Susy Q #54 Revista de Danza Mayo-Junio 2015 by SusyQDanza

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 54

trocks

40 años

nacho duato en exclusiva nederlans dans theater english national ballet

Nº 54 ● 3,50 e ● susy-q.es

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 54

Editorial

duato

16>19 DE JULIO DEL 2015 CREACIONES N. Horecna, P. Lidberg, J. Verbruggen

Nunca quedarán del todo claras las razones verdaderas que, en medio de aquella generosa campaña mediática, sacaron a Nacho Duato de la Compañía Nacional de Danza, en 2010. El Inaem aducía que 20 años era mucho tiempo de permanencia al frente de un ente público pero en los pasillos de la danza había todo tipo de opiniones. También especulaciones. Una parte se inclinaba por pensar que era justo, que la CND no podía ser una compañía de autor, otra se sumaba al clamor de que la CND debería ser una compañía de repertorio clásico y había una tercera que quedaba perpleja y no entendía las razones por las que el que sin duda era el coreógrafo internacional más importante de este país, se iba a dejar su talento en Rusia y a nadie parecía importarle. Muchas cosas le han pasado a Nacho Duato desde entonces. Se fue al Ballet del Teatro Mikhailovsky, de San Petersburgo, y allí se interesó por el clásico. De allí, aterrizó en Berlín para dirigir el Staatsballett, una de las agrupaciones de ballet más potentes de Alemania, si no la más. Y con ella, vendrá a Madrid al inicio de la temporada del Teatro Real con una versión espectacular, millonaria y personal de La bella durmiente. Diría cualquiera que es un desafío, un acto de pedantería, pero la pregunta de fondo es: ¿invertiría el Inaem 1.300.000 euros en una producción de la CND? Que se lo pregunten a José Carlos Martínez. omar khan MERcedes l. caballero

contenidos

MAyojunio 15

04 El Punto! Danza Teatro 06 Ballet de Marsella 08 Silicon Free. Holland Festival 09 Actualidad 14 Clásicos del siglo XX. 15 18 19 20

Multiplicidad. Formas de silencio y vacío Críticas Show Must Go On Sylvie Guillem trocks. Hace cuarenta años que nació Les Ballets Trockadero de Montecarlo, compañía de ballet estrictamente masculina.

26 Guillermo Weickert 27 Obituario / Maya Plitseskaya 28 English National Ballet 30 nacho duato. Entrevista

exclusiva con el coreógrafo valenciano, a propósito de su visita a Madrid con el Staatsballett que dirige en Berlín. 34 Maurice Béjart 36 nederlans dans theater. Paul Lightfoot / Sol León 39 Cádiz en Danza 41 Citas 42 El reto. La Danza en España

Portada e imagen sobre estas líneas: Les Ballets Trockadero de Montecarlo. fotos: Sasha Vaughn (Reportaje en página 20). Fe de erratas: En nuestro número 53, en la página 41, en el antetítulo del artículo Casa de danza, dice Dantzagurea y debería decir Dantzagunea. Por ello pedimos disculpas.

El Punto!

Dioses y monstruos Con el deporte y la exaltación de sus deportistas de élite como columna sobre la que articular otros significados estrena el coreógrafo Fernando Lima El Olimpo no es aquí, que se verá en el Teatro Central de Sevilla y el Festival Cádiz en Danza’. Texto_mercedes l. caballero

¿Son los deportistas más célebres los auténticos dioses de la actualidad? ¿Son merecedores sus logros de la omnipresencia que ostentan? ¿Responde su presunta condición de divinidad a una conducta propia del Olimpo? “No

del todo”, bien podría ser la respuesta más benévola que se extrae del nuevo trabajo del coreógrafo y director brasileño afincado en Sevilla, Fernando Lima, respondiendo a esas cuestiones sobre las que parece haberse construido su nueva propuesta. El Olimpo (al menos ése) no es aquí. “La descontextualización de las esencias del deporte se ha generalizado tanto que ya es otra cosa diferente, con reglas diferentes. Más cerca del espectáculo y del negocio que de una competición para mejorarse a uno mismo”, reza en el dossier de la obra. Todos humanos, por tanto. Dioses y monstruos. Sin embargo genera el deporte características de la condición humana, ensalzadas en su práctica, como la competitividad y la superación, que marcan también una de las diversas

lecturas de esta obra y funcionan, además, como dos de las máximas en la filosofía del breakdance, disciplina que junto a la danza contemporánea, arma la expresión dancística de este espectáculo, poniendo de relieve el virtuosismo del que a menudo respiran algunos deportes. No es novedad en la trayectoria de Fernando Lima la unión de estas dos manifestaciones dancísticas, la propiciada por el encuentro entre una danza que encuentra su origen en la calle y la contemporánea. Ya en el año 2000 arrancaba el coreógrafo su interés por tal comunión, trabajando junto a breakers y resultando el ejercicio en trabajos como Jaula de grillos (2000) y Otra metamorfosis (2001). Animal´s Party (2011), estrenado bajo el paraguas de la agrupación que

dirige desde 1997, El Punto! Danza Teatro, marcó un momento crucial en el recorrido de su compañía por el reconocimiento que ostentó y por abrir, a público más amplio, el discurso que se retoma en este nuevo trabajo y que discurre entre estas dos disciplinas. Con interpretación de cuatro jóvenes bailarines y música original de Depipió, El Olimpo no es aquí tendrá su estreno en el Teatro Central de Sevilla y posteriormente, viajará hasta el Cádiz en Danza certificando la condición humana, también en el deporte.Ñ El Olimpo no es aquí. 16 y 17 de mayo, Teatro Central (Sevilla) Sala B. 8 de junio, Festival Cádiz en Danza (ver página 39). Sala Central Lechera.

Danza

Nederlands Dans Theater Schmetterling Sehnsucht 15, 16, 17, 18, 19 de julio

www.electricacultura.com CY

CMY

Dioses del Olimpo

Deportes, deportistas y fama son algunos ingredientes de la nueva creación de Fernando Lima.

foto_ DANIEL GÓMEZ

Abonos próxima temporada 15_16 ya a la venta Staatsballett de Berlín • Sasha Waltz • Compañía Nacional de Danza Información: Taquillas • 902 24 48 48 • www.teatro-real.com

Greco / Scholten

In extremis Llegó el momento para Emio Greco y Pieter Scholten. Extremalism será su carta de presentación como sustitutos de Frédéric Flamand al frente del Ballet de Marsella en tres relevantes festivales europeos, que serán la vitrina internacional de exhibición para esta nueva y ambiciosa producción ideada para los 24 bailarines del equipo marsellés y seis procedentes de Emio Greco / PC, el colectivo que el bailarín y coreógrafo italiano dirigía con éxito en Holanda. El Festival Montpellier Danse ha escogido Extremalism para su inauguración, el Festival de Nápoles lo ensalza como lo más relevante de su oferta y el Holland Festival astutamente lo programa sabiendo la enorme expectación que va a generar en Ámsterdam, la que fuera residencia del tándem. Con aires de auténtica superproducción multidisciplinar, Extremalism supone además la celebración de 20 años de trabajo conjunto entre Emio Greco y su dramaturgista Pieter Scholten. La creación aborda la resistencia del cuerpo ante los extremos. Vivimos tiempos de crisis y sería conveniente analizar las fórmulas de supervivencia. La reflexión viene arropada por una puesta en escena visualmente potente, un aspecto que ha sido siempre preocupación del dúo creativo. alba anzola Ballet de Marsella. Extremalism. Holland Festival (12 de junio), Festival de Nápoles (18 de junio),

foto_ALWYN POIANA

Festival de Montpellier (24 de junio). www.ballet-de-marseille.com

Debut

Emio Greco & Pieter Scholten hacen su debut internacional al frente del Ballet de Marsella con Extremalism.

actualidad

Silicon Free

Una inglesa al Holland Texto_MARÍA INÉS VILLASMIL foto_Petrovsky Ramone

Cool Britania El Het National Ballet estrena en el Holland Festival un programa con coreografías de los británicos Wayne McGregor, David Dawson y Christopher Wheeldon.

Desde el año 1947 el Holland Festival, afamado festival de las artes de la ciudad de Amsterdam en Holanda, se ha destacado por ser una sólida plataforma internacional ofreciendo a su público una diversa oferta de proposiciones escénicas. Si la edición pasada estuvo marcada por la despedida de su director previo Pierre Audi, el año actual supone el estreno y salida al ruedo de su nueva directora, la británica Ruth Mackenzie, que asumió la difícil tarea de sustituir a un director que dirigió con brío la batuta de este importantísimo festival a lo largo de diez años. No obstante, el pedigree de la Mackenzie es francamente extraordinario y desde la programación ya muestra su promesa de seguir ofreciendo una larga oferta cultural y presentando espectáculos internacionales de una invalorable factura, que inundarán la ciudad holandesa del 30 de mayo al 23 de junio. Antes de ser apuntalada como conductora del Holland Festival, Mackenzie se desempeñó como directora artística de las Olimpiadas Culturales de Londres y curadora del famoso London Festival 2012. La oferta cultural para las Olimpiadas y Paraolimpiadas de 2012 se convirtió en la más grande y generosa de la historia de Reino Unido. Incluyó a más de 25.000 artistas provenientes de los países que participaron en los juegos olímpicos y fue disfrutado por unos 20 millones de visitantes. Aparte de este su gran rol, se desempeñó también como directora general del Manchester International Festival y la Scottish Opera; el

Chichester Festival, el Nottingham Playhouse, donde fue directora ejecutiva y el South Bank Center, donde fue jefa de estrategias. Por otro lado, se ha desempeñado como consultora y dramaturga para el Viena Festival, la BBC, la galería Tate, la London Symphony Orchestra, y el British Film Institute entre otras instituciones. Esta larga y rica trayectoria de Mackenzie nos ayuda a entender aun mas la amplia oferta del Holland Festival este año, que apunta hacia espectáculos provenientes de países nunca o pocas veces vistos en Amsterdam y mantiene dentro de su visión la idea de buscar nuevos espacios para el evento. La agenda incluye una nutrida propuesta de música, teatro y espectáculos multimedia. La danza se verá representada por la propuesta MANGER, del francés Boris Charmantz, el primer estreno mundial del coreógrafo Emio Greco al frente del Ballet National de Marsella con su creación Extremalism (ver página 6), el Cullberg Ballet sueco –ahora bajo la dirección artística del holandés Gabriel Smeets- con propuestas de Trajal Harrell y Eszter Salomon, y de la casa, el Het National Ballet de Holanda que presentará el programa Cool Britania, con coreografías de los británicos Wayne McGregor, David Dawson y Christopher Wheeldon.Ñ www.hollandfestival.nl

foto_Diego Hernández

La veterana Ruth Mckenzie toma el relevo de Pierre Audi al frente del Holland Festival, uno de los eventos escénicos más importantes de Ámsterdam.

trayectos

Dibujando Zaragoza Una década lleva Trayectos, Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos, dibujando la ciudad de Zaragoza con el testigo de algunas de las creaciones más actuales y alimentando la panorámica de la danza en nuestro país, con el lugar para la exhibición, difusión y apoyo a la danza contemporánea que resulta esta muestra, dirigida por Natividad Buil desde 2004, año de su nacimiento. Bajo el paraguas de sus dos objetivos principales (acercar la danza al público y aumentar el clima artístico y creativo de la ciudad), ha ido haciéndose fuerte Trayectos hasta representar uno de los más destacados encuentros para la creación dancística. En la próxima edición, del 26 al 28 de junio, se verá el trabajo de compañías y creadores como Francisco Córdova, Paula Quintana, Seitacate, Begoña Quiños&Mar Rodríguez, Lali Ayguadé y Lasala (en la foto), todas seleccionadas en el circuito de la red Acielobierto, iniciativa formada por otros 11 festivales de danza en espacios no convencionales. Como viene siendo habitual, Trayectos articulará también un programa de formación, cooperación y danza comunitaria. MERCEDES L. CABALLERO www.danzatrayectos.com

foto_Erik Berg

foto_Maks Richter

Elías Aguirre

Madrid baila El próximo mes de junio, dos festivales se dan cita en Madrid: Danza-Km0, nueva muestra que se desarrollará en un sólo día, y ÓXIDO FEST, segundo encuentro para la danza y su vinculación con otras disciplinas. El primero, dirigido por la Cía. Elías Aguirre verá la luz el 21 de junio en diferentes plazas del centro de la capital (Sol, Callao, Ópera, etc) con trabajos de Sharon Fridman, La Macana, Hurycan, Uma Uma Dance&Manuel Rodríguez y Daniel Abreu. Una intensa jornada de danza que nace para despertar la curiosidad de quienes no están familiarizados con la danza. Ya el 11 y 12 de julio en el Centro Cultural Villa de Vallecas, se desarrollará la segunda entrega de ÓXIDO FEST, festival que también dirige el bailarín y coreógrafo Elías Aguirre, junto a Javier Mosquera, en el que se verán obras de La Intrusa Danza, la compañía mexicana Akiazotamos y Zukdance entre otras. Contempla además, albergar el II Certamen Internacional Danza para Pantalla. mercedes l. caballero

Circo del Sol

Las mujeres de Amaluna Madrid es la ciudad escogida para la premier europea de Amaluna, espectáculo de Cirque du Soleil estrenado en 2012 que cuenta con la dirección de la reputada directora escénica Diane Paulus y coreografía de Karole Armitage, la legendaria directora de Armitage Gone! Dance Company, de Nueva York, que en los años ochenta se ganara el calificativo de coreógrafa punk por sus atrevidas y nihilistas puestas. Con una fantástica historia de mujeres que es un cruce entre La Tempestad y Romeo y Julieta, de Shakespeare, Amaluna es un tributo a la mujer. Por vez primera, un show del reputado circo canadiense tiene un 70% de acróbatas e intérpretes femeninos y una banda sonora hecha 100% por mujeres. Considerado el gran innovador de las artes del circo, Cirque du Soleil es hoy una sofisticada industria del espectáculo. Su chapiteau madrileño ha sido instalado en Puerta del Ángel, donde Amaluna estará representándose del 6 de mayo al 21 de junio. www.cirquedusoleil.com

Festival de Granada

en el Generalife El 64º Festival de Música y Danza de Granada, del 19 de junio al 10 de julio, despliega este año su sustancioso programa de Danza en el Generalife con una atractiva programación que permitirá conocer en España al prestigioso Ballet de la Ópera de Noruega, que lleva a Granada su lectura de un mito andaluz, su versión de Carmen realizada por Liam Scarlett (27 de junio, en la foto). El Wiener Staasballett de Viena ofrecerá un destacado programa con extractos de obras claves del ballet (Lago de los cisnes, Corsario, Allegro Brillante, día 20 de junio) y otro dedicado a Nureyev (22). Del espectro nacional, dos relevantes agrupaciones. Por un lado, el Ballet Nacional de España, estrenando Alento & Zaguán (4 de julio), propuesta de Antonio Najarro con nueva creación suya y obras de Blanca del Rey, La Lupi, Mercedes Ruiz y Marco Flores. Finalmente, el Ballet de Víctor Ullate desembarca en el Generalife con un clásico de su repertorio: Samsara (9 de julio). www.granadafestival.org

Gauthier

Danza de colores Colours es el nombre del potente festival de danza que ha armado en Stuttgart el bailarín y coreógrafo Eric Gauthier (en la foto), desde la plataforma de su propia compañía. Un apabullante programa marca el arranque de este novísimo festival estival que se desarrollará del 25 de junio al 12 de julio en distintos teatros y espacios de Stuttgart. La agrupación de Gauthier estrenará la delirante Kamuyot, de Ohad Naharin, al tiempo que se verá Carmen, de la africana Dada Masilo, lo nuevo del sofisticado hip hop de Käfig, Milonga, el show de tango de Sidi Larbi Cherkaoui, Kiss & Cry, insólita coreografía para dedos de la mano de Charleroi Danses, además de actuaciones de la compañía de Marie Chouinard, el circo Circa de Australia, Gallim Dance de Nueva York, L-E-V , de Tel Aviv, con la premier mundial de OCD Love, de la coreógrafa israelí de moda Sharon Eyal y, entre otros, el NDT holandés que lleva Spiritwalking, de Paul Lightfoot y Sol León. A esta agenda de lujo se suma una numerosa lista de talleres, encuentros y actividades paralelas. www.coloursdancefestival-com

Ciclo Feedback

Diálogo

Durante nueve años, el ciclo GraciasXfavor de la madrileña Sala Pradillo se convirtió en un referente para jóvenes creadores que encontraban en la iniciativa un acompañamiento profesional a su proceso creativo. Desde el año pasado, el festival Feedback ha tomado el relevo de GraciasXfavor desde la sala Kubik, contando ahora con la aportación del bailarín y coreógrafo Antonio Ruz y siempre en asociación con la plataforma Paso a 2. En Feedback el espectador tiene la oportunidad de acercarse al creador y establecer un diálogo en el que ambos se benefician. Para el joven artista se da la rara oportunidad de escuchar al espectador, saber lo que piensa, lo que percibe de su propuesta, al tiempo que la audiencia se lleva la inusual experiencia de dialogar y entrar en el mundo cerrado de un joven coreógrafo. Se trata, efectivamente, de un feedback. La edición de este año, del 4 al 10 de mayo, contará además con un taller Gaga impartido por Yael Schnell. www.lazonakubik.com

Festival

Montpellier coreográfico Del 24 de junio al 9 de julio, la ciudad francesa de Montpellier volverá a poner en marcha su célebre festival, que este año luce una apretada agenda que tendrá entre sus principales atractivos el estreno de Extremalism, de Emio Greco (ver página 6) pero también Last Work, la nueva creación del israelí Ohad Naharin para la Batsheva Dance Company, de Israel; Torobaka, el dueto virtuoso de Akram Khan e Israel Galván, creador de nuevo flamenco que es venerado en este evento. La otra propuesta española del encuentro será Pinacedá, de Farruquito. La legendaria Maguy Marin y su nueva creación Bit, Golden Hours (As you like it) de Anne Teresa de Keersmaeker, directra de la compañía Rosas de Bélgica, y apuestas locales como David Wampach estrenando Urge (en la foto), Rachid Ouramdane o Phia Menard, entre la generosa oferta de la trigésimo quinta entrega de Montpellir Danse. www.montpellierdanse.com

Wayne McGregor

Nanomundo Es un gran innovador el coreógrafo británico Wayne McGregor. Su fascinación por las nuevas tecnologías y su obstinado empeño en descifrar enigmas del cuerpo humano le han llevado a crear para su compañía Random Dance obras altamente sofisticadas sustentadas en complejas teorías pero que al mismo tiempo tienen un potencial visual subyugante e hipnótico. Átomos, su trabajo más reciente, llega ahora al Teatro Central sevillano (8 y 9 de mayo) con su espectacular puesta en escena, en la que el software Becoming, suerte de bailarín digital capaz de transformar movimientos en 3D, es el auténtico protagonista de esta exploración en danza del nanomundo atómico. McGregor goza de una enorme reputación en el mundo del ballet. Esta misma temporada el Ballet de la Ópera de París repone L’Anatomie de la sensation, obra que les montó inspirado en el pintor Francis Bacon. www.randomdance.org

foto_Christian Ganet

foto_Jean Van Ingen

foto_Martin Colombet

foto_Pedro Gato

Jan Fabre

24 horas ¿Se mide igual el tiempo en el teatro que en la vida real? De esta obsesión pero también de otras suyas como los orígenes de la civilización o la figura del guerrero está construida Mount Olympus, la nueva invención del extravagante y excesivo creador belga Jan Fabre que retará a sus espectadores a presenciar esta representación que dura exactamente 24 horas, para la que ha invitado a muchos de sus colaboradores en los 30 años que dura ya su trayectoria artística. La premier de este maratón escénico visual, poético, sexual y político será en el Festival Foreign Affairs, que organiza el teatro Haus der Berliner Festpiele, de la ciudad de Berlín del 27 al 28 de junio próximos. La reciente creación de Fabre, uno de los más notorios y polémicos creadores de la nueva danza belga, visitará la próxima temporada el Teatro Central de Sevilla, que figura como coproductor de esta larguísima creación. www.troubleyn.be

‘Multiplicidad. Formas de silencio y vacío’ Tras su perIodo mediterráneo Nacho Duato se adentró en esta importante creación en homenaje a Bach, que ha remontado ahora para el Staatsballet Berlin que dirige. Texto_omar khan

foto_fernando marcos

Estrenada en 1999 por la Compañía Nacional de Danza, Multiplicidad. Formas de silencio y vacío (1999) es obra superlativa dentro del enorme catálogo coreográfico elaborado por Nacho Duato en los 20 años que duró su reinado en el ente público español. Creada por encargo de la ciudad de Weimar, la coreografía supone un auténtico homenaje a Bach pero también la quintaesencia del lenguaje personal de Duato, heredero, cómo no, de su

maestro Jiri Kylian, pero que a estas alturas de su carrera ya se mostraba sólido, personal y perfectamente reconocible. Alrededor de célebres partituras del maestro alemán, Duato despliega sus habilidades para la composición y hace alarde de musicalidad en los cuerpos de sus intérpretes, capaces de hacer físicas y visibles las sonoridades de cada instrumento de la orquesta. Su capacidad poética y reconocida pericia para el paso a dos llega aquí a la cima, muy especialmente en ese dueto en el que la bailarina es literalmente un chelo sobre el que un Bach reencarnado en bailarín, toca una melodía sobre su cuerpo. No obstante, se trata más bien de una pieza coral, una masa de bailarines que se disgregan en sugerentes duetos, tríos y cuartetos de gran belleza formal, conformando viñetas alusivas a Bach no necesariamente narrativas

pero muy ilustrativas de su tiempo, al que el coreógrafo valenciano se aproxima desde una óptica absolutamente contemporánea. El enorme dispositivo escenográfico, creado por Jaffar Chalabi, juega un fundamental papel en la propuesta. Se trata de una omnipresente estructura metálica que permite el ascenso y descenso de los intérpretes y es clave en el impactante final. En el repertorio de prestigiosas compañías de ballet del mundo, este díptico conformado por las piezas Multiplicidad (más formal y musical) y Formas de silencio y vacío (más oscura y arquitectónica), ha sido recientemente remontada por el mismo Duato para el Staatsballet Berlín, potente agrupación alemana que ahora dirige. Su vigencia, belleza e impacto emocional, a tres lustros de su estreno, permanece intacta. (Más información en página 30).Ñ

críticas

cnd

Carmen nórdica Carmen Coreografía: Johan Inger Teatro de la Zarzuela (Madrid) 9 de abril de 2015

Bach. El Staasballett baila la destacada obra de Duato.

foto_Jesús Vallinas

Clásicos del siglo XX

El coreógrafo sueco y ex director del Cullberg Ballet Johan Inger nos presenta una Carmen tamizada por su estética nórdica que, sin evitar los esperados tópicos de la obra original, revisita la obra basada en la novela Carmen, de Prosper Mérimée, publicada por vez primera en 1845, con una mirada más sobria y atemporal. Centrando la historia en el personaje masculino de Don José, Inger plantea el conflicto de género desde las primeras entrevistas: “Carmen hace cosas cuestionables pero si fuese un hombre su comportamiento no sería escandaloso”, decía a esta revista. Desde este punto el creador aligera la condena del personaje femenino y se centra en la violencia del hombre, planteando al espectador que quiera entrar en este plano, la observación de su propio posicionamiento frente a la evolución psicológica de ambos personajes. La introducción de un niño como testigo de la historia abre un punto de vista más a la obra invitando al espectador a presenciarla desde una subrayada inocencia inicial que evoluciona durante el desarrollo del argumento. El personaje, que podría sustituir al de Micaela en la ópera de Bizet, sugiere una bondad primitiva ensuciada por la violencia presenciada, combinada con momentos fe-

lices en los que podría evocar al hijo nonato de Carmen y Don José. No faltaron los volantes en el vestuario ni la presencia constante de Bizet, pero David Delfín y Marc Álvarez construyeron, desde el vestuario y el sonido respectivamente, un universo limpio y claramente empastado con la idea central del coreógrafo. El diseño del espacio escénico con una escenografía modular creada por Curt Allen Wilmer, neutraliza la conocida tabacalera, la plaza de toros y la taberna con espacios abstractos, sencillez de líneas y materiales ayudando a (des)localizar la historia y haciendo posible trasladar el planteamiento a otras geografías y otros tiempos. La interpretación a cargo de los bailarines de la Compañía Nacional de Danza es técnicamente impecable en ese lenguaje híbrido del coreógrafo sueco que oscila entre las líneas clásicas, las dinámicas a tierra y la marcada gestualidad heredada de coreógrafos con los que Inger se ha nutrido como Mats Ek, Ohad Naharin o Jiri Kylian. marta botana

PENCCA I

foto_Nohelia Velo

PROYECTOS ESCÉNICOS NADANDO A CONTRA CORRIENTE EN ANDALUCÍA

Nederlands Dans Theater

Strong language Strong Language

Obras de: Van Manen, Eyal & Behar, Pite

Sasha Waltz & Guests

Muertes anunciadas Romeo y Julieta

Stadsschouwburg ´(Ámsterdam)

csdma

think!

Complicidad

RESAD (Madrid)

Dirección y Coreografía: Inés Narváez

29 de abril de 2015

DT Espacio Escénico (Madrid)

Programa mixto

Coreografía: Sasha Waltz

24 de abril de 2015

Inés Narváez

Reflexiones de una disléxica

16 de abril de 2015

Deutsche Oper (Berlín) 22 de abril de 2015

La danza es un strong language que da título a este programa; o lo es cuando piezas como las que aquí defienden tan categórica afirmación la dotan de lo necesario. Kleines Requiem (1996, en la foto) es una obra clave del repertorio de Hans van Manen. Su estilo se define por su capacidad de remitir a lo más profundo del ser humano sin caer en lo anecdótico. La música le sirve aquí de inspiración para despertar un pequeño universo de duelo donde cada gesto – de aflicción, de consuelo – es hecho danza, envolviendo la forma limpia y los seres en escena con un manto que emociona pero que no se deja explicar. Bedroom Folk, la nueva producción de los israelitas Sharon Eyal & Gai Behar es sencillamente espectacular. Un pasar de figuras, una tras otra, a cargo de ocho cuerpos hechos uno moviéndose a un pulso incesante y estable. Algo tiene del funcionar de los sublimados cisnes de años ha, pero aquí se acentúa lo alucinógeno alimentado por gestos sacados de una rave, el cuerpo calidoscópico es puesto a pintar abstracciones por el espacio, acompañado por un diseño de luces brillante y el soft techno de Ori Litchik – dos piezas más del mismo engranaje. Es puro placer visual de

la secuencia; una prueba muy actual de que lo poco, si fanáticamente perseguido, todavía puede dar mucho de sí. Menos satisfactoria resulta In the Event. Crystal Pite acusa la posición en el programa y la trepidante sencillez de Bedroom Folk desenmascara algunos de sus recursos como un tanto sobrecargados. Su propuesta, no obstante, sigue siendo poéticamente muy evocativa. Si van Manen reivindica la capacidad de la danza de remitir a la esencia de lo humano, y Eyal&Behar nos recuerdan su poder hipnótico, Pite nos invita a dar alas a la imaginación. También poniendo un pie en tierra de lo cotidiano, una escena dramática –¿un entierro?– es desmontada y vuelta a ensamblar: flashbacks, repeticiones, desplazamientos de un instante intercalados con momentos en que los cuerpos se vuelven olas, relámpagos, truenos, events que, como la danza y la memoria, dejan rastro. La danza, strong lenguage que se expresa por ecos de significado, sobre todo cuando le brinda al espectador guiños desacomplejados que le seduzcan a perseguir su devenir (Más información sobre NDT en página 36). jordi ribot thunnissen

El amor imposible entre Romeo y Julieta era un imposible sabido, así como también sabido era que esta coreografía de Sasha Waltz ya se había creado por encargo para el Ballet de la Opera de Paris en 2008. A pesar de la portentosa escenografía -ya característica dentro de las propuestas de la coreógrafa alemana- y de la hermosa música de Berlioz interpretada en directo bajo la batuta de Donald Runnicles, encontramos una vez más cierta incoherencia en el lenguaje físico de la obra. Waltz sabe manejar las masas de manera magistral y consigue hermosas imágenes visuales pero –de nuevo- el movimiento es un confuso y hasta convencional catálogo de las posibilidades físicas de sus talentosos intérpretes. Es de hacer notar que el discurso físico de la obra original fue pensado para los bailarines de París, con entrenamiento clásico, y ahora en el trasvase a los suyos se ve ciertamente afectado. Ello no supone un menosprecio al altísimo nivel interpretativo de su troupe sino que genera una reflexión sobre la efectividad de traspasar a contemporáneos coreografías ideadas para clásicos. La muerte sabida de Romeo y Julieta fue igualmente la muerte anunciada de otro repetitivo, predecible y poco logrado trabajo operático de Sasha Waltz. maría inés villasmil

Estupendo nivel, impecable factura. El espectáculo de los alumnos del Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, el Día Internacional de la Danza, arrojó luces sobre la importante cantera de bailarines que se están formando en este centro dirigido por Virginia Valero, que avanza hacia la consolidación de unos estudios de danza flexibles e inteligentes, demostrados en experiencias como ésta, donde una selección de sus 271 estudiantes presentó un ecléctico, complejo y difícil programa solventado con profesionalidad. Coming Togheter, pieza festiva de Nacho Duato que orbita alrededor de la iluminada frase “Think!” es metafórica de los objetivos del CSDMA que insta a sus chicos a bailar y pensar en iguales dosis. Bailada con certeza y elegancia por el equipo, la obra de Duato fue la apertura de un programa en el que los estudiantes afrontaron las complejidades de obras de Raquel Alarcón, José Maldonado, Amaury Lebrún, Guido Srli & Manuel Rodríguez (en la foto) y la realmente espectacular y emocionante Raigambre, de Juan Manuel Prieto. Como acertado complemento, un documental de realización propia y con destacadas voces, que reflexiona sobre la relevancia de los estudios formales de danza. omar khan

Reside la belleza (mucha) de este espectáculo en varios planos, todos ellos articulados en una medida que se antoja justa (en su exhibición y contención, en el dolor y la frescura que exudan) al cabalgar con gran coherencia por las vivencias (o reflexiones) que se quieren hacer llegar y el conocimiento (o intuición, Inés Narváez es joven creadora) sobre la escena que finalmente resulta. Arropada por un vestuario de voluptuosos vestidos, depositarios de mucha de la poesía y carga dramática que respira este trabajo, aborda esta obra cuestiones con las que lidiar, cotidianas en las personas que conviven con dislexia, haciendo del movimiento un gran aliado para ello y de la puesta en escena e interpretación de las dos protagonistas (la coreógrafa junto a Mónica Runde, también asistente de dirección) la principal herramienta en la consecución de la concluyente eficacia de este trabajo, que reposa, también, en la enorme complicidad de las dos intérpretes, abanderadas de una comunión total, a pesar de la distancia que las separa en el planteamiento de la obra, tal y como pone de manifiesto de manera categórica, la escena final, tan intensa como física y emotiva. mercedes l. caballero

Danza ,investigación y convivencia para un grupo reducido de alumnos/as en un entorno incomparable, Parque Natural Sierra Norte de Sevilla. Casa de las Artes de Alanís de la Sierra Del 20 al 25 de julio 2015 DOCENTES: MERCEDES BORONAT ZEBASTIÁN MÉNDEZ 36 horas lectivas Incluye alojamiento, almuerzo y cena

Actividades complementarias y actuaciones

INSCRIPCIONES +INFO amoverlapenca@gmail.com www.asociacionpad.blogspot.com.es www.facebook.com/pencca PLAZO INSCRIPCIÓN FINALIZA 5 DE JULIO Es un proyecto de: Asociación Andaluza de Profesionales de la Danza

En colaboración con: Ayuntamiento de Alanís de la Sierra Con el apoyo de:

Festival de Peralada

au revoir sylvie

Jérôme Bel

Vuelve el ‘Show’

Texto_alba anzola foto_LISBETH BERNAERS

Rara vez una coreografía nacida en el ámbito de la danza más experimental trasciende hasta convertirse en un verdadero fenómeno capaz de fascinar a grandes audiencias. En este sentido, The Show Must Go On es única. En 2001, Jérôme Bel, creador francés que aparece a la cabeza del movimiento de la no-danza, corriente extrema que

Show

Les toca a los barceloneses subir al escenario para bailar al ritmo de Jérôme Bel..

niega los principios mismos de la danza, puso en marcha este experimento en el que hay un dj que pincha canciones tremendamente populares y enraizadas en el inconsciente colectivo para un grupo de bailarines profesionales o no profesionales que se dedican a representar literalmente lo que cada canción relata. Así, la veintena de intérpretes se desploma lentamente mientras Roberta Flack canta Matáme suavemente con tu canción, el escenario vacío se baña de luz rosa cuando suena La vie en rose o todos los bailarines en proscenio miran fijamente al público al tiempo que The Police les canta aquello de I’ll be watching you, en el estribillo de su célebre Every Breath You Take. Aunque detrás de The Show Must Go On descansa una profunda reflexión acerca de la conexión entre el arte y la vida, el papel

del bailarín profesional, el cuerpo perfecto y las restricciones que impiden a la gente común subir a bailar en un escenario (de allí, que muchas veces la interpreten ciudadanos con o sin experiencia escénica), lo cierto es que las grandes audiencias se quedan en la superficie, y se ríen y divierten con este espectáculo tremendamente humano y cercano, en el que suenan canciones que todos conocen al servicio de una danza tan obvia que todos entienden. Desde el momento de su estreno la pieza gozó del respaldo del público y comenzó un periplo triunfal que lleva más de 15 años. Cuando se estrenó, participó en ella un nutrido grupo de creadores y bailarines entre los que se encontraban nombres que hoy son muy reconocidos en el ámbito de la danza más alternativa como

Nicole Beutler, Juan Dominguez, Cuqui Jerez, Olga de Soto, Ion Munduate o Germana Civera. A partir de entonces no ha dejado de representarse, usualmente con ciudadanos convocados en cada lugar donde se representa. También ha tenido elencos de lujo como el Ballet de la Deutsches Schauspielhaus de Hamburgo o el Ballet de la Ópera de Lyon, que las tienen incluidas en sus repertorios. Es ahora el turno de Barcelona. El Mercat de les Flors vuelve sobre este clásico de la vanguardia al final de su temporada y entre las actividades programadas habrá un coloquio con participación de Germana Civera y Pere Faura, dos creadores que alguna vez la bailaron.Ñ

Ya no quedan divas como las de antes. Han pasado los tiempos de histeria colectiva por estrellas rutilantes como Fanny Cerrito, Alicia Alonso o Margot Fonteyne. El exceso de información y la diversidad de la oferta han acabado con ellas, que fueron todo un símbolo de otros tiempos del ballet. Quizá sea Sylvie Guillem (París, 1965, en la foto de niña) una de las últimas. Y con el anuncio de su retiro, ahora que ha cumplido los 50 años, probablemente fallezca también esta larga tradición de stars. La imponente bailarina pelirroja, adorada por las masas, ha decidido poner punto final a una carrera larga que se inició hace 39 años en el Ballet de la Ópera de París, y lo hace con el programa Life in Progress, un auto-homenaje que inició su tour de despedida en Italia en marzo pasado y culminará en Tokyo, este diciembre. Entre medias numerosas actuaciones en países que alguna vez se rindieron a sus pies. En el nuestro, la despedida se producirá este verano en el marco del Festival Castell de Peralada, con una única función el 24 de julio. No ha sido Guillem una diva al uso. Con auténtico fulgor brilló en la Ópera de París (1984-1989) y también en el Royal Ballet de Londres (1989-2003), donde fue aclamada en los roles más destacados del repertorio, muy especialmente en Giselle y en el doble papel de Odette/Odile en El lago de los cisnes de Nureyev, aunque también papeles como Kitri, Aurora, Julieta o Raymonda. Simultáneamente demostraba sus grandes capacidades y sensibilidad para el contemporáneo. Estrenó en París In the Middlwe Somewhat Elevated, título clave del vanguardista William Forsythe, bailó obras de Béjart (célèbre como solista en Bolero) y también Mats Ek, que creó para ella Bye, pieza incluida en este programa del adiós, que se completa con techne, solo que le montó en exclusiva Akram Khan y Here and After, un dueto de Russell Maliphant, que la diva interpretará junto a Emanuela Montanari, bailarina de La Scala. “He amado cada momento de los últimos 39 años, y aún hoy amo la danza de la misma manera. ¿Porqué parar entonces? Muy simple: porqué quiero terminar mientras aún sea feliz haciendo lo que hago con orgullo y pasión”, ha dicho de su retiro de los escenarios. alba anzola Life in Progress. Despedida de Sylvie Guillem. Festival Castell de Peralada. Auditorio. 24 de julio. www.festivalperalda.com

The Show Must Go On. Mercat de les Flors (Barcelona). Del 8 al 10 de mayo. www.mercatflors.cat

foto_LESLIE SPINKS

Turno para Barcelona. El Mercat de les Flors trae a su escenario The Show Must Go On, emblemática pieza de la vanguardia experimental, que ha hecho delirar a las grandes audiencias.

Les Ballets Trockadero de Montecarlo

PELUDAS

Los trocks

Bajo estos tutús hay testosterona. Afectadas y grotescas, estas bailarinas son graciosas pero también rigurosas con la técnica.

22 Los trocks, la delirante agrupación norteamericana de ballet clásico hecho por hombres, cumple años. En la celebración de sus 40 años, la compañía que dirige Tony Dobrin, organiza una breve gira española que le llevará a Valladolid, Logroño y los Teatros del Canal, de Madrid. Texto_omar khan Foto_SASCHA VAUGHN

¡Hmmmmm… esta bailarina es peluda. Algo raro ocurre aquí! Cargadas de testosterona, estas señoritas tienen por igual la fuerza de Apolo que la fragilidad de Odette, el encanto viril de un príncipe que la belleza trémula de una doncella en peligro. Son los trocks, como cariñosamente audiencias de todo el mundo conocen a los insólitos bailarines de Les Ballets Trockadero de Montecarlo, un colectivo de ballet neoyorquino estrictamente masculino que aborda, en clave de humor pero con el rigor técnico e interpretativo necesarios, los títulos más emblemáticos del ballet, desde El lago de los cisnes o El Quijote hasta rarezas como Naiade, The Fisherman o Napoli Pas de Six, títulos importantes pero poco representados. Están celebrando los trocks sus 40 años de existencia y con un programa emblemático de su catálogo llegan ahora a España en breve gira, visitando el Centro LAVA, de Valladolid; el Teatro Bretón, de Logroño, y los Teatros del Canal, de Madrid, donde bailarán el segundo acto del El Lago de los Cisnes (una de sus más emblemáticas y desternillantes creaciones), la físicamente exigente Paquita y Go for barocco. “Ofreceremos una gran noche de danza y comedia interpretada por maravillosos bailarines”, vaticina Tony Dobrin, actual director artístico de la compañía y exbailarín de este peculiar equipo de extravagantes travestidos. “No será una pérdida de tiempo para nadie. Una mujer que ama el ballet puede traer a su marido que lo odia y también a sus padres que ya no salen con tanta frecuencia y a sus niños, que gustan de los grandes entretenimientos. Desde luego, también bailamos para la comunidad gay o para los amantes del ballet, que se reencontrarán con títulos que conocen pero que rara vez tienen oportunidad de ver porque son piezas que no aparecen en el repertorio de las grandes

compañías clásicas… en una sola noche tenemos algo para complacer a todo el mundo”. Tiene razón. Para alguien que no suele ir al ballet, los trocks ofrecen un espectáculo rigurosamente elaborado pero altamente divertido, lleno de gags y chistes ingeniosos, que van desde una caca imaginaria en medio del escenario que ningún intérprete pisa a un saludo de la compañía en el que sus bailarinas, como caimanas, pelean por quedarse con el ramo de flores, pero los más entendidos y eruditos en asuntos de ballet, podrán identificar las numerosas referencias y guiños a los absurdos modos y maneras del ballet académico ruso que fueron implantados durante la época soviética. En sus espectáculos hay todo tipo de alusiones a las divas, sin faltar soterradas parodias a estrellas como Alicia Alonso o Margot Fonteyne, y también a la exagerada gestualidad de las bailarinas rusas de la vieja guardia, tan megamaquilladas y mega-amaneradas. Su lectura del solo virtuoso La muerte del cisne, de Fokine, en el que una afectada diva, enorme y musculada, va desprendiendo plumas mientras cae muerta lentamente, es todo un hit de la compañía. Probablemente lo más sorprendente de los trocks sea la perfección técnica que ostentan sus bailarines, estos chicos capaces de dejar pálidas a las más entrenadas y virtuosas bailarinas de cualquier agrupación académica. Son divertidos, sí, pero se lo toman muy en serio. Humildemente, Tony Dobrin resta importancia a este destacable aspecto de la compañía. “Todos los bailarines trabajan duro. No solamente los nuestros”, dice con seguridad.

Cuatro décadas La primera función de Les Ballets Trockadero de Montecarlo fue el 9 de septiembre de 1974. Nada de teatros importantes como el Joyce Theater de Nueva York, donde hoy son residentes. Aquel primer show tuvo lugar de madrugada en un loft improvisado como teatro que estaba ubicado en el segundo piso de un edificio de la calle 14. Peter Anastos, Natch Taylor y Antony Bassae fueron los artífices de esta compañía que se movió inicialmente por el circuito más off del teatro en la ciudad. No obstante, las magníficas reseñas escritas por Arlene Croce, reputada crítica de danza de la no menos prestigiosa revista New Yorker, impulsa-

cumpleaños

Nada mejor que un hada y una tarta para celebrar bodas y cumpleaños. Los trocks cumplen cuatro décadas en los escenarios.

ron el crecimiento del colectivo que no podía entonces ni imaginar que llegarían a bailar para el Príncipe Charles como invitados de honor a la Royal Variety Performance 2008, la gala real

organizada anualmente por la corona británica o que serían aplaudidos en el mismísimo Teatro Bolshoi, templo ruso del ballet académico. Para entender el fenómeno trocks hay que

ubicarse en la sociedad norteamericana de los años setenta, tiempos socialmente revulsivos en los que los homosexuales, las mujeres, los negros y otras minorías en América empren-

dían duras batallas por sus derechos civiles. Era el momento de las más álgidas protestas por la Guerra de Vietnam, que dieron lugar al movimiento hippie y la contracultura. Y un

“Una mujer que ama el ballet puede traer a su marido que lo odia y también a sus padres que ya no salen. En una sola noche tenemos algo para complacer a todo el mundo.” tony dobrin

25 buen segmento del arte, de agitación o no, entonces formaba parte del escenario ideológico de todos los emancipados. Así, Alvin Ailey, que tenía una compañía exclusivamente de bailarines afroamericanos, era ensalzado por los seguidores de Martin Luther King, aunque no tuviese coreografías explícitamente políticas. Algo similar pasaba con los trocks, cuya filosofía coincidía con las reivindicaciones de respeto y visibilidad exigidas por los homosexuales, envalentonados tras las revueltas de Stonewall en 1969. Travestidos, estos bailarines demostraban ser absolutamente competentes en el rol de la ballerina, pensado y diseñado exclusivamente para chicas. Encima tenían gracia y sus propuestas eran celebradas como delirante transgresión en ciertos círculos intelectuales. En el contexto del Nueva York de los setenta, los trocks fácilmente pasaban por danza de agitación. Hoy todo es distinto, claro. “Ninguna organización permanece igual durante cuarenta años. Eso no es posible y es evidente que los trocks han cambiado con los tiempos porque la sociedad ya no es la misma que en 1974”, reflexiona Tony Dobrin. Cuarenta años son muchos años y desde luego, Les Ballets Trockadero de Montecarlo en sus cuatro décadas de existencia han vivido momentos de esplendor y han tenido también sus etapas de crisis. El mismo Tony Dobrin, que se había venido de su ciudad, Los Ángeles, a Nueva York, con la intención de formar parte de la compañía minimalista de vanguardia de Laura Dean, entró a Los Trocks por una emergencia. Tras audicionar para Dean por un cargo que terminó quedándose el hoy reconocido coreógrafo Mark Morris, Dobrin supo por un amigo que los trocks habían convocado unas apresuradas audiciones porque estaban a dos semanas de una larga gira por América Latina y no tenían el elenco al completo. Sin tener mucha idea ni muchas ganas de hacer ballet, sorpresivamente fue aceptado. Hoy admite que la emergencia era de tal calibre que aceptaban a todo bailarín que se mostrara medianamente interesado. Debió someterse entonces a un entrenamiento brutal para aprender a hacer puntas y, al mismo tiempo, memorizar el repertorio. Se fue a Latinoamérica y se divirtió tanto que se quedó. Una vez dentro comenzó a mirar vídeos del Ballet Bolshoi para familiarizarse con la disciplina pero también con los gestos y afecciones de estas divas, que ahora le tocaba imitar y remedar.

Los años ochenta, sin embargo, fueron un poco catastróficos para la compañía. No tenían suficientes funciones, no había dinero, surgían tensiones y, para remate, apareció el sida como maquinaria aniquiladora. En un momento en que todo se derrumbaba, Dobrin, que aún era bailarín, aceptó entonces el reto de hacerse cargo. Reconvirtió al equipo en una agrupación de cámara, y poco a poco fue recuperando la salud del colectivo. Hoy son de nuevo una compañía potente, que se mueve por el mundo con éxito (Francia, Alemania, Holanda, Serbia, Suiza y esta de España han sido recientes giras) y tiene en Nueva York numerosos seguidores que acuden religiosamente a su temporada cada año en el prestigioso Joyce Theater, teatro para la danza de la ciudad, donde son residentes. Dobrin tiene su propia filosofía y ha sabido imprimir su sello a los trocks. Tiene bailarines de todas las partes del mundo y como es regla cada uno se da a conocer con dos nombres rusos, uno que usa para sus roles femeninos y otro para los masculinos. Así, el bailarín catalán Carlos Renedo es conocido como María Paranova y Boris Nowitsky, el italiano Alberto Pretto es Nina Immobilahvill y Stanlas Kokitch o el norteamericano Matthew Pope aparece como Dorys Vidanya e Ilya Bobovnikov. “Cada bailarín es un comediante y cada uno tiene su propia forma de aproximarse al trabajo de una manera diferente e individual. Interpretamos los clásicos pero no los cambiamos ni alteramos. Lo que cambia es cómo los interpretamos. Así, cada función es distinta y el resultado depende siempre del casting específico de la noche. Adicionalmente vamos ampliando el repertorio cada año. En 2014 estrenamos nuestras versiones de Naiade y The Fisherman, en 2013 fue Laurencia y ahora para este año, estrenaremos Napoli Pas de Six. Tenemos también en mente hacer Western Symphony, de Balanchine, y estamos realizando un documental sobre la historia y vida de la compañía”, concluye Dobrin.Ñ Les Ballets Trockadero de Montecarlo. Centro LAVA, de Valladolid, el 1 de mayo. Teatro Bretón, de Logroño, el 3 de mayo. Teatros del Canal, de Madrid, del 6 al 17 de mayo. www.trockadero.org

Guillermo Weickert

La mística del cuerpo Lirio entre espinas, de Guillermo Weickert inicia periplo por el Teatro Alhambra de Granada, el Central de Sevilla y Espai Rambleta de Valencia. Texto_MERCEDES L. CABALLERO foto_ÓSCAR ROMERO

Colgó el cartel de “no hay entradas” en los días de su representación. Y no pocos premios acompañaron este trabajo del bailarín y coreógrafo Guillermo Weickert creado en 2013 para el Festival de Itálica, y visto en el Monasterio de San Isidoro del Campo, espacio firmemente ligado a El Cantar de los Cantares que se incluye en la llamada Biblia del Oso y sobre el que gira esta obra que transcurre a lo largo de

Sensualidad

Es lo que Weickert trae a su obra inspirada en El cantar de los cantares.

ocho escenas. “En las paredes de ese convento se tradujo la Biblia del latín al castellano por primera vez. Y se trata de una traducción muy carnal. Me pareció muy bonito e interesante este contraste de lo sagrado y la sensualidad. El trascender del cuerpo a través del cuerpo”, declara Weickert. Casi dos años después desde su estreno, Lirio entre espinas vuelve a escena los próximos días en los Teatros Alhambra y Central, de Granada y Sevilla respectivamente. Un pequeño problema de salud de uno de los intérpretes “y el cuadrar agendas para que no hubiera ninguna sustitución” las razones del intervalo. “El lujo de esta creación ha sido el poder trabajar con las personas que quería”, explica el coreógrafo. “Y lo que hacen cualquiera de los cinco no podía resolverse desde una sustitución”.

Suena a generosidad y confianza… Si hay generosidad es la devolución de la que ellos han puesto. Cualquier persona que vea el espectáculo entenderá que el nivel de entrega de los intérpretes va mucho más allá. Iris Heitzinger, Natalia Jiménez, Sandro Pivotti, Niño de Elche y Charo Martín los artífices (en el movimiento y al cante) bajo la dirección de Guillermo Weickert, que por primera vez ha dirigido, sin bailar, un espectáculo para su compañía. “He sentido mucha envidia y he experimentado lo solitario que puede ser a veces el lugar de la dirección. Por otro lado, contento de haber trabajado desde fuera y verlos a todos como un regalo. Me sigo emocionando cada día. Me siguen conmoviendo”.

¿Qué permanecerá y qué cree que cambiará con el cambio de escenario de este espectáculo, ahora en sala? San Isidoro aportaba ese maravilloso espacio que vestía mucho el espectáculo. Pero entiendo que también por eso, podía haber momentos en los que la mirada del espectador podía perderse. Ahora, el trabajo de los intérpretes y la iluminación diseñada por Benito Jiménez, que funciona como lente y lupa, son el peso de la obra.Ñ Lirio entre espinas. Cía. Guillermo Weickert. 15 y 16 de mayo en el Teatro Alhambra (Granada). 22 de mayo en el Teatro Central (Sevilla). 17 de octubre en Espai Rambleta (Valencia). www.guillermoweickert.com

Maya Plisétskaya

la muerte del cisne Dicen que bailó el rol de Odette/Odile de Lago de los cisnes más de 800 veces aunque el papel de su vida haya sido el dramático solo La muerte del cisne, de Fokine. Después de Anna Pavlova, para quien fue creado, no ha habido ninguna estrella capaz de abordarlo con igual belleza y singularidad. Maya Plisétskaya (Moscú 20 de noviembre de 1925, Munich, 2 de mayo de 2015) quedará inmortalizada por este mérito. Una las últimas prima ballerina assolutas del mundo, fue internacionalmente aclamada y adorada, especialmente por su acuático e inigualable portde-bras. Se inició a los tres años y su debut como profesional, a los 18 en el Bolshoi, fue justamente con La Muerte del cisne. Vetada a viajar durante años por el régimen soviético, su irrupción en Francia, Estados Unidos, Argentina o Reino Unido la convirtieron en leyenda del ballet. Innovó las estrictas estructuras del ballet soviético, introduciendo a coreógrafos como Roland Petit o Béjart, para quien bailó su Bolero. Tenía nacionalidad española y en nuestro país se le recuerda también por haber sido directora de la Compañía Nacional de Danza. Murió de un infarto a los 89 años en Alemania. alba anzola

29 Vuelve a Madrid, ésta vez con el programa Lest we forget…

ENB Dust, de Akram Khan.

tamara rojo

cisne en pie de guerra Las tres temporadas que Tamara Rojo lleva al frente del English National Ballet se cuentan por éxitos. Con el National Dance Award en la vitrina, la compañía británica retorna a España. Los Teatros del Canal de Madrid acogerán Lest we forget y el Gran Teatro del Liceo de Barcelona El lago de los cisnes.

Texto_IRATXE DE ARANTZIBIA foto_TRISTRAM

“No pienso eternizarme en el escenario. Cuando compruebe que no estoy a la altura, colgaré las zapatillas.” tamara rojo

La perseverancia, su firme determinación y una gran capacidad de trabajo fueron las claves para convertir a Tamara Rojo (Montreal, 1974) en una de las estrellas del ballet más aclamadas del mundo y con un envidiable palmarés. Mujer de ideas claras, pensó en su vida más allá del escenario y se formó para cuando llegara el momento. Y llegó, hace tres años. La artista se convirtió en la nueva directora del English National Ballet (ENB), donde sigue cosechando las alabanzas del público y de la crítica con su visión para la compañía. Convencida de que la diversidad de estilos cautivará al público ha hecho apuestas de riesgo como el programa Lest We Forget, sobre la I Guerra Mundial, con el que llega ahora a Madrid, al tiempo que a Barcelona llevará en septiembre El lago de los cisnes. Para la próxima temporada del ENB ha convencido al cotizado coreógrafo hindo-británico Akram Khan, autor de Dust, una de las piezas de Lest We Forget, para que monte en exclusiva para ellos una versión personal de Giselle.

Creo que es la diversidad estilística y la reflexión conmovedora de cada uno de los coreógrafos, acerca del catastrófico acontecimiento que supuso la Primera Guerra Mundial, lo que da coherencia y vitalidad a las obras que conforman Lest we forget. En No man’s land, Liam Scarlett evoca los destinos entrelazados de las mujeres que trabajan en fábricas de municiones y en el hogar, con los hombres que luchaban en las trincheras, a través de conmovedores pasos a dos, sustentados en extractos de las armonías poéticas y religiosas de Franz Liszt, montados y orquestados por el director de nuestra orquesta filarmónica Gavin Sutherland. Con Firebird (El pájaro de fuego), adaptada por George Williamson, evocamos el ballet más representativo de aquella época que configura el primer ballet de Stravinsky y la resolución de Diáguilev y Fokine. Dust de Akram Khan es una obra inenarrable de danza plena de dolor y fuerza que ha sido reconocida con varios premios.

En Barcelona, el ENB ofrecerá su cara más clásica con El lago de los cisnes. La versión de El lago de los cisnes, de Derek Deane, es canónica pero sin esos artificios innecesarios que alargan y complican algunas versiones. Conjuga la emoción y la pasión específica del ballet, junto a una belleza en el movimiento y la danza del cuerpo de baile extraordinarios.

Su visión del ENB se alzó con el National Dance Award como Mejor Compañía. ¿Qué ha aportado Tamara Rojo a la compañía? ENB es una Compañía con una trayectoria artística notable, donde han participado grandes bailarines y coreógrafos por lo que es respetada y admirada en todo el mundo. Mi propuesta al Consejo del ENB incluyó el respeto al legado artístico de la compañía, junto con el firme propósito de desarrollar una estrategia basada en la adaptación a nuestro tiempo del repertorio clásico, la am-

pliación del repertorio por medio de la puesta en escena de obras reconocidas recientes y la colaboración con coreógrafos contemporáneos y artistas de diferentes artes, con objeto de producir nuevas obras. Todo ello siempre condicionado a favorecer los anhelos artísticos de bailarines y músicos, además de estimular la atención del público proponiéndole espectáculos basados en las premisas de excelencia, novedad y diversidad.

Con una plantilla de 67 bailarines, ¿cómo se consigue la versatilidad suficiente para cubrir con calidad propuestas clásicas y contemporáneas? La diversidad estilística desarrollada en la danza profesional desde hace un siglo ha enriquecido a nuestro arte, al tiempo que ha generado la demanda de bailarines polivalentes capaces de adaptarse a dicha diversidad. Sin embargo, la formación de estos bailarines, por diferentes motivos, no termina de aplicarse en la mayoría de los planes de estudio profesionales. Ese déficit formativo se tiene que ir superando en el ámbito profesional, aunque bien es cierto que la mayoría de nuestros jóvenes bailarines se aplican con entusiasmo a esta adaptación. Los bailarines del ENB tienen una excelente técnica clásica, gran expresividad y el compromiso profesional y artístico necesario para afrontar los retos de un repertorio amplio y exigente.

¿Cuál es la receta para seguir encima de los escenarios con 40 años? En esto, no hay secretos. A la exigencia hay que responder con dedicación, luego hay que cuidarse y desde el principio, he priorizado el entrenamiento integrado de salud y fitness en los estudios del ENB. De todas formas, no pienso eternizarme encima del escenario. Cuando compruebe que no estoy a la altura que debo, colgaré las zapatillas.Ñ English National Ballet. Lest We Forget (del 28 al 31 de mayo), en los Teatros del Canal, en Madrid. El lago de los cisnes (del 16 al 20 de septiembre), en el Gran Teatro del Liceo, en Barcelona. www.teatroscanal.com www.liceubarcelona.cat

nacho duato

“lo que de verdad me gustaría es no trabajar”

31 duato

El creador valenciano dirige en la actualidad el prestigioso Staatsballettde Berlín.

Expectación no falta. En septiembre, reaparece Nacho Duato en el Teatro Real de Madrid, acompañado del potente equipo del Staatsballet, la agrupación que ahora dirige en Berlín tras su aventura rusa frente al Ballet del Teatro Mikhailovsky. Con una versión millonaria y espectacular de La bella durmiente, mostrará a sus fieles su nueva faceta centrada en el ballet clásico.

Texto_omar khan Foto_ BETTINA STÖß

32 Había voces detractoras de la gestión de Nacho Duato al frente de la Compañía Nacional de Danza (1990-2010) que decían que su negativa a incorporar el añorado ballet clásico dentro del repertorio de la formación estatal se debía a que no sabía hacerlo. Él insistía en que para montar clásicos necesitaba los recursos financieros y humanos adecuados. Tras varios meses de presiones y tensiones entre el coreógrafo valenciano y el Inaem, que alegaba que su permanencia a lo largo de 20 años en la dirección artística del ente público era excesiva, finalmente salió de la CND en medio de una atmósfera enrarecida y encendida, avivada por una sonora campaña mediática en su contra. Se fue a Rusia, nada menos, para encargarse de la dirección artística del poderoso Ballet del Teatro Mikhailovsky, de San Petersburgo, que ponía a su alance todo tipo de recursos. Se atrevió entonces con una versión respetuosa pero personal y espectacular de La Bella Durmiente, que costó 1.300.000 euros. Fue todo un éxito, como lo fueron muchas de las obras que montó para ellos y otras tantas que rescató del repertorio creado para la CND, cuyos derechos le pertenecen a él y no al Ministerio.

“Petipa es aburrido, a menos que seas uno de estos fanáticos locos del ballet. Yo creo que hoy en día ya no se pueden hacer ballets así.” nacho duato Tras tres años de aventura rusa, el célebre coreógrafo español de 58 años, que se formó bajo el ala de Jirí Kylián en el Nederlans Dans Theater (NDT), de Holanda, fue tentado por Berlín con un ofrecimiento sin precedentes: encargarse de la dirección artística del Staatsballett (Ballet Estatal de Berlín), que supone la fusión de las compañías de ballet que operaban en las tres casas de ópera de la capital alemana: la Staatsoper Unter den Linden, la Deutsche Oper Berlin y la Komische Oper Berlin. Con el compromiso de alternar clásico y contemporáneo, Nacho Duato ha iniciado hace un año su etapa alemana y una de las primeras giras internacionales de la macrocompañía le traerá a Madrid este septiembre, atendiendo una invitación de Joan Matabosch, nuevo director artístico del Teatro Real. Duato,

que se ha llevado a Berlín tanto sus trabajos con la CND como los hechos para el Mikhailovsky, regresa por todo lo alto a España con un doble y significativo programa. Por un lado, su Bella Durmiente de más de un millón de euros, y por otro, un programa mixto que incluye la reposición de White Darkness, obra estrenada por la CND, junto a Static Time, la primera pieza que ha montado para el equipo berlinés, además de And The Sky On That Cloudy Old Day, de Marco Goecke, uno de los más potentes coreógrafos alemanes del momento. Expectativas no faltan.

¿Cómo valora su experiencia al frente del Ballet del Teatro Mikhailovsky? Me lo habían propuesto tres veces. En 1990, luego en el 2000 y finalmente a la tercera les dije que sí. Fue una buena experiencia. El problema de Rusia es que pesa mucho la tradición soviética y puedes cambiar e innovar hasta cierto punto. Piezas mías como Multiplicidad. Formas de silencio y vacío o Na Floresta tenían aceptación pero más no se podía. Es distinto cuando lo que haces son clásicos más actuales. Con ellos estrené mis versiones de La bella durmiente y El Cascanueces… Trabajamos como locos, se trabaja muchísimo más que en España pero todo es más fácil. Teníamos el teatro diez días antes del estreno. Es otra manera, muy distinta a cómo solemos trabajar en Europa. Los bailarines son una maravilla, tienen el cuello perfecto y buena técnica, al principio eran muy rígidos pero después de tres años cambiaron muchísimo. Es un lujo trabajar en esas condiciones, tener a estrellas como Natalia Osipova o Polina Semionova, que tienen un entrenamiento físico increíble, que son figuras del ballet como Nadal lo es del tenis. No estuvo mal pero echaba de menos a mi gente de la CND.

¿Qué tiene su Bella Durmiente que no tienen las demás? Un poco de risa siempre digo que lo que tiene de diferente es que no es aburrida. Petipa es aburrido, a menos que seas uno de estos fanáticos locos del ballet. Yo creo que hoy en día ya no se pueden hacer ballets así. La he cortado, he quitado toda la paja y me he quedado con lo imprescindible. No hay amigas de Aurora, aligeré toda la acción, omití toda la pantomima y en todo el ballet no hay ni un solo paso de

Petipa. Conservo el vestuario barroco pero todo está hecho con más fantasía y libertad. Gusta mucho, la gente viene y se lo pasa bien.

Resulta un poco irónico que ahora traiga a Madrid La bella durmiente, cuando una de las razones por las que salió de la CND era porque había mucha presión para que montara clásicos… Yo podía haber hecho clásico en la CND. Con dinero y bailarines adecuados. Aquí las condiciones eran otras. Tenía herramientas para hacerlo. Había orquesta en directo, buenos bailarines, grandes figuras, dinero suficiente. Es así como se tiene que hacer el ballet clásico, tiene que estar bien producido. Tenía los medios, el tiempo y el dinero. Por eso lo hice.

¿Por qué aceptó ir a Berlín? En realidad, estar en la dirección artística del Staatsballett no es lo que yo quiero. Lo que de verdad me gustaría es no trabajar, estar todo el tiempo de vacaciones, ir a la playa y montar a caballo. Pero acepté y he asumido la responsabilidad que supone. Esta es una compañía de clásico y contemporáneo, y ese es el compromiso. Es paradójico. A mí en la vida me ha pasado al revés. Empecé por el moderno y he acabado en el clásico. Y me gusta… me encanta la técnica. Me ha encantado poder hacer La bella durmiente, trabajar toda esa simetría, proponerte hacer el vals con 28 parejas y que quede bien, coreografiar sin más. Pero artísticamente no supone tanto para mí, es un encargo. ¿Qué iba a hacer? Yo pude tener una Nacho Duato Dance Company, coger quince bailarines y llevarlos por el mundo, pero me aburre enormemente la idea de hacer una pieza y tener que rentabilizarla un año de gira. Yo necesito hacer por lo menos un par de ballets al año, tener unos bailarines, contar con una sede, un equipo. El otro día estuvo Jirí Kylián por aquí y piensa que estoy loco, cree que hay un punto esquizofrénico en esto de hacer clásicos. De todas formas, para 2017 haré una producción grande, una coreografía propia, y me gustaría colaborar con algún músico de Berlín. Por lo pronto, hay muchos títulos míos que voy incorporando al Staatsballett: Multiplicidad…, White Darkness, Herrumbre y Castrati,

La Bella Durmiente

Ni amigas de Aurora, ni pantomima, ni pasos de Petipa en esta versión de La Bella Durmiente de Nacho Duato.

tendremos también obras de Jiri y haremos Jewels, de Balanchine, con vestuario y decorado propios. Estoy pensando en Dolce & Gabana o en un diseñador de ese calibre que nos pueda hacer algo interesante.

¿Conserva usted los derechos de sus obras? ¿Ninguna de esas piezas pueden ser ya bailadas por la CND?… Desde el mismo momento que me fui, no se podían bailar más. Y prorrogué, se las dejé un año porque la compañía se quedaba sin repertorio. Tampoco es que me llevo mis trabajos y no pasa nada. Yo ahora cobro cero por la SGAE pero no quiero trabajar con el Inaem. Mira a Rusia. Dejé el Mikhailovsky y me fui bien. Les dejé mis trabajos y sigo en contacto como asesor artístico, pero en España no quisieron que eso pasase. José Carlos Martínez [actual director artístico de la CND], con muy buena voluntad, me llamó para pedirme una pieza para una gala

que tenían como homenaje a Tony Fabre y María de Ávila, pero me comentó que era un favor a título personal porque a los del Ministerio no les importaba mi trabajo. Y eso me pareció una falta de respeto. Lo suyo hubiese sido una carta oficial pidiéndomelo pero si el propio ministerio no hace el esfuerzo… entonces les dije que no. Para borde yo.

¿Se ha sentido cómodo viviendo en Rusia y ahora en Alemania? Echo de menos Madrid, mi casa, mis amigos… cuando no dominas el idioma eres ciudadano de segunda, siempre pides disculpas y siempre eres inmigrante pero eso te pone por detrás y te recuerda que tienes que ser humilde. Más allá del idioma, San Petersburgo es un problema. Es una ciudad homófoba, misógina, xenófoba, con enormes diferencias sociales, hay prostitución, hay corrupción. Yo era el director de un ballet imperial, vivía justo bajo la embajada noruega… yo estaba bien, pero todo aquello era ajeno a

mis principios. Yo dejé claro desde mi llegada que era gay y me pidieron que fuese reservado, que no fuese a decirlo a la prensa. Y les dije: ‘Si me lo preguntan lo diré’. Pero nada, no te lo preguntan. Ellos se asombraban porque decía claramente lo que pensaba, es algo que no entienden. Berlín es otra cosa, una maravilla, es el referente para todas las formas de expresión: la danza, la ópera, el teatro. Aquí programamos hasta 100 funciones al año, tenemos tres enormes teatros donde presentar las producciones y el nivel de organización es incomparable. Tengo a mi disposición 80 bailarines aunque en Rusia eran 170. Lo que ocurre es que aquí hay diversidad. Tengo ingleses, alemanes, mexicanos, y cada uno con su propia formación. Los rusos tienen una misma escuela, todos bailan igual.Ñ Staatsballett Berlin. Teatro Real (Madrid). La Bella Durmiente (Nacho Duato). 4, 5 y 6 de septiembre. Programa mixto con obras de Duato y Marco Goecke. 8 y 9 de septiembre. www.staatsballett-berlin.de www.teatro-real.com

Festival de Peralada

¡viva béjart! El Ballet Béjart Lausanne será el encargado de inaugurar este verano en Cataluña el Festival Castell de Peralada. La ocasión es propia para recordar las numerosas aportaciones del fallecido coreógrafo francés al mundo de la danza. Texto_alba anzola foto_valerie lacaze

Adorado por las masas, Maurice Béjart (Marsella 1927, Lausana, 2007) consiguió reconciliar a las grandes audiencias con el ballet. Nunca fue elitista y siempre pensó en la danza como un arte popular. Con grandes producciones, sus compañías (tuvo varias: Ballets de l’Etoile, en Francia, Ballet del Siglo XX, en Bélgica, Ballet Béjart Lausanne, en Suiza, que fue la última y la que aún sigue manteniendo vivo su legado) no bailaron solamente en teatros y centros aristocráticos. En realidad, prefería estadios o enormes auditorios que llenaba con gente corriente, secretarias y obreros, oficinistas y amas de casa, que conectaban con su danza, con su sentido del espectáculo y su capacidad para asombrar desde coreografías visualmente potentes y deslumbrantes, no pocas veces portavoces de mensajes espirituales, filosóficos y humanistas. Tuvo sus detractores desde el mundo del ballet pero lo compensaba con la admiración y fidelidad de su numeroso público. A ocho años de su muerte, el coreógrafo sigue vivo a través de su compañía, que dirige su discípulo Gil Roman y que volverá a España para inaugurar este verano el Festival Castell de Peralada con un doble programa que incluye en ambas funciones un auténtico clásico

de su repertorio, su excitante y aún sorprendente versión de Bolero (1961), a partir de la obstinada partitura de Ravel. Muchas han sido las aportaciones de Béjart al mundo de la danza. La de atraer nuevos públicos destaca en importancia pero no es la única. Tenía fascinación por crear en sus obras momentos especialmente destacados para los hombres, en un tiempo en que socialmente se había estigmatizado a los chicos que hacían ballet. Bolero, justamente, destaca en este sentido. Con un solista especialmente protagonista, un papel que ha sido bailado por grandes estrellas hombres y mujeres, contándose entre ellos Duska Sifnios, Maya Plisetskaya, su bailarín fetiche Jorge Donn o Sylvie Guillem, lo que verdaderamente otorga fuerza y espectacularidad a la coreografía es el enjambre de hombres que rodean al solista que danza solitario en un rojo redondel, una masa de adoradores sincronizados que es ejemplar del espectacular y grandilocuente modo coreográfico de Béjart. En otro ámbito, el creador también se cuenta como la piedra fundacional del enorme movimiento de la nueva danza belga. Tras Sinfonía para un hombre solo (1955), su primer gran éxito en París, el Teatro La Monnaie, de Bruselas, le encargó una versión de La consagración de la primavera (1956), que ha terminado siendo fundamental. Se inició entonces su largo idilio belga, donde consolidó al Ballet del Siglo XX como una de las compañías más relevantes e innovadoras de su momento. Allí además fundó MUDRA, una escuela en la que se enseñaba su filosofía. Con estas iniciativas, Béjart colocó a Bélgica en el mapa internacional de la danza de vanguardia. Pero en 1987, enojado con el país, se largó entonces a Suiza, pasando la compañía a llamarse Ballet Béjart Lausanne y RUDRA la escuela que cerró en Bruselas. De su larga permanencia en

Bélgica surgió allí un movimiento que no se fue con él sino que se desarrolló, se diversificó, encontró su propio camino y deslumbró –y sigue deslumbrando- a todo el planeta. Béjart dejó tras sí unas 200 coreografías. Para Víctor Ullate creó en exclusiva Gaite Parisiense (1978) y al bailarín y coreógrafo español ofreció importantes roles en muchas de las piezas de su extenso repertorio. Esta estrecha relación es la que explica que cuando Ullate fue llamado, en 1979, a dirigir el recién creado Ballet Nacional de España Clásico (hoy Compañía Nacional de Danza-CND-), se trajera a nuestro país buena parte de ese repertorio, cedido en exclusiva por Béjart. Y es que, como artista, el coreógrafo francés dejó huella en muchos de sus bailarines, entre ellos Jorge Donn, el más recientemente fallecido Tony Fabre, que fuera conductor de la CND2 española, y también Gil Roman, que desde la muerte de Béjart, en 2007, se ha encargado de la dirección de la compañía y de preservar su legado. Así, el Ballet Béjart Lausanne mantiene activo el extenso catálogo de su fundador y al mismo tiempo Roman y otros coreógrafos invitados van ampliando el repertorio con nuevas creaciones. Los dos programas que ofrecerán en Peralada dan cuenta de estas facetas. De Béjart, traerán, además de Bolero, Siete Danzas Griegas y Suite Barocco. La ocasión será propicia también para recordar en nuestro país a Tony Fabre, presentando su coreografía Histoire d’Eux y 3 danses pour Tony, una pieza creada por Gil Roman, en homenaje al que fuera destacado miembro de la agrupación. En ambos programas se podrá ver también Kyôdai, de Roman.Ñ Ballet Béjart Lausanne. Festival Castell de Peralada (Cataluña) 10 y 11 de julio. www.festivalperalada.com

“Lo que verdaderamente otorga fuerza a ‘Bolero’, de Béjart, es el enjambre de hombres que rodean a la solista, una masa de adoradores sincronizados que es ejemplar de su grandilocuente estilo.”

Lightfoot / León

De amor, familia, muerte y transformaciones

El británico Paul Lightfoot y la cordobesa Sol León han marcado una nueva ruta para el Nederlans Dans Theater (NDT), en la que ya no está Jiří Kylián. La destacada compañía holandesa traerá estos nuevos aires al Teatro Real, de Madrid, este verano con un díptico poético firmado por la pareja. Texto_Begoña Donat FOTO_Rahi Rezvani

Cuando en 2011 Paul Lightfoot asumió en La Haya la dirección artística del Nederlands Dans Theater (NDT), recibió una consigna de su predecesor, Jirí Kylián: “Esta compañía no puede convertirse en un estanque, debe ser un río”. Para usar otra metáfora, pero esta vez de Freud, lo instaba a matar al padre. Asumir las riendas de la formación pasaba por renunciar al legado del carismático coreógrafo checo y evitar que NDT muriera como una compañía de repertorio. “Ha sido muy fácil y a la vez muy natural”, explica el coreógrafo inglés. Cuatro años después de su designación, la compañía holandesa fluye a partir de creaciones de, entre otros, Crystal Pite, Marco Goecke, Sharon Eyal, Gal Behar, Edward Clug, Johan Inger, y los coreógrafos de la formación belga de danza teatro Peeping Tom, Gabriela Carrizo y Franck Chartier. Amén de la simbiosis creativa que desde hace 28 años el mismo Lightfoot mantiene con la cordobesa Sol León, apuntándose muchos de los grandes éxitos de esta etapa como residentes del NDT iniciada en 2002, siendo destacables piezas como Speak for yourself (1999), Silent Screen (2005) o la muy espectacular Shoot the Moon (2006). Ahora, este verano el Teatro Real madrileño acoge un programa integrado por dos proyectos firmados al alimón por la pareja, Sehnsucht y Schmetterling, y que constituyen un viaje poético que reflexiona sobre la familia y el paso del tiempo.

GENERACIONES

Sehnsucht y Schmetterling es un díptico que aborda la relación que tenemos, respectivamente, con padre y madre.

¿Ha resultado duro dejar atrás a Kylián? Paul Lightfoot: Nunca lo podría dejar atrás, me despierta muchísimo respeto, ha sido tan importante para la compañía y para mi carrera... Soy de una generación genéticamente producida bajo su dirección, en su casa. Cuando lo dejó

en 2000 resultó duro, y más teniendo en cuenta que en los setenta, ochenta y noventa la compañía era más conocida por su nombre que como NDT. Y no es algo que él eligió. Fue muy duro oírle decir: “Hay que volar y hay que volar sin mí”. Existe una melancolía, pero este proyecto está lleno de etapas. Y ahora somos una de las compañías más productivas del mundo, con once creaciones propias al año. La incorporación de distintos y variados coreógrafos ha dotado de un spectrum distinto a la compañía, de una identidad original. Sol León: Jirí forma parte de la familia y ha transferido la dirección porque es ley de vida. Dentro de unos años también tendremos nosotros que movernos y dejar paso a otros. La NDT es una compañía muy fuerte y consume mucha energía. Esta energía es buena cuando eres joven, pero la sabiduría de la experiencia también tiene su peso. La mezcla de las dos hace que vivamos una experiencia intensa y es lo que necesita esta compañía. Las reglas para mantenerla son la creatividad y la honestidad.

“Fue muy duro oírle decir a Kylián: “Hay que volar y hay que volar sin mí”. Existe una melancolía, pero el NDT está lleno de etapas. Y ahora somos una de las compañías más productivas del mundo, con 11 creaciones propias al año.” PAUL LIGHTFOOT Paul, a menudo ha dicho que el grupo es lo que hace especial a esta compañía… PL: Totalmente. En NDT siempre ha existido esta conexión entre el creador y el artista, que es una de sus mayores bellezas. Sin embargo, últimamente pienso que es peligroso hablar de la compañía como una familia, porque se pueden mezclar emociones que no deberían estar ahí, así que prefiero el término unidad. Hay amor y compartimos nuestras vidas. Opino que se puede abrazar a los demás aún viviendo tu propio viaje y experimentando tu propio ego. No todo se limita al talento.

¿Cómo equilibra la existencia de egos en la compañía? PL: Es algo bueno. Los artistas no son gente fácil y no lo digo como algo negativo. El don viene con un precio. Yo también he estado ahí y sé lo duro que es y lo mucho que se exige al bailarín, y estoy abierto a aceptarlo si la energía es positiva y es constructiva.

¿Alguna vez se imagina cómo hubiera sido su carrera si no hubiera encontrado a Sol? PL: No, porque mi aspecto profesional ha crecido con el personal. De modo que la pregunta no es qué tipo de dirección estaría ahora ejerciendo, sino qué tipo de persona sería. Ya hace dos años que no estamos juntos como pareja, pero nuestra creatividad es alma con alma. No puedo imaginar mi vida si no la hubiera conocido. Por mi forma de ser, a veces busco el caos y Sol siempre ha sabido sacar algo bueno de esa locura y ayudarme a echar el resto a la basura. Siempre me ha protegido y ayudado muchísimo.

Tras casi tres décadas de trabajo conjunto, ¿cómo ha evolucionado vuestro proceso creativo? PL: Tenemos dos personalidades muy distintas, pero estamos muy conectados. Después de tantos años hablamos menos de lo que vamos a hacer. Yo soy más volátil y Sol enfoca más. Ella es muy buena aportando un mensaje a las ideas, en la puntuación de las frases. Me encanta seguir sus inspiraciones, pero si no conecto busco mi propio camino. Tenemos un diálogo muy creativo. A veces fuerte, a veces dulce. Compartir no es fácil, pero hemos aprendido a tratar con mucho respeto y sensibilidad al otro. Discutimos a veces, pero somos trenes que aunque no vayamos por las mismas vías llegamos a la misma estación. En el resultado se siente el diálogo, pero hay un misterio, porque no sabes cómo se ha desarrollado la idea ni quién ha aportado qué.

¿Qué os inspira? SL: A esta edad la mayor inspiración es la vida misma. Hay mucho que decir y el arte tiene la responsabilidad de hacerlo de forma bella y directa, de la manera en que el lenguaje a veces

38 no nos lo permite. Cuando se es joven se busca el todo, pero alcanzada una cierta edad el ser humano es lo más interesante, el planeta, las culturas, la historia... Por ejemplo, con el tiempo y el relevo generacional me he dado cuenta de los paralelismos entre la relación con mi madre y la de mi hija conmigo. La tecnología va a toda velocidad, pero los cambios emocionales tienen un speed más lento

39 Los nombres de vuestras coreografías siempre empiezan por la letra s. A estas alturas, ¿cuán difícil o sencillo es titularlas? SL: El título es abstracto siempre. Es difícil poner un nombre a un ballet, pero la magia es encontrar la palabra que decore el sentido.

Al estar nuestras obras cargadas de filosofía y poesía es interesante encontrar un nombre que empiece por la letra ese. Es un símbolo y un talismán. PL: No lo encuentro difícil. Es una tradición. Resulta extraño porque cada pieza siempre nos encuentra. La s es una letra divina. Por suerte no hemos elegido la k o la q. Cuando era joven buscaba a Hitchcock en cada una de sus películas y la s es algo así, es un juego y a la vez une las obras.

Sehnsucht quiere decir nostalgia y Schmetterling, mariposa, ¿qué os ha llevado a unir ambas piezas en un mismo programa? PL: Son dos mundos separados, pero en este programa se conectan. La primera parte está dedicada a nuestros padres. No hay narrativa, pero sí muchas emociones que simbolizan lo que es un progenitor. La segunda parte indaga en la relación entre madre e hija. La madre siempre cuida a su niño y durante muchos años ejerce de protectora, y luego sucede al revés, el hijo crece y es el que protege. Aborda cómo cambia la relación entre uno y otro hasta que llega el momento de la transmisión. SL: Sehnsucht es una nostalgia, pero bonita, poética. Es una palabra que no se puede traducir, combina melancolía y añoranza, y se refiere, por ejemplo, a cómo con el paso del tiempo ves la fuerza que tenías al principio, cómo ha cambiado la intimidad de una pareja... Es una pieza que está llena de recuerdos y tristezas. Por eso me encanta expresarme a través del arte de la danza, porque son emociones que para mí es mejor expresarlas sin palabras. La emoción debería ser un continuo movimiento. Igual que Sehnsucht está dedicada a la figura del padre, en Schmetterling me enfoco más hacia la madre. La relación entre madre e hijo, vida y paso del tiempo, todo esto da los colores de las alas de una mariposa. La mariposa es un símbolo utilizado en muchas culturas e implica la transformación.Ñ

NDT

Lightfoot / León llevan por nuevos derroteros el destino de la compañía, en otro tiempo vinculada a Kylián.

cádiz en danza

apertura en el sur Treinta espectáculos de ocho países se verán en apenas una semana. El Festival Cádiz en Danza llega a su décimo cuarta entrega apostando por el riesgo y apoyando a los emergentes. Texto_mercedes l. caballero foto_gastón gabriel

30 espectáculos y compañías, 44 representaciones, 13 espacios y 8 países. Ésas son las cifras que el festival Cádiz en Danza maneja para su nueva entrega que tendrá lugar del 6 al 13 de junio en la ciudad andaluza. Pero más

Nederlans Dans Theater (NDT). Sehnsucht / Schmetterling (Lightfoot / León). Del 15 al 19 de julio. Teatro Real (Madrid). www.ndt.nl www.teatro-real.com

Daniel Hernández

Bailarín y coreógrafo, presentará en Cádiz su espectáculo Persona.

allá de los números, volverán a converger en esta cita, unas cuantas ideas claves que vienen desarrollándose desde hace 13 ediciones (la muestra cumplirá la décimo cuarta) cristalizadas en conceptos como el de apertura y apoyo a los emergentes. El primero de ellos, hace de este encuentro para la danza un lugar para el mestizaje. Disciplinario (con propuestas de la creación actual que se alimentan del contagio artístico) y geográfico (se verán montajes de compañías de por aquí, pero también de otros siete países). En este sentido de comunión dancística, colabora Cádiz en Danza con otros festivales e iniciativas como Masdanza, Danza a Escena, el

Certamen SóloDos de Costa Rica y el Circuito Acieloabierto, y representaciones de todas estas plataformas se verán en la muestra andaluza en clave de espectáculos representativos. La mirada hacia los que están empezando en la creación es también seña de identidad. Y protagonistas de la emergencia creativa acuden a Cádiz para dejar ver por dónde arrancan sus discursos. Como Daniel Hernández (en la foto), joven bailarín y coreógrafo que pondrá en escena su recién estrenado Persona, al frente de la compañía que dirige SpinOff Danza. Un trabajo que bucea por la danza española a través de preceptos contemporáneos sostenidos en el movimien-

to y el vídeo arte. Otros nombres presentes en esta nueva edición, son el colectivo vasco Kukai Dantza, El Punto! Danza Teatro (ver página 4), Paula Quintana, la compañía Cielo rasO, Physical Momentum Project y Sharon Fridman, encargado de inaugurar el festival con su espectáculo Free Fall en el Gran Teatro Falla, así como espectáulos destinados al público familiar de las agrupaciones Larumbe Danza, Zig Zag y Da.Te Danza. En el plano formativo, no faltarán los talleres infantiles y para adultos.Ñ XIV Festival Cádiz en Danza. Del 6 al 13 de junio, en distintos teatros y espacios de la ciudad andaluza. www.cadizendanza.com

XI FESTIVAL INTERNACIONAL DE

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citas Una selección de lo más atractivo de la danza durante esta temporada en el mundo. Consulte nuestra Agenda detallada en www.susy-q.es.

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El Taller de Danza de la Uem rinde homenaje al Minimalismo

El Taller de Danza de Universidad Europea de Madrid ha realizado una investigación alrededor de la danza minimalista y Mínimos es el resultado creativo de esta inmersión en esa danza obsesiva y repetitiva que fue practicada por Bob Wilson, Lucinda Childs, Anne Teresa de Keersmaeker (incluido homenaje a su pieza Rosas danst Rosas, en la foto), Ángels Margarit y Trisha Brown, coreógrafos homenajeados en esta propuesta que podrá verse el día 9 de junio en el Teatro del Arte,

Ciutat Flamenco,el ciclo que lleva el flamenco de vanguardia a Barcelona, volverá a tomar espacios de la ciudad, incluido el Mercat de les Flors, que vuelve a ser sede de esta muestra que, aparte de Imágenes Flamencas, una exposición con fotografías de Rosa María Panadés, tendrá actuaciones de Daniel Doña y su propuesta A pie de calle, Belén Maya, con Los invitados, Urulario y Gabaldón, David Lagos con Mercedes Ruiz, Juan Carlos Lérida con su pieza Al cante y Las bodas de sangre, de Enric Palomar. Todo un programa para esta celebración a la actualidad y posibilidades del arte andaluz. www.mercatflors.cat

Para los niños de ayer, hoy y mañana es la pieza que la compañía de Pina Bausch estará reponiendo esta temporada en su habitual temporada en el célebre Teatro de La Ville, de París, donde la coreógrafa alemana solía estrenar sus piezas nuevas cuando vivía. La obra no es de las más conocidas de Bausch, pero desprende humor y ternura, en tanto que su punto de partida fue el mundo de los niños y los juegos, a los que recurrió en muchas de sus obras. Esta pieza fue vista en Barcelona en 2004 y ahora llega al teatro parisino del 21 al 30 de mayo. www.theatredelaville-paris.com.

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de Lavapiés, y también en el Teatro Jacinto Benavente, de Galapagar el día 5, en el que también se verá ¿Me regalas un movimiento?, proyecto que Beatriz Palenzuela y Rafael de La Lastra, de Babirusa Danza, montaron a

los estudiantes que recogieron movimientos regalados en el campus, que son la base de la creación. Adicionalmente, se verá Ismos, una propuesta propia alrededor del surrealismo, el cubismo y el expresionismo.Ñ

Seis números por 20 € Para suscribirse haga un ingreso de 20€ (nacional), 35€ (Europa) o 45€ (resto del mundo) en la cuenta:

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el reto de...

la danza en españa ¿Crees que lo sabes todo sobre la actualidad de la danza en España? Te retamos a responder estas diez preguntas.

1 No ha sido nunca

director de la Compañía Nacional de Danza A. Nacho Duato B. Víctor Ullate C. Antonio Gades D. Maya Plisetskayaj

2 Ángels Margarit ganó el famoso certamen de Bagnolet 1988 con la coreografía minimalista:

A. Kolbebasar B. Atzavara C. Corol.la D. Origami

3 No ha sido Premio

Nacional de Danza

A. Tamara Rojo B. Igor Yebra C. Rocío Molina D. Ángel Corella

4 ¿Con qué cineasta

Antonio Gades realizó en cine su famosa trilogía?

A. García Berlanga B. José Luis Garci C. Eloy de la Iglesia D. Carlos Saura

5 José Carlos Martínez creó esta obra por

SOROLLA A. Esmeralda B. A pleno sol C. Les enfants du Paradis D. El Quijote

Fue musa de Roland Petit A. Trinidad Sevillano B. Lucía Lacarra C. Tamara Rojo D. Alicia Amatriain

7 María Pagés

23, 24, 25 y 26 de julio

montó Dunas con un conocido coreógrafo contemporáneo

A. Sidi Larbi Cherkaoui B. Akram Khan C. Alain Platel D. Israel Galván

Tamara Rojo es ahora la directora artística del A. Royal Ballet B. English National Ballet C. Royal Danish Ballet D. Scottish Ballet

9 Fue maestro y mentor

de Nacho Duato

A. Jiri Kylián B. Hans Van Manen C. William Forsythe D. Balanchine

10 Joaquín Cortés tuvo un romance con una célebre modelo

A. Cindy Crawford B. Naomi Campbell C. Elle MacPherson D. Kate Moss Ñ

¿Quién fue novia de Joaquín Cortés?

CMY

La danza española, entre tradición y modernidad

1C / 2A / 3B / 4D / 5C / 6B / 7A / 8B / 9A / 10B

RESPUESTAS:

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

encargo para el Ballet de la Ópera de París

El equipo Gerente general: Carlos Anzola Director: Omar Khan Redactora jefe: Mercedes L. Caballero Diseño y maquetación: Juanjo Jiménez, María Montón Gestión comercial: Álvaro Martínez Nicolás Atención a suscriptores, administración y website: Alba Anzola Gestor: David Rosique (Dendra) Sistemas informáticos: Informática Delphi Colaboran en este número: Carlos A. Gómez, Alba Anzola, Marta Botana, Iratxe de Arancibia, Borja de Diego, Begoña Donat, Alfredo Miralles, Carlos Paolillo (Caracas), Jordi Ribot, Jordi Sora, María Inés Villasmil (Ámsterdam) Edita: Editorial Isadora, SL Redacción, publicidad y administración: Embajadores, 154 - 2º 3, 28045 Madrid. Teléfono: 914 733 293. danza@susy-q.es Imprenta: Imedisa. Artes Gráficas. Alfareros, 20. 28923 Alcorcón (Madrid). Depósito legal: M-49788-2005 ISSN 2174-8640. Esta publicación no comparte necesariamente la opinión de sus colaboradores.

Música Juan José Colomer, Paco de Lucía (Zapateado), Enrique Bermúdez («La pesca del atún» y «El baile, bulería») y música popular Coreografía Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio Najarro Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu Director de orquesta Manuel Coves

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