Suplemento Panóptico No. 32 - Ciudad Q Inventario Territorial by Panóptico

N o. 3 2 2 8 d e n ov i e m b r e d e 2 0 1 1

EDICIÓN DEDICADA A LA GALERÍA VIRTUAL DE ARTE EMERGENTE: www.ciudadq.mx

n una entrevista realizada a la fotógrafa mazatleca Kar la Holler en agosto de hace un año, comentó a Ciudad Q// Inventario territorial que miraba con buenos ojos el estado del ar te en la ciudad. Señaló la existencia de florecientes jóvenes talentos que estaban llevando a cabo trabajos interesantísimos. Afir mó que los creadores radicados en Querétaro nada tenían que envidia r a los establecidos en otros puntos del país e incluso del á mbito inter nacional. Pero hizo especial énfasis en que se respiraban aires de cambio y que parecía que todos estaban ansiosos de realizar algo de verdad contundente, “como si estuvieran esperando a que alguien se resolviera a lanzar por fin el grito de: ¡revolución!”. Ciudad Q// Inventario Territor ial no ha sido precisamente este llamamiento a las ar mas. Quienes colaboramos en dic ho proyecto estamos seguros, sin

embargo, d e haber tenido la opor tunidad de presentar una platafor ma para la reflexión sobre el estado del ar te emergente en nuestra ciudad. Los orígenes de esta propuesta tuvieron lugar hace poco más de un año. Fueron una reacción ante los fenómenos culturales que se dieron en otros lugares como Tijuana, Cholula o Oaxaca, en donde se par tió de la idea de transfor mar a dic has poblaciones en ter minales creativas dedicadas a la expor tación de su talento y a captar el interés de las otras periferias. Desde entonces, Ciudad Q ha trabajado como una galería en línea a través del por tal www.ciudadq.mx difundiendo su labor en las redes sociales y recientemente en algunos medios impresos. Nuestro objetivo ha sido producir un catálogo de lo más representativo de nuestra ciudad en materia de ar te emergente. Con ello hemos buscado fomentar la divulgación, el diálogo y la sinergia entre los mismos ar tistas y su público. Procuramos la existencia de un ámbito de reflexión acerca de las dinámicas, la per tenencia y el apropiamiento de la

metrópoli, y sostenemos que una de las for mas para conseguir lo es la celebración de la labor ar tística del territorio. Con esta edición, Suplemento Cultural Panóptico nos ofrece un espacio para difundir el compendio de poco más de un año de trabajo. Esta opor tunidad no es solamente una enor me distinción para quienes colaboramos en el proyecto. Se trata también de una revisión a la labor curatorial desempeñada hasta la fec ha en nuestra platafor ma de Inter net, al mismo tiempo que un preámbulo de la m uestra interdisciplinaria que tendrá lugar en el mes de marzo del año entrante en la Galería Liber tad, bajo el título: “Urbano: nuevas for mas de percibir Querétaro”. Esperamos que disfr uten de esta edición tanto como a nosotros nos ha entusiasmado la labor de preparar la. Agradecemos una vez más a Suplemento Cultural Panóptico por su apoyo y confianza. Refrendamos y transmitimos nuestra motivación para hacer Querétaro una escala obligatoria de la geografía nacional del ar te contemporáneo. Avant-garde! Elisa Her r er a Altamir ano Hor acio L. Warpola Ger ardo Ar ana Villar eal Antonio Tamez Jaime Romero Ciudad Q// Inventario Ter ritorial www.ciudadq.mx

C O M E N TA R I O S, C O L A B O R AC I O N E S, S U G E R E N C I A S :

contactopanoptico@gmail.com

ARTE URBANO S i L o M i // Street ar t en Querétaro

CONTACTO :

supermachinblog.blogspot.com

Mogwai - Hardcore Will Never Die, But You Will Sub Pop, 2011

uizás como muchos en esta ciudad, guardo una historia personal con SiLoMi. En mi caso, conocí su trabajo en las calles del centro, allá por el 2006. Sus estampas y esténciles jugaron un papel clave dentro de mi decidida, aunque tardía insubordinación adolescente; en especial con una consigna: “¡Burroughs vive!” Un enorme cartel con la efigie del profeta norteamericano permaneció varios meses en una pared de la calle Morelos, a un lado de la librería El Alquimista y del templo del Carmen. Para algunos de mi generación esa imagen se transformó en un ícono sagrado. Desde entonces pasé los años siguiendo el rastro del artífice, persiguiendo sus intervenciones en paradas de autobús y letreros de tráfico, preguntando entre quienes pudieran conocerlo, considerando elemental establecer contacto con este clandestino que se pasaba las canteras de nuestra bonita ciudad por el culo para usarlas de galería. No fue hasta hace unas semanas que conseguí dar con él, en el entorno psicodélico de la heladería experimental Möod (Felipe Luna 28), en donde tiene un mural. Me encontré con un hombre carismático, crítico y afable, con la sonrisa inocente del adulto que considera bien divertido seguir rayando las paredes. Un romántico del XIX, que ha trasladado el discurso vitalista del arte hacia el skate y el grafiti, hacia los baggies y las gorras Volcom. “Empecé a grafitear a los trece años” cuenta SiLoMi, “en el período del 96 al 2000, cuando entonces Querétaro era la segunda ciudad más grafiteada de la República. Me lo empecé a tomar en serio desde hace unos seis años, cuando salí de la prepa y dije: a la chingada, yo no quiero estudiar, yo lo que quiero es pintar.” Y luego de dar una cucharada a su helado de aguachile, continúa: “no hay dinero en esto, es algo que hay que aceptar; pero se aprende, se trabaja en equipo, se encuentran amigos, realmente se hace algo”. La obra de SiLoMi no está sostenida de ninguna clase de interpretación, no hay misterio ni bocetos. Los ojos vacíos de sus personajes no significan nada, lo que tú quieras. “Es como el jazz”, nos cuenta: “improvisado”. Prefiere trabajar sobre la pared que sobre el papel; aunque una cosa llevó a la otra y él mismo todavía se recuerda rayando las tapas de sus cuadernos de la secundaria para dar con los primeros SiLoMis. Actualmente trabaja en gran formato, ya sea en aerosol o en acrílico, ilegal

Por Adán Pop

o por encargo, en el Centro o en Cerrito Colorado; lo que importa es producir. Y hay dos etapas claras en su carrera, dos SiLoMis: la del street art de los afiches, las estampas y los esténciles que inundaron mi adolescencia tardía; y la de ahora, la posterior a las residencias y los premios, la de los murales y los personajes antropomorfos de ojos vacíos que se están convirtiendo, y que deben de convertirse, en un importante referente generacional. SiLoMi es quizás una de las primeras muestras de un street art queretano, bien hecho y bien difundido. En resumen, el artífice de una disciplina en una ciudad Patrimonio de la Humanidad donde el grafiti es tan perseguido como el narcotráfico. En una metrópoli en donde la policía es dura y te levanta por hacer skate en el centro. En una capital donde el arte oficial, el de galería, es el único viable, y en donde la respuesta para el cada vez más creciente número de artistas urbanos, es un concurso de grafiti en mamparas. SiLoMi nació en la Ciudad de México en 1983. Su trabajo, además de exponerse en vagones de tren, tanques de agua, chatarras y paredes de distintas partes del país; ha pasado también por galerías del Distrito Federal, Tequisquiapan, Bernal y más de diez veces en el Museo de la Ciudad. Ha obtenido residencias artísticas para trabajar en Montreal y en Sao Paulo. Actualmente colabora en el proyecto de intervenir un edificio de cuatro pisos en una importante avenida de la ciudad, como una alternativa de espacio antepuesta al concurso de grafiti que organiza el municipio. SiLoMi significa “siempre lo mismo”; naturalmente porque, como en el jazz improvisado, nunca lo es.

"El Hardcore nuca va a morir, pero tú sí"; palabras más correctas no se han dicho. Mogwai es una banda fuera de lo común, y este album es otra prueba de ello. Para este 2011 la banda escocesa a dejado atrás el sello Matador para pasar al sello Sub Pop; de esa manera aparece "Hardcore Will Never Die, But You Will" el 15 de Febrero de este año y producido por Paul Savage. En noviembre del año pasado ofrecieron un adelanto gratuito de esta producción, con la canción "Rano Pano", que dejó a muchos queriendo más. El resto del disco es bastante agradable, con ese estilo que solo una banda de tan gran trayectoría como lo es Mogwai podría ofrecer. Una gran dosis de guitarras distorsionadas y post-rock melacólico.

Aphex Twin - 26 Mixes for Cash Warp Records, 2003

Tan simple como suena, "26 mixes por dinero". Veintiséis remezclas del grande, 139 minutos y 17 segundos de un Aphex Twin tan raro como siempre, mezclando a gente de distintas latitudes, gente como Nobukazu Takemura, Nine Ich Nails, Jesus Jones, Die Fantastischen Vier o Mike Flowers Pops, pero la lista es interminable. Entre mis remixes favoritos están el de Baby Ford, con el track "Normal", el remix de "Falling Free" de Curve, o la de Nav Katze, "Change". Ya se imaginarán de que van estos dos CDs, música ácida, beats entrañables, un ambient abstracto y un idm tan normal como lo hace Richard D. Jame

La presente edición de Suplemento Panóptico está dedicada a la galería virtual Ciudad Q Inventario Territorial, como una manera de dar a conocer la gran diversidad y la enorme calidad del arte emergente queretano, esto a través de la difusión de dicho proyecto, el cual es organizado por jóvenes escritores y tiene como finalidad, producir un catálogo con lo más representativo del arte emergente en Querétaro. El proyecto Ciudad Q Inventario Territorial es, por un lado, la expresión creativa de ese enorme valor artístico del trabajo producido por jóvenes queretanos, pero además, es también la prueba fehaciente de que la producción artística en la

región cuenta con una enorme diversidad de opciones y con propuestas muy sólidas que, en la mayoría de los casos, no obtienen el justo reconocimiento por parte de las instituciones de gestión cultural ni un apoyo real que fomente su plena realización. El problema en Querétaro, y en México, no es la falta de calidad o de producción en el arte, sino el hecho de que no se da un justo reconocimiento de su valor, no sólo como un elemento ornamental o recreativo, sino como una necesidad real tan importante como la política o la cuestión económica. Muchos artistas trabajan todos los días sin esperar realmente nada a cambio, ese es el arte que perdura, un arte real, golpeado por una realidad en decadencia, pero aún así, concentrado en expandirse a otras formas de conciencia humana.

I LU S T R AC I Ó N Laur a Sánchez // Los sueños de mi cabeza

aura Sánchez (Querétaro, Qro, 1989) está cursando la licenciatura en diseño industrial, lleva tres años consecutivos impartiendo el curso de artes para niños en la biblioteca central Manuel Gómez Laura trabaja en automático, procura regresar a la ilustración tradicional y a los temas comunes; temas que para ella tienen que estar cargados de belleza. Se inspira en el cotidiano de la vida para así poder canalizar su trabajo en una especie de terapia. Plantas, animales, colores vivos, humor, son algunos de los temas que le gusta experimentar e ilustrar. Desde niña ha dibujado, su obsesión por los animales y los personajes de caricatura la pusieron a ejercitar su futura obra: “Amo a los animales, desde que era pequeña

hasta que terminé la primaria yo quería ser veterinaria, después mi sueño cambió porque no quería trabajar en granjas metiendo la mano en el culo de las vacas” Laura Sánchez trabaja por instinto, en su obra se puede ver una delicada y sensata formación. Influenciada por la tv y el internet ha logrado estabilizar su propuesta y nos sugiere una sencilla ilustración que cautiva por su naturaleza y sus formas. Un cuento en su cabeza se va coloreando y transfigurando hasta lograr una postal conectada con el organismo natural. Una ilustradora en formación que esperamos siga trabajando para hacer de su trabajo una propuesta seria en el arte local, si no, que simplemente siga compartiendo su obra, ya que un ligero vistazo puede provocar desde una sonrisa hasta un largo suspiro.

PINTURA S e b a s t ián Salamanca Huet // Autor r ef er encia

recuentemente me pregunto por qué los grandes genios ya no son como antes, por qué no tenemos un Mozart, o un Velázquez, por qué ya no hay niños de 5 años aleccionando al arte mundial. Creo que las mentes brillantes de esas épocas se cultivaron desde temprano porque no tenían otra que hacer, porque no tenían XBOX, ni internet, porque sus padres los obligaban a trabajar y ensayar duramente todos los días, varias horas, sin descanso. El arte contemporáneo se nutre del trabajo a consideración. Algo que valoro mucho de un artista es su capacidad de producir y trabajar, su necesidad de estar en movimiento, la carestía de crear obra y buscar espacios sin descanso. Así funciona el mundo del arte; a modo de tocar puertas, abrirlas, presentarse, ganar concursos, pintar y experimentar. La sencillez es fundamental, la creencia y el valor epifánico que se le da a cada cuadro terminado es el alimento del artista: lo que le otorga esa credibilidad ante su público, aunque sea minoritario. Sebastián es un artista que cuenta con esas virtudes, un pintor en formación que está en una búsqueda incontenible, que en sus palabras no pinta para

vanagloriarse con una técnica bien lograda, eso no basta, busca que la misma técnica soporte el peso conceptual, que sea el móvil entre el espectador y su obra; pero sin quedarse únicamente en la contemplación clásica y distanciada de la pintura. Es “pintura que deviene en formas” y en espacios, y en objetos, son expresiones que hablan de su existencia, que hacen referencia a la misma historia del arte, que no se quedan en la vana imagen “bella” o “bonita”. La materia prima de su trabajo es él mismo, autodeformarse y dejar que el espectador lo maltrate a su semegancia en modo de intervención. Su extraña fascinación por los íconos religiosos lo ha llevado a una exploración de ingeniería sacra. Sebastián no sólo se queda en la pintura, aplica otras disciplinas y expresiones que son consideradas artísticas. Una comunicación que lleva a la pintura hacia otras periferias sin quitarle la seriedad y el trabajo que conlleva. Sebastián Salamanca Huet (San Juan del Río, 1990) se encuentra activo participando en el Grupo Artístico “Gran Guiñol”, en “El Túnel” espacio para arte emergente en la ciudad de Querétaro, es

estudiante de la Lic. en Artes Visuales en la UAQ. Ha montado su trabajo en varias exposiciones colectivas en la Facultad de Bellas Artes de la UAQ, en la biblioteca Gómez Morín y en el Museo de la Ciudad de Querétaro. En el 2008 se presentó su exposición “Luz entre mis tinieblas” en la biblioteca del Campus San Juan del Río de la Universidad Autónoma de Querétaro, y ha ganado dos premios de pintura en la misma entidad. También ha colaborado en trabajos de videoperformance para España y México. Para enfatizar que las piezas deben ir más allá de la técnica dominada, empleando un trasfondo conceptual y el propio bagaje de vivencias acumulado en él, Sebastián trabaja su realismo a través de contraponer también disciplinas artísticas, combinando a la pintura de caballete académica, realizada bajo las normas de ésta, con las expresiones más contemporáneas como la instalación, el arte de acción, etcétera. Sigan el trabajo de éste joven artista local, que seguramente irá trazando puentes de expresión a lo largo del Estado.

PINTURA

F OTOGRAFÍA Fotografías: Karla Holler - Sin título

L u i s S á n chez // E l c o n s a bido juego medieval d e la car ne y el alma

ealismo es la materia de la que está formada la cotidianeidad, aquello que nos envuelve en una red de intimidades o de círculos concéntricos que han quedado suspendidos de nuestra cabeza como las aureolas de los ángeles, y de los que por cierto cuelgan páginas arrancadas del calendario. Realismo son las manchas, las costuras y el cansancio de las tres de la tarde; pero también la nariz, las uñas y el piercing de la ceja. Las arrugas son calles en el mapa de la cara, tan familiares al espejo como el recuerdo de un bisabuelo. Realismo es asunto de retratos, aquella vieja tradición oval de salas y comedores que solía poner énfasis en la similitud de raíces. Contrario a todo esto tenemos a la fantasía, por otro lado también llamada “la naturaleza del espíritu”. El consabido juego medieval de la carne y del alma: ¿qué nos salvará primero?, ¿qué nos llevaremos arrastrando? ¿Qué nos hará perder la cabeza y transformarnos en seres amarillos, distantes y olvidados? Una grieta se abre dentro de lo más

frágil del Realismo. A través de una galería de iconos, habitada por una colección de fetos y marionetas abandonadas, deambula también la obra de Luis Sánchez, meditabunda como el tránsito de un monje por las catacumbas de la trascendencia. La ciudad ha formado esta obra. Para un queretano, sostiene Luis Sánchez, la primera experiencia con las artes plásticas ocurre adentro de uno de los incontables templos católicos de la ciudad. Antes que la galería, es ahí en done las madonas afligidas y los cristos sangrantes ofrecen la primera exposición del trabajo artístico y levantan la imaginación. Para Luis Sánchez, la semiótica de Querétaro radica en su función como territorio para el desarrollo del espíritu. En su obra, las implicaciones de esto se dan de dos formas: primero como una práctica escrupulosa del Realismo a la usanza de la disciplina que martiriza la carne, después como un portal hacia la fantasía.

Kar la Holler // La m u j e r ex i l i a d a e n l o e f í m e ro

l trabajo de ésta fotógrafa mazatleca radicada en Querétaro gira en torno a la mujer. Sus modelos encarnan personajes dotados de una belleza y de una seducción que parecieran no corresponder a éste mundo, aun cuando están ahí para recordarnos nuestra propia herencia terrenal. Las mujeres de Karla Holler parecen exiliadas de una geografía imaginada y lejana, de un país de hadas o de princesas, o de cualquier otro lugar que no sea ésta Tierra de humanos; inmunda, doliente, consumista y encarcelada en los valores del materialismo y la carne. Son ángeles con la mirada extraviada —cuando la tienen —que han perdido el rumbo y han venido a parar aquí, entre nosotros y nuestras cosas. Quizás no sea posible pensar en un castigo más triste, y a la vez más bello. En buena parte de la obra de Karla Holler podemos encontrar referencias al trabajo de Terry Richardson; pero al mismo tiempo hallar diferencias sustanciales con éste. Si bien la fotografía de Karla Holler se nutre de lo pop, lo kitsch y lo hipster, se aprecia una preocupación central por las construcción de un significado trascendente. Contar historias, hacer preguntas, arrancar emociones y en fin, procurarse un estilo propio y una serie de inquietudes inseparables y claras de cualquier fotógrafo. La búsqueda de Karla Holler, está claro, se basa en una

confección estética elaborada, pulcra, bien pensada, podría decirse perfecta. Sus imágenes no necesitan mayor explicación, literalmente dejan sin palabras al espectador pues son capaces de hablar por sí mismas y decir todo lo que contienen. Acerca de Karla Holler se puede decir lo inevitable, lo predecible, lo evidente: que es un gusto que esté trabajando en Querétaro y sobre todo inyectando de provocaciones al arte joven de la ciudad. No es vanidad decir que por aquí no se había visto nada semejante a su propuesta, que por lo demás es novedosa, bella y atrevida. Karla Holler nació en Mazatlán, Sinaloa, en 1989. Ha ganado premios y menciones honoríficas en distintos concursos a nivel nacional. Participa del colectivo “La Carpeta de los 7” junto al maestro Iván Lizárraga. En 2009 fue publicada en la revista La membrana y en 2010 en la revista Picnic en la edición Amazonas. Actualmente estudia en la Escuela Activa de Fotografía de Querétaro y prepara una próxima exposición de su trabajo en El Laboratorio de la Bruja.

P INTURA

I N S TA L AC I Ó N T h e W h i te Room (MNML/MV) // Producir en colectivo

rabajar en colectivo no es nada fácil. Hemos visto a grandes artistas sucumbir ante la idea de colaborar y participar en grupos. Sin embargo, a los jóvenes les resulta más accesible y alentador buscárselas con otros artistas que compartan ideas y talento. Dedicarse a la creación y lograr desechar egos y personalidades narcisistas para producir obras que se valoren y aprecien en el mundo de la expresión artística como un conjunto; convencerse de que uniendo fuerzas los procesos de entendimiento se canalizan mejor, se estudian a profundidad, y así, la musa se extiende a varias mentes para lograr en concreto una pieza o una instalación que valga la pena. The White Room son dos amigos: Pablo Velázquez y Mario Vázquez, ambos estudiantes de artes visuales y artes plásticas en la UAQ, jóvenes, independientes, con varias facetas de exploración. MNML/MV denota su desprendimiento de un nombre real y de una individualidad, dejando el paso libre a la intención grupal, a la forma y a la obra para que funcionen por sí mismas. Su obra es sencilla, no tiene finalidades rebuscadas ni complicaciones conceptuales, a pesar de la influencia de Sol Lewitt que se siente en sus

instalaciones y en su discurso. Son dos chicos que hacen arte para el contexto social que están viviendo, y como la mayoría de los artistas, toda su experimentación plástica se va desglosando desde sus inquietudes y sus capacidades prácticas, desde su lugar de origen hasta el minimalismo de mediados de los setenta: el cuarto blanco. Producir obra para comprender de la vida en donde se vive, en este caso Querétaro; sus condiciones, el subconsciente y mucha metodología. La instalación da las armas y las plataformas para unir estas cuestiones. Adaptándose a los espacios, logran montar estructuras que se pueden leer desde varias perspectivas. El arte se manifiesta cuando el resultado es propio de su artista. Crear para subsistir, engendrar en grupos para trascender: una combinación poderosa e inteligente. The White Room es un ejemplo de sinergia y trabajo. En poco tiempo han logrado un buen lugar dentro del arte estatal y nacional. Con varias exposiciones en el Distrito Federal, Cuernavaca y Querétaro, organizando muestras colectivas en la Facultad de Bellas Artes de la UAQ, participando en múltiples exposiciones colectivas. Poco a poco se siente su compromiso con el trabajo que realizan y que seguramente en unos años dará mucho más de que hablar.

Tania Quezada // S o l i l o q u i o s d e l o v i s c e ra l

l recorrido para la creación es amplio y confuso. En el trayecto habrá retos, lágrimas, ira y belleza; entre otras cosas. La búsqueda lleva a otros países, a la contemplación, a la sensibilidad, al reto humano y psicológico. Todo esto para poder algún día difundir un discurso propio, la necesidad de decir algo. Cuando se llega al mito de la creación espontánea, es cuando el artista se refiere a su trabajo como oportuno, intencional y personal. Hablando con Tania Quezada sobre sus inspiraciones, viajes, recuerdos, pinturas, sueños y corajes. Comprendí que el artista de la pintura muchas veces se ve envuelto en su propia disertación. La necesidad de crear es natural, casi orgánica. Tania trabaja por instinto, por ocasión, por sentimientos encontrados y sensaciones físicas, oníricas, inconscientes. El trabajo de Tania es visceral. Es un recuento de los daños, una poética del súper yo que se reviste de impresiones sociales: la frivolidad, el desencanto, el ridículo frente al espejo. Su obra parece un monólogo teatral, una escena dramatúrgica que cualquier actriz quisiera interpretar arriba de un escenario. La violencia de los deseos primarios. Comprenderse a sí mismo en un estado que antes no se podía haber asimilado. Tania se trabaja a sí misma, en un recurso creativo que bien podría ser el clímax de la obra de teatro que se va escribiendo día con día. Un recurso fundamental para comprenderse a través del lienzo. Un estudio psicológico que se transcribe con el óleo. Lucian Freud, Francis Bacon, Tamara de Lempicka: verse en el cuadro y redimirse, sostenerse en un espacio infinito y delicado. Tania Quezada estudió en el Instituto Allende, en San miguel de Allende Gto. Salió con especialidad en pintura (con el maestro Ignacio

Maldonado) y a partir de ahí ha brincado de un lugar a otro, viajando, hallándose. Pintando travestis y transexuales fue afinando el retrato. Después de tres años sin producir nada, se reencontró con la pintura y ahora no puede evitar vivir de ella, con ella y para ella. Ha tenido varias exposiciones en el estado; colectivas y personales. Ha trabajado con varios artistas locales y actualmente tiene su estudio en Querétaro donde se ocupa y radica. Muy pronto podremos ver su nueva serie Soliloquios: Del Espejo a la Tela.

P INTURA Kikyz Fer r er // El c u e r p o d e g ra d a d o

a muerte supone un final, un proceso inexplicable en el que supuestamente el cuerpo y el alma se separan para seguir caminos diferentes. Sin embargo, el cadáver se queda en este espacio, en esta dimensión, y entonces genera un rechazo. La putrefacción, la enfermedad, la suciedad que gira en torno a un cuerpo en descomposición, es lo que la mayoría de la gente quiere enterrar, quemar y olvidar ¿Pero qué pasa cuando todos estos prejuicios son sustituidos por una abyección orientada al rechazo del mismo y esto genera una confrontación entre los canones estéticos? Algunos podrán decir que morbo, o una tendencia gore; pero para Kikyz Ferrer comienza una exploración poética y visual que va mucho más allá de toda esa interpretación casual y vanguardista. Ahí comienza una maravillosa confrontación entre el espectador y el artista. La agresividad con la que la muerte y el cuerpo humano es tratado en la obra de Kikyz, nos recuerda las posibilidades de la maquinaria humana, la fragilidad entre la vida y la muerte y la sensación de rechazo ante la imposibilidad del organismo como herramienta natural. A pesar de ésta dura incitación a la realidad, hay dentro de las piezas una sensibilidad auténtica, una poética de lo visceral, guarda en cada línea un homenaje al cuerpo humano y a todas sus posibilidades como figura para moldear, ya sea vivo o muerto. Inclusive, los pinchazos eróticos sugieren una inocencia

malvada que provoca excitación y un morbo habitual ante las imágenes explícitas. Lucía Ferrer Zamudio (Kikyz1313 Ferrer) nació en 1988 en la Ciudad de Querétaro, comienza sus estudios como artista plástico en la Universidad Autónoma de Querétaro, al terminar la licenciatura de Artes Plásticas muestra en el Museo de la Ciudad su primera exposición individual titulada “Cadáveres Esquicio” junto con su primer premio a nivel estatal: la residencia artística en el Museo de la Acuarela en Skärhamn, Suecia. Durante la residencia es seleccionada para la Bienal Nacional de ArtEmergente de Monterrey con tres piezas. Recientemente se ha hecho acreedora del PECDA para Jóvenes Creadores por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes. Además ha participado en otras exposiciones colectivas como; Erotismo en el Museo de la Ciudad (2010), Simulaciones (2010). Es polémico querer mover las bases morales, invitar a la gente a comprender el cadáver como una forma de arte y poesía, trabajarlo con el dibujo y la acuarela para experimentar y crear respuestas sobre la estética y la condición del cuerpo humano, y bajo toda esta tesis, Kikyz propone descontextualizar la muerte para contemplarla desde una percepción más amplia y pura. Tal vez al poner en riesgo la integridad humana nos está construyendo un puente de contemplación y placer.

F OTOGR A F Í A S e r g i o Olivar es CHK0 // Un sueño en alto contraste

a fotografía digital ha marcado a toda una generación de jóvenes que han encontrado las respuestas y las posibilidades en sus cámaras. Han aprovechado las nuevas herramientas para pulir y confeccionar su trabajo y poder mostrarlo a sus amigos de facebook o twitter que es donde se encuentra la audiencia que opina y retroalimenta cualquier pieza amateur. Sin embargo, hay que recordar que el diálogo se produce con los otros fotógrafos, con la gente que ha estudiado y perfeccionado sus técnicas visuales por años. Es sencillo recibir cientos de “me gusta” en alguna publicación de la red social; pero cuando la pieza se confronta en una galería o en algún espacio de arte contemporáneo, es cuando se le toma la seriedad que se merece. La crítica muchas veces se inclina por el currículo, los premios recibidos, las becas nacionales y las exposiciones; eso sustenta la plataforma del artista visual, lo curte en las artes, en su gremio, que al fin y al cabo, es el único que le va a poder dar el aplauso que todo fotógrafo busca desde lo más profundo de su corazón photoshopeado. Es difícil sostener una narrativa en la fotografía actual, el reciclado se ve frecuentemente y la mayoría de las veces los softwares le quitan naturalidad a la foto. Supongo que cualquier artista emergente que se quiera dedicar seriamente a ser un “fotógrafo” sabe lo complicado y lo competitivo que resulta

ser en un mundo donde miles están haciendo fila para llevarse su reconocimiento. El resultado se divide en varios géneros; la vieja escuela se tiene que adaptar a la foto de moda, los estereotipos hipsters, el arte digital, etc. Lo que me llamó la atención del trabajo de Sergio Olivares Méndez (Chk0), fue la contingencia que tiene para retratar un paisaje, a una mujer, una acción, y eso, la acción, es parte fundamental de cualquier trabajo visual. Un fotógrafo ecléctico, en donde la naturaleza es fuerza y vive dentro de la foto, surge y se revela como una metáfora de lo que acontece, en donde la variedad cosmopolita se entierra para hacernos convivir con el instinto de la persistencia, el físico y la belleza humana. Trabajando sutilmente con la experimentación de luces y retoques, Chk0 parece estar en una búsqueda que ojalá aterrice pronto para solventar y terminar de darle un impulso final y concreto a toda su obra. Chk0 es Licenciado en Ciencias de la Comunicación y ha tomado cursos de dirección cinematográfica, como buen cinéfilo ha logrado definir su técnica gracias al cine. Ha dirigido videclips de bandas como Madhatter, y ha participado en múltiples exposiciones colectivas como

“Galería Personal” en la semana cultural de la UAQ y “Puerto de arte” en el café Puerto de Santos. Su trabajo ha aparecido en algunas portadas de discos para bandas de rock y ha montado su trabajo individualmente en el Café Pixel. También ha hecho trabajos publicitarios y foto en estudio para distintos músicos. La melancolía, el caos poético, los encuadres y conceptos distorsionados, crean en la realidad de Chk0 un oscuro momento onírico, en sus palabras: “Capturar un sueño en alto contraste”. Me parece que la foto debe aprovechar las plataformas digitales, aunque de vez en cuando no estaría mal que saliera de los blogs, de las redes sociales, que regrese a las paredes, al papel y a las galerías que es donde el encuentro y el coloquio se da con más pureza y fidelidad.

W illiam Nezme // Ar tesano de lo sinie s t ro

uera ya de prácticas contemporáneas como la instalación y la intervención de espacios, hablar de escultura en Querétaro actualmente es una tarea difícil. Los ejemplos de escultura convencional, además de resultar escasos, usualmente dejan mal sabor de boca y poco entusiasmo. Salvo raras excepciones, la escultura en Querétaro ha seguido prácticas de adaptación a un mercado regido por el arte decorativo, el desarrollo residencial y la bohemia. William Nezme es una de estas raras excepciones. Rara no tanto por escasa como por extraña. Si bien su trabajo no se ha centrado en lo experimental, sí se ha preocupado por tomar riesgos en cuanto a la construcción de un imaginario personal y un estilo independiente. Modeladas con calidad y experiencia, sus piezas apuntan hacia la concepción de una labor artesanal; a la vez devota y siniestra. La obra de William

E SCULTURA

Nezme trabaja sobre las temáticas del terror, la fantasía y la ciencia ficción. Su principal objetivo parece ser; no tanto la satisfacción del gusto de su público, como la de los propios miedos y el oficio pesadillesco de su creador. Es posible concebir a William Nezme como una especie de monje negro, confinado en la horrible encomienda de modelar creaturas que le son dictadas por una voz secreta. Antropomorfos que existen, o existieron, en regiones y tiempos remotos de la galaxia. Las creaciones de éste artesano de lo siniestro nos conmueven y obligan a plantearnos una cantidad insondable de preguntas. Los organismos a los que da vida encierran el misterio de la vasta noche del universo. Finalmente su labor como escultor, es decir el acierto de atrapar a su público y enfrentarlo a los confines de su propia imaginación, lo convierten en una propuesta original interesante y evidentemente arriesgada.

PINTURA F r e s S a l tamontes // Lo inédito de la imagen

autivada por la percepción de la imagen, Fresvinda Villa Maldonado (1987) define su propuesta como “algo conceptual que se basa en la imagen y en la perspectiva que cada uno tiene de ella en esta época”. Así como el saltamontes de “El Inca” de Alberto Vázquez Figueroa, su apuesta existencial se acercaría a la idea de saber con sigilo por dónde moverse, ser su propio arte, sencilla, innovadora, siempre –y se nota en su discursocontemplando la posibilidad de incorporar y/o descubrir algo nuevo, algo inédito en aquello que a diario se ve. Nacida en Tacámbaro, Michoacán, Fresvinda empezó a estudiar Artes Plásticas en Morelia y está por terminar la carrera de Artes Visuales con especialización en Artes Plásticas en la UAQ. Está rodeada de lo que hace en su obra y convencida de que sus clases de historia del arte, los viajes y los

grafiteros le han ampliado la perspectiva artística, le han permitido salirse del molde académico y pasar al arte callejero, a lo más libre y menos rebuscado, a la expresión tal cual. Es importante vincular una cosa con la otra –dice Fres-. Poner en cuestión lo que se es, lo que la gente dice que es, la imagen de cómo se ve a la par de lo que acontece, de la tecnología. Ese es uno de los linderos que la han llevado a realizar varios trabajos y exposiciones, y que han puesto su obra dentro y fuera de la ciudad. En Cuernavaca con The Withe Room expuso “Hermosamente Horrible”, una composición hecha a base de cisnes como objetos dirigidos a la proyección de imágenes grotescas. Participó en una expo colectiva en Celaya con “La caja de la imagen” donde incluyó audio e imagen, misma que está buscando exponer en Querétaro. También un cuadro titulado “Tzonpantli” y una exposición hecha a base de espejos que abordó el tema de la concepción de la propia imagen. Además, en Guadalajara participó en la exposición Dear Deer y recientemente en el centro de nuestra ciudad junto con seis artistas más, colaboró con pintura callejera en Plaza de Armas. “Pero nos la taparon” –se quejaba Fres Saltamontes con legitimidad- al defender la puesta en escena de formas alternativas de mostración del arte. Amiga de Silomi y novia de Ja, Ja, Ja, está influenciada por Leonora Carrington y su literatura, por artistas queretanos como Luis Sánchez, Leonel y Omar “El Jamón”. Influenciada por Rafael Rodríguez, Francisco Toledo, Andy Warhol, Irana Douer, Miss Van, Michel Gondry y Santiago Carbonell. También por la televisión.

Fres nació en Tacámbaro, Michoacán y radica desde hace varios años en Querétaro. Actualmente se encuentra trabajando en unos retratos de mujeres con lápices de color y tiene planes de ir a estudiar a la UCLA. Considera que la tecnología es el nuevo arte y que esta ciudad, siendo un buen lugar para vivir, aún está en potencia como territorio de apertura y valoración de las expresiones alternativas del arte y la estética.

Selene Bautista // La m ujer como objeto

omo sabemos, y especialmente como nos lo ha hecho saber el feminismo tradicional desde hace casi un siglo, la mujer es un objeto. A veces entendido simplemente como herramienta, a veces también como artículo de lujo. Es para ello que estas criaturas han alterado y vulnerado sus cuerpos a lo largo de la historia, han disfrazado su rostro detrás del maquillaje, perforado sus orejas con pendientes, deformado sus pies con tacones y cambiado los colores de su cabellera. Lejos de criticar ésta actitud o de imponerle juicios negativos, el trabajo de Selene Bautista (Pachuca, 1984) otorga una rotunda afirmación frente a la alternativa femenina de portar todos estos estigmas con placer. Esta creadora ha encontrado la clave de dicha dialéctica en la vestimenta, mecanismo mediante el cual la mujer se afirma; no sólo biológicamente, sino también de modo simbólico. La historia moderna de occidente ha demostrado en la moda la opción cultural por erotizar la anatomía femenina, particularmente a través de las prendas interiores. El desarrollo de dichos atuendos a partir del siglo XIX

D ISEÑO DE V ESTUARIO

manifestaron secreta y placenteramente principalmente vinculado al teatro y la la feminidad y sensualidad de la mujer. danza contemporánea. Ha trabajado Selene Bautista ha descubierto en este al lado de figuras como Jaime Blanc, punto un juego de transparencias, una Bárbara Alvarado y Ricardo Flores. búsqueda de lo cubierto y de lo velado, Cuenta con una vasta lista de exposiciones de la superposición de texturas, líneas individuales y colectivas dentro y fuera y ondulaciones que se producen en la de la ciudad así como distintos premios mezcla de los encajes, los seguros, las y becas. Recientemente ha colaborado correas, las redes, los moños y demás con la compañía ALETHEIA ganadora elementos. En suma, la mujer en la de la beca México en escena como obra de Selene Bautista no pertenece diseñadora de vestuario. Es licenciada al concepto tradicional de lo femenino, en Artes Visuales por la UAQ, y reside sino que aspira a un nuevo lenguaje en Querétaro desde 2004. de poder. Se trata de la mujer como carácter dominante a través de la expresa sexualidad conferida en ella por la historia. Selene Bautista no procede precisamente de una tradición avocada en el diseño de modas, sino en las artes plásticas. Esta experiencia ha producido en ella una convicción por confeccionar sus prendas con un carácter casi escultórico e irrepetible. Su trabajo ha estado Diseño de vestuario: Selene Bautista - Yo voy

ARTE PERFORMANCE

s difícil poner al arte de acción en una plataforma fija, su naturaleza lo obliga a ser parte de un contexto multidisciplinar y en movimiento. Dentro de todas las formas de expresión que puede llegar a tener, hay una conceptualización que sugiere una lectura de interpretación trasgresora y objetual. Es complicado encontrar propuestas que sigan la naturaleza de lo que es el performance, es por eso que algunas veces, en la confusión, resultan incómodas y morbosas para el espectador, que de manera inconsciente, es siempre parte de la acción provocada por el artista. Esto

puede llegar a resultar en un episodio provocador y de mal gusto para los asistentes; sin embargo, cuando el acto está justificado y proviene de una mente joven y sensorial como la de Lec he de Virgen Trimegisto (Felipe Osornio) nos da una pauta para darle seriedad y espacio a su propuesta. Hay en el trabajo de Felipe una parafernalia contestataria que viene de distintas inspiraciones: va del simbolismo francés a lo escatológico, del post-porno a lo onírico, del arte abyecto al teatro de la crueldad. En combinación logra happenings de alto impacto visual. Con el cuerpo como herramienta central de su propuesta, Lec he de Virgen Trimegisto instaura ciertas reglas en sus presentaciones, algunas de ellas valoradas abiertamente por el espectador y otras leídas como metáforas a lo largo de sus instalaciones. Las distintas interpretaciones figuran como parte del “trance”, trascienden como narrativa oculta de su figura conceptual y experimental. No hay cortes ni censura, no hay medias vueltas o incisiones morales, es lo que se ve, lo que aflige, es su discurso meditado y accionado. Sus exploraciones lo convierten en un artista polémico. Querétaro no guarda

una tradición del performance como en otras ciudades, esto hace que su obra sea controversial y algunas veces mal justificada por los que asisten a sus eventos. A pesar de todo esto, ha logrado participar en el circuito de arte actual de la ciudad, ha colaborado con el movimiento porno-terrorista en España con video-performance y arte digital: en “Can Víes” espacio contra cultural de Barcelona y en la “Muestra Marrana” de Madrid en 2011, su trabajo también se ha presentado en el Museo de la Ciudad de Querétaro, en galerías a lo largo del país, bares, restaurantes, plazas públicas y otros sitios de carácter experimental. Próximamente se presentará en el espacio cultural de la Biblioteca Gómez Morín. Es creador de “Gran Guiñol grupo artístico” que funciona como una pequeña plataforma contra cultural para propuestas de artistas emergentes de la ciudad de Querétaro. A la fec ha, ha gestionado cinco eventos con este sello, todos ellos presentados en distintos foros del estado. Es arduo encontrar performance en la ciudad, sobre todo cuando proviene de un pornógrafo. Lec he de Virgen Trimegisto está abriendo una nueva puerta para la gente que gusta de ésta expresión artística. Ha demostrado con su insistencia ser un exponente fuerte, y con sus apenas 20 años, dispuesto a encontrar espacios que aprecien su propuesta.