Susy Q #55 Revista de Danza Sept-Oct 2015 by SusyQDanza

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 55

cnd

quijote dv8 steve paxton la habana Nº 55 ● 3,50 e ● susy-q.es

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 55

Editorial

cubalibre

Siempre ha sido difícil vaticinar lo que puede ocurrir con Cuba, un minúsculo país flotando en el Caribe que ha sido un enorme foco de resistencia comunista y al mismo tiempo el bastión de lo imposible con su estricto ballet clásico caribeño. Fidel Castro y Alicia Alonso siguen siendo figuras claves de ambos movimientos pero hoy son más simbólicos que nunca. Se avecinan cambios profundos, en los que quizá ellos ya no tengan mayor participación. La reapertura de la Embajada Norteamericana en La Habana es el síntoma más evidente de un cambio político largamente esperado y la tímida inclusión de coreografías contemporáneas en el Ballet Nacional de Cuba (BNC) el vaticinio de una inminente apertura. La visita a España, una vez más, del BNC, no nos permite hacer semejantes vaticinios. En apariencia es la misma de siempre con su repertorio académico conocido, así que antes de predecir lo impredecible hemos creído que el momento es más bien propicio para revisar lo verificable. No solamente el patrimonio cubano que es la compañía de Alicia Alonso sino la eficaz labor de su escuela de ballet, una de las más sólidas, influyentes y personales del panorama académico latinoamericano. Mirar atrás es más fácil. Lo difícil es descifrar lo que viene. Y por lo pronto, al ron con cola seguiremos llamándole cubalibre. omar khan MERcedes l. caballero

contenidos

septiembreoctubre 15

04 Kulbik 06 Antonio Ruz 08 Silicon Free. Holland Festival 09 Actualidad 14 Clásicos del siglo XX Recordando a la Argentina

15 Críticas 18 Dantzaldia 19 Misión Inversa / Valencia 20 cnd. José Carlos Martínez

estrena su versión de Don Quijote, el primer ballet clásico completo que monta desde su llegada al ente público

27 ENB / El lago de los cisnes 28 DV8 / John 30 Steve Paxton 33 Dimo Kirilov 34 Mes de Danza. Con

una enorme y diversificada oferta, el encuentro sevillano volverá a sembrar de danza a la capital andaluza 36 La Habana / Reportaje 39 Masdanza 40 Citas 41 Childs / La Ribot 42 El reto. Roles de Danza

Portada e imagen sobre estas líneas: Compañía Nacional de Danza (CND). En portada, Rodrigo Sanz en Don Quijote. Arriba, una imagen de Carmen, de Johan Inger. fotos: Jesús Vallinas (reportaje en página 20).

FESTIVAL INTERNACIONAL DE DANZA 2015 NAZIOARTEKO DANTZA JAIALDIA

La FuNdicIOn

in somni

sardana hop

La FuNdicIOn

In Somni parece llevar en sí misma la premisa de la reivindicación de las tradiciones adaptadas a nuestros días, en un cruce de apariencia imposible entre sardana y hip hop salido de una alianza de talentos que ha reunido a Kulbik, grupo liderado por Kanga Valls que ha venido experimentando con su gente la fusión de danza urbana y mimo, La Cobla San Jordi y el Dj Code. El experimento llega ahora al Mercat de les Flors, de Barcelona, que ya le produjo a Valls su propuesta Caminos y coproduce este nuevo junto a la Fira Mediterránia de Manresa. Fue hace un año en la feria catalana donde se originó este proyecto, dentro de un laboratorio de creación en el que Kulbik y La Cobla conectaron por vez primera. Y tan estimulante fue el encuentro que pusieron en marcha esta insólita colaboración que ya inauguró la Fira el verano pasado e irrumpe ahora en el Mercat barcelonés, antes de viajar a San Sebastián. carlos a. gómez In Somni. Del 1 al 4 de octubre Mercat de les Flors (Barcelona) y 15 de octubre, en el Kursaal (San Sebastián).

23s

Sala Rekalde, 20:00 h. INAUGURACIÓN FESTIVAL DANTZALDIA

DIMO KIRILOV & TAMAKO AKIYAMA

21n 22n

La Fundición, 20:00 h. La Fundición, 19:00 h.

BAILOGRAFÍA, Barcelona

15o

Azkuna Zentroa, 20:00 h.

YA! (Ensayos), Sevilla

11d

foto_marc costa

IT´S GOING TO GET WORSE AND WORSE AND WORSE, MY FRIEND, Bélgica

BAILARINA DE FONDO EN CONCIERTO, Madrid Sala BBK, 20:00 h.

AYELEN PAROLIN

HÉRÉCTIQUES, Bruselas

15n

Palacio Euskalduna, 20:00 h.

DAMIAN MUÑOZ-JORDI CORTÉS

OLËLÉS, Euskadi-Catalunya

Museo Guggenheim Bilbao, 19:00 h.

LISBETH GRUWEZ-VOETVOLK

TANIA ARIAS

Sala BBK, 20:00 h.

BELEN MAYA

SPIN OFF Dance

PERSONA, Valencia

La Fundición, 19:00 h.

JUAN CARLOS LÉRIDA

AIMLESS, Madrid

10o 11o

La Fundición, 20:00 h.

13d

Palacio Euskalduna, 20:00 h.

SHARON FRIDMAN

CAÍDA LIBRE (Free fall), Madrid

EUSKALDUNA JAUREGIA BILBAO MUSEO GUGGENHEIM BILBAO BIZKAIA ARETOA AZKUNA ZENTROA LA FUNDICIÓN SALA REKALDE SALA BBK

OTRAS ACTIVIDADES

/ Ciclo de CINE-VIDEO: A.T.de Keersmaeker y el minimalismo / Cortos CHOREOSCOPE / Talleres DANTZABIZ: BELEN MAYA + SHARON FRIDMAN / Mediación con Nuevos Públicos / Encuentros-Conversaciones con los artistas

Antonio Ruz

Fantasía escénica ¿Qué mirada artística ha tenido Francia sobre España a lo largo de la historia? ¿A qué se refería el país vecino con la expresión à l´espagnole? Dos cuestiones sobre las que descansa el germen del nuevo trabajo del bailarín y coreógrafo Antonio Ruz (Córdoba, 1976), materializadas en un espectáculo que encuentra su reto en el diálogo entre música antigua en directo, movimiento y voz, y el logro en una precisa cristalización. “Cuando vivía en Francia como miembro del Ballet de la Ópera de Lyon, hacia 2005, llegó a mis manos un disco titulado Chorégraphie, con un repertorio de músicas para danza en la corte de Luis XIV, el Rey Sol, muchas de ellas acompañadas del término ‘À l’espagnole”, declara el creador. “Este detalle despertó mi interés y soñé con crear algún un día una pieza usando este repertorio. Siempre tuve claro que lo haría con música en directo y supe que tendría que esperar unos cuantos años para llevarlo a cabo”. La espera terminó este mismo año y el resultado se vio el pasado mes de junio en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, coproductor del espectáculo. Con dirección e interpretación musical de la formación Accademia del Piaccere, seis bailarines en escena y colaboración coreográfica de Estévez y Paños, À l´espagnole. Fantasía escénica, trabajo de amplia envergadura artística y ambicioso mestizaje, se verá en la próxima edición del Festival Internacional Madrid en Danza. “Aunque la pieza navega en un lenguaje escénico contemporáneo, creí importante situar esas músicas en un contexto histórico. La inclusión de textos, escenas habladas o recitadas, sitúan al espectador en el contexto social de la época”, concluye el creador. MERCEDES L. CABALLERO

foto_LUIS CASTILLA

À l´espagnole. Fantasía escénica. Compañía Antonio Ruz-Accademia del Piaccere. Festival Internacional Madrid en Danza. Teatros del Canal (Madrid). Del 19 al 21 de noviembre.

piaccere

Música antigua en directo, por Accademia del Piaccere, movimiento y voz convergen en la nueva obra de Ruz.

actualidad

Silicon Free

Boris Charmatz y el renovado Cullberg Ballet entre las más destacables propuestas vistas en el pasado Holland Festival que, como siempre, brilló por su excelencia. Texto_MARÍA INÉS VILLASMIL foto_Ursula Kauffman

MANGER Destacó en el Holland Festival esta conmovedora propuesta del creador francés Boris Charmatz.

El pasado junio se clausuró con mucho éxito la nueva edición del Holland Festival, prestigiosa cita escénica holandesa que data del año 1947, y en la que se estrenaba este año la inglesa Ruth Mackenzie en la dirección artística, tras los 10 años gerenciales de Pierre Audi. Como suele suceder, surge siempre la necesidad de que haya más danza en esta avalancha escénica, pero como es también usual asistimos este año, una vez más, a una selección ecléctica y bien nutrida, en las que destacaban propuestas como MANGER, del creador francés Boriz Charmatz; el estreno mundial de Extremalism, del coreógrafo Emio Greco, ahora al frente del Ballet Nacional de Marsella; el Cullbert Ballet, de Suecia, que se hizo presente con un extraordinario díptico firmado por Trajal Harrell, de Estados Unidos, y Eszter Salomon, de Hungría, además del Het National Ballet de Holanda, estrenando el programa Cool Britania, conformado por obras de los coreógrafos ingleses Wayne McGregor, David Dawson y Christopher Wheeldon. Valdría la pena destacar el exquisito trabajo de Charmatz, que logró exitosamente reunir a bailarines y cantantes líricos ofreciendo una propuesta que va desde lo poético hasta los más mundano, y consigue sorprender gracias a un cuidado trabajo de composición musical, en el que las voces de los performers, de una manera casi sinfónica, crean sonidos que viajan por el espacio a manera de canon, dependiendo del

lugar donde se ejecute la acción. Una propuesta con un sello absolutamente contemporáneo y extremo que emocionó hasta las lágrimas y demostró que, aun en medio de toda esa fisicalidad extrema, es posible hallar mucha poesía. Interesantes también resultaron las dos coreografías ofrecidas por el Cullbert Ballet, en la que ambos creadores –sin duda– ofrecen una visión muy clara sobre el tema del género, ajustándose así al requerimiento del holandés Gabriel Smeets, ahora director artístico del emblemático equipo sueco. Trajal ofreció en The Return of the Modern Dance un espectáculo dedicado a recorrer la historia de la danza contemporánea de la mano de increíbles intérpretes masculinos que dan vida a destacadas bailarinas modernas. Inteligente propuesta, quizá un poco corta, que procura el placer de ver a estos bailarines interpretándola. Muy al contrario, Reproduction, de Salomón, quizá un poco larga, logró cautivar por el alto nivel de sus intérpretes femeninas, que aparecen aquí mostrando, de manera magistral, su lado masculino. Obras todas que apuntan hacia los nuevos rumbos y necesidades de la danza contemporánea de nuestro tiempo. Como abreboca, nos acercamos también a la apertura del festival a cargo de la agrupación española La Fura del Baus, que trajo su ambiciosa propuesta interactiva M.U.R.S., que resultó un tanto desconcertante y discordante en relación a la larga trayectoria de este colectivo multidisciplinar catalán.Ñ

foto_miguel j. berrocal

De lo poético a lo mundano

cdc

Viaje coreográfico

Quince proyectos participantes en la séptima convocatoria del programa de residencias ¿Tienes un proyecto coreográfico?, del Centro de Danza Canal (CDC), han sido reunidos en la muestra Viaje al centro de la Danza, que se podrá ver del 7 al 29 de septiembre, en la Sala Negra del complejo madrileño de Teatros del Canal. Atendiendo a todos los estilos, desde el contemporáneo y neoclásico al flamenco, se han seleccionado para esta exhibición de trabajos gestados en su casa creaciones de Cristian Martín, Sara Cano Compañía de Danza, Manuel Díaz Compañía Española, Carmelo Segura Companhia, De Sangre y Raza, Paula Quintana, Compañía Nueveuno, Compañía Peter Agardi, Zukdance (en la foto), Danizza Sabino, Compañía Lucio Baglivo, Compañía Elías Aguirre, Compañía Poliana Lima, Enclave Danza/ Larumbe Danza/Es.Arte y DanceLab Berlín, que presentan adelantos de sus nuevas producciones en este ciclo que dará luces acerca de los caminos creativos que toma la danza en la capital. www.teatroscanal.com

En GaraChloé & Marco chico Elegante flamenco Dirigido por el bailarín y coreógrafo Roberto Torres, el joven festival Cuadernos Escénicos llegó a su cuarta edición el pasado mes de julio, respondiendo a la querencia cultural que se respira en la localidad de Garachico, lugar del encuentro situado al norte de Tenerife y que cultiva, durante todo el año diversas propuestas alrededor de la cultura. Enfocado en la exhibición y la formación, con especial énfasis en dar visibilidad a creadores de danza canarios, acogió la muestra propuestas de Paula Quintana, Paloma Hurtado, Daniel Abreu, Physical Momentum Project (en la foto), Alta Realitat y La Kor´sia, entre otros, que se vieron en los no pocos rincones, espacios y plazas que dibujan Garachico, bordeado por lo salvaje que otorga la montaña, de un lado, y el mar, del otro. De los talleres impartidos, destaca Señoras Mayores de Garachico, que Torres llevó a cabo con mujeres de la localidad. MERCEDES L. CABALLERO www.cuadernosescenicos.com

Poseedores de un elegante nuevo flamenco, el sevillano Marco Vargas y la canadiense Chloé Brûlé no renuncian casi nunca a establecer verdadera comunicación y vínculos emocionales con su audiencia. Lo hacen por el camino de una danza virtuosa y un sentir profundo que han fascinado a públicos nacionales e internacionales, gracias a propuestas que van desde Las 24, que supuso su primera colaboración conjunta en 2005, hasta la más reciente Libertino, para la que han contado con la participación de Juan José Amador en el cante y Fernando Mansilla en los textos e interpretación (en la foto). La pieza podrá será vista en el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, los días 19 y 20 de octubre, en la Sala La Lechera de esta ciudad andaluza. www.marcovargas-cholebrule.com

foto_Gabriel F. Calonge

Irlanda

Encuentro en Tipperary

Desde hace cinco ediciones (del 12 al 18 de octubre próximo, se cumple la sexta) la ciudad irlandesa de Tipperary se torna punto de encuentro para la danza internacional con un festival, iniciativa de los bailarines y coreógrafos Jazmín Chiodi y Alexandre Iseli, enfocado a la formación y exhibición de la danza, en el que el intercambio, la convivencia y una señalada atmósfera artística, funcionan como motor. “El festival intenta rescatar el arte de la danza contemporánea como género serio y profesional y la muestra funciona con una doble dirección: ventana para estar al día con la danza y visagra para generar sinergias”, declaran sus directores. Trabajos como Cabeza, de Daniel Abreu (en la foto), un laboratorio dirigido por el francés Shlomi Tuizer y una muestra de cortometrajes de danza, protagonizarán, entre otras actividades, la próxima entrega de la Tipperary Dance Platform. MLC

foto_John Hogg

Cuadernos Escénicos

foto_Luis Castilla

foto_Cuadernos Escénicos

Olivan/Maqoma

De sur a sur Son diferentes. Tienen orígenes, culturas y pensamientos muy distintos, pero al mismo tiempo comparten la danza como una zona común de expresión que usan como vínculo atávico a sus raíces, que quedan de sur a sur. Roberto Oliván, creador catalán que ha levantado el insólito festival de danza y naturaleza Deltebre Dansa y Gregory Maqoma, que ha fundado en Johannesburgo el South African Vuyani, cruzan sus energías en Lonely Together, un dueto emocionalmente profundo que es verificación de sus sinergias. Elegante y felino, el africano contrasta con la danza telúrica y firme de Oliván. Ambos artistas coincidieron en P.A.R.T.S., la escuela de Anne Teresa de Keersmaeker en Bruselas y han hecho sólida su amistad, que concretan en este dueto visto en el Grec el año pasado y que llega ahora al Mercat de les Flors, de Barcelona, del 16 al 18 de octubre. www.mercatflors.cat

Dantza Hirian

Transfronterizo Lo que hace diferente y atractivo al festival de danza en espacios urbanos Dantza Hirian es su intrínseca naturaleza itinerante y transfronteriza. Dedicado en exclusiva a la danza en espacios urbanos, el festival está de fiesta en la celebración de su primera década de existencia y viajará con sus artistas invitados, del 18 al 27 de septiembre, por rincones y calles de la Eurociudad Bayonne-San Sebastián, con paradas en estas ciudades y otras como Hendaya, Pasaia o Errentería. Mostrará el producto de sus dos residencias: Irrintzi, nueva propuesta de la creadora vasca Natalia Monge para su compañía Organik y Bleu, de la especialista francesa en danza y circo aéreo Corine Cella. El canario Daniel Abreu estrenará Vertebral, encargo del circuito Acieloabierto al que pertenece el cumpleañero festival que también ha invitado, entre otros, a Paula Quintana (Tenerife), Eneko Alcaraz (Hondarribia), Alberto y Marcos Pardo (Zaragoza, en la foto), Fernando Lima (Sevilla). Kor’sia (Madrid), Lasala (Donostia) y la creadora vasca Olatz de Andrés, estrenando su nueva propuesta Esfera. www.dantzahirian.com

foto_JCharlotte Sampermans

Salas Alternativas

Iberoamericanos en gira La Red de Teatros Alternativos pone en marcha una nueva edición, la cuarta, del Circuito Iberoamericano que viene desarrollando bajo la premisa de abrir líneas de intercambio y cooperación entre las salas alternativas de la red y la escena contemporánea iberoamericana. Para esta nueva entrega, que se celebrará en nuestro país del 8 de octubre al 25 de noviembre, tres han sido las compañías de danza seleccionadas: Los INnato, de Costa Rica (en la foto); Créssida Danza Contemporánea, agrupación mexicana, y la brasileña Cía. Rodrigo Cruz y Rodrigo Cunha. Sus trabajos se verán en una pequeña gira nacional en las salas La Fundición (Bilbao), Teatro Arbolé (Zaragoza); El Café de las Artes (Santander); Nau Ivanow (Barcelona), La Usina (Madrid), el Teatro Victoria (Tenerife), Espacio Cinético Taktá (Navalmoral de la Mata) y Carme Teatre (Valencia). www.redteatrosalternativos.org

Bilbao en danza

Ayelen Parolin

Good BAD

Fascinación

Cada año , desde hace 17, el festival BAD (Bilbao Antzerkia Dantza) le toma el pulso al teatro y la danza de vanguardia, con una amplia programación que rinde cuentas sobre el rumbo de las nuevas tendencias. Organizado por el Ayuntamiento de la ciudad y ya convertido en obligatoria cita cultural bilbaína, este año la danza del BAD es abundante y curiosa. Destaca la presencia del tándem francés de danza radical Cecilia Bengolea / Francois Chagnaud, con Dub Love, y desde Cataluña, María Muñoz, de Mal Pelo, mostrará Siete lunas, dueto que ha montado con Niño de Elche. Como es usual y lógico, el BAD es escaparate también para los creadores vascos. Asier Zabaleta, de Ertza, adelanta lo que será Hariak, al tiempo que Natxo Montero presenta Barbecho (en la foto) y Matxalen Bilbao estrena L’autre. CielorasO, de Igor Calonge, Colectivo Qualqier, Patricia Caballero y, entre otros, Losquequedan, de Valencia, terminan de dar forma a la danza en esta nueva edición BAD, que coloca su acento en las propuestas para público familiar. Del 21 de octubre al 1 de noviembre

Aunque requiere una conexión y disposición especial por parte del que la ve, la danza minimalista conduce al hipnotismo y en algunos casos a la fascinación. La joven creadora argentina residenciada en Bélgica Ayelen Parolin lo sabe y explícitamente lo convierte en su objetivo en Heretics, un dueto que es un trío porque la participación de una pianista en directo es decisiva en la atmósfera in crescendo de esta propuesta obsesiva, que supone un reto de coordinación y concentración para Marc Iglesias y Gilles Fumba, los dos bailarines que, sin desplazarse y siempre al unísono, construyen el discurso coreográfico a partir de triángulos que forman incansablemente con sus brazos. Parolin fue revelación en el programa de jóvenes talentos Aerowaves, celebrado el pasado abril en el Mercat de les Flors, de Barcelona, y ahora llega como uno de los reclamos internacionales del Festival Dantzaldia, de Bilbao, el 6 de noviembre en la Sala BBK. Más información del festival en pág. 18 www.dantzaldia.org

www.badbilbao.com

Thomas Noone

¿Volamos? Cuando le llegó la oportunidad de montar un espectáculo para las fiestas de La Mercé, las más populares de Barcelona, el coreógrafo británico Thomas Noone, que fue nómada, no pudo dejar de pensar en el día que aterrizó en esta ciudad para quedarse. Y de la reflexión salió Origen, una propuesta que plantará en medio de la ciudad un avión DC9 que puede sugerir la idea de llegar o salir volando. En conexión con este concepto quiso reunir a dos grupos de bailarines, uno asentado, el de los seis miembros de su agrupación y otro cogiendo vuelo, el de 13 estudiantes avanzados del Institut del Teatre. Juntos forman una masa que baila en este avión quizá con la idea de salir pitando o tal vez creyendo que ya han llegado. Origen se verá del 19 al 24 de septiembre en el Parc de la Ciutadella. Entretanto, Noone ultima los preparativos de Just Dancer 2, secuela de una propuesta suya que también mezclaba a sus bailarines con otros invitados. Será el 31 de octubre, en el Mercat de les Flors (Barcelona) www.thomasnoonedance.com

Clásicos del siglo XX

Texto_omar khan

Una figura espectral que emergía de las mismas butacas y avanzaba lenta y ceremonialmente hacia el escenario vacío dejó atónita a la audiencia masiva que acudía en 1977 al Festival de Nancy, en Francia, una plataforma que junto a Avignon marcaba aquellos años las nuevas tendencias escénicas. Con el público ovacionando conmovido al final de la función, Admiring La Argentina (Recordando a La Argentina) supuso el primer contacto entre Occidente y la danza butoh japonesa. En este solo insólito y desconcertante coincidían el coreógrafo Tatsumi Hijikata (1928-1986) y el bailarín y también creador Kazuo Ohno (1906-

2010), las dos grandes figuras fundadoras de esta corriente de danza nacida del dolor y la humillación sufridos por Japón tras la explosión nuclear de Hiroshima que puso fin a la II Guerra Mundial. El butoh de Hijikata y Ohno sorbía a partes iguales del expresionismo más radical de Mary Wigman, la inconformidad del existencialismo, el surrealismo más absurdo, las ancestrales prácticas del teatro kabuki japonés y la belleza terrible que emanaba del escritor Yukio Mishima. El enorme impacto que produjo Kazuo Ohno en Francia, y rápidamente en toda Europa, generó un interés por el butoh que permitiría, en los años ochenta, la llegada de agrupaciones como Sankai Juku o Dairakudakan, que trajeron un butoh más amable y deslumbrante que sigue fascinando a las audiencias del mundo. Fue en 1926 cuando Kazuo Ohno atendió una invitación para una función de la bailaora Antonia Mercé, La Argentina. El embrujo de la reina de las castañuelas hizo rápido efecto sobre el joven, que estaba aún bastante lejos de dedicarse a la danza. La guerra le llamó primero y como oficial japonés de inteligencia militar estuvo en combate, sufriendo dos años como prisionero de

guerra. El horror de lo vivido le empujó a crear para sí mismo el solo Jellyfish (1949), que supuso su tardío debut en la danza a los 46 años. Desde la audiencia, un entonces más joven Tatsumi Hijikata vio en el intérprete un perfecto vehículo para expresar sus ideas coreográficas. Pronto hicieron tándem y bailó Ohno en Kinjiki (1959), obra fundacional del butoh creada por Hijikata a partir de la novela homosexual de Mishima. Sin embargo, fue Admiring La Argentina la pieza definitiva y probablemente la más emblemática e internacionalmente difundida de la danza butoh. Lejos de imitar a La Argentina en su festivo espectáculo, la coreografía es un impreciso homenaje a la bailaora, de la que quedan jirones en el cuerpo retorcido de Ohno, grotescamente vestido de mujer en una danza estremecedora y desgarrada, nada complaciente y tremendamente emotiva, que descubrió al mundo esta corriente de nueva danza oriental surgida del dolor. La reciente conmemoración de los 70 años de la tragedia de Hiroshima trajo rápidamente a la memoria la imagen desgarradora de Ohno, encarnación unipersonal de lo que fue todo este horror colectivo.Ñ

foto_Jan Revazov

críticas

Recordando a La Argentina La reciente conmemoración de los 70 años de la tragedia de Hiroshima trae a la memoria la imagen desgarrada de Kazuo Ohno bailando esta pieza de Tatsumi Hijikata, que supuso la llegada del butoh a occidente, en 1977.

Staatsballett Berlin

Superproducción La Bella Durmiente

Coreografía: Nacho Duato Deutsche Oper (Berlín) 3 de abril de 2015

Butoh. Lo grotesco, magnificado en Kazuo Ohno, es emblemático del movimiento japonés.

Tiene aires de superproducción La Bella Durmiente, de Nacho Duato. En muchos sentidos lo es. No podía ser menos en un montaje que ha sobrepasado el millón de euros y que fue estrenado primero con el poderoso Ballet Mijáilovski ruso y más tarde con el potente Staatstballett de Berlín, agrupación alemana que ahora el valenciano dirige y con la que reaparece en España tras su huracanada salida de la Compañía Nacional de Danza (CND), para abrir la temporada del Teatro Real madrileño. Sin apenas intervenir el relato, Duato crea una coreografía totalmente nueva sustentada en el lujo, sí, pero también en la elegancia y el buen gusto, intentando distanciarse lo más posible de Petipa y de los anclados y recurrentes clichés que caracterizan a este archiconocido ballet. Suprime toda la pantomima pero acude a recursos teatrales y a una gestualidad procedente de la emoción, que le permiten narrar la historia con agilidad y nítida claridad gracias a un ritmo trepidante, golpes de efecto como la espectacular aparición de Carabosse o la barca que cruza el escenario, más un auténtico arsenal de vistosos trajes bajo una escenografía grandilocuente, florida y amanerada que potencia la sensación de cuento de hadas. El coreógrafo aparca su propio estilo para ajustarse a los

modos académicos, puntas incluidas, como queriendo que el público los reconozca. Inevitablemente hay gestos, pasos y soluciones escénicas que le delatan. El célebre vals de las flores, aquí enormemente repotenciado, conecta con viejos títulos suyos como Na Floresta y, qué duda cabe, su habilidad para el paso a dos queda claramente expuesta en el no menos célebre pas de deux. Duato no trasgrede rompe ni escandaliza pero su versión supone una lícita alternativa que conecta la tradición con la estética de nuestro momento, siendo capaz de complacer a los más fanáticos balletómanos pero también satisfacer a neófitos y amantes del contemporáneo. El Staatsballett está fantástico en su totalidad y con esta visita a lo grande (trae, además, otro programa que incluye la reposición de obras que fueron grandes hits de la CND), Duato parece querer enviarle un mensaje al Inaem sobre los recursos humanos y financieros que hay que tener para poder abordar con tino un ballet clásico hoy día. omar khan Staatsballett Berlín. Del 4 al 9 de septiembre. Teatro Real (Madrid). www.teatro-real.com

foto_Rahi Rezvani

foto_Ilia Chkolnik

Ballet Béjart Lausanne

Eterno Bolero Programa mixto

Coreografías: M. Béjart, G. Roman, T. Fabre

Lucía Lacarra

Arrolladora

Nederlans Dans Theater

Paisajes interiores Sehnsucht / Schmetterling

Coreografías: Sol León / Paul Lightfoot

Programa mixto

Teatro Real (Madrid)

Auditori Parc del Castell

Festival de Verano

15 de Julio de 2015

11 de julio de 2015

Auditorio San Lorenzo de El Escorial (Madrid)

Festival Castell de Peralada

belleza inédita y su compleja sencillez la han convertido por derecho en un clásico del siglo pasado, una obra tan importante y relevante como lo fue también su celebérrima versión de La consagración de la primavera. No ocurre lo mismo con la tonelada de obras restantes del catálogo de Béjart. Algunas mejores y otras peores, son piezas muy apegadas al entorno estético y cultural del momento de su estreno. Para muestra, las otras dos coreografías suyas que se vieron en el festival catalán: Bhakti III (1968), que ha quedado como una fantasía hindú de la Era de Acuario, y su Siete danzas griegas (1983), que estiliza los clichés del folclor griego, con buenas referencias a Zorba, en una cadena de danzas muy bellas, exigentes y amaneradas, donde el regocijo de la danza misma es el mensaje único. La compañía recordó a otro miembro desaparecido, el coreógrafo y bailarín Tony Fabre (que fuera director en España de la CND2), de quien bailaron su elegante reinvención de Dido y Eneas, rebautizada Histoire d’Eux y, en homenaje al deslumbrante festival anfitrión, Gil Roman estrenó Impromptu pour Peralada, de gesto más contemporáneo. ok

Tres de los hijos pródigos internacionales de Víctor Ullate se reunieron este verano el El Escorial para ofrecer una gala en homenaje a su maestro. Lucía Lacarra, estrella del Ballet de la Ópera de Múnich, Joaquín de Luz y Carlos Pinillos, bailaron generosos un programa un tanto raro en el que viejas obras de Ullate (Fratres, De Triana a Sevilla y Sola) se mezclaron con Jerome Robbins, Vasco Wellenkamp, Ben Stevenson y Russell Maliphant. Los chicos y sus partners destacaron pero inevitablemente quedaron eclipsados por la presencia arrolladora de Lacarra, bailarina de excepción, dueña de extensiones imposibles, extremado lirismo y calculada precisión, que dominó por completo la velada, siempre acompañada por el elegante Marlon Dino. Bailaron Tres preludios, dueto esteticista de Stevenson; el emocionante Sola, al que aportó gran emotividad, para cerrar con Broken Falls, un exigente y físicamente arriesgado trío que Maliphant creó para Sylvie Guillem y BalletBoyz, que se convirtió en la auténtica sorpresa no solo por su propuesta geométrica, su gesto acrobático y su compleja estructura coreográfica y de composición sino por la abrumadora interpretación de Lacarra, muy cómoda en este frío registro. alba anzola

Tres estilos Zero in On / Kosmos/ Harry

Coreografías: Soto, Foniadakis, Marshall Los Veranos de la Villa (Madrid) Escenario Puente del Rey

6 de agosto de 2015

Estrenada en enero de 1961, el Bolero, de Maurice Béjart (Marsella 1927, Lausanne 2007), sobrepasa ya los 50 años y permanece tan fresco y vigente, tan emocionante y emocionado como el día de su estreno. Así quedó demostrado el pasado julio en el Festival Castell de Peralada, que seleccionó para su inauguración a la emblemática compañía suiza, hoy bajo la dirección de Gil Roman, pupilo de Béjart. La coreografía se despliega sobre el eje de una solista única llamada La Melodía, que se mantiene bailando sin desplazarse sobre un enorme redondel rojo que la separa de un potente cuerpo de baile masculino, que bautizado como El Ritmo, es una masa de sincronizados adoradores con abundante testosterona. La danza discurre asombrosamente supeditada a la constante y ascendente música de Ravel, que viaja desde el susurro hasta un clímax sonoro espectacular siempre rigurosamente acompañada por los danzantes y su obstinada solista, interpretada aquí con mucho acierto técnico pero menos sensualidad de la requerida por la bailarina catalana Elisabet Ros. La perfecta simetría y sincronización de Bolero, su cronometrada lógica coreográfica, su poder de seducción, su

Les Ballets Jazz de Montreal

24 de julio de 2014

Son dueños de un estilo hoy ya reconocible, caracterizado siempre por una cuidada puesta en escena, gran delicadeza en la danza y el uso de artilugios y efectos escénicos decididamente espectaculares que usualmente llevan la carga conceptual de sus propuestas. Nunca se sabe cuál es la aportación de la cordobesa Sol León y cuál la de Paul Lightfoot. Siguen siendo creaciones firmadas a cuatro manos, una alianza artística que ha superado en permanencia a la pareja sentimental que un día fueron los coreógrafos. Y aunque es el creador británico el director artístico titular del Nederlans Dans Theater (NDT), da la sensación de que es también el tándem el que lleva las riendas del potente colectivo holandés, que fuera impulsado durante 20 años por Jiri Kylián. El díptico Sehnsucht / Schmetterling, con el que se presentaron en el madrileño Teatro Real, es ilustrativo de su peculiar estilo. Son obras recientes unidas tal vez por su intención de alzarse como melancólicos paisajes interiores llenos de humanidad, en las que hay claros ecos de sus trabajos anteriores para el NDT. Se verifican en Sehnsucht (Nostalgia) claras referencias a Shoot the Moon (2006), con esa casa giratoria, mientras que el deslumbrante ciclorama final

de Schmetterling (Mariposa) trae ecos del utilizado en Silent Screen (2005), obra que también se vio en el coso madrileño. De carácter intimista, la primera del díptico presenta una pareja ahogada por las rutinas en una casa giratoria que confunde techo con suelo y les obliga a vivir en peligroso equilibrio, mientras fuera está la libertad quizá soñada por ella, representada por un potente cuerpo de baile. De extremado lirismo y capacidad poética, la pieza contrasta con la oscura Schmetterling, menos lograda en tanto que parte de una fórmula coreográfica más previsible, repetitiva y fácil, con demasiados gestos y muecas, palabras innecesarias y excesos teatrales aunque, una vez más, su ingenioso dispositivo escénico, portales negros de ecos filosóficos que van conduciendo hacia un bucólico y espectacular paisaje, vuelva a ser al unísono elemento sorpresa y clave estética de la propuesta. Como es usual, el equipo de bailarines del NDT defiende con brío, emoción y buena técnica las dos creaciones de Lightfoot/León, hoy pareja coreográfica perfectamente consolidada y plena. AA

Les Ballets Jazz de Montreal apareció sorpresivamente en el festival madrileño Los Veranos de la Villa, cada vez con menos presencia de danza y muy escasa promoción para sus invitados. Fundada en 1972 y desde 1998 bajo la dirección de Louis Robitaille, BJM es una potente compañía de repertorio muy atenta a jóvenes y nuevos coreógrafos. Buena muestra es el programa de tres estilos que trajeron, conformado por el delicado dueto Zero in On, curiosa miniatura del coreógrafo español Cayetano Soto, tristemente poco conocido por aquí. Sorprendente en su colorido y sentido del humor, Harry es una muestra representativa de ese teatral y personal estilo muy en deuda con la nueva danza de Israel del creador americano-israelí Barack Marshall. No obstante, la sorpresa fue Kosmos, del creador heleno Andonis Foniadakis, que levanta una coreografía de ritmo trepidante, con ecos tribales pero de carácter marcadamente urbano, para el eficaz grupo quebequense que responde a las exigencias de velocidad, destreza y gracia requeridas por el coreógrafo, que cierra con una secuencia cercana a la ciencia-ficción con un sencillo pero eficaz efecto visual a lo matrix, con el que se permite hacer su propia reflexión sobre la contrastada serenidad del cosmos. aa

Titoyaya

La compañía valenciana, en La metamorfosis, de Gustavo Ramírez.

Dantzaldia

vibra bilbao Una atractiva programación da forma al relevante festival bilbaíno Texto_carlos a. gómez

foto_IGNACIO URRUTIA

Cita imprescindible del otoño en Bilbao, el festival Dantzaldia, iniciativa de la Fundición, regresa este año con buenas vibraciones y un interesante puñado de apuestas que terminan dibujando una atractiva y coherente programación de danza contemporánea que podrá apreciarse del 23 de septiembre al 13 de diciembre en distintos teatros y espacios de la ciudad. El Nuevo Flamenco adquiere protagonismo. Juan Carlos Lérida, incansable investigador anclado en Barcelona, estrena aquí su propuesta

Bailografías (21 y 22 de noviembre), al tiempo que, desde Valencia, Spin Off Dance presenta Persona (10 y 11 de octubre) y la sevillana Belén Maya, destacada exponente de los nuevos rumbos del flamenco de vanguardia, llega con su aplaudida Ya! (5 de diciembre). La reposición del desgarrador dueto Olëlés, que supone un conmovedor duelo interpretativo entre el catalán Jordi Cortés y el vasco Damián Muñoz, destaca también en la oferta del festival, que clausura con la poética y virtuosa Caída libre, de Sharon Fridman (13 de diciembre). Propuestas de Tania Arias, Ayelen Parolin (ver pág. 13) y Dimo Kirilov (ver pág. 33) terminan de dar forma este año al Dantzaldia.Ñ www.dantzaldia.org

Misión Inversa 2

Visibilidad La AVED ha desplegado sU ‘SHOWCASE’ de compañías valencianas con la idea de conseguir proyección para la danza de la región. Texto_omar khan

Caída libre

Sharon Fridman lleva a Bilbao su emocionante nueva creación.

La danza valenciana no es ajena a los mismos problemas de visibilidad que padecen las producciones de otras comunidades autónomas. Es una problemática común que pasa por sortear un complejo y a veces poco entendible entramado burocrático donde convergen intereses diversos no siempre vinculados a la excelencia y calidad en lo artístico, que impide la proyección más allá del entorno propio.

Consciente de estas dificultades, Ana Extremiana, desde la presidencia de Asociación Valenciana de Empresas de Danza (AVED), ha puesto en marcha Misión Inversa, un paliativo que siguiendo la lógica de Mahoma y la montaña, abre su convocatoria a programadores, directores de festivales, circuitos y teatros, nacionales e internacionales, para reunirlos en Valencia y mostrarles los trabajos de sus compañías en jornadas intensas de dos días de exhibición, encuentro y reflexión. La segunda edición de esta plataforma se celebró en mayo pasado, desvelando en su showcase extractos de los nuevos trabajos de Fil d’Arena, Taiat, La Coja Dansa, Mou Dansa, Moments Arts, La Siamesa, Titoyaya, Malarte, Marea Danza, Otra Danza,

AYK y Cienfuegos Danza, una docena de compañías regionales que pudieron demostrar a los invitados foráneos el abanico de estilos, inquietudes y posibilidades de la danza que se hace en esta comunidad, que va desde lo experimental, pasando por el neoclásico, el gesto urbano, el nuevo flamenco o la danza para público familiar, desplegadas en un puñado de propuestas de gran diversidad estilística y temática, capaces de encajar en gustos muy variados. Destacaron, cómo no, las propuestas de las compañías más veteranas. El ingenio de No Half Measures, nuevo trabajo de Taiat en acertada colaboración con Manuel Rodríguez; el elegante rigor neoclásico de Retrato de Oscar Wilde, de Gustavo Ramírez Sansano para Titoyaya;

la investigación corporal tribal de Eva y Adán, nueva creación para público familiar de Asun Noales de Otra Danza; el gesto desenfadado y experimental de Santi de la Fuente, en el unipersonal Lladruc para su compañía La Coja Dansa, o la renovadora y visualmente potente reinvención del clásico La siesta del fauno por parte de Joshua Cienfuegos, ofrecieron un positivo panorama de la diversidad dancística valenciana junto a propuestas de otras agrupaciones y coreógrafos, emergentes y no tanto, que con mayor o menor tino están inmersos en investigaciones y búsquedas propias muy lícitas. Un panorama en conjunto alentador, que desde luego merece una visibilidad y proyección más allá de sus propias fronteras.Ñ

CND / José Carlos Martínez

En un lugar de la danza…

La Compañía Nacional de Danza se enfrenta por vez primera a un ballet académico completo. El ‘Don Quijote’ de José Carlos Martínez quiere huir de los clichés exóticos del original ruso para aproximarse a una España más auténtica. Con esta producción de envergadura aspira a consolidar en la compañía una vertiente clásica que logre convivir con la danza contemporánea, ya asentada en el ente público. Texto_OMAR KHAN

fotos_jesús vallinas

Caballero clásico

José Carlos Martínez estrena su propio Don Quijote, implantando así el añorado ballet clásico en el repertorio de la CND.

Carmen

Moderna, personal y estilizada, la Carmen del sueco Johan Inger para la CND tiene un aire de contención nórdica.

Supone Don Quijote un reto superlativo para cualquier compañía clásica. Legada por Marius Petipa desde su reinado en el ballet imperial ruso, esta fantasía española estrenada en 1869 intentaba traer el ballet académico a la tierra y a los asuntos terrenales en contraposición al etéreo y fantasmal mundo del Romanticismo entonces en boga. Desde su estreno hasta hoy, ha fascinado a toda clase de audiencias especialmente por sus exigencias técnicas pero también por su festivo aire exótico sacado de un episodio del libro fundamental de Cervantes. Petipa no dudó en recurrir y echar mano a todos los clichés españoles contabilizados para insertarlos en este ballet de enredo amoroso que, como todos los suyos, iba a deslumbrar por su espectacularidad. Pero a José Carlos Martínez, que es de Murcia y lo bailó en distintas versiones cuando era estrella del Ballet de la Ópera de París, siempre le pareció que aquella era una mirada un poco estereotipada de España y lo español. Y ahora, tras casi cuatro años al frente de la Compañía Nacional de Danza, decide abordar finalmente una producción entera de ballet y lo hace con un Quijote propio, que aspira a ser auténticamente español. “No tiene nada revolucionario”, advierte de su versión, que tendrá estreno absoluto este diciembre en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid. “De hecho, el propósito es volver hacia la tradición. Los rusos se han ido a lo fácil con su visión rusa y han acudido a los clichés, pero estamos en España y a España quiero traerlo. Las seguiriyas aquí son más seguiriyas, el fandango más fandango y los toreros no llevan esos ridículos pañuelos sino capotes reales que, por cierto, pesan dos kilos y medio. Voy a ir más a Cervantes, donde no hay ninguna Kitri sino Quiteria, que es como se llama la protagonista. He querido quitarle parodia española y le he suprimido toda esa pantomima. Es un ballet que conozco, lo bailé mucho en la Ópera de París. Hice el de Nuréyev pero también otros, y eso me permite ahora hacer una síntesis de lo mejor de cada uno”.

Hacer Don Quijote supone una hazaña de producción dentro de los parámetros usuales de la CND, que nunca se había enfrentado a un ballet clásico completo. Admite José Carlos Martínez que no será tan espectacular como las producciones rusas o francesas, no tanto por presupuesto como por la necesidad de aligerarlo para poder girar, pero sí de una magnitud muy por encima de lo habitual en esta compañía que, antes de estar en sus manos, pasó 20 años bajo la óptica neoclásica y contemporánea de Nacho Duato. “Aquí no hay costumbre de hacer producciones enteras, nunca hemos

“En mi Quijote las seguiriyas son más seguiriyas, el fandango más fandango y los toreros no llevan esos ridículos pañuelos sino capotes reales.” josé carlos martínez hecho algo tan grande y eso es un cambio importante. Para mí, en lo personal, será también difícil, pues debo compaginar el montaje con la dirección de la compañía, ser al mismo tiempo coreógrafo y director. Lo hago yo porque no puedo comprar una versión ya hecha. El montaje tiene que estar muy adaptado a las posibilidades de la compañía en este momento y forma parte del proyecto pedagógico de la CND, que es muy importante”.

CND clásica

Será también un momento largamente esperado por una parte del público, esos aficionados al ballet que reclamaban títulos como Don Quijote en el repertorio de la CND. Era un estreno como éste, justamente, lo que muchos esperaban hace cuatro años cuando José Carlos Martínez asumió la dirección artística del ente público, creando mucha expectación entre ellos dada su procedencia del Ballet de Ò

la Ópera de París, casa para muchos todavía vinculada a la tradición académica aunque su realidad actual es que es un colectivo versátil, capaz de abordar clásicos con igual soltura, desenvolvimiento y profesionalismo que neoclásicos, contemporáneos y vanguardistas, un modelo de compañía ecléctica y flexible que Martínez ha tenido en mente desde su llegada a la CND pero que le ha tomado tres temporadas modelar. Poco a poco fue consolidando la CND clásica, que se inició con pequeños duetos y solos, creció con el montaje de las suites de Paquita y justamente Don Quijote, que fue lógico preámbulo a esta primera producción completa de ballet. Pero de manera paralela, la CND seguía su tránsito habitual estrenando obras de contemporáneos como Ohad Naharin, Jiri Kylián o Mats Ek, vanguardistas en puntas como Forsythe o precursores contemporáneos como Balanchine, al tiempo que se fortalecía una línea muy importante de nueva creación, con encargos a coreógrafos tan diferentes entre sí como Goyo Montero, Marcos Morau, de La Veronal, que les montó la fascinante Nippon-Koku, o más recientemente el sueco Johan Inger, que les ha hecho una elegante Carmen más bien nórdica y aséptica, despojada de todo cliché sevillano. “Fue raro llegar a una compañía que no tenía repertorio ni giras”, rememora hoy José Carlos Martínez, que recibió una compañía que ya no podía bailar las piezas de Duato “así que la primera tarea fue construir un repertorio para poder movernos. Fue arduo pero evolucionó rápidamente y hoy hemos llegado al máximo de lo que podemos hacer con los medios que tenemos”. Sin embargo, este nuevo ritmo ha traído nuevas problemáticas. “Ahora empezamos a ver los límites. Las giras internacionales de la nueva temporada están todas cubiertas y no podemos hacer más. Tenemos además el problema de que aquí se pagan las horas extras con tiempo libre y lo que veo, y me inquieta, es que no hay posibilidades de evolución con limitaciones como esas. Es un problema de estructura interna. A lo mejor es que quiero hacer

demasiado, pero hemos pasado de tener 36 funciones el primer año a 75 en éste último. Nuestra producción de Carmen tiene agenda hasta el 2018 y aún sin estrenar ya tenemos gran demanda para Don Quijote. La verdad es que no era mi idea de la CND… todo esto es nuevo. Necesito que los bailarines crezcan en todos los sentidos pero eso supone que debo limitar el número de actuaciones. Claro que esta situación es consecuencia de lo sembrado y ahora probablemente la solución sea una reestructuración”.

“Al principio los amantes de la danza clásica, que sabían que yo venía de la Ópera de París, salían decepcionados porque, en realidad, seguíamos con lo que había antes.” josé carlos martínez Paliativos a la nueva situación están en marcha, pero asegura que aún no puede concretar porque nada ha sido confirmado oficialmente. “Existe la posibilidad de tener una sede estable, un teatro donde pueda programar dos o tres estrenos con muchísima antelación. Estamos cerca de tenerlo, se va viendo la solución pero aun no puedo dar detalles. Es algo que nos dará soluciones, permitirá por ejemplo contratar coreógrafos internacionales con fechas cerradas, porque uno de los problemas con los artistas de este nivel es que tienen agendas muy complicadas y a muy largo plazo”.

Bifurcación

La inminencia de un estreno como Don Quijote hace saltar otra reflexión, relacionada ahora con la naturaleza misma de la CND. Había falta de consenso sobre lo que debería ser, y esa encrucijada fue razón de peso en la salida de Nacho Duato. La llegada de Martínez, contraria a los pronósticos, dio y

sigue dando continuidad a la línea conocida, muy bien respaldado por un público que ha aplaudido (en no pocos casos de pie) propuestas rabiosamente contemporáneas, algunas de riesgo como Nippon- Koku, al tiempo que un público potencial ausente les desdeñaba por ignorar los clásicos. La implementación gradual de repertorio académico, consolidada ahora con la irrupción del caballero Don Quijote, ha ido conquistando a los que le daban la espalda pero ha producido un sesgo, dividiendo a una audiencia que probablemente ahora no sabe muy bien si va a encontrarse con la Carmen de toda la vida con su flor entre los dientes o si le presentarán un Sancho Panza posmoderno del siglo XXI. Los mecanismos de comunicación de la CND en esta nueva etapa han hecho un esfuerzo notable de palabra e imagen para dar orientación en este sentido, pero su público está fragmentado y José Carlos Martínez lo sabe. “Al principio fue más complicado”, admite. “Los amantes de la danza clásica, que sabían que yo venía de la Ópera de París, salían decepcionados porque, en realidad, seguíamos con lo que había antes. Hoy tenemos ya muy desarrollada la línea de trabajo hacia el clásico. Estrenaremos Don Quijote pero no abandonamos lo vanguardista. Todo esto es complejo, lleva su tiempo. Con el estreno de Minus 16 [del coreógrafo israelí Ohad Naharin] sentimos por primera vez que el público del ballet rompía esa barrera y nos decía ‘esto sí me gusta’. Y quiero seguir esa línea de encontrar piezas que sean vasos comunicantes, pero no es fácil hacerlo, son dos cosas diferentes y el público está fraccionado, me doy cuenta”. Probablemente ya sabe que puede conquistar a los dos pero ideal sería tener masivamente a uno solo. “Mi sueño sería que toda la gente viniera a ver ambas cosas sin distinción, pero entiendo que son muy distintas, incluso desde dentro. Al principio pensé que tendríamos bailarines versátiles pero me he dado cuenta de que eso es posible hasta cierto punto. Yo ahora mismo tengo tres perfiles de bailarín: el

Quijotescos

Los bailarines de la CND se enfrentan a un reto superlativo al montar Don Quijote, su primer ballet completo.

contemporáneo, el clásico y el versátil, donde hay muchos que siendo clásicos se abren con facilidad al contemporáneo, pero cuando los coreógrafos invitados seleccionan sus elencos se llevan a los contemporáneos y no cogen a los demás. No es un problema de que los clásicos no quieran, es que no los seleccionan”. Por lo demás, la nueva temporada diseñada

danza e ilustración

desbordados #ilustradanza, impulsado por el festival Ilustratour en colaboración con la CND, apostó el pasado verano por llevar la danza a las artes plásticas y buscar el desbordamiento

por José Carlos Martínez para la CND insiste en esta línea de eclecticismo. Por un lado, estrenará obras de dos relevantes innovadores del ballet: Jerome Robbins, de quien repondrá The Night, y William Forsythe, un habitual de su repertorio, con Vertiginous, al tiempo que se estrenará también una creación exclusiva de Dimo Kirilov. Volverán al Teatro Real madrileño y al Teatre El Liceu barcelonés, donde harán un programa en homenaje a Granados. También se intensifican las giras internacionales con compromisos este mismo septiembre en el Festival Le Temps D’Aimer, de Biarritz, en Francia, y posteriormente teatros de Bari, Cagliari, San Sebastián, Cannes, Alcobendas, Estambul, Friedrischafen, Valencia, Sant Cugat del Vallés, Bilbao, Granada, Génova, Milán y Sevilla, entre otros.Ñ

“¿Si yo me muevo, mis dibujos se mueven conmigo?”. Con esta sugerente pregunta arrancaba Remover para ilustrar, un taller de danza y dibujo que tuvo lugar el verano pasado en la sede de la Compañía Nacional de Danza, a cargo de la ilustradora María Pascual y la bailarina y coreógrafa Irene Cantero. Enmarcado dentro del proyecto #ilustradanza, fue una de las iniciativas más originales de la 8ª edición de Ilustratour, un festival de ilustración que decidió coquetear con el movimiento para trasladar sus efectos al universo de la creación gráfica. El resultado: una demostración de que en los territorios fronterizos se descubren nuevos caminos creativos. Y se abren nuevos espacios de reflexión muy oportunos en esta sociedad de la imagen y del culto al cuerpo en la que, sin embargo, no entrenamos nuestra cultura visual ni nuestra conciencia corporal. Para María Pascual, “entender que cuerpo y mente forman un todo nos permite acceder a niveles mucho más profundos. Pero en general arrastramos nuestros cuerpos como carcasas sin habitarlos, sin conocerlos ni cuidarlos. Además, consumimos imágenes que nos bombardean constantemente sin que nos dé tiempo a digerirlas. Es importantísimo recuperar su valor como transmisoras cargadas de significado”. El taller, dirigido a ilustradores sin apenas experiencia previa en danza, proponía experimentar con el movimiento y el cuerpo para llevar esas sensaciones al dibujo, desarrollando “ejercicios mixtos donde se exploraba desde el dibujo hacia el cuerpo o viceversa”, según explicaba Irene Cantero. Al final, todos los participantes coincidían: el acercamiento a la danza es una experiencia transformadora. Según María Pascual, “trabajar el movimiento plásticamente deja a un lado lo aprendido mecánicamente, el lado más academicista. Facilita encuentros, estimula los sentidos y rompe corazas”. Detrás de estas iniciativas, además de un trabajo de exploración creativa, también hay un afán divulgativo: el de llevar la danza a territorios en los que no suele estar presente. Para José Carlos Martínez, director artístico de la CND, “es uno de esos programas que nos permite que la gente se acerque y nos ayuda a erradicar ideas equivocadas que muchas veces se tienen sobre la danza. Este tipo de encuentro entre las artes es el que queremos desarrollar. Nos interesa que la CND sea un motor de danza en un sentido completo, que desarrolle su función social”. Proyectos como este vienen a cubrir una laguna en nuestro sistema educativo, que no solo es deficitario en la formación en artes sino también en lo que podríamos entender como una formación integral, permeable a las mezclas y alejado de la excesiva especialización que nos compartimenta. Casos como #aprendanza (desarrollado por LÓVA en colaboración con la CND y dirigido a docentes), el Aula de Danza de la UC3M (con laboratorios de danza y robótica) o La Buena Aventura en Málaga, son solo algunos de estos proyectos que apuestan por la mezcla y en donde la danza tiene un poder transformador que esperamos siga generando desbordamientos. SABELA MENDOZA FERNÁNDEZ

enb

60 cisnes Tamara Rojo irrumpe en el Liceu barcelonés con una espectacular versión de ‘El lago de los cisnes’.

La espectacular versión de El lago de los cisnes del English National Ballet (ENB) le ha llegado como herencia a Tamara Rojo, actual directora artística del colectivo inglés. Fue estrenada en 1997 por el británico Derek Dean, entonces al frente de la célebre agrupación londinense, y se dice que su versión ha sido vista (y ovacionada) por más de medio millón de espectadores del mundo que salen fascinados de este espectáculo que alardea de sus 60 cisnes, rocía de humo la escena perfectamente iluminada de tonos azules y tiene ahora el aliciente de contar con la mismísima Rojo en el doble papel

de Odette/Odile, que ha sido uno de sus roles más celebrados. Le toca en suerte a Barcelona estrenar en el Teatre El Liceu esta producción, que encaja perfecta en la línea y espíritu que la bailarina española, ahora gerente, ha querido imprimir al ENB que, en sus manos, se ha renovado por completo. Aparte de una vertiente de nueva creación, para la que ha citado a artistas tan distintos como Akram Khan o Liam Scarlett, intenta traer a nuestros tiempos títulos del repertorio. Su espectacular Corsario coincide en grandiosidad escénica con este Lago…, que ya estaba allí pero responde perfectamente a su nueva línea de programación.Ñ English National Ballet. El lago de los cisnes. Teatre El Liceu (Barcelona). Del 16 al 20 de septiembre. www.licubarcelona.cat

www.acuerpodebaile.com

CND. Don Quijote, de José Carlos Martínez. Teatro de la Zarzuela (Madrid). Del 16 de diciembre de 2015 al 3 de enero de 2016. www.cndanza.mcu.es

Tamara Rojo.

DV8 Physical Theater

La verdad incómoda

El Festival de Otoño a Primavera de Madrid inaugura con ‘John’, la más reciente producción de Lloyd Newson para su agrupación británica DV8. En la línea de sus producciones anteriores, el creador vuelve sobre la homosexualidad, un tema muy recurrente de su obra. Jordi Sora reflexiona para nosotros sobre el brutal trasfondo social de esta nueva creación.

Texto_JORDI SORA foto_STAVROS PETROPOULOS

El protagonista de la última historia de DV8 es John. Tras una vida marcada por la violencia, la cárcel y la politoxicomanía, arrastra su cuerpo por saunas masculinas en búsqueda de afecto. Obra concreta y muy personal de Lloyd Newson, se basa en la biografía de uno de los 50 hombres con los que se entrevistó en su investigación previa. El tema de la homosexualidad nuevamente en escena. También el de la libertad. Bailar como acto político. Así es como este polémico coreógrafo plantea su nueva producción. Danza para la reflexión sobre lo personal y lo social. Ahí está para demostrarlo su brillante obra anterior: Can we talk about this? La irrupción de la violencia que en nombre del islam algunos ejercen y las consecuencias para la libertad de expresión. Una imposición a fuego lento sobre costumbres y moral. Se preguntaba por qué estamos tolerando principios que amenazan directamente nuestros valores democráticos. Muchos descubrimos, gracias a ese grito bailado, que algunos países están intentando introducir en la ONU la persecución de la blasfemia entre los delitos contra la humanidad. ¿Se lo imaginan? El Estado contra quien reniegue de los dioses. Quizá por eso en las obras de DV8 no hay línea de separación entre lo personal y lo colectivo, pues son ámbitos imposibles de discernir: no hay libertad individual sin contexto que lo permita. Y el teatro puede ser un magnífico espacio para explicar estas cosas.

El personaje central de John encarna a la perfección esa particular relación. Pero ya no se trata solo de señalarla como una cuestión de necesidad. Va un poco más allá. Sin una vida segura, que pasa por un entorno familiar afectivo, una educación de calidad y una atención social adecuada, es imposible el desarrollo integral de las personas. Y de nuevo Lloyd Newson se encarga de dibujar sobre el escenario, con el mayor realismo y sin tapujos, las consecuencias emocionales y físicas de las injusticias que genera nuestra sociedad. Junto con To be straight with you, pieza del 2007 que aborda la cuestión gay desde el punto de vista del encaje de la propia identidad sexual, nos encontramos frente a la trilogía de la libertad. Para John la solución escenográfica es una plataforma circular que durante la función permite la entrada y salida de personajes diversos alrededor del protagonista. Puertas que se abren y cierran, sobre todo en sus narices, en un viaje desde su desgraciada adolescencia hasta los escarceos por las saunas. A través de imágenes fuertes, en las que la cuestión sobre el sexo domina la acción, lenguaje contundente, desnudos integrales y una iluminación mínima para realzar el dramatismo de las escenas, se ejemplifica las consecuencias de una vida (como tantas) que deberían haber sido distintas si nuestra moral colectiva realmente estuviera dispuesta al amor al prójimo. El impacto que todo ello genera sobre el espectador es muy alto. Y como siempre

se lleva a cabo también con la palabra, que no cesa, mientras jamás dejan de bailar. Ese movimiento que hace del discurso su eje vertebrador y que DV8 ha configurado en los últimos años como marca propia. El cuerpo que se expresa, atravesado por el dardo de la palabra. Bailarines del verbatim, danza-teatro de la realidad incómoda. Esa es la libertad que denuncia Lloyd Newson. Contra la que no garantiza la igualdad de oportunidades. Contra la sentencia fácil de lo diferente. Contra quienes no dudan en estigmatizar. Desde la mirada más personal, hacia lo colectivo. Frente a un teatro social que opina, sin conocer en profundidad. Que requiere de novedosas experiencias, sin haber consolidado una historia de lo representado. Que simplifica en bueno o malo. Que no duda en ignorar. Nada está a salvo en nuestro mundo, parece que nos advierte Lloyd Newson, si no estamos dispuestos a cuestionarlo todo. Si no somos capaces de entender su complejidad. Si no aceptamos nuestra indigencia emocional y la situamos, de nuevo, en el centro de las relaciones personales.Ñ DV8 Physical Theater. John, de Lloyd Newson. Del 15 al 17 de octubre. Festival de Otoño a Primavera. Teatros del Canal (Madrid). www.teatroscanal.com

Sauna y sexo

Lloyd Newson aborda la homosexualidad, en John.

control e influencia sobre los creadores. Tenía que aparecer algo fresco de nuevo. Excepto Cunningham, todo parecía un poco fuera de su tiempo. No quiero ser agresivo pero todo se volvía de pronto muy antiguo. La experimentación era forzada y ¿qué podíamos hacer? Lo que teníamos era la idea de tener una nueva idea. Eso es lo que buscábamos en Judson. Era un laboratorio y empezamos a mirar el cuerpo y el movimiento ordinarios… ¿Qué significa?, ¿qué hábitos tiene?, ¿cómo representa a la cultura? Reflexionamos sobre la idea de estar dentro de una forma artística que es el cuerpo mismo”.

improvisador

50 años después, Steve Paxton, creador del contactimprovisation, sigue defendiendo su idea de danza en libertad.

Técnica.

“La técnica lo que hace es simplificar el movimiento. Si prestas atención, el ballet es un ejemplo de simplicidad, donde el tema es inútil y nos lo cuentan como si fuésemos niños, y la técnica es formal, precisa, preconcebida. Todo está marcado, todo está muerto. El jugo de la vida ha sido extraído y se ha convertido en una receta de vida y humanidad. Otras técnicas, como la de Cunningham, son convenciones que suponen una simplificación del movimiento ordinario. Él se inventó una convención a partir del movimiento cotidiano, algo muy seguro, y en cuanto a la composición encontró caminos que no implicaban continuidad con lo que en los cuarenta y cincuenta se creía que el arte de la danza debería ser. El entrenamiento era riguroso. No era ballet ni otro tipo de danza conocida pero al mismo tiempo no estaba muy lejos de estas prácticas. Así que en Judson empezamos a hacer nuestro propio trabajo y encontramos que la idea misma de la danza perdía toda su potencialidad debido a que respondía al modelo social de lo que se entendía por danza. Nuestra búsqueda en Judson fue una lucha. Era muy difícil abandonar la noción de la danza y llevar el cuerpo a su estado original”.

Steve Paxton

Contact Pilar de la danza contemporánea y creador de la difundida técnica del ‘Contact Improvisation’, el artista norteamericano vino invitado por el Museo Reina Sofía de Madrid en abril pasado. Se repuso su pieza ‘Bound’, que se verá esta temporada en París, y ofreció un memorable encuentro con el público, del que reproducimos extractos. Texto_ALBA ANZOLA FOTO_JORDI BOVER

Judson.

“Durante la segunda mitad del siglo pasado la danza institucional se había pasado de madura. La frescura e invención de la danza moderna que tenían los artistas de los cincuenta y sesenta empezaba a ser repetitiva y la parte institucional tenía

Cultura.

“Estábamos contaminados por la cultura, para lo bueno y para lo malo. John Cage, Rauschenberg, De Kooning, todos ellos estaban allí intentando conseguir la libertad. Pero la realidad es que no éramos libres. En esta sociedad todos tenemos que llevar ropa, no se nos permite

explorar otras posibilidades. John Cage fue una influencia. Los dos habíamos trabajado con Merce Cunningham y tuvimos una pelea monumental discutiendo acerca de si la gente era natural o no. Me sorprendía que pensara que

“La performance empieza y está viva. Acaba y está muerta. No sé mucho de danza contemporánea porque no soy un bailarín profesional” steve paxton la naturaleza estaba fuera de la gente, cuando mi investigación se centraba en buscar lo que de natural hay en las personas, lo que no es aprendido. Han pasado casi 50 años de aquella pelea y todavía hoy pienso en ello”.

Improvisación.

“La improvisación tiene que ver con la vida. ¿Podemos vivir sin la improvisación? Piensa en todo lo que has improvisado desde que saliste de casa hoy. La ropa que escogiste para venir. Cogiste un taxi o viniste andando. Paras a tomar un café o no. En la vida, vas improvisando, solucionando sobre la marcha. En la danza es igual. Improvisación es naturaleza. Mi primera improvisación fue en 1967 con el grupo de Grand Union y me di cuenta mientras trabajaba de que el inicio de todo estaba en el mismo momento en que estamos en el vientre de nuestra madre. Me hice preguntas como qué ocurre en el subconsciente cuando empiezas a caminar. Y entonces comprendí que la base del contact no es solamente artística, es genética”.

Evolución.

“Nadie sabe cuánta gente practica hoy el contact. Oigo historias asombrosas. Hay festivales y muchas actividades pero todo lo que veo es lo mismo que siempre fue. Cambian las maneras. Unos son como ninjas, practican

Aimless

Dimo Kirilov y Tamako Akiyama irrumpen con su dueto en Bilbao.

un contact-ninja, otros no son tan rápidos pero intentan ser atrevidos. No obstante, lo que importa sigue estando: el contacto, la búsqueda del otro, entender este entramado natural como una forma de danza. Te permite entrar en contacto con otros cuerpos y crear armonía en acciones simples como caer y levantarse, acciones que son el sustrato mismo del movimiento”.

Repertorio.

“A nadie le importa ya lo que hice o no en 1967. Eso es tiempo pasado. Yo solamente respondo a las invitaciones que me hacen pero no creo que volver a esas piezas de mi pasado sea una manera de preservarlas, es solamente volver a representarlas. La performance empieza y está viva. Acaba y está muerta. No sé mucho de danza contemporánea porque no soy un bailarín profesional”.

Museos.

“Creo que los museos se han interesado por la danza demasiado tarde, es un fenómeno de hace cuatro o cinco años. Y siento lástima. Un museo de Nueva York me invitó a crear una performance para 42 bailarines y querían controlar todo lo que ocurría por razones de seguridad, no sabían lidiar con humanos. Mis 42 intérpretes tenían que firmar un papel en el que se comprometían a no denunciar a la institución si se caían o se hacían daño. El museo no quería ninguna responsabilidad y se expresaba en unos términos legales arcaicos, técnicos y muy complicados. Y me empecé a pelear con el Departamento Legal, que es ese lugar que representa la paranoia de la institución. Yo solamente exigía un lenguaje sencillo y entendible. Les pregunté si pasaba algo malo por escribir el documento en un inglés asequible y les costó muchísimo liberarse de estas formas legales tan arcaicas. Entonces me di cuenta de que cualquier cosa humana que ocurra en un museo es amenazadora para la institución. Mientras estés allí, siempre te van a estar rondando vigilantes en estado de alerta”.Ñ

Ideal posmoderno

Improvisation

Los bailarines de la danza posmoderna estadounidense querían ser distintos. Provenían del tronco común de la danza moderna, que fue tan visionaria y transformadora, pero se había institucionalizado y convertido en un ámbito selectivo que rendía culto a fuertes personalidades individuales. Deseaban de nuevo ser abiertos y expansivos. La mayoría, intentó derribar conceptos y cambiar formas ya sistematizadas, y se convirtieron en artistas ubicados al margen de la danza establecida. A ellos pertenece Steve Paxton (Phoenix, Arizona, 1939), el creador que tras más de 50 años de profesión aún se mantiene unido a su ideal de siempre: ser un bailarín investigador, además de propiciador de espacios compartidos de exploración. Fue factor fundamental de las actividades de la Judson Memorial Church de Nueva York y de la Grand Union, míticos espacios de desarrollo de los principios de la danza posmoderna en Norteamérica durante los años sesenta y setenta del siglo XX, dentro de los cuales el Contact Improvisation, por él generado, se convirtió en base de sustentación de todo un pensamiento renovador sobre el cuerpo expresivo y comunicativo en el arte contemporáneo. A partir de los postulados de Merce Cunningham, John Cage y Robert Rauschenberg sobre movimiento, espacio y energía, que se concretaron en nuevos paradigmas escénicos y plásticos, Paxton formuló lo que algunos consideran una técnica y otros un método de aproximación al estudio de cuerpos unidos emocional y físicamente. ¿Qué le interesó y aún le interesa vivamente?: El Aikido, la meditación, la gimnasia, el arte abstracto, el trabajo de Simone Forti, y la gravedad que se experimenta en Nueva York. Steve Paxton cree en la función social del Contact Improvisation. “Claramente”, asegura, “interviene en la alterada vida física de los habitantes/prisioneros de las ciudades”. Aún activo, Paxton sigue fiel a los principios que le movieron a concretar el Contact Improvisation, un método de trabajo hoy fundamental en la danza contemporánea. Esta temporada, en el Festival de Otoño de París, el artista repone en el cuerpo del bailarín Jurij Konkar, su creación Bound (1982), una pieza en la que el coreógrafo indagaba en la idea de la composición aunque dominara siempre la libertad de acción. Es el mismo programa que el artista trajo en abril pasado al Museo de Arte Reina Sofía, de Madrid, institución que le rindió un merecido y necesario homenaje. CARLOS PAOLILLO Bound, de Steve Paxton. Theatre de la Ville (París). Del 22 al 27 de octubre. www.theatredelaville-paris.com

Dimo Kirilov

Nuevo rumbo Aimless, dueto creado por el bailarín y creador búlgaro para sí mismo y su pareja Tamako Akiyama, inaugura el Festival Dantzaldia, de Bilbao. Texto_alba anzola

Abandonó el bailarín búlgaro Dimo Kirilov la Compañía Nacional de Danza (CND) en 2009, en busca de nuevos rumbos creativos tras años bailando para Nacho Duato. La ovación y estupenda acogida recibida por su poético dueto Aimless (2013), quizá sea la fehaciente prueba de que tenía razón, de que se abre ante él un camino certero como coreógrafo. Ideado para sí mismo y para su pareja, la bailarina japonesa Tamako Akiyama, que recientemente también dejó la CND, Aimless sorprendió a crítica y

público en el Certamen Burgos New York, donde ganó, fue más tarde considerado uno de los momentos más emotivos y emocionantes de la gala del 350 aniversario de la CND, en Madrid, y ahora será el espectáculo inaugural del potente Festival Dantzaldia, de Bilbao. “Surgió de las ganas de trabajar con Tamako fuera de la CND y hacer algo íntimo y simple”, explica este bailarín que se formó en el Ballet de la Ópera de Sofía, su ciudad natal, y tuvo experiencias en el Ballet de Nancy antes de irrupción en Madrid, en 2001. “Más que buscar movimientos novedosos y espectaculares, quisimos concentrarnos en lo que pasa durante el recorrido de esos movimientos. Lo que quería expresar era solo el momento, la sensación de estar con alguien muy cercano”. Kirilov confiesa que hoy disfruta de la libertad que supone no estar atado a los designios de una

institución. A su creación Aimless le preceden trabajos a cuatro manos con Gentian Doda o una coreografía que montó para T.H.E. Dance Company, de Singapur. “Me fui de la CND porque sentía hambre de más. No quería simplemente obedecer a las correcciones de repetidores, creo que este trabajo tiene que ser una colaboración, trabajar en conjunto para una idea. No podía pretender que las cosas cambiaran para mi gusto y entendí entonces que me tenía que ir”, confiesa. No se fue muy lejos pero la situación cambió. No está dentro sino al lado, que es distinto. La misma CND, ahora bajo la dirección de José Carlos Martínez, le ha hecho un encargo que supone un voto de confianza a su talento coreográfico en expansión. En marzo del año próximo estrenará con ellos en el Teatre El Liceu, de Barcelona, Anhelos y tormentos, dentro de un programa en homenaje a Gra-

nados. “Es un desafío”, confiesa. “Por primera vez trabajaré con música de un compositor que yo no he elegido, y aunque a Granados lo conocía porque bailé Remansos, de Duato, es una novedad para mí. También supone una comodidad que no conocía hasta ahora. Suelo trabajar sin horarios, corriendo de un espacio a otro, haciendo trajes y decorados en casa y en muchos casos financiándolos. Todo esto tiene encanto, te da cierta libertad y disfruto haciéndolo, pero es un desgaste, así que ahora, en la CND, disfrutaré la oportunidad de concentrarme esencialmente en el trabajo creativo con los bailarines y dejar la producción a los profesionales”, concluye. (Más información en pág. 18).Ñ Aimless. Dimo Kirilov/Tamako Akiyama. 23 de septiembre. Inauguración Festival Dantzaldia. Sala Rekalde (Bilbao). www.dantzaldia.org

mes de danza

danzas para ti La cita sevillana con la nueva danza rinde este año homenaje al público. María González, directora del festival, desvela pormenores de este encuentro plural que llena de baile teatros y calles de la capital andaluza desde hace más de dos décadas. Texto_omar khan

raquel madrid

La joven creadora andaluza estará de estreno absoluto en el Mes de Danza, con su propuesta Hay cuerpos que se olvidan.

“Nada de esto tiene sentido sin la presencia del público”, asegura distendida María González, directora del Mes de Danza de Sevilla, que ha decidido rendir homenaje a los espectadores en su 22a edición, que se celebrará del 29 de octubre al 8 de noviembre en teatros y espacios singulares de la capital andaluza. El espectáculo de inauguración será ejemplar de sus intenciones. Multitud, de la creadora uruguaya Tamara Cubas, pondrá a bailar a cerca de un centenar de ciudadanos en la concurrida Avenida de la Constitución. “Me pareció una propuesta política y socialmente interesante, que necesita entre 40 y 80 voluntarios que van a trabajar ocho días con la artista. Pero hay en el festival otra propuesta, Admirando a la cheikha, de Marta Izquierdo, que también requiere voluntarios. Fue un poco a partir de estas dos creaciones, aunque no haya conexión directa entre ellas, lo que hizo que este año dedicáramos el festival al público bajo el lema Mes de Danza. Danza para ti”. Desde sus inicios, el festival ha sido siempre una plataforma generosa con la nueva creación andaluza y este año no es excepción. Voces nuevas y otras no tanto encuentran en estos días un escaparate para sus producciones. “Raquel Madrid presenta su obra Hay cuerpos que se olvidan, de estreno absoluto, y Álvaro Frutos, Mirra, una pieza producida hace dos años que no ha sido vista en Sevilla, al tiempo que Rocío Guzmán viene con Surrender, el resultado final del trabajo visto el año pasado como work in progress dentro de nuestro programa Creaciones en Proceso. En este mismo apartado, Natalia Giménez y Jorge Gallardo presentarán un adelanto de La obra vacía, una instalación coreográfica en la que participan varios bailarines andaluces. Me gusta siempre que el nuevo flamenco tenga presencia y este año contaremos con la bailaora Melisa Calero, que ha desarro-

llado Nostalgia, un principio sin final, una pieza corta que presentó hace tiempo como resultado de una investigación alrededor de la figura de Carmen Amaya”. Como es ya habitual, el programa de Danza en Espacios Singulares, hoy convertido en un importante reclamo del festival, también contará con abundante participación andaluza. “Laura Morales y Greta García, de Las hermanas Gestring, que es el dúo de moda,

“Carta blanca a... es una nueva iniciativa que nos permitirá tener conexión con otras comunidades autónomas con la idea de crear complicidades maría gonzález han escogido para estrenar su propuesta Ese de ahí te va a matar un tablao típico de turistas del Paseo Colón y Lucía Vásquez ha optado por estrenar su dueto Crumpled, hecho a cuatro manos con la artista japonesa Hala Saori, en el Museo de la Cerámica”. En espacios urbanos que ya son tradicionales del festival también habrá estrenos. Uno de ellos, Vetebral, un encargo al creador canario Daniel Abreu por parte del circuito Acieloabierto, que irá a la Universidad de Sevilla. Aprovechando su presencia, Abreu presentará en la Sala La Fundición su creación Silencio. Para María González es importante crear sinergías entre el festival y otras instituciones y eventos. Es una máxima que defiende en la creencia de que aunar esfuerzos es mejor opción que ir en solitario. De esta manera, la red Acieloabierto, que reúne festivales nacionales de danza en espacios urbanos, le aporta las propuestas Poskriptum, de

Physical Momentum Project, y Saba, de Lali Ayguadé, ambos de Cataluña, más Yellow Place, de La Kor’sia, de Madrid. La intención de profundizar más en estos intercambios y colaboraciones queda reafirmada con el surgimiento de Carta blanca a…, un nuevo ciclo permanente que invita a una casa ajena a programar en el Mes de Danza. “Es una nueva iniciativa que nos permitirá tener conexión con otras comunidades autónomas. Se trata de pedir a instituciones que nos programen desde su propio ámbito con la idea de crear complicidades. Este año hemos querido reivindicar un espacio como L’animal a l’esquena, de Cataluña, donde tiene sede la compañía Mal Pelo, que nos ha diseñado un programa en el que participarán, además de María Izquierdo, Albert Quesada, Olatz de Andrés y la propia María Muñoz, directora del centro y la compañía, que presentará Siete Lunas, con El Niño de Elche”. La compañía Da.Te Danza con su propuesta para niños ¿Cuál es mi nombre?; la acogida del evento Misión Inversa, un showcase de compañías de la región; el obligatorio festín de clausura Ahora bailo yo, relevante este año en el que el público es protagonista, y la presencia de la bailarina norteamericana Ruth Childs (ver página 41), sumado a los tradicionales talleres de escritura y fotografía, terminan de dar forma a esta nueva e intensa entrega del Mes de Danza.Ñ Mes de Danza. Del 29 de octubre al 8 de noviembre en distintos teatros y espacios de Sevilla. www.mesdedanza.es

escuela cubana de ballet

formación caribeña La cubana es la más joven de las grandes escuelas mundiales de ballet pero no la menos sólida. En la isla caribeña se gestó un ballet a la carta, hoy universal, adecuado a la fisonomía y sentir locales. Alicia Alonso fue su artífice y hoy la escuela es todo un referente.

Texto_carlos paolillo

La noción de escuela en el ámbito del ballet va más allá de un espacio físico donde se realizan actividades formativas, para llegar a una dimensión elevada y compleja. Una escuela de ballet también refiere a principios filosóficos, éticos, estéticos, técnicos y metodológicos, que orientan el desarrollo de este arte en un contexto social determinado. En este sentido, históricamente han sido establecidas las escuelas de ballet italiana, francesa, danesa y rusa, en el siglo XIX; e inglesa, estadounidense y cubana en el siglo XX. Diatribas aparte, estas cuentan con el reconocimiento general y han influído en todo el mundo. Cuba es caso singular. Aportó la última escuela de ballet de la centuria pasada. Sus cualidades vienen determinadas por el logro de un gesto universal a partir de visiones corporales locales, adecuado a particulares características anatómicas y modos culturales genuinos. El arte del ballet, de origen

europeo y cortesano, podía ser también una realidad concreta en una isla del Caribe, y dentro de un tiempo y un ordenamiento social distintos. Tal fue la convicción de quienes enunciaron los postulados fundamentales que la han inspirado.

“El arte del ballet, de origen europeo y cortesano, podía ser también una realidad concreta en una isla del Caribe, dentro de un tiempo y un ordenamiento social distintos” La Escuela Cubana de Ballet nace bajo la influencia de otras preexistentes, así como de sus propias aportaciones creativas. Su primer antecedente se ubica en 1931 con la

fundación de la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical, donde se formaron quienes serían los principales protagonistas de esta aventura que se avistaba sin certeza de futuro: Alicia, Fernando y Alberto Alonso. Así lo reiteran los estudios históricos sobre la génesis del ballet en Cuba. En 1948 se crea el Ballet Alicia Alonso y dos años después la academia que llevaría el mismo nombre, centro formativo donde se gestaría el método pedagógico de la Escuela Cubana de Ballet, destinado a proyectarse con fuerza. En los albores de la Revolución se crea la Escuela Elemental de Ballet Alejo Carpentier, orientada a la inserción de la danza clásica dentro de la educación básica oficial. En 1962 surge la Escuela Nacional de Arte, cuya primera especialidad fue el ballet dentro del nivel medio de educación formal. Su director fundador, Fernando Alonso, preparó a algunos de los bailarines del ahora llamado Ballet Nacional de Cuba,

puntas tropicales

Cuba ha conseguido la consolidación de la última gran escuela de ballet conocida.

Hoy en día, la Escuela Nacional de Ballet, dirigida por la reconocida maestra y metodóloga Ramona de Sáa Bello, tiene como sede un imponente edificio cuya construcción se remonta a 111 años; de estilo Renacimiento veneciano, diseñado por el arquitecto Arturo Amigó y ubicado en el Paseo del Prado de la Habana Vieja. Allí se encuentran reunidos todos los niveles de enseñanza, donde se imparte formación artística y docente, junto a la escolaridad formal, y se cursan las especialidades de ballet, repertorio, danzas de carácter, danzas de salón, dúo clásico, danzas españolas, folklore, maquillaje, técnicas de danza y acondicionamiento físico. Por la Escuela Cubana de Ballet hablan con elocuencia sus bailarines. Representa un hecho sorprendente, aunque no milagroso. Es el resultado del estudio, la investigación y la práctica constante desde hace más de 60 años, tras el logro de una expresión propia. El resultado son intérpretes y maestros, generalmente fuera de serie, de prestigio en todo el mundo. La verificación de su eficacia descansa en los aplaudidos cuerpos de los bailarines presentes y pasados del Ballet Nacional de Cuba y en los que han difundido y aún difunden sus principios en tierra firme, fuera de la isla.Ñ

20masdanza

fiesta canaria Masdanza, Festival Internacional de Canarias dirigido por Natalia Medina, celebra dos décadas de trayectoria. Texto_mercedes l. caballero

tradición cubana

El Ballet Nacional de Cuba (BNC) es, artísticamente hablando, una institución de grandes ambiciones. Los amplios alcances de su repertorio, la supremacía de sus primeros bailarines, la solidez de su cuerpo de baile, sus destacables capacidades de producción y su notable proyección internacional, la ubican como una compañía de características singulares, que procura preservar la tradición académica en el mundo contemporáneo. Ampliamente conocido y aplaudido en España, el BNC emprende este otoño su ya tradicional gira por nuestro país, presentando programa triple en Madrid, única ciudad que podrá ver su vertiente más contemporánea con el estreno de Celeste, encargo a la belga-colombiana Annabelle López-Ochoa, al tiempo que sus afamadas versiones de Don Quijote y El lago de los cisnes se verán alternadamente en Pamplona. Bilbao, San Sebastián y Barcelona, donde ofrecerán cinco funciones de lago. El BNC fue fundado hace 67 años, lo que le convierte en la tercera agrupación de ballet más antigua de América Latina, pero sin duda la más representativa e influyente de la región. Tiene en la mítica Alicia Alonso (La Habana, cerca de 1921) su voz ductora y su figura inspiradora. En ella, sobreviviente única de una estirpe de bailarinas históricas, se concentra la esencia del ballet cubano con sus características locales y universales. Hoy, el Ballet Nacional de Cuba recorre el mundo en nombre de quien es su fundadora y por varias décadas fuera su primera bailarina, avalado por la escuela artística que le sirve de asiento al prestigioso conjunto. Se trata de una compañía que sorprende por la diversidad de su repertorio y su énfasis en las reposiciones permanentes de los títulos más significativos del ballet del siglo XIX. Sus versiones integrales de las obras cumbres de los periodos romántico y clásico, se imponen en el gusto preferente de sus audiencias actuales. Junto a ellas, algunos encargos a coreógrafos de actualidad y también alguna creación olvidada en el tiempo. Los bailarines cubanos constituyen hoy en día un referente mundial. Donde quiera que se desempeñen, sus acciones reflejan al BNC como escuela trascendente y modelo estético que aún mantiene su vigencia. CARLOS PAOLILLO Ballet Nacional de Cuba. Teatros del Canal (Madrid). Del 16 al 20 de septiembre: Lago de los cisnes. Del 23 al 27 de septiembre: Carmen, La sílfide y Celeste. Del 30 de septiembre al 4 de octubre: Don Quijote. Centro Baluarte (Pamplona). 9 de octubre: Don Quijote. Palacio Euskalduna (Bilbao). 10 de octubre: Lago de los cisnes. Teatro Tívoli (Barcelona). Del 21 al 25 de octubre: El lago de los cisnes. Kursaal (San Sebastián). 7 de noviembre: El lago de los cisnes.

Apoyar la creación y colaborar en la difusión de la danza contemporánea del momento en Gran Canaria fue premisa y objetivo de Masdanza, festival nacido en San Bartolomé de Tirajana, al sur de la isla, que ha visto cómo a lo largo de estos años la danza se ha sumado a los diversos reclamos que este lugar contiene. Ideada y dirigida por la bailarina y coreógrafa canaria Natalia Medina, surgía la muestra con carácter eminentemente regional y la creación autóctona encontraba en esta iniciativa una plataforma para exponer trabajos y asomar discursos. La apuesta por la creación más joven

Dep

Creación de Dam Van Huynh, uno de los solos seleccionados.

foto_DOMINIK KOTOWSKI

“Los bailarines cubanos son un referente mundial. Donde quiera que se desempeñen sus acciones reflejan al BNC como escuela trascendente y modelo estético aún vigente”

ballet nacional de cuba

foto_alfredo cannatello

como el recurso docente necesario con miras a la formulación de una nueva metodología que pronto daría que hablar al ser divulgada en encuentros pedagógicos y concursos internacionales, hasta su reconocimiento pleno obtenido hacia mediados de los años setenta.

continúa siendo una máxima del festival, hoy convertido en principal plataforma para emergentes. Y esta cita con la danza más joven en Gran Canaria figura en los inicios de reconocidos creadores como Chevi Muraday, Daniel Abreu, Marcos Morau o Asier Zabaleta. Una natural evolución hizo que a partir de su sexta edición, tras haberse expandido a creaciones de todo el país, Masdanza se hiciera internacional comenzando a situarse en el amplio plano geográfico y dancístico en el que hoy se encuentra, concretado a través de diversos acuerdos de colaboración y residencias con otros eventos. Del 22 al 25 de octubre cumplirá 20 años. Y junto al certamen de solos y coreográfico para el que se han seleccionado 15 propuestas de siete nacionalidades diferentes (40 han sido los países representados en la muestra), se han puesto en marcha una serie de iniciativas, que además de involucrar a

quienes han pasado por el festival, cristalizarán en proyectos como el documental, libro y exposición, ya en marcha. “Cumplir 20 años ha sido ser consciente de estas dos décadas de trabajo. Un subidón de energía para continuar”, declara Natalia Medina. “Se trata de un número tan cerrado que me ha dado el estímulo para seguir trabajando con nuevos proyectos a largo plazo. Y me siento orgullosa de haber llegado hasta aquí junto al pequeño equipo que formamos”.

¿Qué destacaría de lo conseguido en estas dos décadas? La reflexión que hago es que Masdanza es un referente cultural, patrimonio de las Islas Canarias y la plataforma más internacional que tiene España ahora mismo, en cuanto a jóvenes creadores, por la cantidad de solicitudes que recibimos. Y cualquier persona que quiera saber qué esta pasando

en la danza contemporánea, tiene la posibilidad de saberlo con este festival.

¿Y han sido muchas las dificultades? Todas las ediciones tienen su lucha. Pero esas propias dificultades me han dado la fuerza para llegar hasta donde estoy. Porque te permiten reinventarte, crear nuevas redes, contactos, colaboraciones con gente que está en tu misma situación. Así que me quedo con todo lo bueno que ha salido de estos 20 años de festival. A fin de cuentas, hemos llegado aquí gracias a todos. Bailarines, creadores, público, instituciones y toda la gente que genera el proyecto.Ñ 20Masdanza. Del 22 al 25 de octubre, en distintos teatros y espacios de Maspalomas (Gran Canaria). www.masdanza.com

Una selección de lo más atractivo de la danza durante esta temporada en el mundo.

REVISTA DE DANZA

El Hispanic Ballet pone en marcha hasta el 13 de septiembre el Festival Internacional de Ballet de Miami, una de las más relevantes citas con el ballet en la soleada ciudad norteamericana que, con esta edición, celebra sus 20 años de permanencia, siempre bajo la dirección del coreógrafo y bailarín cubano Pedro Pablo Peña, que ha convocado un arsenal de propuestas de corte académico, que rematarán con una gala de clausura, en la que se espera una amplia representación internacional, destacando la presencia de nueve estrellas del Ballet de Corea del Sur. www.internationalballetfestival.org

Las hermanas Gestring,

susyQ suscripción

dueto conformado por las sevillanas Laura Morales y Greta García ultiman detalles de su nueva creación Ese de ahí te va a matar, que contará con Juan Luis Matilla, del colectivo Mopa, como maestro de ceremonias, en una premier enmarcada dentro del Mes de Danza sevillano y para la que han escogido como escenario un tablao típico de turistas del Paseo Colón (2 de noviembre). Muy activas, acaban

de llegar de Wittemberg, Alemania, donde se vio su obra breve de calle We’ll kill you. www.mesdedanza.es

Retour á Berratham es la nueva coreografía del prestigioso creador francés Angelin Preljocaj que, con este estreno para su compañía, en el Teatro Chaillot de París, festejará sus 30 años de trayectoria en la danza. Para la ocasión reúne en el escenario a actores y bailarines que se mueven bajo una escenografía de Adel Abdessemed y una puesta en escena creada a partir del texto Una tragedia épica contemporánea, de Laurent Mauvignier. Del 29 de septiembre al 3 de octubre en París. www.theatre-chaillot.fr

Capacitats

es el ciclo que se realizará en el Mercat de les Flors, de Barcelona, que dedica tres semanas a realizar eventos y encuentros en los que invita a la reflexión alrededor del binomio danza y discapacidad. Durante el evento se presentarán en su escenario dos propuestas. Por un lado, el italiano Alessandor Sciarroni estrena aquí su creación Aurora (6 al 8 de noviembre), que

21-10 // / 1-11

bilbao antzerkia dantza BILBOKO ANTZERKI ETA DANTZA GARAIKIDEAREN JAIALDIA FESTIVAL DE TEATRO Y DANZA CONTEMPORÁNEA DE BILBAO BILBAO FESTIVAL OF CONTEMPORARY THEATRE AND DANCE

Seis números por 20 € Para suscribirse haga un ingreso de 20€ (nacional), 35€ (Europa) o 45€ (resto del mundo) en la cuenta:

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Editorial Isadora, SL Bankia 2038 2294 15 6000100206 colocando en el concepto su nombre, y envíenos sus datos CND QUIJOTE (nombre, dirección postal a la que quiere que le llegue la revista, DV8 STEVE PAXTON LA HABANA e-mail y teléfono) por e-mail a suscripciones@susy-q.es, por carta a susyQ, Alameda 33, 28597 Fuentidueña de Tajo (Madrid) o llamando al teléfono 91 473 32 93. También por Paypal o tarjeta de crédito en www.susy-q.es Nº 55 ● 3,50 e ● susy-q.es

susyQ - Revista de danza es un producto de Editorial Isadora, SL Precio del ejemplar: 3,50€ Precio de la suscripción por un año (6 ejemplares): Nacional: 20,00€ - Europa: 35,00€ - Resto del mundo: 45,00€

habla sobre el paso del tiempo y aborda la temática de los deportes, y Thomas Noone, su propuesta de danza integrada para todos los públicos Just a Dancer 2 (31 de octubre), continuación de un trabajo estrenado en 2014. www.mercatflors.cat

La Veronal,

la compañía que dirige en Barcelona Marcos Morau debuta esta temporada en el prestigioso Sadler’s

Well, de Londres, dentro del no menos reputado festival Dance Umbrella. Proclamado en el programa como “indudablemente, uno de los más inteligentes creadores que han emergido en Europa en años recientes”, Morau estrenará allí los días 19 y 20 de octubre, Veronia, su reflexión sobre el mal, que fue vista en el Grec y volverá al Mercat de les Flors, en la ciudad condal, en marzo próximo. www.laveronal.com

mes de danza

relevo Ruth Childs repone en su cuerpo creaciones de su tía, Lucinda Childs, y La Ribot. Ambas pertenecen por derecho al mismo extremo de la danza de vanguardia pero provienen de distintos tiempos y hoy cada una ha evolucionado hacia distintos derroteros. La americana Lucinda Childs, que de artista experimental en la legendaria Judson Church saltó a ser emblema del minimalismo y la española La Ribot, que hizo de su cuerpo objeto en sus desestabilizadores solos, coincidían en la idea de querer traspasar el testigo de sus creaciones tempranas a nuevas generaciones y encontraron en la bailarina Ruth Childs, sobrina de Lucinda, el cuerpo inteligente que exigían sus creaciones

Foto_Nyima Leray

citas

Carnation (Childs, 1964) y Más distinguidas (La Ribot, 1997) para volver a la vida. La recuperación de este par de obras, claves en la trayectoria de ambas, desvelan las búsquedas iniciales de estas creadoras representativas de dos momentos históricos de rebelión de la danza. Su reposición dará una relevante dimensión histórica al Mes de Danza, de Sevilla, que ha convocado a Ruth Childs para representar este doble programa, que deja en evidencia las inquietudes comunes de sus autoras, que buscaron reconvertir en rigurosa danza el movimiento cotidiano en sus coreografías a veces absurdas y no exentas de humor. OK Ruth Childs. 6 y 7 de noviembre. Teatro Central (Sevilla). Más información del Mes de Danza, en página 34.

Ruth Childs, en Carnation.