Susy Q #56 Revista de Danza Nov-Dic 2015 by SusyQDanza

susyQ R E V I S T A D E D A N Z A 56

honestidad

daniel abreu chevi muraday cullberg ballet najarro / bne Nº 56 ● 3,50 e ● susy-q.es

www.teatrocentral.es

www.teatroalhambra.com

1) NOV) 12h · 6 €

20) 21) NOV) 21h · 17 €

3) 4) NOV) 20h · SALA B · 18 €

AU MENTS

SOL PICÓ CÍA. DE DANZA One-Hit wonders *

CÍA. ÁLVARO FRUTOS

DANZA TEATRO VISUAL PARA LA FAMILIA

Malasombra * 13) 14) NOV) 17h, 18.30h · 6 € DANZA - INFANTIL

DANZA

3) 4) DIC) 21h · 17 €

DANZA

MES DE DANZA 22

Mirra

6) 7) NOV) 20h · SALA B · 18 €

21) NOV) 18.30h, 22) 12h · 6 €

CLAIRE DUCREUX

20) 21) NOV) 21h · SALA A · 18 €

Aupapá

ROSER LÓPEZ ESPINOSA Lowland *

DANZA TEATRO VISUAL PARA LA FAMILIA

Con la colaboración de Pro-Helvetia.

Réfugiée poétique

DANZA/MÚSICA/TEATRO

12) DIC)) 18.30h, 13)) 12h · 6 € DANZA-MÚSICA PARA LA FAMILIA

MÚCAB DANS

Burbujas de papel

JAN LAUWERS/NEEDCOMPANY

Le poète aveugle ESTRENO EN ESPAÑA en complicidad con

Festival TNT- Terrassa. Con la colaboración de la representación del Gobierno de Flandes. Embajada de Bélgica.

4) DIC) 21h · SALA A · 18 € DANZA

LA MAGRA CÍA. DE DANZA 1) NOV) 19h · 16 €

Versado pellejo

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Noiseless (Silencio)

Editorial

bocca

MES DE DANZA 22

LUCINDA CHILDS/LA RIBOT Carnation (1964) Más distinguidas (1997)

ZIG ZAG DANZA

R E V I S T A D E D A N Z A 56

Programación susceptible de cambios

www.teatrocanovas.es

susyQ

DANZA

MONTGOMERY

Welcome to the Montgomery Experience! ESTRENO ABSOLUTO

11) 12) DIC) 21h · SALA A · 18 € DANZA

JEFTA VAN DINTHER/CULLBERG BALLET

Plateau Effect ESTRENO EN ESPAÑA

Con la colaboración de Swedish Institute

JEFTA VAN DINTHER/CULLBERG BALLET Fotografía © URBAN JÖREN

* Espectáculo dentro del Circuito Danza a Escena. Red Española de Teatros de Titularidad Pública.

1516 DANZA

Estrella rutilante del ballet e icono cultural argentino, Julio Bocca se retiró de los escenarios pero no de la danza. Hace tres años, sorpresivamente, aceptó el reto de resucitar al agonizante Ballet del Sodre uruguayo, toda una institución del ballet latinoamericano que estaba al borde del declive. En muy poco tiempo, Bocca ha conseguido el récord de vender más de 20.000 entradas por temporada. Su nombre, aunque ya no baile, arrastra espectadores y su línea de programación, que mezcla revisados títulos clásicos del repertorio con nueva creación, parece un equilibrio razonable entre tradición y modernidad. Adicionalmente, le ha dado una necesaria sacudida a la Escuela de Ballet del Sodre, abriendo una inexistente rama de danza contemporánea, que aún no ha graduado su primera promoción. De tener pocas noticias de Uruguay pasamos a destacar dos en este número de susyQ. Hablamos con Martin Inthamoussu, director de las escuelas del Sodre, además de bailarín y coreógrafo, y reseñamos la visita de Tamara Cubas, que ha sido invitada por el Festival Sâlmon, de Barcelona, y el Mes de Danza, de Sevilla, para ofrecer el curioso espectáculo Multitud, montado con 60 ciudadanos de Barcelona y Sevilla, respectivamente. Montevideo se despereza. omar khan MERcedes l. caballero

contenidos

noviembreDiciembre 15

04 Needcompany 06 Festival de Cannes 08 Silicon Free. Trajal Harrel 09 Actualidad 14 Clásicos del siglo XX Las Sílfides

15 Críticas 18 Daniel Abreu. Irrumpe en

el Festival Madrid en Danza el coreógrafo canario con su más reciente propuesta, Venere 24 Olivier Dubois 26 Chevi Muraday 28 Sâlmon

30 cullberg ballet. Jefta Van

Dinter, el coreógrafo de moda, llega con el colectivo sueco a Sevilla para presentar su exitosa Plateau Effect 34 Martin Inthamoussu 36 bne. Antonio Najarro hace balance de su gestión al frente del ente público mientras prepara su nueva temporada 39 Masdanza 40 La Kors’ia 41 Citas 42 El reto. Modern Dance

Portada: Daniel Abreu. Foto: Luis Antonio de Marzo (entrevista en página 18). Sobre estas líneas Cuisine & Confessions de Los siete dedos de la mano (crítica en página 15).

Needcompany Buscar algo de nuestra vida cotidiana que no haya sido contaminado con nada es lo que parece pedirnos, con falsa inocencia, el creador belga Jan Lauwers, hombre de plástica y escena, que vuelve ahora con su compañía Needcompany para estrenar Le poète aveugle que, como todos sus títulos, es una amalgama de danza, teatro, música y artes plásticas, una suerte de musical posmoderno con el que regresa al Teatro Central de Sevilla, donde la compañía es habitual, tras su paso por el Festival TNT, de Terrassa. La nueva pieza nació en realidad hace 30 años, cuando Lauwers junto al que era su grupo Epigonenteater, visitó por primera vez Córdoba y quedó impresionado de la pluralidad cultural que encerraba su célebre mezquita. Tras 30 años de maduración y aliado con la poesía antigua del sirio Abu al’ala al Ma’arri (973- 1058) y la poetisa cordobesa Wallada bint alMustakfi (1001-1091), más la aportación de sus intérpretes, que ofrecen sus propias biografías, el autor de aquella emocionante Isabella’s Room erige esta nueva producción que es, al mismo tiempo, divertida, desgarrada y trágica. 20 y 21 de noviembre. Teatro Central (Sevilla). alba anzola www.teatrocentral.es

foto_MAARTEN VANDEn ABEELE

impuros

Festival de Danza

Vortex

La Compañía Nacional de Corea abre el festival de Cannes con esta nueva creación del finlandés Tero Saarinen.

Aunque la mención del Festival de Cannes casi siempre se refiere al fastuoso encuentro internacional de cine, en la famosa y glamurosa ciudad costera francesa cada dos años por esta fechas invernales se celebra un Festival de Danza que, desde este año, cuenta con la dirección artística de Brigitte Lefèvre, quien fuera la legendaria directora y renovadora del Ballet de la Ópera de París. Para su primera edición al frente de este encuentro, que llenará teatros y espacios de Cannes del 20 al 29 de noviembre, ha conseguido reunir grandes colectivos internacionales en una oferta muy tentadora que abre con la Compañía Nacional de Corea, estrenando Vortex (en la foto), del finlandés Tero Saarinan, y clausura con la Carmen que el sueco Johan Inger ha montado para la Compañía Nacional de Danza española. Entre medias, una verdaderamente ingeniosa selección, en la que destaca el Ballet Du Capitole de Toulouse con La Bestia y la Bella, del exbailarín de la Ópera de París, Kader Belarbi; el colectivo brasilero de Deborah Colker, con Tatyana; adaptación libre y muy contemporánea de Oneguin, de Pushkin; el Ballet de la Ópera de Lyon, con su impactante programa en homenaje a Jiri Kylián; la Compañía Hiatus, de Daniel Linehan, y la unión en un único programa de dos damas de la nueva danza francesa, Michelle Noiret y Catherine Diverres. alba anzola www.festivaldedanse-cannes.com

foto_PARK HYUN-KEUN

Cannes no es sólo cine

actualidad

Silicon Free

Trajal Harrell, artista residente del MoMa, de Nueva York, invitó al público a compartir su proceso creativo. Allí estuvimos y Estas son las reflexiones de la experiencia. Texto_MARÍA INÉS VILLASMIl

experiencia Trajal Harrell permitió al público conocer parte de su proceso creativo, en el MoMa de Nueva York.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) es reconocido por su importante aporte e interés en las artes escénicas. Son ya conocidas sus retrospectivas dedicadas a artistas como la performer yugoslava Marina Abramovic o a la coreógrafa norteamericana Trisha Brown. También ha cedido sus espacios a renombrados coreógrafos, dentro del programa Some Sweet Day, destacando las parejas Steve Paxton y Jérôme Bel, Faustin Linyekula y Dean Moss o Deborah Hay y Sarah Michelson, apareados en relación a sus visiones estéticas, sus diferencias generacionales y su discurso sobre aspectos como gender o historia de la danza, contando con el bailarín y coreógrafo Ralph Lemon como comisario. A inicios de este otoño los espacios del destacado museo fueron ocupados por Trajal Harrell (Douglas, Georgia, 1973), célebre por su reinvención de un encuentro imaginario entre los pioneros de la danza posmoderna en Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (2011). Con una interesante visión coreográfica en continuo proceso de transformación, Harrell, que es artista residente del MoMA desde septiembre de 2014, sumó estas presentaciones a su propio proceso de investigación. Durante su intervención el pasado 24 de octubre, Harrell presentó su trabajo unipersonal The Return of La Argentina, inspirado en el bailarín y coreógrafo japonés Kazuo Ohno, pionero de la danza butoh, y posteriormente The Practice, donde el coreógrafo abre la puerta a un ensayo con sus bailarines, ofreciendo al público la posibilidad de presenciar el proceso de dirección y desarrollo del material coreográfico pero también de hacer

preguntas y entrar en diálogo abierto con el coreógrafo y sus colaboradores. Si se tiene en cuenta que generalmente sus ensayos son estrictamente privados, asistir a una sesión muy similar a la que el equipo realiza en el estudio adquiere dimensión de privilegio. ¿Cómo opera el proceso coreográfico del creador ante sus bailarines? ¿Cómo se transforman el discurso y las instrucciones verbalizadas en movimiento puro y fisicalidad? ¿Es el rol del coreógrafo el comentar, dirigir o crear, mientras los bailarines simplemente repiten una y otras vez sus directrices...?, son algunas de las interrogantes surgidas durante el encuentro. El único beneficiario de la experiencia no es el público. La audiencia, que mira con otros ojos un trozo del proceso creativo, expresa sus inquietudes abiertamente y el coreógrafo potencia su trabajo de reflexión constante mientras la propuesta se encuentra en proceso. Al final, ambas partes impulsan y retroalimentan el proceso de transformación permanente del material, durante una jornada que dura unas tres horas y que, en definitiva, propicia un diálogo abierto y cotidiano sobre el quehacer artístico.Ñ www.moma.org

foto_ALESSIA BOMBACI

The Practice

Festival inTACTO

Arte en vivo Desde hace cinco ediciones, en Vitoria-Gasteiz se celebra una cita con la creación actual, que se alza como imprescindible foco para artistas, público y escena. Se trata de inTACTO, un festival de arte en vivo y nuevos lenguajes escénicos, iniciativa de Factoría de Fuegos, creada por los artistas Iara Solano, Sammy Metcalfe, Hannah Wheelan y Unai López de Armentia, que se pone en marcha del 27 al 29 de noviembre. “inTACTO nace de la necesidad de disfrutar de los trabajos de otros artistas escénicos contemporáneos y de seguir en contacto con nuestro entorno fuera de nuestras fronteras. También, de cómo poner en contacto a los públicos y creadores de la ciudad con las nuevas corrientes escénicas europeas”, declara Iara solano. Nui Danza, Nazario Díaz (en la foto), Christopher Brett Bailey y Tania Arias, con la pieza Bailarina de fondo en concierto, algunos de los creadores que pasarán por Artium (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria), donde se desarrolla un nuevo programa en el que los artistas dialogarán con las exposiciones a través de piezas sonoras. “En estos años hemos conseguido afianzar un público que es diverso, numeroso, fiel, crítico, activo, y hambriento, que abarrota los pasillos y las salas, y que nos da fuerza para seguir luchando, mejorar condiciones y ampliar apoyos”. MERCEDES L. CABALLERO

Premios Nacionales

Baro D’Evel

La Intrusa gana Tiene ella sensualidad y fuerza. Es dueño él del sigilo de los felinos cuando baila. A veces por separado y en muchas ocasiones juntos, Damián Muñoz y Virginia García (en la foto) han definido desde sus propias cualidades el estilo y la estética, ya inconfundibles, de La Intrusa Danza, de Barcelona. Quizá fue eso, junto a la larga experiencia que comparten desde 1996, lo que impulsó al jurado a otorgarles este año el Premio Nacional de Danza en la modalidad de creación, reconociendo así su aportación y premiando su constancia. De hecho, el premio les sorprendió en pleno proceso de Mud Gallery / Animales de hermosa piel, que estrenan este diciembre. En la modalidad de interpretación, el premio recayó en Rubén Olmo, un aguerrido defensor de la danza española, que posee además una visión actual e innovadora. Vinculado durante años al Ballet Nacional de España, Olmo es bailaor, docente y coreógrafo.

pad

And the winner is... El humor irreverente y descarado de Juan Luis Matilla, de la compañía Mopa, en su reciente unipersonal Boh! (en la foto), se llevó cinco galardones, incluido el de mejor intérprete, en los sextos premios de la PAD, la Asociación Andaluza de Danza, ahora dirigida por el productor Miguel López, quien durante la gala celebrada en Sevilla el pasado octubre reivindicó la necesidad de un cambio de actitud hacia la danza por parte de las instituciones públicas y abogó por la unidad entre los miembros del sector en Andalucía. Nerea Aguilar por su labor al frente del singular festival Costa Contemporánea, de Almería, recibió el premio de honor, al tiempo que se reconoció A L’Espagnole, emocionante propuesta de Antonio Ruz, como mejor coreografía. Natalia Jiménez resultó mejor intérprete y hubo galardones también para El soberao, de Raquel Madrid y para Incubo Teatro, entre otros. www.asociacionpad.com

foto_Luis Castilla

foto_Fedric Jan

Montgomery

Bestiales

Experiencia

Dos características del nuevo circo, que le distancian del viejo, residen en su explícito rechazo al espectáculo con animales y, en algunas ocasiones, a utilizar la carpa como espacio escénico. No obstante, la compañía Baro D’Evel, que dirige con buen tino desde 2001 la francesa Camille Decourtye y el catalán Blaï Mateu, intenta demostrar que se puede establecer una relación digna entre artista y animal en su nueva propuesta Bestias, que se verá en el Festival Temporada Alta de Girona (19 al 22 de noviembre) y más tarde en el Mercat de les Flors de Barcelona (11 al 20 de diciembre). Todo ocurre bajo una pequeña carpa, donde acróbatas, bailarines, un actor, caballos y aves van de la mano hacia una poesía visual no exenta de humor. Baro D’Evel, residente en el Mercat y que ha contado con el apoyo de la compañía Malpelo, son ejemplares de los caminos insospechados por los que transita el nuevo circo en el siglo XXI.

Inauguraron en Mes de Danza de Sevilla el año pasado, se fueron a Seúl con su música en directo y su danza de vanguardia con estética que lejanamente rememora el glamur de los años cincuenta, y ahora se presentan de nuevo en el Teatro Central sevillano (4 de diciembre). Lo que se inició como una propuesta lúdica para abrir el célebre festival ha cogido forma y cosechado aplausos por su ingenio. Como lo dice su nombre The Montgomery Experience es una experiencia, una fusión de música y danza, una fiesta, un experimento… pero también una insólita reunión de talentos. Los músicos de Proyecto Montgomery que dirige Miguel Marín, la coreografía de dos veteranas como Teresa Navarrete y María Cabeza de Vaca, que también bailan junto a Greta García, Laura Morales y Silvia Balvín, más la presencia del actor físico Nando Pérez, a modo de maestro de ceremonias, son los componentes de esta explosiva fiesta escénica, que usualmente pone el público a bailar.

www.temporada-alta.net www.mercat-flors.cat

www.teatrocentral.es

foto_Dominik Mentzos

Jacopo Godani

Forsythe ya no está Al mismo tiempo que William Forsythe presenta en el MMK, Museo de Arte Moderno de Fráncfort, su exposición de instalaciones y propuestas multimedia con ánimo retrospectivo The Fact of Matter (hasta el 31 de enero), el Festival Madrid en Danza presenta la nueva faceta de la Forsythe Company, que en ausencia de su alma máter ha pasado a llamarse Dresden Frankfurt Dance Company, cuya dirección ha asumido Jacopo Godani, heredero directo del coreógrafo norteamericano. Para el renovado equipo, Godani ideó su propuesta The Primate Trilogy (en la foto), una obra que sigue la línea de investigación que una vez preocupó a su maestro: la fisicalidad y la precisión matemática del movimiento, elementos que hicieron delirar a las audiencias de Forsythe, creador que ahora abandona su propio colectivo y sigue una ruta solitaria más experimental y cercana a la performance, mientras sus trabajos de envergadura para el hoy extinto Frankfurt Ballet siguen activos y vigentes en incontables compañías de ballet del mundo. The Primate Trilogy se verá en Teatros del Canal (Madrid), los días 27 y 28 de noviembre. www.dresdenfrankfurtdancecompany.de

Danza para niños

Peques

Once años cumple ya El Mès Petit de Tots, exitosa iniciativa catalana que del 7 al 22 de noviembre tomará por asalto 10 ciudades (en Barcelona el epicentro será el Mercat de les Flors) con una programación escénica internacional de gran calidad y alto voltaje para los más pequeños. En esta nueva entrega se apuesta por la innovación y se coloca el acento en el público más exigente, el de 0 a 5 años. ¿Cuál es mi nombre?, de la compañía andaluza DA.TE Danza, o apuestas europeas como la Compagnie Hoog, de Bélgica, o los franceses de Charabia, entre la oferta. Para los niños de Madrid también habrá oferta escénica de altura. La Sala Cuarta Pared, dentro de su programa regular de Teatro para Niños, ha invitado a la creadora catalana Ángels Margarit y su compañía Mudances con su ya histórico espectáculo Origami (en la foto), muy anclado en la danza y lo visual. Única función, el 15 de noviembre. www.elmespetitdetots.cat www.cuartapared.es

Albert Quesada

Esto no es flamenco Lo advierte. No es flamenco. Pero al mismo tiempo UnDos Tres UnDos intenta ser una reflexión acerca de este arte. Albert Quesada, bailarín catalán de línea precisa y danza elegante, el mismo que trabajara y desarrollara su exitoso unipersonal Solo on Bach & Gould hasta convertirlo en emocionada trilogía sobre estructuras musicales, se ha hundido ahora en los enigmas que hacen del flamenco –baile y cante–, un arte capaz de seducir audiencias en todo el mundo a pesar de su orígenes humildes y populares. El creador, que se graduó en la prestigiosa escuela P.A.R.T.S. de Bruselas, a la que sigue vinculado, inspecciona en los cuerpos de dos bailarines esta “intensa comunicación emocional a pelo” que es el flamenco, trayéndola a su propio terreno. UnDos Tres UnDos se verá en el Festival Temporada Alta de Girona, el 21 de noviembre. www.temporada-alta.net

Clásicos del siglo XX

críticas

Las sílfides El que está considerado el primer ballet abstracto de la historia fue concebido por Michael Fokine para los Ballets Rusos en 1906. Nijinsky, Pavlova y Karsavina se cuentan entre el elenco original. Texto_CARLOS PAOLILLO Foto_NANCY REYES

Frederick Chopin representa el momento musical más alto de la era romántica y al mismo tiempo el inicio de la modernidad en la danza. Desde 1907, con la primera presentación en San Petersburgo de Chopiniana, de Mikhail Fokine, su música comenzó a ser bailada teatralmente en momentos en los que ya se anunciaba la renovación estética del arte del movimiento en Occidente. El recital de danza que Isadora Duncan presentó en la capital rusa en 1905 que incluía obras creadas sobre composiciones de Gluck, Mozart, Beethoven y Schubert, reveló a Fokine un modo de vinculación distinto, visto como revolucionario, entre coreografía y música.

Chopin, orquestado por Alexander Glazunov, orientaría el espíritu de Chopiniana, obra destacada del coreógrafo llamado a iniciar la adecuación del ballet a los nuevos tiempos. Chopiniana, originalmente concebida como un ejercicio para los estudiantes de la Escuela Imperial, arribaría al ámbito profesional y adquiriría gloria definitiva con su presentación el 2 de junio de 1909 por los Ballets Rusos de Diaghilev en el Teatro de Châtelet de París, con el nombre de Las sílfides, nueva orquestación de la que participó Igor Stravinsky, decorados y vestuario de Alexandre Benois, y la interpretación legendaria de Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina y Alexandra Baldina. Estilísticamente, Fokine se inspiró en el imaginario de la bailarina romántica, de actitud retraída y condición etérea, establecido por Marie Taglioni en el relato fantástico de La sílfide (Filippo Taglioni, 1832), que luego fuera convertido en revelador hecho escénico abstracto en el Pas de quatre (Jules Perrot, 1845). La exaltación que hizo el visionario coreógrafo de uno de los más universalizados iconos escénicos de la feminidad, la organización armoniosa del

cuerpo de baile y la perfección de su diseño espacial, determinaron la trascendencia y proyección final de esta obra. Fokine en Las sílfides logró transformar en específico lenguaje corporal el universo de polonesas, nocturnos, valses, mazurcas y preludios de Chopin, y lo convirtió en un código de movimiento íntimo, emocional y sublimado. Concibió el que se considera el primer gran ballet abstracto de la historia, con el antecedente ya referido firmado por Perrot. Mientras el Pas de quatre hace abstracción de cuatro exultantes personalidades románticas, Las sílfides plantea la exaltación de un colectivo orientado por una corpórea voz poética, bajo la clara influencia de los actos blancos del siglo XIX, pero con lúcida mirada hacia la modernidad. Hoy, Las sílfides sigue vigente en los repertorios de las grandes compañías de ballet.Ñ

Los siete dedos de la mano

Masterchef Cuisine & Confessions Teatro Circo Price (Madrid) 21 de octubre de 2015

Espíritus cubanos. Un momento de Las sílfides, en la versión del Ballet Nacional de Cuba.

Es Quebec un foco en ebullición para el nuevo circo. Su escuela es reclamo internacional. Se gestó allí el Circo del Sol, hoy convertido en toda una industria del entretenimiento, y se mantiene vivo en esta región canadiense un interés por la innovación y la vanguardia, que va dejando atrás la decadencia a la que había llegado el circo tradicional arrastrando y vejando animales famélicos aupados por payasos más patéticos que graciosos. En este nuevo y vibrante paisaje el colectivo Los Siete Dedos de la Mano ocupa preponderante lugar. Hilvanados desde una dramaturgia cada vez más depurada y certera, sus espectáculos combinan la acrobacia de infarto y los números aéreos tradicionales con coreografías de riesgo, buen teatro y exquisita música. Han llegado lejos en su investigación y Cuisine & Confessions, su última propuesta, es ejemplar de estos logros. Ambientada en una enorme y equipada cocina, la obra la presenta no solamente como lugar para preparar comidas (en tiempo real y entre números acrobáticos el equipo prepara un pastel de plátano, una enorme olla de pasta y una sencilla tortilla francesa, que da olor a la propuesta y estimula, al final, el paladar de la audiencia) sino que valora la comida y el acto de comer como punto

de encuentro familiar o fraternal, lugar de evocación y contenedor de emociones. En honor a su título, a lo largo de esta sorprendente y emocionante velada, los intérpretes se confiesan y van desgranando sus propias experiencias y recuerdos alrededor de comidas que evocan a la abuela o al padre ausente. Emociona lo que cuentan pero nunca pierden de vista que son un circo y delirante resulta cómo lo cuentan, con sus cuerpos volando por los aires, trepando hasta la cima de un palo chino o haciendo acrobacias de muerte ente harina, huevos voladores y trepidantes amasados. Experiencia sensorial fuera de serie dentro de la temporada del Circo Price, de Madrid, que también nos trajo desde Cataluña al Circ Pistolet, un hallazgo notable ubicado en otra coordenada creativa. Despojado de todo ornamento, casi sin aparatos, austero y veloz, Incert es un espectáculo trepidante con cierto aire canalla y vocación gamberra que descansa fundamentalmente en las enormes habilidades y destrezas de equilibrio, acrobacia y riesgo de su entrenado equipo, un grupo compacto, simpático y preciso que insufla de buena salud al nuevo circo catalán. omar khan

Daniel Abreu

Introspección Vertebral / Silencio

Coreografías: Daniel Abreu

Banco de peces Shy blue / Coreografía: Elías Aguirre

Mes de Danza de Sevilla 31 de octubre de 2015

Es Daniel Abreu dueño de un universo escénico propio, hoy perfectamente reconocible, que se presenta siempre enigmático y poético. Un mundo con reglas precisas, certeras y constantes, en el que el movimiento surge de la introspección y la emoción, un lugar por el que deambulan personajes taciturnos que parecen en conflicto consigo mismos y habitan el espacio algunas veces como testigos (esas mujeres de ropa cotidiana con tristes plumajes festivos que cruzan el espacio o se quedan mirando mudas y perdidas todo lo que ocurre), o a veces como partícipes, obligados a bailar frenéticamente o a retorcerse en convulsiones en una esquina inadvertida. Larga es la trayectoria de este coreógrafo de las islas que vive en Madrid y tardíamente obtuvo el Premio Nacional de Danza, en 2014. Y vista como un conjunto, su obra aparece coherente y sólida, como si fuera una sola pieza en perenne proceso de desarrollo y retroalimentación, aunque cada una tenga sus peculiaridades. Antes de la premier de Venere, su nueva creación que se estrena esta temporada en el marco del festival Madrid en Danza, Abreu cobró protagonismo en el Mes de Danza de Sevilla,

Elías Aguirre

donde presentó dos trabajos recientes. En la calle, solitario, en comunión con el público y el espacio (transformó en escenografía el camino de tierra de la plaza en la Puerta de Jerez donde bailó) presentó su unipersonal Vertebral (en la foto), que parecía una autoconfesión, un encuentro con su propio yo, gracias a un juego de camisetas con su propia cara que recordaba de lejos la ingeniosa Shirtology, del experimental francés Jêrome Bel. Vertebral es una obra introspectiva y de gran sensibilidad como todas las suyas, que fue perfecto epílogo a la muy íntima Silencio, que se vio esa misma noche en la sala La Fundición, de Sevilla. Acompañado ahora por Anuska Alonso y Dácil González, dos bailarinas habituales, de presencia totémica y energías desbordadas, erige Abreu este silencio de ruidos, esta obra evocadora de densa atmósfera y sobrecogedora solemnidad, que encaja perfectamente en el conjunto de su trabajo (Más información en página 18). ok

foto_javier suárez gómez

foto_Gerardo Sanz

foto_luis castilla

foto_miguel berrocal

foto_Antonio de Sancho

Excéntrica Producciones

Bailarina ‘vintage’

2Proposiciones

Luto

Hay cuerpos que se olvidan Coreografía: Raquel Madrid Teatro La Maestranza

La Phármaco

Beckett en danza La voz de nunca / Coreografía: Luz Arcas

Ciclo Viaje al centro de la Danza.

Hora de cierre / Coreografía: Isabel Vázquez

Mes de Danza (Sevilla)

Sala Cuarta Pared (Madrid)

Teatros del Canal (Madrid)

Ciclo Territorio Danza / Sala Cuarta Pared (Madrid)

30 de octubre

Ciclo Territorio Danza.

14 de septiembre de 2015

29 de septiembre de 2015

Una energía circular se instala desde el primer momento de la obra y ya no se detiene hasta el final. El movimiento plástico y animal es tamizado por una luz mate, casi de talco que mancha la ropa y los cuerpos de los tres intérpretes que construyen Shy blue. Surgen y desaparecen trayectorias en las que los bailarines se acompañan o abandonan sin drama, líneas que se suman y se encuentran, un delicado trabajo de composición que nos absorbe como si contempláramos el recorrido de un banco de peces, o la organicidad de una bandada de pájaros. Elías Aguirre es observador, enérgico, clown, bicho, preciso, curioso. Construye su obra con la sensibilidad de un artista plástico y la curiosidad de un permanente espectador del mundo animal. La dedicación fina, precisa, paciente y concentrada que permite la investigación, le lleva a alternar tiempos de estudio en solitario y juegos con el eco que genera su trabajo en otros cuerpos. En este proceso, comenzado en residencia en el Centro de Danza Canal, Aguirre continua avanzando en su crecimiento paciente, con un registro propio latente ya en sus primeras fases y cada vez más a la vista. marta botana

“Me llamo Isabel Vázquez. Tengo 51 años y soy bailarina”. Tras esta declaración inicial, partiéndose de risa como si acabase de contar un chiste, la veterana y pionera artista sevillana baila. También habla y canta. Se emociona. Y nos emociona. Se autoproclama bailarina vintage, equiparando sus prestaciones como artista con las mismas que tiene el sofá psicodélico de los años setenta que intenta vendernos. Por encima de los valores coreográficos de la propuesta, que los tiene, Hora de cierre desprende honestidad y humanidad. Es un valiente striptease emocional, la declaración de principios de una bailarina que se reafirma hastiada, que se confiesa cansada del mundo de la danza más cool, en el que parece no haber lugar para las bailarinas vintage. Isabel Vázquez ha querido reivindicar y reivindicarse, ha querido gritar bailando, que no es lo mismo que bailar gritando. Toda la coreografía es un intento por convencernos del error que supone pensar que un artista caduca y se apaga con la edad. Con vitalidad (e inocencia) juvenil y férrea convicción, pero sobre todo con su danza, tan libre y sencilla, tan personal y desenfadada, nos convence plenamente de que se llama Isabel y es bailarina. La edad que tiene es un dato que sobra. ok

24 de septiembre de 2015

Diez años. Diez piezas. Raquel Madrid ha celebrado la primera década de su grupo sevillano 2Proposiciones con un duelo enmarcado en el Mes de Danza. Hay cuerpos que se olvidan indaga a profundidad en el ritual del dolor, en las cinco fases que hay que padecer para superar una pérdida. De negro riguroso, temblorosa e indefensa, Madrid arranca su obra ciega, creando a tientas el altar mayor desde donde nos escenificará su dolor con danza, con textos, con canciones y música en directo. A veces frenética y siempre desdoblada, cruzará como una flecha retorcida las cinco fases del duelo que le llevarán a la liberación final, en una ratificación de que polvo somos y en polvo nos convertiremos. Pese al tema, que históricamente ha dado para mucho llanto, no tiene una dimensión trágica. Todo lo contrario. Humor inteligente y explícito patetismo echan tierra (casi literalmente) al desgarramiento de todo lo que cuenta. Fascinada por los rituales familiares (sus piezas anteriores abordaron bodas, divorcios y cumpleaños), Raquel Madrid consolida ahora su danza-teatro personal con esta delirante sesión de hiperbólico dolor escénico. ok

Una profunda labor de investigación en el clásico de Beckett Esperando a Godot, se desprende de La voz de nunca. Personajes, temáticas (complejas, humanas), ritmo y evolución dramática, quedan cristalizados en esta exigente versión del clásico de la literatura en clave de danza, fórmula habitual en el discurso de La Phármaco, que suele acudir a los clásicos para el encuentro del germen de algunos de sus trabajos coreográficos. Se adentra La voz de nunca en el universo beckettiano con la eficacia de saber evitar lugares comunes y el acierto de sumar a lo ya dicho desde el movimiento, pero también desde la música (con composición e interpretación al piano, en directo, de Carlos González) y pinceladas de texto, consiguiendo una tan pertinente como difícil comunión en escena. Cercana a lo cinematográfico por momentos (al cine mudo, concretamente), propiciada esta lectura por el especial vínculo desarrollado entre el directo del piano y el lenguaje corporal de los intérpretes, La voz de nunca aparece como un escrupuloso trabajo alrededor de Beckett, Godott y su espera, del que destaca con gran vehemencia, la interpretación (y convivencia escénica) de Luz Arcas (Estragón) y Begoña Quiñones (Vladimir). mercedes l. caballero

Daniel Abreu

Estado de flujo La próxima edición del Festival Madrid en Danza será marco para el estreno de ‘Venere’, nuevo trabajo de Daniel Abreu. De él, su trayectoria e inquietudes, habla en esta generosa entrevista, testimonio de honestidad, el coreógrafo y bailarín, Premio Nacional de Danza 2014, creador de ‘danza en estado de flujo’. Texto_MERCEDES L. CABALLERO Foto_jesús robisco

El tiempo vuela. El ego desaparece. El compromiso lo abarca todo. Son consecuencias del estado de flujo, expresión acuñada por el psicólogo Mihály Csíkszentmihályi en 1975, para designar ese estado de dedicación total a la actividad en la que uno se encuentra, propicio para alcanzar el estado de la felicidad. “Cuando estoy con los bailarines dirigiendo y encuentro algo que es novedoso para mí, hace que me olvide del resto del mundo. Es la plenitud. El estado de flujo. Es ese estado de concentración máxima. El placer”, declara Daniel Abreu, bailarín, coreógrafo y también psicólogo. “Uso mucho lo que sé y lo que aprendo de la psicología en la creación, en la manera de exponer un espectáculo. Muchas veces, cuando mis trabajos no se entienden, es porque me he quedado enganchado en un concepto psicológico abstracto. Otras veces por torpeza, por no saber hacerlo de otra forma. Pero cuando hay un enganche simbólico, tiene que ver con algo en lo que me he prendido de la psicología”.

“No lo he entendido, pero me ha gustado”, suele ser una frase habitual que usted ha

comentado, se le dice de sus obras… Sí. A mí me gusta. Es que yo no hago obras para entender, con sus personajes sus historias concretas. No sé hacerlo o igual no me sale. Sentarte en un patio de butacas a comprender una obra coreográfica es muy complejo. Todo lo que está pasando va a generar palabras en tu cabeza, pero no tienen por qué tener orden.

En Tenerife, donde nació (La Matanza de Acentejo, 1976), se produjo su primera relación con el movimiento. El instituto, una amiga fan de Madonna, las fiestas del pueblo y una modesta escuela de danza, los primeros marcos que sirvieron para el acercamiento. “Mi vocación era la astrofísica. Me pasaba horas aprendiendo constelaciones, mirando las estrellas... Pero en aquel contexto de mi primera escuela de danza se dio el recibir mucho refuerzo positivo y me hizo quedarme. Refuerzo del profesor, de los compañeros. Es muy importante que uno tenga un arrope. Y aquellas personas alimentaron una autoestima. Además de mi cabezonería”. Abrigo y tesón acompañan la trayectoria de

este creador, formado en ballet clásico y danza contemporánea, que firma más de cuarenta producciones y se alza destacado y notorio en la escena nacional y desde hace tiempo. Desde Madrid, ciudad donde reside. Hasta la que llegó y arrancó su recorrido interpretativo en compañías como Lanònima Imperial y Provisional Danza. En la que inició, también, su proceder como coreógrafo con el aliento de nombres de la creación dancística como Carmen Werner, Roberto Torres y Ana Vallés, y de la exhibición como el de Elisa Gálvez y Juan Úbeda, directores del desaparecido espacio El Canto de la Cabra, en el que Daniel Abreu mostró sus primeras obras. “Yo no he hecho mi trayectoria solo. Carmen (Werner), por ejemplo, motiva mucho la creación en los bailarines que trabajan con ella. Te arropa, te incita, te empuja. Es mi madre artística”.

¿Y cómo recuerda aquellos inicios? Me sale la sonrisa. Estaba muy ilusionado. Por empezar mis primeras creaciones (Lo que no importa, Espera, A cal...) y por el apoyo que recibía. Recuerdo los primeros días en El Canto de la Ò Cabra, con poco público. Venían los amigos

“Uso mucho lo que sé y lo que aprendo de la psicología en la creación.” daniel abreu

¿Por qué cree que no le seleccionaban? Creo que es muy difícil que te cojan solo por verte. No soy demasiado versátil y de primeras es difícil que se me vea. Mi cuerpo no es técnicamente prototípico. Recuerdo que hice una audición para DV8. Éramos mil... Todos mucho más altos, más guapos... y yo no pintaba nada. Hicimos una clase de ballet y Lloyd Newson (el director) iba tocando a gente. Al ir tocando a bailarines que a mí me estaban gustando mucho, cuando llegó el momento de tocarme a mí, me empecé a ilusionar y pensé “igual estoy”. Pero no, era lo contrario. Entonces Newson explicó la cantidad de veces que no le habían seleccionado en audiciones y la suerte que tuvo porque empezó a crear. De alguna manera, y sin querer compararme con él, yo también veo como una suerte el que no me hayan cogido.

Sus trabajos suelen ser radiografías de estados emocionales. ¿crea también desde lo emocional? No, pero inconscientemente está. Soy una persona muy contenida y sé que en mis trabajos pongo emociones que yo no me permito vivir. Eso es así. Pero creo que lo hacemos todos. Tratar de poner en el escenario todo aquello con lo que nos cuesta estar en contacto. Y sacarlo fuera.

¿Cómo resultan sus procesos de creación? Trabajo con los bailarines. Llego al estudio y les propongo determinada densidad o pauta de movimiento. A partir de ahí les voy conociendo y viendo qué posibilidades hay. De una manera muy intuitiva. Y trato de moverles y cambiarles a diferentes registros. Cuando ya les conozco mucho, hago una especie de revisión histórica de por dónde se suelen mover y les sitúo en otro lugar. Como si inventara las

palabras de un lenguaje nuevo y construyera frases con esas nuevas palabras.

Existe un legunaje abreu, muy identificativo, también en la calidad de su movimiento. ¿cómo ha llegado hasta él? No sé muy bien de dónde sale. Te pones a bailar delante del espejo y... Yo lo hago en el baño de mi casa, con mucha luz. Y como cuando era un adolescente, a veces me pongo los auriculares, me imagino que estoy en un escenario y empiezo a probar cosas. Me pongo a improvisar durante dos, tres, cuatro horas y me quedo con lo que se queda en mi memoria. El lenguaje se va a construyendo con fragmentos de memoria de trabajos de improvisación.

En su trayectoria creativa se adivinan estados como la animalidad, la lucha, la redención, la identidad... ¿en qué momento se encuentra ahora? Creo que estoy con la rabia. Aunque aún no lo tengo claro. En Venere, la nueva obra en la que estoy trabajando, la idea es el amor. Pero con algo de enfado detrás.

‘Venere’ Cuando me propuse Venere, Venus en italiano, pensé “¿Qué es Venus?”. Responde a la idea del amor, de la sexualidad, de la feminidad... Pero también es un planeta y representa lo lejano, lo material, algo que no se puede tocar pero lo vemos... Traducido a las emociones sería la afectividad y la alegría del amor, por un lado. Por otro, la dureza del enfado. En este momento, he ligado esas emociones y ahí están. Cuatro bailarinas y dos bailarines (Abreu incluido), dibujan la nueva obra de Daniel Abreu que tendrá su estreno en el Festival Internacional Madrid en Danza, pensada en un inicio para la Sala Roja de Teatros del Canal, apuesta de la anterior directora de esta muestra internacional, Ana Cabo, y que finalmente acogerá la Sala Verde, de menor tamaño. “Ana Cabo me animó a dar un paso más apostando por el mayor espacio de los Teatros del Canal y en un principio comencé a pensar en Venere desde otro lugar. ¿Qué pasaría si juntara a muchas mujeres en el

emociones

foto_gabriel f.

y poco más. Y de pronto, de cuatro pasaron a 10 espectadores y la segunda semana se llenó. Hubo todo un crecimiento que alimentó mucho esa ilusión por lo que estaba haciendo. Cuando salí de Provisional Danza, antes de esto, decidí audicionar fuera para varias compañías. Pero no me cogían. De alguna manera la vida me estaba empujando para este camino.

Soy una persona muy contenida y sé que en mis trabajos pongo emociones que yo no me permito vivir.

escenario? Pero las cosas cambiaron. Permanece la idea de dualidad de la palabra Venere. Y el título, que es por donde empiezo siempre”.

El proceso de creación de Negro, por ejemplo, fue muy tortuoso. Desolador para mí.

Títulos que responden a una sola palabra...

En esos procesos de creación, ¿todo le sirve?, ¿todo le alimenta?

Me gustan las palabras que tienen un significado amplio. Palabras que además tengan fuerza, fáciles de recordar. A veces tardo incluso un mes en decidir qué título pongo. Y me he vuelto supersticioso, así que ya no elijo palabras con connotaciones negativas.

No. La parte de gestión que me lleva la compañía es un tumor que come mucho y me he vuelto más ácido. No me sirve todo. No puedo. No tengo tiempo para dedicar horas al día a ver esto o leer lo otro. Aprovecho los estudios de psicología. Me parece que el mundo

está tan contaminado que a veces me protejo. Me encierro para cuidarme de la saturación. Este verano, al volver de un curso de meditación, recuerdo que vi el mundo de otro modo.

¿Usa la meditación para limpiar esa saturación? La meditación es para mi vida personal. Me limpio trabajando. Me limpio quitándome la angustia de llegar a casa y pensar que no he aprovechado el día. El juez interno está siempre ahí.

¿Es usted su peor crítico? Sí

¿Y cómo convive con ello? Mal. Una de las cosas que no me permite, por ejemplo, es levantar la cabeza cuando bailo. Por lo general miro al suelo. Y es un acto inconsciente provocado por la rapidez que tengo para ver una cara en el otro que no me gusta y castigarme. Con eso soy muy feroz. Y me

22 Mensajes que me mando de “no lo hagas, ya no puedes...”. Es un poco dramático, pero solo me ocurre en el plano artístico.

“Mi juez interno no me permite levantar la cabeza cuando bailo. Por lo general miro al suelo.” daniel abreu

¿Y cómo se siente después de hacerlo? Después de finalmente, salir y bailar. Después de bailar todo ha desaparecido. Me siento ligero. Me he quitado la carga del juicio.

¿Ese juicio también aparece con sus bailarines? Imagino que sí. Yo con mis bailarines soy exigente. Pero creo que lo debo hacer de una manera muy educada y respetuosa porque ninguno se ha negado a volver a trabajar conmigo. Creo que existe una combinación buena entre la exigencia y el arrope. El cariño y el respeto hacia ellos.

¿Hasta qué punto le importa lo que digamos los demás de su trabajo?

foto_gabriel f.

Podría decir que no me importa, pero no sería real. Claro que me importa. Entiendo y respeto cuando no gusta, cuando no llega. Y tengo un grupo de personas por el que sí siento debilidad porque les guste mi trabajo. El cuidado tiene que estar en no defraudar. Ahora tengo miedo de que se agote mi discurso. Son muchas producciones... En este país no se sostiene ni al artista ni a la obra y la manera de mantenerse es producir, como he hecho. Pero, ¿y si un día toda la energía de estos años se fuera a la basura?

duele. Voy con mucha exigencia. Es verdad que algo va cambiando, pero sigo siendo muy duro conmigo mismo

¿Dónde está esa cara? ¿en el público, en el escenario? En el público. Por eso no levanto la cabeza y no sé lo que pasa fuera. Solo lo hago en Perro, al principio... Recuerdo que para el comienzo de Silencio lo pensé. Mirar a los espectadores. Pero no puedo. Tampoco puedo verme en vídeo. Me pongo muy nervioso. ¿Usted lee lo que escribe?

Poco... No hay una fluidez con esto. Tal es la autoridad que tengo sobre mí, aunque me voy consintiendo errores.

Pero esa cara que usted ve, puede ser algo irreal... Sí. Es algo que sale de mí. Soy consciente de que yo pongo en esa cara mis palabras, lo que yo puedo decirme.

¿Usted cómo se ve? En la danza, como creador...

¿Qué cree que haría si eso pasara? No hago examen. No reviso mi historial, ni mis obras, ni la repercusión que puedan tener. Cojo aciertos y errores y trato de mejorar. Pero no tengo una imagen global de lo que hago. Y sé que me toca hacerlo. El Premio Nacional fue un bofetón a esa parte que no quiere revisar la historia. Llegó y fue una gran alegría. De hecho si me fijo en algo, es para mejorar. Si hablamos de la calidad que da la experiencia, soy consciente de que puede haber tablas. Y aun así me las cuestiono todo el rato. Cada vez que empiezo una creación sufro porque no sé si sabré hacerlo. Cuando voy a salir a bailar me pongo nervioso de 20 mil formas.

Me he cubierto las espaldas hacia otras profesiones, estudiando... No lo sé. Me encantaría decir que tengo una fortaleza interna estupenda, pero no soy tan fuerte. Cuando uno se expone, aparece la fragilidad. Pero lo que hago es lo que me gusta. Y esto es lo que sé hacer (más información en pág. 16).Ñ Daniel Abreu. Venere. Festival Madrid en Danza.

Abreu según Abreu Espera (2003) “Rebobinar la escena. Para dejarse sorprender por los múltiples caminos que la vida daba y sigue dando. Este trabajo está muy teñido de Carmen Werner, me recuerda a ella”. Cuerpo a tierra (2004) “Me encontré con la fuerza y el humor. Me endurecí a golpes de bailar en la calle. Me gustó, pero también me hizo alejarme de esa idea de educar a la gente a ver danza”. Se me escapa entre los dedos (2005) “Recuerdo quedarme parado durante una función en El Canto de la Cabra y mirar el pequeño bonsái que colgaba. Sentí que cuando yo miraba con atención y me ocupaba de lo mío, más llegaba al público”. Perro (2006) “Me llené de confianza en el proceso de creación, pero a base de golpes, todo lo que se me ocurría para el trabajo lo hicieron otros y mucho mejor. Así que eso me hizo centrarme mucho en mí y todo fue inconsciente”. Ojos de pez (2007) “Era para mi belleza. Me podía pasar horas viendo el principio que bailaban Igor Calonge y Andrea Quintana”. Nuevamente ante ti fascinado (2008) “La generosidad que Roberto Leal regalaba al público y a mí, provocaba momentos maravillosos. No se vio tanto como yo creía, pero cada una de las veces fue un regalo”. Equilibrio (2010) “Para mí, la obra más redonda. No bailaba así que es la única que he visto entera y de la que nunca me cansé. Quizás la más creativa y la más redonda”. Animal (2011) “Me quedo con la reacción del público, muchas veces en pie, muchas veces entusiasmado pataleando, muchas veces largos silencios entre el final y los aplausos… aún hoy se acoge con cariño y algunos con pudor (aquellos que temen un cuerpo desnudo)”.

3 y 4 de noviembre (Teatros del canal). Silencio. Del 17 al 20 de diciembre. Teatro de la Estación (Zaragoza). www.danielabreu.com www.madrid.org/madridendanza

Garganta (2015) “Al terminar de ver el estreno, creo que muchos de los presentes teníamos un nudo en el estómago y ni siquiera yo sé cómo se fue formando. La obra llegó y me arrasó. Y eso me gusta”.

25 ¿Por qué ha decidido llamarle ‘Tragédie’?

desnudos

Aunque no llevan prenda alguna, advierte Olivier Dubois, que Tragédie no es una obra sobre el desnudo.

Porque tengo dudas y preguntas, creo. Y en este título se refleja un pensamiento que he concluido: ser humano no implica humanidad, esa es nuestra tragedia.

¿De qué nos hablan los cuerpos desnudos? En el cuerpo podemos saber más acerca del misterio de la humanidad y de nuestra presencia en el universo. Y cuando ves a alguien desnudo te ves a ti mismo. Primero surge el deseo, si te gusta o no lo que ves, es una mirada íntima, para luego derivar hacia la comparación con el otro, lo que te lleva a construir tu relación con el mundo. La belleza del desnudo reside en esa traslación de la visión micro a la macro. De la intimidad al universo. El cuerpo es un laboratorio para el ser humano.

¿Temía que su obra fuera percibida como una provocación por mantener desnudo a todos los intérpretes de principio a fin? Desde luego, estaba fuera de toda provocación. La desnudez está muy presente en el arte. Hay cientos de esculturas, pinturas, fotografías y películas, así que la percepción no tiene porqué ser diferente por el hecho de tratarse de una performance en vivo. La desnudez es esencial en Tragédie, pero la obra no habla de la desnudez, sino que es un acercamiento natural y sensitivo.

¿Comparte el dicho que afirma que desnudos todos somos iguales?

Olivier Dubois

Tragedia corporal Tragédie, que intenta presentar los cuerpos desnudos como un discurso político, llega al Festival Madrid en Danza.. Texto_BEGOÑA DONAT Fotos_FRANçOIS STEMMER

Tras la creación de su montaje Souls, el coreógrafo francés Olivier Dubois (Colmar, 1972) recibió la visita de una especialista en hipnosis que estaba trabajando en una película sobre esta práctica. Le explicó que, sin saberlo, había seguido las reglas de este ejercicio de inducción al sueño. “Hay algo

de embrujo en mis obras”, reconoce este creador y bailarín que ha colaborado con artistas de la talla de Jan Fabre, Sasha Waltz o Angelin Preljocaj y que desde 2014 ha pasado a sustituir a Carolyn Carlson en la dirección del Centro Coreográfico Nacional Roubaix Nord-Pas de Calais. Dubois, que

fundó su propia compañía en 2007, reincidió en esta cadencia en Révolution, durante la cual, algunos espectadores llegaban a escuchar música que no estaba sonando, y volvió a las andadas con Tragédie, estrenada en el Festival de Avignon 2012, antes de su enigmática y oscura Elegie, ideada por encargo para el Ballet de Marsella Tragédie, donde nueve hombres y nueve mujeres desnudos desfilan, se funden y confunden, vuelve a España después de su exitoso paso por Sevilla y subirá al escenario de los Teatros del Canal los días 21 y 22 de noviembre en el contexto del Festival Madrid en Danza.

No, pienso que subraya la desigualdad. De hecho, la clave está en encontrar el equilibrio a través de nuestras diferencias, y no me refiero únicamente a las físicas sino también a las históricas. Cuando miramos algo no vemos todos lo mismo, como tampoco podemos hacer el mismo movimiento de manera idéntica dos veces. Cada uno es auténtico. Y la comunidad existe a partir del acercamiento individual, a través de la voluntad de un ejército de diferentes voces. Al arrancar Tragédie tienes la oportunidad de observarlos a los 18 uno a uno, en el tiempo, el espacio, las dinámicas. Y la segunda parte surge de un pensamiento que

quizá consideres estúpido: si los más de seis mil millones de personas que habitamos la tierra nos tumbáramos desnudas, podríamos cubrir el planeta de piel.

¿Tiene también una lectura política vigente en la actualidad? Tragédie va a estar de gira tres o cuatro años y este largo recorrido tiene que ver con que toca la magia, la belleza y el misterio del cuerpo, de modo que puede tener un eco en cualquier periodo histórico. Cualquier acto de creación es un acto político porque establece un diálogo con el público. Pero estoy al margen de cualquier arte que comente. El arte no está hecho para cerrar las puertas ni para hacer periodismo, sino para abrir los ojos y plantear preguntas.

¿Considera su trabajo conectado con la poesía? Está construido como un poema coreográfico. Estuve pensando en el coro de la tragedia griega. La primera noción era cómo representar el pensamiento a través del movimiento. La poesía clásica francesa está escrita en versos alejandrinos, así que decidí que caminaran 12 pasos al frente, 12 al fondo. Este tipo de verso es lo suficientemente largo como para sentirlo y comprenderlo. Después empecé a trabajar en el acercamiento retórico: aliteración, asonancia… La poesía es música y la traduje en el ritmo de los cuerpos.

¿Cómo ha influido en su carrera la decisión tardía, con 23 años, de dedicarse a la danza? Quise probar después de terminar mis estudios académicos, era una evidencia que quería bailar, pero no sé por qué no lo había intentado antes. No fue una revelación, sino una decisión muy consciente. Has de ser muy fuerte. Tuve que luchar contra mis padres y leí libros, fui a ver actuaciones, recibí muchísimas clases… Era muy codicioso, porque sabía que llegaba tarde. Tragédie. Olivier Dubois Compagnie. Festival Madrid en Danza. 21 y 22 de noviembre. Teatros del Canal. www.madrid.org

26 ¿Y le resulta difícil trabajar con actores? No encuentro demasiada diferencia. No me siento limitado frente a un actor. Es saber escuchar lo que te ofrece, aprovechar los recursos válidos que te pone a disposición.

Este acercamiento al teatro, ¿ha traído un público nuevo para su danza? No ha sido pensado así. Ha venido solo. Tener a Marta o Ernesto te da una visibilidad que no hubieses tenido desde la danza. Te abre puertas como Matadero, donde he ido porque tenía a estos actores pero ahora, y quizás gracias a ello, ya he podido conseguir ir con El cínico a la sala pequeña del Teatro Español, que nunca se ha abierto para la danza. Estoy muy cansado de que siempre se diga que no hay público para la danza cuando lo que no hay es un compromiso real ni deseos de asumir el riesgo.

Chevi Muraday

En plan cínico

Ha sembrado y ahora recoge. El director de Losdedae vive días frenéticos. Cinco producciones en activo, giras internacionales, un estreno en Madrid en Danza y una temporada en el Teatro Español, con su nueva creación ‘El cínico’, le mantienen ajetreado. Texto_omar khan foto_JACOBO MEDRANO

Por primera vez, en los 18 años que lleva con su agrupación Losdedae, el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday (Madrid, 1969) se encuentra frente a una actividad tan frenética. Tiene cinco producciones en activo (Cenizas; En el desierto, encabezada por el actor Ernesto Alterio; dos piezas con la actriz Marta Etura: el éxito Return y la más reciente Teresa, ora al alma, inspirada en Santa Teresa, con la que irrumpe en el Festival Madrid en Danza, y ahora El cínico, un solo bailado por él con tres músicos en escena, que se presentará en el Teatro Español), y de aquí a enero le esperan 55 funciones de estos títulos, presentaciones

en Montevideo, París y Polonia, más intensa gira por ciudades españolas. No hay un fin de semana que Losdedae no baile. Es como debería ser, pero en el contexto de la danza contemporánea española, una situación así adquiere dimensión de hazaña. Son piezas que tienen en común ese aire teatral, sosegado si se quiere, hacia donde se ha dirigido la danza enérgica y vital, eléctrica y pura, que definía sus intereses en otros tiempos. De hecho, El cínico, de inspiración filosófica, cierra junto a En el desierto y Cenizas, una trilogía de la dramaturgia, donde se disuelven las líneas divisorias entre teatro y danza.

En ‘Teresa, Ora al alma’, se aproxima a una santa. ¿Es usted creyente?

Cínico

Para su nuevo y muy teatral solo, Chevi Muraday se ha inspirado en la filosofía cínica.

No, en absoluto. Creo en los personajes y creo en Teresa, en su legado, en su pensamiento. Es alucinante encontrarse con una mujer que en el siglo XV tenía ese pensamiento absolutamente contemporáneo. Nos interesó Teresa como humana, no como santa. Es acercarse a un personaje humano y en este sentido no está tan lejos del que hago en El cínico, que se centra en Diógenes, el perro, y la filosofía cínica, que habla de la austeridad absoluta, de desprenderse de lo material.

¿Motivaciones? Su danza parece ir acercándose cada vez más al teatro… No se trata de un agotamiento de la danza, yo sigo apostando por el movimiento, pero ha surgido una necesidad de querer contar y he tenido la oportunidad de trabajar con directores de los que he aprendido muchísimo, me han llevado a utilizar nuevas herramientas y ha surgido la necesidad de acercarme a los actores. Tampoco es que he ido a buscar expresamente a Marta Etura o a Ernesto Alterio, sino que ha surgido todo de una manera natural.

Las mismas que mueven al ser humano, las mismas que mueven el mundo. Me preocupan las relaciones entre las personas. Dedico mucho tiempo a cultivar las relaciones y no dejar escapar las posibilidades que te dan. Ver cómo cogen su propia entidad durante un proceso creativo es algo que me fascina. Es lo que decía de escuchar. El mismo trabajo te va pidiendo lo que necesita, es capaz de coger entidad sin perder la dirección.

¿Cómo valora su evolución? He encontrado mi lugar. No es que me sienta cómodo. La comodidad no me gusta pero sí

que tengo un sitio donde estar. Lo que hago ahora es muy distinto a lo que hacía antes y eso no quiere decir que lo que había careciera de verdad o no fuese honesto. Creo que ahora escucho más y no marco pautas constantemente.

“Estoy muy cansado de que siempre se diga que no hay público para la danza cuando lo que no hay es un compromiso real ni deseos de asumir el riesgo.” chevi muraday Planes para el nuevo año… Desearía solo dedicarme a bailar las cinco producciones activas. La danza es efímera, desaparece si no la haces, y en esta profesión todos hemos tenido la amarga experiencia de montar un trabajo que bailas seis veces. No permitiré que eso me vuelva a ocurrir. Y si tengo que pelearme para conseguir lo que creo justo, me voy a pelear. No puedo entender porqué la danza contemporánea no puede verse en el Teatro Real o en La Zarzuela.

¿Contento? Sí. También arruinado. Hacer danza en este país supone llenarte de deudas, pedir créditos e hipotecarte. No es solamente lo que implica conseguir las subvenciones sino que te las peguen. No hay honestidad institucional en los plazos de los pagos, los artistas tenemos que pagarlo todo por adelantado y terminamos gestionando la cultura de este país. No puedo entender que haya retrasos de ocho meses en el pago de las ayudas, pero es la precariedad con la que tenemos que vivir. Losdedae. Principales fechas. Return (4 de noviembre, en Montevideo y el 22, en el Festival Don Quijote de París). Cenizas (14 y 15 noviembre, en La Fundición, Sevilla). En el desierto (21 de noviembre, en Valencia). Teresa, ora al Alma (del 26 al 29 de noviembre, en el Festival Madrid en Danza. También en Bilbao, el 20 de noviembre, Pamplona, el 11 de diciembre, Zaragoza, el 16, y A Coruña, el 20). El cínico (del 10 de diciembre al 10 de enero, en el Teatro Español, de Madrid). www.losdedae.com

Sâlmon 2015

¡Qué arriesgado es arriesgarse!

¿Qué ocurre en la danza actual? ¿Quiénes son sus creadores más jóvenes? ¿Qué es hoy el riesgo? Si quiere respuestas, acuda a la cuarta edición de Sâlmon, festival de creación contemporánea que impulsa El Graner y el Mercat de les Flors, de Barcelona.

Texto_omar khan foto_CARLOS CONTRERAS

Ciudadanos que bailan

Multitud es montada por la uruguaya Tamara Cubas con 60 ciudadanos del lugar en que se presenta.

En Bailarina Lírica, la representativa performer catalana Sonia Gómez se plantea un ejercicio de apariencia muy simple tanto para ella como para su invitada y también para el espectador. Quiere mejorar y transmitir un solo que ha creado a partir de ocho pautas específicas. Según su propio concepto, se trata de mostrar “una mujer que baila, ni bien ni mal, que va explicando cosas, muy pocas, que parece que está tranquila haciendo esto, que disfruta pero sin pasarse, que lo pasa mal pero no demasiado, que tiene gracia pero no mucha”. Para su (re)presentación dentro del festival Sâlmon este año ha invitado a Amalia Fernández, creadora y también bailarina con larga trayectoria. Sin ánimo didáctico ni mucho menos, Gómez, siempre autora de propuestas delirantes, ofrece aquí la oportunidad de explorar y reflexionar sobre los meandros del proceso creativo en la forma híbrida de una corriente de las artes escénicas muy conectada con la sensibilidad del siglo XXI. En este sentido, podría decirse que Bailarina Lírica es de lo más ilustrativa de las intenciones de fondo de Sâlmon, una plataforma de exhibición necesaria que ha gestado todas sus ediciones en El Graner, espacio de creación y residencias, que forma parte del proyecto del Mercat de les Flors, de Barcelona, espacio donde se realizará esta nueva y arriesgada entrega desde el 26 de noviembre hasta el 5 de diciembre. El eclecticismo ha sido inherente a Sâlmon. No se invita al espectador a ver una línea de creación ni una tendencia en la danza del momento. Se le invita a recorrer un trocito del mapa de líneas y tendencias cruzadas e interconectadas que forman el paisaje de la nueva danza,

a valorar –favorablemente o no– los nuevos pálpitos, las nuevas formas y las nuevas propuestas de jóvenes creadores que son aspirantes a formar parte habitual del mundo de la danza internacional. En ediciones anteriores han pasado por aquí muchos de los nombres que hoy brillan y dominan el espectro. Alessandro Sciarroni, Marcos Morau / La Veronal, Manuel Rodríguez, Jefta Van Dinther, Albert Quesada o Tania Carvalho, son apenas algunos. Esta cuarta edición no es menos estimulante.

“Para acercarse a Sâlmon es requisito indispensable desprenderse de prejuicios e ideas preconcebidas, lo que hace que el espectador también asuma su cuota de riesgo.” Puede que alguno de los nombres del atiborrado cartel no suenen ni sean familiares a los espectadores, pero este no es un festival de estrellas sino de valores emergentes con ideas y propuestas coherentes y en sintonía con nuestro tiempo. Es un festival para descubrir no solamente artistas. Probablemente tras el visionado de estas obras, algún espectador redimensione en su cabeza, por ejemplo, el concepto de riesgo tan asociado históricamente al atrevimiento. Y es que riesgo, de una manera más amplia, es lo que hay en Multitud, la macropropuesta de la creadora uruguaya Tamara Cubas que trae hasta Sâlmon (y también al Mes de Danza de Sevilla, festival andaluz que se ha inaugurado con esta propuesta masiva) esta investigación alrededor del concepto sociológico de la masa, que Cubas monta en cada ciudad con la complicidad de unos 60 ciudadanos reconvertidos en bailarines. Riesgo corporal, pero desde otra perspectiva, es el que asume también el dueto Igor & Moreno, pareja anclada en Londres que recupera sus raíces vascas y sardas en Idiot-Syncrasy, una insólita

propuesta en la que los dos intérpretes no paran de saltar obsesivamente para elaborar un discurso político y humorístico pero también profundamente humano y conmovedor. Hay también otros riesgos innovadores en las apuestas de Sâlmon. Hay riesgo poético en la propuesta de Roser López Espinosa, ascendente creadora de Barcelona, y hay riesgo intelectual, desde una dramaturgia siempre muy ingeniosa y elaborada, en lo que ofrece el sorprendente colectivo El Conde de Torrefiel, bajo dirección de Pablo Gisbert. En definitiva, para acercarse a Sâlmon es requisito indispensable desprenderse de prejuicios e ideas preconcebidas, lo que hace que usted, señor espectador, también asuma su cuota de riesgo. Completan el programa artístico Bea Fernández, Guillem Mont de Palol & Jorge Dutor, Carme Torrent & Iñaki Álvarez, Sra. Polaroiska, Laboratorio Punto D & Raquel Tomàs, Ayara Hernández, Quim Bigas, Rodrigo Sobarzo, Bárbara Pinto, Les Sueques y N-340.Ñ Sâlmon. Muestra internacional de creación, danza y movimiento. Varios programas. Mercat de les Flors (Barcelona). Del 26 de noviembre al 5 de diciembre. www.merecatflors.cat

Plateau Effect

Jefta Van Dinther vuelca su creatividad en los cuerpos del Cullberg Ballet.

Jefta Van Dinther Cullberg Ballet

Juegos de ilusionismo La más potente de las agrupaciones suecas llega a Sevilla este diciembre con Plateau Effect, de Jefta Van Dinther, joven y ascendente coreógrafo que busca maniobrar la percepción del espectador. De este trabajo y de su trabajo en general nos ha hablado.

Texto_begoña donat Foto_ URBAN JÖRÉN

32 Jefta van Dinther ha removido los cimientos de la danza europea con propuestas en las que el cuerpo interactúa con la luz, el sonido y los materiales sobre el escenario a fin de estimular la percepción del espectador. La incerteza es la sensación que espolea al coreógrafo sueco y que transmite a su público. Por aquí lo conocimos en 2008, dentro del extinto festival madrileño Escena Contemporánea, con uno de sus primero trabajos, It’s in the Air, creado con Mette Ingvartsen, una insólita propuesta desarrollada literalmente en el aire gracias al impulso de una cama elástica. Desde entonces, mucho es lo que le ha ocurrido a este sensible creador nacido en Utrecht, criado en Suecia y que actualmente se mueve entre Estocolmo y Berlín. Ha ahondado en sus investigaciones, ha estrenado trabajos muy sugerentes como As it Empties Out, Liaison o Grind. Se ha hecho famoso y ha iniciado una estrecha relación con el Cullberg Ballet. Los días 11 y 12 de diciembre, su universo creativo eclosiona en el Teatro Central de Sevilla con Plateau Effect, pieza que le fue encargada por el todopoderoso Culberg, y donde nueve bailarines conforman un “todos a una” con el tejido que conforma el telón del escenario.

¿Cuál fue el punto de partida para ‘Plateau Effect’? Mi interés por indagar en la idea del grupo y en lo que juntos podemos conseguir, lo que no nos es posible como individuos. Había acometido trabajos más pequeños, en los que me centraba en la trayectoria de las personas, pero ahora quería hallar los elementos que reúnen a la gente para trabajar a una en pos de algo común. He hecho hincapié en expresiones muy básicas de comunidades, como construir, viajar, la idea de nomadismo, comunicación, cuáles son los bloques básicos de una comunidad.

¿Tuvo en mente alguna novela o película? No me inspiro demasiado en literatura o en teorías. En esta pieza en particular estaba interesado en la arquitectura y en la deconstrucción. Mucha gente se refiere a este trabajo como algo cercano a una instalación o al arte visual, pero con una base temporal, porque se toma su tiempo y coreografía los materiales hasta que la vida emerge de ellos.

¿Qué tipo de arquitectura tenía en mente?

Tengo el hábito de recolectar imágenes, películas y canciones sobre aspectos que derivan de expresiones diferentes a la danza. En este caso he coleccionado muchas fotografías de edificios o vistas que parecen imposibles, construcciones psicodélicas. También tenía en mente la idea de una tienda de campaña, porque simboliza el nomadismo, el hecho de no estar asentado y vivir siempre en movimiento. Una construcción volátil, móvil, semidesmoronada… Aunque hay gente que llevó Plateau Effect a un mayor nivel de abstracción y lo vinculó a la relación del individuo con el cambio climático.

Gabriel Smeets

Figure a Sea

Cullberg renovado

La nueva producción del Cullberg reúne el talento de la coreógrafa Deborah Hay y la compositora Laurie Anderson.

¿Considera el gran telón que se convierte en vela voluminosa sobre el escenario como un bailarín más? Sí, se podría decir que en la pieza actúan 11 bailarines. Hasta el punto de que los materiales son casi los protagonistas, y los bailarines son los trabajadores que hacen posible esta producción.

¿Hasta qué punto se siente un mago durante el desarrollo de sus coreografías? Me gusta inspirarme en cosas que no entiendo. Cuando el arte no se explica, me motiva. Y ejercer de mago es una forma de generar esa misma sensación en la audiencia. Tras It’s in the Air empecé a interesarme por la caja negra y por la ilusión. Con montajes como Grind y This is Concrete empecé a flirtear con la oscuridad, los juegos de perspectiva y la creación de lugares de confusión. Trabajo mucho con estos trucos de Bollywood sobre el escenario. En la primera parte de Plateau Effect, por ejemplo, los bailarines ejecutan una inclinación imposible y antigravitacional en frente de la cortina. Todo este enfoque se relaciona con el sentido de movimiento y con cómo puedo alterar nuestra forma natural de observarlo. El resultado queda embebido en una imagen global donde hay movimientos múltiples que, en su conjunto, provocan que nos sintamos desorientados y que perdamos dimensiones, percepciones y direcciones que tenemos como referentes.

¿Continúa interesado en esta creación de ilusiones?

Estoy interesado en la imaginación, pero no necesariamente en la ilusión. No tiene por qué incidir en lo visual, pero continuaré trabajando en la idea de esconder la actuación, en jerarquizar la relación entre los bailarines y la audiencia. Me motiva crear espacios psicológicos a los que el espectador entre, y donde siempre haya algo que extrañe, pero que te absorba.

¿Cuál es la siguiente incerteza que quiere subir al escenario? He tenido un año duro, en el que he sufrido una depresión. Ahora ya he salido, pero como resultado he comprendido los aspectos de la salud en relación con el trabajo, no tanto con respecto a condicionar a lo que me dedico, sino en despertar mi interés por la psicología como gran parte de la vida. Este lado psicológico de los seres humanos suele dejarse de lado en los trabajos de danza, y ahora me motiva el vínculo entre mi vida psicológica y emocional interior con el trabajo que creo y lo que expreso a través de esas creaciones sobre la sociedad y el mundo. Este nuevo acercamiento también ha afectado a la narrativa de mis piezas.

¿En qué sentido? Estoy creando para el Cullberg Protagonist, una nueva pieza y estoy tratando de crear con ellos una autobiografía abstracta. La idea es hacer

una autobiografía con 15 bailarines y una voz narrativa, de modo que ante los ojos se despliega una línea argumental que es como la Wikipedia de una persona.

¿Qué puede adelantarnos del otro trabajo que está desarrollando, ‘Dark Field Analysis’? El título hace referencia a una forma de medicina alternativa en la que tomas una gota de tu sangre, los colores se invierten y se observa a través del microscopio. El proceso permite destilar mucha información sobre la toxicidad, el nivel de PH, los glóbulos, el deterioro de la sangre en el transcurso de unas pocas horas, su funcionamiento con respecto al entorno... Y esto es una metáfora de mirarme a mí mismo en relación con mi universo, de explorar mis interacciones con la gente y en la ciudad que habito. Sobre el escenario va a haber dos intérpretes desnudos con un comportamiento animal que mantienen una conversación nerdie, amateur, sobre esta técnica. La coreografía es un dueto para dos chicos donde prima el texto, las palabras, la verbalización. Será una producción a baja escala, puede ser para teatros, pero también para galerías.Ñ Cullberg Ballet. Plateau Effect, de Jefta Van Dinther. Teatro Central (Sevilla). 11 y 12 de diciembre. www.teatrocentral.es

Ya consolidada desde hacía tiempo como una coreógrafa de vanguardia, Birgit Cullberg fundó en 1967 el Cullberg Ballet, agrupación que marca el tardío inicio de la danza contemporánea en Suecia pero que rápidamente se colocó como uno de los más destacados colectivos de Europa. En el Cullberg iniciarán sus carreras como bailarines los dos hijos de Birgit: Niklas y especialmente Mats Ek, quien pronto se desveló como ingenioso coreógrafo, tomando el relevo de su madre y abriendo un importante capítulo en el Cullberg y en la danza del siglo XX, gracias al descomunal éxito de sus imaginativas y trasgresoras versiones de La casa de Bernarda Alba, Giselle, La bella durmiente, Carmen o su lago de cisnes viriles y calvos. Desde siempre, el Cullberg ha sido sinónimo de innovación y vanguardia. Y esa característica permanece intacta hasta hoy, fecha del siglo XXI en la que la casa ha quedado bajo la dirección artística del holandés Gabriel Smeets, que fuera director de la SNDO, prestigiosa escuela para la nueva danza, de Ámsterdam. “La compañía ha jugado siempre un destacado papel en el campo de la danza contemporánea internacional”, ratifica Smeets. “Muchos son los capítulos que ha escrito desde su arranque, en 1967, con Birgitt Cullberg, y luego con Mats Ek, seguido de Carolyn Carlson, Lena Wennergren Juras y Margareta Lindström, pasando luego Johan Inger y más recientemente Anna Grip. Lo que unifica todos estos periodos tan distintos es el hecho de que, artísticamente, la compañía siempre ha estado en la primera línea de la danza contemporánea internacional”. Es cierto. Y no solamente ha sido innovadora en el campo de la creación sino también como modelo vanguardista de compañía. Cuando arrancó, Birgit Cullberg fue también pionera al romper con las categorías entre los bailarines, elevando todos a solistas con un mismo salario. Pero

ahora, desde la llegada de Grip, ha comenzado a coquetear con una idea que también promete convertirse en norma: la figura del curador como director artístico. “Con Anna Grip, mi predecesora, la compañía comenzó a trabajar con un comisario, sustituyendo por un curador la figura del coreógrafo como director artístico. Fue una decisión consensuada con los bailarines que permitiría a la compañía trabajar con diferentes creadores, distintas visiones y estéticas, y otro tipo de prácticas físicas y maneras de entrenarse. Grip comenzó apostar por creadores tan distintos como Benoit Lachambre, Jefta van Dinther o Tilman O’Donnell. Desde mi llegada, me he interesado además en traer coreógrafos de la era posmoderna que trabajen conceptos contemporáneos y novedosos como Trajal Harrell, Eszter Salamon o Deborah Hay. Jefta encaja perfectamente en esta categoría. Su trabajo se basa en una aproximación somática a la danza, al cuerpo y a la mente, al espacio y al tiempo. Lo conocí como alumno en la SNDO y fue él quien me propuso que presentara un proyecto en esta línea para el cargo”. Figure a Sea, estrenada recientemente por la pionera posmoderna Deborah Hay, de la legendaria Judson Church, con música de la reputada cantautora Laurie Anderson, ha sido el título más ambicioso y ejemplar de la corta trayectoria de Smeets frente al Cullberg. “El próximo verano tendremos el estreno del nuevo trabajo de Jefta Van Dinther. Su anterior pieza para nosotros, Plateau Effect, estrenada hace dos años y que traemos ahora a Sevilla, sigue siendo uno de nuestros grandes éxitos. Con ella hemos agotado las localidades por toda Europa y nos ha traído un nuevo público pero ha complacido también al habitual. Es nuestra meta. Lo que tratamos en el Cullberg hoy es invitar coreógrafos con una estética que esté conectada con el siglo XXI”, concluye. omar khan

Martin Inthamoussu

Uruguay es guay La llegada de Julio Bocca a la dirección del Ballet del Sodre, en Montevideo, ha disparado el interés por la danza entre los uruguayos. Como testigo y partícipe, Martin Inthamoussu nos ofrece pormenores. Texto_omar khan

“Yo al Julio no le conocía de nada”, admite el bailarín y coreógrafo uruguayo Martín Inthamoussu, “pero hace dos años yo estaba por Europa y me llamó para que montara una pieza para el Ballet del Sodre con música de Jorge Drexler, y me pidió que fuese en puntas. Aquello es una compañía de 60 bailarines y empezaron entonces a interesarme las piezas de gran formato. Así volví a Uruguay, y allí me he quedado”. Y es que los últimos tres años han sido frenéticos para la danza uruguaya. La llegada a la dirección artística del Sodre del exbailarín argentino Julio Bocca, verdadero ídolo del ballet en el sur de América Latina, ha supuesto una rápida puesta al día en materia de danza para Montevideo, donde Bocca ha empujado a las masas hacia las salas y ha conseguido vender hasta 22.000 entradas por temporada, toda una hazaña para una ciudad de un millón y medio de habitantes. Con 80 años de actividad, el Ballet del Sodre es una de las compañías más sólidas y de mayor solera de las que existen en Sudamérica. No obstante, hace tres años pasaba por su peor momento. “Era una ruina”, señala Inthamoussu, que se formó en su escuela de ballet y se vio obligado a marcharse a Europa tentado por la danza contemporánea, llegando a graduarse en la prestigiosa SNDO, escuela para la nueva danza de Ámsterdam. “Me interesaba la coreografía, así que me quedé por Europa, fui a Italia y estuve luego bailando en Bonn. Entonces surgió esta oportunidad de volver a Uruguay. Vi un lugar para mí en Montevideo, la posibilidad de montar coreografías de gran formato y participar en lo que estaba ocurriendo”. Pero iría a más.

Bocca quería hacer transformaciones desde la base y decidió abrir una línea de contemporáneo inexistente en la Escuela Nacional del Sodre, cuya creación y dirección le encargó a Inthamoussu quien, a sus 35 años, se ha convertido en el hombre clave de la danza contemporánea de Uruguay. Hoy dirige todos los ciclos de formación del ente público, que abraza también el ballet y el folclor, paralelamente lleva su propia formación, Martin Inthamoussu / Compa-

“En Uruguay ya había algunas formaciones privadas de danza contemporánea pero el Estado invertía en producciones y no en formación” MARTIN INTHAMOUSSU ñía de Danza, con la que ha montado piezas ambiciosas como Nora, reinterpretación en danza de la conocida Casa de muñecas, de Ibsen, estrenada con bailarinas entre 24 y 50 años y con acompañamiento en directo de la Orquesta Filarmónica de Montevideo, o Irresponsables, pieza de Carmen Werner que le cedió recientemente Provisional Danza de Madrid. También ha desarrollado una carrera como coreógrafo freelance que le ha llevado a realizar montajes de envergadura por el continente como Memorias para armar, a partir de la Misa Criolla, obra de gran formato que coreografió en Caracas para la Compañía Nacional de Danza venezolana, pero también como bailarín para otros, siendo destacable su reciente colaboración, otra vez con Werner, quien montó para él su solo Así sucedía con todo, visto recientemente en Canarias y Madrid en forma de

díptico, bailado primero por ella y luego por él. Adicionalmente, impulsó en su ciudad el Festival Montevideo Sitiada, al tiempo que su nombre sigue vinculado al Ballet del Sodre, donde a petición de Bocca ha montado su propia versión de Nocturno nativo, la pieza hoy perdida que supuso el arranque de la rutilante compañía y que fue el centro de la celebración de los 80 años de esta legendaria agrupación, que vive ahora un momento de inesperado esplendor. De la danza contemporánea uruguaya no llegan demasiadas noticias por aquí, pero se espera que eso cambie. La apuesta de Bocca es a mediano plazo. Es un país progresista, que se ha desvelado como uno de los más atrevidos y vanguardistas de América Latina en cuanto a conquistas sociales y culturales, y tras este ruidoso boom del Sodre de Bocca, es probable que pronto comience a crearse un tejido de relevo, un nuevo paisaje de danza nacional que Inthamoussu activamente está ayudando a construir desde la escuela. “En Uruguay ya había algunas formaciones privadas de danza contemporánea pero el Estado invertía en producciones y no en formación. Había entonces avidez por aprender y eso se hizo notar al momento que abrimos las primeras audiciones para la escuela de contemporáneo del Sodre, que aún no ha graduado su primera promoción. Aparecieron 360 aspirantes y solamente teníamos 30 plazas. Al año siguiente exigimos experiencia previa y aún así se nos presentaron 200. Esto va creciendo”, vaticina el joven creador.Ñ

Antonio Najarro

Folclor for export Alento

Antonio Najarro sigue fiel a su estética, en su nueva creación para le BNE.

Con ‘Sorolla’, el Ballet Nacional de España consigue expandir el horizonte de nuestro folclor. Alento & Zaguán da cuenta de una línea de nueva creación, y un homenaje a Antonio el bailarín recupera viejos repertorios. Najarro hace balance de su gestión al frente del BNE. Texto_omar khan foto_STANISLAV BELYAEVSKY

Antonio Najarro (Madrid, 1975) contenía el aliento. En medio de la algarabía secesionista catalana plantarse en el escenario del Teatre El Liceu, de Barcelona, con el Ballet Nacional de España (BNE) bailando Sorolla, obra que supone un paseo de lo más español por el folclore nacional visto como una unidad, no hacía más que agregar suspense y expectación a su irrupción el verano pasado en el emblemático coso barcelonés, que ya le suponía todo un reto, pues permitiría medir la aceptación de su proyecto artístico innovador y renovador, que aspira a conquistar nuevos públicos y mantener el cariño de los habituales con propuestas de impacto visual y gesto contemporáneo, quizá inéditas en la danza española. Las largas ovaciones disiparon sus dudas. El público de Barcelona parecía reconocer la buena danza por encima de las turbulencias nacionalistas y al mismo tiempo, con su generosa receptividad, legitimar la apuesta de Najarro que, tras cuatro años al frente del ente público, consigue al fin dar plena forma a su proyecto inicial, que incluía la recuperación del amplio abanico del folclor. No ha sido fácil. En el ballet académico se da por descontado que la plantilla domina la técnica. Pero en una agrupación tan específica como el BNE no se puede tener un equipo que por igual aborde muñeiras gallegas, jota aragonesa, aurresku vasco, escuela bolera y palos del flamenco. “Desde que llegué a la dirección artística del BNE empecé a trabajar en ello, un proceso largo y minucioso, con cursillos y entrenamiento a los bailarines que me permitieron finalmente

llegar a Sorolla, un momento por el que he esperado tres años”, dice Najarro imbuido ahora en el diseño de la próxima temporada y en preparativos para emprender la gira que les llevará por Japón este mismo noviembre. “Con Sorolla se ha hecho una recuperación enorme de danzas tradicionales que se han conservado desde el folclor de cada región, que han tenido una exposición local pero que se mantenían como un producto regional que no se llevaba nunca a una gran compañía con giras internacionales como el BNE, lo que supone la exportación de la danza tradicional y la posibilidad de llegar a nuevos públicos, a gente joven pero también a estudiantes de danza española que rara vez ven folclórica, que no la conocen ni la estudian a fondo en el conservatorio”.

“La innovación en el flamenco es más aceptada. Sin embargo, en la danza clásica española no estamos acostumbrados y yo, como creador, siento que esto no tiene sentido si no arriesgas” antonio najarro A esta vertiente de folclor nacional habría que sumarle las otras dos cultivadas desde su llegada a la dirección del BNE. Por un lado, la recuperación del repertorio tradicional de esta compañía con perfil único en el mundo, y por otro, estímulos a la nueva creación. “Recuperamos Medea, del maestro Granero; hemos montado el Bolero, de Rafael Aguilar; en 2016 haremos un homenaje a Antonio el bailarín y seguimos en esa línea de volver sobre obras que, históricamente, son muy representativas del BNE pero al mismo tiempo siempre creí que era necesario hacer algo diferente que equilibrara la reposición del repertorio. Cualquier compañía de ballet neoclásico que aborde la nueva creación invita a coreógrafos a crear para su elenco. Y es lo que hemos intentado, pero desgraciadamente en el terreno del clásico español hay

muy pocos coreógrafos que lo cultiven, lo que origina una escasez de nuevos lenguajes, nuevos registros y nuevas creaciones”.

‘Alento & Zaguán’ El díptico Alento y Zaguán, la nueva producción de la compañía, se coloca en el sendero de la nueva creación. La segunda atiende a una fórmula que parece ya habitual en el BNE, un collage en el que convergen varios creadores invitados, en este caso Blanca del Rey, La Lupi, Mercedes Ruiz y Marco Flores, al tiempo que la primera viene firmada en solitario por Najarro. “Alento es el reflejo de mi estilo, el que cultivé desde mi compañía privada durante nueve años, que sé cómo funciona y que siempre imaginé en una compañía grande como el BNE. Es nuevo, diferente, se puede salir de los cánones conocidos de la danza española y eso es algo que puede gustar o no. La innovación en el flamenco es más aceptada. Ahí tenemos a Olga Pericet, Rocío Molina, Rubén Olmo, Manuel Liñán o Rafaela Carrasco. Sin embargo, en la danza clásica española no estamos acostumbrados y yo, como creador, siento que esto no tiene sentido si no arriesgas. Creo que a veces tenemos miedo a evolucionar”. Aunque no le falten a Najarro polémicas ni detractores de su gestión al frente del ente público dice sentirse orgulloso. “Hemos sobrepasado sinceramente las metas del proyecto inicial presentado. Lo más importante es que hemos llegado a un sector amplio de la audiencia, hemos llenado todos los teatros con una enorme afluencia de público joven que viene como consecuencia de la actualización de la imagen de la compañía y el trabajo en redes sociales, de gente de los conservatorios y escuelas que asisten a nuestras jornadas de puertas abiertas a ver lo que ocurre dentro y todo un trabajo al margen de las representaciones, teniendo presencia en desfiles de moda, con participación en la Fashion Week, o en salas de exposiciones como las acciones en el Museo Sorolla, que han tenido una repercusión mediática que el BNE nunca tuvo”.

39 Zaguán

Aúna el talento de un selecto grupo de creadores jóvenes.

Ha sobrevivido a tres cambios de Gobierno durante su gestión y como todos, se ha enfrentado a los recortes producidos por la crisis, pero sostiene que independientemente de quién esté al frente, ha actuado con libertad y ha contado siempre con el respaldo del Ministerio de Cultura, a través del Inaem. No obstante, siente que desde dentro, desde la profesión misma, no se comprende su cometido. “Desde que fui nombrado director del BNE he reducido mucho mi vida personal, no paro de hacer cosas para mejorar la imagen del sector, ya sea en el mundo del arte o de la moda, en las redes sociales o en los medios, siempre promocionando la danza española, siempre intentando darle visibilidad. Pero creo que necesitamos ir juntos en la defensa de ese patrimonio, este producto maravilloso que tenemos. Yo uso mi cargo para promocionar, para ayudar y no debería importar si gustan o no las formas en que lo hago, lo que importa en realidad es que se vea que todos vamos en la misma dirección. Si nos perdemos el respeto y fallamos a la hora de comunicar damos una apariencia poco seria como sector. Recibo muchos mails y mensajes de apoyo, es cierto, pero también percibo otras cosas. No voy a rebatirlas porque sería entorpecer el tránsito aún más, pero da pena, podría ser más fácil. No somos como los músicos o los teatreros donde ves la unión, donde ves que se dejan la vida por dar visibilidad a su arte. Es duro que malinterpreten tus esfuerzos y te digan que solamente vas de fiesta en fiesta sin comprender, sin tener conocimiento de lo que se está intentando”, concluye.Ñ www.balletnaciona.mcu.es

foto_jesús robisco

Zero

Pieza ganadora del 20Masdanza.

20Masdanza

Alerta naranja

El anuncio de tormenta arruinó la clausura del Certamen de Maspalomas, que cumplía dos décadas de permanencia escénica. Afortunadamente los que fueron a bailar, bailaron, y los que iban a ganar, ganaron. Texto_omar khan

Al final ni siquiera llovió, pero el alerta naranja decretado por temor a posibles tormentas en Gran Canaria el pasado 24 de octubre arruinó una ocasión especial de la danza nacional. La fiesta de clausura del 20Masdanza, certamen de danza de Maspalomas, fue suspendida y Natalia Medina, di-

rectora del certamen, literalmente lloró junto a su equipo. No era solamente una entrega de premios. Se trataba de la celebración festiva del milagro que supone, en los tiempos que corren, cumplir 20 años de lucha intentando difundir en las islas (este año se ha conseguido, al fin, que una muestra del certamen vaya a todas las islas) una danza contemporánea que ha vivido casi siempre en alerta roja, con huracanes y tormentas políticas e institucionales, siempre amenazada por el vendaval de los recortes y la incomprensión. Pero como siempre ocurre, con alertas de cualquier color en el horizonte, la danza se impuso. El certamen se celebró. No hubo fiesta final pero todos bailaron y los que iban a ganar, bailaron, y además triunfaron. El jurado, encabezado por Cesc Casadesús, director del barcelonés

Mercat de les Flors, se decantó, en el apartado grupal, por Zero, de Berlín, un dueto sobre tierra que mantiene entrelazados obstinadamente a los dos bailarines y autores de la propuesta, Elisabetta Lauro y César Cuenca, y en el de solos, por Il Volume Com’Era, un unipersonal íntimo y difícil de la italiana Caterina Basso. El público, tan entusiasta y numeroso como siempre ha sido en este certamen, optó por obras más emocionales y directas, premiando la ingeniosa creación taiwanesa Folating Flowers, de Po-Cheng Tsai, que también participaba en el certamen con Hugin / Munin, un emocionado dueto para dos bailarines y un poético manto de plástico que había ganado en el Certamen Burgos New York pero que aquí no se llevó nada. En cuanto a los solos, la audiencia se decantó por el delirante e histriónico uniperso-

nal What happened in Torino?, del italo-israelí Andrea Constanzo. El jurado quiso destacar en una mención el impactante trío sobre la violencia Über Die Abschit, de la griega anclada en Alemania Sofia Pintzou. Las dificultades económicas han llevado al Masdanza a otorgar dos premios únicos, lo que reduce las posibilidades y hace más difícil la tarea del jurado. Obras de indudable interés como Female, de la lituana Ugne Dievaityte; Prueba Trinity 1.0, de Begoña Quiñones & Mar Rodríguezo, o la citada Hugin/Mugin, tuvieron que irse sin nada en esta peculiar edición, clausurada tristemente bajo el signo fatídico de la alerta naranja.Ñ www.masdanza.com

citas Bogotá se vuelve a convertir en epicentro de la danza con la celebración de su Festival Danza en la Ciudad, del 10 al 22 de noviembre, con una importante presencia internacional, destacando la presentación de la compañía Vertigo Dance Company de Israel, el francés Pierre Rigal o Les Grands Ballets Candiens. www.danzaenlaciudad.gov.co Cali también celebra estos

foto_Javier Cortés

días otro destacado encuentro con la segunda edición de su Bienal de Danza, evento que habla de la reactivación de la danza en Colombia. El bailaor Manuel Liñán, los nórdicos de Granhoj Dans, la compañía francesa de Angelin Preljocaj, una creación del exbailarín colombiano de Pina Bausch Jorge Puerta y Les Grands Ballets Canadiens, entre la oferta internacional. Entre las compañías nacionales destaca

ahora bajo la dirección artística de Benjamin Millepied, estará presentando un curioso triple programa que reúne a tres destacados coreógrafos de lenguajes muy distintos. Se repone La consagración de la primavera, todo un clásico de Pina Bausch, al tiempo que se estrenará Polyphonia, del destacado creador Christopher Wheeldon, a partir de piezas para piano de Ligeti y una nueva pieza aún sin título de Wayne McGregor, uno de los más destacados creadores británicos del momento. www.operadeparis.fr

Seis números por 20 € Para suscribirse haga un ingreso de 20€ (nacional), 35€ (Europa) o 45€ (resto del mundo) en la cuenta:

Nacional de Danza, donde los intérpretes desarrollan su labor, que funciona como marco y punto de encuentro alentador, primer nexo profesional de los cuatro jóvenes creadores. Y la búsqueda, encaminada a la investigación a través de la danza y la consecución de un discurso identificativo, que les empujó a unirse y arrancar su propia agrupación con la que llevan estrenados cuatro trabajos y algunos reconocimientos, como el primer premio recibido recientemente en el Festival de Sense (Francia), por Cul de Sac

(2015), montaje inspirado en la escultura de Juan Muñoz. Firman Antonio de Rosa y Mattia Russo la dirección y coreografía de esta pieza para seis bailarines, y se alzan autores (también intérpretes) de Yellow Place. Dúo seleccionado por la Red Acieloabierto para su circuito, que ha visitado hasta la fecha numerosas plazas con el reconocimiento a su lado y que abarca una de las claves de su homilía dancística. “Desde nuestro afán de conocimiento, existe una voraz curiosidad y una especial gratitud al cuerpo y nos sentimos obligados a

expresar ciertas actitudes que reconocemos en la vida cotidiana”, declaran. Descamino de dos (2012/2013), pieza ganadora del Primer Premio en el Certamen Coreográfico Burgos Nueva York y Mirage (2015), creación para la Compañía Nacional de Danza en colaboración con el artista Eugenio Ampudia, que llenó el espacio Matadero de Madrid de agua y poesía, el pasado mes de mayo, completan la joven trayectoria de esta emergente compañía que se encuentra en la actualidad inmersa en una nueva producción).Ñ

R E V I S T A D E D A N Z A 56

colocando en el concepto su nombre, y envíenos sus datos la sensibilidad de daniel abreu (nombre, dirección postal a la muraday que quiere que le llegue la revista, chevi cullberg ballet najarro / bne e-mail y teléfono) por e-mail a suscripciones@susy-q.es, por carta a susyQ, Alameda 33, 28597 Fuentidueña de Tajo (Madrid) o llamando al teléfono 91 473 32 93. También por Paypal o tarjeta de crédito en www.susy-q.es Nº 56 ● 3,50 e ● susy-q.es

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Ballet du Nord · Olivier Dubois

DEL 13 DE NOVIEMBRE AL 5 DE DICIEMBRE

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Es joven la compañía La Kor’sia (nació en 2012). Y a sus cuatro integrantes, Giusseppe Dagostino, Antonio de Rosa, Mattia Russo y Diego Tortelli, les une un par de elementos significativos, como poco. La Compañía

El Ballet de la Ópera de París,

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muy especialmente el Ballet Folklórico de Antioquia, que estrena Etnias, que monta la creadora catalana María Rovira, directora de la compañía Transit, de Barcelona. www.bienaldedanzadecali.com

30 EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL

La Kor’sia

Investigación y trabajo acompañan la joven trayectoria de esta compañía, formada por cuatro creadores e intérpretes.

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MODERN DANCE ¿Te crees CON capacidad de saberlo todo sobre el surgimiento de la danza moderna norteamericana? Te retamos a responder estas 10 preguntas.

1. Es la obra más emblemática de Alvin Ailey A. Cry B. The River C. Lamentation D. Revelations

2. Pionera del minimalismo A. Martha Graham B. Yvonne Reiner C. Trisha Brown D. Lucinda Childs

3. Creó la técnica de Improvisación y Contacto A. Steve Paxton B. Merce Cunningham C. José Limón D. Dorys Humphrey

4. Solamente uno de los siguientes creadores perteneció al grupo de la Judson Church de Nueva York A. Hanya Holm B. Paul Taylor C. Meredith Monk D. Birgit Cullberg

5. Creó “la danza serpentina”, que consistía en manipular vestidos enormes con los que creaba destacados efectos visuales A. Loie Fuller B. Martha Graham C. Ruth Saint Denis D. Isadora Duncan

6. Fue miembro de la Judson Church y sigua activa. Acaba de montar ‘Figure a Sea’, RESPUESTAS:

A. Yvonne Rainer B. Anna Halprin C. Katherine Dunham D. Deborah Hay

7. Fundó el Jacob’s Pillow, el festival de danza más antiguo e influyente de Estados Unidos, todavía activo A. Ted Shawn B. Alvin Ailey C. José Limón D. Alwyn Nikolais

8. Bailó para Martha Graham A. Loie Fuller B. Merce Cunningham C. Maurice Bejart D. Bob Fosse

9. Creó la coreografía para la película basada en el musical ‘Hair’ (Milos Forman, 1979) A. Twyla Tharp B. Steve Paxton C. Margaret Jenkins D. Anna Sokolow

10. En una de sus ‘performances’ más célebres puso a un bailarín a caminar por el costado de un edificio A. Yvonne Reiner B. Lucinda Childs C. Trisha Brown D. Deborah Hay Ñ

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¿Cuál es la obra más relevante de Alvin Ailey?

con música de Laurie Anderson, para el Cullberg Ballet

El equipo Gerente general: Carlos Anzola Director: Omar Khan Redactora jefe: Mercedes L. Caballero Diseño y maquetación: Juanjo Jiménez, María Montón Gestión comercial: Álvaro Martínez Nicolás Atención a suscriptores, administración y website: Alba Anzola Gestor: David Rosique (Dendra) Sistemas informáticos: Informática Delphi Colaboran en este número: Carlos A. Gómez, Alba Anzola, Marta Botana, Iratxe de Arancibia, Borja de Diego, Begoña Donat, Alfredo Miralles, Carlos Paolillo (Caracas), Jordi Ribot, Jordi Sora, María Inés Villasmil (Ámsterdam) Edita: Editorial Isadora, SL Redacción, publicidad y administración: Embajadores, 154 - 2º 3, 28045 Madrid. Teléfono: 914 733 293. danza@susy-q.es Imprenta: Imedisa. Artes Gráficas. Alfareros, 20. 28923 Alcorcón (Madrid). Depósito legal: M-49788-2005 ISSN 2174-8640. Esta publicación no comparte necesariamente la opinión de sus colaboradores.

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el reto de...