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Salon National Des Beaux-Arts Carrousel Du Louvre - MusĂŠe du Louvre - 2009

Salon National Des Beaux-Arts Carrousel Du Louvre - MusĂŠe du Louvre - 2009

“It is not just mere coincidence that my friend Bia Duarte’s firm was named B Licenças Poéticas* (or, in English, “B Artistic License”). This name perfectly translates the firm’s purpose and intention: to work with licensing, to do business in the field of arts. In other words, poetry.

Moreover, the “B” in the firm’s name not only stands for Bia, but also for the ability to see the “other side,” the “B” side of things. This can be understood as the philosophy of not only paying tribute to time-honored artists, but also discovering and encouraging new ones.

Next December, this will once again be demonstrated when B Licenças Poéticas takes an 15-Brazilian artist team to the 2009 Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts at the Louvre Carrousel in Paris.

For time-honored artists participating, this event is surely yet another great achievement; for beginners, this prospect would be the fulfillment of many, many dreams and a great example of entrepreneurial spirit. It is good for Brazil, for business, for poetry and for the arts.”

Washington Olivetto Publicist and President of W/Brasil *The name B Licenças Poéticas was created by Washington Olivetto.

iga Bia Duarte se Não é por acaso que a empresa da minha am

chama B Licenças Poéticas*.

O nome, na verdade, é uma perfeita tradução do conceito e da intenção da empresa: os, mas no campo das óci neg ca nifi sig que o ng, nsi lice com har bal tra

artes, o que significa poesia.

Mais do que isso, o próprio B presente no nome da empresa não é apenas o B de Bia. Significa também a capacidade de enxergar o outro lado das coisas, o lado B. Traduzido na opção ideológica de não só prestigiar os artistas consagrados, mas também descobrir e incentivar os novos.

Fato que se materializa mais uma vez

agora em dezembro, quando a B Licenças Poéticas leva um time de 15 artistas brasileiros para expor no Salon 2009 de la Société Nation

ale des Beaux-Arts, no Carrossel do Louvre, em

Paris.

Essa participação, para os já bem-sucedidos, certamente é uma consagração; para os iniciantes, é, ostensivamente, a perspectiva da realização de muitos sonhos.

E a viabilização de tudo isso é um belo exemplo de comportamento empresarial. e bom para a poesia.

Bom para o Brasil, bom para os negócios

* o nome “b licenças poéticas” é uma criação de washington olivetto.

Washington Olivetto

PUBLICItário e presidente da w/brasil.

A Multidisciplinaridade Artística Brasileira em Paris

BRAZILIAN ARTISTIC MULTIDISCIPLINARITY IN PARIS.

The end of culture in the anthropological sense, the crises, the changes in the way of life, art as a form of expression, the reduction of culture to a market resource, the artist as a social actor, the sum of so many inquiries in the variables that make up the field of art are fragments of the corpus that makes up the “Universe of Art”, as are the mechanisms of inclusion and exclusion. The Salon National Des Beaux-Arts, held since1861, can be considered one of the principal agents that celebrate the changes of this corpus and offers society new esthetic trends and new artists of their time.

After the success of the 2008 SNBA, Bia Duarte, a businesswoman who represents the Brazilian Delegation at the Salon National Des Beaux-Arts, and is the Executive Director of B Licenças Poéticas (or, in English, “B Artistic License”), will present a new panorama of recent Brazilian artwork at the Carrousel Du Louvre - Musée du Louvre in Paris, with themes and a variety of techniques that represent the artistic multi-disciplinarity of a people whose works stand out for their daring and creative capacity.

Visitors to the Louvre and the area set aside for the Brazilian delegation will simultaneously perceive the cultural extract and the Brazilian way of life, which is materialized by the artists who make art works into objects of “subjective experience.” In these works, the esthetic is transformed into an intangible sphere, and becomes essentially a product that is prepared and made systematic in order to interact with other societies and cultures.

In preparing this reflection, it is not my intention to reduce my analysis to each work chosen or to its creator, since the analysis would go through a fragmented superficiality; in fact, the value of the selection made by Bia Duarte is in its value as a whole, and in the unquestionable quality of the works chosen.

The artists were carefully selected among those whose production marks and represents the significant diversity of art production on the Brazilian artistic scene, covering a mix of techniques and languages that sometimes come together and sometimes oppose each other. To reflect upon this matter, I refer to the concept applied by Pierre Bourdieu, in which it is clear that the subject has more or less a certain cultural capital, a repertoire that accumulates along his path that is formed based on the habitus (the tendency, predisposition to act in a certain way), which can be learned through the school, the family, and the social group to which one belongs. This is a form of mediation between structure and subject. I understand habitus to be the mark of our path, and that it is related to the sociology of education and the sociology of culture, which, through a set of accumulated experiences in our lives, create structures that undergo the effects of certain physical and cognitive experiences. Thus, we can affirm that contact with art in the home, at school and in museums makes it possible for the individual to ascend to the social field of art.

When I speak of groups or agents that make up the “corpus” of art, it can be said that they have a fairly intense relation among themselves, that they are subject to changes, but the integration process occurs slowly and depends on pre-established codes. A new artist, a new gallery, a new collector and even a new critic will

be subject to the criteria of prestige in the symbolic order, since we can’t think of static social processes.

Necessarily, with each new SNBA, Bia Duarte will have to appropriate new values. It is the symbolic struggle between social groups, the power of consolidation of good taste, of daily life, of art consumption.

The field of art is fairly interesting, since it is a space that is apparently limited in society. It has an internal logic, and borders, and its own way of functioning based on a set or relations that are expressed and practiced by the social actors, who occupy social positions, and who relate like in a game of agreement with their cultural capital that has been accumulated up to that time. Differentiated positions generate hierarchies within the field; in other words, cultural capital, depending on its volume and its composition, generates legitimate differences in the field.

From the sociological standpoint, there is a how and a why for contradictory positions to co-exist in equilibrium.

There is a ranking in the world of international art in which it is possible to identify them, and certainly, the Salon National Des Beaux-Arts is one of the cultural agents that plays this role.

It is no exaggeration to say that we are living in a rare moment for Brazilian artists, since it is possible to attest to the great visibility that the artists chosen are finding abroad, among them I would like to highlight those present at the SNBA 2009: Alessandro Jordão & Kiko Sobrino, André Crespo, Anna Guerra, Charles Chaim, Daniel Azulay, David Dalmau, Eduardo Kobra, Gabriel Nehemy, Gustavo Rosa, Kika Goldstein, Lilian Bonemy, Marcelo Neves, Margot Monteiro, Susy Magalhães and Victor Brecheret (in memoriam).

The selection of works that represent Brazil at the SNBA 2009 - Salon National Des Beaux-Arts goes beyond the study of art and social science, under the acceptance of esthetic imbalances and inequalities, which will allow visitors to get to know the rich creative tendency of Brazilian artists in the field of contemporary art. The merit for yet another magnificent action of bringing Brazilian art to the world belongs to Bia Duarte and to her team.

Roberto Bertani December 2009.

Roberto Bertani is a professor at the Armando Álvares Penteado Foundation, a doctoral candidate in Social Science at PUC - Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, has a Master’s Degree in Visual Arts from UNESP-Universidade Estadual Paulista, Specialist in Communication Process from ECA- Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo, holds a Bachelor’s Degree in Design from FAAP-Fundação Armando Álvares Penteado. In his executive career, he was the Superintendent of the Instituto Cultural Banco Santos, the Executive Director of the Estudar Coleção Brasiliana Foundation, and is currently the Executive Director of the Contemporary Institute of Art in São Paulo.

O fim da cultura no sentido antropológico, as crises, as mudanças do modo de vida, a arte como forma de expressão, a redução da cultura a recurso de mercado, o artista como ator social, a soma de tantas indagações nas variáveis que formam o campo da arte, são fragmentos do corpus que compõem o “Universo da Arte”, assim como os seus mecanismos de inclusão e exclusão. O Salon National Des Beaux-Arts, realizado desde 1861, pode ser considerado como um dos principais agentes que celebram as mudanças deste corpus e oferece à sociedade as novas tendências estéticas e os novos artistas de seu tempo.

Após o sucesso do SNBA de 2008, a empresária Bia Duarte, que é representante da Delegação Brasileira no Salon National Des BeauxArts e Diretora Executiva da B Licenças Poéticas, apresentará no Carrousel Du Louvre - Musée du Louvre em Paris um novo recorte da produção artística brasileira, com temas e técnicas variadas que representam a multidisciplinaridade artística de um povo cujas obras se destacam pela ousadia e por sua capacidade criativa.

Quem visitar o Louvre e o espaço dedicado à delegação brasileira perceberá simultaneamente o extrato da cultura e do modo de vida brasileiro, que materializados pelos artistas, fazem da obra de arte um objeto de “experiência subjetiva”, onde a estética se transforma em uma esfera intangível, e se torna na sua essência um produto articulado e sistematizado para interagir com outras sociedades e culturas. Ao elaborar esta reflexão, não pretendo reduzir a minha análise a cada obra selecionada ou ao seu criador, pois a análise transitaria por uma superficialidade fragmentada, sendo que, na verdade, o grande valor da seleção feita por Bia Duarte está no conjunto e na inquestionável qualidade dos escolhidos.

Os artistas foram cuidadosamente selecionados dentre aqueles cuja produção marca e representa a significativa diversidade de produção da arte no cenário artístico brasileiro, contemplando um mix de técnicas e linguagens que ora se aproximam ou ora se opõem. Para refletir sobre esta questão, me refiro ao conceito aplicado por Pierre Bourdieu, onde fica claro que o sujeito tem mais ou menos capital cultural, um repertório que vai se acumulando através de sua trajetória que se forma através do habitus (a tendência, predisposição a agir de uma determinada maneira) que pode ser apreendido através da escola, da família e do grupo social em que está inserido. Uma mediação entre estrutura e sujeito. Entendo que habitus é a marca de nossa trajetória, e que está relacionado com a sociologia da educação e a sociologia da cultura, que através de um conjunto de experiências acumuladas em nossa vida cria estruturas que sofrem efeito de determinas experiências físicas e cognitivas. Sendo assim, podemos afirmar que o contato com a arte no espaço do lar, da escola e dos museus dá condições ao indivíduo para ascender ao campo social da arte.

Quando falo dos grupos ou agentes que compõem o “corpus” da arte, é possível afirmar que mantêm entre si uma relação bastante intensa, que estão sujeitos a mudanças, mas o processo de integração se dá lentamente e depende de códigos pré-estabelecidos. Um novo artista, uma nova galeria, um novo colecionador e até mesmo um novo crítico estarão sujeitos aos critérios de prestigio na ordem do simbólico, pois não dá para pensar em processos sociais estáticos. Obrigatorimente a cada novo SNBA, Bia Duarte terá que se apropriar de novos valores. É a luta simbólica entre os agrupamentos sociais, o poder de consolidação do bom gosto, da vida cotidiana, do consumo da arte.

O campo da arte é bastante interessante, pois é um espaço aparentemente delimitado na sociedade.

Tem uma lógica interna, fronteiras e seu modo de funcionamento a partir de um conjunto de relações, expressadas e praticadas pelos atores sociais, que ocupam posições sociais, e se relacionam como em um jogo de acordo com o seu capital cultural, acumulado até aquele momento. Posições diferenciadas geram hierarquias dentro do campo, ou seja, o capital cultural dependendo do seu volume e a sua composição geram diferenças legitimadas dentro do campo.

Do ponto de vista sociológico, há como e porque os pontos de vista contraditórios conviverem em equilíbrio. Existe um ranking no mundo da arte internacional onde há um lugar para identificá-los, e certamente o Salon National Des Beaux-Arts é um dos agentes culturais que exerce este papel. Não é exagero dizer que se vive um momento raro para os artistas brasileiros, pois é possível atestar a grande visibilidade que os artistas selecionados já estão encontrando no exterior, dos quais destaco os presentes no SNBA 2009: Alessandro Jordão & Kiko Sobrino, André Crespo, Anna Guerra, Charles Chaim, Daniel Azulay, David Dalmau, Eduardo Kobra, Gabriel Nehemy, Gustavo Rosa, Kika Goldstein, Lilian Bonemy, Marcelo Neves, Margot Monteiro, Susy Magalhães e Victor Brecheret (in memoriam).

Roberto Bertani

A seleção de obras que representam o Brasil no SNBA 2009 - Salon National Des BeauxArts vai além do estudo da arte e sim da ciência social, sob a aceitação dos desequilíbrios e desigualdades estéticos o que permitirá aos visitantes conhecer a rica tendência criativa dos artistas brasileiros no campo da arte contemporânea. Cabe a empresária Bia Duarte e sua equipe, o mérito por mais esta primorosa ação de levar ao mundo a arte brasileira. Dezembro de 2009

Roberto Bertani é professor da Fundação Armando Álvares Penteado, doutorando em Ciências Sociais pela PUC - Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, mestre em Artes Visuais pela UNESP-Universidade Estadual Paulista, Especialista em Processo Comunicacionais pela ECA- Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo, Bacharel em design pela FAAP-Fundação Armando Álvares Penteado. Na carreira executiva foi Superintendente do Instituto Cultural Banco Santos, Diretor Executivo da Fundação Estudar Coleção Brasiliana e atualmente é o Diretor Executivo do Instituto de Arte Contemporânea em São Paulo.

The magic of artistic interaction

Seeing the 15 works selected

by B Licenças Poéticas to participate in the Salon National Des Beaux-Arts 2009, to be held at Carrousel Du Louvre, Paris, from December 10 to 13, is an exercise in developing one’s artistic eye.

Each artist offers the most authentic ideal of the visual arts: generating images to which the observer’s eye attributes shape and beauty, since each work only accomplishes its proposal when it is completed by someone who delves into it with respect, but without worship. The power of thought and technical ability create interpretations of the world.

Visual sets are created with autonomy, symbols and unique features.

What the artist shows the public is the result of an individual path that cannot be repeated. The most fascinating part is that the way each work affects the public is based on a dialogue of subjectivities between those who create and those who perceive what is being shown. In this sense, Alessandro Jordão & Kiko Sobrino take advantage of the blue color and lightness to build an object that functions as a kind of portal, allowing each visitor to enter a labyrinth of meanings governed by the discussion that the use of lines, color and volume provide. A pictorial visual survey like that by André Crespo questions the limits between the hurried glance of urban centers and the accurate reflection on what it really means to paint the rich universe that each metropolitan scene provides. The attention of perceiving gains emphasis as a theme and with the care of realization. Anna Guerra, in turn, allows us to delve into the potential for fragmentation of figures like a segment characterized by the constant presence of color as materiality to provide a wide variety of conversations between what the artist actually does and what she imagines she did. Portraits also appear strongly in Charles Chaim, with direct references to pop art. However, the main emphasis is not on the art icons represented, but on the way in which they are made eternal and are reconstructed. Memory is preserved, and at the same time, presented with a new attitude, in which the image is a declaration of love for life. The use of color allows us to make a similar reading of the work of David Dalmau. His work offers the subtle contradiction of dealing with public spaces, like restaurants in which faceless people spend pleasant moments. Each anonymous person is a clone of himself without knowing where to go in what some consider to be “the party of life”. Designs, fragmentation and games give Daniel Azulay’s production a contagious enchantment. The eye seems to be on an authentic celebration, in which it doesn’t know which direction to take, since all the possibilities seem to be equally fascinating and challenging. There is joy in being in the world. The same feeling is present in the works by Eduardo Kobra. He deals with scale and with childish imagination in an atmosphere in which risk arises under control and the pleasure of dreaming begins to be associated with the threat of living, since moving front and back can lead to a loss of control. Gabriel Nehemy discusses these same questions using the canvas of a truck as a support. The idea of going from one side to the other is established through the mixture of techniques and by the interior movement of each artistic step as a challenge in terms of defining what to say and how to say it. Famous for his dialogue between design and color, Gustavo Rosa presents one of his most significant works in recent years. There is ambiguity, interrogation, the search for a visual path that does not close doors, but that encourages the encounter of a logical discourse for a challenging image. The presence of graphics is also manifest in Kika Goldstein. She makes use of caricatures as an alternative to make life itself funny thanks to her use of exaggeration. Her characters are full of grace, but this does not keep us from remembering that the grotesque deforms so that we can better see our failings and limitations. Lilian Bomeny allows the recognizable figures of her work to interact in a surprising way. Repertoire references are mixed in a joyous and busy discussion on how it is possible to find different replies to the challenge of creating.

There is no right or wrong process, but the commitment to be authentic with that which appears as the result of a thought or an action. The dancing couple shown by Marcelo Neves is precisely the expression of a language that is distinguished by its rounded form and by the absence of fear in the construction of each plastic object. The curved line appears as a defense against any attempt at domination by the straight line. This rationale is prolonged in the way in which Margot Montero presents space. Abstraction gains force as it is seen as the expression of a permanent power to overcome one’s own limits and the eyes of others. This is the kingdom of esthetics, where it is not easy to be a winner of one’s own limitations. The dimension of the domain of space is presented in a recreated and organic way in the work of Susy Magalhães. A tree gains the configuration of a root, not by its chromatism or composition, but because it is the achievement of a free look, one which is responsible as an esthetic proposal. Among those who combine the rare ability to mix knowledge and technique with the daring of those who seek out the new is Victor Brecheret.

His act of creation was always to use what his predecessors used to achieve a proposal that reveals the pleasure of incorporating new elements, without giving up knowledge that has crystallized over time.

Therefore, the artists who participated in this Salon developed poetry that allowed them to delve into distinct visual universes, but which are united by some common elements. The main element among them is the power to captivate their audience. A variety of artistic resources became means to reach the same objective. They allow for dilemmas, which the artists chosen here overcame in their challenge to artistically interact with the public without witchery, but with the magic of their talent, technique and sensitivity. Oscar D’Ambrosio, a journalist, holds a Master’s Degree in Visual Arts from the Instituto de Artes da Unesp and is a member of the International Association of Art Critics (AICA-Brazilian Section).

Conhecer as 15 obras selecionadas pela B Licenças Poéticas para participarem do Salon National Des Beaux-Arts 2009, no Carrousel Du Louvre, em Paris, de 10 a 13 de dezembro é um exercício de desenvolvimento do olhar plástico. Cada artista oferece o mais autêntico ideal das artes visuais: gerar imagens que o olhar do observador dá a forma de beleza, pois cada trabalho só se realiza enquanto proposta quando é completada por quem nele mergulha com respeito, mas sem adoração.

O poder do pensamento e a habilidade técnica criam interpretações do mundo.

Conjuntos plásticos são criados com autonomia, símbolos e traços próprios. O que o artista apresenta ao público é o resultado de uma caminhada individual que não pode ser repetida. O mais fascinante é que a forma como cada obra atinge o público tem sua base num diálogo de subjetividades entre quem cria e quem percebe o que está sendo mostrado. Nesse sentido, Alessandro Jordão & Kiko Sobrino se valeram do azul e da leveza para a construção de um objeto que funciona como uma espécie de portal, permitindo a cada visitante entrar num labirinto de significados regidos pela discussão do uso da linha, da cor e do volume da obra.

A mágica

da interação plástica

OSCAR D´AMBROSIO

Uma pesquisa visual pictórica como a de André Crespo questiona os limites entre o olhar apressado sobre os centros urbanos e a reflexão acurada sobre o que significa de fato pintar o rico universo que cada cena metropolitana propicia. Anna Guerra, por sua vez, possibilita um mergulho na potencialidade da fragmentação da figura como um segmento caracterizado pela presença constante da cor como uma materialidade a propiciar as mais variadas conversas entre aquilo que o artista de fato faz e aquilo que imagina ter feito.

O retrato também surge forte com Charles Chaim, que faz referência direta à arte pop. No entanto, o principal não está nos ícones da arte representados, mas no modo como eles são eternizados e reconstruídos.

Sua memória é preservada e, ao mesmo tempo, situada com uma nova atitude, em que a imagem é uma declaração de amor à vida. O uso da cor permite uma leitura semelhante da obra de David Dalmau. Seu trabalho possui a sutil contradição de lidar com espaços públicos, como restaurantes nos quais pessoas sem rosto parecem passar momentos agradáveis. Cada anônimo é um clone de si mesmo sem saber para onde caminhar naquilo que alguns consideram a festa da vida. O desenho, a fragmentação e o lúdico dão à produção de Daniel Azulay um encanto contagiante. O olho parece estar numa autêntica celebração, na qual não se sabe a direção a tomar, pois todas as possibilidades se apresentam como igualmente fascinantes e indagadoras.

O mesmo sentimento se faz presente nas realizações de Eduardo Kobra. Ele lida com o balanço e com a imaginação infantil numa atmosfera em que o risco surge controlado e o prazer de sonhar começa a se associar com a ameaça de viver, pois o mover-se para frente e para trás pode levar á perda do controle.

Gabriel Nehemy discute essas mesmas questões utilizando a lona de caminhão como suporte. A ideia de ir de um lado para outro se estabelece pela mescla de técnicas e pelo movimento interior de conceber cada passo artístico como um desafio em termos de definir o que dizer e como fazê-lo. Célebre pelo diálogo entre o desenho e a cor, Gustavo Rosa apresenta um de seus trabalhos mais significativos dos últimos anos. Existe nele a ambiguidade, a interrogação, a busca de um caminho visual que não fecha portas, mas que estimula o encontro de um discurso lógico para uma imagem desafiadora. A presença do gráfico se manifesta ainda com a artista Kika Goldstein. Ela se vale do uso do caricatural como uma alternativa que torna risível a própria existência graças à utilização do exagero. Seus personagens estão repletos de graça, mas não impede que nos lembremos que o grotesco deforma para que possamos nos ver melhor em nossas falhas e limitações.

Lilian Bomeny permite que as várias figuras reconhecíveis de seu trabalho se interpenetrem de modo surpreendente. Referências de repertório se mesclam numa alegre e movimentada discussão sobre como é possível encontrar diversas respostas para o desafio de criar. Não existe nesse processo certo ou errado, mas o compromisso de ser autêntico com aquilo que se mostra como resultado de um pensar e de um fazer.

O casal que dança exibido por Marcelo Neves é justamente a expressão de uma linguagem que se distingue pela forma arredondada e pela ausência de medo na construção de cada objeto plástico. A linha curva surge como uma defesa contra qualquer tentativa do domínio da linha reta.Esse raciocínio se prolonga na maneira como Margot Monteiro costura o espaço. A abstração ganha força por ser vista como a expressão de um poder permanente de vencer limites próprios e olhares alheios. Trata-se do reino da estética, onde não é tarefa fácil ser vencedor das próprias limitações.A dimensão do domínio do espaço se articula de forma recriadora e orgânica em Susy Magalhães. Uma árvore ganha à configuração de raiz não pelo cromatismo ou pela composição, mas por ser a consecução de um olhar livre, mas responsável enquanto proposta estética.Quem coaduna com rara habilidade o saber oriundo do conhecimento e da técnica com a ousadia da procura do novo é Victor Brecheret. Seu ato de criar sempre foi o de utilizar aquilo que os antecessores fizeram para atingir uma proposta que revela o prazer de incorporar novos elementos sem se desfazer de um saber cristalizado pelo tempo. Os artistas que participam deste Salão desenvolvem, portanto, poéticas que propiciam mergulhos em universos visuais distintos, mas unidos por alguns elementos comuns. O principal é o poder de cativar seu público. Diversos recursos plásticos tornam-se meios de atingir o mesmo objetivo. Comportam dilemas, que os criadores aqui reunidos superam em seu desafio de interagir plasticamente com o público, sem magia, mas com a mágica do talento, da técnica e da sensibilidade.

Oscar D’Ambrosio, jornalista, é mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp e integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA-Seção Brasil).

ALESSANDRO JORDÃO KIKO SOBRINO

ALESSANDRO JORDÃO E KIKO SOBRINO Formados em Artes Plásticas, Jordão e Sobrino começaram a trabalhar criando telas e participando de exposições em São Paulo. Em 2000, com a participação na exposição Mídia e Loucura, realizada em Milão, Roma e São Paulo, a dupla ganhou o primeiro prêmio de melhor trabalho da América Latina em Roma. Após o retorno da Europa, os artistas obtiveram reconhecimento da imprensa, da crítica e inclusive do então Presidente da República, Fernando Henrique Cardoso, que enviou uma carta parabenizando a dupla pelos trabalhos expostos. Depois dessa exposição, os artistas plásticos passaram a realizar também trabalhos de design, e ingressaram na Domus Academy. Lá permaneceram por dois anos aprendendo com ícones da área, como Karim Rashid, Phillipe Starck e Moroso.

Há uma padronização na maneira de se criar a arte, em que o artista tem uma atitude individual perante a criação. Alessandro Jordão e Kiko Sobrino desprenderam-se dessa realidade, cortando o vínculo entre pessoa e arte, de forma que o mesmo suporte aceite idéias a quatro mãos. O resultado é um trabalho homogêneo com características heterogêneas, resumindo a maneira de viver com leveza e simplicidade. Dentro deste diálogo criaram sua pesquisa, ou seja, desindividualizar o artista, aprender a trabalhar em conjunto, criar em conjunto, executar em conjunto, dividir os méritos, angústias, ansiedades e alegrias da vida ligada à arte.

By enabling a work of art to sustain the ideas of two people creating together, Alessandro Jordão e Kiko Sobrino broke away from the standardized way of creating art in which the artist has an individual perspective on his creation. The result is a homogeneous production with heterogeneous characteristics, epitomizing a way to live life with simplicity and peace. Within this dialogue, they have created their own interpretation; or rather, they have created the deindividualization of the artist, by learning to work together, to create together, to produce together, to share the credit, the anguish, the anxieties and the joys of a life connected to art. Visual arts graduates Jordão and Sobrino began working together by creating paintings and exhibiting their works in São Paulo. During their participation in the 2000 exposition Media and Madness, held in Milan, Rome and São Paulo, the pair earned their first award in Rome for best work from Latin America. Upon their return from Europe, they received wide recognition from the Brazilian press, art critics and even from former president Fernando Henrique Cardoso, who sent the pair a letter to congratulate them on their exhibited works. After this exhibit, the artists, who had until then focused on visual arts, evolved into working with design and enrolled in the Domus Academy. For two years, they studied with design icons such as Karim Rashid, Phillipe Starck and Moroso.

“Fenda�

escultura em ferro reciclado/flocagem azul klein - 100 x 30 x 30 cm - 2009

ANDRÉ CRESPO

ANDRÉ CRESPO Cursou artes plásticas na FAAP, e antes de assumir a pintura em tempo integral, trabalhou com publicidade, jornal e cinema, atividades que contribuíram nas áreas de stop-motion, cenários, animação digital, edição e direção de arte. Em 2001, conheceu Newton Mesquita, mestre nas artes plásticas, e responsável pela transformação do artista. Crespo tem imprimido sua personalidade irreverente e inquieta em suas obras que valorizam as sensações mais puras “de uma vida bem vivida, como deve ser”. Pois para o artista, a pintura é para celebrar o esplendor da vida, e tentar transmitir ao observador uma sensação agradável, um bem estar. O desejo é inspirar muitas pessoas a olhar, simplesmente olhar. O artista mostra maturidade por meio dos assuntos explorados em um repertório filtrado pela ironia e despojamento de um jovem que convive com a dinâmica de uma metrópole caótica como São Paulo.

Em 2003, teve a primeira exposição individual na Central das Artes, em São Paulo.

Já em 2007, Crespo alçou vôos mais altos ao expor na mostra coletiva The Figure, na Habatat Galleries, em Virgínia, nos Estados Unidos. No ano seguinte foi a vez da França conhecer o trabalho do artista com Exposição e Performance no Festival Internacional de Contis e em 2009 participou da mostra coletiva CICCA, nas Ilhas Canárias, na Espanha. Aos 31 anos, Crespo participou de exposições coletivas ao lado de renomados artistas brasileiros e fotógrafos - Newton Mesquita, Cláudio Tozzi, Gilberto Salvador, Belmonte, Gregório Gruber, Cristiano Mascaro e Márcio Scavone, entre outros. E ainda trabalhos gráficos e de arte para grandes empresas como Volcom, Havaianas, Vivo, Red Bull e Faber Castell.

André Crespo attended a course of Art at FAAP but before becoming a full-time painter, he worked in the areas of publicity, newspapers and the movies, contributing to the stop-motion, settings, digital animation, editing and art directing areas. In 2001, he met Newton Mesquita, a master in the arts, who was responsible for Crespo’s transformation.

Crespo has left the mark of his irreverent and restless personality on his works, which value the purest sensations “of a life well lived, as it should be.” For Crespo the purpose of painting is to celebrate the splendor of life, and to try to transmit a pleasant feeling of well-being to the observer.

His desire is to inspire many people to look, to just look afar. He shows maturity through the subjects explored in a repertoire filtered by the irony and divestment of a young man who lives among the dynamics of a chaotic metropolis like São Paulo. In 2003 he had his first individual exposition at the Arts Center, in São Paulo. In 2007 Crespo achieved greater status by exhibiting at the group exhibit “The Figure”, held at the Habitat Galleries, in Virginia, in the United States. The following year, it was France’s turn to see the artist’s work, both on Exhibition and Performing, at the Contis International Festival; in 2009 he participated in the CICCA group exhibition, in the Canary Islands, Spain. At the age of 31, Crespo participated in group expositions alongside renowned Brazilian artists and photographers - Newton Mesquita, Cláudio Tozzi, Gilberto Salvador, Belmonte, Gregório Gruber, Cristiano Mascaro and Márcio Scavone, among others. He also did graphic and art work for major corporations like Volcom, Havaianas, Vivo, Red Bull and Faber Castell.

“ Paulista com Augusta” acrílica sobre tela 120 x 80 cm - 2009

ANNA GUERRA

ANNA GUERRA Anna Guerra nasceu no Recife, em 25 de julho, mas cresceu em Carpina, Cidade da Zona da Mata de Pernambuco. Formada em arquitetura pela FAUPE- Faculdade de Arquitetura e Urbanismo do estado de Pernambuco, Anna vem de uma família de artistas plásticos talentosos, começando por sua mãe, Marta, sua bisavó Elisa, seu primo Álvaro Caldas, sua tia Vera Caldas e seu primo Lula Cardoso Aires, um ícone do mundo das artes plásticas.

Sua primeira experiência artística foi no teatro como responsável pelos figurinos, todos feitos com papel crepom e cola branca. De um simples origami, a maquetes completas, Anna faz tudo com papel.

O aprendizado veio através de estudos, aulas e leituras, mas veio também por meio da observação do trabalho de outros artistas. Sua inspiração contínua é o artista Caribé. Hoje, Anna Guerra sabe o que faz e aplica o seu talento com um respeitável conhecimento das técnicas e uma impressionante habilidade no trato das cores e na forma como misturálas para criar efeitos.

Desde 2000 dá aulas e se dedica a pintura integralmente. No ano seguinte, inaugura um atelier em Casa Forte, Recife, e passa a morar ao lado. Em 2002, realiza sua primeira exposição individual, com o título Carnaval, Sonhos e Fantasias, no Recife. Já em 2004, expõe 50 telas no Projeto Olinda: Arte em Toda Parte. O local foi um casarão totalmente ambientado para a sua exposição. A exposição ganha o título de Nordestinados, homenageando seu tio in memorian, “José Octávio Guerra,” com o poema BANGUÊ. No mesmo ano, realiza a exposição no Aeroporto Internacional dos Guararapes, no Recife, onde tem uma obra no acervo particular da Infraero, em Recife.

Em 2006, a artista apresenta sua nova exposição A Força das Cores, na Galeria Spazio Surreale, em São Paulo, tendo como curadora a Sra. Livia Bucci e é convidada por Emanuel Von Lauenstein Massarani, crítico de arte e superintendente do Patrimônio Cultural da Assembléia Legislativa do Estado de São Paulo para fazer uma exposição. Em conseqüência, passou a integrar o acervo cultural, da Assembléia Legislativa do Estado de São Paulo.

Ainda em parceria com o crítico, participa da exposição e do livro Brasil-Itália.

No ano seguinte, expõe no aeroporto do Galeão- Rio de Janeiro onde tem uma obra no acervo do aeroporto e passa a integrar a equipe de Andréa Saletto, no Morumbi, em São Paulo. E, ainda, em parceria com a arquiteta Sandra Paro desenvolve o projeto de um mosaico que foi adquirido pela empresa Queiroz Galvão para ser levado a Angola, na África. Em 2008, passa a trabalhar a frente comercial da marca Ciao Mao da designer Pricilla Calegari.

Atualmente é curadora do espaço 3058ª e integra a equipe do projeto Panorama Brasil em Movimento, sendo artista convidada, com o tema Multiculturalismo no Brasil, tendo como sede da exposição de abertura, a cidade de Lisboa, Portugal.

Anna Guerra was born in Recife on July 25, 1970 but grew up in Carpina, a town in the Zona da Mata region of Pernambuco state.

She received a degree in Architecture from FAUPE- Faculdade de Arquitetura e Urbanismo do Estado de Pernambuco. Anna Guerra comes from a family of talented artists, beginning with her mother, Marta, her great-grandmother Elisa, her cousin Álvaro Caldas, her aunt Vera Caldas and her cousin Lula Cardoso Aires, who is an icon in the world of visual arts. Her first artistic experience was in the theater, where she was responsible for the costume patterns, all made with crepe paper and white glue. From a simple origami to a complete maquette, Anna makes everything with paper. Her skills came from her studies, classes and readings, but also from watching other artists work. Her ongoing inspiration is the artist Caribé. Today, Anna Guerra knows her metier and uses her talent with a respectable knowledge of the techniques and an impressive ability to handle colors, especially in the way she mixes them together to create special effects. She began to teach and paint full time in 2000. The following year she opened an atelier in the Casa Forte neighborhood of Recife, and then moved next door. In 2002 she held her first individual exhibition entitled “Carnival, Dreams and Fancy Costumes,” in Recife. In 2004 she exhibited 50 paintings at the Olinda Project: Art Everywhere. The location chosen for this exhibit was an old mansion that had been totally renovated for this purpose.

The exposition was given the name Nordestinados, in a posthumous homage to her uncle, “José Octávio Guerra,” with the poem BANGUÊ.

That same year, she held an exhibition at the International Airport of Guararapes, in Recife, where she has a work in the private collection of Recife INFRAERO. In 2006 she presented her new exhibition entitled” The Strength of Colors, at the Spazio Surreale Gallery, in São Paulo, where Livia Bucci was the curator. She was then invited by Emanuel Von Lauenstein Massarani, art critic and superintendent of the São Paulo State Legislative Assembly Cultural Archives, to present an exhibition of her work. As a result, her works are now part of the collection of the São Paulo State Legislative Assembly Cultural Archives. Still working with Massarani, she participated in the Brazil-Italy exhibition and book. The following year, she showed her work at Galeão Airport in Rio de Janeiro, where she has a work among the airport’s collection, and joined the team of Andréa Saletto, in Morumbi, São Paulo. Still in partnership with architect Sandra Paro, she has been developing a mosaic project that was purchased by the company Queiroz Galvão to be placed in Angola, Africa. In 2008, she began to work with the brand Ciao Mao by designer Pricilla Calegari. Currently she is the curator of Espaço 3058 and is a member of the “Panorama Brasil em Movimento” team, as an invited artist, working on the theme Multiculturalism in Brazil, headquartered in the city where the exhibition is set to open: Lisbon, Portugal.

“A Dúvida”

óleo sobre tela 100 x 80 cm - 2005

CHARLES CHAIM O mineiro Charles Chaim começou sua carreira no teatro como ator, depois estudou jornalismo, mas no meio do caminho descobriu as artes plásticas. Desde criança já demonstrava interesse pela arte. Nas artes cênicas atuou também como cenógrafo, o que impulsionou seu interesse pelas artes plásticas.

CHARLES CHAIM

Autodidata, Charles Chaim fez sua primeira exposição utilizando materiais recicláveis.

Trabalhou com embalagens de pizza e sacolas de compras que eram transformadas em painéis. O artista experimentou técnicas de colagem e pintura. Influenciado, principalmente por Andy Warhol, o artista trabalha no estilo pop art. Os retratos estilizados são os preferidos do artista. No currículo, onze exposições de telas.

Charles Chaim, a native of the state of Minas Gerais, began his career in the theater as an actor, and then studied journalism, but in the middle of everything, he discovered art. Since childhood, he showed great interest in art. In the performing arts he also worked as a set designer, which aroused his interest in the visual arts. Self-taught, Charles Chaim made his first exhibition using recyclable materials.

He worked with pizza packaging and shopping bags, which were transformed into panels. He also experimented with techniques of collage and painting, particularly influenced by Andy Warhol, the famous pop artist. Stylized portraits are his favorite, and he has already done eleven painting exhibitions.

“L’oiseau”

acrílica sobre tela 100 x 100 cm - 2009

DANIEL AZULAY

DANIEL AZULAY Daniel Azulay nasceu no Rio de Janeiro, em 1947, e formou-se em Direito enquanto fazia desenhos de humor e histórias em quadrinhos para revistas e jornais. Autodidata, em 1970, expôs no Museu de Arte Moderna/RJ suas primeiras experiências gráficas e visuais em caleidoscópios de acrílico. Já em 73, viajou para Israel reunindo suas impressões de viagem com desenhos no álbum “Jerusalém”, lançado na Galeria de Arte Ipanema no Rio e no Gabinete de Artes Gráficas em SP. Carlos Drummond de Andrade em crônica para o Jornal do Brasil de março de 74 escreveu: (...) “Artista antes de tudo, e em seguida observador atiladíssimo, Daniel capta o essencial da figura humana, da postura, da identidade física e sentimental do ser, e o faz com graça filosófica de quem sabe contemplar o vário espetáculo do mundo, entre sorridente e comovido.” Em 1975 concorrendo com mais de setenta países, conquistou o Grande Prêmio da Exposição Internacional de Desenhos de Humor em Atenas para comemorar a volta do regime democrático na Grécia. Para estimular a imaginação e a criatividade infantil, Azulay influenciou uma geração inteira dando vida a seus personagens de quadrinhos, desenhando e fazendo artes na televisão, durante dez anos em rede nacional.

O artista também foi convidado pelo governo americano para representar o Brasil no International Symposium of Books and Broadcasting for Children/USA e, em 1989 o Consulado Britânico organizou uma retrospectiva com exposição do seu trabalho no Hotel Rio Palace, no Rio de Janeiro, com a presença da Princesa Anne, da Inglaterra.

Aos 62 anos, Azulay mora no Rio de Janeiro e viaja pelo mundo realizando exposições, palestras e workshops de arte-educação nos Estados Unidos, Israel, Finlândia, Suécia e Portugal. Em 2007, seu trabalho como voluntário e criador do Projeto Social “Crescer com Arte” para crianças e jovens de comunidades carentes foi premiado e reconhecido pela ICAF - International Child Art Foundation em Washington, DC.

Daniel Azulay was born in Rio de Janeiro in 1947, and while studying for a Law degree he drew comics for newspapers and magazines. Self-taught, in 1970 he exhibited his first graphic and visual works in acrylic kaleidoscopes at the Modern Art Museum, in his home town. In 1973 he traveled to Israel and recorded his impressions in drawings in the album “Jerusalem”, introduced at the Ipanema Art Gallery in Rio and at the Gabinete de Artes Gráficas in Sao Paulo.

The poet Carlos Drummond de Andrade, in a chronicle for Jornal do Brasil newspaper in March, 1974 wrote: (...)

“An artist above all, and then a very keen observer, Daniel captures the essence of the human figure, of the posture of the physical and sentimental identity of the being, and he does it with the philosophical grace of someone who knows how to contemplate the spectacle of the world, between smiling and being moved.” In 1975, competing against more than seventy countries, he won the Grand Prize of International Exhibition of Humor Drawings in Athens, held to celebrate the return of democracy to Greece. To excite children’s imagination and creativity, Azulay influenced an entire generation, giving life to his cartoon characters, designing and performing art on television for ten years on a national network.

The artist was also invited by the American government to represent Brazil at the International Symposium of Books and Broadcasting for Children/USA, and in 1989 the British Consulate organized a retrospective with an exhibition of his works at the Hotel Rio Palace, in Rio de Janeiro, with the presence of Princess Anne of England.

At the age of 62, Azulay lives in Rio de Janeiro and travels throughout the world holding exhibitions, presentations and workshops of art education in the United States, Israel, Finland, Sweden and Portugal. In 2007, his work as a volunteer and founder of the Social Project “Grow with Art” for children and young people from underprivileged communities was awarded and recognized by the ICAF International Child Art Foundation in Washington, DC.

“Funny Wall Faces” acrílica sobre tela 51 x 51 cm - 2009

DAVID DALMAU

DAVID DALMAU

Alma multifacetada, o artista plástico, fotógrafo e cenógrafo David Dalmau nasceu em Barcelona, em 4 de dezembro de 1962, e desde a infância viajou pelo mundo visitando galerias e museus com seu pai, um colecionador de arte e homem de negócios. Após esta rica e diversificada experiência, o jovem Dalmau cursou arquitetura, economia e aviação, embora sempre tenha declarado seu interesse e preferência pelas artes.

Em 1982, Dalmau deixou os Estados Unidos e realizou um de seus sonhos: viver na Europa.

Estabeleceu-se em uma antiga casa de pescadores em Sitges, perto de Barcelona, onde seu tio Pepe tinha um pequeno estúdio, e finalmente passou a dedicar-se por completo à pintura, descobrindo seu próprio estilo e potencial para temas diferenciados, característica que cultua até hoje.

Suas pinturas têm a tradição do expressionismo figurativo europeu, destacando temas urbanos; sua técnica combina simplicidade e sofisticação com brilhante uso de cores, em imagem de festas, multidões anônimas e a tão almejada e utópica felicidade eterna.

No início da década de 1990, Dalmau visitou o Brasil para participar, como curador assistente, da 21ª Bienal Internacional de São Paulo. Essa experiência representou um estímulo adicional para que este artista, sempre em busca do novo, decidisse residir no Brasil, abrindo seu ateliê e galeria de arte na capital paulista.

Multifaceted artist, photographer and set designer David Dalmau was born in Barcelona on December 4, 1962. As a child he traveled all over the world visiting art galleries and museums with his father, an art collector and businessman. After this valuable and eclectic experience, the young Dalmau decided to study architecture, economics and aviation, although he always expressed an interest in and preference for the arts. In 1982, Dalmau left the United States and realized his dream of living in Europe. He moved to an old house that used to belong to a local fisherman, in Sitges, near Barcelona, where his uncle Pepe had a small studio. At last he was able to devote himself completely to painting, discovering his own style and potential for working with a range of themes, a characteristic that still marks his work today. Dalmau’s painting represents a European expressionist style, emphasizing urban themes.

His technique matches simplicity and sophistication with a brilliant use of colors, depicting celebrations, anonymous crowds and the utopian yearning for eternal happiness. In the early 1990s, Dalmau visited Brazil to work as assistant curator at the 21st International São Paulo Biennial. Always searching for something new, the artist was motivated by this experience to move to Brazil and open a studio and art gallery in São Paulo.

“Velvet Bar”

acrílica sobre tela 105 x 100 cm - 2009

EDUARDO KOBRA

Eduardo Kobra Eduardo Kobra é um expoente da neovanguarda paulista. Seu talento brota por volta de 1987, no bairro do Campo Limpo por meio do graffiti e do movimento Hip Hop, que se espalhava pela cidade. Com os desdobramentos, que a arte urbana ganhou na Capital, o artista criou o Studio Kobra nos anos 90 - para um muralismo original - inspirado em muitos artistas, especialmente nos pintores mexicanos, beneficiando-se das características de artista experimentador, bom desenhista e hábil pintor realista. Suas criações são ricas em detalhes, que mesclam realidade e um certo “transformismo” grafiteiro. Kobra é autor do projeto “Muro das Memórias”, que busca transformar a paisagem urbana através da arte e resgatar a memória da cidade. Desde 2006 já foram entregues 19 murais, em avenidas e ruas de São Paulo. Durante as comemorações do aniversário de São Paulo entregou um mural de 1000 metros quadrados na Av. 23 de Maio, que mostra cenas da década de 20. Paralelamente, Kobra desenvolve sua produção pessoal, que passa pela pesquisa com materiais reciclados e novas tecnologias como a pintura em 3D sobre pavimentos (desenvolvida por nomes internacionais, como Julian Beever e Kurt Wenner), além de reciclar, recriar momentos e formatos das histórias da Arte e das cidades. Em alguns trabalhos conta com a parceria do arquiteto, urbanista e especialista em arte pública Márcio Rodrigues Luiz. O artista já trabalhou para empresas como Playcenter, Beto Carrero World, Coca-Cola, Nestlé, Chevrolet, Ford, Roche, Johnnie Walker, Iodice e Carmim; e para as agências The Marketing Store, Diageo, Agnelo Pacheco, além de ter trabalhado com o arquiteto Sig Bergamin para a Le Lis Blanc.

Em outubro de 2008, Kobra fez na Galeria Michelangelo, em São Paulo, a elogiada exposição “Lei da Cidade que Pinta”, onde placas, outdoors, luminosos e outros materiais de comunicação visual retirados pelos fiscais e funcionários da Prefeitura ressurgiram como suporte para as obras de arte. Eduardo Kobra tem sido muito procurado para pintar muros e interiores de residências. Recentemente, participou da Casa Cor São Paulo 2009 em dois espaços. Na loja do MAM (Museu de Arte Moderna) fez um painel de 4,5 metros por 15 metros de altura, que ocupou o teto e a parede principal do local.

O painel mostrou a fachada do MAM e seus vidros refletindo o Parque Ibirapuera, com suas esculturas, árvores e prédios. Durante a abertura da Casa Cor, também, pintou um carro MINI Cooper dentro do espaço do arquiteto Toninho Noronha. Em julho deste ano fez, também em São Paulo, na Galeria Pró Arte, a exposição “Visitas”, sucesso de crítica e público. O artista planeja agora uma viagem para Brasília, para preparar uma homenagem aos 50 anos da capital do País, além de realizar uma série de outras intervenções no Rio de Janeiro.

Eduardo Kobra is an exponent of the São Paulo neo-vanguard movement. His talent appeared on the scene around 1987, in the Campo Limpo neighborhood, in graffiti and in the Hip Hop movement, which was spreading throughout the city. With the developments that this urban art attained in the city of São Paulo, he opened Studio Kobra in the 90s, for original murals, inspired by many artists, especially the Mexican painters. His work benefited from his characteristics as an experimental artist, good draftsman and a talented realist painter. His creations are rich in details, which mix reality with a certain graffiti “transformism.”

Kobra is the author of the project “Wall of Memories,” which seeks to transform the urban landscape through art and thus bring back the city’s past. Since 2006, nineteen murals have been painted, on the streets and avenues of São Paulo. During the celebration of the birthday of the city of São Paulo, he presented a 1000 square meter mural located on 23 de Maio Avenue, which shows scenes from the 1920s. On a parallel basis, Kobra developed his personal production, which ranges from research with recycled materials and new technologies with 3D painting on pavements (technique developed by internationally known names like Julian Beever and Kurt Wenner), in addition to recycling, recreating moments and formats of the history of Art and cities. Some of these works were done in partnership with the architect, urbanist and specialist in public art Márcio Rodrigues Luiz. He has worked for companies like Playcenter, Beto Carrero World, Coca-Cola, Nestlé, Chevrolet, Ford, Roche, Johnnie Walker, Iodice and Carmim; and for the agencies The Marketing Store, Diageo, Agnelo Pacheco, in addition to having worked with the architect Sig Bergamin for the stores Le Lis Blanc. In October 2008, at the Michelangelo gallery in São Paulo, Kobra produced the much acclaimed exhibition “Law of the City that Paints,” in which signs, billboards, lighted signs and other visual communications materials that had been taken down by Municipal inspectors reappeared as support for the works of art. Eduardo Kobra has been much sought out to decorate and paint walls and interiors of houses. Recently, he participated in the 2009 São Paulo Casa Cor architecture event held simultaneously at two locations.

At the MAM (Museum of Modern Art), he made a panel that was 4.5 meters long and 15 meters high, which occupied the main wall and the ceiling of the venue. The panel showed the façade of the MAM with its windows reflecting Ibirapuera Park, with its sculptures, trees and buildings. During the opening of the Casa Cor, he also painted a mini jogging track in the space designed by architect Toninho Noronha. This July, also in São Paulo, he presented the exhibition “Visits” at the Pro Arte Gallery, which was a success among critics and the public.

Kobra is now planning a trip to Brasília, to prepare an event in honor of the Brazilian capital’s 50th birthday, in addition to working on a series of other interventions in Rio de Janeiro.

“Happiness”

técnica mista 80 x 130 cm - 2009

GABRIEL NEHEMY

GABRIEL NEHEMY

Formado pela FAAP em publicidade e propaganda, Gabriel Nehemy nasceu em 1979, em São Paulo. Em 2001, começou a desenvolver suas primeiras pinturas no Atelier Eny Aliperti Ferreira, em Ribeirão Preto. Mas, foi em 2003, quando mudou para Londres, que decidiu levar a carreira de artista como profissão.

Em seus trabalhos atuais o uso dos materiais é puro simbolismo: a lona desgastada pelo tempo, a tinta acrílica e a possibilidade de trabalhar com camadas, além da finalização com bastão a óleo, que proporciona a obra um visual menos chapado. O tempo é utilizado como “ferramenta” para o processo de criação do artista na medida em que mistura a razão e a emoção, o sensível e o concreto.

Nehemy teve sua primeira exposição individual em 2007, intitulada “Metamorfose e Saturno”, na Thelure, em São Paulo. No mesmo ano, apresentou obras de 2006 e 2007 na Galeria Adearte, em Ribeirão Preto. No ano seguinte, expôs na IQ Art Gallery e Mercearia São Roque, a exposição “Sobre Papel”, em São Paulo. Já em 2009, participou da exposição coletiva na Miriam Fernandes Gallery, em Miami.

Na jovem trajetória do artista, destaca-se o Prêmio Aquisição na Pinacoteca Municipal, no Salão de Piracicaba, em 2007, no qual concorreu com 1500 trabalhos e ficou entre os 15 melhores premiados.

Gabriel Nehemy was born in São Paulo in 1979, and holds a degree from FAAP in publicity and advertising. In 2001, he began to develop his first paintings at the Atelier Eny Aliperti Ferreira, in Ribeirão Preto. But it was in 2003, when he moved to London, that he decided to become a professional artist. In his current works, the use of materials is pure symbolism: canvases worn out by time, acrylic paint and the possibility of working with layers, as well as finishing with an oil crayon, which gives the work a less flattened appearance. Time is used as a “tool” for the artist’s creation process insofar as it mixes reason and emotion, the sensitive and the concrete. Nehemy’s first individual exhibit was in 2007, entitled “Metamorphosis and Saturn”, at the Thelure Store, in São Paulo. That same year he presented works from 2006 and 2007 at the Adearte Gallery, in Ribeirão Preto.

The following year, he exhibited “On Paper,” at the IQ Art Gallery and Mercearia São Roque in São Paulo. In 2009, he participated in the group exhibition at the Miriam Fernandes Gallery, in Miami. Among the highlights of the artist’s young career is the Acquisition Award at the Municipal Picture Gallery, in the Piracicaba Fair, in 2007, where he competed against other 1500 works, and was chosen among the 15 best.

“Chaos”

técnica mista 100 x 100 cm - 2009

GUSTAVO ROSA

GUSTAVO ROSA

Gustavo Rosa nasceu em São Paulo, em dezembro de 1946. É pintor, desenhista e gravador, considerado um dos mais criativos artistas de sua geração, não pertence a uma escola específica nem segue nenhuma tendência ou modismo. Criou uma obra pessoal, com linguagem própria e personagens de um inesgotável humor caricatural.

Em 1966 teve sua primeira experiência ao participar de uma exposição coletiva na FAAP. Em 1968 ganhou prêmio “medalha de ouro” (pintura) e viagem à Europa no “Primeiro Festival das Artes-Monte-Líbano”, em São Paulo. Recebeu vários prêmios, expôs e participou de eventos em cidades do Brasil e fora dele como: Nova York, Los Angeles, Massachusetts, Tel-Aviv, Lisboa, Berlim, Hamburgo, Tóquio e Barcelona.

Dono de uma obra alegre e bem humorada, Gustavo Rosa é muito próximo do mundo corporativo, sendo constantemente convidado por inúmeras empresas e instituições para com sua arte alavancar produtos e projetos. É um artista prestigiado por personalidades no Brasil e no exterior, tendo inclusive sua Grife Gustavo Rosa, lançada na Bloominngdale’s em Nova York, em 94.

Sua arte está presente também em obras públicas na cidade de São Paulo, nos bairros do Centro, Jardins e Itaim-Bibi. Em 2005, o artista inaugurou seu próprio espaço de trabalho e exibições, o Estúdio Gustavo Rosa, localizado no Jardim Paulista, da capital paulistana.

Gustavo Rosa was born in São Paulo in December, 1946. He is a painter, draftsman and engraver and is considered to be one of the most creative artists of his generation who does not belong to a specific school nor follow any trend or fad. He has created a personal work, with his own unique language and characters from an unfailing caricature humor.

In 1966 he had his first experience participating in a group exhibition at FAAP. In 1968 he won the “gold medal” award (painting) and a trip to Europe at the “First Festival of ArtsMonte-Líbano”, in São Paulo. He received several awards, and exhibited his works at events in cities in Brazil and abroad, like New York, Los Angeles, Boston, Tel-Aviv, Lisbon, Berlin, Hamburg, Tokyo and Barcelona.

With upbeat and well-humored works, Gustavo Rosa is very close to the corporate world, and is constantly being invited by countless companies and institutions to use his art to leverage products and projects. He is also an artist who is recognized among the famous, both in Brazil and abroad; his own brand, Gustavo Rosa, was launched at Bloomingdale’s in New York, in 1994.

His art is also present in public works in the city of São Paulo, both Downtown and in upscale neighborhoods, like Jardins and Itaim-Bibi. In 2005 he opened his own location for work and exhibitions, the Gustavo Rosa Studio, located in the Jardim Paulista neighborhood, in the capital city of São

“Abadogu on the beach” acrílica sobre tela 100 x 100 cm - 2009

KIKA GOLDSTEIN

KIKA GOLDSTEIN

Maria Julia Goldstein Abujamra, mais conhecida como Kika Goldstein, nasceu em 28 de setembro de 1984, em um ambiente rico culturalmente, a artista plástica carrega em seu nome o legado cultural da família Abujamra. A poética do seu trabalho sempre esteve relacionada à figura humana e à personificação das cores numa alquimia mágica de tons vibrantes e únicos. Inspirada fortemente pelas influências do Cubismo e do Surrealismo, sua carreira teve inicio em 2000 com a série: Pedestres, onde personagens caricatos e estilizados, retratam com humor cenas do nosso cotidiano.

A partir de 2002, sob a influência pulsante da Op Art, iniciou uma nova fase do seu trabalho: a série Movimentos, que desafia a perspectiva transmitindo sensações de movimento e volume. Já em 2006, após uma temporada na Europa, seu trabalho passa a ter traços ainda mais evidentes do surrealismo de Chagall, dando início a uma importante transformação com a série Metamorfoses, onde fundo e figuras se unem em uma atmosfera de cores e formas.

A artista já realizou diversas exposições pelo Brasil e exterior entre elas: Galeria Caribe, em 2004. No ano seguinte, fez sua primeira exposição internacional em Portugal, no Centro de Convenções do Estoril, em Lisboa. Em 2008, participou do Salão de Belas Artes no Rio de Janeiro e marcou sua presença na Exibition Centre, em Dubai. Já em 2009 fez parte da Coletiva no Centro Cultural de Araras. Recentemente, foi convidada para fazer parte da Coletiva no Salão de Arte Brasileira em Hannover, Alemanha.

Maria Julia Goldstein Abujamra, better known as Kika Goldstein, was born on September 28, 1984, in an environment full of different cultural stimuli, and carries in her name the cultural legacy of the Abujamra family. The poetry of her work was always related to the human figure and to the personification of colors in a magic alchemy of vibrant and unique shades. Strongly inspired by the influences of Cubism and Surrealism, her career began in 2000 with the series: Pedestrians, where caricatures and stylized characters portray scenes of our day-to-day life with a good dose of humor. As from 2002, under the pulsating influence of Op Art, she began a new phase of her work: the series Movements, which challenges perspectives, transmitting sensations of movement and volume. In 2006, after a period in Europe, her work began to show even more evident traces of the surrealism of Chagall, beginning an important transformation with the Metamorphoses series, where depth and figures come together in an atmosphere of colors and forms. The artist has already had several exhibitions in Brazil and abroad, among them at the Caribe Gallery, in 2004. The following year, she had her first international exhibition in Portugal, at the Estoril Convention Center, in Lisbon. In 2008, she participated in the Fine Arts Salon in Rio de Janeiro and made her presence felt at the Exhibition Centre, in Dubai. In 2009, she was part of the Group Exhibition at the Cultural Center of Araras. Recently, she was invited to be part of the Group Exhibition at the Brazilian Art Salon in Hanover, Germany.

“L’amour à Paris” óleo sobre tela 100 x 100 cm - 2009

Lilian Bomeny

LILIAN BOMENY

Lilian Bomeny iniciou sua vida artística em 1989 com pinturas em seda. Autodidata, não tem um estilo definido em suas obras, apenas deixa que o sentimento flua e o transporta para as obras. Nascida no Rio de Janeiro, teve a paisagem da cidade maravilhosa como influência de estética.

Após casar-se com o empresário Gilberto Bomeny, Lilian mudou-se para São Paulo e, tendo sempre em mente as belas imagens do seu cotidiano carioca, começou a expressar-se em cursos de paisagismo, decoração, pintura em porcelana e outros, mas foi nas aulas de pintura em seda que despertou por completo seu lado artístico.

A artista desenvolveu a técnica de pintura em seda, principalmente, para atender a encomendas de alguns clientes do setor de hotelaria para os quais também pintou diversos quadros e painéis. Ao longo de sua carreira, Lílian, também, aprimorou sua técnica de acrílico sobre tela. Além de se aperfeiçoar em esculturas.

Atualmente, dedica-se às pinturas de pratos, painéis e telas. A artista já participou de mais de 20 exposições no Brasil e no exterior, onde tem várias obras comercializadas.

Lilian Bomeny began her artistic life in 1989 with silk paintings. Self-taught, she does not have a defined style in her works; rather, she lets her feelings flow and transports them to the art works. Born in Rio de Janeiro, the backdrop of the “Marvelous City,” as Rio is called, served as an aesthetic influence. After marrying the businessman Gilberto Bomeny, Lilian moved to São Paulo, and with the beautiful images of her native Rio daily life in mind, she began to express herself in courses of landscaping, painting, porcelain, etc., but it was the silk painting classes that awakened her artistic side completely. She developed her silk painting technique to meet the orders from some clients in the hotel industry for whom she also produced paintings and panels. Throughout her career, Lilian also improved her technique of acrylic painting on canvas, and sculpting.

Currently, she paints plates, panels and canvases. She has already participated in more than 20 exhibitions in Brazil and abroad, where she has sold many of her works.

“Lua Azul”

acrílica sobre tela 100 x 70 cm - 2008

MARCELO NEVES

MARCELO NEVES Marcelo Neves teve influências marcantes na sua formação como a Virgem de Willendorf, uma estatueta com 11,1cm de altura, representando uma mulher gorda, descoberta no sítio arqueológico do paleolítico situado perto de Willendorf, na Áustria, em 1908. Estimase que tenha sido esculpida há 22 ou 24 mil anos. Outra referência para suas obras foi Botero, artista colombiano, famoso por seus personagens gordos pintados ou esculpidos e, expostos em todo o mundo. Os animais e os objetos volumosos também o inspiram. O resultado é uma incrível beleza e harmonia.

Neves é um jovem talento no mundo das artes. Sua sensibilidade ao observar a anatomia humana, a forma dos objetos e a sua ocupação no espaço, fez com que ele desenvolvesse esculturas exuberantes. A anatomia surpreendente, os volumes impressionantes e a leveza dos gestos, tudo muito sutil, faz como se a vida ali existisse com graça e beleza.

Nas figuras magras se têm as linhas alongadas e esguias. Marcelo nas suas peças substancia os volumes, tudo proporcional, de forma a evidenciar as dobras da pele e as protuberâncias características da anatomia, sem parecer um corpo exagerado.

A matéria é o bronze; a elaboração parte de seus desenhos a carvão e evoluem para seu manuseio com a argila onde a figura toma suas formas. Todos os cuidados são importantes até a finalização com a fundição e os acabamentos das texturas e pátinas. As personagens são figuras gordas que dançam ou um tango argentino ou um frevo. Outras praticam esportes com bambolê, fitas ou pulando corda. Tudo com leveza e graciosidade.

Seu “São Francisco” também é gordo, contrariando a figura magra do santo. A escultura “Pensando em ti” é uma releitura do Pensador de Rodin, com a dúvida: comer ou não comer? Assim, ele nos surpreende com obras divertidas e inteligentes, dando-lhes expressões marcantes e vida própria.

Marcelo Neves was strongly influenced in his background by the Virgin of Willendorf, a 11.1 centimeter high statue, which stylistically represents a fat woman, and which was discovered at a Paleolithic archeology site near Willendorf, Austria, in 1908. It is estimated to have been sculpted some 22 or 24 thousand years ago. Another reference for his works was Botero, a Columbian artist famous for his paintings and sculptures of heavyset people that have been exhibited throughout the world. Voluminous animals and objects also inspire him. The result is incredible beauty and harmony.

Neves is a young talent in the art world. His sensitivity in observing human anatomy, the shape of objects and the way they take up space, has led him to develop exuberant sculptures. The surprising anatomy, the impressive volumes and the lightness of the gestures, all very subtle, makes life there appear to exist with grace and beauty.

The thin figures have elongated and lanky lines. In his works, the artist substantiates volumes, with everything proportional in order to show the folds of the skin and the protuberances that are characteristic of anatomy, without making the bodies seem exaggerated.

He works in bronze and does some of his drawings in charcoals, moving towards his handling of clay in which the figures take on their forms. Great care is taken through the end of the smelting process and the finishing in textures and patinas. The characters are fat figures that dance either an Argentinean tango or a Brazilian northeasterner frevo. Others play sports with hula-hoops, bands or jump rope. Everything is light and full of grace. His “Saint Francis of Assisi” is also plump, contrary to the thin figure of the saint. The sculpture “Thinking of you” is a reinterpretation of “The Thinker” by Rodin, added by a doubt: to eat or not to eat? Thus, he surprises us with fun and intelligent works, and simultaneously providing them with outstanding expressions and peculiar lives.

“El dia que me queiras� bronze polido e patinado 32x21x13 cm - 2009

MARGOT MONTEIRO

MARGOT MONTEIRO Margot Monteiro, arquiteta, formada pela Universidade Federal de Pernambuco, iniciou sua carreira nas artes plásticas em 73, quando frequentou o Ateliê da Escola de Belas Artes do Recife. No MAC, realizou cursos de aquarela, curso livre de desenho, pastel e litografia, além de curso de Extensão de História da Arte do Instituto Histórico Geográfico e Arqueológico do Estado de Pernambuco, entre outros de aprimoramento.

Em 89, fez sua primeira exposição, participando posteriormente de várias exposições individuais e coletivas, no País e no exterior.

Atual diretora do Museu do Estado de Pernambuco, Margot Monteiro, também já presidiu a Sociedade do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães - MAMAM, onde atuou junto ao Conselho Curador e no Conselho Estadual de Cultura da Cidade do Recife, ao lado dos artistas plásticos Abelardo da Hora, João Câmara, José Carlos Viana e Giuseppe Bacaro.

Em 2000, recebeu o diploma Lula Cardoso Ayres do Conselho Estadual de Cultura por sua contribuição à cultura pernambucana. Participou da Bienal de Cerveira - Portugal. E em 2006, a artista foi convidada pelo Governo de Pernambuco para a II Semana Cultural do Brasil - Universidade de Valladolid.

Margot Monteiro, an accomplished architect, holds a degree from the Federal University of Pernambuco. In addition to architecture, she also pursued her passion for visual arts, taking classes in watercolors, drawing, pastel and lithography at the Atelier of the School of Fine Arts in Recife and at the Contemporary Art Museum (MAC). Among other professional development courses completed, she studied art history at the Historic Geographic and Archeological Institute of Pernambuco. Her first art exhibit took place in 1989, and in subsequent years Monteiro has taken part in several individual and collective exhibits, both in Brazil and abroad. She is currently the director of the Pernambuco State Museum. Monteiro also chaired the Society of the Museum of Modern Art Aloísio Magalhães (the MAMAM), was a member of the curator council, and served as a member of the State Council for Culture of the city of Recife, with other artists such as Abelardo da Hora, João Câmara, José Carlos Viana and Giuseppe Baccaro. In 2000, the State Cultural Council honored Monteiro with the Lula Cardoso Ayres Award for her contributions to Pernambuco’s culture. She participated in the Cerveira Art Bienal in Portugal. In 2006, the artist was invited by the Government of Pernambuco to take part in the 2nd Brazil Cultural Week at the University of Valladolid in Spain.

“Sem Título”

acrílica sobre tela 100 x 100 cm - 2008

susy MAGALHÃES

SUSY MAGALHÃES Susy Magalhães nasceu em Ipojuca, município de Arcoverde, em Pernambuco e desde 2000 vem atuando de forma profissional no cenário artístico, realizando exposições no Brasil e no exterior. Tem a Natureza como principal fonte de referência para a concepção de seu trabalho onde a flora é eleita como meio de resgate e recuperação da visualidade regional e do clima do Estado de Pernambuco, em uma profunda identificação com suas próprias experiências de vida. Em sua linguagem, toma a exuberância, a fartura, o agigantado e a generosidade das formas e cores por princípio; não se prende ao previsível, ou ao real, mas procura o caráter figural, chegando a uma síntese que tem o poder de ressaltar a beleza estrutural em sua concepção. Em telas de dimensões variadas, Susy utiliza a risca de carvão e texturas como barreiras para a tinta; com uma paleta de cores quentes, representa sua autonomia e conhecimento da utilização das cores, evidenciando a relação figura e fundo. Nas suas obras como utiliza a tinta acrílica e a água como veículo, a própria fluidez do material atua como causador de formas.

Ao longo destes quase 10 anos de carreira a artista vem demonstrando um aprimoramento do olhar e de seu fazer artístico, que resulta na legitimidade de sua obra e na liberdade de expressão.

Susy Magalhães was born in Ipojuca, in the municipality of Arcoverde, in Pernambuco and since 2000 has been active professionally on the art scene, exhibiting her work in Brazil and abroad. Nature is the principal reference source for her work, in which she uses plant life to bring back the regional landscape and climate of the state of Pernambuco, demonstrating a profound identification with her own life experiences. In her artistic language, she takes the exuberance, bounty, enormousness and the generosity of shapes and colors as a principle; she is not limited by the predictable or the real, but rather seeks out the figurative, leading to a synthesis which has the power to emphasize structural beauty in its conception.

On different sized canvases, Susy uses charcoal strokes and textures as barriers for paint; with a palette of warm colors, she represents her autonomy and knowledge of the use of colors, presenting the relation between figures and backgrounds. Since she uses acrylic paint and water, the fluidity of the material itself acts to create shapes.

Throughout her career, spanning almost 10 years, she has shown a refinement in her artistic eye and her works, resulting in the legitimacy of her work and in freedom of expression.

“Metamor fose”

acrílica sobre tela 100 x 100 cm - 2006

Artista Homenageado

VICTOR Brecheret

VICTOR BRECHERET BRECHERET viveu até meados do século XX foi responsável pelos movimentos artísticos de maior importância no contexto do Brasil de sua época, um escultor de formação clássica e ao mesmo tempo um pioneiro até sua morte, o que à primeira vista pode parecer paradoxal.

Clássico na sua formação, na sua técnica extremamente apurada de profundo conhecedor do seu “metier” fundem-se no artista o artesão e o criador de obras monumentais.

Não obstante seu rápido retorno a Europa, foi um dos integrantes da “Semana de Arte Moderna de 1922”. Embora não tivesse permanecido fisicamente durante o período de comemoração da Semana, BRECHERET participou com doze esculturas selecionadas por ele e deixadas com seu amigo Paulo Prado. BRECHERET viveu o “art-déco” e “noveau”, mas manteve acima de tudo um estilo próprio, visto que para aqueles que conhecem seu trabalho as obras desse período são inconfundíveis, possuidoras de um traço pessoal. Nesse período expôs constantemente em todos os salões que se realizava como o “Salon d’Automne”, “Salon de la Société des Artistes Français - Section de Sculpture et Gravure sur Pierre”, “Salon des lndépendents”. Várias obras ali premiadas encontram-se hoje em São Paulo, como, por exemplo, a “Mise au Tombeau”, premiada no “Salon d’Automne” de 1923 que se encontra presentemente no túmulo da família Guedes Penteado. E foi nessa mesma Paris que, em 1925, BRECHERET recebeu a “Menção Honrosa” na exposição do “Salon de Ia Société des Artistes Français-Section de Sculpture et Gravure sur Pierre da mesma forma que em 1934 recebe de governo francês a “Cruz da Legião de Honra, a título de Belas-Artes, no Grau de Cavaleiro” por ocasião da aquisição pelo mesmo governo de sua obra 0 Grupo, que primitivamente figurou no Jeu de Pomme e que agora se encontra na cidade de “La Roche-sur-Yon”, na região da Bretanha, em um logradouro público anexo à biblioteca local. Os anos 40 e 50, que abrangem os últimos quinze anos de vida de BRECHERET foram igualmente férteis não apenas em criatividade artística, mas também em termos de produção, bastando verificar que nesse período elaborava o Monumento às Bandeiras e o Monumento a Caxias, esculpia o Fauno, Depois do Banho, que se encontra no “Largo do Arouche”, a fachada externa do “Jockey Club”, os baixos-relevos do antigo “Moinho Santista”, que hoje se encontram no Banco Bandeirantes. Em 1951 BRECHERET vence a “I Bienal Internacional de São Paulo” com a obra O Índio e a Suassuapara, cujo exemplar em bronze se encontra na Antuérpia, Bélgica, no “Middelheim Museu”, juntamente com os grandes escultores contemporâneos. Este trabalho e os demais expostos naquela Bienal apresentam uma invasão do artista no mundo abstrato, cuja concepção depois de quase quarenta anos ainda é extremamente moderna, como um marco pioneiro na escultura contemporânea brasileira.

(Nascimento: SP-1894 /Falecimento: SP- 1955) Sandra Brecheret Pellegrini

The artist BRECHERET lived until the middle of the 20th century, and although he participated in and was responsible for the most important artistic works within the context of Brazil during his time, at no time did he stop being a classical sculptor. Yet, at the same time, he was a pioneer until his death, which at first may seem to be a paradox. He was trained in the classical style, and had an extremely refined technique, with indepth knowledge of his “metier”. This turned into a perfect blending of the artist´s talent and the artisan who creates monumental works.

He precociously demonstrated what he wanted from life, when, still a teenager, he did his first studies at the “Liceu de Artes e Ofícios”, in São Paulo. Later, in 1913, when there was no more room for him to grow there professionally, he went to Rome, where he remained until 1919. In spite of his rapid return to Europe, he was one of the participants in the “Modern Art Week of 1922”. Although he did not physically remain during the period in which the Week was commemorated, BRECHERET participated with twelve sculptures which he selected and left with his friend Paulo Prado.

BRECHERET experienced the “art-deco” and “noveau” periods, but above all, he kept his own style, since for those who know his work, the art he produced during this period is unmistakable, with a unique personal trace. During this period, he participated in all the exhibitions that were held, like the “Salon d’Automne”, “Salon de la Société des Artistes Français - Section de Sculpture et Gravure sur Pierre”, “Salon des lndépendents”.

Several of his works that received awards at that time are now in São Paulo, like “Mise au Tombeau” (The Laying in the tomb), which was awarded a prize at the “Salon d’Automne” of 1923, and is currently at the tomb of the Guedes Penteado family. It was in this same Paris that in 1925 BRECHERET received the “Honorable Mention” at the exhibit of the “Salon de Ia Société des Artistes Français-Section de Sculpture et Gravure sur Pierre” and in 1934, the French Government awarded him the “Cross of the Legion of Honor, for Fine Arts, in the Degree of Knight” upon the purchase, by this Government of his work The Group, which at first was placed at the Jeu de Pomme and is now in the city of “La Roche-sur-Yon”, in the Brittany region, on a public street next to the local library. The 1940s and 1950s, which covered the last fifteen years of BRECHERET’s life were equally fertile, not only in artistic creativity but also in terms of production.

This can easily be seen by the fact that it was during this period that he made the Monumento às Bandeiras (Monument to the Pioneers) and the Monumento a Caxias (Monument to Caxias), he sculpted the Fauno (The Faun), Depois do Banho (After the Bath), which can be seen in the “Largo do Arouche”, the external façade of the “Jockey Club”, the low relief from the old “Santista Mill”, which is today at the Banco Bandeirantes. In 1951, BRECHERET won the “I International Biennale of São Paulo” with the work O Índio e a Suassuapara (Indian and the Suassuapara); the bronze copy is in Antwerp, Belgium, at the “Middelheim Museum”, together with the great contemporary sculptors. This work and the others exhibited at that Biennale present an invasion by the artist into the abstract world, whose conception after almost forty years is still extremely modern, like a pioneering mark on Brazilian contemporary sculpture.

(Born: SP-1894 /Died: SP- 1955) Sandra Brecheret Pellegrini

“O Índio e a Suassuapara” bronze patinado 23 x 17 cm - 1951

Queremos agradecer o apoio das seguintes organizações: We would like to thank the following organizations for their support: Alves Tegam Embalagem e Transporte de Obras de Arte Bertani Arte e Cultura Embaixada do Brasil em Paris Grupo Orinter Index Assessoria de Comunicação Marcelo Neves Galeria de Arte Pixelado Design-Art Digital Société Nationale Des Beaux Arts Suzuki Propaganda Tecpel

Projeto Gráfico/Graphic Design Suzuki Propaganda

Prefácio / Preface

Roberto Bertani

Texto Crítico / Text of the Art Critic

Oscar D´Ambrósio

Assessoria de Imprensa/Press-Agentry

Camila Avesani / Thaís Barbosa

Tradução/Translate

Alita Renée Simon Kraiser

Produção Executiva/ Executive Production

Bia Duarte

Realização/Production

B Licenças Poéticas

Apoio / Support

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Salon National Des Beaux-Arts Carrousel Du Louvre - MusĂŠe du Louvre - 2009