mambo#16
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editorial Publicamos este número dieciséis de la versión digital de mambo pocos días después de haber lanzado una campaña de crowdfunding para intentar financiar el segundo número impreso de esta publicación. El crowdfunding –que en castellano se suele traducir como micro-mecenazgo– se basa en la idea de pedir a los seguidores de mambo que colaboren en la financiación del proyecto haciendo pequeños aportes económicos, a cambio de los cuales reciben un perk –regalo–, que varía en función del importe: desde una reprocucción en tamaño postal, hasta una serie de exclusiva de fotografías en gran formato, pasando por camisetas o, evidentemente, un ejemplar de mambo#2. En tiempos de crisis económica como los actuales, creemos en que este sistema es el más adecuado para financiar nuestro proyecto y confiamos en el recibir el apoyo de todos los seguidores habituales de mambo. Únete, compártelo y sobre todo, ¡disfrútalo! Te esperamos en indiegogo.com/mambo.
mambo#16
julio 2012
08 Exposiciones y libros 20 Mambo número 2 sobre papel 44 John Kenny 64 David Martí: “L’home dibuixat” 88 María Lawliet 112 Mario J. Chambi: “Retratos infinitos” 128 Pétala Lopes 140 Camila Fontenele de Miranda 156 PHotoEspaña 2012 180 Luis García Berlanga: El último clásico español 192 Directorio de fotógrafos.
mambo#2
Segundo número impreso de mambo. Sé parte de este proyecto uniéndote en indiegogo.com/mambo. MARIANA PALOVA · FRANCISCO MATA ROSAS SERGIO MURRIA · TALLYTON ALVES · MIMÍ MITSOU EDWIN S. FREYER · ÓSCAR VÁZQUEZ CHAMBÓ MARCOS OSORIO · JOHN KENNY · NEIL CRAVER SARA BERIHUETE ·
Exposición en Barcelona
En un desorden absoluto. Arte contemporáneo ruso Hasta el 29 de septiembre en Arts Santa Mònica (Barcelona). www.artssantamonica.cat Arts Santa Mònica (Barcelona) exhibe este verano la muestra “En un desorden absoluto. Arte contemporáneo ruso – Premio Kandinski (2007-2012)”. Comisariada por Andrei Erofeev y Jean-Hubert Martin, la exposición reúne una selección de los artistas rusos más importantes que han sido galardonados con el Premio Kandinski entre los años 2007 y 2012. Este premio, instituido hace 5 años, se concede a artistas rusos por sus logros en el arte contemporáneo. El premio, que se ha convertido rápidamente en un gran acontecimiento institucional en la vida cultural rusa, es totalmente independiente del gobierno y de los circuitos económicos del arte. Absoluto desorden. “Occidente es occidente y oriente es oriente. En esta dicotomía loada por Kipling, y aún no desaparecida a pesar de la globalización, Rusia se halla en algún punto intermedio entre ambos. Tras la caída del imperio soviético y del comunismo, busca de nuevo su identidad. La sociedad civil y la producción cultural se han desvanecido como en una película velada. Rusia es hoy más un limbo, una zona de incertidumbre, que una afirmación. La palabra clave en este momento histórico que, en un concepto humano del tiempo, podría prolongarse varias generaciones es: caos. La discordia social, las dudas espirituales y la ruina material inevitablemente causan heridas físicas y psicológicas. Quienes ahora se hallan en el poder tratan de aliviar esas heridas con una surrealista montaña de «proyectos nacionales». Los partidos políticos y la iglesia compiten para difundir imágenes deslumbrantes del futuro renacer nacional. Los esfuerzos de los artistas rusos, sin embargo, van en la dirección contraria. Representan el papel tradicional de los curanderos ante un poder sin control y una sociedad que ha sufrido bajo la locura del mismo. Empero, los métodos anteriores de catarsis colectiva —proyecciones de utopía y parodia crítica— llevados a cabo por sus predecesores en la estela del «realismo crítico», la vanguardia y el inconformismo, hoy se los han apropiado los políticos. El nuevo enfoque es la resignación y la aceptación limitada del desarraigo como un estilo local de cultura, pensamiento y actitud. La estilización del caos entre el desorden crea la necesaria distancia para el juicio estético, tan deseable para la libertad de identidad, actuación y elección. Esta exposición muestra varios métodos de preservación estética del caos en obras de los artistas rusos más recientes. A pesar de las diferencias entre sus formas de trabajar, las imágenes conforman un nuevo movimiento en el arte ruso que aún no tiene nombre.”
Boris Orlov. De la serie: “The outlines of history”. Tecnica mixta.
Bleu Noses Group Era of Mercy (“Kissing policemen”). 2005. Fotografía en color.
Vladislav Mamyshev-Mosnroe “Putin and Medvedev” 2011. Fotografía en color
Libro
El Club de Jazz de las Mil Pesetas José Manuel Ruiz Tomás. 60 euros. Blurb José Manuel Ruiz Tomás, fotógrafo y vicepresidente del Club de Jazz de las Mil Pesetas, ha publicado hace poco un libro de fotógrafías sobre este curioso club, libro en el que aúna sus dos pasiones, la fotografía y el jazz. El Club de Jazz de las Mil Pesetas “En abril de 1996, ante el panorama de sequía que se avecinaba en cuanto a música de este tipo programada por los poderes públicos municipales, alguien dijo ¿y no seríamos capaces de conseguir 60 personas que pagaran 1.000 ptas. al mes para hacer conciertos de jazz? Las cuatro copas que llevábamos en aquel momento no nos hicieron olvidar aquella interesante idea y nos dedicamos a ponerla en práctica, consiguiendo celebrar el primer concierto dos meses más tarde con 40 socios aproximadamente. Hoy, quince años después, el Club lo conforman unos 65 socios y socias, (aunque en sus mejores momentos su número superó el centenar), ha organizado más de 180 conciertos y sigue fiel a su compromiso inicial de celebrar conciertos mensuales de jazz -gratuitos para todo el mundo-. Su peculiar nombre define su carácter “El Club de Jazz de las Mil Pesetas” Un club de aficionados al jazz que pagan una cuota de 1000 Pesetas al mes. Eso sí, el cambio de moneda al Euro, nos posibilitó subir la cuota sin tener que cambiar el nombre de esta Asociación declarada de interés social, de ámbito nacional y nacida en Villena (Alicante).”
Exposición en Berlín
Helmut Newton: White Women/Sleepless Nights/Big Nudes Hasta el 18 de noviembre en Helmut Newton Foundation (Berlin). www.helmutnewton.com
La exposición “Helmut Newton: White Women / Sleepless Nights / Big Nudes”, concebida por el Museum of Fine Arts Houston, puede verse en la Helmut Newton Foundation (Berlin) hasta el próximo 18 de noviembre. Como indica ya el nombre de la exposición, se trata de una muestra dedicada a las legendarias tres primeras publicaciones de Newton, cuyas fotos –a caballo entre la fotografía de moda y el desnudo– nunca pudieron verse juntas en vida del autor. El primer libro de fotografías de Helmut Newton, White Women, se publicó en 1976, cuando el fotógrafo tenía ya 56 años. El libro recibió el Kodak Photobook Award poco después desde entonces y ha sido re-editado en numerosas ocasiones. En White Women, Newton insertó el desnudo dentro del mundo universo de la moda. Sus singulares imágenes, sorprendentes y provocadoras, revolucionaron la fotografía de moda. Además, las fotos de Newton son tanto un reflejo como un comentario sobre la transformación del papel de la mujer en la sociedad occidental. Inevitablemente, Newton nos convierte de espectadores, en voyeurs. En 1978 apareció el libro de fotografías en blanco y negro y en color Sleepless Nights. Las fotos, que habían sido publicadas previamente en diferentes revistas, se centraban también en las mujeres, en sus cuerpos y en sus ropas; fotografías de moda que son retratos, o que bien podrían servir como documento de la escena de un crimen. Aquí aparecieron por primera vez tres pequeñas series que más tarde estarían entre las imágenes icónicas de Newton: modelos semi-desnudas llevando prótesis ortopédicas o sillas de montar de Hermès, así como las llamadas “dummies”. Sleepless Nights también
De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Helmut Newton “Sie kommen”, from the series “Big Nudes”. Paris 1981 © Helmut Newton Estate Helmut Newton “Rue Aubriot, French Vogue”, from the series “White Women”. Paris 1975 © Helmut Newton Estate Helmut Newton “Saddle I”, from the series “Sleepless Nights”. Paris 1976 © Helmut Newton Estate Helmut Newton “Self-Portrait with Wife and Models”. Vogue Studio, Paris 1981 © Helmut Newton Estate
incluía fotos de maniquíes, a menudo combinados con una persona. Para Newton, la fotografía de moda a menudo parecía ser una excusa para realizar algo diferente y muy personal. Con su tercer libro, Big Nudes, Helmut Newton se ganó definitivamente un lugar entre los grandes maestros de la fotografía. Desde que fue publicado por primera vez, en 1981, Big Nudes ha sido re-editado miles de ves, por distintas editoriales y en un sinfín de idiomas. Poco después de su creación, las enormes fotografías fueron expuestas en varios museos; con sus Big Nudes y las subsiguientes imágenes a tamaño natural de sus series Naked and Dressed, Newton abrió una puerta hacia una nueva dimensión de la fotografía de la imagen humana.
Exposición en Tarragona
Maternidades. Fotografías y narraciones de Bru Rovira Hasta el 19 de agosto en CaixaForum Tarragona. obrasocial.lacaixa.es La exposición “Maternidades”, que se puede ver en CaixaForum Tarragona hasta el 19 de agosto de 2012, es un proyecto compuesto por una serie de fotografías instantáneas realizadas en todo el mundo, en las cuales los protagonistas son las madres con sus hijos. “Pensé: no hay nada ni nadie que pueda quitar a un ser humano su fuerza interior. Siempre podrás encontrar en tu interior una chispa de humanidad y de belleza a la que cogerte. La relación entre una madre y su hijo pertenece a este universo inmaterial, privado e íntimo capaz de sobrevivir a cualquier situación por muy mal que vayan las cosas”. Con estas palabras, el periodista y fotógrafo Bru Rovira introdujo la exposición del Programa de Cooperación Internacional de la Obra Social “la Caixa”, que se inauguró el pasado 30 de mayo en CaixaForum Tarragona. El proyecto se compone por 16 fotografías acompañadas de textos, a través de los cuales el espectador puede viajar por países y culturas distintas y, a pesar de que las situaciones pueden ser muy diversas, las fotografías captan la maternidad como una relación única donde sobresalen la belleza y el amor.
“E una bala perdida”. Luciana vive postrada en la cama de un hospital de Río de Janeiro desde el día que una bala perdida le atravesó el cuello.
Izquierda: “Los intocables”. India. Estado de Andhra Pradesh, 1998. La casta de los intocables constituye un eslabón más bajo la jerarquizada sociedad india. Abajo: “El biberón de Toni”. Susana, ex-drogadicta, enferma de SIDA, quiso tener a Toni con José.
“Maternidades” permite diferentes percepciones y puede ser motivo de reflexión para todas las edades. Así, los más pequeños pueden captar sobre todo las emociones, la figura de la madre; los escolares se preguntarán sobre la vida de estas madres y sus hijos, la diversidad del mundo en el que vivimos, nuestros propios sentimientos; y finalmente, jóvenes y mayores pueden interesarse por temas como el comercio justo, la relación norte-sur, las guerras olvidadas, la situación de los refugiados o el accesos universal a la salud. Desde Guatemala hasta la región india de Andhra Pradesh, pasando por Rwanda, Belgrado, el Chad o Barcelona, cada una de las imágenes refleja una historia de dolor, de sufrimiento, de miedo, pero sobre todo, del amor más grande que puede existir entre dos personas: el de una madre hacia su hijo.
“Dame un beso”. En la maternidad de Kedougou, una madre joven juega con su hija recién nacida, ausente de la gente que la rodea.
Maternidades. Fotografías y narraciones de Bru Rovira “Musulmanas”. El distrito de Moradabad, en el estado de Uttar Oredesch, es una de las zonas más aisladas de la India, donde todavía hoy existen casos de polio.
Exposición en Madrid
De la Factory al mundo. Fotografía y la comunidad de Warhol Hasta el 22 de julio en el Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte (Madrid). teatrofernangomez.esmadrid.com
En el marco de PHotoEspaña, el Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte / Fundación Banco Santander, presenta en Madrid hasta el próximo 22 de julio la exposición “De la Factory al mundo. Fotografía y la comunidad de Warhol”. La muestra incluye fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Billy Name, Christopher Makos, Jonas Mekas, Stephen Shore y el propio Andy Warhol. La exposición, comisariada por Catherine Zuromskis, examina el papel decisivo de la fotografía en la documentación y en la realización de la extravagante cultura bohemia de la Factory. En funcionamiento desde 1962, la Factory no fue únicamente el espacio de trabajo de Andy Warhol, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, sino también un modo de colaboración entre el creador y una gran cantidad de amigos, amantes, artistas, curiosos y espectadores. La muestra ofrece un retrato de la Factory como espacio arquitectónico, comunidad contracultural y propuesta estética hacia el arte y la vida. Se compone del trabajo fotográfico de Warhol y de otros artistas que transitaron por la Factory como Richard Avedon, Cecil Beaton, Billy Name o Stephen Shore.
Página izquierda: Sin título (Andy Warhol), 1969-1970. Cortesía / Courtesy Vincent Fremont Enterprises, Inc., New York © Brigid Berlin
En esta página: Edie Sedgwick usando el único teléfono de The Factoy, NYC, ca. 1965-1967. Cortesía / Courtesy Stephen Shore / 303 Gallery, New York © Stephen Shore
Texto
mambo#2
El segundo número impreso de mambo está en camino.
Los once excelentes fotógrafos reunidos en este volumen, lo convierten, probablemente, en el mejor proyecto emprendido por mambo hasta el día de hoy.
www.indiegogo.com/mambo Foto de portada: John Kenny
Fotógrafos: Edwin S. Freyer. Francisco Mata Rosas John Kenny Neil Craver Mariana Palova Mimí Mitsou Marcos Osorio Óscar Vázquez Chambó Sara Berihuete Sergio Murria Tallyton Alves
El segundo número impreso de mambo es, como el anterior, más un libro que una revista. Los once artistas seleccionados para este volumen –cada uno con su estilo y su manera particular de entender la fotografía– contribuyen a formar un conjunto que puede dar una imagen bastante amplia del estado actual de la creación fotográfica. Creemos que, quienes siguen habitualmente a mambo en Internet, disfrutarán de este segundo número impreso, del cual presentamos un breve sumario visual en las siguientes páginas. Y confiamos en recibir el apoyo de todos vosotros en indiegogo.com/mambo, imprescindible para sacar adelante este libro.
revista de fotografĂa photography magazine
mambo#2
mambo#2 Featured photoghraphers join at / Ăşnete en: indiegogo.com/mambo
John Kenny
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Francisco Mata Rosas
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Sara Berihuete
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Neil Craver
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Mariana Palova
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Marcos Osorio
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Edwin S. Freyer
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Óscar Vázquez Chambó
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Sergio Murria
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MimĂ Mitsou
mambo#2 Featured photoghraphers join at / Ăşnete en: indiegogo.com/mambo
Tallyton Alves
john kenny
www.john-kenny.com
El año 2006 empecé un viaje que me llevaría a muchas de las comunidades sub-saharianas más remotas, Las fotografías que puedes ver en estas páginas son el resultado de horas andando, haciendo auto-stop y conduciendo a través del África subsahariana. Son un testimonio de las vibrantes culturas que aún existen en algunos de los lugares más aislados del planeta. Elegí específicamente fotografiar a las personas que aparecen en estas imágenes porque al toparme con ellas me sentí realmente maravillado. Cada una de estas personas tenía algo que me atraía, a veces una penetrante intensidad, o una belleza fuera de lo común, que me impelía a capturarla. Es cierto que, en primer lugar y sobre todo, hago fotografías para mí mismo, pero también tengo el deseo de mostrar a otros ese magnetismo que te arrastra hacia los ojos de estas fascinantes personas.
L’ Home Dibuixat (El hombre dibujado) es un proyecto con principio pero sin fin, donde la figura humana actúa como una forma más en un contexto, mayoritariamente urbano. El título, inspirado en la canción del cantautor y poeta catalán Jaume Sisa, dista bastante del significado que le dio el músico, pero me sirve para, por una parte, tratar de explicar los aspectos formales que particularmente me atraen, y por otra, aunque tímidamente y de forma secundaria, tratar temas recurrentes de esta sociedad globalizada en la que vivimos. Pero sobre todo, es un intento de acercar dos disciplinas artísticas: el dibujo y la fotografía, la meditación y el instante, una puesta en paralelo donde la figura humana y el espacio, nos ayudarán a entender mejor este eterno diálogo. La fotografía es una acción inmediata; el dibujo, una meditación. Henry Cartier-Bresson
David Marí nació en Gandia (Valencia), en 1974 www.davidmarifotos.blogspot.com.es www.facebook.com/david.marifrasquet
david marí
l’home dibuixat
¿eres fotógrafo? En mambo queremos promocionar a jóvenes fotógrafos. Si quieres que una selección de tus mejores fotos aparezca publicada en las páginas de mambo, envíanos un e-mail a info@mambomag.com (asunto “fotógrafo”) con tu nombre y un enlace a algunas de tus fotografías y nos pondremos en contacto contigo lo antes posible.
maría lawliet flickr.com/photos/marialawliet www.facebook.com/MariaLawlietFoto 500px.com/marialawliet twitter.com/#!/Maria_Lawliet Contacto: marialawliet@hotmail.es
Mi nombre real es María Hernández, pero la mayoría de la gente me conoce como María Lawliet. Tengo 20 años y soy de Salamanca. Hace años que soy aficionada a la fotografía, pero hace más de un año que decidí convertirlo en mi vida. Soy autodidacta. Yo misma me encargo del estilismo, maquillaje, fotografía y retoque. Lo que más me gusta es fotografiar personas e intento meter en cada fotografía un toque “mágico”. También me encanta hacer autorretratos, así puedo transmitir lo que realmente quiero de la manera más natural posible. Mis fotografías no tienen un término medio, ya pueden ser muy “oscuras” o con colores muy vivos. Y la mayoría de veces depende de mi estado de ánimo. Ahora lo único que quiero es ir mejorando poco a poco, todavía me queda mucho por aprender.
Can you tell that i’m hurt? It’s critical. All i can smell is the burn of chemicals
No hay vida en este cuerpo. Yo soy nada, sin vida, sin alma. Odiado y temido, estoy muerto para todo el mundo. Escuchame... yo soy el monstruo al que los hombres vivos matarian.
Fuera del mundo de los sue単os la vida puede ser dura, incluso cruel, pero es vida
No sĂŠ quiĂŠn soy. Soy como ĂŠste gato, somos un par de infelices sin nombre, no pertenecemos a nadie ni nadie nos pertenece, ni siquiera el uno al otro.
Hace tiempo que la fotografía ha traspasado las barreras que el mercado tradicional del arte le imponía para situarse como medio artístico fascinante. Con una evolución frenética y desbordante experimentación, presenta Mario Javier Chambi la muestra fotográfica: “Retratos Infinitos”
mario javier chambi retratos infinitos
www.mariojavierchambi.com Resultado del análisis de obras, tanto literarias como
pictóricas, noxs muestra retratos de carácter onírico donde la trascendencia del ser, descomposición de la forma en el cuerpo, la idea de despojamiento y la alteración de la realidad son los motivos en la concepción de su obra. Al estar los personajes retratados desde la búsqueda de la existencia, cada una de las imágenes representa el grito del solitario que avanza por ese camino que lleva a los fundamentos de la vida. Por un lado toma como referencia el plano literario del poeta y dramaturgo Antonin Artaud, y su pensamiento filosófico de indivisibilidad entre obra artística y vida. La sensación de que “uno” no es “uno”, sino que está inserto en un cuerpo ajeno, es un tema que ha abordado Artaud en sus distintas obras. Por otra parte, influenciado pictórica y conceptualmente por Francis Bacon crea una fotografía, a partir de la experimentación digital y aplicando diferentes recursos, que le confieren a su obra esos valores plásticos; una mirada particular y transgresora, partiendo de los problemas existenciales del individuo en sociedad y de la lucha de la esencia del ser –del espíritu– por traspasar los límites impuestos por el cuerpo. “Retratos Infinitos” propone una nueva concepción de la fotografía que conlleva una reflexión acerca de la trascendencia del ser, el cuerpo y el Infinito. Obelinda Marrero Alonso
autorretrato
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autorretrato
mariana
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edwin
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obelinda
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nicolรกs
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saylet
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alejendro
mariana
La fotografía fue surgiendo en mi vida de manera natural. Cuando me di cuenta ya había dejado transparentar en las fotos lo que yo sentía y era. Hoy no puedo vivir sin ella. Noto que mis fotos son casi siempre una inmersión dentro de las cosas y personas. Memorizan, guardan las relaciones y los sentimientos que las rodean. Pues la fotografía se vuelve automáticamente hacia el amor, la intimidad y lo que soy. Lo femenino también está muy presente, en cuerpo o en alma, talvez porque la mujer lleva en su esencia ese algo de amor y una delicadeza absurda, que admiro y aprovecho por ser mujer. Tanto en editoriales preparados como en una fotografía más simple, más espontánea, más de mi día a día, procuro dejar que lo que fotografío camina mais do meu dia a dia, me envolvo, e procuro deixar o que estou fotografiando camine junto a mi mirada, a mi arte. Lo fundamental es sentir.
petalalopes.com.br grafocoletivo.wordpress.com coletivomona.wordpress.com
Personas amadas, de la serie Diario
pétala lopes Pétala Lopes es brasileña, natural de São Paulo, capital. Se profesionalizó en Image Mágica, de André François. Fue asistente del fotógrafo João Wainer y, a partir de entonces, comezó a buscar una identidad propia y un lenguaje para sus trabajos. Actualmente encabeza los colectivos de arte Grafo y Mona.
Mas un dĂa, de la serie Diario
Work, de la serie Diario
Work, de la serie Diario
Proyecto Nudelas
Proyecto Nudelas
Fuego, de la serie Diario
Para el colectivo Mona, Bailarines
Para el colectivo Mona, Bailarines
Para el colectivo Grafo, AteliĂŞ
Camila Fontenele de Miranda, 21 aĂąos, formada en publicidad. BrasileĂąa con cabello de francesa y apasionada por el cafĂŠ, los libros, los post-it y Bob Dylan.
camila fontenele
facebook.com/fontenele.camila www.flickriver.com/photos/pelos_olhos_de_camila
Hace tres años me topé con la fotografía y desde entonces, cada día aprendo un poco más tanto en lo técnico como a tener una mirada fotográfica. Mi trabajo gira en torno a lo cotidiano, la esencia, la poesía y el color; me gustan los encuadres en los que el “sujeto” no aparece centrado, pues para mí lo vacío explica el punto focal; incluso en fotografías de moda o publicidad, cuando el cliente me da libertad, me gusta crear y buscar un nuevo concepto que se anteponga a la propuesta básica.
He realizado una exposición, titulada “Colírio Cotidiano”, que puede verse en Sorocaba y São Paulo. También he publicado en la revista online “Rapadura” y en el blog “Variações Literárias”, ambos de Rio de Janeiro. Mis principales trabajos: fotos publicitarias de la banda Klatu, cobertura del “Grito do Rock Itu 2012” y el editorial de la colección She Bop, encargada por Évelin Bandeira para “Animal Prints”.
La fotografía, para mí, además de registrar un momento es contar una historia, una situación. Me gustaría que mis fotos transmitan sentimientos, pues están hechas desde dentro de mí!
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photoespaña 2012 PHotoEspaña, festival internacional de fotografía y artes visuales, nació en 1998 con la vocación de ser un festival realizado desde la sociedad. En la actualidad se ha convertido en uno de los grandes acontecimientos de artes visuales del mundo y en uno de los mayores foros internacionales de la fotografía cuyo prestigio, reconocido por los críticos más destacados, ha posibilitado que se convierta en una cita ineludible. A través de su festival, PHotoEspaña ofrece una ocasión extraordinaria para conocer proyectos fotográficos, videos e instalaciones de los fotógrafos y artistas visuales nacionales e internacionales más destacados así como el trabajo de nuevos creadores. A lo largo de las quince ediciones del festival, se han organizado más de 900 exposiciones en los principales museos, salas de exposiciones, centros de arte y galerías. Cada año atrae a más de setecientas mil personas, cifra que lo convierte en uno de los mayores eventos culturales que se celebran en España. Paralelamente a la programación expositiva, se desarrollan los programas para profesionales. Campus PHE ofrece en sus talleres organizados en Alcalá de Henares la posibilidad de aprender y trabajar con destacados profesionales a nivel internacional de la fotografía y las artes visuales. Descubrimientos PHE, en Alcobendas, pone en contacto a fotógrafos emergentes con comisarios, conservadores, galeristas y editores internacionales. Encuentros PHE es el espacio de debate donde creadores y especialistas analizan la situación de la fotografía. El festival organiza además programas y actividades de carácter pedagógico dirigidos a nuevos públicos. Los programas educativos acercan la fotografía y las artes visuales a los alumnos de centros de educación secundaria. Los talleres de fotografía familiarizan a niños y jóvenes con el mundo de la fotografía y el lenguaje visual. Las visitas guiadas y los talleres familiares permiten al público en general profundizar sobre los autores, épocas y tendencias de las exposiciones programadas. PHotoEspaña en la calle abre la posibilidad de que el público en general participe de manera activa en el festival. En las siguientes páginas reseñamos algunas de las exposiciones que pueden verse hasta el próximo 22 de julio en el marco del festival.
“Aquí estamos” Richard Avedon, Richard Billingham, Paz Errázuriz y Lilla Szász Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Hasta el 22 de julio
La muestra explora el interés de cuatro fotógrafos de diferentes generaciones y horizontes geográficos hacia existencias insólitas, remotas o clandestinas, a través de imágenes que muestran su rostro más audaz y humano. Desde su particular mirada, cada uno de los artistas incluidos fotografía contextos peculiares, impenetrables, y obtiene momentos únicos de desinhibición con las personas que los habitan. Misteriosas y familiares, las fotografías constituyen el «aquí» de extraordinarios encuentros entre los fotógrafos y sus sujetos. Richard Avedon (Estados Unidos, 1923–2004) subvierte la imagen oficial y halagadora de los grandes iconos culturales. Richard Billingham (Reino Unido, 1970) crea un diario visual crudo, y a la vez conmovedor, de su familia. Paz Errázuriz (Chile, 1944) muestra con su obra la resistencia de personas que viven en los márgenes del sistema o que han sido arrastradas a la precariedad. Por su parte, Lilla Szász (Hungría, 1977) fotografía escenas cotidianas en un proceso a la vez fotográfico y personal.
Lilla Szász. “Seymon Pundnik. Veteranos de la II Guerra Mundial”. De la serie Camaradas, 2010 Con el apoyo de ACAX – Agency for Contemporary Art Exchange department of the Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest. © Lilla Szász
Paz Errázuriz “Miss Piggy I”. De la serie El Circo, 1984-1988 © Paz Errázuriz. VEGAP. Madrid, 2012
Lilla Szász. “Tomando el sol 1”, 1998 Con el apoyo de / With the support of ACAX – Agency for Contemporary Art Exchange department of the Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest © Lilla Szász
Nómadas, 2009 Cortesía / Courtesy Galerie Sassa Trülzsch, Berlin © Winfried Bullinger
Richard Billingham Sin título. De la serie “Ray es una risa”, 1995 Cortesía / Courtesy Anthony Reynolds Gallery, London © Richard Billingham
Lilla Szász. “Mónica y Alejandro”, 2008-2010 Con el apoyo de / With the support of ACAX – Agency for Contemporary Art Exchange department of the Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest © Lilla Szász
Lilla Szász “Carnaval”, 2004 Con el apoyo de / With the support of ACAX – Agency for Contemporary Art Exchange department of the Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest © Lilla Szász
Paz Errázuriz “El Ángel Blanco”. De la serie Luchadores, 1987 © Paz Errázuriz. VEGAP. Madrid, 2012
“Asia Serendipity”
Teatro Fernan Gómez, Centro de Arte (Madrid). Hasta el 22 de julio
Hoy en día, Asia es uno de los más importantes núcleos económicos mundiales. Su economía y sociedad están sufriendo un claro desarrollo. El arte y la cultura no son ajenos a estos movimientos, y la exposición Asia Serendipity es un claro ejemplo. El director del Mori Art Museum de Tokio, Fumio Nanjo, ha seleccionado para la muestra a nuevos talentos del arte asiático con una herencia alejada de la mirada occidental. Estos artistas, liberados de su pasado y menos preocupados por la tradición y el academicismo, experimentan hacia nuevas direcciones e ilustran una utopía nueva y contemporánea. Su libertad de espíritu hace que desarrollen magníficas historias y puntos de vista para los que, a menudo, utilizan imágenes fotográficas. En la obras de estos creadores queda patente cómo uno de los fenómenos clave en la transformación del mundo contemporáneo es la disolución de los límites entre categorías y géneros. La frontera entre producción artística y fotográfica es cada vez menos clara. Lo falso y lo real, lo real y lo imaginario, se convierten en uno. Los diez artistas japoneses han sido premiados por el certamen New Cosmos of Photography organizado por Canon.
Kohei Koyama “Viaje debajo del sol de medionoche”, 2008 © Kohei Koyama
Koji Sekimoto “En busca del anillo”. De la serie “Hecho por la máquina de sueños”, 2010 © Koji Sekimoto
Gina Osterloh Sin título (Habitación turquesa #5), 2007 © Gina Osterloh
Hiroshi Nomura Mujina, Akasaka, 2011. Š Hiroshi Nomura
Yuki Aoyama En cubierto, 2008-2011. Š Yuki Aoyama
“Archivo de sombras” Toni Catany
Exposición ganadora del Premio Festival Off Galería Blanca Berlin Hasta el 8 de septiembre
El Premio Festival Off es concedido por un jurado de expertos a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2012. El jurado, formado por los coleccionistas de arte Ignacio Muñoz, Narcís Pujol y Mónica Godall, ha premiado a la galería Blanca Berlín por la exposición Archivo de sombras, de Toni Catany. El jurado ha querido reconocer con la concesión de este premio el «compromiso con la obra fotográfica» que la galería siempre ha mostrado, así como a la exposición en sí misma, calificando a Catany como un «clásico vivo cuya obra sobria, aunque contundente, es un fiel reflejo de la esencia fotografía». Toni Catany (Llucmajor, Mallorca, 1942) reúne en la galería una exquisita antología de su trayectoria fotográfica. La muestra se articula en torno a seis porfolios muy diferentes que convergen en la única mirada desde la cual el autor puede aproximarse al mundo que le rodea: sensible, estética y pulcra. Las series creadas en sus visitas a Angkor, México y Venecia se yuxtaponen a su trabajo de naturalezas muertas “Archivo de sombras”, la serie de desnudos “Nus” y la pieza “La danza”.
Nude, 1984. Š Toni Catany
“Ansiedad de la imagen”
Comunidad de Madrid, Sala Alcalá 31 Hasta el 5 de agosto
La globalización ha trascendido las fronteras nacionales y ha provocado una reestructuración basada en la economía y en los intereses políticos. Este discurso ha intensificado conflictos como la polarización entre ricos y pobres o la oposición entre globalización y nacionalismo, centro y periferia. En la era de la información, la producción y transformación de la comunicación ha generado una enorme presión psicológica sobre los ciudadanos. La exposición “Ansiedad de la imagen”, comisariada por Huang Du, explora esta incertidumbre propia de la época en la que vivimos y que se ve reflejada en la ansiedad que provocan las imágenes. Ansiedad que se intensifica como consecuencia de los cambios sociales radicales como la inestabilidad del estado, el desconocimiento del desarrollo social, la falta de fe, la ruptura entre tradición y modernidad o la expansión del materialismo. Los trabajos seleccionados, de artistas de países como Alemania, Argentina, Australia, Corea, China, Israel, Italia, Taiwán y Suiza, son testamento y respuesta a estos temas y han sido realizados, casi en su totalidad, entre 2005 y 2011.
Winfried Bullinger Nómadas, 2009 Cortesía / Courtesy Galerie Sassa Trülzsch, Berlin © Winfried Bullinger
Chen Chieh-jen Las fronteras de imperio II - Western Enterprises, Inc., 2010 © Chen Chieh-jen
Matteo Basilé “Esta humanidad I”, 2010 Cortesía Galleria Pack, Milano © Matteo Basilé
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por Alexis Racionero
Luis García Berlanga el último clásico español
Luis García Berlanga con su cine trascendió el mero hecho de contar historias en imágenes, con una filmografía que hoy en día es ante todo memoria histórica de una época. “El Verdugo” (1963), “Plácido” (1961) o “La escopeta nacional” (1978) explican perfectamente la España de posguerra y el final del franquismo, desde una perspectiva que partiendo de la tradición del esperpento de Valle Inclán, transforma la realidad en ácida caricatura cargada de humor negro. La picaresca y el vitalismo de quien nació en Valencia, junto al Mediterráneo, llena su obra aportando un tono tan personal como el de grandes directores de la comedia como Lubitsch o Billy Wilder. Por las películas de Berlanga transitan personajes inolvidables de la tradición hispánica, encarnados por la mejor generación de actores que ha dado el cine español. El grandísimo Pepe Isbert fue el alcalde sordo que aleccionaba a sus vecinos de Villar del Río sobre cómo recibir a los americanos en “Bienvenido Mr. Marshall” (1952) o el retirado verdugo que alecciona a su sucesor en el manejo del garrote vil. Cassen encarnó al pobre Plácido que anda con su motocarro tratando de cobrar para poder pagar las letras de su vehículo. José Saza fue la parodia del comerciante catalán que lleva de cacería a las altas esferas del final del franquismo para ver si puede vender porteros automáticos. Mientras Luis Escobar ejerció de aristócrata decadente y salido en “Patrimonio Nacional” (1981). Junto a ellos estaban otros grandísimos actores como Agustín González, Mónica Randall, José Luís López Vázquez, Amparo Soler Leal o Antonio Ferrandis.
El tema del cine de Berlanga fue la historia del tiempo que le tocó vivir, contado de una forma tan valiente como cómica
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El tema del cine de Berlanga fue la historia del tiempo que le tocó vivir, contado de una forma tan valiente como cómica, sorteando como podía el yugo de la censura que le impidió rodar algunos de sus proyectos. El éxito internacional le llegó con “Bienvenido Mr. Marshall” que triunfó en el festival de Cannes. Más tarde, en 1961 “Plácido” fue nominada a los Oscar como mejor película extranjera. Y finalmente, “El verdugo” acabó causando un gran revuelo en el festival de Venecia, al coincidir con la ejecución de dos anarquistas por parte del régimen.
Berlanga que durante su juventud luchó con la división azul en Rúsia acabó resultando un personaje incómodo para el franquismo. Berlanga que durante su juventud luchó con la división azul en Rúsia acabó resultando un personaje incómodo para el franquismo. A lo largo de su filmografía se critica desde el plan Marshall, la pena de muerte, la hipocresia y la falsa caridad (“Plácido”), a la banalidad y cierta prepotencia de las élites (“Patrimonio Nacional”) o incluso, la comercialización de la fe (“Los jueves milagro”). Su camino, sin ser el mismo, tuvo ciertos paralelismos con los del maestro Luis Buñuel, aunque éste llevara el absurdo surrealista y el sentido crítico a un terreno más extremo e incómodo. Ambos tuvieron ese punto de obsesión fetichista por la mujer que en el caso de Berlanga se manifiesta en la provocadora “Tamaño Natural” (1973), un film rodado en Francia con Michel Piccoli encarnando a un prestigioso dentista de París que prefiere el sexo que le proporciona una muñeca hinchable a su vida conyugal. Así mismo, también compartieron la crítica a las altas clases sociales como refleja la trilogia de Berlanga compuesta por “La escopeta nacional”, “Patrimonio Nacional” y “Nacional III” (1982).
Sin embargo, el nombre que acompaña de forma indivisible la filmografía de Berlanga es la de Rafael Azcona, el guionista que colaboró con él desde “El verdugo” y que mejor supo reflejar la tradición del esperpento. Otros compañeros de generación fueron estudiantes de la Escuela de Madrid, como Juan Antonio Bardem con quien codirigió su primera película “Esa pareja feliz” (1951) sobre un modesto matrimonio que gana un concurso en la radio que les permite vivir durante un día como burgueses bienestantes, para acabar descubriendo que ese no es su ideal de vida. Este primer film ya demostraba el don de Berlanga para la comedia y la crítica social. A lo largo de su trayectoria fueron muy pocas las veces que no supo conectar con el público, en fracasos como “La Boutique” (1968) o “Moros y Cristianos” (1987). Entre sus joyas menos reconocidas está “Calabuch” (1956), una película para soñadores en la que un astrónomo americano llega a Peñiscola para ver el mar y las estrellas, transmitiendo su carácter casi taoísta al pueblo que le acoge con devoción. A los viajeros puede gustarles su última película “París-Tumbuctú” (1999) y a los adictos a la comedia desmadrada les encantará “La vaquilla” (1985) donde diversos soldados inmersos en la guerra civil viven situaciones rocambolescas, hoy en día ya reconocidas y denominadas como “berlanguianas”. Formalmente el cine de Berlanga además de destacar por el tono cómico y el humor ne-
Entre sus joyas menos reconocidas está “Calabuch” (1956), una película para soñadores en la que un astrónomo americano llega a Peñiscola para ver el mar y las estrellas…
gro, se caracteriza por plantear films corales en cuanto a personajes, factor que le permite crear un retrato social. La cámara se mantiene invisible al servicio de la historia y el trabajo de los actores pero repetidamente, utiliza planos secuencia de larga duración que demuestran su sentido de la composición y dominio técnico. Esto demuestra que Berlanga no fue simplemente un hombre de letras que dejó la carrera de derecho y se puso a hacer cine sino alguien que entendía de cine y conocía perfectamente su oficio. Entre otras cosas fue director de la filmoteca nacional y presidente de honor de la Academia del cine español. El genio de Berlanga consistió en saber interpretar su tiempo, siendo fiel a unos ideales que defendían la libertad de expresión, sin caer en lo zafio y desagradable, sin ofender, riéndose de todo y de si mismo, con la elegancia de una inteligencia privilegiada que nunca se le subió a la cabeza. Ante todo fue un hombre sencillo y honesto. Seguramente por todo esto Berlanga es hoy una persona tan llorada y querida por las gentes del cine. Bigas Luna ha dicho tras su muerte que el maestro valenciano fue la esencia del cine español, el último reducto de algo que se pierde por la invasión del cine norteamericano de género. Mientras un emocionado Santiago Segura pide que “El verdugo” se convierta en materia de estudio en las escuelas, sin dudar de que ese día los alumnos no faltarán a clase, fascinados por la diversión y carcajadas. Como profesor de cine puedo constatar que aquellos fragmentos que he utilizado a lo largo de los años del cine Berlanga siempre han funcionado. Es la magia de la comedia. El talento de un director que por suerte hemos sabido reconocer antes y después de su muerte.
Formalmente el cine de Berlanga además de destacar por el tono cómico y el humor negro, se caracteriza por plantear films corales en cuanto a personajes, factor que le permite crear un retrato social
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