Rme numero4 completo

EDICIÓN BIMESTRAL

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REVOLVER MAGAZINE SPAIN - Nº 4. PVP: 2,5€

4. BULLETIN 10. AGENDA 46. REVIEWS 49 CINE 75. VOCES DEL ROCK

GREEN DAY / TOOL 8. ON TOUR: ARCH ENEMY 12. PROFILES: AS I DIE LYING, 69 EYES, SYLOSIS, FOZZY, IGNITE, WINTERSUN, BORKNAGAR 24. PAPA ROACH 28. RULO Y LA CONTRABANDA 30. SKUNK ANANSIE 32. MAD SIN 34. STEVE HARRIS 36. THE DESCENT 42. STONE SOUR 44. LEYENDA 51. ESPECIAL FESTIVALES (PARTE II): COSTA DE FUEGO, RESURRECTION, WACKEN, LEYENDAS DEL ROCK, ROSKILDE, SUMMER BREEZE 68. EN EL BACKSTAGE CON HYBRIS

70. RANCID / TRISTANIA 72. MINISTRY / METAL FACTORY FEST 73. BLINK 182 / VESANIA METAL FEST DIRECTORES: Roberto Villandiego, Sergi Ramos, Javier Bragado REDACCIÓN Coordinación: Roberto Villandiego (rober@sufferinc.com) Colaboradores: Varo Andrés, Jose Manuel Torres, Kristina Espina, Jordi Tàrrega, Eduardo Palacios, Javier Félez, Jaume Bellini, Satur Romero, Carlos Medrano, Tesa Navarro, Javier Rojo, Gema Gómez ARTE Jefe de Fotografía: Javier Bragado Fotógrafos colaboradores: Rubén Navarro, Daniel Garrido, Tony Villén, Kristina Espina.

Diseño y maquetación: Roberto Villandiego

PUBLICIDAD: 91 304 12 24 ó 678 93 15 16 DIRECCIÓN POSTAL REDACCIÓN Hogar de Belén 5 28037 Madrid Teléfono: 91 304 12 24 redacción@sufferinc.com SUSCRIPCIONES Y CAMBIOS: redaccion@sufferinc.com IMPRIME: Gráficas Monterreina. Teléfono: 91 6213060 DISTRIBUYE: Logista S.L.. Teléfono: 91 665 76 66 Depósito Legal M-12496-2012. Agosto 2012 Impreso en España (Printed in Spain)

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BULLETIN

UNDER THE GARDEN

FALLECE TONY SLY

SU ÚLTIMA ENTREVISTA

La noticia saltó como la pólvora cuando Fat Mike de Nofx anunciaba en un twitter que TONY SLY, vocalista y líder de NO USE FOR A NAME, había muerto a la edad de 41 años. “Estamos devastados. Hemos perdido un talento increíble, un amigo y un padre” comentaba el dueño de Fat Wreck, sello que lanzó todos los discos de la banda. A modo de tributo recuperamos la última entrevista que hicimos con él. Se nos hizo doloroso pues es una banda que nos ha acompañado durante muchos años, pero queríamos recuperar una charla en donde nos encontramos a un Sly muy cansado (de hecho, se quedó casi dormido a mitad) para que fuese nuestro especial tributo. Allá donde estés descansa en paz amigo. Nos escucharemos 'Leche Con Carne' en tu honor y titularemos al artículo como tu canción favorita.

Texto: Roberto Villandiego Me apetecía mucho entrevistarle. Durante muchísimos años NO USE han sido parte de la banda sonora de mi vida y 'Leche Con Carne' uno de esos discos recurrentes. Aprovechando que venían de gira en noviembre pedí entrevista con él. Nunca había sido de conceder muchas entrevistas así que pensé que no me la iban a conceder. Me equivocaba. Llegó tardísimo acompañado por una chica que le había estado haciendo fotos en la Plaza de España. Después de disculparse me confesaba que estaba cansadísimo. "No he podido dormir nada en el autobús" me decía, mientras buscaba algo entre sus bolsas. Se había retrasado tanto que hasta su banda se había pirado sin haber hecho él la prueba de sonido. Sentados uno en frente del otro se me amontonaban las preguntas. Un mendigo que había cerca de la puerta de acceso nos servía para romper el hielo. "¿Has visto al protagonista de Hard Rock Bottom?" (el tío era igual). Primera sonrisa y vía libre para preguntar.

Cuando has estado esperando durante tanto tiempo para entrevistar a alguien, las miles de preguntas que tienes se amontonan (eso pasa por no llevar chuleta) y una voz cuasi balbuceante suelta lo primero que se le viene a la cabeza. ¿Qué recuerdas de los inicios de la banda?

“Tenía 16 ó 17 años, eran principios de los 90 y no éramos realmente una banda sino que tocábamos para montarnos fiestas. Éramos malísimos pero nos lo pasábamos realmente bien así que intentamos mejora. Me llevó unos siete años obtener algo. Es mucho tiempo pero habíamos 04

trabajado muy duro. En ellos hubo días en los que realmente pasé hambre, pero cuando has trabajado siete años intentando algo y lo logras te sientes realmente bien. Ahora mismo simplemente me siento afortunado de estar en una banda.

Hubo un momento, cuando Green Day, Offspring o Nofx triunfaron, que nosotros empezamos también a vender un montón de copias de nuestros discos porque nos abrieron muchas puertas. Aquello moló mucho y logramos muchísimas cosas, y no me refiero sólo a vender muchos discos, sino que pudimos concentrarnos más en las canciones, en ensayar más”.

En aquella época casi todas las bandas que salían querían sonar como las bandas que has citado o incluso querían ser como Bad Religion. Sin embargo, vosotros sonabais distintos.

“Porque nosotros no queríamos sonar como todas esas bandas. No queríamos hacer ese tipo de música y habría sido lamentable el intentarlo. Hay mucha música que se hizo a finales de los 90 que ni siquiera me gustaba. De hecho, en el 2000 salieron cosas malísimas. Era casi todo basura con una falta preocupante de talento. Casi todo el mundo podía tener un estudio en casa y eso también facilitó que saliesen muchas bandas haciendo lo mismo, lo cual restó atención a lo que realmente era bueno. Se convirtió en un problema porque al final lo mediocre se convirtió en algo decente, en algo bueno.

Bandas que al principio apestaban pasaron a no estar tan mal para las masas que se terminaron conformando. A mí me pone enfermo ver la accesibilidad que tienen ahora las bandas en internet. Las bandas se crean y enseguida tienen pági-

na web. Por un lado está genial tener toda esa tecnología de tu parte, pero recuerdo cuando era joven y pienso “joder, qué duro fue aquello”.

Creo que hay gente con talento y gente que no lo tiene. Estos últimos deberían pirarse. Sólo intento ser honesto y es horrible decir lo que estoy diciendo, porque tengo amigos que son muy felices con la mediocridad. Cuando me dicen que algo les parece genial les tengo que decir (se pone a susurrar) “lo siento tío pero esto no lo es. Apesta” (se ríe). Si miramos al pasado, cuando los discos importaban, escuchabas cosas que sí que molaban.

Ahí tienes a los Beatles. Pillas su caja y lo flipabas. Ahora la gente está más preocupada de tener miles de canciones en su ipod. Si volvemos a los 70 sólo había cinco bandas que molaban y estaba bien.

Ahí tenías a Led Zeppelin, Aerosmith, AC/ DC…” (hace parada larga). ¿Cuáles son los otros?

“Joder, se me han olvidado (carcajada).

Pero sólo había cinco bandas grandes. ¿Sabes a lo que me refiero? Bueno, quizás 10 ó 15 buenas bandas de Rock que no necesitan presentación porque todo el mundo las reconocía. Deep Purple estarían bien pero no eran tan buenos. La gente adora a Deep Purple pero luego no les gusta la mitad de lo que hicieron. Lo mismo pasó aquí. La gente se siente feliz con la mediocridad. Se conforman, son autoindulgentes. También tengo la misma impresión con las películas o los libros.

El otro día estuve viendo ‘Bad Teacher’ y me arrepentí. ¿Cómo se puede hacer una peli tan mierdosa? Me pongo enfermo con eso”.

Sí pero tú estás aquí y muchas de las

bandas que salieron en aquella época no pueden decir lo mismo. No siguen porque eran una mierda y no se pudieron mantener.

“Tienes razón. Cuando escribo una buena canción, como las que escribí junto a Joey (Cape, Lagwagon), y alguien te dice que deberías seguir haciendo lo mismo de siempre se te quitan las ganas. Eso me frustra a la hora de escribir un disco nuevo. Hay una canción en el repertorio, “Under The Garden”, que creo que es de las mejores canciones que haya escrito jamás, pero nadie lo sabe. La tocamos todas las noches y nadie canta la letra (se enfada). Hay algo ahí que no funciona.

Cosas como ésas hacen que no quiera hacer otro disco nuevo, porque te das cuenta de que la gente es jodidamente feliz con la mediocridad. Sólo quieren escuchar nuestro material más clásico y encima ahora son fans de As I Lay Dying y mierdas así. ¿Qué puedo hacer? Así están las cosas ahora”.

Hubo un época en la que hubo cierta gente que renegó un poco de NUFAN porque decían que había habido un viraje muy peligroso hacia el pop. Es cierto que había muchas melodías que te incitaban a pensar eso, pero la distorsión y la personalidad de la banda seguía ahí.

(Mira el repertorio) “Es que, repasando nuestro set list, sí que hay muchas canciones que tienen melodías muy pop pero porque siempre me ha gustado. Son mis influencias. Lo que pasó en aquella época es que éramos diez bandas y, de repente, había millones. Hay gente que sigue viniendo a nuestros conciertos que nos pide que no quitemos “Justified Black

Eyes” porque siguen adorando aquellos temas y no creo que dentro de 10 años alguien vaya a un concierto de As I Lay Dying y cante las canciones, porque nadie se acordará de ellas. No tengo nada en contra de esos chicos, seguro que son muy majos, y no sé por qué les estoy poniendo a ellos como ejemplo. Es sólo por poner un nombre así que cambiémoslo por Water Bucket. Estos tienen canciones muy malas y nadie se acordará de ellas dentro de 10 años. Al mismo tiempo, si miras nuestro set list de principio a fin, verás que todas están bien. Sin embargo la gente no lo ve. La gente no quiere escuchar “Under The Garden”. Se supone que todo el mundo debería cantar la última parte porque es lo que yo pensé que debería pasar cuando la creé. Sin embargo, ¡no pasa! Me jode que la mediocridad vaya ganando. La mediocridad está por encima de la música”.

También os estuve viendo en un Warped tour e incluso me hice una foto con Chris Shifflet, a quien entrevisté.

“Vaya, de eso ha pasado mucho tiempo”. ¿Puedo preguntarte qué sentiste cuando Chris dejó la banda para unirse a Foo Fighters? Supongo que por un lado te alegrarías porque era una buena oportunidad para él aunque también estaba el hecho de que dejaba la banda.

“La verdad es que fue raro. Sé que al día siguiente se le olvidó, pero recuerdo que le dije “la razón por la que has conseguido el trabajo en Foo Fighters es porque eres un guitarra jodidamente increíble y

he tenido mucha suerte de haberte tenido a mi lado””. ¿Por qué no siguió en ambas?

“Pues todo el mundo me lo pregunta y es una locura (se molesta un poco). Simplemente no quería seguir con nosotros.

Era una oportunidad para él como músico porque iba a estar en una banda que amaba, porque adoraba a Foo Fighters, y para hacer un montón de dinero. No le culpo.

Ahora tiene tres críos que podrán ir a una escuela privada y después podrán entrar en buenas universidades mientras que yo tengo dos críos que no sé a dónde los voy a mandar”. ¿Alguna vez has visto a alguna banda y has pensado que tú también merecías tener ese éxito?

“La primera vez que vi un vídeo de Simple Plan pensé “¿en serio?”. Después de un tiempo se te pasa. Está claro que han logrado una buena mezcla de Punk rock y las canciones Disney. No hay mucha diferencia. La música de Disney está concebida para entretener a la gente y que se sientan felices. Y ellos están ahí. De todas maneras, tampoco me preocupa mucho el presente o el futuro. Simplemente me centro en componer buenas canciones y buena música. De hecho, me he metido con Simple Plan pero no quiero que haya problemas porque son amigos míos. Les conozco y no está bien que yo les diga qué pueden hacer y qué no. No quiero decir mierda sobre otras bandas porque en las entrevistas es muy sencillo que se malinterprete y se manipule”.

Mientras estaba contestando a esto su respuesta se había ido ralentizando hasta que llegó un momento en el que se quedó como dormido. Duró sólo unos segundos. Cuando volvió en sí le preguntamos si quería que parásemos, a lo cual se negó, no sin antes reconocerme que tenía un dolor de cabeza que le estaba matando y que necesitaba un café. Como le veo de mejor cara continúo.

Recuerdo que hice una entrevista con Gregg Graffin de Bad Religion en el 98 y lo primero que me dijo fue que el periodista que le había entrevistado antes le había preguntado que si Offspring eran una influencia para ellos.

“Espera ¿le preguntó eso?”.

Sí. Deberías haber visto su cara.

“Deberían haberle despedido al momento”. ¿Alguna vez os ha pasado algo parecido?

“Pues la verdad es que no. Supongo que será porque es bastante obvio. Nadie nos va a preguntar si nos influenciaron Bad Religion o Nofx porque tampoco es que lo hicieran pero sí que son parte de nuestra música”.

No, no, imagínate si te pregunto si Simple Plan son una influencia para vosotros.

(Se ríe) “Es que si me preguntas eso ni siquiera te respondería” Terminemos. ¿Qué haces para, a lo largo de todos estos años, mantener la emoción de girar?

“Pues no sé si ahora es el momento más

propicio para contestarte porque llevo treinta días seguidos en la carretera con lo cual ahora mismo no tengo ganas de nada. No sé cómo lo hago. Ahora mismo sólo me apetece ir a casa con mi familia.

Aún así los shows han sido increíbles y cuando estoy aquí estoy emocionado.

Cuando me quedo en casa mucho tiempo me aburro porque no se me ocurre nada mejor que hacer que salir a tocar”.

Después de salir se disculpó por su discurso sobre la mediocridad y me ofrecí a ir con él en busca de una farmacia, algo que reusó (tampoco nos habíamos vuelto amigos de repente). Eso sí, le orienté para que encontrarse la farmacia y un starbucks. Después apareció con un vaso de la cafetería, de los grandes, y lo levantó cuando volvimos a vernos en la distancia.

Aquella última sonrisa de agradecimiento me servirá para recordar a un músico con el que, ahora todavía más, me emociono.

Hay una canción en el repertorio, “Under The Garden”, que creo que es de las mejores canciones que haya escrito jamás, pero nadie lo sabe.

La tocamos todas las noches y nadie canta la letra

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BULLETIN

NIGHTWISH

CAMBIO DE CHICA

BLIND MELON

VISITA INESPERADA El tiempo pasa rapidísimo. Si no que se lo digan a BLIND MELON que se encuentran celebrando los veinte años de la edición de su primer disco. Corría el 92 cuando una jovencísima banda de Los Ángeles, liderada con Shannon Hoon, irrumpía en escena con un álbum homónimo muy electrizante. Pronto se hicieron notar y el éxito de dicho trabajo se les fue de la mano. Tanto que terminó con la vida de Hoon, engullido por los excesos de la fama y la fortuna.

Con otra mentalidad y con Travis T. Warren a la voz, volvieron en el 2008 para deleite de una legión de fans que les echaba de menos. Hicieron su primer tour europeo, el cual les traería por primera vez a nuestro país. "Nuestra actuación en el Azkena en el 2008 fue la primera vez que tocábamos en España y no teníamos muy claro que la gente supiera quiénes éramos. Ahora estamos emocionadísimos de que haya salido un tour por España" nos comentaba al otro lado del teléfono Christopher Thorn (guitarra). Le llamamos expresamente para que nos contase más cosas de la gira que les traerá por nuestro país en breve. Queríamos saber, primero, lo que sintieron la primera vez que se reunieron.

“Fue un poco amargo. Echamos muchísimo de menos a Shannon, pero por otro lado nos sentimos bien. Fue como una especie de terapia el poder tocar todas aquellas canciones para la gente y que las pudiera escucharlas todo el mundo".

Puede ser que no hayan venido antes porque la vuelta no ha sido de color de rosas.

Nada más acabar la gira se anunció la salida de Travis aunque, según nos aclara Chris, fue algo puntual. “Eso fue porque tuvimos algunos problemas y durante una temporada estuvo separado de la banda. Ahora estamos todos juntos de nuevo. Ahora vuelve a ser nuestro cantante y está haciendo un trabajo excepcional. No creo que nadie más hubiese podido hacer lo que él hizo. Es tremendamente difícil cantar las canciones que cantaba Shannon y Travis hizo un gran trabajo. Fuimos muy afortunados cuando le encontramos".

Lo hicieron para la grabación de 'For My 06

Friends', álbum editado en el 2008 y su última referencia activa hasta el momento. De hecho, según nos aclara Chris, aún no tienen muy claro si habrá más.

“No lo sé. Ahora mismo el único plan que tenemos es salir a hacer algunos conciertos. Vamos a ir a gatas. Vamos a centrarnos en tocar en directo para celebrar que hace 20 años que salió nuestro primer disco y queremos hacerlo con nuestro público”.

Del disco que habla es 'Blind Melon', catalogado como uno de los mejores debut de la historia. Rock con mayúsculas con un Hoon en estado de gracia lo posicionaron en todos los charts y les llevó a hacer giras con los más grandes. Sin embargo, el álbum no centrá el repertorio. “No lo tocaremos entero" - contesta Chris. "Haremos una mezcla de todos los discos aunque sí que haremos más temas de nuestro primer álbum. Será el más destacado. De todas maneras, nunca sabemos lo que vamos a tocar hasta 5 minutos antes de saltar al escenario. Lo decidimos siempre en el último segundo. Va a ser una combinación de distinto material para celebrar que hace 20 años hicimos un disco que funcionó muy bien, para celebrar los otros discos, la vida de Shannon y para celebrar que podemos compartir nuestra música con la gente en España por primera vez".

De hecho podemos sentirnos afortunados porque el resto de Europa se queda sin verles. De hecho, Chris se parte cuando le comento que somos los elegidos para acto seguido elogiar nuestro país.“Cuando tocamos allí nos enamoramos. Nunca tuvimos la oportunidad con Shannon así que la primera vez que tocamos fue en el festival en Vitoria.

Tuvimos algunos días libres así que alquilamos un coche y enseguida nos enamoramos del país. Nos quedamos prendados con la cultura, con la gente, la arquitectura, la comida, etc. Con todo. Ahora también iremos a Barcelona y todo el mundo aquí nos ha dicho lo preciosa que es la ciudad así que estamos ansiosos por tocar allí”.

Podéis consultar las fechas de la gira en nuestra agenda.

Justo cuando arrancaba la gira de su esperadísimo nuevo trabajo, 'Imaginaerum', se hacía pública la noticia de que Anette Olzon abandonaba la formación. Su lugar lo iba a ocupar Floor Jansen, hasta ese momento vocalista de After Forever.

Según un comunicado aparecido a través de facebook, la ruptura con Olzon habría sido de mutuo, después de no haber llegado a un entendimiento sobre la dirección que debía seguir la banda.

La incorporación de Jansen fue tan inmediata que apenas tuvo tiempo de pensárselo.

Al parecer recibió una llamada de un representante de la banda preguntándole si podía incorporarse inmediatamente, y la vocalista alemana ni se lo pensé. Cogió el primer avión hacia EE. UU. en donde la banda estaba empezando la gira de presentación de su nuevo álbum, dando su primer concierto en Salt Lake City.

Cuando la noticia de la salida de Olzon salió a la luz, fue Tarja (antigua vocalista de la banda) quien de repente se encontró con todas las miradas encima por si se diese el caso de que hubiese habido reconciliación. Nada más lejos de la realidad. Tarja, a través de las redes sociales, no sólo negaba cualquier posible vuelta sino que además se regodeaba comentando que la noticia no le extrañaba y que mucho había durando.

Actualmente la banda, con Floor totalmente integrada, están girando por USA para después pasar por UK y, más adelante, viajar a sudamérica.

BONAFIDE

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Vuelven a visitarnos los suecos BONAFIDE. Esta vez lo hace para presentarnos su último trabajo 'Ultimate Rebel'. Los amantes del Hard Rock está de enhorabuena porque son muchas las ciudades que van a pisar en este nuevo periplo por nuestro país.

Aquí van las fechas y ciudades por donde pasarán: Octubre 24 Bilbao (Sala Santana 27) 25 Galicia (Sala Mardigrass) 26 Salamanca (Sala Camelot) 27 Madrid (Ritmo y Compás) 28 Alcalá de Henares, Madrid (Sala Hey Ho! Club de Rock) 30 Monzón- Huesca (Serjos Zona Rock) Noviembre 1 Granada (Sala Boggaclub) 2 Jerez SERIE Z FESTIVAL 3 Badajoz (Sala Metalarium) 6 Orihuela (Sala La Gramola) 7 Valencia (Sala Agora Live) 8 Castellón (Sala Japan Rock) 9 Zaragoza (Arena Rock) 10 Barcelona (Rocksound) Cabe destacar que la banda no estará sola. En Salamanca estarán acompañados por PL GIRLS, ROCKET y ROMEO. Estos dos también estarán en MADRID. AMALGAMA hará Castellón, Valencia y Orihuela y JOLLY JOKER también participarán en el de Valencia.

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ON TOUR

AQUÍ LLEGA EL CAOS Hablamos CON MICHAEL AMOTT de ARCH ENEMY La última vez que estuvisteis por aquí fue en el Festival Sonisphere, hace dos años. ¿Qué diferencias se va a encontrar la gente que vaya al show?

“Aquel concierto en Sonisphere fue une experiencia increíble, la verdad. No sabíamos qué tipo de reacción íbamos a obtener por parte del público porque es un festival un poco más “mainstream” y nosotros éramos la banda más extrema del cartel, o por lo menos la más brutal del día. Pero la respuesta de la gente fue muy buena, muy fuerte e inspiradora. Recuerdo que tocaba Slash después nuestra y que puso en twitter que había disfrutado mucho con nuestro show. Eso moló mucho. Los shows que tenemos en Octubre van a ser obviamente mucho más intensos e íntimos. Si comparamos los festivales con los conciertos en sala, yo disfruto mucho en ambas situaciones. En verano los festivales es a donde hay que ir. Es una atmósfera distintas comparado a cuando tocamos en salas. Éstos son una gran vía para conectar con fans nuevos que están mezclados con la audiencia y que quizás nunca han venido a vernos. En nuestros conciertos como cabezas de cartel se crea una conexión mucho más profunda entre la banda y los fans y todo el mundo se va sudando y calentito, lo cual mola mucho”.

Desde que salió ‘Khaos Legions’ habéis estado de gira por todo el mundo Habéis tocado en Asia, Europa, USA, Suramérica. ¿Dónde os tratan mejor? Sé que en Japón funcionáis muy bien pero ¿qué hay con los otros países?

“Creo que cada uno tiene sus propias preferencias, así que como banda no tenemos un sitio favorito. Lo que sí nos sentimos es muy afortunados de que con ARCH ENEMY hayamos sido capaces de construir una base sólida de fans alrededor del mundo durante los últimos 10 años y que eso nos haya llevado a girar por todo el mundo con éxito. Además, estamos haciendo muchos esfuerzos para ir a países y ciudades nuevas donde sabemos que también hay gente esperándonos”.

En Enero Christopher dejó la banda de nuevo. Inmediatamente llamaste a Nick Cordle (Arsis) para que le sustituyera. Su banda había hecho gira con vosotros pero ¿cómo fue trabajar juntos?

“Pues no le costó nada asimilar cómo se hacían las cosas en ARch Enemy. No sólo tenía que aprenderse todas las partes de guitarra de un montón de canciones sino que además tenía que ir conociendo a la banda en un plano más personal, y eso no le costó nada. Estamos impresionados con él, y esperamos poder trabajar en nuevas canciones y un nuevo álbum juntos”.

Si no me equivoco debutó en Abril, mientras estabais de gira por Japón. ¿Cómo fue aquel primer concierto?

“Pues sí, su primer show con nosotros fue en el séptimo show de la gira por Japón. Fue una de esas situaciones en las que obviamente hay mucha presión y los niveles de adrenalina estaban disparados en el camerino antes de ese primer show con él. Pero Nick nos dejó boquiabiertos porque respondió a la perfección así que todos respiramos aliviados. Lo bueno es que los fans le han acogido en sus brazos y también están disfrutando de esta nueva encarnación de Arch Enemy y eso nos da muchísima confianza. Ahora mismo tenemos la sensación de que Nick lleva con nosotros desde siempre”.

En esta gira estáis tocando canciones nuevas como “Bloodstained Cross”, “Yesterday Is Dead and Gone” o “No Gods, No Masters” pero vuestros clásicos siguen siendo la columna vertebral de vuestro 08

repertorio. ¿Es difícil, después de todos estos años, elegir las canciones para que todo el mundo se vaya contento después de asistir a un show vuestro?

“Sí, llevas razón, que se está volviendo cada vez más difícil tener a todo el mundo contento. Normalmente solemos tocar bastante material nuevo en los conciertos también para ver cómo reacciona la gente y parece que disfrutan bastante. Nos gusta tirar de los temas más antiguos e incluso de rarezas porque eso da más dinamismo al show y eso te hace sentir bien. Esta vez el repertorio será distinto, algo que hace que nosotros también disfrutemos y sintamos que mezclamos de todo un poco. También llevamos más cosas en la producción para que la gente disfrute tanto de los temas como del aspecto visual del show”.

En esta parte del tour estarán con vosotros VOIVOD y TITANS EVE. ¿Les invitasteis vosotros? ¿Queríais que se uniesen al tour? Para mí, Voivod son una de las bandas más subestimadas del panorama y creo que esta gira será una buena oportunidad para ellos de ser un poco más conocidos y por eso te lo pregunto.

“Y estoy contigo. Nuestra mánager, Angela Gossow, es la que pilla a las bandas que se van a venir de gira con nosotros y siempre intentamos que las bandas que vienen con nosotros sean capaces de ofrecer un gran show lleno de fuerza.

Eso nos hace a nosotros trabajar más duro y al final es la gente la que gana. Yo personalmente crecí escuchando a los primeros discos de Voivod y me emocionó mucho cuando surgió la posibilidad de que se uniesen a nosotros en esos shows. Lo mismo hasta m e llevo mis viejos vinilos para que me los firmen” (risas).

Aquí van las fechas de Arch Enemy para que nadie se pierda los shows: 23 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem 25 Octubre – Santiago de Compostela – Capitol 26 Octubre – Madrid – La Riviera 27 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2

Foto: Javier Bragado

sobre su inminente visIta

ANGELA GOSSOW: SU OTRA CARA

No es por muchos conocida esta faceta de la cantante de ARCH ENEMY. Es ella la que se encarga de todo el management del grupo.

Mientras hablábamos con Michael la oímos por detrás así que le preguntamos al guitarra si nos dejaba hacerle unas preguntas sobre esa otra cara que muy poca gente conoce. Rompemos el hielo preguntándole por cómo se las ingenia para sacar tiempo. Ser mánager es un trabajo a tiempo completo. Parece que la alemana no tiene problemas a la hora de lidiar con las dos cosas. “Es cierto que no es fácil y casi nunca tengo algo de tiempo libre, pero es bonito el poder ser nuestros propios dueños. Queremos tener bajo control cada aspecto que concierne a la banda, y no sólo la música. Sí que es mucho trabajo pero también obtienes muchas recompensas”.

También es conocido lo ingrato del puesto. Ella está en una posición peliagua. Por un lado es manager y por el otro integrante de la banda así que puede ser que les lleguen sugerencias de gente "despreciable" pero que pueden ser provechosas para ARCH ENEMY. Al parecer ella ha tenido suerte y no se ha visto en muchas situaciones de esas. “No he tenido demasiadas malas experiencias. La mayoría de gente de este negocio es muy apasionada y todos compartimos ese amor por la música Underground. Siempre intento mantenerme amigable y profesional en todos los acuerdos profesionales”.

El móvil suena insistentemente detrás de su voz. Nos hemos entrometido en su día a día pero sentíamos curiosidad. También queríamos saber qué queda de aquella primeriza y sonriente Gossow que hace más de diez años que se metió ya en esto. "Los últimos diez años han pasado jodidamente rápidos. Sigo buscando nuevos retos y me sigue entusiasmando el futuro de Arch Enemy con lo cual eso no ha cambiado. Sigo siendo como cuando entré pero ahora mismo ya no soy nada ingenua” (risas).

THE SPECIAL GUEST MIEDOS, EGOS Y OTRAS VIRTUDES…

EL VARO-METRO

de Los Angeles y al mismo tiempo ver como Metallica desalojan los camerinos de todos los grupos, incluidos Motorhead, ya que, no puede haber nadie a cien metros cuando suben o bajan al escenario.

Ego es estar en los camerinos con Slipknot y POD y amablemente ver como nos dan una tarjeta que explica que, a partir de una hora en concreto, Rammstein no quiere ver a ningún grupo por la zona, porque van a llenar todo de groupies. Ahora entiendo la ira en el concierto de Slipknot!

Es un arma de doble filo, todos hemos tenido nuestro momento de ego, en el que te crees el puto centro el mundo, pero, por lo menos en mi caso, siempre tuve cerca a alguien que muy acertadamente me puso rápidamente en mi sitio.

Esta profesión es a veces amarga. Algunos pensareis (con toda la razón) que quién soy yo para quejarme, pero, en algún lado tendré que hacerlo ¿no? Cientos de miles de kilómetros, pocas horas de sueño, desarreglos en la alimentación, alcohol, drogas, violencia, enfermedades, frío, calor…t odo esto y muchas cosas más conviven contigo cada gira y en tu mano está portarte bien. Todo va en relación al miedo y a como lo has canalizado en tu vida, y también el ego y como lo has vivido en ti y en los demás.

En mi caso, doy gracias todos los días por poder dedicarme a esto, por poder sacar adelante a mi familia desde hace muchos años, y lucharé para poder hacerlo durante muchos más.

Jamás soñé con tener tantas guitarras y equipos, tener marcas que te dan cosas, y lo mejor, devolverlas porque no las vas a usar nunca. Somos unos afortunados. Hay algunos que no se dan cuenta y algunos que, aún sabiéndolo, no quieren cambiar.

Con los tiempos que corren, y los que vienen, no podemos parar ante nuestros miedos y mucho menos, ser esclavos de nuestros egos. Hay que mirar hacia delante, inventarse, reintentarse y volverlo a hacer. Grupos como Black Sabbath nacieron de los barrios más pobres, en la más absoluta miseria, y creo que bajo esas circunstancias nace uno de los géneros musicales más alucinantes de la historia. Cosas como ésta son las que en momentos duros te hacen tirar para arriba. Hace poco leí una entrevista a Marty Friedman, quien está en Japón haciendo lo mejor que sabe hacer: tocar la guitarra. Decía que para estar

Foto: Javier Bragado

"Nunca llegarás a ser como esos que ves en los vídeos o los que oyes en esos discos de ruido que pones". Tengo, a veces, esa frase clavada en mi cabeza. Sé que en el fondo querían lo mejor para mí, pero es increíble cuando ves claro lo que quieres ser en la vida y no pones fin en tu empeño.

La palabra miedo es curiosa. Según vas creciendo el miedo va cambiando de rol, pasa a ser de un absurdo temor a ser atacado por un fantasma en tu cama, a salir delante de ochenta mil personas y rezar para que tu guitarra esté afinada y suene en la primera canción. Curiosa evolución del miedo, ya que, es gracias a éste, lo que te hace ser más fuerte y aprendes a sobrevivir a situaciones que el resto de la gente desconoce.

Recuerdo con cierta nostalgia la situación de estar viendo a Slipknot en el lateral del escenario y ver como se pegaban a brazo partido por detrás varios de sus miembros, ver tirar cientos de baquetas amontonadas al suelo para que cuando alguno les persiguiese, se resbalase. Se siente absoluto terror cuando tienes a escasos cinco centímetros a Chris Fehn y sus dieciséis centímetros de nariz justo delante de la tuya haciendo gestos obscenos con ella, cuando un minuto antes había noqueado a Shawn de un puñetazo. Y también me viene a la memoria el rodaje del vídeo de "La Nube" en Berlín, en la azotea de un edificio sin ninguna seguridad, empezar a llover y poder ver la vida pasar en un segundo en dos ocasiones.

Creo que estas cosas, y muchas más, hacen que tu autoestima o ego vaya llenando el vaso. Pero no sólo el miedo. Hay miles de situaciones que te hacen sentir como una auténtica estrella tocada por la mano de Dios. En mi caso, se puede resumir en frases muy cortas y aleatorias, ya que seguro que me dejo mucho, pero: Tocar en el mismo escenario con Deftones, Metallica, Rammstein, Motorhead, Slayer, Faith no more, Alice in Chains, Iron Maiden, Mastodon, System of a down, POD, etc. No te suben el ego, en mi caso puedes comprobar como son las bandas con las que has crecido y con las que soñaste tocar alguna vez, y poder descubrir que en algunos casos el ego se comporta de diversas maneras.

Puedes estar hablando tranquilamente con el guitarra de Motorhead, y contarle entre risas que le quitaste a Lemmy el récord en una máquina de marcianos en el Rainbow

Por

ANTONIO BERNARDINI Sôber

ahí tuvo que tomar la dura decisión de dejar Megadeth en plena gira, quedarse en Japón y empezar casi de cero.

A día de hoy, es una mega estrella allí, con su propio programa de televisión sobre guitarras, y una banda girando por el mundo. Lo mejor de esa entrevista viene cuando dice que los días que se levantaba perezoso o cansado, piensa en su gran amigo Jason Becker, que en su día fue un gran guitarrista con el futuro más prometedor de su generación, pero que, de un año para otro, una terrible enfermedad le tiene postrado en una silla de ruedas. Hoy sólo puede mover los ojos.

Para los que no lo sepáis, Jason, sigue componiendo discos, todo en su cabeza, transmitido a un ordenador diseñado por su padre y todo tocado por músicos amigos.

Cosas como esa son las que al sr. Friedman le ponen las pilas.

Seguro que todos tenemos nuestro particular Jason, y hace que lo que hoy es un problema, miedo o un ataque de ego, nos haga ver las cosas como son y nos pongan los pies en el suelo.

Al pensar en la frase con la que empiezo, veo, que venciendo el miedo y superando al ego, lograrás hacer realidad tus sueños…

Por VARO

ANDRÉS

Es muy común (de nuevo, en casi cualquier ámbito) el uso de una frase que termina grupo thrash como Testament y otro moderno como Lamb of God; uno grunge como retratándose por sí misma: “es una mierda”. ¿Es esa la única conclusión a la que pode- Alice in Chains y otro como Deftones; Iron Maiden y Pantera? Y eso por no decir U2, mos llegar a la hora de escuchar un disco de X grupo? Es posible, y muchas veces va Muse, Depeche Mode y un sinfín de música que aun habiendo llegado a grandes masas, con el gusto de cada persona: no tiene por qué ser una mierda, pero es fácil traspasar tiene cabida dentro de los gustos de muchos a los que nos gusta el metal. No están rela línea del “no me gusta” con esa otra, más impersonal y sin respeto alguno. El asunto ñidas las cosas comerciales con otras que no llegan a millones de personas y se quedan es que de una u otra manera, lo mejor en ambos casos es pasar página. Pero no, hay en miles. Que parece que en cuanto un grupo llega a la cima se tenga que renegar de gente que se ceba y se ensaña, y prefiere sacar punta con algo antes de centrarse en lo él. ¿Acaso no todos buscan eso, el reconocimiento mundial y poder vivir de lo que les que realmente le gusta. Y lo que es peor, se cae gusta? Unos llegan, y otros no.

Foto: Sergi Ramos en las comparaciones para ensalzar esas bandas Mucha gente debería aprender a respetar, y a inque uno adora… para dejar por los suelos a otras. teresarse por los gustos de sus ídolos a los que ¿Es realmente necesario? tanto veneran. Y a saber apreciar que en sus comYo siempre tiendo a la simplificación: si algo no posiciones también están presentes influencias me gusta, intento borrarlo pronto de mi cabeza. que van más allá de su propio estilo, y son las ¡Será por grupos y discos buenos que escuchar, que realmente enriquecen muchas canciones. Ahí tanto de ayer como de hoy! ¿Para qué perder el viene la evolución de muchos de ellos, más/metiempo? Por eso pienso que dentro de la cantidad nos respetable. Pero hacer veinte o treinta años de estilos y etiquetas en el mundo del rock y el lo mismo a algunos les sigue llenando; a otros les metal (muchas de ellas absurdas, otras innecesaaburre. Seguro que muchos se quedan a cuadros rias), hay mucha falta de respeto entre seguidores cuando se enteran que a sus músicos favoritos a los que le gusta una u otra cosa. Y vuelvo a la les gustan ciertos grupos que no tienen absolutafrase de más arriba, “y lo que es peor”, parece mente nada que ver con el estilo que practican… que a quién le guste una cosa no le pueda agradar y viceversa. Que en lo que muchos llaman el lado la otra, y al revés. Eso por no hablar de la com- Varo entre Robb Flynn y Phil Demmel de Machine Head en los cameoscuro de la música hay gente que le encantan patibilidad con otros estilos, digamos, más light o rinos de Sonisphere. Trío de titanes. muchas bandas que, sin ir más lejos, aparecen en comerciales. ¿Es uno menos auténtico por el hecho de que te pueda gustar por igual un esta revista. Y parece que tengan menos derecho que otros a tener ese gusto.

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AGENDA

TRIVIUM Tres son las fechas que harán Matt Defy y los suyos por nuestro país junto a CALIBAN y UPON A BURNING BODY. Lástima que a última hora se hayan caído del cartel AS I DIE LYING porque habría terminado de rematar la velada.

Vienen presentando ‘In Waves’, un álbum en donde han perdido en cuanto a velocidad, sacrificándola por la solidez. Una gira que no te puedes perder de ninguna manera.

Te recomendamos tampoco te pierdas a: BONAFIDE, TASTERS, SKUNK ANANSIE y SEETHER

ANATHEMA 17 Octubre – Barcelona – Sala Apolo 18 Octubre – Madrid – Joy Eslava 21 Octubre – Sevilla – Sala Custom 22 Octubre – Murcia – Sala Gamma 24 Octubre - Barakaldo - Rockstar Live ANGELUS APATRIDA 12 Octubre – CAdiz – Supersonic 13 Octubre – Granada – Sala El Tren 20 Octubre – Murcia – Sala Estéreo 26 Octubre – Bilbao – Kafe Antzokia 27 Octubre – Madrid – Rock Kitchen 03 Noviembre - Tarragona - Sala Reus Concerts 16 Noviembre - Donosti - Sala Akua 17 Noviembre - Zamora - Sala La nube 22 Diciembre - Barcelona - Sala Music Hall ARCH ENEMY 23 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem 25 Octubre – Santiago de Compostela – Capitol 26 Octubre – Madrid – La Riviera 27 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 BLIND MELON 7 Noviembre – Barcelona – Sala Apolo) 9 Noviembre – Santiago de Compostela (Capitol) 10 noviembre – Bilbao (Sala BBK) 11 noviembre – Madrid (Joy Eslava) BONAFIDE 24 Octubre - Bilbao - Santan 27 25 Octubre - A Coruña - Mardi Gras 26 Octubre - Salamanca - Camelot 27 Octubre - Madrid - Ritmo y Compas 28 Octubre - Alcala de Henares - Ego Live 30 Octubre - Monzon - Serjos Zona Rock 1 Noviembre - Granada - Booga Club 2 Noviembre - Jerez de la Frontera - serie Z Festival 3 Noviembre - Badajoz - Metalarium 6 Noviembre - Orihuela - La Gramola 7 Noviembre - Valencia - Agora Live 8 Noviembre - Villareal - Japan Rock Club 9 Noviembre - Zaragoza - Arena Rock 10 Noviembre - Barcelona - Rocksound CRADLE OF FILTH 30 Noviembre - Bilbao - Santana 27 1 Diciembre - Santiago de Compostela - Capitol 2 Diciembre - Arroyo de la Encomienda (Valladolid) Plaza de Toros 4 Diciembre - Madrid - La Riviera 5 Diciembre - Barcelona - Salamandra DEVIN TOWNSEND PROJECT + FEAR FACTORY 17 Noviembre- Durango - Plateruena 10

20 Noviembre - Sevilla - Fanatic 22 Noviembre - Madrid - Penelope 23 Noviembre - Almassera (Valencia) - Rock City DARK TRANQUILITY + GOD FORBID + WARBRINGER 6 Diciembre – Barakaldo – Rockstar 7 Diciembre – Santiago - Capitol 8 Diciembre – Madrid – Arena 9 Diciembre – Barcelona - Salamandra DORO 23 Noviembre – Villava-Atarrabia – Totem 24 Noviembre – Madrid – Arena 25 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2 DRAGONFORCE 15 Noviembre – Barcelona – Salamandra 1 16 Noviembre – Madrid – Sala Arena 18 Noviembre – Bilbao – Rock Star live EVERY TIME I DIE 13 Noviembre - Bilbao - Bilborock 14 Noviembre - Barcelona - Apolo 2 15 Noviembre - Madrid - Ritmo y Compas FATAL SMILE + HELL’s FIRE 29 Noviembre - Madrid 30 Noviembre - Bilbao 1 Diciembre - Barcelona GAUNTLET 20 Octubre – Valencia – Agora Live 26 Octubre – Badajoz – Metalarium 27 Octubre – Jaén – Admiral’s Arms 10 Noviembre – Gran Canaria – Sala Duke 16 Noviembre - Bergara - Beragariko Gaztexea 17 Noviembre – Donosti – Guardetxe 23 Noviembre - Murcia – Sala Rojas 24 Noviembre – Cartagena – Templo del Rock 30 Noviembre - Tarragona - Sala Z 1 Diciembre – Sabadell - La Sala 18 Enero – Logroño – Biri Bai 19 Enero – Santander – Black Bird 25 Enero – Castellón – Japan 26 Enero – Albacete – Balboa 2 Febrero – Madrid – Caracol 7 Febrero – Granada – Planta Baja 8 Febrero – Málaga – Eventual Music 9 Febrero – Sevilla – Sevilla Rock 16 Febrero - Guadalajara - Sala Bumerang 23 Febrero - Burgos - Sala La Parrala KATATONIA 24 Noviembre - Barcelona - Salamandra 25 Noviembre - Madrid - Arena LUCA TURILLI´S RHAPSODY 14 Noviembre - Bilbao - Santana 27

15 Noviembre - Madrid - Caracol 16 Noviembre - Barcelona - Bikini MARTY FRIEDMAN 17 Octubre - Bilbao - Kafe Antzokia 20 Octubre - Madrid - Ramdall 21 Octubre - Barcelona - Salamandra MESHUGGAH + DECAPITATED 25 Noviembre - Durango - Plateruena 29 Noviembre - Madrid - Penelope 30 Noviembre - Barcelona - Salamandra MUSE 20 Octubre - Madrid - Palacio de Los Deportes KAMELOT 9 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 10 Noviembre – Madrid – Arena 11 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz KREATOR + MORBID ANGEL 8 Noviembre - Madrid - Penelope 9 Noviembre - Pontevedra - Chanteclair 10 Noviembre - Durango - Plateruena 11 Noviembre - Barcelona - Salamandra SARATOGA 18 Octubre - Vitoria - Jimmy Jazz 19 Octubre - Madrid - Joy Eslava 25 Octubre - Sevilla - Estadio Olímpico La Cartuja (festival Unilandia) SEETHER 23 Noviembre - Bilbao - Kafe Antzkoia 27 Noviembre - Madrid - Arena SKUNK ANANSIE 8 Noviembre - Madrid - Riviera 9 Noviembre - Barcelona - Razzmatazz SÔBER 20 Octubre - Valencia - Sala Loco Club 10 Noviembre - Pilar de Horadada (Alicante) 16 Noviembre - Sevilla - Sala Fanatic 17 Noviembre - Badajoz - Sala Mercantil 23 Noviembre - Pamplona - Sala Movie 24 Noviembre - Salamanca - Sala Camelot SONATA ARCTICA 16 Noviembre – Madrid – La Riviera 17 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz STEVE VAI 10 Diciembre - Santiago de Compostela - Capitol 14 Diciembre - Barcelona - Razzmatazz 15 Diciembre - Bilbao - Santana 27 16 Diciembre - Madrid - La Riviera 17 Diciembre - Murcia - Auditorio Victor Villegas TASTERS 23 Octubre – Bilbao – Santana 27 24 Octubre – Gijón – Sala Acapulco 25 Octubre – Madrid – Ritmo y Compás 26 Octubre – Zaragoza – Arena Rock 27 Octubre – Granollers – Sala 2046 THERAPHY? 16 Noviembre - Madrid - Caracol 17 Noviembre - Barcelona - Apolo 2 THE HIVES 1 Diciembre - Madrid - La Riviera 2 Diciembre - Razzmatazz 1 - Barcelona THE RASMUS 21 Noviembre – Barakaldo (Bizkaia) – Rockstar Live 22 Noviembre – Madrid – Sala Caracol 23 Noviembre – L’Hospitalet – Sala Salamandra TRIVIUM + CALIBAN + UPON A BURNING BODY 16 Noviembre - Barcelona - Apolo 17 Noviembre - Barakaldo - Rockstar Live 18 Noviembre - Madrid - La RIviera UZZHUAÏA 31 Octubre - Valencia - Rock City WASP 7 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 8 Noviembre – Santiago de Compostela – Capitol 9 Noviembre – Madrid – La Riviera 12 Noviembre – Cartagena – La Matriz Creativa 13 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2

PROFILES

AS I DIE LYING

SUPERANDO LÍMITES

Formados hace doce años ya, la carrera de AS I DIE LYING ha ido siempre en ascenso y seguirá yendo. No habría sido así de no haber mutado ligeramente en 'Awakened', un disco más reflexionado, más denso y todavía más meditado. Descolgamos el teléfono para hablar con JOSH GILBERT (bajo y voz) justo cuando se acababa de anunciar que vendría con TRIVIUM de gira. Ese plan se cayó al final así que parece que nuestro país se les seguirá resistiendo.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO Bueno, vais de gira con Trivium y os veremos por aquí en España (ndr. La banda aparecía en un cartel genérico de gira en la que se incluían las fechas.

Posteriormente se cayeron del cartel).

“Sí, por fin”.

Lo que no he entendido es que ellos vayan como cabezas de cartel porque estáis al mismo nivel. ¿Seréis co-cabezas de cartel o vais como “artistas invitados”?

“Pues creo que algunos de los días compartiremos protagonismo como cabezas de cartel, pero me da a mí que Trivium van a cerrar bastantes conciertos. Sí que es cierto que tenemos la misma importancia en algunos sitios, pero hay sitios en los que nunca hemos estado, como España, y Trivium allí sí que están más consolidados”.

Pues yo creo aquí tenéis una buena legión de fans.

(Risas) “Oh, ¿en serio? No tenemos ni idea porque, desafortunadamente, siempre hemos tenido que cancelar todos los shows que, supuestamente, íbamos a hacer allí”. ¿Por los promotores?

“No, ha sido más por cosas familiares.

Tim tiene adoptados varios niños y, siempre que hemos planificado algún show en España ha tenido que ir a recoger a los niños. Ha adoptado tres niños etíopes y eso le ha hecho no estar disponible siempre”.

Bueno pues que se traiga a los críos esta vez. Aquí tenemos muchos sitios para que estén entretenidos (risas).

“Sí, lo mismo se vienen con nosotros a España (más risas). He estado en Barcelona de vacaciones alguna vez y adoro esa ciudad. Ya les he dicho a los de la banda que tienen que visitarla en cuanto puedan”.

No sé si tendréis tiempo cuando vengáis de gira. Venís cuatro bandas juntas y pinta a que será una locura.

(Risas) “Irá todo bien. Conocemos a las otras bandas, tanto a Caliban como a Upon A Burning Body, y va a ser muy divertido”.

Metámonos en ‘Awakened’. En esta ocasión habéis trabajado con Bill Stevenson como productor. ¿Crees que ha supuesto un gran cambio en el sonido de la banda?

“Creo que sí. Tengo la sensación de que él ha refinado nuestro sonido. Hemos madurado y progresado mucho como músicos, especialmente en el estudio, por trabajar con alguien como Bill, que ha currado con Rise Against o NoFx y que tiene un background distinto que el nuestro. Es agradable trabajar con alguien que no esté siempre trabajando en discos de 12

Metal. Eso te da una perspectiva mucho más fresca y, en un momento dado, te puede guiar para lograr que tu sonido se haga más grande”.

En ‘Decas’ hicisteis una versión de Descendents así que supongo que seréis fans. ¿Cómo fue currar con él en ese sentido?

“Fue alucinante. Si no le conoces de antes intimida un poco porque tiene muchísima energía, es un tipo muy corpulento y muy irónico. Es un tío muy inteligente y fue genial tenerle ahí. Adam D. es muy parecido; es muy divertido currar con él, es muy listo y trabaja muy duro en el estudio. Con Bill era igual sólo que con una diferencia; que no se cortaba a la hora de decirte las cosas. Un día estábamos trabajando en un tema y nos decía “tíos, no me estáis entreteniendo. Me aburro. Necesito que hagáis algo que me apasione cuando escuche la canción”. Lejos de lo que pueda parecer, te ayuda mucho a comerte la cabeza cuando alguien te dice que se aburre así que se involucró para que las canciones te mantuviesen atento”. ¿Tuvisteis que cambiar muchas cosas con respecto a lo que ya tenéis hecho?

“Algunas. Antes de entrar al estudio lo llevamos todo muy preparado, grabándonos un montón de maquetas. Nos grabamos todo nosotros para ir escuchando los temas y haciendo cambios. Después, junto al productor, comenzamos a trabajar desde ese punto. Llevamos los temas y comenzamos a trabajar por partes. Hay veces que vamos haciendo recortes aquí o allá, otras cambiamos el ritmo del tema.

El tener a ese miembro extra, que fue en lo que se convirtió Bill, terminó de pulir los temas. No cambiamos mucho de lo que ya teníamos hecho, pero, efectivamente, tener a Bill ahí hizo que todo quedase mucho mejor.

Me gusta mucho cómo habéis trabajado con él las melodías. Para mí este disco tiene muchas más melodías de las que habíais hecho hasta ahora. No sé si estás de acuerdo conmigo.

“Es difícil contestar porque, efectivamente, tiene un montón de melodías, pero también un montón de riffs potentes. Lo que hemos intentado hacer es que hubiese de todo; por un lado tienes una parte pesada, conducida por buenos riffs, pero después tiene melodías. Hemos intentado meter de todo para darle mucho dinamismo a cada tema”.

Quizás tenga esa sensación porque en el álbum hay muchas más voces limpias.

“Eso es verdad. Sí que hay muchas más canciones en las que hay voces dobladas, con Tim y Josh (bajo y coros) cantando

juntos o Josh cantando solo en según qué partes. Siéndote sincero, normalmente intentamos que los temas no tengan muchas partes en las que predomine la voz limpia, pero es algo que pasa de forma natural porque nos lo pide la canción. Una vez que hemos hecho el tema todos juntos, Tim y Josh se ponen a trabajar en las voces y su aportación ayuda a que ciertas partes tengan un mayor

impacto, que sean más reconocibles, y ahí es donde entran en juego las voces limpias”.

También he visto lo que habéis madurado en ‘Awakened’. No me malinterpretes, seguís siendo jóvenes, pero parecéis mayores en este nuevo disco.

(Risas) “Yo también lo creo. Lo que ha pasado es que hemos llegado a un punto en el que tenemos ya seis discos y ne-

cesitábamos, aunque haya salido muy fluido, centrarnos en llevar a la banda un punto más allá. Todos nos centramos en avanzar, en llevarnos al extremo, esforzándonos en hacer el disco que al final ha salido”.

También creo que os distancia ligeramente de otras bandas que, actualmente, están haciendo el mismo estilo.

“Sí, efectivamente. Hay algo importante y es que todos tenemos que adorar las canciones, antes que nadie, de hecho.

Durante estos diez años hay muchas bandas de Metalcore que han ido muriendo y nosotros lo que hemos intentando es mantenernos y progresar, dándole vueltas a cómo podíamos hacer nuestro sonido mejor. No queríamos estar haciendo siempre lo mismo porque nos hubiésemos aburrido enseguida con lo cual ha sido una búsqueda ardua para introducir nuevos elementos y, así, lograr ser mejores compositores”.

De hecho, hay muchas bandas que empezaron a la par vuestra que, lo que han hecho ha sido meter partes progresivas. Sin embargo, en vuestro caso, noto como que tendéis a desnudar más las canciones, haciéndolas más sencillas y atractivas para los oyentes.

“Eso es. Yo lo que creo es que hay veces en las que “menos es más”. Nuestro anterior disco, ‘The Powerless Rise’, intentamos ir lo más rápido posible. Los riffs

tenían que ser muy rápidos, la velocidad vertiginosa, y aquello estuvo bien en ese momento, pero ya lo hicimos. Esta vez, en vez de querer hacer un álbum todavía más veloz, lo que planteamos era dejarnos llevar más por los medios tiempos, por un rango en el que, el que lo oyese, se sintiese bien. Metimos mucho más Groove en según qué partes y el estar jugando así con los tempos favoreció que todo fuese más fluido”.

La sensación que tengo es que habéis disfrutado mucho. De hecho, tengo una impresión muy extraña. No me preguntes por qué pero tengo la sensación de que el video que hicisteis de “Electric Eye” ha marcado un antes y un después. En él se puede ver a una banda completamente distinta. Es muy divertido y no sé si os mostró a vosotros que no teníais por qué siempre estar con esa actitud de malotes.

“Así es. Antes de hacer el vídeo de “Parallels” habíamos hecho el de “Anodyne Sea” que, posiblemente, sea el video más serio que haya hecho nunca, en cuanto a concepto. En él morimos todos como parte de la historia y era muy serio. Cuando lanzamos ‘Decas’ estábamos como locos por hacer un video de la versión que habíamos hecho del “Electric Eye” de Judas Priest, pero queríamos hacerlo para pasárnoslo bien. Queríamos hacer algo divertido e, incluso, ridículo. Ese era

el único planteamiento del vídeo. Algunos fans no lo entendieron, pero para nosotros era lo correcto, lo que teníamos que hacer”.

Para mí fue una buena idea. Podíais haber hecho otro vídeo como el de “The Sound Of Truth”, pero eso ya lo tenemos cuando encendemos la televisión.

Sin embargo, no es usual ver a cinco metaleros corriendo por un desierto perseguidos por un escorpión gigante del espacio.

(Carcajadas) “Eso es”.

Esa simplicidad de la que hablamos ¿la habéis llevado a la portada? Y ¿es un tributo a ‘El Silencio de Los Corderos’?

“Oh, no. Es parecida porque tiene esa “abeja de la muerte”, pero no hay una decisión real con la película. El que la hizo simplemente añadió algunos elementos que pensó que podían quedar bien, que podían cuadrar. El caso es que ha funcionado aunque tenga parecidos” (risas).

La verdad es que sois como Clarisse, una joven inexperta que entra en el FBI y que, en poco tiempo, crece un montón.

(Risas) “Mejor parecerse a ella que a Hanibal Lecter” (más risas).

He visto en vuestro facebook que tenéis un millón seiscientos mil seguidores (“me gusta”). Acabáis de subir una avance del disco a internet y éste ha llegado inmediatamente a toda esa gente. Es impresionante porque hace sólo diez años, cuando empezasteis, algo así era impensable.

“Tío, si lo piensas, es una locura, el tener a toda esa gente siguiéndote. Ahora mismo es muy sencillo el lanzar tu música y tener una audiencia ahí, preparada para ver qué ofreces, aunque no es sencillo.

Nosotros nos hemos ganado una reputación, pero porque hemos girado muy duro por todas partes del mundo y eso nos ha dado una solidez. Por eso tenemos toda esa gente de distintas partes del mundo siguiéndonos y es fantástico poder compartir con todos esos fans lo que va ocurriendo dentro de la banda”.

Es que, si lo piensas, hace diez años algo así hubiese sido imposible.

“Pero porque vivimos tiempos distintos.

Ahora mismo una banda tiene que estar al día y manejar todas las tecnologías que tiene a su disposición. Si no, estás muerto”.

star al e e u q e n ie t a d n ba "Ahora mismo una que s Ia g o l o n c e t s a l das dIa y manejar to muerto. s A t s e , o n i S . n iO ic tiene a su dispos 13

PROFILES

THE 69 EYES

DIAPOSITIVAS EMOCIONALES

Si hay una banda que puede recoger el testigo indefinidamente de TYPE O'NEGATIVE esa es THE 69 EYES. Los vampiros fineses lanzan ahora su décimo álbum y están en una posición privilegiada para ocupar un puesto que quedó vacante tras la desgarradora muerte de Peter Steele. Desde Finlandia recibimos la llamada de JYRKI 69 para comentar cosas de 'X', su nuevo lanzamiento, después de haberle echado más de una escucha.

TEXTO: TESA NAVARRO Es vuesto décimo álbum. Supongo que es especial.

“Sí lo es pero más que nada porque no hay muchas bandas que hayan podido llegar a esa cifra. Llevamos tocando desde hace 23 años y no habíamos celebrado nunca nada; no hicimos un show a los diez años, ni otro con el veinte aniversario… ni siquiera hemos hecho una recopilación ni nada parecido. Nos hemos mantenido tocando en directo, sacando discos nuevos y progresando conforme 14

iban pasando los años. Siempre hemos mirado hacia delante y no hemos vuelto jamás la cabeza para rememorar los viejos tiempos. Somos más de tirar hacia delante aunque sí que era momento de celebrar que hemos sido capaces de editar diez jodidos discos. Por eso el título del álbum es la letra romana ‘X’, que significa “décimo”, aunque también hay veces que recibo mensajes de textos de chicas en los que la “x” significa beso y esa podría ser otra lectura” (sonrisa).

Def Leppard hicieron algo parecido.

“Sí, y Kyle Minogue. Incluso me atrevería a decir que también lo hicieron Spock Beard”.

La verdad es que no estoy muy puesto en Kyle Minogue (Risas).

“Yo tampoco. Es que cuando tuvimos la idea eché un vistazo rápido por internet a ver qué bandas habían hecho algo parecido y lo encontré. No es que hayamos tenido una idea única y original, pero queríamos llamar así al disco porque molaba”.

La verdad es que a mí me ha parecido una muy buena idea de celebrar el veinte aniversario de la banda.

“Es cierto que también está ese aniversario, pero es lo que te digo, nunca miramos atrás. Siempre hay que mirar hacia delante e ir progresando. Cada disco que editamos tiene que ser mejor que el anterior y, si escuchas el disco, verás que no suena como a una banda de viejos cansados después de dos décadas rockeando.

Suena fresco y novedoso, porque hemos

"Fue horrible porque estaba solo en la cabina de grabación, volviendo a aquellos dolorosos momentos y me quedaba al borde del lloro todas las noches".

Lo que pasó durante la grabación de las voces

metido elementos nuevos en las canciones. En el disco, al ser el décimo álbum, hay diez canciones en las que destacan mi voz, porque esta vez ha pasado a ser el instrumento principal. El disco anterior fue grabado en Hollywood y en él queríamos capturar ese Rock américano tan agresivo, con toda su actitud. En el anterior eran la guitarra y la batería los instrumentos principales y en éste es mi voz la que dirige todo. Nos hemos centrado además más en las melodías, en coros que enganchen y en tonos memorables”. ¿Era esa la idea con la que partisteis antes de poneos a componer o salió así?

“Pues lo que pasó es que hicimos un tour con Crash Diet y Hardcore Superstar, dos bandas suecas de Sleazy, hace un año y en muchas de las fechas éramos los cabezas de cartel. Como ellos tocaban antes me quedaba a verles preguntándome qué pensaban los fans del sleazy de que 69 Eyes tocaran cerrando el cartel, porque nosotros somos mucho más oscuros y melancólicos. Es cierto que íbamos presentando ‘Back In Blood’, que es el disco que te comentaba antes, así que teníamos muchos temas que cuadraban con el tipo de cartel, pero aún así, no paraba de preguntarme cómo iban a reaccionar con nuestro material más oscuro. Luego la verdad es que todo el mundo parecía respetar nuestros temas más melancólicos como “Betty Blue”, “Brandon Lee” o “Dance D’Amour” y eso me hizo ver que posiblemente esas sean el tipo de canciones que mejor sabemos hacer, en las que somos nosotros mismos. Ésa es la cara que esperan ver todos los fans de 69 Eyes. En todos nuestros discos siempre

nos hemos decantado por distintos géneros. Hemos hecho temas de Horror Punk, de Sleazy y luego temas más melódicos y melancólicos que se suponía que iban a ser los singles del disco. Cuando nos pusimos a trabajar en este nuevo disco vimos que quizás era momento de volver a aquella melancolía intentándolo hacer todavía mejor”.

La verdad es que es uno de vuestros discos más oscuros. Tiene ese toque triste que te dejan los amores enfermizos. De hecho, muchas de las canciones de este disco tienen detrás ese tipo de amor.

“Sí, un poco. Rompí con mi novia justo cuando empecé a escribir el nuevo material aunque no estaba ni con el corazón roto ni triste. Estaba más bien mosqueado y decidí poner todo aquello que sentía en las letras. Cuando nos empezó a salir la música metí las letras donde pensé que podían encajar mejor. Casi todo lo escribe nuestro guitarra y de vez en cuando traía cosas que sonaban a Motorhead o a AC/ DC, pero algunas eran más melódicas y eran las que más me molaban. Después empecé a escribir las letras y en ellas hablo de lo que fueron los días posteriores a la ruptura y reconozco que nunca había hecho nada así, a un nivel tan personal, pero había llegado el momento. Si en el anterior disco había basado las letras en vampiros en éste están basadas en una única persona; en mí, en cómo me sentía solo en casa, o de ir paseando sólo por las calles sabiendo que no había nadie esperándote. Algo así. Todas esas ideas las fui plasmando en las canciones. Es todo muy real porque es parte de mi vida privada y tengo curiosidad para ver cómo lo recibe la gente y ver cómo se sienten.

Hay mucha gente que ha escuchado ya “Red” porque la han puesto aquí en las principales radios y es la primera vez que tenemos impresiones gracias a las redes sociales. Cuando salió el disco anterior no teníamos todavía ni perfil de facebook y ésta es la primera vez que tenemos un feedback directo de nuestros fans y es bastante interesante. Por lo que han ido poniendo parece que les ha gustado por-

que es una diapositiva de una emoción.

Es una canción muy simple pero que contiene una gran emoción y la gente ha comentado que incluso se puso a llorar. Lo que no sé es lo que pasará cuando escuchen el resto del álbum porque es todavía más sentimental, va a lo más profundo”. ¿Y cómo te sientes cuando estás viendo que tus letras tienen ese impacto en la gente?

“Pues realmente no sé qué está pasando.

Creo que las canciones van a calar mucho en la gente porque las historias son reales y las emociones también. Cuando las estuve grabando tuve momentos jodidos porque todavía estaban muy recientes todos esos sentimientos. De hecho, una semana después de haber empezado y de estar cantando los temas noche tras noche, le confesé a alguien que con algunos temas se me habían saltado las lágrimas porque intenté que quedasen lo más reales posible. Fue horrible porque estaba solo en la cabina de grabación, volviendo a aquellos dolorosos momentos y me quedaba al borde del lloro todas las noches. Cuando escuché por primera vez el disco estaba precisamente en Barcelona, pinchando en un sitio que se llama Undead. Me subí al tejado de mi hotel y me lo puse y, nadie lo sabe porque llevaba puestas las gafas de sol pero estuve llorando mientras lo escuchaba.

Una de las razones por las que hemos durado 20 años es porque los cinco que integramos esta banda creemos realmente en lo que hacemos. Amamos lo que hacemos y este disco está hecho desde el corazón. Directo desde ahí”. ¿Y ahora qué harás cuando toquéis estas canciones en directo? No será sencillo revivir esas “historias” cada noche porque será complicado para ti. “¿Sabes qué pasa? Que 69 Eyes no es una patética banda de Rock oscuro. No hablamos de suicidios o de tragedias reales. Somos más de historias de Halloween. En este caso estás en lo cierto, porque la historia ha cambiado. Antes de la entrevista hemos estado ensayando algunas canciones nuevas y no te creas que he estado muy feliz (risas). Creo que me

DISCOS DE MEDIANOCHE Los vampiros de Helsinki no es la única banda que puedes escuchar en esas noches eternas en vela. Aquí van algunas recomendaciones más para escuchar mientras la lluvia golpea las ventanas.

HIM - RAZORBLADE ROMANCE El álbum que les otorgó la fama a nivel mundial. El espíritu atormentado de Ville Valo y su profunda voz llegaron a todo tipo de públicos. Hard Rock teñido de negro con hits como "Join Me In Death" o la versión del "Wicked Gain" de Chris Isaak. Se pasaron al Love Metal y la fastidiaron.

TYPE O' NEGATIVE - BLOODY KISSES Un álbum y una banda que no necesita presentación. El desaparecido Peter Steele (R.I.P.) manejaba a la perfección su profunda voz para escenificar historias desgarradoras.

Un álbum esencial, tremendamente adictivo, en donde las canciones te sumergen en la oscuridad absoluta.

THEATRE OF TRAGEDY - AÉGIS Mucho más underground que las anteriores y que la que centra este report, no podíamos hablar de discos "tétricos" y dejarnos el de los desparecidos TOA apartado a un lado.

El dueto Liz Kristine / Nell Sigland sembrando imágenes desesperadas en nuestras cabezas.

sentiré un poco aislado cuando esté en el escenario”.

Bueno, cuando salgan las canciones se volverán universales y ese significado tan personal varíe, porque además la gente las interpretará a su manera.

“Tienes razón. También estoy esperando que la gente se haga sus propias historias. Yo creo que esa es una de las cosas más importantes de la música, esa comunicación a través de los sentimientos, de las canciones”.

En el disco ha colaborado Kat Von D. (tatuadora de L.A. Ink). Teniendo en cuanta lo personal del álbum ¿fue sencillo o complicado involucrarla?

“Ese tema, “Rosemary Blue”, el que cantamos juntos es uno de los temas más personales. De hecho, el título tiene el nombre de mi exnovia, aunque eso no se lo dije a Kat (risa). Lo bueno es que los dos entendimos la letra desde nuestros punto de vista. Ella le dio su visión y yo le di la mía. En ningún momento nos sentamos para que yo le explicase que la canción iba sobre esa parte de mi vida.

Por eso creo que ese tema va a funcionar bien, porque cada uno la ha personalizado y va a ser un gran éxito”.

La he visto hacer tatuajes, pero nunca la había oído cantar. ¿Cómo sabíais que podía funcionar?

“Bueno, es muy amiga nuestra y yo sabía que había estudiado piano clásico durante años. Yo sabía que estaba interesada en hacer alguna colaboración pero que tenía que ser con alguien cercano, con amigos, y a mí me pareció genial. Le mandamos el tema para ver qué le parecía y nos lo reenvió ya con su voz grabada. Yo creo que hay muchos fans que se van a quedar sorprendidos. A muchos fans de 69 Eyes les gusta Kat Von D. y lo que representa, y será un buen regalo para ellos. Además, las colaboraciones deberían ser así, entre amigos. Hay veces que son las compañías de discos las que motivan esas colaboraciones porque creen que pueden ser un buen reclamo comercial y eso no me gusta. Todas deberían ser como ésta, entre amigos, porque es algo real.

Es como en el pasado, cuando veías que Rolling Stone colaboraban con alguien. Si lo hacían era porque eran amigos y esto es lo mismo”.

Ahora supongo que planificaréis la gira europea. ¿Vais a darle cierta prioridad de América? No es normal que una banda europea tenga el éxito que habéis tenido vosotros allí.

“Esta vez también iremos, aunque vamos a empezar en nuestro país, aquí en Finlandia, recorriéndola de punta a punta porque queremos darle prioridad. En EE.UU. hemos funcionado porque no hay ninguna otra banda como nosotros. Nosotros representamos valores de bandas que han desaparecido. Ya no están los Ramones ni Type O’ Negative y alguien tiene que ocupar ese sitio así que aquí estamos nosotros esperando”.

De hecho, es una pregunta complicada pero es cierto que podríais vosotros pillar el sitio que dejaron Type O’ Negative.

“Pues sí. Yo les echo muchísimo de menos y es muy triste lo que pasó pero es mejor vivir el presente mirando hacia el futuro. Hay ciertos valores del Rock más oscuro que habían desaparecido pero que ahora han vuelto con la forma de 69 Eyes y vamos a intentar mantenerlos vivos tanto tiempo como podamos”.

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PROFILES ¿Cómo te has sentido cantando esta vez?

“Ha sido genial. Es el segundo disco en el que hago las voces y ésta vez me he sentido mucho más cómodo porque ¡he ganado confianza!".

Jamey hizo muchas de las letras del primer disco. He visto alguna entrevista en la que decíais que no hay ningún tipo de historia detrás de las de éste, pero en otra hablabais de que está basada en la historia de Orpheo. ¿Puedes aclararme qué se esconde detrás de 'Monolith'?

“Es un disco conceptual que habla de una pérdida, de alguien que trata de revivir a su mujer muerta. Pillé algunas ideas de la mitología griega, de la historia de Orfeo y Eurídice, porque es una historia muy similar, en la que el viaja al otro mundo para intentar rescatar su alma. Pillé ideas de ahí pero las letras no están basadas en eso, lo que pasa es que sí que hay algunas similitudes".

Las letras van ligadas también al diseño del álbum. ¿Queríais que fuese así desde el principio?

“Si te soy sincero, le hemos puesto mucho empeño a todo lo que es el diseño. Quedamos con Dan para darle sugerencias de cómo queríamos que fuese, de los colores que queríamos. Creo que ha quedado perfecto porque era algo complejo lo que queríamos hacer”.

Yo he visto otra, una negra con una rosa de los vientos. ¿Era alguna previa?

“Es cierto que hay dos. La que tú has visto también es la de la faja, que es negra y con un diseño más básico. Luego dentro es donde tienes el diseño real”.

He visto que el disco está en Spotify. ¿Era vuestra intención que estuviese disponible a la par que en las tiendas? “¿De verdad? No tenía ni idea. Estoy ahora mismo en Spotify y no lo veo. Quizás es que aquí en Inglaterra no está disponible. Me gusta que esté disponible aunque preferiría que la gente se comprase el disco físico y no lo digo simplemente como una estrategia para que compren mi disco. Simplemente me gustaría que lo tuviesen en las manos porque tanto los diseños como las fotos que hay en el interior ayudan a que te puedas meter en el concepto del disco. Es como un gran paquete. Le hemos puesto muchísima atención al diseño porque para mí, como amante de la música, siempre he disfrutado muchísimo cuando he cogido un disco y he podido leer las letras y ver el diseño. Me encanta escuchar un disco por primera vez e ir siguiendo las letras en el libreto”.

Este disco es mucho más profundo. Podemos ver la madurez. ¿La habéis notado vostros también?

“Eso fue algo con lo que tuvimos muchísimo cuidado cuando empezamos a componer.

Queríamos estar seguros de que dábamos un paso hacia delante porque, además, hay un montón de bandas ahora mismo con las que pueden compararnos. Hacen un género parecido, pero que no nos gustan así que intentamos incluir muchos más elementos que sirvieran de ruptura con eso".

He notado esos cambios incluso en tu voz “Exacto. En ese caso es porque creo que esta vez he cantado mejor (risas). Pero sí, estoy de acuerdo contigo en que hemos intentado separarnos más". ¿Has hecho ejercicios para mejorar tu forma de cantar? Supongno que el primero fue como una prueba,no?

“Sí, fue una especie de test. Por momentos se me hizo complicado hacer ambas cosas, sobre todo en directo, el tocar y cantar, pero ahora lo llevo bien”.

Dentro del álbum, “Monolith” es como un punto de ruptura. Tiene cosas del pasado pero abre una puerta al futuro. De hecho, da la sensación de ser un disco orientado al directo. ¿Es posible? ¿Crees que los temas crecerán en el escenario?

“Creo que van a funcionar muy bien. Algunas las vamos a tocar un pelín más rápido y otras tendrán mucho más Groove. Va a ser muy divertido".

Ya te comenté que el álbum me parece más profundo. No sé si es porque va siguiendo la historia o compusisteis de formas separadas.

“Ha sido algo premeditado. Los temas tenían que sonar mucho más poderosos,y no en el sentido de que tenían que ser más heavies. Sí que es más atmosférico, hay más energía y muchas más emociones que en el pasado". ¿En qué tesituras os sentís más cómodos: cuando hacéis algo más metalero o cuando hacéis algo más denso?.

“Cuando hacemos algo más metalero, cuando tengo que gritar. No me suele gustar el cantar con voces melódicas y por eso no suelo meter demasiadas voces limpias. Eso también nos sirve para evitar que nos comparen con otras bandas parecidas que sí que abusan un poco más de eso, metiendo coros con voces limpias todo el rato.

Jamey cantaba de forma muy parecida. Da la sensación de que tú también estabas metido en lo que eran las melodías vocales porque no han cambiado mucho.

“Siempre tengo en cuenta las melodías vocales cuando escrito los temas. En el pasado era yo el que escribía toda la música. Cuando todo estaba terminado se lo pasaba a Jamey con las ideas que tenía en la cabeza para las melodías. Ahora simplemente es más sencillo".

Lamb of God os han invitado a que os vayáis de gira con ellos. ¿Cómo os sentís?

“Como unos privilegiados. A Chris, el batería, le gusta muchísimo la badna y ha hecho todo lo posible por llevarnos de gira. Nos sentimos muy agradecidos porque es muy complicado que una banda inglesa pueda meterse en el mercado americano y hacer un tour, uno grande, a no ser que seas Metallica. Es un honor para nosotros”.

Por razones truculentas vais a tener a mucha prensa allí. Es tremendamente triste los problemas que ha tenido Randy. “sí, es ridículo”.

El públcio es parecido. Habéis tenido algún problema parecido?

“La verdad es que no. Alguna vez he empujado a alguien del escenario que ha estado demasiado tiempo porque no sería la primera vez que me llevo un golpe en los dientes con el pie de micro por eso. Lo que suele pasar es que les empujas, la gente les pilla y todo se desarrolla con normalidad. Es una vergüenza lo que pasó con Randy”.

Lo que no entiendo muy bien es una cosa. Se supone que en esas fechas estaréis por aquí con Devin Townsed y Fear Factory.

“Oh, no, todo ese tour se ha cancelado porque es justo cuando nos vamos con Lamb Of God”. ¿En serio?

“Sí y no ha sido una decisión fácil porque no nos gusta cancelar nada, pero era imposible y la oportunidad de girar por EE.UU. no podíamos desaprovecharla. Volveremos a Europa tan pronto como podamos”.

Veré qué ha pasado porque seguís apareciendo en los carteles así que estaréis tocando en Madrid en Noviembre "Pues nada, allí tendré que estar" (carcajada)

SYLOSIS EXTREMADAMENTE ROCOSOS Tras la salida de Jamey Graham, Josh Middleton (guitarra, voz y cabeza pensante) se vio en el compromiso de asumir las partes vocales. Lejos de achantarse lo que hizo fue currárselo de tal manera que no se notase la baja de Jamey. En 'Monolith', su nuevo trabajo, no sólo asume ya el rol de líder sino que además ha logrado que su banda facture un disco de esos musculos. Con él hablamos para saber más de un disco altamente recomendable.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO

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FOZZY

SE ACABÓ EL JUEGO

Después de escuchar 'Sin And Bones' se le queda al oyente la sensación de que, por fin, está delante de una banda de verdad. El hasta ahora "juguetito" de CHRIS JERICHO tiene una base sólida y RICH WARD (nuestro interlocutor) y él se entiende a la perfección. De esa compenetración y de muchas más cosas hablamos con el guitarra.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO Conforme estaba escuchando el disco he flipado de lo mucho que ha crecido la banda en los últimos tres años “Yo creo que eso ha sido porque hubo un momento en el que tomamos la decisión de que Fozzy se convirtiese en nuestra banda a tiempo completo. Hasta ese momento mi prioridad siempre había sido mi banda original, Stuck Mojo, con la que me he mantenido bastante ocupado. Además, Chris (Jericho) estaba también muy liado como luchador, que era su prioridad y su trabajo a tiempo completo. Pero llegó un día y me dijo que quería centrarse en Fozzy, que quería que se convirtiese en una parte importante en su vida y que le iba a dedicar mucho más tiempo a los discos y a las giras, convirtiéndolo en su prioridad. Hay muy poca gente que puede estar en varias cosas y que funcionen.

Un ejemplo es Devin Townsend, que puede tener mil proyectos a la par y en todos destaca, pero eso no es lo recomendable. Es mucho más sencillo centrarse en una banda en la que poner toda tu energía. De no ser así al final terminas por volverte loco porque tienes que hacer ciertas canciones para una banda y otras para la otra, además de que girar con varias bandas al final se termina convirtiendo en algo complicado. Yo me pongo en la piel de Chris y veo que tiene a su familia en casa, su carrera comoluchador profesional, su carrera como actor y luego la musical y, estando tan liado, es muy difícil que todas esas cosas funcionen al 100%. Es por eso que los últimos dos discos de Fozzy están mucho mejor, porque ahora se ha convertido en una prioridad en nuestras vidas. Creo que esa es la razón principal de que hayas visto esa evolución en la banda”.

Lo que me ha parecido notar es que tú has cogido también mucho más peso en el proceso creativo. En los anteriores Fozzy parecía el “proyecto” de Chris Jericho, sin embargo, ‘Skin And Bones’ tiene tu sello como guitarra. ¿Eso ha cambiado 18

también?

“La fórmula con la que trabajamos en Fozzy es que Chris me pasa muchas letras (unas 30 ó 40 en éste último) y yo me meto en el estudio que tengo en casa a trabajar en las canciones. Me leo las letras e intento darle una interpretación musical a lo que él quiere decir. Esto es igual que la poesía. Tú puedes darles un poema a 30 personas distintas y cada una le dará su propia interpretación y aquí lo que yo hago es intentar interpretar la poesía de Chris. Así es como funciona nuestro proceso creativo. Hay veces que lo que he escrito se parece mucho a lo que termina saliendo y hay otras en las que hay muchos cambios porque es cuando nos juntamos y damos distintas interpretaciones.

Este disco, para mí, es mucho mejor que los anteriores porque esta vez sí que hemos trabajado Chris y yo juntos, incluso a nivel de producción, porque lo he producido yo, y ahora es cuando realmente tenemos una muy buena relación en el estudio y trabajamos muy bien. Esa es una parte muy importante a la hora de hacer discos, tener ese nivel de confort, conociendo qué es lo mejor que puede dar cada uno. En el pasado, tanto Chris como yo tenemos una personalidad de machos Alfa muy fuerte y ambos teníamos que ser los que condujésemos el coche así que nos llevado tiempo el saber por mi parte qué era lo que él necesita y, por la suya, saber lo que yo necesitaba. Ese nivel de conocimiento personal nos ha llevado a tener una relación personal mucho más fuerte, más sólida, y a trabajar mucho mejor juntos. Esa es una de las razones por las que el equipo inglés de fútbol no puede ganar una copa del mundo; tienen muy buenos jugadores pero no saben jugar como equipo. Los jugadores tienen que aprender a jugar en equipo y eso es en lo que hemos gastado nosotros mucho tiempo, a saber trabajar bien juntos como equipo en el estudio. Eso lo hemos dejado encapsulado y se puede

sentir cuando escuchas el disco”. ¿O sea que es la primera vez que trabajáis así?

“He producido los discos anteriores, pero ésta ha sido la primera vez que hemos probado esta técnica. Antes montaba aquí todas las maquetas en mi estudio y después se las mandaba a Chris y él se tenía que aprender los temas que yo había escrito. En esta ocasión lo que hicimos fue trabajar los temas juntos. El venía y yo le enseñaba los temas que había hecho a los que le había incorporado una melodía de voz con lo que yo creía que podía hacer él para que encajase mejor. Después él metía la voz con su registro pero utilizando el tempo que yo le había propuesto.

Es curioso. Tú tienes que interpretar lo que él quiere decir con las letras y luego Chris tiene que también interpretar lo que tú quieres transmitir con las melodías.

“Sí, es un proceso muy interesante. Obviamente era mucho mejor antes cuando las bandas quedábamos en un garaje para escribir las canciones juntos, pero Chris vive en Florida, nuestro bajista en New Jersey y los demás estamos por ahí esparcidos.

Estamos todos separados unos de otros y es difícil usar la fórmula tradicional así que ahí me tienes a mí, escribiendo la música y algunas ideas para melodías basándome en las letras de Chris para luego ir escuchando las sugerencias del resto, y volvemos a trabajar en todo. En eso sí que trabajamos como cualquier banda.

No quiero que nadie malinterprete esto y piense que yo quiero atribuirme todo el mérito porque no es así. Hay una gran colaboración entre todos los que estamos aquí metidos. Para mí por ejemplo, cuando me pongo a trabajar en las letras de Chris, es muy importante enviarle esas primeras demos sin terminar para que me diga lo que le parecen. Siempre que se las mando espero dos respuestas: una es que le han gustado y otra es que me diga “guau, esto va más allá de lo que podía imaginar” (risas). De nuevo, Chris ha aprendido que parte de que ahora funcione a la perfección nuestra relación es porque ahora confía en mi a la hora de hacer la música y la melodía vocal. Aunque no le entusiasmen me concede, al menos, el beneficio de la duda y luego, una vez que vamos rematando cosas o se cambian o se quedan como están porque lo que importa al final es que quede patente que ha habido un trabajo de equipo”.

También tengo la sensación de que ahora es cuando la gente empieza a hablar de Fozzy como una banda de verdad. Hasta hace nada parecía tu proyecto paralelo en el que estaba contigo el luchador de Pressing Catch.

“La verdad es que cuando empezamos éramos casi como Steel Panther. Hacíamos versiones, cambiamos de nombre constantemente y teníamos apodos. Tocábamos en directo simplemente para pasárnoslo bien. Tocábamos temas de Iron Maiden, Judas Priest o Dio y lo hacíamos por diversión tocando todas esas canciones con las que habíamos crecido. Después de eso nos ha llevado muchísimo tiempo en ganar credibilidad y que la gente nos empezase a tomar en serio, porque además era una banda que estaba compuesta por gente de Stuck Mojo, una banda de crossover, y el cantante es un luchador de Pressing Catch. Eso lo hizo todo muy difícil. A nosotros nos ha costado muchísimo más que a otras bandas el que nos tomasen en serio pero no pasa nada porque eso nos ha hecho mucho más fuertes. Las adversidades te pueden llevar por dos caminos; o te hacen abandonar o te hacen más duro y a nosotros nos hizo más fuerte.

Toqué durante un corto periodo de tiempo en Adrenaline Mob, con Mike Portnoy, y era la primera vez que tocaba con alguien en 20 años que no fuera con mi banda, sin escribir incluso nada de material, y es más que evidente dónde metí mis partes, donde dejé testimonio, incluso tocando material de otra persona. De hecho, aprendí cómo tocar riffs que habían sido compuestos por otra persona y descubrí que no era sencillo tocar como si fuese otra persona. Fue una gran lección para mí tanto como productor como compositor a la hora de escribir melodías para otra persona. Creo que eso me vino genial para trabajar con Chris porque eso me hizo darme cuenta de que tenía que tenerle más en cuenta para hacerle algo a medida. Me sentí como una especie de sastre, haciéndole las melodías para que estuviesen en su zona de confort y pudiese sentirse muy cómodo a la hora de cantarlas. Además, tuvimos mucho más tiempo para ensayar el material porque las maquetas las tuve preparadas muy pronto así que tuvo varias semanas para escucharlas y ensayar antes de entrar a grabar. Yo he tenido la sensación de que todo ha salido a la perfección en esta vez para que Chris pudiese hacer las mejores voces que ha hecho en toda su carrera”.

Veo que estás concentradísimo con Fozzy así que ¿qué pasa con Stuck Mojo?

“Pues ahora mismo lo he aparcado un poco, igual que Chris ha dejado a un lado su carrera como luchador. Jamás la voy a jubilar porque hasta ahora siempre había sido mi prioridad y mi primera banda. Además, adoro esas canciones y he disfrutado estando en ella. En Fozzy somos cinco tíos y tengo la suerte de que esté conmigo uno de mis mejores amigos, Billy Grey, tocando la guitarra aunque no tengo problemas en que sólo hay un guitarrista porque mis bandas favoritas como Black Sabbath, Pantera o Van Halen sólo tenían uno. Me encantaría seguir haciendo música para Stuck Mojo en los tiempos muertos, pero ahora mismo para mí es complicado.

Estamos muy emocionados porque como Fozzy nunca habíamos tenido oportunidad de hacer nuestro propio tour. Hemos hecho muchos conciertos pero nunca habíamos hecho una gira tal cual y ahora sí. Además, después iremos para Europa haciendo una gira europea con Soil, y aparte de eso tenemos fechas en Australia, para después volver a Europa con otra banda así que no terminaremos el primer tour cuando sabemos que habrá otro en breve. Eso nos emociona por cómo están desarrollándose las cosas".

Pues espero que en ese segundo tour esté España porque no lo he visto en el primero.

“En el primer itinerario que yo he visto, que es para febrero/marzo, sí que están España y Portugal. Las cosas siempre pueden cambiar pero en la gira que a mí me han enseñado sí que estaban los dos países. Con Fozzy nunca hemos tocado allí.

Con Stuck Mojo sí y recuerdo que fueron unos shows impresionantes. Los fans españoles fueron increíbles".

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IGNITE Rindiendo cuentas al pasado Hubo un tiempo en el que se podían contar con los dedos de las manos las bandas que practicaban Hardcore Melódico.

Entre ellas estaban IGNITE. Formados en el 93, su carrera fue cuesta arriba hasta que el género se empezó a devorar a sí mismo saturándose de bandas muy normalistas. Años después (aunque sin haberlo dejado jamás) la banda se volvía a reunir para dar algunos conciertos por Europa. Ahí fue donde registraron el DVD 'Our Darkest Days Live' sobre el que giró la charla que tuvimos con BRETT RASMUSSEN (bajista). También le preguntamos por la incorporación de Zoli Téglás a Pennywise como vocalista y la verdad es que no lo llevan mal.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO Bueno, por fin se ha editado vuestro primer DVD. "Sí, ha llegado seis años tarde (Risas). Demasiado tiempo. Es un DVD en directo que filmamos hace algunos años en Alemania. Además le hemos metido más cosas así que creo que mola mucho y estamos orgullosos de él. Tienes el concierto con unas 20 canciones porque fue un show bastante largo. Además tienes el audio en un CD. En el DVD hay un documental que hicimos en el que se puede ver lo que fue el preparar ese show y, luego, lo que es la gira e incluso la composición. Para completar le hemos metido algunos vídeos así que un paquete que mola. Si eres fan de Ignite te va a encantar porque tiene de todo.

No sé por qué pero tengo la sensación de que en Ignite sabéis cómo pasarlo bien de gira.

(Risas) “Claro. Es que cuando giras durante mucho tiempo necesitas divertirte, sobre todo si quieres seguir haciéndolo durante algún tiempo” (risas).

Habéis estado bastante tiempo desapercido. Supongo que la edición de este DVD os ha dejado con ganas de hacer más cosas, ¿no?

“Sí. Lo último que lanzamos salió en el 2006 e hicimos una gira por Europa. De hecho giramos demasiado (risas). Nos tiramos como tres años seguidos sin parar, que de hecho fue cuando grabamos este DVD, y en el 2010 tuvimos que bajar un poco el ritmo de gira. En ese momento la gente de la banda empezó con otros proyectos y hasta 2011 no volvimos a juntarnos para escribir nuevo material”.

Ahora mismo Zoli (Téglás) está en Pennywise. Supongo que eso también afecta a los planes que podáis hacer.

“Sí, claro, pero por otro lado es algo bueno. Cuando dijimos que teníamos que bajar el ritmo teníamos claro que nos íbamos a tirar como un año sin hacer nada. En ese momento le preguntaron a Zoli si se quería unir a Pennywise y ha sido algo bueno por dos razones; la primera era que para Ignite era tiempo de bajar el ritmo y gracias a eso ahora Pennywise tiene un buen vocalista. Cuando Jim dijo de abandonar la banda estaba preocupado porque no pudiesen encontrar un buen vocalista porque soy muy fan de la banda. Pennywise son una de mis bandas favoritas y me hizo feliz que pudiesen seguir girando y grabando discos”.

Pero eso supongo que vosotros tendréis que ir parando porque él tendrá otros compromisos.

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“Por supuesto, pero no pasa nada. Es como han venido las cosas y yo no tengo problemas. Si ahora podemos editar un nuevo disco de Ignite pues genial, pero si nos lleva un poco más de tiempo tampoco pasa nada. Hay veces en las que es mejor esperar que intentar ir demasiado rápido porque al final la cagas”.

Toda la escena de punk rock ha cambiado mucho. En los 90 todo iba rapidísimo porque hubo una explosión. ¿Cómo lo vivisteis vosotros?

“Sí que la hubo. Nosotros llegó un momento en el que lanzamos dos discos en Europa y dos discos distintos en América. Fue en nuestros primeros tres años como banda.

Lanzamos cuatro discos en tres años, pero luego tuvimos que parar porque no podíamos seguir ese ritmo". ¿Cómo ves la escena ahora? Parece que hay sangre nuevo. En los 90 hubo una explosión que desapareció durante el 2000 ya hora vuelve a estar ahí.

“Yo no te sé decir porque nosotros siempre hemos metido más gente, año tras año. De hecho, en la gira del 2011 fue cuando más gente hemos metido. Tocamos en salas más grandes, en festivales más grandes y llevamos mejor equipo. Para mí, cada año que he estado en Ignite ha sido más grande que el anterior y eso siempre mola tío. Para mí y para Ignite es una alegría ver que no hemos ido volviéndonos más pequeños. También veo que toda la escena punk y Hardcore se ha ido manteniendo y que la mayoría de bandas que salieron en el 95, cuando explotaron Green Day y Epitaph era un sello de referencia, se han ido manteniendo y creciendo cada año”.

Aunque practiquéis Hardcore Melódico, tengo entendido que no era la música que te hizo meterte en esto. ¿Cuáles eran tus influencias cuando eras más joven?

“Cuando era crío escuchaba un montón de bandas inglesas como Joy Division y todas aquellas bandas góticas. Ellas fueron las que hicieron que me interesara por tocar música. Cuando empecé a tocar en Ignite tuve la oportunidad de escuchar mucho Punk y me moló mucho poder ver a Pennywise incluso antes de que sacasen disco o conocer a Bad Religion en persona. Ahor mismo escucho a Against Me! y otras bandas que me inspiran a componer canciones. Foo Fighters también me parecen alucinantes. En realidad la música que me inspira va cambiando constantemente”.

Y por curiosidad... ¿a Offspring les conocéis? Sois vecinos ¿no?

“Sí que viven al lado mío pero nunca hemos mucha relación con esos tíos. Como banda molan mucho y definitivamente son los que más éxito han tenido en esta zona".

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WINTERSUN EL DISCO ETERNO

¿Por qué WINTERSUN han tardado tantos años en tener listo este nuevo disco? Estamos hablando de siete años. Se que no ha sido una gestación fácil pero ¿por qué?

“Hum…mi visión, desde el principio, era hacer de éste disco algo muy épico y trabajado, con multitud de capas de instrumentación y orquestación. Quería un disco abrumador, algo que le volara la cabeza a la gente. Al principio no tenía ni idea de qué potencia llegaría a necesitar en mi ordenador para conseguir que esa orquestación se pudiera llegar a realizar. Eran muchas, muchas pistas. Durante varios años tuve que ir avanzando como podía, hasta llegar a mi configuración actual de ordenador. No quería comprometer en absoluto los resultados del disco, así que tenía que ir trabajando con lo que tenía, pero fue un proceso lento y estresante. Pero ha valido la pena”.

Uno de los grandes problemas fue con la memoria RAM necesaria para poder procesar semejantes cantidades de información. ¿Cómo sueles grabar? ¿Con Pro Tools sobre un iMac? “En el 2008 me compré un MacPro y comencé a programar las pistas de Midi para las orquestaciones. El problema es que había limitaciones de memoria que no me permitían añadir demasiados instrumentos sonando a la misma vez, lo que limitaba las composiciones. Las melodías más complicadas tenía que hacerlas en otro programa e ir y venir de ese programa a Pro Tools. Una complicación innecesaria, vamos. Al final lo conseguí, pero durante mucho tiempo tuve que trabajar con lo que tenía”. ¿Qué cantidad de memoria puedes necesitar para trabajar en un disco como “Time”? ¿16 GB? “Cuando estaba haciendo las orquestaciones había una limitación de memoria de 4GB. Había software que no podía usarse. Hoy en día, con la implantación de los 64bits en todos los ordenadores, todo el mundo puede usar muchos más recursos que en el pasado. Para hacer las orquestaciones tenía que usar un ordenador igual que el de los compositores de bandas sonoras, ordenadores con muchísima potencia. Eso vale mucho dinero y yo no lo tengo. Vivo en un pequeño apartamento y se me antojaba imposible conseguir un ordenador así de potente. Por eso tuve que retrasar tanto el disco”.

“Hace un par de semanas grabé un DVD mostrando un ejemplo de cómo se graba la canción “Sons of Winter and Stars”. Muestro la mezcla final, donde se importan todas las pistas y como se construye la canción. Espero que la gente lo vea y se haga una idea de porqué el disco llevó tanto tiempo y fue tan difícil de hacer.” ¿Tuviste la tentación de hacer una versión reducida del disco? Ya sabes, sin tantas orquestaciones y menos instrumentos. Imagino que después de varios años, Nuclear Blast debió impacientarse. Es más, me consta que la compañía te compró un ordenador nuevo para que pudieras seguir trabajando en el disco ¿no es así? ¿Había cierto nerviosismo?

“Bueno, me lo hicieron pasar algo mal en ocasiones. Al principio no sabían cual era mi visión del disco, no sabían lo grande que quería que fuera. Me metían prisa en plan ‘venga, acábalo ya que tenemos que editarlo’. Pero yo no quería comprometer nada y tenía una visión muy particular. No quería quitar orquestaciones y la situación me hizo muy infeliz. Hubo un punto en el que me senté con ellos y les mostré material del 22

“Time I” es el título del nuevo disco de los fineses WINTERSUN y mucho “time” es el que han necesitado para realizarlo. Desde que se comenzó a gestar el disco hasta su eventual edición el próximo 19 de octubre han pasado ni más ni menos que más de seis años. Distintos problemas técnicos (no existía un ordenador lo suficientemente potente para lo que la banda quería hacer) y económicos (su líder Jari Mäenpäa no disponía del dinero necesario para comprar el equipo necesario aunque existiese) han ido retrasando el lanzamiento del disco, que ahora ya es inminente y se trata de la obra más épica de la banda. Si consideramos que es su segundo disco, el asunto es más sorprendente todavía.

En “Time I” encontramos multitud de detalles sónicos, multi-instrumentaciones y composiciones largas y elaboradas como “Sons of Winter and Stars” –trece minutos- o la propia “Time” – casi doce. Es tan solo la primera parte de una obra doble que será continuada el año que viene, aunque la segunda parte no tiene fecha concreta de momento. Para saber más sobre lo que ha rodeado a la grabación del disco, hablamos con Jari telefónicamente y esto es lo que nos cuenta.

TEXTO: SERGI RAMOS

disco y les impresionó mucho. Entendieron la situación y nos dieron apoyo económico, comprando un nuevo MacPro para que pudiera trabajar mejor”.

El disco es, en realidad, doble. El año que viene editarás la segunda parte de “Time”. Es un trabajo conceptual, asumo.

“Los dos discos están unidos, al estilo del “Use Your Illusion I & II” de GUNS N’ ROSES. Son hermanos, esencialmente. Ambos tienen una variedad de canciones muy amplia.

Las canciones de “Time II” tienen mucho más contraste. En la primera parte las canciones son más semejantes entre unas y otras, pero en la segunda parte son mucho más cambiantes.” ¿Cuánto material llegaste a componer en estos seis o siete años? Imagino que, a la misma vez que tenías listas ideas para “Time I” y “Time II”, también ibas creando otras cosas. ¿Evolucionaron mucho las canciones desde su concepción original hasta lo que encontramos en el disco?

“Algunas canción evolucionaron mucho y las partes mejoraron mucho desde su creación inicial. No obstante, tenía una visión muy clara de cómo deseaba que sonaran y fueran esas canciones, lo que me hizo no desviarme mucho del planteamiento. Fui esforzándome hasta llegar a completar mi visión musical. Las canciones no evolucionaron tanto, visto con perspectiva. Todo lo que quería era hacerlas igual que las había imaginado”. ¿Cómo vais a tocar las canciones en directo dada su complejidad orquestal? ¿Planteáis la opción de tocar los dos discos completos en directo?

“Vamos a tocar el disco de principio a fin en los shows que haremos en octubre. Nos llevaremos las grabaciones de apoyo para tocar, porque es imposible hacer esto solo con un teclista en directo.”

WINTERSUN es una banda que no gira en exceso. Vais haciendo algunos conciertos pero no demasiados. ¿Es WINTERSUN una banda más cómoda en el estudio que en el escenario?

“Estamos intentando encontrar el equilibrio adecuado entre estudio y directo. Fue muy complicado tocar en directo mientras hacía este disco, porque requería toda mi atención y todo mi esfuerzo y no puedo darlo todo en el estudio si estoy liado preparando los shows. Ha sido una época muy estresante. Ahora estamos listos, podemos hacer más shows y más giras. Pero tenemos que encontrar un equilibrio. Cuando compongo música no siempre la imagino en directo e intento no ponerme límites a mi mismo.

Los discos son ilusiones, por así decirlo, mientras que el directo es algo muy real, muy distinto a un disco.”

“Creo que hay elementos que funcionarán mejor en directo que en disco, no obstante”. ¿Siempre estuvo la banda de tu parte durante todo este periodo? ¿O ha habido tensiones derivadas de la tardanza de “Time”?

“Ha habido momentos duros, pero no ha habido peleas ni nada por el estilo. Había frustraciones, entre nosotros, con el management y con nuestro sello. Pero por suerte, todo el mundo ha creído en mi y me han permitido completar el proyecto. Ahora todo el mundo está contento con el disco y vemos que ha merecido la pena”.

Antes de sacar 'Urd' habéis vuelto a tener cambios de formación. Desde el principio ha sido vuestro punto débil, ¿verdad?

"Sí, debe ser una especie de cruz. Todo el que entra sabe que Borknagar tiene una forma muy especial de trabajar y que tenemos nuestras propias reglas. Eso, en el negocio musical es algo muy raro. El tener tantos cambios es triste, aunque haya bastantes razones de por qué no ha funcionado. Hay veces que tenemos distintas ideas de qué música deberíamos hacer y eso acaba en ruptura, pero el núcleo de la banda sigue intacto y por eso seguimos aquí después de tantos años. A mí, por ejemplo, me encantaría que David Kinkade, el batería que ha grabado el disco, se uniera definitivamente a la banda, pero sé que será complicado porque vive en USA y además está en otras bandas. Veremos a ver qué pasa aunque asumimos que es parte del negocio, al igual que lo es que hay mucha gente que no está preparada para estar mucho tiempo haciendo esto porque es un trabajo muy duro. No es nada sencillo”.

Todos estáis en otras bandas e incluso se habla de Borknagar como una All Star Band. No sé si estás de acuerdo.

“A ver, todos los que estamos en Borknagar venimos de unas bandas de Black Metal, pero ahora mismo esto es más como un proyecto. Se supone que no somos una banda de “estrellas” por distintas razones. Lo primero es que somos gente que se junta simplemente para hacer canciones con las que se sientan a gusto.

Luego está el que somos gente distinta con lo cual salen cosas muy interesantes, porque todos aportamos ideas que encajan muy bien unas con otras. Lo único

que tiene malo esta banda es que es muy difícil coordinarnos para estar todos en el mismo sitio y al mismo tiempo. Por eso Borknagar es una banda de estudio y ahí es donde se desarrolla casi toda nuestra actividad. Lo único que hacemos es estar en el estudio haciendo discos y, espero, que buenas canciones. Lo demás es todo secundario. Por eso te digo que somos una banda especial. Nosotros no hacemos discos para salir de gira. A mucha gente esto le sonará rarísimo porque hay muchísimas bandas que se meten en este negocio con la esperanza de hacer un tour mundial y convertirse en Rock Stars. En esta banda eso no es importante. A nosotros nos preocupa más la música y el intentar mejorar como músicos. No queremos tener un impacto comercial sino una artístico”.

Escuchando detenidamente 'Urd', y todos sois arreglos, me planteaba si alguna vez has pensado en trabajar con una orquesta. Podrían encajar perfectamente en los temas de Borknagar.

“Oh, sí. De hecho, eso sería como una especie de sueño. A mí la música sinfónica siempre me ha interesado y la he intentado acoplar en algunos temas y para mí sería un sueño porque, además, es otro tipo de producción, aunque cuesta un montón de dinero. Lo que no me gustaría es hacer algo cursi. Mira lo que hicieron Metallica por ejemplo. La idea era muy buena, pero el resultado es bastante cuestionable. Por otro lado, tienes a Dimmu Borgir que han hecho algunos conciertos con una orquesta sinfónica y la verdad es que molaron mucho esos shows. A nosotros, si nos dieran la oportunidad, claro que lo haría, pero preparar algo así es carísimo y si lo hago tiene que ser en condiciones. Si

lo hago tengo que estar seguro de que va a ser genial. A ver qué pasa en el futuro”.

Sobre todo te lo preguntaba porque en ‘Urd’ le habéis dado más aire a las canciones. En los anteriores el haber metido un violín podría haber quedado incluso raro. Sin embargo en éste hubiese sido el remate perfecto.

“Sí, estoy de acuerdo. Si algo nos preocupaba de este nuevo disco es que teníamos que hacer algo que no hubiésemos hecho antes y por eso queríamos hacer un disco muy dinámico. Tal y como has dicho, es un álbum que tiene mucho más espacio y es tremendamente bello y emocionante por momentos. Hay partes muy duras, brutales, pero tiene mucho dinamismo por la complejidad que hemos querido darle a la estructura, metiendo muchas armonías y muchas melodías así que sí, en este álbum encajaría a la perfección hacer algo así y sería muy interesante escuchar los temas introduciendo partes más sinfónicas”.

Este ‘Urd’ lo abrís con “Epochalypse” y “Roots” que sirven para enlazar con vuestros discos anteriores. Sin embargo, en “The Beauty Of Dead Cities” nos encontramos con unos nuevos Borknagar. ¿Cuál era la intención?

“Uhm, sí que “Roots” era un tema en el que hemos sacado cosas del pasado, pero todo el disco en general es como una mirada a todo lo que hemos hecho durante estos años. Luego está “The Beauty Of Dead Cities” que es como una canción más futurista. A mí siempre me ha fascinado el tiempo y en ese tema nos inventamos un mundo destrozado. Está claro que el resto de temas también son inventados pero con éste queríamos lograr algo más y que casara perfectamente

con el resto.

A mí me encanta la dualidad porque es el centro de nuestra existencia. Hay cosas buenas porque también las hay malas, cosas grandes porque las hay pequeñas.

La dualidad está en todo y también existe en la música y adoro esos contrastes.

Que el disco esté plagado de momentos altos y bajos, que haya partes rápidas y partes lentas. Ese es el sentido de la música y de la vida. Por eso tienes “Roots”, un tema muy cercano a lo que hacíamos en el pasado, y “The Beauty Of Dead Cities”, un tema con una perspectiva mucho más futurista, más apocalíptica, con las ciudades desapareciendo en hoyos gigantes. Luego en cuanto a sonoridad, y aún a riesgo de repetirme, es que adoro lo dualidad. Hay bandas que tienen un ritmo endiablado desde el principio y está bien.

Es así como necesitan expresarse pero yo no podría hacer algo parecido porque me parecería muy aburrido. El caso de que no nos limitemos a nosotros mismos es algo que me entusiasma y un escenario idóneo para nosotros sería ese en el que no se metiera a las bandas en determinados géneros musicales y que si tocas Black Metal se supone que no puedes hacer otras cosas. Eso es estamparte contra un muro. Por ejemplo, para mí siempre han sido una influencia Pink Floyd y ellos van más allá de lo que son las etiquetas musicales. Hacen música y nadie te puede decir si Pink Floyd hacen Rock, Pop, Stone Rock o qué hacen. No hay manera de encajarles y eso es lo que siempre he intentado hacer con mi música. Obviamente, no estoy intentando compararme con ellos, pero esa es la idea. Yo lo que quiero es sentirme libre a la hora de escribir música”.

BORKNAGAR

JUGANDO CON EL TIEMPO BORKNAGAR no son una banda típica. No salen de gira con lo cual pueden hacer crecer sus discos todo lo que quieran sin temor a que luego no suenen fidedignos en directo. Conceptos como el tiempo, o la admiración por Pink Floyd, salen a relucir en una charla que tuvimos recientemente con OYSTEIN G. BRUN. TEXTO: CARLOS MEDRANO 23

Hay muchísimas bandas que en ese intento de ir reciclando su sonido han ido perdiendo credibilidad y, lo que es peor, público. Muchas veces se hace por intereses creativos, el artista necesita ampliar su espectro y es entonces cuando surgue el cambio. Otras sin embargo, son los intereses económicos los que motivan que termine siendo un desastre. PAPA ROACH podríamos decir que están en el primer apartado.

Después de un tremendo debut como ‘INFEST’, los californianos fueron ampliando sus influencias creando un abismo entre aquellos chavales locos newmetaleros y los maduros rockeros de sus últimos trabajos.

Sin embargo, ‘The Connection’, su último largo, ha significado recuperar viejos sonidos para crear la que, para ellos, parece ser su obra definitiva. REVOLVER viajó hasta Berlín para tener un encuentro muy interesante con JACOBY SHADDIX (vocalista) y TOBIN ESPERANCE (bajista) , donde terminaron haciéndonos unas confesiones que no tenemos claro si realmente queríamos conocer.

Enviado especial a Berlín: Roberto Villandiego Hace tiempo que les conozco y no era la primera vez que estábamos “cara a cara”. Desde que entrevisté a Coby Dick con motivo de la salida de ‘Infest’, no han sido pocas las veces que me he topado con ellos, siguiendo de cerca su evolución tanto personal como profesional. Ahora se les nota relajados, aunque pierdan las maneras de vez en cuando (sobre todo en el escenario), pero es evidente que PAPA ROACH ya no son los cuatro descerebrados (¿o sí?) de antaño. Aquellos kamikazes se han relajado y eso se nota cuando te sientas con ellos a hablar un rato. Sí, por momentos demuestran cierta demencia pero ¿no hay que estar un poco loco para dedicarse a esto?

Nuestra cita es un hotel cercano al lugar donde se celebra la Berlinale. Allí, en la calle Marlene Dietrich, en lo alto del lujoso edificio de bellas vistas, estaban nuestros interlocutores esperando a que me saque un papel y empiece con mi ráfaga de preguntas.

Sin embargo, y a pesar de haber colocado todo, no se hicieron necesarios ni el papel, ni preguntas, la entrevista se convirtió en una amena charla, como si fuésemos colegas que hemos quedado a tomar algo en un club.

Vamos a empezar por una sencilla. ¿Qué vamos a encontrar en ‘The Connection’?

(T) “Estamos realmente entusiasmados con este nuevo álbum porque creo que en él hemos sido capaces de reflejar lo que hemos ido creciendo durante los últimos diez años de la banda, y hemos logrado hacer el disco que queríamos hacer. Además, hemos sentado un poco las bases de hacia dónde queremos ir en el futuro (C) “Con los anteriores discos llegamos siempre corriendo a la grabación. Sin embargo, ahora tenemos nuestro propio estudio. Nos hemos tomado nuestro tiempo para que al entrar pudiésemos alcanzar lo que queríamos, sin presiones”.

(T) “Es que durante los últimos tres discos nos habíamos metido en la rutina de terminar la gira, meternos en estudio, grabar el disco y volver a salir. Esta vez hemos dispuesto de más tiempo”.

Pero tampoco ha cambiado mucho porque estuvisteis de gira el año pasado (T) “Sí, pero lo disfrutamos de otra manera. No teníamos esa sensación de “tenemos que parar para grabar el disco”. Al hacerlo en nuestro estudio íbamos mucho más 24

relajados. De hecho, creo que ha influido incluso en las letras, que son mucho más positivas. Se nota que ahora nos sentimos bien… te sientes sexy” (risas).

(C) “Eso es lo que quieren todas esas zorras” (risas).

O sea que habéis ido componiendo durante la gira ¿no?

(T) “Sí, aunque ahora es un poco distinto. Estando de gira no tenemos mucho tiempo para meternos en una habitación a componer todos juntos, pero sí que podemos llevarnos equipo con software de grabación y aprovechar las nuevas tecnologías a nuestro favor. De hecho, no se ha demorado mucho el disco porque yo he podido llevarme el portátil y, junto a un teclado midi, una guitarra y el bajo, ir grabando un buen puñado de ideas. Después, nos hemos llevado todo eso al estudio y hemos podido trabajar juntos tocando los temas en directo”. ¿Te encargas tú de todas las estructuras?

(T) “De bastantes de ellas. El caso es que la manera que tenemos de componer va cambiando. Lo mismo empezamos un tema con un ritmo de batería o con un loop, con un sintetizador. Nos podemos tirar horas con una parte hasta que nos mola a todos”.

(C) “La de “Walking Dead”, por ejemplo, la empezamos con un ritmo que estaba tocando Tony (Palermo, batería). Le dijimos que lo continuase y nos pusimos a improvisar encima hasta que fue creciendo el resto de la canción. Luego hay cosas que nos ha ido enseñando Tobin que nos han dejado flipados. Era como “joder, eso suena a P. Roach colega (dice entusiasmado). Vamos a trabajar en eso!”. Recuerdo que estábamos trabajando en “Before I Die” que es un tema todo electrónico y dijimos de ir mutándola para llevarla a otro nivel, haciéndola más rockera, y que sonase a Papa Roach”.

(T) “En este disco nos hemos dejado llevar por nuestras vibraciones, por cosas que sonasen frescas y excitantes. Siempre que hemos asumido este tipo de riesgos nos hemos sentido emocionados. Lo que no queremos es ser una banda que sólo tenga una dirección en la que moverse”.

(C) “Recuerdo que uno de los primeros temas distintos que hicimos fue “Scars”. Era jodidamente distinto pero fantástico”. ¿En algún momento de vuestra carrera habéis perdido ese entusiasmo que describís?

(T) “No, porque siempre nos ha emocionado escribir canciones y tocar en directo. Es excitante poder plasmar algo que tienes en la cabeza y escuchar eso mismo cuando estamos todos juntos ensayando. Te imaginas el tema tocado en directo y viendo la reacción de la gente. De eso va todo esto. Seguimos teniendo esa pasión y ese hambre por seguir haciendo lo que hacemos”.

En este disco encontramos partes que se separan musicalmente de lo que habéis

“Tenía que probarme a mí mismo que podía ser también un cantante de Rock. Esa era la meta porque cuando sacamos el primer disco nadie nos respetaba. Vendimos un montón de discos sí, pero no teníamos ese respeto así que teníamos que ganárnoslo”.

Jacoby Shaddix

hecho hasta ahora pero ‘Love Hate Tragedy’, ‘Getting Away With Murder’ o ‘Paramore Sessions’ están ahí, no sé si de forma inconsciente. Con este disco seguís otra dirección, pero ¿era esencial que sonase también a vuestro material más clásico o volver a los viejos Papa Roach?

(C) “Para mí este disco representa lo que somos. Por un lado quisimos mirar nuestra carrera y reagrupar todos los estilos que hemos practicado durante todos estos años.

Vimos lo que molaba de los primeros Papa Roach y queríamos recuperar aquella jodida crudeza. Pensamos enseguida en “Broken Home” y todas aquellas temáticas tan personales, también en las partes más rapeadas recuperando todas aquellas ideas para volver al primer álbum. Además cogimos la experimentación de ‘Love Hate Tragedy’ y de ‘Getting Away With Murder’, la emoción de ‘Paramore Session’ y ¡bang! Lo juntamos todo, unimos lo mejor de Papa Roach para plasmarlo en un disco.

Igualmente creo que ha influido el hecho de haberlo grabado en Sacramento, en casa.

Recuperamos aquellas vibraciones porque de ahí es de donde venimos. Veíamos a diario esas caras familiares de la gente que estaba allí con nosotros cuando hicimos “Infest”. Eso generó cierto tipo de nostalgia mientras estuvimos haciendo este nuevo disco aunque, obviamente, hemos crecido como personas y nuestra mentalidad es diferente. Todos esos elementos han influido en el sonido, en la energía que tuvimos durante el proceso creativo. Creo que este disco unifica lo mejor de Papa Roach en el 2012 pero con cosas de la vieja escuela aquí y allá. A mí me ha molado mucho hacerlo,

de hecho me dije “joder, voy a intentar volver a rapear de nuevo”. Cuando lo hice me quedó super macarra y me encantó. ¿Cómo había podido dejar de hacerlo durante tanto tiempo? Pero sé que tenía que probarme a mí mismo que podía ser también un cantante de Rock. Esa era la meta porque cuando sacamos el primer disco nadie nos respetaba. Vendimos un montón de discos sí, pero no teníamos ese respeto así que teníamos que ganárnoslo. Era importante para nosotros. Además de que si no hubiésemos cambiado de estilo, como lo hicimos, habríamos muerto cuando murió el New Metal. Ahora tenemos una historia por eso. Si experimentamos después de ‘Infest’ fue porque nos habíamos vuelto populares haciendo Rap Rock pero no era lo único que nos interesaba”.

(T) “En ese sentido Red Hot Chilli Peppers siempre han sido una influencia para nosotros. Empezaron siendo una banda muy loca de shock rock, con un punto funky y míralos ahora. Han madurado muchísimo como compositores, aunque se volviesen más melódicos. También tienes ahí a Beastie Boys, que hacían Rap o Punk, según les diese, o a los jodidos U2, que lo mismo te hacen un tema con electrónica. Ese es el tipo de banda que somos nosotros”.

Pero ‘Infest’ también tenía temas épicos, vale que los singles se ceñían más al Rap metal pero había temas muy buenos que no tenían nada que ver. La verdad es que sí que habéis crecido muchísimo. De hecho, en la última entrevista terminamos hablando de lo jovencísimos que se os veía en el vídeo de “Last Resort” (carcajada).

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(C) “Joder tío, es que aquello fue una puñetera bomba. Éramos unos jodidos niños calientes como hornos. Coños, dinero y drogas todo en uno” (risas).

La verdad es que me alegro de que hayáis recopilado todo lo que habéis sido, dejando a parte ese tope Primus que teníais al principio (nos partimos de risa mientras Coby se pone a hacer ruidos de slapping de bajo).

(T) “Qué vergüenza tío. Evitemos sacar ese tema” (risas).

Vale, volvamos a ‘The Connection’. Todos los temas encajan a la perfección. ¿Cómo cuántos teníais?

(T) “Estoy de acuerdo contigo. Teníamos quince y uno que no completamos, después los fuimos ordenando para que hubiese una vibración especial. Queríamos que al escucharlo de principio a fin diera muestras de lo que es la energía de Papa Roach, especialmente la de directo, la que hace que la gente se ponga a dar botes.

La verdad es que no terminamos de ver cómo encajaban los temas hasta que no llegó Coby y metió las voces. Ni en un millón de años hubiese pensado lo bien que

“Son muy vulnerables, muy personales. Hay mierda jodidamente oscura en el álbum.

Hablo de relaciones, de dolor, y también hablo de descubrirme a mí mismo, de emociones muy crudas”.

Jacoby Shaddix

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podía encajar en la música que estábamos haciendo los versos rapeados de Coby.

Cuando lo hizo todo sonó fresco y el álbum cobró la coherencia que tiene en ese momento. Con lo que estuve nervioso fue con incorporar partes electrónicas, porque pensé que tendría que convencerles para incluirlas. Se lo comenté como con miedo en plan “¿Qué os parece si incorporamos esto?” y la respuesta fue “joder SI!”. Sabía que podía funcionar porque soy muy consciente de cuál es nuestro estilo, de lo que hacemos. Lo que no vamos a hacer nunca es algo de lo que no estemos 100% seguros. Tiene que ser creíble, real”.

Habláis como si estuvieseis descubriéndos de nuevo a vosotros mismos.

(C) “Joder sí tío. De hecho, estoy impaciente ya por hacer otro disco” (risas).

También nos encontramos a los Papa Roach de siempre en las letras. ¿Qué puedes contarme de ellas?

(C) “Pues que son muy vulnerables, muy personales. Hay mierda jodidamente oscura en el álbum. Hablo de relaciones, de dolor, y también hablo de descubrirme a mí mismo, de emociones muy crudas.

Volví del infierno porque estoy sobrio de nuevo. Después de un montón de años jodido he vuelto a estar sobrio y ahora estoy feliz. Durante el proceso de grabación rompí con mi mujer y nos reconciliamos, lo que además me provocó muchos altibajos porque además fue por mi culpa, por mis acciones. Eso me hizo tomar responsabilidades y redescubrir quién coño era. Quizás fue lo que mejor que me podía pasar. Fue muy doloroso lo que pasó pero me hizo darme cuenta de cómo era mi vida y pude reorientar mi camino. Como una bofetada en la cara que me decía que la vida podía ser buena si cambiaba mi perspectiva. Si cambiaba mi forma de pensar la vida podía ser maravillosa porque el resto del mundo no era el problema., lo era yo. Pero, me hizo falta esa bofetada para darme cuenta”.

Tus letras siempre han sido muy directas. Nunca has intentado ocultar nada.

Escuchas “Burn” o “Scars” y relatan un momento concreto y parece que van dirigidas a alguien específico. ¿Alguna vez alguien te ha pedido explicaciones?

(Risas).

(C) “Es divertido porque Dave Buckner, nuestro antiguo batería, en una ocasión me preguntó si “Burn” hablaba directamente de un antiguo mánager nuestro y mi respuesta fue un bufido, aunque obviamente sí que era para él (risas). Me alegra que lo pillase Dave, porque está claro que el mensaje llega”. ¿Alguna vez te has sentido demasiado expuesto a la gente haciendo ese tipo de letras?

(C) “Un poco, pero siempre lo voy a hacer

así. Soy como un libro abierto y siempre voy a ser así. Conforme yo lo veo, el Rock es mi jodida terapia. Papa Roach me sirve para desfogarme, para sacarlo todo”.

(T) “La verdad hay veces que duele, pero es que somos así. Es la verdad y hablamos de mierdas reales”.

(C) “Además, tampoco me veo escribiendo de mierdas políticas”.

A lo que voy es que mucha gente puede haber estado en una situación parecida, pero luego no se suben a un escenario y se lo cantan a miles de personas (Risas).

(C) “Ten en cuenta que yo estoy sólo cuando escribo todo eso y le hablo a la canción, no a alguien en particular. Una vez que se ha puesto el disco en la calle es otra cosa. Es más bien un “ok, aquí estoy. ¡Echad un vistazo!¡Estoy jodido otra vez!”” (risas).

También podéis volver a la gente loca con el significado, como cuando hicisteis el vídeo de “Getting Away With Murder”. Lo veías y pensabas “para mí que este tema no habla precisamente de Wall Street” (más risas).

(C) “Pero es que ahí el directo le dio su propia visión. Yo le había dado a la letra mi perspectiva, él le dio la suya”.

(T) “Si nosotros hiciésemos el guión de nuestros vídeos serían todos muy jodidos”.

(C) “En ese sólo habría habido drogas (risas). ¿Sabes a lo que me refiero? ¡Una locura! Lo más escalofriante de ese video es que el directo acertó de pleno en lo que iba a pasar luego en la vida real” (ndr. Se ve como Wall Street queda destrozada).

PARTY... HARD? Después de toda la ronda de entrevistas y tras un ligero descanso, hora de asistir una fiesta semi privada en el Club SAGE organizada por su sello. Allí tendríamos barra libre (jodienda el no beber) y la misma banda iba a pinchar unos cuantos temas de adelanto para el público alemán.

Con cierto retraso después de callejear como locos, tanto Pablo (Rockzone) como un servidor, llegamos al SAGE quedándonos atónitos no sólo con el club (dividido en varios ambientes, a cada cual más raro) sino también por la cantidad de gente que había un miércoles por la noche.

Accedimos a una zona VIP en una de las salas en donde había una piscina. Sí, en mitad de Berlín un garito con una piscina enmedio. Lo mejor fue cuando llegó la banda y el revuelo que se montó. Mientras estos se tiraban a por el agua directamente, el resto de la sala seguía con su ingesta etílica hasta que tres chicas, ávidas de acercarse a Coby Shaddix y compañía, decidieron quitarse la ropa y cruzar la piscina hasta llegar a los músicos. Así sorteaban a los guardias de seguridad que restringuían el acceso y lograron su objetivo, intercambiar un rato de charla con PAPA ROACH. No es que fueran la Creme de la creme, pero las alemanas protagonizaron, sin duda, la anécdota de la jornada.

Creo que en el nuevo van a salir zombies. ¿Va a ser “Walking Dead” el primer single?

(C) “No, el primero va a ser “Still Swingin”. “Walking Dead” es otra de las canciones del disco pero no irá sobre eso. De hecho, es de mis favoritas”.

Es que vi antes de venir un fragmento de “Still Swingin”, pero pensé que era un adelanto. Luego al ver esas fotos que subisteis con Zombies pensé que ibais a hacer el otro.

(T) “Sé a qué te refieres. No sé cómo encajarán los Zombies en la historia pero tampoco tiene mucho significado. Lo único que queríamos era incluir algo que nos hiciera divertirnos poprque no podemos estar siempre serios”.

(C) “¿Has visto la serie? ¿La de ‘Walking Dead’?”.

Sí, pero solo la primera temporada.

(C) “Joder tío, es una serie increíble. La segunda temporada es impresionante. Te va a encantar. La tercera está a punto de salir”.

Es que me perdí los primeros episodios y no pude engancharme. De todas maneras he oído que es muy lenta.

(C) “Puff… qué les jodan. Es lenta, pero impresionante. A mí me encantan los personajes, los desarrollos argumentales, las historias entre los personajes…

Es una serie increíble”. ¿Así que los zombies saldrán en el vídeo?

(C) “Joder, sí tío”. ¿Y les matáis?

(C) “No, no me voy a convertir en asesino de zombies. Aparecerá un chaval en un New York post apocalíptico que será el único superviviente y él será el encargado de matarlos a todos. La verdad es que va a ser divertido”.

Bueno, habéis destrozado habitaciones (“Broken Home”), has destrozado tu cara (“Kick Me In The Teeth”)…. Sólo os quedaba matar Zombies porque lo demás ya lo habéis destruido (risas).

(C) “¿Qué coño? Es verdad, ¡tendríamos que haberlo hecho nosotros joder!” (más risas).

Normalmente las bandas como vosotros, antes de lanzar el disco, ya lleváis una temporada trabajando en la gira. ¿Cómo va a ir?

(C) “Es cierto. Ahora mismo ya tenemos algunas fechas cerradas en América y también iremos a Europa”.

(T) “Lo que no hemos visto es España en nuestro planes. Es una vergüenza porque hace mucho que no vamos para allá”.

(C) “¿Crees que la gente se sigue acordando de nosotros?”.

Por supuesto. Yo estuve en el primer concierto que disteis en Madrid ,que fue la hostia, pero después habéis vuelto sólo para un festival, el Kobetasonic.

(T) “Sí, me acuerdo. Tío, tenemos que ir para España”.

Esa transición que nos comentabais antes personal ¿ha afectado a vuestra manera de organizar las giras? Ahora incluso también tenéis familias.

(C) “Ahora vamos compensando. A lo mejor nos tiramos un mes de gira y otro mes en casa”.

(T) “Lo que pasa es que adoramos lo que hacemos y también tenemos que tener una motivación para hacerlo. Y te aseguro que deja de ser divertido si te tiras mucho tiempo en la carreteras”.

Os lo pregunto porque en “Broken Home” hablabais de que el padre nunca estaba en casa y puede darse la mala coincidencia de que tengáis el mismo problema si estáis mucho tiempo de gira.

(T) “Pero es que este es nuestro trabajo y

lo que hacemos. Gracias a esto sobrevivimos, porque en las giras es en el único lugar donde puedes ganar algo puesto que de la venta de discos ya no te llega nada”.

(C) “Sí, el dinero no crece en los árboles”.

(T) “Antes salías de gira una vez al año y ahora vas a casa una vez al año, que es distinto. Pero así está el negocio ahora mismo”. ¿Habéis visto el documental de Jim de Pennywise, de cuando decide dejar la banda para atender a su familia?

(T) “Sí tío, lo vi la otra noche, pero es que esto es una lucha para todos. Tenemos familias y niñas”.

(Se me acerca Coby me empieza a decirme por lo bajo) “Yo solo pienso en follarme a mi mujer cuando estoy fuera.

Quiero ver su coño” (se parte).

Tiene que ser duro programar una gira larga.

(T) “Sobre todo cuando te vas a tirar en la carretera quince semanas”. (De repente Coby sólo se pone a repetir “pussy” y a mover la lengua. Toby lo mira y si descentra. Del susurro pasa a hablar normalmente) (C) “Kelly ¿puedes mandarme una foto de tu coño?”.

Vale. ¿Eso es lo que pasa cuando estáis de gira?

(C) “Sí! (se parten). Es que mi polla está muy sola” (más risas).

(T) “De hecho, en nuestro camerino vamos a tener un apartado de fotos de nuestras pollas también. Ahora todo el mundo lleva móviles con cámara o portáiles así que es fácil intercambiarnos fotos”.

Lo voy a transcribir todo y la gente sabrá qué es lo que hacéis realmente cuando estáis de gira en camerinos, cuando estáis solos. Todos sabrán que os hacéis fotos en bolas.

(C) “Por mí no hay problema colega”.

(T) “¡Pero si todo el mundo lo hace!”.

(C) “Tío, ¿nunca te has hecho fotos de la polla?”.

Pues creo que no.

(C) “Eres jodidamente raro” (risas).

Bueno, normalmente tengo a mi novia al lado. No tengo que mandarle las fotos.

(C) “Joder, es verdad colega” .

Eso sí que sería raro, tenerla al lado y mandarle una foto.

(C) “Es cierto tío. Bueno, lo veríais todo distinto si estuvieses a miles de kilómetros de distancia”.

Después de un rato con vosotros os lo voy a preguntar abiertamente. ¿Tú (Tobin) eres la mente y tú (Coby) el corazón de la banda?

(Ambos) “Más o menos”.

(C) “Yo prefiero decir que yo soy la polla y él las pelotas” (risas).

O sea que os acabáis de correr encima de mi grabadora.

(T) “Pues más o menos” (carcajada).

Vale, no preguntaré a Jerry jamás cuál es su papel en la banda.

(T) “Él es el directo de la peli porno. El que rueda los making off. Alguien tiene que hacer el trabajo sucio”.

“ ¿Nunca te has hecho una foto de tu polla?

Eres jodidamente raro”.

Jacoby Shaddix

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Durante la escucha has hecho mucho hincapié en que querías hacer un disco muy variado.

“Es que la única premisa ha sido esa. Lo demás era dejarse llevar. Hay canciones que he sacado fuera porque se parecían entre sí. Luego a la gente lo mismo se la suda pero a mí, como compositor, me parecía un reto. En ese sentido me lo he pasado de la hostia porque me he dejado llevar y he indagado por ahí un poco.

Luego la gente lo escuchará y sabrá que soy yo el que está detrás porque tampoco hemos hecho una marcianada, pero tiene más colores que el anterior disco y eso era una cosa obligada”.

Pero ‘Señales de Humo’ también era variado.

“Porque partíamos también de esa premisa pero quizás no tan clara como en éste. En ‘Señales’ quería demostrar que tenía más música dentro que la que había compuesto hasta ese momento. En una banda es más difícil porque tienes un corsé impuesto por mil cosas. Estando aquí solo no tengo que pelearme con nadie. Si quiero meter el “Vals del Adiós” no tengo que andar convenciendo a nadie y esa libertad es cojonuda”. ¿Y no da un poco de miedo?

“Pasé más miedo con el anterior por venir de donde venía. Como funcioné por corazonadas y me salió bien he seguido así. Yo pienso que el artista, el 90% de las veces que se mueva, tiene que ser por el corazón y no por la cabeza porque si no 28

hubiese hecho un “copy paste” del anterior. En ese sentido me ido dejando llevar por corazonadas porque, de momento, me han ido saliendo bien y hay que seguir así. Lo mismo en algo me llevo una hostia, seguro, pero mientras sigan funcionando hay que dejarse llevar por ellas”.

En ‘Especies en Extinción’ es cierto que he notado más confianza, hasta en tu forma de cantar.

“Javi (Sanmartín) me decía que la voz estaba más suelta y me ha costado cantar porque, entre tema y tema, cambiaba también de registro. No sólo es que cambiase el registro sino también la intención y eso me ha costado un poquito más. Crecer no es sólo ver si vendes un disco más o una entrada más. Yo ahora mismo estoy en un momento inquieto en el que me apetece creer como artista. No es que haya sido la hostia pero sí que me he visto capaz de hacer canciones de otro tipo aunque trayéndomelas a mi forma de cantar y de ser. Las canciones en crudo sí que se pueden ir para un lado pero luego las metes con la banda y cambia el carácter. Hay gente a la que le dije que había cambiado en este disco, amigos míos, y cuando lo escucharon y me dijeron que seguía siendo yo. No sé a qué cantante le oí decir una vez “cada vez que he hecho un disco diferente y estoy contento con ello, viene el público a decirme que sigo haciendo lo mismo”. Lo mismo es una sensación mía sólo”.

Hombre, la marca “Rulo” está ahí.

“Pero porque eso es inevitable. Es que si me pongo a hacer un tango terminaría “rulorizado”. Estas once canciones también las ha hecho una sola personas. No sólo es que las esté cantando, sino que están compuestas por esa persona y eso es un filtro. A mí me ha resultado también muy divertido porque no puedo hacer treinta “P’aquí P’allá”, ni treinta “Heridas del Rock & Roll”. Ni siquiera lo voy a intentar. De hecho, “Heridas” salió porque no fui a buscar esa canción. Tengo la suerte de que en ese sentido puedo hacer lo que quiera. Luego los mismo al público no le gusta pero yo no tengo a nadie al lado que me diga “por aquí no”. Al revés, tengo a una banda a la que les llevo un blues, les digo de hacerlo nuestro, y se tiran a morder y darlo todo. Ahí he tenido la suerte de que tanto en lo personal como en lo musical es espectacular y puedo hacerlo. Pati por ejemplo ha tocado con mucha gente y pillar toda esa creatividad para mí ha sido brutal”.

Da la sensación de que dejas que se involucren mucho. En “A punto de Colapsar” o en “Amor En Vena”, con esa parte de circo húngaro, da la sensación de que ha habido una colaboración mucho más estrecha con los músicos que tienes al lado.

“A mí los músicos me han dicho que nunca han estado con nadie que les dejase hacer tanto. Les dejo participar mucho y, de hecho, les pido sinceridad absoluta.

Obviamente siempre decido yo pero soy

de escuchar a todo el mundo, porque de todo eso saco yo mis conclusiones.

En los arreglos Pati, especialmente, en estudio, tiene mucho más peso que en directo. Hay cosas que son suyas y de hecho, tienen un porcentaje de autores como arreglistas porque me apetece hacerlo así. La gente no lo suele hacer pero yo sí porque creo que es justo. Pati es el que más arregla porque es un grupo de guitarras y él tiene muchísimo gusto para hacer cosas. Le elegí además porque me gusta su estilo. El 98% de las cosas que hace me encantan y le dejo libertad. Aquí lo mejor es que no hay tema de egos. Todos trabajamos para la canción y el primero yo. Si estamos haciendo una canción que no mola soy el primero que me doy cuenta, la descarto y no pasa nada.

Para hacer estas 11 he hecho casi 30 y no es un rollo de lucimiento personal. En ese sentido, siempre han dicho que les dejo hacer mucho porque están acostumbrados a que les digan más”. ¿Aceptas bien las críticas? Hay músicos que te dejan escuchar las canciones buscando escuchar lo que quieren oír y si no es así se molestan. Tú sin embargo lo consensuas. ¿Lo llevas bien?

“A Javi, por ejemplo, es al primero al que le mando las canciones. Las hago en casa, con el iphone, en crudo, y es muy sincero. Alguna vez me ha dicho que le jode tener que decirme cosas malas pero es que si se la mando es porque tengo dudas. Con “A Solas” o “El Vals Del

Adiós” no tuve que preguntarle, pero sí que tenía algunas sobre las que tenía dudas y su opinión es muy válida para mí.

Tener a alguien que no te esté adulando constantemente y te diga las cosas de verdad está de puta madre porque el mayor beneficiado eres tú. Lo peor que puedes hacer es rodearte de músicos que te tengan miedo, de productores que también te lo tengan y con los que no tengas confianza porque, al final, puedes pensar que todo lo que haces es de puta madre.

Es entonces cuando no haces criba”.

Eso tampoco te habría impulsado a hacer algo tan variado. Habrías repetido ‘Señales de Humo’.

“Es que para mí habría sido lo fácil pero también lo más aburrido. Para mí era más divertido darle color. Con el talento que tienen los músicos y con el de Javi, que funciona como un músico más, logramos al final que las canciones crecieran y disfrutamos muchísimo, no como en otras grabaciones en donde había una tensión de la hostia. En ese sentido también he tenido mucha suerte porque me podía haber cojeado alguien pero no ha sido así. Todos tienen mucho gusto musical y tenerles cerca es una suerte. Casi todos los pasajes musicales son de Pati así que imagina”.

Me sorprende, y no quisiera ponerte en un compromiso, la buena relación que has hecho con Pati y sin embargo con Fito, con el que llevas más años, no trabajas tanto a ese nivel.

“Tú fijate, en el estudio Fito me dijo que él no quería grabar y tuve que decir que tenía que hacerlo porque Pati había cosas que no sabía tocarlas como él. Aunque en el rollo creativo un alto porcentaje sea de Pati, hay cosas que tiene que hacer Fito.

Es como que se sentía abrumado por la creatividad de Pati pero es que realmente abruma. En el estudio es una pasada. Con Fito tengo una relación especial. Lo mismo hago una canción y se la enseño al día siguiente tomando café y el también tiene la libertad de decirme realmente lo que piensa. Ha habido veces que no le ha gustado tener que decirme ciertas cosas, como a Javi, pero sabe que me lo tiene que decir. De hecho es lo que yo le pido, que sea sincero. Lo bonito de esta banda es que cada uno tiene su papel, hacen lo que mejor se les da y estamos contentos en ese sentido. La verdad es que hay mucho respeto mutuo. De hecho, Javi nos dice que es todo lo contrario a las bandas estándar porque aquí todos pensamos en el otro. Es respeto absoluto”.

Es curioso porque no trabajas al uso. Es un modo de trabajar muy de banda.

“Parece que es incongruente que yo diga que siempre me he considerado un músico de banda pero es que es así. Nosotros tenemos lo mejor de una banda y lo mejor de no serlo. Para lo que es lo bonito lo somos, pero lo que no puedo hacer es que para las cincuenta cosas que tengo que decidir al día hacer cincuenta reuniones en el local. Eso es frustrante y un agobio de la hostia. Ahora todo el mundo es feliz en su parcela y yo no tengo que hacer mil reuniones que sí que tenía que hacer para la otra banda. También creo que todas las bandas tienen fecha de caducidad e igual dentro de 8 años no tenemos esta magia pero ahora es bonita, la tenemos y es guay. Tener una banda estable está de puta madre porque si el año pasado terminó sonando muy bien imagínate después de otra gira. Intento cuidarles mucho al igual que ellos me cuidan a mí.

Ahora llevas un tema y es una gozada porque ya nos conocemos. Si en ‘Señales de Humo’ llevabas un tema como “Heridas” y lo hacían grande imagínate ahora”.

Pero es que ‘Señales’ era un retrato

más personal. Un tema como “A punto de Colapsar” quizás no habría tenido cabida en aquél, aun siendo los mismos.

“Otras sí como “Al Infinito”, “El Prota””…

Sí pero el prota tiene incluso un punto a La Fuga y a todo lo que compusiste en aquella época.

“También está “El Vals Del Adiós” que no es que no me hubiese atrevido a hacerlo sino que no hubiese salido así”.

Te noto, en términos generales, mucho más tranquilo, más confiado.

“Es que, inconscientemente, no es que esté confiado pero sí que estoy que quiero ir para delante. Cuando más miedo tuve hice cosas por corazonadas que me funcionaron y ahora si digo que tiro por un lado voy para allá. Lo mismo el “Vals del Adiós” hace cuatro años no me atrevo a publicarlo por lo que la gente pueda decir, por si me van a dar un palo o no.

Ahora me la suda”.

Bueno, no te puedes quejar. Yo os vi por primera vez en Rock Kitchen que no es una sala pequeña precisamente y habíais agotado una semana antes. Sólo unos meses después estabais en Riviera y ya ahí anunciaste que volveríais en diciembre (siete meses después). Ver eso, que la gente te respalda y que funciona dará cierta seguridad.

“Claro, ahí ganas en confianza. Yo pensaba que el público era más talibán y me he dado cuenta que no, que el que viene a vernos a nosotros nos exige canciones.

Eso te va dando autoconfianza y ahora cuando escucho “El Vals” o “Mi Pequeña Cicatriz”, que son las más diferentes, pues estoy muy contento con ellas porque no pensé yo que fuera capaz de componer algo así”.

Ya que estamos con ello. ¿Pensaste que ‘Señales de Humo’ iba a tener esa repercusión?

“Para nada. El que me conoce sabe que no, que estaba acojonado. Cuando se grabó el disco me fui a casa porque necesitaba alejarme de las canciones porque sabía que teníamos un buen disco.

No sabía a cuántos le iba a gustar pero sabía que curro íbamos a tener. Es que, si te soy sincero, no me ha dado tiempo ni a reflexionar de lo que me ha pasado en año y medio pero ha sido muy heavy. Sé que el 95% de los solistas no funcionan y es así. Hay gente que daba por supuesto que iba a funcionar en solitario, algún listo, pues los cojones. ¿A ver a quién no le tiemblan las canillas sabiendo que la mayoría se dan la hostia? Funcionó y nos dimos con un canto en los dientes. Yo es que también soy anti euforias porque si no te pegas la hostia. Imagínate que saco ‘Señales’ y mi objetivo es llenar la Riviera y no lo logro, aunque sí que hubiese llenado Rock Kitchen que no es moco de pavo. Claro, como no has logrado tu objetivo todo lo demás te parece una mierda.

Siempre voy con prudencia. Sabía que el disco estaba bien pero no pensé que fuésemos a tener tanto trabajo y que fuésemos a ir a México”.

En Rock Kitchen recuerdo que te vi muy emocionado.

“Y lo estaba. Estaba desbordado porque, además, tuvimos problemas técnicos y me mosqueé”.

Sí, con las petacas de los inalámbricos.

“Sí, es que era algo muy bonito que me estaba pasando y se estaba convirtiendo en un desastre. Al final tiramos para delante y listo. De hecho, la banda lo recuerda como uno de los mejores. Yo no porque, al tener problemas, no estuve al 100% aunque sí que estuve al 200% de patata. Los diez primeros bolos para mí fueron brutales porque no podía ni cantar. Disimulaba para que no se viese que

estaba llorando por dentro porque ese abrazo que nos dio el público fue demasiado. Medio año antes de eso yo era una mierda en mi casa. Lo sabe mi pareja y poca gente más. Todo el mundo me decía que me iba a levantar pero por mucho que te digan no te sirve para nada. Claro, de repente es el público el que te empieza a levantar y eso es una sobrada”.

He escuchado también otro talante en las letras. Si en ‘Señales de Humo’ había un sentido más de tristeza, de que lo estabas pasando mal por alguna ruptura, en éste se te ve por encima de eso. Como diciendo “¿me dejas? Pues que te jodan”.

“Y es un poco así. En “El Infinito”, por ejemplo, sí que hay un desgaste emocional y “El Vals” también es desgarrador en ese sentido. En “Mi Pequeña Cicatriz” hay una frase que dice “y aunque me apriete el frío parece que ahora soy feliz”, que lo que viene a decir es “desde que no estoy contigo estoy mejor, maja”. Es un recordar que es mejor así”.

A mí “Al Infinito”, por lo que vas diciendo, también me ha parecido desgarradora.

“En “El Prota” puede haber también un sentido parecido pero en vez de decir “ya no vamos a hacer lo que hicimos” se transforma en un “Nunca lo haremos”. ¿No te ha pasado de estar en una cafetería, ver a una tía pasar y pensar “¿cómo podría ser mi vida con ella?”?”. O incluso con alguien que has tenido un conato de relación y no ha seguido. Esa canción habla de eso, de lo que “nunca será” y en “El Infinito” hablo de lo que nunca va a volver a ser. Y luego el blues, “Mi Pequeña Cicatriz”, sería un “me va de puta madre sin ti”. Esta última es muy autobiográfica, que es a la misma chica catalana a la que le hice “Luna de Miel” (Ndr. La Fuga – ‘Negociando Gasolina’), que es una historia que se remonta once años.

Coincidió con una ruptura sentimental de Pati. Estaba muy jodido y me hablaba de cosas que le pasaban con su pareja y me recordó a lo que me pasó a mí con aquella chica. La historia que le pasó a Pati me refrescó a mí una historia que me había pasado hace 11 años. A mí esa cicatriz me la refrescó esa historia personal de Pati. Fíjate qué cosas pasan”.

Será porque al final todo es muy universal. Todos pasamos por unas etapas.

“A mí cuando me preguntan “¿hay más canciones de amor o de desamor?” les digo “pero si es lo mismo”. ¿Qué son canciones de amor, las que hacen en el pop fácil llenas de tópicos? ¿Eso es amor? No. Para mí una canción de amor y de desamor es lo mismo. Es que es como dices tú, que la vida son tres cosas. Salvo que te metas tripis, que no es mi caso, en los que empieces a hablar de marcianadas, la vida son tres cosas. No hay más. Cuando me preguntan “¿de qué

hablan tus canciones?” digo que todo el mundo hablamos de lo mismo pero que cada uno tiene su manera de contarlo.

Al final es que la vida se reduce a cuatro cosas y a mí si de algo me ha gustado hablar siempre ha sido de encuentros y desencuentros”.

También hay radica la magia de la música y de que nos cale, porque retratan cosas que nos suelen pasar habitualmente. Y pobre de aquel que no las haya experimentado porque quiere decir que ha vivido poco.

“Es lo que me pasa a mí. Yo soy fan de mucha gente y hay veces que piensas “cómo está contando ese hijo puta lo que he vivido yo hace un año o ayer”.

Lo de “hijo puta” lo digo con cariño. Eso me pasa con mogollón de bandas y a mí también me pasa. A mí me conmueve cuando voy a una firma de discos y me empiezan a decir movidas muy heavies, que te descolocan. Me encantan las firmas de discos por eso, porque me entero de mogollón de cosas. Lo mismo me puedo tirar cuatro horas y algunos sólo te saludan pero otros te cuentan cosas o te dan cartas que luego lees en el hotel y dices “me cago en dios”. Las canciones las hago para mí pero no pensé que pudiesen llegar tan allá. Hubo una pareja que me dijo que en su boda, en vez del Vals tradicional pusieron “Heridas del Rock And Roll”. Que el día de su boda, que se supone que tiene que ser muy especial, pongan un tema tuyo te demuestra el poder de la música. Es brutal”.

Ya estaréis preparando el directo y, claro, con el primer disco metías canciones de La Fuga. ¿Qué va a pasar ahora? ¿Qué vas a sacrificar?

“Pues lo poco que hemos hablado es que está guay que tenemos más canciones.

Lo mío, cuando dije que cantaba las canciones de La Fuga igual que “Mi Ceniciente” no es ninguna pose. Las canto igual, con la misma naturalidad y el mismo sentimiento. Ahora, más que caerse alguna, hemos pensado en mantener todas pero ir jugando. Lo mismo hay alguna menos de la Fuga pero también alguna menos del primer disco o igual alguna de éste se cae. Yo es que hay canciones que canto de La Fuga que se me sale el puto corazón por la boca porque para mí son canciones que sangré y así lo siento. Ahora podría decir de no tocar alguna canción de La Fuga por cojones o por ego, pero me estaría equivocando porque estaría perdiendo canciones que me gusta cantar. No es populista cantar “Por Verte Sonreir” sino más bien una necesidad y un placer que me doy yo. Es egoísmo casi. En ese sentido, ahora podemos jugar mucho porque con el primero estábamos más atados porque eran 11 y 11.

Ahora habrá más cambios y será más divertido, más rica. Podría haber dicho de quitar las canciones de La Fuga porque sé que la gente va a ir igual, no es un rollo de vender entradas, pero es que para mí son canciones muy especiales. Si no hubiesen sido mías sí que me tocaría mucho los huevos tocarlas en directo, pero como es parte de mi vida las seguiré cantando.

Yo lo que sé es que no voy a vender nostalgia y que puedo tocar una canción de hace un año u otra que me revuelve la patata que la hice hace quince. Estoy en paz con mi pasado en ese sentido. Quizás hay algunas que no tocaría porque las hice cuando tenía 15 años. “Por Verte Sonreir” la compuse a esa edad y la sigo tocando con 33, pero hay otras que hice que no me veo cantando porque no es honesto por mi parte. No es que reniegue de ello pero es que ya no me siento identificado con ellas. Todo lo que canto es porque me sale de dentro de las tripas”.

29

Pocas bandas hay que vuelvan al panorama con tanta dignidad como lo han hecho SKUNK ANANSIE. Después de un tiempo separados, experimentando cada uno por su lado, volvieron a juntarse con ‘Wonderlustre’ como si nada hubiese pasado. Pero ahí no quedó la anécdota. No fue algo temporal para recolectar. SKUNK ANANSIE volvían a encontrar

la chispa escribiendo juntos y eso ha desembocado en un segundo disco “post-separación” aún mejor. ‘Black Traffic’ tiene todos los ingredientes que hicieron destacar a los ingleses en los 90 pero mejorados, con una SKIN en estado eterno de gracia que conduce temas tan dispares como brillantes. Volvemos a ponernos al habla con ACE (guitarra) para que nos cuente más cosas sobre este trabajo y también para que nos diga qué veremos cuando vengan de gira.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO

Es un placer hablar contigo de nuevo. No sé si te acuerdas pero nos vimos en Madrid, cuando estuvisteis aquí la última vez. “¿En la sala que tenía una palmera?”

Exacto.

“Claro que acuerdo. Es la única sala en toda Europa que tiene unas palmeras en medio (carcajada). Es difícil no acordarse de algo así”.

Supongo que también lo recordaréis por cómo os recibió la gente. Yo me quedé impresionado por vuestro estado de forma y por la energía que desprendíais. No sé si la quisisteis conservar para el álbum, porque es más enérgico que los anteriores.

“Yo creo que tiene una energía distinta. Este disco rezuma una cierta energía, o química quizás, que nos ha hecho escribir las canciones con ese tipo de ánimo, pero más o menos la energía era parecida a los anteriores. Sí que puede estar un poco más enfocado a lo que es la banda en directo o a lo que ha sido volver a juntarnos y tocar delante de nuestros fans, cosas que te influyen. Cuando nos pusimos a hacer ‘Black Traffic’ habíamos vuelto de gira después de haber estado unos años desaparecidos. Habíamos estado tocando en festivales y en conciertos, volviéndonos a encontrar con otras bandas que conocíamos, y volver a todo eso nos ha dado otro tipo de energía. Este disco sin duda es el producto de haber llevado ese ritmo de vida y por eso suena como si fuese un disco en directo, con la vibración de haber estado dando conciertos y haciendo festivales. Yo creo que a eso se debe que ‘Black Traffic’ tenga un mayor peso energético”.

Lo que he escuchado ha sido una mayor libertad a la hora de componer.

“Sí que es, definitivamente, más experimental. Le estuvimos dando vueltas a cómo íbamos a plantear el disco y nos dimos cuenta de que, ahora mismo, no se venden discos y ni la gente se mete tan a fondo en conocer a las bandas como antes. Con lo cual, decidimos hacer un disco que nos gustase a nosotros sin preocuparnos que tuviese singles comerciales. En ese sentido trabajamos con mucha libertad, además de que lo hemos sacado con nuestra propia compañía así que no había nada que pudiera paralizar la salida del álbum. Por ese motivo, estuvimos muchísimo tiempo experimentando, construyendo y deconstruyendo canciones, probando cosas nuevas. Era un poco volver a la época en 30

la que hicimos ‘Post Orgasmic Chill’, pero habiendo alcanzado un alto grado de madurez en la composición, sabiendo mejor que en aquella época qué podíamos ir probando para que fuesen creciendo las canciones, aunque tuviésemos que añadir partes más Pop”.

A mí me ha sorprendido esa habilidad para combinar el Rock con bases electrónicas. Es muy complicado hacer eso sin perder la identidad de una banda y vosotros lo habéis logrado.

“Mantener nuestra identidad ha sido fácil porque no hemos encontrado ninguna dificultad haciendo lo que hemos hecho.

En la banda somos todos muy distintos y por separado nuestros gustos son muy dispares. En el momento en el que nos ponemos a trabajar juntos lo que hacemos es incorporar los gustos de cada uno en nuestra música porque sabemos que es lo que nos funciona. Si fuese una persona la que hiciese todo, el resto no estaría feliz, a no ser que sean cuatro tíos que estén siempre juntos que sólo amen a AC/DC. Pero aquí a Skin le gusta Blondie, a Mark le gustan Iron Maiden, a Cass le gustan Sly & The Family Stone y a mí me gustan Black Sabbath o Sex Pistols.

Lo que hemos hecho ha sido mezclar todo eso para sentirnos bien. De forma

consciente no hemos dicho “vamos a sonar de tal manera” sino que ha sido lo que ha pasado. Lo bueno que tiene esta banda es que no sabes dónde te puede llevar un tema porque tenemos muchas opciones”.

Creo que esas caras se ven en el álbum.

Tenemos la intensidad de “This Is Not A Game”, un rostro más punk en “Sticky Fingers in Your Honey”, otra más íntima en “I Hope To Get To Meet Your Hero”.

De hecho, tengo la sensación de que están muy bien elegidas, y de que teníais más. ¿Es así?

“Pues sí. No sé cuántas teníamos pero alrededor de 30 canciones para el disco.

De esas grabamos quince que no han ido todas en el álbum. Alguna se ha quedado para meter algún extra o para venderla en Itunes. Pero sí, elegimos los mejores temas porque teníamos un montón que habíamos estado componiendo aquí y allá así que juntamos las que mejor funcionaban a nivel colectivo”.

Estaba vez habéis trabajado más estrechamente con Chris Sheldon. Ya trabajó con vosotros en ‘Wonderlustre’ aunque como ingeniero.

“Sí, es cierto. El anterior lo produjimos nosotros, pero tiramos muchísimo de él así que esta vez nos dijimos “vale, quizás deberíamos dejar que se involucrase

esta vez porque la otra vez lo freimos a preguntas” (risas). Teníamos muchas ideas y él es brillante así que esta vez le preguntamos si quería coproducir del disco con nosotros porque, además, tiene ideas fantásticas. Trabajamos muy duro en estudio porque nuestro marco de trabajo es un poco extraño. Empezamos deconstruyendo las canciones. Éstas están llenas de beeps, loops y samplers y luego tocamos nosotros encima en directo para después rematarlas (se ríe).

Es como una obra maestra hacer algo así y te diría que es el disco más complejo que hemos hecho hasta ahora, aunque a la vez en el que más hemos disfrutado.

En ese marco, Chris era el tío perfecto porque nos conoce perfectamente y ya habíamos trabajado con él, con lo cual, las sesiones eran muy intensas pero muy productivas”.

Después de haber escuchado “I Hope To Get To Meet Your Hero”, y todos sus arreglos, me gustaría preguntarte si todo eso lo llevabais en la cabeza desde el principio o surgió en el estudio.

El tema es simple y va creciendo con los arreglos.

“Pues esa en concreto la hicimos como si fuésemos a tocarla en directo, tocándola todos a la vez, y la idea inicial era el no complicarnos mucho, el hacerla realmente sencilla. Queríamos que conservase ese impacto. Así es como la grabamos y luego nos la llevamos a otro estudio para meterle los arreglos de cuerda y que Skin rehiciese la melodía de voz. Posiblemente sea el tema más desnudo pero es muy abierto, dará la sensación de espacio a la gente que lo escuche”.

En el disco hay temas impresionantes como “Satisfied”, “Drowning”, “This Is Not A Game” o “Sticky Fingers In Your Honey”. Con las que teníais para elegir, ¿por qué como adelanto salió “Sad, Sad, Sad”?

“Bueno, la verdad es que han salido distintos singles en distintos países. ¿En España ha sido “Sad, Sad, Sad”?”.

Creo que sí (ndr. en realidad era un adelanto que habían subido ellos a su web).

“Bueno pues lo mismo eso cambia. Nosotros hacemos propuestas y lo mismo en algún país piensan que el que hemos elegido no mola y que hay otro que puede funcionar mejor. Esta vez, como es nuestra compañía, le dimos libertad a la gente que iba a trabajar con nosotros que vieran cuál era el tema que creían ellos que podía funcionar mejor en su país. Esa es la libertad que tienes a la hora de tener tu compañía, que puedes hacer lo que quieras. Estuve en Bélgica (creo) y nos dijeron que querían que el single fuera “Our Summer Kills The Sun” y fue como “¿En serio?”. Y claro que lo estaban. Pensaban que a la gente le iba a gustar. En Inglaterra el single es “I Believe

In You” porque es lo que los ingleses quieren. “Sad, Sad, Sad” fue la que nosotros elegimos porque es una canción muy divertida y nos lo pasamos muy bien haciéndola, además de que marcaba una dirección distinta. Eso quiere decir que en España habéis coincidido con nosotros (risas), cuando en otros países han elegido alguna distinta. De todas maneras, al final del día todo eso importa poco porque luego irá la gente a Itunes y comprará la canción que quiera. Es un mercado totalmente distinto ahora mismo”.

La verdad es que si hubieseis lanzado “This Is Not A Game” se habría establecido un vínculo con vuestro pasado y mucha gente no habría notado el cambio.

“Es cierto. Antes lanzabas un single como, por ejemplo, “I Can Dream” y a lo mejor se volvía masivo en Francia pero no pasaba nada en Bélgica. Luego editabas “Weak” y triunfaba en Bélgica… pero en ningún otro país más! Eso pasaba cuando la gente compraba los singles físicos.

Ahora pones todo el disco y la gente elige qué temas son los que quieren comprar y, como compañía discográfica, no puedes controlar eso”.

Tienes que ser algo extraño. Imagina que alguien te llega y te dice “estás teniendo muchísimo éxito con tal canción… en Turquía”.

(Risas) “¡Pero es que eso nos pasó en el pasado! (risas) Íbamos teniendo éxito en distintos países con distintas canciones”.

Bueno, al menos podréis hacer gira por Turquia (más risas). Para terminar, la gira fue anunciada antes de que editarais el disco. La última vez que nos visitasteis la verdad es que fue un shock también visual. ¿Cómo será esta vez?

“Por eso no te preocupes porque el impacto visual va a estar ahí. Skin va ir con una ropa muy impactante. Vamos a llevar un nuevo juego de luces y un montón de cosas más para montar un buen espectáculo porque para nosotros es también es importante. Vamos a tocar los temas de ‘Black Traffic’ todavía más potentes que en disco y estamos emocionados con el arranque porque queremos eso, que el concepto de show sea en todos los sentidos, tanto a nivel de música como de escenografía y de vestuario. Te aseguro que la gente saldrá alucinada al final del show. Será 100% pura energía”. ¿Y os volveremos a ver con las plumas?

(Risas) “No, no habrá plumas esta vez.

Lo curioso es que Skin nos ha contado, más o menos, cómo va a ser la ropa que va a llevar en el escenario, pero no nos la ha enseñado ni a nosotros! (risas) Lo ha mantenido en secreto y quiere sorprendernos en el primer concierto de la gira. Nos ha dicho que son alucinantes y ya pueden serlo porque se ha tirando 6 meses haciéndolos (carcajada). Yo ya ni le pregunto porque siempre me dice que espere al primer show y que ese día incluso se encerrará en el camerino para que no lo veamos hasta momentos antes de saltar al escenario. Cuando la gente la vea en el primer show, será también para nosotros la primera vez que veamos como sale” (risas).

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Hay muy pocas bandas que, estando en el underground, hayan logrado alcanzar el cuarto de siglo en activo. MAD SIN, sin embargo, sí que han sido capaces de alcanzar ese aniversario, y eso que el camino, según nos cuenta KOEFTE deVILLE (vocalista) no ha sido nada fácil. Le llamamos directamente a su casa en Alemania para hacerle una entrevista corta y terminamos quedando con él para tomar unas cervezas en Albacete (de donde es su novia). Entremedias hablamos de su nuevo DVD, ‘25 Years - Still Mad’, del libro que está escribiendo, de lo dura que es la vida en la carretera y de juergas salvaje junto a Lemmy de Motorhead.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO 32

Bueno, antes de nada felicidades por ese 25 aniversario.

“Vaya, muchas gracias” (risas).

No sé si esperabas cumplir tantos años cuando formaste Mad Sin “Para nada. De hecho, ni siquiera pensé que pudiésemos tener una carrera. Mad Sin empezó porque teníamos que hacer algo. En aquella época estaba en el colegio y tenía un montón de amigos que estaban en bandas. De hecho, todo el mundo tenía una banda. Daba igual si tocabas mejor o peor o si hacías Punk, Metal, Rocabily o lo que fuese.

Lo hacíamos porque no había otra cosa que hacer. Ahora la gente tiene ordenadores y cosas de esas pero en aquella época no te quedaba otro remedio. Si hemos aguantado es porque me metí más de lleno en todo esto, más que otra gente. Al principio de los 80 nos hicimos un hueco en la escena psychobilly e íbamos tocando aquí y allá, aunque no éramos muy buenos (risas). Empezamos como trío, sin saber cómo, fuimos evolucionando y a mediados de los 80 ya éramos una banda seria. Se puede decir que hemos sido dos bandas distintas, la que empezó y la que conoces ahora, que inició a mediados de los 90. Cuando comenzamos éramos un trío y yo tocaba la batería y cantaba, era un estilo completamente distinto. La música ni siquiera tenía ningún valor, sólo era algo divertido”. ¿Habíais descubierto ya a The Meteors?

“Sí, claro. Empecé a escuchar Rockabilly en 1981 y dos años después descubrí el Psychobilly, debía tener unos 11 años. Recuerdo que fui hasta un Teddy Boy, imagínate. Desde siempre he estado metido en la música, he sido un gran coleccionista de discos y he intentado ir a todos los conciertos que he podido. Incluso he robado discos cuando no he tenido dinero. Como ya me había metido en todo el rollo psychobilly fui al primer concierto de The Meteors en el 83, en Berlín. Así que imagínate si les había descubierto”.

Teníais la intención desde el principio de ser una banda de Psychobilly pero…

“Espera, espera, espera, déjame decir una cosa. Quizás al principio sí que lo fuimos pero ya no somos una banda de Psychobilly. Nuestros tres primeros discos sí que pueden estar en ese género, pero a partir de los noventa nos metimos más en el Hardcore Punk o como quieras llamarlo. Luego incluso nos volvimos más salvajes. Así que, sólo en nuestras raíces hacíamos psychobilly”.

Es que eso es lo que te iba a decir. Este recopilatorio en directo es la evidencia de que Mad Sin siempre ha sido una banda mucho más abierta. Tiene Punk, tiene Rock e incluso Heavy.

“Es que siempre he escucho Rock & roll de los 60´ pero también Garaje, Punk Rock, Hardcore, Rock… hasta música Country o R&B. Además me encanta la música Swing.

Vale que parezco un Psychobilly y mi aspecto es el característico de alguien a quien le gusta esa música pero es que es así como me gusta ir y nunca he visto ningún problema. Sólo porque me guste otro tipo de música no tengo porque verme raro vestido de psychobilly. Me apetece ir como me da la gana, sin pensar si es correcto o no. No quiero vestirme como me digan en la escena, aunque yo mismo sea parte de ella. La escena Psychobilly es muy pequeña. Somos casi como una familia repartida por el mundo. Aquí es donde me siento como en casa, pero siempre he ido a otro tipo de conciertos. Vi a Ray Charles cuando tenía 5 años, y si ahora hay alguna ópera que me interese voy, aunque al día siguiente esté en un concierto de Hardcore o de Psychobilly.

Por supuesto, soy un Psychobilly de corazón y eso no va a cambiar”.

Supongo que cuando un artista quiere crecer necesita nutrirse también de otras cosas.

“Exacto. Si te das cuenta cada disco de Mad Sin suena distinto, sin embargo, siempre va a sonar a nosotros porque mi voz es muy característica y hay ciertas cosas que son típicas nuestras. El próximo disco no será tan rápido, porque no queremos que todos los álbumes suenen veloces. En ‘Burn And Rise’, por ejemplo, hay muy buenas canciones y adoro ese disco, pero queremos rebajar la velocidad y que sea más oscuro, más profundo, porque no quiero que nos convirtamos en una banda de comic.

Era divertido en los 80´, 90´ y a principios del nuevo milenio pero ahora me siento distinto. Soy más mayor y necesito una superficie más lisa para cantar. Las canciones que incluirá el disco que lanzaremos el año que viene serán más básicas. Volviendo a lo que hablábamos. El próximo disco no será de psychobilly porque realmente no somos una banda que practique ya ese género, además de que es una etiqueta que te limita bastante. Dentro del Metal, por ejemplo, tiene un gran espectro. Tienes Thrash Metal, Death Metal, Power Metal, Black Metal o Heavy Metal. El espectro es mucho más amplio. Sin embargo el Billy es un estilo específico. Es como el Ska. Son estilos demasiado característicos y si te sales ya no estás haciendo Psychobilly. Si escuchas a Madness está claro que hacen Ska, pero evolucionaron hacia algo más. Quizás no sean el mejor ejemplo, pero es algo como lo que nos pasó a nosotros”.

Muestra de lo que dices es que en este directo nos encontramos temas como “TCS” o “Straight To Hell” que se desmarcan de ese sonido. La primera incluso suena a Motorhead. “¿Tienes la versión en audio del concierto?”.

Sí.

“Vale, te voy a contar una cosa (se empieza a reir). En ese concierto tuvimos mogollón de problemas con las guitarras porque, normalmente, sólo llevamos un guitarra para darle un sonido más Heavy Rock y otra la llevamos para que toque más al estilo Psychobilly, con delay. Pero en este concierto (sigue partiéndose) no funcionaron los efectos así que las dos guitarras sonaron super heavy. Por eso te ha sonado a Motorhead, pero no pasa nada porque están entre mis bandas favoritas como Ramones, The Shadows o los primeros Madness”.

Bueno, Motorhead eran casi una banda Punk en sus inicios.

“Es cierto, aunque ellos hacían solos, algo nosotros nunca hemos hecho. Pero sí, adoro su música. De hecho, tío, todo al final es Rock & Roll, el que se hacía en los 50´”.

En realidad todo viene de ahí, sólo cambia la distorsión y la velocidad.

“Exacto. Mira, yo soy un gran fan del Rockabilly que para mí es como el Punk de los 50. El Rock & Roll estaba un poco más producido y el primer Rockabilly era una mezcla del Rythm & Blues y Country. Cuando escucho algo reconozco esas raíces porque son las bases de todo. Incluso algunas veces he metido algunos coros más Pop porque… ¡también me gustan las melodías! Creo que soy un buen cantante (se ríe)… Bueno, para este estilo no soy demasiado malo, ponlo así (risas). Y siempre intento meter cosas nuevas con mi voz, porque si no me terminaría aburriendo de hacer todo el rato

lo mismo con ella. Eso no sirve para Lemmy porque todo lo que hace es brillante (risas)”.

La verdad es que no sé cómo ese tío se mantiene en pie. De hecho, escuchas sus últimos discos y no sabes muy bien cómo lo ha hecho.

“Pero los últimos discos suenan muy parecidos (risas)”.

Sí, pero si escuchas el último es increíble. Ese tío tiene que tener el cerebro frito y aún así sigue sacando discos por encima de la media. No sé cuál será su secreto.

“El secreto es que es un working class (risas). Es un trabajador de la vieja escuela inglesa: necesita beber y estar en activo. De hecho, para mí que se conserva en alcohol (risas). Yo le conocí hace unos años, después de un concierto en Berlín, en los camerinos. Nos pusimos a beber juntos y, no sé si debería decir esto pero te lo digo (sonríe), llevaba drogas encima y le ofrecí. Me preguntó que qué era y le dije que colombiana y me dijo que no, que no le gustaba. Un amigo mío llevaba Speed y cuando lo vio empezó “oh, sí, sí, sí” (risas). De repente sacó una tarjeta de crédito, una visa de Lemmy Kilmister, y se la tiró para que currase. La verdad es que lo pasamos muy bien”.

Sí, pero sólo una noche. ¡El lo hace de seguido! (risas) “Es una locura, pero por eso soy fan de esa gente. Yo no es que tenga muchos héroes, aunque haya gente que me ha influido y muchos de ellos se comportan mal. Por eso me gustan Ozzy, Lemmy o los Rolling Stones, aunque no sea su fan (risas). Me gusta ese tipo de gente porque yo soy igual. La única diferencia es que yo no tengo tanto dinero” (risas).

Lo que pasa es que ellos han tenido también altos y bajos por ese motivo. ¿Me diríais cuáles han sido los de Mad Sin? “Pues de eso hablamos en una entrevista que va en el DVD. La historia es que Mad Sin siempre hemos estado por debajo del radar siempre. Hemos sido una banda Underground y durante largas temporadas ni siquiera éramos profesionales. Tocábamos completamente borrachos y puestos hasta las cejas, pero no nos importaba porque éramos una banda Underground y la gente iba a estar allí de todas maneras. Nos la sudaba todo. Quizás por eso nunca evolucionábamos. Aunque después eso cambió, cuando nos dimos cuenta de que se nos daba bien escribir canciones. Con lo cual ¿por qué malgastar ese tiempo d escenario estando borrachos pudiendo hacerlo bien? Uno de los puntos altos para mí fue el no consumir drogas antes de subir al escenario. Después del show no tengo problemas para irme de fiesta y volverme loco, pero nunca antes de una actuación. La verdad es que nos han pasado muchísimas cosas y, de hecho, estoy escribiendo un libro ahora mismo, que sería como una biografía sobre mí mismo y, a la vez, cuento la historia de Mad Sin, que básicamente es la misma. Ahora mismo la tengo por la mitad y se editará el año que viene junto al disco nuevo. Haciéndolo me di cuenta de la cantidad de cosas que nos habían pasado en 25 años. No podríamos con un momento bueno. Además, también nos han pasado un montón de mierdas (risas)” .

Vamos, que ha sido un lucha constante.

“Total. Ha habido años que hemos dado unos 150 conciertos, pero ya no podemos hacer eso porque la gente al final terminaría cansándose de nosotros y necesitamos que estén hambrientos, que quieran vernos. El problema es que si no tocamos nos quedamos sin dinero. Cuando giramos sí que lo tenemos porque pillamos pasta por los conciertos, vendemos merchandising y eso son ingresos. Este año, que no hemos dado muchos conciertos, se ha hecho muy duro sobrevivir. Ese es el problema de Mad Sin, que tenemos que tocar para vivir. Si no lo hacemos sabemos que no tenemos otro trabajo, como el resto de la gente, que nos pueda reportar pasta. Vivimos al día”.

Pues haced pasta con el siguiente.

(Risas) “Deberíamos, pero tenemos otro problema y es que ya no se venden discos.

Obviamente así no hacemos dinero y algunas veces me jode bastante, por supuesto, porque veo a bandas que son una mierda que, por alguna extraña razón, gustan a la gente y al final acaban haciendo un montón de pasta y nosotros sin embargo no”.

Sí pero no te puedes rendir.

“Claro que no nos podemos rendir, pero no por el dinero sino porque es algo que tengo que hacer y esto es a lo que me dedico. Esto no es solo un trabajo.

No sabría qué hacer sin Mad Sin. Lo único que podemos esperar es que el siguiente sea nuestro mejor álbum. Y si la gente quiere vernos de nuevo seremos felices. Espero que el año que viene sea un gran año, aunque tengamos que aguantar hasta que eso llegue. Además, me he puesto muy gordo así que me dará tiempo a perder peso antes de salir de gira (risas).

Una vez perdí un montón de kilos de golpe. Sé que no está bien pero así soy yo: o todo o nada (risas).”

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No pudimos evitar sentir cierta sorpresa cuando desde EMI Music se pusieron en contacto con nosotros para ofrecernos entrevistar a STEVE HARRIS en relación a su proyecto en solitario.

El bajista y principal compositor de IRON MAIDEN “debutaba” en solitario con ‘British Lion’, un álbum escrito a la sombra de la doncella y que ha culminado tras 10 años de trabajo. Lo mejor de él es que, pese a ser un disco de Harris, cualquier parecido con su banda madre es pura coincidencia. Después de unas cuentas escuchas elaboramos todas las preguntas que aprovechar al máximo los quince minutos que teníamos.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO Hola Steve. Lo primero es que me ha sorprendido este lanzamiento. No te caracterizas por tener mucho tiempo libre. ¿Cuándo empezaste a trabaja en ‘British Lion’?

“Pues la verdad es que no puedo creerme que por fin salga porque llevo más de 10 años trabajando en él. Suena ridículo y ha sido una eternidad, pero es que he estado muy liado con Maiden todos estos años, buscando huecos aquí y allá. Ha sido un camino larguísimo. También es cierto que no ha habido ningún tipo de presión, aunque, ahora que ha salido, me gustaría mucho lanzar otro en breve (risas). Dependerá del tiempo que tenga, si Maiden me deja algo de tiempo libre”. ¿Por eso lo has grabado hasta en 4 estudios?

“Se ha grabado en distintos sitios e incluso con distinta gente porque no siempre había disponibilidad para hacerlo en el mismo sitio. Al final hicimos un buen equipo aunque hubiese bastante gente involucrada en vez de trabajar sólo con dos o tres personas”.

Me gustaría que hablásemos de la gente que está contigo en la banda. Es tremendamente difícil encontrar información previa de Richard, por ejemplo.

“Richard es amigo desde hace muchísimo tiempo y es un tío con mucho talento, igual que David. Espero que este lanzamiento les de a conocer un poco y cambie eso porque creo que merecen un reconocimiento. Deseo realmente que eso cambie y que ahora la gente sepa tanto lo buen cantante como lo buen guitarra que son. Dave, por ejemplo, no ha tocado nunca a nivel profesional. Siempre ha estado en bandas de versiones y aunque lleve muchísimos años nunca se le ha reconocido como lo buen músico que es. Sí que son desconocidos pero eso no significa que no tengan talento, eso te lo aseguro”.

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Me ha llamado la atención que el disco lo han grabado distintos baterías. Supongo que habrá sido por haber estado 10 años currando en el disco.

“Sí, así es. Es que es terrible porque, si lo piensas, me ha llevado grabar una canción por año (risas). No me puedo creer cómo se ha ido el tiempo. Es que incluso cuando no he estado girando o grabando con Maiden siempre he tenido cosas que hacer con la banda, pero tampoco podía hacer otra cosa porque son mi prioridad. Aún así, estoy contento con el resultado porque creo que ha quedado muy sólido”.

Creo que a Adrian le llevó menos tiempo hacer Primal Rock Revolution “Bueno, pero es que Adrian tiene mucho más tiempo libre cuando no está ocupado con Maiden porque yo soy el que está más involucrado en todo. Hago muchas más cosas en Iron Maiden que el resto de los chicos y eso me lleva muchísimo más tiempo. Incluso cuando nos tiramos seis meses descansando yo sólo tengo unas semanas porque sigo haciendo cosas. Pero así son las cosas o como se supone que tienen que ser”.

Escuchando el disco se nota mucho dinamismo. Los temas no siguen una línea continuista y hay mucha diferencia entre unos y otros. No sé ya si es porque lo has compuesto a lo largo de todos estos años o porque querías sacar otro tipo de influencias.

“Casi todos los temas han quedado muy duros, que sería el nexo de unión, pero es cierto que cuando haces una canción es como una declaración de lo que sientes en ese momento. Lo bueno es que al final ha quedado como un disco muy compacto y no suena deslavazado. Es duro, es potente y hay distintas sensaciones dentro. No sé si se

debe a que este compuesto a lo largo de este periodo de tiempo, pero ha sido un proceso muy natural. Ahora todo el mundo busca que los discos suenen muy orgánicos y éste sin duda lo es, simplemente por el hecho de como ha sido el proceso de composición. Quizás no se haya compuesto y grabado como a mí me hubiese gustado por una cuestión de tiempo, pero creo que el resultado final es muy bueno”.

A mí me han encantado las distintas caras que tiene el disco. Empieza sonando muy moderno pero luego luego están “The Chosen One” que suena a Who o a Boston.

“Sí, es cierto”.

Y luego tenemos “A World Without Heaven” que podría ser una mezcla entre Thin Lizzy o Rush “No estoy seguro de eso (risas). Lo mismo sí que has podido escuchar esas influencias porque son canciones que están sostenidas en mis influencias en las bandas de Rock de los 70s. Maiden también tiene ese tipo de influencias pero de una manera mucho más evolucionada.

Este material está basado en el Rock más mainstream, pero sí, sí que está esa influencia del Rock de los 70 porque para mí fue la mejor época. Hay muchísimo material interesante, muy diverso y muy real porque nadie estaba preocupado por seguir ciertas “fórmulas”. Era todo natural y me gusta pensar que tanto esto como en Maiden partimos desde ese punto.

Pues hay canciones como “Lost Worlds”, “Karma Killer” o “Judas” suenan muy contemporáneas. Me atrevería a decir que esta última suena muy oscura, rollo HIM. “Sí que tiene un riff muy oscuro y sé a lo que te refieres pero te aseguro que no está hecho a propósito”. ¿Con qué canción te has quedado más contento?

“Hay distintas porque me gustan mucho en las que he podido hacer algo distinto. Queríamos lograr distintas cosas y todas tienen un punto distinto con lo cual estoy muy contento con como han quedado todas, por eso han ido en el disco”.

Te lo preguntaba porque creo que “Lost Worlds” y “Us Against The World” pueden impactar mucho en la gente. De hecho, son mis preferidas.

“Yo creo que “Us Against The World” es el tema más Maiden de todo el disco. Tiene esas armonías de guitarra que hace que suene a Maiden pero creo que todo el mundo tendrá su canción favorita, o eso espero (risas). Hay canciones muy distintas y todo el mundo podrá reflejarse en

alguna”.

Lo de “Us Against The World” es cierto pero es normal porque tú eres el principal compositor así que era de esperar que algo saliera.

“Así es. Obviamente estoy trabajando con gente distinta con lo cual todo es distinto y suena distinto pero sí que ese tema y “A World Without Heaven” pueden tener un toque más Maiden. Pero no es la regla general porque el resto del álbum suena de manera distinta así que cada uno que lo escuche podrá identificarse con un tema distinto. Ahí también está un poco la salud de este trabajo”.

Bueno, ahí también ha estado la habilidad de Richard para evitar ese tipo de comparaciones.

“Es cierto. Creo que la voz de Richard es fantástica, muy original y distinta. Es un tío con mucho talento”.

De lo que no tengo información de quién ha grabado los teclados en “The Lesson”.

“Ha sido David que se ha encargado de casi todos los arreglos. Normalmente en Iron Maiden hago yo todos los teclados y los arreglos pero este tipo es muy bueno y yo ni siquiera lo intenté (risas). El resultado ha sido fantástico en esa especialmente”.

Cuando esta entrevista se publique habrá mucha gente se preguntará si esto es un proyecto, si habrá gira y qué pasará en el futuro porque, como ya has dicho, estás casi siempre liado con Maiden.

“Pues queremos, aunque sea corta, hacer una gira que nos lleve por la principales ciudades de Europa al menos. Me encantaría tocar este material en directo porque creo que va a ganar mucha fuerza. Tenemos que editar el disco primero y ver la reacción de la gente porque, al no tener todavía el disco en circulación, no sabemos a lo que atenernos. Tenemos que ver primero si la gente está interesada y empezar desde ahí. No sabemos si tocaremos delante de 500, 200 ó 100 personas, es difícil de predecir. Iron Maiden vamos a estar realmente ocupados el año que viene girando pero si se da la ocasión haremos algo, seguro”.

Cómo te has sentido currando con gente nueva después de 40 años trabajando con la misma gente.

“Es que no son nuevos porque los conozco desde hace muchísimos años” (risas).

No sé, a mí me parecería raro estar en el ensayo y ver que el resto de Maiden ha desaparecido (simplemente se ríe) “Yeah”.

está esa influencia del Rock de los 70 porque para mí fue la mejor época. Hay muchísimo material interesante, muy diverso y muy real porque nadie estaba preocupado por seguir ciertas “fórmulas”.

HARRIS no es el único que ha lanzado discos en solitario o fuera de IRON MAIDEN. Otros miembros también lo han hecho. Aquí van las ramificaciones.

BRUCE DICKINSON El de Nottinghamshire lanzó su primer disco en solitario cuando Maiden estaban creando ‘No Prayer For The Dying’. Junto a Janick Gers (todavía sin ser miembro oficial de la doncella de hierro) lanzó ‘Tattooed Millionaire’ con un éxito bastante notable. Quizás éste fuera el que provocó su salida de Maiden y que se dedicase en cuerpo y alma a su carrera en solitario. La suerte sin embargo le fue desigual y el resto de discos no obtuvieron la misma repercusión. Volvió entrado el milenio.

ADRIAN SMITH Nacido en Hackney, Londres, el guitarra también ha hecho cosas por su cuenta.

Es de los miembros “antiguos” de la doncella y grabó las guitarras en ‘Killers’, pero eso no quita que tuviese su época de bajón y necesitase alejarse de Iron Maiden en todos los aspectos. Por eso, cuando salió después de ‘Seventh Son of A Seventh Son’, se puso como loco a trabajar con otra gente.

Muy destacable es su colaboración con Michael Kiske en ‘Instant Clarity’ y los dos discos que lanzó con Psycho Motel, totalmente alejados del sonido de la doncella. En ellos se dejó llevar por lo que se llevaba en esa época y, pese a facturar buenos trabajos, el proyecto no terminó de cuajar del todo. También ayudó a Bruce en tres de los discos en solitario del vocalista (en los más flojos, para qué vamos a mentir).

Aprovechando un parón en su agenda con Maiden, el año pasado sacó un nuevo proyecto, Primal Rock Rebellion, junto a Mikee Goodman de Skith a las boces.

DAVE MURRAY No se puede decir que el otro guitarra de Iron Maiden lanzara nada en solitario, pero sí que estuvo ahí cuando su amigo Adrian le dijo de colaborar con él en ‘Welcome To My World’ (1997), segundo disco de Pycho Motel.

Al igual que Janick Gers hiciera con su amigo Dickinson, a Murray no le dolieron prendas al aparecer como invitado en el disco de su colega.

Hace unos años se publicó el disco de Urchin, pero no podemos hablar ni de proyecto paralelo. Se trata del primer álbum que compusieron tanto Murray como Smith en la primera banda en la que estuvieron juntos en 1977.

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Cuando nos llegó ‘Dimensional Matters’ alucinamos con la calidad de THE DESCENT. Costó encontrar información sobre ellos (debido a la película con el mismo nombre) y lo que terminamos encontrando fue un montón de reseñas internacional que ensalzaban también el primer trabajo de los bilbaínos. No quisimos quedarnos al margen y acordamos una entrevista con ANDER (guitarra) y CHARLY para comprobar que, aunque tienen mucho por hacer, tienes las cosas clarímas.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO Vamos a introducir a la banda para saber de dónde venís. Creo que os formáis en el 2006, ¿no?

(A) “Sí en el 2006. Al inicio íbamos a hacer versiones, estábamos empezando a tocar y a elegir estilo. Has que nos pusimos en serio pasó un tiempo. Ahí pasó a ser menos como una banda de amigos y más como un futuro”. ¿Que fue entonces cuando entró Charlie no?

(C) “Yo entre más o menos a finales de 2008. Me iba a estudiar a Madrid y fue cuando me dijeron de entrar a formar parte del grupo. Estuve un tiempo algo descolocado porque yo vivía en Madrid y ellos en Bilbao. La cosa estaba difícil, pero empezamos a ensayar y la cosa fue funcionando, fuimos sacamos temas y 36

hasta ahora”.

Me ha chocado que Charlie tardase tanto en incorporarse a la banda. ¿Se puede trabajar tanto tiempo sin vocalista?

(A) “Sí que tuvimos otros músicos pero que vinieron y se fueron hasta que se estabilizó la formación relativamente fija, menos el cantante. Empezamos a probar gente, tuvimos un cantante con nosotros medio año, pero al final él no podía tener una banda como la que queríamos en ese momento. Y cuando ya estábamos a punto de no buscar más y empezar a buscar otros proyectos decidimos probar con Charlie, que era amigo nuestro desde hace años, desde chavales. Estaba tocando en otra banda, pero estaba más parada. Decidimos probar con él a ver si le gustaba, le gustó bastante y míranos

aquí estamos”. ¿Desde el principio siempre os gustó el sonido Gothenburg o habéis terminado desembocando ahí?

(A) “Desde que empezamos la banda siempre hemos ido por ese estilo. Nosotros hemos sido fans acérrimos de In Flames, Dark Tranquillity y todo ese grupo de bandas que se relacionan entre ellas.

Siempre hemos sido super-frikis de eso.

Nos ha gustado mucho es el estilo de música yes el que más nos llaman con diferencia”.

Lo que he visto es que sí que se parece un poquito a los primeros In Flames o a At The Gates. Incluso con un punto más death. En vez de tirar hacia las melodías actuales de estos grupos vosotros les ponéis un punto más agresivo, ¿no?

(A) “El estilo de estas bandas ha evolucionado de una manera totalmente distinta.

Si me lo llegas a preguntar cuando tenía 16 años nunca lo habría dicho. Pero el trabajo que están haciendo ahora es estupendo. El nivel que tienen estos grupos, que están llenando carteles en otros países, es indiscutible. Y nosotros nos fuimos más hacia su sonido del principio, el que nos llamaba, el más agresivo, el del death metal pero con tintes mucho más modernos, más de ahora. Es también el resultado de la variedad de gustos que existen dentro del grupo. Hay gente que tira para lo más agresivo, lo más extremo y otros tiramos más a lo más melódico”.

(C) “Digamos que estamos, como en dos pequeñas facciones con Ander en medio.

Aitor, el batería y yo, por un lado, que nos

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gustan más los sonidos modernos y melódicos, por ejemplo de In Flames desde el ‘Jesper Race’ en adelante. Y luego están Antón e Iker, el bajista , que a ellos le gusta un poco más el old school: At The Gates, Dismember”.

(A) “O bandas más en plan Decapitated” Osea que te ha tocado a ti mediar, ¿no Ander?

Ander: Soy un poco el que está en el medio. A mí me gustan muchos grupos de las dos vertientes, de la nueva y la vieja. Ahí intento mediar, aunque ellos me guían. Ellos también se reparten las canciones y aquí todo el mundo opina.

Sí que coincidimos en muchas bandas y en un sonido particular. Si nos preguntas, aunque todos variemos, te vamos a decir que somos fans del rollo sueco, de Dark tranquillity, In Flames, At The Gates, de Dismember. A todos nos gustan estas bandas. Ahí es donde tenemos un poco de coherencia. ¿Habéis tenido que parar un poco para que no se fuesen los temas a los extremos o los temas q aparecen son tal cual se “parieron”?.

(A) “Hombre depende el tema. Hay alguno que ha empezado como el más cañero y burro del repertorio y termina siendo el más moñas (risas). Dependiendo. A nosotros nos entusiasma que nuestros temas suenen a Death melódico y que tengan nuestro estilo. En definitiva creo que convergen un poco. Creo que nuestros temas no están tan separados el uno del otro. La vena melódica o agresiva está bastante mezclada”. ¡Pues no hay un momento de respiro en todo el álbum!

(A) “Eso es verdad (risas). Pero es que es lo que nos gusta ir a los conciertos y que el grupo sea enérgico, que haya batalla entre toda la peña. Es lo que nos motiva y nos gusta llevarlo cuando tocamos en directo”. ¿Han sufrido muchas modificaciones desde el inicio del tema hasta su publicación? Creo que “The Day After” era antes “The Day After Tomorrow”, en vuestra primera maqueta.

(C) “Ha habido cambios sobretodo al entrar yo. Al no haber una voz fija, cuando entré yo empecé a meterle más mi rollo, mi estilo, la forma más cómoda para mí de cantar. Y luego a la hora de grabar el disco sí que empezamos a cambiar alguna cosa más musical, meter algunas cosas nuevas. Y el tema del título decidimos cambiarlo porque era demasiado largo, era casi un trabalenguas”.

Por cierto, os metéis a grabar con Carlos Creator y luego le mandáis el disco a Fredik Nordstrom para que haga la masterización. Me he llevado una sorpresa porque no encuentro el sonido de Carlos Creator en el disco, no encuentro esas particularidades que Carlos siempre imprime en su trabajo.

(A) “Decidimos grabar allí porque otra banda de Bilbao, Rise To Fall, grabó el disco donde Carlos y, la verdad, nos sorprendió porque yo no me había imaginado a Carlos en ese estilo de música.

Nos tuvimos que involucrar un montón porque tampoco queríamos que sonase como el suyo (Rise To Fall) y entre todos nos entendimos. Luego masterizamos con Fredrik en Suecia que se ha portado muy muy bien con nosotros. Se lo ha currado mucho, más de lo que suelem, porque al parecer la banda le gustó un montón. La masterización está hecha de una forma que es un poco también su impronta en el sonido , fue lo que él quiso

también”.

(C) “De Carlos hay que dejar claro también que se lo ha currado bastante con nosotros buscando el sonido, ayudarnos a hacerlo más nuestro, por decirlo de alguna forma. Igual no se ve a Carlos en el disco como tal pero yo creo que hay alguna cosilla que si lo delata”.

He estado indagando por ahí y parece ‘Dimensional Matters’ es un auténtico cañonazo. Tengo la impresión de que incluso vosotros os estáis quedando sorprendidos de la respuesta que está obteniendo.

(A) “Hombre pues sí, porque nosotros siempre hemos querido ser muy humildes, creemos que es la mejor forma de llevar esto. Nos gusta, nos apasiona y, aunque todo el mundo sueña con ser una superestrella, la vena humilde es la que prevalece”.

(C) “Sobretodo porque es muy difícil, hay que tener los pies en el suelo”.

(A) “Y conocemos a muchas bandas de Euskal Herria, de toda España, de Europa que se lo curran mucho, que suenan la hostia todas y aún así les cuesta. Cada vez que vemos cosas publicadas sobre nosotros en Internet, dentro o fuera del país, que nos hacen entrevistas etc,

(C) “Ahí también tengo que decir que tengo ayuda. De por sí no tengo mal inglés, pero hay gente del grupo que también me ayudan. Por ejemplo, Ander ha vivido en Estados Unidos buena parte de su vida.

En definitiva, en realidad entre todos nos vamos ayudando”.

(A) “Él hace las letras, las pasa y, basándonos en su idea, se hacen variaciones sifuese necesario. La verdad es que Carlos tiene un don para eso, porque las hizo súper rápido y las letras la verdad es que nos ha gustado. Algunas se han vuelto hacer, algunos detalles, pero ya.

Supongo que mucha gente os estará preguntando por el rollo del inglés.

(A) “Sí, bueno, sobre todo aquí en Bilbao donde somos muchos grupos cantan en castellano y euskera, pero en definitiva lo que nosotros hemos mamado era el inglés. Es lo que nos sale lo que más nos suena al oído, lo que más nos gusta y es como tocamos”.

Parece que hay de nuevo un interés por el Thrash metal clásico y por el Death Metal. ¿Lo estáis notando vosotros?

(C) “Sí, claro. Antes había muchos grupos pero están saliendo nuevos grupos que encuentran reconocimiento. Por ejemplo Angelus Apátrida, Crixis, Vita

nos sentimos muy entusiasmados, pero sorprendidos. No damos las cosas por hecho y ahora que va sucediendo para nosotros es un halago”.

(C) “Además, es que terminamos de grabar el disco en Mayo de 2010 y ha estado mucho tiempo parado, entre masterizaciones y arreglo. De repente todo cambia.

Anunciamos un concierto y el que es ahora nuestro mánager se interesa por nosotros, nos dice que le gusta nuestro sonido y quiere trabajar con nuestra banda.

Y luego él, que lo ha sabido mover bien y ya ves el resultado. Pero desde luego no esperábamos esto, sobretodo viendo cómo empezó la cosa de lenta”.

Os he de decir que no suena para nada a grupo estatal. Tenéis un sonido muy Europeo.

(A) “Es lo que buscábamos, es lo que nos gusta y queríamos sonar así. En España también hay bandas de este estilo que suenan muy muy bien, aunque al final siempre te terminas fijando en lo que viene de fuera”.

Charlie, ¿te has tenido que poner mucho las pilas en el inglés o es un idioma que dominas?

(C) “No, no es un idioma que domine, me defiendo con él. Lo hablo decentemente.

El problema que tengo es que a la hora de cantarlo hay muchas veces que tengo que adaptarme porque de por sí yo hablo muy rápido y a veces se me va la pinza cantando. Pero vamos estoy más concentrado en la voz que en otra cosa”.

Es que, precisamente es una de las cosas que le da mucha coherencia al disco que se nota que la parte vocal en cuanto a letras y sonido está muy currada.

Imana”.

(A) “Son unas bandazas y de estilos que jamás hubiese pensado que que pudiesen salir de aquí. Escuchas a Vita Imana y te suena entre Soulfly y Sepultura. Ritmos muy tribales, letras sobre la tierra, sobre tribus. Yo les conozco desde hace tiempo y tienen una calidad alucinante. Cada directo que veo de ellos es más pasote que el anterior. Al menos ahora se les está reconociendo. A ellos o a Ángelus Apátrida que están partiendola. Yo creo que sí que hay vertiente por el thrash pero por esas bandas, sobre todo por Ángelus que ahora está pegando un montón. Al final eso siempre es positivo. Siempre ha estado el Thrash metal, que es lo que a nosotros nos gusta, y es un estilo que siempre ha estado ahí. Pero vamos, como ahora son más populares esas bandas a lo mejor la gente ha recordado lo que era”.

Sí, quizás es la situación más propicia para que ‘Dimensional Matters’ se mueva bien.

(A) “Que a la gente le gustes y se mueva bien es bueno. La verdad es que después de esperar a sacar el disco, nos ha pillado un momento en el que hay muchas bandas con CD´s nuevos fuera de este estilo. Muchas de aquí como Rise To Fall o NoDrama y después esas bandas como Ángelus Apátrida, como Crixis, como The Eyes, que ahora se han separado pero en un año sacaron un discazo. A nosotros nos alegra porque quiere decir que la gente se está moviendo e interesando más por los grupos nacionales”.

Y las buenas críticas que estáis obteniendo, el movimiento que hay ¿se nota a la hora de cerrar bolos?

(A) “Sí, si se nota que la gente se inte-

resa más. Ahora estamos viendo a ver si podemos mover hacer una pequeña gira por aquí, por España. Hemos tocado hace poco en la sala BilboRock con No Drama y llenamos la sala completamente.

Gente fuera esperando, algo que nunca nos había pasado ¡y mira que hemos dado bolos! Yo creo que sí se nota. En la presentación de los temas ya grabados también hubo bastante gente, algo que esperamos nos pase también en otras zonas como Barcelona, Madrid y Sevilla.

Mil lados donde tenemos colegas y queremos ir a tocar para que la gente vea lo que hacemos, esperando que tenga buena acogida” ¿Y de fuera que planes tenéis?

(C) “de momento ninguno concreto. Si sale alguna cosa ya iremos viendo”.

Claro, porque es lo que hablamos antes. Hay reseñas en sitios como Finlandia. Vamos que el disco se ha movido a nivel internacional.

(A) “y de Rusia también”.

(C) “Rusia, Finlandia, en Estados Unidos también nos han hecho unas cuantas. La verdad es que eso se está moviendo muy bien”.

(A) “No lo sabemos, igual con esas reviews que tenemos en distintos países le interesamos a alguien. Por ahora no sabemos. Estamos intentando sacar el disco, centrados en los bolos que tenemos que hacer ahora y si va viniendo más bienvenido sea. Nosotros estamos dispuestos a hacer lo que haga falta para que la gente escuche lo que hacemos y para hacer lo que nos gusta , que es tocar.

Si os sale bolo en Suecia ¿acojonará más?

(A) “Me pongo el casco VIkingo y vamos para allá” (risas).

(C) “De cabeza. Cada uno es diferente pero en mi caso creo que estaría menos acojonado tocando fuera que aquí en Bilbao, en mi casa. Allí nadie te conoce, puedes estar más relajado y si haces algo mal, aquí te pueden reconocer el fallo y eso te pone más nervioso. Fuera lo veo más liberador. Además a mí por todos los proyectos que he hecho me sale más el animar al público en inglés que en castellano”.

(A) “Tocar en país como Suecia, que es la cuna del estilo de música que hacemos, sería todo un honor. Una pasada saber si a la gente de allí que han mamado este estilo, que conocen mucho la escena, también le gusta nuestra música”.

Si convences a los Suecos es porque molas ¿no? (Risas) (A) “Es que allí hay muchas bandas de nuestro estilo, pero un montón, y muchas muy muy buenas, y nos gustaría saber cómo reciben ellos el death metal del swedish style hecho aquí en España”.

Os noto entusiasmado y pensando ya en los próximos pasos a seguir.

(C) “Ya estamos en ello. Tenemos la cabeza trabajando en los primeros temas,, pensando en cómo podemos hacer el segundo álbum. Hay alguna cosa preparada y ya estamos pensando en cómo y qué queremos grabar . Se están barajado cosas y sabemos cómo hacerlo gracias a la experiencia del anterior, que te da más fluidez y conocimiento. La verdad es que estamos empezando porque el disco sale este octubre, pero, ver que nos hacen entrevistas y que nos están haciendo reseñas por todo el mundo es muy bonito para nosotros y nos anima. Ahora a vivirlo y ya iremos viendo”.

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A lo largo de estos años siempre hemos tenido enfrente a COREY TAYLOR para que nos hablara de STONE SOUR. SIn embargo, en esta ocasión se dio la oportunidad de entrevistar a JOSH RAND y la aprovechamos. Es posiblemente el miembro más en la sombra, pero también el que lleva más tiempo así que no queríamos perder la oportunidad de entrevistarle por primera vez con motivo de la salida de ‘The House Of Gold And Bones’.

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO La primera pregunta es obvia ¿Por qué habéis separado en dos partes ‘House Of Gold And Bones’.

“Pues por varias razones. Lo primero es que cuando salgan las dos va a con un diseño muy especial que va a ser la leche. Los dos discos se van a completar, pero somos conscientes de que hacer algo así sería carísimo ahora mismo. Hacer un disco doble, aunque fuese a nivel masivo, iba a salir por una pasta así que los dividimos con la idea de hacerlo como si fuese una película. Es decir, primero sacamos la película y luego la secuela, y eso también nos ayuda a dividir los costes porque no te haces una idea de lo caro que es sacar un disco doble. Así además lo hacemos también más especial y, también, podemos estar más tiempo en el mapa. Esa es la razón por la que hemos decidido hacerlo de esta mañana”. ¿Pero hay algún tipo de concepto detrás?

“Digamos que es la continuación de la historia. El diseño será lo que desvele la historia, pero para ello hay que tener los dos. Va a molar porque nadie ha hecho lo hemos hecho nosotros antes. Además, llevará lo que son las letras, pero también una historia que ha escrito Corey en la cual se ha basado el disco. La primera parte de la historia saldrá ahora en la parte 1 y luego, en la 2, saldrá la parte final”. ¿O sea que no hay tantas historias personales en este disco como en los anteriores?

“Bueno, a ver, las letras están basadas todas en el relato. Si vas escuchando el disco y leyendo la historia se complementan. Te llevan a determinado lugar. La idea inicial, antes de partirlo en dos, era mantener la emoción de los personajes, tal cual se puede desarrollar la acción en una película. Eso fue antes de meternos en lo que nos costaba

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así que queremos hacer algo realmente especial con el diseño final haciendo algo que nadie haya hecho antes”.

Sé que componéis todos lo que es la música, pero ¿qué pasa con las letras? ¿Echáis también una mano a Corey?

“No, en eso no. Quizás en el pasado le hacíamos sugerencias y le decíamos “esto era en lo que estaba pensando cuando hice la música”. En este disco ha sido él el que ha escrito el relato corto. Después nosotros le pusimos la música y luego él hizo las letras para terminar juntándolo todo y que tuviera sentido con el relato”.

En este disco habéis trabajado con David Bottrill. ¿Por qué él? ¿Por qué no repetir con Nick Raskulinecz?

“Creo que con Nick ya habíamos dado todo de sí. Quiero a ese tío a muerte y él me ha ido haciendo mejor músico a lo largo de los años, pero teníamos la sensación de que necesitábamos a alguien que nos ayudara a avanzar, pero que además nos orientase a la hora de hacer un disco conceptual. Que nos orientase artísticamente. No queríamos a un tío que no se preocupase más que de los singles sino que viese todo como una misma pieza de arte y, en eso, Dave era el tío. En el momento en el que surgió su nombre y vimos lo que había hecho pensamos todos que él era el elegido. Con él queríamos realmente centrarnos en la música sin tener la presión de que, por haber tenido temas que sonasen en la radio en el pasado, terminar enclaustrados en una caja. Cuando has tenido un éxito que ha sonado en la radio es muy sencillo recibir esas presiones para meterte en una caja y nosotros no queremos estar metidos en ninguna (risas).

Queríamos tener al lado a un tío que tuviese muy claro que nada de eso iba a pasar y que íbamos a tener muy en cuenta también su visión así que se convirtió en el quinto

miembro durante todo el proceso y ha tenido un papel importantísimo a la hora de unificarlo todo”.

Es cierto que hay veces que hay que cambiar cosas. ‘Audio Secrecy’ estaba plagado de medios tiempos en los que, debo reconocerte, me costaba reconocer a Stone Sour.

“Cierto”.

Sin embargo éste está más cerca de ‘Come What(ever) May’ o, incluso, del primer disco.

“Exacto. Yo lo veo como una evolución de los tres discos, como una mezcla.

Cuando lo escucho ahora que está terminado, veo que tiene la crudeza y la fuerza del primero, pero en una versión mucho más madura de aquél. Estábamos muy verdes como banda en aquel momento, pero ahora me encanta la crudeza y la dureza que tiene ‘Gold and Bones’, y tengo la sensación de que hasta ahora no habíamos podido capturar eso. Tanto ‘Come What(ever) May’ como ‘Audio Secrecy’ sonaban muy bien, en cuanto a producción, pero, para serte sincero, cuando escucho ‘Audio Secrecy’ me da la sensación de que estaba demasiado producido. En la producción le metieron demasiadas cosas aunque tampoco estoy culpando a nadie porque nosotros también tuvimos algo que ver. Ahora, con perspectiva, veo que era un disco que teníamos que hacer para encontrarnos a nosotros mismos como banda y para crecer y poder hacer más cosas.

Pero sí, estoy de acuerdo contigo en que este disco tiene elementos de los tres discos, pero en el que hemos vuelto al pasado porque ahí es donde está nuestro núcleo. Ha pasado una década así que ahora es una versión mucho más madura de aquel disco”.

La verdad es que escuchando “Absolute Zero”, “Gone Sovereign” o “RU 486” recordé la primera vez que escuché “Idle Hands”, “Orchids” o “Take A Number” aunque mejoradas.

“Sí. Estoy de acuerdo contigo al 100%”.

Debo reconocerte que a mí me entusiasma la crudeza de aquel álbum. Es un disco al que suelo recurrir habitualmente. Me encanta lo impactante que es y éste tiene de nuevo esa mala leche. ¿Queríais recuperar esa energía?

“No es que quisiésemos volver al punto de partida, pero no podíamos olvidarnos de lo que es el núcleo de la banda. Con esto lo que quiero decir es que ‘Audio Secrecy’ salió así, y en aquel momento era lo que queríamos, pero creo que nos distanciamos un poco de lo que yo creo que es el núcleo de la banda, que es el hacer algo más pesado. Cuando todos nos reunimos de nuevo cada uno lo mejor de si mismo, con una única idea en la cabeza que era, darle a esta banda lo mejor que pudiesen. Por eso tiene esos contrastes. Tienes la balada “Taciturn” que trajo Corey y luego un tema más Heavy como es “RU 486” que llevé yo, o un rock muy directo como es “My Name Is Allen”, que la llevó Tim. Todos hemos intentando poner lo mejor, tanto a nivel individual como colectivo, en estos dos discos”.

Ahora que mencionas “Taciturn” y que estamos hablando de la dureza del disco, es curioso que ese tipo de “baladas” también se hayan convertido en parte de vuestra “marca”. Vale que no tiene nada que ver con “Bother”, pero tiene ese rollo. ¿Sabes? Para mí siempre han sido esos temas como vuestros “Fade In Black” o vuestro “Welcome Home (Sanatorium)”. En mitad de un álbum cañero, un tema más lento. “¡Pues nunca me había dado cuenta! Siempre lo hemos hecho así, en todos los discos. En el primero estaba “Bother”, “Throught The Glasses” en ‘Come What(ever) May’ y “Anxiety” en ‘Audio Secrecy’. “Taciturn” podría considerarse como una versión mucho más oscura rollo “Bother” y hecha con toda la banda, en vez de con una acústica y con la voz sólo. La única idea esta vez era hacerla más completa, lo más grande posible y épica, pero como todo. De hecho, esa era las palabra que más escuchabas mientras estábamos componiendo y grabando: hagamos algo épico. Eso es lo que intentamos hacer”. ¿Pero ibais vosotros con todas esas ideas u os las dio David? Incluso habéis metido violines en ‘The Travelers’, por ejemplo, y eso sí que es algo nuevo.

“Así es. Si escuchas la maqueta de “Taciturn” verás que al final ha quedado una versión muy parecida a lo que había en aquella demo. Corey la escribió y luego se la dimos a David para ir construyendo cosas encima y hacerla más grande, así que ha tenido mucho impacto en esa, al igual que en “Do Me A Favour”, que irá en la segunda parte. Lo hemos intentado todo. Si sentíamos que algo necesitaba violines o una sección de cuerda lo metíamos, al igual que algunas secuencias y teclados. De nuevo, la única máxima que teníamos es que teníamos que hacer algo épico, enorme, sin tener miedo a probar cosas distintas, sin importarnos nada, para bien o para mal” (risas).

Créeme que no pinta mal (risas). En vuestra página web habéis puesto algunas fotos de vuestro equipo estando en el estudio. ¿Es posible que te hayas pasado a Marshall?

“No (risas). De hecho, mi equipo no ha cambiado casi nada desde que empecé (risas). Lo que sí que he hecho ha sido llevar al estudio el equipo que llevo en directo. Me he llevado todas las guitarras, que son las que he usado en todos los discos, y el equipo con el que giro porque lo que intentamos fue capturar mi sonido de directo. Queríamos que cuando la gente escuchase el disco sonase a cómo ha sonado la banda cuando nos han visto en directo. Incluso Jim se ha llevado también todo lo suyo y Roy puso el mismo set de batería que llevó durante la gira de ‘Audio Secrecy’. Durante buena parte del disco hemos usado

el mismo equipo que llevamos en directo, no en todo, pero queríamos que fuese así”.

A mí siempre me ha sorprendido que Jim usase amplificadores Orange porque se supone que, ese tipo de amplis, se usan para buscar un sonido retro.

“Sí aunque ha usado algunas cosas más. La verdad es que es curioso cómo los hace sonar. Yo puedo coger su equipo y tocar con él y sonará completamente distinto a cuando es él el que toca. Vale que el equipo hace, pero en un porcentaje muy alto el sonido depende del individuo. A nosotros particularmente nos encanta esa mezcla porque cruje mucho. Creo que la gente no se puede hacer una idea de cómo crujen los Orange cuando le subes la ganancia. Eso hace que nuestro sonido sea muy particular aunque no haya sido fácil llegar a ese punto. Hemos tenido que usar toneladas de equipos a lo largo de nuestra carrera para toparnos con uno que sonase como nosotros queríamos y con el que nos sentíamos a gusto”.

He visto que estáis reclutando gente para el video de “Gone Sovereign”.

“Sí, y estamos entusiasmados porque nunca antes hemos hecho nada parecido. La única vez que hemos hecho un vídeo en directo fue en “Get Inside”, y de eso hace ya diez años, en el Whiskey. Ahora queremos que haya un montón de gente involucrada en “Gone Sovereign” y estamos muy excitados porque va a molar mucho. Va a ser divertido llegar allí y saludar directamente a la gente porque si algo tenemos es que somos muy accesibles con nuestros seguidores. Ésta es una muy buena manera de que vengan y saludarles”.

Bueno, ahí tiene Corey más experiencia porque Slipknot hicieron lo mismo con ‘Duality’.

“Sí, será similar. Ellos se llevaron a todo el mundo a una casa y nosotros tendremos eso un poco más controlado, porque seremos nosotros en el escenario.

Sería más como si grabásemos un directo”.

Vamos, como “Get Inside” (risas).

“Sí, algo así, pero esperamos que sea más especial. El concepto será el mismo, pero meteremos planos en los que estaremos tocando en el suelo. Así que también se parecerá a “Duality”. Odio las comparaciones, pero será una mezcla de “Duality” con el “Smells Like Teen Spirit”. Será algo así”.

Lo que me estás dejando claro es que no vais a destrozar nada, ¿no?

“Eso es. Creo que no está en el plan, mayormente porque lo vamos a grabar en un sitio que mola mucho así que ¡espero que nadie destroce nada! (carcajadas).

Además de que tiene pinta de que sería muy cara la reparación” (más risas).

En todos vuestros discos habéis incluido siempre caras Bs. Como éste es un álbum doble ¿seguiréis la tradición?

“Pues ahora mismo justo estamos en ello. Hemos montado dos temas que teníamos por ahí pero que nunca habíamos usado. Esos serán los Bonus Tracks que llevarán la edición japonesa. Lo que no habrá será edición especial porque, para serte sincero, y ésta es una opinión personal, siempre me han parecido una manera de sacar pasta. Desafortunadamente, el mercado japonés siempre quiere tener algo especial y hay que meter siempre algún bonus y, a ser posible, que no sean temas en directo. Así que rescatamos todas las maquetas que teníamos, desde el 92 hasta ahora, para ver qué había por ahí y aparecieron dos temas en los que podíamos trabajar porque nunca habían ido en disco. Esas al final terminarán siendo los extras”. ¿Cómo determináis cuáles entran y cuáles no? Recuerdo bonus como “Suffer” o “Hate Not Gone” que son realmente buenas. Podrían haber ido en el disco.

“Bueno, eso es lo que pasa cuando estás en una banda en la que prima la democracia. Como te he dicho, esos temas se metieron en las ediciones especiales para volver a poner el disco en circulación, pero no queríamos hacerlo esta vez.

Todos los temas que hemos compuesto para ‘House Of Gold & Bones’ son las que vamos a usar, excepto en el mercado japonés que siempre te reclama algo más. Queríamos además que fuese algo especial, no simplemente una versión de “Bother” en directo (risas). En esta ocasión queríamos que fuese algo que no se hubiese escuchado antes, temas que no tuvieron su oportunidad en el pasado, pero que ahora, gracias a la edición japonesa, pueden ver la luz”.

El anterior tuvisteis una particular forma de presentarlo. Era época de festivales e hicisteis algunos tocando hasta 7 temas nuevos. Esta vez podíais haber hecho lo mismo y, sin embargo, no ha sido así. ¿Habéis preferido esperar por algo en concreto?

“No, tampoco ha sido así. Ahora mismo estamos tocando unos cinco temas nuevos de la primera parte y no queremos tocar nada de la segunda hasta que no salga. Lo que estamos discutiendo mucho entre nosotros es si cuando salga la segunda parte vamos a hacer conciertos tocándolos juntos, de principio a fin. A lo mejor sólo son dos ciudades, durante dos noches distintas en sitios pequeños, rollo teatro. Tocar la primera parte junto a temas antiguos una noche y, la siguiente, tocar la segunda parte junto con material más clásico. Lo que pasa es que todo eso está en el aire porque queremos centrarnos en la primera parte mientras vamos dándole los últimos retoques a la segunda parte”.

Espero que no editéis la segunda parte muy tarde.

“Pues ahora mismo es tentativo pero queremos que se edite en mayo del año que viene”.

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Habladme del proceso de composición y creación de “Ciudad del Caos”. ¿Cuando comenzasteis a grabar el disco y cuál ha sido su proceso?

“Comenzamos a trabajar en el disco tras la gira del anterior trabajo, “Horizontes”, en otoño de 2010. Los diferentes cambios de formación que hubo tras esa gira complicaron todo un poco y prueba de ello es que rompimos la racha de lanzar disco cada dos años. Para la composición hemos podido contar con grandes temas de Diego Borealis, guitarra de la banda, además de mi contribución, ya habitual en los anteriores trabajos. La grabación comenzó en febrero de 2012 junto a Javier Palomeque, que acababa de salir de la grabación del segundo trabajo de Santelmo. Estuvimos encerrados hasta el 25 de junio, ha sido intenso, duro, pero muy enriquecedor.”

Han pasado aproximadamente tres años desde que editarais “Horizontes”. ¿A qué se ha debido tanta demora entre discos?

“Precisamente a esos cambios de formación a los que aludía antes. Nuestros anteriores trabajos salieron en 2005, 2007 y 2009, respectivamente, mientras que “Ciudad del Caos” sale ahora, 2012, tres años después de “Horizontes” y rompiendo nuestra costumbre basada en la constancia. Es complicado mantener una banda que ha tenido tantas bajas, pero es que es más complicado para un músico asumir un compromiso con un grupo con la que está cayendo ahí afuera...”

Entre “Horizontes” y “Ciudad del caos” se aprecia a una banda más madura tanto en lo instrumental como en lo compositivo. ¿Qué metas teníais a la hora de grabar este disco? ¿Buscabais darle un pequeño giro al sonido? Os veo más hard rockeros 44

que heavy metaleros, por así decirlo.

“Sí que buscábamos mejorar en todo, especialmente en empaque, y a nivel compositivo había que abrir nuevos terrenos.

La configuración de la banda añadió los teclados como nuevo elemento a finales de 2011 con la mira puesta en modernizar un poco la propuesta, sin dejar de ser LEYENDA, obviamente. Quizá pueda ser más hard rockero, como comentas, que “Horizontes” aunque iría en una posible línea de “A Medianoche”, nuestro segundo trabajo. Lo que sí que hay es más variedad, un acústico, cabalgadas heavys, estribillos pomposos, más dureza vocal, etc., está todo más pulido.”

El disco supone la continuación de vuestra colaboración con el sello Picap. ¿Que ventajas tiene para vosotros optar por salir mediante discográfica en lugar de optar por la autoedición como hacen muchas bandas hoy en día?

“Como en todo hay que valorar pros y contras. Los hemos valorado pero siendo sincero te diré que fundamentalmente nos ahorra unos gastos a corto plazo a pesar de que no obtenemos todo el beneficio que pudiéramos obtener con una autoproducción completa a largo plazo. Por otra parte, PICAP es una compañía muy potente con buenos medios a la hora de promover un trabajo discográfico y con la que se puede hablar sin que te cuenten rollos y luego te timen. En nuestro anterior lanzamiento llegamos a emisoras que no habríamos podido acceder si no hubiera sido por el trabajo de la compañía, como a RTVE. Hay que intentar mover todos los palos posibles. Hemos pasado por Pies, por Akeloo/Avispa y por PICAP, y te digo que me quedo con PICAP. Al menos por el momento, aunque hay que

reconocer que todas las discográficas lo tienen muy complicado y no sé qué pasará para un futuro quinto disco.”

El primer tema, “Esmeralda”, suena curiosamente a un cruce entre EUROPE y ROYAL HUNT, estos últimos especialmente por el sonido de los teclados. ¿Son bandas que sirven como referente para LEYENDA en cualquier caso?

“Son grandísimas bandas que nos encantan. Quizá no sean referencias concretas para todos los miembros del grupo pero sí que son algunas de las líneas que nos gustan... Por cierto que el Bag of Bones que ha lanzado Europe ahora es una pasada... aunque hayan vuelto a sus raíces menos comerciales.”

En éste disco colabora un gran elenco de figuras del hard y heavy español. ¿Qué artistas han sido los más fáciles de conseguir convencer para colaborar? ¿Hubo alguno que quedó en el tintero?

“La verdad es que ha sido increíble las facilidades que han puesto todos. No nos

hemos quedado sin ninguno que quisiéramos aunque lógicamente podrían haber estado muchos más, pero había que poner cierto orden. También es verdad que sabíamos de antemano que no pondrían pegas, son amigos, al final todos nos vamos conociendo poco a poco. No podría decirte uno en concreto que haya sido más fácil convencer porque todos ellos han mostrado mucha complicidad con la banda y no se han hecho de rogar.

Verdaderamente han querido apoyarnos, lo cual nos ha llenado de orgullo y se lo agradecemos de corazón a todos. Contar con la guitarra de Jero o Carlitos, la voz de Silver, Patricia Tapia o Ignacio Prieto es un lujo en toda regla, y son gente extraordinaria, dentro y fuera del escenario”. ¿Qué intención teníais a la hora de contar con todos estos artistas? ¿Darle más variedad al sonido de la banda o simplemente rodearos de nombres conocidos?

“Básicamente queríamos que nuestros

amigos aportaran un toque a este disco.

En nuestros anteriores trabajos ha habido también colaboraciones de buenos amigos, como Manolo Arias, José de Lucía, Héctor Reyes o Juan Olmos. Quizá no suenen tanto como los de “Ciudad del Caos” pero es algo habitual acercar a gente con la que quieres compartir un trabajo artístico. En el caso de los teclistas que nos han ayudado en “Ciudad del Caos”, Edu Ortiz y José Paz, les dimos mucha libertad y su trabajo ha sido muy sorprendente, nos ha encantado.”

LEYENDA, como casi todas las bandas hasta que se consolidan, ha sufrido multitud de cambios de formación. ¿Creéis que han ralentizado vuestro progreso o funcionamiento profesional?

“Absolutamente. Pero es lo que hay, no puedes encadenar a nadie a un proyecto cuando tiene una vida complicada o varios proyectos en mente y tiene que levantar el pie del acelerador. Es normal y lo entendemos todos cuando estamos en el grupo.”

En el pasado os habéis aliado con bandas como DRAGONSLAYER para girar por el país. ¿Es la única manera de poder girar cubriendo gastos en la actualidad para bandas de vuestra estatura?

“Es una manera. Lo hicimos, efectivamente, con nuestros amigos DRAGONSLAYER en 2008 en una gira muy buena que llamamos “Dragones y Leyendas”, y posteriormente con nuestros otros amigos catalanes de REGRESION en 2010.

Es complicado, vemos salas medio vacías en conciertos de grupos con nuestro nivel mediático y es doloroso, pero nuevamente es lo que hay, y la gente manda.

Para intentar hacer más llamativo el cartel es bueno asociarse, compartir gastos y demás, aunque cuidado, que dos bandas con trayectoria tiene también una serie de gastos potentes, por tanto yo diría que es más por el cartel efectivo que por reducción de gastos. Para reducir gastos lo mejor es montar shows con bandas locales, que pueden ayudar con los backlines, promos y demás.” ¿Como ves la escena española actual? ¿Qué bandas te causan buena impresión y cuales echarías abajo por un puente?

“Diría que la escena tiene más oferta musical que demanda. Las salas se aprovechan de la ilusión de estos grupos para hacer un negocio y los grupos lo dan todo por probar suerte pero está realmente complicado. Todas las bandas merecen la pena estar ahí, no vamos a menospreciar a nadie, pues hay grupos muy buenos en cada rincón. Hace nada me he encontrado en el ascensor a César de Eldorado y me ha comentado que han tenido muy buenas sensaciones por Estados Unidos. Les escuché el otro día un ratillo de su ensayo y me encantaron. Otras bandas muy buenas y que se merecen todo son nuestros amigos de Regresion, Eden Lost, Dragonfly, Phoenix Rising,... en serio, nos gustan todas.” ¿Qué planes de gira tenéis para “Ciudad del Caos”?

Bueno, nuestro management, Red Sky, está buscando fechas con cabeza. Así se lo hemos pedido, no que nos monten 30 fechas a lo loco porque eso ya lo hemos hecho y no va a ningún lado salvo a quemar a la banda y, posiblemente, a gastar mucho dinero. Por supuesto hay que rodar el disco, e intentar hacer buenas presentaciones en las capitales importantes. Posteriormente poner la vista en los festivales, si es que sobrevive alguno con los azotes que se están dando a la cultura en un “País del Caos” como se convertido éste.”

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REVIEWS Green Day Uno

(Warner Music)

Primera parte de la trilogía que tienen planeado editar Green Day en breve (en noviembre y enero llegarán los siguiente, se supone).

Lo que no queda muy claro es si como hicieran Kiss cuando lanzaron los álbumes con sus respectivos nombres, cada uno de los miembros habrá asumido la autoría del album que le corresponde.

Teniendo en cuenta que Billie Joe Armstrong es el principal compositor se hace algo difícil que sea así, con lo cual cabe pensar que, simplemente, se han encontrado con la suficiente inspiración como para hacer un álbum triple.

Las sensaciones de este primero son buenas. Vale, no es ni un ‘Dookie’ ni un ‘American Idiot’. Asumido el hecho de que no todos los discos pueden ser obras maestras, ‘Uno’ si que supone un más que digno trabajo en la carrera de los Oakland. Si nos olvidamos del que ha sido primer single de la banda, “Oh Love”, el resto de este trabajo es una apuesta de la banda por volver a los temas rápidos, irreverentes y punks. Temas como “Kill The DJ”, “Let Yourself Go”, “Nuclear Family”, “Loss Of Control” o “Angel Blue” nos trasladan directamente a la época en la que la banda ni siquiera conocía el término Ópera Rock.

Rápidos, contundentes, con sabor a ‘Dookie’ o ‘Nimrob’, pero con una producción brillante de Rob Cavallo que ha aproximado el sonido al de aquel excitante ‘American Idiot’.

Lo normal en estos casos, cuando una banda ha encontrado una fórmula exitosa, es explotarla hasta la extenuación. En este caso, da la sensación de que Green Day querían volver a aquella fórmula básica de hacer canciones para pasárselo bien y lo cierto es que sigue funcionando.

Lo que se ha editado estos días también es un box muy interesante con todos los discos de los californianos, incluidos los de su época en Epitaph. Edición especial de una discografía se antoja imprescindible ya no sólo para conocer íntegramente la historia musica de la banda.

Conocer a Green Day a través de sus discos es también redescubrir a una banda que es pieza clave para entender el Rock y el Punk mundial de las últimas dos décadas.

TESA NAVARRO

Corey Taylor en los camerinos del Download Festival con nuestro primer número.

(Mil gracias a fotógrafo Juan Manuel Rodríguez)

Stone Sour

House Of Gold & Bones Part 1 (Roadrunner Records / Warner Music)

No me andaré con rodeos. Adoro a Stone Sour. Su primer disco, analizado detenidamente, es parco y precipitado, pero a mí me encanta. “Idle Hands”, “Take a Number” o “Get Inside” tienen una crudeza mayúscula y por eso me parece excitante. Después vinieron ‘Come What(ever) May’ que no estaba nada mal y ‘Audio Secrecy’, disco que me compré en edición especial y que me podía haber ahorrado. Esa sucesión de medios tiempos decadentes se me hizo complicada de escuchar. Cuando he vuelto a él ha sido para volver a escuchar “Digital”, “The Bitter End” o el extra “Hate Not Gone” porque, casi todas las demás, se me hacían demasiado pastelosas.

Con semejante antecedente, no pude menos que sentir cierto temor de encontrarme una obra del mismo talante decadente. Sin embargo, sorpresas mayúscula cuando empieza a sonar “Gone Sovereign” y los flashbacks empiezan a hacer acto de presencia. Suena rudo, contundente, con la progresión del tiempo impregnado en cada nota. ¡Si hasta el solo de guitarra de Jim Root es impresionante! “Absolute Zero” borra de un plumazo cualquier atisbo de espejismo. La contundencia sigue guiando un trabajo en donde queda expuesto el buen trabajo de David Bottrill a la producción.

Tras la también cañera “A Rumor Of Skin” llega la acústica “The Travelers Part 1”, tema a la altura de un “Bother” pero mucho mejor elaborado. Con auténtico pavor de que el resto del álbum siga en esa línea y se convierta en un ‘Audio Secrecy’ empieza a sonar “Tired”. Suena denso, con guitarras dobladas superheavy, y con un Corey conteniendo su garganta desde los primeros compases. Los arreglos orquestales que se van dibujando por detrás, de forma sutil hasta casi el final, terminan de rematar uno de los temas delicadeza del álbum. Ésta queda completamente descartada en el poderoso “RU 486”, con un Taylor desgarrando su garganta en un tema que suena a Slayer por momentos.

Tras la explosiva “My Name Is Allen” llega “Taciturn”, el tema acústico del álbum y que está a la altura de un “Botther” o incluso un “Snuff” (Slipknot). En vez de subir de golpe y porrazo en la siguiente se decanta por un crescendo llamado “Influence Of A Drowsy God”. Parece que está de tapado, pero después de varias escuchas queda con uno de los temas más completos de todo el álbum.

Totalmente Heavy (parece un inicio de Maiden) es la segunda parte de “The Travellers” que casi se une al cierre de “Last Of The Real” de forma contundente, volviéndonos la banda a enseñarnos su cara más dura, más machacona.

Es ‘The House Of Gold & Bones’, al menos esta primera parte, un disco para paladear, para experimentar distintos estados de ánimo y para dejarse llevar por la historia que va en las letras. Que saquen ya la segunda parte para escucharlo todo de seguido, por favor!

ROBERTO VILLANDIEGO

Rulo y la Contrabanda

Sylosis

Steve Harris

(Warner Music)

(Nuclear Blast)

(EMI)

Especies en Extinción

Si ya has pasado y te has leído la entrevista que le hicimos al de Reinosa con motivo del álbum, sabrás que ‘Especies en Extinción’ es el álbum en donde Rulo se ha quitado muchos complejos de encima.

Moviendose por corazonadas, como él mismo confiesa, ha lanzado uno de esos discos que te puedes poner los días alegres y tristes. Con una paleta creativa ampliada por su necesidad de progresar, Rulo, junto a la contrabanda, se ha inventado uno de esos discos ecuménicos en donde todos podemos vernos reflejados.

Además, lo ha hecho con canciones que te atrapan como “La Flor”, “Divididos”, “Al Infinito”, “Mi Pequeña Cicatriz” y dos muy especiales como “El Mejor Veneno” y “A Punto de Colapsar” (hit en potencia que se te queda a la primera).

Si en ‘Señales de Humo’ exputó todos sus miedos, ‘Especies en Extinción’ es uno de esos trabajos por los que se terminan recordando a un artista. Trampa peligrosa para un Rulo que ha subido su listón a las nubles.

SARA PÉREZ

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Monolith

Manual de cómo recomponerte si una pieza clave como es el vocalista se las pira en sólo dos álbumes.

Josh Middleton ni se planteó buscar a alguien cuando el vocalista Jamie Graham decidió pirarse. Él se iba a encargar de tocar la guitarra (que era lo suyo) y de las partes vocales. Mientras que en el anterior se le notaba menos seguro, en ‘Monolith’ da un golpe de efecto con su descarnada voz. Pocas veces te encuentras con un tío tan enojado como él, que otorgue a la voz ese extra de hacerla real, de hacerla creíble. Además, esta situación lo que ha provocado es que los arreglos de guitarra queden más visibles. Más descubiertos. Mientras canta Josh nos deleita con toda una colección de riffs llenos de entrañas.

Cuando no lo hace saca a relucir esa técnica progresiva que termina de llevar las canciones a otra dimensión.

Eso sí, el cambio ha tenido un efecto casi devastador en las melodías límpias, bastante desaparecidas durante todo el disco.

El disco está plagado de momentos brillantes, de juegos de luces y sombras. La explosión en el minuto 5:34 te atrapa hasta que acaba. ¿No me crees? Ponte “Out Form Below” y terminarás descubriendo el tema acústico que se esconde tras “Enshrined”. Brutal.

ROBERTO VILLANDIEGO

British Lion

El debut en solitario de Steve Harris debería tener una advertencia bien grande en la cubierta que pusiera “absténganse los que esperen encontrar otro disco de Iron Maiden” porque los que se pillen ‘British Lion’ con esa intención se van a llevar un chasco enorme. Está claro que Harris es pieza fundamental en Maiden, pero el bajista demuestra en este trabajo que tiene otras inquietudes musicales. Inquietudes que no encajan en el estilo y género de su banda principal y que está claro que le urgía sacar fuera.

El álbum se abre con “This Is My God”, un tema muy denso, muy machacón, con el bajo dominando el ritmo sobre el que Richard Taylor parece retorcerse en su dolor interior. Todavía más machacona es “Lost Words”, un tema muy Sevendust mezclado un poquito con Maiden en el estribillo. Muy actuales suenan “Karma Killers”, “Judas” o “These Are The Hands”, a los 80 volvemos con “A World Without Heaven”o “Eyes Of The Young”, a los 70 con “The Chosen Ones” y se nos saltan las lagrimitas con “The Lesson”. Pero el que realmente destaca es “Us Against The World”, posiblemente el tema más Maiden. Ese ritmo galopante y la melodía vocal se te quedan pegados al paladar con mucha facilidad. Lástima que la voz de Richard (como en casi todo el álbum) suene como contraída porque de haberse soltado un poco más habría terminado de rematar un disco que, en líneas generales, no es más que un disco que se deja escuchar con facilidad.

CARLOS MEDRANO

65

REVIEWS Periphery

Slipknot

(Century Media)

(Roadrunner Records)

Periphery II

Impresionante lo que han hecho los jovencísimos Periphery en este segundo trabajo. ‘Periphery II’ tiene tintes metaleros, tintes progresivos, tintes rockeros... es como si Glassjaw hubiesen conocido a Dream Theater y hubiesen parido casi una obra maestra.

Es sensacional la pujanza y el vigor que brota de cada una de las canciones, la versatilidad de Spencer Sotello a las voces y la maestría del resto de músicos, quedando patente la depurada técnica instrumental de Misha Mansoor (guitarra), Matt Halpern (batería), Jake Bowen (guitarra) y Mark Holcomb (guitarra).

Apasionante, trepidante, un disco lleno de matices que te zarandea hasta tal punto que termina volviéndose adictivo. Querrás escucharlo mil veces para descubrir todos los matices, todas las intensidades, todos los matices que se encierran en un disco que va a poner en el mapa definitivamente a la banda.

ROBERTO VILLANDIEGO

Cada vez que Slipknot se van a tirar una larga temporada desaparecidos, se edita algo que mantiene el nombre de la banda vivo. Con Taylor concentrado en Stone Sour por el momento, tiene pinta de que va a ser difícil ver a los enmascarados en directo así que ‘Antennas To Hell’ es como una dosis de morphina para pasar el mono. Si eres fan de la banda poca sorpresa te vas a encontrar puesto que, aunque hayan evitado usarlo con bastante picardía, ‘Antennas’ es un best of de los de toda la vida aunque muy bien presentado. Además, va un paso más allá e incluye la actuación del Download del 2009 (la última de Paul Gray) en audio y un DVD con todos los vídeos y una sorpresa llamada “Broadcasts from Hell”.

Son vídeos filmados por Shawn Crahan de lo que no se suele ver. Slipknot en estado puro con todas sus locuras.

Si quieres enganchar a alguien a Slipknot este es el regalo perfecto.

CARLOS MEDRANO

Epicloud (Inside Out)

Todos creíamos que con ‘Ghost’ y ‘Deconstruction’ se daba por concluido este “Projecto”, pero no. El bueno Devin Townsend tenía un comodín guardado en la manga y ahora lanza ‘Epicloud’ para el deleite de los seguidores de la saga. COn él termina de cerrarse el círculo de cinco piezas a modo de epílogo en donde Townsend se da de bruces con todas sus reflexiones interiores.

‘Epicloud’ sirve como resumen ampliado de los cuatro discos anteriores con piezas que van desde la más insana locura de “More!” o “Kingdom” a las sofisticadas y dulces melodías de “Angel” o la extraordinario “Where We Belong”.

Atentos a la entrevista que hicimos con Devin y que incluiremos en el próximo número. Os enteraréis de muchas curiosidades y él mismo os contará de primera mano lo que significa el álbum.

ROBERTO VILLANDIEGO

Tarja

Papa Roach

Danko Jones

(Ear Music)

(Eleven Music)

Rock & Roll Is Black And Blue (Bad Taste)

Act I

Como le pasó a Ozzy en su día, Tarja Turunen va, poquito a poco, quitándose la vitola de ser la ex- cantante de Nightwish, para ganar entidad propia. Necesita la finesa lanzar, eso sí, un álbum tan sumamente impresionante que la termine de consagrar. Mientras esto llega, Tarja sigue “explotando” su época dorada en Nightwish poniendo en el mercado lanzamientos como este ‘Act I’.

El concierto fue grabado con cámaras HD en Rosario, Argentina, en donde reside ahora la vocalista, así que es mejor pillarse el DVD. Como punto curioso tiene escuchar temas como “Livin’ On A Prayer’ de Bon Jovi o ‘Still Of The Night’ con voz de soprano.

CARLOS MEDRANO

The Connection Hay bandas que salen evolucionar integrando cosas nuevas y otras que no. Cuando salieron, Papa Roach estaban influenciados por Korn. Ahora les dan sopas con ondas. ¿A qué viene eso? A que el disco de Papa Roach es un arriesgado paso hacia delante, metiendo cosas electrónicas tipo Skrillex, pero con la picardía de que los temas no se sostengan sobre eso sino que lo que es la idiosincrasia de la banda quede intacta. Además, han recuperado aquellas partes más rapeadas para lanzar un híbrido que tiene un pie en el futuro, pero con la cartera llena de recuerdos.

‘The Connection’ está entre los mejores trabajos de la banda sin lugar a dudas.

ROBERTO VILLANDIEGO

EDICIONES ESPECIALES Judas Priest

Deep Purple

(Sony Music)

(EMI)

Screaming for Vengeance Puede ser que todavía haya algún despistado que no conozca uno de los mejores discos de Heavy Metal de la historia. Aquí están Judas Priest en estado puro, en un momento creativo absolutamente brillante, con un duo de guitarras compenetrándose a la perfección a los cuales podéis oír a la perfección gracias al sonido estereo que se estaba empezando a explotar realmente en esa época.

Es el de ‘Screaming For Vengeance’ uno de los inicios más asombrantes con la intro “THe Hellion” y el temazo “Electric Eye”. Por él no pasan los años y sigue igual de intenso que cuando fue creado. Todo, o casi todo, el álbum en realidad tiene un rapidez, una rabia y una fuerza que tira para atrás. Quitando “(Take These) Chains” y “Fever” (más poperas), el resto son auténticos trallazos llenos de riffs pesados y bastante mala leche. Sólo hay que volver a reescuchar el tema que da título al álbum.

El CD de esta edición especial se ha terminado de completar con cinco temas en directo mas el inédito “Prisoner Of Your Eyes” (canción que iba a ir para el ‘Turbo’ pero que no entró al final).

También se ha incluido un impresionante DVD con una actuación de la banda en 1983. Fue en el US Festival, en el que compartieron cartel con Ozzy, Quiet Riot, Motley Crue, Scorpions o Van Halen.

Con semejante elenco lógico que las tomas de ambiente quiten el hipo. Absolutamente abarrotado se ve el recinto en el que los ingleses presentaban formalmente este álbum.

Si bien se podían ver por ahí copias de baja calidad, lo que aquí tenemos es la misma edición de vídeo pero con el sonido remasterizado. Suena perfecto en todos los sentidos y en él podemos ver a una banda pletórica.

Comienzan, cómo no, con “Electric Eye”, con unas tomas de la banda esperando detrás de la pantalla de Marshall para salir, y acaba con Halford y su ya mítica moto en “Hell Bent For Leather”.

En el camino clásico de otros discos como “Heading Out To THe Highway”, “Metal Gods” o “Breaking The Law”. Eso sí, los bailes que se marca Rob Halford son antológicos.

Un disco básico, esencial. Un álbum que hay que tener al igual que hay que tener el ‘British Steel’ o el ‘Defenders Of The Faith’, porque en ellos están las enseñanzas de cómo se debe hacer un disco de Heavy Metal y, lo más importante, del sentido que tiene tener dos guitarras.

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Devin Townsend Project

Antennas To Hell

Machine Head

No hay banda actual que no haya pasado por ‘Machine Head’, uno de las piedras angulares de la discografía de Deep Purple.

De hecho, es uno de esos discos tan relevantes que sale una edición especial cada vez que cumple años. ¿Por qué? ¿Por hacer caja? Pues a lo mejor, pero también es una oportunidad para hacerse con él en caso de que no lo hayas hecho. Ya salió cuando cumplió 25 años pero es que ahora cumple 40. Se dice pronto.

Lo mejor es que, aunque tenga esa friolera de años, el álbum sigue sonando con nervio. Canciones como “Highway Star”, “Smoke On The Water” o “Space Truckin’”, por destacar las cañeras, han sabido capear el paso del tiempo perfectamente.

Es escuchar los teclados del recientemente fallecido John Lord comandando el solo el “Highway” y subir la adrenalina a niveles disparatados. Aún a día de hoy sigue siendo, además, uno de las mejores composiciones de la historia.

CARLOS MEDRANO

Millencolin

The Melancholy Connection (Epitaph)

Los sueco Millencolin vuelven a recopilar todas sus caras B, como ya hiciesen en ‘The Melancholy Collection’, para editar un “álbum” que merece mucho la pena. Lo hace no sólo porque contenga dos temas nuevos (“Carry You” y “Out From Nowhere”) sino porque entre las canciones que tenían por ahí “escondidas” hay joyas como “Absolute Zero”, “E20 Norr” y “Bowmore”. A eso hay que sumarle el documental ‘A Pennybridge Production’ que no son más que interesantes imágenes grabadas con videocámara de cuando registraron ‘Pennybridge Pioneers’ en L.A. incluyendo muchos planos con Brett Gurewitz de Bad Religion quien se encargó de la producción de aquel álbum. A los videos más viejos se han añadido entrevistas actuales recordando cómo fue todo aquello convirtiéndolo en un documento más que interesante.

‘Below The Belt’ le puso las cosas crudas a Danko Jones. El disco estaba cantado altísimo y los temas estaban muy bien elaborados. ¿Cuál iba a ser su siguiente paso?

Pues intentar mejorarlo aunque con un gran truco de prestidigitador: volviendo a sus orígenes. En este álbum hay temas que podrían haber entrado en ‘Below’ pero también unos cuantos que podrían haber encajado en ‘We Swear Blood’, con el problema de que han perdido espontaneidad. O eso o que directamente se espera mucho más de él y temas como “Get Up”, “Legs”, “I Don’t Care” o “Don’t Do This” se quedan un poco mediocres.

Eso sí “Type Of Girl”, “Just A Beautiful Day”, “The Masochist” y “I Believed In God” valen su peso en oro.

TESA NAVARRO

LIVE

Korn

Live At The Hollywood Palladium (AFM)

Les hemos perdido doctor. Es triste y duro reconocerlo pero Korn, hoy por hoy, son una versión en pantomima de lo que fueron en el pasado. Aún pudiendo entender la gracia de sacar un disco junto a Skrillex, lanzar también un CD/DVD con una actuación en Londres es ya un canto desesperado. Es tan poco creíble esa unión, esa caricatura escénica que llevan ahora que hay momentos en el DVD en el que parece más una rave salvaje que un concierto de Metal, lo que sucedió en el Hollywood Paladium.

De hecho, ellos mismos deberían darse cuenta tocando en una sala de 2000 personas (si llega) cuando en el pasado llenaban estadios. Deben replantearse hacia donde quieren ir y pensar que hacer otro disco con el DJ de moda NO es la respuesta.

TESA NAVARRO

Stratovarius

Under Flaming Winter Skies (Ear Music)

Hay dos maneras de irte de una banda. Una es pirarte por la puerta de atrás aunque seas el principal compositor (como le pasó a Kotipelto) y otra es que hasta salga un disco para despedirte como muestra de cariño. Esa es, básicamente, la función de este ‘Under Flaming Winter Skies’. Es un adiós a Jörg Michael, batería que después de luchar contra un cáncer al final ha tenido que retirse por motivo personales después de 15 años en la banda.

Con la banda sonando como un cañón, este nuevo directo de Stratovarius es más emocionante. Quizás sea la sugestión de saber que está dedicado a su compañero, pero da la sensación de estar tocado con muchas más ganas. La energía desborda el escenario del Pakkahouone, en Tampere, Finlandia, donde fue grabado.

Ha tenido además el mismo dos ediciones. Una en CD doble y otra en DVD en donde el principal protagonista es el batería. En el disco se incluye una última entrevista a Jörg para dejar para la posteridad las impresiones de un músico que lo ha dado todo por la banda.

CARLOS MEDRANO

CINE

El Caballero Oscuro: La leyenda renace Título original: The Dark Knight rises. Dirección: Christopher Nolan. Países: USA y Reino Unido.

Año: 2012. Duración: 164 min.

Género: Acción, thriller. Interpretación: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Tom Hardy (Bane), Gary Oldman (James Gordon), Anne Hathaway (Selina Kyle/Catwoman), Morgan Freeman (Lucius Fox), Michael Caine (Alfred), Marion Cotillard (Miranda Tate)

Decir a estas alturas que Christopher Nolan es probablemente el mejor director de su generación esta de mas. Afirmar que con la anterior entrega de la saga, “El caballero Oscuro”, el cine de superhéroes alcanzó unas cuotas de calidad difícilmente superables, también resulta obvio. Quizás sean estas dos premisas sin embargo las que han impulsado a que este tercer film, esta solución final, sea una de las películas más esperadas de la última década.

Quizás por eso la decepción sea mayor en muchos. No nos llevemos a engaño. No alcanza el nivel de la segunda entrega, pero tampoco se queda demasiado atrás. Lo más sorprendente, al margen de determinadas conclusiones morales algo dudosas, es que el señor Nolan consigue hacer una película de Batman sin que este apenas aparezca, y a pesar de eso no pierde el atractivo en sus casi 3 horas de metraje.

Con todo esto podemos decir que, sin llegar a convertirse en una película de culto como su predecesora, “The Dark Knight Rises” supone un cierre más que digno a la que probablemente sea la mejor trilogía de superhéroes de la historia del cine, uniendo acción a raudales con una factura técnica impecable marca de la casa con una cierto alarde de profundidad bien entendido que la distancia de otras películas del género.

A FAVOR: Aspectos técnicos a parte, supone una sorpresa encontrarse la grandiosa actuación de Anne Hathaway como Cat woman. Sensual, atractiva y sobre todo creíble.

EN CONTRA: Como decíamos antes, ciertas conclusiones morales y ciertas relaciones mal entendidas entre lo que es una revuelta popular y un acto de terrorismo. Clásico pensamiento americano que decepcionara más sin duda al espectador europeo.

JAVIER BRAGADO

Prometheus Película en 3D: Dirección: Ridley Scott. País: USA. Año: 2012. Duración: 125 min. Género: Acción, ciencia-ficción, terror. Interpretación: Noomi Rapace (Elizabeth Shaw), Charlize Theron (Meredith Vickers), Michael Fassbender (David), Guy Pearce (Peter Weyland), Idris Elba (Janek), Logan Marshall-Green (Charlie Holloway), Rafe Spall (Millburn), Sean Harris (Fifield), Emun Elliott (Chance), Benedict Wong (Ravel)

Decir que Prometheus es la gran decepción de la temporada no es una afirmación demasiado arriesgada. Quizás la volatilidad de un proyecto que comenzó como una precuela de “Alien” pero que poco a poco fue divagando hacia otras pretensiones más trascendentales hayan colaborado para que por desgracia estemos ante un proyecto que no tiene ni pies ni cabeza. No estamos, para desconsuelo de muchos, ante el Scott de Blade Runner o de la propia Alien, que sabia conjugar una riqueza visual apabullante con unas historias que encontraban en su supuesta sencillez una enorme profundidad y un atractivo imponente. Estamos ante el Ridley Scott de “Blackhawk Derribado”, ante ese director técnicamente prodigioso pero frío, distante, impreciso en sus tramas, y pretencioso en sus historias.

Porque Prometheus es un engaño. Si la desligamos de la saga madre, de ese manifiesto de como hacer buen cine de terror y ciencia ficción del cual se supone que proviene, la película no esta mal. Pretenciosa y llena de lagunas, pero entretenida al fin y al cabo. Digno cine de palomitas sin más. Pero no es así. Es un engaño porque intenta vendernos algo que no es. Y no solo eso, sino que además, por ese simple hecho, decepciona y confunde, intentando atraer al seguidor incondicional de eterno bicho baboso, que sin embargo saldrá horrorizado del cine.

A FAVOR: La factura técnica es impecable, y hay alguna escena que aun recuerda el buen hacer de Scott.

EN CONTRA: Prometheus es al origen del Alien como los malditos midiclorianos del Episodio 1 eran a La Fuerza. Decepción total.

JAVIER BRAGADO

Rock of Ages (La Era del Rock) Título original: Rock of Ages. Dirección: Adam Shankman. País: USA. Año: 2012. Duración: 123 min. Género: Musical, romance.

Interpretación: Julianne Hough (Sherrie), Diego Boneta (Drew), Russell Brand (Lonnie), Paul Giamatti (Paul Gill), Catherine ZetaJones (Patricia), Malin Akerman (Constance), Mary J. Blige (Justice), Alec Baldwin (Dennis), Tom Cruise (Stacee Jaxx)

Desde hace unos años a este parte hay una fea costumbre de intentar adaptar musicales que probablemente en el contexto de un teatro, y con su guión original, tengan cierto sentido. Sin embargo, salvando ciertas excepciones como la magnífica Chicago, el resultado suele ser escandalosamente hortera, rozando el insulto a la inteligencia del espectador. Esto, que ya de por si es ofensivo, resulta todavía mas doloroso cuando la trama principal gira en torno a algo tan motivador, importante, culturalmente rico, y musicalmente potente como fue la escena del Hard Rock Americano de los 80, con su centro de operaciones en el mítico Strip de Los Angeles.

En lugar de hacer un homenaje a esa época dorada del Rock, que es lo que supuestamente trata de hacer la película, su desarrollo ridículo y edulcorado, unido a unas actuaciones bochornosas (quizás lo único que pueda salvarse sea un Tom Cruise algo pasado de vueltas, pero que aborda su personaje con cierta ironía y no resulta tan absurdo), a unos número musicales que rozan el absurdo y a una historia más propia de High School Musical que de una película que lleva como título “La Era del Rock”, hacen que resulte una parodia de mal gusto.

Sin mas.

A FAVOR: Practicamente Nada. Podríamos decir que la banda sonora no esta mal, pero las adaptaciones de las canciones son tan ñoñas y cantan tan a lo “Disney” que incluso puede resultar mas doloroso.

EN CONTRA: Poco más se puede añadir.

JAVIER BRAGADO

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Amorphis

Texto: Sergi Ramos. Fotos: Javier Bragado

Otro festival para apuntar en las agendas de cara al año que viene (si se vuelve a celebrar). Este año, aún pareciendo por momentos que se les puso un poco el tiempo en contra a la hora de cerrar un cartel consistente, el COSTA DE FUEGO cerró su primera edición con una nota altísima. Los organizadores del FIB se pasaron al lado más duro y salvaje para configurar dos días de desenfreno. Así lo vivimos.

España es un lugar donde, a diferencia de Alemania o Suecia, el mapa de festivales difícilmente tiene la misma cara y los mismos ojos año tras año. Propuestas vienen, propuestas van, algunas se consolidan, otras se estrellan dolorosamente contra el pavimento figurado que es la venta de entradas y al final el público nunca sabe con cierta antelación donde va a acabar en verano del año próximo disfrutando de sus grupos favoritos. Si bien es cierto que propuestas como el Sonisphere, el Bilbao BBK Live, el Resurrection, el En Vivo o el Azkena Rock están maduras y arraigadas, hay muchas otras que carecen de continuidad regular y aparecen y desaparecen como el que no quiere la cosa. Y de la nada y sorpresivamente apareció este año el ambicioso Costa de Fuego, Año I. Pese a lo aparentemente pretencioso del nombre, la realidad que tras él hay una intención verdadera de hacer un proyecto de festival a cinco años que cuaje en el mercado. Auspiciado por Vince Power, antiguo jefe de la gran promotora inglesa Mean Fiddler (festivales de Reading y demás) y producido por Maraworld, su filial española y organizadora del tan valorado FIB, el Costa de Fuego intenta aprovechar las infraestructuras del ya existente Festival Internacional de Benicassim para montar otro festival en los mismos terrenos una semana después. La idea es que el Costa de Fuego se celebre siempre la semana de antes o 50

después del FIB. Ese ahorro logístico es parte de lo que hace el festival posible en las condiciones que lo hace. Por ejemplo, hay cuatro escenarios. El escenario Costa de Fuego, que es el grande y principal, el escenario Black Bikini, que sirve para bandas con menor convocatoria, la carpa Jack Daniels, generalmente dedicada a bandas emergentes nacionales y otras ya consolidadas, y finalmente el Red Bull Tour Bus, dedicado a bandas más desconocidas que buscan la oportunidad de promocionarse y asociar su nombre al de un festival a gran escala.

La calidad de sonido y equipo técnico es grande, aunque en ciertos momentos de festival faltara un poco más de volumen.

Las facilidades en el backstage son tremendas, tanto para músicos como para prensa. La zona de comida es variada y bien acondicionada con sillas y mesas, aunque en las horas punta estaba ciertamente llena hasta arriba. Hay mercadillo, hay tabaco, hay seguridad por todas partes, una buena situación de las instalaciones para que no entren en conflicto unas con otras –especialmente los escenariosy hasta una atracción de feria con la que ver los conciertos desde otra perspectiva. ¿Porqué, pues, el festival tuvo una asistencia ‘de pago’ algo humilde?

Oficialmente, unas 12.000 personas acudieron cada al festival. Mientras que acudir, acudieron, la realidad es que se regalaron muchas entradas en los días previos

a la celebración del mismo. ¿El motivo?

Seguramente, el realizarse de manera posterior al resto de citas habituales, lo que limita mucho el poder adquisitivo de quienes son espectadores potenciales.

La coyuntura económica, lógicamente, tampoco ayuda. Y lo más importante, seguramente nombres como GUNS N’ ROSES o MARILYN MANSON no son los grandes polos de atracción de público que la organización esperaba. Pese a que son nombres reconocidos, asentados y legendarios, lo cierto es que en la actualidad, GUNS N’ ROSES no meten a más de 5.000 personas por ciudad en su última gira española. MARILYN MANSON a duras penas metió 3.000 en las últimas dos ocasiones. En resumidas cuentas, no son bandas de esas que te hacen funcionar el festival ellas solas, por obra y gracia de su poder de convocatoria. Puedes montar el festival más normalito del mundo, pero si IRON MAIDEN, METALLICA o KISS lo encabezan, el éxito está más que asegurado. Con bandas como MARILYN MANSON o GUNS N’ ROSES como cabezas, el festival depende sobremanera de las bandas medias del cartel. Ahí el Costa de Fuego tuvo unos cuantos golpes acertados, como son NIGHTWISH, IN FLAMES, OPETH, PARADISE LOST o WARCRY. No obstante ¿está preparado el inmovilista público heavy patrio para ARCHITECTS, ROLO TOMASSI, THE COMPUTERS o WE ARE THE OCEAN? Seguramente no.

Mientras que la labor de un promotor es romper el hielo para las bandas en un determinado país, en España el público es muy reacio a “dejarse aconsejar”. Parecía que el remanente de turistas británicos que habían decidido prolongar una semana más su estancia en Benicassim para acudir al Costa de Fuego fueron los que más disfrutaron con propuestas como las mencionadas. Al final, con OBUS el escenario principal estaba lleno de gente y eso que están más vistos que el tebeo. Si eso no envía un determinado mensaje sobre el mencionado inmovilismo…

Lo que más mérito tuvo fue lo que más desapercibido pasó para un sector del público: lo que aconteció en la carpa Jack Daniels. Los shows de CLOCKWORK, UZZHUAIA, DUNEDAIN, VITA IMANA, KILLUS y unos cuantos más, fueron de lo mejor del festival. Porque, si, de las bandas del escenario principal –experimentadas y conocidas- te esperas lo máximo. Pero cuando pasas por la carpa y ves lo que se está cociendo en la escena de nuestro país, alucinas. Especialmente si lo comparas con los absolutos bodrios de hace tan solo diez años.

VIERNES 19 DE JULIO Con un calor considerable, el viernes 19 de julio se inició la primera jornada del festival. Se nota que allí ya se había hecho un festival hacía escasamente una semana, pues los habituales errores y proble-

mas de las primeras horas en accesos, acreditaciones u horarios no se dieron en absoluto. La entrada fue fluida, cabe decir también que el volumen de público en esas primeras horas era modesto, aunque iría aumentando a medida que pasan las horas hasta lograr un ambiente muy florido de cara a las nueve de la noche, cuando los mayores grupos del cartel comenzaban a aparecer sobre el escenario.

La difícil labor de abrir el festival fue para WE ARE THE OCEAN y los artistas de DRY RIVER, que presentaron su curiosa marca de rock a medio camino entre lo sinfónico, lo setentero y lo progresivo en la carpa Jack Daniels. Poco después llegaría turno de que STEEL HORSE inauguraran el escenario Black Bikini con su heavy metal de lo más clásico. Apenas les dio tiempo de tocar cinco o seis canciones, pero con cosas como “Run To Survive” o el semi clásico “Wild Power” convencieron a los más tempraneros. La primera “gran” banda internacional sería AMORPHIS, que actuaron en el escenario Costa de Fuego. Uno puede decir que la banda no es para nada carne de festival –su estilo musical los hace más propensos a una situación de sala que de gran concierto al aire libre- pero el público reaccionó bien con ellos y tuvieron un seguimiento considerable. “Sky is Mine” y “House of Sleep” fueron dos de los grandes momentos de su show, que apenas duró una hora.

YOUR DEMISE, sobre la misma hora (19:20h) protagonizaban un set potente en el Black Bikini, con su metalcore acelerado marca de la casa y una actitud escénica más que apropiada. El escaso público (unas 100 personas estaban viéndoles) se apiadó de ellos y se volcó en liarla con temas como “Burnt Tongues”.

Mientras CEREBRAL y HOTEL AMBUSH actuaban en la carpa Jack Daniels y en el Red Bull Tour Bus respectivamente, los noruegos SATYIRICON tomaban el escenario principal en su primera actuación española en cuatro años. Satyr y Frost se lo llevaron de calle con una buena dosis de black metal en horario infantil. Aunque les costó entrar en calor, al tercer tema, “Forhekset”, estaban bastante encendidos ya. Además, la banda nos confirmó en un posterior encuentro en el backstage que ya están preparando su esperado nuevo disco y que lo veremos en las tiendas a mediados de 2013. Terminaron el show con “Fuel For Hatred” y “K.I.N.G.”.

Coincidieron en horario los manchegos ANGELUS APATRIDA, que tuvieron el espacio del escenario Black Bikini muy lleno para verles. Certificando así que es una de las bandas más seguidas de nuestro país, el público disfrutó de lo lindo con Guillermo Izquierdo y cia, que estaban presentando su último trabajo, “The Call”. No faltaron los clásicos de la talla de “Blast Off”, “Give ‘Em War”, la nueva “You Are Next” (que abrió el show) o la final “Thrash Attack”. Tampoco faltaron los moshpits, walls of death y el desmadre generalizado que ha hecho de los shows en directo de la banda casi un resumen vivo de lo que es la vida y milagros del thrash metal como genero musical.

Turno después para BARON ROJO en el escenario principal y WARCRY en el Black Bikini. Los primeros sonaron cansados y venidos a menos, con un Carlos de Castro al que parece que le hayan sustituido la laringe por un tenedor y un plato copulando. Ni siquiera el peso del arsenal de clásicos de la banda pudo salvar la actuación. El publicó coreó debidamente “Concierto para Ellos”, “Cuerdas de Acero” y “Resistiré” como mandan los cánones, pero fue algo más por respeto que otra

cosa. No fue una de las mejores noches de BARON ROJO y, por desgracia, esas “mejores noches” son cada vez menos frecuentes. Los segundos fueron todo lo contrario. WARCRY están en su mejor momento y aunque hayan realizado más bien pocos conciertos en la gira de “Alfa”, cada uno de ellos ha sido memorable. En Benicassim no fueron menos. Una hora, diez canciones, energía imparable. “Alma de Conquistador” abrió el show, seguida de “Nuevo Mundo”, “La Muerte de un Sueño”, “Cobarde”, Ardo por Dentro” –uno de los temas más memorables de “Alfa”, sin duda-,”La Vieja Guardia”, “Coraje”, “El Guardián de Troya”, “Tu Mismo” y cerrando el show “Capital Lawrence”.

No dejaron títere con cabeza y el público se quedo pidiendo más. Pablo García fue tan preciso como siempre, mientras que Victor García demostró haber ganado un montón de carisma con los años. Ahora solo falta ver cual será su próximo paso como banda.

A las 23:00, puntualmente, salían a escena en la carpa Jack Daniels los chicos de UZZHUAIA, que jugaban en casa y fueron tan grandes como cabía esperar en esa situación. “Baja California” sonó a gloria, pero eso es como decir que “Highway To Hell” fue muy coreada en un show de AC/ DC. Lo cierto es que el resto, como “13 Veces por Minuto”, “Destino Perdición” o “Nuestra Revolución” cayeron tan bien como un chorro de chocolate negro en un helado de vainilla. Salieron de la abarrotada carpa como héroes y demostraron que no hace falta ser un grupo internacional para saciar a un público hambriento de rock.

A la misma hora, OBUS conquistaban el escenario principal con un show despampanante. Fortu puede ser un señor de cierta edad, pero su lado gamberro no ha remitido con los años. En la hora de concierto de la que disfrutaron, se merendaron a casi todo el resto de bandas del festival, GUNS N’ ROSES incluidos.

“Te Visitará la Muerte”, “Que Te jodan”, “Vamos Muy Bien”, “Prepárate” y “El Que Más” sonaron enérgicas y frescas, al contrario que lo que sucedió con los Barones. El público respondió de manera acorde, aupando a la banda durante todo el set.

A la misma vez, prácticamente, PARADISE LOST hacían un concierto irregular en el Black Bikini. “Tragic Idol” es un discazo, Greg Mackintosh es un gran guitarrista y Nick Holmes es un pedazo de vocalista, pero algo faltaba esa noche y Nick parecía algo distraído vocalmente. El resto de la banda compensó la carencia y al final salió un concierto más que decente, donde “Honesty in Death”, “Hallowed Land” y “Fear of Impending Hell” fueron momentos destacados.

El público comenzó a tomar posiciones frente al escenario principal para el show de unos GUNS N’ ROSES desgastados, peores que en su última gira española pero mejores que en aquel desastroso concierto en Madrid del 2006. Axl Rose se había dejado la voz en el avión y se notaba que la banda lleva girando con “Chinese Democracy” los últimos dos años y pico. Donde hace un par de años estuvieron excelsos, ahora suenan manidos. El show es, esencialmente, el mismo. Arrancan con “Chinese Democracy” y un montón de pirotécnia, con el bueno de DJ Ashba subido en lo más alto del escenario. Luego llegan clásicos como “Welcome to the Jungle” y “It’s so Easy”, que ponen a botar a todo el auditorio del recinto de festivales. “Mr. Brownstone” mantiene el tono, pero luego comienzan a sonar canciones como “Sorry”, el solo de Richard Fortus, “This i Love”, “Better”, el

Noctem

Angelus Apatrida

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gran mayoría de los asistentes. La noche terminó con THE COMPUTERS y BURY TOMORROW en el escenario Black Bikini y el eterno Rafa Basa ejerciendo de DJ en la carpa. Momento para coger fuerzas de cara a la jornada siguiente.

solo de Tommy Stinson, el de Dizzy Reed, “Street of Dreams”, un solo de DJ Ashba…bueno, no hace falta seguir. Es obvio que no es el concierto con el que un fan de GUNS N’ ROSES pierde el oremus.

No obstante, salteados, llegan grandes momentos, como “Rocket Queen”, “Estranged” (brutal!), “You Could Be Mine o “Live and Let Die” (con profusión de pirotecnia). El gran momento, lógicamente, fue “November Rain” y el final con “Paradise City” con el escenario repleto de pirotécnia. La cuestión es que para llegar a los grandes momentos había que pasar por un montón de canciones, digámoslo así, innecesarias. ¿Lo más curioso de todo? Salieron cinco minutos antes de lo previsto al escenario, en lugar de dos horas tarde. Debieron engañar a Axl o cambiarle los relojes de hora.

Los italianos LACUNA COIL fueron lo damnificados por la actuación de GUNS. Salieron a la misma hora que ellos y, lógicamente, hubo escaso público viéndoles.

Lo hicieron bien, pero siempre les toca o muy pronto o muy tarde, y el público no suele estar tan entregado como debiera.

No obstante “Heaven’s a Lie” o “Kill The Light” sirvieron de buen fin de fiesta para los que optaron por retirarse a esas horas. Algo similar pasó con los grandes VITA IMANA, que tuvieron a apenas unas 150 personas en la carpa Jack Daniels, todo un contraste con lo abarrotado del escenario del Sonisphere hace unos meses. GUNS, aunque no hicieran un gran show, se llevaron toda la atención y a la

SÁBADO 20 DE JULIO La jornada del sábado se esperaba más concurrida que la del viernes y ciertamente se notó más densidad de público en la mayoría de conciertos. No obstante, a primera NOCTEM disfrutaban de unos cientos de seguidores en el escenario principal, donde hicieron de las suyas con la habitual crudeza y espectacularidad. Con “Invictus “ y “The Arrival of the False Gods” ya lo dijeron todo, así que el resto del show fue una manera de apisonar cualquier síntoma de resaca que quedara en los cuerpos de los asistentes al festival.

FEED THE RHINO inauguraron el día en el Black Bikini con temas como “Knives” o “Mr Red Eye”, mientras THE TRACTOR y PSIDERALICA se presentaban en la carpa Jack Daniels y poco después ARCHITECTS y ADRIFT coincidían respectivamente en el escenario principal y en el Black Bikini. Los primeros hicieron un show de metalcore a la británica con mucha energía, especialmente por parte de un Sam Carter que pese a la imagen de niño bueno, es una auténtica maquina de matar sobre el escenario. ADRIFT fueron largos y elaborados, con temas como “Black Heart Bleeds Black” entreteniendo a un respetable que se componía de fans y curiosos a partes iguales.

Los andorranos NAMI tuvieron una entrada respetable en el Jack Daniels, aunque la mayor parte del pastel se la llevaron IN FLAMES en el escenario principal.

Los suecos venían de nuevo presentando “Sounds of a PLayround fading” e

Satyricon

We Are The Ocean

Barón Rojo

Lacuna Coil

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The Architecs

hicieron uno de los mejores conciertos del festival, con todo el mundo botando y Anders Friden más comunicativo de costumbre y, por lo general, feliz de estar sobre el escenario. “Trigger” y “Alias” fueron su carta de presentación, pero la de despedida con “Take This Life” fue absolutamente rompedora. La competencia vino por parte de BERRI TXARRAK en el Black Bikini, que siguen con el ciclo de “Haria” y tuvieron uno de sus momentos habituales de gloria en el Costa de Fuego.

Sonaron bien, muy bien, y demostraron que son una de las bandas más potentes del panorama actual. “Jaio. Musika. Hil”, ”Isiltzen Banaiz” y la final “Oihu” conquistaron a un público muy decidido a disfrutar de los vascos.

Antes de llegar a los grandes momentos de la noche, pasamos por la carpa Jack Daniels a ver a los buenos de TOUN-

DRA, que estaban a punto de editar “III” y estaban en ese momento de gracia pre-edición de disco que los hacía especialmente incendiarios sobre las tablas.

Tocaron “Tchod”, “Magreb”, “Zanzíbar”, “Danubio”, “Koschei” y “Bizancio” y a todos nos pareció que nos había pasado un tráiler por encima. Justo a esa hora salían a escena NIGHTWISH en lo que se ha demostrado que es la última actuación en España con Anette Olzon. Fueron tan profesionales como siempre y nunca habrías dicho por su comportamiento sobre el escenario que estaban a cuatro pasos de dejarlo con su vocalista. Sonaron atronadores y se trajeron todo su show pirotécnico a Benicassim, aunque el setlist fue evidentemente corto (1 hora y poco) e hicieron más bien pocos clásicos de la época de Tarja (apenas sonaron “Wish I Had an Angel”, “Planet Hell”, “Nemo” y la

Opeth

habitual “Over The Hills And Far Away”).

Conscientes de que Olzon no hace verdadera justicia a los viejos temas de Turunen, parece que NIGHTWISH se están concentrando en interpretar canciones de sus últimos dos discos de estudio.

El material de “Imaginaerum” se traduce especialmente bien al directo por lo explosivo y bombástico que es. Así pues “Storytime” nos despertó de golpe a todos con su machacona base rítmica, algo en lo que la banda volvió a incidir con la segunda y ya mencionada “Wish I Had An Angel”. No cabe duda que Tuomas Holopainen y Marco Hietala son el alma de la banda en lo musical, mientras que Emppu Vuorinen y Jukka Nevalainen siempre se mantienen en un discreto segundo plano, aunque su contribución sea igual de crucial. En el show, adicionalmente, tuvieron a bien usar los servicios de Troy Donockley para la parte más céltica del set, donde interpretaron “I Want My Tears Back”, “Come Cover Me” y “Last of the Wilds”. No obstante, uno de los momentos más emocionantes fue “Last Ride of the Day”, con un despliegue pirotécnico impresionante y un ataque frontal en lo musical que pocas bandas consiguieron en el festival.

Aunque los suecos KATATONIA tuvieron algunos problemas de sonido durante su set, hicieron un buen show en el Black Bikini, con canciones como “Omerta” o “Ghost of the Sun” y una cantidad de público humilde. Mucha gente estaba haciendo méritos ya en el escenario principal para esperar al ya poco temible MARILYN MANSON. El controvertido MANSON hizo un set bastante bien elegido, contrarrestando bien los temas de su nuevo disco “Born Villain” con clásicos como “Disposable Teens”, “Irresponsable Hate Anthem”, “Sweet Dreams” o “Beautiful People”. Se le vio mucho más en forma que en las últimas dos ocasiones en que pisó España y se nota que alguien le ha dicho que debería perder peso. Sin ser la figura fantasmagórica del 95, MANSON vuelve a estar en una forma física correcta, mucho mejor que en los últimos años, cuando cogió el Síndrome del Exceso de Bollería Industrial y paso a convertirse en macroManson. Obviamente, nunca va a volver a los niveles de popularidad de hace 15 años, pero es que el público hoy no se sorprende con casi nada. Si

Your Demise

MANSON quisiera volver a sorprender al personal, en lugar de grabar “Born Villain” debería descuartizar bebés sobre el escenario. Y a fin de cuentas, eso ya lo hicieron WASP hace treinta años…

Paralelamente a la actuación de MANSON discurrió el show de los metaleros DUNEDAIN en la carpa, haciendo un concierto

In Flames

bastante poblado y lleno de esos sonidos ochenteros que conforman su manera de ver el heavy metal. Volvería a darse una coincidencia odiosa, que fue la de los potentes CLOCKWORK con los esperadísimos OPETH. La solución fue darse una vuelta por ambos shows. CLOCKWORK fueron potentes como un menú de los

Marilyn Manson

que prepara tu abuela en la visita de los domingos. Rown Houland domina el escenario como el león domina la jungla, arengando al público y ganándose cada cabeza que se agita frenéticamente al son de sus canciones. Sonaron “Mandatory”, “Trial and Error” y, entre otras, la versión del “Blinded By Fear” de AT THE GATES que ya se ha convertido en un clásico en sus shows. OPETH, por su parte, fueron tan perfectos como siempre. “DEvil’s Orchard”, “Feel The Dark”, “Heir Apparent” y “Deliverance” fueron algunos de los temas que sonaron en el set, con el escenario Black Bikini lleno hasta la bandera.

Curioso que situaran allí a OPETH y le dejaran el principal a HAMLET, aunque estos últimos se merecen el reconocimiento de tocar en un evento así con las mejores condiciones técnicas y de espacio. Son una de las bandas más currantes del país y Molly sigue siendo un auténtico torbellino imparable sobre el escenario. Dieron una caña inusitada para las casi dos de la mañana. “Habitación 106” fue el himno habitual, mientras que “Irracional” y “Un Mundo en Pausa” sirvieron para finalizar la actuación, tras la cual, gran parte del público optó por ir dejando escalonadamente el festival. Le tocaba cerrar la noche a los brutos de CANCER BATS, a los emergentes RISE TO FALL y a HEIGHTS. Casi sin cuestión posible, los primeros fueron los triunfadores de la recta final, porque es que se comen el escenario con un hambre que es inexplicable tras tantísimos bolos, tantas salas y tantos buses de gira.

La valoración del Costa de Fuego es excelente en instalaciones, buena en selección de grupos. Dado que es un proyecto a varios años vista, hay carencias en ese sentido que se deben corregir. El público heavy no es tan dado a descubrir valores como el público indie que acude a un FIB o un Primavera Sound. Quieren a los de siempre, como siempre, donde siempre, porque sino se sienten desubicados. Y eso hay que tenerlo en cuenta a la hora de montar un evento como éste. Y es triste, pero creo que si llegan a meter en el cartel a EPICA, SAXON, DORO y dos más de los habituales habría habido menos quejas sobre la selección de bandas final.

Lo curioso es que todo el mundo asegura luego estar cansado de verlos. País!

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Descendent

Texto y fotos: Tony Villén

Año 2006. La ONP Crew, todos ellos con la mayoría de edad recién cumplida, deciden armarse de valor y llamar a las puertas de varios patrocinadores y del Ayuntamiento de Viveiro. Su descabellada idea es montar un festival con una de sus bandas favoritas como cabeza de cartel, Sick of it All. El alcalde accede y desde entonces el Resurrection Fest no ha dejado de crecer. Tanto que, desde hace un par de años es la referencia nacional de los festivales de hardcore, y uno de los mejores a nivel europeo.

Todos los presagios eran optimistas: un cartel con grandes nombres, un clima idílico y todo el pueblo lleno de jóvenes con ganas de música. Pero la noticia del día, desgraciadamente, estaba a muchos kilómetros de distancia. Nos había dejado el

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cantante de No Use For a Name, Tony Sly. Fue el tema recurrente del fin de semana y muchos recordaban su actuación en el festival dos años atrás.

Con algunas caras tristes, y la sensación de que tanto la organización como los

artistas y el público querían dedicar el festival a tan influyente figura del mundo del Punk Rock, arrancó el festival a media tarde del jueves; con una buena entrada teniendo en cuenta que muchos llegarían desde diferentes puntos de la península.

Mientras yacía un sol implacable sobre Viveiro.

Another Day Will Come fueron los encargados de abrir el festival en el mediano de los tres escenarios, con más de 400 personas ante ellos, dejando claro que iban a darlo todo desde el minuto uno. Y empezaron a verse los primeros moshpits.

Justo después, estrenaron el escenario principal los catalanes Moksha, descargando su potente metal y dejando claro que, en esto de la música, no importa de dónde vengas si realmente amas lo que haces.

Les siguió Adrift y More Than a Thousand, cada vez con más público y subiendo progresivamente el nivel de decibelios. Tras ellos, This is Hell hizo uno de los mejores conciertos del día. Los neoyorquinos desataron la locura del respetable con varios circle pits en su media hora de actuación. Strenght Approach bajó un poco el listón con un concierto algo aburrido, no estaban entonados. La pena duró poco, porque el grupo Converge estaba preparado para dar un recital. Sin duda están muy en forma, dieron unas pinceladas de su próximo trabajo All We Love We Leave Behind, sonando fenomenal. Todo ello junto a la enorme personalidad que muestra sobre el escenario su frotman, Jacob Bannon, hizo que todo se tambalease en Viveiro.

El ska apareció, y de qué manera, con

The Eyes

Reel Big Fish, transmitiendo muy buen rollo. El público se lo pasó en grande con ellos. Con Pianos Become the Teeth y Set Your Goals tuvimos similares sensaciones, salvando las distancias en cuanto a género musical se refiere, ambos empezaron fuertes pero fueron cuesta abajo progresivamente.

Acabando la jornada nos esperaba Nasum, que hizo las delicias de los amantes del Grindcore. Aunque no consiguió llenar la carpa mediana ya que gran parte de los allí presentes iba tomando posiciones para dos de los grandes bandas de Hardcore mundial, ni más ni menos que Agnostic Front y H2O. Los primeros, a pesar de llevar mas de 2 décadas tocando, siguen teniendo la misma energía del primer día y saben como meterse al público en el bolsillo, hacer que se dejen la vida y formar una nube de polvo encima de ellos a base de circle pits; mientras suena For

Angelus Apatrida

My Family o Gotta Go. H20 llevan menos años, pero eso no significa que no sepan hacer mover a la gente durante poco más de una hora sin parar. Un gran colofón para un Jueves repleto de buena música y buenas vibraciones. Gran inicio que nos dejaba impacientes de ver que nos depararía el resto del festival, que en teoría, debía ser mejor si cabe.

Día grande el que teníamos por delante, con un viernes que empezó en forma de hardcore a la francesa de la mano de Black Knives (que participaban tras haber sido seleccionados por la organización en el concurso realizado cada año para dar a conocer bandas en proyección). Los de Toulouse cumplieron, y seguro que se llevaron a más de un nuevo seguidor a casa.

En el mismo escenario actuaban los portugueses Grankapo, más experimentados y con una buena legión de fans, gracias

en parte a la cercanía al festival del país vecino.

Punto y aparte merecen Crisix. Lo tienen todo para triunfar, son muy jóvenes

y darán mucho que hablar. Se comen el escenario con un desparpajo fuera de lo común. Se rotan los instrumentos (voces y batería incluidos), hacen espectáculo

Converge

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“teatral” para introducir canciones y sobre todo hacen un trash metal de muchos quilates. Quizá por ello, la actuación de MXPX nos supo a poco. No lo hicieron nada mal, y su líder Mike Herrera cantó realmente bien pero sonó demasiado lineal y algo monótono. A Proudz si que les vimos entonados. Los madrileños tienen muchos adeptos y fueron una buena introducción a los grandes nombres que venían por delante.

Unearth saldó su segunda visita al festival con un notable alto. Muchas melenas al viento entre el público y la sensación de que lo bueno había empezado, 45 minutos de buen metal para el personal. En el otro lado del recinto Suicide Silence comenzó con mucha energía, quizá demasiada ya que su guitarrista Mark Heylmun resbaló con la mala suerte de retorcerse la rodilla y empezó a gritar de dolor hasta que le asistieron sus compañeros y organización. Pudo reincorporarse cojeando y con mucho dolor. Prosiguieron con el concierto, previo trago de vodka ofrecido por su líder Mitch Lucker mientras decía que “un buen trago de Vodka cura todas

las lesiones”. Reverencia a él y sus ganas de hacer vibrar a la gente con una muy buena actuación.

Y ahora si, uno de los grupos más esperados, por su calidad ante todo y por morbo, Against Me! Laura Jane Grace es el actual nombre de Tom Gabel tras someterse a un proceso hormonal . A pesar de que teníamos miedo de ver como una de las mejores bandas de punk entraba en una espiral decadente, a causa de un posible cambio de voz o similar, no ocurrió nada de eso. I Was a Teenage Antichrist y Trash Unreal, por poner un ejemplo, siguen sonando igual de bien que siempre y se puede decir que no importa el nombre de su líder. Siguen siendo muy buenos.

Con mal sabor de boca nos dejó Municipal Waste. La sonorización no fue correcta, se escuchó con demasiados decibelios. Además de que, en la carpa donde tocaban todo rebotaba no dejando que se distinguiesen bien las voces, las cuerdas y la percusión. Una lástima. Sin embargo con Soziedad Alkoholika sucedió lo contrario, sonaron muy bien pero no llegaron a conectar con el público. Entre eso y que muchos de los asistentes estaban mas pendientes de que empezaran Glassjaw no fue el mejor concierto de los vascos.

Para clausurar el escenario mediano en la jornada del viernes, como hemos dicho antes, Glassjaw. Ellos se redimieron de tantos años sin pisar nuestras tierras, con un auténtico recital de hardcore progresivo. A destacar All Good Junkies

Agnostic Front

Suicide Silence

At The Gates 56

head y Deez Nuts, que tuvieron la mas que difícil tarea de conseguir una buena cantidad de público ya que tocaban en el más pequeño de los escenarios, en el que durante jueves y viernes se le dio la oportunidad a bandas emergentes, Justin Sane y Chris de Anti-Flag daban un concierto acústico con mas de 300 personas delante suyo.

Lo de Angelus Apatrida ya empieza a parecer una relación amorosa con Viveiro.

Tercer año consecutivo que los de Albacete actúan en el Resurrection Fest, y no es para menos, probablemente la mejor banda de Trash Metal nacional, no paran de crecer, parece que no tienen límite y lo demuestran cada vez que se acercan al festival. Sorprendente el hecho de que todos los que se encontraban en el recinto, se acercaron a verles. Están haciendo las cosas muy bien y son tan accesibles que gustan, incluso, a los más “hardcoretas”.

De aquí en adelante, ya sólo quedaban las estrellas del festival, empezando por una de las bandas más influyentes del Death Metal en la actualidad, The Black Dahlia Murder, con una soberbia actuación, que junto a la cómica personalidad de su líder Trevor Strnad y los ya conocidísimos temas Miasma, Contagion y Funeral Thirst, dejaron claro que su éxito no es una casualidad.

Good Riddance repasó todos sus hits de manera muy correcta, pero con un Russ Rankin bastante soso sobre las tablas.

Seguro que si se hubiese implicado más sus Tell Me Why o Darkest Days habrían sido bastante más bailadas y disfrutadas por el personal, que fue abandonando posiciones para coger un buen sitio en el escenario donde Berri Txarrak estaban a punto de dejar a todo el mundo boquiabierto con una de las actuaciones más potentes. Con un toque emotivo Gorka

Berri Txarrak

Berri Txarrak

Goes to Heaven que se llevaron una buena ovación.

Pero sin duda, quien obtuvo el trono fue Suicidal Tendencies. Muy pocas veces he visto tanta potencia en un concierto. Mike Muir estuvo más de una hora corriendo por el enorme escenario, de punta a punta, bailando y gesticulando, sabiendo que era el rey de la noche. Sin descanso iban cayendo clásicos, You Can’t Bring Me Down, Cyco Vision, Freedumb. Muir incluso invitó al público al escenario llegando a colapsarlo, mientras la organización sufría por la integridad de todos y sudaba de lo lindo para limpiar la zona. Final apoteósico para un concierto impresionante.

Otro mito se encargó de poner punto y final a la velada, aunque sin pena ni gloria. Descendents, a los que se les vio cansados pasados los primeros 20 minutos, tocó mecánicamente y con menos entusiasmo que hace unos pocos años.

Suicidal Tendencies

Urbizu llevaba escrito con cinta americana SLY en su ampli recordando al malogrado Tony Sly, incluso se atrevió con un riff de guitarra de Not Your Savior.

Y para los que aun conservaban algo de voz, después de los de Lekunberri, AntiFlag dieron una clase magistral de buen Punk Rock y de cómo poner a todo el mundo de tu lado con sus quejas al sistema político y demás. Especialmente coreadas fueron The Press Corpse y por supuesto Die For The Government.

Era turno de Dead Kennedys, el que fue la gran decepción del festival. Con una clara falta de ganas, los años que no perdonan, y una voz realmente mala, no gustaron prácticamente a nadie y no fueron pocos los que se fueron al escenario donde At The Gates iban a encarar la recta final del festival, con un buen directo acústicamente hablando y afrontando de la manera mas digna posible el hecho de que muchos de los allí presentes estaban esperando a una máquina de hits, como son Hatebreed, todo lo contrario que los suecos. Y así fue, el griterío subió el nivel de decibelios en cuanto Jamey Jasta y los suyos saltaron a la palestra para cerrar el festival con un arsenal de canciones míticas que iban cayendo una tras otra, Facing What Consumes You, Doomsayer, Tear It Down, Live For This y así durante una hora, donde pasaron el rodillo y dejaron sin aliento a todo aquél que se atrevió a verles.

30.000 personas se acercaron al festival durante los 3 días que duró. Si se siguen haciendo las cosas de esta manera, cada año serán más y más los presentes. Los organizadores se superan. De verdad, tener el Resurrection Fest en nuestra tierra es para estar orgulloso. Veremos que nos depara el 2013.

Anti Flag

La última jornada comenzó con cansancio para todos y recordándonos que estábamos en Galicia, fresco y algunas lluvias.

Pero ya no importaba, porque nos esperaban mas de 12 horas de la mejor música, a pesar de la cancelación a última hora de Here Comes The Cracken por problemas en los vuelos que debían traerles a España. Así pues, Give Em Blood, G.A.S. Drummers y Primitive daban los primeros acordes del último día de festival, justo antes de que The Eyes se despidiesen definitivamente de los escenarios con un concierto para recordar. Apenas fueron 7 canciones, pero tocadas con más ganas que nunca. Jordi cantaba al 200%, mientras no dejaba de pedir circle pits y walls of death que el público le regalaba sin dudarlo. Muy buen final para los catalanes.

Tras la emotividad con The Eyes, doble ración de hardcore de la mano de Skar57

Scorpions

Texto: Javier Rojo. Fotos: Adriana Lorente

Es el festival del HEAVY METAL, la cita obligada de los Metalheads que, año tras año, convierten el pequeño pueblecito alemán en un centro de peregrinaje, en la meca de la música más dura. Es el Wacken uno de esos festivales que hay que vivir, aunque sólo sea una vez en la vida. De momento complicado el poder ir el año que viene pues unos días después de clausurar esta edición ya se había colgado el cartel de “no hay entradas”.

Como es adelantar acontecimientos, aquí os contamos lo que dio esta edición de sí.

Escribir del Festival más grande de Heavy Metal como es el Wacken o al menos el más reconocido, causa un importante respeto. Como todo en la vida, cada edición tiene un resultado final o simplemente una sensación, que es totalmente opinable, en las cosas malas y en saber reconocer las buenas.

El Wacken Open Air 2012 ha tenido un claro protagonista. No ha sido una banda, la organización o alguien el particular, sino el barro, lodo, fango, como lo queráis llamar, que ha invadido todos los rincones del recinto. ¿Por qué comentamos su protagonismo?, porque la lluvia, que había apareci-

do los días previos del festival, ya mojó el particular terreno de los campos del pequeño pueblo de Wacken, lo que, unido a las grandes trombas de agua caídas durante las jornadas del viernes y sábado, hizo que tanto el recinto, las instalaciones y el camping fueran un autentico mar de lodo totalmente impracticable. La situación por momentos fue un tanto dantesca, metidos en el lodo o en charcos de agua, viendo conciertos, caminos intransitables convertidos en pista de patinaje y en definitiva una situación poco cómoda para la normal celebración de un festival.

Es una queja bastante generalizada la falta de reacción por parte de la Organi-

In Flames

58

zación, que no fue capaz de arreglar el estado del recinto de conciertos, ni el de alguna parte de los caminos del camping que impidieron a muchas personas acceder al área del Festival. Las zonas comunes de la acampada, los supermercados, los servicios y duchas eran difícilmente accesibles.

Si sacamos la parte positiva del asunto, este mar de barro nos proporcionó escenas de las más graciosas, donde el público dio rienda suelta a su ingenio y nos proporcionó peleas en el barro, fútbol con pelotas de playa, navegación sobre balsas de plástico, abrazos gratuitos…

La parte organizativa del Wacken Open Air

siguió en la línea general de años anteriores, con un recinto algo más diáfano, sobre todo por el traslado del W.E.T Stage y el Headbanger Stage a una carpa retirada, justo al lado del poblado vikingo, proporcionando al recinto principal un espacio mayor y una sensación de amplitud. La disposición del resto de escenarios siguió igual, con dos grandes en paralelo con el nombre de True Metal y Black Metal. Un tercer escenario en importancia bajo el nombre del Party Stage y otros menores ubicados en partes estratégicas del Festival, para ir programando actuaciones de lo más variadas. Todos los escenarios grandes y las carpas cuentan con sus co-

Amon Amarth

A

Dimmu Borgir

rrespondientes pantallas de vídeo, que en todo momento te permitían seguir a tus bandas favoritas.

He notado también un aumento en la presencia de marcas comerciales promocionando sus productos, como las duchas de una conocida marca de productos de aseo, el licor de turno y conocidas revistas del género. Y es innegable es el poder y valor de la marca Wacken, que da lugar a un amplio surtido de merchandising que se vende a gran velocidad; además de otras curiosas iniciativas como la Fundación Wacken y la Full Metal Army, que no hacen más que incrementar el nombre de un festival que ya por si sólo es conocido.

Para los que aún no conocen el Wacken, hemos de comentarles que es una ciudad en sí misma, con múltiples actividades, no sólo musicales, amplios espacios para mercadillos, comida, bebida y distracciones varias, como el improvisado casino y el exitoso poblado vikingo lleno de puestos que te trasladan a la vida medieval , donde si lo deseas puedes llegar incluso a ser torturado.

Otro de los puntos destacados del Wacken es su famoso Bier Garten, lugar de reunión y culto a la cerveza y donde se pueden vivir las escenas más cómicas con los visitantes más ingeniosos. En el Bier Garten principal puedes disfrutar de las actuaciones de los personajes que año tras año son unos clásicos del Wacken, como el omnipresente Mambo Kurt (con una vez que lo veas, puedes morir en paz), los W.O.A. Firefighters y otras bandas que combinan la música con un punto más cómico como las Bug Girl y Blechblosh.

Pero no es todo, para los amantes de la comedia tenemos el Bullhead City Circus, donde uno de los fuertes es el Wrestling y donde, tengo que confesarlo, apenas pasé tiempo. Tampoco faltó la pantalla de vídeo en una de las puertas de acceso al festival, donde este año se habían pro-

Axel Rudi Pell

gramado cuatro películas diferentes. Si el tiempo acompaña, es un lugar agradable para descansar.

Los accesos del festival están bien organizados y aunque tengas que esperar algo de cola, si llegas a las horas punta, nunca supera los 60 minutos, para recibir tu pulsera acreditativa de acceso que son siempre de tela ¡y de las bonitas!. Otra cosa fue el momento de la acreditación de prensa que entre el desplazamiento y la espera nos hizo perdernos la actuación de Ravenblood, tuvimos que esperar más de dos horas de pesada cola para recibirla.

También se ha echado más servicios y duchas en el cámping, para facilitar un acceso más rápido y cómodo, sin necesidad de grandes desplazamientos, muchas veces dificultados por la enorme cantidad de barro.

Cada año el Wacken se va ganando un claro carácter internacional, encontrando gente de todas las procedencias y perdiendo así año tras año su sello alemán, lo cual creo que es negativo. No me han gustado ciertas cosas que han sucedido este año, como los robos en las tiendas, que te crean siempre un poco de inseguridad.

El desarrollo del festival en si comienza el mismo miércoles 1 de agosto, con la actuación desde tempranas horas de las bandas ganadoras del Metal Battle de cada país. Actuaciones cortas, de apenas 20 minutos, en las que pudimos ver varias bandas de diferentes estilos y donde nos gustó sobre todo la participación de Warpath, banda representante de Irlanda.

No pudimos dejar de escuchar a Mambo Kurt que deleitó a su público con otra curiosa visión del Heavy Metal con su teclado, que cuanto menos resultó divertida y particular.

El jueves 2 de agosto comenzó con el concierto de los Skyline, donde este año no participó Thomas Jensen el organizador del evento, haciendo un repaso de

Testament

Six Fee t Under grandes temas del Rock y del Metal. Para regocijo de la mayoría, como viene siendo tradición, contó con la colaboración de Doro para cantar el himno del festival.

Fué el pistoletazo de salida para el Wacken y el comienzo oficial de la fiesta.

Pude darme cuenta de que gustan mucho los cómicos en Alemania, especialmente los relacionados con nuestro mundillo; como Jim Breuer, quien combina los números cómicos música, que a juzgar por los aplausos gustó y mucho.

Sepultura sorprendieron con la participación de Les Tambours Du Bronx, que dieron un toque original a la particular actuación de los brasileños, con una brutal lección de percusión, muy fibrosa, dando un giro original a la música de la banda.

U.D.O. un fijo del Wacken fue el siguiente y pesar de los invitados, entre los que también repitió Doro y antiguos compis, y de recuperar muchos temas de Accept su actuación no pasará a los anales de la historia. Por el contrario, los Saxon se marcaron otro gran concierto, marca de la casa, con águila incluida. Estos británicos incombustibles, en el Wacken, con

permiso del Jefe, tienen su segunda casa y siempre son muy queridos. Para cerrar la noche, en los escenarios principales vivimos con los daneses Volbeat uno de los conciertos del festival. Combinan como nadie el Rockabilly el Metal y son un trallazo en directo. Si a eso le unimos que tuvieron uno de los mejores sonidos e iluminación y a los invitados más ilustres como Mille Petrozza de Kreator o Barney de los Napalm Death ¿qué más podemos añadir?

La jornada del viernes 3 de Agosto se presentaba más completa, con conciertos desde las 11:00h de la mañana. Abrieron los Black Metal alemanes Endstille, que una vez más sembraron la oscuridad a tempranas horas, con una actuación lineal pero siempre cargada de mucha pasión. Los americanos Sacred Reich tuvieron una gran entrada, siendo capaces de crear un campo de batalla Thrash, con temazos como “One nation” o su clásico “Surf in Nicaragua”.

Concierto esperado fue el de Sanctuary, con gente de los Nevermore, aunque su actuación no tuvo puntos emotivos. Tam59

Cradle Of Filth

bién, había curiosidad por ver el estreno al micro de Tommy Karevik con Kamelot, pero a mitad de su actuación nuestra falta de previsión nos hizo abandonar el recinto ante el aguacero que se nos vino encima. La parte del concierto que pudimos disfrutar iba en la tónica habitual de los americanos, con mucho fuego y con un marcado carácter grandilocuente.

Una vez protegidos para la lluvia y el barro, estabamos de vuelta a la batalla para tomar otra dosis del más clásico Thrash Metal con los chicos del incombustible Bobby “Blitz”, Overkill, que dieron un gran concierto, de lo mejorcito del día, a pesar las inclemencias del tiempo.

Con una importante dificultad para movernos por el recinto, balsas de agua y el ya mencionado barrizal, nos desplazamos hasta el Party Stage, totalmente anegado para ver a los Coroner, quienes nos hicieron pasar un gran rato con su Death más técnico, en un concierto muy dinámico y donde tuvimos que estar muy pendientes de no ser empujados al barro o de recibir abrazos cariñosos.

Poco importaba el estado del recinto, la gente aguantó sin importarles el estado del terreno, que era chapapote no apto para estómagos más finos.

En cualquier caso disfrutamos con los temas power festivos de los suecos Hammerfall, que son grandes en Alemania y que dieron un concierto ameno, donde “Hearts on fire” puso un gran colofón.

Los noruegos Dimmu Borgir se presentaban con un coro y una gran orquesta, Czech National Symphonic Orchestra,

para hacernos revivir su concierto en Oslo, aunque me sobraron partes sinfónicas y orquestales que rompieron el ritmo y no fueron capaces de crear la magia que se buscaba.

El concierto de In Flames fue de más a menos. Temas poderosos y con gran aceptación, pero tras un comienzo espectacular fue decayendo. Las charlas de Anders Fridén rompen mucho el ritmo del mismo, rompen la continuidad. Los In Extremo pusieron la nota más folklórica

Scorpions 60

de la tarde. Aunque, sus temas más metaleros rompen la magia que crean cuando utilizan los instrumentos tradicionales.

Cansados, mojados, con una incipiente bruma y nadando entre el barro aguantamos a ver los siempre divertidos D:A:D que dieron un corto concierto, con temas nuevos y con su particular toque original, sobre todo con los bajos y acciones de su bajista, Stig Pedersen.

Llegar al recinto de concierto el sábado 4 de agosto fue una aventura de Indiana Jones, intentando mantener el equilibrio o no caer en algún charco o zanja impracticable. Bastante triste que la organización no intentase arreglar algo los accesos principales o simplemente el recinto, que apenas recibió un poco de virutas en las puertas de acceso.

Se notó que la afluencia al recinto había bajado, mucha gente prefirió quedarse en el cámping o en el pueblo. Nuestra jornada de conciertos empezó con los Six Feet Under, grandes y divertidos, con una actuación intensa y donde la versión del T.N.T. de AC/DC sería el tema más coreado.

Los Testament sonaron más compactos y brutales que nunca, combinando clásicos con temas nuevos, los de Chuck Billy parece que viven una segunda juventud. Los británicos Cradle Of Filth siempre levantan pasiones contrapuestas, en el Wacken cumplieron y estuvieron divertidos y con

un sonido compacto y muy convincente.

Amon Amarth llenaron el recinto y dieron un corto pero intenso concierto, demostrando que hoy por hoy son una de las grandes realidades dentro del Metal, en parte gracias a la simpatía y la enorme presencia escénica de su cantante Johan Hegg.

Otro concierto esperado que nos dejó a medias fue el de los Scorpions. Estuvieron muy profesionales tocando clásicos de la banda, pero no llegaron a emocionar en casa, pero la lluvia a mitad del concierto les arruinó la fiesta.

Machine Head fue otro de esos conciertos brutales y apoteósicos, con temazos como “Imperium”, “Halo”. Aunque claro, siempre acompañados de las interminables charlas de Robb Flyn, que nos obligaron a retirarnos. Sabíamos que la actuación sorpresa era Edguy, queríamos ver Watain y Ministry pero nuestro cuerpo maltrecho no daba para más y no pudimos aguantar en el mar de barro.

En resumen, el festival más grande de Heavy Metal que este año no lo ha sido y no ha cuidado a los Metal Head como debieran, por no resolver un asunto como el del barro que tanto ha dificultado el normal transcurrir de un evento de esta magnitud. Esta vez The Holy Land estuvo cubierto por el lodo.

Angelus Apatrida

Texto y Fotos: Carlos Medrano

Nueva edición, séptima ya, de uno de los festivales que ha tenido sus pros y sus contras como todo los años, pero que ha luchado con tesón para que se pudiese celebrar. En Beniel, y con todo el papel vendido, el patio del Colegio Río Segura se llenó de heavy Metal durante dos jornadas (una principal y otra como fiesta de presentación) en las que el calor volvió a dejarnos a todos aturdidos durante el día. Os contamos resumidamente lo que pasó.

Posiblemente si le cuentas a un murciano que has pasado calor en un festival que se celebra en Beniel, en pleno agosto, la respuesta será más o menos “acho pijo, ¿qué esperabas?”. Y es cierto. El Leyendas del Rock es un festival entrañable, hecho por gente muy luchadora, que se amolda como puede al poco presupuesto que tiene. Con todo y con eso es un festival que va creciendo, que se ha recompuesto incluso cuando ha sufrido grandes reveses y que, aunque sigue mostrando carencias (como la zona de acampada y las duchas) no se puede negar que miman lo que es imprescindible: el cartel.

Quitando los problemas que tuvieron La Lechera en su show (casi 40 minutos intentando arreglar el ampli), la jornada del viernes transcurrió sin problemas y entre mucho humo en el escenario. Debieron regalarles mil toneladsa de hielo seco porque era imposible distinguir a los miembros de Noctem cuando salieron a tocar ya de noche (conciertazo el que se marcaron los valencianos). Incluso con Medina Azahara (estrenando el escenario Jesús de la Rosa) había que buscar entre las nubes a Paco Ventura (esa guitarra suena cada vez más salvaje), a Manolo Martínez o a Manuel Reyes. Éste, por cierto, fue el último show del cordobés tras la batería.

A destacar del día la actuación de unos HYBRIS que están en un estado de forma brutal.

El sábado era el día de la verdad, con la 62

apertura de puertas marcada a las 11:20.

A esa hora, en Murcia, no hay en la calle ni chicharras, pero ahí estaban Iron Curtain y Vita Imana abriendo el banquete.

Los madrileños cuajaron una de las más memorables actuaciones del festival.

Lo mismo pasó con Lujuria , tras el paso de Azrael y Centinela. Óscar Sancho sigue siendo ese frontman que sabe cómo meterse al público en el bolsillo. Todo vestido de blanco, tuvo el detallazo de dedicarle un tema a un chico con minusvalías al grito de “tú sí que eres grande”.

Era un poco raro que Saratoga tocasen tan pronto. Lo aclararía un caluroso y descamisado Tete Novoa comentando que tenían otro compromiso esa misma noche (¡bola extra!). Con muchas ganas saltaron a escena aunque unos problemas de Tony Hernando (guitarra) les hiciese perder cierto fuelle.

A morder salieron Angelus Apatrida quienes cada vez concentran a más público.

Presentaron ‘The Call’ y se despacharon un conciertazo del carajo. Los que no les conociesen se llevarían una sorpresa tremanda. La misma quizás que cuando saltaron Eluveitie al escenario con sus instrumentos ¿medievales?

Sin tantos cachibaches salieron Avalanch en la que iba a ser su última actuación de momento. Lástima porque justo fue una de las mejores de la velada. Cuando mejor están...

Si Avalanch habían dejado buen sabor de boca también lo hicieron Stratovarius, Warcry y los esperadísimos Banzai. Ca-

Stratovarius

pitaneados por el incombustible Salvador Domínguez y con un Manzano que sigue en estado de gracia, dejaron con la boca abierta a un público que quizás esperaba que estuviesen en peor forma. Para nada.

Show con mayúsculas.

También lo intentaron dar Obús pero a Fortu se le fue un poco de la cabeza el tema horarios y tuvieron que cortarles abruptamente. Es lo que tiene disfrutar en el escenario: te lías, te lías y se te olvida qu detrás tienen que tocar Saurom.

Los de Cádiz salieron a darlo absolutamente todo y montaron una buena fiesta (con novedades en el set incluidas) como tremenda clausura a un día en el que se hizo más que necesario estar debajo de los chorros de agua para no morir abrasado. Si volvemos el año que viene será en plan tuareg para no asarnos y como consejo a la organización, a sabiendas de que no es fácil montar algo así y que todo salga bien, unas duchas cerradas no estarían de más.

Lujuria

Saratoga

Nasum

Texto: Bernabé Cantero. Fotos: Juanlu Herranz

Uno de los festivales decanos del viejo continente es Roskilde y no podíamos faltar a la cita en una edición en la que se volvieron a mezclar todos los estilos musicales que puedas imaginar, sin desentonar ninguno de ellos, en un ambiente como en pocos lugares se puede disfrutar.

Hablar del festival más importante de Escandinavia es hacerlo de uno de los más importantes del planeta. Roskilde Festival no es sólo música. Hay cine y pista de skate entre otras muchas alternativas y encima tiene el encanto de los “megacampings” donde al caer la noche se celebran grandes fiestas con un público muy amigable. Si a eso le añadimos los ideales que tiene el evento (todos los beneficios se destinan a obras benéficas) y lo bien organizado que está, podemos decir que estamos ante el festival por excelencia.

En su 42ª edición, Roskilde volvió a demostrar que es un abanico de estilos donde uno no se va aburrir en ningún momento y en donde en muchas ocasiones tendrás que elegir entre dos grandes propuestas.

JUEVES 5 JULIO En su día mas corto (se abren las puertas a las cinco de la tarde) mi primera opción fueron los ingleses DJANGO DJANGO en el escenario Pavillion, uno de los más pequeños de entre los siete que tiene el fes-

M83

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tival. Un buen arranque de festival pero que debido a los horarios sólo les disfrute veinte minutos.

Uno de los platos fuertes no sólo del día, sino también del festival, eran THE SHINS en el escenario Arena (el segundo en capacidad) y no decepcionaron. Menudo concierto se marcaron los americanos.

Dieciséis temas, repartidos casi de forma equitativa entre sus cuatro discos, fueron los que nos brindaron con un show fresco, enérgico y contagioso. James Mercer tiene mucho carisma y sin duda fue una de las mejores actuaciones que se vieron en dicho escenario.

Con TODAY IS THE DAY llegó el primer concierto cañero en el escenario Odeon.

Sin resultar una mala actuación puede que el horario que les asignaron a los americanos no fuera el mejor y más si el rapero WIZ KHALIFA toca media hora después de arrancar tu concierto. Con Wiz se lleno hasta los topes el Arena, sobrepasando los límites de la carpa y es que diría que hasta el propio músico se sorprendió mucho con la acogida, con muchos momentos en los que el público era su voz.

El plato fuerte del día llegó a continuación. Nada se puede decir en contra de Robert Smith y sus muchachos, y es que THE CURE lo dan todo sobre un escenario y esta no fue una excepción. Con un show de tres horas donde tocaron treinta y seis temas y por que no les dejaron más, “Boys Don’t Cry” puso el broche de oro para despedirse del escenario Orange donde antes habían sonado clásicos intemporales como “Just Like Heaven”, “Lullaby”, “A Forest”, “Close To Me”, “Why Can’t I Be You?” o “Friday I’m In Love”, siendo esta una de las siete canciones que tocaron del álbum ‘Wish’, del que este año se cumple su vigésimo aniversario. Un valor seguro sobre las tablas.

Tras esta demostración, aún nos quedaron fuerzas para cerrar el día en el Orange con APPARATJIK, grupo integrado por el superproductor Martin Terefe junto a miembros de Mew, A-Ha y Coldplay. Su

show estuvo dividido en varias partes.

Arrancó un DJ en una cabina entre las dos torres de sonido del escenario con una majestuosa performance de bailarines, para luego cambiar a un concierto de electropop soberbio donde los protagonistas iban disfrazados todos iguales con cuerpos musculosos y una careta, y para finalizar, vuelta al DJ pero con un registro musical diferente y con una nueva performance, con un gran pájaro de papel en el escenario. Un espectáculo difícil de catalogar por todo lo que se vio que fue mucho y bien realizado. Supongo que fue más fácil vivirlo que poder explicarlo en unas líneas.

VIERNES 6 JULIO En su segunda jornada demasiadas cosas apetecibles desde primera hora (arrancaba al medio día) y eso suele ser lo habitual en Roskilde, algo que muestra su carácter. Nuestra única representación en el evento vino de la mano de CHRISTINA ROSENVINGE, en el Pavillion, que realizó una gran actuación semiacústica, acompañada del americano Chris Brokaw (Codeine, Come) a la guitarra y Refree a los teclados y guitarra.

Para empezar a botar de lo lindo, nos movimos al Odeon para disfrutar de BARONESS, uno de los grupos de sludge metal más interesantes del último lustro.

Fue subirse y liarla parda desde el primer minuto. Los de Savannah, Georgia venían a adelantar su inminente tercer disco, ‘Yellow & Green’ y nos dieron una bofetada en la cara muy grande. Cincuenta minutos sin descanso en los que la adrenalina salía por nuestros poros.

Para cambiar radicalmente de registro, nos marchamos a ver GOSSIP en el Orange y con ellos llegó la fiesta. Magníficamente dirigidos por la enorme (en todos los aspectos) Beth Ditto dieron un concierto desenfadado y divertido para la media tarde. Cerraron con “Standing In The Way Of Control” que puso a todo el público patas arriba.

Con HANK3 sabes que vas a disfrutar y que te robara toda la energía que pueda.

Su show es como una telaraña que te envuelve y que no te deja irte. Es uno de esos conciertos que mucha gente tendría de disfrutar al menos una vez en la vida.

Durante casi una hora ofreció su versión country, con una banda extraordinaria apoyándole, pero en la recta final, con cambio de vestimenta incluido, se pasó al doom, para alegría de muchos e indignación de otros cuantos.

Vuelta al Orange para ver a THE CULT, con nuevo disco debajo del brazo, y con retraso, algo casi imposible de ver en Roskilde. Un concierto que fue de menos a más y donde sus éxitos (“Rain”, “Love Removal Machine” o “She Sells Sanctuary”) trajeron los mejores momentos del mismo. Sus nuevos temas no sonaron nada mal, con riffs pesados e intensos, pero que no llegan a la altura de sus clásicos. Al menos disfrutamos de un Ian Astbury con menos kilos y con mejor voz que en sus últimas giras aunque la piedra angular del grupo sigue siendo el trabajo a las seis cuerdas de Billy Duffy.

Lo de DEVILDRIVER en el Arena fue un concierto correcto. Intenso sí, pero muy lineal y es que cuando los temas no dan para más es lo que suele ocurrir. Dez Farfara está muy cómodo en este proyecto, pero debe reinventarse para no caer en la mediocridad. Todo lo contrario que lo que mostró el reclamo principal del día, JACK WHITE en el Orange. Jack es un genio y de eso ya no hay duda a estas alturas y eso se pudo comprobar al hacer un concierto con los temas de su primer disco en solitario con la argamasa de los mejores temas de sus otras bandas: The White Stripes, The Raconteurs y The Dead Weather.

Se hizo acompañar por una banda completamente femenina, todas ellas a un nivel musical muy alto, pero donde destacó la clase de su batería. La anécdota es que en esta gira está alternando dos bandas: una masculina y una femenina. Inaudito.

Noventa minutos que arrancaron con “Dead Leaves And The Dirty Ground” y concluyeron con el inefable (los futboleros se han apropiado del riff para crear su “Somos campeones del mundo/Europa) “Seven Nation Army”, pero es que entre medias se despachó con joyas como “Steady As She Goes”, “Hotel Yorba”, “Ball And Biscuit” o “You’re Pretty Good Lokkin’ (For A Girl)” que hicieron las delicias del público, que le aclamó como indiscutible triunfador de la jornada.

Tras un ligero respiro, le dimos una oportunidad a MIKAL CRONIN en el Pavillion y resultó ser una grata sorpresa. Nos convenció gratamente con su garage-rock antes de poner rumbo al último concierto del día en el Odeon, CROWBAR, que se quedaron con nuestras últimas fuerzas a eso de las tres de la mañana. A pesar del poco público con el que contaron, no se arrugaron y realizaron un conciertazo con el que nos fuimos a la tienda de campaña con la sonrisa de oreja a oreja aunque con el cuerpo molido. Bueno, así son los festivales y no nos vamos a quejar.

SÁBADO 7 JULIO Una nueva jornada, que se presentaba como la mejor del festival (con cuatro de sus siete cabezas de cartel) hizo que a la una del mediodía ya estuviéramos en el íntimo escenario Gloria disfrutando de JULIA HOLTER. La multiinstrumentista y cantante americana demostró cómo ganarse el público a base de temas delicados muy bien interpretados, una de las grandes sorpresas del día.

Lo del rapero MAC MILLER en el Arena fue incendiario. Con su hip hop personal y su actitud se ganó al público desde el primer momento. Una de las nuevas pro-

mesas americanas dentro de la escena, que pese de arrastrar buena parte de los clichés del género, no resultó nada cargante sino bastante entretenido.

Con BOWERBIRDS regresamos al Gloria para otra dosis de introspección, no queriendo malgastar energías que luego serían necesarias. Cambiando de tercio, pero también desde la música más calmada, a las cuatro de la tarde subieron al Arena ALISON KRAUSS & UNION STATION. Lo cierto es que tenía otras expectativas de esta actuación, sin ser mala si que resultó algo decepcionante. Todo excesivamente acústico y bastante lineal.

Un pequeño mal sabor de boca que nos quitamos enseguida.

Arrancamos el día en el Orange con THE ROOTS. Para quines no les conozcan, diré que son mucho más que un grupo de hip hop. Con el sol apretando de lo lindo, arrancando con “Paul Revere” de Beastie Boys, su homenaje al recientemente fallecido Adam Yauch (MCA). Su extraordinario nivel instrumental personificado en su batería y su tuba, hizo que no dejáramos de saltar en ningún momento. Recurriendo a clásicos como “Jungle Boogie” de Kool And The Gang o “Rock & Roll Part 2” de Gary Glitter que introdujeron entre sus propias composiciones, crearon un ambiente mágico, de los que hacen grande la leyenda del festival.

Si ya estábamos “calientes”, REFUSED terminaron de meternos en situación.

La de los suecos es una de las reuniones más inesperadas del año, pero aunque se les pueda reprochar la traición a sus ideales revolucionarios y caer en las garras del vil capital, le agradecemos a Dennis Lyxzén y los suyos mostrarnos las excelencias del enorme ‘The Shape of Punk To Come’, en el que basaron su concierto (nueve de los catorce temas) y que or destacar un momento, me quedo con “Refused Are Fucking Dead”.

Tras ellos en el mismo escenario actuaron M83, un grupo que se ha puesto muy de moda en el último año entre los modernos, pero que no creo que sean tan interesantes como nos los pintan. Un concierto de transición antes de otro de los momentos mágicos que año a año aporta Roskilde.

BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND ofrecieron el mejor concierto del festival. Tres horas inolvidables en una de sus escasas participaciones en festivales. Abrieron con “No Surrender” y “Badlands” mostrando al Boss en muy buena forma y no dudo en bajar entre el público para estar más cerca de ellos.

Durante “The E Street Shuffle” se unieron The Roots para ser parte de la fiesta, un momento magistral de los muchos que se podrían mencionar. La frescura que muestra toda la banda fue patente en todo momento junto a un Bruce que rompió con todo. Lo mejor llegó en los bises (que llegaron tras dos horas de concierto), que fueron un no parar: “Born In The USA”, “Born To Run”, “Glory Days”, “Dancing In The Dark” y “Tenth Avenue Freeze-Out” con un sentido y emotivo homenaje al añorado saxofonista Clarence Clemmons, sustituido por su sobrino Jake, que apunta grandes maneras.

No me gustaría dejar de reseñar que mientras el Boss daba lo mejor de si mismo, en el Arena, otro de los cabezas de cartel de esta edición, BON IVER, también cautivaba a una gran cantidad de público en el Arena (la carpa se quedó muy pequeña). Con apenas dos discos, Justin Vernon, se ha ganado el favor de crítica y público. Una pena que coincidiera en horario con Springsteen, pero si nos llegaron grandes alabanzas a un músico en estado de gracia.

Machine Head MEW son enormes en Dinamarca y eso se nota tanto en su categoría de cabeza de cartel como en el horario estelar de la actuación. Grandes canciones pop-rock con toques electrónicos en ciertos momentos que convencieron a la mayoría, pero que no resultó tan intenso como se esperaba después de que en su última aparición en el festival en 2009 realizaran uno de los mejores conciertos en el Arena. Puede que tocar en el Orange y justo después de Springsteen fuera demasiado para ellos.

Para cerrar el día a eso de las tres de la madrugada, el soul de LEE FIELDS & THE EXPRESSIONS. Conocido por muchos como el pequeño James Brown ofreció un concierto con mucha garra y sentimiento. Se le notaban las tablas y a estos si que se les quedó el escenario pequeño, a pesar de que a esas horas ya muchos habían dejado el recinto para guardar fuerzas para el último día. Roskilde es sólo una vez al año y aguantamos hasta que sonó la última nota.

Devildriver

DOMINGO 8 JULIO El ultimo día siempre es en el que te sientes un poco triste al saber que al día siguiente todo se habrá acabado, pero la jornada no podía empezar mejor que con una leyenda de la talla de DR. JOHN AND THE LOWER 911. Desde finales de los años sesenta dando muestras de su clase hasta ser la una institución que es en la actualidad. Un hombre muy respetado que se hizo acompañar por el gran pianista de New Orleans, Jon Cleary para la ocasión. Concierto impecable y rico en matices, bebiendo de diferentes estilos, desde la revisión del tema de Louis Armstrong “St. James Infirmary Blues” a temas propios como “Loop Garoo”. Todo un lujo.

A continuación el día nos ofrecía tres trallazos para los amantes de los sonidos más duros. Los primeros en el Arena, los polacos BEHEMOTH, claro referente del Black Metal, que regresaban a los escenarios tras el parón obligado debido a la leucemia que le fue diagnosticada, y a su posterior tratamiento, hace dos años a su

Refused

líder, Adam “Nergal” Darsky. Fuego, ruido, luces e imaginería satánica fue lo que ofrecieron, es decir, todo lo esperable en sus actuaciones En el Orange tomaron el relevo MACHINE HEAD. La banda de Robb Flynn fue demoledora como nos tienen acostumbrados y nadie se quedo indiferente delante de su potencial. En una actuación muy parecida a la que vimos en Sonisphere Getafe confirmaron que quieren vivir del presente y no recurrir a temas del pasado y que se sienten muy cómodos con sus nuevas composiciones y lo cierto es que el público también El trío de propuesta cañeras lo cerraba en el Odeon, NASUM. Los suecos estuvieron soberbios con Keijo Niinimaa a las voces dando toda una lección de grindcore y con el resto de los músicos ofreciendo un gran tributo a su fallecido cantante Mieszko Talarczyk, que murió en el Tsunami de 2004, en esta gira de despedida con la que también agradecer a sus seguidores todos los años de apoyo.

Después de tanta “mala leche” venía bien desengrasar un poco y dejarse caer por un par de propuestas muy alejadas, dentro de lo que podríamos llamar “World Music”. Por un lado la de RUBÉN BLADES. Debo decir que aunque no me guste demasiado la salsa o más bien poco a fuerza de ser sinceros, me convenció con ese ambiente de fiesta que se vivió y con una banda que sonó de maravilla junto con el indudable carisma de Rubén. Y por otro lado, AMADOU & MARIAM. Los de Mali son una institución y hacen de su ceguera una virtud en lugar de una traba.

Muy entretenidos mientras el cielo cambiaba un sol castigador por una amenazadoras nubes que acabaron descargando lluvia, como en toda buena edición de Roskilde que se precie.

Al menos fue simplemente una nube (algo Grande eso si) y aproveché para refugiarme en el Arena, donde actuaba SANTIGOLD, que fue entretenida pero sin más. Uno de esos conciertos que cuando terminan un festival, te olvidas que has visto. En cualquier caso, evitamos el mojarnos y pusimos rumbo al gran cierre del festival en el escenario Orange de la mano de la islandesa BJÖRK. Tenía curiosidad para ver qué espectáculo llevaba en esta ocasión y como sería el concierto. Realmente fue impecable en todos los aspectos. La coreografía junto a las imágenes de las pantallas y el coro de trece mujeres que llevaba imponían.

Si además le sumas que la voz de Bjork estuvo muy bien y lo dio todo (cuando un mes antes había cancelado numerosos conciertos por nódulos en sus cuerdas vocales) obtienes un concierto muchísimo mejor de lo que nos hubiéramos imaginado en un primer momento. Si bien el esqueleto del repertorio lo forman temas de su reciente ‘Biophilia’, pudimos también disfrutar de varios clásicos de su ya larga carrera como “Hunter”, “Hidden Place”, “Pagan Poetry” o “Isobel”. “Declare Independence” puso el broche de oro a una actuación que supuso la despedida a una edición increíble como siempre que he visitado el festival (esta era mi tercera vez).

Siempre se puede argumentar si sobre el papel el cartel es mejor o peor que en anteriores ediciones, o si el cartel que ofrecen otros festivales europeos hace que merezca la pena moverse a otras latitudes, pero al final cada año se demuestra que es un festival único y especial. Sin lugar a dudas Roskilde es el festival al que hay que asistir y yo diría que no sólo una vez en la vida. Una vez que te atrapa el “Orange Feeling” no te suelta.

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Texto: Javier Rojo. Fotos: Javier Rojo y Gema Gómez

Unearth

Este festival, que se celebra en Dinskelsbühl (un pueblo medieval situado en plena ruta de los castillos alemana), no suele ser uno de los destinos preferidos de los festivales, pero pese a no estar a la altura del Wacken si que es una alternativa menos multitudinaria a la par que igual de rica a la hora de presenciar buenos conciertos de Metal.

De nuevo tomamos un avión hacía Alemania, en concreto al pueblo de Dinskelsbühl, para vivir una nueva edición del Summer Breeze, un festival que año tras año, va creciendo y adquiriendo unos niveles de importancia, que le han convertido en el segundo festival de Metal en Alemania.

Para situarnos, Dinskelsbühl es un pueblo medieval dentro de la ruta de los castillos del país germánico, muy bonito y que merece la pena visitar con cámara de fotos para poder inmortalizar sus rincones singulares. El festival se celebra a unos cuatro kilómetros de Dinskelsbühl, en una campiña cerca de un entorno rural llamado Sinbronn. Es una enorme extensión de praderas verdes rodeado de maizales, donde montan el recinto del festival y las zonas de camping. Este año el espacio destinado al camping ha crecido en extensión.

Igualmente merece la pena visitar Sinbronn, un sitio muy rural y de la Alemania profunda, donde puedes vivir el ambiente de sus bares y la amabilidad de la poca gente que encuentras por la calle. Uno de sus mayores atractivos es ver la pequeña laguna, te permite vivir el ambiente de los festivaleros y sus ocurrencias, que no son pocas.

El Recinto ha tenido algunas modificaciones con respecto a años anteriores. La principal ha sido en el tercer escenario, una carpa llamada el Party Stage, que este año ha duplicado su tamaño y aumentando la comodidad, ya que el suelo lo han cubierto de pales de madera, lo que ha sido más cómodo para ver los 66

conciertos y ha permitido unos desplazamientos rápidos.

La zona principal de conciertos estaba como en años anteriores, con dos escenarios casi en paralelo (Main Stage y Pain Stage), con una enorme pantalla entre ellos. El suelo frente al escenario principal (Main Stage) cubierto de adoquines que impiden que se forme barro o se levante polvo. Delante de los escenarios (los tres), hay barreras de seguridad anti avalanchas, que además son cómodas para desplazarse de un lado a otro del recinto si tienes pase para cruzar por ellas. El resto del recinto tiene hierba, que a pesar de la lluvia del primer día no se vio dañado y permaneció en buenas condiciones durante todo el festival.

Todo el perímetro del recinto y del mercadillo con puestos de restauración, con muchas barras para la bebida, cervezas, cocteles y comida variada para todos los gustos. Este año me ha llamado la atención un restaurante de comida vegetariana, todo de madera que te servía a la comida en unos platos muy originales como de madera desechable y a precios más que razonables para la cantidad y calidad de comida servida. En el resto de puestos no faltan las barbacoas, los orientales, las patatas, el pollo y la pasta. Los precios entre 4 y 7€. Lo que sí me ha resultado algo caro para ser Alemania ha sido el precio de la cerveza a 3,30€ el vaso de 0,40, con el correspondiente euro si no devuelves el vaso.

El Camping del Summer Breeze es otro de sus puntos fuertes. En praderas identificadas por letras del abecedario, se puede

acampar con el coche y cómodamente, sin grandes apreturas. Me ha parecido que había la misma gente o poco más que el año anterior, pero la superficie dedicada a camping ha crecido. Eso también es malo porque se incrementan las distancias a recorrer, pero es más cómodo, al no estar tan apretados. Todo el camping, en pradera y con caminos señalizados, aunque los más torpes nos hemos llegado a perder en alguna ocasión. Dentro del camping hay dos supermercados, puestos de restauración, cabinas de WC, duchas y demás instalaciones para que la estancia sea lo más cómoda posible. Siempre queremos más duchas,

Excrementory Grindfuckers

servicios o estar más cerca el acceso a la comida, pero quitando el primer día en las duchas no ha habido nunca grandes esperas.

El punto fuerte del Summer Breeze es el gran ambiente de festival que tiene. Con un público mayoritariamente alemán, darse una vuelta por el camping es una fuente de entretenimiento segura. Las cosas que se les ocurre para decorar su espacio de camping, los juegos, las cafradas que hacen. Es una cosa recomendada para los visitantes. Todo en plan sano y aunque la gente se exceda con la bebida no se ven malos rollos y en cuanto intimas es fácil que estés bebiendo cervezas con ellos

haciéndoles de tu banda preferida.

El Merchandising es muy variado, con varios diseños relacionados con los estilos musicales. Eso sí, hay algunos modelos que se agotan el primer día y no los reponen, por lo que hay que darse prisa en comprarlos. Lo de la entrada (ticket) al festival es capítulo aparte, normalmente con la forma y diseño del logo del año, son muy aptas para los coleccionistas de entradas.

La organización es bastante correcta, con todo bien señalizado. Un poco de exceso de celo en el personal de seguridad, pero cumplen su papel y más con lo sucedido en Alemania en un festival el año pasado, siempre muy cautos. Los horarios y el programa se suele cumplir a rajatabla, y salvo imprevistos no suele haber variaciones.

No dejan de lado la conservación del medio ambiente y al ponernos la pulsera entrega el típico set, con bolsa de basura incluida que si al final del festival devuelves llena, te cambian por un poster con una fotografía aérea del mismo. Además este año había voluntarios de una ONG, que en colaboración con el Summer Breeze, recogían los envases para destinar su recaudación a obras sociales.

Como en todo festival que se precie no podía faltar un mercadillo, donde estaban representadas las principales discográficas y casas de discos a nivel europeo.

Además, puedes encontrar tiendas con los diseños de ropa más sofisticados, ropa militar, souvenirs, puestos artesanales e incluso de marcas de bebidas alcohólicas; precisamente uno de estos últimos era el punto de reunión para los más fiesteros y cerraba a tempranas horas del día.

Nuestra jornada de conciertos comenzó el miércoles 15 de Agosto con la fiesta de presentación, donde íbamos a ver a bandas del calibre de Tankard, Rage o Bullet.

El primer grupo que pude ver fue a los thrasers Municipal Waste, que hicieron un set típico del estilo, con mucho pogo, pero donde su cantante Tony Foresta no estaba en plenitud de condiciones. Se me hicieron un tanto repetitivos y me convencieron menos que otras veces.

Caso contrario fueron los suecos Bullet, que dieron el concierto de la noche, con la mezcla del Heavy con un Rock más clásico. Fueron los más ovacionados y convencieron a la mayoría. El toque más elegante lo pusieron los Rage, que “jugar en casa” fueron muy aplaudidos y donde el señor Smolski dio muestras, una vez más, de la talla impresionante de músico que es. La fiesta vino de mano de los Tankard, que con sus himnos cerveceros pusieron la nota alegre y más desmadrada de la velada.

La segunda jornada del Summer Breeze, la del jueves 16 de agosto venía cargada de buenas bandas. La noche anterior y hasta media mañana el día se levantó con bastante lluvia, que no caló y no levantó barro. Empezamos la jornada con la tradición que significan los Napalm Death, siempre grandes en Alemania y con algunas canciones que tienen un alto significado para la gente del festival. El Heavy Metal más poderoso vino de la mano de unos siempre rejuvenecidos americanos Iced Earth, que tienen una importante legión de seguidores en Alemania. Dejaron para el final su tema, “Iced Earth”, que fue muy aclamado.

Ver a bandas como Die Apokalyptischen Reiter en Alemania es un verdadero espectáculo. Musicalmente, no me dicen mucho, pero la cantidad y variedad de ocurrencias durante su concierto lo hacen muy ameno. Wall of Death, columpios, lluvia de camisetas… con cualquier

Lacuna Coil

cosa te sorprenden. Behemoth dieron en show del día. Los de Nergal han vuelto con un espectáculo poderoso, lleno de fuego, cruces invertidas, mucha aptitud y un sonido brutal. Su “Lucifer” pone el lado más oscuro. Brutales. Por su parte los suizos Eluveitie dieron su típico show, con una combinación de sus clásicos y temas nuevos, donde Anna Murphy cada vez tiene más protagonismo en las voces.

Me gustan, pero deberían trabajar en variar su actuación. Ya de camino a la carpa del Party Stage, disfrute de los Ghost Brigade en un show muy intenso y donde las melodías más melancólicas se apoderaron de la noche. Por el contrario, el cachondeo vino de mano de los Grind alemanes, Excrementory Grindfuckers, muy playeros ellos, dieron la nota de humor e irreverencia de la tarde. Como si estuviera pensado a propósito, los siguientes en tocar, In Solicitude, cambiaron de tercio con una actuación muy oscura y metalera, reviviendo un espíritu más tenebroso.

Son un valor en alza.

Con el cansancio acumulado de dos días “a tope”, afrontábamos el viernes 17 de agosto, comenzando nuestra jornada de conciertos con la banda del Sr. Kirk Windstein, los Crowbar, que a base de guitarrazos nos trasladaron al sur de los USA, pero sin olvidarse de ritmos más extremos y punk. En el sin vivir de conciertos, continuábamos con los Mono INC, que estaban de estreno, presentando nuevos temas de su “After the war” y muy seguido por una legión de fieles. En el Main Stage un poco de Metalcore con los Unearth, mucha fibra, mucha pose y sobre todo mucha simpatía, que permitió ver los más grandes pogos del día. Los Nile nos devolvieron a los terrenos del lejano Egipto con un show poderoso, pero

sin mucha vida sobre las tablas.

Pero el resto de la tarde, el atractivo lo tenían bandas que iban a tocar en la carpa. Empezamos la tarde los finlandeses Black Sun Aeon, del productor Tuomas Saukkanes, que posteriormente repitió con otro de los grupos. Buen concierto para abrir. Después, con los holandeses Heidevolk, que trajeron sus himnos festivos y donde la gente lo pasó en grande.

A los alemanes les hace falta poco para montar la fiesta vikinga. Doble sesión finlandesa con unos poderosos y contundentes Before The Dawn y las atmosferas e intensidad de los Insomnium, que fueron una de las bandas más grandes de la tarde. Además tuvieron la acertada colaboración de Mikael Stanne, de Dark Tranquillity, que puso la sorpresa. Iba bien la cosa, seguimos con la contundencia de los brasileños Krisiun, que ofrecen unos shows muy intensos, pero con poca novedad escénica.

Nos quedaba el plato fuerte del día, los Immortal, que ofrecían una actuación muy profesional, donde el humo y la pirotecnia adornan el espectáculo que es algo más accesible musicalmente y que deberían pensar en cambiar, aunque Abbath hizo guiños a comunicarse con su público, y eso es novedad.

Quedaba la última jornada de festival, el sábado 18 de agosto. El día amaneció con calor, que fue la principal característica del día, convirtiendo a la manguera de agua, para regar al público, en protagonista. El personal de seguridad se esforzó por mantenernos mojados cuando más apretaba “Lorenzo”, algo que fue de agradecer. Otra jornada intensa de conciertos, que comenzamos con los blackers suecos Naglfar, que dieron un show lleno de atmosferas oscuras y un

Nifelheim

sonido old school, pero algo deslucido por la claridad del día. Sólo cambiando de escenario, otros suecos, los Unleashed de Johnny Hedlund, dieron un show de Death Metal muy bueno, que ni el enorme calor pudo frenar. Eso sí, los coloretes de los músicos daban muestras del intenso calor que tuvieron que pasar. Sepultura llenó el recinto para dar su último concierto de este año en Europa. Su actuación fue la habitual, donde vimos “volar” a muchísima gente, intensa y con temas clásicos, que son los que mejor funcionan. De Lacuna Coil poco que destaca.

Seguramente les veremos en mejores shows, ya que ni la voz de Cristina, ni sus ganas nos motivaron demasiado.

Hasta la llegada del concierto principal, nos acercamos a la carpa a ver grupos menos habituales en el circuito. Los americanos Cattle Decapitation, pusieron la nota más reivindicativa, con un concierto con sonidos Grindcore con tintes más Death. Un tanto repetitivo, pero da gusto ver esa intensidad y la entrega de su cantante y líder Travis Rian. Les seguían tres bandas de culto, como los suecos Nifelheim con un concierto brutal y lleno de ritmos demoniacos, los también suecos Shining, irregulares, pero donde destaca la provocación y actuación de su líder Niklas Kvarforth, con hostias y salivazos incluidos entre ellos y el show de la noche, con los holandeses Asphyx, brutales, variados y donde la profunda voz de Martin Van Drumen, aún nos sigue resonando.

Nos quedaba el concierto de Amon Amarth, con una Main Stage que registro el mayor lleno y con el último show de la Gira. Un concierto lleno de pirotecnia, columnas de fuego, pero con una iluminación pobre y un sonido a bajo volumen.

Sorpresa al interpretar un tema poco habitual, como “Under the Northern Star” y Johan que sacó a su gente al escenario para agradecerles su ayuda durante el Tour. Son muy grandes los suecos y han frenado en el momento justo para sacar nuevo material y trabajar en una nueva gira sin repetirse.

Un gran Summer Breeze, donde por fin tuvimos buen tiempo, disfrutar de un gran ambiente y muy buenos conciertos.

Un festival fijo para el 2013.

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Hybris

Schwarz Wald

Asistimos al TEIDE ROCK, festival celebrado en Los Realejos, Santa Cruz de Tenerife, con unos HYBRIS como cabezas de cartel exultantes y descubriendo la buena salud en cuanto a bandas se refiere de las Islas afortunadas.

Texto: Roberto Villandiego 68

Schwarz Wald

rz Wald

El Sastre de Bremen

Tan cerca y tan lejos a la par. Las Islas Canarias es mucho más que un destino turístico.

Allí el Rock también inunda las calles aunque para los músicos allí ubicados sea mucho más difícil el reto de estar en una banda de Rock, metal, o como quieras llamarlo. Saltar a la península para hacer una gira es económicamente casi imposible y las alternativas para tocar se reducen considerablemente al no poder coger libremente la furgo para hacer kilómetros. Las cosas son más duras cuando estás rodeado de mar aunque eso no significa que la escena allí desfallezca. El Teide Rock es una de esas ideas geniales que organizan y promueven los grupos de las islas para no quedarse parados, para satisfacer a un público que asiste regularmente a los bolos aunque los estilos sean tan dispares como en este festival. Todos los respetos a unos músicos que se lo guisan y se lo comen, que tienen clarísimo la forma en la que tienen que actuar y que echan un extra de tesón para no fenecer.

Desde bien temprano se preparaba todo en el Teatro Cine de los Realejos para que Hybris, Neomaniac, El Sastre de Bremen y los trols Schwarz Wald diesen esa noche un buen concierto. Con margen de sobra se iban haciendo todos los preparativos en tan encantador sitio. Tiene pinta de antiguo y en los camerinos que no se usan se guardan las cosas del teatro, lo cual le otorga a al lugar un halo especial, respetable. Las pruebas de sonido dan paso a una comida típica canaria para posteriormente quedar a una hora para ir al bolo.

En un principio la apertura de puertas estaba prevista para las 20:30 pero a esa hora son pocas las personas que hay esperando. “Es lo malo que tiene aquí la gente, que siempre llegan a última hora” comentan entre los músicos protagonistas de la velada.

Esta situación provoca un ligero cambio de planes. Hay reunión de grupos y se acuerda empezar un poco más tarde. Esto implica que al tener una hora de cierre, cada banda tiene que sacrificar un tema. No hay mayor problema.

Cuando la sala se ha caldeado bastante salen a escena Schwarz Wald, ataviados con faldas escocesas, pinturas de guerra y… “espera, a dos de ellos les conozco”. Sí, Víctor Arrocha (bajista) y Marcos Jiménez de Hybris están ahí metidos. Juro que no me enteré ni de una sola palabra de las que cantó Satur (vocalista, arpa de voca, y guitarra) pero si algo tienen es que la diversión está asegurada. Digamos que suenan a unos Finntroll caóticos, desfasados y cachondos.

Del Folk/Trol Metal al Rock Urbano de El Sastre de Bremen. Durante la tarde había visto pasar por allí a Adri Martín con una camiseta de ¿hockey? Y una gorra y su aspecto me había hecho pesar que iban a decantarse por otro género. Para nada. Rock de toda la vida con cosas a perfeccionar pero de buena factura. Con su repertorio volvieron loco al personal que se había congregado delante y con la versión de Marea que se marcaron terminaron de dejar a todo el mundo exhausto. Bueno no, estoy exagerando porque no llegó a tanto pero sí que terminaron de dejar el ambiente caldeadísimo.

Lo de Hybris fue arena de otro costal. Llevan más años y esa profesionalidad se nota en todo (puesta en escena, entrada al escenario…).

La banda comandada por Pacho Brea ha ido creciendo disco a disco, directo a directo, y ahora mismo están dando uno shows tremendos.

Neomaniac

Si en el Leyendas se salieron, aquí que jugaban en casa desbordaron (y después en Madrid también). Presentaban ‘Instinto’, su último trabajo, y en él se nota también a la perfección el grado de compenetración de la banda. La soltura con la que se manejan en el escenario es extraordinaria. Pacho ha contagiado a sus compañeros ese saber estar escénico. Todo les miran a él como voz cantante y frontman, pero no pierden esa personalidad individual que ha terminado por hacer crecer a la banda al nivel que está.

Durante el show, en el que cayó por sorpresa un tema de Ankhara (antigua banda de Pacho), el gallego afincado ahora en Tenerife, va comunicándose con el público metiéndose a todo el mundo en el bolsillo. Además lo hace con esa maestría de hablar lo justo para no resultar cansino.

Difícil quedarse con un momento del show en concreto (quizás ese “Judas” en donde Pacho demuestra por qué es el excepcional vocalista que es) pero sí que me quedé con una cosa que después le comenté a Pacho en petit comité. Cuando se bajaron de las tablas le dije “¿Por qué no has cantado así en el disco? Lo que has hecho hoy ha sido impresionante”. Nos conocemos desde hace muchos años y sabe que no soy de comerle la cabeza a nadie. Si algo está mal, está mal. Y no es con los músicos sino con los lectores con los que el que escribe tiene un compromiso. De eso precisamente estuvimos hablando hace tiempo y por eso el respeto es mutuo. Cuando le digo esas palabras sabe que no le miento y le recorre el rostro una mezcla de humildad, cariño y orgullo, porque no tiene pinta de haber sido un viaje fácil.

A los que tampoco hizo falta decir nada fue a Neomaniac, los encargados de cerrar la velada. Con máscaras tétricas a lo Slipknot, sintetizadores y una mala hostia del copón, el quinteto provocó los bailes más convulsos, más locos y es que no era para menos.

Aquello sonaba disparatadamente atronador, en un baile de máscaras enfermizas y voces tremendamente coléricas que dejaron a todo el mundo con los ojos como platos.

Siempre decimos algo parecido pero en este caso es cierto. Ojito a estos tíos.

Con los enmascarados se ponía el broche a una noche de camaradería, buen rollo y música, mucha música. Chapó por los grupos que saben cómo currárselo y, sobre todo, por un público que aunque fuese a ver a sólo una banda respetó al resto aguantando las actuaciones delante del escenario aunque no fuese su estilo preferido.

A la vuelta, y después de sólo dos días, una extraña sensación de tristeza se apoderó de mí. Había sido corto, pero intenso. Me quedo con la camaradería que encontré allí, con la forma de hacer las cosas, por la ausencia de egos y porque todos los que allí estaban simplemente querían disfrutar de una noche de música en todas sus vertientes.

Hybris

Neomanic

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LIVE SHOTS

YA ERA HORA

RANCID Artistas Invitados: KLASSE KRIMINALE + G.A.S. DRUMMERS Sala San Miguel, Madrid

Había muchísimas ganas de ver por fin a los Punk Rockers Skatalíticos RANCID por estos lares. Desde finales de los noventa (Festimad), Tim Armstrong y sus secuaces nos habían dejado fuera de sus planes de gira. Esta vez, con motivo de su 20 aniversario, tenían que venir sí o sí, porque ya tocaba, pese a que el recibimiento que se iban a encontrar no era precisamente el que se esperaba. Porque después de tanto tiempo, Rancid tendría que haber tocado en el palacio y no en la sala que, aunque se petó convirtiéndose en un hervidero, se nos antojaba demasiado pequeña (2000 personas).

Pese a que la reventaron quedó en evidencia una cosa: no han sabido conectar con las nuevas generaciones. Mientras que en Lagwagon o Bad Religion ves un relevo, en Rancid no se dio el caso.

Más de un 70% de los que estábamos allí pertenecíamos a la generación que les descubrió con aquel tremendo ‘And Out Come The Wolves’ del 95. Poca gente más (viendo lo visto) se ha ido acomplando a su legión de fans.

TRISTANIA

Artistas Invitados: Sound Storm + Kells Sala Caracol, Madrid Cita en la madrileña sala Caracol, con un cartel que nos daba la oportunidad de ver en directo a bandas poco habituales en nuestro país.

Los encargados de dar comienzo, fueron los italianos Sound Storm presentando su “Twilight Opera”, encabezados por el carismático Letstat, no les conocía y la verdad me dejaron un buen sabor de boca su symphony metal, muy cañero con tintes “power”, pero sin caer en ese maremagnum de infinidad de sonidos que pecan muchos grupos. Muy dinámico encima del escenario, y cercanos al publico.

Entorno a las a las nueve y media salía a escena la banda francesa Kells con una Virginie pletórica en todo momento. Tocaron un setlist como era de esperar de presentación de su último disco, pero hubo hueco para “La Sphére” y “Lueurs” de su anterior trabajo. Sonaron muy potentes y como he comentado, con muchisima garra, metiéndose al público en el bolsillo desde el primer momento.

Llegaba el momento de Sarah Jezebel Deva, conocida por colaborar en Cradle of Filth y Therion entre otros, Despues de la intro de rigor, comienza “When It Catches Up With You” de su último EP, con algunos problemas en el sonido, los cuales se solventaron a lo largo del concierto, y así poder deleitarnos con la voz de Sa-

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rah, sobre un base instrumental a medio camino entre el black y el symphony. No podían faltar temas de su etapa en Angtoria como “I´m Calling” (personalmente donde maás me encaja y me gusta la labor suya). Quizás se mostraron algo fríos, aunque correctos en todo momento, mostrando su gratitud ante el público.

La verdad que Tristania no se deja ver mucho por estas tierras, la última vez fue allá por el 2010, en presentación de su nueva cantante; Mariangela Demurtas que entró en el 2007 para suplir a Vibeke una de las señas de identidad del grupo noruego. Así que al menos un servidor tenía ganas de oír su nuevo trabajo (ya que la cita anterior, lamentablemente me la perdí), y las adaptaciones de los antiguos por parte de Mary. Algo escéptico del resultado, ya que Vibeke era soprano lírico y tenía mis dudas, las cuales se disiparon desde el inicio de show, arrancaron con “Angina” y me sorprendió la forma de llevarlo a su terreno, al igual que con “Libre” y “Shadowman” entre otros.

Destacar “Exile” que en directo suena muy contundente haciendo despertar al público. También los noruegos nos ofrecieron dos temas inéditos: “Requiem” y “Cathedral”. Se mostraron una banda compacta y bien engranada a pesar de los incontables cambios de formación que ha sufrido desde su creación. Pondrían el punto y final “Illumination”, perfecto para ir bajando el ritmo y la intensidad después de “Year of the Rat”. En resumen: una gran noche de Symphony Metal. Lástima que no fuese más gente.

TEXTO Y FOTOS: DANIEL GARRIDO (http://photo2riff.com/)

La noche la abrían G.A.S. Drummers y lo cierto es que no sé muy bien qué decir de ellos. ¿Que se comieron a los otros teloneros? ¿Que se lo pusieron complicado a Rancid? ¿Que los de Jerez podrían estar haciendo giras mundiales de no haber nacido aquí? ¿Que su sonido se ha pulido tanto que ahora es una exquisitez verlos en vivo? Pues eso.

Por todos es conocida la afición de los de Berkeley por el Ska de ahí que no hubiese sorpresa cuando saltaron los italianos Klasse Kriminale al escenario. Estos ¿skinheads? (podéis ver que lo pone en su página web) llevan desde el 88 funcionando y obviamente se nota aunque no terminaron de enganchar. Al público en general porque Lars Frederiksen, que estuvo viéndolo desde detrás, sí que pareció flipar con ellos.

Y por fin llegó el momento. Al ritmo de “RAdio” de aquel ‘Let’s Go’ saltaban los rancios para poner aquello patas arriba.

Con el sudor cayendo literalmente por las paredes, Tim Armstrong fueron soltándonos clásicos como “Roots Radicals”, “The Way I Feel” o “Maxwell Murder”, amen de varios temas que yo al menos jamás había escuchado antes y que restaron bastante intensidad al show.

Se terminó de levantar al final con “TIme Bomb”, otra inédita y un “Ruby Soho” como increíble fin de fiesta.

A ver si no tardan tanto en volver esta vez que nos quedamos con ganas de más.

TEXTO: TESA NAVARRO FOTOS: JAVIER BRAGADO

HASTA LA VISTA BABY

MINISTRY

Artistas Invitados: Djerv Sala La Riviera, Madrid No hay nada mejor para levantar morbo en una gira que decir que es la última.

Luego se puede cumplir o no, pero el hecho de que te deja con la mosca tras la oreja es incuestionable. Con Al Jourgensen declarando que cada vez que gira con Ministry termina vomitando sangre y que, por eso, ésta iba a ser la última, hizo que más de uno no quisiese perderse la que podía ser su última visita. Eso sí, la sala Riviera no presentaba, ni por asomo, el aspecto que debería haber presentado. Si uno se esperaba lleno absoluto la realidad fue que aquello se quedó en un tercio del aforo, algo que no merecía una banda de la trayectoria de Ministry.

Si ellos se encontraron delante a poca gente, a muchísima menos se encontraron DJERV. La banda capitaneada por Agnete Kjølsrud (a la que conocimos en

THIRTEEN BLED PROMISES

la canción y videoclip de “Gateways” de Dimmu Borgir) tenían que cortar el hielo y salieron como un ciclón, con la vocalista encapuchada en los primeros compases para mantener el misterio. Una vez quitada, nos encontrábamos con una frontwoman que lleva completamente el peso de la banda, recordando en los tonos a Skin (Skunk Anansie) o Sandra Nasic (Guano Apes) y en el aspecto a Wendy O’Williams de Plasmatics. Pese a que el set list se hizo algo “aburrido” para la mayor parte del respetable (quizás demasiado desconocidos por estos lares), la verdad es que tuvieron algún momento brillante como cuando nos escupieron “The Bowling Pin” y “Headstone”, gracias en parte a unas melodías vocales que descongestionaban bastante la bola de sonido de los noruegos. De su actuación, sobre todo, nos quedamos con las interpretaciones de Agnete y del melodrama que le ponía a cada una de las letras.

Tras un cambio escénico en el que le ponían un pie de micro especial a Jourgensen (con calavera y brazo móvil) y después de un vídeo introductorio pro-

THE METAL FACTORY FEST Sala Caracol, Madrid

Interesantísima propuesta la llevada a cabo por los estudios de grabación The Metal Factory, realizando un festival anual para que la gente vea en vivo a las bandas que han pasado por la cabina de control.

Distribuidos en dos días, en este evento pudimos comprobar en primera mano la latencia de un “underground” en el que se respira una calidad impresionante.

Un total de diez bandas pisaron el escenario de Caracol haciendo que el público, ávido de salvajismo puro, descubriese a bandas a las que quizás no tuviese tan

tagonizado por el propio vocalista, salían Ministry ante una Riviera que presentaba un aspecto algo más aceptable. Lo hacían a todo trapo con “Ghouldiggers” para, a partir de ahí, no dar ni un respiro hasta casi el final, con un repertorio cargado de ira. “No W”, “Rio Grande Blood”, “Señor Peligro”, “99 Percenters” o “The Last Sucker” iban cayendo con el vocalista ejerciendo a la perfección de maestro de ceremonias. Se le veía un poco desfasado y, por momentos, incluso parecía que iba ido, poniendo caras como si un ácido recorriese su cuerpo y le hiciese efectos de forma aleatoria, pero, aún así, no sólo estuvo muy bien en su parcela sino que además, estuvo muy cercano a la gente.

No sólo intentaba introducir todos los temas en castellano sino que además bajó a saludar a toda la primera fila dando la mano y besos a todo el mundo. Parecía una despedida en toda regla.

Después de un paseo rápido por el camerino, salieron a hacerse un bis demoledor.

Si durante todo el show la intensidad la habían mantenido al límite, en el encore el show terminó de explotar enlazando pilotadas. Mientras que Inbred y As My World Burns no defraudaron a sus incondicionales (la calidad de ambas bandas es impresionante), muchos se quedaron sorprendidos con los desarrollos técnicos de Overdown, las melodías de Kitsune Art o la puesta en escena de Thirteen Bled Promises (¿cuándo has visto a una botella de budweiser gigante metiendo gritos?). Mucho más variado el segundo día (en el primero había cierta linealidad en las creaciones), nos quedamos con el buen latir de las nuevas bandas que están listas para ganarse un hueco más grande.

TEXTO: CARLOS MEDRANO FOTOS: OLGA (www.metaltrip.com)

“Psalm 69”, “N.W.O.”, “Just One Fix”, “Thieves” y “So What”, quizás la única que no tenía mucha cabida en un final tan machacón. Vale, es un clásico también, pero lo cierto es que a mí me mató un poco un final que estaba siendo apoteósico. Se iban otra vez para dentro para salir inmeditamente. Claro ¿cómo se podían ir sin tocar “Jesus Build My Hotrod”? Pues sí, lo iban a hacer porque no era esa la que habían seleccionado para clausurar.

“United Forces” (un cover de Stormtroopers of Death) ponía punto y final al que posiblemente fue el último show de Ministry en nuestra tierras. Vale que no se puede decir eso de “de ese agua no beberé”, pero teniendo en cuenta de que dos días después se desmayaba en Francia se hará muy difícil que Jourgensen tenga ganas de volver a sacar a la bestia de gira. Sería una lástima porque, tal y como demostraron, sonaron como un auténtico cañonazo y no muchas bandas, con semejante trayectoria, pueden decir lo mismo.

TEXTO: CARLOS MEDRANO FOTOS: JAVIER BRAGADO

AS MY WORLD BURNS

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LIVE SHOTS

BLINK 182 Invitados: ALL AMERICAN REJECTS Sant Jordi Club, BCN

Ir a un concierto de BLINK 182 es algo así como presenciar a tres demonios de Tasmania destrozándolo todo a su paso con la sutileza de una excavadora. Ir a verlos en una calurosa noche de julio es subir un nivel. Ir a verlos en una calurosa noche de julio en un recinto cerrado es subir dos niveles. E ir a verlos una calurosa noche de julio, en un recinto cerrado, en una ciudad con las calles tomadas por la policía y los manifestantes y con las entradas agotadas es ya el sumum. La explosión de energía, sudor, decibelios y testosterona que se da en un concierto de los americanos es, simplemente, hipno-

tizadora.

Con la excusa de presentar “Neighborhoods”, su último trabajo, pero con la gira del 20 Aniversario también marcando los procedimientos, Travis Barker, Mark Hoppus y Tom DeLonge saltaron a escena alrededor de las 21:00, escasamente media hora después de que finalizaran un incendiario set los chicos de ALL AMERICAN REJECTS. Curiosamente, ya estaba en el recinto la mayoría del público cuando ellos saltaron a escena, demostrando que había muchas ganas de verles. Con temas como “Dirty Little Secret”, “Kids In the Street” o “Gives you Hell” se lo llevaron de calle y provocaron las primeras lipotimias entre el público, que a duras penas aguantaba las temperaturas del recinto. Obviamente, cuando BLINK 182 salieron a escena, las cosas escalaron un poco más y era medianamente normal

ver a una pareja de la Cruz Roja haciéndose cargo de algún pobre chaval que ha sudado o se ha “hidratado” de más. Los de Travis Barker tampoco es que colaboraran mucho. El set de veintidós canciones que inteprretaron fue un hit tras otro, un remolino tras otro. “Feeling This”, “Up All Night” y “The Rock Show” fueron el pistoletazo de salida, pero es que apenas hubo más de diez segundos de descanso antes de que arremetieran con todo lo demás. “Down”, “Wishing Well”, “Always”, “First Date”, la gamberra “Blow Job”, “Heart’s All Gone” y la obligatoria “All The Small Things” llevaron el peso de un concierto que estaba ganado antes de comenzar.

La banda no es tímida a la hora de emplear todos los tics necesario de un gran concierto de rock, perros viejos que son a estas alturas. Y aunque los clichés siem-

pre chirríen, a nadie pareció importarle el solo de batería de Travis en “Give The Drummer Some”,por ejemplo. Es más, Barker fue sin duda el principal atractivo del show. Con una energía descomunal que multiplica por varios enteros la del Tommy Lee de los viejos tiempos, el tipo es una auténtica maquina. Trabaja sobre cambios de ritmo continuos, sobre bases rapidísimas y sobre partes muy intrincadas con la facilidad de quien limpia los platos después de comer. Sudar, eso sí, sudó un poco.

El show llegó a su fin con “Carousel”, la lejana “Dammit” del “Dude Ranch” y la cachonda “Family Reunion” que dio por finalizado el show. Inmejorables.

TEXTO: SERGI RAMOS FOTOS: JAVIER BRAGADO

ROMEO

VESANIA METAL FEST S. Pedro del Pinatar

Hecho con muchísima ilusión, el I Vesania Metal Fest fue todo un éxito en cuento a bandas, que no de público. La enorme saturación de conciertos que estamos viviendo restó afluencia a un festival modesto pero hecho con muchísimo cariño por la agencia de management Vesania.

Al plato fuerte de la noche, los locales Darknoise (quienes demostraron tener unas tablas impresionantes y un futuro muy prometedor) se añadieron bandas como Romeo (cada vez en mejor estado de forma), Nudo, My Wild Side y Re-

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quiem.

Sin duda el momento de la noche fue cuando Carlos Escobedo de Sober se subió a cantar junto a Darknoise “Fahrenheit”, tema del primer disco de los murcianos en donde ya contaban con la voz de Escobedo. Ese momento hizo olvidar los constantes problemas de sonido que habían tenido para disparar las programaciones y que desestabilizaron ligeramente a una banda que dentro de muy poquito llegará lejos. Sólo hay que verles en escena para darse cuenta de que, cambiando dos cosas, están a un nivel altísimo.

TEXTO: TESA NAVARRO FOTOS: ROBERTO VILLANDIEGO

DARKNOISE

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LAS VOCES DEL ROCK

CHRIS CORNELL Nacido el 24 de julio de 1964 en Seattle

La voz de los noventa y la mejor de aquella hornada que dio aquel movimiento llamado grunge. No nos olvidemos que este estilo (personalmente considero que no existe como Por tal) nos dio enormes TOMÁS MARÍN bandas y portentosos Vocalista Amalgama cantantes.

Estamos hablando de talentos mayúsculos como Eddie Vedder, Layne Staley o Mark Lanegan. Coetáneos de nuestro protagonista, todos ellos maravillosos y únicos a la hora de abordar una canción.

Mientras a Vedder o Staley les han salido imitadores y les han robado melodías a lo largo de los últimos 15 años, Chris Cornell no ha tenido que sufrir nunca este problema sencillamente porque no podían hacerlo. Y es que, cantar en los tonos que este hombre lo hace se antoja imposible para la mayoría de los mortales. Con un registro muy amplio, que le permite dominar tanto unos graves y unos medios imponentes junto con unos agudos prácticamente inhumanos que forman parte ya, de su estilo único y personal. Técnicamente es el más completo y por lo tanto el más inimitable de todos los vocalistas anteriormente citados y a día de hoy se ha ganado con creces ser uno de los diez mejores cantantes de la historia del Rock. No está mal para alguien que empezó en la música tocando la batería ¿no?

Hay que recordar que aparte de cantar, es un magnífico compositor que además toca muy bien otros instrumentos como la guitarra y la anteriormente mencionada batería. Al frente de Soundgarden ha escrito una de las páginas más brillantes que se recuerdan en la historia reciente de la música rock y hasta el día de su separación en 1997 no dieron nunca ningún paso en falso y además sin perder jamás su afán rompedor ni su actitud irreverente.

Lo que más sorprende al escuchar hoy después de 25 años sus primeros E.Ps (que luego se comercializarían juntos en un mismo disco) llamados ‘Screaming Life y ‘Fopp’ respectivamente es lo crudo de su propuesta y lo salvajes que podían llegar a ser con una mezcla de sonidos que iban desde el punk más rabioso y primigenio hasta el heavy más pesado y lúgubre. Cornell grita como un poseso en casi todos los temas y comienza a demostrar que está vocalmente a años luz de cualquiera.

‘Ultramega o.k’(1988) fue su primer larga duración y en él nos encontramos con un producto difícil de comercializar, oscuro y deprimente, que incluye verdaderas joyas como la descomunal “Beyond the Wheel”con un increíble Cornell a la voz donde combina unos registros que van desde unos graves de ultratumba hasta esos agudos imposibles marca de la casa. Hipnótica y genial a partes iguales. “Flower” con sus aires zeppelinianos es otra joya por descubrir. Un buen disco que les hace ir creciendo y evolucionando. Sin llegar a ser uno de sus mejores discos sí que nos muestra a una banda buscando su propia personalidad e identidad musical.

En 1989 fichan con una multinacional (A&M) y lanzan ‘Louder Than Love’. Aquí suenan entre una mezcla imposible de Black Sabbath/Led Zeppelin con el punk de unos crudos y rabiosos Stooges.

“Ugly Truth”, “Hands All Over”, “Gun”, “I Wake” o

mi favorita de todas “Loud Love” son de lo mejor que se puede escuchar para alguien que deguste de sonidos pesados y heavys. Esta es su primera obra notable y recomiendo que os fijéis en como aúlla Cornell en prácticamente todos y cada uno de los temas. Su voz privilegiada nos sumerge a un estado tal de excitación difícilmente explicable.

Resumiendo, salvaje e imprescindible. El single fue “Big Dumb Sex”, lo menciono porque Guns and Roses la incluyeron en su disco de versiones ‘The Spaghetti Incident’, (en dicho tema se repite la palabra Fuck un montón de veces).

‘Temple Of The Dog’(1991) es el proyecto que une a Chris Cornell y Matt Cameron de Soundgarden con Jeff Ament. Stone Gossard y Mike McCready por entonces futuros miembros de Pearl Jam para homenajear a su amigo Andrew Wood, fallecido cantante de la banda Mother Love Bone donde militaban estos últimos e intimo amigo de Cornell.

Para mí es uno de los más bellos discos que se han hecho en la historia de la música y donde mejor canta nuestro protagonista. Lleno de canciones a medio tiempo, todos los temas desde “Say Hello 2 Heaven” hasta “All Night Thing” son maravillosos. La música aquí registrada no tiene nada que ver con lo que Cornell había compuesto anteriormente para Soundgarden, aquí se nos muestra a un artista emotivo e inspirado en un sentido tributo hacia su amigo desaparecido y por lo tanto a pesar de ser un disco oscuro y un tanto deprimente es un canto hacia la desesperación de lo inevitable con un halo de esperanza subrayado por el bello espíritu de su mensaje. Una obra maestra única e irrepetible.

Ese mismo año se publica también el nuevo disco de Soundgarden, una bestialidad titulada ‘Babmotorfinger’. Crudo y árido a partes iguales, es lo más agresivo que han lanzado nunca al mercado. “Rusty Cage” abre el álbum con uno de esos riff que pasan a la historia y hacen que no se te quite de la cabeza en mucho tiempo. “Outshined” con su cadencia oscura y pesada nos evoca a los mejores Sabbath y es el single que muestra descaradamente la brutalidad de un disco enorme. “Jesus Christ Pose” con su complejidad rítmica y vocal es impresionante. Muy pocos pueden cantar como lo hace aquí Chris Cornell, totalmente desatado, en tonos altísimos y sin desfallecer. Increíble. El resto de canciones que se incluyen en el disco están al mismo nivel que las anteriormente citadas. La rabiosa “Somewhere”, la épica “Mind Riot”, la muy punk “Face Pollution” o la machacona “Slaves & Bulldozers”, con un Cornell (otra vez) desgañitándose hasta límites inimaginables. Así podría seguir con todos los temas porque ‘Babmotorfinger’ es una de esas obras indiscutibles con las que de vez en cuando nos sorprende la hoy tan denostada industria del disco. Quizás no sea su mejor obra (Superunknown está ligeramente por encima) pero por su crudeza, complejidad y rotundidad es claramente mi favorito.

‘Superunknown’(1994) es la obra maestra de Soundgarden y uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos. Pocas veces es posible encontrar bajo un mismo envoltorio una colección tal de canciones tan compactas y magistrales en las cuales además por si no fuera poco se permiten explorar con éxito estilos musicales ajenos al grupo hasta ese momento. Cornell está espectacular y brilla como nunca en unas canciones que son

joyas intemporales de la música rock. ¿Canciones? Todas. Una obra absolutamente magistral. Escuchadlo.

‘Down On The Upside’(1996) es el último trabajo momentos y a mi como fan me siguen gustando de la banda un año antes de su disolución. Oyén- mucho, también es verdad que están bastante dolo, uno no se explica cómo no siguieron juntos por debajo de su trabajo debut. “Doesn`t Remind más tiempo. Estamos hablando de otra obra ma- me” y “Be Yourself” son las primeras canciones gistral, que ha pasado más desapercibida debido que nos vienen a la cabeza si hablamos de ‘Out sobre todo a lo descomunal tanto artística como the Exile’ y “Original Fire”(temazo por cierto) del comercialmente de su anterior álbum. “Pretty más olvidado “Revelations”. Recomendados de Noose” (primer single) abre un disco muy expe- todas formas. rimental, que juega con todos los estilos que han ‘Carry On’(2007) es su segundo intento en solitario ido cultivando a lo largo de su carrera (psicodelia, después de ‘Euphoria Morning’ pasado su periplo punk, heavy...) con unos resultados asombrosos. en Audioslave y nos encontramos con un disco Cuando hablamos de canciones como la anterior- mucho más rockero que aquel, con muchos memente mencionada con sus toques Zeppelinianos dios tiempos y coqueteando esta vez mucho con al igual que “Burden In My Hand” con esa voz que el soul y el rock más clásico. Sigue explorando nos escupe la melodía rasgada y cruda no pode- su abanico musical y la verdad es que su voz se mos más que rendirnos a la evidencia de que no adapta como un guante a toda clase de registros hay grupo más excitante en todo el planeta. La y estilos en los que se aventura. “You Know my oscura”Tighter &Tighter”, junto con la enfermi- name” de la banda sonora de ‘Casino Royale’ y za “Blow Up The Outside World” las Punks “No “She’ll never be your man”es la prueba de todo lo Attention” o “An Unkind”, sin olvidar la rockera expuesto anteriormente. La versión de “Billie Jean” “Rhinosaur” conviven entre ellas sin ningún tipo es de lo mejor de un trabajo que aún teniendo algude problemas, creando otro disco imprescindible, nos altibajos es un buen disco. “Your Soul Today” que cierra una trilogía mágica que empezó con y “Poison eye” con sus aires setentas, la melódica “Arms Around Your Love” y la inclasificable “Kiaquel ‘Babmotorfinger’.

Ya en solitario lanza en 1999 el disco ‘Euphoria lling Birds” nos recuerda que aún podemos confiar Morning’ dedicado e influenciado por su amigo en él.

Jeff Buckley que murió mientras se componía el ‘Scream’(2009) es indefendible. El momento más trabajo. Se juntó y colaboró con Natasha Shneider bajo de su carrera y un patinazo en toda regla y y Alain Johannes del grupo Eleven para dar forma no porque experimentara con el pop moderno en a un disco melancólico y muy melódico que pese un proyecto netamente electrónico (eso da igual si a ser otro gran paso en su carrera y un gran disco, hay buenas canciones), sino, porque dio la impreno fue el éxito que se esperaba. De todas formas sión de querer venderse creando algo totalmente es un disco preciosista para escuchar a solas y a impersonal y vacuo. No hace falta decir que por la luz de las velas. Gemas como “Follow my Way”, supuesto Chris Cornell canta brillantemente como “Wave Goodbye” (dedicada a Buckley), la acustica siempre, pero verlo defender canciones como la “Sweet Euphoria” o mi favorita “Steel Rain” así bailable casi disco “Part of me” en su corresponlo atestiguan.Audioslave es el nombre que le une diente videoclip fue bastante embarazoso y lo peor a los ex-miembros de Rage against the Machine de todo, hasta cómico.

Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk. Su ‘Songbook’(2011) es su última entrega en solitario primer larga duración llamado como el grupo y esta vez sí, consigue conmovernos y deleitarnos pese a quien le pese es otro notable disco, que con un disco en directo íntimo y personal que demostraba que Chris Cornell seguía siendo ese muestran ese impresionante abanico de matices gran vocalista y compositor. Se les criticó en su en su voz que muy pocos cantantes atesoran. Solo día por ser un grupo prefabricado y montado para él y su guitarra, interpretando temas de toda su la ocasión pero como el mismo Cornell declaró, discografía tanto en solitario como con Soundgarsolo eran un grupo de cuatro amigos locos por el den Audioslave y Temple of the Dog. rock e intentando hacer la mejor música posible. Y En el 2010 (un año antes del citado ‘Songbook’), vaya si lo lograron. “Cochise”(primer single) con se reunió después de 13 años de separación con su rabiosa fuerza es ya un clásico en toda regla, su grupo Soundgarden, anunciando gira y disco.

“Like a Stone” es una de las mejores baladas de Este año se espera el nuevo trabajo de la banda y la pasada década, “Shadow on the Sun” es magis- esperemos que puedan escribir otra brillante pátral, “Show me How to Live” recupera a ese Cornell gina a su magnífica carrera. Su participación en la salvaje,chillando y rompiendo su voz como nunca película ‘Los Vengadores’ con la canción “Live to en un estribillo que te deja sin aliento. En fin, un Rise” no es que sea de lo mejor que han hecho imprescindible más a la colección que eso si, fue la pero da esperanzas para que nos sorprendan con última vez que Chris Cornell nos sorprendió y cau- un disco digno de su leyenda. tivó a partes iguales musicalmenLOS IMPRESCINDIBLES te claro está, ya que vocalmente, > Badmotorfinger (pese a que su voz se ha resentido por el abuso que ha hecho de ella > Superunknow a lo largo de su vida) sigue siendo > Down On The Upside uno de los más grandes. Si bien > Temple Of The Dog es cierto que los siguientes discos con Audioslave “Out the Exile” > Audioslave y “Revelations” tienen grandes

Próxima entrega: Ronnie James Dio

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