestión es que cuando escuchamos por última vez a David Lee Roth al frente de un disco entero de VAN HALEN se acababa de descubrir el VIH, Steve Jobs no había sacado el primer Macintosh y Roger Waters era legalmente un miembro de PINK FLOYD. Ha pasado demasiado tiempo y, aunque los agudos se resienten (solo uno de sus aullidos clásicos aparece en todo el disco, casi como impuesto revolucionario) la realidad es que casa mucho más la voz de Roth con los riffs de Eddie de lo que jamás conseguirían Sammy Hagar o el pobre Gary Cherone. Su festivo trabalenguas a modo de repaso por las diferentes religiones de norte, sur, este y oeste en “Stay Frosty” es un ejemplo claro de que Roth no hay más que uno y que quien tuvo retuvo. Lo mismo sucede con el duo Alex y Eddie Van Halen, que siguen siendo los dueños de la bulla final de canción capaz de hacerte romper una habitación (y sirva nuevamente como ejemplo “Stay Frosty”, donde los últimos segundos parecen robados de “Hot For Teacher”).

Los momentos más prominentemente setenteros, como “She’s The Woman”, son capaces de recordarte el mítico “Brown sound” y las influencias Motown de los VAN HALEN clásicos. Otros, como “Blood and Fire” y “China Town” son un viaje a los VAN HALEN más refinados técnica y estilísticamente de los ’80, siempre jugando con los tiempos a su antojo y consiguiendo que tengas que volver a poner el tema una y otra vez para intentar localizar el punto de anclaje de cada instrumento. Eso da lugar a que nunca dejes de encontrar detalles y la escucha sea entretenida.

También hay mediocridad, como puede ser el caso de “Tattoo”, el primer single, o de “Honeybabysweetiedoll”, donde la banda parece menos inspirada. Pero incluso estos temas, escuchados las suficientes veces terminan por engancharse. Ahora tan solo falta que se dignen a aparecer por el circuito de conciertos europeo, donde llevamos esperándoles desde 1995, si la memoria no falla.

SERGI RAMOS

¿Y Tú qué opinas?

Si te has leído la crítica de Kike y no eres conocedor de una banda de la Motown seguramente te habrá picado la curiosidad. Pues bien, nosotros buscamos la portada para que no te compliques la vida. La verdad es que curioso es cuanto menos.

60

Como fan de los originales VH he soñado con un nuevo disco con Roth desde que se fuera en 1985 y han tenido que pasar 27 años para ello (sin contar esa fallida intento- na con single del 96). Entremedias , el paso de Hagar contentó a muchos por ser un proyecto más “digerible” pero enervó a muchos otros por haber perdido la esencia de lo que era el grupo. Ante esta nueva etapa las preguntas se sucedían en el aire : ¿Será real? ¿Se pelearán antes de que terminen el disco? ¿Habrán conservado el carisma? Afortunadamente todo ha ido por su cauce, como mandan los cánones del rock. Pero he de decir que escuchando el primer single “Tattoo” me dio un bajón.....oye!! Si este tema es uno de mis favoritos que nunca llegaron a grabar, “Down In Flames”! Pero ¿qué le han hecho?

Está descafeinado, cambiado, ha perdido toda su magia.... así que prime- ra pedrada a la sien... “Espera”, me digo, no juzgues un álbum por un tema... y me llega el disco, me acomodo, me siento, lo empiezo... lo termino... me levanto y declaro en voz alta y con sonrisa adolescente en la boca : ¡VH han vuelto! Que sí, que la mayoría de los temas están basados en viejas canciones pero todos los artistas han hecho alguna que otra vez eso, no? Y que no se alarmen los alarmistas : quien conozca bien a VH saben que de siempre han tirado de ideas del pasado, desde el primer disco hasta en la época con Hagar aunque si es cierto que no tan masivamente como en este caso. Después del sin sabor de “Tattoo” entra “She ‘s a Woman” , como si el álbum empezase aquí, mismo tema del 76 de esas demos con Simmons, pero qué bien hecha y ejecutada ahora, no? ¡Esto ya es otra cosa!

“You And Your Blues” nos trae recuerdos del 1984 con un home- naje a algunas grandes canciones de blues y rock en su letra y “China Town”, una de las nuevas, es VH puro, doble bombo, guitarra feroz (de los mejores solos de Eddie que muestra de nuevo fuego y fiereza en todo el álbum), nivel instrumental de alto rango: ¡la banda está perfectamente engrasada! “Blood & Fire” es un viejo riff instrumental (Ripley) que Eddie cedió para la banda sonora de la película “The Wild Life” de 1984 de nuevo con aires a sus primeras obras y que da paso a “Bullethead” , tema repescado, agresivo , que se quedó fuera de su primera obra y que contiene en su letra el titulo del álbum. La sonrisa en mi cara no decae. A los que seguís la serie “Dos Hombres y Medio” recordaréis que no hace mucho Eddie hizo aparición en el show tocando “Two Burritos and a Root Beer Float” antes de que Charlie Sheen , gran fan de la banda, fuese despedido por su afición desmesurada al alcohol , riff que serviría para montar “As Is”, otra canción 100 % vanhaleniana . Curiosa “Honeybabysweetiedoll” , que es puro arte guitarrero si lo escuchas en profundidad, tema enrevesado con un Eddie en estado de gracia. Para mi es un ejercicio de originalidad y de calidad compositiva. Pégale otra escucha si no lo tienes claro, hazme caso! “The Trouble With Never” es otra nueva y excelente composición con cierto aire funky y una de las fijas para el set list . “Outta Space”, otro recuperado (“Let’s Get Rockin’”, letra nueva), podría haber estado también en el primer o segundo álbum perfectamente. Riff matador que le roba un poco del solo a “Mean Street”. Y llegamos a la joya de la corona : “Stay Frosty”, una expresión que se usaba en el seno familiar de la casa Roth cuando era pequeño y que se le quedó grabada (tanto que posé un tatuaje en un de sus “lomos” con esa frase).

“Stay Frosty” empieza con una acústica jugando a ser Jimmy Page para arrancar en un desenfrenado boogie electrico. Eddie está simplemente soberbio, dinámico y sobre todo inspirado...él sólo sabe cómo jugar con los silencios en los solos . Tremendo el final con un guiño en la parada a “Sinner’s Swing”. “Big River”, otro repescado (“Big Trouble”, letra nueva) muy en la línea de “Running With The Devil” en su base, da muy buen rollo. “Beats Workin ” , tema re-arreglado (“Put Out The Lights”, nueva letra) con un comienzo que me recuerda al “Walk All Over You” de los AC/DC, (una de las bandas favoritas de Wolfgang) respira ser single por todos los costados con unos coros marca de la casa. Los efectos en la guitarra de Eddie afloran como en su juventud, el flanger en partes definitorias de los temas y solos, el wah wah , el eco en esos bendings al bajar la nota hasta las profundidades del infierno, Roth está mejor de lo que todos nos esperábamos tanto a nivel creativo como vocal, Alex está simplemente brutal, como el propio Chad Smith comentó después de escuchar el álbum. Buena producción, añeja pero moderna, grandes ventas, número 2 en Billboard, sólo superada por la insuperable Adele. Mención especial a Wolfgang, enorme en todo el disco y que ha superado las expectativas de aquellos que recelábamos de su labor por tener en mente a Michael Anthony, que es curioso, no echo de menos ni en los coros, que suenan a VH por todos lados aun sin su voz!

Habrá gente que diga que no es para tanto, para gustos ya se sabe, pero he hecho esta review como gran fan y he de decir que VH nos han dado justo lo que los fans les habíamos demandado todos estos años : “A Different Kind Of Truth”. Portada : ¿Homenaje a Commodores? ¿Plagio? ¿Despiste? ¿Truco comercial para hablar de ellos? Las portadas nunca fueron su fuerte, mejor quédate con el contenido.

L

LIVE SHOTS

La experiencia es un grado

HAMLET Artistas Invitados: VITA IMANA Sala Joy Eslava, Madrid

C

on el anuncio de la grabación de su segundo dvd y las entradas agotadas, todo hacía prever que el concierto de Hamlet en Madrid iba a ser memorable. No hacía falta ser un adivino para saber que así iba a ser, pero incluso las mejores expectativas se vieron superadas en una actuación para el recuerdo, que además quedó filmada para la posteridad.

Los encargados de abrir la noche eran los también madrileños Vita Imana, cogiendo el testigo que habían dejado Violent Eve en el primer tramo de la gira “Amnesia”, en una segunda fecha como teloneros después de la de Villava dos semanas antes. En una escasa media hora sabían que tenían que salir a matar, y así fue, arrancando de la misma manera que lo hace “Uluh”, su último trabajo. “Animal” fue el encargado de abrir un show cargado de intensidad, caldeando una sala que ya a esas horas estaba casi llena.

Igual que en el álbum, continuaron con una mucho más pesada “Crudo Invierno”, previo primer saludo al público por parte de su vocalista; Javi se está confirmando día a día y concierto a concierto como uno de los mejores frontman que tenemos en este país, entregado y sin parar quieto en el escenario ni un momento (como el resto de sus compañeros), incluso bajándose a cantar entre la gente en uno de sus temas. Se nota que tenían contenidas las ganas de presentar el disco (preparado desde hace meses), y a pesar de llevar poco en la carretera con él, son una máquina perfectamente engrasada que hace que cualquier sitio se les quede pequeño; el juego de voces entre Cardoso y Pepe Blanco aporta aún más rabia a sus composiciones, y la dupla percusionista de Dani y Miriam les da ese toque de distinción que los desmarca del resto de grupos. Los temas de “En Otro Lugar” ensamblan a la perfección con los nuevos, equilibrando la elección de unos y otros; la locura llegó con “Paranoia” y su riff estridente (muy activos Puppy y Román a las guitarras), seguido del que fuera single adelanto de su reciente obra el pasado verano, “Quizás No Sea

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Nadie”, y de “Romper Con Todo”, con el intentan transmitir un mensaje muy claro de que hay que cambiar las cosas con las que no estamos conformes. Otro par de su debut, “Nada Por Ti”, y su tema más conocido, “Gondwana”, con la colaboración de Txema Fonz (vocalista de los prometedores Soma’s Cure), prepararon el plato final, el de su reciente videosingle “Un Nuevo Sol”, llamado a ser el nuevo himno del grupo. Mención especial para su batería, Daniel García, que la misma semana del concierto tuvo un accidente del coche, hecho por el cual, Javier Cardoso no dudó en dedicarle el tema que cerró una actuación corta pero intensa.

Les espera una gira extensa por delante, con presencia en varios festivales, incluida la gran cita en Sonisphere.

Ya con Joy Eslava hasta los topes, luces fuera y una intro prolongada que desembocó en “Origen”, con la que los cinco miembros de Hamlet se subieron al escenario antes de empezar con “La Fuerza del Momento”. Y desde ahí, y a lo largo de las dos horas de concierto, uno tuvo la sensación de viajar al pasado, a esa época donde se vivían más los directos y no se estaba de una manera un tanto apática como sucede muchas veces hoy en día. Aquí todo el mundo tenía que estar a la altura, y vaya si lo estuvieron. De primeras se entrelazaron canciones de “Amnesia” con las de su disco negro como la inevitable “Limítate” y una felizmente recuperada “Vivo En Él”. De su último álbum empezaron a caer la crudísima “Mi Soledad”, la alternante “Entre La Niebla” y “Deja Vu”, que bien podría tratarse de un tema autobiográfico de la carrera de la banda. Molly, tal como demuestra en el disco, se encuentra en mejor forma que nunca, y juega con su voz como le da la gana, mejorando incluso los melódicos originales de estudio, y mostrándose tan agresivo como debe en las voces rasgadas. Tras “La Sombra Del Pasado”, que refleja esa dualidad y contraste que tienen sus últimas composiciones, era el momento perfecto de ir intercalando canciones de toda su discografía. Retomaron “Pura Vida” con el ritmo alegre y pegadizo de “En Mi Nombre”, antes de volver al presente con “Desesperación”, uno de los temas más completos que han hecho en los últimos años.

Y si contrastes tiene “Amnesia”, repito palabra para definir el cambio de esa úl-

tima a “Serenarme (en la Desolación)”, todo un tornado de sentimientos en una de las mejores letras que tiene la banda, y que tuvo una dedicatoria muy especial.

“Denuncio a Dios” fue la primera vista a “El Inferno”, quizá algo típica, antes de que “La Puta Y El Diablo” se viera representada con “Siete Historias Diferentes”; lógico que fuera la más directa la elegida en detrimento del resto de cortes más largos y complejos. Siguiendo con temas que no podían faltar, “Tu Medicina” fue un aperitivo al riff de “J.F”, con Luis Tárraga al frente, y con Molly cediendo protagonismo al público, encargado de cantar la primera estrofa todos a una.

Pero si de todas a una se trata, el final de la novedosa “Despertar Sin Vida” se lleva la palma, con su mensaje poniendo los pelos de punta con el grupo y el público mostrándose como uno solo. La traca total vino con “Habitación 106”, “Mi Nombre es Yo”, otra de las canciones rescatadas (ésta a raíz de los conciertos en conmemoración de sus discos de oro) y “Egoísmo”. En la primera de ellas pudimos ver a Molly cantando mientras se peleaba con el público en el foso mientras no le afectaba para seguir con su labor; a Luis volando sobre las manos de la gente en la última, y por desgracia, fue el tramo donde aparecieron los problemas técnicos de Alberto Marín con su ampli. Ya se sabe que si algo puede pasar mal, lo hará en el peor de los momentos, como era el caso de esta grabación; pero ni eso se les puede echar en cara, porque salieron adelante de manera profesional donde otros hubieran puesto malas caras. Ellos no, y con su vuelta vino el aplauso lógico, los abrazos de sus compañeros, y no había que más que ver sus sonrisas todo el rato para ver lo bien que lo estaban pasando; si notas que el grupo lo pasa genial sobre un escenario, el público lo disfruta más todavía. Además, no fueron los únicos problemas en el concierto, pues el inalámbrico de Molly voló en uno de sus continuos saltos mediado el show, pero nada parecía afectarles para que aquello fuera una fiesta. Después de todo, y tras interpretar “Irracional” con un pequeño medley de “Let There Be Rock” de ACDC, se retiraron brevemente antes de volver con más fuerza… y sentimiento.

“Imaginé” fue la nueva vuelta a “Syberia”, que ha sabido aguantar el paso del tiempo con ese lado más melódico del grupo

y que les permitió coger aire de cara al futuro. Infravalorado e incluso incomprendido en su momento, siempre he pensado que marcó un antes y después en Hamlet. Precisamente esas palabras fueron otras de las que tenían que estar fijas en este dvd de la mano del tema de “Insomnio” antes de acometer el tramo final. Javier Cardoso se subiría al escenario para cantar “Dementes Cobardes”, un sueño hecho realidad para él que sigue al grupo desde hace tantos años. Un nuevo contraste, el de una banda totalmente asentada con un vocalista que aún veterano, se encuentra en una de las formaciones más prometedoras de nuestro panorama; una delicia ver a dos cantantes de su talla mano a mano. Tras ese dúo solo quedaba tiempo para “Un Mundo En Pausa”, que en muy poco tiempo ha ganado un peso enorme en su setlist, y un lugar en la cabeza de sus seguidores, con una letra que refleja la actuación social tan difícil que estamos viviendo en este momento. Solo quedaba hacerse la foto de rigor para reflejar una noche para el recuerdo, y las continuas reverencias de los cinco ante una sala a reventar.

Los agradecimientos por parte de la banda personificadas en la voz de Molly fueron la mayor constante de toda la noche, mostrándose incluso abrumados en muchos momentos ante la respuesta de la gente. En sus propias palabras, veía muchas caras conocidas, y todas ellas junto a las desconocidas formaban lo que es el grupo a día de hoy. Eso y sus cuatro compañeros, para los que también tuvo palabras; ha perdido la cuenta de las veces que se ha dado la vuelta y veía a Paco y a Luis, que no paró de saltar durante todo el concierto ni de contactar con gente a lo largo de toda la sala. Algunas veces menos son con Álvaro y Alberto; ellos dos son los dos nuevos componentes con respecto a “Directo”, y aunque las comparaciones son siempre odiosas, y a pesar de las circunstancias de cada uno, he de decir que Hamlet ha ganado con los dos cambios que han tenido en estos años. No había más que ver como se movían a la par y las virguerías que hacían ambos por sus mástiles, además del plus que ofrece el guitarrista con sus coros.

Al salir de la sala uno tenía la extraña sensación de que muchos se quejan en la actualidad de no haber podido ver a tal o cual grupo en una determinada época, di-

gamos, gloriosa; en su mejor momento.

Con Hamlet no hay ese problema, porque si no has podido verlos ahora, seguro que en su próximo concierto estarán mejor que en el último. Admirable que después de más de veinte años en esto, mantengan intacta la ilusión y esas ganas de seguir mejorando para agradar a su público.

Hasta que vuelva a tener la oportunidad de volver a verlos, ya puedo decir que es la ocasión que mejor he visto al grupo, y con un sonido impecable.

TEXTO: VARO ANDRÉS FOTO: JAVIER BRAGADO

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LIVE SHOTS

KOMA Sala Live, Madrid

KOMA siempre han sido una apuesta segura en directo. Tan sólo ha habido una única vez en la que les he visto fallar y fue este verano, cuando la voz de Brigi (guitarra y cantante) se resentía hacia el final de la actuación que la banda daba en el festival En Vivo (Getafe). Quizás por el cansancio acumulado después de un verano estrenante (compaginando Koma con Txarrena, banda en la que toca la batería junto a El Drogas) las cuerdas vocales del corpulento frontman se destensaban dejándonos un poco fríos y extrañados porque jamás les habíamos visto dar un concierto flojo (y ya van unos cuantos).

Después de aquello esperábamos lo mejor en su siguiente visita a la capital (no era la primera vez que venían a presentar ‘La Maldición Divina’, su última referencia) y esta vez no hubo sorpresas dando los navarros un auténtico conciertazo.

En lo único que teníamos dudas era en ver cómo respondería el público madrileño. Como decimos, en no mucho tiempo habían estado presentando ‘La Maldición’ en la capital (no había pasado ni un año) y esas cosas suelen jugar en contra de movilizar a ala gente y la verdad es que, aunque la sala era de un aforo mucho más reducido que la anterior, se rozó el llenolo cual terminó de crear la atmósfera perfecta.

Después de unas cerves previas en un bar que hay enfrente de la sala (así son Koma, como en sus comienzos y sin tiquismicadas) saltaban al escenario de la Live con las pilas cargadas y un repertorio amplio que abrían con “Tío Sam”, tema ya memorable con el que empezaron su carrera.

Tras ésta un repaso concienzudo a toda su discografía haciendo un balance de todos sus discos muy acertado. Del nuevo extrajeron “Sin Oxígeno”, “Los Idiotas”, “No Te Lo Tomes a Mal”, “Bagare” (el tema en euskera que se quedó como el momento “bajo” de la velada”), “Me Vacío” o “La Almohada Cervical”, la cual tenían reservada para los bises y que ha calado hondo entre sus fans en vista de cómo toda la sala se unió en ese coro tan simple pero efectivo.

Hasta llegar a ese momento en el que se acercaba el final del concierto dejaron temas como “Imagínatelos Cagando”, “Jipis”, “Jack Queen Jack”, “Sakeo”, “El Sonajero”, la recuperada “Protestantes”, “Vaya Carrera Que Llevas Chaval”, “Pensamientos Fúnebres”, “El Pobre” o “Bienvenidos a Degüelto” sin olvidarse de sus clásicos “El Marques de Txorrapelada”, “Aquí Huele como que han fumao” y “Mi Jefe”, las cuales se tocaron en un medley como final de fiesta y que sirvió para que el público asistente se desfogara y lo diera todo.

Si algo quedó más que patente esa noche (y en muchas otras) fue la personalidad de la banda. Koma siguen teniendo ese sonido suyo tan personal y lo único que han hecho ha sido mejorándolo. También quedó claro que pese a que ellos avanzan hay gente que no. Después de un repertorio plagado de temazos aún hubo algunos de los presentes que sólo gritaba “Aquí Huele”. ¿En serio? La banda tiene auténticos temazos, siete discos en los que no han bajado el listón ni un sólo ápice ¿y te pegas toda la noche gritándoles para que se toquen un tema del 96? Vale que sea uno de sus clásicos, que todo el mundo quiera oírlo, pero la carrera de Koma es algo más que un “Aquí Huele” y es hora de que esas cosas se tengan en cuenta.

TEXTO Y FOTOS: ROBERTO VILLANDIEGO

De Divinos a Diablos MISFITS Artistas Invitados:

JUICEHEAD + BERETTA SUICIDE Sala Copérnico, Madrid

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Hace unos años se extendió el rumor de que Misfits estaban arrastrando por los suelos su propia leyenda al hacerse una gira en la que el único miembro original que quedaba, Jerry Only, asumía las labores vocales. Todos los que estuvieron constataron que el show era más una pantomima nostálgica sacacuartos que un concierto de punk en toda regla. Obviamente esto no favoreció para nada la imagen de una banda que había sabido volver con dignidad cuando lanzaron ‘American Psycho’ (aún me pregunto ¿por qué se deshicieron de Michael Graves?) y que por aquello de llevarse un poco de pasta estaba poniendo en peligro toda la reputación de banda de culto ganada por los discos que hicieron con Glenn Danzig. Con el musculados ex-vocalista obcecado en no volver al seno de su primera banda se hacía tremendamente prescindible esta gira... a priori porque después, una vez fuera de la Copérnico al terminar el show, la verdad es que había reacciones para todos los gustos. Hasta llegar a ellas sin embargo hablaremos de las dos bandas que tenían que calentar el ambiente.

Desde UK y oliendo a Stooges venían Beretta Suicide, una jovencísima banda que tenía que vérselas con el poco escenario que les habían dejado disponible (el montaje de la batería de Robbo ocupaba casi todo el espacio). Empezaron flojos y no terminaron de meterse en el

concierto quizás porque la gente estaba ansiosa porque saliesen los cabezas de cartel. Tras estos salía el trío Juicehead, más mayorcito y con muchas más tablas, sabiendo sortear los iniciales problemas de sonido. Si Misfits iban a poner la oscuridad de la noche Juicehead ponían el punto más graciosete con un Rob Vannice (guitarra y voz) que no paraba de gesticular intentando convencer a un público muy duro que veían en ellos a una banda demasiado lights.

Con el escenario despejado y con todos las parafernalias montadas (pies de micro con esqueletos, la batería en una especie de torreón) salían Jerry Only (bajo y voz), Dez Cadena (guitarra) y Robbo (batería) o, lo que viene siendo lo mismo, los Misfits del 2012. Pese a que la predisposición a que aquello fuese una caricatura más que otra cosa era evidente la verdad es que defendieron muy bien el repertorio, sobre todo un Only al que se le ve mejor con las voces.

Sin cortes entre los temas se despacharon una buena ristra de clásicos de todas las épocas teniendo un mayor impacto temas como “Static Age”, “Teenagers For Mars” , “Attitude”, “We are 138” o “Die, Die My Darling”, con la que cerraron el show después de más de cincuenta temas. Lo que sí que fue un poco incomprensible fue que no se decantaran por meter “Last Caress”. Es una chorrada (sobre todo después de un show tan decente) pero más de uno se fue decepcionado por ello. Aún así, quitando eso, sí que se puede decir que ahora mismo están para girar porque al menos hacen algo decente. Lo último que les falta es hacer que Dez Cadena no parezca un gato de escayola pero eso ya es otra peli.

TEXTO Y FOTOS: CARLOS MEDRANO

HARDCORE DIVISION FEST VIOLENT EVE + CLOCKWORK

+ VENDETTA + OVERDRY + SOMA’S CURE + AS MY WORLD BURNS

Sala Caracol, Madrid Hacer un festival fuera de lo que viene siendo habitual (el veranito y el buen tiempo) y en una sala es un riesgo que tienes que asumir. Meter a la gente en una Caracol a las 18:00 es súmamente complicado si en el cartel hay seis bandas y sabes que no vas a salir de allí hasta bien tarde. Quizás por eso cuando llegó el momento de la apertura no había mucha cola para entrar lo cual les jugó en contra a As My World Burns, una de las sorpresas de la velada. Los madrileños arrancaron con fuerza y pese al aspecto desangelado que mostraba la sala (algo que se mantuvo hasta el final) le echaron muchas agallas siendo Raúl López a las voces quien se echa sobre las espaldas casi todo el peso escénico. Quizás adolezcan un poco de haber visto demasiados vídeos de A Day To Remember pero en cuanto terminen de desarrollar toda su personalidad esta banda estará jugando en las ligas grandes.

Tras As My World Burns saltaban al escenario otros prometedores Soma’s Cure a los que, a mi gusto, les sobran los tonos más guturales de Txema Fonz. El vocalista que demuestra que se sabe mover con facilidad en distintos registros de manera sobresaliente (eso nadie se lo discute) apoyándose a la perfección en los endiablados riffs de Álvaro Longerala y Borja Iglesias pero es cuando se pone a cantar a lo Chris Barnes de Six Feet under cuando queda todo desdibujado.

Es un intento de originalidad indiscutible pero quizás deberían explorar más los otros tonos porque es ahí donde la banda puede moverse más ágilmente (es mi opinión, claro).

Del Metalcore mezclado con Death pasábamos al Metal a secas de Overdry, ban-

da de Jerez de la Frontera que son una auténtica apisonadora. La sola silueta de su vocalista, A. Díaz, acojona cuando se posiciona sobre el escenario pero es que luego encima su repertorio, confeccionado casi íntegramente por ‘El Último Camino’, es igual de apabullante. Si tuviese que buscar una comparación rápida diría que Overdry me recordaban a los Ktulu del ‘Confrontación’. Ojito a esta banda.

Ojo también a los murcianos Vendetta. Si unos son el músculo éstos son el nervio.

De todo el festival quizás la única propuesta Hardcore (versionear a Madball y Proudz fue toda una declaración de intenciones) porque los siguientes en salir, Clockwork, también se decantaban por algo más metalero, más machacón.

Con un ambiente más caldeado salían Rown Houland (ex-Infernoise) y Javi García (ex-S.A.) los cabezas visibles de la formación para presentar su EP, ‘Dawn Of a New Breed’, para tocarse un tema de At The Gates y dejar una sensación placentera en el público que sudó la gota gorda con ellos. De hecho se produjo una ligera estampida en cuanto éstos terminaron su repertorio quedándose Violent Eve, los cabezas de cartel, con la sala un poco más vacía de lo que se podía esperar. Aún así salieron también enchufadísimos a presentar ‘Eleven Reasons To Kill’. Más que a presentar lo que salieron fue a rematar la gira de presentación de disco puesto que ya se han puesto manos a la obra con el siguiente. Aún así, sí que centraron el repertorio en esta cañerísima obra la cual recomendamos encarecidamente.

Varias horas después de la apertura de puertas la gente salía de la sala empapada en sudor y con moratones de diversa consideración después de varias horas seguidas de Metal. La única pregunta que rondaba las cabezas de algunos era que si el festival se llamaba Hardcore Division... ¿dónde había estado el Hardcore en realidad? Tonterías que se le ocurren a uno cuando va camino de casa.

TEXTO: CARLOS MEDRANO FOTOS: JAVIER BRAGADO

As My World Burns

Clockwork

SANGRE JOVEN Violent Eve

Soma’s Cure

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L TENPEL

LIVE SHOTS

Artistas Invitados: SHINOVA Sala El Sol, Madrid

Son muchos años detrás (11 casi) a sus espaldas, aunque pocos lanzamientos.

Si nos dejamos llevar por las bios efectivamente Tenpel sólo tienen dos discos pero cuando los ves en directo sabes que estos tíos llevan muchas batallas aunque quizás, lo mejor, sea las que les quedan todavía por venir. Hasta que eso llegue querían los madrileños terminar un ciclo, el de ‘La Sangre de Pegaso’, disco en donde se han desarrollado todavía más como músicos y han sabido hacer que el público se acercase sin complejos a una música que, de por sí, no es fácil de entender. No es sencilo acercarse a un ‘Areté Despierta’ porque no es un álbum de usar y tirar sino de muchas escuchas pero cuando lo tienes lo disfrutas y lo mismo sucede con ese ‘Pegaso’ aunque éste entrase más a la primera.

Además se cumplían 10 años desde que la banda lanzó su primer EP y por eso daba la sensación de que el concierto de la sala El Sol tenía pinta de fin de ciclo o, al menos, tenía un carácter especial.

Antes de que salieran Tenpel se encargaron de romper el hielo Shinova quienes pese a marcarse un show correcto no lograron que la gente se impacientara por-

FIN DE CICLO

que saliera la banda que realmente habían ido a ver. Y así aparecieron, sin mayores aspavientos salía Raúl Fernández con una Gibson SG de dos mástiles para empezar con “Kamalah”. De ahí en adelante un severo repaso a su discografía cayendo “Monótona Languidez”, “Amanecer en la

Nave”, “Redimelancolía”, “Trastévere”, el nuevo “Contigo Sí”, “Sin Condiciones” o “Pegaso”, la cual marcó el final de su set, dejándonos durante todo el show la sensación de que, a día de hoy, Juan A. Soler (Aka Kantz) es uno de los mejores vocalistas de Rock que nos podemos

TEMPERAMENTO EN ESTADO PURO

encontar sobre un escenario. Proyecta una serenidad y es tal su rango vocal que es imposible no quedarte perplejo escuchando cómo de su garganta salen esas enrevesadas melodías.

Sin duda una noche memorable.

TEXTO Y FOTOS: ROBERTO VILLANDIEGO

GUANO APES Sala Arena, Madrid

PAIN OF SALVATION Artistas Invitados: CRYPTEX Sala Caracol, Madrid

Había muchas ganas de ver a Pain of Salvation. No se prodigan mucho por estas tierras así que la visita de Daniel Gildenlöw (guitarra y voz) y los suyos levantó mucha expectación tal y como mostraba la sala cuando los suecos saltasen al escenario.

Con un buen ambiente también se encontraron Cryptex, banda encargada de abrir la velada, y que con su Hard Rock con tintes heavys y celtas digamos que hizo pasar el rato a los presentes. Lo decimos así porque la propuesta de los alemanes es más graciosa que original, con un Simon Moskon que lo mismo tocaba el piano, que se colgaba el bajo, que cantaba como Plant o que directamente bromeaba con la gente pero al que le faltan detrás canciones más contundentes, más elaboradas. Con todo el escenario despejado salían POS para ofrecer un show que, todo sea dicho, fue de más a menos. Empezaron tremendamente bien con “Softly She Cries” y “Ashes”, dejándonos perplejos Daniel con su forma de acariciar la guitarra y con una de esas voces llenas de personalidad. No menos sorprendidos nos dejaba el joven guitarra Ragnar Solberg quien, no sólo toca la guitarra, sino que le hacía las réplicas agudas a Gildenlöw con unos tonos que te dejaban alucinado. Lo malo fue que después de un inicio trepidante la banda se metía en su repertorio más progresivo, más técnico y ahí los menos amantes del virtuosismo empezaron a aburrirse. El final lento de “Sister” después de la también densa “The Physics of Gidlock” deslució bastante un concierto que había sido vibrante y eufórico hasta ese momento.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTOS: JAVIER BRAGADO

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Cryptex

Después de unos cuantos años separados (cuatro) volvían los alemanes Guano Apes a juntarse para dar algunos shows.

A raíz de ellos volvió a saltar la chispa y crearon su última referencia, ‘Bel Air’, la cual les servía para volver a visitarnos después de todos estos años de sequía.

El sitio elegido para su visita, la sala Arena, mostraba un aspecto de gala, de cita grande, para demostrarle a los alemanes que aún están en el recuerdo colectivo (y en el actual) de muchísima gente. Estos arrancaron con “Quietly”, aquel single de ‘Walking On a Thin Line’, con una Sandra Nasic igual de agresiva y de arrogante (en el buen sentido).

Continuaron ésta con otro single, esta vez de su nuevo trabajo. “Oh What A Night” servía de hilo conductor perfecto y no desentonaba ni con la de apertura ni con “You Can’t Stop Me”, la siguiente en caer, ni con “Open Your Eyes”, dos clasicazos que pusieron a la sala a punto de bullir.

Sin embargo, en vez de aprovechar esa intensidad se metieron de lleno en ‘Bel Air’ tocándose temas a diestro y siniestro y bien por desconocimiento o bien porque van en otro palo, el concierto cayó muchísimos enteros. Aquello en vez de un concierto de Rock Alternativo se convertía en un show raro de música blandita y discotequera. Tal buen la sensación de aburrimiento que hasta el final con “Big In Japan” y “Lords Of The Boards” (sigue siendo temazo, por cierto) levantó un show que se olvidará en cuanto vuelvan y se replanteen que lo que quiere la gente son más clásicos y algo más de caña.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTOS: JAVIER BRAGADO

e n o l A s k l a W She and Proud TARJA Artistas Invitados:

BENIGHTED SOUL + HANNIBAL Sala Arena, Madrid La diva de divas Tarja Turunen se presentaba en Madrid el pasado dieciocho de Febrero para presentarnos su segundo disco de estudio `What Lies Beneath´, el cual ha supuesto todo un paso adelante en cuanto a captación de nuevos y fidelización de viejos fans se refiere, prueba de ello era la enorme cola de gente que se extendía a lo largo de la calle Princesa y que no dejaba de aumentar medida que pasaban los minutos.

Las puertas se abrieron con bastante retraso, a las ocho menos veinticinco concretamente. Cuando por fin pude acceder al interior de la sala ya se encontraba tocando la primera banda de la noche, los griegos Hannibal. Aunque son todavía desconocidos en nuestro país llevan en esto desde dos mil tres, y parece que las cosas les han ido bien. Ya con su disco debut de dos mil seis consiguieron compartir escenario con bandas como Scorpions, Nightwish, Nevermore, Annhilator o Edguy. Practican un Rock gótico en la

onda de Pain pero con toques progresivos que me que recuerda a grupos como Pagan´s Mind o Circus Maximus, sobre todo por los coros del teclista Herc que hacía las voces agudas asemejándose mucho a Nils K. Rue y a Michael Eriksen.

Uno de los temas que más me impactaron fue “My God” de su reciente `Cyberia´ por su gran musicalidad y gancho comercial que puso a botar a todo el respetable.

Nos agradecieron la buena acogida que les estábamos dando en nuestro país y nos dijeron que éramos “great and polite people”. Para despedirse eligieron una canción que como nos comentó el propio Hannibal no es ni castellano ni inglés, es otra cosa muy distinta que seguro estaba cantaríamos todos, se trataba de una versión del “Du Hast” de Rammstein que el público celebró notablemente.

Pocos minutos después saltaron sobre el escenario los franceses Benighted Soul.

Practican metal sinfónico con vocalista femenina en la onda de Nemesea o Delain, de hecho la voz de Geraldine Gadaut me recordaba por momentos a Charlotte Wessels en cuanto a color y melodiosidad. Al igual que sus predecesores también incluyen elementos progresivos en sus composiciones, complejos riffs y grandes orquestaciones. La historia del grupo se remonta a dos mil cuatro, aun-

que este es su primer disco oficial, ya que sus lanzamientos anteriores se limitan a tres demos y un EP. Me gustó mucho la actitud de la banda, muy entregados con el público y dando señales de estar pasándoselo en grande. Me causaron muy buena impresión los guturales del bajista Jean Gabriel Bocciarelli y los originales punteos de Jeremie Heyms que en contra de lo habitual utiliza las cuerdas graves de la guitarra para solear.

Nos comentaron que era su primer tour por España y que estaban encantados, desde luego la recepción que tuvieron no pudo ser mejor y encima con la sala llena hasta la bandera. El set list se centró en su debut `Start From Scratch´ y algunos de los temas que interpretaron fueron “Broken Icons”, “My so Called Friend” y mi favorita “Edge of Insanity”, primer single del disco de la cual han grabado un video clip muy interesante.

Y llegó la hora de ver a la gran Tarja Turunen. Cuando las primeras notas de “Anternoon of Death” comenzaron a sonar el público estalló en un grito de júbilo mientras uno a uno los excelentes músicos que acompañan a la cantante finlandesa iban tomando posiciones en el escenario.

Me sorprendió mucho lo bien que afinan los coros tanto el guitarrisa Alex Scholpp (ex Farmer Boys) como Kevin Chown (ex

Tony Macalpine) que emularon con gran solvencia las complejas voces de apoyo de la parte central de la canción que en estudio grabaron los alemanes Van Canto. “Buenas noches Madrid, muchas gracias por venir, que ganas tenía de estar de nuevo acá” nos comentaba la cantante que cada vez habla mejor nuestro idioma, eso sí con acento porteño por influencia de su marido, el empresario argentino Marcelo Cabuli. Continuaron con “Lost Norther Star” de su disco “My Winter Storm” y “Falling Awake”, una de las mejores canciones de Tarja sin duda alguna y donde se lució de lo lindo Alex Scholpp emulando casi a la perfección el fantástico solo de guitarra que Joe Satriani grabó en el disco. El gran temazo del disco anterior llegó pronto “I Walk Alone” fue la siguiente en caer y aquí pudimos ver a una Tarja muy emocionada que nos invitaba a cantar el estribillo, y es que es evidente la carga emocional que este tema tiene para la vocalista de Kitee. Tras “Dark Star” donde Alex tuvo que emular los guturales de Philip Labonte llego el momento del solo de batería del señor Terrana que desembocó en el tema “Little Lies” tras la que nos presentó una canción de su nuevo disco en exclusiva: “Into the Sun”, una bonita balada que seguramente sea el primer single de su próximo trabajo.

La versión que se marcó en su `What Lies Ahead´ de Whitesnake “Still of the Night” también tuvo su representación en directo, fue muy bien acogida por el público y el chelista Max Lilja se lució de lo lindo en la parte central donde clavó nota a nota las cuerdas que se escucha en la parte central de la canción que en su día compusieron David Coverdale y John Sykes.

Posteriormente los músicos se sentaron para deleitarnos con un pequeño set acústico en el que incluyeron “Rivers of Lust”, “Minor Heaven”, “Montañas de Silencio” y “Sing for Me” donde Tarja se atrevió a tocar unos acordes con el teclado con los consiguientes aplausos y vítores por parte de los fans que estaban totalmente entregados.

Después de “I feel Inmortal” llegó el momentazo de la noche, nada menos que “Bless the Child” tema que inevitablemente me produjo cierta nostalgia y a la vez alegría de poder escucharla con la voz original, todo un regalo para nuestros oídos.

El concierto llegó a su punto y seguido con “In For a Kill” ya que poco después salieron para ofrecernos otra sorpresa que nadie se esperaba “Where were you Last Night”, versión de Anki Bagger que Nightwish grabaron como cara B del single “I Wish I Had an Angel” y que intercalaron con “Heaven is a Place on Earth” de Belinda Carlisle y que remataron con un fragmento de “Living on a Prayer”. El concierto llego a su final definitivo con “Die Alive” y “Until my Last Breath” tras las cuales Tarja se quedó varios minutos saludando al público, dando las gracias y despidiéndose.

Desde luego es innegable el carisma que tiene esta mujer y las pasiones que despierta entre los fans, su carrera en solitario va viento en popa y muy posiblemente dentro de poco consiga congregar el mismo número de fans por concierto que sus ex compañeros. Tarja camina sola y con paso firme.

TEXTO: JOSE MANUEL TORRES FOTOS: JAVIER BRAGADO

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LIVE SHOTS

James LaBrie y John Petrucci (Dream Theater)

DESPERTAR REPENTINO

DREAM THEATER Artistas Invitados: PERIPHERY Sant Jordi Club, BCN La última ocasión en que Dream Theater visitaron Barcelona lo hicieron en un muy desértico Palau Olimpic de Badalona, con apenas 3000 personas en un recinto para un aforo de 6.000 en aquel caso. Parecía que, tras “Black Clouds and Silver Linings”, el teatro de los sueños necesitaba un café para reactivarse o un Lorazepán para dormirse del todo. No tardaría en llegar el remedio. En cuestión de un año, una hecatombe impredecible por el fan medio se llevaría por delante a la configuración de la banda que todos conocíamos, donde Mike Portnoy era el portavoz y principal líder del grupo. El tipo decidió que necesitaba un descanso prolongado de la banda y nuevos retos, por lo que procedió a grabar un disco con Avenged Sevenfold y realizar la gira posterior. El resultado final todos lo sabemos: Portnoy fuera de Avenged Sevenfold en cuestión

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de siete meses, Portnoy implorándole el retorno a Petrucci y cia. y estos ignorándole de pies a cabeza y manteniéndose en sus trece con un nuevo e impresionante baterista como es Mike Mangini, una de las pocas personas del universo capaces de hacerle sombra a Portnoy. ¿Ha merecido la pena todo el caos, comunicados de prensa, entrevistas resentidas y movimiento público de detritus? La realidad es que si. A día de hoy, Dream Theater son una banda más excitante en directo de lo que jamás habían sido en sus últimas giras con Mike Portnoy, aunque ello haya implicado perder el componente “sorpresa” con el que jugaron durante gran parte de su carrera, como era la variedad en los set-lists. Pocas canciones cambian de una noche a otra en los directos de la banda ahora, pero a cambio podemos ver a una banda muy motivada, que funciona como si de una operación militar se tratase. Hasta James LaBrie se ha vuelto un tipo animado y con presencia imponente sobre el escenario. Por Dios, si hasta John Myung ha demostrado no ser un

androide en los últimos tiempos! ¿Qué es lo siguiente? ¿Qué Jordan Rudess se deje greñas de nuevo?

El concierto de Barcelona comenzó con un simpático film de dibujos animados que representaba a los miembros de la banda haciendo no se sabe muy bien el qué, pero el asunto era que a John Myung lo dibujaban de chino mandarín y eso siempre hace gracia. Con la misma energía que en su show del Sonisphere –aunque con el doble de tiempo en escena- la banda salió a las tablas muy decidida, con John Petrucci llevando desde la derecha del escenario el mando efectivo de la actuación. No obstante, el renacimiento vocal y escénico de LaBrie hace que los roles queden mejor repartidos que antes. Pensé que nunca lo diría, pero estos tipos se han vuelto una banda dinámica sobre el escenario. Vale, no son Suicidal Tendencies, pero han conseguido que les quiten los clavos de los pies y lo demuestran desde el minuto uno de “Bridges in the Sky”.

No muy sorpresivamente –siempre han

sido una banda muy confiada en sus obras recientes- la mayor parte del setlist circuló en torno a su nuevo disco, “A Dramatic Turn of Events”. De ahí sonaron “Build me up, Break Me Down”, la extensa “Outcry”, “Far From Heaven”, la ya conocida “On The Backs From Angels” y “Breaking All Illusions”. Todo ello debidamente compensado con habituales como “As I Am” (que cerró la noche), “The Spirit Carries On” (infaltable, como es obvio) y elecciones menos obvias como “The Test That Stumped Them All” del “Six Degrees of Inner Turbulence”. Una noche de metal progresivo menos aburrida que en el pasado, con una banda que ha recuperado su identidad y sus ganas de conquistar audiencias. Y oiga, el solo de Mike Mangini fue hasta entretenido. Poca gente fue a miccionar en ese momento, como es costumbre habitual desde que el mundo es mundo.

TEXTO: SERGI RAMOS FOTO: JAVIER BRAGADO

RESCATANDO

IMPRESCINDIBLES

Texto

SERGI RAMOS

NIGHTWISH Once Nuclear Blast (2004)

Es 20 de marzo, son las doce del mediodía, hora finesa y en un lúgubre bar del centro de Helsinki hacen acto de aparición cuatro tipos de larga melena (bueno, tres más uno con badana). Les recibe un número indeterminado de periodistas, todos ellos venidos de distintos puntos de Europa para estar en ese bar durante una hora y media, aunque para ello se van a pegar tres días de puro invierno escandinavo al norte del norte de Europa. No suena mal. El disco, digo. Porque a fin de cuentas, esos cuatro tipos son integrantes de una banda popularmente conocida como NIGHTWISH y se encuentran en ese bar para observar desde la distancia las reacciones de todos esos juntaletras ante sus nuevas canciones, las cuales han pasado meses componiendo, orquestando, grabando y mezclando. Nadie lo sabe en ese momento, pero es el punto de inflexión definitivo en la carrera de NIGHTWISH. Las canciones se suceden, en lo que se especifica que es una versión no final del disco. Una mezcla que no es la definitiva, vamos. Al afamado Mikko Karmila aún le

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quedaba por dar un par de vueltas a la pistas del disco, antes de que Mikka Jussila, su compañero de batallas inseparable de aquel entonces, realizara el mastering final del disco. En una primera escucha, lo más obvio es que el sonido de NIGHTWISH es mucho más abierto, más liso y más suave al oído, sin que ello implique perder sus tonalidades más duras. Pero las orquestaciones que saltan de los altavoces desde el principio de “Dark Chest of Wonders” demuestran que la banda ha ido a desarrollar su lado más pegadizo. Las guitarras de Emppu Vuorinen denotan que el grupo ha optado por acercarse a las corrientes musicales del momento, buscando riff duros y de afinación más baja en muchas ocasiones. Y ese ataque grave y duro contrasta a la perfección con la limpieza de las orquestaciones. NIGHTWISH atacan al intestino grueso y al lóbulo temporal derecho a la vez. En medio del ataque dual, la voz de Tarja Turunen es un dardo que ataca el corazón sin miramientos. Son los NIGHTWISH más mortíferos hasta la fecha, una evolución de la banda que se intuyó en “Century Child” un par de años

atrás. Curiosamente, Turunen no se encuentra en el bar ni aparecería en todo el fin de semana de actos promocionales. Curioso, para tratarse de la frontwoman de la banda en el momento más crucial de su carrera. “Once” debe encumbrar a la banda o hundirla de por vida. Su apuesta por un sonido renovado es firme, pero falta que los elementos estén de su parte.

PROBLEMAS EN EL PARAÍSO

Fast forward ocho años después y está claro que los elementos estuvieron de parte de NIGHTWISH, aunque no del todo. Hizo sol el día de la boda, pero el convite posterior quedó arruinado por la lluvia, aunque al día siguiente volvería a salir el sol. La etapa de “Once” fue la más emocionante para la banda, consiguiendo vender un millón de copias globales de un disco de metal sinfónico y logrando una gira tremendamente exitosa que vería como la banda pasaba de tocar salas a pabellones de deportes en muchas ciudades de Europa. Pero los conflictos entre el núcleo compositivo de la banda (formado por

el teclista y principal artífice musical del grupo, Tuomas Holopainen, el bajista y vocalista Marco Hietala; el baterista Jukka Nevalainen y el guitarrista Emppu Vuorinen) y su operática vocalista, Tarja Turunen estaban llevando al límite la paciencia de todos los involucrados.

“En diciembre de 2004, estuvimos negociando para un show en Polonia junto a IRON MAIDEN” explica Jukka en la biografía oficial de la banda, “Once Upon a Nightwish”, escrita por Mappe Olilla. “La oferta era financieramente razonable teniendo en cuenta que éramos la banda telonera, pero, como siempre Marcelo (Cabuli, marido de Tarja y manager personal de la vocalista) pidió más dinero y se negó a confirmar el show.”

“Tuvimos una conversación crítica con Tarja nuevamente y le preguntamos porque ella y Marcelo no aceptaban las ofertas para hacer los shows, sino que siempre exigían que la oferta fuera superior. Le dimos un par de ejemplos y le pedimos que nos dijera que es lo que suponía un obstáculo para hacer el concierto con IRON MAIDEN (…). Entonces Tarja nos dijo ‘¿qué concierto de IRON MAIDEN?’. Nuestros managers y Marcelo habían negociado todo el asunto y Marcelo anunció que no se haría salvo que se aumentara la oferta económica. Pero, mientras tanto, Tarja no tenía ni idea de las negociaciones. Ese es un buen ejemplo del hueco que había en el intercambio de información”.

El ejemplo es valido si se extrapola a más de un año atrás, cuando a finales de 2003, NIGHTWISH se vieron liberados de sus obligaciones contractuales con los sellos Drakkar Entertainment en Alemania, Spinefarm en Finlandia y Century Media en Estados Unidos. Dado el “momentum” que la banda había conseguido con sus discos y lanzamientos anteriores, los sellos discográficos estaban dispuestos a batallar por ofrecer la mejor oferta para hacerse con el fichaje de la banda. “Los sellos grandes fueron rápidos a la hora de prometer la luna y las estrellas” explicó Tuomas en una entrevista con la revista finesa Soundi. “Querían que firmáramos un contrato de cuatro discos -lo que en nuestro caso significa unos diez años – y en diez años el grupo podría haber sido destruido física y mentalmente varias veces”. Un año antes, en el 2003, una banda americana llamada EVANESCENCE había logrado vender más de trece millones de copias de su disco “Fallen”. Ahora todo el mundo quería su propia versión de EVANESCENCE, pero eso no es lo que eran NIGHTWISH. Ni lo que estaban dispuestos a ser. “Enviamos algunas demos para ver el interés” recuerda Tuomas en la biografía de la banda “y comenzaron a enviarnos preguntas sobre como cambiar tal parte de la canción o sobre qué temática iba a seguir la letra”.

Al final la banda firmó por el sello metalero alemán Nuclear Blast y allí siguen desde entonces, incluyendo una renovación reciente para la edición de su último trabajo, “Storytime”. “Al principio de su carrera cometimos el error de no ficharlos” explica el jefe internacional de la discográfica, Holger Tiefenbach. “Decidimos organizar un presupuesto ilimitado de marketing y promoción y no nos cortamos a la hora de anunciarlos por todas partes” explica en referencia a la salida de “Once” al mercado. A fin de cuentas “Once” fue el disco más caro de la historia del rock en Finlandia. Dado que la banda estaba sin discográfica durante su confección, lo pagaron todo de su bolsillo, un total de 250.000 euros aproximadamente.

BARROCA VARIEDAD

Las canciones de “Once” salieron, como suele pasar en NIGHTWISH, de una visión de Tuomas Holopainen.

“Aunque él intenta explicarnos lo que escucha en su cabeza, no podemos imaginarnos como sonará la canción al final” explica el batería Jukka en la biografía de la banda. “Cuando escuchamos las canciones por primera vez, pensé que no había ni un solo éxito en el disco. Ni ‘Nemo’ me capturó al principio. Pensé que ‘Wish I Had an Angel’ debería haber sido el primer single’ asegura. Marco

Hietala comparte opinión. “Estaba muy escéptico cuando escuché la versión demo de ‘Dark Chest of Wonders’ y no entendí la canción hasta que escuché la versión final.

El productor Tero Kinnunen sudó la gota gorda trabajando en el disco. “Yo odiaba ‘Dark Chest of Wonders’ y sugerí que la dejaran fuera (…) ya que sonaba muy desordenada. Pero una vez estuvo grabada sonaba tan bien que vi que tenía que abrir el disco”. Canciones como “Nemo” sufrieron alteraciones enormes desde sus concepciones iniciales hasta las versiones finales que todo el mundo ha terminado conociendo. Al principio, las partes vocales seguían la melodía de piano pero la canción sonaba horrible. La banda trabajó largas horas sobre la canción pero nada parecía funcionar. Al final, la canción fue alisada, quitando el doble bombo, mejorando uno de los estribillos y evitando el rap central de Marco Hietala.

Y, voilá. Era un hit. “Mezclé la demo extasiado” explica Tero.

Una de las partes eliminadas de “Nemo” dio lugar a “Romanticide”, que sin ser la mejor canción del disco, es una de las más duras. Según la banda, usa los riffs que sobraron de varias canciones y es un poco de relleno. No obstante, en la primera escucha del disco, la canción que más saltaba a por tu atención era, sin duda, “Wish I had an Angel”. Pese a que se ha especulado sobre la posibilidad de que la letra fuera una expresión de unos supuestos sentimientos de Tuomas hacia Tarja (si creemos que éste fue el origen del conflicto que terminó rompiendo la relación entre grupo y vocalista), la realidad es que el tema habla sobre una situación que Holopainen vivió con su novia en un bar finés. “Todo el mundo intentaba ligársela, incluso gente, amigos, que sabían que estábamos saliendo y esa frase, ‘ojalá tuviera un ángel’ me vino a la cabeza. En realidad, es la canción más normal, redneck y camionera que he compuesto jamás”.

El disco contenía dos sorpresas compositivas mayúsculas. La primera, “Ghost Love Score”, es una pieza de diez minutos con un amplio intermedio instrumental que el grupo se atrevió a tocar en directo durante la gira subsiguiente. Las orquestaciones de la London Philarmonic Orchestra brillan con más fuerza que en ningún otro tema, igual que la variedad de registros de Tarja. La magia del arreglista orquestal Pip Williams sirvió para hacer realidad el sueño de Tuomas, quien no puedo evitar las lágrimas cuando escuchó a la orquesta tocar sus piezas en Londres por primera vez durante el proceso de grabación del disco. No en vano, la orquesta había sido la misma que grabó la banda sonora de “El Señor de los Anillos”. “En muchas ocasiones, los músicos de la orquesta venían a la sala de control después de tocar a escuchar como había quedado” explica Tuomas. “Según me contó Pip, no suele estar tan interesados. Ellos hacen su trabajo y se marchan, pero en ésta ocasión se preocuparon de escuchar como había quedado todo”. Los músicos de la orquesta rara vez se levantan a aplaudir tras una sesión con un artista de rock o pop. “Pero estas eran canciones a menudo tan intrincadas y exigentes como cualquier pieza clásica, no eran tres acordes sobre un ritmo 4/4” explica Pip. La otra sorpresa era “Creek’s Mary Blood”, una canción para la que contaron con la colaboración del músico nativo americano John Two Hawks. Pese a que Tuomas estuvo pidien-

do información sobre músicos nativos a la embajada americana en Finlandia fue finalmente él mismo quien encontró a Two-Hawks a través de Google y quien contactó con él. El músico encontró interesante la demo que Tuomas le mandó y se comprometió a aparecer en el disco. “Le invité a Finlandia” explica Tuomas. “Tradujo del ingles al Lakota el texto de la canción y a principios de marzo de 2004 le trajimos a nuestro país para grabar durante cinco días. La sesión de estudio duró tres o cuatro horas y el resto del tiempo lo pasamos conectando entre nosotros y comiendo salsa de cerdo tradicional finesa”.

En uno de esos momentos de comunión, John realizó un ritual shamanistico y le dio un nombre indio a Tuomas, con quien sentía una gran conexión musical. “Quemó incienso y cantó” cuenta Tuomas. “Y me bautizó como ‘lobo de las sombras’. En la tradición Lakota, el lobo es un profesor que vive en las sombras y aparece ante la luz en ocasiones para guiar y enseñar a otros seres a través de su arte”.

El disco lo completaban grandes canciones como “Higher Than Hope”, donde Tuomas hace un homenaje a un fan americano fallecido meses atrás a quien había conocido personalmente, “Kuolema Tekee Taiteilijan”, cantando íntegramente en finés, “Dead Gardens”, la popular “Planet Hell” y la genial “The Siren”, que fue el último single del disco.

EL FIN DE UNA ERA

Tras el lanzamiento del disco, la banda se embarcó en una ambiciosa gira de un año y medio donde terminaron de salir todas las diferencias existentes entre Tarja, la banda, el marido de Tarja, sus managers y demás implicados. La gira terminó con un impresionante concierto en el Hartwall Arena de Helsinki ante 11.000 personas, reflejado en el DVD “End of an Era”. Tras el show, Tuomas entregó una carta a Tarja Turunen, a la vez que ésta se colgaba en formato de carta abierta en la web oficial de la banda. Era su despido.

EN VINILO

Ahora, ocho años después de la edición del disco, Nuclear Blast aprovecha el tirón de “Storytime” para poner en circulación una edición para coleccionistas de “Once” en formato vinilo doble de color blanco. El lanzamiento incluye los temas extra “Live to Tell The Tale” y “White Night Fantasy”. Se puede conseguir a través de la tienda online de Nuclear Blast (http://www.nuclearblast.de/ en/products/tontraeger/vinyl/2lp/nightwish-once-whitevinyl.html) junto con una versión en formato similar de su último disco de estudio.

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