The Good News No. 22 by Johnny B. Good

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Staff DIRECCIÓN GENERAL Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez DIRECCIÓN EDITORIAL Yanina Enrici COLUMNISTAS Miguel Peirotti “Gato” Fernández Pablo Candi Diego Espeche COLABORACIÓN PERIODÍSTICA Martín Brizio Marina Litvinoff Romina Edelman Mauricio Gómez Mariana Bianchini Mariano Barbieri COLABORACIONES ESPECIALES Game Over Esc. de Creativos Revista El Galeón EscuchameClub.com.ar CORRECCIÓN Romina Edelman DIRECCIÓN DE ARTE Mariana Berna DISEÑO Martín Seisdedos

Da Chip! Está desarrollado por diferentes artistas llamados “compositores de chiptunes” pero quien se puso al frente de este descabellado (o no) proyecto ha sido el francés Je deviens dj en 3 jours (“Me hice DJ en tres días”, sería la traducción literal), personaje del que no sabemos mucho, sólo la siguiente fórmula: Gameboy + Girls + Champagne + Pokemon = Je deviens dj en 3 jours.

¿Te acordás de las bandas sonoras de los videojuegos como Street Fighter o Super Mario Bros, esos sonidos en 8 bits que incluso todavía tarareamos alguna vez cuando por casualidad volvemos a encontrarnos ante semejantes obras de arte? Bueno, ahora imaginátelos basados en temas de Daft Punk, ¿podés? Quizás te cueste bastante hasta que descargues el disco y te quedes realmente impactado por la perfección de los temas de Da Chip! The Music of Daft Punk revisited on Vintage Game Systems, un curioso set producido por el francés Je deviens dj en 3 jours junto a otros dj´s del viejo continente.

Los tracks Microchip, un artista británico del género, rinde tributo a One More Time, del álbum Discovery. Mientras que el español Stage7 toma los samples en Superheroes para demostrar que DP son los más indicados para un proyecto de este tipo. ¿El track favorito? Obviamente, Around The World, esa melodía en 8 bits casi irritante e incluso desesperante te arranca una sonrisa de la boca inexplicable pero agradable. El disco se encuentra disponible en forma gratuita desde el site de artista (jedeviensdjen3jours.com/dachip). Para hacerse una idea de qué se trata Da Chip!, aquí está el tracklist del disco y los dj´s que intervinieron en el proyecto: 01 Around The World – The Listrinx 02 Short Circuit – Random 03. Voyager – Zombectro 04. Revolution 909 – Note!

PRODUCCIÓN DE MODA Mariana Bianchini Mauricio Gómez FOTOGRAFÍA Guido Martínez

“Tron” (Disney, 1982) fue una visión alucinante de líneas geométricas, luces láser, guerreros espaciales, cyber tiranos entre otros delirios sci-fi. Ahora llega Tron 2.0, casi tres décadas después, y Daft Punk el electrodúo francés fascinante y misterioso, conocido por sus máscaras retrofuturistas de motociclista y hits infecciosos como Around the World o Human After All, firmó para crear la banda de sonido. Fecha de salida, desconocida aún. Para Daft Punk, es su gran debut en el mainstream cinematográfico, ya que antes habían trabajado en proyectos propios, como Interstella 555 y Electroma, dos musicales de muy bajo perfil. 05. Aerodynamic – JDDJ3J 06. Superheroes – Stage7 07. Crescendolls – Flashbob 08. One More Time – Microchip 09. Teachers – Fluxxin 10. Indo Silver Club – Motone 11. Veridis Quo – EvilWezil En la misma web también están disponibles otros 11 tracks entre los que están Da Funk, Human After All y Harder Faster entre otros.

COMERCIALIZACIÓN Sebastián Gullo ADMIN. Y FINANZAS Jimena Borelli MARKETING Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez Sebastián Gullo DISTRIBUCIÓN Locales Johnny B. Good THE GOOD NEWS Oncativo 954 - Bº Gral. Paz Córdoba - ARG Tel: 54 351 4260015 / Int.3 sebastian@jbgood.com www.jbgood.com IMPRESIÓN Rotagraf S.A Bv. Los Alemanes 3226 Córdoba - ARG Tel: 0351-4750646/50

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De todo menos cámara

Sony Ericsson W950

El W950 es el último modelo en llegar a la familia de móviles Walkman de Sony Ericsson. Sus 4 Gb de memoria interna lo ponen a la altura de los reproductores de Apple o de Creative, contando con la ventaja además de ser un celular, reproductor de vídeo, visualizador de imáEl genes y poseer una pantalla táctil de 2,6 pulgadas. W950 lo tiene Todo un dispositivo multimedia portátil, de reducido todo: mucho espaperfil (1,5 cm.) y que cuenta con las virtudes de la 3G, cio, pantalla táctil como es la descarga de datos y navegar por Internet a de 2,6 pulgadas, alta velocidad. radio FM, conectividad, todo excepto cámara de fotos.

Cabe destacar que las nuevas Vaio Serie W de Sony llegarán con Windows XP como sistema operativo por defecto en vez del inestable Windows Vista.

Diseño y performance

Sony Vaio Serie W

En enero Sony lanzó el esperado primer modelo de la Serie P de sus exquisitas Vaio. Pero surgieron problemas ya que fuera de la estética, en ese modelo lo que más se destacaba era el excesivo precio y las bajas prestaciones. Hoy, tras aquel lanzamiento, Sony ha presentado lo que podríamos catalogar como una verdadera súper-notebook. Así es, bajo el título de Vaio W, esta hermosa notebook luce una pantalla de 10 pulgadas mostrándose como un ordenador ligero y compacto acompañado de un atractivo diseño y exhibiendo algunas características muy destacables como una resolución de 1366x768 px (en formato 16:9), un procesador Intel Atom, disco de 160 gb, placa de video Intel GMA 950 (igual a los MacBook), WiFi y Bluetooth y más.

Parlantes 360o

Logitech Speaker System Serie Z

Los altavoces de escritorio suelen ofrecer un sonido direccional, enfocado en el usuario que está sentado frente a él, pero Logitech quiere que todo el mundo que esté en la misma habitación pueda disfrutar por igual con la música, y lo hace lanzando cuatro altavoces omnidireccionales, en la línea de los Z-5 que vieron la luz el año pasado. Son el Logitech Speaker System Z320, Z323, Z520 y el Z523. Todos ellos ofrecen sonido en 360 grados con una combinación de drivers en el frontal y en la parte trasera. Con un diseño similar en todos ellos, se diferencian en la potencia, que va desde los 10 watts de los Z320 hasta los 40 de los Z523 y, evidentemente, en su precio. Estos últimos incluyen, además, un subwoofer para mejorar los graves en la música.

En el “mundo geek” existe más de una arista que podríamos encontrar cool, aún cuando no nos interesasen ciertos artículos provenientes de stores de vanguardia. Entre ese tipo de cosas encontramos al cine, una de los actividades que más ayuda al desarrollo de nuevas tecnologías para lograr increíbles efectos especiales, transformando lo que antes era para pochoclo y sofá en toda una experiencia multisensorial. De este modo cada nueva peli se convierte en un desafío para intentar adivinar cómo hacen los “magos” del cine para filmar tremendos trucos. Lo que sigue es una (acotada) lista de las próximas películas que tendremos en cartelera que pueden gustar al público geek y a los apasionados de la ciencia ficción y la fantasía. Y por qué no, al resto también.

D-lujo

Nikon D-3X

La D3X redefine la fotografía de alta resolución tanto en el estudio como en exteriores. El sensor CMOS de formato FX de 24,5 megapíxeles proporciona archivos de imagen con un nivel de detalle y una gradación tonal sobresalientes y cuenta con un rango ISO de 100 a 1600. El obturador compuesto de fibra de carbono y Kevlar y el sistema de procesamiento de imágeLa nes EXPEED permiten capturar imágenes hasta a 5 fps. versión renovaEl avanzado sistema de reconocimiento de escena logra una da la Nikon D-3, exposición superior y es compatible con el elogiado sistema AF trae más de una de 51 puntos de Nikon, que ofrece una amplia cobertura y pungrata novedad para tos que se pueden seleccionar indivilos amantes de dualmente. La pantalla LCD de alta defila fotografía nición de 3 pulgadas es compatible con dos modos Live View y cuenta además con una salida de vídeo HDMI. Asimismo, se encuentra protegido por un cuerpo robusto hermético de aleación de magnesio.

Avatar (James Cameron) No se sabe mucho, pero se dice que marcará un antes y un después en la evolución del 3D y que representa un salto vanguardista como el que marcaron Matrix a finales de los ´90, La Guerra de las Galaxias en los ´80 o El Señor de los Anillos en la primera década de este siglo.

The Hobbit 1 y 2 (G. del Toro) Cita obligada con el fandom de la fantasía de J.R.R. Tokien, como una especie de precuela de las saga de El Señor de los Anillos para seguir de viaje por la Tierra Media. Definitivamente un “must see” que no me perdería ni loco.

The Avengers, Thor, Iron Man 2, The First Avenger: Captain America Todo lo que va a sacar Marvel de acá al 2012. No se puede elegir una y todo fan de los cómics debería estar sentado en una butaca de su sala de cine favorita en la fecha de estreno de cada una de ellas ya que prometen reunir a importantes estrellas.

Inglourious Basterds (Q. Tarantino) La nueva vuelta de tuerca al cine de Tarantino se estrenará entre agosto y septiembre de este año en todo el mundo. Extraños diálogos, violencia e historias rocambolescas de un grupo de asesinos de nazis y de una vengativa femme fatale francesa.

9 (Shane Acker) El cine de animación abandona su habitual vertiente infantil y retoma la apuesta por el público adulto. El film tiene su origen en un corto de 2005 producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov que fuera nomidado al Oscar y que bajo este nuevo formato promete ser una auténtica maravilla que nadie debería dejar de ver.

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ENEMIGOS PÚBLICOS PUBLIC ENEMIES (2009) En 140 minutos de metraje, el realizador Michael Mann (El último de los mohicanos, Fuego contra fuego, División Miami) nos cuenta en su nueva película, Enemigos públicos, la vida y muerte de los más famosos facinerosos americanos del período más facineroso de todos. John Dillinger, Baby Face Nelson y Pretty Boy Floyd durante la ola de crímenes que tuvo lugar en los tumultuosos años treinta del siglo pasado. El aclamado cineasta, creador de las míticas series policiales División Miami e Historia del crimen, dirige a Johnny Depp, Christian Bale y a la ganadora del Oscar, Marion Cotillard en un thriller de acción filmado en video de alta definición y con capos de reparto como Giovanni Ribisi (Rescatando al soldado Ryan). Enemigos públicos aborda a toda la pandilla, pero hace hincapié en la figura polémica y carismática de la mayor leyenda patibularia de la Gran Depresión, John Dillinger, el ladrón de bancos más esquivo de su época, convertido en el objetivo número uno del director del FBI, J. Edgar Hoover, y de su mejor agente, Melvin Purvis, interpretado por Christian Bale. Ambos trataron en vano de que Dillinger no se convierta en un mártir, en un antihéroe para el sufrido pueblo. Nadie era capaz de detener a Dillinger. No había cárcel que se le resistiera. Se escapaba siempre. Gracias a su encanto personal y a sus fugas espectaculares (hoy diríamos: mediáticas) era aplaudido por casi todo el mundo, sobre todo por el hombre trabajador que no sentía simpatía alguna por los bancos que hundieron a su país en la Depresión. Las aventuras de la banda de Dillinger, que posteriormente incluiría al psicópata Baby Face Nelson (Stephen Graham) y a Alvin Karpis (Giovanni Ribisi), entretenían a la mayoría, pero J. Edgar Hoover (Billy Crudup) tuvo la idea de servirse de la captura del bandido para empezar a transformar su “Bureau of Investigation” (Oficina de investigación) en lo que sería luego el FBI. Así convirtió a Dillinger en el “enemigo Ficha Técnica público número 1 de N o m b re: Enemigos Públicos (Public Enemies) América” y lanzó a Purvis, el D i re c c i ó n : Michael Mann “Clark Gable del FBI”, tras él. P ro t a g o n i s t a s : Johnny Depp, Christian Bale, Billy Crudup y Marion Cotillard. Continuará… en el cine… M ú s i c a : Elliot Goldenthal N a c i o n a l i d a d : EE. UU. A ñ o : 2009 G é n e ro: Thriller/Acción D u r a c i ó n : 140 minutos

HAYAO MIYAZAKI Sosuke es un chico que vive en una casa al borde de un precipicio junto al mar. Un día rescata de una escollera llena de basura a Ponyo, una niña-pez que viaja en una medusa y se ha escapado de su hogar. Ambos pronto se enamorarán, y aunque Ponyo quiera convertirse en humana, será devuelta por su padre al mar y convertida en una habitante del océano. ¿Sosuke se resignará a perder a su nueva amiga para siempre? Hechizos, criaturas marinas nunca vistas, maravillosas ciudades subacuáticas y profundidades abisales forman parte de Ponyo y el secreto de la sirenita (Gake no ue no Ponyo, 2008), último trabajo del genial Hayao Miyazaki,

rey de los dibujos animados japoneses. Al margen de su aportación artística y de sus innumerables obras de arte (casi todas sus películas), Ponyo y el secreto de la sirenita engrandece aun más, si cabe, la figura de este autor nipón que reniega de los bytes y los megabytes para seguir siendo fiel a la animación tradicional, la de pulso, lápiz y papel. Incluso con un rendimiento que se sitúa al 70 por ciento de sus posibilidades, el maestro, hoy, no tiene rival ni competidores de peso en el mundo de la animación en el mundo. Los 100 minutos de esta maravilla consiguen subirle los colores a buena parte de la producción animada del momento. Ponyo y el secreto de la sirenita, que fue la película más taquillera el año pasado en Japón (lleva más de 200 millones de dólares en todo el mundo), parte de un guión original escrito por el propio Miyazaki, quien el 28 de julio fue honrado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood con un premio honorario. Lo más capo en el planeta junto a Pixar.

Ficha Técnica N o m b re: Ponyo y el secreto de la sirenita. D i re c t o r : Hayao Miyazaki. D u r a c i ó n : 100 minutos. N a c i o n a l i d a d : Japón. G é n e ro: Animación. A ñ o : 2008.

WOODSTOCK De: Michael Wadleigh. Con: Jimi Hendrix y The Who. Celebrando el 40° Aniversario del legendario concierto de Woodstock, el 22 de agosto AVH lanza la edición colección de cuatro discos de Woodstock: tres días de paz y música (1970). La historia completa de una gesta hippie que, a pesar de los intentos que se hicieron en el tiempo de recrear el festival, el original Woodstock, desarrollado en agosto de 1969, probó ser único en su especie. Fue registrado en aquellos días por un equipo documentalista que contaba con Martin Scorsese como asistente de director y de montaje. El material que revolucionó la historia del rock está disponible para la venta y alquiler. Una oportunidad cuádruple de llevarse buena música, bien filmada, a casa.

PACK ALMODOVAR De: Pedro Almodovar Con: Penélope Cruz, Carmen Maura y Victoria Abril. La comedia doméstica ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), la polémica Kika (1993) y el thriller soberbio Carne trémula (1997) son las tres películas elegidas por el sello Plus Video para integrar el primer pack con películas del director manchego Pedro Almodóvar que lanza este mes para venta y alquiler. El segundo tríptico de imprescindibles de este ganador del Oscar a la mejor película extranjera estará integrado por el policial turbio La ley del deseo (1987), la clásica Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) y el melodrama perfecto La flor de mi secreto (1995). Para empacharse del cineasta español más popular del mundo. Y el más singular, por cierto.

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.AHORA . . . . . ESTÁ . . . .CLARO, . . . . . .NADA . . . . DE . . .BLUR ................ En TGN! de Junio anunciábamos que Blur estaría preparando su regreso a través de un nuevo trabajo recopilatorio y una tentativa de gira por Europa. Pero no, 2 y 3 de julio en Hyde Park (Londres) y fue todo. Damon Albarn, aseguró que, finalmente, el grupo no logró limar las asperezas que alguna vez disolvieron a Blur y que lamentablemente no van a volver a reunirse ni a sacar un nuevo disco, como lo había anunciado su representante en la web del grupo. Mala noticia para los nostálgicos noventosos que esperábamos ver a Albarn, Coxon & Co. por lo menos en una batea y con trabajo nuevo. Esperaremos ver que pasa, nada dura para siempre... Ni siquiera las abultadas cuentas de los músicos del mainstream.

. . . . . . . . . . . . . . . . . .MANU . . . . CHAO . . . . . ESTÁ . . . .CHAPA .....

EL . . "HEREDERO" . . . . . . . . .VIENE . . . . .POR . . .MÁS ..... Mika, ese anglo-libanés que logró romper récords y charts con solo un disco (y que fue comparado hasta con Freddie Mercury) anunció que We Are Golden, su nuevo trabajo, se lanzará oficialmente el próximo 21 de septiembre. Además comentó que el sucesor de Life in a Cartoon Motion (2007) estará disponible en dos formatos: uno regular con 12 canciones y uno doble que, además del primero, incluiría otro disco de 17 temas de una presentación que realizó en el teatro londinense Sadler’s Wells.

. .MANSON . . . . . . .AMENAZA . . . . . . .CON . . . .MATAR . . . . . A. .PERIODISTAS ........ “Podría hacerlo, pero no tengo ninguna necesidad de defenderme de las absurdas acusaciones que me imputa la prensa mediocre. Si necesitan una foto mía desnudo para probar que soy diferente a esa que publicaron ciertos periodistas que pronto serán asesinados en sus respectivos hogares, no hay ningún problema”, escribió en su página de MySpace. Marilyn Manson también “invitó” a sus seguidores y fanáticos a que se le unan en esta campaña pensada para “castigar a los periodistas que escriben falsedades sobre él…"¿WTF?

. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .ETERNOS . . . . . . .BIENVENIDOS ......... Tras dos años de silencio y un Stadium Arcadium (2007), al borde de comenzar a generar incógnitas sobre la continuidad de la banda, Chad Smith, baterista de Red Hot Chili Peppers, declaró a la Billboard que en octubre regresarían a los estudios de grabación. “Ese es el plan… llegó un momento en el que todos estábamos deseando un tiempo fuera, es decir, no ser un RHCP para dedicarnos a otras cosas. En septiembre cumpliremos dos años, así que creo que estamos listos para volver…”, explicó. Chad declaró también que espera que Flea (bajo) y Frusciante (guitarra) retomen el camino creativo de la banda, aunque reconoce que cuando están juntos “suelen improvisar y tocar al azar… y de ahí también nacen las nuevas canciones”. Bienvenidos.

Cuando Manu Chao promocionó su disco La Radiolina en nuestro país aprovechó su tiempo libre para participar en Radio La Colifata, la emisora que funciona en la unidad psiquiátrica del Hospital Borda, en Buenos Aires y hacer algunas salidas y algunos temas. Ahora, el disco con todas esas grabaciones se puede descargar gratuitamente desde el site de La Colifata (vivalacolifata.org). Según las propias palabras del cantante, “son veinte temas para reír, para llorar, para meditar… sobre la vida, la muerte, la soledad…”. Pasado lo anecdótico, perdura lo admirable.

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UNA PROFESIÓN QUE SE RENUEVA EN LOS ÚLTIMOS DIEZ AÑOS HEMOS VIVIDO UN GRAN CAMBIO CULTURAL EN LO QUE A MÚSICA CORRESPONDE. LOS DEEJAYS SE HAN CONVERTIDO EN UN ÍCONO GENERACIONAL REDEFINIENDO VIEJOS CONCEPTOS. Lejos está ya de ser aquel animador que sólo cumplía la tarea de entretener, ahora su función es más compleja. El ambiente que se genera a su alrededor lo muestra como la principal atracción de la noche. Es decir, un profesional de las bandejas que acapara miradas, gritos y aplausos. Pero cuando hablamos de profesionalización, sería interesante saber desde cuándo es considerada de este modo, o para ser más claros, si es una categoría que se le adjudicó hace poco tiempo. Matías Popoff nos cuenta: “El público en general y hasta los dueños de clubs, en algunos casos, tienen una visión errónea del Dj. Al ver que es algo que se disfruta, piensan más en un hobby que en una profesión. O en el caso de las revistas que dicen que "el ser dj ya dejó de ser un hobby para convertirse en una profesión en nuestros días" y tampoco pienso que sea así. En los ´70 u ´80 los Djs iban, mezclaban su música y recibían una paga por ello, por lo que considero que siempre ha sido una profesión”.

Y LA RETRIBUCIÓN ECONÓMICA ES…

INSTITUCIONALMENTE

Entonces, es claro que estamos ante una profesión con trayectoria. Pero si hablamos de trabajo no podemos dejar de considerar la remuneración, más específicamente, lo que refiere al sustento económico. ¿Se puede realmente vivir de esta vocación? ¿Cuántos pueden hacerlo? Según Edu Vázquez, no es un imposible, pero es difícil complementar la vocación con lo económico. Sin embargo, explica que “cuando llegás es increíble poder vivir de lo que te gusta”. En este punto, es interesante destacar la analogía que realizó el norteamericano John Acquaviva sobre el deporte y la música: “Es como el fútbol, todos sueñan con estar en primera pero no todos llegan. Mucha gente puede vivir de esto sin llegar a esta instancia… La música es lo que importa, por eso algunos tienen un trabajo y tocan sólo los fines de semana, aunque sólo sea por los tragos o un poco de plata, pero fundamentalmente para pasarla bien”. Y remarca, “está bien hacer dinero, pero tenés que disfrutar. No hacemos esto para ser rockstars, hacemos esto para estar con la gente, para compartir y disfrutar”. Ahora bien, estando en primera, segunda o tercera, y como en toda profesión, requiere determinados ítems para poder cumplir este rol de la manera más adecuada. Por ejemplo Matías Popoff considera que se deben tener en cuenta cuatro pilares fundamentales: dedicación, preparación, estudio e inversión. Y que una vez que se tienen esas bases, se puede empezar a definir una imagen profesional. A su vez aclara que es “una imagen profesional que muchas veces acude a las técnicas de marketing”. Con respecto a esto existen distintos puntos de vista. Carla Tintoré explica que ella estudió marketing e investigación de mercado; sin embargo, le parece que lo mejor es ser como uno es, tener un estilo propio de música, mezclar y tener feeling con el público. Por otra parte, Lucas Nardi (Bs. As.) comentaba que para conseguir fechas, “es interesante el bookeo y el marketing, y si no es por una fecha, aplicar lo mismo para un programa de radio o un dj set”. Por último y con una postura “... La música es lo que intermedia Dj Exe matiza “yo no tengo importa, por eso algunos tie- marketing alguno, pero si lo tuviera nen un trabajo y tocan sólo quizás cobraría mejor”. los fines de semana...” John Aquaviva

Con respecto a la formación, la mayoría de los Djs aprendieron de forma autodidacta, o con ayuda de amigos. No obstante, en la actualidad hay diversas escuelas que enseñan a los interesados sobre los aspectos técnicos, artísticos y sociales necesarios para desenvolverse profesionalmente. Pero, ¿qué piensa sobre estos institutos la “old school? He aquí las respuestas:

Carla Tintoré

Dj Exe

Lucas Nardi

DigitaLove

“Yo no aprendí en ninguna academia, pero conozco Dj´s más jóvenes que sí y son buenos, así que creo que es un buen comienzo para el que quiere seguir esta carrera”.

“En las academias la gente aprende a mezclar y a producir, lo que es bueno para la música y para culturizar la movida electrónica”.

“Estos lugares están para acelerar el proceso en algunos casos, e ilusionar a otros que no tienen el don”.

“Las escuelas son formadoras, en cualquier ámbito son necesarias. En nuestro caso puede ser de mucha ayuda, o no. El lugar te va a enseñar la técnica y cada uno desarrollará la que le sienta mejor. Calculo que no te enseñan a escuchar música o elegirla (No lo sé, nunca fui a una escuela)”.

ENTONCES... El profesionalismo del Dj, tanto en esta época, como en sus inicios, viene de la mano del compromiso, la responsabilidad y la seriedad. Cada uno puede tomar su camino e incursionar en este trabajo de la manera que mejor considere, pero sin olvidar estas premisas que son fundamentales a la hora de forjar un futuro en esta profesión. Profesión impulsada por su versatilidad, pasión y amor hacia la música. Como dice John Acquaviva, “no todos podemos estar en primera”. Pero sí podemos elegir entra las diferentes aristas que nos brinda este oficio, siendo las puntas principales el compartir e interaccionar a través de un medio tan importante como es la música.

Romina Rinaudo Escuchame Club

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Pablo Candi

Got to be there (1972)

Ben (1972)

Music and Me (1973)

Forever, Michael (1975)

Michael Joseph Jackson (29 de agosto de 1958 25 de junio de 20091 )

MICHAEL JACKSON

Off the wall (1979)

ÚLTIMO ESLABÓN DE LA MÚSICA NEGRA Lo que importa en un artista y en cualquier persona, es lo que le deja al resto de la humanidad al irse. Su legado es lo importante, el resto son migajas para el periodismo de rapiña. Michael Jackson, mal llamado el rey del Pop, nunca hizo Pop. Que su obra haya alcanzado el mayor índice de popularidad en la historia de la música es algo completamente diferente. En sus comienzos, cuando era la voz líder y el menor de los “Jackson Five” hacía un Soul marcado con reminiscencias de disco y funk. De hecho Michael, con tan sólo 5 años, se ganó un lugar en el grupo imitando a James Brown de manera increíble. The Jackson Five alcanzaba, en 1969, los primeros puestos en todos los rankings con temas como I want you back, ABC, The love you save y I'll be there, entre otros. Los discos del grupo eran editados por la Motown Records, la misma discográfica que tenía entre sus artistas a Stevie Wonder o Marvin Gaye, por ejemplo. Cuando Michael Jackson comienza su carrera solista, en los ´70, con el disco Got To Be There, los éxitos continúan, y varios de sus simples terminan siendo grandes hits. En 1979, con la producción del gran Quincy Jones, Michael Jackson lanza Off The Wall, para el sello CBS. Las cifras de ventas son asombrosas y gana su primer Premio Grammy como Mejor Cantante de Rhythm & Blues por el tema Don’t Stop ‘til You Get Enough. Pero sería en 1982 con el álbum Thriller con el que Michael Jackson alcanzaría el pico de popularidad, transformándose en la figura más importante del espectáculo. El disco se transforma en el más vendido en la historia de la música, con más de cien millones de copias en todo el mundo. Michael Jackson crea nuevos conceptos musicales y estéticos y amplía otros. El videoclip del tema Thriller, dirigido por John Landis, con una gran introducción a modo de película y efectos especiales sorprendentes para la época, suma muchísimos puntos para que el éxito del disco se extienda por más de un año, encabezando las listas de ventas en Estados Unidos durante más de veinte semanas. La originalidad e innovación en los videoclips de temas como Thriller, Beat It o Billie Jean, así como su característico paso coreográfico “Moonwalk”, le abren las puertas del canal musical MTV, cerrado a los afroamericanos hasta entonces. Su extraordinaria voz unida a su revolucionaria e inigualable forma de danza, generaban un show admirable, que cuidando cada detalle, abría caminos y llegaba a las culturas más recónditas del planeta. Luego vendrían los discos Bad, la película Moonwalker y los impre-

sionantes cambios en su aspecto físico, producto de las cirugías que intentaban en primer momento disimular una enfermedad de la piel llamada Vitiligo, pero que luego se fueron transformando en símbolos de una mente evidentemente perturbada y en conflicto. Su incesante creatividad musical fue opacada por una vida personal controvertida y llena de forzadas apariencias. La inmensa riqueza que acuñó durante años de ininterrumpido éxito lo volvió un personaje acosado por la prensa y la opinión pública, disminuyendo notablemente su calidad como artista. Si bien desde Thriller su carrera musical fue descendiendo gradualmente, nunca dejó de sorprender con mixturas de estilos impensadas hasta ese momento. En 1991, con Dangerous, por ejemplo, combina la cadencia rítmica típica del dance con la fuerza del rock y la crudeza del hip hop, introduciendo dentro de su trabajo el aporte de otros artistas de diferentes géneros, algo que luego se haría casi una costumbre. Continúa el aporte constante de innovaciones en el ámbito de los videoclips, construyendo, junto a las giras temáticas, un combo que fortifica notablemente cada nuevo lanzamiento discográfico. Michael Jackson fue esencialmente un músico negro, a pesar de los innecesarios cambios de apariencia, hizo siempre música negra. Mezclaba diversos géneros y subgéneros musicales, pero mantenía una clara línea de soul y R&B. Su contribución fundamental como artista es haber conseguido elevar la popularidad de la música negra hasta lo más alto y, de esta manera, influenciar notoriamente a una enorme cantidad de nuevos artistas. Su gran pecado no fue su vida privada, ni el no saber qué hacer con su riqueza, ni vivir aparentando lo que no era. Su gran tropiezo fue dejarnos sin una última obra, antológica, transformadora, nueva, deslumbrante, un último reflejo de su esencia como artista, como músico, el último eslabón de la música negra.

Thriller (1982)

Bad (1987)

Dangerous (1991)

HIStory (1995)

Invincible (2001)

Arctic Monkeys - Humbug

Matisyahu - Light

Atención sabbatheros

Regreso imprevisto

La agrupación inglesa liderada por Alex Turner ya tiene casi terminado su tercer disco. El sucesor de Favourite Worst Nightmare (2007), será lanzado durante el primer semestre del año y contó con James Ford y Josh Homme de Queens Of The Stone Age en labores de producción. Ya hubo adelantos de Humbug durante el festival Big Day Out donde estrenaron cuatro de los tracks: Crying Lightning, Go-Kart, Pretty Visitors y Dangerous Animals. En declaraciones a la agencia Bang Media, Turner declaró:"La idea nos vino en el Latitude Festival de Suffolk. El primer día nos la pasamos escribiendo un riff de siete minutos y medio. Y nos salió con aire a Black Sabbath". De esta manera, Humbug con un estilo más bien oscuro, llegará en agosto, antes de los festivales Reading y Leeds (UK), dos de las más grandes vidrieras del mainstream global.

Tal vez no te suene por nombre, pero Matisyahu es el más claro ejemplo de la escena músical globalizada y desestructurada. Este raper/reggaer judío (¿ortodoxo?) super optimista y buena onda que canta mitad en inglés y mitad en hebreo, confirmó a través de Twitter que el próximo 25 de agosto sacará Light, su tercer trabajo discográfico de estudio, que cuenta con la colaboración de varios artistas y productores como David Kahne (Paul McCartney, Sublime) y miembros de Fishbone, entre otros. El sucesor de Shattered (2008) venía demorado por una extensa gira por Europa pero una vez terminado incluirá 13 temas entre los que se contarán For You y One Day, este último como single de promoción. Para los que no lo conocen, es una muy buena oportunidad para averiguar algo más. Para los que sí, a disfrutar.

Gustavo Cerati - Fuerza natural

Dolores ORiordan - No Baggage

Viéndolo volver

Sin equipaje Hace poco más de un año hablábamos del regreso en solitario de la ex líder de Cranberries, la irlandesa Dolores O’Riordan quien regresa con su segundo disco, se trata de No Baggage el cual está producido por Dan Brodbeck con quien ya había trabajado en Are you listening? (2008). Este nuevo álbum contiene 11 canciones y será editado a fines de agosto. El primer single que se adelanta a la salida de este disco es The Journey con cierto estilo pop-rock y sonidos celtas que ya está disponible en iTunes y cuyo video ya gira por MTV Europa, por donde en breve Dolores comenzará a girar promocionando No Baggage.

Gustavo Cerati y el productor Héctor Castillo (conocido por sus colaboraciones con David Bowie, Lou Reed y Pete Townshend), terminaron a mediados de mayo de mezclar las 13 canciones de Fuerza Natural que verá la luz en distintos formatos, incluyendo vinilo. El ex Soda registró el material en Nueva York en marzo y en la grabación participaron Byron Isaacs (músico de Elvis Costello y Ryan Adams), Sterling Campbell (ex Duran Duran y colaborador de Bowie y B-52's) en batería, Glenn Patscha en piano y órgano (Roger Waters, Laurie Anderson) y el tecladista argentino Didi Gutman (de Brazilian Girls), más la backing band de Cerati: Leandro Fresco, Fernando Nalé, Gonzalo Córdoba, Anita Álvarez de Toledo y Fernando Samalea.

100% Colombian Fun lovin´Criminals Muy a la sombra de la mejor época del grunge, surge en NY una banda que combinaba a la perfección del rock, del soul y de un hip hop tan urbano como elegante en un envoltorio retro gangster. La banda mezcló su fino sentido del humor, sus orígenes callejeros y su particular visión de la vida para

conseguir un nombre: Fun Lovin' Criminals. Sus mejores armas: la guitarra, la voz y la personalidad del gran Huey, el groove y los ambientes de Fast (bajo) y esos ritmos que te llevan del rock más potente al soul más fino. Su segundo trabajo de estudio fue 100% Colombian (1998) que está considerado como uno de los mejores discos de la década pasada.Y no es para menos ya que este multi-climático trabajo cuenta con baladas

soul como en All my time is gone, blues en Mini Bar Blues, hard rock en Southside y los exquisitos e inclasificables Sugar y 2 Love Unlimited (un excelente tributo a Barry White) que le valieron las mejores críticas pero ningún premio significativo. No obstante, con una formación estable, más de una decena de trabajos editados y un sonido único han sobrevivido a los ´90 (que no es poca cosa) y se presentaron en Bilbao en mayo donde abrieron para Alice Cooper.

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Martín Brizio

ENTREVISTA - GUSTAVO "PELADO" CORDERA

"HACER MÚSICA DE ADOLESCENTES ES DE VIEJOS" ES UNO DE LOS MEJORES TIPOS PARA ENTREVISTAR QUE HAY EN EL PANORAMA NACIONAL. CADA FRASE ES UN POTENCIAL TÍTULO DE NOTA. EXPRESIONES CONTUNDENTES, CONCEPTOS CLAROS, POLÉMICOS Y SÚPER FUNDAMENTADOS. CUANDO HABLA DISERTA, EXPONE, DA CÁTEDRA, COMPARTA UNO SU CRITERIO O NO. CON TONO PAUSADO Y CALMO, CADA PALABRA ES UN DARDO ENVENENADO, COMO CONFIRMANDO AQUELLO DE SER "EL PSICÓPATA MAYOR DEL ROCK NACIONAL". "EL PELADO" ESTÁ AFILADO. VINO A CÓRDOBA A PROMOCIONAR “SUELTO”, SU DEBUT SOLISTA EN UN PARATE “BERSUITERO”, CON BATERÍA NUEVA Y EL CARGADOR LLENO. SU DISCURSO ESTÁ BASADO PRINCIPALMENTE EN DOS PUNTOS: EL AMOR, SENTIMIENTO SOBRE EL CUAL BASÓ TODA LA TEMÁTICA DEL DISCO; Y EL ESTADO DE COMA PROFUNDO EN EL QUE SE ENCUENTRA EL ROCK ARGENTINO, INCLUIDA LA SEPARACIÓN (¿MOMENTÁNEA O DEFINITIVA?) DE LA BERSUIT. UNA DE LAS CALVAS MÁS FAMOSAS DEL ROCK NACIONAL SE EXPLAYA A SUS ANCHAS…

- GN: ¿No te cansa esta maratón de notas, que te pregunten siempre lo mismo y tener que responder siempre lo mismo? - GC: Para nada, nunca respondo lo mismo La reiteración de la misma pregunta te puede dar posibilidades de ir penetrando más en la respuesta, y eso es lo que me está pasando, estoy descubriendo cosas que tenía olvidadas. - GN: No venías dando notas, si bien siempre fuiste la cara más visible de Bersuit, últimamente los que hablaban eran Pepe (Céspedes, bajista), Juan (Zubirá, tecladista), Oski (guitarrista) y vos ya no tanto. Ahora en este proyecto es como que tenés que salir de nuevo a hablar, a poner la cara. ¿Qué hizo que cambiaras de postura? - GC: Las ganas. Hacía tres años que no tenía ganas de hablar en Bersuit, precisamente porque no tenía nada que decir, y por otro lado me daba cuenta que tampoco podía representar a todos, y eso me abrumaba bastante porque algunas personas se sentían mal por las cosas que yo decía, y si hay algo que me produjo este libro (sic) fue soltura, el poder expresarme, porque me estoy haciendo cargo con mi cuerpo y con mi alma de lo que digo, y eso para mí es liberador y transformador. - GN: Dijiste "libro" en lugar de decir "disco". ¿Fue un acto fallido o a propósito? Digo, porque a lo mejor se lo puede tomar así, en algunos casos son obras similares con la misma estructura. - GC: Puede ser, pero no es la idea, porque tiene el formato canción. Tiene once cancio-

nes, con sus melodías, con sus letras, sus historias, todas relacionadas a la vida en pareja. Pero no a la vida en pareja cuando recién comienza, ni a la vida de la pareja cuando ella me dejó, que son los tópicos más utilizados en la literatura de las canciones de amor en general.

Para mí el amor es una conquista, el instinto natural del ser humano es altamente destructivo y lo empieza a entrenar en la relación de pareja, teñido de una sensación de amor, "cómo la quiero", y en realidad es "cómo necesito de esa persona para completarme", no "cómo la amo". El amor es agradecimiento, es no subestimar la evolución del otro, es dejar que el otro sea, es permitir y dar el espacio para que el otro ejerza su libertad, es tomar conciencia del valor que tiene una persona al acercarse a tu vida inconscientemente y sin saberlo, que termina siendo tu gran maestro.

- GN: ¿Y la cursilería? - GC: La cursilería aparece cuando estás en la etapa del enamoramiento, que la ves como una reina maravillosa y demás, que solamente es un desprendimiento de tu sexualidad llevada a la ilusión y a la fantasía, "...HOY UN ABRAZO ES MUCHO que se desvanece en Una persona no MÁS REVOLUCIONARIO QUE UNA tanto conocés a la tiene por qué tener otra persona; y la la obligación de BOMBA MOLOTOV..." otra parte que es la estar al lado tuyo de la posesión, a eso escuchándote, que llamamos "la quiero", "es mía", "es mi cogiendo con vos, satisfaciendo tus necesimujer", "te quiero todo el día para mí", "me dades, no tiene por qué hacerlo. Y si en defiencanta contarte las cosas y que me escunitiva eso ocurrió es un evento milagroso al ches". cual uno tiene que reverenciar y agradecer. Y eso te pasa tal vez después de muchos - GN: ¿Pero al amor en sí no se lo puede años de fricción, así como dos maderas en tomar como un sentimiento egoísta y fricción pueden dar fuego, dos personas en posesivo en sí mismo? fricción pueden dar luz, pueden generar - GC: Eso es un impulso sexual. Tal vez con amor, pueden conducir toda su temperatura muchos años de trabajo y muchos años de a que eso pase. Y eso creo que ocurre cuanpareja y muchos intercambios de miseria, do va bajando el nivel de emoción, de podés llegar al amor como una conquista. pasión, de esa furia alocada sexual. Hay una

canción que se llama Abrió sus alas que dice justamente eso, "la pasión fue consumada y el amor abrió sus alas, la pasión fue consumida y el amor aprendió a volar". - GN: ¿Y el concepto de que el amor es dar lo que te cuesta dar, como el padre que se queda con su hijo hasta las tres de la mañana muerto de sueño ayudándolo a estudiar, por ejemplo? - GC: Yo no lo veo a eso como un acto de amor, puede ser una acto movido por la culpa, por el sacrificio. Para mí no es un acto de amor quedarme con mis hijos hasta las tres de la mañana ayudándolos con la tarea, lejos de ser un acto de amor a mí me produce muy mal humor y me parece un estúpido acto de culpa judeo cristiana. En cambio, si una energía de sensibilidad te lleva encontrarte enseñándole algo a tu hijo, no importa en que momento, pero vos te comprometés con eso porque lo sentís, entonces sí es un acto de amor, aunque te encuentre a las tres de la mañana. - GN: Me refería más que nada al concepto de sacrifico. - GC: No es amor. El sacrificio no es amor, el amor no tiene por qué ser un acto de propinarse flagelación a uno mismo, "matarme por vos", esa es otra de las formas siniestras con que el mundo judeo cristiano nos hizo interpretar el amor, el amor por Cristo crucificado, el amor por una idea, "doy la vida por esa idea", "voy a la guerra por esa idea", "mato por esa idea", "yo soy el bien y vos sos el mal". Esa idea de amor es justamente la que está en boga y cuestionada en esta obra.

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ROCK N´ ROLL IS DEAD - GN: Bueno, se paró Bersuit por un tiempo. Se largó la producción de los discos solistas, primero salió el de Juan (Zubirá, tecladita, Fisura expuesta), ahora el tuyo, después se vienen Oski (Guitarrista) y Dani (Suárez, segunda voz y coros). - GC: Sí, hasta ahora para mí va a ser la gran sorpresa. Está bueno, es sorprendente, nadie se imagina lo que se traen esos muchachos. - GN: Y la banda para un tiempo, para que cada uno labure en lo suyo. - GC: Exacto, y acompañando desde "el monstruo" (así lo llamo yo a Bersuit) a los espacios de libertad para los desprendimientos individuales. - GN: La familia sigue siendo la misma, están todos cruzados en los discos, aparecen como invitados todos con todos. - GC: Exactamente, es la familia, cada persona que comanda un sueño elige con quién trabajar y cada uno le brinda su presencia o el espacio para que entre otro. La ausencia de alguien también contribuye. El hecho que no hayan estado cinco integrantes de la banda ha contribuido enormemente en la creación de este disco. No lo digo de manera irónica, sino justamente a mane-

ra de generosidad, porque muchas veces al correrte de lugar dejás espacio para que las cosas acontezcan. Y esto aconteció gracias a que no estaban muchos de los integrantes. - GN: La actualidad del rock nacional (o al menos de algunas de las bandas más representativas) aparece con una escena desgastada y que se está resquebrajando. Repasemos: paran ustedes, paran Los Piojos, se separó Intoxicados, se fue Ciro de Ataque 77. Vos como referente de una de las bandas más importantes del rock argentino de los últimos 20 años ¿qué crees que está pasando? - GC: Me parece que el rock como movimiento ideológico está herido de muerte. El primer síntoma de esa soberbia, de esas ideas rígidas y estúpidas fue Cromañón. El primer síntoma del movimiento en sí, y no estoy hablado de Callejeros ni de la gente que fue, nada…Estoy hablando de la idea de la futbolización del rock, de la furia, de que las bandas pertenecen a las hinchadas y a sus fans y entonces te metés en los blogs para ver qué dicen de vos, y a ver si hacés esto o lo otro. Se empezó a brutalizar, cada vez más bruto, y en vez de que la gente se nutra de los artistas, los artistas se nutren de la precariedad de la gente. Entonces las letras y la música se hacen cada vez más precarias. La gente que en la calle te dice "no cambies nunca", y yo que le digo "no cambies vos si querés, a mí dejame cambiar", no me ates a la prisión de tener que ser siempre el mismo, quiero explorar, y si eso me transforma, me veo distinto a tus ojos, dame esa libertad, loco, ¿qué te pasa? El rock no deja crecer. Es reaccionario, es absolutista, es machista, es viril, arrogante y de alguna

manera lo estoy diciendo siendo rock, no lo digo desde afuera. De alguna forma Bersuit es eso, su irreverencia, su ironía, su cosa revulsiva, la queja, la sexualidad. De alguna manera mostrando la sintomatología de lo que somos como sociedad y estoy orgulloso de eso, me pongo los galones y salgo al frente contra quien sea si es necesario, y voy a defender con mi vida lo que fue y es Bersuit. Aún así, considero que aferrarse a esa

mismos, desconociendo de verdad lo que le pasaba a la gente, y yo creo que hoy la gente necesita abrazos. Hoy un abrazo y un momento de conciencia es mucho más revolucionario que una bomba molotov. Entonces, a partir de eso, el rock si no muta y se transforma, quedará en el pasado como un movimiento reaccionario. - GN: Sobrevivió más de 50 años… - GC: Que es mucho, por eso creo que hay una necesidad de disolver bandas de rock. - GN: ¿Y la renovación generacional? - GC: No la hubo.

"... EL ROCK TIENE QUE TRANSFORMARSE RÁPIDAMENTE PORQUE DESAPARECERÁ..." idea es formar parte del pasado y es morir. Entonces me gusta tener espacio de libertad, utilizarlo, emprender otras aventuras. Este disco es un lugar donde se empieza a desplegar la sensibilidad y ternura, en Bersuit siempre hubo mucho resquemor para eso de parte de todos nosotros, burla hacia canciones como Mi caramelo por ejemplo, que varias veces en períodos arcaicos de Bersuit fue destrozada por nosotros

- GN: Porque las bandas más convocantes de los últimos tiempos están formadas por tipos con más de 40 años (por lo menos) en casi todos los casos. - GC: ¡Con más de 20 años de trayectoria! La edad es relativa, pero te digo más, te voy a decir una cosa que parece contradictoria: hacer música de adolescentes es de viejos. Y no hubo renovación porque el rock al ser tan cerrado y reaccionario no brindó el espacio para que la gente pueda crear. Está tan acotada la temática y tan chiquitas son, que te salís de eso y el rock te acusa de que no sos rock, a nosotros nos ha pasado muchas veces. Entonces creo que a partir de eso el rock debe transformarse, tiene que hacerlo rápidamente porque desaparecerá. Y está bueno que eso pase, porque no va a desaparecer la música, la música está muy por encima del rock, el rock piensa que sólo es música el rock. No, la música es muchísimo más grande que el movimiento rock, es un granito de arena en el mar de las posibilidades, y yo quiero explorar en ese mar.

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Marina Litvinoff

ENTREVISTA A GERMÁN ARRASCAETA

UNA INTENCIÓN SIGNIFICANTE The Tristes, el disco, tiene once canciones en un registro pop – rock y con letras que aluden a cuestiones como el sexo, la paranoia, las fobias y a escenas de la vida amorosa en general. En la actualidad, el grupo trabaja en su segundo disco cuyo título tentativo es Menos dormir.

The Tristes, el disco, es un trabajo lleno de marcadas influencias, que van desde Cerati hasta los británicos post-punk Echo & The Bunnymen. De esta manera, apoyados en la guitarra de Raúl Guzmán, la banda propone con su primer trabajo un conglomerado de géneros y estilos que giran entre balada rocker (Diadema), rock alternativo (Mudanzas), el power-pop (Narcisismo, Camaleón), el punk (Teens ) y llegan hasta lo más bailable de Babasónicos en Killer Cat. The Tristes, el disco, contó con la producción de Ariel Arnaudo (Enhola) algunos temas pueden escucharse desde el Myspace de la banda (Myspace.com/thetristes) o adquirirse en las disquerías Lado B, Perro Mundo, María Callas y 7º Acorde.

GN- ¿Cómo surge la idea de formar The Tristes? GA- La banda es un poco así, te diría de casualidad que nos juntamos porque yo venía de una experiencia anterior que se llamó La Cosa, un grupo muy fuerte, muy corrosivo y provocador. El tema es que a esa banda la sostuvimos por cuatro o cinco años y entramos en la típica situación de desgaste, entonces después de haber visto muchísima música, (y no tengo prejuicios a la hora de interpretar el rock y dentro de la totalidad a mí me gusta el pop rock, el rock inglés, las canciones), entonces quise hacer una banda de esa naturaleza y se dio la casualidad que muy a la mano tenía un compinche con quien hacer este tipo de música, un pibe que se llama Raúl Guzmán, que es guitarrista, un amigo mío de la vida que tocaba la guitarra, que insinuaba cosas y le dije: “loco, si tenés dominio para la viola, yo tengo algunas letras vos tirá algunos acordes y tratamos de hacer canciones” y así fue que nos empezamos a juntar.

Empezamos a moldear un repertorio, llamamos a otros músicos: Carlos Sade, de Sullivan nos dio una mano con el bajista y bueno, así fue que empezamos a girar, armar fechas, proponernos para tocar, telonear a bandas, nos volvimos profesionales. GN- Estaban conformes GA- Sí, además uno tiene desarrollada la capacidad para darse cuenta cuándo está pisando en falso parar y decir “esto no da para grabar”. Personalmente consideré que daba para grabar, lo hicimos y ahí está el disco y a mí me parece que está bueno. Después con toda la cuestión subjetiva, habrá alguien que no le guste. Y ese fue el big bang, eso habrá pasado en el 2004, 2005, no recuerdo bien. GN- ¿Y el próximo disco? GA- Lo vamos a sacar hacia finales de este año, en realidad ya lo podríamos haber editado pero tenemos el típico problema de la banda que se

armó: no tiene demasiado interés en pertenecer a las grandes ligas, yo tengo muchos amigos que están en las grandes ligas y sé lo que padecen y así como está la parte fascinante del asunto, está la contracara que particularmente a mí no me seduce. GN- ¿Lo hacés desde otro lugar? GA- Sí, pero tampoco condeno a los que eligieron hacerlo desde ese lado. Me veo a mí mismo en esa situación y estaría muy para atrás, no estaría compensado emocionalmente y prefiero esto que es rockear cuando dé el lugar y eso me hace feliz. GN- ¿Qué es lo que tiene The Tristes para diferenciarse del resto de las bandas? GA- Yo considero que si bien tenemos miles de referencias y estamos absolutamente influenciados por bandas que nos gustan, en un punto somos bastante personales y creo que cierra esa personalidad, cierto desprejuicio que tenemos a la hora de hacer canciones y si por ahí te digo desprejuicio pensás en algo así plural o de varios estilos y no va por ahí, es pop rock y eso está claro, hablo de desprejuicio en el sentido de que no le buscamos el pelo al huevo, o sea, una canción tiene que durar tres minutos, a lo sumo tres minutos y medio tiene que tener un desarrollo “x” y no nos complicamos la existencia demasiado. Córdoba es una plaza en donde el rock tiende a sobreproducirse y acá nosotros fuimos a los bifes: tenemos esto y suena así y en ese sentido es desprejuiciado y eso es lo que somos.

THE TRISTES

The Tristes es un grupo de rock formado a comienzos de 2005 por Germán Arrascaeta (voz) conocido en el medio local por su labor periodística sobre rock en La Voz del Interior; Ariel Elicabe (guitarra y coros); Raúl Guzmán (guitarra); Pablo Di Rienzo y Andrés Ñáñez (batería). Tienen un disco editado bajo el mismo nombre de la banda que fue grabado entre fines de 2006 y comienzos de 2007.

Marina Litvinoff

Por otro lado creo que tenemos un marco de referencia que nos distingue de otras bandas porque a nosotros nos gustan las bandas que perdieron. Y esta convicción para abrazar la derrota nos vuelve distintos porque todo el mundo quiere salir adelante, todo el mundo quiere los estadios, entonces creo que eso nos vuelve personales. Y después creo que también mi voz que es una voz rara, que remite mucho a Miguel Abuelo, un poco más viril si querés, pero es una voz dulce oscura, y me parece que no abundan ese tipo de voces. GN- ¿Las letras de las canciones son todas tuyas? GA- En este disco creo que son once canciones y diez letras son mías. Hay una que es de Carlo Sada de Sullivan que nos cedió un tema cuya lógica no encajaba en su banda, entonces nos la cedió y componemos. Así de simple. Alguno de los músicos tiene una idea, la expresa y yo le pongo la letra. Esa es la metodología. Rara vez, sale una letra antes que una melodía. Quiero decir con esto que no somos prolíficos, somos funcionales y expeditivos. GN- ¿Y sobre qué elegís escribir? GA- En el disco hay muchas letras tendientes a plasmar situaciones relacionadas al sexo, cómo el sexo puede afectar la vida de una persona, la buena vibra que tenés con alguien a veces te hace creer que “es” la persona. Hay como una ponderación excesiva, sin darme cuenta creo que estoy analizando la ponderación excesiva que hacen las personas del sexo, analizo eso y esa mirada tiene miles de variables.

GA- Tuvimos la suerte de tocar en Buenos Aires y nos fue muy bien, los porteños se coparon un poco y a su vez hicimos migas con una banda de allá, ¿te acordás de Turf? Ellos se disolvieron y por un lado quedó Sponsor y por otro los otros dos. Bueno, tocamos con ellos, se llama Ríspico el proyecto y compartimos escena con ellos en un bar que se llama Ultra, que es propiedad de los dueños de un sello que se llama Ultra Pop, a los que el disco les interesó, entonces como no me lo podían distribuir porque yo lo había sacado y no tenía casi stock, nos ofrecieron su bar para tocar y para que vaya periódicamente. Eso nos interesa, tocar y testearnos ante este público que es tan exigente. GN- ¿Sentís que el público de Buenos Aires es distinto? GA- Es más copado en cierta forma, porque acá mi situación es como incómoda, yo soy periodista, escribo sobre rock y hay mucha gente que habla sin haber visto la banda en vivo y está esa condena histórica de que el periodista es el que se muere por tocar y es el músico frustrado y la verdad es que yo estoy en esto porque hay una necesidad expresiva y una intención significante, no porque quiero demostrarle a la gente: “miren yo tengo un grupo y tengo onda”, pero hay como un arquetipo en Córdoba. Después de muchos dimes y diretes: “viste la banda de Germán”, bueno esa situación hace incómoda la cuestión pero como estoy emperrado en hacer música tengo que acostumbrarme a vivir con este rum rum, vivo con eso y hacemos lo que podemos. Y el público de Buenos Aires no tiene el hábito de leerme todo el tiempo, por eso cambia la situación. Entonces a la hora de comparar los públicos me copa más la cosa de ser un desconocido, incluso nos pasó de gente que nos ha visto y cuando le digo mi nombre “pero ¿vos no escribís?” Y a los porteños eso no les importa, hay muchísimas bandas, hay múltiples elecciones para hacer y si te eligieron a vos y les gustaste te van a apoyar en la medida de que vos les sigas brindando y lo disfruten.

“... fuimos a los bifes: tenemos esto y suena así y en ese sentido es desprejuiciado y eso es lo que somos...”

Hay un tema que se llama Putas por ejemplo, si vos agarrás el disco y leés el título es como chocante, pensás “esta es una banda de punk rock” y en realidad no, porque ahí plantea la situación de lo raro que es pagar por sexo, porque pagás a alguien que te pone a prueba tu virilidad pero al mismo tiempo no le importa qué tan macho seas, entonces toca algunas cuestiones ligadas a la autoestima. Muchas veces son rebuscadas. A mí objetivamente muchas veces me parecen muy buenas letras y otras veces me parecen absolutamente idiotas pero después de todo son letras de rock que tampoco tienen que transformar algo. Respeto a todos los que quieren cambiar el mundo a partir de una canción pero yo quiero que suenen musicales, valoro más a un letrista como Ceratti que a Miguel Cantilo que también me parece un groso, pero antes que lo testimonial prefiero lo etéreo, lo que encaje con esta cuestión del placer estético que te da escuchar una canción. GN- ¿Con quién les gustaría compartir escenario? GA- Y, nos gustaría con un montón de gente pero si tuviéramos que ponernos a soñar por un lado hay artistas que admiro que no son compatibles con The Tristes entonces sería como imprudente, además la gente que iría al show se aburriría con nosotros, ahora como complementariedad me gustaría tocar con un tipo que se llama Bob Mould que fue líder de una banda que se llamaba Husker Dü y hace poco fui a ver una película que se llama Adventure Land y escuché una canción de él en la película y me llegó y dije: “la pucha, este tipo” y de alguna manera el hecho de que yo haya escuchado mucho su obra durante tanto tiempo me ha influenciado y creo que en este grupo filtré esa influencia de un modo más decisivo. GN- ¿Cuáles son los planes para el resto del año?

Raúl Guzmán, encargado de la guitarra en The Tristes

“... le dije: “loco, si tenés dominio para la viola, yo tengo algunas letras vos tirá algunos acordes y tratamos de hacer canciones...”

ENTREVISTA MIGUEL MATEOS Siempre es un placer hablar con semejante referente de la música popular argentina sin red, tocando todos los temas posibles (los que se pueden hablar y los que no conviene tanto) es un momento que se disfruta bastante. El año pasado editó un nuevo trabajo, "Fidelidad", el décimo bajo su nombre y el 15° contando los cinco discos oficiales que editó con Zas, aquella criatura con la que debutó en vivo en el año '81 nada menos que en el Estadio de Vélez y como telonero de Queen. La historia de Zas llegó hasta el año 1985, con la edición de “Rockas Vivas”, el emblemático y multivendedor álbum en vivo, que tenía el record de ventas en la historia del rock nacional hasta que a un tal Fito Páez se le ocurrió editar "El amor después del amor" y dicha marca fue batida. En el '86 viajó a los Estados Unidos para grabar "Solos en América", la primera incursión como solista, y tras la consolidación en el mercado latino con "Atado a un sentimiento" se terminó radicando en Miami hasta 1994, cuando regresó al país.

"EL ROCK HA SIDO EL MÁS GRANDE DIFUSOR DEL CAPITALISMO" - GN: ¿Se puede decir que con "Fidelidad" volviste al Mateos más tradicional, más clásico? - MM: La visión de los que conocen mi obra y de cada uno que escucha el disco difiere tanto… Yo creo que sí, si hablamos de tradiciones obviamente sí. Creo que hay dos o tres características interesantes en este disco. Una es la diversidad de colores, hay muchos sintetizadores, lo cual hace un sonido muy “ochentero”, si a eso es lo que te referís con "tradicional". Hay un cuidado especial de la voz, creo que es uno de los discos que más me gusta cómo canté, cómo está tratado vocalmente. Es mucho más diverso que Uno, el disco anterior, que es muy seminal, muy minimalista, de bajo guitarra y batería, y apenas un órgano Hammond. Acá hay cuerdas, hay 15 ó 20 sintetizadores, hay rock n´ rolls furiosos, hay canciones muy pop, hay de todo. Es bastante diverso. - GN: Me parece que “Uno” muestra al Mateos más de esta época, en cambio hay temas de este disco que son como más atemporales, más clásicos. El nene más malo del mundo es un tema que podría haber estado en “Bar Imperio" tranquilamente, por ejemplo. - MM: Sí, mucha gente me lo ha dicho. O hay cosas que podrían ser de Obsesión, o de Kryptonita o de Pisanlov. Y sí, mi visión

de la música es mi visión en un panorama muy general, como compositor de rock y de pop, pero soy muy curioso de toda la música en general. Uno es quizás un disco raro para mí. - GN: Claro, por eso te decía, es un disco difícil de clasificar. - MM: Sí, dentro de mi discografía, ¿no? Esa definición que tuviste al principio de más tradicional responde a eso, a un tipo con ese espectro amplio de música que otros autores argentinos quizás no tienen tanto. Yo tengo un estilo que me caracteriza, porque soy más curioso por ahí. - GN: Justamente, yendo a lo compositivo, este disco te devuelve al gran compositor de canciones que sos, muy simples y muy poderosas. - MM: Muy amable. Creo que hay dos o tres canciones que son de lo mejor mío, lo que lo ha hecho como un compendio y un resumen. El nene..., por ejemplo, es una canción que nació de una guitarra con tres acordes, y lo que llegamos a hacer hasta al final es una cosa tan épica... O Dudas, o De aquí a la eternidad, los que han escuchado mi trabajo se pueden dar cuenta, las escucho y sigo escuchando las buenas facturas de las canciones, que como vos decís, es por lo que he peleado, y en este momento que hay pocas canciones, eso está bueno.

TE ACORDÁS HERMANO QUÉ TIEMPOS AQUELLOS... permanente. ¿Nadie ocupó esos lugares - GN: Estamos viviendo una especia de "fiebre retro", llueven las reuniones, los tri- para que tengamos que seguir recurriendo a las viejas glorias, como Soda, Los butos, la nostalgia está de moda. Y vos sos Cadillacs, etc.? como un referente ineludible de una - MM: Algo debe suceder de eso. Entiendo época y de toda esa nostalgia… que debe haber un vacío, y en ese vacío está - MM: Como único momento ochentoso en la gente joven que no encuentra la forma de los shows estoy haciendo en vivo todo el llenar esos espacios. Hay un montón de lado B de Rockas Vivas, el popurrí con esos pibes que estudian guitarra y quieren tocar temas "ligados" que forma parte del lado B como Clapton, y vos ves bandas donde del casette o vinilo, y que nuca lo había tocan pibes que no pelan, que no pueden hecho. Lo hice cuando lo grabamos, allá por mover los el ochenta y dedos. pico, en el Entonces Teatro cuando escuColiseo, e chás a esa incluye Un poco de satisgente que facción, Extra, pelaba bien a Un gato en la la hora de ciudad y tocar una guiHuevos, con tarra, un teclalos mismos do y hoy no lo arreglos de ves, se privilesintetizadores gia eso porque y todo. Lo hice hoy no abunsólo cuando lo da. grabamos y en Me parece que el Luna Park, viene por ese "Me parece enfermante volver todo cuando prelado también, sentamos por la formael tiempo para atrás" Rockas Vivas. ción. Siempre hice los temas por separados, pero nunca con ese "link", yo debo haber sido uno - GN: Te leía en algunas notas hablando de los primeros en "linkear" las canciones. sobre que se ha perdido la ceremonia que Entiendo lo que decís, y me parce como significaba escuchar música, el abrir un enfermante el volver todo el tiempo para disco, hasta el ruidito de romper el celoatrás. Yo creo que hay que rescatar cosas, fán tomado casi como una sensación pero por eso mismo es que en mí note, pero orgásmica… - MM: Pero lógico… ¿No compartís esa emonunca lo he sentido. ción? No sé cuántos años tenés... - GN: La pregunta puntual es ¿por qué sucede eso? Esa necesidad del "revival"

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ENTREVISTA MIGUEL MATEOS

- GN: ¿Porque creés que cierto sector del rockerismo argentino te rechazó, te combatió y hasta se te burlaba con aquello del "Chirá para arriba..."? ¿Por que creés que se la agarraron con vos y no con otras bandas del género como Virus, GIT o Soda Stereo, que pertenecían a la misma movida de ese pop - rock que explotó por esos años? - MM: (Silencio) Voy a caer en un momento de vanidad tan absoluta que me da miedo, así que no te voy a contestar. Disculpame… (Risas)

“...Fui uno de los primeros en abrir el campo al exterior..." - GN: Poquito menos que vos... - MM: Bueno, entonces sabés de lo que hablo. Sin dudas. Yo me formé con esa consigna, ahora se escucha música por el celular, por los parlantitos de la PC. - GN: Y el hecho al que vos también hacías referencia, eso de los "temas sueltos", que se perdió el concepto del “álbum”. - MM: Se perdió, el concepto del álbum se perdió. Por eso en algunas notas que me han preguntado, y me decían: "¿Es cierto que no vas a hacer más discos?" No, eso se malinterpretó, yo lo que digo es que no existe más el CD como formato, yo hago discos cada 2 ó 3 años, y ya este año decía "¿para que vamos a sacar el disco en

EL MARGINAL

CD?" saquemos directamente un pen drive. - GN: El CD quedó como instrumento de difusión, nada más. - MM: Exacto y lo tenés en la estadística, hay más "down lows" que venta de discos, como el de Coldplay, mientras tenés un millón y pico de bajadas, ¡vendió 300 mil discos!, pero lo bajaron un millón doscientos mil tipos. Si en realidad nos ponemos a pensar a nivel internacional, el rock ha sido el más grande difusor del capitalismo, y lo sigue siendo. Aunque haya algunos periodistas que se rasguen las vestiduras, es así. Mick Jagger tiene los mismos dos perritos que tiene la reina de Inglaterra, no jodamos, esto es así. Las fortunas que se mueven, desde U2, Guns and Roses, qué sé yo.

- GN: Ok, siempre te lo quise preguntar, nada más. - MM: La verdad que no se, te iba a decir una ironía, pero sinceramente yo creo que es por envidia. Yo cometí muchos errores. Fui uno de los primeros en cambiar el concepto de masividad en la música de la Argentina, en cambiar el concepto del entretenimiento en nuestro país. Acá había una idea demasiado "urbanoide" del rock, y yo concebí esto también como una forma de entretenimiento, porque también lo es. Mas allá de lo que puedo decir en una canción, me parce que en el aspecto de interactuar con el público, en la participación, (que no se le daba y no digo que esté mal), y lo sigo considerando así. Yo fui uno de los primeros en abrir el campo al exterior, cuando acá eso no era considerado, era imposible, y siempre fui uno de los más grandes luchadores

de esa causa. Tal vez sea por eso. - GN: Siempre se te facturó el hecho de irte a los Estados Unidos. - MM: Siempre digo lo mismo, yo acá no tenía trabajo a fines de los ´80. Directamente no trabajaba. Por una parte de la prensa, por una parte del circuito éste del rock o lo que fuera. Y al irme para allá también aproveché para aprender, para seguir formandome, seguir abriendo caminos, y hoy es un camino que transitan muchos. No me puedo detener a pensar cuál es la reacción de ciertas posturas un tanto fascistas a esta altura. Pero es así. - GN: O sea que sí considerás que fuiste discriminado y marginado de determinados circuitos, por lo que me acabás de decir. - MM: (Silencio largo) A ver. Por adelante no, por atrás sí. Vos conocés mi trabajo y me has visto en vivo en algunas oportunidades, estoy muy orgulloso de la banda y de los músicos que tengo y que me acompañan ya hace casi diez años. Y creo que todo esto que te digo está plasmado en Fidelidad, mi última placa. Y te pregunto, ¿dentro del rock nacional hoy, en estos momentos, es un disco como para no tenerlo en cuenta? ¿Hay tantos discos mejores que Fidelidad? Qué sé yo, la verdad es que no sé.

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LA NOVEDAD GENERA ASOMBRO, ADMIRACIÓN Y RECHAZO: LA NOVEDAD GENERA ESCÁNDALO. EL MÚSICO CORDOBÉS SIMJA DUJOV TRABAJA EN ESE SENTIDO, EN LA SOGA QUE TENSAN DE PUNTA EN PUNTA LA TRADICIÓN Y EL CAMBIO. UNOS BIGOTES HEREDADOS DE DALÍ Y UN PROYECTO MUSICAL BASADO EN LA SUPREMACÍA DE LOS SÍMBOLOS SONOROS Y VISUALES DAN LA PRIMERA SENSACIÓN - ACERTADA, POR CIERTO- DE QUE UNO ESTÁ ANTE ALGO NUEVO, QUE IMPACTA Y QUE VALE LA PENA QUEDARSE A MIRAR. SIMJA CAMINA CON LA MISMA SUELA POR LAS CALLES DE CÓRDOBA Y BUENOS AIRES O POR -LA IDEA DE- LAS CIUDADES UCRANIANAS Y RUSAS QUE HABITARON SUS ANTEPASADOS. LAS INFLUENCIAS BALCÁNICAS Y DEL KLEZMER SON EVIDENTES EN COMBINACIÓN CON LA CUMBIA, EL REGGAETON Y GUITARRAS ORIENTALES QUE ACABAN POSEYENDO LOS COMANDOS DEL MOVIMIENTO DE LOS CUERPOS. DESDE SU NOMBRE, SIMJA (DEL HEBREO SIMJA, QUE SIGNIFICA ALEGRÍA) HASTA EL MEGÁFONO QUE HACE LAS VECES DE BRAZO PROLONGADO, DUJOV (ESPÍRITU, EN RUSO) TRABAJA CON UNA SUCESIÓN DE SÍMBOLOS QUE SON LA BÚSQUEDA DE LA SÍNTESIS PROPIA DE UNA HISTORIA COMPARTIDA. POR TELÉFONO, POR CORREO ELECTRÓNICO E INCLUSO POR CHAT, REPASAMOS ALGUNAS DE LAS CLAVES DE LO QUE A FINALES DE ESTE AÑO SERÁ SU PRIMER DISCO COMO SOLISTA. LA MÚSICA, LAS IDEAS, LAS FORMAS Y LA ALEGRÍA.

UN ENSAMBLE DE IDEAS Ese conjunto de partes ensambladas, en principio muy dispares pero al tiempo tan familiares puestos en una canción, plantea la pregunta sobre la actualidad de los límites culturales y estéticos que dibujan los géneros y la contraposición entre el arte conceptual y el arte figurativo. La propuesta musical de Simja Dujov que combina símbolos (la estrella de David, los dreadlocks, un sombrero cowboy) y estilos musicales latinoamericanos (la cumbia, el reggaeton), europeos (klezmer, gitana y balcánica) con instrumentos de medio oriente, se distancia de la ortodoxia de cada uno de ellos, a la vez que los respeta en su ejecución. SD- En otros tiempos puede haber habido muchas discusiones sobre si existía el arte conceptual o el arte figurativo, como contraposición. En la actualidad, creo que esa oposición ya está perimida, vencida, porque no hay arte sin concepto: básicamente, el arte es un concepto. Luego se podrá discutir ese concepto y los medios a través de los cuales se llega a ese concepto. Podríamos decir que el arte es medios y conceptos. Igualmente tenemos un background

de sonidos escuchados y aprendidos culturalmente que nos remiten a tal o cual cosa. Es decir, si escuchamos sonidos de bombos de cuero generalmente nos remitimos a algo más autóctono y si escuchamos guitarritas agudas con sonido metálico puede ser country o exótico. Es decir, tenemos aprendidos ciertos sonidos que nos remiten directamente a cosas y a esto hay que agregarles los sonidos de la vida cotidiana que están totalmente incorporados a la música que escuchamos. Sonidos de animales, de la radio, etc.

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“... Creo en la idea de identidad y me gusta la diversidad en el encuentro de identidades...”

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GN- ¿Por qué te interesa entonces juntar tanta diversidad en una obra e incorporar a lo natural y conocido, sonidos y formas que son disruptivas con las formas culturalmente naturales para nosotros, acá en el sur, por ejemplo?

SD- La idea de entender a la cultura como algo que se modifica constantemente y que lo que hoy es tradición, antes fue novedad, fue vanguardia, es algo en lo que creo y que me gusta proponer. En la diversidad y en la diversidad de propuestas. La identidad es algo que tiene muchos niveles, creo que se construye de múltiples elementos y en distintos niveles: social, de grupo y personal. Creo en la idea de identidad y me gusta la diversidad en el encuentro de identidades. Somos tan iguales como diferentes, y eso está bueno. En base a todo esto, creo que cuando hago música intento compartir esta visión, aprendiendo siempre de otras visiones también.

EN NUESTRA CIUDAD LO VIMOS DAR VUELTAS Y CIRCULAR PRÁCTICAMENTE POR CADA UNO DE LOS ESPACIOS POSIBLES. ENCONTRAMOS SU MÚSICA EN OBRAS DE TEATRO, CORTOMETRAJES Y EN LA TITÁNICA STRUDEL KLEZMER BAND, CON DIEZ MÚSICOS ARRIBA DEL ESCENARIO HACIENDO MÚSICA BALCÁNICA MEDITERRÁNEA. SU NUEVO PROYECTO COMO SOLISTA PROPONE EL DESORDEN BAILADO, CON VOCES QUE PROVIENEN DE UN MEGÁFONO QUE DISPARA CLIMAS DE GENTE AMONTONADA, DE DESGOBIERNO Y DE GANAS DE SALTAR MÁS ALTO DE LO QUE UN PAR DE PIERNAS PUEDAN HACERLO.

Fotos: www.lolagarciagarrido.com.ar

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tampoco es un castigo, hay momentos en que estás triste y es así, pasa.

DE TRADICIÓN Y DE CAMBIO Cuatro años atrás, Simja Dujov lideraba una banda de Klezmer -un estilo tradicional de música judía- con mucha gente en escena, en su mayoría instrumentistas profesionales apegados a una representación minuciosa de algunos temas clásicos combinados con música balcánica. Desde entonces a esta parte su proyecto musical fue mutando. Le preguntamos sobre ese recorrido que lo lleva a su proyecto solista de la mano de aquella banda de diez miembros cuidadosa de cada nota frente a una hoja pentagramada. SD- Al comienzo empecé aprendiendo música, luego de un tiempo de estudiar distintos tipos de música, escuchando y también en la facultad, fui orientando mis ideas musicales, reconociendo qué cosas me interesaban más. También iba viviendo diferentes cosas que me llevaron a estudiar sobre las tradiciones, en mi caso, mis tradiciones personales relacionadas con la llegada de los inmigrantes a Argentina. Creo que es un proceso natural en la sociedad y en lo individual la recreación del pasado. En mi caso, pensando en mis bisabuelos judíos que llegaron de Rusia y de Ucrania. Uno recrea la historia a la manera de sus posibilidades e intereses y la música fue una puerta para aprender sobre muchísimos elementos culturales. Así descubrí un mundo que no conocía, el viejo mundo. Y me sentí identificado en canciones, en fotos, en sonoridades.

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GN- ¿Y eso cómo lo traducís en la música, más allá de las letras; en los ritmos, pienso, en la incitación permanente al baile, en las ganas de saltar? SD- En la música pienso que me gusta proponer el baile: ritmos y sonidos que generen movimiento, porque en el movimiento surgen otras sensaciones. Por eso te decía que se puede disfrutar mi música en diferentes planos; por un lado bailando, o escuchando en detalle, por ejemplo, cosas que te remitan a diferentes niveles. Ese tiempo se lo dediqué, entre otras cosas, a la Strudel Klezmer Band. GN- Y lo tradicional fue quedando de a poco en un plano más lejano… SD- Son procesos, es por ello que luego de un tiempo empecé a buscar mi propia voz en la música que estaba haciendo. Hacer música tradicional, recreándola o imitándola tiene algo lindo que es que uno sabe cómo suena y sabe qué le gusta a uno y al público, pero muchas veces tiene la limitación de que, si bien uno es el que está haciendo música, no es la música que te representa en tu totalidad. Es difícil encontrar la música que nos represente en nuestra totalidad, pero seguramente que la música tradicional de esa manera no lo era. Es música que ya está asentada, en donde los cambios o modificaciones van a ser duramente juzgados en base a la tradición.

EL CORAZÓN SOBRE TODO To Stay Or To Go, uno de los temas que puede escucharse en Myspace, marca lo que a todas luces es su búsqueda principal: la alegría como cotidianeidad, pero que no remite a la obligatoriedad. Dice el estribillo, “la alegría no es un mandato, la tristeza no es un castigo”. GN- ¿De qué alegría hablás cuando, por ejemplo, decidís que tu nombre artístico va a ser justamente ese? SD- La alegría de la que hablo es poder encontrar el arte, la trascendencia en los actos propios de cada uno, en la cotidianeidad propia. No hay una fórmula ni una forma de felicidad, de alegría a pesar de ser dos cosas diferentes, alegría y felicidad. Hay una especie de presión social para ser felices, para pasarla bien. Y así como la alegría no es un mandato, la tristeza

GN- En ese sentido, el hecho de que haya detalles que remitan a infinitas interpretaciones, ¿cuál es la importancia que le das a los símbolos, en lo estético y en lo musical? SD- Los símbolos, y esto se me ocurre ahora, sintetizan muchos conceptos que, como en las canciones de Bob Dylan, se prestan para múltiples interpretaciones. Por ejemplo, las rastas y la estrella. Con el tema de la estrella, es claramente una estrella de David y simboliza al judaísmo para mí, al judaísmo como cultura, como tradición y como cambio. Pero al tener rastas, mucha gente relaciona a la estrella con la cultura rastafari que utiliza símbolos similares a los del judaísmo. En algún punto creo que el arte o el Arte, está en encontrar la poesía de la vida, en interpretar las cosas que suceden en la vida como un hecho artístico.

ASÍ ESCRIBE: "Lo importante no es trabajar sino que te vean trabajando" (…) “Si te hace feliz, comprá de oferta, si te hace feliz, jugá a la fija, si te hace feliz, poné la pista” (…) “La historia es nuestro ghetto”

La música de Simja Dujov ya puede escucharse en www.myspace.com/dujov Además, va a venir a Córdoba el 17 y 18 de octubre en el marco de ¡DEACA!, un festival cultural que explora los modos de expresión y ámbitos artísticos y que tendrá lugar en el Complejo Ferial Córdoba.

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NICK KNIGHT

EL ARTE DE LA MODA Nació en Londres en 1958. Nick Knight es uno de los fotógrafos de moda más importantes del momento gracias a su particular concepción de la fotografía. Estudió en el sur de Inglaterra y empezó a trabajar en revistas británicas como The Face e I-D a principio de los ´80, más tarde para revistas como Vogue. Este personaje de la fotografía de modas ha realizado campañas para Hugo Boss, Jill Sander, Christian Dior, Yhoji Yamamoto, Reebok, Swarovski y Calvin Klein, entre otras. También trabajó con artistas de la talla de Boy George, David Bowie, Kylie Minogue, The Style Council, Paul Weller, Gwen Stefani, Seal, ABC y Massive Attack Al mismo tiempo, estuvo inmerso en un sorprendente proyecto donde captó imágenes fijas que luego utilizó para la producción del vídeo Bloom. Para este trabajo Knight utilizó un total de 30 cámaras EOS 5D, nada menos, cada una de ellas con un objetivo Canon EF 24105 mm. Las cámaras estaban montadas sobre un soporte circular especialmente construido para la ocasión, lo que le permitió utilizar la técnica conocida como ‘time-slice’ (fracción de tiempo), que permite que las 30 cámaras estén dirigidas al sujeto y que se disparen simultáneamente. Posteriormente, se crearon secuencias con las imágenes, se procesaron y se mezclaron con una serie de motivos florales abstractos. La película incorpora una banda sonora con un poema especialmente escrito para la ocasión por el poeta londinense Roddy Lumsden. Algo así como una verdadera obra de arte, donde abunda el color, la belleza y el glamour, expresado con cadencia y de manera sutil. Luego de este trabajo Nick Knight expresó: “Con esta sesión fotográfica, quería crear una nueva forma de mirar a los diseños de la temporada. Muchas de las piezas tienen una fuerte influencia floral, lo que me inspiró para la creación de esta película. Es una obra muy abstracta, pero mantiene una sensa-

ción muy ecológica”. Este hombrecito inglés de rasgos finos es el líder del proyecto Showstudio, siendo este un canal de difusión de arte en Internet, referente tanto por su creatividad como por su capacidad de arriesgar. Así es como los principales creativos del mundo y modelos se han rendido ante su trabajo creativo. Sin lugar a dudas es uno de los fotógrafos de moda que ha revolucionado el arte digital a nivel mundial. Se caracteriza por trabajar la postproducción hasta el límite y superando a veces la barrera que existe entre arte y moda.

SHOWstudio.com Nació en noviembre del 2000 como un espacio dedicado a dar cabida a todo tipo de iniciativas artísticas aprovechando la ubicuidad del formato audiovisual que ofrece el soporte online. Un espacio en el que, además de poder ver en tiempo real el estudio en el que se crea esta web, podés encontrar videos de sesiones fotográficas, entrevistas, desfiles, performances, biografías y links de gran interés. La lista de colaboradores del proyecto supera en número los doscientos y entre todos ellos no han querido faltar personajes como Hussein Chalayan, Bjork, Kate Moss o Zac Posen entre otros.

Mariana Bianchini Mauricio Gomez

+info

Para saber más sobre Nick Knight y del Proyecto Showstudio ingresá en: · www.nickknight.com · ww.showstudio.com

Algunas tapas de discos basadas en fotografías de Knight

Boy George High Hat (1989)

Björk Homogenic (1997)

Massive Attack 100th Window (2003)

AquĂ les dejamos las picks que captaron el momento de este coolhunting de julio 09. Enjoy it!

Mariana Bianchini Mauricio Gomez

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MODELPROFILES En este número les presentamos a una joven promesa de la moda local, Tatiana Pérez, que con tan solo 18 años, asoma a las pasarelas desde la plataforma de la agencia Mannequins. Nombre Completo:

Marca favorita:

Tatiana Anabel Pérez Strubbia.

Complot, KSK y Cook.

Edad: 18 años.

Me gusta el estilo de cada una de ellas.

Estudios:

Prenda fetiche:

El próximo año ingreso en la facultad.

Jeans.

Primer trabajo como modelo:

No conozco muchos pero me sentí muy bien con Nahuel.

Motivos de la elección:

Fotógrafo preferido:

Un desfile de Jazmín Chebar.

Diseñador preferido:

Lo mejor y lo peor de la profesión:

Custo Barcelona.

Hace poco que estoy en esto, aún no sabría decirte.

¿Qué está de moda?: Mmm, ¡Muchas cosas!

Nuestro especial agradecimiento a la agencia Mannequins Modelos por el aporte a esta sección

Zapatillas: Nike.

Perfume: Chic.

Banda de música: Soda Stereo.

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Marina Litvinoff

1 PIEZAS: 1 - Anillo de Plata 925 y Oro 24 Kilates. 2 - Pulsera de Plata 925 y Shakudo. 3 - Pulsera de Plata 925, Oro 18 y 24 Kilates y Shakudo*. Esta pieza fue presentada en la Exposición Lazos de la Tierra (2007), en Brasil. (*) Shakudo es una aleación de oro y cobre usada en la antigüedad en artesanías orientales.

ENTREVISTA FLORENCIA GARGIULO TENDENCIAS EN LA JOYERÍA CONTEMPORÁNEA

PENSAR EN FORMAS La ornamentación femenina está presente en todas las culturas, desde épocas remotas el diseño de joyas ha ocupado un lugarmuy importante. En la actualidad existen propuestas de las más variadas que la vinculan en muchos casos al mero acompañamiento de las prendas de moda. Sin embargo, la joyería contemporánea tiene todas las características necesarias para ser considerada todo un arte. Después de un pasado de exclusividad, logró convertirse en la elegida por un público joven que valora características como el diseño y los materiales con que se realizan. Florencia Gargiulo, una joven y destacada orfebre argentina, nos cuenta sobre cómo es este tipo de trabajo permitiéndonos adentrarnos en este oficio milenario. GN- ¿Cómo surge tu vocación de orfebre? FG- Estudié Diseño Industrial, en la UBA, y cuando me recibí, no había lugar para trabajar porque no había industria, y la figura de Diseñador dentro de una empresa no era necesaria, se menospreciaba nuestra labor. Entonces, con muchas ganas de hacer y trabajar, en medio de mi búsqueda, en donde pasé por varios oficios diferentes, encontré en la Orfebrería la posibilidad de diseñar y construir mis propios proyectos, de principio a fin.

A través de la repetición de una forma, crear otra más compleja. En mi trabajo, abundan las formas orgánicas. Mis piezas parecen ser plantas, pero no lo son literalmente. Busco casi obsesivamente que tengan lectura simple, que no haya nada ni de más ni de menos. El proceso creativo que tengo, es muy largo, pienso mucho mis piezas, ¡aunque no parezca! y una vez que las tengo resueltas, las hago en poco tiempo, pero cuido cada paso que doy sobre ellas.

GN- ¿Hace cuánto tiempo que te dedicas a la orfebrería? FG- Desde el año 2000, desde el primer día supe que era lo que quería hacer todos los días.

GN -Una de las características principales de los orfebres es el hecho de que las piezas sean únicas, ¿esto condiciona tu trabajo? FG- No me condiciona, porque es lo que quiero, yo quiero siempre hacer piezas únicas, me da placer. Creo que es al revés, la serie condiciona, repetir piezas condiciona. Hacer una pieza única, es crear un universo nuevo, renueva, te pone en

GN-¿Qué características son las que resaltás de tus trabajos? FG- Me encanta la morfología, pensar en formas.

diferentes lugares, te hace pensar, tenés que explorar, es un nuevo desafío. GN- ¿Qué elementos te sirven como inspiración? FG- Mi inspiración es la forma, la geometría, la naturaleza y el color. Todas están presentes en cada una de mis piezas. GN-¿Cómo seleccionás los materiales al momento de trabajar? ¿Con cuál de ellos te sentís más cómoda? FG- En la etapa de diseño utilizo papel, tijeras, cinta de papel y alfileres. Estos elementos para mí son bárbaros, porque puedo ver en tres dimensiones la idea. En el momento de concretar la pieza, me apasionan los metales, los colores de sus oxidaciones naturales. Trabajo también con resinas, cauchos, piedras, madera o cualquier otro material que se me ocurra usar, no hay limites a la hora de crear, ¡eso está buenísimo! GN- ¿Existe un material para cada una de las piezas? FG- En general la plata y el oro son los materiales base. Según el diseño, o lo que quiera expresar a través de ella, elijo otro material más para completar la idea. GN- ¿Cómo te imaginas a las personas que utilizan tus joyas? FG- En realidad, no pienso en quién las vaya a

“...El proceso creativo que tengo es muy largo, pienso mucho mis piezas, ¡aunque no parezca!...” usar, a menos que sea un pedido especial. Me alegra que el que se la lleva realmente valore el trabajo artístico y de diseño, más allá del metal. GN- ¿Cuáles son las características de la Joyería Contemporánea? FG- La Joyería Contemporánea crea piezas pensadas, no importa el material que estén realizadas, su valor reside en la tensión del artista puesta en un objeto hecho con sus manos, su historia, sus ganas de transmitir algún recuerdo, un ideal, un fracaso, un dolor, una alegría o una esperanza... GN- ¿Cómo ves el panorama actual del desarrollo de la joyería en Argentina? FG- Recién ahora la gente está entendiendo, de a poco de qué se trata. Acá, a diferencia de otros países, todavía no se la reconoce como Arte, sino que se le dio lugar en la moda, el tema es que todo lo que es moda, es en serie, entonces no es joyería contemporánea. Falta una asociación que nos agrupe, que nos contenga y nos promueva, está todo por hacerse, pero lo vamos a lograr, ya hay ganas dentro de mis colegas para que esto pase.

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Marina Litvinoff

MINI BIO EN PRIMERA PERSONA

3 GN- ¿Cómo se mueven los circuitos de comercialización de este tipo de trabajo? FG- La comercialización es muy difícil, por todo lo que dije antes, no existe el lugar físico para la venta de joyería artística. Algunas galerías de arte intentan ofrecer espacios, pero no es suficiente, generalmente son exposiciones de corta duración organizadas por nosotros mismos.

GN- ¿El público joven consume este tipo de propuestas? ¿Cuáles prefieren? FG- Al público joven le encanta todo lo que sea diferente, pero su limitación es económica. GN- Participaste del 1º Encuentro de Joalheri Arte Argentina Brasil, ¿cómo elegiste la pieza para presentar? ¿Qué características tiene? ¿Se sigue realizando este tipo de encuentros?

FG- Sí, fue hace unos años atrás, fue una muy linda experiencia, éramos treinta joyeros argentinos y treinta brasileros. Se hizo al mismo tiempo en Bs. As. con las piezas argentinas y las fotos de las basileñas y en Curitiva las piezas de los joyeros brasileños con las treinta fotos de los argentinos.Las piezas fueron hechas especialmente para la muestra, el tema central era “Lazos de la tierra”, las cosas que nos unen como países linderos. GN- Siempre se vinculó a la orfebrería con un lujo para pocos (en relación a quienes pueden usarlo) pareciera que en este momento los materiales, las técnicas y la visualización de este tipo de trabajos está más vinculada al diseño de una pieza de arte que al de la ostentación económica ¿te parece que es así? FG- Generalmente, lo que tiene valor económico y artístico, termina siendo accesible sólo para pocos.

Viví dos años en la ciudad de Neuquén, instalé mi taller escuela de metales, donde enseñé las técnicas a más de cuarenta alumnos. Organicé muestras para exhibir los trabajos que se realizaban en el taller y para promover la Joyería Contemporánea en la Región. Ahora vivo en Buenos Aires, sigo enseñando y creando en mi taller, en el barrio de Palermo. Disfruto mucho de enseñar y transmitir este oficio, que a mí me llena de placer y satisfacción. En el 2007 seleccionaron una de mis piezas para ser publicada en un libro de Joyería Contemporánea, 500 Earrings de Lark Books, de una editorial de Estados Unidos, donde se presentan piezas de joyeros de todo el mundo. Gracias a esa publicación, una galería de Boston, Massachusets, Mobilia Gallery, me invitó a formar parte de los artistas de su galería con mis piezas. Con ellos participé en SOFA New York en abril de este año. En esta exhibición participan galerías de todo el mundo presentando trabajos de artistas destacados en la materia, pude ver los trabajos de artistas a los que admiro y muchos más, que no conocía y que me deslumbraron. ¡Fue una experiencia sumamente enriquecedora!

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56˚ FESTIVAL DE PUBLICIDAD DE CANNES

LEONES CREATIVOS Y ARGENTINOS

Los festivales publicitarios son lugares donde las ideas compiten contra miles (sí, miles) de otras buenas ideas, donde hay que ser creativo con lo que se presenta; y los argentinos siempre son grandes candidatos porque sorprenden creativamente desde la picardía, la emotividad, la audacia, elementos que se ven en las piezas argentinas inscriptas en el último Festival Internacional de Cannes. Los “Oscar” de la publicidad, el “mundial” de los cada vez se suman nuevas categorías y se afianzan publicitarios, el festival más importante de comunuevos formatos e innovación en medios. Acá es nicación del mundo, la Meca donde todos -creatidonde uno “ve” hacia dónde van los BTL, promos, vos eufóricamente y empresarios particularmendirect, internet. Se buscan estrategias integrales te- sueñan estar levantando algún premio, terminó donde marca, agencia y medio buscan al cliente. nuevamente con muestras concretas de que las Entre este gran festival y los creativos argentinos, agencias y productoras argentinas son cada vez hay otros dos temas a destacar; el primero es la más potencias en creatividad, estrategias y realiza- permanente invitación meritoria desde la organiciones. zación a distintos creativos del país a ser parte de En esta nueva edición, la número 56 del Festival los jurados. Un honor cada vez más frecuente que Internacional Cannes Lions, se siguieron buscan- se consigue por haber participado y por estar perdo, destacando y premiando a las grandes ideas, manentemente creando piezas ganadoras. aquellas que de una maneEl otro tema es lo que se ra diferente y novedosa viene en jóvenes creati“...Este festival, uno de los relacionaron a los producvos. El festival, en su catetos con sus consumidores. goría Young Lions es un más prestigiosos, permite cantero, un semillero Hay varias maneras de parmostrar todo el talento y inagotable de frescura y ticipar, pero -como desde nuevas ideas en comunihace años- es en la categosi te mostrás, te exponés. cación publicitaria, ría de Film en donde más Y si ganás, crecés...” donde con un concurso se destaca la Argentina. De específico y un anunciancasi 3.500 piezas inscripte especial se premian tas, sólo 260 pasaron a la gráficas de bien público, movilizadoras, estéticas, final y 21 de esas pertenecen a distintas agencias pero con síntesis e impacto y desde Córdoba una de nuestro país. Savaglio para el Bafici ganó un dupla (141 Yunes) estuvo participando y represenLeón de Oro (vean, busquen y disfruten esa camtando a la Argentina: ¡Excelente, genial, merecido! paña); JWT, Del Campo y La Comunidad ganaron Plata y el fabuloso Hernán Ponce ganó un León de Terminó el festival, con mucho glamour, sociales y Bronce para su cliente Axe. festejos en la última noche, la de gala, donde se entregaron los oros (máximo galardón) pero muy También las productoras de cine argentinas luego especialmente se premió la creatividad, la sorprede demostrar una enorme capacidad y recursos desde hace años, están rodando excelentes comer- sa, las ideas que buscan movilizar a las personas, aquellas que siempre tratamos de mostrarles en ciales para varios lugares del mundo y eso tamestas páginas, bién se vio en los Cannes, donde se premió a camintentando que pañas de Brasil, España e Inglaterra con producustedes también ciones argentinas. En el ranking mundial y aún se contagien de debajo de grandes países publicitarios como Inglaterra, Estados Unidos y Brasil, nuestra perma- creatividad, se interesen y se nencia y posición nos da la posibilidad de encarar sorprendan con nuevos mercados. Este festival, uno de los más prestigiosos permite mostrar todo el talento y si te las garras de Gaspar Petrini nuestros leones. mostrás, te exponés. Y si ganás, crecés. Director Game Over Ya no es solamente eficacia en comunicación a traEscuela de Creativos vés de medios tradicionales (tv, radio, gráfica),

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Mauricio Dias y Walter Riedweg - Intervenciones urbanas, video instalaciones

ARTE Y PERIFERIA

o es nuevo el concepto del arte aggionardo a los tiempos que corren, incluyendo en su estética y representaciones a las nuevas tecnologías. Finalizando ya la primera década del siglo XXI, los artistas intentan incluir en sus procesos creativos al lenguaje audiovisual, digital o virtual, realizando nuevas búsquedas y concepciones estéticas que redimensionan el lenguaje del arte en el mundo. Desde esta perspectiva, presentamos la obra de Dias&Riedweg, artitas multifacéticos que decidieron hace ya más de quince años incursionar en las nuevas fronteras del arte proponiendo renovados métodos, lenguajes y principalmente, nuevos protagonistas. Su trabajo investiga cómo las psicologías privadas afectan y constituyen el espacio público y vice-versa, teniendo como característica principal el envolvimiento del público en la concepción y ejecución de la propia obra. Viven actualmente en Río de Janeiro y su trabajo está representado por la Galería Vermelho, en São Paulo, y por la Galería Filomena Soares, en Lisboa.

Mauricio Dias (Río de Janeiro, 1964) y Walter Riedweg (Lucerna, 1955) trabajan conjuntamente desde 1993, realizando una obra que se centra básicamente en la reflexión social, en una mirada atenta e inquisidora hacia “el otro”, entendiendo por otro al marginal, al inmigrante, al excluido. Uno de los aspectos más significativos de su trabajo es la apuesta por nuevas formas de desarrollar una problemática social a través de vídeo instalaciones en las que los artistas buscan nuevos aspectos o formas de representar la realidad que los rodea. El método utilizado por Dias & Riedweg es un proceso interactivo, al estilo de una performance, dentro de un grupo social concreto. En el proceso, que se centra en la percepción, tienen un papel central la identidad y la forma de ver el mundo de los participantes, mientras que los resultados de estos encuentros -que pueden ser de tipo individual-psicológico o colectivo-socialse cristalizan en video instalaciones casi poéticas que ofrecen una lectura alternativa del mundo y de la sociedad. Los trabajos de Dias & Riedweg nos invitan a replantearnos constantemente nuestra identidad, hecho que aún cobra mayor importancia teniendo en cuenta el rápido empobrecimiento de la cultura local, el crecimiento de la xenofobia y el miedo a la marginalidad tan propios de los tiempos actuales que corren. Uno de los rasgos que caracterizan y hacen más interesante la obra de Dias & Riedweg es su doble condición de ciudadanos/inmigrantes, que les permite andar por el mundo interpretando situaciones sociales diferentes y plasmándolas en sus producciones artísticas. “La inmigra-

ción es un tema crucial en nuestro trabajo como artistas y también en nuestra vida. No sólo por los desplazamientos físicos en la geografía que ambos hemos vivido -Mauricio, nacido en Río de Janeiro, es ciudadano suizo y Walter, suizo, se ha hecho brasileño- sino por nuestra elección vital: dejar los lugares donde crecimos para emigrar al país del otro. Un lugar ajeno. Todo nuestro trabajo está basado en esta atracción, esta preferencia por todo lo que no nos pertenece”, explica Mauricio Dias. “Aunque trabajamos con otra gente y sobre el tema de la alteridad, no intentamos juzgar, clasificar, enseñar, curar, mejorar o cambiar nada en la vida del otro. Nosotros entendemos nuestro trabajo principalmente como encuentros con el otro, diseñados conceptualmente para, más adelante. Convertirse a su vez en representación para unos terceros. Procuramos que cada participante sea capaz de definir en qué medida está dispuesto a contribuir y cuánto prefiere conservar para sí. Queremos que esa contribución sea valiosa para todos, pero es cada uno de los participantes el que lo define”, agrega Riedweg.

RECOLECTIVO EN CÓRDOBA Dias & Riedweg estuvieron por primera vez en Córdoba en mayo del 2002, cuando invitados por el Goethe Institut, presentaron su trabajo en una charla abierta al público en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa. Así surge un proyecto junto a un grupo de artistas locales provenientes de diversas áreas como el teatro, las artes visuales y la intervención urbana interesados por temáticas públicas y reflexiones sobre los espacios constituyendo el grupo Re-Colectivo, que a partir del año 2003 realizó intervenciones utilizando la metáfora del colectivo como espacio cotidiano y compartido socialmente. El proceso de intervención trató de una serie de performances en los colectivos que circulaban por nuestra ciudad, donde se crearon situaciones absurdas tales como "servicios gratuitos de manicura y peluquería, cursos aceleradísimos de idioma", que al mismo tiempo de producir un efecto de comicidad "provocaron dislocamientos, reflexiones y posibilitaron a la gente, enunciar la crisis que se vivía por esos años. En horarios pico de la mañana o la tarde, cualquier pasajero pudo sorprenderse con una situación que lo sacó de su pasiva actitud.

DIAS&RIEDWEG BIO Walter Riedweg estudió e interpretó música desde muy joven en Suiza y en los años ochenta llegó al teatro en Nueva York, dentro de la escena de la performance. Mauricio Dias estudió Bellas Artes en Río de Janeiro y, después de viajar un año por Europa trabajando en agricultura, retomó los estudios de arte en la Schüle für Gestaltung en Basilea (Suiza). Fue allí donde se conocieron. Trabajaron también juntos en el sistema de educación pública suiza como profesores para niños extranjeros de Bosnia, Serbia, Croacia, Irak, Burundi, Ruanda y otros sitios. “Estas clases eran unos increíbles laboratorios culturales del mundo. Fue un trabajo muy comprometido y una influencia definitiva en nuestra forma de ver el mundo y nuestro propio lenguaje artístico. Pero, sobre todo, fue el poder de una íntima y profunda relación a través de la vida cotidiana lo que nos llevó a trabajar juntos”.

ALGUNAS DE SUS MUESTRAS

En Devotionalia (1994) hicieron moldes de pies y manos de 1.268 niños de la calle de Brasil, como exvotos por los deseos cumplidos.

Voracidad máxima (2003), realizado para su retrospectiva en el Macba, enmascara con los rostros de ambos artistas a prostitutos en Barcelona que cuentan sus experiencias. Las imágenes muestran a los jóvenes contando su vida, obra y milagros; para proteger sus identidades, los chicos aparecen con máscaras que reproducen los rostros de Walter Riedweg y Mauricio Dias, y el correspondiente juego de espejos que se dispara ilumina el sentido de este arte provocador y deslumbrante.

presentación en las Dias y Riedweg durante una as, New York. éric Am Sociedad de las

Paraíso cansado (2009), encargo de la Bienal de Canarias, trata sobre el cruising en la playa nudista de Maspalomas, en Las Palmas.

Desde entonces recorren el mundo realizando intervenciones artísticas y poniendo la mirada en los grupos más periféricos de la sociedad, a través de una mirada lúdica e irónica, pero no por ello menos crítica y aguda.

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El Puerto de Nyhavn es sin duda una de las peculiaridades más destacables de Copenhague.

DINAMARCA

El país de la Sirenita, de pasado real y nórdica belleza, también es la moderna tierra de artistas de vanguardia, proclives a la funcionalidad y las líneas puras. Un paseo por la Dinamarca del diseño. Texto: Graciela Cutuli.

Vista nocturna de la rivera del Oresund.

LUZ Y DISEÑO

La Sirenita de Copenhague o Den Lille Havfrue, (La Pequeña Señora del Mar)

Copenhague es, desde la primera mirada, una ciudad hermosa. Clásica en sus formas, con edificios históricos puestos en valor, ordenada y cuidadosa del ambiente, invita a caminarla, a disfrutar de su gusto por la buena vida y su discreción... real. La capital danesa refleja, como todo el país, el orgullo por su estilo de vida y por su tradicional monarquía; tal vez por eso los colores de la bandera, rojo y blanco, reinan en todas las calles, ventanas, vidrieras de los negocios y también en el diseño. Lo que en otras ciudades parece relegado a los libros satinados o a un público exclusivo, en Copenhague está al alcance de todo el mundo: muebles, objetos de decoración y piezas de diseño industrial, creadas por los diseñadores daneses con éxito creciente desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, todo tiene sello

Biblioteca Real de la ciudad.

propio que aúna distinción con pureza de líneas y funcionalidad y se encuentra en el uso cotidiano largamente apropiado por la gente. Desde las bicicletas hasta las sillas de cualquier casa u hotel... todo aparece como un contraste: por un lado, palacios como el imponente Amalienborg, la siempre concurrida plaza Kongens Nytorv o la antigua Torre Redonda muestran la riqueza decorativa del pasado danés y recuerdan la cercanía e influencias de dos poderosos vecinos: Alemania y Suecia. Por otro lado, basta un objeto –una silla, una lámpara, una rueda- para revelar cuánto talento hay en la pureza de las líneas del diseño escandinavo. No es una casualidad que en la avenida Stroget –tal vez una de las más largas del mundo- los negocios de diseño y decoración sean auténticas atracciones.

Plaza Central de Copenhague.

Para saciar la sed de vidrieras y conocer las novedades dimos una vuelta por una tienda tradicional de Stroget, el Magasin du Nord: no se trata de un negocio exclusivo pero sí a la vanguardia como para darnos el panorama del diseño danés del nuevo milenio. Tenemos suerte: era una semana especial sobre lámparas y todo lo que pueda imaginarse sobre la combinación entre cristal, acero y luz está aquí, en la forma de globos, abanicos y pantallas firmadas por los mejores diseñadores daneses del momento. A veces nos parecía casi una fantasía que la luz pueda venir de un objeto semejante que curiosamente, pese a las líneas ultramodernas, puede combinar perfectamente con un ambiente clásico. Pero el diseño no sólo está en los negocios: incluso el mobiliario urbano revela la calidad de los materiales, la funcionalidad de las líneas y la solidez de la concepción en cada banco, cada farol, cada fuente y hasta en el piso, con texturas y colores como el de la plaza Amagertorv, creado por el

diseñador Bjorn Norgaard. Basta con seguir la línea de la avenida Stroget, que después de varios cambios de nombre desemboca en la célebre estatua de la Sirenita, para comprobar que el diseño danés se respira y es un elemento más en cada objeto de uso cotidiano. Como los célebres equipos de audio de Bang y Olufsen, que en los años ‘90 con el famoso Beosystem, de David Lewis, parecían recién salidos de una nave espacial. Sin embargo, Copenhague también revela que el diseño tiene un costado romántico: los daneses dan una enorme importancia a la iluminación urbana como parte del diseño de la ciudad y subrayan con luces tanto los edificios como los espacios abiertos, apuntando a crear atmósfera, experiencia y “dramatizar” la ciudad. Después de ver Copenhague por la noche, con su aire feérico y, sobre todo, la espectacular fachada del Tivoli, no nos quedaban más dudas sobre el poder de la luz en la imagen de la capital.

RUMBO A AARHUS En Copenhague visitamos también el Centro Danés de Diseño, con muestras permanentes y temporarias, encargado además de organizar en septiembre la Semana del Diseño de Copenhague. Sin embargo, el diseño danés tiene muchas facetas, tantas como un ladrillito de Lego. Por eso aprovechamos para conocer el parque Legoland, cerca de Odense, la ciudad natal de Hans Christian Andersen, un auténtico monumento al diseño industrial reconocible por chicos y grandes de cualquier parte del mundo. Y en la propia Odense vuelve a destacarse el valor de la creatividad danesa, tanto el museo Kunsthallen Brandt como los negocios de la avenida peatonal principal y el centro comercial Rosengardscentret, que muestra en infinidad de objetos –desde vajilla hasta muebles- la presencia del diseño nórdico en la vida cotidiana. Aquí

Fachada del Centro Danés de Diseño.

tienen sede, además, la firma de creación de moda Day Birger et Mikkelsen y cada año en noviembre se organiza el Designer Bazaar con ropa, calzado y joyas exclusivos.

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Plaza de Stoget.

Interior del Aarhus Museum.

Por último, el punto final de nuestro viaje estuvo marcado en el norte del mapa danés: Aarhus, la segunda ciudad del país. Apenas desembarcamos de la estación de trenes y nos recibió el edificio municipal, diseñado por Arne Jacobsen y Erik Moller, mientras en el centro se codean el negocio de Bang & Olufsen con los muebles de Kacec.dk y la tienda de Georg Jensen, de renombre internacional en diseño de joyas. Igualmente exclusivo, aunque más bohemio, el “barrio latino” de la ciudad también es una invitación a perderse en las boutiques, donde los objetos de porcelana, cristal y cerámica compiten en originalidad, buen gusto y elegancia. De Copenhague a Aarhus, la visita a Dinamarca fue, así nos queda en el recuerdo, una nueva experiencia en materia de diseño, que nos abre los ojos hacia otra concepción de las líneas y el espacio doméstico y urbano: “Luxe, calme et volupté” (lujo, calma y voluptuosidad), para tomar prestadas las palabras de Charles Baudelaire.

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HOJA DE VIAJERO PASAJES:

COMPRAS:

A partir de u$s 1.530. Bs. Aires-Copenhague con escala en Francfort.

Objetos de diseño y decoración en el despojado y moderno estilo escandinavo. Porcelana real de Royal Copenhague, cristalería y alhajas con ámbar. Juegos de ladrillos Lego y Duplo, ropa de abrigo forrada en pluma, aguardiente, libros de Hans Christian Andersen.

LA MEJOR ÉPOCA PARA IR: En primavera y verano los días son más cálidos y hay más horas de luz (el invierno nórdico es frío y anochece muy temprano. El calendario cultural es muy rico durante todo el año).

REQUISITOS MIGRATORIOS: Pasaporte vigente por seis meses.

PASEOS: El más tradicional de los paseos en la capital danesa es el que lleva hasta la estatua de la Sirenita en la bahía del puerto, en la entrada del Mar Báltico. Realizada en bronce resulta el símbolo de la ciudad y un homenaje a su creador, Hans Christian Andersen. Los célebres ladrillitos de Lego tienen un parque temático propio en la localidad de Billund. Incluye juegos, atracciones, construcciones en miniatura y un hotel para alojarse dentro del parque. El parque de diversiones Tivoli es el más antiguo del mundo.

COMIDAS:

CONTACTOS

La carne de cerdo es uno de los ingredientes básicos de la cocina danesa. Salchichas (polse) y guisos acompañados con papas, remolachas y pepinillos son ideales para combatir el frío; muy popular es el sándwich smorrebrod, con manteca y rellenos con huevo, jamón, queso y embutidos. También son habituales los platos a base de pescado, sobre todo arenques y salmón ahumado. La cerveza resulta la bebida nacional, con dos marcas destacadas: Carlsberg y Tuborg.

CÓDIGO TELEFÓNICO DE ÁREA:

ALOJAMIENTO:

URGENCIAS:

Hotel 4 estrellas: desde 150 dólares simple y 170 dólares doble. Hotel 5 estrellas: a partir de 220 dólares simple y 250 dólares doble.

112.

45.

HOSPITAL DE URGENCIAS: Rigshospitalet: Blegdamsvej 9 (2100). Tel. 3545-3545.

POLICÍA: Polititorvet 14 (1780), Copenhague. Tel. 3314-8888. Para contactar a la policía más próxima en una localidad, 114.

INTERNET: www.visitdenmark.com

TIPS Y CURIOSIDADES Si se quiere conocer la Dinamarca más alternativa, hay que recorrer la “ciudad libre de Christiania”, un barrio de origen hippie autoproclamado autónomo en la zona portuaria de Christianhavn, en Copenhague. Exposiciones, bares, negocios y también vendedores de marihuana se dan cita en torno a Pusher Street, la calle principal. Pintoresco y, según ellos dicen, fuera de la Unión Europea.

Dinamarca no adhirió a la zona euro, de modo que conserva su moneda nacional, la corona danesa (10 coronas: 1,8 dólares).

Para sentirse como un danés auténtico haga la experiencia de andar en bicicleta. Carriles especiales, un tránsito respetuoso y

Fuente de Gefion, sita en el Langelinie Park

Salida de Christianhavn, “entrada a la U.E.”

ordenado, y la posibilidad de disfrutar el paseo no sólo en parques y jardines, sino también en centro histórico y urbano.

AGRADECIMIENTO Nuestro especial agradecimiento a Revista El Galeón, Un viaje al turismo y a las curiosidades del mundo por el aporte a esta sección

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LA SALSA GUACAMOLE

EL GRAN PROTAGONISTA En la edición anterior, vimos cómo nuevas tendencias y experiencias asoman. Describimos algunos puntos sobre la calidad del servicio, el sistema de sanidad y la inserción de nuevos productos en desarrollo. Todos estos elementos son fundamentales para poder llevar a cabo un servicio de calidad en materia de coctelería.

ctualmente en la provincia de Córdoba, podrá visitar cualquier atractivo nocturno que involucre una barra y un Bartender; pero en muy pocas encontrará un servicio de coctelería acorde a la demanda de un cliente cada día más exigente. Sin lugar a dudas esta situación se puede revertir, y es nuestro objetivo desde “MIRRA” Formación Integral en Coctelería, donde estamos trabajando para ello. El cocktail, es nuestro gran protagonista. Como Bartender Profesional es un gran orgullo y un desafío constante elaborar recetas que hicieron historia a través de los años. Brindarle al cliente un abanico de opciones y propuestas, es educarlo en el consumo de bebidas y cócteles, determinando, que el rol del Bartender es muy importante, ya que es sólo él quien puede aconsejar, sugerir y sorprender a un comensal.

De acuerdo con la historia, el “Guacamole” - de origen azteca - ha sido llamado guacamol en Centro América y Cuba. Es una salsa hecha de la fruta llamada aguacate. Originalmente este plato ha sido valorado por su alto contenido de grasa y vitaminas.

l guacamole se fabrica triturando el aguacate con un instrumento a modo de mortero denominado “molcajete” y a este se le adhieren tomates y sal. Este exótico alimento se hizo popular en España después de la llegada de los conquistadores, sin embargo el aguacate no pudo dar sus frutos en las regiones de este país europeo, permaneciendo el guacamole como alimento de origen americano. Además del aguacate, el tomate y la sal, que son complementos adicionales, muchas veces se le agrega limón que además de darle sabor ayuda a protegerlo de su oxidación debido al contacto con el aire. Otros ingredientes comunes son la cebolla, ají, ajo, comino, pimienta negra y cilantro. Muchas personas le agregan crema agridulce o leche, esto proveniente de una variación norteamericana (TEX-MEX) que cambia su sabor, sin embargo sirve como complemento si no hay suficientes aguacates. El guacamole es un mole, una salsa o aperitivo originario de México y preparado a base de aguacate o palta. El nombre guacamole proviene del náhuatl "Ahuacamolli" traducido al español mexicano, que se compone de las palabras "Ahuacatl" (aguacate) + "molli" (mole o salsa). También existe la coincidencia con el juego "Whack A Mole" (golpear un topo). Según la mitología prehispánica fue el señor Quetzalcoatl quien dio la receta de la ahuacamolli (Guacamole) a los Toltecas, y de ahí se extendió por el territorio mesoamericano. En Johnny B. Good contamos con un guacamole casero, de alto valor energético y de sabor muy agradable, les invito a degustarlo junto a nuestras Fajita o las Chicken Quesadillas.

Hasta el próximo número.

Un aroma y un recuerdo Fajitas Tortillas de trigo para armar con trozos de carne a la plancha y vegetales salteados, acompañados con sour cream, salsa mexicana, porotos negros y guacamole

Un aroma o fragancia, son suficientes para devolvernos algún recuerdo vivido. La coctelería aromática es una tendencia que nos permitirá combinar diversos destilados, aromáticas, licores, almíbares, infusiones, etc. El aroma del cóctel es quien despertará los sentidos antes de comenzar a disfrutar de un excelente momento. Para su elaboración, debe haber tres conceptos fundamentales: En primer lugar la imagen, llámese estética el cóctel: debe ser atractiva, con colores cálidos y agradables; acompañado de una decoración acorde.

Chicken Quesadillas Crocantes tortillas a la plancha rellenas de pollo, mix de quesos y salsa pisco, acompañadas de mezclum de hojas verdes, tomate confitado y salsa de guacamole Diego Espeche Supervisor de Cocina de Johnny B. Good

Al mismo tiempo, debe complementarse con el aroma adecuado, en base a sus ingredientes y método de elaboración. Por último, nuestro gran indicativo es el sabor del mismo, es quien le hará sentir al cliente un relajado momento, o en su efecto contrario, lo marcará con su primera impresión del cóctel, que probablemente por mucho tiempo no volverá a consumir.

En esta oportunidad, hemos traído una receta exclusiva de autor, para disfrutar como aperitivo en este invierno.

Dry Mirra · Gin Bombay Sapphire · Pisani Bitter “aperitivo”. · Infusión de bidens pilosa “amor seco” (Puede suplantar bidens pilosa con té de manzanilla) · Dash de limón natural Gustavo Brizuela Director “MIRRA” - Formación Int. en Coctelería www.mirracocteleria.blogspot.com

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GAME OVER ESCUELA DE CREATIVOS

COLEGIO UNIVERSITARIO IES

EL CLICK ESTÁ EN VOS Game Over, la primera escuela de creativos de Córdoba, presenta su segundo curso del año dedicado a la creatividad aplicada a estrategias para campañas 360, BTL, medios no tradicionales, internet, e innovación y nuevos formatos. El curso comienza en agosto, dura cuatro meses y las clases son los días martes y jueves desde las 19.30 hs. La escuela ya en su tercer año, cuenta con los mejores creativos de la ciudad como profesores invitados y ofrece un nuevo curso para jóvenes que estu-

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dien carreras relacionadas a la publicidad, al diseño gráfico, a la comunicación, y quieran y tengan ganas de potenciar su creatividad. Así que si querés trabajar en creatividad, si te gusta el perfil del trabajo de agencia, si sabés que la creatividad es lo que más te gusta, si la comunicación es lo que estás haciendo, si querés codearte con los que trabajan en comunicación todos los días... tenés que hacer este curso. Game Over te dice que el CLICK ESTÁ EN VOS.

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11 DE SEPTIEMBRE HOTEL DE LA CAÑADA

FLASH Workshop: Manejo de Flash portátil y de cámara Dirigido a aquellas personas que necesiten adquirir los conocimientos fundamentales para la utilización adecuada del flash y como obtener el mejor rendimiento en eventos sociales y en general. ·Duración: 4 clases de 3 horas semanales cada una.

JORNADA DE ESTRATÉGIA Y NEGOCIOS Con el objetivo de conocer las últimas tendencias del ejercicio profesional de la comunicación y las relaciones en la nueva economía, se realizará la Jornada de Estrategia y Negocios, el 11 de septiembre en el Hotel de la Cañada, con la presencia de destacados profesionales del país, como Michael Ritter, Federico Rey Lennon, Aldo Leporatti, Gustavo Pedace, Fernando Arango, Marcelo Altuna, referentes con trayectoria académica y expertise técnico profesional. Además representantes de E-Life, Porter Novelli, Mastercard, Personally, Dircom, Cementos Minetti, Diálogo Publicidad, Sónico, La Voz del Interior y CVA Medios. La actualización profesional es imprescindible en los tiempos actuales para dar respuesta a los requerimientos de gestión de las organizaciones, incorporar el pensamiento estratégico en los negocios es necesario para construir sociedades eficientes, equitativas y sustentables. La empresa es una de las instituciones mas importantes de la sociedad contemporánea y siempre es necesario reflexionar, analizar casos, incorporar herramientas conceptuales y mejorar las prácticas, ya que el mundo de los negocios está hoy fuertemente articulado por lo que se denomina la economía de la experiencia, en donde el rol de las personas, sus percepciones y la tecnología, cumplen un rol esencial.

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Las temáticas seleccionadas impactan directamente en disciplinas como: Administración, Marketing, Relaciones Públicas, Comunicación Institucional, Diseño, Management y Publicidad.

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