Rme numero3 completo by Suffer Press

EDICIÓN BIMESTRAL

REVOLVER MAGAZINE SPAIN - Nº 3. PVP: 2,5€

ESPECIAL FESTIVALES INCUBUS, METALLICA, MOTLEY CRUE. SOUNDGARDEN, RED HOT CHILI PEPPERS, TWISTED SISTER, MOTORHEAD, MASTODON, EVANESCENCE... pag 30

4. BULLETIN 14. AGENDA 64. REVIEWS 69. CINE 75. VOCES DEL ROCK

IN THIS MOMENT 10. LISTENING SESSIONS: DORO, TESTAMENT, RULO Y HELL’S FIRE 16. GOOD RIDDANCE EN EL RESURRECTION 18. PROFILES: TASTERS, BLESSED BY A BROKEN HEART, K-OS, MORGORTH, DRAGONFORCE, MATT SKIBA AND THE SEKRETS, BARONESS, BOOBOLOGY 30. ESPECIAL FESTIVALES: SONISPHERE, SWEDEN ROCK, AZKENA ROCK FESTIVAL, ROCK IN RIO. 58. GAUNTLET 62. SERJ TANKIAN

70. EN EL BACKSTAGE CON BARRICADA 72. LAMB OF GOD 73. CANNIBAL CORPSE + AMON AMARTH

DIRECTORES: Roberto Villandiego, Sergi Ramos, Javier Bragado REDACCIÓN Coordinación: Roberto Villandiego (rober@sufferinc.com) Colaboradores: Varo Andrés, Jose Manuel Torres, Kristina Espina, Jordi Tàrrega, Luis Rey, Eduardo Palacios, Javier Félez, Jaume Bellini, Satur Romero, Carlos Medrano, Tesa Navarro, Fabio Riotto, ARTE Jefe de Fotografía: Javier Bragado Fotógrafos colaboradores: Rubén Navarro, Daniel Garrido, Kristina Espina. Diseño y maquetación: Roberto Villandiego

PUBLICIDAD: 91 304 12 24 ó 678 93 15 16 DIRECCIÓN POSTAL REDACCIÓN Hogar de Belén 5 28037 Madrid Teléfono: 91 304 12 24 redacción@sufferinc.com SUSCRIPCIONES Y CAMBIOS: redaccion@sufferinc.com IMPRIME: Gráficas Monterreina. Teléfono: 91 6213060 DISTRIBUYE: Logista S.L.. Teléfono: 91 665 76 66 Depósito Legal M-12496-2012. Agosto 2012 Impreso en España (Printed in Spain)

EDITA SUFFER PRESS S.L. Presidente: Roberto Villandiego Vicepresidente: Sergi Ramos Consejero: Javier Bragado REVOLVER MAGAZINE es una marca registrada perteneciente a: NEWBAY MEDIA LLC 1111 Bayhill Drive Suite 125 San Bruno, CA 94066

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BULLETIN Randy Blythe en su concierto en Riviera días antes de ser detenido. Foto: Javier Bragado

RANDY BLYTHE

detenido por homicidio

Sólo unos días después de visitar España, RANDY BLYTHE (vocalista de LAMB OF GOD) era detenido en la República checa acusado de homicidio. Los hechos sucedieron en el 2010 cuando un fan fue empujado desde el escenario sufriendo lesiones que le provocaron la muerte sólo unos días después. Aún por aclarar muchos aspectos del incidente, Blythe continuaba en prisión al cierre de esta edición. El pasado 28 de junio saltaba la noticia de que RANDY BLYTHE era detenido en la República Checa acusado de homicidio por unos sucesos acaecidos hacía dos años durante el concierto que LAMB OF GOD dieron en Praga. El vocalista era acusado de provocarle la muerte a un joven de 19 años que asistió al show y que moría dos días después por las supuestas lesiones que el vocalista le había infringido al subir el chaval al escenario. Con la banda guardando silencio al respecto, pronto comenzaron a salir vídeos de aquella actuación en la que se podía ver a Daniel Kosek (la supuesta víctima) subir al escenario y como tanto Randy Blythe como un miembro de seguridad 04

de la banda le empujaban para que se tirara sin apreciarse en él ningún tipo de agresión que pudiese provocar la muerte del chaval (http://www.youtube.com/ watch?v=zKEG6NNOX0I). Mientras internet no parada de hervir, con grupos creados en twitter para la liberación del vocalista, se sabía que este tenía que pasar otros diez días más entre rejas y depositar una fianza de 200.000 dólares para que le dejasen salir. Ésta se hizo pero sin embargo Randy no fue puesto en libertad. En ese momento la banda emitía su primer comunicado oficial ya con todos sus planes de gira completamente anulados. En esa misiva a sus fans se podía leer: ““En primer lugar, gracias a todos los

que han apoyado a Randy y cada uno de nosotros en esta terrible situación. Os estamos muy apreciados. Hemos estado manteniendo la cabeza hacia abajo y sin hablar debido a la naturaleza de la situación y a que incluso la información que vamos recibiendo nosotros iba cambiando de un día para otro. Dentro de una hora pueden haber dado un giro de 180º incluso. Es desesperante porque es como jugar a cara o cruz. Nos hemos tomado un tiempo para hablar con vosotros desde que esto comenzó porque desde el inicio nada ha sido claro y no porque tratásemos de ocultar nada. Ahora mismo estamos utilizando todos nuestros recursos para ayudar a nuestro hermano que

sigue detenido en una cárcel checa. En los dos años que han pasado desde el incidente, nadie jamás nos notificó nada ni teníamos noticias al respecto. Randy es nuestro hermano y os aseguramos que estamos con él, trabajando sin cesar para proporcionarle toda la asistencia posible. Lo mejor que podemos hacer es mantener una actitud positiva y seguir apoyando a nuestro amigo porque sabemos que es inocente y que la justicia prevalecerá”. Sólo unos días antes los de Virginia habían pasado por nuestro país (puedes leer una crónica en nuestra sección de Live Shots) así que nos acercamos a la Riviera para hablar con Fernando Tolosa, responsable de seguridad de la sala y es-

LOS MÚSICOS OPINAN "Que Randy esté en la cárcel por esto es algo totalmente equivocado". El de Dallas es uno de los músicos que mejor sabe lo trágico que puede ser no tener controlada a la gente que sube al escenario. En un concierto de DAMAGEPLAN un psicópata subió al escenario y cercenó la vida del gran DIMEBAG DARRELL (guitarra de Pantera y hermano de Vinnie). Aprovechando la salida del nuevo disco de HELLYEAH pedimos a VINNIE PAUL su opinión de lo que le está pasado Randy. Recientemente supimos que Randy Blythe de LAMB OF GOD está en una prisión de la República Checa acusado de haber cometido un homicidio al empujar a un fan fuera del escenario durante un concierto. Luego el fan tuvo una hemorragia cerebral a causa del golpe yperdió la vida semanas después. Tu has vivido una situación que cambió la percepción de la seguridad en los conciertos, puesto que un fan enajenado subió al escenario cuando DAMAGEPLAN estaban actuando y mató a tu hermano DimebagDarrell, entre otras personas. La situación te toca más de cerca que a nadie. ¿Qué opinión te merece lo que le está pasando a Randy, desde tu perspectiva? “Bien…honestamente, nunca sabes lo que ese fan o esa persona que ha subido a escena va a hacer. Cuando el tio subió al escenario y mató a mi hermano, no tuvo una actitud sospechosa. Caminó hacia él sin más, sin ninguna actitud sospechosa. Yo no tenía la menor idea sobre lo que iba a suceder un instante después. Le podría a pasar a cualquier persona. Es el deber de cualquier persona, de Randy, de la seguridad del recinto, de quien sea, sacar a esa persona del escenario, porque no tiene que estar ahí. No sabes si lleva un cuchillo, no sabes si lleva una bomba, no

cenario. No obstante, el heavy metal es unestilo cercano. Hay que ser cercano a tus fans. Nosotros seguimos siéndolo a día de hoy. Te daremos la mano, te saludaremos en el backstage pero si me empujas hacia ti o si me coges de la ropa puede que te empuje yo. No se porque me coges ni porque tiras de mi. Aprendimos de lo que le pasó a mi hermano que esto le puede pasar a cualquiera. Amamos a nuestros fans del mismo modo solo pedimos que nadie se suba al escenario”. ¿Llevas más seguridad a tu alrededor desde aquel momento? “Siempre es bueno tener a alguien que tenga un ojo puesto en tu entorno cuando estás de gira. Nunca sabes quien puede tener algún problema psicológico y querer acabar contigo. Es raro, tio. Ser un entertainer es una espada de doble filo. Tiene muchas cosas buenas, pero hay cosas que no lo son tanto. Cierto rapero de Estados Unidos del queahora no recuerdo el nombre…ahh…no me sale…bueno, el caso es que el tio se encontró a una stalker en dos ocasiones en su casa, dentro, y tuvo que llamar a la policía para que se la llevaran. El tio está ahí con sus hijos y una loca entra. Necesitas tener gente que te proteja y vigile

"Tras lo que le pasó a mi hermano, no me parece bien que la gente suba al escenario. No sabes si ese tio que ha subido tiene un tornillo suelto, si te quiere matar, quién es o cuáles son sus motivaciones para estar ahí. Hay que tomárselo como una amenaza, siempre”. sabes si solo quiere tocarte. Que Randy esté en la cárcel por esto es algo totalmente equivocado. Lo único que hizo fue cuidar de si mismo, protegerse. Después de lo que le pasó a mi hermano, no puedes culpar a alguien de protegerse ante una situación como esa. Todos nos sentimos mal porque ese fan muriera en el concierto pero ¿quién sabe si iba a hacerle algo a Randy?” Como sabes, el estilo que HELLYEAH o LAMB OF GOD practican es bastante brutal e incita tradicionalmente a que el público la líe y sea especialmente “físico” a la hora de disfrutar la música. Son tradicionales los moshpits, el stage diving, etc. Por tanto, siendo algo que va tan unido a la idiosincrasia del heavy metal ¿dónde marcas el límite? ¿Cuál es la línea roja que no se puede cruzar? “No te subas al escenario. Ni para stage diving ni nada por el estilo, no te subas. Después de todas las querellas que han sufrido las bandas por gente que se ha hecho daño tirándose desde el escenario, no puedes permitir que la gente se suba ahí. El body-surfing, el slam-dance y demás son cosas que el público hace entre sí. Son cosas divertidas y que no afectan al desarrollo de lo que sucede en el escenario. Además, la seguridad de los recintos suele tener el ojo puesto en lo que sucede entre la gente y no suele pasar nada. El motivo por el que hay vallas antipánico en el frontal del escenario es precisamente para que la gente no se suba al escenario, no son de adorno. En los viejos tiempos de PANTERA solía encantarnos que la gente subiera al escenario y tal. No había tantas querellas, no había tanto loco suelto, no había tantas cosas sucediendo como ahora. Pero tras lo que le pasó a mi hermano, no me parece bien que la gente suba al escenario. No sabes si ese tio que ha subido tiene un tornillo suelto, si te quiere matar, quién es o cuáles son sus motivaciones para estar ahí. Hay que tomárselo como una amenaza, siempre”. En estos siete años y medio que han pasado desde lo de Dimebag Darrell, las bandas han tomado medidas para contener mejor el flujo de fans que intentan saltarse las vallas, ya sea poniendo más seguridad o dando instrucciones más precisas a los que ejercenseguridad en los recintos de los conciertos. ¿Crees que se está llegando a exagerar en algunos casos o toda medida está justificada? “Todo está justificado. El problema es que, hasta lo de mi hermano, eso no había sucedido nunca. Si a Elton John le hubiera subido un fan loco al escenario y se lo hubiera cargado, toda la comunidad de la música habría tomado conciencia de los peligros que supone dejar subir a un fan al es-

pecialista en el control de masas eventos deportivos, conciertos y festivales básicamente. Como en el vídeo que estaba circulando se veía en cámara lenta que no había sido sólo Randy sino también un miembro de seguridad le queríamos saber cuál era el protocolo en caso de que pasase algo parecido. “El primer paso es intentar evitarlo. Antes de cada concierto tenemos una reunión con el jefe de seguridad del grupo o con el Tour Manager porque hay grupos más permisivos que otros. Hay artistas que lo permiten, como Iggy Pop que incluso fomenta que haya público que suba al escenario. Ellos son

básicamente los que deciden. A partir de ahí, y una vez que nosotros tenemos claras cuáles son las pautas a seguir, lo primero que tenemos que hacer es intentar evitar que nadie suba al escenario. Evidentemente nunca usamos la violencia. Yo llevo 23 años en este gremio y siempre he evitado la violencia. Hay muchas formas de reducir a una persona sin agredirla. Hay veces que, sobre todo en festivales, esa persona termina llegando al escenario y ahí lo normal es que sea el responsable de seguridad del grupo el que se haga cargo de esa persona. Nosotros a partir de ahí no hacemos nada.

por ti. Antes de que mataran a mi hermano, ya solíamos tener seguridad, solíamos tener un ojo puesto en nuestro alrededor por si acaso. Pero no había una amenaza definida. Ahora si que la hay”. ¿Has intentado hablar con Randy, su família o sus compañeros de LAMB OF GOD para ofrecer apoyo ante una situación que te es muy cercana? “La verdad es que Randy no ha podido hablar con nadie desde que está en la cárcel, ni con sus compañeros de banda ni con nadie. Está a expensas del sistema legal checo. Es desafortunado porque, hasta que se pruebe que es culpable, debería ser tratado como un inocente, que es como funcionan las cosas. Todo lo que está pasando está muy mal. He visto los videos, igual que todo el mundo, y creo que se ve claramente como no es Randy quien empuja por tercera vez al fan, sino que es un guardia de seguridad quien lo hace y lo lanza al público. No se qué decirte. Yo no estaba ahí, no lo vi y es una situación muy desafortunada para todos los involucrados. Esto es la vida de Randy, tocar música. Su banda no puede hacer nada ahora y se ganan la vida tocando música. No se cuantas fechas tenían cerradas pero ahora mismo no pueden hacer absolutamente nada”. Una fianza de 200.000 dólares ¿no es excesiva para un caso como el de Randy? “Es un montón de dinero. No se qué decirte. Es una situación muy mala. Cuando depositas tu fianza en Estados Unidos sales inmediatamente de prisión. Luego vas a juicio y se decide lo que se tenga que decidir, pero si depositas fianza, estás fuera, hasta que te prueben culpable. El no está teniendo ese trato y es una mierda”. TEXTO: SERGI RAMOS

Nosotros cuando interceptamos a alguien el protocolo es darle un primer aviso sacándole por el lateral del escenario para que vuelva al público. Hay gente que se va más pasada y puede ser reincidente. Si vemos que se puede convertir en realmente en un problema se le saca del recinto y solemos avisar a la policía o la delegación del gobierno para que se hagan cargo de él” nos responde Tolosa. En caso de que algo así pasase en nuestro país, posiblemente la responsabilidad recaería sobre la persona de seguridad la cual debe tener un seguro de responsabilidad civil, algo que quizás no sea ne-

cesario en la República Checa en donde quizás ahora estén viviendo lo que nosotros vivimos cuando la escena metalera empezaba a crecer en nuestro país. “No se ha dado el caso de que haya habido ningún accidentado en nuestro caso, pero sí que conozco otras empresas más antiguas, de cuando los conciertos eran mucho más violentos, en los que había personal de seguridad que tenía la mano bastante suelta. Es cierto que el público era también muy agresivo. Si te tiras todo un concierto recibiendo escupitajos, insultos, minis de cerveza o vidrios que la 05

BULLETIN "Súbete al escenario y tírate rápidamente, pero no molestes o probablemente seas empujado fuera" En los conciertos de ANGELUS APATRIDA se montan muy gordas. GUILLERMO IZQUIERDO nos da su opinión de lo pasado con Randy y cómo han visto ellos la situación en cuanto a seguridad de algunos países europeos. ¿Cómo te enteraste de la noticia del arresto de Randy Blythe? Estaba por la mañana temprano haciendo algunas cosas por internet, tomando un café y leyendo la prensa cuando empecé a ver algunos “tuits” extranjeros, hablaban del arresto de Randy Blythe en Praga por homicidio de una persona en la República Checa, dos años atrás. Estuve bastante atento a medios y artistas internacionales ya que era temprano en España y aquí la información se publicó varias horas después. Ya se sabe que hoy en día la información circula en internet como la pólvora… pero no siempre de manera fiable. De repente alguien puede extender un rumor sobre lo que pasó, y convertirse en noticia cuando dista mucho de la realidad. Como músico, cuando apenas había noticias contrastadas, ¿qué pensaste que podía haber ocurrido? Primero se decía que un microfonazo, luego un empujón, después ya salió a la luz que era la tercera vez que se subía, más tarde han ido saliendo vídeos… y a la gente le gusta hablar antes de tiempo. Sinceramente, lo primero que pensé, fue lo que expresé en Twitter y posteriormente en mi perfil de Facebook. Me parecía extremadamente extraño que un músico fuera capaz de agredir en público a una persona en mitad de un concierto, tal como algunos medios checos afirmaban, y que no hubiera rastro de vídeos o comentarios anteriores sobre eso. Creo que de haber sido cierto habría dado la vuelta al mundo en su momento y no fue así. Sinceramente, lo que pensé es que seguramente el chaval se habría subido al escenario, habría sido expulsado y a consecuencia de alguna mala caída, habría muerto días después. Sin duda es un accidente, y más después de ver el vídeo de cómo es

con otra banda con la que hemos girado. A menudo se habla sobre que la gente no se toma igual un concierto ahora que hace veinte años. Aún con todo, ¿piensas que hay algunas personas incontrolables y que no saben si van a un concierto o a armarla? Lo típico de “pagar justos por pecadores”. No creo que eso haya cambiado con el tiempo. Lo de ir a un concierto a armarla también creo que son cosas puntuales. Por norma general la gente va a los conciertos a pasárselo bien. Siempre hay algún gilipollas, pero es que en este país, lo que sobra son gilipollas. En esa situación de, hablando claro, alguien tocando las pelotas mientras estás haciendo tu trabajo, ¿qué harías (o qué has hecho)? ¿Entiendes que haya gente que termine empujando fuera del escenario a la gente, cuando en realidad, si se suben ahí, es para tirarse…? De hecho, en tu twitter lo pusiste claramente: si vas a hacer algo así, hazlo rápido y divertido y no jodas al grupo. ¿Alguna vez te han molestado demasiado en ese aspecto? Se nota cuando alguien sube a tirarse, y a nosotros nos encanta. Que lo hagan las veces que quieran, pero que tengan en cuenta que estamos haciendo un curro, que tenemos pedales, monitores e instrumentos por ahí que si se joden se puede liar. Sí que hemos tirado a alguien del escenario, con buenas maneras, alguna vez con una patadita sutil... A veces me molesta demasiado, desde el hecho de que suben al escenario exactamente entre mis monitores donde ¡estoy cantando! E interrumpen el show, o me tiran el micrófono, nos pisan los pedales... o el típico que se sube

"En Praga hemos tocado tres veces y la gente es genial. Como en todos lados, se beben dos cervezas de más y la lían". empujado. Creo que los empujones fuera del escenario han ocurrido en los conciertos de metal desde siempre; esto lamentablemente se trata de un desafortunado accidente. Está claro que el asesinato de Dimebag sentó precedente a la hora de subirse a un escenario. Seguramente más en EEUU, o de cara a las bandas estadounidenses, ya sea en su país o fuera de sus fronteras. ¿Entiendes ese temor ante lo que pueda ocurrir con alguien subiéndose a la zona donde están los músicos? ¿Os sentís protegidos, o vulnerables? Bueno, realmente no entiendo ese temor que tienen los americanos, pero porque no entiendo lo que muchos americanos hacen, como por ejemplo, llevar armas de fuego y cosas así. Aquí en Europa es algo impensable. Pero entiendo que siendo un grupo de tan alto nivel como LAMB OF GOD te sientas desprotegido o simplemente vulnerable a no poder desarrollar tu trabajo o incluso ser agredido. Pero como digo, no es algo que yo personalmente sienta, ya que Europa es bien distinto a Estados Unidos. Desde ese fatídico 2004, ¿has notado cambio respecto a un mayor control por parte de la seguridad? Tanto en España como fuera. Por ejemplo, hace menos de dos meses ANGELUS APATRIDA tocasteis en Praga. ¿Recuerdas si allí el público estaba muy “loco”? Creo que lo que le ocurrió a Darrell fue un lamentable suceso totalmente aislado, se trataba de un tipo que estaba muy mal de la cabeza que decidió ir al concierto con una pipa y acabar con la vida de Darrell y de quien se le pusiese por delante. Sí, es cierto que los cacheos y controles de seguridad son bastante activos en muchos países, incluidos España, pero no a tal punto, nadie se imagina que alguien puede venir armado para cargarse a alguien; es como si lo hicieran en los colegios americanos o escandinavos donde se han dado casos de matanzas de alumnos. En Praga hemos tocado tres veces y la gente es genial. Como en todos lados, se beben dos cervezas de más y la lían. Pero es parte de este mundo… aunque precisamente ahí nunca he visto stage diving ni con nosotros ni

gente te tira es lógico que llegue un momento en el que te crispes y a lo mejor lo pagas con quien no debes. Eso te puedo asegurar que hace muchísimos años que no pasa aquí”. Por la Riviera además pasan todas las giras grandes y le preguntamos a Fernando Wall Of Death durante el pasado concierto de Death Angel

si ha visto que las medidas de seguridad de los grupos extranjeros se hayan vuelto más estrictas durante los últimos años debido a la tragedia de Dimebag Darrell. “Qué va, todo lo contrario. Normalmente suelen ser más permisivos que los grupos nacionales. También puede ser por-

al escenario para estar una canción entera arriba... ¿de qué vas? Estás molestando al grupo y al público, joder. Lo dicho, súbete al escenario y tírate rápidamente, pero no molestes o probablemente seas empujado fuera. Para terminar, me gustaría saber tu opinión sobre el stage diving, mosh, circlepits o derivados. Son prácticas habituales, pero ¿crees que esto va a sentar un precedente para el futuro cercano? Espero que no sea así. Ya hemos vivido la experiencia en algunas salas de Reino Unido donde se prohíbe expresamente el stage diving, crowd surfing, moshing, etc. y es una puta mierda. Creo que todas estas prácticas son necesarias para un buen concierto de metal, al menos a mí parecer. Sólo hay que ser consciente de que si haces esto, puedes resultar dañado. ¡Pero que no se pierda nunca!". TEXTO: VARO ANDRÉS

que están más acostumbrados a eso. Si alguien se cuela se hace cargo el personal de seguridad del grupo pero jamás el artista porque lo normal es que este siga tocando”.

EL CASO SE COMPLICA

En una ausencia total de nuevas noticias al respecto decidimos indagar y ver si el vídeo que se había movido por internet era la única prueba de aquel concierto y efectivametne no sólo no lo era sino que nos encontramos con crónicas del concierto en el que sucedieron los hechos. Lejos de emitir un juicio de valor, sí que nos quedamos un poco perplejos al leer por ejemplo en la Metalopolis (www. metalopolis.net) que durante el show “Randy dejó claro que el escenario es su territorio. Derribó a un chaval que había subido al escenario y, después de unos cuantos ganchos de derecha, lo arrojó del escenario sin dejar de cantar”. No fueron ellos los únicos que relataban que quizás la reacción de Blythe había sido desmedida. En Abysszine (http://

www.abysszine.com/2010050036-lambof-god-rust2dust.html) podemos leer “en un momento de pasión algunos fans empezaron a subir al escenario y en ese momento Lamb Of God se convirtieron en una furiosa apisonadora tirando a los fans brutalmente desde el escenario (…). La actitud de Lamb Of God fue completamente innecesaria”. Por si esto fuese poco, web thegauntlet. com publicaba unas fotos en donde se podía ver a Randy sujetando violentamente Daniel Kovek pero también explicaba, en una sucesión de instantáneas, que era imposible que por la postura que tenían en la foto, esa situación hubiese provocado la muerte de Kovek. Sin embargo, éstas han sido lo suficientemente explícitas como para que los jueces checos no hayan dejado salir a Randy aun habiendo pagado la fianza. Al cierre de esta edición todavía no se habían aclarado los hechos así que esperamos daros más detalles en nuestra próxima edición.

"El metal es salvaje, y si empezamos a caparlo todo vamos a acabar pareciendo una obra de teatro" Antes de empezar con CLOCKWORK, su nuevo grupo, JAVIER GARCÍA se había recorrido medio mundo junto a Soziedad Alkoholika después de haberse pateado muchos escenarios con su primera banda, Beer Mosh. Sabe de qué va el tema y le preguntamo también a él cómo veía el tema. cionar. No hace

l u falta más que echarle una escucha a su Ya se sabe que hoy en día la información circula en internet como la pólvora… pero no primer álbum y a esas reminiscencias a puede extender un rumor sobre lo que pasó, siempre de manera fiable. De repente alguien loyDeftones que otabancuando en el ambiente. convertirse en flnoticia dista mucho de la realidad. Como músico, cuando apenas habíahan noticias contrastadas, ¿qué ypensaste Ahora ganado en coherencia origi- que podía haber ocurrido? Primero se decía que un microfonazo, empujón, después ya salió a la luz que era la tercera vez que nalidad, a la par queluego han un endurecido su se subía, más tarde han ido saliendo vídeos… y a la gente le gusta hablar antes de tiempo. sonido hasta llevarlo al Metalcore más "Exacto. Hoy en día no te puedes fiar de este tipo de noticias, ya que hay mucha tendencia al senagresivo que te puedas echar en cara. sacionalismo y lamentablemente la información suele terminar desvirtuándose mucho con las diferentes versiones. Sinceramente, lo primero que pensé fue que había sido una mala caída del chaval. Todos hemos estado en conciertos y todos hemos visto como cae gente del escenario; es una cuestión de suerte, y caer mal no es algo tan difícil de ocurrir". Está claro que el asesinato de Dimebag sentó precedente a la hora de subirse a un escenario. Seguramente más en EEUU, o de cara a las bandas estadounidenses, ya sea en su país o fuera de sus fronteras. ¿Entiendes ese temor ante lo que pueda ocurrir con alguien subiéndose a la zona donde están los músicos? ¿Os sentís protegidos, o vulnerables? "Sinceramente, no tengo ningún temor, en absoluto, todo lo contrario: cuando alguien sube al escenario de una forma correcta para hacer stage diving me da buen rollo, significa que la gente está disfrutando de nuestra música. Lo que no disfruto es cuando alguien sube y se queda a vivir en él, o te agarra y jode al resto del público, ya que no te dejan tocar en condiciones. Pero esto ocurre rara vez. Lo que ocurrió con Dimebag sento precedente posiblemente en Estados Unidos, pero por suerte en Europa las cosas son bastante diferentes en cuanto al tema armas y demás". Desde ese fatídico 2004, ¿has notado cambio respecto a un mayor control por parte de la seguridad? Tanto en España como fuera. Tú, además de haber tocado en el extranjero, vives en Hamburgo. En España podemos saber cómo funciona el nivel de seguridad conciertil, pero ¿cómo es por ejemplo en Alemania? "No he visto ningún cambio significativo respecto a la seguridad desde entonces. Quizás cuando viene una banda de allí hay veces que da la sensación de que extreman un tanto la seguridad; pero por otro lado, lo entiendo después de lo ocurrido. El público aquí de Alemania se comporta muy correctamente, saben hacer stage diving, ya que tienen una cultura de conciertos y festivales de muchos años. He asistido a muchos conciertos en estos tres años que llevo aquí y no he visto nunca ningún tipo de problema". A menudo se habla sobre que la gente no se toma igual un concierto ahora que hace veinte años. Tú empezaste con un grupo de thrash como BEER MOSH, después pasaste a S.A y ahora iniciaste la aventura en CLOCKWORK. Tú que has dado más de mil conciertos en tu carrera y ante gente muy distinta, ¿has notado esa evolución del público? Aún con todo, ¿piensas que hay algunas personas incontrolables y que no saben si van a un concierto o a armarla? Lo típico de “pagar justos por pecadores”. "Tengo que decirte que hay mucho de cierto en esto. Hace veinte años el tema era muchísimo más salvaje, el público se descontrolaba totalmente. Hace unos años toque algunos conciertos en Sudamérica, concretamente México, Chile y Argentina, y me recordó (especialmente Chile) a los bolos que di a principios de los 90. Fue una sensación realmente excitante, ya que esa pasión lamentablemente no se percibe en Europa hace años. Sí que hay veces que esto hace que las cosas se puedan desmadrar de mala manera como nos paso en un concierto a S.A en México, pero sinceramente prefiero mil veces que haya "lio" a tener un público pasivo, aburrido de ver conciertos. Siempre va a asistir todo tipo de gente, los menos, los que van a liarla. Pero como digo, por suerte, son los menos". En esa situación de, hablando claro, alguien tocando las pelotas mientras estás haciendo tu trabajo, ¿qué harías (o qué has hecho)? ¿Entiendes que haya gente que termine empujando fuera del escenario a la gente, cuando en realidad, si se suben ahí, es para tirarse…? ¿Te ha ocurrido algo parecido alguna vez, de alguna persona que se subía y sólo incordiaba? Me ha ocurrido muchísimas veces, especialmente hace años. Hoy en día es bastante raro ya... Pienso que es importante no sacar las cosas de quicio, e intentar facilitar el stage diving si surge. Siempre puedes moverte un poco y dejar un pequeño pasillo en el escenario... del mismo modo que si alguien no se entera y se pone tabarras quedándose en el escenario, intentar hacerle ver que está jodiendo. Pero para esto no veo necesario llegar al contacto físico. Para terminar, me gustaría saber tu opinión sobre el stage diving, mosh, circlepits o derivados. Son prácticas habituales, pero ¿crees que esto va a sentar un precedente para el futuro cercano? "Como te he comentado, es algo que da vida a la actuación. El metal es salvaje, y si empezamos a caparlo todo vamos a acabar pareciendo una obra de teatro. Personalmente espero que esto siga y por muchos años". TEXTO: VARO ANDRÉS

BATTLE ROYALE MÚSICOS QUE PIERDEN LOS NERVIOS Y FANS QUE LES HACEN PERDERLOS ROUND

NO LE TIRES NADA A

BILLIE JOE (GREEN DAY) O TE PATEARÁ EL CULO

Puede parecer poquita cosa pero BILLIE JOE mosqueado puede soltarte un maporro de cuidado. O eso o saltarte encima para partirte los piños y además sin contemplaciones. Eso es lo que pasó en un show en donde alguien se pasó tocándole las narices al vocalista/guitarra de Green Day. Fue terminar el tema y retar al tipo a subir al escenario a pelear. Como éste no lo hacía se descolgaba la guitarra, cogía impulso y se tiraba encima suya. Puedes ver el momento en Youtube poniendo "Green day concert fight"

AUN SIENDO

GLENN DANZIG

ALGUIEN PUEDE ZURRARTE

Glenn Danzig tiene fama de tener malas muy malas pulgas. Sólo su corpulencia labrada a base de gimnasios impresiones. Para cualquier mindundi como nosotros su sola presencia haría que nos defecásemos en los pantalones pero si eres el vocalista de North Side Kings y sabes que eres más grande que él te andas con pocas tonterías. ¿Que Danzig te empuja durante una acalurada conversación en camerinos? No pasa nada, le sueltas un derechazo y lo tumbas. Esto pasó en el 2004 y se puede encontrar el vídeo en Youtube bajo el título " Glen Danzig gets in a fight"

3 ROUND

MIRA TÍO, AL QUE ZURRAN

NIRVANA

SOY YO DE JOVEN

Ocurrió cuando la banda de Kurt Cobain aún tocaba en garitos y como cuarteto. En mitad de "Floyd The Barber" sube un tío al escenario portando un vaso de plástico. Éste pilla el micro ante la atónita mirada de Jason Everman (segundo guitarra por aquel entonces) y se pone a hacer el payaso. Kris Novoselic se le acerca e intenta empujarle con el trasero pero el tío va tan moco que si se entera hasta que, primero Jason y luego Kurt se lo terminan explicando de otra manera: a torta limpia! Seguro que ahora el tío estará orgulloso diciéndole a los colegas "a mí me zurró Kurt Cobain".

LA BATALLA FINAL

BRING ME THE HORIZON CONTRA TODOS

ROUND

Los ingleses Bring Me THe Horizon se han ganado, en muy poco tiempo, la reputación de ser una apisonadora en directo gracias a su música.. y también a sus continuas peleas. Parece ser que el aguante de Oliver Sykes (vocalista) con la audiencia es limitada y cuando alguien desde abajo le dice algo que no le mola enseguida salta. Durante su última gira acompañando a Machine Head la liaron bien gorda en bastantes conciertos. Sin embargo ahí no queda la cosa. Por internet hay vídeos incluso liándose a guantazos con Sam Carter de The Architects. Vamos, que éstos aguantan poquitas bromas.

BULLETIN

AEROSMITH

NOS HACEN ESPERAR UN POQUITO

KOMA SIN BRIGI

Estaba todo preparado para que 'Music From Another Dimension', el nuevo trabajo de Aerosmith, se publicase el próximo 28 de Agosto. De hecho, se había incluso presentado el single "Legendary Child", el cual, todo sea dicho, suena tremendo. Pues bien, cuando todos babeábamos resulta que se ha retrasado la edición hasta finales de año. Todo apunta a que la gira que han empezado por Estados Unidos ha podido tener algo que ver. El track list que incluirá 'Music From Another Dimension' es el siguiente: "What Could Have Been Love", "Beautiful", "Street Jesus", "Legendary Child", "Oh Yeah", "We All Fall Down", "Another Last Goodbye", "Out Go the Lights", "Love Three Times a Day", "Closer", "Shakey Ground", ""Love a Lot", "Freedom Fighter" y "Up on the Mountain". Este disco significará su 15º álbum y será su primer disco en ocho años.

El pasado 14 de junio recibíamos un comunicado en el cual Brigi Duke (vocalista/guitarra) de Koma anunciaba su salida de la banda. En él leíamos lo siguiente: “Tras casi 20 años pilotando el tren de KOMA quiero comunicar que me bajo en la próxima estación. Quiero esperar un tiempo para montarme en un futuro en otro tren. Agradezco a todos mis compañeros y seguidores lo vivido en todos estos años y espero que todos disfrutemos de los próximos conciertos. Nos veremos de nuevo más adelante". Después no lo encontramos en el Azkena Rock y nos confirmaba que él iba a seguir en solitario y que nada tenía que ver con centrarse en Txarrena, con lo que también está tocando la batería. En el mismo e-mail en donde iba el comunicado, remitido por Calle Underground, se dejaba claro que el resto de KOMA iba a seguir y que editarán disco en la primavera del 2013. Estaremos atentos porque con Brigi se va también parte de la identidad que tenía la banda.

MUERE

JON LORD

El que fuera uno de los miembros fundadores DEEP PURPLE, fallecía el pasado 16 de julio en una clínica de Londres después de perder una batalla contra un cáncer de páncreas que le tenía retirado de los escenarios desde hacía tiempo. El teclista será recordado por ser uno de los precursores de la utilización del famoso Hammond además de por haber dejado su impronta en temas clásicos como "Highway Star" o "Smoke On The Water". Descanse en paz maestro. 08

SONRISAS Y LÁGRIMAS

SOBER

En un mismo mes la banda ha visto cómo se le denegaba la entrada en Venezuela y como en su pueblo les otorgaban una Plaza.

Exultantes como los veis en la foto estaban SOBER cuando los otorgaron en Villanueva de la Vera una plaza con su nombre. La banda al completo se desplazó hasta la localidad cacereña en donde, mediante acto oficial, quedó inaugurada la que, a partir de ahora, será conocida como Plaza Sober. De hecho, allí dará la banda un concierto gratuito el próximo 18 de Agosto junto a Romeo. Esa alegría contrasta con las caras que pudimos ver de los músicos mediante sus facebook cuando al llegar a Venezuela para dar un concierto allí se encontraron con que no les dejaban pasar al país. Pese a tenerlo todo en regla, las autoridades venezolanas no dejaron pasar al país a la banda queriéndoles expulsar además inmediatamente. Después de agotar toda las vías posibles, al final tuvieron que volver dejando al público venezolano sin la posibilidad de ver a la banda.

THE SPECIAL GUEST

¿ROCKSTARS? lo fue. Se trabajaba a destajo por ambos lados: la banda estaba a tope y la compañía también. Cientos de conciertos, cientos de entrevistas, viajes... todo iba tan rápido que no nos dábamos ni cuenta de lo que estaba pasando. De repente la gira terminó y teníamos menos de un mes para hacer 'Reddo'. Se hizo y nos fuimos a Los Angeles de nuevo, a mezclarlo, pero, ya algo iba mal... se olía y se sentía. El disco era un gran disco, pero era frío como la salud del grupo en ese momento. Se veía venir; necesitábamos un descanso. No era un lecho de rosas, era un polvorín. Cinco años en dos bandos y todos sabéis la historia. Y de repente llega el día, la ilusión de ese día que arranqué el anuncio, estábamos con esa energía de nuevo y a día de hoy sigue. Los tiempos son otros, las circunstancias son duras, pero, empezamos desde cero en el 93 y volvimos a hacerlo en el 2004 ¿por qué no ahora? Sabemos hacerlo, tenemos lo más importante, las ganas y la experiencia de los años, y un gran nombre por defender. Aún así, todavía la vida te sigue sorprendiendo, todos habréis visto o leído nuestros periplos en tierras venezolanas, o mejor dicho en el aeropuerto. La vida te da golpes, pero, tienes que levantarte y adaptarte a la situación. Lo mejor de todo, es que ahora somos más conocidos allí y los promotores quieren llevarnos a sitios más grandes. Curioso. Todo esto viene en relación al título de la columna: "Rockstars". En España eso no existe. Muchos se creen que tener una banda como la nuestra es símbolo de dinero, fama, poder, pero nada más lejos. Puedes vivir de ello, unas veces mejor y otras peor, pero, no somos Motley Crue, ni nunca lo seremos. No nos engañemos. Estos años la vida nos ha dado mucho, pero también nos ha quitado mucho. Hemos perdido a compañeros por el camino y por ellos te levantas muchos días. Seguimos siendo en el fondo los tres amigos que con

EL VARO-METRO

Foto: Javier Bragado

Todavía recuerdo el día que arranqué el anuncio en el que Carlos se ofrecía como bajista. Lo normal hubiese sido coger un trozo del teléfono pre cortado, pero ¡no! Me llevé todo el anuncio. Fue un pálpito en toda regla y a día de hoy es posiblemente una de las acciones de las que no me arrepiento. También recuerdo con ilusión cambiando una de mis dos guitarras por un multipistas analógico para grabarnos nuestra primera maqueta (para los más jóvenes: era algo debías tener si querías tocar o presentar a alguna discográfica). Hicimos muchos conciertos en Madrid, algunos para diez amigos y otros para quinientos. Muy pocos saben que no cobramos derechos de autor hasta la salida de 'Paradysso' porque un par de tíos sin escrúpulos que trabajaban para la extinta Polygram supuestamente nos robaron nuestro primer anticipo de editorial. ¡Más de un millón de pesetas de la época! Lejos de rendirnos, sacamos dinero de debajo de las piedras y auto editamos el primer disco, quinientas copias... Sólo seis personas saben que 'Morfología' estuvo a punto de pararse porque el director de la compañía de aquel entonces, supuestamente, no había cumplido con los pagos acordados en el estudio, y mi espalda todavía se resiente de la lesión que me produjo una flamante Gibson Les Paul que pesaba más de la cuenta. Grabando “La Duda” me hicieron grabar de pie y no había Pro Tools. Era en cinta y por tomas enteras. Me costó más de tres horas hacer la maldita estrofa. Eran otros tiempos y era peor guitarrista. Odio las Les Paul desde entoncesy esa la vendí nada más salir del estudio. Tengo pocos recuerdos de 'Synthesis', quizás por los años, quizás porque fuese el disco más oscuro en todos los sentidos, se cambiaron tiempos a última hora, nos cambiaron de estudio en mitad de la grabación, entraron a robar... 'Paradysso' llegó como un balón de oxigeno. Nos ficharon en una compañía joven y con muchos recursos y había tres personas que querían que el disco fuese un éxito y

Por

ANTONIO BERNARDINI Sôber

una guitarra española sacaban canciones en un balcón estando de vacaciones por tierras alicantinas y tendemos a olvidar los momentos estelares como estar nominados a los premios Mtv, ya que, a día de hoy es impensable, por lo menos en esa cadena. Todo esto va dedicado a los grupos que empezáis y tenéis ilusión. ¡No la perdáis nunca! Es lo que os mantendrá unidos. No lo hará ni el dinero, ni la fama, ni los autógrafos. Los viajes, los bocatas en una gasolinera, la primera vez que os dan el primer disco, el olor de una sala llena... eso os hará más grandes. Tened a gente honesta y buena en vuestro círculo, algo que no es fácil. Cuanto más famosos seáis, más tontos aparecerán y esos son los que romperán vuestro círculo. Poned un disco de Kiss, coged la raqueta de tenis, y entonces seréis una Rockstar!!!

Por VARO

ANDRÉS

Estaba tan tranquilo en el pasado Sonisphere viendo a Soundgarden cuando de repente Esto también es aplicable a lo que rodea a la música, véase las propias entrevistas, me vino a la cabeza las palabras de su batería Matt Cameron (el mejor del grupo en su críticas, fotos o crónicas. Si algo se vende como distinto o espectacular, tiene que preactuación, de largo) sobre su nuevo disco de estudio: “It does not suck”. No podía ser dicar con el ejemplo. ¿De qué vale hacer una entrevista a X banda sin profundizar en más claro y sincero; seguramente esa sinceridad le viene de una época en la que la mú- ella? Pues de poco, porque esas preguntas-plantilla se pueden extraer y hacérselas a sica se hacía de una manera distinta y se ofrecía de una manera más honesta. cualquier otro grupo, sea de metal, rock, jazz o pop. Hay excepciones, claro está, como Ahora cada grupo te intenta vender su disco como “la mejor mierda que hemos hecho los grupos noveles, a los que hay que acudir a tópicos para presentarlos de una manera nunca”. Por un lado es lógico, y muchas veces se cumple. ¿Cómo no van a pensar que sencilla y eficaz a la gente. es lo mejor que han hecho? Además, que la ilusión en este mundillo no se puede perder Igual que los músicos intentan ser profesionales, a nosotros no nos queda otra que estar nunca. Se puede aplicar a bandas que saben a su altura. Si nos llega un grupo con su que aún no han alcanzado techo, a grupos que Foto: Sergi Ramos décimo disco aburriéndonos con más de van por su segundo, tercer o cuarto disco, lo mismo, ¿cómo no vamos a intentar hapero hay otras que aunque intenten vender la cer nosotros algo distinto? No hay nada moto, hace tiempo perdieron gran parte de su peor que quedar en evidencia, sea uno credibilidad. Y si los primeros que se engañan u otro lado de la música. Por eso, si no son ellos mismos desvirtuando la realidad, mal sabes sobre algo, teniendo información y asunto. Grupos míticos con décadas a sus esmás información al alcance de la mano, paldas deberían ser conscientes, como el caso ¿por qué no acudir a ella? Supongo que del primer párrafo, de que su mejor época (en por pereza o porque en realidad no se disestudio) ya pasó, y que no van a igualar a granfruta tanto como otros hacen en el mismo des clásicos que pasarán a la historia del rock lugar. y el metal. Y si lo hacen seré el primero que lo Que digo yo que tienen que estar más que celebrará y se tragará (a mucha honra) sus paaburridos de contestar una y otra vez a labras, pero todo el mundo debe conocer sus lo mismo; igual que ellos intentan crear límites. Aunque como digo, siempre hay casos algo para destacar sobre los demás, a noen los que por la razón que sea, llegan grupos sotros no nos queda otra que aplicarnos con más de veinte años en esto y te sorprenel cuento. den; no tienes más que rendirte a la evidencia. Varo entre Robb Flynn y Phil Demmel de Machine Head en los came-

rinos de Sonisphere. Trío de titanes.

DORO

PUNO EN ALTO

Se acerca el otoño y con él, un montón de interesantes lanzamientos de metal. Entre ellos, el nuevo disco de DORO, “Raise Your Fist”, que se editará a mediados de octubre. Sin embargo, el álbum ya lleva unos días finalizado y la propia Doro y su discográfica nos invitaron en exclusiva a Alemania para pegarle el primer tiento al disco. Sergi Ramos viaja hasta Stuttgart para empaparse de metal de la vieja escuela. Doro está más de vuelta que nunca. “Raise Your Fist” es probablemente su disco más inspirado desde ¡Calling the Wild¡ del 2000 y eso es decir mucho en el caso de una señorita que no tiene apenas un mal disco (y tengo en cuenta sus experimentos de mediados de los 90). El tema inicial, “Raise Your First In The Air” es una arenga tan poderosa como su propio título indica. Un ritmo sólido y bailable en un contexto metalero, un estribillo vencedor a todas luces y un regustillo a “Burn it Up” que es más que obvio –salvo por lo de que no parece que el tema se haya grabado en medio de un partido de fútbol americano. La siguiente, “Coldhearted Lover”, es más lenta y pesada, con un riff más malévolo. Dorothee canta acompañada de bajo y bombo en los versos para luego vaciarse más concienzudamente en el estribillo. “I need a lover, a cold hearted lover, a true metal lover” canta, casi autobiográficamente. La voz de la señorita Pesch aguanta muy bien el paso de los años. Un doble bombo apabullante da paso a “Rock ‘Till Death”, otra de esas canciones himno que tan bien se le dan a Doro. Pasa de la caña a la soltura de charles y pesadez de bombo en los versos, creando un buen contraste estilístico entre el lado más duro y más melódico de su música. El solo de guitarra es breve y conciso, como es habitual en los temas de Doro. Una canción de apenas tres minutos y medio ideada para el directo, sin duda. En “It Still Hurts” nos encontramos una sorpresa considerable. Lemmy colabora con su amiga Pesch, algo que no debería sorprender dada la amistad que les une hace muchos años. No obstante, igual que Doro canta melódica y suavemente en la canción, también lo hace Lemmy. Es un registro nuevo, raramente escuchado en Lemmy, excepto en los momentos más blueseros de Motorhead. Sorprende por lo natural que sale esa voz del viejo Kilminster, que suena tan sentido que se te encoge el corazón escuchándole. El solo final de su guitarrista Bas Maas es melódico como él solo, en la tradición del viejo Michael Schenker o el fallecido Gary Moore. El descriptivo “Take no Prisoners” es una locomotora a todo trapo. Rápido, decidido, a piñón fijo, es uno de esos temas en los que puedes ver a la aleman agitándose sobre el escenario y sonriendo mientras hace los cuernos al público. Solo escuchar su voz te imaginas como agita sus melenas sobre las tablas. Siguiendo con el capítulo de las colaboraciones, en “Grab The Bull (Last Man Standing)” colabora el 10

guitarrista de Firewind y actual guitarrista de Ozzy Osbourne, Gus G. Doro se empeña en “coger el toro por los cuernos” en este tema, que lejos de ser rápido como su nombre indica, está mas tirando por la banda baja de velocidades en lo que a Doro se refiere. Es un tema simplón, aunque se engaña el estribillo. La colaboración de Gus G se reduce a un solo de guitarra ardiente al final de la canción, que aunque está muy bien no parece enganchar del todo. “Engel” es una canción que Doro canta en alemán, como viene siendo tradición en casi todos sus discos. Los ojos de un ángel son el tema primordial de la canción aunque no se sabe muy bien qué ángel ni porqué, una de las cosas que le preguntaremos en nuestra inminente próxima entrevista. La canción contiene un buen solo de guitarra y un estribillo que la hace si no irresistible, si muy resultona. “Freiheit” es otra canción en alemán (really?) donde Doro explora su sonido mas “actual”. Con guitarras tremendamente bajas en la mezcla, la batería electrónica es la conductora principal de la canción. No sorprende demasiado y pasa sin pena ni gloria, ciertamente. Más animada es “Little Headbanger”, un tema rápido quizá algo más oscuro en su concepción. Doro canta más brutal que nunca antes. Mas ochentera y clasicona es “Revenge”, que suena a Warlock por los cuatro costados. El riff de guitarra tira más hacia lo actual, por así decirlo, pero lo más actual en un disco de DORO siempre sabéis que es previo a 1989 en cuanto a sonido. Rápida, juguetona y convincente. La otra balada del disco, “Free My Heart” es un tema a medio tiempo,

donde Doro se desgañita, La penúltima se titula “Victory” y es otro himno, aunque no parece compuesto por Dorothee y peca de demasiado difuso, sin buena diferenciación entre versos y estribillo. La final “Hero” es un temazo como Dios manda, con la Doro más sentida dedicándole un homenaje a su fallecido amigo Ronnie James Dio, quien de estar vivo habría colaborado seguro en éste disco de la tigresa de Dusseldörf. “You were a Hero, our only hero, you were a hero to everyone”. Y con la lagrimilla a punto de caer nos deja Pesch cuando el tema entra en materia y se lanza a por el ataque definitivo de guitarras, batería y bajo. Emocionante, bien cuidado, hecho desde dentro y probablemente el mejor homenaje musical de todos los que se han hecho a la figura de Ronnie desde que dejó de estar con nosotros ya hace dos años. “Siempre voy tomando notas en mi libreta cuando algo me parece importante y me puede dar una idea para hacer una letra” explica Doro Pesch, hablando relajadamente después de escuchar el disco. “No obstante, cuando estoy componiendo para un disco suelo estar rebosando ideas” sonríe. “Suelo escoger las mejores, las más importantes y desarrollo a partir de ahí”. La última canción del disco, “Hero”, fue la primera que compuso para el disco. “Era muy importante para mí hacer esa canción y fue la primera que me vino a la mente” cuenta. “Ronnie James Dio nos dejó hace dos años y quería componer algo para rendir homenaje a su figura. La gira que hice con él en 1987 fue mi segunda gira y me trató muy bien cuando le conocí” recuerda. “Volvimos a girar juntos en el año 2000 y nos hicimos grandes amigos. Me encantaba su voz y su personalidad, de modo que ‘Hero’ es un homenaje muy sentido que le hago. Espero que le vuelva a ver algún día en el más allá” suspira. Pese a la reflexión, el disco es una pieza de música muy enérgica. Con canciones como “Rock ‘Til Death” no hay espacio a las sorpresas. Doro es Doro y siempre lo será. No obstante ¿hay espacio a la experimentación? “Creo que a lo largo de los años hemos hecho muchos experimentos, como ‘Love Me In Black’, ‘Machine II Machine’, el ‘True at Heart’…incluso la canción que grabé con Pete Steele en el 2002, “Descent” era algo distinto. Una canción como “Freiheit (Human Rights)” definitivamente es nueva para mi, tiene una vibración muy distinta. El dueto con Lemmy es otra sorpresa.” Pesch está tan asombrada como un servidor de que Lemmy sacara su lado más intimo y vocalmente melódico en “It Still Hurts”. “No sabíamos lo que iba a hacer y cuando el ingeniero Chris y yo escuchamos lo que había hecho Lemmy, alucinamos. Lo grabó en Los Ángeles y cuando lo escuchamos nos quedamos anonadados. Quiero Lemmy, como todo el mundo. Fue un honor tenerle de nuevo en mi disco. Colaboró en “Alone Again” y “Love Me Forever” en “Calling the Wild” y me demostró que es un tío que puede cantar con mucha pasión”.

“’Hero’ es m i sentido ho menaje a Ronnie Jame s Dio”.

Puedes ver la entrevista en vídeo en

www.themetalcircus.com

TESTAMENT

RAÍCES PRIMITIVAS

Acudimos a Dönzdort a escuchar, junto a Eric Peterson, 'Dark Roots Of Earth', el esperadísimo nuevo trabajo de TESTAMENT. Siguiendo con las tradiciones estacionales, no hay año que en primavera-verano no aparezcan un buen montón de viajes a Alemania en la agenda de cualquier periodista metalero cualificado. Los lanzamientos se acumulan, algunas discográficas están ansiosas de presentarlos ante los medios y no hay mejor manera de experimentarlos que pasando una jornada con la banda mientras escuchas su nuevo trabajo y te hinchas a cerveza. El pasado 12 de mayo fue el turno de Testament en las oficinas centrales de Nuclear Blast, como siempre, en la localidad de Dönzdorf, a escasos 60 kilómetros de Stuttgart. Allí se encontraba el bueno de Eric Peterson como única representación de la banda de thrash metal americana, decidido a dar unas cuantas entrevistas y a comprobar de primera mano las impresiones de los medios especializados sobre “Dark Roots of Earth”, el nuevo trabajo de Testament. Lo primero que sorprende es que, tras más de veinticinco años de carrera, Testament sigan estando tan decididos a convencer en disco. Cierto es que la banda tuvo su época de moral baja y hay que reconocer que entre finales de milenio y principios de los 2000 no vivieron un gran momento, con el añadido de las enfermedades de Chuck Billy y James Murphy. Por suerte, todo volvió a su sitio y desde su reunión, la banda no ha dado un mal paso. “The Formation of Damnation” fue un disco muy bueno, que recuperó la esencia más clásica de una banda que necesitaba a Alex Skolnick como guitarrista de nuevo para ser la de siempre. “Dark Roots of Earth” va un paso más allá a la hora de afianzar la apuesta de Testament por su sonido más clásico. A estas alturas, todos

“Cuando nosotros sacábamos un disco cada año en los 80 yo no tenía ni mujer, ni hijos, ni casa ni nada… Sólo tenía a TESTAMENT”. habréis escuchado ya “True American Hate”, el tema de adelanto que han sacado para presentar el disco. Tan solo os puedo decir que ese tema es una fracción de lo que se avecina. Canciones como “Native Blood” o “Rise Up” son tremendamente duras y efectivas, aunque hay espacio para la melodía en canciones como el tema titulo e incluso la balada “Cold Embrace”, donde el grupo ofrece su lado más comedido. Sin embargo, la caña está presente por todas partes, incluso en medios tiempos como “A Day In The Death” o la hiriente “Man Kills Mankind”. No pierden fuelle en ningún momento y parece que el resurgir de su propio género musical les ha obligado a ponerse las pilas ante la competencia de bandas más jóvenes y enérgicas. Uno de los elementos más positivos del disco es la batería de Gene Hoglan, que está echando una mano a sus colegas después de la inesperada marcha de Paul Bostaph hace unos meses. También colabora el bueno de Chris Adler de Lamb Of God, otro fuera de serie cuya experiencia tras los parches es garantía de calidad. Sin embargo, sigue siendo el trio de Skolnick-Peterson-Billy el alma de la banda. Chuck se deja el alma en cada canción, algo que parecía casi impensable cuando se encontraba al borde de la muerte hace escasamente una década. Pero resurgió con fuerza y se nota que está 12

agradecido por la manera en que se sigue entregando, tanto en disco como en directo. Como curiosidad, Billy ha grabado el tema “Native Blood” en castellano como parte de varios temas extra que la banda incluirá en diversas ediciones del disco, como versiones del “Powerslave” de Iron Maiden o del “Dragon Attack” de Queen, entre otras. Tras la escucha del disco, Peterson nos comentó que “es nuestro disco más brutal hasta la fecha, o por lo menos más brutal que “The Formation of Damnation”. Una típica afirmación de toda banda cuando acaba de editar su nuevo disco. Pero es que es cierto, de los Testament de hace cuatro años a los de ahora, se nota que la banda le ha dado una vuelta de tuerca a su sonido, endureciéndolo aún mas. “Cuando llevas 25 o 30 años tocando como nosotros seguir encontrando la motivación para levantarte cada día y tocar canciones que llevas toda la vida tocando” reflexiona Peterson tomando algo en la sala de reuniones de la conocida discográfica metálica. “Necesitas reinventarte de vez en cuando. No sufráis, Testament no se ha pasado ni al Metalcore ni al Gothic Metal, Dios nos libre. Simplemente hemos cogido nuestro estilo y le hemos metido algo de nuestras raíces musicales más primigenias. Si tu escuchas “The Legacy” y luego te pones “Dark Roots of Earth” verás que es la misma banda, aunque la segunda es más brutal, melódica y sobretodo madura. Al principio casi todo se reducía a la velocidad, a día de hoy sería incapaz de sacar un disco entero todo rápido, necesito variedad, cambios de tempo, matices, atmósferas opuestas dentro de una misma canción…”. A nadie se le escapa que han pasado cuatro años desde que Testament sacaron su último disco. Previamente, habían pasado nueve años entre “The Gathering” y su sucesor. “La vida cambia y con ello el resto de cosas” explica Peterson. “Cuando nosotros sacábamos un disco cada año en los 80 yo no tenía ni mujer, ni hijos, ni casa ni nada… Sólo tenía a Testament, bueno, y el sofá de mi madre (risas). No, en serio, antes la creatividad nos salía por los codos, ahora todo es más complicado” comenta. “Podríamos sacar discos cada año pero seguramente serían una mierda y nos aburriríamos de ello. Ahora el filtraje es mucho mayor, hemos de asegurarnos que el material nuevo es igual o superior que todo lo que hicimos en el pasado y como comprenderás, eso cada vez es más difícil. Mira nuestros últimos discos como “The Gathering” o “The Formation of Damnation”, nos llevó años hacerlos, pero quizá por ello están tan bien considerados entre los fans. Es que incluso en los 80 las cosas iban igual. Para sacar “The Legacy” tuvimos algo así como 4 o 5 años, muchas de esas canciones datan de 1982!!! Entre 1982 y 1986 estuvimos componiendo canciones que luego entrarían en nuestros 2 primeros discos. En este último disco “Dark Roots of Hate” hay incluso riffs que se sacaron 5 años atrás, cuando grabamos “Formation…” pero que al no convencernos del todo, quedaron en el tintero y los hemos ido retomando y re-arreglando durante estos últimos 5 años.”. Ahora solo falta esperar el anuncio de la gira de Testament por Europa para el año que viene. Se rumorea que estarán en España entre primavera y verano del 2013 si nada falla. A thrashear se ha dicho! TEXTO: Javi Félez

Rulo en la entrada de los Sonido XXI, en donde ha grabado 'Especies en Extinción'

EL SONIDO DEL

INFIERNO HELL'S FIRE nos presenta 'A.M.M.O', su nuevo trabajo

RULO

y la contrabanda

NI RASTRO DE LAS HERIDAS Rulo tiene nuevo trabajo, 'Especies En Extinción', el cual saldrá el próximo 25 de Septiembre. Subimos a Sonido XXI (Navarra) a tener un primer encuentro con los temas. Justo sobre la bocina del cierre de esta edición de REVOLVER nos fuimos a Esparza de Galar (Navarra) a escuchar el nuevo disco de RULO y la Contrabanda. Éste llevará por título 'Especies en Extinción' y a los Sonido XXI nos desplazamos para, junto al vocalista y al productor Javier San Martín, escuchar los cortes que van a componer el nuevo trabajo del de Reinosa. En él, Rulo se muestra más abierto, más arriesgado, sin perder de vista todas las influencias que ha ido acumulando durante años y aportando algunas nuevas. Pero si algo se nota en este nuevo trabajo es la complicidad de unos músicos que, ahora sí, hacen más piña que en el primero. El disco suena variado (algo que preocupaba a Rulo) y sorprenderá a todos aquellos que escucharon 'Señales de Humo' por su actitud, porque no

ha habido concesiones y por cómo encara en esta ocasión esas cercanas historias que el vocalista tiene la habilidad de hacer llegar al oyente. En el próximo número desarrollaremos mucho más lo que dio de sí una jornada en la que no sólo escuchamos el disco sino en la que además, estuvimos hablando con el músico durante más de una hora. De momento os avanzamos que el disco saldrá el 25 de septiembre y que contendrá los temas "Al Infinito", "Divididos", "El Prota", "Buscando el Mar", "A Punto de Colapsar", "A Solas", "Mi Pequeña Cicatriz", "El Mejor Veneno", "La Flor", "Amor En Vena" y, por fin, "El Vals Del Adiós", la cual servía de outro en la gira y que ha contado con la colaboración de Enrique Bunbury.

Grabado en los estudios New Life de Madrid por Jose Garrido y masterizado por Mika Jussila, 'A.M.M.O.' (la contracción de 'A Motherfucking Mayhem Overdose'), es el segundo disco de los madrileños Hell's Fire, una de las bandas más incendieras que hay ahora mismo en el panorama metalero estatal. Junto a la banda escuchamos el álbum y nuestra primera reacción fue la que quedarnos perplejos por la cantidad de riffs desbordantes que se van acumulando en los temas y por como, de un sablazo, han logrado quitarse el san benito de ser los Down españoles. Si en el anterior tanto Pantera como Down estaban muy presentes, en esta ocasión nos encontramos a una banda sonando mucho más personal (pese a que sigan saliendo a relucir influencias como Black Label Society, Corrosion Of Conformity, Down o Hogjaw). Temas como "Crawl" (muy BLS pero plagado de breaks), "God Will Not Come", "Far Away From The Sun" (con un final que parece el "Jesus Christ Posse" de Soundgarden) o "Cletus" (un southern rock completamente corrompido con banjo incluido) dan una visión de lo que ha crecido y evolucionado una banda que ya con 'Eleven Roads To Hell' nos dejaron un sabor de boca impresionante. Hell's Fire han grabado uno de los discos de la temporada. Atentos.

AGENDA

ENSIFERUM

Los fineses vendrán a presentarnos su nuevo álbum ‘Unsung Heroes’ en septiembre. Foto: Javier Bragado

MANOWAR

Los guerreros del Metal, MANOWAR, vuelven a nuestro país a presentarnos su nuevo trabajo ‘ The Lord Of Steel’. Éste es el primero que lanzan después de la trágica muerte de Scott Columbus y que les hizo estar un tiempo desaparecidos. ‘The Lord Of Steel’ sale cinco años después de su última referencia, ‘Gods OF War’, y es que la banda lleva una década centrándose sobre todo en el directo. Manowar pasarán por nuestro país en Octubre visitando Zaragoza, A Coruña, Barcelona (concierto en el que pueden entrar menores acompañados por un adulto) y Madrid. Id preparando la señal del martillo.

ANATHEMA 17 Octubre – Barcelona – Sala Apolo 18 Octubre – Madrid – Joy Eslava 21 Octubre – Sevilla – Sala Custom 22 Octubre – Murcia – Sala Gamma ANGELUS APATRIDA 29 Septiembre – Barcelona – Apolo 30 Septiembre – Almassera – rock City 5 Octubre – Valladolid – Porta Caeli 19 Octubre – Málaga – Eventual Music 26 Octubre – Bilbao – Kafe Antzokia 27 Octubre – Madrid – Rock Kitchen ARCH ENEMY 23 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem 25 Octubre – Santiago de Compostela – Capitol 26 Octubre – Madrid – La Riviera 27 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 BLIND MELON 7 Noviembre – Barcelona – Sala Apolo) 9 Noviembre – Santiago de Compostela (Capitol) 10 noviembre – Bilbao (Sala BBK) 11 noviembre – Madrid (Joy Eslava) BLINK 182 + THE ALL-AMERICAN REJECTS 19 Julio – Barcelona – Sant Jordi Club 20 Julio – Madrid – Palacio de los Deportes CANNIBAL CORPSE + AMON AMARTH 16 Junio – Barakaldo - Rockstar 18 Junio - Madrid - Riviera DARK TRANQUILITY + GOD FORBID + WARBRINGER 6 Diciembre – Barakaldo – Rockstar 7 Diciembre – Santiago - Capitol 8 Diciembre – Madrid – Arena 9 Diciembre – Barcelona - Salamandra DELAIN 12 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 13 Octubre – Madrid - Caracol DORO 23 Noviembre – Villava-Atarrabia – Totem 24 Noviembre – Madrid – Arena 25 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2 DRAGONFORCE 15 Noviembre – Barcelona – Salamandra 1 14

16 Noviembre – Madrid – Sala Arena 18 Noviembre – Bilbao – Rock Star live ENSIFERUM 26 Septiembre – Barcelona – Razzmatazz 2 27 Septiembre – Madrid – Caracol 28 Septiembre – Pamplona – Sala Totem GAUNTLET 21 Septiembre – Lugo – Sala Clavicémbalo 22 Septiembre – Gijón – Monkey Club 28 Septiembre – El Ferrol – Super 8 29 Septiembre – A Coruña – Mardi Grass 6 Octubre – Malaga 19 Octubre - Benidorm – Rock Star 20 Octubre – Valencia – Agora Live 26 Octubre – Badajoz – Metalarium 27 Octubre – Jaén – Admiral’s Arms 10 Noviembre – Gran Canaria – Sala Duke 17 Noviembre – Donosti – Guardetxe 23 Noviembre - Murcia – Sala Rojas 24 Noviembre – Cartagena – Templo del Rock 30 Noviembre - Tarragona 1 Diciembre – Barcelona 18 Enero – Logroño – Biri Bai 19 Enero – Santander – Black Bird 25 Enero – Castellón – Japan 26 Enero – Albacete – Balboa 2 Febrero – Madrid – Caracol 7 Febrero – Granada – Planta Baja 8 Febrero – Málaga – Eventual Music 9 Febrero – Sevilla – Sevilla Rock GOTTHARD+UNISONIC 11 Octubre – Barcelona – Apolo 12 Octubre – Madrid – La Riviera 13 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem GUNS N’ ROSES 22 Julio – Palma de Mallorca – Son Moix KAMELOT 9 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 10 Noviembre – Madrid – Arena 11 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2 MANOWAR + HOLYHELL 9 Octubre – Zaragoza – Interpeñas

SKUNK ANANSIE

Una de las vueltas más apoteósicas del pasado año. Ahora regresan a presentar nuevo trabajo ‘Black Traffic’

11 Octubre – A Coruña – Coliseum 13 Octubre – Barcelona – St. Jordi Club 14 Octubre – Madrid – La Riviera MINISTRY 24 Julio - Madrid - Riviera 25 Julio – Barakaldo - Rockstar PARADISE LOST 5 Octubre – Madrid – Penélope 6 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 RANCID 30 Julio – Barcelona – Sant Jordi Club 31 Julio – Madrid – Palacio Vistalegre SABATON 3 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 4 Octubre – Villava – Atarrabia – Totem 5 Octubre – Madrid – Arena SKUNK ANANSIE 8 Noviembre - Madrid - Riviera 9 Noviembre - Barcelona - Razzmatazz SONATA ARCTICA 16 Noviembre – Madrid – La Riviera 17 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz TASTERS 23 Octubre – Bilbao – Santana 27 24 Octubre – Gijón – Sala Acapulco 25 Octubre – Madrid – Ritmo y Compás 26 Octubre – Zaragoza – Arena Rock 27 Octubre – Barcelona – Music Boxes THE RASMUS 21 Noviembre – Barakaldo (Bizkaia) – Rockstar Live 22 Noviembre – Madrid – Sala Caracol 23 Noviembre – L’Hospitalet – Sala Salamandra THERION 4 Octubre – Madrid – Arena 5 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 6 Octubre – Barakaldo - Rockstar WASP 7 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 8 Noviembre – Santiago de Compostela – Capitol 9 Noviembre – Madrid – La Riviera 12 Noviembre – Cartagena – La Matriz Creativa 13 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2

ESPECIAL

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Lugar: Málaga. Fecha: 5 y 6 de Octubre. Artistas confirmados: Adrif, Gas Drummers, Gauntlet, Morphium, Noctem, Overdry, Sacristia, Trifulca, V3ctors, Vita Imana, Vórtice.

THE METAL FACTORY FESTIVAL

Lugar: Madrid (Sala Caracol). Fecha: 14 y 15 de Septiembre. Artistas confirmados: Inbred, Thirteen Bled Promises, Silent Havoc, Left In The Wake, Against The Waves, As My World Burns, Overdown, We All Fall, Kitsune Art y Wildhead.

MUNDO IDIOTA

Lugar: Madrid (Sala La Riviera). Fecha: 19 y 20 de Octubre. Artistas confirmados: Gigatron, Lendakaris Muertos, Siniestro Total, Mamá Ladilla, Nanowar, Putilatex, Los Gandules....

INTERNACIONALES METALCAMP 2012

Lugar: Tolmin, Eslovenia. Fecha: 5 al 10 de Agosto. Artistas confirmados: Machine Head,

Amon Amarth, Sabaton, Paradise Lost, Kataklysm, Pain, Finntroll, Korpiklaani, Black Dahlia Murder, Korn, Hatebreed, Testament, Edguy.

WACKEN OPEN AIR

Lugar: Wacken, Alemania. Fecha: 2 al 4 de Agosto. Artistas confirmados: Agro, Amaranthe, Amon Amarth, Aura Noir, Axel Rudi Pell, Circle Ii Circle, Coroner, Cradle Of Filth, D-A-D, Danko Jones Spoken Word, Dark Funeral, Darkest Hour, Dead By April, Decapitated, Delain, Dimmu Borgir, Dirty Rotten Imbeciles, Electric Wizard, Eisenherz, Endstille, Forbidden, Gamma Ray, Gehenna, Ghost Brigade, Graveyard, Hammerfall, Henry Rollins Spoken Word, In Extremo, In Flames, Insomnium, Kamelot, Kylesa, Leningrad Cowboys, Machine Head, Manticora, Massacre, Megaherz, Ministry, Moonspell, Napalm Death, Nasum, Oomph!, Opeth, Overkill, Paradise Lost, Red Fang, Riotgod, Sacred Reich, Saxon, Schandmaul, Scorpions, Sick Of It All, Six Feet Under, Suicide Silence, Sylosis,

Testament, The Black Dahlia Murder, The Bosshoss, Udo, Unearth, Volbeat, Warbringer, Warrior Soul, Watain.

BLOODSTOCK OPEN AIR

Lugar: Derbyshire, Inglaterra. Fecha: 9 al 12 de Agosto. Artistasconfirmados: Alice Cooper, Dimmu Borgir, Paradise Lost, Deicide, Behemoth, Dio Disciples, Sepultura , Iced Earth, Grand Magus, Lockup, Testament, Hatebreed, Anvil, Noctiferia, Infernal Tenebra, Rising Dream.

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Cinco años totalmente inactivos han estado GOOD RIDDANCE. No lo ha estado tanto RUSS RANKIN, su vocalista, quien ha seguido adelante con ONLY CRIME, intentando abrirse paso en solitario y defendiendo su ideales desde el partido de los verdes en EE.UU., carrera que, por otro lado, da casi por perdida. Cuando nadie se esperabaque su banda matter volviera a reunirse se obró el milagro y GOOD RIDDANCE han vuelto esporádicamente para dar algunos conciertos. Eso es lo que nos explica el propio Russ al teléfono. ¿Será el Resurrection la última oportunidad de verles? Habéis pasado un tiempo alejados de los escenarios. ¿Qué ha cambiado para que ahora hayáis vuelto? “Después de cinco años sin tocar juntos ahora es cuando hemos encontrado tiempo para poder tocar juntos porque todos tenemos unos horarios muy apretados y un montón de cosas que hacer en nuestras vidas. Durante los últimos años no hemos tenido mucho tiempo. Chuck (Platt, bajista) y Luke (Pabich, guitarra) tienen hijos además de que todos estamos en nuestros respectivos trabajos y andamos muy ocupados. Ahora es cuando hemos encontrado tiempo y hemos vuelto a tocar juntos”. ¿Se va a quedar como anecdótico o tenéis intención de continuar? “Ahora no te sé decir. Sólo tenemos conciertos y festivales para los próximos seis meses y todavía no hay un “después”. De momento vamos a concentrarnos en los

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conciertos que tenemos porque no hemos hecho ningún plan ni para volvernos a juntar para hacer más música o para dar más conciertos”. Eso también hace más especial conciertos como el del Resurrection. “Sí, está genial porque además no hay ningún tipo de presión. Todo lo estamos haciendo con mucha calma y sin problemas. Nos estamos divirtiendo mucho” (risas). Me alegra porque cuando empezaste con Only Crime te hicieron una entrevista en la cual comentabas que ya se había cumplido el ciclo y que se habían terminado Good Riddance. Es cierto que tampoco te pillabas los dedos y decías que “nunca puedes decir nunca” pero el miedo estaba ahí. A los fans les gustará mucho volveros a ver. “Es cierto. De hecho, quiero dejar claro que sigo con Only Crime. Lo bueno es que aho-

ra no estábamos muy ocupados tampoco y por eso he tenido tiempo para ambos. Con Only Crime tenemos casi terminado nuestro tercer disco y de hecho tengo casi acabado mi primer disco en solitario. Ahora mismo tengo tiempo para todo. En el pasado, con Good Riddance, salíamos de gira a lo mejor durante 9 meses al año pero ahora no, ahora tenemos conciertos salteados y eso me permite dedicarme un poco a todo”. Tengo la sensación de que le quieres dar cierta prioridad a tu carrera en solitario. “Sí y ahora es posible porque Good Riddance ya no me tienen tan ocupado. Ojalá pueda sacar mi disco en breve y dar muchos conciertos. Si funciona de verdad, Good Riddance pasará a un segundo plano aunque ahora mismo estén al menos nivel porque ambas cosas tienen la misma importancia para mí”. ¿Qué sentiste cuando volviste a subirte al escenario con tus antiguos compañeros a tocar canciones de Good Riddance? “Fue extraño pero a la vez fue muy fácil y salió muy bien. Lo único que me entristeció fue que volvía a cantar letras que tenían 15 años pero que siguen totalmente vigentes. Para mí eso es muy triste. Todos los problemas que reflejé en aquellas letras siguen ahí como si no hubiese cambiado nada”. La verdad es que ahora podrías escribir muchísimo material porque las cosas están peor que nunca. (Risas) “Es cierto. Cuando escribí todas aquellas canciones lo hice con cierta esperanza implícita. Era como un niño. Ahora veo esa misma esperanza como si fuese un crío porque no era real ya que el mundo ha ido a peor”. De todas formas, para ti supongo que el ver que hay un grupo de gente capaz de irse a Wall Street a montar protestas dará cierta esperanza, ¿no? “Sí. A ver, se hacen cosas que dan cierta esperanza de que las cosas están cambiando pero jamás verás nada de eso en las noticias, por ejemplo. En este país, por cada cosa que se hace bien se hacen 3 cosas mal. ¿No sé si me entiendes? Hay gente que está luchando y la esperanza está ahí pero también hay gente muy mala. Aquí hacen huelgas los trabajadores y no sale en ningún lado porque la prensa no es libre. En otros países ves que la prensa no tiene tantas mordazas y que hay sitio para sus voces pero aquí no. Aquí la gente piensa que sólo están los republicanos y demócratas y no es cierto. Hay muchísimos más partidos pero la gente no los conoce”. De hecho, tú estás en un partido político. “Sí, en el partido Verde pero hay mucha gente aquí en Estados Unidos que no sabe nada. Nosotros no salimos en las noticias con lo cual, cuando la gente va a votar, sólo piensa en los dos partidos principales. Hay otro problema aquí y es que hay muchísima gente que cierra los ojos para no ver lo que pasa en realidad. Yo he tenido la suerte de viajar y ver cómo son las cosas en otros países pero hay gente aquí a la que no le interesa. Se creen que son el ombligo del mundo y es una lástima. Ni siquiera se interesan por los países que tienen alrededor. Para ellos lo único importante es lo que pasa en América y de ahí no salen”. TEXTO: TESA NAVARRO

BANDAS QUE TAMPOCO DEBES PERDERTE EN EL RESU

El del RESURRECTION es un cartel plagado de grandes bandas. 40 formaciones pasarán por Viveiro (Galicia) entre el 2 y el 4 de agosto y aquí os ponemos las que tienen más atractivo para nosotros.

DESCENDENTS Cuatro han sido las veces que se han separado y vuelto a juntar. Los de Hermosa Beach con ‘Milo Goes To College’ (78) irrumpieron en el panorama punk como un soplo de aire fresco al incluir muchas melodías. De hecho son, junto con grupos como Bad Religion, los creadores del Hardcore Melódico del que luego bebieron bandas como Lagwagon o No Use For A Name. Tanto Descendents como All son dos bandas básicas para aprender cómo se deben usar las melodías en un tema de Punk.

SUICIDAL TENDENCIES ¿Qué decir de la banda de Mike Muir? Su última aparición en nuestras tierras fue en el Sonisphere y en aquella actuación (de las últimas del día) dejaron boquiabierto a todo el mundo porque los angelinos siguen en un estado forma envidiable. Vale que llevan tiempo sin editar material nuevo pero es que su legado es tan súmamente importante que poco importa. Discos como ‘Join The Army’, ‘Lights... Camera... Revolution!’ o ‘The Art Of Rebelion’ cambiaron el panorama metalero que vendría después.

GLASSJAW Lo reconocemos, somos unos flipados de Glassjaw. ‘Everything You Ever Wanted To Know About Silence’ es uno de los discos de cabecera en la redacción de REVOLVER y temas como “Piano” o “Ry Ry’s Songs” suenan frecuentemente a todo trapo cuando queremos evadirnos un rato. Tras una temporada desaparecidos para que Daryl Palumbo terminase de solucionar unos ligeros problemas que tenía con la voz, por fin volvieron al candelero. Se comenta que tocarán íntegro ‘Worship And Tribute’.

ANTI-FLAG Si hay una banda ahora mismo que represente a la perfección lo que es el espíritu Punk del 77, pero con aires renovados, esos son Anti-Flag. Llevan desde el 96 ascendiendo peldaños en cuanto a popularidad se refiere gracias a una integridad y su música. Su última referencia, ‘The General Strike’, es una maravilla, un disco de punk rock cargado de proclamas reivindicativas con mucha coherencia. “The Ranks Of The Masses Rising” debería ser el himno de la revolución que se avecina.

DEAD KENNEDYS Han sido la última incorporación al cartel y no, con ellos no viene el vocalista Jello Biafra y ahí está un poco el morbo de verles. Vienen con Jeff Penalty a las voces y seguro que será una de las actuaciones más explosivas de todo el festival. Discos como ‘Fresh Fuit Of Rotting Vegetables’ o ‘Plastic Surgery Disasters’ son básicos para entender el Punk Rock más clásico. Viveiro se convertirá en Cambodia durante unas horas.

CONVERGE Antes incluso de que nadie se hubiese sacado de la chistera el término “metalcore” ya estaban Converge partiéndose el lomo alrededor del mundo. Bandas como ellos, Botch o Earthtone 9 se adelantaron a su tiempo y no fue sencillo aguantar las embestidas de una industria musical que apenas entendía lo que hacían. Ahora parece que por fin cuentan con más adeptos aunque les llega en un momento de bajón. Sólo hay que echar un vistazo en su página web para alarmarse. ¿Será ésta su última gira?

BERRI TXARRAK Podríamos haber puesto a Soziedad Alkohólika pero hemos decidido decantarnos por los de Nafarroa porque sin duda son una de las bandas que más ganas tenemos de ver. Posiblemente ya hayas escuchado ‘Haria’ y sepas que es uno de los discos del año pasado. En él no se han puesto ningún tipo de ataduras y han lanzado uno de esos discos superlativos que marcan un antes y un después. Encima en directo ganan contundencia así que habrá que agarrarse los machos.

AT THE GATES Es curioso pero At The Gates han sido un poco como los Van Gogh del metal moderno. Resulta que después de algunos años peleando tuvieron que separarse porque no llegaban a ningún lado. Su Death Metal melódico no terminaba de cuajar en una escena que les tachaba de blanditos. Fue triunfar In Flames y todo el mundo fijarse de repente en que detrás del su sonido estaba la huella de lo que habían iniciado At The Gates. Suyo es el sonido Göteborg. Necesarios.

THIS IS HELL ¿Por qué This Is Hell y no cualquier otra de las que hay en cartel? Muy sencillo. Desde que escuchamos el feroz y encarnizado ‘Misfortunes’ nos quedamos enganchados con los de New York. La ferocidad de Travis Reilly en las voces hace que quieras romper todo cuanto te rodea sin importante una mierda las consecuencias. Además, les cogemos como un ejemplo de que incluso las bandas “secundarias” del festival van a ser brutales.

No os perdáis tampoco la actuación de THE EYES quienes harán en el RESURRECTION su concierto de despedida al anunciar recientemente su separación definitiva e inminente.

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REVOLVER ORGANIZA LA GIRA ESPAÑOLA DE LOS ITALIANOS

TASTERS

Ya hemos comentado alguna vez que no queríamos ser la típica revista que se hace en una redacción. Estamos también aquí para mancharnos las manos, para involucrarnos activamente en el fomento de la música en directo. Ya llevamos haciéndolo durante una temporada pero ahora lo vamos a hacer más activamente. De momento nos traemos a los italianos TASTERS. Es a Tommy (guitarra) a quién le sometemos a un cuestionario para saber más sobre ellos. Al principio os llamabais Tasters Choice. ¿Por qué lo cambiasteis? “Porque es una marca de café muy popular en USA. Nos obligaron a cambiar cuando recibimos un e-mail de Nestlé Nescafé, los propietarios del copyright, diciéndonos que o lo cambiábamos o tendríamos problemas legales. Tan simple como eso” (risas). Tuvisteis algunos cambios de formación en el pasado que directamente tuvieron una influencia en el sonido de la banda. ¿Qué paso con aquellos miembros? “Simplemente aquellos integrantes iban buscando algo más que el hecho de estar en la banda se convirtiese en su trabajo de verdad y tenían otros intereses”. Una de las cosas que perdisteis en el 18

camino debido a eso fue el toque de percusión, ese aire tribal que tenían ‘The Rebirth’ y ‘Shining’. ¿Por qué tomasteis la decisión de no incluirlo más? “Porque en el nuevo álbum no queríamos que hubiese ese tipo de percusiones. Era un sonido diferente y no hubiesen encajado muy bien”.

‘The Shining’, vuestro primer álbum, tenía todo para convertirse en un éxito mundial. ¿Qué pasó con aquel disco? ¿Cumplió vuestras expectativas? “La verdad es que funcionó muy bien en Japón pero, como todo nuevo disco, no éramos lo suficiente maduros todavía. Tenía canciones que habíamos compuesto en el 2002 y se editó en el 2005 así que

pese a que nos gusta estaba muy lejos de lo que es ‘Reckless Till The End’, nuestro nuevo álbum”. Este disco además es mucho más agresivo que los anteriores. ¿Qué ha pasado en el seno de la banda para mostrar ese lado tan violento? “Simplemente hemos hecho lo que más nos gusta y también ha sido el resultado

EL SALTO EUROPEO Con ‘Reckless Till The End’ y más concretamente con temazos como “Please Destroy This World”, TASTERS se han expandido al resto de Europa. Como toda banda que empieza comenzaron cosechando éxitos en su país natal bajo el nombre de TASTER’S CHOICE hasta que decidieron cambiarlo (o más bien recibieron una cordial sugerencia por parte de Nescafé para que lo hicieran) y quedarse sencillamente en Tasters. Desde entonces no han parado de crecer y evolucionar. No hace falta más que echarle una escucha a su primer álbum y a esas reminiscencias a lo Deftones que flotaban en el ambiente. Ahora han ganado en coherencia y originalidad, a la par que han endurecido su sonido hasta llevarlo al Metalcore más agresivo que te puedas echar en cara.

Z Así será la gira

Igual que queremos que el público conozca a TASTERS también queremos que los que se acerquen a ver a los italianos conozcan a bandas nacionales que tienen mucho que aportar. Estos son los ARTISTAS INVITADOS confirmados hasta la fecha con las ciudades en las que tocarán .

25 de Octubre Madrid

INBRED

Les descubrimos cuando vinieron de gira Black Dahlia Murder y nos quedamos completamente alucinados con su calidad. Metalcore a la altura de cualquier otra banda guiri. Echad un vistazo a su último vídeo "Blood River" y sabréis por qué.

Breakdown

Collapse

27 de Octubre Barcelona

Los de Mataró se formaron en el 2008 en su música se puede escuchar un compendio de Death Metal, Hardcore o Black Metal. Puedes descargarte en internet su primer EP y comprobar por ti mismo la mala hostia que se gastan.

de nuestras influencias y lo que escuchamos. Quizás seamos un poco más agresivos que en el pasado pero también depende de lo que han sido nuestras experiencias a nivel personal de los últimos dos años”. ¿‘Reckless Till The End’ tiene un sonido más americano. No sé si ibais buscando eso en cuanto a producción pero tengo la sensación de que os habéis cargado partes melódicas para meter mucha más caña. No hay mucho espacio (quizás algo más en “Shadows”) para aquellas líneas vocales más suaves que podíamos escuchar en ‘Shining’ y en ‘The Rebirth’. ¿Estáis de acuerdo con eso, que habéis llevado vuestra música a un nivel más agresivo?

“Yo no lo creo porque seguimos metiendo melodías en las canciones pero lo que quizás hayamos hecho es cambiar el orden. Hay canciones que contienen partes melódicas al final y no en los estribillos como sí hacíamos antes pero están ahí”. También me he encontrado cierta violencia en las letras, algo que estaba ahí latente desde el principio. ¿Qué tipo de cosas os ponen tan enfermos que necesitéis hablar de ellas? “Todo al final es el resultado de nuestras experiencias, de cómo está el mundo y de la vida que nos ha tocado vivir. Hay muchísimas cosas en este mundo que no nos gustan así que intentamos expresar nuestra rabia con las canciones”.

FLYTRAP

26 de Octubre Zaragoza

Formados en el 2010, Flytrap no tienen ningún escrúpulo a la hora de reconocer que su música se mueve dentro del últimamente denostado New Metal o Rapcore. Ahora es cuando por fin están sacando a relucir su propio sonido.

BUSCAMOS A UNA BANDA PARA BILBAO Aún la gira no está cerrada del todo. Todavía nos falta a una banda que quiera tocar junto a TASTERS en Bilbao y montarla gorda allí. Si tienes una y te interesa no dudes en enviarnos un e-mail a redacción@sufferinc.com con un enlace en donde podamos escucharos. Entre todas las que se pongan en contacto con nosotros seleccionaremos a la que compartirá escenario con Tasters y que tendrá su hueco en nuestras páginas del número que viene. 19

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BLESSED BY A BROKEN HEART EVITANDO COMPARACIONES Quizás sea el último en llegar pero SAM RIDER (guitarra) tenía muy claro dónde se metía. BLESSED BY A BROKEN HEART son ahora mismo todo un valor en alza y quizás dentro de muy poco hablemos de ellos en otro tipo de términos. De momento se están labrando una carrera sin prisa pero sin pausa y sólo les queda depurar un poco más su estilo para estar en una posición cercana a la élite. 'Feel The Power' nos dio la excusa para llamar al guitarra y saber cómo han compuesto estando cada uno en una parte distinta del planeta. ría unir a la banda y les dije que claro siempre y cuando a ellos les pareciese bien que siguiese en las dos bandas. Me dijeron que sin problemas y fue así de sencillo". Lo que hace especial 'Feel The Power es que hay notables diferencias entre los temas. Quizás se deba al hecho de que cada uno ha trabajado por separado. ¿Habría salido un disco parecido de haberlo compuesto todos juntos?

“Pues no lo sé" responde Rider dubitativo. "Yo creo que sí. Por ejemplo, “Skate Or Die” fue una de las primeras canciones que escribimos y se nota, comparada con el resto, que es más simple porque yo aún no estaba todavía aportando todo lo que podía aportar. Aún así, es complicado responderte. Lo mismo si hubiésemos compuesto todos juntos estando en la misma habitación habría tenido un efecto en resultado final aunque lo mismo no y habría salido lo mismo. Yo al menos estoy muy contento de cómo han salido las cosas en este escenario pero quién sabe si hubiese cambiado si nos hubiésemos juntado para escribirlo”. Quien escuche el disco verá que hay un cambio notable en cuanto a estilo. Hay temas como “Deathwish”, “Love Nightmare” o incluso “Forever” que suponen un soplo distinto dentro de la banda. Incluso su imagen ha cambiado. Teniendo en cuenta de que en el anterior el sonido de la banda estaba muy próximo al Hard Rock y en ese estilo es muy importante el look, no sabíamos si al haber cambiado de estilo era también necesario cambiar de imagen. “A ver, yo no estaba en la banda pero las fotos de ‘Pedal To The Metal’ sí que se notaba que la banda estaba fuertemente influencia, visualmente, por las bandas de Hair Metal, por las

"Las mejores bandas de Rock son las que te hacen pasar un rato agradable, esas que no se lo toman muy en serio".

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casa sabiendo hacia dónde queríamos que fuese el proyecto así que curramos todos juntos, luego por separado y luego nos volvimos a juntar para terminarlo”. Lo bueno que tiene esa manera de trabajar es que Sam ha podido compaginar su trabajo en Blessed con el de su banda de toda la vida, The Morning After. "Estoy liadísimo con las dos bandas pero me mola” nos decía entre risas cuando le preguntábamos si había tenido que "sacrificar" a la su otra banda. "El primer tour que hice con Bless fue con mi otra banda como grupo telonero por UK. Me llamaron preguntándome si nos interesaba ir con ellos de gira como banda invitada y les dije que por supuesto y sólo dos semanas después me volvieron a llamar diciéndome que Joel (Sauvé) no podía hacer los conciertos porque acaba de tener un crío y tenía que volver a los EE.UU. y les dije que por supuesto. Nadie me dijo nada más, si iba a seguir o no, pero sí que estuve haciendo dos shows por noche en aquella gira y la verdad es que salieron muy bien. Como no teníamos ningún plan con Morning After me ofrecí a ir con ellos por EE.UU. también porque no tenían a nadie y a ellos les pareció que era lo lógico. Me fui para allá y terminamos el tour. Fue ahí cuando me preguntaron si me que-

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Puede ser que hayas leído que Bleesed By a Broken Heart sean de Cánada. Si embargo, sólo uno de ellos reside realmente allí. Mientras que Ridier está en UK, "Tony (Gambino, vocalista) está en Nuevo México, Ian (Slater, batería) está en Florida, Sean (Maier, guitarra) vive en New York y sólo Tyler vive en Montreal (Cánada). Él es el único miembro original que queda en la banda” nos aclara el propio Sam al otro lado del teléfono. Estas distancias, gracias a las tecnologías, no son ningún tipo de problemas. funcionan a través de e-mails y Skype para poder ir trabajando. Entre risas, el guitarra nos comenta "todos los días nos intercambiamos millones de e-mails. Lo que hacemos es ir escribiendo y mandándonos las ideas y luego cuando tenemos algo concreto pillamos aviones y nos reunimos”. Sam ha sido el último en incorporarse. Lleva dos años en la banda y esa forma de trabajar, nos confiesa, no le resulta complicada. “No ha sido tan difícil. Empezamos a trabajar en el disco hará unos dos años. Cuando yo me uní a la banda empezamos girando por UK y luego nos fuimos para América. Allí tuvimos unas semanas sin hacer nada y nos pusimos a componer y a sentar las bases de lo que iba a ser este disco. Todo lo que fuimos creando nos lo llevamos luego a

bandas de Hard Rock angelinas y en éste sin embargo queríamos que fuesen más naturales. Nos pusimos chaquetas de cuero, camisetas y vaqueros pero… ¿has visto las fotos? ¿Has visto ese rollo Mad Max? Pues empezó como un chiste. Estábamos Tyler y yo divagando que molaría mucho hacerse una sesión de fotos a lo Mad Max porque adoramos la película y las pintas que llevaban. Un día que no teníamos que hacer nada en el estudio nos fuimos a dar una vuelta y empezamos a comprar un montón de cachivaches (gorras de baseball, chips de ordenador, cascos de hockey) y empezamos a hacernos nuestros propios trajes pero sin la intención de que fuese la portada del disco. Fue simplemente porque no teníamos otra cosa que hacer (risas). Cuando terminamos se los enseñamos al resto y les moló y por eso nos hicimos las fotos. Ahora hay un montón de gente que piensa que vamos así vestidos pero qué va, sólo fue aquel día para divertirnos (risas). Ahora nuestra imagen es más normal y el disco suena más a la New Wave Of British Heavy Metal… o quizás eso te lo estoy diciendo porque yo soy británico y es lo que me gustaría oír (risas). Ahora en serio, estoy contigo en que ha habido un cambio tanto de imagen como de sonido”. Como singles de presentación de "Feel The Power han lanzado “Forever”, “Deathwish” (la cual fue su primer adelanto) y ahora “Rockin’ All Night”. Si ahora sacaran “Love Nightmare” como nuevo single iban a dejar a la gente totalmente confundida. “Lo sé" nos dice riéndose. "Adoro ese tema pero no hay muchas así en el disco porque es muy heavy. Ese tema e “Innocent Blood” son como la transición entre ‘Pedal To the Metal’ y ‘Feel The Power’. Este disco ha significado un cambio en nuestro sonido y por eso queríamos dejar esas dos, porque son como un puente entre un disco y otro y hay mucha gente a la que le encantó ‘Pedal To The Metal’ y queríamos respetar eso”. Cuando la banda lanzó ‘Pedal To The Metal’ había otra banda haciéndose grande que eran Steel Panther. Obviamente estos son un “chiste” y sin embargo ellos son una banda más seria aunque las apariencias engañen. “Blessed By A Broken Heart no es un chiste pero tampoco es tan seria" nos aclara. "Hay muchas cosas divertidas también. Si hay algo que realmente queremos es que la gente venga a vernos y se lo pase muy bien. En mi opinión, las mejores bandas de Rock son las que te hacen pasar un rato agradable, esas que no se lo toman muy en serio. En Steel Panther están como interpretando papeles. Sí que es una comedia pero es lo que quieren hacer y tampoco engañan a nadie. Actúan como se supone que tienen que actuar las estrellas de Rock. He estado con ellos y son majísimos además de que son unos músicos impresionantes pero lo que quieren hacer es comedia y que la gente se divierta muchísimo. Nosotros también somos divertidos pero quitando esa parte de comedia”. Ahora les toca salir a defender el álbum en directo. Aún no tienen nada cerrado aunque, conforme nos comenta, los planes son muy ambiciosos. Europa, EE.UU, Japón y Australia estaban en esos planes para expandir su 'Feel THe Power'. Si vienen por aquí iremos para allá a sentirlo. TEXTO: CARLOS MEDRANO

K-OS

METAL SIN TONTERÍAS

Hacía muchísimo tiempo que no sabíamos nada de K-OS aunque sí que sabíamos que andaban reagrupándose después de un parón que ha durado casi 10 años. Con motivo de su regreso discográfico con ‘Planeta Violento’, no quisimos perder la oportunidad de hablar con GORKA (guitarra) para saber el ánimo que hay en la banda salmantina tras su regreso. Empecemos a hablando del “por qué” ahora. Desaparecisteis pero siempre ha estado ahí el "come come". “Es que te aseguro que nunca ha habido una separación ni informal ni formal de la banda. Nosotros en todos este tiempo, pese a no estar todos los miembros que debieran estar, hemos estado ensayando y sacando temas. Por razones personales este disco ha estado dos años ahí esperando a salir que ha sido cuando lo dejó el bajista porque no estaba anímicamente preparado y el guitarra que estaba enredado en otros proyectos. Si volvíamos tenía que ser al 100%”. ¿Tuvisteis que readaptar algún tema? “No te diría que algunos de los temas tienen diez años, que fue cuando lanzamos el anterior disco, pero sí que hay alguno de aquella época adaptado a los nuevos tiempos. ´Planeta Violento’ es un compendio de temas que han ido surgiendo en esta última etapa. De hecho ha habido temas que han salido en el estudio porque la grabación del disco la hicimos aquí en casa, en Salamanca, y nos ha llevado casi un año aunque a ratos. Hemos trabajado con una comodidad que ya quisieran otras bandas de otro nivel y eso nos ha permitido hacer temas allí mismo, algo que nunca nos había pasado. Yo creo que hay temas del antes, del ahora y casi del después”. ¿En algún momento os planteasteis que quizás había pasado demasiado tiempo para volver? “No, eso no. Lo que sí que teníamos muy claro es que si volvíamos tenía que ser con todas las consecuencias. Aprendimos mucho del pasado, de todos los errores cometidos y en esta ocasión vamos a ir a por todas”. Sabéis que esta vez no se puede quedar otra vez como algo anecdótico, como algo temporal. “Éramos muy jóvenes y de que de aquí (Salamanca) jamás había salido ningún grupo. En aquella época nos dejamos comer la cabeza tanto por la compañía como por el management y no supimos salir del hoyo. Aquello fue un desastre”. Eso fue lo que aprendisteis, que quizás os hicisteis unas expectativas porque estabais donde estabais pero que no se cumplieron. “Vas bien encaminado. Yo creo que todos los que estábamos en aquella compañía (Locomotive Music) salimos trasquiladas. Nosotros estábamos en la retaguardia pero sí que te vendían todo muy bien, con muchas posibilidades, pero que luego quedó todo en humo. Nosotros éramos una banda inexperta y nos dio mucho bajón. No fue solamente esto, que sí que nos afectó. También vivimos cosas muy buenas porque hicimos mogollón

de conciertos con bandas de la compañía, giras por todo el país y eso era un logro para una banda de Salamanca en aquella época, aunque nosotros ya veníamos de sacar una maqueta que había vendido 2000 unidades. Antes de fichar con nadie ya éramos conocidillos a nivel underground”. En vuestro primer disco os inventasteis un género que os habéis saltado a la torera en este 'Planeta Violento'. (Risas) “Lo del Radikal Metal fue una etiqueta que se inventó la compañía para vendernos porque no sabía exactamente dónde encasillarnos ni qué hacíamos. Eso es algo que mantenemos, el no definirnos dentro de un estilo. Hacemos Thrash, evidentemente, pero con muchas referencias al rock urbano nacional y al metal de toda la vida. Coje muchos estilos, mételos en una batidora y eso es K-OS”. Muchos estilos pero manteniendo la mala leche. “Sí, mucha mala hostia. Nuestras letras siempre son bastante críticas, bastante agrias y bastante cañeras y la música tiene que expresar eso también". De hecho, me ha dado la sensación de ser más visceral. “Eso quizás sea por la producción, porque no queríamos que fuese de este presente. No es una producción superactualizada porque buscábamos eso, el sonar muy directos, muy duros. Técnicamente no es que seamos la hostia con lo cual teníamos que sacar un disco que pudiésemos reflejar en directo”. ¿Qué planes tenéis ahora? ¿Hay que tomarse las cosas con cierta distancia e ir paso a paso? “En estos años yo creo que hemos madurado, ya no sólo musicalmente que se puede ver en el disco, sino también a nivel personal y una de las premisas que tenemos claras es que estamos volviendo casi como si fuésemos un grupo nuevo. Hay gente que nos sigue desde aquella época pero para la nueva hornada de gente que sigue esta música o no nos conoce o somos una referencia muy lejana y tenemos que ganarnos ese terreno. Tenemos que ganar nuevos adeptos y conservar los que ya teníamos”. Ahora es un momento más propicio de cómo está el panorama. “Lo que veo es que la nueva hornada de grupos que practican Thrash son muy buenos. Hay grupos con los que te quedas con la boca abierta. A mí ahora me vienen a la cabeza grupos como Vita Imana o Angelus Apatrida y hace 10 años no encontrabas a bandas con ese nivel". Sigue la actualidad de K-OS en facebook buscando metalk.os TEXTO: CARLOS MEDRANO.

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MORGOTH

HUYENDO DE LOS CULTOS

Hay muchas bandas a las que les gusta ser consideradas bandas de culto. Ese no es el caso de los alemanes MORGOTH quienes evitan vivir en el pasado para regresar a un presente que les parece mucho más atractivo. Sin embargo, es lógico que se les tenga en tal consideración pues suyas son algunas de las piezas angulares del Death Metal cuando éste era un género aún por desarrollar. Discos como 'Cursed'

sonaban demasiado enfermizos para el Thrash Metal que se hacía en la época y eso les llevó a tener que disolverse al no encontrar un nicho en el que sentirse cómodos. Después de muchos años ausentes (se disolvieron en el 98) el DVD 'Cursed To Live' les vuelve a traer a la actualidad ya que es su "retorno" a los escenarios. Hablamos con MARC GREWE con el que repasamos todas sus etapas hasta llegar al día de hoy.

¿Cómo surge la idea de volver a juntar a la banda? “Pues fue porque hace un par de años hubo mucha gente que durante las entrevistas del nuevo disco de Insidious Disease me empezó a preguntar qué había pasado con Morgoth y que si tenía algún tipo de plan para el 20 aniversario del lanzamiento de ‘Cursed’. En aquel momento ni se me había pasado por la cabeza así que respondí que no tenía nada pensado y que incluso alguno de los miembros originales de la banda no quería seguir tocando. Hasta ese momento, si te soy sincero, no había pensado en ello pero entre eso y que me llegaron un montón de mails preguntando que por qué no hacíamos algún tipo de reunión por el aniversario me picaron así que llamé a mis antiguos compañeros y les comenté la idea a ver qué les parecía. Además habíamos tenido algunas peticiones por parte de algunas agencias de contratación que nos querían en festivales así que, como los otros estaban también interesados en hacerlo, nos decidimos a volver. Eso sí, antes tuvimos que pasar por el local de ensayo para ver si éramos capaces de tocar las canciones (risas). Sabíamos que nuestro antiguo batería y uno de los guitarras no podían (o no querían) volver así que tuvimos que encontrar a otras dos personas que se unieran y la verdad es que funcionó muy bien. Había canciones que hacía como unos quince años que no tocábamos pero se ve que todavía las teníamos ahí en alguna parte escondidas de nuestros cerebros así que fue muy sencillo recordar los temas. Es como cuando borras un archivo de tu ordenador pero se queda por ahí un temporal por si acaso. Los ensayos sonaron muy bien, incluyendo a los dos chavales nuevos y el año pasado ya dimos algunos conciertos como de “calentamiento” antes de que llegara la época de festivales y así es como empezamos de nuevo”. Tengo que reconocerte que la banda suena ahora mejor que en el pasado. “Oh, vaya, muchas gracias (risas). Yo también lo creo (más risas). Si lo miramos fría-

mente, cuando lanzamos aquellos discos éramos muy jóvenes y nuestras habilidades como músicos no eran muchas. Ahora hemos mejorado además de que hacíamos una música que ni siquiera se había inventado como aquel que dice. Teníamos 17 ó 18 años y no demasiada experiencia con la guitarra. Hoy día es todo más sencillo además. Ahora no cuesta tanto comprarse instrumentos y tienes al alcance de la mano un montón de música gracias a internet. En aquella época tenías que rebuscar un montón para encontrar algo decente”. En el DVD se incluyen como extras algunos vídeos antiguos vuestros. Es curioso cómo ha cambiado todo. Ahora mismo rodar un vídeo así sería tremendamente sencillo pero en aquella época era dificilísimo ¿No sé si son cosas en las que tú también has pensado? “Sí lo he hecho pero es que ahora es todo completamente distinto a como eran las cosas hace 20 años. Ahora mismo la gente puede hacer un vídeo con el móvil y, en algunos casos, tendrá más calidad que lo que hicimos nosotros hace 20 años con cámaras profesionales (risas). Yo veo toda aquella época como si hubiésemos sido los pioneros y es extraño porque de aquello hace muy pocos años pero es evidente que los tiempos han cambiado muy rápido, sobre todo en lo que a la parte técnica se refiere. En el 91 era algo extraordinario tener un videoclip. Recuerdo que la primera banda que hizo un video de Heavy Metal fue Metallica con “One” en el 88 y todo el mundo flipaba. El nuestro salió tres años después y eso es una manera de ver cómo funcionaban las cosas antes y cómo son ahora. Ahora mismo cualquier banda con una maqueta se puede hacer un vídeo con un iphone y está bien. Antes necesitabas a todo un equipo de cámaras profesionales y un montón de equipo. Ahora la gente coge el móvil y le da al playback. Incluso puedes ver tu actuación de ayer porque alguien la habrá grabado con

el móvil y eso antes era imposible. Definitivamente son tiempos distintos. De hecho, nosotros hemos estado buscando vídeos antiguos para meterlos en el DVD y la calidad era malísima porque tienes que contar que la gente lo va a ver en unas televisiones planas con una definición brutal y, claro, todo lo que encontrábamos era espantoso (risas). Hemos llegado a encontrar conciertos del 91 que no teníamos ni nosotros pero la calidad era malísima así que no los hemos podido usar. Alguna gente dice que eso son cosas de “culto”. Yo creo que son simplemente una mierda” (risas). Os ha beneficiado porque haber hecho un “live” también os habría salido por un pico. De hecho, en aquella época la escena era pequeñísima como para haberos planeado hacer algo así. “Es cierto. Yo lo llamo la edad de piedra del Death Metal. En aquella época, a finales de los ´80 principios de los 90, éramos una de las pocas bandas que hacíamos este tipo de música fuera de Alemania. La escena era realmente pequeña compuesta por un puñado de gente. Recuerdo que en nuestros primeros conciertos iban a vernos unas 100 personas porque estábamos haciendo algo distinto. Para mucha gente era demasiado duro lo que hacíamos e incluso la gente a la que le gustaba el Thrash Metal decían que era demasiado brutal. En Alemania siempre ha habido una buena escena thrasmetalera pero costó mucho ir creando una escena deathmetalera. Cuando salieron bandas como Death o Morbid Angel aquello creció un poco y la gente se interesó más pero sí que recuerdo que en nuestros primeros conciertos, que serían en el 88, el Death Metal no existía en Alemania. Ahora mismo tienes festivales inmensos de Death Metal aquí pero en aquella época era algo totalmente Underground. Eran conciertos sólo para la gente fea (risas) para los renegados de la sociedad (más risas). Ahora sin embargo es casi algo muy mainstream. Si vas al Wacken ves que hay allí ochenta mil personas y eso hace diez años era algo impensable. Tengo la sensación de que el Metal se ha vuelto también un poco masivo lo cual tampoco está mal porque es a lo que aspiran muchas bandas. Yo recuerdo que cuando editamos nuestra primera maqueta había mucha gente que nos escribía y como no tenía dinero para comprar la demo nos enviaba botellas de vodka así que terminamos haciendo intercambios. Nosotros mandábamos maquetas y recibíamos vodka de Rusia, Polonia y la República Checa (risas). Hablemos del DVD. ¿Qué te pasa en los ojos? “Creo que esa noche bebí demasiado Red Bull (risas). Es un efecto que usé por primera vez en el 93 y lo descubrí estando en la óptica. Yo solía usar gafas pero quería empezar a usar lentillas. Cuando me las puso en los ojos, después de haberlas pasado por una solución salina, me enfocó con una lente UV y aquello empezó a brillar y me quedé fascinado. Le pregunté si me podía conseguir unas luces así para poner en los monitores y por eso se me ponían los ojos verdes. Es un pequeño truco pero que produce una buena impresión en los que van al concierto”. Lo que podemos ver en el DVD es que pese a tocar canciones escritas en los 90 suenan muy actuales. No sé si las habéis remozado para que no sonasen “antiguas”. “No te creas, fue algo que descubrimos de repente, que canciones que habíamos escrito hacía muchísimo tiempo funcionaban muy bien hoy día. De hecho, por las canciones de ‘Cursed’ parece como que no hubiese pasado el tiempo. Nosotros no habíamos pensado en ello pero hubo mucha gente que vino a decirnos que ése era un disco clásico de Death Metal y la verdad es que los temas han funcionado muy bien en directo. En ningún momento tuvimos la sensación de estar tocando algo antiquísimo ni nos sentimos como unos dinosaurios. Quizás fue porque ya en su día tuvimos muchísimo cuidado en los arreglos y eso ha hecho que hayan envejecido bien los temas y suenen actuales ahora mismo y al subirnos al escenario disfrutamos muchísimo tocándolos. Eso también se ha notado creo yo, que nos hemos divertido mucho. Hay muchas bandas que hacen las cosas por dinero pero odiándose los unos a los otros y eso lo sientes cuando les ves en el escenario porque no funciona. En el momento en el que tocas en la banda porque realmente te apetece es entonces cuando funciona, especialmente si tienes buenas canciones”.

"Cuando editamos nuestra primera maqueta había mucha gente que nos escribía y como no tenía dinero para comprar la demo nos enviaba botellas de vodka así que terminamos haciendo intercambios". Mucha gente se estará preguntando qué va a pasar ahora. Sería una lástima que os volvieseis a separar de nuevo. “Esa es la pregunta del millón (risas). Una vez que terminemos nos tomaremos un tiempo para pensar si escribimos nuevas canciones pero sin un plan premeditado. Vamos a sentarnos y ver qué pasa. Tenemos que ser pacientes y ver cómo se va desarrollando todo para, quizás, tener un disco preparado para el 2013 ó 2014. Quizás sea mucho antes porque lo mismo entramos en el local de ensayo y vemos que sale todo rápido, lo cual no estaría mal, pero queremos darnos tiempo para ver cómo va evolucionando la cosa porque preferimos tirarnos más tiempo pero hacer un disco con calidad que apresurarnos y lanzar algo que no le guste a la gente. Vamos a ver lo que pasa. Quizás nos salga todo muy rápido o quizás sea todo un poco más lento porque lo importante es que lo que hagamos tenga calidad”. TEXTO: CARLOS MEDRANO

DRAGONFORCE

RÁPIDOS COMO EL DIABLO

Normalmente la marcha de un vocalista suele determinar mucho el siguiente movimiento de una banda. En este caso, al estar centradas casi todas las miradas en el virtuoso HERMAN LI, DRAGONFORCE no han salido muy escaldados después de la salida de ZP Theart. Además han encontrado en un desconocido MARC HUDSON al reemplazo perfecto para inmortalizar ‘The Power Within’.

Contadme cosas del disco. No sé si con todos los cambios que habéis tenido en la formación éste es más especial. (H) “Pues me ha llevado como dos años hacer el disco porque desde que empecé a componerlo tuvimos bastantes cambios en la formación, incluyendo la entrada de Marc en la banda. Sí que ha habido varios cambios en los últimos dos años pero todos han sido positivos y cuando terminamos el disco nos sentimos realmente contentos”. He leído por ahí que cuando Marc se incorporó ya estaba casi todo el disco compuesto. (H) “Realmente no. Sí que había mucho escrito pero no estaba terminado. Cuando Marc entró fue cuando unificamos todo lo que teníamos compuesto y lo completamos junto a él”. Comenzaste a componer sin tener cantante. ¿Tenías en mente la voz que querías? (H) “Básicamente queríamos a alguien que fuese capaz de cantarlo todo (risas). Fue sencillo (más risas). Cuando ZP (Theart) nos comentó que no iba a seguir en la banda no teníamos nada terminado así que simplemente teníamos la intención de encontrar a un vocalista alucinante que pudiese hacer sonar las canciones mucho más dinámicas. De todas maneras, las melodías de voz las escribía yo también así que lo bueno es que no iba a cambiar mucho el sonido de la banda entrara quien entrara. Aunque cambiase la voz no iba a cambiar la personalidad de la banda”. De ti Marc he encontrado poca información. ¿Qué hacías antes de unirte a Dragonforce y fue complicado entrar en una banda de este nivel? (M) “Había estado en bandas anteriormente pero eran todas bandas locales. Ellos me habían visto cantar así que no hizo falta ninguna audición pero claro, estaba en una banda que tocaba delante de 20/30 personas. Pasar de eso a telonear a Iron Maiden me dio un poco de vértigo pero era algo a lo que tenía que hacer frente porque sabía dónde iba a entrar. A lo largo de este tiempo he tenido que

aprender muy rápido porque tuve que echar mano de todo lo que había aprendido durante los cinco años que llevo cantando para subir al escenario y no parecer un pardillo”. Escuchando 'The Power Within' he encontrado un cambio significativo. Me ha dado la sensación de ser un disco más variado. (H) “Es porque lo hemos llevado por distintos caminos. Tenemos, por ejemplo, “Holding On” o “Heart Of The Storm” que son las típicas canciones de Dragonforce aceleradísimas o “Fallen World” que es incluso todavía más rápido. Sin embargo, luego tienes “Cry Thunder” o “Seasons” que son mucho más lentas, lo cual hace que el disco quede equilibrado. Al final tienes un compendio de canciones rápidas, lentas e incluso una acústica. Lo bueno es que gracias a la voz de Marc hemos podido ampliar horizontes y ahora hay canciones que están cantadas en un tono muy alto y otras en otro más bajo como “Give Me The Night”. Con él hemos podido explorar mucho más tanto en las partes vocales como en la música”. No me preguntes por qué pero al escuchar el disco, tengo la sensación de que le habéis puesto menos importancia a la guitarra. No sé por qué. Es como que habéis hecho cosas más simples para centraros en la canción. (H) “Tienes razón pero a la vez te equivocas (risas). Yo creo que los solos en este disco son más cortos porque nos centramos en que encajaran y en que todo sonase bien. En los discos anteriores la rutina era: escribía la música, íbamos al estudio a grabar y salíamos de gira. No tocábamos juntos como cualquier otra banda. Esta vez hemos tocado e improvisado juntos como una banda y se nota más humano. En el pasado no teníamos tiempo para eso porque íbamos muy rápido pero esta vez hemos tocado juntos para que Marc se integrase y eso también nos hizo hablar mucho más entre nosotros, concentrándonos más en el feeling que en la técnica". TEXTO: CARLOS MEDRANO 23

PROFILES

Cuando uno tiene las espaldas cubiertas y está en una banda que funciona bien como es ALKALINE TRIO puede permitirse ciertas licencias y experimentar con otros conceptos al margen de su banda matter. MATT SKIBA se ha inventado para tal propósito a The Sekrets y con ellos ha registrado 'Babylon', un álbum más introspectivo que nos muestra a un músico mucho más tranquilo y pausado. Esto es lo que nos cuenta el propio Matt al respecto. ¿Qué te ha motivado a lanzar disco en solitario? “Quería hacer un disco fuera de Alkaline Trio porque ahí componemos todos y quería hacer uno por mí mismo. No tenía ni idea de si iba a ser un disco acústico, si iba a ser más rockero, si iba a tener un lado más electrónico así que quería ver qué salía. Además quería tocar con más gente. En Alkaline Trio, obviamente, somos tres personas así que quería hacer algo para tocar en directo con un teclista, dos guitarras, cantar sin tener que tocar yo… esas son las razones principales”. O sea que llevaréis teclista en la gira. “Sí, vendrá Lesley (Hardy) de Murder City Devils”. Es curioso porque al final en el disco mantuviste la estructura de trío. “Lo hice porque yo mismo puedo tocar el piano, por ejemplo, pero en directo no puedo hacerlo todo así que necesitaré integrar a gente en la banda”. El disco básicamente lo has grabado junto a Jarrod Alexander (batería) de 24

My Chemical Romance y Hunter Burgan (bajo) de AFI. ¿Cómo surgió el hacer algo juntos? “A Jarrod Alexander le conocí porque me lo recomendó Cameron Webb (productor de Alkaline Trio). No nos conocíamos personalmente pero cuando le comenté a Cameron que estaba buscando un batería éste me recomendó que hablase con Jarrod porque ellos sí que son muy amigos. Luego sí que nos hemos hecho muy amigos pero apenas nos conocíamos al principio. Hunter y yo, sin embargo, sí que somos amigos desde hace muchísimo tiempo porque hemos tocado varias veces con AFI. De hecho él fue la primera persona en la que pensé cuando dije de empezar el proyecto y le quería en el disco. Le pregunté y su respuesta fue que sí”. No es la primera vez que lanzas algo en solitario. Ya hiciste otro proyecto, The Hell, junto a Atom Willard de Angels & Airwaves. ¿Por qué no le llamaste a él? Quizás hubiese sido más cómodo a la

hora de desarrollarlo. “Quizás habría sido más sencillo pero no quería mezclar. The Hell es una banda distinta y mucho más cañera. De hecho, la idea de The Sekrets surgió antes que la de The Hell y sí que se lo podía haber propuesto a Atom pero me gusta probar cosas distintas con gente diferente. Habría sido más sencillo pero quería diferenciar ambos proyectos”. Está claro que es muy fácil comparar lo que has hecho con The Sekrets con Alkaline Trio aunque noto que en este proyecto hay como mucha más espiritualidad. ¿Qué querías reflejar con él? “A ver, es obvio que yo he escrito toda la música y que es mi voz así que obviamente va a sonar a Alkaline Trio porque lo he compuesto de la misma manera y usado acordes muy parecidos así que va a haber elementos de AT en The Sekrets pero sí que quería llevarme las canciones hacia el terreno del post punk inglés de los ´80. Yo siempre he estado fuertemente influenciado por el post punk de The

Cure y en este disco quería meter más teclados, ritmos electrónicos y otra serie de cosas que no tengo ocasión de utilizar con Alkaline Trio así que lo que

CAMINOS

MATT SKIBA

and the sekrets

BUSCANDO A LUCIFER

SEPARADOS MATT SKIBA no ha sido el único vocalista que ha necesitado tener su espacio para lanzar su material más "personal". Aquí van otros vocalistas que han hecho lo propio.

Eddie Vedder (Pearl Jam)

Dos han sido los discos que ha sacado en solitario Eddie Vedder. En el 2007 lanzó la banda sonora de la película 'Into The Wild'. El carácter de aquellos temas (mucho más íntimos que los de Pearl Jam) se sirvieron para ganar notoriedad como artista en solitario y, también, para levantar algunos bulos sobre su posible salida de PJ. Obviamente ésta jamás llegó pero sí lo hizo un segundo álbum llamado 'Ukelele Songs' compuestos con tan singular instrumento.

GREG GRAFFIN (Bad RELIGION)

Además de cantante de Bad Religion, Greg Graffin es profesor de Ciencias en la Universidad de California y, cuando tiene tiempo, también edita discos en solitario. De momento tiene un par en su haber, muy distintos a lo que hace en su banda mater. Éstos son totalmente tranquilos y os recomendamos 'American Lesion' (1997) por su cadencia.

SCOTT WEILAND (Stone Temple Pilots)

quería hacer es un disco de Post Punk”. Y qué me dices de ese toque espiritual que te comentaba antes. ¿Existe? “Sí, creo que ahí llevas razón”. Creo que ahí radica principalmente la diferencia con Alkaline Trio, en que es mucho más sensitivo y no tan directo. “Eso es porque en The Sekrets todo es más personal. En estas canciones

hay una influencia de todo aquello que me toca la fibra y lo que he hecho ha sido transportar todo eso a las canciones de forma muy metafórica” ¿Te has dejado canciones fuera si sonaban mucho a Alkaline Trio para que quedase constancia de que esto era algo más personal? “Es que en realidad no quería que tuvie-

SÓLO UN DESCANSO

Es posible que mucha gente al enterarse del lanzamiento de este 'Babylon' y su seriedad haya pensado que era el fin de ALKALINE TRIO. Como nosotros también teníamos ese temor le preguntamos abiertamente a Matt y no hay por qué preocuparse. “Nos hemos tomado simplemente un ligero respiro" - nos comenta con la voz cansada pues debe ser pregunta recurrente. "Hemos hecho un montón de conciertos. Sé que al haber editado un disco en solitario la gente puede pensar que “Alkaline Trio tienen problemas” pero no es así. De hecho entramos a grabar en junio y espero que podamos lanzar nuevo álbum en otoño".

se un toque más personal. Simplemente quería hacer las cosas de otra manera”. Para terminar me gustaría preguntarte por cómo son tus rutinas cuando estás de gira. ¿Eres de los que te quedas en camerinos o de los que sale a ver la ciudad? “Yo soy un aventurero. Intento tener siempre tiempo antes de las pruebas de sonido para dar una vuelta por la ciudad e ir visitando cosas. Sabes, tengo un amigo en Madrid que me dijo hace tiempo que allí tenéis la única estatua que existe de Lucifer. He intentado encontrarla siempre que he ido para allá pero no he sido capaz todavía. Además, también soy un enamorado del arte y allí tenéis exposiciones de algunos de mis pintores favoritos así que en la próxima gira intentaré visitar algunos de vuestros museos”. Pues nada, llámanos que nosotros te enseñamos dónde está la estatua que la tenemos localizada. TEXTO: TESA NAVARRO

Tres son los discos en solitario que tiene editados el también ex-vocalista de VELVET REVOLVER. Pese a que con banda Weiland es más enérgico y convulsivo, en la intimidad se desata como todo un crooner ('12 Bar Blues') o como un tío que sabe hacerse sus propios villancicos ('The Most Wonderful Time Of The Year').

JOEY CAPE (LAGWAGON)

Durante los ocho años que han estado Lagwagon desaparecidos de los escenarios, al vocalista Joey Cape le ha dado tiempo a centrarse en Bad Astronaut y en su carrera en solitario. Ésta no tiene absolutamente nada que ver al ser casi todas sus creaciones en formato acústico.

PROFILES

BARONESS

POR CAMINOS PEDREGOSOS Mientras que hay un montón de bandas intentando impactar en el público, BARONESS se han decantado por simplificar su propia fórmula en 'Yellow Green', su nueva referencia. Después de dos soberbios álbumes He mirado en vuestra página web que vais a estar este verano por Europa. Lo que no he visto han sido las fechas de España. “De hecho vamos a estar en Europa todo el verano. Las fechas de España se harán públicas una vez que haya sido editado el álbum y tampoco aparece que vamos a tocar con Alice Cooper. La verdad es que será un poco raro (risas). Allí en Madrid sé que tocaremos de nuevo en El Sol. Sé que todavía no está anunciado así que te lo doy a ti en exclusiva (risas). Yo por lo menos ya he visto el contrato firmado” (más risas) (Ndr. Sólo unos días después se hacía pública la noticia de su visita). Teniendo en cuenta que usáis los colores para nombrar vuestros discos 26

habéis unificado dos en uno. ¿Por qué? “Hay mucha gente que me está preguntando por eso así que te lo explico. Lo primero que sí que me gustaría dejarte claro es que nosotros cuando lanzamos un disco es básicamente para empezar gira que es la prioridad de la banda. Obviamente somos una banda que giramos muchísimo y más conforme acabamos de sacar nuevo disco. Cuando terminamos la gira del ‘Blue’ tomamos la decisión de no hacer ningún concierto ni ninguna gira durante el 2011 para escribir el álbum. Nos habíamos dado todo el año pero después de dos meses teníamos listos casi dos discos. Seguimos escribiendo un mes más y nos encontramos con que teníamos cerca de 30 canciones así que

como fueron 'Red' y 'Blue', los de Savannah unifican en uno los que podrían haber sido dos lanzamientos para demostrarle a su público su actual estado anímico. Nos cuenta todo su vocalista JOHN DYER BAIZLEY. empezamos a hacer purga hasta que nos quedamos con unas 18 y caímos en la cuenta de que todas podían encajar en un disco pero claro, iba a ser demasiadas canciones para un solo álbum. En vez de grabarlas y editar dos discos por separado esperando entre uno y otro decidimos hacer dos discos porque era la mejor manera de editar las canciones para que tuviesen un significado porque cada vez que editamos un disco queremos que la gente lo escuche de principio a fin y por eso decidimos poner los dos juntos. ¿Tiene sentido para ti?”. Sí, la tiene. Lo que no me queda tan claro es si vosotros sabíais qué canciones iban a ir en el lado “amarillo” y cuáles iban a formar parte del verde. La

parte amarilla por ejemplo, la veo más relajada. “Sí, eso ha sido premeditado. Cuando tuvimos la idea de lanzar los dos discos juntos sí que había unas cosas que queríamos lograr; la primera era que cada disco, por separado, tuviese entidad como si fuesen álbumes sencillos. Después tenían que tener un nexo de unión al ponerlos juntos y que se sujetase pero que se notasen las diferencias entre uno y otro para que el oyente supiese cuál tenía que escuchar primero y cuál después. La idea fue concentrar las que eran más rockeras en el primero para poner en el las partes más enérgicas y luego que en el segundo estuviesen las canciones más reflexivas. Lo ideal sería que la gente lo

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escuchase como si fuese el mismo disco pero dividido en dos partes”. Me has comentado que la banda ha nacido para estar de gira. Supongo que si os pusisteis a componer después de venir con toda esa energía de directo se vería de alguna manera reflejado en las primeras composiciones ¿no? “No necesariamente. He hecho, las primeras canciones que empezamos a componer fueron las más melódicas. Estuvimos dándole muchísimas vueltas a los temas y fue complicado ver qué secuencia iba a ser la mejor porque queríamos que ambos discos tuviesen un sentido, el que tienen ahora básicamente. Yo la idea que tenía en la cabeza era como que este disco iba a ser la banda sonora de una película de acción; al principio hay mucha energía, después vienen los conflictos, la resolución de lo mismo y, la última canción del disco sería como la que aparece en los créditos”. No lo había pensado pero tiene sentido. Lo que sí he visto es que habéis incluido cosas nuevas en las canciones. Habéis abierto distintos caminos. La reputación de la banda ha crecido muchísimo a lo largo de estos años y tampoco podíais repetiros. “No claro. Jamás hemos querido repetir ninguno de nuestros discos. Eso es importantísimo para nosotros. En este disco queríamos hacer algo diferente para poder hacer en el futuro lo que nos de la gana. Va a ser un camino lento pero si vamos purgando e innovando no impor-

tará qué dirección cojamos en el futuro porque tendrá sentido y estaremos cerca de hacer lo que nos de la gana y eso es importante para nosotros. Nos preocupamos de la música que hacemos porque queremos preparar una situación en la que nos siga entusiasmando hacer nuevos discos”. Cuando una banda tiene una entidad como la que tiene Baroness ahora mismo es complicado ir añadiendo cosas nuevas sin llegar a distorsionar vuestro propio sonido. Sin embargo en este disco habéis tenido esa habilidad para poder hacerlo o esa es la sensación que tengo. “Y tienes razón. Creo que eso nos viene también de toda la experiencia que hemos ido acumulando a lo largo de todos estos años. Cumplimos diez años ahora y vamos a dar unos 200 conciertos este año y todo eso suma. Cuando empezamos teníamos muchas limitaciones en cuanto a habilidades musicales pero lo compensábamos porque estábamos muy motivados y teníamos un montón de ideas en la cabeza. Durante esta última década eso no lo hemos perdido, porque seguimos teniendo un montón de inquietudes y, aunque no lo hemos logrado todavía, sí que creo que estamos muy cerca de lograr el poder plasmar nuestras personalidades en un disco porque nuestras habilidades también han crecido. Seguimos siendo muy agresivos pero ahora sabemos cómo orientarlo, más que cuando éramos unos chavales”. Lo que veo que habéis mantenido es que hay muchas veces que me da la sensación de que escribís las canciones como si fuesen a ser instrumentales, de que primero escribís la música y, cuando ésta funciona, ya le metéis la letra y la melodía vocal. “Sí, sí, lo que pasa es que funcionábamos más así en el pasado. Muchas de nuestras canciones antiguas las hacíamos tal y como has descrito porque primero hacíamos la música y luego cuando la teníamos hacíamos las letras. En éste sin embargo hemos hecho canciones en las que la melodía vocal era lo primero que nos vino a la mente y luego le compusimos la música alrededor. ¿Sabes qué? Hay muchas veces en que nos preguntan eso, que qué hacemos primero, si la letra o la música, y te aseguro que hay veces que no sé qué contestar porque para mí sigue siendo una especie de misterio que ocurre. A nosotros lo que sí nos preocupa es que, hagamos lo que hagamos o cómo lo hagamos, suene bien. En este disco, por ejemplo, hemos tratado de darle también mucha importancia a las voces, que sonaran bien, porque lo necesitábamos”. También lo he notado, que no os habéis puesto ninguna restricción a la hora de hacer las melodías vocales. “Correcto. Ese ha sido un gran paso para nosotros, sobre todo si lo comparamos con las líneas vocales que hicimos en el pasado. Creo que en los discos anteriores fue muy complicado cuadrar una melodía vocal en la música distinta a la que metimos porque ésta era muy complicada y bastante técnica. Tenía que ser muy agresiva para que encajase. En este sin embargo quisimos cambiar un poco eso y ahora hay mucho más espacio para las voces porque las estructuras también se han vuelto más flexibles”. Además de que te ha dado más libertad a la hora de meter melodías que se echaban de menos en el pasado.

"Al igual que nuestra música se ha vuelto más sincera, las letras se han vuelto más emocionales y hablan de todos los cambios que he sufrido en mi vida"

“Eso es cierto”. De hecho creo que “March To The Sea” es el ejemplo perfecto de cómo la banda ha crecido en ese sentido. “Yeah. Creo que jamás habíamos escrito una canción tan simple antes. De hecho son cuatro acordes tocados una y otra vez y fue como un ejercicio a ver si éramos capaces de hacer algo tan simple. Estábamos acostumbrados a meter mil acordes en una canción y queríamos quitar un montón de cosas para ver si éramos capaces de hacer un tema como Nirvana o como Pixies que fuese sencillo y directo pero que conservase la energía y el impacto. Yo particularmente estoy muy satisfecho al haber podido hacer material así y creo que eso ha dado una nueva dimensión al sonido de la banda. Hemos trabajado muy duro desde que empezamos para ir desarrollando nuestro propio sonido pero, por otro lado, también necesitábamos cambiar, ampliar nuestro espectro”. La verdad es que hay bandas que siguen esa evolución, reducirlo todo al máximo hasta lograr una obra maestra. “Sería algo así sí. Durante la creación de este nuevo disco hubo momentos que incluso nosotros nos quedamos algo confundidos porque estamos componiendo canciones que eran muy distintas a lo que habíamos hecho en el pasado. Es más, si intentábamos componer algo que se pareciese a lo que habíamos hecho en los discos anteriores no nos salía. De repente se abrieron nuevos caminos y nos dimos cuenta de que estábamos haciendo algo nuevo para nosotros y daba la sensación de que no había otra opción que seguir ese sendero. No sé luego lo que pensarán nuestros fans sobre lo que hemos hecho. Alguna gente lo adorará y otros lo odiarán aunque tampoco podemos darle mucha

importancia a lo que digan porque lo más importante es lo que creamos nosotros y la verdad es que, ahora mismo, estamos redescubriendo nuestra propia música. Habrá fans que se queden y otros que se vayan pero esto era algo que teníamos que hacer y lo que tenía sentido para nosotros. No teníamos otra opción”. Antes hablábamos de que el disco tenía como dos caras. Por un lado estaba la parte más cañera y por el otro había una parte más introspectiva. Sin embargo, ¿por qué tengo la sensación de que hay mucha tristeza sobrevolando ambas partes? “Sí que está. Esta vez he escrito las letras de una manera un poco extraña poniéndomelo también a mí como un reto porque en el pasado lo escondía todo detrás de la música. Digamos que no era capaz de hablar abiertamente de las cosas por el simple hecho de no sentirme demasiado expuesto. En éste me he abierto mucho más y al igual que nuestra música se ha vuelto más sincera las letras se han vuelto más emocionales y hablan de todos los cambios que he sufrido en mi vida. Hay como muchas cosas confidenciales dentro del álbum de las que podía hablar porque iban a funcionar bien con la música y que podía expresar a través de ese material”. Tengo la sensación de que este es un disco para disfrutar con las letras delante, siguiéndolas para poder meternos en el álbum. “Eso es. Es una excusa perfecta para hacerte con una copia física del álbum (risas). Pero sí, si tienes las letras delante te puedes involucrar mucho más en el álbum y realmente creo que son muy importantes en este disco”. TEXTO: TESA NAVARRO

SU LADO "SECRETO"

Fuertemente influenciado por el artista checo Alphonse Mucha, John Dyer Baizley tiene otra pasión a parte de la música, la pintura. Suyas no son sólo todas las caratulas de BARONESS y su merchandising. De la creativa mente de Baizley también han salido las portadas de bandas como Kylesa, Pig Destroyer, Skeletonwitch, Torche, The Red Chords o Flight Of The Conchords. Podéis ver su obra en la página web http://aperfectmonster.com/

PROFILES

CUANDO LO

ORGÁNICO

SE CONVIERTE EN

IMPRESCINDIBLE

BOOBOLOGY

Debutaron con 'Paradox' en donde dejaban ver algunas carencias que hasta ellos mismos asumían. La historia a cambiado con 'The Day The Earth Stood Still', en donde nos encontramos a unos BOOBOLOGY mucho más equilibrados. Ya comentamos en el número anterior que el disco nos había sorprendido mucho así que llamamos a ELOY (guitarra y cantante) para que nos contara algunos entresijos.

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en algunos pasajes del disco. Con ambas estaba completamente de acuerdo y en éste quería mejorar en ese aspecto y creo que este disco ha supuesto un crecimiento en los dos aspectos”. Más intensidad sí que hay. Yo he notado este disco más creíble. “Sí, esa es la palabra. No somos un grupo de Hardcore, de empezar el tema con voces guturales. Tampoco es eso. Para sí que hemos hecho más hincapié en las transiciones, en que hay algo que estás contando y que pasa por diferentes fases. Son muy importantes esos matices dentro de que hacemos una música que está en el Metal pero que es orgánica y digerible, sin intención de que sea comercial. La intención era hacer algo equilibrado y en este disco lo que he intentado es que la voz se integrase más con la intención que llevan los instrumentos porque en el otro falta eso". A mí lo que me ha dejado impactado ha sido la portada. La niña con la máscara de gas puesta me parece tremenda. "Siempre nos ha gustado jugar con la ironía. En la portada sale la niña jugando con la muñeca pero con la máscara puesta y lo tiene completamente asimilado. Yo creo que eso es lo que nos está pasando ahora, que nos estamos acostumbrando a que nos puteen y nos hagan de todo y no hacemos nada. Va por ahí también un poco el rollo. Yo creo que nuestra música es así y queríamos reflejarlo en el concepto. El tema de la asepsia que hay en este disco es porque queríamos reflejar que hay más madurez en el concepto pero por otro lado no podemos renunciar a ese lado más oscuro y siniestro que tiene nuestra música”. Otra de las cosas que llaman la atención es el idioma. Os lo habrán preguntado mil veces pero ¿por qué recurrir al inglés? "El hacerlo así nos ha complicado todo un poco pero es que yo me he negado rotundamente a hacerlo en español desde siempre. Yo he crecido escuchando este tipo de música en inglés y no la acepto en español. Yo no podría escuchar a Alice In Chains cantando en español, por ejemplo. Sería como ver a un cantaor flamenco cantando en inglés. Me produce rechazo. Quizás sea muy cerrado en este aspecto aunque lo he probado. He hecho algunos textos en castellano que se han ido a la papelera de reciclaje directamente. Además de que, siéndote sincero, no creo que si cambiásemos al español íbamos a lograr más cosas. Ha habido grupos que lo han hecho y han tenido que volver al inglés. Las canciones al final están contando las cosas y luego es el interés que le ponga cada uno al escucharlas. Evidentemente para alguien que habla inglés es mucho más fácil pero también creo que la manera en la que cantas las cosas hacen que se transmitan. Por otro lado, las leetras son muy abstractas siempre y están abiertas a la interpretación. Es como el nombre de la banda, que siempre me preguntan y siempre digo lo mismo, que en el momento en el que exprimes las cosas y las explicas les has matado la magia. Con la letra de los temas pasa lo mismo. Aún fuesen en español son letras muy abiertas y cada uno puede darle la interpretación que quiera”. Si te ha picado la curiosidad por saber de dónde viene el nombre de la banda, quizás deberías buscar en youtube el vídeo de Dubble Dezz and The Outerspacerz. Quizás vayan por ahí los tiros. TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO

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Ya habéis lanzado el disco. ¿Qué tal la respuesta? “Bien aunque está las cosas en general muy mal. La gente está un poco apática, como con pocas ganas de nada. No sólo en la música porque también lo he notado en mi trabajo. Yo me dedico a la pintura y también lo he notado ahí. Hay una preocupación general que nos está pasando factura a todos. Con el disco van saliendo cositas aunque esperamos más. Con ‘The Paradox’, siendo un disco inferior a éste, salieron muchísimas cosas. Ahora esperamos igualarlo por lo menos lo que pasa es que en los tres años que han pasado la cosa ha empeorado muchísimo. Cuando la gente escucha luego el disco aprecia el esfuerzo que has hecho y les gusta pero ahora hay que ver los resultados que se obtienen”. La verdad es que hay veces que dan ganas de tirar la toalla. “Pero es que nos hemos acostumbrado a que todo tenga que ser sacrificio. Esto nos compensa porque nos gusta lo que hacemos pero hay que hacer unos esfuerzos tremendos en todos los sentidos, pero nos encanta esto e intentamos hacerlo lo mejor que podemos. Luego cuando ves que a la gente le gusta compensa todo ese esfuerzo”. Por lo que parece eres el principal compositor de todos los temas. ¿Cómo trabajais en ese sentido? “Hemos funcionado intentando hacer canciones en el local entre todos y lo que sale no lo identificamos con el sonido del grupo (risas). No es que sea una imposición mía sino que ha salido de forma natural. Al componer las melodías con la guitarra voy desechando en función de cómo van conviviendo las dos cosas. Luego le presento los temas al resto y entre todos los arreglamos y los terminamos. Es un proceso larguísimo porque yo voy probando distintas afinaciones y distintas melodías y si eso te lo llevas al local se monta mucho jaleo. Con la guitarra a lo mejor puedo estar dándole vueltas a un riff durante una semana. Con esas cosas soy muy analítico y muy metódico y voy apuntando lo que funciona y lo que no y todo eso en el local no lo puedes hacer. Como habrás visto es una música en la que está todo muy calculado. Está todo muy estructurado y esa manera de hacer las cosas va mucho con mi personalidad. Luego el resto de la banda se siente muy implicada en todo porque nada se impone sino que sale todo de forma natural. Más o menos es la misma forma que compusimos ‘Paradox’ con una diferencia y es que en este me siento ya más vocalista que guitarrista porque yo empecé en la banda tocando la guitarra. Teníamos otro cantante que se fue y como yo era el que componía las melodías decidimos que cantara yo. A mí me pareció una locura al principio pero fue muy importante para mí la confianza de Alberto Madrid (Ndr. Batería de Sober tristemente fallecido). A él le encantaba lo que hacía y, de hecho, en el ‘Paradox’ iba a hacernos una colaboración en las baterías pero tuvo el accidente. Él me decía que lo único que me faltaba era confianza, que me lo tenía que creer y en aquel primer disco todavía se nota esa timidez. Las líneas vocales en ése eran mucho menos arriesgadas y eso ha ido madurando. He cogido confianza y en este dicho le he echado cojones porque eso también me lo decía la gente, que tenía que meter en disco los cojones que le echo en directo. Cuando salieron críticas del ‘Paradox’ decían que había dos puntos a mejorar: uno a nivel de sonido y otro que le faltaba cierta agresividad

"No podría escuchar a Alice In Chains cantando en español, por ejemplo. Sería como ver a un cantaor flamenco cantando en inglés".

Por muchos años que pasen, INCUBUS serán siempre una de mis bandas de cabecera. Me enganché a ellos con aquel tremendo ‘S.C.I.E.N.C.E.’ y, pese a que su música ha evolucionado hacia pasajes más blandos y experimentales, siempre suelo recurrir a ellos cuando las necesidades de evasión son demasiado grandes. Con motivo de su visita al Rock In Rio nos vimos con MIKE EINZIGER (guitarra) y BRANDON BOYD (vocalista) para tener una más que agradable charla en los camerinos antes de que saliesen al escenario. Texto: Roberto Villandiego. Fotos: Javier Bragado No era la primera vez que hablaba con ellos. A lo largo de los años he tenido la oportunidad de hablar varias veces con ellos pero siempre ha sido en rondas de entrevistas en donde el músico siempre te cuenta lo que quieres oír. En esta ocasión era distinto. Por fin podía tener un encuentro con Incubus cara a cara sin ser un fan desatado como la primera vez que nos vimos en persona. Fue en Macumba en el 2001. Tocaban 30 32

con los ingleses Hundred Reasons y, estaba claro, que pronto iban a despuntar. SIn embargo ellos todavía no lo sabían y parecían tíos un tanto “intimidados” por cómo se estaban sucediendo las cosas a su alrededor. De aquella época guardaba una diapositiva que me hice con Brandon después de una entrevista y, ni corto ni perezoso, era lo primero que sacaba antes de iniciar la conversación. Ambos se quedaban atónitos mientras les explicaba

que nos la habían hecho después de una entrevista con ellos en aquel concierto. Puede parecer una tontería, pero ese tipo de gestos generan cierta confianza en el músico porque, de repente, tiene delante suya la prueba de que hace 11 años estabas también ahí apoyándoles. Lo primero que les pregunto es si lo recuerdan y ambos lo niegan. Es Mike quien, de repente, pregunta “¿Cómo se llama el sitio ese que tiene palmeras?

¿La Rivera? ¿Lo recuerdas?” – le pregunta a Brandon . “¿El que las tenía dentro?”, responde éste con cara de confundido hasta que cae en la cuenta y se ponen a reirse sin decir nada más. La de Macumba fue una de las últimas veces que la banda vino a una sala “pequeña”. Después sí que pisaron Riviera aunque anteriormente habían estado en el Palacio de Vistalegre junto a 311 y Hoobastank.

31 33

Lo primero que queremos saber es si echan de menos esos días, de cuando giraban por salas en donde el contacto con el público es más cercano. El primero en tomar la palabra es Brandon quien nos reconoce que sí, que las echan de menos, aunque sólo algunas cosas. “Ahora mismo creo que somos una banda mejor porque llevamos ya muchísimos más conciertos. Además, adquieres experiencia sobre cómo tienes que viajar, cómo tienes que tocar en directo. Pero sí, tengo un montón de recuerdos, de aquellas primeras giras porque fue una lucha constante para intentar dormir y estar saludable. Cuando viajas tanto estás constantemente cansado”. ¿O sea que fue duro? (B) “Fue tremendamente duro sobre todo porque en aquella época, como vocalista, no tenía ni idea de qué cuidados tenía que seguir con mi voz”. (M) “En aquella época éramos más inconscientes. Estábamos siendo capaces de girar alrededor del mundo tocando nuestras canciones y era todo lo que queríamos hacer. No nos preocupábamos de si íbamos a ser famosos, ricos o cualquier cosa parecida. Simplemente nos divertíamos tocando. De hecho, estuvimos tocando un montón de tiempo gratis sólo porque nos divertíamos. Éramos un puñado de críos tocando la música que adorábamos así que es difícil para mí olvidarme de todo aquello, de cuando ni teníamos camerinos y no sabías si ibas a tener ducha o no en la sala” (Risas). Recuerdo que por aquella época hicisteis un especial en la MTV enseñando vuestra casa. ¿De verdad vivíais juntos? (M) “No (Risas). Es curioso porque mucha gente nos pregunta por eso después de un montón de tiempo, si todavía vivimos todos

Debe ser complicado tener un tiempo para uno mismo cuando está de gira. ¿Cuánta gente sois en la party crew? (B) “Cuando tenemos que viajar cruzando el Atlántico creo que somos unos veinte más los conductores. En EE.UU. viajamos unas 30/35 personas. Somos como una gran familia. Además de son todo tíos menos una chica” (risas). Vaya, no me molaría ser su novio (Risas y Brandon pone cara de pícaro) (M) “Este verano estamos tocando casi todo en festivales así que no tenemos que transportar una producción muy grande. Es todo mucho más sencillo. A nosotros nos encanta salir en verano a tocar en festivales porque es.. (se lo piensa) no puedes decir que más relajado porque ninguna gira lo es y estar relajado del todo es imposible levantándote a las 5 de la mañana, pero tiene una parte divertida y es que tocas con bandas con las que de normal sería muy difícil compartir escenario. Además de que también puedes verlas. Es muy divertido”. (Mike terminó viendo desde el escenario a Red Hot Chili Peppers y dándole alguna vez al bajo de Flea cuando éste se acercaba). Yo tengo que reconoceros que creo que vuestra música se disfrutaría más en privado. Es decir, vuestra audiencia ha ido creciendo y sin embargo vuestros discos se han vuelto más íntimos. (B) “Si el sitio cambia la energía también. Mola mucho tocar en sitios pequeños porque todo el mundo está ahí. Puedes ver perfectamente la reacción de la gente e involucrarte más. En este tipo de shows sólo ves a las primeras filas y el resto es como un mar de personas que ves que se mueve. Eso también mola porque es algo distinto”. ¿Pero no crees que la esencia de las canciones se pierde cuando tocas delante de tanta gente? (B) “No lo creo. No creo que el que la toques delante de mucha gente haga que cambie el carácter de la canción. Si acaso adquiere más energía y se hace como más universal. Cuando tocamos en sitios más pequeños sí que se experimenta un rollo más íntimo. La gente que viene a ellos se da cuenta de que está compartiendo una experiencia con sólo un puñado de personas. Hay cierta pasión ahí que sólo

“Cuando nos ves en directo tiene que notarse de dónde venimos y hacia dónde vamos y por eso tenemos que poner en la balanza junesas cosas”. tos en la casa (risas). La respuesta es NO (risas). Esa fue una mansión que alquilamos para juntarnos todos a componer y a grabar ‘Morning View’. De hecho, la foto de la portada está pillada desde esa casa. Pero no, no vivimos juntos. Ya pasamos demasiado tiempo juntos en el autobús de gira” (Risas). Yo recuerdo que me impactó aquella habitación secreta que había. ¿Tenéis algún sitio secreto en donde os guste estar solos? (M) “En nuestras mentes” (risas). (B) “Sí, yo también. Cierro los ojos y todo se queda en silencio”. 32

puedes tenerla si tocas en un sitio pequeño. En este tipo de escenario (Rock In Rio) la gente es más como un lodo. Esto te lo digo de una manera completamente positiva, no estoy diciéndole a nadie que sea fango (risas), te lo comento porque es divertido tocar delante de audiencias inmensas. No creo que nada se pierda sino que cambia el entorno así que no es ni mejor ni peor”. A mí es que, sobre todo, ‘If Not Now, When?’, me dan ganas de escucharlo en un teatro. Ahí se podría disfrutar todo lo que queréis transmitir.(B) “Eso fuimos capaces de hacerlo ligeramente cuando grabamos “HQ”. Lo hicimos en

los Angeles y habría como 150 personas sólo en la sala con nosotros. Tocamos en el medio de la sala y teníamos a todo el mundo rodeándonos. Miraras a donde miraras tenías a alguien muy cerca”. Hablemos de ‘HQ’. Me ha parecido muy original. De hecho ¿hay algo que no hayáis metido en la caja? (Risas) (M) “Qué va, hay de todo” (más risas). ¿Cómo surgió el hacerla? (B) “Llevamos juntos 21 años y hemos hecho un montón de canciones. Eso ha hecho que nuestro repertorio sea más interesante, pero, a la vez, más difícil de hacer porque tenemos un montón de singles que han sonado en las radios y en la televisiones de todo el mundo. Somos conscientes de que eso ha sido lo que ha permitido que continuemos haciendo lo que hacemos, pero luego tenemos otras canciones que nosotros queremos tocar y que hay gente que quiere oir. Tenemos que compensar las canciones que nosotros queremos tocar y las que la gente quiere oír. Cuando nos ves en directo tiene que notarse de dónde venimos y hacia dónde vamos y por eso tenemos que poner en la balanza esas cosas”. Pues será complicado. A quien le guste “New Skin” a lo mejor no le gusta “Adolescents” y viceversa. Sin embargo en la caja (en los directos que hicisteis) supisteis equilibrar bastante bien el repertorio. (B) “Creo que cada disco refleja lo que éramos en ese momento y cómo hemos ido creciendo, tanto a nivel de banda como a título personal. Y eso es algo muy interesante”. (M) “Para nosotros ha sido algo tremendamente divertido el tocar esas canciones antiguas porque lo hemos estado haciendo durante muchísimos años. Como Brandon decía antes, tenemos un montón de material entre el que podemos elegir y poder crear un buen repertorio. Cuando hacemos otro disco nuevo, independientemente de lo variado que pueda llegar a ser, hace que el listado crezca y que se haga más dinámico porque nos da la facilidad de ir cambiándolo e ir complaciendo a la gente durante el viaje. Es más evidente cuando hacemos nuestros propios conciertos porque tocamos durante unas dos horas cada noche”. Lo que tengo entendido es que os habéis involucrado vosotros en la realización y que no ha sido fácil. (B) “Fue todo muy estresante porque en ese momento no teníamos compañía discográfica con lo cual tuvimos que encargarnos nosotros de todo. Teníamos a un par de personas ayudándonos pero nosotros nos encargamos de toda la logística y la preparación. Fueron dos semanas muy estresantes en las que sólo nos relajábamos cuando nos subíamos a tocar (risas). Durante esa hora y media nos olvidábamos de todo (risas). Normalmente cuando estás en una compañía discográfica ellos son los que se encargan de todos los operativos con lo cual tu estás más relajado pero aquí tuvimos que organizarlo todo. Ha sido una locura, pero muy divertida”. (M) “Al final con lo que te quedas es con que fueron noches muy especiales. Por ejemplo, hemos visto ya imágenes y el resultado es impresionante, además de que te sientes orgulloso de haber sido capaz de hacerlo tú sólo. Encima tocamos nuestros primeros dos discos de principio a fin y eso fue también genial porque convirtieron esos conciertos en algo muy especial. Tocamos ‘Make Yourself’ y ‘Morning View’ casi enteros y fue la bomba porque hubo mucha comunicación entre los fans y nosotros” Ambos fueron los discos que pusieron a

DE OUTSIDERS

A NIÑOS BUENOS

Incubus siempre ha pasado por distintas etapas. Quien les descubriese con ‘Morning View’ quizás no tanto, pero quien haya llegado tarde, y les escuchase por primera vez con ‘If Not Now, When?’ se puede llevar una “extraña” sorpresa cuando escuche su material más antiguo. Porque lo de la banda de Brandon Boyd (vocalista), Mike Einziger (guitarra), Jose Pasillas (bajista), Ben Kenney (bajo) y Chris Kilmore (turntables) ha sido más una búsqueda creativa que lucrativa y eso siempre se ha notado. Vale que el éxito de “Pardon Me”, “Drive” o “Stellar” levantó ciertas sospechas sobre la orientación que le habían a ‘Morning View’, lanzamiento que vino detrás del seminal ‘Make Yourself’. Pero es que luego han ido arriesgándose incluso más retorciendo su propia fórmula en detrimento casi de su próximo éxito. ¿Por qué? Pues porque se nota que Mike Einziger (principal cerebro compositor de la banda) está más preocupado en indagar y experimentar que en pasar por caja (o eso es lo que parece). Quizás esa la razón por la que discos como ‘A Crow Left OF The Murder’, ‘Light Grenades’ o, incluso, ‘If Not Now, When?’, sin llegar a tener la grandeza de sus primeras referencias, siguen sonando creíbles. Todos y cada uno de ellos mantienten intacta la esencia de una banda que se ha ganado los mismos adeptos que detractores. Los que se engancharon a la banda con ‘S.C.I.E.N.C.E.’ o ‘Make Yourself’ no encontraron en las posteriores referencias nada digno de aquellos lanzamientos. Mientras que en los primeros eran unos auténticos outsiders, en los siguientes se mostraban más recatados, pasando a ser niños buenos y eso quemó y mucho a los que les tenían subidos pendestales. Sin embargo, si repasamos la carrera de los de Calabasas, algo nos claro y es que son consecuentes con sus actos y que no se mueven por otro instinto que por el de dar rienda suelta a su creatividad. Sólo hay que echarle un escucha a ‘HQ Live’, su última referencia para ver que, desde el principio, siempre han sido los mismos tipos. El contenido de este directo tan especial es el siguiente: CD One – (Night 1) 1. Intro • 2. Nice To Know You • 3. Circles • 4. Wish You Were Here • 5. 11am • 6. Are You In?/Riders On The Storm • 7. Aqueous Transmission • (Night 2) 8. Privilege • 9. The Warmth • 10. Stellar • 11. Make Yourself • 12. Drive • 13. I Miss You • 14. Crowded Elevator. CD Two – (Night 3) 1. Megalomaniac • 2. Just A Phase • 3. Sick Sad Little World • 4. Anna Molly • 5. Pantomime • (Night 4) 6. Promises, Promises • 7. In The Company Of Wolves • 8. Love Hurts • (Night 5) 9. Switchblade • 10. Pardon Me (Night 6) • 11. If Not Now, When? • 12. The Original • 13. Adolescents • 14. Tomorrow’s Food. DVD –1. Wish You Were Here • 2. Circles • 3. Consequence • 4. 11am • 5. Promises, Promises • 6. Anna Molly • 7. Rogues • 8. Isadore • 9. Just A Phase • 10. Glass • 11. In The Company Of Wolves • 12. Nice to Know You • 13. I Miss You • 14. Pantomime • 15. Megalomaniac • 16. Blood On The Ground • 17. Nowhere Fast • 18. Adolescents • 19. If Not Now, When?.

la banda en el mapa (Al unísono) “Sin duda”. Aunque tengo la sensación de que fue más ‘Make Yourself’ que ‘Morning View’, que es cuando disteis el salto definitivo. (M) “Sin duda ‘Make Yourself’ fue el disco que nos sacó del “underground”. Habíamos hecho algunas cosas importantes antes pero ése sin duda fue el que nos dio el empujón definitivo. Aquel disco vendió muchísimas copias, como unas 600 ó 700 mil unidades”. Se aproxima el final y no quería terminar sin preguntaros si recordáis aquella actuación vuestra en Festimad. (M) “¿Fue en el que tocamos con Metallica y Slipknot? No, fue el festival en el que el viento... (Brandon me corta) (B) “Empezó a tirarlo todo, ¿verdad?” (M) “Con System Of a Down. Ahora sí lo recuerdo” La verdad es que allí demostrasteis que los teníais bien puestos (risas). (B) “Pues, sinceramente, y Mike te lo puede confirmar, en aquel concierto lo pasamos realmente mal porque no queríamos terminar heridos (risas). Recuerdo que le preguntábamos a nuestro tour manager que qué pasaba pero mirándole con una cara como diciéndole “tío, sácanos de aquí ahora mismo”. Al final salió todo muy bien y la verdad es que fue un recuerdo memorable. También he de decirte que siempre que hemos venido aquí la gente nos ha tratado de maravilla. Es

como que nos respetan muchísimo. Recuerdo un festival, que era el que decía Mike, en el que tocábamos con Metallica y Slipknot. Para ser más preciso tocábamos después de Slipknot y antes de Metallica y nos miramos los unos a los otros como diciéndonos “dios mío, qué pintamos aquí. Nos van a matar” (Risas). Además, imagínate, tocando antes Slipknot ¿quién podría salir detrás suya? Pero no pasó nada, la gente nos respetó muchísimo. En ese tocamos delante de Metallica pero hubo otro en el que tocamos detrás de Metallica y, claro, no es lo mismo porque una vez que han tocado se larga todo el mundo. Estábamos también esperando y era como “bueno, ¿qué más da? Con que haya allí 100 personas nos conformamos” y no, ante nuestra sorpresa la gente se quedó. Moló mucho porque había como unas cuarenta mil personas allí y es uno de los mejores recuerdos que tengo y fue un show memorable”. (M) “Yo recuerdo uno muy especial en el que tocamos con Muse como en un castillo. No recuerdo ahora mismo dónde exactamente”. (B) “¿No era cerca de San Sebastian?”. (M) “Sí, creo que sí. Tocaban Muse con nosotros de teloneros…” (B) “Y fíjate dónde están ahora” (risas). Con esa última risa terminamos la entrevista pues no podíamos alargarnos más y, además, teníamos que hacer la extraordinaria sesión de fotos de Javier Bragado. Cuando se las enseñó y dijeron “eres muy pro” ambos llegamos a la conclusión de que, estos tíos, siguen molando mucho. 33

Kirk Hammet (Metallica)

Se cambió de ubicación a última hora pero aún así el SONISPHERE FESTIVAL fue toda una triunfada. Pese a algunas cosas mejorables, Getafe volvió a ser el punto de peregrinación metalera. Por allí iban a pasar METALLICA, SOUNDGARDEN, SLAYER, EVANESCENCE, GHOST, LIMP BIZKIT, MASTODON y muchos más grupos hasta completar dos jornadas demoledoras. Texto: Carlos Medrano. Fotos: Javier Bragado “Los festivales españoles son una mierda”. ¿Cuántas veces habré oído esta frase últimamente? Todos, inconscientemente, los comparamos con festivales extranjeros y queremos pensar que allí tratan a los rockeros como dioses, que ponen unas instalaciones del carajo. Vale, algunas veces es así. Vas a un Sweden y todo parece idílico pero ¿quién está dispuesto a pagar los 230 pavos que cuesta el abono? Digamos que...¿¡nadie!? También podríamos compararlos con otros más “económicos” como el Download o el Wacken, pero cabría preguntarse ¿cuánta gente asistiría? Seguro que no las 200.000 personas (aprox) que acuden en un solo día al Download. Con los precios de los tickets de aquí,

tampoco podemos exigir unas condiciones extraordinarias en cuanto a infraestructuras, sobre todo cuando los promotores están haciendo un gran esfuerzo para que los carteles estén a la altura de los festivales europeos. Y eso, sin duda, es digno de alabar el poder mirar la programación de los festis de fuera y tener la sensación de no estar en un país tercermundista. Por eso, la edición del Sonisphere de este año merece todos nuestros respetos, porque tras caerse el de UK, ha tenido el mejor cartel de todos los que se ha celebrado en el viejo continente. Dicho esto, no vamos a olvidar que quedan cosas que mejorar. El camping y los accesos podría haber sido (mucho) mejor, había escasez de urinarios en el recin-

Six Hour Sundown

Rise To Remain

to y pocos puestos de comida, los cuales además terminaron llenos de tierra. Muchos de nosotros echamos de menos esa explanada inmensa donde se celebraron las ediciones anteriores. ¿Nunca llueve a gusto de todos? es posible. Pero lo cierto es que, durante dos días disfrutamos de un cartel de primer orden y eso será lo que quede en nuestras mentes dentro de unos años. Dicho esto vayamos a lo que importa: la música. Casi de forma simultánea arrancaban Six Hour Sundown y Rise To Remain. Es curioso porque, en los primeros la frontwoman era Lauren Harris (hija de Steve Harris de Iron Maiden) y en los segundos estaba al frente Austin Dickinson (hijo de Bruce Dickinson de Iron Maiden), el mor-

Corrosion Of Conformity

Skindred 34

bo estaba servido. Y, como no queríamos elegir a uno de los dos hicimos doblete, disfrutando la primera parte del show del SHS (aún están blanditos pero apuntan maneras) y la segunda de RTR (mucho más salvajes con un Austin pletórico). Otra de las coincidencias ingratas fue tener tocando casi a la par a Corrosion Of Conformity y a Skindred. Para qué nos vamos a engañar, Corrosion sin Pepper Keenan son un grupo de Punk sin más. Le echan ganas y tocan temas clásicos, pero no terminan de enganchar. Quien sí lo hizo fue Skindred, los cuales se llevaron al público de calle. Tocaron poco tiempo, pero supieron agitar a la peña (meter un sampler de Slipknot en medio de un tema tecno fue una genialidad), y cuando

Sonata Arctica

Limp Bizkit

Kyuss Lives!

Kobra and the Lotus terminaron con “Warning” ya se habían llevado a más de un nuevo fan. Sonata Arctica, una de las bandas de Heavy Metal del programa, supieron cuadrar el show dejando muy buen sabor de boca, como antesala de su concierto el próximo otoño. Cómo no, “Full Moon” sonó en todo lo alto y se despidieron con “Don’t Say a Word”. Kobra and The Lotus, de los grupos menos conocidos del festival, tuvieron la suerte de que la impactante imagen de su vocalista atrajo sin esfuerzo a más de un curioso. Y Paige (aka “Sheena la princesa guerrera”, referencia que utilizó alguien para nombrarla), su frontwoman, consiguió engatusar a más de un curioso poniendo toda la carne en el asador. No se puede decir lo mismo de Limp Bizkit. Si el concierto de la Riviera de 2010 fue uno de los mejores de mi vida este más bien fue para olvidar. Salieron a escena con toda la parafernalia, Wes Borland llevaba uno de los looks más brutales que se le recuerdan, con un re-

pertorio de escándalo, pero olvidaron las ganas de tocarlo. Quizás decir que fue aburrido sea pasarse, pero sí que mataron el concierto con tanta parada. Tocaban un tema y paraban, tocaban otro y descanso. Sobre el escenario estuvieron más bien poco, la verdad. No sabemos si sería por la ausencia de DJ Lethal o qué, pero daba la sensación de que habían venido sólo a cumplir expediente. Tocaron temas como “Break Stuff”, “Hot Dog”, “My Generation”, “Take A Look Around” y hubo dos momentos muy bizarros. Uno cuando subieron a un chaval a cantar “Eat You Alive” (que lo dio todo, por cierto). El otro cuando en “Faith” subieron a un grupo de chavalas y una de ellas se quitó inmediatamente la camiseta dejando los pechos al aire en los que se podía ver escrito el nombre del tema. ¿Coincidencia? Nooooooooo. Se notaba a la legua que aquello estaba pactadísimo. Con esa sensación tormentosa de haber visto a unos Limp Bizkit con, otra vez, fecha de caducidad, nos movimos de

escenario (andando la hueva, todo sea dicho de paso), al arranque de Kyuss Live! quienes estuvieron más que correctos. La banda se está marcando unos shows tremendos, pero la sombra de Josh Homme es demasiado largada. De hecho, no venía tampoco Nick Oliveri, con lo cual, disfrutamos de “Gardenia”, “Green Machine”, “El Rodeo” o “100º”, pero no fue lo mismo. De las bandas que últimamente no fallan es Offspring. Desde el inicio con “All I Want”, en la que pusieron a saltar a todo el mundo, hasta que cerraron con “Self Esteem” (sigue siendo un temazo) hicieron que el respetable bailase a su son, ya fuera con rabiosos canciones como “Come Out And Play”, “Have You Ever”, “Bad Habit” o “The Kids Aren’t Alright” o de cortes más cachondos como “Original Prankster”, “Hit That”, “Why Don’t You Get A Job?” o “Pretty Fly (for a White Guy)”. Incluso se permitieron la licencia de presentar alguna nueva como “Days Go By” y de relajar el set tocando hacia la

mitad “Kristy, Are You Doing Okay?”. De lo mejorcito de la jornada sin duda. Sin tiempo para ver a Paradise Lost, por mi encuentro con Dexter Holland, tenía impaciencia por saber qué iba a hacer Soundgarden. No había visto previos en youtube así que la tensión estaba ahí. A las doce de la noche aparecía uno a uno tras una larga intro muy apocalíptica para arrancar el show con “Searching With My Good Eye Closed”. En ese momento, y por unos problemas con el eco, se apoderaba de mí la sensación de estar asistiendo a todo un timo. La voz de Chris Cornell iba y venía, y cuando se le escuchaba era aún peor. Las dudas de que aquello iba a terminar muy mal iban tomando forma con “Spoonman”. Podemos entender que la voz de Cornell no esté en su mejor momento, pero es que daba la sensación de que ni habían ensayado. Quince años sin tocar en Europa, un hito histórico en toda regla… y se lo estaban cargando a base de bien. Si el inicio fue tremendamente malo con “Jesus Christ Pose” llegó el 35

Offspring

acabose, con un Cornell ahogado en las subidas agudas e intentando arreglarlo con “graznidos”. De ahí en adelante metieron material más lentito con el que se defendían mejor. No terminaron de sonar tan mal “Fell On Black Days”, “The Day I Tried TO Live”, “Outshined” o “Black Hole Sun” (aunque la última parte fue como para mirar a otro lado por vergüenza ajena, igual que “Rusty Cage”), no pudieron levantar un show, que encima terminaron de cargarse con la elección de “Live To Rise” y “Slaves And Bulldozers”, dos temas lentos que mataron definitivamente el show. Una lástima, de verdad, a más de uno nos dejó desilusionados y es que daba la sensación de que no están ya para hacer giras. Con la sensación de haber asistido a una catástrofe (nostálgica, eso sí) fuimos a ver un poco a Orange Goblin, una sudorosa banda de Rock and roll mezclado con Stoner comandada por el corpulento Ben Ward. No podíamos quedarnos mucho porque empezaban enseguida Machine Head y el paseo era considerable (¿hemos dicho ya que hicimos kilómetros para aburrir entre escenario y escenario?). Teníamos ganas de ver a los de Oakland para saber si ofrecían algo distinto a lo que nos “colaron” en la Riviera, y nada. Mira que uno ha sido fan pero llevan un par de visitas en las que no hacen más que desilusionar. Es cierto que tuvieron muchísimos problemas con el sonido

(el aíre hacía que fuese y volviese), pero centrar tu set en canciones, casi única y exclusivamente, de tu último álbum hacen del concierto un aburrimiento. Sobre todo pasa cuando se está en unas tesituras altas y uno está demasiado forzado para cantarlas. Así pasó de nuevo, que Robb Flynn se las vio y deseó para encarar “I Am Hell (Sonata In C#)” o “Be Still And Know”. Es irremediable echar de menos clásicos como “Old” o “Davidian”, cuando encima sabes que sí las están tocando en otros países durante la gira. O cambian mucho o sinceramente me pensaré si ir a verles la próxima ocasión.

Soundgarden

Con una sensación demasiado agridulce terminaba la primera jornada y nos íbamos para casa, un poco acojonados porque los problemas de sonido persiguieran a Metallica también. Un calor llameante nos daba la bienvenida el segundo día, y eso que ya había apretado pero bien el Lorenzo el día anterior, parecía querer ponernos a prueba. Aún con atasco monumental en la entrada (no pueden acceder 30.000 personas de golpe si las entradas están únicamente preparadas para 2000, como mucho) salía Vita Imana al escenario, con muchísima menos gente delante de la que en realidad quería verles. Aún así cumplieron, demostrando por qué son, hoy día, una de las bandas más en forma del panora-

ma metalero estatal. Después de los españoles aparecía Mastodon en el escenario grande. Para nuestra sorpresa los problemas de sonido seguían ahí, intactos. Era tremendo ver a Troy Sanders peleándose con su voz para intentar no soltar muchos gallos, sin lograrlo. Todo su show (el cual depende de un buen sonido para resultar magistral) se vio empañadísimo no sabemos si por el equipo de sonido o porque volvía a soplar un viento que hacía todo incómodo. Children Of Bodom era otra de las bandas que nos tenía atemorizados. Sus últimos conciertos en la península habían sido meros trámites. Si a eso le sumamos el sonido que estaban teniendo las bandas apaga y vámonos. Ante nuestra sorpresa

Machine Head

Vita Imana

Ghost

Children Of Bodom Slayer

Mastodon

Gojira

Whitin Tempation Alexi Laiho y los suyos dieron un show más que correcto. No es que fuese una maravilla, ni que hubiese sido como en aquellas incendiarias primeras giras presentando ‘Hate Crew Deathroll’, pero al menos no fue un concierto sin feeling como los últimos. Los que sí lo dieron todo en el festival fueron Whitin Temptation. Vale que no era una de las bandas “importantes”, pero ahí quedó más que demostrado, con la extraordinaria labor de Sharon Den Adel, que el viento no influía en la voz. Su concierto fue limpio, pulcro y apasionante, con una banda que se dejó la piel en el escenario y entabló un nexo de unión con el público de forma extraordinaria. Seguro que los que no iban a verles se llevaron una grata sorpresa. Había muchas ganas también de ver a “la última gran banda”. Ghost habían levantado tanta expectación que el escenario “pequeño” estaba casi desbordado para ver a Opus Eponymous y sus “monjes” (se comenta que James Hetfield de Metallica también estaba por allí viéndoles). Si bien la banda lleva un show que merece la pena, aquí el que suscribe no les vio tampoco tan extraordinarios. Los temas sonaron clavados, eso sí, pero si cerrabas los ojos lo que escuchabas era a una banda normalita emulando a unos desquiciados Black Sabbath. Todo muy correcto, pero sin pasarnos. Los que sí que sonaron como una apisonadora fueron Slayer. Estos tíos no fallan nunca. Salieron a reventar cráneos y a romper cuellos con “War Painted Blood”, y no pararon hasta el “Angel Of Death”. Por el camino sólo destrucción en forma de temas como “Chemical Warfare”, “Mandatory Suicide”, “Dead Skin Mask” y el extraordinario “Raining Blood”. Lo que no se notó, para nada, fue la ausencia de Jeff Hanneman. Que me perdonen los fans más acérrimos de la banda pero, Gary Holt (Exodus) está siendo más allá que un mero sustituto. Las últimas veces Hanneman ni se movía de su sitio mientras que Holt no para de recorrer el escenario con una actitud con la que da mil vueltas a Jeff (con todos nuestros respetos). Después de un breve bis, salían Tom Araya (bajo y voz), Kerry King (guitarra), Dave Lombardo (batería) y el mencionado Holt a rematar la actuación con “South Of Heaven” y “War Ensemble” dejándonos como si nos hubiesen atravesado el cerebro con un mágnum 44.

No sé el qué pero, hay algo que diferencia a Metallica del resto. Estábamos esperando a que salieran y se respiraba en el ambiente cierto clima de ansiedad y entusiasmo por ver a los de San Francisco. Que sí, que ya no son los de antes y demás, pero estos tíos tienen ese algo especial que les separa del resto. En esa espera tensa íbamos clamando para que Hetfield viniese en condiciones óptimas y no gallease. Entre lo del sonido de todo el festival y algunos vídeos de Youtube daba pavor imaginar cómo podían encarar el repertorio basado en el ‘Black Album’. Todas nuestras dudas estaban a punto de despejarse. Sonaba la famosa intro “The Ectasy Of Gold” y nuestros corazones se quedaban en un vilo. Como si de una explosión se tratase salían Metallica a escena dando tralla directamente con “Hit The Lights”. La primera impresión extraordinaria. Cuando atacan “Master Of Puppets” ya no hay más que hablar. Todo el recinto (lleno hasta la bandera) se rinde ante Hetfield y compañía. Después del poco habitual “The Shortest Straw”, encaran “For Whom The Bell Tolls” tras una primera toma de contacto de James Hetfield con el público agradeciendo a los presentes que sigan apoyando a la banda. El escenario es parecido al que llevaban en su día, durante la presentación del ‘Black Album’, y Trujillo empieza el tema desde una pasarela que hay detrás de Lars Ulrich para luego cruzarse todo el Snake Pit junto a Kirk Hammet. El tema suena tremendo y pone a todo el mundo a botar. No ocurre lo mismo con la nueva “Hell And Black”. Después de un inicio tan trepidante, tan contundente, éste ralentiza el show. Se meten para dentro y por las pantallas se empieza a ver el vídeo de presentación del ‘Black Album’, con imágenes de la época (algunas inéditas y otras extraídas de aquel ‘A Year And A Half’). Empiezan el bloque con “The Struggle Within” y de ahí en adelante, y con los pelos como escarpias, van soltando “My Friend Of Misery”, “The God That Failed”, la impresionante “Of Wolf And Man”, “Nothing Else Matters”, “Through The Never” (sonando como un misil), “Don’t Tread Of Me” (deberían tocarla más), “Wherever I May Roam”, “The Unforgiven”, “Holier Than Thou” y rematando con las tremendas “Sad But True” y “Enter Sandman” (con 37

James Hetfield (Metallica)

la famosa pirotecnia y el famoso “are you still alive?” que suelta Hetfield). Durante todas ellas, y con el buen rollo que estaba desprendiendo la banda en directo, uno no podía evitar dejar de tener envidia de la gente que se encontraba alrededor del Snake Pit. Además, Hetfield estaba cantando como nunca, y clavando todos los tonos, todas las subidas, y agradeciendo constantemente a los presentes su presencia. Fue terminar “Enter Sandman” e ir dentro dejando el escenario vacío momentáneamente para salir a todo trapo con “Battery”, la cual sonó todavía más acelerada. De nuevo abandonaban el escenario, aunque esta vez para ser invadidos por flases y explosiones, los que preceden siempre a “One”. Sin duda éste fue uno de los momentos del show. No pasan los años por esta canción, aún hoy nos sigue poniendo los pelos de punta. Dentro del buen rollo que estaba demostrando la banda, Lars dejó subir a un fan para que tocase su batería y diese comienzo a “Seek And Destroy”, último tema de la noche. En esta ocasión no lo alargaron, como sí hicieron en otras ocasiones. Lo que prolongaron fue la despedida, donde la banda estuvo agradeciendo a un público que les había llevado en volandas durante todo el show. Tiraron púas por doquier, muñequeras, y todo lo que tenían a mano, mientras recibían una ovación de casi 10 minutos. Si hay una banda en el planeta que no falla es, sin duda, Metallica. El grupo volvió a ganarse el respeto de muchos de aquellos que se lo habían perdido. Una vez que Metallica bajó del escenario (y del recinto en 4 furgonetas distintas, según nos contaron) lo empezaron a desmantelar, provocando que Evanescence saliesen con mucho retraso y que Fear Factory pasasen al escenario 2 cuando hubo terminado Clutch. Durante la espera no se hablaba de otra cosa que no fuera el bolazo que se habían marcado Hetfield y compañía, mientras el recinto se iba vaciando progresivamente. Fue impresionante pero para cuando salió Evanescence no había ni la mitad de público. Pese a no llegar a ser mala, la actuación del grupo de Amy Lee rozó el aprobado pelado. Ella estuvo bien, pero tocar un tema como “Bring Me To Life” sin que nadie te haga la réplica masculina (ni el público) queda feo. Se despidieron con “My Inmortal”, justo cuando en el otro escenario salían los locos de Clutch. ¿Qué decir de ellos? ¿Qué nunca fallan? Pues eso. Suenan rockosos, tremendamente salvajes y Neil Fallon sigue siendo ese personaje que queda tranquilo cuando se cuelga una guitarra y que cuando la suelta se vuelve completamente loco. A estas alturas no debería ser necesario recomendar a la banda de Fallon, pero si todavía no les has visto no deberías perdértelo. Eso sí, debes ser receptivo a una gran variedad de registros puesto que en su show sonó desde blues distorsionado como “I’m Immortal” hasta rock clásico clutchtomizado rollo “One Eye Dollar”. De lo mejorcito del festival. El cierre lo ponía, con bastante retraso, Fear Factory, de la que peor sensación nos llevamos del festival. No sólo porque 40

durante su actuación sonase más alta la música que pinchaba el Pirata (Dj de esa noche) sino porque Burton C. Bell no tiene su voz en las mejores condiciones. Empezaron con “Shock” y tras cinco canciones decidimos que lo mejor era largarse, porque el espectáculo estaba siendo bochornoso. Era llegar a las partes melódicos y empezar a dar aquello vergüenza ajena, pero de verdad. Si Soundgarden había estado mal lo de Fear Factory fue de juzgado de guardia. Con cansancio acumulado de todo el día y Fear Factory de fondo destrozando su repertorio, nos despedimos del auditorio John Lennon esperando que el cartel del año que viene sea parecido a este, que se mejore el recinto en muchos aspectos. Y, sin duda, nos fuimos volviendo a colocar a Metallica en un pedestal.

Evanescence

Fear Factory

Posiblemente este ‘Days Go By’ sea de lo más variado que habéis hecho nunca. Sin embargo, es curioso porque parece también una revisión de toda vuestra carrera. Hay temas que recuerda a ‘Smash’, otros al ‘Americana’, etc. ¿Qué opinas? “Siempre hemos usado distintos tipos de sonidos y canciones en los discos. Está claro que la parte Punk y Hardcore es lo que más vas a oír en el disco pero siempre lo intentamos mezclar con distintos estilos y canciones distintas. En este sí que quizás tengas razón. Alguien nos comentó que era como si hubiésemos cogido cosas de todos los discos anteriores y las hubiésemos unificado en éste y eso me gusta”. Habéis probado también cosas nuevas en el estudio. Incluso tu voz suena distinta. “Este es nuestro noveno disco así que nos tomamos algo más de tiempo pensando en que debíamos ofrecer algo nuevo. Lo que no queríamos era tener la sensación de que estábamos reciclando nuestro material antiguo. Por eso ha tardado más. Pero sí, hemos intentado cosas distintas. Hay cosas que nos ha llevado hacerlas uno o dos días y luego hay otras que se nos complicaron más pero no importó porque teníamos que hacerlo. Íbamos y probábamos cosas y, si no funcionaban, las descartábamos, pero estuvo genial porque en ningún momento nos importó. Es decir, íbamos probando cosas sin importarnos si iba a sonar demasiado diferente y así es como fueron saliendo temas como “OC Guns” que tiene un rollo Reggae e incluso algo de Mariachi y música Española”. Ya me he dado cuenta (risas). “¿Suena más mejicana o más española?” Más mejicana. Lo que no sé es si ellos allí dicen “hijo de puta”. Creo que ellos usan más “chingado”. Nosotros sí lo decimos y mucho (risas). “Ah, vale. O sea que está bien, ¿no? ¿Pero se entiende que lo decimos de buen rollo, verdad?”. Sí, sí. “Vale. Mola. A la gente le encanta cantar solos en “Bad Habit” eso de “Stupid dumbshit, goddam, motherfucker” así que espero que la gente española no se sienta ofendida porque lo hemos hecho con la misma intención. Se supone que la gente ya nos conoce porque hemos editado unos cuantos discos así que saben que nos encanta utilizar el sarcasmo. La gente es lista y lo pillará”. Pues creo que como en México digas “Coger” les va a dar igual que seas famoso. Se van a mosquear contigo (risas). “Oh, ¿en serio? ¿Qué significa “chingar”? ¿Es follar, no?”. Sí, es como “coger” pero esto es peor. Si le dices a alguien “cojo a tu madre” tendrás un problema así que no lo digas. “Ah, vale (risas) ¿Hoy no tendré problemas, no?”. ¡No! Estás en España. Puedes decir hijo de puta si quieres (risas). De hecho, es posible que a la gente incluso le mole. “¿Si dijo “hijo de puta”? Ok, ya lo pillo (risas). Pues hoy no lo tocamos porque no ha salido todavía ese tema pero, cuando volvamos… ¿crees que ese tema puede funcionar aquí y que la gente lo cantará?”. Sí claro. Es divertido y además tiene frases en español así que la gente lo cantará sin problemas! “Volviendo a lo que hablábamos, sí nos hubiésemos pues a hacer Jazz hubiese sido muy raro además de que no nos gusta. A mí me gusta el Rock, el Punk y todo lo que hay entre medias. Pero sí, claro que te planteas un poco, si a nuestros fans les gustará nuestra música aunque hagamos cosas distintas y, de momento, estamos muy contentos”. Te voy a hacer una pregunta que os tengo guardada desde hace muchísimo tiempo. En este disco, como en los anteriores, siempre habéis tenido canciones más

Sin pretenderlo, OFFSPRING se convirtieron el año pasado en los protagonistas del festival EN VIVO, al venirse abajo las vallas de seguridad durante su show. Había ganas de verles en directo y la gente enloqueció cuando los de Orange County saltaron al escenario. En esta ocasión el protagonismo lo tenían por razones distintas, mucho mejores. Los de DEXTER HOLLAND (vocalista) venían al Sonisphere a presentar ‘Days Go By’ (aunque sólo tocasen un tema) y eso nos facilitó un encuentro con el vocalista minutos antes de que actuaran en el festival. Texto: Roberto Villandiego alegres (en éste serviría de ejemplo “Cruising California”) y luego otras más serias (“Secrets From The Underground”). ¿Con cuál os sentís más cómodos? (Risas) “Vale (ese “vale” lo suelta entre sonrisas como diciendo “me has pillado”). Sí que es cierto que algunas bandas son más serias que divertidas pero en nuestro caso ni estamos siempre de cachondeo ni estamos siempre serios. Ambos son dos estados que nos representan. Algunas veces nos salen cosas más serias porque es como nos sentimos, pero otras nos apetece hacer algo más divertido. Quizás no sea lo más apropiado para una banda de éxito de la que esperas ciertas cosas, no lo sé, pero tenemos claro que a nosotros nos gusta hacer las cosas de esa manera”. Abrís el disco con “The Future Is Now” y te he de reconocer que volví a ‘Smash’, a aquellos mensajes directos, crudos y sinceros. ¿Para ti, de qué es más sencillo hablar? “¿Te refieres a si es más fácil hablar de los problemas que tenemos que escribir canciones divertidas?”. Exactamente. A eso me refiero. Yo es que “The Future Is Now” la veo como todo un himno para las nuevas generaciones porque refleja la situación complicada que estamos viviendo, con la gente perdiendo sus trabajos, etc. “Pues no es que esté tratando de evitar responderte pero te diría que prefiero ambas. Has llamado al tema himno y es algo que te agradezco muchísimo porque era algo de lo que quería hablar realmente. Es más que evidente que la gente está siendo maltratada ahí fuera y que en vez de solucionarse algo tiende a ir a peor. Lo puedes ver en España, nadie sabe lo que va a pasar en Grecia y en

el resto de Europa las cosas también se están poniendo feas. Llevaba viéndolo durante los dos últimos años, pero es ahora cuando noto realmente que la gente empieza a estar muy furiosa, y con toda la razón. Al menos es lo que yo veo y era de lo que quería hablar en “Secrets From The Underground” y en “The Future Is Now”. Al mismo tiempo, tampoco puedes estar así las 24 horas del día, porque eso al final te termina convirtiendo en peor persona, así que lo que hacemos nosotros es decirnos “¿sabéis qué? Hoy necesito algo más divertido”. Con eso intentamos alejarnos de las cosas serias que ocurren en el mundo”. ¿Por eso habéis elegido “Cruising California” como single? “Yeah. Lo que yo quería era tener algunas canciones en el disco que no fueran nada serias y una de ellas era esa. Hay mucha gente que me ha preguntado si mi intención era hacer una canción de Pop o si había querido hacer una parodia de lo que son las canciones Pop y me mola que la gente tenga esa duda (risas). Nunca respondo para que lo averigüen por sí mismos. Yo lo que pretendo es que a la gente la vea como un tema entretenido y pegadizo con el que se puede divertir”. Pues por singles no será porque este ‘Days Go By’ está plagado de ellos. Sin embargo, y volviendo “OC Guns”. ¿Cómo os salió un tema así? (Risas) “Fue un poco al azar. Yo llegué y dije que tenía una idea para un Reggae. Trabajamos en la estructura y cuando ya la teníamos fue en plan “¿vale, qué podemos hacer ahora?” y alguien sugirió lo del “Mariachi” (risas). Así es como empezamos a construirla y al final quedó cojonuda. Es importante que una banda tenga ese tipo de

libertad. No podemos hacer todo el rato canciones tipo “The Kids Aren’t Alright’ porque, aparte de que ya la hemos hecho, no sería divertido. No sería ni divertido de escuchar”. Me gustaría preguntarte por la última vez que vinisteis. Aquello fue una locura. “Sí, fue alucinante. Te diría que fue el mejor concierto que jamás hayamos dado en España. De hecho, lo hablamos después del concierto porque no nos podíamos creer lo increíble que había sido. Me parece que fue a la segunda canción cuando se rompió la valla y tuvimos que parar. Aquello podía haber sido muy peligroso y nosotros nos asustamos cuando vimos que toda la gente que teníamos enfrente se fue al suelo y que la de atrás seguía empujando. Ocurrió además super rápido y nadie podía levantarse. Vimos que podía haber heridos y paramos porque lo importante es que la gente esté segura. Lo primero que preguntamos cuando nos llamaron fue “¿vale, pero cómo será la valla esta vez?” Nos prometieron que no pasaría nada (risas). Eso espero” (ndr. Obviamente no hubo ningún problema). Para terminar, esto es un festival con lo cual no podéis llevar lo que queréis pero las últimas veces que os he visto en directo siempre ha sido muy divertido. Recuerdo cuando llevabais una especie de garaje e iba saliendo gente de distintos sitios o cuando tocasteis en Festimad que llevabais hasta burbujas. “Tienes razón, en estos conciertos. Al ser festivales, no podemos traernos nada, así que salimos, vamos directos al tema y a intentar dar un buen concierto. Cuando volvamos sí que intentaremos hacer algo divertido. Parece que has ido unas cuantas veces a vernos” (risas). Sí, unas cuantas y repetiré encantado.

Vince Neil (Mötley Crüe)

Es el SWEDEN ROCK una de esas citas internacionales ineludibles. Se comentaba que este año tenían cerrado a VAN HALEN pero que a última hora se les canceló y que eso hizo flojear el cartel. Aún así tuvieron destreza como para configurar un line up en el que estuvieron MÖTLEY CRÜE, LYNYRD SKYNYRD, SOUNDGARDEN, KING DIAMOND o TWISTED SISTER. ¿Quién dijo flojo? Texto y fotos: Roberto Villandiego. Tercer año consecutivo subiendo a uno de los festivales internacionales a los que más merece la pena asistir: el Sweden Rock. De nuevo lo hacía con la gente de Metaltrip (www.metaltrip.com) que siempre logran, mediante sus barbacoas el primer día, que no tengas la sensación de estar solo, aunque así sea. El primer

Fear Factory

día de hotel es el que rompe todo el hielo, conoces a gente impresionante de toda España con la que es muy sencillo compartir ratos de charlas y risas. Es con la que luego, al terminar cada día, vas completando el festival, porque si hay algo a tener en cuenta cuando llegas allí es que ¡no vas a ver ni a la mitad de grupos! Es

cierto. El primer día repasas en el running order todas las bandas que quieres ver, mientras te agobias y te entusiasmas a la vez. Haces tus planes para no perderte ni un solo segundo de nadie, aunque coincidan a la misma hora en escenarios distintos. Pero si algo he aprendido yendo al Sweden es que hay que tomárselo con

Heat

tranquilidad, elaborar un listado de Tops, que sí que no te puedes perder, y luego disfrutarlo con cierta relajación, porque son cuatro días de paliza de la que puedes no salir vivo si te estresas. El primer día, el miércoles, poquito que ver, ya que era el día de “calentamiento”. Primera toma de contacto con el recinto,

Edguy

con las distancias, con los puestos de comida variada, con Sabaton rompiendo el hielo y abriendo el show del Sweden tocando el himno nacional del país. No estuvieron mucho tiempo sobre el escenario, puesto que en esta ocasión su paso por el festival era más anecdótico que otra cosa. Sin embargo, sí que dejaron un buen sabor de boca, sobre todo con “Carolus Rex” y “Gott Mit Uns”. Les podremos ver por aquí en otoño, y el “adelanto” nos dejó con ganas de más. Tras una actuación bochornosa en el Sonisphere de Madrid, me volvía a encontrar con Fear Factory para ver si aquello había sido algo puntual. Pese a que estuvieron algo mejor, la sensación siguió siendo mala. Burton C. Bell (vocalista) se defiende bien en los guturales, pero es meterse con las partes melódicas y que te entren ganas de matarlo. Es que, ¡galleaba hasta para dar las gracias! Tal fue la sensación que estaba dando que, la gente les fue abandonando conforme avanzaba el show, y eso que había ido un buen puñado de gente a verles. Presentaron ‘The Industrialist’ incluyendo “Recharger” (Burton hizo repetir el título del álbum mil veces a un público que sólo quería que siguieran) en un show igual que el de Madrid, iniciando con “Shock” y terminando con “Replica” (algo más digno esta vez), y, más que tocar, destrozaron temas como “Self Bias Resistor”, “Martyr” o “Powershifter”. Algo tienen que hacer porque, a este ritmo, a Burton le quedan dos días de voz. De la decepción a la sorpresa cuando pasamos a ver a H.E.A.T. Nos habían gustado mucho con ‘Address The Nation’, así que decidimos ir a verles y no podíamos haber elegido mejor. La banda ha encontrado en el jovencísimo Erik Grönwall al vocalista perfecto. Pese a haber salido de un concurso de la tele, rollo OT, Erik parece que llevase toda la vida sobre los escenarios. Ha sido el último en incorporarse, pero actúa como si llevase toda la vida ahí dándolo todo. Con pintas ochenteras incluidas, arrancaron con “Breaking The Silence” y de ahí fueron haciendo repaso a toda su carrera. Divertido fue el solo de batería de Crash usando la base de ‘Family Guy’ y destacamos “In And Out Of Trouble”, como uno de los momentos más intensos del show. De nuevo paseo por el escenario Sweden de nuevo para ver a The Crown una banda muy inestable que no sabes si mañana estará ahí o no. Teníamos ganas de encontrarlos, porque siempre nos pareció que tenían una más que aceptable calidad y porque ‘Doomsday King’ es un buen álbum. Sin embargo, después de ver lo anodino de su show y la poca química que había entre sus componentes (pese a que volviese Johan Lindstrand) la sensación no podía haber sido peor. Quizás en otra ocasión. Movimiento rápido para ver a Entombed los cuales están desaparecidísimos. Editaron ‘Serpent Saints:

Danko Jones

Rival Sons

Dimmu Borgir

Sepultura

Soundgarden

Black Spiders

Ugly Kid Joe

Adrenaline Mob The Ten Amendments’ y les succionó la tierra. Por eso había que ir a ver al loco L-G Petrov y compañía. Se comenta que están grabando ya trabajo nuevo, y la verdad es que la banda funciona como un reloj. A todos nos dejaron locos con su “Death and Roll”. Tras la asombrosa actuación de los suecos, tocaba acercarse a ver a los Edguy, de Tobias Sammet. Estos empezaron muy fuertes tras una intro circense con “Nobody’s Hero” y “The Arcane Guild”, dos nuevos antes de meterse con el himno “Tears Of A Mandrake”. Tobias Sammet se marcaba su primer “discursito”. “Hemos sacado el mejor disco de la historia del heavy metal, y éste es el me44

jor tema de la humanidad”, decía tras un speech y antes de arrancar con “Rock Of Cashel”. A partir de ahí, los discursos de Sammet se volvieron tan pesados que fue mejor dejarle allí solito. ¡Menudo Frodo! ¿Será una manera de ir cuidando su voz? Con cierto frío metido en el cuerpo, era hora de irse a descansar prepararnos para el primer día “real” de festival. Amanecía despejado, idóneo para ir a Norje bien temprano. Sobre el escenario Imperial State Electric recibía a los más madrugadores. Dieron buena cuenta de ‘Pop War’, su nueva referencia, pero siguen sin entusiasmar. Todavía les falta un punto más durito, pese a que Nick Royale sigue teniendo mucha actitud.

Tras ver a Little Angels un rato y disfrutar de aquellos clásicos de principios de los 90`, tocaba visita obligada a los puestos de ropa para pillar algo de abrigo. El frío de la noche anterior aún calaba los huesos y no era plan de enfermar en medio de uno de los festivales más internacionales y regularmente interesantes del género. Antes de que nos diésemos cuenta ya estaba Danko Jones sobre el escenario. La última vez que le pudimos ver fue una calamidad de show, con lo que había mayor expectación. Las recientes mini vacaciones del canadiense debieron sentarle muy bien, pues se marcó un auténtico bolazo. Salió con “Sticky Situation”, “For-

get My Name”, “First Date”, “I Think Bad Thoughts” (a la que le metió partes del “Paranoid” e “Iron Man” de Black Sabbath y del “Breaking The Law” de Judas”) y de ahí en adelante se ganó al público con intervenciones brillantes. “Tocamos aquí en el 2003 y en el otro escenario estaban Motorhead así que… gracias a los 50 que vinisteis” – decía riéndose. “Por lo menos veo que se lo habéis dicho a vuestros amigos y os los habéis traído”, soltaba carcajeándose ante una explanada llena antes de tocar “Full Of Regrets”, sin duda uno de los temas más difíciles de su último disco pero en esta ocasión, le han debido bajar la afinación, no le costó nada cantarla.

Se despidieron con “Mountain” dedicando el tema a Hendrix, Cliff Burton, Dimebag Darrel, Joey Ramone, Gary Moore, Ronnie James Dio y al recientemente fallecido Adam MCA Yauch de Beastie Boys. Una de las actuaciones más impresionantes del festival. Otra de las bandas que queríamos ver, Rival Sons, comenzaba su actuación en el Zeppelin Stage. ‘Pressure & Time’ nos gustó tanto, que queríamos ver a los angelinos y por eso llegamos al tiempo que saltaban a escena Jay Buchanan (vocalista), Scott Holiday (guitarra), Robin Everhart (bajista) y Mike Miley (batería), perdiéndonos el conciertazo que se estaba marcando Night Ranger (ya dijimos que había que decidir). El caso es que, una vez empezado y avanzado el show no sabíamos si lo que veíamos era a unos genios o unos muermos. A Jay, por ejemplo, le daban arranques, tan pronto se parecía a un Robert Plant rejuvenecido como que se quedaba quieto en plan autista. No es que diesen un mal concierto, pero escuchando su música te esperas un show de rock and roll adrenalínico, no a un tío plantado como una seta al que le dan ataques de vez en cuando. El show no estuvo mal e incluso moló mucho la versión del “Baby Please Don’t Go”, pero ni por asomo era lo que esperábamos. Quizás ese fue el problema, que teníamos las expectativas muy altas. Con Sepultura, sin embargo, pasó lo contrario. Ya pensábamos que iba a ser una castaña cuando de pronto comenzaron los primeros acordes de “Beneath The Remains” que nos dejaron con la boca abierta. Además era nuestra primera toma de contacto con Jean Dolabella, y lo único que podíamos era repetirnos “¿pero de dónde ha salido este tío?”. ¿Se puede tocar más rápido, contundente y preciso que Igor Cavalera? Ir a ver a este jovencísimo batería y salid de dudas. El set list estuvo bastante equilibrado. El “Beneath” lo enlazaron con “Refuse/Resist”, y de ahí en adelante todo un repertorio de clásicos que dejó “ojiplático” incluso a Phil Campbell de Motorhead, que se vio todo el show desde un lateral. No podíamos quedarnos todo el show, porque en el escenario Rock estaban ya dando cera Steel Panther. Cuando llegamos la explanada mostraba un aspecto impresionante, y sobre las tablas la banda se estaba marcando un show excepcional. Hubo striptease sobre el escenario (varias chicas enseñaron su torso desnudo), pero esa parte nos la perdimos (mucho mejor ver a Derrick Green, ¡dónde va a parar!). A las 20 de la tarde teníamos una duda sería: acercarnos a Mastodon o ver a Graveyard. Cómo había un desfase de quince minutos nos quedamos viendo a los de Atlanta de nuevo esperando que mejorase la imagen que teníamos del Sonisphere. No sólo mejoró sino que se marcaron todo un bolazo. En tres veces que les he visto ha sido la primera que me han convencido del todo. Quizás fuese porque entraron cogidos con pinzas dentro de un cartel muy Hard Rockero (y el público todavía más) y tenían que salir a matar, pero lo que hicieron Brent Hinds, Bill Kelliher, Brann Dailor y Troy Sanders fue engatusar a un público con un excelente repertorio. Tanto fue así, que sólo nos acercamos a ver un momento a Graveyard, nos resulto una castaña y volvimos al escenario principal para disfrutar de temas como “Curl Of The Burl”, “Curl Of The Burl” o la hipnótica “The Sparrow”. Aplastantes y con una alucinante actitud de la banda sobre el escenario.

The Darkness

Twisted Sister

Motorhead

Así fue el escenario de Mötorhead

Bad Company

Finalizada su actuación, de nuevo, movimiento para ver a Dimmu Borgir pasando por el escenario Zeppelin en donde Graveyard seguían improvisando aún su bolo. Pese a las ganas de ver a la banda de Shagrath no pudimos más que llevarnos una pequeña decepción, después de las poquitas ganas que le echaron y lo justo que iba de voz el vocalista. A la cuarta canción, y con la sensación de estar viendo un pequeño timo, nos fuimos a ver al gran Sebastian Bach. Vale, no es el sex symbol de los 90` pero el tío se conserva. Vale que, llega un poco justito a “Monkey Business”, que en “I’m Alive” desafinó, que en “I Remember You” necesitó meter un buen reverb para llegar, pero el tío lo da todo y supo ganarse a todo un público que se fue encantado, sobre todo con el final, cuando Dee Snider subió a cantar “We’re Not Gonna Take It” y un “Youth Gone Wild”, compartiendo labores en el estribillo. Sin duda Sebastian sigue siendo todo un showman. Bajaron un poco las temperaturas cuando nos dispusimos ver, de nuevo, a Soundgarden, después de su actuación en Madrid daba miedo llevarnos una sensación parecida. Arrancaban de la misma manera que en el Sonisphere pero con el sonido, un poco, mejorado y eso nos hizo que pensar que veríamos un mejor show. En realidad lo fue, aunque a la banda se la notaba desorientada, como a disgusto. Quitando a Chris Cornell que estuvo más comunicativo, al resto parecía que les molestaba estar ahí. También fue un acierto cambiar el repertorio. Mientras que, en Madrid el cuarto tema había sido “Jesus Christ Pose”, lo que dejó a Chris muy tocado, en esta ocasión lo tocarían más adelante, pudiendo el vocalista llegar casi sin problemas. Sigue, no obstante, sin cantar como en el pasado, pero, al menos, no fue un completo bochorno. Aunque su actuación anodina fue castigada por un público que abandonó poco a poco del recinto, y no es que hubiese mucha gente al principio (unas 10.000 personas) pero es que al final debíamos quedar unos 2000. Así se las gasta el público sueco. De hecho, esto no sentó muy bien a un Kim Thayill que abandonó el escenario a lo chulo y despidiéndose con un middle finger en toda regla. Una lástima que toda una trayectoria quedase empañada por algo así. Queremos pensar que no era el cartel más propicio para Soundgarden. Ya con un frío considerable y los primeros rayos de sol apareciendo (a las 2 de la mañana) nos fuimos a reponer fuerzas para lo que nos esperaba al día siguiente. El viernes comenzábamos, también, temprano con Adrenaline Mob a las 12 de la mañana. “Gracias por venir a desayunar con los Mob” decía riéndose un Russell Allen que estuvo, junto al resto de la banda, pletórico. Pese a la lluvia y a lo ingrato del horario, supieron los Mob meterse al público en el bolsillo gracias a un repertorio basado en ‘Omerta’, a la cercanía del vocalista, a los solos de Mike Orlando, a la versión del “Mob Rules” de Black Sabbath y a la pegada de un Portnoy que destacó lo justito. Ojito a esta banda porque van a ser muy grandes. También lo podrían ser Black Spiders si no fuese porque su Rock sucio está más 46

Slaughter

enfocado a pequeños aforos. Con una caradura brutal, los Spiders se sacaron de la chistera uno de los shows más cachondos del festival. Introducciones como “Esta canción entró directamente en los Charts de… los geriátricos en Malmo” o “Vamos a dedicar “Kiss Tried To Kill Me” a Gene, Paul y los otros dos tíos que van con ellos” hicieron que la gente les siguiese todo el rollo. Por no hablar de ese sonoro “Fuck You Black Spiders” que les pidió el respetable. Si no les has visto, no te los puedes perder, ¡de los shows del día!, incluso con la lluvia que había empezado a caer y que se convirtió en algo muy desagradable cuando saltaron al escenario Gamma Ray. Durante “Ride The Sky”, aquello terminó convirtiéndose en todo un aguacero que hacía imposible quedarse delante del escenario. Lo mismo pasó cuando salieron Blue Oyster Cult, así que disfrutamos de temas como “The Reaper” desde la zona de prensa. Además, ellos movieron el backline para atrás, para no empaparse, así que los que se quedaron aguantando el chaparrón les vieron desde lejos. Con el cuerpo calado nos disponíamos a ver la vuelta de Ugly Kid Joe después de muchos años desaparecidos (se separaron en el 97). Whitfield Crane sigue estando en plena forma, aunque, todo hay que decirlo, nos lo esperábamos más saltarín, más loco. Con la formación original, pero con la ausencia de Shannon

Larkin (reemplazado magistralmente por Yael), los californianos repasaron éxitos como “Neighbour”, “Panhandlin’ Prince”, “Milkman’s Son”, “Goddam Devil” y, cómo no, “Everything About You”. Así, sí se puede volver. Con ese regustillo agradable, era hora de acercarse al Festival Stage y ver, de nuevo, a The Darkness. Decir que están en un estado de forma envidiable es quedarse corto. Justin Hawkins no sólo mantiene intacta la voz , también está en forma. Una vez que saltan al escenario con “Black Shuck” no deja de moverse de un lado a otro, él lleva la carga del espectáculo. Es quien dirige tanto al público como a su propia banda para cuadrarlo todo. Aprovecharon la ocasión para tocar algún tema nuevo como “Everybody Have A Good Time” y otros clásicos como “One Way Ticket”, “Love Is Only A Feeling”, “I Believe In A Thing Called Love” o “Love On The Rocks With No Ice”, a la par que daban una vuelta entre el público, tocando encima de uno de sus seguratas. Puede ser que en disco no te digan nada, pero si tienes ocasión de verles sobre el escenario no te lo puedes perder, porque son todo un espectáculo. Algo que también son Motorhead, por los que parece que no pasan los años. No es que sus conciertos sean muy distintos entre sí, pero es increíble ver como Lemmy, con lo pasadísimo que iba, fue capaz de marcarse semejante show. Las caras que ponía el líder de la banda nos hacían pensar que estaba más cerca del colapso nervioso que otra cosa y, sin embargo, ahí estaba, aguantando el tipo. “We Are Motorhead and We Play Fucking Rock And Roll”, decían al inicio de un show que arrancaba con “Damage Case”, dando comienzo a un set formado por temas como “Metropolis”, “One Night Stand” y “Killed By Death” (donde contaron con la colaboración de Whitfield de Ugly Kid Joe y Andy La Rocque de King Diamond), antes de desplegar la traca final (avión y fuegos incluidos) con “Ace Of Spades” y “Overkill”. Se acercaba el final de otra jornada bastante desagradable por la lluvia con la actuación de los cada vez más grandes Twisted Sister. Dee Snider y compañía tienen perfectamente asumido el concepto de espectáculo y desde que comienzan con “What You Don’t Know” todo se con-

vierte en una auténtica fiesta. “¡Que jodan a la lluvia!” decía un Snider que en ningún momento del show paró de moverse (salvo cuando iba para atrás), y sonaron perfectos “Stay Hungry”, “I Believe In Rock n’Roll”, “Burn In Hell” (con llamaradas saliendo del escenario), “The Price” y, cómo no, clásicos como “We’re Not Gonna Take It” o “I Wanna Rock”. Durante el show hubo dos momentos memorables. Uno cuando Dee Snider estaba hablando al público y de repente se centró en un tío que estaba cenando diciendo “tú, idiota, no puedes comer pasta en otro momento” y luego otro cuando Animal apareció con un IPAD donde mantenía una videoconferencia con un colega… ¡en mitad del show! Hasta a Snider le pareció surrealista la situación. La banda tuvo un bonito detalle agradeciendo al público del Sweden el haberles sacado de la miseria (“El Sweden Rock salvó a Twisted Sister porque vosotros nos hicisteis creer que merecía la pena volver”) y se vació por completo con los últimos temas, “Come Out And Play” y “SMF”, el cual les servía de despedida. En un principio reconozco que mi inten-

Mikael Fassberg

No todos los días tiene uno la posibilidad de estar en camerinos de un festival como el Sweden Rock. Tampoco suele ser habitual poder subir a cantar con una banda delante de miles de personas un tema como “Fill Your Head With Rock”. Sin embargo, gracias a la amistad que nos une con los suecos Bonafide, pudimos pasar un rato agradable con ellos antes de que tocaran en el Rock Stage.

La sensación entre bambalinas era la de total tranquilidad. Rodeados de amigos, Pontus Snibb (voz y guitarra), Mikael Fassberg (guitarra), Niklas (batería) y Martin (su nuevo bajista), iban bromeando entre ellos haciendo tiempo hasta que tuvieran que saltar a escena. Delante se iba arremolinando la gente que no queríadejar pasar la ocasión de ver a una de las bandas más excitantes y divertidas que hay en la actualidad. Mientras esto sucedía, detrás los nervios no ibancreciendo conforme se acercaba la hora. Quizás fuese porque jugaban en casa y sabían que eso te da mucho terreno pero en sus rostros no se notab para nada la tensión de tener que

tocar delante de miles de personas. Precisamente así fue como saltaron, sin tensión, sin prisa, directos soltarle todo su Rock and Roll a un público que les recibía como auténticas estrellas. A temas ya memorables como “Hard Living Man”, “No Doubt About It” o “Night Time”, añadieron la novedosa “Too Fire Up”, adelanto de ‘Ultimate Rebel’, el que va a ser su próximo lanzamiento. Si hay algo que caracteriza un concierto de Bonafide es la fiesta que montan durante “Fill Your Head With Rock”. Ya no es sólo que sea el himno del Sweden Rock sino que durante el mismo suben a gente para que la cante y ahí estábamos nosotros, delante de una explanada llena,

compartiendo ese memorable recuerdo junto a la banda. Estábamos tan a lo nuestro que incluso una chica enseñó los pechos y ni nos enteramos. Es posible que vengan pronto así que no dudéis en ir a verles porque no os arrepentiréis.

ción era no ver todo el show. La lluvia me había hecho mella y tiritaba, calado como estaba hasta los huesos. Al haberles visto el año pasado en el Sonisphere, pensé que no podrían superar aquello, pero ¡vaya que si lo hicieron!. Twisted Sister son ahora mismo una de esas bandas que dejan petrificado en directo. Con cansacio acumulado y un cambio de clima radical (pegaba el Lorenzo que daba gusto) encaramos la última jornada de festival. Todavía por delante varias bandas, aunque, en esta ocasión, con mayor relax ya que el cartel tornaba clásico en exceso y no nos veíamos obligados a correr para no perdernos nada. Comenzamos yendo a ver a Goda Grannar, una banda de “veteranos” que tienen una peculiar manera de hacer grandes clásicos del rock. Uno no suele escuchar todos los días un “Sweet Child O’ Mine” de Guns N’ Roses con acordeones e instrumentos tradicionales. Mientras esto pasaba, en el otro escenario Girlschool se marcaban ,también, un concierto del copón. Poco tiempo para verlas a ellas, pues Hell saltaban a escena montando una gran parafernalia. Pero aunque el show no tenía mala pinta , habíamos quedado con Bonafide en el backstage (podéis verlo en el anexo). A la salida, nos fuimos directos al escenario principal para ver a Bad Company. Seas o no seguidor de la banda hay que reconocer una cosa: el señor Paul Rodgers es uno de los mejores vocalistas de la historia, la elegancia de su voz le hace un vocalista muy especial. Lo único que eché en falta fue que se tocasen “All Right Now”, pero después de “Ready for Love”, “Can’t Get Enought” o “Good Lovin’ Gone Bad” pocas cosas había que echarles en cara. Otros que salieron con muchísimas ganas fueron Slaughter, recientemente reagrupados y en muy buen estado de forma (exceptuando a Mark Slaughter por su sobre peso). No venían con su batería original sino que les acompañaba Zoltan Chaney, el cual resulto ser todo un show. No sólo hacía malabarismos con las baquetas, sino que ,además, se ponía a darle con los pies, nos dejo impresionados. Mientras tanto, Crucified Barbara petaban el escenario más pequeño, el Rockklassiker Stage, lo que imposibilitó verlas bien. Las chicas presentaron a conciencia su nuevo trabajo y han madurado muchísimo desde la última vez que asistimos a uno de sus conciertos. Como aquello era un hervidero, nos dimos una vuelta por el recinto para ver si comprábamos unos chupachups de escorpiones que habíamos visto en un puesto super bizarro, aunque como no quedaban esperamos ahí para ver la salida de Lynyrd Skynyrd, otro de los platos fuertes del festival. Aparecieron muy motivados y presentando material nuevo, pero, para qué nos vamos a engañar, la reacción de la gente no fue ni parecida a la que tuvieron durante el conocido “Sweet Home Alabama” o cuando cerraron con “Free Bird”. Quedaba poco para el final. En el escenario Rock se hacían los últimos preparativos para que saliese Kind Diamond. Lo único que podíamos ver eran unas que colocaron delante de los monitores, ya que unas cortinas tapaban el resto 48

del escenario. El misterio se despejó al inicio de “The Candle”, en donde se descubría algo que asemejaba al hall de un tétrico castillo. Habían montado escaleras laterales y pasarelas por donde se pasearía el bueno de Diamond durante todo el show. Hubo un momento de recuerdo a Mercyful Fate (“Come To The Sabbath”) pero nos lo perdimos; ¿por qué?, porque Mötley Crüe había decidido que no quería fotógrafos en el foso y hubo que pillar sitio delante, para poder traer alguna instantánea. Mientras esperábamos escuchamos a lo lejos cómo King Diamond remataba su repertorio con “Black Horsemen” y vimos como tres suecos, con un pedo de impresión (dos chicos y una chica), que estaban a nuestro lado se tenían que controlar para no terminar haciendo un trío en medio del Festival Stage. Con todo el festival delante (pobres Cannibal Corpse que tocaban a la misma hora) salía Mötley Crüe como un torbellino , enlazando casi “Wild Side”, “Live Wire” y “Too Fast For Love”, acompañados en algunos casos por dos tías que bailaban como si fuesen strippers y querían hacernos creer que eran los coros. Después de “Shout At The Devil” (cantada de manera horrible por Vince Neil), “SAme Ol’ Situation”, “Looks That Kill” o “Primal Scream”, llegaba el momento del sólo de batería de Tommy Lee, ese en el que todo el kit empieza a dar vueltas en una estructura metálica de forma circular a modo de montaña rusa. A un ritmo de techno, el batería iba dando vueltas a la par que tocaba. En un momento dado, y después de decir que lo adoraba, el propio Lee preguntaba si alguien se quería subir. De forma totalmente espontánea aparecía por allí una chica rubia llamada Verónica (que debía haber ido al festival con el mismo arnés que Tommy Lee, qué casualidad) para subirse con él mientras sonaba “Rollerscarter”. La verdad es que, pese al amaño, fue uno de los momentos más entretenidos del show. Tras él volvían a sus canciones de siempre, con un Vince Neil tantando también de forma regulera “Dr.Feelgood”, y con las tías haciendo el paripé en los coros de “Girls, Girls, Girls”. Lo bueno es que, el show estaba siendo bastante correcto y ese tipo de cosas se podían pasar por alto. No nos habíamos dado cuenta, pero de repente entraron para los bises, demasiado temprano para mi gusto. Mientras se tomaban ese respiro, ponían un piano de lentejuelas en el escenario delante del que se iba a sentar Tommy Lee para empezar con “Home Sweet Home” con todos rodeándole. La dulzura del tema se terminaría con el ritmo de “Kickstart My Heart”, con la banda dándolo todo, y Nikki Sixx escupiendo sangre , con cubos llenos de un líquido sanguinolento que Tommy Lee se encargó de tirar a las primeras filas cuando la banda se despedía del Sweden, después de sólo hora y veinte de concierto. Con Frank Sinatra sonando de fondo, nos despedíamos de Mötley Crüe y del Sweden Rock hasta el año que viene. Ya han anunciado a RUSH, así que daban ganas de quedarse allí porque sabemos que volver, volveremos.

King Diamond

Mötley Crüe

Uno de los festivales clásicos de nuestro país. De menos a más, se ha construido un AZKENA ROCK que este año vio cómo se le desestabilizaba el cartel con la cancelación de la gira de BLACK SABBATH sabiéndolo capear con destreza. THE MARS VOLTA, STATUS QUO, TWISTED SISTER o THE DARKNESS llenaron Vitoria de Rock durante tres días intensos. Texto: Serafín Cruz. Fotos: Javier Bragado / Kristina Espina (primer día) En el momento en el que, desde la oficina de management de BLACK SABBATH se comunicaba la cancelación de casi todos los conciertos de la gira europea (sólo tocaron en Download), el cartel del Azkena se hizo menos interesante, menos atractivo. El veterano festival veía como uno de sus cabezas de cartel, y principal aliciente, se caía con tan poco tiempo que casi todos los artistas grandes ya tenían el Booking cerrado. Había que tirar como se pudiese y OZZY OSBOURNE fue la opción más lógica, aunque ya hubiera tocado el año pasado. La diferencia con respecto a su anterior visita era que, en esta

ocasión venía acompañado por sus “amigos”. En teoría, vendría con Geezer Butler, Zakk Wylde y Slash, lo cual no es que sirviese de consuelo, pero al menos podrían hacer algo distinto. A esto hubo que sumarle un cartel cargado de bandas “secundarias”. Está bien para descubrir nuevas bandas, aunque no nos llevemos a engaño, hablamos de que pagas “precio de festival” y terminas viendo grupos que, en su mayoría, no suelen tocar para más de 200 personas en sus respectivas giras. Si quitamos a todos las que están en esa situación nos cargamos casi entera la programación del escenario “Robin

Graveyard

Gibb”, el pequeño para entendernos. La consecuencia de todo ello fue que mucha gente devolvió su abono, mermando la asistencia al festival. Esta undécima edición del Azkena Rock Festival la abrían Si Craunston mientras dábamos una vuelta para ver el reducido recinto del festival. A los habituales puestos de merchandising se sumaba uno de Rockstar (la bebida energética) y de Jagermeister, así como uno de café y ¿sólo 4 de comida? En el norte se come muy bien, pero no si vas de festival. Blue Oyster Cult era el primer grupo interesante en saltar

Steel Panther

Israel Nash

Twisted Sister 50

Status Quo

Pentagram

Dropkick Murphys

a escena. Lo hacían con “The Red & The Black”, con mucha sobriedad, alargando “Then Came The Last Days Of May” y rematando con “(Don’t Fear) The Reaper”, clavando esas melodías vocales tan entrañables. Casi no habían terminado de despedirse los BOC cuando Israel Nash Gripka aparecía junto a su banda al escenario Robin Gibb. El de Missouri dio preferencia a ‘Barn Doors And Concrete Floors’ delante de un sol que, aunque en descenso, todavía daba de lo lindo. De la parsimonia country-rock de Gripka, pasábamos a ver a ese torbellino llamado Twisted Sister. ¿Qué se puede decir ahora mismo de la banda de Dee Snider y compañía? Pues que están que se salen. Les había visto una semana antes en el Sweden y pensé que iban a hacerse el mismo show, no fue así. Mantuvieron, como es evidente, un bloque de su set list, pero cambiaron lo suficiente para volverlo a hacer atractivo. Además, no te cansas de verlos, son tremendamente adictivos. La energía que tienen sobre el escenario cuando tocan “The Kids Are Back”, “Stay Hungry”, “I Wanna Rock” o “SMF” es terriblemente contagiosa. De nuevo volvieron a hacer la gracia del “We’re Not Gonna Take It” cambiándola por “huevos con aceite”, y de nuevo nos volvieron a conquistar con eso. De hecho, daba la sensación de que Snider no terminaba de creer que la gente les siguiese coreando con ellos la “nueva letra”, puesto que fue al lateral, donde estaban los Blue Oyster Cult, para decirles “¡¡tíos, que dicen huevos con aceite!!”. La verdad es que la cara de Buck Dharma fue de “¡¿a mí qué me cuentas?!”, curioso cómo reacciona el vocalista cada vez que tocan este tema. Sencillamente impresionantes. Claro, después de ver a Twisted Sister, que te han dejado con las pilas cargadas, cualquier cosa que hicieran Gra-

veyard iba a saber a poco. Estuvieron mucho más intensos y naturales que en el Sweden, pero aún así, deberían orientar de otra manera los directos. En ellos sacan sus paisajes más lisérgicos, olvidándose de ese Rock n’ roll pantanoso que también practican. Era ponerse con las partes más lánguidas y darte un bajón considerable. Muchos pensaban que Status Quo estaban fuera de lugar. Hay quien ya les ve como un grupo para ancianos. Sin embargo, Francis Rossi (guitarra y voz), Rick Partiff (guitarra) y compañía, demostraron están que se salen. Obviamente no son un grupo heavy, ni quieren serlo,

pero a la hora de hacer Rock & Roll clásico y bien hecho tienen poca competencia. Arrancaron con “Caroline” y, de ahí en adelante, dejaron a todo el mundo atónito, mientras soltaban “Big Fat Mama”, “Roll Over Lay Down, “Whatever You Want” (cómo no), “In The Army Now”, “Rockin’ All Over The World” y ese final con “Rock n’ Roll Music” mezclado con el “Bye Bye Johnny”. Está claro que un grupo no aguanta 40 años si no hay una solidez detrás, y ellos tienen muchísima. Paseo para ver a los divertidos Steel Panther que pierden bastante cuando el público no se entera de las bro-

Lee Fields & The Expressions

Pontus Snibb 3 Gun

Rich Robinson

mas (obviamente en inglés), para acto seguido ver a Pentagram, del loco Bobby Liebling. Quizás si no hubiesen existido Black Sabbath habrían tenido más tirón, pero, no nos engañemos, no son ninguna bandaza. Dura competencia como cierre del día. Por un lado Dropkick Murphys se marcaron un show demasiado folk y aburrido, mientras que en el otro Porco Bravo incendiaba literalmente el escenario con su Rock sucio. Ojito a estos tíos, porque la montan muy gorda y son tremendamente divertidos.

My Morning Jacket

VIERNES

Jornada apretada en cuanto a bandas, puesto que se ponía a funcionar el escenario mediano, el Adam Yauch, siendo Willis Drummond los encargados de inaugurarlo. Por su parte, el escenario pequeño acogía a Pontus Snibb 3, que no es, ni más ni menos, que el otro grupo del vocalista de Bonafide. Pese a que la gente no le conocía, se supo ganar al respetable, resultando ser una de las sorpresas de la velada, con paseo incluido puesto que guitarra en ristre se dio un baño de masas. Una sorpresa parecida nos llevamos con Gun, quienes venían a presentar ‘Break The Silence’. Totalmente entregados, no sólo tocaron canciones nuevas sino que también dejaron en el recuerdo colectivo algunos clásicos como “Better Days”. Más aburrido fue Rich Robinson. El guitarra de los Black Crowes venía en solitario y se decantó por un set demasiado acústico, que no terminó de enganchar a un público ya era bastante numeroso. Con la carpa del escenario mediano hasta los topes salía mr. Zakk Wylde, tocado indio incluido, para derribarlo todo con “Crazy Horse”, “Overlord” o “Stillborn”. Le sobró, eso sí, tiempo en el solo ultra larguísimo que se marcó. Una cosa es dejar a todo el mundo perplejo, y otra bien distinta recrearte, Wylde estuvo más cerca de esta segunda.

Por fin, llegaba uno de los momentos esperados: la actuación de Ozzy & Friends. La banda inició con mucho entusiasmo con “Bark At The Moon” y el habitual line-up que lleva el músico en gira. Junto a ellos iba a tocar “Mr. Crowley”, “Suicide Solution”, “I Don’t Know” y “Rat Salad” de Black Sabbath. Este le servía para invitar a Geezer Butler (bajista original de los Sabbath) para que tocasen “Iron Man”, “War Pigs” y “N.I.B.” tras la cual se iba Gus G dejando su sitio a Zakk Wylde. Juntos de nuevo Ozzy y él volvieron a tocar “Faires Wear Boots” y “Crazy Train”, para que después se les uniera toda la tropa rematando la actuación con “Paranoid”. No es que estuviese mal el show, pero ¿dónde estaba la sorpresa? Es decir, el set era muy parecido al que Ozzy se marca en solitario y, vale que hubiera morbillo por ver tocar otra vez a Zakk junto a

The Mars Volta

él que fue su protector, y Geezer con Ozzy de nuevo, pero nos faltó ver a un Slash o un set diferente. No faltó, eso sí, la pistola de espuma, que tanto juego le da en directo (enchufó a Gus G por error, no sabemos si le hizo mucha gracia). Una cosa curiosa es que, a pesar de tener tres cañones de luz enfrente, justo, el que enfocaba a Ozzy, estaba muchísimo más bajo. Tonterías de las que se da cuenta uno. Si el concierto de Ozzy fue “la grandiosidad” en cuanto a escenografía, el de The Mars Volta iba a resultar todo lo contrario. La banda reunió todo su backline en el espacio de un local de ensayo, dejando el escenario vacío. ¿Para qué? Para que Cedric corriese por todo el entarimado como un perro rabioso. Nada más salir le arreó una patada a la P.A. para acto seguido liarse a tirar el monitor

Black Label Society

Ozzy Osbourne junto a Zakk Wylde de nuevo 53

de su batería, uno de sus platos, y a no dejar trabajar a los técnicos de sonido. El show fue muy salvaje pero esa actitud tan “violenta” y sin venir a cuento, estuvo totalmente fuera de lugar. El cierre de la velada lo ponía un Danko Jones al que, sinceramente, alguien debería decir que lo de “dan kojones” empieza a aburrir. Salió enchufadísimo pero fue empezar a hacer sus bromas y perder parte de la intensidad que había logrado con sus canciones.

SÁBADO

Día tranquilo y de descubrimientos, el último del festival. Por un lado, no nos disgustó mucho Sallie Ford And The Sound Outside, una cantautora que mezcla Rock con country y Jazz. Pese a que ella tuviese una pinta de “mildred” de impresión y el resto de su banda pareciera que no haber conocido nada más allá de las fiestas de ganado de su estado (en cuanto al look, me refiero), la verdad es que nos dejaron buen sabor de boca. También lo hizo The Union, la banda de Luke Morley (ex Thunder). Apuntaos este nombre porque, de aquí a poco, empezará a sonar mucho. Su concierto fue tremendamente bueno, con el descubrimiento de Peter Shoulder como un vocalista excepcional. Con un aire que te tiraba los gorros de cowboy aparecie-

ron Lynyrd Skynyrd, quienes están ahora mismo tocando a un nivelazo de impresión. Sinceramente, impresionaba ver a Johnny Van Zant cantando como si con él no fuera la cosa. Hubo momentos muy especiales durante su show, como cuando bajaron la bola de espejos, cuando desplegaron el telón con los nombres de los Skynyrd desaparecidos o, cómo no, cuando tocaron “Free Bird”, que volvió a sonar tremendo. Podría escuchar mil veces ese tema sin cansarme. Más aburridos estuvieron My Morning Jacket, su Rock de salón (es mejor disfrutarlo en casa con auriculares) no terminó de convencerme. Que sí, que serán muy buenos y tendrán mucho feeling, pero no han logrado engancharme como a Stan Smith (American Dad), aunque sí que reconozco que me los esperaba muchísimo más blanditos. En cuanto a Hank 3, no esperaba demasiado y sin embargo, fue una sorpresa. Lo fue por un set premeditamente amorfo que empezó con un country súper divertido, para derivar en una bizarrada post apocalíptica thrashera que dejó a todo el mundo perplejo. Claro, no te esperas que algo así pueda ocurrir si no conoces al bueno de Hank. De hecho, salió al escenario con toda la tropa y terminó el solo, con un rollo a lo Reznor demoledor. Aunque casi también se queda sin público, porque hubo mucha gente que no entendió la gracia, pero a mí me pareció de lo mejorcito del festival. Se acercaba el final y casi se agradecía, ya que por el frio se empezaba a parecer al Siberia Gazteiz del que nos habían hablado. Durante los dos días anteriores sobrevivimos, pero antes de que saliesen The Darkness nos encontrábamos ya al límite de la congelación. Vale, también es cierto que nos habíamos ido muy “pichis”

Sallie Ford

The Union

The Darkness

porque hacía un calor tremendo por la mañana, así que pecamos de “paletos”. Pero el frio se pasó enseguida, en cuanto Justin y sus colegas salieron a ritmo de “Black Shuck” tras una pequeña intro. El estado de forma ahora mismo de los ingleses es envidiable. Mucho más fibroso que tísico, Hawkins es el líder indiscutible de una formación que va al ritmo que él marca, le siguen para saber cuándo hay que alargar un tema o cortarlo. Estuvo cogiendo y soltando la guitarra durante todo el show, cantó igual que en los discos, hizo que el público gritase con él “mother” para, un segundo después, hacerle decir “fucker”. En definitiva, se movió y agitó como un grandísimo frontman. Además, la banda suena ahora mismo mejor que nunca. Pese a que jamás he sido fiel oyente de sus discos, sí que reconozco que son un auténtico pelotazo temas como “One Way Ticket To Hell And Back”, “Is Just Me”, “Growing On Me” o “Love On The Rocks”, amén de otras más conocidas y lentas como “Love Is Only a Feeling” o “I Believe In A Thing Called Love”, la cual sigue siendo “la canción”. Un repertorio el de los ingleses dispuesto para hacerle pasar un rato más que agradable al personal que, cada vez más, va viéndoles con mejores ojos. Con ellos despedimos el festival, las fuerzas no daban para más. Nos habíamos terminado de deshinchar con The Darkness y aún nos quedaba caminito hasta el hotel. Nos despedimos del Azkena Rock Festival con la intención de volver el año que viene, si el tiempo lo permite. 54

Estrechar la mano a GARY ROSSINGTON de LYNYRD SKYNYRD es dársela a un guitarra que lleva desde el 64 tocando, que ha sobrevivido a una de las mayores catástrofes del Rock (el accidente aéreo que sufrieron en el 77) y que ha visto como su banda vivía continuas subidas y bajadas. Desde hace unos años sin embargo parece que la situación de los sureños se ha estabilizado y que han recuperado el status que se les resistía desde hacia tiempo. Con Gary habíamos quedado para hablar de ‘Last Of A Dyin’

Breed’, su último álbum, pero un problema con el enlace que nos daba acceso a escucharlo (teníamos que haberlo recibido unos días antes y lo recibimos ya estando en el festival) imposibilitó que pudiésemos hablar ampliamente de él. Como tampoco nos gusta ser descorteses, no íbamos a dejar de hacerle algunas preguntas a toda una leyenda del Rock Sureño con mayúsculas. Esto fue lo que nos contó en los camerinos del Azkena. Texto: Roberto Villandiego

Os estuve viendo en el Sweden y el show fue fantástico. ¿Qué tal está yendo el resto de la gira? “El tour está yendo genial. Llevamos por aquí 3 semanas y estamos encantadísimos y felices por poder estar en España. Mañana nos vamos a Grecia y hemos pasado ya por Escocia, Inglaterra, Alemania y en todos nos los hemos pasado tremendamente bien. Es genial llevarnos esa impresión de Europa porque no solemos girar mucho por aquí y es como un nuevo sentimiento”. Me alegro porque habíais estado un poco desaparecidos. “Sí, hemos estado una temporada menos activos. Hicimos algunos conciertos sueltos en América para mantener el nombre vivo refrescándoselo a la gente y, mientras tanto, escribiendo cosas para el nuevo disco. Ahora mismo te diría que estamos viviendo el sueño de poder seguir adelante y queremos que dure una temporada”. Yo soy más joven y no había tenido la oportunidad de veros todavía. Pero sí que es cierto que no he tenido la sensación de ver a una banda antigua. “Tienes razón y esa es la sensación que queremos que tenga la gente. Lo que queremos es tocar las canciones como lo hacíamos cuando estábamos los miembros originales. Ahora vamos a promocionar el disco nuevo, el cual tiene nuestra marca, pero también estamos tocando todos nuestros clásicos y es alucinante ver a las nuevas generaciones cantándolas. Viene gente como tú, o incluso más jóvenes, así que se puede decir que hemos tenido un impacto en tres o cuatro generaciones. Si lo piensas detenidamente es una locura, pero es genial porque eso significa que la gente quiere seguir escuchándonos y nos mantenemos activos por eso”. No he tenido todavía ocasión de es-

cuchar el nuevo pero, por ejemplo, en ‘Gods And Guns’ sí que sonabais como si fueseis nuevos. “Sí tío. El nuevo disco tiene el mismo estilo de la banda pero con mucha energía positiva. Hemos intentado mantener nuestra actitud en el sonido”. Para una banda como vosotros, con una carrera tan dilatada y un sonido característico, debe ser muy complicado ponerse a trabajar en un nuevo disco. No podéis hacer cualquier cosa. (Risas) “Sí, pero no te creas que es complicado. Las canciones las vamos escribiendo Johnny (Van Zant), Rickey (Medlocke) y yo. Cuando tenemos unas cuantas nos vamos al estudio a grabarlas y allí el resto de la banda se las aprende, las tocamos y luego las grabamos todos juntos haciendo algunos overdubs por aquí y por allí para intentar que el disco suene como si la banda estuviese tocando en directo. Lo que intentamos es sonar como una banda clásica pero con un sonido actual”. El otro día noté que la gente estaba esperando que tocaseis “Free Bird” y, por supuesto, “Sweet Home Alabama”. Cuando os ponéis a componer un nuevo álbum ¿pesa mucho esa trayectoria? ¿Habéis intentado componer otro “Free Bird”? “Sí tienes razón en que pesa un poco, pero no nos presionamos. No creo que podamos, o que nadie más pueda y no somos los únicos. Incluso Bob Dylan no sería capaz de escribir canciones como las que escribió en los sesenta porque son tiempos distintos. Nosotros lo que intentamos es escribir canciones buenas, manteniendo nuestro estilo, con la esperanza de que a la gente les gusten. Jamás hemos intentado escribir otro “Free Bird” u otro “Alabama”. Lo único que puedes esperar es que eso ocurra porque no es

una cuestión de querer o no.”. Supongo que tampoco sabréis si tenéis un nuevo “Alabama” hasta que no la tocáis en directo, ¿no? “Eso es. En este disco hay un par de temas que deberían ser singles, pero no sabes lo que puede pasar. Ahora mismo con internet el mundo es completamente distinto y que un álbum sobreviva es muy complicado”. Lo que pasa es que gracias a eso también hay mucha gente descubriendo a bandas pioneras como vosotros o Molly Hatchet. Hay toda una nueva generación de bandas que están usando vuestras enseñanzas. “Sí que es cierto que hay un montón de bandas a las que hemos influido y que crecieron escuchándonos. Eso es un honor que nos hace sentir increíblemente bien. Lo malo de eso es que sólo pasa en países como España porque te podría decir un montón de bandas clásicas que ya pasan de girar porque la gente está más pendiente de Lady Gaga o Justin Bieber. Otro estilo que se ha vuelto muy popular es el Hip Hop y eso está influyendo en que no salgan más bandas de Rock & Roll. Sólo las bandas que llevamos cierto tiempo podemos seguir girando por todo el país porque lo que es el resto lo están matando poco a poco. Pero sí, que una banda te mencione entre sus influencias es un honor y un gran cumplido”. También he notado que incluso la gente os menciona como uno de sus grupos preferidos con cierto orgullo. “Esas cosas también te hacen sentir muy bien. Cuenta que, durante muchos años, hemos sonado como de fondo en todos lados y han crecido escuchándonos. “Free Bird” o “Simple Man” han sonado tanto en bodas como en funerales y luego “Alabama” es una canción básica en cualquier fiesta en los institutos. Cuando

suenan la gente recuerda ese momento en el que la música era importante y te transmitía algo y esa sensación es muy gratificante”. Buena cuenta de que estáis ahí como una referencia es que, por ejemplo, directores nuevos de series de televisión o películas van metiendo temas vuestros. Haciendo memoria rápida yo he escuchado “Free Bird” en ‘Me Llamo Earl’ y luego en ‘La Matanza de Texas: El Origen’ el primer tema que sonaba era el “Sweet Home Alabama”. Debe molar estar viendo una película y que, de pronto, empiece a sonar un tema tuyo. “Sí que te quedas alucinado y te sientes orgulloso. De todas formas, cuando haces una canción y la lanzas todo el mundo puedo utilizarla. Pagas la licencia y listo. Por eso puedes escuchar las canciones en los anuncios de la tele o en otros discos. En las películas sin embargo te tienen que preguntar. Por ejemplo, esas dos canciones que mencionas suenan en ‘Forrest Gump’. El director y los productores se pusieron en contacto con nosotros y fue un honor que lo hicieran. Es todo un honor que quieran meter un tema tuyo en una película”. Yo recuerdo que, por ejemplo, cuando empezó a sonar el tema en ‘La Matanza de Texas: El Origen’ estabais bastante desaparecidos. Ni girabais. Recuerdo que pensé “¿Qué diablos estarán haciendo?”. “Cosas como esas nos han llevado a seguir en activo porque la gente se sigue acordando. Muchísima gente sabe que somos los “nuevos”, que no es la banda original, pero aún así quieren seguir escuchando esas canciones y eso te hace sentir muy bien. Esto es lo mejor que nos podría pasar, que la gente siga queriéndonos escuchar”. 55

Red Hot Chili Peppers

Ejemplo de cómo debe ser el recinto de un festival aunque con un cartel que, todo sea dicho, de Rock este año tenía poco. Sólo la única jornada tenía algo que ver con aquellos primeros carteles del festival con RED HOT CHILI PEPPERS e INCUBUS como estrellas indiscutibles. De los días anteriores hablar sólo de LENNY KRAVITZ que dejó a más de uno sorprendido. Texto: Roberto Villandiego. Fotos: Javier Bragado

Estamos de acuerdo en que de Rock tenía poco. Pasaron por Arganda La Oreja de Van Gogh, David Ghetta, Maldita Nerea, El Pescao, Macaco, Carl Cox en sustitución de Rihanna dentro del cartel de Rock In Rio y, claro, eso levantó ampollas en todos aquellos que veían mancillada la palabra Rock. Pero el mercado es el que es y los organizadores brasileños que montan el tinglao saben que con grupos “rockeros” no se puede mantener las increíbles instalaciones que tienen allí montadas. Porque otra cosa no, pero que da gusto ir al festival sólo por el recinto es innegable. todos los festivales deberían hacerse en un sitio así; un escenario sonando tremendamente bien, unas pantallas para que todo el mundo pudiese verlo, cesped artifical para descansar... Una maravilla, vamos. En lo que flojeaba este año era en cartel, como ya hemos comentado, aunque tampoco sería justo menospreciar a Lenny Kravitz, Incubus y Red Hot Chilli Peppers que se marcaron auténticos conciertazos. El primero lo tuvo fácil. Después de todas las bandas poperas que habían “amenizado la tarde”, salió el de New York con la machacona “Come On Get It” y nos engatusó a todos los amantes de los sonidos más duros. Quizás porque esperaba algo más “flojo” me llevé una agradable sorpresa con el autor de “Mr. Cab Driver” o “Fly Away”. Su show fue intenso, rabio y sin dar condiciones a un público que quizás no fuese el suyo. Cuando sonó “Are You Gonna Go My Way” ya estabamos todos en su bolsillo. Una semana tuvimos que esperar para encontrar algo que nos interesase en el cartel.

Lenny Kravitz

Incubus

Incubus y Red Hot pondrían punto y final a un festival que, al parecer, no va a volver por estas tierras. El caso es que después de asistir al concierto de Gogol Bordello (que viene siendo como un Canteca de Macao para molones), salían a escena Incubus llevándose el festival de calle. Mientras sonaba una tonadilla iban posicionándose para atacar directamente con “Privilege”, toda una declaración de intenciones. Empezó quizás Brandon un poco flojo a las voces pero conforme iban pasando los temas se iba metiendo más y más en el concierto hasta terminar haciéndolo suyo. Lo mismo se desgañitaba, que se quedaba quieto dándole profundidad a su voz como que se iba a los timbales y bongos. El repertorio estuvo muy compensado, siguiendo a “Privilege” temas como “Megalomaniac” o “Adolescents”, la cual hay que decir que gana intensidad en directo. Tras el hit “Pardon Me” echaba un primer vistazo a ‘A Crow Left Of The Murder’ con “Made For TV Movie’ para luego deslizarse sutílmente en “Circles” y “Are You In?” en donde el vocalista se ganó al respetable (sobre todo a las féminas) quitándose la camiseta y poniéndose unas gafas de coña. De ahí en adelante, el show fue sufriendo ligeros altibajos como en “In The Company of Wolves”, canción que alargaron volviéndola más hipnótica y en uno de los momentos tediosos del show. Sin embargo a la banda se la veía bien, sin un sólo atisbo de nerviosismo en sus rostros iban deleitándonos con temas como “Anna Molly”, “Talk Shows” o “Nice To Know You”, una de las últimas cañeras del show. El cierre lo ponían con “Sick Sad Little World” sobre la cual también improvisaron muchísimo con el vocalista tocando los bongos de nuevo. Posiblemente ahí estuvo el único fallo del show, en no haber elegido otro tema para cerrar semejante actuación. ¿Por qué quitarían “A Certain Shades Of Green”? El colofón, el fin de fiesta y donde aparecieron los fuegos artificiales de despedida lo ponían los californianos Red Hot Chili Peppers quienes salían muy enchufados con “Monarchy Of Roses” tras una intro con los miembros ya posicionados en el escenario. Público de distinta índole se arremolinada eufórica delante del escenario cuando estos asaltaban, previa improvisación de Flea, con “Around The world”, uno de sus temas insignia. También lo fueron, como no, “Californication”, “Parallel Universe”, “Under The Bridge”, “By The Way” o la ya bien recibida “The Adventures Of Rain DAnce Maggie”. “Hola Madriz... Nosotros tenemos amor para todo el mundo. Ahora, en este momento” decía Flea antes de empezar “Around The World” y no fue la única vez que el simpático (y loco) bajista entablaba conversación con la gente. Tanto él como Chad Smith (batería) siguen siendo, con diferencia, una de las mejores bases rítmicas del mundo. Mientras que ellos se deshacían durante el show sí que se notaba a un Anthony Kiedis más comedido. Estuvo pletórico en la voz, eso sí, pero no hubiese estado de más que hubiese estado más comunicativo. Fue Flea el que se despidió después de un sobervio “Give It Away” que seguro que fue la mecha que hizo prender los fuegos artificiales con los que se clausuró la que posiblemente sea la última edición del Rock In Rio en nuestro país.

ora mismo, ahí La competencia ahPo r eso GAUNTfuera, es brutal. nzar un disco LET no podían laerían terminar cualquiera. Si quen el panorama de posicionarse tenían que lanmetalero estatal disco tremenzar ‘Stubburn’, un udo en donde damente concienzn un paso de gilos madrileños da precisamente gante. Para hablar s pusimos en de ese trabajo no L ROCHA (vocontacto con MIGUE y con DANIEL ) ra ar it gu y ta lis ca quienes nos MILLÁN (guitarra)ás detalles del dieron muchos m edamos con la mismo. Después qu en donde nos o et pl m co al a nd ba o, que están dejaron, muy clarleita que se les listos para la pe viene encima. agado. diego. Fotos: Javier

Texto: Roberto Villan

Empecemos hablando si ha cambiado algo en cuanto al proceso creativo. Si comparamos este disco se nota una evolución alucinante con respecto a los anteriores. (Miguel) “Hemos compuesto las canciones como siempre, dejándonos llevar, intentado ser coherentes dentro de nuestros gustos y sí, teniendo la premisa de hacer un disco más directo, más agresivo, algo que se nota en casi todas las canciones. Aunque haya una power ballad, si la quieres llamar así, que es el “Sold My Soul”, ese es el único sitio por donde puede respirar el disco, porque es bastante crudo y agresivo”. (Daniel) “Del disco anterior, ‘What Doesn’t Kill Us’, estamos muy orgullosos, pero era más denso, con más medios tiempos, un poco más ralentizado. Y aunque sean igual de buenas unas que otras, cuando tocábamos los temas menos preparados para directo la gente no respondía igual que con las demás. Por eso quisimos plantearnos un álbum “para directo””. (M) “Queríamos que si el “Makes Us Stronger” (primer corte de ‘What Doesn’t Kill Us’) era agresivo y directo, el primer corte de ‘Stubburn’ tenía que ser más agresivo y más directo como lo es “There Will Be No Peace”, que ese es cañero que te cagas. Y que los temas roqueros, como puede ser “In the Name of “, fueran todavía más roqueros”. A mí la sensación que me ha dado es que os habéis quitado algunos “complejos” a la hora de meter estribillos más melódicos. (M) “Es que es una tontería. Nosotros normalmente componemos a través de una serie de riffs, los estructuramos y les damos miles de vueltas, hacemos un tema, y después sacamos la melodía de voz. Cuando estábamos este verano tocando las canciones del disco, meses antes de la grabación, dijimos “hostia qué temazo. Cuando llegue el estribillo le tenemos que dar una vueltecilla”. “Lo tenemos que abrir” como decimos nosotros. Es el caso de “Slave”, que tiene esa base que me recuerda en el estribillo, y sin la voz, a Anthrax. Luego, al meter las melodías de voces, es como si el tema se abriese mucho más. Como si la línea de voz lo enriqueciera”. (D) “Hace que pegue un subidón la canción y eso nos gusta. En “Blood, Sweat & Tears” pasa lo mismo; es una canción súper heavy, súper cañera y de repente... ¡entra el estribillo melódico y se abre muchísimo la canción! Parece otra”. (M) “En cierto modo, aunque no sea lo mismo, es parecido a lo que hizo Fear Factory hace casi veinte años con ‘Demanufacture’. Ellos venían de unas canciones industriales sin melodías de voces que enganchasen y, a la hora de grabar ese disco, y gracias por lo que he oído al productor del momento, el tío empezó a alternar voces guturales con voces limpias y melodías que son las que se te quedan. Los temas seguían siendo muy agresivos pero molaban y eso es lo que buscábamos en cierta manera”. Si ciertamente se nota más trabajo en las estructuras, este tiene más cambios. Es más vibrante y variado. (M) “Me gusta la palabra que has usado, vibrante, porque eso es lo que tiene que tener. Un disco puede ser de lo que quieras, pero lo que no puede es ser aburrido”. (D) “Y que sea variado es algo que nos ha gustado siempre. Cuando se nos preguntan por las influencias decimos sin complejos que nos gusta desde Thin Lizzy o Gary Moore a Pantera y mas allá. Entonces ¿por qué no lo vamos a hacer? Un día podemos estar escuchando Skid Row y al otro Nevermore porque son dos grupos que nos gustan y, evidentemente, van a influir en nuestra música porque nosotros lo dejamos salir. Pero al final conseguimos que quede encorsetado en nuestros parámetros, en nuestros propios sonidos. Que haya variedad pero dentro del estilo”. (M) “Claro, que haya coherencia. Intentamos que todos los temas la tengan. Que los escuches y digas “hostia, suena a Gaunlet”, como ya nos está diciendo la gente y como nos ha dicho siempre. Eso es lo que buscamos también. Lo bueno de que no haya sólo un compositor en el grupo es que se enriquece y da coherencia al disco, sin por ello ser homogéneo, que no molaría nada. Tiene todas las partes ensambladas. Antes de sacar el disco, hicimos papelitos con cada canción para verlo en dimensión e ir cuadrando. Creamos una especie de puzle para que quien lo escuche pueda decir que es variado, pero con una coherencia. Lógicamente, si te escuchas el “There Will Be No Peace” y después la balada pues, claro, notas mucho el cambio pero si te escuchas el “It So Easy” y el “Sweet Child O’ Mine” de Guns N’ Roses también te pasa”. Creo que en este disco habéis ganado personalidad en cuanto a las guitarras. En el anterior era muy fácil apreciar una influencia de Zakk Wylde o Dimebag Darrell y en éste no se nota tanto. (M) “Si coges nuestro primer disco ‘Path of Nails’ es verdad que, aunque te pueda parecer un disco de puta madre, se nota a un grupo todavía joven, se le nota las influencias claras de Maiden, Judas Priest, Iced Earth. Por eso, mola que según pasan los años se marque nuestro propio estilo. Porque está bien desarrollarte como músico aprendiendo de otros pero mi intención no es parecerme a nadie. De hecho, por ejemplo en “The Fake”, donde hago un sólo súper rockero, éstos me decían “tronco es Ox fox, de

Stryper” y en “Slave” me decían “tronco es John Norum”. Me encantan como músicos pero nunca pensé en ellos al hacerlos, aunque luego lo escuchas y dices “coño pues sí suena un poco” (risas). Es dabuti que te citen influencias que tú has escuchado y que lógicamente han debido quedar en tú subconsciente”. Hay algo que me ha llamado mucho la atención al escuchar el disco y es el cambio radical de voz que hay entre las partes más agresivas y las más melódicas. ¿Has trabajado especialmente las partes melódicas con Nacho Ruiz? (Ndr. Su profesor de canto). (M) “Nacho Ruiz, me estuvo ayudando en dos o tres partes en dos o tres temas. Pero es que en la parte cañera quiero que la voz sea más un elemento percusivo que melódico porque sino pierdes el efecto”. (D) “Tiene que haber un contraste. Es igual que si metes un doble bombo

toda una canción. Al final pierde fuerza. Si lo metes sólo en un cacho la canción sube. Hay que meter todo en su justa medida, para que produzcan el efecto deseado al igual que si fuese un riff”. Os lo pregunto porque fue una duda que se me quedó en la rueda de prensa. Allí comentabas, Miguel, que habías trabajado muy seriamente con Nacho en las partes vocales. (M) “Sí, lo dije. Como vocalista aprovechaba las clases con Nacho para decir “tío ayúdame en este tema” o “este puente me gustaría que fuese más melódico”, pero no ha sido en todas las canciones. Donde más se nota la melodía diferente es en “Slave”. El tema empieza con unas armonías a lo Alice in Chain que me encantan, luego entramos con un par de frases en gutural y, a partir de ahí, el estribillo tenía que abrirse, para lo que metemos más melodía de voz, luego tiene un puente tranqui y el final, el outro del tema, es un enfoque para darle relevancia al riff que viene debajo, en plan Megadeth. Había que cerrar el tema pero no queríamos darle relevancia a la voz para así ofrecer protagonismo al riffs”. Ya que ha salido en la conversación “Slave” me gustaría preguntaros ¿Por qué esa como single? Yo me hubiese decantado por el “Feed The Worms”. (D) “Lo estuvimos pensando, pero nos decantamos por “Slave” porque es más accesible. Quizás “Feed The Worms” es un tema que, aunque mola un montón, tiene un desarrollo más raro y largo. Los singles hoy en día tienen que ser súper directos, súper cortos. Y, si te das cuenta “Slave” es de los temas más cortos que hay. Tiene todo lo que es Gauntlet: tiene tralla, tiene esas voces dobladas de Miguel de Alice in Chain, tiene un estribillo muy melódico, un solo cojonudo... Pero vamos, sí, estuvimos barajando el “Feed The Worms” e, incluso, pensamos en hacer un “videoedit” con él, recortando ciertas partes, pero era comernos mucho el tarro teniendo “Slave”, que también es un tema cojonudo y creemos que puede funcionar muy bien como single”. Tanto en la rueda de prensa como ahora después de haberlo escuchado más, voy a hacer un paralelismo extraño. No sé si éste es vuestro ‘Youthanasia’ o vuestro ‘Countdown To Extinction’. (D) “Es curioso, eso mismo nos dijo Javi de Vita Imana cuando vino a grabar, que le recordaba al ‘Countdown to Extinction’”. (M) “Entiendo tú postura aunque, claro, depende del punto de partida que tomes como referencia de Megadeth. Habría que determinar si te refieres a los primeros Lps de Megadeth o al ‘Rust in Peace’, porque aunque eran unos LP´s muy elevados, también es cierto que bajaron mucha en cuanto a intensidad. Con lo cual, es de puta madre si hemos conseguido madurar en ese aspecto pero sin perder de vista la caña. A mí me gusta más decir que es nuestro ‘Slave To The Grind’. Skid Row sacaron un primer disco de Hard Rock cojonudo y se decía de ellos que sí eran “azucaraditos” en algunos temas. Dos años después sacaron ‘Slave To The Grind’ que, para un grupo de Hard Rock, era muy bruto, pero seguían manteniendo sus dos o tres baladas súper tranquis. Pero es una evolución y un avance en todos los aspectos donde las canciones, los textos y las letras son más maduras, como grupo han crecido un montón, pero es que además, han incrementando su toque heavy. Yo veo la comparación más acertada en cuanto a evolución, que no estilo”. En el disco hay varias colaboraciones. ¿Les habéis dado libertad para hacerlo dónde y cómo quisieran? (D) “Pues ha habido de todo. De Javi (Vita Imana) sabemos que tiene una voz gutural aplastante y cuando llegó en el tema “Feed The Worms” le dijimos “ostia tronco, mete tu estilo y tu voz en este punto y éste otro”. También, cuando vino Dani Dagarod a grabar “The Fake”, yo no le dije qué tenía que hacer, exceptuando claro los sitios donde armonizaba con mi voz, que debía llevar una línea. Fue en plan “canta aquí y canta aquí y dale tu rollo”. Pero como conocemos los estilos de cada uno les dijimos “tío este cacho es tuyo. Dale rollo, dale feeling y dale rock and roll”. Con Javi de Vita Imana lo mismo. Tenían su pequeña libertad dentro del trozo de canción que les dimos. Eso en cuanto a los vocalistas. En cuanto a los guitarristas les dimos total libertad y queríamos que quedase ahí su estilo porque para eso les habíamos llamado. Así, si escuchas el solo del “Feed The Worms” que ha hecho Ix Valieri, pensarás en una combinación entre Van Halen y Marty Friedman. Mola un huevo porque le da al tema una dimensión guapísima. Y con los demás igual, les dimos libertad para que tocaran lo que quisieran. No les vas a decir “toca esto que estoy tocando yo” porque para eso no llamas a nadie. Por eso, en ese punto les dimos libertad absoluta”. En cuanto a las letras, decíais que eran una rallada mental hasta que llegó “There Will Be No Peace”, que os pusisteis más serios. (M) “Sí, ese es un tema personal mío. Si ves las dedicatorias del disco “There Will Be No Peace” va dedicada a Raúl Centeno que, recordarás, fue uno de los guardias civiles que mataron (ndr. la banda terrorista ETA) en Capbreton (Francia) y que era amigo mío desde la infancia. Cualquier persona con dos dedos de frente no de-

bería cortarse a la hora de condenar la violencia que ha estado golpeando a la sociedad española durante tantos años. Y encima a mí es un tema que me toca más de cerca. Quería ser lo suficientemente valiente como para poder hablar de eso”. (D) “Es que en cierta parte dentro de la historia de nuestro país es, si se puede decir así, justificable por la represión que había antes, pero desde luego hoy en día no es entendible. Nosotros no estamos en contra del nacionalismo, ni de nada. De hecho, tenemos amigos nacionalistas y nos parece de puta madre. Estamos a favor la libertad de los pueblos, que hagan lo que quieran, pero democráticamente, claro está. Temas tabú ninguno. Lo decimos claramente. Yo soy una persona muy abierta de mente, soy de izquierdas y puedo estar a favor incluso del derecho de autodeterminación no solo del pueblo vasco, sino del gallego, del de Cuenca o del que quiera. Las decisiones de los pueblos deberían de estar por encima de los estados y allá cada uno con sus consecuencias y sus actos. Pero ya se ha visto que, a los de ETA no los soporta ni su propio pueblo. Y lo dice la canción, no estamos en la dictadura, en donde había una represión brutal, había bombardeos y no se dejaba hablar en euskera en su patria. Las cosas han cambiado mucho”. (M) “Hay una frase del tema que dice “habláis de confrontación, pero el informe del pequeño general se lo han comido los gusanos hace más de treinta años”. No hay que ser muy inteligente para saber a quien se refiere. Viene a decir que el matar se hace sobre una justificación que ya no está vigente. La dictadura se acabó hace casi 40 años y a Franco se lo han comido los gusanos ya. Es un tema que va a traer controversia, pero yo estoy aquí para explicarlo si es necesario, en cualquier lugar y momento. El caso es que si somos valientes vamos a serlo siempre. Si defiendes tus ideas con las palabras, no con la violencia, perfecto, pero no más. Tu libertad llega hasta donde empieza la mía. En todo caso, los países, las banderas, los himnos y todo ese rollo no tienen que servir para segregar, ni para enfrentar”. Vamos a desengrasar un poco la conversación. Todo el disco muy serio hasta que llega “The Fake” en donde metéis… ¡¡un cencerro!! ¿Es un guiño al sketch del ‘More Cowbell’ del Saturday Night Live? (risaS). (M) “El cencerro es el mejor instrumento que ha inventado la humanidad. Me encantan los grupos que usan el cencerro, es súper macarra. Me encantan las canciones que empiezan con golpes de cencerro, es como “toma macarrada”. Coño somos un grupo de rock y el macarrismo también es algo de lo que nos gusta hacer bandera. De hecho hubo cachondeo en el estudio, porque me decían los productores, “tío el cencerro que se oiga bien en este tema”. Es un tema no menos serio pero sí más más fiestero que sirve para descongestionar porque no hemos querido perder nuestro gusto por el rock y el hard rock. Por cierto que, Pantera también usaba mucho el cencerro (risas). Es un tema de sarcasmo puro, divertido pero rockero a muerte”. (D) “Pero también encierra mucha rabia. Para decir “bueno tío ¿tú no eres roquero?”, déjame a mí que si lo soy. Que lleves una Les Paul y te pongas una camiseta de los Ramones, sin saber quién coño son, no te convierte en rockero”. (M) “Exacto una declaración de intenciones , déjame demostrarte cómo se hace rock. De hecho en cuanto al cencerro, en el disco anterior hay un tema con cencerrito y durante la gira mi pregunta al batería antes de salir de gira siempre era “¿has cogido el cencerro?” (Risas). Había veces que se le olvidaba y sin cencerro esa canción no quedaba igual, perdía el punto macarra de los Guns N’ Roses o Motley Crüe”. Para finalizar comentadme qué planes hay ahora. (D) “Pues, teniendo en cuenta que hemos sacado el disco más tarde de lo que esperábamos, tal y como se han desarrollado las cosas, hemos preferido dedicarnos a hacer una buena promo, como creo que estamos haciendo . Y, después de verano (todos los festivales de verano estaban cerrados y nos pillaba muy fríos), tenemos planeado empezar a girar a partir de septiembre. Haremos eso, una gira de invierno. Y continuaremos hasta donde se pueda, como la última vez”. (M) “Creo que fue Abraham Lincoln que tenía una cita que decía “Si tengo 8 horas para derribar un árbol, voy a utilizar 6 horas para afilar el hacha”, pues es lo que estamos haciendo, afilar el hacha para cuando lo tengamos pegar el tajo de una segada nada más”.

Si hay un disco con el que SERJ TANKIAN se va a terminar de ganar una reputación en solitario es ‘Harakiri’, álbum que centra nuestra charla con el también vocalista de SYSTEM OF A DOWN. Con una fórmula mucho más parecida a la de la banda que lo lanzó a la fama, Tankian regresa a ese sonido eléctrico que abandonó en ‘Imperfect Harmonies’, aunque sea un trabajo del que se siente orgulloso. Sólo tuvimos 15 minutos así que atropellamos al vocalista con todas las preguntas que nos dio tiempo a hacerle. TEXTO: Roberto Villandiego 62

“Las decisiones (políticas) las toman las corporaciones y los ciud son lo de menos. Hay un montón de corporaciones detrás de los adanos que se suponen que representan a la democracia” ¿Has grabado el disco con la misma gente con la que hiciste los anteriores? “Sí y no. En ambos discos he seguido un método parecido que ha sido el entrar en el estudio a hacer algunos bocetos. Allí grababa los pianos, las guitarras, los bajos y luego metía sonidos de baterías que cogía de librerías de sonidos. Después iba al estudio y allí trabajaba con Dan Monti quien además de ser el ingeniero de sonido también grabó algunas guitarras adicionales. Cuando hice ‘Elect The Dead’ debo reconocer que ni siquiera tenía banda. Las baterías, por ejemplo, las hicieron Brain de Primus y por John Dolmayan (System Of A Down). En este sin embargo las batería las ha grabado Troy Zeigler de F.C.C. (Ndr: siglas de Flying Cunts of Chaos, banda que se formó para acompañar a Serj en directo) y Mario Pagliarulo quién ha sustituido al bajista en esta ocasión”. ¿Sabes una cosa? Tengo que serte totalmente sincero. Cuando empecé a escuchar este ‘Harakiri’ lo primero que pensé fue “vale, ha vuelto”. Lo siento pero es que no entendí ‘Imperfect Harmonies’. Para mí fue un álbum demasiado extraño. “Genial” (risas). Entiendo que necesitabas hacerlo pero no lo entendí. Lo siento (suelta una carcajada). “Oh, no, no lo sientas, está bien. Mira, siempre he pensado que un artita tiene que hacer lo que tiene que hacer y el oyente tiene luego que decidir si lo que ha hecho el artista le gusta o no, independientemente de quien sea. Sabes, yo siempre he pensado que un buen chef tiene que ser capaz de hacer un buen Cordon Blue y una buena pizza porque la mayoría de la gente querrá comer pizza. Eso es así. Yo con ‘Imperfect Harmonies’ lo que quería era crear un sonido que jamás hubiese escuchado antes y hacer algo realmente interesante que aunara una orchesta con una guitarra eléctrica. Entre mis influencias había un montón de compositores de música para películas como Ennio Morricone y otra gente que había hecho trabajos increíbles con orquestas y ellos me influyeron para hacer algo así. Para mí es un disco único y yo lo considero como uno de mis mejores trabajos. Además, fue mucho más duro hacer aquel trabajo que ‘Harakiri’ porque este último me salió muy rápido. Podría hacer diez ‘Harakiri’ cada año (Risas). Bueno, ya me entiendes. Aquello también salió porque a mí me interesan muchos estilos de músicos. Acabo de hacer mi primera sinfonía que se llama Orca, he hecho un disco de Jazz con algunos amigos, he hecho otro de electrónica, la banda sonora para una película de gangster ingleses que ni siquiera existe… Siempre he encontrado a gente con la que ir haciendo cosas que me fueran interesando y que me divirtieran. Sí, digamos que artísticamente estoy haciendo todo lo que adoro”. Te entiendo pero sabes qué pasa, que yo soy un Metalhead. Adoro la Pizza. (Carcajada) “Tío, vamos a hacer una camiseta juntos que ponga “Soy un metalhead y adoro la pizza” (Carcajadas). Es muy divertido. Te acabas de ganar todo mi repeto Roberto” (risas). Hablemos de ‘Harakiri’ y de lo que he ido escuchado, influencias que he ido sacando. Por ejemplo, en “Figure It Out” he escuchado a Ministry. “Yeah, tienes buen oído. De hecho eso fue lo primero que pensé cuando la escribí: “joder, suena de la hostia y suena a Ministry”. Tiene ese ritmo acelerado, la voz distorsionada, una parte electrónica que va muy rápido. De hecho va demasiado rápido. Estoy totalmente de acuerdo”. También he notado que, por ejemplo, en el primero estaba tu voz por encima haciendo la melodía vocal pero luego, por debajo, había muchas voces a lo Queen. Sin embargo en este veo que no has recurrido a eso, a doblar. ¿Es posible? “Uhm, tío qué interesante, tienes mucho oído y lo aprecio mucho. Sí que es cierto que en ‘Elect The dead’ había una… (duda) no me gusta decir que había influencias progresivas pero sí que había muchas melodías detrás de las melodías, como tú has dicho. En aquél había muchas cosas intermedias y éste es un disco como mucho más directo, con un tempo más alto, tiene un toque más punk o más influencias ochenteras. Incluso tiene partes más electrónicas en “Ching Chime” o “Deafening Silence”. Sí que hay distintos sabores en éste”. Me ha dado la sensación de que también has querido que la gente se concentre más en el mensaje que en tu forma de cantar. “Tío, es muy interesante y una buena forma de verlo porque sí que creo que este disco es mas directo, más en tu cara y “me importa una mierda lo pienses porque las cosas son así”. Es como “estoy demasiado ocupado así que aquí tienes lo que opino” (risas). “Esto es lo que hay así que no me jodas” (carcajadas). Sí que ha habido una urgencia a la hora de decir las cosas, más que en cualquier otro de los que haya hecho”. Uno de los temas que más me ha gustado ha sido “Occupied Tears” en el cual vuelves a tener la abilidad de tocar la sensibilidad del que lo escucha. Sin embargo, has elegido “Figure It Out” como single. ¿Por qué? “Pues no sé decirte. Es una canción muy Heavy y podía resultar excitante para que la gente la escuchara y se interesara por el álbum. Esto también lo hemos hecho siempre con System Of A Down; hemos lanzado una canción heavy esperando a que la gente se entusiasmara con ella y luego lanzábamos algo más melódico. Yo no tenía muy claro si quería que fuese el primer single pero sí que tenía claro que quería que fuese la primera canción en salir. Además es una canción con un mensaje político pero en el que hay un balance entre el humor y la política”. Hablando del título del álbum y ahora que mencionas el tema político, el Harakiri es como una forma de suicidio. Conforme se entiende en las letras, podría interpretarse también como que si seguimos las reglas conforme nos las establecen nos estamos haciendo a nosotros mismos el Harakiri. ¿Tiene algo que ver? (Duda) “Esa una muy buena manera también de verlo. Al disco le he llamado ‘Harakiri’ porque está basado en las misteriosas muertes de miles de pájaros y peces que ocurrieron en enero del 2011 y de las millones de especies que murieron durante aquel mes sin que nadie haya podido ni documentar qué pasó, ni explicarlo íntegramente. Todo aquello me hizo intentar averiguar qué es lo que había provocado y si nosotros

podíamos haber tenido una influencia en la naturaleza tan devastadora. ¿Podía haber sido por el incidente nuclear en Japón que había tenido lugar un mes antes? ¿Qué iba a significar para la degradación del medio ambiente? ¿Para la tierra? ¿Para la humanidad? Todas esas preguntas empezaron a asaltar mi cabeza y por eso escribí esa canción, que al final ha servido para darle título al álbum. He olvidado cuál era la pregunta contándote esto” (risas). Tranquilo, yo también reflexionaba con que, si seguimos viviendo así, al final es como si nos estuviésemos haciendo el harakiri. “Exacto. Esa fue una de las razones por las que elegí ese título porque estamos envenenando nuestro hogar. Estamos haciéndole el harakiri al planeta”. ¿Tienes algo de tiempo para dedicárselo a Axes Of Justice? “Algo aunque no mucho. He seguido escribiendo algunos post, entrevistas en la radio y hemos hecho un montón de conciertos benéficos pero Axes Of Justice se ha convertido ya en una organización que ya no necesita que siempre esté en medio”. ¿Creo que estuvisteis bastante liados cuando se ocupó Wall Street porque fuisteis unos de los instigadores? “Sí pero, en ese caso, Tom estuvo mucho más involucrado en eso de lo que estuve yo. Nosotros todo esto lo estamos viviendo entusiasmados y agradecidos porque parece que finalmente la gente en EE.UU. se está levantando y peleando. La gente de otros países (Europa o sudamérica) lo ha estado haciendo durante siglos y parece que por fin lo está haciendo también la gente aquí en USA. Lograr algo así es increíble. Es toda una proeza. Todos los que estamos metidos ahí estamos entusiasmados con este movimiento porque además los medios al principio nos ignoraron y luego nos atacaron, aunque eso es lo que suele pasar cuando aparece este tipo de disidencia. Es como si no quisieran que te movieses de tu sitio mientras ellos van moviendo el mundo a su antojo (risas). Ya veremos a ver qué pasa en el futuro porque parece que al menos hay cierto virage a la izquierda aunque es un poco engañoso (e inusual) porque los partidos de derecha en Europa serían nuestros partidos de izquierdas aquí (sonríe). Los partidos de derechas no existen en muchas partes del mundo y aquí sin embargo es un sitio muy bizarro políticamente hablando. Hay, además, mucho dinero en la política. Las decisiones las toman las corporaciones y los ciudadanos son lo de menos. Hay un montón de corporaciones detrás de los que se suponen que representan a la democracia en este pais pero para mí, los republicanos y los demócratas son la misma cara de una moneda que pertenece a las corporaciones. El sistema aquí necesita desesperadamente un cambio real, importante, muy drástico. Os pasa lo mismo en España. Lleváis de seis meses a un año en los que estáis en manos de los mercados, con una crisis económica que está ahogando a la gente, con millones de desempleados y es desalentador. Hay muchísima gente sufriendo una temporada muy difícil”. Para terminar dos preguntas rápidas que se nos acabó el tiempo. La primera es ¿vas a poneros a girar pronto? La segunda es ¿tendrá este disco versión con orquesta como el primero? “Para la primera la respuesta es que sí, que saldré de gira junto a FCC para presentar ‘Harakiri’. Haremos primero algunos shows aquí de presentación y luego iremos en otoño para allá y esperemos que podamos hacer un tour mundial el año que viene. Una vez que terminemos con el ciclo vital de este disco me centraré en Orca a ver si lo puedo grabar. Ahora mismo lo tengo hecho con samplers y lo quiero rematar para ver si puedo grabarlo con la misma orquesta con la que grabé ‘Elect The Dead’ y ver si puedo salir luego de gira tocando ‘Orca’ y ‘Elect The Dead’ por Europa”. Esperemos que puedas venir y no sea un concierto tan accidentado como el que diste con System Of a Down en Festimad. “No olvidaré aquel concierto en mi vida (risas). Recuerdo que empezamos como a las 4 de la mañana, que se me metía polvo en la boca mientras estaba cantando y también en los ojos. La gente se volvió loca y volcó un coche. Recuerdo que el escenario se cayó y que todo se retrasó muchísimo. Nosotros estábamos agotados porque esa noche además habíamos podido dormir bien viajando y dábamos lástimas pero cuando estábamos subiendo al escenario vi a los tíos de Prodigy quienes tocaban detrás de nosotros. Empecé a echar cuentas y tenían que salir como a las 6 de la mañana. Miré sus caras y empecé a sentirme peor por ellos que por nosotros (risas). Fue alucinante. Estuvimos esperando como cuatro o cinco horas y lo bueno es que como no bebemos alcohol lo recuerdo casi todo. De hecho, me acuerdo que estaba Iggy Pop por allí y no sé muy bien por qué. De todas maneras, no puedes hacer nada cuando empieza a soplar así el viento. Si lo miramos con cierta perspectiva, todo el mundo puede sentirse afortunado de que no pasase nada aquella noche como en Indianapolis”.

Normalmente cuando tenemos entrevista con un artista como SERJ TANKIAN tenemos la delicadeza de no mezclar las Churras con las merinas. Haberle preguntado por System Of A Down nos habría parecido un poco de falta de respeto, además de que habríamos restado tiempo a una entrevista en la que nos interesaba hablar de su último lanzamiento. No obstante, sí que nos hicieron llegar un listado de “preguntas frecuentes” en el que iba la pregunta de marras de si habría nuevo disco de SOAD. A ésta contestaba el vocalista “no tenemos ahora mismo nada planeado. Creo que es algo que se tiene que dar cuando nos juntemos todos y sea el momento, cuando estemos concentrados. Ahora mismo no estamos en ese momento. Es tan simple como eso”.

REVIEWS

Serj Tankian Harakiri

(Reprise / Warner Music)

No lo voy a ocultar. Tenía muchas dudas de que me fuese a gustar el nuevo trabajo de Serj Tankian. Durante muchísimos años fue uno de mis vocalistas favoritos. Al frente de System of A Down hizo verdaderas maravillas vocales, pero, en esa búsqueda suya de hacer cosas nuevas nos lanzó un ‘Imperfect Harmonies’ que, a mí, particularmente, me dejó totalmente desentacantado. No lo terminé de entender y así se lo hice saber incluso en la entrevista que podéis leer en este número. Cuando recibí ‘Harakiri’ no pude evitar que un escalofrío de “terror” recorriese todo mi cuerpo. ¿Con qué nos iba a sorprender ahora? Fue empezar a sonar la deliciosa “Cornucopia” y despejarse algunas dudas. Ese inicio a lo “Chop Suey” para luego desembocar en un tema que bien habrían podido componer SOAD eliminaba de golpe todas las suspicacias. Delante volvía a tener a ese vocalista extraordinario, con un imaginario para las melodías inagotable. Esa buena sensación se iba manteniendo con la demoledora “Figure It Out”, con ese rollo Ministry, malencarado, agita cerebros. Esa misma sensación, la de haberle “recuperado”, está en todo el álbum. “Butterfly”, “Harakiri”, “Deafening Silence”, “Forget Me Knot”, “Uneducated Democracy” o “Weave On”, en un cierre de álbum supercañero, nos hacen transportarnos a ‘Elect The Dead’ e, incluso, a los últimos álbumes de SOAD. Hay momentos para la experimentación como “Ching Chime” (con Tankian de nuevo convirtiéndose en especialista de las melodías vocales imposibles) y durante todo el álbum con la inclusión de algunas bases electrónicas. Sin embargo, esta vez Serj ha cuidado que todo encajase a la perfección, creando, como el buen prestidigitador que es, un álbum soberbio. Con todo el dolor de mi corazón diré que, ahora mismo, si no quieren volver SOAD que no lo hagan. Si sigue sacando Tankian discos como ‘Harakiri’ terminaremos no echándoles nada de menos. ROBERTO VILLANDIEGO

The Cult

Fozzy

Baroness

(Cooking Vinyl)

(Century Media)

(Relapse Records)

Choice Of Weapon Siempre se monta cierto revuelo cuando Ian Astbury y Billy Duffy se juntan para hacer hacer un nuevo disco de The Cult. Es normal teniendo en cuenta que de ambos es la autoría de auténticas joyas como “Lil Devil”, “Sweet Soul Sister”, “Fire Woman”, “Wild Flower” o “Love Removal Machine”. Sin embargo, ni todos los parones del mundo (han estado en dique seco desde el 2007) pueden lograr que te surjan temazos por arte de magia. Ya les pasó en ‘Born Into This’ y les ha pasado en ‘Choice of Weapon’ en el que, quitando un par de momentos, adolecen todas las canciones de una parsimonia y falta de ganas muy preocupantes. Diez temas componen este nuevo trabajo de The Cult y, realmente, que se salven, “Amnesia”, “A Pale Horse”, quizás la balaba “This Night In The City Forever” y la apertura de “Honey From A Knife” (con toque Ramones y Turbonegro incluido). Por lo demás suena demasiado monótono. Eso sí, el disco es 100% The Cult, eso no se puede negar. Escuchas cualquier fragmento y enseguida sabes de quién se trata y eso es algo que les honra. ROBERTO VILLANDIEGO

Sin & Bones Fozzy estaban destinados a sacar este trabajo, para que por fin Chris Jericho (luchador de Pressing Catch) se ganase el respecto como vocalista de la parroquia metalera. Lo hará porque podemos escucharle en unas tesituras cómodas en ‘Sin And Bones’, sacando todo el provecho a sus rangos como vocalista. También, es cierto que hace, mucho, que éste es el disco más “Stuck Mojo” que ha escrito Rich Ward, se nota a la legua que es un estilo que domina mejor porque suena muy metalero. Pese a que el disco tiene toques más melódicos como “Inside My Head” o “She’s My Addiction”, el cual contiene un estribillo que roza el AOR, el álbum se sostiene sobre composiciones muy poderosas. “Storm The Beaches”, “Sandpaper” (la cual contiene un estribillo muy pegadizo), “Spider In My Mouth” y “Sin And Bones” están plagados de riffs ultrapoderosos rompecuellos a los que Chris a amoldado perfectamente su voz bajando un poco el registro. Ya no grita tanto y eso ha hecho que gane coherencia todo el álbum. Sinceramente, es un disco que va a marcar un antes en la trayectoria de un grupo que necesita quitarse el “san benito” de ser una banda de coña, que fue en realidad como empezaron. Ahora la cosa es muy seria.

CARLOS MEDRANO

Yellow And Green

Tal y como nos reconoce John Baizley en este mismo número, Baroness necesitaban darle una vuelta de tuerca a su sonido. Una banda que ha lanzado dos discos no puede empezar a sonar repetitiva, eso es obvio, pero necesitaban sorprender a las miles de personas que iban a estar esperando este lanzamiento. Este doble lanzamiento, mejor dicho, porque Baroness han unificado ‘Yellow’ y ‘Green’ en uno. Así pues, tenemos una muy buena colección de canciones (18 en total) en donde llama la atención una producción reducida al mínimo, unas estructuras menos complejos y, sobre todo, la profundidad que le han dado al álbum. Es más relajado que los anteriores, pero no por ello más aburrido. No sólo lo van haciendo interesante con maravillosos arreglos (escúchese “Board Up The House” o “Twinkler”), con las extraordinarias melodías vocales de Baizley, sino también, por saber meter en momentos puntuales toda la caña del mundo. “Take My Bones Away”, “Cocainium” o “Sea Lungs”, otorgan otra dimensionalidad a un doble CD que está cargadísimos de momentos brillantes.

ROBERTO VILLANDIEGO

Fear Factory

Hellyeah

The Industrialist (AFM Recods)

Con Dino Cazares de nuevo en casa, pero con las salidas de Christian Olde Wolbers y Raymond Herrera, regresan Fear Factory con ‘The Industrialist’, que nos es, ni mas ni menos, que un retorcido intento por volver a los sonidos del ‘Demanufacture’. Luego ya el si lo han logrado es otra cosa porque, pese a que se deja oir, ‘The Industrialism’ no tiene ni un “Replica” ni un “Self Bias Resistor”. No hay ningún tema que marque la diferencia como sí lo había en aquel disco del 97. El album se abre con el tema que da título al disco. Es cierto que enseguida uno se acuerda de aquel “Demanufacture” pues con Dino Cazares han vuelto esos riffs cortantes, esa marca registrada que dio a los de angelinos el status de pioneros. Sin embargo, conforme va avanzando el disco, esos mismos riffs se van haciendo cada vez mas reiterativos y pesados, y eso que han tenido sumo cuidado para no repetir estructuras pese a la similitud de las creaciones. Al que notamos igual de enfermizo y colérico es a Burton C. Bell. Vale que luego en directo no renta igual, pero en disco sigue siendo uno de esos vocalistas capaces de llegarte tanto en los tonos melodicos como en las partes mas brutas. Temas como “New Messiah” tienen esa dualidad vocal que tan buen resultado les dio en el pasado. Pese a eso, no termina de enganchar y eso que hay partes, a lo largo de todo el álbum,bastante inspiradas. Hay que destacar tambien la labor de Rhys Fulber a los teclados y los samplers. Quizas no sea el miembro más “reconocible” (porque no cuenta como tal), pero ha logrado que temas muy sobrios, con un riff “tipico” del Cazares, ganen en grandeza. Ahí tendríamos “Difference Engine” o “Virus Of Faith” (de las mejores del disco). No está mal que haya vuelto Cazares porque ‘The Industrialist’ tiene cosas mas aceptables de las que tenían sus últimos trabajos, pero tambien han vuelto los tiempos de las repeticiones, aquellos que les hicieron aburrirse de si mismos. Es este octavo álbum de la banda quizás lo mejor que haya hecho en la última década, pero necesitan darle una vuelta a su sonido. De no ser así seguirá siendo mejor recurrir a sus discos antiguos que a los nuevos.

Band of Brothers (Eleven Music Music)

Dicen que a la tercera va la vencida. Hellyeah, la banda compuesta por Chad Gray (vocalista), Tom Maxwell (guitarra), Greg Tribbett (guitarra), Bob Zilla (bajo) y Vinnie Paul (batería) lanza ahora ‘Band Of Brothers’ tras dos álbumes que les han servido de puente hasta llegar aquí. Pese a que ‘Hellyeah’ y ‘Stampede’ no eran malos trabajos, no tenían todavía una personalidad de banda creada, algo que sí se aprecia aquí. En ‘Band Of Brothers’ por fin suenan creíbles. Y es curioso porque tenían delante la fórmula para hacerlo desde el inicio, pero no lo supieron ver (o no quisieron). Con unos músicos con una personalidad tan marcada iba contranatura tratar de ocultarlo para sonar “distintos”. En éste se han quitado la tontería de encima y volvemos a encontrarnos a Chad cantando como en Mudvayne, a Greg sacando riffs machacones como los que hizo en ‘L.D. 50’ y a Vinnie Paul tocando la batería como en Pantera. Es decir, han tenido que volver a lo que les hizo “especiales” en sus bandas para que Hellyeah ganase en identidad. Tampoco nos vamos a engañar, queríamos que llegase este momento. Queríamos escuchar a Chad cantando como antaño y a Paul aporreando su batería con su particular estilo. ¿Que suena a Mudvayne y Pantera? ¿Y? ¿Cuál es el problema? Si así es como realmente te sientes cómodo, si como realmente sacas tu sonido, adelante. Por eso es un placer darle al play y que suene de inicio la brutal “War In Me”, una canción que recuerda al “Nothing To Gain” de Mudvayne aunque más básica en cuanto a estructuras. De ahí en adelante nos encontraremos a la banda primigenia de Chad y Greg en más temas porque es donde realmente se mueven a su gusto. También nos encontramos a Pantera, y no sólo por las baterías de Vinnie Paul. Ese inicio de “Why Does It Always” rasgueado recuerda a aquel “Revolution Is My Name”, e incluso Chad (quien canta durante todo el álbum altísimo) se atreve con otro tipo de texturas más panterosas. Difícil quedarse con un corte del álbum. Quizás “Dig Myself A Hole”, “Between You And Nowhere”, por aquello de que son las más melódicas, porque el disco está plagado de momentazos como el “WM Free” (¿os acordáis de la versión de Poison Idea que hicieron Pantera?), el alcóholico “Drink Drank Drunk” o “Call It Like I See It”. Si un disco tiene que poner definitivamente en el mapa a Hellyeah es éste. Si no lo hace ya habrá que pensar si les va siguiento algún tipo de mala suerte. ROBERTO VILLANDIEGO

ROBERTO VILLANDIEGO

Skunk Anansie Black Traffic (Ear Music)

Todas las bandas que hayan estado separadas una temporada y que dicen de volver, deberían hacerlo como Skunk Anansie. Ya apuntaba maneras ‘Wonderlustre’ y, sobre el escenario, no se notaba ni una sola fractura, funcionando el cuarteto a la perfección. Pues bien, todas aquellas buenas sensaciones se ven ahora multiplicadas al escuchar ‘Black Traffic’. Sería precipitado decir que han hecho el disco de su carrera, porque hay que paladearlo más y la competencia es dura (‘Paranoid And Sunburnt’ o ‘Stoosh’), pero pocos álbumes saldrán este año tan originales, tan bien compuestos y con tanto feeling. Producido junto a Chris Sheldon (Foo Fighters), quien ya les conoce perfectamente, han sabido los ingleses hacer un álbum de Rock nada convencional, mezclándolo con ritmos bailables, pero sin poner por ello en peligro la propia idiosincrasia del grupo. Es como lo que intentaron hacer Guano Apes en ‘Bel Air’, pero bien. Skin vuelve a marcar la diferencia con su voz en temas como “Satisfied?”, “Drowning” o “This Is Not A Game” (cantada altísima) y, sobre todo, en “I Hope You Get To Meet Your Hero” y “Diving Down”, en donde la vocalista se queda desnuda con una base muy sutil que realza todavía más su voz. Escuchando ésa y luego la punk “Sticky Fingers In Your Honey” queda más que patente la versatilidad de una cantante a la que se le nota que se ha desfogazo durante todo el álbum. Es ‘Black Traffic’ un disco facilísimo de escuchar. No sólo entretiene sino que, además, está plagado de momentos brillantes. De hecho, han salido con “Sad Sad Sad” de single y, posiblemente, sea la más flojita del álbum. Cuando vuelvan en otoño (mirad agenda) iremos para allá de cabeza a volver a ver a esta pedazo de banda.

ROBERTO VILLANDIEGO

Gauntlet

K-Os

Stubburn

Planeta Violento

(Molusco Records)

Extraordinaria la evolución de los madrileños Gauntlet en este ‘Stubburn’. Apuntaban maneras en sus anteriores trabajos, pero, vistos en perspectiva, aquellos se quedan ahora como un mero trámite hasta llegar a éste. Sucede esto porque Miguel Rocha (guitarra y voz), Daniel Millán (guitarra), Juan Carlos Fernández (bajista) y Alejandro Martínez (batería) se han estrujado muchísimo la cabeza para incluir en ‘Stubburn’ millones de ideas, de riffs y de melodías. Como una declaración de intenciones se abre el disco con “There Will Be No Peace”, un corte agresivo super thrasher. De ahí en adelante momentos brillantísimos como “Feed The Worms” (un auténtico temazo), el single “Slave” (con Rocha cantando altísimo el estribillo y muy Alice In Chains), “You Don’t Know Me” o la balada “Sold My Soul”. Todos ellos van configurando un álbum que se hace complicado de encajar en un género porque, pese a que es muy metalero, rozando el Thrash, no cumple con los chiclés del género y eso permite que cada uno vaya haciendo sus propias lecturas. Megadeth, Skid Row o, incluso, The Almighty van apareciendo en un trabajo que os recomendamos encarecidamente pues estos tíos se van a hacer fuertes dentro de muy poquito.

ROBERTO VILLANDIEGO

(Maldito)

Ha pasado mucho tiempo desde que K-OS editaron su primer larga duracción. Durante los últimos diez años han estado “escondidos” hasta que han encontrado el momento de poner lanzar ‘Planeta Violento’, un álbum cruento, sin concesiones y extremadamente abrasivo. Habrá muchos oídos poco preparados para una primera escucha del disco. De buenas a primeras hay que reconocer que se hace complicado, pero una vez que han sonado un par de veces “Hombres Muertos” (el cual recuerda de alguna manera al “Marqués de Txorrapelada” de Koma”, “Cárcel o Sudario”, “La Puta Virgen”, “Alambique Jhones” (con melodía vocal a lo Drogas de Barricada) o “La Madre” (con una letra que da escalofríos por su dureza), se te quedan las canciones en la cabeza como gusanos que van a comerse la carne. El disco no está excesivamente producido y eso hace que los temas suenen tremendamente directos, con muchísimo nervio, y rápidos como el mismísimo infierno. Además, lo bueno, es que sabes que ésto es lo que te vas a encontrar en directo porque aquí no hay trucos.

CARLOS MEDRANO

REVIEWS Gun

Break The Silence (Ear Music)

Después de un tiempo desaparecidos, los escoceses Gun volvían a ponerse en marcha levantando las típicas sospechas. Lo hacían saliendo de gira sin su vocalista original, Mark Rankin, y obviamente la sospecha de que lo habían hecho para pasar por caja estaba ahí. Tras escuchar ‘Break the Silence’ es posible que lo hicieran por eso o, tal vez, porque tenían un puñado de canciones que podían conformar un disco tremendo. El inicio de ‘Break The Silence’ con “butcher Man” te deja literalmente sin aliento. Un tema tremendamente bien escrito que te carga las pilas inmeditamente. La sensacion de que puede ser un espejismo, algo puntual para causar buena sensación, se evapora con “14 Stations”, otro temazo de rock super macarra. Suena incluso a The Cult, a aquellas guitarras que Billy Duffy se inventó en ‘Electric’. Algo más inglesa suena “Lost & Found” mientras que en “Caught In The Middle” van subiendo la intensidad hasta explotar en un estribillo muy melódico, pero de bella factura. “How Many Roads” baja un poco el listón. Se trata de un blues con sección de cuerda incluida y la verdad es que como momento de respiro está bien. Quizás se haga demasiado largo y repetitivo. A partir de ahí el disco se muestra menos inspirado, quizás porque el inicio es tremendamente excitante. Temas como “No Substitute” (el mas pop), “Bad Thing” (es más punk, parecen Bad Religion), “Innocent Thieves” (con el tío cantando como Axl Rose) o “Running Of Out Time” (pese a tener un estribillo melódico muy correcto) van pasando como temas que van completando hasta llegar a “Last Train” con un halo a lo Foo Fighters muy eficaz que hace que te reenganches y quieras volver al principio. El tema que le da título al álbum tiene un rollo Matchbox Twenty que tira para atrás pero hay que tener en cuenta que estos tíos hacían temas así hace ya muchos años. Extraordinaria la labor de Dante Gizzi a la voz. No sólo ha sabido mantener el rollo que tenía la de Mark sino que además se ha destapado como un vocalista más que solvente.

ROBERTO VILLANDIEGO

Jolly Joker

Sex, Booze & Tattoos (Autoproducido)

Currantes natos, desde el levante llegan Jolly Joker, aunque cualquiera lo diría. Tras una demo de tres temas que ruló muchísimo y les hizo ganarse una reputación, llegan ahora con su primer larga duración. ‘Sex, Booze & Tattoos’ es toda una declaración de intenciones. Un ejercicio refinado de rendir culto a bandas como Hardcore Superstar (“Damage”), Mötley Crüe (“Dressed To Kill”), Alice Cooper (“God’s Kidding”), Buckcherry (“Sucker”) o incluso Stone Temple Pilots (“Givin’ It”), con una entidad propia que les resalta del resto de bandas. Hay dos cosas que quedan claras en el álbum. Una es que está trabajadísimo con arreglos concretos muy relevantes (ese slide en “Sucker” cambia el tema por completo). La otra es que han hecho un disco muy variado, dinámico y sin complejos. Pasan del Hard Rock al Punk (“Fuck It All”) al Heavy (“Before You Die”) sin inmutarse con unos estribillos que ya quisiesen muchas bandas guiris. Discazo.

ROBERTO VILLANDIEGO

La sorpresa

Arcane Roots Left Fire (Pias)

Llevan funcionando desde principos del 2009, pero cualquiera lo diría al escuchar el disco debut de los de Kingston. Arcane Roots los forman Andrew Groves (guitarra y voces), Adam Burton (bajo) y Daryl Atkins (batería) y han sacado uno de esos discos que no te cansas de oír. Sin ningún tipo de ataduras estilísticas, han elaborado un álbum que se abre de forma brillante con “In This Town Of Such Weather”. En él llaman a la puerta bandas como Muse, The Mars Volta e incluso Mastodon, demostrando así que no tienen ningún tipo

Marilyn Manson

Born Villain (Cooking Vinyl)

Si por algo se ha caracterizado Marilyn Manson es por no repetirse mas que lo necesario a lo largo de su carrera. Ese rediseño constante de su musica ha hecho que sus fans mas acérrimos estén pendientes por ver cuál va a ser el siguiente paso del Reverendo. Quizás sabeedor de eso el avance que lanzó de ‘born villain’ fue increíblemente aséptico, corto y enigmático. No sabías muy bien con aquellos fragmentos de ruido que se podía avecinar. Lo que si logró fue tener a todo el mundo tenso, espectante. Lo que viene llamándose una estrategia de marketing efectiva. Por fin salía ‘Born Villain’ y se despejaban las dudas, mostrándose Manson de nuevo como un músico que se mueve demasiado bien entre la electrónica y el post punk, lanzando un album a medio camino entre el ‘Mechanical Animal’ y el ‘Eat me, Drink Me’ aunque cambiándole las entonaciones y metiendo algo más de guitarras (con ciertos momentos desgarradores que hacen que pienses en aquel Manson más salvaje). El álbum se abre con “Hey, Crue World”, un corte que recuerda a la decadencia que tenía “The Nobodies” pero que rápidamente va mutando y soltando pústulas por todas partes, hasta llegar a un grito final larguísimo que veremos a ver si luego es capaz de reproducir en directo. Con un drumbeat techno y una guitarra chicharrera, muy ochenta, se inicia “No Reflexion”, el cual contiene uno de los estribillos mas inspirados del álbum, aunque el tema en si se quede en ese inicio bucleado hasta la saciedad. Con percutores revolviéndose se inicia “Pistols Whipped”, uno de los cortes más sencillos, pero efectivos, del álbum. Manson se muestra como un macarra de cuidado sobre una base sencilla, plagada de ruidos y rasgueos de cuerdas, hasta llegar al estribillo que rompe Johnny 5 metiéndole algo de chicha. Lo malo es que se repite hasta la saturación, algo que parece endémico, pues durante todo el álbum esa sensación está muy presente. Susurrando como un psico se inicia “Overneath the Path of misery”, otro tema redundante aunque, por lo menos, en esta ocasión hace más acto de presencia la mala leche que caracterizaba al reverendo en el pasado. Con una línea de bajo se abre “Slo-Mo-Tion”, otro tema lleno de adornos pero demasiado insustancial. Eso no pasa en “The Gardener”, un tema que es básicamente igual en cuanto a estructura, pero en el que Manson esta muchisimo más inspirado en la melodía vocal. La empieza hablando con un punto orador macarra que enseguida hace que reconozcas a aquel motherfucker que temías en ‘Antichrist’. “The Flowers Of Evil” es la enésima que empieza igual, aunque en esta vez el estribillo se abre hacia un rollo más Depeche Mode. También a “Nobodies” o “The Man Than You Fear” suena “Children of Cain”. La diferencia es que si en ‘Antichrist’ formaba parte de un lienzo tétrico, aquí queda desdibujada ante tanto tema parecido. Tras la desechable “Disengaged” llega “Lay Your Goddam Arms”, posiblemente la mejor canción del álbum. Al menos tiene una melodía vocal original, algo que no se pude decir del resto. Manson siempre tiene esa dualidad de amarle u odiarle y, posiblemente éste sea uno de esos discos. Nosotros por lo pronto esperábamos más de uno de los tíos más revolucionarios (musicalmente hablando) de las últimas décadas. ROBERTO VILLANDIEGO

de complejo. Estribillo brillante el de “You Are” que se enlaza directamente, sin que te des cuenta, con “Home”, antesala de una de las piezas más complicadas de todo el disco: “Million Dollar Question”. Huyendo de la sensillez en las estructuras, se desahogan en “Habibty”, sonando a Pulled Apart By Horse en un intervalo super punkarra si la juntamos con “Long & Low”. Aquí Andrew está pletórico recordándonos a otro vocalista polifacético como es Brock Lindow (36 Crazyfist). El álbum se completa con las versiones acústicas de “You Are” y “Rouen” con ambos temas cobrando un rollo completamente distinto. Se desenmascaran en los estribillos, pero hasta que llegas a ellos piensas que estás escuchando canciones distintas. Sin lugar a dudas uno de los discos debut del año. ROBERTO VILLANDIEGO

EDICIONES ESPECIALES

Soundgarden The Classic Album Selection(G

(Universal Music)

Repóker de Ases los que se han incluido en ‘The Classic Album Selection’, un invento que se ha sacado de la manga Universal Music para regocijo de los fans más acérrimos (y los no tanto) de Soundgarden. Juntar en una caja cuatro piezas claves del rock como son ‘Louder Than Love’, ‘Badmotorfinger’, Superunknow’y ‘Down On The Upside’ es tener, en muy poco espacio, casi toda la discografía completa del grupo y encima en formato digipack y con los libretos originales. A esos hay que sumar el directo ‘Live On I’5’ que simbolizó la vuelta a los escenarios de Cornell y compañía. Desde el más crudo ‘Louder Than Love’ hasta la tremenda maravilla que supone ‘Superunknow’ pasando por el áspero y genial ‘Badmotorfinger’, es fantástico poder repasar la carrera de los de Seatlle volviendole a echar un vistazo a los libretos que se incluyeron en su día. Además, es una buena manera de completar la colección ya que encontrar estos discos por separado suele ser bastante difícil. ROBERTO VILLANDIEGO

Holy Moses

In The Power Of Now (SPV)

Childrem Of Bodom Holiday At Lake Bodom (Spinefarm Records)

La banda liderada por el cantante/guitarra Alexi Laiho lanza ahora, después de nueve álbumes de estudio, su primer CD + DVD recopilatorio. Es ‘Holiday At Lake Bodom’ una muy buena manera de meterse en la música de los fineses pues han sabido muy bien elegir los temas que lo componen (sólo va una canción, “Roundtrip To Hell And Back”, de aquel flojísimo ‘Relentless Reckless Forever’). Además han incluido notas escritas por toda la banda hablando del significado de cada canción. Es curioso que junto a “Hate Crew Deathroll”, “Hate Me!”, “Everytime I Die” o “Follow The Reaper” hayan dejado dos de las versiones que metieron en ‘Skeletons In the Closet’, la de Rick Springfield y la de Dropkick Murphys. El subtítulo del álbum es ‘15 Years Of Wasted Youth’ y así es como han llamado al documental que han incluido en el DVD. En él se recogen escenas en el estudio dándole forma a ‘Relentless Reckless Forever’, así como mogollón de material grabado durante la gira que les mantuvo ocupados durante el 2011. Ahí es donde radica sobre todo el material más interesante de este lanzamiento. Les vemos en el autobús de gira mientras van contando historias, haciéndose platos vomitivos de pasta o emborrachándose. Hay un fragmento, filmado durante la gira del 2011 en la que compartieron cartel con Slipknot y Machine Head, en donde podemos ver a Roope Latvala (guitarra) con un moco de cuidado. Van tan pedo que van escuchando a Justin Timberlake. Otro momento divertido es un show en Halloween en donde salen disfrazados aunque la mayoría de las imágenes que se incluyen son moviéndose en el autobús enseñándonos lo que hacen para no aburrirse. La verdad es que es una buena manera de acercarse a una banda que necesitaba lanzar algo así para tomarse un respiro y volver con más fuerza que nunca. ROBERTO VILLANDIEGO

Cuando Angela Gossow entró en Arch Enemy dejó a todo el mundo boquiabierto por la capacidad de la chiquilla para los guturales. Pues bien, cuando Angela iba al cole ahí estaba Sabina Classen al frente de Holy Moses rompiendo cualquier tipo de estereotipo. Lo cierto es que la historia ha sido un poco injusta con la banda de Thrash alemana pero desde que dijeron de volver a la acción parece que se les tiene un poco más de consideración. ‘In The Power Of Now’ es una manera de repasar los 30 años de trayectoria de una banda que fue de las primeras en hacer Thrash en el viejo continente. Además las han regrabado todas con lo cual el sonido se ha actualizado para disfrutar de temas que tienen tres décadas como si por ellos no hubiese pasado el tiempo. Doble CD con una presentación de lujo que contiene todos los trallazos de los Moses. CARLOS MEDRANO

Millencolin

The Melancholy Connection (Epitaph)

Los sueco Millencolin vuelven a recopilar todas sus caras B, como ya hiciesen en ‘The Melancholy Collection’, para editar un “álbum” que merece mucho la pena. Lo hace no sólo porque contenga dos temas nuevos (“Carry You” y “Out From Nowhere”) sino porque entre las canciones que tenían por ahí “escondidas” hay joyas como “Absolute Zero”, “E20 Norr” y “Bowmore”. A eso hay que sumarle el documental ‘A Pennybridge Production’ que no son más que interesantes imágenes grabadas con videocámara de cuando registraron ‘Pennybridge Pioneers’ en L.A. incluyendo muchos planos con Brett Gurewitz de Bad Religion quien se encargó de la producción de aquel álbum. A los videos más viejos se han añadido entrevistas actuales recordando cómo fue todo aquello convirtiéndolo en un documento más que interesante. Se completa con una actuación con motivo de la gira aniversario del ‘Pennybridge Pioneers’ que hace de este disco algo más que interesante. ROBERTO VILLANDIEGO

En DVD

Ignite

Our Darkest Days Live (Century Media)

Ha pasado mucho tiempo desde que Ignite lanzasen ‘Our Darkest Days’ y antes de editar nada nuevo han decidido lanzar este DVD grabado en Abril del 2008 en Alemania. En él nos encontramos una actuación íntegra filmada con bastantes recurso con unas luces muy cuidadas y algunas tomas (las de detrás del escenario) realmente increíbles. En él van repasando toda su discografía, pasando por todos sus clásicos y como extras se incluye un “cómo se hizo” que nos dejaba ver que están trabajando en nuevo material. TESA NAVARRO

Morgorth

Cursed To Live (Century Media)

Aunque podría tener algo más de calidad en cuanto a iluminación, al menos este DVD de Morgoth nos sirve para ver el estado actual de la banda. Se trata de un concierto grabado en su ciudad natal y lo que más destaca es la frescura de temas antiguos como “Isolated”, “Sold Baptism”, “Suffer Life” o “Body Count”. Aunque sea un efecto sencillo, no deja de ser impactante ver a Marc con los ojos poniéndosele verdes durante algunas partes del Show. Como bonus incluye algunas tomas de festivales y videoclips originales de cuando la banda está totalmente en activo. ROBERTO VILLANDIEGO

Delta Saints Rockpalast (Autoproducido)

Si no conoces a los de Nashville y eres ferviente admirador del Blues del Delta del Missisipi deberías hacerte, como sea, con una copia de este ‘Rockpalast’ para ver a Delta Saints. Son jóvenes y tienen una calidad desbordante, a la altura de cualquier grande. ROBERTO VILLANDIEGO

CINE Ice Age 4: La Formación de los Continentes Título original: Ice Age: Continental drift. Dirección: Steve Martino y Mike Thurmeier. País: USA. Año: 2012. Duración: 94 min. Género: Animación, aventuras, comedia, familiar. Doblaje original: Ray Romano (Manny), John Leguizamo (Sid), Queen Latifah (Ellie), Denis Leary (Diego).

Es increíble como una ardilla prehistórica persiguiendo una bellota inalcanzable pueden dar tanto juego. Tanto, que estamos ya ante la cuarta entrega de una de las franquicias de dibujos animados más rentables de la última década. El problema, a pesar de la película se deja ver y resulta incluso brillante en algunas de las bromas, es que no aporta absolutamente nada nuevo a las anteriores entregas. Ni técnicamente, pues la tercera entrega ya navegaba en las aguas del 3D, ni argumentalmente. Se repite la misma fórmula del viaje del héroe, del regreso a casa, y se ensalzan los mismos valores de familia y amistad que en anteriores entregas, sin dar ni un solo paso más allá de lo obvio. Y la mezcla de prehistoria con piratas, en un intento de dar una vuelta de tuerca, lejos de convencer, termina resultando anacrónico y fuera de sitio. Sin embargo no debemos perder de vista que estamos ante una película pensada para los más pequeños. Se convierte por tanto en un producto rentable y entretenido, perfecto para llevar a los niños y que los adultos no se aburran soberanamente, pero no consigue alcanzar la profundidad o el nivel de otras secuelas de distintas sagas que sí han sabido renovarse. Aun así y con todo, la famosísima ardilla de marras tiene algunos momentos completamente antológicos. A FAVOR: Perfecta para pasar un buen rato con niños en una de esas calurosas tardes de verano en que uno no sabe qué hacer para no tostarse. EN CONTRA: La ya mencionada falta de originalidad. JAVIER BRAGADO

Men In Black 3 Película en 3D: Men in Black 3. AKA: Hombres de Negro 3. Dirección: Barry Sonnenfeld. País: USA. Año: 2012. Duración: 106 min. Género: Acción, cienciaficción, comedia. Interpretación: Will Smith (agente J), Tommy Lee Jones (agente K), Josh Brolin (agente K joven), Alice Eve (agente O joven), Emma Thompson (agente O), Jemaine Clement (Boris el Animal),

Quince años han pasado ya desde que en 1997 Barry Sonnenfeld nos sorprendiera con una más que original comedia fantástica sobre una organización secreta a modo de CIA intergaláctica que, vestidos de riguroso negro, perseguían divertidos alienígenas por las calles de Manhattan haciendo las delicias del respetable. El gran atractivo de aquella película era probablemente la extrañísima química entre Will Smith y Tommy Lee Jones, así como un imaginario inmenso de seres sorprendentes y extravagantes a más no poder. De haberse quedado en un solo filme, sería obra de culto. Sin embargo pronto se atisbaron las posiblidades de hacer franquicia, y después de una segunda parte en 2002 y diez años más tarde, nos llega una tercera entrega que, si bien levanta en vuelo con respecto a la anterior, se queda en un mero estreno veraniego sin más pretensiones. En un intento de acercarse a la parte más dramática de la trama y tratando de huir del excesivo carácter humorístico de las anteriores entregas, la película resulta tremendamente aburrida en muchas de sus fases. El intento de renovar la saga introduciendo como nueva herramienta los saltos temporales tampoco funciona. Lo único salvable prácticamente es ver a Josh Brolin haciendo de Tommy Lee Jones joven, y Will Smith, que sigue siendo el único argumento que mantiene la saga en pie A FAVOR: Para los fans de la saga resultara entretenida, aunque más por nostalgia que por otra cosa. Y el paseo que se hacen nuestros hombres de negro por “La fábrica” de Andy Wharhol. EN CONTRA: En algunos momentos resulta algo lenta en una truncada búsqueda de profundidad. Algo que difícilmente se pueden permitir este tipo de películas. JAVIER BRAGADO

AL CINE CON...

Blancanieves Y La Leyenda Del Cazador Título original: Snow White and the huntsman. AKA: Blancanieves y el cazador. Dirección: Rupert Sanders. País: USA. Año: 2012. Duración: 128 min. Género: Fantástico, acción. Interpretación: Kristen Stewart (Blancanieves), Charlize Theron (reina Ravenna), Chris Hemsworth (Eric, el cazador), Sam Claflin (príncipe William), Bob Hoskins (Muir), Toby Jones (Coll).

Es acercarse el verano y las altas temperaturas y empezar a aparecer esos blockbuster cargados de promoción en los cuales la espectacularidad del cartel promocional suele ser inversamente proporcional a la calidad real del contenido de la cinta. A la espera del estreno de la gran película de la temporada, que no puede ser otra que la tercera entrega del tan personal Batman de Christopher Nolan, ‘Blancanieves y la Leyenda del Cazador’ se convierte en el blanco perfecto tanto para los devoradores de palomitas como para cinéfilos críticos sedientos y ansioso por hacer sangre (sí, de esos que siempre negarán ir al cine a ver semejantes propuestas, pero que nunca fallan). A medio camino entre aquellas películas de corte fantástico de finales de los 80 como ‘Willow’ o ‘Leyend’ y una estética adaptada a los nuevos gustos instaurados gracias al buen hacer de Peter Jackson, la película, sin enseñar nada nuevo, nos adentra en el aspecto más oscuro del mito alejándose del edulcorado imaginario heredado de las obras de la factoría Disney, lo cual se agradece y dota a la obra de una cierta épica que la hace algo más interesante. Es quizás este hecho el que resuma el atractivo real de una cinta que al margen de una factura técnica impecable, puede presumir de uno de los malvados más atractivos del cine de los últimos años. Inmensa Charlize Theron. A FAVOR: Aún nos preguntamos como una reina tan guapa y tan interesante y atractiva puede tener esos celos de la chiquilla de ‘Crepúsculo’. Sólo por ver a Charlize Theron repartir cera merece la pena la entrada. EN CONTRA: A Kristen Steward le da lo mismo estar encerrada en una torre, enamorarse de un vampiro, que la envenenen o que masacren a un pueblo del que se supone debería ser reina. Inexpresividad total y cara de angustia, que provocan que el público simpatice más con la malvada madrastra que con la supuesta heroína. Eso y una más que confusa historia de “amor” que no termina por resolverse del todo. JAVIER BRAGADO

Aprovechando la salida de ‘Sin And Bones’, el nuevo trabajo de FOZZY, nos pusimos en contacto con RICH WARD para que no sólo nos hablara de su nuevo álbum (podréis leer la suculenta entrevista en el próximo número) sino para que además nos recomendara algunas películas.

RICH WARD (FOZZY/ STUCK MOJO)

¿Cine comercial o de autor? Adoro ese cine de palomitas en el que no tienes que pensar mucho. Ese en el que hay un chico bueno, otro malo y lo único que tienen que hacer es luchar. A a mí me sirve como válvula de escape. El mundo ahora mismo está atravesando un momento muy duro, con una recesión económica brutal, los de la derecha luchando contra la izquierda, con la gente perdiendo sus trabajos así que adoro esas películas que me ayudan a escapar de la realidad, ya sean de Ciencia Ficción o de Terror. Quiero que una película me abstraiga de lo que es la realidad cotidiana y por eso también adoro la música. Cuando salgo a correr me pongo discos de Pink Floyd o Led Zeppelin y con ellos me transporto a algún sitio distinto. Es más saludable además que cualquier droga, alcohol o juego que también te ayudan a escapar pero que te terminan haciendo daño”. Las últimas que has visto... “Sé que hay mucha gente a la que no le gusta pero una de las últimas películas que he visto ha sido ‘Prometheus’ (Ridley Scott) y me encantó. Para mí es como una vuelta a la fórmula de las películas clásicas de ‘Alien’. Tiene ese tempo tan lento, ten tenso y adoro eso. También he visto recientemente ‘Los Vengadores’ y, aunque esté bien, no creo que sea una maravilla. Prefiero ver las pelis de Iron Man que ésta en la que salen todos juntos porque creo que hay demasiados chiclés. No estoy diciendo que esté mal porque le daría un notable pero ‘Prometheus’ es fantástica. Una de terror... Mi favorita desde siempre ha sido la versión original de ‘Halloween’, el de John Carpenter. Me encanta la simplicidad de la película con esa entidad tan oscura. No tengo nada en contra de la versión de Rob Zombie pero prefiero las cualidades sobrenaturales del Michael Myers original. En ella no sabes por qué es un asesino. Lo único que sabes es como la reencarnación del mal y que nadie puede ni pararle ni matarle. Si hay algo que también me gusta de la película es que en ningún momento ves montones de sangre. Es todo como muy sutil, como si de una película de Hichcock se tratase. El terror, la violencia y el miedo están ahí pero porque juega mucho con tu imaginación, como si de un libro se tratase. Una de acción... Mi preferida de acción es ‘La Jungla de Cristal’. Para mí es como una vuelta a los western clásicos, a los de Clint Eastwood, con Bruce Willis representando al típico policía gallito de nueva York que se ve atrapado en L.A. peleando con ladrones de bancos europeos. Creo que en ella hay una gran mezcla de personalidades. Una de ciencia ficción... “La segunda parte de Alien. La razón es porque creo que es una gran película de acción. En la primera parte tenías todo ese ambiente asfixiante, esos escenarios terroríficos y sin embargo en la segunda parte hay sólo una nave, pocos actores y sólo un Alien. No son cien aliens a los que hay que matar sino sólo a uno. Eso lo convierte en un film alucinante. Es escalofriante!”.

Está claro que no todas las giras son iguales. Esta que ha empezado Barricada, presentando ‘Flechas Cardinales’, es completamente distinta a la de ‘La Tierra Está Sorda’; no por el hecho de que se trate de una obra menos densa, sino porque es la primera gira en 30 años en la que Enrique Villareal (El Drogas) no está “al frente” de la formación. Sin embargo, y lejos de lo que pudiese parecer, éste tampoco tenía un papel tan vital dentro de la banda. Sí que era importante, obviamente, pero en cuanto a labores vocales ahí también estaba el Boni quien cantaba la mitad del repertorio. Por eso, ver ahora a Barricada no supone un cambio tan drástico como el que sufren algunas formaciones cuando se va su vocalista principal. Barricada no han acuciado esa falta y ha sabido si acaso compensar el hueco (enorme) que ocupaba El Drogas sobre el escenario saliendo todavía más eufóricos, a morder directamente. Por eso cuando la banda aparece después de una intro (grabada seguro junto a Iker Piedrafita de Dikers) sale como un torbellino con “El Punto de Mira” lanzándose directamente sobre las primeras filas. Estaba claro que había hambre de esce70

nario, de demostrar que, para bien o para mal, nada había cambiado y tenían que hacerlo como mejor saben: dejándose la piel en el escenario. Antes de ese momento de meterse al público en el bolsillo con un repertorio compuesto por treinta canciones, nos colamos en la Joy para ver cómo funcionaban, para saber cómo se vivía semejante prueba de fuego. Tras hora y media de montaje previo, llegaba la banda tranquila y relajada para probar sonido y ver la sala, pues era la primera vez que tocaban en la Joy. Luego, ya más calmados, le preguntábamos a Alfredo Piedrafita sobre el el motivo de la elección del sitio, teniendo en cuenta que en su anterior presentación en Madrid habían tocado en La Riviera. “A nosotros desde la oficina nos ofrecieron otra sala” – nos explicaba en camerinos tranquilamente. “Preguntamos que si había ambiente de Rock & Roll, pero no supieron respondernos. Preguntamos por aquí a gente y nos dijeron que no, y que ahora mismo era en Joy Eslava donde se hacen los conciertos. Por eso decidimos venir para acá. El aforo es el que toca hacer ahora mismo y podemos darnos con un canto.

¿Podíamos haber intentado hacer otra Riviera o algún sitio mayor? Pues sí se podía haber intentado, pero no están las cosas para nadie como para eso y preferimos tener un buen ambiente aquí en la Joy que tener a medias la Riviera”. La banda se lo toma tranquilamente, para que todo salga a la perfección y suene luego como un cañón. Durante la prueba además, sube Molly de Hamlet a “ensayar” junto a ellos “Balas Blancas” y “En Lo Más Pequeño”, las cuales tocarán juntos durante el show. “La tranquilidad a partir de ahora se acaba. Pensé que era más temprano pero son las 20:00 así que ahora me empezará a entrar la cosa en el estómago” nos dice de nuevo Alfredo cuando han rematado la prueba. Tampoco es que haya mucha tranquilidad entre bambalinas. Después de tantos años son muchos los amigos que se acercan a saludar a la banda antes de que ésta comience el show. Ya más tranquilo le preguntamos por el arranque de gira. Sus impresiones no podían ser mejores. “Después de un año parados, y más para un grupo como nosotros que no estamos acostumbrados, es tela. Pero,

la verdad, es que estamos muy a gusto. Vamos disfrutando con los temas nuevos además. De momento metemos cinco o seis y vamos viendo cómo funcionan porque no sólo importa la respuesta de la gente sino también como te sientes arriba tocándolos. Andamos probando todavía pero ya parece que va encarrilándose el repertorio”. Si hay algo sin duda está marcando esta gira, tal y como comentábamos, es que ahora no tienen a El Drogas delante cantándose medio repertorio. Alfredo nos comenta al respecto que “ha sido una suerte que fuésemos desde siempre un grupo con dos cantantes. Si no, habría sido muy jodido porque tú a un grupo por la música lo puedes reconocer pero la voz marca mucho. Afortunadamente muchas de las canciones conocidas de Barricada las cantaba Boni así es que por ese lado bien. Hay otros temas que sí que nos están costando un poco más porque los veíamos más personales, más de su tipo de voz y por el tono quizás están siendo un poco más complicados pero no hay problema. Por ahí va entrando bien la cosa. Luego también tenemos la suerte de que la gente nos

ayuda mucho. Yo ahora mismo me canto “Animal Caliente” y compararme a mí con el Drogas cantando es como “hostias” pero digo la primera frase y todo el mundo sigue cantando el resto. Esa es una suerte que tenemos” dice sonriendo. El ajetreo en el camerino va aumentando conforme se acerca la hora del bolo. Alguien dice que Reincidentes y Narco están tocando en Madrid también ese mismo día. Ellos comentan que ya lo sabían pero que, no por eso, deja de parecerles una putada porque “tal y como están las cosas, no creo ni que sea bueno para ellos ni para nosotros pero no son cosas hechas a propósito. Nosotros este bolo lo teníamos hace tiempo y yo me enteré hace 10 días o así. Es una putada además porque me habría gustado verlos y ver la historia que están haciendo juntos porque seguro que ¡está de puta madre! Lo malo es que habrá gente que tendrá que decidir entre uno y otro y es una putada. Yo creo que

“Ahí arriba entras en una especie de nube. Estás tan a gusto que nos sabes muy bien dónde estás”. debería haber más coordinación en ese aspecto entre las oficinas”, nos comenta el guitarra, quien es sabedor de que en Madrid es muy complicado no coincidir con nadie. A eso hay que sumarle que la asistencia de público también ha bajado considerablemente. Se habla de que está asistiendo un 30% menos de gente a los conciertos y eso es algo que todos están sufriendo. “Hay grupos que han bajado incluso a la mitad de aforo en muchos casos” apunta Alfredo. “También ha bajado la contratación de muchos grupos y ahí tampoco nos podemos quejar. Tenemos como unos 20 bolos cerrados, hay reservas y todavía hay gente llamando. Yo creo que haremos lo mismo que otros años. Tampoco somos de hacer muchos bolos al año, entre 30 y 40, lo que pasa es que como no paramos se van sumando”. Lo que no ha cambiado es la efusiva respuesta de la gente. Después de un año “sabático” había ganas de volver

a ver a Barricada sobre el escenario y eso es algo que también han notado ellos. “La gente nos echa de menos mogollón. Nosotros no somos como Marea o Extremoduro, que hacen una gira cada cuatro años y con ellos ya sabes lo que te puedes esperar pero con nosotros no. No es que hayamos perdido el año porque viene bien, te despeja la cabeza y te vas curando lesiones que arrastras durante la gira, como el codo de tenista. Viene bien porque además luego lo coges con más ganas. Lo que no sé es que hubiese pasado si un grupo como nosotros hubiese parado dos o tres años. Ahí es donde nos asaltan las dudas” reflexiona Piedrafita. Siguen corriendo los minutos y la hora del show se nos va echando encima. Joakin, el tour manager de la banda, va repartiendo pulseras para que el personal de la Joy sepa quién puede y quién no estar en las zonas restringidas. Nosotros seguimos sentados en unos sofás que salpican todo el camerino en el que se respira una calma tensa conforme se acerca la hora del concierto. Pedimos a Alfredo que cuando nos tengamos que ir nos avise. Sabemos de bandas a las que les gusta estar completamente solos en el backstage para templar los nervios antes del espectáculo. Nos tranquiliza pues aún queda un rato antes de que eso pase. Le preguntamos por ese ritual pre-show y nos cuenta que “Nos gusta estar tranquilos pero poniéndonos nerviosos los unos a los otros. Digamos que nos ponemos un poco insoportables (risas). Los nerviosos, hasta que sales al escenario, son normales. Luego, metes el primer guitarrazo y se disipan, porque ahí arriba entras en una especie de nube. Estás tan a gusto que nos sabes muy bien dónde estás. Es como si te hubieses tomado algún tipo de droga extraña. Cuando acaba el concierto, te vas al camerino y vas bajando poco a poco hasta que llegas al hotel, te tiras en la cama y, en ese momento, es como que tocas con los pies en el suelo. Es como si volvieses a la tierra de nuevo”. Le preguntamos si cuanto todo ha terminado revive lo que acaban de experimentar, y, lo que es la gente

profesional, en vez de saborear las cosas buenas, se quedan con lo que han hecho mal. “Antes de quedarte sobado le das vueltas a cosas. Sobre todo le das vueltas a las gambas que has metido. Si ha sido sólo una vez no le das importancia, pero si es la tercera algo raro ha pasado”, nos cuenta entre risas. Aprovechando que hay confianza hacemos un acto de intrusismo y le preguntamos algo que siempre hemos querido saber pero que nunca le habíamos preguntado a ningún músico. ¿Qué diablos hace una banda durante los bises? Alfredo se rie y nos dice que “normalmente solemos echar unos tragos, una meada rápida y esperar a uno o a otro. Esperamos poco aunque estamos deseando de salir otra vez” y nos aclara que tampoco pueden esperar mucho no sea que la gente se les vaya. Es curioso porque son dos veces las que la banda salta al escenario; una es cuando empiezan, cuando los nervios están flotando en el aire, y la otra es cuando ya han soltado casi todo su arsenal (en su caso después justo de “En Blanco y Negro”) y se meten para ver si la gente quiere más o no. Ahí la emoción es distinta. “Pero totalmente” nos confirma. “Es como que ya te has relajado y está todo hecho. Si todo ha ido bien vuelves a salir, con la sonrisa de oreja a oreja, y encantado. Es el gran momento del bis que además no falla nunca. En los festivales es una putada porque, a lo mejor, sólo tienes una hora y tienes que concentrar todo, incluido el repertorio, que es lo más difícil. El no tener esos dos minutos de descanso es una putada enorme. La verdad es que jode mucho”. Eso de tener a toda una sala llena coreando tu nombre para que vuelvas a salir debe producir una sensación brutal. Le pedimos a Alfredo que nos lo intente describir. “Es brutal, la verdad. Es una historia rara como te decía antes. Estás en una especie de nube. Muchas veces te emocionas mogollón. La gente te ve encima del escenario y piensa que eres un rockero duro, pero hay veces que te tienes que dar la vuelta porque se te empañan los ojos. Hay ciertos momentos especiales que emocionan mucho. Mogollón. Pero es bueno. Yo creo que no tenemos que avergonzarnos de eso”. La hora del show se acerca y dejamos a Alfredo atendiendo a diversos amigos que se han acercado para saludarles. Sólo unos segundos después saltaban a comerse literalmente a un Madrid que, de nuevo, volvió a rendirse ante los de Iruña, como si nada hubiese pasado.

LIVE SHOTS

DESCOMUNALES LAMB OF GOD Artistas Invitados: THE EYES Sala La Riviera, Madrid

Como una auténtica apisonadora, así fue el paso que tuvo LAMB OF GOD por Madrid en su primera actuación en España como cabezas de su propia gira de salas, dejando un gratísimo sabor de boca con su concierto. Por eso no dábamos crédito días después al leer que su vocalista Randy Blythe había sido arrestado por un presunto homicidio involuntario dos años atrás en un altercado con un fan durante su actuación en Praga. Ver para creer… ya que poco antes leíamos declaraciones suyas bastante reflexivas respecto a su vida dentro del grupo y en la carretera durante estas giras interminables. El caso es que en La Riviera dieron un señor concierto con el mejor grupo nacional que podía acompañar a los corderos de dios. THE EYES salieron con ganas, agresivos, sin parar, con un Jordi Castany espetacular, incitando a botar al público, a hacer circlepits, mosh e incluso un wall of death cerca del final de su descarga. Era la segunda vez que pisaban la capital con ‘Hold Your Axes, Rip Their Guns’ después de haberlo presentado junto a CRISIX en el Kaiowas Tour que está recorriendo todo el país. Lógico que se centraran en él, empezando con ‘Redemption’ y siguiendo con otras como ‘Commitment’, ‘Chants From The Ashes’ o ‘Jail Invaders’. En ellas se nota ese lado melódico que han aportado a sus composiciones con los coros tan logrados de Wero. Tanto él como Edgar no paraban de subir a las plataformas con sus guitarras, o incluso este último, tirarse al público mientras tocaba un tema en el tramo final. Tampoco faltó ‘Marea Negra’, tema en el que originalmente colaboraba Juan, cantante de S.A, y de cuyas partes se encarga Mikki Nebot, la última incorporación al grupo en el puesto de bajista. Tampoco faltaron temas de su anterior ‘Insignis’, caso de ‘The Sigh Of Weakness’ y ‘Grey Light’; precisamente en ella, la tercera canción de la noche, el escenario quedó a oscuras. Lo malo es que no fue el único momento, a lo que el grupo siguió tocando y haciendo gala de su profesionalidad. Para el final, su último single, ‘Die to Rise’, y otra del pasado’, ese trallazo llamado

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‘Crucified Lie’. Sobresalientes. Decía antes que el quinteto de Richmond pasó por nuestro país como si de una apisonadora se tratara. Y es qué, ¿cómo definir un grupo que empieza su show con ‘Desolation’, ‘Ghost Walking’ y ‘Walk With me in Hell’? Parecía que no querían dar un momento de descanso, y así fue. Randy Blythe salía al escenario fumando (ay, esas leyes…) con aire desafiante y en una forma extraordinaria. Es un tipo que no puede parar dos segundos quieto y muestra una actividad constante. Quizá por esa razón pueda llegar a eclipsar la buena labor que hacen el resto de sus compañeros, si bien es cierto que llegado el momento de los solos de turno, cede esa atención a Mark Morton, como ocurría una y otra vez. En sus discursos nos obsequió con un recordatorio a su anterior visita (“junto a METALLICA, que estuvo guay… pero esta vez es mucho mejor”), a la par que iba presentando canciones, ya fueran del pasado (‘Ruin’, ‘Now You’ve Got Something to Die For’ o ‘Hourglass’, todas seguidas), más recientes como ‘Contractor’ o directamente de su última obra, ‘The Undertow’ y ‘The Number Six’. El único momento donde hubo cierta pausa fue con ‘Omerta’, y su bloque principal de canciones lo completaría una impresionante ‘Laid to Rest’. Quizá se pueda echar en cara que la duración fue escasa, pero con el bis dejaron a todo el mundo con una sonrisa de oreja a oreja… y a unos cuantos con marcas de guerra a modo de golpes por su cuerpo. Porque quizá no ocurrió tanto en ‘The Passing’ y en ‘In Your Words’, pero la gente se volvió loca con la invitación a su fiesta en ‘Redneck’, para terminar con la habitual ‘Black Label’ y un nuevo (intento de) wall of death. Una máquina perfectamente engrasada y en la que cada uno asume a la perfección su papel. Quizá se podía esperar una mayor afluencia de gente, pero en Junio por un lado hay estampida general con las primeras vacaciones y por otro los estudiantes aún andan metidos en exámenes. Pero la media sala que se animó a estar allí un martes seguro que lo recordará mucho tiempo. Mejores en directo que en estudio. TEXTO: VARO ANDRÉS FOTO: JAVIER BRAGADO

CANNIBAL CORPSE + AMON AMARTH Sala La Riviera, Madrid Quién iba a pensar que un cartel tan aparentemente atractivo para los seguidores del Metal extremo como el que se presentaba en Madrid fuera a tener una acogida tan pobre. Sobre todo si tenemos en cuenta la tremenda respuesta que tuvo la última visita de los suecos Amon Amarth, llenando la sala Arena hasta los topes. Síque es cierto que esta visita estaba aún muy reciente. Si a esto unimos la interminable crisis, los exámenes finales y el partido de España (es increíble el poder de convocatoria que tiene la selección española en los últimos años) el panorama que nos encontramos fue desolador. Sin embargo, y tratando de buscarle el punto positivo, este hecho dotó al recital de un ambiente mucho mas íntimo, con esa esencia de las citas underground que tanto le pegan a un concierto de Cannibal Corpse, que provocó el deleite de los fans más acérrimos que, venciendo a las circunstancias, se dejaron caer por La Riviera. Con destacable puntualidad abría la velada el quinteto de Buffalo, con Corpsegrinder ejerciendo de maestro de ceremonias. A parte de un cuello digno de un Miura, el vocalista tiene una energía y unas tablas dignas de admiración para dirigir esa apisonadora que son Cannibal Corpse. La herencia de la década de los 90 se deja ver en una banda que es como un metrónomo, como un martillo pilón. Si bien es cierto que el Brutal Death es un género que apenas ha evolucionado en 20 años y que las nuevas propuestas más arriesgadas le están comiendo terreno, Cannibal Corpse poseen un atractivo y una calidad

técnica envidiable que les hace seguir siendo punta de lanza del metal extremo. El único pero fue probablemente la escasa duración del recital. Y a continuación, turno para Amon Amarth. Difícil papeleta la que les tocaba a los suecos después del recital de Cannibal Corpse y de la magnífica imagen que aun quedaba en la retina de los fans madrileños en su anterior visita. Y más difícil aún si tenemos en cuenta que si bien durante el recital de los de Buffalo el hecho de la escasez de público provocaba un ambiente más íntimo, durante los primeros minutos de la actuación de Amon Amarth el efecto fue diametralmente opuesto. Con un montaje mucho más espectacular que en su anterior visita a la sala Arena, y una épica que pide coros del respetable en cada estribillo, resultó tremendamente difícil calentar el ambiente. Sin embargo, poco a poco, con actitud, buen hacer, simpatía y ganas, Johan Hegg y los suyos nos hicieron olvidar la pésima entrada. A todo esto, destacar el magnífico sonido. Desde el demoledor inicio con “War of the Gods” hasta el clásico “Twilight of the Thunder God” que abría los bises, cada nota, cada riff, se oyeron a la perfección. Y una vez terminado el set, momento para firmar, regalar púas e incluso charlar con los agradecidos fans. Una de las grandes ventajas de hacer un concierto en familia, aunque vista la calidad de las actuaciones, ambas bandas se merecía una mayor acogida. Maldita crisis. TEXTO: FRAN DOMINGO FOTOS: JAVIER BRAGADO

IMPECABLES

BOOBOLOGY Ritmo y Compás, Madrid Boobology deja claro que va muy en serio. La sala Ritmo & Compás de Madrid fue el lugar elegido para presentar su segundo disco ‘The Day The Earth Stood Still’. El concierto fue todo un alarde de profesionalidad. Se notaba que lo habían preparado a conciencia. Sonaron de forma impecable, con nitidez, potencia y definición. Un gran logro si tenemos en cuenta el estilo de los madrileños. Boboology es el único grupo español que suena a Tool, Chevelle, Staind o A Perfect Circle. En su trabajo de estudio se avista un grupo muy detallista, pero en directo si cabe lo es aún más. Ahí es

Corpsegrinder (Cannibal Corpse)

MUERTE Y DESTRUCCION donde se notó el esfuerzo y dedicación de estos artistas. Un compromiso que, por supuesto, obtuvo su recompensa. Abrieron con las dos primeras canciones de su nuevo álbum: la desgarradora “Dark Clouds” y la reivindicativa “I Am What I Am”. La colaboración de un guitarrista extra permitió que Eloy Morales se centrara en lo que mejor sabe hacer: cantar e interpretar. Su evolución desde el primer disco ‘The Paradox’) es espectacular. Sus movimientos, lentos y medidos, casaban a la perfección con unas cualidades vocales excepcionales que transmitían ansiedad, miedo y oscuridad según requiriera el tema. Por momentos, uno se preguntaba si no era el propio Maynard quien sostenía el micrófono. El quinteto estuvo magistral haciendo sonar el single “Taking The Blame”, “Preach” y “Face My Demons”. Si estos trallazos no fueron suficiente para convencer al respetable, hasta el más escéptico se rindió ante la versión de “The Noose” (APC). Interpretaron a la perfección una canción de ejecución muy complicada. La ovación fue totalmente merecida. Al igual que en su actuación durante la entrega de premios Carlos Pina, contaron con una violinista durante el pasaje acústico del show. Además de la canción de APC, deleitaron al público con “Faintness” y “Getting Harder”. Fueron momentos de gran calidad musical, de esos que consiguen ponerte la piel de gallina (cosa nada fácil hoy en día). Boobology demostró ser una banda de metal moderno, dramático, oscuro, melódico y sensitivo. Finalmente cerrarían con “Reset”, una de las mejores de toda la noche, y con los más de seis intensos minutos de “The Day The Earth Stood Still”. En Boobology conocen las dificultades del rancio y atascado mercado musical. Tal vez por eso, una ver terminada la actuación, dedicaron un rato para hablar con el público y ofrecer sus dos discos a 10 euros. Dentro y fuera del escenario demostraron ser humildes y accesibles. Eso sí, la única pega fue que en vez de tocar hora y media no tocaran dos. Su actitud y su nuevo disco así lo merecían. Pero desgraciadamente, parece que en esta vida no se puede tener todo. TEXTO: EDUARDO PALACIOS FOTO: KRISTINA ESPINA

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BLAS VOCES DEL ROCK

ROBERT PLANT

nacido el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich, Staffordshire (Inglaterra).

Todo cantante que intente cantar alto debe mirarse en el espejo de este hombre. Todos estamos en deuda con su inmensa obra en el que quizás sea Por el mejor grupo de TOMÁS MARÍN la historia del Hard Vocalista Amalgama Rock, LED ZEPPELIN. Sus aullidos y lamentos en canciones como “Communication Breakdown”, “Dazed and Confused”, “Black Dog”,”Whole lotta love”, etc., etc., son ya parte del colectivo rockero y la fuente de inspiración para muchos fans que como yo intentan cantar en un grupo. Lo que este hombre hizo al frente de Led Zeppelin durante sus primeros 7 años de andadura (‘Presence’ ‘In Through The Out Door’ y ‘Coda’, pese a ser muy buenos están por debajo de sus anteriores álbumes) es algo que está inscrito en el panteón de los dioses con letras de oro. Nadie había cantando como él hasta entonces. Gritaba sobre bases blues, llegando a tonos altísimos inimaginables para el ser humano y al mismo tiempo con un sentimiento en sus modulaciones que te dejaba absorto en la escucha. La muestra perfecta de todo esto se encuentra en el mejor blues hecho por un blanco en disco alguno “Since I`ve been loving you”. Todo en esta canción es grandioso, desde la guitarra de Jimmy Page, pasando por la base formada por Jones y Bonham, hasta esa voz que se desliza entre tonos apenas audibles erupcionando en el estribillo para luego llevarte a lugares jamás explorados por el oído humano con ese grito hacia el final del tema que hace que se nos erice la piel. De todas formas, podríamos nombrar todas y cada una de las canciones de esta legendaria formación y rendirnos a la evidencia de que fueron los mejores en un estilo (Hard- Rock) en el que ellos fueron padres y maestros absolutos. Muchos incurren en el error de catalogar a Robert Plant de cantante heavy cuando en realidad sus raíces son el Blues, el Folk y el Country. Es verdad que ha influido en la manera de cantar del sector más duro de nuestra música pero eso se debe sobre todo a la fuerza en sus interpretaciones y a sus gritos más desgarradores en temas claramente de orientación más Hard Rock, como los citados al principio de este articulo. Al mismo tiempo pienso ¿Que es el Heavy sino bases de blues pesadas, duras y cantadas con desgarro y fuerza? No entraremos aquí en ese debate. Solo quisiera dejar constancia de que la voz de Robert Plant se mueve en terrenos e influencias mucho más amplios de lo que bastantes críticos lo engloban y quieren hacernos ver. Polémicas a parte, su nombre estará ligado indisolublemente a la banda madre por

excelencia Led Zeppelin y siempre será recordado por ello. Por esa razón, yo quisiera centrarme un poco en lo que ha sido hasta ahora su etapa en solitario mucho menos documentada y explorada que su trayectoria a bordo del Zeppelin. Debió ser muy duro para él desprenderse de esa sombra tan alargada que es y fue su anterior grupo y zafarse del mito y la leyenda que acarreaba ser su cantante. Encontrarse a sí mismo como artista no resultó ser muy fácil para él. Tardó dos años en sacar su primer disco en solitario después de la desaparición de Led Zeppelin, el muy válido ‘Pictures at Eleven’(1982), con “Slow Dancer” como tema estrella del álbum. Una canción que podría haber formado parte de cualquier disco de su anterior grupo, con una atmósfera tensa y unos sugestivos tonos árabes que se nos antoja como un familiar lejano de aquella gloriosa “Kashmir”, Plant (como no) nos hechiza con su voz. Decir que en este tema, el malogrado Cozy Powell está a la batería. Al año siguiente sale al mercado su segundo trabajo ‘Principle of Moments’(1983). Un trabajo ligeramente inferior al primero pero que contiene en sus surcos temas como “Big log” o “In the mood” que justifican sobradamente su escucha. El proyecto ‘The Honeydrippers’(1984) junto a Jeff Beck y Jimmy Page con versiones de los años 50 y 60 es cuanto menos curioso y es agradable escuchar la voz de nuestro hombre en registros en un principio alejados de su carrera pero que demuestra que puede desenvolverse en cualquier tesitura o estilo sin ningún problema. Su momento más bajo lo muestra ‘Shaken`N`Stirred’(1985). Un trabajo experimental preso de su época y que no ha aguantado muy bien el paso del tiempo. Olvidable. ‘Now and Zen’(1988) pese a tener todos los tics propios de los 80 (Synthes y bases programadas), esta vez sí, contiene muy buenas canciones y lo convierte en su mejor trabajo hasta la fecha. En este álbum se reconcilia con su pasado pero siempre mirando hacia el futuro. Claras muestras de esto son los temas “Heaven Knows” y sobre todo “Tall Cool One” que contiene fragmentos de famosos momentos álgidos de éxtasis Zeppeliniano. Ambas con Jimmy Page a la guitarra. De todas maneras, es “Ship of Fools” el mejor tema del disco, una balada preciosa con una interpretación de Plant que roza la perfección. Magnífico. Estrena década con ‘Manic Nirvana’(1990) otro notable trabajo mucho más rockero que su antecesor y como siempre, explorando nuevos sonidos y maneras de enfocar las canciones. “Hurting Kind (I´ve Got my eyes on you)” y “Tie dye on the highway” son las nuevas cumbres en un disco que no deja a nadie indiferente. En ambas Robert Plant vuelve a gritar como

en sus mejores tiempos y nos deja de nuevo con la boca abierta, demostrando que aún conservaba en su voz una fuerza que algunos creían cimiento y otra masterpiece en toda desaparecida. “Nirvana” es otro tema a regla. Innova con nuevas texturas, sonidos destacar dentro de un disco a reivindicar e influencias que nos lleva directamente a por lo olvidado que parece estar dentro de algún lugar lejano del cual no quisiéramos su discografía. volver jamás. Llegamos a 1993, año en el que se pu- De nuevo, todas y cada una de las 12 canblica ‘Fate the Nations’. Su obra maestra ciones que se incluyen son exquisitas perabsoluta y probablemente el mejor disco las que hay que disfrutar sin distracciones posterior a Zeppelin de cualquier miembro para poder saborearlo en su totalidad. Una de la banda en dura pugna con el disco de obra con un sonido dinámico, infeccioso y ‘Coverdale and Page’ que curiosamente fresco con las consabidas influencias hindata del mismo año. Todas las canciones dú-árabes que pueblan todos los surcos de de este esplendido álbum son pequeñas jo- este brillante trabajo. yas dignas de ser mencionadas. Plant nos ‘Raising Sand’(2007) fue la siguiente seduce, maravilla y desgarra el alma con vuelta de tuerca. Se une a Alison Krauss y unas interpretaciones propias de un maes- sorprende con una obra que se convierte tro de maestros. Con una clase y madurez en su éxito más sonado desde los tiempos en su voz que hace que como en los bue- de Led Zeppelin. Disco de ese año y con nos vinos, gane cuanto más tiempo trans- multitud de premios (6 grammys ni más curra por ella. “If I were a Carpenter” de ni menos). Su voz encaja como un guanTim Hardin, es una versión que él y Bonzo te tanto con su compañera como con los solían tocar en la Band of Joy a comienzos temas que canta en solitario en su mayoría de su carrera y que aquí la hace totalmente versiones de tintes folk-country. Para pasuya. “I Belive” escrita en honor a su hijo ladares finos, nos muestra la versatilidad fallecido, Karac, con esos ecos celtas es de una voz que se nos muestra cálida y sepreciosa. “Calling to You” es majestuosa ductora. Ya no tiene que demostrar nada. y épica. “29 Palms” con sus aires country Disfruta y nos hace disfrutar. Una delicia. y rock nos conduce hacia esas carreteras Cuando todo el mundo esperaba una gira polvorientas en medio de algún desierto reunión de Led Zeppelin o seguir con la sin explorar. Un single perfecto. “Great segunda parte de “Raising Sand” de nuevo Spirit” es otro momento álgido de un disco con Alison Krauss, deja a todo el mundo que como he dicho anteriormente, es una pasmado y se descuelga reformando su maravilla de principio a fin. Consigue al fin, ‘band of Joy’(2010) de principios de su caaunar en un mismo trabajo todas sus in- rrera, saca al mercado el disco de mismo fluencias encontrando una identidad propia título y se va de gira. Último trabajo hasta que esta vez, hace que se hable de un Ro- la fecha de Robert Plant, nos muestra que bert Plant como artista y ente independien- este hombre canta mejor que nunca en te de Led Zeppelin. Imprescindible. otro trabajo como no, notable. ‘No Quarter: Robert Plant and Jimmy Page Hoy en día Robert Plant es garantía de Unledded’(1994) y ‘Walking into clarksda- calidad y saber hacer. Eso sí, que nadie a le’(1998) es el proyecto que le une des- estas alturas espere al rockero que aullaba pués de 14 años de nuevo a Jimmy Page. en Zeppelin. Ni falta que hace. Él ya no es El primero es de un resultado esplendido capaz, como lo es Glenn Hughes, de cantar y fascinante y fue todo un éxito. Son nue- como lo hacía en los setenta. Pero como vas versiones del cancionero Zeppelin con hemos dicho anteriormente, su voz ha maarreglos de cuerda, percusiones y demás durado y ganado en matices que enriqueinstrumentos árabes junto a la base rítmi- cen cualquier canción que se le ponga por ca de una banda de rock duro en la cual delante. Elegantemente sobrio y clásico, se encontraban nuestros protagonistas no ha renunciado lo más mínimo a las cadándolo todo. racterísticas de su música más personal y En el segundo el resultado pese a no ser arriesgada. Esa música que le ha permitido un mal disco es mucho más discreto y no ser uno de los cantantes más importantes obtuvo el éxito esperado, pasando sin pena de la historia. ni gloria. Recuperable de todos modos. De vuelta a su carrera en solitario, lanza ‘Dreamland’(2002). Un muy LOS IMPRESCINDIBLES buen disco de versiones de > Led Zeppelin (todo) gente como Tim Rose, Bob Dylan, William Roberts o Tim > Pictures At Eleven Buckley, las cuales hace to- > Now And Zen das suyas y allana el terreno > Fate Of Nation para lo que vendrá después. > Mighty Rearranger Y es que ‘Mighty Rearranger’(2005) es otro rena-

Próxima entrega: Chris Cornell