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riot uber alles
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S UM A R I O Nº1 2014
Disturbios nada más empezar esta nueva entrega. Riot Über Alles se habrirá en canal para mostrarnos su pensamiento y su filosofía. Discurso puro con finalidades puras, así es RÜA.
Josep Gaspar Co-director
staff
RIOT ÜBER ALLES
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MINA HAMADA
TERESA PERA
Núria Llorca Co-directora Astrid Jacomme Redactora Nerea Arrojeria Redactora Raül Prunell Redactor Anna Torralbo Redactora
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IRENE BOU
MARC SPARFEL
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Mina Hamada, Teresa Pera, Irene Bou y Marc Sparfel. Os presentamos a estos 4 cracks, cada uno con su universo creativo propio pero todos con un discurso inmaculado. ¡Disfrutad de estas “mini galerías de arte”!.
VERMIBUS
CATCHING BUTTERFLIES WITH THE HANDS Victor Castillo Ivana Flores 56
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Entrevistamos al artista Vermibus, su obra es como un gusano que entra en la belleza superficial de la publicidad contemporánea y la pudre por dentro.
Os presentamos “Catching butterflies with the hands”. Una colaboración entre Victor Castillo e Ivana Flores.
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PORQUe LA MONTAÑA NO IRá A MAHOMA
EAT MEAT
Carnívoros por naturaleza
Nerea Arrojería
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Diseccionemos, analizemos y reflexionemos sobre la realidad más directa entre sociedad y arte. Así es la vida, así es la realidad.
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Vamos a a adentrarnos en las profundidades de Eat Meat. ¡Esperamos salir enteros!
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11.07.- 07.09.20 1 4
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0 9 . 1 0 . -1 4 . 1 2 . 2 0 1 4
LUCIANO CALD E R Ó N
AN D R EA GÓ M EZ
PAT R I C K T H OM A S
Luciano Calder ó n (1 9 8 6 ) is a painter based i n S w itz er land and Bo l i v i a. Caldero n’s w o r k uti l i s e s pr imitive f ig ures an d
“ L’ Ai r d u Tem p s ” w as An d rea G óm e z ’s fi rs t i n d i v i d u a l e x h i b i t i on w i t h m e & t h e cu ri os i t y. For on l y 4 d a y s , b egi n n i n g
L i v erp ool - b or n Thom a s i s d e s cri b ed a s a n ‚ i c on ogra p h i s t e ‘ . H i s work com b i n es a n d re -purpose s i c on i c i m a gery to c re a te
o utspo ken g r aphic s t o express his f eeling s of iso latio n f ro m bo th l aw and so ciety.
t h e 1 2 t h of M a rc h , t h e ex h i b i t i on w a s h e l d a t 9 7 En ri q u e G ra n a d os St ree t i n Ba rc el on a .
b ol d , c on c ep t u a l pri nts an d ed i t i on s , w hi c h a i m to p rov ok e an d q u e sti on, but w i t h am b i gu i t y sti l l pl a yi ng a p a rt . H e i s i n te re ste d i n
Z o sen Bandido cre at es hispro per mytho lo g y, f lo o ding walls and
In L’ Ai r d u Te m p s , a s el ec t i on of d raw i n gs on p ap e r an d s cu l p t ed w ork s
p roc es s , t y p ogr a phy, a rt an d i m age - m ak i ng, a nd s ee k s t o a v oi d c re a ti ng
canvases with f anta s t i c char acter sco lo ur f u l g eo metr ic patter ns and symbo ls. He h as had his f air issues w i t h
p rod u ce d from t h e en d of 2 0 1 3 t o t h e b egi n n i n g of 2 0 1 4 b y t h e y ou n g C ol om b i a n a rt i s t w e re s h ow n . Th e s e w ork s a re t h e
w ork t h at fi t s i n to c a te gori e s .
the law, g etting ca u gh t ‚bo mbing ‘ o n numerou s
re s u l t s of an i n v es t i ga t i on i n t o t w o p red om i n an t
T i n D ü s s el d orf, Thom a s fou n d i n s p i rat i on f rom
o ccasio ns. He w ea rs a mask no w – no t to disg uise his identit y but r ather to put em p h as i s o n his ar tw o r k. Bo th Calder ó n and Band i d o have tr anslated the i r street exper iences i n t o an admir able ar tisti c
t h em es : on on e h a n d , t h e h i s t ory of l i t e rat u re a n d i t s ev ol u t i on i n t h e a ge of d i gi t a l c u l t u re ; an d on t h e ot h er, t h e i n t ers e ct i on of s ci en t i fi c k n ow l e d ge a n d m a gi c .
t h e u rb an d et ri tus a nd ev e ry d ay e p h e me ra tha t s u rrou n d ed h i m , a nd re cy c l e d d i s c arde d c a rdb oard t o c re at e m ul ti pl e art w ork s w i t h m ul ti pl e m e an i n gs . For Th om a s, pa rt of t h e ap p e al of c re a ti ng m u l t i p l es , or e di ti ons, i s
ZOSEN BANDID O
The urban habitat as source of contemporary art positions. Interfaces between culture, communication and consumption, between high, low and pop.
lang uag e.
L a s t y e ar, for p a rt of hi s s h ow M u l t i p l e s a t G a l e ri e
t h at h e s ee i t as a m ore d em ocra t i c p roce ss, m e an i n g t h at t he work c a n re ac h m ore p eopl e , be m ore a cc es s i b l e a nd m ore afford a b l e .
Hermannstraße 24 40233 Düsseldorf T (0211) 9 666 12 06
OP E NI NG 11.07. 2014
O P EN IN G 12.09. 2014
O P EN IN G 09.10. 2014
kontakt@galerie-t.de
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www.galerie-t.de
riot uber alles Un disturbio frenético
Más que artista, Riot Über Alles (RÜA) se considera un “politoxicómano ocurrente”. Hace cosas porque considera que no hacerlas “es peor y bastante más aburrido.” Actualmente cuenta con cuatro poemarios publicados, “El plan cáustico” (Baile del sol, 2005), “Hierro Lamido” (Ediciones del Pájaro Temprano, 2008), “Veritas Odium Parit” (Ed. Eat Meat, 2010) y “Mussolina” (Aristas Martinez, 2011). En febrero de 2013, hizo público su artefacto literario a cuatro manos junto a Vanity Dust: Lady Grecia, publicado también por ARISTAS MARTINEZ. Ha ilustrado “El corazón de Julia”, obra a cuatro manos escrita por Robert-Juan Cantavella y Óscar Gual, y se ha encargado de darle aspecto a través de la portada y sus ilustraciones interiores en el ‘Golem’ de Sebastià Jovani, en su última novela titulada “Emet o la Revolta”. Ha colaborado en las antologías BLACK PULP BOX (un homenaje bizarro al Blackxplotation editado de lujo, junto a otros 84 autores de culto) y PRESENCIA HUMANA, donde hace doblete como narrador/ilustrador. Ambas editadas por Editorial ARISTAS MARTINEZ. Es socio y co-fundador de EAT MEAT, ubicada en c/ Mònec, 17 (BCN). Más información: https://www.blogger.com/profile/00349426460617258174 La exposición Doppelgängsta Doppelgängsta es la nueva exposición de Riot Über Alles, compuesta básicamente por esperpentos de corte fantasmagórico, sociopático y suburbial. Esto último se debe a la pobreza extrema de los materiales empleados en su producción. Doppeldrougs, biachgänger, gangbanging, banguardia. Una continuación de su última exposición Raping the white (2012), con incursiones en el gran formato, el objeto encontrado y el ‘collage’ digital. Las dos patas de la mesa: Doppelgänger: vocablo alemán para definir el doble fantasmagórico de una persona viva. La palabra proviene de doppel, que significa “doble”, y gänger, traducida como “andante”. Gangsta: miembro sociopático de los suburbios, caracterizado por su forma de ser antisocial y maleducada. Relacionado con el tráfico de drogas, armas de fuego, prostitución y música rap en su vertiente más ‘underground’. De ahí el subgénero gangsta rap. Eat Meat ofrece ‘banguardia’ para esta primavera cáustica de 2014. ----------------------------------by Raül Prunell Holgado poeta y periodista
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RIOT ÜBER ALLES Too much flash
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RIOT ÜBER ALLES Cataluña hipster
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RIOT ÜBER ALLES Felipe con cancer de útero
RIOT ÜBER ALLES Felipe 23
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RIOT ÜBER ALLES Enmascarado 2
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IRENE BOU La estética de la funcionalidad aparente Durante varios años hemos tenido que viajar a París, Venezuela, Alemania o Perpiñán para asistir a una exposición de Irene Bou. Este verano sin embargo, tenemos una cita de lujo: esta joven artista, quien ya destacó en Barcelona en el 2010 con su ‘art brut’, vuelve a la capital con una propuesta que rompe con todo aquello que había propuesto hasta ahora. ‘Ser Hacedor’ es el nombre de su nueva exposición, la cual conjugará en un mismo espacio: pintura, dibujo y ensamblaje. Conocida especialmente por su pintura y por las performances que lleva a cabo en sus vernissage, Irene Bou regresa mostrándonos un trabajo de ensamblaje que reflexiona sobre el objeto y el hombre. En esta muestra explora las posibilidades de los objetos más cotidianos y les da otros significantes. Se trata de huir de la mirada acostumbrada con la que observamos lo que nos rodea para descubrir todo un mundo de posibles combinaciones. Todo un reto, tanto para la artista como para el observador, quien debe alejarse de su visión establecida sobre las cosas y construir nuevas miradas. A lo largo del recorrido unos breves textos, casi susurrados, nos guiarán por un laberinto de objetos que saben a conocido y a novedoso a la vez. El impacto emocional está garantizado, pues esta joven artista posee la habilidad de mirar con otros ojos, de jugar como juega un niño, de soñar como sueña un creador y de investigar como lo haría un científico. Para ir abriendo boca... ¿Qué conexión establecer entre una plancha y un libro? ¿Hacia dónde nos puede transportar una piedra, un nido y un huevo? El arte que nos ofrece Irene Bou no se consume; se vive, se piensa y se siente. by Anna Torralbo escritora y crítica
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irenebou.com
Foto: Santi Fort
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IRENE BOU
Objeto 1
IRENE BOU
Objeto 3
Welikethem
IRENE BOU
Objeto 2
IRENE BOU
Objeto 4
Foto: Santi Fort
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MINA HAMADA La euforia de color
Welikethem
Improvisación, intuición,naturalidad y sorpresa. Estas son las cuatro emociones que mejor describen la obra de Mina Hamada. Artista residente en ‘La Escocesa’, la pintora japonesa empezó escribiendo cuentos para niños y con los años le entraron ganas de pintar. Ahora se las arregla tan bien con un pincel en un lienzo como con sprays en la calle. Es pintora, muralista y, sin duda alguna, una entregada amante del color. Barcelona emula su inspiración. Le gusta vivir cerca del mar, en un país más salvaje y más natural que Japón. Según ella, ser artista no fue una vocación, sino un proceso natural para poder expresar todo lo que su imaginación le llevaba a conceptualizar. Y con la pintura ha dado en el clavo. Con su compañero de mural Zosen, la pareja artística se podría considerar la creadora del “neofauvismo” ya que en sus pinturas destacan una paleta de colores intensos y salvajes. A Mina le encantan los tonos pálidos como el lila, el azul y el rosa, aunque nos confía que ha aprendido a querer el rojo. Sobre todo no desprecia nunca ningún color. Para ella, el proceso de elaboración de una obra es una completa improvisación. Sus trabajos no pretenden transmitir ningún otro mensaje que su felicidad. Pinta de manera natural e intuitiva, dejando fluir el pincel sobre el lienzo con una mente virgen de cualquiera planificación. Mina se siente bien y lo comparte a través de estos colores tan explosivos. Cada obra es como una nueva aventura, tanto para su autora como para el espectador. Exposiciones en Copenhague, Londres, Barcelona… ¿Y quizás un día tendrá la ocasión de descubrir otras zonas de Asia? A Mina no le faltan planes ni sueños. Numerosas son las ciudades que la artista iluminará con su jovialidad y talento, repartiendo por ahí su euforia de color.
by Astrid Jacomme redactora y amante del arte
zosenymina.tumblr.com 23
MINA HAMADA
Corsica
MINA HAMADA
Caprichosa
Welikethem
MINA HAMADA
Dizzy Water 4
MINA HAMADA
Dizzy Water 3
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MARC S PA R F E L Marc Sparfel, artista bretón afincado en Barcelona, nos hace una explicación de su obra más reciente: When I arrived in Barcelona, I was immediately intrigued by the amount of furniture abandoned in the streets. I quickly started using this new material in my sculptures. Initially, I found the furnishings by chance during my walks, but later realized that in every neighborhood there is a set day to leave large items in the street. So I started walking around the old town according to the “furniture days” of each neighborhood to recover the material bit by bit. Over time, the neighbors began to leave me chairs in front of my workshop... Regarding the working process, there are two major steps. The first step is the design of the piece, the second is its construction. I draw my inspiration directly from the forms I find when dismantling the furniture. Sometimes I have the beginning of an idea, and can envision the head, horns, and legs, but some piece that should complete the sculpture is missing, which makes the design process longer. I have used some pieces of furniture many years after recovering them in the street. Of course, there are also sculptures that I never finished. Regarding the time of construction, it depends on the degree of technical difficulty and size of each sculpture. It is true that I am a bit of a perfectionist and naturally work in a slow and meticulous way, and I like to respect this character trait in my workshop!
Welikethem
www.galerie-t.de 27
MARC S PA R F E L
Wood animal 1
MARC S PA R F E L
Wood animal 3
Welikethem
MARC S PA R F E L
Wood animal 2
MARC S PA R F E L
Wood animal 4
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TERESA PERA Teresa Pera Hospital se está haciendo un lugar en el mundo del arte tal y como lo hace un árbol: germinado su semilla, enraizándose fuerte en la tierra y cultivándose lenta y sabiamente. El secreto está en la calidad de la tierra; por ello Teresa no duda en apostar por la calidad, tanto de su formación continua como en el uso de materiales selectos. La comparación de Teresa con un elemento natural no es un capricho; el arte de esta joven artista desprende una armonía y delicadeza propia de los paisajes y elementos naturales. De sus influencias japonesas está impregnado su trabajo: el cuidado de las sombras, el aguado de la tinta en diferentes degradé, la importancia del vacío que otorga un espacio en blanco... En su pintura abstracta, el movimiento viene dado por el contraste entre la delicada cadencia de pinceladas suaves y largas con el desgarro de pinceladas rápidas en tonos enfrentados. El flujo de los trazos parecen haber sido formados por el viento: por suaves brisas, por pequeños y frenéticos remolinos... Sin duda nuestra vista danza ante un vaivén muy bien estructurado en el cuadro. Todo el discurso lineal que se encuentran en un primer plano, se asienta sobre una base de colores diluidos y difuminados con suma finura. El trasfondo del cuadro nos remite a un estado de equilibrio, una red de serenidad necesaria para sostener el alto voltaje sentimental expresado por los colores y las pinceladas que se sobreponen de manera gradual tomando fuerza a medida que llegamos al primer plano de la pintura. Teresa Pera nos muestra una pintura de autor, auténticamente elaborada, respirada y sentida; sin prisas ni estrategias de marketing. En el devenir de colores y líneas, cada trazo es un susurro, un estado, una emoción tímida pero intensamente vivida que quiere ser sugerida (nunca mostrada) en esta obra que bien podría ser catalogada de paisajes emocionales. by Anna Torralbo escritora y crítica
wwwteresapera.com 31
TERESA PERA
El camí de l’oreneta
TERESA PERA
Flors
TERESA PERA
Carta Xavier
TERESA PERA
Carta àvia
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v e r m i b u s . c om
VERMIBUS
Caro Data Vermibus (carne para los gusanos = cadáver), de ahí saca su seudónimo este artista interventor en el entorno urbano. Posters publicitarios interceptados por él, sacados de los mupis, manipulados con disolvente y vueltos a colocar a su lugar publicitario, el cual pasa a ser un lugar expositivo. Este es su procedimiento, el cual, ilegal para la sociedad, consigue provocar la sorpresa y el interés del transeúnte.
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-¿Qué te aporta la intervención que no te pueda aportar la pintura o la fotografía en tu discurso artístico?
En primer lugar me aporta una comunicación directa con las personas, la obra no se queda estancada en mi mensaje sino que se convierte en una conversación con el ciudadano. Luego, por supuesto, está la parte activista contrapublicitaria. Para expresar la disconformidad a la desaparición del espacio público el mejor sitio para hacerlo es el propio espacio público.
¿Cómo nació el impulso de realizar estas intervenciones?
Se mezclaron una serie de circunstancias que hicieron que surgiera de una forma muy natural, yo trabajaba como fotógrafo para una empresa publicitaria cubriendo eventos, a la vez vengo del mundo del graffiti y conozco bien el espacio público. Pero el punto de inflexión fue cuando me despidieron por no cumplir ciertos cánones estéticos. Al decidir vivir en Berlín y cambiar de vida puse como preferencia trabajar de forma ética y me dejé llevar por mis impulsos y sensaciones, tras 3 años de mucho trabajo éste es el resultado.
¿Cuál y dónde fue la primera?
Las primeras intervenciones fueron en Berlín, a principios de 2011. Pero a decir verdad, cuando comencé estaba muy confundido y no sabía muy bien que es lo que estaba haciendo ni porqué, era un momento de cambio muy profundo en mí y estaba dejándome llevar, necesité mas o menos un año para comprender lo que estaba haciendo.
¿Alguna anécdota a destacar?
Siempre me cuesta mucho contestar a esta pregunta, anécdotas hay muchísimas y acabo contando siempre la misma, que a mi modo de ver es la mas destacable. Cuando tras poner 4 pósters frente al museo de la biblioteca nacional de Viena, retiraron 3 de los trabajos y respetaron uno durante bastante tiempo. Es algo muy inusual, normalmente las obras no duran mas de 2 días, algunas veces incluso horas…
¿Cuál ha sido el referente artístico (o no) que más te ha marcado?
No podría decir uno en concreto, durante toda mi vida ha habido muchísimos referentes, decir uno sería obviar otros muchos.
Hemos visto que te mueves mucho en Alemania, excepto en tu proyecto “Dissolving Europe”. ¿Cómo crees que es la escena alemana a diferencia de la española? Bueno, intervengo bastante en Berlín ya que vivo aquí, pero suelo intervenir en casi cada viaje que hago. Creo que en España está habiendo un boom creativo sobre espacio público realmente interesante, en Berlín por supuesto también, pero creo que España va a dar muchísimo de que hablar en los siguientes años, a nivel creativo.
¿Choques con la ley?
De momento solo caricias.
¿Crees que el anonimato puede ser una desventaja a largo plazo?
El anonimato tiene sus pros y sus contras, no me gusta tener que esconderme por hacer lo que hago, los que se deberían esconder son ellos. La diferencia entre mi anonimato y el suyo, es que yo hago pública la parte ilegal de mi trabajo y escondo la legal, y ellos hacen pública la legal y esconden la ilegal.
¿Tienes algun proyecto futuro en mente?¿Relacionado con lo que conocemos de Vermibus o algo nuevo? El tiempo irá contestando a esta pregunta, de momento es muy pronto para avanzar nada, pero hay proyectos…
www.vermibus.com 37
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Galeria SENDA Consell de Cent, 337 08007 Barcelona Tel: +34 93 487 6759 Fax: +34 93 488 2199 www.galeriasenda.com
/ roger ballen / jordi bernadĂł / m. bevilacqua / james clar / josĂŠ pedro croft / michael j. grey / anthony goicolea / peter halley / yago hortal / karin kneffel / ola kolehmainen / glenda leon / anna malagrida / robert mapplethorpe / aitor ortiz / isabel rocamora / gino rubert / eve sussman & rufus corp. / sandra vasquez de la horra / massimo vitali / gao xingjian
/ oleg dou / jordi ribes / martĂn chirino / jane hammond / taj forer
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Aquí va una selección de artistas que merecen mucho más que estas páginas
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MIRROIR NOIR miroirnoir.org
CORNELIUS COFFIN mythsofthenearpast.blogspot.com.es
CADAVER
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RELLA
RAI ESCALÉ raiescale.info
CADAVER
MARTÍN PLANTE martinplante.info
LAU
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LAU
ILICH galeriariera.cat
SOPHIE AGUILERA marcsparfel.com
CADAVER
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LAU
PHILIPpE JUSFORGUES philippejusforgues.com
ANA VERACRUZ anitaveracruz.tumblr.com
CADAVER
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LAU
MILOS KOPTAK www.koptak.sk
CADAVER
LOLA SANDOVAL lolasandoval.info
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ORIGINAL ARTWORKS ART PRINTS DESIGN OBJECTS
T H E WA L R U S H O P . N E T
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VICTOR CASTILLO
IVANA FLORES 59
“Catching butterflies with hands” de Víctor Castillo & Ivana Flores es una selección de obras inspiradas en cuentos clásicos para niños, con una estética que deambula entre los sueños y la pesadilla. Cada uno con sus propios imaginarios y referentes, encuentran puntos en común tanto en sus protagonistas infantiles, como en la atmósfera onírica que los envuelve. Victor Castillo es conocido por el uso del humor y la ironía para abordar temas críticos al contexto contemporáneo. Mientras que Ivana Flores retrata personajes melancólicos que se niegan a crecer y ser parte de un mundo adulto corrompido. En Catching Butterflies with hands ambos artists coinciden para (como el título de la exposición sugiere) crear un momento poético y lúdico cargado de inocencia y sensualidad. la muestra estará abierta al público desde el 10 de mayo hasta el 30 de junio en LA ATÓMICA ( pasaje gutierrez, Valladolid).
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VICTOR CASTILLO
IVANA FLORES
“Catching butterflies with hands”
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C/ DÊnia 25, B. 46006 València (Spain) Tel1. (+34) 963 958 808 Tel2. (+34) 696 190 285 espaitactel@espaitactel.com
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PORQUE LA M O N TA Ñ A
NO IRÁ A MAHOMA BY N EREA ARRO JERI A
Talking about
´ "TODO EL ARTE HA SIDO CONTEMPORANEO" Maurizio Nannucci
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El otro día fui a una exposición, como tantas otras veces, y como tantas otras veces oí decir a alguien que el arte contemporáneo es incomprensible, que eso de que todo valga es una mierda, que eso no es arte y que su primo de tres años lo haría mejor. El otro día no fui a ninguna exposición, como tantas otras veces, porque el arte contemporáneo es incomprensible, porque eso de que todo valga es una mierda, porque eso no es arte, incluso una criatura lo haría mejor. El otro día fuimos a una exposición y me dijiste, como tantas otras veces, que el arte contemporáneo es una mierda incomprensible, que eso de que todo valga no vale nada, que ha todo le llaman arte. Concluiste diciendo, yo con tres años lo hacía mejor. ¿Seguro?
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TODO EL ARTE HA SIDO CONTEMPORÁNEO (Maurizio Nannucci, 2000) Contemporáneo,a: (Del lat. contemporanĕus). adj. Perteneciente o relativo al tiempo o época en que se vive. Era 2000 y Maurizio Nannucci anunciaba “All art has been contemporary” *1. También el renacimiento, el barroco, el expresionismo y el resto de movimientos artísticos fue en su época contemporáneo. Nannucci, nos abría la mente, presentando una frase reconciliadora entre el arte del pasado y el actual, reconociendo la similitud, la problemática compartida en su concepción. Si hoy resulta más comprensible el arte de otros tiempos que el nuestro, es porque el tiempo a permitido que profesionales del sector, a través de ciertos estudios e investigaciones, pudieran facilitar el entendimiento de las obras, a partir de unos patrones y unas explicaciones de lectura, que se han ido enseñando generación tras generación a través de la escolarización. Pasando a formar parte de una comprensión generalizada sobre el significado del arte. Sucede que en la actualidad el lenguaje del arte contemporáneo se ha multiplicado, y con esta ampliación ilimitada la llave maestra ya no es ni única ni universal para todas las puertas del conocimiento artístico. Pero no podemos frustrarnos porque el arte actual no sea como el pasado, debe no serlo, sino no existiría la idea de progreso.
*1 Maurizio Nannucci (Florencia, 1939) es un artista contemporáneo que desde mediados de los años 60 ha formado parte de la experimentación artística en el Concrete Poetry, el Fluxus y el Arte Conceptual, utilizando para ello, la fotografía, el vídeo y la instalación con neones y sonidos.
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¿ESTO ES ARTE? No suele gustar lo que no se entiende, pero lo único que hay que entender es que el arte es siempre arte. Al igual que resulta ilógico preguntarse en un cine si lo que se acaba de ver es una película, también lo resulta en el campo expositivo preguntarse si la obra que se tiene delante es una obra de arte. ‘El arte puede ser lo que uno quiera que sea’ *2, lo dijo Duchamp y desde entonces no ha dejado de tener sentido. Si se le da a leer un libro de Tolstoi a depende que persona, es probable que sienta cierto rechazo por la lectura pero eso no significa que el libro no sea un libro, ni tampoco refleja su grado de calidad, sino que afirma más bien, la inadecuación temporal o de interés personal. Hay obras para cada momento y cada mirada. No importa tanto el grado de comprensión que se obtiene de la obra, sino lo que esa obra es capaz de hacerle sentir a uno, y si estamos receptivos habrán obras con las que eso podrá suceder.
*2 Marcel Duchamp (Francia, 1887-1968) artista que causó un fuerte impacto en la concepción y creación del arte a mediados de los años 50. Sirviéndose de la pintura y la escultura en el marco del Dadaismo y el Arte Conceptual.
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TODO VALE (A MEDIAS) En el primer volumen de Art Now, Keith Edmier*3 apunta sobre la importancia de mantener la idea de que en el arte todo es posible pero que para ello hay que aceptar las consecuencias de esa libertad. El todo vale es la democratización del arte; nos hace libres como creadores y nos presenta un mar de posibilidades como espectadores. Tantas posibilidades permiten encontrar el arte que más se le parezca a uno, con el que más se siente identificado en ese momento, sorprendiéndonos con cosas que ni nos hubiésemos planteado. Aunque también puede surgir sensación de ahogo y naufragio en una barbaridad de ocasiones. En algunos de estos casos, harán tambalear nuestros cimientos de comprensión, la estructura mental con la que concebimos el mundo. Además, ha humanizado al genio con el que se identificaba al artista. El artista ahora es una persona más que cumple con su trabajo, no tiene porque ser reconocido mundialmente ni pasar a la historia, al igual que no tiene porque hacerlo la médica que nos atiende en la consulta y de la que nadie duda de su profesionalidad y competencia.
*3 Keith Edmier (Chicago, 1967) escultor influenciado por la cultura pop. Mezcla recuerdos de su infancia con detalles de otros personajes de la memoria colectiva
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MENUDA MIERDA Para que se pueda realmente entender la obra más allá de su apariencia en muchos casos es necesario tener constancia de todo el proceso histórico del arte. Al igual que en la Historia Universal, en la Historia del Arte existe un dialogo generacional. Entendemos que, las épocas van cambiando porque la mente va cambiando, como respuesta de su antecesora. Cada obra de arte, afirma Olafur Eliasson*4, está relacionada con su entorno, con su presente, con la sociedad, con los determinantes culturales y geográficos. No solo estudia el mundo, sino que también lo puede cambiar. Por lo que, si vamos a una feria de arte y la inmensa mayoría de lo que vemos nos parecen una mierda, puede que sea: bien porque se iba de antemano con ese filtro en la mirada, o bien, deja constancia de que así es la sociedad en la que uno vive. En cualquiera caso, que no falte ánimo, si se escarba un poco más se hallarán tesoros.
*4 Olafur Eliasson (Copenhagen, 1967) artista que trabaja con la escultura y la instalación a grande escala, jugando con materiales elementales como la luz, el agua y la temperatura del aire para crear experiencias en el espectador.
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ESO YO TAMBIÉN LO SÉ HACER O MI PRIMA DE 3 AÑOS LO HARÍA MEJOR Cuantas veces habremos oído o en alguna ocasión pronunciado, tales frases. Pero recordemos: valorar la obra según el grado de dificultad técnica es un error. La idea de una vida tormentosa y sacrificada como promesa del paraíso es un concepto de siglos atrás. Todos tenemos ideas, y algunas de ellas muy buenas, la diferencia es que algunos tienen la motivación, el tiempo y los recursos necesarios para llevarlas acabo. En ocasiones esas ideas no las tiene el propio artista sino que han surgido a través de su puesta en común con el colectivo que trabaja para él. De hecho, la autoría ya no es lo más importante, sino cómo conseguir que el conocimiento y el arte evolucionen. El arte es completamente subjetivo, cada persona experimenta diferentes sensaciones delante de una obra, inclusive esa sensación es distinta según el momento de la persona. Por lo que, existe arte para todo el mundo y para cada momento. A mi parecer, quedarse únicamente con el gusto de perderse y encontrarse en el arte del pasado, es como quedarse en una habitación de un palacio gigante, una habitación hermosa, sí, pero sólo un fragmento de su totalidad. El arte contemporáneo es un lenguaje más, como el cine, la música, la literatura o la danza, y aprender a disfrutar de él es abrir una puerta, abrir perspectivas y hacerse elástico en la comprensión de nuestra realidad.
¡Mahoma acércate a la montaña! Ven, no tiene desperdicio.
by Nerea Arrojería escritora y gestora cultural
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ARTEVISTAS GALLERY Passatge del Crèdit nº4 08002 Barcelona - España Tel/Fax: (+34) 93 513 04 65 info@artevistas.com
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GEETA
Geeta Pearson, cantante, músico, performance pero por encima de todo, artista. Pues con sus melodías, de las cuáles practica el polifacetismo, nos llega a conmover de tal manera que incluso nos podemos sentir encantados y extraídos del mundo terrenal. Mientras canta, Geeta toca instrumentos, es dj, se mueve, baila, vive su música, vive su Arte y nos hace vivirlo a nosotros también. Proveniente del Quebec, actualmente se encuentra en una gira por Europa, donde la pudimos ver en varias ocasiones. Gracias a la aportación de la Oficina del Quebec en Barcelona, tuvimos el gran placer de conocer a Geeta y hacerle unas cuantas preguntas, pues una vez supimos de ella, quisimos saber más, y más...
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1-In your music you sing and play all the instruments at the same time, how manyinstruments do you use at once? It depends on the song. I mostly play 1 or 2 keyboard parts and sometimes the bass as well. I have sequences which I play over. I like fooling around with some sound and vocal effects also for some intros. 2-When you play live you like to create a performance, what does evokes that performances beside your tracks? What they connote? I’m really influenced by visuals. I see every song like a series of pictures. Sometimes abstract images, surrealist and other times it’s a clear picture which is related to a specific emotion which is always changing. ( textures, colours, moods and landscapes) So when I perform the music I go deeper within myself, deeper in my imagination and in my emotions to express those raw images I see and feel at that specific moment. 3-You are doing a tour of Europe, which is what you are bringing this experience? Yes I’m on tour at the moment in Europe. It’s my fist time performing 35 concerts in 8 different countries. A do it yourself tour. I think if you want to things to happen you have to take control of your career. I wanted to come to Europe and see what are the opportunities for me here so I organised my own tour. I was very happy to see that many people were receptive and open to my music. I’m meeting so many amazing people and creating some contacts so I can come back again. It’s a great thing to combine travelling and music. Every day is different and exciting.
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4- Ever been compared to Bjork you, but tell us, what is your musical reference? Yes, perhaps because of the visual aspect of the music. Bjork is a colourful character that sings with such intensity and creates a magical experience for the audience. So I can see why people make the association since I too tend to give a lot of intensity in my music and in my performances. But my influences are so diverse and come from many artistic field. (Sylvia Plath, Charles Bukowski, Charles Beaudelaire, David Lynch, Marina Abromovic, Rodin, Banksy...) Also photography, architecture, nature...and my imagination.
5- What is the taste of your music? There is so much music I enjoy. All depends on what mood I am in. I love Nick Cave, Philip Glass, Bat for lashes,The Velvet Underground, Beck, Siouxsie and the Banshees, Tom Waits, Nina Simone, Iggy Pop, Godspeed you black emperor, Patti Smith, John Cage, Thom Yorke, Billie Holiday, Pink Floyd.... I love when people have interesting stories to tell and carries me into different states of mind or have interesting sounds capes. I love classical music, 70’s and 80’s punk meets new wave, old blues from the 30’s and I also enjoy in your face rock’n roll and some really good electronic beats as well. 6-What about after the tour? Do you have any project in mind? After the tour, I plan to finish my album and to make a video with a couple of my talented artist friends. I also have plans to come back this fall and next summer since I have several offers to perform again in venues and Festivals in Europe. So I will be back soon and often. I also have a music and multimedia project which I will produce for a unique concert in April 2015 in Montreal. So it’s going to be a very busy year but a very creative one too.
international.gouv.qc.ca/ca/barcelone www.facebook.com/quebecenbarcelona 83
...y no te dejes ni un pedazo. Nos hemos adentrado en las entrañas de la famosa asociación artística Eat Meat para que nos cuenten un poco en que consiste su suculento menú y os aseguramos que no tiene ni una pizca de desperdicio, hay que comérselo todo… En un principio nos impactó su nombre, atrevido y fresco, pero cuando les conocimos entendimos el porqué de todo. ¿Quieres descubrirlo tu? Lee las siguientes líneas… Pero antes, te advertimos, el contenido de esta entrevista podría herir las sensibilidades de alguno, ¿seguro que estás preparado? Adelante...
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¿Qué os hace carnívoros? Pues una especie de amor por los tendones, la sangre y el hígado de la imaginería popular. “Donde no hay sangre no se hacen morcillas” podría ser nuestro lema. Más seriamente; el nombre pretendía ser - hiperbólicamente - una broma y también una metáfora para descrivir de una manera eufónica y fácil el tipo de expresiones artísticas crudas y sin refinar que queríamos incluir en nuestra programación. ¿Qué os impulsó a crear una galería Entre los que compartíamos (y seguimos compartiendo) los talleres y oficinas en el local de Gràcia (una parte de los que después se convirtieron en la galería Eat Meat), pensamos organizarnos y montar una plataforma que nos sirviera a todos. Nos pareció que una filosofía vital y estética y un espacio expositivo serían suficientes para poner en marcha un proyecto que nos hiciera visibles como artistas y diera voz a nuestros gustos. ¿Crudo es emergente? Emergente en el sentido de nuevo, no necesariamente. La sensación que nos da es que últimamente el Arte emergente es el más manierista e ilustrativo, y de hecho, nos cuesta encontrar artistas jóvenes que verdaderamente tengan un discurso crudo e intuitivo, y que no busquen empezar la casa por el tejado imitando artistas que son “culos de bolsa” (callejón sin salida) en si mismos, finales de una tradición post-moderna pura etiqueta y fuegos artificiales. Emergente sí, en el sentido de crudo pretende ser verdadero y en este sentido lo intentamos, aunque a veces también es fácil dejarse liar por los estereotipos de lo que es crudo u oscuro. Tenemos que reconocer que alguna vez hemos caído en una especie de “Raw Pride” sistematizante. En fin; cosas del directo. Normalmente vuestra filosofía expositiva recae en un concepto bastante “dark” ¿Cuál es el motivo? El “darkismo” nos viene de casta. Y lo verdadero no se puede impostar. Lo vemos así y nos entendemos normalmente con gente que lo ve de manera similar; pura cuestión de gustos coincidentes en un expresionismo oscuro, sea pictórico, literario o musical.
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¿En cuanto a espacio expositivo cuál es vuestro discurso? Nuestro discurso es muy básico y sencillo, casi infantil: ¡déjame sacudirte! Ni siquiera queremos hacer pensar; nos movemos mejor apelando emociones básicas: miedo, risa, dolor, placer, extrañeza, iluminación, éxtasis, soledad, rechazo… procuramos que no haya ninguna pretensión intelectual, no por nada, si no porqué no es nuestro medio y lo haríamos fatal. No buscamos que nos “entiendas”, sinó que “sientas”. Llevais casi cinco años en la escena barcelonesa ¿Qué carencias y virtudes creeis que son las principales de esta escena? Hemos decidido tener unos conocimientos muy parciales y limitados de esta supuesta escena, y no relacionarnos mucho en ella. Por ejemplo, nunca hemos pedido becas ni subvenciones de ningún tipo para no tener que justificarnos delante de nadie y poder funcionar de forma intuitiva y anárquica. Por otro lado, las grandes instituciones del eje de las Ramblas, del Sta. Mònica al CCCB, pasando por la Virreina y el MACBA son un pozo incomprensible, ejemplos vivos (?) de como no tiene que ser la gesitón de un patrimonio físico o ideológico vivo (?), y de como se puede estar lejos del tejido artístico local (quizás salvaríamos el CCCB, de esto). Esto nos ha convertido en una especie de otusiders con conocimientos muy limitados de lo que es la escena. Nos limitamos a emitir en una frecuencia constante y a llenar el vacío que había de espacios que presentaran expresionismo figurativo, pintura y escultura y un poco de vídeo, el que a nosotros nos parece la madre del cordero, vaya. También vemos que han cerrado muchas galerías. Que las que quedan sobreviven como pueden y por los pelos. Que los grandes espacios expositivos estamentales también sobreviven como pueden con una programación y dirección erráticas y unos presupuestos que no se adhieren al envoltorio. Que no podemos competir con los presupuestos de los Caixa Fòrum y Fundaciones Telefónica ni con Madrid, pero si que se pueden presentar cosas más frescas y en formatos más humanos, aunque finalmente Gaudí, el “trencadís” y el modernismo sean lo que vienen a buscar los de fuera.
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Más allá de las habituales “sobredosis” de cerveza gratuita en los “vernissage” y las subidas de fotos colectivas al Facebook por dejar claro el “Yo he estado aquí” ¿creeis que tenemos un público con paladar y sensibilidad artística o es todo muy postureo? Estamos todos tan confundidos, tan lejos de escucharnos a nosotros mismos en cuanto a gustos, emociones, comprensión, etcétera, (y perdonad el tono budista), tan obsesionados a ver cuantos “likes” o quién te ha visto la foto de Instagram, que se ha vuelto muy difícil que alguien se pare más de 1 segundo a ver una imagen, por no decir venir a ver una exposición y mirársela con calma y contemplar cada cuadro más de 1 segundo o dos. Los que lo hacen, se cuentan con los dedos de una mano. Nos hemos vuelto consumidores compulsivos de imágenes y de eventos, súrfers de la última novedad, de la última sorpresa y de las tendencias dictadas por… ¿quién? Somos consumidores de adrenalina, no amantes del arte. En Eat Meat hemos procurado siempre crear unos ambientes suficiente atractivos para que invitaran a la gente a quedarse un rato y a encontrar afines y establecer nuevas relaciones, y, en este sentido, creemos que hemos cumplido una función tan de “punto de encuentro” como de galería. ¿Anécdota interesante a saber? Hay muchas, estos 5 años también han sido como tener un bar o un club social. Nos ha pasado de todo. Pero quizás esta sea la más curiosa: nunca nos han robado, ni en ninguna presentación, ni en ninguna inauguración, ni nada. Y lo decimos cruzando los dedos, somos, naturalmente, supersticiosos… ¿Visiones de futuro? Después de 5 años parece que estamos asistiendo al final del formato galería clásica-tiendecita white box, y nos incluimos.
Eat Meat está en extinción también y vemos como funcionan ahora mismo fórmulas mejores, más radicales que reducen el tiempo expositivo, por ejemplo, y se presentan a sitios singulares como edificios ocupados, industriales, efímeros, etc. Fórmulas que sueles ser viables si se sponsorizan, y ya volvemos a lo mismo. Gracias a la exclusión del “mercado del arte”, dos conceptos que se dan de ostias y júntamente con esta “crisis” tenemos terreno abonado para instrumentalizar aún más el “Arte” estamental, y que ya no salimos nunca más de este agujero provinciano en que, no nos engañemos, siempre ha estado Barcelona. Creemos que, además de hacer comunidad propia y cercana (calle-barrio-ciudad), se tiene que invertir en hacer red mediante internet e internacionalizarse, reducir infraestructuras (o compartirlas), que es lo que hacemos nosotros, y montar plataformas de acción casi socialistas. Creemos férmamente en la espontaneidad de las plataformas, grupos, artistas con su propia autogestión. En cuanto se vuelven entidades se tienen que reventar y empezarlas de nuevo sin apoltronamientos ni sistematizaciones. Acabáis de cambiar de espacio ¿Os está comportando algún cambio más a parte del físico? Bien. El público ha cambiado un poco bajando de Gràcia al centro: algunos gracienses aún no han bajado y otros, que les costaba subir, ahora vienen más. Sólo hemos hecho dos exposiciones y aún no podemos calibrar bien cuáles son los cambios más importantes, pero siendo una propuesta minoritaria parece que quien nos tenía que seguir ya lo hace, y que no les importaba donde estuviéramos, aunque la proximidad física hace la frecuencia. Los guiris del centro entran más para chafardear que sabiendo a donde van, y aunque algunos les guste, no compran ni son nuestro público. cruzando los dedos, somos, naturalmente, supersticiosos…
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Arte Contemporáneo Estonio en Barcelona ¿Alguien podría mencionar algún artista contemporáneo de Estonia? ¿Estonia? Sí, las Repúblicas Bálticas… Dicen que Tallin es muy bonita. Pero artistas… ¿Y si buscas en google? Sí, es verdad. Probablemente sabemos tan poco – o nada – del arte contemporáneo de Estonia como del propio país y su cultura. Si habéis tenido la suerte de visitar este pequeño país, seguramente os habrá sorprendido. Si no, seguramente lo hará cuando tengáis ocasión de visitarlo. Y si habéis tenido ocasión de conocer la escena artística de Estonia, sabréis que hay mucho que contar. Si no, ahora tenéis la oportunidad perfecta para acercaros a ella. El próximo mes de Junio, NauART presentará la exposición The Hypnostist Collector – Arte Contemporáneo Estonio, una muestra en la que siete artistas estonios nos darán su particular visión del arte y de la sociedad contemporánea, tomando la comunicación persuasiva como hilo conductor. Stacey Koosel, curadora de la exposición, nos explica que más allá del pasado soviético de Estonia, en el actual mundo globalizado e hiperconectado, todos estamos cada vez más sumergidos en las lógicas del consumo y el capital; unas lógicas que van inevitablemente acompañadas de estrategias de comunicación marcadas por el exceso visual, el espectáculo, la repetición y, en definitiva, una cierta hipnosis colectiva. Este fenómeno, que lógicamente no ha pasado desapercibido a los artistas contemporáneos de todo el mundo, es punto de partida desde el que la exposición nos aproximará a la escena artística de Estonia. La exposición The Hypnotist Collector – Arte Contemporáneo Estonio explorará temas como los medios, la publicidad, la propaganda, el exceso visual y otros aspectos relacionados con ellos, como la manipulación, el control, la repetición o el consumo de información. Todos ellos se abordan desde distintos medios, lenguajes y perspectivas que – a pesar de ser muy diferentes entre sí – comparten una visión irónica que cuestiona, revisa, reutiliza o subvierte los mecanismos de persuasión a los que estamos expuestos en nuestra vida cotidiana y que suelen pasarnos desapercibidos. Encontraremos trabajos como los jerséis tejidos por Jaanus Samma – con grafittis encontrados en el espacio público y convertidos así en una forma inesperada de propaganda independiente que se opone a la de las grandes corporaciones – o como los anuncios reconfigurados de Katarina Meister, con los que se revela el modo en que las tácticas de comunicación persuasiva como las usadas en los anuncios de las revistas, alteran el pensamiento tanto a nivel consciente como subconsciente.
Erki Kasemets Life file
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Erki Kasemets, recientemente seleccionado para representar a Estonia en la próxima Bienal de Venecia, nos presentará una de sus instalaciones con motivos repetitivos creados a partir del trabajo con objetos cotidianos, reflexionando sobre el consumo y el paso del tiempo, y sobre lo psicodélico, lo hipnótico y lo idiosincrásico. Kristina Norman, que también pasó por la Bienal de Venecia en 2009 con su controvertida obra “After War”, presentará el vídeo “Monolith”, en al que recupera sus características reflexiones sobre las paradojas de la identidad y las luchas ideológicas en un país postsoviético. También en el ámbito del vídeo y la reflexión sobre el espacio ideológico, la identidad, la propaganda y nacionalismo se moverán los trabajos de Eva Sepping y Marge Monko, quien incluye además notas de crítica feniminista y socioeconómica. Por último, Varvara Guljajeva, en colaboración con el artista catalán Mar Canet, presentarán “Wireless Poetry”, en la que convierten las redes woreless que saturan nuestro entorno urbano en un poema de Eduard Escoffet, con fragmentos de sus versos que se actualizan cada minuto y que van apareciendo secuencialmente en nuestras pantallas cuando escaneamos las redes disponibles a nuestros dispositivos. En definitiva, The Hypnotist Collector recorrerá la última década del arte contemporáneo estonio, considerando las miradas de diversos artistas, tanto emergentes como ya consolidados, que – bien desde perspectivas estéticas, políticas, activistas, feministas o reflexivas – se han aproximado al tema de la comunicación persuasiva como problema y realidad de la sociedad actual. Lo dicho: una oportunidad única para acercarse al arte de Estonia sin salir de Barcelona.
Jaanus Samma Sweater
Fechas: 6-29 Junio Inauguración: 6 Junio, 19:30h Actividades:
Miércoles 4 Junio, 19:00h. Charla – Debate con los artistas y la curadora Sábado 7 Junio, 18:00h. Visita guiada a la exposición a cargo de los artistas. Más información: www.nauart.com
by Marisa Gomez
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by Raül Prunell Holgado poeta y periodista
“En un mundo rígido, mi retina inquieta capta en sueños, movimientos ligeros. Aire tibio. Cambios”. Así define la fotógrafa Paula Arbide sus tiras fotográficas de In Motion. Uno de los campos que explora en su polifacética experiencia artística. FLASHES EXPLICATIVOS La técnica: “Una tira de In Motion es el resultado de 7 disparos de cámara reflex digital”. La complejidad: “Lo más complicado es que tanto los bailarines como yo debemos aportar muchísima energía para mantener ese nivel durante toda la sesión. Requiere un trabajo muy laborioso de edición digital con Photoshop. Y, por supuesto, mucho criterio a la hora de elegir las imágenes, para que las 7 seleccionadas formen una coreografía armoniosa. La petición al bailarín: “Movimiento. Y para que fluya, les voy dando ciertas pautas e ideas para motivarlos. En cada bailarín fui buscando diferentes cosas, según su potencial: en algunos, el movimiento armónico y elegante; en otros, la fuerza y la energía; en otros, la creatividad...” El color: “El blanco y negro aporta belleza estética a las tiras y ayuda a canalizar y darle protagonismo al movimiento. El color, en este caso, provoca distracción. Biografía Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1979. Tras residir unos años en Barcelona, se estableció en San Sebastián, donde estudió fotografía en IVASFOT (Instituto Vasco de Fotografía). Apasionada por descubrir a las personas y contar con su cámara las historias que rozan el alma. Actualmente, se halla envuelta en varios proyectos sociales y artísticos. Últimos trabajos: 2014: Photowriting Article-Espacio Luke (marzo) 2014: Exposición ‘Entre brumas’ en Ovalo (San Sebastián) (diciembre 2013 a enero de 2014) 2013: Reportaje ‘Los ojos que hablan’ en la revista Interviú nº 1.966 (diciembre) 2013: Artículo ‘El método Arrieta’ en 7K Magazine Más información: www.paulaarbide.com
Emmanuel Dobby
Arantza Iglesias
Sergio Noguema
Mirjam Dorthea
Le贸n Frescol铆n
Sagari
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WOODAMP
C/Es pr onceda nº 154 ( Bar celona) E-mail: info@nauart .com Teléfono: 93 498 28 20 ( tar des)
w w w.na ua r t .com
DI REC TO R IO
ADN Galería
MACBA
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Kowasa Gallery
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La Virreina Centre de la imatge
GAL E RI A S
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Galería Joan Prats
ProjecteSD
Galería Trama
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Fundació Antoni Tàpies
La Capella
Dirección: Aragó, 255. 08007 Barcelona Web: www.fundaciotapies.org Teléfono: +34 93 487 03 15
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Galería Marlborough Barcelona
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Dirección: València, 284, 1r 2a A. 08007 Barcelona Web: www.galeriamarlborough.com Teléfono: +34 93 467 44 54
Dirección: Passatge del Crèdit, 4. 08002 Barcelona Web: www.artevistas-gallery.com Email: maserre@maserre.com Teléfono: +34 93 414 15 97
Galería Senda Dirección: Concell de Cent, 337. 08007 Barcelona Web: www.galeriasenda.com Email: info@galeriasenda.com Teléfono: +34 93 487 67 59
La Taché Gallery Dirección: Concell de Cent, 292. 08007 Barcelona Web: www.latachegallery.com Email: info@latachegallery.com Teléfono: +34 93 467 64 56
Galería Carles Taché Dirección: Concell de Cent, 290. 08007 Barcelona Web: www.carlestache.com Email: galeria@carlestache.com Teléfono: +34 93 467 64 56
Galería Alejandro Sales Dirección: Julián Romea, 16. 08006 Barcelona Web: www.alejandrosales.com Email: galeria@alejandrosales.com Teléfono: +34 93 415 20 54
ce n t r os d e a rt e
Galería Toni Tàpies
Fundació Foto Colectania
Dirección: Concell de Cent, 282. 08007 Barcelona Web: www.tonitapies.com Teléfono: +34 93 487 64 02
Cadàver Exquisit
Dirección: Julián Romea, 6. 08006 Barcelona Web: www.colectania.es Email: colectania@colectania.es Teléfono: +34 93 217 16 26
Dirección: Santa Clotilde, 6. 08012 Barcelona Web: www.cadaverexquisit.com Email: info@cadaverexquisit.com Teléfono: +34 608 922 136
Galería Eude
+R Galería
Dirección: Concell de Cent, 278. 08007 Barcelona Web: www.galeriaeude.com Email: galeria@galeriaeude.com Teléfono: +34 93 487 93 86
Mutuo Centro de Arte
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Dirección: Julià Portet, 5. 08004 Barcelona Web: www.mutuocentro.com Email: contacto@mutuocentro.com Teléfono: +34 93 302 39 43
Galería Balaguer
Galería H2O
Transforma Bcn
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Dirección: Verdi, 152. 08012 Barcelona Web: www.h2o.es Email: galeria@H2O.es Teléfono: +34 93 415 18 01
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Fabra i Coats - Centre d’Art Contemporani de Barcelona
Art Fusion Bcn
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Dirección: Carrer Girona, 67. 08009 Barcelona Web: www.artfusionbcn.com Email: fusion@artfusionbcn.com Teléfono: +34 457 17 17
Polígrafa Obra Gráfica Dirección: Balmes, 54. 08007 Barcelona Web: www.poligrafa.net Email: info@poligrafa.net Teléfono: +34 93 488 23 81
Senda - Espai 2nou2
Museu Can Framis
Dirección: Enric Granados, 3, pral. 08007 Barcelona Web: www.galeriasenda.com/292.php Email: espai2nou2@formabinari.com Teléfono: +34 93 487 57 11
Dirección: Roc Boronat, 116-126. 08018 Barcelona Web: www.fundaciovilacasas.com Email: canframis@fundaciovilacasas.com Teléfono: +34 320 87 36
Nauart Dirección: Espronceda, 154. 08018 Barcelona Web: www.nauart.com Email: info@nauart.com Teléfono: +34 498 28 20
3 Punts Galeria
Galería Miguel Marcos
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Galería Joan Gaspar
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EN LAU CREEMOS EN LA REINVENCIÓN DE LOS FORMATOS EXPOSITIVOS. LA MANERA COMO ENSEÑAMOS ARTE ES LA MANERA COMO LA GENTE PERCIBE EL ARTE . YAR ARTE NO DEBE SER UN ACTO ESTAÁTICO NI PASIVO, EN LAU CREEMOS QUE
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Esta revista es para gente con inquietudes artĂsticas y con respeto por el arte. Si no eres de estos ...