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S A S H A
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4ยบtrimestre
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10 SEP. 2014 - 08 FEB. 2015 Convent dels Àngels
S UM A R I O Nº3 2014
staff
Josep Gaspar Editor
especial
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MAR SERINYÀ
Núria Llorca Editora Astrid Jacomme Directora Nerea Arrojería Redactora Raül Prunell Redactor
SASHA FROLOVA 20
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JEN DAVIS MIET WARLOP
Sandra Carbó Redactor Anna Torralbo Redactora
performers
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Os presentamos a estas 4 artistas que nos enseñarán a comprender y vivir la performance desde 4 puntos de vista distintos. 4 mujeres y una disciplina tant única y particular como el artista que la materializa: Mar Serinyà, Jen Davis, Sasha Frolova y Miet Warlop.
BLUE PROJECT FOUNDATION
OPENAIR FESTIVAL 56
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Dicen que se ha convertido en el espacio de arte total de Barcelona, mientras la ciudad se divide entre el clasicismo expositivo y la oferta underground.
OpenAir: El primo pequeño que ya ha pegado el estirón... Después de varias ediciones este festival se consagra.
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mademoiselle
le Troisiemme
maurice
le marais
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Sumérgete por las calles del barrio del arte de la capital francesa. Bienvenidos a “le troisieme”, bienvenidos a le Marais.
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Descubrimos a una de las artistas más particulares del street art.
C\Galligants nº 6, Baixos 1ª 17007 – Girona Catalunya Telèfon 972211960 info@galeriariera.cat
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Existe un arte en el que al espectador se le invita a ser agente activo, y es a partir de su intervención que la obra se amplía, se transforma o se completa. El espectador pasa a ser una extensión de la obra o un co-creador espontáneo. La obra de arte no es obra de arte “per se”, para que pueda existir necesita de la consciencia de un ente presente que la reconoce como tal. La vivencia obtenida de esta reciprocidad queda registrada como un acto único y personal. La performance y la instalación son ejemplos disciplinares de como medio y receptor son tan relevante como mensaje, canal y emisor, activando el potencial sensorial del agente.
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En la era bidimensional de las multipantallas, la tridimensionalidad es la apuesta atrevida del arte, que nos abre las puertas a la experimentación en carne y hueso de una obra que renuncia al escaparatismo del “se mira, pero no se toca”. Esta experiencia estética en la que se ve bañado el espectador tiene un carácter vital y no sólo intelectual, que en ocasiones promueve el gozo del sensorío común y provoca la trepidación de la estructura mental establecida. El Museo Guggenheim Bilbao y el CAC Málaga nos han ofrecido dos de las retrospectivas experienciales más representativas que han tenido lugar en lo que va de año en el territorio español. El espacio creado por Gehry se convirtió de Febrero a Mayo en un edificio orgánico, un ser vivo con el que jugar y sentir. Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), a través de la macroinstalación-escultórica el cuerpo que me lleva, nos incitaba así a sentir sus piezas de aire artesanal y celular, a formar parte de ellas, potenciando los sentidos con estímulos nuevos; atravesarlas, habitarlas e incluso olerlas. Neto apela a la sensualidad y a la corporalidad, a dejar a un lado nuestro raciocinio y a explorar el recorrido de sus exposiciones a través de la inteligencia corporal. Sensorial y sobretodo conceptual se presentaba de Mayo a Agosto a Marina Abramovic (Belgrade, Serbia, 1946) con su Holding Emptiness, un registro de su histórico recorrido performático. A través de este compendio videográfico y fotográfico pudimos, aunque fuese en diferido, como voyeurs de algo que ya ha pasado, echar el ojo por la mirilla del trabajo de Abramovic. Una artista que trata los límites de la resistencia mental y física a través de su propio cuerpo e insta al espectador a la participación. Obras cargadas de provocación y sujetas a la intemperie de la improvisación. Abramovic promueve así, una dinámica de relación intersubjetiva en las salas expositivas en la que tanto artista como obra están presentes. En la pluralidad de discursos de la contemporaneidad, encontramos este año dos artistas polares, que a pesar de su contenido antagónico, se relacionan como dos caras de una misma moneda. De este modo, se advierte como ambas líneas de proceso convergen en el mismo punto; la creación de un arte vivo, sensible a la presencia activa de un espectador imprescindible, con el que nos concentran en el “aquí y ahora”. Tanto Ernesto Neto como Marina Abramovic aluden al cuerpo y a la mente en una narrativa que entiende al yo individual en transito con el yo social, en una observación continua de su tiempo y su geografía. Resulta legible para mi que discursivamente ambos artistas sugieren salir del cotidiano de los días tachados en el calendario, ya sea embarrándose en la aestesis como a través del hachazo reflexivo de un arte en continuo movimiento.
Nerea Arrojería comisaria de arte y gestora cultural
En esta edición os presentamos 4 ejemplos de performance canalizadas y ejecutadas a través de 4 perspectivas diferentes pero todas con un elemento común...la experiencia performática.
Mar Serinyà Jen Davis Sasha Frolova Miet Warlop 19
perfom an ce e x pre s i v a
expresion corporal, poesia visual Cuando Mar habla, a menudo gesticula de una forma curiosa como si con las manos acabara de dar consistencia a sus palabras. Cuando Mar traza, este gesto se prolonga por su cuerpo en una danza casi hipnótica, toda una experiencia para los que hemos tenido la oportunidad de presenciarlo en vivo. Es entonces, cuando la observas inmersa en pleno proceso creativo, que descubres que sus trazos son ella misma, porque provienen de una parte tan cruda, tan espontánea y manifiesta de su esencia, que en cada trazo reconoces su huella. Su modus operandi es un ritual que cautiva: prepara con cuidado el espacio, hace estiramientos, calentar la voz y se adentra, literalmente, en el soporte que acogerá su nueva creación-rastro. Lo que viene a continuación es un acontecimiento casi místico. Como si de una médium se tratara, esta artista con extensa formación como soprano trabaja para hacer visible el nacimiento de la voz interior a través del cuerpo, allí donde la voz encuentra su medio de expresión más visceral. Los gemidos, los suspiros, los gritos, los llantos o el sonido de la propia respiración, junto con las vibraciones que imprimen en la artista, serán los protagonistas. El suyo es un arte surgido de la necesidad, tan humana, de explicar y de explicarse. Es por ello que la búsqueda nunca se detiene, porque transita paralela o Paralelamente al proceso de maduración propio de una persona sensible y rigurosa con un penetrante sentido poético. Sorprende de Mar, precisamente, ese carácter introspectivo que la lleva a no incidir en exceso sobre el trabajo realizado, a probar de abrir siempre nuevos caminos de expresión. Más allá de la fuerza plástica de su obra, con cada nueva pieza, esta artista nos invita a imaginar múltiples formas de entre el entramado de trazos. Y es precisamente en estos garabatos aparentemente desbocados, a veces sutilísimos y otros frenéticos, donde se revela el eje de aquella voz interior que se quiere manifestar para mostrar lo que la está moviendo. ----------------------------------by Alba Casaramona
marserinya.com 21
MAR S E R I N YĂ€
Transparent
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per fo m an ce i n t ro s p e c ti va
JEN DAVIS me and myself
Welikethem
Jen Davis llama fuertemente la atención y no es para menos. Esta fotógrafa norteamericana ha dinamitado el panorama fotográfico con su última serie,”Self-Portraits”. Una obra madura e inspiradora que habla, no sin cierta polémica, de su concepción de la belleza y el rechazo hacia uno mismo, todo a través de una serie de autorretratos tomados entre 2001 y 2013. Nacida en Akron, Ohaio, esta americana graduada en Yale y en el Collumbia Collage de Chicago ha conseguido generar una obra donde cada persona puede ver retazos de sí misma y sentirse identificado con la persona triste, tímida e insegura de las fotografías. Mediante estos retratos no solo crea un universo muy real, con imágenes costumbristas que remiten a una intimidad universal, sino que, sus fotografías parece que lanzan preguntas muy directas sobre la visión que tenemos sobre nosotros mismos y como nos comportamos en relación a esta visión. A partir de la exploración de su cuerpo, sus autorretratos se convierten en profundos documentos sobre su relación con su cuerpo, sus ideales de belleza, su intimidad, su sexualidad, etc. generando un viaje muy íntimo y personal. Esta visión de sí misma, a veces delicada, vulnerable, otras dura, está ligada a una pregunta formulada por la autora en Myrtle Beach (Carolina del Sur) ¿Cómo me ven los demás?.La fotografía que se generó de esta pregunta, titulada “Pressure Point”, es el punto de partida de la serie que la ha hecho famosa. Esta escena de playa, donde la autora, tapada, desviando la cara de la cámara y con ciertos signos de incomodidad, se ve rodeada de personajes delgados y tonificados, aporta ya una idea inequívoca de la temática, que se sigue desarrollando en otras escenas más sencillas de su vida, desde tender la ropa a secarse el pelo. Pero no solo la realidad habita en esta obra, sino que se entremezcla con fotografías orquestadas para mostrar “fantasías” que no se llevan a cabo debido a su sobrepeso. En ellas, su mirada es más directa, desafiante, pero triste, y llevan a pensar sobre su manera de afrontar la situación. Las imágenes tienen un giro cuando Jen se muda a New Haven. A partir de ese momento, se harán más sugerentes, sensuales y fuertes, hasta llegar a las últimas donde se muestra la gran pérdida de peso. Este cambio es en parte generado por su nueva manera de afrontar su cuerpo en una nueva ciudad, pero también por una mayor toma de conciencia sobre su estado físico la llevó a, en 2011, comer mejor, practicar más deporte y colocarse una banda gástrica. El resultado de esta pérdida de peso y esta nueva autoaceptación, son fotografías que muestran su relación con una pareja real, sin fantasías, y desde un punto de vista más amable. El volumen de fotografías ha descendido notablemente desde su bajada de peso y es que, como Jen Davis relató para la revista online David Rosenberg “Estaba poniéndome al día en lo emocional y en ser diferente…Quería experimentar lo que eran las citas, lo que sentía respecto al mundo y no utilizar una cámara para poder acceder a ello. No quiero que sea una distracción” Actualmente, Jen Davis vive en Brooklyn, y se ha alejado artísticamente de esta serie que le dio la fama, ya que es parte de su pasado, de su antigua manera de ser y verse a sí misma. Lo que sigue igual son las sensaciones que genera en todo el mundo su trabajo, que consigue emocionar, interactuando con los pensamientos críticos que están dentro de todos nosotros. by Sandra Carbó
redactora y comisaria
jendavisphoto.com
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JEN D AV I S
Untitled No. 26. 2007
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JEN D AV I S
Fantasy No. 1. 2004
Foto: Santi Fort
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2004
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S A S H A R O L O V A p erfo manc e ir贸 nic a
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Tranquilos. Todo está bien. Solo hemos entrado en el mundo galáctico de látex de Sasha Frolovav. Todos esos colores fluor y música electrónica son normales. Dejaros hipnotizar por su alter-ego Aquaaeronika que nos llevará a un mundo de influencias retro-futuristas lleno de pin ups y personajes manga donde la realidad no tiene cabida, dejando paso a un espectáculo de luz, color y mucho arte. Sasha Frolova es una artista rusa nacida en Moscú en 1984. Reina de las performace más pop, en las que introduce música electrónica y con sus esculturas realizadas con látex hinchable. Estas esculturas no solo forman parte del decorado, sino también de su vestimenta y la de sus musculados acompañantes. Todas sus piezas, tanto escultóricas como de performace, parten de ese elemento común, el látex, que, le aporta originalidad y que, a pesar de su complejidad técnica (algunas obras tienen que realizarse durante un mes) crea piezas unificadas y que remiten a progreso y futuro, pero también a lo actual, a la relación del material con la sociedad y cultura del siglo XXI. Durante toda su creación artística, Sasha escenifica juegos de ordenador en los cuales, sus personajes recorren mundos futuros a la vez que habla de temas trascendentales para el ser humano. Destaca en sus esculturas, la búsqueda de un mecanismo que utiliza las fuerzas del intelecto humano, de una manera casi paranormal. Un ejemplo de todo ello es su primera performace basada en su escultura - Lyubolet / Lovecraft. En ella, los astronautas portadores de los trajes de látex utilizan la fuerza de su amor para mover la nave espacial (también de látex) y viajar a otros mundos. Por otro lado, el personaje que ha creado, al margen de su papel como escultora, es una de sus obras artísticas, quizás la más grande y conocida. Aquaaerobika nació en una serie de fiestas del mismo nombre donde era imprescindible llevar una síntesis entre traje de baño y trajes de aeróbic de los 80, generando una simbiosis que resultaba cómica y grotesca. El resultado es esta superwoman del futuro que realiza un show electrónico que resume todos los conceptos que ella trata, y los transporta a un nivel superior. De ahí la gran acogida que ha tenido dentro de las artes visuales, que ha catapultado a su autora al estrellato en su país natal.
by Sandra Carbó redactora y comisaria
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SASHA F R O L O VA
CYBERPRINCESS
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SASHA F R O L O VA
LYUBOLET
SASHA F R O L O VA
METROPOLIS
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p er f oma nc e su r r ea l i s ta
MIET WARLOP Miet Warlop es una artista visual belga cuyos espectáculos unen teatro, performance e instalación escénica. Sus trabajos han podido verse en reconocidos centros del norte de Europa, como el Kiasma de Helsinki o la Lisson Gallery de Londres, y ahora llegan por primera vez al nuestro país. A medio camino entre la crítica social más mordaz y la acidez irónica del surrealismo, el universo de la artista belga se caracteriza por el uso sorprendente de los objetos cotidianos y de los referentes de la sociedad contemporánea. “Cuando hago una performance, busco una especie de quietud rítmica. Me veo como una escultora de momentos, como la creadora de lo que llamo ‘imágenes nerviosas’: una colección de momentos solidificados” explica la artista. Miet Warlop ha creado “Liquid Dreams”, un nuevo espectáculo especialmente imaginado para la inauguración de la Blueproject Foundation. Una explosión de color, humor absurdo y situaciones imprevisibles…
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photo: Reinout Hiel
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El pasado 26 de Septiembre Blue Project Foundation celebró su primer aniversario. Hace un año explicaban que su principal objetivo era ser un centro multidisciplinar de arte, generador de contenido, cuyo principal objetivo es ofrecer una mirada respetuosa e intensa de la creación artística moderna y contemporánea, pues bien, un año después se puede decir que lo están haciendo perfecteamente. En Barcelona ya son sinónimo de calidad y la gente empieza a apreciar esas puestas en escena tant particulares con las que convocan a la gente en sus exposiciones y muestras, siempre acompañadas de inputs multidisciplinares como música, performance, insatalación...siempre aportando algo que propicie que el espectador se acerque a la cultura y el arte contemporáneo en su esencia, casi asumiendo una voluntad docente única en la ciudad.
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Además su estructura de espacios y exposiciones es sumamente equilibrada. Han sabido crear un espacio donde co-habitan lo consagrado con lo emergente, y no solamente eso sinó que consiguen que ambas cosas se potencien entre si. La Sala Project acoge exposiciones de artistas emergentes y reconocidos, este primer año se han podido ver muestras de Pedro Torres, Christiane Löhr, Ken Matsubara, Yui Kawaguchi, Yoshimasa Ishibashi, François Curlet, Antonio Ortega, Miet Warlop. Il Salotto está concebida para las exposiciones de peso, en ella, hasta la fecha, se ha podido disfrutar de 3 muestras espectaculares y con nombres de talla mundial. 2 colectivas comisariadas : BLUE e IDOLATRY, que han mostrado obras de artistas como: Doug Aitken, Jean-Michel Basquiat, Douglas Gordon, Keith Haring, Damien Hirst, Robert Williams, Aaron Young, Lucio Fontana, Howard Hodgkin, Jörg Immendorff, Andy Warhol y actualmente una monográfica de WOLFGANG LAIB. Blue Project también dispone de una cafeteria anexa que completa una oferta artistica redonda. blueprojectfoundation.org
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STURLE DAGSLAND M
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Hoy en día se estrenan muchísimos grupos de música en las redes sociales. Sin embargo, no tenemos la oportunidad cada día de escuchar a alguna banda que suene diferente a lo que ya conocemos. Sin duda, los noruegos SturleDagsland son una de ellas. El grupo está formado por SturleDagsland y su hermano Sjur, acompañados en directo por Carl Tomas NisingSandvold y EirikHeggen. Su música es algo difícil de catalogar entre experimental, electrónica, alternativa... Pero eso es justamente lo que quieren: no se pueden clasificar porque no se parecen a nada que ya exista. El trabajo de Sturle tiene algo primitivo y etéreo. Es un conjunto organizadamente caótico de sonidos tan diversos como los de un hangdrum, una arpa, un sheng, un marxophone, un cello, unas guitarras, o bases electrónicas, combinados a la perfección con las vocalizaciones locas de Sturle. El resultado es inhabitual, tenebroso y rompedor.En 2012 la banda fue galardonada como “aspirante a artista 2012” en Copenhague. Se dice del grupo que no deja a nadie indiferente y que suelen convertir sus directos en un salvaje apocalipsis musical. Por supuesto tienen referentes que les han inspirado pero intentan evitar cualquier tipo de similitud. No quieren sonar como los demás y en ese sentido han dedicado años en crear este sonido único gracias a la mezcla de elementos estilísticamente muy variados. Desde luego encontrar su sello sonoro en el panorama musical actual es algo muy arduo, sin embargo el proseguimiento continuo de un estilo novedoso y el uso de nuevos instrumentos y maneras de usar la voz son algunos de los secretos que les han permitido conseguirlo. La clave: cada nueva canción tiene que ser lo más diferente posible de la anterior. Un espíritu rompedor, un sonido único y un directo intenso son los puntos fuertes de SturleDagsland. Cada uno puede ver en sus canciones algo brillante, terrorífico, profundo o quizás sólo algo raro. Pero todos estaremos de acuerdo en un punto: su estilo es único. by Astrid Jacomme redactora y comisaria
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Galeria SENDA Consell de Cent, 337 08007 Barcelona Tel: +34 93 487 6759 Fax: +34 93 488 2199 www.galeriasenda.com
/ roger ballen / jordi bernadĂł / m. bevilacqua / james clar / josĂŠ pedro croft / michael j. grey / anthony goicolea / peter halley / yago hortal / karin kneffel / ola kolehmainen / glenda leon / anna malagrida / robert mapplethorpe / aitor ortiz / isabel rocamora / gino rubert / eve sussman & rufus corp. / sandra vasquez de la horra / massimo vitali / gao xingjian
/ oleg dou / jordi ribes / martĂn chirino / jane hammond / taj forer
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Mutuo es uno de los espacios de Barcelona que con el tiempo ha sabido destacar del panorama local gracias a sus exposiciones de calidad, ideas innovadoras y un calendario a reventar de propuestas. Uno de sus platos fuerte es el Open Air Festival que celebra ya su cuarta edición. El Open Air Festival es un festival de música, arte y diseño, cuya vocación es principalmente dar a conocer artistas emergentes y ofrecer al público el disfrute gratuito de la cultura de la ciudad.Entre los diferentes jardines y claustros del edificio histórico de la UB acontecerán conciertos y sesiones de djs, workshops, stands de diseño y exposiciones diversas. Esta nueva edición cuenta con un line-up musical muy interesante, con la presencia de artistas como Miss Q (acompañada por los visuales deMademoiselleOuiOui), Ljubliana&TheSeawolf, Stand up againstheartcrime o LowFight. También habrán stands de diseño y exposiciones como las de Elisa Ancori, Clara Cortes y Alba Rihe, y la exposición colectiva “Barcelona Drawing City” organizada por TheWalrusHub. El programa se completa con dos workshops: uno sobre técnicas de creación de música electrónica que se planteará como un experimento en directo, y otro cuyo título, sin duda, llama la atención: “5 ideas para salvar el mundo (o destruirlo definitivamente)”. Desde luego, el Open Air Festival es un evento al cual vale la pena asistir y esperamos poder celebrar muchas más ediciones.
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Aquí va una selección de artistas que merecen mucho más que estas páginas
ESTELA ORTIZ estelaortiz.com
KEN MATSUBARA oplus.jp/kenmatsubara
CADAVER
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RELLA
SARA PONSARNAL
CADAVER
RAFAEL DE LA RICA rafaeldelarica.com
LAU
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CÉCILE HUG cecilehug.blogspot.com.es
PABLO GONZALEZ pablogt.com
CADAVER
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EUDALD DE JUANA eudalddejuana.com
XAVI BARTUMEUS galeriariera.cat
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JESSE AUERSALO jesseauersalo.com
ANTONIA CORTIJOS antoniacortijos.blogspot.com.es
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Leonard Beard
Después de más de 20 años ilustrando la actualidad más rabiosa en el Periodico Leonard Beard nos destapa su faceta más personal
23/ 10 /2014 9/ 11 /2014
C/ DÊnia 25, B. 46006 València (Spain) Tel1. (+34) 963 958 808 Tel2. (+34) 696 190 285 espaitactel@espaitactel.com
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leMarais Calles de adoquines, preciosos jardines interiores, la mayoría de las delegaciones culturales internacionales, creperias, el Museo Picasso, la Place des Voges, todo el tejido económico del loby judío parisino, bodegas de buen vino, glamour, elegancia, aroma a clase pudiente, y arte... mucho arte. Allí están algunas de las mejores galerías del país galo y de medio mundo. Bienvenidos a “le troisiemme“, Bienvenidos a le Marais.
THADDAEUS ROPAC
Ropac abrió su primera galería en Salzburgo, a la edad de 23 años en 1983, a esta le siguió una segunda en París Marais siete años más tarde. abierta en 1990 el espacio la galeria Ropac se extiende por tres pisos en la Rue Debelleyme en el barrio de Marais de París. Hoy sus galerías representan algunos de los artistas austriacos más importantes, como Erwin Wurm, Hubert Scheibl, Gerwald Rockenschaub y Arnulf Rainer, así como artistas internacionales como Georg Baselitz, Alex Katz, y Anselm Kiefer. En 2012, Ropac renova una fábrica de 1.900 m2, fábrica de antiguos sistemas de calefacción en Pantin, en el este de París, y transformado sus ocho espacios para hacer salas de exposiciones, un centro de rendimiento, una biblioteca , un archivo, una sala de observación y de estudios para artistas La galería organiza extensas exposiciones individuales y colectivas, no sólo en sus propias instalaciones, sino también en colaboración con los principales museos internacionales y otras instituciones de arte no comerciales. Entre 2005 y 2011, en colaboración con la Fundación Robert Mapplethorpe organizó uno de los eventos con más resonáncia en la história de la galeria..., Ropac convocó a Hedi Slimane, Robert Wilson, y Sofía Coppola para actuar como comisarios invitados y para seleccionar una serie de imágenes de la fundación de tres espectáculos de la galería. La Galerie Tadeo Ropac está presente en todas las grandes ferias de arte contemporáneo incluyendo, el Armory Show de Nueva York, las ferias Art Basel en Basilea, Miami y Hong Kong, Frieze Art Fair en Londres y Nueva York y la FIAC en París. En 2012 Ropac abre una galería en Pantin en el borde noreste de París. Ropac conseguia así el sueño de crear un espacio mágico para mostrar obras de arte monumentales que era accesible desde París en metro.
GALERIE PERROTIN
Galerie Perrotin es una galería de arte contemporáneo fundada por Emmanuel Perrotin en 1990, la galería en la actualidad ocupa dos pisos en el distrito de Marais de París, con un espacio de exposición contiguo al otro lado de la carretera. En mayo de 2012, la galería abrió un espacio en Hong Kong en 50 Connaught Road central diseñado por el arquitecto Andre Fu. Galerie Perrotin comenzó a representar a dos de sus artistas más conocidos, Maurizio Cattelan y Takashi Murakami, muy temprano en sus carreras. En 1993, Perrotin llevó las obras de Maurizio Cattelan, siendo relativamente desconocido en ese momento, a la de Yokohama feria de arte contemporáneo, NiCAF. En 1994, Perrotin mostró la obra de Takashi Murakami en la Feria Internacional de Arte de Gramercy en Nueva York, convirtiéndose en la primera galeria en exhibir la obra de Murakami fuera de Japón. Sería una década más tarde cuando ambos artistas lograron éxito comercial. Hoy, Perrotin continúa trabajando con nuevos y jóvenes artistas como KAWS y JR. Perrotin también representa a muchos artistas franceses como Sophie Calle, Tatiana Trouvé, Xavier Veilhan, Jean-Michel Othoniel y Bernard Frize. Además, la galería fue uno de los primeras en aprovechar los mercados de Asia, y ahora cuenta con Aya Takano, Sr. y Bharti Kher entre sus artistas.
YVON LAMBERT
En 1966, Yvon Lambert abrió su primera galería en la rue de L’Echaude en París, Francia, donde comenzó a exponer artistas americanos. Lambert mostró fundadores del conceptualismo, el minimalismo y el arte de la tierra, tales como Carl Andre y Lawrence Weiner. Lambert dejó el distrito 6 y en 1977 se instaló en rue du Grenier St Lazare, en el barrio del Marais, donde expuso artistas como Miquel Barceló, Joseph Beuys, Louise Lawler, Jean-Charles Blais, y Allan McCollum. En 1986 se trasladó de nuevo a un espectacular espacio con techo de cristal en la rue Vieille du Temple, donde Lambert afirmó sólidas relaciones con artistas como Joan Jonas, Nan Goldin, Jenny Holzer, Thierry Kuntzel, Glenn Ligon y Anselm Kiefer. Yvon Lambert de París permanece en el espacio en la rue Vieille du Temple en la actualidad. En 2000, Yvon Lambert abrió la Colección Lambert en Avignon en el antiguo espacio del Hôtel de Caumont. Esta colección se inició con 350 obras de la colección privada de Yvon Lambert y presenta más de 1.200 obras de artistas contemporáneos. En 2003, Lambert expandió su representación internacional con la fundación de una nueva galería en Chelsea, Nueva York. De 2005 a 2006 el director del programa de la galería fue el comisario de arte independiente e historiadora Patricia Martín. En 2007, la galería de Nueva York se trasladó a West calle 21 en un espacio 700 m2, diseñado por Richard Gluckman en colaboración con Thomas Zolli y Rachel D. Vancelette. Yvon Lambert anunció en su 75 cumpleaños, no mucho después del ataque a Andrés Serrano de “Piss Christ” en la Fondation Yvon Lambert en Avignon, que iba a cerrar su ubicación Nueva York. Una gran fiesta con todos los artistas representados sirvió de cierre a esa etapa
KARSTEN GREVE
En 1969, comenzó una carrera como comerciante de arte. En 1970, se abrió la galería Mollenhof / Greve junto con Rolf Mollenhof. En 1973, Karsten Greve abrió su primera galería en Colonia con una exposición de Yves Klein. Desde 1977 sus galerías participan regularmente en las principales ferias de arte como Art Basel, Miami feria Art, Art Cologne y Foire internationale d’art contemporain, París. Mientras tanto corre 3 galerías de arte en Colonia, París y St. Moritz, todos los cuales son nombrados Galerie Karsten Greve. Estas galerías no se especializan en algún tipo particular de arte. Artistas expuestos notables incluyen Josef Albers, Louise Bourgeois, John Chamberlain, Jean Dubuffet, Leiko Ikemura, Jannis Kounellis, Lucio Fontana, Gotthard Graubner, Piero Manzoni, así como fotógrafos Sally Mann, Robert Polidori, Adam Fuss y Lynn Davis.
relación
GALERISTA-ARTISTA ARTISTA-GALERISTA La relación galerista / artista debería estar presidida, entre otros principios, por la mutua confianza y por la máxima diligencia en el cumplimiento de las obligaciones asumidas por cada una de las partes. Sin embargo, en muchas ocasiones, durante la vida de esta unión se rompe uno de ellos. Evitar esta rotura o mejor dicho las consecuencias nefastas de la misma y lograr la máxima seguridad jurídica en las relaciones comerciales y profesionales que se establecen entre artistas y galeristas es posible gracias a la redacción de un contrato donde se selle detalladamente el acuerdo que han alcanzado y la forma en que se comprometen los mismos a llevarlo a cabo. Existe, por otra parte, la falsa creencia de que cuando un galerista y un artista no tienen firmado un contrato escrito simplemente quedan desligados de cualquier obligación contractual. Nada más lejos de la realidad, nuestra legislación contempla la validez tanto del contrato escrito como del contrato verbal. La diferencia estriba en que los acuerdos que han alcanzado verbalmente galerista y artista, lo que supondría un contrato verbal, no pueden probarse de ninguna forma. Si vienen tiempos de malos entendidos será la palabra de uno contra la palabra del otro y “Donde dije digo digo Diego”. A parte, y no menos importante, de que cuando se establecen pactos verbales se olvidan términos por concretar y no se realiza el esfuerzo que requiere el reflexionar cada pacto y sus consecuencias prácticas y, sobre todo, económicas. De ahí, que el contrato escrito sea la mejor opción y más cuando, en principio, se habla de relaciones que se conciertan, previsiblemente, para un largo periodo de tiempo. Por cuanto el mismo servirá para concretar con mayor precisión y claridad los acuerdos que se quieran adoptar, como medio de prueba irrefutable, ayudará en la seriedad de las relaciones, a que las partes sepan por anticipado sus derechos y sus obligaciones, evitando de esta forma, la desconfianza y los malos entendidos y, principalmente, a que ninguna de las partes quede desamparada.
Todo reside en la mutua confianza
El contenido del contrato es totalmente libre de pactarlo las partes como mejor le convenga siempre que no sea abusivo ni vaya contra la ley. No es necesario, ni recomendable, los contratos excesivamente extensos y con cláusulas poco claras. Corto y conciso, dos veces bueno. Son bien conocidas las problemáticas que genera la relación galerista / artista por lo que no se debe olvidar incluir en cualquier contrato, la parte económica (reparto de márgenes, política de precios y de descuentos, gastos,...), pacto de exclusividad o no, información, producción, plazos de entrega, representación y promoción del artista, depósito de las obras,... Hay otro aspecto que queremos destacar ya que también es fundamental incluirlo en el contrato, cual es los derechos de autor. Y lo destacamos porque no nos deja de sorprender lo poco o nada informados que están ambas partes sobre el mismo. No cabe duda que el propietario o titular de los derechos de autor sobre la obra es el propio artista. Ya hablemos de derechos morales como de derechos patrimoniales. Los primeros el artista nunca los podrá ceder, al contrario que los segundos que sí podrá ceder, siempre por escrito y de forma onerosa o gratuita, al galerista para que éste, por ejemplo, pueda reproducir la obra en el catálogo de la exposición. En conclusión, de lo que se trata, si se quiere que la industria cultural funcione, es de perder el miedo al documento escrito para proyectar seriedad y profesionalidad y, por ende, reivindicar el valor del trabajo de cada agente del sector, incluso en términos económicos.
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Mademoiselle Maurice
Sadako era una niña victimade la bomba atómica de Hiroshima afectada por la leucemia y que decidió creer en una antigua leyenda japonesa: si hiciera 1000 gruyas de papel los dioses le concederían un deseo. Por desgracia murió antes de alcanzar su objetivo pero sus amigos decidieron acabar lo que había empezado. Esta historia no sólo inspiro a generaciones enteras, sino también a artistas como Marie Saudin, aka Mademoiselle Maurice. El origami, el encaje y el bordado son las herramientas que utiliza la artista francesapara transmitir su mensajepor las calles de ciudades del mundo entero. Con sus creaciones quiere colorear la ciudad, pero también sorprendery provocar al transeúnte y cuestionar nuestra sociedad. ¿Por qué hacerlo en la calle? Para no tener que restringirse a los límites de un lienzo, porque el arte es cosa de todos y porque las calles son grises y tristes… Inspirada por artistas como Banksy, Etam Cru, Maya Hayuk o Levalet, el trabajo de Mademoiselle Mauricerequiere precisión, dedicación y paciencia. Fresca y aparentemente ligera, suobrasubrayamuchas preguntas respecto a la naturaleza humana y a las interacciones que mantiene el hombre con su entorno. Le gusta repartir mensajes claros y directosya sea con una instalación dónde los origamis forman un “Smile” o un “Fuck”. Ante todo, su trabajo es un himno a la paz, a la harmonía y al amor. Muchas de sus obras transmiten su filosofía ecologista y antinuclear. Así es ella: una militante. México, Paris, Londres, São Paulo… Mademoiselle Maurice no conoce las fronteras. Le encanta viajar con la mochila rebosante de pápeles de coloresy convertir su arte en algo universal. No lefaltan planes ni sueños. La joven artista seguirá iluminando las ciudades de todo el mundo con sus colores, su espontaneidad y su jovialidad. Porque aún le faltan muchas cosas por decir y sin duda, no se lo piensa callar.
onthestreet
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ARTEVISTAS GALLERY Passatge del Crèdit nº4 08002 Barcelona - España Tel/Fax: (+34) 93 513 04 65 info@artevistas.com
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WOODAMP
DI REC TO R IO
ADN Galería
MACBA
Dirección: Enric Granados, 49. 08008 Barcelona Web: www.adngaleria.com Email: info@adngaleria.com Teléfono: +34 93 451 00 64
Dirección: Plaça dels Ángels, 1. 08001 Barcelona Web: www.macba.cat Teléfono: +34 93 412 08 10
N2 Galería
Àngels Barcelona
Dirección: Enric Granados, 61. 08008 Barcelona Web: www.n2galeria.com Email: info@n2galeria.com Teléfono: +34 93 452 05 92
Dirección: Pintor Fortuny, 27. 08001 Barcelona Web: www.angelsbarcelona.com Email: info@angelsbarcelona.com Teléfono: +34 93 412 54 00
Kowasa Gallery
Nogueras Blanchard
Dirección: Mallorca, 235. 08008 Barcelona Web: www.kowasagallery.com Email: gallery@kowasa.com Teléfono: +34 93 215 80 58
Dirección: Xucià, 7. 08001 Barcelona Web: www.noguerasblanchard.com Email: info@noguerasblanchard.com Teléfono: +34 93 342 57 21
Galería Estrany de la Mota
La Virreina Centre de la imatge
GAL E RI A S
Dirección: Ptge. Mercader, 18. 08008 Barcelona Web: www.estranydelamota.com Email: galeria@estranydelamota.com Teléfono: +34 93 215 70 51
Dirección: Xucià, 7. 08001 Barcelona Web: www.bcn.cat/lavirreina Teléfono: +34 93 316 10 00
Galería Joan Prats
ProjecteSD
Galería Trama
Dirección: Rbla. de Catalunya, 54. 08007 Barcelona Web: www.galeriajoanprats.com Email: galeria@galeriajoanprats.com Teléfono: +34 93 216 02 84
Dirección: Ptge. Mercader, 8, baixos 1. 08008 Barcelona Web: www.projectesd.com Email: info@projectesd.com Teléfono: +34 93 488 13 60
Dirección: Petritxol, 5. 08002 Barcelona Web: www.galeriatrama.com Email: galeriatrama@galeriatrama.com Teléfono: +34 93 317 48 77
Fundació Antoni Tàpies
La Capella
Dirección: Aragó, 255. 08007 Barcelona Web: www.fundaciotapies.org Teléfono: +34 93 487 03 15
Dirección: Hospital, 56. 08001 Barcelona Web: lacapella.bcn.cat Teléfono: +34 93 442 71 71
Galería Marlborough Barcelona
Artevistas Gallery
Dirección: València, 284, 1r 2a A. 08007 Barcelona Web: www.galeriamarlborough.com Teléfono: +34 93 467 44 54
Dirección: Passatge del Crèdit, 4. 08002 Barcelona Web: www.artevistas-gallery.com Email: maserre@maserre.com Teléfono: +34 93 414 15 97
Galería Senda Dirección: Concell de Cent, 337. 08007 Barcelona Web: www.galeriasenda.com Email: info@galeriasenda.com Teléfono: +34 93 487 67 59
La Taché Gallery Dirección: Concell de Cent, 292. 08007 Barcelona Web: www.latachegallery.com Email: info@latachegallery.com Teléfono: +34 93 467 64 56
Galería Carles Taché Dirección: Concell de Cent, 290. 08007 Barcelona Web: www.carlestache.com Email: galeria@carlestache.com Teléfono: +34 93 467 64 56
Galería Alejandro Sales Dirección: Julián Romea, 16. 08006 Barcelona Web: www.alejandrosales.com Email: galeria@alejandrosales.com Teléfono: +34 93 415 20 54
ce n t r os d e a rt e
Galería Toni Tàpies
Fundació Foto Colectania
Dirección: Concell de Cent, 282. 08007 Barcelona Web: www.tonitapies.com Teléfono: +34 93 487 64 02
Cadàver Exquisit
Dirección: Julián Romea, 6. 08006 Barcelona Web: www.colectania.es Email: colectania@colectania.es Teléfono: +34 93 217 16 26
Dirección: Santa Clotilde, 6. 08012 Barcelona Web: www.cadaverexquisit.com Email: info@cadaverexquisit.com Teléfono: +34 608 922 136
Galería Eude
+R Galería
Dirección: Concell de Cent, 278. 08007 Barcelona Web: www.galeriaeude.com Email: galeria@galeriaeude.com Teléfono: +34 93 487 93 86
Mutuo Centro de Arte
Dirección: Sant Eusebi, 40. 08006 Barcelona Web: www.maserre.com Email: maserre@maserre.com Teléfono: +34 93 414 15 97
Dirección: Julià Portet, 5. 08004 Barcelona Web: www.mutuocentro.com Email: contacto@mutuocentro.com Teléfono: +34 93 302 39 43
Galería Balaguer
Galería H2O
Transforma Bcn
Dirección: Concell de Cent, 315. 08007 Barcelona Web: www.galeriabalaguer.com Email: galeria@galeriabalaguer.com Teléfono: +34 93 487 41 99
Dirección: Verdi, 152. 08012 Barcelona Web: www.h2o.es Email: galeria@H2O.es Teléfono: +34 93 415 18 01
Dirección: Consell de Cent, 394. 08009 Barcelona Web: www.transformabcn.com Email: press@transformabcn.com Teléfono: +34 626 55 54 68
Fabra i Coats - Centre d’Art Contemporani de Barcelona
Art Fusion Bcn
Dirección: Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona Web: www.bcn.cat/centredart-fabraicoats Email: centredart@bcn.cat Teléfono: +34 256 61 55
Dirección: Carrer Girona, 67. 08009 Barcelona Web: www.artfusionbcn.com Email: fusion@artfusionbcn.com Teléfono: +34 457 17 17
Polígrafa Obra Gráfica Dirección: Balmes, 54. 08007 Barcelona Web: www.poligrafa.net Email: info@poligrafa.net Teléfono: +34 93 488 23 81
Senda - Espai 2nou2
Museu Can Framis
Dirección: Enric Granados, 3, pral. 08007 Barcelona Web: www.galeriasenda.com/292.php Email: espai2nou2@formabinari.com Teléfono: +34 93 487 57 11
Dirección: Roc Boronat, 116-126. 08018 Barcelona Web: www.fundaciovilacasas.com Email: canframis@fundaciovilacasas.com Teléfono: +34 320 87 36
Nauart Dirección: Espronceda, 154. 08018 Barcelona Web: www.nauart.com Email: info@nauart.com Teléfono: +34 498 28 20
3 Punts Galeria
Galería Miguel Marcos
Dirección: Enric Granados, 21. 08007 Barcelona Web: www.3punts.com Email: galeria@3punts.com Teléfono: +34 93 451 23 48
Dirección: Jonqueres, 10. 08003 Barcelona Web: www.miguelmarcos.com Email: galeria@miguelmarcos.com Teléfono: +34 319 26 27
Galería Joan Gaspar
CCCB
Hangar
Dirección: Pl. Dr. Letamendi, 1. 08007 Barcelona Web: www.galeriajoangaspar.com Email: galeria@galeriajoangaspar.net Teléfono: +34 93 323 07 48
Dirección: Montalegre, 5. 08001 Barcelona Web: www.cccb.org Email: info@cccb.org Teléfono: +34 306 41 01
Dirección: Emilia Coranty, 16. 08018 Barcelona Web: www.hangar.org Email: info@hangar.org Teléfono: +34 93 308 40 41
La Escocesa Dirección: Per IV, 345. 08020 Barcelona Web: www.laescocesa.org Email: info@laescocesa.org
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EN LAU CREEMOS EN LA REINVENCIÓN DE LOS FORMATOS EXPOSITIVOS. LA MANERA COMO ENSEÑAMOS ARTE ES LA MANERA COMO LA GENTE PERCIBE EL ARTE . YAR ARTE NO DEBE SER UN ACTO ESTAÁTICO NI PASIVO, EN LAU CREEMOS QUE
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Esta revista es para gente con inquietudes artĂsticas y con respeto por el arte. Si no eres de estos ...