Rme Nº 2 completo by Suffer Press

EDICIÓN BIMESTRAL

REVOLVER MAGAZINE SPAIN - Nº 2. PVP: 2,5€

EDITORIAL

STAFF DIRECTOR

Roberto Villandiego

SUBDIRECTORES Sergi Ramos Javier Bragado

REDACCIÓN Coordinación: Roberto Villandiego rober@sufferinc.com Colaboradores: Jose Manuel Torres, Kristina Espina, Varo Andrés, Jordi Tàrrega, Luis Rey, Eduardo Palacios, Javier Félez, Jaume Bellini, Satur Romero, Carlos Medrano, Tesa Navarro, Sara Pérez, Fabio Riotto,

ARTE

Con las maletas hechas

Tenemos ya casi todo preparado para iniciar la temporada de festivales. En nuestro itinerario un montón de citas importantes que no pensamos perdernos por nada del mundo. Empezaremos con el Sonisphere encabezado por METALLICA que se antoja, otra vez, histórico. No sólo estarán los de San Francisco sino que hay un montón de bandas apetecibles (y de primera línea) a las que meterles el diente. Si pasas una cuantas páginas te encontrarás un pequeño dossier de todas para que vayas con la lección aprendida. Tras la cita de Getafe nos esperan; el Azkena Rock con Ozzy, Lynyrd Skynyrd o Twisted Sister como suculentos cabezas de cartel, el Sweden Rock; el RESURRECTION FEST que se ha sacado de la manga algunas confirmaciones que harán las delicias de los seguidores del Hardcore/PUnk con la exclusiva de Descendents; el Costa de Fuego con dos cabezas de cartel impresionantes como son Guns ‘N’ Roses y Marilyn Manson.... vamos, que en definitiva tenemos ya casi todo el verano planificado con citas ineludibles. Las hay para todos los gustos y lo bueno es que no se solapan, con lo cual es factible organizarse un buen plan de viaje y disfrutarlos al máximo.

Nuestra culpa

Estamos en este segundo número muy contentos con la respuesta que ha tenido el primero. Justo al cierre de edición nos decían que estábamos a punto de agotar. Genial. Sin embargo a nosotros se nos quedó un sabor amargo porque, lo reconocemos, nos pudieron las prisas. Queríamos editar cuanto antes la revista y todo lo que son las burocracias nos desconcentraron porque, mientras que por un lado íbamos haciendo textos, por el otro íbamos montando todo el tinglado para que saliese. Total, que metimos la pata. Podríamos echarle la culpa a los archiconocidos “duendes de la redacción” (que los hay), pero no queremos. Preferimos reconocer que cometimos errores y que vamos a intentar no repetirlos (alguno se nos colará, seguro). Además de que habéis sido vosotros los que nos habéis avisado y eso también nos ha gustado. Está muy bien que te digan que la revista está genial, por supuesto, pero consideramos que se aprende más cuando alguien te dice dónde la has cagado. Por nuestra parte esperemos necesitar sólo un toque de atención y si volvemos a cagarla ya sabéis dónde estamos, que queremos oíros porque sin vosotros no existiríamos.

Jefe de Fotografía: Javier Bragado Fotógrafos colaboradores: Rubén Navarro, Daniel Garrido, Kristina Espina. Diseño y maquetación: Roberto Villandiego PUBLICIDAD 91 304 12 24 ó 678 93 15 16 DIRECCIÓN POSTAL REDACCIÓN Hogar de Belén 5 28037 Madrid Teléfono: 91 304 12 24 redacción@sufferinc.com SUSCRIPCIONES Y CAMBIOS DE DIRECCIÓN: redaccion@sufferinc.com IMPRIME Gráficas Monterreina Teléfono: 91 6213060 DISTRIBUYE Logista S.L. Teléfono: 91 665 76 66

EDITA

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10. METALLICA MAGAZINE es una marca registrada 16. GUÍA SONISPHERE REVOLVER perteneciente a: 20. KREATOR MEDIA LLC 24. ROMEO NEWBAY 1111 Bayhill Drive 26. WATAIN Suite 125 San Bruno, CA 94066 TOY DOLLS 30. MARDUK Legal M-12496-2012 EPICA 32. A TEMPERED HEART Depósito Marzo 2012 34. FIREWIND 36. THE USED Impreso en España (Printed in Spain) JUDAS PRIEST TOY DOLLS no se hace responsable de la opinión 42. ACCEPT REVOLVER RAGE de sus colaboradores en los trabajos publicados LAGWAGON 44. SABATON ni se identifica con los mismos necesariamente. EPICA MICHAEL SCHENKER GROUP 46. ZICO CHAIN Queda terminantemente prohibida la reproducción total o parcial de los EVILE BERRI TXARRAK ofrecidos a través de este medio, salvo autorización expresa PARKWAY DRIVE 48. HALESTORM contenidos de SUFFER PRESS S.L. Así mismo, queda prohibida toda reproducción 50. SPINESHANK a los efectos del artículo 32.1, párrafo segundo, Ley 23/2006 de la ProImprescindibles 52. DYING FETUS piedad intelectual. 72. JUDAS PRIES - Screaming for Vengeance 4. Bulletin 54. Reviews 68. Cine y literatura

BULLETIN B NEWS

TRABAJANDO DURO ¡Pleasures Of Equality’ es el nuevo trabajo de ASHA

ANGELUS APATRIDA

ATENDIENDO A LA LLAMADA Los de albacete se posicionan en el puesto 14 de la lista de ventas justo antes iniciar su nueva gira europea.

Antes de salir de gira por toda Europa junto a 3 INCHES OF BLOOD y HAVOK, ANGELUS APATRIDA se encontraba con la buena noticia de que ‘The Call’, su última referencia, entraba en el puesto 14 de la listas de ventas en España. Así expresaba Jose Izquierdo (bajista) lo que sentía la banda al respecto “Nos enorgullece haber conseguido colocar el heavy metal en los más alto de las listas justo antes de empezar esta gira, Long Live Heavy Metal, que no tiene otro objetivo que defender este estilo musical”. Unos días antes de embarcarse en esa gira, la banda hizo un exclusivo showcase para los primeros compradores del álbum. Fue en la sala Arena y les sirvió también para calentar antes de meterse en el autobús de gira rumbo a Alemania en donde tenían la primera fecha.

STONE SOUR

ENTRAN EN EL ESTUDIO

Lo hacen sin su bajista Shawn Economaki quien abandona por razones personales el seno de la banda. Mientras se sigue rumoreando sobre si SLIPKNOT grabarán nuevo CD tras la muerte de Paul Gray, lo cierto es que Corey Taylor no se queda quieto. El protagonista de nuestro numero anterior de Revolver entrará al estudio con su “otra” banda en los próximos días. El estudio elegido es el Sound Farm, situado a las afueras de su ciudad natal de Des Moines, Iowa. El productor del disco será David Bottrill, quien ha trabajo con MUSE, STAIND o TOOL, entre otros. Se prevé que el disco sea editado en el mes de octubre a través de Roadrunner Records. En declaraciones a Billboard, Taylor dijo que el siguiente disco –el primero tras “Audio Secrecy” de 2010- será “lo más grande que esta banda haya hecho en su carrera”. Según el propio Corey, el disco podía acabar siendo un álbum conceptual doble que “sería una mezcla entre el ‘The Wall’ de PINK FLOYD y el ‘The Dirt’ de ALICE IN CHAINS”. Justo cuando la banda estaba a punto de entrar al estudio su bajista, Shawn Economaki, quien ha decidido, por razónes personales, abandonar la banda. Aunque todavía han encontrado sustituto será un pérdida en el seno de Stone Sour ya que Shawn era de los miembros fundadores de la banda.

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Detrás de ASHA siempre se ha escondido una de las mentes más creativas de éste pais: Kike G. Caamaño. La cuenta hemos perdido de los lanzamientos que ha hecho con una banda a la que no deja descansar. “Nada más terminar “Euphoria Project” empecé a dar forma a las nuevas ideas que me fueron surgiendo” nos comenta el propio Kike cuando le llamamos para que nos diera datos de ‘Pleasure Of Equality’, su nuevo CD. “Suelo grabar en un móvil con la voz todo aquello que me viene a la cabeza. Luego lo plasmo en música y finalmente decido si me vale o no para concretar un tema o ver si esa parte vale para incluirla o no en alguna canción. Siempre tengo ese proceso en marcha así que es algo constante”. Después de una escucha en exclusiva del disco la sensación es que es un trabajo menos enrevesado. El propio Kike nos cuenta una anécdota para “desmontar” nuestra impresión. ”Sobre el 90 pude contactar con Frank Gambale en un concierto y le di uno de mis Projects, el “Project IV”. A los pocos días y para mi gran sorpresa recibí una carta extensa desgranándolo tema a tema!! Le gustó mucho el material, que por cierto era bastante enrevesado y fuimos manteniendo contacto hablando mucho de música. Una de las cosas que me reiteraba era lo que él mismo había aprendido de Chick Corea y había aplicado para su música : crear pasajes y canciones complicadas dentro de una estructura asimilable para el oyente, giros y frases muy técnicas que tuviesen cabida dentro de un 4/4 . Me pareció fascinante y muchas veces he hecho caso de ese consejo en mis obras. En este “Pleasures Of Equality” lo he puesto en práctica de nuevo y he intentado crear un balance entre esos dos mundos, el técnico y el melódico”. Si algo también tienen ASHA es que no salen de gira y no por falta de ganas. “¡Querer claro que quiero!” dice carcajeándose “pero el panorama me echa para atrás desgraciadamente!”. Un lástima porque nos estamos perdiendo a un musicazo. Al menos tenemos los discos, los cuales os recomendamos encarecidamente.

THE SPECIAL GUEST

Muchos de vosotros os preguntareis que es eso del backstage, que además de ser un anglicismo muy bien cogido ( en castellano seria : entre bambalinas...imagínate el glamour!) es el lugar que hay detrás del escenario. En este recinto suelen pasar muchas cosas, algunas muy interesantes y otras generalmente de lo más coñazo. Lo normal es que intentes llegar lo más tarde posible al backstage, ya que, por lo general, no está muy bien acondicionado, y suele ser un lugar hostil, donde hace o mucho calor o mucho frío. Encima hay que sumarle que si llegas cuando está tocando un grupo, el ruido que oyes es ensordecedor y te aturde, ya que no tienes los altavoces a favor y oyes un conjunto de graves y mas graves... Pero no todo van a ser cosas malas, al llegar te suele esperar el tipo de seguridad, que normalmente no mira ninguna acreditación, y entonces te das cuenta que puede pasar cualquiera con un poco de morro...le saludas y te abre el camerino, donde esperas ver un catering bueno, de ensueño, con sillones cómodos, toallas limpias, un baño como el de tu casa, comida y bebida como para una boda, un espejo, perchas,etc..., nada más lejos. En general, y salvo honrosas excepciones ( grandes festivales), esto es lo que te encuentras: Puerta que no abre...llamas a tu road manager y él a su vez al de seguridad, que no sabe nada. Al final viene un tipo con la llave y zas! Entras y hay cuatro sillas de plástico una mesa de camping con mantel de papel y una nevera de suelo....vacía. Al rato viene la bebida, caliente. Y una bolsa de hielo...al rato la “comida” unos riquísimos frutos secos...que no se respire miseria! No siempre es así. En nuestro caso, podemos decir que no nos ha ido muy mal últimamente y nos cubrimos en salud. Solemos llevar catering extra y por poco dinero, estas en la gloria. Los festivales grandes son una bendición, todo funciona bien si toca algún grupo extranjero, ya que sus exigencias son respetadas y en consecuencia te tocan a ti. Recuerdo

con mucho cariño festivales como el Rock in Rio, o todos los Sonisphere y En vivo. Están organizados de maravilla y te tratan con mucho cariño y respeto. No falta de nada y se desviven por hacerte la vida fácil y eso se ve reflejado en el show. Lo mejor es la convivencia con los demás grupos. No siempre te llevas bien, pero, por norma general, hay un buen ambiente, sobre todo con los extranjeros. Cuanto más grande sea el grupo, mejor se comportaran, y hay grupos que son unos desconocidos o acaban de salir al mercado y se creen que son los rolling... Excepto Metallica, que son, con diferencia, la banda más antipática de la escena, con todos los grupos que hemos tocado ha habido muy buen rollo. Recuerdo con especial cariño el último Sonisphere, nos tocó el camerino al lado de los músicos de Slash y al final terminamos hablando mucho el cantante Myles y yo. Que además siendo fan de Alter Bridge me quedó muy marcado. Es posiblemente el músico más ocupado de la escena actual, me dijo que en cuatro años, había tenido diez días de vacaciones. Pero ahí le tenías, currando como un campeón. Igualito que los Bullet for my Valentine, que estaban en el otro lado y cuando nos quisimos hacer una foto, nos dijeron que no..., al rato nos enteramos del porqué, no entendían que una banda española tocase en el escenario principal en un horario mejor que el suyo. Bueno, al final, se fueron rápido y nos bebimos su vino tinto...por cierto, muuuy malo. A veces se te va la pinza y tienes uno de esos días “especiales”. Suele pasar si has estado muchas horas en la furgoneta o el nivel de nervios o adrenalina es alto. Entonces empieza la movida, generalmente alguien de la banda o equipo empieza con algo y los demás le seguimos y por empezar quiero decir...estampar cosas contra otras. Por ejemplo, esas manzanas verdes ácidas duras que no se pueden comer ni loco, pero, que dan mucho juego...

ATENTOS A GAUNTLET

‘Stubburn’ es el disco que les va a terminar de poner en el mapa Llevan desde el 98 trabajando pero después de haber asistido a la escucha de su nuevo álbum en los estudios ROCKLAND de Madrid, podemos decir que ‘Stubburn’ les va a terminar de colocar en el mapa. El disco está producido por José Garrido y Daniel Melián y posteriormente se llevó a que lo masterizara Jens Bogren (Amon Amarth, Opeth, Soilwork). El disco está compuesto por nueve canciones ya que, según nos aclararon, durante la introducción que precedió a la escucha,querían que sonase perfecto y que no hubiese ni un sólo tema de relleno. En él además han contado con la participación de Aitor Gorosabel (Su Ta Gar), Ix Valieri (037), Javier Cardoso (Vita Imana), José Gil (Unsouled), Rown Houland (Clockwork), Manuel Seoane y Dagarod (Burning Kingdom y José Garrido (Arwen). Cuando tengas esta revista en las manos casi habrá salido (28 de Mayo) y podrás disfrutar de uno de esos discos de los que se va a hablar mucho.

Foto: Javier Bragado

LA REALIDAD DEL BACKSTAGE... Por

ANTONIO BERNARDINI Sôber

Hubo una época que nos dio por llevar pistolitas de esas de bolas y terminábamos a balazos por todo el recinto, con la consecuente bronca, y algún que otro morado... Luego esta el famoso momento de pintar esas paredes blancas como lienzos con tus flamantes rotuladores indelebles. Empiezas con el logo del grupo, un dibujo y terminas coloreando con salsa de nachos, mostaza o mayonesa, en ese momento te sientes Picasso, a la semana, cuando te pasan la factura de limpieza del camerino lo ves con otros ojos, y si eres el responsable, el resto del grupo solo tiene ojos para ti...hemos llegado a apilar todo el mobiliario de un camerino en una torre...o usar un perchero como instrumento étnico. Todo esto parece divertido, y en su momento es insuperable, pero, al día siguiente, llamada del manager...factura y cara de tonto. Pero que sería del rock sin esos momentos. Os preguntareis donde están las groupies, las drogas, las peleas, las teles rotas... Es como el yeti...todo el mundo dice que lo ha visto, pero, sinceramente, no sabemos donde....son una leyenda urbana. ; )

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ACTUALIZACIONES DIARIAS EN

www.themetalcircus.com

BULLETIN B NEWS

EXTREMODURO DISCO Y GIRA CASI POR SORPRESA

Pues sí, casi sin avisar, la banda comandada por Roberto Iniesta ha anunciado lanzamiento de nuevo disco y gira. Éste llevará por título ‘Robando Perchas en el Hotel’ y ya adelantaron un tema en una gala benéfica organizada por El Pajaro Azúl (de hecho ese tema se puede encontrar en la red con ese título). Esta noticia ha sido tan inesperada como bien recibida entre los seguidores de la banda quienes estaban impacientes por ver a Robe en directo de nuevo. La gira que han anunciado es la siguiente. Sevilla, 8 de septiembre. Valencia,15 de septiembre. Murcia, 22 de septiembre. Madrid, festival En Vivo 29 de septiembre. Barcelona, 6 de octubre. Cáceres, 13 de octubre. Bilbao, 20 de octubre. La Coruña, 27 de octubre. Esperamos podar más detalles dentro de poco.

El Apocalipsis Molón empezó en Malilla

Charly Glamour vivió así el rodaje del videoclip del regreso de Gigatrón La mañana del Apocalipsis saqué a pasear a mi cocker de tres cabezas y me fumé un chino contemplando el amanecer. El cielo estaba plomizo, como mis huevos bajo tu hechizo. El sol era apenas una pústula amarillenta en el feo rostro del mundo, y eso me animó. A los Gigatron no nos gusta el sol. Un día pediré a Mazinger que lo apunte con su rayo de entrecejo fruncido y lo destruya. Me habían dicho que el campo de batalla era una pasada. Un descampado apocalíptico lleno de cristales rotos y orines en el siniestro barrio de Malilla de Valencia, California. Al llegar allí no vi nada y pensé que la organización había sido una mierda. Mi abuela, que salía en la portada de un disco de Panzer, siempre me decía: “Hijo; no hay picnic sin sándwich de pijo”. Iba a enfurecerme pero… ¿qué demonios? ¡Con el pedo que llevaba se me había olvidado abrir los ojos! Allí no faltaba de nada. Había pijos, claro, encerrados en un redil, balando. Había catering de calimotxo y fuagrás, azafatas neumáticas y concurso de pulsos. Pero lo que más me impresionó fue la Horda de fans. Ciento un hermanos y hermanas habían acudido desde sus talleres, sus chozas, sus cámaras de tortura, para participar en la cacería. Se les veía felices, aseaditos y expectantes. Me fijé en sus armas, sus cascos y sus tetoishons. Tenían pintacas, pero… ¿Estarían dispuestos a darlo todo privando y atormentando a saco? El pijo es un bicho muy traicionero y no hay que fiarse. Sin embargo, mi fe en ellos es de hierro. La Horda es como yo. O yo soy como serían ellos si se cayeran en un tanque de residuos que les diera superpoderes. Entonces vi a los muchachos. ¡Mike! ¡Mazinger! ¡Dave! Chocamos nuestras cabezas y compartimos según ancestrales ritos coleguiles rasques

de lo que teníamos encima, hierba, spiz, amonal, cuerno de unicornio y pelusas. Con el subidón nos fuimos a saludar a los fans de buen rollo, pero no nos hacían caso. ¿Qué coño…? Un evento cósmicamente molón acontecía en el cielo. El cascarrabias brutal del abuelo Marx, Karl, echaba sapos y culebras desde las nubes por sus barbas desatando la furia de la Horda. Rugieron, con sus armas en alto, hachas, espadones, raquetas, mochos y cachiporras. Los pijos se habían agrupado temblando muslo contra muslo, friéndose en su propio miedo como pollos del Kentucky. De pronto, todo se volvió negro y leopardo. Tardé unos segundos en recuperar el oído y escuché entonces el bramido de mil muflones clamando hacia la batalla. ¡Galopaban! ¡Fieras valkirias! ¡Orcos gruñones! ¡Guerreros ebrios! ¡Rechinando dientes, apretando puños, ávidos de bronca y venganza! ¡Cómo aporreaban! ¡Les vi ajusticiar un bolso de Loef entre crueles risas! ¡Ensartaban decenas de mocasines castellanos y los exhibían luego, aun moribundos, temblado en las puntas de sus lanzas! Vi cosas que nunca soñé atestiguar. Móviles de última generación introducidos en uretras, relojes chulis masticados. ¡Incluso a un moña le estiraron de cada pelillo hasta extraer de su cuero cabelludo una larga melena embadurnada de líquido cerebral! ¡Odín! ¡Qué horror! ¡Qué guapo! El sonido era ensordecedor. ¡Acero, truenos, alaridos, cuescos, chascarrillos, gimoteos! ¡No faltaba ni un buen solo de guitarra! Dave, con el fuego de su mástil, reducía manadas enteras de pepitos a cenizas. Mike no paraba de divertirse practicando sus deportes favoritos, el semen-surf, el tenis de fresa (como el ping pong, pero por pelotas se usan ojitos de pijo mariposón) y el lanzamiento de hostia limpia. La Horda no se contentaba solo con pijos. Su asco y condene eran legendarios y los precipitaban a la destrucción como saurios ingobernables. Quemamos juntos todos los comercios que no vendían artículos metálicos. Invadimos una droguería y la arrasamos sin encontrar nada útil. Derruimos hasta los

cimientos tres peluquerías. Violamos catorce ejemplares de pescado azul sin descongelar. Absorbimos siete bares hasta dejarlos grises y arrugados. Incluso Mazinger discutió con una hormigonera y la mandó de un mamporro a la estratosfera. Fue una fiesta, la verdad. Y todo lo hicimos con una sola mano, porque con la otra no soltábamos nunca el vasete de calimotxo. De repente ¡aguanta! Vinieron Ellos: Los Maderos. He peleado con muchos polis en las distintas fases de mi carrera. Como yonqui, los he combatido a bocados. En mi etapa campeón los perseguía en taparrabos y cuando vivía como un salvaje los dormía con cerbatana para vestirlos luego de bebés y que me hicieran reír. Me he enfrentado a polizontes tan enormes que tuve que derribarlos lanzándoles menhires a la entrepierna. Pero estos maderillos que vinieron estaban acojonados. Me bastó apretarles el morro para callar sus balbuceos. Al final solo preguntaron cuándo saldría en youtube. A finales de mayo, creo, pero no se lo dije. Solo les dije: “Buh”. Una lluvia de chustas de porro cayó sobre ellos mientras huían despavoridos. La batalla se había reemprendido con un ensordecedor mugido. ¿Qué era aquello?, pensé. ¿El cuerno de Joramun? ¡No! Mazinger cabalgaba a lomos de un pijo gordo haciendo sonar sus cavernosas fosas nasales mientras le golpeaba el pandero con una raqueta. Sentí tal éxtasis que solo pude reírme satisfecho en el centro de aquel torbellino de violencia. Iba muy ciego. Finalmente, las espadas entrechocaban entre ellas al no quedarles carne que filetear. Y entre la confusión pude escuchar la palabra deseada: ¡Victoria! Y también… ¡Queremos priva! “Sí – me dije –. Esto va por ti Abuelita”. Las litronas brillaron al sol, las chinas ardieron y los cánticos de los hermanos y hermanas aplastaron el silencio de la muerte con su vigoroso “lololó”. Los pijos quedaron reducidos a un montón de huesos y trapitos de colores, pero lo recogimos todo y lo tiramos al contenedor para no dar mala imagen al heavy. CHARLY GLAMOUR

Un val

VARO-METRO

Por VARO

ANDRÉS

“Sí, pero…”, la famosa frase que tantas veces se usa para opiniones de todo tipo. En el aspecto musical, y en nuestro caso el del rock/metal en general, hay dos usos muy frecuentes: uno, a la salida de los conciertos; otro a la hora de comentar la gira de una banda o el cartel de un festival. El primer caso se puede escuchar poco después de haber visto a un grupo. “¿Viste? Se dejaron fuera X canción, mi favorita”. Es normal la decepción de ir a ver a alguien y que se dejen en el tintero alguno de tus temas favoritos, pero ¿no sería más lógico quedarse con lo bueno? Si han dado un mal show es evidente que no, pero bien es sabido que uno de los pasatiempos que hay por aquí es ese afán criticón que lleva a pensar así y no a prestar atención a las canciones que SÍ han tocado o a los detalles positivos. Una cosa es dejarse fuera himnos o canciones emblemáticas (que eso daría para otro artículo: los que están hartos de ellas contra los que van por primera vez a ver a un artista y esperan encontrarse las canciones míticas), y otra muy distinta que se dejen fuera algo que a ti te gusta. En el segundo la subjetividad es mucho mayor. En el tema tratado en el primer número ya dejaba entrever que no hay más ciego que el que no quiere ver, y esa frase es aplicable también aquí, con una ligera variación: algunos no dejan espacio más allá de

su campo de visión y opinión. ¿Qué hay macrogiras en EEUU de varios grupos (de allí) que nunca llegan aquí? Lógico, un país más grande y con mayor aceptación hace que ese tipo de eventos allí sean más rentables. ¿Qué hay giras que no pasan por España? Teniendo en cuenta que damos más importancias a esas que a todas las que tenemos… tengo la sensación de que algo falla. Más cuando hay promotores que pierden dinero a la hora de traer a determinadas bandas y que no consiguen meter más de cien personas en un concierto; y no me refiero a las que ponen un precio desorbitado, sino a las asequibles para muchos bolsillos en los tiempos que corren. El tema festivales es para dar de comer aparte: “me gustan sólo la mitad de grupos del cartel”. Y digo yo, ¿cuándo ha habido un festival que satisfaga al cien por cien del público en su totalidad? ¿Atraen más atención los que no están que los que sí? A los que no hacen más que quejarse (hay muchos, sobre todo cuando tras una pantalla hoy todo el mundo puede dar su opinión fácilmente) los animaba yo a que intentaran traer una determinada gira o formar un cartel a su gusto, para ver tanto la aceptación de la gente como la rentabilidad que produce. Lo peor es que hay algunos casos que pasen por aquí o no, siempre se les sacará punta.

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BULLETIN FESTIVALES Bajan los conciertos en salas pero sube la intensidad de los festivales de verano. Este año hay mucho y muy buenos. Aquí van los destacados.

AZKENA ROCK FESTIVAL

GRASPOP METAL MEETING

Lugar: Mendizabala, Vitoria. Fecha: 14, 15 y 16 de Junio. Artistasconfirmados: Ozzy Osbourne Y Amigos, Lynyrd Skynyrd, Status Quo, Blue Öyster Cult, Dropkick Murphys, Pentagram, Graveyard, Israel Nash Gripka, Porco Bravo, Black Label Society, Danko Jones, Gallows, Gun, The Screaming Tribesmen, Lüger, Pontus Snibb 3, Lions In The Street , Willis Drummond, Liasbö, Virgen Blanca, Charles Bradley, The Darkness, My Morning Jacket, Hank 3, North Mississippi Allstars Duo, Brian Jonestown Massacre, Ben Kweller, Frank Turner And The Sleeping Souls, Sallie Ford & The Sounds Outside, The Union, Triggerfinger

LEYENDAS DEL ROCK

Lugar: C. Público Río Segura (Beniel). Fecha: 17 y 18 de Agosto. Artistas confirmados: Medina Azahara, Obus, Saratoga, Lujuria, 037/Leo, Saurom, Dünedain, Noctem, Vhaldemar, Hybris, Steel Horse, Centinela, Sphinx, Vita Imana, Warcry, Banzai, Rosa Negra, Angelus Apatrida, Azrael, Iron Curtain, Stratovarius.

BILBAO BBK LIVE 2012

Lugar: Kotamendi, Bilbao Fecha: 12,13 y 14 de Julio. Artistasconfirmados: The Cure, Snow Patrol, Vetusta Morla, The Gift, Noah And The Whale, Band Of Skulls , Lori Meyers, The Kooks, Glasvegas, Warpaint, Garbage, Bloc Party, Mumford & Sons, The Jon Spencer Blues Explosion , The Maccabees, Radiohead , Four Tet, Corizonas, Enter Shikari, The Inspector Cluzo & The Fb´S Horns , Pure Love, Zea Mays , Here We Go Magic, Zoé, Ben Howard, Tribe, Young Guns

AUPA LUMBREIRAS

Lugar: Villena, Alicante Fecha: 13 y 14 Julio 2012 Artistas confirmados: Pennywise (única fecha en España), Eskorzo, Trashtucada, Los Chikos Del Maiz, Mata Tiempo, La Pegatina, Betagarri, Inoxidable, MCD, Habeas Corpus, Poncho K, Gritando En Silencio.

ROCK IN RIO MADRID

Lugar: Arganda del Rey, Madrid.

Ozzy & Friends

Fecha: 29 y 30 de Junio y 5, 6 y 7 de Julio Artistas confirmados: Red Hot Chili Peppers, Incubus, Deadmau5, Lenny Kravitz.

INTERNACIONALES HELLFEST 2012

Lugar: Clisson, Francia. Fecha: 15, 16 y 17 de Junio. Artistas confirmados: Megadeth, Lynyrd Skynyrd, Uni- Lugar: Viveiro. sonic, Molly Fecha: Del 2 al 4 de Agosto Hatchet , Lizzy Artistas confirmados: Descendets, At The Borden, Guns Gates, Suicidal Tendencies, Against Me!, N´Roses, Wi- The Black Dahlia Murder, Hatebreed, Good thin Temptation, Riddance, Converge, Suicide Silence, Blood Sebastian Bach, For Blood, Municipal Waste, Agnostic Front, Uriah Heep, Unearth, Set Your Goals, Mxpx All Stars, Deez Nuts, The Eyes, Crisix Steel Panther, Descendents Crashdiet, Kobra And The Lotus, mure, As They Burn, The Rodeo Idiot EnOzzy Ozbourne & Friendz, Motley Crüe, gine, Biohazard, Madball, Strife, Integrity, Slash, Blue Öyster Cult, Black Label SoH20, Death Before Dishonor, Hoods, All ciety, D-A-D, Girlschool, Dropkick Mur- For Nothing, Lasting Values, Hank 3, Cophys, Turbonegro, Heaven Shall Burn, lour Haze, Orange Goblin, The Anatomic The Bronx, Street Dogs, Black Bomb A, Bitchwax, Saint Vitus , The Devil´s Blood, Hamlet, Betraying The Martyrs, MachiYob, Unsane, Big Business. ne Head, Edguy, Exodus, Sacred Reich, Death Angel , Channel Zero, Gama Bomb, Suicidal Angeles, Lamb Of God, Trivium, Hatebreed, Devildriver, Wall Of Jericho, August Burns Red, All Shall Persish, Do Or Die, Cannibal Corpse, Orbituary, Brujeria, Nasum, Vomitory, Benediction, Entombed, Napalm Death, Aborted, Origin, Necrophagia, Avulsed, Haemorrhage,

SWEDEN ROCK FESTIVAL

Lugar: Solversborg, Suecia. Fecha: 6 al 9 de Junio. Artistas confirmados: Motley Crue, Soundgarden, Twisted Sister, Mötorhead, King Diamond, Bad Company, Lynyrd Skynyrd, The Darkness, Sebastian Bach, Blue Oyster Cult, Mastodon, Dimmu Borgir, Steel Panther, Symphony X, Fish, Sepultura, Gotthard, Edguy, Gamma Ray,

RESURRECTION FEST

COSTA DE FUEGO Lugar de celebración: Benicassim, Castellón. Fecha: 20 y 21 de Julio. Artistas confirmados: MARILYN MANSON, GUNS ‘N’ ROSES, NIGHTWISH, IN FLAMES, OPETH, PARADISE LOST, WARCRY, LACUNA COIL, BARÓN ROJO (formación original), BERRI TXARRAK, KATATONIA, ARCHITECTS, AMORPHIS, CANCER BATS, WE ARE THE OCEAN, HAMLET, STEEL HORSE, NOCTEM...

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Rompeprop, Jesus Cröst, Children Of Bodom, Suffocation, Lock Up, Brutal Truth, Insomnium, Dyng Fetus, Blood Red Throne, Amon Amarth, Satyricon, Moonsorrow, Sólstafir, Belenos, In Extremo, Luturgy, Winterflylleth, Aosoth, Tragedy, From Ashes Rise, Arson Anthem, The Spudmonsters, Discharge, Victims, Vitamin X, Extinction Of Mankind, Strong As Ten, Refused, Darkest Hour, Unearth, Dog Eat Dog, Cancer Bats, October File, Em-

Lugar: Beretang, Dessel, Bélgica. Fecha: 22, 23 y 24 de Junio. Artistas confirmados: Ozzy Ozbourne & Friends, Limp Bizkit, Guns n´ Roses, Motorhead, Slayer, Machine Head, Sabaton, Twisted Sister, Slash, Megadeth, Trivium, Killswitch Engage, Kyuss Lives!, Europe, Pennywise, Hatebreed, Dimmu Borgir, Godsmack, Children Of Bodom, Amon Amarth, Black Veil Brides, Gojira, Unearth, Nausm, Adrenaline Mob, Comeback Kid, H20, Possessed, Ensiferum, The Spudmosters, Alestorm, While She Sleeps, Leprous, Emmure, Winds Of Plague, Texas In July, All Shall Perish, Cancer Bats, Skeletonwitch, Black Spiders, The Treatment, Kobra And The Lotus.

Night Ranger, Sabaton, Adrenaline Mob, Axel Rudi Pell, Canibal Corpse, Exodus, Slaughter, Slade, Danko Jones, Electric Boys, Fear Factory, Entombed , Girlschool, Rival Sons, Ugly Kid Joe, Katatonia, The Flower Kings, National Teatern, Exciter, Tygers Of Pan Tang, Return, Pentagram, Orange Goblin, Graveyard, Bonafide, Little Angels, Imperial State Electric, Amorphis, Heat, Sacred Reich, Black Spiders.

ROCK AM RING

Lugar: Circuito de Nurburgring, Nurburg, Alemania. Fecha: 1 al 3 de Junio. Artistas confirmados: Anthrax, As I Lay Dying, Billy Talent, Cancer Bats, Cypress Hill, Die Toten Hosen, Donots, Dropkick Murphys, Enter Shikari, Evanescence, Ghost, Gojira, Graveyard, Halestorm, Kasabian, Killswitch Engage, Lamb Of God, Linkin Park, Machine Head, Marilyn Manson, Mastodon, Metallica, Motörhead, Opeth, Periphery, Rise To Remain, Rival Sons, Shinedown, Soundgarden, Steel Panther, Tenacious D, The Hives, The Offspring, Trivium.

MINISTRY AMON AMARTH 17 Junio - Sevilla - Sala Custom ANGELUS APATRIDA

29 Septiembre – Barcelona – Apolo 30 Septiembre – Almassera – rock City 5 Octubre – Valladolid – Porta Caeli 19 Octubre – Málaga – Eventual Music 26 Octubre – Bilbao – Kafe Antzokia 27 Octubre – Madrid – Rock Kitchen

ARCH ENEMY

23 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem 25 Octubre – Santiago de Compostela – Capitol 26 Octubre – Madrid – La Riviera 27 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2

BLINK 182 + THE ALL-AMERICAN REJECTS 19 Julio – Barcelona – Sant Jordi Club 20 Julio – Madrid – Palacio de los Deportes

BRUCE SPRINGSTEEN + E STREET BAND

2 Junio - San Sebastián - Estadio Anoeta 17 Junio - Madrid - Estadio Santiago Bernabeu

CANNIBAL CORPSE + AMON AMARTH

22 Julio – Palma de Mallorca – Son Moix

KAMELOT

9 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 10 Noviembre – Madrid – Arena 11 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2

LAMB OF GOD

19 Junio – Madrid – La Riviera 20 Junio – Barcelona – Razzmatazz 2

MINISTRY

24 Julio - Madrid - Riviera 25 Julio – Barakaldo - Rockstar

RANCID

30 Julio – Barcelona – Sant Jordi Club 31 Julio – Madrid – Palacio Vistalegre

SABATON

3 Octubre – Barcelona – Razzmatazz 2 4 Octubre – Villava – Atarrabia – Totem 5 Octubre – Madrid – Arena

SEPULTURA

21 Junio – Murcia 22 Junio – Barcelona 23 Junio – Vilaseca 24 Junio – Granada – El Tren 26 Junio – Sevilla – Custom 27 Junio – Logroño – Norma 28 Junio – Vitoria-Gasteiz – Jimmy Jazz

SKUNK ANANSI

16 Junio – Barakaldo - Rockstar 18 Junio - Madrid - Riviera

8 Noviembre - Madrid - Riviera 9 Noviembre - Barcelona - Razzmatazz

23 Noviembre – Villava-Atarrabia – Totem 24 Noviembre – Madrid – Arena 25 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2

17 Julio – Barcelona – Razzmatazz 18 julio – Madrid – La Riviera

DORO

DELTA SAINTS

17 Junio - Madrid - Sala El Sol

GOTTHARD+UNISONIC

11 Octubre – Barcelona – Apolo 12 Octubre – Madrid – La Riviera 13 Octubre – Villava-Atarrabia – Totem

GUNS N’ ROSES

THE CULT + GUN WASP

7 Noviembre – Barakaldo – Rockstar Live 8 Noviembre – Santiago de Compostela – Capitol 9 Noviembre – Madrid – La Riviera 12 Noviembre – Cartagena – La Matriz Creativa 13 Noviembre – Barcelona – Razzmatazz 2

09 33

Hola Rober. Es un placer poder volver hablar contigo. “Para mí también es un placer, sobre todo para hablar de algo tan especial”. Para mí es un gran honor. De hecho, ¿sabes el periodista que sale al principio del ‘Some Kind Of Monster’ con camiseta de Misfits? Pues yo soy ese chaval (risas). “¡Oh!¡¡El colgado!! (Risas) El loquito (dice en castellano y se ríe). Vale, ya sé quién eres” Eso es. No tuve tiempo aquel día de darte la enhorabuena por tu entrada en la banda, así que aprovecho para hacerlo ahora. “Muchísimas gracias”. Empecemos con las preguntas. Lo primero que nos gustaría saber es de dónde surgió la idea de hacer un tour de aniversario tocando el ‘Black Album’ entero. “La primera idea surgió en Europa, durante la última gira. Pensamos, “¿por qué no? Podemos hacerlo, y será divertido. De vez en cuando se nos ocurren ciertos desafíos, como las tres noches en el Filmore en San Francisco para celebrar los treinta años. Aquello fue un gran desafío también. Así que decidimos lanzarnos igual

que hicimos con el veinte aniversario del ‘Master Of Puppets’, que creo que fue hace cuatro o cinco años. Así que alguien sugirió que podíamos hacer lo mismo con el ‘Black Album’ y eso hemos hecho. Además había tres o cuatro canciones que nunca habían sido tocadas en directo antes, y eso ha hecho que todo el proceso de ensayos, y de preparación nos haya resultado muy estimulante”. Sobre eso queríamos también preguntarte. Nos gustaría saber además si, al igual que pasó con la gira de aniversario del ‘Master’, esto es algo así como una escapada del estudio. Se comenta que estáis componiendo temas para un nuevo disco... “Lo más interesante de esto que dices, es que ahora no estaba planeado como un receso en el proceso de composición, como si lo estaba la gira de aniversario de ‘Master’. Ahora ha sido más espontáneo así que ha sido una coincidencia. Pero, ahora que lo mencionas, estoy pensando que tienes razón. Recuerdo que por aquel entonces estábamos componiendo ‘Death Magnetic’ y salimos de gira a tocar el ‘Master’ y ahora salimos de gira con el ‘Black Album’ y acabamos de empezar el proceso creativo de composición de nuestro siguiente disco aunque no de

forma oficial. Es una situación parecida porque acabamos de empezar con el proceso creativo y no estamos en mitad de él como sí pasó en la anterior. Cuando hicimos lo del ‘Master of Puppets’ ya llevábamos mucho avanzado y sin embargo ahora es como que nos estamos metiendo en ello. Hemos estado mucho tiempo el último mes en el estudio, pero sólo para divertirnos. Estamos compartiendo ideas pero que no tienen por qué ser necesariamente para el próximo disco. Es también una manera de hacer que la máquina siga en movimiento y no perder esa vibración. Improvisamos un montón hasta que logramos generar mucha energía. Parte de ella también la hemos enfocado hacia el ‘Black Album’. Para mí ha sido realmente interesante este proceso. He tenido que aprender muchas partes que desconocía como coros, detalles, y conocer en profundidad este disco. Hay canciones, como “Don´t tread on Me”, que me aprendí hace nueve años, pero que nunca habíamos tocado, por lo que ciertos detalles se me escapaban. Me pasó lo mismo con “The Struggle Within”. Hace un par de años quise aprenderla pensando que quizás la banda querría tocarla si yo la llevaba un ensayo. “Ey chicos, me he aprendido “The Struggle Whitin”. ¿Por qué no la tocamos?”. Eso nunca pasó (risas). Ahora sin embargo tiene que pasar y me encanta”. De hecho en el último tour solo tocabais 3 canciones del ‘Black Album’, así que ha tenido que ser interesante encontrarse de nuevo con canciones como “Wherever I May Roam”, que si tocabais antes. “Sí. Creo que además es un proceso y una progresión natural para nosotros el poder reconectar con ciertas canciones muy es-

peciales, que además son muy directas, con arreglos muy melódicos. Al mismo tiempo, si echamos la vista atrás este año, puedes ver que hemos estado haciendo cosas muy interesantes. Hicimos este disco con Lou Reed, que nos ayudó a ampliar nuestros horizontes creativos, e improvisar algo dentro de los límites del Rock and Roll, lo que es muy guay. Luego hicimos los conciertos del treinta aniversario, lo que nos ayudó también a recuperar muchos de los temas de la época de ‘Garage Days’, tocando además con los creadores de aquellas canciones, como Diamond Head, Animal... Creo que todas esas cosas nos han ayudado a ser mucho más creativos en nuestro próximo disco. No solo ha sido el ‘Black Album’ sino el resto de cosas que hemos estado haciendo todo este año. Ha habido un montón de momentos muy especiales que nos han ayudado en este proceso seguro”. Siguiendo con el ‘Black’. Es posible que mucha gente, que tenía esta cinta en cassette, esté redescubriendo este disco. A mí me ha pasado, al escucharlo de nuevo. Por ejemplo, me he dado cuenta de que tiene muchos medios tiempos y canciones muy pesadas, pero mucho más lentas de lo que habéis estado tocando en las últimas giras. Y pensé, ¿Serán estas canciones demasiado lentas para Robert? (Risas) “Esa es una de las cosas que tuvimos en cuenta. Tenemos que hacer un set list que esté equilibrado, así que vamos a tocar el ‘Black Album’, pero también vamos a tocar otras canciones clásicas. Tocaremos “Battery”, “Creeping Death” o “Fight Fire with Fire” y más temas antiguos para compensar el set List. Queremos que haya energía de todas las épocas. Respecto a lo que comentabas de los

“Hemos estado mucho tiempo el último mes en el estudio, pero sólo para ser divertirnos. Estamos compartiendo ideas pero que no tienen por qué necesariamente para el próximo disco. Es también una manera de hacer que la máquina siga en movimiento y no perder esa vibración”.

medios tiempos, es cierto. Pero también hay otras canciones como “the Struggle Whitin” o “Through The Never” que tienen un nivel de energía más alto, más rápido. Al mismo tiempo es un disco que tiene muchísimo groove. Como bajista he disfrutado mucho con esto. Para un bajista es muy importante que las canciones tengan groove. Ha sido muy divertido. ¡Y quién sabe si luego cuando estemos en el escenario lo hacemos todo más rápido! (risas). Hasta que no estemos en el escenario y notemos la energía de la gente, la magia del momento, no sabremos lo que va a pasar”. ¿Tocareis el Black Album en orden? ¿Lo haréis al principio y luego como un extra el resto de canciones, o mezclareis todo? “Posiblemente será parecido a lo que hicimos con el ‘Master of Puppets’. Tocaremos algún material diferente a principio del concierto, luego nos meteremos de lleno en el ‘Black Album’, y dejaremos un par de cosas interesantes para el final. Es como una especie de sandwich. El ‘Black Album’ es el relleno y las otras canciones son como el pan, así que va a quedar un gran sandwich para llevárselo a la boca” (risas). Hay algunas canciones de este disco, como “The God that Failed”, en la que claramente se escucha la púa de Jason. ¿Cambian en algo cuando las tocas con los dedos? ¿Se notará esto en el directo? “Bueno, hemos tocado “The God That Failed” algunas veces estos años, aunque creo que en España no... Pero suena muy bien con los dedos, no te preocupes. El otro día estuve probando a tocar con púa, solo por diversión, y pensé que quizás podría hacerlo en algún tema. Y luego pensé en esa gente que diría “Ey, Robert Trujillo está tocando con púa. Se supone que toca con los dedos” (risas). Bueno, ahí tienes un nuevo desafío (Risas) “Yeah. Hace poco estuve en una Jam Session, con alguna gente del punk. No sé si en España conocéis a Tony Trujillo, que es una estrella del Skate, que toca mucho Hardcore y Thrash, y estuve con él el otro día, tocando con púa. Fue muy divertido. Es diferente. Pero es algo que nunca me había planteado, el cómo afectaría al sonido de un tema como “The God That Failed”. Quizás debería tocar la mitad con púa y la mitad con los dedos (risas). De hecho el otro día que estuve probando a tocar con púa un par de cosas y los chicos ni siquiera se enteraron. Son cosas que de vez en cuando pruebas tú mismo por curiosidad”. Me comentabas que este tour fue más o menos improvisado. Pero volviendo atrás, el tour del ‘Black Album’, fue el que hizo a Metallica gigante. ¿Hasta qué punto queríais recuperar eso? Habéis puesto incluso el mítico Snake Pit en el escenario como antaño... ¿Pretendéis que la gente recuerde aquellos años o preferís que se produzcan nuevas vibraciones? “Creo que un poco de las dos cosas. Es una manera de traer el recuerdo a una base de fans que estaban ahí, pero que eran muy jóvenes para vivirlo, o para experimentar cosas como estar en el Snakepit. Que además fue una de las cosas más novedosas en cuanto a la producción de escenarios en aquella época. Así que pensamos que sería genial volver a introducir

eso en el show para los fans más jóvenes o los nuevos fans. Para los fans más antiguos también va a ser muy excitante escuchar canciones que nunca hemos tocado, pero no solo eso. También escuchar a la banda como es hoy en día tocando esas canciones es interesante porque además estamos muy orgullosos de quien somos hoy en día, de nuestro sonido, de como tocamos en directo. Todo lo que hemos aprendido durante estos años en los conciertos, en las grabaciones, lo que hemos logrado, nos hace sentirnos muy seguros como banda en directo. Así que resulta muy interesante esa celebración del ‘Black Album’ a la manera en que somos hoy. Además todo el mundo sabe que pronto van a pasar grandes cosas. Pronto habrá disco nuevo, nuevo tour de Metallica. Esto es como un gran aperitivo de las grandes cosas que van a suceder. Una página más de nuestro diario. Y es una cosa que siempre ha hecho Metallica. Siempre hemos intentado dar a los fans todo lo que podemos, y esto es una cosa más. Para mí, personalmente, compartir algo de esto con los antiguos fans o los nuevos fans, resulta muy emotivo”. La primera primera vez que vi a Metallica fue en esa mítica gira, en 1993. ¡Y los teloneros eran Suicidal Tendencies! “¡Sí! ¡Fue increíble!”. Recuerdo además que el concierto de Suicidal Tendencies fue alucinante. De hecho no os conocía y al día siguiente fui corriendo a por el ‘Still Cyco’. Como cambia la vida ¿verdad? “Sí, es cierto. Recuerdo muchas cosas de aquella gira europea con Suicidal Tendencies. Recuerdo de hecho la fiesta de después del concierto de Madrid, por ejemplo. ¡Fue la primera vez que me bebí una botella de Jägermeister entera! Y además me engañaron para ello. Estaba con Lars y con James, y estábamos de risas, y yo me bebía todos los chupitos pensando que todos lo hacían conmigo... ¡Pero no era así! ¡Yo era el único que me los bebía! (Risas). De hecho muchas veces la gente me pregunta si los chicos me putearon y me hicieron inocentadas cuando entré en la banda, porque a Jason sí se lo hicieron. Yo siempre les digo que cuando entré, en 2003, no me putearon porque no teníamos tiempo para eso, pero ya se lo habían cobrado de sobra engañándome aquel día en Madrid en 1993 haciendo que me bebiera aquella botella entera de Jägermeister. Ahí empezó realmente mi iniciación (risas). Siempre que me encuentro con Billy Duffy (guitarra de The Cult) me recuerda cómo me hincharon a chupitos. Al día siguiente teníamos que coger un avión a alguna parte a las siete de la mañana y yo todavía tenía un importante pedo de Jager, con alucinaciones y todo (risas). ¡También recuerdo que estuvo lloviendo! ¿Tocaron Megadeth en aquel concierto?”. No, estabais Suicidal Tendencies y The Cult, con Metallica de cabeza de cartel. “Ah... Ok. A veces confundo algunos conciertos porque tocaron en algunos shows con nosotros pero no sé en cuáles. Pero sí, fue una gran época. Tengo muy buenos recuerdos de esa gira, de salir por ahí con Lars, con James, y me alegra mucho que me la hayas recordado. Además no sólo fue la gira que hizo grandes a Metallica. También fue la gira que consagró a Suicidal Tendencies”. Si, para mí, que era un chaval, fue una

Después de hablar con mucha gente del tema, no creo que haya un disco que suscite más división de opiniones que el ‘Black Album’ de Metallica; y si lo hace, es que algo tiene. Tampoco creo que los de San Francisco tengan un trabajo donde unos temas destaquen tanto sobre los demás, infravalorando grandes composiciones que se han pasado veinte años (algunas un poco menos) en el olvido. El grupo venía de una trilogía inicial casi perfecta, una tragedia en las carreteras suecas que se llevaron a Cliff Burton, y un trabajo, ‘… And Justice for All’, donde no se escuchaba al “chico nuevo”. Aún con todo, la banda seguía su proyección y progresión hacia una fama cada vez mayor, con un gran éxito como cabezas de su Damaged Justice Tour. Pero de repente algo cambió. Una portada sencilla, negra, con el logo del grupo y la serpiente de la bandera Gadsden sin que apenas se pudieran apreciar. Y dentro, un inicio con ‘Enter Sandman’, ese himno de himnos y su primer gran nexo de unión con las grandes masas que no estaban familiarizadas con esa clase de sonidos; porque el puente principal con ese público fue ‘Nothing Else Matters’, un tema que aunque por separado les haya valido millones de fans, a día de hoy me sigue sin terminar de encajar tanto en el disco como en sus actuaciones. En otras palabras: es una canción perfecta para escuchar de manera aislada y en ciertas situaciones, pero que no llega a encuadrar por completo entre las otras once. Porque compararla tanto con alguna de las habituales como ‘Sad But True’ o ‘Wherever I May Roam’, o de las que han estado en la sombra (‘My Friend of Misery’ o ‘The Struggle Within’) siempre la dejaba en evidencia, fuera para bien o para mal, para unos y para otros. Lo que está claro es que a día de hoy permanecen prácticamente inamovibles de sus actuaciones, y siguen siendo reclamo (y excusa) para que muchas personas que los van a ver por primera vez disfruten con ellas. Lo mejor que tuvo ‘Metallica’ fue su amplitud de miras, la misma que atrajo al “lado oscuro” a mucha gente, que, una vez los descubría, podía investigar más a fondo sobre su pasado más thrasher; eso y el doble documental ‘A Year and a Half in the Life of Metallica’, que nos acercaba al grupo de una manera casi familiar tanto durante su grabación con Bob Rock como en su conquista del mundo gracias a sus giras mastodónticas. ¿Lo peor? Que aguantar en una posición tan elevada después alcanzar ese estatus tiene sus consecuencias y sacrificios. La continuación de este álbum supuso una total división entre sus seguidores a la par que recibían unos cuantos millones nuevos. Sea como sea, veinte años después el Black Album sigue siendo su disco más famoso, y habiendo cumplido la banda tres décadas el pasado diciembre, siguen siendo uno de los grupos más grandes de la historia de la música; no, no digo ni de rock ni de metal, sino del concepto global. Además, sea una época u otra, continúan siendo un referente para muchos que han llegado tras ellos. ¿Quién no ha querido ser en algún momento uno de The Four Horsemen? VARO ANDRÉS

“Recuerdo de hecho la fiesta de después del concierto de Madrid, por ejemplo. ¡Fue la primera vez que me bebí una botella de Jägermeister entera! Y además me engañaron para ello. Estaba con Lars y con James, y estábamos de risas, y yo me bebía todos los chupitos pensando que todos lo hacían conmigo... ¡Pero no era así! ¡Yo era el único que me los bebía!” gran sorpresa. Recuerdo perfectamente aquel concierto. Probablemente porque yo no bebía Jägermaister por aquel entonces (risas). Además fue mi primer concierto de Rock. “Ese tour fue muy importante para mí y para Suicidal. Fue una verdadera gira de Rock and Roll. Hubo muchísima fiesta todo el tiempo. Y aunque no estaba en Metallica, me sentía parte de ese ‘Black Album’. Estuvimos 2 años de gira con ellos, así que había una conexión muy importante. Y además, yo toqué en el Snake Pit. ¡Roberto Trujillo tocó frente al Snake Pit! No con Metallica, pero bueno” (risas). El tiempo se nos estaba terminando adivino, así que me gustaría que enviaras un mensaje a vuestros fans españoles,

sobre que es lo que van a encontrarse en el Sonisphere de Madrid “Con los fans españoles siempre nos hemos sentido muy unidos. Personalmente es una experiencia muy emocional. Mi abuelo era medio español así que yo siempre me siento muy cómodo con la audiencia de allí. Siempre hay mucha pasión, así que estoy contando los días para ver a todos mis amigos españoles y pasar un gran día de fiesta y música con ellos”.

Lo recuerdo como si fuese ayer. Todos en el instituto nos habíamos enterado de que venían Metallica. No parábamos de escuchar el disco ‘negro’ y había que ir a ver a los four horsemen, que iban a venir al estadio Rayo Vallecano, en Madrid. Por aquella época yo vivía en Murcia y, con 16 años, que te dejasen irte a la capital era algo imposible y, mucho menos, solo o con los colegas. Conforme se iba acercando la fecha del concierto muchos de los que íbamos a ir se rajaban conforme iban comentándoselo a sus padres o conforme veían que las notas no iban a ser como para pedir favores. Ahí no había problemas (en lo de las evaluaciones) pero sí en el hecho de ir totalmente solo. Tan sólo tres semanas antes del concierto se terminaba de confirmar lo que se había venido mascando: no iba a ir nadie. Llegado a ese punto sólo había dos alternativas: ir solo o esperar a leerlo luego en los medios heavies de la época. Ni corto ni perezoso me acerqué a mis padres y les pregunté sin tapujos. “¿Puedo ir a un concierto... a Madrid?”. La primera respuesta fue un no rotundo. Cuando les dije que era el de Metallica reflexionaron un poco para volver a negarse. Llevaba hablando de ese concierto desde hacía tiempo y sabían que el querer ir iba más allá del mero capricho. Llamadas a familiares a última hora y todo organizado para que el “niño” se fuese solo a la capital a ver a los melenudos. En el Enatcar de ida sonaba en mi walkman a todo volumen el ‘Master of Puppets’, el ‘And Justice For All’ y, sobre todo, el ‘Black Album’. La cinta daba vueltas una y otra vez mientras los kilómetros se hacían eternos. Quería llegar ya, que llegase el momento de ver a Metallica sobre el escenario. El día del concierto estaba ansioso. No tenía entrada pero sabía que no me lo iba a perder. No sé cómo convencí a mi abuelo para venirse conmigo a comprar el ticket. Aún le recuerdo al pobre con su boina, preguntando por mí a la gente que ya hacía cola que dónde se podía comprar la entrada. Estaba todo agotado así que me tocó comprarla en reventa al módico precio de 6500 pesetas. Me había hecho 500 km yo solo para verles y tampoco era plan de quedarme en la puerta. Volvimos a casa para luego regresar al estadio del Rayo Vallecano, esta vez acompañado por dos vecinos de mis abuelos “heavies” que se encargarían de mí. Su plan, quedarse a beber litros hasta que empezasen Metallica, no me convencía lo más mínimo así que digamos que me “perdí” y entré al recinto justo en el momento en el que saltaban Suicidal Tendencies. Les vi desde las gradas puesto que ahí, en teoría, habíamos quedado. Recuerdo que me quedé impresionado con un Mike Muir que no parada de ir de un lado para otro del famoso Snake Pit. También me quedé sorprendido

con la agilidad de un tal Robert Trujillo al bajo. Con el ansia por ver a Metallica se me hizo eterno el concierto de The Cult, y eso que ‘Sonic Temple’ y el ‘Electric’ eran discos que me encantaban. Como no me gustaba nada ver el concierto desde la grada terminé de bajar para intentar estar cerca cuando saliesen los de San Francisco. Me quedé a la altura de la mesa de sonido. Había hueco y se veía a la perfección. Cuando empezó a sonar la intro de ‘El Bueno, el Feo y El Malo’ (“The Ectasy Of Gold”) se apoderó de mí una emoción indescriptible. Quería ver cuanto antes a James Hetfield, Kirk Hammet, Lars Ulrich y Jason Newsted. Cuando arrancaron con “Creeping Death” subí al cielo (pese a que no conocía el tema puesto que no me había empapado ‘Ride The Lightning’). De repente empezó a llover pero daba igual. Estaban sonando “Harvester Of Sorrow”, “Of Wolf And Man”, “Master Of Puppets” y “Seek And Destroy”. Sentí verdadera envidia de los que estaban en primera fila cuando bajó Hetfield para que cantasen. Después de eso se fueron para dentro. Ahora nos parece algo obvio lo de los bises pero en aquel momento yo no tenía ni idea de qué era eso. Lo único que sabía era que les faltaban un montón de temas y estaba confuso. ¿Había terminado ya? ¿Y el “Enter Sandman”? Miré a mi alrededor y allí no se movía nadie así que yo tampoco lo hice. De repente se encendieron unos focos estratégicamente colocados y ahí estaba James empezando a tocar “Nothing Else Matters” con una guitarra acústica colocada sobre un soporte. El mundo entero me sobraba y el éxtasis me recorría. Esta la enlazaban con “Sad But True” y no podía de dejar me mover la cabeza haciendo Headbanging. Tras otra canción que no conocía (el “Last Caress” de Misfits) soltaban toda la artillería con “One”. Los fuegos artificiales, las luces... todo era un show impresionante. De nuevo para dentro aunque esta vez esperé a que saliesen otra vez. Así fue, encendieron las luces y se podía contemplar el estadio del Rayo absollutamente petado y una chavalín de apenas 16 años ahí solipandi con una cara de flipao mientras arrancaban con “Enter Sandman” para quemar los últimas pirotecnias que llevaban. Ese sí que marcaba el final de un concierto apoteósico. Mi tía me esperaba fuera y no necesitó mas que mirarme a la cara para saber cómo me lo había pasado. Al día siguiente tocaba irse al Alcampo a comprarse el ‘Kill ‘Em All’ para revivir, durante el viaje de vuelta, el que ha sido uno de los conciertos de mi vida. ROBERTO VILLANDIEGO

Es obvio que METALLICA son un gran atractivo de esta nueva edición del Sonisphere pero no el único. Sólo hay que echar un vistazo rápido al cartel para ver toda una ristra de grandes bandas que aterrizarán en Getafe para que vivamos dos jornadas de Rock y Metal que, sin duda, pasarán a la historia. Aquí os ponemos al corriente de las últimas novedades de las bandas que conformarán el cartel. am hell” a pesar de su reciente salida al mercado. Algo que repetirán sin duda en el Sonisphere donde se presentan como uno de los reclamos principales.

KYUSS LIVES!

Desde Seattle (Estados Unidos) llega el cuarteto Soungarden quienes se encuentran fílmicamente de moda por su participación en la banda sonora de la recién estrenada ‘los Vengadores’ de Marvel en donde han incluido el nuevo “Live toRise”. Es su primera canción tras 14 años de parón creativo (no cuenta la gira de reunión ni el recopilatorio que sacaron). Y es que sus seguidores están de enhorabuena ya que además la banda se encuentra trabajando en el próximo álbum que se espera a mediados de año. El público madrileño podrá verlo en pleno apogeo en la cuarta edición del Sonisphere. Los de Cornell uno de los grupos referenciales de la explosión del grunge es también uno de los más esperados del festival. Demasiados años fuera del escenario para que su vuelta no satisfaga al nutrido grupo de fans quienes podrán rememorar la época más exitosa de la banda. Y es que mucho ha pasado desde sus inicios allá por el 87 con la edición de su primer EP “ScreamingLife”; y aunque algo menos, lo cierto es que “ha llovido” desde que saliesen a la luz sus grandes éxitos como los del álbum “Superunkown” que les dio el salto definitivo a la fama (especialmente con su éxito “Black Hole Sun”). Aunque antes de “recoger” ya habían “sembrado”. El álbum “Badmotorfinger” del 91 es uno de los discos más relevantes de su carrera y que quedo a la sombra del éxito que supuso el álbum estrella de la banda Nirvana “Nevermind”. A pesar de todo “Jesus Christ Pose” (incluido en “Badmotorfinger”) uno de los cortes y de los más controvertidos que ha tenido Soungarden les puso en boca de todos. El tema fue acompañado por un polémico vídeo, que mostraba niñas crucificadas y esqueletos, por el que llegaron a recibir amenazas de muerte. No fue el único corte destacable. De hecho JohnnyCash versiono su exitoso hit “Rusty Cage” con el que llegó a ganar un Grammy.

THE OFFSPRING

Veteranos de los festivales españoles, los últimos años se han dejado ver en varias ocasiones por nuestra geografía. La última el pasado septiembre dentro del Festival EnVivo, también celebrado en Getafe, que aunó a un total de 70mil seguidores y en donde los californianos eran el reclamo principal. En esta ocasión se tendrán que medir con pesos pesados aunque les ayudará el hecho de sacar (ellos también) nuevo álbum este verano; el noveno de su discografía. Ya se puede escuchar un adelanto en su página web. El trabajo en cuestión llevará por nombre “Daysgoby”. Y como es de esperar el Sonisphere resulta la plataforma idónea para presentarlo ante el gran público. Aunque a buen seguro no faltarán temas míticos como “Come out and play” (Keep ‘emseparated), de “Smash” su mejor disco hasta la fecha.Y tampoco éxitos comerciales como “PrettyFly” (for a whiteguy) o cortes de su último trabajo conocido con los que comenzaron la pasada edición del En Vivo.

MACHINE HEAD

Lo de los estadounidenses como el juego de la ruleta rusa, a veces disparas y te toca y otras pasa al siguiente. Y es que 16

la carrera de Robb Flynn y sus chicos (estos han ido cambiando a lo largo de los años) ha tenido sus altibajos. Algo lógico si tenemos en cuenta la calidad de su álbum debut “Burn My Eyes”(1994), el resto de su carrera quedaría supeditada a la comparación con sus inicios. Pero salvo un pequeño parón obligado, al finalizar el contrato con su antigua discográfica Roadrunner Records con la que retomarían dos años después, la banda continuó girando con gran éxito y produciendo trabajos como “The More Things Change”(1997) , “The Burning Red”(1999), “Supercharger”(2001) , o Through the Ashes of Empires”(2004) (álbum en el que entró Phil Demmell, con quien se estabilizó la formación y con el que la música ha ido volviéndose cada vez más progresiva y elaborada sin perder de vista la contundencia) . Aunque no fue hasta el 2007 con “TheBlackening” cuando recuperaron el nivel de su primer trabajo, siendo reconocidos por la crítica en el Bilboard 200 y por el público con la venta de 15mil copias. El último en salir, “Unto the Locust”, no dejará la huella que dejaron otros trabajos pero tampoco pasa desapercibido. Ya lo comprobaron en la gira del año pasado - que también incluyó a Bilbao, Madrid y Barcelona - donde el público asistente cantó cortes como “I

Lo más reciente de KYUSS LIVES no tiene nada que ver con lo puramente musical. Hace apenas dos meses se daba a conocer que la banda tendría que verse en los tribunales. Josh Homme y Scott Reeder, ambos ex miembros de KYUSS , han demandado a John García y Brant Bjork por fraude y usurpación de marca (aunque estos añadiesen lives al nombre). A esto se le suma, además, la marcha de Nick Oliveri pocos días después para continuar con su proyecto personal y que ya tiene sus propios problemas con la justicia. Todavía se desconoce si todo esto afectará de alguna manera sustancial a la actuación de la banda en el Sonisphere de este año o al proyecto que tienen entre manos para la grabación de su próximo disco en directo. Pero visto el plan se podría decir que mucho tienen que cambiar las cosas para que el 2012 sea su año. El grupo de stoner metal tendrá que guardar sus problemas bajo la alfombra si quieren sonar como lo que fueron o retomar al menos en parte el status alcanzado en sus inicios (considerados unos de los percusores

de este género) sobretodo con la salida al mercado de su trabajo, “Blues for the Red Sun”, con el que alcanzaron amplia popularidad.

PARADISE LOST

Quienes ya tienen su nuevo trabajo en la calle (desde el 23 de abril) son Paradise Lost, que traerán “pan reciente” al festival de Getafe. “Tragic Idol” nuevo álbum de los ingleses del metal gótico con el que regresan a sus orígenes. A pesar de todo Paradise Lost han tenido una trayectoria de altibajos donde su evolución desde el lado “oscuro”, siendo pioneros en el death-doom, a la “luz”, con sus experimentos musicales más electrónicos y cercanos al pop, les hace blanco de las críticas a la vez que les convierte en un grupo de referencia. El momento cumbre lo encuentran con su tercer álbum en 1992 donde “Shades of god” se convertiría en una de las canciones claves para el paraíso de los ingleses. Y tras las experimentaciones recogidas en el álbum” One second” (1997) ahora se encuentran en la des-evolución. Una vuelta a sus inicios plagado de enérgicas guitarras y con la ausencia de sintetizadores.

SONATA ARCTICA

Desde la parte septentrional de Europa

Dentro del heterogéneo y nutrido grupo de bandas que nos tiene preparado este año el Sonisphere nos encontramos con unos renovados Limp Bizkiz que a pesar de las críticas de su último álbum siguen manteniendo su tirón. La banda de florida siempre ha generado, queriendo o sin querer, controversia. Su carrera está plagada enfrentamientos con sus congéneres. No son desconocidas sus disputas con bandas como Slipknot o Eminem, lo que lejos de restarles popularidad les ha dado mayor publicidad; quizás por aquello que dicen de que “es bueno que hablen de mí aunque sea mal”. No obstante, en sus inicios (de la mano del productor de Korn y gracias precisamente a esta banda) la estrategia de marketing usada fue tan sumamente eficaz que les granjeó una legión de fans y criticas variadas al rozar finamente la ilegalidad pagando a la emisora de rock KUFO de Portland, Oregón, para que se radiase hasta 50 veces el corte “Counterfeit” de su disco debut “Three Dollar Bill Y’all$”. Pero parece que fue con el anunciado apagón digital, 1999-2000, cuando llegó el reconocimiento, primero nacional y luego a nivel internacional. Su momento de mayor éxito fue con “Significant Other”. Entre medias, les ha dado tiempo a hacer sus pinitos en el cine, a separarse, a volver y ahora preparan nuevo disco del que ya conocemos el nombre,”Stampede of the Disco Elephants” que verá la luz este año bajo el sello Cash Money tras romper relaciones comerciales con Interscope el pasado año. Prometen un álbum diverso, intenso y con algo de toque urbano. No es en lo único que están trabajando, parece que les ronda la idea de hacer una segunda parte del EP “The Unquestionable Truth Part 1” (2005), aunque para este habrá que esperar más tiempo. Lo más inmediato sin duda su participación en el Sonisphere, primera visita a España tras su gira de 2010.

llega hasta el sur madrileño una de las últimas confirmaciones del festival: los finlandeses del power metal melódico Sonata Árctica; y otra de las bandas que tienen nuevo trabajo en la calle en 2012. “Stones Grow Her Name” es el título (lanzado por Nuclear Blast Records) donde nos encontramos temas como el que es su primer single con video incluido “I have the right”. En inicio parece que no está siendo acogido con especial interés por los fans, quienes les reclaman una vuelta al power metal más clásico. Y es que a pesar de tener cuatro discos de oro y de haber alcanzado la notoriedad con su primer trabajo, su evolución a partir del cuarto hizo que en sus futuros álbumes hubiese una patente divergencia entre algunos críticos y fans. Con “Unia” queda patente, a la vista de las opiniones, donde unos lo consideran el mejor trabajo de la banda hasta la fecha mientras otros aseguran que es peor de su carrera. El año pasado pudimos verles dentro de su gira “The Days of Grays Tour “(2011). En esta ocasión será el primer día del festival el escogido para presentar su “Stones Grow Her Name” al público español.

CORROSION OF CONFORMITY

Otra de las últimas confirmaciones del Festival, son los americanos Corrosión of Conformity (COC). Un grupo de sonido diverso que ha pasado por el ardora-punk, el crossover thrash de los 80 (fueron unos de los primeros en usar el género, una mezcla de hardcore con el thrash metal), el heavy metal (tras el ingreso en la banda de Pepper Keenan) hasta llegar a su última incursión cercana al sonido stoner rock. Su formación en el 82, con 20 años a sus espaldas, es la que les ha permitido tan variados géneros sin dejar de mantener la esencia propia de la banda plasmada en siete trabajos: “Eye For An Eye” (1983) ,”Animosity” (1985) ,”Blind” (1991) ,”Deliverance” (1994),”Wiseblood” (1996) ,”America’sVolume Dealer”(2000), “In the Arms of God “(2005). Con “Animosity” llego la originalidad; con “Blind” comenzó su reconocimiento real; y “Deliverance” les trajo el éxito de ventas además de una nominación por la canción “Drowning in a Day Dream” a los premios Grammy del 98 en la categoría “Best Metal Performance”. Pero como casi todas las bandas del Getafe Open Air aprovechan el festival para la presentación de su nuevo trabajo. “Corrosion of Conformity” es el nuevo disco homónimo producido por el propio grupo junto a John Custer y grabado en los estudios de Dave Grohl 606 en Northridge. Aparecerán en el escenario como trío, tras la marcha de Pepper Keenan.

ORANGE GOBLIN

El doom metal es la especialidad del grupo británico Orange Goblin aunque se saben desenvolver entre el heavy metal y el últimamente más usado stoner rock. De relativamente reciente formación (empezaron en el 95) ya pueden presumir de una amplia discografía. 6 álbumes, un Ep y diversas apariciones en recopilatorios. La última en 2004 con “No law”. El

formación quedando únicamente Kobra Paige y Lord Griffin Kissack de la banda original (los únicos que participaron en su primer y de momento único disco conocido “Out of the Pit”, editado en 2010, y con el que un año después harían una extensa gira abalada por grandes críticas). Ahora con “Visionary” a las puertas y una promesa de un sonido todavía más duro y directo la banda de Paige se presenta en el festival como una de las promesas que están destinadas a durar y permanecer en el mundo del metal. El propio Gene Simmons ha dicho de ellos en alguna ocasión que son “true metal”. De todos es ya conocido que Slayer se encuentra componiendo y grabando el que será el decimo álbum de la banda (en la lista se encuentra “Reign in Blood “ el mejor hasta la fecha y que es considerado como una joya del heavy metal -editada en el 86). Aunque la noticia más reciente es la baja, de nuevo, de Jeff Hanenman a la gira que llevará a Slayer por medio mundo. El motivo no es otro que la continuación de su rehabilitación, tras ser mordido por una araña hace algo más de un año. Aún así los shows continúan y podremos verles también en España como segunda banda de cabecera en el (también) segundo día del Sonisphere. Hablar de Slayer es hacerlo de una de las bandas más grandes del thrash metal no sólo en cuanto a producción sino también en cuanto a calidad. Cada vez que vienen llenan y evidentemente el Sonisphere será uno de los que más retengan al público bajo la luna. El cuarteto, quien gusta del complemento anticristiano para sus shows, fue fruto de la casualidad, del descubrimiento del creador del sello Metal Blade Records (con el que editaron su primer trabajo “Show No Mercy “, obteniendo la no desdeñable cifra de las 20 mil copias vendidas). Veloz ha sido su ascenso estos años adquiriendo una fama no exenta de polémica, tanto por las peleas de Kerry King con miembros de Megadeth y Machine Head, como por su acepción anticristiana y la temática nazi de algunas de sus letras. Aún así también han sido reconocidos por la crítica recibiendo dos Grammys, por “Eyes of the Insane” y “Final Six”. cuarteto se presenta en la capital con las pilas cargadas y dispuestos a calentar al personal antes de la salida de los pesos pesados del festival de la mano de su séptimo y último disco de estilo stoner rock que llega con buena acogida tras 5 años de espera. El sonido setentero está garantizado con Orange Goblin.

RISE TO REMAIN

RISE TO REMAIN, banda de metalcore británico del hijo de Bruce Dickinson (Iron Maiden) - pero con un sonido y un aspecto bien distinto al de su padre-, llegan algo “tocados” tras de la marcha de su bajista Joe Copcutty y su batería Pat Lundy, lo cual supuso la cancelación de la gira de EEUU taloneando a Machine Head; mal comienzo para una banda que está en sus inicios y a la que le queda mucho por demostrar. Ambos ya han

sido sustituidos por Joshua Hammond (bajista) y por Adam Lewin (batería) por lo que está garantizada su presencia en España. La banda formada en 2006 tiene un EP y un disco debut, “City of Vultures”, sacado el pasado año con el que estuvieron de gira.

KOBRA AND THE LOTUS

Liderados por la frontwoman Kobra Paige será una de las pocas ( y potentes) voces femeninas que tendrán presencia en el festival. Con una mezcla de rock y heavy clásicos la potencia de Paige es marcada por la energía no menos potente de los acelerados riffs de las guitarras. Algo que se podrá notar en el Getafe Open Air donde además presentarán su último disco, con fecha de salida en agosto de este año. El quinteto canadiense que se formó en 2008 ha cambiado recientemente de

SKINDRED

“Ragga metal” así es como SKINDRED define su mezcla de estilos. Llegados desde Newport (Inglaterra) ensamblan perfectamente un sonido difícilmente comparable. Algo premiado por la crítica quienes les llevaron al número 1 de la lista Billboard “Top Reggae Álbums”, entrando también en otras categorías debido a su amplio rango y a su disco debut “Babylon”. A este le siguieron 3 más en la misma línea que el primero “Roots Rock Riot” (2007), “Shark Bites and Dog Fights”(2009) y “Union Black” (2011). Serán los que con toda probabilidad pongan el punto diferente al festival.

MASTODON

Sin duda uno de las sorpresas del heavy metal del siglo XXI. Sus comienzos en el año 2000 no pudieron ser mejores. Al poco tiempo de formarse como banda les llego su primer contrato con Relapse Records. De esa unión saldría “Remisión” lo que supondría el comienzo de una larga lista de reconocimientos, que iniciaron con la edición de su segundo trabajo “Levithan” (sobre la obra de Herman Melville, Moby-Dick). Con su tercer álbum llegaría la consagración. “Bood Mountain” les trajo su primera nominación a los Grammys (la segunda llegaría con la edición de su último álbum en 2011) en categoría a la mejor interpretación metal. También un alto puesto en el Top 50 en EEUU y sus primeras apariciones televisivas; así como incursiones habituales en videojuegos y además la banda sonora de una película. Aunque algo diferente a los anteriores su cuarto trabajo no tiene desperdicio. “Crack the skye” recoge toda la variación metal de la que son capaces los estadounidenses. Para ellos España ya es territorio conocido y también lo es el festival ya que compartieron escenario hace dos años con otros grandes como Metallica.

WITHIN TEMPATION

Un éxito efervescente, repentino y con apertura mundial. Así fueron los comienzos de Evanescence quienes fueron mimados desde la edición de su primer disco “Fallen”(ahora con cuatro en el mercado). Discos de platino, varios Grammys, participaciones en promociones y bandas sonoras de películas; quizás demasiado para mantener integra una banda. La marcha más sonada sería la de su co-fundador Ben Moody por diferencias creativas. Tras varios cambios en la formación desde 2007, Amy Lee será la única que continúe el legado. Lo último de la banda es su disco homónimo que según Lee es puro Evanescence. Al contrario que otras bandas, parece que los estadounidenses terminan por el principio algo que podremos ver en los escenarios madrileños en julio.

2 de las bandas destacadas del festival cumplen 15 años en la música y lo celebran de distintas maneras. Es el caso de Within Templation quienes tras varios años en la carretera cogen nuevamente el petate para celebrarlo con sus fans de todo el mundo. EL 26 de julio lo harán en el Sonisphere de Madrid y anuncian colofón final en su show de Amberes. El caso es que la banda holandesa acunó éxito desde bien temprano. No se había apenas formado (todos venían de bandas anteriores) cuando les llovió un contrato con DSFA Records y todo comenzó a rodar. La máquina ya estaba engrasada y “Enter” supuso un considerable éxito en Europa por su ambiente y toques de black, death y doom metal todo liderado por una voz femenina. De esta manera, 17

abiertas las puertas ya tenían el camino preparado para su gran éxito “The Silient Fource” que llegaría años después; nada comparable, eso sí, al reconocimiento mundial que les habría de llegar en el 2007 con “The Heart of Everything”. Gracias a su metal sinfónico el grupo participo en la banda sonora del videojuego “Chronicles of Spellborn”; experiencia que les sirvió, sin duda, para la elaboración de su último disco “The Unforgiving” (2011) basado en Blood Rayne & Dark 48 ( comic de Steven O´Connell).

CHILDREN OF BODOM

15 años han pasado ya desde que Children of Bodom se pusieran en la carretera. Después de siete álbumes de estudio (el último en 2011, “Relentless Reckless Forever”), dos álbumes en vivo y giras durante años sin parar, lo han celebrado compilando las canciones más destacadas de la banda en un CD-DVD que ha salido a la venta este 22 de mayo. Este supone un buen resumen de lo que es y representa el sonido de Children of Bo-

rarezas mencionadas son sus referencias al español en algunas de sus letras; derivado del conocimiento que de él tiene Neil Fallon (cantante del grupo). A pesar de todo ello, los americanos sólo se han pasado 2 veces por España en sus últimos 9 años. La última en 2010 en el Azkena Festival. En esta ocasión han contado con Madrid para su Tour 2012. Por cierto, la última noticia es la participación de la banda en NASCAR 2012 (será la 64a temporada de la carrera de Stock Car más importante de los Estados Unido) y en la MLB (Major League Baseball ) con su tema “The Regulator”, tras firmar una licencia con Fox Sports.

ENTER SHIKARI

Amantes del sintetizador y el sonido trance Roughton Reynolds, Liam Clewlow, Chris Batten y Rob Rolfe son capaces de mezclar su seña de identidad con lo más “tradicional” el hardcore punk. Con el paso de los años y la salida al mercado nuevos trabajos se impone en ellos una disciplina diferenciadora. Nada tiene que ver “Take to the Skies” con “Common Dreads”, en el que la integración de te-

Como la gran mayoría de los presentes estos dos días, los franceses Gojira presumen de una amplitud de sonidos derivados del metal (death, trahs y progresivo). Cercanos a grupos como Sepultura, quienes en 2007 contaron con Duplantier, vocalista de Gojira, para su nuevo proyecto Calavera Conspiracy. Pero antes de esto, Duplantier y su banda se tuvieron que esforzar para conseguir el reconocimiento dentro de la industria con la edición de 4 álbumes de estudio y sendas giras en solitario. O también como teloneros de otros grandes como Children of Bodom (en los EEUU en 2006) o Amon Amarth. Todo como parte de la promoción de su tercer disco, “From Mars to Sirius”. Previo a ello y gracias al éxito de los dos trabajos anteriores (“Terra Incognita” y “The Link”; 2001 y 2003 respectivamente) decidieron grabar un DVD en directo titulado “ The Link Alive” que vio la luz en 2004. Por su parte, el último disco conocido hasta la fecha “The Way of All Flesh” (2008) les permitió girar acompañando a Metallica. Ahora, se encuentran en pleno proceso de grabación de su quinto álbum “L’Enfant Sauvage” que verá la luz este verano (está fechada su salida para el 26 de junio). dom. Grupo natural de Finlandia, entró en la escena metal en los 90´ convirtiendose al poco tiempo en banda referencia para muchas otras, para aquellas que buscaban el diverso estilo metal que ofrece este quinteto. Los “chicos”, que sorprendieron con la edición de su cuidado trabajo “Something Wild” (1997) y que mantuvieron calidad y expectación a partes iguales destacando “Are You Dead Yet?”, compartirán el escenario getafense con otras grandes estrellas para la ocasión .

CLUTCH

4 colegas de Maryland (EEUU) que desde hace 21 años se dedican a la música. Primero únicamente como grupo y después, además, con sello propio: Weathermaker. Con 9 álbumes de estudio, varios discos de rarezas y 2 directos es evidente que no necesitan presentación. Amantes de la creatividad sus trabajos van del más puro hardcore , rock incluso blues y jams sin olvidarnos del sonido stoner. Una de esas 18

clados es mucho más evidente. Al cuarteto le gustan los festivales españoles y en esta ocasión vienen por partida doble, repitiendo en el BBK live. El hecho de traer nuevo disco editado este pasado enero hará que con toda probabilidad sea “Arguing With Termmometers” o “Gandhi Mate, Gandhi” buena parte de lo que se pueda escuchar de ellos el sábado en el Getafe; no obstante es su disco más elaborado hasta la fecha. Los ingleses son parte importante de la escena dubstep (aunque su mezcla sea mayor y más diversa) de Londres y mantienen un nutrido número de seguidores en España a pesar de sólo tener 3 trabajos en la calle.

GHOST

El éxito de su disco “Opus Eponymous”, lanzado en 2010, ha hecho de los suecos Ghost una banda reconocida a nivel Internacional. A pesar de existir grupos similares, el uso una buena dosis de oscuridad y unas apreciadas atmósferas de Black Metal, influenciados por el

“The Industrialist” es el nuevo trabajo de 12 cortes que nos presenta Fear Factory este año. Con este, ya serán nueve los álbumes que tienen en la calle. Ser los primeros en algo te da notoriedad y te consagra a los ojos de tus “iguales”. Por eso Fear Factory son tan respetados. La combinación del rock industrial con el death metal en los 90´ los puso no sólo en los escenarios del mundo sino que, también, les abrió hueco hacia la crítica; hacia la buena crítica. Comenzaron de la mano de discográfica Roadrunner Records, que fueron quienes realmente les dieron a conocer con su álbum “Soul of a new machine” y quienes editarían el disco de su consagración “Demanufacture”. Un disco claramente conceptual que habla de la lucha y la libertad y que contiene alguno de los mejores cortes del grupo californiano (un ejemplo de ello es “Replica”) Álbum que serviría de referente para futuras generaciones. De este punto en adelante todo serían reconocimientos hacia la banda. Aunque también pasasen por una fase de experimentación más cercana al nu metal criticada por sus fans acérrimos, y que terminó con la disolución de la banda hasta su regreso en 2004. Anterior a “The Industrials” en 2010 se atrevieron con un disco más cercano al de sus inicios “Mechanize”. NWOBHM (nuevo sonido del heavy metal británico de los 70) y el correcto empleo del marketing (ayudada por la imaginería los detalles farandulescos que presentan en sus conciertos y las letras claramente satánicas), les ha permitido hacerse un hueco en el difícil panorama musical y en el especialmente competitivo sonido sueco. Tras tocar junto a Paradise Lost en 2011, este año lo empiezan con buen pie. Así Ghost se embarcó en su primera gira en EEUU en enero y también se unieron a Mastodon y Opeth en el “Heritage Hunter Tour” de abril y mayo. Además han anunciado que se encuentran en pleno proceso de elaboración del que será su próximo disco y que esperan vea la luz a finales de este año. Como curiosidad se rumorea, a falta de confirmar, que incluirán un cover de la canción de ABBA “I´m a Marionette”.

SISTER

Sonido crudo y sucio es el de este cuarteto quien también gusta del cuero y la

pintura facial para acompañar a su sonido punk rock con inevitables toques del glam de los 70´. Sus inicios, a finales de 2006, estaban plagados de efervescencia adolescente. El cuarteto sacó su álbum debut “Hated” en 2011 (mezclado por Tobias Lindell que ha hecho lo propio con bandas como Hardcore Superstar, quienes por cierto han recorrido España este mayo con tremendo éxito) y fue muy bien recibido por crítica y público (tiene 3 EPs previos). El sábado serán los encargados de abrir el festival.

SIX HOUR SUNDOWN

Es la nueva banda de LAUREN HARRIS (conocida por ser la hija de Steve Harris de Iron Maiden). La banda que vendrá con ella es casi totalmente distinta a la que vino cuando usaba su nombre (estaba con ella Richie Faulkner, el que es ahora guitarra de Judas Priest) y según nos ha comentado ella por e-mail podemos esperar un “increíble y energético concierto de Rock”.

DATOS DE INTERÉS Recinto: El Auditorio John Lennon es una explanada asfaltada al aire libre de 38.000 metros cuadrados, junto a una zona verde con capacidad para más de 20.000tiendas de campaña. Aunque las dos pasadas ediciones del Sonisphere tuvieron lugar en el Getafe Open Air, y a pesar de nuestro esfuerzos para solventar las molestias que este recinto ocasionaba, principalmente la polvareda, hemos visto que las soluciones para esta nueva edición no eran viables. La crisis económica no permite a las instituciones de Getafe acondicionar el recinto y, de manera consensuada, Last Tour y el Ayuntamiento de Getafe han optado por el traslado. Escenarios: Para evitar las contaminaciones acústicas que podrían generar tres escenarios, el Audiorio John Lennon contará con dos escenarios, así logramos que tanto el espacio destinado al pública como el campo de visión del escenario principal serán bastante mayores. El Black

Circle se mantiene, evidentemente, a pesar del cambio de recinto. Al margen de los dos escenarios, también se instalará una gran carpa en la que conocidos DJs pincharán hasta el cierre tras el último concierto programado. ¡Mejoras! - El suelo asfaltado evitará las polvaredas - 45.000 m2 de zona verde con capacidad para más de 20.000 tiendas. - Aumento de un 25% de baños químicos y otro 25% de baños con agua corriente en todo el recinto. (Texto extraído de la web oficial del festival http:// es.sonisphere.eu/)

ASÍ LO VIVIRÁN La banda, de actualidad tras la edición de ‘Uluh’, nos habla de lo que va a suponer para ellos ser la única banda nacional en un cartel plagado de grandes nombres. ¿Quién dijo miedo?

Desde que lanzasteis el disco no habéis parado de tocar. Casi todos los fines de semana os estáis chupando un montón de kilómetros para presentar ‘Uluh’. Hacedme un repaso rápido de cómo está yendo la cosa y también cómo os veis vosotros en comparación con la anterior gira. “La verdad es que está yendo mejor de lo esperado, y más sabiendo cómo están las cosas hoy en día. El público cada vez acude menos a los conciertos, ya sea por la maldita crisis (o el miedo a ella), o bien por la exagerada oferta de shows que existen hoy en día en cada ciudad. Sin embargo, allá donde vamos, siempre hay un montón de gente que se deja los cuernos cada noche, cantando todas las canciones y sudando la gota gorda. Si comparamos esta gira con todas las otras que hemos realizado anteriormente, no hay color alguno. Antes el público acudía a las salas por diversos motivos, que no tenían por qué ser para ver a la banda, pero a día de hoy, notamos que la gente viene a vernos y a disfrutar del grupo en vivo y de los temas del nuevo disco. Igualmente, en todas las ciudades nos están acogiendo estupendamente y no paramos de firmar autógrafos o estar hablando durante horas

con los fans, y las ventas del merchandise van realmente bien. En conclusión, estamos en una nube, pero queremos más!” En el Sonisphere tocaréis el mismo día que Slayer, Mastodon, Fear Factory y, cómo no, Metallica. ¿Qué impone más: tocar delante de esas bandas o de la gente que va a verles porque hay que ganárselos? “Ser la única banda española en la edición del Sonisphere 2012 ya merece nuestro respeto, y queremos demostrar que estamos capacitados para estar encima del escenario junto a bandas con las que hemos crecido y soñado desde siempre. Cualquier músico o banda espera poder compartir cartel con bandas como estas, y es la ocasión adecuada para hacer el show perfecto, o al menos intentarlo. Debemos estar al 200% el 26 de Mayo, ganarnos al público y demostrar que en España también podemos hacer cosas importantes, ya sea en un festival de este calibre o junto a bandas tan prestigiosas como estas. Intentaremos representar de algún modo al resto de bandas que también se han ganado el respeto todos estos años en la escena del metal en este país. Intentaremos dar un paso más como hemos venido haciendo en las grandes oportunidades que se nos han ido presentando todos estos meses atrás. Un concierto así, ¿se planifica de forma distinta a como se planifica una visita a Granada, por ejemplo? (por usar una de las recientes). “No vamos a ser hipócritas, está claro que no es lo mismo, y aunque Vita Imana intentamos planificar to-

dos y cada uno de nuestros conciertos, y estudiar bien cada fecha, SONISPHERE es una de esas que requiere sentarse en una mesa y hablar de cosas más allá de las musicales. Para nosotros es como una obra de teatro o rodar una película, e intentamos llevar todo muy bien atado para evitar los mayores imprevistos posibles a la hora de la actuación. Conciertos como estos son pruebas de fuego, puesto que son miles de personas las que van a verte sobre el escenario, y ni puedes defraudar a los que han pagado por una entrada ni puedes desperdiciar una oportunidad como esta por estar demasiado confiado...digamos que Sonisphere será uno de los varios “partidos del Siglo” que vamos a tener en este 2012. Si algo tiene ‘Uluh’ es rabia. Suena muy contundente pero también tiene partes muy atmosféricas que sirven para oxigenar el disco. ¿Estáis integrando esas partes en el directo también? “Siempre hemos pensado en llevar nuestros discos de estudio al directo de la manera más fiel posible, por ello intentamos que todo lo que ha quedado plasmado en ‘Uluh’ se vea reflejado encima del escenario. Dependiendo de cada concierto y, sobre todo, del tiempo de actuación del que disponemos, elegimos o no ciertos temas, puesto algunos de ellos requieren un montaje y preparación especial para hacerlos sonar como es debido. Por eso, temas como “Uluh” o “Taikos II” serán canciones que únicamente toquemos en las condiciones adecuadas”.

Hablar con MILLE PETROZZA de KREATOR es siempre un placer. La primera vez que charlé con él recuerdo que me sorprendió porque no era para nada el tipo “violento” que te encuentras en sus canciones. Años después de aquel primer diálogo, el vocalista/guitarra de Kreator sigue siendo igual de coherente a la hora de exponer tanto el proceso de grabación de ‘Phantom Antichrist’ (su nuevo trabajo) como de analizar el contenido letrístico del álbum. Después de escuchar unas cuantas veces el disco recibimos la llamada del alemán al que preguntamos, casi abiertamente, si nos estaba incitando a la revolución. Texto: Roberto Villandiego 20

Oh, vaya, me has pillado escuchando el disco de una banda nueva que acaba de salir. No sé si les conoces, se llaman Kreator. “Oh, vale” (risas). Si no les has escuchado todavía te recomiendo que escuches su nuevo disco, ‘Phantom Antichrist’. (Risas) “Vale, tranquilo que lo haré tío” (más risas). Vale, obviamente estaba bromeando pero dime ¿cómo te sientes después de todos estos años en activo y creando música? Supongo que será cada vez más difícil no caer en la repetición, buscar nuevas ideas… “Uff… si te soy sincero, yo es que no tengo la sensación de que llevemos tanto tiempo tocando. Cada álbum para mí es todo un reto y, musicalmente hablando, cada vez que me pongo a componer intento reinventarlo todo, como si empezase desde cero. Sólo por eso ya es excitante porque es crear algo desde la nada. El regalo de ser músico es el ser capaz de crear música y para mí ahora mismo eso es lo que centra mi vida y me siento muy bien con eso. A nivel interior es algo que me guía. Creo que si no estuviese en una banda con la que pudiera hacer canciones estaría haciendo otra cosa a nivel creativo. Me fluye de manera natural el que me salgan nuevas ideas para crear temas incluso después de muchos años tocando la misma música con mi banda. Ese sentimiento es alucinante”. Tengo la sensación de que es así porque no trabajais con presión. Os tomáis bastante tiempo entre un lanzamiento y otro. Este ha tardado... ¿cuánto? ¿cuatro años en llegar? “Sí. Es que yo no soy de ese tipo de gente, como algunos de mis colegas músicos, que llevan consigo aparatos para poder grabar también mientras están en gira y tienen días libres. La verdad es que, mientras estás de gira, el 90% del tiempo estás esperando y hay muchos colegas de profesión que llevan dispositivos de grabación de gira con ellos pero yo soy incapaz de hacerlo. No es porque esté nervioso, es que no puedo tener la concentración para componer mientras estamos en la carretera. Después de lanzar ‘Hordes Of Chaos’ estuvimos girando durante dos años alrededor de todo el mundo, tocando en sitios incluso en los que jamás habíamos tocado y, durante todo ese tiempo, no escribí nada. A principios del 2011 empecé a componer de nuevo pero no tocamos mucho. Hicimos unos cuantos festivales pero nos preocupamos más por componer el nuevo material. En una carrera como la de Kreator, con doce discos editados, si editas otro tiene que tener una justificación de por qué has hecho un nuevo disco y éste tiene que ser mejor que el anterior porque, si no, no sirve de nada. Por eso nos tomamos nuestro tiempo, porque no editamos nada hasta que no estamos seguros de que lo que tenemos está bien. Eso tampoco es sencillo y te lleva tu tiempo. No lo puedes hacer en dos semanas. A nosotros nos ha llevado más de un año escribir el disco pero es que así es como trabajamos”. ¿Y qué pasa si estás de gira y de repente se te ocurre una idea brillante? “Es que no tengo ideas cuando estoy de gira (risas). Es por lo que te digo, porque no tengo la mente puesta en eso. A ver, también llevo mi iphone y puedo grabarlo ahí. O en mi portátil. Si estando de gira de repente se me ocurre algo sí que tengo maneras de que no se me escape pero lo que no llevo es ningún dispositivo profesional de grabación. Ya sabes a qué me refiero”. No solo me refería a la música. Has comentado que habéis tocado en sitios donde jamás habíais tocado. Lo mismo estando allí se te ha ocurrido una letra y necesitas al menos escribir la líneas generales o bocetarla. “Oh sí, eso sí, pero no es un proceso consciente. Es decir, incluso recolectando todos esos bocetos y todas esas ideas en bruto luego tengo que tomarme mi tiempo, sentado en casa. Necesito, por así decirlo, un entorno de trabajo propicio. Por eso creo que es importante tomarte un tiempo separado de todo, sin estar de gira, porque para mí eso cercena mi creatividad”. ¿Qué es más complicado después de todos estos años: hacer la música o las letras? (Duda) “Depende. Te diría que las letras porque la música me fluye de manera más natural. Normalmente si tengo la letra la música me sale de forma casi espontánea. Es algo que pasa de alguna manera, que la música siempre está ahí. Obviamente si tengo un riff que mola me va a llevar un tiempo cuadrarlo todo hasta que esté todo correcto. Trabajo hasta que la idea original, de alguna manera, queda devastada porque no se parece en nada con el resultado final, el cual te tiene que golpear en la cara. Todo eso lleva su tiempo así pero sí, diría que las letras”. De nuevo vuelve a haber un mensaje muy revolucionario detrás de ellas. En este ‘Phantom Antichrist’ incluso te diría que se han acentuado. Intuyo que a la hora de escribirlas te ha influido la crisis mundial que estamos viviendo, ¿no? “Sí, he escrito sobre todo de eso, especialmente en el tema “Civilization Collapse”. Este tema está basado en la crisis económica que ha golpeado Grecia. Adoro ese país como adoro casi todos los del Sur de Europa y su mentalidad. Soy medio italiano y adoro esos países. Ahora mismo se está dando una situación en Europa en la que los gobiernos, especialmente los de Inglaterra o Alemania, miran lo que está pasando y dicen “Oh, mira, son

demasiado vagos para trabajar”, y ¡no es así! Es totalmente mentira que la gente sea demasiado vaga como para ponerse a trabajar. Yo lo que creo es que no todos los países estaban preparado para entrar en la comunidad europea y para eso hay que darles tiempo. Eso es algo que me mosquea porque conozco esos países, conozco a gente allí, y son de todo menos perezosos. Lo que tienen que tener en cuentas es que sí, hay una Unión Europea, pero compuesta por muchas culturas que han ido creciendo durante siglos y lo que no puedes hacer es que sean todas iguales como si esto fuese Estados Unidos en donde todos pertenecen al mismo país. Aquí hay un fondo distinto y es algo que me jode. De eso es de lo que hablo en “Civilization Collapse”. Ese es mi pequeño tributo a países que ahora mismo están viviendo una crisis muy severa y a los que debería ayudar la Unión Europea. Lo único que han sabido hacer ha sido quedarse parados, mirando y diciendo “si es que son vagos”. ¡Qué os jodan!¡Eso es una gilipollez”. Yo creo que la gente entenderá esta vez mejor las letras que las de ‘Violent Revolution’ porque reflejas a la perfección lo que estamos viviendo en “United In Hate”, por ejemplo. “Sí, yo también lo creo”. Al final ya verás como todos los ciudadanos tendremos que unirnos en contra del gobierno. “Sí y eso es lo que va a pasar. El problema es que los gobiernos ahora mismo no conectan con la gente y se supone que están ahí para eso. Los gobiernos tienen que estar ahí para la gente y no es así. Todo el sistema económico ahora mismo está basado en el beneficio y en el capitalismo. Vivimos en un sistema capitalista que es muy difícil de cambiar pero si estás viviendo bajo sus doctrinas al menos el gobierno sí que debería tener una responsabilidad para proteger a la gente y no es lo que está pasando hoy en día. No están ahí para ayudar a la gente sino para ayudarse a si mismos. Los políticos ahora mismo cada vez son más ricos y la gente más pobre y eso al final desatará la ira, la frustración, la violencia y la agresión de los que lo están padeciendo. Nosotros en las letras no nos inventamos nada, no hay fantasía, es todo real y no es que yo esté a favor de la violencia, no me malinterpretes, pero sí que creo que al final la gente se levantará y luchará por lo que quiere. No pueden pasar por alto todo lo que está pasando así que “apaga tu puto ordenador, la puta tele, sal a la calle y haz algo”. Esa es mi opinión, lo que expreso en mis letras y creo que hay mucha gente que se puede sentir identificada con ellas y al menos saben que no están solos. Hay gente que tiene la sensación de que el gobierno no les entiende pero que el resto de la sociedad tampoco y que no se preocupa y, en mi opinión, eso es una situación desastrosa y no parece que las cosas vayan a mejorar. ‘Violent Revolution’ es de hace 10 años y mira cómo estamos ahora mismo. Es la misma jodida situación pero todavía peor”. Por eso te lo decía porque al final es lo que va a pasar. Estamos ahora mismo debajo de sus pies, se han acostumbrado a pisotearnos, y me temo que no quedará otra que empezar una “revolución violenta”. “Sí, parece que lo estén pidiendo porque están dejando a la gente desamparada. Nos están pisando sin darnos nada a cambio”. Supongo que la portada también es una metáfora de eso, ¿no? “Sí, va sobre el cambio. El concepto del álbum a nivel de letras gira en torno a la idea de destrozar todo lo que hay para empezar algo nuevo. Es como empezar una nueva sociedad en la que el eje central fuera la gente y no los gobiernos. Lo que sí me gustaría aclarar es que el mensaje del álbum es bastante positivo. Mi visión es que, aunque estemos en el 2012, seguimos teniendo religiones que lo destrozan todo y gobiernos que quitan todo a la gente y todo esto tiene que terminar. Tiene que venir una nueva era. Para que eso pase la gente tiene que ser educada, tienen que aprender que si el sistema está fallando, tendrán que crear uno nuevo partiendo de ellos mismos, organizándose y haciendo cosas. Hay que permanecer unidos y luchar por lo que crees que va a ser lo mejor para ti. La portada y el concepto del álbum gira en torno a eso”. Pero eso es muy difícil. A mí personalmente la religión me parece un cáncer pero… hay que reconocer que es un cáncer muy fuerte. “Lo sé. Imagínate que por un momento sacaras la religión de la vida de la gente. Muchos se sentirían casi desnudos. Se preguntarían “¿dónde está mi dios?” porque creen que es lo que les va a salvar aunque sepan que no es así. De lo que se trata es de concienciarles de que no hay nada que les vaya a ayudar salvo ellos mismos, que 21

vivimos en el año 2012 y que no deberíamos vivir de la misma manera que se vivía en el siglo V. Eso no está pasando. Para mí es una vergüenza que todavía haya gente que crea en esas estúpidas creencias antiguas y que tengan esa visión tan religiosa. En mi opinión es algo insano. ¿Cómo puedes decirles que hay un Dios que les vigila y luego pillarles la pasta? Les quitan incluso lo que necesitan para vivir para luego ellos vivir muy bien, en una posición muy cómoda. Todo está basado en eso, en que la religión y la política forman parte de un sistema estructurado para controlar a la gente y que dejen incluso de ser personas”. Pero yo también creo que es porque hay gente que no es capaz de pensar por si misma. “Sí pero eso también es porque no están educados. Ellos se creen lo que ven. Se creen toda la propaganda y el engaño. Mira, tú eres periodista así que lo entenderás mejor; hay mucha gente que se cree que es cierto todo lo que ve en los periódicos o en la televisión y nunca se cuestionan si lo que le están contando es verdad o no. Lo están viendo en la televisión y piensan “oh, dios mío, esto no puede ser mentira. Tiene que ser real”. Por eso, como has dicho, es complicado apartarles de eso y lo que más me preocupa es que parece que no va a cambiar. Lo mismo dentro de 200 años estamos viviendo una situación distinta pero sí que creo que es importante y necesario que se hable de ello para que al menos la gente se preocupe. Lo que sí que no hago es predicar. No estoy diciendo que la gente tenga que dejar de ser religiosa o que sea una equivocación el serlo porque yo tampoco me considero mejor que nadie, pero sí que les estoy incitando a pensar que lo mismo hay mejores opciones y otras alternativas”. Estoy de acuerdo contigo. Es bueno que creas en lo que quieras pero al menos tiene que ser con la mente despejada. Yo lo que no tolero es cuando la gente pone excusas para todo y más cuando se hablan de cosas tan serias como la pedofilia. Eso realmente me cabrea porque tratan de justificarlo. “No, es que sucumbió a la tentación” dicen y mi respuesta es “una mierda, es un puto pervertido y no hay justificación alguna”. (Risas) “Exactamente. Eso es todavía peor porque tienes a toda una organización religiosa, liderada por el papa, protegiendo a ese tipo de gente y, claro, te lo cuestionas. ¿Por qué a ellos se les protege y hay gente va a la cárcel el resto de su vida por lo mismo? Algo no funciona bien. Luego ves que encima nadie dice nada y eso es algo que a mí también me enferma. Cosas así son las que hacen que quiera seguir haciendo letras para denunciar esa situación”. Es posible que hables precisamente de esto en “Victory Will Come”. “¡Sí, exacto! En ese tema hablo de que todo al final toda la civilización se colapsa y hay un nuevo comienzo. La gente que ha sobrevivido es la que

ha alcanzado la victoria. Si todos trabajamos juntos la gente que lo hayamos hecho podremos comenzar una nueva sociedad y esa sería la recompensa”. Relajemos un poco la conversación y hablemos de la música. En “Until Our Paths Cross Again” habéis metido una acústica que queda tremendamente bien pero supongo que será complicado reproducirla en directo. En caso de tocarla... ¿habéis pensado en eso? ¿Estáis preparando ya los temas para el directo? “Sí que queremos tocarla. Hay algunos efectos que podemos usar para hacer que la eléctrica suene como una guitarra acústica y la queremos tocar porque yo también creo que ese tema es muy fuerte. Puede parecer una balada pero no lo es”. Tengo que reconocerte que me ha enganchado mucho “United In Hate”. Esa canción me ha sorprendido muy gratamente. “¿Ah sí?” Sí. Quizás sean las melodías vocales que habéis metido en ese tema. “¿Sabes? Tenías razón cuando comentabas que en este disco se notaba que habíamos trabajado sin presión, en el sentido de que creo que hemos hecho todo lo que queríamos hacer. Creo que nos ha facilitado el poder jugar con las melodías para darle a cada tema lo que necesitaba. Se nota esa libertad creativa que tenemos hoy en día. Sabemos quiénes somos, sabemos que somos Kreator y que tenemos un montón de gente esperando a escuchar un buen disco y no queremos defraudarles. Si han estado esperando tanto tiempo para escuchar algo nuevo tiene que ser algo que les vuele la cabeza y que nunca hayan escuchado antes en nuestra música. Creo que es un gran cumplido que alguien como tú te diga que después de tantos discos se ha sorprendido con un nuevo trabajo de la banda”. No es la única que me ha sorprendido como ya te he reconocido. Además, tengo la sensación de haber notado un sentimiento diferente. Quizás sea porque en el pasado gritabas más y ahora eres capaz de decir lo mismo como… no quiero decir como un padre, pero sí como si me sentaras y me dijeras “vale, te voy a explicar cómo funcionan las cosas”. “Eso también mola. Es un gran cumplido” (risas). De nada papi (carcajadas). Para terminar, porque tendrás más entrevistas, háblame un poco de los planes de gira que tenéis. “Primero haremos una gira en EE.UU. con Accept y luego en noviembre giraremos por Europa y, obviamente, pasaremos por España. El año pasado estuvimos en un festival pero queremos volver con nuestro propio show así que estad preparados”.

Hablamos con JOSEF K, cantante y líder, de la banda de ROMEO. El motivo, ‘Cara O Cruz’, título de su tercer trabajo. Once cortes maduros y contundentes con los que dejan atrás su periodo con la compañía DFX. Ahora vuelan ¨libres” pero bien acompañados pues cuentan en la producción con un aliado de lujo: Jorge Escobedo (Sober). El disco se encuentra ya a la venta así que era momento perfecto para hablar con el vocalista. Texto: Roberto Villandiego / Kristina Espina. Bueno Josef, Romeo sufrió un periodo turbulento antes de ponese a trabajar en ‘Cara o Cruz”, ¿no? “Periodo turbulento... ¡se queda corto! Fue un periodo jodido, lo pasamos mal cuando DFX se fue al garete. Además Jorge también estaba con todo el rollo de si se lo grababa (el disco) a Skizzo y si se juntaba Sober. Estaba el hombre a mil cosas. Por todo ello, nos hemos tirado un año bastante malo. La estructura alrededor de Romeo desapareció toda de golpe y nos quedamos con un disco grabado en 2009, con el que apenas habíamos hecho gira y que había tenido poca repercusión y con la imposibilidad de saber que hacíamos con el tercero; si lo hacíamos o 24

no y si merecía la pena meternos en ese fregado. Y es cuando aparece la figura nuevamente de Jorge. Lo llamamos para la preproducción del disco y fue él quien nos dijo “no tíos, vamos para adelante con todo”. Lógicamente tras eso, nos cargamos de moral a tope. Hemos vuelto a tener unos medios muy buenos al alcance gracias a él, así como una compañía y una editorial. En definitiva, hemos vuelto con las pilas más cargadas que nunca, más seguros de lo que hacemos, más evolucionados, mucho más trabajados y con ganas de comernos todo. Claro, supongo que ese tipo de problemas o te termina de matar o te hace más fuerte.

“De perdidos al río. Tanto Jorge como nosotros lo teníamos muy claro. Él nos dijo “mirar chicos, nos lo vamos a jugar todo con este disco, vamos a hacer todo lo que sepamos y de la mejor manera posible y a ver qué pasa”. No nos quedaba otra, era parar o salir con todo. De hecho teniais confianza plena ya que dejasteis todo para veniros a madrid y a apostar por el proyecto ¿no? “Sí, si nosotros confiamos plenamente desde el primer disco; que es con el que nos vinimos a vivir a Madrid. Confiamos en lo que hacíamos y en lo que hacemos, y claro, en Jorge Escobedo. Él no tenía ningún motivo, digamos, para coger a unos chavales de Murcia y ofrecerles un

proyecto en condiciones en Madrid. Y lo intentamos, son cosas que si no las haces siempre te quedará la duda de lo que podría haber pasado . Y la verdad es que nos apetecía mucho. Creíamos y seguimos creyendo mucho en lo que hacemos. Y bueno, hasta ahora con momentos mejores y otros peores pero no nos podemos quejar. Se me antoja que el título del nuevo álbum está más que meditado. “Sí, está muy buscado, hecho a posta. Refleja el pensamiento de toda la banda: “nos la jugamos”, pero lo hacemos bien. Vamos a invertir dinero en la banda, más de lo que habíamos invertido nunca, vamos a componer mejor que nunca y a

poner las cartas sobre la mesa. “Esto es lo que somos, esto es lo que tenemos” y si gusta bien y sino ya veremos”. Supongo que una vez asumido lo que ha pasado, pasar de un impás a decir “venga vamos a tirar para adelante” te da otra tranquilidad. “Sí, si desde luego. Además, ahora lo hacemos con mucha más calma; no te llevas los chascos del principio. Sobre todo nosotros que somos de Murcia. Vienes de “muy pollo” y te crees que a los 15 días vas a ser James Hetfield (Metallica) o Corey Taylor (Slipknot/ Stone Sour) ¡Y no! Cuando pasan 5 años te das cuenta lo duro que es esto y no sólo para nosotros sino para todo el mundo, y dices “¡joder pues tampoco está tan mal lo que hemos conseguido! Vamos a ver si damos otro paso para adelante y a ver si esta vez es un poco más grande”. Pero sí es cierto, después de todo, ves las cosas de manera más relajada, con la idea de trabajar y luego ver qué pasa”. Yo te diría que el disco me da la sensación de serenidad pero también la de apretar los dientes (como para coger fuerzas). “Sí, la verdad es que no nos queda otra. Lo cierto es que no tenemos muy buenossentimientos con la música. No somos de los de “¡Sexo , drogas y rocanrol!, ¡esto es maravilloso!”. No, no. La música es muy puta, y sobre todo el rock. No lo decimos sólo por nosotros. Hemos visto a bandas que empezaron a la vez y que se han quedado por el camino . También vemos a otros mucho más grandes que nosotros y que les cuesta llenar salas y sacar discos. Es muy desagradecida pero para cabezones nosotros”. Lo cierto es que fue una pena lo que paso en dfx especialmente porque creo que había una cantera interesante (te gustasen más o menos). ¿Vosotros lo veíais así? “Sí, es que había gente con mucha ilusión. Al principio había muchas ganas, buenos medios; las cosas se hicieron bien. También había buenas bandas como Censurados, Moebio, Zia... Había unos grupitos como nosotros, con sus primeros discos pero con un nivel de calidad bastante alto y sobre todo, como digo, había mucha ilusión y ganas de hacer cosas. Pero luego llegó la crisis económica y otras más que han hecho que las estructuras se fuesen al garete. Acabó desapareciendo y nos quedamos en el limbo. Desde luego, la experiencia que tuvimos con ellos en el primer disco fue buenísima pero de todo se aprende. Hay que tenerlo en cuenta, saber de dónde viene uno pero dejar la cosa ahí y seguir para adelante. Creo que todo esto en definitiva os ha ayudado a alcanzar la seneridad, Si te quitan ese “respaldo” te vuelves más puntilloso. Veo este disco más trabajado en ese sentido. “Sí, sí , tienes toda la razón del mundo. Con este disco estamos super contentos porque como tú dices es un disco que hemos hecho para nosotros. Vamos, lo que nos propusimos con Jorge, hacer las 11 canciones que mejor pudiésemos hacer. Sí,¡lo sé!, te lo dicen todos los grupos en las entrevistas, pero es que llega un momento que es verdad (risas). Con el primer disco éramos más jóvenes, no teníamos la experiencia de estos 5 años. Y el segundo se hizo con mucha prisa, había una compañía y un público esperando y nos encontrábamos inmersos en una especie de caos digital que derivó en un disco bastante diferente al resto. Y con este tercer disco, que ha sido de lejos el que más tiempo hemos tardado, el que más tranquilos y relajados hemos grabado y con el que más claro hemos

tenido todo, y eso creemos que cuando lo escuchas se nota: la serenidad , la pausa y hacer lo que sabemos”. Jorge Escobedo ha trabajado de forma directa con vosotros ¿no? “Sí, empezó trabajando los temas con nosotros 3 ó 4 meses antes de que entrásemos en el estudio. Se ha pasado por los ensayos, le hemos dado mil maquetas... En definitiva, él ha tenido plena participación en la finalización y composición de los temas. Algo que como te he dicho echamos de menos en el ‘Nada importa’ (segundo disco), porque todo fue muy rápido. No tuvimos el tiempo y quizás tampoco la motivación de hacerlo. Y en éste sin embargo tanto él como nosotros lo teníamos muy claro, dijimos “ostia vamos a hacerlo bien y vamos a cuidarlo todo”. Y en la grabación igual, aunque lo tuviésemos todo clarísimo hubo muchas cosas que se crearon con Jorge. Es un disco que tiene una producción mucho más elaborada que los otros, una producción musical”. Yo la influencia la veo sobre todo en

personal único e intransferible . Nosotros somos más clásicos. Aunque claro, algo se puede escapar; no obstante que conste que soy fan (risas). Ellos han ido inventando todo, al menos aquí en España y desde que yo escucho música rock. Pero nuestras influencias son más The Cure, Héroes de Silencio o cosas más grunge. Y al igual que nos pasa con Sober nos ocurre con ellos; hemos crecido con su música y algo termina saliendo. He coincidido con vosotros en varias ocasiones en algún concierto y pareceis unos tios felices en vuestras vidas entonces... ¡¿por qué esas letras!? (Risas) “Bueno, es que en las canciones se suelen decir las cosas de otra manera. Para mí componer es desahogarme. Cosas que no se dicen en el trabajo o cuando vienes de un bolo que ha salido mal o cuando tienes una discusión con tu pareja. Entonces yo, en vez de discutir con todos ellos hago canciones. Compongo. Lo cierto es que procuro no ser demasiado explícito, siempre he sido amante de la

matizes que enriquecen mucho el disco como pueden ser los sonidos de guitarras. “Sobre todo él y Homer, que son los más entendidos de guitarra, han cuidado muchísimo el sonido, han usado cantidad de equipo diferente, han hecho infinidad de pruebas, han intentado sacar las guitarras de Romeo del cliché estándar (un sonido metal: un sonido para el sólo y un sonido para el limpio)... Y ahí es donde se nota la influencia de Jorge. En el rollo de los delay, de los efectos de guitarra, de los limpios. Es algo que él siempre ha llevado en toda su carrera, un sello muy particular suyo que ha quedado patente también en nuestro disco”. ¿Era importante que el vínculo con Sober quedase sólo en la producción? ¿Qué no vean en Romeo un segundo Sober por el sonido? “No, yo creo que es imposible que la gente vea en nosotros a unos Sober segunda parte. Lo primero, porque la música de los dos grupos es muy diferente. De hecho, creo que nunca sería capaz de hacer una canción como Sober. ¡Ojalá! (risas) De momento no me ha salido ninguna igual. En definitiva creo que componemos diferente, la voz de Carlos no se parece a la mía y tampoco tiene nada que ver como toca Jorge y Antonio a como tocamos Homer o yo. Sober tiene su sello

poesía y de la literatura y me ha gustado darle un aire más complejo; que en definitiva es lo que quiero decir. Es retomar el gusto por la poesía. Siempre he pensado que las letras tienen mucha importancia”. Aunque viváis en madrid... ¿El levante y el lebeche están presentes, no? (Ndr. Son dos vientos muy típicos en Murcia, sobre todo en los pueblos costeros). “¡Sí, claro! Nosotros somos muy murcianos de corazón aunque también te digo que Murcia nos trata bastante mal. Tenemos claro que aunque nosotros seamos murcianos, Romeo es una banda plenamente madrileña. No sé, en Murcia no hemos tenido grandes experiencias y, sin embargo, los bolos que hacemos, por ejemplo, por el norte se nos dan mucho mejor que nuestra tierra. Pero sí , en nuestro trabajo hay ciertas cosas que se notan, porque se echan de menos y se reflejan en las letras , sobre todo la referencia al mar”. Y los vientos... (Ndr. reiteramos porque hay varias referencias en el álbum). “Sí, es una cuestión cultural. La parte murciana del grupo nos hemos criado cerca del mar. Y cuando te pones a pensar en cosas de tu vida pues te viene a la mente esos paisajes. Y la verdad es que estoy bastante orgulloso de que se note, ¡es la primera vez que me lo dicen! Me alegra de que se note ese matiz, porque

es una cuestión importante en las letras”. Habéis estrenado video del corte “Corazón De Tempestad”. Cuanto menos, resulta sorprendente. “Nosotros mismos estamos sorprendidos de cómo ha quedado el vídeo. Tenemos que dar las gracias a mucha gente, entre otros al equipo de grabación que se metió una zurra a trabajar increíble; desde las 5 de la tarde hasta las 10 de la mañana del día siguiente sin parar. A nuestro sponsor Charlie, que ha puesto a nuestro alcance toda clase de medios (gimnasios, boxeadores profesionales...). Y a Jorge, que también estuvo con nosotros (ha estado con todo el equipo de grabación y dirección). Cuando vimos el resultado dijimos: “¡Ostias! ¿esto lo hemos hechos nosotros?”. Y claro... ¡nosotros no! que sólo caímos encima del ring (risas). Personalmente nos ha gustado mucho, creemos que es el mejor hasta la fecha. Y sobre todo, estamos muy agradecidos a toda la gente que ha trabajado, que se ha involucrado con nosotros y que ha puesto a nuestro alcance esos medios y es algo que al final se nota”. Si, sí, encantados, pero....¿Y si os hubiese todaco pelearos a vosotros en el ring? (Risas) “¡Encantados! En la furgoneta a las manos no hemos llegado nunca pero en un grupo ya se sabe.... (risas) Somos como hermanos y si en alguno momento no se ha escapado ninguna ostia poco ha faltado” (carcajadas). Veo que en principio no teneis muchas fechas cerradas. Entiendo que en inicio tendrá que moverse primero el disco ¿no? “Pues sí, tal y como hemos comentado, y como están las cosas, nosotros no tenemos ninguna prisa. Las malas gestiones para sacar el disco y hacer giras a mansalva con intención de “petarla” se acabaron. Porque además de no llenar o vender se te queda la moral por los suelos. Ahora nos lo hemos tomado con mucha más calma. Hemos hecho los bolos con Sober por el norte, que nos han dejado acompañarles en la Morfologira y que nos ha venido genial y también, hemos estado en Pamplona con los colegas de Tracción. Tenemos alguna cosica en Murcia ,en la playa, que está pendiente de hacerse con alguna gente de allí; con los Chivos de Garnoys. Y a ver si por aquí podemos cerrar alguna cosa que tenemos muchas ganas de tocar en Madrid. Pero lo que te decía, con mucha calma y mucha paciencia, porque no estamos dispuestos a salir a tocar a cualquier precio. Preferimos quedarnos a componer en el local de ensayo ó estar con nuestros amigos. Y cuando tengamos que salir saldremos pero eso de tirarnos a la carretera y llevarnos disgustos de momento lo hemos dejado. Lo cierto es que con todo el esfuerzo que hemos hecho nos vendría bien que a la hora de tocar se nos diera un espaldarazo; pero, de momento no ha pasado. Salvo lo de Sober, en plan festivales o así, no ha salido nada. No sé, será que caemos mal (Risas). De momento no vamos a tocar en ningún sitio. Como te digo hay que tener paciencia que somos muchos grupos en España y todos queremos tocar. Hay mucha gente que se baja los pantalones lo que no favorece a los grupos ni a la calidad de los Festivales. Todos queremos subsistir y es comprensible aunque no los compartamos. El negocio no tenemos que ser los músicos sino la propia música. Quizás por ello nosotros no tenemos cabida en ciertos sitio. Aún así, estoy convencido que si el disco empieza a hacerse un poco grande saldrán más cosas”. 25

Hace escasamente nueve años, los malvados chicos de WATAIN andaban decapitando palomas por la Plaza de Catalunya de Barcelona, uno de esos típicos pasatiempos postadolescentes para integrantes de bandas de black metal. Hace escasamente un año, cuando salieron a tocar en la misma ciudad en el marco de su más reciente gira española, olían tan mal como si hubieran estado conviviendo con los cadáveres de dichas palomas desde entonces. Pero esa peste incómoda es lo que hace de WATAIN una banda honesta. Les ves delante de ti y no te entran ganas de abrazarlos, sino de huir. ¿Cuánto tiempo hace que no veíais una banda de black metal que realmente os impusiera? Probablemente desde 1991 y los años del Inner Circle. Para celebrar su obra, WATAIN presentan ahora “Opus Diaboli”, un completo DVD en el que ofrecen la experiencia para consumirla tranquilamente en casa comiendo palomitas y sin sufrir malos olores. ¿Se han vuelto dóciles estos chicos? Me parece que no, a juzgar por lo que nos dice Erik en una entrevista exclusiva para hablar de la trayectoria de la banda. Y viendo lo expuesto a lo largo de los 90 minutos de duración del DVD creo que tampoco. Texto: Sergi Ramos. Fotos: Javier Bragado

“Opus Diaboli” celebra el 13 Aniversario de Watain como banda. ¿Qué podemos encontrar en el DVD? “Bien, hicimos nuestro concierto del 13 Aniversario el año pasado en Suecia y siempre hemos sido una banda que gusta de celebrar sus propios logros. 13 años es una cifra especial para la banda en muchos aspectos y el concierto fue una ceremonia muy especial. Decidimos grabarlo y hacerlo de la manera adecuada para darle salida como lanzamiento oficial. Al final terminó convirtiéndose en más que un concierto e hicimos algo más completo, con material de toda la historia de la banda para darle un toque más especial”. Yo sigo recordando a Watain como una banda absolutamente underground, la banda de hace siete u ocho años. Sin embargo, lo que vemos en el DVD es a una banda muy evolucionada en cuanto a medios, con un show escénico muy elaborado, muy ensayada y muy profesional. ¿Miras trece años atrás y piensas ‘no se como demonios lo hemos hecho’? (Risas) “Pienso en cosas así cada día, de hecho. Cada día me sorprendo de cómo esto ha llegado hasta donde ha llegado. Ese es uno de los motivos por el que hemos decidido hacer un lanzamiento retrospectivo, puesto que nos ayuda a situarnos en el tiempo y entender lo que hemos hecho y hacia donde nos dirigimos. Hemos crecido como banda, los shows se han vuelto más grandes y creo

que esa es una de las cosas que menos me importa de disfrutar del éxito: el hecho de que las cosas se hayan vuelto un poco más fáciles. Ahora podemos hacer cosas para las que antes no teníamos medios y esa es una de las ventajas del éxito. Tener disponibles medios que antes no teníamos es algo bonito. Hemos trabajado duro para ello”. La mayor parte del público del black metal es muy protector con sus bandas. En cuanto una banda pasa el umbral del underground y tiene un cierto éxito, los fans se sienten alienados y traicionados, algo muy curioso. ¿Os está costando cada vez más mantener la credibilidad ante ese público frente el creciente éxito que estáis teniendo? “Esa es una de las cosas que veo como un mayor reto para Watain. Quiero poder probar que es posible tener éxito como banda de black metal a la vez que mantienes tu espíritu y tus principios. Es algo que siempre ha sido una rareza en la historia de la música, no solo del metal. Habitualmente, cuando una banda consigue cierto nivel de éxito, vende todos sus principios y eso no debería ser así. Creo que depende de muchas cosas, entre ellas tu perspectiva artística. Nosotros hemos tenido una perspectiva muy distinta a la de otras bandas desde el principio y nunca hemos sido una entidad muy ordinaria. Por eso creo que aun podemos mantener nuestro aura a la vez que disfrutamos de cierto éxito. Lo pien-

so a menudo, pero sigo sintiéndome muy confiado en lo que somos y en lo que estamos convirtiéndonos.” Actualmente, de vuestro management se encarga Per de Versity Music, pero recuerdo que hasta hace 4 o 5 años tu mismo estabas ocupándote todavía de la contratación de conciertos de la banda y del management de las actividades habituales. ¿Sigue siendo todo igual? ¿Sigues encargándote de todo o has delegado ciertas responsabilidades para poder dedicarte mejor a la música y a la misión de Watain? “Todos nosotros trabajamos con la banda día a día, no tenemos otro trabajo. Es algo muy beneficioso para poder tener una gestión implicada y fructífera. El error que mucha gente comete es permitir que demasiada gente externa tenga voz y voto sobre las actividades de su banda. Nosotros tenemos a la gente adecuada a nuestro alrededor. Soy una persona que no sabe delegar demasiado. Por mucho que tengamos una agencia de contratación o un manager yo no puedo quedarme parado esperando a que me hagan las cosas. Es como funciono”. Cuando vi a la banda en Barcelona hace un año, en la sala Mephisto, una de las cosas que me hicieron darme cuenta de lo auténticos que siguen siendo Watainfue el olor que desprendíais desde el escenario. Era, por decirlo finamente, absolutamente putrefacto. ¿Lo hacéis a propósito o sencillamente es muy

costoso lavar la ropa de directo cuando estáis de gira? “Eso tiene un significado. Una de las ideas por las que empleamos esos olores en el show es porque queremos llegar a todos los sentidos de la gente que hay en el concierto. Queremos que recuerden algo, no solo lo que ven o lo que escuchan. El olor putrefacto va de la mano con nuestra música y si oler así nos permite penetrar donde nuestra música o imagen no penetran, mejor que mejor”. Dados los sacrificios que implica tener una banda en tiempos actuales, especialmente dentro de un estilo tan underground ¿hay momentos en los que dices ‘al cuerno con todo’ y te planteas dejarlo todo? “No se… creo que todos tenemos esos momentos, especialmente después de tanto tiempo en la banda. Pero se ha vuelto casi imposible, lo cual está bien. Nos dijimos al principio que, si poníamos esta banda en marcha, eso iba a cambiar quienes éramos, iba a cambiar la manera en que vivíamos hasta la fecha e iba a cambiar nuestro entorno. Todas nuestras prioridades serían cambiadas por una sola, la banda. Es muy complicado cambiar eso ahora. Llevo viviendo así los últimos trece años y no le veo un final a esto. No hay nada más que me interese excepto seguir adelante con Watain. Las otras opciones me parecen muy vacías. Tendría que estar en una situación personal muy extrema para tener que plan27

Revolve

tearme realmente dejar esto. Considero lo que tengo un regalo y sería una locura dejar esto atrás”. ¿Qué clase de sacrificios, pensando en profundidad, has tenido que llevar a cabo para hacer de Watain lo que son hoy en día? “Todo el que quiere dedicarse a la música y tener una banda ha de realizar sacrificios y nosotros no somos la excepción. Eso significa vivir con muy poco dinero, entre otras cosas. Más alla de eso, WATAIN es una banda diferente de otros grupos de rock. Principalmente, porque vivimos una vida fuera de la sociedad. Me sentiría un hipócrita si estuviera en WATAIN cantando sobre lo que canto y luego llevara una vida normal al margen. Siempre he dicho que si hacemos esto, también tenemos que vivirlo. Vivimos alejados de lo que la mayoría de gente considera “seguro” o “estable”, como tener un apartamento, tener un horario estable de trabajo o cosas por el estilo. Es nuestra elección, pero nos consideramos por ello más liberados que la gente que nos rodea”. ¿Tu familia y amigos cercanos entienden lo que haces en la vida? “Creo que no hay una persona sobre la tierra que lo comprenda, para serte honesto”. ¿Te hiere a nivel personal o es parte de la belleza de lo que haces? Ya sabes, ser un outsider, un incomprendido social… “Hiere, en cierto modo, pero nadie pen-

saba que el camino que he elegido no iba a doler. A la vez, ese dolor es una fuente de inspiración. Intento no pensar mucho en esos aspectos de mi vida, intento centrarlo todo en mi trabajo y en la banda”. ¿Consideras que los miembros de Watain dependéis unos de otros? Podría decirse que sois lo único que tenéis en la vida. La banda y vuestra trayectoria como músicos que forman parte de ella. “En cierto modo si. Creo que eso es lo que ha hecho de WATAIN una hermandad más que una simple banda. Tenemos más cosas en común con una banda de motoristas que con una banda de black metal”. Recuerdo una entrevista que hiciste con una web sueca, hace años, llamada Global Domination. Durante toda la entrevista estabas totalmente empeñado en mostrar una personalidad dura,

antisocial y transgresora, casi de una manera forzada o exagerada, aunque quizá te sentías así ese día. Pero vamos ¿crees que parte de lo que haces como miembro de Watain es un simple personaje? ¿O eres “Erik de Watain” veinticuatro horas al día, siete días a la semana? “Es difícil decirlo. Lo que hago en WATAIN está basado en mi persona, pero me he intentado alejar de la persona que era desde que estoy en Watain. No pienso como pensaba, ni veo las cosas como antes. Mi yo previo no es el mismo que el yo actual, aunque el actual esta basado en el anterior. Siempre tengo cuidado de no dejar que cosas irrelevantes afecten a Watain. Creo que Watain merece respeto y consideración”. ¿Crees que hay alguna banda de black metal actual que tenga el mismo ni-

vel de autenticidad o sinceridad que Watain? ¿Crees que hay un montón de fakers en este estilo? “Cuando pienso en bandas que se parecen a Watain en cuanto a principios no observo exactamente la escena de black metal. Lo único que tenemos en común con las bandas de ese estilo es que compartimos una tradición musical determinada, pero en lo demás creo que somos muy diferentes. La manera en que trabajamos y la manera en que vivimos es distinta. Pienso que tenemos más en común con GG Allin o bandas de los ’60 o los ’70 como los Doors o Hawkwind, bandas que vivían como un grupo, aislados de la sociedad, que trabajaban juntos y eran auténticos outlaws que respetaban un determinado espíritu. Eso es algo que no se encuentra en la escena black metal, créeme. La escena del black metal consiste de gente muy vacía, realmente. Gente que no ha encontrado su camino aún”. Muchas bandas de black metal tocan esa música porque es controvertida o porque buscan proyectar una cierta imagen, pero no por creencias personales ni por un sentimiento real. Gente como GG Allin, independientemente del estilo musical, era GG Allin continuamente. “Exacto. Eso es lo que tiene sentido para mí en una banda de rock. Eso es lo que son WATAIN para mí y no veo ninguna otra manera de enfocar la carrera de esta banda que no sea esa”.

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Cuando el black metal está en una época de clichés y discos de andar por casa (1991 queda lejos, ya) siempre se puede confiar en los más viejos del lugar para poner las cosas en su sitio. Eso hacen MARDUK con “Serpent Sermon”, su nueva obra, y para escuchar y departir en exclusiva con la banda, REVOLVER se marcha a Estocolmo. ¡Una exclusiva marca de la casa! Texto:Sergi Ramos - Entrevista: Sergi Ramos / Roberto Villandiego Es febrero, estamos en Estocolmo…y esto es Jackass. No, pero bueno, como si lo fuera. Si alguna vez habéis ido a Estocolmo en época invernal sabréis lo miserable que puede llegar a ser la vida allí. Por todo su salario interprofesional, sus garantías sociales y su envidiable sistema educativo, Suecia no tiene el clima más idóneo en lo que vienen a ser los meses que van de octubre a mayo. Para salir a la calle hay que salir con cadenas, prácticamente, y aunque la estampa siempre es bonita, cuando estás acostumbrado a caminar sin deslizarte, puede llevarte algo de tiempo acostumbrarse a la realidad sueca. Y eso de que son tan civilizados…habría que verlos 30

borrachos en un McDonalds un viernes a altas horas. Con ese precedente en mente, sentarse en un bar a cenar con MARDUK y a escuchar su nuevo disco no es tan complejo como pueda parecer. Es más, es hasta una experiencia enriquecedora. La conversación durante la cena giró en torno al veganismo y tuvo su momento álgido en este punto: Marduk: “Es que claro, imagínate que estás con una tía vegana, te está comiendo la polla y te corres en su boca. Es algo de origen animal, tendría que escupirlo si o si”. Periodista europeo indeterminado: “Tienes razón. Es que ¿hay alguna alternativa vegana al semen?”.

Marduk: “Errr…la orina.” Justo en ese momento llegaba la camarera con fantásticos platos de carne y cosas que no sabría decir muy bien que eran pero que no llegué a vomitar al día siguiente, así que asumo que eran comestibles. Poco antes habíamos estado en el sótano de ese mismo restaurante, acondicionado como un bar ligeramente tenebroso (el baño era digno de ver, con ataúd que se abre y luces que fallan incluidas, además de la música tétrica como hilo) y allí habíamos podido hincar el diente a “Serpent Sermon”, la nueva obra de una banda que pese a llevar con el mismo concepto y estilo casi dos décadas aún parecen encon-

trar maneras de decir las cosas una vez más sin ser cansinos.

BLACK METAL EN LA SOBREMESA DE SÁBADO

La banda introduce el playback del disco explicándonos que no es una mezcla final, que aún faltan las secciones de cuerda y los coros femeninos. Aluden seriamente a que el título será “Golden Ballads 12”. Por suerte, el disco comienza a toda tralla con un tema llamado “Serpent Sermon”. Blastbeats por doquier para demostrar que MARDUK son parte de la razón por la que el black metal como tal existe en la forma que existe hoy en dia. “Ascend!” grita Mor-

tuus al principio, como si fuera un grito de guerra (que lo es). No es que vayan a romper las barreras tradicionales del black metal de corte más escandinavo con este nuevo disco, eso queda bastante claro en el primer tema. No obstante, la fidelidad con la que MARDUK interpretan a MARDUK desde el segundo uno, por así decirlo, es envidiable. Atmosféricos y crudos a partes iguales. Una letra sin desperdicio, también: “Guideless doctrine turned into teaching…on how to love the lie”. Quien necesite pistas… El segundo tema, “Messianic Pestilence” es como chocarte de frente con tu bicicleta contra una excavadora Caterpillar. Lo más destacado –más allá del intestinalmente conmovedor trabajo de bombo de Lars Brodesson- es la fuerza con la que Mortuus dota a las partes vocales, especialmente en los intermedios, cuando canta “The old laud of life has failed, Newer rites of Death prevail”. Montserrat Caballé vomitando mientras le retuercen el moño no podría ser más brutal ni aunque lo intentara. “Souls for Belial” es casi tan violenta como una reforma laboral del PP. Bueno, no, quizá no tanto. Pero le anda a la zaga. Agresión irreprimible contenida en apenas tres minutos y pico de descenso a los infiernos del metal. El contraste entre el riff casi doom del inicio y la parte central y la velocidad indecente del resto de la canción es el elemento diferencial en este caso. Más variada y desarrollada es “Into Second Death”, con algunas revoluciones menos y un toque más atmosférico y ambiental en los riffs de Morgan Steinmeyer, quien llena el sonido como solo él sabe hacer. La pregunta más lógica que uno puede hacerse a estas alturas, casi ocho años después de su salida de la banda es ¿dónde está Legion? El apocalíptico final que propone Mortuus en este tema te hará olvidar la pregunta. En “Temple of Decay”, la banda hace gala de su lado más contenido, lo cual multiplica la agresión musical por diez. La contundencia manda y la letra no permite sentarse a bostezar . Es un tema denso tanto como “Damnation’s Gold” es una pieza acelerada con un riff sanguinario de la vieja escuela, un tema que podría haber estado formando parte de “Panzer Division Marduk” o cualquier otro disco de hace más de una década. Nuevamente, un tema largo y desarrollado, con muchos cambios de ritmo y mucha variedad de ambientes. El riff de Morgan es rabia pura, pero lo distintos registros de Mortuus a lo largo del tema son lo que le dan profundidad al resultado final. Un tema ideal para el directo, casi suculento para mostrar la diferencia de estilos que –dentro del black metal más puro- MARDUK pueden demostrar en una sola canción. “Bail Mary (Piss Soaked Genuflexion)” es un tema que suena y lee como su propio nombre indica. Una de esas canciones que, si se la haces escuchar a una monja, le provocas una combustión

espontanea, si se la pones a un cura se le pica el vino de misa y si la escucha Rouco Varela, consigue que el gobierno prohíba el black metal bajo pena de fusilamiento. “Bail Mary, Full of Grace / In Sacramental Urine Praise / The Lord is With You, Alleluja / Ravenous Phalluses Digging Deep” reza la letra. Pues eso. ¿Oís ese ruido? Es el rechinar de dientes de vuestro párroco más cercano. “M.A.M.M.O.N” no se si es un tema inspirado en el lenguaje de Cervantes, pero como acrónimo es entretenido. Aquí si que la banda opta por el black más casposo y esperable – y lo digo en el buen sentido, porque dudo que nadie espere otra cosa de MARDUK en pleno 2012. Lo mismo sucede con “Gospel of the Worm”, un tema rápido, breve, directo a tu yugular, aunque un poco más de relleno respecto a la espectacular primera mitad del disco. La cosa finaliza con “World of Blades”, un tema caótico, ruidoso, con múltiples cambios de ritmo y un Mortuus que se deja llevar por su registro más gutural y estomacal. Canta: “And Upon Fired Poles of Guilt and Death / Shall My Anthems Thunder / Revealing the Splendour of the New Law / …And The Coming of the New Lord”. Si esto no es una declaración de guerra, no se que es. Si tuviera que decidirme por una comparación, diría que es un disco superior a “Wormwood” y a “Rom 5:12”. Sin ser malos discos, eran más irregulares y algo faltos de la dirección más marcada que tiene este, así como de la variedad de planteamientos musicales. Las partes más progresivas en canciones como “World of Blades” nos dejan en un punto del desarrollo musical de MARDUK en el que no es fácil saber hacia donde tirar en el futuro. El bajista Magnus “Devo” Andersson hace dibujos a lo largo de todo el disco que le aportan un protagonismo no tan destacado en trabajos anteriores, mientras que Morgan sigue siendo el alma incontestable de la banda, aunque dejando que el protagonismo se reparta con más equilibrio.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO

Tras las primeras tres cervezas, para poner las cosas en su sitio, nos sentamos a hablar con un Mortuus algo parco en palabras. No parece muy centrado en la entrevista –ni en ningún otro aspecto de la vida terrenal- pero al final conseguimos sacarle un discurso mínimamente coherente. ¿Cómo habéis grabado éste disco? ¿Cuál ha sido el proceso? “La verdad es que, de cara a este disco, teníamos el plan de entrar al estudio mucho tiempo antes de anunciárselo a la gente, porque al final siempre nos vemos en la misma situación: lo hacemos todo en el último minuto y siempre hay cosas que pensamos que podemos mejorar. En ésta ocasión decidimos ir trabajando y anunciárselo al mundo cuando todo estuviera listo. Obviamen-

te el plan ha fallado y estamos en la misma situación de siempre haciéndolo todo a última hora. ¿Pero cual era la pregunta?” Lo del proceso de grabación y tal… “Entramos al estudio en otoño, en octubre si no recuerdo mal. No entramos con un disco acabado, más bien con un 50%. Pero acabamos el resto sobre la marcha”. ¿Llevabais al menos una demo? “Tenemos cierta pre-producción, por así decirlo. Intentamos tener la mayoría de temas encauzados en una grabación a la que luego damos forma, en lugar de regrabarlo todo. Así es como solemos funcionar”. Tanto MARDUK como la mayoría de bandas de black y death metal se encuentran fuera de su hábitat en el estudio. Es música muy enérgica y brutal y hay que ser muy bueno para transmitir correctamente esa agresión en un entorno tan estéril como el estudio de grabación. ¿Os suele costar esa parte? “A menudo nos preguntan si necesitamos estar en un cierto estado mental cuando grabamos en el estudio. La realidad es que no. El estado mental con el que vamos a grabar es mecánico. La emoción siempre está en la parte de la composición, no en la de la grabación. No nos planteamos mucho el cómo hacer las cosas en el estudio, sino en el local de ensayo”. Cuando grabas estás ante un micro fijo de estudio típico o intentas darle una dimensión más de directo moviéndote y agitándote como si estuvieras sobre un escenario? No se puede uno sentar en una silla y cantar black metal. “Mas o menos…nunca me he imaginado sentado o parado de pie ante el micro cantando estas canciones. Si me vieras en el estudio, probablemente te recordaría más a una situación de directo, sin duda.” Ya han pasado ocho años desde que entraste en la banda como vocalista. Hubo una época en la que la gente decía “sin Legion no hay MARDUK”. ¿Crees que te han aceptado ya los fans? ¿Sigues encontrándote con gente fanática que no te acepta? “Mi única respuesta es que sigan viendo American Idol. No estamos compitiendo en esto. Mi idea no es ser mejor que el vocalista previo, no es a lo que me dedico. Tengo un mensaje que dar con mis canciones, con mis letras y estoy aquí para expresarlo de la manera que merece. No pienso en lo que la gente opina de mi”. ¿Has tenido alguna conversación o encuentro con Legion después de entrar en MARDUK? “Si, pero realmente nunca hemos hablado de la banda”. ¿Te respeta como su cantante, no obstante? “No tengo la menor idea. No lo se y no me importa demasiado, a decir verdad”. Nada más salir el disco, os largáis de

gira a Estados Unidos. ¿Qué otros planes de gira tenéis en ciernes? “Si, nos vamos de gira en breve. De hecho, nos iremos a Rusia en primer lugar, luego vamos a Bielorrusia y de ahí nos vamos a Estados Unidos y Canadá poco después. En Agosto nos vamos a Brasil y Argentina, si no recuerdo mal, y en septiembre comenzaremos una gira europea que nos llevará hasta finales de octubre, haciendo unas cuarenta fechas en Europa. Tenemos muchas cosas en cartera”. 2011 también fue un buen año para MARDUK, sin duda. “Tocando el estilo de música que tocamos, tan fuerte y brutal, lo mejor es interpretarla en directo. Es la mejor manera de probar nuestra valía en este campo”. En “Serpent Sermon” hay ciertos elementos novedosos, como por ejemplo en el sonido de la guitarra. ¿Habéis hecho ese cambio de manera consciente? “Para nosotros es importante que la creatividad fluya, incluso si eso significa ir modificando nuestro sonido ligeramente en cada disco. Intentamos conseguir un sonido muy potente que refleje el espíritu de la música. El nuevo disco es más directo, no tiene muchos overdubs, se grabó muy rápidamente en el estudio, y quizá eso contribuye a que suene más primitivo. Incluso las letras son más primitivas que en “Wormwood”. Simplemente nos mentimos en el estudio y le dimos a grabar, sin pensar mucho en las consecuencias” (risas). ¿Es un disco más profundo, en comparación con “Wormwood”? “Cada disco debe ser valorado independientemente, pienso. La gente siempre los va a compara y yo lo entiendo. Pero ponemos la misma energía en cada disco.” El sonido está más evolucionado. Quizá es simplemente una cuestión de la dos guitarras. “No sabría decirte. Para nosotros es un paso más en nuestra carrera por avanzar como músicos. La energía fluye y nosotros le damos la forma que consideramos.” “Into Second Death” y “World of Blades” son los temas que más me han impresionado. ¿Qué me puedes contar sobre ellas? “No puedo decirte nada en particular. Simplemente son canciones del disco, con la misma importancia que cualquier otra. Cada persona necesita escucharlas y sacar sus propias conclusiones”. ¿Es difícil mantener ciertos conceptos líricos, como el del satanismo y el del lado oscuro, después de veinte años al frente de la banda? “Nunca nos ha costado. Creemos en nosotros mismos y las letras salen solas. Simplemente canalizamos lo que sentimos a través de esas letras. Estoy orgulloso de todas, porque todas son distintas. Todas tienen una energía y poder distinto”. 31

Puede ser que A TEMPERED HEART están sacando su primer disco pero no son nuevos en esto. Sus componentes llevan ya peleando muchos años y saben que para lograr algo en la música hay que batallar hasta el final. Sus armas en este caso son las diez canciones que componen ‘An Eerie Sense Of Calm’, un sensacional y reflexivo álbum repleto de melodías que no dejará indiferentes a los amantes del doom o el gótico. Con JOSEP (bajista) mantuvimos una amena charla en la cual nos dimos cuenta de que tienen las cosas muy claras. Texto: Roberto Villandiego

Quiero que me expliques el título del álbum, que es un poco raro. “Pues ‘An Eerie Sense of Calm’ significa “una extraña sensación de calma”. Eerie es inglés antiguo porque quedaba un poco mejor, y refleja un poco la sensación que te deja en el cuerpo el disco e incluso con la portada también hemos querido reflejar un poco eso. Las letras del disco hablan de sensaciones, sentimientos. Son letras muy oscuras pero buscando siempre un destello de luz, como dando a entender que no está todo perdido. Cuando escuchas el álbum es lo que te deja, una extraña sensación de calma porque no está todo perdido ni es todo negativo”. Una de las primeras cosas que llaman la atención son las melodías de los estribillos. No sé si habéis hecho especial hincapié en esas partes, en que quedaran bien trabajándolos mucho. “Nuestro método de trabajo es ir grabando la canción, escucharla veinte veces y vemos qué podemos cambiar. Vamos jugando con ella y a lo mejor pasa por 20 estados hasta que quedamos contentos. Intentamos exprimir la canción a tope, darle una vuelta de tuerca para no ser como la mayoría de grupos. No queremos ser sencillos, eso lo tenemos claro. Lo bueno es que hay muchísima gente que nos está diciendo que en la segunda escucha sigue descubriendo cosas y eso es porque tiene cantidad de matices y de detalles que a lo mejor en la primera escucha pasan desapercibidos pero que a medida que te vas adentrando te van impactando”. Pues yo ese impacto lo tuve en la primera escucha. A ver, el disco en líneas generales me ha recordado mucho a Paradise Lost, pero hay algunos dibujos de guitarra que me han recordado a Metallica. “Pues nunca nos lo habían dicho. Nos habían comparado con cincuenta grupos pero con Metallica jamás, y es un piropo (risas). Con Paradise Lost sí que nos han comparado porque si hay algo que nos une a los cuatro es eso. Cada uno tiene sus gustos y a todos nos gusta el Doom y el Gothic pero si tuviésemos que buscar un grupo que nos una a los cuatro sería Paradise Lost. Para nosotros es EL GRUPO”. Sí que suena un poco el disco al ‘Draconian Times’, al ‘Icon’. Quizás no tan pesados. “Sí pero es todos los discos de Paradise Lost tienen algo especial. Sería como preguntarnos “¿a qué hijo quieres más?”. Para nosotros es una referencia”. Supongo que la gente más joven, cuando lo escuche, enseguida lo relacionará con bandas más “modernas” como HIM. “Es posible pero no creo que seamos comparables con HIM o 69 Eyes. Que te etiqueten es lo más normal del mundo porque es la manera más rápida de explicar a qué suena un grupo. A ver, si nos

comparan con HIM también está de puta madre”. Pues a mí sí que hay algún detalle que me ha recordado a Metallica (que por otro lado, siempre se lo he visto también a Paradise Lost). Es cierto que yo soy un poco de sacar punta, así que en ningún momento estoy diciendo que la banda suene a ellos. “Te entiendo. También hemos mamado Metallica desde siempre. Les vi en el Sant Jordi en el 92 con 14 años así que imagínate (risas). De los grandes siempre hay que aprender.” Lo que diferencia éste disco de la maqueta, a parte obviamente de la extraordinaria labor de David Martínez a la producción, es que pasáis a ser cuarteto. ¿Cómo ha influido eso a la hora de componer o cómo influirá en las presentaciones en directo? “En ese sentido no ha habido ningún problema porque las canciones están compuestas con dos guitarras y en directo jugamos adaptando las canciones un poco, con la saturación de bajo, con los samplers, con lo cual no queda vacío. También te digo que estamos trabajando con un guitarra que, en la medida que sea

Llevan desde los 90 tocando juntos y con conciben el tocar el uno sin el otro. Son un pack. Angel por ejemplo dice que sin su hermano no toca. Han tenido ya varios grupos y han tocado por separado pero no pueden, no se sienten cómodos. No son como mi hermano y yo. Tocábamos juntos en Rain y con él sí que… madre mía” (risas). Ahora que los mencionas. ¿Qué pasó con Rain? ¿Por qué lo dejasteis? “Pues lo que pasa con la mayoría de grupos hoy en día. Cuando ves que todo el trabajo y todo el esfuerzo no da el fruto que esperas te acabas cansando. Santi y mi hermano, que eran el alma de Rain, llegaron a un punto en el que no aguantaban más y decidieron dejarlo cuando cumplieron diez años”. Es una pena porque recuerdo que ‘Pura Sangre’ me pareció muy bueno. “Yo entré para la gira de ese disco y ya me quedé durante los tres últimos años con ellos. Es un discazo pero no tuvo ningún apoyo. Estuvieron a punto pero les faltó un empujón para ponerse al nivel de unos Saratoga o grupos así. Cuando ves que no das el salto y que van pasando los años al final el cansancio se nota”.

“Si tuviésemos que buscar un grupo que nos una a los cuatro sería Paradise Lost”. posible, nos acompañará en directo. No será un miembro fijo pero nos ayudará en todos los conciertos que sea posible. Aún así, no tenemos problemas en tocar como cuarteto porque seguimos sonando muy bien y siendo muy cañeros aún con una sola guitarra”. Me gustaría un poco entrar en cómo componéis. Julio es el que asume las labores de composición pero supongo que serán las ideas básicas y luego curráis todos en las canciones. “De hecho, el grupo es empezó como una idea de Julio. Eran sus canciones y los temas del “Borning for a morning caos” eran suyas. Luego empecé a coger el rol de compositor y ahora mismo somos Julio y yo los que componemos todo. En este disco hay seis canciones que ya iban en la maqueta y las nuevas están equilibradas y al final han quedado nueve suyas y una mía, aunque hiciésemos otras seis entre los dos. En los siguientes discos estará más repartida la composición porque nos repartimos el peso entre los dos”. Ahora, entre tú y yo… ¿Cómo se llevan los hermanos? (Ndr. Julio y Ángel, guitarra y batería, lo son) “¿Los Madueño? De puta madre (risas).

Pero esas cosas también se pueden utilizar. En tu caso por ejemplo es una experiencia que puedes aplicar en A Tempered Heart. Un exceso de ambición también puede ser un problema. En vuestro caso el planteamiento sería que habéis hecho un gran trabajo pero que lo mismo van las cosas un poco lentas. “Es que así hemos planteado el grupo. Sabemos que es imposible que un grupo, con un primer disco, meta un pelotazo. Esto es como una carrera de fondo. Este disco es para ponernos en el mapa y si suena la campana de puta madre pero sabemos muy bien para lo que va a servir. Si con el segundo subimos un peldaño y con el tercero otro más grande pues de puta madre. Lo que no podemos hacer es comernos la cabeza porque las cosas no están fáciles. Ya podemos estar agradecidos del salto que hemos dado porque tener el apoyo ahora mismo de una discográfica es bastante difícil. Con Avispa estamos además súper contentos porque están haciendo un trabajo impresionante. El equipo humano es muy bueno y estamos muy contentos, pero somos conscientes que esto no es sacar un disco y vender “nosécuántas” mil copias o cerrar

una gira de 100 conciertos. Ahora es cuestión de tener los pies en el suelo, de tener paciencia y de trabajar para hacer las cosas bien”. Estamos hablando de Rain pero no es una referencia válida de cara a decir cómo suena A Tempered Heart, porque el sonido es totalmente disco. Lo que no sé es si Poetry sí lo es porque no les tengo tan localizados. “Poetry sí era una banda de Doom Metal pura y clásica. Cuando sacaron ‘Catharsis’ yo me volví fan pero no les conocía personalmente. Es lo que te decía antes, el nexo de unión de A Tempered Heart es el Doom y Poetry ha sido una banda referente de ese estilo en España. Con respecto a lo de Rain es cierto que no sirve como referencia. Ahí yo era simplemente el bajista. De hecho, escucho Metal, pero lo que es Heavy… yo siempre he tirado a otros estilos”. ¿Cuántas veces os han preguntado por lo de cantar en inglés? “Pues bastantes (risas). Es que con la música que hacemos no creo que las letras en castellano funcionasen igual. A Jordi también le ha gustado siempre cantar en inglés y creo que se expresa mejor y para este tipo de música el vocabulario es más fluido. A parte, no nos vamos a engañar, puedes llegar a un público mucho más amplio. Entre tú y yo, cuando hemos visto que las cosas no han avanzado nos hemos planteado el cantar en castellano e, incluso, en catalán. Ahora ya no nos lo planteamos pero sí que hubo un momento en el que nadie nos contestaba y pensamos incluso hacer tres versiones, en los tres idiomas, para abrir el abanico de posibilidades. Al final se quedó en palabras”. Oye, esto lo voy a publicar aunque me hayas dicho que se quedaba entre tú y yo (risas). “Me cago en la puta (risas). Ahora estos me matan” (carcajadas). Pues a mí me parece bien que os lo hubieseis propuesto. “Ya te digo que lo propusimos pero luego nos dimos cuenta de que el idioma, para el grupo, es el inglés. Jordi, que es quien hace las letras, es donde mejor se siente”. Lo mismo las letras en español perderían un poco el misterio. Por ejemplo, un tema como “Garden Of Doom” al traducirla no sería igual. “Es que es diferente pero pasaría lo mismo si las hubiésemos hecho en alemán. Sí que es cierto que si leyeses las letras en castellano quedarían totalmente distintas e, incluso, darte un punto de vista diferente porque en las letras jugamos mucho con los dobles sentidos. Mira, en “Garden Of Doom” puedes hacer un símil entre un jardín y el interior del ser humano, porque el jardín tiene las malas hierbas y nosotros los sentimientos. Eso si lo tradujésemos al castellano quedaría diferente. Cambiaría el simbolismo”.

Desde que se anunció que GUS G iba a ser el nuevo guitarra de OZZY OSBOURNE (sustituyendo a Zakk Wylde) la vida del griego dio un giro de 180º. Sin embargo, lo que no hizo el guitarrista fue abandonar FIREWIND, su propia banda. Quizás hubiese sido lo sensato, dejarla en el dique seco una temporada, pero no ha sido así y, siempre que puede, saca tiempo para reunirse con sus compañeros. En este caso lo hizo para crear ‘Few Against Many’, álbum que centra la conversación con el guitarra al que se le sigue notando igual de humilde. Junto a él, además, hemos repasado un poco lo que está siendo la experiencia de tocar junto a uno de los vocalista más grandes del Heavy Metal. Texto: Roberto Villandiego

Tengo la sensación de que hablamos hace realmente poco. “Dos años o así ¿no?” Sí, cuando editasteis ‘Days Of Defiance’ pero tengo la sensación de que fue ayer. Supongo que a ti te habrá pasado lo mismo en vista de lo ocupado que has estado. “Sí, el tiempo vuela. Es algo en lo que pienso constantemente porque cuando lo he hecho me he dado cuenta de que he hecho un tour enorme con Ozzy alrededor del mundo, volví e hice otra gira mundial con Firewind, después un disco nuevo... Realmente es divertido que el tiempo vuele algunas veces y estar ocupado todo el tiempo. Normalmente es algo a lo que 34

no le prestas atención pero si no lo hubiese hecho me habría perdido lo que han sido los últimos tres años o cuatro de mi vida por lo rápido que han pasado”. Recuerdo que me comentabas que no querías tampoco perderte nada con Firewind. Es decir, me dijiste que sabéis que ibas a estar ocupado con Ozzy pero que no querías dejar apartado Firewind. ¿Fue complicado para ti estar en las dos bandas con el estrés que supone a estar de gira con una mega estrella como es Ozzy Osbourne? “Al principio sí que fue un poco estresante porque no sabía cómo iban a funcionar las cosas. Siempre que tenía algún hueco libre con Ozzy hacía un par de conciertos

con Firewind pero tenía que ser todo muy rápido porque no podía estar haciendo dos tours mundiales al mismo tiempo, así que tuvimos que esperar a que terminase el tour de Ozzy para poder salir nosotros. Para mí también estuvo bien porque me enseñó a ser más paciente. Significaba un cambio muy importante en mi vida y necesitaba asumirlo. Que te elija Ozzy es un compromiso muy grande y quería disfrutar mucho esa gira y al final han sido los dos mejores años de toda mi vida. Después de hacer esa gira volví a girar con Firewind y estuvo muy bien porque, aunque todavía no teníamos nuevo disco, reconectamos con nuestros fans y después de eso, el paso lógico era volver al

estudio y hacer un buen nuevo trabajo”. Tu vida ha cambiado muchísimo, pero ¿qué ha supuesto para el resto de la banda? Apollo Papathanasio (vocalista) hizo un disco con Spiritual Beggars pero supongo que el resto está un poco supeditado a tus planes. “Quizás esa ha sido la parte más difícil de todo esto. Es jodido llegar y decirles “hey tíos, que voy a estar año y medio fuera”, pero era algo que tenía que hacer. Hubo un momento en el que desestabilizó un poco al resto y hubo algunas turbulencias entre nosotros porque los muchachos no estaban seguros. Por supuesto confiaban en lo que les había dicho porque saben que yo soy un tío que mantiene su

palabra siempre pero, claro, ellos tenían sus preocupaciones. Por eso intenté que funcionara y al final pasó lo que les había dicho que iba a pasar; volví del tour con Ozzy y volvimos a trabajar juntos de nuevo. Al mismo tiempo ellos fueron haciendo otros proyectos y otras cosas hasta que volvimos a reunirnos”. ¿Estuviste escribiendo canciones y haciendo demos mientras estuviste de gira con Ozzy o esperaste a estar con el resto para prepararlas y hacerlas juntos? “La verdad es que en este se han involucrado menos. Obviamente Apollo ha hecho casi todas las letras pero para lo que es la música tenía casi todos los riffs. Los fui preparando y componiendo durante los días libres que tenía en la gira de Ozzy aprovechando que llevaba todas mis guitarras conmigo. Hubo un día en el que me di cuenta de que tenía un montón de ideas y que necesitaba grabarlas para empezar a hacer demos para ver qué coño podía sacar de ahí. Al final tenía unas seis o siete demos que podían convertirse en buenas canciones así que empecé a mandárselas al resto por e-mail. Después Bob (Katsionis, teclista) y Apollo aportaron un par de ellas más y empezamos a currar

en el resto de esa manera pero ya con un punto de partida”. ¿Crees que el haber estado tocando canciones clásicas de Ozzy te ha influido? Tengo que reconocerte que he notado ese tipo de riffs en vuestro nuevo álbum, ese estilo. “La influencia de la parte más pesada está ahí, obviamente, y creo que es un proceso muy natural. Durante los dos o tres últimos años he estado tocando con él y realmente es cuando redescubres a esos guitarras o te aprendes de nuevo el material más antiguo o lo analizas de otra manera. Creo que ha influido, eso sí, mucho más en lo que es la perspectiva de las guitarras a lo que es la música. ¿Sabes a lo que me refiero? Lo que sí que me pasó es que me metí en una búsqueda interior porque quería saber qué me hacía especial para que Ozzy me hubiese pillado a mí. ¿Cuáles son mis cualidades como músico? Me hice a mí mismo esas preguntas y creo que eso me ayudó y me inspiró a escribir este material”. Me parecen reflexiones muy profundas. ¿En algún momento has sucumbido al estrés y has necesitado parar para plantearte todas esas cosas? Han sido un par de años muy movidos y lo mismo necesitabas también parar. “¿Parar el qué? Precisamente si he tenido tiempo para reflexionar ha sido porque he tenido un montón de tiempo libre durante la gira (carcajada). Ozzy solo tocaba durante tres días a la semana y el resto estaba en hoteles de estos cojonudos haciendo… ¡nada! (risas). Siempre tenía la guitarra a mano y ha sido un gran cambio en mi vida y me preguntaba todo ese tipo de cosas”. Claro, sabes qué pasa, que yo estoy en Madrid y soy un mindundi y, aún así, estoy liado (risas). No me quiero ni imaginar lo que debe ser la vorágine de estar metido en una gira mundial con Ozzy, viajando de un lado para otro del mundo y lo apretada que debe ser tu agenda. “Pues aunque te sorprenda no ha habido ningún estrés durante la gira. Ha sido la gira más tranquila que haya hecho en mi vida. Fue muy sencilla. De lo único que me tenía que preocupar era de subirme a tocar la guitarra al escenario. No me tenía que preocupar de nada más. Lo que sí hice fue aprovechar ese tiempo para redescubrirme a mí mismo, para redefinir mi sonido y encontrar lo que me hace un guitarra especial. Es muy difícil juzgarte a ti mismo muchas veces. Es complicado dar un paso atrás y ver quién eres porque no es algo en lo que piensas cuando tocas y creo que todo eso me ayudó para hacer las nuevas canciones de Firewind. Creo que fue algo que me inspiró porque me hizo volverme mejor guitarrista”. Vamos a empezar a hablar de ‘Few Against Many’. Para la portada habéis vuelto a trabajar con Gustavo Saces (www.abstrata.com). “Así es. Ha hecho nuestros dos últimos discos y hemos vuelto a currar con él porque es muy bueno en su trabajo y entiende a la perfección a la banda”. ¿Le disteis vosotros las ideas? “Sí. Esta vez quería una portada muy oscura. Quería que hubiese sólo un color predominante y que este fuera o bien el negro o bien otro oscuro. Tenía la idea de las banderas rollo japonesas, como inspirado en las películas de Kurosawa, y luego él me enseñó unas fotos de la estatua que había hecho en Portugal, creo, y me gustó mucho esa combinación de elementos porque la estatua por ejemplo parecía griega. La verdad es que me encanta la portada”. Con ‘Days of Defiance’ hablamos de que había un mensaje un poco “político”

detrás y con ésta parece más evidente, incluso si tenemos en cuenta el título, ‘Few Against Many’ (‘Pocos contra muchos’). ¿Sigue un poco esa línea? “En esta ocasión no sigue esa línea porque esta vez no tenía una intención tan política. En esta ocasión el título puedes encajarlo de la manera que quieras y darle el sentido que mejor te cuadre en tu vida pero, en nuestro caso, ‘Few Against Many’ habla más de la lucha continua de la banda durante estos últimos diez años para hacerla cada vez más grande. Eso es porque en algunas ocasiones hemos sentido que éramos nosotros contra todo el mundo y pensé que era un buen título. Empezó como una broma pero al final se volvió un concepto muy apropiado para reflejar lo que ha sido nuestra trayectoria. De todas maneras, puedes ajustarlo como lo consideres apropiado. Puedes pensar que se refiere a tu país, a tu gente, a tu familia y darle un toque más personal. Creo que es un título que lo puedes relacionar con lo que quieras”. La verdad es que pensé que iba orientado en el sentido que te he dicho porque si tenemos en cuenta la portada parece una “llamada a las armas”, como una llamada a la revolución. “Sí, es que tiene un toque revolucionario. De hecho, temas como “The Undying Fire” hablan de eso también. Nuestras letras siempre han sido muy realistas, nunca han sido falsas o han hablado de cosas fantásticas. Nuestras letras hablan de nuestra vida cotidiana, de lo que sentimos y de situaciones que hemos vivido y en este disco todo eso está ahí. Pero sí, como te he dicho, el título puedes interpretarlo de la manera que quieras”. Dices que las letras y supongo que por ende también la música, están basadas en vuestras experiencias personales. ¿Es posible que me haya encontrado un toque melancólico en el álbum? “Sí puede ser”. De hecho me ha parecido menos heavy que los anteriores y más próximo al Hard Rock. “Pues yo creo que es todavía más Heavy este disco” (risas). Vale, a ver si me explico mejor (risas). Me ha dado la sensación de que no es un disco tan rápido. “Quizás sí. De hecho, los solos de guitarra, que me parece que es a lo que te refieres, son muy bluesy. Sí que hay partes que tienen una influencia muy Blues porque he estado escuchando mucho a Gary Moore o Joe Bonamassa mientras estábamos grabando el disco y también durante el último año. Estuve escuchando a muchos músicos de blues y creo que eso es algo que se puede apreciar en mi forma de tocar porque le ha dado un toque distinto a mis composiciones. Por otro lado sigue siendo muy técnico y las partes en las que hago shredding

(ndr: es una manera de tocar muy rápida) son más veloces que nunca pero sí que las partes melódicas son más bluesy. Hay muchos más bendings y más escalas pentatónicas. De hecho, muchos de los riffs están basadas en esas escalas pentatónicas, los cuales son muy blues. Si escuchas de nuevo “Wall Of Sound” verás que es un riff basado en una escala de Blues”. A eso me refería cuando te decía que me sonaba más Hard Rock, porque suena más clásico que vuestros últimos discos. “Ah, vale, te referías a eso, a que hay más escalas pentatónicas que diatónicas. Sí, eso sí. Estás en lo cierto”. Incluso Apollo canta en el disco utilizando otro tipo de texturas. “Sí, ha cantado de forma distinta esta vez. La verdad es que es un disco muy distinto si lo comparamos con el anterior, eso seguro, y sí que tiene un toque más oscuro”. Supongo que ahora habrá ganas de salir de gira cuanto antes, ¿no? “¡Sí! En julio estaremos en algunos festivales y luego en agosto iremos a China y Taiwan. Para septiembre haremos un tour europeo que nos tendrá ocupados durante todo un mes junto a Leaves Eyes y luego tiraremos hacia América”. Cuando se supo que Tony Iommi no podía hacer la gira que tenía programada Black Sabbath y que Ozzy asumía esos conciertos no sé si tú sentiste un poco de “miedo” de que todos estos planes se vieran trastocados. Supongo que necesitabas saber qué iba a pasar porque todos tus planes se podían romper en un segundo. “¿Sabes qué? En el momento en el que me enteré de la noticia no necesité recibir noticias de Ozzy para saber que algo iba a pasar. De hecho, me dejé la agenda completamente libre durante Mayo y Junio por si pasaba algo porque, por supuesto, quiero estar ahí con Ozzy. Por eso no cerramos ningún concierto en esos dos meses y al cabo de unas semanas me llamó Ozzy y me comentó que íbamos a hacer algunos conciertos y le dije “ok, genial”. Eso fue lo que pasó”. Bueno, al menos has podido mantener el concierto del Download Festival. “Sí porque ese va a ser el único concierto que van a dar Black Sabbath y nos dará la oportunidad a Firewind de poder tocar. El Download es uno de los festivales más grandes de Europa y luego también haremos algunos más. De hecho, he oído que lo mismo vamos a España. No sé si iremos a algún festival pero me han comentado que hay una oferta por ahí así que lo mismo nos dejamos caer por allí. La última vez que estuvimos fue en el 2008 así que ya ha pasado demasiado tiempo. Espero que nos veamos pronto”. Eso esperamos. 35

THE USED se podían haber convertido en uno de esos casos de grupos que alcanzan la fama y no saben asumirla. Las ventas (y repercusión) de sus primeros trabajos (‘The Used’ y ‘In Love And Death’) les puso en todo lo alto, pero también les metió en una espiral autodestructiva que podía haber terminado muy mal. Ahora las cosas parecen que han vuelto a la normalidad. Ya no tienen encima ese foco mediático omnipresente yles ha dado tiempo a calmarse, a mostrarse menos huidizos. Junto a JEPH HOWARD (bajo) repasamos lo que ha sido llegar hasta ‘Vulnerable’, su última referencia. Texto: Roberto Villandiego 36

He estado escuchando ‘Vulnerable’ y no sé por qué pero tengo la sensación de que marca como un nuevo comienzo en la carrera de THE USED. “Totalmente. Así es como nos encontramos nosotros también, como si fuera el comienzo… Aunque once años después” (risas). El feeling que hay en el disco es totalmente distinto al de todos vuestros trabajos anteriores. ¿Qué ha pasado en el núcleo de la banda? “A ver cómo te lo explico... Hemos estado en Warner durante 10 años y una vez que editamos el último disco que teníamos por contrato creo que todo el mundo se vio liberado para cambiar de vida; Quinn (Allman, guitarra) se casó; Dan (Whitesides, batería) tuvo un hijo y también se casó. Un mes después de editar ‘Artwork’, nuestro último trabajo con Warner, nos quedamos sin contrato y no querían continuarlo, lo cual supuso un golpe en la cara. Encima fueron tajantes, con lo cual apenas trabajaron en ese disco. Cuando algo que ha durado tanto se rompe es como que también se te quiebra un poco tu espíritu. Después de eso intentamos girar presentando el álbum y tras unas decisiones por parte de nuestro management tuvimos que cancelar parte de las giras que teníamos previstas. Eso fue otra bofetada en la cara. Después de haber trabajado duro y que se torciesen las cosas con Warner resulta que ni siquiera íbamos a poder hacer gira, con lo que vivimos unos momentos muy negativos. Teníamos que replantearnos absolutamente todo. En ese clima empezamos a grabar ‘Vulnerable’ y de toda aquella situación, de hecho, creo que salió el nombre del disco, porque lo habíamos perdido todo y teníamos que empezar de nuevo. Y así también tomar conocimiento de cuáles eran nuestras fuerzas reales. Es más, creo que nos volvimos más fuertes después de todo, porque habíamos vuelto de alguna manera al principio, como a empezar de nuevo. Nos pusimos a componer canciones nuevas y sacar ideas y cuando fuimos al estudio lo descargamos todo allí e incluso añadimos muchas más cosas. Metimos pianos, nuevas texturas, cambiamos partes completas porque nos sentíamos un poco eufóricos… Como si fuese un nuevo comienzo para nosotros”. Vaya, no sabía que habíais tenido todos esos problemas. De hecho es algo que no se aprecia en el álbum porque es muy positivo. “Sí. De hecho, es el álbum más positivo que hayamos hecho jamás” (risas). A mí me han sorprendido temas como “I Come Alive” o “This Fire” porque muestran una nueva cara en The Used. Por ejemplo, puedes encontrarte a los “viejos” the Used en “Kiss It Goodbye” pero en las que te digo el feeling es completamente distinto. “Estoy totalmente de acuerdo contigo, en que en este disco hay muchas más cosas positivas que negativas. También es cierto que nuestro último disco fue excesivamente negativo. Te diría incluso que ‘Artwork’ es el más negativo de todos nuestros trabajos, y hay veces que saltar desde el suelo hasta lo más alto es un salto muy interesante. También creo que influyó que sabíamos que se terminaba

nuestro contrato con Warner después de 10 años currando juntos y eso no nos hacía nada felices. Una vez que sabíamos que no teníamos contrato y que asumimos la situación sentimos incluso cierta tranquilidad porque estábamos solos. Nos pusimos a hacer los temas y vimos que nos entusiasmábamos de nuevo. De hecho, eso también cambió a Brett (McCracken, vocalista). De pronto él también estaba entusiasmado y era algo que no le había pasado en los últimos quince años. Estaba más ilusionado de lo que le haya visto jamás”. Eso sí que es muy bueno. (Risas) “No te haces una idea (más risas). Es muy buena señal para él”. Sobre todo porque ha tenido un pasado que daba miedo. (Más risas) “Sí, del todo” (Risas). La verdad es que lees lo que le ha pasado a lo largo de su vida y ya te digo yo que mucha gente sería incapaz de vivir con esas cosas a la cabeza (Ndr. de familia mormona su familia le echó pronto de casa precisamente por revelarse contra esas tradiciones, y después ha sufrido varias sobredosis, e incluso se le diagnosticó pancreatitis aguda por el

sas que se vinieron abajo. No podíamos contar con la compañía, el management no nos ayudó nada y nos estrellamos. Si ves cómo hemos estado en ‘Vulnerable’ te das cuenta de que no queda nada de aquello. No hay nada más que nosotros siendo nosotros mismos de una manera muy positiva, porque ahora no había manera de esconder nada, de echarle la culpa a nadie. Teníamos que ser nosotros mismos, así que el concepto es que si partes desde una posición un poco más vulnerable y vas creciendo, terminas siendo más fuerte. Ese sería un poco el sentido que tiene el título”. No está mal tampoco reconocerlo porque al final todos somos un poco así. “Totalmente”. Creo que, musicalmente hablando, lanzasteis ‘Hands And Faces’ como adelanto pero, ¿la usasteis también como primer single? (Duda) “Pues no estoy seguro. Sí sé que hemos hecho el vídeo de “I Come Alive”. No lo hemos hecho para la televisión porque es demasiado gráfico pero sí que lo colgaremos en Youtube y en nuestra web. Creo que sale a la par que el CD así que estate atento porque lo vas a ver muy

ganza” (vuelve a sonreír). Supongo que también tendréis bajo control el tema de la distribución porque si no recuerdo mal, ‘Artwork’ no salió en todos sitios. “No, la distribución de ese disco fue bastante mala. Era casi imposible encontrarlo. Fue raro lo que nos pasó a nosotros porque una vez que al sello le dejas de interesar… a ver, tampoco quiero soltar mucha mierda sobre las discográficas porque entiendo perfectamente que hay cosas que tienen que hacer, pero cuando te despreocupas tan rápido de un disco, te deja muy tocado. Pero así es como funciona también el negocio. Pasas de ser una banda por la que todo el mundo se implica a ser un número. Eso es lo que pasó con ‘Artwork’, que lo dejaron a un lado”. Cuéntame qué planes de gira tenéis. Me he metido en vuestra página web y sólo aparecen las distintas versiones de ‘Vulnerable’. “Hay muchos planes de gira. Lo que pasa es que la página la estamos cambiando ahora mismo (ndr. Ya está activa con toda la info pero no estaba disponible cuando tuvimos la charla). Vamos a hacer una pe-

“SI PARTES DESDE UNA POSICIÓN UN POCO MÁS VULNERABLE Y VAS CRECIENDO, TERMINAS SIENDO MÁS FUERTE”. exceso con el alcohol). “Sí, definitivamente tiene una cabeza muy interesante (risas). Creo que este disco también demuestra que es posible salir de todos los problemas. Quizás no del todo pero sí que está intentando superarlo”. Lo que no ha cambiado es que volvéis a trabajar con John Feldmann como productor. No hicisteis con él ‘Artwork’, pero sí los tres primeros. “Cierto. En ‘Artwork’ trabajamos con Matt Squire pero creo que ha sido muy interesante volver otra vez a trabajar con Feldman. De alguna manera era como volver a casa la primera vez. Por ejemplo, Feldman y yo somos tíos muy distintos y en este disco ha sido la primera vez que he sido capaz de aprender más de él, de quién es, de lo que representa tenerle en un disco”. Antes me decías que el título del álbum había salido después de ese periodo un tanto turbulento, después de quedaros sin compañía, pero quiero que indaguemos un poco más. Quedándoos un disco tan positivo… ¿por qué ponerle ‘Vulnerable’? “Es que ‘Vulnerable’ también se puede ver desde un lado positivo. Cuando la gente piensa en algo vulnerable enseguida piensa en algo débil, en estar en un momento muy bajo en el que es muy fácil herirte. Sin embargo, es pillar la palabra vulnerable y darle una connotación más positiva. Si comparamos lo que somos ahora con los que éramos con respecto a los que hicimos ‘Artwork’ ves que en el aquel momento había un montón de co-

pronto” (risas). Tengo curiosidad porque siempre habéis hecho cosas muy interesantes. El de “All That I’ve Got”, por ejemplo, era una pasada. “Oh… ¡gracias! ¿Ves? De vez en cuando somos afortunados” (risas). ¿Quién tiene todas esas ideas? ¿Os involucráis en ese tipo de cosas? “Sí que intentamos involucrarnos todo lo que podemos y ahora más que nunca. Y no solo en eso sino en todo. Queremos estar al tanto de cada cosa que pase porque no queremos que nadie haga un vídeo que terminemos odiando, que es algo que ha pasado. Nosotros siempre damos las ideas y luego trabajamos con gente que nos las desarrolla y que se encarga de todo. De hecho, la idea para el vídeo de “I Come Alive” fue de toda la banda. Nosotros le dimos la idea al productor, a quien se iba a encargar de rodarlo, y luego nos pasó un guión al cual le dimos el visto”. Claro, ahora tenéis que estar al tanto de todo porque, si no estoy equivocado, habéis tenido que crear vuestro propio sello para lanzar el álbum. “Sí, se llama Anger Music Group (sonríe). Finalmente tenemos nuestro propio sello discográfico” (vuelve a sonreír). Os habéis metido en el lado oscuro de la industria musical (risas). “Vaya que si lo es (risas). Es el peor lado de música pero era eso o volver a firmar contrato con otra discográfica que no se preocupase por los músicos. De hecho, hemos fundado el sello para ayudar también a otras bandas y no como una ven-

queña gira por Europa para luego volver después para hacer más fechas. Ahora creo que sólo haremos Inglaterra y Alemania así que no vamos a estar mucho tiempo. Después sí que volveremos para intentar tocar en todos los países que podamos”. El otro día, haciendo memoria, recordé que la primera vez que os vi fue en Moby Dick presentando vuestro primer álbum y que My Chemical Romance eran vuestros teloneros. (Sonríe) “Sí, recuerdo aquella gira. Fue genial”. Desde tu perspectiva ¿cómo ha cambiado la banda desde entonces? Supongo que en aquella gira fue todo una locura: erais muy jóvenes pero ya estabais haciendo una gira mundial. Ahora estamos hablando diez años después y han pasado un montón de cosas… “La verdad es que ha sido una carrera muy loca. En diez años han pasado muchísimas cosas (risas). Yo diría que hemos tenido muchos altibajos, pero que hemos sido capaces de esquivarlos. Con este disco es quizás con el que más emocionados hayamos estado nunca. Yo lo compararía con el primero porque con él hemos recuperado el entusiasmo de salir de gira, de volver a países a los que hace muchísimo tiempo que no vamos y de reconectar con nuestros fans. Así fueron las cosas con el primer disco, que te entusiasmabas visitando sitios, conociendo gente y tocando tus canciones nuevas para ellos. Lo que sí que creo que hemos logrado es tocar un poco mejor en directo que cuando empezamos” (risas). 41

Cuando Udo Dirkschneider tomó la decisión, por voluntad propia, de no continuar cantando en ACCEPT, dejó al resto de sus compañeros algo desalentados. Sin embargo, supieron rearmarse y junto a Mark Tornillo a las voces grabaron ‘Blood Of The Nation’, el cual significaría el renacimiento de la banda, alcanzando de nuevo un status y una popularidad que creían perdidos para siempre. Ahora era momento de hacerle ver a su público que ese disco no era ningún espejismo y que están en un momento de forma totalmente envidiable. Con ‘Stalingrad’ no sólo no han bajado el listón sino que, en muchos aspectos, incluso lo han subido. De eso hablamos con WOLF HOFFMANN (guitarra y principal compositor) al que le sigue costando creerse lo que están viviendo ahora mismo los alemanes. Texto: Roberto Villandiego La última vez que hablamos ibas en el autobús de gira. Estabais en EE.UU. y acababais de lanzar ‘Blood Of The Nation’. Lo que ha cambiado vuestra vida desde entonces, ¿verdad? “Oh sí, han pasado un montón de cosas. Cosas además muy excitantes y es alucinante cómo ha cambiado todo durante el último año”. Y parece que va a seguir siendo así durante una temporada porque acabo de ver que ‘Stalingrad’ ha entrado incluso en algunos charts de ventas en muy buenas posiciones, así que felicidades. “Sí, eso también es muy excitante. Mucho, de hecho. Yo ni siquiera puedo creérmelo. En la lista de ventas alemana entramos en el número 6 e incluso hemos entrado en el Billboard en EE.UU. Es un honor porque parece que la gente se ha dado cuenta de que Accept han vuelto para quedarse así que es muy emocionante”. ¿Os ha dado tiempo a sentaros tranquilamente para reflexionar sobre todas las cosas que están pasando en este renacimiento de Accept? “Lo cierto es que no hemos tenido ni tiempo para sentarnos, te lo aseguro (risas). Hay veces que sí es cierto que te das cuenta de que nuestra vida ha cambiado completamente en los últimos dos años. Desde que nos juntamos y decidimos reiniciar Accept han pasado muchísimas cosas y está siendo un viaje muy excitante. Todo lo que hemos hecho desde que editamos ‘Blood Of The Nation’ hasta este ‘Staligrand’ parece que nos están dando muy buenos resultados así que estamos entusiasmados”. Cuando empezasteis a componer este ‘Staligrand’, ¿notasteis algún tipo de presión? La reacción de la gente con ese primer disco de Mark Tornillo a la 42

voz fue muy buena y no sé si eso, a la larga, os ha supuesto una presión añadida, porque teníais que hacer algo todavía mejor. “Sí que la hubo. También por cuestiones de tiempo, pero no estuvo mal porque de vez en cuando trabajamos incluso mejor bajo presión, aunque, para serte sincero sí que hubo momentos en los que había demasiada. Porque no nos hubiese venido mal tener un poco más de tiempo para dejarlo todo finiquitado, pero al final todo ha funcionado a la perfección porque cuando trabajas en esas condiciones te fuerzas a ti mismo a cumplir ese plazo que tienes. Teníamos un plazo de entrega muy estricto para editar este disco en primavera porque, además, teníamos que empezar una gira por Europa con lo cual todo eso se podía venir abajo si no terminábamos de escribir las canciones. Sabíamos que teníamos ahí la presión del calendario pero ya te digo que eso nos hizo ponernos las pilas y sacar lo mejor”. Es verdad que empezasteis el tour el mismo día que el álbum se puso a la venta. “Eso es. Eso lo habíamos decidido en otoño, cuando ni siquiera habíamos compuesto absolutamente nada de música y por eso éramos conscientes de que teníamos que tenerlo acabado en una fecha concreta”. Vaya, eso tiene que ser muy agobiante. “Sí. No estoy bromeando”. Bueno, al menos parece que todo salió bien porque el álbum es tremendo. Además he leído algunas reseñas y son también muy buenas. “Oh, sí, la respuesta ha sido estupenda. Hay mucha gente incluso que ha dicho que es mejor que ‘Blood Of The Nation’, lo cual es bastante difícil para mí el valorar si es verdad o no pero es maravilloso que

la gente piense eso y estoy muy agradecido. Es un halago alucinante porque cuando empezamos sabíamos que iba a ser difícil hacer algo como lo que habíamos hecho en ‘Blood Of The Nation’, básicamente porque en ese disco hay cosas únicas que tenían un espíritu muy especial. Era un nuevo comienzo para nosotros y eso nos encendió con lo cual sabíamos que iba a ser difícil experimentar de nuevo aquella sensación de entusiasmo que teníamos e incluso superarla. Sin embargo la gente sí que ha dicho que lo hemos hecho y eso es fantástico”. Yo creo que ahora se os ve más sólidos. Estoy contigo en que en ‘Blood Of The Nation’ se os notaba entusiasmado y que tenía la energía de una banda que empieza. Este es más maduro. “Eso es genial. Ha sido porque hemos crecido mucho juntos y hemos girado mucho. Hemos dado unos doscientos conciertos y todo eso estoy seguro de que ha influido en la banda”. Me acabo de dar cuenta de que debe ser rarísimo que alguien como yo te diga, después de llevar más de 30 años en la música y con la discografía que tiene Accept, que este disco suena más maduro (risas). “Sí pero es que de alguna manera esto es una banda nueva, un nuevo comienzo. Yo también lo veo así. Estuvimos un tiempo parados y volvimos a reunirnos con un nuevo vocalista. Esto es un capítulo nuevo, como si fuésemos una banda nueva. Vale, quizás tenga nuestro estilo musical pero es un capítulo nuevo, un nuevo comienzo”. Comencemos a hablar de ‘Stalingrad’. No sé si es mi impresión pero me ha dado la sensación de que hay un sonido distinto en cuanto a las guitarras. “Yo no he notado diferencias. Son los

mismos instrumentos y somos los mismos músicos así que no hemos intentado hacer nada distinto. Hemos intentado ser fieles a nuestro estilo, al de Accept, lo que implicar no experimentar demasiado ni salirnos del camino. He intentado hacerlo lo mejor posible pero haciendo lo mismo, si te soy sincero”. ¿No habéis usado un equipo distinto? “No, la verdad. Son las mismas guitarras. ¿Qué has notado distinto?”. Pues no te sabría decir. Lo mismo es de producción pero me ha dado la sensación de haber escuchado ese sonido Diezel tan particular. Las guitarras suenan poderosas pero a la par también muy limpias. Sabemos que hay bandas que tienen a esconderse detrás de un montón de efectos y de distorsiones. Éste suena tremendamente potente pero muy limpio. “Ah, vale, ya te entiendo y sí, es cierto. Nuestro secreto es no usar demasiada distorsión. Nunca he sido muy fan de ese sonido porque embarra demasiado. Yo prefiero que las pistas suenan más limpias porque así puedes escucharlo mejor todo. En ese sentido sí soy muy de la vieja escuela”. También me ha sorprendido lo que ha hecho Mark con su voz. Posiblemente también sea una cuestión de producción pero hay veces que me ha dado la sensación de hacer partes vocales como si se tratase de una tercera guitarra añadida en los solos o algo así. “Sí. Eso es porque es muy versátil. Podría estar haciendo esos tonos altos durante un buen rato pero también decantarse por partes más bajas, más melódicas e incluso se puede cantar el “Balls To The Wall” como si fuese Udo. En este disco creo que ha mostrado mucho más temperamento, que era lo que queríamos

también”. Yo sobre todo me refería a detalles como el que hace en “Flash To Bang”, cuando dice lo de “A Cosmic Eruption Of A Neon Fog, In an Instant It Starts To Decay”. Supongo que ahí también Andy Snead (productor) también tendrá algo que decir al respecto. “Por supuesto. Nosotros le empujamos y luego Andy también intentó sacar lo mejor de él porque una de sus mejores cualidades es la versatilidad que tiene”. Otras de las cosas que me han impresionado (y gustado) han sido los solos. ¿Cuánto tiempo has empezado en ellos y cuánto has estado trabajando en ellos? “Oh ¡gracias señor! Normalmente solemos tener una rutina de trabajo en la cual primero escribimos las canciones y luego grabamos lo que sería la estructura básica de la canción. Lo vamos haciendo por piezas, grabando lo que son las estrofas y los coros, las partes cantadas por así decirlo. Una vez que está hecho eso es cuando la cogemos e intentamos hacer algo especial en la parte de en medio, en la de los solos, y eso normalmente me suele llevar algún tiempo componerlas. Me suelo tirar semanas intentando buscar algo especial para los solos principales, algo que jamás haya hecho antes. Suelo quedarme solo una vez que todo el mundo ha terminado y este año me tiré casi todas las navidades sacándolos. Regularmente lo hago así, espero a que todos se hayan ido, y me tiro entre seis u ocho semanas probando solos para sacar esas partes. Hay veces de hecho que si me viene una buena idea pero veo que no cuadra con los arreglos termino cambiándolos para quedarme conforme”. Yo adoro lo que habéis hecho en “The Galley”, por ejemplo. También me gustaría hablar de las letras. Habrá mucha gente, al ver el título del álbum, que pensará que es un disco conceptual centrado en esa batalla. Hay veces que lo parece pero no lo es ¿verdad? “No, no es un disco conceptual. Accept no es una banda que haga discos conceptuales además de que tampoco queríamos meternos demasiado en lo que es la Segunda Guerra Mundial, en aquel desastre. Hemos escrito algunos temas que

hablan sobre la guerra pero no es para nada un álbum conceptual. Has mencionado “The Galley” y también están “Hellfire”, que habla de la explosión de una bomba en una ciudad alemana durante la II Guerra Mundial, o “Stalingrad” que habla de esa batalla, pero están hechas más desde la perspectiva personal de los soldados. A parte de eso también hablamos de otras cosas así que no todo está centrado en la guerra”. Sí, ya me había dado cuenta. De hecho en “Revolution” habláis de los problemas cotidianos que tenemos ahora mismo todos. “Correcto. Sabes que pasa, que Mark se ha escrito todas las letras del álbum. Nosotros le damos ideas de lo que queremos y sobre lo que debería hablar el tema pero otras veces son ideas suyas. “Revolution” la escribió él, por ejemplo, y me parece que habla del nuevo movimiento ocupacional en EE.UU, de la Primavera árabe y de la gente que se está levantando en todo el mundo para iniciar una revolución porque es algo que está pasando ahora mismo”. ¿En “Against The World” habláis de vosotros mismos? “Pues creo que sí pero no estoy seguro (Risas). Te diría que sí porque hay muchas veces que, cuando estás en una banda de Heavy, es como que tienes que luchar contra todo el mundo. Si te soy sincero no sé de qué habla (risas). Yo me he metido más en el aspecto de

composición de la música y de vez en cuando sí que doy ideas para las letras, como es el caso de “Stalingrad”, pero en otras no. En “Against The world” no he estado involucrado así que no te puedo decir mucho”. Vale pues la próxima vez que le vea le preguntaré por “Twist Of Fate” porque no sé si en ese tema hay un doble sentido… maligno. También por “The Quick And The Dead”, en la cual no sé si se pone en la piel de un francotirador. “Uhm. Para mí que tiene algo que ver más con un duelo. La idea principal de esa canciones es que hubiese una batalla entre las líneas de bajo y las de guitarra para ver quién podía tocar más rápido y se nos ocurrió que una letra en plan duelo de pistolas del viejo oeste podía cuadrar. Aún así, pregúntale cuando le veas” (risas). Vale pues lo que sí te voy a preguntar es si “Hellfire” está concebida para ser una canción de directo. “De hecho abrimos con ese tema y la fun-

ciona a la perfección” (risas). Yo creo que puede convertirse en todo un himno vuestro. “Sí, sería genial. De momento está funcionando muy bien y en directo crece incluso un poco más. Ahora mismo en directo estamos tocando “Hellfire”, “Stalingrad” y “Shadow Soldiers””. Vaya, no son muchas. “Ya pero es porque pensamos que el disco es todavía demasiado nuevo. En otoño, cuando volvamos a las girar, meteremos más”. Sí por favor. Entenderé que no metáis “The Galley” por es larga y tiene la parte acústica pero… ¡tenéis que tocar “Flash To Bang Time”! “¡Sí!” (risas). Ese tema además, y con esto no quiero molestarte, tiene un aire muy nuevo en vosotros. Es como si hubieses mezclado a Judas Priest con Ministry. “Pues no sé si se parece a Ministry pero sí que es un tema muy agresivo que me recuerda al “Losers And Winners”, a temas que tocábamos en los ochenta. Y sí, también tiene un rollo Judas, muy Halford”. Para ir rematando. He visto que saldréis de gira con Kreator, lo cual me parece de lo más atractivo. ¿Qué haréis después? “PNo sé exactamente cuál va a ser el itinerario porque todavía lo estamos cuadrando. Espero que podamos ir pronto para allá y que podamos rockear juntos”. Eso, y así hablo con Mark sobre las letras. “Eso. Píllale y fríele a preguntas hasta que le saques todo” (risas).

Los suecos SABATON tienen, desde que empezaron, muy claro lo que quieren: conquistar el mundo. Con nuestro interlocutor, JOAKIM BRODÉN (vocalista), al frente, la banda ha experimentado una evolución asombrosa desde que editaron aquel ‘Fist For Fight’ en el 2001. Su nueva referencia, además, viene condicionada por la historia en la que está basada. Parece que, de momento, han dejado aparcada la Segunda Guerra Mundial para centrarse personajes históricos suecos aunque, conforme habla Joakim, es más que probable que vuelvan a los tanques muy pronto. Texto: Roberto Villandiego 44

Antes de que salga el disco os vais a ir de gira por EE.UU. ¿Vais a tocar canciones nuevas ya? “Sí que vamos a tocar alguna. En los primeros tocaremos sólo la que le da el título al álbum, ‘Carolus Rex’, y luego, cuando el álbum ya haya sido editado, que nos pillará en Los Angeles, cambiaremos el set y meteremos más canciones nuevas”. ¿Cómo está funcionando Sabaton en USA? “Pues parece que cada vez que vamos las cosas van mejor. Obviamente somos menos conocidos allí de lo que podemos serlo en Europa pero también está bien porque es como una vuelta a nuestras raíces. Tocamos en clubs pequeños y gracias a eso puedes sentir a la gente. Puedes tocarles porque no hay tantas barreras sino que sólo hay Heavy Metal y me encanta eso”. Es curioso porque las bandas americanas están deseando venir a Europa a tocar porque están un poco cansadas de tocar allí y las europeas, las suecas en vuestro caso, están deseando ir para allá. Pero la realidad es que la escena allí es mucho más pequeña que aquí. “Eso es verdad. La escena del Heavy Metal en EE.UU. es bastante pequeña. Por ejemplo, en Europa, al menos en Suecia, en UK o en Alemania, el Heavy no es una subcultura, sino que es parte de la cultu-

ra del país. De hecho, bandas de Heavy Metal o de Hard Rock tienen espacio en los grandes medios. Te vas para allá y a no ser que seas Scorpions, o una banda grande, la realidad es un poco triste” (risas). Pero también es algo que hay que hacer. “Sí claro. Además, los fans allí son muy majos y muy educados. No es que sean el público más loco del mundo pero está muy bien pararte a hablar con ellos después de tocar porque son buena gente. Ellos allí tampoco tienen buenas bandas de Heavy así que están impacientes porque lleguen bandas europeas haciendo Heavy Metal clásico”. Me gustaría que hablásemos de las diferencias que hay entre ‘Carolux Rex’ y ‘Coat Of Arms’ pero no las musicales porque eso sería lo sencillo. Quiero que hablemos de la importancia que tiene este álbum en vuestra carrera, porque tengo la sensación de que éste debe ser el que os haga dar un paso de gigante, el que tiene que terminar de poner a Sabaton en el mapa. “Sí, de hecho fue así como empezamos a trabajar en él, pensando que éste es EL DISCO. Estamos en un momento en el que tenemos que avanzar de nivel. Ha sido un poco extraño porque hemos tenido que contar con nuestras palabras cosas que ya había escrito otra gente (risas). Fue también muy interesante, la verdad, el meternos en toda esa parte de la historia sueca y ha sido un trabajo muy complicado de búsqueda y documentación. No había ni documentales, ni fotos, ni nada, como las hay de la Segunda Guerra Mundial. Cuando nos pusimos a buscar cosas de la era Carolingio en Suecia, que fue entre los años 500 y 600, nos dimos cuentas de que había muchas leyendas y mitos, con lo cual tuvimos que hacer una búsqueda más exhaustiva para quedarnos con lo que realmente había pasado. Fue también muy interesante porque en realidad nadie te podía decir qué era leyenda y qué había pasado de verdad, así que pudimos usar las dos a la hora de escribir. Cuando Pär (Sundström) y yo empezamos fue como “¡Ostia, en qué coño nos hemos metido!”. Teníamos mucho trabajo por delante. Era mucho más complejo que hablar de la Segunda Guerra Mundial o de las guerras más actuales. Sin embargo, una vez que nos fuimos metiendo en la historia nuestro interés fue creciendo y al final teníamos un montón de material sobre el que escribir. Ha sido un disco muy difícil de hacer, tanto a nivel musical como de letras, pero hemos quedado contentísimos con el resultado. Si trabajas duro en algo y cuando sale ves que ha quedado mejor incluso de lo que esperabas, te sientes muy feliz”. Me alegra que me aclares que está basado en la historia sueca porque te

iba a preguntar si era un disco basado en un rey español, Carlos II, a quien, aparte de “El Hechizado”, también se hacía llamar Carolux Rex Hispaniarum. “Ahí va. No tenía ni idea pero claro, tiene sentido porque significa Carlos el Rey”. Claro. Es que lo normal en vuestras letras era que hablaseis de guerras, y sin embargo en éste habéis cambiado de registro. No sabía si estabais hablando de este rey en concreto. “La verdad es que ésta es la primera vez que nos metemos en la historia antigua. Normalmente hablamos de guerras más modernas. Así que ésta ha sido la primera vez que hemos tratado con Reyes y Reinas” (risas). ¿Y qué tal? ¿Es una vida que te gustaría llevar? “Pues si te soy sincero he echado de menos los tanques y los panzers (risas). ¡¿Dónde coño están mis tanques?!” (carcajadas). Lo que también habéis usado han sido varias lenguas. Ha llegado un momento en el que ya no sabía si estabais hablando en latín, en alemán o en sueco (risas). ¿Cómo os surgió esa idea? “Es algo distinto. En la primera canción, después de la intro, “The Lion From The North”, sí que hay un coro en latín. Después está ‘Gott Mit Uns’ en alemán pero lo curioso es que es un grito de guerra sueco. Está basada en cuando Gustado Adolfo de Suecia llegó al norte de Alemania no como un invasor sino como el salvador de los luteranos, protegiéndoles de los católicos. Cuando llegó al norte de Alemania se le unieron mercenarios alemanes y lo que hacía era alentarles para la batalla gritándoles “Gott Mit Uns” (Dios con nosotros), que en sueco es muy parecido. Así que digamos que es un grito de guerra sueco traducido al alemán (risas). Después en el tema “The Carolean’s Prayer” hay alguna frase en sueco cuando muere su padre y dice lo de “alabado sea su nombre”. Está en sueco porque rezaba así. Sí que hay varias lenguas durante el disco, además de que usamos también en algunos fragmentos sueco antiguo y en inglés, claro” (risas). Otra diferencia que he notado es que tú, por ejemplo, vas cambiando tu voz como intentando hacer varios personajes. ¿Puede ser? “Sí, en algunos temas sí. También en una tenemos a Peter Tatgrem de Pain”. Sí, en “Gott Mit Uns”. “Sí, eso es. En las otras ha habido veces que quería que sonase más crudo y luego he intentado también crear diálogos como si hubiese dos personajes hablando durante de la batalla”. Habéis vuelto a currar con él en la producción así que supongo que fue sencillo darle un papelito. “Sí. Pero es que además es amigo nuestro desde muchos años. Vivimos como a 45 minutos el uno del otro. El caso es

que él es el productor y yo había hecho una melodía para ese tema. Probó por divertirse y dijo “ostras, pues me mola. Vamos a mantenerlo” y fue como “¿ein? ¿De qué hablas?”. No era algo que tuviésemos pensado. Simplemente pasó. Fue una especie de accidente” (risas). Si por algo sois conocidos también es por vuestro espectáculo en directo. En octubre estaréis por aquí así que, ¿qué nos vamos a encontrar? “Sí, estaremos por allí y va a ser un poco especial. Esta vez queremos llevar una producción mucho más ambiciosa, más de la que hayamos llevado nunca. En festivales y en grandes escenarios montaremos una buena, además, llevando cosas extras. Antes nos encontrábamos con un problema y es que tocábamos en salas grandes en algunos países y en otros nuestra popularidad era menor con lo cual teníamos que viajar con todo el equipo y el escenario pero en algunos sitios ni siquiera podíamos montarlo. Ahora lo que hemos hecho es tenerlo en cuenta y desarrollar distintas versiones dependiendo de la escala del escenario, con lo cual, al menos, podremos montarlo en todos los shows, aunque sea con distintos tamaños”. Supongo que a EE.UU. no os habéis podido llevar nada pero ya lo usaréis cuando volváis a Europa ¿no? “Eso es. En EE.UU. no llevamos ningún tipo de show de hecho (carcajadas). Vamos a salir a pelo” (más risas). Pero eso también está bien. “Desde luego. Está genial poder tocar en festivales en los que podemos usar la pirotecnia y todo está programado, pero en realidad estás un poco lejos de la gente y tampoco puedes ser muy espontáneo ni te puedes comunicar con el público de la misma manera. Cuando tocas en un club no tienes nada más que tu música y a la gente, y también adoro eso. Adoro los dos porque ambos molan. Claro que es genial tocar en grandes escenarios y poder usar toda la pirotecnia pero no quiero que sea así todos los días”. A la gira que os va a traer la habéis llamado The Swedish Empire Tour. “Sí porque el disco trata sobre el imperio Sueco. Vamos a hacer lo que los suecos hicieron durante los siglos VI y VII iremos alrededor de Europa y… ¡os vamos a conquistar a todos!” (risas) Eso era precisamente lo que estaba esperando oír (más risas). Vamos que nos tenemos que ir preparando, ¿no? “Sí, sobre todo las chicas que son muy bellas”. Hombre, yo he estado allí y tampoco os podéis quejar (risas). “No claro, hay muchísimas chicas guapas aquí en Suecia. Pero si estás viendo todo el rato rubias con el pecho grande al final te cansas. ¿Sabes a lo que me refiero?”. No (carcajadas).

Pese a que no son muy conocidos por estos lares, ZICO CHAIN no es precisamente una banda que empiece. Saborearon las mieles de lo que era dedicarse a la música con su primer álbum, ‘Food’, para luego caer en picado hasta la más ingrata de las miserias. Esto no les hundió sino que les hizo tirar hacia delante con todavía más fuerza. Por eso ‘The Devil In Your Heart’ es un agresivo ejercicio de autosuperación que centra la conversación con CHRIS GLITHERO (voz/ bajo), quien nos aclara cómo les afectó el tener que vivir como mendigos casi. Texto: Roberto Villandiego Hemos tenido tiempo de escuchar tu ultimo Album. Ademas hemos recibido el producto acabado, no la típica descarga, por lo que hemos podido ver el libreto y los detalles. Es genial. “¿Te gusta?” Sí, mucho. Aunque me gustaría reseñar la enorme diferencia entre éste y el anterior. Los cambios son enormes... ¿Qué ha cambiado para que esto suceda? “No lo sé realmente... Cuando hicimos el disco anterior, cuando nos juntamos, tuvimos que hacerlo de manera muy simple. Estábamos muy limitados. Además, todos hemos crecido mucho como músicos. Hemos girado con cientos de bandas. Hemos visto todo este increíble material y hemos tenido los ojos bien abiertos, para ver lo que funciona en grandes escenarios... son muchas influencias en los últimos años, aunque no ha sido algo intencionado cambiar nuestro sonido. Sencillamente empezamos a escribir y es lo que fue saliendo. Fue un proceso muy natural, hasta el punto que realmente no notamos las diferencias hasta el final”. De hecho, con el disco anterior, y posiblemente porque sois un trío, era fácil buscar la comparación con otras bandas como Nirvana, por ejemplo... ¿Fueron una influencia para vosotros? “Sí, sin duda Nirvana fue una enorme influencia para mí, para todos nosotros. Éramos adolescentes en los noventa así que ¿quién no estuvo influenciado por Nirvana entonces?”. Con este nuevo disco, ‘The Devil in your heart’, sin embargo, se puede escuchar a los verdaderos Zico Chain. Supongo que sería importante para vosotros encontrar vuestro propio camino... “Definitivamente. Además en los últimos años, el mundo del rock ha evolucionado muchísimo. Han pasado muchas cosas desde los 90. Tienes bandas como Tool, System of a Down y, sobre todo, Faith no More que cambiaron la manera de ver las cosas y abrieron nuevos caminos para la música. Ahora nosotros estamos experimentando con nuestros propios

horizontes Vuestro primer disco, ‘Food’, vio la luz en el 2007. Es mucho tiempo para componer y grabar asi que, confesad, ¿qué habéis estado haciendo durante estos 5 años? “Ohhhh” (Risas). Venga, intenta hacerme un resumen. “Para empezar, cuando terminamos con Hassle Records, era justo antes de Navidad, en 2008. Por aquel entonces teníamos nada de dinero, y además no estábamos quizás en la mejor posición para hacer otro disco. Pensábamos seguir girando con ‘Food’ alrededor del Reino Unido, Europa, América... ese era el plan... así que cuando las cosas se pararon con Hassle Records no estábamos realmente preparados para hacer otro disco, y además en cierto sentido, no nos gustaba el hecho de que eso mismo era lo que se suponía que teníamos que hacer. Así que nos dedicamos a disfrutar, a corrernos juergas, y realmente no nos pusimos a trabajar hasta ahora. Además fue mucho más difícil hacerlo si lo comparamos con la situación que teníamos antes. Ya no íbamos a tener un respaldo, un productor con un estudio. Teníamos que hacerlo todo nosotros mismos, así que todo empezó a llevarnos mucho más tiempo, al estar sin un sello. Tuvimos que buscar nuestro propio sitio donde grabar, tuvimos que aprender a hacerlo, conseguir el equipo... Tuvimos que trabajar en otras cosas para conseguir el dinero para poder grabar el disco. El proceso de ‘Food’ fue mucho más sencillo. Nos llevaron a un estudio, nos dejaron dos semanas y luego nos mandaron los master y las copias a casa. Ahora ha sido muchísimo más complicado”. Entonces os sentiréis orgullosos de haber podido editar finalmente este ‘The Devil in your Heart’. “Estamos increíblemente orgullosos, y esperamos que este álbum nos proporcione al menos cierta estabilidad. Es muy estresante tener que compaginar la banda con otras cosas para poder tirar hacia delante”. Con todos estos problemas, ¿Hubo algún momento en que pensasteis en tirar la toalla? Hubiera sido una pena, porque ‘Food’, aunque completamente distinto, era también un muy buen álbum. “Muchas Gracias. La verdad que hubo momentos en que tocamos fondo, y de hecho estuvimos casi doce meses sin vernos. Fue un momento muy difícil para mí. No tenía dinero, ni un sitio donde vivir y quizás no era la mejor manera de sentarse a hacer un disco. No es el mejor ambiente para ser creativo. Todo lo que aportan los demás te parece una mierda y todo lo que haces tu molesta al resto de la banda. Era una situación muy tensa, muy rara, y llego un punto en el que ni siquiera nos apetecía salir juntos por ahí a tomar algo. Pasamos de ser hermanos a no querer ni siquiera estar unos al lado de los otros. Así que estuvimos un tiempo cada uno por su lado, en diferentes bandas, haciendo cosas distintas. Un año después volvimos a juntarnos, y decidimos que ante todo, trabajar con Zico Chain no iba a hacer que fuéramos

unos miserables de nuevo. De hecho, haber pasado por esa época tan deprimente hizo que nos diéramos cuenta de cómo no teníamos que hacer las cosas. Y desde entonces no hemos parado. No sabemos a dónde nos conduce, pero no hemos parado”. ¿Es probable que todos estos problemas hayan influido en el disco, en el hecho de que tenga un sonido más agresivo? Es una de las grandes diferencias con respecto al anterior disco y es normal que estas cosas afecten. “Definitivamente. De hecho cuando empecé a escribir las primeras canciones eran muy suaves, acústicas incluso, motivadas seguramente por mi estado de ánimo. Pero ése no era el disco que queríamos hacer. Teníamos que liberarnos y encontrar una energía positiva que nos ayudara a disfrutar de nuevo. Y en cuanto empezamos a ver el lado positivo en nuestras vidas, y a cambiar el punto de vista, esta energía empezó a influir. De hecho es un disco muy optimista. No sé cómo fuimos capaces de darle toda la vuelta a las cosas, pero lo hemos hecho. Ha sido como hacer terapia a través de la música”. ¿Hay alguna de esas composiciones acústicas finalmente en el disco? ““I am the Silence” fue compuesta en esa época”. ¿Y “More Than Life”? ““More Than Life” empecé a escribirla hace muchos años, antes incluso del primer disco. De hecho había una canción con un riff parecido en ‘Food. No es igual, pero sí parecido. Por aquel entonces no tenía la confianza para escribir melodías más relajadas, más enfocadas a tocar en acústico, así que la reescribimos para que fuera más agresiva. Esta vez decidí hacerla como estaba pensada. Es algo rara, pero vaya, Metallica lo hicieron con “Unforgiven” y “Unforgiven II”” (risas). En el disco hay una sección de cuerda. ¿Lo teníais en mente cuando empezaste a componer las canciones? “Sí. No estoy seguro porque motivo pero desde hacia tiempo tenía muchas ganas de meter instrumentos de cuerda en algunas canciones. Probablemente desde que escuche el ‘S&M’ de Metallica, y algunas cosas de Muse. Los instrumentos de cuerda tienen un efecto muy impactante en la música Rock. Si está bien hecho, es honesto y no se abusa durante todo el disco, queda realmente bien”. La banda suena muy poderosa, y la gente que no os conoce probablemente se sorprenda al ver que sois un trío. ¿Cómo trabajáis para conseguir esto? ¿Por qué no incluir otro guitarrista? “Es algo que hemos debatido muy a menudo. De hecho hay bandas, como Green Day, que llevan en directo otro guitarrista en segundo plano para conseguir más contundencia. Y de hecho si algún día somos más grandes quizás hagamos esto. Por ahora nos gusta ser tres. Nos gusta que cuando hay un solo de guitarra, realmente se escuche ese solo. Quizás para los directos no sea lo más perfecto, pero creo que es importante mantener la esencia de lo que se hace desde el principio”. Me gustaría hablar también un poco de

las letras. Hay algunas con un mensaje muy claro pero otras son más oscuras, más difíciles de entender. Hay veces que no se distingue muy bien si habláis de Dios, desde un punto de vista religioso, o del mismo diablo. “Sí, es cierto. De hecho nosotros no somos realmente religiosos como tal. Sí nos interesan aquellas cosas que con el tiempo nos han forzado a creer desde niños; La moral, la ética, el cómo se supone que tenemos que vivir. Nosotros tenemos nuestra propia opinión, a pesar de que la sociedad está demasiado guiada, de manera que todo puede catalogarse y todo tenga un sentido para que la gente se sienta lo más cómoda posible. Hemos intentado descolgarnos un poco y buscar nuestro propio sentido de la vida, de la felicidad. Muchas de las letras de este disco tienen que ver con nuestro proceso de destrucción de las cosas materiales, de la presión que la sociedad, y nosotros mismos, nos echamos encima, incluso desde la escuela. Tienes que conseguir un trabajo, tienes que ganar dinero y al final el sistema es el que se lleva el resto de nuestras vidas, ya sea a través de la religión, o la política o lo que sea. En las letras somos nosotros mismos, dando un paso atrás para coger perspectiva e intentar dar nuestro propio punto de vista sobre la vida. De hecho, si consigues distanciarte de toda esta mierda, te das cuenta de que la vida es muchísimo más simple de lo que nos han inculcado desde niños. Es más, me extraña que no estemos totalmente deprimidos con estas enseñanzas” (risas). Así que al fin y al cabo, te refieres a que nos complicamos demasiado la vida. A mí también me da esa impresión. Tenemos que tener un móvil, una casa, un coche, un ordenador, y casi nada de eso es necesario “Exactamente. Mira, nosotros fuimos pobres durante más de seis meses y ¡seguimos vivos! Así que no sé qué demonios era lo que queríamos antes de eso, qué necesitábamos tanto que nos llevó al extremo. Nos hicimos miserables por todas esas cosas, y al final nos hemos arreglado bastante bien sin ellas. Fue muy liberador para nosotros entender todo esto”. Me decías que la reacción en UK con el nuevo álbum ha sido muy buena. ¿Sabes algo del resto de Europa? Según me has contado, ha tenido que ser un proceso muy duro. Me cuesta imaginar a los chicos de Zico Chain durmiendo en la calle durante seis meses, así que supongo que ahora cualquier reacción positiva os hará sentir con nuevas esperanzas... “Claro! Tenemos muchas esperanzas en el disco, en el video, en que todo vaya para arriba, pero no es algo que nos preocupe o nos suponga un problema ahora mismo. Estamos felices haciendo música y si hay gente que conecta con ella nos parece suficiente recompensa por ahora. No te digo que si acabamos millonarios y llenando estadios no sea perfecto, pero no es nuestro objetivo ahora mismo”. No sería una mala recompensa (risas). “Sería estupendo” (Mas risas). 47

Desde su tierna infancia (empezó con 13 años) LZZY HALE tuvo muy claro que su vocación por la música iba a llevarla muy lejos. Atrás quedó aquella niña modosita. Ahora Elizabeth es una de las vocalistas más temperamentales del panorama rockero actual. ‘The Strange Case Of Halestorm’ es su segundo al frente de HALESTORM y el que nos lleva directamente a hablar, de nuevo, con una siempre encantadora vocalista. Texto: Roberto Villandiego Quiero que empecemos hablando de la primera diferencia que hay entre este disco y el anterior que es la producción. Coméntame algo al respecto. “Por supuesto. Lo que queríamos con este nuevo álbum era exponer un poco todo lo que había pasado en nuestras vidas desde que lanzamos el anterior disco y, por otro lado, estaba el hecho de no nos queríamos limitar a nosotros mismos. Con esa mentalidad nos fuimos al estudio. Allí experimentamos cosas y si algo nos parecía bien o era una buena idea directamente la grabábamos. Fue todo como muy inocente a la vez que intrigante porque durante el proceso de creación se nos iban abriendo nuevas vías que terminamos explorando y que creo que han hecho importante este disco”. También me ha dado la sensación de que es mucho más duro que ‘Halestrom’. ¿Era vuestra intención? “Sí porque creí que era importante esta vez. En nuestro primer disco había algunas cosas con las que no terminamos de quedar convencidos porque parecían falsas. Era como muy lineal y tampoco reflejaba lo que yo sabía que éramos capaces de hacer. Otro de los asuntos importantes es que yo quería que este disco tuviese mucho más elementos humanos, cosas que sonaran más potentes. El anterior además tenía otra cosa y es que en las letras no llegaba a hablar claro. Digamos que insinuaba más que decía. En éste nuevo sí que quería hablar de asuntos que me importaban y que eran importantes para mi banda. He hablado de cosas que nos han pasado y que he querido que la gente supiese”. En este disco me he encontrado con dos Lizzys. Me he encontrado a una dulce en “Beautiful With You” o “In Your Room” y a otra más salvaje en “American Boys”. ¿En qué tipo de rango vocal te sientes más cómoda? (Sonríe de forma pícara) “La verdad es que ha sido una locura el hacer este disco porque cuando lo terminamos escuché muchos matices en mi voz incluso cuando hice cosas bastante extremas que jamás creí que pudiera hacer (risas). Así que sí, he descubierto muchas cosas nuevas mías en este disco (risas). También es cierto que estábamos en mitad de gira cuando empezamos a grabar el disco así 48

que cuando teníamos un día libre nos metíamos directamente en un avión y volábamos a California para estar en el estudio al día siguiente. Eso hizo que no sólo llevásemos el estrés de estar en gira sino que, aparte de los oídos taponados, llegásemos al estudio con toda esa energía. Las primeras ocho canciones que terminamos para este disco eran muy agresivas. Eran las canciones más rápidas y agresivas que habíamos compuesto hasta ese momento. Luego cuando las escuchábamos estaba claro que teníamos que calmarnos un poco (risas). Durante ese proceso también me pasaron algunas cosas, a nivel personal, que hicieron que escribiese canciones más íntimas y que las compartiera con el resto, algo que hasta ahora tampoco había hecho. En ese sentido también hemos cambiado, hemos trabajado más juntos y eso es algo que tenía que pasar (risas). De hecho, cuando les enseñé lo que tenía se volvieron hacia mí y me dijeron “definitivamente Lzzy, eres Miss Hyde”. Por eso hay un tema con ese título” (risas). Podría preguntarte por temas que me encantan como “Daughters Of Darkness”, “Mz. Hyde” o “American Boys” pero ¿qué se esconde detrás de “You Call Me A Bitch Like It’s a Bad Thing”? (Ndr. La traducción sería algo así como “Me llamas puta como si fuese malo”). (Risas) “Básicamente habla de mí en este “mundo” de hombres. No es necesariamente algo malo que me consideren una puta de vez en cuando (risas). De hecho, me lo puedo llegar a tomar como un halago (más risas). Ahora en serio, hay veces que, siendo chica, vives situaciones muy extrañas en esta industria. De alguna manera, y en según qué circunstancias, me ha favorecido y obviamente sé que he tenido un poco más de atención por ser una chica pero si de algo me he preocupado es de tener las espaldas bien cubiertas. Claro que sé que el ser una chica me ha hecho conocer a gente pero también tengo claro que tengo que trabajar muy duro, que practicar más que nadie y eso es lo importante. Por cierto, te diré que mi madre ama esa canción” (risas). ¿En serio? “Te lo prometo. (Dice imitando a su madre como gritando) “Esa es mi canción favorita del álbum” y claro, ¿qué le vas a decir? A mí me alegra mucho, la

verdad. Lo mismo el tema puede influir también en otras madres para que se sientan como tíos duros un rato”. La verdad es que yo no sé si eso es bueno. “¿El qué?” Que tu madre te diga que le gusta la música que escuchas. El día que mi madre me diga que le gustan AC/DC o Metallica… no sé, creo que pensaré en matarme o algo así (risas). “Tienes razón. La verdad es que cuando a ella le gusta algo pienso que lo estoy haciendo mal (carcajadas). De hecho, más o menos fue así como reaccioné. Cuando me dijo que le gustaba pensé “ooook (dice alargando las letras) quizás no deba ir ese tema en el disco” (carcajada). Bueno, de momento no la uséis de single. Sería un poco incómodo ver a un montón de madres en un concierto de Halestorm (risas). Al menos a la mía no me gustaría encontrármela (más risas). “Vale. Mantén a tu madre alejada de nuestros conciertos… bueno no, qué leches, traétela y que nos oiga” (más risas). Ahora ya en serio. Pensé que tú no tendrías problemas en ese sentido porque es muy sencillo comprobar que empezaste en esto de la música desde muy joven. Por ejemplo, ahora mismo tengo enfrente el casete de ‘Forecast For the Future’ (su primera grabación que data del 97). “Oh, claro. Yo a lo que me refiero es que, imagínate que fuese un chico; tendría un montón de competencia (risas). Así que en ese sentido, el que te hagan un poco de caso, es un poco más sencillo siendo una chica. Por eso te decía antes que es algo positivo porque yo estoy muy feliz siendo una chica (risas). Ha sido más productivo. También es bueno que la gente no se espere que haga lo que hago porque es una sorpresa para ellos. Lo mismo se esperan a la típica tía guapa al frente que luego no tiene ningún tipo de talento a la que no respetan precisamente por eso y, cuando nos oyen, se llevan la sorpresa. Eso también está bien y si tienen envidia que se apliquen. ¿Sabes a lo que me refiero?” (risa pícara). Del todo. Habéis girado, de todas maneras, con un montón de bandas “masculinas” y habéis hecho grandes amistades. De hecho, has participado

en el disco de Adrenaline Mob que ha sido la última que has hecho ¿no? “Sí, es la última que he hecho. Son unos tíos cojonudos. Yo flipé con ellos porque son músicos que llevan muchísimos años, que tienen una carrera detrás, y me sorprendió la lección de humildad que me dieron cuando me pidieron que colaborase con ellos. Todo vino porque Mike Portnoy, John Moyer y yo nos hicimos muy amigos en una gira que hicimos juntos el verano pasado. Cuando se pusieron a grabar el nuevo disco Mike me llamó para que cantase y acepté encantada. Grabé la canción en mitad de la grabación de este disco, de hecho, e hice todo lo que pude porque era todo un reto cantar sobre un tema que llevase el estilo de Portnoy y John. Espero que algún día coincidamos sobre el escenario y podamos cantarla juntos”. Supongo que has aprendido muchísimo en los últimos dos años, cuando habéis empezado a girar con todo este tipo de bandas. ¿No? “Ni te imaginas. Cuando tocas todas las noches con esa gente, cuando ves cómo funcionan o incluso cuando pasas un rato con ellos hablando y te cuentan sus experiencias, es cuando realmente aprendes cómo se debe montar un concierto en directo. Aprendes algo cada noche, ya sea viendo su concierto o viendo cómo se estructuran. A mí me encanta estar pendiente de todas esas cosas porque al final… las puedo añadir yo a mis conciertos (risas). Hay veces que piensas “ostras, lo estoy haciendo muy bien” y luego abres para Avenged Sevenfold o para Disturbed y te vas como pensando “mierda, tengo que practicar más” (risas). Es maravilloso poder ir con esa gente de gira porque es como ir a una escuela de Rock & Roll (risas). Yo llevo haciendo música desde los 13 años pero no importan el tiempo que lleves porque aprendes algo nuevo cada día. Nunca terminas de aprender. El día que dices “vale, hecho, ya lo sé todo” se acabó porque así no hay posibilidad de avanzar. Yo creo que eso es de lo más emocionante que tiene el dedicarse a esto, que es algo que todo cambia constantemente, ya sea en las giras o en los procesos de grabación. Es emocionante porque siempre hay algo que aprender y yo solo espero no perder eso”.

En el 2003 SPINESHANK lanzaban al mercado ‘Self-Destructive Pattern’, su tercera referencia y con la que mejores críticas recibieran. Sin embargo, la banda se vio desbordada por cosas ajenas a ellos y terminaron tomándose un periodo sabático. Vamos, que se separaron una temporada. Unos cuantos años después han vuelto a reunirse con la intención de hacer bien las cosas y no podían haber empezado con mejor pie. Su cuarto álbum, primero después de la reunión, es crudo y salvaje a par que melódico. ‘Anger Denial Acceptance’ es un disco sincero al igual que también lo es MIKE SARKASYAN (guitarra) a la hora de hablar de su nueva referencia. Texto: Roberto Villandiego 50

Bueno, nuevo disco después de muchísimo tiempo. ¿Qué vibraciones tenéis? “Si es con respecto al disco te diré que es más oscuro. Estamos emocionados de poder volver a estar juntos y haber sido capaces de hacer otro disco de nuevo. Es difícil de explicar cuando estás dentro pero ha sido increíblemente excitante volver a hacer cosas juntos, aunque nos haya quedado el disco más jodido que hayamos hecho nunca” (risas). Cuando os juntasteis en el 2008 ya empezasteis a hablar de este nuevo trabajo y, sin embargo, han pasado cuatro años hasta que se ha editado. ¿Qué ha pasado durante este tiempo? “Hemos estado haciendo algunas cosas y es posible que hayan pasado cuatro años pero han sido relativos. Digamos que lo que es el disco lo hemos estado haciendo durante el último año y medio. Durante todo el 2011 estuvimos grabando y después hicimos una pequeña gira por EE.UU. y moviéndonos para encontrar un contrato, el cual firmamos a principios de año. Después nos tiramos casi un año entero hasta que logramos reponer todo nuestro equipo así que el 2009 se puede decir que estuvimos recuperando todas nuestras mierdas y eso nos hizo estar inactivos. Nos pusimos realmente a trabajar en el disco durante el 2010”. Cuando editasteis ‘Self-Destructive Pattern’ me dio la sensación de que se estaba viviendo un periodo un poco raro en Roadrunner, vuestra compañía de entonces. Habían empezado a colaborar con una multinacional, con lo cual cambió la forma de trabajar del sello. Hay muchas bandas que yo creo que notaron eso, que estaban en mitad de una tormenta de cambios, y en entre ellas estaba Spineshank. “Sí, fue un poco lo que pasó aunque también te digo que Roadrunner hizo un trabajo muy bueno con nosotros. Lo que pasó en ‘Self Destructive’ es que hubo demasiada gente involucrada, porque se metió gente de marketing, gente de contabilidad y de repente el sello tenía una imagen de la banda con la que no estábamos de acuerdo. De pronto todo había cambiado. No era el sello que habíamos conocido e incluso no trabajaba de la misma manera y eso nos dejó parados. Después se metieron en todas esas mierdas corporativas que creo que terminaron de herir al sello”. ¿Os hicieron oferta para que lanzaseis el disco con ellos? ¿Teníais otras ofertas a parte de la de Century Media? “No nos hicieron ninguna oferta aunque sigo siendo muy amigo de gente que todavía está en Roadrunner. Incluso al A&R con el que hemos trabajado toda la vida le hemos ido mandando las demos para que las fuera escuchando porque es un tío al que le tenemos muchísimo respeto y del que ahora somos muy amigos. La historia es que cuando empezamos a tener claro cómo iba a sonar el disco supimos que RR no iba a ser el sello apropiado para lanzarlo. Teníamos un montón de ofertas de un montón de sellos y las estuvimos contemplando todas, y con Century Media tuvimos la sensación de que iban a hacer las cosas bien. Tenían muy claro cómo trabajar el disco, estaban entusiasmados con él, y su plan era para trabajar a largo plazo. Además tenían todos los recursos para ello. No eran un montón de promesas para firmar y después “hasta luego”, porque eso era lo último que necesitábamos. Lo que no queríamos era fichar con alguien y que saliese mal porque eso nos iba a herir de muerte, así que después del trabajo duro que habíamos hecho queríamos estar muy satisfechos con lo que escogiésemos. De entrada

descartamos a todos los sellos que nos hablaban de nuestro pasado. No tenían ninguna posibilidad porque era algo en lo que no estábamos interesados en hacer. Creo que hemos hecho el mejor disco que podríamos hacer y lo que no queremos es vivir del ‘Self-Destructive Pattern’ o del ‘The Height Of Callousness’. Respeto mucho esos discos pero esta banda es relevante ahora y no por aquello”. ¿Sentisteis mucha presión en el 2003 para que ‘Self-Destructive Pattern’ fuera todo un éxito? En aquella época había un montón de bandas parecidas y había que destacar. “Ni te lo imaginas. La presión que tuvimos con aquel disco fue enorme porque querían que fuésemos como Linkin Park o algo parecido. Si ahora mismo me dijeses de poder cambiar cosas de aquel disco lo haría pero, por otro lado, ese álbum también nos llevó a poder hacer éste, el cual creo que es el mejor disco que haya hecho Spineshank nunca”. Escuchando ‘Anger Denial Acceptance’ y comparándolo con ‘Strictly Diesel’, vuestro primer álbum, es curiosísima la progresión. Normalmente los músicos, conforme van cumpliendo años, se interesan más por hacer canciones más “lentas” (menos los de Slayer, claro). Sin embargo este disco es un puñetazo en la cara. ¿Lo considerarías lo más Hardcore que hayáis hecho nunca? “¿Sabes? Yo creo que hay también canciones lentas” (sonríe). Nooooo, sabes que no es así (risas). Sabes que ‘Anger Denial Acceptance’ es el disco más salvaje que hayáis hecho nunca. “Sí pero también hay canciones lentas en él. La última, “Exit Wounds”, es totalmente lenta. Si tuviese que describir este disco con una palabra, sería oscuridad. Es un disco jodidamente oscuro que describe lo que hemos vivido, nuestro estado de ánimo mientras lo componíamos, lo que pensamos. Nuestra vida cotidiana está ahí reflejada. Posiblemente sea el disco más pesado que hayamos hecho pero también el más oscuro”. El título del álbum parece incluso los pasos de una terapia. Primero sientes furia, luego la negación y luego lo aceptación y quizás es una descripción

también correcta, porque son estados de ánimo que se encuentran en el álbum. “Es que hemos tenido experiencias peliagudas. Hemos tenido familiares cercanos que han fallecido o cosas que se han terminado y el disco se fue construyendo sobre esas emociones, sobre esas pérdidas. Tienes que hacerte a la idea de que alguien a quien amabas ya no estará cerca de ti porque ha muerto o porque la relación se ha terminado. Tienes que aceptar que esa persona ya no está ahí. Ese es el planteamiento central, las distintas maneras de llevar eso; te puedes mosquear y de ahí es donde viene la rabia. También puedes negar todo lo que te está pasando pero al final tienes que aceptarlo. De ahí viene todo. Si escuchas el disco al inicio y ves cómo acaba verás que todo tiene una explicación. Hay una razón por la cual las canciones están así colocadas”. Pues a mí la sensación que me ha dado es de que la rabia predomina. “¿Cuántas canciones has oído?”. Todas, y es la sensación que se me ha quedado. De hecho, he echado de menos más partes melódicas como sí tenía ‘Self-Destructive Pattern’, con lo cual me ha dado la sensación de que lo que queríais trasmitir es “ok, hemos vuelto y más furiosos que nunca”. “Sí, eso no te lo puedo negar porque es más agresivo de lo que nunca hayamos sido antes y ese también es uno de los sentidos. Pero por otro lado, hay muchas melodías preciosas en el disco”. Si tuvieses que elegir tu canción preferida del álbum ¿cuál sería? “¿Cuál es la tuya?”. La mía es “I am Damage”. “Te has ido a por la más hardcore ¿eh? (risas). La mía va cambiando pero me gusta mucho el concepto de la que le da título al álbum, “Anger Denial Acceptance”. Es como mi bebé y creo que en una misma canción muestra muchas de las facetas de esta banda: es pesada, tiene melodía, tiene un piano al final que mola mucho… Esa sería mi canción favorita del álbum. “I Am Damage” también me encanta porque es una canción que me encanta tocar directo. Es jodidamente divertida. “Exit Wounds”, la última canción del disco, también es jodidamente aluci-

nante y adoro también “Everything Everyone Everywhere Ends”. Cada día tengo una canción favorita distinta así que es difícil contestarte con exactitud”. Para mí, ahora mismo, serían la que te he dicho y “Noghing Left For Me”. “Sí, esa también me encanta”. Además, también me gusta mucho cómo habéis abierto el disco con “After The End” porque para mí, como oyente, la primera sensación es de tranquilidad sabiendo que nada ha cambiado. Lo veo como una especie de enlace con el anterior. “En parte lo es. De hecho, pasó una cosa curiosa porque este tema en origen tenía una intro de unos sesenta segundos y al final la quitamos porque no queríamos que la gente empezase a escuchar el disco y pensase “¿pero qué coño ha pasado aquí?” (risas). Pensamos que la gente preferiría escuchar ese riff que te vuela la cabeza y por eso lo quitamos” (más risas). ¿Es posible que también hayáis también sacrificado un poco los sonidos electrónicos que usabais en el pasado? “No sabría decirte si hay menos partes electrónicas, porque sí las hay. Pero las hemos usado de forma distinta. No las usábamos como si fuésemos un grupo electrónico pero sí que hay muchas cosas de fondo. Hay mucho piano, muchos sonidos y samplers raros de batería. No queríamos meter ninguna parte en plan dance. En el pasado sí que tenían una mayor presencia pero ahora los hemos simplificado de alguna manera. También porque el método ha cambiado. No metemos nada de forma forzada por el hecho de que “tiene que ir este sonido o éste”. Simplemente oíamos las canciones en nuestra cabeza y las íbamos completando con lo que nos pedían ellas mismas. Ha sido todo muy natural”. Para terminar ¿Qué planes tenéis de gira? Intuyo que hay muchas ganas de enseñarle al mundo este nuevo trabajo. “Ni te imaginas. Dentro de un mes empezaremos una gira por aquí, por USA, y luego queremos ir a Europa. De hecho, queremos tocar más por allí esta vez y patearnos todos los rincones. Obviamente queremos ir a España y Portugal y esperemos que sea lo antes posible”.

“La presión que tuvimos con aquel disco (‘Self-Destructive Pattern’) fue enorme porque querían que fuésemos como Linkin Park”. 51

Cuando los pilares de una banda se quedan intactos durante una temporada es algo que se nota. Esa estabilidad en DYING FETUS se ha plasmado en ‘Reign Extreme’, su álbum más técnico hasta la fecha. Hablamos con TREY WILLIAMS (batería) no sólo para felicitarle por su permanencia sino también para que nos contase más cosas de su último lanzamiento. Texto: Carlos Medrano No sólo debo darte la enhorabuena por la calidad de este nuevo álbum sino también porque es el tercero sin cambios de formación. “Sí, la verdad es que ahora es todo muy estable. Gracias”. (Risas) Creo que eso se puede apreciar en ‘Reign Supreme’. ¿Qué opinas? “Ummm lo que queríamos era ralentizar un poco el álbum y meterle algunos grooves muy pesados y creo que ese objetivo lo hemos alcanzado. Queríamos que tuviera el mismo rollo que ‘Killing On Adrenaline’ o ‘Destroy The Opposition’, hacerlo más pesado pero que también tuviera partes muy técnicas y mucha velocidad. Hay trozos que son increíblemente rápidos a la par que técnicos”. Te iba a preguntar precisamente por eso porque en mi opinión éste es el álbum más técnico que hayáis grabado jamás. “Esto también es porque tienes que ir cambiando. No puedes tocar siempre lo mismo una y otra vez, ni los riffs ni las partes técnicas. John (Gallagher, guitarra y vocalista) estuvo bastante preocupado por encontrar nuevas direcciones que pudiera explorar en cuanto a las partes técnicas. A parte de cómo han quedado los temas, creo que ha hecho un trabajo espectacular y muy creativo en los solos de varias canciones”. Esto también te lo dará, como hablábamos antes, el que no haya habido cambios de formación en una temporada larga. Ahora os conocéis a la perfección entre vosotros y sabéis hasta 52

donde sois capaces de llegar. “Sí, claro. Cuando has pasado tanto tiempo juntos eres capaz de predecir hasta donde puedes llegar como compositor. Cuando quedamos para empezar a trabajar en las nuevas canciones apareció John con el material nuevo y después de enseñarnos unos cuantos cambios fue como “guau… vale, ¿a dónde tenemos que ir?” (risas) y a partir de ahí empecé a pensar lo que tenía que ir haciendo yo. Obviamente tienes que tener ciertas habilidades pero también tienes que sentirte bien con la gente con la que estás tocando. Sabes con quién estás, las habilidades que tienen y mola mucho trabajar así”. Otros de los cambios significativos es el tratamiento que le habéis dado a tus pistas de batería. En los anteriores sonaban menos orgánicas. “Eso es porque estuve un montón de tiempo sacando el sonido que quería. Estuve practicando cuatro horas al día durante dos semanas poniéndolo todo a punto hasta de comenzar la grabación. Quería darle mi impronta a los temas e intentar avanzar un poco hasta lograr algo único a nivel de batería. Después, cuando entramos a grabarlo, Steve Wright (productor) intentó que nuestro nivel de interpretación fuera el mejor. Que lo diésemos todo. Nos estuvo presionando para sacarnos lo mejor. Te decía “venga tío, puedes hacerlo dándole más Groove”. Lo que hacía es que te llevaba al límite pero de una forma en la que tampoco te hacía sentir ni mal ni te frustraba. Yo estoy es-

pecialmente contento con como han quedado las baterías en este disco porque sí que es cierto que han quedado más naturales que en ‘Descend Into Depravity’ y el sonido es mejor, pero también lo estoy por mi actuación”. Me ha encantado la portada del disco. ¿Qué representa? “La portada la ha hecho Orion Landau, que es el diseñador de Relapse Records, y éste nos dijo “ok, dadme algunas ideas en las que queréis que trabaje”. Le dimos algunas y le dijimos como se iba a llamar el disco y le contamos de que iban algunas de las letras y nos vino al tiempo con la portada y flipamos. Me encanta esa especie de Green Reaper como un señor sentado en su trono de armas sobre un lecho de calaveras”. A mí me ha recordado a la película ‘El Señor de la Guerra’. ¿Simboliza a alguien el personaje que está en el trono? “No, en realidad es sólo una imagen, una figura. Podrías decir que es la muerte pero es que teníamos que poner a alguien sentado en el trono”. Mientras estaba escuchando el disco (y repasando ‘War Of Attrition’ y ‘Destroy The Opposition’) reflexionaba sobre la escena Death actual. Los escuchaba y pensaba que esto sí es Death metal. No sé tú pero yo veo ahora mismo un montón de bandas que utilizan esa etiqueta y la única sensación que me dan es que son unos posers. ¿Cuál es tu opinión al respecto? (Duda) “A ver, cuando preguntas a la gente lo que es para ellos el Death Me-

tal cada uno tiene su opinión y de hecho incluso eso cambia cuando creces y vas desarrollando el gusto por la música. Para mí el Death Metal lo representan Cannibal Corpse, Deicide o Morbid Angel porque creo que así es como deberían sonar las bandas de Death, pero para otra gente, quizás para la generación más joven, lo seamos nosotros u Obscura y tampoco estaría mal porque al final todos tocamos música extrema. Eso es lo más importante. Hay mucha gente que no respeta a las nuevas bandas de metalcore que están saliendo ahora mismo, o a las bandas de deathcore, que lo único que hacen es utilizar influencias que tienen y darles su propio rollo. Si no te gustan qué le vas a hacer. Tampoco nadie te está obligando y como oyente tienes la posibilidad de que si algo no te gusta puedas dejar de oírlo. En nuestro caso puedes decir que no hacemos Death Metal porque tiene partes Grindcore o más thrashers pero es que es lo que queremos hacer. Queremos tener la capacidad de mezclar todo aquello que nos gusta. Tenemos partes muy Hardcore, otras más grind y otras mucho más técnicas. Nosotros tenemos que luchar con un montón de bandas muy buenas que están ahí fuera pero haciéndolo de una manera en la que intentamos ser únicos. Si a la gente le gusta lo que hacemos y lo quieren llamar Death Metal pues genial pero si no les gusta, qué se le va a hacer. Que tengan suerte buscando algo que realmente les guste”.

REVIEWS

Slash

Myles Kennedy and The Conspirators Featuring

Apocalyptic Love (Roadrunner Records)

A estas alturas de la película resulta enormemente complicado distanciarse lo suficiente para ser realmente objetivo con un personaje que lleva casi treinta años en lo mas alto de del Rock and Roll, hasta el punto de ser uno de los iconos más reconocibles del género. Y además lo ha conseguido a base de trabajo honesto y bien hecho, desde una posición de humildad y siendo siempre mas o menos fiel a sus creencias e influencias musicales. O lo que viene a ser lo mismo, que ha hecho lo que le ha dado la real gana siempre, sin importarle lo más mínimo el qué dirán. Es quizás por esto que se la han perdonado ciertos deslices que todos recordamos (sobre todo en algunas estrambóticas colaboraciones) entendiendo que no era más que una necesidad más de experimentar nuevos frentes y una consecuencia de una mente abierta y creativa. La consecuencia negativa de este hiperactivo planteamiento es que los diferentes proyectos que el señor Hudson nos ha ido regalando han quedado como pequeñas joyas aisladas faltas de continuidad desde el catastrófico fin de sus queridos Guns and Roses. Ni en aquellas aventuras de mitad de los 90 con sus Snakepit, en las que ni siquiera repitió formación o aquellos Velvet Revolver que tanto prometían terminaron de concretarse en un proyecto estable. El colmó de este libertinaje compositivo, de este “hago lo que me apetece cuando me apetece” llego en 2010 con el primer disco realmente homónimo del genio, en el que ni siquiera buscó un cantante, sino que se dedico a ofrecer cada canción a un vocalista diferente, con la consecuente falta de unidad y empaque de la obra. Sin embargo, aquella egocéntrica aventura tuvo sus frutos en forma de una inesperada colaboración que se concreta en este disco que tenemos entre manos y que ya ha llegado mucho mas lejos de lo que en principio se podía imaginar. Nadie podía pensar que un cantante apenas conocido (Recordemos que el señor Myles Kennedy por aquel entonces sólo había grabado 2 discos de Alter Bridge) y en proceso de ascenso iba a conectar de semejante manera con el excéntrico guitarrista hasta el punto de ser el elegido para interpretar todo aquel disco en directo durante una gira que les llevo juntos por todo el globo, y ser el elegido para cantar integramente en este segundo disco. Pero no nos equivoquemos. No estamos ante una obra individual, ante un monólogo con acompañantes. Al contrario que en su anterior largo, ahora si estamos ante una banda de Rock con mayúsculas. La química surgida en estos dos años largos de colaboración ha provocado que de Myles Kennedy pasara de mero colaborador a ser la mitad activa del proyecto, componiendo mano a mano con Slash cada una de las canciones de este “Apocalyptic Love”. Y si una cosa queda clara, es que han disfrutado como nunca. Estamos de nuevo, muchos años después, ante el Slash macarra del Appetite for Destruction. Ante los RIffs afilados de “Ain´t Life Grand”. Ante aquellas optimistas melodías que cerraban su mítico “It´s Five O clock Somewhere”. No hay espacio en el largo para experimentos, ni bajadas de ritmo, hasta el punto de echar algo de menos incluso al Slash más bluesero, que aqui se diluye en una cantidad sin fin de Riffs majestuosos que en quizás en otra época y lugar se hubieran convertido en clásicos eternos. No hace falta más que arrancar el disco con el primer corte (Que da título al largo) para retrotraernos a los tiempos de Mr. Browstone). Tres minutos de puro Rock and Roll con mala leche, de la vieja escuela, que seguimos encontrando en la espídica “Hard and Fast” o en “You´re lie”, elegido como primer adelanto del disco. Y otra de las notas positivas (o negativas según quien lo mire) es que el señor Kennedy

Meat Loaf

Hell in a Handbasket (Sony Music)

La carrera discográfica de MEAT LOAF podría describirse como una de las más irregulares de los últimos cuarenta años. Esclavo de las composiciones de Jim Steinman hasta lo frustrante, el ya-no-tan-orondo vocalista siempre ha tenido un poco complicado romper con ese molde y hacerse valer por si mismo. “Hell in a Handbasket” es un disco en el que demuestra buenas maneras (a nivel estructural, canciones como “All Of Me” brillan especialmente) pero no es “Bat Out Of Hell”, ni siquiera “Bat Out of Hell Part II”. Tan solo ha habido dos discos en toda su historia que, sin ser parte de la saga, hayan podido merecer el respeto crítico y público, y esos han sido “Dead Ringer” y “Welcome to the Neighbourhood”. Lo demás –especialmente en los años 80- ha estado a medio camino entre lo insufrible y lo prescindible. Pero hay que reconocer que en años actuales ha editado discos algo más aceptables desde el punto de vista compositivo. “Hang Cool Teddy Bear” fue apetecible y esta nueva obra sigue el mismo camino de aquel. Las instrumentaciones son más simples, pero el encanto rockero de “Live Or Die”, con un gran estribillo,

ha conseguido por primera vez que no echemos de menos al siempre controvertido señor Rose. Cumple a la perfección en cada uno de los temas (resaltar ahora las cualidades vocales de Myles Kennedy resulta fuera de lugar) con nota, y no solo eso, sino que además deja su impronta en algunos de los temas más íntimos como son “No more Heroes” o la magnífica “Bad Rain”, que un servidor propondría sin duda como segundo single. Pocas cosas se echan en falta en el que es el mejor disco de Slash desde el año 1995 y que hará las delicias de los amantes del viejo Hard Rock poderosos y sucio. Quizás una balada poderosa hubiera redondeado el asunto, pero intuimos que aquella faceta de Guns recaía más en el señor Rose (“Far away”, que cumple las veces este papel en el disco, se queda en un intento falto de la épica). Ahora sólo queda esperar que se acuerden de la península en su próxima gira y podamos ver a esta extraña pareja en directo una vez más. Que conociendo al mago de la chistera, nunca se sabe cuanto puede durar. JAVIER BRAGADO

y la aceleración con elementos sinfónicos de fondo de “Party of One” muestran un lado enérgico de un MEAT LOAF que muchos daban por cansado, tocado y hundido. Sus problemas vocales de los últimos años –que incluso le llevaron a un falso retiro del que no tardo desdecirse- no están audibles en éste disco. Faltaría verlo en directo, no obstante. Se trata de una obra correcta, no chirría demasiado y sirve para probar que el grandullón aún tiene algo que decir musicalmente, aunque no sea lo que todos queremos escuchar.

SERGI RAMOS

Axel Rudi Pell Circle of the Oath (SPV)

¿Conocen ustedes esa sensación típica que uno tiene cada año cuando se organiza la cena de empresa de navidad? ¿La de estar en un bucle espacio-temporal cuya fuerza gravitacional es directamente proporcional a los años que uno lleve en la empresa y, por tanto, a la de veces que se haya repetido el mismo ritual? Pues eso es lo que sucede cuando uno escucha un nuevo disco de Axel Rudi Pell. Es casi como AC/DC en el campo

del hard rock guitarrero alemán. Aquí un tema rápido, aquí una letra positivo-galvanizadora, aquí una obra algo más épica y larguita para dar el toque profundo…lo peor es que, pese a haber escuchado cada disco en una vida anterior –o tener esa sensación al menos- uno acaba siendo incapaz de darle al “stop” y enviar el CD a hacer puñetas. Rudi Pell tiene esa cualidad que convierte en resultón hasta el tema más zafio. Un buen ejemplo sería “Run With The Wind”, una de esas porciones de hard rock de 1986 que pasa por tus oídos como si la hubieras escuchado mil veces antes. Y es que si miramos atrás podemos encontrar mil comparaciones: “Rock The Nation” del “Mystica”, “Flyin’ high” del “Kings and Queens” y si tiramos más atrás, el “Call Her Princess” del “Wild Obsession” de 1987. En cualquier caso, es lo que se espera de él. Tampoco cabe duda de que los temas más épicos como el que da título al disco o “World of Confusion” (subtitulado como “The Masquerade Ball Part II”) son los que más elementos novedosos ofrecen, como es el caso de una intro acústica, un buen canon a varias voces y un riff de lo más incendiario. Pero vamos, lo de Axel Rudi Pell jamás tiene perdida. Es como el lavabo de un bar: siempre al fondo a la derecha. Pues Rudi Pell siempre es hard rock revolucionado con toques añejos y profusión de guitarras por todas partes. Y quizá ahí está el secreto de su longevidad. SERGI RAMOS

Pantera

Vulgar Display Of Power (Rhino/Warner Music)

Hablar de este álbum es hablar de uno de los discos más importantes de la historia. El del puñetazo es el que terminó de consagrar a Pantera entre los grandes y revolucionó toda una escena que veía en Phil Anselmo a uno de esos frontman a los que seguir. Con motivo del 20 aniversario de su lanzamiento original se ha lanzado ahora una copia remasterizada a la que se le ha añadido un DVD en el que podemos ver a la banda tocando en el Monster Of Rock. No tenemos esa info pero por el escenario (es el que llevaban Iron Maiden cuando fueron cabezas de cartel con el ‘Fear Of The Dark’) y por el gentío que se arremolina delante del escenario todo hace pensar que fue allí. Lo mejor de este es ver como Phil sube a un fotógrafo al escenario a la fuerza y se le ponen los pelos de punta a uno cuando ve a Dimebag tocándose sus solos. Con respecto al álbum ¿qué decir? “Mouth For War”, “Walk”, “Fucking Hostile”, “This Love”, “By Demons By Driven”... clásico tras clásico de los de Dallas. Se ha incluido una pista “inédita” llamada “Piss”. Lo ponemos entre comillas porque luego Dimebag usó parte de ese riff en “Use Your Third Arm”. Es lógico que lo quitasen porque suena muchísimo al “Cowboys From Hell” y tenían que pasar página. Es raro que alguien no tenga ‘Vulgar Display Of Power’, pero si alguien no lo tiene no sabemos a qué coño espera para hacerse con esta auténtica maravilla.

Döria

Despertar

(Autoproducido)

Los catalanes DÖRIA están encarando un ascenso que probablemente no se esperaban hace un año y medio, cuando editaban su maqueta “Pensavientos”. Precisa-

mente aquella maqueta forma el esqueleto de este primer disco autoproducido con el que se han lanzado a por todas. Y la suerte les ha respondido: giras con FREEDOM CALL, teloneos a importantes bandas nacionales, festivales por toda España y conciertos con buena entrada son el resultado de un trabajo de base bien hecho por parte de un grupo que ha sabido usar los medios a su alcance. Pocas bandas se enzarzan a repartir personalmente miles de copias de un sampler de su disco a la salida de los conciertos más importantes con la simple idea de dar a conocer su música. Es probablemente por mo-

tivos como ese por los que DÖRIA tienen un futuro más brillante que el resto por delante. Han sido capaces de hacer un disco de hard rock contemporáneo muy correcto, que bebe de influencias obvias (podemos escuchar a MAIDEN, podemos escuchar a WHITESNAKE, pero también podemos escuchar producto nacional como los SARATOGA de la época de Fortu) pero que consigue no sonar nada casposo, el inri habitual de cualquier banda nacida y desarrollada en nuestro país. “Caperucita Feroz”, el primer single del disco, es un tema de riff potente y decisivo, el que debe conseguir que te intereses o no por el resto del disco. Una vez superada la primera prueba, el disco se va deslizando por tus oídos como si fuera un cuchillo caliente hundido en mantequilla. “Despierta” es hard rock facilón que entra solo, “Sweeney Todd” es algo más contemporáneo y con un riff de guitarra malicioso hasta decir basta. Las tonalidades más bajas de la voz de Martí demuestran que es posible cantar rock en este país sin acabar sonando como un tenedor pasando por una pizarra. A nivel estructural y melódico, las canciones son pegadizas, bien planteadas y son fáciles al oído. No obstante, hay algún riff algo más barriobajero que le hace perder encanto al asunto puntualmente, pero las influencias son las que son y es lógico que salgan a relucir, quizá a veces en exceso. Pero vamos, casi es criticar por criticar. “Despertar” es un debut fuerte y, a juzgar por la evolución entre su maqueta y este primer trabajo, cuando hablemos del segundo disco tendremos que reírnos del primero. SERGI RAMOS

H.E.A.T.

Adress The Nation (Ear Music)

Europe Bag Of Bones (Ear Music)

Desde su vuelta como entidad activa que graba y gira por todo el mundo, EUROPE no han sacado un mal disco. Quizá “Last Look at Eden” ha sido el más flojo de los tres que han llegado desde la reformación del grupo, pero incluso así no se puede calificar como “malo” ni remotamente. En cualquier caso, para no estancarse hacía falta una vuelta de tuerca y la han dado con “Bag of Bones”. El inicio de “Riches to Rags” recuerda a Hendrix para luego volverse una oda al blues más eléctrico de los ’60 mezclada

con una generosa dosis de hard rock de los ’70, a lo MONTROSE, ZEPPELIN y demás. Desde el minuto 1, John Norum está más encendido que un tertuliano de Intereconomía y eso es una constante en todo el disco. “Not Supposed to Sing The Blues”, el primer single, es probablemente el tema más flojo del disco, como suele pasar. Lo supera de largo la mareante “Firebox”, la zeppeliniana “Demon Head” y hasta la gran “Doghouse”, un tema simplón a medio camino entre ROSE TATTOO y AEROSMITH que nos ofrece la voz de Joey Tempest en una dimensión completamente nueva. Buen trabajo de teclados por parte de un Mic Michaeli que ha ganado presencia con el sonido retro, algo que nunca sobra. Ciertamente, han sabido reinventarse y tirar en la dirección correcta: buscar los orígenes de aquello que terminaron siendo en los ’80. SERGI RAMOS

Cuando uno hace experimentos puede pasar aquello de que acaben viniendo los bomberos y sea todo una catástrofe, así que cuando se supo que los suecos H.E.A.T. habían contratado los servicios del joven vocalista Erik Grönwall, notorio por su participación en el programa de talentos televisivo nacional “Idol”, yo llamé al 112 por si acaso. El chaval tiene una voz muy decente pero no terminaba de ver como podría sustituir lo logrado, a nivel de identidad, por su predecesor Kenny LeCremo. No hay que tener miedo: Grönwall consigue orinarse sobre todo el legado del vocalista previo con tan solo los dos primeros temas de “Adress The Nation”. Puro cheese metal americano de 1987, de algún modo replicado en el 2012 con fidelidad extrema. Tanto “Breaing the Silence” como “Living on the Run” deben mucho a los BON JOVI de “Slippery When Wet” y “7800º Farenheit”, así como a los dos primeros discos de DANGER DANGER. El inicio de “Better off Alone” es suficiente para pedir la nacionalidad sueca e irse a vivir a un país donde cosas así son creadas por sus habitantes. Uno de los firmes candidatos a disco del año y una tremenda sorpresa. SERGI RAMOS

REVIEWS Imperial State Electric Pop War

(Psychout Records)

Aunque le falta ese puntito extra para estar a la altura de su disco debut de 2010, no cabe duda de que “Pop War” es un disco muy bien parido. A falta de BACKYARD BABIES, de GLUECIFER, de TURBONEGRO y de HELLACOPTERS, los chicos de IMPERIAL STATE ELECTRIC perpetúan aquella corriente del rock escandinavo de raíces ancladas en el punk y en el rock de los años 70. Recuerdan tanto a KISS en el sonido de guitarras –época de “Rock And Roll Over”- que da miedo, pero el guiño siempre es bienintencionado. Nicke Andersson manda por encima de todo, con esa hipnotizante y una visión musical precisa y anclada en un punto impreciso entre 1972 y 1976. “Narrow Line” es evocadora de muchas emociones nostálgicas, algo que es aún más exagerado en “Can’t Seem To Shake it Off My Mind”, un tema con una influencia Liverpool muy clara en el aspecto vocal e incluso en e riff de guitarra, heredero lejano del “Day Tripper” de los BEATLES. Uno no puede más que sentir respeto por una banda capaz de recuperar la esencia de una época gloriosa en la música. Que le den a la originalidad. SERGI RAMOS

Gotthard Firebirth

(Nuclear Blast)

Pocas bandas son capaces de ver morir a su vocalista y alma de la fiesta y volver en menos de un año y medio al redil con un nuevo cantante y un disco que tira de espaldas. Solo se me ocurre el caso de AC/DC tras la muerte de Bon Scott. GOTTHARD se han sobrepuesto a la trágica muerte de Steve Lee con el fichaje del fuera de serie Nic Maeder y un disco que sigue la estela triunfal de “Lipservice” y “Domino Effect”, mejorando lo que fue un irregular “Need to Believe”. Temas uptempo, animados, que muestran de manera lógica las cualidades vocales del nuevo chico de la clase. EL single “Starlight” es infeccioso, la balada ya conocida “Remember it’s Me” es capaz de reducirte a lágrimas en un minuto –especialmente debido al hecho de que parece que sea Steve Lee el que canta- y “I Can” nos muestra a los GOTTHARD más combativos, un tema rockerísimo al estilo “All We Are”, aunque sin el gran estribillo. No podían haber vuelto de mejor forma, aunque lo que todos querríamos nunca podrá ser. Un bonito homenaje no intencional a la figura de su desaparecido vocalista. SERGI RAMOS

Nile

At the Gate of Sethu (Nuclear Blast)

NILE suelen ir a su ritmo a la hora de editar discos. “Those Whom Gods Detest” salió hace la friolera de tres años, una eternidad en los tiempos que corren. La ex-

Romeo Cara o Cruz (Gaser Discos)

Tremendo el salto cualitativo que han dado Romeo en este trabajo. Tal y como nos comenta Josef K (vocalista y guitarra) en la entrevista que tienes unas páginas antes, estaban tan abatidos por todo lo que les había pasado que llegaron a temer por su continuidad. Y el caso es que ese “ya no tenemos nada que perder” les ha venido a la perfección pues han facturado su mejor álbum hasta la fecha. Mientras que en sus anteriores discos dejaban ver su potencial, en ‘Cara O Cruz’ lo explotan al máximo, sacándose de la chistera temas de eso que te enganchan desde la primera escucha (bueno, en la segunda) con unas letras tan directas que es muy sencillo integrarse en ellas, reflejarse ese personaje de tendencia a perderlo pero con habilidad para retensa agenda de directo de la banda tiene mucho que ver con estos grandes valles entre disco y disco, así como el afán perfeccionista por el que se conoce a Karl Sanders. El tipo se vacía a fondo en cada disco y no sería faltar a la verdad decir que el y el baterista George Kollias son el alma de NILE. En “At The Gate of Sethu” la banda sigue por su camino habitual: death metal brutal sin concesiones, pasado de revoluciones, con un trabajo instrumental impactante y otro letrístico que cuesta más de apreciar pero que es igual de exhaustivo. Las tendencias étnico-experimentales de la banda tienen su mayor

La sorpresa Boobology

The Day The Earth Stood Still (Autoproducido)

Impresionante la evolución de los madrileños Boobology en su segundo larga duración, este ‘The Day The Earth Stood Still’. Con unas claras influencias de bandas como Tool o Chevelle, los madrileños se destapan con una sucesión de temas bien compuestos que resultan tremendamente adictivo. Lo son además pese a la atmósfera que le han dado a un álbum en donde por momentos sientes lo claustrofóbico del ambiente. Hechos con los medios con los que han podido, han cuidado al

máximo todos los detalles con lo cual también es una delicia el ir leyéndose las atormentadas letras con las que nos va desgarrando Eloy (guitarra y voz). Lo que llama sobre todo la atención son las estructuras, las composiciones, todas ellas cuidadas hasta el extremo. Desde el inicio con “Dark Clouds” hasta “The Day The Earth Stood Still” no hay ni una sola en la que den la sensación de prisas o de pereza. Todas están dirigidas con maestría a hacer que te empapes en ellas. Quizás lo que se le echa en falta (por poner alguna chorrada) es un tema que sobresalga del resto. Todos son muy buenos pero falta el que termine de convertir en este disco en inmenso. No te los pierdos si eres adicto a tool. Puede ser que te encuentres tarareando “Schism” al oírlo, pero, no te equivoques, estos son Boobology. ROBERTO VILLANDIEGO

componerse tras la derrota. Con una producción muy nítida de Jorge EScobedo (quien les ha sabido sacar un sonido extraordinario, a medio camino entre su propia banda y 36 Crazyfist), desde que se abre el álbum con “Corazón de Tempestad” (con colaboración de Carlos Escobedo) vamos metiéndonos de lleno en un disco que se va clavando como una aguja envenenada. A destacar el tema que da título al álbum, “Lo que nos Separo” (muy a lo “Naufrago” de Sober), la cañera “El Momento Exacto”, la colaboración de Sherpa en “Desde Mi Sombra Hasta La Eternidad”... bueno, en realidad todo el disco es destacable exceptuando un par de melodías vocales en las que se nota a la perfección que ha primado la letras. Han pasado una mala temporada y quizás el llegar al público masivo se les siga resistiendo porque esas cosas nunca se saben cómo funcionan, pero sin duda Romeo deberían dar un salto enorme con este disco. Ya veremos qué pasa al final. ROBERTO VILLANDIEGO expresión en “Ethno-Musical Cannibalisms”, aunque en éste disco hay menos elementos de ese tipo. ¿Se han simplificado sus canciones? Para nada, intentar seguir “Supreme Humanism of Megalomania” sin un mapa implica perderse seguro. Lo mismo con “The Inevitable Degradation of Flesh”. No han cambiado ni un ápice y eso, en el caso de NILE es bueno. Siempre positifo. Nunca negatifo.Y tampoco debe haber molestado mucho que haya entrado en la banda el nuevo bajista Todd Ellis, que también echa una mano vocal. SERGI RAMOS

Firewind Few Against Many (Century Media)

Hasta que no pasen diez o quince años no se podrá evaluar tranquilamente, pero hoy en dia es casi imposible predecir el efecto que tendrá sobre FIREWIND el hecho de que Gus G sea el guitarrista de facto de Ozzy Osbourne en la actualidad. Cierto es que es más apetecible un disco de FIREWIND en la actualidad que cualquiera de las dos últimas obras de estudio de Osbourne, así que cabe dejar espacio para la esperanza de que el griego sea capaz de levantar la carrera en solitario de Ozzy desde el aspecto compositivo. Parece que la presión de compaginar ambas labores ha motivado al joven guitarrista especialmente y el nuevo disco supera de

largo a “Days of Defiance”. La machacona “Losing My Mind” tiene un riff poderoso, aunque es el tema título el que más brilla, casi un grito de guerra en medio de un disco equilibrado y mucho más cercano a DREAM EVIL en algunos momentos que a los toques más modernos-duros de su penúltimo trabajo. Riffs de la vieja escuela y doble bombo por doquier, para que nadie se queje, son las señas, aunque hay concesiones coreables y de velocidad media como “The Undying Fire” que podrían haber firmado muy orgullosos unos HAMMERFALL de hace ocho o nueve años, cuando aún tenían sex-appeal musical. Está claro que la línea que sigue Gus con su banda poco tiene que ver con la que ha seguido Zakk Wylde con BLACK LABEL SOCIETY. A dia de hoy, tiene mucha más soltura compositiva el griego que el redneck americano cervecero y es mucho más probable que escuches un disco entero de FIREWIND que uno de BLACK LABEL SOCIETY. Y mira que dicen que las comparaciones son odiosas, pero en éste caso son inevitables.

SERGI RAMOS

REVIEWS

Los Vengadores

Grupo 7

Los Juegos del Hambre

Película: Los Vengadores. Título original: The Avengers. Dirección: Joss Whedon. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Acción, aventuras, ciencia-ficción. Interpretación: Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff / Viuda Negra), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Jeremy Renner (Clint Barton / Ojo de Halcón), Cobie Smulders (agente Maria Hill), Samuel L. Jackson (Nick Furia), Mark Ruffalo (Bruce Banner / Hulk)

Película: Grupo 7. Dirección: Alberto Rodríguez. País: España. Duración: 95 min. Género: Acción, thriller, policiaco, drama. Interpretación: Antonio de la Torre (Rafael), Mario Casas (Ángel), Inma Cuesta (Elena), José Manuel Poga (Miguel), Joaquín Núñez (Mateo), Julián Villagrán (Joaquín), Estefanía de los Santos (La Caoba)

Película: Los Juegos del Hambre. Título original: The Hunger Games. Dirección: Gary Ross. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Cienciaficción, drama. Interpretación: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks (Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Wes Bentley (Seneca Crane), Donald Sutherland (presidente Snow)

Pocas veces una película de Superhéroes había levantado tanta expectación y suspicacias antes de su estreno como “Los Vengadores”. La interminable campaña de marketing que ha inundado la red en los últimos meses, unida a los chascos de lo que podríamos llamar precuelas (todavía mas de uno sigue sin recuperarse del infumable espectáculo de “Thor”) hacía prever un enorme batacazo fílmico de dimensiones insospechadas. Y es quizás por esa fórmula que dice que la expectación es inversamente proporcional a la satisfacción posterior al ver una película (en ambos sentidos) lo que hace que cuando uno sale del cine, lo haga con una sonrisa en los labios. Lejos de las pretensiones de profundidad de otras cintas del género, Los Vengadores se decanta por el espectáculo puro, por el cine de palomitas sin mas pretensión que el entretenimiento en si mismo, por la ausencia misma de profundidad en el planteamiento para no descentrar al espectador de lo que realmente importa, que es la acción y la aventura puras y duras. Y ahí radica sin duda la clave del éxito de una cinta que estaba predestinada al fracaso de la crítica y que sin embargo aun no ha encontrado grandes detractores. A FAVOR: Los últimos 30 minutos del metraje, técnicamente perfectos, hacen que merezca la pena pagar la entrada. Los toques de humor y un Hulk inmenso en todos los sentidos, también contribuyen. EN CONTRA: Quien no haya visto las películas de las que provienen cada uno de sus protagonistas puede perderse un poco en el planteamiento argumental. ¿Pero a quien le importa el argumento con semejante colección de superhéroes juntos? JAVIER BRAGADO

Poco a poco se atisban en el cine patrio ciertos intentos de modernidad y sobre todo una búsqueda de nuevas fórmulas estéticas y lingüísticas que están ayudando a nuestra industria a quitarse de encima algunas losas y muchos prejuicios en favor de obras cada vez más interesantes. Siguiendo la estela de Urbizu y su exitosa “No habrá Paz para los malvados”, Alberto Rodriguez nos presenta un Thriller con mucho olor a cine negro de la vieja escuela, sin dejar de lado un desarrollo visual moderno y ágil, así como un homenaje a nuestra propia cultura, centrada en una ciudad tan característica y particular como Sevilla. Es quizás en este punto donde radica gran parte de su éxito. Rodriguez es capaz de transformar las calles de la capital andaluza en una especie de barrios bajos Angelinos, con todos lo elementos del género, y sin perder un ápice de veracidad, en parte gracias a un estilo narrativo que roza el documental en muchas fases del film. Estamos por tanto ante un mas que interesante proyecto en el que además sobresale una inmensa dirección de actores, con un Mario Casas enorme al frente, al que a partir de ahora habrá que tomar mucho más en serio. A FAVOR: Una historia que atrapa de principio a fin y que, a pesar de estar ambientada hace 20 años, refleja el inicio de muchas de las miserias que hoy nos acompañan. Y la actuación de Antonio de la Torre, que sin apenas entablar dos diálogos, se come la pantalla. EN CONTRA: Si bien como hemos dicho antes Mario Casas esta enorme, en ocasiones parece demasiado joven y algo blando para el personaje que encarna, lo que en algunas fases del film resta credibilidad. JAVIER BRAGADO

PASANDO UN POCO DE... MIEDO Le pedimos a SÁNCHEZ, guitarra de DESPUÉS DE TODO, que nos recomendase 5 películas de terror. Aquí van las que, para él, son los films más “acojonantes” de la historia. 1. El Resplandor: Película de terror imprescindible y, para mí, el mejor papel de Jack Nicholson. Realmente este film acojona y no me canso de verla.

2. Insidius: Para mí la mejor película de terror de los últimos años. Eso sí, mucho más impactante en cine que en tu propia casa. Cuando la fui a ver al cine la persona que había a mi lado me tiró el cubo de palomitas por encima de un susto que se dio. Esto es totalmente verídico” (risas).

3. Hallowen (El origen): La mejor película de la saga sin duda. Cómo no, dirigida por el gran Rob Zombie, un auténtico maestro en el género. El protagonista que interpreta en esta peli a Michael Myers bien podría estar tocando en Slipknot. Si no la habéis visto hacedlo y sabréis por qué lo digo. 4. La casa de los 1000 cadáveres: Me encanta por el punto de terror y humor que le sabe dar su director (Rob Zombie). Como podéis ver todo lo que haga este hombre, tanto en el cine como en lo musical, me encanta. Además siempre suele utilizar los mismos actores y es muy curioso que la actriz principal sea siempre su mujer....

5. La Señal (the ring): No quiero ir de macho (risas

pero a mí hay pocas películas que me den miedo y en ésta hay una escena (cuando la niña sale del pozo) en la que que realmente ¡¡¡me acojoné!!!

Cine y Literatura

Parece que en los últimos años Hollywood, agotadas las eternas fuentes de los comics de primera fila e incluso de los videojuegos, ha encontrado en las novelas para adolescentes a la nueva gallina de los huevos de oro. Y si además son trilogías, pues mejor que mejor. Muchas esperanzas había vertidas en este film por parte de los sempiternos detractores de ciertos vampirillos que es mejor ni mencionar, y sin embargo han caído en saco roto. Pues si bien el éxito de las novelas de Suzanne Collins residía en la crudeza de un planteamiento cargado de dramatismo y violencia que las separaba de otras propuestas mucho mas edulcoradas, el film no es sino otro ejercicio amanerado y vacío a los que nos tiene acostumbrados una industria experta en convertir el oro en chatarra. Estamos por tanto ante una adaptación maniquea que, lejos de profundizar, frivoliza y desmantela una obra más que digna, y que nos presenta una historia carente de la épica y la intensidad de las novelas originales. Y además, ni siquiera entretiene. A FAVOR: Practicamente nada. Ni siquiera los efectos especiales son destacables. EN CONTRA: A parte de lo que hemos dicho anteriormente, cabe mencionar la “actuación” (sí, lo ponemos entre comillas) de Lenny Kravitz. La guinda para un pastel de digestión difícil. JAVIER BRAGADO

Libros

STEVE JOBS Por Walter Isaacson (Editorial Debate) 5/5

La controvertida figura de Steve Jobs nunca dejó a nadie indiferente. A menudo a medio camino entre la genialidad y la tiranía, el visionario tecnológico de alma hippy que cambió para siempre el mundo de la informática, la música, la telefonía y la lectura es uno de los personajes más interesantes del siglo XX y XXI, desde un punto de vista antropológico. En ese sentido, la biografía póstuma editada por su biógrafo y amigo Walter Isaacson nos muestra a un Jobs que no tiene miedo de hablar de sus miserias, sus neuras y su actitud discutible, con una variedad de amigos, colegas, familiares, trabajadores y socios empresariales que suscriben cualquier comentario duro sobre si mismo que el propio Jobs le ofreciera a Isaacson. Pero si en algo coincide casi todo el mundo es en que Steve no sabía ni podía ser de otra forma. Su actitud soberbia, su obsesión perfeccionista, su capacidad para discernir entre lo que merece atención y lo que no, fue lo que le hizo grande y miserable a la vez. Porque también hay que tener en cuenta que no supo tomar la decisión moralmente correcta con su primera hija o a la hora de copiar y capitalizar las ideas de su viejo amigo Steve Wozniak para crear el imperio Apple. Pero la moralidad, la ética y la excelencia no siempre van de la mano a la hora de cambiar el mundo, que era el objetivo de Jobs. Con una propuesta leonina como fue vender música en iTunes a precio reducido para así disparar las ventas de su gadget estrella, el iPod, y no ofrecer porcentaje de las ventas del gadget a las discográficas uno puede creer que Jobs era un egoísta, un capitalista enloquecido en busca de su propio beneficio. Nada más lejos de la realidad: Jobs amaba la música y, de no haber sido por iTunes, hoy en día no existiría rastro alguno de la industria discográfica. ¿Contradictorio? Como todo en la vida de Jobs. El eterno conflicto entre beneficio neto, satisfacción de los accionistas y persecución de la innovación y el producto funcional y de diseño inmaculado con integración total de software y hardware no fue uno de fácil resolución, pero parece que ahora –finalmente- el mundo ha entendido que una actitud dictatorial en ese sentido sirve para conseguir productos mucho mejores. O en otras palabras: desde que tengo un Mac, no recuerdo lo que es un cuelgue de ordenador. Gracias Steve. SERGI RAMOS

LIVE SHOTS

DESPEDIDA POR T JUDAS PRIEST Artistas Invitados: BLIND GUARDIAN, UDO P. Vistalegre, Madrid

Los fans madrileños de Judas Priest tuvimos el pasado Martes quince de Mayo una nueva oportunidad de decir adiós a la banda, puesto que la gira de despedida Epitaph volvía a pasar por nuestro país tan solo ocho meses después de su anterior visita. En esta ocasión el emplazamiento elegido fue el Palacio de Vistalegre, que lejos de llenarse presentó una entrada más que aceptable, si tenemos en cuenta factores como que no hace ni un año de su último

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show en la capital, los sesenta euros que costaba la entrada y la proximidad del festival Sonisphere. Tras escasos cuarenta minutos desde que abrieron las puertas saltaron al escenario Igor Pianola y Stefan Kaufmann ataviados con guitarras Explorer y Flying V respectivamente y rápidamente atacaron con “Rev-Raptor”. Poco después y sin más ornamentación que unos focos verdes que se mantuvieron fijos durante todo el concierto hizo acto de presencia el mítico vocalista alemán Udo Dirkschneider. Ataviado con sus clásicos pantalones militares y con un envidiable estado vocal nos demostró que a sus sesenta años se encuentra en plena forma. El backline de la banda se encontraba

en los laterales apilado de forma vertical para no restar espacio a los músicos que no pararon de corretear por el escenario y de animar al público que todavía se encontraba accediendo al interior del recinto durante la actuación. “Animal House” y “Leatherhead” y “Vendetta” fueron las siguientes que interpretaron y tras ellas llegó la primera versión de Accept que no fue otra que “Princes of the Dawn”, donde la gente de las gradas se puso de pie para celebrar que ejecutaran tal clásico. “Man and Machine” precedió a otro himno“Metal Heart” que puso al respetable a dar los primeros botes de la noche (por cierto recomiendo la versión que los noruegos Dimmu Borgir realizaron de este tema en su disco `Go-

dless Savage Garden´). Como la cosa ya estaba caliente y la gente estaba ávida de temas míticos no defraudaron a sus fans y terminaron el show con dos valores seguros: “Balls to the Wall” y “Fast as a Shark” que igualmente fueron muy bien recibidas. Tras estas se despidieron y nos dieron las gracias. Tras los cambios de rigor y tan solo con un sencillo telón de `At the Edge of Time´ aparecieron en escena Blind Guardian con “Sacred Words” a la que le siguieron “Welcome to Dying” y “Nightfall”. Nos comentaba Hansi que tenían un set list más corto de lo habitual debido a las circunstancias y que lo iban a aprovechar al cien por cien y así fue, los temas se sucedían sin darnos un respiro. Lamenta-

R TODO LO ALTO blemente el sonido no estuvo de su parte y hasta la mitad del show no se empezó a apreciar claramente cada instrumento, aun así la banda hizo alarde de profesionalidad y como es habitual en ellos lo dieron todo en el escenario. Dos de las cosas que me llamaron la atención fueron por un lado la ausencia de Oliver Holtward que fue sustituido por un bajista desconocido y la inclusión de Mathias Wiesner (teclista) sobre el escenario que apoyaba en algunas partes con bases y arreglos. Me sorprendió que su repertorio no se centrara en su último recopilatorio `Memories of a Time to Come´ sino que se ciñera a lo que ha sido el set list de su pasada gira, cosa comprensible ya que

en este caso venían de banda invitada y tenían que ofrecernos sus temas más conocidos. “Turn the Page” de su `A Twist in the Myth´ precedió a “Time Stand Still” del `Nightfall in Middle Eart´ y tras esta atacaron con el trallazo que sirvió de single para su última obra “A Voice in the Dark”. En esta ocasión encontré a Hansi mucho más dinámico sobre el escenario, moviéndose de un lado para otro y animando al público. Tras su archiconocido “Somewhere Far Beyond” llegó el turno de “Walhalla” donde nos hicieron cantar el estribillo tan solo acompañados por los bombos de Frederik Ehmke. El concierto llegó a su punto y final con tres pesos pesados: “Imaginations from

the Other Side”, “The Bard´s Song” (igual de emotiva y evocadora que siempre que la ejecutan en directo) y “Mirror Mirror”. Por su parte Judas Priest ofrecieron un concierto calcado al de su anterior venida. Recordemos que no es una nueva gira sino la segunda vuelta de la misma, razón por la cual poca o ninguna novedad nos ofreció este el concierto con respecto al anterior. Aun así siempre es un placer disfrutar de un show de los británicos y más teniendo en cuenta que posiblemente este sí que sea el último y definitivo que realicen en nuestro país. El decorado al igual que la otra vez consistía en unas torres de las que colgaban cadenas, los tridentes a los lados, una escalera que ascendía hasta la batería y

proyecciones que acompañaban los temas que iban desgranando. Con “Rapid Fire” dieron el pistoletazo de salida, bajó el telón y los Judas comenzaron su recital. En los primeros compases del concierto noté la voz de Rob bastante cansada, cosa que fue mejorando según avanzaba la noche. Continuaron con “Metal Gods” donde hicieron por primera vez acto de presencia las llamaradas, cosa que se seguiría repitiendo más adelante. Una vez más me llamó poderosamente la atención Richie Faulkner, es increíble que presencia tiene en el escenario y que rollo le da a los temas, y es que está claro que girar con Judas Priest no es una oportunidad que se presente todos los días y se nota que le gusta aprovechar al cien por cien cada instante. “Heading Out to the Highway”, “Judas Rising”, “Starbreaker” fueron las siguientes en caer, casi no daba tiempo a asimilar el tema que habían descargado y comenzaba el siguiente, desde luego la primera mitad del concierto fue frenética y trepidante. Prosiguieron con “Victims of Changes”, “Never Satisfied” y “Diamonds and Rust” donde Rob lució un nuevo modelo, esta vez se trataba de una gabardina con tachuelas brillantes que quedaban muy vistosas con los focos. Una imagen de Nostradamus nos hacía presagiar lo que vendría a continuación: “Dawn of Creation” y “Prophecy”, ambas pertenecientes a su último disco. “Night Crawler” y “Turbo Lover” pusieron todo patas arriba y poco después nos ofrecieron la emotiva balada “Beyond the Realms of Death”, canción que por cierto fue versionada por Blind Guardian hace años. Tras “The Sentinel”, “Blood Red Skies”, y la versión de Fleetwood Mac “The Green Manalishi” llegó otro de los puntos álgidos de la noche “Breaking the Law” modo karaoke, pues Rob no dijo una sola palabra durante la actuación. Los que tenemos buena memoria ya nos estábamos relamiendo pues recordábamos perfectamente que después de esta llegaría el momento de “Painkiller” donde Halford estuvo bastante aceptable a pesar de las lógicas limitaciones que tiene hoy en día.. La recta final del concierto vino de la mano de “Electric Eye”, “Hell Bent for Leather”, “You´ve Got Another Thing Coming” y finalmente “Living After Midnight”. Durante este último tramo del concierto sacaron la moto al escenario y Halford tubo el detallazo de besar una bandera de España en repetidas ocasiones. Tras una larga despedida de sus fans (Glenn Tipton incluso se bajó al foso a saludar personalmente a las primeras filas) desaparecieron del escenario y nos dejaron a todos con la incertidumbre de si realmente esta sería la última vez que nuestros ojos les puedan contemplen en directo. TEXTO; JOSE MANUEL TORRES FOTOS: JAVIER BRAGADO

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STILL PUNKS

TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTO: JAVIER BRAGADO 62 32

Normalmente no suele ser buena idea pillar a un músico después de un concierto para hacer entrevista. Si éste es Michael “Olga” Algar de Toy Dolls te lo piensas. ¿Por qué? Porque por un lado es un tío muy agradable con el que siempre es un placer echar un rato. Por el otro, es un músico muy activo sobre el escenario y suele terminar demolido con lo cual, si le puede el cansancio, su cara suele ser de cordero “degollao” implorándote con la mirada que termines. Es lo suficientemente educado como para cancelarla pero sí que se le nota cuando lo tienes delante. El caso es que, después de la sesión de fotos exclusiva que habíamos hecho por la tarde, quedaba esperarse al final del concierto para que Olga tuviese un rato y nos contestara algunas preguntas. Sin su traje y sin sus míticas gafas buscamos un sitio para poder tener una charla amigable con él. Íbamos a centrar la entrevista en ‘The Album After The Last One’ pero con el show ahí, palpitante, no podíamos obviarlo y empezar por ahí. Lo primero que le suelto, mientras él se pone cómodo, es cómo se preparan los conciertos porque obviamente llevan muchas cosas preparadas (dan saltos a la par, bailan siguiendo coreografías). “Es una mezcla entre coreografía y algo espontáneo. Nosotros lo vamos trabajando porque lo importante es que quede natural. Tampoco queremos ser como los Backstreet Boys, ya sabes” dice con una sonrisa muy tímida. “Sí que es importante llevarlo todo preparado porque es parte del show y es algo muy importante para nosotros”. Después de verles sobre las tablas y la respuesta de la gente le pregunto sobre el título de su anterior LP, ‘Our Last Album?’. ¿De verdad estaban planteándose el dejarlo? “Lo cierto es que sí. Al final todo se quedó en una broma que ha derivado en otras bromas, como el título del nuevo álbum, pero después de tanta gira realmente estaba exhausto y pensé en mandarlo todo a la mierda. Quería quedarme en casa tocando la guitarra simplemente. Eso de ponerme otra vez en la carretera me repelía. Sin embargo, conforme iba componiendo el disco se me iba pasando el berrinche así que le pusimos la interrogación para ver si se me pasaba del todo. Obviamente estoy aquí así que sí, se me pasó” dice riéndose. Teniendo en cuenta que llevan desde finales de los 70 en la escena “punk” nos enzarzamos en una pequeña reflexión sobre el cómo ha cambiado todo desde que empezaron. Incluso le comento lo profético de aquel ‘One More Megabyte’ y lo poco equivocados que estaban. Abiertamente le pregunto si ve necesario seguir sacando discos y su respuesta no me sorprende en absoluto. “He de reconocerte que antes hacíamos discos para poder salir de gira pero a mí particularmente me gusta sacarlos. No sé, es complicado de explicar, pero me gusta el tener el CD físico”. Le digo que yo tengo todavía mis cintas originales del ‘Absurd-Ditties’ y del ‘22 Tunes Live From Tokyo’. De repente se echa la mano a la

cara y se tapa los ojos. “¿Te arrepientes de esos discos o qué?” le espeto. “Del ‘Absurd-Ditties’ obviamente no porque es nuestro jodido mejor album hasta la fecha pero del de Japón... mejor no me hables” suelta antes de soltar una sonora carcajada y mueve la cabeza renegando. Mis recuerdos de aquel álbum no son tan malos aunque también es cierto que hace muchísimo que no lo escucho pero sí que le digo que siendo un crío me flipaba y que me lo ponía constantemente porque me daba buen rollo. Además caigo en la cuenta de que, quieran o no, con los años que llevan, han estado ahí durante tres décadas lo que suele significar que han tenido impacto en, al menos, tres generaciones. “Es curioso pero si ves las estadísticas de nuestra página web resulta que no aparecen chavales jóvenes. Más o menos nuestro público va desde los 35 años a los 80 pero no aparecen jóvenes. Alguno hay pero nada destacable así que nos quedamos en que lo mismo sólo hemos influido en dos generaciones” dice riéndose. Hago memoria con él y le comento que mi primer contacto con Toy Dolls fue en un Menorrock en el 98. Cierra un poco los ojos y pregunta “¿Ese es un festival que se hacía cerca de la playa?”. Le digo que sí y que tocaron recién había amanecido. “Lo recuerdo” dice. “La verdad es que recuerdo casi todos los conciertos que hemos dado” continúa y le pido que recuerde alguno especial. “Siempre digo el mismo pero es que es así. Recuerdo especialmente un concierto que dimos, al poco de empezar, junto a Exploited y GBH. Claro, ellos eran grupos muy punk y el público que había ido a verles también. Estaba bastante acojonado porque en ningún momento quería que pensaran que Toy Dolls era un grupo de coña. Salimos al escenario a darlo todo y ¿sabes lo que pasó? Que al final todo el mundo terminó bailando y subidos al escenario con nosotros”. ¿Alguna vez les ha preocupado eso, que la gente no les tomase en serio? “Para nosotros era muy importante que no se nos considerara un chiste o una banda de mofa. Nosotros lo que queremos es que la gente, durante hora y media, se olvide de todos sus problemas. Claro que tengo mis ideas políticas pero la gente cuando va a un show quiere divertirse y nosotros también”. Y es que Toy Dolls no es un grupo de Punk al uso. Son muchas las reglas del género que han roto. Tantas que no llevan la cuenta. “Tío, yo soy el cantante del grupo así que esa fue la primera regla que rompimos” dice riéndose a mandibula batiente. “Dicho eso ¿qué más podíamos hacer?”. Sí, siempre se ha dicho que no le gustaba cantar, pero ¿de verdad es así? “Odio cantar. Vale, ya sé que es como nuestra marca registrada pero no me gusta nada. Adoro tocar la guitarra, eso sí, pero lo de cantar. Si pudiese dejaría de cantar ahora mismo”. Pues esperemos que no sea así le decimos antes de despedirnos para que vaya a descansar lo cual agradece poniéndonos esa sonrisa que tan famoso le ha hecho también.

TOY DOLLS Artistas Invitados: NOUS Sala La Riviera, Madrid

Si hay una banda que sí que hay que ir a ver en directo alguna vez es a Toy Dolls. Vale que también hay que ir a ver a AC/DC, a Bruce Springsteen, a Kiss o a los Rolling Stones, pero a los ingleses también. Lo mismo hay gente que ahora mismo se está echando las manos a la cabeza pero es que es así. Es posible que no tengan la fama que en los noventa pero sigue siendo divertidísimo ir a ver a Olga y sus colegas y sus shows son auténticas fiestas en las que no te aburres ni un segundo. Da igual si te sabes o no las canciones. Da lo mismo si estás familiariazo con sus “éxitos” e incluso si te has escuchado su último álbum. Lo que sabes, si vas a verles, es que durante lo que dura su show no vas a parar de bailar y de echarte unas risas. Antes de que salieran los autores del ‘Absurd-Ditties’ eran los madrileños Nous los que pisaban al escenario de la Riviera. Con poquita gente delante pero con muchas ganas saltaron Chano (guitarra y voz principal), Germán (bajo) y Marcos (batería) para presentar ‘Never Too Late’ a toda pastilla. A eso se le llama aprovechar el tiempo y es que los de Móstoles no le dieron ni un respiro a la gente que continuaba entrando. Hay que estar preparados, eso sí, para su punk Rock. Llevan muchos años pero aún les queda limar algunas cosillas como las estructuras de las canciones (demasiado lineales a mi gusto) aunque sí que tienen

melodías vocales pegadizas (a lo Nirvana, Hole o Foo Fighters) que les pueden dar algún rédito en el futuro. Si hay algo contra lo que no se puede luchar es contra el fútbol. Si hay algún partido importante está claro que la asistencia a un concierto se va a resentir. Pues bien, con un Atlético de Madrid - Atletic de Bilbao en la final de la Europa League, es todavía más difícil. Por eso el ambiente cuando salieron Toy Dolls al escenario no era ni por asomo el que merecían. Salieron con ganas (como siempre) y durante todo el show no pararon ni un segundo. Apenas dejaban segundos entre canción y canción para tocarse un total de veinte seis temas. La apertura la marcaban con “Cloughy Is A Bootboy” y de ahí en adelante una fiesta sin parar en donde no faltaron los saltos, los confetis, las coreografías e himnos como “Nelly The Elephant”, “THe Lambrusco Kid” (con botella gigante incluida), “Alec’s Gone” (después de un solo de batería) o “Wipe Out” (en la cual salieron sin camisetas haciendo que sus instrumentos girasen en los breaks). Como se había retrasado por el partido no quedaba muuy claro si cuando abandonaron el escenario con “Glenda And The Test Tube Baby” iba a ser el final. Esa duda se despejaba cuando salía Olga solo (llevándose ovación) para, esta vez sí, despedirse con “Dig That Groove Baby” y “She Goes To Finos”, poniendo punto y final a una velada de diversión absoluta. Lo único que esperamos es que no cumplan sus amenazas y esto se repita. TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTO: JAVIER BRAGADO

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N A L L A F A C UN

RAGE Artistas Invitados: TYR,

COMMUNIC, SCAR OF TH SOUND Sala Caracol, Madrid Hay ciertas cosas en la vida que nunca fallan. Son esos pequeños rituales que es aconsejable cumplir y que deberían instaurarse como tradiciones a seguir. Debería incluso estar prohibido saltarse esas fechas señaladas. Son acontecimientos del estilo de las cenas de Navidad, la feria del libro, las hogueras de San Juan... y últimamente, los conciertos de RAGE en Madrid. Por tercera vez en apenas 2 años, este poderoso trío Ruso-germano visitaba de nuevo la península para demostrar como deben ser las cosas. Para enseñarnos a todos, una vez más, como

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tiene que ser un concierto de Heavy Metal. Para entendernos mejor, RAGE serían como esos grandes vinos de los que todos hemos oído hablar, pero que muy pocos han tenido la ocasión y el placer de poder degustar. No es suficiente con que te cuenten las maravillas de esos caldos. Nunca crees que realmente sean tan buenos. Seguro que no hay tanta diferencia con otros, piensas. Y entonces un día, por casualidades del destino, consigues probar uno. Y es cuando realmente entiendes el porqué cuesta lo que cuesta y tiene la fama que tiene. Por qué así, y sólo así, es como debe saber un buen vino. Pero como todo placer de altura que se precie, antes siempre hay que pasar por los preliminares, que en esta ocasión fueron muchos y algunos no demasiado afortunados. Abrían la noche los griegos “Scar of the Sound”, ante un públi-

co un tanto escaso (mal día un Jueves santo para celebrar un concierto) y algo frío, probablemente por la interminable tormenta que caía sin tregua en los exteriores de la sala. Y, sinceramente, y sintiéndolo mucho, no dieron la talla. Musicalmente sus composiciones son simples, repetitivas y sin ningún tipo de atractivo. Técnicamente son además muy limitados, sobre todo Terry Nikas a las voces. Y si a eso unimos un sonido muy regular, poco nos queda por destacar. ¿Las ganas? Probablemente, pero muchas veces con eso no es suficiente. Los siguientes en salir a escena fueron los noruegos Communic. Siendo una banda mucho mas consistente y con mucha mas calidad y pegada que los primeros, adolecieron de cierta pesadez en su repertorio, que provocó que la agradable sorpresa de los primeros compases se

transformara en un tedio cada vez menos soportable a medida que iban pasando los minutos. Como elemento positivo podemos destacar la gran calidad técnica de todos los miembros de la banda, si bien, tampoco es suficiente argumento como para decir que fue un buen concierto Con algo más de media entrada ya en la sala, turno para el Vinking Metal de Tyr, género que últimamente parece estar viviendo un momento álgido, vista la acogida del público y la gran cantidad de camisetas que se dejaban ver entre las primeras filas. Sin embargo, TYR, pese a no hacer un mal concierto, están muy lejos de otras bandas del género. Sobre todo en cuanto a predisposición y actitud sobre el escenario. Entiendo que no es necesario disfrazarse como Turisas para dar un gran concierto, pero hay que tener ganas y vivir lo que se toca para poder meterse al público en el bolsillo. Otro intento de actuación que no hizo sino acrecentar las expectativas hacia la banda principal. A las 22.00 y tras un breve cambio de backline, suenan a todo trapo los acordes de “Cowboys from Hell” de Pantera, anticipando lo que iba a suceder segundos después. Sólo con ver a Smolsky y a Peavy detrás del escenario inquietos como dos chavales de 15 años ansioso por salir, uno puede sentir la diferencia entre quien esta empezando en esto (lease, los tres teloneros de la noche) y quien esta de vuelta de todo. Y solo necesitaron dos canciones. Nada más y nada menos. Dos canciones para demostrar a todos los que estaban en Caracol cómo tienen que hacerse las cosas. Actitud, virtuosismo, calidad técnica, sonido impecable, simpatía, cercanía con el público, conexión con las primeras filas, sentido del espectáculo. Tras “Twenty One” y “Forever Dead” estoy convencido de que no quedaba ni una sola persona en la sala que no estuviera completamente hipnotizada por el buen hacer de estos tres MÚSICOS (Sí, lo pongo en mayúsculas, porque hay veces que hay que marcar diferencias) que, con más de veinte discos a sus espaldas, aún conservan una inocencia y unas ganas de agradar haciendo bien las cosas que es digna de elogio. Si a esto unimos que Victor Smolsky es probablemente uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y que Peavy es otro genio (memorable el duelo de Tappings simultaneos entre bajo y guitarra) poco mas podemos decir. “Paint the devil on the wall”, “Soundchaser” (que cerró el concierto) o “Empty hollow” sonaron tan enormes, tan épicas, y estuvieron tan bien ejecutadas, que cuesta creer que RAGE no este llenando estadios con miles de personas. Pero como decíamos al principio, al igual que los grandes vinos, RAGE son quizás sólo dignos de los mejores paladares. Pues si a ellos les vale (o son grandísimos actores o disfrutaron de lo lindo) a nosotros también. Y que dure muchos años más. Como las buenas tradiciones. TEXTO: FRANCISCO DOMINGO FOTOS: JAVIER BRAGADO

: MICHAEL SCHENKER GROUP Sala Apolo, Barcelona

Hubo una época, no muy lejana, en la que Michael Schenker se convirtió en una triste figura. El gran músico, de carrera discográfica intachable pero de vida conflictiva que parecía al borde de ser absorbido por sus propios demonios. No hacía falta ni ver fotos. Ibas a un concierto de PRIMAL FEAR y METALIUM en Barcelona una noche cualquiera y allí te lo encontrabas, pegado a la barra, con

E D N A C A EL HUR A R R A T I U LA G

barbas de vagabundo, ropa sucia y todo tipo de rumores circulando a su alrededor. Una eventual pelea a puñetazos con su hermano Rudolf en el backstage de un festival inglés saltó a los medios y todo el mundo parecía vaticinar que el más joven de los Schenkers estaba oficialmente encaminado hacia el ocaso, personal y profesional. Hasta los propios JUDAS PRIEST lo invitaron a NO entrar en su camerino después de un triunfal concierto en Badalona, donde el propio Schenker había tocado con los teloneros, BARÓN ROJO. Y por si fuera poco, en plena era de internet, comenzaron a circular los videos en los que un errático Michael no

daba pie con bola intentando tocar sus propias canciones. Vamos, que Pete Way de UFO a su lado parecía más centrado que Barack Obama diseñando la estrategia de las presidenciales americanas. Por suerte, todo eso ya pasó. Con la excusa de su último disco, “Temple of Rock”, Schenker organizó una banda de escándalo, con Herman Rarebell a la batería y Francis Buchholz al bajo –ambos viejos amigos de SCORPIONS en los años 80-, el habitual Wayne Findlay a la segunda guitarra y teclados y finalmente Doogie White a la voz. Cabe decir que el puesto de vocalista es tan estable como el propio Schenker hace unos años, y

EVILE Artistas Invitados: RANCOR, EXODIA, AGRESIVA Ritmo y Compás, Madrid

de vagabundo, ropa sucia y todo tipo de rumores circulando a su alrededor. Una eventual pelea a puñetazos con su hermano Rudolf en el backstage de un festival inglés saltó a los medios y todo el mundo parecía vaticinar que el más joven de los Schenkers estaba oficialmente encaminado hacia el ocaso, personal y profesional. Hasta los propios JUDAS PRIEST lo invitaron a NO entrar en su camerino después de un triunfal concierto en Badalona, donde el propio Schenker había tocado con los teloneros, BARÓN ROJO. Y por si fuera poco, en plena era de internet, comenzaron a circular los videos en los que un errático Michael no

H S A R H T BITES Hubo una época, no muy lejana, en la que Michael Schenker se convirtió en una triste figura. El gran músico, de carrera discográfica intachable pero de vida conflictiva que parecía al borde de ser absorbido por sus propios demonios. No hacía falta ni ver fotos. Ibas a un concierto de PRIMAL FEAR y METALIUM en Barcelona una noche cualquiera y allí te lo encontrabas, pegado a la barra, con barbas

Noche de Thrash Metal organizada entre la gente de Metal Night y REVOLVER MAGAZINE con los ingleses EVILE como cabezas de cartel quienes venían a presentar su nuevo álbum ‘Five Serpent’s Teeth’. Antes de que saliesen Matt Drake (en la foto) y sus secuaces tres eran las bandas que se encargarían de calientar el ambiente. Los encargados de abrir fuego, Agresiva, se encontraron con la sala un poco desangelada. Pese a eso presentaron sobradamente ‘Eternal Foe’, dejando buen sabor de boca entre los amantes del Thrash Metal más ochentero. Un poco más agresivo, más metalero, es el estilo de Exodia, quienes salieron antes de que Rancor pusieran la sala pasta arriba. Los madrileños ya cuentan con una legión de fans que les siguen a todos lados y eso se notó conforme saltaron al escenario. Ojo a esta banda porque está más que preparada para dar empezar a moverse (bien) a nivel nacional. Con el público totalmente agolpado con-

que en unos pocos meses han pasado por la banda Michael Voss, Robin McAuley y el propio White. Pero todo forma parte de la estrategia de miembros intercambiables que lleva siguiendo Schenker en los últimos años. Va cambiando su banda regularmente, evitando pasar mucho tiempo con los mismos músicos, aunque es obvio que lo Rarebell y Buccholz es el ángulo perfecto para un tipo que siempre será relacionado con SCORPIONS haga lo que haga, pese a que técnicamente apenas pasara cinco años como miembro oficial de la formación alemana. Eso no impide que con Herman y Francis a su lado se deje llevar por un cierto sentimiento de pertenencia remota y se lance a atacar ¡seis! Canciones de SCORPIONS en su set. Sonaron “Lovedrive”, “Another Piece of Meat”, “Holiday”, “Coast to Coast”, una arrolladora “Rock You Like a Hurricane” que Rarebell clavó desde la batería toque por toque y un impresionante “Blackout”. No hace falta decir que el concierto fue una maldita fiesta del hard rock como pocas se han vivido en años recientes. Y por si no fuera poco, tiro de los clásicos obvios de UFO para terminar de dejar claro que no se anda con chiquitas: “Lights Out”, “Let It Roll”, “Shoot Shoot” , “Rock Bottom” y “Doctor Doctor” también hicieron acto de presencia. Tampoco olvidó sus propios clásicos, caso de “Into The Arena”, “Armed and Ready”, “Assault Attack” y “On and On”. Intachable, de verdad. El mejor concierto de Michael Schenker en los últimos diez o quince años, sin lugar a dudas. Además, con una formación de lujo, un sonido excelente y un público numeroso que, aunque no llenó la sala, si que incluyó a aquellos tipos que no salían de su sarcófago desde 1986 para ir a un concierto, lo que siempre da lugar a situaciones divertidas en la pista. TEXTO Y FOTOS: SERGI RAMOS tra el escenario salieron los ingleses Evile, los cabezas de cartel, quienes centraron casi todo su set en su última referencia (obviando incluso su segundo álbum y tocando muuy poco del primero). Si en disco suenan a Metallica en directo tres cuartas de lo mismo aunque sí es cierto que en vivo cobran más intensidad todavía. Pese a que su actuación se hizo corta, que no la velada que rondó las casi cuatro horas, los de Huddersfield se llevaron de calle al público con “We Who ARe ABout To Die”, “Eternal Empire”, “Cult”, “Infected nation” o “Descent Into Madness” hasta el tema final, “Infected Nation”, con el que un poco más y hay una invasión de escenario. Destacaremos además la labor de Ben Carter y su forma de maltratar la batería. Los de la revista tuvimos ocasión de estar por la tarde con él y la verdad es que el tío es encantador pero sentado en su set... poquitas bromas la verdad. La única pega es que falló un poco el público. Los que fueron se entregaron al máximo pero tenía que haber ido mucha más gente para que estás bandas vengan más. TEXTO: CARLOS MEDRANO FOTO: KRISTINA ESPINA

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LIVE SHOTS LAGWAGON Artistas Invitados: MILLION BUCKS, BITTER MAMBO Sala Arena, Madrid

S O D I C E R A P REA E T A B M O C EN 66 32

Llevaban mucho tiempo desaparecidos. Tanto que hasta muchos pensaban que Lagwagon habían pasado a mejor vida. CAsi ocho años sin saber de ellos a nivel escénico en España (algo de lo que incluso se disculpó Joey Cape) y otros tantos sin lanzamiento discográfico. Si a eso sumamos los discos en solitario del vocalista y que Jesse Buglione (bajista) se piraba para unirse a No Use For A Name, la cosa pintaba fea. Sin embargo, aquí estaban, como si nada hubiese pasado. Como si fuese antes de ayer cuando estaban en lo más alto visitándonos en aquel Warped Tour del 98. Antes de que saliesen los de Santa Bárbara, Bitter Mambo y Million Bucks tenían el “cordial” encargo de ir recibiendo a la gente. Los primeros sonaron excesivametne edulcorados (quizás por el acento argentino del vocalista) y los segundos... a Million Bucks es difícil catalogarles. Quizás porque su vocalista era un cruce entre Tino Casal y Jamey Jasta de Hatebreed. Eso sí, sus colegas pusieron el punto colorido poniéndose pelucas y haciéndoselas llegar a los músicos. Con impaciencia (y peetada) recibía la sala Arena a Lagwagon quienes comenzaban su show sin aspavientos, a las bravas. Llevaba un rato por ahí ya danzando y, cuando estuvieron todos colocados, arrancaron con “Kids Don’t Like To Share” para, de seguido, tocarse clasicazos como “Violins”, “Island Of Shame” o “Lazy”. Si sobre el escenario se lo estaban pasando en grande el feedback con el público era tremendo. No sólo les cayó también alguna peluca sino que en mitad de “Mr. Coffee” se subió una chica a saltar a la comba (utilizando el cable) junto a Cape, quien, por cierto, conserva la voz intacta. Solo hubo un poco agridulce en semejante celebración. Mientras que el concierto había sido una sucesióon de temazo tras temazo (mi favorita “Sick”, “Coffee And Cigarettes”, “Train”, “Alien 8”, “Making Friends” o “May 16”) no estuvieron nada acertados en la elección de las canciones que se habían reservado para los bises. Después de haber tocado himnos del Hardcore melódico se decantaban por unos sosísimos “Dis’Chords”, “Know It All” que tiraron la adrenalina de todo el show abajo. La levantaron con “Brown Eyed Girl” pero quizás ese pequeño detalle desdibujó un concierto que podría haber sido perfecto. Y más si tenemos en cuenta que se habían dejado un balazo como es “Noble End” en la recámara. De todas formas fue bueno volver a verles las caras después de esa especie de hiato que se habían tomado. Lo que está claro es que en ganas y en saber meterse a la gente en el bolsillo es difícil ganarles. Ahora sólo falta que se prodiguen más por estos lares. TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTOS: JAVIER BRAGADO

EPICA Artistas Invitados: STREAM OF PASSION, XANDRIA Sala La RIviera, Madrid

La última vez que los holandeses Epica nos visitaron pude comprobar la gran legión de seguidores incondicionales con la que cuentan en nuestro país. En aquella ocasión fue en la sala Arena, lugar que abarrotaron hasta los topes y donde pude ver una devoción absoluta por parte de los fans hacia el grupo. Está claro que es una banda que gusta y mucho dentro de nuestras fronteras, de hecho cuentan con un club de fans llamado “The Spanish Conspiracy” que están trabajando muy duro para convertirse en oficial. Y dicho esto entramos en materia. Las puertas abrieron antes de lo anunciado y por lo tanto todo se adelantó ligeramente. Cuando todavía el publico estaba accediendo al interior del recinto ya se encontraban descargando la primera banda de la noche, los alemanes Xandria. Desde el primer momento fueron a por todas y gozaron de un sonido muy nítido. Todavía no son una banda que haya despuntado excesivamente dentro de su género y eso que calidad no les falta. Su estilo está muy próximo al de los Nightwish del Wishmaster, en parte por la incorporación de Manuela Kraller que lleva en el grupo un año escaso y que posee un registro totalmente operístico que en directo supo defender a las mil maravillas. Durante todo el concierto se mostró muy simpática y entregada al igual que sus compañeros que supieron aprovechar a tope el poco tiempo del que disponían. Su concierto se centró casi íntegramente en su nuevo disco `Neverworld´s End´ del que descargaron cinco temas, la única concesión a su discografía pasada fue la archiconocida “Raven Heart”, canción que da título a su segundo disco con la que nos dijeron adios, no sin antes prometernos que volverían pronto. Una vez que Xandria se despidieron y tras un breve soundcheck que los mismos miembros de la banda llevaron a cabo aparecieron sobre el escenario Stream of Passion. La banda que su día fuera un proyecto de Arjen Lucassen y de cuya formación original tan solo permanecen el bajista Johan van Stratum y la vocalista mexicana Marcela Bovio ofrecieron un concierto sensacional lleno de energía y entrega. Recuerdo que su primer disco `Embrace the Storm´ me causó una gran fascinación y me sentí realmente aliviado y contento cuando tras la marcha de Arjen los demás componentes decidieron continuar con la aventura. Comenzaron con “Lost”, canción que abre su reciente `Darker Days´ y prosiguieron con la maravillosa “Passion”, single de su disco debut y tema que me enganchó a esta banda hace ya seis años. “Collide” y “Spark” fueron las siguientes en sonar, también pertenecientes a su última referencia discográfica y tras estas, otro himno de los que ponen los pelos de punta “Out in the Real World”. Marcela estuvo muy comunicativa con el público,

A SYMPHONIC NIGHT ayudada en gran parte del idioma que jugaba a su favor esta noche. Otra cosa que eché de menos fue a su hermana Diana a los coros como en la primera gira de la banda, sería genial que volvieran a contar con ella. Tras “Darker Days” llegó el momento mágico de la noche con “Haunted”, tema que me enamoró la primera vez que lo escuché y que estaba deseando escuchar en directo. Esta fue la primera canción que compusieron mezclando español e inglés, fórmula que han repetido en el futuro. El último tramo de concierto fue reservado para `The Flame Within´ puesto que tocaron “In the End” donde Marcela tocó el violín, la versión de Radiohead “Street Spirit” y “This Endless Night” que puso el punto y final a un concierto que se me hizo muy corto. Y llegó el momento de las estrellas de la noche. Tras la intro de rigor saltaron Epica al escenario sin bajista. Como el propio Mark nos comentó en la entrevista que nos concedió unos minutos antes, iban a disparar el teclado puesto que su

nuevo bajista se encontraba todavía convaleciente. El escenario presentaba una sobria elegancia adornado por un telón de fondo blanco y unos focos muy originales que me recordaban a los extraterrestres de “La Guerra de los Mundos”. Como no podía ser de otra manera atacaron con “Monopoly of Truth”, tema lleno de fuerza idóneo para dar comienzo al recital y que nos sirvió para poder apreciar la gran calidad de sonido de la que hicieron gala los holandeses, cosa que afortunadamente fue una constante durante el resto del show. “Sensorium” de su primer disco fue la siguiente que tocaron y recibió una ovación enorme, hecho que se repitió durante toda la noche con los temas de su primer trabajo, lo que demuestra que al igual que yo, somos muchos los que consideramos su primer disco una obra maestra. Durante todo el concierto los músicos se mostraron muy dinámicos sobre el escenario sin dejar de hacer head banging y de animar al público, musicalmente estuvieron perfectos y se les veía muy compenetrados entre

ellos. Continuaron el repaso a su nuevo trabajo con “Internal Warfare” y “Serenade of Self-Destruction” para dar paso a “Sancta Terra” de su `The Divine Conspiracy´. Mark Hansen en su rol de lider y portavoz estuvo muy metido en su papel interactuando y jugando con el público con su permanente sonrisa en la boca. “Delirium”, “Blank Infinity” y “The Obsessive Devotion” precedieron a su primer single “Storm the Sorrow”, sin duda uno de los platos fuertes de su último disco a la que le siguió “The Phantom Agony” que una vez más gozó de los vítores del respetable. Tras retirarse apareció el teclista Coen Janssen para bromear con la audiencia y preguntarnos si queríamos más. Acto seguido atacaron con tres pesos pesados que pusieron el punto y final a la noche “Cry for the Moon”, “Unleashed”, “Consign to Oblivion”. Gran futuro sin duda es el que le espera a esta banda que siendo todavía muy joven se está comiendo el mundo. TEXTO: JOSE MANUEL TORRES FOTO: JAVIER BRAGADO

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LIVE SHOTS

BERRI TXARRAK Rock Kitchen, Madrid

Ya hace tiempo que nos resulta común escuchar canciones en euskera a los que no somos vascoparlantes. Una expansión cultural de la que buena parte de culpa, sin duda, la tienen los navarros Berri Txarrak. Otros antes ya lo intentaron pero sólo ellos han logrado transcender hasta este nivel (recordemos que su último disco cosechó muy buenas críticas y fue grabado en los Ángeles bajo la producción de Ross Robinson, histórico del metal, que tiene en su haber trabajos con Korn, Slipknot y Sepultura). Ha “llovido” mucho desde sus inicios allá por el 94 y sin dejar atrás sus raíces, han evolucionando musicalmente, sufrido marchas y celebrado bienvenidas, han asentando su estilo, acumulando fans....y eso se tenía que notar. Dentro de su gira Haria Tour el trío (Gorka Urbizu, voz y guitarra; David González, bajo y Galder Izagirre, batería) se acercó a la capital para dejarnos sudorosos y con ganas de más. La sala Rock Kitchen sería la encargada de acoger el show de los de Lekunberri que no venían solos. Se hicieron acompañar de Willis Drummond quienes dieron un concierto que resultó ser el mejor aperitivo para una noche perfecta. También venían presentando su último disco editado en 2011. Con él abrieron (“Noiz da gero”) y cerraron el concierto (“Istanteak”), y casualmente éste último tema es además el título del disco del

BLACK BREATH Razzmatazz 3, Barcelona Si BLACK BREATH fueran una piedra, valga la redundancia, serían granito. Si fueran un alimento serían pan de anteayer. Si fueran un color sería el negro oscuro. Y si fueran un olor serían el olor del humo de una vieja furgoneta de carga que deja una estela negra a su paso. Con una mezcla de curiosidad y anticipación, nos encontramos a una banda la cual es complicada de adjetivar. ¿Thrash? ¿Hardcore punk? ¿Doom? ¿Crust? ¿Ninguna de las anteriores? BLACK BREATH son

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que terminarían tocando 5 de los 8 cortes que lo componen. También se hicieron valer con otros temas de sus anteriores trabajos,como “Zenba Gramo” o “Lerroak”. Sin duda un grupo al que tener en cuenta. Pero si hay algo en lo que todos coincidimos aquella noche fue que los Berri Txarrak hicieron un directo contundente, sin peros. Cuando salió el trío navarro ya no entraba un alma más en la sala. Un gran puñado de gente que se reunió para ver y corear los enérgicos y expresivos acordes que los Berri tienen en su larga trayectoria. Y que no se hicieron esperar “espetando” de inicio y con esmero un canto a la importancia del interior con “Sugea Suge”. Presentaban así su último trabajo ‘Haria’ (El hilo) por lo que su setlist estaba cargado de temas como el que da título al álbum u otros como “Lepokoak”, “Harra” o “Faq”. Pero ellos también saben “lo que gustan los temas de antaño” a quienes acuden a sus conciertos. Así es que entre cambios de ritmo, y equilibrando así unas dos horas de desfogue musical sin barreras, con fuerza y contundencia llegaron “Jaio Musika hil”, “Payola”, “Ez”, “Oreka” o “Jainko” que dejaron a un público totalmente satisfecho y entregado para rematar con éxitos como “Denak Ez Du Balio” o “Zertarako Amestu”. Curiosamente, no había mejor día para cumplir años que entre multitud de fans y amigos así es que el bajista David disfrutó de su momento antes de que grupo diese por finalizada la noche cerrando brillantemente con “Oihu”. TEXTO Y FOTO: KRISTINA ESPINA

brutos, y punto. La edición de su más reciente “Sentenced to Life” ha supuesto la confirmación de que la banda anda por muy buen camino. Los riffs sabbathianos abundan y la temible voz de Nate McAdams se ha convertido en una hiriente arma que es más afilada a cada minuto que pasa. Por eso, unas 150 personas se acercaron en uno de esos lunes festivos rarunos en que uno no sabe muy bien que hacer con su vida. La opción de BLACK BREATH parecía la más apetecible tras una semana santa de reflexión sobre los valores de la moral cristiana. Nada mejor que volarlos por los aires con una bomba H a base de

O F N U I TR D I R D A EN M guitarras y contundencia. Salieron a escena con “Feast of the Damned” y “Eat The Witch”, con el consiguiente movimiento en las primeras filas. Aunque los guitarristas Wallace y Funds se quedan un poco más reservados en la parte trasera del escenario junto al bajista Elijah Nelson, McAdams se va a primera línea de fuego constantemente. Le canta y salpica la cara de esputos al público de la primera fila, se agita, ondea sus greñas, suda, sufre y se desgañita…justo lo que uno espera de un concierto como este. Y como es lógico el público responde con su propia ceremonia de la destrucción al son de “Escape From Death”, “Sentenced To Life” y demás hostias sonoras. Si en disco BLACK BREATH son una banda infalible, en directo toman una dimensión aún más agresiva. Tienen mucha energía, un público dispuesto a romperse la crisma con sus canciones como BSO y la capacidad de transmitir cierta sensación de descontrol y caos en lo musical. Aunque luego son una banda tremendamente bien ensayada, sino el set no se aguantaría por ningún lado. Hubo momentos muy grandes, como cuando tocaron la gran “Beneath The Crust” o el abrasivo final de “Wewhocannotbenamed”, con la que se retiraron del escenario tras apenas hora y diez minutos. Tampoco hacía falta más. A todos nos quedó claro que estos tipos no se andan con chiquitas. TEXTO Y FOTOS: SERGI RAMOS

STACIE COLLINS Artistas Invitados: SPARKLE GROSS Sala Boite, Madrid

Si Stacie Collins no alcanza la fama mundial no será porque no se lo merece. No sólo tiene disco muy recomendables como XXXX sino que, además, es todo un torbellino sobre el escenario. Cuando la ves abajo no te puedes creer que esa mujer, tirando a menuda, se va a subir a las tablas y va a iluminar la sala como las auténticas estrellas. Junto a ella esa noche unos madrileños, Sparkle Gross, a los que hay que seguir la pista. Esta gente también tiene que triunfar si existe justicia. Su mezcla de Rock & Soul, su presencia escénica y sus temas les convierten en una de las bandas más calientes de la escena actual. Tremendos. Noche perfecta de Rock and Roll en todas sus vertientes en donde dos bandas nos hicieron olvidar durante un momento todos los problemas. TEXTO: ROBERTO VILLANDIEGO FOTO: JAVIER BRAGADO

EspIritu adolescente SIMPLE PLAN Artistas Invitados: WE THE KINGS Sala San Miguel, Madrid

Hay fenómenos difíciles de explicar. Cuando Simple Plan llegaron a la cima de su carrera, con aquel famosísimo “Welcome to my life” que no paró de sonar en todas y cada una de las emisoras de radio y cuyo vídeo inundaba la Mtv día sí y día también, la mayoría de los asistentes a su concierto de Madrid apenas debían tener 7 u 8 años. Hoy en día, ocho años después, y tras una particular travesía por el desierto, los Canadienses tocan en Madrid y miles de adolescentes abarrotan las calles aledañas al palacio de Vistalegre desde la noche anterior. Mi pregunta es la siguiente: ¿Como es posible que el público de estos ya no tan chavales Canadienses no haya crecido con ellos? ¿Como es que siguen siendo quinceañeros revolucionados que probablemente estén acudiendo a su primer concierto?

Algo parecido sucedía el año pasado, en el mismo recinto, con Sum 41, que compartieron generación y movimiento con nuestros protagonistas de hoy. La respuesta no es sencilla. Probablemente sea que estas canciones, que este estilo, este pensado para este público. Es por eso que este tipo de bandas de punk pop envejecen tan mal con el paso del tiempo. El que tu público no madure contigo, que te vaya abandonando a medida que salen de la pubertad, supone un serio problema cuando el paso del tiempo no perdona. Por otra parte, también tiene una gran virtud, y es que este tipo de formaciones sirven de bautismo de fuego para muchos futuros melómanos que recordaran este primer concierto con enorme ilusión. Muchos cambiaran de gustos y olvidaran sus tiempos adolescentes. Pero otros verán aquí una puerta de entrada hacia el maravilloso mundo del Rock que les acompañará el resto de sus vidas. Sólo por esto merece la pena asistir a este tipo de eventos. Para conocer como serán las futuras generaciones que tienen que sa-

car todo esto adelante. Hacia las 21.00 horas salían a escena los Americanos We The Kings. Estilísticamente no tienen nada que envidiar a los cabeza de cartel. Y la respuesta del público (Otra de las cosas buenas que tiene un publico de corta edad, es que lejos de la acritud y las ganas de criticar de los adultos, solo tienen ganas de pasarlo bien) fue magnífica. Sin para de saltar, de gritar, de corear los estribillos que acaban de oir por primera vez, llevó a la banda en volandas hacia lo que a la postre sería un muy buen concierto que seguro que la banda recordará durante años. Y a eso de las 22.00, la revolución. La salida de Pierre Charles Bouvier y sus chicos a escena provocó tal explosión de júbilo y hormonas que parecía que el recinto iba a caerse abajo de un momento a otro. “Shut Up”, “Addicted”, el sempiterno “Welcome To my life”... Cada tema era una fiesta acompañada de gritos histericos, golpes de calor, gestos de “amor” de la banda hacia sus groupies (muchos de ellos podrían incluso considerarse semi-

delictivos teniendo en cuenta la edad de las susodichas), júbilo y alegría. Con un sonido tremendamente limpio y con cierta contundencia, la banda se mueve como pez en el agua a pesar de que la barrera generacional entre ellos y las primeras filas se hace cada vez mas plausible. Sería de hecho de agradecer que en algún momento tomaran cierta distancia de este papel de sex symbol adolescente y profundizaran algo mas en una propuesta que no esta exenta de calidad y que probablemente así ganaría muchos enteros entre la crítica y el público algo mas mayor y, sobre todo, más exigente. Pero a pesar de todo esto, la banda cumplió con lo esperado y regalo una fiesta agradable y muy divertida a todos los chavales que se habían dado cita y que seguramente regresaran a sus hogares con una gran sonrisa y muchas batallas que contar al día siguiente en el instituto. Y probablemente con eso, sea mas que suficiente. TEXTO: FRANCISCO DOMINGO FOTO: JAVIER BRAGADO

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LIVE SHOTS En el escenario con PARKWAY DRIVE

MUY SALVAJE PARKWAY DRIVE Artistas Invitados: THE GHOST INSIDE, MISS MAY I, CONFESSION Sala Arena, Madrid

Absolutamente desconcertante. Llegar a la sala Arena y ver que la cola de gente que hay esperando para ver a Parkway Drive es inmensa te deja perplejo. Los australianos están atravesando un momento de gracia, de eso no hay duda, pero lo que se encontraron en Madrid les sorprendió hasta a ellos. Mucho antes de que Winston McCall y sus compañeros saliesen a escena, abrían fuego unos Confession que apuntan muchas maneras. Su Metalcore se agarraba en el público como una argolla virulenta

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que zarandeaba a una caldeada sala que empezaba ya a saltar desde el escenario. Interesante la versión del “Break Stuff” de Limp Bizkit que se marcaron. Si Confession había estado bien cuando salieron Miss May I subieron la temperatura de la sala unos cuantos grados más. Nada hacía presagiar que con la pinta nerd que tenía Jerod Boyd iba a golpear así su batería y mucho menos que Levi Benton se mostrase, con tan poco años, como un frontman absolutamente magnético. La próxima vez que les veamos probablemente que es ya como cabezas de cartel. Casi seguro. Otros que apenas necesitaban presentación para el respetable que ya abarrotaba la sala eran The Ghost Inside. Habían venido no hacía mucho con A Day To

Remember y en nuestra memoria estaba reciente en pedazo concierto que se habían marcado ese día. Esta noche no iba a ser distinta. Son otros que ya deberían venir por su cuenta y riesgo. Repasaron temas de ‘Returners’ mientras el stave diving era constante. Muy salvaje también lo de la banda de Los Angeles. Con el sudor que chorreaba ya por las paredes pero sin síntomas de agotamiento, la gente recibía a Parkway Drive quien salían al escenario como si hubiesen llegado directamente del campus universitario. Con sus pintas de surfers universitarios y con cara de asombro por lo que tenían delante arrancaban con “Unrest”. Ni un segundo tardó la pista de la sala en volverse una centrifugadora humana. Pese a seguir con un nivel de intensidad

considerable (une “Boneyards”, “Idols And Anchords” y “Anasasis (Xenophontis)” y volará tu cabeza) lo cierto es que conforme iban avanzando los temas se resentía la voz de Winston quien en según qué partes gritadas incluso desaparecía. Claro, de eso no te dabas cuenta si estabas tirándote desde el escenario o intentando que no te arrancaran la cabeza aquellos que se tiraban. El final a la velada lo pusieron con “Carrion” subiendo a todo el que podía entrar en el escenario (quien a su vez cogió en bolandas al bajista Jia Connor) para, así, despedir una noche incendiaria al máximo. TEXTO: TESA NAVARRO FOTOS: JAVIER BRAGADO

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RESCATANDO

IMPRESCINDIBLES

Texto

JAVI FÉLEZ

Fotos extraídas del vinilo

Metal Works

JUDAS PRIEST

Screaming for Vengeance (Columbia Records, 1982)

A escasos días de que los legendarios JUDAS PRIEST pisen de nuevo España en las que serán –suponemos que ahora sí- las últimas fechas de su maratoniana gira de despedida “Epitaph Tour”, tuvimos la ocasión de entablar una entretenida charla con el siempre afable Ian Hill, bajista del grupo desde sus inicios y gentleman británico donde los haya. Esta gira de despedida, tras recalar en nuestro país el pasado año junto a SAXON y MOTORHEAD, hará lo propio de nuevo en 4 ciudades españolas (Barcelona, Madrid, Sevilla y San Sebastián) a mediados del mes de Mayo con dos teloneros de lujo como son BLIND GUARDIAN y UDO. Con antecedentes como los de SCORPIONS, OZZY o KISS, uno ya no sabe qué pensar de las tan cacareadas giras de “despedida”. Sea como fuere, existe la posibilidad real de que –en el caso de PRIEST- ésta sí que sea la última, motivo más que justificado para acercarse a verlos una vez más. Ian Hill insiste en que muchos fans de la banda no pudieron acudir a la anterior gira y que ahora sí tendrán ocasión de hacerlo. Más allá de lo que uno quiera o no creer, lo que es innegable es que ver a bandas de la talla de JUDAS PRIEST en directo es siempre un espectáculo que bien justifica el precio de una entrada. JUDAS PRIEST saben de sobra el tirón que poseen entre sus seguidores y se resisten a tirar la toalla, ¿Y quién quiere que lo dejen? Mientras la banda siga llevando a cabo shows tan espectaculares como los de los últimos años, servidor firmaría por tener PRIEST lo menos para diez años más. El setlist de la banda vendrá a ser prácticamente el mismo y como es de esperar, contendrá un buen puñado de clásicos, muchos de los cuales, extraídos de uno de sus trabajos

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más legendarios y recordados, “Screaming for Vengeance”, el disco que en esta ocasión nos ocupa.

VUELTA AL HEAVY METAL

JUDAS PRIEST es probablemente junto a IRON MAIDEN la banda de Heavy Metal por antonomasia, por definición. Pero ello no quita que en su historial haya manchas en forma de discos que sin ser mediocres siquiera malos, sí mostraran un alejamiento consciente y premeditado del sonido duro, férreo y agresivo que siempre caracterizó a JUDAS PRIEST, caso del predecesor de “Screaming for Vengeance”, “Point of Entry”, editado en 1981. Tras el éxito considerable (aunque todavía no masificado) de “British Steel”, la banda arriesgó más de la cuenta con un disco flojo, suave y descafeinado, orientado básicamente hacia la radiofórmula (todavía ajena al heavy metal), que en su día gustó a poca gente. Hoy por hoy “Point of Entry” es un clásico, -como el resto de los discos de PRIEST de aquellos años- sin embargo su recepción en pleno apogeo del fenómeno NWOBHM no fue el deseado, “Fue un disco curioso” remarca Ian, “Hasta el momento solíamos pulir todas las composiciones al detalle antes de entrar al estudio, sin embargo con “Point of Entry” nos dio por experimentar e improvisar sobre la marcha y está claro que tomamos algunas decisiones erróneas”. Llegados a 1982, el panorama había cambiado sustancialmente. Bandas como IRON MAIDEN, OZZY OSBOURNE, SCORPIONS o VAN HALEN se habían apoderado de las radios y el Heavy Metal empezaba a sonar con fuerza en los ámbitos más mainstream. JUDAS PRIEST eran

conscientes de ello (imaginamos que su sello discográfico también) y se pusieron manos a la obra para crear el disco que a la postre les catapultaría hacia el estrellato mundial y colocaría al Heavy Metal en la cima de las listas de éxitos justo un año después, “Por supuesto que veíamos que el Heavy Metal cada vez tenía más adeptos y calaba más y mejor en los círculos comerciales” comenta Ian Hill, “pero JUDAS PRIEST no sigue modas, en todo caso las crea, así fue desde el primer día y así lo ha sido siempre. Más allá de las circunstancias de la época, estaba claro que no queríamos volver a hacer otro “Point of Entry” así que pusimos toda la carne en el asador para hacer un verdadero disco de Heavy Metal, un verdadero disco de JUDAS PRIEST”.

PLAYA, ACERO Y TACHUELAS

El Heavy Metal siempre fue sinónimo de oscuridad, noche, fuerza y agresividad. Y en esa fórmula ancestral, difícilmente podía casar una localización como Ibiza, ciudad donde se gestó “Screaming for Vengeance”, “¡Grabar en Ibiza multiplicó las posibilidades de distraernos! (risas). Ya habíamos estado en esos estudios con “Point of Entry” así que ya sabíamos el peligro de ir para allá, pero aún con ello, agarramos los bártulos camino a las Islas Baleares. Amábamos ese estudio, y de hecho volvimos allá para “Defenders of the Faith”. Te levantabas a las 10 de la mañana, ibas un rato al estudio, luego salías a la piscina, tomabas unos cocktails,

hacías la siesta, volvías a grabar, te ibas de compras y a cenar, volvías al estudio hasta las 5 de la mañana (risas), ¿Quién no desea grabar un disco así?”. El entorno –coincidirán ustedes conmigo- no parece como idóneo para llevar a cabo una grabación seria y profesional. No obstante, escuchando con detenimiento “Screaming for Vengeance”, ¿Acaso alguien logra recrear mentalmente la estampa de Rob Halford en bermudas –caipiriña en mano- plasmando sobre cinta los gritos de “Riding on the Wind”?. Las cosas fueron a buen puerto gracias en parte al productor Tom Allom, maestro entre maestros, y responsable de atar a los británicos para que todo fuera sobre ruedas, “Tom produjo todos nuestros discos de los 80, él es casi tan responsable del éxito de esos discos como la propia banda en sí. Piensa que Tom no era un productor de heavy metal convencional. Había trabajado con SABBATH en los 70 pero poco más, el resto de su currículum eran bandas no metaleras, y fue precisamente esa ausencia de clichés y vicios sonoros propios de alguien que sólo graba un estilo de música lo que nos llevó a producir aquellos discos de aquella manera. Honestamente creo que “Screaming for Vengeance” es una de las mejores producciones que hicimos, básicamente porque es probablemente el último disco que hicimos donde todos los instrumentos suenan reales, sin samplers ni trucos de producción. Posteriormente tiramos de todo eso pues todos los estudios trabajaban así y era el sonido que se llevaba en aquella época, para bien y para mal. Por otro lado, Tom siempre estaba encima nuestro. Nosotros éramos todavía relativamente jóvenes y nos gustaba la fiesta quizá en exceso (risas). Y claro, en Ibiza a principios de los 80 tenías fiesta en cada lugar y rincón de la Isla. Tuvimos la enorme suerte de contar con Tom, porque de haber sido otro productor más dado a la noche y la fiesta, seguramente el disco no habría quedado así”.

LOS 10 MANDAMIENTOS

10 son los cortes que contiene “Screaming for Vengeance” y 10 son los mandamientos de la Ley de Dios, entregados a Moisés en el Monte Sinaí. Tan profético como la historia bíblica resulta el contenido musical del octavo disco de JUDAS PRIEST. Todos los clichés, cánones, tópicos y standards del Heavy Metal se encuentran en “Screaming for Vengeance”, desde la velocidad de “Riding on the Wind” o “Screaming for Vengeance” hasta la pesadez de “Electric Eye”, la vertiente más rockera e hímnica de “You’ve Got Another Thing Coming” o el deje melódico y comercialmente bien entendido de “(Take These) Chains”. “Me encantan todas esas canciones, todavía escucho el disco de tanto en cuanto” comenta el bajista de los británicos. “Tiene auténticos himnos como “The Hellion / Electric Eye” que es una de mis preferidas junto a “Fever”. Es una lástima que dejáramos fuera por cuestiones de espacio “Prisoner of your Eyes”, me gustaba mucho ese tema”. Y es que, si uno para a mirarse el tracklist de “Screaming for Vengeance”, cuesta

encontrar un solo corte de relleno, evidencia que se plasma en los repertorios actuales de JUDAS PRIEST donde tranquilamente coinciden la mitad de temas del LP. Ian Hill es plenamente consciente del precedente que sentó este disco, “El Heavy Metal explotó con “Screaming for Vengeance”. Quizá sin quererlo establecimos las reglas de juego para las bandas venideras. “British Steel” ya tenía esa dureza, pero de un modo contenido. En adelante hicimos muy buenos discos e incluso logramos reinventarnos de cierto modo, pero está claro que el gran paso lo dimos con “Screaming for Vengeance”, fue ese el disco que acabó de definir el sonido definitivo de PRIEST tras ocho trabajos de estudio”.

DE IBIZA AL ESTRELLATO

“Screaming for Vengeance” obtuvo un éxito inmediato y al poco tiempo empezó a obtener reconocimientos por sus ventas millonarias, entrando rápidamente en las primeras posiciones del Billboard americano y siendo el primer disco de la banda británica en obtener certificación de platino. 1982, Con la MTV a pleno rendimiento y las radios como medio de propagación musical en su máximo auge, JUDAS PRIEST gozaron de un éxito masivo, “Nos dimos cuenta de lo grande que se había hecho JUDAS PRIEST cuando “Screaming for Vengeance” empezó a sonar asiduamente en la radio norteamericana. Por entonces la radio tenía un poder e influencia enorme y era difícil que te pincharan de forma regular y constante. Si ves que eso sucede es que lo has logrado”. Fue tal el éxito en América que la banda y su nuevo Management –cabreando así a sus fieles seguidores británicos- optó por girar presentando el disco primero en el continente americano llegando a Europa en el tramo final de la gira, ya casi empalmada con la de presentación de “Defenders of the Faith”. Ian Hill recuerda con cariño aquellos años, “Fueron los años dorados de PRIEST. Una locura generalizada se desataba allá por donde íbamos, algo a lo que yo creo que todavía no nos hemos acostumbrado (Risas). Hicimos muy buenos tours por entonces, algunos de los mejores diría yo, se me pone la piel de gallina cuando veo algunos de los videos de la época”. Era 1982 y el reinado del Sacerdote Judas no había hecho sino empezar. Posteriormente llegarían acontecimientos

sonados como las acusaciones al grupo por incitación al suicidio, la lista “Filthy Fifteen” del infame PMRC, el adiós de Rob Halford y su declarada homosexualidad, el encarcelamiento de Dave Holland por pederastia… Todos ellos hechos resaltables que sin embargo, en ningún caso, entorpecieron la carrera de una banda que aún dando sus últimos coletazos tras cuarenta años de actividad, todavía conserva su relevancia, influencia, frescura y credibilidad, gracias a discos como “Screaming for Vengeance”.

BLAS VOCES DEL ROCK

FREDDIE MERCURY Nacido el 5 de septiembre de 1946 en Stone Town (Zanzibar) y fallecido el 24 de noviembre de 1991 en Londres

Contaba tan solo con 45 años cuando nos dejó, y hoy, más de dos décadas después de su temprana y trágica desaparición, se le echa de menos más que nunca. Aún recuerdo mi primer encuentro consciente allá por principios del 91 con una canción de Queen. Se llamaba Por “Innuendo” (del álbum del mismo TOMÁS MARÍN título) y me abrió tal ventana en el Amalgama interior que aún en la actualidad, cada vez que la escucho, sigue estremeciéndome como el primer día. Oyéndola te das cuenta de la majestuosidad de su propuesta y de la magnitud y grandeza de su inimitable voz. Desde ese mismo momento se convirtió en mi cantante preferido y al que considero el mejor de la historia del rock. Escribo sobre un hombre al que admiro profundamente, de quien soy deudor por algunas de las mejores cosas de mi vida y que me es más próximo de lo que pudiera serlo algún familiar. En consecuencia, soy un testigo sospechoso. Por este motivo, veo necesario exponer lo anteriormente escrito y prometer la más absoluta imparcialidad dentro de los límites que imponen mis sentimientos hacia él. Inimitable es el adjetivo que mejor describe a este cantante, compositor y pianista. No ha habido nadie como él (ni lo habrá jamas) y más aún cuando vemos como está el panorama musical últimamente. Nos dejó huérfanos de una voz y un talento fuera de lo común demasiado pronto. Por eso me río cada vez que anuncian a bombo y platillo al nuevo Freddie Mercury tan sólo porque el nuevo sujeto en cuestión puede cantar en falsete como si cantar en esta tesitura fuera lo único que definiese su estilo. Sólo habrá un Freddie Mercury como sólo habrá un Miles Davis, un Marlon Brando, un Jim Morrison , un John Ford, una Janis Joplin o un Jimi Hendrix. Freddie Mercury era capaz de adaptarse a cualquier estilo o tendencia (pop, rock, heavy, opera, funk, dance, rock progresivo, etc, etc) y siempre salía ileso de ello gracias únicamente a su talento y a su torrente de voz. Hacia que cualquier canción fuese digna de elogio en sus manos. Tenía un control total de su garganta y poseía una suerte de voz acristalada que lo definía claramente de sus coetáneos. Podía modularla a su antojo sin ningún tipo de problema sea cual fuere el estilo o tonalidad de la canción y ahí tenemos la fuente de adaptabilidad a la variedad de un grupo como Queen. En una banda en la que todos componían a un nivel tan alto (Brian May y Roger Taylor también cantaban, y muy bien además) es mucho más meritorio el destacar como lo hizo él, por no hablar de su total dominio del escenario donde podía tener a su audiencia en la palma de la mano, cantando y coreando lo que él quisiera. Su registro era de tenor y en las partes más altas su tono era puro y cristalino. A veces también acometía tonos más graves, los cuales hacía lidiar también con ese falsete tan característico suyo que hizo de su rango vocal un abanico de posibilidades tan amplio que pudo enfrentarse a cualquier canción. “Más siempre es más” era el dicho que lo definía y que llevó hasta el límite en todos los aspectos de su vida. Analizando un poco la carrera de Freddie en Queen, existen dos claras lineas definitorias. Los Queen de los 70 muchos más rockeros y barrocos y la de los 80 que equivocadamente muchos críticos reniegan por meterse en terrenos más comerciales. Sí es cierto que los 80 mar-

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caron un cambio sustancial en su música, tanto por la incorporación de sintetizadores y bases programadas como por una orientación mucho más pop. Pero también es verdad que nunca perdieron su esencia y siempre podíamos encontrar esa guitarra inconfundible de Brian como la fuerza de la voz, esa voz, de nuestro protagonista. En los años 70 se encuentra el mejor disco de su carrera ‘A Night At The Opera’, la mejor colección de canciones que he escuchado en mi vida, a la altura de cualquier obra maestra que se recuerde (‘Pet sounds’, ‘Stg Peppers...’, ‘Led Zeppelin IV’, ‘Back in Black’, ‘Paranoid’, etc). Seguido muy de cerca por ‘A Day At The Races’ (otra “masterpiece” ligeramente por debajo de su predecesor por poco) y por ‘Queen II’ (uno de sus discos más olvidados y una maravilla de principio a fin). Son trabajos que hay que escucharlos sin interrupciones ni distracciones de ningún tipo puesto que requieren de toda tu atención para saborear todos y cada uno de los distintos matices que estos conllevan. De todas formas yo recomiendo encarecidamente toda su discografía desde ‘Queen I’ hasta ‘Live Killers’ (uno de los mejores directos de la historia del rock), sus ocho primeros trabajos, hoy considerados todos ellos clásicos del rock. Es la mejor manera de introducirse a este grupo y, por ende, a este cantante. De los 80, quitaría la banda sonora de ‘Flash Gordon’ (todo temas instrumentales bastante infumables con sólo dos cantados) y ‘Hot Space’, una especie de disco-soulfunk muy incomprendido en su momento pero disfrutable para quien las etiquetas le resbalen. Sin ir más lejos aquí se encuentra la canción “Under Pressure”, un hit en su día, cantado junto a David Bowie, la cual se convertiría en una de las mejores de su repertorio. También están la rockera “Put out the Fire” y la funky “Cool Cat” pero hay que tener la mente abierta. Recomendaría escuchar todos los demás discos de esta época porque todos y cada uno de ellos atesora una calidad envidiable. Si bien es cierto que el nivel respecto a los 70 es inferior, también lo es que no se olvidaron nunca del rock como muchos cabezas cuadradas nos quieren hacer creer. Si escuchamos cada uno de los discos que lanzaron en esa década, advertiremos que todos ellos contienen al menos tres temas de puro hard-rock. Aparte, claro está, de sus temas más conocidos y pop, que no por ello son malas canciones. Al contrario, muchas de ellas se encuentran entre lo mejor del estilo. Analizando uno a uno los trabajos de esa década concreta de Queen vemos que: - ‘The Game’ (1980) es el álbum que sirve de unión entre las dos etapas y, a pesar de los sintetizadores y demás, conserva aún el sonido característico de los Queen clásicos y, por ende, hoy es otro clásico. “Dragon Attack”, “another One Bites The Dust”, “Need Your Loving Tonight”, “Rock it (prime jive)”, “Save me” y “Crazy Little Thing Called Love” así lo certifican. - ‘The Work’ (1984) con “Tear It Up”, “Hammer To Fall”, “Man On The Prowl” nos indican que pese a sus singles de éxito como “Radio Ga-Ga” siguen manteniendo la llama del rock en sus venas. - ‘A Kind Of Magic’ (1986) es el más vilipendiado por la crítica rock y no lo entiendo porque un disco que contiene temas como “One Vision”, “ Gimme The Prize” (uno de los temas más duros de la reina, rozando el Heavy) y “Princesa Of The Universe”. Sólo estos ya valen la compra del mismo. Amen de maravillas como “One Year Of Love” y “Who Wants To Live Forever” (¿quien no se ha emocionado alguna vez con ella mientras ve ‘los Inmortales’?),

que no hacen sino revalorizar un trabajo totalmente infravalorado. - ‘The Miracle’ (1989) quizás sea el más pop de sus discos de los 80, pero está a un nivel altísimo y con grandes clásicos que todos hemos oído alguna vez, como es el caso de “The Invisible Man”, “The Miracle” o “Breakthru”. De todas formas también se acercan al rock con el hit “I Want It All”, con las movidas “Party” y “Khashoggis Ship” y con mi canción preferida de todas ellas: “Was It All Worth It”. Tintes barrocos y sinfónicos que vuelven a recordar a esos míticos Queen de los 70. Sirva este pequeño análisis para tener más en cuenta una época de la Reina injustamente olvidada por los seguidores del rock. A parte de su banda madre, Freddie hizo un disco en solitario ‘Mr Bad Guy’(donde experimentaba con el dance y la música de baile) y otro junto a Montserrat Caballé ‘Barcelona’, en el cual se fundía de lleno en terrenos de la opera en una extravagante (como no podía ser de otra forma) y estrambótica amalgama imposible de catalogar, pero sí de disfrutar, porque ¿a cuántos se conocen que puedan hacer lo mismo? Yo lo diré: A nadie. Una obra única y personal que solamente él podría llevar a cabo con éxito. Estos trabajos muestran su imperiosa necesidad de experimentar y explorar en los terrenos de la música. Eso lo hacía ser un artista inigualable. Su último disco con Queen, ya en los 90, fue ‘Innuendo’ (1991) (‘Made In Heaven’ no lo cuento como tal) y es su canto del cisne y una auténtica obra maestra. En este trabajo no sobra ni falta nada y es que todas y cada una de las canciones son pequeñas muestras de su grandeza como compositor y cantante. Su culmen, vocalmente hablando, lo encontramos en “Dont Try So Hard”, donde su voz raya lo irreal cantando de una forma que yo aún no se cómo diablos podía hacerlo. Sublime. Algunas de las perlas que esconde este disco, aparte de la mencionada, son la inclasificable y magistral “Innuendo”, las rockeras “Headlong”,”The Hitman y “I Cant Live With You”, la sinfónica y barroca “All God’s People”, la preciosa “These Are The Days Of Our Lives” y la soberbia “The Show Must Go On” que sirve como cierre del álbum y a la vez despedida de este mundo. Cantando como canta aquí pocos podíamos imaginarnos que estuviese tan enfermo y muriese tan sólo unos pocos meses después. Es increíble pensar que pese a su estado en aquellos momentos, su garganta siguiese estando tan plena de fuerza y facultades y tan llena de vida. Freddie Mercury cuando cantaba lo hacia en mayúsculas rebosando originalidad en cada una de sus encendidas y brillantes interpretaciones, las cuales perdurarán para siempre, como inspiración para el arte de cantar y como mordaces y a menudo conmovedores sentimientos del alma humana. Sirva este artículo como pequeño homenaje a un hombre más allá, en definitiva, de la vida y la muerte.

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