Susy Q #57 Revista de Danza Ene-Feb 2016

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 57

la veronal

baja al infierno sidi larbi larumbe danza fernando hernando

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susyQ

HOMENAJE A GRANADOS

R E V I S T A D E D A N Z A 57

Editorial

Yo quiero una Casa de la Danza en Madrid

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

Foto: Jesús Vallinas

4 - 9 Marzo

COREOGRAFÍAS HOMENAJE A ENRIQUE GRANADOS Estreno THE VERTIGINOUS THRILL OF EXACTITUDE IN THE NIGHT RAYMONDA DIVERTIMENTO

Info

Dir. artístico José Carlos Martínez · Dir. musical José María Moreno Música Enrique Granados, Franz Schubert, Frédéric Chopin y Alexander Glazunov Coreografía Dimo Kirilov, William Forsythe, Jerome Robbins y José Carlos Martínez Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu · Piano Rosa Torres-Pardo

28

A partir de

10€

liceubarcelona.cat / 902 787 397

No tiene Madrid una Casa para la Danza. Existe en Barcelona.

La tiene Bogotá. Es institución reconocida en las grandes ciudades de los países nórdicos.

Y no es un capricho tenerla. No es un gesto posesivo ni egoísta sino una verdadera necesidad para un sector que, en la capital, vive a merced de los vaivenes de programación de teatros no siempre sensibles a la danza. A la peripecia burocrática y lenta de conseguir una subvención, le sigue la carencia de espacios para ensayos y encuentros y, finalmente, la dificultad de ser programados en su propia ciudad y en otras comunidades autónomas. Es un drama y ahora varios artistas y agentes culturales, animados quizá por la aparente apertura de las nuevas autoridades, han creado una plataforma reivindicativa llamada Yo Quiero una Casa de la Danza en Madrid, que servirá para gestionar frente al Ayuntamiento de la ciudad la creación de un espacio que sea la casa de todos los que hacemos la danza en esta ciudad. www.casadeladanzaenmadrid.com omar khan

contenidos

enerofebrero 16

04 Silicon Valley Ballet 06 Mata Hari. Het

30 sidi larbi cherkaoui

Nationale Ballet

08 Silicon Free. A B C D E F 09 Actualidad 14 Akram Khan 15 Críticas 18 Marcos Morau /

La Veronal. Con Voronia, la joven compañía catalana se aproxima a la idea del mal y del infierno castigador 26 Lali Ayguadé 28 Fernando Hernando

34 35 36 38

41 42

Regresa a Barcelona el cotizado credor belga, recientemente apuntado como director artístico del Royal Ballet de Flandres Obituario. Gloria Contreras Celebración. Alicia Alonso Hofesh Schechter Larumbe Danza. Veinte años cumple la compañía de la madrileña Coslada, que dirige Juan de Torres Citas El reto. Música y danza

Portada: Voronia, de La Veronal. Foto: Josep Aznar (entrevista en página 18).

Sobre estas líneas: Deus ex Machina (2010) montada para el NDTII, por Fernando Hernando (entrevista en página 28). Foto: Daisy Komen.

4

Silicon Valley Ballet

Californianos La compañía norteamericana, antes San José Cleveland Ballet, y ahora dirigida por el cubano José Manuel Carreño, emprende gira por Madrid, Oviedo y Santander.

Texto_CARLOS A. GÓMEZ

Muchos le recuerdan aún como el San José Cleveland Ballet, compañía norteamericana fundada en 1986 por Denis Nahat, coreógrafo de larga trayectoria que le imprimió un sello ecléctico a medio camino entre el clásico y el contemporáneo, lo que la convirtió, junto al San Francisco Ballet, en una de las más importantes de California. Hoy sigue siéndolo a pesar de haber sido reconvertida en el

Minus 16

Silicon Valley Ballet y esa misma línea heterogénea permanece bajo la nueva dirección artística, ahora en manos del retirado bailarín José Manuel Carreño (Cuba, 1968), que asumió el cargo en septiembre de 2014 y emprende estos días una breve gira española que les llevará a Madrid, Oviedo y Santander.

Carreño forma parte de las numerosas estrellas virtuosas salidas de las filas del Ballet Nacional de Cuba. Su carrera meteórica estuvo repartida entre tres de las casas de mayor prestigio internacional: el English National Bellet, el Royal Ballet londinense y el American Ballet Theater (ABT) de Nueva York, donde puso fin a sus días de estrella bailando por última vez el 3 de junio de 2011. Lo hizo interpretando El lago de los cisnes en un atiborrado Metropolitan Opera House, que aplaudió a rabiar la

El Silicon Valley Ballet trae una de las piezas más delirantes de Ohad Naharin.

última actuación de uno de los más cotizados bailarines legados al mundo por la escuela cubana.

Apartado de los escenarios pero no de la danza, Carreño aceptó entonces el reto de ponerse al frente del Silicon Valley Ballet y en España podremos conocer una muestra de su línea de programación con algunos pas de deux clásicos y obras de carácter más contemporáneo, fragmentos de una compacta programación que este año pondrá en pie, al completo, la Giselle de Alicia Alonso, en Silicon Valley.

Del repertorio académico bailarán por nuestro país los pasos a dos de Diana y Acteón y El corsario, del catálogo neoclásico interpretarán Who cares?, de Balanchine, y de creación contemporánea un título estrella del israelí Ohad Naharin, su delirante Minus 16. Adicionalmente les veremos bailar Glow

Stop, del finlandés Jorma Elo y Prism, obra que les montó Annabelle López Ochoa. Es una pena que no hayan podido solucionar los problemas de derechos de autor que les ha impedido traer Nuestros valses, del venezolano Vicente Nebrada, una verdadera y desconocida joya del ballet latinoamericano. En su lugar incluyen las piezas de Naharin y Balanchine, que tienen el handicap de haber sido vistas muy recientemente en España bailadas por la Compañía Nacional de Danza, con gran difusión y éxito.Ñ Silicon Valley Ballet. Palacio de Festivales de Cantabria (Santander), 23 de enero. Teatros del Canal (Madrid), del 28 al 31 de enero y Festival de Danza de Oviedo (Teatro Campoamor), 13 de febrero. www.siliconvalleyballet.org

07

06

MATA HARI

ESPÍA

Sin duda fascinante, la vida de Mata Hari está llena de invenciones, empezando por la exótica versión que se inventó ella misma para sobrevivir a la miseria. Nacida en 1876, en Holanda, como Margaretha Geertruida Zelle, quedó reconvertida para su beneficio en la princesa de Java Mata Hari, en un París encandilado por sus encantos de bailarina exótica. Su debilidad por los hombres de uniforme la llevó a la perdición y siendo cortesana habitual de militares de cualquier bando terminó, ingenuamente dicen algunos, pasando información de lado a lado durante la Primera Guerra Mundial, ganándose el calificativo de espía doble por el que los franceses la fusilaron en 1917, cuando era aún bella, a sus 41 años. Greta Garbo, Zsa Zsa Gábor, Marlène Dietrich, Jeanne Moreau, el mito erótico de los setenta Sylvia Kristel y Maruschka Detmers han llevado al cine la vida de la famosa espía, y ahora su historia se convierte en fastuoso ballet por iniciativa del coreógrafo Ted Brandsen, director artístico del Het Nationale Ballet, de Holanda que, junto a la libretista Janine Brogt y el compositor Tarik O’Reagan, ultiman detalles del inminente estreno en Ámsterdam. Adicionalmente, la compañía prepara su breve gira por España, pero no será con Mata Hari, sino con un programa dedicado a Hans van Manen que, entre ortos, irá a los Teatros del Canal de Madrid, en abril, y al Festival de Danza de Oviedo, en mayo. alba anzola Het Nationale Ballet. Mata Hari, de Ted Bransen. Dutch National Ópera Ballet (Ámsterdam).

Del 6 al 26 de febrero de 2016. www.operaballet.nl

Mata Hari

foto_PETROVSKY & RAMONE

Ted Brandsen, director del Ballet Nacional de Holanda monta un ballet sobre la célebre espía.

08

actualidad

Silicon Free

ABCDEF Los maestros y creadores Jeremy Nelson y Luis Lara MalvacÍas llevaron a La Caldera su proyecto de duetos sustentados en la improvisación. foto_PAUL GLAZIER

Improvisación Los creadores Jeremy Nelson y Luis Lara, y el compositor Ivo Bol, llevaron su propuesta a La Caldera.

En diciembre pasado los bailarines y coreógrafos Jeremy Nelson, de Nueva Zelanda, y el venezolano Luis Lara Malvacías mostraron sus piezas B y E en La Caldera de Barcelona.

Se trata de un fragmento de A B C D E F, un proyecto mayor conformado por seis duetos que giran alrededor de los temas de proceso y creación, y tienen al músico electrónico holandés Ivo Bol como colaborador. Otros dos duetos de la serie habían sido mostrados antes en el OT301, de Ámsterdam, siempre acompañados de un taller impartido por Nelson que, en Cataluña, formó parte del proyecto educativo MAP de la compañía Mudances.

Ante la fascinación por la fisicalidad que tienen estos dos creadores residentes en Nueva York quisimos saber qué cuerpos necesitan para desarrollar su propuesta. Para Lara Malvacías, un cuerpo inteligente es indispensable. “La conciencia física te dispone más a tomar decisiones. Te da cierto acceso a una fisicalidad más propia y ello prepara al performer para el desarrollo de ideas relacionadas con el cuerpo”. Por ello, ambos artistas comparten el presupuesto de que la preparación física lo que permite es estar abierto mental y físicamente para las exigencias creativas que se desprenden de la propuesta coreográfica. “El trabajo técnico que propongo se orienta a llevar tus pensamientos de nuevo a una plataforma mas física. La sensorialidad enriquece esta posibilidad de estar más abierto a cualquier proceso creativo. En general los entrenamientos más convencionales no dan este espacio de reflexión física, y ello sin duda afecta a la creatividad. Como maestro y creador no me interesa imponer ideas en

el cuerpo del otro”, asevera Nelson, reconocido por su larga trayectoria como maestro y actualmente parte del equipo docente de TISCH (Departamento de Danza de la Universidad de Nueva York).

Una estrategia alrededor de la improvisación es la base de A B C D E F. “El uso de improvisación es utilizado para crear material físico tomando como base este método que ha sido una constante en nuestro trabajo. Estos devices son: Resistencia, Demora, Acumulación y Movilización. Partiendo de estos cuatro elementos claves hemos creado scores de improvisación muy claros, y que proporcionan cierta libertad creativa”, explica Lara.

Por otro lado, para Ivo Bol, el trabajo de composición musical también implica improvisación y ello le permite contribuir con algunas ideas. “La improvisación es también un recurso que empleo en mis proyectos musicales, ello me da una plataforma común que comparto con ambos creadores”.

La agenda del 2016 y hasta el 2017 asoma proyectos en América, Dinamarca, Alemania, México, Nueva Zelanda y China, pero también incluye una vuelta a la intimidad así como una profundización en los preceptos que supone A B C D E F, que no es más que una plataforma para seguir investigando el cuerpo y recuperar así su significado.Ñ www.ivobol.nl www.laramalvacias.org www.jeremynelsondance.org

foto_Jesús Vallinas

Texto_MARÍA INÉS VILLASMIl

CND / Teatre El Liceu

A Granados

A lo mejor sin quererlo ha sido el maestro Enrique Granados un gran impulsor de la danza. Su música y musicalidad han inspirado cuerpos y coreografías a lo largo de todo el siglo pasado y justo parece ahora, cuando se cumplen 100 años de su muerte, que la danza le rinda un merecido homenaje. Así lo hará, por lo menos, la Compañía Nacional de Danza. José Carlos Martínez, su director artístico, ha diseñado especialmente para las presentaciones de la agrupación en el Teatre El Liceu, de Barcelona (del 4 al 9 de marzo) un programa muy especial que tiene como estrella el estreno absoluto de Anhelos y tormentos (en la foto), que ha encargado especialmente para la ocasión a Dimo Kirilov, quien ha trabajado sobre partituras del compositor.

Nada mejor que Schubert y Chopin para rendirle tributo a Granados. Por ello incluye The Vertiginous Thrill of Exactitude, de Forsythe, con música del primero e In the Night, de Jerome Robbins, a partir de un solo de piano de Chopin. Finalmente, cierra el programa el clásico Raymonda Divertimento, con música de Glazunov.Ñ www.liceubarcelona.cat

09

11

foto_Bernd Uhlig

foto_Miguel Berrocal Gómez

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29º Certamen de Madrid

Casi a las dos Se acerca a sus 30 años el Certamen Coreográfico de Madrid, todo un referente en el ámbito de la danza nacional, por donde han pasado prácticamente todos los artistas que configuran el paisaje actual de la danza contemporánea en el país. Todavía falta, será en diciembre…

Por lo pronto cabría destacar los resultados de su 29º edición, donde resultó ganadora la pieza Eran casi las dos (en la foto), un duelo de tensiones entre una pareja que mezcla con habilidad la limpia ejecución de danza contemporánea de Carmen Fumero con los aires hip hop de Miguel Ballabriga, sus autores. Destacó el jurado Outline, pieza geométrica y milimétrica de David Guerra, en medio de una siempre generosa pedrea, en la que se repartieron numerosos premios útiles que brindan experiencias como residencias internacionales o participación en festivales y talleres. Predominaron en el concurso los pequeñísimos formatos, duetos limpios, exentos de atrezzo, escenografía o grandes artilugios, que dan cuenta de la obligada austeridad que vive la danza joven del país. www.pasoa2.com

Capital Cultural

Jan Fabre

Catarsis total Holland Dance Festival

Donostia 2016

Fiesta en La Haya

Una ruidosa tamborrada ensordecerá a San Sebastián el 19 de enero.

Los oídos que la escuchen no podrán ignorar que en la ciudad vasca arranca la celebración por la capitalidad cultural europea 2016, compartida con la ciudad polaca de Wroclaw. Una maratoniana fiesta callejera de cuatro días (del 20 al 24) marcará el inicio de una programación que se extiende hasta pasado el verano y girará en torno al tema de la cultura como herramienta para el entendimiento. En medio de una avalancha de eventos la danza intentará llamar la atención con dos grandes propuestas en marzo: La Bella y la Bestia, del creador francés Thierry Malandain con la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sasha Waltz and Guests, colectivo alemán que presentará su versión de La consagración de la primavera (en la foto). La donostiarra Jone San Martín, que fuera bailarina de William Forsythe, tiene carta blanca de programación y aparte de organizar residencias, ha invitado a la compañía Dance On, de Berlín. La otra experiencia será Dance2gheter, en la que un colegio seleccionado debe montar en cinco días una coreografía.

See, Do, Experience (Mira, Haz, Experimenta) es el lema que mueve este año al Holland Dance Festival, de La Haya, una de las más relevantes citas con la danza de Europa, que volverá a intentar seducir al público del 28 de enero al 20 de febrero con una programación generosa y abundante que abraza todos los estilos, del riguroso clásico a la desinhibida danza urbana, del contemporáneo rabioso al neclásico estilizado. Una gala de apertura servirá de tráiler a todo el festival, pues en ella participarán muchas de las compañías invitadas: The New Zealand Dance Company, Ballet Black, de Reino Unido, o Gauthier Dance de Alemania. La estrella rusa Diana Vishneva bailará un solo de Marco Goecke y el maestro Hans van Manen estrenará un solo que ha creado para Martin Schläpfer. Desde luego, habrá participación del NDT, que estrena su programa Somos, con obras de Goecke y Crystal Pite, más la reposición de Shoot the Moon (en la foto), una de las obras más emblemáticas de Sol León y Paul Lightfoot, director artístico del potente equipo de La Haya. www.holland-dance.com

www.dss2016.eu

El 5 de marzo a las 19.00 se abre la fiesta dionisiaca en el Teatro Central de Sevilla, que culminará a las 19.00 del día 6. Si os parece corta, habría que tener en cuenta que las fiestas báquicas de Grecia se prolongaban tres días. No obstante, el polémico, controvertido y siempre contundente creador belga Jan Fabre se ha conformado con 24 horas ininterrumpidas para ofrecer su propio festín dionisiaco en su ambiciosa propuesta Mount Olympus, una experiencia que aborda 12 tragedias griegas de un tirón, una maratón que recoge las más trágicas de ellas, aquellas en las que las familias quedan destrozadas en baños de sangre y delirio. Así La Orestiada, Antígona, Edipo, Electra o Medea se unen en un día de locura para esta propuesta que va más allá del teatro o la danza, y se convierte en un pasaje a la catarsis total. Tras un año de ensayos intensos, 27 bailarines, actores y músicos asumen esta prueba de resistencia que tendrá limitadísimas funciones, siendo Sevilla una de las plazas privilegiadas. www.teatrocentral.es

9, 16, 23, 30 ENERO) 20h 10, 17, 24, 31) 19h· 16 €

MANUELA NOGALES DANZA

...de muebles viejos, hacerse un árbol

Ballet Ciudad de SÃo Paulo

ESTRENO ABSOLUTO en complicidad con

Ritmo de Brasil En 1996, la célebre Bienal de la Danza de Lyon descubrió para Europa el enorme potencial del Ballet Ciudad de S ãao Paulo. Desde entonces, son habituales en teatros de toda Europa.

La compañía oficial de la ciudad brasilera se mueve en un ámbito de estilizada danza contemporánea con repertorios eclécticos conformados por obras que selectos coreógrafos internacionales invitados han creado para ellos. Nacida en 1968 como compañía de ballet clásico, dio un giro hacia la danza contemporánea en 1974, con la entrada a la dirección artística de Antonio Carlos Cardoso. Hoy se mantiene en estas coordenadas y tras el buen recuerdo dejado en los espectadores de Bilbao, vuelven al Teatro Arriaga de la ciudad vasca, los días 12 y 13 de febrero, con un programa en el que destaca Adestra, una coreografía de gran formato del ascendente coreógrafo español Cayetano Soto, bastante poco conocido en nuestro país, así como también Antiche Danze (en la foto), del italiano Mauro Bigonzetti y, O Balcao de amor, pieza que les montara el creador israelí Itzik Galili. www.teatroarriaga.com

el Teatro Central y Teatro Alhambra

Teatro Campoamor

Danza en Oviedo Un año más, el Festival de Danza de Oviedo llevará al escenario del Teatro Campoamor una ecléctica programación de danza de gran formato, que se extenderá desde febrero hasta junio, ofreciendo un variado repertorio de creaciones neoclásicas y contemporáneas, bailadas por compañías de alto calibre internacional. El Silicon Valley Ballet (13 de febrero, ver página 4) abrirá el evento, que continuará con el reestreno de Kaash (18 de febrero, ver página 25), ópera prima de Akram Khan. Más tarde, el 8 de marzo, será el turno para el Eifmann Ballet de San Petersburgo, que ofrecerá su monumental homenaje al escultor Rodin (en la foto), preámbulo al Mark Morris Dance Group, una de las compañías más relevantes del panorama norteamericano, tanto como lo es el Het Nationale Ballet para Holanda, que traerá, el 3 de mayo, un destacado programa con obras del precursor Han Van Manen y Balanchine. Cierra el festín de danza asturiano el Ballet Nacional de España con un programa mixto el 4 de junio, que incluye Farruca, Viva Navarra, Ritmos y Suite Sevilla.

6, 13, 20, 27 FEBRERO) 20h 7, 14, 21, 28) 19h· 16 €

R.E.A. DANZA Cía. Residente

La Revirada Tango Club 5, 12 MARZO) 20h 6, 13) 19h· 16 €

Cía. Residente

XIMENA CARNEVALE COMPAÑÍA

Roomoo

ESTRENO ABSOLUTO

DANZA www.teatrocentral.es

www.teatroalhambra.com

27 ENERO) 21h · 17 €

ISABEL VÁZQUEZ

Hora de cierre

14 FEBRERO) 19h · 17 €

MARLENE MONTEIRO FREITAS

Guintche

29) 30 ENERO) 21h · SALA A · 18€

PEP RAMIS/MARÍA MUÑOZ/ MAL PELO

El quinto invierno

11 FEBRERO) 20h · SALA B · 18€

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con

MARLENE MONTEIRO FREITAS

el Teatro Central

Guintche

18) 21h · 17 €

el Teatro Alhambra

JUAN LUIS MATILLA/MOPA

Boh!

24) 21h · 17 €

MANUELA NOGALES DANZA

...de muebles viejos, hacerse un árbol

ESTRENO ABSOLUTO en complicidad con

el Teatro Central y Teatro Cánovas

9 MARZO) 19h · 17 €

WIM VANDEKEYBUS/ ULTIMA VEZ

In Spite of Wishing and Wanting

ESTRENO EN ESPAÑA nueva versión 2016

en complicidad con el Teatro Central *

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con

26) 27) 21h · SALA A · 18€

HOFESH SHECHTER/HOFESH SHECHTER COMPANY

Barbarians

ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con el

Mercat de Les Flors

5 MARZO) 19h · SALA A · 22€ Comienzo del espectáculo sábado 5 a las 19.00h con final el domingo 6 a las 19.00h.

Monte Olimpo. Para glorificar el culto de la tragedia. 24 horas de espectáculo ininterrumpido JAN FABRE/TROUBLEYN

ESTRENO Y PRESENTACIÓN EXCLUSIVA EN ESPAÑA *

11) 12) 21h · SALA A · 18€

WIM VANDEKEYBUS/ULTIMA VEZ

In Spite of Wishing and Wanting

www.operaoviedo.com

ESTRENO EN ESPAÑA nueva versión 2016 en complicidad con el Teatro Alhambra *

* Con la colaboración de la

representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica

Programación susceptible de cambios

foto_Sylvia Masini

www.teatrocanovas.es

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TEATRO ALHAMBRA C/ Molinos, 56. 18009 Granada T. 958 028 000 TEATRO CÁNOVAS Pza. de El Ejido, 5 29013 Málaga T. 951 308 902 SALA GADES C/ Cerrojo, 5. 29001 Málaga TEATRO CENTRAL C/ José de Gálvez, 6. Isla de la Cartuja.

41092 Sevilla T. 955 542 155

HOFESH SHECHTER COMPANY | Fotografía © GABRIELE ZUCCA

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foto_Jesús Vallinas

críticas

Akram Khan

A velocidad kathak El célebre creador indo-británico llevará la reposición de ‘Kaash’, su primer éxito, a Oviedo, Bilbao y Sevilla, al tiempo que él mismo bailará en Barcelona ‘Chotto Desh’.

Texto_ALBA ANZOLA

Éxito al instante. El creador indo-británico Akram Khan irrumpió en la escena internacional de la danza con su singular creación Kaash (2002), y de una vez se hizo famoso. Audiencias de todo el mundo cayeron fascinadas ante esta extraña mezcla de danza contemporánea y kathak –virtuoso baile tradicio-

nal de la India–, donde convivían ancestrales creencias hinduistas en un escenario sofisticado en plena conexión con el siglo XXI, diseñado por el vanguardista escultor Anish Kapoor y todo moviéndose a velocidad de vértigo bajo la subyugante música del compositor Nitin Sawhney, altamente codiciado en Hollywood. Esta amalgama de exotismo y posmodernidad, ejecutada con precisión virtuosa por cinco descomunales bailarines, colocó en el mapa de la danza más arriesgada, estilizada y vanguardista el nombre de Akram Khan, artista ecléctico que montaba coreografías para las giras de Kyle Minogue al tiempo que bailaba duetos con luminarias como la actriz Juliette Binoche o la diva Sylvie Guillem

y seguía construyendo una espectacular carrera coreográfica, a la que se añadían títulos como Ma, Vertical Road o el solo Desh, un striptease emocional en el que con ingenio y una gran producción habla del choque y fusión de culturas que puede haber en el cuerpo y sensibilidad de un bailarín, como él, nacido en el vibrante Londres pero con una familia fuertemente arraigada a la cultura de la India.

Muchas obras, muchos triunfos, ha conocido Khan desde el estreno de Kaash, pero en cada una de sus producciones permanece intacto el espíritu de esta pieza, que determinó su estética. De ahí que resulte de lo más estimulante su decisión de reestrenarla con un nuevo elenco, aunque él ya no la baila. El Festival de Danza

de Oviedo, en el Teatro Campoamor, el Teatro Arriaga, de Bilbao, y el Central, de Sevilla, la tendrán esta temporada, al tiempo que en Barcelona se podrá ver en el Mercat de les Flors, Chotto Desh, una adaptación para público familiar de su deslumbrante unipersonal Desh, donde Akram Khan despliega todas sus habilidades como bailarín, actor y showman, en una propuesta que, como Kaash, suele emocionar al público.Ñ Akram Khan Company. Kaash, 18 de febrero, en el Festival de Danza de Oviedo (Teatro Campoamor), el 25 de febrero, en el Teatro Arriaga (Bilbao) y Teatro Central (Sevilla), el 29 y 30 de abril. Chotto Desh, del 20 al 28 de febrero, en el Mercat de les Flors (Barcelona). www.akramkhancompany.net

Compañía Nacional de Danza

CND clásica Don Quijote Coreografía: José Carlos Martínez Teatro de la Zarzuela (Madrid) 16 de diciembre de 2015

Era noche importante para José Carlos Martínez y su equipo de la Compañía Nacional de Danza. Por vez primera desde su llegada al ente público, hace cuatro años, se aventuraba con un ballet clásico completo. Llegaba el momento de cumplir con la promesa mayúscula del proyecto que presentó para hacerse con el cargo, que venía muy bien avalado por sus años de experiencia como estrella del Ballet de la Ópera de París.

No escogió un ballet cualquiera para asumir el reto. Don Quijote es el más español de los ballets rusos de Marius Petipa y el que mayor pasión despierta en nuestro país con su ambiente castellano, molino incluido, sus fandangos y toreros, pero es también uno de los más exigentes en cuanto a la técnica, requiriendo virtuosismo superlativo en los protagonistas y precisión de relojería en su cuerpo de baile. La aventura de Martínez no estaba exenta de riesgo. Los vientos no parecían favorables a la envergadura de la empresa. El presupuesto del que disponía no parecía el más adecuado, se dudaba de la capacidad de sus bailarines para asumir el reto y, aunque ya había sido coreógrafo de la superproducción Les enfants du Paradis para el Ballet de la Ópera de París, nunca se había enfrentado a uno de los totémicos ballets de Petipa.

Optó por la mesura y acertó. Su Quijote es modesto en todos los sentidos pero tremendamen-

te eficaz. Ni fastuoso ni lujoso pero tampoco producción de segunda. No quiso dejar impresa su huella y prefirió darle paso a la tradición conocida (él, como estrella, bailó en París distintas y destacadas versiones) sin apenas alterar el contenido, el material coreográfico ni los aspectos visuales. Recortó los pasajes dancísticos más inútiles y “españolizó” los clichés españoles, sin desdeñarlos. Ajustó la coreografía a las posibilidades reales de sus bailarines y le imprimió un ritmo trepidante, que mantiene al espectador de lo más entretenido. Como estrella invitada para el estreno, Joaquín de Luz (en la foto), virtuoso, brilló con luz propia en el difícil rol de Basilio frente a una entregada YaeGee Park, estrella de la CND que no pudo igualar en vuelo (literalmente) y brillo a la estrella del New York City Ballet. Y es que, en general, el equipo masculino, curiosamente, estuvo mucho más ajustado, cohesionado y virtuoso que el femenino, por lo que destacaron especialmente los momentos corales de toreros y gitanos, y no tanto así las driadas espectrales del segundo acto, escena larga que adolecía de la precisión y perfección requeridas. No obstante, el conjunto en general lució espléndido y la cálida ovación del público recompensó los enormes y loables esfuerzos de la CND por volver a traer el clásico a la agrupación. omar khan

Ballet du Nord

Desprovistos Tragédie

Coreografía: Olivier Dubois

Queremos Venere

Festival Madrid en Danza.

Coreografía: Daniel Abreu

Teatros del Canal (Madrid)

Festival Madrid en Danza / Teatros del Canal (Madrid)

21 de Noviembre de 2015

Olivier Dubois (1972) presenta un desfile de cuerpos desnudos, sin ropa. De cuerpos anónimos, sin identidad ni estatus socioeconómico. De cuerpos sin personalidad ni psicología. Cuerpos despojados hasta de su esencia humana. Ese es el tema que inquieta al coreógrafo francés desde que comenzó en 2009 su trilogía sobre la humanidad o la ausencia de ella. Tragédie (2012) completa el ciclo formado por Rouge (2009) y Revolution (2011). En él ahonda sobre la idea de que “el simple hecho de que ser hombres, no nos convierte en Humanidad”. En esta ocasión, el creador parte de un texto de Nietzche (El nacimiento de la tragedia) para abordar el tema de la pertenencia a una comunidad o a la masa. Para ello cuenta Dubois, director del Ballet du Nord desde el 2014, con un entregado cuerpo de baile con el que construye una pieza que reúne características de sus trabajos anteriores. Está acostumbrado a coreografiar grandes grupos (llegó hasta los 120 intérpretes amateurs con Envers et face à tous, en 2011) y en esta nueva pieza son 18 los cuerpos diversos, de distintas razas y tamaños, que sirven de coro de autómatas que van construyendo de manera rigurosa

Compañía Daniel Abreu

Aracaladanza

Alas

Vuelos

Coreografía: Enrique Cabrera Teatro de la Abadía (Madrid) 10 de diciembre de 2015

28 de noviembre de 2015

una dramaturgia que se basa en la repetición y el in crescendo.

El francés confecciona un engranaje coreográfico que muy lentamente va conduciendo de manera incesante hacia un clímax catártico al que no escapan el cuerpo, la música ni la iluminación. Con gran compromiso hacia su propuesta, Dubois compone a partir de un muy radical uso del tiempo.

La obra comienza con un desfile que dura cerca de los 30 minutos (en los que abandona la sala el espectador impaciente) y sin urgencia va construyendo una arquitectura coreográfica que acumula y crece de manera progresiva, aumentando ritmo e intensidad.

Las trayectorias rectilíneas que dan lugar a bellas formaciones geométricas poco a poco dejan espacio a cuerpos espasmódicos y la incorporación del caos. Dubois, con una reconocida y premiada trayectoria como bailarín con coreógrafos como Angelin Preljocaj, Jan Fabre o Sasha Waltz, ejerce también con maestría el oficio de director de escena, llevando de la mano durante hora y media una progresión en la que caminan juntas la música, la iluminación y los cuerpos. Cuerpos desprovistos. alfredo miralles

Daniel Abreu (Tenerife, 1976) consolida con Venere su poética escénica. Ya el año pasado le fue otorgado el Premio Nacional de Danza en reconocimiento a su universo propio y su lenguaje tan personal, que ha ido acuñando durante más de cuarenta obras. Y esta pieza refuerza su voz propia. Su sello reconocible se inscribe en una dramaturgia basada en una sucesión de escenas de carácter pictórico, capaces de generar atmósferas a través de la fuerza de las imágenes que propone el autor. Los paisajes densos de la pieza ofrecen un acercamiento a un concepto más abstracto que narrativo. Y es que Venere, Venus en italiano, huye de la creación de personajes o situaciones, como nos tiene acostumbrados. Plantea, sin embargo, un interesante caleidoscopio que transita por diversas caras del amor, en referencia a la diosa de la mitología, y a la materia, aludida por el nombre del planeta. Un contraste de conceptos que Abreu combina en una pieza presidida desde proscenio por un ramo de margaritas, símbolo inequívoco del amor que se presenta en formas sutiles a través del movimiento personal de sus bailarines. Sus pétalos son lágrimas y lluvia. Un deshoje continuo entre el me quiere, no me quiere. A. M.

Vuelos canaliza a través de la obsesión de Leondardo Da Vinci el sueño de la humanidad de poder volar, el mito de Ícaro llevado a la obstinación. Hay pájaros, hay humanos alados, hay desafíos a la gravedad y cómo no, imaginación voladora en esta nueva propuesta de Arcaladanza, compañía madrileña para público familiar que, siempre bajo la dirección del creador argentino Enrique Cabera, ha traído a la escena en forma de danza a El Bosco, Magritte y Miró, en una ya memorable trilogía. Utilizando la misma fórmula –escenas dispuestas a manera de números, evocadoras cada una de aspectos específicos relacionados con el artista en cuestión– Vuelos se enfrenta ahora a la obra de Da Vinci, un creador más complejo, con teorías y supuestos que van más allá del impacto visual de los precedentes. Quizá por ello la fórmula no encaja y parece pedir una dramaturgia mucho menos esquemática, opción que corría el peligro de dejar fuera de su discurso a los más pequeños, su público potencial. Tal vez sea por esta razón que Vuelos se convierte en la obra de la compañía menos atractiva para adultos, aunque siga conservando el ingenio visual que ha deslumbrado a los cientos de niños que han visto sus trabajos anteriores. alba anzola

foto_Luis Castilla

foto_Urban Jorén

foto_pedro arnay

foto_Christophe Raynaud

foto_Luis Antonio Barajas

16

Cullberg Ballet

Compañía Antonio Ruz

Danza total

belleza

Plateau Effect

Coreografía: Antonio Ruz

Coreografía: Jefta Van Dinther

Festival Madrid en Danza

Teatro Central (Sevilla)

Teatros del Canal (Madrid)

11 de diciembre de 2015

19 de noviembre de 2015

Si algo ha conseguido la danza es romper fronteras. Entre ella misma y otras disciplinas, entre lo que es y lo que no es movimiento, entre el espectador y el propio espectáculo. Si algo define la trayectoria del creador sueco Jefta Van Dinther es precisamente esta ruptura, esta tendencia a crear en un taller en el que todo es posible. Plateau Effect, ideada para el Cullberg Ballet, es un ejemplo perfecto. Al inicio nos encontramos ante un telón que hacen oscilar los intérpretes, con esa sencillez aparente de quien juega con la música. Sin embargo, antes de que el telón haya caído, el espectáculo ha pasado de dulce a inquietante, y lo será más cuando la tela esté ya en el suelo y los cuerpos comiencen a correr, saltar y usar objetos simples para construir un espacio escénico que surge y se destruye sin parar, como si el todo y la nada fueran dos protagonistas más de la propuesta.

Los intérpretes no bailan sino que hacen bailar un escenario que se contorsiona, se extiende, se contrae, pasa por todo tipo de vicisitudes, desde la calma plácida hasta la convulsión extrema. Plateau Effect es una danza total en el que las luces, la música, la escenografía y los bailarines forman un todo caótico, turbador y deslumbrante. ignacio moreno flores

La belleza –de la música, de la danza, de la escena desnuda– domina A l’espagnole, elegante propuesta que supone un paso al frente en las investigaciones que motivan y empujan al ecléctico coreógrafo cordobés Antonio Ruz, esta vez inmerso en un tema peculiar: la influencia española en la configuración artística de la sofisticada Francia del siglo XVII. La creación es una inteligente fusión de música, espléndidamente interpretada en directo por la eficaz Accademia del Piaccere, y danza a su vez fusionada, en la que conviven con naturalidad los bailes cortesanos con el fraccionamiento corporal de la danza contemporánea. Quizá sea la pieza de Ruz más próxima a la creadora alemana de vanguardia Sasha Waltz (con quien colabora como guest), que suele interesarse por colocar al servicio de una danza actual las rigurosas aportaciones de la música y formas académicas. Como ella, Ruz maneja con solvencia a un estupendo equipo de bailarines y hace partícipes a los músicos, especialmente a la soprano Mariví Blasco, reconvertida en cantante-bailarina. A l’espagnole es una investigación rigurosa y erudita que da crédito a la participación española en la exquisitez cultural francesa. Pero no hay que asustarse, lo esencial es que da acceso al placer que produce la belleza más elegante. o. k.

A l’espagnole

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Marcos Morau / La Veronal

El infierno era esto Explora ‘Voronia’ el concepto del mal generado desde el bien. La nueva pieza de Marcos Morau para La Veronal, colectivo de Barcelona, vuelve a buscar sus referentes en una lugar remoto, específico y frío del planeta, Esta vez la cueva más profunda del mundo, un lugar tan sumergido en la Tierra que bien podría ser el infierno.

Entretanto Morau estrenará Oskara, con Kukai Dantza, en la inminente dFERIA, en San Sebastián.

Texto_OMAR KHAN

fotos_JOSEP AZNAR

El mal

Manuel Rodríguez, bailarín invitado de La Veronal, en Voronia, representación maligna.

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Estética Veronal

En general, una cuidada estética visual domina los trabajos de la compañía de Morau. Voronia no es excepción.

Nos llevaron a Islandia y nos mostraron el frío, con un guiño a Björk y otro al verdadero sentido de la democracia. Nos pasearon por Rusia y nevó en escena. Hubo vodka y cabezas portadoras de los peludos ushanka.

Después nos trasladaron a Japón, a un punto geográfico militarizado y en estado de emergencia donde aquel teléfono no paraba de sonar y nadie se dignaba a responderlo.

Vino entonces el billete sin escalas a Italia, aterrizando en una Siena erudita de aires renacentistas, y ahora con ellos nos vamos a Georgia, donde nos sumergen en Voronia,

“Todo arranca siempre de una necesidad, si no hay necesidad no empieza nada. Cuando tienes esa suerte estás ya en mitad del proceso creativo. Es un estado parecido a soñar despierto.”

MARCOS MORAU

la cueva más profunda del mundo, para decirnos que ahí está el infierno, quizá porque es creencia general que el averno está muy abajo, justo allí donde el mal reside.

Con La Veronal siempre se viaja, pero no a los países y lugares donde dicen llevarnos desde sus títulos. Se viaja por una región geocoreográfica específica, única, literalmente inventada, que nos suelta en medio de una ficción, a veces inconexa y siempre enigmática, en la que vemos una Rusia que a Marcos Morau (Ontinyen, Valencia, 1982), director del colectivo catalán, le interesa

que veamos o llegamos a una Islandia que él y su equipo dramatúrgico (Roberto Fratini, Pablo Gisbert y en general el colectivo El Conde de Torrefiel) han diseñado minuciosamente sin haber estado nunca allí.

Viajar con ellos exige complicidad. Saben que tenemos dos o tres estereotipos en la cabeza de esos lugares que quizá tampoco nosotros conocemos. Lo demás lo ponen ellos. Le dan vida propia a esos personajes intrigantes y a esos paisajes, generalmente gélidos, donde una danza orgánica se mueve bajo una puesta en escena deslumbrante.

Un mundo de atmósfera inquietante y enrarecida que, a pesar de su esmero realista, da siempre la sensación de ser calculadamente frío y artificial.

El impacto internacional conseguido por La Veronal, en apenas una década, no reside solamente en la danza. De hecho, Marcos Morau, que fue Premio Nacional de Danza en 2013, viene del mundo del teatro. De allí que su fuerza y poder de seducción emanen del todo escénico. De la danza, sí, pero también de la escenografía y los trajes, de la cuidada iluminación, de los reflexivos y a ratos delirantes textos, de las sutilezas y detalles de una dramaturgia siempre omnipresente y llena de referencias, que desdeña la narrativa convencional y se decanta por la sugerencia, dejando abiertas mil posibilidades a la imaginación de cada espectador.

Pocas compañías locales han trazado a tan vertiginosa velocidad su carrera internacional como La Veronal, hoy solicitada en las plazas más exigentes de la vanguardia europea, desde París hasta Berlín, donde ha conquistado audiencias muy exigentes que han aplaudido entusiastas prácticamente todas sus creaciones, entre las que destacan Suecia (2008), Maryland (2009), Finlandia (2010), Islandia (2012), Russia (2011), Siena (2013) o Nippon-Koku (2014, para la Compañía Nacional de Danza). Estrenada el pasado verano el Festival Grec, de Barcelona, Voronia, que supone una lectura del mal desde la dualidad religiosa del cielo de bondad y el infierno de maldad, llega ahora al Mercat de les Flors, una casa en la que Morau y parte de su equipo de La Veronal comenzaron muy desde abajo como acomodadores, zampando cada noche cantidades ingestas de la mejor danza que se hace en el planeta.

Solicitado por numerosas compañías internacionales, Morau lleva además una activa agenda de coreógrafo free-lance, y ahora mismo ultima detalles de Oskara, que ha montado para Kukai Dantza, de San Sebastián. El estreno se producirá este mismo marzo en el marco de dFERIA

¿Existe la maldad en estado puro?

Cuando hablamos de conceptos tan amplios podemos centrarnos en varios de ellos: por un lado una visión general de la idea, en este caso la idea del mal dentro del imaginario colectivo, y por otro lado sus manifestaciones más concretas. En Voronia usamos la religión para abordar un tema tan amplio como complejo. La religión ha sido la encargada de separar el bien del mal y definir este último como la ausencia del bien. Las peores matanzas de la historia siempre se han hecho en nombre de alguna “pureza”… de la raza, de la moral, de la religión… Todas las peores matanzas, todo el mal “puro” de la historia, ha sido siempre una consecuencia del bien. La humanidad se inventa a un Dios como el mejor pretexto o la mejor excusa para hacer el mal. El tema es realmente complejo.

En ‘Voronia’ vuelve a interesarse por un gélido sitio recóndito del planeta… ¿Qué ocurre con usted y esos lugares?

No suelo visitar los lugares que escojo antes de una creación, no quiero visitarlos antes de crear la pieza, no necesito aprender de ellos con mi presencia; no necesito una anécdota. Necesito inventarlos. Después, una vez estrenado el trabajo, suele ser bonito visitar las ciudades o los países, existe una especie de nostalgia que te tranquiliza, que te alivia. La mente nos permite relacionar las ideas, relacionar todo con todo.

Cuantas más relaciones, más referencias, cuantas más referencias más peligro.

Por ejemplo ¿cuánto de Islandia hay de verdad en su recreación escénica para Islandia?

Verdad no hay ninguna y la es toda. De Islandia país no hay nada en Islandia pieza, más allá de algún guiño banal como acabar con un hit islandés que todo el mundo conoce o hablar circunstancialmente de algunas anécdotas de Björk o la crisis económica. Islandia parte de la idea del poder de la imagen y su perversión, de la lectura y posible contradicción en la que nos encontramos cuando vemos una imagen. Islandia es una excusa o un capricho, la idea es más general que el propio país. El país nos sirve para enmarcar la idea porque el país en sí mismo nos parece contradictorio en muchos aspectos, un país que reúne condiciones para hablar de lo que representa una imagen, lo que se supone que representa o lo que podría representar. Paralelamente siempre existen pequeños lazos que te enamoran de un país concreto en un momento concreto y hace tres años era un gran momento para trabajar sobre el fenómeno islandés.

Y ahora, tres años más tarde, la cueva de ‘Voronia’…

Con Voronia, en cambio, el trabajo de relación es un corte limpio, una cicatrización perfecta entre idea y paisaje. Tanto en La Eneida, de Virgilio, como en El Nuevo Testamento o La Divina Comedia de Dante se ubica el infierno debajo de la tierra, en las profundidades, en un lugar escondido y lejano de este mundo. A partir de esta premisa, de esta idea de emplazamiento, hemos buscado dónde podría estar físicamente ese lugar “real” y es entonces donde aparece la cueva de Krubera-Voronia, el punto más profundo de la tierra al que puede acceder el ser humano. Más allá de esta analogía no encontraremos grandes hallazgos de relación salvo algunas músicas provenientes de Georgia en el Cáucaso Occidental, lugar donde se encuentra la cueva. El resto es una reflexión en torno a la idea del mal. ¿Dónde nace? ¿A quién afecta? ¿Dónde está el infierno...?El poder de las religiones es consolarnos del mal que es existir, curarnos del pánico que da vivir. Y ver poco a poco que la máscara de la religión se va cayendo para revelar de qué sustancia infernal está hecha la normalidad de la vida. El infierno no está al fin y al cabo tan lejos. El infierno está aquí.

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22 Si mira hoy su creación como un todo, ¿qué aspectos comunes encuentra, qué cosas se han perdido, cuáles han perdurado?

En común sigue estando el movimiento como engranaje principal. Un movimiento posiblemente cada vez más lejos de la narratividad, cada vez más lejos de una lógica argumental y más cerca de una obsesión formal. Seguimos también con la necesidad de construir un mundo en el escenario donde se permita debatir sobre las ideas, especular, plantear cuestiones y nunca dar respuestas… Bebemos del legado posdramático de modo que el sentido profundo de la acción danzada deja de situarse solo en la danza y se desplaza ahora en el conjunto total de la puesta en escena. Poder ver la pieza como si estuviéramos delante de un paisaje y no de un cuadro. También seguimos con la ramificación del proceso: por un lado el aspecto formal, donde el movimiento y los aspectos visuales se levantan, y por otro lado el aspecto conceptual que crece en paralelo y que inevitablemente va afectando al formal. ¿Aspectos perdidos? Creo que nada se pierde y todo se convierte, una especie de evolución creativa donde aprendes de ti mismo.

Vivo la creatividad como una necesidad, vivir sin crear, y en definitiva vivir sin el arte, es peligroso porque nos obliga a conformarnos con la vida, con la realidad.

¿Cómo empieza una obra en su cabeza?

Normalmente parto de una idea que empieza a originar imágenes y reflexiones… ahí empieza. Todo arranca siempre de una necesidad, si no hay necesidad no empieza nada. Cuando tienes esa suerte estás ya en mitad del proceso creativo. Es un estado parecido a soñar despierto, un estado de predisposición a relacionar y detenerse de manera analítica frente al mundo para trazar una constelación entre la necesidad y la composición, y ser siempre uno mismo el propio espectador. Esto es algo que me sirve y me ayuda mucho cuando estoy delante de otras manifestaciones artísticas: un texto, una imagen, una música, o una pieza de danza, me siento muy despierto y creativo porque estoy en un estado de lectura, de

23 análisis, de receptividad y la empatía puede llegar a ser tanta que hace que me olvide de lo que estoy viendo.

¿Cómo transmite a su gente estas ideas?

Normalmente tenemos dos tipos de información, la general, donde todos conocen más o menos la idea y cómo esta se materializará en acciones o imágenes, y la información al detalle donde absolutamente todo es sabido y compartido. Por ejemplo, el trabajo con mis dramaturgos es muy específico e incluso maniático, donde se cuestiona y se pone en crisis cualquier idea porque para poder hablar de una idea primero hay que creer en ella en profundidad y conocer todas las lecturas y ángulos

“No suelo visitar los lugares que escojo antes de una creación, no quiero visitarlos antes de crear la pieza, no necesito aprender de ellos con mi presencia; no necesito una anécdota.

Necesito inventarlos.”

MARCOS MORAU de vista posibles. Los intérpretes en cambio sufren una primera escisión que consideramos necesaria, puesto que les sirve para poder focalizar en la propia partitura coreográfica la dramaturgia del movimiento abstracto, que lejos de que intente representar nada en sí mismo se dispondrá en un contexto que lo hará estar vivo para latir con el resto de órganos. No es que el bailarín no se preocupe de la concepción general, es que al resultado final se llega desde distintos caminos y en el proceso cada uno tiene sus especificidades. A medida que el trabajo avanza el resultado va llegando y todo empieza a funcionar como una maquinaria única.

¿Se siente igual de cómodo con su equipo de La Veronal que con otra compañía donde ha sido invitado?

Por supuesto que no. La Veronal es fruto de unas elecciones, de unas mentes y unos cuerpos construidos a base de experiencias compartidas. Los que formamos La Veronal compartimos algo que va más allá de la escena. Cuando estoy con otras compañías he de perder mucho tiempo en encontrar afinidades, en descubrir lo que hay dentro de los cuerpos. Al mismo tiempo viajar y crear para otros es una gran fuente de inspiración, poner a prueba los mecanismos con cuerpos distintos genera nuevas lecturas.

Está trabajando en Oskara para Kukai, una compañía que gusta acercar a sus coreógrafos invitados a su lenguaje híbrido de contemporáneo con las danzas vascas. ¿Le ha interesado esa experiencia? ¿La ha asimilado a su estética?

Hace casi dos años que Jon Maya, director de Kukai, me habló de su interés en que La Veronal creara una pieza para ellos. Por cuestiones de agenda hemos tenido que ir posponiendo el proyecto hasta 2016. Trabajar siempre con compañías de repertorio con bailarines afines a un cierto tipo de formación hace que cuando estás delante de un grupo de bailarines de danza tradicional vasca el reto sea inmenso y a la vez es un estado que el creador acepta para comprenderse mejor a sí mismo y ver donde están los límites.

Ante este tipo de proyectos el intercambio es recíproco, por un lado disponemos nuestro imaginario al servicio de la mitología y la tradición vasca, filtrada por nuestras lentes, por la estética de la que hablas. Por otro lado sus procedimientos, sus virtudes y características nos enriquecen y nos alimentan. Estamos por tanto en un encuentro de dos mundos donde el choque es lo interesante.

¿Qué papel ha jugado el Mercat de les Flors en su trayectoria?

Ha significado muchas cosas para el devenir de La Veronal. Primero como acomodador compaginándolo con mis estudios en el Institut del Teatre y donde no solo trabajaba

Geocoreográfico

Propone siempre un viaje Marcos Morau, pero no a las ciudades ni lugares que dice llevarnos, sino a la geografía de su propio imaginario.

yo sino gran parte del equipo de La Veronal.

Allí, juntos pudimos estar en contacto con toda la danza internacional del momento (Merce Cunningham, Anne Teresa de Keersmaeker, William Forsythe, Pina Bausch…), ver las mismas piezas varias veces y ver al público, comentar los trabajos, aprender viendo a los grandes, escuchar y ver las reacciones…, este fue el verdadero aprendizaje de todo aquel momento. Nuestra vida artística por aquel entonces era discreta para los ojos de los que gestionaban el Mercat.

Estar trabajando en el propio teatro y pretender presentar el trabajo allí fue algo muy complejo y que vino de muy abajo. Tuvo que suceder que ellos vieran nuestra propuesta fuera de aquel contexto y que no supieran que era mía, para que ellos se interesaran y así pudieran valorarlo y juzgarlo sin saber que un “acomodador” estaba detrás del trabajo. Poco a poco empezó a despertarse un interés, cada vez mayor, con todas las complejidades que supone el crecer artísticamente en España donde la falta de recursos hace que la competencia sea muy feroz y las máximas dificultades aparezcan en el propio sector donde encontrar un hueco es de una gran complejidad. Han pasado solo

cuatro años desde que dejamos de trabajar en el Mercat de les Flors y nuestra relación ha cambiado fuertemente. Todavía tenemos nostalgia cuando volvemos para ver algo, para presentar, para ensayar, para reunirnos…, siempre pienso: “Aquí empezó todo”.

¿Es útil ganar el Premio Nacional de Danza?

Los premios pueden ser peligrosos si no se leen bien. Recuerdo cuando recibí la llamada de teléfono, parece que hayan pasado 10 años y fue tan solo hace dos, yo estaba asustado, no sabía si era justo ese premio para mí, no sabía si debía aceptarlo, no sabía si iba a ser el inicio o el final de algo. Han pasado dos años y la actividad de la compañía por supuesto va en aumento, pero no creo que sea debido al premio puesto que en lo que respecta a lo nacional poco podemos mostrar nuestro trabajo. Es gracias al circuito internacional donde podemos presentarnos constantemente.

¿Qué planes y proyectos hay para el año que se inicia?

Este año con La Veronal estamos en el Mercat de les Flors, en el Théâtre National de Chaillot en París, Théâtres de la Ville de Luxembourg, Belgrado, etcétera, y también con nuevos estrenos, empezando con Oskara dentro del marco de San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016, con Kukai-Dantza, seguido del homenaje que le realizamos a Luis Buñuel en el Ballet de Lorraine con un trabajo llamado Le Surréalisme au service de la révolution, creaciones para la Ópera de Goteborg, Scapino Ballet, Danish Dance Theater, Wiesbaden, etcétera, nuestra única creación con La Veronal se llevará a cabo en septiembre en Bologna, un trabajo sobre la vida y la obra de Pier Paolo Pasolini que se estrenará bajo el 40º aniversario de la muerte del artista italiano y que se titula La Trilogia della vita.Ñ La Veronal. Voronia. Creación: Marcos Morau. Mercat de les Flors (Barcelona).

Del 3 al 6 de marzo.

Oskara, de Marcos Morau / La Veronal, para Kukai Datnza. 6 de marzo. Teatro Victoria Eugenia (San Sebastián), en el marco de dFERIA www.mercatflors.cat www.laveronal.com

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Reflexiones sobre el Mal

Bienvenido a ‘Voronia’

Universo maligno

Voronia nos empuja hacia abajo, hacia el centro del mal.

De nuevo en una geografía muy lejana, el mapamundi en el que Marcos Morau va marcando su paso, se sitúa esta producción de La Veronal.

Viene a ser otra trampa para que el espectador confiado deje llevar su imaginación: una cueva situada en el Cáucaso occidental y que se cree la más profunda de la tierra. Pero se trata de algo aún más insondable: esa abyecta capacidad del hombre para generar el mal, tergiversando hasta lo más sagrado, llevando la inocencia al paroxismo y la sinrazón. Un infierno muy próximo, vestido de túnica sacramental, que como dardo afilado se muestra a partir de pasajes que sin pertenecer estrictamente a ninguna tradición religiosa, no dejan de ser familiares: Voronia como testigo de la condición oscura de la propia intimidad.

Si no fuera porque hablan de algo tangible y real, causante de desgracia y dolor, es verdad que la escenografía invita a pensar en algo menos grave. Dividida en dos partes, son las caras de una misma realidad: planos paralelos. Por un lado lo que en la superficie queda apuntado como condición de posibilidad. También ocurría así en la bajada al infierno de Dante: nada hay más esclarecedor que su anuncio, frases que proyectadas en la primera parte actúan como acicalador del espíritu, para que temerosos reaccionemos ante lo desconocido, lo monstruoso y devastador. La imagen de ese mundo de tinieblas tiene mayor fuerza por lo que es en la imaginación que por lo que contiene, al ser terreno prohibido, oculto a los ojos terrenales, desconocido. El segundo plano, que se corresponde en la obra con la aparición de un gran elemento escénico, no viene sino a confirmar lo absurdo como argumento del miedo: nos quieren quietos de prudencia, convencidos que si de verdad conociésemos en profundidad esa cueva querríamos acceder a ella para destruirla o quizás, también, para participar de su festín.

Naturalmente que explicar todo esto con la danza como instrumento entraña sus problemas. Hay quienes quisieron ver en el estreno en el Festival Grec 2015 un lenguaje próximo al del director italiano Romeo Castellucci; otros, por contra, señalaban la proximidad para con una de las obras más aclamadas de la compañía: Siena. En todo caso nada expresa mejor que el movimiento de La Veronal un eje que atraviesa ambos planos: porque el cuerpo es también su sombra, esa insidiosa zona oscura que acompaña a nuestros actos y como un juego de rotación involuntaria, retuerce, doblega, descoloca, alarga o transforma el acontecer del buen gesto intencionado. jordi sora

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¿tienes un proyecto coreográfico?

Queremos verlo

8ª CONVOCATORIA / 2016 Residencias temporales www.teatroscanal.com

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Lali Ayguadé

El gesto de la transformación

La muerte, el paradero del cuerpo y el alma cuando nos vamos, es la preocupación central de ‘Kokoro’, obra ambiciosa que la joven y prometedora creadora catalana presenta en el Mercat de les Flors de Barcelona, su ciudad.

Texto_aida pallarés foto_laia serch

Lali Ayguadé

Kokoro supone la creación más ambiciosa de esta joven creadora, que ha bailado para Akram Khan y Hofesh Schechter.

Se expresa a través del movimiento.

Es una de las bailarinas con más magnetismo, fuerza e intensidad expresiva del panorama actual, una pequeña fiera de la danza. Después de trabajar con algunos de los nombres más importantes de la escena internacional como Akram Khan, Hofesh Shechter o La Veronal, Lali Ayguadé (Barcelona, 1980) ha vuelto a casa. Y, como tantos otros creadores de la generación de los ochenta, lo ha hecho por la puerta grande.

Aunque ya había creado tres dúos –Saba, Incógnito y Encontre–, ahora Ayguadé se ha lanzado a la piscina y ha parido un espectáculo de gran formato: Kokoro. Una obra que, además de tocar el tema de la muerte como en las otras piezas, reflexiona sobre la transformación de cuerpo y alma como destino inevitable e incluso, dice la coreógrafa, como necesidad. “Yo misma estoy en un momento de cambio, tengo 35 años, he vuelto a casa después de pasar muchos años fuera y veo cómo mi cuerpo y mis ideas cambian”, explica esta creadora formada en el Institut del Teatre de su ciudad y en la prestigiosa escuela P.A.R.T.S., de Bruselas.

La transformación, en Kokoro, se representa a física y emocionalmente de la mano de Anna Calsina Forrellad, Nick Coutsie, Sergi Parés y Diego Sinniger de Salas.

Cuatro bailarines procedentes de disciplinas tan diversas como el hip hop, el circo o la danza contemporánea, que vuelven a la infancia, viajan hasta la vejez, pasan de ser hombre a ser mujer y del amor a la violencia. Almas que crecen, cuerpos que evolucionan hasta degradarse. “Necesitaba a cuatro personas muy diferentes, porque cuando conocemos a otra persona

nos transformamos y si esta no tiene nada que ver con nosotros, el cambio es más radical» sostiene Ayguadé.

Para Lali Ayguadé los bailarines no son simples autómatas que reproducen sus instrucciones. “No quiero que me imiten, quiero que me entiendan y aporten su propio movimiento” explica la coreógrafa. Durante poco más de tres meses, los cinco han ido dando forma al alma de Kokoro a partir de juegos, improvisaciones e imágenes de películas como Magnolia o American Beauty. Luego llegó Jordi Oriol,

“Antes empezaba una pieza con algo impactante, como hacen Akram Khan y Hofesh Schechter, y, en cambio Kokoro empieza con calma y sin baile, con los cuatro intérpretes realizando pequeñas acciones.”

LALI AYGUADÉ dramaturgo y amigo de Ayguadé, y se dedicó a dar voz a las transiciones, transformar el movimiento en palabras y dotar de un poco más de teatralidad el resultado final. Además, claro está, de enfatizar el sentido del humor que impregna toda la pieza. Un humor que, según la creadora, “nos permite oxigenar la escena y entender mejor el espectáculo”. Por cierto, también esto tiene, en cierto modo, un origen cinematográfico: ella alucinaba con la serie A dos metros bajo tierra, donde cada capítulo empieza con una muerte extremada y ridículamente divertida.

Aunque el paso del tiempo es, como sabemos, uno de los temas habituales de la Akram Khan Company y, como reconoce ella misma, “le debe mucho como bailarina”, Kokoro no sería lo mismo sin Baró d’Evel. Primero porque, durante prácticamente toda la gestación del espectáculo, Ayguadé también estaba ensayando como intérprete el último espectáculo de la compañía franco catalana, Bestias, y, se-

gundo, porque sus directores Blaï Mateu y Camille Decourtye, junto con Marcos Morau de La Veronal, son los que más han ayudado a moldear a Lali Ayguadé como coreógrafa. “Antes empezaba una pieza con algo impactante, como hacen Akram y Hofesh, y, en cambio Kokoro empieza con calma y sin baile, con los cuatro intérpretes realizando pequeñas acciones” confiesa. Y añade que, aunque siempre había pensado qué haría si estuviese solo a este lado del espectáculo, bailar es más agradecido. “Ser coreógrafo es como arbitrar un partido de fútbol”.

Pero, ¿cómo se transforma todo esto en danza? Ayguadé lo tiene claro: movimiento abstracto, personajes concretos.

Virtuosismo y normalidad. “Me gusta que los bailarines tengan fuerza y potencia pero que también trabajen el detalle”, explica. En su búsqueda de la naturalidad del cuerpo humano, los cinco han trabajado y pensado los gestos y, finalmente, encontrado su espacio de libertad en la más absoluta precisión. Ella, a su vez, ha descubierto su propia voz. Una voz brutalmente humana, potente y divertida.

Una voz imposible de acallar.Ñ Kokoro. Lali Ayguadé. Mercat de les Flors (Barcelona). Del 22 al 24 de enero. www.mercatflors.cat www.laliayguade.com

Fernando Hernando

Atlético

Madrid es su ciudad pero el NDT holandés su casa. Bailarín en la compañía de La Haya y solicitado coreógrafo ‘freelance’ por el mundo, se le conoce bastante poco por España.

Este año montará una pieza para los alumnos del Conservatorio María de Ávila.

Texto_omar khan foto_michael slobodian

Fue curioso lo primero que escuchó. Le dijeron que para entrar a bailar en el Nederlans Dans Theater (NDT), de Holanda, donde anhelaba estar, era requisito imprescindible ser también coreógrafo. Y fue productiva la leyenda urbana. No es verdad que haya que serlo, pero Fernando Hernando Magadan, madrileño nacido en Zaragoza hace 35 años, se lo creyó. Fortuna para él que llegó así mentalizado a una compañía en la que siempre, desde los tiempos legendarios de Jiri Kylián hasta los actuales bajo la dirección de Paul Lightfoot, se ha estimulado a los bailarines para que den el paso de reconvertirse en coreógrafos. Le pasó hace décadas a Nacho Duato. Le ocurrió lo mismo a Magadan, hijo legítimo del NDT, donde creció como intérprete y se convirtió en reputado coreógrafo. “Audicioné dos veces antes de entrar”, rememora hoy. “La primera vez éramos como 300 chicas y 80 chicos, y con tanta gente es una lotería. Te ven o no, y a mí no me vieron. Pero yo insistí, tenía que entrar, y comencé a seguirles en las giras, iba a tomar la clase con ellos y ya me fueron conociendo, así que me invitaron a una segunda audición, en la que al fin quedé seleccionado”.

Fue en 2001 y los 15 años siguientes han sido de vértigo para este atlético bailarín venido de la gimnasia. “Yo no tuve esa pasión innata por el baile. Soy gimnasta y a mí me llevaron. Era bueno, un buen gimnasta, pero profundamente infeliz, no quería estar en ese mundo. Juan Carlos Ariza, mi entrenador, me dijo que hiciera una lista de las cosas que me veía haciendo y puse volleibol, tenis y cualquier cosa, yo lo

que quería era salir de ahí. Fue él quien me llevó entonces al Conservatorio de Danza y me pareció interesante. Yo tenía elasticidad, tenía fuerza pero no elegancia de movimiento ni musicalidad. TDespués de tres años estudiando lo conseguí y entonces me fui a Londres. De inmediato, llegó el NDT”. En esta casa ha bailado para y con luminarias del calibre de Sol León y Paul Lightfoot, Johan Inger, Jorma Elo, Ohad Naharin y por supuesto Jiri Kylián. Ha estado también muy cerca de los procesos de la coreógrafa canadiense Crystal Pite, asociada del NDT, a quien considera una importante influencia.

Su primera creación, un trío llamado Frenética melancolía (2002), gustó. “Así prosperó la idea de hacerme creador”, asegura risueño.

“Seguí montando trabajos y participé dos veces en el programa de joven creación del NDT, Upcoming Coreographers. Más tarde me ofrecieron montar para el NDT2 y finalmente, en el NDT1. Con ellos he coreografiado numerosas piezas, algunas para espacios no convencionales, y también organicé los workshops durante un tiempo”.

No resulta demasiado extraño que la huella del NDT, con sus características puestas en escena espectaculares, esté impresa en el trabajo de Magadan, una obra cada vez más diseminada por el mundo. Un complejo sistema de sensores en Naked Ape (NDT1, 2009), pantallas móviles inteligentes en la superproducción Nerka (Londres, 2012), una enorme lámpara hecha de partituras en Royal Road (2013, para Luna Negra, compañía de Chicago) o una montaña de cartas que materializan la paranoia esquizoide del protagonista en (d) elusive minds (2014 para Korzo Producciones,

de Holanda) dan fe de una estética visual muy determinada, en unas escenografías que Magadan mismo diseña. Pero no es todo forma. Tampoco solo movimiento. “Yo creo que la vulnerabilidad es una constante en mi trabajo. Mi hermano es psicólogo, vive rodeado de libros y a veces me inspiro en las historias de sus pacientes, me interesa el mundo de la psiquiatría, de la mente. Trabajar en la frontera de lo que es real y lo que no, es algo que me fascina. Pero vengo de la gimnasia, así que también me gusta la fisicalidad, la pasión, ver a la gente volcada en cuerpo y alma”.

Aunque su centro de operaciones está en el NDT, Fernando Hernando Magadan es coreógrafo freelance internacional. Quizá por aquello de que nadie es profeta en su tierra, España le conoce poco. Él no lo atribuye a ninguna razón en particular y de hecho, está poniendo fin a esta situación. El año pasado vino a dar un taller como invitado al Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, de Madrid, y este año volverá para montar una creación con sus alumnos, que se estrenará a mediados de año en la capital. “Me gusta colaborar con más gente, estoy abierto al diálogo y busco puntos de conexión entre los grupos y mi manera de hacer las cosas. Los alumnos del CSDMA me sorprendieron. Encontré gente que conoce su cuerpo, que absorbe rápidamente las ideas y tiene un sentido ético. Aún no se qué montaré para ellos. Originalmente pensé en adaptar un trabajo anterior pero ahora que les conozco, lo que me apetece es montarles algo nuevo”, concluye.Ñ www.fernandomagadan.com

Hijo del NDT

La trayectoria como bailarín y coreógrafo de Hernando Magadan se ha gestado en la potente compañía holandesa.

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Profeta en su tierra

Sidi Larbi Cherkaoui se ha hecho con la dirección artística del Royal Ballet de Flanders, al tiempo que prosigue con su compañía Eastman.

Sidi Larbi Cherkaoui

Diversidad

Vuelve al Mercat de les Flors con su compañía Eastman para mostrar ‘Fractus V’, un trabajo inspirado en el pensamiento de Noam Chomsky. Pero el creador belga es también noticia por su nombramiento como director artístico del Royal Ballet of Flanders, para los que ya ha diseñado su primera temporada.

Texto_begoña donat

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32 ¿Qué puede aportar a una compañía de ballet un coreógrafo de danza contemporánea? En los próximos meses se conocerán las incidencias del nombramiento de Sidi Larbi Cherkaoui (Amberes, 1976) como director artístico del Royal Ballet of Flanders.

El bailarín belga de raíces marroquíes aspira a catalizar cambios a través de la coexistencia de estilos. Mientras las sinergias toman cuerpo, el creador visita el Mercat de les Flors de Barcelona con su propia formación, Eastman, para presentar Fractus V, espectáculo que amalgama lindy hop, flamenco, hip hop, circo y contemporáneo para indagar en la propaganda y la manipulación a partir de textos del activista estadounidense Noam Chomsky.

Artista pluricultural interesado siempre por temas urgentes como la diversidad, las ventajas y desventajas de la globalización, el cruce de culturas, el arte urbano y popular en sintonía con las formas académicas y las diversas manifestaciones de la danza, desde el tango hasta el flamenco, Sidi Larbi ha conocido el éxito desde sus obras tempranas para la formación de Alain Platel, Les Ballets C de la B (Rien de Rien, su primer trabajo en 2000; Foi, 2003; Tempus fugit, 2000), hasta las que ha montado para Eastman, su propia formación (Myth, 2007; Sutra, con monjes del Templo Shaolin, 2008; BABEL Words, 2010; Origine, 2008), además de colaboraciones con otros destacados creadores (Zero Degrees, con Akram Khan, 2005; Dunas, con María Pagés, 2009) y piezas para otras compañías (Orbo Novo, 2010, para Cedar Lake de New York; Mea culpa, 2006, para Los Ballets de Montecarlo).

Ahora, como nuevo director del Ballet de Flanders, ha diseñado su primera temporada respetando la tradición académica de la compañía pero en interacción con trabajos de vanguardia. Hasta febrero estarán con El cascanueces, del joven creador Demis Volpi, y en marzo La Bella Durmiente, en versión de Maria Haydée, que fuera diva en el Ballet de Stuttgart. Entre medias se ha producido ya el estreno de Fall, la primera obra que Cherkaoui les monta como director artístico, y en junio se espera el estreno del programa Ravel, en el que además de Bolero estrenará su propia versión de Cuadros de una exhibición, compartiendo escenario con el joven y ascendente creador belga Jeroen Verbruggen,

el bien. La violencia nunca es la respuesta, incluso aunque sea tentadora. Debemos hallar una conexión más profunda entre nosotros.

que montará para ellos Pavana para una infanta difunta. Adicionalmente, el Ballet de la Ópera de París, ahora bajo la dirección artística de Benjamin Millepied, estrenará esta temporada un Cascanueces, cuyas cinco escenas se repartirán los coreógrafos Arthur Pita, Liam Scarlett, Edouard Locke, Millipied mismo y Sidi Larbi Cherkaoui.

‘Fractus V’ es una continuación de una pieza breve creada con motivo del 40º aniversario de la Wuppertal Tanztheater de Pina Bausch, ‘Fractus’. ¿Qué le llevo a profundizar en aquella obra de pequeño formato?

Quería explorar las fisicidades y los patrones técnicos que habíamos desarrollado en aquel trío, así que pensé que podíamos convertirlo en un quinteto y añadir dos nuevos bailarines y un par de músicos.

¿Qué retos le ha supuesto trabajar con Dimitri Jourde, Johnny Lloyd, Thomé Dutena, Patrick ‘TwoFace’ Williams y Shogo Yoshi?

Son expertos en sus ámbitos y muchos de ellos no se limitan a la ejecución, sino que también ejercen de coreógrafos o compositores, así que tienen un estilo y un acercamiento personales. Son profesionales que me retan con su pericia, que me hacen trabajar más duro, que me empujan y me formulan las preguntas adecuadas. Siempre me involucro en proyectos que me suponen un desafío, porque así aprendo.

¿Cuál era el propósito de reunir estilos tan diversos?

Hay una intención de hacer un alegato. No soy un purista, sino alguien que cree en la conexión entre las formas de arte. El grupo lo conformamos un alemán, un francés, un español, un coreano, un marroquí, un indio, un japonés, un americano y un congoleño, Cuando nos ves juntos somos bastante parecidos, terminamos siendo un grupo

¿Qué opinión le despiertan delatores como Edward Snowden, David Shayler o Julian Assange?

Fractus V

Sidi Larbi amplía una propuesta suya anterior y la reconvierte en este espectáculo fiel a sus constantes.

muy homogéneo. De hecho, a veces, los espectadores confunden un baile con otro, Hay algo unificador en esta diversidad, de modo que la pieza habla sobre las fronteras y sobre las similitudes. Hay un patrón en nuestro trabajo que lo hace universal. Circo, hip hop, danza contemporánea y flamenco se relacionan a través del ritmo, la cadencia, el flujo… Hay muchos elementos energéticos comunes. Y quería mostrar que todos estos lenguajes pueden interconectarse y crear unas fuertes ataduras sobre las diferencias.

¿Ha mostrado su trabajo a Chomsky?

Es mi inspiración, yo no soy la suya. Ni siquiera quiero molestarle con mi arte. El mundo necesita gente como Chomsky. Es un lingüista y un activista político al que admiro mucho, porque tiene una integridad increíble y consigue ver más allá de sus referencias culturales, hasta el punto de detectar lo que no está funcionando en su país y abordarlo inteligentemente.

¿Qué enseñanzas ha extraído de sus lecturas?

Formo parte de una generación que ha sido educada para que no nos importe la política,

y muchos problemas en el mundo derivan de esa inhibición. Necesitamos que nos preocupe la política y conocer los problemas creado por nosotros, nuestros padres, nuestros abuelos o nuestros vecinos para abordarlos constructivamente y alcanzar un diálogo profundo de soluciones desde el respeto y la claridad.

¿De qué manera ayuda su pieza a abrir los ojos de la audiencia?

En Fractus V hay violencia para describir la violencia del mundo que nos rodea, pero también hay amor fraternal y una llamada al respeto de cada energía individual. Tratamos de honrar la diversidad del planeta de una manera inclusiva. Soy medio marroquí y medio belga, fui criado en la fe musulmana, pero si quieres colgarme una etiqueta, ahora soy más bien budista. Siento mucho respeto por todas las religiones y por los que no tienen fe, porque realizan acciones que hablan más alto que sus intenciones. Hay mucha gente atea haciendo mucho bien en el mundo. No rechazo nada excepto la idea de rechazo. No juzgo, sino que trato de solucionar los problemas. Si vendemos armas y hacemos posible que la gente se destruya, no creo que estemos haciendo

Tiendo a respetar a la gente que agita el sistema. Es muy sano cuestionar las acciones de nuestros padres, porque no siempre están en lo cierto. Y he de añadir que la verdad siempre es buena, aunque sea dolorosa. Pero es importante señalar que la información no solo es poder, sino también responsabilidad. Vivimos en un mundo saturado de información, así que es importante contar con gente que la gestione, la traduzca y nos la explique para poder actuar sabiamente. Somos engañados perversamente por sistemas que nos muestran un mundo cómodo, cuando las cosas son mucho más complejas. Y es bueno que haya gente que muestre la mecánica de las cosas. Es bueno saber qué sucede, que parte no comprendimos, mirarse en el espejo, ser analítico.

Con su coreografía ‘Mea Culpa’ para Les Ballets de Monte Carlo intentó demostrar que el ballet puede encajar temas sociales. ¿Está planeando repetir la experiencia en el Royal Ballet of Flanders?

Estoy trabajando en crear un espacio de belleza. Somos pintores, poetas, creadores de alternativas estéticas. Hacer política no es solo quejarse, también proporcionar belleza.

Ya había colaborado con el Royal Ballet of Flanders, en la cesión de una obra propia, ‘Faun’, ¿Va a ahondar en los intercambios entre Eastman y el RBF? Tener dos compañías es puramente técnico. En el Royal hay 50 bailarines de clásico y en Eastman trabajo como

freelance con bailarines de flamenco, hip hop y contemporáneo. Es una pena mirar el mundo distinguiendo entre clásico y contemporáneo, entre musulmán y cristiano.

Resulta más constructivo fijarse en lo que tenemos en común y procurar la interacción.

Por ejemplo, uno de los bailarines de Eastman formó parte del elenco de Fall. No dije cuál y la gente no lo descubrió, a pesar de ser un bailarín muy contemporáneo.

Mi intención es que nos enseñemos los unos a los otros, porque al intercambiar expandimos nuestro vocabulario. Ahora he llevado a un bailarín de hip hop al ballet para que les enseñe movimientos y estoy seguro de que los intérpretes de clásico los transformarán en algo fenomenal.

Ha afirmado que quiere respetar la historia al tiempo que abre nuevas sendas. ¿Cuáles son esos nuevos caminos que quiere transitar?

La gente malinterpreta el término respeto: respetar es moverse hacia adelante. Repetir una y otra vez no es respetar un arte, sino matarlo. El clásico ha de ser iluminado, cuidado y alimentado. Y no soy el primero en pensarlo, los Ballets Rusos, Nijinksy y Kylián ya lo hicieron antes.

¿De qué manera va a hacer posible esa evolución?

Cuando miro el ballet, no veo posiciones, sino una ola. Esta forma de mirar parte de mis raíces árabes porque en la caligrafía árabe todas las letras están conectadas. El ballet ha de ser dinámico y evolutivo. Mi intención es mostrar que todo es transitivo y que hay un constante fluir. Puedes estar en puntas y todavía ser líquido. Por otro lado, creo en los coreógrafos que son capaces de llevar el baile al siguiente nivel, así que los invitaré.

Finalmente, mis bailarines son muy buenos, así que pueden devolver relevancia histórica a las piezas. Tenemos un diálogo constante sobre el pasado, el presente y el futuro.Ñ Eastman. Fractus V, de Sidi Larbi Cherkaoui.

Mercat de les Flors (Bacelona). Del 14 al 17 de enero de 2016. www.mercatflors.cat

Gloria Conteras Fue fundadora del legendario Taller Coreográfico de la Universidad Autónoma de México y recordada como amiga de Balanchine.

El ballet neoclásico azteca ha perdido a su precursora.

Texto_carlos paolillo

Gloria Conteras, que murió en México el 25 de noviembre del pasado 2015, perteneció a la estirpe de mujeres aguerridas iniciadas en el movimiento de la danza escénica mexicana durante los años cuarenta y cincuenta del siglo XX. Su aporte fundamental fue dentro de las tendencias del nuevo ballet, en el que se desempeñó como bailarina, coreógrafa, maestra y gestora. Como creadora hizo del estilo neoclásico, que conoció directamente de su

Taller UAM

En la Universidad Autónoma de México desarrolló Contreras su carrera. Aquí, una de sus últimas creaciones.

fuente originaria en sus años de estudio en la School of American Ballet de Nueva York, su norte artístico al que dotó de un reconocible sentido de identidad con las realidades sociales y culturales de México.

María del Carmen Gloria Contreras Röniger, nacida en Ciudad de México el 15 de noviembre de 1934, realizó su formación de bailarina durante tres etapas diferenciadas: en México con Alicia Delgado y Nelsy Dambré (1946-1954), en América, tras su paso en Canadá por el Royal Winnipeg Ballet (1955) y en Estados Unidos con Pierre Vladimiroff, Felia Doubrosvska y Anatole Oboukhoff y Muriel Stuart (1956-1964), y, finalmente, con Carola Trier (1958-1965).

Su anecdótico vínculo con George Balanchine en Nueva York llevó a Gloria Contreras a lograr el apoyo del ya influyente coreógrafo –aunque nunca llegó

a formar parte de su compañía– en la conformación de su primera agrupación artística en esa ciudad que llamó México Lindo e, incluso, tomar parte de un proyecto coreográfico promovido por el New York City Ballet, que comisionaba nuevas obras con música de compositores latinoamericanos a ser interpretadas por las primeras figuras del reconocido elenco.

Como intérprete, Contreras formó parte del Ballet de Nelsy Dambré, Ballet Concierto de México y Royal Winnipeg Ballet de Canadá. Su obra coreográfica fue representada por el Ballet Nacional de México, la Civic Opera de Baltimore, el Joffrey Ballet, el Teatro San Martín de Buenos Aires, el Royal Winnipeg Ballet de Canadá y la Compañía Nacional de Danza de México.

Su iniciativa institucional de mayor envergadura la constituyó el Taller Coreográfico de la

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Alicia Alonso

Obituario

Prima Ballerina Assoluta Universidad Nacional Autónoma de México, por ella fundado en 1970, donde perfilaría una compañía en correspondencia con sus visiones de una danza reflejo de su particular contexto y abierta al mundo. Fue mucho más que un espacio universitario de carácter experimental para plantearse ser un ámbito de elevada profesionalización. Durante 45 años estuvo al frente de esta valorable institución de la danza mexicana, donde desarrolló un vasto repertorio coreográfico.

El legado artístico de Gloria Contreras está contenido en su pensamiento: “Quise volver a la danza misma, eliminando todo lo que podía debilitarla. He evitado las parcelas literarias, así como los efectos teatrales exagerados”. Como escritora, publicó los libros Diario de una bailarina (1997) y Lo que aprendí de George Balanchine (2008).Ñ

El Ballet Nacional de Cuba celebró con una emotiva gala en el Teatro Nacional de La Habana los 95 años de su alma mÁter, todavía al mando de todas las actividades de la compañía.

Texto_carlos paolillo Foto_TONATIUH GUTIERREZ

Pertenece a la estirpe de las primas ballerinas assolutas, convertidas ya en lejanas leyendas de la danza clásica mundial. Es la única latinoamericana en haber alcanzado tal nivel de reconocimiento. Se trata de un mito viviente y sorprende, a sus 95 años de edad recién cumplidos, su empeño y vitalidad. Alicia Alonso dirige personalmente todas las actividades del Ballet Nacional de Cuba, compañía que celebró este significativo aniversario con una gala en su honor realizada en el Teatro Nacional de La Habana.

Frente a ella aparecieron, interpretados por una nueva generación de bailarinas cubanas, los personajes emblemas de su dilatada carrera artística: desde Giselle, OdetteOdile y Carmen, sus grandes referentes, hasta Swanilda, Kitri, Aurora, Julieta, Yocasta y Dido.

Alicia Alonso (Alicia Ernestina de la Caridad Martínez y del Hoyo, La Habana 21 de diciembre de 1920) simboliza la pasión y el coraje. Ningún obstáculo, personal o profesional habría de impedirle lograr su cometido: ser una bailarina de excepción y liderar un movimiento artístico alrededor de la danza clásica en su país, aislado y empobrecido, cuya repercusión ha trascendido a sí misma. Predestinada a hacer historia, llegó a Estados Unidos a finales de los años treinta para

95 años

Celebró Alicia Alonso su cumpleaños sobre el escenario del Teatro Nacional de La Habana.

iniciar su carrera profesional. Allí actuó en los luminosos musicales de Broadway e integró las filas del American Ballet Caravan, de la mano de George Balanchine, y el Ballet Theatre de Nueva York.

La célebre sustitución de Alicia Markova en Giselle, impregnada de un mítico anecdotario, reveló ante el público a una nueva primera bailarina y significó para ella la apropiación definitiva de tan enaltecido rol. Alonso vivió así un tiempo fastuoso, inspirada por el modelo estético que representaba

el arquetipo de Markova, además de compartir con creadores de la influencia de Mikhail Fokine, Leonid Massine, Brosnislava Nijinska, Antony Tudor, Jeromme Robbins y Agnes de Mille, entre otras influyentes figuras.

Fundadora en 1948 de la primera compañía profesional de ballet de Cuba, el Ballet Alicia Alonso, debió esperar un poco más de una década para ver cristalizado su sueño de una danza clásica perteneciente a todos los públicos.

Con el Ballet Nacional de Cuba

actuó en cuanto espacio imaginable tuvo a su alcance. Bailarina y miliciana, contribuyó con decisión a la inserción social en su país de un arte históricamente destinado a una élite desde sus remotos orígenes cortesanos. El ballet cubano se refleja permanente y casi exclusivamente en Alicia Alonso.

Las nuevas promociones de intérpretes, incluso las más recientes, continúan formándose y bailando bajo su definitiva impronta.Ñ www.balletcuba.cult.cu

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Hofesch Schechter

Mr. Libertad ‘barbarians’, la nueva creación del ascendente coreógrafo israelí, es un tríptico que invita a la confusión. Se verá en el Mercat de les Flors esta temporada.

Texto_BEGOÑA DONAT Foto_GABRIELE ZUCCA

barbarians

Dos momentos del tríptico paranoico que Hofesh Schechter estrena en Barcelona.

En su próxima visita a nuestro país, el aclamado coreógrafo israelí anclado en Londres Hofesh Shechter juega con las percepciones del espectador, que no sabe si asiste a una crisis existencial del coreógrafo hecha movimiento o a una reflexión sobre el frágil equilibrio entre humanidad e instinto animal. barbarians, programada del 4 al 7 de febrero en el Mercat de les Flors de Barcelona, es un espectáculo integrado por tres piezas breves disímiles, donde se habla de amor y se baila entre el academicismo y el tribalismo con ecos a la ciencia-ficción en el mejor estilo Stanley Kubrick.

Por lo demás, Schechter sigue ostentando el cargo de coreógrafo de moda con la agenda copada.

Está siendo solicitado por importantes casas de ballet, ha diseñado un proyecto de compañía junior y acaba de estrenarse en Broadway, coreografiando un revival del musical más judío, Violinista en el tejado. Adicionalmente, el 31 de enero se verá también en el Mercat la ampliación de su ruidosa y fascinante Political Mother, ésta vez montada especialmente con 80 bailarines y músicos no profesionales de las comarcas gerundenses

La primera pieza del tríptico the ‘barbarians in love’ constrasta música eclesiástica barroca con una confesión contemporánea, ¿cuál era el objetivo de esta contraposición?

Emplear música barroca en esta pieza era al mismo tiempo un reto y una inspiración. No creo completamente en este estilo, porque tiene algo pomposo, pero también una gran cantidad de belleza pura. Crea un conflicto interesante con el cuerpo, me empuja a probar algo diferente. En cuanto a las palabras, están ahí para confundirnos. Crean una cortina de humo. Hay un texto al inicio de la pieza que se detiene porque ha llegado a un callejón sin salida. Forma parte de mi trastorno de personalidad el querer vivir en un mundo de emociones y sin embargo complicar las cosas al pensar demasiado el discurso. Las pa-

labras y la vida se hallan en un conflicto absoluto.

de lo cual espero bajar el ritmo, aunque el próximo par de años ya parecen bastante ocupados.

Durante la obra hay una llamada directa dirigida a También este año ha usted, una voz le pregunta desarrollado el proyecto y usted responde. ¿En de ‘Shechter Junior’… qué medida se inspira Shechter Junior es un proyecto del que estoy esta obra en una crisis inmensamente orgulloso. La idea es proveer personal? de oportunidades a los jóvenes bailarines para Cuando la gente ve espectáculos de danza siempre quiere explicar y comprender el significado.

Por un lado me resulta gracioso y por otro, lo puedo entender. Quieres saber dónde te encuentras. Juego con ello. La pieza intenta explicarse a sí misma, pero erra. Cada persona tiene su propia interpretación. Y en esta propuesta más todavía, porque están las palabras, y las palabras juegan con tu percepción y no sabes que es real. Es casi una broma.

¿Qué importancia cobra la coreografía culminante ‘Two Completely Different Angles of the Same Fucking Thing’ para unificar y dar sentido a las dos piezas previas?

La tercera pieza es un dueto, en cierto sentido, la coreografía central de la noche, con las otras dos brindando un contexto o un telón de fondo al dueto, hacen eco en ella y se suman a la relevancia y a las sensaciones y los sentimientos que evoca.

Ha acumulado una impresionante cantidad de trabajo este año. ¿Está pensando en bajar el ritmo o incluso tomarse un año sabático?

Este año ha sido excepcionalmente intenso con nuevos trabajos para el Royal Ballet y la Royal Opera, así como barbarians para mi compañía.

Para 2016 estoy creando una nueva pieza para Netherlands Dance Theatre (NDT, Holanda) y también estoy de gira con la compañía, después

formarse, trabajar y actuar tanto independientemente como junto a los bailarines de nuestra compañía y ser pagados por hacerlo, todo de forma profesional con vistas a la mayor calidad. Surgió de un compromiso personal con el desarrollo de jóvenes artistas y como respuesta a la demanda del esquema anual de aprendizaje de la compañía.

¿Cuáles son sus planes a este respecto?

La base actual, que finalizó en noviembre, giró su propio programa de trabajos tanto nacional como internacionalmente y actuó junto a la compañía principal en la Royal Opera House en Londres.

Espero repetir la oportunidad de formar otra compañía de jóvenes bailarines en una fecha futura.

Su nombre significa “libertad”. ¿Ha cargado con la responsabilidad de luchar por ese concepto con el que está marcado desde que nació?

Quizá mi padre, que fue quien me dio este nombre, plantó un pensamiento en mí desde muy joven que me llevó a cuestionar las normas y los juegos que jugamos social y políticamente en este mundo. Para mí la libertad hoy significa recordar que hemos de cuestionar el sistema que nos rodea y luchar por tener una voz.Ñ Hofesch Schechter Company. Political Mother. 31 de enero barbarians. Del 4 al 7 de febrero. Mercat de les Flors (Barcelona). www.mercatflors.cat

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Larumbe Danza, 20 años

Hervor en Coslada

Ballenas

Recurre Larumbe al 3D para fascinar a niños y adultos en su nueva producción para público familiar.

Juan de Torres, junto a Daniela Merlo, ha dado continuidad al proyecto de danza de su madre, Karmen Larumbe. Son ya dos décadas de gestión y 15 años como compañía residente en el municipio madrileño, hoy plenamente familiarizado con la danza.

Texto_omar khan foto_BORJA SUÁREZ LÁZARO-GALDIANO

Tras su muerte repentina, la bailarina, coreógrafa y docente Karmen Larumbe (Navarra, 1936-Bruselas, 1995) dejó tras de sí una inmensa labor creativa, un catálogo extenso de obras y una compañía que llevaba más de tres lustros funcionando principalmente en Bruselas, ciudad donde ella había bailado para Maurice Béjart. Su desaparición parecía poner punto final a su labor, pero dos de sus bailarines y asistentes, Juan de Torres, su hijo, y Daniela Merlo, decidieron, no sin dificultad, tomar el relevo. Hace ahora 20 años de aquello y 15 desde que se constituyeron compañía residente en Coslada, en la periferia madrileña. Allí han desarrollado una labor que va mucho más allá de la simple gestión de una agrupación de danza, en parte quizá porque en el corazón de Torres convive un artista y también un gestor con notables habilidades para la negociación y la política. De hecho, su ya finalizada gestión al frente de la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED) consiguió conquistas importantes para este siempre aporreado sector.

“Que Daniela y yo asumiéramos la compañía fue accidental”, rememora. “Estuvo dirigida por mi madre hasta 1995, y cuando enfermó sacamos los bolos pendientes, pero nada más. Al morir ella, heredamos un local en Madrid que había adquirido con una hipoteca altísima para que funcionara la compañía y en el que poder dar

clases de danza a niños y amateurs. Pasó fácilmente un año antes de que tomásemos la decisión de seguir adelante. Duele perder a una madre antes de lo debido, con 56 años, y resulta más doloroso aún si era tu jefa. Daniela y yo éramos bailarines, asistentes, estábamos siempre allí, junto a ella formábamos un tándem. Tras reflexionar, asumimos la herencia entendiendo que había que emprenderla como una nueva etapa, que se inició en 1996 en el teatro de La Vaguada [el hoy extinto Teatro de Madrid] con un programa doble. Uno con obras emblemáticas de mi madre y en otro, el estreno de In Nomini Eterni, como homenaje a ella”.

Una vez tomada la decisión, Larumbe Danza fue dando forma a su nueva fisonomía, originalmente con creaciones de Juan de

“La población tiene una cultura incompleta porque no ve danza… y estoy ya harto de escuchar lo pobre que somos cuando lo que veo es que la gente desconoce el disfrute que puede dar la danza a sus vidas” juan torres Torres. Ya en 1997 se plantearon seriamente consolidar una vertiente de danza para niños, cuando apenas existían propuestas de danza para público familiar en España.

Fue esa época cuando Merlo empezó también a bucear en su faceta como coreógrafa, así que el estreno de Mis amigos, yo… y otros demonios supuso su primera pieza y también el arranque de sus creaciones para pequeños, que hoy forman parte indisociable de la línea del colectivo. “No quería tampoco que fuésemos una compañía de autor, así que invitamos a otros creadores a montar para nosotros”, recuerda Torres.

Fue así como otros coreógrafos de la Comunidad (Teresa Nieto, María Pagés y Manuel Segovia, de Ibérica de Danza, los primeros) engrosaron el catálogo de Larumbe. Pero no eran solamente encargos

sino también la oportunidad de mover los trabajos que cada uno de ellos hacía con sus propias agrupaciones en su municipio de residencia, y rotarlos así por todos. La idea interesó a la Comunidad de Madrid, que convirtió a estas agrupaciones en embajadores culturales de la ciudad, impulsando una primera gira que les llevó a Asia.

“Las compañías residentes son gran parte de la solución al problema de la danza de este país. La población tiene una cultura incompleta porque no ve danza… y estoy ya harto de escuchar lo pobre que somos cuando lo que veo es que la gente desconoce el disfrute que puede dar a sus vidas la danza en todas sus vertientes”.

Intercambios Este interés por el intercambio ha persistido en Larumbe y se ha hecho más ancho y más alto, abarcando un radio que hoy se extiende hasta América Latina. De hecho, Ballenas, una historia de gigantes, su reciente producción en 3D –gafas incluidas– para público familiar es una coproducción con México, basada en una investigación conjunta sobre la figura de la ballena en la literatura popular iberoamericana. La pieza, que se hizo el año pasado con el primer premio de Feten, la feria de artes escénicas para niños, ha tenido y sigue teniendo un notable éxito de taquilla allá donde se presente, incluyendo varios países latinoamericanos.

Y es que lo de estrechar lazos fascina a Juan de Torres. Todas estas experiencias condujeron a la consolidación del Festival Spain Dances in…, una iniciativa que consiste en instalar en una ciudad planetaria una selección de la danza que se hace en el país (originalmente era solamente Madrid), acompañada de charlas, encuentros e

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foto_Hozcani Arellano

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Inma García y Meritxell Barberá.

Festival 10 sentidos

Juan de Torres

Sobre, detrás y delante del escenario se ha movido siempre el creador en estos últimos veinte años de Larumbe.

intercambios con la danza local, y que ha tenido experiencias cada año desde 2006 en ciudades como Praga, Buenos Aires, Tokio, Lisboa, Budapest o Montevideo, donde se realizó con éxito el año pasado.

Provisional Danza, Gelabert-Azzopardi, Teresa Nieto, Elías Aguirre, Arcaladanza, Excéntrica Producciones y Daniel Abreu, entre muchas otras, han participado en este encuentro internacional con sede móvil.

En este momento particular de celebraciónaniversario, Juan de Torres da otro giro de timón en Larumbe Danza y anuncia el fin de una etapa y el inicio de otra. “Hemos vuelto a contratar jóvenes bailarines para la compañía. Daniela se está recuperando de una lesión y no sabemos aún si volverá

a bailar. Tampoco yo. A mí me interesa más el rol en el que estoy ahora dentro de la dirección artística general y la organización de eventos como el Spain dances in… o el Festival #Gesto [de danza en espacios urbanos], en Torrelodones, que tiene una mirada que va más hacia las compañías y propuestas de ámbito nacional, porque si hay algo que me preocupa enormemente es la falta de movilidad de las agrupaciones por todo el territorio”.

Siente, no obstante, que el momento es bueno a pesar de la crisis. “Tras 20 años y con el pelo más blanco que rubio, estoy emocionado y contento, veo buenas señales y espero que las administraciones públicas estén a la altura de lo que merece la danza española”. También mira hacia atrás sin odio y puede ver dos fructíferas décadas de perenne lucha. “Regresando de Santander en diciembre pasado vi horrorizado un

incendio enorme en una colina y debo admitir que era bellísimo. Era una emoción contradictoria. Por un lado el horror de lo que implica y por otro la belleza que tiene.

Esa sensación es un buen resumen de estos 20 años que han sido plenos artísticamente pero duros, durísimos, e intensos. La idea de festejo este 2016 no será la de remontar viejos trabajos [ya lo hicieron con Dkada1, por los 10 años] ni hacer una producción especial, será algo más lúdico y original, que espero salga bien. Será en septiembre e implicará a mucha gente, a muchos compañeros”, adelanta sin dar detalles.Ñ www.balletnaciona.mcu.es

Estáis locos

El festival valenciano crece en días y tamaño.

Nº 57 ● 3,50 e ● susy-q.es

Texto_omar khan

Abandona su estatus de pequeño formato y aspira invadir de locura a la ciudad de Valencia en junio próximo. El Festival 10 Sentidos, en su quinta edición, intenta asumir la reanimación artística de la ciudad. No es solo danza, es también cine, artes plásticas, teatro y otras manifestaciones, aunque la

danza tenga cierto protagonismo. Lo que no es de extrañar si se tiene en cuenta que es una iniciativa de Taiat Dansa, compañía que dirigen Inma García y Meritxell Barberá, ahora también productora y directora artística, respectivamente, de esta iniciativa que ha crecido en duración (de una semana pasa a

ser un mes) y tamaño, ocupando distintos teatros y espacios valencianos. El lema este año será A lo caos, y ofrecerá propuestas que tendrán su acento en los bemoles de la mente.

“El discurso siempre tiene un contenido social, que da apoyo y visibilidad a problemas de la sociedad actual. Este año gira

en torno a la salud mental, a las luces y sombras del pensamiento. Partimos del principio de que la locura forma parte de nosotros y de que todos hemos pasado por un episodio de enfermedad mental alguna vez”, adelanta Barberá.Ñ

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el reto de...

MÚSICA Y DANZA ¿Te crees con capacidad de saberlo todo sobre compositores y coreógrafos?

Te retamos a responder estas 10 preguntas.

1 Solamente uno de estos ballets fue compuesto por Tchaikovsky A. El lago de los cisnes B. La Bayadera C. El corsario D. Giselle

2 Maurice BÉjart creó su pieza ‘Le Presbytere’ mezclando rock y música clásica de A. Queen y Mozart B. Pink Floyd y Wagner C. Supertramp y Verdi D. Abba y Beethoven

3 Akram Khan ha creado coreografías para las giras de una diva pop A. Madonna B. Lady Gaga C. Kylie Minogue D. Britney Spears

4 Ha sido compositor habitual en las creaciones de Carolyn Carlson A. Ruychi Sakamoto B. Arvo Pärt C. Rene Aubry D. John Williams

5 La norteamericana Twyla Tharp creó una de sus más célebres coreografías a partir de nueve canciones de A. Elvis Presley B. Elton John C. Frankie Valli D. Frank Sinatra

6 Jardi Tancat y Arenal, coreografías de Nacho RESPUESTAS:

A. Joan Manuel Serrat B. Miguel Bosé C. María del Mar Bonet D. Mercedes Sosa

7 John Cage principalmente compuso música para las coreografías de A. Merce Cunningham B. Martha Graham C. Alwyn Nikolais D. Alvin Ailey

8 El compositor holandés Thom Willems se hizo conocido por sus numerosas colaboraciones con el coreógrafo A. Jiri Kylián B. William Forsythe C. Alonzo King D. Ohad Naharin

9 Solamente uno de estos ballets no fue compuesto por Stravinsky A. El pájaro de fuego B. Petrushka C. La consagración de la primavera D. Serenade

10 ‘Einstein on the beach’, del director Bob Wilson, con coreografía de Lucinda Childs tuvo música del compositor minimalista A. Steve Reich B. Michael Nyman C. Wim Mertens D. Philip Glass Ñ

El equipo Gerente general: Carlos Anzola Director: Omar Khan Diseño y maquetación: Juanjo Jiménez, María Montón Corrección: Manuel Llamazares Community Manager y website: Grisel Tolstow Colaboran en este número: Carlos A. Gómez, Alba Anzola, Begoña Donat, Alfredo Miralles, Ignacio Moreno Flores, Aida Palladés Carlos Paolillo (Caracas), Jordi Sora, María Inés Villasmil (Ámsterdam) Gestión comercial: Álvaro Martínez Nicolás Atención a suscriptores y administración: Alba Anzola Gestor: David Rosique (Dendra) Sistemas informáticos: Informática Delphi Edita: Editorial Isadora, SL Redacción, publicidad y administración: Embajadores, 154 - 2º 3, 28045 Madrid. Teléfono: 914 733 293. danza@susy-q.es Imprenta: Imedisa. Artes Gráficas. Alfareros, 20. 28923 Alcorcón (Madrid).

Depósito legal: M-49788-2005 ISSN 2174-8640.

Síguenos en: susyqdanza @susyqdanza @susyqdanza Esta publicación no comparte necesariamente la opinión de sus colaboradores.

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¿Quién compuso Einstein on the beach?

Duato, coinciden en tener música cantada por

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MUCHO MÁS QUE DANZA

Giacomo Todeschi de La Veronal

TEMPORADA 2015-2016

Del 14 al 17 de enero EASTMAN/SIDI LARBI CHERKAOUI Fractus V Del 22 al 24 de enero LALI AYGUADÉ Kokoro 23 y 24 de enero Dan Dan Dansa MARIA CAMPOS Tarannà

CONSORCIO FORMADO POR

MEDIOS COLABORADORES

31 de enero HOFESH SHECHTER COMPANY Political Mother. Proyecto comunitario hecho en Girona Del 4 al 7 de febrero HOFESH SHECHTER COMPANY barbarians Del 11 al 21 de febrero MAL PELO El cinquè hivern, Siete lunas, Bach y Istambul

CON EL APOYO DE

20, 21, 27 y 28 de febrero Dan Dan Dansa AKRAM KHAN COMPANY Chotto Desh 26 y 27 de febrero SOCIETAT DOCTOR ALONSO Introducció a la introducció

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